Esta es una selección de obras de algunos artistas, aún no publicados en el blog, citados como referencias por el artista argentino Alberto Bali, en la entrevista que acompaña a las imágenes de su obra en el post previo.
This is a selection of works by some artists, not yet published in the blog, cited as references by the Argentine artist Alberto Bali, in the interview that accompanies the images of his work in the previous post.
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Andrea Palladio
Grabado por R.Woodman de una imagen por Bigleoschi y publicado en Londres por Charles Knight, Ludgate Street /
Engraving by R.Woodman after an image by Bigleoschi. Published in London by Charles Knight, Ludgate Street. S.XIX / 19th Century
Andrea Palladio fue un arquitecto italiano nacido en 1508, activo en la República de Venecia. Palladio, influenciado por la arquitectura romana y griega, principalmente por Vitruvio, es ampliamente considerado como la persona más influyente en la historia de la arquitectura occidental. Todos sus edificios están situados en lo que fue la República de Venecia, pero sus enseñanzas, que se resumen en el tratado de arquitectura "Los Cuatro Libros de Arquitectura", le ganaron un amplio reconocimiento. La ciudad de Vicenza y villas de Palladio en el Véneto son Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO.
Murió en 1580.
Fachada de Villa Barbaro en Maser, provincia de Treviso, Véneto, Italia /
Front of Villa Barbaro in Maser, province of Treviso, Veneto, Italy.
Aprox. 1560-80
Villa La Rotonda o Villa Capra, Vicenza, Italia / Italy. 1556
Andrea Palladio was an Italian architect born in 1508, active in the Republic of Venice. Palladio, influenced by Roman and Greek architecture, primarily by Vitruvius, is widely considered the most influential individual in the history of Western architecture. All of his buildings are located in what was the Venetian Republic, but his teachings, summarized in the architectural treatise, The Four Books of Architecture, gained him wide recognition. The city of Vicenza and the Palladian Villas of the Veneto are UNESCO World Heritage Sites.
He died in 1580.
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Frank Lloyd Wright
Foto / Photo: Al Ravenna
Frank Lloyd (Lincoln) Wright fue un arquitecto, diseñador de interiores, escritor y educador estadounidense nacido en 1867, que diseñó más de 1.000 estructuras, 532 de los cuales fueron construidas. Wright creía en el diseño de estructuras que estuvieran en armonía con la humanidad y su entorno, una filosofía a la que llamó "arquitectura orgánica". Esta filosofía está claramente ejemplificada en La Cascada (1935), que ha sido llamada "la mejor obra de todos los tiempos de la arquitectura estadounidense".
Su obra incluye ejemplos originales e innovadores de muchos tipos de edificios, incluyendo oficinas, iglesias, escuelas, rascacielos, hoteles y museos. Wright también diseñó muchos de los elementos interiores de sus edificios, como los muebles y vidrieras. Escribió 20 libros y numerosos artículos, y fue un conferenciante popular en los Estados Unidos y en Europa.
Wright fue reconocido en 1991 por el Instituto Americano de Arquitectos como "el mayor arquitecto estadounidense de todos los tiempos".
Murió en 1959.
"La Cascada o Residencia Kaufmann / Fallingwater or Kaufmann Residence"
Sudoeste rural de Pensilvania / Rural Southwestern Pennsylvania, 1936-39
Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos / New York, USA, 1959
Frank Lloyd (Lincoln) Wright was an American architect, interior designer, writer, and educator born in 1867, who designed more than 1,000 structures, 532 of which were completed. Wright believed in designing structures that were in harmony with humanity and its environment, a philosophy he called organic architecture. This philosophy was best exemplified by Fallingwater (1935), which has been called "the best all-time work of American architecture".
His work includes original and innovative examples of many building types, including offices, churches, schools, skyscrapers, hotels, and museums. Wright also designed many of the interior elements of his buildings, such as the furniture and stained glass. Wright wrote 20 books and many articles and was a popular lecturer in the United States and in Europe.
Wright was recognized in 1991 by the American Institute of Architects as "the greatest American architect of all time".
He died in 1959.
