Katie O'Hagan
Katie O'Hagan nació y se crió en el lejano norte escocés, y se mudó a los Estados Unidos en 1993. Actualmente vive en Beacon, Nueva York, con sus dos hijas y su perro Seamus.
Su obra se ha presentado en numerosas galerías y museos a nivel nacional e internacional, incluyendo la Galería Nacional del Retrato en Washington, el Museo del Arte del Mundo en Beijing, el National Arts Club y el Instituto Butler de Arte Estadounidense. Ha recibido premios del Club Salmagundi, Allied Artists of America, la revista The Artist's Magazine, Oil Painters of America, y la Sociedad del Retrato de Estados Unidos.
"Casi en casa / Almost Home", 57" x 36" (obra y detalle / work and detail)
"Constricción / Constriction", 30" x 30"
«Creo que el estilo es realismo, pero el proceso es mucho menos organizado y académico que el de muchos artistas realistas. No tengo reglas rápidas y rígidas, y es un proceso bastante instintivo.... Yo comienzo directamente con la pintura. Generalmente comienzo con un ojo y sigo con ello con tanta precisión como me sea posible... Una vez que el primer ojo tiene el tamaño correcto y está en el lugar adecuado, entonces sé que podré conseguir el resto de la pintura tal como quiero... No es como las escuelas de arte te enseñan a hacerlo, pero siendo autodidacta no conozco nada mejor, y por ahora me funciona. Mis escasos intentos de comenzar de una manera más tradicional (empezando con algún tipo de dibujo) nunca han terminado bien. No necesariamente recomiendo este tipo de abordaje a otra gente, pero es la única manera que conozco.»
"Aine, Valle de la Muerte / Death Valley", 20" x 30"
"Abuelo / Grandpa", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40"
«Para el resto del proceso creativo, generalmente paso al menos un par de horas al día corriendo en el bosque con mi perro. Entonces es cuando la mayoría de las ideas llegan todas juntas. A veces simplemente aterrizan en mi cabeza completamente formadas desde no se sabe dónde, pero más a menudo me fijo en un lugar, un sentimiento, a veces incluso una persona de aspecto interesante que he conocido, y andan repiqueteando por allí un tiempo, y antes de que pase demasiado rato, tengo un momento en que se me enciende la bombilla acerca de cómo transmitir ese pensamiento visualmente.»
"Ann Marshall", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40"
"Suspension", 36" x 42"
«Una vez, cuando era camarera en East village, un cliente robó dinero. Nosotros sólo lo conocíamos como "Al el Asesino", pero dio la casualidad de que yo había hecho un boceto de él en un día tranquilo. Los policías pudieron identificarlo por el boceto, por lo cual me sentí un poco mal. Como sea, era ese tipo de cosas. Nunca me lo tomé en serio. Un día, me senté en la cocina durante la siesta y esbocé algunas frutas que había en un bol. Poco después tuve una repentina urgencia de intentar pintarlas al óleo, así que fui a Walmart y cogí algunos lienzos, un poco de pintura barata, pinceles y empecé a pintar. Tengo un manual del que no puedo recordar el nombre. No era muy útil porque no sabía lo que significaban mucho de los términos. Probablemente aproveché algunos consejos, pero realmente tienes que aprender haciéndolo, y luego años más tarde, cuando conocí a otros artistas, recogí una gran cantidad de información. Paul McCormack ha sido una gran influencia. Él es siempre generoso con su tiempo y me ha sacado de un apuro más de una vez cuando he metido la pata. Aún envío emails a artistas de vez en cuando (aún cuando no los conozco) para pregutarles cómo hacen una cosa específica. Sin embargo aún abordo una pintura más o menos de la misma manera como lo he hecho desde el primer día.»
"Caithness", óleo sobre panel / oil on panel, 16" x 20"
"Domesticada / Tamed", 28" x 38"
P: ¿Cuál es tu artista favorito?
R: Si tuviera que escoger uno, podría ser Burt Silverman. Te pondría en un apuro si te pidiera que buscaras un artista figurativo estadounidense para quien no sea una influencia. Ha estado produciendo obras de tan alta calidad durante tanto tiempo, en un período de tiempo en Estados Unidos en el que este tipo de obras era ignorado. Es un auténtico icono para todos nosotros. Suyo fue el primer libro que compré, y fue muy emocionante tener la oportunidad, más adelante, de conocerlo y participar en varias muestras colectivas con él, incluyendo la muestra Boochever.
P: Si pudieras trabajar con cualquier artista (pasado o presente), ¿quién sería?
R: Del pasado podría ser Lucian Freud, y del presente Jenny Saville. Hay una energía en bruto similar en sus obras. Mi propia obra no tiene nada que ver con la suya, pero creo que podría aprender mucho con ellos.
