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Aniversarios Fotografía (LXII) [Marzo / Marzo 16-22]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 16 de Marzo es el cumple de

Anna Atkins (nombre de soltera Anna Children), botánica y fotógrafa inglesa nacida en 1799. A menudo se la considera la primera persona en publicar un libro ilustrado con imágenes fotográficas.
John George Children y John Pelly Atkins eran amigos de William Henry Fox Talbot. Anna Atkins aprendió directamente de Talbot acerca de dos de sus inventos relacionados con la fotografía: la técnica de "dibujo fotogénico" (en el que un objeto se coloca en el papel de la luz sensibilizadas que se expone al sol para producir una imagen) y los calotipos.
Se sabe que Atkins tuvo acceso a una cámara en 1841. Algunas fuentes afirman que Atkins fue la primera fotógrafa. Otras fuentes nombran a Constanza Talbot, la esposa de William Fox Talbot, como la primera fotógrafa de sexo femenino. Como no se conservan fotografías basadas en cámaras de Anna Atkins y ninguna fotografía de Constanza Talbot ha sobrevivido, el tema nunca se podrá resolver.
Anna murió en 1871.

"Dictyota Dichotoma", estado juvenil y con fruto / in the young state and in fruit, cianotipo / cyanotype


El 17 de Marzo es el cumple de

Hans Namuth, fotógrafo alemán nacido en 1915, especializado en retratos. Fotografió a muchos artistas, incluyendo el expresionista abstracto Jackson Pollock. Sus fotos de Pollock en el trabajo en su estudio aumentaron la fama y el reconocimiento de Pollock y condujeron a una mayor comprensión de su obra y técnicas. Namuth utilizó su personalidad extrovertida y persistencia para fotografiar a muchas figuras artísticas importantes en el trabajo en sus estudios.
Namuth fotografió a muchos otros pintores como Willem de Kooning, Robert Rauschenberg y Mark Rothko, y arquitectos como Frank Lloyd Wright, Philip Johnson y Louis Kahn. Namuth se centraba en su relación con sus modelos, consiguiendo que muchas figuras solitarias como Clyfford Still aceptaran ser fotografiados. La obra de Namuth no sólo capturó a sus modelos en sus estudios con sus obras, sino también capturó la relación entre fotógrafo y el modelo, así como los niveles de autoconciencia de los sujetos. Además de figuras famosas del arte, Namuth fotografió el pueblo Mam de Todos Santos, cuyo estilos de vida nativa estaba siendo invadido por las influencias occidentales. Namuth murió en un accidente de coche en Long Island en 1990.


Más sobre Hans Namuth en "El Hurgador" / More about Hans Namuth in this blog:
[Manos a la obra (I)]


El 18 de Marzo es el cumple de

John H. White, reportero gráfico estadounidense nacido en 1945, ganador de un Premio Pulitzer en 1982.
El padre White jugó un papel fundamental en su fotografía. A los 14 años, la iglesia de White se incendió y su padre le pidió que tomara fotos de la destrucción y la reconstrucción. White tenía su primera asignación con un enfoque de historia en imágenes.
Después de trabajar para el Chicago Daily News, White se unió al personal del Chicago Sun Times en 1978 y trabajó allí hasta mayo de 2013. White también enseña fotoperiodismo en el Columbia College de Chicago, y anteriormente enseñó en la Universidad Northwestern. En 1973 y 1974 trabajó para el proyecto de Protección Ambiental Agency`s DOCUMERICA fotografiando Chicago y su comunidad afroamericana. Las fotografías de White muestran las dificultades que enfrentan los residentes, así como su espíritu y orgullo.
White fue galardonado con el Premio Pulitzer de fotoperiodismo en 1982 por su "excelente trabajo sobre una variedad de temas."

"Cinco minutos de luz / Five Minutes of Light", 1982


El 19 de Marzo es el cumple de

Victor Pilon, director, escenógrafo, diseñador visual y fotógrafo de Quebec nacido en 1958.
Después de una estancia de dos años en Europa, Victor Pilon se matriculó en Artes Visuales en la Universidad de Ottawa. En 1983, después de recibir su licenciatura en la especialidad de fotografía, se trasladó a Montreal. Con Michel Lemieux, fundó la empresa Lemieux Pilon 4D Art en 1990. Desde entonces han trabajado juntos para crear una gran cantidad de producciones multimedia, como La Belle et la Bête (2011), Norman (2007), La Tempête (2005) y Anima (2002), todas los cuales han realizado giras internacionales.
En 2003 Pilón y Lemieux hicieron el diseño visual para el programa de televisión The Planets, basado en la música de Gustav Holst, presentado en las redes francesa e inglesa de la Canadian Broadcasting Corporation (CBC). También crearon muchos eventos a gran escala, como Harmony 2000, un espectáculo creado para celebrar el comienzo del nuevo milenio, y Soleil de Minuit, para el cierre de Montreal Festival Internacional de Jazz de 2004 (MIJF), conmemorando respectivamente, los 20º y 25º aniversario de Cirque du Soleil y la MIJF. También trabajaron en DELIRIO del Cirque du Soleil.
Como fotógrafo oficial de la familia real británica cuando está en Canadá, Pilon ha cubierto más de 30 de sus visitas. Trabajando por los gobiernos de Quebec y de Gobierno de Canadá, también ha fotografiado varios otros jefes de Estado durante sus visitas oficiales.

Peter Trosztmer en un pasaje de "Le Merle", de / in an excerpt from "Le Merle", by Norman McLaren


El 20 de Marzo es el cumple de

Roger Fenton, fotógrafo británico pionero, uno de los primeros fotógrafos de guerra, nacido en 1819.
En 1838 Fenton fue a la Universidad de Oxford, donde se graduó en 1840 con una licenciatura de "primera clase" en Artes, habiendo estudiado inglés, matemáticas, griego y latín. En 1841, comenzó a estudiar leyes en la Universidad, evidentemente de forma esporádica, ya que no pudo llegar a ser abogado hasta 1847, en parte porque se interesó en el aprendizaje de pintura.
Es probable que en el otoño de 1854, cuando la guerra de Crimea atrajo la atención del público británico, que algunos amigos poderosos y clientes - entre ellos el Príncipe Alberto y el duque de Newcastle, secretario de Estado para la guerra - instaron a Fenton a ir Crimea para registrar los acontecimientos.
Debido al tamaño y la naturaleza engorrosa de su equipo fotográfico, Fenton se vio limitado en la elección de sus motivos. Como el material fotográfico de su tiempo necesitaba exposiciones largas, sólo fue capaz de producir imágenes de objetos estacionarios, fotos en su mayoría posadas; evitó hacer imágenes de los soldados muertos, heridos o mutilados. Pero también fotografió el paisaje, incluyendo una zona cercana a donde tuvo lugar la carga de la brigada ligera, que se hizo famosa por el poema de Tennyson.
Sin dejarse intimidar por la falta de éxito comercial por sus fotografías de Crimea, Fenton mantuvo el impulso con gran energía para perfeccionar su arte y para registrar imágenes significativas y artísticas. Viajó mucho sobre Gran Bretaña para fotografiar paisajes y naturalezas muertas.
Murió en 1869.

Guerra de Crimea / Crimea War, "Teniente General / Lieutenant General Sir George Brown G.C.B. y oficiales de su equipo / & officers of his staff Major Hallewell, Coronel / Colonel Brownrigg, orderly, Coronel / Colonel Airey, Capitán / Captain Pearson, Capitán / Captain Markham, Capitán / Captain Ponsonby. 1855


El 21 de Marzo es el cumple de

Robert Lebeck, galardonado fotoperiodista alemán nacido en 1929.
A los 15 años,Lebeck fue reclutado por la Wehrmacht y enviado al frente oriental, donde fue capturado como prisionero de guerra por el ejército soviético. Finalmente repatriado después de la Segunda Guerra Mundial, terminó el bachillerato en el Gimnasio de Donaueschingen Fürstenberg, y se fue a estudiar etnología en Zurich y Nueva York. Autodidacta como fotógrafo, empezó en 1952 como profesional independiente vendiendo a varios periódicos y revistas en Heidelberg. A continuación pasó a estar al servicio de las revistas Illustrierte wie Revue y Kristall, y finalmente para el semanario alemán Stern. Trabajó para Stern durante treinta años como reportero gráfico, con una breve sabático durante el año 1977 a 1978, como editor en jefe de la revista educativa mensual Geo. Desde 2001 residió en Berlín.
Lebeck se hizo conocido en 1960 después de su informe sobre la independencia del Congo "Afrika im Jahre Null" ("África en el Año Cero"), que incluía una fotografía de un niño africano, Ambroise Boimbo, con la espada de acero del Rey Balduino de Bélgica. A día de hoy la imagen sigue siendo su "tarjeta de presentación".
Murió en 2014.

"Romy Schneider", Berlin 1976


Hoy, 22 de Marzo, es el cumple de

Juan Di Sandro, fotógrafo ítalo-argentino nacido en 1898, decano de los reporteros gráficos en Argentina.
Su familia emigró y se instaló en Buenos Aires cuando tenía doce años. Con esa edad entró de aprendiz de fotógrafo con Palestrini y con quince años se incorporó al periódico La Nación donde estuvo trabajando hasta 1976.
Aunque sus primeros trabajos se relacionaban con la fotografía industrial y algo de publicidad, poco a poco amplió su temática y mostró su buen hacer en diversos acontecimientos como la llegada del Plus Ultra en 1926, la del Zepelín en 1934 o el incendio de la tienda de «El Coloso» en 1937.
Su trabajo periodístico se considera influido por Henri Cartier-Bresson al considerar de gran importancia al instante decisivo en la toma de la fotografía. También le gustaba la experimentación y la toma de fotografías nocturnas. La cámara fotográfica que utilizaba con mayor frecuencia era una «Spido Gaumont» de formato medio y sin embargo parece ser que no utilizó cámaras de formato de 35 mm.
Murió en Buenos Aires en 1988.

"Caminito", Buenos Aires, Argentina, 1960


Textos en inglés / English translation

On March 16 is the birthday of

Anna Atkins (Maiden name Anna Children), English botanist and photographer born in 1799. She is often considered the first person to publish a book illustrated with photographic images.
John George Children and John Pelly Atkins were friends of William Henry Fox Talbot. Anna Atkins learned directly from Talbot about two of his inventions related to photography: the "photogenic drawing" technique (in which an object is placed on light-sensitized paper which is exposed to the sun to produce an image) and calotypes.
Atkins was known to have had access to a camera by 1841.[9] Some sources claim that Atkins was the first female photographer. Other sources name Constance Talbot, the wife of William Fox Talbot, as the first female photographer. As no camera-based photographs by Anna Atkins[9] or any photographs by Constance Talbot survive, the issue may never be resolved.
Anna died in 1871.

On March 17 is the birthday of

Hans Namuth, German photographer born in 1915. Namuth specialized in portraiture, photographing many artists, including abstract expressionist Jackson Pollock. His photos of Pollock at work in his studio increased Pollock's fame and recognition and led to a greater understanding of his work and techniques. Namuth used his outgoing personality and persistence to photograph many important artistic figures at work in their studios.
Namuth photographed many other painters such as Willem de Kooning, Robert Rauschenberg, and Mark Rothko and architects such as Frank Lloyd Wright, Philip Johnson, and Louis Kahn. Namuth focused on his rapport with his subjects, getting many reclusive figures such as Clyfford Still to agree to be photographed. Namuth's work not only captured his subjects in their studios with their works, but also captured the relationship between photographer and subject as well as the subjects' levels of self-consciousness. Besides famous art figures, Namuth photographed the Mam people of Todos Santos, whose native lifestyles were being overrun by Western influences. Namuth died in a Long Island car crash in 1990.

On March 18 is the birthday of

John H. White, American photojournalist, recipient of a Pulitzer Prize in 1982.
White's father played a pivotal role in his photography. At age 14, White's church burned down and his father asked him to take photos of the destruction and reconstruction. White now credits this first assignment with his focus on photo stories.
After working for the Chicago Daily News, White joined the staff of the Chicago Sun Times in 1978 and worked there until May 2013. White also teaches photojournalism at Columbia College Chicago, and formerly taught at Northwestern University. In 1973 and 1974 White worked for the Environmental Protection Agency`s DOCUMERICA project photographing Chicago and its African American community. White's photographs show the difficulties facing residents as well as their spirit and pride.
White was awarded the Pulitzer Prize for Photojournalism in 1982 for his "consistently excellent work on a variety of subjects." 

On March 19 is the birthday of

Victor Pilon, director, theatre designer, visual designer and photographer from Quebec born in 1958.
After a two-year stay in Europe, Victor Pilon enrolled in visual arts at the University of Ottawa. In 1983, after receiving his Bachelor’s degree with a specialization in photography, he moved to Montreal. With Michel Lemieux, he founded the company Lemieux Pilon 4D Art in 1990. Since then, they have worked together to create a plethora of multimedia productions, including La Belle et la Bête (2011), NORMAN (2007), La Tempête (2005) and Anima (2002), all of which have toured internationally.
In 2003, Pilon and Lemieux did the visual design for the T.V. show The Planets, based on the music of Gustav Holst, presented on both the French and English networks of the Canadian Broadcasting Corporation (CBC). They also created many large-scale events such as Harmony 2000, a show created to celebrate the beginning of the new millennium, and Soleil de Minuit, the closing performance of Montreal International Jazz Festival 2004 (MIJF), commemorating, respectively, the 20th and 25th anniversaries of Cirque du Soleil and the MIJF. They were also behind Cirque du Soleil's DELIRIUM. 
As official photographer for the British royal family when in Canada, Pilon has covered more than 30 of their visits. Working for the governments of Quebec and Government of Canada, he has also photographed various other heads of state during their official visits.

On March 20 is the birthday of

Roger Fenton, pioneering British photographer, one of the first war photographers, born in 1819.
In 1838 Fenton went to the University of Oxford where he graduated in 1840 with a "first class" Bachelor of Arts degree, having read English, mathematics, Greek and Latin. In 1841, he began to read law at University College, evidently sporadically as he did not qualify as a solicitor until 1847, partly because he had become interested in learning to be a painter.
It is likely that in autumn 1854, as the Crimean War grabbed the attention of the British public, that some powerful friends and patrons - among them Prince Albert and Duke of Newcastle, secretary of state for war - urged Fenton to go the Crimea to record the happenings. 
Due to the size and cumbersome nature of his photographic equipment, Fenton was limited in his choice of motifs. Because the photographic material of his time needed long exposures, he was only able to produce pictures of stationary objects, mostly posed pictures; he avoided making pictures of dead, injured or mutilated soldiers. But he also photographed the landscape, including an area near to where the Charge of the Light Brigade - made famous in Tennyson's poem - took place.
Undaunted by the lack of commercial success for his Crimean photographs, Fenton remained driven with great energy to perfect his art and to record meaningful and artistic images. He travelled widely over Britain to record landscapes and still life images.
He died in 1869.

On March 21 is the birthday of

Robert Lebeck, award-winning German photojournalist born in 1929.
At the age of fifteen Lebeck was drafted into the Wehrmacht and sent to the Eastern Front where he was captured as a POW by the Soviet Army. Finally repatriated after World War II, he finished high school at the Donaueschingen Fürstenberg Gymnasium, and went on to study ethnology in Zurich and New York. Self-taught as a photographer, he started in 1952 as a freelancer selling to various newspapers and magazines in Heidelberg. Lebeck then went on to be employed by the magazines Illustrierte wie Revue and Kristall, and finally by the German weekly news magazine Stern. He worked for Stern for thirty years as a photojournalist, with a brief sabbatical during 1977 to 1978, as editor-in-chief of the monthly educational magazine Geo. Since 2001 Lebeck lived in Berlin.
Lebeck became well known in 1960 after his report on the independence of the Congo "Afrika im Jahre Null" ("Africa in Year Zero") which included a photograph of an African boy, Ambroise Boimbo, with the sword of Belgian King Baudouin. To this day that picture remains his "calling card".
He died in 2014.

Today, March 22, is the birthday of

Juan Di Sandro, Argentine-Italian photographer born in 1898, dean of photojournalists in Argentina.
His family emigrated and settled in Buenos Aires when he was twelve. At that age he was apprenticed to photographer with Palestrini and at fifteen he joined the newspaper La Nación where he worked until 1976.
Although his first works were related to industrial photography and some advertising, gradually expanded his thematic and showed his good work in various events such as the arrival of the Plus Ultra in 1926, the Zeppelin in 1934 or shop fire of "The Colossus" in 1937.
His journalistic work is considered influenced by Henri Cartier-Bresson to consider of great importance to the "decisive moment" in taking the photograph. He also liked experimenting and taking night shots. The camera he used most often was a "Spido Gaumont" medium format and yet apparently not used cameras 35mm.
He died in Buenos Aires in 1988.


David Zimmerman [Fotografía]

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David Zimmerman

David Zimmerman, en las Dunas Imperiales / in the Imperial Sand Dunes© Tony Gale

David Zimmerman es un fotógrafo estadounidense que trabaja en Taos, Nuevo México, y el pueblo de Jogiwara en el norte de la India. Durante las pasadas dos décadas, varias de las series de David, incluyendo "Desiertos", "Último refugio" y recientemente "Una Voz", se han centrado en los paisajes en peligro y las culturas desplazadas por causas medioambientales, sociales, económicas y políticas. 
Zimmerman ha recibido numeroso premios, incluyendo el Sony World Photography Awards L’Iris d’Or Prize en 2009 por su trabajo sobre los desiertos del sudoeste estadounidense.
Mary Ellen Mark ha dicho de su obra: "...una visión única de belleza, poesía y poder posible en la fotografía de grandes paisajes."

Serie Desiertos / Desert Series, "Sin título / Untitled, 146", 2008

«Mis padres eran ambos graduados que trabajaban en campos profesionales. Sentían que un título era la única forma de tener éxito. Lo que no comprendían es que su mundo no era el único.»

Serie Una Voz / One Voice Series, "Jampa Tsering", 2012

Serie Último Refugio / Last Refuge Series, "Sin título / Untitled, 67", 2011

«Muchos de mis proyectos tratan del paisaje y la relación física o emocional de los humanos con ellos. Un árido desierto fotografiado durante una tormenta o por la noche, no simplemente como representación de una escena, sino como escribió Edmund Burke sobre su concepto de lo sublime, "la imaginación se mueve hacia la admiración y se infunde de un cierto grado de terror por lo que es oscuro, incierto y confuso." Más allá de esos desiertos remanentes, he estado trabajando en paisajes donde la presencia y abandono del hombre ha dejado sus cicatrices.»

Serie Una Voz / One Voice Series, "Lhakyi", 2012

Serie Desiertos / Desert Series, "Sin título / Untitled, 17", 2008

«He estado interesado desde muy temprano en las artes. Estudié escultura y pintura. Mi propia experimentación me condujo a la fotografía desde muy jóven, cuando viví en Europa y Oriente Medio. La habilidad de registrar algo que siento o contar una historia, así como clarificar mis propios pensamientos sobre un tema, son las razones primarias por las que tomo fotos. Se requieren muchas voces para cambiar el curso de ciertos acontecimientos, ya sea medioambientales o políticos, y me gustaría que mi obra fuera una de esas voces.»

Serie de la Costa del Golfo / Gulf Coast Series
Izq./ Left: Bigg Kirk, trabajador de limpieza de petróleo / oil cleanup worker, Venice, Louisiana
Der./ Right: Glenn Warren, trabajador de limpieza de petróleo / oil cleanup worker, Buras, Louisiana

Bigg Kirk (detalle / detail)

«Mi intención es crear una visual como interpretación de lo que veo. Las cámaras, película, tomas digitales... ninguna de ellas es capaz de reproducir fielmente todo lo que veo sin ayuda. Me tomo mi tiempo estableciendo las limitaciones del proceso, ya sea en correcciones de color, una sombra, una gama de colores o el control de contrastes para así, al final, lo que veo en la impresión sea lo que más se aproxima a lo que he visto con mis ojos.»

Serie Una Voz / One Voice Series, "Tseten Dorjee", 2012

Serie Último Refugio / Last Refuge Series, "Sin título / Untitled, 123", 2011

Aunque dormir en polvorientos caminos secundarios y aparcamientos no es nuevo para Zimmerman (ha vivido y trabajado con su caravana mientras estaba en ruta haciendo imágenes durante 15 años) el creciente número de personas que encontró haciendo lo mismo captó su atención. "en verdad me sorprendió, para serte honesto" dice Zimmerman. A pesar de haber leído incontables historias de comunidades similares donde a menudo funcionaban sin electricidad o agua corriente. "No me sumergí enteramente en lo que estaba pasando ahí fuera hasta que lo vi por mí mismo."
Mientras pasaba tiempo hablando e incluso fotografiando miembros de esas comunidades marginadas por el sudoeste estadounidense, no fueron los retratos de su pobreza lo que le impactó en un sentido visual. En su lugar, fueron sus ropas. "Ya sea que fueran sin techo, o que se hubieran quedado sin coche - dice Zimmerman - las ropas terminan siendo la última cosa que tú, yo o ellos poseemos. Cuando todo se vuelve desesperación, es la última propiedad que nos queda."

Serie Desiertos / Desert Series, "Sin título / Untitled, 54"

Serie de la Costa del Golfo / Gulf Coast Series
Wanda Jackson, trabajadora de la limpieza de BP / BP cleanup worker, South Pass, Louisiana

«La mayoría de mi obra está en curso. Las ideas que sustentan los proyectos llegan en diferentes formas y con sus propios horarios, parece. Hay veces en que una idea ha estado germinando durante años, sólo para ser fotografiada cuando tengo una idea de lo visual para ejecutar esa idea. Otras veces, un evento o ver algo dispara una idea casi inmediatamente.»

Wanda Jackson (detalle / detail)

En el Tibet / In Tibet

David Zimmerman is an American-born photographer working in Taos, New Mexico and Jogiwara Village in northern India. Over the past two decades, several of Zimmerman’s series, including Desert, Last Refuge, and recently One Voice, have focused on endangered landscapes and cultures displaced by environmental, social, economic and political causes. Zimmerman is the recipient of numerous awards including the Sony World Photography Awards L’Iris d’Or Prize in 2009 for his work in the deserts of the Southwest U.S. 
Mary Ellen Mark has said about his work: "...a unique vision of beauty, poetry and power possible in great landscape photography." 

Serie Desiertos / Desert Series, "Sin título / Untitled, 63", 2011

«My parents were both graduates who worked in professional fields. They felt that a college degree was the only way to be successful. What they did not realise is that their world wasn't the only one.»

Serie Una Voz / One Voice Series, "Noni", 2012

Serie Una Voz / One Voice Series, "Dunsang Rigchen", 2012

«Many of my projects deal with the landscape and man's physical or emotional relationship to it. A barren wilderness photographed during a storm or at night; not simply as a depiction of a scene, but as Edmund Burke writes on his concept of the sublime, "the imagination is moved to awe and instilled with a degree of horror by what is dark, uncertain and confused." Beyond these remaining wilderness places I have been working in landscapes where man's presence and discards have left their scars.»

Serie Último Refugio / Last Refuge Series, "Sin título / Untitled, 172", 2011

Serie Una Voz / One Voice Series, "Nyiki Dolma", 2012

«I had an interest early on in the arts, studying sculpture and painting. My own experimentation led me to photography quite young when living in Europe & the Middle East. The ability to record something I feel or to tell a story as well as to clarify my own thoughts about a subject are the primary reasons I take photographs . It takes many voices to change the course of certain events, whether environmental or political, and I would like my work to be one of those voices.» 

"Sin título, Muelle / Untitled, Pier"

«My intent is to create a visual as an interpretation of what I see. Cameras, film, digital capture; none are really very capable of faithfully reproducing everything we see, without some help. I do spend time fixing the limitations of the process, whether in the colour correction of a shadow with a colour cast or the control of contrast so that in the end, what I see in the print most closely resembles what I saw with my eye.»

Serie Una Voz / One Voice Series, "Lhasang Tsering", 2012

Though sleeping on out-of-the-way dirt roads and parking lots is nothing new for Zimmerman—he’s lived and worked out of his camper truck while on the road, throughout 15 years of making images—the increasing number of people doing the same thing caught his attention. “It really startled me, to be honest with you,” Zimmerman says, despite having read countless stories of similar communities who were often functioning without electricity or running water. “It didn’t sink in entirely what [was] going on out there, until I saw it for myself.”
As Zimmerman spent time talking to and even photographing members of these marginalized communities throughout the American southwest, it wasn’t their portraits or their poverty that resonated with him in a visual sense. Rather, it was their clothing. “Whether it’s [being] homeless, or lacking a car,” Zimmerman says, “the clothes end up being the very last thing that you and I and they will own. When it absolutely becomes desperate, that’s the final thing that we will own.”

Salton Sea Series - "Sin título, Roca / Untitled, Rock", 2008

«Much of my work is ongoing. The ideas behind projects come in different forms and at their own schedules, it seems. There are times when an idea has been germinating for years only to be photographed when I have a grasp on the visual to execute the idea. At other times an event or seeing something new triggers an idea almost immediately.» 

Serie Último Refugio / Last Refuge Series, "Sin título / Untitled, 67", 2011
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Los textos están tomados de una entrevista publicada en ephotozine, Octubre de 2009, [link], un artículo de Conchita Fernández publicado en Better Photography, Octubre, 2014, [link], y otro publicado en TIME Lightbox, Diciembre, 2011 sobre su serie "Último refugio", [link]. Todos en inglés.

Texts from an interview published in ephotozine, Oct., 2009, [link], an article by Conchita Fernández published in Better Photography, Oct., 2014, [link], and another one published in TIME Lightbox, Dec., 2011 about the series "Last Refuge" [link]. 
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Más imágenes e información sobre David en / More images and information about David in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, David!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, David!)


Annenberg Espacio para la fotografía / Space for Photography
October 9, 2014

«Para mí hay una conexión entre toda esa obra variada que he hecho a través de los años... y no siempre soy consciente, pero cuando miro la obra a través de los años, veo una continuación de un ideal que habla sobre los seres humanos y la humanidad. Y habla sobre nuestras interconexiones, y nuestras relaciones con los demás, ya sean amigos o que vivamos en distintas partes del planeta. Esas son las cosas en las que pienso.
No tengo un estilo particular, y no creo que sea importante para mí algo así como crear un estilo que sea reconocible per se. Creo que para mi lo importante es que estoy expresando algo, diciendo algo. Muchas veces simplemente me lo digo a mí mismo, no se lo estoy diciendo a otra gente. Me lo digo a mí mismo porque soy curioso acerca de las cosas. La curiosidad y la pasión, esas dos cosas son las turbinas que me han empujado a lo largo de todos esos años haciendo imágenes.»


