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Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
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Ilayda Portakaloglu [Fotomanipulación]

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Ilayda Portakaloglu

"Encanto / Allure" © Ilayda Portakaloglu

Ilayda Portakaloglu nació en abril del 1987 en Estambul (Turquía). Sus padres eran originarios de Kars (Turquía) y Thassos (Grecia). 
A los 4 años se trasladó con su familia a Alemania donde se crió con 4 hermanos y completó la secundaria. Al acabar sus estudios, se preparó como asistente administrativa.
A los 18 años descubrió su amor por la fotografía y la manipulación de imágenes. Desde el 2007 vuelca sus emociones y sentimientos en sus trabajos. Es amateur en éste campo y se divierte mucho con sus creaciones.

"Elefantástico / Elephan't'astic"© Ilayda Portakaloglu

"Anhelo inmortal / Immortal Yearning"© Ilayda Portakaloglu

 © Ilayda Portakaloglu

 © Ilayda Portakaloglu

 © Ilayda Portakaloglu

 © Ilayda Portakaloglu

"Estambul bajo el agua / Istanbul Under Water"© Ilayda Portakaloglu

"Solitario / Lonely"© Ilayda Portakaloglu

No tengo mucha información sobre Ilayda, pero su obra es muy buena. Consigue una atmósferas oníricas con toques surrealistas trabajando hábilmente con la luz e imágenes en blanco y negro en espacios minimalistas.
Se puede disfrutar de muchas de sus obras en deviantART, 500px, flickr y también en su facebook.

"Alma perdida / Lost Soul"© Ilayda Portakaloglu

"Sirena / Mermaid"© Ilayda Portakaloglu

"Femineidad seductora / Seductive Feminity"© Ilayda Portakaloglu

Ilayda Portakaloglu was born in Istanbul, 1987. Her parents are originally from Kars (Turkey) and Thassos (Greece). With 4 years she came with her parents to Germany. She is raised with 4 brothers and has completed high school. After her schooling, she trained as administrative assistant and at the same time she completed her studies in business. With since 18 years discovered she her love to photographs and manipulations. Since about 2007 she handled her emotions and feelings in her works. She is an amateur in this field and have fun at her works. 

"Suavidad del agua / Softness of the Water"© Ilayda Portakaloglu

"Taj Mahal, oración / Taj Mahal, Pray"© Ilayda Portakaloglu

"Suave belleza / Soft Beauty"© Ilayda Portakaloglu

"El gato y el pez / The Cat and The Fish"© Ilayda Portakaloglu

"La Distancia / The Distance"© Ilayda Portakaloglu

I don't have much information about Ilayda, but his work is very good. She manages to create dreamlike atmospheres with surreal touches skillfully working with lights and black and white images in minimalist spaces.
You can enjoy her work in deviantART500pxflickr and also in her facebook.

"La Vida / The Life"© Ilayda Portakaloglu

"Sueños de agua / Waterdreams"© Ilayda Portakaloglu

Imágenes publicadas con permiso de la artista (¡Muchas gracias, Ilayda!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Ilayda!)


Till Rabus [Pintura]

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Till Rabus


Till Rabus es un singular pintor suizo nacido en Neuchâtel (donde vive y trabaja) en 1975.
Se graduó en la Escuela Superior de Bellas Artes de La Chaux-de-Fonds y ha venido exponiendo regularmente desde 1999.
Su obra consiste en lienzos en los que se entrelazan el hiperrealismo con el surrealismo (las referencias a Dalí son directas en las obras de la serie "Almuerzo campestre Surrealista"), a través de los más diversos elementos: basura, objetos de todo tipo, miembros, vegetales, animales, dispuestos en composiciones extrañas de intenso colorido y llenas de alusiones a los excesos del consumo descontrolado.

"Monstre / Monstruo / Monster", óleo sobre tela / oil on canvas, 240 x 190cm., 2012

"Plastique brûlé / Plástico ardiendo / Burning Plastic", óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 160 cm., 2010

Traduzco parte de un artículo sobre la obra de Till publicado en Art Press (abril, 2009) que me parece especialmente interesante, y que puede leerse completo aquí.

