Johann Matthäus Bechstein
Johann Matthäus Bechstein fue un naturalista, guardia forestal, ornitólogo, entomólogo y herpetólogo alemán nacido en 1757 en Waltershausen, en el distrito de Gotha en Turingia. En Gran Bretaña fue conocido por su tratado sobre pájaros cantores (Naturgeschichte der Stubenvögel, Historia natural de las aves en jaula, 1795).
Estudió teología durante cuatro años en la Universidad de Jena, y pasó un tiempo cazando y deambulando por los bosques cuando tenía oportunidad. Después de dejar la escuela enseñó durante algunos años, pero dejó las clases para dedicarse a actividades al aire libre. En 1795 fundó la escuela de silvicultura en Waltershausen, y en 1800 el duque de Sajonia-Meiningen lo nombró director de la escuela de silvicultura en Dreissigacker, cerca de Meiningen, en el vecino distrito de Schmalkalden-Meiningen. Después de la muerte de su propio hijo, Bechstein adoptó a su sobrino Ludwig Bechstein.
Fue un prolífico zoólogo y uno de los primeros interesados en la conservación de la vida silvestre. Además de su trabajo ornitológico, también publicó obras que pedían la protección de animales que comúnmente se consideraban dañinos o plagas en el momento, como los murciélagos. El murciélago de Bechstein recibió su nombre en su honor.
Murió en 1822.
"Das einhörnige Nashorn / El rinoceronte de un cuerno / The One-Horned Rhino". Rhinoceros unicornis. Lin.
Tafel / Lámina / Plate 23
"Getreue Abbildungen naturhistorischer Gegenstände: in Hinsicht auf Bechsteins kurgefasste gemeinnützige Naturgeschichte des In- und Auslandes für Eltern, Hofmeister, Jugendlehrer, Erzieher und Liebhaber der Naturgeschichte (Band 2): Zweytes Hundert — Nürnberg, 1796 [erschienen] 1797 - 1800 /
Representaciones fieles de objetos de historia natural: en relación con la curiosa historia natural sin fines de lucro de Bechstein de Alemania y el extranjero para padres, tutores, profesores de jóvenes, educadores y amantes de la historia natural (volumen 2): Zweytes Hundert - Nuremberg, 1796 [publicado] 1797 - 1800 /
Faithful depictions of natural history objects: in relation to Bechstein's curious non-profit natural history of Germany and abroad for parents, tutor, youth teacher, educator and lover of natural history (volume 2): Zweytes Hundert - Nuremberg, 1796 [published] 1797 - 1800"
Heidelberg historische Bestände / Existencias históricas de Heidelberg /
Heidelberg historical stocks - digital. Link
"Das doppelhörnige Nashorn / El rinoceronte bicorne / The Double-Horned Rhino". Rhinoceros bicornis. Lin.
Tafel / Lámina / Plate 24
Johann Matthäus Bechstein was a German naturalist, forester, ornithologist, entomologist, and herpetologist born in 1757 in Waltershausen in the district of Gotha in Thuringia. In Great Britain, he was known for his treatise on singing birds (Naturgeschichte der Stubenvögel, Natural History of Cage Birds, 1795).
He studied theology for four years at the University of Jena, and spent time hunting and roaming the forests as opportunities permitted. After leaving school, he taught for some years, but gave teaching up to devote himself to outdoor pursuits. In 1795, he founded the school of forestry at Waltershausen, and in 1800, the Duke of Saxe-Meiningen made him the director of the forestry school at Dreissigacker near Meiningen in the neighbouring district of Schmalkalden-Meiningen. After the death of his own son, Bechstein adopted his nephew Ludwig Bechstein.
Bechstein was a prolific zoologist and one of the first concerned with wildlife conservation: besides his ornithological work, he also published works calling for the protection of animals that were commonly considered harmful or pests at the time, such as bats. Bechstein's Bat was named in his honour.
He died in 1822.
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Johann Christian Daniel von Schreber
Johann Christian Daniel von Schreber, a menudo llamado J.C.D. von Schreber, fue un naturalista alemán nacido en 1739 en Weißensee, Turingia.
Fue nombrado profesor de materia médica en la Universidad de Erlangen en 1769.
En 1774 comenzó a escribir un conjunto de libros en varios volúmenes titulado "Die Säugethiere en Abbildungen nach der Natur mit Beschreibungen / Los mamíferos en imágenes tomados del natural con descripciones", que se centró en los mamíferos del mundo.
A muchos de los animales incluidos se les dio un nombre científico por primera vez, siguiendo el sistema binomial de Carl Linnaeus. Desde 1791 hasta su muerte en 1810, fue presidente de la Academia Alemana de Ciencias Leopoldina. Fue elegido miembro de la Real Academia Sueca de Ciencias en 1787. En abril de 1795 fue elegido miembro de la Royal Society. Se le otorgaron numerosos honores.
Schreber también escribió sobre entomología, de destacar el Schreberi Novae Species Insectorvm. Su colección de herbario se ha conservado en la Botanische Staatssammlung München desde 1813.
Murió en 1810.
"Rhinoceros Indicus Cuv.". Lámina / Plate CCCXVII DD
"Die Säugethiere en Abbildungen nach der Natur mit Beschreibungen /
Los mamíferos en imágenes tomados del natural con descripciones /
The mammals in pictures after nature with descriptions"
por / by:
Schreber, Johann Christian Daniel, 1739-1810
Goldfuss, Georg August, 1782-1848 - Wagner, Andreas Johann, 1797-1861
Expedition des Schreber'schen säugthier- und des Esper'schen Schmetterlingswerkes ... /
Expedición de los mamíferos de Schreber y las mariposas de Esper /
Expetidion of Schreber's mammals and Esper's butterflies, [1774]-1855. Biodiversity.org
"Rhinocerus Javanicus Fr. Cuv.". Lámina / Plate CCCXVII E
"Rhinocerus Cucullatus Wag.". Lámina / Plate CCCXVII F
Johann Christian Daniel von Schreber, often styled J.C.D. von Schreber, was a German naturalist born in 1739 in Weißensee, Thuringia.
He was appointed professor of materia medica at the University of Erlangen in 1769.
In 1774, he began writing a multivolume set of books entitled "Die Säugethiere in Abbildungen nach der Natur mit Beschreibungen / The mammals in pictures after nature with descriptions", which focused on the mammals of the world.
Many of the animals included were given a scientific name for the first time, following the binomial system of Carl Linnaeus. From 1791 until his death in 1810, he was the president of the German Academy of Sciences Leopoldina. He was elected a member of the Royal Swedish Academy of Sciences in 1787. In April 1795, he was elected a Fellow of the Royal Society. Numerous honors were bestowed on him.
Schreber also wrote on entomology, notably Schreberi Novae Species Insectorvm. His herbarium collection has been preserved in the Botanische Staatssammlung München since 1813.
He died in 1810.
"Rhinocerus Sumatranus Raffl.". Lámina / Plate CCCXVII G
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Heinrich Gottlieb Ludwig Reichenbach
Heinrich Gottlieb Ludwig Reichenbach, fue un botánico y ornitólogo alemán nacido en 1793 en Leipzig.
Fue él quien primero solicitó a Leopold Blaschka crear un conjunto de modelos de invertebrados marinos para la educación científica y la exhibición de museos, el exitoso encargo que dio lugar a la creación de las criaturas marinas de vidrio de Blaschkas y, posteriormente e indirectamente, las más famosas flores de vidrio.
