Tania Astapenco es la entrevistada por Shirley Rebuffo en este nuevo capítulo de la serie dedicada a artistas uruguayos. Tania crea piezas escultóricas con un estilo muy definido, llenas de emotividad y sentimiento, cada una de ellas fruto de un largo y meticuloso proceso que involucra una variedad de materiales y técnicas.
Un artículo con una completa selección de su obra presentado en dos posts: este primero con texto en español, y el segundo en inglés.
Tania Astapenco is interviewed by Shirley Rebuffo in this new chapter of the series dedicated to Uruguayan artists. Tania creates sculptural pieces with a very defined style, full of emotion and feeling, each one of them the result of a long and meticulous process involving a variety of materials and techniques.
An article with a complete selection of her work presented in two posts: the first one with text in Spanish, and the second one in English.
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Tania Astapenco Arechavaleta
(Montevideo, Uruguay, 1963-)
Tania trabajando / at work
Nace en Montevideo, el 5 de abril de 1963. Es maestra de vocación y profesión. El dibujo y otras expresiones de la plástica están presentes desde muy joven, ya que creció en un ambiente artístico. Su padre, Pedro Astapenco, era artista plástico. Su madre, Josefa, mujer luchadora, fue una artista de la vida, desplegando toda su creatividad en lo cotidiano.
Es en la década de los '90 descubre su pasión por el barro, medio y fin para expresarse desarrollando un proceso de investigación y búsqueda permanente en el acto creativo con la cerámica.
Le gusta acompañar sus obras con la poesía, con la literatura, de esta forma relaciona el arte de la palabra expresada por poetas con la vitalidad de obra concreta que piensa. "Todo lo que me pasa en la vida, lo vuelco al barro", dice.
"De tus abrazos / From your Embraces", pasta con chamote, esmalte monococción /
paste with chamotte, single firing enamel
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Cuándo decides aceptar la cerámica como forma de expresión?
Tania Astapenco: Me encuentro con la cerámica en el taller de Mónica Mederos, hace muchos años. Desde ese entonces busco decir cosas a través de ella. Siempre me gustó el dibujo y la posibilidad de expresarme con diferentes materiales. El encuentro con el barro significó un cambio muy importante en mi vida y en eso estamos. El barro es un material primario, cálido, noble que habilita a "hablar" con significado y a "viajar" en la temática. Cuando considero que he llegado, lo dejo secar y comienza otro proceso: el de pensar y explorar cómo continuar con mi obra. Me gusta la frase de Violeta Parra… me siento identificada:
"La creación es un pájaro sin plan de vuelo, que jamás volará en línea recta" dijo Violeta Parra cantautora, pintora, escultora, bordadora y ceramista chilena.
En ese viaje pruebo mezclar pastas, incorporo diferentes elementos tales como arena, chamote de diferentes tamaños, papel… ellos añaden al barro "cuerpo" y diversas texturas que se ponen en juego cuando modelo o trabajo el bajorrelieve. Todo puede convertirse en herramienta… las principales son mis manos por supuesto, pero también, desde un palito hasta la más sofisticada pueden entrar a jugar en la danza de la creación. Trabajar escultura en cerámica ha sido un gran desafío y sigue siéndolo.
Requiere compromiso. La experiencia y el oficio como herramientas para expresar. Me esfuerzo permanentemente en conocer sobre el trabajo en cerámica para poder expresarme. Desde la química hasta la física. El trabajo en cerámica es completo. Se ponen en juego varios saberes, también intuiciones… encontramos conocimientos en culturas primitivas que admiramos y a las cuales recurrimos, tal vez, por su autenticidad, por la virtud de la simpleza de las técnicas y formas.
"De tus abrazos / From your Embraces"
Experiencia táctil con "De tus abrazos" / Tactile experiece with "From your Embraces"
La prohibición habitual "no tocar" de las exposiciones, no existe en las de Tania. El visitante puede tocar las obras, pueden ser sentidas, palpadas, disfrutadas por el tacto, pueden explorarse y reconocerse las diferentes texturas. Son visitadas por personas con dificultades visuales, pero también las personas que no tienen estos hádicaps. Pueden así experimentar qué siente una persona ciega cuando percibe el arte a través de sus dedos. Una inteligente forma de acercar las diferentes realidades, romper barreras y percibir diversas sensaciones.
