Nueva entrevista de Shirley Rebuffo, presentando en esta oportunidad al pintor Fernando Amaral. En su obra destacan los constructivos, clara referencia al maestro Torres-García, los retratos, bodegones y paisajes campestres con escenas típicas del Uruguay rural.
New interview by Shirley Rebuffo, presenting this time the painter Fernando Amaral. In his work stand out the Constructive, clear reference to the master Torres-García, portraits, still lifes and country landscapes with typical scenes of rural Uruguay.
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Fernando Amaral
(Maldonado, Uruguay, 1964-)
Fernando Amaral pintando un retrato de / painting a portrait of Joaquín Torres-García.
Foto / Photo: Enrique Abal Oliú
Fernando Amaral nace el 30 de agosto de 1964 en Maldonado, Uruguay.
Pinta desde niño dirigido por su padre Wilson Amaral. En 1984 cursa pintura con Carlos Tonelli (pintor y grabador), en la escuela de Artes Plásticas y Visuales de la Intendencia Municipal de Maldonado (Uruguay).
En 1988 continúa sus estudios de dibujo y pintura con el Maestro Edgardo Ribeiro (Artigas, 13 de octubre de 1921 - Maldonado, 22 de febrero de 2006), discípulo directo de Joaquín Torres-García. Aquí comienza la etapa que marcaría su obra hasta el presente. Sin perjuicio de esa influencia, su paleta emprende una búsqueda propia que evoluciona hasta la madurez artística que hoy se observa en su pintura.
Su obra ha trascendido fronteras y a partir de 1986 participa en muestras individuales y colectivas en el exterior, y en Uruguay en las ciudades de Maldonado, Paysandú, Rocha y Montevideo. Sus obras se encuentran en colecciones privadas de Argentina, Brasil, Paraguay, Perú, Colombia, Venezuela, España, Alemania, Francia, Italia, Japón, África y Estados Unidos. Ha sido invitado en varias oportunidades a exponer en Washington DC.
"Con su agudeza para manifestar la luz, la sombra y el color, este artista, de reconocida trayectoria, ha expuesto exitosamente en diversas partes del planeta. Fernando se identifica con los colores y las mezclas, colocándolos en el lugar correcto a fin de crear un juego variado de efectos dinámicos que acompañan la forma." (Shirley Rebuffo)
"Bodegón disociado / Dissociated Still Life"
Acrílico sobre tela sobre bastidor / acrylic on canvas on board, 75 x 60 cm.
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Cómo surge tu interés por la pintura?
Fernando Amaral: El primer contacto fue a través de mi padre, Wilson Amaral [1919-1990]. Me gustaba mucho verlo pintar escuchando música clásica; compartíamos ese momento y me pedía opiniones. Siempre dibujé por mi cuenta, porque me gustaba, y él era quien me enseñaba y corregía.
A los 16 comencé a ir a la casa de la cultura en Maldonado donde cursé materias como teoría de la forma, del color, historia del arte y taller de dibujo. Quería aprender desde otras fuentes cosas distintas y nuevas a lo que conocía.
SR: ¿Cómo fue descubrirse artista en una ciudad pequeña?
FA: Yo pienso que se trata de una ciudad pequeña si la comparamos con los gigantes del mundo. Maldonado es un departamento muy importante a nivel cultural en nuestro país. Ha visto nacer artistas muy reconocidos, destacando la trayectoria de mi padre y muchos referentes y amigos. Hasta el día de hoy posee uno de los mercados de arte más grandes del país, concurridos a nivel internacional.
Somos un país pequeño, pero de todos los departamentos han salido buenos artistas, hubo y hay hoy en día, muy buenos a nivel internacional.
"Paisaje campestre / Country Landscape", óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 80 x 65 cm.
"Paisaje urbano Pandemia / Urban Landscape Pandemics"
Óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 60 x 70 cm.
SR: ¿Qué referencias marcaron tu formación? ¿Qué artistas te influyen hoy o admiras?
FA: Como grandes referencias que marcaron mi formación, en primer lugar, claro está, mi padre, y por otro lado Edgardo Ribeiro, mi mayor referente (alumno de Torres-García).
A partir de la incomodidad que plantee a mi padre en cuanto a que quería cambiar de taller, fue que surgió esta oportunidad. Sentía mucha monotonía en lo que venía estudiando hacía varios años y necesitaba un avance. Apareció Ribeiro por casa y mi padre le mostró mi inicio y mis obras. Me dijo que tenía condiciones y me invitó a su taller. Desde ese momento establecimos un vínculo muy fuerte hasta el día que falleció. Me trataba como un hijo y para mí fue además de un gran referente, como otro padre. Hasta el último tiempo tuve el honor de estar a su lado y compartir el arte con él.
