Primero de un par de posts dedicados a la obra del artista uruguayo residente en España, Ruben Cano Tetti, en los que disfrutaremos de un recorrido por su vida y obra a través de una amplia selección de imágenes y una interesante entrevista realizada por Shirley Rebuffo.
Texto en inglés al final del post, marcado con [*] en cada párrafo.
First of a couple of posts dedicated to the work of Uruguayan artist based in Spain Ruben Cano Tetti, in which we will enjoy a tour of his life and work through a wide selection of images and an interesting interview by Shirley Rebuffo.
English text at the end of the post marked with [*] in each paragraph.
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Ruben Cano Tetti
(Minas, Lavalleja, Uruguay, 1947-)
en / at Lluchmayor, Mallorca, Illes Balears / Islas Baleares, España / Balearic Islands, Spain
El artista en su taller de Mallorca / The Artist at his Atelier in Mallorca
Ruben Cano Tetti es un ceramista, dibujante y pintor uruguayo nacido el 25 de julio de 1947 en Minas, Lavalleja.
Cursó sus primeros estudios en su ciudad natal y más adelante en Palma de Mallorca. Ha creado una obra elegante y siempre innovadora, con una estética que incorpora el ritmo de la fantasía, a la que ha sabido imbuir de contenidos sociales relativos a las comunidades en que se desenvuelve (Islas Baleares, España y Uruguay).
En la presente entrevista nos ofrece un jugoso y consistente testimonio de algunos aspectos de su vida y obra. [1]
"KL20", gres y chamotado con esmaltes /
firesand stoneware with glazes, 1260 ºC, 41 x 20 x 42 cm., 2002
"Taza / Cup", raku, 11 x 16 cm.
Shirley Rebuffo: ¿Cómo fueron los inicios?
Ruben Cano: Todo comenzó como un “hobby”. En aquel momento trabajaba en un escritorio comercial con mi padre, sin punto de contacto con la cerámica. Mi acercamiento con el dibujo, aunque técnico, fue al realizar el bachillerato de arquitectura. Me gustaban las clases de la docente y arquitecta María Luz Morosoli, hija del escritor Juan José Morosoli, gran referente de la cultura de Minas, mi ciudad natal. Fueron momentos de mucha efervescencia de las artes en el Uruguay. El lugar era “Amigos del Arte”, fundada por Edgardo Ribeiro, cuando yo comencé a asistir a esos cursos lo llevaban adelante Casimiro Motta y Julio Cajaraville. Concurrí alrededor de un año. Me despertó la curiosidad e inicié a investigar con otros talleristas de Montevideo como ser Gustavo Etchenique que era de Minas y estaba en la capital. En esos inicios oía hablar de López Lomba, Cacheiro, Gurvich, Collell, y otras figuras de la cerámica.
Al llegar a Europa, me sirvió todo el aprendizaje adquirido y emprendí a trabajar con el dibujo de estampados de Lionesa. Luego continué con la cerámica con técnica decorativa de engobe. Esto me permitió vivir de la cerámica y relacionarme con uruguayos que estaban en el mismo camino. Viví en Barcelona, Ibiza y por último establecí mi residencia en Palma de Mallorca. [2]
"Cap de dona / Cabeza de mujer / Head of a Woman", chamotado / firesand 1260 ºC, 41 x 19 x 27 cm., 2004
"Galaxia / Galaxy", chamotado con esmaltes / firesand with glazes 1260 ºC, 26 x 42 x 5 cm.
SR: ¿Cómo fue tu evolución desde el uso de la técnica para fines utilitarios hacia las obras artísticas?
RC: Estando ya conectado con la cerámica surge en mí la necesidad de profundizar más en ella y asistí a cursos en la Escuela de Arte y Oficios de Palma de Mallorca. Algunos de los docentes que se cruzaron en ese momento fueron alumnos directos de Josep Llorens Artigas, como Lluis Castaldo. A partir de este momento comienza la tarea de dar clases en la prisión y ampliar la creatividad, pasando como bien planteas de la técnica utilitaria a piezas de mayor volumen y mis primeras exposiciones. El crecimiento y la estabilidad del trabajo como educador, me posibilitó el abordaje de la cerámica como arte y dedicar el tiempo libre a lo que yo pretendía fundir con mis ideas. [3]
SR: ¿Cuál es tu principio de motivación?