Generalmente sus pinturas comienzan con una impresión digital. Obviamente, la relación entre pintura y fotografía es tan vieja como éste último medio. Pero mientras que muchos pintores de hoy en día encuentran sus temas en imágenes digitales de baja resolución pirateadas de la Red, Rabus otorga gran importancia y mucho tiempo a la preparación de las imágenes que le servirán como modelos. De hecho, ésta preparación podría entenderse como una suerte de performance. Por ejemplo, para la serie "Ikebana" (2007-08), birlaba por las noches bolsas de basura de unas viviendas en proyecto cerca de Neuchâtel y luego ordenaba el contenido para componer naturalezas muertas modeladas como Ikebanas, el antiguo arte japonés de los arreglos florales. Una vez que había tomado la foto, comenzaba la segunda fase de la performance.

"Autel / Altar" N° 2, óleo sobre tela / oil on canvas, 70 x 85 cm., 2011

"Epouvantail / Espantapájaros / Scarecrow" N° 1, óleo sobre tela / oil on canvas, 160 x 210 cm., 2011

El exageradamente preciso proceso de pintar esas piezas le tomaba hasta un mes trabajando día tras día. Es la dificultad de hacer las cosas a mano lo que, según su punto de vista, da significado a su trabajo, un abordaje totalmente opuesto al de gente como Damien Hirst y Jeff Koons, que subcontratan la fabricación de su arte. Siguiendo la gran tradición clásica, Rabus proscribe el menor fallo técnico (no hay gotas, no hay pinceladas anchas y gruesas, etc.). Por tanto, no hay dilución de la idea, simplemente una representación de la realidad en alta definición. Para eso se necesita valor. Además, medio en serio medio en broma, comentando su obra se critica a sí mismo por "pintar bien". Se podría argumentar que sería mucho más fácil conformarse con la imagen digital, pero, al final, sería menos significativo.

"Crânerie / Pavoneo / Swagger" N°2, óleo sobre tela / oil on canvas, 80 x 58 cm., 2012

La densidad de sus pinturas resulta de la tensión entre el tema y el empleo de tiempo, técnica y energía. Lo que podría ser sólo una actitud juvenil, resulta en la producción de poderosas pinturas agridulces. Éste efecto se ve reforzado por una deliberada sobresaturación de colores "Martinparriana", produciendo una sensación levemente mareante. Es un tratamiento radicalmente Neo Pop.

"Voodoo N° 3", óleo sobre tela / oil on canvas, 190 x 180 cm., 2012

"Crânerie / Pavoneo / Swagger" N°1, óleo sobre tela / oil on canvas, 70 x 50cm., 2012

Se puede disfrutar del trabajo de Till en su sitio web y también en su facebook.

"Composition picturale / Composición pictórica / Pictorial Composition" N° 1
Óleo sobre tela / oil on canvas, 220 x 240 cm., 2011

"Deux ballons / Dos globos / Two Balloons", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 60 cm., 2012

Till Rabus is a remarkable Swiss painter born in Neuchâtel -where he lives and works- in 1975.
He graduated from the School of Fine Arts in La Chaux-de-Fonds and has been exhibiting regularly since 1999.
His work consists of paintings in which intertwine hyperrealism to surrealism -there are references to Dali in the works of the series "Surrealist Camping Lunch"-, through the most diverse elements: trash, objects of all kinds, members, plants, animals, bizarre compositions arranged in intense color and full of allusions to the excesses of uncontrolled consumption.

"Voodoo N° 1", óleo sobre tela / oil on canvas, 190 x 180 cm., 2012

"Sacs poubelles / Bolsas de basura / Garbage Bags", óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 200 cm., 2008

Here I transcribe an excerpt from an article about Till's work published in Art Press (April, 2009) I found specially interesting. You can fully read it here.

