Nuevo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.
New article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Rafael Romero Pineda
(Badalona, Catalunya / Cataluña, España / Catalonia, Spain, 1967-)
Rafael Romero
Rafael Romero es profesor de Técnicas, Materiales y Procedimientos Pictóricos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, Departamento de Artes y Conservación Restauración. Director del grupo de Innovación Docente M.I.M.A (Memoria y Materia Artística) de esa Universidad. Consultor Académico de la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina). Miembro del Grupo de Investigación AASA de la universidad de Jaén. Miembro del comité académico de AAMA Centro Internacional de Arte Contemporáneo Tagus de Hangzhou (China) y Profesor invitado de la Universidad Autónoma de Madrid (España).
Es actualmente artista de la galería In der mühle (Alemania), Arbre Bleu (Marruecos), Ismes (España) y La Cerverina de Arte (España). Su obra, está presente en el Museo Español del grabado (España), El Museo Miraflores (España), El Museo de Dibujo “Castillo de Larrés” (España), El Museo del Càntir (España), La Casa Museo Miguel Hernández (España), El Museo Cerdà (España), El Museo Enric Monjo (España) el Museo Fueguino (Argentina), El Museo de Cartague-Salambno (Túnez), El Museo de Kandira (Turquía), El Museo Haegeumgang (Corea), El Museo Fantapia (Corea) y el Museo Tagus de Hangzhou (China), entre otros.
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Esta nueva propuesta nos presenta una obra en la que un artista desarrolla su proyecto creativo sobre otra preexistente. En este caso, Rafael Romero construye su "Navegar" pintando sobre las páginas de la obra "El secreto del sombrero rosa" (Frances y Richard Lockridge, Cumbre, México, 1953), enriqueciendo y resignificando la obra original, configurando de esta manera una colaboración a tres manos (las Rafael y las de los dos escritores) a través del tiempo, fusionando la literatura con la pintura, rescatando a través de esta suerte de reciclaje el material de base (el libro en sí) para reconvertirlo en un objeto artístico nuevo y diferente. J.F.
This new proposal presents us with a work in which an artist develops his creative project over a pre-existing one. In this case, Rafael Romero builds his "Navigate" by painting over the pages of the work "The Secret of the Pink Hat" (Frances and Richard Lockridge, Cumbre, Mexico, 1953), enriching and resignifying the original work, thus configuring a three-handed collaboration (Rafael's and those of the two writers) through time, merging literature with painting, rescuing through this kind of recycling the basic material (the book itself) to reconvert it into a new and different artistic object. J.F.
Navigare / Navegar / Navigate
El Libro de Artista como extraordinario viaje interior.
Existen muchos tipos de Libros de Artista en un amplio territorio semántico que va desde las sutilezas plásticas y gráficas más sorprendentes a las objetualidades mágicas más sutiles. De hecho, el libro de artista es todo un universo en su amplio catálogo de posibilidades y es tan vasto como potenciales creativos haya. Cada artista, en su idiosincrasia, será Demiurgo de su propio libro de artista, conservando sus leyes y principios definitorios, tal vez indagando novedades sorpresivas y, porqué no, implementando en lo lúdico.
Yo entiendo en mi cotidianeidad creativa, fundamentalmente en el ámbito de la pintura, el libro de artista como una extraordinaria posibilidad cognitiva. Me reservo mucho el cuándo recurrir a él, como si de un tesoro valioso se tratara y al que hay que dirigirse cuando en lo iniciático uno está preparado, es decir, cuando en lo interno surge una fuerza superior, después de mucha contención, continencia, ayuno diría yo, en lo metafórico. Ahí surge de lo atávico y natural una voz, la voz interior que te dice "¡Ahora puedes!". Si no se hace de esta manera, considero que el libro de artista se vulgariza, pierde su alma y esencia, deviene burdo e intrascendente, deja de ser ese tesoro que debe ser. De hecho, desde mi punto de vista, hacer un libro de artista es una comunión de uno con uno mismo, pues prevalecen en su liturgia, profundas conversaciones entre ese ser dual que todos somos, el consciente y el inconsciente, el ideal y el material. El libro de artista para mí es esa extraordinaria posibilidad de "desaparecer dentro", ejercer dignamente una catarsis y resurgir trayendo como resultado aquello que puede poner orden, no al universo, pues eso es utópico, pero si a uno mismo, a ese yo que en los tiempos que corren, desafortunadamente, tiene tendencia a habitar más el "tener" que el "ser". Por otra parte, para el espectador, usuario, el libro de artista no dejará de ser nunca una herramienta sorpresiva y mágica puesto que su idiosincrasia introspectiva y catártica trasciende al propio autor. De un ser se dirige otro ser que ejercerá nuevas lecturas y posibilidades en esa línea de crecimiento humano, interacción, transformación y evolución.
