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El 12 de Mayo es el cumple de
Leslie Gill, fotógrafo estadounidense nacido en 1908, conocido como el padre de la fotografía moderna de naturaleza muerta. Leslie Gill elevó las imágenes editoriales a composiciones clásicas, convirtiéndose en una artista en el proceso.
Se graduó de la Escuela de Diseño de Rhode Island con honores en 1929 y estudió con el artista Charles Hawthorne. En plena Depresión, en 1932, fue contratado como director de arte de House Beautiful. Uno de sus primeros obstáculos fue encontrar un fotógrafo que pudiera traducir creativamente los artículos en imágenes para acompañarlos. Tomando el asunto en sus propias manos, adquirió su primera cámara y en tres años estaba haciendo fotografías que se publicaban en la revista. En 1936 abrió su propio estudio fotográfico e hizo portadas de revistas e imágenes editoriales para Harper's Bazaar y más tarde Life, McCall, Town & Country, Flair y Holiday. Sus habilidades técnicas llamaron la atención, y fue uno de los primeros en experimentar con películas en color de Kodak, luces estroboscópicas y la cámara Hasselblad.
"Viajes de Gulliver / Voyages de Gulliver"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 15 1/2" x 12 1/4", 1940
En 1948 se casó con Frances McLaughlin-Gill (1919-2014), por aquél entonces también una fotógrafa consumada. El trabajo de Leslie Gill aparecía en las páginas de Harper's Bazaar, y las fotografías de Frances McLaughlin-Gill lo hacían en Vogue. Ambos Gills aportaron una perspectiva nueva y muy necesaria a la fotografía editorial.
McLaughlin-Gill fue apreciada por su enfoque vívido, cinematográfico y espontáneo de la fotografía de modas, y por su mirada reflexiva de las vidas multifacéticas de las mujeres, única en ese momento.
Los Gill pasarían solo diez años juntos, ya que Leslie Gill murió tres meses después de que naciera su única hija, Leslie, en 1958.
En 1984 se inauguró una retrospectiva de las fotografías de Leslie en el Museo de Arte de Nueva Orleans. Su obra se encuentra en las colecciones del Museo de Arte de Cleveland y el Museo de Arte de Nueva Orleans, entre otros.
"Composición de estatua romana arrodillada / Composition of Statue of Roman Kneeling"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 13 1/4" x 10 1/2", c.1937
On May 12 is the birthday of
Leslie Gill, American photographer born in 1908, known as the father of modern still life photography. Leslie Gill elevated editorial images to classical compositions, becoming an artist in the process.
He graduated from the Rhode Island School of Design with honors in 1929 and studied with the artist Charles Hawthorne. In the midst of the Depression in 1932, he was hired as the art director of House Beautiful. One of his first obstacles was finding a photographer who could creatively translate the articles into images to accompany them. Taking matters into his own hands, he acquired his first camera and within three years was making photographs that were published in the magazine. In 1936, he opened his own photography studio and made magazine covers and editorial images for Harper’s Bazaar and later Life, McCall’s, Town & Country, Flair, and Holiday. His technical abilities attracted attention, and he was among the first to experiment with color film from Kodak, strobe lighting, and the Hasselblad camera.
"Cabeza de mujer / Head of Woman"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 16 3/8" x 13 5/8", c.1940s
In 1948 he married Frances McLaughlin-Gill (1919-2014), at that time also an accomplished photographer. Leslie Gill’s work was appearing in the pages of Harper’s Bazaar, and Frances McLaughlin-Gill’s photographs were in Vogue. Both Gills contributed a fresh and much needed new perspective to editorial photography.
McLaughlin-Gill was appreciated for her vivid, cinematic, and spontaneous approach to fashion photography, and her thoughtful reflections of the multifaceted lives of women, which was unique at the time.
The Gills would have just ten years together, as Leslie Gill died three months after their only child, Leslie, was born in 1958.
