Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 21 de Octubre es el cumple de
Dan Winters, fotógrafo retratista, ilustrador, cineasta y escritor estadounidense, nacido en 1962 en el condado de Ventura, California.
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"Tom Waits", Santa Clara, California, Stern Magazine © Dan Winters Photography
Tom Waits en "El Hurgador" / in this blog: [Pablo Lobato (Caricaturas)], [Aniversarios Fotografía (CLXXXII)]
Primero estudió fotografía y el proceso de cuarto oscuro a partir de 1971 cuando era miembro del local club 4-H. En 1979, cuando aún era estudiante de último año de secundaria, comenzó a trabajar a tiempo completo en la industria de efectos especiales de cine en el área de la construcción y diseño en miniaturas. Luego pasó a estudiar fotografía en Moorpark College, en California. Después de recibir allí un diploma de artes asociadas, ingresó en el programa de estudios documentales de la Universidad Ludwig Maximilian de Munich en Alemania, centrándose principalmente en el fotoperiodismo narrativo.
En 1986 comenzó su carrera en la fotografía como fotoperiodista en su ciudad natal en el condado de Ventura, en el Thousand Oaks News Chronicle. Después de ganar varios premios locales por su trabajo, se mudó a la ciudad de Nueva York, donde las asignaciones de revistas llegaron rápidamente. En 2000, mientras mantenía un hogar en Los Ángeles, se mudó a Austin, Texas. Allí montó un estudio en las afueras de la ciudad, en un edificio histórico construido en 1903.
Conocido por la amplia gama de temas que es capaz interpretar, es ampliamente reconocido por sus retratos icónicos de celebridades, su fotografía científica, sus historias de fotoperiodismo y, más recientemente, sus dibujos e ilustraciones. Ha creado retratos de celebridades como Bono, Neil Young, Barack Obama, Stephen Hawking, Steven Spielberg y muchos más.
Ha ganado más de cien premios nacionales e internacionales.
Además de las asignaciones regulares para revistas (Esquire, GQ, Vanity Fair, The New York Times Magazine, The New Yorker, etc.) y muchas otras publicaciones nacionales e internacionales, sus clientes para impresión y publicidad incluyen Nike, Microsoft, IBM, LG , Hewlett-Packard y más.
El 22 de Octubre es el cumple de
Harry Morey Callahan, fotógrafo estadounidense nacido en 1912 en Detroit, Michigan.
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"Eleanor", California, copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 11,7 x 8,3 cm., 1947. Phillips
Trabajó en Chrysler cuando era joven y luego dejó la empresa para estudiar ingeniería en la Universidad Estatal de Michigan. Se retiró, regresó a Chrysler y se unió a su camera club. Comenzó a aprender fotografía de manera autodidacta en 1938. Hizo amistad con Todd Webb, que también se convertiría en fotógrafo. Una charla dada por Ansel Adams en 1941 lo inspiró a tomarse su trabajo en serio. En 1941 Callahan y Webb visitaron Rocky Mountain State Park pero no regresaron con ninguna fotografía. En 1946 fue invitado a enseñar fotografía en el Instituto de Diseño de Chicago por László Moholy-Nagy. Se mudó a Rhode Island en 1961 para establecer un programa de fotografía en la Escuela de Diseño de la ciudad, donde impartió clases hasta su jubilación en 1977.
Callahan casi no dejó registros escritos, ni diarios, cartas, álbumes de recortes ni notas pedagógicas. Su método fotográfico técnico consistía en salir casi todas las mañanas, caminar por la ciudad en la que vivía y tomar numerosas fotografías. Luego pasaba casi todas las tardes haciendo copias de prueba de los mejores negativos de ese día. Sin embargo, a pesar de toda su actividad fotográfica, Callahan, según su propia estimación, no producía más de media docena de imágenes finales al año.
Fotografió a su esposa e hija, y las calles, escenas y edificios de las ciudades donde vivía, mostrando un aguzado sentido de la línea y la forma, y la luz y la oscuridad. Incluso antes del nacimiento, su hija apareció en fotografías del embarazo de Eleanor. De 1948 a 1953 Eleanor, y algunas veces Bárbara, fueron expuestas en el paisaje como un pequeño contrapunto a grandes extensiones de parque, horizonte o agua.
También trabajó con exposiciones múltiples. La obra de Callahan fue una respuesta profundamente personal a su propia vida. Animó a sus alumnos a que apuntaran sus cámaras hacia sus propias vidas, guiando con el ejemplo. Callahan fotografió a su esposa durante un período de quince años, como tema principal. Eleanor fue esencial para su arte desde 1947 hasta 1960.
Fue uno de los pocos innovadores de la fotografía moderna estadounidense, tanto por su trabajo en color como en blanco y negro. En 1955 Edward Steichen incluyó su obra en The Family of Man, la popular exposición itinerante internacional del MoMA.
En 1996, fue galardonado con la Medalla Nacional de las Artes.
Murió en 1999.
El 23 de Octubre es el cumple de
Michio Yamauchi (山 内 道), fotógrafo callejero japonés enfocado en la fotografía humana, con sede en Tokio. Nació nacido en un pueblo de montaña en Nishimikawa, Aichi (actualmente parte de Toyota City).
