Florencia de Palleja es una joven artista que compagina sus estudios de Diseño y Comunicación Visual con una interesante producción en pintura y grabado. Shirley Rebuffo nos presenta su obra y reflexiones en esta nueva entrevista para la serie de creadores uruguayos.
Texto en inglés al final del post.
Florencia de Palleja is a young artist who combines her studies in Design and Visual Communication with an interesting production in painting and engraving. Shirley Rebuffo presents her work and reflections in this new interview for the series of Uruguayan creators.
Text in English at the end of the post.
______________________________________________________________
Florencia de Palleja
(Rivera, Uruguay, 1996-)
Florencia de Palleja
Florencia es estudiante avanzada de la Licenciatura en Diseño y Comunicación Visual, nacida en la ciudad de Rivera el 20 de marzo de 1996. Allí vivió hasta los 17 años para luego trasladarse a la capital, Montevideo. Trabaja como docente en el Taller de la Buena Memoria.
"Antesala del tiempo / Anteroom of Time", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 110 cm., 2020
"Sostengo el tiempo / I Hold the Time", aguafuerte y aguatinta / etching and aquatint, 20 x 15 cm., 2019
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Cómo comenzó tu camino en el arte?
Florencia De Palleja: El arte siempre estuvo presente en mi vida. A medida que fui creciendo fue evolucionando en distintos lenguajes. Éstos hicieron posible poder expresarme en esa necesidad continua de crear y comunicar. Desde temprana edad asistí a diferentes talleres, el primero fue de Gustavo Alsó en Rivera, cuando tenía entre 3 y 4 años. Allí tuve mis primeros contactos con la plástica en experiencias como cerámica, papel maché y pintura. Aunque siendo sincera, el recuerdo que me queda más latente de esa época es comer pop y escuchar Juanes mientras compartíamos esos momentos creativos.
Entre los talleres que asistí acá en Montevideo, estuvo el de Clever Lara y el de Pedro Peralta (Taller de la Buena Memoria), del cual formo parte hasta el día de hoy, asistiendo en la docencia y formándome también.
Igualmente, mi camino profesional en el arte comenzó hace 3 años.
"Encuentro inesperado / Unexpected Encounter"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 200 cm., 2020
SR: A pesar de tu corta edad has incursionado en dos carreras universitarias. ¿Podrías referirte un poco a cómo se produjeron los cambios?
FdP: El momento de elegir la carrera universitaria fue un gran desafío al que creo nos enfrentamos la mayoría de los jóvenes con 17 años. Me gustaban y me interesaban temas que, en ese momento, pensaba no tenían puntos en común entre ellos. Siempre fui amante de la matemática y la física, así también como la filosofía y la psicología. Dedicarme al arte profesionalmente no era una opción viable, supongo por los prejuicios y el desconocimiento también. Por ese motivo me incliné hacia la ingeniería, estuve dos años en la Facultad de Ingeniería. Fueron años difíciles, ya que me enfrenté a muchos cambios de golpe, mudarme de ciudad, encarar una carrera y el método de estudio, vivir en una residencia estudiantil, inclusive aprender a usar el transporte público más complejo, y sumado a eso, al final darme cuenta que me había equivocado de carrera. Si bien aprendí muchísimo y lo disfruté, sentía que no era el lugar para mí, me resultó una carrera muy fría, desde el edificio hasta los mismos compañeros y docentes. Había días que, si no coincidía con algún amigo, podía estar todo el día en la facultad sin hablar con nadie, sentía que no había interés en lo humano y en lo social, que muchos estaban ahí por el conocimiento puro y duro dejando de lado lo demás, no sé si es la mejor manera de explicar lo que me sucedía, pero me sale decirlo así.
