Alejandro Bovo Theiler (I) [Textiles, escultura, entrevista / Textile, Sculpture, Interview]

Nace en Bahía Blanca, Argentina el 13 de agosto de 1971. Es artista plástico y visual, Licenciado en Escultura por la Universidad Nacional de Córdoba (UNC). Desde 1990 desarrolla y expone en muestras individuales, colectivas y proyectos interdisciplinarios. Trabaja en producción, investigación, capacitación y gestión en Arte. Su obra forma parte de diversas colecciones en el mundo: Argentina, Portugal. Francia, Inglaterra, Brasil, EEUU, Canadá, España, México, Colombia, Holanda, Chile, de la Colección del CFI (Consejo Federal de Inversiones) y de la Colección Oficial de la Provincia de Córdoba. Ha recibido además varios premios. 

Desde el año 2002 integra el Colectivo Arqueológico “Amigos el Museo Ambato de La Falda” desarrollando tareas como guionista y curadoría en dicho Museo.

"La obra de Bovo Theiler se ubica sin dudas en esta tradición del arte contemporáneo, y consigue de este modo seguir ahondando en la crisis de la cultura occidental a través de la actualización de objetos totémicos y escenarios de pulsiones primitivas. Lo artesanal reconstruye la pregunta por la propia existencia del arte para plantar una memoria del trabajo manual a partir de materialidades como la cerámica y el textil. Cantidades minerales van construyendo las formas arquetípicas que van desde muñeca/os ensamblados con maderas, tejidos y cerámicos, o cabezas totémicas, hasta una Manta-Jardín que, tendida en una cuerda, cuelga entre la infancia y la vejez, un mapa del territorio de la memoria entre botones ¿de los niños, de la abuela, de los amantes? y canteros y fuentes-mandalas que trazan una geometría de la evocación".  Idangel Betancourt López

Shirley Rebuffo : ¿Cómo comenzó tu camino con el arte?

Alejandro Bovo Theiler : Mi camino con el arte comenzó en la infancia. Como muchos de los caminos, no comenzó en sí mismo, sino que nació de otros senderos.

Hasta donde recuerdo, de pequeño, mostraba una personalidad expansiva y también concentrada, contenida. Había en mí un deseo innato por plasmar y dejar impronta con una permanente observación sobre todos los detalles, los que comentaba y asombraba a mi familia. Siempre fui de mirar a los ojos y escuchar atento lo que hablaban los adultos. Esos rasgos, entiendo, fueron mis primeras herramientas de expresión.

Quizás nada fuera de lo común, pero guardo las sensaciones y la memoria de impulsos luego potenciados.

Recibí sencillos y claros estímulos con un acompañamiento de mi Mamá y Papá respecto a experimentar lo expresivo, sin mayores formateos. El entorno de mis abuelos, tíos y maestras en una guardería de arte a los 3 y 4 años también fue receptivo. Recuerdo el jardín de infantes con los desafíos de clavar maderas, montar estructuras, recortar papeles, acciones simples y comunes que rememoro también con la frustración que me producía mi autoexigencia, junto con el placer de hacer y transformar. Por entonces decía que iba a ser pintor y carpintero. Luego la suma de valiosas referencias sensibles y artísticas siguieron estimulando mi anhelo expresivo.

Así, de pequeño hasta la adolescencia, vivía todas esas experiencias como habilitaciones. Aquello me permitió poner una semilla en mi futuro y pude darme naturalmente una prospectiva de avance para soñar con hacer lo que me gustaba. Todo ello inmerso en una infancia y una adolescencia que, por momentos, ha sido dolorosa y difícil. También hubo algunas épocas, pocas, por momentos apacibles y bellas, pero atravesada por otras instancias tormentosas. Ya desde entonces el arte, o mi deseo de él, comenzó a salvarme, supe entonces lo que me hacía bien dentro de un contexto tan complejo.

Entiendo también que la propia deriva, hasta los 18 años de vida familiar y comunitaria, en Monte Buey, un pueblo pequeño en la gran llanura argentina, nutrieron un subsuelo de intensidades, oficios, afectos y vivencias, lo que luego sería el fértil yacimiento para mis imaginarios de duelos y celebraciones.

Cuando niños y adolescentes somos tan abiertos, tan atentos y tan inocentes ¿Cómo saber cuáles circunstancias y sucesos nos conectarán con nuestros tesoros interiores y los capitales simbólicos de nuestro clan?

Definitivamente mi camino artístico comenzó en ese niño que fui, con su singularidad, su gran sensibilidad, su vulnerabilidad, sus miedos, sus caprichos, sus sueños, su ternura.

