Uruguayos / Uruguayans (XLII) - Néstor Plada [Pintura / Painting]

Néstor Plada nace en Minas, capital del departamento de Lavalleja, Uruguay. Maestro de Enseñanza Primaria y Profesor de Arte (dibujo y diseño), ha ejercido la docencia en ambas ramas en Uruguay. Más tarde (1987-2003) emigra a Estados Unidos, radicándose en Nueva Jersey, donde realiza paralelamente las tareas de publicista y pintor-grabador.

Desde el 2003 se establece en España, en la sureña Estepona, Málaga, ciudad andaluza con una maravillosa naturaleza, donde sigue pintando y dando clases de arte.

Ha expuesto individual y colectivamente en distintos puntos de Uruguay, Argentina y en Estados Unidos, en Florida, New Jersey y Nueva York, y también en España. Sus obras forman parte de colecciones privadas en Australia, Estados Unidos, Sudamérica y Europa.

Bernardo Palomo se refiere a su trabajo como una "plástica contundente donde los esquemas de la realidad quedan desvirtuados en un entramado material lleno de expresionismo e intensidad pictórica."

SR: ¿Qué estilos y movimientos artísticos se ven reflejados en tu pintura?

NP: Como mencioné anteriormente me formé conceptual y técnicamente en el Arte Universal de la escuela Torresgarciana, como alumno indirecto del Maestro. Con el paso del tiempo  incorporé en mis obras las enseñanzas del abstraccionismo con sus múltiples corrientes (Informalismo, Neoplasticismo, Suprematismo, Expresionismo Abstracto, etc.) principios que, de una forma u otra, ya estaban contemplados en el ideario estético de Torres.  

SR: ¿Cómo te relacionaste con el estilo Torres-García?  

NP: Concurriendo como becario del taller "Amigos del Arte" de Minas, Lavalleja, fundado, entre otros conocidos artistas, por Edgardo Ribeiro, alumno directo de Torres-García. Allí tome las primeras clases básicas de dibujo, pintura, cerámica y escultura. El taller poseía una biblioteca no muy extensa, pero eso sí, muy selecta, de libros sobre arte y artistas, y ahí conocí los fundamentos estéticos de Joseph Albers, André Lothe o André Malraux, entre otros intelectuales.

SR: ¿Cuáles fueron tus maestros?  

NP: Los referentes de mi formación artísticas, en diferentes niveles de influencia, fueron profesores entre los que destaco a: Carlos Carvalho, Wilson Amaral, Oscar Aguirre, Casimiro Motta, a nivel local en Minas. Luego debo sumar la admiración y el asombro que me fueron produciendo el descubrimiento de los grandes maestros del Abstraccionismo, el Expresionismo Abstracto de los 50, el Informalismo, y por supuesto las mejores corrientes artísticas desde la prehistoria a la actualidad.

 

SR: ¿Cómo defines tu dimensión interior volcada a la pintura?

NP: Más o menos todos quienes abordamos la tarea de expresarnos a través de las Artes Plásticas, seguimos ciertos principios de estética general que ajustan la interacción entre la idea y la emoción, en la búsqueda de una obra sensible y sensibilizadora. En esa tarea, por momentos ardua y sutil, técnica, creatividad y elementos culturales son de una importancia relevante. Mi dimensión interior volcada a la pintura, se canaliza sobre esas premisas. Pienso además que, en esos términos generales, se apoya la esencia misma de una obra de arte.

SR: ¿Qué buscas al realizar una obra? ¿Qué intentas transmitir?  

NP:  Parte de la respuesta está contenida en la respuesta anterior. Creo que agregaría que busco ordenar sobre una superficie bidimensional, sea cual sea el material del soporte, los elementos de mi lenguaje plástico personal, sometido a una composición global equilibrada. Mi búsqueda, en lo estrictamente técnico, se basa en el uso ponderado del valor (claroscuro), la relatividad del color, la expresividad visual de las texturas, la intensidad de la pigmentación, y demás recursos materiales. En lo temático y/o conceptual busco aquellas imágenes y formas que además de poseer una carga emotiva, o ser parte de mis experiencias visuales, soporten una transformación en el campo de la abstracción, sin perder frescura y emotividad. En el ejercicio de la creatividad trato de que lo plástico prevalezca sobre lo anecdótico, idea de Arte Universal ya expuesta ampliamente, entre otros, por Torres-García en su Universalismo Constructivo. Sintetizando, quiero que lo que comunico al observador sea un mensaje de reflexión y emoción, e implica un tránsito por los conceptos básicos de la Abstracción. Tal vez sea movido en mi repuesta por mi pasión por la Didáctica.

"Transmite su bien provisto bagaje plástico en la manifestación de un paisaje muy esencial y básico pero que reúne contundentes registros expresivos. Desde una gran contención representativa, con un dominio absoluto de los materiales conformantes y una capacidad absoluta para estructurar los distintos elementos, el artista uruguayo nos posiciona en un paisaje que, a fuerza de cercanía, plantea nuevos registros donde se adivinan muchos elementos presentidos. Estamos ante una pintura muy bien conformada, con las formas plásticas acertadamente yuxtapuestas y acondicionadas para que consigan efectos inesperados." - Bernardo Palomo

SR: ¿Qué te inspira en la cotidianidad?  