In 1984, a traveling retrospective of Leslie's photographs opened at the New Orleans Museum of Art. His work is in the collections of the Cleveland Museum of Art and the New Orleans Museum of Art, among others.
"Jardín de escultor / Garden of Sculptor, Elie Nadelman", Nueva York / NY, 1948
Copia Dye Transfer, impresa c.1983 / Dye transfer print, 22 3/4" x 19", printed c.1983. Ed.10
Elie Nadelman en "El Hurgador" / in this blog: [Sucedió en el museo (III, Anexo)]
El 13 de Mayo es el cumple de
Dmitry Nikolaevich Baltermants (Дмитрий Николаевич Бальтерманц), destacado periodista gráfico soviético nacido en 1912 en Varsovia, Polonia.
Su padre sirvió en el ejército imperial ruso y fue asesinado en la Primera Guerra Mundial.
"Dolor, Ucrania / Grief, Ukraine", copia a la gelatina de plata / gelatin silver print
Impresa en / printed 1960s, 29 x 39 cm., 1942. Atlas Gallery
Dmitry se graduó de la Universidad Estatal de Moscú. Planeaba convertirse en profesor de matemáticas en una Academia Militar, pero se enamoró de la fotografía y comenzó su carrera en el campo del fotoperiodismo en 1939. Era un fotógrafo oficial del Kremlin, trabajó para el diario Izvestia y fue editor de imágenes de la popular la revista Ogonyok.
Durante la Segunda Guerra Mundial cubrió la batalla de Stalingrado y las batallas del Ejército Rojo en Rusia y Ucrania. Fue herido dos veces.
Al igual que sus compañeros fotógrafos que cubrían las operaciones del Ejército Rojo durante la guerra, las imágenes de Baltermants siempre fueron censuradas por las autoridades soviéticas con el fin de seleccionar solo las que reflejaban los aspectos positivos del servicio para ayudar a elevar la moral. Algunas de sus fotos más cautivadoras fueron suprimidas, y se hicieron públicas mucho más tarde, en la década de 1960. Su trabajo ganó atención en Occidente, donde fue distribuido por la agencia Sovfoto.
"Prisioneros de guerra tras la batalla de Stalingrado /
War Prisoners after Stalingrad's Battle"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 19 x 57 cm., 1942. Atlas Gallery
Una de las imágenes más famosas, llamada "Grief", representa una masacre nazi de judíos en 1942 en la ciudad crimea de Kerch. Muestra el dolor de las mujeres del pueblo mientras buscan los cuerpos de sus seres queridos. Un poderoso cielo sobresaturado arriba, quemado durante la impresión de la foto, hace que la imagen sea aún más dramática. Murió en 1990.
"Siguiendo el ataque de un tanque / Following the Tank Attack"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 19 x 29 cm. Atlas Gallery
On May 13 is the birthday of
Dmitry Nikolaevich Baltermants (Дмитрий Николаевич Бальтерманц), prominent Soviet photojournalist born in 1912 in Warsaw, Poland.
His father served in the Imperial Russian Army and was killed in the First World War. He graduated from the Moscow State University.
"Combate nocturno / Night Battle"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 41 x 59 cm., 1942
Impresa en / printed 1960s. Atlas Gallery
Baltermants planned to become a math teacher in a Military Academy, but he fell in love with photography and began a career in the field of photojournalism in 1939. He was an official Kremlin photographer, worked for the daily Izvestia and was picture editor of the popular magazine Ogonyok.
During World War II, Baltermants covered the battle of Stalingrad, and the battles of the Red Army in Russia and Ukraine. He was twice wounded.
Just like his fellow photographers covering the Red Army during the war, Baltermants' images were always censored by Soviet authorities in order to select only the ones that reflected on the positive sides of service in order to help boost morale.
"Cerca de Stalingrado / Near Stalingrad"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 16 x 28 cm., 1941. Atlas Gallery
Some of his most captivating photos were suppressed, and became public much later, in the 1960s. His work gained attention in the West where it was distributed by the Sovfoto agency.