Usually, his paintings start with a digital print. Obviously, the relationship between painting and photography is as old as the latter medium. But while many painters today find their subjects in low-definition digital images pirated from the Net, Rabus gives great importance and much time to the preparation of the pictures that are to serve as his models. In fact, by now this preparation could be called a kind of performance. For example, for the Ikebana series (2007-2008), he swiped garbage bags from in front of housing projects near Neuchâtel late at night, and then sorted their contents to compose still lifes modeled on Ikebana, the ancient Japanese art form of flower arrangement. Once a digital photo was snapped, the second phase of the performance began. 

"Epouvantail / Espantapájaros / Scarecrow" N° 4, óleo sobre tela / oil on canvas, 230 x 160 cm., 2011

"Surrealist camping lunch / Almuerzo campestre surrealista" N° 4
Óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 250 cm., 2011

The outrageously precise process of painting these pieces took up every day for at least one month. It is the difficulty of making things by hand that gives his work meaning in this view, an approach totally opposite to people like Damien Hirst and Jeff Koons, who subcontract the actual making of their art. Following the classical grand tradition, Rabus outlaws the slightles technical flaw -no drips, no thick, broad brushstrokes, etc. No dilution of the idea, therefore, simply a high-definition rendering of the real. That takes real nerve. Further, half seriously and half ironic, in commenting on his own work he criticezes himself for "painting well". It could be argued that it would be a lot easier to rest content with the digital image, but that, in the end, would be less meaningful. 

"Chewing-gums écrasés / Chicles aplastados / Chewing gum crushed"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 100 cm., 2009

"Patchwork hôtel N°1", óleo sobre tela / oil on canvas, 190 x 170 cm., 2012

"Surrealist camping lunch / Almuerzo campestre surrealista" N° 1
Óleo sobre tela / oil on canvas, 240 x 300 cm., 2009

The density of his paintings results from the tension between the subject and the employment of time, technique and energy. What could have been just a juvenile attitude turns out to produce powerful bittersweet paintings. This effect is reinforced by the deliberate Martin Parr-ish oversaturation of the colors, producing a slightly queasy sensation. This treatment is radically Neo-Pop.

"Ikebana 2", óleo sobre tela / oil on canvas, 240 x 190 cm., 2007

You can enjoy more artworks in Till's website and also in his facebook.

"Surrealist camping lunch / Almuerzo campestre surrealista" N° 1
Óleo sobre tela / oil on canvas, 210 x 190 cm., 2010

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Till!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Till!)

Moore al aire libre (I) [Escultura]

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Desde hace algún tiempo quería dedicarle un espacio a éste destacado escultor británico. Ahora tengo la excusa gracias a la instalación en las calles de Santa Cruz de Tenerife (Canarias, España) de una serie de sus trabajos procedentes de la Henry Moore Foundation con motivo de la muestra "Arte en la Calle", conmemorando el 40º aniversario de la "I Exposición Internacional de Escultura en la Calle".

Since some time ago I wanted to dedicate a space to this prominent British sculptor. Now I have the excuse thanks to the installation on the streets of Santa Cruz de Tenerife (Canary Islands, Spain) of a number of his works from the Henry Moore Foundation, on the occasion of the exhibition "Art in the Street", commemorating the 40th anniversary of the "First International Exhibition Sculpture in the Street" (1973).
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Henry Moore


Fotografía de aquí.

Henry Spencer Moore fue un escultor inglés nacido en 1898, conocido por sus trabajos abstractos de bronce y mármol que pueden ser contemplados en numerosos lugares del mundo como obras de arte público.
Aunque durante sus inicios Moore siguió el estilo romántico de la época victoriana, posteriormente desarrolló uno propio, influido por varios artistas renacentistas y góticos tales como Miguel Ángel, Giotto y Giovanni Pisano, así como por la cultura tolteca-maya. En sus primeras obras, Moore utilizó el tallado directo, pero a finales de los años 1940 comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena.


"Figura reclinada en dos piezas Nº 2 / Reclining Figure in Two Pieces #2", bronce / bronze, 1960
Fotografía / Photo 11/2013

Realizada en dos formas separadas, ésta escultura no es sólo una representación de una figura inclinada, sino que se convierte en una fusión del cuerpo humano con las formas rocosas y con el paisaje.

