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Pintando perros (XXIX)

September 3, 2013, 3:25 am
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Los perros de George Stubbs

"El perro blanco de Lord Gormanston / Lord Gormanston's White Dog"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1781. Colección privada.

George Stubbs fue un pintor nacido en Liverpool en 1724 y fallecido en Londres en 1806, conocido sobre todo por sus pinturas de caballos.
La información que se conserva sobre su vida hasta los treinta y tres está muy dispersa. Fue durante algún tiempo aprendiz de un pintor y grabador de Lancashire llamado Hamlet Winstanley, pero pronto le abandonó disgustado por el método, que consistía en copiar otras obras. Entonces empezó un aprendizaje autodidacta. En la década de 1740 trabajó como retratista en el norte de Inglaterra y, desde 1745 a 1751 estudió anatomía humana en el Hospital del Condado de York.
En 1754 visitó Italia. Más tarde alquiló una granja en Linclnshire y pasó 18 meses diseccionando caballos. Se trasladó a Londres alrededor de 1759 y en 1766 publicó “La anatomía del caballo”. Sus dibujos originales se encuentran actualmente en la colección de la Royal Academy.

"El perro blanco del Vizconde Gormanston" (detalle / detail)

"Cinco sabuesos en un paisaje / Five Hounds in a Landscape", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1762. 
Colección privada

Los dibujos de Stubbs fueron vistos por mecenas de la aristocracia, que reconocieron que su trabajo era más preciso que los de anteriores pintores equinos como James Seymour y John Wootton. En 1759 el tercer Duque de Richmond le encargó tres grandes pinturas, lo que aseguró su carrera. Para 1763 había producido trabajos para muchos más duques y otros señores, lo que le permitió comprar una casa en Marylebone, una zona elegante de Londres, donde vivió el resto de su vida.

"Sir John Nelthorpe cazando con dos pointers / Sir John Nelthorpe at hunt with two pointers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1776

Su trabajo más famoso es probablemente Whistlejacket, una pintura de un caballo encabritado que le encargó el Marqués de Rockingam. También realizó pinturas históricas, mucho menos apreciadas. Desde finales de la década de 1760 produjo algunas obras en esmalte. En la década de 1770 pintó retratos de perros aislados por primera vez, lo que le procuró también numerosos encargos de señores que querían retratar sus cacerías con perros. Siguió pintando activamente hasta una avanzada edad.

"El perro faldero de la Srta. French / Mrs. French's Lap Dog" 1782

"El perro faldero de la Srta. French", detalle / detail

"Trabajadores y recuperadores de caza / Labourers & Game Keepers", mediatinta coloreada a mano / 
mezzotint hand coloured, 44 x 65 cm., 1790. Grabado por / engraved by Henry Birche

George Stubbs was a painter born in Liverpool in 1724, died in London, 1806, famous for his paintings of horses. The Information on his life up to age thirty-five is sparse. Stubbs was briefly apprenticed to a Lancashire painter and engraver named Hamlet Winstanley. He soon left as he objected to the work of copying to which he was set. Thereafter as an artist he was self-taught. In the 1740s he worked as a portrait painter in the North of England and from about 1745 to 1751 he studied human anatomy at York County Hospital.
In 1754 Stubbs visited Italy. In 1756 he rented a farmhouse in the village of Horkstow, Lincolnshire, and spent 18 months dissecting horses. He moved to London in about 1759 and in 1766 published The anatomy of the Horse. The original drawings are now in the collection of the Royal Academy.

"Perro de aguas irlandés / Water Spaniel", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1769. Yale Center for British Arts

"Perro de aguas irlandés de Norfolk marrón y blanco / Brown and White Water Spaniel"

Stubbs's drawings were seen by leading aristocratic patrons, who recognised that his work was more accurate than that of earlier horse painters such as James Seymour, Peter Tillemans and John Wootton. In 1759 the 3rd Duke of Richmond commissioned three large pictures from him, and his career was soon secure. By 1763 he had produced works for several more dukes and other lords and was able to buy a house in Marylebone, a fashionable part of London, where he lived for the rest of his life.

"King Charles Spaniel"

"El perro español del Sr. Cosway / Mr Cosway's Spanish Dog", 1775

"Retrato de John Nelthorpe de niño / Portrait of Mr. John Nelthorpe as a child"

His most famous work is probably Whistlejacket, a painting of a prancing horse commissioned by the 2nd Marquess of Rockingham. Stubbs also painted historical pictures, but these are much less well regarded. From the late 1760s he produced some work on enamel. In the 1770s he painted single portraits of dogs for the first time, while also receiving an increasing number of commissions to paint hunts with their packs of hounds. He remained active into his old age. 

"Ringwood, perro zorrero de Brocklesby / Ringwood, Brocklesby's Foxhund"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1792. Earal of Yarborough 

"Una pareja de sabuesos zorreros / A Couple of Foxhounds", 101,6 x 127 cm., 1792. 
Tate Gallery, Londres.


Paul de Vos

"Cacería de corzos / Hunting deer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 212 x 347 cm., 1637-40. 
Museo del Prado (Madrid, España)

Paul de Vos fue un pintor barroco flamenco nacido en Hulst (cerca de Amberes) hacia 1591-95, especializado en la pintura de animales.
Estudió con un pintor poco conocido, David Remeeus, quien en 1611 se convirtió en su cuñado. En 1620 fue admitido como maestro en la guilda o gremio de San Lucas.
Especializado en la pintura de animales, principalmente en monumentales cacerías muy demandadas por una clientela aristocrática, su arte aparece influido por el de Frans Snyders, casado con su hermana Margaretha, aunque se irá distanciando de él progresivamente al adoptar una pincelada más fluida, logrando con ella efectos atmosféricos e incorporar a sus composiciones mayor tensión dramática.

"Cacería de corzos / Hunting deer", detalle / detail

"Entrada de los animales en el Arca de Noé / Entry of the Animals into Noah’s Ark", 230 x 360 cm. 
Copia a partir de un original de Paul de Vos / Copy after Paul de Vos. Museo del Louvre (París, Francia)

Conforme era costumbre entre los pintores de Amberes, De Vos colaboró frecuentemente con otros artistas, como Thomas Willeboirts Bosschaert, Erasmus Quellinus II, Anton van Dyck y Jan Wildens, además de pintar los animales y motivos de cacería en algunas de las escenas mitológicas de Peter Paul Rubens y de su taller, como la Diana cazadora del Museo del Prado. Entre sus clientes destacaron algunos de los grandes coleccionistas españoles, como los marqueses de Leganés y del Carpio o el propio rey Felipe IV, de cuya colección procede el importante conjunto de pinturas de Paul de Vos conservado actualmente en el Museo del Prado. Murió en Amberes en 1678.

"El perro y la picaza / The dog and the magpie", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 115 x 83 cm. 
Museo del Prado (Madrid, España)

"Toro rendido por perros / Bull Defeated by Dogs", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 157 x 200 cm.
Museo del Prado (Madrid, España)

Paul de Vos was a Flemish Baroque painter born in Hulst near Antwerp, now in the Dutch province of Zeeland, in 1591-95. He studied under the little-known painter David Remeeus (1559-1626). He specialized in monumental animal scenes, especially hunts for aristocratic patrons, that are heavily influenced by Frans Snyders (to whom his sister Margaretha was married). De Vos became a master and joined the guild of St. Luke in 1620.

"Toro rendido por perros / Bull Defeated by Dogs", detalle / detail

"Un galgo blanco / A White Greyhound", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 105 x 105 cm.
Museo del Prado (Madrid, España)

"Un galgo blanco / A White Greyhound", detalle / detail

As was frequent amongst artists in Antwerp, De Vos frequently collaborated with other painters. He painted animals in hunting scenes and armor in mythologies by Peter Paul Rubens and his studio. He also worked with Thomas Willeboirts Bosschaert, Erasmus Quellinus II, Anthony van Dyck, and Jan Wildens.
Among his clients highlighted some of the great Spanish collectors, as the Marquis of Leganés and Carpio or King Philip IV himself, from whose collection comes the important collection of paintings by Paul de Vos now preserved in the Museo del Prado (Madrid).
He died in Antwerpen in 1678.

"La caza del leopardo / The Leopard Hunt", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 201 x 344 cm., 1630s. 
Hermitage Museum (San Petersburgo, Rusia)

"Ciervo acosado por una jauría de perros / Deer Hunted by a Pack of Dogs"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 212 x 347 cm., 1637-40. Museo del Prado (Madrid, España)

"Un galgo al acecho / A Greyhound lurking", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116 x 84 cm., s.XVII
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Paul de Vos colaboró con Rubens pintando los perros en su "Diana la Cazadora"
Paul de Vos collaborate with Rubens painting the dogs in "Diana The Huntress"

"Diana cazadora / Diana the Huntress", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 184 x 199 cm., 1617-20. 
Museo del Prado (Madrid, España)

"La diosa Diana se muestra aquí con lanza y la media luna sobre su cabeza como atributos identificativos, mientras, acompañada de sus compañeras las ninfas, se dirige a una partida de caza. Virgen, protectora de los bosques y soberana de los animales salvajes, el mito de la casta, joven y hermosa diosa Diana fue uno de los  que más interesaron a Rubens. Es muy probable que un especialista en la representación de animales como Paul de Vos fuera el autor de los perros."
De la ficha de la obra en la web del Museo del Prado.

"Diana cazadora / Diana the Huntress", detalle / detail

"The goddess Diana is shown here with spear and crescent moon on his head as identifying attributes, while accompanied by her fellow nymphs, goes to a hunting party. Virgin, protector of forests and wild animals sovereign, the myth of caste, young and beautiful goddess Diana was one of the greatest interest to Rubens. It is likely that a specialist in representing animals as Paul de Vos was the author of dogs."
From the record of the artwork in the Museo del Prado's website

"Diana cazadora / Diana the Huntress", detalle / detail

"Diana y sus ninfas partiendo para la caza / Diana and Her Nymphs Departing for the Hunt"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 261 x 225 cm., c. 1615. The Cleveland Museum of Art (USA)

No sé si éste perro ha sido pintado por algún otro, pero la posición y actitud es muy similar a los de Paul de Vos en la obra anterior.
I do not know if the dog has been painted by someone else, but the position and attitude is very similar to those of Paul de Vos in the earlier work.
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Otro ejemplo de "Diana" de Rubens con sus respectivos perros en dos versiones de la misma obra, por lo visto también en colaboración.
Another example of Rubens' "Diana" with their dogs in two versions of the same work, apparently also in collaboration..

"Diana presentando la captura a Pan / Diana Presentig the Catch to Pan"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 211,5 x 145 cm., c.1615. Museo Nacional de Serbia

"Diana regresa de la caza / Diana Returning from Hunt", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 136 x 184 cm., c.1615
Gemäldegalerie Alte Meister (Dresden, Alemania)

Según podemos leer aquí, al menos en ésta versión de Dresden, las frutas y los perros fueron pintados por Frans Snyders.
As we can read here, at least in this version from Dresden, the animals and the fruits were painted by Frans Snyders.

 Detalles de las dos obras anteriores / Details of the two previous works

Más sobre Rubens en "El Hurgador" / More about Rubens in this blog:
[Rubens y los felinos], [Fritz, Frida y el Arte (Fotografía, Pintura)], [Marta Klonowska (Escultura)], [Pintando perros (XXV)]

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Wilhelm Bendz [Pintura]

September 3, 2013, 10:49 pm
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Wilhelm Bendz

Christen Købke (1810–1848)
"Retrato de Wilhelm Bendz / Portrait of Wilhelm Bendz"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 22 × 19 cm., circa 1830, National Gallery (Londres, UK)

Wilhelm Ferdinand Bendz (Odense, 20 de marzo de 1804 - Vicenza, 14 de noviembre de 1832), pintor de género y retratista danés, es uno de los principales personajes asociados con la Edad de Oro de la Pintura Danesa. Fue educado en la Academia Real Danesa de Arte (Det Kongelige Danske Kunstakademi), en Copenhague, desde 1820 hasta 1825, obteniendo medallas de plata, pero nunca la de oro. Estudió con el profesor Christoffer Wilhelm Eckersberg, pero puede que al mismo tiempo adquiriera algo de conocimiento de la pintura alemana contemporánea.

"Un jóven artista (Ditlev Blunck) examinando un boceto en un espejo / 
A Young Artist (Ditlev Blunck) Examining a Sketch in a Mirror"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 98 x 85 cm., 1926
Statens Museum for Kunst / National Gallery of Denmark

"Un jóven artista (Ditlev Blunck) examinando un boceto en un espejo", detalle / detail

Hoy es principalmente recordado por sus muchos retratos técnicamente logrados, aunque su ambición ante todo se dirigía a una fusión refinada de retratos, escenas de género y pintura de historia alegórica. Su virtuosismo técnico es particularmente visible en sus representaciones del juego de luz de una fuente oscurecida y las sombras resultantes. Durante su viaje a Italia, (también pasó un año en Múnich), cogió una enfermedad en los pulmones y murió a la edad de 28 años, en 1832.

"Una reunión de fumadores / A Smoking Party"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 98,5 x 85 cm., 1827-8, 
Ny Carlsberg Glyptotek (Copenhague, Dinamarca)

"Una reunión de fumadores / A Smoking Party", detalle / detail

Sus muchas obras incluyen varios retratos de sus compañeros artistas, como Ditlev Blunck y Christen Christensen (ambos en el Statens Museum for Kunst), una escena de la clase de anatomía de la Academia, así como los retratos colectivos Una fiesta de tabaco (Ny Carlsberg Glyptotek) y Artistas por la tarde en la cafetería de Finck en Múnich (Museo Thorvaldsens).
Información biográfica de Wiki.

"Interior de Amaliegade. Capitán Carl Ludvig Bendz de pie y Dr. Jakob Christian Bendz sentado / 
Interior from Amaliegade. Captain Carl Ludvig Bendz standing and Dr. Jakob Christian Bendz seated"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49 x 32,3 cm., c. 1829. The Hirschprung Collection (Copenhague, Dinamarca)

Según la tradición familiar, el Dr. Jakob Christian y el Oficial del Ejército Carl Ludvig Bendz compartieron un apartamente en Amaliegade durante algún tiempo. Sus profesiones están reflejadas en el cráneo sobre el escritorio y el sombrero en la pared.
El propio artista está presente indirectamente a través de algunos elementos asociados con la pintura al aire libre: una tabla de dibujo, una silla plegable de tres patas y un vasculum.
Traducido de aquí.

According to family tradition, doctor Jacob Christian, seen seated, and the army officer Carl Ludvig Bendz, standing, shared an apartment in Amaliegade for some time. Their professions are reflected in the skull on the writing desk and the cap on the wall. 
The artist himself is indirectly present in the form of some of the paraphernalia associated with plein-air painting: a drawing board, a three-legged folding chair, and a vasculum.
Text from here.

Izq. / Left: "La iglesia de Ramsau, Austria / The Church of Ramsau, Austria"
Der. / Right: "Bote pesquero en Nyhavn / Fish boat in Nyhavn"

"Retrato del anatomista Henrik Carl Bang Bendz, hermano del artista / 
Portrait of the Anatomist Henrik Carl Bang Bendz, The Artist Brother"
21 x  24,8 cm., 1829. The Hirschprung Collection (Copenhague, Dinamarca)

Wilhelm Ferdinand Bendz (20 March 1804 - 14 November 1832) was a Danish painter mainly known for genre works and portraits which often portray his artist colleagues and their daily lives. He was one of the most talented artists in the successful generation of painters who studied under Christoffer Wilhelm Eckersberg but died early and has therefore left a relatively small oeuvre.
In Copenhagen he attended the Royal Danish Academy of Fine Arts from 1820 to 1825, where he studied under Christoffer Wilhelm Eckersberg. In 1825 he made an unsuccessful attempt to win the gold medal, only given to history paintings, the most prestigious genre at that time, and after that decided to specialize in portraits and genre works.

"Artistas en la cafetería Finck / Artists in Finck's Coffee House"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94,8 x 136,6 cm., 1832. Thorvaldsens Museum (Dinamarca)

El mismo Bendz describió la imagen en una carta a su profesor Eckersberg:
"En primer plano tenía una serie de pintores con los cuales confraternizaba a diario, e intenté reproducir el desarrollo de la vida allí, retratando a cada uno tan naturalmente como fuera posible. En general, cantabar canciones y beber cerveza eran una parte importante, como usted bien sabe sucede en cualquier lugar de Bavaria. En el fondo podemos ver dentro de otras dos habitaciones, e intenté pintarlas a la luz de las velas, lo cual me enfrentó a muchas dificultades a la hora de crear retratos."
Traducido de la ficha de la obra en la web del museo.

Bendz himself described the picture in a letter to his teacher Eckersberg: 
“In the foreground I had a number of painters with whom I consorted daily, and I attempted to reproduce the life ruling there, and to portray each as typically as possible. In general, we sang four-part songs, and drinking beer played an important part, as you well know is the case everywhere in Bavaria; in the background we can see into two other rooms, and I tried to paint that in the light of candles, which faced me with many difficulties when it came to creating portraits.”
From the record of the artwork in the Museum website.

"Retrato de una anciana / Portrait of an Elderly Woman"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25,5 x 29,5 cm., 1832. 
The Hirschprung Collection (Copenhague, Dinamarca)

"Paisaje invernal de Funen / Winter landscape from Funen"
31,3 x 25,2 cm., 1831. The Hirschprung Collection (Copenhague, Dinamarca)

"Retrato del anatomista Henrik Carl Bang Bendz, hermano del artista / 
Portrait of the Anatomist Henrik Carl Bang Bendz, The Artist Brother"
21 x  24,8 cm., 1829. The Hirschprung Collection (Copenhague, Dinamarca)

After his graduation from the Academy, Bendz contributed successfully with a number of works to the annual exhibitions at Charlottenborg in 1826, 1827 and 1828. Three of his paintings were acquired by the Royal Painting Collection; "Model Class at the Art Academy" and "A Young Artist Looking at a Sketch Through a Mirror" from 1826 and the monumentally sized "A Sculptor Working With a Live Model" from 1827. Another important work from this phase is "A Tobacco Party" from 1828.
Biographic information from Wiki.

Izq. / Left: "Daniel Fohr", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18,3 x 14,0 cm., 1831-1832
Der. / Right: "Christian Morgenstern", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18,5 x 14,0 cm., 1831-1832
Thorvaldsens Museum (Dinamarca)

"Fuera del hospicio de Odense / Outside the Odense poorhouse"
26,3 x 27,5 cm., 1831. The Hirschprung Collection (Copenhague, Dinamarca)

"Retrato de un hombre jóven / Portrait of a Young Man", 26 x 30 cm., 1832
The Hirschprung Collection (Copenhague, Dinamarca)

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Mica Angela Hendricks & Myla [Ilustración]

September 4, 2013, 10:53 pm
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Mica Angela Hendricks & Myla

¿Quién es Mica Hendricks? Pues una ilustradora y artista gráfica. Según ella misma cuenta:
"Nací hace mucho tiempo dentro el circo viajero de la vida militar, y he sido lo bastante afortunada como para haber visto un buen trozo del mundo. A una edad muy joven, desarrollé una suerte de apéndice darwiniano adosado, ya que mi bloc de dibujo raras veces se alejaba de mi mano. La gente que no se tomaba el tiempo de conocerme me llamaba simplemente 'esa chica que dibuja'"

Mica junto a su tubería pintada para "Paint the Pipes", un proyecto de embellecimiento de la Downtown Association de Fairbanks (Alaska) para cubrir las tuberías de vapor de la ciudad con obras de artistas locales. La suya se titula "Soñando (Dreaming)"
Mica with her pipe painted for "Paint the Pipes", an area beautification project of the Downtown Association of Fairbanks (Alaska) to cover the city’s steampipes with local artists’ work. Her work is called "Dreaming".

"Sirena rosa / Pink Mermaid"

Unos años después de finalizar el colegio se unió al ejército donde conoció a su marido. Allí sirvió durante 4 años en Hawaii trabajando en fotolitografía y se convirtió en experta en Photoshop e instructora en procesos de manipulación digital, impresión a 4 colores y separación de color. Actualmente viaja por todo el mundo con su marido, su hija Myla y sus hijos peludos, el boxer Scout y el Boston Terrier Adie.

Pero lo que ha hecho que el trabajo de Mica sea difundido masivamente ha sido una colaboración con su hija de 4 años que se inició de manera más o menos casual...

"Las babosas necesitan abrazos / Slugs need Hugs"

"Un día, mientras mi hija estaba felizmente distraída en sus propios dibujos con marcadores, decidí correr el riesgo de sacar un nuevo bloc de dibujo que había encargado especialmente. Era de papel oscuro, perfecto para añadir resaltados. Sólo había dibujado un poco en él, y estaba ansiosa por continuar, pero conociendo el amor de nuestra hija por los materiales artísticos, era obvio que si no era lo bastante astuta, tendría que compartirlo (Nota: estoy a favor de las manualidades infantiles, pero cuando se trata de mis propios proyectos artísticos, no me gusta compartir). Como ella estaba absorta en su propio proyecto, pensé que sería capaz de lograrlo."

"Orilla / Shore"

"Levante la mano / Raise your Hand"

"Ahhh, yo debería haberlo sabido. Apenas había empezado a dibujar mi primer rostro (me encanta dibujar de fotogramas de viejas películas en blanco y negro) ya se había abalanzado hacia mí con una mirada intensa. '¡Oooh! ¿Eso es un nuevo cuaderno de dibujo? ¿Puedo dibujar también ahí, mamá?'. Tengo que admitir que la chica sabe de buenos materiales de arte cuando los ve. Murmuré algo acerca de lo especial que era mi libro, de que ella tenía sus propios materiales y bla bla bla, pero el atractivo de los nuevos materiales de arte era demasiado irresistible para ella. En un tono muy serio, me miró y dijo: 'Si no lo puedes compartir, puede ser que tenga que quitártelo si no lo puedes compartir'."

"Burbuja / Bubble"

"Voy a dibujar un cuerpo en la cara de ésta chica" dije. "Bueno, yo lo haré", dijo ella muy concentrada y aferrada al lápiz. Me resigné a dejar que la cosa siguiera adelante. Dejarle la página a ella para que continuara. Ya dibujaría yo misma más tarde, decidí. Adoro los trabajos artísticos de mi hija, ¡en verdad que sí! pero era MI cuaderno de dibujo, se quejaba mi niño interior."

Izq. / Left: "Hojas que caen / Falling Leaves"
Der. / Right: "Adorable criatura / Lovely Creature"

Los textos están traducidos de los posts de Mica en sus sitios web.
Si quieres conocer y disfrutar más del trabajo de Mica (información, ilustraciones, caricaturas, bocetos...) te recomiendo sus sitios web micaangela.com y busymockingbird. También puedes pasarte por su facebook.
Se pueden adquirir impresiones de éstos trabajos en Society6.

"Chica-dinosaurio / Dinosaur-Girl"

"Había dibujado el rostro de una mujer, y ella lo había convertido en una mujer-dinosaurio. Fue hermoso, despreocupado, y por mucho que no me guste compartir, me ENAMORÉ de lo que ella había creado. Repasando rápidamente mi cuaderno de dibujo, encontré otro garabato de un rostro que no había terminado. Ella le dibujó un cuerpo también, y quedé cautivada. Era una hermosa combinación de mi estilo y el suyo."

"I had drawn a woman's face, and she had turned her into a dinosaur-woman. It was beautiful, it was carefree, and as much as I don't like to share, I LOVED what she had created. Flipping through my sketchbook, I found another doodle of a face I had not yet finished. She drew a body on it, too, and I was enthralled. It was such a beautiful combination of my style and hers."

"Lo siento / Sorry"

Who is Mica Hendricks? She's an illustrator and graphic artist. As she wrote:
"I was born ages ago into the traveling circus of military life, and have been fortunate enough to have seen a decent chunk of the world as a result. At a young age, I developed a sort of Darwinian added appendage, as my sketchbook rarely left my hands.  People who didn’t take the time to get to know me simply called me 'that girl that draws'.”
A few years out of college, she decided to join the US Army, where she met her husband. She served 4 years in Hawaii as a Photolithographer and became the resident unit expert on Adobe Photoshop, and instructed personnel on the process of digital manipulation, 4-color process printing and color separations.  
Now she travel all over the world with her husband, her daughter Myla, and their hairy children, Scout (a boxer) and Adie (a Boston Terrier).

But Mica's work has spread massively thanks to a collaboration with her 4 years old daughter. All began more or less casually...