RC: Siempre me estimuló ver la ductilidad de la cerámica con sus límites. A través de ella plasmé un sentir que podría decirse de una época con la cual me identifico, una “estética medieval” que siempre me ha seducido. Ir logrando esa conexión con la cerámica es lo que realmente germinó la creatividad personal e influyó en mi crecimiento artístico. [4]
"Escultura con hierro / Sculpture with Iron"
Chamotado con esmaltes / firesand with glazes, 203 x 38 x 38 1260° C, 2010
"Mujer / Woman", 19 x 20 cm.
SR: ¿Planificas previamente lo que realizas o surge espontáneamente?
RC: Mi manera de crear una pieza nueva viene dada por el intento, día a día, de crear a través del dibujo. Con una mirada selectiva logro definir cuál de ellos quiero llevar a volumen para dibujarlo nuevamente con sus dimensiones reales y después pasar a la práctica de la elaboración. Hay una fase previa que será hacer una pieza pequeña o maqueta de la misma, previendo las dificultades en sus curvas, las alturas y redondeces del diseño. [5]
SR: ¿Te gusta trabajar en piezas pequeñas o grandes?
RC: Verdaderamente me gusta trabajar en las piezas grandes, con la problemática que ello conlleva y las medidas que tenga el horno para después seguir su proceso. La solución que he encontrado es el fraccionar las piezas y que esa unión entre una pieza y otra sirva como elemento decorativo. Ensamblarlas y acoplarlas por medio de planchas de hierro o madera u otro material que dé lugar a una presentación estética impecable. [6]
"Yelmo 2 / Helmet #2", barro rojo / red clay 990 ºC, 30 x 18 x 24 cm., 1991
"Cua / Cola / Tail", chamotado con pigmento / firesand with pigment, 44 x 23 x 33 cm., 1260 ºC, 2011
SR: ¿Duplicas piezas?
RC: En ese fraccionar de las piezas, alguna de ellas puede dar lugar a una nueva pieza complementaria. Yo no diría repetir, sino armonizar cada una de ellas con el sentir estético y creativo del sentir personal. Por eso pueden resultar a simple vista algunas de las piezas “parecidas” cuando en realidad su carácter lo dan los diferentes diseños que en ella plasmo. [7]
SR: ¿Te gusta experimentar?
RC: Creo que es lo más importante y a nivel personal lo más lindo de hacer en cerámica. En relación a eso, lo último que experimenté en mi exposición en AGADU [Asociación General de Autores del Uruguay], fue la experiencia de trabajar con ácidos en las placas de hierro, técnica a la que me introdujo el amigo Juan Pache. [8]
"Meteorito / Meteorite"
Barro rojo con esmalte mate / red clay with matte glaze 980 ºC, 38 x 50 x 30 cm., 1996
"Columna / Column"
Barro rojo con esmalte mate / red clay with matte glaze 980 ºC, 88 x 25 x 26 cm., 1995
SR: ¿Trabajas con placer el torno?
RC: Sí, me encanta trabajar en él. La relación mágica entre el barro, el torno y las manos, me crea una sensación de total placer y armonía. [9]
SR: ¿Qué tipo de barro te resulta mejor para trabajar?
RC: Trabajo barro chamotado. Éste consiste en un barro al que se le ha agregado trocitos de cerámica de diferentes tamaños que ya están horneados. Eso hace que sea un barro bastante rústico, que es lo que yo busco para hacer resaltar su composición. [10]
Izq./ Left: "Dona / Mujer / Woman"
Gres con pigmento / stoneware with pigment, 52 x 22 x 15 cm., 2018-19
Der./ Right: "Dona / Mujer / Woman"
Gres en carbonación / carbonated stoneware, 39 x 13 x 12,5 cm., 2018-19
"KL-10", gres / stoneware 1260 ºC, 110 x 49 x 16 cm., 2018
SR: ¿En qué momento artístico te encuentras?
RC: Precisamente hoy no podría definirte exactamente cuál es mi momento actual, eso lo dejo a los que han tenido contacto con mis trabajos. De lo que sí estoy seguro, es que el volver cada 6 meses a Uruguay ha motivado mi creatividad. [11]
SR: ¿Cuál crees que es el papel del ceramista en la sociedad contemporánea de hoy?