Por otro lado, como artistas influyentes me gustaría nombrar a Torres-García, principalmente por sus constructivos y la paleta de colores que me inspiró en los inicios, y a Barradas por sus colores, la forma de pintar suelta y esquemática, sus figuras y su creatividad.
"Constructivo en madera reciclada / Constructive on Recycled Wood", óleo / oil, 60 x 50 cm.
SR: ¿Cómo es tu rutina o ritual creativo? ¿Comienzas a trabajar con la obra ya proyectada en tu mente o va tomando forma en el proceso?
FA: Primero trabajarlo en la cabeza, y cuando ya está decidido, de a pasos se va plasmado la idea. Elaborar el bastidor, aprontar la tela, buscar el momento, el día, el lugar, cuándo parar, el resultado, hasta los bloqueos también son parte del proceso creativo en el que suceden cosas inesperadas. Hay que estar inspirado para pintar, hay momentos de bloqueo también que hay que dejarlos fluir. Ribeiro me decía: "Si no tienes ganas no pintes, cuando llegan las ganas y la inspiración vas a hacer algo mucho mejor." Estos momentos sirven para reflexionar y crear cosas nuevas, cambiar.
En mi rutina diaria, mi momento de creación es a primera hora de la mañana, tomando unos mates con música clásica.
Creo que el artista empieza la obra desde el momento en el que se crea ese "en mi mente ya sé lo que quiero hacer". Y luego voy por cada parte. Primero el bastidor, que lo elaboro especialmente para la obra que toma la marcha.
En el proceso de pintar una obra voy creando y cambiando. Cada proceso es único. Cuando la idea es clara me brinda más seguridad y se vuelve más fácil concretarlo, es ahí cuando casi siempre se parecen mucho a la idea inicial de mi mente y cuando los hago más rápido.
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"Paisaje campestre / Country Landscape", óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 50 x 40 cm.
SR: Al abordar tus momentos de pintar, ¿cuales son tus preferencias y tus influencias?
FA: Me gusta la variedad porque el artista para mí tiene que saber hacer diferentes cosas, entonces no me gusta que me encasillen. Ya a esta altura tengo un estilo marcado por varias preferencias a lo largo de los años, un estilo propio. Depende mucho del momento la elección de los colores, las líneas, las formas, etc., pero aun así puedo destacar como caminos más frecuentes los constructivos, bodegones, paisajes, disociados y algunos retratos.
SR: El color es un elemento fundamental en tu obra, como una fuerza potente o una presencia perenne. ¿Cómo lo manejas y cuál de tus maestros te afirmó en su uso?
FA: El color, que va de la mano del tono y el valor, es fundamental siempre en todas las obras. El cuadro es todo, no solo una parte, y es importante lograr una paleta armoniosa. Cuando empecé mi paleta era baja, con pocos colores y básicos. Con el tiempo fui subiendo la paleta y las obras fueron más coloridas. Fue un proceso de investigación personal.
SR: ¿Qué buscas cuando pintas?
FA: Por un lado, lo técnico: empaste, equilibrio, la paleta, que haya una armonía visual y que el espectador abarque toda la obra en su recorrido. Por otro lado, se crea un vínculo con el espectador, la obra se lee, se siente, se percibe de una forma única porque cada espectador vive una algo distinto pero lo importante es que sea una experiencia de conexión nutritiva y agradable.
"Retrato de / Portrait of Wilson Amaral", óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 46 x 38 cm.
"Bodegón / Still Life", óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 80 x 65 cm.
SR: ¿Qué satisfacciones te ha dado la pintura?
FA: Principalmente la posibilidad de vivir del arte a través de la venta de los cuadros y a través de la docencia.
Construir una vida de forma libre me dio la oportunidad de poder ver crecer a mis hijas, acompañarlas y criarlas. He conocido personas y establecí vínculos que me han nutrido tanto en el camino como artista tanto como personalmente. Instancias para viajar por el mundo y conocer lugares, cosas que te amplían la cabeza y te hacen crecer.
SR: ¿Cómo creas una pieza de madera?
FA: Estudié en la UTU [Universidad del Trabajo del Uruguay] de carpintería y aprendí mucho del oficio. Partiendo de este conocimiento lo uní a lo pictórico y tomando de base los constructivos de Torres-García, surgió la creación.
