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El Anatsui
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El Anatsui
El Anatsui nació en Anyako, Ghana, en 1944.
Muchas de las esculturas de El Anatsui son mutables, concebidas para ser tan libres y flexibles que pueden adaptarse en cualquier forma y alterar su apariencia para cada instalación. Trabajando con madera, arcilla, metal y (más recientemente) con tapas de metal de botellas de licor, Anatsui rompe con el tradicional apego de la escultura a las formas fijas, referenciando visualmente la historia de la abstracción en el arte africano y europeo. Los coloridos espacios con patrones densos de las obras ensambladas a partir de tapas de botellas de licor, también dibujan una amplia historia de intercambio económico y cultural colonial y post-colonial en África, contada en la historia de los materiales de descarte. Las esculturas de madera y cerámica introducen ideas acerca de la función de los objetos (su destrucción, transformación y regeneración) en la vida cotidiana, y el rol de lenguaje para descifrar símbolos visuales.
El Anatsui vive y trabaja en Nigeria. [1]
"Dzi II", aluminio y alambre de cobre / aluminium and copper wire, 290 x 331 cm., 2015
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
"Espacio-Tiempo / Timespace", aluminio y alambre de cobre / aluminium and copper wire, 325 x 495 cm., 2014
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
A través de una destacada carrera de cuarenta años tanto de escultor como de profesor (de escultura y director en la Universidad de Nigeria, Nsukka), El Anatsui ha tratado un amplio abanico de temas sociales, políticos e históricos, y utilizado una igualmente diversa variedad de medios y procesos.
Haciendo uso de herramientas tan diversas como sierras de cadena, sopletes de soldadura y herramientas eléctricas, y desarrollando una variedad de procesos tales como el intrincado y meditativo proceso de "coser" de su obra más reciente, ha dado forma a materiales recuperados que abarcan desde ralladores de yuca, durmientes de vías férreas, madera recuperada del arrastre de las aguas, clavos de acero y placas necrológicas, tapas de aluminio de botellas, etc., para crear una amplia variedad de formas escultóricas novedosas. Las icónicas "instalaciones de tapas" han provocado una frenética atención internacional desde 2002 hasta el presente, con varias instituciones haciendo cola para adquirir esos fascinantes trabajos. Creados a partir de miles de tapas de aluminio de botellas, cosidas entre sí con hilos de cobre, estas magníficas esculturas de pared cotinúan excitando y asombrando a los espectadores donde sea que se exhiban. Sus esculturas son coleccionadas por los más importantes museos internaciones, incluidos el Museo Británico (Londres), el Centro Pompidou (París), el Museo de Young (San Francisco), el Smithsonian Institute (Washington), el Museo Kinst Palast (Düsseldorf) y muchas otras prestigiosas instituciones. [2]
"AG+BA", aluminio, alambre de cobre e hilo de nylon /
aluminium, copper wire and nylon string, dimensiones variables / size variable, 2014
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
"Entre el cielo y la Tierra / Between Earth and Heaven"
Aluminio, alambre de cobre / aluminium, copper wire, 220,3 x 325,1 cm., 2006
Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU. / NY, USA). Imagen / Image: MET
"Noticias de última hora / Breaking News"
Aluminio, alambre de cobre / aluminium, copper wire, 326 x 264 cm., 2015.
