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El 9 de Junio es el cumple de
Peter Coulson, fotógrafo de moda australiano nacido en 1961.
Se especializó en belleza, moda y fotografía fetichista. Mezcla una gama de estilos y fusiona las últimas tendencias de la moda con sus reflexiones conceptuales personales. Sus imágenes son fuertes, sensuales y misteriosamente elegantes, con un toque de su sentido del humor.
"Andjela"© Peter Coulson Photography
Obtuvo su primera cámara cuando tenía alrededor de 12 o 13 años, y estuvo fotografiando bandas cuando tenía alrededor de 16 o 17. Solo fotografió cosas por hobby hasta los 30 años, luego comenzó a ganar dinero con la fotografía y la moda. Fue entonces cuando hizo la transición por primera vez de fotografías de estilo de vida al trabajo comercial.
"Me encantan las cosas oscuras y fetichistas, pero no me gusta la palabra fetiche porque en esta época solo significa pornografía, no es un verdadero fetiche."
"Claire-Louisa Paterson" (Baile / Dance), 2017 © Peter Coulson Photography
"El verdadero fetiche tiene que ver con el pensamiento, no se trata de ver algo, se trata de los pensamientos que te produce ver algo. Todavía adoro absolutamente el lado más oscuro de las historias ocultas, y el fetiche tampoco es siempre una cosa sexual, la gente tiene fetiches por las cosas más estúpidas del mundo, y sigo trabajando en eso. También me encanta capturar una emoción real, y a personas reales, no posando, sino crear realmente algo que produzca reacciones para poder ver realmente cómo se ven o en qué están pensando. Así que amo mis formas, por eso amo la moda y el baile, porque la forma del cuerpo humano es impresionante."
© Peter Coulson Photography
On June 9 is the birthday of
Peter Coulson, Australian fashion photographer born in 1961.
He specialized in beauty, fashion and fetish Photography. Mixing a range of styles and fusing the latest fashion trends with his personal conceptual reflections. His images are strong, sensual and mysteriously elegant with a twist of his screwed up sense of humour.
Natascha Verkaik© Peter Coulson Photography
He got his first camera when he was around 12-13, and he was shooting bands when he was around 16-17. He just shot hobby stuff until he was about 30, then he started to earn money out of photography with fashion and advertising. That was when he first made the transition from shooting lifestyle to working commerically.
"I love fetish-y dark stuff, but I don’t like the word fetish because in this day and age it just means porn, it’s not true fetish."
© Peter Coulson Photography
© Peter Coulson Photography
"True fetish is about the thought, it’s not about seeing something, it’s about the thought seeing something gives you. I still absolutely adore that darker side fetish-y hidden stories, and fetish isn’t always a sexual thing either, people have fetishes over the stupidest things in the world, but it’s working on that. I also love to capture a real emotion, and capture real people, not them posing but actually create something that creates reactions so I can actually see what they really look like or what they’re thinking about. Then I love my shapes, which is why I love fashion and dance, because the shape of the human body is awesome."
"Anne Duffy". Blog© Peter Coulson Photography
El 10 de Junio es el cumple de
Dominic Nahr, fotógrafo suizo nacido en 1983 en Appenzell, que se crió en Hong Kong.
Es miembro de la agencia MAPS y está representado por Circuit Gallery en Toronto. Su agencia comercial es Namara Represents.
En 2008 se graduó con una licenciatura en Bellas Artes de la Escuela de Artes de la Imagen de la Universidad de Ryerson en Toronto, Canadá, y se mudó a Nairobi, Kenia en 2009.
En 2004 comenzó a trabajar como fotógrafo para el South China Morning Post en Hong Kong. Abandonó el periódico en 2006 para cubrir los disturbios civiles en Timor Oriental para la agencia France-Presse, antes de regresar a sus estudios. Desde que se graduó se ha dedicado a documentar conflictos, crisis humanitarias y problemas sociales críticos. Ha trabajado en extensos ensayos fotográficos en la República Democrática del Congo, Etiopía, Kenia, Mali, Somalia, Sudán del Sur, Sudán, Sudáfrica, Haití, Egipto, Gaza, Irak y Japón.
