Shirley Rebuffo entrevista a Silvia della Maddalena. Presentamos un artículo en dos partes (la primera aquí) recorriendo más de dos décadas en la creación de esta artista plástica argentina cuya obra, a decir de Fermín Fèvre, "nos remite, inevitablemnente, al mundo precolombino. Vemos en su escritura visual formas reminiscentes del arte original de América. Lo curioso de ello es que ninguna forma en particular lo determina."
Silvia nos devela algunas claves de su formación, su proceso creativo y analiza la interrelación entre la los objetos culturales de los pueblos originarios americanos y el constructivismo rioplatense, que comparten la abstracción geométrica como punto de partida de su generación morfológica.
Shirley Rebuffo interviews Silvia della Maddalena. We present a two-part article (the first one here) covering more than two decades in the creation of this Argentine plastic artist whose work, according to Fermín Fèvre, "inevitably takes us back to the pre-Columbian world. We see in her visual writing forms reminiscent of the original art of America. The curious thing about it is that no particular form determines it".
Silvia reveals some keys to her training, her creative process and analyzes the interrelation between the cultural objects of the native American peoples and the constructivism of the Rio de la Plata, which share geometric abstraction as the starting point of their morphological generation.
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Silvia Beatriz della Maddalena
(Morón, Provincia de Buenos Aires / Buenos Aires Province, Argentina, 1961-)
Silvia della Maddalena es una artista argentina nacida en Morón, Provincia de Buenos Aires, el 11 de diciembre de 1961. Continuamos con la entrevista realizada por Shirley Rebuffo (primera parte aquí)
SR: La gubia es como tu lápiz de dibujo. Tienes series anteriores donde has usado el grabado como puente para realizar obras que comienzan igual y terminan siendo distintas al original. ¿Podrías hablarnos de ese proceso?
SdM: Si pensamos y sentimos que la materialidad, la técnica y la forma están en íntima relación, la técnica seleccionada condiciona la forma y la sustancia de la obra.
En este sentido "el instrumento", lápiz, pincel, gubia o "bordado" es un vehículo elegido que incide directamente en el cómo se manifiesta la forma, su materialidad que redunda en la multiplicidad de sentidos de significación.
Podría decir que el pasaje del pincel a la gubia significó no sólo la elección de una herramienta sino un pasaje de comprensión mayor que diera en el núcleo mismo de "dar forma" a la sustancia, los sentidos del signo gráfico.
Realizando una mirada retrospectiva agregaría que siempre fui en la búsqueda de una imagen que se desprendiera del plano bidimensional de la tela y del marco para ser "presencia" absoluta en el espacio. La utilización de diferentes texturas con variadas materias (arenas, polvo de mármol, carborundum, etc.) involucraban la intención de despegue del plano a través del relieve generado. Toda materia que incorporo a la tela o tabla para generar texturas las aplico generando una pasta con "cola de carpintero". En general la elección del material tiene que ver con su color y cualidades, las variaciones de tonos de arenas, los blancos del polvo de mármol, los diferentes tonos de carburundum (gris azulado) y su cualidad metálica. Las matrices xilográficas intervenidas con arena, acentuaron huecos y salientes hasta que el pasaje a lo textil, fue la provocación máxima del plano envuelto en sí mismo.
"Nuevo Ciclo (díptico) / New Cycle (diptych)"
Xilopintura sobre MDF / xylo-painting on MDF, 120 x 130 cm., 2010
"Serie Warmi / Warmi Series"
Xilopintura sobre papel / xylo-painting on paper, 96 x 48 cm., 2013
SR: Cuando has "agotado" el uso del taco en el grabado, el mismo taco, con una intervención, pasa a formar parte de las texturas de otras obras. ¿Cómo le encuentras el camino para que tenga la soltura de ser parte de otro soporte expresivo?
SdM: La utilización de la TÉCNICA XILOGRÁFICA como punto de partida, no implica la estampa sino la utilización de la matriz para generar una variación de la imagen, por combinación de sus fragmentos. Así la técnica se convierte en el fundamento de un modo intencional del proceso de desarrollo de la imagen. En definitiva, una "vocación formal" que haya un medio. Un medio que transmuta la materia para resignificar la forma.