Improviso la construcción en madera y luego le agrego la pintura, según la construcción primaria.
La textura de la madera rústica es distinta y me interesa mucho. Las busco en la calle igual, cuanto más castigada esté, mejor es la textura que se consigue para este objetivo, mejor se traduce la esencia del material.
SR: Más allá de las etapas, ¿crees que hay una constante en tus obras?
FA: No es lo mismo el inicio que después de 40 años. El proceso de hacerse artista es lento, y lleva muchas etapas. Desde el principio hasta ahora hay un abismo; el cambio y la transformación hablan de la evolución del proceso. Las cosas que hoy me definen puedo decir que han sido esos caminos más frecuentes para pintar y detalles, como el empaste y la pincelada suelta, que hace que se transmita la presencia y la acción.
"Constructivo urbano / Urban Constructive", tela sobre bastidor / oil on board, 70 x 50 cm.
SR: ¿En qué te sientes comprometido como artista?
FA: Siento que hoy en día no existe la cultura que hubo antes en el arte, de paciencia, de proceso, de quemar etapas, de ensayo y error. Estamos en una época en la que queremos aprender el oficio muy rápido; todo va muy rápido, y para aprender necesitamos tiempo.
En el arte hay un proceso de ir quemando etapas, que lleva mucho de ese tiempo para aprender y mucho contenido en ese aprendizaje.
El mundo está cien por ciento materialista y yo siento el compromiso de contribuir a recuperar esa atmósfera para el arte que se vivía tiempo atrás.
SR: ¿Hay algún otro artista en tu familia?
FA: Mi padre Wilson Amaral, pintor.
Cuando chico siempre lo veía pintar y él me incentivaba a hacerlo. A mí me gustaba mucho. Siempre lo acompañaba, entregaba las invitaciones para las exposiciones, lo ayudaba a trasladar y colgar los cuadros. Principalmente cuando expuso en Punta del Este estuve muy presente, y compartimos muchas exposiciones colectivas importantes ahí mismo.
Cuando venían sus colegas a casa a compartir sus obras y darse sus opiniones mutuas, siempre aprovechaba esos momentos para estar ahí en ese ambiente de arte.
Tenía 15 o 16 años cuando él estaba pintando un cuadro del cerro Pan de Azúcar. Le comenté lo lindo que estaba y me dijo que, si me gustaba, me lo regalaba, eso me quedó para siempre marcado.
SR: ¿Crees que la originalidad artística es cada vez más difícil de encontrar? ¿Es ahí donde reside el valor de una obra?
FA: Lo más difícil es crear algo distinto y personal.
La originalidad para un artista es un concepto muy amplio; requiere en primer lugar hacerse en el oficio, estudiar mucho. Eso es lento, lleva tiempo. Hay que empezar por el principio: figurativo, bodegones, es como en la música el solfeo.
Es importante para el artista porque uno quiere crear lo que uno siente, pero llegar a ese nivel lleva tiempo y trabajo; es un proceso, por lo tanto. Claro que en ese sentido la obra adquiere otro valor.
SR: Ser docente implica algo más que transmitir contenido, también hay un intercambio de ideas con una exigencia de rigor y valoración conocimientos. ¿Qué buscas trasmitir a tus alumnos?
FA: Es un intercambio muy lindo. El arte es algo muy libre, no es fácil enseñarlo, pero siempre intento escucharlos para poder guiarlos mejor y explicar las cosas desde el fundamento teórico para que las puedan aplicar con un sentido.
Muestro con el ejemplo, y también se dan los intercambios entre los alumnos. Trato de fomentar esos valores para generar el ambiente de arte.
Fernando Amaral pintando "Constructivo" / painting "Constructive"
Fernando Amaral was born on August 30, 1964 in Maldonado, Uruguay.
He has been painting since he was a child under the guidance of his father Wilson Amaral. In 1984 he studied painting with Carlos Tonelli (painter and engraver), at the school of Plastic and Visual Arts of the Municipality of Maldonado (Uruguay).
In 1988 he continued his drawing and painting studies with Master Edgardo Ribeiro (Artigas, October 13, 1921 - Maldonado, February 22, 2006), a direct disciple of Joaquín Torres-García. Here begins the stage that would mark his work up to the present. Without prejudice to this influence, his palette undertook a search of its own that evolved to the artistic maturity that can be seen in his painting today.
