En este nuevo artículo de Shirley Rebuffo, presentamos la obra del pintor figurativo uruguayo Álvaro Olivera, con de una selección de su obra y una entrevista en la que nos ofrece algunas claves de su práctica artística.
Texto en inglés al final del post.
In this new article by Shirley Rebuffo, we present the work of Uruguayan figurative painter Álvaro Olivera, with a selection of his work and an interview in which he offers us some keys to his artistic practice.
Text in English at the end of the post.
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Álvaro Olivera Méndez
(Rosario, Colonia, Uruguay, 1985-)
Álvaro Olivera es un artista joven, con un perfil en expansión, nacido en la ciudad de Rosario, del departamento de Colonia, Uruguay, el 12 de abril de 1985.
Se formó en el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes de la Universidad de la República. En esos años de estudio vivió en la capital, un poco alejado del ordenamiento natural y la tranquilidad inspiradora. Más adelante se traslada a vivir a una playa durante 10 años. Allí, bastante aislado, rodeado de campo, en el departamento de San José, encontró un espacio para desarrollar la creatividad. Hace un tiempo volvió a sus raíces en Rosario, una ciudad pequeña, tranquila y a medio camino entre la urbe y el espacio natural, cerca de arroyos y paisajes donde es más fácil dejar fluir las emociones, donde las imágenes, formas, personajes y objetos contribuyen a desarrollar una sinergia creativa.
Ha recibido varios premios, como el Premio Nacional de Caricaturas Fundación Lolita Rubial, año 1999 y 2001 y Premio de Pintura Isusa en los años 2007, 2009 y 2015.
"Ansiedad / Anxiety", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 240 cm.
"Ansiedad / Anxiety" (detalle / detail)
"Interior", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 80 cm., 2020
Entrevista de Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: ¿Siempre has querido ser artista? ¿Cómo has empezado?
Álvaro Olivera: Desde muy chico he dibujado y pintado, ha sido en lo que me proyecté casi sin darme cuenta, algo así como inevitable más allá del gusto y la elección que siempre ha estado presente. Empecé dibujando personajes que me gustaban de las series televisivas y los comics; ya después me fui metiendo más en el mundo de la pintura a través de fascículos y libros. Con el tiempo los intereses van cambiando, aunque siempre aparece algo de lúdico y conexión con el pasado, como si en el fondo estuviera haciendo lo mismo. Esa conexión es de las cosas que me resultan más atractivas en este oficio.
"Abril", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35 x 26 cm., 2016
"Lavado / Washing", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 67 cm., 2015
SR: ¿Cómo definirías el trabajo que haces?
AO: Me cuesta bastante definirlo, ya que he pasado por diferentes períodos y estéticas, principalmente dentro de la figuración. Muchas de estas etapas se han dado y se dan de manera simultánea, trabajando en varias cosas al mismo tiempo. Al final los resultados suelen ser muy variados. Mirándolo en perspectiva, y si le cabe una definición, aparece un encuentro de estéticas que formalmente podrían ser opuestas, hay ahí una contradicción expresa. Son formas con las que convivo y a las acepto. No he tenido la necesidad de desarrollar una línea única de trabajo.
"Lavado / Washing" (detalle / detail)
"Binoculares / Binoculars", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 17 x 22 cm., 2020
SR: ¿Cuales con tus gustos artísticos?
AO: Me gusta la música, la literatura y el cine. Principalmente he estado más en contacto e interesado en la pintura por el hecho inevitable de trabajar con ella. En ese sentido mi gusto es muy amplio. No logro identificarme con estilos o autores en particular (más allá de los recurrentes); son momentos y disfruto de muchas cosas. El gusto por el arte es de las cosas más gratificantes, puede sacarte de lo habitual y sumergirte en los aspectos más importantes (o insignificantes llegado al caso) de la condición humana, todo aquello que pasa desapercibido en la rutina. Me gustan las formas y los contenidos, no los discursos.
SR: ¿Mientras trabajas escuchas música? ¿Cuánto influye ésta en tu trabajo?
