Henk Helmantel (II) [Pintura / Painting]

Henk Helmantel es un pintor holandés nacido en 1945 en Westeremden.

«¿Qué me motiva? De hecho, a menudo escucho la pregunta: ¿cómo se mantiene, año tras año, día tras día? Pero el esfuerzo por lograr lo que tengo en mente es una gran aventura que quiero hacer una y otra vez. A veces me sorprende que me sea posible pintar la misma olla o cuenco por tercera o cuarta vez. Pero cada vez tengo una necesidad enorme de aprovechar al máximo sus posibilidades e ir incluso un paso más allá. Si miras la historia del arte, puedes preguntarte por qué los pintores del siglo XVII siguieron fascinados por la misma copa o vaso berkemeier. O podría pensar en cómo alguien como el pintor Morandi pudo pasar toda su vida trabajando con unas cuantas botellas, unas pocas cajas, algunas jarras y otros objetos. Aún así, fue el gran desafío de su vida, llevándolo a alturas y aventuras maravillosas. Lo que importa no es tanto la variedad de los temas, sino la intensidad con que se experimenta algo, cómo se percibe visualmente. A lo largo de la historia ha habido muchos artistas que han trabajado de esta manera.»

"Meidoornbessen in Romeins glas / Bayas de espino en jarrón romano /

Hawthorn Berries in Roman Glass", 42,5 x 34 cm., 2002

"La pintura realista, según leí recientemente, ha tenido una reaparición internacional. En comparación con hace veinte años, hay más cuadros de bodegones, retratos y paisajes en revistas internacionales de arte, y las galerías y algunos museos prestan más atención a este tipo de obras. En realidad la tradición figurativa nunca se ha ido, pero es un hecho que en la estimación del público artístico (el muchos por ciento de la población que visita regularmente las exposiciones) ahora es más respetada. La ventaja de esto es que tenemos más material para comparar: Henk ha dejado de ser el único de su clase. Hay más pintores con una reverencia por la tradición, un buen ojo para la realidad y una mano firme, y esporádicamente aparece alguien que incluso lo supera en virtuosidad, como Matthijs Röling, por ejemplo. Surge la pregunta: ¿por qué considero que Helmantel es mejor que la mayoría de los demás de su generación? Creo que sobresale en una faceta especial del arte, a saber, la composición. Al igual que en el pasado, cuando todavía estaba enseñando, necesitaré aclarar este concepto. La palabra composición significa juntar. De hecho, la mayoría de las representaciones de Henk son de varias cosas que se han juntado, pero eso no es exactamente de lo que estamos hablando aquí; ha realizado suficientes pinturas de un solo objeto, como por ejemplo un pájaro muerto, un cuenco o una manzana. Sin embargo incluso en tal caso hablamos de composición, es decir, la correlación del objeto con el espacio que lo rodea, o la relación de un color saturado con un fondo más gris. En la obra de Henk esto siempre es simple, bien organizado y armonioso. Para los realistas la composición está invariablemente amenazada por el desorden de la realidad misma. Antes de que te des cuenta te ves arrastrado al caos. Henk puede hacer frente a este peligro por medio de su estricta atención a los arreglos. Encuentro esto extremadamente importante. La composición no es solo una salsa añadida: me parece que es el corazón del arte. En obras exitosas vemos el mundo limpio de accidentes y arbitrariedades. Es como si todas las partes finalmente hubieran encontrado su lugar y forma final. Aquí están, no pueden hacer otra cosa. Admitiré fácilmente que este talento compositivo no es el sine qua non de la calidad artística. Hay pinturas de Kokoschka o Ensor que son un poco inestables o incluso un poco caóticas, pero que sin embargo valen la pena. Sin embargo despiertan una nostalgia por otra cosa, por el arte con una sugerencia de finalización. El hecho de que Henk pueda crear esta sugerencia lo hace excepcional."

De un texto de Diederik Kraaijpoel incluido en el  libro  "Henk Helmantel" 2000, pp. 7-17.