Ese cambio lo noté el primer día que fui a la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo, cuando me cambie a la carrera, la que estoy cursando hoy (Lic. en Diseño de Comunicación Visual). Ya el edificio me recibió con otra calidez, las aulas tenían mesas enormes en donde nos sentábamos de a 5 alumnos, en los pasillos del jardín interior había mesas disponibles para ponerse a estudiar al sol rodeados por ese paisaje espectacular, los docentes tenían un vínculo mucho más directo y cercano, y me sentí como en casa.
El diseño lo descubrí cuando tenía 15, investigando en internet me topé con esta carrera que en ese momento creía que era una mezcla entre saber fotografía y usar Photoshop, y como me gustaba la fotografía y sabía manejarme con Photoshop pensé que era una buena opción. Hoy me doy cuenta que no podía estar más equivocada, que la comunicación visual va por otro lado y es algo mucho más profundo.
Actualmente estoy cursando el Proyecto Final de Carrera y la Tesis de Grado, cursando esta carrera descubrí que me interesa la lingüística y la comunicación, y, además, me dio las herramientas para lograr la búsqueda que estoy haciendo ahora en el arte, aprendí que todas esas cosas que me gustaban y mis inquietudes las podía incluir en mis creaciones.
"Encuentro inesperado / Unexpected Encounter" (detalle / detail)
"No has de beber / You Shall Not Drink", aguafuerte y aguatinta / etching and aquatint, 10 x 7,5 cm., 2019
SR: Te gusta jugar con las texturas ¿es una técnica recurrente en tus pinturas?
FdP: Como textura en mi obra, solamente cuenta la huella del pincel al mezclar la pintura sobre el lienzo, y esto se puede ver en el pasaje de color y en las luces puntuales.
SR: ¿Cómo funciona tu proceso creativo? ¿Ves primero la figura o partes de la idea para buscar la forma? Básicamente, ¿qué te inspira?
FdP: Mi proceso creativo es diverso, hay momentos en que me surge la idea y luego busco la forma, y otras veces que veo la imagen y luego construyo el concepto. Inclusive al momento de pintar con una idea preconcebida, me ha pasado de cambiar cosas y darle otra dirección a la obra. Con los años he aprendido a darle importancia a las cosas que pasan “al azar”; entendí que eso, aunque en ese momento no lo pueda interiorizar, tiene un porqué y está conectado con lo que ya hice y con lo que haré a futuro porque sale de mí y está construido en base a un baúl de información, sentimientos y emociones. Sea cual sea el camino que elija seguir antes de comenzar a pintar o grabar, el resultado es el mismo, un encuentro conmigo.
"Signum II", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 80 x 60 cm., 2020
"No tan vacío / Not So Empty", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30 x 30 cm., 2020
SR: Cuéntanos sobre la técnica de grabado en metal en la que estás trabajando. ¿Cómo fue su descubrimiento? ¿Con quién has trabajado en ello?
FdP: El grabado lo descubrí con Pedro Peralta, fui al taller inicialmente con la idea de profundizar en la pintura y al llegar descubrí un mundo del cual no puedo escapar ahora. El grabado me atrapó de tal manera que estoy realizando el Proyecto Final de Carrera sobre ese tema: grabado.
Me parece una técnica increíble e infinita en cuanto a posibilidades. El proceso de crear una obra en grabado es mágico: estás trabajando a ciegas hasta que realizar la prueba de estado y recién ahí se revela la imagen sobre el papel. Igualmente creo que el grabado en sí está en el taco, en la matriz, que con el tiempo y la experiencia somos capaces de ver la obra allí mismo.
"No tan vacío / Not So Empty" (detalle / detail)
"No tan vacío / Not So Empty" (detalle / detail)
SR: A pesar de que algunas de tus obras se desarrollan en la naturaleza, tienen una visión intimista, ¿podrías explicarnos la intencionalidad que hay detrás de dichas obras?