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Le Corbusier
París, Francia / France, 1965. Foto / Photo: LIFE
Charles-Édouard Jeanneret-Gris, más conocido como Le Corbusier, fue un arquitecto suizo-francés, diseñador, pintor, urbanista, escritor y uno de los pioneros de lo que hoy se llama arquitectura moderna. Nació en Suiza en 1887 y se convirtió en ciudadano francés en 1930. Su carrera abarcó cinco décadas, con sus edificios construidos a lo largo de Europa, India y América.
Dedicado a ofrecer mejores condiciones de vida para los habitantes de las ciudades atestadas, Le Corbusier fue influyente en la planificación urbana y miembro fundador Congrès international d'architecture moderne (CIAM). Corbusier elaboró el plan maestro para la ciudad planificada de Chandigarh, en la India, y contriburó con diseños específicos para varios edificios allí.
Murió en 1965.
La Capilla de / The Chapel of Notre Dame du Haut, Ronchamp, Francia / France. 1953-55
Villa Saboya / Ville Savoye, Poisy, Francia / France, 1929
Frank Lloyd (Lincoln) Wright fue un arquitecto, diseñador de interiores, escritor y educador estadounidense nacido en 1867, que diseñó más de 1.000 estructuras, 532 de los cuales fueron construidas. Wright creía en el diseño de estructuras que estuvieran en armonía con la humanidad y su entorno, una filosofía a la que llamó la arquitectura orgánica. Esta filosofía está claramente ejemplificada en la Casa de la Cascada (1935), que ha sido llamada "la mejor obra de todos los tiempos de la arquitectura estadounidense".
Su obra incluye ejemplos originales e innovadores de muchos tipos de edificios, incluyendo oficinas, iglesias, escuelas, rascacielos, hoteles y museos. Wright también diseñó muchos de los elementos interiores de sus edificios, como los muebles y vidrieras. Escribió 20 libros y numerosos artículos, y fue un conferenciante popular en los Estados Unidos y en Europa.
Wright fue reconocido en 1991 por el Instituto Americano de Arquitectos como "el mayor arquitecto estadounidense de todos los tiempos".
Murió en 1959.
Le Corbusier, Autorretrato / Self Portrait, 1917
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Louis Kahn
Louis Kahn, 1972
Louis Isadore Kahn (Itze-Leib Schmuilowsky), fue un arquitecto nacido en Estados Unidos en 1901, residente en Filadelfia. Después de trabajar para varias firmas en Filadelfia, fundó su propio estudio en 1935. Al tiempo que continuaba su práctica privada, se desempeñó como crítico de diseño y profesor de arquitectura en la Escuela de Arquitectura de Yale desde 1947 hasta 1957.
Desde 1957 hasta su muerte, fue profesor de arquitectura en la Escuela de Diseño de la Universidad de Pennsylvania. Kahn creó un estilo monumental y monolítico; sus edificios pesados no esconden su peso, sus materiales o la forma en que se ensamblan. Las obras de Louis Kahn se consideran como monumentales más allá de la modernidad. Famoso por sus obras meticulosamente construidas, sus provocadoras propuestas que quedaron sin construir, y sus enseñanzas, Kahn fue uno de los arquitectos más influyentes del siglo XX. Fue galardonado con la Medalla de Oro del AIA y la Medalla de Oro del RIBA. En el momento de su muerte era considerado por algunos como "el arquitecto vivo más destacado de Estados Unidos."
Murió en 1974.
Jatiyo Sangsad Bhaban [জাতীয় সংসদ ভবন]
Edificio del Parlamento Nacional / National Parliament House (Dacca, Bangladesh), 1961-82
Instituto Salk de Estudios Biológicos / Salk Institute, La Jolla, California, Estados Unidos / USA
Foto / Photo © Liao Yusheng
Louis Isadore Kahn (Itze-Leib Schmuilowsky), was an American architect born in 1901, based in Philadelphia. After working in various capacities for several firms in Philadelphia, he founded his own atelier in 1935. While continuing his private practice, he served as a design critic and professor of architecture at Yale School of Architecture from 1947 to 1957.