Más tarde fue el fundador de los jardines botánicos de Dresde y co-fundador del zoológico de Dresde. La colección zoológica del museo fue destruida casi por completo por el incendio en el palacio Zwinger durante la crisis constitucional de 1849, pero Reichenbach pudo reemplazarla en unos pocos años. Esta colección es la base de la que se ve hoy en el museo.
Murió en 1879.
Lámina / Plate XXVI
84. Rhinoceros Keitloa A. Sm. - El rinoceronte Keitloa / The Keitloa Rhinoceros / Das Keitloa Nashorn
85.86 Rhinoceros bicornis SPARMANN africanus CAMPER
Rinoceronte bicorne de Sparmann / Two-horned Sparmann's Rhinoceros / Sparmanns zweihörniges Nashorn
Die vollständigste Naturgeschichte des In- und Auslandes. Der Säugethiere /
La historia natural más completa de Alemania y el extranjero. Los mamíferos /
The most complete natural history of Germany and abroad. The mammals.
por / by H. G. Ludwig Reichenbach.
H. G. Ludwig Reichenbach (Heinrich Gottlieb Ludwig), 1793-1879
Dresde / Dresden, Expedición de la historia natural más completa /
Expedition of the most complete natural history /
Expedition der vollständigsten Naturgeschichte,1845-1846. pp 83, 85, 87, 89
Lámina / Plate XXVII
87.88. Rhinoceros sumus BURCHELL -
Rinoceronte blanco / White rhinoceros or square-lipped rhinoceros / Das breitmäulige Nashorn.
(ver más abajo / see below Aloys Zötl)
Heinrich Gottlieb Ludwig Reichenbach, was a German botanist and ornithologist born in 1793 in Leipzig.
It was he who first requested Leopold Blaschka to make a set of glass marine invertebrate models for scientific education and museum showcasing, the successful commission giving rise to the creation of the Blaschkas' Glass sea creatures and, subsequently and indirectly, the more famous Glass Flowers.
He was later the founder of the Dresden botanical gardens and joint founder of Dresden Zoo. The museum's zoological collection was almost completely destroyed by the fire in the Zwinger palace during the constitutional crisis of 1849, but Reichenbach was able to replace it within only a few years. This collection is the basis of that seen in the museum today.
He died in 1879.
Lámina / Plate XXVIII
89.90. Rhinoceros sumatranus RAFFL. -
Rinoceronte de Sumatra / Sumatran Rhinoceros / Das sumatranische Nashorn
91. Rhinoceros cucullatus WAGN. -
Rinoceronte de capa ancha / Wide-cloaked Rhinoceros / Das Kapuzen Nashorn
"El supuesto rinoceronte de capa ancha tiene el aspecto blindado del Rhinoceros unicornis, dotado de dos cuernos nasales. Fue observado en Etiopía primero por James Bruce en 1772 y nuevamente por William Cornwallis Harris en 1842.
Un espécimen montado con esta descripción se conservó en la Colección de Zoología del Estado de Baviera en Munich desde 1802 hasta 1944 cuando fue destruido. Este es el tipo de espécimen de Rhinoceros cucullatus propuesto por Johann Andreas Wagner en 1835. Aún se encuentra disponible una parte de la mandíbula inferior y se identifica como un Diceros bicornis juvenil. Como ningún animal con esta descripción se ha vuelto a ver en África, se discute por qué Bruce y Harris se extraviaron en sus observaciones y recuerdos. Existe evidencia convincente de que el espécimen tenía forma de rinoceronte indio por un taxidermista de alrededor de 1780, según las representaciones disponibles en la literatura. El nombre Rhinoceros cucullatus carece de estado en la nomenclatura."
La historia del tipo único de Rhinoceros cucullatus, con comentarios sobre las observaciones en Etiopía de James Bruce y William Cornwallis Harris (Mammalia, Rhinocerotidae)
Kees Rookmaaker y Richard Kraft. pdf
"The alleged wide-cloaked rhinoceros has the appearance of the armour-plated Rhinoceros unicornis endowed with two nasal horns. It was observed in Ethiopia first by James Bruce in 1772 and again by William Cornwallis Harris in 1842.
A mounted specimen of this description was preserved in the Bavarian State Collection of Zoology in Munich from 1802 until 1944 when it was destroyed. This is the type-specimen of Rhinoceros cucullatus proposed by Johann Andreas Wagner in 1835. A partial lower jaw taken from the hide is still available, and is identified as one of a juvenile Diceros bicornis. As no animal of this description has been seen again in Africa, it is discussed why Bruce and Harris were led astray in their observations and recollections. There is compelling evidence that the specimen was shaped like an Indian Rhinoceros by a taxidermist around 1780 following available representations in the literature. The name Rhinoceros cucullatus has no status in nomenclature."
The history of the unique type of Rhinoceros cucullatus, with remarks on observations in Ethiopia by James Bruce and William Cornwallis Harris (Mammalia, Rhinocerotidae)
Kees Rookmaaker & Richard Kraft. pdf
Lámina / Plate XXIX
92.93. Rhinocerus sondaicues CUV. javanicus FR.CUV.
Rinoceronte de la Sonda (o de Java) / Javan (or Sunda) Rhinoceros / Das Sunda Nashorn
94.95. Rhinoceros unicornis L. asiaticus BLMB indicus GRIFF.
Rinoceronte índico / Indian Rhinoceros / Das indische Nashorn
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Aloys Zötl
"Rhinoceros sinus (Burchell)"
Pluma, tinta india negra y acuarela / pen, black Indian ink and watercolor, 37 × 47 cm., 1861. Koller Auctions
Aloys Zötl fue un pintor y maestro tintorero austriaco nacido en 1803 en Freistadt, Alta Austria.
Es notable por sus pinturas de animales fantásticos y otros temas de historia natural. Décadas después de su muerte en Eferding, el surrealista André Breton redescubrió la obra de Zötl, reconociendo en ella una estética surrealista. Breton escribió: "... Al carecer de detalles biográficos sobre el artista, uno solo puede permitirse fantasear imaginando las razones que pudieron haber inducido a este obrero de la Alta Austria, tintorero de profesión, a emprender tan celosamente entre 1832 y 1887 la elaboración del el bestiario más suntuoso jamás visto ".
Murió en 1887.
"El Rinoceronte / Le Rhinocéros", aguada / gouache, 44,1 x 55,4 cm., 1872. Liget
Aloys Zötl was an Austrian painter and master dyer born in 1803 in Freistadt, Upper Austria.
He is notable for his painting of fantastical animals and other natural history subjects. Decades after his death in Eferding, Zötl's work was re-discovered by surrealist André Breton, who recognized a surrealist aesthetic in it. Breton wrote: "…Lacking any biographical details about the artist, one can only indulge one's fantasies in imagining the reasons which might have induced this workman from Upper Austria, a dyer by profession, to undertake so zealously between 1832 and 1887 the elaboration of the most sumptuous bestiary ever seen."
He died in 1887.