La Xilografía me permite una "pobreza y austeridad" de recursos, en favor de un máximo contenido expresivo del lenguaje simbólico y de asociaciones. Porque en el acto mismo de "formar", se origina una alteración en el modo de percepción, cada trazo desgarra la oscuridad para iluminar el espacio, del negro al blanco, de lo lleno a lo vacío, adquiere valor concreto aquello de dibujar el espacio para alcanzar la forma. Y profundizar en ese "derrame de la atención" y cultivo de la simultánea configuración de los espacios internos y externos que surgen de las líneas, para dar con una construcción ambigua en los que la figura y el fondo sean relativos.
La matriz es solo el sustrato original. La estampa rara vez alude a la proposición del taco, las impresiones de fragmentos van configurando un nuevo orden. Hay una intencionalidad de variaciones diferenciadas en la producción seriada y fragmentada de un mismo sustrato, para que finalmente las intervenciones de planos de color generen nuevos acordes en contrapunto y alcance su metamorfosis final.
Totalidad que aspira a una polifonía estructural que al igual que el símbolo, revele y descubra sus múltiples derivas.
En otras series de obras, la matriz es el soporte, la pregnancia del relieve promueve una intervención matérica y textural de la superficie más que una amplitud de acordes cromáticos.
De esta especie de vocación formal en diversas clases de materiales y de un tratamiento diferenciado que se adapte a su naturaleza, surgió la ampliación territorial de lo pictórico en lo textil.
"Serie Warmi VIII / Warmi Series VIII"
Xilopintura sobre MDF / xylo-painting on MDF, 92 x 122 cm., 2013
"Serie Warmi XI / Warmi Series XI"
Xilopintura sobre papel / xylo-painting on paper, 76 x 50 cm., 2013
SR: En cuanto a lo textil zurces, recompones, remiendas, superpones, estampas con la mirada ancestral de las tejedoras y bordadoras de un arte casi olvidado, sumando la cualidad de la bidimensionalidad. ¿Podrías explicarnos algo de tu trabajo textil?
SdM: Decíamos que la materialidad de la imagen es generadora de sustancia de significación y lo textil como fundamento, fue el origen de una materia transfigurada desde la propia estructura (sustancia y estructura son la misma cosa) que instala un orden de repetición y serialidad que organiza no sólo el espacio sino el tiempo, nos formula nuevos interrogantes enlazados con la inmediatez, lo cotidiano y las sendas de la memoria.
La propia materialidad se transformó así en un medio de traducción a nivel sensible de resignificación de la organización del espacio textil, de sus implicancias formales y cromáticas, amarrando sentidos en ese gran telar de múltiples capas y envolturas del propio cuerpo.
La noción elaborada por Rosalind Krauss de "campo expandido", nos permite estimar el quiebre de límites en la demarcación del campo bidimensional pictórico cuando accede al territorio de lo textil asumiendo una serie de transformaciones: La trama RETICULAR del propio cuerpo textil se organiza desde su fundamento en la coloratura de sus propios hilos. Reconocer los propios límites de la urdimbre y sus cualidades intrínsecas impone un orden, un itinerario de construcción, que tantas manos de tejedoras han transitado para hallar la comunión con la trama misma. Disposición que exige acuerdos de medida y orden sin complacencias.
El soporte mudo ya no es una demarcación infranqueable, ni el marco clausura su proyección. El soporte como textil recobra su propia soltura, ingravidez y adecuación. Exhibe su propia estructura viviente, su propio cuerpo en el espacio. La imagen pictórica como "ventana al mundo" se expande como envoltura de sí misma.
Lo textil nos teje de algún modo.
Este pensamiento que se materializó en el transcurrir del propio hacer, en el que mi propio cuerpo percibido o imaginado se transformó en metáfora textil para poblar de símbolos el mundo.
Mis "envolturas" comenzaron insinuando un cuerpo ausente transformado en plano absoluto en el que subyacen todas las dimensiones posibles arriba-abajo, izquierda-derecha, delante-atrás.
