Cuarto artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.
Fourth article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Héctor Ragni
(Buenos Aires, Argentina, 1897 - Montevideo, Uruguay, 1952)
Héctor Ragni es un artista nacido en Buenos Aires en 1897 y fallecido en Montevideo en 1952.
A los 20 años viaja a Montevideo y luego a Barcelona, España. Integra rápidamente la vanguardia artística de España (según Joan Manuel Bonet en su "Diccionario de las Vanguardias en España", 1907-1938), exponiendo con la Asociación de Artistas Catalanes y el Círculo Artístico de Sant Lluc en Galería Dalmau y Galerías Layetanas. Comienza a grabar en madera. En 1926 viaja a París. Vuelve a Montevideo en 1927. En 1934 se vinculó al maestro Joaquín Torres García con quien compartía una amistad previa y a quien acompañó en la creación de la Asociación de Arte Constructivo y la Escuela del Sur entre 1935 y 1942, para luego participar activamente de la fundación del Taller Torres García. Así, se convirtió en propulsor de las teorías del maestro durante el resto de su vida, colaborando en publicaciones de divulgación de la escuela como "Círculo y Cuadrado" y "Removedor", esta última la publicación oficial del Taller. Expone, junto a él, en la 3ª. Muestra de la ETAP. Junto a Torres-García y su taller, participa en la decoración mural del Pabellón Martirené del Hospital Saint Bois de Montevideo. De 1991 a 1993 su obra integra la exposición "La Escuela del Sur, el Taller Torres-García y su legado", exhibida en Europa y varios países de América. Wn 1997-98, se realiza en Montevideo, Maldonado y Buenos Aires la Exposición-Homenaje en el Centenario de su nacimiento. Sus obras integran, entre otros, el acervo de la Cisneros Fontanals Art Foundation, CIFO, USA; el Museum of Fine Arts, MFAH, de Houston, USA y la Colección Fernand y Karine Huts (Grupo Katoen Natie) de Amberes, Bélgica. De noviembre de 2022 a marzo de 23 obras de su autoría integran la Exposición "El Maestro y los compañeros de Gurvich en el Taller Torres-García", exhibida en forma conjunta en el Museo Gurvich y el Museo Cabildo de Montevideo, Uruguay.
"Joaquín", Vol. 1
15 x 11,5 x 1,8 cm., 1942
Portada / Cover
En la nota preliminar del volumen 1, el autor apunta:
"Llamamos a esta narración «UNA HISTORIA IMPORTANTE», pues para el padre no hay nada más importante que el hijo",
para al final, concluir:
«Solo nos resta dejar constancia de que estas páginas fueron dictadas por el amor al niño… y para ofrendarla… de homenaje a la Madre Ejemplar todo abnegación y ternura, que … logró … este niño … que va creciendo … y que en su infantil optimismo cree que el mundo es todo de él y … ojalá lo sea!!»
In the preliminary note to volume 1, the author notes:
"We call this narrative "AN IMPORTANT STORY", because for the father there is nothing more important than the son."
and at the end, he concludes:
"It only remains for us to put on record that these pages were dictated by love for the child... and to offer it... as an homage to the Exemplary Mother all self-sacrifice and tenderness, who ... achieved ... this child ... who is growing ... and who in his childish optimism believes that the world is all his and ... I hope it is!!!"
Página / Page 1
"Offering"
Página / Page 9
"The little man weighed
three kilos 600 grams
when life came."
Página / Page 14
"Moving to a new address
in a car with a banner
with a beautiful word
like a happy prediction."
Página / Page 23
"For his library
receives the first book
from the hands of his godfather."
La portada representada corresponde al libro de artista "La ciudad sin nombre", de Joaquín Torres-García, ya publicado en el capítulo III de esta serie.
The cover corresponds to the artist's book "The City With No Name", by Joaquín Torres-García, already published in chapter III of this series.
Héctor Ragni & Joaquín Torres-García, Asociación de Arte Constructivo, 1938. Foto / Photo: Propuesta
Joaquín Torres-García en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
Página / Page 27
"His father sees a little car
and remembers the little son."
Página / Page 34
"He saw the immensity of the sea
at a month and a half of age."
Augusto Torres
"Retrato de / Portrait of Héctor Ragni", c.1943. Foto / Photo: Cecilia Torres
Augusto Torres en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (XIII)], [Recolección (CXLVI-1)]
Héctor Ragni is an artist born in Buenos Aires in 1897 and died in Montevideo in 1952.
