Una más para la colección de entrevistas de Shirley Rebuffo, presentando hoy a la artista plástica argentina Carolina Antoniadis.
Hace un par de años Laura Casanovas escribía: "Si en otros momentos su trabajo tendía a la extroversión, la narración y el pop, en la actualidad es introspectivo, lírico y naturalista". Podemos ver esta evolución creativa en la selección de obras que acompañan las reflexiones de Carolina, y que abarcan más de tres décadas de producción en su dilatada trayectoria artística.
One more for Shirley Rebuffo's collection of interviews, featuring Argentine visual artist Carolina Antoniadis.
A couple of years ago Laura Casanovas wrote: "If at other times her work tended towards extroversion, narration and pop, nowadays it is introspective, lyrical and naturalistic". We can see this creative evolution in the selection of works that accompany Carolina's reflections, spanning more than three decades of production in her long artistic career.
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Carolina Antoniadis
(Rosario, Santa Fe, Argentina, 1961-)
en / at Buenos Aires
Carolina Antoniadis en su estudio / at her Studio
Carolina Antoniadis es una artista argentina nacida el 24 de octubre de 1961, en Rosario, Santa Fe. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.
Su primer acercamiento al arte fue de niña, a través de los cuadros de su abuelo Demetrio Antoniadis, pintor paisajista griego fallecido en 1965. En 1985 asistió al seminario de "Análisis y clínica de obra" dirigido por Luis Felipe "Yuyo" Noé, donde conoció a Enio Iommi. Ambos fueron su guía en su carrera artística.
Entrar en su taller en el barrio de la Chacarita, en Buenos Aires, es encontrar un lugar con mucha luz, ordenado y estético, algo que, reconoce, necesita para trabajar.
"Ronda / Circle", acrilico sobre tela y laca / acrylic on canvas and lacquer, 100 x 200 cm., 2014
"Felicidad utopica / Utopic Happiness"
Acrílico y laca sobre tela / acrylic and lacquer on canvas, 150 x 150 cm., 2004-05
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Cómo nace su inclinación por la pintura?
Carolina Antoniadis: Surge de un ambiente familiar; mi abuelo era un pintor de carrera en Rosario y a mi madre le gustaba tanto pintar como el diseño de moda. Siempre nos incentivaron el amor por el arte y la literatura. Tuve un hogar con valores estéticos en general.
Mi padre sacaba fotos, mi madre también. Había un cuarto oscuro en casa donde permanentemente había alguien revelando fotos. De hecho, mi hermano también se dedicó a la fotografía. Ya en el secundario decidí estudiar arte y estaba ansiosa por entrar en la carrera. Ingresé en Bellas Artes a los 18 años.
Además desde niña siempre me gustó intervenir objetos; desde los 16 años, y durante tres años seguidos, estuve aprendiendo a pintar en porcelana. Es algo que sigo haciendo, de manera más comercial o como objetos artísticos, sin función.
SR: Quien más quien menos tiene sus musas y sus referentes. ¿Cuáles serían los tuyos?
CA: En principio sería mi familia, después los impresionistas en general, las ilustraciones antiguas de la revista Vogue, las revistas de fotografía, las fotografías en general. Guardo un archivos de imágenes. Tambien he utilizado muchas fotografías sacadas por mi familia, además de los pintores simbolistas Matisse, Klimt en un principio; me gusta sacar fotografías que imagino como pinturas.
"Humo dorado / Golden Smoke", tinta sobre papel / ink on paper, 140 x 140 cm., 2015
"La sombra de la laguna / Shadow of the Lagoon"
Acrilico, tinta y laca sobre tela / acrylic, ink and lacquer on canvas, 180 x 180 cm., 2018
SR: ¿Cómo te sientes cuando culminas una obra y ves que has logrado traducirla desde tu cerebro creando algo visual?
CA: Nunca estoy conforme. Siempre lo imaginaba distinto o se desvió para un lugar que no pensaba. La disconformidad es un motor de búsqueda permanente. En general trabajo por series; algo me da curiosidad y trabajo sobre esa temática un tiempo hasta que siento que se agotó, y busco otra problemática que me sea de inspiracion para una nueva serie.
SR: Tienes varios ejes de trabajo, pero, salvo pocas excepciones, la naturaleza de una u otra manera siempre está presente. Háblame de la relevancia que tiene en tus obras.