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Raden Saleh Sjarif Boestaman
"Lucha entre un rinoceronte de Java y dos tigres /
Fight Between a Javanese Rhinoceros and Two Tigers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48 × 60 cm., 1840. Van Ham
Raden Saleh Sjarif Boestaman fue un pintor romántico indonesio pionero, de etnia árabe-javanés, nacido en 1807 en Semarang, en la isla de Java, en las Indias Orientales Holandesas (actual Indonesia). Fue considerado como el primer artista "moderno" de Indonesia, y sus pinturas se correspondían con el romanticismo del siglo XIX que era popular en Europa en ese momento. También expresó sus raíces culturales y su inventiva en su trabajo.
El joven belga Raden Saleh recibió sus primeras enseñanzas en Bogor del artista belga A.J. Payen. Payen reconoció el talento del joven y persuadió al gobierno colonial de los Países Bajos para que enviara a Raden Saleh allí a estudiar arte. Llegó a Europa en 1829 y comenzó a estudiar con Cornelius Kruseman y Andreas Schelfhout. Fue con Kruseman con quien estudió y desarrolló sus habilidades en el retrato, y más tarde fue aceptado en varias cortes europeas donde se le encargaron retratos. Con Schelfhout fomentó sus habilidades como pintor paisajista.
Visitó varias ciudades europeas, así como también Argel. En La Haya un domador de leones le permitió estudiar a su león, y desde ese momento creó sus pinturas más famosa de peleas de animales, que posteriormente le dieron fama como artista.
Regresó a las Indias Orientales Holandesas en 1852, después de vivir en Europa durante 20 años. Trabajó como conservador de la colección colonial de arte del gobierno y continuó pintando retratos de la aristocracia javanesa, y muchas más pinturas de paisajes.
Murió en 1880.
"Lucha entre un rinoceronte de Java... / Fight Between a Javanese Rhinoceros..." (detalle / detail)
Raden Saleh Sjarif Boestaman was a pioneering Indonesian Romantic painter of Arab-Javanese ethnicity born in 1807 in Semarang on the island of Java in the Dutch East Indies (present-day Indonesia). He was considered to be the first "modern" artist from Indonesia, and his paintings corresponded with nineteenth-century romanticism which was popular in Europe at the time. He also expressed his cultural roots and inventiveness in his work.
Young Raden Saleh was first taught in Bogor by the Belgian artist A.J. Payen. Payen acknowledged the youth's talent, and persuaded the colonial government of the Netherlands to send Raden Saleh to the Netherlands to study art. He arrived in Europe in 1829 and began to study under Cornelius Kruseman and Andreas Schelfhout. It was from Kruseman that Raden Saleh studied his skills in portraiture, and later was accepted at various European courts where he was assigned to do portraits. From Schelfhout, Raden Saleh furthered his skills as a landscape painter.
Raden Saleh visited several European cities, as well as Algiers. In The Hague, a lion tamer allowed Raden Saleh to study his lion, and from that his most famous painting of animal fights was created, which subsequently brought fame to the artist.
Raden Saleh returned to Dutch East Indies in 1852, after living in Europe for 20 years. He worked as conservator for the colonial collection of government art and continued painting portraits of the Javanese aristocracy, and many more landscape paintings.
He died in 1880.
El arca de Noé / Noah's Ark
Entre las obras pictóricas relacionadas con el episodio bíblico del diluvio y el arca de Noé, muchas de ellas presentan a los animales abordando o abandonando el arca, y entre ellos aparecen con frecuencia los rinocerontes. Como es natural, con el paso del tiempo la figura del rinoceronte va evolucionando desde el modelo de Durero hasta las representaciones más fieles de los tiempos modernos. Les dejo una selección más o menos cronológica de algunas obras con detalles que permiten apreciar los cambios en la morfología de nuestras mascotas cornudas.
Among the pictorial works related to the biblical episode of the flood and the ark of Noah, many of them present the animals approaching or abandoning the ark, and among them rhinos frequently appear. Naturally, with the passage of time the figure of the rhinoceros evolved from the Dürer model to the most faithful representations of modern times. Here you a more or less chronological selection of some works with details that allow us to appreciate the changes in the morphology of our horned pets.
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Michiel Coxcie
"El embarque en el arca de Noé / Embarkation of Noah's Ark"
Temple y acuarela sobre cartón pegado a lienzo (cartón para un tapiz) /
tempera and watercolor on cardboard glued to a canvas (carton for a tapestry), 312 x 508,5 x 8 cm., c.1560
Colecciones Reales de Patrimonio Nacional (El Escorial, España / Spain). Periodista digital
Michiel Coxie, también van Coxcie o de Coxien, latinizado Coxius, fue un pintor flamenco nacido en 1499 en Malinas en el Ducado de Brabante, que estudió con Bernard van Orley, quien probablemente lo indujo a visitar la península italiana.
Michiel Coxie estudió en sus primeros años en Roma (1532), donde pintó la capilla del Cardenal Enckenvoirt en la iglesia de Santa Maria dell'Anima y Giorgio Vasari, quien lo conoció, dice con verdad que él adquirió las maneras de un italiano. Pero la principal ocupación de Coxie era diseñar para grabadores, y la fábula de Psique en treinta y dos hojas de Agostino Veneziano y el 'Maestro de la Muerte' son muestras notables de su habilidad. Perteneció al círculo íntimo de Miguel Ángel y no solo aprendió el estilo del maestro del renacimiento, también estudió la filosofía y la teoría del arte de la antigüedad y el renacimiento romano.
A la muerte de van Orley en 1541, Coxie le sucedió como pintor oficial de la corte de la Regente María de Austria, para quien decoró el castillo de Binche. Posteriormente fue patrocinado por Carlos V, emperador del Sacro Imperio, por Felipe II de España y por Fernando Álvarez de Toledo, Duque de Alba.
Por aquél entonces también diseñó tapices para los telares de Bruselas. Muchos de los "tapices jagellonianos" fueron vendidos a Segismundo II Augusto para su castillo en Wawel. Coxie también puede haber diseñado los tapices para el Palacio Real de Madrid de Felipe II que representan episodios de la vida de Ciro II, basados en las escrituras de Herodoto.
Su estilo es una síntesis única de las tradiciones artísticas flamencas e italianas. Influenciado por Miguel Ángel, Da Vinci y Rafael, nunca olvidó su formación y formación flamenca. Era conocido como el el "Rafael flamenco".
Murió en 1592.
"El embarque en el arca de Noé / Embarkation of Noah's Ark" (detalle / detail)
Michiel Coxie also spelled van Coxcie or de Coxien, Latinised name Coxius, was a Flemish painter born in 1499 in Mechelen in the Duchy of Braban, who studied under Bernard van Orley, who probably induced him to visit the Italian peninsula.
Michiel Coxie studied in his early years in Rome (1532), where he painted the chapel of Cardinal Enckenvoirt in the church of Santa Maria dell'Anima; and Giorgio Vasari, who knew him, says with truth that he fairly acquired the manner of an Italian. But Coxie's principal occupation was designing for engravers; and the fable of Psyche in thirty-two sheets by Agostino Veneziano and the 'Master of the Die' are favorable specimens of his skill. He belonged to the inner circle of Michelangelo and not only learned the style of the renaissance master, he also studied the philosophy and art theory of the antiquity and Roman renaissance.
At van Orley's death in 1541 Coxie succeeded to the office of court painter to the Regent Maria of Austria, for whom he decorated the castle of Binche. He was subsequently patronized by Charles V, Holy Roman Emperor, by Philip II of Spain, and by Fernando Álvarez de Toledo, Duke of Alva.