Foto / Photo© Kunstbanken. Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
Foto / Photo© Kunstbanken. Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
«Inicialmente comencé trabajando con estas tapas de botellas porque quería hacer esculturas con formas fluidas. Pero más tarde investigué la historia de cómo esas bebidas llegaron a África, y descubrí que habían sido traídas por comerciantes europeos, que las intercambiaban por mercancías varias, y eventualmente también por esclavos, que se llevaban a las Américas. Los esclavos probablemente trabajaban en las fábricas de caña de azúcar, que era utilizada para hacer las bebidas que se exportaban a Europa, y luego eran traídas a África. Así que, en cierto sentido, esas tapas de botellas representan un vínculo entre los pueblos de África, Europa y América. Cuando trabajo con este medio, tengo muy presente su significado histórico. Para mí, el proceso de enlazar las tapas de botellas para crear estas obras de arte es también simbólico, y trae a colación cuestiones sobre en qué medida los lazos históricos entre África y otros continentes que representan fueron beneficiosos o destructivos.» [3]
"Ikoro", maderas duras tropicales y témpera / tropical hardwoods and tempera, 56 x 97 cm., 1990
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
"Horizontes urbanos / Skylines"
Aluminio, alambre de cobre / aluminium, copper wire, 245 x 825 cm., 2008
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
"Dzi I"Aluminio, alambre de cobre / aluminium, copper wire, 288 x 258 cm., 2015
Foto / Photo: Jonathan Greet. Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
«Hay un montón de esfuerzo físico en aplastar, retorcer y enlazar las tapas de botellas, que involucra ser tocadas por muchas manos. Creo que cuando las manos tocan algo, dejan una carga, y cuantas más manos tocan algo, más energía tiene. Trabajo con 30 asistentes, y espero que los espectadores puedan sentir la energía que hemos infundido en las obras de arte. Utilizo materiales desechados, pero no los reciclo en el sentido correcto del término. De hecho los extraigo del ciclo y los elevo a un nivel superior haciéndolos parte de mi obra de arte. Mi obra refleja el ciclo de la muerte y posterior regeneración de una forma diferente, y transmite mi creencia de que el espíritu humano es indestructible.» [4]
"TSIATSIA - Buscando conexión / Searching for Connection"
Aluminio (tapas de botella, planchas impresas, láminas para tejados) y alambre de cobre /
aluminium (bottle-tops, printing plates, roofing sheets) and copper wire, 15,6 x 25 m., 2013
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
"Sin título / Untitled", aluminio y alambre de cobre / aluminum and copper wire, 2013
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
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"La piel de la Tierra / Earth’s Skin", aluminio y alambre de cobre / aluminum and copper wire, 449,6 x 1000,8 cm., 2007
Jack Shainman Gallery (Nueva York, EE.UU. / NY, USA). Foto / Photo: Joe Levack
«Creé esta pieza para la Bienal de Sharjah en 2007, cuya temática estaba relacionada con el medio ambiente. Estuve mucho tiempo trabajando con tapas de botellas, pero esta fue la primera pieza que tenía una combinación de todos los diferentes patrones, tejidos y texturas que he desarrollado con este medio. También fue la primera vez que entre las áreas densas, incorporé algunas abiertas, zonas por las cuales ver a través, hechas de los anillos que rodean los cuellos de las botellas. Es una referencia metafórica a la forma como dañamos nuestra piel, que es el órgano más grande de nuestro cuerpo. Esta pieza representa las muchas heridas, cortes y contusiones que hemos infringido en la piel o corteza de la Tierra. Y las áreas abiertas refieren a cómo los seres humanos hemos sobreexplotado los recursos naturales, dejando prácticamente nada debajo. Esta es una de mis piezas más viajeras, y ha sido expuesta en Noruega, Japón y los Estados Unidos.»
I created this piece for the Sharjah Biennial in 2007, which had a theme related to the environment. I have been working with bottle caps for a long time, but this was the first piece that had a combination of all the different patterns, weaves and textures that I have developed in this medium. This was also the first time where in between the dense areas, I incorporated some open, see-through areas made from the rings around the bottles. In a metaphoric reference to the way we harm our skin, which is the largest organ in our body, this piece depicts the various injuries, cuts and bruises that we have inflicted on the skin or crust of the Earth. And the open areas refer to how human beings have overexploited natural resources, leaving almost nothing behind. This is one of my most travelled pieces and has been exhibited in Norway, Japan and the United States.»