One of the more famous images, called "Grief", depicts a 1942 Nazi massacre of Jews in the Crimean city of Kerch. It shows the grief of village women as they search for the bodies of their loved ones. A powerful oversaturated sky above, burnt in during the printing of the photo, makes the image even more dramatic. This Image was used on the cover He died in 1990.
"Ataque / Attack", copia a la gelatina de plata / gelatin silver print
Impresa en / printed 1960s, 1941. Atlas Gallery
El 14 de Mayo es el cumple de
Charles Scott "Scotty" Welbourne, cineasta, director y fotógrafo estadounidense nacido en 1907 en Carolina del Norte.
Scotty era conocido en los círculos de Hollywood como "el chico más guapo de las fotos". Había rechazado repetidas ofertas para protagonizar frente a las cámaras, prefiriendo en cambio ser el hombre detrás de ellas. En un momento u otro, Scotty fotografió a prácticamente todas las personas que eran alguien en la Tinseltown de 1930, sin mencionar a las luminarias como el ex presidente de los Estados Unidos Calvin Coolidge.
Scotty Welbourne reemplazó a Elmer Fryer como jefe de departamento en Warner Bros. en 1941, fotografiando a muchas de las estrellas más nuevas del estudio, incluyendo a Lana Turner, Ann Sheridan, Ida Lupino, Humphery Bogart y Alexis Smith, así como a Marlene Dietrich y Merle Oberon. (Durante el rodaje de "Fools for Scandal / Escándalos de amor" (1938), tomó 686 fotos de Carole Lombard en un día).
"Ann Sheridan", fines de / late 1930s. Heritage Auctions
Welbourne trabajó en Warner en la década de 1940, tomando fotos de estrellas del estudio como Jane Wyman y Bette Davis.
Sin embargo, los aficionados al cine pueden conocer mejor a Welbourne por su trabajo en el género del horror de los años 50: manejó la fotografía de las secuencias bajo el agua para la joya en 3D de 1955 "Revenge Of The Creature / El regreso del monstruo" del director Jack Arnold. Ricou Browning, quien vestía el traje de hombre con branquias cuando se filmó bajo el agua, "El camarógrafo, Scotty Welbourne, también hizo algo de dirección debajo del agua. Construyó las carcasas para las dos cámaras 3-D, que estaban colocadas una al lado de la otra, y se inundaron dos veces, y tuvieron que ser revisadas de la noche a la mañana para tenerlas listas para el día siguiente".
"Humphrey Bogart"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 49,2 x 39 cm., 1939. Christie's
Humphrey Bogart en "El Hurgador" / in this blog: [Jason Seiler (Ilustración, Caricatura)]
Welbourne creía que el uso adecuado de la luz y la sombra era la respuesta a la mayoría de los problemas del fotógrafo y que "la fotografía o el fotógrafo nunca deben eclipsar el tema en importancia, [pero] siempre deben tener una importancia secundaria para la estrella". Welbourne dejó Warner Bros. en 1945 para establecer, con Madison Lacy y el ex fotógrafo publicitario de MGM Bud Graybill, el departamento de foto fija de Enterprise Productions, una productora de corta duración que hizo tres o cuatro películas, entre ellas "Arch of Triumph / Arco de Triunfo" (1948).
A menudo fue fotógrafo no acreditado en películas como "Public Enemy / Enemigo público", "The Sound and the Fury / El ruido y la furia" y "The Creature From the Black Lagoon / La criatura de la Laguna Negra".
Murió en 1979.
"Lauren Bacall", 1945. Link
Lauren Bacall en "El Hurgador" / in this blog: [Jason Seiler (Ilustración, Caricatura)]
On May 14 is the birthday of
Charles Scott "Scotty" Welbourne, American cinematographer, director and photographer born in 1907 in North Carolina.