Mado of two separate formas this sculpture is not just a representation of a reclining figure: it becomes a fusion of the human body with rock formations and landscape.

"Figura reclinada en dos piezas Nº 2 / Reclining Figure in Two Pieces #2", bronce / bronze, 1960
Fotografía / Photo 11/2013

"Gran figura de pie: filo de cuchillo / Large Standing Figure: Knife Edge", bronce / bronze, 1976
Fotografía / Photo 11/2013

Ésta obra, que evoca la famosa Victoria alada de Samotracia [ver al final del post], fue concebida utilizando uno de los métodos preferidos de Moore: la creación de una obra monumental desde un fragmento de material natural. En éste caso, se limitó a añadir una base y una cabeza de plastilina a un trozo de hueso de pájaro y después aumentó la maqueta resultante en tres fases.

This sculpture, which evokes the famous Nike of Samotrace [check at the end of this post], was created using one of Moore preferred methods: the creation of a monumental piece starting from a fragment of natural material. Here he simply added a base and head of plasticine to a piece of bird bone, and the enlarged the resulting maquette in three stages.

"Gran figura de pie: filo de cuchillo / Large Standing Figure: Knife Edge", bronce / bronze, 1976
Fotografía / Photo 11/2013

"Óvalo con puntos / Oval with Points", bronce / bronze, 1968-70. Fotografía / Photo 11/2013

Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950, cuando esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas, inspiradas, según algunos críticos, por los paisajes de Yorkshire, su lugar de origen.
Moore fue una de las figuras artísticas más conocidas de su época, siendo considerado "la voz oficial de la escultura británica y la cara aceptable de la Modernidad". La habilidad que adquirió en su madurez para cumplir encargos de obras de gran tamaño, tales como el West Wind en el edificio del Metro de Londres, lo hizo excepcionalmente rico. Sin embargo, vivió modestamente y la mayor parte de su dinero fue usado para crear y mantener la Henry Moore Foundation, una fundación dedicada a promover la educación y fomento de las artes.
Moore murió el 31 de agosto de 1986 en su hogar en Hertfordshire a los 88 años.

"Óvalo con puntos / Oval with Points", bronce / bronze, 1968-70. Fotografía / Photo 11/2013

"Figura reclinada / Reclining Figure", bronce / bronze, 1982. Fotografía / Photo 11/2013

El tema de la figura reclinada fue uno de los más importantes en la obra de Moore, al que regresó una y otra vez durante toda su vida. 
"La escultura reclinada ofrece la máxima libertad de composición y espacio. La figura sentada tiene algo donde sentarse. No puedes moverla de su pedestal. Una figura reclinada se puede reclinar sobre cualquier superficie. Es libre y estable al mismo tiempo (...) además, está en reposo, se adapta a mí"

"Figura reclinada / Reclining Figure", bronce / bronze, 1982. Fotografía / Photo 11/2013

The theme of the reclining figure was arguably the most important in Moore's art, and one to which he returned througout his career.
"The reclining figure gives most freedom compositionally and spatially. The seated figure has to have something to sit on. You can't free it from its pedestal. A reclining figure can recline on any surface. It is free and stable at the same time (...) also, it has repose, it suits me."

"Figura reclinada / Reclining Figure", bronce / bronze, 1982. Fotografía / Photo 11/2013

Henry Spencer Moore OM CH FBA RBS (30 July 1898 – 31 August 1986) was an English sculptor and artist. He was best known for his semi-abstract monumental bronze sculptures which are located around the world as public works of art.
Although in its early Moore followed the romantic style of the Victorian era, later developed his own style, influenced by several Renaissance and Gothic artists such as Michelangelo, Giotto and Giovanni Pisano and the Toltec-Maya culture. Moore's early works were performed using the technique of direct carving, but in the late 1940s began to produce sculptures by molding the figure in clay or plaster before finishing the work in bronze using the technique of lost wax casting or sand casting.

