En la obra de la australiana Alexia Sinclair, el proceso es tan importante como el resultado. Ella misma consigue, crea y dispone todos los accesorios y entorno para cada una de sus elaboradas producciones. Partiendo de un boceto inicial, diseña y confecciona el vestuario, y fotografía cada localización, cada elemento y cada personaje, para luego trabajar digitalmente una imagen con un detalle extraordinario que transmita la narrativa que pretende ofrecer al espectador. El producto final es una exquisita obra llena de elementos y símbolos.
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.
In the work of the Australian Alexia Sinclair, the process is as important as the result. She herself gets, creates and arranges all the accessories and environment for each of her elaborate productions. Starting from an initial sketch, she designs and make the costumes, and photographs each location, each element and each character, and then digitally works on an image with an extraordinary detail that conveys the narrative that he intends to offer the viewer. The final product is an exquisite work of great visual richness, full of elements and symbols.
English text at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
______________________________________________________Alexia Sinclair
Alexia Sinclair es una artista australiana nacida en 1976 en Newcastle. Estudió Bellas Artes en Sydney en la Escuela Nacional de Arte (1995-1998). Se especializó en fotografía tradicional, y sus estudios en pintura, dibujo, escultura e historia del arte han influido mucho en la forma en que aborda su práctica. Completada su Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Newcastle (2007), ganó varios premios nacionales por la serie para el Master en Bellas Artes "Las doce regias". Celebrando la vida de doce mujeres poderosas en la historia, la serie se completó en tres años, e implicó la compilación de más de 2.000 placas de película de formato medio, pasando por a la ilustración a mano y el montaje digital. [1]
"Serie Rococó, El jardín perfumado / Rococo Series, The Perfumed Garden"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 150 x 150 / 111,8 x 111,8 cm., 2015
Ed. 9+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
"Series Las Antonietas / The Antoinettes Series, Á la victime"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, , 115,8 x 111,8 / 91,4 x 64 cm., 2013.
Ed. 8+1Ap © ALEXIA SINCLAIR
Durante la Revolución Francesa, un período conocido como el Reinado del Terror, se ejecutaron más de 16.000 "enemigos del Estado" frente a multitudes en París. Los ejecutados eran principalmente de la nobleza o la realeza, e incluyeron tanto a María Antonieta como a Luis XVI.
Las víctimas de estas ejecuciones generalizadas se enfrentaron a un nuevo instrumento de muerte llamado la guillotina. Esta gran máquina de matar francesa intoxicó a su público, despertando emoción, miedo y rabia.
Después del Reinado del Terror, un ambiente de celebración inspiró la aparición de una serie de modas horripilantes conocidas como "à la victime".
Se pusieron de moda las cintas rojas alrededor del cuello, para simbolizar la línea de sangre donde cortaba la cuchilla de la guillotina. Hombres y mujeres llevaban el pelo cortado en la parte superior del cuello, para imitar la forma en que el verdugo cortaba el cabello de las víctimas para exponer su cuello a la hoja.
Grandes bailes conocidos como "Bals des victimes" se llevaron a cabo para los familiares de las víctimas de la guillotina. Los invitados vestían con modas à la victime y bailaban juntos para llorar a sus muertos celebrando la vida. En lugar de un arco gracioso, los huéspedes se saludaban recíprocamente agitando bruscamente la cabeza hacia abajo para imitar el momento de la decapitación. [2]
"Mujeres del mundo / Women of the World", UNICEF
Obra por encargo / commisioned work, 2006. © ALEXIA SINCLAIR
"Serie La Edad Dorada, El Fénix dorado / The Golden Age Series, The Golden Phoenix"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 152,4 x 203,2 / 118,8 x 141,3 cm., 2015.
Ed. 9+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
En un tiempo de confusión religiosa, cuando las mujeres tenían poco poder, Elizabeth I alcanzó gran popularidad manipulando su imagen pública mediante el uso del simbolismo en sus retratos.