CA: Estuvo presente desde temprano. Me crié viendo los cuadros de mi abuelo Demetrio, que era paisajista. Considero que es algo natural, pero debo decir que mis primeros trabajos eran interiores. De joven era bastante retraída, introvertida. Representaba mi entorno, mi vida familiar, quizás influenciada por mi amor a Matisse. Después exploré mucho el mundo del diseño, objetos o sujetos atravesados por la ornamentación, que siempre fue mi columna vertebral. Actualmente represento la naturaleza de manera ornamental, no es una representación botánica, es una estilización de ella; no me atrae el paisaje panorámico, pero sí la intimidad de las plantas.
"Una cama casi pez / A Bed Almost Fish", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 200 cm., 1987
"El kimono / The Kimono", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 1994
Colección particular / Private Collection. Foto / Photo: Gustavo Rover
SR: Dado los detalles de tus trabajos, ¿cuál es el ideal para ti en cuanto a la lectura de una obra tuya, la corta o la larga distancia?
CA: Trabajo por capas. Si bien la representación es plana, la sumatoria de planos creo que convierte las obras en imágenes con profundidad. Me gusta atraer la mirada en un principio y que el espectador vaya develando, descubriendo representaciones más ocultas y que imagine su propia narración.
SR: Sueles usar colores bastante potentes, ¿existe alguna intención emocional o simbólica en la elección de tu paleta cromática?
CA: Para mí el color es la representación de las emociones. En ciertas obras puedo usar paletas vibrantes, exultantes y en otras más monocromas o intimistas. Lo uso de manera intuitiva sin seguir reglas cromáticas clásicas, me gusta forzar las relaciones de colores, colores que generan tensiones.
"El sonido de la intemperie / The Sound of the Outdoors"
Tinta y laca sobre papel / ink and lacquer on paper, 140 x 140 cm., 2017
"Timida señorita sobre picaros hombrecitos / Timid Young Lady on Naughty Little Men"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 200., 1988
SR: Concretaste el sueño de muchos artistas de la plástica: realizar un libro retrospectivo de tus obras, tu historia. ¿Qué podés contarnos al respecto? ¿Cómo fue el proceso? ¿Cómo te sentiste con el resultado?
CA: En el 2018, por invitación de Manuela López Anaya, nos presentamos a mecenazgo y lo obtuvimos. Fue un trabajo de 2 años de búsqueda de material. El libro no tiene un orden cronológico, sino que está organizado por capítulos, por series, y contiene mucho material fotográfico personal. Mis padres, cuando éramos niños, nos sacaban muchas bellas fotos y quería incluirlas. Mi trabajo y mi vida personal están muy unidos y sentíamos la necesidad de darle ese carácter al libro.
Se fue extendiendo y tiene 260 páginas; el original era más austero.
Fue un gran logro para mí concretar ese proyecto y revisar mi carrera desde los inicios. Comprobar el vasto material acumulado fue bastante agotador. Creo que decidir fue lo más difícil. Los textos son de Adriana Lauria y Claudio Ongaro Haelterman.
SR: Has incursionado en varios métodos artísticos. ¿Qué valores estéticos aportan cada una de las diferentes técnicas?
CA: Desde los 16 años pinto sobre porcelana. Aprendí la técnica y ahora trabajo en ello. Yo intervengo las piezas, algunas son de cerámica y otras de porcelana. Para ello trabajo con un ceramista al que le encargo las piezas, las pinto y después las horneo. Fui investigando otras técnicas distintas con el tiempo, tales como la serigrafía y también incursioné en el vestuario de teatro. Realicé dos obras para el teatro San Martin. Soy curiosa y me gusta la química de los materiales. Trabajé además con silicona en algunas pinturas. Cada técnica me condiciona a un tipo de imagen y viceversa.
"Estilo aguayo / Aguayo Style", acrílico y laca sobre tela / acrylic and lacquer on canvas, 150 x 150 cm., 2012
El aguayo (posiblemente del aymara "awayu" = pañal, manta tejida para llevar cosas a la espalda o para cubrir la espalda), o también quepina (posiblemente del quechua "q'ipi" = paquete, bulto) es una tela de transporte rectangular utilizada en las comunidades tradicionales de la región andina de Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador y Perú. Los aymaras y quechuas lo utilizan para llevar a los niños pequeños u otros objetos a la espalda. Es similar a la lliklla y a veces se considera un sinónimo.