His work has transcended frontiers and since 1986 he has participated in individual and collective exhibitions abroad, and in Uruguay in the cities of Maldonado, Paysandú, Rocha, and Montevideo. His works are in private collections in Argentina, Brazil, Paraguay, Peru, Colombia, Venezuela, Spain, Germany, France, Italy, Japan, Africa and the United States. He has been invited on several occasions to exhibit in Washington DC.
"With his sharpness to manifest light, shadow and color, this artist, of recognized trajectory, has successfully exhibited in various parts of the planet. Fernando identifies with colors and mixtures, placing them in the right place in order to create a varied play of dynamic effects that accompany the form." (Shirley Rebuffo)
"Constructivo / Constructive", maderas recicladas / recycled wood, 60 x 50 cm.
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: How did your interest in painting come about?
Fernando Amaral: The first contact was through my father, Wilson Amaral [1919-1990]. I really liked to watch him painting while listening to classical music, we shared that moment and he would ask me for my opinions. I always drew on my own, because I liked it and he was the one who taught me and corrected me.
At 16 I started to go to the house of culture in Maldonado where I took subjects such as theory of form, color, art history and drawing workshop. I wanted to learn from other sources different and new things to what I knew.
SR: What was it like to discover yourself as an artist in a small city?
FA: I think it is a small city if we compare it with the giants of the world. Maldonado is a very important cultural department in our country. It has seen the birth of very renowned artists, highlighting the career of my father and many references and friends. To this day it has one of the largest art markets in the country, which is internationally visited.
We are a small country, but good artists have come out of all the departments, there were and there are today, very good artists at international level.
"Puerto, constructivo disociado / Port, dissociated constructive"
Acrílico sobre tela sobre bastidor / acrylic on canvas on board, 40 x 50 cm.
"Paisaje urbano, constructivo disociado / Urban Landscape, Dissociated Constructive"
Acrílico sobre tela sobre bastidor / acrylic on canvas on board, 40 x 50 cm.
SR: What references marked your formation? What artists influence you today or do you admire?
FA: As great references that marked my formation, in the first place, of course, my father and on the other hand Edgardo Ribeiro, my greatest reference (a student of Torres-García).
This opportunity arose from the discomfort I felt when I asked my father that I wanted to change workshops. I felt a lot of monotony in what I had been studying for several years and I needed a breakthrough. Ribeiro showed up at my house, my father showed him my beginnings and my works. He told me that I had the conditions and invited me to his workshop. From that moment on we established a very strong bond until the day he passed away. He treated me like a son and for me he was not only a great reference, but another father. Until the last time I had the honor of being by his side and sharing art with him.
On the other hand, as influential artists I would like to name Torres-García, mainly for his constructive and color palette that inspired me in the beginning; and Barradas for his colors, his loose and schematic way of painting, his figures and his creativity.
SR: What is your routine or creative ritual? Do you start working with the work already projected in your mind or does it take shape in the process?
FA: First I work on it in my head, and when it's already decided, the idea takes shape step by step. Making the stretcher, preparing the canvas, looking for the moment, the day, the place, when to stop, the result, even the blockages are also part of the creative process in which unexpected things happen. You have to be inspired to paint, there are also moments of blockage that you have to let them flow. Ribeiro used to tell me: "If you don't feel like it, don't paint, when you feel like it and get inspired, you will do something much better". These moments serve to reflect and create new things, to change.
In my daily routine, my moment of creation is first thing in the morning, drinking some mates with classical music.
I think the artist starts the work from the moment he creates that "in my mind I already know what I want to do". And then I go through each part. First the stretcher, which I make especially for the work that takes place.
In the process of painting a work I create and change. Each process is unique. When the idea is clear it gives me more security and it becomes easier to concretize it, that's when they almost always look very similar to the initial idea in my mind and when I make them faster.
"Paisaje urbano / Urban Landscape", óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 60 x 50 cm.
"Paisaje urbano disociado / Dissociated Urban Landscape"
Óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 50 x 40 cm.
SR: When approaching your painting moments, what are your preferences and influences?
FA: I like variety because for me the artist has to know how to do different things, so I don't like to be pigeonholed. At this point I already have a style marked by several preferences over the years, a style of my own. It depends a lot on the moment the choice of colors, lines, shapes, etc., but even so I can highlight as the most frequent ways the constructive, still lifes, landscapes, dissociated and some portraits.
SR: Color is a fundamental element in your work, like a powerful force or a perennial presence. How do you handle it and which of your masters affirmed you in its use?