Scotty was known in Hollywood circles as "the best looking guy out of pictures". He had spurned repeated offers to star in front of the cameras, preferring instead to be the man behind them. At one time or other, Scotty photographed practically everyone who was anyone in 1930's tinseltown, not to mention such luminaries as former U.S. president Calvin Coolidge.
Scotty Welbourne replaced Elmer Fryer as department head at Warner Bros. in 1941, photographing many of the studio's newer stars, including Lana Turner, Ann Sheridan, Ida Lupino, Humphery Bogart, and Alexis Smith, as well as Marlene Dietrich and Merle Oberon. (During the shooting of "Fools for Scandal" (1938), he took 686 pictures of Carole Lombard in one day.)
Welbourne worked at Warners into the 1940s, taking photos of studio stars such as Jane Wyman and Bette Davis.
"Ida Lupino", 1941. Reddit
However, movie buffs may best know Welbourne for his work in the 1950s horror genre -- he handled photography of the underwater sequences for director Jack Arnold's 1955 3-D gem "Revenge Of The Creature." Recalled Ricou Browning, who was in the gill man's suit when filming took place underwater, "The cameraman, Scotty Welbourne, also did some directing under the water. He built the housings for the two 3-D cameras, which were placed beside each other, and they flooded twice, and had to be overhauled overnight to have them ready to go the next day.”
Welbourne believed that the proper use of light and shadow was the answer to most of the photographer's problems and that "the photograph or the photographer must never overshadow the subject in importance [but] must always be of secondary importance to the star." Welbourne left Warner Bros. in 1945 to set up, with Madison Lacy and former MGM publicity photographer Bud Graybill, the stills department at Enterprise Productions, a short-lived production company that made three or four films, among them "Arch of Triumph"(1948).
He was often a uncredited still photographer for films such as "Public Enemy,""The Sound and the Fury," and "The Creature From the Black Lagoon."
He died in 1979.
El 15 de Mayo es el cumple de
Niccolo Cosme, fotógrafo conceptual filipino nacido en 1980 en Cavite, con sede en Manila. Su padre es Caesar Colet Cosme, escritor y director de televisión.
Comenzó su carrera en el campo de la fotografía en 2001. Siempre le han fascinado los significados, los simbolismos y la iconografía cristiana, que está presente en la mayoría de sus obras conceptuales y comerciales. Uno de sus temas favoritos, inspirado en gran medida por el dolor y la tristeza, que se traduce en una bella y convincente obra de arte, la Inició The Project Headshot Clinic, un pequeño proyecto que nació por curiosidad, en 2007. Hoy en día se ha convertido en un gran concepto que combina fotos de perfil en línea con publicidad para promover el conocimiento de campañas y anuncios. El Project Headshot Clinic se vinculó con empresas / organizaciones, como ONUSIDA, otras agencias de la ONU, Save The Children, etc., y ha realizado proyectos en otros países del sudeste asiático y los Estados Unidos.
También fue cofundador de la campaña The Red Whistle en 2011, una respuesta de la comunidad a la alarmante situación del VIH y el SIDA en Filipinas, donde colabora con diferentes organizaciones de la sociedad civil y organizaciones no gubernamentales para promover esta causa. Niccolo es también un gran defensor de los derechos LGTB y de varios proyectos relacionados con el medio ambiente en Filipinas. Él considera el activismo como parte integral de sí mismo como artista y como humanitario. El mismo año fue aclamado "Pionero por la vida" por "Go Forth" de Levi's (la campaña global de Levi's) en Filipinas.
En 2011 encabezó la séptima edición del Concurso de Imágenes Asiático-Pacífico Afiliado de Fotógrafos Profesionales de América (PPA) en Seúl, Corea, con su obra "La Hermandad de los Hombres". Obtuvo un puntaje total de 91, lo que lo convirtió en el primer premio entre más de 400 entradas de diferentes países que incluían Australia, Nueva Zelanda, China, Japón y Corea.