At the age of 20 he traveled to Montevideo and then to Barcelona, Spain. He quickly became part of the artistic avant-garde in Spain (according to Joan Manuel Bonet in his "Dictionary of the Avant-Garde in Spain", 1907-1938), exhibiting with the Asociación de Artistas Catalanes and the Círculo Artístico de Sant Lluc in Galería Dalmau and Galerías Layetanas. Begins to engrave on wood. In 1926 he travels to Paris. Returns to Montevideo in 1927. In 1934 he became linked to the master Joaquín Torres García with whom he shared a previous friendship and whom he accompanied in the creation of the Constructive Art Association and the Escuela del Sur between 1935 and 1942, to later actively participate in the founding of the Taller Torres García. Thus, he became a proponent of the master's theories for the rest of his life, collaborating in publications disseminating the school such as "Circle and Square" and "Removedor", the latter the official publication of the Workshop. Exhibits with him at the 3rd. ETAP Exhibition. Together with Torres-García and his workshop, he participates in the mural decoration of the Martirené Pavilion at the Saint Bois Hospital in Montevideo. From 1991 to 1993 his work is part of the exhibition "La Escuela del Sur, el Taller Torres-García y su legado (The School of the South, the Torres-García Workshop and its Legacy)", exhibited in Europe and several American countries. In 1997-98, in Montevideo, Maldonado and Buenos Aires, the Tribute Exhibition was held on the centenary of his birth. His works integrate, among others, the collection of the Cisneros Fontanals Art Foundation, CIFO, USA; the Museum of Fine Arts, MFAH, of Houston, USA and the Fernand and Karine Huts Collection (Katoen Natie Group) of Antwerp, Belgium. From November 2022 to March 2023 works by him are part of the exhibition "El Maestro y los compañeros de Gurvich en el Taller Torres-García (The Master and Gurvich's colleagues at the Torres-García Workshop)", jointly exhibited at the Gurvich Museum and the Cabildo Museum in Montevideo, Uruguay.
"Joaquín", Vol. 2
1949
Portada / Cover
"An important story", Vol. 2
Página / Page 3
"By bus or by tram
traveling gives him joy."
Página / Page 14
"If he has fallen asleep with pleasure
he does not even feel the sound of lightning."
Página / Page 31
"And without any pomp
he goes 'swimming' to the buoy"
Página / Page 44
"He also
like the good ones
with a pencil in his hand
works a lot."
Página / Page 45
"And, to be
more of an artist
he pretends to be
as a violinist"
Página / Page 51
"...that the world is
all yours
and... I hope it is!"
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En estos libros tenemos elementos a reconocer: el artista o autor (que puede incluso ser un colectivo), el formato de elaboración, los materiales, las relaciones entre el artista, el libro y la realización del libro en sí, en una combinación armoniosa de diseño, forma, contenido y contexto sin un área que domine, o sea responsable y con el control total del formato y los mensajes previstos. Ocurren diversos enfoques en el uso de los materiales y/o técnicas de impresión no convencionales, la interrupción de la secuencia y la naturaleza de las páginas, la sensación cromática y la invitación de las texturas a usar el tacto en la percepción de la forma.
Se desprende de esto que la "lectura" o visualización de la obra puede ser variada: se puede avanzar, retroceder, verlo en forma lineal o leer el discurso en secuencia y desplegar páginas.
El texto incluido puede ser o no legible, con o sin sentido para el público, en una variedad de secuencias dispares, con estructuras existentes que normalmente no se asocian con la palabra “libro”, por ende exentos de crítica textual. Pueden no contener texto ni explicación plausible porque, como sucede con todas las obras de arte, es la naturaleza individual, la imaginación y la habilidad de cada artista lo que determina su tema y estructura. El medio es realmente el mensaje. Son obras en sí mismas, no reproducciones de obras.
De esas varias implicancias surgen preguntas, tales como: ¿la tipología, en sí misma, es textual o visual? ¿Es ambas cosas? Cualquier respuesta nos lleva a darle o no importancia al lenguaje que en ellos se expresa, por lo tanto ¿es más importante el continente o el contenido?
La respuesta en sí no importa, porque los libros de artista salen de los parámetros del modelo cultural que tenemos de la palabra “libro”. Justamente, lo que hace que la descripción de libro de artista sea tan difícil, es que no tiene que ser un libro por lo variado y ecléctico, confundible fácilmente con otros géneros.
En lo que sí podemos estar de acuerdo es en que un artista, en sus libros-objeto, toma las convenciones preexistentes de la concepción de un libro. La consecuencia de esa creación es un objeto, fruto de un proceso. Trabajando con, dentro, alrededor, desarrollando en contra o a favor de esas convenciones preexistentes, utilizando materiales convencionales como el papel y el cartón u otros usados en artesanía, dándole el contenido y la forma de ensamblaje, que su imaginación entienda. Dando como resultado en ciertas ocasiones una fusión de imágenes y texto en soportes diversos, a veces distinto al papel.