FA: Color, which goes hand in hand with tone and value, is always fundamental in all works. The painting is the whole, not just a part, and it is important to achieve a harmonious palette. When I started my palette was low, with few and basic colors. As time went by I increased the palette and the works became more colorful. It was a process of personal research.
SR: What do you look for when you paint?
FA: On the one hand, the technical aspects: impasto, balance, the palette, that there is a visual harmony and that the viewer takes in the whole work in its path. On the other hand, you create a bond with the spectator, the work is read, felt, perceived in a unique way because each spectator experiences something different, but the important thing is that it is an experience of nourishing and pleasant connection.
"Constructivo / Constructive", óleo sobre madera / oil on wood, 120 x 40 cm.
SR: What satisfactions has painting given you?
FA: Mainly the possibility of making a living from art through the sale of paintings and through teaching.
Building a life in a free way gave me the opportunity to see my daughters grow up, accompany them and raise them. I have met people and established bonds that have nurtured me both as an artist and personally. Instances to travel the world and see places, things that broaden your mind and make you grow.
SR: How do you create a piece of wood?
FA: I studied carpentry at the UTU [Universidad del Trabajo del Uruguay] and learned a lot about the trade. Based on this knowledge I combined it with the pictorial and, taking Torres-García's constructions as a base, the creation arose.
I improvise the wooden construction and then I add the painting, according to the primary construction.
The texture of rustic wood is different and interests me a lot. I look for them in the street anyway, the more damaged it is, the better the texture that is achieved for this purpose, the better the essence of the material is translated.
SR: Beyond the stages, do you think there is a constant in your work?
FA: It is not the same at the beginning as it is after 40 years. The process of becoming an artist is slow, and it takes many stages. From the beginning until now there is an abyss; the change and transformation speak of the evolution of the process. The things that define me today I can say have been those more frequent ways of painting and details, such as impasto and loose brushstrokes, which convey presence and action.
"Marina de Punta del Este / Punta del Este Marine"
Óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 60 x 80 cm.
SR: What do you feel committed to as an artist?
FA: I feel that today there is not the culture that there used to be in art, of patience, of process, of burning stages, of trial and error. We are in an era in which we want to learn the trade very quickly; everything goes very fast, and to learn we need time.
In art there is a process of burning stages, which takes a lot of that time to learn and a lot of content in that learning.
The world is one hundred percent materialistic and I feel the commitment to contribute to recovering that atmosphere for art that was experienced some time ago.
SR: Are there any other artists in your family?
FA: My father Wilson Amaral, a painter.
When I was a child I always saw him painting and he encouraged me to do it. I liked it a lot. I always accompanied him, handed out invitations to exhibitions, helped him move and hang the paintings. Especially when he exhibited in Punta del Este I was very present, and we shared many important group exhibitions there.
When his colleagues came home to share their works and give each other their opinions, I always took advantage of those moments to be there in that art environment.
I was 15 or 16 years old when he was painting a picture of the Sugarloaf Mountain. I told him how beautiful it was and he told me that if I liked it, he would give it to me as a gift.
SR: Do you think that artistic originality is increasingly difficult to find? Is that where the value of a work lies?
FA: The most difficult thing is to create something different and personal.
Originality for an artist is a very broad concept; it requires first of all to get into the craft, to study a lot. That is slow, it takes time. You have to start at the beginning: figurative, still lifes, it's like solfeggio in music.
It is important for the artist because one wants to create what one feels, but reaching that level takes time and work; it is a process, therefore. Of course, in that sense the work acquires another value.
SR: Being a teacher implies more than just transmitting content, there is also an exchange of ideas with a demand for rigor and knowledge valuation. What do you seek to transmit to your students?
FA: It's a very nice exchange. Art is something very free, it is not easy to teach it, but I always try to listen to them to be able to guide them better and explain things from the theoretical basis so that they can apply them with a sense.
I show by example, and there are also exchanges between students. I try to foster those values to generate an art environment.
Fernando Amaral pintando en su estudio / painting at his Studio
Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Fernando!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Fernando!)
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Sobre los artistas mencionados / About mentioned artists:
Wilson Amaral: Lilia Muniz
Joaquín Torres-García en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR), Especializada en libros de artista (Facultad de Humanidades y Ciencias, Uruguay), Periodista cultural (España) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), Specialized in Artists' Books (Faculty of Humanities and Sciences, Uruguay), Cultural Journalist (Spain), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
