Martin Wittfooth
Martin junto a su obra / Martin with his work
"La coronación / The Coronation", óleo sobre panel / oil on panel, 48" x 36", 2011. Colección privada.
Martin Wittfooth es un artista canadiense nacido en Toronto en 1981 que obtuvo su Bachiller en Ilustración en el Sheridan College en 2003.
Actualmente vive y trabaja como ilustrador y artista plástico en New York City, donde ha obtenido un Master en la Escuela de Artes Visuales.
Sus obras resultan visualmente impactantes. Martin utiliza los animales como metáforas en las que podemos vernos reflejados, representados en situaciones que resultan una traslación de la visión del autor de la compleja realidad que nos toca vivir.
"Nocturno II / Nocturne II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46" x 57", 2013. Colección privada.
"Occupy", óleo sobre lino / oil on linen, 73" x 100", 2012. Colección privada.
"En el pasado mi trabajo manejaba algunos elementos distópicos como una especie de respuesta visual a la era incómoda en la que nos encontramos, afectada por un clima impredecible, tensiones políticas y sociales, persistencia de dogmas religiosos y así sucesivamente. Ahí está ese viejo dicho, "usted podría estar condenado a vivir en tiempos interesantes." Siento que hay una gran cantidad de cosas "interesantes" a las que responder y procesar a través del arte en éste momento, como también las ha habido en incontables décadas anteriores. La nuestra tan sólo tiene su propio conjunto de problemas idiosincráticos. Me interesa abordar mi trabajo como alegorías visuales de tópicos contemporáneos; una forma de procesar mis propias ideas acerca del mundo tal como es hoy en día y hacia dónde puede dirigirse." M.W.
Parte de una entrevista realizada por Lori Zimmer en Marzo de 2013 que puede leerse completa (en inglés) aquí:
"Nocturno / Nocturne", óleo sobre lino / oil on linen, 72" x 48", 2013. Colección privada.
.jpg)
"Nocturno / Nocturne" (detalle / detail)
"Escucho montones de podcasts y audiolibros mientras trabajo, y eso me ayuda a evocar tópicos que quiero tratar en mis pinturas, así como conversaciones con amigos, fundamentalmente otros artistas, músicos y autores. Para las pinturas en sí obtengo inspiración de todas partes, a menudo (aunque no limitado a) pinturas clásicas que veo en el Metropolitan, la colección Frick, el Museo de Brooklyn, en libros y demás. El Museo de Historia Natural en la parte alta del West Side ha sido también una fuente de ideas, y algunos elementos de varios dioramas que tienen en exhibición han aparecido fugazmente en mi obra.
También trato de darme una vuelta por la galería de Chelsea una vez al mes porque tiendo a tropezar siempre inesperadamente con alguna que otra muestra de la cual me traigo algún souvenir de inspiración de regreso a mi estudio." M.W.
Parte de una entrevista realizada por Lori Zimmer en Marzo de 2013 que puede leerse completa (en inglés) aquí:
"El patio del diablo / The Devil's Playground", óleo sobre panel / oil on panel, 48" x 36", 2010.
Colección privada.
"Sinfonía / Symphony", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80" x 70", 2011. Colección privada.
P: Tu obra refleja un mundo creado por el hombre, pero totalmente vacío de formas humanas. ¿Por qué has escogido excluir a la gente de tus pinturas?
R: Me he preguntado mucho por ésto. Creo que la manera más simple de explicarlo es que creando alegorías con protagonistas animales hablo un lenguaje simbólico que resulta universal. Hay connotaciones inherentes en varias formas animales las cuales entendemos a cierto nivel y a las cuales respondemos en términos amplios e instintivos. Ésto permite a esas figuras sugerir temas e ideas que competen a nuestra condición humana. En cierto sentido busco presentar retratos de nosotros mismos en esas piezas, aún cuando no está presente un "yo" o un "nosotros" reconocible. Algo que he tratado de evitar desde el principio es la proyección de un "agente" humano en mi obra. A veces siento que las obras que presentan figuras humanas están contando la historia de otro, que sea cual sea la escena que contemplamos está siendo actuada por otro individuo o grupo. Intento ubiar a mi audiencia en el asiento del acompañante para que se sienta inmersa en (y colectivamente responsable de) las escenas que presento y que algún aspecto de nosotros mismo se vea reflejado retornando a nosotros.