© Michio Yamauchi. Taka Ishii Gallery
Estudió en el departamento de literatura en la Universidad de Waseda, y después de graduarse, a los 29 años, ingresó a las clases nocturnas de la Escuela de Fotografía de Tokio (ahora Escuela de Artes Visuales de Tokio (専門学校東京ビジュアルアーツ).
© Michio Yamauchi. Taka Ishii Gallery
En 1982, el mismo año en que se graduó de la Escuela de Fotografía de Tokio, Yamauchi participó en una galería independiente conocida como Image Shop CAMP (イメージショップ CAMP). Durante este tiempo estudió con Daidō Moriyama (森 山 大道). Posteriormente pasó más de 10 años como fotógrafo independiente, participando principalmente en galerías independientes donde mostraba las fotos que tomó en Tokio. Finalmente se centró en publicar libros de su fotografía después de publicar "Para la gente" (人へ, hito e) and "Ciudad"(街, machi). A partir de este momento, mientras continuaba con la fotografía en Tokio, también comenzó a viajar al extranjero.
© Michio Yamauchi. Taka Ishii Gallery
En 1997 ganó el 22º Premio Ina Nobuo por su exposición "Territorio Británico Hong Kong" (英 領 HONGKONG, eiryō hongkong) en el Salón Ginza Nikon en Tokio. Luego, en 2011, recibió el 20° Premio Hayashi Tadahiko por su exposición y álbum de fotos titulado "Keelung" (基隆, kiirun). Este premio (林忠彦 賞) es otorgado anualmente por la ciudad de Shunan y el Museo de Arte e Historia de la ciudad, iniciado en 1992, en honor del fotógrafo Tadahiko Hayashi.
Las colecciones de Yamauchi se pueden ver actualmente en el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio, el Museo de Arte e Historia de la ciudad de Shunan, el Salón Nikon y otros lugares en todo Japón.
San Francisco Museum of Modern Art (California, EE.UU./ CA, USA) © Michio Yamauchi
El 24 de Octubre es el cumple de
Fred G. Korth, fotógrafo estadounidense nacido en 1902 en Guben, Alemania.
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"División Ingalls-Shepard de la compañía Wyman-Gordon, fábrica y diseño de componentes de metal forjado en Harvey, Illinois /
Ingalls-Shepard Division of the Wyman-Gordon Company, a forged metal component manufacturer and designer in Harvey, Illinois". Pinterest
Fue a la escuela en Berlín. En 1926 emigró a Chicago, EE. UU., y aprendió fotografía. A fines de la década de 1920 fue miembro del Dearborn Camera Club y sus fotografías se exhibieron en la década de 1930 en salones de los Estados Unidos y en el extranjero (especialmente Japón, Viena y Madrid). En 1932 abrió su propio estudio en Chicago y trabajó hasta mediados de la década de 1960 en importantes revistas estadounidenses como National Geographic, Newsweek, Fortune, Holiday, Look y Popular Mechanics.
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 10 3/4" x 13 3/4", 1930s. Berlanga
"Un paso en la destilación: la harina molida se cuece al vapor hasta hacer un puré para la fermentación /
A step in distillation: Ground meal is steam-cooked to a mash for fermentation"
Copia de / Print 1939. Period Paper
Fotografió la feria mundial de 1933 en Chicago y exhibió ampliamente en salones fotográficos durante la década de 1930. Al mismo tiempo trabajó como fotógrafo industrial / publicitario para grandes empresas estadounidenses como US Steel, Quaker Oats, Abbott Laboratories, etc. En 1949 autoeditó un libro sobre Chicago y sus fotografías se publicaron a lo largo de su carrera en anuarios fotográficos en los Estados Unidos y Europa.
Korth se retiró en 1965. Su trabajo se conserva en numerosas colecciones en los Estados Unidos, incluido el Museo J Paul Getty, Los Ángeles, el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, y la George Eastman House, Rochester.
Murió en 1983.
"La ebullición en grandes recipientes de vacío es parte del negocio de obtener azúcar de maíz a partir de almidón de maíz /
Boiling in big vacuum pans is part of the business of getting corn sugar from cornstarch"
Sept., 1938. Fortune
El 25 de Octubre es el cumple de
Zana Briski, fotógrafa y cineasta británica nacida en 1966 en Londres, conocida por ser la directora de "Nacido en los burdeles / Born into Brothels", ganadora en 2004 del Premio de la Academia al mejor largometraje documental. Fundó "Chicos con cámaras / Kids with Cameras", una organización sin fines de lucro que enseña el arte de la fotografía a niños marginados en comunidades de todo el mundo. Su interés en la fotografía comenzó a los 10 años.
Después de obtener una maestría en la Universidad de Cambridge, estudió fotografía documental en el Centro Internacional de Fotografía en Nueva York. En 1995 hizo su primer viaje a India, produciendo una historia sobre el infanticidio femenino. En 1997 regresó al país y comenzó su proyecto sobre las prostitutas del barrio rojo de Calcuta, lo que la llevó a trabajar con sus hijos.
Su último proyecto, Reverence, es una exhibición multimedia experiencial sobre la transformación. Inspirada en los sueños de una mantis religiosa, viajó por todo el mundo para colaborar con insectos vivientes, tomando sus retratos en fotografías y películas. "Mi trabajo es un tributo a los insectos, a su inteligencia, personalidad y belleza elegante", dice ella. El proyecto recaudó fondos iniciales a través del sitio de crowfounding Kickstarter en 2010.