"Dentro de la tormenta / Into the Storm"

"Sola / Alone"

"One day, while my daughter was happily distracted in her own marker drawings, I decided to risk pulling out a new sketchbook I had special ordered.  It had dark paper, and was perfect for adding highlights to.  I had only drawn a little in it, and was anxious to try it again, but knowing our daughter’s love of art supplies, it meant that if I wasn’t sly enough, I might have to share.  (Note:  I’m all about kid’s crafts, but when it comes to my own art projects, I don’t like to share.)  Since she was engrossed in her own project, I thought I might be able to pull it off."

"Unicalamar y Rinopez / Unisquid and Rhinofish"

"Ahhh, I should’ve known better.  No longer had I drawn my first face (I love drawing from old black & white movie stills) had she swooped over to me with an intense look. 'OOOH!  Is that a NEW sketchbook?  Can I draw in that too, mama?'  I have to admit, the girl knows good art supplies when she sees them.  I muttered something about how it was my special book, how she had her own supplies and blah blah blah, but the appeal of new art supplies was too much for her to resist.  In a very serious tone, she looked at me and said, 'If you can’t share, we might have to take it away if you can’t share'."

“I was going to draw a body on this lady’s face,” I said.  “Well, I will do it,” she said very focused, and grabbed the pen.  I had resigned myself to let that one go.  To let her have the page, and then let it go.  I would just draw on my own later, I decided.  I love my daughter’s artwork, truly I do!  But this was MY sketchbook, my inner kid complained."

Por alguna razón, ésta mujer-dragón con fuego en las manos, terminó teniendo un aspecto con vagas reminiscencias de Alyssa Milano. Extraño.
For some reason, this fire-wielding dragon-woman ended up looking vaguely reminiscent of Alyssa Milano. Weird.

"Hombre dino gruñón / Grumpy Dino Man"

Texts taken from Mica's websites.
If you want to know & enjoy more about Mica (information, illustrations, caricatures, doodles...) I recommend his websites micaangela.com and busymockingbird. You can also check her facebook.

Imágenes publicadas con permiso de las artistas (¡Muchas gracias, Mica y Myla!)
Images published here with artists' permission (Thanks a lot, Mica & Myla!)


El proceso / The process

Dibujando "Sr. Beever" / Drawing "Mr. Beever"

"A veces puedo hacerle sugerencias tales como "¡Quizá podría tener el cuerpo de un dragón!", pero generalmente ella ignora mis sugerencias si no encajan con lo que ya tenía en mente. Como desde pequeña era un poquito (VALE, muy) perfeccionista, a veces tengo una idea específica en mente de cómo garabatearía mis cabezas. ¡Tal vez podría ella convertir ésto en un bicho! Pienso felizmente para mí misma en lo que he bocetado, imaginando las posibilidades de lo que podría ser. Así que luego, cuando ella garabatea una forma loca que parece tomar una dirección surrealista, o hace un gran círculo alrededor de la criatura llenándolo TODO con marcadores, parte de mi cerebro piensa: ¿Qué está HACIENDO? ¡Tan sólo está haciendo garabatos! Pero debo reconocer que la mayoría de las veces la imaginación de los niños supera a la de un adulto, y que SIEMPRE se ve mejor de lo que había imaginado. SIEMPRE."

Dibujando "Zorruna" / Drawing "Foxy"

"Sometimes, I would give her suggestions like, 'maybe she could have a dragon body!' but usually, she would ignore theses suggestions if it didn't fit in with what she already had in mind. But since I am a grown-up and a little bit (OK, a lot) of a perfectionist, I sometimes would have a specific idea in mind as I doodled my heads. Maybe she could make this into a bug! I'd think happily to myself as I sketched, imagining the possibilities of what it could look like. So later, when she'd doodle some crazy shape that seemed to go in some surrealistic direction, or put a large circle around the creature and filled the WHOLE THING in with marker, part of my brain would think, What is she DOING?!? She's just scribbling it all up! But I should know that in most instances, kids' imaginations way outweigh a grown-up's, and it always ALWAYS looked better that what I had imagined. ALWAYS."

Myla trabajando en "Burbuja" / Myla working in "Bubble"

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Hannah Yata [Pintura]

September 6, 2013, 12:39 am
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Hannah Yata

Hannah junto a su obra "Concupiscente" / Hanna with his work "Concupiscent"

Es muy poco lo que sé de Hannah Yata, una estupenda pintora estadounidense nacida en Carrollton (Georgia) graduada recientemente en Bellas Artes por la Universidad de Georgia, cuyo trabajo se centra en ideas que conciernen a la femineidad y las relaciones entre lo femenino y la naturaleza. En los dos últimos años ha dado a conocer una interesantísima obra con composiciones audaces, surrealistas y sumamente imaginativas.
A falta de más datos, a disfrutar de sus creaciones.

"Máscara negra / Black Mascara", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44" x 56", 2013 © Hannah Yata

"Inagotable / Inexhaustible", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 38", 2013 © Hannah Yata

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36", 2012 © Hannah Yata

"Concupiscente / Concupiscent", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 46", 2012 © Hannah Yata

"Adoro trabajar la forma femenina. Lo femenino expresa muchísimo en términos de imaginería y simbolismo. Por cosas como la naturaleza, opresión, belleza, amor, emoción, sexualidad, hay tantas capas y facetas que una puede tomar de la representación de la mujer. Al abordar la idea de la femineidad, traigo con ella mis propias experiencias creciendo como mujer y las dificultades y luchas que he debido enfrentar. La psicología de cómo una mujer es retratada en el arte y los medios se amplifica y expone en mi trabajo. A su vez, he reinterpretado mis experiencias y el cómo las mujeres son representadas en la sociedad actual para extenderlo también a la forma en que parece que nosotros, como individuos y como raza, hemos objetivado, mercantilizado y explotado a la mujer, los animales y la naturaleza."

"Mármoles azules / Blue Marbles", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 20", 2013 © Hannah Yata

"Monarca / Monarch", óleo sobre lino / oil on linen, 18" x 24", 2013 © Hannah Yata

"Moors", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 62" x 40", 2013 © Hannah Yata

Se pueden ver más cosas de Hannah en su sitio web y su facebook. También algunos trabajos en deviantART.

"Moors", detalle / detail

I don't have too much information about Hannah Yata, a remarkable painter born in Carrollton (Georgia, USA), graduated in Fine Arts from the University of Georgia, whose recent work focuses on ideas concerning feminity and relationships between the feminine and nature. In the past two years has released a very interesting work with bold compositions, surreal and highly imaginative.
In the absence of more data, let's enjoy her creations.

"Perpetuo / Perpetual", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 11" x 14", 2013 © Hannah Yata

"Obsequious / Obsequioso", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 5' x 4', 2012 © Hannah Yata

"Leda", 4' x 6', óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2012 © Hannah Yata

"Madonna", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 48", 2012 © Hannah Yata

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 30", 2012 © Hannah Yata

"I love working with the feminine form. The female  embodies so much in terms of imagery and symbolism.  For things such as nature, oppression, beauty, love, emotion, sexuality there are so many layers and facets one can glean from representing the woman. As I approach the idea of femininity I bring with it my own experiences growing up as a woman and the difficulties and struggles that I have fought. The psychology of how women are portrayed in art and the media are amplified and exposed in my work. In turn, I’ve reinterpreted my experiences and how women are portrayed in today’s society to also extend to how it seems that we as individuals and as a race have objectified, commodified and exploited women, animals, and nature."     

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 24", 2012 © Hannah Yata

"Sin título (Pesadillas y terrores nocturnos / Untitled (Nightmares and Night Terrors)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24", 2012 © Hannah Yata

You can see more works by Hannah in her website and her facebook. Also a few works in deviantART.

"Cáustico / Caustic", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 34" x 44", 2012 © Hannah Yata

Imágenes publicadas con permiso de la artista (¡Muchas gracias, Hannah!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hannah!)

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Gwen Murphy [Escultura, Zapatos]

September 9, 2013, 6:27 am
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Gwen Murphy


Gwen Murphy es una artista estadounidense nacida en Massachusettes en 1963. Obtuvo su Master en Bellas Artes (Escultura) en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Boston. Ha participado en un buen número de exposiciones en Alemania, Hong Kong y Estados Unidos.
Gwen ha venido desarrollando una serie en la cual, bajo el nombre de "Foot Fetish (Fetiche de pie)", hace emerger la personalidad de los zapatos dotándolos de rostros y expresiones muy humanas. Un bellísimo y cuidado trabajo con el que ha alcanzado difusión masiva en la red.

Fetiche de pie Nº 99, "Ancianos azules(tristes)" / Foot Fetish #99,"Blue Elders", 2013
Arcilla, acrílicos, zapatos de mujer sin tacón / ash clay, acrylics, women's open work flats, 2013

Fetiche de pie Nº 06, "Niños de la noche" / Foot Fetish #06,"Children of the Night"
Arcilla, acrílicos, zapatos de hombre / ash clay, acrylics, men's shoes, 2007

Fetiche de pie Nº 44, "Converse" / Foot Fetish #44, "Converse"
Arcilla, acrílicos, tenis converse de hombre / ash clay, acrylics, men's converse sneakers, 2009

"Desde que era una niña, he mirado a los zapatos y los he encontrado mirándome a mí, cada par con su expresión facial y personalidad particular. Encuentro los pies humanos, y la infinita variedad de recubrimientos que inventamos para ellos, a la vez hermosamente expresivos y penosamente vulnerables. Siempre tuve la sensación de que los zapatos de las personas revelan secretos que no pueden expresarse con palabras." G.M.
Texto traducido de la edición Nº 22 de la revista online Mentalshoes, que puede verse aquí.

Fetiche de pie Nº 70, "Edgar y Erwin" / Foot Fetish #70, "Edgar & Erwin"
Arcilla, acrílicos, zapatos de hombre vintage de taco bajo de dos colores 
/ ash clay, acrylics, vintage men´s two-tone oxfords, 2010

Fetiche de pie Nº 66, Encargo de Kimball / Foot Fetish #66, Kimball Commision
Arcilla, acrílicos, zapatos de hombre / ash clay, acrylics, men´s shoes, 2010

"Un fetiche es un objeto que se cree tiene poderes mágicos que protegen o ayudan a su poseedor. Veo los zapatos como una especie de fetiche, porque tienen una presencia y el poder de protegernos y transportarnos." G.M.
Texto traducido de aquí.

Fetiche de pie Nº 101, "Sabor Naranja" / Foot Fetish #101, "Orange Tang"
Arcilla, acrílicos, zapatillas de mujer de crochet / ash clay, acrylics, women´s crochet slippers, 2013

Fetiche de pie Nº 34 y 35, "Zapatos de Jazz" / Foot Fetish #34 & 35, "Jazz Shoes"
Arcilla, acrílicos, zapatos de jazz / ash clay, acrylics, jazz shoes, 2008

"Cuando los zapatos se alinean cerca de una puerta o en un armario, son corceles fieles, aguardando para servirnos. Bocas abiertas bostezando, a veces se ven soñolientos, feroces o malhumorados; a veces parece que estuvieran cantando. Son como una especie de seres hechos de pares de gemelos idénticos. Esta serie de esculturas es mi manera de dar a luz la presencia que veo en cada par de zapatos." G.M.
Texto traducido de aquí.

Fetiche de pie Nº 36, "Memento Mori" / Foot Fetish #36, "Memento Mori"
Arcilla, acrílicos / ash clay, acrylics, 2008

Se puede disfrutar de muchos más trabajos de Gwen en su sitio web y también en su facebook.

Fetiche de pie Nº 17 y 18 "Gemelos bocazas" / Foot Fetish #17 & 18 "Big Mouth Twins"
Arcilla, acrílicos, zapatos de mujer / ash clay, acrylics, women's shoes, 2008

Fetiche de pie Nº 26 y 27, "S y M" / Foot Fetish #26 & 27, "S&M"
Arcilla, acrílicos, zapatos de mujer / ash clay, acrylics, women's shoes, 2008

Gwen Murphy is an American artist born in Massachusetts in 1963. She earned his Master of Fine Arts (Sculpture) at the School of Fine Arts at Boston University. She has participated in a number of exhibitions in Germany, Hong Kong and the United States.
Gwen has been developing a series in which, under the name of "Foot Fetish", brings out the personality of shoes giving them very human faces and expressions. This beautiful work has achieved widespread dissemination in the network. 

Fetiche de pie Nº 52, "Príncipe sapo" / Foot Fetish #52, "Prince Frog"
Arcilla, acrílicos, zapatillas antiguas / ash clay, acrylics, antique slippers, 2009

Fetiche de pie Nº 42 y 43, "Cíclopes" / Foot Fetish #42 & 43, "Cyclops"
Arcilla, acrílicos, mocasines de hombre, dientes / ash clay, acrylics, men's loafers, teeth, 2009

“Since I was a kid, I have looked at shoes and found them looking back at me, each pair with its particular personality and facial expression. I find the human foot, and the endless variety of coverings we invent for it, to be both beautifully expressive and pitifully vulnerable. I have always had the feeling that a person’s shoes revealed secrets that could not be put into words.” G.M.
Text from the edition #22 of the online Magazine Mentalshoes, you can check here.

Fetiche de pie Nº 40 y 41, "Antes azules" / Foot Fetish #40 & 41, "Blue Suedes"
Arcilla, acrílicos, zapatos de ante azul / ash clay, acrylics, blue suede shoes, 2008

Fetiche de pie Nº 64, "Diablos rojos" / Foot Fetish #64, "Red Devils"
Arcilla, acrílicos, zapatos rojos de mujer de taco bajo / ash clay, acrylics, women's red oxfords, 2010

Fetiche de pie Nº 74 / Foot Fetish #74
Arcilla, acrílicos, zapatillas con mostacillas / ash clay, acrylics, beaded slippers, 2010

"A fetish is an object believed to have magical powers to protect or aid its owner I see a shoe as a kind of fetish, because it has a presence, and the power to protect and transport us."

"When shoes are lined up near a door or in a closet, they are trusty steeds, waiting to serve. Mouths yawning open, they sometimes look sleepy, grouchy, or fierce; sometimes they look like they are singing. They are like a species of beings made entirely of pairs of identical twins. This series of sculptures is my way of bringing forth the presence I see in each pair of shoes." G.M.
Text from here.

Fetiche de pie Nº 96, "Ella no está allí" / Foot Fetish #96, "She's not there"
Arcilla, acrílicos, zapatos de mujer / ash clay, acrylics, women's shoes
Éste par fue hecho con zapatos diseñados por Carlos Santana.
This pair was made from shoes designed by Carlos Santana.

Fetiche de pie Nº 95, "Grito" / Foot Fetish #95,"Scream"
Arcilla, acrílicos, zapatos de mujer / ash clay, acrylics, women's shoes, 2012

Imágenes publicadas con permiso de la artista (¡Muchas gracias, Gwen!)
Gracias también a Olga y su siempre recomendable blog "Totum Revolutum" donde descubrí el trabajo de ésta artista.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Gwen!)
Thank also to Olga and her always advisable blog "Totum Revolutum" where I discovered the work of this artist.



El primer par / The First Pair
"Fetiche de pie Nº 1 y 2, Sin título / Foot Fetish # 1 & 2, Untitled"
Arcilla, acrílicos, ojos de vidrio de muñeca, botines estilo occidental / 
ash clay, acrylics, glass doll eyes, Western style ankle boots, 2005

"¡Por fin he encontrado la única imagen sobreviviente de mi primer par de esculturas de zapatos! No tengo una fotografía profesional de ellos; no pensé que fueran importantes." G.M.

"Finally found the only surviving image of my first pair of shoe sculptures! Didn't get a professional photo of them; didn't think they were important." G.M.



Otros trabajos / Other Works

Gwen no sólo hace esculturas de zapatos; también máscaras y pinturas. Aquí algunos ejemplos.
Gwen not only creates shoe sculpures but also masks and paintings. Here a few examples.

"Humpty Dumpty", arcilla, acrílico, alambre / ash clay, acrylics, wire, 2010

"Niño interior / Inner Child", acrílico sobre panel / acrylic on panel, 14" x 11", 2008

"Sitter", acrílico sobre tabla / acrylic on wood, 10 3/4" x 11", 2009

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Håkan Ludwigson [Fotografía]

September 10, 2013, 1:02 am
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Me ha llamado la atención la obra de éste excelente fotógrafo por su alta calidad, originales enfoques y también porque muchas de sus imágenes están estrechamente relacionadas con el arte, como museos y obras en espacios públicos. Disfrutemos de su trabajo...

I was struck by the excellent work of this photographer because its high quality, original approaches and also because many of his images are closely related to art; museums and works in public spaces. Let's enjoy his work ...
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Håkan Ludwigson


Håkan Ludwigson es un fotógrafo nacido en Vänersborg, un pequeño pueblo de la costa occidental sueca, en 1948.
En 1968 se mudó a Gothenburg, donde vive y trabaja, para comenzar sus estudios de fotografía.
Su carrera comenzó en 1975 en publicidad y moda, pero pronto se sintió inspirado por los reportajes de viajes, arquitectura y coches. Más tarde desarrolló una reconocida pasión por el retrato. 

"Marqués de Riscal", Condé Nast Traveler

"Aeropuerto Suvarnabhumi / Suvarnabhumi Airport", Bangkok, Thailandia, Condé Nast Traveler

Håkan ha ganado prestigiosos premios, recientemente un oro en The One Show Digital 2013, ha realizado campañas para importantes clientes y ha presentado exposiciones en solitario y publicado libros con su obra. Además ha viajado por más de 85 países y es colaborador de la revista de viajes “Condé Nast Traveler”. 
Además de ésta, entre sus clientes se cuentan Volvo Trucks, Volvo Cars, Aqvavit, Fritidsresor, Elisa, Frälsningsarmén, If, Radiolinja, GP, RES, GEO, Oprah Magazine, Toyota, Audi, Riksutställningar y Skut.

"Torre de Swiss-Re / Swiss-Re Tower", Londres, UK, Condé Nast Traveler

Håkan hace que su trabajo parezca exactamente lo que no es: sencillo, luminoso, poético. Es todo lo contrario a lo que en realidad sucede detrás de la cámara: en un minuto, el foco láser se centra en capturar cada detalle y fibra en el alma de un paisaje, persona, situación o problema visual. Ya sea que se trate de los ganaderos del interior de Australia o paisajes en lugares exóticos, no basta con mirar las imágenes: uno las siente. Penetran y permanecen en la parte más sensible de tu ser, la parte que capta las nubes de la tarde en un golpe de vista por encima del hombro y se maravilla.
Texto traducido de aquí.

"Auditorio de Tenerife / Tenerife Auditorium", Islas Canarias, España, Conde Nast Traveler

"Teatro Público Za-Koenji / Za-Koenji Public Theatre",Tokyo, Japón

De momento el sitio web de Håkan sólo nos informa de que se está construyendo uno nuevo. Mientras tanto, se puede disfrutar de su trabajo aquí, aquí y aquí.
Si quieren ver un algo del trabajo de Håkan como fotógrafo de viajes, conviene echar un vistazo en el sitio web de Condé Nast Traveler al artículo de Susan Hack "Nueva Zelanda: Navegando por la tierra de «El Señor de los Anillos»", ilustrado con una serie de 24 fotografías de Håkan.
 
"Teatro Público Za-Koenji / Za-Koenji Public Theatre",Tokyo, Japón

"Iglesia de San Pedro en Firminy / St. Peter Church at Firminy", Loira, Francia, Condé Nast Traveler

Håkan Ludwigson is a Swedish photographer born in 1948 in Vänesborg, a small town on the Swedish west coast.
In 1968 he moved to Gothenburg, where he lives and works, to start photography studies.
His career started in 1975 with advertising and fashion, and soon he found himself inspired by travel reportage, architecture and cars. Lately he's also developed a rewarding passion for portraits.

"Museo de Arte de Denver / Denver Art Museum", Colorado, USA, Condé Nast Traveler

"Museo del Encaje y las Bellas Artes / Lace and Fine Arts Museum", Calais, Francia

Håkan has won prestigious awards, most recently a gold at The One Show Digital 2013, he has shot advertising campaigns for big clients, had solo exhibitions and published books, and all along traveled to more then 85 countries in the world and signs as Contributing Photographer for “Condé Nast Traveler”. Other clients are Volvo Trucks, Volvo Cars, Aqvavit, Fritidsresor, Elisa, Frälsningsarmén,If, Radiolinja, GP, RES, GEO, Oprah Magazine, Toyota, Audi, Riksutställningar and Skut.

"Museo de la Acrópolis / Acropolis Museum", Atenas, Grecia

"Parque del Milenio / Millenium Park", Chicago, USA, Condé Nast Traveler

Håkan makes his work look exactly what it’s not - effortless, light, poetic. It is quite the contrary to what is going on behind the camera – a minute, laser focused drive to capture every scrap and fiber of the soul of a landscape, a person, a situation, a visual problem. Whether he shoots the cattlemen in the outback of Australia or landscapes in an exotic location, you do not just look at his images, you feel them. They enter, and linger in the most tender part of your being, the part that catches the evening clouds in a glance over the shoulder and marvels.
Text from here.

"Museo de Arte de Denver / Denver Art Museum", Colorado, USA, Condé Nast Traveler

At the moment Håkan's website only inform that a new site is being building. Meanwhile, you can enjoy his work here, here and here.
If you want to enjoy something about Håkan as a travel photographer, you can check in the website of Condé Nast Traveler the story by Susan Hack "Navigating the Land of «The Lord of the Rings»" illustrated with a series of 24 photographs by Håkan.

"Museo de Arte Islámico / Museum of Islamic Art", Doha, Qatar

Faktum Calender

"Drottningtorget"

Gothenburg tiene cerca de 3.400 sin techo. La mayoría de ellos buscan cobijo con amigos o en refugios, pero algunos duermen al aire libre.
Faktum Hotels no es un hotel real en el cual se puede reservar una habitación; es una manera inteligente de financiar el periódico callejero de Gothenburg "Faktum".
Trabajan para suscitar el debate acerca de los sin techo y el aislamiento, pero sobre todo proporcionar una ocupación a los más necesitados.
Ésto los ayuda a dar un paso adelante hacia una vida más estructurada, ya que el trabajo de vendedor involucra responsabilidad, rutina y oportunidades para un intercambio social positivo, cosas que son de vital importancia cuando se trata de encontrar un sitio donde vivir. O construir una vida, como es el caso.

"Götatunneln"

Håkan Ludwigson ha realizado las fotografías para el sitio web de Faktum y el calendario de 2013. Según me cuenta, está muy orgulloso de sus imágenes para éste proyecto. Sus imágenes han sido premiadas:
Guldägget, the golden egg, in Sweden for Photography / Gold in Art Directors Club, USA
Gold in The One Show, USA / Silver Lion in Cannes, France

"Parque en Hata"

El Parque de Hata es un lugar idílico a una distancia notable de los entretenimientos de la ciudad. Dominado por la exquisita iglesia de Haga, este idílico lugar te invita a explorar las acogedoras cafeterías y tiendas de moda de segunda mano a lo largo de calles empedradas.
The park at Haga is an idyllic location in striking distance of the city’s amenities. Overlooked by Haga’s exquisite church, this idyllic spot invites you to explore cosy cafés and fashionable second-hand shops along cobbled streets.

"Mölndals Bruk"

Gothenburg has about 3,400 homeless people. Most of them find a roof over their heads with a friend or at a refuge, but some sleep in the open air.
Faktum Hotels is not a real hotel where you can book real hotel accommodation. It's a smart way to support Gothenburg's street newspaper, Faktum.
We work to arouse debate and opinion about homelessness and isolation, but above all we provide those most in need with an occupation.
This helps them to take a step towards a more structured life, as the work of a salesperson involves responsibility, routine and the opportunity for a positive social exchange. Things that are vitally important when trying to find somewhere to live. Or build a life, for that matter.

Håkan Ludwigson did the photographs for the Faktum's website and 2013 Faktum calender. As he told me, he's very proud of the pictures for this project. His images have so far won:
Guldägget, the golden egg, in Sweden for Photography / Gold in Art Directors Club, USA
Gold in The One Show, USA / Silver Lion in Cannes, France


Anish Kapoor
"Puerta de la Nube" (La Alubia) / "Cloud Gate" (The Bean)

"Puerta de la Nube, Parque del Milenio / Cloud Gate, Millenium Park"
Chicago, fotografía de Håkan Ludwigson

Anish Kapoor, nacido en Bombay en 1954, es uno de los escultores indios más influyentes de su generación. Kapoor ha vivido y trabajado en Londres desde principios de los 70, cuando se mudó a esta ciudad para estudiar arte, primero en el Hornsey College of Art y más tarde en la Chelsea School of Art Design.
Kapoor alcanzó rápidamente fama desde 1980. Desde entonces ha ganado la aclamación internacional, exhibiendo ampliamente en todo el mundo en lugares como la Tate Gallery y la Hayward Gallery en Londres, Kunsthalle de Basilea, Múnich, Deutsche Guggenheim de Berlín, el Reina Sofía en Madrid, MAK Viena, el ICA de Boston y el Kunsthale de Basilea.