"Navegar" es un libro de artista palimpséstico, es decir creado sobre lo escrito e impreso en un antiguo libro de hojas marrones y con el olor característico de la lignina de los libros de antaño. Escribir sobre lo escrito, pintar sobre lo impreso, reciclar, dar una oportunidad a algo digno recuperado de la basura, vestirlo de nuevas retóricas y posibilidades, eso es todo.
Navegar recoge los sueños e invenciones de mi navegación imaginaria a través del barco como leitmotiv que empodera en el viaje, las culturas, los hombres y mujeres del mundo con sus leguas, aromas y sabores. Sutiles acuarelas, libro de bitácora de alguien que se resiste a morir mientras quede vida y que anima a vivenciarlo todo positivizándolo y dejando fuera de juego el cada vez más habitual pesimismo de este "mal de siglo".
Rafael Romero is professor of Pictorial Techniques, Materials and Procedures at the Faculty of Fine Arts of the University of Barcelona, Department of Arts and Conservation and Restoration. Director of the group of Teaching Innovation M.I.M.A (Memory and Artistic Matter) of that University. Academic Consultant of the National University of Cordoba (Argentina). Member of the AASA Research Group of the University of Jaén. Member of the academic committee of AAMA Tagus International Contemporary Art Center of Hangzhou (China) and Visiting Professor at the Autonomous University of Madrid (Spain).
He is currently an artist of the gallery In der mühle (Germany), Arbre Bleu (Morocco), Ismes (Spain) and La Cerverina de Arte (Spain). His work can be found in the Museo Español del grabado (Spain), El Museo Miraflores (Spain), El Museo de Dibujo "Castillo de Larrés" (Spain), El Museo del Càntir (Spain), La Casa Museo Miguel Hernández (Spain), The Cerdà Museum (Spain), The Enric Monjo Museum (Spain), The Fueguino Museum (Argentina), The Cartague-Salambno Museum (Tunisia), The Kandira Museum (Turkey), The Haegeumgang Museum (Korea), The Fantapia Museum (Korea), and The Tagus Museum of Hangzhou (China), among others.
The Artist's Book as an extraordinary inner journey.
There are many types of Artist's Books in a wide semantic territory ranging from the most surprising plastic and graphic subtleties to the subtlest magical objectualities. In fact, the artist's book is a whole universe in its wide catalog of possibilities and it is as vast as creative potentials are. Each artist, in his idiosyncrasy, will be the Demiurge of his own artist's book, preserving its laws and defining principles, perhaps exploring surprising novelties and, why not, implementing the playful.
In my creative daily life, mainly in the field of painting, I understand the artist's book as an extraordinary cognitive possibility. I keep very much to myself when to resort to it, as if it were a valuable treasure and to which one must turn when one is ready, that is to say, when a superior force emerges from within, after much restraint, continence, fasting I would say, in the metaphorical sense. There arises from the atavistic and natural a voice, the inner voice that tells you, "Now you can do it!". If it is not done in this way, I consider that the artist's book becomes vulgarized, loses its soul and essence, becomes crude and unimportant, ceases to be the treasure it should be. In fact, from my point of view, making an artist's book is a communion of one with oneself, because in its liturgy, deep conversations prevail between that dual being that we all are, the conscious and the unconscious, the ideal and the material. The artist's book for me is that extraordinary possibility to "disappear inside", to exercise a worthy catharsis and to resurface bringing as a result that which can bring order, not to the universe, since that is utopian, but to oneself, to that self that in these times, unfortunately, has a tendency to inhabit more the "having" than the "being". On the other hand, for the spectator, user, the artist's book will never cease to be a surprising and magical tool, since its introspective and cathartic idiosyncrasy transcends the author himself. From one being is directed another being that will exercise new readings and possibilities in that line of human growth, interaction, transformation and evolution.
"Navigate" is a palimpsestic artist's book, that is to say, created over what was written and printed in an old book with brown pages and with the characteristic smell of the lignin of the books of yesteryear. To write over the written, to paint over the printed, to recycle, to give a chance to something worthy recovered from the trash, to dress it with new rhetoric and possibilities, that is all.
Navegar collects the dreams and inventions of my imaginary navigation through the boat as a leitmotiv that empowers in the journey, the cultures, the men and women of the world with their languages, aromas and flavors. Subtle watercolors, a logbook of someone who refuses to die while there is life left and who encourages to experience everything positively and leaving out of play the increasingly common pessimism of this "evil of the century".
Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Rafael!)
Images published here with artist's permission. (Thanks a lot, Rafael!)
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Matilde Marín
(Buenos Aires, Argentina, 1948-)
Matilde Marín
Matilde Marín (Buenos Aires, 1948) es una artista contemporánea y académica argentina que desarrolla obra en múltiples disciplinas incluyendo grabado, fotografía y video. Marín ha sido profesora visitante dictando seminarios de posgrado en universidades de Argentina, Santiago de Chile y Barcelona, España, y fue Fellow del Institut d’Études Avancées de Nantes, Francia (2020).
