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El 19 de Mayo es el cumple de
Kati Horna (Katalin Deutsch Blau), fotoperiodista, fotógrafa surrealista y profesora mexicana nacida en Budapest, Hungría, en 1912.
Vivió en Francia, Berlín, España, y luego se naturalizó mexicana. La mayor parte de su obra se perdió durante la Guerra Civil española. También fue una de las artistas / fotógrafas más influyentes de su tiempo. A través de sus fotografías pudo cambiar la forma en que la gente veía la guerra. Una forma en la que Horna pudo hacer esto fue a través de la utilización de una estrategia llamada "testimonio de género", consistente en imprimir una visión más "femenina" en la noción de que la guerra era algo predominantemente masculino. Al ser una mujer pudo captar las emociones de las mujeres y los niños de la guerra desde una perspectiva y ángulo diferentes. Esto, en parte, la convirtió en la legendaria fotógrafa de guerra en la que luego se convirtió.
"Les Parapluies, Meeting de la CNT / Los paraguas, mitin de la CNT / The Umbrellas, CNT meeting"
Mitin de la central sindical anarquista CNT / Meeting of the CNT Anarchist Trade Union.
Barcelona, España / Spain, 1937 © 2005 Ana María Norah Horna y Fernández. AS / COA
Su padre era un banquero de la parte próspera de Buda, y cuando murió la fotografía le ofreció a Horna los medios para ganarse la vida y la oportunidad de cumplir sus ideales políticos. La violencia, el peligro y la injusticia de ese tiempo influyeron profundamente en su ideología.
Cuando era una adolescente vivió en Berlín, donde conoció a Bertolt Brecht y fue influenciada por Bauhaus, el surrealismo y el constructivista Lajos Kassak, cuyas opiniones sobre la fotografía como agente de cambio social se alinearon con la ideología de Horna.
A los veinte años se convirtió en aprendiz en el taller del reconocido fotógrafo József Pecsi. En esta prestigiosa escuela de Budapest aprendió técnicas fotográficas básicas. Conoció a Robert Capa (entonces llamado Endre Friedmann) cuando era adolescente en Budapest, y los dos fotógrafos siguieron siendo amigos hasta la muerte de Capa en 1954. A través de la relación romántica que Horna y Capa compartían, ella pudo obtener una gran visión del mundo de la fotografía de guerra. Algunas de las guerras que el propio Capa pudo capturar incluyeron la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Sino-Japonesa. Horna y Capa formaron parte del mismo movimiento político de izquierdas y se retrataron mutuamente. Cuando Capa se mudó a París en 1933 ella lo siguió, y allí dirigió su atención a la vida que la rodeaba en las calles y cafés de la capital francesa.
"Remedios Varo con máscara de / With de Mask of Leonora Carrington"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 21 x 18,4 cm., 1957 (copia posterior / printed later)
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
Leonora Carrington en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (LIII)], [Recolección (XCVI)]
Remedios Varó en "El Hurgador" / in this blog: [Mujeres al pincel (XVII)]
En 1937, durante la Guerra Civil Española, se mudó a Barcelona, con un encargo del gobierno republicano español para documentar la guerra, así como para registrar la vida cotidiana de las comunidades en las líneas del frente, como Aragón, Valencia, Madrid y Lérida. Fotografió a mujeres ancianas, niños pequeños, bebés y madres, y fue considerada una visionaria por su elección temática.
Escaparon con su esposo José Horna a París en 1939, con una gran colección de negativos que permanecerían ocultos hasta 1979, cuando se restableció la democracia en España. Durante la ocupación nazi de Francia la pareja se casó y más tarde buscó refugio en México, donde Horna permaneció por el resto de su vida. Colaboró en varias revistas y realizó proyectos experimentales con la impronta surrealista.
Murió en el 2000.
"Femme et masque / Mujer y máscara / Woman and Mask", Mexico, 1963. Jeu de Paume
On May 19 is the birthday of
Kati Horna (Katalin Deutsch Blau), Hungarian-born (Budapest, 1912) Mexican photojournalist, surrealist photographer and teacher.
She lived in France, Berlin, Spain, and later was naturalized Mexican. Most of her work was lost during the Spanish Civil War. She was also one of the most influential women artists/photographers of her time. Through her photographs she was able to change the way that people viewed war. One way that Horna was able to do this was through the utilization of a strategy called "gendered witnessing". Gendered witnessing consisted of putting a more "feminine" view on the notion that war was a predominantly masculine thing. Horna being a women was able to capture the emotions of women and children of war from a different perspective and angle. This in part made her the legendary war photographer that she later became.
