Mabel Lemonnier es una artista nacida en Montevideo, Uruguay, que ha desarrollado su carrera en Argentina. Vive y trabaja en la ciudad de Bahía Blanca.
Les presentamos una entrevista, en la cual desgrana las claves de su biografía artística y desarrollo como pintora, acompañada de una selección de su obra.
Texto en inglés al final del post, marcado con [*] en cada párrafo.
Mabel Lemonnier is an artist born in Montevideo, Uruguay, who has developed her career in Argentina. She lives and works in the city of Bahía Blanca.
Here you have an interview, in which Mabel describes the keys of her artistic biography and her development as a painter, accompanied by a selection of her work.
Text in English at the end of the post, marked with [*] in each paragraph.
_______________________________________________________
Mabel Lemonnier
(Montevideo, Uruguay)
en / at Bahía Blanca, Argentina
Entrevista de / Interview by Shirley Rebuffo
Mabel trabajando en su taller / at work in her studio
Shirley Rebuffo: Cuéntame de tus comienzos en la pintura o el dibujo. ¿Cuál fue tu primer interés?
Mabel Lemonnier: En la escuela Experimental de Malvin, Montevideo (Uruguay), donde cursé la primaria, se estimulaba la creatividad y la reflexión. El taller de dibujo fue un primer acercamiento y un disfrute importante. También en mi casa, donde el mayor placer era dibujar y pintar en soledad.
Más adelante iba al taller de Lincoln Presno, conocido pintor, escultor y vecino.
Por una inclinación temprana hacia el trabajo solidario, siendo adolescente en Emaús (movimiento fundado en Francia por el Abbé Pierre en 1947) y luego en la militancia, decidí estudiar enfermería en la Universidad de la República.
Conocí a mi compañero argentino que estaba terminando su residencia médica en el Hospital de Clínicas y por razones laborales eligió Bahia Blanca como lugar para establecerse y ejercer. Trabajé como supervisora y docente en un hospital de esa ciudad. Al fallecer mi padre, repentinamente, en Montevideo, no pude viajar, toqué fondo. Empecé psicoanálisis lo que movió una necesidad dormida de comenzar con la actividad creativa postergada: mi verdadera vocación. [1]
El taller durante la creación de la serie "Latido" / The Studio during creation of Beat Series
«Asistí durante 4 años al taller de Ignacio Crespo, maestro muy generoso que me instruyó en diferentes técnicas: dibujo, pintura, xilografía y collage. Tambien realizábamos aproximación a las obras de artistas fundamentales: Matisse, Braque, Van Gogh, entre otros.
Fui seleccionada para un programa de la Unesco Experiment in International Living donde realizé workshops sobre Historia del Arte durante dos meses en Francia y España. Ese encuentro con las obras del arte universal y contemporáneas encendieron aún más mi vocación.
A mi regreso se funda el Grupo XX con la guía del artista Oscar César Mara, argentino, de Buenos Aires, quien fue discípulo de Batlle Planas. Investigamos la Psicología de la forma, al mismo tiempo de profundizar diversas técnicas, dibujo con modelo y la búsqueda de la imagen propia a través de la técnica y la práctica del automatismo. Muy enriquecedoras las largas charlas sobre artistas, libros, películas. Fueron 8 años de trabajo intenso y profundo.
Y me permito aquí citar palabras de Oscar Mara para el catálogo de la exposición de 1987: “El manejo de las formas y el color a través de las técnicas automáticas permite ir lejos y penetrar muy hondo en los extraños comportamientos del alma”.» [2]
Mabel junto a su obra de la serie Latido, "Santuario" / with her work of Beat Series, "Sanctuary"
SR: ¿Cómo orientaste todo el entorno para que el arte fuera una profesión?
ML: Fue importante lograr un espacio de trabajo propio, un taller donde trabajar todo el tiempo que me permitía la atención de mi familia, sentir esa necesidad de entrega a la tarea.
Se fue dando naturalmente, participando de salones y concursos, bienales, obteniendo premios y organizando muestras.
Numerosas exposiciones individuales y colectivas empezando en el Museo de Bellas Artes de Bahía Blanca, en la Alianza Francesa, en Buenos Aires en diversas galerías y en Centro Cultural Recoleta.
En Montevideo, en Galerías del Notariado, Alianza Francesa y en el Centro de Artistas Plásticos que fundamos en 1996.