SR: ¿Qué retos conlleva hacer estos trabajos tan elaborados?

ABT: En relación a las estéticas “barrocas” y acumulativas que resultan de los modos constructivos de mi trabajo, uno de los mayores retos, para mí, es lo procedimental. O sea que, estando muy involucrado con el trabajo, hay momentos en los que urge darme una perspectiva justa, para tomar distancia. Esto implica seguir siempre contactado desde el proceso, con sus aspectos más rutinarios, e intentar abrirme a la identidad que surge con cada obra.

Se trata siempre de una presencia diferente a cualquier otra que la preceda. Por ello, de alguna manera, es necesario acechar lo que naturalizo y por momentos desdoblar la mirada, atento en la encrucijada del viaje hacia lo desconocido.

Y en contraposición, el otro reto, nada menor, es permanecer con la suficiente humildad que solo puede garantizar el juego sentido. Eso implica confiar siempre en el GPS de mi inconsciente, en la inocencia y la ferocidad de esa agenda profunda que atraviesa la realidad personal y colectiva. 

SR: ¿En dónde se separan la lógica y la experiencia de la fantasía?

ABT: Comprendo que tanto la lógica como la fantasía, nos ayudan tal cual animales mamíferos-humanos a convivir con el enorme desconocimiento de ese todo inconmensurable que habitamos y que también nos habita. Ese todo/matriz que expresa una naturaleza dual y antagónica. En buena parte de los paradigmas contemporáneos de diversas disciplinas, y también en la investigación-producción artística, es con la noción de tensión que podemos conectar con duplas como “lógica y fantasía” sin polarizarnos. Me resulta estéril intentar separar los opuestos en vez de tensionar fértilmente esas conexiones. Comprendo que los pares antagónicos del arco de la subjetividad y la racionalidad son elementos complementarios y relativos a lo que permite cada contexto socio-cultural como el biológico. 

Desde mi experiencia de trabajo terapéutico, con la perspectiva gestáltica, sostengo el ejercicio de discernir entre fantasía e imaginación. La fantasía, como referí antes, me resulta más un mecanismo de control intelectual, a diferencia de la imaginación, a la que percibo como un regalo que recibimos. Una invitación a beber de un manantial profundo un agua portadora de sincronicidades y el gran desafío de salir de lo conocido, de confiar en lo impensado. 

SR: En tus obras, no solo has experimentado con lo bidimensional, sino que también con lo tridimensional, escultura con materiales nobles, pero poco convencionales para eso. Háblanos de esos materiales.

ABT: Desde el comienzo he ido habitando el plano, el volumen y el espacio con naturalidad. Eso se problematizó lógicamente a partir de la instancia académica. Pero, ya hace tiempo que coexisten en mi producción plano, volumen y espacio en una dinámica virtuosa. Sin embargo, he tenido desde pequeño una propensión instintiva y habilidad específica con lo volumétrico, lo objetual, lo aditivo. Abordar lo volumétrico me resultaba muy estimulante. Ya en el trabajo con los distintos materiales y a partir de las vivencias de poder profundizar con ellos, es que percibo a toda materialidad desde una perspectiva, no solo física, sino también metafísica. La experimentación de diferentes materias ha implicado poder reconocer que toda materia tiene su propia voz y una voluntad interna por cobrar forma. Así como el hacedor trabaja desde la complejidad de su propia identidad, también permite que en el desarrollo del trabajo pueda suceder una conversación, no solo técnica sino espiritual, con toda materia y sustancia. En mis obras la materia también es tema y contenido que brindan sentido a mi arte. Ella no es solo portadora o sostén de un discurso ajeno o colonizador desde lo artístico. De allí la nobleza que dona a la voluntad realizadora y es por esa naturaleza compleja e inhumana que la obra resulta inédita y con una potencia singular.

Los materiales de mi presente son materialidades accesibles y me acompañan también desde temprano: arcilla, maderas-tablas, ramas, textiles, yeso, papeles y cartones. Es el modo y la intensidad con la que me he vinculado a ellos lo que ha implicado una gran resignificación, su manifestación antropológica, ya que son materiales mayormente cotidianos y a la vez parte de un legado ancestral. El origen rural de mi familia de inmigrantes italianos y suizos (yo 3ra y 4ta generación en Argentina) con siglos de arraigo a la vida campesina en Europa y América. Ese es el contexto histórico específico del que emerjo, con que me identifico y reivindico, a través de estos materiales sencillos y los oficios que su uso implica. Es una tensión entre continuidad y ruptura ya que en la experimentación hay transferencias tácitas ligadas a esa historia inmensa que nos antecede. Como artista-autor vuelvo a respaldarme en ellos para ejercer una apropiación a través de otros usos y discursos. Es con mi propia práctica poética que logro volver a habitar, a su través, la sombra y las luces de mi clan. Se constela así un nuevo orden afectivo para dar rienda suelta a mis búsquedas, problemáticas, deseos, decisiones y disidencias.