From 1957 until his death, he was a professor of architecture at the School of Design at the University of Pennsylvania. Kahn created a style that was monumental and monolithic; his heavy buildings do not hide their weight, their materials, or the way they are assembled. Louis Kahn's works are considered as monumental beyond modernism. Famous for his meticulously built works, his provocative proposals that remained unbuilt, and his teaching, Kahn was one of the most influential architects of the twentieth century. He was awarded the AIA Gold Medal and the RIBA Gold Medal. At the time of his death he was considered by some as "America's foremost living architect."
He died in 1974.
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Arturo Martini
Arturo Martini trabajando / at work
Arturo Martini fue un destacado escultor italiano entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda. Se movió entre un clasicismo muy vigoroso (casi romano antiguo) y el modernismo. Se le relaciona con la escultura pública en la Italia fascista, pero más tarde renunció a este medio por completo.
Martini nació en 1889, y parece que fue un partidario activo del movimiento futurista entre 1914 y 1918. Desde luego, se correspondía con Umberto Boccioni y publicó un folleto modernista en 1918. Sus primeras obras muestran una tendencia arcaica, bidimensionalidad y efectos policromados.
En el período entre guerras, se convirtió en el escultor semi-oficial del régimen fascista. Fue literalmente abrumado por los encargos: grandes monumentos y obras conmemorativas para palacios de justicia, iglesias y universidades.
Después de la caída de Mussolini, sintiendo que su arte había sido corrompido, publicó un ensayo contra la escultura en la revista La Martini en 1945: "scultura, lingua morta" (escultura, lengua muerta). Escribió, por ejemplo: "La scultura un'arte è da Negri e senza pace" (la escultura es un arte negro e inquietante).
A pesar de este ataque a su propio oficio, creó una obra significativa después de la guerra; una escultura de mármol en homenaje al líder guerrillero Primo Visentin, conocido como "Masaccio", que había sido asesinado al final de la guerra en Loria (Padua) en circunstancias no aclaradas.
Murió en 1947.
"La lupa / La loba / The Wolf", tierra refrattaria / fireclay, 87 x 137 x 64 cm., 1930-31.
Museo Middelheim, Amberes Bélgica / Atwerpen, Belgium
Relievi per L'Arengario / Relieves para el Arengario / Reliefs for the Arengario, 1940-42
"La battaglia di Legnano / La batalla de Legnano / The Battle of Legnano", (Milán, Italia / Italy)
Arturo Martini was a leading Italian sculptor between World War I and II. He moved between a very vigorous (almost ancient Roman) classicism and modernism. He was associated with public sculpture in fascist Italy, but later renounced his medium altogether.
Martini was born in 1889, and seems to have been an active supporter of the Futurist movement between 1914 and 1918. He certainly corresponded with Umberto Boccioni and produced a modernist booklet in 1918. His early works show an archaic tendency, two-dimensionality and polychrome effects.
Between the wars, he became the semi-official sculptor of the fascist regime. He was literally overwhelmed by commitments: great monuments and commemorative works for courthouses, churches and universities.
After the fall of Mussolini, feeling that his art had been corrupted, he published an essay against sculpture in the magazine La Martini in 1945: "scultura, lingua morta" (sculpture, a dead language). He writes for example: "La scultura un'arte è da negri e senza pace" (sculpture is a black and unquiet art).
Despite this attack on his own métier, he created one significant work after the war, a marble sculpture in a tribute to the guerrilla leader Primo Visentin, known as "Masaccio", who had been killed at the end of the war in Loria (Padua) in unexplained circumstances.
He died in 1947.
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Mario Sironi
"Autoritratto / Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre tela / oil on canvas, 43,5 x 37 cm., 1910-1911.
Colección privada / Private Collection
Mario Sironi fue un artista modernista italiano nacido en 1885, activo como pintor, escultor, ilustrador y diseñador.
Sironi pasó su infancia en Roma. Se embarcó en el estudio de la ingeniería en la Universidad de Roma, pero se retiró después de una crisis nerviosa en 1903. A partir de entonces se decidió a estudiar pintura y comenzó a asistir a la Scuola Libera del Nudo en la Accademia di Belle Arti di Roma. Allí conoció a Giacomo Balla, que se convirtió en "su primer maestro de verdad". Sironi también se reunió con Gino Severini y Boccioni Umberto, y como ellos empezó a pintar en un estilo divisionista, bajo la dirección de Balla. En 1913 Balla, Boccioni y Severini había desarrollado un nuevo estilo, el futurismo, que Sironi también adoptó durante un tiempo.