FdP: En particular me interesa esta pregunta porque lograste captar la esencia de mi obra. En este momento estoy en una búsqueda personal y los objetos que elijo y la forma del paisaje están sumamente relacionadas entre sí y tienen una intencionalidad. En la obra intento plasmar mis inquietudes, vivencias y emociones, algunas veces lo logro con más exactitud que otras. La mayoría de los objetos que podemos ver son pertenencias mías o de seres queridos.
En otras oportunidades he contado de dónde surge el relato que estoy manejando ahora en mi obra. Fue a través de un ejercicio fotográfico en Rivera, me interesaba saber qué pasaba si quitaba algunos objetos de su contexto usual y me apoyé en el paisaje cercano que tenía: bosques de forestación. Con el pasar del tiempo, y algo de estudio, me di cuenta que esos objetos hablaban de mí, y que podía utilizarlos para armar una especie de puzzle personal.
Al momento de elegir qué hacer no solo tomo en cuenta el factor conceptual sino también aquello que me da placer hacer, creo que hay cosas más disfrutables de pintar o grabar que otras. Hace poco reflexionando encontré un sintagma que me gusta usar para describir lo que busco con la pintura y es crear algo “desgarradoramente bello”. Desgarrador haciendo referencia a vivencias, verdades, emociones, por el sentir en sí, y bello por las sutilezas y la armonía.
"Ojos de viento / Eyes of Wind", aguafuerte y aguatinta / etching and aquatint, 15 x 10 cm., 2019
"No has de beber II / You Shall Not Drink II", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30 x 30 cm., 2021
SR: ¿Cuáles son los materiales que más te gusta usar?
FdP: Actualmente en la pintura estoy usando acrílico. En el grabado el soporte que utilizo son chapas de cobre o bronce, la magia la pongo en las herramientas, que son la extensión de mi mano para crear, me gusta hacerme las herramientas de cero y con cada una tengo un vínculo especial.
SR: ¿Cómo funciona hoy para ti el binomio fotografía y pintura?
FdP: Con respecto a la fotografía, no concibo un modo de trabajo sin ella, ya es parte de mi proceso creativo y de mi vida. Trabajé tres años en forma profesional con la fotografía, pero además creo que está presente en todos los procesos creativos como inspiración, como recordatorio, como referencia, a veces como producto final y otras como un medio para llegar a un fin, ya sea pintura, dibujo o grabado.
También me parece interesante el hecho de que muchas veces lo que reciben los demás de mi obra son fotografías, ya que no es posible verla siempre en vivo. Considero que es importante para los artistas aprender a mostrar la obra a través de fotografías y videos ya que son herramientas que va de la mano con las redes sociales, hoy más que nunca.
"No has de beber II / You Shall Not Drink II" (detalle / detail)
"El espejo de Alicia / Alice's Mirror", aguafuerte y aguatinta / etching and aquatint, 10 x 8 cm., 2019
SR: Cuando encaras una obra tiene un proyecto inicial, pero también deja espacio para lo espontáneo y la improvisación. ¿Cómo es esa dinámica?
FdP: Si, es la parte más divertida. Si bien me baso en bocetos fotográficos a la hora de crear, los tomo nada más que como referencias de composición y forma. La magia ocurre al transformar esa referencia en pintura o grabado, porque mi obra adquiere calidad pictórica y gráfica cuando es rica en trazos y pinceladas. Eso, acompañado a cambios personales durante el proceso de la creación, que puede durar entre una semana o un mes, lapso en que la forma en que la concibo, esa obra que estoy realizando también cambia.
Tengo una anécdota curiosa que me sucedió hace poco. Estaba terminando de pintar el cuadro “De mí, para mí”, lo tenía casi pronto, y de repente entró por la ventana junto a la que trabajo una luz, que generó la sombra de la reja y una planta. Esa luz se posó sobre el cuadro, y me encantó, tomé la decisión de jugármela y pintarle esa forma arriba de lo que ya tenía definido. El resultado podía ser genial o fatal, pero solo lo iba a saber si lo hacía. Lo hice, y quedé super satisfecha con el resultado.