SR: Los polípticos son auténticos rompecabezas. ¿Qué hay detrás de toda esa fantasía?

ABT: El desarrollo de la imagen a través de telas muy diversas, mediante costura y bordado, indiferenciadamente, me resulta una tarea muy hipnótica. Semeja una dinámica de collage y conlleva un proceso complejo que se decanta entre lo pictórico y lo objetual. Llegué al trabajo en el plano textil luego de experimentarlo en abundancia, aplicado a lo escultórico, libros de artista y también objetos a modo de vestuarios y mantas.

Con esos antecedentes la forma de trabajar estaba signada en la vinculación y cooperación del anverso y reverso. Tanto en el modo operativo de producir, como el clima compulsivo y obsesivo de la expresión. No deseaba perder de vista ni los hilos ni las puntadas. Esa simultaneidad y dualidad la sigo conservando, pero con los tapices sobre bastidor la experiencia se desplazó al tapiz donde el movimiento de la aguja es de una cardinalidad de 360 grados. Ese modo de hacerlo, con dominio y control espacial, permite que la costura a mano vaya modulando no solo el espesor, sino también graduando la expansión de las tramas, según cada género lo resista.

Asimilé también el ensamble de algunos elementos cerámicos, corchos, botones, etc. Por ello trabajo sobre bastidores cuadrangulares de madera con la tela de base fijada con tachuelas, al modo tradicional, esto para poder ejercer fuerza sobre el plano.

El modo en que se genera la imagen es muy aleatorio e incidental. Las telas y las costuras son parte de inesperadas combinaciones visuales y táctiles. Cuando organizo el tapiz como políptico no siempre es premeditado. Suele suceder que una imagen inicial en un bastidor, pide más espacio para desplegarse en una escena mayor y ello genera ese nuevo “rompecabezas”.

Por supuesto detrás de cada obra hay historias particulares vinculadas a sueños, obsesiones, memorias y confesiones. La construcción de estas piezas tiene un especial estímulo narrativo y polisémico. Entiendo que cierta sencillez que conllevan estas imágenes, habilita e interconecta al ámbito mítico de quien observa. Surge así una esfera receptiva, que compensa eso que falta, o que queda entreabierto, a través del lenguaje y la poética cercana que propongo con ellos.

SR: ¿Podrías referirte a tus libros de artista?

ABT: Realizo libros de artista hace ya veinte años y es una de mis tareas preferidas. La experiencia de hacer un libro de artista es habilitar un micro espacio de edición para generar unas convergencias de elementos a veces fragmentarios y dispares como fronterizos. Específicamente he desarrollado y presentado más de una docena y tengo otros tantos en proceso. Algunos de ellos: Felicidad, La templanza, Transmigraciones, Viceversa, Palmas, Las bienvenidas y Vientos. Con esas siete piezas participé en siete ediciones (2013 al 2019) de la Feria del libro de Artista de Nueva York que se realiza en el MOMA PS1 junto a la sección Argentina, con curaduría de Pedro y Matías Roth. Además, he expuesto y trabajado con algunos de ellos en numerosas ciudades de Argentina y del mundo: Medellín (Colombia), Madrid y Barcelona (España), Cochi (India), Roma, Pescara, San Pietro al Natisone (Italia).

Al libro de artista lo comprendo como una disciplina que permite trabajar en infinitas direcciones plásticas-visuales. Abordar cada edición es conectar a la experiencia de la forma, el color, las texturas, etc. y abrirse a otras áreas de conocimiento para reunir elementos muy fragmentarios, tanto ajenos como biográficos. Desde mi experiencia es un objeto de potencial performático ya que, para su uso, lectura, experimentación y manipulación exige poner el cuerpo. Me conmueven esas escenas.

Con los libros de artista exploro más intensamente la conexión material entre el anverso y el reverso en el plano textil. Es la reversibilidad del plano y la irreversibilidad de lo tramado, uno de los aspectos más interesantes en su producción mediante el ensamble textil con la costura y el bordado.

Por todo lo dicho y por los valores textuales, alfabéticos o no, por los elementos iconográficos o más herméticos y por la experiencia táctil/visual de su recorrido, los libros de artista se han convertido, para mí, en una vivencia transdisciplinar que habilita cruces inéditos y múltiples mestizajes artísticos.