Primero se alineó con la figura bíblica La Virgen María, la Rosa de los Tudor y el Fénix, resurgiendo de sus cenizas. Estos símbolos están entretejidos en el elaborado vestuario de El Fénix Dorado.El disfraz hecho a mano meticulosamente por Sinclair incorpora tanto el estilo masculino como el femenino para revelar un vestido encaje y tafetán encorsetado bajo accesorios que recuerdan a una armadura. El corsé está bordado con perlas y cuentas para formar un resplandor solar bíblico alrededor de un corazón de cuero perforado. El intrincado gorjal de cuero hecho a mano incorpora un complejo diseño de cuero recortado a mano del Fénix bajo de dos cuellos alechugados isabelinos enjoyados. [3]
"Las doce Regias, Agripina / The Regal Twelve, Agrippina", metallic c-type, 63,5 x 63,5 cm., 2007. Ed. 10-1Ap © ALEXIA SINCLAIR
"Serie La docena real, el Papa Alejandro VI / The Royal Dozen Series, Pope Alexander VI"
C-type, 63,5 x 63,5 cm., 2010. Ed. 10+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
"Serie Un cuento congelado, Los gabinetes de curiosidades / A Frozen Tale Series, The Cabinets of Curiosity"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print,111,8 X 141 cm., 2013. Ed. 6+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
Durante la era de grandeza sueca a mediados del siglo XVII, el conde Carl Gustaf Wrangel encargó la construcción de un majestuoso castillo en el lago Mälaren, a 80 km de Estocolmo.
Considerado uno de los mejores ejemplos de arquitectura barroca en toda Europa, Skokloster Slott alberga vastas colecciones de pinturas, antigüedades, tapices, armas y libros raros.
Durante los meses más fríos, el gigantesco lago se congela completamente, y con él, los suntuosos contenidos del castillo se han congelado en el tiempo. Hoy en día, el castillo se ha convertido en un famoso museo, y lo que es más notable, los interiores conservados han permanecido intactos durante más de 300 años. [4]
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"Serie Capuchas, Anónimo Nº 4 / Hoods Series, Anonymous #4"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 143,3 x 111,8 / 91,4 x 708 cm., 2012
Ed. 8+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
"Capuchas" es una colección de retratos fotográficos escenificados que reflejan la identidad social a través del empleo de trajes sugestivos.
Una serie de modelos inmóviles que son como maniquíes forman la base para las capas de ropa y simbolismo. "Capirotes" se inspira en el comentario social del artista urbano británico Banksy, cuya identidad permanece anónima a través de disfraces callejeros tales como capuchas y pasamontañas. [5]
"Las doce Regias, Isabel I / The Regal Twelve, Elizabeth I", metallic c-type, 63,5 x 63,5 cm., 2007.
Ed. 10-1Ap © ALEXIA SINCLAIR
"Las doce Regias, Isabel de España / The Regal Twelve, Isabella of Spain"
Metallic c-type, 63,5 x 63,5 cm., 2007. Ed. 10-1Ap © ALEXIA SINCLAIR
Las elaboradas composiciones de Alexia asumen las complejidades de la pintura histórica al representar un momento en una historia narrativa. El abundante detalle y simbolismo en su trabajo son dispositivos que le permiten contar historias complejas. Sus cuadros combinan la fina elegancia del diseño contemporáneo con la estética suntuosa de la edad de oro de la pintura.
Desde los cuatro años, Sinclair creció en los escenarios, actuando como bailarina en su adolescencia. Estar inmersa en el mundo de la fantasía del teatro ha impactado profundamente la forma en que aborda su trabajo. A menudo crea escenificaciones dramáticas de sus personajes, iluminando sus escenas en el estilo del claroscuro. Su proceso creativo consiste en diseñar y crear manualmente trajes elaborados, escenografías y accesorios para producir fotografías a gran escala extraordinariamente detalladas. [6]
"Serie Señora Justicia, Justicia sin miedo ni favores / Lady Justice Series, Justice Without Fear of Favour"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 118 x 108 / 91,4 x 78,5 cm., 2012. Ed.6+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
La serie Señora Justicia explora la iconografía utilizada en las representaciones modernas de la Diosa de la Justicia. Retratada a través de esculturas, relieves y pinturas en juzgados, la Señora Justicia es la personificación de la fuerza moral de los sistemas judiciales.