At that time, Coxie also designed tapestries for the Brussels looms. Many of the 'Jagiellonian tapestries' were sold to Sigismund II Augustus for his castle on the Wawel. Coxie may also have designed the tapestries for Phillip II's Royal Palace of Madrid depicting episodes of the life of Cyrus II, based on the writing of Herodotus.
His style is a unique synthesis of the Flemish and Italian artistic traditions. Influenced by Michelangelo, Da Vinci and Raphaël, he never forgot his Flemish training and background. He was known as the 'Flemish Raphael'.
He died in 1592.
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Simon de Myle
"El arca de Noé en el monte Ararat / Noah's ark on the Mount Ararat"
Óleo sobre panel / oil on panel, 114 x 142 cm., 1570. Sotheby's
Esta es la única obra firmada por Simon Myle (está firmado y fechado "Simone de Myle inventor y fecit 1570") y es, por lo tanto, la única obra conocida que con seguridad fue hecha por su propia mano. Desafortunadamente, se sabe muy poco de la vida de Simon de Myle. Puede provenir de la familia Van der mijl (también escrito Myle, o Meijl o Meyle) del sur de Holanda. El nombre de esta familia está íntimamente relacionado con la mansión "De Mijl" cerca de Dordrecht, cuyo primer propietario conocido fue Heijnrik Claasz van der Mijl.
El estilo de pintura de Simon de Myle confirma sus presuntos orígenes septentrionales. Recuerda a los manieristas flamencos, especialmente aquellos influenciados por la pintura italiana, muchos de los cuales visitaron la misma Italia. Devolvieron al norte el gusto por las formas clásicas tanto en la configuración arquitectónica de sus pinturas como en las proporciones esculturales y alargadas de sus figuras.
Esta imagen es notable por su calidad, estado de conservación y la originalidad de su diseño. De hecho generalmente se daba preferencia a la representación de la Construcción del arca, o a la Entrada de los animales en el arca, el Diluvio o la Embriaguez de Noé. En la segunda mitad del siglo dieciséis y hasta el diecisiete, la Entrada de los animales al arca fue muy popular, ya que proporcionó un pretexto para la representación de diversas especies de animales en la tierra; ver, por ejemplo, el tratamiento de este tema de Jan Brueghel el Viejo en 1613 en el Museo Getty de Los Ángeles. De Myle ha elegido representar el desembarco de animales del arca después de quedar varada en el monte Ararat. Esto le dio a de Myle excelentes oportunidades para la representación de una variedad de criaturas maravillosas. Eric Mickeler, especialista en historia natural, nos ha informado sobre las fuentes potenciales de Myle para algunos de estos en 1570.
Gracias a la preocupación de De Myle por el realismo, un ornitólogo puede reconocer fácilmente a la Ara de Cuba, descubierta por Cristóbal Colón, extinguida desde el siglo XIX, así como también el pavo y el pato de Moscovia, ambos provenientes de América del Norte. Otros que vemos son las gallinas de Guinea, originarias de África, el pavo real de la India y un ibis que ya había sido representado en la civilización egipcia.
El animal que atrae la mayor atención es el rinoceronte. El artista se inspiró en el grabado de Albrecht Dürer (Alberto Durero), fechado en 1515, del rinoceronte presentado por el Sultán de Cambay al rey Manuel Primero de Portugal.
Aunque claramente se esforzó por representar a los animales en esta obra de manera realista, también representó una serie de bestias puramente míticas. Como señala Mickeler, hasta 1702, la gente realmente creía en la existencia de grifos, dragones y unicornios, y por eso en 1570 era natural que Myle los incluyera en su descripción del arca de Noé. Según la leyenda, la unicornio había rechazado la invitación de Noé para subir al Arca porque se sentía lo suficientemente fuerte como para soportar el diluvio solo. Nadó durante cuarenta días. El último día, cuando las aguas comenzaron a retroceder, un águila se posó sobre su cuerno. El peso del ave fue demasiado para la unicornio exhausta, que se ahogó. Sin duda, Myle no estaba al tanto de esta leyenda popular, de lo contrario uno se pregunta si habría representado al unicornio a bordo del arca. Sotheby's
"El arca de Noé en el monte Ararat / Noah's ark on the Mount Ararat" (detalle / detail)
This is the only known signed work by Simon Myle (it is signed and dated "Simone de Myle inventor and fecit 1570") and is thus the only known work certain to be from his hand. Unfortunately only very little is known of the life of Simon de Myle. He may be from the family Van der mijl (also written Myle, or Meijl or Meyle) from the south of Holland. The name of this family is intimately linked to the mansion " De Mijl" near Dordrecht, whose first known owner was Heijnrik Claasz van der Mijl.
Simon de Myle's style of painting confirms his presumed northern origins. It recalls the Flemish mannerists, especially those influenced by Italian painting, many of whom visited Italy itself. They brought back to the north a taste for classical forms in both the architectural settings of their paintings and the sculptural and elongated proportions of their figures.
This picture is remarkable for its quality and state of conservation and the originality of its design. Indeed, preference was usually given to the representation of the Construction of the ark, or to the Entrance of the animals into the ark, the Flood or of the Drunkenness of Noah. In the second half of the sixteenth century and into the seventeenth the Entrance of the animals into the ark was very popular for it provided a pretext for the portrayal of diverse animal species on earth; see for example Jan Brueghel the Elder's 1613 treatment of this subject in the Getty Museum in Los Angeles. De Myle has chosen to represent the disembarkation of animals from the ark after its running aground on Ararat. This gave de Myle no less opportunity for the depiction of a variety of wonderful creatures. Eric Mickeler, specialist in natural history, has informed us about de Myle's potential sources for some of these in 1570.
Thanks to de Myle's concern for realism, an ornithologist can easily recognize the Ara of Cuba, discovered by Christopher Columbus, which has been extinct since the 19th century, as well as the turkey and the Muscovy duck, both of which came from North America. Others we see are the guinea fowl, which is native to Africa, the peacock from India and an ibis which had already been represented in Egyptian civilization.
The animal that attracts the most attention is the rhinoceros. The artist was inspired by the engraving by Albrecht Dürer, dated 1515, of the rhinoceros presented by the Sultan of Cambay to the King Manuel the first of Portugal.
Although he was clearly at pains to realistically depict the animals in this work, Simon Myle also represented a number of purely mythical beasts. As Mickeler points out, until 1702, people truly believed in the existence of griffins, dragons and unicorns, and thus in 1570 it was natural for Myle to include them in his depiction of Noah's ark. According to legend the unicorn had declined Noah's invitation to climb aboard the Ark because she felt strong enough to cope with the deluge alone. She swam for forty days. On the last day, when the waters began to recede, an eagle landed on her horn. The weight of the bird proved too much for the exhausted unicorn, which drowned. No doubt Myle was unaware of this popular legend, otherwise one wonders whether he would have represented the unicorn on board the ark. Sotheby's
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Charles Willson Peale
Charles Willson Peale fue un pintor, soldado, científico, inventor, político y naturalista estadounidense nacido en 1741 en Chester, condado de Queen Anne, Maryland. Es recordado por sus pinturas de retratos de las principales figuras de la Revolución Americana, y por establecer uno de los primeros museos en los Estados Unidos.
