Nicola Verlato [Pintura]

Textos en inglés más abajo, marcados con [*] en cada párrafo / 

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Nicola Verlato es un notable artista italiano nacido en Verona en 1965.

Se considera casi autodidacta, pero sin embargo entre los 9 y los 14 años pasaba todos los veranos en el estudio de un pintor de monos (Fra' Terenzio), en un monasterio cercano a su pueblo en el noreste de Italia, donde él considera que aprendió a dibujar en un estilo académico.

Su primera muestra seria fue a los 15 años en el Ayuntamiento de Lonigo, una exposición en colaboración con otros dos artistas de la zona. Nicola también se instruyó en música clásica desde los 9 años (guitarra clásica, laúd, piano y composición) en el conservatorio de Verona. Más tarde el rock atrajo su atención, y tocó la guitarra eléctrica, bajo, sintetizadores, compuso canciones, jingles y bandas de sonido para documentales. También estudió arquitectura en la Universidad de Venecia, donde vivió casi trece años pintando retratos y escenas alegóricas para la aristocracia local y los extranjeros que llegaban a vivir a la ciudad. Durante este período en Venecia trabajó con casi todo lo que estuviera conectado con el dibujo: diseño escénico, decoraciones temporales, ilustraciones, cómic, storyboard, etc.

Alrededor de los 28 años comenzó a interesarse en el arte contemporáneo y, consecuentemente, a exponer en numerosas galerías en Italia y el extranjero, en muestras individuales y colectivas. [1]

Serie "Martirios y Milagros"

«La inspiración para esta serie de pinturas me viene de mi interés por la iconografía. Quería verificar cómo funcionarían las viejas estrategias compositivas de los antiguos Maestros, aplicadas a los "martirios" de nuestro tiempo. Es como decir que la manera de componer pintura de la era barroca es para mí una herramienta para revelar la continuidad de las narrativas de nuestro tiempo con las del pasado.» [2]

Serie "Madres"

«Creo que ha sido el más exitoso de mis grupos de pinturas hasta el momento. Probablemente mucha gente considera estas pinturas como mi marca de artista: una composición arremolinada con locas chicas desnudas flotando en un espacio lleno de objetos y escombros...

Creo que lo más interesante de estas pinturas es la ambigüedad con la que han sido recibidas. Alguna gente piensa que fueron hechas por una mujer (mi nombre en Estados Unidos puede pasar por uno de mujer), y por ende las interpretan como una declaración feminista, mientras que otra gente ve en ellas el resultado de una mentalidad misógina... Afortunadamente la mayoría de los espectadores las abordan como la materialización en pintura de algún tipo de visiones. En todo caso, siempre me interesa provocar controversia con mis pinturas.» [3]

Tras pasar 7 años en Milán, donde se creó una firme notoriedad en Italia, en 2004 decidió mudarse a Nueva York. En los últimos años expuso principalmente en Nueva York y en varias galerías y museos estadounidenses, de Italia y Noruega, pero también en India y Alemania, Holanda y otros países europeos. Participó con una instalación de pinturas y esculturas como representante del pabellón italiano en la Bienal de Venecia de 2009. Desde 2011 vive y trabaja en Los Ángeles. [4]

«La pintura al óleo es tan sólo una parte de los diferentes materiales que utilizo para pintar. Es extremadamente útil para ciertas cosas, y para mí es imprescindible utilizarla para obtener esa clase de sutilezas de luz y sombras, imposibles de obtener con otras técnicas... Me gusta utilizarla sobre una construcción muy precisa hecha con carboncillo o colores acuosos, colores oleosos extendidos sobre las líneas del carboncillo o pinceladas suaves y sensuales. El único problema con el óleo es lo lento que seca...» [5]

[Ambro Jordi (Dibujo)]

«Creo que la diferencia [entre pintura e ilustración] radica tan sólo en un diferente abordaje compositivo. La ilustración es una pintura hecha para un medio específico, el papel impreso: libros, revistas o periódicos. Se entiende que es siempre un soporte visual para un texto.

La pintura está hecha para otro medio, que es principalmente una pared en un espacio real, y generalmente no sustenta texto alguno. Es una imagen que se explica por sí misma.