Entre sus numerosos reconocimientos, Nahr ha recibido el Premio World Press Photo, Premios Pictures of the Year, el Oskar Barnack Newcomer Award, el premio Swiss Press Photo, el Fondo de Emergencia de la Fundación Magnum, el Fondo de Becas Marty Forscher para Fotografía Humanitaria y fue nominado dos veces para el Prix Pictet. En 2015 fue nombrado fotógrafo suizo del año por la Swiss Photo Academy de Zúrich.
On June 10 is the birthday of
Dominic Nahr, Swiss photographer born in 1983 in Appenzell, who grew up in Hong Kong.
He is a member of MAPS agency and is represented by Circuit Gallery in Toronto. His commercial agency is Namara Represents.
In 2008 he graduated with a Bachelor of Fine Arts from Ryerson University’s School of Image Arts in Toronto, Canada and moved to Nairobi, Kenya in 2009.
In 2004 Nahr started to work as a photographer for the South China Morning Post in Hong Kong. He left the newspaper in 2006 to cover the civil unrest in East Timor for Agence France-Presse, before returning back to his studies. Since graduating, Nahr has devoted himself to documenting conflicts, humanitarian crises and critical social issues. He has worked on extensive photographic essays in Democratic Republic of Congo, Ethiopia, Kenya, Mali, Somalia, South Sudan, Sudan, South Africa, Haiti, Egypt, Gaza, Iraq and Japan.
Guerra en la frontera de Sudán / Sudan Border War. Link
Among numerous honors, Nahr has received a World Press Photo Award, Pictures of the Year Awards, Oskar Barnack Newcomer Award, Swiss Press Photo Award, Magnum Foundation Emergency Fund, a Marty Forscher Fellowship Fund for Humanitarian Photography, and was twice nominated for the Prix Pictet. In 2015 he was named Swiss Photographer of the Year by the Swiss Photo Academy in Zurich.
Iraquíes despazados de ACNUR / UNHCR Displaced Iraqis. Link
El 11 de Junio es el cumple de
Dóra Maurer, artista húngara nacida en 1937, cuyo trabajo ha abarcado una carrera de 50 años. Con énfasis en la fotografía, el cine y el diseño gráfico entre otras cosas, Maurer se ha convertido en un nombre familiar en el mundo del arte. Habiendo logrado reconocimiento principalmente en la década de 1970 con obras de vanguardia, ha desarrollado su carrera artística a partir de obras con influencias contemporáneas y modernas que se han expuesto en todo el mundo. Todo su arte está basado en procesos matemáticos y de sistemas complejos. La mayor parte de su obra sigue el tema de mostrar opciones al espectador y lo que el espectador puede hacer con esas opciones. Muchas de sus obras analizan acciones simples para que el espectador realmente pueda ver la pieza como un movimiento, no como una fotografía del movimiento. Dora Maurer también ha sido profesora en la Facultad de Bellas Artes de Budapest y curadora.
Copia de inyección / inkjet print, 50 x 70 cm., 1981. Mutual Art
En su obra aparecen sistemas geométricos, matemáticos y conceptuales. Estos son los procesos en los que su mente piensa al crear su arte. Simplemente le da al espectador ejemplos de cosas que puede hacer con diferentes objetos, para hacerles pensar en lo que harían. Toda la obra de Maurer muestra composiciones y diseños geométricos. Es muy metódica con la composición que usa, las imágenes, las líneas, el ancho de las líneas, los colores, los ángulos y más. Algunas de sus obras más conocidas provienen de sus cuasi-fotos.