"De mi, para mi / From Me To Myself", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 110 cm., 2021
SR: ¿Cuál es tu mayor debilidad a la hora de enfrentarte a una nueva creación?
FdP: Al principio fue la exigencia y sobrepensar todo. Soy bastante dura conmigo y algunas veces me cuesta respetar los tiempos y procesos internos. Es algo en lo que vengo trabajando. Me pasaba de estar horas, nueve o inclusive más, sentada frente al ordenador, escribiendo y bocetando y que no me saliera absolutamente nada. Me ganaba el querer que sea el boceto perfecto y la mejor obra de mi vida, y claro eso llevaba a que nada me convenciera. Hasta que aprendí a parar y pensar, para así darme cuenta que quizás dejé de lado buenas ideas por estar en busca de esa perfección inalcanzable. Supongo que la edad me juega en contra con ese apuro.
Ahora intento mentalizarme que tengo mucho por delante y más por aprender. Creo que en el proceso de ir creando me iré superando. Sin duda ese fue el mayor aprendizaje que tuve el año pasado: en vez de estar estancada pensando en “la gran idea”, es mejor ir haciendo varias cosas chiquitas mientras no surge y entender que tarde o temprano indudablemente llegará.
"De mi, para mi / From Me To Myself" (detalle / detail)
SR: ¿Cuales son tus gustos artísticos, en general?
FdP: Es tan diverso como artistas hay en el mundo. No necesariamente me gusta el trabajo de artistas que su obra tengan un estilo parecido al mío. Me interesa mucho desde que soy joven lo poético y atmosférico que genera William Turner en sus obras. Considero que Rembrandt es un gran maestro en todo, composición, manejo de la luz, dibujo, materialidad de la obra, en fin, todo. Dentro del arte uruguayo, entre los viejos maestros que admiro, están Leonilda González y Luis Solari, ambos grandes grabadores. Carlos María Herrera, tiene unos trabajos en pastel impresionantes. Carlos Federico Sáez me parece increíble, su trabajo tiene mucha precisión en la pincelada y carácter. Nelson Ramos con los trabajos de las cúpulas y calaveras, los óleos de Lacy Duarte, las pinturas y esculturas de Gurvich en su última época. La paleta de colores de los artistas del planismo me parece alucinante, es mágica ya que lograron crear portales de luz en simples paisajes. Y dentro de los artistas que están trabajando hoy me gusta mucho la obra del Pollo Vázquez, Pedro Peralta, Ignacio Iturria, Margaret White, Álvaro Amengual, Eloísa Ibarra, Rogelio Osorio, Sebastián Sáez, entre otros. Podría seguir y seguir la lista, pero creo que con esos artistas que nombré, se ve el panorama.
"De mi, para mi / From Me To Myself" (detalle / detail)
"Recuerdos / Memories", acrílico y grafito sobre lienzo / acrylic and graphite on canvas, 150 x 110 cm., 2021
SR: ¿Qué significa para ti disfrutar de lo que haces?
FdP: Puedo decir que disfruto de todo lo que implica mi trabajo, amo lo que hago y le vuelco toda la energía a eso. Entonces, para mí, disfrutar significa simplemente tener la posibilidad de hacerlo. Ese disfrute tiene muchas etapas, desde la concepción de la idea ya que me encanta estudiar e investigar, el bocetar puede ser la etapa más engorrosa, pero lo que rescato es que al finalizarlo quedo super emocionada y con ganas de materializar ese boceto. El proceso de llevarlo a cabo ya sea pintando o grabando es mágico, no existe otra palabra para describirlo. Y luego de finalizada la obra está toda la parte de compartirla en redes sociales, recibir la mirada del público y opiniones de colegas, llevar la obra a la galería o a una exposición, hasta inclusive tener entrevistas. Desde el momento que decidí dedicarme a esto puedo decir que soy libre y que me siento completa y feliz.