Después de la guerra, su versión del futurismo dio paso a un arte de formas masivas, e inmoviles.
A finales de 1920 Sironi pintó figuras monumentales de desnudos, campesinos y grupos de familias en paisajes montañosos y desnudos.
Partidario de Mussolini, Sironi contribuyó con un gran número de dibujos (más de 1.700 en total) para Il Popolo d'Italia y La Rivista Illustrata del Popola d'Italia, los periódicos fascistas.
Como artista identificado con el fascismo, la reputación de Sironi declinó drásticamente en el período posterior a la Segunda Guerra Mundial. Amargado por el curso de los acontecimientos, había regresado a la pintura de caballete en 1943, y trabajó en un relativo aislamiento.
Murió en 1961.
""L'allieva / La estudiante / The Student", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 75 cm., 1924
Colección privata / Private Collection
"Nudo con albero / Desnudo con árbol / Nude with Tree"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm., 1929-30
Mario Sironi, was an Italian modernist artist born in 1885, who was active as a painter, sculptor, illustrator, and designer.
Sironi spent his childhood in Rome. He embarked on the study of engineering at the University of Rome but quit after a nervous breakdown in 1903. Thereafter he decided to study painting, and began attending the Scuola Libera del Nudo at the Accademia di Belle Arti di Roma. There he met Giacomo Balla, who became "his first real teacher". Sironi also met Gino Severini and Umberto Boccioni, and like them he began painting in a Divisionist style under the guidance of Balla. By 1913, Balla, Boccioni and Severini had developed a new style—Futurism—which Sironi also adopted for a brief time.
After the war, his version of Futurism gave way to an art of massive, immobile forms.
In the late 1920s, Sironi painted monumental figures of nudes, peasants, and family groupings in bare, mountainous landscapes.
A supporter of Mussolini, Sironi contributed a large number of cartoons—over 1700 in all—to Il Popolo d'Italia and La Rivista Illustrata del Popola d'Italia, the Fascist newspapers.
As an artist closely identified with Fascism, Sironi's reputation declined dramatically in the post-World War II period. Embittered by the course of events, he had returned to easel painting in 1943, and worked in relative isolation.
He died in 1961.
"Paisaje urbano con chimeneas / Urban Landscape with Chimneys"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1921, Jesi Collection (Milán, Italia / Italy)
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Ivan Bilibin
Ива́н Я́ковлевич Били́бин
Boris Kustodiev
"Retrato de / Portrait of Ivan Bilibin", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1901
Ivan Bilibin Yakovlevich (Иван Яковлевич Билибин) fue un ilustrador y escenógrafo ruso nacido en 1876 que participó en el Mir iskusstva y contribuyó a los Ballets Rusos. A lo largo de su carrera se inspiró en el folclore eslavo.
Estudió en 1898 en la Escuela de Arte de Munich Anton Ažbe y luego con Ilya Repin en San Petersburgo. En 1902-1904 Bilibin viajó por el norte de Rusia, donde quedó fascinado por la arquitectura de madera antigua y el folclore ruso. Publicó sus hallazgos en la monografía "Artes populares del norte de Rusia" en 1904. Otra influencia en su arte fueron las estampas japonesas tradicionales.
Bilibin ganó fama en 1899, cuando publicó sus ilustraciones de cuentos de hadas rusos. Durante la Revolución Rusa de 1905 dibujó caricaturas revolucionarias. Fue el diseñador de producción para el estreno en 1909 de "El gallo de oro" de Nikolai Rimsky-Korsakov. La Revolución de Octubre, sin embargo, le resultó ajena. Después de breves períodos en El Cairo y Alejandría, se estableció en París en 1925. Allí se dedicó a decorar mansiones privadas e iglesias ortodoxas. Aún añoraba su tierra natal y, después de la decoración de la embajada soviética en 1936, regresó a la Rusia soviética. Pronunció conferencias en la Academia Soviética de las Artes hasta 1941. Bilibin murió durante el sitio de Leningrado en 1942 y fue enterrado en una tumba colectiva.