La "Puerta de la nube" (Cloud Gate) es una escultura pública del artista, pieza central de la Plaza AT&T en el Millennium Park en Chicago, Illinois, Estados Unidos. Fue construida entre 2004 y 2006. Compuesto por 168 placas de acero inoxidable soldados entre sí, en su exterior está pulido por lo que no tiene costuras visibles. Se trata de una escultura de 10 m × 20 m × 13 m, y pesa 98 toneladas.
Coloquialmente se le apoda The Bean (La Alubia).

Fotografía de aquí. © Craig Sinclair

Sir Anish Kapoor, RA (born 12 March 1954) is an Indian-born British sculptor. Born in Mumbai, Kapoor has lived and worked in London since the early 1970s when he moved to study art, first at the Hornsey College of Art and later at the Chelsea School of Art and Design.
Anish Kapoor became known in the 1980s for his geometric or biomorphic sculptures made using simple materials such as granite, limestone, marble, pigment and plaster. These early sculptures are frequently simple, curved forms, usually monochromatic and brightly coloured, using powder pigment to define and permeate the form.

Cloud Gate, a public sculpture by Indian-born British artist Anish Kapoor, is the centerpiece of the AT&T Plaza in Millennium Park within the Loop community area of Chicago, Illinois, United States. The sculpture and AT&T Plaza are located on top of Park Grill, between the Chase Promenade and McCormick Tribune Plaza & Ice Rink. Constructed between 2004 and 2006, the sculpture is nicknamed "The Bean" because of its bean-like shape. Made up of 168 stainless steel plates welded together, its highly polished exterior has no visible seams. It is 33 by 66 by 42 feet (10 by 20 by 13 m), and weighs 110 short tons (100 t; 98 long tons).

Fotografía de aquí. No conozco el autor / Photographer unknown

Imágenes (excepto las dos últimas) publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Håkan!)
Images (except the last two) published here with artist's permission (Thanks a lot, Håkan!)

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Teresa Elliott [Pintura]

September 11, 2013, 1:07 am
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Teresa Elliott


Teresa Elliot es una artista estadounidense nacida en 1953 a unas 25 millas al oeste de Fort Worth, Texas, en el pequeño pueblo de Weatherford.
"Cuando tenía 2 años, siempre pedía a mis padres papel y lápiz. No tenía muchos juguetes y con éstas herramientas, me dedicaba a dibujar". Cuenta que, por la época que entró al jardín, "mis habilidades eran muy buenas. Mis dibujos siempre eran los más reconocibles, los que terminaban en las paredes del aula. Tengo mucho impulso positivo."

"Chinate crossing", óleo / oil, 36" x 60"

"Liberación / Deliverance", óleo / oil, 36" x 36"
Obra ganadora del premio "Chairman's Choice" en el edición 2012 del concurso internacional de Art Renewal Center.
Winner of a "Chairman's Choice" award at the 2012 Art Renewal Center International competition.

"Liberación / Deliverance", detalle / detail

En 1971, tras graduarse en la Escuela Superior de Kirkwood, Elliott buscó un trabajo de verano para ayudar a pagar los estudios. El parque de diversiones Six Flags Over Mid-America había abierto en San Luis, y consiguió empleo allí en una tienda llamada Quick Draw (Dibujo rápido). "Seis días a la semana, desde las 10 de la mañana hasta que oscurecía, lo único que hacía era dibujar rostros; bocetos serios al pastel, no esas caricaturas exageradas que suelen verse por ahí". Cree que no era una artista muy buena, pero absorbía como una esponja lo que hacían los artistas con más experiencia en Quick Draw. "Muy pronto -dice- la gente comenzó a hacer colas esperándome, y éstas serpenteaban por todo el lugar. Empleaba 15 o 20 minutos en cada una, a 15 dólares el retrato y me quedaba con la mitad."

"Coffee Flats", óleo / oil, 36" x 48"

"Toro de Hill Country / Hill Country Bull", óleo / oil, 36" x 36"

Obtuvo su Bachiller de Bellas Artes y Diseño en la Universidad de Kansas.
Elliot es bien conocida por su larga serie de pinturas al óleo de ganado de la raza Texas Longhorn. Sus obras están presentes en colecciones privadas y corporativas por todo Estados Unidos, Canadá y Australia. Ha sido seleccionada para exponer en muchas muestras de museos por todo el país, ganando premios en Colorado, Texas y Arizona. Su trabajo está representado en galerías de Fredericksburg (Texas), Santa Fe (Nuevo México) y Jackson Hole (Wyoming), donde ha presentado su obra en varias muestras individuales y colectivas.

"Baca", óleo / oil, 40" x36"

"Tengo tal veneración por mis sujetos que cuando los he terminado, parece haber algo en sus expresiones de lo que no me había percatado cuando comencé. Terminan teniendo un aspecto humano."
Teresa vive y pinta en Alpine (Texas) al norte del Parque Nacional Big Bend.

"Baño en el barranco / Gully Wash", óleo / oil, 24" x 18"

Los textos están traducidos del apunte biográfico de su sitio web y de aquí.
Se puede disfrutar del trabajo de ésta notable artista en su sitio web, su facebook y también en el sitio de Insight Gallery.

"Perspectiva mística / Mystic Outlook", óleo / oil, 40" x 60"

"Rusty Medicine", óleo / oil, 36" x 56"

Teresa Elliott is an American artist born in 1953 about 25 miles due west of Fort Worth, TX, in the small city of Weatherford. 
“When I was 2 years old, I was always asking my parents for paper and a pencil. We didn’t have many toys and, left to my own devices, I would draw.” By the time she entered kindergarten, she says, “my skills were pretty good. My drawings were always the most recognizable, the ones that ended up on the classroom wall. I got a lot of positive reinforcement.”

"Verano en Cuero / Cuero Summer", óleo sobre panel / oil on panel, 9" x 12"

"Rosa / Pink", óleo / oil, 36" x 30"

In 1971, after graduating from Kirkwood High School in Kirkwood, MO, Elliott sought a summer job to help pay for college. The Six Flags Over Mid-America amusement park had just opened in St. Louis, and she got a job there in a shop called Quick Draw. “Six days a week, from 10 a.m. until dark, I would just draw people’s faces—serious pastel sketches, not those exaggerated caricatures you see.” She swears she wasn’t very good at first, but “like a sponge,” she watched and absorbed what more experienced Quick Draw artists were doing. “Pretty soon,” she says, “people would wait in line for me, and the lines snaked around the whole area. I’d spend 15 or 20 minutes on each one, for $15 a portrait, and I got to keep half of that.”

"San Saba", óleo / oil, 30" x 28"

"Ternero Longhorn / Longhorn Calf", óleo / oil, 9" x 12"

She received a Bachelor of Fine Arts Degree in Design from the University of Kansas.
Elliott is perhaps best known for her extensive group of Texas longhorn oil paintings which are included in corporate and private collections across the United States, Canada and Australia. She has been selected to exhibit in many invitational museums shows nationwide winning awards in Colorado, Texas and Arizona. Her work is represented in galleries in Fredericksburg, TX, Santa Fe, NM and Jackson Hole, WY where she has had several individual and group shows.

"Ternero Longhorn / Longhorn Calf", detalle / detail

Izq. / Left: "Bull of Pearl", óleo / oil, 80" x 60" - Der. / Right: "Brahman", óleo / oil, 28" x 22"

“I have such a reverence for my subjects that when I’m done, there seems to be something in their expressions that I wasn’t aware of when I started. They just wind up having a human aspect.”
Teresa lives and paints in Alpine,Texas, north of the Big Bend National Park.

"La Curva / The Bend", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 40"
Presentado en "El Desnudo", 2012; curador John O'Hern de EVOKE Contemporary, Santa Fe New Mexico
Re Presenting The Nude 2012, curated by John O'Hern for EVOKE Contemporary, Santa Fe New Mexico

"Trueno del Emperador II / Emperor's Thunder II", óleo / oil, 36" x 48"

Texts arte taken from the biographic review in her website and from here.
You can enjoy the work of this remarkable artist in her website, her facebook and also in the site of Insight Gallery.

"Ternero en verano / Calf in Summer", óleo / oil, 30" x 30"

Imágenes publicadas con permiso de la artista (¡Muchas gracias, Teresa!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Teresa!)


Viendo éstos trabajos de Teresa, recordé ésta fotografía que tomé en las afueras de Hue (Vietnam) en septiembre del año pasado y que quiero compartir con ustedes. 

Viewing these works of Teresa, I remembered this picture I took on the outskirts of Hue (Vietnam) in September last year and I want to share with you. 

Fotografía: Javier Fuentes

Como siempre, ésta imagen puede utilizarse libremente tan sólo citando la fuente.
This image can be used freely as always, just by quoting the source.

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Orley Ypon [Pintura]

September 11, 2013, 11:21 pm
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Orley Ypon


Orley Ypon es un pintor realista filipino nacido en Toledo, Cebu, que descubiró su amor por el arte a una edad muy temprana retratándose a sí mismo, a su familia y amigos. A los 17 años, tras algunos semestres estudiando arquitectura en el Instituto Tecnológico de Cebu dejó la provincia para probar suerte en Manila. Varios empleos como exportador de artesanía le permitieron recorrer todo el país, retornando a Cebu para estudiar en el Colegio de Bellas Artes UP, antes de dejarlo para convertirse en artista full time.

"Liberación / Deliverance", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 72", 2009

"Ancestros / Ancestors", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,92 x 91,44 cm., 2011

A sus 39 años, éste artista a alcanzado grandes logros. Finalista recurrente en exhibiciones de pintura en Visayas y Metro Manila, Orley atrajo la atención cuando ganó el Primer Premio en la Competición de Pintura Nacional In Situ de la Asociación de Arte de Filipinas en 2001. El mismo año Orley destacó en el Concurso de Pintura Nacional Art Petron, llevándose el primer premio por "Ober-Ober". Volvió a ganar el primer premio en el mismo certámen en 2004 con "Pamaling".

"Resurrection / Resurrección", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,92 x 182,88 cm., 2011

"Incubus", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,92 x 152,4 cm., 2010

En 2008, Orley ganó el segundo premio en el Concurso de Pintura GSIS por su pieza "Ahon", considerada por sus pares y la crítica como una creación rupturista por su adhesión a la técnica tradicional, pero mostrando gran profundidad y variedad en la elección de los temas y composición. Demostró un carácter evocador que no estaba presente en su trabajo anterior.
Sus creaciones actuales manifiestan el desarrollo artístico de sus objetivos en temas que se ocupan de cuestiones sociales, la condición humana y la expansión ulterior hacia nuevas dimensiones en su arte.

"Hora de la comida / Feeding Time", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,44 x 121,92 cm., 2012

"Buscadores / Seekers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,92 x 182,88 cm., 2009

"Mi país tiene una larga historia de privaciones y desafíos. Nuestro pasado está salpicado por la ocupación y la guerra. El presente no es mucho mejor. Somos un país lidiando con una reputación de corrupción y falta de buenos gobiernos. A pesar de todos los desafíos que los filipinos se encuentran, aún creo en su capacidad de resistencia y espíritu de lucha. Aún cuando el país está plagado de disputas políticas y calamidades, la gente aún se las arregla para sacar la cabeza del pantano y buscar el bien. La esperanza aún prevalece en el corazón del espíritu filipino. La inagotable capacidad de mi gente para mantenerse positiva aún en el ojo del huracán me ha inspirado para llevar a cabo ésta pieza. Los modelos utilizados en la pintura pertenecen al grupo demográfico que usualmente es víctima de la corrupción del país, haciendo la obra aún más significativa."
Comentarios del artista acerca de su obra "Los Buscadores", ganadora del Gran Premio en el Concurso Internacional de Pintura de la revista Artist en el apartado Gente y Figuras, en 2009.

"My country has a long history of hardships and challenges. Our past is riddled with occupation and war. The present isn't any better. We are a country dealing with a reputation for corruption and lack of good governance. In spite of all the challenges the Filipino people encounter, I still believe in their resilience and fighting spirit. Even though the country is plagued with political quarreling and calamities, the people still manage to rise together from the grime and seek for the good. Hope still prevails in the very heart of the Filipino spirit. Mi people's bottomless ability to stay positive even in the eye of the storm inspired me to come up with this piece. The models used for the painting belong to the demographic that is usually victimized by de country's corruption, making the piece even more significant."
Artist's comments about his work "The Seekers", winner of the Grand Prize in International Artist Magazine’s International Painting Competition in the People and Figures Division for 2009.

"Temporada de abundancia / Bountiful Season", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,92 x 91,44 cm., 2010

Entre sus últimos logros se cuentan el Primer Premio en la categoría figurativa en el salón internacional de 2012 del Art Renewal Center, Gran Premio en el Concurso Internacional de Pintura de la revista Artist en el apartado Gente y Figuras, en 2009 y varios otros.
Se puede disfrutar de más trabajos de Orley en su sitio web y en su espacio de Art Renewal Center.
También vale la pena pasarse por su facebook.

"Release", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,28 x 60,96 cm., 2011

Orley Ypon is a Filipino realist painter from Toledo, Cebu, Philippines. He discovered a love for art at a very early age, doing portraits of himself and of family and friends throughout his growing years.
Orley left Cebu Province at 17 after a few semesters at the Cebu Institute of Technology taking up Architecture to make his mark in Manila. A series of jobs as an export handicraft artist led him all over the country from Pampanga, Paete, Laguna and Davao. He eventually returned to Cebu to study at the UP College of Fine Arts before leaving school to become a full-time artist.

"Tabuan",óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 101,6 cm., 2011

"Serie Lucha de Juventud, III / Struggle of Youth, Series III"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 24", 2010

The 39-year old artist has achieved much since his young years. A constant finalist in painting exhibitions in the Visayas and Metro Manila, Orley gained attention when he won the First Prize in the Art Association of the Philippines’ National On-The-Spot Painting Competition in 2001. In the same year, Orley made his mark at the Art Petron National Painting Competition, bagging the Grand Prize in 2001 for “Ober-Ober”. He won the Grand Prize in the same competition for the second time in 2004 for “Pamaling”.

"Paseo en coche / Joyride", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,44 x 121,92 cm., 2011

"Auto-adversario / Self Adversary", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152,4 x 121,92 cm., 2010

In 2008, Orley won the 2nd Prize in the GSIS Painting Competition for his piece, “Ahon”, considered by peers and critics to be a breakthrough creation for its adherence to traditional technique but showing depth and variety in the artists’ choice of subject and composition. It showed an evocative nature previously unseen in his earlier work. 
His current creations manifest the artist developing his objectives into themes that convey social issues, the human condition, and further expanding into new dimensions of his art. 

"Ahon II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,92 x 91,4 cm., 2008

"Ancestro / Ancestor", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66,04 x 53,34 cm., 2011

"Despertar III / Awakening III", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60,96 x 91.44 cm., 2010

"Fisherman's Cove", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 48"

"Kakapa-kapa II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,92 x 91,44 cm., 2011

His latest achievements are winning First Prize in the Figurative Category of the 2012 Art Renewal Center International Salon, the Grand Prize in International Artist Magazine’s International Painting Competition in the People and Figures Division for 2009 and many others.
You can enjoy more artworks by Orley in his website and in his space in the website of Art Renewal Center. 
Also worth a visit to his facebook.

"Alaga", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2010

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Eliza y Orley!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Eliza and Orley!)

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Richard Lindner [Pintura]

September 12, 2013, 11:05 pm
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Richard Lindner

Henri Cartier-Bresson, El pintor Richard LINDNER, 1974.
© Henri Cartier-Bresson/Magnum Photos

Richard Lindner fue un pintor adscrito al pop art nacido en Hamburgo en 1901, nacionalizado estadounidense.
Lindner marcó un punto y aparte en el pop art norteamericano, por su origen europeo y su manera de enriquecer el pop con rasgos del cubismo y del expresionismo alemán.
Estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Nuremberg, y en 1924-27 en la Academia de Bellas Artes de Múnich.
Trabajó como director artístico de la editorial Knorr & Hirth, y tras el ascenso nazi al poder (1933) se trasladó a París. En 1941, eludiendo la Segunda Guerra Mundial, voló a Nueva York, y adquirió la nacionalidad americana en 1948.

"FBI en la Calle 69 Este / F. B. I. on East 69th Street", óleo sobre lienzo / oil on canvas
200 x 175 cm., 1972. Museuo Boymans-van Beuningen (Rotterdam, Holanda)

"La reunión / The Meeting", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152.4 x 182.9 cm., 1953. 
The Museum of Modern Art "MoMA" (New York, USA)

El artista nació en Hamburgo, donde su madre Mina Lindner (nacida en Nueva York de padres alemanes) regentaba un negocio de corsés a medida.
Estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Nuremberg, y en 1924-27 en la Academia de Bellas Artes de Múnich.
Trabajó como director artístico de la editorial Knorr & Hirth, y tras el ascenso nazi al poder (1933) se trasladó a París. En 1941, eludiendo la Segunda Guerra Mundial, voló a Nueva York, y adquirió la nacionalidad americana en 1948.
En sus primeros años en EE. UU., Lindner siguió trabajando como ilustrador de libros y revistas: Vogue, Vanity Fair, Fortune. En 1950, a edad madura, empezó a dedicarse enteramente a la pintura. Su primera muestra individual se celebró en 1954 (Nueva York, Betty Parsons Gallery).

"Solitario / Solitaire", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 200 cm., 1973
The Ulla and Heiner Pietzsch Collection (Berlin, Alemania)

"Luna sobre Alabama / Moon over Alabama", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 204 x 127,7 cm., 1963.
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España)

El título del cuadro está sacado del estribillo de una canción de la ópera satírica de Bertolt Brecht y Kurt Weill Auge y caída de la ciudad de Mahagonny, de 1930, versionada por The Doors en su primer álbum de 1967: «Oh, Luna de Alabama / Ahora tenemos que decir adiós». Ahora bien, a esta parábola de la descomposición moral de la sociedad de Weimar, Lindner añade un significado contemporáneo, pues el estado de Alabama se había convertido en 1963 en el principal foco del movimiento por los derechos civiles tras el intento del gobernador del estado de prohibir la entrada de dos estudiantes negros en la universidad. Como ha señalado Judith Zilczer, Lindner, que apoyaba este movimiento, nos ofrece en esta pintura una metáfora visual de los conflictos raciales a través de la incomprensión que transmiten estos dos peatones de distintas razas que caminan en sentido opuesto para simbolizar la distancia entre ambos y la tragedia que supone esa enemistad.
Fragmento del apunte de Paloma Alarcó en ficha de la obra en el sitio web del Museo Thyssen-Bornemisza.

The title of the painting is taken from the chorus of a song from Bertolt Brecht and Kurt Weill’s satirical opera Rise and Fall of the City of Mahagonny, written in 1930, of which The Doors recorded a version in their first album of 1967: “Oh, moon of Alabama / We now must say goodbye”. In addition Lindner introduces a contemporary twist to this parable of the moral decomposition of the Weimar society, as in 1963 the state of Alabama had become the main focus of the civil rights movement following the governor of the state’s attempt to prohibit two black students entering the university. As Judith Zilczer has pointed out, Lindner, who backed this movement, provides a visual metaphor of the racial conflicts in this painting through the incomprehension conveyed by these two passers-by of different races who walk in opposite directions, symbolising the distance between them and the tragedy this enmity signifies.
Excerpt of the comments about the work by Paloma Alarco in the website of Thyssen-Bornemisza Museum.

"1 más 1 / 1 plus 1", litografía a color sobre papel / lithograph in colors on wove paper
29 1/8" x 22 7/8", 1967. Colección privada.

"Contacto / Contact", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 203,2 x 137,5 cm., 1977. 
National Gallery of Art. (Washington D.C., Estados Unidos)

Su estilo más personal quedó definido en la década de los 60.
Lindner encaja, en líneas generales, en el pop art: temas urbanos, recursos del arte comercial y de la publicidad, colores planos… Pero sus imágenes tienen connotaciones más inquietantes que conectan con el expresionismo alemán de principios del siglo XX, y sus contornos y las formas fragmentadas recuerdan al cubismo. En cierta manera, Lindner puede ser un precedente de la fusión de cubismo y pop desarrollada por Valerio Adami.

"Calle 42 / 42nd Street", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 117.8 x 152.4 cm., 1964. Elizabeth B. Blake.

En su arte, es recurrente la presencia femenina, singular por su tono amenazador, circunstancia que el artista consideraba accidental. Sus mujeres son siempre rotundas, de volúmenes fragmentados bajo influencia del cubismo, y parecen robots. Su sexualidad resulta imponente: pechos, nalgas y labios exagerados. Muchas veces, las miradas de los personajes están ocultas por gafas o antifaces.
La obra gráfica de Lindner, serigrafías y litografías por lo general en formatos medios o grandes, es bastante amplia y se cotiza a altos precios en el mercado. Hacia 1977, el Metropolitan Opera House le encargó un cartel para la ópera "El caballero de la rosa" de Richard Strauss.
Lindner murió en 1978.

"Ventana trasera / Rear Window", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 175 x 200 cm., 1971. 
Instituto Valenciano de Arte Moderno - Centro Julio González (Valencia, España)

La información biográfica está tomada del artículo sobre Lindner en Wikipedia. 
Se puede disfrutar de una buena muestra de su obra en Wikipaintings. También una amplia selección aquí.

"Jaque Mate / Checkmate", collage, acuarela, lápiz, crayon, pincel y tinta 
/ cut and pasted papers, watercolor, pencil, crayon, and brush and ink, 60,6 x 45,6 cm., 1966
The Museum of Modern Art "MoMA" (New York, USA)

"Gracias / Thank You", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 194 x 137 cm., 1971
Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España)

Richard Lindner was a German-American painter born in Hamburg (1901). His mother Mina Lindner was American and born in New York as daughter of German parents. In 1905 the family moved to Nuremberg, where Lindners mother was owner of a custom-fitting corset business and Richard Lindner grew up and studied at the Kunstgewerbeschule (Arts and Crafts School since 1940 Academy of Fine Arts). From 1924 to 1927 he lived in Munich and studied there from 1925 at the Kunstakademie. In 1927 he moved to Berlin and stayed there until 1928, when he returned to Munich to become art director of a publishing firm. He remained there until 1933, when he was forced to flee to Paris, where he became politically engaged, sought contact with French artists and earned his living as a commercial artist. 

"Chico y máquina / Boy with Machine", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 72 cm., 1954. 
Colección de Ellen and Max Palevsky 

"Pareja / Couple", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 204 x 178 cm., 1976-77. 
Virginia Museum of Fine Arts (Richmond, USA) 

In 1941 he went to the United States and worked in New York City as an illustrator of books and magazines, making contact with New York artists and German emigrants (Albert Einstein, Marlene Dietrich, Saul Steinberg). In 1948 he became an American citizen. From 1952 he taught at the Pratt Institute, Brooklyn, from 1967 at Yale University School of Art and Architecture, New Haven. In 1957 Lindner got the William and Norma Copley Foundation-Award. In 1965 he became Guest Professor at the Akademie für Bildende Künste, Hamburg. His paintings at this time used the sexual symbolism of advertising and investigated definitions of gender roles in the media. Richard Lindner died in 1978.

"Solitario / Solitaire", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 200 cm., 1973
The Ulla and Heiner Pietzsch Collection (Berlin, Alemania)

"Ace of Clubs", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 180 cm., 1973. Simona and Jerome Chazen 

"I-II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96 x 122 cm., 1962.
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. Smithsonian Institution (Washington D.C., USA)

"The artistic universe of Richard Lindner is unique: he is highly genuine, he is full of urban energy, and he is driven by weird eroticism... Richard Lindner started his career as an artist eventually at the age of 40 in New York. In this metropolitain jungle Lindner created his OEvre: exciting and powerful images of robot like figures, amazones and heroines, harlequinades of self-styled heroes- his artistic panorama of the unruly 60s and 70s of the 20th century" (sic) (Claus Clement quoted in: Richard Lindner - Paintings, Works on Paper, Graphic - Nuremberg 2001). One of Lindner's Paintings, "Boy With Machine," 1954, appears on the cover-leaf of Deleuze's Anti-Oedipus, and thus the image has formed part of many readers' introduction to Deleuze's later and more accessible philosophy.