«For me there's a connection between all of these various bodies of work that I've done over the years... and I'm not always concious, but when I look at the work over the years, I see the continuation of an ideal that talks about human beings and humanity. And it talks about our interconectedness, and our relationships with each other, whether we're friends of strangers, or we live in different sides of the planet. These are the kind of things I think about.
I don't have a particular style, and I don't think for me is important to sort of create a style that is recognizable per se. I think for me the important thing is that I express something, I say something. Many times I'm just saying to myself, I'm not saying it to other people. I'm saying to myself because I'm curious about some things. Curiosity and passion, those two things are turbines pushing me through for all these years of picture making.»

Arte y humor (VIII) - Parecidos razonables

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Una colección de parecidos más que razonables de personajes de actualidad con pinturas y esculturas de todos los tiempos. También un post complementario repasando las obras presentadas.

A collection of similarities for contemporary people, most of them artists, with paintings and sculptures of all time. Also a complementary post reviewing the artworks involved.
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Actores / Actors

Personaje en la obra "El Papa Gregorio IX recibiendo los Decretales de Raimundo de Peñafort" y Sylvester Stallone
Figure in the work "Prope Gregory IX approves the Decretals handed to him by St Raymond of Penafort" and Sylvester Stallone


El bufón / The Buffoon Don Sebastián de Morra - Peter Dinklage

Esta obra de Velázquez puede verse aquí / This Velazquez' artwork can be seen here.



Música / Music

Retrato anónimo / Anonymous Portrait - Michael Jackson

Michael Jackson - Escultura egipcia / Aegyptian Sculpture

Más sobre Michael Jackson en "El Hurgador" / More about Michael Jackson in this blog:
[Aniversarios Fotografía (VI)]


Lil Wayne - Escultura prehispánica / Prehispanic Sculpture

Más sobre Lil Wayne en "El Hurgador" / More about Lil Wayne in this blog:
[Aniversarios Fotografía (XLVI)]
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Cecilia Azcarate es una artista que vive en Nueva York. Allí realiza trabajos para marcas, artistas y por pura diversión. Una de sus series, B4-XVI (Antes del s. XVI), propone un curioso diálogo entre la pintura y escultura de la época y el estilismo de artistas de Hip-Hop. Muchos de ellos son realmente sorprendentes.
Más en su Tumblr.

Personaje de "La Adoración de los Magos" / Figure in "The Adoration of the Magi"Wiz Khalifa

Ancestro masculino, cultura Nayarit / Male Ancestor, Nayarit Culture - Young Thug

Detalle de Bendición de Cristo, rodeado por la familia del donante /
Christ Blessing, Surrounded by a Donor Family - Kayne West

Cecilia Azcarate is an artists livign in New York City. There she make things for brands, artists, internet love & fun. One of her series, B4-XVI beforesixteen, proposes a dialogue between painting and sculpture at that time and the styling of Hip-Hop artists. Most of them are quite surprising.
More in her Tumblr.


Detalle de "El martirio de San Lorenzo" / Detail of "The Martyrdom of St. Lawrence" - ASAP Ferg

Detalle del Retablo de Gante / Detail of Ghent Altarpiece, Jan van Eyck - The ATL Twins

Panel izquierdo del Retablo de Perugia, Fra Angelico - Kayne West y el pastor Rich Wilkerson Jr. en la boda de Kim y Kayne /
Perugia Altarpiece left panel by Fra Angelico -  Kanye West and Pastor Rich Wilkerson Jr at Kim & Kanye’s wedding

Henry the Pious, Duque de Sajonia / Duke of Saxony, Lucas Cranach - Migos
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Juan el Bautista / John the Baptist - David Bisbal

Retrato de / Portrait of Eugéne Delacroix - Joaquín Sabina

Más sobre Delacroix en "El Hurgador" / More about Delacroix in this blog:

Cabeza de mármol romana / Roman Marble Head - Elvis Presley

Elvis Presley - Acroterión romano en mármol / Roman marble Acroterion

Otros / Other


Thibaut Courtois - San Sebastián - El Greco

Arte y humor (VIII) - Referencias

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Este post complementa el anterior sobre parecidos razonables que puede verse aquí. Texto en inglés al final del post, marcado con [*] en cada párrafo /
This post complements the previous one about similarities and look-alikes. English text at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Rafael Sanzio
"Il papa Gregorio IX che riceve le Decretali da Raimondo di Peñafort / 
El Papa Gregorio IX aprueba los Decretales entregados por Raimundo de Peñafort /
Prope Gregory IX approves the Decretals handed to him by St Raymond of Penafort"
Fresco, 1510-1511. Stanza della Segnatura / Estancia de la Signatura / Room of the Signature
Palazzi Pontifici / Palacios Papales / Papal Palaces (Vaticano / Vatican)

Stanza della Segnatura / Estancia de la Signatura / Room of the Signature
Palazzi Pontifici / Palacios Papales / Papal Palaces (Vaticano / Vatican)

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Godfrey Kneller
"John Locke", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 60 cm.

Sir Godfrey Kneller, primer Baronet, nacido en 1646, fue el principal pintor de retratos en Inglaterra a finales del siglo XVII y principios del XVIII, y fue pintor de la corte inglesa y los monarcas británicos desde Carlos II hasta George I. Sus trabajos importantes incluyen "El converso chino" (1687, colección real, Londres), una serie de cuatro retratos de Isaac Newton pintados en varios momentos de la vida de este último, una serie de diez monarcas reinantes europeos, entre ellos el rey Luis XIV de Francia, más de 40 "retratos Kit-Cat" de los miembros del Kit-Cat Club y diez "bellezas" de la corte de Guillermo III, para hacerlas coincidir con una serie similar de diez bellezas de la corte de Carlos II pintadas por su predecesor como pintor de la corte, Sir Peter Lely.
Murió en 1723. [1]
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Louis-Maurice Boutet de Monvel
"Retrato de / Portrait of Paul Mounet"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 113,7 × 290,9 cm., c.1875
Fine Arts Museums of San Francisco (California, Estados Unidos / USA)

Louis-Maurice Boutet de Monvel, pintor e ilustrador francés nacido en 1850, conocido por sus acuarelas para libros infantiles. Fue una figura importante en la ilustración de literatura infantil durante el siglo XIX.
Boutet de Monvel fue un pintor académico que estudió en la Escuela de Bellas Artes en París con Alexandre Cabanel, Gustave Boulanger, Jules Joseph Lefebvre y Carolus Duran. Durante finales de 1870 expuso en el Salón de París y ganó la medalla de tercera clase en 1878 por un cuadro llamado "El Buen Samaritano".
Murió en 1913. [2]
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David Wilkie
"Autorretrato / Self-Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76.50 x 63.50 cm, 1804-05.
National Gallery Scotland (Edinburgo / Edinbourgh)

Sir David Wilkie fue un pintor escocés nacido en 1785.
Era hijo de un pastor anglicano de Cults (condado de Fife). Gracias a la influencia del Conde de Leven, Wilkie fue admitido en la Trustees' Academy de Edimburgo, y empezó a estudiar arte con John Graham. En la primavera de 1805 abandonó Escocia, marchó a Londres y empezó a estudiar en las escuelas de la Royal Academy. Su cuadro Políticos de aldea llamó mucho la atención cuando se expuso en la Royal Academy (1806). Se dedicó a los cuadros de historia y a los trabajos de género.
Murió en 1841. [3]
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Busto egipcio / Egyptian Bust, Imperio Nuevo / New Empire, c.1550-1050 A.C. / b.C.
Field Museum (Chicago, Estados Unidos / USA)
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"Mujer con cuenco, cultura Nayarit / Woman with Bowl, Nayarit Culture"
Terracota policroma / polychrome terracota, alto / height 31,1 cm., 200 a.C. - 600 d.C., 
Ixtlan del Rio. México occidental / West Mexico

La cultura nayarit se desarrolló en la costa oeste de México entre los años 500 a de C y 500 d de C, aproximadamente, en una zona de grandes humedales y de selva tupida. Se sabe que este pueblo ha mantenido estrechas relaciones con poblaciones vecinas como pueden ser las de Jalisco y las de Colima, con las que compartían numerosas señas de tipo cultural.
Sobre esta cultura no poseemos mucha información, porque no se han encontrado muchos indicios arqueológicos, y los que hay provienen casi todos de colecciones particulares. Esto es curioso tratándose de una cultura, que se extendió en el tiempo durante varios siglos, pero no podemos obviar que es una de las grandes desconocidas de las culturas mesoamericanas. [4]
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Pintor del sur de Holanda / Southern Netherlandish painter
"La adoración de los magos / The Adoration of the Magi", óleo sobre madera / oil on wood, 74 x 65,1 cm. c.1500
The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)

Hay un interesante estudio que puede leerse en el sitio web del Metropolitan, en el que se compara la obra precedente con su gemela de Dinamarca. En el texto se explica que:

"Ninguna de estas densas pinturas ha sido firmemente atribuida a artista alguno. Sin embargo varias de las figuras se basan en las representadas en el Retablo de Monforte pintado por Hugo van der Goes, (Gemäldegalerie de Berlín), uno de los principales maestros de la escuela de Gante en la segunda mitad del siglo XV. Hacia el final de su carrera, Hugo van der Goes desarrolló composiciones de medio cuerpo con las que conseguía un espectacular acercamiento a las escenas, y estaban destinadas a aumentar la experiencia devocional del espectador. Con base en la similitud de la perspectiva, así como de las figuras, los estudiosos han argumentado que la Adoración de los Magos del Metropolitan se basa en un original perdido de Hugo van der Goes."
Texto completo (en inglés) aquí. [5]

Pintor del sur de Holanda / Southern Netherlandish painter
"La adoración de los magos / The Adoration of the Magi", óleo sobre madera / oil on wood, 73,5 x 72,5 cm., c.1500
Statens Museum for Kunst (Copenhagen, Dinamarca / Denmark)

Hugo van der Goes
Retablo de Monforte, La Adoración de los Magos / Monforte Altarpiece, The Adoration of the Kings
Óleo sobre madera de roble / oil on oak wood, 147 x 242 cm., c.1470
Gemäldegalerie (Berlín, Alemania / Germany)

Hugo van der Goes, fue un pintor flamenco nacido en Gante c.1430-40. Él fue, junto a Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Hans Memling y Dieric Bouts, uno de los más importantes de los pintores primitivos flamencos.
Nacido en o cerca de Gante, van der Goes se alistó como miembro del gremio de pintores de Gante como maestro en 1467.
Su obra sobreviviente más famosa es el Tríptico Portinari (Uffizi, Florencia), un retablo encargado por la iglesia de San Egidio en el hospital de Santa María Nuova en Florencia por Tommaso Portinari, el gerente de la sucursal Brujas del Banco Medici. El tríptico llegó a Florencia en 1483.
Murió en 1482. [6]
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Pintor alemán / German Painter
"Bendición de Cristo rodeado de la familia de un donante / Christ Blessing, Surrounded by a Donor Family"
Óleo sobre tabla / oil on wood, central 79,7 x 95,6 cm., cada ala / each wing 81,3 x 37,1 cm., c.1573-82. 
Museo Metropolitano (Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)

Este tríptico, anteriormente atribuido a Ludger tom Ring el Joven, fue realizado por un pintor anónimo del norte de Alemania. La familia del donante permanece sin identificar, pero seguramente provenía de Hamburgo, la ciudad de la iglesia cuyas agujas se muestran en el orbe en la mano de Cristo. Más información aquí. [7]

"Bendición de Cristo... / Christ Blessing...", ala izquierda / left wing
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Quentin Massys (Matsys)
"Ecce Homo", óleo sobre panel / oil on panel, 1520
Doge's Palace, Palazzo Ducale (Venecia, Italia / Venice, Italy)

Quentin Massys (Quinten Matsijs) fue un pintor en la tradición flamenca nacida en 1466, uno de los fundadores de la escuela de Amberes. Nació en Lovaina, donde la leyenda dice que fue instruido como herrero antes de convertirse en pintor. Massys estuvo activo en Amberes durante más de 20 años, creando numerosas obras con raíces religiosas y de tendencias satíricas.
Las raíces de la formación Massys son desconocidos, pero su estilo refleja las cualidades artísticas de Dirk Bouts, que trajeron a Lovaina la influencia de Hans Memling y Rogier Van der Weyden. Cuando Massys se estableció en Amberes a la edad de veinticinco años, su propio estilo contribuyó de manera importante a la reactivación de arte flamenco en las líneas de Van Eyck y Van der Weyden.
Murió en 1530. [8]
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Maestro de los actos de misericordia / Masters of the Acts of Mercy
"El Martirio de San Lorenzo / The Martyrdom of Saint Lawrence", óleo sobre tabla / oil on wood, c.1465
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Fra Angelico
"Retablo de Perugia / Perugia Altarpiece", témpera sobre madera / tempera on wood, 1437 o 38
Galleria Nazionale dell'Umbria (Perugia, Italia / Italy)

La pintura fue ejecutada para la capilla de San Nicolás, en la Basílica de Santo Domingo, Perugia. A principios del s. XIX estaba separada y dispersa, y algunos de los paneles del estrado fueron adquiridos por la Pinacoteca Vaticana. En Perugia se hicieron copias de esos paneles, encuadrados en un marco neogótico. El políptico también incluia algunas pequeñas descripciones de santos en los pilares laterales, y dos tondos con el ángel de la Anunciación y la Anunciación en las cúspides. [9]

Más sobre Fra Angélico en "El Hurgador" / More about Fra Angelico in this blog:
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Leonardo da Vinci
"San Giovanni Battista / San Juan Bautista / St. John the Baptist"
Óleo sobre tabla de nogal / oil on walnut wood, 69 × 57 cm., 1508-13.
Museo del Louvre (París, Francia / France)

Más sobre Leonardo en "El Hurgador" / More about Leonardo in this blog:
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"Acrotera romana / Roman Acroterion", mármol / marble
c. mediados-finales s.II d.C. / c.mid to late 2nd Century A.D.

Una acrotera es un ornamento arquitectónico situado en una base plana llamada acroter o pedestal, y montado en el vértice del frontón de un edificio de estilo clásico. También puede estar ubicado en ángulos exteriores del frontón; estos son llamados angularios ("en las esquinas")
El acroterion puede tener una variedad de formas, tales como una estatua, trípode, disco, urna, palma o algún otro elemento escultórico. También se los encuentra en la arquitectura gótica. A veces están incorporados en el diseño de muebles. [10]
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Acrotera
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Diego Velázquez
"Retrato del Rey Felipe IV / Portrait of the KingPhillip IV", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1623-24. 
Meadows Museum (Dallas, Textas, Estados Unidos / USA)

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El Greco
"El martirio de San Sebastián / The Martyrdom of St. Sebastian"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, parte superior / top 115 × 85 cm., c.1610-14. 
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Como puede verse, la obra original fue cortada en dos.
El cuerpo de san Sebastián aparece sumamente estilizado, atado a un árbol y mirando al cielo, asumiendo su martirio con entereza. La obra está construida a base de sutiles pinceladas, que permiten hacer una perfecta transición de luz a sombra. Toda la escena parece un lejano eco de Miguel Ángel, una de las grandes influencias del pintor cretense. [11]

Más sobre El Greco en "El Hurgador" / More about El Greco in this post:


Traducción al inglés / English Translation

[1]
Sir Godfrey Kneller, 1st Baronet, born in 1646, was the leading portrait painter in England during the late 17th and early 18th centuries, and was court painter to English and British monarchs from Charles II to George I. His major works include The Chinese Convert (1687; Royal Collection, London); a series of four portraits of Isaac Newton painted at various junctures of the latter's life; a series of ten reigning European monarchs, including King Louis XIV of France; over 40 "Kit-cat portraits" of members of the Kit-Cat Club; and ten "beauties" of the court of William III, to match a similar series of ten beauties of the court of Charles II painted by his predecessor as court painter, Sir Peter Lely.
He died in 1723.

[2]
Louis-Maurice Boutet de Monvel, French painter and illustrator born in 1850, best known for his watercolors for children's books. He was a major figure in nineteenth century children's literature illustration.
Boutet de Monvel was an academic painter who studied at the École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris under Alexandre Cabanel, Gustave Boulanger, Jules Joseph Lefebvre, and Carolus Duran. During the late 1870s he exhibited at the Salon de Paris and earned the medal of the third class in 1878 for a painting called "The Good Samaritan".
He died in 1913.

[3]
Sir David Wilkie was an Scottish painter born in 1785.
He was the son of an Anglican pastor of Cults (county of Fife). Thanks to the influence of the Earl of Leven, Wilkie was admitted to the Trustees' Academy of Edinburgh, and began studying art under John Graham. In the spring of 1805 he left Scotland, moved to London and began to study at the Royal Academy schools. His painting Politics of the Village attracted much attention when exposed at the Royal Academy (1806). He devoted himself to historical paintings and gender works.
He died in 1841.

[4]
The Nayarit culture developed on the west coast of Mexico between 500 b.C. and 500 A.D. aprox. in an area of large wetlands and dense forest. It is known that this people has maintained close relations with neighboring populations such as those of Jalisco and Colima, with numerous cultural signs shared.
We don't have much information about this culture, because there's many archaeological evidence, and what we have come almost all from private collections. This is curious case of a culture that extended in time for centuries, but we can not ignore that one of the great unknown of Mesoamerican cultures.

[5]
There is an interesting study that can be read on the website of the Metropolitan, where the previous work is compared to its twin in Denmark. The text explains that:

Neither of the densely packed paintings has ever been firmly attributed to any artist. However, several of the figures are based on those depicted in the Monforte Altarpiece painted by Hugo van der Goes, (Gemäldegalerie Berlin), one of the leading masters of the Ghent school in the second half of the fifteenth century. Toward the end of his career, Hugo van der Goes developed half-length compositions that zoom dramatically into scenes and are intended to heighten the devotional experience of the viewer. Based on the similarity of the perspective, as well as the figures, scholars have argued that the Metropolitan's Adoration of the Magi is based on a lost original by Hugo van der Goes.
Full text here.

[6]
Hugo van der Goes, was a Flemish painter born in Ghent c.1430-40. He was, along with Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Hans Memling and Dieric Bouts, one of the most important of the Early Netherlandish painters.
Born in or near Ghent, van der Goes was enlisted as a member of the painters' guild of Ghent as a master in 1467.
His most famous surviving work is the Portinari Triptych (Uffizi, Florence), an altarpiece commissioned for the church of San Egidio in the hospital of Santa Maria Nuova in Florence by Tommaso Portinari, the manager of the Bruges branch of the Medici Bank. The triptych arrived in Florence in 1483.
He died in 1482.

[7]
This triptych, formerly attributed to Ludger tom Ring the Younger, was painted by an anonymous northern German painter. The donor family remains unidentified, but they surely hailed from Hamburg, the city whose church spires are shown on the orb in Christ’s hand. More info here.

[8]
Quentin Matsys (Quinten Matsijs) was a painter in the Flemish tradition born in 1466, a founder of the Antwerp school. He was born at Leuven, where legend states he was trained as an ironsmith before becoming a painter. Matsys was active in Antwerp for over 20 years, creating numerous works with religious roots and satirical tendencies.
The roots of Matsys' training are unknown, but his style reflects the artistic qualities of Dirk Bouts, who brought to Leuven the influence of Hans Memling and Rogier Van der Weyden. When Matsys settled at Antwerp at the age of twenty-five, his own style contributed importantly to reviving Flemish art along the lines of Van Eyck and Van der Weyden.
He died in 1530.

[9]
The painting was executed for the St. Nicholas Chapel in the Basilica of San Domenico, Perugia. In the early 19th century, it was split and partially dispersed, and some of the predella panels were acquired by the Pinacoteca Vaticana. In Perugia were executed copies of these panels, enclosed into a neo-Gothic frame. The polyptych also included some small depictions of saints, on the side piers, and two tondoes with the Annunciation Angel and the Annunciation, in the cusps.

[10]
An acroterion or acroterium is an architectural ornament placed on a flat base called the acroter or plinth, and mounted at the apex of the pediment of a building in the classical style. It may also be placed at the outer angles of the pediment; such acroteria are referred to as acroteria angularia (angulāria means ‘at the corners’).
The acroterion may take a wide variety of forms, such as a statue, tripod, disc, urn, palmette or some other sculpted feature. Acroteria are also found in Gothic architecture. They are sometimes incorporated into the design of furniture.

[11]
As can be seen, the original work was cut in two parts.
The body of Saint Sebastian appears highly stylized, tied to a tree and looking up to heaven, taking his martyrdom with integrity. The work is constructed of subtle touches that permit a perfect transition from light to shadow. The whole scene seems a distant echo of Michelangelo, one of the great influences of the Cretan painter.
In Wiki (in Spanish): 

Jennifer Townley [Esculturas cinéticas]

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Las esculturas cinéticas de Jennifer Townley son realmente fascinantes. Su impecable acabado y sutileza de movimientos hacen que no puedas dejar de mirarlas, como si al siguiente ciclo algo fuera a resultar diferente. Finos trabajos en los que la física, la mecánica y la geometría se transforman en arte en movimiento.

The kinetic sculptures of Jennifer Townley are truly fascinating. His impeccable finish and subtle movements make you can not stop looking at them, as if the next cycle something were to happen differently. Fine works where the physics, mechanics and geometry are transformed into art in motion.
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Jennifer Townley


Jennifer Townley es una artista nacida en Holanda en 1983, que obtuvo su grado en Ciencia-Arte en la Real Academia de Bellas Artes de La Haya.
Desde entonces ha estado trabajando como artista independiente, creando esculturas mecánicas que a menudo se mueven muy lentamente. Gracias a motores eléctricos, sus máquinas generan intensos movimientos repetitivos y patrones cambiantes que interfieren sutilmente con la mente del espectador. Las formas están siendo constantemente distorsionadas y transformadas. Los patrones se convierten silenciosamente en nuevos patrones y formas independientes que aparentemente se unen. Dentro del arte cinético, su obra se distingue por un funcionamiento suave y silencioso, y un fino acabado y aspecto. 

"Bussola", madera, metal, motor eléctrico y partes mecánicas / 
wood, metal, electric motor and mechanical parts, 120 x 60 x 70 cm., 2014

'Bussola' recibe su nombre de la palabra italiana para 'compás', ya que esta escultura está inspirada en uno de los diseños de Leonardo da Vinci para tal instrumento, a partir de un dibujo fechado en 1514. La máquina tridimensional está construida con una colección de instrumentos idénticos que trabajan de la misma manera que el compás original.

"Bussola"


'Bussola' is named after the Italian word for 'compass', as this sculpture is inspired on one of Leonardo da Vinci's designs for such a drawing tool dating from 1514. The three-dimensional machine is built up from a collection of identical instruments that work in the same way as the original compass.

"Bussola"
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"Cubos / Cubes", aluminio, acero, madera, motor eléctrico, partes mecánicas / 
aluminum, steel, wood, electric motor, mechanical parts, 160 x 180 x 12 cm., 2013


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Las obras provienen de su fascinación por la ciencia, con énfasis en la física, la ingeniería y las matemáticas. Los patrones geométricos del arte islámico o los dibujos matemáticos del artista holandés M.C. Escher le sirven a menudo de inspiración. Las imágenes con líneas y figuras encajan una con otra tan perfectamente que podrían repetirse indefinidamente. Esta infinitud, regularidad y obediencia es lo que Townley encuentra también fascinante acerca de las máquinas mecánicas; son robustas, enérgicas y aparentemente inmortales. Se siente cautivada por cómo una máquina puede convertir un sencillo movimiento circular (motor rotatorio) en patrones de movimientos no lineales y caóticos.

"Alhambra", madera, metal, motor eléctrico, partes mecánicas / 
wood, metal, electric motor, mechanical parts, 40 x 40 x 170 cm., 2010

Esta escultura mecánica está basada en un patrón consistente en formas de flechas idénticas que se entrelazan perfectamente. El patrón es original de la cultura islámica y puede verse, entre otros lugares, en el Palacio de la Alhambra, en España, como parte de sus decoraciones en yeso.

This mechanical sculpture is based on a pattern consisting of identical arrow shaped forms that intertwine perfectly. The pattern originates in Islamic culture and occurs among others at the Alhambra Palace in Spain where it is part of the plasterwork.

"Alhambra"

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Así las esculturas celebran la belleza y posibilidades de la mecánica estableciendo momentos elusivos en los que las enmarañadas figuras súbitamente se alinean perfectamente o las formas geométricas se convierten en una unidad orgánica indivisible. Esta fusión de la mecánica y el arte, característica de la obra de Townley, tiene diversos efectos en el espectador. La estructura abierta, aspecto industrial y cuidadosamente diseñadas partes móviles, pueden disparar una perspectiva analítica: ¿cómo está hecho esto? o ¿cómo esta máquina trabaja mecánicamente? Pero a la vez, los movimientos repetitivos y sutiles cambios de forma crean una clase diferente de estado de conciencia, un sentimiento tranquilo y pacífico, incluso un efecto casi hipnótico.

De Rode Draad (El hijo rojo / The Red Thread)
Madera, metal, motor eléctrico, partes mecánicas, hilo rojo / 
wood, metal, electric motor, mechanical parts, red thread, 60 x 47 x 15 cm., 2011

Pequeñas barras están pegadas a los bordes de doce engranajes blancos, y ayudan a formar una figura simétrica construida desde un fino hilo rojo. Cuando la escultura está en movimiento, el hilo expone los cambios compositivos de los engranajes. Gradualmente la figura formada por el hilo se mueve y se transforma fluidamente de acuerdo a la rotación de los engranajes.


Small rods are attached to the edges of the gears and help form a symmetrical figure constructed from a thin red thread. When the sculpture is in motion the thread exposes the compositional changes of the gears. Gradually the figure formed by the thread moves and transforms fluently in accordance with the turning of the gears.

De Rode Draad (El hijo rojo / The Red Thread)
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Jennifer Townley is an artist born in Netherlands (1983). She completed her degree in Artscience at the Royal Academy of Fine Art in The Hague (NL). Since then she has been working as an independent artist, creating mechanical sculptures that often move very slowly. Powered by electric motors her machines generate intense repetitive movements and changing patterns that subtly interfere with the spectators mind. Shapes are constantly being distorted and transformed, patterns convert smoothly into new patterns and independent forms seemingly unite. Within kinetic art her work can be distinguished by a smooth and peaceful operation and detailed finish and appearance.