"La bella Basilisa; El jinete negro / Vasilisa the Beautiful; The Black Horseman, 1900
Ivan Yakovlevich Bilibin (Ива́н Я́ковлевич Били́бин) was a Russian illustrator and stage designer born in 1876 who took part in the Mir iskusstva and contributed to the Ballets Russes. Throughout his career, he was inspired by Slavic folklore.
He studied in 1898 at Anton Ažbe Art School in Munich, then under Ilya Repin in St. Petersburg. In 1902-1904 Bilibin travelled in the Russian North, where he became fascinated with old wooden architecture and Russian folklore. He published his findings in the monograph Folk Arts of the Russian North in 1904. Another influence on his art was traditional Japanese prints.
Bilibin gained renown in 1899, when he released his illustrations of Russian fairy tales. During the Russian Revolution of 1905, he drew revolutionary cartoons. He was the designer for the 1909 première production of Nikolai Rimsky-Korsakov's The Golden Cockerel. The October Revolution, however, proved alien to him. After brief stints in Cairo and Alexandria, he settled in Paris in 1925. There he took to decorating private mansions and Orthodox churches. He still longed for his homeland and, after decorating the Soviet Embassy in 1936, he returned to Soviet Russia. He delivered lectures in the Soviet Academy of Arts until 1941. Bilibin died in 1942 during the Siege of Leningrad and was buried in a collective grave.
"La bella Basilisa; El jinete negro / Vasilisa the Beautiful; Baba Yaga, 1900
Más sobre Boris Kustodiev en "El Hurgador" / More about Boris Kustodiev in this blog:
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Julio Le Parc
Julio Le Parc
Julio Le Parc es un artista nacido en Argentina en 1928 que se centra en el op art y el arte cinético. Le Parc asistió a la Escuela de Bellas Artes de Argentina. Miembro fundador del Groupe de Recherche d'Art Visual (GRAV) y con obras de arte premiadas, es una figura importante en el arte moderno argentino.
En 1958 Le Parc recibió una subvención del Servicio de Cultura francés para ir a París, Francia. Gran parte de su carrera estuvo dedicada a la pintura, el grabado y la creación de monotipos. Sin embargo en 1959 Le Parc comienza su experimentación con la imagen producida por la luz multiplicada por capas de planos de plexiglás. Participó en su primera exposición, la Bienal de Sao Paulo en Sao Paulo, Brasil, en 1957.
En 1966 ganó el Gran Premio en Pintura en la 33 Bienal de Venecia.
Le Parc ha continuado su uso de la luz y la cinética. Sin embargo, "en la década de 1970, sus actividades artísticas se hicieron menos frecuentes, y su obra ha pasado casi desapercibida en el ámbito internacional desde hace varias décadas. Sin embargo, con un renovado interés en el uso de la luz como medio, la obra de Le Parc está atrayendo la atención de un público cada vez más amplio.
"Modulación / Modulation", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 120 x 120 cm., 1977.
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
"Móvil cuadrado plateado sobre negro / Square Silvery Mobile on Black"
Madera pintada, metal, hilo de nylon / painted wood, metal and nylon string,
Concebido en 1968, ejecutado en 2007 / Conceived in 1968, executed in 2007
Julio Le Parc is an Argentina artist born in 1928 who focuses on both modern op art and kinetic art. Le Parc attended the School of Fine Arts in Argentina. A founding member of Groupe de Recherche d’Art Visual (GRAV) and award winning artworks, he is a significant figure in Argentinean modern art.
In 1958 Le Parc received a grant from the French Cultural Service to go to Paris, France. Much of his early career was committed to painting, engraving and creating monotypes. However, in 1959 Le Parc begins his experimentation with image produced by light multiplied by layers of planes of Plexiglas. Le Parc participated in his first exhibition, Bienal de Sáo Paulo in Sáo Paulo, Brazil in 1957.
In 1966, Le Parc won the Grand Prize in Painting at the 33rd Biennale di Venezia, Venice.