"Sin título / Untitled", acuarela y lápiz sobre papel / watercolor and pencil on paper
59,1 x 53,3 cm., 1968. Colección privada.

Biographic information from the article about Lindner in Wikipedia. 
You can enjoy a good selection of works in Wikipaintings. Also a huge collection here.

"La pareja / The Couple", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 183 x 198 cm., 1971
Colección privada (Alemania)

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Arte perdido / Lost Art (IV)

September 16, 2013, 12:10 am
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Vincent Van Gogh

Según puede leerse en el apartado dedicado a obras perdidas en el sitio web vangoghgallery.com: 
"Pasados 120 años desde la muerte de Van Gogh y con alrededor de 2000 trabajos conocidos, es increíble que sólo se registran 6 obras como destruidas. Aunque algunos de sus trabajos tempranos fueron destruidos por el propio artista porque no cumplían con sus expectativas, hoy en día la mayoría de las obras de Van Gogh están cuidadosamente preservadas en museos y colecciones privadas. Los 6 destruidos lo fueron por incendios, varios de los cuales tuvieron lugar durante la Segunda Guerra Mundial." [1]

Texts in english at the end of the post, marked with [*] in each paragraph.

"Naturaleza muerta: Jarrón con cinco girasoles / Still Life: Vase with Five Sunflowers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, agosto, 1888.

La pintura fue trasladada desde Francia a Japón en el vapor correo Binna. El vapor partió el 21 de mayo de 1920 y llegó a Japón alrededor del 12 de diciembre del mismo año. A principios de 1921 la pintura apareció en la primera de las dos breves exposiciones en las cuales se la vio en Japón. Fue bien recibida por el público japonés, especialmente en la segunda muestra en Osaka, donde atrajo más atención que el resto de las obras exhibidas. Lo más extraño fue que el gran marco de la pintura tuvo un impacto decisivo en su destino. Durante ésta segunda exhibición en el Shinanobashi European Painting Institute, el marco inusualmente pesado hizo que la pintura se cayera de la pared. El marco se dañó, y Yamamoto estaba tan enfadado que ya nunca permitió que volviera a exhibirse. 
Texto traducido de aquí. [2]

Imagen de un catálogo donde puede verse a Koyata Yamamoto junto a la obra de Van Gogh
Image from a catalog with Koyata Yamamoto and Van Gogh's painting

Yamamoto estaba preocupado por los duros bombardeos de los últimos años de la Segunda Guerra mundial y pidió a un banco en Osaka que guardara la obra en sus sótanos. El banco lo rechazó ya que la delicada obra podría verse dañada por la humedad. Así que Yamamoto dejó la obra en su sitio habitual, en la pared de la sala de dibujo de su residencia en Uchide, distrito de Ashiya. En 1945 Ashiya fue objetivo de cuatro ataques aéreos del ejército estadounidense. En el último, 5-6 de agosto (al mismo tiempo que el ataque atómico a Hiroshima), murieron 89 personas y 2833 casas fueron parcial o completamente destruídas. La casa de Yamamoto ardió hasta los cimientos y la obra fue destruída. Se especula que el marco de la obra dificultó su traslado, y algunos piensan que fue motivo de la destrucción de la misma. Texto traducido de aquí. [3]

Fotografía / Photograph: Mushakoji Saneatsu Memorial Museum

En una nota del Daily Mail del 7 de Septiembre, podemos leer lo siguiente:
Ahora, 70 años después, un historiador del arte británico ha desenterrado una fotografía a color que muestra la obra en todo su esplendor.
La impresión, con sus vívidos amarillos, naranjas brillantes, verdes cítricos y fondo azul real, nos ofrece una rara visión de cómo puede haberse visto el original.
Martin Bailey se topó con ésta foto mientras investigaba un libro de la serie de los Girasoles. Además de preservar los colores originales, también muestra el inusual y pesado marco de madera especialmente escogido por el artista.
Mientras que la mayoría de los marcos de la época eran blancos, Van Gogh escogió uno naranja haciendo juego con el color de los girasoles. [4]
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"Carreta con muchacho y mujer de Scheveningen / Donkey Cart with Boy and Scheveningen Woman"
Dibujo a lápiz y pluma / drawing, pen, pencil, La Haya, Sept., 1882

Destruído en un incendio en 1940. Anteriormente había estado en Rotterdam / 
Destroyed by fire in 1940 (formerly in Rotterdam)

"Molino en Montmartre / Windmill on Montmartre"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, París, otoño / Autumn, 1886

Destruido en un incendio en 1967 / Destroyed by fire in 1967

"El jardín parroquial en Nuenen con estanque y figuras / 
The Parsonage Garden at Nuenen with Pond and Figures"
Óleo sobre panel / oil on panel, Nuenen: Nov., 1885

Destruido por los incendios de Rotterdam durante la Segunda Guerra Mundial / 
Destroyed by fire in Rotterdam during the Second World War

"El parque en Arles con la entrada vista a través de los árboles / 
The Park at Arles with the Entrance Seen through the Trees"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, Arles: Oct., 1888

Destruido por los incendios de Rotterdam durante la Segunda Guerra Mundial / 
Destroyed by fire in Rotterdam during the Second World War

"El pintor camino al trabajo / The Painter on His Way to Work"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, Arles, Jul., 1888

Destruído por el fuego durante la Segunda Guerra Mundial. Anteriormente en el Museo Kaiser-Friedrich, Magdeburg (Alemania)
Destroyed by fire in the Second World War; formerly in the Kaiser-Friedrich-Museum, Magdeburg (Germany)

Por último, ésta obra de la que nada se sabe desde antes de la Segunda Guerra.
Finally, this work of which nothing is known since before WWII.

"Los amantes: El jardín del poeta IV / The Lovers: The Poet's Garden IV"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75 x 92 cm., Arles, Oct., 1888

La obra fue confiscada por los nazis en 1937 considerada como "arte degenerado". No está claro si fue destruída.
Confiscated in 1937 by the Nazis as degenerate. It is not certain that this painting has been destroyed.

Más sobre Van Gogh en "El Hurgador" / More about Van Gogh in this blog:
[La Colección Bentaberry (I)], [Arte & Humor (III)]


Gustave Courbet

"Les Casseurs de pierres / Los picapedreros / The Stonebreakers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165 x 257 cm., 1849.

Ésta obra de Courbet fue destruida durante los bombardeos de Dresde en febrero de 1945, junto con otras 154 pinturas, cuando el vehículo que las transportaba al castillo de Kónigstein fue alcanzado por las bombas aliadas. Se exhibió por primera vez en el Salón de París en 1850.
Información de Wiki. [5]
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Encontré un interesante análisis de ésta obra en el cual podemos leer que la pintura representa:

"...una descripción precisa de los abusos y privaciones que eran una característica común de la vida rural francesa de mediados de siglo. Y como en otras grandes obras de arte, hay una asociación precisa entre la narrativa (la historia) y las elecciones formales que hizo el pintor; elementos como la pincelada, composición, línea y color.

Los dos picapedreros en la obra de Courbet están situados frente a una pequeña colina del tipo que eran comunes en el pueblo francés de Ornan, donde el artista se crió y pasó mucho tiempo. La colina alcanza el borde superior del lienzo en toda su extensión, salvo en la esquina superior derecha, donde aparece un pequeño trozo de cielo azul brillante. El efecto pretende aislar a los trabajadores, y sugerir que están física y socioeconómicamente atrapados por su trabajo.

Como las piedras mismas, la pincelada de Courbet es áspera, más de lo que podría esperarse a mediados del s.XIX. Ésto sugiere que la manera como el artista pintó el lienzo fue en parte un rechazo consciente al fino acabado y refinamiento del estilo Neoclasicista que aún dominaba Francia en 1848.

Quizá lo más característico del estilo de Courbet es su rechazo a centrarse en las partes de la imagen que normalmente reciben la mayor atención. Tradicionalmente, un artista podría detenerse en las manos, los rostros y primeros planos. Courbet no. Si se observa con cuidado, se nota que pretende ser imparcial, otorgando la misma atención a las manos que a las rocas." [6]

Texto traducido del que puede leerse completo (en inglés) aquí.

Más sobre Courbet en "El Hurgador" / More about Courbet in this blog:


Emil Nolde

Emil Nolde fue uno de los más destacados pintores expresionistas alemanes. Nacido en 1867, su verdadero nombre era Emil Hansen. Estuvo muy influido por Vincent van Gogh, Edvard Munch y James Ensor.
Perteneció al conocido movimiento "El Puente" (Die Brücke). Su crispado manejo del pincel, la utilización de colores vivos y estridentes y las figuras de rostros a modo de máscaras pretendían provocar en el espectador un shock visual y emocional.


El viaje que realizó a Nueva Guinea entre 1913 y 1914 hizo que cristalizara en él un gusto por el arte tribal, que incluía tremendas distorsiones de las formas, modelos planos y violentos contrastes de color.
En 1941 los nazis le prohibieron pintar. Durante ese tiempo pintó acuarelas que llamó ¨Pinturas no pintadas". [7]
Información biográfica de Wiki.
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En 1945, el personal de cocina del Hospital de Teupitz quemó varias obras de Nolde por orden de las tropas rusas. Éstas son algunas:
In 1945 the kitchen staff at the asylum in Teupitz burned several Nolde's works on the orders of Russian troops. These are some of it:

"Naturaleza muerta (tejido, cabeza y escultura) / Still Life (Woven Material, Head, and Sculpture)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,5 x 71 cm., 1913.

"El Pacha / The Pascha", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 86 cm., 1912.

"La vírgenes sabias y absurdas / The Wise and Foolish Virgins"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86 x 106 cm., 1910.
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"Desnudos amarillos / Yellow Nudes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 86 cm., 1912.

Destruído cuando la casa de Selma von der Heydt fue bombardeada durante la Segunda Guerra Mundial.
Destroyed when the the Selma von der Heydt house was bombed during World War II.

"Masculino y femenino / Male and Female", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 88 cm., 1912

Ésta obra fue legada al Museo Folkwang de Essen, y confiscada por los nazis en 1937 como degenerada. Se exhibió en la Entartete Kunst (exposición de arte degenerado), celebrada en Munich en 1937, y pasó a manos de Hildebrand Gurlitt en 1941. Su destrucción no está documentada, pero permanece en paradero desconcido desde entonces. [8]


Antoine Watteau

Jean-Antoine Watteau (Valenciennes; 10 de octubre de 1684 - Nogent-sur-Marne; 18 de julio de 1721) fue un pintor francés, uno de los grandes genios del último barroco francés y del primer rococó. Se le atribuye la creación del género de las fêtes galantes: escenas de cortejo amoroso y diversiones, con un encanto idílico y bucólico, bañadas en un aire de teatralidad. Algunos de sus temas más conocidos se inspiraron en el mundo de la comedia italiana o el ballet. Información de Wiki. [9]

Alrededor de 1716 pintó una serie de imágenes representando las estaciones para Pierre Crozatl. De ellas hoy sólo queda una, "Verano". "Primavera" fue redescubierta en 1964... y destruída por el fuego tan sólo dos años después. [10]

"Primavera / Spring", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 119 × 98 cm., c.1716

No menos extraña es la suerte que se presume corrió la obra "Les deux hommes / Dos hombres", un dibujo al carboncillo de Watteau. Stéphane Breitwieser pasó siete años de su vida robando obras de arte de 172 museos en 5 países europeos. Casi todo lo que robó fue destruido por su madre que montó en cólera (o simplemente intentó destruir pruebas) al enterarse de que su hijo había sido detenido en 2002 en Suiza. Entre lo destruido se cuentan más de 60 obras de maestros tales como Boucher, Cranach, Watteau y Breughel, que fue recortando y tirando.
La noticia puede leerse completa (en inglés) aquí. Más información en Wiki.

No me fue posible encontrar una imagen de la obra perdida, pero podría ser similar a ésta:
I was unable to find a picture of the lost work, but could be similar to this:

"Dos hombres de pie / Two Men Standing", sanguina sobre papel / red chalk on laid paper
17,7 x 18,9 cm., c. 1717. National Gallery of Canada.

Fuentes de las imágenes / Images sources:
Van Gogh: vangoghgallery.com
Courbet & Nolde: Sterling and Francine Clark Art Institute Library, The Clark’s digital collections.
Watteau: Imágenes de aquí y aquí.


English translations

[1]
As we can read in the section about lost arworks, in the vangoghgallery.com website:
"In over 120 years since Van Gogh’s death and among his over 2,000 known works, it is incredible that only six works have been recorded as destroyed. Although some of his earliest works were destroyed by the artist himself because they did not meet with his expectations, today the majority of Van Gogh’s works are carefully preserved in museums and private collections. All of the six of the destroyed works were destroyed in fires many of which took place during World War II."

[2]
The sunflower painting was shipped from France to Japan on the mail steamer Binna. The steamer departed on 21 May 1920 and arrived in Japan later that year sometime around 12 December. Early in 1921 the painting appeared in the first of only two brief exhibitions in which it would be displayed in Japan. The painting was well received by the Japanese public, especially at the second exhibition in Osaka where it attracted more attention than the many other works on display. Strangely enough, it was the painting's large frame that had a profound impact on its fate. During the Shinanobashi exhibition the unusually heavy frame caused the painting to fall from the wall. The frame was damaged and Yamamoto was so outraged that he never allowed it to be exhibited again. Sadly, the same frame may have had a role to play in the painting's tragic fate. Text from here.

[3]
Yamamoto was worried about the heavy bombing in the last years of World War II and asked a bank in Osaka to store the Van Gogh sunflowers painting in its basement. The bank refused on the grounds that the delicate work would be damaged by the basement's humidity. So Yamamoto kept the painting in its usual place on the drawing-room wall of his residence in the Uchide district of Ashiya. In 1945 Ashiya was subject to four air raids by the American military: on 11 May, 5 June, 15 June and finally on 5-6 August. In this final air raid (occurring at the same time as the atomic bombing in Hiroshima), 89 people were killed and 2,833 homes were completely or partly destroyed. Yamamoto's house burned to the ground and Van Gogh's Still Life: Vase with Five Sunflowers was destroyed. There is speculation that the painting's heavy frame may have made it too difficult to move and some believe that this was instrumental in the work's destruction. Text from here.

[4]
Now, almost 70 years later, a British art historian has unearthed a colour photograph which reveals the work in all its glory.
Self portrait of Vincent van Gogh, 1887.
Tortured: A self-portrait of Van Gogh
The print — with its vivid yellows, glowing oranges, citrus greens and royal blue background — gives us a rare glimpse of what the original might have looked like.
Art historian Martin Bailey stumbled on the photo while researching a book on the Sunflower series. As well as preserving Van Gogh’s original bold colours, it also shows the unusual, heavy, timber frame that was specially chosen by the artist.
While most picture frames at the time were white, Van Gogh chose an orange one to play against the orange of the sunflowers.

[5]
This Courbet's work was destroyed in the Bombing of Dresden along with 154 other pictures, when a transport vehicle moving the pictures to the castle of Königstein, near Dresden, was bombed by Allied forces in February 1945. The painting was first exhibited at the Paris Salon of 1850. Info from Wiki.

[6]
I found an interesting analysis of this arwork in which we can read that the painting represents:

"...an accurate account of the abuse and deprivation that was a common feature of mid-century French rural life. And as with so many great works of art, there is a close affiliation between the narrative (story)and the formal choices made by the painter, meaning elements such as brushwork, composition, line, and color.

The two stone breakers in Courbet's painting are set against a low hill of the sort common in the rural French town of Ornan, where the artist had been raised and continued to spend a much of his time. The hill reaches to the top of the canvas everywhere but the upper right corner, where a tiny patch of bright blue sky appears. The effect is to isolate these laborers, and to suggest that they are physically and socio-economically trapped by their work.

Like the stones themselves, Courbet's brushwork is rough—more so than might be expected during the mid-nineteenth century. This suggests that the way the artist painted his canvas was in part a conscious rejection of the highly polished, refined Neoclassicist style that still dominatedFrench art in 1848.

Perhaps most characteristic of Courbet's style is his refusal to focus on the parts of the image that would usually receive the most attention. Traditionally, an artist would spent the most time on the hands, faces, and foregrounds. Not Courbet. If you look carefully, you will notice that he attempts to be even-handed, attending to faces and rock equally." Full text here.

[7]
Emil Nolde was one of the most prominent German Expressionist painters. Born in 1867, his real name was Emil Hansen. He was very influenced by Vincent van Gogh, Edvard Munch and James Ensor.
Belonged to the Movement known as "The Bridge" (Die Brücke). His contorted brushwork, the use of bright and garish colors and faces like masks way intended to provoke in the viewer a visual and emotional shock.
The trip he took to New Guinea between 1913 and 1914 made ​​it crystallized in him a love of tribal art, which included tremendous distortions of form, flat models and violent contrasts of color.
In 1941 the Nazis banned him paint. During that time he painted watercolors called "Unpainted Paintings".
Info from Wiki:

[8]
This work was bequeathed to the Museum Folkwang Essen, and confiscated by Nazis in 1937 as degenerate. It was exhibited in the Entartete Kunst exhibition of degenerate art held in Munich in 1937, and passed on commission to Gurlitt in 1941. The destruction of this work has not been documented. It's location has been unknown since then.

[9]
Jean-Antoine Watteau (October 10, 1684 - July 18, 1721) was a French painter whose brief career spurred the revival of interest in colour and movement (in the tradition of Correggio and Rubens). He revitalized the waning Baroque style, and indeed moved it to the less severe, more naturalistic, less formally classical Rococo.
Watteau is credited with inventing the genre of fêtes galantes: scenes of bucolic and idyllic charm, suffused with an air of theatricality. Some of his best known subjects were drawn from the world of Italian comedy and ballet. Info from Wiki.

[10]
Around 1716 he painted a series of pictures depicting the seasons for Pierre Crozatl. Of these only one remains today, "Summer". "Spring" was rediscovered in 1964 ... and destroyed by fire just two years later.

[11]
No less strange is the presumed fate of the work "Les deux hommes / Two men", a chalk drawing by Watteau. Stéphane Breitwieser spent seven years of his life stealing 172 artworks from museums in 5 European countries. Almost everything he stole was destroyed by his mother who was furious -or simply destroy evidence- when his was arrested in 2002 in Switzerland. Among the destroyed are more than 60 works by masters such as Boucher, Cranach, Breughel and Watteau; the mother was cutting and throwing away the paintings.
You can read the full story here. More information in Wiki.

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Martin Wittfooth [Pintura]

September 17, 2013, 8:23 am
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Martin Wittfooth

Martin junto a su obra / Martin with his work
"La coronación / The Coronation", óleo sobre panel / oil on panel, 48" x 36", 2011. Colección privada.

Martin Wittfooth es un artista canadiense nacido en Toronto en 1981 que obtuvo su Bachiller en Ilustración en el Sheridan College en 2003. 
Actualmente vive y trabaja como ilustrador y artista plástico en New York City, donde ha obtenido un Master en la Escuela de Artes Visuales.
Sus obras resultan visualmente impactantes. Martin utiliza los animales como metáforas en las que podemos vernos reflejados, representados en situaciones que resultan una traslación de la visión del autor de la compleja realidad que nos toca vivir.

"Nocturno II / Nocturne II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46" x 57", 2013. Colección privada.

"Occupy", óleo sobre lino / oil on linen, 73" x 100", 2012. Colección privada.

"En el pasado mi trabajo manejaba algunos elementos distópicos como una especie de respuesta visual a la era incómoda en la que nos encontramos, afectada por un clima impredecible, tensiones políticas y sociales, persistencia de dogmas religiosos y así sucesivamente. Ahí está ese viejo dicho, "usted podría estar condenado a vivir en tiempos interesantes." Siento que hay una gran cantidad de cosas "interesantes" a las que responder y procesar a través del arte en éste momento, como también las ha habido en incontables décadas anteriores. La nuestra tan sólo tiene su propio conjunto de problemas idiosincráticos. Me interesa abordar mi trabajo como alegorías visuales de tópicos contemporáneos; una forma de procesar mis propias ideas acerca del mundo tal como es hoy en día y hacia dónde puede dirigirse." M.W.

Parte de una entrevista realizada por Lori Zimmer en Marzo de 2013 que puede leerse completa (en inglés) aquí:

"Nocturno / Nocturne", óleo sobre lino / oil on linen, 72" x 48", 2013. Colección privada.

"Nocturno / Nocturne" (detalle / detail)

"Escucho montones de podcasts y audiolibros mientras trabajo, y eso me ayuda a evocar tópicos que quiero tratar en mis pinturas, así como conversaciones con amigos, fundamentalmente otros artistas, músicos y autores. Para las pinturas en sí obtengo inspiración de todas partes, a menudo (aunque no limitado a) pinturas clásicas que veo en el Metropolitan, la colección Frick, el Museo de Brooklyn, en libros y demás. El Museo de Historia Natural en la parte alta del West Side ha sido también una fuente de ideas, y algunos elementos de varios dioramas que tienen en exhibición han aparecido fugazmente en mi obra. 
También trato de darme una vuelta por la galería de Chelsea una vez al mes porque tiendo a tropezar siempre inesperadamente con alguna que otra muestra de la cual me traigo algún souvenir de inspiración de regreso a mi estudio." M.W.

Parte de una entrevista realizada por Lori Zimmer en Marzo de 2013 que puede leerse completa (en inglés) aquí:

"El patio del diablo / The Devil's Playground", óleo sobre panel / oil on panel, 48" x 36", 2010. 
Colección privada.

"Sinfonía / Symphony", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80" x 70", 2011. Colección privada.

P: Tu obra refleja un mundo creado por el hombre, pero totalmente vacío de formas humanas. ¿Por qué has escogido excluir a la gente de tus pinturas?

R: Me he preguntado mucho por ésto. Creo que la manera más simple de explicarlo es que creando alegorías con protagonistas animales hablo un lenguaje simbólico que resulta universal. Hay connotaciones inherentes en varias formas animales las cuales entendemos a cierto nivel y a las cuales respondemos en términos amplios e instintivos. Ésto permite a esas figuras sugerir temas e ideas que competen a nuestra condición humana. En cierto sentido busco presentar retratos de nosotros mismos en esas piezas, aún cuando no está presente un "yo" o un "nosotros" reconocible. Algo que he tratado de evitar desde el principio es la proyección de un "agente" humano en mi obra. A veces siento que las obras que presentan figuras humanas están contando la historia de otro, que sea cual sea la escena que contemplamos está siendo actuada por otro individuo o grupo. Intento ubiar a mi audiencia en el asiento del acompañante para que se sienta inmersa en (y colectivamente responsable de) las escenas que presento y que algún aspecto de nosotros mismo se vea reflejado retornando a nosotros.

Parte de una entrevista realizada por Lori Zimmer en Marzo de 2013 que puede leerse completa (en inglés) aquí:

"Sebastian", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48"x 72", 2011. Colección privada.

"Drenaje / Drain", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 40", 2012. 
Colección de / Collection of Allan Johansson.

Se puede disfrutar de la obra de éste excelente artista en su sitio web y en su facebook.

"Fuente / Fountain", óleo sobre lino / oil on linen, 56" x 42", 2011. Colección privada.

"La adoración del cordero místico / The Adoration of the Mystic Lamb"
Tríptico / tryptich, óleo sobre lino y lienzo / oil on linen and canvas, 80" x 120", 2013. 
Colaboración con / Collaboration with Jean Labourdette (*). Colección privada.

(*) El artista parisino Jean “Turf One” Labourdette tiene una especie de fascinación con los enanos de aspecto victoriano con vello facial de dandy deportista, los iconos rusos, cosas muertas de todo tipo, actores secundarios de carnaval y escenarios de teatro de mala muerte infestados de insectos. Técnicamente, sus pinturas son una reminiscencia de los primitivos flamencos del siglo 15.

(*) Parisian artist Jean Labourdette aka Turf One is somewhat obsessed with Victorian-looking midgets sporting dandy facial hair, Russian icons, dead things of all sorts, carnival sideshows and seedy vermin-infested theatre stages. Technically, his paintings are reminiscent of the 15th century Flemish Primitives.

"El sacrificio / The Sacrifice", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64" x 50", 2011. Colección privada.