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"Focus", aluminio y alambre de cobre / aluminum and copper wire, 284 x 304 cm., 2015
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
"Garra de leopardo - impresiones y otras historias / Leopard's Paw - prints and other Stories"
Maderas duras tropicales / tropical hardwoods, 287 x 292 cm., 1991
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
«Crecí en la casa de una misión, donde tenía una exposición limitada a mi cultura. Y la escuela de arte en la que estudié estaba afiliada a la Academia Británica, con un plan de estudios y profesores occidentales. Pero más tarde me eduqué a mí mismo pasando horas en le Centro Cultural Nacional, mirando trabajar a los tejedores y otros artesanos. El hecho de que mi exposición a mi cultura sucediera de esta forma fue bueno en cierto sentido, porque me creó grandes ansias de aprender acerca de mi herencia cultural. También me hizo darme cuenta de que puede haber diferentes abordajes para la expresión artística. Mi educación en arte occidental me permitió comparar el abordaje visual directo occidental con el conceptual y simbólico de mi cultura. Y encontré que el abordaje conceptual implicaba más desafíos y era más interesante. Había estudiado sólo sobre esculturas hechas de bronce o mármol, y en el color natural del material. Pero vi que los escultores africanos utilizaban varios materiales como la madera, piel y arcilla, y las pintaban con colores brillantes. Así que comencé como un purista, pero mi exposición a las artes y artesanías locales abrieron mi mente, y me llevaron a trabajar con arcilla, madera y materiales recuperados tales como tapas de latas de leche, placas impresas y tapas de botellas.» [5]
"Sin título / Untitled 1", maderas duras tropicales y témpera / tropical hardwoods and tempera, 83 x 104 cm., 2002
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
"Iris", aluminio y alambre de cobre / aluminum and copper wire, 300 x 310 cm., 2012
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
«He sido un artista que me he dedicado a buscar los materiales de trabajo en mi entorno, y quiero que esos materiales tengan relación con la gente, para la gente, no algo que les resulte distante. Déjame darte un ejemplo. Si por ejemplo trabajo con bronce, es distante. La gente no tiene relación con el bronce. Pero si cojo una lata de Coca-Cola, todo el mundo sabe lo que es la Coca-Cola y tiene relación con ella.
Como artista creo que debo trabajar con procesos y medios que están en mi entorno más próximo. Y en África, como en cualquier parte del mundo... como ayer noche, fuimos a dar un paseíto y vimos enormes cantidades de basura que la gente dejaba en las calles para que la recogieran los camiones. Y pensé: "Nosotros creamos... creamos basura". Pero creo que en otros lugares crean más basura que nosotros. Y como artista creo... siempre he aconsejado a mis alumnos que trabajen con materiales en los que no tengan que gastar nada, con los que tengan la libertad de jugar. Sabes, la mayoría de las veces, el arte es un gran elemento para jugar, tiene un gran componente de juego en él. Y no puedes jugar con algo que es muy caro.» [6]
"Raíces torcidas / Strained Roots", aluminio y alambre de cobre / aluminum and copper wire, 2014
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
"Gravedad y gracia / Gravity and Grace"
Aluminio y alambre de cobre / aluminum and copper wire, 369,9 x 1120,1 cm., 2010
Jack Shainman Gallery (Nueva York, EE.UU. / NY, USA). Foto / Photo: Andrew McAllister
«Creo que siempre combino contenido y forma en mi obra, y así no puedes evitar que las obras sean bellas. Pero no se agotan sólo en su belleza, sabes, tienen contenido. Y el contenido puede ser recogido acercándose y viendo cómo está hecho el trabajo e intentando sacar algunas ideas sobre lo que significan esos materiales. Como las tapas de botellas, que pueden venir con algunos nombres que podrían ser un indicador, o tener un anillo alrededor, y hay veces que nos sentamos a listar la cantidad de títulos o nombres de las bebidas cuyas tapas hemos utilizado. Y hay mucho más, que suena como un estudio sociológico, o histórico, o un estudio político de nuestro entorno. Así que cuando la gente, que es cuidadosa o más minuciosa, se acerca, puede quedarse con todo esto e ir más allá de la belleza.» [7]
"Guerrero / Warrior", aluminio y alambre de cobre / aluminum and copper wire, 315 x 350 cm., 2015
Foto / Photo: Jonathan Greet
Imagen cortesía de / Image courtesy of October Gallery
Fuentes / Sources:
* Entrevista de Jyoti Kalsi en / Interview by Jyoti Kalsi inGulf News, 6/2013
* La curadora Alisa LaGamma habla con el artista El Anatsui sobre su obra
Metropolitan Museum, Nueva York, audio y texto (en inglés) aquí /
Curator Alisa LaGamma talks to artist El Anatsui about his work
Metropolitan Museum, NY, audio & text here
Más sobre El Anatsui / More about El Anatsui:
Muchas gracias a Fraser Brough de October Gallery, y también a Shirley Rebuffo (otra vez... estás que te sales Shi) por la sugerencia y la información.