"Robert Capa"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 25,4 x 20,3 cm., 1933. Mai Manó Ház
Robert Capa en "El Hurgador" / in this blog:
Her father was a banker from the prosperous part of Buda and when he died, photography offered Horna the means to earn a living and the chance to fulfill her political ideals. The surrounding violence, danger and injustice of that time influenced her ideology profoundly.
Horna lived in Berlin as a teenager where she met Bertolt Brecht and was influenced by Bauhaus, Surrealism, and Constructivist Lajos Kassak whose views on photography as an agent of social change aligned with Horna's ideology.
At the age of twenty, Horna became an apprentice in the workshop of a renowned photographer József Pecsi. At this most prestigious school in Budapest, she learned basic photographic techniques. She met Robert Capa (then by the name Endre Friedmann) as a teenager in Budapest, and the two photographers remained friends until Capa's death in 1954. Through the romantic relationship that Horna and Capa shared, Horna was able to gain great insight into the photographic war world. Some of the wars that Capa himself was able to capture included the Spanish Civil War and the Second Sino-Japanese War. Horna and Capa were part of the same left-wing political movement and photographed each other's portraits. When Capa moved to Paris, she followed him in 1933, where she turned her attention to the life she saw around her in the streets and cafés of the French capital.
"Serie Oda a la necrofilia / Ode to Necrophilia Series"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 20,3 x 25,1 cm., 1962 (copia / printed c.1970)
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
In 1937, during the Spanish Civil War, she moved to Barcelona, commissioned by the Spanish Republican government to document the war as well as record the everyday life of communities on the front lines, such as Aragón, Valencia, Madrid, and Lérida. She photographed elderly women, young children, babies and mothers, and was considered visionary for her choice of subject matter.
With her husband José Horna, Kati escaped to Paris in 1939 with a large collection of negatives that would remain unseen until 1979, when democracy in Spain was reestablished. During the Nazi occupation of France, the couple were married and later sought refuge in Mexico, where she remained for the rest of her life. She was a contributor to several magazines, and also carried out more experimental projects that bear the imprint of surrealism.
She died in 2000.
"Carnaval de Huejotzingo / Huejotzingo Carnival"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 20,1 x 25,2 cm., 1941. 20 minutos
Puebla (México) © 2005 Ana María Norah Horna y Fernández
El 20 de Mayo es el cumple de
Alma Ruth Lavenson, fotógrafa estadounidense nacida en 1897 en San Francisco. Trabajó con y fue muy amiga de Ansel Adams, Imogen Cunningham, Edward Weston y otros maestros de la fotografía de la época.
Lavenson asistió a escuelas públicas y privadas en San Francisco. En 1919 se graduó de la UC Berkeley con una licenciatura en psicología. Sus primeras fotos fueron instantáneas de familiares y amigos tomadas con una pequeña cámara Kodak. Aprendió a revelar e imprimir sus negativos al ver a un técnico en una farmacia de Oakland a principios de la década de 1920 y por la información técnica que encontró en revistas populares como The Camera y Camera Craft.
La primera fotografía publicada de Lavenson, una imagen de Zion Canyon titulada "Las luz más allá / The Light Beyond", apareció en la portada de la revista Photo-Era en diciembre de 1927. En sus primeros trabajos se concentró en las formas geométricas de las estructuras y su ubicación en el paisaje. Con frecuencia exhibió en salones fotográficos y se convirtió en miembro de la influyente "Pictorial Photographers of America", y continuó siendo fuertemente influenciada por el pictorialismo.
En 1930 fue presentada a Adams, Cunningham y Weston por el coleccionista de arte Albert Bender. Dos años más tarde fue invitada a participar en el famoso Grupo f / 64 show en el Young Memorial Museum, aunque existe cierta incertidumbre acerca de si en realidad debería ser condiderada "miembro" del Grupo f / 64, dada su asociación con el Pictorialismo.
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 20 x 27 cm., c.1930. Gitterman Gallery
En 1933 comenzó a tomar una serie de fotografías de edificios abandonados en la región de Mother Lode en California. Continuó documentando los restos del período de la Fiebre del Oro durante más de dos décadas, y ahora sus imágenes se destacan por su belleza artística y como un registro de piezas que desaparecen del paisaje de California.