Martin Wittfooth is a Canadian artist born in Toronto in 1981. He earned his BAA in Illustration from Sheridan College in 2003. He currently lives and works as an illustrator and fine artist in New York City, where he earned his MFA at the School of Visual Arts. 
His works are visually stunning. Martin uses animals as metaphors in which we see ourselves represented in situations that are a translation of the author's vision of the complex reality in which we live.

"Tierra roja / Red Soil", óleo sobre panel / oil on panel, 36" x 24", 2010. 
Colección de / Collection of Dio Sumagaysay

"In the past my work has envisioned some dystopian settings as a kind of visual response to the uneasy era we find ourselves in: one plagued by an unpredictable climate, political and societal tensions, persistence of religious dogmas, and so forth. There’s that old saying, “may you be cursed to live in interesting times.” I feel like there’s a wealth of “interesting” things to respond to and process through art right now — as there have been in countless previous decades as well; ours just happens to have its own set of idiosyncratic issues. I’m interested in approaching my work as visual allegories of contemporary topics — a way for me to personally process ideas about our world as it currently is, and where it might be headed." M.W.

Excerpt from an interview by Lori Zimmer in March, 2013 you can fully read here.

"Nuevos soles / New Suns", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 36", 2010. Colección privada.

"Piedad II / Pieta II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 64", 2013. 
Colección de / Collection of Jillian Salik.

Izq./Left: "Primavera / Spring", óleo sobre panel / oil on panel, 36" x 24", 2010. 
Colección de / Collection of Dan O'Neill
Der./Right: "El pescador ciego / The Blind Fisherman", óleo sobre panel / oil on panel, 18" x 24", 2009.
Colección privada.

"I listen to a lot of podcasts and audiobooks as I work, and they help to conjure up topics that I want to address in my paintings, as do conversations with friends, primarily other artists, musicians, and authors. As for the paintings themselves, I get inspiration from all over — most often but not limited to classical paintings that I see at the Met, the Frick Collection, the Brooklyn Museum, in books, and so on. The Museum of Natural History on the Upper West Side has been a wellspring of ideas as well, and some elements in the various dioramas they have on display there have made cameos in my work. I try and get out to do the Chelsea gallery rounds once a month, too, because I tend to always unexpectedly stumble into one show or another that has some souvenir of inspiration to bring back to my studio." M.W.

Excerpt from an interview by Lori Zimmer in March, 2013 you can fully read here.

"Un día sin tren / A Day Without Train", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 24", 2008. 
Colección de / Collection of Rick Petry

Q: Your work depicts a world created by mankind, but totally avoids the human form. Why did you choose to exclude people from your paintings?

A: I get asked this a lot. I think the simplest way of putting it is that by creating allegories with animal protagonists I speak with a symbolic vocabulary that is rather universal. There are inherent connotations in various animal forms that we all on some level understand and respond to in broad, instinctive terms. This allows for these figures to suggest themes and ideas that pertain to our — the human — condition: in a sense I aim to present portraits of ourselves in these pieces, even though a recognizable “I” or “we” are not present. Something I set out to avoid from the beginning is the projection of a human “agent” in my work: I often feel that works that feature human figures are telling someone else’s story, that whatever scene we’re witnessing is being acted out by another individual or group. I’m attempting to place my audience in the passenger seat, to feel immersed in (and collectively responsible for) the scenes I present and to see some aspect of ourselves reflected back at us.

Excerpt from an interview by Lori Zimmer in March, 2013 you can fully read here.

"Pasaje / Passage", óleo sobre lienzo / oil on canvas,  54" x 56", 2012. Colección privada.

"Cosecha / Harvest", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68" x 54", 2012. Colección privada.

"«Harvest (Cosecha)» hace referencia al confuso y embrollado estado de la guerra contra las drogas en la que nuestro imperio se haya envuelto en países extranjeros. Me topé con una fotografía de un soldado estadounidense vigilando un campo de amapolas en algún lugar de Afghanistán, lo cual naturalmente plantea cuestiones acerca de los motivos e intereses de occidente respecto a esa industria. El oso polar en éste caso está completamente fuera de su elemento natural y el la imagen habitual que tenemos del oso con sus garras cubiertas de miel atrayendo abejas se ha reemplazado por una plaga de moscas negras, simbolizando la corrupción y las responsabilidades compartidas / culpas." M.W.
Parte de una entrevista realizada por ........... en Septiembre de 2012 que puede leerse completa (en inglés) aquí.

"«Harvest» makes reference to the confused and muddled state of the war on drugs that our empire involves itself in foreign countries. I came across a photograph of a US soldier standing guard over an opium poppy field somewhere in Afghanistan, which naturally raises eyebrows and questions as to the West’s motives and interests in regard to this industry. The polar bear in this instance is entirely out of his natural element, and the customary visual we have of the bear whose honey-covered paws have attracted bees is replaced by a plague of black flies, symbolizing corruption, and shared responsibilities/blame." M.W.
Excerpt from an interview by ....... in September, 2012 you can fully read here.

"Emisario / Emissary", óleo sobre panel / oil on panel, 14" x 11", 2009. Colección privada.

You can enjoy more art by this great artist in his website and also in his facebook.
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"Golod", óleo sobre lino, oil on linen, 63,5" x 63,5", 2012. Colección privada.

Ya había publicado anteriormente una imagen de ésta obra como referencia en el post sobre Lauren Marx, pero me gusta muchísimo y no puedo evitar incluirla en ésta selección...

Martin junto a su obra / Martin with his work  "Golod"

I had previously published an image of this work as a reference in the post about Lauren Marx, but I like very much and I can't avoid to include it in this selection ...
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"Combate / Bout", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 50". Colección privada.

La visión de ésta obra me hizo recordar la primera fotografía que tomé de la cual me sentí especialmente orgulloso. Fue en 1978 (con 15 añitos) en el Zoo de la Casa de Campo de Madrid. Tiene el mérito de que por aquél entonces había que hacer mucha economía de medios; los rollos y los revelados costaban lo suyo y no se podía disparar indiscriminadamente. La cámara era muy rudimentaria y al final sólo fue cuestión de suerte captar ese momento. Me gustaría compartirla aquí con ustedes. La imagen, como siempre, puede utilizarse libremente tan sólo citando la fuente.

Madrid, Zoo de la Casa de Campo, 1978. Fotografía: Javier Fuentes.

The vision of this work made ​​me remember the first photograph I took of which I was particularly proud. It was in 1978 (15 years old) in the Zoo de la Casa de Campo in Madrid. It has the merit of that at that time had to do a lot of economy of means, the reels and develop it was not very cheap and could not shoot indiscriminately. The camera was very rudimentary and in the end was only a matter of luck to capture that moment. I would like to share it here. The image, as always, can be used freely just by quoting the source.

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Martin!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Martin!)



Aquí un par de videos para conocer un poco mejor a Martin. En el primero el artista comenta con su amigo Adam Miller su obra "Nocturno / Nocturne" durante la muestra "Nocturnes: Romancing the Night" en The National Arts Club, New York City 2013. El segundo es un time lapse durante la creación de su obra "Piedad II / Pieta II". Espero que los disfruten.

Here a couple of videos to know Martin a little bit better. In the first one, the artist talks about his work "Nocturne" with a fellow artist Adam Miller at the National Arts Club on January 17, 2013. The theme of the event was Nocturnes: Romancing the Night. The second one is a time-lapse video during creation of the painting "Pieta II". Hope you enjoy it.

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Arte y videos (II)

September 18, 2013, 12:30 am
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Adonna Khare
En las nubes / In the Clouds

Adonna Khare es una artista cuyos dibujos hacen "que sea fácil de abandonar el mundo que te rodea y profundizar en su desconcertante mundo de osos, antílopes, chimpancés, conejos y mariposas. Fondos llenos de tornados, torbellinos, cascadas y nubes de tormenta que representan la imprevisibilidad de la vida, el cambio de la constante evolución, y lo desconocido."

Adonna Khare

En éste video de Lora Schlesinger Gallery realizado por Eric Minh Swenson con música de Hollywood Combovers podemos ver a Adonna trabajando en la preparación de su muestra de julio de 2013 mientras nos cuenta los cambios que ha sufrido su vida desde que ganó el Public Award at ArtPrize2012.
Puedes ver más trabajos de ésta notable artista en los posts previos.


Adonna Khare is an artist whose drawings "make it easy to abandon the world around you and delve into her mystifying world of Bears, Antelopes, Chimp, Bunnies and Butterflies. Backgrounds filled with tornadoes, whirlpools, waterfalls and storm clouds represent life's unpredictability, ever-evolving change, and the unknown."

In this Lora Schlesinger Gallery's film by Eric Minh Swenson with music by Hollywood Combovers you can see Adonna working on preparing her July 2013 show while she tells us about the changes in her life since winning the Public Award at ArtPrize2012.
You can see the work of this remarkable artist and get more information in the previous posts.

Más sobre Adonna Khare en "El Hurgador" / More about Adonna Khare in this blog:
[Adonna Khare (Dibujo)], [Rinocerontes (XXXV)]

Sitio web de Adonna Khare. Su facebook. / Adonna Kare's website. Su facebook.



Jamie Salmon
Cómo se hizo "Sumo" / The Making of "Sumo"

Jamie Salmon trabajando en "Chris"
Silicona, pigmentos, acrílico y pelo / silicone, pigment, acrylic and hair, 89 x 48 x 100 cm., 2007
MEFIC collection, Portugal

Jamie Salmon es un escultor autodidacta británico contemporáneo que vive y trabaja en Vancouver (Canadá). Comenzó su carrera trabajando como artista comercial y escultor para la industria de los efectos especiales para cine. Se especializa en escultura hiperrealista, tanto figurativa como retratos, utilizando materiales tales como silicona, caucho, resina, pelo y telas.
En éste video podemos ver el trabajo involucrado en la creación de su escultura "Sumo".


Jamie Salmon is a British born, self taught contemporary sculptor, living and working in Vancouver, Canada. He started his career working as a commercial artist and sculptor for the movie effects industry. He specialises in hyper-realist sculpture, both figurative and portrait, utilising such materials as silicone rubber, resin, hair and fabric.
In this video we can see the work involved in the creation of his sculpture "Sumo".

Más información sobre Jamie Salmon aquí / More info about Jamie Salmon here.


Anthony Cerniello
"Danielle"

Anthony Cerniello es un editor de video comercial que trabaja principalmente con videos musicales y comerciales de televisión en la ciudad de Los Angeles.
En éste trabajo podemos ver un video time-lapse que registra los cambios casi imperceptibles involucrados en el proceso de envejecimiento.

Anthony Cerniello

Según podemos leer en Colossal: "Cerniello viajó a la reunión de familia de su amiga Danielle y con el fotógrafo Keith Sirchio tomó fotografías desde sus primos más jóvenes hasta sus familiares más viejos con una cámara Hasselblad de formato medio. Entonces comenzó el proceso de escanear cada foto con un escáner de tambor en New York y a partir de ahí editó cuidadosamente las fotos para seleccionar los miembros de la familia con mayores similitudes en su estructura corporal. Luego convocó a los animadores Nathan Meier y Edmund Earle que trabajaron con After Effects y 3D Studio Max para transformar y animar las fotografías de la manera más realista posible. Por último el artista George Cuddy trabajó con Nuke (una especie de software para efectos especiales en 3D) para pulir algunos pequeños detalles como los ojos y el cabello."



Anthony Cerniello normally edits commercials and music videos for the likes of 30 Seconds to Mars and Kings of Leon, you can see much more of his work over on his website.
In this work we can see a time-lapse video that records almost imperceptible changes involved in the aging process.

As we can read in Colossal: "Cerniello traveled to his friend Danielle’s family reunion and with still photographer Keith Sirchio shot portraits of her youngest cousins through to her oldest relatives with a Hasselblad medium format camera. Then began the process of scanning each photo with a drum scanner at the U.N. in New York, at which point he carefully edited the photos to select the family members that had the most similar bone structure. Next he brought on animators Nathan Meier and Edmund Earle who worked in After Effects and 3D Studio Max to morph and animate the still photos to make them lifelike as possible. Finally, Nuke (a kind of 3D visual effects software) artist George Cuddy was brought on to smooth out some small details like the eyes and hair."

Más sobre Anthony en su sitio web / More about Anthony in his website.



Pablo Morales de los Ríos
Historia de la música / History of Music

Pablo Morales de los Rios es un pintor, escritor, caricaturista y cineasta español nacido en Las Palmas de Gran Canaria y residente en Madrid.

Pablo Morales de los Rios

Pronto publicaré un par de posts con imágenes e información acerca de su obra. Por el momento, éste fantástico video en el cual el artista nos pasea con su pluma por la "vida del arte musical occidental desde los inicios de la Humanidad hasta nuestra era, pasando rápidamente por la música antigua, la clásica, el jazz, el blues, el rock, el metal o la electrónica."
El desarrollo del corto es notable, y la imagen final absolutamente genial.


Pablo Morales de los Rios is a Spanish painter, writer, cartoonist and filmmaker born in Las Palmas de Gran Canaria and based in Madrid.
Soon I'll publish a couple of posts with images and information about his work. By now, this amazing video in which the artist takes us through the "life of Western Music from the beginnings of humanity to our era, moving quickly in early music, classical, jazz, blues, rock, metal or electronic."
The development of the video is remarkable, and the final image absolutely great.

Gracias a Olga que tuvo la gentileza de remitirme ésta joyita.
Thanks to Olga who was kind enough to refer this gem.

Sitio web del artista aquí / Artist's website here.


Juan Fontanive
Máquinas de animar libros / Flip book machines

Juan Fontanive creció trepando los puentes de hierro oxidado de Cleveland. Mientras que en el Royal College of Art, Londres, insufló espíritus en los relojes victorianos. En la actualidad, su estudio se encuentra en una ruidosa fábrica en Bushwick, NYC.


Hace sus películas sin necesidad de utilizar la luz, a menudo reciclando los componentes mecánicos de relojes y bicicletas recuperados a modo de recipientes portátiles de sus "animaciones", su interés radica en la belleza del movimiento secuencial y repetitivo. Personajes dibujados a mano, humanos y tipográficos, se suceden en un mecanismo para pasar páginas de libros impulsado por el óxido. Las páginas caen en capas ordenadas como si fuera una fuente de papel, en algún punto entre el cine y la escultura; no hay "pantalla" como tal. (Tot Taylor, Galería Riflemaker)

Ornitología / Ornithology
Collage en Asuka y papel de acuarela, acero inoxidable, motor y electrónica.
Graphite and colored pencil on paper, stainless steel, Delrin, motor, electronics
12,7 x 9,4 x 10,1 cm., 2013


Ornithology, 2013 flip book machine from Juan Fontanive on Vimeo.

Juan Fontanive grew up climbing the rusted iron bridges of Cleveland. While at the Royal College of Art, London, he breathed spirits into Victorian clocks. Currently, his studio is in a buzzing factory in Bushwick, NYC.
Juan Fontanive makes films without using light. Often recycling the mechanical parts of found clocks and pushbikes as the portable containers of his 'animations', his interest lies in the beauty of sequential and repetitive movement. Hand drawn characters, human and typographical, occur in a cranky flip-book module powered by oxide. Pages fall in neat layers in the manner of a paper fountain, somewhere between film and sculpture - there is no 'screen' as such. (Tot Taylor, Riflemaker Gallery)

Colibrí / Colibri
Grafito y lápiz de colores sobre papel, acero inoxidable, Delrin, motor, electrónica.
Collage on Asuka and watercolor paper, stainless steel, motor and electronics
10 x 10 x 12,7 cm., 2011


Colibri from Juan Fontanive on Vimeo.

Descubrí el trabajo de éste artista gracias al siempre interesante blog de Mafa Alborés "La Voz del Animal Invisible". Aprovecho para volver a recomendarlo.
I discovered the work of this artist thanks to the always interesting Mafa Albores' blog  "La Voz del Animal Invisible / The Voice of the Invisible Animal". I take this opportunity to re-recommend it.

El lago / The Lake
Óleo sobre papel de acuarela, piezas de reloj, latón, acero, cables, motor, 2006
Oil on watercolor paper, clock parts, brass, steel, wire, motor, 2006


The Lake from Juan Fontanive on Vimeo.

Página web del artista aquí. Su facebook. / Artist's website here. His facebook.

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Jennifer Maestre [Escultura con lápices]

September 18, 2013, 11:52 pm
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Quizá muchos de ustedes conozcan el vistoso y original trabajo de Jennifer, pero creo que merece un espacio en la colección de artistas de "El Hurgador", así que aquí les dejo una selección de sus creaciones y un breve apunte sobre su vida y obra.

Perhaps many of you already know the colorful and original work of Jennifer, but I think it deserves a place in the collection of artists from "El Hurgador", so here you have a selection of her creations and a brief note on his life and work.

Jennifer Maestre

Jennifer Maestre en su estudio / in her study. Fotografía de aquí / Photograph from here.

Jennifer Maestre nació en Johanesburgo (Sudáfrica). Durante su niñez, su familia viajó y vivió en varios países. Se graduó en el Wellesley College y obtuvo una licenciatura en Bella Artes (BFA) del Massachusetts College of Art.
Actualmente vive en una pequeña ciudad de Massachusetts, en EE. UU. Su estudio queda cerca de su casa, en un viejo edificio de escuela.
Jennifer comenzó a realizar sus esculturas con lápices en 1999. Aunque también trabaja con otros materiales (clavos por ejemplo), es su trabajo con lápices lo que le ha dado reconocimiento internacional.

"Cycad B"

"Imp", 10,5" x 7,5" x 6"

"Mis esculturas se inspiraron originalmente en la forma y función del erizo de mar. Las espinas del erizo de mar, tan peligrosas como bellas, sirven como una advertencia explícita ante el contacto. La seductora textura de las espinas invita al contacto a pesar de las posibles consecuencias. La tensión desvelada, sentimos la pulsión de tirar y empujar, deseo y repulsión. Las secciones de lápices presentan aspectos de dureza y suavidad para dos muy diferentes experiencias texturales y estéticas. La paradoja y la sorpresa son esenciales en mi elección de los materiales. Cantidad de objetos de manufactura industrial son utilizados para crear formas flexibles que evocan formas orgánicas de animales y naturaleza. Los lápices son objetos comunes; aquí éstos objetos anónimos se convierten en estructura. Hay una auténtica fragilidad en el a veces brutal aspecto de las esculturas; vulnerabilidad que se contradice por una textura temible." J.M.

Izq./ Left: "Chimera", 21" x 12" x 12" - Der./ Right: "3 to 1 Twist", 17" x 10" x 10"

"Aurora", 7" x 7" x 17". Colección privada

"Aurora", detalle / detail

"Para hacer las esculturas tomo cientos de lápices, los corto en secciones de 1 pulgada, perforo un agujero en cada sección (para convertirlos en abalorios), los afilo todos y los coso juntos. La técnica de que utilizo en la mayoría es la puntada peyote. Me inspiro en los animales, plantas, Ernst Haeckel, Odilon Redon, la mitología. De hecho no es fácil especificar una fuente de inspiración concreta. A veces una escultura inspira la próxima, o a veces cometo un error y eso me conduce en una nueva dirección." J. M.

"Ibentina"

"Asteridae", 5" x 24" x 24". Colección privada.

Los textos están tomados de la declaración artística de Jennifer que puede leerse completa (en inglés) aquí.
Hay también un breve apunte en Wiki. Se puede disfrutar de su trabajo en su sitio web.

"Kraken"

Jennifer Maestre was born in Johannesburg, South Africa. As a child, her family lived in, and traveled to, many different countries. She graduated from Wellesley College and received a Bachelor of Fine Arts (BFA) from the Massachusetts College of Art.
Currently lives in a small town in Massachusetts, in the U.S.. UU. Her study is close to his home in an old school building.
Jennifer began to make his sculptures with pencils in 1999. She also works with other materials (nails for example), but it is her pencil work which has given international recognition.

Izq./ Left: "Star Gazer" - Der./ Right: "Wet Feet"

"Threnody"

"My sculptures were originally inspired by the form and function of the sea urchin. The spines of the urchin, so dangerous yet beautiful, serve as an explicit warning against contact. The alluring texture of the spines draws the touch in spite of the possible consequences. The tension unveiled, we feel push and pull, desire and repulsion. The sections of pencils present aspects of sharp and smooth for two very different textural and aesthetic experiences. Paradox and surprise are integral in my choice of materials. Quantities of industrially manufactured objects are used to create flexible forms reminiscent of the organic shapes of animals and nature. Pencils are common objects, here, these anonymous objects become the structure. There is true a fragility to the sometimes brutal aspect of the sculptures, vulnerability that is belied by the fearsome texture." J.M.

Detalle de una de sus obras / Detail of one work. 
Fotografía de / Photography by Jeanine Williams (flickr)

"Materialize", 19" x 10" x 10"

"Basilisk"

"To make the pencil sculptures, I take hundreds of pencils, cut them into 1-inch sections, drill a hole in each section (to turn them into beads), sharpen them all and sew them together. The beading technique I rely on most is peyote stitch.
I’m inspired by animals, plants, other art, Ernst Haeckel, Odilon Redon, mythology. In fact, it isn’t easy to specify particular sources of inspiration. Sometimes one sculpture will inspire the next, or maybe I’ll make a mistake, and that will send me off in a new direction." J.M.

"Luna", 8" x 11" x 11"

"Seethe", 9" x 13" x 14"

Texts are taken from Jennifer's artistic statement you can fully read here.
Is there also a brief biographic note in Wiki. You can enjoy more samples of her work in Jennifer's website.

"Flex", dimensiones variables

Imágenes publicadas con permiso de la artista (¡Muchas gracias, Jennifer!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Jennifer!)


Aquí un vídeo de Jennifer trabajando / Here a video of Jennifer at work


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Pablo Morales de los Ríos [Caricaturas]

September 19, 2013, 11:19 pm
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Pablo Morales de los Ríos
Caricaturas / Caricatures

Pablo en un "Autorretrato de principios del siglo XX / Self-portrait of the early 20th Century"

Pablo Ruiz Morales de los Rios es un artista nacido en Las Palmas de Gran Canaria (Islas Canarias, España) en 1979.
Lo ha hecho prácticamente todo en el mundo del arte y afines: historietas, caricaturas, pintura, literatura, cine, guiones, teatro, decoración, música... 
Su talento para el dibujo le viene desde la infancia. Empieza a estudiar en Las Palmas en la Escuela de Artes y Oficios. La necesidad de un cambio de aires le llevan finalmente a Madrid en 1997, donde ingresa en Bachillerato Artístico.
 Marc Chagall, 2003 © Pablo Morales de los Ríos
  René Magritte, 2002 © Pablo Morales de los Ríos
Paul Gauguin, 2002 © Pablo Morales de los Ríos

Hizo cursos de cine y televisión en los que conoció a Juan Antonio Castro, con quien realizó 4 cortometrajes.
Con 21 años realiza su primera exposición individual: "Desvariaciones", con versiones políticamente incorrectas de maestros clásicos.
Tras conocer a Javier Capitán, presentador de televisión y periodista, y venderle varios cuadros, comienza a trabajar como guionista y creativo en el programa televisivo "El Informal", para Globomedia, descubriendo el medio.
Wassily Kandinsky, 2002 © Pablo Morales de los Ríos
Giuseppe Arcimboldo, 2008 © Pablo Morales de los Ríos
Claude Monet, 2002 © Pablo Morales de los Ríos

Mientras tanto continúa con su actividad literaria; escribe su primer compendio de cuentos, libros de poesía, novela y teatro. Trabaja en una nueva serie de lienzos "Picteratura" sobre clásicos de la literatura y el libro que hoy nos ocupa: 300 ilustraciones compendiadas bajo el título "Caricaturas de grandes creadores a través de la historia".
He seleccionado una muestra de sus dibujos de pintores, los que más me han gustado, pero la serie en general es muy buena...
Francis Bacon, 2002 © Pablo Morales de los Ríos
Eugène Delacroix, 2002 © Pablo Morales de los Ríos

Como podemos leer en el sitio web de Pablo, el libro es "un compendio de 300 caricaturas ordenadas cronológicamente desde el poeta Homero hasta la estrella del rock Freddie Mercury, y que recorre fielmente la Historia del arte y el pensamiento, como demuestra la inclusión de genios como Miguel Ángel, Bach, Nietzsche o Hitchcock. En el libro, además, cada una de las personalidades se ve acompañada por una de sus citas célebres y una pequeña reseña biográfica."

Se puede disfrutar del trabajo de Pablo en su sitio web y su espacio en flickr.