En año 2000 me seleccionaron para la beca Antorchas donde realicé el taller Encuentros de Producción y Análisis de Obra en el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca. [3]
"Serie jardines II / Gardens Series II", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 130 x 130 cm., 1987
SR: ¿Cómo surgen las temáticas de las series?
ML: En un comienzo aparecieron los “Jardines” que quizás vienen de experiencias de la infancia. Los primeros años de mi vida los vivo en Malvin, que es un barrio de Montevideo muy luminoso, verde, con ese olor característico de la lluvia, de los jazmines y a 200 metros del mar con la playa.
(fotos de los Jardines)
Cuando los pintaba, frente a la tela en blanco empezaba a sentir la pulsión y la dejaba crecer, los imaginaba. Empezaba ese estado extraño de inquietud, de hablar sola. Destapaba todos los tarros, acomodaba las carbonillas y los pasteles. Temblar, temer, respirar profundo, dejar correr la energía por mi cuerpo, elevar los brazos y en ese momento, suspendida en el aire, tomaba una carbonilla y largaba sobre la tela sin pensar signos, puntos y líneas, según me llevaba mi cuerpo, en una total disponibilidad.
El trabajo sigue en una lucha entre un trabajo automático, inconsciente y otro reflexivo, seleccionando formas, estructurando, trabajando figura-fondo. En ese momento cuando percibía un vestigio de la realidad sentía la necesidad de desarrollarlo: las manzanas, las botellas. [4]
"Serie jardines V / Gardens Series V", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 130 x 130 cm., 1987
«... y tuvo el deseo de hacer formas para descubrir lo ignorado o secreto. Surgen las imágenes ocultas. Personajes que se balancean en soledad, entre los abstractos planos de cielo y tierra … por los transparentes cuerpos de las mujeres el porvenir incierto de los años, el dolor que enceguece.» Oscar Mara, Catálogo 1987
"Vértigo", 200 x 230 cm., 1990
«El trabajo con el sistema y la profundización de la terapia psicoanalítica facilitaron la aparición de imágenes cada vez más internas, dramáticas que expuse en en el Centro Cultural Recoleta en 1991.» [5]
"Acosmia", técnica mixta / mixed media, 200 x 230 cm., 1991
"Gestual con rojo / Gestural With Red", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 130 x 100 cm
«El lenguaje, lejos de permanecer invariable, fue cambiando por cierta necesidad interior.
Cada nueva serie surgió a partir de diferentes detonantes, en algunas fueron las lecturas que me obsesionaban en cada etapa sumado a los recuerdos, imaginación, realidades, invenciones.
Algunos ejemplos :
Los cantos de Maldoror de Lautréamont inspiraron los rojos de 1992.» [6]
Serie Rojos, Sin título / Reds Series, Untitled, técnica mixta / mixed media, 190 x 159 cm.
(a partir lectura de Los Cantos de Maldoror / after reading The Songs of Maldoror)
Serie Rojos, Ascensión / Reds Series, Ascension
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 116 x 92 cm., 1992
«El encuentro de gaviotines muertos en la playa de La paloma (Rocha, Uruguay) coincidió con la aparición de las grandes pinturas azules y la salida al espacio, instalando dichos gaviotines.» [7]
"A.S.E.", técnica mixta / mixed media, 160 x 130 cm., 1996
![]()
Serie de las Pinturas azules / Blue Paintings Series
«Cuando murió mi madre, mientras esperaba el certificado de defunción en las oficinas públicas, vi también los demás certificados de distintos colores, correspondientes a nacimiento, matrimonio, divorcio y ahí mismo se disparó el brote de lo que fue Tiempo y Tiempo, una video instalación referida a la ausencia y la muerte que tuvo lugar en el Centro de Artistas Plásticos de Montevideo.» [8]
Serie de las Pinturas azules / Blue Paintings Series
"Sin título / Untitled", técnica mixta / mixed media, 180 x 200 cm.
![]()
Díptico de la serie de azules / Blues Series Diptych, técnica mixta / mixed media, 200 x 100 cm., 1994
«Transcurrían los 15 días de exposición de Tiempo y Tiempo. Ahora ya no tenía hogar en mi ciudad, Montevideo. Me alojé en el Parque Hotel, en el barrio del Parque Rodó, frente al mar. Aunque en ese momento el edificio estaba en un estado bastante decadente, tenía vestigios de su lujoso pasado. Recordé que mis padres iban allí a los bailes de carnaval y surgió la instalación Parque Hotel “de uno y de dos, de todos”, presentada en la Alianza Francesa de Montevideo.