Al descubrir que tenía talento para la pintura, especialmente el retrato, estudió durante un tiempo con John Hesselius y John Singleton Copley. John Beale Bordley y sus amigos eventualmente reunieron suficiente dinero para que él viajara a Inglaterra, para recibir instrucciones de Benjamin West. Peale estudió con West duranter tres años a partir de 1767, luego de lo cual regresó a Estados Unidos y se estableció en Annapolis, Maryland. Allí enseñó pintura a su hermano menor, James Peale, quien con el tiempo también se convirtió en un artista notable.
El entusiasmo de Peale por el naciente gobierno nacional lo llevó en 1776 a la capital, Filadelfia, donde pintó retratos de notables estadounidenses y visitantes del extranjero.
También reclutó tropas para la Guerra de la Independencia y finalmente ganó el rango de capitán en la milicia de Pensilvania en 1776, después de haber participado en varias batallas. Mientras estaba en el campo, continuó pintando, haciendo retratos en miniatura de varios oficiales en el Ejército Continental. Produjo versiones ampliadas de estos en años posteriores.
Peale tenía un gran interés en la historia natural y organizó la primera expedición científica de los Estados Unidos en 1801. Estos dos intereses principales se combinaron en su fundación de lo que se convirtió en el Museo de Filadelfia, más tarde conocido como el Museo Estadounidense de Peale. Albergaba una colección diversa de especímenes botánicos, biológicos y arqueológicos, y fue uno de los primeros en adoptar la taxonomía Linnaean. Este sistema marcó un contraste singular entre el museo de Peale y sus competidores, que presentaban sus artefactos como misteriosas rarezas del mundo natural.
Hombre renacentista, Peale tenía experiencia no solo en la pintura, sino también en muchos campos diversos, incluidos la carpintería, la odontología, la optometría, la fabricación de calzado y la taxidermia.
Murió en 1827.
"Noé y su arca / Noah and his Ark", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102,2 x 127,6 cm., 1819
Pennsylvania Academy of the Fine Arts (PAFA) (Philadelphia, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons
La pintura de Peale es una copia de una obra perdida de un artista inglés. En una carta escrita en 1819, Peale describió la pintura original, señalando que su variedad de especies exóticas se asemejaba más a un zoológico que la ordenada combinación de animales descrita en Génesis. Peale también vio a Noé, quien se arrodilla en primer plano rodeado de su familia y criaturas, como un símbolo del amor parental. Patriarca de una gran familia, Peale se había retirado a su finca de campo en el momento de esta pintura. Allí, como Noé, se convirtió en un cultivador de la tierra, rodeado de sus viñedos.
Peale’s painting is a copy of a lost work by an English artist. In a letter written in 1819 Peale described the original painting, noting that its variety of exotic species resembled a zoo more than the orderly pairing of animals described in Genesis. Peale also viewed Noah, who kneels in the foreground surrounded by family and creatures, as a symbol of parental love. The patriarch of a large family, Peale had retired to his country estate by the time of this painting. There, like Noah, he became a tiller of the soil, surrounded by his vineyards.
"Noé y su arca / Noah and his Ark" (detalle / detail)
Charles Willson Peale was an American painter, soldier, scientist, inventor, politician and naturalist born in 1741 in Chester, Queen Anne's County, Maryland. He is best remembered for his portrait paintings of leading figures of the American Revolution, and for establishing one of the first museums in the United States.
Finding that he had a talent for painting, especially portraiture, Peale studied for a time under John Hesselius and John Singleton Copley. John Beale Bordley and friends eventually raised enough money for him to travel to England to take instruction from Benjamin West. Peale studied with West for three years beginning in 1767, afterward returning to America and settling in Annapolis, Maryland. There, he taught painting to his younger brother, James Peale, who in time also became a noted artist.
Peale's enthusiasm for the nascent national government brought him to the capital, Philadelphia, in 1776, where he painted portraits of American notables and visitors from overseas.
He also raised troops for the War of Independence and eventually gained the rank of captain in the Pennsylvania militia by 1776, having participated in several battles. While in the field, he continued to paint, doing miniature portraits of various officers in the Continental Army. He produced enlarged versions of these in later years.
Peale had a great interest in natural history, and organized the first U.S. scientific expedition in 1801. These two major interests combined in his founding of what became the Philadelphia Museum, later known as Peale's American Museum. It housed a diverse collection of botanical, biological, and archaeological specimens. The museum was among the first to adopt Linnaean taxonomy. This system drew a stark contrast between Peale's museum and his competitors who presented their artifacts as mysterious oddities of the natural world.
A Renaissance man, Peale had expertise not only in painting but also in many diverse fields, including carpentry, dentistry, optometry, shoemaking, and taxidermy
He died in 1827.
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Edward Hicks
"El arca de Noé / Noah's Ark"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66,8 x 77,1 cm., 1846. Wikimedia Commons
Philadelphia Museum of Art (Pensilvania, EE.UU./ Pennsylvania, USA)
Edward Hicks, pintor popular estadounidense y distinguido ministro religioso de la Sociedad de Amigos (también conocido como "Cuáqueros"), nacido en 1780 en la mansión de su abuelo en Attleboro (ahora Langhorne), en el condado de Bucks, Pennsylvania. Se convirtió en un ícono cuáquero por sus pinturas.
A los trece años Hicks comenzó un aprendizaje con los fabricantes de carrozas William y Henry Tomlinson. Se quedó con ellos durante siete años, durante los cuales aprendió el oficio de pintura de carrozas.
En 1812 su congregación lo registró como ministro, y en 1813 comenzó a viajar por toda Filadelfia como predicador cuáquero. Para cubrir los gastos de viaje y para el apoyo de su familia en crecimiento, Hicks decidió expandir su oficio pintando objetos domésticos y equipos agrícolas, así como letreros de tabernas. Su trabajo de pintura fue lucrativo, pero molestó a algunos en la comunidad cuáquera, porque contradecía las costumbres simples que respetaban.
Alrededor de 1820 hizo la primera de sus muchas pinturas de The Peaceable Kingdom / El Reino Pacífico. Las pinturas de caballete de Hicks a menudo estaban hechas para la familia y amigos, no para la venta, y la pintura decorativa seguía siendo su principal fuente de ingresos.
Las creencias cuáqueras prohibían una vida suntuosa o tener cantidades excesivas de objetos o materiales. Incapaz de mantener su trabajo como predicador y pintor al mismo tiempo, Hicks se pasó a la pintura, y utilizó sus lienzos para transmitir sus creencias. No estaba confinado por las reglas de su congregación, y podía expresar libremente lo que la religión no podía: la concepción humana de la fe.
Aunque no se considera una imagen religiosa, el Reino Pacífico de Hicks ejemplifica los ideales cuáqueros. Pintó 62 versiones de esta composición. Los animales y los niños están tomados de Isaías 11: 6-8 (también se hizo eco de Isaías 65:25), incluido el león comiendo paja con el buey. Hicks utilizó sus pinturas como una forma de definir su interés central, que era la búsqueda de un alma redimida. Este tema también fue de una de sus creencias teológicas.
La primera gran exposición de Edward Hicks tuvo lugar en 1860 en Williamsburg, Virginia.
Las obras de Hicks muestran similitudes entre pintura y la pintura. Tranquilidad y paz, en lugar de acción abrupta, caracterizan sus composiciones. Muchas de las formas y diseños en su obra parecen ser orgánicos, fluidos y suaves.
Murió en 1849.