Si bien afirma que sus obras son ejemplos simples de lo que puede hacer, a muchos críticos les gusta agregarles matices políticos. En el pasado, la gente ha dicho que sus obras son ejemplos del trasfondo socialista en el que creció. Sin embargo es importante tener en cuenta que ella no considera su arte político, ni tiene en mente ese pensamiento al crear. De hecho ha dicho que la única razón por la que la gente dice que su obra es política, es porque todo lo que se hizo durante ese tiempo fue político. La mayor parte de esta crítica se atribuye a su trabajo realizado en los años sesenta y ochenta.
Gelatinobromuro de plata / silver print, 20,5 x 20,5 cm., 1979. Impresa en / printed 2011
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
Gelatinobromuro de plata / silver print, cada uno / each 20,5 x 20,5 cm., 1979. Impresa en / printed 2011
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
On June 11 is the birthday of
Dóra Maurer, Hungarian artist born in 1937, whose work has spanned a 50-year career. With an emphasis on photography, film, graphic design, amongst other things, Maurer has made herself a household name in the art world. Principally achieving recognition in the 1970s with avant-garde work, Maurer has developed her art career from works with contemporary and modern influences that have been shown worldwide. All of her art is based on mathematical and complex system processes. Most of Maurer's work follows the theme of showing options to the viewer and what the viewer can do with those options. Many of her works break down simple actions so the viewer can really view the piece as movement, not a photograph of movement. Dora Maurer has in addition been a professor at the Faculty of Fine Arts in Budapest and a curator.
(Miklós Erdely, Tibor Gáyor, György Jovánovics, Tamás Szentjóby)"
Gelatinobromuro de plata / silver print, 20 x 13 cm., 1972. Artsy
In Dora Maurer's work, geometric, mathematical, and conceptual systems all appear. These are the processes in which her mind thinks when creating her art. She simply gives the viewer examples of things she can do with different objects, to make them think about what they would do. All of Maurer's work displays geometric compositions and designs. She is very methodical with the composition she uses, the images, lines, width of lines, colors, angles, and more. Some of her best known works come from her quasi-photos.
While Dora Maurer states that her works are simple examples of what she can do, many critics like to attach political undertones to them. In the past, people have said that her works are examples of the socialist background in which she grew up. It is important to note, however, that Dora Maurer does not consider her art political, nor does she bear the thought in mind when creating. In fact, Maurer has said that the only reason people say her work is political, is because everything made during that time was political. Most of this critique is attributed to her work done in the 1960s to 1980s.
Cada una, gelatinobromuro de plata, 40 x 56 cm./ each, silver print, 40 x 65 cm., 1981
Cada una, gelatinobromuro de plata, 40 x 56 cm./ each, silver print, 40 x 65 cm., 1981
El 12 de Junio es el cumple de
Anders Beer Wilse, fotógrafo noruego nacido en Flekkefjord en 1865, que documentó Noruega a principios y mediados del siglo XX y también trabajó en los Estados Unidos.
Creció en Kragerø y decidió pronto convertirse en marinero, después de graduarse con un título técnico de la escuela técnica de Horten en 1882.
Emigró a los Estados Unidos en 1884. Al principio no encontró empleo, pero finalmente se estableció en Seattle trabajando para el Servicio Geológico de los Estados Unidos. Según algunos informes, adquirió su primera cámara en 1886. Abrió una tienda de fotografía en Seattle en 1897, después de haber visitado Noruega, y se casó con Helen Marie Hutchinson.
Wilse viajó extensamente por Noruega, tanto por encargo como por su propio interés. Llevó su cámara de 10 kg a lugares inaccesibles a través de un terreno accidentado, llegando tan al norte como Svalbard.
Fotografió paisajes naturales y personas en el trabajo, incluida la industria pesquera en Lofoten antes de la introducción de embarcaciones motorizadas. Su negocio de fotografía también fue un éxito comercial, y adquirió, entre otras cosas, el archivo completo de Axel Lindahl, que había fotografiado escenas en Noruega en los años 1880 y 1890. Sus fotos también aparecieron en la revista National Geographic.