La Señora Justicia ha evolucionado a partir de varias diosas de la antigüedad, y se la conoce por varios nombres. [7]
"Serie Rococó, Pétalos de porcelana / Rococo Series, Porcelain Petals"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 150 x 150 / 111,8 x 111,8 cm., 2015
Ed. 9+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
Fotografía y post-producción / Photography and Postproduction - Alexia Sinclair
Iluminación / Lighting - James Hill / Asistente / Assisting - Elanna Harlow
Belleza / Beauty - Sahra Bull & Sarah Laidlaw
Modelos / Models - Monique Kathleen, Kristine Jensson, Hanna Marie, Anastasia Fishburn, Nadia Gritten
Cotorra alejandrina / Alexandrine parrot - Alex
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"Isabel I / Elizabeth I", obra por encargo / commisioned work, 2007. © ALEXIA SINCLAIR
Sinclair es una artista creativa cuya práctica abarca tanto el arte como la aplicación comercial. Sus obras de arte han sido expuestas en la National Portrait Gallery de Londres, el Centro Australiano de Fotografía, la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, la National Portrait Gallery, Canberra, y en festivales internacionales de fotografía de París a Pingyao, Seúl y Dubai. Entre sus clientes comerciales se cuentan el Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF), la Fundación Bill y Melinda Gates, el Queensland Ballet, la Ópera de Nueva Zelanda, Qantas Airlines, Harper's Bazaar y Christie's. Sinclair actualmente vive y trabaja en Londres, con su marido James Hill y su hija Heidi Sinclair-Hill. [8]
"Las doce Regias, Leonor de Aquitania / The Regal Twelve, Eleanor of Aquitaine"
Metallic c-type, 63,5 x 63,5 cm., 2007. Ed. 10-1Ap © ALEXIA SINCLAIR
«La primera gran serie que produje fue en la escuela de arte y se trataba de Ofelia, el trágico personaje de Shakespeare. Me había enamorado de los pintores pre-rafaelitas, e influenciaron fuertemente el estilo y los temas de mi obra. Ahí fue cuando empecé a introducir el simbolismo en mis trabajos.
Mi primera gran serie digital fue The Regal Twelve. Produje esta serie para mis Master de Bellas Artes, y me inspiraba producir una serie de retratos nobles porque estoy fascinada con la historia.
Para esta serie publiqué una exégesis de 22.000 palabras sobre el trabajo, y pasé 6 meses viajando por Europa capturando los paisajes de fondo y la arquitectura que formaron el escenario para mis Reinas. Eventualmente producir la serie me tomó tres años, con el viaje, la exégesis, el vestuario, la fotografía y la compleja postproducción.» [9]
"Serie Señora Justicia, La espada de la razón y la justicia / Lady Justice Series, Sword of Reason and Justice"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 118 x 108 / 91,4 x 78,5 cm., 2012. Ed.6+1Ap.
"Serie La docena real, / The Royal Dozen Series, Gengis Khan"
C-type, 63,5 x 63,5 cm., 2010. Ed. 10+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
«Producir el trabajo que hago es como para un pintor producir una obra de arte. Empiezo casi todas las ilustraciones con una imagen pre-visualizada. Luego trabajo a través de un proceso de descomponer la pieza en partes que trabajo en post-producción para combinar en la obra de arte original que imaginé.
Por supuesto este proceso a menudo significa que el trabajo evoluciona hacia algo completamente diferente de lo que inicialmente imaginé.»
«Normalmente utilizo un pequeño equipo en mis proyectos. Hago todas las fotografías y la post-producción de mi obra. Mi marido y productor James Hill hace la iluminación, y casi siempre trabajo con una artista de maquillaje llamada Sahra Bull. Ella es una artista de pintura corporal increíble con la que empecé a trabajar mientras creaba mi serie Las doce Regias.
El pelo es una historia diferente. Sahra (u otra artista del peinado) construye la base con cabello real, extensiones de cabello y armazones de alambre, y luego ilustro a mano todo el peinado.»