"El arca de Noé / Noah's Ark" (detalle / detail)
Edward Hicks, American folk painter and distinguished religious minister of the Society of Friends (aka "Quakers"), born in 1780 in his grandfather's mansion at Attleboro (now Langhorne), in Bucks County, Pennsylvania. He became a Quaker icon because of his paintings.
At the age of thirteen Hicks began an apprenticeship to coach makers William and Henry Tomlinson. He stayed with them for seven years, during which he learned the craft of coach painting.
In 1812 his congregation recorded him as a minister, and by 1813 he began traveling throughout Philadelphia as a Quaker preacher. To meet the expenses of traveling, and for the support of his growing family, Hicks decided to expand his trade to painting household objects and farm equipment as well as tavern signs. His painting trade was lucrative, but it upset some in the Quaker community, because it contradicted the plain customs they respected.
Around 1820, Hicks made the first of his many paintings of The Peaceable Kingdom. Hicks' easel paintings were often made for family and friends, not for sale, and decorative painting remained his main source of income.
Quaker beliefs prohibited a lavish life or having excessive quantities of objects or materials. Unable to maintain his work as a preacher and painter at the same time, Hicks transitioned into a life of painting, and he used his canvases to convey his beliefs. He was unconfined by rules of his congregation, and able to freely express what religion could not: the human conception of faith.
Although it is not considered a religious image, Hicks' Peaceable Kingdom exemplifies Quaker ideals. Hicks painted 62 versions of this composition. The animals and children are taken from Isaiah 11:6–8 (also echoed in Isaiah 65:25), including the lion eating straw with the ox. Hicks used his paintings as a way to define his central interest, which was the quest for a redeemed soul. This theme was also from one of his theological beliefs.
Edward Hicks' first major exhibition took place in 1860 at Williamsburg, Virginia.
Hicks' works display similarities from painting to painting. Calmness and peace, rather than abrupt action, characterize Hicks' compositions. Many of the shapes and forms in his work appear to be organic, flowing and soft.
He died in 1849.
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Filippo Palizzi
"Dopo il Diluvio / Después del diluvio: la salida de los animales del arca /
After The Flood: the Exit of the Animals from the Ark"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93,4 x 78,7 cm. Christie's
La presente pintura es una de las dos reducciones autógrafas de una obra ejecutada por Filippo Palizzi en 1863 para el rey Victor Emmanuel II. La versión original y más grande fue exhibida en la Exposición Universal de París en 1867 y luego donada por el Rey al Museo di Capodimonte, Nápoles. El otro autógrafo y una reducción mayor del presente tema fue encargado por un coleccionista privado francés después de la aclamación recibida por el prototipo y su posterior adquisición por parte del Rey y se vendió en Christie's London en 2011 (ver más abajo). Una tercera pintura, de tamaño similar al presente trabajo, pero solo atribuida al artista, se encuentra en la Galería de Arte Falmouth en Cornualles.
El ferviente naturalismo del artista se demuestra por su capacidad para representar con precisión tanto la anatomía como el carácter de los animales, aquí representados en una variedad de especies sin precedentes. La paleta de colores brillantes utilizada y el fantástico efecto dado por el arco iris realzan la riqueza de la presente composición. Christie's
"Dopo il Diluvio... / Después del diluvio... / After The Flood..." (detalle / detail)
The present painting is one of two autograph reductions of a work executed by Filippo Palizzi in 1863 for King Victor Emmanuel II. The original and larger version was exhibited at the Exposition Universelle in Paris in 1867 and then donated by the King to the Museo di Capodimonte, Naples. The other autograph and larger reduction of the present subject was commissioned by a French private collector after the acclaim received by the prototype and its subsequent acquisition by the King and was sold at Christie’s London in 2011 (see below). A third painting, of similar size to the present work, but only attributed to the artist, is in the Falmouth Art Gallery in Cornwall.
The artist’s fervent naturalism is demonstrated by his ability to accurately render both the anatomy and character of the animals, here represented in an unprecedented variety of species. The bright colour palette used and the fantastic effect given by the rainbow enhance the richness of the present composition. Christie's
"Dopo il Diluvio / Después del diluvio: la salida de los animales del arca /
After The Flood: the Exit of the Animals from the Ark"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 104,5 x 150,5 cm., 1867. Christie's
La composición de Palizzi rompe con las representaciones tradicionales del Diluvio. Aunque el tema del Arca de Noé fue popular en la historia del arte, particularmente en Flandes y Holanda en el siglo XVII, el tratamiento de Palizzi es mucho más realista en su naturaleza, centrándose en las cualidades desnudas y estériles de un paisaje postapocalíptico, más que un paraíso como el Edén. Christie's
Palizzi's composition breaks with traditional representations of the Deluge. Although the theme of Noah's Ark was popular in the history of art, particularly in Flanders and Holland in the 17th century, Palizzi's treatment of it is far more Realist in nature, focussing on the denuded and barren qualities of a post-apocalyptic landscape, rather than an Eden-like paradise. Christie's
"Dopo il Diluvio... / Después del diluvio... / After The Flood..." (detalle / detail)
"Dopo il Diluvio / Después del diluvio: la salida de los animales del arca /
After The Flood: the Exit of the Animals from the Ark"
Museo di Capodimonte (Italia / Italy)
Filipo Palizzi en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (LXXXIII)], [Aniversarios (CLXXXII)]
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Nathaniel Currier & James Merritt Ives
Currier e Ives fue una exitosa firma estadounidense de grabados dirigida por Nathaniel Currier (1813-1888) y James Merritt Ives (1824-1895), con sede en la ciudad de Nueva York desde 1834 hasta 1907. La prolífica firma produjo grabados de pinturas de artistas plásticos como litografías en blanco y negro que eran coloreadas a mano. Las impresiones litográficas se podían reproducir rápidamente y se podían comprar a bajo precio. La empresa se autodenominaba "el Grand Central Depot para grabados baratos y populares" y anunciaba sus litografías como "grabados coloreados para la gente". La firma de Currier e Ives estuvo en operación desde 1857 hasta 1907.
Currier and Ives was a successful American printmaking firm headed by Nathaniel Currier (1813–1888) and James Merritt Ives (1824–1895) based in New York City from 1834 to 1907. The prolific firm produced prints from paintings by fine artists as black and white lithographs that were hand colored. Lithographic prints could be reproduced quickly and purchased inexpensively, and the firm called itself "the Grand Central Depot for Cheap and Popular Prints" and advertised its lithographs as "colored engravings for the people". The firm of Currier and Ives was in operation from 1857-1907.
"El arca de Noé / Noah's Ark"
Editor / Publisher: Currier & Ives
(Estados Unidos, activo en Nueva York / American, active New York, 1857 - 1907)
Litografía coloreada a mano / hand-colored lithograph, 21,6 x 35,2 cm., 1874-78
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
Nathaniel Currier nació en 1813 en Roxbury, Massachusetts. A los quince años comenzó lo que se convirtió en su carrera de toda la vida, cuando comenzó como aprendiz en la tienda de litografía de Boston de William y John Pendleton. Las primeras litografías de Currier se publicaron bajo el nombre de Stodart & Currier, como resultado de la sociedad que creó en 1834 con un grabador local de Nueva York llamado Stodart. En 1835 creó una litografía que ilustraba un incendio que arrasó el distrito financiero de la ciudad de Nueva York. La impresión de Merchant's Exchange vendió miles de copias en cuatro días. Currier se dio cuenta de que había un mercado para las noticias actuales, por lo que realizó en varias copias más de desastres y otras litografías de bajo costo que ilustraban eventos locales y nacionales.