"Cara / Face", impersión con óxidos sobre pasta de papel /
printing with oxides on paper pulp, 29 x 30,5 cm., 2019
SR: ¿Quiénes son tus referentes en el arte?
TA: Pienso al arte como actividad humana que busca la manera de intervenir, de transformar. En realidad todo ser humano interviene, cambia y genera cambios. Casi que es inevitable. Abstenerse, inhibirse ante el mundo que nos rodea, como maneras de existir, también genera cambios. Entiendo el arte como provocación, interpelación de las emociones. Es todo un viaje… que a veces puede ser enajenante…
Hay búsquedas en el camino a través del arte y por el arte. Una reflexión permanente, un acto decisivo y consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia, un sentimiento con un sentido estético. Cuando trabajo es un diálogo, una conversación con el barro que confronta, resiste y también se deja llevar y surge la escultura concebida como arte de formas sólidas, de masa relacionada con la ocupación del espacio. Aparece también el juego con la luz (toma cuerpo) que aporta tonalidades y posibilita la expresión. La herramienta, la huella de las manos, por pequeña que sea, expresa de alguna manera un lenguaje. Así como la ausencia de materia, el espacio vacío también dice. Es interesante desafiar con las formas en el espacio.
Por lo dicho es que siento que mi padre es un referente muy fuerte, artista muy comprometido, entendido como expresión del realismo social. Me impactan mucho Picasso y Guayasamín, que dijo: "Pese a todo, no hemos perdido la fe en el hombre, en su capacidad de alzarse y construir; porque el arte cubre la vida. Es una forma de amar".
También me maravillo con Yepes, Giacometti, con Rodin…
"Quijota / Female Quixotte", escultura, monococción, pasta con chamote, óxidos y esmalte /
sculpture, single firing, paste with chamotte, oxides and glaze, 74 x 55 x 23 cm.
SR: Modelar con las manos, ver con las manos... ellas son un vínculo con un público especial. Cuéntanos cómo comenzó el proceso de tu serie "Pájaros en la cabeza".
TA: Al momento de trabajar hay una prevalencia de la emoción, del sentir… es el viaje que constituye la creación. La cerámica involucra a todos nuestros sentidos. Vista, olfato, oído, tacto, gusto.
No sólo miro con los ojos; mis manos se han transformado. Puedo leer con ellas el barro, me aportan información sobre texturas, consistencias, humedades, volúmenes, formas. Las manos tienen memoria de lo vivido, memoria de haber tocado, memoria de haber percibido el mundo circundante. Su aporte es muy valioso: las curvas me traen las caricias... la fuerza se expresa en la profundidad de la línea, el corte, el golpe de una madera sobre el barro.
Las ideas vuelan permanentemente sobre mi cabeza, en esos momentos surgió con fuerza las ganas de emprender varias esculturas, varios trabajos…. los pájaros revoloteaban.
Trabajé como tallerista llevando adelante talleres con barro donde participaban jóvenes que visitaban el Museo de la Memoria. Talleres de sensibilización donde nos encontramos con nuestra memoria corporal, con nuestros sentimientos. Ese taller lo planteaba junto a una invitación a trabajar con los ojos cerrados. La experiencia fue muy significativa y me removió a mí también. Surgen casi juntas, ambas iniciativas y experiencias: "Pájaros en la Cabeza"
Y así me decidí. Propuse y convocamos en el Espacio Cultural del Museo del Gaucho a que personas ciegas y de baja visión visitaran la muestra "Pájaros en la cabeza". Un gran apoyo de Cristina Lampariello que sumó a la Fundación Banco República a esta iniciativa, de las compañeras y compañeros del taller de cerámica del [Mume: Museo de la Memoria], de Karina Tassino, de mi familia, de Organizaciones como UNCU [Unión Nacional de Ciegos del Uruguay], Fundación Braille, talleres y escuelas se sumaron con entusiasmo y participaron junto a nosotros para llevar adelante esta iniciativa. Es una experiencia que marcó mi vida. Un antes y un después. La muestra se hizo también en el Polo Temático de Las Piedras, en el Espacio Cultural en San José, en el Teatro Artigas en la ciudad de Trinidad. Muy impactantes todas las experiencias. Tocar, todas y todos. Una propuesta que nos incluye a todas y a todos, a los que podemos ver y a los que no.