[10]
"Serie La docena real / The Royal Dozen Series, Vlad Draculea"
C-type, 63,5 x 63,5 cm., 2009. Ed. 10+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
"Series Las Antonietas / The Antoinettes Series, L'Opéra de Paris"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 91,4 x 64 / 115,8 x 111,8 cm., 2013
Ed. 8+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
Luis XVI prefería que María Antonieta permaneciera fuera de la política, y en cambio le confió la tarea de entretener a la corte. Realizando varias fiestas temáticas por semana, la reina revivió los grandes bailes de Versalles, organizando deslumbrantes bailes de disfraces y actuaciones teatrales.
Volviendo a la ropa para cultivar su imagen, la suntuosamente vestida reina cautivaba a las multitudes. Sus mensajeros acudían a las fiestas para beber, bailar y jugar, quedándose con la reina hasta bien pasado el amanecer. Los bailes de María Antonieta la situaron como líder en el ámbito de la moda, estableciendo firmemente el tono en Versalles.
Con sus ojos puestos en París, el centro indiscutible de la moda, Marie Antonieta se sentía atraída por las boutiques, las casas de juego y la ultra-elegante París Opéra. En los bolas de la Ópera, los invitados podían disfrazar su identidad detrás de máscaras y capas (dominós) y misteriosos desconocidos podían charlar y coquetear sin revelar su rango social. Aunque la reina rebelde disfrutaba vistiendo de incógnito en los bailes de la Ópera, era reconocida regularmente detrás de su disfraz de dominó negro. [11]
"Serie Rococó, Campos de lavanda / Rococo Series, Lavender Fields"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 150 x 150 / 111,8 x 111,8 cm., 2015
Ed. 9+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
«Todo lo que ves en mi trabajo es algo que personalmente he fotografiado. Nunca he comprado fotografías de stock, por varias razones.
En primer lugar, quiero muchas variaciones de mis fondos o accesorios, dándome la libertad de producir el trabajo exactamente como me gustaría. También puedo controlar la iluminación y la profundidad de campo para que coincida con todos mis otros componentes.
Además, cuando produzco una serie, no siempre estoy segura de la vida que tendrá. A veces oportunidades maravillosas vienen a mi y no quiero sentirme limitada por lo que puedo hacer con mi trabajo.
Si lo fotografío, es mío. Es tan simple como eso. Aunque a veces no es fácil encontrar las cosas que quiero, y a menudo están en el otro lado del planeta ... ¡pero me encanta viajar!» [12]
"Serie Rococó, La brújula rota / Rococo Series, The Broken Compass"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 150 x 150 / 111,8 x 111,8 cm., 2017
Ed. 9+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
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Fuentes / Sources:
* Website
* Vídeos que pueden verse más abajo / Videos you can see below
* Entrevista de / Interview by Julia Kuzmenko McKim, 3/2014, Fstoppers
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Alexia!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alexia!)
Al final del atardecer / Into the Gloaming
Capítulo Uno del documental detrás de la escena de "Into the Gloaming"
Un video sumamente revelador sobre el proceso creativo de una de las obras de Alexia.
Episode One of Into the Gloaming behind-the-scenes documentary.
A highly revealing video about the creative process of one of Alexia's works.
Para quienes no estén actualizados con el inglés antiguo, el "gloaming" es ese momento del día en el que el suave brillo crepuscular te envuelve el alma. Donde los porteros nocturnos toman el control y todo parece posible. Tú puedes (al menos yo sí) imaginar puertas secretas en los troncos de los árboles o setas venenosas grandes como casas. Es fácil entender por qué es comúnmente conocida como la hora mágica, todo parece posible y ahí es donde comenzamos.
For those not up to date on their old English. The gloaming is that time of day where the soft glow of dusk envelopes your soul. Where the nocturnal gatekeepers take control and anything seems possible. You can (at least I do) imagine secret doorways in the trunks of trees or toadstools the size of houses. It's easy to understand why it's commonly known as the magic hour, anything seems possible and that's where we begin.