"Recuerdos / Memories" (detalle / detail)
"Recuerdos / Memories" (detalle / detail)
SR: Has incursionado en algunos talleres, quizá buscando estilos. ¿En cuál o cuáles te has sentido cómoda y por qué?
FdP: Donde me sentí más cómoda fue donde puse el ancla, y es donde trabajo ahora en el Taller de la Buena Memoria. Pedro [Peralta] es un excelente docente y una persona super abierta, dispuesta a ayudarte a encontrar un camino propio dentro del arte. Me enamoró la filosofía del taller: es darle importancia a buscar y trabajar el lenguaje que representa a cada uno, en vez de enseñar generalidades y crear copias del maestro o de otros maestros. Tuve la oportunidad de asistir a otros talleres y cursos puntuales. Entre los que me sentí más cómoda tienen un punto en común: hacer arte no se enseña, se guía y esa guía, a mi entender, tiene que abarcar más que solo conocimiento en la materia, tiene que ir un paso más allá de la cuestión de conocimiento para profundizar en aspectos más psicológicos y quizás filosóficos.
SR: ¿Eres metódica para trabajar?
FdP: De momento sigo explorando técnicas y métodos, pero puedo decir que sí. Me aferro al método que me esté funcionando en ese momento, luego, a medida que voy haciendo voy descubriendo qué pasos seguir para lograr lo que quiero y en eso me baso para crecer.
"Recurrencia / Recurrence", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 110 cm., 2020
"Recurrencia / Recurrence" (detalle / detail)
SR: ¿Cuánto te preocupa la mirada de los demás a tu obra?
FdP: Depende. Tomo la mirada del espectador como una opinión más ya que la contemplación y la lectura de una obra es cuestión de percepción. Pero eso es ajeno al valor que tenga la obra para mí. Igualmente confieso que me complace cuando alguien lee o interpreta lo que deposité en el trabajo cuando lo concebí.
Por otro lado, está el tema comercial, que es como un mundo aparte del que nadie quiere hablar, y creo que aquí sí puede afectar la mirada de los demás, ya que muchas veces es cuestión de gusto el que un artista tenga éxito o no.
Supongo que todos los artistas buscamos escapar a la tendencia para ser fiel a lo que realmente nos hace únicos. Pero mantener el equilibrio entre ser fiel a sí mismo y vivir de esto puede ser difícil, habrá momentos de mayor fidelidad y momentos de desliz.
"Recurrencia / Recurrence" (detalle / detail)
"Signum", aguafuerte y aguatinta / etching and aquatint, 15 x 10 cm., 2019
SR: ¿Qué inquietudes tienes ahora? ¿Sobre qué estás reflexionando?
FdP: Puedo decir que estoy reflexionando constantemente sobre todo lo que se me cruza. El mundo del arte es nuevo para mí y aún queda mucho por conocer. Pero puntualmente ahora estoy analizando y estudiando algo de teoría, estoy leyendo un libro muy interesante “El arte en cuestión” que es un diálogo entre Felipe Noé y Zabala. Me ha hecho pensar sobre qué es lo que convierte a una obra en arte y el camino del artista.
SR: ¿Qué tienes en mente para el futuro cercano, en relación a tu arte?
FdP: Comencé el año con varios proyectos que se vieron arroyados por la situación sanitaria, pero igualmente siguen gestándose. Entre esos proyectos está mi primera exposición individual en Montevideo.
Florencia de Palleja
¡Muchas gracias por la entrevista, Florencia!
Thanks a lot for the Interview, Florencia!
_________________________________________________________
Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
_________________________________________________________
Text in English
Florencia de Palleja is an advanced student of the Bachelor's Degree in Design and Visual Communication, born in the city of Rivera on March 20, 1996. She lived there until she was 17 years old and then moved to the capital, Montevideo. She works as a teacher at the Taller de la Buena Memoria.
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: How did your path in art begin?