Thanks a lot to Fraser Brough from October Gallery, and also to Shirley Rebuffo (again, you're on fire Shi) for the suggestion and information.
El proceso en el estudio / Studio Process. Art21
Filmado en su estudio de Nsukka, Nigeria, en 2011, el artista El Anatsui describe el espacio colaborativo y contemplativo donde se crean sus obras de arte. Anatsui emplea un equipo de asistentes para construir "bloques" de tapas de botella unidos, que son dispuestos sobre el piso del estudio. Mirando los patrones y texturas creadas durante el proceso, a menudo a través de fotografías digitales, Anatsui es capaz de generar nuevas ideas para nuevos trabajos.
Filmed at his Nsukka, Nigeria studio in 2011, artist El Anatsui describes the collaborative and contemplative setting where his artworks are made. Anatsui employs a team of assistants to construct "blocks" of joined bottle caps that are then shifted around on the studio's floor. In looking at the patterns and textures created by this process, often through his digital photographs, Anatsui is able to form ideas for new work.
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Entrevista a / Interview with El Anatsui
El 1 de Abril de 2011, El Anatsui viajó al Instituto de Arte Sterling and Francine Clark en Williamstown, Massachusetts, para tratar la instalación de su obra en el Stone Hill Center con el equipo de curadores del Clark. Miestras estaba allí, se encontró con su antiguo estudiante Chika Okeke-Agulu, un becado por el Clark en 2008, que ahora enseña historia y teoría del Arte Africano y de la Diáspora Africana en la Universidad de Princeton.
On April 1, 2011, El Anatsui traveled to the Sterling and Francine Clark Art Institute in Williamstown, Massachusetts, to discuss the installation of his work at Stone Hill Center with the Clark's curatorial team. While there, he also met with his former student, Chika Okeke-Agulu, a 2008 Clark Fellow who now teaches African and African Diaspora art history and theory at Princeton University.
Textos en inglés / English Translation
[1]
El Anatsui was born in Anyanko, Ghana in 1944. Many of Anatsui’s sculptures are mutable in form, conceived to be so free and flexible that they can be shaped in any way and altered in appearance for each installation. Working with wood, clay, metal, and—most recently—the discarded metal caps of liquor bottles, Anatsui breaks with sculpture’s traditional adherence to forms of fixed shape while visually referencing the history of abstraction in African and European art. The colorful and densely patterned fields of the works assembled from discarded liquor-bottle caps also trace a broader story of colonial and postcolonial economic and cultural exchange in Africa, told in the history of cast-off materials. The sculptures in wood and ceramics introduce ideas about the function of objects (their destruction, transformation, and regeneration) in everyday life, and the role of language in deciphering visual symbols.
Lives and works in Nigeria.
[2]
Throughout a distinguished forty-year career as both sculptor and teacher – as Professor of Sculpture and Departmental Head at the University of Nigeria, Nsukka – El Anatsui has addressed a vast range of social, political and historical concerns, and embraced an equally diverse range of media and processes. Making use of tools as diverse as chainsaws, welding torches and power tools as well as developing a range of processes such as the intricate and meditative 'sewing' process of his later work, he has shaped found materials that range from cassava graters, railway sleepers, driftwood, iron nails and obituary printing plates, aluminium bottle-tops, etc. to create a wide variety of novel sculptural forms. El Anatsui's iconic “bottle-top installations” have provoked a frenzy of international attention between 2002 and the present, with institutions queuing to acquire these mesmerising works. Created from many thousands of aluminium bottle-tops wired together with copper, these magnificent wall sculptures continue to excite and amaze audiences wherever they are exhibited. His sculptures have been collected by major international museums, including the British Museum, London, the Centre Pompidou, Paris, the de Young Museum, San Francisco, the Smithsonian Institution, Washington, the museum Kunst Palast, Düsseldorf, and many other prestigious institutions besides.