"Elevador / Lift", madera, metal, motor eléctrico, partes mecánicas / 
wood, metal, electric motor, mechanical parts, 100 x 90 x 180 cm., 2009


"Elevador / Lift"
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The works derive from her fascination with science, with an emphasis on physics, engineering and mathematics. Geometric patterns in Islamic art or mathematical drawings of Dutch artist M. C. Escher often serve as an inspiration. Images where lines and figures match each other so perfectly they could be repeated indefinitely. This infinity, regularity and obedience is what Townley also finds fascinating about mechanical machines; they are robust, strenuous and seemingly immortal. She is captivated by how a machine can convert a simple circular motion (rotary engine) into a very complicated nonlinear or chaotic movement pattern.

"Asinas", 2015

"Asinas", 2015

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"Cuadrados / Squares", madera, aluminio, motor eléctrico y partes mecánicas / 
wood, aluminum, electric motor and mechanical parts, 110 x 110 x 20 cm., 2014

La base de esta simple pero efectiva escultura está formada por cuatro engranajes blancos a los cuales están conectadas dos rejillas negras superpuestas. Impulsadas por los engranajes, ambas rejillas se mueven en círculos; una en sentido horario y otra antihorario.

The base of this simple but effective sculpture is formed by four white gears to which two overlapping black grids are connected. Driven by the gears, both of the grids move in a circle, one clockwise, the other counter clockwise. 

"Cuadrados / Squares"

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"Phaser", metal, motor eléctrico, partes mecánicas, papel, pluma / 
metal, electric motor, mechanical parts, paper, pen, 120 x 150 x 120 cm., 2008


Altogether the sculptures celebrate the beauty and possibilities of mechanics while establishing elusive moments in which tangled figures suddenly seem perfectly aligned or geometrical shapes become an organic undivided unity. This fusion of mechanics and art that is characteristic for Townley's work has a diverse effect on the viewer. The open structure, industrial look and the carefully designed moving parts can trigger an analytical perspective; how is this made or how does this machine work mechanically? But meanwhile the repetitive movements and subtle changes in shape create a different kind of awareness, a quiet and peaceful feeling, even an almost hypnotic effect.

"Phaser"

Más imágenes e información sobre Jennifer en / More images and information about Jennifer in
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Imágenes y videos publicados con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Jennifer!)
Images and videos published here with artist's permission (Thanks a lot, Jennifer!)

Aniversarios (LXIII) [Marzo / Marzo 22-31]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 22 de Marzo es el cumple de

Anton Raphael Mengs, pintor bohemio alemán nacido en 1728, activo en Roma, Madrid y Sajonia, que se convirtió en uno de los precursores de la pintura neoclásica.
En 1741 el padre de Mengs lo llevó desde Dresde a Roma. En Roma, su pintura al fresco del Parnaso en Villa Albani le ganó una reputación como un maestro de la pintura. En 1749 fue nombrado primer pintor Federico Augusto, elector de Sajonia, pero esto no le impidió pasar gran parte de su tiempo en Roma.
En 1749 Mengs aceptó un encargo del duque de Northumberland para hacer una copia, en óleo sobre lienzo, del fresco de Rafael "La escuela de Atenas" para su casa de Londres. Ejecutada en 1752-5, la pintura Mengs es de tamaño completo, pero adapta la composición a un formato rectangular, con algunas figuras adicionales.
En dos ocasiones aceptó invitaciones de Carlos III de España para ir a Madrid. Allí produjo algunos de sus mejores trabajos, sobre todo el techo de la sala de banquetes del Palacio Real de Madrid, cuyo tema fue el triunfo de Trajano y el Templo de la Gloria. Tras la finalización de esta obra en 1777, Mengs regresó a Roma, donde murió dos años más tarde, en la pobreza, dejando a veinte niños, de los cuales siete fueron pensionados por el rey de España. Sus retratos y autorretratos muestra una gran atención al detalle y penetración que a menudo se pierde en sus pinturas grandiosas.

"Selbstbildnis im roten Mantel / Autorretrato con capa roja / Self-portrait in Red Roat"
Pastel sobre papel / pastel on paper, 55 × 42 cm., 1774
Gemäldegalerie Alte Meister (Dresden, Alemania / Germany)


El 23 de Marzo es el cumple de

Joseph Christian Leyendecker, uno de los ilustradores estadounidenses preeminentes de principios del s. XX.
Nació en 1874 y es conocido por sus carteles, libros e ilustraciones publicitarias, el personaje comercial conocido como El Hombre Collar de Flecha, y sus numerosas portadas para The Saturday Evening Post. Entre 1896 y 1950, Leyendecker pintó más de 400 portadas de revistas. Durante la Edad de oro de la ilustración americana, produjo 322 portadas para el The Saturday Evening Post, así como muchas ilustraciones para publicidad en sus páginas interiores. Ningún otro artista, hasta la llegada de Norman Rockwell dos décadas más tarde, fue identificado tan sólidamente con una publicación. Leyendecker "virtualmente inventó la idea de diseño moderno de revistas."
Murió en 1951.

"The Saturday Evening Post", Diciembre / December 23, 1916


El 24 de Marzo es el cumple de

Jorge González Camarena, destacado pintor, muralista y escultor mexicano nacido en 1908.
Es conocido por su trabajo mural, como parte del movimiento del muralismo mexicano, aunque su trabajo es distinto de los principales nombres asociados a él (Rivera, Orozco y Siqueiros). Sus obras importantes incluyen el mural en el edificio de la administración general del Instituto de Estudios Superiores de Monterrey y Tecnología y un mural creado por la Universidad de Concepción en Chile. También creó obras de caballete. Una de ellas, La Patria, fue bien conocida en México, ya que se utilizó en la portada de los libros de texto gratuitos de las décadas de 1960 y 1970. Entre los reconocimientos por su trabajo se incluyen el Premio Nacional de Arte, la pertenencia a la Academia de Artes y la Ordine della Repubblica Italiana al Mérito, grado Commendatore por el gobierno italiano.
Murió en 1980.

"Presencia de América Latina / Presence of Latin America", mural, 300 m2., 1964-65. 
Casa del Arte, Universidad de Concepción, Chile


El 25 de Marzo es el cumple de

Pedro Coronel, escultor y pintor mexicano nacido en 1922, parte de la Generación de la Ruptura, que introdujo la innovación en el arte mexicano a mediados del siglo 20. La formación de Coronel tuvo lugar con artistas de la tradición del muralismo mexicano, con la influencia de algunos como Diego Rivera. Esta influencia se mantuvo con el uso de temas y colores prehispánicos en su obra. Sin embargo, su trayectoria artística lo llevó hacia un mayor uso del color y formas más abstractas, debido a las influencias de artistas como Rufino Tamayo. Su obra se exhibió y ganó el reconocimiento en México, Estados Unidos y Europa. Poco antes de morir, donó su considerable colección de arte personal para el pueblo de México. Con ella se abrió el Museo Pedro Coronel, en la ciudad de Zacatecas.
Murió en 1985.

"Los Alucinados / The Hallucinated", oleo sobre lienzo / oil on canvas, 177,5 x 137,5 cm., 1959


El 26 de Marzo es el cumple de

Li Keran (李可染), pintor y educador nacido en 1907, que fue una figura prominente en el arte chino del siglo XX. Desarrolló un estilo personal de la pintura de paisaje que se basa en la emulación tanto de maestros antiguos como contemporáneos.
Li mostró un don para la pintura, la caligrafía y la música desde niño. Cuando tenía 13 años empezó a estudiar la pintura de paisaje con un pintor local. En 1923 ingresó en la Escuela de Arte de Shanghai, estudiando tanto la pintura china tradicional como el arte occidental. Fue durante este período que Li asistió a tres conferencias impartidas por Kang Youwei (康有為), quien abogó por el aprendizaje tanto de la pintura académica de Song como de la tradición realista del Renacimiento europeo. El ideal de Kang de fusionar el arte oriental y occidental para crear un nuevo siglo en la pintura china inspiró a Li en gran medida y se convirtió en su búsqueda de por vida.
Murió en 1989.

"Escenario del río Li / Scenery of the Li River", rollo colgante, tinta y color sobre papel / 
hanging scroll, ink and color on paper, 69 x 116 cm., 1986. 
 Colección de Mr. Lui Kwok Man Collection, Hongkong.


El 27 de Marzo es el cumple de

Albert Marquet, pintor francés nacido en 1875, asociado con el movimiento fauvista. Inicialmente se convirtió en uno de los pintores fauves. Posteriormente Marquet pintó en un estilo más naturalista, principalmente paisajes, pero también varios retratos, y entre 1910 y 1914 varias pinturas de desnudos femeninos.
En 1890 se trasladó a París para asistir a la Escuela de Artes Decorativas, donde conoció a Henri Matisse, de quien sería amigo toda la vida. Fueron compañeros de habitación durante un tiempo, y se influyeron mutuamente. Marquet comenzó sus estudios en 1892 en la École des Beaux-Arts con Gustave Moreau, un artista simbolista seguidor de la tradición romántica de Eugène Delacroix.
En 1905 se presentó en el Salon d'Automne, donde sus cuadros se expusieron junto a los de Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain, Othon Friesz, Georges Rouault, Raoul Dufy, Henri Manguin, Georges Braque, Louis Valtat, Georges Dufrénoy y Jean Puy.
Consternados por el intenso colorido de estos cuadros, los críticos reaccionaron llamando a estos artistas "fauves", es decir, bestias salvajes. Aunque Marquet pintó con los fauves durante años, utilizó colores menos brillantes y violentos que los demás, y destacó los tonos menos intensos mezclando complementarios, siempre como colores, nunca como grises.
Posteriormente Marquet pintó en un estilo más naturalista, principalmente paisajes.
Murió en 1947.

"La mujer rubia / La femme blonde (Femme blonde sur un fond de châle espagnol) / 
The Blonde Woman" 1919, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 98,5 x 98,5 cm., 1919. 
Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou (Paris, Francia / France)


Hoy, 28 de Marzo, es el cumple de

Shaban Hadëri, escultor albanés nacido en 1928.
Realizó sus estudios primarios en Kopaçes. Tras la invasión italiana de Albania, la familia se trasladó a Delvina. En 1944 ingresó en el ejército, siendo mensajero de la 14ª Brigada extranjera (Brigadën e 14-të Sulmuese).
Después de la guerra se trasladó a Tirana donde fue alumno de Nexhmedin Zani en la escuela técnica, y posteriormente estudió escultura en el Liceo de Artes Jordan Misja (1946-50). Fue alumno de Odhise Paskali.
Luego estudió en la Academia de Bellas Artes de Leningrado (1953-58). En este período realizó la obra los tres héroes, que posteriormente fue trasladada a Moscú.
Más tarde enseñó durante dos años en el Liceo y tras inaugurarse el Instituto Superior de Arte de Tirana, fue allí profesor de escultura monumental.
Hadëri se estableció pronto como escultor, dentro del estilo denominado realismo socialista.
Inspirado principalmente por los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial, plasmó el heroísmo de los partisanos en algunos monumentos simbólicos, como el de los 5 Héroes de Vig en Shkodër.
Murió en 2010.

"Cinco héroes de Vig / Five Heroes of Vig", Skhodër (Albania / Albany)


El 29 de Marzo es el cumple de

Benjamin Franklin Rawson, pintor argentino nacido en 1819 o 1820, que perteneció a la primera generación de pintores argentinos llamados los "precursores". Sus obras más conocidas son el asesinato de Manuel Vicente Maza y Rescate en la Cordillera.
Primero estudió con Domingo Faustino Sarmiento, su amigo de toda la vida. A continuación, comenzó a pintar, instruido por Amadeo Gras y Pierre Douet.
Más tarde, Rawson fue parte del movimiento plástico de San Juan promovido por la Sociedad Dramática Filarmónica, que había sido creada por Sarmiento. Cuando cumplió dieciocho años, su padre lo envió a Buenos Aires, donde fue discípulo de Fernando García del Molino, con quien perfeccionó el retrato y la pintura en miniatura. En 1838 hizo su autorretrato.
Después de estudiar en Buenos Aires, Rawson regresó a San Juan. Sin embargo, debido a los conflictos políticos que estallaron en la provincia y su amistad con Sarmiento se vio obligado a abandonar el país en 1842, refugiándose en Chile.
Regresó a San Juan el mismo año y fue elegido diputado provincial. Sin embargo, renunció y regresó a Buenos Aires, donde continuó sus estudios con Martín Boneo.
Su importancia comenzó a declinar debido a la aparición del daguerrotipo o la fotografía temprana que competía con el retrato.
Murió en 1871.

"El escobero / The Broom Seller", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1865.


El 30 de Marzo es el cumple de

Fortunato Depero, pintor futurista, escritor, escultor y diseñador gráfico italiano nacido en 1892.
Depero creció en Rovereto y fue aquí donde primero comenzó a exponer sus obras, mientras se desempeñaba como aprendiz de un marmolista. Fue en un viaje de 1913 a Florencia que descubrió una copia del periódico Lacerba y un artículo de uno de los fundadores del movimiento futurismo, Filippo Tommaso Marinetti. Depero se inspiró y en 1914 se trasladó a Roma donde conoció a su compañero futurista Giacomo Balla. Fue con Balla en 1915 que escribió el manifiesto Ricostruzione futurista dell’universo ("Reconstrucción futurista del universo") que amplió las ideas introducidas por los otros futuristas.
En 1919 Depero fundó la "Casa d'Arte Futurista" en Rovereto.
En 1928 se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde experimentó un cierto grado de éxito.
En la década de 1930 y 40 Depero siguió trabajando, aunque debido a que el futurismo estuvo vinculado con el fascismo, el movimiento comenzó a menguar. El desarrollo artístico del movimiento en este período puede atribuirse principalmente a él y Balla.
Murió en 1960.

"Il treno / El tren / The Train", óleo sobre tela / oil on canvas, 87 x 64 cm., 1927. 
Museo Cà la Ghironda, Zola Predosa (Bologna, Italia / Italy)


El 31 de Marzo es el cumple de

William Morris Hunt, pintor estadounidense nacido 1824 en Brattleboro, Vermont. Fue el pintor más importante de mediados del siglo XIX en Boston, Massachusetts.
Hunt estudió con Couture en París y luego cayó bajo la influencia de Jean-François Millet, de quien aprendió los principios de la escuela de Barbizon. Su familia permaneció en Europa durante unos doce años.
Después de salir de París, pintó y creó escuelas de arte en Newport, Rhode Island, donde tenía parientes, Brattleboro, Vermont, Isla Faial en las Azores, donde tenía conexiones familiares y finalmente en Boston, donde pintó, enseñó arte y se convirtió en un retratista popular.
La compañía de Millet tuvo una influencia duradera en el carácter y estilo de Hunt, y su obra creció en fuerza, belleza y seriedad. Fue uno de los mayores defensores de la escuela de Barbizon en Estados Unidos.
William Morris Hunt murió en Isles of Shoals, Nueva Hampshire, en 1879. Al parecer se suicidó.

"Cataratas del Niágara / Niagara Falls", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 158,12 x 251,46 cm., 1878. Williams College Museum of Art (Williamstown, Estados Unidos / USA)


Textos en inglés / English translation

On March 22 is the birthday of

Anton Raphael Mengs, German Bohemian painter born in 1728, active in Rome, Madrid and Saxony, who became one of the precursors to Neoclassical painting.
In 1741 Mengs's father took him from Dresden to Rome. In Rome, his fresco painting of Parnassus at Villa Albani gained him a reputation as a master painter. In 1749 he was appointed first painter to Frederick Augustus, elector of Saxony, but this did not prevent him from spending much of his time in Rome.
In 1749 Mengs accepted a commission from the Duke of Northumberland to make a copy, in oil on canvas, of Raphael's fresco The School of Athens for his London home. Executed in 1752–5, Mengs' painting is full-sized, but adapts the composition to a rectangular format, with some additional figures.
On two occasions he accepted invitations from Charles III of Spain to go to Madrid. There he produced some of his best work, most notably the ceiling of the banqueting hall of the Royal Palace of Madrid, the subject of which was the Triumph of Trajan and the Temple of Glory. After the completion of this work in 1777, Mengs returned to Rome, where he died two years later, in poor circumstances, leaving twenty children, seven of whom were pensioned by the king of Spain. His portraits and self-portraits recall an attention to detail and insight often lost in his grander paintings.

On March 23 is the birthday of

Joseph Christian Leyendecker, one of the preeminent American illustrators of the early 20th century. 
He was born in 1874 and is best known for his poster, book and advertising illustrations, the trade character known as The Arrow Collar Man, and his numerous covers for The Saturday Evening Post. Between 1896 and 1950, Leyendecker painted more than 400 magazine covers. During the Golden Age of American Illustration, for The Saturday Evening Post alone, J. C. Leyendecker produced 322 covers, as well as many advertisement illustrations for its interior pages. No other artist, until the arrival of Norman Rockwell two decades later, was so solidly identified with one publication. Leyendecker "virtually invented the whole idea of modern magazine design."
He died in 1951.

On March 24 is the birthday of

Jorge González Camarena, prominent Mexican painter, muralist and sculptor born in 1908.
He is best known for his mural work, as part of the Mexican muralism movement, although his work is distinct from the main names associated with it (Rivera, Orozco and Siqueiros). His major works include the mural on the main administration building of the Monterrey Institute of Technology and Higher Studies and a mural created for the Universidad de Concepción in Chile. He also created easel works, one of which, La Patria, was well known in Mexico as it was used on the cover of free textbooks from the 1960s into the 1970s. Recognitions for his work include the Premio Nacional de Arte, membership in the Academia de Artes and the Ordine al Merito della Repubblica Italiana, grade Commendatore from the Italian government.
He died in 1980.

On March 25 is the birthday of

Pedro Coronel, Mexican sculptor and painter born in 1922, part of the Generación de la Ruptura, bringing innovation into Mexican art in the mid 20th century. Coronel’s training was with artists of the Mexican muralism tradition, with influence from artists like Diego Rivera. This influence remained with the use of pre Hispanic themes and colors in his work. However, his artistic trajectory took him towards more use of color and more abstract forms in his work, due to influences from artists such as Rufino Tamayo. His work was exhibited and gained recognition in Mexico, the United States and Europe. Shortly before his death, he donated his considerable personal art collection to the people of Mexico, which was used to open the Museo Pedro Coronel in the city of Zacatecas.
He died in 1985.

On March 26 is the birthday of

Li Keran (李可染), painter and art educator born in 1907, who was a prominent figure in 20th-century Chinese art. He developed a personal style of landscape painting that was based upon the emulation of both ancient and contemporary masters.
Li showed a gift for painting, calligraphy, and music as a child. When he was 13, he began to study landscape painting with a local painter. In 1923 he entered the Shanghai Art College, studying both traditional Chinese painting and Western art. It was during this period that Li attended three lectures given by Kang Youwei (康有為), who advocated learning from both Song academic painting and from the realistic tradition of the European Renaissance. Kang’s ideal of merging Eastern and Western art to create a new century in Chinese painting inspired Li greatly and became his lifelong pursuit.
He died in 1989.

On March 27 is the birthday of

Albert Marquet, French painter born in 1875, associated with the Fauvist movement. He initially became one of the Fauve painters and a lifelong friend of Henri Matisse. Marquet subsequently painted in a more naturalistic style, primarily landscapes, but also several portraits and, between 1910 and 1914, several female nude paintings.
 In 1890 he moved to Paris to attend the Ecole des Arts Decoratifs, where he met Henri Matisse. They were roommates for a time, and they influenced each other's work. Marquet began studies in 1892 at the École des Beaux-Arts under Gustave Moreau, a symbolist artist who was a follower of the Romantic tradition of Eugène Delacroix.
In 1905 he exhibited at the Salon d'Automne where his paintings were put together with those of Henri Matisse, Maurice de Vlaminck, André Derain, Othon Friesz, Georges Rouault, Raoul Dufy, Henri Manguin, Georges Braque, Louis Valtat, Georges Dufrénoy and Jean Puy. 
Dismayed by the intense coloration in these paintings, critics reacted by naming the artists the "Fauves", i.e. the wild beasts. Although Marquet painted with the fauves for years, he used less bright and violent colours than the others, and emphasized less intense tones made by mixing complementaries, thus always as colors and never as grays.
Marquet subsequently painted in a more naturalistic style, primarily landscapes.
He died in 1947.

Today, March 28, is the birthday of

Shaban Hadëri, Albanian sculptor born in 1928.
He completed his primary education at Kopaçes. After the Italian invasion of Albania, the family moved to Delvina. In 1944 he joined the army, being the messenger of the 14th Brigade foreign (Brigaden and 14-të Sulmuese).
After the war he moved to Tirana where was student of Nexhmedin Zani at the technical school, and later studied sculpture at the School of Arts Jordan Misja (1946-1950). He was a student of Odhise Paskali.
He then studied at the Academy of Fine Arts in Leningrad (1953-1958). In that period he made the work Three Heroes, which was later moved to Moscow.
Later he taught for two years at the Lyceum and after the opening of the Superior Institute of Art in Tirana, was there a professor of monumental sculpture.
Hadëri soon established himself as a sculptor in the style called socialist realism.
Inspired primarily by the events of World War II, captured the heroism of the partisans in some symbolic monuments such as the 5 Heroes of Vig in Shkodër.
He died in 2010.

On March 29 is the birthday of

Benjamín Franklin Rawson, Argentine painter born in 1819 or 1820, who belonged to the first generation of Argentine painters called the "precursors". His best known works are the Assassination of Manuel Vicente Maza and Rescue in the Cordillera.
He first studied with Domingo Faustino Sarmiento, his lifelong friend. He then started to paint, taught by Amadeo Gras and Pierre Douet.
Later, Rawson was part of the San Juan plastic movement promoted by the Philharmonic Dramatic Society, which had been created by Sarmiento. When he turned eighteen years old, his father sent him to Buenos Aires, where he was a pupil of Fernando García del Molino, under whom he perfected portrait and miniature painting. In 1838 he made his self-portrait.
After studying in Buenos Aires, Rawson returned to San Juan. However, due to the political conflicts that erupted in the province and his friendship with Sarmiento he was forced to leave the country in 1842, taking refuge in Chile.
He returned to San Juan in the same year and was elected a provincial deputy. However, he resigned and moved back to Buenos Aires, where he continued his studies with Martín Boneo.
His importance began to decline due to the appearance of the daguerreotype or early photography that competed with the portrait.
He died in 1871.

On March 30 is the birthday of

Fortunato Depero, Italian futurist painter, writer, sculptor and graphic designer born in 1892.
Depero grew up in Rovereto and it was here he first began exhibiting his works, while serving as an apprentice to a marble worker. It was on a 1913 trip to Florence that he discovered a copy of the paper Lacerba and an article by one of the founders of the futurism movement, Filippo Tommaso Marinetti. Depero was inspired, and in 1914 moved to Rome and met fellow futurist Giacomo Balla. It was with Balla in 1915 that he wrote the manifesto Ricostruzione futurista dell’universo ("Futurist Reconstruction of the Universe") which expanded upon the ideas introduced by the other futurists.
In 1919 Depero founded the "Casa d'Arte Futurista" (House of Futurist Art) in Rovereto.
1928 saw Depero move to New York City, where he experienced a degree of success.
In the 1930s and 40s Depero continued working, although due to futurism being linked with fascism, the movement started to wane. The artistic development of the movement in this period can mostly be attributed to him and Balla. 
He died in 1960.

On March 31 is the birthday of

William Morris Hunt, American painter born 1824 in Brattleboro, Vermont. He was the leading painter of mid-19th-century Boston, Massachusetts.
Hunt studied with Couture in Paris and then came under the influence of Jean-François Millet, from whom he learned the principles of the Barbizon school. The Hunt family remained in Europe for a dozen years.
After leaving Paris, he painted and established art schools at Newport, Rhode Island, where he had relatives, Brattleboro, Vermont, Faial Island in the Azores, where he had family connections and finally at Boston, where he painted, taught art and became a popular portrait painter.
The companionship of Millet had a lasting influence on Hunt's character and style, and his work grew in strength, in beauty and in seriousness. He was among the biggest proponents of the Barbizon school in America.
William Morris Hunt died at the Isles of Shoals, New Hampshire, in 1879, apparently a suicide.

Aniversarios Fotografía (LXIII) [Marzo / Marzo 23-31]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 23 de Marzo es el cumple de

José Fernandes, fotógrafo portugués nacido en Madeira en 1963.
José alterna su trabajo como gerente de Ventas y Mercadeo en el sector industrial y alimentos con la fotografía. En 2010 comenzó sus estudios en la escuela de Roberto Mata donde, además de la etapa básica, realizó talleres especializados en Retrato, Paisajismo, Documentalismo e Iluminación; también tomó cursos en Avecofa y Fotoarte, y participó en numerosas expediciones fotográficas organizadas por Larga Distancia. Como fotógrafo ha colaborado en proyectos como una publicación de Fundación Venezuela en Positivo (2013) y un programa educativo de la Gobernación de Miranda expuesto en la FIA 2014. 

"Estado Portuguesa, Venezuela"


El 24 de Marzo es el cumple de

Scott Krycia, director estadounidense de cine, productor, actor y fotógrafo nacido en 1971.
Krycia se crió en Bethlehem, Pennsylvania y después de terminar la escuela secundaria se graduó de Northampton Community College en Bethlehem, Pensilvania. Krycia formó K Studios en 1997 con su compañero de universidad, Sean Tiedeman. En mayo de 2005, El Este de Pennsylvania Business Journal nombró Krycia en el top 20 de los líderes empresariales de la región bajo la edad de 40 años.
Sitio web del artista: http://scottkrycia.com/

"Calles nocturnas / Night Streets", Praga


El 25 de Marzo es el cumple de

Marie Šechtlová, fotógrafa checa, una de las defensoras del estilo de la "poesía de lo cotidiano".
Estudió en la Escuela Superior T'sbor (1947) y completó su aprendizaje de fotografía en el estudio fotográfico de Šechtl y Voseček en Tábor (fundado 1876).
En 1961 publicó una serie de fotografías acompañando poemas de Jan Noha en "Fotografía Revue". Nominada para la adhesión a la Unión de Artistas de Checoslovaquia, donde fue admitida en 1965.
En 1963-1964 viajó a Moscú, Leningrado, Kiev, Estonia, Lituania, Letonia y EE.UU.
Murió en 2008.