Los "Mástiles y embudos" de Lavenson (1930) fueron admirados por Edward Weston por sus cualidades geométricas formales, pero él le aconsejó que cambiara su lente de enfoque suave por un modelo más definido, y la convenció de que abandonara su enfoque pictorialista.
Alma Lavenson, aunque fue prolífica y exitosa a fines de la década de 1920 y principios de la de 1930, siguió siendo una aficionada, afirmando que la fotografía solo era "mi vocación". Una vez que se casó y tuvo hijos, su productividad creativa disminuyó. Ha sido una influencia continua en generaciones de fotógrafas, especialmente a través de su inclusión póstuma en exposiciones en la Biblioteca Pública de Nueva York y en la Universidad de California, y en publicaciones como "Lucy Lippard's Defining Eye: Women Photographers of the 20th Century / El ojo definidor de Lucy Lippard: fotógrafas del s.XX".
Murió en 1989.
"St. Charles Hotel, Downieville"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 20,6 x 17,9 cm., 1934. Gitterman Gallery
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 17,78 x 13,34 cm., c.1930
San Francisco Museum of Modern Art (California, EE.UU./ CA, USA)
Consuelo Kanaga en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CLXXVII)]
On May 20 is the birthday of
Alma Ruth Lavenson, American photographer born in 1897 in San Francisco. She worked with and was a close friend of Ansel Adams, Imogen Cunningham, Edward Weston and other photographic masters of the period.
Lavenson attended both public and private schools in San Francisco. In 1919 Lavenson graduated from UC Berkeley with a bachelor's degree in psychology. Her first photos were snapshots of family and friends taken with a small Kodak camera. She learned to develop and print her negatives by watching a technician at an Oakland drugstore in the early 1920s, and from the technical information she found in popular magazines such as The Camera and Camera Craft.
Lavenson's first published photograph, an image of Zion Canyon entitled The Light Beyond, appeared on the cover of Photo-Era magazine in December 1927. In her early work she concentrated the geometric forms of structures and their placement in the landscape. She frequently exhibited in photographic salons and became a member of the influential Pictorial Photographers of America, and continued to be heavily influenced by Pictorialism.
In 1930 she was introduced to Adams, Cunningham and Weston by art collector Albert Bender. Two years later she was invited to participate in the famous Group f/64 show at the M.H. de Young Memorial Museum, although there is some uncertainty about whether she should actually be called a "member" of Group f/64, given her association with Pictorialism.
"Edificios en ruinas / Ruined Buildings", Virginia City
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 24,8 x 19,7 cm., 1943. Gitterman Gallery
In 1933 Lavenson began taking a series of photographs of abandoned buildings in the Mother Lode region of California. She continued documenting the remains of the Gold Rush period for more than two decades, and her images are now noted both for their artistic beauty and as a record of a vanishing piece of the California landscape.
Lavenson's Masts and Funnels (1930) was admired by Edward Weston for its geometric formal qualities but he advised her to abandon her soft-focus lens for a sharper model and persuaded her to abandon her pictorial approach.
Alma Lavenson, though she was prolific and successful in the late 1920s and early 1930s, remained an amateur, claiming photography only as "my avocation". Once she married and had children, her creative productivity slowed. She has been a continuing influence on generations of women photographers, especially through her posthumous inclusion in exhibitions at the New York Public Library and the University of California and in publications such as Lucy Lippard's Defining eye: women photographers of the 20th century.
She died in 1989.
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 24,8 x 29,9 cm., 1929. Gitterman Gallery
El 21 de Mayo es el cumple de
Judith Karasz, fotógrafa húngara nacida en 1912 en Szeged, interesada en la capacidad del medio para revelar las estructuras ocultas de los temas cotidianos. Su fotografía reunió el documento social con ideas modernistas como la teoría de la Gestalt.
Pasó su infancia entre Szeged, Pécs y Budapest. Comenzó a tomar fotografías en la escuela secundaria antes de inscribirse en la École de la Photographie en Arles, Francia, en 1930, pasando luego a la escuela de arte y diseño Bauhaus.