Parte de una entrevista realizada por Lori Zimmer en Marzo de 2013 que puede leerse completa (en inglés) aquí:
"Sebastian", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48"x 72", 2011. Colección privada.
"Drenaje / Drain", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 40", 2012.
Colección de / Collection of Allan Johansson.
"Fuente / Fountain", óleo sobre lino / oil on linen, 56" x 42", 2011. Colección privada.
"La adoración del cordero místico / The Adoration of the Mystic Lamb"
Tríptico / tryptich, óleo sobre lino y lienzo / oil on linen and canvas, 80" x 120", 2013.
Colaboración con / Collaboration with Jean Labourdette (*). Colección privada.
(*) El artista parisino Jean “Turf One” Labourdette tiene una especie de fascinación con los enanos de aspecto victoriano con vello facial de dandy deportista, los iconos rusos, cosas muertas de todo tipo, actores secundarios de carnaval y escenarios de teatro de mala muerte infestados de insectos. Técnicamente, sus pinturas son una reminiscencia de los primitivos flamencos del siglo 15.
(*) Parisian artist Jean Labourdette aka Turf One is somewhat obsessed with Victorian-looking midgets sporting dandy facial hair, Russian icons, dead things of all sorts, carnival sideshows and seedy vermin-infested theatre stages. Technically, his paintings are reminiscent of the 15th century Flemish Primitives.
"El sacrificio / The Sacrifice", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64" x 50", 2011. Colección privada.
Martin Wittfooth is a Canadian artist born in Toronto in 1981. He earned his BAA in Illustration from Sheridan College in 2003. He currently lives and works as an illustrator and fine artist in New York City, where he earned his MFA at the School of Visual Arts.
His works are visually stunning. Martin uses animals as metaphors in which we see ourselves represented in situations that are a translation of the author's vision of the complex reality in which we live.
"Tierra roja / Red Soil", óleo sobre panel / oil on panel, 36" x 24", 2010.
Colección de / Collection of Dio Sumagaysay
"In the past my work has envisioned some dystopian settings as a kind of visual response to the uneasy era we find ourselves in: one plagued by an unpredictable climate, political and societal tensions, persistence of religious dogmas, and so forth. There’s that old saying, “may you be cursed to live in interesting times.” I feel like there’s a wealth of “interesting” things to respond to and process through art right now — as there have been in countless previous decades as well; ours just happens to have its own set of idiosyncratic issues. I’m interested in approaching my work as visual allegories of contemporary topics — a way for me to personally process ideas about our world as it currently is, and where it might be headed." M.W.
Excerpt from an interview by Lori Zimmer in March, 2013 you can fully read here.
"Nuevos soles / New Suns", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 36", 2010. Colección privada.
"Piedad II / Pieta II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 64", 2013.
Colección de / Collection of Jillian Salik.
Izq./Left: "Primavera / Spring", óleo sobre panel / oil on panel, 36" x 24", 2010.
Colección de / Collection of Dan O'Neill
Der./Right: "El pescador ciego / The Blind Fisherman", óleo sobre panel / oil on panel, 18" x 24", 2009.
Colección privada.
"I listen to a lot of podcasts and audiobooks as I work, and they help to conjure up topics that I want to address in my paintings, as do conversations with friends, primarily other artists, musicians, and authors. As for the paintings themselves, I get inspiration from all over — most often but not limited to classical paintings that I see at the Met, the Frick Collection, the Brooklyn Museum, in books, and so on. The Museum of Natural History on the Upper West Side has been a wellspring of ideas as well, and some elements in the various dioramas they have on display there have made cameos in my work. I try and get out to do the Chelsea gallery rounds once a month, too, because I tend to always unexpectedly stumble into one show or another that has some souvenir of inspiration to bring back to my studio." M.W.
"Un día sin tren / A Day Without Train", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 24", 2008.
Colección de / Collection of Rick Petry
Q: Your work depicts a world created by mankind, but totally avoids the human form. Why did you choose to exclude people from your paintings?
A: I get asked this a lot. I think the simplest way of putting it is that by creating allegories with animal protagonists I speak with a symbolic vocabulary that is rather universal. There are inherent connotations in various animal forms that we all on some level understand and respond to in broad, instinctive terms. This allows for these figures to suggest themes and ideas that pertain to our — the human — condition: in a sense I aim to present portraits of ourselves in these pieces, even though a recognizable “I” or “we” are not present. Something I set out to avoid from the beginning is the projection of a human “agent” in my work: I often feel that works that feature human figures are telling someone else’s story, that whatever scene we’re witnessing is being acted out by another individual or group. I’m attempting to place my audience in the passenger seat, to feel immersed in (and collectively responsible for) the scenes I present and to see some aspect of ourselves reflected back at us.