RC: El papel del ceramista en la sociedad de hoy es sin dudas, transmitir los conocimientos. Las nuevas aperturas que hoy se difunden en los diferentes encuentros donde el papel del ceramista está en sacar su trabajo, los hornos, a la calle y experimentar en conjunto con el público, y que éste se implique, hacer un trabajo comunitario y comprometido con el proceso de la cerámica, en evolución cada día. [12]
"Bou / Buey / Ox", gres chamotado con pigmento /
firesand stoneware with pigment, 13,5 x 40 x 4 cm., 2018-19
"Pirámide tribal / Tribal Pyramid"
Chamotado, gres y esmaltes / firesand stoneware and glazes, 1260 ºC, 2003
SR: ¿Podrías describirme tu técnica favorita?
RC: Tanto, así como favorita no tengo, lo que sí puedo decirte es con cual me siento más cómodo o me es más agradable trabajar, sobre todo las técnicas que me sorprenden cuando salen las piezas del horno y no puedes controlar con seguridad ese proceso de cómo va a ser el resultado final. O sea que me gusta dejarme sorprender. Técnicas como el Rakú, la carbonación y otras, que te permiten jugar con el horno en tercera horneada; por tal motivo prefiero utilizar un horno a gas. [13]
SR: ¿Qué le respondes a quienes dicen que “la cerámica es un arte menor”?
RC: Te cuento que en una conferencia en la que participaban varios museos, estando presente el hijo de Llorens Artigas que es ceramista también (Joanet), realicé esa pregunta a todos los exponentes en general, porque yo tampoco lo entendía. Una directora del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, que estaba presente, me dijo: “Te voy a responder con una anécdota. Un día llega Miró al taller de Llorens Artigas. Se dirige a una de las cajas y toma una pieza de cerámica de las que tenía allí, separadas a un costado del taller, prontas para decorar. Llorens Artigas le dice: – “No, de esas no”. A lo que Miró, le pregunta –“¿por qué no?”. Respondiendo Llorens Artigas: – “porqué salieron mal hechas del horno”. A Miró eso no le importó y la pintó igual. En esta situación (prosigue la directora) se ve cómo entre los ceramistas se prioriza la técnica y no dan paso a la improvisación”. Con esta respuesta, reflexioné sobre sus palabras y cambié mi manera de hacer cerámica dejando lugar a la improvisación, poniendo menos color y yendo más a la textura de la materia en la elaboración de la pieza, dejando que las planchas de cerámica me digan el camino a seguir. [14]
"Jarras / Cups", 16 x 12 cm., 10 x 9 cm.
"Tribal", chamotado con esmaltes / firesand with glazes 1260 °C, 80 x 72 x 8 cm., 2010
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino..
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Texto en inglés / English Text
[1]
Ruben Cano Tetti is a Uruguayan ceramist, draftsman and painter born on July 25, 1947 in Minas, Lavalleja.
He studied in his hometown and later in Palma de Mallorca. He has created an elegant and always innovative body of work, with an aesthetic that incorporates the rhythm of fantasy, to which he has been able to incorporate the resource of social content in the communities in which he moves (Balearic Islands, Spain and Uruguay).
In this interview he offers us a juicy and consistent testimony of some aspects of his life and work.
[2]
Shirley Rebuffo: How were your beginnings?
Ruben Cano: It all started as a "hobby". At that time I was working at a commercial office with my father, with no point of contact with ceramics. My approach to drawing, although technical, was when I was in high school for architecture. I liked the classes of the teacher and architect María Luz Morosoli, daughter of the writer Juan José Morosoli, a great reference of the culture of Minas, my hometown. They were moments of great effervescence of the arts in Uruguay. The place was "Amigos del Arte (Friends of Art)", founded by Edgardo Ribeiro. When I started attending those courses, they were run by Casimiro Motta and Julio Cajaraville; I attended them for about a year. I got curious and started to investigate with other workshop owners from Montevideo, such as Gustavo Etchenique, who was from Minas and was in the capital. In those early days I heard about López Lomba, Cacheiro, Gurvich, Collell, and other ceramic leading figures.
When I arrived in Europe, all the learning I had acquired was useful and I started to work with the drawing of ["estampados a la lionesa"]. Then I continued with ceramics with the decorative technique of Engobe. This allowed me to live from the pottery and relate to Uruguayans who were on the same path. I lived in Barcelona, Ibiza and finally established my residence in Palma de Mallorca.
[3]
SR: How was your evolution from the use of technique for utilitarian purposes to artistic works?
