Nuevo post con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado estos siempre interesantes paralelismos.
En esta selección, me he centrado en los rostros...
Más en los posts anteriores.
New post with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in these always interesting parallels.
In this selection I focused on faces...
More in previous posts.
[Asonancias (I)], [Asonancias (II)], [Asonancias (III)], [Asonancias (IV)], [Asonancias (V)], [Asonancias (VI)]
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Herb Ritts
"Karen", Los Ángeles / LA, 1989
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Anthony Barboza
"Grace Jones", 1972
Anthony Barboza, fotógrafo, historiador, artista y escritor afroamericano nacido en New Bedford, Massachusetts, en 1944.
Con raíces originarias de Cabo Verde, y una obra que se inició en el arte comercial hace más de cuarenta años, los talentos artísticos de Barboza y una exitosa carrera le ayudaron a entrecruzar sus pasiones con las bellas artes, a través de las cuales continúa contribuyendo a la escena del arte americano.
Barboza tiene una gama amplia y prolífica de obras tanto tradicional como innovadora, inspiradas en el pensamiento afroamericano, que han sido expuestas en galerías públicas y privadas, y prestigiosos museos e instituciones educativas en todo el mundo. Es bien conocido por su trabajo fotográfico sobre músicos de jazz de las décadas de 1970 y 1980. Muchas de estas obras se encuentran en su libro Fronteras Negras, publicado en 1980 gracias a una beca de la Fundación Nacional de las Artes.
Anthony Barboza is an African-American photographer, historian, artist and writer born in New Bedford, Massachusetts, in 1944.
With roots originating from Cape Verde, and work that began in commercial art more than forty years ago, Barboza’s artistic talents and successful career helped him to cross over and pursue his passions in the fine arts where he continues to contribute to the American art scene.
Barboza has a prolific and wide range of both traditional and innovative works inspired by African-American thought, which have been exhibited in public and private galleries, and prestigious museums and educational institutions worldwide. He is well known for his photographic work of jazz musicians from the 1970s – '80s. Many of these works are in his book Black Borders, published in 1980 with a grant from the National Endowment for the Arts.
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Damir Hoyka
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Mike Dargas
"Tren de pensamiento / Train of Thought", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 130 cm., 2015
Mike Dargas nació en 1983 en Colonia, Alemania. Comenzó a pintar de niño. Además de sus obras tempranas y bocetos, siempre utilizó óleos, y vendió sus primeros trabajos a amigos de la familia. A los 11 años presentó su talento en público con pinturas en la carretera en el "Domplatte", frente a la Catedral de Colonia. Fue aceptado en una escuela de arte, siendo el único niño en una clase de adultos, y aprendió diferentes técnicas.
Con apenas 20 años se hizo famoso en la escena del tatuaje y canó todos los premios y becas importantes.
Inspirado por Dalí, Caravaggio y H.R.Giger comenzó a centrarse en el realismo y el surrealismo. Su obra muestra imágenes de personas, pintadas de manera realista, en óleo sobre lienzo. Con una técnica precisa logra captar la imagen de un momento, como en una fotografía. El artista estudia sus motivos con tal intensidad que cada retrato perfila una creciente e íntima proximidad.
Mike was born 1983 in Cologne, Germany. He starts painting as a child. Besides his early works and sketches he already uses oil colour and sells first works to friends of the family. At the age of 11 Mike presents his talent in public with road surface paintings on the "Domplatte“ in front of Cologne Cathedral. He was accepted at an art school as the only child in an adult class and learned different techniques.
In his early 20s Mike Dargas becomes famous in the tattoo scene and wins all important awards and grants.
Inspired by Dali, Caravaggio and HR Giger Mike begins to focus on surrealism and realism. His works show the picture of people, painted realistically in oil on canvas. The precise technique gives, like a photography, a snapshot of the moment. The artist studies his motifs with such intensity, that each portrait pictures a profile of increasing intimate closeness.
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Erwin Blumenfeld
"Cecil Beaton", impresión a la gelatina de plata / gelatine silver print, Paris, 1937
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Alexander Khokhlov
Extraña belleza / Weird Beauty - "Silueta / Silhouette", Feb.-Sep., 2012
Foto, retoque / Photo, retouch: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan
Modelo / Model: Александра Романова / Aleksandra Romanova
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Flóra Borsi
Animeyed Series © Flóra Borsi
Flóra Borsi es una artista Húngara nacida en 1993 que estudió en la Universidad Moholy-Nagy de Arte y Diseño en Budapest. Ya publiqué en un post de junio de 2014 una selección de su obra hasta entonces. Esta nueva serie presenta una clara asonancia con los dibujos de okArt que vemos a continuación.
Animeyed Series © Flóra Borsi
Animeyed Series © Flóra Borsi
Flóra Borsi is an Hungarian artist born in 1993. She studied in the Moholy-Nagy University of Art and Design, Budapest. I already published in a post (June 2014) a selection of her work until then. This new series presents a clear assonance with the drawings by okArt we can see below.