El nombre Currier & Ives apareció por primera vez en 1857, cuando Currier invitó al contable James Merritt Ives (1824-95) a convertirse en su socio. Ives nació en 1824 en la ciudad de Nueva York. Nathaniel Currier pronto notó la dedicación de Ives a su negocio, y su conocimiento artístico y visión de lo que el público quería. El joven se convirtió rápidamente en el gerente general de la empresa, manejando los aspectos financieros del negocio al modernizar la contabilidad, reorganizar el inventario y agilizar el proceso de impresión. Ives también ayudó a Currier a entrevistar a artistas y artesanos potenciales.
Al menos 7,500 litografías fueron publicadas en los 72 años de operación de la empresa. Los artistas produjeron de dos a tres nuevas imágenes cada semana durante 64 años (1834-1895), produciendo más de un millón de impresiones de litografías coloreadas a mano. Para los dibujos originales, Currier e Ives emplearon o utilizaron el trabajo de muchos artistas célebres del momento, incluidos James E. Buttersworth, Charles R. Parsons, George Inness, Thomas Nast, C.H. Moore y Eastman Johnson. Las estrellas de la firma fueron Arthur Fitzwilliam Tait, que se especializó en escenas deportivas, Louis Maurer, quien ejecutó escenas de género, George H. Durrie, que proporcionó escenas de invierno y Frances Flora Bond Palmer, a quien le gustaba hacer panoramas pintorescos del paisaje estadounidense, y que fue la primera mujer en los Estados Unidos en ganarse la vida como artista a tiempo completo.
"El arca de Noé / Noah's Ark" (detalle / detail)
Nathaniel Currier was born in 1813 in Roxbury, Massachusetts. At fifteen, he started what became a lifelong career when he apprenticed in the Boston lithography shop of William and John Pendleton. Currier's early lithographs were issued under the name of Stodart & Currier, a result of the partnership that he created in 1834 with a local New York printmaker named Stodart. In 1835, he created a lithograph that illustrated a fire sweeping through New York City's business district. The print of the Merchant's Exchange sold thousands of copies in four days. Currier realized that there was a market for current news, so he turned out several more disaster prints and other inexpensive lithographs that illustrated local and national events.
The name Currier & Ives first appeared in 1857, when Currier invited the company's bookkeeper and accountant James Merritt Ives (1824-95) to become his partner. Ives was born in 1824 in New York City. Nathaniel Currier soon noticed Ives's dedication to his business, and his artistic knowledge and insight into what the public wanted. The younger man quickly became the general manager of the firm, handling the financial side of the business by modernizing the bookkeeping, reorganizing inventory, and streamlining the print process. Ives also helped Currier interview potential artists and craftsmen.
At least 7,500 lithographs were published in the firm's 72 years of operation. Artists produced two to three new images every week for 64 years (1834-1895), producing more than a million prints by hand-colored lithography. For the original drawings, Currier & Ives employed or used the work of many celebrated artists of the day including James E. Buttersworth, Charles R. Parsons, George Inness, Thomas Nast, C.H. Moore, and Eastman Johnson. The stars of the firm were Arthur Fitzwilliam Tait, who specialized in sporting scenes; Louis Maurer, who executed genre scenes; George H. Durrie, who supplied winter scenes; and Frances Flora Bond Palmer, who liked to do picturesque panoramas of the American landscape, and who was the first woman in the United States to make her living as a full-time artist.
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Tom duBois
"La promesa / The Promise", 1997
Después de tres años de intenso estudio en la Academia Estadounidense de Arte en Chicago, y un año de aprendizaje en una gran casa de producción publicitaria en el corazón del centro de Chicago, Tom comenzó su carrera en 1980. Entrenado en lo esencial del dibujo del natural, ilustración, diseño y pintura, refinó su arte creando ilustraciones para varios clientes. Exploró y desarrolló una amplia gama de estilos y técnicas de ilustración.
Tom ahora trabaja en temas cristianos exclusivamente.Website
After three years of intense study at the American Academy of Art in Chicago, and a year of apprenticeship at a large advertisin production house in the heart of downtown Chicago, Tom began his career in 1980. Trained in the essentials of life drawing, illustration, design and painting, he refined his craft creating illustrations for various clients. He explorated and developed a wide range of illustration styles and techniques.
Tom now works on Christian themes exclusively. Website
"La invitación / The Invitation", 1998
La gente en todo Estados Unidos ha sido reintroducida a la historia del Arca de Noé con las vibrantes imágenes de duBois. En su serie de cuatro obras, cada pintura representa una escena diferente de la historia, que muestra el progreso del Arca. A pesar de su considerable éxito, es ante todo un trabajo de amor. La Promesa insumió casi un año de gestación. Tom no solo investigó la historia del Arca, sino que también cosió los trajes que usaban sus modelos. Viajó a varios zoológicos, incluidos los de San Diego, Chicago y Los Ángeles, para dibujar y fotografiar una variedad de animales. Su atención fiel al detalle es evidente, el espectador continuamente notará cosas nuevas, los detalles aparentemente insignificantes revelarán el conocimiento considerable, la fe y la habilidad involucrados en su creación. Link
People across America have been reintroduced to the story of Noah's Ark with duBois' vibrant images. A series of four, each painting depicts a different scene of the story, showing the Ark's progress. Despite it's considerable success, it is first and foremost a labor of love. The Promise was nearly a year in the making. Tom not only researched the story of the Ark, but sewed the costumes worn by his models. He traveled to several zoos, including those in San Diego, Chicago and Los Angeles, to sketch and photograph a variety of animals. His faithful attention to detail is evident, the viewer will continually notice new things, seemingly insignificant details will reveal the considerable knowledge, faith, and skill that went into their creation. Link
Detalles de "La promesa" y "La invitación" / Details of "The Promise" and "The Invitation"
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Mia Tavonatti
"El arca de Noé / Noah's Ark", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36"
© 2018 Mia Tavonatti & Svelata Foundation
Mia Tavonatti es una artista estadounidense con sede en Santa Ana, California.
Obtuvo su Bachiller y Máster en Bellas Artes de la Universidad Estatal de California en Long Beach, donde se especializó en Ilustración. Mia ha estudiado en París en la Sorbona, la Parsons School of Design, en el estudio del famoso impresionista francés Monsieur Relange, y en Italia y Grecia en numerosas ocasiones con pintores internacionales de la talla de Dominick Cretara, Johnny Cariachi y Demitri Mitsanas.
Durante su larga carrera ha exhibido extensamente en los Estados Unidos, Italia, Francia y Grecia. Su obra ha sido galardonada con premios anuales en el American Museum of Illustration de Nueva York y en la Sociedad de Ilustradores de Los Angeles en numerosas ocasiones.
Al principio de su carrera trabajó como ilustradora, creando el arte de más de veinte libros, de nueve de los cuales también es autora, y abarca más de sesenta libros de instrucción para adultos, jóvenes y de arte para editores como Walter Foster, Harcourt Brace, Simon Shuster y Troll Associates.
"El arca de Noé / Noah's Ark" (detalle / detail)
Mia Tavonatti is an American artist based in Santa Ana, California.