"Pieza de bloqueo / Locking piece", bronce / bronze, 1963-64
Fotografía / Photo 11/2013

"Pieza de bloqueo / Locking piece", bronce / bronze, 1963-64
Fotografía / Photo 11/2013

"Formas conectadas reclinadas / Reclining Connected Forms", bronce / bronze, 1969
Fotografía / Photo 11/2013

Ésta obra prosigue la exploración de uno de los temas favoritos de Moore: una forma exterior protege o encierra a otra interior. Ésta idea, con sus asociaciones de protección y delimitación, también está estrechamente relacionada con obras más figurativas, como las de madre e hijo.

This work explore one of the Moore's favourite themes: an outer form enclosed an internal one. This idea, with its associations of protection and enclosure, is closely related to more figurative subjects, such as the mother and child.

"Madre e hijo reclinados / Reclining Mother and Child", bronce / bronze, 1975-76. 
Fotografía / Photo 11/2013

"Madre e hijo reclinados / Reclining Mother and Child", bronce / bronze, 1975-76. 
Fotografía / Photo 11/2013
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"Colina arcos / Hill Arches", bronce / bronze, 1973. Fotografía / Photo 8/2011
Viena (Austria) frente a la Iglesia de San Carlos / In front of the Church of St Charles

His forms are usually abstractions of the human figure, typically depicting mother-and-child or reclining figures. Moore's works are usually suggestive of the female body, apart from a phase in the 1950s when he sculpted family groups. His forms are generally pierced or contain hollow spaces. Many interpreters liken the undulating form of his reclining figures to the landscape and hills of his birthplace, Yorkshire.
Moore was one of the most famous artistic figures of his time, being considered "the official voice of British sculpture, and the acceptable face of modernity". The skill acquired at maturity to fulfill orders for large works, such as the West Wind in the building of the London Underground, did exceptionally rich. However, he lived modestly and most of his money was used to create and maintain the Henry Moore Foundation, a foundation dedicated to promoting education and promotion of the arts.
Moore died on August 31, 1986 at his home in Hertfordshire at age 88.

"Colina arcos / Hill Arches", bronce / bronze, 1973. Fotografía / Photo 8/2011

Amsterdam, Holanda /Netherlands, jardines del / gardens of Rijksmuseum. Fotografía / Photo 10/2013
"Gran figura reclinada / Large reclining figure", fibra de vidrio blanca / white fiberglass, 1983


"El Guerrero de Goslar / The Goslar Warrior"

"El Guerrero de GoslarThe Goslar Warrior", bronce / bronze, 1977. Fotografía / Photo aquí.

Se trata de una escultura ubicada en la Rambla de Santa Cruz en la ciudad de Santa Cruz de Tenerife (Canarias, España) y declarada como Bien de Interés Cultural por el Gobierno de Canarias en 2007. Es una de las esculturas más simbólicas de la Rambla de Santa Cruz y de toda la ciudad.
Sustituyó a otra pieza de Moore que había formado parte de la I Exposición Internacional de Escultura en la Calle, celebrada en la ciudad en 1973, y fue cedida a la ciudad de Santa Cruz de Tenerife por el artista gracias a las gestiones realizadas por el arquitecto tinerfeño Carlos Schwartz.

"El Guerrero de Goslar / The Goslar Warrior", bronce / bronze, 1977. Fotografía / Photo 2004

This is an sculpture located in the Rambla de Santa Cruz in the city of Santa Cruz de Tenerife (Canary Islands, Spain) and declared of cultural interest by the Government of the Canary Islands in 2007. It is one of the most iconic sculptures of the Rambla de Santa Cruz and the entire city.
It replaced another piece of Moore who had been part of the First International Sculpture Exhibition on the Streets, held in the city in 1973, and was ceded to the city of Santa Cruz de Tenerife by the artist thanks to the efforts by the Tenerife architect Carlos Schwartz. More info (in Spanish) here.

