Leandro Niro (I) [Cerámica, Entrevista / Ceramic, Interview]

"En esta serie quiero expresar o contar, con una mirada de espectador, parte de algunas vivencias, lo que nos pasa con el fútbol en cuanto a la pasión, alegría, tristeza, nostalgia, decepción, frustración, llanto y... puedo seguir con mas adjetivos, porque el fútbol es eso.

Pero en esta serie destaco y pongo una mirada a las derrotas: al que le metieron el gol, a los camilleros, al banco de suplentes, a la hinchada, al que escucha el partido estando solo en una pieza. Es una mirada de nostalgia quizás, pero también sobre aquello que no tienen, ese protagonismo, aunque siempre están.

Creo que el fútbol abarca todo esto, porque simplemente es cuestión de estar atentos, y ahí aparecen todas estas emociones.", L.N.

Shirley Rebuffo: Eres un artista polifacético, por lo tanto, tengo que hacer una pregunta amplia, ¿cómo, y porqué te convertiste en artista?

Leandro Niro: No sé si soy polifacético, pero me gusta todo en el mundo del arte visual. Obviamente que ahora el tema visual se expandió bastante con el uso de la informática. Se trabaja con audio y video. No es que sea muy partícipe, pero me alegra que esté ahí.  

A los seis o siete años comencé a dibujar. Nunca lo dejé. Cuando uno es niño tiene ciertos intereses que después decaen, pero de ningún modo renuncié al dibujo porque siempre me sentí muy cómodo expresándome así.

Tengo una familia que de a poco fue cambiando. Antes veía que el arte no era una profesión, no veían como una carrera eso de dibujar, pintar, hacer escultura. No lo veían como una salida económica. Pero igual me apoyaron porque tuve claro que mi vida venía por ahí y no había otra cosa con la cual me sintiera satisfecho.

Cuando comencé en la secundaria me fui volcando en el terreno artístico hacia las carreras de diseño. Elegí diseño industrial porque me gustaba dibujar autos. Después me volqué al diseño gráfico porque era más libre, con dibujo a mano alzada, no tanta teoría o  matemáticas y física. 

Se ve que vieron mis inclinaciones y me dijeron que debería hacer Bellas Artes. Sinceramente no conocía, y busqué por las guías telefónicas. Llamé y me anoté. Ahí descubrí la escultura.

Al terminar la carrera de Bellas Artes quise seguir haciendo escultura y busqué un taller de una forma casi diríamos desesperada. Encontré el de Leo Tavella, [23 de septiembre de 1920, Gálvez, Santa Fe – 30 de julio de 2015, Buenos Aires], quien venía de la misma experiencia de escuelas de Bellas Artes y después descubrió la cerámica. Hoy en día el U.N.A. (Universidad Nacional de las Artes, así se llama el taller) está volcado hacia las artes de fuego. Cuando yo estudiaba, las artes de fuego no eran bien vistas. Estamos presenciando un resurgimiento, pero todavía hay gente que no las quiere bien. No consideran a la cerámica como una de las artes más fuertes.

SR: En tus esculturas cerámicas, realizas obras con amplia incorporación de materiales: cerámica, papel maché, hierro, madera, son como una puesta en escena, logrando gran dinamismo. ¿Está todo muy pensado o surge todo a medida que se van realizando?

LN: El mundo de la cerámica se abrió y empecé a investigar a fondo el tema. Para mí es una de las disciplinas más lindas porque lo que haces es lo que queda. No hay un pasaje a bronce, un pasaje a yeso, no hay que hacer un molde ni nada. Lo que tiene es que reduce, según la pasta y la cocción, una vez que se seca y va al horno, reduce aproximadamente entre el 10 % y el 15 %. Eso también tiene pequeños inconvenientes en cuanto a los ensambles. Si a lo que se hace hay que agregar algo y se modela con ese algo que no va a ir al horno, hay que ver el tamaño, cómo reduce, para que en el ensamble quede bien. 

Eso hay que pensarlo antes, a priori. Ese objeto que se quiere agregar a la cerámica es el disparador de la idea. A veces quiero crear algo a partir de ese objeto que quiero incorporar, y otras veces quiero que sea la parte principal de la composición. Quizá te mienta si te digo que está todo pensado antes; casi siempre va sobre la marcha. 

Después está la complicación del armado. Pienso cómo voy a solucionarlo, cómo se para la pieza, qué le agrego después. Es difícil trabajar todo a priori. Siempre hay sorpresas. Y para mí esas sorpresas son lo más lindo porque te pueden, incluso, cambiar toda la composición. Por ejemplo, la nena con globos, pero ¿cómo le agrego los globos? Bueno, sí, los hice con papel, pero nunca trabajo el papel maché, fue una innovación para mí. Simplemente lo hice para hacer los globos, para que no pesaran tanto.

El hierro y la madera son materiales que tengo siempre presente. Levanto de la calle maderas, hierros, y pienso que algo voy a hacer con esto o con lo otro. O sea, toda esa composición se va armando por medio de un material que encontré. O explorar con la cerámica que voy modelando y a la vez pensando qué puedo meter en una u otra parte.