"Plaza Wenceslao / Wenceslas Square", Praga, 1962


El 26 de Marzo es el cumple de

Leonard Simon Nimoy, actor, director de cine, fotógrafo, autor, poeta, cantante y compositor estadounidense nacido en 1931. Fue conocido por su papel como el Sr. Spock de la franquicia de Star Trek.
Nimoy empezó su carrera a principios de los años veinte, dando clases de actuación en Hollywood y haciendo apariciones menores en cine y televisión durante la década de 1950. Anticipando su fama como un semi-alien, interpretó a Narab, uno de los tres invasores marcianos en la serie de películas de 1952 Zombis de la estratosfera.
En 1965 hizo su primera aparición en el rechazado piloto de Star Trek "The Cage", y pasó a interpretar el personaje de Spock hasta 1969, seguido de ocho largometrajes y como actor invitado en las distintas series spin-off. El personaje ha tenido un importante impacto cultural y por él obtuvo Nimoy tres nominaciones a los premios Emmy; TV Guide nombró a Spock una de las 50 personajes más grandes de la televisión. Después de la serie original de Star Trek, Nimoy protagonizó Misión: Imposible durante dos temporadas, invitado en la serie documental "En busca de ...", narró "Civilization IV", e hizo varias apariciones bien recibidas. También tuvo un papel recurrente en la serie de ciencia ficción Fringe.
El interés de Nimoy en la fotografía comenzó en la infancia; durante resto de su vida tuvo una cámara que reconstruyó a los 13 años. En la década de 1970 estudió fotografía en la Universidad de California en Los Ángeles. Sus estudios de fotografía en la UCLA tuvieron lugar después de Star Trek y Misión: Imposible, cuando Nimoy consideró seriamente cambiar de carrera. Su trabajo fue expuesto en las galerías de Michelson R. en Northampton, Massachusetts y el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts.
Murió en 2015.

"Homenaje a Matisse / Homage to Matisse", 2005


El 27 de Marzo es el cumple de

Shoji Ueda (植田正治), fotógrafo de Tottori, Japón, nacido en 1913, que combinó elementos surrealistas de composición con representación realista. La mayor parte del trabajo por el que Ueda es ampliamente conocido fue fotografiado en una franja de unos 350 kilómetros que va desde Igumi (en la frontera de Tottori y Hyōgo) a Hagi (Yamaguchi).
Recibió una cámara de su padre en 1930 y rápidamente se involucró en la fotografía, enviando sus tomas a revistas; su fotografía Niño en la playa (浜の子供, Hama no Kodomo) apareció en la edición de diciembre de Cámara.
En 1930 Ueda formó el grupo fotográfico Chūgoku Shashinka Shūdan (中国写真家集団) con Ryosuke Ishizu, Kunio Masaoka, y Akira Nomura (野村秋良)
En 1941 renunció a la fotografía al no querer convertirse en un fotógrafo militar.
Descubrió en las dunas de arena de Tottori excelentes telones de fondo para retratos individuales y de grupo, por lo general en formato cuadrado y hasta relativamente tarde todos en blanco y negro. En 1949, inspirado por Kineo Kuwabara (por aquél entonces editor de Cámara), Ueda fotografió las dunas con Ken Domon y Yōichi Midorikawa.
Desde 1975 hasta 1994 fue profesor en la Universidad de Kyushu Sangyo.
Murió en 2000.

"Mi Familia / My Family", 1949


El 28 de Marzo es el cumple de

André Adolphe Eugène Disdéri, fotógrafo francés nacido en 1819, que comenzó su carrera fotográfica como daguerrotipista pero ganó fama por patentar su versión de la tarjeta de visita, una pequeña imagen fotográfica que se montaba en una tarjeta. Disdéri, un showman brillante, hizo que este sistema de producción en masa de retratos se hiciera famoso mundialmente.
Las fotografías habían servido previamente como tarjetas de visita, pero el invento de Disdéri de la tarjeta de visita fotográfica permitió la producción en serie de fotografías. El 27 de noviembre 1854 se patentó el sistema de impresión de diez fotografías en una sola hoja (aunque no hay evidencia de que un sistema de impresión de más de ocho se materializara en realidad). Esta fue la primera patente para una tarjeta de visita. Las tarjetas de Disdéri eran de 6 × 9 cm., aproximadamente del tamaño de las tarjetas de visita (no fotográficas) convencionales de la época, y se realizaban con una cámara con cuatro lentes y un soporte de la placa de deslizamiento, un diseño inspirado por las cámaras estereoscópicas.
La novedad se extendió rápidamente por todo el mundo. El hecho de que estas fotos se podían reproducir a bajo costo y en gran cantidad provocó el declive del daguerrotipo.
Murió en 1889.

"Clara Silvois", 1862. Metropolitan Museum (Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)


Hoy, 29 de Marzo, es el cumple de

Sarah Edwards Charlesworth, artista conceptual y fotógrafa estadounidense nacida en 1947. Se la considera parte de la Pictures Generation, un grupo de artistas que trabajan en Nueva York a finales de los '70 y principios de los '80, preocupados por cómo las imágenes dan forma a nuestra vida cotidiana y a la sociedad en su conjunto.
Charlesworth trabajó en series fotográficas, pero declaró en una entrevista de 1990 que en realidad no había pensado en sí misma como una fotógrafa. Señaló, más bien, que ella veía su trabajo como investigadora que se hacía preguntas sobre el mundo y su papel en él, pero se dio cuenta a partir de ese momento que había estado investigando esas preguntas a través del medio de la fotografía durante los últimos doce años.
Charlesworth comenzó a fotografiar objetos reales sólo en la década de 1990. Su serie "La Academia de los secretos" es el intento de Charlesworth de transmitir sus emociones a través de la utilización de imágenes abstractas de objetos que tienen asociaciones simbólicas. Ilustró cómo la forma en que la luz cae sobre los objetos afecta nuestra percepción de ellos en su exposición individual de 2012 "Luz disponible".
Murió en 2013.
Sitio web de la artista: http://www.sarahcharlesworth.net/

"Máscara roja / Red Mask", 1983


El 30 de Marzo es el cumple de

Johann Ryno de Wet, fotógrafo sudafricano nacido en 1982 que vive y trabaja en Johannesburgo, en cuya obra refleja un mundo onírico e inquietante gracias a imágenes que juegan con la luz y la oscuridad.
«Los sueños revelan deseos y miedos de los cuales no somos conscientes, pero juegan un papel importante al ayudarnos consciente o subconscientemente a ser mejores haciendo frente a la vida. (...) Mi objetivo es revelar no sólo los entornos ficticios de mis sueños, sino descubrir un propósito más elevado o función de los sueños.»
Sitio web del artista: http://www.rynodewet.com/

"Syren", impresión digital / digital print, 84 x 74 cm. / 59 x 52 cm. Edition, 5 + 2 AP, 2006


El 31 de Marzo es el cumple de

Nathalie Daoust, fotógrafo canadiense y artista contemporáneo. El uso del espacio y la luz como vías a través de la cual examinar la creación de uno mismo, se construye mundos fantásticos que ponen al descubierto los impulsos contradictorios que nos impulsan.
Estudió fotografía en el Cégep du Vieux Montreal (1994-1997). Al graduarse se mudó a la ciudad de Nueva York, donde pasó dos años que habitan y fotografiar las maravillosas habitaciones temáticas del Carlton Arms Hotel. Estas imágenes forman su primer libro, Nueva York Hotel Story, publicado en 2002. Nueva York Hotel Story presenta muchos de los temas que se enfrenta con en obras posteriores, incluyendo la identidad, el género, la sexualidad, el tiempo y la memoria, y el escapismo.
Sus fotografías se centran en la exposición de los deseos y sueños ocultos, con frecuencia como se manifiesta en los márgenes de la sociedad. Con demasiada frecuencia, este margen es habitada por mujeres, ya que muchos de sus proyectos atestiguan. Desde retratos de mujeres profesionales del sexo en Brasil y Japón, al papel de la mujer en la sociedad china contemporánea, Nathalie explora el lado más oscuro de la construcción de la identidad femenina.
Sitio web de la artista: http://www.daoustnathalie.com/

Serie Historia del Hotel Tokyo / Tokyo Hotel Story Series


Textos en inglés / English translation

On March 23 is the birthday of

José Fernandes, Portuguese photographer born in Madeira in 1963.
José alternates photography with his job as manager of sales and marketing in the food industry. In 2010 he began his studies at the School of Roberto Mata where, besides the basic stage, attended workshops specializing in Portrait, Landscape, Documentarism & Lighting. He also took courses in Avecofa and Fotoarte, and participated in numerous photographic expeditions organized by Long Distance. As a photographer he has worked on projects such as a publication of Venezuela in Positive Foundation (2013) and an educational program of the Government of Miranda exhibited at the 2014 FIA.

On March 24 is the birthday of

Scott Krycia, American film director, producer, actor, and photographer born in 1971.
Krycia was raised in Bethlehem, Pennsylvania and after finishing high school he graduated from Northampton Community College in Bethlehem, Pennsylvania. Krycia formed K Studios in 1997 with his college classmate, Sean Tiedeman. In May 2005, The Eastern Pennsylvania Business Journal named Krycia in the top 20 of the region's business leaders under the age of 40.
Artist's website: http://scottkrycia.com/

On March 25 is the birthday of

Marie Šechtlová, Czech photographer, one of the proponents of the "poetry of everyday" style.
She studied in the T´sbor High School (1947) and completed apprenticeship in photography, at photographic studio of Šechtl and Voseček in Tábor (founded 1876).
In 1961published a series of photographs accompanying poem by Jan Noha, in “Photography Revue”. Nominated for membership of Union of Czechoslovak Artists.
In 1963-64 she traveled Moscow, Leningrad, Kiev, Estonia, Lithuania, Latvia and USA. In 1965 was admitted to Membership of Union of Czechoslovak Artists.
She died in 2008.

On March 26 is the birthday of

Leonard Simon Nimoy, American actor, film director, photographer, author, poet, singer and songwriter born in 1931. He was known for his role as Mr. Spock of the Star Trek franchise.
Nimoy began his career in his early twenties, teaching acting classes in Hollywood and making minor film and television appearances through the 1950s. Foreshadowing his fame as a semi-alien, he played Narab, one of three Martian invaders in the 1952 movie serial Zombies of the Stratosphere.
In 1965, he made his first appearance in the rejected Star Trek pilot "The Cage", and went on to play the character of Spock until 1969, followed by eight feature films and guest slots in the various spin-off series. The character has had a significant cultural impact and garnered Nimoy three Emmy Award nominations; TV Guide named Spock one of the 50 greatest TV characters. After the original Star Trek series, Nimoy starred in Mission: Impossible for two seasons, hosted the documentary series In Search of..., narrated Civilization IV, and made several well-received stage appearances. He also had a recurring role in the science fiction series Fringe.
Nimoy's interest in photography began in childhood; for the rest of his life, he owned a camera that he rebuilt at the age of 13. In the 1970s, he studied photography at the University of California, Los Angeles.[15][65] His photography studies at UCLA occurred after Star Trek and Mission: Impossible, when Nimoy seriously considered changing careers. His work has been exhibited at the R. Michelson Galleries in Northampton, Massachusetts[15] and the Massachusetts Museum of Contemporary Art.
He died in 2015.

On March 27 is the birthday of

Shōji Ueda (植田正治), photographer of Tottori, Japan, born in 1913, who combined surrealist compositional elements with realistic depiction. Most of the work for which Ueda is widely known was photographed within a strip of about 350 km running from Igumi (on the border of Tottori and Hyōgo) to Hagi (Yamaguchi).
He received a camera from his father in 1930 and quickly became very involved in photography, submitting his photographs to magazines; his photograph Child on the Beach (浜の子供), Hama no kodomo) appeared in the December issue of Camera.
In 1930 Ueda formed the photographic group Chūgoku Shashinka Shūdan (中国写真家集団) with Ryōsuke Ishizu, Kunio Masaoka, and Akira Nomura (野村秋良)
In 1941 Ueda gave up photography, not wanting to become a military photographer.
Ueda found the sand dunes of Tottori excellent backdrops for single and group portraits, typically in square format and until relatively late all in black and white. In 1949, inspired by Kineo Kuwabara, then the editor of Camera, Ueda photographed the dunes with Ken Domon and Yōichi Midorikawa.
From 1975 until 1994, Ueda was a professor at Kyushu Sangyo University.
He died in 2000.

On March 28 is the birthday of

André Adolphe Eugène Disdéri, French photographer born in 1819 who started his photographic career as a daguerreotypist but gained greater fame for patenting his version of the carte de visite, a small photographic image which was mounted on a card. Disdéri, a brilliant showman, made this system of mass-production portraiture world famous.
Photographs had previously served as calling cards, but Disdéri's invention of the paper carte de visite (i.e. "visiting card") photograph second enabled the mass production of photographs. On 27 November 1854 he patented the system of printing ten photographs on a single sheet (although there is no evidence that a system printing more than eight actually materialized). This was the first patent ever for a carte de visite. Disdéri's's cartes de visite were 6×9 cm, about the size of conventional (nonphotographic) visiting cards of the time, and were made by a camera with four lenses and a sliding plate holder; a design inspired by the stereoscopic cameras.
The novelty quickly spread throughout the world. The fact that these photos could be reproduced inexpensively and in great quantity brought about the decline of the daguerreotype.
He died in 1889.

Today, March 29, is the birthday of

Sarah Edwards Charlesworth, American conceptual artist and photographer born in 1947. She is considered part of The Pictures Generation, a loose-knit group of artists working in New York in the late 1970s and early 1980s, all of whom were concerned with how images shape our everyday lives and society as a whole.
Charlesworth worked in photographic series, but stated in a 1990 interview that she had not really thought of herself as a photographer. She stated, rather, that she viewed her work as investigating questions about the world and her role in it, but realized as of that point that she had been investigating those questions through the medium of photography for the past twelve years.
Charlesworth began to photograph actual objects only in the early 1990s. Her series The Academy of Secrets is Charlesworth's attempt to convey her emotions through using abstracted images of objects that have symbolic associations. She illustrated how the way light falls on objects affects our perceptions of them as the subject of her own 2012 solo exhibition Available Light.
She died in 2013.

On March 30 is the birthday of

Johann Ryno de Wet, South African photographer born in 1982, who lives and works in Johannesburgo, whose work reflects a dreamlike and disturbing world with images that play with light and darkness.
«Dreams reveal desires and fears that we're not consciously aware of, but play an important part in consciously or subconsciously helping us to become better at dealing with life. (...) My aim is to reveal not just the fictional environments of my dreams, but to reveal perhaps a higher purpose or function of dreams.»
Artist's website: http://www.rynodewet.com/

On March 31 is the birthday of

Nathalie Daoust, Canadian photographer and contemporary artist. Using space and light as avenues through which to examine the creation of self, she constructs fantastic worlds that lay bare the conflicting impulses that drive us.
She studied photography at the Cégep du Vieux Montreal (1994-1997). Upon graduating she moved to New York City, where she spent two years inhabiting and photographing the uniquely themed rooms of the Carlton Arms Hotel. These images comprise her first book, New York Hotel Story, published in 2002. New York Hotel Story introduces many of the themes she grapples with in subsequent works, including identity, gender, sexuality, time and memory, and escapism.
Her photographs focus on exposing hidden desires and dreams, frequently as manifested in the margins of society. Too often this margin is inhabited by women, as many of her projects attest. From portraits of female sex workers in Brazil and Japan, to the role of women in contemporary Chinese society, Nathalie explores the darker side of the construction of female identity.

Joan Mora [Escultura]

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Hace algo menos de un año teníamos oportunidad de ver en el excelente blog de Mafa Alborés "La voz del animal invisible", un reportaje fotográfico realizado por el barcelonés José Navarrete siguiendo el proceso creativo de una obra del escultor Joan Mora.
En esta serie, publicada originalmente en On Barcelona, podíamos disfrutar de la actividad del artista en plena faena en su taller. Un recorrido por la obra de Mora me dejó claro que debía ser conocida por los seguidores de este blog. Aquí les dejo una selección imágenes de sus creaciones, de algunas de la serie de Navarrete y algo de información complementaria.

Less than a year ago we had opportunity to see in the excellent blog of Mafa Albores "The Voice of the Invisible Animal" (in Spanish), a photo essay by José Navarrete (from Barcelona), following the creative process of a work by the sculptor Joan Mora.
In these series, originally published in On Barcelona, we enjoyed the activity of the artist working hard at his workshop. A survey of Mora's work made it clear for me that it should be known by the followers of this blog. Here you have a selection of images of his creations, some of the Navarrete's series, and additional information.
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Joan Mora

El artista trabajando / The artist at work. Foto / Photo: José Navarrete

Joan Mora Soler nació en Barcelona en 1944. Hijo de un tallista de mármol, se interesó desde una temprana edad en el arte. En Barcelona estudió en La Llotja y en Bellas Artes de Sant Jordi. Posteriormente añadió a sus estudios una beca en L´Ecole des Beaux Arts de París. Desde entonces ha realizado gran cantidad de exposiciones tanto en España como en el extranjero.



El uso casi exclusivo del mármol en sus esculturas es una de sus características más distintivas. Hace representaciones de objetos comunes consiguiendo las texturas y colores por medio del uso de diferentes tipos de piedra para adquirir la mayor semblanza posible al objeto en cuestión.
Joan nos confunde los sentidos y nos deja con una incertidumbre respecto a nuestro entorno, con los bloques de mármol que consigue transformar en objetos cotidianos. ¿Qué es lo que vemos en estas figuras? ¿Cuáles son las cosas a las que estamos acostumbrados y cuáles las que están talladas? La verosimilitud de sus obras es lo que nos hace admirar su arte el cual, sin lugar a dudas, es una muestra de la elegancia de la simpleza.



«Nací en una casa-taller en la que trabajaban mi padre y mi hermano, que eran marmolistas del cementerio de Sant Andreu. Mis juguetes eran todos de mármol. Luego me forme en un taller y continué en París, donde fui a los 20 años con una beca. Vi que lo mío tenía posibilidades ilimitadas. Allí vendí toda mi obra cuando en Barcelona no me facilitaban exponer en galerías porque el realismo no se llevaba. Lo hice en Madrid. Luego expuse hasta en la Fundació Miró por mediación de Brossa, que admiraba mi obra.»



«Tengo muchos objetos repetidos. Hago paquetes, cajas, las cosas más simples. Porque me gustan, porque tienen muchos detalles. No hay un significado. Eso lo tiene que poner el espectador. Lo mío es más de oficio que de parida mental. Me considero un alquimista del objeto cotidiano, que lo paso a mármol o a piedra.»



«Es un trabajo muy duro porque es picar piedra. La maleta por ejemplo me ha llevado dos meses de trabajo, siempre por las mañanas, con luz natural. Hace falta mucha paciencia que solo se consigue a base de paciencia. Para mí el reto es que la persona que ve la obra la vea real.»

"Barcelona Olímpica / Olympic Barcelona", mármol / marble, 1996
Maletín con la antorcha olímpica instalado en el Ayuntamiento de Barcelona, España /
Suitcase with the Olympic Torch, Barcelona City Counil, Spain


Joan Soler Mora was born in Barcelona in 1944. Son of a marble carver, was interested from an early age in art. In Barcelona he studied at La Llotja and Fine Arts of Sant Jordi. Later he added a scholarship at L'Ecole des Beaux Arts in Paris to his studies. Since then he has done a lot of exhibitions in Spain and abroad.



The almost exclusive use of marble for his sculptures is one of his most distinctive features. He makes representations of common objects getting the textures and colors through the use of different types of stone to acquire the greatest possible resemblance to the object.
Joan confuses our senses and leaves us with an uncertainty regarding our environmentm with those marble blocks that gets converted into everyday objects. What we see in these figures? What are the things to which we are accustomed and which ones are carved? The plausibility of his works is what makes us admire his art which, undoubtedly, is a sign of elegance of simplicity.


"Llibres / Libros / Books", mármol / marble
Biblioteca Can Fabra, barrio Sant Andreu / 
Can Fabra Library, St. Andrew neighborhood (Barcelona, Catalunya, España / Spain)

«I was born in a house and workshop where they worked my father and brother, who were masons at the Cemetery Sant Andreu. My toys were all marble. Then I trained in a workshop and continued in Paris, where I was at age 20 with a scholarship. I saw that I had unlimited possibilities. There I sold all my work when Barcelona did not made easy for me to exhibit in galleries because realism did not get along. I did it in Madrid. Then I exhibited in the Fundació Miró by means of Brossa, who admired my work.»



«I have many repeated objects. I do packages, boxes, the simplest things. Because I like it, because they have many details. There's no a meaning. That must be provided by the viewer. Mine is more experience with the work rather than a mental nonsense. I consider myself an alchemist of everyday objects, that I translate to marble or stone.»



«It is very hard work because it is breaking stones. The suitcase for example has taken me two months of work, always in the morning, with daylight. It takes a lot of patience that can only be achieved based on patience. For me the challenge is that the person who sees the work look it real.»


Los textos están tomados del sitio web del artista y de una entrevista al artista de Oscar Hernández publicada en "El Periódico" en Mayo de 2014 que puede leerse completa aquí.

Texts from artist's website and from an interview by Oscar Hernández published in "El Periodico", May 2014 you can fully read (in Spanish) here.

Más sobre Joan Mora en / More about Joan Mora in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Joan y Eduardo!)
Gracias también a Mafa Alborés por descubrirme a este genial artista.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Joan and Eduardo!)
Thanks also to Mafa Alborés for the discovery of this great artist.


Algunas fotografías de José Navarrete. La serie completa aquí
A few photographs by Jose Navarrete. Full series here.









Leszek Paradowski [Fotografía, Fotomanipulación]

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Leszek Paradowski


Leszek Paradowski es un fotógrafo y fotomanipulador polaco cuya obra gira en torno al paisaje y la fotografía creativa.
Es poseedor de varios títulos (AFIAP International Federation of Photographic Art y PPSA of Photographic Society of America). 
Ha ganado más de cien premios en competiciones de fotografía internacionales, incluyendo el Grand Prix Award y cinco medallas de oro en una de las más grandes competiciones fotográficas del mundo: 21.TRIERENBERG SUPER CIRCUIT 2012.
Su obra se ha publicado repetidamente en álbumes, revistas, calendarios y catálogos nacionales y extranjeros.

© Leszek Paradowski

Otoño / Autumn © Leszek Paradowski

Niebla / Fog © Leszek Paradowski

«Disfrutando de la vida y el mundo que me rodea, intento documentar las imágenes que la naturaleza y el hombre crean. Generalmente son momentos fugaces, irrepetibles, que gracias a la fotografía mantengo en la memoria durante mucho tiempo, comprendiendo que cada día es diferente y único. La gran mayoría de mis obras provienen de mi pueblo natal, llamado Drawsko Lake District. Esta hermosa parte de nuestro país es un modelo excelente que constantemente intento "espiar"; cuando más conozco sus secretos, más lleno de gracia me parece. Adoro pasear por los bosques, con gran felicidad y esperanza, saludando a la próxima estación y registrando los cambios.»

Conceptual © Leszek Paradowski

Desnudo artístico / Fine Art Nude © Leszek Paradowski

Primavera / Spring © Leszek Paradowski

Conceptual © Leszek Paradowski

«Soy un patriota local y me produce gran satisfacción cuando las imágenes de mi tierra son apreciadas en diferentes continentes. Actualmente aún estoy buscando mi identidad creativa, comprendiendo el amplio espectro de visiones, desde la fotografía de naturaleza y el paisaje hasta, conceptual, creativa y de acción.»

© Leszek Paradowski

Leszek Paradowski is a Polish photographer and photomaipulator whose work deals with landscape and creative photography.
He's the holder of the artistic titles of AFIAP International Federation of Photographic Art and the PPSA of Photographic Society of America.
He has won over hundred international photography competitions, including Grand Prix Award and five gold medals in one of the largest photographic competitions in the world: "21.TRIERENBERG SUPER CIRCUIT 2012".
His works have been repeatedly published in albums, magazines, calendars, domestic and foreign catalogs.

Desnudo artístico / Fine Art Nude © Leszek Paradowski

Mujer / Woman © Leszek Paradowski

Conceptual © Leszek Paradowski

«Enjoying life and the world around me, I try to document the images that nature and man creates. They are usually fleeting, unrepeatable moments, which thanks to photography I keep in memory for longer time, realizing that every day is different and unique. The vast majority of my works come from my hometown, namely Drawsko Lake District. This beautiful part of our country is an excellent model, which I constantly trying to "spy", the more you get to know her secrets, the more gracious to me. I love hiking in the surrounding woods, with great joy and hope I greet the following seasons, recording the changes.»

Marcos / Frames © Leszek Paradowski

Desnudo artístico / Fine Art Nude © Leszek Paradowski

Primavera / Spring © Leszek Paradowski

«I am a local patriot and I have great satisfaction when my little homeland images are appreciated on different continents. Currently still looking for my creative identity, realizing wide spectrum visions from photography of nature, landscape to conceptual, creative and act.»

Desnudo artístico / Fine Art Nude © Leszek Paradowski

Conceptual © Leszek Paradowski

© Leszek Paradowski

More images and information in / More images and information in:

Imágenes publiacadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Leszek!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Leszek!)

Tony Fredriksson [Escultura]

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No hace mucho en la serie de rinocerontes publiqué imágenes de algunas de las esculturas realizadas con madera arrastrada por las aguas, creadas por Tony Fredriksson. Ahora un recorrido más amplio para apreciar toda la variedad de sus animales. Para más información, véase el post anterior.

Not so long ago, in the Rhinos Series I published images of some driftwood sculptures created by Tony Fredriksson. Now a wider view to appreciate all the variety of his animals. For more information, please check out the previous post.
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Tony Fredriksson

Tony con su buitre / Tony with his Vulture

Tony Fredriksson es un escultor nacido en 1959 en Harare, Zimbabwe, que ha estado esculpiendo, pintando y dibujando desde que tiene memoria.
En 1979 obtuvo su diploma en Bellas Artes del Eastborne College of Art & Design, Reino Unido.
Entre 1981 y 1985 estuvo involucrado con Cristo para las Naciones (CFaN) como diseñador, fotógrafo y litógrafo.
Luego comenzó con su propio negocio: Tony's Graphic Arts and Anglers Art. Desde 1994 trabaja por su cuenta.
Tony comenzó a hacer esculturas con madera arrastrada por el mar en 2007.

"Estudio anatómico de un Cymatoceps / Anatomical Study of Musselcracker"

Hay una fuerte corriente de sangre artística en su familia. Su hija, Wendy, es directora de arte, y su hijo Shaun le ayuda con el trabajo en madera y hace las hermosas mesas que son parte integral de algunas de las esculturas de Tony. «Gracias a Dios que tengo a mi esposa Dalene - bromea - ¡Ella es mi memoria!»

"Mesita de café con cisne / Swan Coffee Table"

"Elefante bebé / Baby Elephant"

«Soy como un niño en una caja de arena. Me despierto todos los días con tantas ideas en mi cabeza, y no puedo esperar para salir fuera a jugar.»