Se gradúa como escultora en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires y continúa sus estudios en la Kunstgewerbeschule de Zúrich, Suiza, donde realiza un entrenamiento en técnicas gráficas. Inicia su trabajo con la obra sobre papel en una constante búsqueda por romper con las normativas tradicionales de la disciplina y desde finales de los noventa incorpora a su obra la fotografía y el vídeo, realizando instalaciones de gran formato.
Desde el año 2008 es Académica de Número y a partir del 2019 vicepresidenta de la Academia Nacional de Bellas Artes y presidenta de la Fundación Federico Jorge Klemm en Buenos Aires. Marín ha trabajado y vivido en Caracas (Venezuela), Zurich (Suiza), Washington (EEUU), y actualmente reside en Buenos Aires (Argentina).
Marín inicia su trayectoria artística en el campo del grabado destacándose por el desarrollo de técnicas experimentales innovadoras trabajadas con materiales no tóxicos. Durante los años 80 y parte de los 90 trabajó la obra gráfica en sus diferentes técnicas, incorporando códigos y símbolos propios, buscando ampliar los horizontes de la técnica y alejarla del contexto tradicional bidimensional y llevarlo al volumen escultórico. Durante este período se destacan sus rollos de papel de gran formato, donde la artista graba con fuego papeles hechos a mano que pese a la impronta gráfica se los asocia al universo de la escultura.
Hacia 1992 investiga sobre «códigos técnicos del grabado», con libertad en la interpretación, lo que Umberto Eco (1968) denominó «Códigos de transmisión». Son los que estructuran las condiciones suficientes para la percepción de la imagen (como el reticulado de la fotografía de prensa), por los que se interesa la artista, que soportan no sólo la calificación estética de la obra, sino los códigos del gusto, los códigos tonales y los códigos estilísticos.
"Laberintos / Labyrinths"
"Laberintos, Homenaje a Jorge Luis Borges", es una edición limitada a cinco ejemplares numerados, realizados con la técnica de suminagashi. Colaboraron en esta edición Alejandro Geiler (papel) y Silvina Pérez (cajas). Se terminó de imprimir en los talleres de Gráfica Kontemporánea, Buenos Aires, Argentina, en abril de 1998.
El Suminagashi es un antiguo arte japonés consistente en el marmoleado de papel. Literalmente la palabra significa "tinta flotante". Se cree que esta técnica surge en el siglo XII tras ser adoptada por monjes japoneses en China. El papel tipo suminagashi se ha utilizado tradicionalmente en Japón para elaborar documentos y libros, también para decorar casas y edificios.
Los patrones de remolinos, imitando los que se encuentran en la piedra de mármol natural, se pueden crear dejando caer tinta sobre la superficie del agua y colocando encima el papel para levantar la tinta.
Matilde Marín (Buenos Aires, 1948) is an Argentine contemporary artist and academic who works in multiple disciplines including printmaking, photography and video. Marín has been a visiting professor teaching graduate seminars at universities in Argentina, Santiago de Chile and Barcelona, Spain, and was a Fellow at the Institut d'Études Avancées de Nantes, France (2020).
She graduated as a sculptor from the School of Fine Arts in Buenos Aires and continued her studies at the Kunstgewerbeschule in Zurich, Switzerland, where she trained in graphic techniques. She begins her work with works on paper in a constant search to break with the traditional rules of the discipline and since the late nineties she incorporates photography and video to her work, making large format installations.
Since 2008 she has been a Full Academician and from 2019 vice-president of the National Academy of Fine Arts and president of the Federico Jorge Klemm Foundation in Buenos Aires. Marín has worked and lived in Caracas (Venezuela), Zurich (Switzerland), Washington (USA), and currently resides in Buenos Aires (Argentina).
Marín began her artistic career in the field of engraving, standing out for the development of innovative experimental techniques worked with non-toxic materials. During the 80's and part of the 90's she worked on graphic work in its different techniques, incorporating her own codes and symbols, seeking to broaden the horizons of the technique and move it away from the traditional two-dimensional context and take it to the sculptural volume. During this period her large format paper rolls stand out, where the artist engraves with fire handmade papers that despite the graphic imprint are associated to the universe of sculpture.
Towards 1992 she researches on "technical codes of engraving", with freedom of interpretation, what Umberto Eco (1968) called "Codes of transmission". These are the ones that structure the sufficient conditions for the perception of the image (such as the reticulation of press photography), in which the artist is interested, supporting not only the aesthetic qualification of the work, but also the codes of taste, the tonal codes and the stylistic codes.