Las escenografías son lindas porque me voy abriendo a posibilidades y voy agregando materiales que no sean todo cerámica, por el peso. El que sean cosas ensambladas hace que el movimiento de la pieza no sea tan dependiente de ayudas y fletes, sino que queda trasladarlo y armarlo en otros lugares de exposición.

Izq./ Left: "Aventura / Adventure", cerámica, madera / ceramic, wood, 102 x 27 x 125 cm., 2020

Der./ Right: "Balero / Ball-and-Stick", cerámica, madera / ceramic, wood, 38 x 164 x 48 cm., 2012

SR: Los esmaltes que usas en cerámica son de un solo uso. Explícanos cómo es eso.

LN: Como yo no vengo de la escuela de cerámica mi forma de trabajo es bastante espontánea, es ir probando sobre mis trabajos. El resultado es la derivación de diversas influencias: el horneado, la pasta, los insumos de la materia prima, la cantidad de esmalte que se agrega. Todo eso cambia constantemente, es un abanico grande. Un ceramista tiene que ver bien la materia prima, su preparado, hacer las muestras adecuadamente y al final ponerlo en la última pieza que quiera hacer. Yo casi no hago pruebas, los mando directamente en la escultura.

Después hay ciertos esmaltes que, como se usa mucho el soplete de aspersión en el taller, eso hace que mucho esmalte se desperdicie y vuelvo a recuperarlo en la cabina. Así termino haciendo otro esmalte con el rejunte de todo ese sobrante. Y quedan cosas que, en sí, no tienen fórmula, eso hace que cuando se termina ese esmalte ya no exista más. Es un esmalte único, por eso cuando los uso, la pieza pasa a ser absolutamente única porque el esmalte se terminó.

SR: ¿Qué significa para ti disfrutar de tu trabajo?

LN: Poder hacerlo. Quizá muy dentro de mí sabía que no iba a dejar de hacer esto. No sabría decirte si por hobby, por trabajo o por lo que me convertí, pero nunca lo iba a dejar. Por suerte lo hago porque lo puedo hacer, es lo que soy y mis ingresos son por las clases, que me gustan. Es lindo enseñar, pero lo más lindo es hacer arte, expresar, hacer esculturas, dibujos y si uno puede vivir de eso, mejor. También es lindo mostrarlo y recibir lo que la gente percibe y siente. Pero creo que lo más placentero es tener algo en la mente y hacerlo. A veces trato de ponerme en la cabeza de las personas que no necesitan hacer esto y es muy difícil poder entenderlo. Así como también hay personas que no entienden que yo quiera hacer esto, qué ganancia tiene hacer algo con barro, porqué estar horas con ese barro. Hay mucha gente que no entiende por qué se hace un trabajo así. Lo hacemos porque nos satisface. Es algo que está en nuestras mentes y después es palpable, lo podemos tocar: algo que no existía ahora existe. Para mí eso es maravilloso, lo disfruto mucho. Significa mi vida.

"La serie 'Escafandra' es una composición de diferentes esculturas que destacan dicho objeto, expresando estética, rigidez y belleza.

Aunque el mismo lleve a los observadores a tomar diferentes interpretaciones y a veces muy ambiguas, la expresión del autor en sus obras fue la de Protección. Protegerse de lo desconocido, de la exposición que en ocasiones debilita.

La escafandra será una herramienta, un nexo, un punto de partida para abordar lo más profundo que habita en nosotros, llevándonos a un autoconocimiento en búsqueda de la verdad. Dichas profundidades nos topan con diferentes sensaciones y personajes, desde lo más íntimo y a la vez universal."

"Amigos / Friends", cerámica, hierro / ceramic, iron, 200 x 195 x 150 cm., 2011

Izq./ Left: "Globos / Balloons", cerámica, madera, hierro, papel mache /

ceramic, wood, iron, papier mache, 67 x 165 x 70 cm., 2015

Der./ Right: "Cebollita", ceramica / cerámica, 5 x 21 x 4 cm., 2021

SR: En relación a tu rol como profesor de arte, ¿cuál es el aporte del artista que modela su práctica y trabaja con los estudiantes?

LN: Aporto por lo que estudié en cuanto a la composición, a la forma de enseñar. Como artista, en la práctica, hago cosas y mis errores o lo que me queda bien, se lo trasmito a mis estudiantes. A veces como prueba o error, se los traslado y eso hace que se acorten algunos pasos de ellos y que no entren en un fracaso. Todo lo que hago y lo que siento puedo enseñarlo; lo que siento que está bien, se los transmito como profesor. 

SR: ¿Qué proyectos tienes para el futuro?

LN: Siempre hay proyectos, siempre encuentro algo qué hacer. Dibujar en algún cuadernito, tener presente esas anotaciones hace que me ponga temas y tareas. Proyectos siempre tengo como para presentar en salones, Nacional, municipal. Eso hace que trabaje en tamaños más grandes, que no me acomode en tamaños pequeños. Siempre me propongo esos proyectos para tener obras grandes y después si sale una muestra, sacar esos trabajos.

Proyectos con el tema de los niños, no ya con juguetes y sus dificultades, sino en situaciones. La escafandra siempre va a estar ahí. Quizá como meta hacer más dibujos porque a veces los comienzo y luego los voy dejando de lado, van pasando los días y me gustaría meterme más en el mundo del dibujo.