En febrero de 2012 estuvo entre los 32 ganadores de los Premios Ani ng Dangal (Cosecha de honores) de la Comisión Nacional de Cultura y Artes, Filipinas. El mismo año, su obra de arte "The Trials" de su colección "Resplendor" se envió a la galería de Arte por el SIDA de ONUSIDA (Programa de las Naciones Unidas para el VIH / SIDA) para su exposición permanente en Ginebra, Suiza.
On May 15 is the birthday of
Niccolo Cosme, Philippine conceptual photographer born in 1980 in based in Cavite, based in Manila. His father is Caesar Colet Cosme, a television writer and director.
He started his career in the field of photography in 2001. He has always been fascinated with meanings and symbolisms and in Christian iconography, which is present in most of his conceptual and some commercial works. Greatly inspired by pain and sorrow, which is translated into a beautiful and compelling work of art, the Mater Dolorosa — or the Sorrowful Virgin Mary — is one of his favorite subjects. Recognized by many for his obvious talent, Niccolo has worked on different campaigns in the Philippines and abroad.
Niccolo initiated The Project Headshot Clinic, a small project born out of curiosity, in 2007. Today, it has grown into a big concept that merges online profile photos with advertising to promote awareness on campaigns, advertisements, and advocacies. The Project Headshot Clinic has tied up with companies/organizations, such as UNAIDS, other UN agencies, Save The Children etc. and has accomplished projects in other countries around South East Asia and the USA.
He also co founded The Red Whistle campaign in 2011, a community response to the alarming situation of HIV and AIDS in the Philippines where he collaborate with different civil society and nongovernment organizations to further this cause. Niccolo is also a great supporter of LGBT rights and various projects involving the environment in the Philippines. He considers activism an integral part of himself as an artist and as a humanitarian. On the same year he was hailed “Pioneer for life” for Levi’s “Go Forth” (Levi’s global campaign) in the Philippines.
In 2011, Niccolo Cosme topped the 7th annual Professional Photographers of America (PPA) Affiliate Asian-Pacific Image Competition in Seoul, Korea with his artwork, The Brotherhood of Men. It garnered a total score of 91, making it first prize among more than 400 entries from different countries that included Australia, New Zealand, China, Japan, and Korea.
In February 2012, he was among the 32 recipients of the Ani ng Dangal Awards (Harvest of Honors) by the National Commission on Culture and the Arts, Philippines. On the same year his artwork “The Trials” from his Resplendor collection was sent to the UNAIDS (United Nations Programme for HIV/AIDS) Arts for AIDS gallery for permanent display in Geneva Switzerland.
El 16 de Mayo es el cumple de
Aleksandras Macijauskas, fotógrafo lituano nacido en Kaunas en 1938.
Como fotógrafo del equipo de Evening News (Vakariniu naujienu) en 1967, comenzó a tomar una serie de fotografías que representan la vida diaria en las pequeñas ciudades lituanas. La primera serie que creó fue sobre los mercados de las aldeas, documentados durante un período de dieciocho años. Con el tiempo amplió su enfoque a funerales, clínicas veterinarias y otras escenas de actividades cotidianas.
Macijauskas desarrolló un enfoque estilístico en el que combinó principios de vanguardia temprana, como el uso de ángulos diagonales y formas geométricas, con vistas cercanas de sus sujetos. Su uso de una lente de ángulo ancho creó puntos de vista en los que la cámara parecía siempre presente y los acontecimientos diarios ordinarios se convirtieron en escenas dramáticas. El marco íntimo y los múltipes ángulos crearon una dinámica en la que el observador es arrastrado hacia la imagen y el espectador ocasional se convierte en un participante activo de la escena fotográfica.
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"El el mercado Nº 123 / In the Market #123. International Center of Photography
A lo largo de los años, el trabajo de Macijauskas ha estado presente en una serie de exposiciones colectivas e individuales, en instituciones como el Museo de Bellas Artes, Museo de Nuevo México, Santa Fe, Aperture Gallery, Nueva York, y la Bibliothèque Nationale, de París, entre otros. Ciento cinco de sus obras forman parte de la Colección de Fotografía del Centro Internacional de Fotografía.