Carboncillo y tiza blanca / charcoal and white chalk
«Con las pinturas más narrativas, siempre está el riesgo de tener demasiada mano dura y exactitud. Definitivamente he sido culpable de ello a veces, pero es parte del proceso de aprendizaje. El cambio hacia una obra más narrativa es aún relativamente nuevo, y tengo mucho que averiguar. Aunque, como ya he dicho, yo no busco a intelectualizar las ideas mismas, estoy tratando de mejorar lo que sucede después de la explosión inicial de la inspiración, que es la formación y la edición de la idea en bruto en una pintura exitosa. Reduciéndola a lo mínimo tanto como sea posible. Incluyendo lo suficiente para contar la historia, pero dejando lo bastante abierto a la interpretación para no darle todo digerido al espectador. Los cuadros más convincentes plantean preguntas sin respuesta, pero espero que sean sutiles. La pregunta que más hago cuando compongo una pintura - mirando a las pinturas - es "¿por qué?". Si un objeto no tiene una razón para estar allí, aún cuando se trate de un objeto guay o que sería divertido pintar, trato de dejarlo fuera.»
"Fiesta penosa / Pity Party" 27" x 38"
«Nunca volví a vivir en Escocia, pero desde la distancia he desarrollado un verdadero aprecio y afecto por el lugar donde crecí. La austera belleza de la tierra, caminando por los páramos durante horas sin ver un alma, consiguiendo la "diversión" en el pub, todos esos personajes locos e incluso el clima nublado, lluvioso y aburrido. Por encima de todo, sin embargo, echo de menos a mi padre. Otros amigos y familia también, por supuesto, pero mi papá es, con mucho, la mejor persona que conozco y lo extraño mucho. Vuelvo cada pocos años, pero no tanto como quisiera.»
"Aurelie", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24"
Katie O'Hagan was born and raised in the far north of Scotland and moved to the US in 1993. She lives in Beacon, NY with her two daughters and her dog, Seamus.
Her work has shown in many galleries and museums nationally and internationally, including The National Portrait Gallery in Washington DC, The World Art Museum in Beijing, The National Arts Club and the Butler Institute of American Art. She has also received awards from the Salmagundi Club, Allied Artists of America, The Artist's Magazine, Oil Painters of America, and The Portrait Society of America.
"Remordimiento / Regret", 45" x 45"
«I guess the style is realism, but the process is a lot less organized and academic than many realist artists. I don’t have any hard and fast rules and it’s a fairly instinctive process. . . . I just start right in with the paint. Usually I begin with one eye and get that down as accurately as I can. . . . As long as that first eye is the right size and in the right place then I know I can get the rest of the painting the way I want it. . . . . It’s not the way an art school would teach to do it, but being self-taught I didn’t know any better, and now it works for me. My few attempts at beginning in a more traditional way—starting with a drawing of some kind—have never turned out well. I wouldn’t necessarily recommend this approach to other people, but it’s the only way I know.»
"Ropa sucia / Dirty Laundry", 48" x 38"
«As for the rest of the creative process, I usually spend at least a couple of hours a day running in the woods with my dog. That’s when most of the ideas come together. Sometimes they just land in my head fully formed out of nowhere, but more often I get fixated on a location, or a feeling—sometimes even an interesting-looking person I’ve met—and it just rattles around in there for a while and before too long I have a light bulb moment about a way to convey the thought visually.»
"Verdadero norte / True North", 28" x 38"
"Quimera / Figment", 62" x 52"
«Once, when I was bar-tending in the East village, a customer stole money. We only knew him as “Al the Murderer,” but it so happened I had sketched him once on a slow day. The cops were able to identify him from my sketch, which I actually felt kind of bad about. Anyway, it was that kind of thing. Never taken seriously. One day, I just sat in the kitchen during nap time and sketched some fruit that was sitting in a bowl. Shortly afterwards I had a sudden urge to try oil painting, so I went to Walmart and picked up some canvas panels and some cheap paint and brushes and started to paint. I got an instructional book which I can’t remember the name of. It wasn’t very useful because I didn’t know what a lot of the terms meant. I probably picked up a few tips there, but really you have to learn by just doing it, and then years later when I met other artists I picked up a lot of information. Paul McCormack has been a great influence. He’s always generous with his time and has talked me off a ledge more than once when I’ve screwed up. I will still email artists once in a while – even if I don’t know them – to ask how they do a specific thing. I still approach a painting pretty much the same way as I’ve done since day one, though.»
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Retratos / Portraits
Q: Who is your favorite artist?
If I had to pick just one, it would have to be Burt Silverman. You would be hard-pressed to find an American figurative painter who doesn’t consider him to be an influence. He has been producing work of such a high quality for a long time, during a period of time in America when this type of work was disregarded, he really is an icon to a lot of us. His was the first book I bought, and I was thrilled to later have the opportunity to meet him and participate in several group shows with him—including the Boochever show.