Briski ha ganado numerosos premios y becas, incluida la Open Society Institute Fellowship, la Alicia Patterson Journalism Fellowship en 2000 para investigar y fotografiar en los burdeles de la India, una beca de la Fundación Nueva York para las Artes, la beca Howard Chapnick y el primer premio en 1999 en la competencia de la fundación World Press Photo en la categoría "Historias de la vida diaria". Briski y el codirector Ross Kauffman recibieron subvenciones del Sundance Institute, la Jerome Foundation y el New York State Council on the Arts para "Nacido en los burdeles".
El 26 de Octubre es el cumple de
Frédéric Flachéron, Conde (Jean François Charles André Flachéron), pintor, grabador, fotógrafo y calotipista francés, nacido en Lyon en 1813.
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"Arco de Constantino en el Foro, Roma / Arch of Constantine in the Forum, Rome"
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"Claustro de San Juan de Letrán en Roma / Cloister of San Juan de Letrán in Rome"
Papel a la sal sobre papel fotográfico / salt paper on photo paper, 25,4 x 33,3 cm., c.1850
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)
Papel a la sal sobre papel fotográfico / salt paper on photo paper, 17 x 21,3 cm., c.1850
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)
Ingresó en la Real Escuela de Bellas Artes de París en 1836. Se quedó en Roma y se hizo amigo de Ingres.
Fue, junto con Giacomo Caneva, miembro de la Escuela Fotográfica Romana conocida como "Circolo del Caffé Greco".
Negativo / negative, 24,3 x 31,8 cm., 1851
Harvard Library, Harvard University (Cambridge, Massachussetts, EE.UU./ MA, USA)
Muchas de sus fotografías se encuentran en la colección de la Duquesa de Berry.
Murió en París en 1883.
Negativo / negative, 32,4 × 25,2 cm., 1849
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
El 27 de Octubre es el cumple de
Tina Barney (Tina Isles), fotógrafa estadounidense nacida en 1945.
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"La vaina roja / The Red Sheath", copia cromogénica color / chromogenic color print, 121,9 x 152,4 cm., 2001. Ed.10
© Tina Barney Paul Kasmin Gallery
Fue introducida a la fotografía por su abuelo, cuando era niña. Ya de adolescente estudió Historia del Arte en la Escuela Spence en Manhattan, y a los 19 años vivió en Italia durante un tiempo, donde pudo estudiar más arte. Se involucró por primera vez con la fotografía cuando le pidieron que se ofreciera como voluntaria para el Consejo Junior del Museo de Arte Moderno en Nueva York, alrededor de 1971, trabajando en el departamento de fotografía y catalogando las obras para una muestra. Comenzó a coleccionar fotografías y a ir a diferentes galerías, para educarse en el medio. Después de mudarse a Sun Valley, Idaho, en 1973, comenzó a tomar clases de fotografía como hobby. Mientras estuvo en Idaho estudió en el Sun Valley Center for Arts and Humanities en Ketchum, de 1976 a 1979. Además ha completado talleres con Frederick Sommer, Roger Mertin, Joyce Niemanas, Duane Michals, Nathan Lyons, John Pfahl y Robert Cumming.
© Tina Barney Paul Kasmin Gallery
Barney es conocida por crear fotografías coloridas de gran formato de su rica familia de la Costa Este. Las imágenes se extienden a lo largo de la línea entre la fotografía franca y el retablo. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo Internacional de Fotografía y Cine George Eastman House en Rochester, Nueva York, el Museo de Arte Moderno en la ciudad de Nueva York, el Museo de Bellas Artes en Houston, Texas, la Colección de Arte JPMorgan Chase en la ciudad de Nueva York y el Museo de Fotografía Contemporánea. Más recientemente su obra se ha exhibido en el New York State Theatre en Nueva York, en 2011, el Centro de Arte Barbican, Londres, el Museo Folkwang en Essen, el Museo de Arte Moderno, Salzburgo y otros.
© Tina Barney Paul Kasmin Gallery
Michael Stipe en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CXIX)]
Barney también ha producido o codirigido cortometrajes sobre los fotógrafos Jan Groover (Jan Groover: Tilting at Space, 1994) y Horst P. Horst (Horst, 1988). También filmó un documental sobre su vida, transmitido en 2007 en Sundance Channel, dirigido por Jaci Judelson. Ha sido galardonada con una beca John Simon Guggenheim Memorial en 1991 y el Lucie Award 2010 por su logro en el retrato.
Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
El 28 de Octubre es el cumple de
Tōyō Miyatake (宮武東洋), fotógrafo estadounidense japonés nacido en 1895 en Kagawa, Shikoku, Japón.
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"Autorretrato tras la cámara / Self Portrait Behind Camera", 1932. JACCC
© Toyo Miyatake Studio
Su padre llegó a los Estados Unidos en 1906, y Miyatake lo siguió tres años después. En lugar de continuar en el negocio de confitería de su padre, decidió convertirse en fotógrafo, tomando un curso de cuatro meses en 1918 de H.K. Shigeta (quien siguió siendo su amigo durante toda la vida).