"Escarabajo pelotero / Dung Beetle"

Tony con cabeza de hipopótamo bostezando / Tony with Hippo Yawning Head

"Garza Goliath / Giant Heron"

Comienza con una pieza que resulta perfecta para una escultura en particular y construye a partir de ella. Utiliza madera resistente de arbustos, así como madera erosionada por el agua que recoge en las orillas de lagos y presas. Dice que los insectos de agua y las termitas se la comen dibujando diferentes patrones que le proporcionan formas y texturas especiales.

"Anatomía de un tiburón / Shark Anatomy"

"Pelícano / Pelican"

Las esculturas se unen utilizando alambre de cobre que las hace flexibles, así como grapas, tornillos, un taladro de dentista y un adhesivo industrial especial. Luego las impermeabiliza con un sellador para exteriores de base acuosa.

Izq./ Left: "Pez escorpión / Scorpion Fish" - Der./ Right: "Melanoceto / Angler Fish"

Tony con insectos y arácnidos / Tony with Insects and Arachnides

Tony Fredriksson is an sculptor born in 1959 in Harare, Zimbabwe, and has been sculpting, painting and drawing for as long as he can remember.
In 1979, Eastborne College of Art & Design, UK - Diploma in Fine Art.
During 1981 - 1985 he Joined Christ for all Nations (CFaN) as lay-out artist, photographer and photo-lithographer.
In 1985 started his own businesses: Tony's Graphic Arts and Anglers Art. Since 1994 he's self employed.
Tony started doing driftwood sculptures 2007.

"Mesa de café con Garza Goliath / Giant Heron Coffee Table"

"Esqueleto a tamaño natural de una ballena jorobada / Life Size Humpback Whale Skeleton"

Artistic blood runs strongly in this family. His daughter, Wendy, is an art director and his son, Shaun, helps him with woodwork and makes the beautiful tables that are an integral part of some of Tony’s sculptures. “Thank goodness for my wife, Dalene,” he jokes. “She is my memory!”

"Cálao / Ground Hornbill"

Tony con caballito / Tony with Little Horse

«I am like a kid in a sandpit, I wake up every morning with so many ideas and I can’t wait to go outside and play.»

"Barracuda"

"Marabú / Marabou Stork"

Izq./ Left: "Cerdo hormiguero / Aardvark" - Der./ Right: "Perezoso / Sloth"

He will start with one piece that seems perfect for a particular sculpture and build from there. He uses hard, weathered bush wood, as well as water-eroded pieces he’s picked up from the edge of lakes and dams. He says water bugs and termites eat different patterns into the wood that give it special shapes and textures.

"Anhiga secando las alas / Dart Drying Wings"

"Escarabajo rinoceronte / Rhino Beetle"

The sculptures are put together using copper wire that makes them flexible, as well as staples, screws, a dentist’s drill and special industrial glue. He weatherproofs them with an outdoor water-based sealer.

Tony con rana arborícola / Tony with Tree Frog

La información está tomada del sitio web del artista, de su facebook, y de un artículo publicado en Junio de 2014 en "Country Life" que puede leerse completo (en inglés) aquí.

Information from artist's website, his facebook and an article published June 2014 in Country Life you can fully read here.
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Más sobre Tony Fredriksson en "El Hurgador" / More about Tony Fredriksson in this blog:

Más información e imágenes en / More images and information in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Tony!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Tony!)

Aniversarios (LXIV) [Abril / April 1-4]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Abril es el cumple de

Edwin Austin Abbey, muralista, ilustrador y pintor estadounidense nacido en 1852. Floreció en el comienzo de lo que ahora se conoce como la "edad de oro" de la ilustración, y es conocido por sus dibujos y pinturas de temas de Shakespeare y victorianos, así como por su pintura de la coronación de Eduardo VII. Su famosa serie de murales "La búsqueda del Santo Grial" adorna la Biblioteca Pública de Boston.
Abbey comenzó como ilustrador, produciendo numerosas ilustraciones y dibujos para revistas como Harper's Weekly (1871-1874) y Scribner. Sus ilustraciones comenzaron a aparecer en Harper's Weekly a una edad temprana, antes de que cumpliera los veinte años. Se trasladó a la ciudad de Nueva York en 1871. Sus ilustraciones fueron fuertemente influenciados por el arte en blanco y negro francés y alemán. También ilustró varios libros muy vendidos, incluyendo "Cuentos de Navidad" de Charles Dickens (1875), selecciones de la poesía de Robert Herrick (1882), y She Stoops to Conquer por Oliver Goldsmith (1887). Abbey también ilustró una serie de cuatro volúmenes de "Las Comedias de Shakespeare" para Harper & Brothers en 1896.
Murió en 1911.

"La Reina en Hamlet / The Queen in Hamlet", c.1895. Colección privada / Private Collection


El 2 de Abril es el cumple de

William Holman Hunt, pintor inglés nació en 1827, uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita.
Después de entrar por fin en las escuelas de arte de la Real Academia, habiendo sido rechazado inicialmente, Hunt se rebeló contra la influencia de su fundador Sir Joshua Reynolds. Formó el movimiento del Prerafaelita en 1848, después de reunirse con el poeta y artista Dante Gabriel Rossetti. Junto con John Everett Millais trataron de revitalizar el arte, haciendo hincapié en la observación detallada de la naturaleza, con un espíritu de devoción casi religioso a la verdad. Este enfoque religioso fue influenciado por las cualidades espirituales del arte medieval, en oposición al supuesto racionalismo del Renacimiento encarnado por Rafael. Tuvo muchos alumnos, incluyendo a Robert Braithwaite Martineau.
Sus pinturas fueron notables por su gran atención al detalle, colores vivos y elaborado simbolismo. Estas características fueron influenciadas por los escritos de John Ruskin y Thomas Carlyle, según los cuales el mundo en sí debe ser leído como un sistema de signos visuales. Para Hunt era el deber del artista revelar la correspondencia entre signo y realidad.
Murió en 1910.

"Bianca", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1868-69.
Worthing Museum and Art Gallery (Reino Unido / UK)


El 3 de Abril es el cumple de

Eusebio Sempere, escultor, pintor y artista gráfico español nacido en 1923 cuyas obras geométricas abstractas le hacen el artista más representativo del movimiento de arte cinético en España. Su uso de la repetición de la línea y el dominio del color para manipular la forma en que la luz juega en las superficies dan profundidad a sus composiciones pictóricas.
La obra de Sempere se define por la abstracción de sus elementos, repetición geométrica y linealidad, todos los cuales evolucionaron en su síntesis de Op Art y constructivismo con elementos del arte cinético.
Su contribución personal al desarrollo del arte cinético es su serie de construcciones geométricas abstractas que demuestran los efectos de percepción de la vibración óptica y la ilusión de movimiento. La luz también juega un papel importante en su obra artística.
Murió en 1985.

"Geometría / Geometry", aguada sobre papel / gouache on paper, 40 x 40 cm., 1956. 
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)


Hoy, 4 de Abril es el cumple de

Grinling Gibbons, escultor y tallador de madera holandés-británico nacido en 1648, conocido por su trabajo en Inglaterra, incluyendo la Catedral de San Pablo, el Palacio de Blenheim y Hampton Court Palace. Nació y se educó en Holanda, de padres ingleses - su padre era un comerciante. Es ampliamente considerado como el mejor tallador de madera que trabajó en Inglaterra, y el único cuyo nombre es ampliamente conocido entre el público en general. La mayor parte de su obra es en madera de tilo, especialmente guirnaldas decorativas barrocas hechas a partir de elementos de naturaleza muerta de tamaño aproximado al natural, hecha para enmarcar espejos y decorar las paredes de las iglesias y palacios, aunque también produjo muebles y pequeñas placas en relieve con escenas figurativas. También trabajó en piedra, sobre todo para las iglesias. En el momento en que se estableció lideró un gran taller, y el grado en que su mano personal aparece en la obra posterior varía.
Murió en 1721.

Talla calada en tilo / Limewood, with raised and openwork carving, c.1690


Textos en inglés / English translation

On April 1 is the birthday of

Edwin Austin Abbey, American muralist, illustrator, and painter born in 1852. He flourished at the beginning of what is now referred to as the "golden age" of illustration, and is best known for his drawings and paintings of Shakespearean and Victorian subjects, as well as for his painting of Edward VII's coronation. His most famous set of murals, The Quest of the Holy Grail, adorns the Boston Public Library.
Abbey began as an illustrator, producing numerous illustrations and sketches for such magazines as Harper's Weekly (1871–1874) and Scribner's Magazine. His illustrations began appearing in Harper's Weekly at an early age: before Abbey was twenty years old. He moved to New York City in 1871. His illustrations were strongly influenced by French and German black and white art. He also illustrated several best-selling books, including Christmas Stories by Charles Dickens (1875), Selections from the Poetry of Robert Herrick (1882), and She Stoops to Conquer by Oliver Goldsmith (1887). Abbey also illustrated a four-volume set of The Comedies of Shakespeare for Harper & Brothers in 1896.
He died in 1911.

On April 2 is the birthday of

William Holman Hunt, English painter born in 1827, one of the founders of the Pre-Raphaelite Brotherhood.
After eventually entering the Royal Academy art schools, having initially been rejected, Hunt rebelled against the influence of its founder Sir Joshua Reynolds. He formed the Pre-Raphaelite movement in 1848, after meeting the poet and artist Dante Gabriel Rossetti. Along with John Everett Millais they sought to revitalise art by emphasising the detailed observation of the natural world in a spirit of quasi-religious devotion to truth. This religious approach was influenced by the spiritual qualities of medieval art, in opposition to the alleged rationalism of the Renaissance embodied by Raphael. He had many pupils including Robert Braithwaite Martineau.
His paintings were notable for their great attention to detail, vivid colour and elaborate symbolism. These features were influenced by the writings of John Ruskin and Thomas Carlyle, according to whom the world itself should be read as a system of visual signs. For Hunt it was the duty of the artist to reveal the correspondence between sign and fact.
He died in 1910.

On April 3 is the birthday of

Eusebio Sempere, Spanish sculptor, painter and graphic artist born in 1923 whose abstract geometric works make him the most representative artist of the Kinetic art movement in Spain. His use of repetition of line and mastery of color to manipulate the way light plays on the surface give depth to his pictorial compositions.
Sempere's work is defined by the abstraction of its elements, geometric repetition and linearity, all of which evolved into his synthesis of Op Art and constructivism with elements of kinetic art.
His personal contribution to the development of kinetic art is his series of abstract geometric constructions which demonstrate the perceptual effects of optical vibration and the illusion of motion. Light also plays an important role in his artistic work.
Murió en 1985.

Today, April 4, is the birthday of

Grinling Gibbons, Dutch-British sculptor and wood carver born in 1648 known for his work in England, including St Paul's Cathedral, Blenheim Palace and Hampton Court Palace. He was born and educated in Holland of English parents - his father being a merchant. He is widely regarded as the finest wood carver working in England, and the only one whose name is widely known among the general public. Most of his work is in lime (tilia) wood, especially decorative Baroque garlands made up of still-life elements at about life size, made to frame mirrors and decorate the walls of churches and palaces, but he also produced furniture and small relief plaques with figurative scenes. He also worked in stone, mostly for churches. By the time he was established he led a large workshop, and the extent to which his personal hand appears in later work varies.
He died in 1721.

Aniversarios Fotografía (LXIV) [Abril / April 1-5]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Abril es el cumple de

Lázaro Blanco Fuentes, fotógrafo mexicano nacido en 1938.
Entre 1958 y 1963 realizó estudios de Física en la Universidad Nacional Autónoma de México y posteriormente de Arquitectura en 1979. Su interés por la fotografía le hizo entrar en 1966 en el "Club Fotográfico de México" y al crearse el Consejo Mexicano de Fotografía en 1976 fue miembro fundador y su primer vicepresidente.
En 1968 participó en la organización de los Juegos Olímpicos, dónde se decidió a dedicarse a la fotografía por lo que se compró una Leicaflex. Con sus fotografías obtuvo un premio (National Newspaper Snapshot Award) ese mismo año. A partir de 1971 comenzó a impartir conferencias y realizar cursos. Su actividad como docente le ocupa gran parte de su vida y desde 1969 estuvo impartiendo talleres fotográficos en la "Casa del Lago" de la UNAM. También colaboró con diversas revistas y realizó exposiciones con su trabajo, pero asimismo como comisario de otras exposiciones fotográficas como "Fotografía como fotografía 1951-80" en 1983. Su última exposición en vida fue "Temporarios".
A lo largo de su vida recibió numerosos reconocimientos como la Medalla al Mérito Fotográfico, otorgada por la Fototeca Nacional en 2008.
Falleció el 4 de mayo de 2011 como consecuencia de un cáncer.

"Perfección, Ciudad de México / Perfection, Mexico City", 1988 © Lázaro Blanco


El 2 de Abril es el cumple de

Dan Hudson, artista y fotoperiodista canadiense.
Hudson recibió su Licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de York (Toronto) y realizó una residencia de estudio en el prestigioso centro de Banff. Vivió en Toronto 1979-1990 y desde entonces se ha establecido en el Bow Valley en las Montañas Rocosas canadienses. El arte y fotografía de Hudson están influenciados por su entusiasmo por actividades al aire libre como el surf, el snowboard, piragüismo de aguas bravas, ciclismo de montaña y aventura salvaje.
Sus fotografías han sido publicadas en libros, revistas, periódicos y sitios web de todo el mundo, incluyendo más de 50 imágenes de portada internacionales y también ha expuesto en museos y galerías de arte de todo Canadá. Las fotografías de Hudson son notables por su acción "extrema" en magníficos paisajes de montaña.

"Kayak en White Water / White Water Kayaking", Redearth Creek, Banff, Alberta – Colin Atkin


El 3 de Abril es el cumple de

Tamio Wakayama, activista y fotógrafo nacido en New Westminster en 1941, que pasó su primera infancia en el campo de internamiento Tashme, BC.
Él y su familia fueron algunos de los veintidós mil canadienses japoneses (nikkei) que vivíam a lo largo de la costa de la Columbia Británica que fueron declarados enemigos extranjeros y realojados en campos de internamiento remotos durante los años de guerra. Después de la guerra, los internos se enfrentaron con la opción de ser deportado a Japón o establecerse en Chatham, un pueblo agrícola en el sur de Ontario.
El desafío central de su vida era terminar con el internamiento y los efectos debilitantes del racismo de la posguerra.
Estudió periodismo y filosofía en la Universidad de Western Ontario, y en 1963 se unió al movimiento de derechos civiles en el sur de Estados Unidos. A su regreso a Toronto, reunió Dream of Riches: Los canadienses japoneses 1877-1977, una reconstrucción fotográfica de la memoria de la comunidad Nikkei, que recorrió Canadá y Japón.
Es el autor de seis libros publicados, y ha contribuido con muchos otros libros y publicaciones periódicas.
En Museo Nacional Japonés-Estadounidense: http://www.janm.org/conference2013/conference/speakers/40/

Indianola, Mississippi, 1964


El 4 de Abril es el cumple de

Ole Brask, fotógrafo danés nacido en 1935 que se especializó en fotografía de jazz.
Hay dos colecciones publicadas de su trabajo; Gente del Jazz, publicado en 1976 por HN Abrams, Nueva York y Ole Brask fotografía el jazz, publicado en 1995 por Nieswand Verlag Alemania.
Murió en 2009.

En vivo en Slugs / Live At Slug’s© Ole Brask


Hoy, 5 de Abril es el cumple de

Benedict J. Fernández, fotógrafo periodístico y callejero estadounidense, nacido el 5 de abril de 1936 en el área hispana de East Harlem de Nueva York.
Fue el creador y presidente del departamento de fotografía en la Escuela de Diseño Parsons. Después de  Parsons, Fernández continuó su carrera en la década de 1990 como uno de los fundadores y CEO del Almanaque de Fotografía Hoboken y la Galería Almanaque en Hoboken, Nueva Jersey, y como investigador principal en la fotografía en el Museo Corcoran en Washington, DC
Sitio web del artista: http://www.benedictjfernandez.com/

El Dr. Benjamin Spock, Martin Luther King y Monseñor Rice de Pittsburgh marchan en el desfile del Día de la Solidaridad en el Edificio de las Naciones Unidas / 
Dr. Benjamin Spock, Dr. King, and Monsignor Rice of Pittsburgh march in the Solidarity Day Parade at the United Nations Building, 1967.


Textos en inglés / English translation

On April 1 is the birthday of

Lázaro Blanco, Mexican photographer born in 1938.
Between 1958 and 1963 he studied physics at the National Autonomous University of Mexico and later Architecture in 1979. His interest in photography led him enter in the "Photo Club de Mexico" (1966) and the Mexican Council of Photography created in 1976. He was a founding member and first vice president.
In 1968 he participated in the organization of the Olympic Games, where he decided to devote himself to photography so he bought a Leicaflex. With photographs won a prize (National Newspaper Snapshot Award) that same year. From 1971 he began to give lectures and conduct courses. His work as a teacher occupied much of his life and since 1969 was teaching photography workshops in the "Casa del Lago" UNAM. He also collaborated with various magazines and held exhibitions with his work, but also as curator of other photographic exhibitions such as "Photography and Photography 1951-1980" in 1983. His last exhibition in life was "Temporary".
Throughout his life he received numerous awards such as Photographic Merit Medal, awarded by the National Photo Library in 2008.
He died on May 4, 2011 as a result of cancer.

On April 2 is the birthday of

Dan Hudson, Canadian artist and photojournalist.
Hudson received his Bachelor of Fine Arts at York University (Toronto) and did a studio residency at the prestigious Banff Centre. He lived in Toronto 1979-1990 and since then has been based in the Bow Valley in the Canadian Rocky Mountains. Hudson’s art and photography are informed by his enthusiasm for outdoor pursuits such as surfing, snowboarding, white water kayaking, mountain biking and wilderness adventure.
His photographs have been published in books, magazines, newspapers and websites around the world including more than 50 international cover shots and have also been exhibited in museums and art galleries across Canada. Hudson’s photographs are notable for their “extreme” action within magnificent mountain settings.

On April 3 is the birthday of

Tamio Wakayama, activist and photographer born in New Westminster in 1941, who spent his early childhood in the Tashme, BC internment camp. 
He and his family were part of some twenty-two thousand Japanese Canadians (Nikkei) living along the coast of British Columbia who were declared enemy aliens and place in remote internment campos for the war years. After the war, the internees were faced with the choice of being deported to Japan or else settled in Chatham, a farming town in Southern Ontario.
The central challenge of his life was coming to terms with the internment and the debilitating effects of the postwar racism.
He studied journalism and philosophy at the University of Western Ontario, and in 1963 joined the civil rights movement in the American south. Upon his return to Toronto, he assembled Dream of Riches: The Japanese Canadians 1877-1977, a photographic reconstruction of the memory of the Nikkei community, which toured Canada and Japan. He is the author of six published books, and has contributed to many other books and periodicals.
In Japanese American National Museum: 

On April 4 is the birthday of

Ole Brask, Danish photographer born in 1935 who specialized in jazz photography. There are two published collections of his work; Jazz People published in 1976 by H. N. Abrams, New York and Ole Brask Photographs Jazz published in 1995 by Nieswand Verlag Germany.
He died in 2009.

Today, April 5, is the birthday of

Benedict J. Fernandez, American Photographer (journalistic/street photographer), born on April 5, 1936 in New York City's Hispanic East Harlem area.
He was the developer and chairman of the photography department at Parsons School of Design. Following Parsons, Fernandez continued his career in the 1990s as a founder and CEO of Hoboken Almanac of Photography and the Almanac Gallery in Hoboken, New Jersey, and as a senior fellow in photography at the Corcoran Museum in Washington, D.C.

Jessica Joslin [Escultura]

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Jessica Joslin

Jessica Joslin, foto de Jared Joslin, referencia para la pintura "La adivina" / 
photo by Jared Joslin, reference for the painting 'Fortune Teller'
(ver al final del post / check out at the end of this post)

Jessica Joslin es una artista estadounidense nacida en Boston en 1971. 
Las criaturas que pueblan el mundo de Jessica son intrincadas fusiones de huesos, bronce, piezas antiguas y otros tesoros rescatados. Imbuída de la pasión de la era victoriana por la historia natural y la tecnología arcaica, estas criaturas reflejan un mundo animal que es a la vez real e imaginado, lo vivo y lo muerto.

"Otis"
Piezas antiguas, bronce, huesos, terciopelo, plata, acero pintado, guantes de cuero, ojos de vidrio / 
antique hardware, brass, bone, velvet, silver, painted steel, glove leather, glass eyes, 42” x 22” x 26”, 2014

"Otis" (detalle / detail)

Inspirada por la belleza de la arquitectura esquelética, y una pasión por ensamblar esculturas, Jessica comenzó a construir su bestiario de animales mecánicos en 1992. Su colección incluye una miríada de diferentes especies e híbridos, hasta un número de 200 esculturas en total. Con una amplia experiencia en oficios profesionales, Joslin perfeccionó sus habilidades de fabricación construyendo prototipos de juguetes, modelos arquitectónicos, pantallas de la feria, atrezzo de fotografía y sets de filmación.

"Zeus y / and Io"
Piezas antiguas de bronce y cosas encontradas, bronce, plata, acero, recortes antiguos, cadena de cobre, guante de cuero, ojos de vidrio / 
Antique hardware and findings, brass, steel, silver, vintage trim, brass chain, glove leather, glass eyes
10” x 6” x 10”, 2014

"Carina"
Piezas antiguas, bronce, hueso, guante de cuero, ojos de vidrio /
antique hardware, brass, bone, glove leather, glass eyes, 12” x 5” x 13”, 2006

«La ciencia fue mi primer gran amor. Yo era un ratón de biblioteca, siempre contenta con la nariz enterrada en un libro y siempre con ganas de aprender oscuros detalles sobre lo que veía a mi alrededor. Esa tendencia encajaba perfectamente con la sensibilidad de los grandes museos antiguos de la zona, que eran cuartos de maravillas y los paraísos de la taxonomía. En los museos de historia natural en Harvard, con su pasión victoriana para la recogida y el etiquetado, descubrí el reino animal ... magnífico, inescrutable, mágico y ... muerto. Los animales de taxidermia que veía eran mucho más fascinantes que cualquier animal que pudiera ver en la "vida real". De hecho, yo no podía ver animales salvajes en absoluto. Era muy corta de vista, pero no me di cuenta hasta muchos años después. Suponía que todo el mundo veía como yo, y siempre que pudiera leer mis libros, no había ningún problema. De todos modos mi temprana pasión por la recolección fue estimulada por los museos, y en parte mi fascinación por las muestras de taxidermia fue porque podía verlas. Yo no entendía la emoción de ver un pájaro volando por el cielo, no hasta muchos años después. En casa empezamos nuestro propio gabinete de curiosidades comenzando con las vainas exóticas del Arnold Arboretum y conchas, huesos y pinzas de cangrejo que encontraba en la playa. Creció hasta incluir una gran variedad de objetos naturales, y convirtió nuestras vacaciones familiares en una gran búsqueda del tesoro. Al día de hoy, cuando estoy caminando por el bosque, mis ojos están siempre en el suelo, en busca de tesoros y de vez en cuando, todavía cojo tesoros de la colección de la naturaleza de la familia para utilizar en mis esculturas ... »

"Iggy"
Piezas antiguas y partes de lámpara, bronce, plata, acero, guante de cuero, ojos de vidrio / 
antique hardware and lamp parts, brass, silver, steel, glove leather, glass eyes, 9” x 6” x 12”, 2012

«Había estado haciendo esculturas con técnicas mixtas, que incorporaban huesos, vainas y otros objetos naturales, con objetos hechos por el hombre (en especial partes de cajas registradoras muy antiguas, con el añadido de máquinas y equipamiento médico). Un día encontré por casualidad una bolsa de partes de aves exquisitamente embalsamadas, utilizadas en sombrerería c. 1900. Ese fue el comienzo de la primera de mis bestias.»

"Cooper"
Piezas antiguas, partes de candelabro, plata, bronce, estaño fundido, plástico fundido, guantes de cuero, ojos de vidrio /
antique hardware, chandelier parts, silver, brass, cast pewter, cast plastic, glove leather, glass eyes
14” x 23” x 20”, 2014

"Cooper" (detalle / detail)

«En realidad, en lo que respecta a anatomía animal, soy meramente una autodidacta. Por supuesto, eso no quiere decir que no he hecho mis deberes, por así decirlo! ;) En cuanto al trabajo que hago, es una trinidad finamente calibrada de consideraciones: estética, ingeniería y anatomía. En términos de la anatomía, sí, con cada pieza estoy haciendo referencia a estructuras específicas, y por lo general de la especie que estoy representando (aunque hay excepciones). Sin embargo, esas estructuras corporales suelen ajustarse para compensar otras consideraciones. La mayoría de las personas no se dan cuenta de ello, debido a que el aspecto general es correcto. Por ejemplo, casi todos mis criaturas tienen sólo 3 dedos de los pies, no 4 ó 5. Me imagino que, ya que es mi mundo, tengo la oportunidad de hacer las reglas, y yo no quiero pasar demasiado tiempo haciendo un trabajo repetitivo. Si 3 dedos de los pies pueden dar la idea de un pie, y se ve bien, entonces ¿por qué incluir más? 3 dedos de los pies también es mejor desde el punto de vista de la ingeniería. Como los puntos de contacto/balance están a lo largo de los bordes de los pies, más dedos en los pies no significa necesariamente una mayor estabilidad. Además, en términos más generales, en mi trabajo, siempre estoy representando la anatomía interior y exterior al mismo tiempo. Una línea de una forma puede delinear el vientre y otra, la caja torácica. Por supuesto, tú no sueles ver dos cosas al mismo tiempo, por lo que crea una especie de visión doble entre la anatomía del esqueleto y la estructura del animal vivo. Esa es una de las razones por las que mi trabajo podría parecer "vivo", aunque se basa principalmente en las formas esqueléticas. No es sólo un esqueleto con los globos oculares. Las líneas de la carpintería metálica también sugieren el volumen de la carne. Creo que en su mayoría se filtra en un nivel subconsciente, pero no hay una respuesta instintiva. No creo que la gente sintiera un tirón tan emocional si fuera sólo un esqueleto.»