Q: If you could work with any artist (past or present) who would it be?
A: Past would be Lucian Freud, and present would be Jenny Saville. There is a similar raw energy to their work. My own work is nothing like theirs, but I think I could learn a lot from them.
«With the more narrative paintings, there’s always the risk of being too heavy handed and dead-on. I’ve definitely been guilty of that at times, but it’s part of the learning process. The shift towards more narrative work is still relatively new, and I have a lot still to figure out. Although, as I mentioned, I don’t seek to intellectualize the ideas themselves, I’m trying to get better at what happens after the initial burst of inspiration, which is the shaping and editing of the raw idea into a successful painting. Paring it down as much as possible. Including just enough to tell the story but leaving enough open to interpretation that you aren’t spoon-feeding the viewer. The most compelling paintings have unanswered questions, but hopefully subtle ones. The question I ask most when composing a painting ~ looking at paintings – is “why?” If an object doesn’t have a reason to be there ~ even if it’s a cool object or one that would be fun to paint, I try to leave it out.»
«I never lived back in Scotland again, but from a distance I have developed a true appreciation and affection for the place where I grew up. The stark beauty of the land, walking on the moors for hours without seeing another soul, getting the “craic” down the pub, all of the crazy characters and even the dreich weather. Most of all though, I miss my dad. Other family and friends too, of course, but my Dad is hands-down the best person I know and I miss him a lot. I do get back every few years, but not as much as I’d like.»
Los textos están traducidos del sitio web de la artista, de una entrevista publicada en el blog Face to Face, de la National Portrait Gallery (Smithsonian Institution) en febrero de 2013 que puede leerse completa (en inglés) aquí, y de otra realizada por Deanna Elaine Piowaty para Combustus publicada en Junio de 2014, aquí.
Texts from artist's website, from an interview published in the National Gallery's blog Face to Face (Smithsonian Institution), February, 2013 you can fully read here, and another one by Deanna Elaine Piowaty published in Combustus, June, 2014 you can read here.
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"Balsa salvavidas / Life Raft"
«El proceso de pintar "Balsa salvavidas" me cambió las cosas. Fue muy diferente de cualquier cosa que hubiera hecho antes, y yo era increíblemente consciente de ello. De hecho, estaba tan avergonzada de lo que estaba haciendo que volvía la pintura hacia la pared cada vez que dejaba el estudio, por si acaso alguien entraba y la veía. Era algo tan personal y excitante.
Aunque en realidad me sentía así, había también un elemento de humor melodramático que no estoy segura de cómo llegó ahí, así que me propuse no mostrársela a nadie. No había opción de no pintarla, creo. Me desperté con la idea durante un momento muy intenso de mi vida. Mi matrimonio súbitamente se había desintegrado... y yo aún estaba tratando de luchar a brazo partido con todos los cambios que estaban a punto de suceder.»
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46" x 60", Colección de la artista / Collection of the artist.
«Había terminado de convertir mi garage en un gran estudio, y me refugié allí. Me fui al bosque detrás de mi casa con una sierra y corté ramas para hacer la balsa. Comprendí que sería la última pintura que sería capaz de hacer antes de que todo cambiara permanentemente, por ello pintarla fue muy emotivo. También fue para mí una forma de mantenerme tranquila durante todas las convulsiones y procesar lo que estaba sucediendo. Supongo que tomó mi antigua vida explotando para revelar un camino hacia delante.
Finalicé la pintura la noche antes de empacar mi estudio y mudarme. En un impulso, la posteé online y me sorprendió la respuesta positiva. Poner ahí esa primera pieza realmente personal me daba miedo, pero me alegro de haberlo hecho. Desde entonces, he cambiado realmente de dirección y cada vez es más fácil, aunque todavía es muy nuevo para mí. Estoy desarrollando un abordaje que siento más significativo que el trabajo que estaba haciendo antes. Aún tengo mucho que aprender sobre cómo comunicar efectivamente mis ideas, pero estoy comprometida con el trabajo y el proceso creativo de una manera enteramente diferente.»
(detalle / detail)
«The process of painting Life Raft really changed things for me. It was very different from anything else I had done, and I was incredibly self-conscious about it. In fact I was so embarrassed about what I was doing that I turned the painting to the wall whenever I left the studio, just in case someone came in and saw it. It was just so personal and overwrought.
Although I really did feel that way, there was also an element of melodramatic humor that I wasn’t sure would come across, so I resolved never to show it to anyone. There was no option to not paint it, though. I woke up with the idea during a very intense time in my life. My marriage had suddenly unraveled . . . and I was still trying to come to grips with all of the changes that were about to happen.»