Shirley Rebuffo, 5/2023
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Lilián Madfes
(Montevideo, Uruguay, 1953-)
Lilián Madfes en una arquitecta y artista plástica uruguaya nacida en Montevideo en 1953, que trabajs con diversos materiales produciendo series de manera obsesiva. Abarca lo figurativo, geométrico y/o conceptual.
"El arte siempre fue algo que me atrajo. Es difícil definir en qué me inspiro para crear. En una época eran las fotos viejas de las historias de mis padres porque había cosas que no entendía, era todo tan entreverado con los lugares y las mudanzas y los lenguajes que yo no entendía nada. Entonces lo fui rearmando con las fotos viejas. Además, cuando falleció una tía mía, hermana de papá (que la queríamos mucho), mis tíos que la habían cuidado me dieron una caja con unas fotos impresionantes. La fotografía fue también una de mis primeras pasiones.”
En una época tenía una locura con las piedras. Daniel Vidart me explicó de dónde proviene la filosofía, entre ellas la lógica que viene de la palabra leggein, que quiere decir poner una piedra detrás de la otra. Y empecé como loca a juntar piedras. Y empecé a hacer libros con piedras que estaban erosionadas por el mar. Tuve una obsesión de dos años de juntar piedras y trozos de azulejo y de porcelana que después descubrí que eran de naufragios. Es decir que mi inspiración siempre es como una obsesión disparada por algo."
Fuente: Link
"Fragmentos / Fragments"
seda, papel sulfito, guata, bordado, hilo, fragmentos de loza provenientes de naufragios en la costa de Punta Carretas /
silk, sulphite paper, wadding, embroidery, thread, fragments of earthenware from shipwrecks on the coast of Punta Carretas
30 x 33 x 13 cm., 2013
Lilián Madfes is an Uruguayan architect and plastic artist born in Montevideo in 1953, who works with diverse materials producing series in an obsessive way. Her work is figurative, geometric and/or conceptual.
"Art has always been something that attracted me. It is difficult to define what inspires me to create. At one time it was the old photos of my parents' stories because there were things I didn't understand, it was all so intertwined with the places and the moves and the languages that I didn't understand anything. So I was reassembling it with the old photos. Also, when an aunt of mine, my father's sister (who we loved very much) passed away, my uncles who had taken care of her gave me a box with some impressive photos. Photography was also one of my first passions."
At one time I had a craze with stones. Daniel Vidart explained to me where the philosophy comes from, including the logic that comes from the word leggein, which means to put one stone after the other. And I started to collect stones like crazy. And I started to make books with stones that were eroded by the sea. I had a two-year obsession of collecting stones and pieces of tile and porcelain that I later discovered were from shipwrecks. In other words, my inspiration is always like an obsession triggered by something."
Source: Link
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In these books we have elements to recognize: the artist or author (who may even be a collective), the format of elaboration, the materials, the relationships between the artist, the book and the realization of the book itself, in a harmonious combination of design, form, content and context without an area that dominates, or is responsible and in total control of the format and the intended messages. Various approaches occur in the use of unconventional materials and/or printing techniques, the disruption of the sequence and nature of the pages, the chromatic sensation and the invitation of textures to use touch in the perception of form.
It follows from this that the "reading" or visualization of the work can be varied: one can move forward, backward, view it in linear form or read the discourse in sequence and unfold pages.
The text included may or may not be readable, with or without meaning for the audience, in a variety of disparate sequences, with existing structures not normally associated with the word "book", thus exempt from textual criticism. They may contain no text or plausible explanation because, as with all works of art, it is the individual nature, imagination and skill of each artist that determines their subject matter and structure. The medium is really the message. They are works in themselves, not reproductions of works.
From these various implications arise questions such as: is the typology itself textual or visual? Is it both? Either answer leads us to give or not to give importance to the language expressed in them, so is the container or the content more important?
The answer itself does not matter, because artists' books are outside the parameters of the cultural model we have of the word "book". Precisely what makes the description of an artist's book so difficult is that it does not have to be a book because it is so varied and eclectic, easily confused with other genres.
What we can agree on is that an artist, in his book-objects, takes the pre-existing conventions of the conception of a book. The consequence of this creation is an object, the fruit of a process. Working with, within, around, developing against or in favor of those pre-existing conventions, using conventional materials such as paper and cardboard or others used in crafts, giving it the content and the form of assembly, that his imagination understands. Sometimes resulting in a fusion of images and text in different media, sometimes other than paper.