"Labyriths, Tribute to Jorge Luis Borges", is a limited edition of five numbered copies, made with the suminagashi technique. Alejandro Geiler (paper) and Silvina Pérez (boxes) collaborated in this edition. It was printed in the workshops of Gráfica Kontemporánea, Buenos Aires, Argentina, in April 1998.
Suminagashi is an ancient Japanese art of paper marbling. Literally the word means "floating ink". It is believed that this technique emerged in the 12th century after being adopted by Japanese monks in China. Suminagashi paper has traditionally been used in Japan to produce documents and books, as well as to decorate houses and buildings.
Swirling patterns, imitating those found in natural marble stone, can be created by dropping ink on the surface of the water and placing the paper on top to lift the ink.
Todas las fotografías / All images© Estudio / Studio Matilde Marín
Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Matilde!)
Images published here with artist's permission. (Thanks a lot, Matilde!)
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Rogelio Osorio
(Montevideo, Uruguay, 1962-)
Rogelio Osorio
Rogelio Osorio es un artista visual y docente uruguayo nacido en Montevideo en 1962, cuya obra ya presentamos en el blog acompañando la entrevista realizada por Shirley Rebuffo en mayo de 2021, y que puede disfrutarse aquí.
Rogelio Osorio is a Uruguayan visual artist and teacher born in Montevideo in 1962, whose work we already presented in the blog accompanying the interview conducted by Shirley Rebuffo in May 2021, which can be enjoyed here.
Cuadernos de bocetos / Sketchbooks
Al plantearme la inclusión de la obra de Rogelio Osorio dentro de esta serie, me surge la pregunta: ¿podrían considerarse a los cuadernos de bocetos como libros de artista?
Los diarios gráficos son ideas que surgen, y quizá resurgirán como obras en otra modalidad, pero en definitiva son obras de arte per se. El artista puede no considerarlos como obras de arte, pero como registro de sus trabajos, al hacer una retrospectiva, seguramente se presenten sus cuadernos de artista como muestra de sus ideas.
Los cuadernos de bocetos de Rogelio destilan por completo el estilo orgánico de un creador que se centra en el cuerpo humano; nos muestran su proceso creativo y su forma de ver el mundo sin pulir, cosa que hará cuando pase en limpio hacia la obra final.
Domar las sombras que hacen fluir la luz en sus monocromos, gracias a su invención y observación, es una de las características de estos libros de Rogelio. Shirley Rebuffo
"Los cuadernos de artista son para mí una herramienta indispensable del proceso creativo.
Su uso es básicamente para bocetos y textos variados como direcciones, nombres de películas, recetas, desarrollo de proyectos. El orden cronológico me permite tener una idea clara de mi evolución. A veces rescato apuntes que he realizado hace muchos años atrás para seguir elaborándolos hasta que se convierten en trabajos definitivos. También son una suerte de 'bitácora visual', cuando miro los dibujos, algunos apenas garabatos, recuerdo lo que estaba viviendo en el momento de hacerlos.
No los considero piezas de arte, pero sí son objetos queridos con un gran valor afectivo". Rogelio Osorio
When considering the inclusion of Rogelio Osorio's work in this series, the question arises: could sketchbooks be considered artist's books?
The graphic diaries are ideas that emerge, and perhaps they will re-emerge as works in another modality, but in the end they are artworks per se. The artist may not consider them as works of art, but as a record of his work, when a retrospective is made, his artist's sketchbooks will surely be presented as a sample of his ideas.
Rogelio's sketchbooks completely distill the organic style of a creator who focuses on the human body; they show us his creative process and his unpolished way of seeing the world, which he will do when he moves on to the final work.
Taming the shadows that make the light flow in his monochromes, thanks to his invention and observation, is one of the characteristics of Rogelio's books. Shirley Rebuffo
"Artist's sketchbooks are for me an indispensable tool of the creative process.
Their use is basically for sketches and various texts such as addresses, names of movies, recipes, project development. The chronological order allows me to have a clear idea of my evolution. Sometimes I rescue notes that I have made many years ago to continue working on them until they become definitive works. They are also a sort of 'visual log', when I look at the drawings, some of them just doodles, I remember what I was living at the moment of making them.
I don't consider them pieces of art, but they are beloved objects with a great affective value". Rogelio Osorio
Rogelio Osorio en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (V)], [Uruguayos (LI)]
Más sobre / More about Rogelio Osorio: facebook
Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Rogelio!)
Images published here with artist's permission. (Thanks a lot, Rogelio!)
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
[Libros de artista (I)], [Libros de artista (II)], [Libros de artista (III)], [Libros de artista (IV)]
[Libros de artista (V)], [Libros de artista (VI)], [Libros de artista (VII)], [Libros de artista (VIII)]
[Libros de artista (IX)], [Libros de artista (X)], [Libros de artista (XI)], [Libros de artista (XII)]
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