Reflexión sobre el tiempo: Tiempo no lineal, proyectado en objetos como metáforas, remiten a otro momento, donde se mezclan los tiempos históricos y personales.» [9]
"Los adioses I / The Goodbyes II", técnica mixta sobre tela / mixed media on canvas, 160 x 130 cm., 1998
«En el impasse que se da luego de mostrar una serie, me refugio en el silencio, la soledad, dibujo, busco libros de filosofía y poesía en la biblioteca, dejo venir las imágenes, hasta que se produce el insight, ese hilo conductor deseado. Ese momento es fuerte y placentero.
Al volver, luego de Tiempo y Tiempo, en ese estado de alerta, empezaron a fluir imágenes y nuevamente necesité un libro: Los Adioses, del uruguayo Onetti texto impregnado de muerte y desgarro que le dio el título a la muestra.»
«Pinturas, pantallas de video que mediatizan y multiplican imágenes, objetos, dibujos de Magdalena y Federico y un óleo de su padre, enriquecen la válida pretensión de aunar disciplinas, a fin de plasmar experiencias de lo real.»
Sarah Guerra, catálogo 1998 de la exposición presentada en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires. [10]
"Los adioses II / The Goodbyes II", 140 x 180 cm., 1998
«En 2005 aparece un retorno a la pintura donde manchas, grafismos, pinceladas, chorreados y los intensos bloques de color con el predominio del naranja y rojo son protagonistas. Gestos amplios con trazos violentos que alternan con otros más sutiles.»
«Mabel Lemonnier muestra su actitud no conformista, transformadora, que refleja una experiencia vital y el espíritu de desasosiego profundo que acompaña al ser humano es este tiempo de incertidumbres.»
Sarah Guerra, Alianza Francesa de Bahia Blanca. [11]
Serie naranja Nº 1 / Orange Series #1", técnica mixta / mixed media, 200 x 180 cm.
"Serie Latido, Santuario / Beat Series, Sanctuary", tecnica mixta / mixed media, 180 x 160 cm., 2008
«El disparador para Latido (2008) fue la relectura apasionada, obsesiva, de la poesía de Marosa di Giorgio, poeta uruguaya (1932-2004) y al mismo tiempo fue un disparador los vestidos que la autora describe, lo que me llevó a buscar un vestidito rosa de mi infancia.
Lo colgué en el taller, le saqué muchas fotos buscando erotismo en los fragmentos, al mismo tiempo que pintaba exaltada. Necesitaba rodearme de flores.
Expuse esta serie en el Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca.» [12]
![]()
El taller durante la creación de la serie "Latido" / The Studio during creation of Beat Series
El vestidito rosa / The Little Rose Gown
«En 2009 murió mi esposo.
Cuando volví a La Paloma, Uruguay, donde veraneábamos todos los años, me encontré con la proyección de mi sombra sola sobre la ola que llegaba a la orilla.
Lo sentí como una revelación. Fotografié esas sombras y [tomé] otras de mi nieto, de la gente que cruzaba. Volví a entusiasmarme, apareció un brote de lo que sería Residua.
De regreso al taller, rodeada de las fotos, empecé a trabajar sobre telas con técnica mixta.
En esa etapa destaco la lectura de Las sombras errantes de Pascal Quignard y los relatos de Samuel Backett, uno de los cuales, Residua, le dio nombre a la serie.» [13]
Serie Residua III / Residua Series III, carboncillo sobre tela / charcoal on canvas, 104 x 93 cm., 2015
«Silencio de silencios es el resultado del impacto que me provocó el encuentro con la obra de la artista brasileña Mira Schendel (1919-1988) en la Pinacoteca do Estado de San Pablo. Su obra sobre papel de arroz me fascinó y tuve el deseo de trabajar con ese material.
Conseguí un rollo de 20 m de papel de arroz. Lo tuve guardado hasta que este año me invitaron a exponer en el Museo Ferrowhite de Bahía Blanca, en una sala que me provocó el deseo de trabajar con ese rollo.
Byung-Chul Han en su libro Ausencia reflexiona “El papel de arroz tiene en sí mismo una materialidad de vacío y de ausencia”estaba apoyando esa nueva necesidad de trabajar con lo frágil, lo etéreo y en especial el silencio.