[3]
«I initially began working with these bottle caps because I wanted to make sculptures with fluid forms. But later, I researched the history of how these beverages came to Africa, and found that they were brought by Europeans traders, who exchanged them for various goods, and eventually even for slaves, who were taken to the Americas. The slaves probably worked on farms producing sugar cane, which in turn was used to make the drinks that were exported to Europe and brought back to Africa. So, in a sense, these bottle caps represent a link between the people of Africa, Europe and America. When I work with this medium, I am very much aware of its historic significance. For me, the process of linking the bottle caps to create these artworks is also symbolic, and raises questions about whether the historic links they represent between Africa and other continents were beneficial or destructive.»
[4]
«A lot of physical effort goes into crushing, twisting and linking the bottle caps, which involves the touch of many hands. I believe that when hands touch something they leave a charge on it and the more hands that touch something, the more energy it has. I work with 30 assistants, and I hope viewers can feel the energy that we have infused in the artworks. I use discarded materials, but I don’t recycle them in the correct sense of the word. I actually take them out of the cycle and elevate them to the higher level of being part of a work of art. My work reflects the cycle of death and then regeneration in a different form, and conveys my belief that the human spirit is indestructible.»
[5]
«I grew up in a mission house, where I had limited exposure to my culture. And the art school I studied in was affiliated to a British academy, with a Western curriculum and faculty. But later I educated myself by spending hours at the National Cultural Centre, watching the weavers and other craftsmen at work. The fact that my exposure to my culture happened in this way was good in a sense because it created a huge hunger in me to learn about my artistic heritage. Also, it made me realise that there can be many different approaches to artistic expression. My education in Western art enabled me to compare the direct visual Western approach with the conceptual, symbolic approach in my culture. And I found the conceptual approach more challenging and interesting. I had studied only about sculptures made from bronze or marble and in the natural colour of the material. But I saw that African sculptors used various materials such as wood, leather and clay and painted them with bright colours. So I started off as a purist, but my exposure to local arts and crafts opened my mind, and led me to work with clay, wood, and found materials such as discarded milk-can lids, printing plates and bottle caps.»
[6]
«I've been an artist who has been given to searching my environment, you know, for material to work with and I want it to be material that relates to the people, you know, to people, not something that is distant from them. Let me give an example. If, for instance, I worked with bronze, it's distant. People, they don’t relate to it. But if I pick a Coca-Cola can—everybody knows what a Coca-Cola can is and can relate to it.
As an artist, I think that I should work with processes and media that are immediately around me. And in Africa, just like everywhere in the world—like yester night, we went on a little walk and saw the huge quantities of waste that people brought out and put on the street for the trucks to come and collect. And I thought, "We create . . . we create waste." But I think there's more waste created in other parts than we do, you know. And as an artist, I think—have always even advised to my students to work with materials that you don't have to spend anything to—where they have the freedom to play around. You know, most of the times, art has a huge element of play, has a huge level of play in it. And you can't play with something which is expensive.»
[7]
«I think I always combine content and form in my work, and therefore you can't run away from the works looking beautiful. But then they don't end at beauty only, you know, they have contents. And the content can be gleaned by getting closer and seeing what the work is made of and trying to get some ideas out of what those materials would mean. And—like drink bottle tops, you know, liquid bottle tops, they could come with some names which could be telltale or have some ring about them, and there have been times that we sat down to list the number of titles, or names of drinks that whose tops we've used. And they are a lot more, ringing like a sociological study, or a historical study, or a political study of our environment. So that when people, well, who are careful, or more probing, get close, they can get all this beyond the beauty.»