AO: Si, trabajo con música y está muy presente en mi vida. Afecta principalmente mi estado de ánimo y humor. Me ayuda a relajarme y salirme de lo cotidiano, funciona como un puente para entrar en lo que estoy haciendo.
"Natural", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 105 x 80 cm.
"Agua / Water", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 100 cm.
SR: ¿En lo que respecta al impacto de tu obra, buscas obtener un efecto dramático particular, un sentimiento concreto?
AO: El objetivo es algo que me cuesta abordar con claridad en el momento de comenzar una obra, éste se va desprendiendo del proceso. Si tengo un objetivo claro en cuanto a lo que quiero expresar, a mi manera de ver, es que no he iniciado ese trabajo del todo bien. El interés puede estar presente, pero muchas veces resulta en una imagen que a priori escapa a mis posibilidades de visualizar. Las veces que he empezado una pintura teniendo en claro el concepto o significado de antemano, no me han quedado bien lo que quiero expresar, porque me anclan, y además me aburre. El impacto es siempre importante, y para mí, debe contener algo que vaya más allá de la primera mirada. En principio me resulta satisfactorio y sorprendente encontrar cosas que no buscaba.
"Agua / Water" (detalle / detail)
"De perros / About Dogs", óleo sobre lienzo / oil on canvas
SR: ¿Cómo sabes que un cuadro está terminado? ¿Cuándo decides abandonarlo?
AO: Me resulta muy claro saber cuándo un cuadro está terminado. Necesito tener el control de cada parte y que cada una funcione en favor del todo. De alguna forma la imagen y el proceso empiezan a expresar lo que vinieron a decir. Realizo también muchos trabajos de experimentación; pueden ser con cualquier técnica y estilo, incluso volúmenes. En estos casos es diferente y me cuesta bastante visualizar esa unidad, aunque tampoco tengo la pretensión, y al final quedan abandonados, como proyectos inconclusos. Estos también los termino desechando.
"Tsunami", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 80 cm.
"Tsunami" (detalle / detail)
SR: ¿Ha influido en tu manera de pintar el lugar donde has nacido?
AO: No considero que tenga una relación directa con el resultado final en cuanto a la forma, o por continuar alguna tradición pictórica, mas allá de que mi pintura siempre ha tenido que ver con lo contextual.
"Calma / Calm", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 31 x 40 cm., 2020
"Consumo / Consumption" (díptico, parte 1 / diptych, part 1)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, cada uno / each 200 x 133 cm.
SR: Algunas de tus obras son una especie de "denuncia", por ejemplo "Consumo", se podrían enmarcar dentro del "costumbrismo pop". ¿Qué te atrae de esa línea de trabajo? ¿Qué intentan exteriorizar tus obras?
AO: Principalmente expresan una contradicción, una tensión vital. A decir de Milán Kundera: "El descubrimiento de la perpetua coexistencia de lo trivial y lo dramático sobre lo que se fundamenta nuestra vida". Es algo que me ha resultado por momentos muy interesante e inevitable de abordar. Hay en esas obras una visión crítica a modo de denuncia, sobre la forma de vida en la que se enmarca nuestra sociedad actual, vista desde un lugar muy personal y apelando a registros íntimos. Hay ahí una postura que pretende sacar, hacerlo visible y decir desde ese lugar, sumergido en ese caos. Se desprende de estas obras una visión "rococó trivial", en cuanto a objetos representados y colores, y al mismo tiempo pasividad: los personajes parecen no ser conscientes del entorno. Principalmente me motiva una fuerte autocritica y reflexión. La temática y el estilo se sujetan a esa necesidad. Puede haber allí algo que se le podría llamar "costumbrismo pop", desapegado de sentimiento y subordinado a un vivir racional-industrial-alineado. Lo humano se sumerge y pasa desapercibido en este parecer. La estética y la forma en la que están realizadas estas pinturas responden a eso, buscan satisfacer un goce visual a pesar de todo y por encima de todo, maquinizando hasta la pincelada que desaparece en un lavado netamente artificial. En la elección de los motivos no hay una intención de hacerlo explicito, más bien lo contrario. Me interesa que predomine el atractivo visual y cotidiano, y que lo demás decante por sí solo, que aparezca el vacío en la saturación.