Concebida como ser viviente, la organización del espacio evidencia metafóricamente una traducción antropomórfica, el cuerpo textil posee su derecha e izquierda y un centro-corazón, lugar de encuentro o núcleo concentrador de sentido. Sus bordes como bocas, delimitan el espacio tejido o se abren al exterior "no tejido", definiendo su relación o comunicación con el mundo.
El soporte como textil suscitó un abandonarse a la propia trama, una corrección de la recta y del ángulo recto, y una corrección de la curva que por adecuación adquirió estructura. Lo geométrico y el espacio racionalmente concebido se transformaron y engendró así, una "geometría sensible" inscripta en mi propio cuerpo-textil.
"Serie Warmi XIII / Warmi Series XIII"
Xilopintura sobre papel / xylo-painting on paper, 93 x 49 cm., 2013
»La serie "WARMI PALLAY, Envolturas para ocultar la desnudez" ("Warmi" es un vocablo quechua que significa "Mujer", y Pallay, "Recoger") iniciada en el año 2016, es una exploración interna que necesitó respetar las propias necesidades expresivas y expandidas de lo pictórico en el universo textil, una indagación sobre las estructuras textiles andinas, en los pliegues del cuerpo y del alma y desde el "estar-siendo" desde estas coordenadas espaciales y su horizonte simbólico.
En este sentido es interesante la noción de suelo como generatriz de todo cultivo y su injerencia en el pensamiento de las estructuras textiles andinas que se evidencia a través de dos campos bien diferenciados: "pampa" y "pallay". Pampa, alude al mundo salvaje –lo no cultural-, se corresponde en el tejido con el espacio uniforme carente de decoración, en contraposición con el pallay, término quechua que significa "recoger", de la necesidad de recoger hilos para formar una figura, representando al mundo cultural con significado, poblando así de signos y de símbolos el mundo, para que a modo de tejido oculte su desnudez.
Así la práctica pictórica "expandida" en lo textil, halló sustento en las estructuras textiles andinas, estableciendo otros paralelismos por fuera de la pura "opticalidad" del diseño.
Lo textil nos provoca una revolución de las distancias y del tiempo, el soporte textil anida una manualidad que recobra la herencia compartida entre mujeres, un nuevo aprendizaje en la traducción de un mismo lenguaje a otro idioma, que significó un cambio paradigmático en el propio hacer, una verdadera revolución de las distancias y del tiempo.
Las telas/ envolturas/ mantos, conllevan en su proceso una cercanía por la manipulación directa y significativa de su propia materia y el funcionamiento coordinado del tacto, la prensión y la vista. Entre los dedos se deslizan la trama de hilos, el pigmento tiñe su propio cuerpo, los hilos que bordan se incorporan anclándose en su trama. Nada queda sobrepuesto en la superficie inerte del soporte, lo textil es la materia misma iluminada.
Zurciendo transparencias y superposiciones, recomponiendo con estampaciones y remiendos intento reunir los hilos sueltos de nuestra cultura, uniendo aquello que ha quedado perdido, olvidado.
Las transparencias y pliegues sugieren la intencionalidad de "exhibir y velar", como dijera Heidegger, la obra por un lado muestra y por otra oculta, y este ocultar hace al enigma.
Un tiempo propio… En el proceso de realización se activa un "tempo" especial que sella su propio transcurrir-discurrir. Mente, corazón y mano siguen el ritmo interno y acompasado del hilo que traza cada puntada, del pigmento que colorea cada hilo hasta alcanzar su plenitud, iluminando las propias luces y sombras, manto terrestre de tierras, rojos naranjas, manto celeste azul, negro azulino.
El tiempo en lo textil, es un demorarse, nos devuelve aquel tiempo lleno, y nos acoge de nuevo en la vita contemplativa para vincularnos con el misterio de lo humano.
"Serie Warmi XXIV / Warmi Series XXIV"
Xilopintura sobre papel / xylo-painting on paper, 90 x 50 cm., 2013
SR: ¿Cuál es tu mayor debilidad a la hora de enfrentarte a una nueva creación?
SdM: Cuando el plano blanco es un vacío absoluto y no una posibilidad de ir al encuentro de aquella forma que germine en él… una forma que aparece primero como una imagen difusa y fantasmal en mi mente generadora de aquél primer impulso que acciona la mente, el corazón y la mano como vehículo.