… “es el lugar donde ocurrirá el dibujo, la obra de líneas más líneas que hablan, se recuerdan los bellos momentos, las cosas que vienen de lejos se transforman”. Oscar César Mara, catálogo de la muestra.» [14]
Serie Residua VI / Residua Series VI, técnica mixta / mixed media, 120 x 100 cm.
SR: ¿Qué te dejan las charlas con amigos?
ML: Las siento imprescindibles tanto en lo intelectual como en lo afectivo. Estimula el intercambio de opiniones sobre lo visto, lo leído, pensar juntos, alternando con los momentos de compartir un vino y risas. [15]
Serie Residua V / Residua Series V, técnica mixta / mixed media, 126 x 106 cm., 2015
SR: ¿Las referencias artísticas y culturales que más te han influenciado con el tiempo?
ML: Lo esencial de nuestra persona se construye desde un comienzo a través de los otros. Mis padres, lectores, disfrutaban de la música clásica, el jazz y del cine. En la Escuela Experimental los lunes había cine Arte, mi padre me llevaba sin censura previa, así como tampoco censuraban el uso de la biblioteca. A los 13 años me llevaron a ver El Diario de Ana Frank en el Teatro Solis. En este momento me parecen importantes esas experiencias, supongo que me marcaron un camino de disfrute en la literatura, la música, el teatro y el cine que enriqueció la producción artística. Y luego los viajes, contigo hemos compartido visitas a la bienales de San Pablo, muy enriquecedoras y el ambiente que se arma en toda la ciudad inundada de arte. Las preferencias artísticas se fueron modificando, todas ellas jugando un rol en el crecimiento. Más allá de los clásicos siempre revisitados como Vermeer o el arte etrusco, tuve períodos de gran apego con algunos artistas: Francis Bacon, Antoni Tapies, Max Ernst, David Hockney, Willem de Kooning, Rothko, Louise Bourgeois, Alberto Giacometti, Anselm Kieffer, Per Kirkeby, Cy Twombly y Batlle Planas, artista argentino que refleja en su obra la teoría del inconsciente y los procesos internos de la energía psíquica que investigamos con grupo XX bajo la guía de Oscar Mara. [16]
Serie Residua II / Residua Series II, carboncillo sobre tela / charcoal on canvas, 102 x 94 cm., 2015
SR: Como artista, ¿qué valoras especialmente?
ML: La ética, la autenticidad, el compromiso con la propia subjetividad.
SR: ¿Cuál es el mensaje implícito en tus obras, qué quieres transmitir?
ML: Me interesa bucear en la propia identidad, seguir y seguir, cada vez más hondo en esa arqueología de la memoria, y que el Otro pueda recibir ese material encontrado como propio, que no sea una obra muda, en lo posible que conmueva. [17]
________________________________________________
Más sobre / More about Mabel Lemonnier: Website, facebook, Junarte
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Mabel!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Mabel!)
________________________________________________
Más sobre / More about Mabel Lemonnier: Website, facebook, Junarte
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Mabel!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Mabel!)
________________________________________________
Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museologia por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría, y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences, Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option) (Republic University Montevideo, Uruguay), Object, Symbol and Space in Curatorship, and art and painting student under Master Eduardo Espino.
________________________________________________
Texto en inglés / Text in English
[1]
Shirley Rebuffo: Tell me about your beginnings in painting or drawing. What was your first interest?
Mabel Lemonnier: At the Experimental School of Malvin, Montevideo (Uruguay), where I attended primary school, creativity and reflection were stimulated. The drawing workshop was a first approach and an important enjoyment. Also in my house, where the greatest pleasure was to draw and paint in solitude.
Later on, I went to Lincoln Presno's workshop, a well-known painter, sculptor and neighbor.
Because of an early inclination towards solidarity work, as a teenager in Emmaus (a movement founded in France by Abbé Pierre in 1947) and then in the militancy, I decided to study nursing at the University of the Republic.
I met my Argentinian companion who was finishing his medical residency at the Hospital de Clínicas and for work reasons chose Bahia Blanca as the place to settle and practice. I worked as a supervisor and teacher in a hospital in that city. When my father suddenly died in Montevideo, I was unable to travel, I hit bottom. I started psychoanalysis which moved a dormant need to start creative activity that had been postponed: my true vocation.
[2]
«I attended for 4 years the workshop of Ignacio Crespo, a very generous teacher who instructed me in different techniques: drawing, painting, woodcutting and collage. We also approached the works of fundamental artists: Matisse, Braque, Van Gogh, among others.