Shirley Rebuffo, 5/2023
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Nora Kimelman
(Montevideo, Uruguay, 1949-)
Nora Kimelman
Artista visual nacida en Montevideo, ciudad donde reside y trabaja.
Licenciada en Artes Visuales por la Universidad de la República (IENBA). En su formación pasó por los talleres de los maestros Guillermo Fernández, Nelson Ramos y Gerardo Acuña.
Trabaja en escultura, pintura, collages, instalaciones, intervenciones, dibujos y joyas.
Su obra alude a la identidad, la libertad, las raíces, las migraciones y a temas de género.
La artista realizó más de un centenar de exposiciones individuales y colectivas en las Américas, Europa y Asia.
Proyectos creados por la artista y ya realizados: 2008 Joya X Joya. MNAV; 2010 Ancestros Alianza Francesa, 2010; Arte al Pasar WTC 2012; Ludus: Fundación Unión. 2011; Imagine. Espacio Cultural de México, 2015; Museo Zorrilla; Ancestros y Memoria, 2021-.2022; Por una Cabeza. Museo Zorrilla. Todos estos en Montevideo.
En el Museo Nacional de Artes Visuales se llamó MIGRATIUM, y en forma de una mega instalación se enfocó en las migraciones actuales.
A fines del 2018 recibió el Premio Morosoli de Plata, por su trayectoria en Artes Plásticas / Escultura.
Realizó la exposición Flores atávicas donde varias páginas de este libro textil formaron parte de la exposición.
"Anecdotario atávico / Atavistic anecdotes"
Collages bordados; telas, cuerdas, hilo de bordar, papel, guata, tintas /
embroidered collages; fabrics, strings, embroidery thread, paper, wadding, inks, etc.
46 x 40 cm.
"Durante la pandemia, como dentro de un ritual lúdico, estuve seleccionando fotos, documentos y objetos de mi infancia.
Comencé haciendo un pequeño archivo familiar, recordando mi pasado. Surgieron ausencias y presencias que marcaron mi vida y le dieron sentido. Aquellos tímidos dibujos bordados con los que comencé a cristalizar este proyecto se fueron convirtiendo en fuertes y desafiantes collages, y luego en grandes telas que expresaban mi sentir.
De la narrativa autorreferencial que relataba anécdotas vividas, fui migrando hacia temas vinculados a la desigualdad de género y al papel de la mujer como trasmisora de enseñanzas y valores en una sociedad patriarcal.
Durante mi generación (la de los 50) se naturalizaba la violencia de género, había una marcada desigualdad, pocas mujeres estudiaban o terminaban sus estudios, muchísimas luego de casarse dejaban de trabajar o de estudiar para dedicarse pura y exclusivamente a su hogar.
Había que casarse joven, ser ama de casa y ser madre. La sociedad discriminaba a quienes no cumplían con esos mandatos.
Los hombres que participaban en las tareas domésticas o en la educación de los hijos eran pocos. Ellos eran los proveedores y se enorgullecían de serlo.
El rol madre-esposa producía dependencia y cautiverio. La mujer estaba permanentemente buscando la aceptación en el otro y no en ella misma como individuo.
La discriminación, la violencia y el autoritarismo eran moneda corriente y no se denunciaban. Se nos denominaba “sexo débil” y no lo cuestionábamos, era lo aceptado en la época."
"Actualmente, si bien tenemos igualdad normativa, existen jerarquías, donde la mujer queda en posición de subordinación y subsisten múltiples brechas. En algunos países, vinculadas a falta de derechos civiles, prohibición de estudiar, obligación de casarse de niñas, ser vírgenes al momento de casarse, mutilaciones genitales y castigos verbales y físicos.
Tampoco existe igualdad alguna a la hora de recibir salarios y de ocupar cargos que solo les son otorgados a los varones. Queda mucho por resolver.
En mi obra hablo fundamentalmente de las diferencias creadas por el patriarcado, y también de la repetición de conductas y valores que realizamos las mujeres a través de la educación que recibimos y trasmitimos. Las madres, abuelas, maestras y niñeras somos aún – a veces inconscientemente - reproductoras de legados culturales que llegan desde los primeros años de vida a los niños, momento en el que se genera la identidad y personalidad de los mismos.
Isabel Allende dice “el machismo tiene origen en las madres que crían a sus hijos para ser servidos y a las hijas para servirlos”.
Esa actitud replicadora de las mujeres es tratada con fuerza y aparece en mis trabajos como una sombra negra que invade mis telas y se convierte en atuendos, capas, chaquetas, gorros, hábitos o en burkas.