En 1923 Miyatake compró a Kaoru Akashi el Paris Photo Studio ubicado en el Hotel Toyo en 233 1/2 East First Street, que estaba bien situado en el corazón de Little Tokyo. El nombre de Miyatake se deletrea Toyoo, pero eliminó la "o" adicional, probablemente para alinear su nombre con el del hotel que albergaba su nuevo Toyo Studio.
© Toyo Miyatake Studio
Miyatake era miembro de Shaku-do-sha y fue responsable de organizar exhibiciones de la obra de Edward Weston en 1925, 1927 y 1931. Si bien Miyatake no era miembro del JCPC, se reunió al club ocasionalmente y exhibió con ellos. Fotografió al bailarín Michio Ito cuando éste se instaló en Los Ángeles en 1929, convirtiéndose en su fotógrafo oficial.
Cuando Miyatake y su familia fueron enviados al Centro de Reubicación de la Guerra de Manzanar, en California, introdujo de contrabando una lente y un portafilm en el campamento. Con la ayuda de un carpintero interno, construyó una cámara con la que comenzó a registrar la vida del campo. Eventualmente, un director de campamento comprensivo, alentado por Edward Weston, le permitió recuperar su equipo almacenado. A Miyatake se le concedió cada vez mayor libertad para fotografiar, lo que resultó en algunas de las mejores imágenes tomadas de la reclusión durante la guerra.
Receiving Dolls Donated by the American Friends Society", ca. 1943. Link
© Toyo Miyatake Studio
Finalizada esta, abrió un nuevo estudio en 364 East First Street, y luego se mudó al 318 East First Street, ambos dentro de Little Tokyo en Los Ángeles. Fotografió a muchas celebridades tanto antes como después de la guerra, y documentó la comunidad y sus actividades, desde bodas hasta eventos oficiales, por lo que recibió varios honores cívicos hacia el final de su vida.
Murió en 1979. El Toyo Miyatake Studio continúa operando en San Gabriel, California.
Japanese American National Museum http://www.janm.org/exhibits/making-waves/photographers/
Copia a la gelatina de plata montada sobre panel / gelatin silver print mounted on board, 23,8 × 18,4 cm., 1944
Whitney Museum of American Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
© Toyo Miyatake
El 29 de Octubre es el cumple de
Ute Mahler, fotógrafa alemana nacida en 1949 en Berka en Sondershausen, Turingia.
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"París, Francia / France", copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 40 x 50 cm., 1979. Ed.7+2 AP. Link
Después de su graduación y prácticas en DEWAG, Ute Mahler estudió fotografía en la Academia de Artes Visuales en Leipzig. Desde 1975 trabaja como fotógrafa independiente. Trabajó para Sibylle y también para Stern. En 1990 fue una de las fundadoras de la agencia Ostkreuz. Realizó tareas docentes en Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle. Desde el año 2000 es profesora de fotografía en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Hamburgo.
Show erótico, guardarropa, ayuntamiento, Ciudad Karl Marx, Sajonia, RDA /
Erotic show, cloak room, town hall, Karl-Marx-Stadt, Saxony, GDR, 1988. Ostkreuz
"Made in Berlin" young artists in Berlin, Hannah Dougherty, drawings, painting, July 2004, Germany. Ostkreuz
Las fotografías de Ute Mahler están representadas en renombradas colecciones: la Berlinische Galerie, la colección de F. C. Gundlach, el Deutsches Historisches Museum Berlin, la colección fotográfica de la Staatliche Galerie Moritzburg y la Colección de Arte de Brandenburgo Cottbus.
Ute Mahler ha estado casada con el fotógrafo Werner Mahler durante más de 40 años. La pareja vive en Lehnitz.
Fashion photo for "Sibylle" (fashion periodical of the GDR), Lehnitz, Brandenburg, GDR, 1986. Ostkreuz
El 30 de Octubre es el cumple de
Kim Jung Man (김중만), fotógrafo surcoreano nacido en 1954 en Cheorwon.
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ESTE | Sin embargo vemos las mismas estrellas / EAST | However we saw the same stars
Látex digital ultravioleta sobre papel semi mate - montaje en diasec 4 mm. acrílico Mitsubishi /
Digital UV latex on semi-matte paper – diasec-mounted 4mm Mitsubishi acrylic, 260 x 468 cm., 20 imgs x Ed.8. KP
Kim salió por primera vez de Corea cuando era adolescente siguiendo a su padre, un médico del gobierno enviado a Burkina Faso, África. Dejar su tierra marcó el comienzo de un largo viaje filosófico que finalmente lo llevó a Europa para estudiar pintura. Descubrió la pasión por la fotografía mientras asistía a la Ecole Nationale Supérieure d'Arts en Villa Arson de Niza, Francia desde 1974 hasta 1977.
En 1979 ganó el prestigioso Premio al Mejor Fotógrafo Joven en el Festival Internacional de Fotografía de Arles. Ese mismo año, fue nombrado uno de los 80 Fotógrafos de Hoy en Francia, el más joven de la lista.