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 13,8 x 20,3 cm., 1933
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
El 21 de junio de 1932 recibió su diploma de Bauhaus, donde se especializó en fotografía. Fue enseñada por Walter Peterhans, quien fundó el departamento de fotografía de la escuela en 1929. Influido por el trabajo de artistas como el húngaro László Moholy-Nagy, quien había enseñado anteriormente en la escuela, Karasz comenzó a experimentar con dispositivos de composición, como la perspectiva a vuelo de pájaro, y exploró temas y temas modernistas, incluidos los paisajes industriales.
En 1931 se convirtió en miembro de Kostufa (Kommunistische Studenten Fraktion), un grupo de estudiantes comunistas, y tras su papel activo en campañas electorales fue expulsada del área de Sachsen-Anhalt en Alemania. Entre 1932 y 1935, Karasz trabajó como técnico de laboratorio en Dephot en Berlín, una agencia fotográfica que representaba a fotoperiodistas como Robert Capa. Participó en el movimiento de los trabajadores de la fotografía, un colectivo asociado con el comunismo dedicado estimular la fotografía con fines sociales.
Murió en 1977.
Doble exposición de Otti Berger con la fachada del Attelierhaus, Dessau /
Double exposure of Otti Berger with the façade of the Atelierhaus, 1931/32
© Bauhaus-Archiv, Berlin. Weltexpress
On May 21 is the birthday of
Judith Karasz, Hungarian photographer born in 1912 in Szeged, interested in the medium's ability to reveal the hidden structures of everyday subject matter. Her photography brought together social documentary and modernist ideas such as Gestalt theory.
She spent her childhood between Szeged, Pécs and Budapest. She began taking photographs in high school before enrolling at the École de la Photographie in Arles, France in 1930, followed by the Bauhaus school of art and design.
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 16,5 x 22,9 cm., 1935. Louis Stern Fine Arts
On 21 June 1932 Karasz received her Bauhaus diploma, where she majored in photography. She was taught by Walter Peterhans, who founded the school's photography department in 1929. Influenced by the work of artists such as fellow Hungarian László Moholy-Nagy who had previously taught at the school, Karasz began to experiment with compositional devices, such as bird's-eye perspective, and explored modernist themes and subject matters including industrial landscapes.
In 1931 Karasz became a member of Kostufa (Kommunistische Studenten Fraktion) a communist student group, and following her active role in election campaigns she was expelled from the Sachsen-Anhalt area of Germany. Between 1932-1935 Karasz worked as a laboratory technician at the Dephot in Berlin, a photographic agency that represented photojournalists, such as Robert Capa. She was involved with the Workers-Photography movement, a collective associated with communism dedicated to activating photography for social ends.
She died in 1977.
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 15 x 22,2 cm., 1935
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
El 22 de Mayo es el cumple de
Clarence Sinclair (C.S.) Bull, fotógrafo retratista estadounidense nacido en 1896 en Sun River, Montana, que trabajó para estudios de cine durante la "Edad de Oro" de Hollywood. Fue jefe del departamento de foto fija de la Metro-Goldwyn-Mayer durante casi 40 años.
Ava Gardner en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (XVI)], [Aniversarios Fotografía (CXXXIX)]
Su carrera comenzó cuando Samuel Goldwyn lo contrató en la década de 1920 para fotografiar imágenes publicitarias de las estrellas de MGM. Es famoso por sus fotografías de Greta Garbo tomadas durante los años 1926-1941. El primer retrato de Garbo de Bull fue un estudio de vestuario para la "El demonio y la carne", en septiembre de 1926.
Bull pudo estudiar con el gran pintor occidental, Charles Marion Russell. También se desempeñó como asistente de cámara en 1918.
Era experto en las áreas de iluminación, retoque e impresión. Comúnmente aparece acreditado como "C.S. Bull".
Murió en 1979.
Wikipedia (English)
Grace Kelly en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
Gary Cooper en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CXLIV)]
On May 22 is the birthday of
Clarence Sinclair (C.S.) Bull, American portrait photographer born in 1896 in Sun River, Montana, who worked for movie studios during the "Golden Age of Hollywood". He was head of the Metro-Goldwyn-Mayer stills department for nearly forty years.
Publicity photo of Mickey Rooney& Judy Garland
for the film Love finds Andy Hardy", 1938. Museo LoPiù
His career began when Samuel Goldwyn hired him in the 1920 to photograph publicity stills of the MGM stars. He is most famous for his photographs of Greta Garbo taken during the years of 1926-1941. Bull's first portrait of Garbo was a costume study for the Flesh and the Devil, in September 1926.