Existe la llamada sensibilidad háptica (del griego haptikos). Tocar, prender, sostener. Esta práctica, que se desarrolla desde los primeros años de nuestras vidas, nos permite reconocer objetos y entornos con rapidez. La percepción háptica es un sistema muy complejo a través del cual el receptor da contenido a la información que llega a su cerebro desde los diferentes sentidos. ¿Por qué si en nuestros inicios como humanos apelamos a todos los sentidos, luego los vamos separando? Hoy vivimos en un mundo por sobre todas las cosas visual. Volviendo al principio, poder transformar, cambiar a través del arte.
"Quijota / Female Quixotte"
"Encierros / Confinements", pasta papel, pigmentos, óxido y esmalte / paper pulp, pigments, rust and glaze
SR: Tus obras tienen mensajes. En esa serie, además, nos trasladas desde lo terrenal a lo místico, de la niña a la madre. Pero todas tienen un punto en común: los afectos y las emociones. ¿Podrías referirte a algunas de las obras?
TA: Voy a hablarte de "De tus abrazos". Esa escultura surge del amor de pareja. El abrazo es muy contenedor, muy sostenedor, reúne desde el dolor a la alegría más carnal, como la de un nacimiento. La idea empieza a plasmarse desde el inicio cuando preparo el material, cuando comienzo a amasar el barro. Necesitaba un barro con estructura, que sostenga, por eso lo mezclé con chamote irregular de ladrillo poroso.
Comienza el viaje. Ahí las manos van y vienen con recuerdos que están en el medio de todo, "se amasa" la memoria. Las manos sienten, vuelven a sentir esos abrazos, los que hemos dado y los que hemos recibido, y más aún: los que faltan dar. Lleva días… avanzo y necesito dejar un poco. Tengo que "separarme" de la obra cada tanto, para verla "desde afuera" y porque además es necesario aflojar el tumulto de sentimientos. Vuelvo a ella con aires nuevos, cabeza más libre y la toco, la miro. Tomo decisiones interviniendo en ese juego entre volumen y forma. Trabajo sacando fotos para lograr algo así como la mirada de afuera, la mirada objetiva.
En este momento del proceso los instrumentos comienzan a tener mayor protagonismo; recurro a las estecas y espátulas de metal. Cualquier objeto que está en el entorno se convierte en herramienta, hasta las agujas de tejer y de coser participaron en "De tus abrazos".
Cuando decidí que ya estaba en las últimas fases del proceso, encaro la tarea de ahuecarla. Seccionarla para vaciar de material, que asegure que no existan las famosas burbujas de aire, generar esas chimeneas para la circulación del calor. Volver a unirla. La dejo y no la intervengo más. Hay que dejarla secar muchos, muchos días.
La cocción de la pieza, el color, otra decisión que tomar. Preparé el esmalte para que trasmita la sensación del hueso, de lo calcáreo. Estudié un poco más y realicé las pruebas previas para saber si estaba bien rumbeada. Y ahora sí, preparada para recibir el calor, con óxidos y esmalte, fue al horno con días de secado y horas de cocción, generando mesetas de temperatura. Toda la noche al lado del horno. Un parto. Las esculturas tienen sus historias también.
"Niña soñadora / Dreamy Girl"
Impresión sobre plancha, pasta de papel / printing on platte, paper pulp, 29,5 x 30,5 cm., 2014
"Mujer / Woman", cerámica, pasta negra con chamote / ceramic, black paste with chamotte
SR: ¿Qué situaciones sociales te condicionan al desarrollar tu obra?