"Oliva / Olive"
Piezas antiguas de bronce y cosas encontradas, bronce, hueso, remate de madera, guante de cuero, ojos de vidrio / 
antique hardware and findings, brass, bone, wood finial, glove leather, glass eyes, 3” x 2” x 7”, 2013

«Siento una fuerte afinidad por los animales, y creo que eso se traslada a mi trabajo. Me tomo las cuestiones éticas y legales involucradas con mucha seriedad. Sólo trabajo con suministros osteológicos cuyos especímenes han sido obtenidos legal y éticamente. También utilizo una cierta cantidad de réplicas de yeso en mi obra, para las especies protegidas. Debido a mi background como modelista, soy capaz de hacer los moldes y yesos yo misma, manteniendo un control muy estricto sobre la calidad. La gran mayoría de los espectadores (incluyendo algunos biólogos y naturalistas) no son capaces de decir qué es real y qué no lo es.»

"Apollo & Daphne"
Piezas antiguas y partes de lámpara, bronce, plata, acero, plástico fundido, guante de cuero, ojos de vidrio /
antique hardware and lamp parts, brass, silver, steel, cast plastic, glove leather, glass eyes,  9” x 6” x 10,5”, 2012

"Wolfgang" (obra y detalle / work and detail)
Piezas antiguas de bronce y cosas encontradas, plata, madera, plástico fundido, guantes de cuero, ojos de vidrio / 
antique brass hardware and findings, silver, wood, cast plastic, glove leather, glass eyes
15” x 6” x 6”, 2014

Jessica Joslin is an American artist bonr in 1971 in Boston, MA.
The creatures that populate Jessica Joslin’s world are intricate fusions of bone, brass, antique hardware and other scavenged treasures. Infused with the Victorian era’s passion for natural history and arcane technology, these creatures reflect both the real and the imagined animal, the living and the dead.

"Clio y / and Loci"
Piezas antiguas y cosas encontradas, madera pintada, bronce, plata, hueso, perlas, cadena, guante de cuero, ojos de vidrio / 
antique hardware and findings, painted wood, brass, silver, bone, beads, chain, glove leather, glass eyes
24” x 33” x 11”, 2010

"Admiral y / and Luce, Virgil y / and Ace"
Piezas antiguas de bronce y cosas encontradas, hueso, cuero, terciopelo, arnés de pony antiguo, recortes de vestimenta, lentejuelas, casquillos de bala, cadena, plata, ojos de vidrio /
antique brass findings and hardware, bone, leather, velvet, antique pony harness, vestment trim, sequins, bullet casings, chain, silver, glass eyes, 42” x 17” x 22”, 2008

Inspired by the beauty of skeletal architecture, and a passion for assemblage sculpture, Jessica Joslin began building her bestiary of mechanical animals in 1992. Her collection of creatures includes a myriad of different species and hybrids, and numbers over 200 sculptures in total. With a extensive background in the professional trades, Joslin honed her fabrication skills building toy prototypes, architectural models, trade show displays, photo props, and film sets. 

"Almendra / Almond"
piezas antiguas de bronce y cosas encontradas, bronce, hueso, madera pintada, puntas de tenedor de plata, partes de candelabro, plástico fundido, guante de cuero, ojos de vidrio /
Antique hardware and findings, brass, bone, painted wood, silver fork tines, chandelier parts, cast plastic, glove leather, glass eyes.
5” x 3,5” x 8”, 2012

"Lázaro / Lazarus
Piezas antiguas de bronce, recortes de plata, acero, hueso, guante de cuero, ojos de vidrio / 
antique brass hardware, silver cutwork, steel, bone, glove leather, glass eyes, 16” x 21” x 17”, 2012

«Science was my first great love. I was a nerdy kid, always content with my nose buried in a book and always wanting to learn obscure details about what I saw around me. That tendency dovetailed perfectly with the sensibility of the grand old museums in the area, which were Wunderkammers and havens of taxonomy. At the natural history museums at Harvard, with their Victorian-era passion for collecting and labeling, I discovered the animal kingdom…magnificent, inscrutable, magical and…dead. The taxidermy animals that I saw were far more fascinating than any animals that I could see in “real life.” In fact, I couldn’t see wild animals at all. I was extremely near-sighted, but didn’t realize it for years. I assumed that everyone saw like I did- and as long as I could read my books, there was no problem. Anyway, my early passion for collecting was spurred by those museums, and in part, my fascination with taxidermy specimens was because I could actually see them. I didn’t understand the excitement of seeing a bird flying through the sky, not until many years later. At home, we started our own cabinet of curiosities, beginning with exotic seedpods from the Arnold Arboretum, and shells, bones and crab claws found at the beach. It grew to include a huge variety of natural objects, and it turned our family vacations into one big treasure hunt. To this day, when I’m walking through the woods, my eyes are always on the ground, searching for treasures and from time to time, I still flitch treasures from the family nature collection to use in my sculptures…»

"Plata / Silver"
Piezas antiguas de bronce y cosas encontradas, recortes de filigrana de plata, hueso, acero, perlas, guante de cuero, ojos de vidrio / 
antique brass hardware and findings, silver filigree cut-work, bone, steel, beads, glove leather, glass eyes
6” x 5”x 6”, 2013

"Polvo de estrellas / Stardust"
Piezas antiguas de bronce y cosas encontradas, bronce, plata, terciopelo, madera, guante de cuero, ojos de vidrio / 
antique brass hardware and findings, brass, silver, velvet, wood, glove leather, glass eyes, 9” x 8” x 9”, 2010

«I had been making mixed-media sculptures, which incorporated bones, seedpods, and other natural objects with man-made found objects (especially parts from very old cash registers, adding machines and medical equipment). One day, I found, by chance, a bag of exquisite taxidermied bird parts, used for millinery c. 1900. That was the beginning of the first of my beasts.»

"Camille y / and Alceste"
Piezas antiguas de bronce y cosas encontradas, bronce, hueso, madera pintada, estaño fundido, guante de cuero, ojos de vidrio / 
antique hardware and findings, brass, bone, painted wood, cast pewter, glove leather, glass eyes
6” x 4” x 2.5”, 2012

"Miette" (detalle, obra / detail, artwork)
piezas antiguas de bronce y cosas encontradas, bronce, hueso, perlas, acero pintado, guante de cuero, ojos de vidrio / 
Antique brass hardware and findings, brass, bone, beads, painted steel, glove leather, glass eyes.  11.5” x 5” x 7”, 2014

«Actually, when it comes to animal anatomy, I’m purely an autodidact. Of course, that doesn’t mean that I haven’t done my homework, so to speak! ;) In terms of the work that I do, it’s a finely calibrated trinity of considerations: aesthetic, engineering and anatomical. In terms of the anatomical, yes, with each piece I am referencing specific structures, and usually from the species that I am depicting (although there are exceptions.) However, those bodily structures are often tweaked to compensate for other considerations. Most people don’t notice that, because the overall feel is right. For example, almost all of my creatures have only 3 toes, not 4 or 5. I figure that since it’s my world, I get to make the rules, and I don’t want to spend too much time doing repetitive work. If 3 toes can get the idea of a foot across, and it looks right, then why include more? 3 toes is also better from an engineering standpoint. Since the contact/balance points are along the edges of the feet, more toes wouldn’t necessarily mean more stability. Also, more generally speaking, in my work, I’m always representing interior and exterior anatomy simultaneously. One line of a form might delineate the belly and another, the ribcage. Of course, you wouldn’t typically see both at the same time, so it creates a sort of double vision between the skeletal anatomy and the structure of the living animal. That’s one of the reasons that my work might seem “alive” although it’s mainly based on skeletal forms. It’s not just a skeleton with eyeballs. The lines of the metalwork also suggest the volume of the flesh. I think that mostly seeps in on a subconscious level, but there’s an instinctive response. I don’t think that people would feel such an emotional pull if it was only a skeleton.»

"Volante"
Piezas antiguas, bronce, plata, plástico fundido, estaño fundido, piel de serpiente, guante de cuero, ojos de vidrio / 
antique hardware, brass, silver, cast plastic, cast pewter, snakeskin, glove leather, glass eyes.
16” x 24” x 13”, 2013

"Bellamy"
Piezas antiguas de bronce y cosas encontradas, bronce, plata, hueso, guante de cuero, ojos de vidrio /
antique hardware and findings, brass, silver, bone, glove leather, glass eyes, 10” x 9” x 7”, 2014

«I have a very strong affinity for animals, and I think that comes across in my work. I take the related ethical and legal matters quite seriously. I will only deal with osteological suppliers whose specimens are legally and ethically obtained. I also use a fair amount of cast replicas in my work (for protected species.) Because of my background as a model maker, I am able to do the molds and casts myself and keep a very tight rein over the quality. The vast majority of viewers (including a few biologists and naturalists) have not been able to tell what is real and what is not.»

"Valeria"
Piezas antiguas, cadena de bronce, perlas, hueso, piel de serpiente, separadores de acero inoxidable, guante de cuero, ojos de vidrio /
antique hardware, brass chain, beads, bone, snakeskin, stainless steel standoffs, glove leather, glasseyes
16” x 11” x 14”, 2006

"Silvio"
Caparazón de tortuga, piezas de bronce, perlas, hueso, recortes antiguos de vestimenta, cuero, ojos de vidrio /
turtle shell, brass hardware, beads, bone, antique vestment trim, leather, glass eyes, 4” x 7” x 11”, 2008
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Textos del sitio web de la artista, de una amplia entrevista realizada por JL Schnabel publicada en Hi-Fructose, publicada en abril, 2011 (completa en inglés aquí), y de otra de Adam Szrotek y Sylwia Banasiak publicada en 2006 en Art & Design Magazine (texto completo en inglés aquí)

Texts from artist's website, from an extensive interview by JL Schnabel published in Hi-Fructose, April 2011 (full text here) and another one by Adam Szrotek & Sylwia Banasiak published in 2006 in Art & Design Magazine (full text here).
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Más imágenes e información sobre Jessica en / More images and information about Jessica in:
Website, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Jessica!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Jessica!)


Jessica por / by Jared Joslin

"La adivina / Fortune Teller", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 24",  2009

Jared Joslin es un pintor estadounidense nacido en 1970. Es el marido de Jessica.
Pese a una discapacidad visual en su ojo izquierdo conocida como retinopatía central serosa (RSE), causante de distorsión sobre su campo de visión directa, Jared ha configurado una obra claramente inspirada en el art decó.
Con hermosa técnica, Jared pinta un circo surrealista de temas y retratos nostálgicos de mujeres glamourosas.
Su obra gira en torno a un tiempo pasado, especialmente durante la época entre fines de 1800 hasta la década de 1940, la edad de oro del circo y Hollywood, luces carnavalescas, cine mudo, moda y glamour; cabarets, salas de baile y clubes que existieron en el período entre guerras en Berlín.
Jessica es un tema frecuente en la obra de Jared.
Sitio web del artista: http://www.jaredjoslin.com/

"Momento marcado / Marked Moment", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30", 2012

Jared Joslin is an American painter born in 1970. He's Jessica's husband.
Despite a visual disability in his left eye known as central serous retinopathy (CSR), distorting his field of sight, Jared has set a work clearly inspired by Art Deco.
With beautiful painting technique, Jared paints a surreal circus of themes and nostalgic portraits of glamorous women.
His work revolves around a past time, especially during the late 1800’s through the 1940’s, the golden age of the circus and Hollywood, carnival lights, silent films, fashion and glamour; cabarets, dance halls and clubs that existed between the war years in Berlin.
Jessica is a frequent subject in Jared's work.
Artist's website: http://www.jaredjoslin.com/

"Jessica soñando / Jessica Dreaming", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 48", 2004

Catherine Alexandre [Pintura]

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Catherine Alexandre


Catherine Alexandre es una artista francesa que descubrió su pasión desde la infancia.
«Cuando tenía dos años, mis padres pusieron un lápiz en mis manos, que nunca he dejado desde entonces. Al finalizar mis estudios de secundaria fui a la escuela de arte, donde obtuve mi Diploma Nacional de Pintura. A la vez me formé y obtuve un diploma en Diseño de Joyas.
Mientras continuaba con la pintura, aprendí grabado con un maestro español, Alfonso Saura, y estuve durante cinco años haciendo grabados para una galería de París. Me especialicé en el movimiento artístico CoBrA, principalmente en los artistas Karel Appel y Lindström

"La marchande des 4 saisons / La mercader de las 4 estaciones / The Merchant of the 4 Seasons"
Óleo sobre tabla / oil on panel © Catherine Alexandre

"L'entomologiste / La entomóloga / The Entomologist", óleo sobre tabla / oil on panel © Catherine Alexandre

"La course des charentaises / La carrera de las charentesas / The race of the Charente"
Óleo sobre tabla / oil on panel © Catherine Alexandre

«Ganadora del premio de diseño (Courtelle Creations), durante diez años estuve diseñando ropa y motivos de bordados para una empresa textil. A la vez mis pinturas se mostraban en varias galerías y exposiciones de arte. Luego, como artista independiente, estuve cinco años creando personajes originales para caricaturas (plantillas de modelos). Descubrí el mundo del cine y comencé a escribir guiones. Y más tarde, novelas.»

"La métamorphose du libraire / La metamorfosis del librero / The Metamorphosis of Bookseller"
Óleo sobre tabla / oil on panel © Catherine Alexandre

"Le guide / La guía / The Guide", óleo sobre tabla / oil on panel © Catherine Alexandre

"La muse / La musa / The Muse" © Catherine Alexandre

"Mariana" © Catherine Alexandre

"La perle / La perla / The Pearl" © Catherine Alexandre

«Actualmente pinto y escribo. Organicé una Exposición de Arte Fantástico a nivel local y mi deseo es tener un gran estudio-galería donde pueda abrirme al público. Además cuido las flores de mi jardín. Porque, por encima de todo, soy "contemplativa". Para mí la vida es un todo. Todas las actividades que realizo desde mi estado mental persiguen lo mismo: hacer que emerja lo mejor de mí misma, tomando lecciones de lo que me rodea, los seres vivos y las cosas.»

"L'effet papillon / El efecto mariposa / The Butterfly Effect" © Catherine Alexandre

"Les dirigeables / Los dirigibles / The Airships" © Catherine Alexandre


Catherine Alexandre is a French artist. She discovered her passion since an early age:
«When I was two years old, my parents peut a pencil in my hand, that I have never let it go since. At the end of my secondary school studies, I went to Art'School, where I have obtained my NATIONAL DIPLOMA of PAINTING. At the same time, I have trained and was awarded a DIPLOMA in CONTEMPORARY JEWELLY DESIGN.»
While continuing the painting, I learn to do engraving with a spanish Master, Alfonso SAURA, and I was for five years in making engravings for a Paris gallery. I specialised in the Art Movement CoBrA, principally the artists Karel APPEL and LINDSTRÖM

"Cathy" © Catherine Alexandre

"La voile / Navegando / Sailing" © Catherine Alexandre

"L' envolée. huile sur toile / La elevación / The Soaring", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 90 cm.
© Catherine Alexandre

"Les discrètes / Las discretas / The Discretes" © Catherine Alexandre

«Winner of fashion's design (COURTELLE CREATIONS) for ten years I was designing clothings and embroidery motifs for a textile company. At the same time, my paintings were shown at a number of galleries and Art Exhibition. Then, as a free-lance, I have for five years created original characters for CARTOONS (model-sheets). I have discovered the world of cinema and began to write scenarios. And later, novels.»

"Les pieds sur terre / Los pies sobre la tierra / Feet on the Ground", 90 x 90 cm. © Catherine Alexandre

"Transmigration cognitive / Transmigración cognitiva / Cognitive Transmigration", 40 x 40 cm.
© Catherine Alexandre

"La belle endormie / La bella durmiente / Sleeping Beauty" © Catherine Alexandre

"L'arche / El arca / The Ark", 30 x 40 cm. © Catherine Alexandre

«Actually, I paint, I write. I organise an Exhibition of Fantastic Art in the local area and my wish is to have a grand STUDIO-GALLERY where I could open to the public. Also, I look after the flowers of my garden. Because above all, I am "contemplative". For me, the LIVE is a WHOLE. All activities that I follow from same state of mind, same search; to do to emerge the best in myself, drawing lessons in that surround to me, livings and things...»

© Catherine Alexandre

"Mille feuilles / Mil hojas / Thousand Leaves" © Catherine Alexandre

Textos del sitio web de la artista / Text from artist's website.

Más imágenes e información en / More images and information in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Catherine!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Catherine!)

Jakub Rozalski [Pintura]

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Jakub Rozalski


Jakub Rozalski es un interesante artista polaco nacido en 1981, residente en Cracovia.
«Pinto y dibujo desde que tengo memoria. Escoger estudios artísticos era el orden natural de las cosas. Tengo un buen bagaje y educación artísticos. Sin embargo, aprendí casi todo de manera autodidacta, estudiando a mis artistas y pintores favoritos. Mis primeros pasos como artista fueron en lienzo y papel; mucho tiempo después descubrí el diseño gráfico por ordenador. A través de mi obra, intento combinar la pintura al estilo clásico, un diseño moderno y conceptos interesantes. Pero lo más importante en mi obra es crear siempre una atmósfera única a través de la narración de algún tipo de historia, mostrando situaciones cotidianas en entornos inusuales.»

Proyecto 1920+ Project
"En el camino / On the Road"

"Cazador oscuro / Dark Hunter"

«Actualmente prefiero trabajar con ordenador y tableta, ya que me permite ahorrar un montón de dinero. Así puedo tener más tiempo para mi familia y mi vida cotidiana.
Me gustan los colores más suaves, discretos, así como composiciones más estáticas, no tan dinámicas. No sé por qué; nunca he pensado en ello. Tan sólo pinto como siento y me gusta. Es probablemente una reflexión sobre mi propia naturaleza, lo que me gusta y lo que me interesa. Me gustan los ambientes salvajes, los espacios abiertos, colores discretos y naturales, el invierno, los animales... creo que es lo que puedes ver en mis pinturas.»

Proyecto 1920+ Project
"Hogar, dulce hogar / Home Sweet Home"

"Robot en la niebla / Robot in the Mist"

"Preparándose para el despegue / Preparing for Tekeoff"

«Todo el proyecto 1920+ está basado en eventos históricos: La Batalla de Varsovia en 1920, y la Guerra Polaco-Soviética (febrero 1919 - marzo 1921). Esta batalla está considerada por muchos historiadores como una de las más importantes de la historia, ya que cambió el destino de Europa y detuvo la Revolución Roja. Después de la Primera Guerra Mundial, la atmósfera en Europa estaba llena de pensamientos revolucionarios. Los bolcheviques decidieron aprovecharse de esta situación y comenzaron a avanzar hacia el oeste con un gran ejército.»

Proyecto 1920+ Project
"Alas negras / Black Wings"

"Sambor & Owsianik"
Ilustración de portada para la novela de fantasía - steampunk de /
Book cover illustration for fantasy/steampunk novel by Pefer Vorobieff, “Кейтов перевал”

«Polonia fue el primer país realmente capaz de ofrecer resistencia. Nuestra independencia sólo fue restaurada en dos años. Casi nadie sabe nada sobre esto, y es un período histórico muy interesante. Fue también la última vez que la caballería tuvo un uso significativo. Adoro los robots gigantes y elementos mecánicos desde mi infancia. Creo que todo comenzó cuando vi por primera vez La Guerra de las Galaxias, Episodio V: El Imperio Contraataca. Fueron imágenes muy interesantes e inspiradoras para mí. También me dieron una buena idea de escalas bien construidas y ofrecían un interesante contraste entre paisajes y situaciones. Mi deseo es mostrar la historia y cultura de mi tierra natal de la manera más interesante y original para las audiencias modernas, así que lo mecánico trabaja perfectamente.»

Proyecto 1920+ Project
"Disparo a la cabeza / Headshot"

"Shogun oscuro / Dark Shogun"

Jakub Rozalski is an interesting Polish artist born in 1981, based in Cracovia.
«I paint and draw since I can remember. Choosing artistic studies was the natural order of things. I have a fine art background and education. However, I learned most of it as a self-taught by studying my favorite artists and paintings. My first steps as an artist was on canvas and paper, long time before discovering computer graphic designs. Through my work, I try to combine classical painting style, modern design and interesting concepts. For me the most important thing in my work is to always create a unique atmosphere via telling some kind of story, showing everyday situations in an unusual environment.»

Simplemente otro día de trabajo / Just Another Day at Work... "Kelpie"

Proyecto 1920+ Project
"Adiós / Farewell"

«Currently I prefer to work on a computer and a tablet, as it allows me to save a lot of time and money. I can then have more time for my family and my daily life.
I like the more subdued, discreet colors, as well as the more static not so dynamic compositions. I do not know why, I have never thought about it. I just paint the way I feel and I like. It is probably a reflection of my own nature, what I like and what interests me. I like wild environments, open spaces, discreet and natural colors, winter, animals… I think you can see all of these in my pictures.»

Proyecto 1920+ Project
"Lobos alemanes / German Wolves"

Proyecto 1920+ Project

Scythe es un juego para consolas ambientado en una historia alternativa de la década de 1920. Es un tiempo de granjeros y guerras, corazones rotos y engranajes oxidades, innovación y valor. El juego fue creado por el diseñador Jamey Segmaier con la asistencia de Alan Stone en el crudo, aunque hermoso, mundo del artista Jakub Rozalski.

Scythe is a board game set in an alternate-history 1920s. It is a time of farming and war, broken hearts and rusted gears, innovation and valor. The game was created by lead designer Jamey Stegmaier with the assistance of Alan Stone in the stark but beautiful world of artist Jakub Rozalski.

Proyecto 1920+ Project
"Señor de la guerra / Warlord"

«The whole “1920+ project” is based on historical events: the Battle of Warsaw in 1920 and the Polish–Soviet War (February 1919 – March 1921). This battle is considered by many historians as one of the most important in the world’s history, since it changed the fate of Europe and stopped the Red Revolution. After the first world war, the atmosphere in Europe was filled with revolutionary thoughts. Bolsheviks decided to take advantage of this situation and started to move forward to the west with a huge army.»

Proyecto 1920+ Project
"Camino bloqueado / Road Blockade"

Proyecto 1920+ Project
"Grandes estepas / Great Steppes"

«Poland was the first country to really be able to show them resistance. Our independence had only been restored for two years. Anyone hardly knows about this and it is a very interesting historical period. This is also the last time cavalry was so significantly used. I love giant robots and mechs from my childhood. I think this started when I saw Star Wars Episode V: The Empire Strikes Back for the first time. Those are very interesting and inspiring painting themes for me. They also give a good idea of well built scales and offer an interesting contrast of the classical landscapes and situations. My desire is to show the history and culture of my motherland in the most original and interesting way for a modern audience; so mechs work perfectly.»

Proyecto 1920+ Project
"Mano amiga / Helping Hand"

Soy un gran fan de Wojtek. Creo que es una gran historia y estas pinturas son mi homenaje a él. Mucha gente se ha interesado en la historia de Wojtek gracias a estas obras, y en consecuencia en nuestros soldades y la batalla de Monte Cassino. Esto me hace muy feliz y orgulloso. (ver al final del post)

I’m a big fan of Wojtek. I think it’s a great story and these paintings are my tribute to him. A lot of people through these artworks became interested in Wojtek’s story, and thus in our soldiers and the battle of Monte Cassino. This is making me very happy and proud. (check out at the end of this post)

Proyecto 1920+ Project
"Escuadrón Kosciuszko Squadron"

«Primera de una serie de ilustraciones que son mi homenaje a los voluntarios estadounidenses y pilotos polacos del 7º Escuadrón Aéreo (Escuadrón Kosciuszko), que lucharon y murieron por la independencia de Polonia durante la guerra Polaco-Bolchevique (1919-1921)»

«First in a series of illustrations that are my tribute to the American volunteers and Polish pilots from 7th Air Escadrille - Kościuszko Squadron, who fought and died for Polish independence during the Polish - Bolshevik war (1919 - 1921)»

Simplemente otro día de trabajo / Just Another Day at Work... 
"Encuentro con el hombre lobo / Meeting With Werewolf"
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Los textos están tomados del sitio web del artista, de su facebook, y de una entrevista de Print 24 publicada en noviembre de 2014 (completa en inglés aquí) /
Texts from artist's website, from his facebook, and from an interview published in Print 24, November, 2014 (full text here)

Más imágenes e información sobre Jakub en / More images and information about Jakub in:
Website, Tumblr, facebook, Society6

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Jakub!)
Gracias también a Manu Bernal por la información.
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Jakub!)
Thanks also to Manu Bernal for the information.


Wojtek

Jakub Rozalski
Proyecto 1920+ Project -"De regreso a casa / Back to Home" (detalle / detail)

Wojtek con un soldado durante la Segunda Guerra Mundial / with a soldier during 2nd World War

Wojtek (1942–1963) fue un oso pardo sirio adoptado de cachorro por los soldades de la 22 Compañía de Suministros de Artillería, Segundo Cuerpo polaco, del ejército polaco durante la Segunda Guerra Mundial. En la Batalla de Montecassino, Wojtek ayudó a mover municiones del ejército. El nombre "Wojtek" es un diminutivo de "Wojciech", un antiguo nombre eslavo que aún es común en Polonia hoy en día, que significa "el que disfruta de la guerra", o "el guerrero sonriente".



Wojtek (1942–1963) was a Syrian brown bear cub found in Iran and adopted by soldiers of the 22nd Artillery Supply Company of the Polish II Corps. His rank was corporal. During the Battle of Monte Cassino, Wojtek helped move ammunition. The name "Wojtek" is a diminutive form of "Wojciech", an old Slavic name that is still common in Poland today and means "he who enjoys war" or "smiling warrior".

Estatua en madera en / Wood Statue in Weelsby Woods, Grimsby, North East Lincolnshire, Inglaterra / England

Estatuas de Wojtek pueden contemplarse hoy día en el Imperial War Museum de Londres o en el Canadian War Museum de Ottawa, en homenaje a este animal que entró con todos los honores en la historia militar

Wojtek statues can be seen today in the Imperial War Museum in London or the Canadian War Museum in Ottawa in honor of this animal that came with honors in military history.

Monumento a Wojtek en el Parque Jordana, Cracovia, Polonia /
Monument to Wojtek in Park Jordana, Kraków, Poland



Won Beomsik [Fotomanipulación, Collage]

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Won Beomsik
원범식

"Arquiescultura antigravedad / Archisculpture Antigravity" 022, 2014

Won Beomsik (원범식) nació en 1972 en Won-ju, una ciudad a 1:30 hs. por carretera al este de Seúl. 
Cuando era un niño adoraba crear nuevo juguetes, ensamblando partes de otros, como si fueran Transformers. Esta pudo ser su más temprana práctica de la serie Arquiescultura. Estudió trabajo en metal, cerámica, dibujo, fotografía, escultura y diseño... todo lo que pudiera permitirle trabajar en todas las artes por su cuenta, en la Universidad Kookmin y la Universidad Hongik en Seúl. Se obsesionó con la fotografía documental mientras trabajaba como diseñador de libros, cosa que hizo durante 6 años, después de la universidad, y decidió irse al extranjero para hacer cosas significativas. Entre 2004 y 2005 viajó por 33 países en 8 meses tomando fotografías. Después de aquél viaje, se fue a Londres para estudiar un Master en la Slade School of Fine Arts en Londres, y comenzó con su serie Arquiescultura.