I was selected for a Unesco Experiment in International Living program where I took workshops on Art History for two months in France and Spain. That encounter with universal and contemporary art works ignited my vocation even more.
On my return, Grupo XX was founded with the guidance of the Argentinean artist Oscar César Mara, from Buenos Aires, who was a disciple of Batlle Planas. We researched the Psychology of Form, while at the same time delving into various techniques, drawing with models and the search for one's own image through the technique and practice of automatism. Very enriching long talks about artists, books, films. They were 8 years of intense and deep work.
And here I take the liberty of quoting Oscar Mara's words for the 1987 exhibition catalogue: "The handling of forms and colour through automatic techniques allows one to go far and penetrate very deeply into the strange behaviours of the soul".
[3]
SR: How did you orient the whole environment to make art a profession?
ML: It was important to have my own workspace, a workshop where I could work all the time allowed by the attention I owed to my family, and where I could feel the need to dedicate myself to my work.
It came naturally, participating in salons and contests, biennials, winning prizes and organizing exhibitions.
Numerous individual and collective exhibitions starting at the Museum of Fine Arts in Bahía Blanca, at the Alliance Française, in Buenos Aires in several galleries and at the Recoleta Cultural Center.
In Montevideo, at Galerías del Notariado, Alianza Francesa and at the Centro de Artistas Plásticos that we founded in 1996.
In 2000 I was selected for the Antorchas scholarship where I carried out the workshop Encuentros de Producción y Análisis de Obra at the Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca.
[4]
SR: How did the themes of the series come about?
ML: In the beginning there were the "Gardens" that perhaps come from childhood experiences. I lived the first years of my life in Malvin, which is a very bright, green neighborhood in Montevideo, with that characteristic smell of rain, jasmine, and 200 meters from the sea and the beach.
When I painted them, in front of the blank canvas I began to feel the pulse and let it grow, I imagined them. I'd start to feel this strange state of restlessness, of talking to myself. I would uncover all the jars, arrange the charcoals and the cakes. Trembling, fearing, breathing deeply, letting the energy flow through my body, raising my arms and at that moment, suspended in the air, I would take a charcoal and release it on the canvas without thinking of signs, points and lines, as my body carried me, in total availability.
The work continues in a struggle between an automatic, unconscious work and a reflexive one, selecting forms, structuring, working figure-background. At that moment when I perceived a vestige of reality I felt the need to develop it: the apples, the bottles.
[5]
"...and had the desire to make ways to discover the ignored or secret. The hidden images emerge. Characters that swing in solitude, between the abstract planes of heaven and earth ... by the transparent bodies of women the uncertain future of the years, the pain that blinds". Oscar Mara, Catalogue 1987
The work with the system and the deepening of the psychoanalytic therapy facilitated the appearance of more and more internal, dramatic images, that I exposed in the Cultural Center Recoleta in 1991.
[6]
«The language, far from remaining invariable, was changed by a certain inner need.
Each new series arose from different triggers, in some it was the readings that obsessed me at each stage, plus the memories, imagination, realities, inventions.
Some examples:
The songs of Maldoror by Lautréamont inspired the Reds of 1992.»
[7]
«Finding dead terns on the beach of La paloma (Rocha, Uruguay) coincided with the appearance of the large blue paintings and the exit into space, installing these terns.»
[8]
«When my mother died, while I was waiting for the death certificate at the public offices, I also saw the other certificates of different colors, corresponding to birth, marriage, divorce and right there the outbreak of what was Tiempo y Tiempo [Time and Time], a video installation referred to the absence and death that took place at the Center of Plastic Artists of Montevideo.»
[9]
«The 15 days of exposure of Time and Time passed. Now I no longer had a home in my city, Montevideo. I stayed at the Parque Hotel, in the neighbourhood of Parque Rodó, in front of the sea. Although at that time the building was in quite a decaying state, it had traces of its luxurious past. I remembered that my parents used to go there to the carnival dances and the Parque Hotel installation "De uno y de dos, de todos", presented at the Alliance Française in Montevideo, came into being.
Reflection on time: Non-linear time, projected on objects as metaphors, refers to another moment, where historical and personal times are mixed.»
[10]
«In the impasse that occurs after showing a series, I take refuge in silence, solitude, drawing, look for books of philosophy and poetry in the library, I let the images come, until the insight, that desired thread is produced. That moment is strong and pleasant.
When I returned, after Tiempo y Tiempo, in that state of alert, images began to flow and I again needed a book: Los Adioses [The Goodbyes], by the Uruguayan Onetti, a text impregnated with death and tears that gave the title to the exhibition.»