Vincent Van Gogh, 2002 © Pablo Morales de los Ríos
Diego Velázquez, 2002 © Pablo Morales de los Ríos

Pablo Ruiz Morales de los Rios is an artist born in Las Palmas de Gran Canaria (Canary Islands, Spain) in 1979.
He has done almost everything in the world of art and the like: cartoons, caricatures, painting, literature, film, plays, theater, decoration, music ...
His talent for drawing comes from childhood. Start studying in Las Palmas in the School of Arts and Crafts, the need for a change of scenery will finally lead him to Madrid in 1997, where she starts studies for Art Bachelor.
Andy Warhol, 2002 © Pablo Morales de los Ríos
Paul Cézanne, 2002 © Pablo Morales de los Ríos
Albrecht Dürer (Alberto Durero), 2002 © Pablo Morales de los Ríos

He made courses of film and television in which he met Juan Antonio Castro with whom he made four short films.
At 21 he had his first solo exhibition, "Desvariaciones (Unvariations)" politically incorrect versions of classical masters artworks.
After meeting Javier Captain, a television presenter and journalist, and sell several paintings, began working as a screenwriter and creative on the television program "El Informal" to Globomedia, discovering this media.
Gustav Klimt, 2002 © Pablo Morales de los Ríos
Henri Matisse, 2003 © Pablo Morales de los Ríos
Edvard Munch, 2002 © Pablo Morales de los Ríos
Egon Schiele, 2002 © Pablo Morales de los Ríos

Meanwhile continues his literary activity, writing his first compendium of stories, books of poetry, novels and plays. Worked on a series of paintings "Picteratura (Picterature)" based on classic literature and a book from which I present this set of images today: 300 illustrations compiled under the title of "Caricatures of great creators through history."
I selected a sample of his drawings of painters which I liked, but the series in general is really good ...
Henri de Toulouse-Lautrec, 2003 © Pablo Morales de los Ríos
H. R. Giger, 2008 © Pablo Morales de los Ríos
Alfons Mucha, 2008 © Pablo Morales de los Ríos

As we can read in Pablo's website, the book "is a collection of 300 caricatures chronologically from the poet Homer to rock star Freddie Mercury, and faithfully walking art history and thought, as evidenced by the inclusion of geniuses such as Michelangelo, Bach, Nietzsche or Hitchcock. In the book, moreover, each of the figures is accompanied by one of his famous quotes and a short biographical review."

You can enjoy more works by Pablo in his website and his space in flickr.

Giovanni Antonio Canal (Canaletto), 2008 © Pablo Morales de los Ríos

Gustave Courbet, 2009 © Pablo Morales de los Ríos
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Pablo Picasso en un cómic del 2006, perteneciente al compendio de relatos gráficos "Historias de la tercera edad", aún por publicar.


Pablo Picasso in a comic from 2006. It'll be included in the compilation "Historias de la tercera edad / Senior Stories", still unpublished.


Con excepción de Canaletto y Bacon, hay posts publicados en el blog de todos los demás artistas de ésta selección. Para los interesados, sugiero una búsqueda rápida en los índices:

With the exception of Canaletto and Bacon, there's posts published on the blog of all these artists. For those interested, I suggest a quick search on the indexes:

Índices (I) - [Artistas, A-M] / Index (I) - [Artists, A-M]
Índices (II) [Artistas, N-Z] / Index (II) [Artists, N-Z]

Más sobre Pablo en "El Hurgador" / More about Pablo in this blog:
[Arte y videos (II)]

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Pablo!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Pablo!)

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Daniel Brici [Pintura]

October 31, 2013, 1:38 am
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Daniel Brici

Daniel Brici junto a su "Sax"

Nacido en Resita (Rumania) y residente actualmente en Timisoara, Daniel Rici es un jóven artista que ha creado una interesante serie de obras con los niños gitanos de las calles de su país.
Las pinturas de Daniel son retratos incompletos de esos niños, tanto como ellos mismos, pero con suficientes elementos como para poder caracterizarlos claramente. Los blancos en los retratos dejan al espectador la tarea de componer el resto de la imagen, de alguna manera el resto de sus vidas, tal vez con la esperanza de que lo que falta sea mejor que lo hay.

"Bodle", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil and oil on canvas, 40 x 30 cm., 2010

"Daj - Chavorro", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 120 x 100 cm.,  2012

"Todo comenzó por casualidad: durante unas vacaciones cerca de Sibu, Daniel contactó con algunos niños gitanos. Caminó con ellos, le ofrecieron manzanas y maíz, les tomó fotografías. Sólo tras su regreso a Timisoara cayó en la cuenta de que esos niños eran un tema muy interesante para su próximo proyecto. Se percató de su fascinación con ellos: a primera vista niños como cualquier otro niño rumano, pero en la distancia corta con rostros tan demacrados y serios que uno podría fácilmente confundirlos con adultos. Niños con habilidades y capacidades como cualquier otro niño, pero arrastrados desde el día en que nacieron a convertirse en mendigos y ruines criminales."
Traducido de una conversación del artista con Daniella Gidaly en septiembre de 2012 que puede leerse completa aquí.

"Say cheese!", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 60 x 50 cm., 2009

"Acarutni", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 150 cm., 2012

"Intentó contactar con ellos en las barriadas de las afueras de Timisoara, pero se escondían de él. Sin embargo pronto descubrió que eran enviados a diario al centro de la ciudad y allí el contacto era más fácil. Uno de los niños le dijo que iba al colegio, pero Daniel pronto descubrió que no había escuela adonde ir. La mayoría de éstos niños jamás habían visto antes una cámara o una fotografía."
Traducido de una conversación del artista con Daniella Gidaly en septiembre de 2012 que puede leerse completa aquí.

"Amal", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 40 x 30 cm., 2010

"Mesti", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 55 cm., 2011

"Me detuve y los escuché, tomando fotos y atento a lo que tenían para decir, de ésta manera me acerqué a un mundo que todos esconden y que evitan. Éste tema me ofrece la posibilidad de permitirles contar la historia de sus vidas y el público puede imaginar lo que han dejado sin contar.
Los chicos que he pintado a veces se ven empujados fuera de su contexto normal (las calles), el trasfondo permanece intacto, blanco y puro, y ésto permite que la imaginación siga su curso. Podemos pintarlos en cualquier contexto posible y acercarlos a la realidad que todos queramos imaginar."

"Efta", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 40 x 30 cm., 2011

Se puede disfrutar del trabajo de Daniel en su blog y su facebook.

"Sax", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 100 x 70 cm.

Born in Resita, Romania, nowadays based in Timisoara, Daniel Rici is a young artist that has created an interesting series of works with gipsy children living in the streets of his country.
Daniel's paintings are unfinished portraits of these children, as unfinished as themselves, but with elements enough to clearly define them. The white patches in the portraits give to the viewer the task of complete the rest of the image, in some way the rest of their lives, perhaps with the hope that what is missing could be better than what it is.

"Ander", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 40 x 30 cm., 2012

"Top model", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 150 x 100 cm., 2009

"It all started by chance: During a vacation near Sibiu, Daniel got in contact with some Roma children. He walked with them, they offered him apples and corn, he took pictures.
Only after he returned to Timisoara, it dawned on him that these children were a very interesting subject for his next project. He became aware of his fascination with them: on first sight children like any other children in Romania, but ot closer distance with faces so drawn and serious that one could easily mistake them for adults. Children with skills and capacities like every other child but from the day they were born drilled to become beggars and petty criminals."
From a conversation between the artist and Daniella Gidaly on September, 27th, 2012, you can fully read here.

"Zorali", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 40 x 30 cm., 2010

"Nangi", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 40 x 30 cm., 2011

"He tried to get in contact with them in the slumps at the outskirts of Timisoara, but there they hided from him. However he soon discovered that they were sent everyday into the centre of town and there making contact was easier. One child told him that he actually went to school, but Daniel soon discovered that there was no school this child went to. Most of the children had never seen a camera or a picture before."
From a conversation between the artist and Daniella Gidaly on September, 27th, 2012, you can fully read here.

"Historias de las calles / Stories from the Streets"
Lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 160 x 200 cm., 2009

"Bellete", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 50 x 70 cm., 2009

"I stopped and listened to them, taking photos and hearing what they had to say, this way I got close to a world that everyone hides from and avoids it. This subject offers me the possibility to let them tell the story of their lives and the public can imagine what was left untold.
The kids that I have painted are often pulled out of their normal context- the street- the background is often left untouched, white and pure and this lets the imagination to run its course, we can picture them in any possible context and bring them closer to the reality we all want to imagine."

"Phal", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 50 x 50 cm., 2011

"Molkuc", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 40 x 30 cm., 2012

You can enjoy more artworks of Daniel in his blog and his facebook.

"E romanca", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil, oil on canvas, 60 x 50 cm., 2011

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Daniel!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Daniel!)

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Caleb Brown [Pintura]

November 4, 2013, 5:43 am
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Me han resultado muy interesantes los trabajos de Caleb Brown, un jóven artista nacido en el estado de Washington en 1981. Comenzó a dibujar desde edad muy temprana y asistió a la Universidad de Puget Sound en Tacoma, Washington, donde obtuvo una licenciatura en Artes. Continuó su educación en la Universidad de Boston, consiguiendo un Master en Bellas Artes de Pintura en 2007. Actualmente vive y trabaja en New York City.

Caleb Brown


Traduzco algunos pasajes de una entrevista concedida por Caleb a Evan Harden, para FRANK151, en septiembre de éste año, que puede leerse completa (en inglés) aquí:

"Mis pinturas comienzan generalmente casando temas conceptuales, como las redefiniciones antinaturales de nuestras relaciones con la naturaleza, economía global y cambios ambientales, con ideas compositivas que por lo general tienen que ver con la posición del espectador de una manera muy particular. Creo collages para encarnar esas ideas utilizando imaginería rescatada que actúa como una especie de Rorschach cultural, y utilizo éstos collages y dibujos como base para mis pinturas. La composición e imaginería está decidida en su mayor parte antes de comenzar a pintar, lo cual me permite centrarme en cuestiones que conciernen a la pintura como objeto físico con una superficie, tacto, color y atmósfera. Dicho ésto, siempre dejo espacio para ajustes e invenciones que se dan durante el proceso pictórico."

"Tigre buceador 1 / Tiger Diver 1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 26", 2009

"Tiburón en caída 4 / Shark Drop 4", óleo sobre lino / oil on linen, 25" x 30", 2013

"He buceado en las pinturas de los surrealistas desde una edad muy temprana, especialmente Rene Magritte y Salvador Dali. Aunque mi trabajo actual no está inspirado por el marco conceptual del surrealismo (le debe más a las escenas religiosas hiperrealistas de la pintura holandesa del s.XV) sí que empleo algo del lenguaje visual en el que los surrealistas fueron pioneros. En mi trabajo incluyo referencias a los surrealistas: el tigre de Dalí y el hombre anónimo de Magritte, por ejemplo [ver al final del blog], como homenaje a los artistas que tanto me han influenciado a lo largo de los años."

"Parece que llego a mis mejores ideas para las pinturas mientras camino por la ciudad y escucho música. Es algo acerca de la contradicción de ser capaz de estar solo entre tanta gente, que es a la vez tranquilizador y vigorizante. Obtengo inspiración visual de lo que flota por ahí en Internet, pero por lo general necesito que el marco de un concepto está establecido de antemano."

"Sin título (Encargo) / Untitled (Commission)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 30", 2011

"Mis pinturas son alegorías culturales cuyo objetivo es reflejar mi visión del mundo moderno. Mi proceso conceptual comienza seleccionando temas y elementos de la vida contemporánea (como la cultura de medios, ingeniería genética, globalización, etc...) que me resultan interesantes e importantes. Luego combino y expando esos componentes en escenas completamente ridículas que representan un futuro próximo ficticio o una realidad alternativa. Intento balancear la absoluta inverosimilitud de esas escenas pintándolas de forma tan convincente como me es posible. He desarrollado esas imágenes, con el tiempo, como motivos recurrentes que continúan describiendo más completamente un mundo que refleja (y paralelamente desarrolla) el "mundo real".
Mi esperanza es que empleando éste método de expresión editorial y a menudo satírico, en vez de utilizar un abordaje más periodístico, podré comunicar mis observaciones y sentimientos acerca de nuestra existencia moderna más acertadamente que pintando imágenes actuales de la vida contemporánea."
Declaración artística de Caleb, de su sitio web.

De momento no tiene publicados más trabajos en su web, aunque espero se vaya nutriendo en lo sucesivo.

"Ciudad de bichos 1 / Bug City 1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 26", 2010

"Tiburón en caída 2 / Shark Drop 2", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 22", 2010

I've found very interesting the works of Caleb Brown, a young artist born in Washington State. He started drawing and painting at a very young age. Caleb attended the University of Puget Sound in Tacoma, WA where he earned a Bachelor of Arts with a studio art major. He continued his education at Boston University from which he was awarded a Master of Fine Arts in painting in 2007. Caleb currently lives and works in New York City.

I write out some excerpts from an inteview to Caleb by Evan Harden published in FRANK151 on September, 2013, you can fully read here.

"My paintings usually begin by marrying particular conceptual themes such as the unnatural redefinition of our relationships to nature, global economic and environmental change with compositional ideas usually concerned with positioning the viewer in a very particular way. I create digital collages to flesh out these ideas using found imagery that acts as a kind of cultural Rorschach, and use the collages as drawings on which to base my paintings. The composition and imagery are mostly decided before I start painting, allowing me to focus on concerns of the painting as a physical object such as surface, touch, color, and atmosphere. That being said, I always leave room for adjustment and invention to be done within the painting process."

"Tiburón en caída 3 / Shark Drop 3", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 25", 2012

"I was drawn to the paintings of the surrealists from a very early age, especially Rene Magritte and Salvador Dali. While my current work isn't inspired by the conceptual framework of Surrealism,—it owes more to the hyperrealistic religious scenes in 15th century Netherlandish paintings—it still employs some of the visual language that the surrealists pioneered. I still include references to the surrealists, Dali's tigers and Magritte's anonymous men for example [check at the end of this post], in my work as homages to the artists who influenced me so much throughout the years."

"Tiburón en caída 3 / Shark Drop 3", detalle / detail

"I seem to come up with my best ideas for paintings while walking through the city and listening to music. Something about the contradiction of being able to be alone amongst so many people is both peaceful and energizing. I get a lot of visual inspiration from floating around on the Internet, but I usually need the framework of a concept in place beforehand."

"Ciudad de nutrias 1 / Otter City 1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35" x 28", 2012

"Tiburón en caída 1 / Shark Drop 1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 25", 2009

"My paintings are cultural allegories that aim to reflect my view of the modern world. My conceptual process begins by selecting themes and elements of contemporary life (such as media culture, genetic engineering, globalization, etc.)which seem important and interesting to me. I then combine and expand those components into completely ridiculous scenes that depict a fictitious near-future or alternate reality. I attempt to balance the utter implausibility of these scenes by painting them as convincingly as I can. I have, over time, developed these images into several reoccurring motifs that continue to describe more fully a world that reflects (and develops parallel to) the ‘real world.’ 
My hope is that by employing this editorial and often satirical method of expression, rather than using a more journalistic approach, I might communicate my observations and feelings about our modern existence more aptly than by painting actual images of contemporary life."
Calebs's artistic statement, from his website.

"Explosión de deportes / Sports Explosion", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 25", 2009

Currently there are no more artworks published on his website, but hopefully will be coming in the future.

"Tigre buceador 2 / Tiger Diver 2", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 26", 2010

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Caleb!)
Agradezco también a Evan Harden y FRANK151 por permitirme traducir partes de su entrevista a Caleb.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Caleb!)
Thanks a lot also to Evan Harden and FRANK151 for their permission to write out excerpts of the interview to Caleb.



Dalí

"Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar / Dream caused by the Flight of a Bee around a Pomegranate a Second before Waking up"
Óleo sobre tabla / oil on panel, 51 x 41 cm., 1944. Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Más sobre Dalí en "El Hurgador" / More about Dalí in this blog:
[Rinocerontes (I)], [Rinocerontes (VIII)], [Manos a la obra (XI)], [Pintando perros (XII)], [Librofilia (X)]
[Rinocerontes (XXIX)], [Rinocerontes (XXXI)], [H.R.Giger (Pintura, Escultura, Diseño, Cine)]
[Rinocerontes (XXXV)], [Arte perdido / Lost Art (I)], [Pierre Fudarylí (Fotografía, Arte digital)]
[Rinocerontes (XLIII)]
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Magritte

"El búho nocturno / The Night Owl", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 74 cm., 1927-28. 
Folkwang Museum, (Essen, Alemania / Germany)

Más sobre Magritte en "El Hurgador" / More about Magritte in this blog:
[Manos a la obra (I)], [Arte & Humor (II)], [Librofilia (X)], [Pedro Palencia (Arte digital, Fotomanipulación)]

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Parques de Esculturas (IV) - La Castellana

November 5, 2013, 1:13 am
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Museo de Esculturas al Aire Libre de La Castellana
Museum of Outdoor Sculptures La Castellana
(Madrid, España)

Alberto Sánchez
"Toros ibéricos / Iberian Bulls", bronce / bronze, c.1958-60.

En el Paseo de La Castellana, en el centro de Madrid, se halla ésta colección que, si bien no está estrictamente en un "Parque" ya que se encuentra bajo el puente en la intersección del Paseo de La Castellana y la calle Serrano, sí constituye una interesante muestra permanente de trabajos de destacados artistas españoles.

Eduardo Chillida
"Lugar de encuentros III o La sirena varada / Meetings Place III or The Stranded Mermaid", 
hormigón / concrete, 1972

"La sirena varada / The Stranded Mermaid", vista parcial / partial view

Julio González
"La petite faucille / La pequeña hoz / The Small Sickle", bronce / bronze, c.1937

Según podemos leer en Wikipedia:
"La inauguración del puente en 1970 inspiró al artista Eusebio Sempere la creación del espacio como forma de acercar el arte moderno al ciudadano de a pie, aprobándose su realización en el verano del año siguiente. El proyecto fue realizado en compañía de José Antonio Fernández Ordóñez y Julio Martínez Calzón, dos de los ingenieros encargados de la construcción del puente junto con Alberto Corral López Dóriga.
Las obras fueron donadas por los artistas o sus herederos, muchos de ellos amigos del propio Sempere. Muchas de las esculturas fueron creadas especialmente para el recinto, haciéndose cargo el ayuntamiento de los gastos de materiales e instalación."

Joan Miró
"Mère Ubu", bronce / bronze, 1975

"Mère Ubu", vista desde arriba / view from above

Según podemos leer en la placa informativa situada en la zona:
"La colección constituye una muestra de las distintas tendencias dentro del movimiento abstracto español. Los primeros intentos de ruptura con el academicismo imperante, en la década de 1920, están representados por Miró, González y Alberto. Los restantes artistas del museo forman parte de la nueva generación de vanguardia que surgió tras el paréntesis de la Guerra Civil. Así las tendencias geométricas se encuentran en las obras de Leoz, Palazuelo, Rueda, Sobrino, Alfaro, Torner y Gabino; la búsqueda expresiva de los volumenes y la materia en Serrano, Subirachs, Martí y Chillida; la idea del movimiento en Sempere; el ritmo de las formas en Chirino y los efectos pictóricos y lumínicos en el 'relieve' de Rivera."

Pablo Palazuelo
"Proyecto para un monumento IV B / Project for a Munument IV B", acero cortén / corten steel, 1978

Me ha resultado muy interesante el lugar por dos motivos. Primero, por la selección de artistas; hay trabajos de los más significativos escultores españoles del siglo pasado. Por otro, la disposición permite observar las obras desde muy diferentes ángulos, incluso desde arriba.

José María Subirachs
"Al otro lado del muro / On the Other Side of the Wall"
Hormigón y piedra caliza / concrete and limestone, 1972

"Al otro lado del muro / On the Other Side of the Wall", vista trasera / back view

In the "Paseo de la Castellana", in the center of Madrid, we can find this collection that, although not strictly a Park as it is located under the bridge at the intersection of Paseo de La Castellana and Serrano Street, does provide an interesting permanent exhibition of works by Spanish artists.

Francisco Sobrino
"Estructura permutacional / Permutational Structure", acero inoxidable / stainless steel, 1972

Martín Chirino
"Mediterránea / Mediterranean", acero pintado al duco / duco painted steel, 1972

Rafael Leoz
"Estructuración hiperpoliédrica del spacio / Hyperpolyhedral Structuring of Space"
Acero inoxidable / stainless steel, 1971

Andreu Alfaro
"Un món per a Infants / Un mundo para los niños / A World for Children"
Acero inoxidable / stainless steel, 1971

As we read in Wiki (Spanish version):
"The opening of the bridge in 1970 inspired the artist Eusebio Sempere creating space as a way to bring modern art to the ordinary citizen, approving its creation in the summer of the following yea . The project was undertaken in the company of Jose Antonio Fernández Ordóñez and Julio Martinez Calzón, two of the engineers responsible for the construction of the bridge along with Alberto Corral López Dóriga .
The works were donated by the artists or their heirs, many of them friends of Sempere. Many of the sculptures were created especially for the exhibition, taking over the Council of materials and installation costs. "

Marcel Martí
"Proalí", bronce / bronze, 1984

Amadeo Gabino
"Estela de Venus / Stele of Venus", acero inoxidable / stainless steel, 1973

"Estela de Venus / Stele of Venus", detalle / detail

As we read in the data plate located in the area:
"The collection is a sample of the different trends in Spanish abstract movement. The first attempts to break with the prevailing academicism, in the 1920s , are represented by Miró, Gonzalez  and Alberto. The other artists are part of the new generation of art that emerged after the Civil War parentheses. Thus geometric trends found in the works of Leoz, Palazuelo, Rueda, Sobrino, Alfaro, Torner and Gabino. The expresive search of volumes and matter in Serrano, Subirachs, Marti and Chillida. The idea of motion in Sempere. The rhythm of shapes in Chirino and pictorial and lighting effects in the 'relief' of Rivera."

Manuel Rivera
"Tríptico / Tryptich", acero inoxidable / stainless steel, 1972

"Tríptico / Tryptich"

I found this place very interesting for two reasons. First, for the selection of artists. You can see works by the most significant Spanish sculptors of the last century. Furthermore, the spatial location allows observing the works from very different angles, even from above.

Pablo Serrano
"Unidades-Yunta / Units-Yoke" , bronce / bronze, 1972

Gustavo Torner
"Plaza-Escultura / Square-Sculpture", cobre y granito / copper and granite, 1972
Fotografía de Carlos Viñas-Valle (flickr)

Todas las fotografías, excepto la última, son mías, fueron tomadas el 9/10/2013 y pueden utilizarse libremente sin fines de lucro tan sólo citando la fuente. 
All photographs, except the last one, are mine, taken on October 9th, 2013 and can be used freely for no profit just by quoting the source.


Información acerca de los artistas.
Information about the artists.

Alberto Sánchez Pérez fue un pintor y escultor español nacido en Toledo en 1895, que a partir de 1938 desarrolló su obra fuera de España.
Entre 1917 y 1919 cumplió su servicio militar en Melilla. De vuelta en Madrid se dejó deslumbrar por el uruguayo Rafael Pérez Barradas, de ahí que las obras de esa primera etapa, década de 1920, sean cubistas. A partir de 1927 impulsó, junto con Benjamín Palencia, la llamada Escuela de Vallecas. También, por su amistad con Federico García Lorca, diseñó parte de los decorados de la compañía teatral La Barraca.
En los años previos a la Guerra Civil Española maduraría su lenguaje escultórico -así su peculiar estilización-, fundiendo elementos de inspiración popular con otros de las vanguardias europeas, especialmente el surrealismo.
En 1938, el Gobierno republicano le envió a Moscú como profesor de dibujo de los niños españoles exiliados. No regresaría. Una de sus realizaciones más importantes en el exilio fue la colaboración con el director ruso Grigori Kózintsev en los decorados de la película Don Quijote (1957), con una recreación espléndida de los pueblos de La Mancha en plena Ucrania.