"El Guerrero de la Rambla / The Boulevard Warrior". Fotografía / Photo 10/2013
Taller infantil sobre "El Guerrero de Goslar", TEA (Tenerife Espacio de las Artes), 2009
Children's workshop on "The Goslar Warrior", TEA (Tenerife Space of Arts)

"El Guerrero de la Rambla / The Boulevard Warrior". Fotografía / Photo 10/2013

En el año 2009, con motivo de la inauguración del TEA, la obra de Moore estuvo expuesta en una de las salas del museo, lejos de su ubicación habitual en la Rambla de Santa Cruz. Durante varias semanas un grupo de niños participaron en un taller en el que, después de observar la obra original, transformaban una reproducción a escala de la misma.

"El Guerrero de la Rambla / The Boulevard Warrior". Fotografía / Photo 10/2013

To celebrate the inauguration of TEA (2009), Moore's work Goslar Warrior was exhibited in one of museum's halls, far from its usual location on Rambla de Santa Cruz. During several weeks, different groups of children took part in whorkshops in which the observed the original work and then were able to transform a life-sized replica of the sculpture.

El Guerrero de Goslar siendo reinstalado en su emplazamiento habitual en la Rambla tras su paso por el TEA.
The Goslar Warrior being reinstated in its normal location in the Boulevard after passing through the TEA.
Fotografía de / Photo by Delia Dadrón. "La Opinión de Tenerife", Mayo, 2009

La información biográfica está tomada de la ficha del artista en Wiki. La de las obras, de las placas adjuntas a las mismas.
En éste primer post, todas las fotografías, salvo la del artista y un par del "Guerrero de Goslar" (según se indica) son mías y pueden usarse libremente sin fines de lucro con sólo citar la fuente.

Biographic text from the artist record in Wiki. About the works, from the information plates attached.
In this first post, all the photographs, except the one of the artist and a couple of the "Goslar Warrior" are mine and can be used freely for non profit just by quoting the source.



"Victoria alada de Samotracia / Winged Victory of Samothrace"
Νίκη της Σαμοθράκης

Mármol de Paros / Parian marble, 244 cm., c. 200-190 A.C./BCE. Museo del Louvre (París, Francia)
Fotografía / Photo 8/2013

Ésta escultura griega de autor desconocido fue descubierta en 1863 en la isla de Samotracia (en griego Σαμοθρακη - Samothraki) por el cónsul francés Charles Champoiseau, arqueólogo aficionado, quien la envió a París ese mismo año. Más información en Wiki.

This Greek sculpture by an unknown artist was discovered in 1863 on the island of Samothrace (in Greek, Σαμοθρακη - Samothraki) by the French consul and amateur archaeologist Charles Champoiseau, who sent it to Paris in the same year. More info in Wiki.

Tanya Miller [Pintura, Grabados]

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Tanya Miller es una estupenda artista rusa que descubrí a través del trabajo de su padre, el soberbio dibujante, pintor y grabador Sergey Tyukanov. Recientemente tuve oportunidad de disfrutar de algunos de sus trabajos en la Galería Sixty One, en Amsterdam, Holanda.

Tanya Miller is a great Russian artist I discovered through the work of his father, the superb drawer, painter and engraver Sergey Tyukanov. Recently I had a chance to enjoy some of her works in the Sixty One Gallery, Amsterdam, Netherlands.

Tanya Miller


Tanya nació en Khabarovsk en 1979. Actualmente vive y trabaja en Montreal (Quebec, Canadá)
Desde su más temprana infancia, Tanya ha sentido la influencia del arte y la literatura. En primer lugar, su padre. En segundo, adora leer.
"Los libros me aportan tantas ideas y excitación que necesito derramarlas en algún sitio. El arte me sirve a éste propósito. Cuando era una estudiante, no había nada mejor para mí que regresar del colegio, coger un libro, taparme con una cálida manta y leer, leer, leer. Los libros me transportan a otros países, otros tiempos.
Puedo vivir a través de otras experiencias y sentir emociones diferentes. Me ayudan a desarrollar mi imaginación y me aportan mucha inspiración para mi arte."