The aguayo (possibly from "awayu", Aymara for diaper and for a woven blanket to carry things on the back or to cover the back), or also quepina (possibly from q'ipi, Quechua for bundle) is a rectangular carrying cloth used in traditional communities in the Andes region of Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Ecuador and Peru. Aymara and Quechua people use it to carry small children or various other items in it on their backs. It is similar to a lliklla and sometimes regarded as a synonym.
"Ropa Interior 1 / Underwear 1", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 150 cm., 1994
SR: ¿A qué remiten esos elementos geométricos que introduces en muchas de tus pinturas?
CA: Tengo una manera geométrica de concebir las composiciones, siempre existe en mi trabajo un cierto orden geométrico. En algunas pinturas de la serie “Perspectivas” utilicé una geometría, pero que intencionalmente dan la noción de desequilibrio. Son fugas vacilantes que quieren manifestar cierta inestablidad de los objetos extensible a momentos de la vida. Utilizo círculos concéntricos, algunas pinturas se complementan con personajes que no tiene facciones, que revelan una identidad, pero no a través del rostro, sino a través del lenguaje corporal. Los círculos para mi representan la energía que existe entre las personas. Es una manea de materializar esa energía, representada como líneas de colores que al unirse forman diferentes dibujos geométricos.
SR: ¿Por qué caminos te ha llevado el arte?
CA: Por el camino de toda mi vida, el que siempre fue mi prioridad. Gracias al arte he podido viajar, conocer distintas personas de distintos ámbitos, creo que el arte abre caminos. Pienso en el arte como un lugar de superación personal, de encuentro, de sanación, de búsqueda espiritual, de sentido.
"Púber / Puber", acrílico y laca sobre tela / acrylic and lacquer on canvas, 150 x 150 cm., 2008
SR: Vivir creativamente ¿es un arte dentro del arte en sí mismo?
CA: Creo que sí. Desde niña me las ingenié para vivir de una manera creativa, fuera de las convenciones, esencialmente en los años de juventud. Quería cambiar muchas cosas, hasta sociales. Por ello enseñaba gratuitamente arte en barrios carenciados, pero con los años me concentré en mi trabajo interior. Eso también tiene algo de rutinario, de ir al taller diariamente con horarios, porque para poder pensar, además, necesito de cierta rutina y tranquilidad. El taller es un lugar de producción y a la vez es un lugar de pensamiento.
SR: ¿Sueles entrar en crisis con tu propia obra? ¿O quizá con tus ideas?
CA: De joven estaba siempre en crisis, replanteándome constantemente todo con respecto al arte. Sufría bastante ya que la mirada exterior me conflictuaba. Actualmente estoy inmersa en mi mundo interior y no me afecta tanto.
"El príncipe de los narcisos / The Prince of Daffodils"
Acrílico y collage sobre tela / acrylic and collage con canvas, 200 x 150 cm., 1987
SR: ¿Tienes alguna anécdota particular que puedas contarnos al respecto de algún acontecimiento sobre tus obras o exposición, etc.?
CA: Cuando comencé e hice mi primera muestra, vendí mi primer cuadro, que era bastante grande. Fui a entregarlo personalmente. Me atendieron por la puerta de servicio y pensaron que era la asistente porque era muy joven. Se desilusionaron cuando se dieron cuenta que era la artista.
SR: ¿Qué proyectos artísticos tienes en mente para el futuro cercano?
CA: Estoy preparando una muestra que realizaré en la quinta Trabucco, donde reuno trabajos en relación a la pintura y el textil con curaduria de Constanza Martínez y Micaela Saconi. Se llama Raport y estará expuesta hasta el 1 de septiembre con cita previa.
Carolina Antoniadis firmando ejemplares de su obra "Presente imperfecto" en Galería Praxis /
Signing copies of his work "Imperfect Present" at Praxis Gallery, 4/2021
Carolina Antoniadis is an Argentine artist born on October 24, 1961, in Rosario, Santa Fe. She currently lives and works in Buenos Aires.