Florencia de Palleja: Art was always present in my life. As I grew up it evolved into different languages. These made it possible for me to express myself in that continuous need to create and communicate. From an early age I attended different workshops, the first one was Gustavo Alsó's in Rivera, when I was between 3 and 4 years old. There I had my first contact with plastic arts in experiences such as ceramics, papier-mâché and painting. Although to be honest, the memory that remains most latent in my mind from that time is eating popcorn and listening to Juanes while we shared those creative moments.
Among the workshops I attended here in Montevideo, there was Clever Lara's and Pedro Peralta's Taller de la Buena Memoria, which I am still part of today, assisting in teaching and training myself as well.
Likewise, my professional path in art began 3 years ago.
SR: Despite your young age, you have gone on to two university careers. Could you talk a little about how the changes came about?
FdP: The moment of choosing a university career was a great challenge that I think most 17-year-olds face. I liked and was interested in subjects that, at the time, I thought had no common ground between them. I was always a lover of mathematics and physics, as well as philosophy and psychology. Dedicating myself to art professionally was not a viable option, I suppose because of prejudice and ignorance as well. For that reason I leaned towards engineering, I spent two years in the Faculty of Engineering. They were difficult years, since I faced many changes all at once, moving to a new city, facing a career and the study method, living in a student residence, even learning to use the most complex public transportation, and added to that, at the end I realized that I had made a mistake in choosing a career. Although I learned a lot and enjoyed it, I felt that it was not the place for me, it was a very cold career, from the building to the classmates and teachers themselves. There were days that, if I did not coincide with a friend, I could be all day in the faculty without talking to anyone, I felt that there was no interest in the human and social, that many were there for the pure and hard knowledge leaving aside the rest, I do not know if it is the best way to explain what happened to me, but I can say it that way.
I noticed that change the first day I went to the Faculty of Architecture, Design and Urbanism, when I changed to the career, which I am studying today (Bachelor of Visual Communication Design). The building welcomed me with another warmth, the classrooms had huge tables where we sat 5 students at a time, in the corridors of the inner garden there were tables available to study in the sun surrounded by that spectacular landscape, the teachers had a much more direct and close relationship, and I felt at home.
I discovered design when I was 15, researching on the internet I came across this career that at that time I thought it was a mix between knowing photography and using Photoshop, and since I liked photography and I knew how to handle Photoshop I thought it was a good option. Today I realize that I couldn't have been more wrong, that visual communication is something much deeper.
Currently I am studying the Final Project and the Degree Thesis, studying this career I discovered that I am interested in linguistics and communication, and also gave me the tools to achieve the search I am doing now in art, I learned that all those things I liked and my concerns I could include them in my creations.
SR: You like to play with textures. Is this a recurring technique in your paintings?
FdP: As a texture in my work, only the trace of the brush when mixing the paint on the canvas counts, and this can be seen in the passage of color and in the punctual lights.
SR: How does your creative process work, do you see the figure first or do you start from the idea to find the form? Basically, what inspires you?
FdP: My creative process is diverse, there are times when the idea comes to me and then I look for the shape, and other times I see the image and then build the concept. Even when I paint with a preconceived idea, I have changed things and given another direction to the work. Over the years I have learned to give importance to the things that happen randomly; I understood that, although at that moment I cannot internalize it, it has a reason and it is connected with what I have already done and with what I will do in the future because it comes from me and it is built on the basis of a trunk of information, feelings and emotions. Whichever path I choose to follow before starting to paint or record, the result is the same, an encounter with me.
SR: Tell us about the metal engraving technique you are working on. How did you discover it and with whom have you worked on it?
FdP: I discovered engraving with Pedro Peralta, I went to the workshop initially with the idea of going deeper into painting and when I arrived I discovered a world from which I can't escape now. Engraving caught me in such a way that I'm doing my Career Final Project on that subject: engraving.