Le Parc has continued his use of light and kinetics. However, “in the 1970s, Le Parc’s artistic activities became less frequent, to the degree that his work almost went unnoticed in the international arena for several decades”. Nonetheless, with a renewed interest in using light as a medium, Le Parc’s work is being brought to the attention of a wider public.
Palacio de Tokyo, vista de la exposición / view of the exhibition, 2013. Foto / Photo © Photo, André Morin
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Rómulo Macció
Rómulo Macció
Rómulo Macció, es un pintor argentino nacido en 1931, asociado con el movimiento de vanguardia artística local que se concretó en la década de 1960.
Desarrolló un temprano interés por el dibujo, era autodidacta y fue contratado como diseñador gráfico en la edad de catorce años. Pronto ganó cierto renombre; montó su primera exposición en la Galeria Gatea de Buenos Aires en 1956. El descarado arte abstracto de Macció le atrajo a la atención de, entre otros, el arquitecto Clorindo Testa y se unió al grupo Boa, uno de la serie de círculos intelectuales que influyeron en la vida cultural local en aquellos días. Galardonado con el prestigioso Premio De Ridder en 1959 y el Premio Internacional Instituto Torcuato di Tella en 1962, su fama le acercó a otros artistas de vanguardia argentinos, como Luis Felipe Noé. Él y Noé pronto ayudaron a desarrollar el movimiento neo-figurativo que se extendió por el arte latinoamericano durante la década de 1960. Rebelde autoproclamado contra la estética en el arte, Macció describió gran parte del retrato gentil y el arte paisajista disponible en ese momento como "chocolate de color rosa." Las figuras torturadas de Macció eran a menudo los muertos o moribundos y los presentaba en escenarios que sugerían la contaminación urbana y la decadencia. Recientemente, su trabajo ha tendido a centrarse en los problemas sociales.
Macció continúa mostrando su obra en galerías argentinas y europeas, y ha tenido ocho libros retrospectivos sobre su arte publicados desde 1969. Varias de sus obras se encuentran en las colecciones permanentes del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, el Blanton Museum of Art y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden.
"Imágenes / Images", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 100.3 cm., 1961
Colección privada / Private Collection
"Cárcel-Hombre / Jail-Man", óleo y esmalte sobre lienzo / oil and enamel on canvas, 250 x 200 cm., 1963
Romulo Macció, is an Argentine painter born in 1931, associated with the local avant-garde art movement that took shape in the 1960s.
He developed an early interest in drawing, was self-taught and was hired as a graphic designer at the age of fourteen. Soon earning some renown, he mounted his first exhibition in Buenos Aires' Galeria Gatea in 1956. Macció's visually unabashed abstract art brought him to the attention of, among others, architect Clorindo Testa and he joined the Boa Group, one of a number of intellectual circles influencing local cultural life in those days. Awarded the prestigious De Ridder Prize in 1959 and the Torcuato di Tella Institute International Prize in 1962, his fame brought him close to other Argentine avant-garde artists, such as Luis Felipe Noé. He and Noé soon helped pioneer the Neo-figurative movement that swept Latin American art during the 1960s. A self-declared rebel against aesthetics in art, Macció described much of the genteel portrait and landscape art available at that time as "pink chocolate." Macció's tortured figures were often the dead or dying and were set against backdrops that suggested urban pollution and decay. Recently, his work has tended to center around social problems.
Macció continues to display his work in Argentine and European galleries and has had eight retrospective art books published since 1969. A number of his works are in the permanent collections of the National Museum of Fine Arts in Buenos Aires, the Blanton Museum of Art and the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden.
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"Domestique (ou palais noir)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 149,2 x 149,2 cm., c.1968.
Colección privada / Private Collection
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Florencio Molina Campos
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Florencio Molina Campos
Florencio Molina Campos fue un ilustrador y pintor argentino nacido en 1891, conocido por sus escenas típicas tradicionales de la Pampa. Su obra representa escenas gauchescas con un toque de humor.
Su primera exposición fue en el Hall Central de la Sociedad Rural Argentina, en 1926. Marcelo Torcuato de Alvear, el Presidente de Argentina en ese momento, lo nombró profesor de arte del "Colegio Nacional Avellaneda" después de ver la exposición.