SR: Hace años tienes alumnos a tu cargo. Cuéntanos ¿cómo es ser profesora de arte?
SdM: Como docente transité por los distintos niveles de enseñanza, desde el nivel primario al terciario, pero desde 1991 me especialicé en la materia Lenguaje visual y los procesos de abstracción, cuando el maestro Delmonte delegó su enseñanza en sus discípulos.
Como sujeto de enseñanza-aprendizaje he realizado nuevas formulaciones desde mi propia práctica artística y la forma de percibir el mundo. La posibilidad de indagar en las nuevas formulaciones plásticas de los alumnos significó una ampliación de la mirada y el pensamiento a otros mundos posibles.
"Warmi Series / Serie Warmi",
Mosaico - frente taller / mosaic - in front of the studio, 60 x 80 cm., 2013
SR: Vives fuera de la gran urbe, en San Justo, lo que se da en llamar el Cono Urbano de la ciudad de Buenos Aires. ¿Qué te llevó a estar un poco más alejada del centro de la ciudad, en un barrio más tranquilo?
SdM: Mi bisabuelo paterno ya realizaba en carro la distribución del correo entre San Justo y Cañuelas en la provincia de Buenos Aires, acompañado de mi abuelo que atendía a los caballos cuando se enterraban en el barro en los caminos de tierra de aquella época. Y continuando los pasos de su padre siguió en el correo hasta convertirse en director del mismo, mientras mi padre desde muy pequeño, comenzaba a repartir las cartas a caballo en aquella pequeña aldea que era San Justo.
En este margen nací, crié y moldié. Con orgullo lo manifiesto, porque lo geográfico y el territorio amasa tus percepciones y sueños, y aunque la pequeña aldea se unió irremediablemente a la gran urbe, la frontera más allá de la General Paz - ese cordón que separa las 20 manzanas del centro desde el cual se construye "cultura"- … también existe. Desde la periferia, y desde el interior acontecen los mejores logros de autonomía.
"Serie Warmi Pallay 1 / Warmi Pallay Series 1"
Xilopintura sobre papel / xylo-painting on paper, 53 x 75 cm., 2014
SR: ¿Qué inquietudes tienes en este momento? ¿Sobre qué estás reflexionando?
SdM: La pandemia ha generado un quiebre extraordinario no solo del diario vivir, sino que explotó en nuestras caras una serie de presupuestos que abandonábamos a la deriva ralentizando sus consecuencias en todos los ámbitos, lo social, económico, político, ambiental, tecnológico, etc.
En lo artístico, la virtualidad ha palidecido absolutamente la obra que "es", en tanto presencia absoluta en el encuentro con el "otro". La imagen virtual es un mero acercamiento de superficie desvanecida en su sustancia como canal dimensional de provocación sensible en el espíritu del otro. En este sentido, el "hacer" artístico acontece y se reduce al puro autogoce y circunscripto al ámbito reducido de su propia espacialidad.
Solo me queda esperar que, como los pliegos enrollados de los pintores orientales, llegue un invitado que me permita desplegar ante su presencia aquel objeto como producto del estar-siendo en esta temporalidad de la propia existencia.
"Serie Warmi Pallay 4 / Warmi Pallay Series 4"
Xilopintura sobre MDF / xylo-painting on MDF, 92 x 122 cm., 2015
Silvia della Maddalena is an Argentine artist born in Morón, Province of Buenos Aires, on December 11, 1961. We continue with the interview conducted by Shirley Rebuffo (first part here).
SR: The gouge is like your drawing pencil. You have previous series where you have used engraving as a bridge to make works that start out the same and end up being different from the original. Could you tell us about that process?
SdM: If we think and feel that materiality, technique and form are intimately related, the selected technique conditions the form and substance of the work.
In this sense "the instrument", pencil, brush, gouge or "embroidery" is a chosen vehicle that directly affects the way the form is manifested, its materiality that results in the multiplicity of senses of meaning.
I could say that the passage from the brush to the gouge meant not only the choice of a tool but a passage of greater understanding that gave in the very core of "giving form" to the substance, the senses of the graphic sign.