Alberto Sánchez Pérez was Spanish painter and sculptor born in Toledo in 1895, which from 1938 developed his work outside Spain.
Between 1917 and 1919 did his military service in Melilla. Back in Madrid was left dazzled by the Uruguayan Rafael Perez Barradas, hence the works of the first stage -decade of 1920- are Cubists. From 1927 boosted, along with Benjamin Palencia, the Vallecas School. Also, for your friendship with Federico García Lorca, designed part of the scenery of the theater company La Barraca .
In the years before the Spanish Civil War madurate his sculptural language and peculiar styling, fusing elements of popular inspiration with other European avant-garde  especially surrealism.
In 1938, the Republican government sent him to Moscow as a drawing teacher of Spanish children exiled. He never returned. One of his most important accomplishments in exile was the collaboration with Russian director Grigori Kozintsev on the set of the movie Don Quijote (1957) , with a splendid recreation of the La Mancha towns in Ukraine.
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Eduardo Chillida Juantegui fue un escultor español nacido en San Sebastián en 1924.
Jugó al fútbol en el equipo Real Sociedad de San Sebastián durante la temporada 1942-43, pero debió dejarlo por una lesión en la rodilla.
En 1947 abandonó sus estudios de arquitectura por el arte. Empezó a dibujar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Es en este momento en Madrid donde realiza sus primeras piezas escultóricas.
Se traslada posteriormente a París donde su obra comienza a tomar cuerpo. Efectúa sus primeras esculturas en yeso. En estos años comienza su rivalidad con el escultor Jorge Oteiza, ambos con una obra vinculada en la tradición constructivista, pese a trabajar cada uno con temáticas parcialmente diferentes. Jorge Oteiza acusó a Eduardo Chillida de plagiar sus obras; tras largas disputas hicieron las paces en 1997 en Chillida Leku.
En 1951 Chillida regresa definitivamente a San Sebastián, donde realiza su primera pieza en hierro, Ilarik, material que utilizará a lo largo de toda su vida.

Eduardo Chillida Juantegui was a Spanish Basque sculptor notable for his monumental abstract works, born in San Sebastian in 1924.
With 18 years old start his studies to attend the Escuela Técnica Superior de Arquitectura in the Universidad Politécnica de Madrid. A few years later decided to leave the entrance architecture studies.
He had been the goalkeeper for Real Sociedad, San Sebastián's La Liga football team, where his knee was so seriously injured that he had five surgeries, ending a promising football career.
In 1947 he abandoned architecture for art, starting drawing in the Circle of Fine Arts (Madrid). At that time he creates his first sculptures. The next year he moved to Paris, where he set up his first studio and began working in plaster and clay. In these years he began his rivalry with the sculptor Jorge Oteiza, both with a work related in the constructivist tradition, despite working with partially different themes. Jorge Oteiza accused  Eduardo Chillida of plagiarizing his works. After long disputes made ​​peace in 1997 in Chillida Leku.
In 1951 Chillida definitely back to San Sebastian, where he made his first piece of iron, Ilarik, material used throughout their entire life.
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Julio González Pellicer (en catalán Juli González i Pellicer), fue un escultor español nacido en 1876 en Barcelona.
Una gran parte de su vida transcurrió en París, como contemporáneo y amigo de Pablo Picasso a quien conoció en el café barcelonés Els Quatre Gats a fines de los '90. Sus innovadoras esculturas con inclinaciones cubistas en su mayor parte son referencias a la figura humana, aunque frecuentemente son abstractas. Es uno de los grandes escultores europeos del siglo XX. Dedicó su trabajo, sobre todo, a la escultura en hierro, a menudo de grandes proporciones.
Su obra se encuentra en diferentes museos, como el Museu Nacional d'Art de Catalunya de Barcelona, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Centro Georges Pompidou de París o el IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno), que ha dedicado un espacio específico, el Centro Julio González, al escultor catalán a partir de la donación de sus obras efectuada por sus herederas.

Juli González i Pellicer (Julio González) was a Spanish sculptor and painter born in Barcelona, 1876.
In the late 1890s Julio began to visit Els Quatre Gats, a Barcelona café, where he first met Pablo Picasso. He left Spain in 1900 and moved to Paris, never to return to his homeland.
His innovative sculptures with cubist inclinations are mostly references to the human figure, although often abstract. It is one of the great European sculptors of the twentieth century. He dedicated his work especially to iron sculpture, often of great proportions.
His works are in several museums, including the Museu Nacional d'Art de Catalunya in Barcelona, ​​the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid, the Centre Georges Pompidou in Paris and the IVAM (Valencian Institute of Modern Art), who has dedicated a specific space to the Catalan sculptor, the Centre Julio Gonzalez,  from works donated by his heirs.
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Joan Miró i Ferrà fue un pintor, escultor, grabador y ceramista español, considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.
Nacido en Barcelona en 1893, en su obra reflejó su interés en el subconsciente, en lo "infantil" y en su país. En un principio mostró fuertes influencias fauves, cubistas y expresionistas, pasando a una pintura plana con cierto aire naïf, como lo es su conocido cuadro La Masía del año 1920. A partir de su estancia en París, su obra se vuelve más onírica, coincidiendo con los puntos del surrealismo e incorporándose a este movimiento.
En numerosas entrevistas y escritos que datan de la década de 1930, Miró manifestó su deseo de abandonar los métodos convencionales de pintura, en sus propias palabras de "matarlos, asesinarlos o violarlos", para poder favorecer una forma de expresión que fuese contemporánea, y no querer doblegarse a sus exigencias y a su estética ni siquiera con sus compromisos hacia los surrealistas. Murió en 1983.

Joan Miró i Ferrà was a Catalan Spanish painter, sculptor, and ceramicist, one of the leading representatives of surrealism.
Born in Barcelona en 1893, in his body of work he reflects the subconscious mind, a re-creation of the childlike, and a manifestation of Catalan pride. First he shows strong Fauvist, Cubist and Expressionist influences, moving to a flat painting with certain Naïf air, as we can see in his painting "La Masía" (1920). 
After his stay in Paris, his work becomes more dreamlike, coinciding with the points of Surrealism and joining this movement.
In numerous interviews dating from the 1930s onwards, Miró expressed contempt for conventional painting methods as a way of supporting bourgeois society, and famously declared an "assassination of painting" in favour of upsetting the visual elements of established painting. He died in 1983.

Una fotografía de Yousuf Karsh puede verse aquí / A photograph by Youssuf Karsh can be seen here:

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Pablo Palazuelo, pintor, grabador y escultor español nacido en 1915 en Madrid, fue una de las figuras clave del arte español de la segunda mitad del siglo XX.
En 1932 inicia la preparación para el ingreso en la Escuela de Arquitectura de Madrid, aunque será finalmente en Londres, en 1933, cuando comience a estudiar arquitectura (School Of Arts and Crafts de la Universidad de Oxford). A partir de 1939 se dedica solamente a la pintura. 
En 1949 comienza su relación con la Galería Maeght entrando en su nómina, y donde expondrá de manera continuada hasta los años 80. En 1950 empieza su relación de amistad con Eduardo Chillida. Ese mismo año expone en el Museo de Toronto.
En 1955 celebra su primera exposición individual en la Galería Maeght y es invitado a participar en el Certamen Carnegie de Pittsburg. En 1961 retoma la escultura.
En 2006 - 2007 (año de su fallecimiento) se exhibe una amplia retrospectiva de su obra en el Museo Macba de Barcelona y en el Museo Guggenheim de Bilbao.

Pablo Palazuelo, painter, engraver and sculptor born in 1915 Spanish in Madrid, was one of the key figures of Spanish art from the second half of the twentieth century.
In 1932 starts the preparation for entry into the School of Architecture of Madrid, although it will eventually in London in 1933 when he begins to study architecture (School of Arts and Crafts, University of Oxford). From 1939 he dedicated solely to painting.
In 1949 he began his relationship with the Gallery Maeght entering its payroll, and where he exhibits continuously until the 80s. In 1950 began his friendship with Eduardo Chillida. The same year he exhibited at the Museum of Toronto.
In 1955 he celebrated his first solo exhibition at the Galerie Maeght and is invited to participate in the Contest Carnegie of Pittsburgh. In 1961 returns to the sculpture.
In 2006 - 2007 (year of death ) exhibits an extensive retrospective of his work at the Museum MACBA in Barcelona and at the Guggenheim Museum in Bilbao.
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Josep Maria Subirachs i Sitjar es un escultor, pintor, grabador, escenógrafo y crítico de arte español nacido en Barcelona en 1927. Es uno de los escultores españoles contemporáneos con más prestigio internacional, como puede verse en sus múltiples galardones y reconocimientos recibidos, así como en la presencia de su obra en numerosos museos y lugares públicos de ciudades de todo el mundo, principalmente Barcelona. También ha participado en una gran cantidad de exposiciones tanto colectivas como individuales, en museos y galerías públicas y privadas.
Artista polifacético, Subirachs ha destacado especialmente en la escultura, pero también en otras técnicas como la pintura, el dibujo, el grabado, el cartel, el tapiz, la ilustración de libros, el diseño de joyas y la acuñación de medallas. También ha realizado numerosas escenografías para prestigiosos montajes de obras de teatro y ballet. Igualmente, ha ejercido de profesor de arte y, en el terreno teórico, ha sido escritor y colaborador en revistas y periódicos, crítico de arte y conferenciante en universidades y academias de todo el mundo

Josep Maria Subirachs i Sitjar is a Catalan sculptor, painter, engraver, set designer and art critic born in Barcelona (1927). Is one of the Spanish contemporary sculptors with more international prestige, as can be seen in its many accolades and awards received, and in the presence of his work in numerous museums and public places of cities around the world, mainly Barcelona. He has also participated in a large number of collective and individual exhibitions in museums and public and private galleries.
A versatile artist, Subirachs highlighted especially in sculpture, but also in other techniques such as painting, drawing, printmaking, poster, tapestry, book illustration, jewelery design and minting of medals. He has also completed numerous prestigious sets design for plays and ballet. He has also been a teacher of art and, on theoretical grounds, has been a writer and contributor to magazines and newspapers, art critic and lecturer at universities and academies around the world.
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Francisco Sobrino Ochoa es un escultor español nacido en Guadalajara en 1932.
Estudió dibujo y escultura en la Escuela de Artes y Oficios de Madrid entre 1946 y 1949, estudios que culminaría en Argentina en 1957, al diplomarse en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. A partir de ese momento abandona la figuración y comienza a pintar con formas abstractas y geométricas. Su estilo comienza a centrarse en investigar la luz, el espacio y el movimiento, combinando formas geométricas planas para lograr un movimiento virtual.
A finales de 1959 se marcha a París, donde se reúne con antiguos compañeros de estudios: García Rossi, Moyano y Julio Le Parc. Tras entrar en contacto con los movimientos artísticos del momento en Francia, se fija especialmente en la obra cinética de Víctor Vasarely como referente.
Su trabajo es objeto de numerosas exposiciones individuales, siendo también parte integrante de los artistas más destacados en la Tate Gallery, el Museo de Tel Aviv, Museo de Arte Contemporáneo de París o el Museo de Esculturas al Aire Libre de la Castellana.

Francisco Sobrino Ochoa is a Spanish sculptor born in Guadalajara in 1932.
He studied drawing and sculpture at the School of Arts and Crafts in Madrid between 1946 and 1949, studies that culminate in Argentina in 1957 with a diploma in the National School of Fine Arts in Buenos Aires. From that moment he abandons figuration and start painting with abstract and geometric forms. His style began to focus on investigating light, space and movement, combining geometric flat shapes for a virtual movement.
In late 1959 he moved to Paris, where he meets fellow alumni: Garcia Rossi, Moyano and Julio Le Parc. After contact with the artistic movements of the time in France, he pay attention particularly to the kinetic work of Victor Vasarely as a reference.
His work is the subject of numerous solo exhibitions, also being part of the leading artists in the Tate Gallery, Tel Aviv Museum, Museum of Contemporary Art in Paris and the Museum of Outdoor Sculptures de la Castellana.
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Martín Chirino es un escultor español nacido en Las Palmas de Gran Canaria. Cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino emplea principalmente el hierro y su obra se enmarca dentro del arte abstracto. Sus esculturas comprenden tanto la carencia de componentes narrativos como la riqueza formal y simbólica.
Comienza su aprendizaje escultórico en la academia de Manuel Ramos.
En 1948 marcha a Madrid, donde, tras una primera intención de cursar Filosofía y Letras, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Durante algunos años completa su formación con su trabajo como ayudante de Manuel Ramos.
En 1952 finaliza sus estudios de Bellas Artes, obteniendo el título de profesor. Al año siguiente viaja a Londres, donde toma clases en la School of Fine Arts; la estancia le permite conocer la escultura contemporánea inglesa (Henry Moore, Barbara Hepworth). Completa su formación de escultor en talleres privados de forja. Regresa a Las Palmas, donde mantiene una estrecha colaboración con su amigo Manolo Millares.

Martin Chirino is a Spanish sculptor born in Las Palmas de Gran Canaria. Co-founder of the group El Paso in 1957, Chirino works are mainly abstract sculptures in iron that include both the lack of narrative components and formal and symbolic wealth.
Start learning sculpture at the academy of Manuel Ramos.
In 1948 he moved to Madrid, where, after an initial intention to study Philosophy, joined the School of Fine Arts of San Fernando. For some years he completed his training with his work as an assistant to Manuel Ramos.
In 1952 he graduated from the Fine Arts, obtaining the title of professor. The following year he traveled to London, where he took classes at the School of Fine Arts; staying there he knows the English contemporary sculpture (Henry Moore, Barbara Hepworth). He completed his training as a sculptor in forging private workshops. Then return to Las Palmas, where he maintains a close collaboration with his friend Manolo Millares.
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Rafael Leoz de la Fuente fue un arquitecto y escultor español nacido en 1921, propuesto en 1968 para el Premio Nobel de la Paz. 
Estudió en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid donde se tituló en 1955, y donde ocupó plaza de profesor desde 1965.
Entre 1955 y 1960 proyectó viviendas para el Poblado de San Fermín y otros planes de erradicación del chabolismo en Madrid.
Durante mucho tiempo su actividad profesional se centró en la investigación teórica para la mejora de la vivienda social sin renunciar a los criterios técnicos, estéticos, económicos ni humanos; combinando la producción en masa con la libertad creativa, en lo que denominaba arquitectura social.
Su principal innovación fue el Módulo Hele (o "Módulo de Leoz", un módulo en forma de letra ele formado por cuatro cubos), que dio a conocer internacionalmente en la VI Bienal de São Paulo (1961) y en conferencias por todo el mundo.
Su obra escultórica, dentro de la abstracción geométrica, se derivaba de las maquetas de sus investigaciones y proyectos arquitectónicos. Murió en 1976.

Rafael Leoz de la Fuente was a Spanish architect and sculptor born in 1921, proposed in 1968 for the Nobel Peace Prize.
He studied at the School of Architecture of Madrid where he graduated in 1955 and where he held the position of Professor since 1965.
Between 1955 and 1960 projected housing for the Town of San Fermin and other slum clearance plans in Madrid.
During a long time his professional activity focused on theoretical research to improve social housing without sacrificing the technical, aesthetic, economic or human criteria, merging mass production with creative freedom, in what he called social architecture.
His main innovation was the Hele Module (or " module Leoz " a letter el-shaped module consists of four cubes), who became internationally known in the VI Bienal de São Paulo (1961) and conferences worldwide .
His sculptural work within geometric abstraction derived from the models of his research and architectural projects. He died in 1976.
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Andreu Alfaro Hernández fue un escultor español nacido en Valencia en 1929. 
Relacionado con el Grupo Parpalló (1957) e influido por los constructivistas, como Constantin Brâncuşi o Antoine Pevsner, y por Jorge Oteiza. Su obra, expuesta en la Bienal de Venecia del 1966, alcanzó un eco internacional.
A finales de la década de 1960 experimentó profusamente con elementos metálicos, tales como el acero y el aluminio. En 1980 experimentó con el alambre y el mármol. El mismo año recibió el Premi d’Honor Jaume I y en 1981 el Premio Nacional de Artes Plásticas. En 1991 la diputación de Valencia le concedió el Premio Alfons Roig d’Arts Plástiques.
Existen obras de Andreu Alfaro en museos de todo el mundo y en las vías públicas de muchas localidades, particularmente en España. Sus obras más importantes fueron La rella (1961), La veu d'un poble (1964-1965), Monument a l’amor (1965-1967), Bon dia llibertat (1975) y Catalan power (1976). Murió en 2012.

Andreu Alfaro Hernandez was a Spanish sculptor born in Valencia in 1929.
Related with the Parpalló Group (1957) and influenced by the Constructivists, as Constantin Brâncuşi or Antoine Pevsner, and also by Jorge Oteiza. His work, exhibited in the Venice Biennale of 1966, achieved international echo.
In the late 1960s experimented widely with metallic elements, such as steel and aluminum. In 1980 he experimented with wire and marble. The same year he received the Premi d'Honor James I and in 1981 the National Fine Arts Award. In 1991 was awarded by the council of Valencia with the Prix d'Alfons Roig Plastic Arts.
There are works by Andreu Alfaro in museums around the world and on public roads in many locations, particularly in Spain. His most important works were La rella (1961), La veu d'un Poble (1964-1965), Monument a l'amor (1965-1967), Bon dia llibertat (1975) and Catalan power (1976). He died in 2012.
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Marcel Martí Badenes fue un escultor español nacido en Argentina en 1925. 
En 1928 su familia regresa a Barcelona. Marcel comienza a dibujar a los 17 años, y pronto renuncia a seguir estudios superiores para dedicarse a la pintura. Al ver sus primeros dibujos, el pintor Pere Prat Ubach se ofrece a darle clases particulares. En 1946 su padre decide cederle un estudio adjunto al negocio familiar, después de que le encarguen las ilustraciones para un libro de poesía catalana. Solicita una beca para viajar a París pero no le es concedida. A partir de 1946 empieza a interesarse también por la escultura.
En 1948 realiza su primera exposición en Barcelona en la Sala Caralt.
En 1959 presenta en la Galería Syra de Barcelona su primera exposición de esculturas. A partir de ese momento trata de modificar su estilo, explorando formas más naturales y simbólicas. Se dedica casi exclusivamente al metal, con obras geométricas en las que predominan los ángulos y aristas. Murió en 2010.

Marcel Martí Badenes was a Spanish sculptor born in Argentina in 1925.
In 1928 his family returned to Barcelona. Marcel began to draw at age 17, and soon give up higher studies to devote himself to painting. Seeing his first drawings, the painter Pere Prat Ubach offers to give him private lessons. In 1946 his father decided to cede a study attached to the family business, after the commision for the illustrations for a book of Catalan poetry. Apply for a grant to travel to Paris but was denied. From 1946 he also became interested in sculpture.
In 1948 he held his first exhibition in Barcelona at Sala Caralt.
In 1959 presented in Syra Gallery Barcelona his first exhibition of sculptures. Since then he tried to change your style, exploring natural and symbolic forms. He is dedicated almost exclusively to metal works in which predominates geometric angles and edges. He died in 2010.
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Amadeo Gabino hijo del escultor Alfonso Gabino, fue un pintor, escultor y grabador español nacido en Valencia en 1922
Dio sus primeros pasos en el arte asistiendo a su padre en su taller de escultura. Comenzó sus estudios de arte en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Los completó en Roma, París, Hamburgo y Nueva York.
Su obra consiste sobre todo en complejos objetos metálicos abstractos y "collages" constructivistas. Representando a España, participió en las ediciones de 1956 y 1966 de la Bienal de Venecia. Mostró su obra en varias exposiciones en Alemania y España. En 1998, se erigió su escultura monumental "Homenaje a Anton Bruckner" en la ciudad austriaca de Linz.

Amadeo Gabino, was a Spanish painter, sculptor and printmaker, son of sculptor Alfonso Gabino, born in Valencia in 1922
He took his first steps in the art assisting his father in his sculpture studio. He began studying art at the School of Fine Arts of San Carlos de Valencia. Studies were completed in Rome, Paris, Hamburg and New York.
His work consists mostly abstract and complex metal objects and constructivist "collages". He participate representing Spain in the 1956 and 1966 editions of the Venice Biennale. He showed his work in several exhibitions in Germany and Spain. In 1998, was erected his monumental sculpture "Homage to Anton Bruckner" in the Austrian city of Linz.
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Manuel Rivera Hernández fue un pintor y escultor español nacido en 1927, uno de los miembros fundadores del Grupo El Paso.
Desde su infancia mostró gran disposición para la pintura y la escultura, por lo que su padre lo envió al taller del imaginero Martín Simón, con el que aprende el oficio, trabajando la madera y el yeso. Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Granada, donde recibió clases de Joaquín Capulino y Gabriel Morcillo.
En 1945, ingresó en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sevilla. En 1947 fue nombrado profesor de esta Escuela y ese mismo año expuso su obra en la Asociación de la Prensa de Granada.
Participó en 1957 en la creación del grupo El Paso, un colectivo de artistas y críticos de gran relevancia que revolucionó el arte español de la posguerra y que supuso la introducción del informalismo en España, celebrándose en abril de 1957 la primera exposición del grupo en la Galería Bucholz de Madrid, en la que presenta sus telas metálicas, realizadas en un solo plano. Murió en 1995.

Manuel Rivera Hernandez was a Spanish painter and sculptor born in 1927, one of the founding members of the group El Paso.
Since his childhood he showed great readiness for painting and sculpture, so his father sent him to the workshop of sculptor Martin Simon, with whom he learned the craft , working with wood and plaster. He studied at the School of Arts and Crafts in Granada where he was taught by Joaquin Capulino and Gabriel Morcillo .
In 1945 he entered the School of Fine Arts of Seville. In 1947 he was appointed professor of the School and that same year he exhibited his work at the Press Association of Granada.
He participated in 1957 in the creation of the El Paso, a collective of artists and critics of great importance that revolutionized post-war Spanish art and saw the introduction of informality in Spain. In April 1957 took place the first group exhibition in the Bucholz Gallery in Madrid, in which he presents his metallic fabrics, performed in a single plane. He died in 1995.
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Pablo Serrano Aguilar fue un escultor español nacido en 1908.
Estudia escultura primero en Zaragoza y después en Barcelona, hasta su marcha en el año 1929, a Argentina. Entre este país y la ciudad de Montevideo (Uruguay) pasará 25 años realizando esculturas, entre las que podemos destacar su serie Los toros, logrando una pureza de formas comparable a la de Constantin Brancusi. En este período inicia su amistad con los artistas Lucio Fontana y Joaquín Torres García conociendo de primera mano las vanguardias europeas.
Regresa a España justo después de obtener el Gran Premio en la Bienal de Montevideo de 1955, consiguiendo ese mismo año el Gran Premio de Escultura en la Bienal Hispanoamericana de Barcelona y participa en la fundación del Grupo El Paso en el año 1957. Murió en 1985.

Pablo Serrano Aguilar was a Spanish sculptor born in 1908.
He began studied sculpture in Zaragoza and then in Barcelona, until his departure in 1929 to Argentina. Between this country and the city of Montevideo (Uruguay) spent 25 years creating sculptures, among which we highlight his series The Bulls, achieving a purity of form comparable to that of Constantin Brancusi. In this period begins his friendship with artists Lucio Fontana and Joaquin Torres Garcia knowing firsthand the European avant-garde.
Return to Spain just after winning the Grand Prize in the 1955 Montevideo Biennial, getting that same year the Grand Prize for Sculpture at the Hispanoamerican Biennale of Barcelona and participated in the founding of the Group El Paso in 1957. He died in 1985.
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Gustavo Torner es un artista español nacido en Cuenca en 1925. Junto con Gerardo Rueda y Fernando Zóbel forma la llamada "escuela conquense", la cual constituyó una de las primeras iniciativas de introducir en España las nuevas corrientes del arte moderno, en la década de 1960, siendo la fundación del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca su principal iniciativa.
De formación autodidacta, Gustavo Torner estudió ingeniería Técnica Forestal, y en 1946 comenzó a ejercer esta profesión en Teruel. Sus buenas condiciones como dibujante le sirvieron para recibir el encargo de unas láminas botánicas que aparecerían en la obra Flora Forestal de España. El mundo natural será una constante en toda su obra.
A mediados de los '60 comienza a realizar obras escultóricas, como el Monumento Conmemorativo del I Congreso Mundial Forestal, de 1966, elaborado con acero y troncos de árboles, y emplazado en la serranía de Cuenca, donde encajaba con toda naturalidad. Esta actividad escultórica ocupó gran parte de su actividad entre 1971 y 1977. Se trata, por lo general, de obras de gran tamaño y formas geométricas simples, realizadas a partir de todo tipo de materiales, y explorando las posibilidades de diversas texturas.