Katie O'Hagan, Artista, Concurso de retratos / Artist, Portrait Competition 2013
Galería Nacional del Retrato / National Portrait Gallery, Smithsonian Institution
«I had just finished turning my garage into a great studio, and I took refuge there. I went to the woods behind my house with a saw and cut branches to make the raft. I realized it would be the last painting I would be able to do before everything changed permanently, and so painting it was quite emotional. It was also a way for me to be still during all of the upheaval and to process what was happening. I guess it took my old life exploding to reveal a way forward.
I finished the painting the night before I had to pack up my studio and move. On impulse I posted it online and was surprised at the positive response. Putting that first really personal piece out there was very scary, but I’m glad I did it. Since then I’ve really changed direction and it’s getting easier, although it’s still very new for me. I’m developing an approach that feels more meaningful than the work I was doing before. I have a lot still to learn about how to effectively communicate my ideas, but I’m engaged with the work and the creative process in a whole new way.»
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Una entrevista del proyecto "People to People" de Rhiannon /
Rhiannon's People to People Project. An Interview with Katie O'Hagan
Más imágenes e información en / More images and information in
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Katie!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Katie!)
Algunas referencias / Some references
Paul McCormack
"Esperanza / Hope", acuarela / watercolor, 27,5" x 17", 1998
Colección de / Collection of Fred & Sherry Ross
Paul W. McCormack nació en Rahway, Nueva Jersey, en 1962.
He estado dibujando desde que era un niño. En la época en que estaba en 5º grado, dibujaba retratos de mis compañeros de clase del natural. De adulto, asistí a la Escuela duCret de Artes en Plainfield, Nueva Jersey. Inmediatamente después de la escuela de arte, produje scrimshaw durante cerca de cinco años; fue una buena forma de sustentar mi hábito de pintura. Fui muy afortunado y siempre he creado arte para vivir, ya sea enseñando o pintando. Hoy en día creo principalmente obras al óleo, acuarela y grafito.
"Karen en negro / Karen in Black", óleo sobre lino / oil on linen, 43" x 43"
"Karen en negro" fue premiada con la Medalla de Oro en la exhibición anual 2014 de los Artistas Aliados de Estados Unidos /
"Karen in Black" has been awarded the Gold Medal of Honor in the Allied Artists of America 2014 Annual Exhibition.
Katie y Paul, Beijing, 2012
Paul W. McCormack was born in Rahway, New Jersey in 1962.
«I’ve been drawing ever since I was a child. By the time I was in was a fifth-grader I was drawing portraits of my classmates from life. As an adult I attended duCret School of the Arts in Plainfield, New Jersey. Immediately after art school I produced Scrimshaw for about five years—this was a great way of supporting my painting habit. I’ve been very fortunate and have always created art for a living, via teaching and painting. Today I mainly create figurative works in oils, watercolor and graphite.»
"Karen", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 25"
Más sobre Paul McCormack en / More about Paul McCormack in
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Burton Silverman
Burton Silverman, pintor estadounidense nacido en 1928.
Graduado en 1949 en la Universidad de Columbia, la obra de Silverman ha concentrado en, como él mismo dijo, "el paisaje del rostro humano." Como retratista, que ha completado comisiones para cientos de clientes dignos de mención. Comercialmente, su trabajo ha aparecido en la revista Time y The New Yorker, así como el arte de la cubierta para el álbum de rock por Aqualung Jethro Tull. Trabajar en acuarela, óleo sobre lino, o en colores pastel, estilo de Silverman es el realismo americano contemporáneo. Su técnica en cualquier medio parece evocar las texturas de tipo textil en la superficie de la obra.
"Ambivalencia / Ambivalence", óleo sobre lino / oil on linen, 39" x 30", 2008
Portada del LP de / Cover of the album byJethro Tull"Aqualung" (1971)
Burton Silverman, American painter born in 1928.
A 1949 graduate of Columbia University, Silverman's work has concentrated on, as he put it, "the landscape of the human face." As a portrait artist, he has completed commissions for hundreds of noteworthy patrons. Commercially, his work has appeared in Time Magazine and The New Yorker as well as the cover art for the rock album Aqualung by Jethro Tull. Working in watercolor, oil on linen, or pastel, Silverman's style is contemporary American realism. His technique in any media seems to evoke textile-like textures on the surface of the work.
"Emil Goldfus en el estudio / in the studio", 1957
Más sobre Burton Silverman en / More about Burton Silverman in
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Sobre el resto de los artistas mencionados / About the other mentioned artists
Lucian Freud
[Manos a la obra (I)], [Pintando perros (VI)], [Librofilia (X)], [Arte perdido (III)], [Lilli Hill (Pintura)], [Arte perdido (VI)]