The St. John's Church from the Kontrasjæret", 1904.
Museo de Oslo (Noruega / Norway). Oslobilder
En 1900 su esposa y sus hijos se mudaron a Noruega, y el propio Wilse se unió a ellos, abriendo una tienda de fotografía en Christiania en 1901, después de 17 años en los Estados Unidos.
Murió en 1949.
Wilse dejó unas 200.000 imágenes. La mayoría de sus negativos ahora se conservan en museos, incluido el Museo de Folklore de Norsk, donde conservan más de 100.000 paisajes e imágenes etnológicas, el Bymuseum de Oslo para imágenes relacionadas con la historia de Oslo, la Biblioteca Nacional de Noruega para fotografías de retratos y el Museo Marítimo de Noruega para fotografías marítimas.
Una mujer con una bicicleta parada detrás de un automóvil entre altas paredes de nieve en un paisaje de montaña /
A woman with a bicycle stands behind a car among tall snow wall in a mountain landscape."
Dryskar, Haukelifjell (Noruega / Norway). Diapositiva coloreada a mano / hand colored slide.
Museo Noruego de Ciencia y Tecnología / Norwegian Museum of Science and Technology. Fotoarkivet NTM. Flickr
On June 12 is the birthday of
Anders Beer Wilse, Norwegian photographer born in Flekkefjord in 1865, who documented Norway in the early to mid-20th century and also worked in the United States.
He grew up in Kragerø and decided early to become a sailor after having graduated with a technical degree from the technical school in Horten in 1882.
Wilse emigrated to the United States in 1884. He did not find work in the beginning, but eventually settled in Seattle working for the United States Geological Survey. He is reported to have acquired his first camera in 1886. He opened a photography store in Seattle in 1897, after having visited Norway, and married Helen Marie Hutchinson.
Wilse traveled extensively in Norway, both on assignment and for his own interest. He brought his 10 kg camera to inaccessible places through rugged terrain, going as far north as Svalbard.
He photographed both natural sceneries and people at work, including the fishing industry in Lofoten before the introduction of motorized boats. His photography business was also a commercial success, and he acquired among other things the entire archive of Axel Lindahl, who had photographed scenes in Norway in the 1880s and 1890s. His photos also appeared in National Geographic Magazine.
In Winter Equipment", Svartskog, Oppegård, Akershus.
Nasjonalbiblioteket / Biblioteca Nacional (Oslo, Noruega / Norway). Wikimedia Commons
In 1900, his wife and children moved to Norway, and Wilse himself joined them, opening a photography store in Christiania in 1901, after 17 years in the United States. He died in 1949.
Wilse left behind about 200,000 images. Most of his negatives are now preserved at museums, including Norsk Folkemuseum, where more than 100,000 sceneries and ethnological images are held, Oslo Bymuseum for images related to the history of Oslo, the National Library of Norway for portrait photography, and the Norwegian Maritime Museum for maritime photographs.
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 1936
Nasjonalbiblioteket / Biblioteca Nacional (Oslo, Noruega / Norway). Flickr
El 13 de Junio es el cumple de
Adolphe Braun, fotógrafo francés nacido en 1812 en Besançon, mejor conocido por sus bodegones florales, escenas callejeras parisinas y grandes paisajes alpinos.
Uno de los fotógrafos franceses más influyentes del siglo XIX, utilizó innovaciones contemporáneas en la reproducción fotográfica para comercializar sus fotografías en todo el mundo.
Cuando tenía unos 10 años, su familia se mudó a Mulhouse. Se mostró prometedor como dibujante y fue enviado a París en 1828 para estudiar diseño decorativo. Después de varias empresas de diseño sin éxito en la década de 1830, publicó una exitosa colección de diseños florales en 1842. Al año siguiente vendió su estudio en París y se mudó a Mulhouse, donde se convirtió en jefe de diseño en el estudio de Dollfus-Ausset, al que proporcionó patrones para textiles. En 1847 abrió su propio estudio en Dornach, un suburbio de Mulhouse.