Her first approach to art was as a child, through the paintings of her grandfather Demetrio Antoniadis, a Greek landscape painter who died in 1965. In 1985 she attended the seminar "Analysis and artwork clinic" directed by Luis Felipe "Yuyo" Noé, where she met Enio Iommi. Both were her guide in her artistic career.
To enter her studio in the neighborhood of Chacarita, in Buenos Aires, is to find a bright, orderly and aesthetic place, something she recognizes she needs to work.
"Presente Imperfecto / Present Imperfect"
Acrílico y laca sobre tela / acrylic and lacquer on canvas, 260 x 200 cm., 2005
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: How did your inclination for painting come about?
Carolina Antoniadis: It comes from a family environment; my grandfather was a career painter in Rosario and my mother liked both painting and fashion design. We were always encouraged to love art and literature. I had a home with aesthetic values.
My father took pictures, my mother too. There was a darkroom at home where there was always someone developing photos. In fact, my brother also dedicated himself to photography. Already in high school I decided to study art and I was anxious to enter the career. I entered Fine Arts at the age of 18.
Also, since I was a child I always liked to intervene objects; since I was 16 years old, and for three years in a row, I learned to paint on porcelain. It is something I still do, in a more commercial way or as artistic objects, without function.
SR: Everyone has their muses and references. What would be yours?
CA: At first it would be my family, then the impressionists in general, old illustrations from Vogue magazine, photography magazines, photographs in general. I keep an archive of images. I have also used many photographs taken by my family, as well as the symbolist painters Matisse, Klimt in the beginning; I like to take photographs that I imagine as paintings.
"Ocaso / Dusk", acrílico y laca sobre tela / acrylic and lacquer on canvas, 200 x 200 cm., 2012
"El silencio de la flores / The Silence of Flowers"
Acrilico, laca, loxon y tinta sobre tela / acrylic, lacquer, enamel and ink on canvas, 180 x 180 cm., 2016
SR: How do you feel when you finish a work and you see that you have managed to translate it from your brain into something visual?
CA: I'm never satisfied. I always imagined it differently or it went somewhere I didn't think it would. Disconformity is a permanent search engine. In general I work in series; something makes me curious and I work on that theme for a while until I feel it's exhausted, and I look for another problem to inspire me for a new series.
SR: You have several axes of work, but, with few exceptions, nature in one way or another is always present. Tell me about the relevance it has in your works.
CA: It was present from early on. I grew up looking at the paintings of my grandfather Demetrio, who was a landscape painter. I consider it something natural, but I must say that my first works were interiors. When I was young I was quite withdrawn, introverted. I represented my environment, my family life, perhaps influenced by my love of Matisse. Then I explored a lot the world of design, objects or subjects crossed by ornamentation, which has always been my backbone. Currently I represent nature in an ornamental way, it is not a botanical representation, it is a stylization of it; I am not attracted to the panoramic landscape, but I am attracted to the intimacy of plants.
"Ropa Interior 3 / Underwear 3", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 150 cm., 1994
Carolina Antoniadis en su estudio / at her Studio
SR: Given the details of your works, what is the ideal for you in terms of reading a work of yours, short or long distance?
CA: I work in layers. While the representation is flat, the addition of planes I think turns the works into images with depth. I like to catch the first sight, and let the viewer go on unveiling, discovering more hidden representations and imagining their own narrative.
SR: You usually use quite powerful colors, is there any emotional or symbolic intention in the choice of your chromatic palette?
CA: For me color is the representation of emotions. In certain works I can use vibrant, exultant palettes and in others more monochromatic or intimist. I use it intuitively without following classic chromatic rules, I like to force color relationships, colors that generate tensions.
SR: You realized the dream of many artists: to make a retrospective book of your works, your history. What can you tell us about it? How was the process? How did you feel about the result?
CA: In 2018, at the invitation of Manuela López Anaya, we applied for patronage and we got it. It was a 2-year work of searching for material. The book does not have a chronological order, but is organized by chapters, by series, and contains a lot of personal photographic material. My parents, when we were children, took many beautiful pictures of us and I wanted to include them. My work and my personal life are very close and we felt the need to give that character to the book.
It was extended and has 260 pages; the original was more austere.
It was a great achievement for me to realize this project and review my career from the beginning. Checking the vast accumulated material was quite exhausting. I think deciding was the hardest part. The texts are by Adriana Lauria and Claudio Ongaro Haelterman.