"Buscador de dimensiones / Dimension Finder" 011, 2007

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 003, 2010

«René Descartes veía hermoso el orden y coherencia de las estructuras diseñadas por un único arquitecto; la propuesta del proyecto fotográfico Arquiescultura es, por el contrario, crear esculturas arquitectónicas haciendo collages fotográficos de diversas obras arquitectónicas de varios arquitectos. En este sentido, las fotos de Arquiescultura son a la vez similares y diferentes al romanticismo orgánico de las antiguas ciudades construidas a través de las obras de una miríada de arquitectos, porque representan la interpretación y decisiones subjetivas del artista teniendo en cuenta numerosos diseños de varios arquitectos.»

"Buscador de dimensiones / Dimension Finder" 011, 2008

En relación al “Tractatus Logico Philosophicus” en el que Ludwig Wittgenstein dice “el límite de mi lenguaje es el límite de mi mundo”, Won Beomsik intenta llevar al espectador más allá de su concepción del mundo. Como escribió en la declaración artística de este proyecto: «Para una persona que piensa con 100 palabras, es difícil comprender a una persona que piensa con mil palabras... Esto quiere decir que el alcance de la comprensión del conocimiento y el mundo depende de su lenguaje.
Una persona que no conozca las palabras "amor", "rebosante" y "mundo", nunca comprenderá "un mundo rebosante de amor". No comprenderá el significado aún cuando el mundo rebosara de amor, porque tal concepto no existiría en su mente.... Es ofrecer una mejora del pensamiento a los espectadores. Es un "dibujar el límite en la distancia", como decía Wittgenstein, y en otras palabras, ampliar la gama de conceptos.
Los conceptos ampliados no se detienen aquí, sino que siguen ampliando su gama de forma continua. La fuerza impulsora es la "curiosidad". El conocimiento está conectado con otro conocimiento.»

"Arquiescultura antigravedad / Archisculpture Antigravity" 021, 2014

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 010, 2012

Sobre "Buscador de dimensiones" dice el artista:
«Los artistas tienen que pensar diferente para encontrar algunas cosas especiales a su alrededor. Yo estoy buscando algunos "pasajes". Llamé así a este proyecto porque quiero encontrar un mayor nivel de dimensiones. Quiero mostrar el pasaje a otra dimensión, un punto de vista especial.»

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 009, 2012

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 004, 2011

"La tendencia de la arquitectura deconstructiva, basada en la teoría del filósofo francés Jaques Derrida, desmantela las bases de la arquitectura, dudando de la completitud ideológica del modernismo, y rechaza los principios que lo sustentan, tales como la gravedad y estructuras en el centrismo de la arquitectura, y expresa una relativa diversidad a través de la antigravedad y otros métodos. La antigravedad en las obras de arquiescultura ayudan a expresar una tensión que es una de las fascinaciones estructurales en el género de la escultura, y también significa ser despertado de las grandes tendencias comunes en una sociedad estereotipada ".

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 006, 2011

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 028

Beom-sik WON (원범식) was born in 1972 in Won-ju, a city approximately of 1.5 hours drive to the east of Seoul. When he was a kid, he loves making new toys, by assembling parts from other toys, like Transformer. That could be his early practice of the Archisculpture series. He studied metalwork, pottery, drawing, photography, sculpture and design…… everything that would allow him to make all kinds of arts by himself, at the Kookmin University & Hongik University at Seoul. He got obsessed with documentary photography while working as a book designer for 6 years after university, and decided to go abroad to make truly meaningful ones. From 2004 to 2005, he travelled 33 countries in 8 months taking photograph; after that journey, he went for the master degree at the Slade School of Fine Arts at London in 2010, and started the Archisculpture series.

"Buscador de dimensiones / Dimension Finder" 017, 2008

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 020, 2014

Related to Ludwig Wittgenstein’s “Tractatus Logico Philosophicus” in which he said the limit of my language means the limit of my world” , Beomsik tries to bring the viewer beyond his conception of the world. As he wrote in his statement about this project” For a person who is thinking with 100 words, it’s hard to understand a person who is thinking with a thousand words… It means that the range of understanding the knowledge and the world depends on his language.
A person who does not know the words ‘love’, ‘overflowing’ and ‘world’ will never understand ‘ the world overflowing with love’. He cannot understand the meaning even though the world would be overflowing with love, because there’s no such a concept in his mind … It is to give the enhancement of thinking to the viewers. It is a ‘drawing the limit in the distance’ as Wittgenstein said and in other words, enlargement of conception range.
The enhanced conception does not stop there but rather enlarges its range continuously. The driving force is ‘curiosity’. Knowing is connected to another knowing.”

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 002, 2010

Izq./ Left: "Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 018, 2013
Der./ Right: "Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 012, 2012

About his Dimension Finder project the artist said:
«Artists have to think differently in order to find some special things around them. I’m looking for some ‘passages’. I named this project like that because i want to find a higher level of dimension. I want to show the passage to another dimension, a special view.» 

"Buscador de dimensiones / Dimension Finder" 012, 2007

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 011, 2012

«The trend of deconstructive architecture based on french philosopher jacques derrida’s theory dismantles the basis of architecture, having doubts about the ideological completeness of modernism, and it rejects underlying principles, such as gravity and structures in the centrism of architecture and expresses a relative diversity through antigravity and other methods. The antigravity in archisculpture artworks assists to express a tension which is one of the structural fascinations in the genre of sculpture and it also means being awakened from the big common trends in the stereotypical society.»

"Arquiescultura antigravedad / Archisculpture Antigravity" 023

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 013, 2012

«René Descartes viewed as beautiful the order and coherency of structures designed by a single architect; the purpose of the Archisculpture Photo Project, however, is to create architectural sculptures by collaging photographs of diverse architectural works from various architects. In this way, Archisculpture Photos are both similar and different to the organic romanticism of old cities built through the works of myriad architects, for they represent the artist’s subjective interpretation and decisions regarding various architects’ numerous designs.»

"Arquiescultura collage / Archisculpture Collage" 019, 2014

Más imágenes e información sobre Won Beomsik en / More images and information about Won Beomsik in:
Website, Flickr

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Won Beomsik!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Won Beomsik!)

Desde Irán (IX) - Mohammad Domiri [Fotografía]

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Mohammad Domiri

Mohammad Reza Domiri Ganji

Mohammad Reza Domiri Ganji es un joven (23 años) estudiante de física y fotógrafo del norte de Irán, interesado en fotografía arquitectónica y panorámica.
«He estado tomando fotos durante 5 años, y he aprendido mucho hablando con otros fotógrafos, compartiendo mis imágenes y recibiendo comentarios, así como mirando tutoriales en Internet.
La mayoría de mis imágenes abarcan un gran ángulo de visión (mostrando el edificio completo en una sola vista), y también hay HDR. Para mí la luz es un elemento muy especial en la fotografía.»

"Techo de la mezquita Vakil / Ceiling of Vakil Mosque", Shiraz, Irán

"Baños Ali Gholi Agha / Ali Gholi Agha Bath", Isfahan, Irán

Estos baños públicos fueron construidos por uno de los representantes del Shah Soleiman y el Shah Soltan Hossein Safavi llamado Ali Gholi Agha en 1710. Consisten en dos secciones, grande y pequeña. La sección más grande a la entrada es un área octogonal con ocho pilares de piedra alrededor de plataformas diseñadas para que la gente se siente, cambie sus ropas y coloque los zapatos. El techo y portales están decoradas con yeso moldeado, diseños y bellos azulejos. Se crearon ventanas especiales en el techo para permitir que la luz del sol entrara a la sala aportando una atmósfera pacífica. Además de los azulejos, pueden verse otros elementos decorativos como pinturas murales que se remontan a las eras Safavi, Ghajar y Pahlavi.

This public bath was built by one of Shah Soleiman and Shah Soltan Hossein Safavi’s agents named Ali Gholi Agha in 1710.  Ali Gholi Agha Bath consists of two big and small sections.  The bigger section entrance is an octagonal area with eight stone pillars surrounding platforms designed for people to sit and change clothes and place their shoes.  The ceiling and doorways are decorated with plastered shaped and designs and beautiful tiles.  Special windows are created in the ceiling to allow sunlight enter the hall and provide a peaceful atmosphere.  Besides various tile work, other decorative features such as wall paintings dating back to Safavi and Ghajar and Pahlavi eras can be seen.

"Mezquita Jameh / Jameh mosque", Yazd, Irán

"Mezquita Nasir-al Mulk / Nasir al-Mulk Mosque", Shiraz, Irán (vista esférica / little planet view)

La mezquita se construyó durante la era Qājār por orden de Mirza Hasan Ali Nasir al Molk, uno de los señores de la dinastía Qajar, en 1876 y se finalizó en 1888. Los diseñadores fueron Muhammad Hasan-e-Memar y Muhammad Reza Kashi Paz-e-Shirazi.
La mezquita presenta abunndancia de vidrios coloreados en su fachada, así como otros varios elementos tradicionales, como panj kāseh-i (cinco cóncavos) en su diseño. Es también llamada popularmente Mezquita Rosa debido al uso de hermosos azulejos de este color en su diseño interior.

The mosque was built during the Qājār era by the order of Mirza Hasan Ali Nasir al Molk, one of the lords of the Qajar Dynasty, in 1876 and was finished in 1888. The designers were Muhammad Hasan-e-Memar and Muhammad Reza Kashi Paz-e-Shirazi.
The mosque extensively uses colored glass in its facade, and it displays other traditional elements such as panj kāseh-i (five concaves) in its design. It is also named in popular culture as Pink Mosque due to the usage of beautiful pink color tiles for its interior design.

"Taller de reparación de alfombras / Carpet Repair Workshop", Shiraz, Irán

"Tumba de Hafez / Tomb of Hafez", Shiraz, Irán

Khwāja Shams-ud-Dīn Muhammad Hāfez-e Shīrāzī (خواجه شمس‌‌الدین محمد حافظ شیرازی‎), conocido por su seudónimo Hāfez (حافظ; también Hāfiz; 1325/26–1389/90), fue un poeta persa que "celebró las alegrías del amor y el vino, pero también señaló la hipocresía religiosa". Su colección de obras es vista como el punto más alto en la literatura persa, y se encuentran en las casas de la mayoría de los iraníes, quienes aprenden sus poemas de memoria y utilizan sus proverbios y refranes en su vida cotidiana.

Khwāja Shams-ud-Dīn Muhammad Hāfez-e Shīrāzī (خواجه شمس‌‌الدین محمد حافظ شیرازی‎), known by his pen name Hāfez (حافظ; also Hāfiz; 1325/26–1389/90), was a Persian poet who "laud[ed] the joys of love and wine [but] also targeted religious hypocrisy". His collected works are regarded as a pinnacle of Persian literature and are to be found in the homes of most people in Iran, who learn his poems by heart and use them as proverbs and sayings to this day.

"Mezquita Nasir-al Mulk / Nasir al-Mulk Mosque", Shiraz, Irán (panorama)

"Mezquita Vakil / Vakil Mosque", Shiraz, Irán (vista esférica / little planet view)

Mohammad Reza Domiri Ganji y a young - 23 years old - photographer and physics student from northern Iran, interested in panoramic and architecture photography.
I have been taking photos for 5 years, and have learned much through talking to other photographers, sharing my pictures and receiving feedback, and watching tutorials on the internet.
Most of my pics are covering very Wide angle of view (show Entire Building in one Picture ) and also they are High Dynamic Range. For me light is very Special element in Photography.

"Mezquita Shiekh Zayed / Sheikh Zayed Mosque", panorama
Abu Dhabi, Emiratos Árabes Unidos / U.A.E.

"Columnas, alfombras, colores y luz / Columns, Carpets, Colors and Light"
"Mezquita Nasir-al Mulk / Nasir al-Mulk Mosque", Shiraz, Irán

"Mezquita Vakil / Vakil Mosque", Shiraz, Irán (panorama)

La Mezquita Vakil (مسجد وکیل) es una mezquita de Shiraz, al sur de Irán, situada al oeste del Bazar Vakil, cerca de su entrada. Construida entre 1751 y 1773, durante el período Zand, fue sin embargo restaurada en el s. XIX durante el período Qājār. Vakil significa Regente, que fue el título utilizado por Karim Khan, fundador de la Dinastía Zand.

The Vakil Mosque (مسجد وکیل) is a mosque in Shiraz, southern Iran, situated to the west of the Vakil Bazaar next to its entrance. This mosque was built between 1751 and 1773, during the Zand period; however, it was restored in the 19th century during the Qajar period. Vakil means regent, which was the title used by Karim Khan, the founder of Zand Dynasty.

"Palacio de / Palace of Hashet behesht (8 cielos / 8 heavens), Isfahan, Irán

Mezquita del Shah (del Imán) / Shah (Imam) Mosque", Isfahan, Irán

La Mezquita del Shah, también conocida como la Mezquita del Imán, llamada así después de la revolución islámica de 1979 en Irán, y Mezquita Jaame 'Abbasi, es una mezquita de Isfahan que se erige en el lado sur de la plaza Naghsh-e Jahan. Fue construida durante el período de Safavid, ordenada por el primer Shah Abbas de Persia.
Está considerada como una de las obras maestras de la arquitectura persa y un excelente ejemplo de arquitectura de la era islámica de Irán. Se registró, junto con el Naghsh-e Jahan Square, como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Su construcción se inició en 1611, y su esplendor se debe principalmente a la belleza de sus mosaicos de siete colores e inscripciones caligráficas. La mezquita es uno de los tesoros que aparecen en La vuelta al mundo en 80 Tesoros presentados por el historiador de arquitectura Dan Cruickshank.

The Shah Mosque, also known as Imam Mosque, named after the 1979 Islamic revolution in Iran, and Jaame' Abbasi Mosque, is a mosque in Isfahan, Iran, standing in south side of Naghsh-e Jahan Square. Built during the Safavid period, ordered by the first Shah Abbas of Persia.
It is regarded as one of the masterpieces of Persian Architecture and an excellent example of Islamic era architecture of Iran. It is registered, along with the Naghsh-e Jahan Square, as a UNESCO World Heritage Site. Its construction began in 1611, and its splendor is mainly due to the beauty of its seven-colour mosaic tiles and calligraphic inscriptions. The mosque is one of the treasures featured on Around the World in 80 Treasures presented by the architecture historian Dan Cruickshank.

"Dolat Abad Garden (Bagh)", Yadz, Irán

"Casa de los poemas / House of Poems", Shiraz, Irán

"Mezquita del jeque Lotf Allah / Sheikh Lotf Allah Mosque", (panorama)

"La torre sonriente / The Smiling Tower"
برج آزادی, Torre Azadi, de la Libertad / Azadi Tower, Teherán, Irán

La torre Azadi (برج آزادی), literalmente "Torre de la Libertad", antes conocida como "Torre Shahyad" (برج شهیاد‎), que significa "Torre del Memorial Real", es uno de los símbolos de la ciudad de Teherán, capital de Irán, y señala la entrada oeste de la ciudad.
Construida en 1971 en conmemoración del 2500 aniversario del Imperio Persa, esta "entrada a Teherán", tiene 50 metros de alto y está revestida de mármol cortado.

The Azadi Tower (برج آزادی), literally the Freedom or Liberty Tower, previously known as the "Shahyad Tower" (برج شهیاد‎) meaning "King Memorial Tower", is one of the symbols of Tehran City, the capital of Iran, and marks the west entrance to the city.
Built in 1971 in commemoration of the 2,500th anniversary of the Persian Empire, this "gateway into Tehran" it is 50 meters (164 ft) tall and completely clad in cut marble.

Mezquita del Shah (del Imán) / Shah (Imam) Mosque", Isfahan, Irán (panorama)

"Cúpula de la Mezquita Seyyed / Seyyed Mosque", Isfahan, Irán

La mezquita Seyyed (مسجد سید‎) es la más grande y famosa de la era Qajar en Isfahan. Fue fundada por Seyyed Mohammad Bagher Shafti, uno de los clérigos más famosos de la ciudad, a mediados del s. XIX, pero su revestimiento no se finalizó hasta finales del siglo.

Seyyed Mosque (مسجد سید‎) is the biggest and the most famous mosque from the Qajar era in Isfahan. It was founded by Seyyed Mohammad Bagher Shafti, one of the most famous clergymen in Isfahan, in the middle of the 19th century, but its tiling lasted until the end of the century.

"Baños Vakil / Vakil Bath", Shiraz, Irán

Más imágenes e información sobre Mohammad en / More images and information about Mohammad in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Mohammad!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Mohammad!)

Aniversarios (LXV) [Abril / April 5-11]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 5 de Abril es el cumple de

Nikolai Bartossik (Микола Григорович Бартосік), pintor contemporáneo y artista monumental ucraniano-estadounidense nacido en 1951.
Se graduó en 1970 en el Instituto Estatal de Kiev de Artes Decorativas, Aplicadas y Diseño. En 1975 se graduó en la Academia de Diseño y Arte del Estado de Kharkiv. Emigró a Nueva York en 1995.
Bartossik ha sido miembro de la Unión Nacional de Artistas de Ucrania desde 1993 y miembro de United Scenic Artists of America desde 1998. Trabajó en la Asociación de Arte Monumental Decorativo de Kiev desde 1976 hasta 1995, donde trabajó en colaboración con el artista Ernest Kotkov, creando composiciones tridimensionales.
Sitio web del artista: http://www.bartossik.com/

"Mujeres / Women", 193 x 142 cm., 2003


El 6 de Abril es el cumple de

Jeanne Hébuterne, artista francesa nacida en 1898, conocida como modelo habitual y concubina del artista Amedeo Modigliani.
Fue presentada a la comunidad artística de Montparnasse por su hermano André Hébuterne que quería ser pintor. Conoció a varios de los artistas, por aquél entonces unos muertos de hambre, y modeló para Tsuguharu Foujita. Sin embargo, con ganas de seguir una carrera en las artes y talento para el dibujo, decidió estudiar en la Académie Colarossi. Fue allí, en la primavera de 1917. que Jeanne Hébuterne fue presentada a Amedeo Modigliani por el escultor Chana Orloff
Jeanne comenzó un romance con el carismático artista y se convirtió en un tema principal en el arte de Modigliani.
El 24 de enero 1920 Amedeo Modigliani murió. La familia de Jeanne Hébuterne la llevó a su casa, pero Jeanne, totalmente angustiada, se arrojó por la ventana del quinto piso al día siguiente de la muerte de Modigliani, matándose embarazada.
Se tardó más de treinta años antes de que un estudioso del arte convenció a los herederos de Hébuterne para permitir el acceso público a la obra de Jeanne.

"Femme au collier,  modèle de Modigliani / Mujer con collar, modelo de Modigliani / 
Woman with Necklace, model of Modigliani", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73,2 x 61 cm.


El 7 de Abril es el cumple de

Gino Severini, pintor italiano nacido en 1883, miembro destacado del movimiento futurista. Durante gran parte de su vida dividió su tiempo entre París y Roma.
En 1916 Severini se apartó del Futurismo y pintó varias obras en un estilo naturalista inspirado por su interés en el arte de principios del Renacimiento. Después de la Primera Guerra Mundial, Severini abandonó gradualmente el estilo futurista y pintó en un estilo cubista sintético hasta 1920. En 1920 aplicaba teorías de equilibrio clásico basado en la sección áurea a bodegones y temas figurativos de la comedia del arte tradicional. Se convirtió en parte de la "vuelta al orden" en las artes en la era de la posguerra.
En la década de 1940 el estilo de Severini se volvió semi-abstracto. En la década de 1950 volvió a sus temas futuristas: bailarines, luz y movimiento.
Durante su carrera trabajó en una variedad de medios, incluyendo mosaico y fresco. Mostró su trabajo en las principales exposiciones, incluyendo la Cuadrienal de Roma, y ganó premios de arte de las principales instituciones.
Murió en 1966.

"Bailarina en azul / Ballerina in Blue", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1912.
Mattioli Collection (Milan, Italia / Italy)



El 8 de Abril es el cumple de

Jan Styka, pintor nacido en Polonia en 1858 que destacó por la producción de grandes obras históricas de batallas y panoramas religiosos cristianos. Fue también ilustrador y poeta. Conocido como un gran orador patriótico, sus discursos fueron impresos en 1915 bajo el título francés L'Ame de la Polonia (El alma de Polonia).
Styka asistió a la escuela en su Lwów nativo (Lemberg, ahora Lviv). Luego estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena, Austria tras lo cual se instaló en Cracovia en 1882, donde estudió pintura histórica con Jan Matejko. Seguidamente regresó a Lwów y abrió allí un taller. Allí, junto con el célebre pintor histórico polaco Wojciech Kossak, crearon su obra más famosa en Polonia, El Panorama Racławice. Más tarde viajó a Italia por un corto tiempo antes de trasladarse a Francia, donde los grandes movimientos artísticos en Montmartre y Montparnasse fueron tomando forma y donde pasó gran parte de su vida.
Murió en 1925.

"Pokusy / Tentaciones / Temptations", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1906


El 9 de Abril es el cumple de

William Russell Birch, pintor de miniaturas, esmaltador, grabador de paisajes y diseñador inglés nacido en 1755.
Pasó su infancia en Warwick y fue aprendiz de un joyero, Thomas Jeffreys, y de Sir Joshua Reynolds. Expuso retratos el esmalte en la Real Academia desde 1781 a 1794. En 1785 recibió una medalla de la Royal Society of Arts. Como grabador es conocido en Inglaterra por su 'Délices de la Grande Bretagne,' que consta de treinta y seis láminas de edificios antiguos en Norwich y otros lugares, publicado en 1791.
Emigró a Filadelfia en 1794. Hizo retratos al esmalte de muchas personas. Hizo muchas copias de retratos de George Washington, por Gilbert Stuart. Fue el padre de Thomas Birch, retratista estadounidense y pintor de marinas.
Murió en 1834.

"Calle 2ª el norte de la Calle del Mercado, con la Iglesia de Cristo / 
Second Street North from Market St. wth. Christ Church", Philadelphia
Grabado coloreado a mano / Hand-colored engraving, 1828


El 10 de Abril es el cumple de

Benjamin Lauder "Ben" Nicholson, pintor británico de composiciones abstractas (a veces en bajo relieve), paisajes y bodegones, nacido en 1894.
Su primera obra notable fue tras una reunión con el dramaturgo JM Barrie, de vacaciones en Rustington, Sussex, en 1904. Como resultado de esta reunión, Barrie utilizó un dibujo de Nicholson como base para un cartel para la obra "Peter Pan".
De 1920 a 1933 estuvo casado con la pintora Winifred Nicholson y vivió en Londres. Después de su primera exposición de obras figurativas en Londres en 1922, su obra comenzó a ser influenciada por el cubismo sintético, y más tarde por el estilo primitivo de Rousseau. En 1926, se convirtió en presidente de la Sociedad Siete y Cinco.
En Londres Nicholson se reunió con los escultores Barbara Hepworth (con la que estuvo casado desde 1938 hasta 1951) y Henry Moore. En sus visitas a París conoció a Mondrian, cuyo trabajo en el estilo neoplásico le influyó en sentido abstracto, y a Picasso, cuyo cubismo sería también se haría en lugar en su obra. Su don, sin embargo, fue la capacidad de incorporar estas tendencias europeas en un nuevo estilo reconocible como suyo.
Murió en 1982.

"1940 (St. Ives, version 2)", 1940


Hoy, 11 de Abril es el cumple de

Adélaïde Labille-Guiard, miniaturista retratista francesa nacida en 1749.
Durante la adolescencia, Labille-Guiard estudió pintura en miniatura con el pintor de óleos François-Elie Vicente, un amigo de la familia. Las conexiones de Vincent hicieron posible que su obra temprana fuera exhibida en la Académie de Saint-Luc. Durante este aprendizaje, conocería a su futuro marido, el hijo de Vicente François-André Vincent.
Después de casarse con Louis-Nicolas Guiard en 1769, fue aprendiz con el maestro del pastel Quentin de la Tour hasta el matrimonio de la Tour en 1774. Después de su aprendizaje, expuso uno de sus pasteles de un magistrado en la Académie de Saint-Luc. Ella continuaría mostrando sus obras en la Academia hasta su cierre en 1776. Después de eso las exhibió en el Salon de la Correspondance.
El 31 de mayo de 1783 Labille-Guiard fue aceptada como miembro de la francesa Académie Royale de Pintura y Escultura.
Murió en 1803.

"El escultor / The SculptorAugustin Pajou", pastel sobre papel / pastel on paper, 71 x 59 cm., 1783.
Musée du Louvre (Paris, Francia / France)


Textos en inglés / English translation

On April 5 is the birthday of

Nikolai Bartossik (Микола Григорович Бартосік), Ukrainian-American contemporary painter and monumental artist born in 1951.
He graduated in 1970, from the Kyiv State Institute of Decorative and Applied Art and Design. In 1975, he graduated from the Kharkiv State Academy of Design and Art. He immigrated to New York in 1995.
Bartossik has been a member of the National Union of Artists of Ukraine since 1993, and a member of the United Scenic Artists of America since 1998. He worked at the Kiev Monumental and Decorative Art Association from 1976–1995, where he worked in collaboration with artist Ernest Kotkov, creating three-dimensional compositions.
Artist's website: http://www.bartossik.com/

On April 6 is the birthday of

Jeanne Hébuterne, French artist born in 1898, best known as the frequent subject and common-law wife of the artist Amedeo Modigliani.
She was introduced to the artistic community in Montparnasse by her brother André Hébuterne who wanted to become a painter. She met several of the then-starving artists and modelled for Tsuguharu Foujita.[2] However, wanting to pursue a career in the arts, and with a talent for drawing, she chose to study at the Académie Colarossi. It was there in the spring of 1917 that Jeanne Hébuterne was introduced to Amedeo Modigliani by the sculptor Chana Orloff
Jeanne began an affair with the charismatic artist and became a principal subject for Modigliani's art.
On 24 January 1920 Amedeo Modigliani died. Jeanne Hébuterne's family brought her to their home but Jeanne, totally distraught, threw herself out of the fifth-floor apartment window the day after Modigliani's death, killing herself and her unborn child.
It took more than thirty years before an art scholar convinced the Hébuterne heirs to allow public access to Jeanne Hébuterne's artwork.