Hanbok Series, copia digital de archivo sobre papel artístico mate, marco de madera negra /
Digital archive print – fine art matte paper – black wood frame, 120 x 180 cm., 10 imgs x Ed.10. KP
Finalmente regresó a Corea para recuperar sus raíces. Al hacerlo, encontró su camino en la fotografía comercial y de moda en los años 80 y 90, creando desde Asia con el poder de Avedon, Newton, Moon, Giacobetti y Ritts. En 2000 fue seleccionado como uno de los 33 hombres de la cultura de Corea por korea.com y fue galardonado como el fotógrafo de moda del año.
En 2006 dejó atrás su floreciente carrera como fotógrafo comercial, para volver su lente hacia el campo y la naturaleza de su tierra natal. Durante los últimos 10 años produjo un corpus de obra masivo con 4 series mayores, entre ellas EAST (ESTE), 17 imágenes monumentales de 5 x 3 m. en blanco y negro que enmarcan el paisaje asiático. En lo profundo de su alma, Kim Jung Man ha descubierto una veta palpitante del Oriente antiguo y desde la raíz de su pasado creó un canal de discusión con sus antepasados. Sus imágenes de EAST producen una reencarnación contemporánea de la misma naturaleza que inspiró los paisajes de invierno de Li Cheng de la dinastía Song o las pinturas de estaciones de Ahn Gyeon durante la era de Joseon de la dinastía Lee.
En 2013 comenzó a mostrar y vender sus obras a nivel internacional en el Museo de Artes Fotográficas (MOPA) con sede en San Diego, en Paris Photo, en Paramount Pictures Studio, Los Ángeles.
Látex digital ultravioleta sobre papel semi mate - montaje en diasec 4 mm. acrílico Mitsubishi /
Digital UV latex on semi-matte paper – diasec-mounted 4mm Mitsubishi acrylic, 260 x 468 cm., 20 imgs x Ed.8. KP
Dos fotografías monumentales de la serie EAST, junto con otras 4 de la serie Hanbok, se exhibieron por primera vez en París en octubre de 2015, cuando Kim fue invitado a La Nuit Blanche por el Museo Cernuschi de Artes Asiáticas y la Fundación Loo & Lou. Con 6.000 visitantes en la inauguración, la muestra alcanzó un gran éxito y se extendió hasta el 23 de noviembre.
El 16 de febrero de 2016, Kim Jungman recibió el prestigioso Premio de Diplomacia Cultural de Asia Society.
Hanbok Series, copia digital de archivo sobre papel artístico mate, marco de madera negra /
Digital archive print – fine art matte paper – black wood frame, 120 x 180 cm., 10 imgs x Ed.10. KP
El 31 de Octubre es el cumple de
Juul Kraijer, artista visual holandesa nacida en 1970 en Assen, cuyos medios principales son el dibujo y la fotografía. Ocasionalmente hace esculturas y obras en video.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de Rotterdam y se graduó en 1994 con una serie de dibujos al carboncillo de gran formato.
En los dibujos el sujeto de Kraijer es siempre femenino, desnudo y despersonalizado, un arquetipo o personaje en lugar de un individuo en particular. El modelo a veces se multiplica: se enfrenta a sí mismo, cara a cara, o aparece como gemelos o trillizos siameses. En la mayoría de las obras el cuerpo humano se combina con otras criaturas o fenómenos naturales: rodeado de bancos de pequeños peces o enjambres de polillas, fusionados con ramas o partes de animales, o mostrando paisajes montañosos en la piel.
Kraijer prefiere el carboncillo, y solo rara vez trabaja en color. El tamaño de sus dibujos está determinado por la imagen, que siempre se representa más o menos en tamaño natural.
Desde 2011 Kraijer ha producido muchas fotografías. Estas son también en su mayoría en blanco y negro, y temáticamente estrechamente relacionadas con sus dibujos. A menudo trabaja con la misma modelo, que posa con objetos o animales, sobre todo serpientes.
Las obras de Kraijer comparten una concisión tipo emblema, que no muestra más que lo estrictamente necesario. En cada imagen la figura surge de un fondo indefinido. La definición de tiempo está ausente también. No se muestran peinados o vestidos pertenecientes a un período específico, no hay indicios de una narración presente. Las posturas y expresiones faciales se restringen deliberadamente y se concentran intensamente. Parecen haber sido adoptadas para la eternidad. Las caras y los cuerpos son un vehículo de significado en lugar de representaciones de individuos. El rostro impasible, en un estado semidormido, parece existir en una interfaz entre la autoconciencia y la autoextinción. Las imágenes eluden la iconografía tradicional. Kraijer crea imágenes naturalistas que son memorablemente extrañas.
Textos en inglés / English translation
On October 21 is the birthday of
Dan Winters, American portrait photographer, illustrator, filmmaker and writer, born in 1962 in Ventura County, California.
He first studied photography and the darkroom process starting in 1971 while a member of his local 4-H club. In 1979, while still a high school senior, he began working full-time in the motion picture special effects industry in the area of miniature construction and design. He went on to study photography at Moorpark College, in California. After receiving an associates arts degree there, he entered the documentary studies program at Ludwig Maximilian University of Munich in Germany, focusing mainly on narrative photojournalism.
In 1986, he began his career in photography as a photojournalist in his home town in Ventura County, at the Thousand Oaks News Chronicle. After winning several local awards for his work, he moved to New York City, where magazine assignments came rapidly. In 2000, while maintaining a home in LA, he moved to Austin, Texas. There he set up a studio outside Austin in a historic building built in 1903.