TA: Somos seres sociales, no somos nada sin otras personas. Nos atraviesan situaciones de vida, las nuestras y las de los demás. Lo humano está por encima, la condición humana y los afectos. La realidad duele, también nos genera alegrías, nos atraviesa, no puedo pensarla de otra manera, la vivo así. Como mujer me ubico en la vida de muchas mujeres en la historia, es imposible no mirar hacia atrás y reconocer, reconocernos en ellas, en sus luchas, nace… se construye el hoy y el futuro… mi trabajo navega por esos mares.
SR: ¿Qué lugar le asignas a la dimensión poética en lo que haces?
TA: Un lugar muy importante. La poesía me inspira. Me encuentro en ella y es parte en mi trabajo, me abre la cabeza, el corazón, hace mover mis manos en el barro. No soy escritora; pero escribo en hojas las ideas que me sobrevuelan junto con la escultura y las acompaño muchas veces con la palabra escrita
"En-canto al alma", plato, bajorrelieve, esmaltes y óxidos /
plate, bass relief, enamel and rust, diam. 50 cm.
SR: Y está la filósofa Hiparquía que ha cruzado épocas con su fuerza hasta ser parte de tu obra con una puesta en escena. ¿Qué reto conlleva hacer este tipo de trabajo?
TA: Me cautivó el personaje de Hiparquía. Ella es considerada una de las primeras mujeres de la historia de la humanidad. Ella decide arriesgar todo para ser auténtica, fiel a sí misma, por el amor en el más amplio sentido de la palabra. Ese proceso que vive, es como una metamorfosis. La valentía, la capacidad de arriesgar por algo que quiere y considera justo. Quería revivir a través del barro lo que ella vivió y representaba. El reto: encontrar la manera plástica de revivirlo a través de la escultura, de que la pueda ver a ella, a la época, al proceso. Traerla al hoy. Todo un viaje, un desafío conmigo misma.
SR: ¿Cómo te sientes cuando culminas una obra y ves lo que has creado, traduciendo lo que está en tu cerebro a algo tridimensional y palpable?
TA: Es todo un viaje, un vuelo. Vivo con mucha intensidad durante todo el proceso. Cuando entiendo que terminó, que la voy a dejar, comienza otro: mirarla alejada, "en frío". A veces me sorprende. El ser humano sorprende.
"El nudo desatado / The Untied Knot"
Pasta con chamote, esmalte monococción / paste with chamotte, single-firing glaze, 70 x 26 x 30 cm.
"Esta obra la concebí como la dualidad que todos tenemos: hombre y mujer son dos realidades referidas recíprocamente la una a la otra. Ese nudo trata la naturaleza y la cultura, dos grandes modeladoras de los aspectos personales del ser humano, que están entrelazadas, desde el principio."
"I conceived this work as the duality that we all have: man and woman are two realities reciprocally referred to each other. This knot deals with nature and culture, two great shapers of the personal aspects of the human being, which are intertwined, from the beginning."
"El nudo desatado / The Untied Knot"
SR: En el proceso de creación de una obra hay varias etapas: está el artista solitario frente al barro trabajado, pero aún sin forma. ¿Cómo es ese proceso que da continuación y termina en una obra?
TA: En general es un proceso largo; muy lindo de vivir en todas sus etapas; aunque a veces puede ocurrir que sale como por impulso. Se pierde la noción del tiempo, eso me ocurre bastante. Es mucho disfrute, pero también muy removedor, emocionante.
SR: ¿Te dejas guiar por el azar a veces?
TA: A veces sí, hay mucho de lúdico y ahí el azar interviene, pero no siempre termina necesariamente en una obra concreta, hay idas y venidas. El ejercicio de romper y empezar de nuevo está bueno.
"Pareja / Couple", plato, bajorrelieve, óxidos / plate, bass relief, rust, diam. 40 cm., 2018
"Dolor / Pain", máscara / mask, cerámica con viruta y esmaltes / ceramics with chips and glazes
SR: ¿Cuál es tu mayor debilidad a la hora de enfrentarte a una nueva creación?