RC: Being already connected with ceramics, I felt the need to go deeper into it and I attended courses at the Escuela de Arte y Oficios (Shool of Arts and Crafts) in Palma de Mallorca. Some of the teachers who crossed paths at that time were direct students of Josep Llorens Artigas, such as Lluis Castaldo. From this moment on, I started to give classes in the prison and to expand my creativity, going from utilitarian techniques to larger pieces and my first exhibitions. The growth and stability of my work as an educator made it possible for me to approach ceramics as an art and to devote my free time to what I wanted to fuse with my ideas.
[4]
SR: What is your motivation principle?
RC: I've always been stimulated by seeing the ductility of ceramics with its limits. Through it I captured a feeling that could be said of a time with which I identify, a "medieval aesthetic" that has always seduced me. Achieving that connection with ceramics is what really germinated my personal creativity and influenced my artistic growth.
[5]
SR: Do you pre-plan what you do or does it come up spontaneously?
RC: My way of creating a new piece comes from the day-to-day attempt to create through drawing. With a selective look I manage to define which of them I want to take to volume to draw it again with its real dimensions and then go on to the practice of elaboration. There is a previous phase that will be to make a small piece or model of it, foreseeing the difficulties in its curves, the heights and roundness of the design.
[6]
SR: Do you like working on small or large pieces?
RC: I really like to work on large pieces, with the problems that this entails and the measurements of the oven, so that I can then follow the process. The solution I've found is to divide the pieces and make that union between one piece and another serve as a decorative element. Assemble them and couple them by means of iron or wood plates or other material that gives rise to an impeccable aesthetic presentation.
[7]
SR: Do you repeat pieces?
RC: In that splitting of the pieces, some of them can give rise to a new complementary piece. I wouldn't say repeat, but rather harmonize each one of them with the aesthetic and creative feeling of the personal feeling. That's why some of the pieces can be "similar" at first glance when in fact their character is given by the different designs that I embody in them.
[8]
SR: Do you like to experiment?
RC: I think it's the most important and on a personal level the most beautiful thing to do in ceramics. In that regard, the last thing I experienced in my exhibition at AGADU [Uruguayan General Association of Authors] was the experience of working with acids in iron plates, a technique that my friend Juan Pache introduced me to.
[9]
SR: Do you work with pleasure on the lathe?
RC: Yes, I love working on it. The magical relationship between the clay, the lathe and the hands, creates a feeling of total pleasure and harmony for me.
[10]
SR: What kind of clay do you find best to work with?
RC: I work with grog (also known as firesand and chamotte). This consists of a clay to which pieces of ceramic of different sizes have been added and which are already baked. That makes it a pretty rustic clay, which is what I'm looking for to make its composition stand out.
[11]
SR: What artistic moment are you in?
RC: Today I couldn't exactly define my current moment, I leave that to those who have had contact with my work. What I am sure of, is that returning every 6 months to Uruguay has motivated my creativity.
[12]
SR: What do you think is the role of the ceramist in today's contemporary society?
RC: The role of the ceramist in today's society is undoubtedly to transmit knowledge. The new openings that are being spread today in the different meetings where the role of the ceramist is to take his work out, the kilns, to the street and to experiment together with the public, and for the public to get involved, to do a community work and committed to the process of ceramics, in evolution every day.
[13]
SR: Could you describe your favorite technique to me?
RC: I don't have a favorite technique, but I can tell you which one I'm most comfortable with or enjoy working with, especially the techniques that surprise me when the pieces come out of the oven and you can't control that process with any certainty as to how the final result will be. So I like to be surprised. Techniques such as Raku, carbonation and others, which allow you to play with the oven in the third baking; for this reason I prefer to use a gas oven.
[14]
SR: What do you say to those who say that "ceramics is a minor art"?
RC: I'll tell you that in a conference in which several museums participated, with the presence of Llorens Artigas' son who is also a ceramist (Joanet), I asked that question to all the exhibitors in general, because I didn't understand it either. A director of the Museum of Contemporary Art of Barcelona, who was present, told me: "I'm going to answer you with an anecdote. One day Miró arrived at Llorens Artigas' workshop. He went to one of the boxes and took one of the ceramic pieces he had there, separated at the side of the workshop, ready to be decorated. Llorens Artigas says to him: - "No, not that kind". To which Miró asked - "why not?". Llorens Artigas answered: - "because they were badly made in the oven". Miró didn't care about that and painted it anyway. In this situation - continues the director - we can see how among the ceramists the technique is prioritized and they don't give place to improvisation". With this response, I reflected on her words and changed my way of making ceramics, leaving room for improvisation, putting less colour and going more to the texture of the material in the making of the piece, letting the ceramic plates tell me the way to go.