Looking back, I would add that I have always been in search of an image that would detach itself from the two-dimensional plane of the canvas and the frame to become an absolute "presence" in space. The use of different textures with various materials (sand, marble dust, carborundum, etc.) involved the intention of detachment from the plane through the relief generated. Any material that I incorporate to the canvas or board to generate textures I apply them by generating a paste with "carpenter's glue". In general, the choice of material has to do with its color and qualities, the variations of sand tones, the whites of marble dust, the different tones of carburundum (bluish gray) and its metallic quality. The xylographic matrices intervened with sand, accentuated hollows and protrusions until the passage to the textile, was the maximum provocation of the plane wrapped in itself.
"Serie Warmi Pallay 11 / Warmi Pallay Series 11"
Xilopintura sobre MDF / xylo-painting on MDF, 92 x 122 cm., 2015
"Serie Warmi Pallay. Envolturas 8 / Warmi Pallay Series. Wrappings 8"
Pigmentos sobre tela de algodón. Teñido. Estampado xilográfico sobre gasa. Bordado.
Pigments on cotton fabric. Dyeing. Xylographic printing on gauze. Embroidery, 80 x 140 cm., 2016
"Serie Warmi Pallay. Envolturas 26 / Warmi Pallay Series. Wrappings 26"
Pigmentos sobre tela de algodón. Teñido. Estampado xilográfico sobre gasa. Bordado. /
Pigments on cotton fabric. Dyeing. Xylographic printing on gauze. Embroidery, 60 x 104 cm., 2017
SR: When you have "exhausted" the use of the block in engraving, the same block, with an intervention, becomes part of the textures of other works. How do you find the way for it to have the freedom to be part of another expressive support?
SdM: The use of the XYLOGRAPHIC TECHNIQUE as a starting point does not imply the print but the use of the matrix to generate a variation of the image, by combining its fragments. Thus the technique becomes the foundation of an intentional mode of the image development process. In short, a "formal vocation" that has a medium. A medium that transmutes the matter to resignify the form.
Xylography allows me a "poverty and austerity" of resources, in favor of a maximum expressive content of symbolic language and associations. Because in the very act of "forming", an alteration in the way of perception is originated, each stroke tears the darkness to illuminate the space, from black to white, from full to empty, acquires concrete value that of drawing the space to reach the form. And to deepen in this "spilling of attention" and cultivation of the simultaneous configuration of internal and external spaces that arise from the lines, to find an ambiguous construction in which the figure and the background are relative.
The matrix is only the original substrate. The print rarely alludes to the proposition of the block, the impressions of fragments are configuring a new order. There is an intentionality of differentiated variations in the serial and fragmented production of the same substrate, so that finally the interventions of color planes generate new chords in counterpoint and reach their final metamorphosis.
Totality that aspires to a structural polyphony that, like the symbol, reveals and discovers its multiple drifts.
In other series of works, the matrix is the support, the pregnance of the relief promotes a material and textural intervention of the surface rather than an amplitude of chromatic chords.
From this kind of formal vocation in different kinds of materials and a differentiated treatment that adapts to their nature, the territorial extension of the pictorial in the textile emerged.
"Serie Warmi Pallay. Envolturas 28 / Warmi Pallay Series. Wrappings 28"
Pigmentos sobre tela de algodón. Teñido. Bordado. /
Pigments on cotton fabric. Dyeing. Embroidery, 80 x 130 cm., 2017
"Serie Warmi Pallay. Envolturas 32 / Warmi Pallay Series. Wrappings 32"
Teñido sobre tela de algodón y gasa. Bordado. /
Dyed on cotton and gauze fabric. Embroidery, 120 x 100 cm., 2017
SR: As for textiles, you darn, recompose, mend, superimpose, print with the ancestral gaze of the weavers and embroiderers of an almost forgotten art, adding the quality of two-dimensionality. Could you explain something about your textile work?
SdM: We said that the materiality of the image is a generator of substance of meaning and the textile as a foundation was the origin of a transfigured matter from the structure itself (substance and structure are the same thing) that installs an order of repetition and seriality that organizes not only space but also time, formulates new questions linked to immediacy, the everyday and the paths of memory.