Textos en inglés / English translation
[1]
Alexia Sinclair is an Australian artist born in 1976 in Newcastle. She studied Fine Arts in Sydney at The National Art School (1995-1998). She majored in traditional photography, and her studies in painting, drawing, sculpture and art history have heavily influenced the way that she approaches her practice. Completing a Master of Fine Arts at the University of Newcastle (2007), she went on to win several national awards for her MFA series ‘The Regal Twelve’. Celebrating the lives of twelve powerful women in history, the series took three years to complete and involved compiling over 2,000 plates of medium format film through hand illustration and digital montage.
[2]
During the French Revolution, a period known as the Reign of Terror resulted in the execution of over 16,000 “enemies of state” in front of cheering crowds in Paris. Those executed were primarily nobility or royalty and included both Marie Antoinette and Louis XVI.
Victims of these widespread executions faced a new instrument of death called the guillotine. This great French killing machine intoxicated its audience, arousing excitement, fear and rage.
Following the Reign of Terror, a celebratory atmosphere inspired the appearance of a number of gruesome fashions known as à la victime.
Red ribbons became fashionably worn around the neck to symbolise the bloodline where the guillotine’s blade sliced through the neck. Men and women wore their hair cut high off the neck, to imitate the way the executioner cut the hair of victims to expose their neck to the blade.
Great victims’ balls known as Bals des victimes were held for relatives of the victims of the guillotine. Guests dressed in fashions à la victime and danced together to mourn their dead by celebrating life. In place of a graceful bow, guests would greet each other by sharply jerking their head downwards to imitate the moment of decapitation.
[3]
In a time of religious turmoil, a time when women held little power, Elizabeth I rose to great popularity by manipulating her public image through the use of symbolism in her portraits. Foremost, she aligned herself with the biblical figure The Virgin Mary, the Tudor Rose and the Phoenix, rising from the ashes. These symbols are woven into the elaborate costuming of The Golden Phoenix.
Sinclair’s meticulously hand-crafted costuming incorporates both masculine and feminine style to reveal a lace and taffeta corseted gown beneath accessories reminiscent of armour. The corset is embroidered with pearls and beads to form a biblical sunburst surrounding a punched leather heart. The intricately crafted leather gorget incorporates a complex hand cut leather phoenix design below two bejewelled Elizabethan ruffs.
[4]
During the Swedish Age of Greatness in the mid 17th century, count Carl Gustaf Wrangel commissioned a majestic castle to be built on Lake Mälaren, 80km from Stockholm.
Considered to be one the finest examples of baroque architecture in all of Europe, Skokloster Slott houses vast collections of paintings, antiques, tapestries, weaponry and rare books.
During the colder months, the giant lake completely freezes over, and with it, the sumptuous contents of the castle have been frozen in time. Today, the castle has become a famous museum and quite remarkably, the preserved interiors have remained untouched for over 300 years.
[5]
Hoods is a collection of staged photographic portraits that reflect on social identity through the employ of suggestive costuming.
A series of motionless models are mannequin-like and form a foundation for the considered layers of garments and symbolism. Through the wearing of a disguise, the sitter finds duality between their human core and contrasting façade.“Hoods” is inspired by the social commentary of British street artist Banksy, whose identity remains anonymous through street-wear disguises such as hoods and balaclavas.
[6]
Alexia's elaborate compositions take on the complexities of history painting by depicting a moment in a narrative story. The abundant detail and symbolism in her work are devices that allow her to tell complex stories. Her pictures combine the elegant finesse of contemporary fashion design with the sumptuous aesthetics of the Golden Age of painting.
From the age of four, Sinclair grew up on the stage, performing as a ballerina into her late teens. Being immersed in the fantasy world of the theatre has profoundly impacted the way that she approaches her work. She often creates dramatic staging of her characters by lighting her scenes in the chiaroscuro style. Her creative process involves designing and hand producing elaborate costumes, sets and props to produce extraordinarily detailed large-scale photographs.
[7]
The Lady Justice series explores the iconography depicted in modern representations of the Goddess Justice. Portrayed through sculptures, reliefs and paintings in courthouses, Lady Justice is a personification of the moral force of judicial systems.
Lady Justice has evolved from various goddesses of antiquity and is known by many names.