Bull was able to study with the great Western painter, Charles Marion Russell. He also served as an assistant cameraman in 1918.
Publicity photo of Hedy Lamarr for film Comrade X", 1940. Wikimedia Commons
Bull was skilled in the areas of lighting, retouching, and printing. He was most commonly credited as "C.S. Bull."
He died in 1979.
Wikipedia
Publicity photo of Greta Garbo for the film Ninotchka", 1939. Wikimedia Commons
Greta Garbo en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LII)], [Aniversarios Fotografía (CLXV)]
El 23 de Mayo es el cumple de
Kageyama Kōyō (影山光洋), fotógrafo japonés nacido en 1907.
Fotografió personas en Tokio, Japón durante el período imperial Shōwa (1926–1989). Esta época tumultuosa en la historia del país abarca el Gran Terremoto de Kantō de 1923, una depresión, una rápida militarización, la casi aniquilación durante la Segunda Guerra Mundial, y los desafíos y triunfos generados por la prosperidad del período de posguerra. Kōyō logra hacer más que documentar las vidas vividas en un tiempo y lugar distintivos. En su mejor momento, sus fotografías mezclan lo lírico y lo arenoso, lo imaginado y lo periodístico, lo desapegado y lo didáctico.
A Young Woman of the Shitamachi: The remains of the emotions of Edo", 1928. Boston Globe
No existe una fotografía "objetiva": la naturaleza misma de un marco excluye y enfatiza diferentes elementos de la "realidad". Kōyō a menudo manipula hábilmente la "edición" de una imagen de lo que inicialmente parece ser una existencia prosaica, la rutina gris, de lo cotidiano. A veces sus fotografías se provienen de una documentación sencilla, otras son teatrales. Lo mejor de su trabajo combina las dos polaridades, que contienen un poder dramático matizado que es tanto estético como político.
Murió en 1981.
On May 23 is the birthday of
Kageyama Kōyō (影山光洋), Japanese photographer born in 1907.
He photographed people in Tokyo, Japan during the Shōwa imperial period (1926–1989). This tumultuous time in the country’s history spans 1923’s Great Kantō Earthquake, a depression, rapid militarization, near annihilation during World War II, and the challenges and triumphs generated by the prosperity of the post-war period. Kōyō succeeds at doing more than documenting the lives lived in a distinctive time and place. At their best, his photographs mingle the lyrical and the gritty, the imagined and the reportorial, the detached and the didactic.
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 14" x 11", 1936. Amherst College
Der./ Right: "Una familia pobre - Una malísima cosecha en Tohuku /
One Poor Family - The Severe Bad Harvest in Tōhoku"
Copia a la gelatina de plata / gelatin silver print, 14" x 11", 1934. Amherst College
Mead Art Museum, Amherst College (Amherst, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA)
There is no such thing as an ‘objective’ photo — the very nature of a frame both excludes and emphasizes different elements of ‘reality.’ Kōyō would often adeptly manipulates a picture’s ‘editing’ of what initially looks like prosaic existence, the gray routine of the everyday. At times his photographs come off as straightforward documentation, others are unabashedly theatrical. The best of his work combines the two polarities, containing a nuanced dramatic power that is both aesthetic and political.
He died in 1981.
Our Newly Married 'Cultured Life' in the Jingumae Apartments", 1934. Link
El 24 de Mayo es el cumple de
David Bradley Armstrong, fotógrafo estadounidense nacido en 1954 en Arlington, Massachusetts.
Se graduó en la Escuela Comunitaria Satya, una escuela secundaria alternativa en Lincoln, Massachusetts, donde conoció a Nan Goldin a los 14 años.
Ingresó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston como estudiante de pintura, pero pronto cambió a la fotografía después de estudiar junto a Goldin, con quien compartió un apartamento. Asistió a la Escuela del Museo de Bellas Artes y Cooper Union de 1974 a 1978, y obtuvo una licenciatura de la Universidad de Tufts en 1988 y Judy Ann Goldman Fine Art en Boston.
A fines de la década de 1970 se asoció con la "Escuela de Boston" de fotografía, que incluía a artistas como Nan Goldin, Mark Morrisroe y Jack Pierson. Su estética estaba basada en retratos de instantáneas íntimas en colores saturados.