«A veces digo: los objetos que han sufrido desgaste y uso solo pueden volverse más hermosos. Una olla de bronce que acaba de ser fundida aún no es muy interesante. Por supuesto, si la olla tiene calidad, la forma será buena, pero su superficie se vuelve más interesante cuando se ha utilizado. O si se pierde y se entierra, el efecto corrosivo de la tierra le da una especie de "piel" nueva que tiene más que ofrecer artísticamente. Los objetos chinos de 2000 años recuperados de las tumbas son aún más pintorescos. También considero que su historia es importante debido a su efecto en su apariencia. Busco la máxima belleza de un objeto. Por otro lado, he hecho pinturas de cajas de cartón que acaban de llegar de una tienda y no se han utilizado, pero que, sin embargo, son igual de interesantes para mí como formas con las que también puedo hacer algo. Si observas detenidamente estas pinturas, verás que no hay una sola caja que no tenga nada de malo. De lo contrario, me ocuparía de que pareciera un poco desgastada. Cambio un poco las cosas para adaptarlas a mis propósitos, para darles una calidad más realista. Preferiría pintar una manzana con agujeros de gusano que una manzana que haya sido aprobada para la exportación y no tenga nada que ofrecer: demasiado suave, demasiado redonda, de color uniforme. Eso no es para mí. Uno debe explotar al máximo las cualidades pictóricas de una cosa, pero no llamaría a esto un truco. Si no tienes el control de la técnica, no puedes expresar lo que pretendes.»

Interiores de la iglesias

«La experiencia estética que experimento en el pequeño mundo de la naturaleza muerta también me afecta mucho en los edificios sobrios de las iglesias románicas, románico-góticas y góticas. Me impresiona especialmente la atmósfera en las iglesias donde la iconoclasia ha dejado su huella, esas iglesias despojadas de chucherías y adornos. Recuerdo bien, alrededor de 1960, cuando la iglesia en Loppersum acababa de ser restaurada. Cuando entré a la iglesia y vi las paredes y los acentos blancos puros, solo toques de rojo y restos de frescos, y aquí y allá un mueble de roble blanco y la luz que caía a través de las ventanas, me sentí abrumado. Tuve el mismo tipo de experiencia cuando visité por primera vez la iglesia en Bozum (Frisia) con su ábside semicircular. Casi me dio la sensación de que el Espíritu de Dios estaba flotando en los arcos; fue una fuerte conciencia religiosa. Tal vez podría comparar la pintura de interiores de iglesias con la representación de lo que es más elemental. Las iglesias neorrommánicas y neogóticas del siglo pasado exhiben enormes hazañas de habilidad técnica, pero echo de menos cierta atmósfera. Los edificios medievales tienen un equilibrio especial en sus proporciones, paredes con arcos redondos o arcos en punta, paredes enlucidas blancas, a menudo en forma de cruz, no demasiadas ventanas pero tampoco muy pocas. El ambiente creado nunca ha sido igualado desde entonces.

Como pintor me resulta fascinante responder a esta atmósfera, hacer uso de ella. La primera vez que entré en la Iglesia de San Pedro en Utrecht, pensé que estaba caminando en un cuadro de Pieter Saenredam. Creo que Saenredam sintió lo que yo sentía; él respondió a su manera y yo a la mía. Como pintor, en realidad deseo añadir poco al tema en sí. La experiencia visual del espacio es lo que quiero llevar a la superficie plana. ¿Esto vale la pena? Creo que sí. Un espacio limitado es quizás más impresionante que el espacio infinito. Podría decirse que es emocionante trabajar con la intimidad del espacio interior porque tiene un tipo de luz muy diferente a la de un paisaje. La luz siempre llega a través de una ventana, haciéndola bastante localizada. Una concentración de luz sobre un objeto lo acentúa. La olla de bronce en la que estoy trabajando ahora no sería tan hermosa al aire libre. La iluminación desde la ventana crea una sección con luz intensa y una sección que fluye hacia la sombra, mostrando las formas de la manera más ventajosa.»

Imágenes publicadas con autorización (¡Muchas gracias Henk y Nynke!)