On April 7 is the birthday of

Gino Severini, Italian painter born in 1883 and a leading member of the Futurist movement. For much of his life he divided his time between Paris and Rome. 
In 1916 Severini departed from Futurism and painted several works in a naturalistic style inspired by his interest in early Renaissance art. After the First World War, Severini gradually abandoned the Futurist style and painted in a Synthetic Cubist style until 1920. By 1920 he was applying theories of classical balance based on the Golden Section to still lifes and figurative subjects from the traditional commedia dell'arte. He became part of the "return to order" in the arts in the post-war era.
In the 1940s Severini's style became semi-abstract. In the 1950s he returned to his Futurist subjects: dancers, light and movement.
During his career he worked in a variety of media, including mosaic and fresco. He showed his work at major exhibitions, including the Rome Quadrennial, and won art prizes from major institutions.
He died in 1966.

On April 8 is the birthday of

Jan Styka, Polish painter born in 1858, noted for producing large historical, battle-piece, and Christian religious panoramas. He was also illustrator and poet. Known also as a great patriotic speaker - his speeches were printed in 1915 under the French title L'ame de la Pologne (The Soul of Poland).
Styka attended school in his native Lwów (Lemberg, now Lviv) then studied at the Academy of Fine Arts in Vienna, Austria following which he took up residence in Kraków in 1882 where he studied historical painting under Jan Matejko. Next he came back to Lwów and opened there a workshop. Here, together with a celebrated Polish historical painter Wojciech Kossak, they created his most famous work in Poland - The Racławice Panorama. Later he travelled to Italy for a short time before moving to France where the great art movements at Montmartre and Montparnasse were taking shape and where he would spend a large part of his life.
He died in 1925.

On April 9 is the birthday of

William Russell Birch, English miniature painter, enameller, and landscape engraver and designer born in 1755.
He spent his early childhood in Warwick and was apprenticed to a jeweller, Thomas Jeffreys, and to Sir Joshua Reynolds. He exhibited enamel portraits at the Royal Academy from 1781 to 1794. In 1785, he received a medal from the Royal Society of Arts. As an engraver he is best known in England for his 'Délices de la Grande Bretagne,' consisting of thirty-six plates of ancient buildings in Norwich and elsewhere, published in 1791.
He immigrated to Philadelphia in 1794. He made portrait enamels of many people; he made many copies of portraits of George Washington, by Gilbert Stuart. He was the father of Thomas Birch, American portrait and marine painter.
He died in 1834.

On April 10 is the birthday of

Benjamin Lauder "Ben" Nicholson, British painter of abstract compositions (sometimes in low relief), landscape and still-life, born in 1894.
His first notable work was following a meeting with the playwright J. M. Barrie on holiday in Rustington, Sussex, in 1904. As a result of this meeting, Barrie used a drawing by Nicholson as the base for a poster for the play Peter Pan.
From 1920 to 1933, he was married to the painter Winifred Nicholson and lived in London. After Nicholson's first exhibition of figurative works in London in 1922, his work began to be influenced by Synthetic Cubism, and later by the primitive style of Rousseau. In 1926, he became chair of the Seven and Five Society.
In London, Nicholson met the sculptors Barbara Hepworth (to whom he was married from 1938 to 1951) and Henry Moore. On visits to Paris he met Mondrian, whose work in the neoplastic style was to influence him in an abstract direction, and Picasso, whose cubism would also find its way into his work. His gift, however, was the ability to incorporate these European trends into a new style that was recognizably his own. 
He died in 1982.

Today, April 11, is the birthday of

Adélaïde Labille-Guiard, French miniaturist and portrait painter born in 1749.
During adolescence, Labille-Guiard studied miniature painting with the oil painter François-Elie Vincent, a family friend. Vincent's connections made it possible for her early works to be exhibited at the Académie de Saint-Luc. During this apprenticeship, she would meet her future husband, Vincent's son François-André Vincent.
After marrying Louis-Nicolas Guiard in 1769, she apprenticed with the pastel master Quentin de la Tour until de la Tour's marriage in 1774. After the apprenticeship, she exhibited one of her pastels of a magistrate at the Académie de Saint-Luc. She would continue displaying her works at the Académie until it closed in 1776. After that, she would display her works at the Salon de la Correspondance.
On 31 May 1783, Labille-Guiard was accepted as a member of the French Académie Royale de Peinture et de Sculpture.
She died in 1803.

Aniversarios Fotografía (LXV) [Abril / April 6-12]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 6 de Abril es el cumple de

Rudy Burckhardt, cineasta y fotógrafo suizo-estadounidense, conocido por sus fotografías de carteles pintados a mano que comenzaron a dominar el paisaje americano en la década de los años cuarenta y cincuenta.
Burckhardt descubrió la fotografía como estudiante de medicina en Londres. Dejó la medicina para dedicarse la fotografía en la década de 1930. Emigró a la ciudad de Nueva York en 1935. Entre 1934 y 1939 viajó a París, Nueva York y Haití haciendo fotografías, en su mayoría de calles de la ciudad, y experimentando con breves películas de 16 mm. Mientras se encontraba en Trinidad en el Cuerpo de Señales entre 1941 y 1944, filmó a los residentes de la isla. En 1947, se unió a la Liga de la Fotografía en la ciudad de Nueva York. Burckhardt casó pintor Yvonne Jacquette con quien colaboró durante sus 40 años de matrimonio. A mediados de los años cincuenta trabajó con Joseph Cornell en "La Pajarera", "Nymphlight", "Una fábula para fuentes", y "¿Qué Mozart vi en Mulberry Street". Enseñó cine y pintura en la Universidad de Pensilvania de 1967 a 1975. Es el tío abuelo del autor Andreas Burckhardt.
En su 85 cumpleaños, Burckhardt se suicidó ahogándose en un lago en su propiedad.

"Flatiron en verano / in Summer", Nueva York / New York, 1948


El 7 de Abril es el cumple de

Frank Guiller, nacido Francisco Guiller, artista de origen cubano que vive y trabaja desde 1988 en Estados Unidos.
Comenzó sus estudios superiores bien alejado del arte, en el profesorado de Física. Sin embargo no terminó e ingresó a la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, donde obtuvo un título en Grabado e inició estudios de Pintura.
En 1984 ingresa en el Instituto Superior de Arte donde estudia Pintura, Dibujo y Grabado.
Al establecerse en la ciudad de Nueva York, su interés por la fotografía digital comienza a necesitar de nuevos derroteros y conocimientos. Con su ya bien definido concepto visual posmoderno, su producción fotográfica creció usando como principal modelo la ciudad, sus habitantes, su ritmo.
Seguidor de Saul Leiter y Leon Levinstein, Frank ha creado su propia interpretación de la llamada Street Photography, despertando la atención de un público que parecía aletargado por falta de propuestas.

"El amor nunca muere... Nueva York / Love never Die ... NY..."


El 8 de Abril es el cumple de

Clarence Hudson White, fotógrafo, profesor y miembro fundador del movimiento Photo-Secession estadounidense, nacido en 1871. Se crió en pequeñas ciudades en Ohio, donde sus principales influencias eran su familia y la vida social del país rural. Después de visitar la World's Columbian Exposition en Chicago en 1893, se inició en la fotografía. A pesar de que fue completamente autodidacta en el medio, a los pocos años era conocido internacionalmente por sus fotografías pictóricas que capturaron el espíritu y el sentimentalismo de los Estados Unidos a principios del siglo XX. Como se hizo muy conocido por sus imágenes, White fue buscado por otros fotógrafos que a menudo viajaban a Ohio para aprender de él. Se hizo amigo de Alfred Stieglitz y ayudó a promover la causa de la fotografía como una verdadera forma de arte. En 1906 White y su familia se trasladaron a la ciudad de Nueva York con el fin de estar más cerca de Stieglitz y su círculo, y seguir promoviendo su propia obra. Mientras estaba allí se interesó en la enseñanza de la fotografía y en 1914 estableció la Escuela de Fotografía Clarence H. White, la primera institución educativa en Estados Unidos para enseñar fotografía como arte. Debido a las exigencias de sus tareas docentes, su propia fotografía declinó y produjo poca obra nueva durante la última década de su vida.
En 1925 sufrió un ataque al corazón y murió mientras enseñaba a estudiantes en Ciudad de México.

"La orquídea / The Orchard", 1902


El 9 de Abril es el cumple de

Art Kane (Arthur Kanofsky), fotógrafo de moda y música estadounidense activo desde el 1950 hasta principios de 1990. Creó muchos retratos de músicos contemporáneos, entre ellos Bob Dylan, Sonny y Cher, Aretha Franklin, Frank Zappa, Jim Morrison, Janis Joplin, los Rolling Stones y The Who.
Durante la segunda Guerra Mundial sirvió en una unidad de engaño conocida como El Ejército Fantasma, una incubadora para muchos artistas jóvenes. Se convirtió, a los 26 años, en director de arte de la revista Seventeen, uno de los directores más jóvenes de arte de una publicación importante. Empezó a explorar su pasión por la fotografía, llegando a estudiar con el legendario Alexey Brodovitch. En 1958 obtuvo un encargo que lanzaría su carrera como fotógrafo, cuando reunió a 57 legendarios músicos de jazz, para la revista Esquire en 1958 en Harlem. Eventualmente la fotografía Esquire se convertiría en la base para el documental "Un gran día en Harlem".
Su trabajo era provocativo, experimental y lúdico, a veces rechazado por las revistas por desnudos o irreverentes.
En 1995, a los 69 años, se suicidó disparándose.
Sitio web del artista: http://www.artkane.com/

"Hombre Hopi / Hopi Man", 1971


El 10 de Abril es el cumple de

Cornell Capa, fotógrafo estadounidense nacido en Hungría en 1918, miembro de Magnum Photos, curador, y hermano menor del fotoperiodista y fotógrafo de guerra Robert Capa.
Se graduó en el Imre Madách Gimnasio en Budapest. Inicialmente pretendía estudiar medicina, pero en cambio se unió a su hermano en París para seguir con la fotografía. Cornell era un ambicioso entusiasta de la fotografía, que fundó el Centro Internacional mundialmente conocido de la Fotografía en Nueva York en 1974 con la ayuda de Micha Bar-Am, después de una temporada de trabajo, tanto para la revista Life y Magnum Photos.
"Me tomó un tiempo darme cuenta de que la cámara es una mera herramienta, capaz de muchos usos, y por fin comprendí que, para mí, su función, su poder y su deber es el de comentar, describir, provocar el debate, despertar conciencias, evocar la simpatía, poner de relieve las miserias y alegrías humanas que de otro modo pasarían inadvertidas, desconocidas y desapercibidas. He estado interesado en fotografiar la vida cotidiana de mis compañeros humanos y el espectáculo común del mundo que me rodea, e intentando destilar de éstos su belleza y todo lo que sea de interés permanente."
Murió en 2008.

"Attica, New York", 1972


El 11 de Abril es el cumple de

Aurelio de Colmenares y Orgaz, VII conde de Polentinos nacido en 1873. El ayuntamiento de Madrid le nombró cronista oficial de la villa el 1 de junio de 1943. El 12 de octubre de 1900, a la edad de 27 años, contrajo matrimonio con María Duque de Estrada Martínez de Morentín en San Sebastián.
Realizó aproximadamente 10 000 placas de vidrio estereoscópicas de las tres primeras décadas del siglo XX que fueron recibidas en 2008 por el ministerio de Cultura español. De entre sus obras realizadas, 630 pertenecen a Vascongadas, concretamente en Elizondo, Lequeitio, Vitoria, San Sebastián, Hernani, Deva, Cestona y Pasajes.
Falleció el 26 de mayo de 1947, a la edad de 74 años, en su ciudad natal.

"Procesión del Corpus por las calles de Toledo / 
Corpus Christi procession through the streets of Toledo", 1910-15


Hoy, 12 de Abril es el cumple de

Austin Young, fotógrafo y cineasta nacido en 1966, que reside actualmente en Los Ángeles. Young ha trabajado como fotógrafo desde 1985. El trabajo de Young ha creado una documentación enciclopédica de la subcultura y la cultura trans en Nueva York, Los Ángeles y San Francisco. Sus videos cortos tienen más de 12 millones de visitas en YouTube. Es co-fundador y la mitad del grupo de arte colaborativo Fallen Fruit.
Sus modelos incluyen a Sutan Amrull, Jackie Beat, Leigh Bowery, Dame Edna, Peaches Cristo, y Jeffree Star. Sus retratos de celebridades incluyen a Oliver Stone, Sandra Bernhard, Simon Cowell, Cassandra Peterson, Margaret Cho, Perez Hilton, Ryan Cassata y Amy Poehler. También ha dirigido videos para Jeffree Star, la banda de Jackie Beat's Dirty Sanchez (banda), y músicos como el tiro Siouxsie Sioux, Deborah Harry, Jane Wiedlin, Diamanda Galas, Jessicka y Semi Precious Weapons.

Del libro / From the book dr.a.g., Jefree Star OUTER SPACE


Textos en inglés / English translation

On April 6 is the birthday of

Rudy Burckhardt, Swiss-American filmmaker, and photographer, known for his photographs of hand-painted billboards which began to dominate the American landscape in the nineteen-forties and fifties.
Burckhardt discovered photography as a medical student in London. He left medicine to pursue photography in the 1930s. He immigrated to New York City in 1935. Between 1934 and 1939, he traveled to Paris, New York and Haiti making photographs mostly of city streets and experimenting with short 16mm films. While stationed in Trinidad in the Signal Corps from 1941-1944, he filmed the island's residents. In 1947, he joined the Photo League in New York City. Burckhardt married painter Yvonne Jacquette whom he collaborated with throughout their 40 year marriage. During the mid-Fifties he worked with Joseph Cornell on "The Aviary", "Nymphlight", "A Fable For Fountains", and "What Mozart Saw On Mulberry Street". He taught filmmaking and painting at the University of Pennsylvania from 1967 to 1975. He is the great-uncle of author Andreas Burckhardt.
On his 85th birthday, Burckhardt committed suicide by drowning in the lake on his property.

On April 7 is the birthday of

Frank Guiller (Francisco Guiller), Cuban-born artist who lives and works since 1988 in the United States.
He began his superiors well away from art studies in the faculty of Physics. But left and entered the National Academy of Fine Arts San Alejandro, where he earned a degree in Engraving and began studying painting.
In 1984 he entered the Superior Institute of Art where he studied painting, drawing and engraving.
To settle in the city of New York, his interest in digital photography began to need new courses and knowledge. With its well defined postmodern visual concept, using his photographic production grew up using the city as a model, its inhabitants, its rhythm.
Follower of Saul Leiter and Leon Levinstein, Frank has created his own interpretation of the so-called Street Photography, attracting the attention of an audience that seemed dormant for lack of proposals.

On April 8 is the birthday of

Clarence Hudson White, American photographer, teacher and a founding member of the Photo-Secession movement born in 1871. He grew up in small towns in Ohio, where his primary influences were his family and the social life of rural America. After visiting the World's Columbian Exposition in Chicago in 1893, he took up photography. Although he was completely self-taught in the medium, within a few years he was internationally known for his pictorial photographs that captured the spirit and sentimentality of America in the early twentieth century. As he became well known for his images, White was sought out by other photographers who often traveled to Ohio to learn from him. He became friends with Alfred Stieglitz and helped advance the cause of photography as a true art form. In 1906 White and his family moved to New York City in order to be closer to Stieglitz and his circle and to further promote his own work. While there he became interested in teaching photography and in 1914 he established the Clarence H. White School of Photography, the first educational institution in America to teach photography as art. Due to the demands of his teaching duties, his own photography declined and White produced little new work during the last decade of his life.
In 1925 he suffered a heart attack and died while teaching students in Mexico City.

On April 9 is the birthday of

Art Kane (Arthur Kanofsky), American fashion and music photographer active from the 1950s through the early 1990s. He created many portraits of contemporary musicians, including Bob Dylan, Sonny and Cher, Aretha Franklin, Frank Zappa, Jim Morrison, Janis Joplin, the Rolling Stones, and The Who.
During the second World War he served in an unusual deception unit known as The Ghost Army, an incubator for many young artists. He became, at age 26, the art director for Seventeen Magazine, one of the youngest art directors of a major publication. He began to explore his passion for photography, eventually studying under the legendary Alexey Brodovitch. In 1958, he got an assignment that would launch his career as a photographer, when he assembled 57 legendary jazz musicians, for Esquire magazine in 1958 in Harlem. Eventually the Esquire photograph would became the basis for a documentary, A Great Day in Harlem.
His work was provocative, experimental, and playful, sometimes rejected by magazines for nudity or irreverence.
In 1995, Kane, 69, committed suicide by shooting himself.
Artist's website: http://www.artkane.com/

On April 10 is the birthday of

Cornell Capa, Hungarian American photographer born in 1918, member of Magnum Photos, and photo curator, and the younger brother of photo-journalist and war photographer Robert Capa. Graduating from Imre Madách Gymnasium in Budapest, he initially intended to study medicine, but instead joined his brother in Paris to pursue photography. Cornell was an ambitious photo enthusiast who founded the world-known International Center of Photography in New York in 1974 with help from Micha Bar-Am after a stint of working for both Life magazine and Magnum Photos.
"It took me some time to realize that the camera is a mere tool, capable of many uses, and at last I understood that, for me, its role, its power, and its duty are to comment, describe, provoke discussion, awaken conscience, evoke sympathy, spotlight human misery and joy which otherwise would pass unseen, un-understood and unnoticed. I have been interested in photographing the everyday life of my fellow humans and the commonplace spectacle of the world around me, and in trying to distill out of these their beauty and whatever is of permanent interest."
He died in 2008.

On April 11 is the birthday of

Aurelio de Colmenares and Orgaz, the seventh Earl of Polentinos, born in 1873. Madrid City Council appointed him official chronicler of the village on June 1, 1943. On October 12, 1900, at the age of 27, he married Maria Duque de Estrada Martinez Morentín in San Sebastián.
He performed approximately 10,000 stereoscopic glass plates the first three decades of the twentieth century that were received in 2008 by the Spanish Ministry of Culture. Among his works performed, 630 belong to Basque, specifically in Elizondo, Lequeitio, Vitoria, San Sebastian, Hernani, Deva, Cestona and Pasajes.
He died on May 26, 1947, at the age of 74, in his hometown.

Today, April 12, is the birthday of

Austin Young, photographer and film maker born in 1966, currently based in Los Angeles. Young has worked as a photographer since 1985. Young's work has created an encyclopedic documentation of sub and trans culture in New York, Los Angeles and San Francisco. His short videos have over 12 million hits on YouTube. He is co-founder and one half of the collaborative art group, Fallen Fruit.
His subjects include Sutan Amrull, Jackie Beat, Leigh Bowery, Dame Edna, Peaches Christ, and Jeffree Star. His celebrity portrait subjects include Oliver Stone, Sandra Bernhard, Simon Cowell, Cassandra Peterson, Margaret Cho, Perez Hilton, Ryan Cassata and Amy Poehler. He has also directed videos for Jeffree Star, Jackie Beat's band Dirty Sanchez (band), and shot musicians like Siouxsie Sioux, Deborah Harry, Jane Wiedlin, Diamanda Galas, Jessicka, and Semi Precious Weapons.

Tim Jeffs [Ilustración]

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Tim Jeffs


Tim Jeffs es un artista e ilustrador estadounidense, vive en el norte de New Jersey, y obtuvo una licenciatura en ilustración en la Parsons The New School for Design (1987).
Recientemente ha recibido atención global por su obra, y sus impresiones se venden por todo el mundo. Utilizando bolígrafos de tinta y aguada, continúa dando vida a animales a través de su serie de ilustraciones en curso. Sus obras capturan hasta los más mínimos detalles de la piel, texturas y patrones de cada animal.

"Iguana", 2015. Image © Tim Jeffs

"Nautilus", bolígrafo y aguada de tinta / ballpoint pen and Ink wash, 11" x 17", 2013
Image © Tim Jeffs

«Mi compañero de habitación en el colegio de arte fue quien a la vuelta del tiempo se convirtió en una gran figura del Rock & Roll: el cantante Rob Zombie. Juntos Rob y yo conectamos como grandes amigos debido a nuestro amor por la música. Terminé por convertirme en miembro fundador de White Zombie y ser el primer guitarrista de la banda. Aparecí en el EP "Pig Heaven", y en le Box Set "Let Sleeping Corpses Lie", así como en una cantidad de canciones nunca editadas de White Zombie. Y tengo el honor de haber sido el guitarrista durante los días en que White Zombie entraron por primera vez en la escena del rock neoyorquino.»

"Cocodrilo / Crocodile", bolígrafo y aguada de tinta / ballpoint pen and Ink wash, 11" x 17", 2014
Image © Tim Jeffs

"Cangrejo azul /Blue Crab"
Lápiz de color y tinta sobre papel / colored pencil and ink on paper, 11" x 17", 2014, Image © Tim Jeffs

«Dibujar siempre ha sido mi pasión, y es algo que hago constantemente. La increíble diversidad y complejidad de los animales siempre me ha intrigado. Su contemplación ofrece un placer infinito y maravilloso. En cada dibujo intento capturar la cualidad única de cada animal en particular. Disfruto creando mi perspectiva, amor y admiración por esas increíbles criaturas a través de mi arte.»

"Elefante / Elephant", bolígrafo y aguada de tinta / ballpoint pen and Ink wash, 11" x 17", 2013
Image © Tim Jeffs

"Dragón de Komodo / Komodo Dragon"
Bolígrafo y aguada de tinta / ballpoint pen and Ink wash, 11" x 17", 2014. Image © Tim Jeffs

«Los últimos 25 años de mi vida he estado trabajando en Nueva York como Director Creativo en publicaciones. Mientras mi trabajo se ha desarrollado de manera excitante en numerosos sitios web muy conocidos, libros, logos para toda clase de material electrónico e impreso, el dibujo siempre ha permanecido como mi pasión. Disfruto especialmente trabajando con pluma y tinta. El dibujo en blanco y negro me permite crear un espíritu dramático y detalles que no podría alcanzar con otros medios. Para mí todo está en el detalle. Cuando decido dibujar cierto animal, hago una investigación a fondo sobre él. Leo sobre sus estadísticas, hábitos y entorno en el que vive, si está amenazado o su futuro. Lleno mi cerebro con las texturas, piel, pelaje y diseños. El detalle de los patrones en mis dibujos aparecen por casualidad, cuando empiezo a trabajar.»

"Camaleón / Chameleon", bolígrafo y aguada de tinta / ballpoint pen and Ink wash, 11" x 17", 2014
Image © Tim Jeffs

"Cría de tapir / Baby Tapir", bolígrafo y aguada de tinta / ballpoint pen and Ink wash, 11" x 17", 2014
Image © Tim Jeffs

«Los ojos son la parte más preciada de cada animal que dibujo. Siento que los ojos aportan su personalidad, expresan emoción y permiten que el animal cuente su propia historia cuando miran hacia el espectador.»

"Cría de tapir / Baby Tapir" (detalle / detail), Image © Tim Jeffs

Tim Jeffs is an American artist and illustrator. He lives in Northern New Jersey, attended Parsons School of Design and graduated with a BFA in Illustration (1987).
He has recently received global attention for his artwork, and his prints are selling worldwide. Using only black ink pens and washes he continues to bring animals to life through his ongoing series of portrait illustrations. His drawings capture even the smallest details of each animal’s fur, skin texture and patterns.

"Camaleón / Chameleon", 2015. Image © Tim Jeffs

Bolígrafo y aguada de tinta / ballpoint pen and Ink wash, 11" x 17", 2014. Image © Tim Jeffs

«My art college roommate was someone that has turned out to be quite a big figure in Rock & Roll. Lead singer Rob Zombie. Together Rob and I connected as great friends because of our love of art and music. I ended up becoming a founding member of White Zombie and was one of the very first guitarist in the band. I appear on the Pig Heaven EP and on the Box set Let Sleeping Corpses Lie, as well as a bunch of never before released White Zombie songs. And I have the honor of being the guitarist during the days when White Zombie first hit the New York City rock scene.»

"Squid / Sepia", bolígrafo y aguada de tinta / ballpoint pen and Ink wash, 11" x 17", 2013
Image © Tim Jeffs

Lápiz de color sobre papel / colored pencil on paper, 11x17", 2014, Image © Tim Jeffs

«Drawing has always been my passion and something I constantly do. The incredible diversity and complexity of animals has always intrigued me. They offer endless pleasure to look and marvel upon. In every drawing I try to capture the unique quality of each particular animal. I will always enjoy creating my perspective, love and admiration of these incredible creatures through my art.»

«La inspiración para mi dibujo. La hermosa imagen de Terence / 
The inspiration for my drawing. Terence's beautiful picture

"Ocelote / Ocelot", bolígrafo y aguada de tinta / ballpoint pen and Ink wash, 11" x 17", 2014
Image © Tim Jeffs

«Over the last 25 years of my life I've been working in New York City as a Creative Director in publishing. While my work has evolved exciting design work in numerous well know websites, books, logos for all kinds of electronic and printed material, drawing has always remained my passion. I especially enjoy working in pen and ink. Drawing in black and white allows me to create dramatic moods and details that I couldn’t achieve with other mediums. It’s all about the details for me. When I decide to draw a certain animal I do extensive research on it. Reading about its statistics, its habits, and the environment in which it lives, and if it’s endangered, it’s future. I fill my brain with the textures, skins, and furs, patterns that it is made up of. The detail patterns of my drawing are found by chance once I start drawing.»

Tim trabajando en su Ocelote / Tim at work with his Ocelot

Lápiz de color y tinta sobre papel / colored pencil and ink on paper, 11" x 17", 2014
Image © Tim Jeffs

"Agama / Bearded Dragon", bolígrafo y aguada de tinta / ballpoint pen and Ink wash, 11" x 17", 2014
Image © Tim Jeffs

«The eyes are my most cherished part of each animal that I draw. I feel the eyes give it a personality, express emotion and let the animal tell it’s own story as it looks back at the viewer.»

"Agama / Bearded Dragon" (detalle / detail)

"Agama / Pogona", 2015. Image © Tim Jeffs

Más imágenes e información sobre Tim en / More images and information about Tim in:
Blog, facebook, Instagram, Pinterest, twitter

Si te interesa comprar impresiones / If you're interested in buy printings:
Society6, Etsy

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Tim!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Tim!)


"Buceando en el detalle": un corto documental sobre el arte de Tim Jeffs /
Diving into Detail: a short documentary on the art of Tim Jeffs.


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