"Sonido tropical / Tropical Sound"
Acrílico, tinta y laca sobre tela / acrylic, ink and lacquer on canvas, 180 x180 cm., 2018
"Ropa Interior / Underwear", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 200 x 150 cm., 1994
SR: You have experimented with several artistic methods, what aesthetic values do each of the different techniques bring?
CA: I have been painting on porcelain since I was 16 years old. I learned the technique and now I work on it. I intervene the pieces, some are ceramic and some are porcelain. For this I work with a ceramist to whom I order the pieces, I paint them and then bake them. Over time I began to investigate other different techniques, such as silkscreen printing and I also ventured into theatrical costumes. I made two plays for the San Martin Theater. I am curious and I like the chemistry of materials. I also worked with silicone in some paintings. Each technique conditions me to a type of image and vice versa.
SR: What do these geometric elements that you introduce in many of your paintings refer to?
CA: I have a geometric way of conceiving compositions, there is always a certain geometric order in my work. In some paintings of the "Perspectives" series I used a geometry, but that intentionally give the notion of imbalance. They are hesitant fugues that want to show a certain instability of the objects that can be extended to moments of life. I use concentric circles, some paintings are complemented with characters that have no features, which reveal an identity, but not through the face, but through body language. The circles for me represent the energy that exists between people. It is a way of materializing that energy, represented as colored lines that when joined together form different geometric drawings.
"Estilo huipil / Huipil Style", acrílico y laca sobre tela / acrylic and lacquer on canvas, 150 x 150 cm., 2013
Huipil (en náhuatl: "huipilli" = blusa o vestido adornado), también llamado hipil en la península de Yucatán, es una blusa o vestido adornado con motivos coloridos que suelen estar bordados. Vestimenta propia de los indígenas y mestizos de la parte del sur de México y Centroamérica.
Huipil (from huipilli, Nahuatl for blouse or ornate dress), also called hipil in the Yucatan Peninsula, is a blouse or dress adorned with colorful motifs that are usually embroidered. It is a dress typical of the indigenous and mestizos of the southern part of Mexico and Central America.
"Preterito imperfecto / Imperfect Preterite", acrílico y laca sobre tela / acrylic and lacquer on canvas, 200 x 260 cm., 2006
SR: What paths has art taken you down?
CA: The path of my whole life, which has always been my priority. Thanks to art I have been able to travel, meet different people from different fields, I believe that art opens paths. I think of art as a place of self-improvement, of encounter, of healing, of spiritual search, of meaning.
SR: Is living creatively an art within art itself?
CA: I think so. Since I was a child I managed to live in a creative way, outside of conventions, essentially in the years of my youth. I wanted to change many things, even social things. That's why I taught art for free in poor neighborhoods, but over the years I concentrated on my inner work. That also has something of a routine, of going to the studio every day with schedules, because in order to be able to think, I also need a certain routine and tranquility. The workshop is a place of production and at the same time a place of thought.
SR: Do you often go into crisis with your own work? Or maybe with your ideas?
CA: When I was young I was always in crisis, constantly rethinking everything about art. I suffered a lot because the outside look conflicted me. Nowadays I'm immersed in my inner world and it doesn't affect me as much.
"El sonido de la abundancia / The Sound of Abundance"
Tinta y laca sobre papel / ink and lacquer on paper, 140 x 140 cm., 2016
"Aguayo Ornamental / Ornamental Aguayo", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 200 cm., 2013
SR: Do you have any particular anecdote that you can tell us about any event about your work or exhibition, etc.?
CA: When I started and did my first exhibition, I sold my first painting, which was quite large. I went to deliver it personally. They served me through the service door and thought I was the assistant because I was so young. They were disappointed when they realized I was the artist.
SR: What artistic projects do you have in mind for the near future?
CA: I'm preparing an exhibition that I'll be holding at the Quinta Trabucco, where I'm bringing together works related to painting and textiles, curated by Constanza Martínez and Micaela Saconi. It's called Raport and will be on display until September 1st by appointment.
Vajilla / Tableware
Carolina Antoniadis en su estudio / at her Studio
¡Muchas gracias por la entrevista, Carolina!
Thanks a lot for the interview, Carolina!
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