She earned her BFA and MFA from California State University Long Beach, where she majored in Illustration. Mia has studied in Paris at the Sorbonne, Parsons School of Design, in the studio of renowned French impressionist Monsieur Relange’, and in Italy and Greece numerous times with such renowned international painters as Dominick Cretara, Johnny Cariachi, and Demitri Mitsanas.
Over her long career, Mia has exhibited extensively in the US, Italy, France and Greece. Including having her work chosen annual award shows at the American Museum of Illustration in New York and the Los Angeles Society of Illustrators numerous times.
Earlier in her career, Mia worked as an Illustrator, creating the art for over twenty books, nine of which she has also authored, and covers for sixty plus young adult, children’s and art instructional books for publishers such as Walter Foster, Harcourt Brace, Simon Shuster and Troll Associates.
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Zachary Thomas Kincade
"El arca de Noé / Noah's Ark" (detalle / detail)
Zachary Thomas Kinkade, sobrino de Thomas Kinkade, es un artista estadounidense nacido en 1992, y ha sido un apasionado del arte durante toda su vida. Cuando tenía 11 años comenzó a participar y ganar concursos y muestras de arte nacionales y regionales. Decidiendo que el arte era su vocación, Zac presentó un portafolio a la Academia de Bellas Artes de Fort Worth y fue aceptado en la escuela en preparación para una capacitación universitaria formal en las artes. Durante este tiempo también asistió al Tarrant County College para estudiar arte y lo más significativo fue que comenzó a trabajar con su "Tío Thom" y aprendió en los estudios de Thomas Kinkade para explorar su propia visión estética.
Zac continuó con estas relaciones mientras asistía a la Universidad de Cornell en Ithaca, Nueva York, donde finalmente se graduó con honores de la prestigiosa Escuela de Arte y Arquitectura de esa academia. Durante los veranos en Ithaca, ilustró para la revista underground Kitch y en su tercer año fue reconocido por la Galería Le Bal en Francia, donde sus trabajos conceptuales sobre el tema "Guerra y belleza" fueron aceptados para su inclusión en su prestigiosa publicación anual La Topographies La Gurre.
De nuevo, siguiendo los pasos de su tío y al servicio de su propia vida como pintor, Zac ahora asiste a la Escuela de Diseño Art Center en Pasadena estudiando como su tío antes que él en esta universidad internacionalmente reconocida y altamente calificada. Zac ha tomado una posición como artista residente en los Estudios Thomas Kinkade y agregó su mano para terminar el trabajo y la visión de su tío y mentor, Thomas Kinkade, mientras crea su propio legado a lápiz y pincel. Aunque sus originales han sido buscados por los coleccionistas durante muchos años, comenzó a publicar su arte en un formato de edición limitada a partir de la primavera de 2015. Website
"El arca de Noé / Noah's Ark" (detalle / detail)
Zachary Thomas Kinkade, Thomas Kinkade’s nephew, is an American artist born in 1992, and has been passionate about art his entire life. Beginning when he was 11, Zachary began entering and winning national and regional art competitions and shows. Deciding that art was his calling, Zac submitted a portfolio to the Fort Worth Academy of Fine Art and was accepted to the school in preparation of formal university training in the arts. During this time, Zac also attended Tarrant County College to study art and most significantly began working with his “Uncle Thom” and apprenticing at the Thomas Kinkade Studios to explore his own aesthetic vision.
Zac continued these relationships while attending Cornell University in Ithaca, New York, where he eventually graduated with honors from that academy’s prestigious School of Art and Architecture. During the summers in Ithaca, he illustrated for the underground magazine Kitch and in his junior year was recognized by the Le Bal Gallery in France where his conceptual works on the theme of “War and Beauty” were accepted for inclusion into their prestigious annual publication La Topographies La Gurre.
Again, following in his uncle’s footsteps and in service of his own life as a painter, Zac now attends Art Center School of Design in Pasadena studying as his Uncle before him in this internationally known and highly ranked University. Zac has taken a position as a resident artist in the Thomas Kinkade Studios and added his hand toward finishing the work and vison of his uncle and mentor, Thomas Kinkade, all the while creating his own legacy with pencil and brush. While his originals have been sought after by collectors for many years, he began publishing his art in a limited edition format beginning in the spring of 2015. Website
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Steve Crisp
Steve Crisp es un artista británico educado a finales de los años setenta en el apogeo de la St. Martins School of Art de Londres, en un momento en que muchos jóvenes estudiantes se graduaban de la universidad con nuevos estilos e ideas. Steve es un excelente ejemplo de alguien que ha pasado por ese período convirtiéndose en un ilustrador galardonado, bien establecido, internacionalmente reconocido.
Con un amplio y diverso catálogo de trabajos, especialmente de los años ochenta y noventa, muchos de los cuales se han convertido en piezas de colección, Steve ha logrado adaptarse bien a las cambiantes necesidades de la ilustración, especialmente con la introducción de las técnicas digitales hace unos diez años.
Steve Crisp is a British artist educated around the late seventies in the heyday of St. Martins School of Art, London and at a time when many young students were graduating from college with new styles and ideas. Steve is a fine example of someone who has gone on from that period to become a well established, internationally known, award winning illustrator .
With a large and diverse catalogue of work especially from the eighties and nineties, many of which have become collectors pieces, Steve has managed to adapt well to the changing needs of illustration especially with the introduction of digital techniques ten years or so ago.
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Sasha Sokolova
Саши Соколовой
"El arca de Noé / Noah's Ark", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35,4" x 59,1" x 1,2", 2017
Nacida en Moscú en 1990 en una familia de artistas, Sasha Sokolova fue aceptada en la Escuela de Acuarela y Bellas Artes Sergey Andriyaki en Moscú a la edad de nueve años y ganó becas del fondo V. Spivakov y el Fondo Jóvenes Talentos. También ha realizado cursos de pintura al esmalte en miniatura.
En 2005 se graduó con honores y en 2015 completó una Maestría en Bellas Artes en el Instituto Gerasimov de Cinematografía. Después de la graduación, fue seleccionada como una de las artistas (la única de Rusia) para crear la primera película completamente pintada "Loving Vincent".
Además de exposiciones individuales en 2017, Sasha ha participado en varias exposiciones colectivas en Rusia y en el extranjero.
Sus obras se encuentran en colecciones privadas en todo el mundo, por ejemplo en Australia, Canadá, Estados Unidos, Gran Bretaña, España, Francia, Finlandia, Bélgica, Polonia y Rusia.
Sasha vive y trabaja entre Moscú y Barcelona.
"El arca de Noé / Noah's Ark" (detalle / detail)
Born in Moscow in 1990 into a family of artists, Sasha Sokolova was accepted into the Sergey Andriyaki School of Watercolour and Fine Arts in Moscow aged nine and won scholarships from the V. Spivakov fund and Young Talents Fund. She has also done courses in miniature enamel painting.
In 2005, she graduated with honours and in 2015 completed a Masters of Fine Arts at the Gerasimov Institute of Cinematography. After graduation she was selected as one of the artists to create the first fully painted feature film "Loving Vincent" and the only one from Russia.
Aside from solo exhibitions in 2017, Sasha has participated in various group exhibitions in Russia and abroad.
Her works are in private collections around the world, including Australia, Canada, United States, Great Britain, Spain, France, Finland, Belgium, Poland and Russia.
Sasha lives and works between Moscow and Barcelona.