En 1930, la empresa Alpargatas, bajo la supervisión del ingeniero Luis Pastorino, le encargó 12 ilustraciones para su calendario. Tuvieron tanto éxito que Campos siguió aportando sus dibujos los 12 años siguientes. En 1942 expuso en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, a la que siguió una por Estados Unidos. En 1956 realizó una exposición en la Galería Witcomb de Buenos Aires.
A fines de 1940 hasta mediados de la década de 1950 fue contratado como artista creativo de consultoría para el estudio de quien era su amigo desde hacía mucho tiempo; Walt Disney. Juntos durante sus viajes a Bariloche trabajaron en la creación de personajes para la película de animación de 1942 Bambi. Su contribución a la película puede reconocerse en el estilo de los animales y los árboles, que reproduce la vida salvaje de la isla de Victoria en el lago Nahuel Huapi, en la Patagonia Argentina.
Murió en 1959.
"Descanso / Leisure", témpera sobre cartón / tempera on cardboard, 34 x 48 cm., 1950
"La doma / The Break", témpera, 32 x 48,5 cm., 1928
Florencio Molina Campos was an Argentine illustrator and a painter born in 1891 known by his typical traditional scenes of the Pampa. His work represents gauchesco scenes with a bit of humor.
His first exhibition was at the Central Hall of the Argentine Rural Society, in 1926. Marcelo Torcuato de Alvear, the President of Argentina at that time, named him art teacher of the "Colegio Nacional Avellaneda" after seeing the exhibition.
In 1930, the Alpargatas company, makers of espadrilles, under the supervision of engineer Luis Pastorino, commissioned 12 illustrations from him for their calendar. These were so successful that Campos continued to provide the drawings for the next 12 years. In 1942 he exhibited at the Modern Art Museum of San Francisco, which following the exhibition toured the United States. In 1956 he had an exhibition at the Witcomb Gallery in Buenos Aires.
In the late 1940s until the mid-1950s he was engaged as a creative artist consulting for the studio of his long-time friend Walt Disney. Together during their trips to Bariloche they worked on the creation of characters for the 1942 animated film, Bambi. His contribution to the film can be recognized in the style of the animals and trees in the film that reproduces the wild life of Victoria Island on Nahuel Huapi Lake, in Argentina’s Patagonia.
He died in 1959.
"Jugando al Truco / Playing Truco", témpera sobre papel / tempera on paper, 33 x 47 cm., 1938
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Fortunato Lacámera
Fortunato Lacámera
Fortunato Lacámera, pintor argentino que nació (1887) y murió (1951) en el barrio porteño de La Boca, que se convierte en tema preferido de sus pinturas.
Recibió la influencia de Alfredo Lazzari quien fue su maestro, y formó parte del grupo de pintores de La Boca.
A partir de 1919 concurrió al Salón Nacional y a numerosos salones del interior, en los que obtuvo importantes galardones.
En 1940 Lacámera fundó la Agrupación de Gente de Artes y Letras Impulso, en que la reunió a los protagonistas de la vida cultural de su barrio. A esta institución el artista dedicó sus mayores esfuerzos, presidiéndola hasta el día de su muerte.
Sus obras integran el patrimonio del Museo Nacional de Bellas Artes y varios otros en Tandil, Junín, Mar del Plata, Bahía Blanca, Rosario y Santa Fe.
"Desde mi estudio / From my Studio", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 80 cm., c.1938
"Mujer en la ventana / Woman at the Window", acuarela / watercolor, 68 x 53 cm.
Fortunato Lacámera, Argentine painter who was born (1887) and died (1951) in the neighborhood of La Boca, which becomes favorite subject of his paintings.
He was influenced by Alfredo Lazzari who was his teacher, and joined the group of painters of La Boca.
From 1919 he attended the National Venue and numerous venues of the inland, which won major awards.
In 1940 Lacámera founded the Association of People of Arts and Letters Impulse, where he met the protagonists of the cultural life of their neighborhood. At this institution the artist devoted his best efforts, presiding until the day of his death.