"Pasaje / Passage", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 54" x 56", 2012. Colección privada.
"Cosecha / Harvest", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68" x 54", 2012. Colección privada.
"«Harvest (Cosecha)» hace referencia al confuso y embrollado estado de la guerra contra las drogas en la que nuestro imperio se haya envuelto en países extranjeros. Me topé con una fotografía de un soldado estadounidense vigilando un campo de amapolas en algún lugar de Afghanistán, lo cual naturalmente plantea cuestiones acerca de los motivos e intereses de occidente respecto a esa industria. El oso polar en éste caso está completamente fuera de su elemento natural y el la imagen habitual que tenemos del oso con sus garras cubiertas de miel atrayendo abejas se ha reemplazado por una plaga de moscas negras, simbolizando la corrupción y las responsabilidades compartidas / culpas." M.W.
Parte de una entrevista realizada por ........... en Septiembre de 2012 que puede leerse completa (en inglés) aquí.
"«Harvest» makes reference to the confused and muddled state of the war on drugs that our empire involves itself in foreign countries. I came across a photograph of a US soldier standing guard over an opium poppy field somewhere in Afghanistan, which naturally raises eyebrows and questions as to the West’s motives and interests in regard to this industry. The polar bear in this instance is entirely out of his natural element, and the customary visual we have of the bear whose honey-covered paws have attracted bees is replaced by a plague of black flies, symbolizing corruption, and shared responsibilities/blame." M.W.
Excerpt from an interview by ....... in September, 2012 you can fully read here.
"Emisario / Emissary", óleo sobre panel / oil on panel, 14" x 11", 2009. Colección privada.
____________________________________________________________
"Golod", óleo sobre lino, oil on linen, 63,5" x 63,5", 2012. Colección privada.
Ya había publicado anteriormente una imagen de ésta obra como referencia en el post sobre Lauren Marx, pero me gusta muchísimo y no puedo evitar incluirla en ésta selección...
Martin junto a su obra / Martin with his work "Golod"
I had previously published an image of this work as a reference in the post about Lauren Marx, but I like very much and I can't avoid to include it in this selection ...
______________________________________________________________
"Combate / Bout", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 50". Colección privada.
La visión de ésta obra me hizo recordar la primera fotografía que tomé de la cual me sentí especialmente orgulloso. Fue en 1978 (con 15 añitos) en el Zoo de la Casa de Campo de Madrid. Tiene el mérito de que por aquél entonces había que hacer mucha economía de medios; los rollos y los revelados costaban lo suyo y no se podía disparar indiscriminadamente. La cámara era muy rudimentaria y al final sólo fue cuestión de suerte captar ese momento. Me gustaría compartirla aquí con ustedes. La imagen, como siempre, puede utilizarse libremente tan sólo citando la fuente.
Madrid, Zoo de la Casa de Campo, 1978. Fotografía: Javier Fuentes.
The vision of this work made me remember the first photograph I took of which I was particularly proud. It was in 1978 (15 years old) in the Zoo de la Casa de Campo in Madrid. It has the merit of that at that time had to do a lot of economy of means, the reels and develop it was not very cheap and could not shoot indiscriminately. The camera was very rudimentary and in the end was only a matter of luck to capture that moment. I would like to share it here. The image, as always, can be used freely just by quoting the source.
Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Martin!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Martin!)
Aquí un par de videos para conocer un poco mejor a Martin. En el primero el artista comenta con su amigo Adam Miller su obra "Nocturno / Nocturne" durante la muestra "Nocturnes: Romancing the Night" en The National Arts Club, New York City 2013. El segundo es un time lapse durante la creación de su obra "Piedad II / Pieta II". Espero que los disfruten.
Here a couple of videos to know Martin a little bit better. In the first one, the artist talks about his work "Nocturne" with a fellow artist Adam Miller at the National Arts Club on January 17, 2013. The theme of the event was Nocturnes: Romancing the Night. The second one is a time-lapse video during creation of the painting "Pieta II". Hope you enjoy it.
______________________________________________________