"Consumo / Consumption" (díptico, parte 2 / diptych, part 2)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, cada uno / each 200 x 133 cm.
"Sintonía / Tuning", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 100 cm., 2015
SR: Cuéntame sobre los elementos imprescindibles en tu taller. ¿Cómo es? ¿Con que herramientas, materiales y temáticas trabajas más? ¿Por qué eliges esos materiales que utilizas para trabajar?
AO: El taller lo tengo instalado en mi casa, y es la parte que principalmente habito. Trabajo principalmente en la noche, me gusta ese silencio. Los materiales que más utilizo son acrílicos y óleos, trabajo de una forma bastante tradicional. La elección tiene que ver con el tipo de pintura que quiero realizar y en gran medida lo determina, esto se da por hábito y desarrollo técnico. Tengo también otros materiales y objetos a los cuales recurro cuando quiero experimentar, es algo cotidiano en mi proceso. Me gusta tener todo a disposición, más allá del "desorden" natural, encontrarme con cosas que disparen ideas y trabajos; allí aparecen dibujos, pinturas, bocetos, libros, que incluso con el tiempo me olvido que están ahí. El taller adquiere vida propia y me siento en mi lugar. Puedo pasarme buen tiempo ahí incluso sin hacer nada.
"Sintonía / Tuning" (detalle / detail)
"Mate", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2018
SR: ¿Qué te interesa que generen tus obras en el espectador?
AO: Siempre es bueno que le guste al espectador de alguna forma, que se sienta atraído o que lo provoque, que no pase desapercibido, aunque no tenga un interés definido y particular en cuanto a lo que genera en el otro. Puedo tener pretensiones, pero trato de restarles importancia a la hora de crear, y no por falta de empatía. La visión del espectador se debe desarticular al momento de hacer, puede resultar en una especie de fantasía que poco suma al proceso creativo. El espectador se apropia de la obra o no; al final el gusto es determinante. En ese sentido mi trabajo responde a intereses personales. Pinto lo que me estimula, lo que me inquieta y mueve de alguna manera. Una buena pintura puede surgir del menor de los intereses; nunca se sabe hasta el momento de hacerla. Todo lo que se le agrega a la obra, que no comprenda los materiales con los que fueron creadas, forma parte del discurso, es una manera de anclar la imagen, y solo puede servir para contextualizar, pero no hacen a la obra. Apelo a estímulos primarios, soporte y pinturas. El espectador hace su parte.
"Abril / April", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 33 x 40 cm., 2019
"Mujer y elíptica / Woman and Elliptical Trainer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 160 cm., 2020
SR: Te dedicas también a la enseñanza. ¿Podrías decirme qué distingue al docente creativo y educador? ¿Cómo encaras tus clases?
AO: Para mí es una experiencia relativamente nueva, en la cual me siento muy a gusto, muy diferente al ejercicio de pintar. La modalidad es de taller y los alumnos tienen la libertad de trabajar en lo que les gusta de acuerdo a sus intereses. No trabajamos con premisas generales, en ese sentido el recorrido lo va haciendo cada uno. Todos vienen con diferente formación y conciben el dibujo y la pintura de manera muy distinta en cuanto a sus objetivos, por lo que considero importante atender y orientar desde ese lugar. Los procesos de aprendizaje requieren tiempo, y este no es igual para todos. Si no se toman en cuenta pueden resultar desestimulantes. En este sentido el conocimiento y el vínculo resultan fundamentales. Se trata de adquirir herramientas que te permitan desarrollar y potenciar el proceso creativo – técnico, intercambiar experiencias, compartir, y, por sobre todo, que todos nos sintamos a gusto, pasar un buen momento, más allá de las dificultades de resoluciones que pueden aparecer. Es una modalidad que me gusta mucho y representa un gran desafío, tengo mucho por aprender y desarrollar.