Known for the broad range of subject matter he is able to interpret, he is widely recognized for his iconic celebrity portraiture, his scientific photography, his photojournalistic stories and more recently his drawings and illustrations. He has created portraits of celebrities such as Bono, Neil Young, Barack Obama, Stephen Hawking, Steven Spielberg and many more.
He has won over one hundred national and international awards.
In addition to regular assignments for magazines (Esquire, GQ, Vanity Fair, The New York Times Magazine, The New Yorker, etc.) and many other national and international publications, his clients for print and advertising include Nike, Microsoft, IBM, LG, Hewlett-Packard and more.
On October 22 is the birthday of
Harry Morey Callahan, American photographer born in 1912 in Detroit, Michigan.
He worked at Chrysler when he was a young man then left the company to study engineering at Michigan State University. He dropped out, returned to Chrysler and joined its camera club. Callahan began teaching himself photography in 1938. He formed a friendship with Todd Webb who was also to become a photographer. A talk given by Ansel Adams in 1941 inspired him to take his work seriously. In 1941, Callahan and Webb visited Rocky Mountain State Park but didn't return with any photographs. In 1946 he was invited to teach photography at the Institute of Design in Chicago by László Moholy-Nagy. He moved to Rhode Island in 1961 to establish a photography program at the Rhode Island School of Design, teaching there until his retirement in 1977.
Callahan left almost no written records—no diaries, letters, scrapbooks or teaching notes. His technical photographic method was to go out almost every morning, walk through the city he lived in and take numerous pictures. He then spent almost every afternoon making proof prints of that day's best negatives. Yet, for all his photographic activity, Callahan, at his own estimation, produced no more than half a dozen final images a year.
He photographed his wife and daughter and the streets, scenes and buildings of cities where he lived, showing a strong sense of line and form, and light and darkness. Even prior to birth, his daughter showed up in photographs of Eleanor's pregnancy. From 1948 to 1953 Eleanor, and sometimes Barbara, were shown out in the landscape as a tiny counterpoint to large expanses of park, skyline or water.
He also worked with multiple exposures. Callahan's work was a deeply personal response to his own life. He encouraged his students to turn their cameras on their own lives, leading by example. Callahan photographed his wife over a period of fifteen years, as his prime subject. Eleanor was essential to his art from 1947 to 1960.
Callahan was one of the few innovators of modern American photography noted as much for his work in color as for his work in black and white. In 1955 Edward Steichen included his work in The Family of Man, MoMA's popular international touring exhibition.
In 1996, he was awarded the National Medal of Arts.
He died in 1999.
On October 23 is the birthday of
Michio Yamauchi (山内 道雄), Japanese street photographer focusing in human photography based in Tokyo. He was born born in a mountain village in Nishimikawa, Aichi (currently part of Toyota City).
He studied in the literature department at Waseda University, and after graduating, at 29 years old, entered night school at the Tokyo School of Photography (now Tokyo Visual Arts school (専門学校東京ビジュアルアーツ).
In 1982, the same year he graduated from the Tokyo School of Photography, Yamauchi took part in an independent gallery known as Image Shop CAMP (イメージショップ CAMP). During this time, Yamauchi studied under Daidō Moriyama (森山大道). Afterwards, Yamauchi spent over 10 years as a freelance photographer, mainly participating in independent galleries where he would display photos he took around Tokyo. Yamauchi eventually focused on publishing books of his photography after publishing "To People" (人へ, hito e) and "City" (街, machi). From this point on, Yamauchi, whilst continuing photography in Tokyo, began heading overseas as well.
In 1997, Yamauchi won the 22nd Ina Nobuo Award for his exhibition "British Territory Hong Kong" (英領HONGKONG, eiryō hongkong) at the Ginza Nikon Salon in Tokyo, Japan. Then, in 2011, he received the 20th Hayashi Tadahiko Award for his exhibition and photo album titled "Keelung" (基隆, kiirun). This award (林忠彦賞) is given annually by Shunan city and the Shunan City Museum of Art and History, started in 1992, in honor of the photographer Tadahiko Hayashi.
Yamauchi's collections can still currently be seen at the Tokyo Metropolitan Museum of Photography, the Shunan City Museum of Art and History, the Nikon Salon and other places throughout Japan.
On October 24 is the birthday of
Fred G. Korth, American photographer born in 1902 in Guben, Germany.
He went to school in Berlin. In 1926 he emigrated to Chicago, USA and learned photography. By the end of the 1920s he was a member of the Dearborn Camera Club and his photographs were exhibited in the 1930s in photo salons in the United States and abroad (especially Japan, Vienna and Madrid). In 1932 he opened his own studio in Chicago and worked until the mid 1960s for major American magazines such as 'National Geographic', 'Newsweek', 'Fortune', 'Holiday', 'Look' and 'Popular Mechanics'.
He photographed the 1933 World's fair in Chicago and exhibited widely in photographic salons throughout the 1930s. At the same time he worked as an industrial/advertising photographer for large American companies such as US Steel, Quaker Oats, Abbott Laboratories etc. In 1949 he self-published a book on Chicago and his photographs were published throughout his career in photographic year books in the US and Europe.