Pero que también aparece mutando en guantes o en bolsas de boxeo.
Tomo como símbolo el boxeo, porque en los años 50 era admirado por los hombres de mi generación.
De ahí que surgió la idea de crear bolsas de boxeo, guantes, y dibujos vinculados con ese deporte.
Al investigar este tema, me cuestiono como mujer varias cosas, entre ellas:
¿qué cambio deberíamos realizar las mujeres en el rol de educadoras y transmisoras para no reproducir modelos de antaño que nos hacen daño y nos subordinan?
¿Cómo deberíamos actuar para no continuar con el modelo patriarcal que nos fue impuesto?
¿Cómo podemos educar para transmitir valores de equidad y justicia que nos acerquen a terminar con la gran sombra negra que nos acosa, manipula, condiciona e impide funcionar como deberíamos?"
Visual artist born in Montevideo, where she lives and works.
She holds a degree in Visual Arts from the Universidad de la República (IENBA). In her training she attended the workshops of the masters Guillermo Fernández, Nelson Ramos and Gerardo Acuña.
She works in sculpture, painting, collages, installations, interventions, drawings and jewelry.
Her work alludes to identity, freedom, roots, migration and gender issues.
The artist has had more than a hundred solo and group exhibitions in the Americas, Europe and Asia.
Projects created by the artist and already realized: 2008 Joya X Joya. MNAV; 2010 Ancestros Alianza Francesa, 2010; Arte al Pasar WTC 2012; Ludus: Fundación Unión. 2011; Imagine. Espacio Cultural de México, 2015; Museo Zorrilla; Ancestros y Memoria, 2021-.2022; Por una Cabeza. Zorrilla Museum. All these in Montevideo.
At the Museo Nacional de Artes Visuales it was called MIGRATIUM, and in the form of a mega-installation focused on current migrations.
At the end of 2018 he received the Silver Morosoli Award, for his career in Plastic Arts / Sculpture.
He made the exhibition Atavistic Flowers where several pages of this textile book were part of the exhibition.
"During the pandemic, as if in a playful ritual, I was selecting photos, documents and objects from my childhood.
I started making a small family archive, remembering my past. Absences and presences emerged that marked my life and gave it meaning. Those shy embroidered drawings with which I began to crystallize this project turned into strong and challenging collages, and then into large canvases that expressed my feelings.
From the self-referential narrative that recounted anecdotes I had lived through, I migrated towards themes linked to gender inequality and the role of women as transmitters of teachings and values in a patriarchal society.
During my generation (the 50's) gender violence was naturalized, there was a marked inequality, few women studied or finished their studies, many of them stopped working or studying after getting married to devote themselves exclusively to their homes.
You had to marry young, be a housewife and be a mother. Society discriminated against those who did not comply with these mandates.
Men who participated in household chores or in the education of their children were few. They were the providers and took pride in being so.
The mother-wife role produced dependency and captivity. The woman was permanently seeking acceptance in the other and not in herself as an individual.
Discrimination, violence and authoritarianism were commonplace and were not denounced. We were called the 'weaker sex' and we didn't question it, it was accepted at the time."
"Currently, although we have normative equality, there are hierarchies in which women remain in a position of subordination and multiple gaps persist. In some countries, these are linked to a lack of civil rights, prohibition to study, obligation to marry as girls, being virgins at the time of marriage, genital mutilations and verbal and physical punishments.
Nor is there any equality when it comes to receiving salaries and occupying positions that are only granted to men. Much remains to be resolved.
In my work I talk mainly about the differences created by patriarchy, and also about the repetition of behaviors and values that we women carry out through the education we receive and transmit. Mothers, grandmothers, teachers and nannies are still - sometimes unconsciously - reproducers of cultural legacies that reach children from the first years of life, when their identity and personality are generated.
Isabel Allende says "machismo has its origin in mothers who raise their sons to be served and their daughters to serve them".
This replicating attitude of women is treated with force and appears in my work as a black shadow that invades my fabrics and becomes clothing, capes, jackets, hats, habits or burkas.
But it also appears mutating into gloves or boxing bags.
I take boxing as a symbol, because in the 50s it was admired by the men of my generation.
Hence the idea of creating boxing bags, gloves, and drawings linked to the sport.
While researching this topic, I questioned myself as a woman several things, among them:
What changes should we women make in our role as educators and transmitters so as not to reproduce old models that harm us and subordinate us?
How should we act so as not to continue with the patriarchal model that was imposed on us?
How can we educate to transmit values of equity and justice that bring us closer to ending the great black shadow that harasses, manipulates, conditions and prevents us from functioning as we should?"
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