"La siesta / The Nap", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 240 x 160 cm.
Más sobre / More aboutÁlvaro Olivera: facebook
¡Muchas gracias por la entrevista y las imágenes, Álvaro!
Thanks a lot for the Interview and the images, Álvaro!
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Texto en inglés / Text in English
Álvaro Olivera is a young artist, with an expanding profile, born in the city of Rosario, in the department of Colonia, Uruguay, on April 12, 1985.
He studied at the Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes of the Universidad de la República. During those years of study he lived in the capital, a little far from the natural order and inspiring tranquility. Later he moved to live on a beach for 10 years. There, quite isolated, surrounded by countryside, in the department of San José, he found a space to develop his creativity. Some time ago he returned to his roots in Rosario, a small, quiet city, halfway between the city and the natural space, near streams and landscapes where it is easier to let emotions flow, where images, shapes, characters and objects contribute to develop a creative synergy.
He has received several awards, such as the National Caricature Award Lolita Rubial Foundation, year 1999 and 2001 and Isusa Painting Award in the years 2007, 2009 and 2015.
Interview by Shirley Rebuffo
Shirley Rebuffo: Have you always wanted to be an artist? How did you start?
Álvaro Olivera: Since I was very young I have drawn and painted, it has been what I projected myself into almost without realizing it, something inevitable beyond the taste and the choice that has always been present. I started drawing characters that I liked from television series and comics; then I started to get more into the world of painting through booklets and books. Over time the interests change, although there is always something playful and a connection with the past, as if I were doing the same thing. That connection is one of the things that I find most attractive in this profession.
SR: How would you define the work you do?
AO: It is quite difficult for me to define it, since I have gone through different periods and aesthetics, mainly within figuration. Many of these stages have been and are simultaneous, working on several things at the same time. In the end the results are usually very varied. Looking at it in perspective, and if it fits a definition, there is a meeting of aesthetics that formally could be opposed, there is an express contradiction there. They are forms with which I coexist and which I accept. I have not had the need to develop a single line of work.
SR: What are your artistic tastes?
AO: I like music, literature and cinema. Mainly I've been more in contact and interested in painting because of the inevitable fact of working with it. In that sense my taste is very broad. I can't identify myself with particular styles or authors (beyond the recurrent ones); they are moments and I enjoy many things. The taste for art is one of the most gratifying things, it can take you out of the usual and immerse you in the most important (or insignificant, as the case may be) aspects of the human condition, everything that goes unnoticed in the routine. I like the forms and the contents, not the speeches.
SR: Do you listen to music while you work, and how much does it influence your work?
AO: Yes, I work with music and it is very present in my life. It mainly affects my mood and humor. It helps me to relax and get out of the everyday, it works as a bridge to get into what I'm doing.
SR: In terms of the impact of your work, are you looking for a particular dramatic effect, a specific feeling?
AO: The objective is something that is difficult for me to approach with clarity at the moment of starting a work, it comes out of the process. If I have a clear objective as to what I want to express, in my opinion, it means that I haven't started the work well. The interest may be there, but it often results in an image that a priori escapes my ability to visualize. The times that I have started a painting with a clear concept or meaning beforehand, I have not been able to get what I want to express, because I am anchored, and it also bores me. Impact is always important, and for me, it must contain something that goes beyond the first glance. In principle, I find it satisfying and surprising to find things I wasn't looking for.
SR: How do you know when a painting is finished, when you decide to abandon it?
AO: It's very clear to me to know when a painting is finished. I need to be in control of each part and have each part work in favor of the whole. Somehow the image and the process begin to express what they came to say. I also do a lot of experimental works; they can be with any technique and style, even volumes. In these cases it is different and it is quite difficult for me to visualize that unity, although I don't have the pretension either, and in the end they are abandoned, like unfinished projects. These I also end up discarding them.
SR: Has the place where you were born influenced your way of painting?