A principios de la década de 1850 comenzó a fotografiar flores para ayudar en el diseño de nuevos diseños florales. Haciendo uso del proceso de colodión recientemente desarrollado, que permitía la reproducción impresa de las placas de vidrio, publicó más de 300 de sus fotografías en un álbum, "Fleurs photographiées", en 1855. Estas fotografías llamaron la atención de la comunidad artística de París, y Braun produjo un segundo set para exhibirse en la Exposición Universal de París ese mismo año.
En 1857 Braun formó una compañía de fotografía, Braun et Cie, y con la ayuda de sus hijos Henri y Gaston, y varios empleados, comenzaron a tomar fotografías del campo alsaciano. Estas se publicaron en 1859 en "L’Alsace photographiée", y varias se exhibieron en el Salón de 1859.
Copia al carbón / carbon print, 51,1 x 40,9 cm., 1860/69.
Museum of Fine Arts (Houston, Textas, EE.UU./ USA). GAP
En la década de 1860 el estudio de Braun et Cie operaba de manera similar a una fábrica y producía todos sus materiales, excepto el papel. El estudio creó miles de imágenes estereoscópicas de las regiones alpinas de Francia, Alemania, Suiza e Italia. Braun también produjo varias imágenes panorámicas de gran formato del campo alpino, utilizando la cámara pantoscópica desarrollada por los inventores ingleses John Johnson y John Harrison.
A mediados de la década de 1860 invirtió en un nuevo método de impresión de carbón desarrollado por el químico inglés Joseph Wilson Swan.
En 1867 Braun utilizó el nuevo método de carbón para crear una serie de escenas de caza de gran formato tituladas "Panoplies de gibier". También utilizó el nuevo método de impresión de carbón para producir fotografías de obras de arte conocidas en lugares como el Louvre, el Vaticano y Albertina, así como varias esculturas en Francia e Italia. Este esfuerzo tuvo éxito, y Braun se centró principalmente en las reproducciones de arte durante el resto de su carrera.
Murió en 1877.
Museum of Fine Arts (Houston, Textas, EE.UU./ USA). GAP
On June 13 is the birthday of
Adolphe Braun, French photographer born in 1812 in Besançon, best known for his floral still lifes, Parisian street scenes, and grand Alpine landscapes.
One of the most influential French photographers of the 19th century, he used contemporary innovations in photographic reproduction to market his photographs worldwide.
When he was about 10, his family relocated to Mulhouse. He showed promise as a draftsman, and was sent to Paris in 1828 to study decorative design. After several unsuccessful design ventures in the 1830s, he published a successful collection of floral designs in 1842. In 1843, Braun sold his Paris studio and moved back to Mulhouse, where he became chief designer in the studio of Dollfus-Ausset, which provided patterns for textiles. In 1847, he opened his own studio in Dornach, a suburb of Mulhouse.
In the early 1850s, Braun began photographing flowers to aid in the design of new floral patterns. Making use of the recently developed collodion process, which allowed for print reproduction of the glass plates, he published over 300 of his photographs in an album, Fleurs photographiées, in 1855. These photographs caught the attention of the Paris art community, and Braun produced a second set for display at the Paris Universal Exposition that same year.
Plaza de Belfort tras el asedio de 1870-1871 / Belfort Stronhold after the siege of 1870-1871"
Musée d'histoire (Belfort, Francia / France). Wikimedia Commons
In 1857, Braun formed a photography company, Braun et Cie, and with the help of his sons, Henri and Gaston, and several employees, set about taking photographs of the Alsatian countryside. These were published in 1859 in L’Alsace photographiée, and several were displayed at the 1859 Salon.