«Paintings, video screens that mediatize and multiply images, objects, drawings of Magdalena and Federico, and an oil painting by her father, enrich the valid claim of joining disciplines, in order to capture experiences of the real.»
Sarah Guerra, 1998 catalogue of the exhibition presented at the Museo de Bellas Artes in Buenos Aires.»
[11]
«In 2005 there is a return to painting where stains, graphics, brushstrokes, drips and intense blocks of colour with orange and red predominating are the protagonists. Wide gestures with violent strokes that alternate with other more subtle ones.»
«Mabel Lemonnier shows her non-conformist, transformative attitude, which reflects a vital experience and the spirit of deep uneasiness that accompanies human beings in this time of uncertainty."
Sarah Guerra, Alliance Française of Bahia Blanca.
[12]
«The trigger for Latido [Beat] (2008) was the passionate, obsessive re-reading of the poetry of Marosa di Giorgio, Uruguayan poet (1932-2004) and at the same time it was a trigger the dresses that the author describes, which led me to look for a little pink dress from my childhood.
I hung it up in the workshop, took many photos of it looking for eroticism in the fragments, while at the same time painting exalted. I needed to surround myself with flowers.
I exhibited this series at the Museum of Contemporary Art in Bahía Blanca.»
[13]
«In 2009 my husband died.
When I returned to La Paloma, Uruguay, where we summered every year, I found myself casting my shadow alone on the wave that was coming ashore.
It felt like a revelation. I photographed those shadows and [took] others of my grandson, of the people crossing. I became enthusiastic again, an outbreak of what would be Residua appeared.
Back in the studio, surrounded by the photos, I started working on canvases with mixed media .
In that stage I highlight the reading of The Roving Shadows by Pascal Quignard and the stories by Samuel Backett, one of which, Residua, gave name to the series.»
[14]
«Silence of Silences is the result that the encounter with the work of the Brazilian artist Mira Schendel (1919-1988) at the Pinacoteca do Estado de São Paulo had on me. Her work on rice paper fascinated me and I had the desire to work with this material.
I got a 20 m roll of rice paper. I kept it until this year when I was invited to exhibit at the Ferrowhite Museum in Bahia Blanca, in a room that made me want to work with that roll.
Byung-Chul Han in her book Absence quotes: "Rice paper has in itself a materiality of emptiness and absence". It was a support for this new need to work with the fragile, the ethereal, and especially the silence.»
«(...) it is the place where drawing will occur, the work of lines plus lines that speak, beautiful moments are remembered, things that come from far away are transformed.»
Oscar César Mara, catalogue of the exhibition.
[15]
SR: What do you get out of talking to friends?
ML: I feel they are essential, both intellectually and emotionally. It stimulates the exchange of opinions about what you've seen, what you've read, thinking together, alternating with moments of sharing a wine and laughter.
[16]
SR: Which artistic and cultural references have most influenced you over time?
ML: The essence of our person is built from the beginning through others. My parents, readers, enjoyed classical music, jazz, and movies. At the Experimental School on Mondays there were Art movies, my father took me there without prior censorship, and they didn't censor the use of the library either. When I was 13, they took me to see The Diary of Anne Frank at the Solis Theatre. At that time, these experiences seemed important to me. I suppose they marked a path of enjoyment in literature, music, theatre and cinema that enriched artistic production. And then the trips, with you we shared visits to the São Paulo Biennial, very enriching and the atmosphere that is created throughout the city flooded with art. The artistic preferences were modified, all of them playing a role in the growth. Beyond the always revisited classics such as Vermeer or Etruscan art, I had periods of great attachment to some artists: Francis Bacon, Antoni Tapies, Max Ernst, David Hockney, Willem de Kooning, Rothko, Louise Bourgeois, Alberto Giacometti, Anselm Kieffer, Per Kirkeby, Cy Twombly and Batlle Planas, an Argentine artist who reflects in his work the theory of the unconscious and the internal processes of psychic energy that we investigated with Grupo XX under the guidance of Oscar Mara.
[17]
SR: As an artist, what do you value most?
ML: Ethics, authenticity, commitment to one's own subjectivity.
SR: What is the message implicit in your works, what do you want to convey?
ML: I'm interested in diving into one's own identity, following and following, deeper and deeper into that archeology of memory, and that the Other can receive that material found as his own, not being a silent work, but a moving work if possible.