AO: I don't consider that it has a direct relationship with the final result in terms of form, or by continuing some pictorial tradition, beyond the fact that my painting has always had to do with the contextual.
SR: Some of your works are a kind of "denunciation", for example "Consumption", they could be framed within the "Pop Costumbrismo". What attracts you to this line of work? What do your works try to externalize?
AO: They mainly express a contradiction, a vital tension. As Milan Kundera said: "The discovery of the perpetual coexistence of the trivial and the dramatic on which our life is based". It is something that I have found at times very interesting and unavoidable to approach. There is in these works a critical vision, by way of denunciation, about the way of life in which our current society is framed, seen from a very personal place and appealing to intimate registers. There is a posture that intends to bring out, to make it visible and to say from that place, submerged in that chaos. A "trivial rococo" vision emerges from these works, in terms of represented objects and colors, and at the same time passivity: the characters seem to be unaware of their surroundings. I am mainly motivated by a strong self-criticism and reflection. The subject matter and style are fastened to that need. There may be something that could be called "Pop Costumbrismo", detached from feeling and subordinated to a rational-industrial-aligned life. The human is submerged and goes unnoticed in this look. The aesthetics and the way in which these paintings are made respond to that, they seek to satisfy a visual enjoyment in spite of everything and above all, machining up to the brushstroke that disappears in a clearly artificial wash. In the choice of motifs there is no intention to make it explicit, quite the contrary. I want the visual and everyday appeal to predominate, and the rest to decant on its own, for the emptiness to appear in the saturation.
SR: Tell me about the essential elements in your studio. What is it like? What tools, materials and themes do you work with the most? Why do you choose the materials you use to work with?
AO: I have my studio set up in my house, and it's the part I mainly inhabit. I work mainly at night, I like that silence. The materials I use the most are acrylics and oils, I work in a fairly traditional way. The choice has to do with the type of painting I want to do and to a large extent determines it, this is given by habit and technical development. I also have other materials and objects to which I resort when I want to experiment, it is a daily part of my process. I like to have everything at my disposal, beyond the natural "disorder", to find things that trigger ideas and works; there appear drawings, paintings, sketches, books, that even with time I forget they are there. The workshop takes on a life of its own and I feel in my own place. I can spend a long time there even without doing anything.
SR: What do you want your works to generate in the viewer?
AO: It's always good that the spectator likes it in some way, that they feel attracted or that it provokes them, that it doesn't go unnoticed, even if they don't have a defined and particular interest in terms of what it generates in the other. I may have pretensions, but I try to play them down when creating, and not for lack of empathy. The viewer's vision must be disarticulated at the moment of making, it can result in a kind of fantasy that adds little to the creative process. The viewer appropriates the work or not; in the end, taste is the determining factor. In that sense, my work responds to personal interests. I paint what stimulates me, what makes me restless and moves me in some way. A good painting can arise from the least of interests; you never know until the moment you make it. Everything that is added to the work, which does not include the materials with which they were created, is part of the discourse, it is a way of anchoring the image, and can only serve to contextualize, but they do not make the work. I appeal to primary stimuli, support and paintings. The spectator does his part.
SR: You are also a teacher. Could you tell me what distinguishes a creative teacher and educator? How do you approach your classes?
AO: For me it's a relatively new experience, in which I feel very comfortable, very different from painting. The modality is that of a workshop and the students have the freedom to work on what they like according to their interests. We do not work with general premises, in that sense, the path is made by each one. They all come with different backgrounds and conceive drawing and painting in very different ways in terms of their objectives, so I consider it important to attend and guide them from that point of view. Learning processes require time, and this is not the same for everyone. If they are not taken into account, they can be discouraging. In this sense, knowledge and bonding are fundamental. It is about acquiring tools that allow you to develop and enhance the creative-technical process, exchange experiences, share, and, above all, that we all feel at ease, have a good time, beyond the difficulties of resolutions that may appear. It is a modality that I like very much and represents a great challenge, I have a lot to learn and develop.