TA: No sé si hay una mayor. Las hay, no hay duda. Una de ellas es que me enfrento a muchas emociones, y no sé si llegará a convencerme al final. Me enfrento a mí misma. Como todo en la vida, tiene sus contradicciones. Está bueno, hay que desarrollar la valentía.
SR: ¿Cuánto tiempo al día le dedicas a la cerámica?
TA: Soy mujer y con muchos roles: me importan mis roles de madre, de compañera, de abuela, de docente. Pongo mucha energía en todo y disfruto mucho, como en la cerámica. Mis nietos hablan de sus esculturas en el taller de la abuela. El trabajo en el taller es casi que diario: a veces es un rato, a veces es el día. La cerámica no implica sólo lo manual, requiere estudio, pensar, organizarse con los materiales, sistematizar experiencias. No es fácil con tantos amores… je. Es todo un desafío.
"Mujer de mar / Sea Woman", escultura, pátina / patinated sculpture, 48 x 50 x 15 cm.
"Mujer de mar / Sea Woman"
SR: Cuéntanos algo sobre las diversas técnicas que usas.
TA: Lo principal para mi es la materia, el barro. Expresar con él. Me gusta trabajar con todas las tierras y preparar diferentes barros. Las técnicas de la cerámica las pongo fundamentalmente al servicio de la expresión. Conocerlas me permite provocar los efectos buscados, a veces contradiciendo la manera en que se deben aplicar. Me gusta el engobe, paleteo, trabajar con óxidos, pigmentos, esmaltes… todas.
SR: ¿Estás trabajando, o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?
TA: Siempre andan proyectos en la vuelta. Mis pájaros siempre están revoloteando. Hay un proyecto que me cautiva: "Con los pies en la tierra" Lo llevaré adelante… Ahora estoy preparando una exposición que me entusiasma.
Me siento comprometida con los derechos humanos y además estoy convencida del rol que juega el arte en los procesos sociales. Es así que participo en un proyecto colectivo para construir un memorial junto a Julio Carné y Octavio Podestá. Que recuerde que, en los años del terrorismo de Estado, existió en nuestro país un centro clandestino de tortura, el "300 Carlos-Infierno Grande" donde se secuestró y torturó a más de 600 mujeres y hombres. ¿Para qué? Para que estos hechos no sucedan más, por un nunca más, nunca más a las violaciones a los derechos humanos. Es eso… mirar lo ocurrido en la historia para entender y construir juntos un futuro mejor.
"Mujer / Woman", vasos / cups, tizas cerámicas, óxidos y esmaltes / ceramic chalk, oxide, enamel
SR: Para finalizar, cuéntame una anécdota que te parezca interesante incluir.
TA: En una de las actividades que hice, acompañada con quienes se sumaron a la experiencia para que personas ciegas y de baja visión conocieran la exposición de "Pájaros en la cabeza", sucedieron muchas cosas como para intercambiar largo rato. Te cuento una de ellas. Una mujer increíble que parecía escanear con sus manos las esculturas y los platos con bajorrelieve estaba acompañada por una gran amiga Gabriela Rodríguez a quien le regalé una de mis obras. Se acerca Gabriela hasta donde estaba y me pregunta: "Tania, ¿vos le hiciste un pájaro en "Encanto al alma" (así se llama la obra)? Sí, le respondí. Gabriela nunca se había percatado de que lo era. Celeste, esa mujer que conocí esa noche y que no veía con sus ojos, lo había descubierto.
Tania Astapenco con / with Shirley Rebuffo
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Sobre los artistas mencionados:
Astapenco, Pedro Miguel: MNAV
Giacometti, Alberto: [Todos los enlaces / All Links]
Guayasmín, Oswaldo: [Aniversarios (XXIV)]
Picasso, Pablo: [Todos los enlaces / All Links]
Rodin, Auguste: [Todos los enlaces / All Links]
Yepes, Eduardo: Wikipedia
¡Muchas gracias por la entrevista, Tania!
Thanks a lot for this interview, Tania!
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