Armstrong, Nick Vogelson, Anton Aparin & Boyd Holbrook. 2011. L'oeil de la photographie
Armstrong recibió atención crítica por sus retratos íntimos de hombres, ya fueran amantes o amigos, con un enfoque nítido. En los años noventa comenzó a fotografiar paisajes y paisajes urbanos con un enfoque suave para contrastar con la resolución de sus retratos. Las luces de la calle, las señales eléctricas y los coches se reducen a un desenfoque sensual moteado, que complementa la vivacidad y tactilidad de sus retratos. Lanzó un libro de paisajes y paisajes urbanos en 2002 titulado "Todo el día, todos los días".
En 1981 creó una serie de retratos en blanco y negro que mostró en la exhibición New York / New Wave de PS1. En 1996 Elisabeth Sussman, curadora de fotografías del Museo Whitney, solicitó la ayuda de Armstrong para componer la primera retrospectiva de Goldin. Se ganó tanto respeto por el ojo de Armstrong que adquirió algunas de sus piezas para la colección permanente de Whitney, y posteriormente su obra apareció en la bienal de Whitney de 1994.
El trabajo de Armstrong también ha aparecido en publicaciones como Vogue Paris, L'Uomo Vogue, Arena Homme, GQ, Self Service, Another Man y Vogue Japón, y trabajó en campañas publicitarias de empresas como Zegna, René Lezard, Kenneth Cole, Burberry, Puma y Barbara Bui.
Murió en 2014.
Armstrong, Rene Richard & Jack Pierson. 2012. Cavid Qoca bloqu
Armstrong, Nick Vogelson, Anton Aparin & Boyd Holbrook. 2011. Document
On May 24 is the birthday of
David Bradley Armstrong, American photographer born in 1954 in Arlington, Massachusetts.
He graduated from the Satya Community School, an alternative high school in Lincoln, Massachusetts, where he met Nan Goldin at the age of 14.
Armstrong entered into the School of the Museum of Fine Arts in Boston as a painting major, but soon switched to photography after studying alongside Goldin, with whom he shared an apartment. He attended the School of the Museum of Fine Arts and Cooper Union from 1974-78, and he earned a B.F.A from Tufts University in 1988 and Judy Ann Goldman Fine Art in Boston.
During the late 1970s, Armstrong became associated with the "Boston School" of photography, which included artists such as Nan Goldin, Mark Morrisroe and Jack Pierson. Their aesthetic was based on intimate snapshot portraits in saturated color.
Armstrong first received critical attention for his intimate portraits of men, either lovers or friends, in sharp focus. In the nineties, he began to photograph cityscapes and landscapes in soft focus to contrast with the resolution of his portraits. Street lights, electric signs and cars are reduced to a sensual mottled blur, complementing the vividness and tactility of his portraits. He released a book of land and cityscapes in 2002, entitled All Day, Every Day.
Armstrong, Rene Richard & Jack Pierson. 2012. L'oeil de la photographie
In 1981, Armstrong created a series of black-and-white portraits which he showed at PS1's New York/New Wave exhibition. In 1996, Elisabeth Sussman, curator of photographs at the Whitney Museum, enlisted Armstrong's help in composing Goldin's first retrospective. She gained such respect for Armstrong’s eye, she acquired a few of his pieces for the Whitney permanent collection and he was subsequently featured in the Whitney 1994 biennial.
Armstrong’s work has also appeared in publications such as Vogue Paris, L'Uomo Vogue, Arena Homme +, GQ, Self Service, Another Man and Japanese Vogue and worked on the advertising campaigns of companies such as Zegna, René Lezard, Kenneth Cole, Burberry, Puma, and Barbara Bui.
He died in 2014.
Armstrong, Nick Vogelson, Anton Aparin & Boyd Holbrook. 2011. L'oeil de la photographie
Hoy, 25 de Mayo, es el cumple de
Taras Kuščynskyj, fotógrafo checo nacido en 1932 en Praga, Checoslovaquia, hoy en día considerado merecidamente como la estrella más brillante de la fotografía estilizada checa de los años sesenta y setenta. Aún durante la era comunista posterior a 1968, su obra se convirtió en una parte orgánica del patrimonio visual nacional. Su tratamiento de lo que entonces se consideraban temas atrevidos se centraba en imágenes de desnudez femenina en tonos románticos y/o existenciales, presentados con una sensibilidad excepcional y, de hecho, humildad, le valieron la aclamación y popularidad en la Checoslovaquia puritana de aquellos días, así como a nivel internacional. Curiosamente, su lucha con el lápiz rojo de los censores en ese momento y con las actitudes estrechas en la sociedad en general sirvió de inspiración para la película de Karel Kachyňa Dobré světlo (Buena luz), 1985.