I find it an incredible and infinite technique in terms of possibilities. The process of creating a work in engraving is magical: you are working blind until you make the state test and only then the image is revealed on paper. I also believe that the engraving itself is in the block, in the matrix, that with time and experience we are able to see the work right there.
SR: Although some of your works take place in nature, they have an intimate vision. Could you explain the intentionality behind them?
FdP: I am particularly interested in this question because you managed to capture the essence of my work. At the moment I am in a personal search and the objects I choose and the shape of the landscape are highly related to each other and have an intentionality. In my work I try to capture my concerns, experiences and emotions, sometimes I achieve it more accurately than others. Most of the objects that we can see are my own belongings or those of loved ones.
In other opportunities I have told where the story that I am handling now in my work comes from. It was through a photographic exercise in Rivera, I was interested in knowing what would happen if I removed some objects from their usual context and I relied on the nearby landscape I had: afforestation forests. With the passing of time, and some study, I realized that those objects spoke about me, and that I could use them to put together a kind of personal puzzle.
When choosing what to do, I not only take into account the conceptual factor but also what I enjoy doing, I think there are some things more enjoyable to paint or engrave than others. Recently while reflecting I found a syntagma that I like to use to describe what I am looking for in painting and that is to create something "piercingly beautiful". Piercingly in reference to experiences, truths, emotions, for the feeling itself, and beautiful for the subtleties and harmony.
SR: What materials do you like to use the most?
FdP: Currently in painting I am using acrylic. In engraving the support I use are copper or bronze plates, the magic I put in the tools, which are the extension of my hand to create, I like to make the tools from scratch and with each one I have a special bond.
SR: How does the pairing of photography and painting work for you today?
FdP: Regarding photography, I can't conceive a way of working without it, it is already part of my creative process and of my life. I worked professionally with photography for three years, but I also believe that it is present in all creative processes as an inspiration, as a reminder, as a reference, sometimes as a final product and sometimes as a means to an end, whether it is painting, drawing or engraving.
I also find interesting the fact that many times what others receive from my work are photographs, since it is not always possible to see it live. I think it is important for artists to learn to show their work through photographs and videos, since they are tools that go hand in hand with social networks, today more than ever.
SR: When you take on a play you have an initial project, but you also leave room for spontaneity and improvisation. What is that dynamic like?
FdP: Yes, it's the most fun part. Although I rely on photographic sketches when creating, I take them only as references for composition and form. The magic happens when I transform that reference into painting or engraving, because my work acquires pictorial and graphic quality when it is rich in strokes and brushstrokes. This, together with personal changes during the process of creation, which can last between a week or a month, a period in which the way I conceive it, the work I am doing, also changes.
I have a curious anecdote that happened to me recently. I was finishing the painting "From me, for me", I had it almost ready, and suddenly a light came through the window next to where I work, which generated the shadow of the grille and a plant. That light fell on the painting, and I loved it, I decided to take a gamble and paint that shape on top of what I had already defined. The result could be great or terrible, but I would only know if I did it. I did it, and I was super satisfied with the result.
SR: What is your biggest weakness when facing a new creation?
FdP: In the beginning it was being demanding and overthinking everything. I'm pretty hard on myself and sometimes it's hard for me to respect internal times and processes. It's something I've been working on. I used to spend hours, nine or even more, sitting in front of the computer, writing and sketching and nothing would come out. I wanted it to be the perfect sketch and the best work of my life, and of course that meant that nothing convinced me. Until I learned to stop and think, to realize that maybe I left out good ideas because I was looking for that unattainable perfection. I guess age plays against me with that rush.
Now I try to mentalize that I have a lot ahead of me and more to learn. I believe that in the process of creating, I will get better and better. Undoubtedly that was the biggest learning I had last year: instead of being stuck thinking about "the big idea", it is better to do several small things while it doesn't come up and understand that sooner or later it will undoubtedly come.
SR: SR: What are your artistic tastes, in general?