Claartje van Dijk
On May 16 is the birthday of
Aleksandras Macijauskas, Lithuanian photographer born in Kaunas in 1938.
As a staff photographer for the Evening News (Vakariniu naujienu) in 1967, he started a series of photographs depicting daily life in small Lithuanian towns. The first series he created were of village markets, documented over a period of eighteen years. Over time he expanded his focus to funerals, veterinary clinics, and other scenes of day-to-day activities.
Macijauskas developed a stylistic approach in which he combined early avant-garde principles, such as the use of diagonal angles and geometric forms, with close-up views of his subjects. His use of a wide-angled lens created viewpoints in which the camera seemed ever-present and ordinary daily events turned into dramatic scenes. The intimate and multiangled frame created a dynamic where the observer was drawn towards the image and the casual viewer turned into an active participant of the photographic scene.
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"El el mercado Nº 29 / In the Market #29". International Center of Photography
Throughout the years, Macijauskas’ work has been on view in a range of group and solo exhibitionsat institutions including the Museum of Fine Arts; Museum of New Mexico, Santa Fe; Aperture Gallery, New York; and Bibliothèque nationale, Paris, among others. One hundred and five of his works are part of the Photography Collection at the International Center of Photography.
Claartje van Dijk
El 17 de Mayo es el aniversario de
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"Cinta de tela escocesa / Tartan Ribbon", 1861. Wikimedia Commons
Escaneada de "Historia ilustrada de la fotografía en color /
Scanned from The Illustrated History of Colour Photography, Jack H. Coote, 1993. ISBN 0-86343-380-4.
On May 17 is the anniversary of
la presentación de la primera fotografía en color en la Royal Institution, por parte del físico escocés Sir James Clark Maxwell.
el físico escocés James Clerk Maxwell presentó la primera fotografía en color en la Royal Institution. La fotografía mostraba una banda de tela escocesa y fue hecha por Thomas Sutton de acuerdo con el método de tres colores propuesto por Maxwell ya en 1855.
El método de los tres colores, que es la base de prácticamente todos los procesos de color prácticos, ya sean químicos o electrónicos, se sugirió por primera vez en un artículo de 1855 sobre la visión del color por Maxwell. Se basa en la teoría de Young-Helmholtz de que el ojo humano normal percibe el color porque la retina está cubierta con millones de células cónicas entremezcladas de tres tipos diferentes: en teoría, un tipo es el más sensible al final del espectro que llamamos "rojo", otro es más sensible a la región media o "verde", y un tercero que es más fuertemente estimulado por el "azul". Los colores nombrados son divisiones un tanto arbitrarias impuestas en el espectro continuo de la luz visible, y la teoría no es una descripción totalmente precisa de la sensibilidad del cono. Sin embargo coincide lo suficiente con las sensaciones experimentadas por el ojo de que cuando se usan estos tres colores, los tres tipos de conos se estimulan de manera adecuada y desigual.
La primera fotografía en color (duradera) realizada según la prescripción de Maxwell, un conjunto de tres "separaciones de color" monocromáticas, fue tomada por Thomas Sutton (quien más tarde inventó la cámara réflex de lente única y la primera lente gran angular), en 1861, para ser utilizada como ilustración de una conferencia sobre el color dictada por Maxwell. Éste hizo que Sutton fotografiara una banda de tela escocesa tres veces, cada vez con un filtro de color diferente (rojo, verde y azul-violeta) sobre la lente. Las tres fotografías se revelaron, se imprimieron en vidrio y luego se proyectaron en una pantalla con tres proyectores diferentes, cada uno equipado con el mismo filtro de color utilizado para fotografiarla. Cuando se superponen en la pantalla, las tres imágenes forman una imagen a todo color. Durante su conferencia, que trataba de física y fisiología, no de fotografía, Maxwell comentó acerca de la insuficiencia de los resultados y la necesidad de un material fotográfico más sensible a la luz roja y verde.