Korth retired in 1965. His work is held in numerous collections in the United states including the J Paul Getty Museum, LA; Metropolitan Museum of Art, New York; and George Eastman House, Rochester, USA.
He died in 1983.
On October 25 is the birthday of
Zana Briski, British photographer and filmmaker born in 1966 in London, best known for Born into Brothels, the 2004 winner of the Academy Award for Documentary Feature, which she directed. She founded Kids with Cameras, a non-profit organization that teaches the art of photography to marginalized children in communities throughout the world. Her interest in photography began at age 10.
After earning a master's degree at the University of Cambridge, she studied documentary photography at International Center of Photography in New York. In 1995, she made her first trip to India, producing a story on female infanticide. In 1997, Briski returned to India and began her project on the prostitutes of Calcutta's red-light district, which led to her work with the children of prostitutes.
Her latest project Reverence is an experiential multimedia exhibit about transformation. Inspired by dreams of a praying mantis, she was led around the world to collaborate with living insects, taking their portraits in photographs and film. “My work is a tribute to insects, to their intelligence, personality and elegant beauty,” she says. The project raised initial funds through the crowdsourcing site Kickstarter in 2010.
Briski has won numerous awards and fellowships including the Open Society Institute Fellowship, the Alicia Patterson Journalism Fellowship in 2000 to research and photograph in the Brothels of India, a New York Foundation for the Arts Fellowship, the Howard Chapnick Grant and 1st Prize in 1999 in the World Press Photo foundation competition in the category "Daily Life stories". Briski and co-director Ross Kauffman were awarded grants from the Sundance Institute, the Jerome Foundation, and the New York State Council on the Arts for Born into Brothels.
On October 26 is the birthday of
Frédéric Flachéron, Count (Jean François Charles André Flachéron), French painter, engraver, photographer and calotypist, born in Lyon in 1813.
He entered the Royal School of Fine Arts in Paris in 1836. He stayed in Rome and became a friend of Ingres.
He was, together with Giacomo Caneva, member of the Roman Photographic School known as "Circolo del Caffé Greco".
Many of his photographs are in the collection of the Duchess of Berry.
He died in Paris in 1883.
On October 27 is the birthday of
Tina Barney (Tina Isles), American photographer born in 1945.
She was introduced to photography by her grandfather when she was a child. As a teenager, she studied Art History at Spence School in Manhattan, and at the age of 19, she lived in Italy for a time where she was able to further study art. Barney first got involved with photography, when she was asked to volunteer for the Junior Council of the Museum of Modern Art in New York, around 1971, working in the photography department and cataloguing work for a show. She started to collect photographs and go to different galleries, to educate herself on the medium. After moving to Sun Valley, Idaho in 1973, she started to take photography classes as a hobby. While in Idaho, she studied at the Sun Valley Center for Arts and Humanities in Ketchum, from 1976 to 1979. Additionally, she has completed workshops with Frederick Sommer, Roger Mertin, Joyce Niemanas, Duane Michals, Nathan Lyons, John Pfahl, and Robert Cumming.
Barney is most well known for creating large format, colorful photographs of her wealthy, East Coast family. The images straddle the line between candid and tableau photography. Barney's work is in the collections of the George Eastman House International Museum of Photography and Film in Rochester, New York; the Museum of Modern Art in New York City; the Museum of Fine Arts in Houston, Texas; the JPMorgan Chase Art Collection in New York City; and the Museum of Contemporary Photography. More recently her work has been shown at the New York State Theater in New York, in 2011; The Barbican Art Centre, London; Museum Folkwang in Essen, Museum der Art Moderne, Salzburg, and others.
Barney has also produced or co-directed short films on the photographers Jan Groover (Jan Groover: Tilting at Space, 1994) and Horst P. Horst (Horst, 1988). She had a documentary filmed about her life, aired 2007 on Sundance Channel, directed by Jaci Judelson. Barney has been the recipient of a John Simon Guggenheim Memorial Fellowship in 1991, and the 2010 Lucie Award for Achievement in Portraiture.
Barney is currently represented by Paul Kasmin Gallery in New York City.
On October 28 is the birthday of
Tōyō Miyatake (宮武東洋), Japanese American photographer born in 1895 in Kagawa, Shikoku, Japan.
His father came to the United States in 1906, and Miyatake followed three years later. Rather than continue in his father’s confectionery business, he decided to become a photographer, taking a four-month course in 1918 from H.K. Shigeta (who remained a lifelong friend).
In 1923, Miyatake purchased from Kaoru Akashi the Paris Photo Studio located in the Hotel Toyo at 233 1/2 East First Street, which was well situated in the heart of Little Tokyo. Miyatake’s given name was spelled Toyoo, but he dropped the extra “o,” likely to align his name with that of the hotel that housed his new Toyo Studio.
Miyatake was a member of the Shaku-do-sha, and was responsible for organizing exhibitions of the work of Edward Weston in 1925, 1927, and 1931. While Miyatake was not a member of the JCPC, he met with the club on occasion and exhibited with them. He photographed dancer Michio Ito when Ito settled in Los Angeles in 1929, becoming his official photographer.