FdP: It's as diverse as there are artists in the world. I don't necessarily like the work of artists whose work is similar in style to mine. I have been very interested since I was young in the poetic and atmospheric that William Turner generates in his work. I consider Rembrandt a great master in everything, composition, handling of light, drawing, materiality of the work, in short, everything. Within Uruguayan art, among the old masters I admire are Leonilda González and Luis Solari, both great engravers. Carlos María Herrera has some impressive pastel works. Carlos Federico Sáez seems incredible to me, his work has great precision in the brushstroke and character. Nelson Ramos with the works of the domes and skulls, the oil paintings of Lacy Duarte, the paintings and sculptures of Gurvich in his last period. The color palette of the artists of planism seems to me hallucinating, it is magical since they managed to create portals of light in simple landscapes. And among the artists who are working today I really like the work of Pollo Vázquez, Pedro Peralta, Ignacio Iturria, Margaret White, Álvaro Amengual, Eloísa Ibarra, Rogelio Osorio, Sebastián Sáez, among others. I could go on and on with the list, but I think that with those artists I named, you get the picture.
SR: What does it mean to you to enjoy what you do?
FdP: I can say that I enjoy everything that my job entails, I love what I do and I put all my energy into it. So, for me, enjoyment simply means having the possibility to do it. That enjoyment has many stages, from the conception of the idea, since I love to study and research, the sketching can be the most cumbersome stage, but what I rescue is that when I finish it I am super excited and eager to materialize that sketch. The process of carrying it out whether painting or engraving is magical, there is no other word to describe it. And after the work is finished, there is the whole part of sharing it on social networks, receiving the look of the public and opinions of colleagues, taking the work to the gallery or to an exhibition, and even having interviews. From the moment I decided to dedicate myself to this, I can say that I am free and that I feel complete and happy.
SR: You have dabbled in a few workshops, perhaps looking for styles. In which one or ones have you felt comfortable and why?
FdP: Where I felt most comfortable was where I set the anchor, and that's where I work now at the Good Memory Workshop. Pedro [Peralta] is an excellent teacher and a super open person, willing to help you find your own path within art. I fell in love with the philosophy of the workshop: it is to give importance to find and work on the language that represents each one of us, instead of teaching generalities and creating copies of the master or other masters. I had the opportunity to attend other workshops and specific courses. Among those I felt more comfortable with, they have a common point: making art is not taught, it is guided and that guidance, in my opinion, has to include more than just knowledge of the subject, it has to go a step beyond the question of knowledge to delve into more psychological and perhaps philosophical aspects.
SR: Are you methodical in your work?
FdP: At the moment I'm still exploring techniques and methods, but I can say yes. I stick to whatever method is working for me at the time, then as I'm doing it I figure out what steps to take to achieve what I want and that's what I base my growth on.
SR: How much do you worry about how others look at your work?
FdP: It depends. I take the viewer's look as just another opinion, since the contemplation and reading of a work is a matter of perception. But that is unrelated to the value of the work for me. I also confess that I am pleased when someone reads or interprets what I deposited in the work when I conceived it.
On the other hand, there is the commercial issue, which is like a world apart that nobody wants to talk about, and I think that here it can affect the view of others, since it is often a matter of taste whether an artist is successful or not.
I guess all artists seek to escape the trend to be true to what really makes us unique. But keeping the balance between being true to oneself and making a living out of it can be difficult, there will be moments of greater fidelity and moments of slippage.
SR: What concerns do you have now, what are you reflecting on?
FdP: I can say that I am constantly reflecting on everything that comes my way. The art world is new to me and there is still a lot to know. But right now I'm analyzing and studying some theory, I'm reading a very interesting book "El arte en cuestión" which is a dialogue between Felipe Noé and Zabala. It has made me think about what makes a work of art and the artist's path.
SR: What do you have in mind for the near future, in relation to your art?
FdP: I started the year with several projects that were thrown off by the health situation, but they are still in the works. Among those projects is my first solo exhibition in Montevideo.