Kuščynskyj, oriundo de la Subcarpacia Ruthenia y arquitecto de formación, comenzó a trabajar como fotógrafo desde la década de 1950, aunque no obtuvo un amplio reconocimiento hasta el deshielo en la hasta entonces rígida línea política del régimen comunista del país durante la década de los sesenta. A partir de 1966 pudo ganarse la vida como fotógrafo independiente. Una parte integral de su producción de ese tiempo está constituida por retratos notables de actores y artistas, así como un cuerpo de fotografías aplicadas innovadoras, que incluyen anuncios de revistas y calendarios de pared. Entre 1970 y 1976, trabajó como fotógrafo residente en el Teatro Semafor de Praga. También desempeñó un papel crucial en la organización del movimiento fotográfico del país, como miembro fundador del grupo Setkání.
El tema central de la obra de Kuščynskyj fue la mujer, vista como un personaje fantástico, pero también como un elemento de la naturaleza, la mujer como un enigma, que refleja y desafía al mundo masculino. Sin embargo este enfoque esencialmente "pre-feminista" conllevaba invariablemente un sentido integrado de profundo respeto por la individualidad de la mujer, un hecho documentado entre otras cosas por la lealtad de Kuščynskyj a sus modelos favoritas con las que a menudo trabajaría durante muchos años, produciendo series muy centradas de fotografías. Allí, los paralelismos trazados entre Kuščynskyj y sus contemporáneos de la Europa occidental (Sam Haskins, Lucien Clergue y otros) han tendido a ignorar no solo su estado completamente diferente en la Checoslovaquia gobernada por los comunistas, sino también, y más importante aún, su inusual elección de atributos de inocencia romántica, naturaleza y melancolía, una paleta que llegó a ser cada vez más marcada, hacia el final de su vida, por matices existenciales.
Murió en 1983.
Today, May 25, is the birthday of
Taras Kuščynskyj, Czech photographer born in 1932 in Prague, Czechoslovaquia, today deservedly regarded as the brightest star of Czech stylized photography of the 1960s and 70s. Still during the post-1968 Communist era, his work became an organic part of national visual heritage. His treatment of what were then considered daring themes centered around romantically and/or existentially hued images of female nudity, rendered with exceptional sensitivity and, indeed, humility, won him acclaim and popularity in the puritanical Czechoslovakia of those days as well as internationally. Interestingly, his grappling with the censors’ red pencil at the time and with narrowminded attitudes in society at large served as inspiration for Karel Kachyňa’s film Dobré světlo (Good Light), 1985.
Kuščynskyj, a native of Subcarpathian Ruthenia and an architect by training, became active as a photographer as early as the 1950s, though he did not win broad recognition until the thaw in the hitherto rigid political line of the country’s Communist regime during the 1960s. From 1966 he was able to earn his living as a free-lance photographer. An integral
part of his output from that time is constituted by remarkable portraits of actors and artists, as well as a body of innovative applied photographs, including magazine advertisements and wall calendars. Between 1970 and 1976, he was employed as resident photographer at Prague’s Semafor Theatre. He also played a crucial part in organizing the country’s photographic movement, as a founding member of the group Setkání.
The central theme of Kuščynskyj’s work was woman, seen as a fantom but also as an element of nature – woman as a riddle, both reflecting and challenging the male world. This essentially “pre-feminist” approach, however, invariably entailed an embedded sense of deep respect for woman’s individuality, a fact documented among other things by Kuščynskyj’s loyalty to his favourite models with whom he would often work through many years, producing sharply focused series of pictures. There, the parallels being now and then drawn between Kuščynskyj and his Western European contemporaries (Sam Haskins, Lucien Clergue and others) have tended to ignore not just his thoroughly different status in Communist-ruled Czechoslovakia, but also, and more importantly, his unusual choice of attributes of romantic innocence, nature, and melancholy, a palette which came to be increasingly marked, towards the end of his life, by existential hues.
He died in 1983.