The materiality itself was thus transformed into a means of translation at a sensitive level of resignification of the organization of the textile space, of its formal and chromatic implications, tying senses in that great loom of multiple layers and wrappings of the body itself.
The notion elaborated by Rosalind Krauss of "expanded field" allows us to estimate the breaking of limits in the demarcation of the two-dimensional pictorial field when it accesses the territory of the textile, assuming a series of transformations: The RETICULAR weft of the textile body itself is organized from its foundation in the coloratura of its own threads. Recognizing the limits of the warp and its intrinsic qualities imposes an order, an itinerary of construction, which so many weavers' hands have traversed to find communion with the weft itself. A disposition that demands agreements of measure and order without complacency.
The mute support is no longer an impassable demarcation, nor does the frame close its projection. The support as textile recovers its own looseness, weightlessness and adequacy. It exhibits its own living structure, its own body in space. The pictorial image as a "window to the world" expands as an envelope of itself.
The textile weaves us somehow.
This thought materialized in the course of the making itself, in which my own perceived or imagined body became a textile metaphor to populate the world with symbols.
My "wrappings" began insinuating an absent body transformed into an absolute plane in which all the possible dimensions up-down, left-right, front-back underlie.
Conceived as a living being, the organization of space metaphorically evidences an anthropomorphic translation, the textile body possesses its right and left and a center-heart, a meeting place or concentrating nucleus of meaning. Its edges, like mouths, delimit the woven space or open to the "non-woven" exterior, defining its relationship or communication with the world.
The support as textile provoked an abandonment to the weft itself, a correction of the straight line and the right angle, and a correction of the curve that by adequacy acquired structure. The geometric and the rationally conceived space were transformed and thus engendered a "sensitive geometry" inscribed in my own body-textile.
Silvia della Maddalena con su Serie Warmi Pallay. Envolturas 53 /
with her Warmi Pallay Series. Wrappings 53
The "WARMI PALLAY Series, Wrappings to Hide Nudity" ("Warmi" is a Quechua word meaning "Woman", and "Pallay" = "To gather") initiated in 2016, is an internal exploration that needed to respect the own expressive and expanded needs of the pictorial in the textile universe, an inquiry on the Andean textile structures, in the folds of the body and soul and from the "to be-being" from these spatial coordinates and its symbolic horizon.
In this sense, it is interesting the notion of soil as the generator of all cultivation and its interference in the thought of Andean textile structures that is evidenced through two well differentiated fields: "pampa" and "pallay". Pampa alludes to the wild world -the non-cultural-, it corresponds in weaving to the uniform space devoid of decoration, as opposed to pallay, a Quechua term that means "to gather", the need to gather threads to form a figure, representing the cultural world with meaning, thus populating the world with signs and symbols, so that it hides its nakedness in the form of weaving.
Thus the pictorial practice "expanded" in the textile, found support in the Andean textile structures, establishing other parallels outside the pure "opticality" of design.
The textile provokes a revolution of distances and time, the textile support nestles a handicraft that recovers the heritage shared among women, a new learning in the translation of the same language into another language, which meant a paradigmatic change in the making itself, a true revolution of distances and time.
The fabrics / wrappings / cloaks, carry in their process a closeness due to the direct and significant manipulation of their own material and the coordinated functioning of touch, grasp and sight. The weft of threads slips between the fingers, the pigment dyes its own body, the embroidery threads are incorporated by anchoring themselves in its weft. Nothing is superimposed on the inert surface of the support, the textile is the illuminated matter itself.
Turning transparencies and superimpositions, recomposing with prints and patches, I try to reunite the loose threads of our culture, uniting that which has been lost, forgotten.
The transparencies and folds suggest the intentionality of "exhibiting and veiling", as Heidegger said, the work on the one hand shows and on the other hides, and this hiding makes the enigma.
A time of its own... In the process of realization a special "tempo" is activated that seals its own passing-passing. Mind, heart and hand follow the internal and rhythmic rhythm of the thread that traces each stitch, of the pigment that colors each thread until it reaches its fullness, illuminating its own lights and shadows, earthly mantle of earth, orange reds, blue celestial mantle, bluish black.