Animeyed Series © Flóra Borsi
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okArt
"Chica y ave / Girl and bird"
OkArt es una diseñadora e ilustradora radicada en Seúl, Corea del Sur, apasionada por los pájaros. Es la creadora de estos retratos de chicas cuyos ojos se superponen a los de las aves.
"Soojoo"
OkArt is a designer and illustrator based in Seoul, South Korea, passionate birds. She is the creator of these portraits of girls whose eyes are superimposed on those of birds.
"Chica y ave / Girl and bird"
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Jeanloup Sieff
"Kumiko Goto", 1995
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Werner Bischof
"Estudiante, Escuela Mimi Scheiblbauer para niños sordomudos, Zurich, Suiza /
Student, the Mimi Scheiblbauer School for Deaf and Mute Children, Zürich, Switzerland", 1944
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Pierre-Louis Pierson
"Retrato de Virginia Oldoini, Condesa de Castiglioni /
Portrait of Virginia Oldoini, Countess of Castiglione", impresión a la albúmina / albumen print, 1863-6
Pierre-Louis Pierson fue un fotógrafo retratista francés nacido en 1822. Se le recuerda por su trabajo fotográfico de 40 años con la condesa de Castiglione con la que hizo casi 400 co-retratos.
A partir de 1844 estableció un estudio en París con una sólida reputación. Durante muchos años estuvo instalado en el Nº 5 del Boulevard des Capucines, donde se unió a los hermanos Mayer (Ernest Leopold y Louis-Frédéric). Inicialmente utilizó el daguerrotipo, y el taller fue uno de los primeros en especializarse en el retrato fotográfico retocado con la acuarela u óleos.
Entre 1861 y 1867 se estableció una intensa colaboración entre el fotógrafo y su modelo, la Condesa. A través de numerosas sesiones, destacó en el arte de la puesta en escena y creación de los personajes de dama afligida, madre o mujer a la moda vistiendo trajes extravagantes. En un ambiente lúdico que deja mucho margen para la improvisación, la condesa creó, con la ayuda de su fotógrafo, diferentes personajes. Vestidos, peinados, actitudes, todo estaba diseñado para crear un efecto dramático. Gracias a efectos de espejos, ella podía desdoblarse y presentar diferentes aspectos. Siempre a petición de ésta, fotografió sus piernas y los pies, en las que se consideran fotografías de tendencia erótica, muy avanzadas para la época.
Pierre-Louis Pierson was a French portraitist photographer born in 1822. He is remembered for his photographic work of 40 years with the Countess de Castiglione with whom he made almost 400 co-portraits.
From 1844 he established a studio in Paris with a solid reputation. For many years it was installed in the No. 5 Boulevard des Capucines, along with the Mayer brothers (Ernest Leopold and Louis-Frédéric). Initially he used the daguerreotype, and the workshop was one of the first to specialize in portrait photography retouched with watercolor or oils.
Between 1861 and 1867 an intense collaboration between photographer and model, the Countess, was established. Through numerous meetings, he excelled in the art of staging and creating characters of afflicted lady, mother or fashionable woman wearing extravagant costumes. In a playful atmosphere that leaves much room for improvisation, the countess created different characters with the help of his photographer. Dresses, hairstyles, attitudes, everything was designed to create a dramatic effect. Thanks to the effects of mirrors, she could unfold and present different aspects. Always by her request, Pierson photographed her legs and feet, which are considered photographs of erotic trend, very advanced for the time.
Richard Rutledge
"Carmen Dell’Orefice", Portada de Vogue / Vogue Cover (US), May., 1951
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, Condé Nast tenía un estudio de fotografía de los grandes en el edificio Graybar en el centro de Manhattan. Estaba equipada con equipos de última generación, y un equipo de fotógrafos y asistentes trabajando sobre moda, retratos y productos. Uno de esos fotógrafos de estudio, Richard Rutledge, es relativamente desconocido para nosotros hoy en día, pero durante un período de 15 años después de la guerra fue uno de los fotógrafos más frecuentemente publicado en Vogue, Glamour y House & Garden.
Rutledge, que murió en París una semana antes de su 62 cumpleaños, en el otoño de 1985, podría haber sido llamado un "jugador utilitario" si hubiera sido un jugador de béisbol en lugar de fotógrafo. Se sentía cómodo fotografiando en color blanco y negro, en estudio o al aire libre, con SLR placas de 8 × 10, moda, retratos, viajes, bodegones, era todo lo mismo para él. En sus propias palabras, consideraba el trabajo en cuarto oscuro 'una tarea', lo que más le gustaba eran los resultados.
In the years following World War II, Condé Nast had a grand photography studio in the Graybar Building in midtown Manhattan. It was stocked with the latest equipment, and a stable of photographers and assistants cranking out fashion spreads, portraits, and product still lifes. One of those studio photographers, Richard Rutledge, is relatively unknown to us today, but for a 15-year period following the war he was one of the most frequently published photographers in Vogue, Glamour, and House & Garden.