By the 1860s, the Braun et Cie studio was operating in a factory-like manner, producing all of its own materials except paper. The studio created thousands of stereoscopic images of the Alpine regions of France, Germany, Switzerland, and Italy. Braun also produced a number of large-format panoramic images of the Alpine countryside, using the pantoscopic camera developed by English inventors John Johnson and John Harrison.
In the mid-1860s, Braun invested in a new carbon print method developed by English chemist Joseph Wilson Swan.
In 1867, Braun used the new carbon method to create a series of large-format hunting scenes entitled, Panoplies de gibier. He also used the new carbon print method to produce photographs of well-known works of art at places such as the Louvre, the Vatican, and the Albertina, as well as various sculptures in France and Italy. This endeavor proved successful, and Braun focused primarily on art reproductions for the remainder of his career.
He died in 1877.
Copia a la albúmina / albumen print, 48,3 x 38,7 cm., 1860.
Museum of Fine Arts (Houston, Textas, EE.UU./ USA). GAP
El 14 de Junio es el cumple de
Walery Rzewuski, fotógrafo polaco temprano nacido en 1837, activista social y concejal de su ciudad natal, Cracovia.
Uno de los fotógrafos polacos más importantes del siglo XIX, autor de, sobre todo, numerosos retratos que representan a las principales figuras del mundo de la cultura y la ciencia, así como representantes de la nobleza y la aristocracia, funcionarios y empresarios. Los retratos fueron la base de su actividad. Estas fotografías fueron de naturaleza comercial y se realizaron de acuerdo con las expectativas de los clientes y las convenciones vigentes en ese momento, al mismo tiempo que son de alta calidad.
Copia a la albúmina / albumen print, 19,4 x 12,5 cm., 1884.
Muzeum Narodowe w Warszawie / Museo Nacional (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland). Wikimedia Commons
Sus logros en el campo de la fotografía teatral son mucho más originales en los que retrató a actores de forma dinámica en posturas con roles específicos. Fue el primer fotógrafo que grabó las montañas Tatra.y muchos monumentos de Cracovia, incluyendo Altar de Santa María . También se ocupó de la fotografía etnográfica y la reproducción de pinturas de artistas contemporáneos, incluido Jan Matejko.
Murió en 1888.
en el papel principal en la obra "Beatrix Cenci" de Juliusz Słowacki /
in the title role in the play "Beatrix Cenci" by Juliusz Słowacki", 1872. Wikimedia Commons
On June 14 is the birthday of
Walery Rzewuski, early Polish photographer born in 1837, social activist and an alderman of his native city Kraków.
One of the most important Polish photographers of the 19th century, the author of, above all, numerous portraits depicting the leading figures in the world of culture and science, as well as representatives of nobility and aristocracy, officials and entrepreneurs. The portraits were the basis for his activity. These photographs were commercial in nature and were carried out in accordance with the expectations of the customers and the conventions in force at the time, at the same time being of high quality.
His achievements in the field of theatrical photography are much more original in which he portrayed actors dynamically in poses with specific roles. He was the first photographer who recorded the Tatra Mountains and many Krakow monuments, including St. Mary's altar. He also dealt with ethnographic photography and reproduction of paintings by contemporary artists, including Jan Matejko.
He died in 1888.
Biblioteka Narodowa w Warszawie / Biblioteca Nacional (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland). Wikimedia Commons
Hoy, 15 de Junio, es el cumple de
Jo Spence, fotógrafa, escritora, trabajadora cultural y fototerapeuta británica, nacida en 1934 en Londres.