Time in the textile is a lingering, it gives us back that full time, and welcomes us back into the contemplative vita to link us with the mystery of the human.
"Serie Warmi Pallay. Envolturas 53 / Warmi Pallay Series. Wrappings 53".
Pigmentos sobre tela de algodón. Estampado xilográfico sobre gasa. Bordado. /
Pigments on cotton fabric. Dyeing. Xylographic printing on gauze. Embroidery.
"Q'epi" (*) Izq./ Left: frente / front - Der./ Right: dorso / back: 105 cm x 150 cm., 2018
(*) Quechua: manto que usan las mujeres de la sierra atado a la espalda, para cargar a sus hijos y/o trasladar alimentos u otras cosas.
Quechua: mantle used by highland women tied to their backs to carry their children and/or transport food or other things.
SR: What is your greatest weakness when facing a new creation?
SdM: When the white plane is an absolute void and not a possibility to go to meet that form that germinates in it... a form that first appears as a diffuse and ghostly image in my mind that generates that first impulse that activates the mind, the heart and the hand as a vehicle.
SR: You have had students under your care for years. Tell us what it's like to be an art teacher?
SdM: As a teacher I went through the different levels of education, from primary to tertiary level, but since 1991 I specialized in the subject Visual Language and the processes of abstraction, when the teacher Delmonte delegated his teaching to his disciples.
As a teaching-learning subject I have made new formulations from my own artistic practice and the way I perceive the world. The possibility of investigating in the new plastic formulations of the students meant a broadening of the gaze and thought to other possible worlds.
"Serie Warmi Pallay. Envolturas 90 / Warmi Pallay Series. Wrappings 90"
Teñido y Bordado sobre lienzo de algodón / dyed and embroidered on cotton canvas, 150 x 80 cm., Feb. 2021
"Serie Warmi Pallay. Envolturas 95 / Warmi Pallay Series. Wrappings 95" (frente / front)
Teñido y Bordado sobre lienzo de algodón / dyed and embroidered on cotton canvas, 86 x 75 cm., May. 2021
SR: You live outside the big city, in San Justo, in what is called the Urban Cone of the city of Buenos Aires. What led you to be a little further away from the center of the city, in a quieter neighborhood?
SdM: My paternal great-grandfather was already distributing the mail between San Justo and Cañuelas in the province of Buenos Aires by wagon, accompanied by my grandfather who took care of the horses when they were buried in the mud on the dirt roads of that time. And following in his father's footsteps, he continued in the post office until he became its director, while my father, from a very young age, began to deliver letters on horseback in that small village that was San Justo.
In this margin I was born, raised and grew up. With pride I manifest it, because the geographic and the territory knead your perceptions and dreams, and although the small village was irremediably joined to the big city, the border beyond the General Paz - that cordon that separates the 20 blocks from the center from which "culture" is built - ... also exists. From the periphery, and from the interior, the best achievements of autonomy take place.
SR: What concerns do you have at the moment, what are you reflecting on?
SdM: The pandemic has generated an extraordinary break not only in daily life, but it has exploded in our faces a series of assumptions that we were abandoning to the drift, slowing down its consequences in all areas: social, economic, political, environmental, technological, etc.
In the artistic field, virtuality has absolutely paled the work that "is", as an absolute presence in the encounter with the "other". The virtual image is a mere surface approach faded in its substance as a dimensional channel of sensitive provocation in the spirit of the other. In this sense, the artistic "doing" happens and is reduced to pure self-enjoyment and circumscribed to the reduced scope of its own spatiality.
It only remains for me to hope that, like the rolled-up sheets of oriental painters, a guest will arrive who will allow me to unfold before his presence that object as a product of being-being in this temporality of one's own existence.
Libro de artista Textil / Textile Artist's Book
"las manos-cuenco de neblina / the hands-bowl of mist", 146 x 74 cm. (desplegado / unfolded), 2018
Lienzo de algodón y gasas teñidas, estampado xilográfico sobre gasa, avíos y bordados. /
Cotton canvas and dyed gauze, woodcut print on gauze, trimmings and embroidery.
¡Muchas gracias por la entrevista, Silvia!
Thanks a lot for the interview, Silvia!
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