Rutledge, who died in Paris one week prior to his 62nd birthday, in the autumn of 1985, might have been called a ‘utility player’ had he been a baseball player instead of a photographer. He was comfortable shooting in black and white or colour; in the studio or outdoors; with SLR or 8×10 plate; fashion, portraits, travel, still life—it was all the same to him. In his own words, he found darkroom work ‘a chore’, what he liked best were the results.
Francesco Vaccarone
Busto en bronce de Virginia Oldoini, Condea de Castiglioni /
Bronze bust of Countess of Castiglione (Virginia Oldoini), 2000
Piazza S.Agostino / Plaza de San Agustín, La Spezia, Liguria, Italia / Italy
Francesco Vaccarone nació en La Spezia en 1940. Comienza a pintar desde muy joven bajo la guía de G.U.Caselli y G.Bellani dedicado a ambos estudios clásicos y filosóficos.
Entre 1957 a 1964 realizó su primera exposición individual y participó en numerosas exposiciones colectivas en muchas ciudades italianas.
El lenguaje creativo de este primer periodo es figurativo con mucha atención expresionismo alemán.
De 1965 a 1969 tuvo un segundo estudio en Génova y se dedicó a la investigación sobre el lenguaje visual en estrecho contacto con poetas (Grupo 63) y artistas de vanguardia experimentales italianos (Trerosso de Génova, '70 de Florencia, LineaSud de Nápoles).
En 1970 estableció un estudio en Roma, donde se perfeccionó la técnica del grabado en cobre.
En 1973 se publica la primera monografía dedicada a su trabajo, con prólogo del historiador del arte Enzo Carli y el poeta Dino Mayer, comisariada por la galería de arte Macchi di Pisa.
Francesco Vaccarone was born in La Spezia en 1940. He began painting at a young age under the guidance of G.U.Caselli and G.Bellani dedicated to both classical and philosophical studies.
Between 1957-1964 he held his first solo exhibition and participated in numerous group exhibitions in many Italian cities.
The creative language of this first period is figurative with a lot of German Expressionism attention.
From 1965 to 1969 he was a second study in Genoa and devoted himself to research on the visual language in close contact with poets (Group 63) and artists of Italian experimental art (Trerosso Genoa, '70 Florence, LineaSud of Naples).
In 1970 he established a studio in Rome, where the copper engraving technique was perfected.
In 1973 the first monograph on his work is published, with a foreword by art historian and poet Enzo Carli Dino Mayer, curated by the art gallery Macchi di Pisa.
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Florence Henri
"Femme aux cartes / La mujer de las cartas / Woman of Cards"Gelatine silver print / impresión a la gelatina de plata, 39 x 28,5 cm.
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[Aniversarios Fotografía (CXXX)]
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[Aniversarios Fotografía (CXXX)]
Jacques-Henri Lartigue
"Florette", París, 1944
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Kishin Shinoyama
"Sans titre / Sin título / Untitled (retrato / portrait)
Impresión antigua a la gelatina de plata / vintage gelatin silver print, c.1970
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Solve Sundsbo
"Gisele Bundchen", V Magazine, 2006
Sølve Sundsbø nació y se crió en Noruega y ha vivido en Londres desde 1995. Sus fotografías han sido incluidas en importantes exposiciones fotografía de moda, incluyendo su exposición "Perroquets" y la retrospectiva de Alexander McQueen en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.
Es uno de los grandes innovadores contemporáneos en la creación de imágenes. Su capacidad de experimentación le ha acarreado un gran respeto dentro de la industria. Sus clientes en publicidad incluyen a Chanel, Cartier, Dolce & Gabbana, Gucci, Hermès, Armani, Louis Vuitton, H & M e Yves Saint Laurent. Sundsbø también ha creado editoriales para Vogue Italia, Love Magazine, Visionaire, V, Interview, i-D, The New York Times, Vogue Nippon y W Magazine. Ha dirigido cortometrajes para Chanel, Gucci, Biotherm y SHOWstudio. Su artículo del New York Times "14 Actores Actuando" ganó un premio Emmy para Nuevos Enfoques de Noticias y Programación Documental: Artes, Estilo de Vida y Cultura en el año 2011.
Sølve Sundsbø was born and raised in Norway and has lived in London since 1995. His photographs have been included in important fashion photography exhibitions including his “Perroquets” exhibition and the Alexander McQueen retrospective at the Metropolitan Museum of Art in New York.
He is one of the great innovators in contemporary image-making. His capacity for visual experimentation has brought him enduring respect within the industry. His advertising clients include Chanel, Cartier, Dolce & Gabbana, Gucci, Hermès, Armani, Louis Vuitton, H&M and Yves Saint Laurent. Sundsbø has also created editorials for Italian Vogue, Love Magazine, Visionaire, V, Interview, i-D, The New York Times, Vogue Nippon, and W Magazine. He has directed short films for Chanel, Gucci, Biotherm and SHOWstudio. His New York Times piece “14 Actors Acting” won an Emmy Award for New Approaches to News & Documentary Programming: Arts, Lifestyle and Culture in 2011.