His works are part of the heritage of the Museo Nacional de Bellas Artes and several others in Tandil, Junín, Mar del Plata, Bahía Blanca, Rosario and Santa Fe.
In Wiki (in Spanish): http://es.wikipedia.org/wiki/Fortunato_Lac%C3%A1mera
"Composición / Composition", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 x 65 cm.
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Sobre el resto de los artistas mencionados por Alberto, en "El Hurgador" /
About the rest of the artists mentioned by Alberto, in this blog:
Auerbach, Frank: Próximamente... / Coming soon...
Bacon, Francis: [Pablo Morales de los Ríos (Caricaturas)], [Aniversarios Fotografía (XLI)]
Caravaggio, Michelangelo Merisi da: [La Colección Bentaberry (II)], [Lost Art (II)], [Fotógrafos japoneses (II)]
[Marc Dennis (Pintura)], [Thom Puckey (Escultura)]
Chillida, Eduardo: [Parques de esculturas (IV)]
Figari, Pedro: [Uruguayos (I)], [Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXII)]
González i Pellicer, Julio: [Parques de esculturas (IV)]
Goya, Francisco de: [Pintando perros (III)], [Pintando perros (XII)], [Pintando perros (XXV)], [Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)]
[Fotógrafos japoneses (II)], [Aniversarios (VIII)], [Gottfried Helnwein (Pintura)], [Aniversarios (XXXIII)], [Arte y humor (VI) - Anexo]
Morandi, Giorgio: [Aniversarios (XXVI)]
Oteiza, Jorge: [Aniversarios (XL)]
Piranesi, Giovanni Battista: [Giovanni Battista Piranesi, "Vedute di Roma" (Grabados)], [Giovanni Battista Piranesi (II), "Carceri d'Invenzione" (Grabados)]
Rackham, Arthur: [Aniversarios (XXXIV)]
Spencer, Stanley: [Pintando perros (IX)]
Velázquez, Diego: [Manos a la obra (I)], [Pintando perros (I)], [Aniversarios (XIX)], [Uruguayos (XXIII)]
[Arte y humor (VI) - Anexo], [Arte y humor (VIII) - Referencias]
Alberto Bali en "El Hurgador" / Alberto Bali in this blog:
[Alberto Bali (Pintura, Escultura)]
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Sobre el resto de los artistas mencionados por Alberto, en "El Hurgador" /
About the rest of the artists mentioned by Alberto, in this blog:
Auerbach, Frank: Próximamente... / Coming soon...
Bacon, Francis: [Pablo Morales de los Ríos (Caricaturas)], [Aniversarios Fotografía (XLI)]
Caravaggio, Michelangelo Merisi da: [La Colección Bentaberry (II)], [Lost Art (II)], [Fotógrafos japoneses (II)]
[Marc Dennis (Pintura)], [Thom Puckey (Escultura)]
Chillida, Eduardo: [Parques de esculturas (IV)]
Figari, Pedro: [Uruguayos (I)], [Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXII)]
González i Pellicer, Julio: [Parques de esculturas (IV)]
Goya, Francisco de: [Pintando perros (III)], [Pintando perros (XII)], [Pintando perros (XXV)], [Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)]
[Fotógrafos japoneses (II)], [Aniversarios (VIII)], [Gottfried Helnwein (Pintura)], [Aniversarios (XXXIII)], [Arte y humor (VI) - Anexo]
Morandi, Giorgio: [Aniversarios (XXVI)]
Oteiza, Jorge: [Aniversarios (XL)]
Piranesi, Giovanni Battista: [Giovanni Battista Piranesi, "Vedute di Roma" (Grabados)], [Giovanni Battista Piranesi (II), "Carceri d'Invenzione" (Grabados)]
Rackham, Arthur: [Aniversarios (XXXIV)]
Spencer, Stanley: [Pintando perros (IX)]
Velázquez, Diego: [Manos a la obra (I)], [Pintando perros (I)], [Aniversarios (XIX)], [Uruguayos (XXIII)]
[Arte y humor (VI) - Anexo], [Arte y humor (VIII) - Referencias]
Alberto Bali en "El Hurgador" / Alberto Bali in this blog:
[Alberto Bali (Pintura, Escultura)]