Escaneada de "Historia ilustrada de la fotografía en color /
Scanned from The Illustrated History of Colour Photography, Jack H. Coote, 1993. ISBN 0-86343-380-4.
On May 17 is the anniversary of
the presentation of the first color photograph at the Royal Institution, by Scottish physicist Sir James Clark Maxwell. The photograph showed a tartan ribbon and was made by Thomas Sutton according to the three-colour method proposed by Maxwell already in 1855.
The three-colour method, which is the foundation of virtually all practical color processes whether chemical or electronic, was first suggested in an 1855 paper on colour vision by Maxwell. It is based on the Young-Helmholtz theory that the normal human eye perceives colour because the retina is covered with millions of intermingled cone cells of three different types: In theory, one type is most sensitive to the end of the spectrum we call “red”, another is more sensitive to the middle or “green” region, and a third which is most strongly stimulated by “blue”. The named colours are somewhat arbitrary divisions imposed on the continuous spectrum of visible light, and the theory is not an entirely accurate description of cone sensitivity. Nevertheless, it coincides enough with the sensations experienced by the eye that when these three colors are used the three cones types are adequately and unequally stimulated.
The first (durable) colour photograph made according to Maxwell’s prescription, a set of three monochrome “color separations”, was taken by Thomas Sutton, who later invented the single-lens reflex camera and the first wide-angle lens, in 1861 for use in illustrating a lecture on colour by Maxwell. Maxwell had Sutton photograph a tartan ribbon three times, each time with a different colour filter (red, green, or blue-violet) over the lens. The three photographs were developed, printed on glass, then projected onto a screen with three different projectors, each equipped with the same colour filter used to photograph it. When superimposed on the screen, the three images formed a full-colour image. During his lecture, which was about physics and physiology, not photography, Maxwell commented on the inadequacy of the results and the need for a photographic material more sensitive to red and green light.
Hoy, 18 de Mayo, es el cumple de
Jan Berdak, fotógrafo polaco nacido en 1944 en Lviv.
Diplomado en fotografía artística, miembro de la Unión de Fotógrafos de Arte Polacos y FIAP. Prácticas artísticas (creativas) y publicitarias. Trabajó principalmente en fotografías en blanco y negro y digitales. Autor de numerosas exposiciones individuales realizadas en Polonia y en el extranjero. Participante de numerosas exposiciones, presentaciones y empresas artísticas extranjeras. Sus obras han sido mostradas en numerosas exposiciones en Europa, América y Japón. Ganó numerosos premios en Polonia y otros países.
A partir de 1987, utilizó técnicas digitales para procesar sus fotografías.
Ganó el 1er Premio del Concurso de fotografía polaco "CYBERFOTO-96".
Su último éxito significativo fue la calificación de sus obras desde 1973 para la exposición y el álbum publicados con motivo del 60 aniversario de la Unión de Fotógrafos de Arte Polacos "Fotografía polaca del siglo XX", en la que solo se presentaron 100 autores.
Murió en 2009.
Today, May 18, is the birthday of
Jan Berdak, Polish photographer born in 1944 in Lviv.
Diploma in artistic photography, member of the Union of Polish Art Photographers and FIAP. Practices artistic (creative) and advertising photography. He worked mainly in black and white and digital photos. Author of many individual exhibitions in Poland and abroad. Participant of many foreign artistic exhibitions, presentations and enterprises. His works have been shown at many exhibitions in Europe, America and Japan. He gained numerous awards in Poland and other countries.
From 1987, he used digital techniques to process his photographs.
He won the 1st Award of Polish Photo Competition "CYBERFOTO-96".
His last significant success was the qualification of his works from 1973 to the exhibition and album issued on the occasion of the 60th anniversary of the Union of Polish Art Photographers "Polish photography of the twentieth century", in which only 100 authors were presented.
He died in 2009.