[8]
Sinclair is a creative artist whose practice spans both fine art and commercial application. Her artworks have been exhibited in the National Portrait Gallery, London, the Australian Centre for Photography, the Art Gallery of New South Wales, the National Portrait Gallery, Canberra and internationally in photography festivals from Paris to Pingyao, Seoul and Dubai. Her commercial clients include the United Nations Children’s Fund (UNICEF), the Bill and Melinda Gates Foundation, Queensland Ballet, New Zealand Opera, Qantas Airlines, Harper’s Bazaar and Christie's. Sinclair currently lives and works in London, with her husband James Hill and their daughter Heidi Sinclair-Hill.
[9]
«The first large series I produced was in art school and it was all about Ophelia, the tragic Shakespearean character. I'd fallen in love with the Pre-Raphaelite painters and they heavily influenced the style and subjects of my work. This is when I first started introducing symbolism into my work.
My first large digital series was The Regal Twelve. I produced this series for my Masters of Fine Art, and I was inspired to produce a series of noble portraits because I'm fascinated with history.
For this series I published a 22,000 word exegesis on the work, and spent 6 months traveling through Europe capturing the background landscapes and architecture that formed the stage for my Queens. Eventually, the series took me three years to produce, with the travel, exegesis, costuming, photography, and complex postproduction.»
[10]
«Producing the work I do is much like a painter producing a piece of artwork. I begin almost every artwork with a pre-visualized image. I then work through a process of breaking down the piece into components that I work in post-production to combine into my original imagined artwork.
Of course, this process often means the work evolves into something completely different than what I initially envisioned.»
«I typically use a tiny team on my projects. I do all of the shooting and post-production on my work. My husband and producer James Hill does my lighting, and I almost always work with a makeup artist named Sahra Bull. She's an amazing body paint artist I started working with while creating my series The Regal Twelve.
Hair is a different story all together. I have Sahra (or another hair artist) build the base with real hair, hair extensions, and wire frames, and then I hand illustrate the entire hairdo.»
[11]
Louis XVI preferred Marie Antoinette to remain out of politics and instead, entrusted her with the task of entertaining the court. Hosting several themed parties a week, the Queen revived the grand balls of Versailles by organising dazzling masquerades and theatrical performances.
Turning to clothing to cultivate her image, the sumptuously dressed Queen captivated the crowd. Her couriers flocked to the parties to drink, dance and gamble, lingering with the Queen until well past dawn. Marie Antoinette’s parties established her as a leader in the realm of fashion, firmly setting the tone at Versailles.
Setting her sights on Paris, the undisputed centre of fashion, Marie Antoinette was drawn to the boutiques, gambling dens and the ultra-stylish Paris Opéra. At Opéra balls, guests were able to disguise their identities behind masks and cloaks (dominoes) and mysterious strangers were able to chat and flirt without revealing their social rank. Although the rebellious Queen enjoyed dressing incognito at the Opéra balls, she was regularly recognised behind her black domino disguise.
[12]
«Everything you see in my work is something I’ve personally photographed. I’ve never purchased photo stock, for several reasons.
Firstly, I want lots of variations of my backgrounds or props, giving me the freedom to produce the work exactly the way I’d like. I can also control the lighting and depth of field to match all of my other components.
Also, when I produce a series, I’m not always certain of the life a series will have. Sometimes wonderful opportunities come my way and I don’t want to be limited with what I can do with my work.
If I shoot it, I own it. It’s as simple as that. Although it’s sometimes not simple to find the things I want, and they’re often on the other side of the planet… but I do love to travel!»
[12]
«Everything you see in my work is something I’ve personally photographed. I’ve never purchased photo stock, for several reasons.
Firstly, I want lots of variations of my backgrounds or props, giving me the freedom to produce the work exactly the way I’d like. I can also control the lighting and depth of field to match all of my other components.
Also, when I produce a series, I’m not always certain of the life a series will have. Sometimes wonderful opportunities come my way and I don’t want to be limited with what I can do with my work.
If I shoot it, I own it. It’s as simple as that. Although it’s sometimes not simple to find the things I want, and they’re often on the other side of the planet… but I do love to travel!»