Componer una imagen como ilustración difiere de componer una pintura porque la relación entre la imagen y el espectador cambia entre dos medios diferentes. En la ilustración el espectador se reduce tan sólo a sus ojos. En la pintura, todo el cuerpo del espectador se involucra en la experiencia de estar en el espacio y mirando la pintura.» [6]

«Comencé a pintar al óleo cuando tenía 7 años, y a vender pinturas a los 9... lo gracioso es que no creo haber cambiado del todo desde entonces... Sólo intento mejorar, pero mis ídolos siguen siendo los mismos: Carvaggio, Michelangelo, Corregio, etc... Es verdad que he cambiado mucho respecto a los temas; cuando era un pibe mis pinturas eran sobre historias religiosas: crucifixiones, resurrecciones, etc., a pesar de no haber recibido educación religiosa de mi familia.

Lo que ha cambiado ahora es que encuentro esa misma clase de intensidad de aquellos temas religiosos en la narrativa de las mitologías de nuestro tiempo.» [7]

«No me importa la realidad en sí misma. Estoy interesado en la forma como la percibimos y manipulamos a través de modelos y representaciones. Así, el entorno estético de un videojuego es muy similar a alguien trabajando con mis métodos e intenciones: el dibujo como principio constitutivo de la pintura, las imágenes como resultado de la construcción de un modelo en lugar de un documento de la realidad, etc...

Es más, creo que los videojuegos son la mejor prueba del retorno a la representación en el mundo occidental, impulsado por la tecnología digital, tras casi dos siglos de imágenes y documentos. Gracias al software 3D y el mercado del entretenimiento, estamos volviendo a la senda estético-cognitiva de la representación y los modelos. Cuando un videojuego es exitoso, es capaz de difundir una visión específica del mundo. Por ejemplo, la forma como una hoja es diseñada, está determinada por el software que se utiliza. Ese software puede establecer un standard estético, cambiando la forma como se pinta una hoja. De la misma manera, cuando Piero della Francesca pintaba un hoja o, digamos, una montaña, estaba compartiendo una visión del mundo sustentada por el sistema cultural en el que vivíva y trabajaba. En resumen, los videojuegos producen nuevos modelos y estándares estéticos, y yo estoy interesado en esos estándares.» [8]

«Yo tan sólo pinto lo que excita mi imaginación. Mi obra trata de los cuerpos, la narrativa y así sucesivamente. Sobre mitologías, específicamente mitologías de nuestro tiempo. Me gusta compartir información visual sobre estos fenómenos y combinarlos en un tipo de representación nuevo y más complejo, una pintura acabada en la cual la información está organizada de una forma coherente y estructurada. Esto es gracias a un proceso muy articulado que pasa por el dibujo, modelos tridimensionales en arcilla, software 3D y, finalmente, la pintura.

Incluso el uso de la tipología del retablo no es una referencia específica al período histórico del catolicismo, sino más bien a algo más profundamente incrustado en nuestros cerebros, que neurológicamente conecta esas formas con el misticismo. El catolicismo utiliza esos formatos por su habilidad para crear reacciones emocionales específicas. Sin embargo, las mismas formas fueron utilizadas en tiempos neolíticos en estructuras de culto, y aún son utilizadas por las tribus Barasana del Amazonas con el mismo propósito.» [9]

Serie "Madres" / Mothers Series
"No hay lugar como el hogar / There's No Place Like Home", óleo sobre lino / oil on linen, 203,2 x 238,7 cm., 2006
Colección privada (Milán, Italia) / Private Collection (Milan, Italy)

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Fuentes / Sources:
* Biografía en su / Biography in his Website
* Una visión del mundo. Entrevista del crítico de arte / A vision of the World. Interview by the Art Critic
Domenico Quaranta. Art Pulse
* Entrevista de / Interview by The Blind Architect, Jul., 2012. Empty Kingdom
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Más imágenes e información sobre Nicola en / More images and information about Nicola in:

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Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Nicola!)

"Burzum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 159,3 x 426,7 cm., 2012
Colección Vaf Stiftung (Milán, Italia) / Vaf Stiftung Collection (Milan, Italy)






Textos en inglés / English text