Comenzó como fotógrafa de bodas y dirigió un estudio desde 1967 hasta 1974. Poco después comenzó el trabajo documental a principios de la década de 1970, motivada por sus preocupaciones políticas. Tanto socialista como feminista, trabajó para representar estos temas a través de su práctica fotográfica. Participó en la creación de Photography Workshop (1974), un grupo centrado en la educación y la publicación, junto con el historiador socialista de la fotografía Terry Dennett y la revista Camerawork (1976). También fue miembro fundadora de Hackney Flashers (1974), un amplio colectivo de mujeres feministas y socialistas que realizaron exposiciones como "Women and Work" y "Who's Holding the Baby".
(Chigwell, Inglaterra / England, 1938 - Londres / London, 2018)
"Remodelando la historia de la fotografía (Realización) / Remodelling Photohistory (Realization)"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 1981-82
Museo Centro Nacional de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
En 1979 Spence estudió teoría y práctica de la fotografía en el Politécnico del Centro de Londres con el teórico fotográfico Victor Burgin. Obtuvo un título honorífico de primera clase y cambió sus opiniones y formas anteriores sobre la fotografía. A fines de la década de 1970 y hasta principios de la década de 1980 su obra se centró más en temas de domesticidad y vida familiar. En una pieza complementaria para el álbum "Más allá de la familia, Imágenes públicas, Convenciones privadas", escribió sobre cómo deseaba examinar "la pregunta de quién representa a quién en la sociedad, cómo lo hacen y con qué propósito".
En 1982 le diagnosticaron cáncer de mama. Después de su diagnóstico Spence comenzó a centrarse en la identidad, la subjetividad, la salud mental y física. Rechazó la terapia convencional y exploró la terapia holística y la dimensión política personal y feminista de vivir con cáncer. Durante su tiempo como fotógrafa, desarrolló una carrera como educadora, escritora y locutora.
Murió en 1992.
"Fototerapia (Mi madre como una trabajadora de guerra) /
Phototherapy (My Mother as a War Worker)", c. 1986-88. Aperture
(Chigwell, Inglaterra / England, 1938 - Londres / London, 2018)
"Remodelando la historia de la fotografía (El yo como imagen) / Remodelling Photohistory (Self as Image)"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 1982
Museo Centro Nacional de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
Today, June 15, is the birthday of
Jo Spence, British photographer, a writer, cultural worker, and a photo therapist, born in 1934 in London.
She started off as a wedding photographer and ran a studio from 1967–1974. Soon afterwards, she began documentary work in the early 1970s, motivated by her political concerns. Both a socialist and feminist, she worked to represent these issues through her practice of photography. She was involved in setting up Photography Workshop (1974), a group focused on education and publishing, along with the socialist historian of photography Terry Dennett and Camerawork magazine (1976). She was also a founding member of the Hackney Flashers (1974), a collective of broadly feminist and socialist women who produced exhibitions such as 'Women and Work' and 'Who's Holding the Baby'.
(Chigwell, Inglaterra / England, 1938 - Londres / London, 2018)
"Remodelando la historia de la fotografía (El yo como imagen) / Remodelling Photohistory (Self as Image)"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 1982
Museo Centro Nacional de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
In 1979, Spence studied the theory and practice of photography at the Polytechnic of Central London with photo theorist Victor Burgin. She gained a first class Honours Degree and changed her previous opinions and ways about photography. During the late 1970s and into the early 1980s her work became more focused on themes of domesticity and family life. In a companion piece for Beyond the Family Album, Public Images, Private Conventions she wrote on how she wished to examine, "the question of who represents who in society, how they do it and for what purpose."
In 1982, she was diagnosed with breast cancer. After her diagnosis, Spence started to focus on identity, subjectivity, mental and physical health. She rejected conventional therapy and explored holistic therapy and the personal and feminist political dimension of living with cancer. During her tenure as a photographer, she maintained a career as an educator, writer, and broadcaster.
She died in 1992.
(Chigwell, Inglaterra / England, 1938 - Londres / London, 2018)
"Remodelando la historia de la fotografía (Colonización) / Remodelling Photohistory (Colonization)"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 1981-82
Museo Centro Nacional de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