Gustavo Torner is a Spanish artist born in Cuenca (1925). Together with Gerardo Rueda and Fernando Zobel form the "school of Cuenca", which was one of the first initiatives to introduce in Spain the new currents of modern art in the 1960s, with the founding of the Spanish Abstract Art Museum of Cuenca as his main initiative.
Self-taught, Gustavo Torner studied Forestry Technical Engineering, and in 1946 began to pursue this profession in Teruel. His good condition as an artist allowed him to be commissioned a botanical plates that appear in the work Forestal Flora of Spain. The natural world is a constant throughout his work.
In the mid-60s began to make sculptures, such as the Memorial of the Forestal World Congress (1966), made with steel and trunks of trees, and nestled in the mountains of Cuenca, where it fits quite naturally. This sculptural activity occupied much of his time between 1971 and 1977. That art mainly great size and simple geometric shapes works, made ​​from all kinds of materials, and exploring the possibilities of different textures.

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Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones [Pintura]

November 6, 2013, 1:02 am
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Pablo Morales de los Ríos
Desvariaciones / Unvariations

"Autorretrato deforme / Deformed Self-Portrait"

Pablo Morales de los Ríos es un artista sumamente versátil nacido en Las Palmas de Gran Canaria, que reside y trabaja en Madrid.
Ya publiqué no hace mucho tiempo un post sobre su trabajo, en la oportunidad dedicado a su extensa serie de caricaturas. Me remito al mismo para más información, aunque si bien me comenta Pablo el apunte biográfico de su sitio web está algo desactualizado. Desde entonces (hace más de 7 años) no ha cesado su febril actividad creadora.

"Caballo encabritado por el Fascismo (Guernica) / Horse rearing by Fascism (Guernica)", 2001

"La Lección de Anatomía de los Hombres con Cabezas Antianatómicas / 
The Anatomy Lesson of Men with Unanatomical Heads", 2000

Sobre su trabajo me escribe Pablo:
"...mi compendio de "Grandes Creadores a través de la Historia" [caricaturas] no termina de acabarse nunca (llevo ya hechas unas 600 o más), y aún de vez en cuando hago alguna otra (las últimas fueron la de Herman Melville y la de Niccoló Paganini)... Ya llevo tantas que he tenido que dejar por ahora la parte textual. Lo mismo pasa con el compendio comiquero de "Historias de la Tercera Edad", que he dividido en dos volúmenes de veintitantas historietas cada uno... (¡y aumentando!)."

"Ahora mismo (...) ando terminando un corto de marionetas sobre el potente tema 'burka', otro de animación sobre 'Verdi vs Wagner', terminando de colorear un cuaderno de viajes de Indonesia, promocionando mi serie y buscando financiación para un largometraje de cine negro, escribiendo una novela más y pensando en otra serie pictórica..."

"Paulina Bonaparte (Canova)", 2001

"Dos Viejos Intentando Comer Sopa / Two Old Men Trying to Eat Soup", 2001

"San Jerónimo Penitente / Saint Jerome", 1999

Ésta selección de su políticamente incorrecta obra pictórica se agrupa bajo el título de "Desvariaciones", y consiste en parte de los trabajos presentados en la primera exposición del autor realizada en Mayo del año 2001. Se trata de una serie de más de 20 lienzos y otros tantos dibujos y acuarelas en los cuales ofrece de manera irónica una singular visión de obras maestras del arte, a partir de trabajos de Van Eyck, Rembrandt, Goya o Picasso; versiones hechas siempre desde un punto de vista sociológico y contemporáneo.

"Dos Forasteros Xenófobos dándose Palos / 
Two Xenophobic Strangers Fighting with Cudgels" (El Ejido), 2000

Se puede disfrutar del trabajo de Pablo en su sitio web y su espacio en flickr.

Izq./ Left: "La Silla de Van Gogh llorando la Locura de su Amo / 
Van Gogh's Chair crying for the Madness of its Owner", 2000
Der./ Right: "El Conde de Montefeltro después de una Operación de Cirugía Estética /
The Count of Montefeltro after a Cosmetic Surgery Operation", 2001

Pablo Morales de los Rios is an extremely versatile artist born in Las Palmas de Gran Canaria, who lives and works in Madrid.
I published not long ago a post about his work, then dedicated to their extensive series of cartoons. I refer to it for more information, even though the biographical information in his website is a little outdated. Since then -seven years ago- he has continued his feverish creative activity.

"El Guitarrista Ciego (Tinta azul y marrón) / The Blind Guitarist (Blue and Brown ink), 1999

"El Guitarrista Ciego / The Blind Guitarist, 2000

"La Maja deforme / The Misshappen Maja", 2000

About his work Pablo wrote me :
" ... my compendium of " Great Creators through History " -caricatures- does not stop never finished ( I've been made ​​about 600 or more ) , and still occasionally do some other ( the last was that of Herman Melville and the one of Niccolo Paganini ) ... I've doing so many that I had to leave for now the text. Same with comic compendium of " Stories of the Third Age " , which I have divided into two volumes with around twenty-odd cartoons each .. . (and growing !) . "

"Right now ( ... ) 'm finishing a short puppet on the powerful issue " burka " , another animation on " Verdi vs Wagner " , finishing coloring a travel to Indonesia album , promoting my show and seeking funding for a film noir, writing a novel and thinking about other pictorial series ... "

"El divorcio Arnolfini / The Arnolfini Divorce", 2001

"Venus de Milo / Aphrodite of Milo", 2000

This selection of his politically incorrect paintings are grouped under the title of " Desvariaciones / Unvariations " and are part of the works presented at the first exhibition by author in May 2001. It is a series of over 20 paintings and a similar number of watercolors and drawings in which ironically offers a unique vision of art masterpieces , after works by Van Eyck , Rembrandt , Goya and Picasso, all of them versions made from a sociological and contemporary perspective.

"El Discóbolo / Discobolus", 2000

"La Mutación de las Señoritas de Avignon / The Mutation of the Young Ladies of Avignon", 2000

You can enjoy more works by Pablo in his website and his space in flickr.

"La Misteriosa Restauración del Caballero de la Mano en el Pecho / 
The Mysterious Restoration of The Knight of the Hand on the Chest", 2000

Más sobre Pablo en "El Hurgador" / More about Pablo in this blog:


Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Pablo!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Pablo!)


Para quienes no conozcan las obras originales, un rápido vistazo para mejor comprensión de las versiones de Pablo.
For those who doesn't know the original artworks, a quick view for a better understanding of Pablo's versions.

Rembrandt van Rijn
"La lección de anatomía del Dr. Nicolas Tulp / The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 169,5 x 216,5 cm., 1632. 
Galería Real de Pinturas Mauritshuis (La Haya / Den Haag, Holanda)
Más información sobre la obra aquí / More info about this work here.

Más sobre Rembrandt en "El Hurgador" / More about Rembrandt in this blog:
[Pintando perros (II)],  [Desde Irán (II) - Kamal-ol-Molk]
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Antonio Canova
"Paulina Bonaparte como la Venus Victoriosa / Pauline Bonaparte as Venus Victrix"
Mármol blanco / white marble, 1805-1808. Galería Borghese (Roma, Italia)
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this work here.

Antonio Canova fue un escultor y pintor italiano del Neoclasicismo.
Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la antigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini. Su contribución en la consolidación del arte neoclásico sólo se compara a la del teórico Johann Joachim Winckelmann y a la del pintor Jacques-Louis David, aunque también fue sensible a la influencia del romanticismo.
Info in english here.
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Francisco de Goya
"Dos viejos comiendo sopa / Two Old Men Eating Soup", 
Óleo sobre muro trasladado a lienzo / oil mural transferred to canvas, 49,3 x 83,4 cm., 1819-23
Museo del Prado (Madrid, España)
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this work here.

"Duelo a garrotazos o La riña / Fight with Cudgels"
Óleo sobre muro trasladado a lienzo / oil mural transferred to canvas, 123 x 266 cm., 1819-23
Museo del Prado (Madrid, España)
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this work here.


"La Maja desnuda / The Nude Maja", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 98 x 191 cm., 1795-1800
Museo del Prado (Madrid, España)
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this work here.

Más sobre Goya en "El Hurgador"/ More about Goya in this blog:
[Pintando perros (III)], [Pintando perros (XII)], [Pintando perros (XXV)]
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Pietro Torrigiano
"San Jerónimo Penitente / Saint Jerome", barro / clay, primer tercio del s.XVI / early XVI century. 
Museo de Bellas Artes de Sevilla (España)
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this work here.

Pietro di Torrigiano d'Antonio, conocido abreviadamente como Pietro Torrigiano fue un escultor italiano nacido en Florencia en 1472, conocido por su carácter violento, fogoso y apasionado. Fue uno de los precursores del Renacimiento y gracias a sus viajes difundió esta tendencia artística por toda Europa.
Se formó con Bertoldo di Giovanni. En Florencia fue asistente asiduo a la corte literaria de Lorenzo el Magnífico. Allí coincidió también con Benvenuto Cellini, autor que le menciona en su autobiografía. Según Cellini, en una disputa con Miguel Ángel, Torrigiano le dio un puñetazo en la nariz, causándole una desfiguración que es visible en todos los retratos del artista.
Info in english here.

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Vincent Van Gogh
"La silla de Van Gogh / Van Gogh's Chair"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93 x 73´5 cm., 1888. National Gallery (Londres, UK)
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this artwork here.

Más sobra Van Gogh en "El Hurgador" / More about Van Gogh in this blog:
[La Colección Bentaberry (I)], [Arte & Humor (III)], [Arte perdido (IV)]
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Piero della Francesca
"Díptico del Duque de Urbino: Retratos de Federico da Montefeltro y su esposa Battista Sforza / 
Diptych of the Dukes of Urbino: Portraits of Federico da Montefeltro and His Wife Battista Sforza"
témpera sobre panel / tempera on panel, 47 x 33 cm., 1465-1466
Galería de los Uffizi (Florencia, Italia)
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this work here.
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Pablo Ruiz Picasso
"El viejo guitarrista / The Old Guitarist", óleo sobre tabla / oil on panel, 122 x 82 cm., 1903
Art Institute (Chicago, USA)
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this artwork here.


"Las señoritas de Avignon / The Young Ladies of Avignon"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 243,9 × 233,7 cm., 1907
Museo de Arte Moderno / MoMA, (New York, USA)
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this artwork here.

Más sobre Picasso en "El Hurgador" / More about Picasso in this blog:
[Watson, Penn, Shinoyama, Johnsen], [Manos a la obra (X)], [Arte & Humor (II)], [Pintando perros (XI)], [Yousuf Karsh (Fotografía)]
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"Venus de Milo / Aphrodite of Milos", mármol blanco de Paros / White marble of Paros, 130-100 a.C.
Museo de Louvre (París, Francia)

Esta estatua fue encontrada en Milo (Islas Cícladas), desenterrada por un campesino y vendida a Francia entre 1819 y 1820. El precio que el campesino pedía por la escultura era demasiado alto, y Dumont d'Urville, viajero que realizó una parada en este lugar, no llevaba el dinero suficiente como para comprarlo, por lo que recurrió a un embajador francés en Constantinopla, quien accedió a comprarla. Sin embargo, anteriormente el campesino había acordado venderla a los turcos, lo que inició un conflicto por la posesión de la estatua.
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this artwork here.
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Mirón de Eleuteras
"Discóbolo / Discobolus", copia en bronce / bronze copy
Jardín Botánico / Botanic Garden (Copenhague, Dinamarca)

Discóbolo es la denominación convencional de una famosa escultura griega realizada por Mirón de Eleuteras en torno al 455 a. C. Representa a un atleta en un instante anterior al lanzamiento del disco.
Como ocurre con la mayor parte de las esculturas griegas más importantes, no se ha conservado la obra original, seguramente realizado en bronce, aunque su forma se conoce gracias a varias copias en mármol talladas en época romana. De entre estas copias, la primera descubierta en época moderna (1781) es conocida como Lancelotti, y proviene de la Villa Palombara propiedad de la familia Massimo.
Info in english here.
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El Greco
"El caballero de la mano en el pecho / The Nobleman with his Hand on his Chest"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,8 cm × 65,8 cm., c.1578-80
Museo del Prado (Madrid, España)
Más información sobre ésta obra aquí / More info about this artwork here.

Doménikos Theotokópoulos, conocido como El Greco («el griego»), fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.
Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su vida.
Info in english here.

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El "Guernica" de Pablo Picasso y "Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa", de Jan van Eyck ya fueron publicados en el blog, y pueden verse respectivamente en los siguientes posts:

The "Guernica" by Pablo Picasso and "Portrait of Giovanni Arnolfini and his wife" by Jan van Eyck were already published in the blog and you can see it respectively in the following posts:


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Taisuke Mohri [Dibujo]

November 6, 2013, 10:39 pm
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Taisuke Mohri
毛利太祐/


Taisuke Mohri es un artista japonés nacido en Sapporo en 1983.
Se graduó en 2009 por la Universidad de Arte de Tokyo con una licenciatura en Artes Industriales.
Ha expuesto regularmente su trabajo desde 2006 y en 2008 obtuvo el premio "Fujino", otorgado por Fujino Kinzoku Co.
En sus dibujos a lápiz, en blanco y negro o color, despliega una técnica extraordinaria, como puede verse.

"El retrato agrietado Nº 1/ The Cracked Portrait #1"
Lápiz sobre papel, vidrio / pencil on paper, glass, 103 x 76 cm., 2012. Colección privada (Singapur)
Image Courtesy Frantic Gallery

"El retrato agrietado Nº 1/ The Cracked Portrait #1", detalle / detail. Image Courtesy Frantic Gallery

"El retrato agrietado Nº 1/ The Cracked Portrait #1", detalle / detail. Image Courtesy Frantic Gallery

"Rei", lápiz de color sobre papel, sobre panel / color pencil on paper, on panel, 80,3 x 80,3 cm., 2009

"Una chica / A Girl", lápiz sobre papel / pencil on paper, 60 x 60 cm., 2010. Colección Pigozzi (Ginebra)
Image Courtesy Frantic Gallery

"(...) tras probar con varias técnicas diferentes de trabajo con madera, metal y laca en el Departamento de Arte Industrial de la Universidad de Tokyo, [Mohri] hizo su primer dibujo a lápiz de color y lo exhibió, causando un shock inmediato: nadie había visto nunca un debut con tan alto nivel técnico. La chica reclinada del retrato tenía polvo bajo sus uñas semitransparentes. Sus venas, arterias y tendones atraían a los espectadores hacia la profundidad de su carne. Sus arrugas juveniles componían un tapiz de piel en la superficie de esa belleza durmiente. Estaba completa... más que completa.
Sin embargo, los amigos de Mohri que fueron críticos le advirtieron que las "técnicas de copia" vacías harían que el artista se volviera una simple máquina, y la sorpresa de los espectadores convertiría a ésta "máquina" en un "dispositivo de entretenimiento". A Mohri le advirtieron que se detuviera y cambiara el rumbo radicalmente. Él rechazó éstas advertencias y continuó obstinadamente con esa 'imitación mecánica'."
De un artículo sobre Naritaka Satoh y Taisuke Mohri que puede leerse completo (en inglés) aquí.

"Una chica / A Girl", detalle / detail. Image Courtesy Frantic Gallery

"Una chica / A Girl", detalle / detail. Image Courtesy Frantic Gallery

Mohri rompe deliberadamente el asombroso nivel de detalle de sus retratos con ruido y craquelados, lo cual no hace más que aumentar la admiración del observador por el notable despliegue técnico involucrado en cada obra. Ésta misma destreza le permite crear trabajos con lápiz de color que fácilmente pueden ser tomadas por óleos.

"Resurrecciones: Víctor Hugo de A. Rodin (1885) / Resurrections: A. Rodin's Victor Hugo (1885)"
Lápiz sobre papel con barniz de polímero / pencil on paper with polymer gloss, 60 x 59 cm, 2010
[ver al final del post / check at the end of this post]
Colección privada (Beijing). Image Courtesy Frantic Gallery

Se puede disfrutar del trabajo de Mohri en el sitio web de Frantic Gallery.

"Sin título 1 / Untitled 1"
Lápiz de color sobre papel, sobre panel / color pencil on paper, on panel, 100 x 100 cm., 2009
Colección del artista. Image Courtesy Frantic Gallery

"El retrato agrietado Nº 2/ The Cracked Portrait #2"
Lápiz sobre papel, vidrio / pencil on paper, glass, 103 x 76 cm., 2012. Colección privada (Japón)
Image Courtesy Frantic Gallery

Taisuke Mohri is a Japanese artist born in Sapporo (1983).
B.A. Industrial Arts in the Tokyo Art University (2009) he has exhibite his work regulary since 2006, and in 2008 he was awarded with the "Fujino Prize”, Fujino Kinzoku Co.
In his pencil drawings in black and white or color, displays an extraordinary technical quality, as you can see.

"El retrato agrietado Nº 2/ The Cracked Portrait #2", detalle / detail. Image Courtesy Frantic Gallery

"El retrato agrietado Nº 2/ The Cracked Portrait #2", detalle / detail. Image Courtesy Frantic Gallery

"Las Resurrecciones: Gattamelata de Donatello (1453) / 
The Resurrections: Donatello's Gattamelata (1453)" 
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 73 x 73 cm., 2013. Image Courtesy Frantic Gallery
[ver al final del post / check at the end of this post]

"(...) after trying different techniques of working with wood, metal and lacque at the department of Industrial Art of Tokyo Art University, [Mohri] made his first color-pencil drawing, exhibited it, causing widespread shook: Nobody had ever seen a debut of such high level of technique. The reclinig girl he portrayed had dust under her half-transparent nails; her veins, arteries and tendons drew onlookers into the depth of her flesh; her young wrinkles composed a "skin carpet" on the surface of a sleeping beauty. (She was complete... more than complete.)
Nevertheless, Mohri's friends who were critic were warning him that the empty "copying techniques" cause an artist to become nothing more tha a machine, and the surprise of spectators turns this "machine" into "amusement device". Mohri was advised to stop or to change his way radically. He rejected such advises and obstinately continued "mechanical imitation".
From an article about Naritaka Satoh and Taisuke Mohri you can fully read here.

"Sin título / Untiltled", lápiz sobre papel / pencil on paper, 117 x 85 cm., 2010.
Colección privada (Singapur). Image Courtesy Frantic Gallery

"Sin título / Untiltled", detalles / details. Images Courtesy Frantic Gallery

"Sin título / Untitled", lápiz sobre papel / pencil on paper, 73 x 73 cm., 2011.
Colección privada (China). Image Courtesy Frantic Gallery

Mohri deliberately breaks the amazing detail of his portraits and representations of classical sculptures with noise and crackle, which only serves to increase the observer's admiration for the remarkable technical effort involved in each piece. This skill allows him to create colored pencil work that can easily be taken by oils.

"Sin título / Untitled", detalle / detail. Image Courtesy Frantic Gallery

"Una niña en negro / A Girl Within Black"
Lápiz de color sobre papel, sobre panel / color pencil on paper, on panel, 112 x 130 cm., 2010
Colección privada (Japón). Image Courtesy Frantic Gallery

"Una niña en negro / A Girl Within Black", detalle / detail. Image Courtesy Frantic Gallery

You can enjoy Mohri's work on the Frantic Gallery's website.

"Resurrecciones: Juliano de Médici (1526-33) / Resurrections: Giuliano de Medici (1526-33)"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 73 x 73 cm., 2010. Colección Pigozzi (Ginebra)
Image Courtesy Frantic Gallery. [ver al final del post / check at the end of this post]

"Resurrecciones: Juliano de Médici (1526-33) / Resurrections: Giuliano de Medici (1526-33)", detalle / detail.
Image Courtesy Frantic Gallery

"Resurrecciones: Juliano de Médici (1526-33) / Resurrections: Giuliano de Medici (1526-33)", detalle / detail.
Image Courtesy Frantic Gallery

Agradezco Taisuke Mohri y a Frantic Gallery por permitirme utilizar imágenes e información de su sitio web (¡Gracias Rodion!)
Thanks a lot to Taisuke Mohri and Frantic Gallery for the permission to use images and information of Gallery's website (Thanks Rodion!)

Las esculturas / The Sculptures

Auguste Rodin

"Busto de Victor Hugo / Bust of Victor Hugo", yeso / plaster, 1885. Musée des Beaux-Arts de Cambrai
Imagen / Image: Wikimedia Commons

François-Auguste-René Rodin (París, 12 de noviembre de 1840-Meudon, 17 de noviembre de 1917) fue un escultor francés contemporáneo de la corriente impresionista. Enmarcado en el academicismo más absoluto de la escuela escultórica neoclásica, no sólo fue el escultor encargado de poner fin a más de dos siglos de búsqueda de la mimesis en las artes tridimensionales, sino que además dio un nuevo rumbo a la concepción del monumento y la escultura pública. Debido a esto, Rodin ha sido denominado en la historia del arte como «el primer moderno».
Info in english here.

"Busto de Victor / Bust of Victor Hugo", bronce / bronze, 1890. Musée des Beaux-arts de Besançon
Imagen / Image: Wikimedia Commons
_____________________________________________________

Donatello

"Estatua ecuestre del Condotierro Gattamelatta / The Equestrian Statue of Gattamelata"
Bronce / bronze, 1453. Padua (Italia). Imagen / Image: Blog de Ana Cob

Donatello (Donato di Niccolò di Betto Bardi) (Florencia, Italia, 1386 - ibídem, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del Renacimiento. Junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los padres del renacimiento. Donatello se destacó en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir «relieve aplanado o aplastado».
El David de mármol para la catedral de Santa María del Fiore en Florencia, fue su primera obra documentada entre 1444 y 1446. En los años sucesivos realizó numerosas obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades. Regresó a Florencia en el año 1459 con el encargo de modelar unas placas en bronce para la Basílica de San Lorenzo y durante su elaboración falleció en diciembre de 1466.
Entre sus obras más importantes se encuentran el David de bronce en el museo del Bargello, el Púlpito exterior de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio Vecchio.
Info in english here.

"Estatua ecuestre del Condotierro Gattamelatta / The Equestrian Statue of Gattamelata", detalle / detail
Imagen / Image: Wikimedia Commons
_____________________________________________________

Michelangelo Buonarroti

"Tumba de Juliano de Medici, Duque de Nemours, con La Noche y El Día /
Tomb of Giuliano di Medici, Duke of Nemours with Night and Day", 1521-24
Sacristía Nueva de la Capilla de los Médici en la Basílica de San Lorenzo, Florencia, Italia/ 
Sagrestia Nova, Medici Chapels at the Basilica of San Lorenzo, Florence, Italy
Imagen / Image: Aspasia

Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475 - Roma, 18 de febrero de 1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.
Info in english here.

"Juliano de Medici / Giuliano di Medici", detalle / detail
Imagen / Image: Un extraño en md

Más sobre Miguel Angel en "El Hurgador" / More about Michelangelo in this blog:

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Karen Abramyan [Fotografía]

November 7, 2013, 10:32 pm
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Karen Abramyan


Karen Abramyan es un fotógrafo ruso nacido en Moscú en 1986. Interesado desde pequeño en la música (tocaba el piano) y demás actividades creativas, llegó a la fotografía buscando crear belleza.
Su primera cámara fue su teléfono móvil.
Karen encuentra su inspiración en la música, sus propios estados de ánimo y, por supuesto, la mujer.

"Madonna"

"Ultramalvin"


"Nunca he estado muy interesado en la tecnología (o las lentes de la cámara), siempre estaba más preocupado por el proceso de disparar y crear bellas imágenes" K.A.

"Años más tarde / Later years" 


"Defoliación / Defoliation"

"Soy por naturaleza un hombre de estados de ánimo, y en cada imagen creo que hay parte de ello, desde el principio hasta el final, con la toma y el procesamiento de la imagen." K.A.

"Abrigos / Coats"

Los comentarios de Karen están tomados de una entrevista que puede leerse completa aquí.
Se puede disfrutar del trabajo de Karen en su sitio web, 500px, Photodom y también en su facebook.


"Fantasías eróticas / Erotic Fantasies"

Karen Abramyan is Russian photographer born in Moscow, 1986. He was always interested in music and the creative professions, and came to photography powered by the desire to create something beautiful.
His first camera was a mobile phone.
Karen finds inspiration in music, his own moods and, of course, women.

"Aquarius"

"Mírame / Look at me"

"Velo / Shroud"

"I’ve never been too keen on the technology that is (or camera lens), I was always more worried about the process of shooting and creating beautiful images" K.A.

"Excitación / Excitation"

"Sueño / Sleep"


"I am by nature a man of moods, and in every picture I think there is a part of my mood, starting and ending with the shooting and image processing." K.A.

"Tristeza / Sorrow"

"Sendero / Footpath"

Karen comments taken from an interview you can fully read here.
You can enjoy Karen's work in his website, 500px, Photodom and also in his facebook.

"Puesta de sol en el lago / Sunset on the lake"

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Karen!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Karen!)

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