NP: La creación artística extrae sus leitmotivs de distintas fuentes, y lo cotidiano entre otras cosas, lo que vemos con nuestros ojos cerca o lejos, conforman la memoria visual. David Hockney, el maestro, dice que el arte es básicamente la expresión de la memoria visual. En verdad la experiencia visual cotidiana deja huellas conscientes o inconscientes, de remarcable fuerza y se manifiestan en la concreción de una obra. A veces las cosas más simples o cotidianas, se convierten en el centro de energía del acto creativo. El arte valoriza en sus formas interpretativas más hondas, la presencia de los objetos que consideramos rutinarios o vulgares.  

 

SR: ¿Cómo juegas con los colores, las líneas, los planos?  

NP: No podría sintetizar la repuesta para esta pregunta, pues involucra, sobre todo, los aspectos técnicos y conceptuales, que aplico físicamente sobre el soporte, y sería una larga y árida respuesta, muy técnica en esencia.

SR: ¿Qué motiva cada día a seguir pintando y/o dando clases?  

NP: Quisiera decir que pinto todos los días, pero eso no pasa, a mi pesar. Pero si es cierto, que vuelvo siempre a pintar, porque siempre están ahí las ganas de intentar, de explorar, y es una atrapante posibilidad de conseguir una esquiva y desafiante felicidad.  

Voy a pintar con una prudente alegría, y como en el azar, suelo encontrar la frustración, sí, pero no la derrota. Para el próximo intento siempre tengo un plan.  

La enseñanza es una posibilidad de reafirmar mis ideas, y de aprender de mis alumnos, que, con su espontánea y libre experimentación, logran por momentos increíbles hallazgos.  

SR: ¿Algo curioso que le haya pasado como artista, y que recuerde con satisfacción?  

NP: Algo que recuerdo no tanto como curioso, sino como inusual, fue haber sido por un par de años, socio del Guggenheim Museum de Nueva York. Los socios teníamos acceso a las inauguraciones de exhibiciones exclusivas, con la presencia de los artistas o personalidades del arte en Estados Unidos. Allí conocí a referentes mundiales de las artes plásticas, como Robert Morris, Robert Rauschenberg y Claes Oldenburg entre otros.

SR: Cómo artista, ¿qué valoras realmente?  

NP: La fusión del talento, la originalidad, y el trabajo permanente. También valoro la perseverancia de los artistas de todas las edades, que siguen trabajando y buscando, nuevos caminos en las rutas trazadas por los grandes maestros de toda la historia del arte.  

En un mundo de globalización del consumismo, la pintura en particular y las Artes Plásticas en general, como medios creativos, están perdiendo terreno frente a corrientes expresivas al servicio de ese consumismo. Ante esa realidad valoro especialmente a los artistas que continúan bregando por difundir sus obras, siempre fieles a sus principios.

 

SR: ¿Qué has aprendido de la experiencia?  

NP: Que siempre hay y habrá, algo que decir. He aprendido que el Arte expresa la vida en su conjunto, y desde las experiencias individuales, hasta las manifestaciones colectivas que transforman conceptualmente la orientación cultural de las sociedades a través de la Historia. Se aprenden más cosas que no debes hacer en el arte, y menos cosas que debes hacer. Los altamente talentosos y los genios pueden revertir esa ecuación. De ellos hay que aprender.

SR: ¿Hay algún reto pendiente?  

NP: Reto tiene varios significados: 1) “Provocación o citación al duelo o desafío“;  2) “Acción de amenazar”; 3) “Objetivo o empeño difícil de llevar a cabo, y que constituye por ello, un estímulo y un desafío para quien lo afronta”.  

Yo me quedo con la segunda acepción. Cada vez que me enfrento a una tela o soporte elegido, formulo la amenaza que ahora si, por fin, haré la primera obra de una saga brillante. Por ahora sólo han sido retos inefectivos, o al menos inconclusos.

SR: ¿Tienes algún proyecto en desarrollo, o algún plan a mediano o largo plazo?  

NP: Saliendo de este período de confinamiento e incertidumbre, me he propuesto el comienzo de una serie de obras, de formato pequeño, y mediano, y serán enfocadas a desarrollar trabajos semi abstractos. Este proyecto está vinculado conceptualmente con obras que expuse en galerías de Andalucía entre 2010 y 2015. Las referencias temáticas son, el paisaje andaluz, la figura humana, y composiciones abstractas con sugerencias figurativas.

"Refracción / Refraction", acrílico, yeso, collage y plata a la hoja sobre madera /

acrylic, plaster, collage and silver leaf on wood, 50 x 50 cm., 2010

SR: ¿Cuánto ha sido el tiempo máximo que has trabajado en una obra?  

NP: Cuando dedico demasiado tiempo a una obra, tengo casi siempre el temor perder la espontaneidad, y que un detallismo exagerado enfríe la forma y el contenido. No puedo decir que pinto rápido, pero tampoco que lo hago a largo plazo. Trato siempre en un cuadro que aquellas zonas trabajadas en muchas sesiones luzcan frescas, espontáneas.  Durante el confinamiento he tardado 3 meses en una obra de solo 46 x 55. Sin duda considerando el tamaño, es la obra en la que he trabajado por más tiempo.