When Miyatake and his family were sent to the Manzanar War Relocation Center in California, he smuggled a lens and film holder into camp. With the assistance of a carpenter internee, he built a camera with which he began to record camp life. Eventually, a sympathetic camp director, encouraged by Edward Weston, allowed him to send for his stored equipment. Increasingly, Miyatake was granted greater freedom to photograph, which resulted in some of the finest images taken of the war incarceration.
After the war, he opened a new studio at 364 East First Street, and later moved to 318 East First Street, both within Los Angeles’s Little Tokyo. He photographed many celebrities both before and after the war, and he documented the community and its activities, from weddings to official events, for which he received several civic honors near the end of his life.
He died in 1979. The Toyo Miyatake Studio continues to operate in San Gabriel, California.
On October 29 is the birthday of
Ute Mahler, fotógrafa alemana nacida en 1949 en Berka at Sondershausen, Thuringia.
After her graduation and practice at DEWAG, Ute Mahler studied photography at the Academy of Visual Arts in Leipzig. Since 1975 she works as a freelance photographer. She worked for Sibylle and also for Stern. In 1990 she was one of the founders of the Ostkreuz agency. She had a teaching assignment at Burg Giebichenstein Kunsthochschule Halle. Since 2000 she is Professor for Photography at the University of Applied Sciences Hamburg.
Photographs by Ute Mahler are represented in renowned collections: the Berlinische Galerie, F. C. Gundlach's collection, Deutsches Historisches Museum Berlin, the Fotografie collection of the Staatliche Galerie Moritzburg and the Brandenburg Art Collection Cottbus.
Ute Mahler has been married to the photographer Werner Mahler for over 40 years. The couple lives in Lehnitz.
On October 30 is the birthday of
Kim Jung Man (김중만), South Korean photographer born in 1954 in Cheorwon.
Kim first left Korea as a teenager following his father, a government doctor dispatched to Burkina Faso, Africa. Leaving his homeland marked the beginning of a long philosophical journey that eventually took him to Europe to study painting. He discovered a passion for photography while attending the Ecole Nationale Supérieure d’Arts in the Villa Arson of Nice, France from 1974 to 1977.
In 1979, Kim won the prestigious Best Young Photographer Award at the Arles International Photography Festival. The same year, he was named one of Today’s 80 Photographers in France, the youngest on the list.
He eventually moved back to Korea to regain his roots. In doing so, he found his way into commercial and fashion photography in the 1980’s-90’s creating from Asia with the power of Avedon, Newton, Moon, Giacobetti and Ritts. In 2000, he was selected One of 33 Men of Culture of Korea by korea.com and was awarded Fashion Photographer of the Year.
In 2006 he left his flourishing career as a commercial photographer behind him, instead turning his lens to the countryside and the nature of his native land. For the last 10 years he produced a massive corpus of work with 4 majors series. Among them EAST, 17 monumental pictures of 5m x 3m in black and white framing the Asian landscape. Deep into his soul, Kim Jungman has discovered a pulsing vein of the ancient Orient and from the root of his past created a channel of discussion with his ancestors. His EAST images bring forth a contemporary reincarnation of the very nature that inspired winter landscapes by Li Cheng of the Song Dynasty or the seasons paintings by Ahn Gyeon during the Joseon Era of the Lee Dynasty.
In 2013 he started to show and sell his works internationally at the San Diego-based Museum of Photographic Arts (MOPA) at Paris Photo in Paramount Pictures Studio, Los Angeles.
2 monumental photographies of the EAST series, along with 4 others from the Hanbok series, were shown for the first time in Paris in October 2015 as Kim Jungman was invited at La Nuit Blanche by the Cernuschi Museum of Asian Arts and the Loo &Lou Foundation. With 6,000 visitors at the opening, the show achieved great success and was extended until 23 November.
On 16 February 2016, Kim Jungman received the prestigious Cultural Diplomacy Award from Asia Society.
On October 31 is the birthday of
Juul Kraijer, Dutch visual artist born in 1970 in Assen, whose principal mediums are drawing and photography. She occasionally makes sculptures and video-works.
She studied at the Academy of Fine Arts in Rotterdam, graduating in 1994 with a series of large format charcoal drawings.
In the drawings Kraijer’s subject is always female, naked and depersonalized, an archetype or personage rather than a particular individual. The model is sometimes multiplied: facing herself, head to head, or appearing as Siamese twins or triplets. In most works the human body is combined with other creatures or natural phenomena: surrounded by schools of little fish or swarms of moths, fused with branches or parts of animals or displaying mountainscapes on the skin.
Kraijer favors charcoal, and only rarely works in colour. The size of her drawings is determined by the image, which is always depicted more or less life-size.
Since 2011 Kraijer has produced a lot of photographs. These are also mostly black and white and thematically closely related to her drawings. She often works with the same model, who poses with objects or animals, most notably snakes.
Kraijer's works share an emblemata-like concision, showing no more than what is strictly necessary. In each image, the figure looms out of an undefined background. Definition of time is absent as well. No hairstyles or dress belonging to any specific period are shown, no hint of a narrative is present. The postures and facial expressions are deliberately restrained and intensely concentrated. They seem to have been adopted for eternity. Faces and bodies are a vehicle for meaning rather than portrayals of individuals. The impassive visage, in a state of half-sleep, seems to exist at an interface between self-awareness and self-extinction. The images elude traditional iconography. Kraijer creates naturalistic images that are memorably strange.