"El camino / The Road", óleo / oil, 2010

"Tiempo / Time", dibujo / drawing, 2006

"Enciclopedia del bosque / Forest encyclopedia"
Pluma y tinta, acuarela, lápiz de color / pen and ink, watercolor, color pencil

A Tanya le gusta experimentar y probar cosas nuevas, por ello sus obras son tan diferentes. Algunos conceptos son simples travesuras, algunos alegóricos y otros tienen un significado personal y profundo. Pero haga lo que haga, Tanya transmite una emoción o estado de ánimo. Sus ideas le vienen del suconsciente. Primero, visualiza la imagen. Luego la transfiere a su cuaderno de bocetos. A veces puede pasar horas sentada en el sofá en una suerte de ensoñación acerca del concepto. Cuando redondea la idea, hace un boceto de la imagen. Tanya calcula que sólo una de cada 20 ideas plasmadas en su bloc cobra vida.

Tanya dice que cuando crea sus obras de arte, lo importante para ella es que sean significativas, hermosas, positivas y emotivas.
Hermosas, porque hay demasiada fealdad en el mundo. Significativas, porque sin significado, la vida sería algo vacío y sin valor. Positivas, porque el arte positivo es su escape de la dureza de la realidad. Emotivas, porque cuando sentimos estamos vivos.
"El arte es mi pasado, mi presente y mi futuro. Así es mi vida"

"Músico / Musician", Izq./Left: Pintura / painting - Der./Right: Grabado / etching, 2008

"Alicia desciende por la madriguera del conejo / Alice down the rabbit hole", acrílico / acrylic

"Amo a todos, absolutamente todos los artistas que han existido en la historia del Arte. Todos son mis favoritos. Tengo una gran colección de libros de arte. Un día disfruto mirando a Velázquez, otro día a Picasso, al siguiente a Canaletto. Amo a cada artista y puedo aprender algo nuevo con cada uno. Realmente adoro aprender cosas nuevas. Amo a Rembrandt por su libertad en el dibujo y las genuinas emociones que contienen sus obras. Amo a las misteriosas y magnéticas pinturas de Vermeer y el sentimento de eternidad que trascienden. Amo a Picasso por su alegría y vigorosa energía. Amo a Brueghel por su humor y filosofía. Y también amo a Daumier, Bellini, Mantegna, Doré, Magritte, Piero della Francesca... y muchos, muchos más."

"Vida familiar / Family Life", dibujo / drawing, 2009

"Amo todas las técnicas. Generalmente cambio entre unas y otras. Por ejemplo, hago una pintura, luego un dibujo y después un grabado. Pero el dibujo es la base para cualquier otra técnica, ya sea pintura, acuarela o grabado. Para mí el dibujo está en la cúspide de mi lista de prioridades. Normalmente antes de hacer una pintura o grabado hago un dibujo monocromo a tinta."

"De la vida de los muebles / From the Life of Furniture", acuarela, pluma, tinta / watercolor, pen, ink, 2009

Los textos están traducidos de la información de su sitio web y de una entrevista de Art Nectar que puede leerse completa (en inglés) aquí.
Se puede disfrutar del trabajo de Tanya en su sitio web, en deviantART y también en su facebook.

"Anti gracias / Anti-Graces", acuarela / watercolor, 2007

"Ansiedad / Anxiety", acuarela, pluma y tinta / watercolor, pen and ink

Tanya Miller is a Russian artist born in Khabarovsk in 1979. Now lives and works in Montreal, Quebec, Canada.
Since her early childhood Tanya has been influenced by art and literature. First her father is a well known artist and print maker. Second, she loves to read: "Books give me so many ideas, and emotional excitement that I need to pour them out somewhere. Art serves as best means for that purpose. When I was a student, nothing was better for me than to come back from school, pick-up a book, cover myself with a warm blanket, and read, read, read. Books transport me to other countries, other times. I can live through different experiences and feel different emotions.  It helps me to develop my imagination and provides a lot of inspiration in art."

"Bodegón / Still Life"

"De la vida de las frutas y vegetales / From the life of fruit and vegetables", óleo / oil, 2009

Tanya likes to experiment and try new things, so her artwork is very different.  Some concepts are just playful, some allegorical and others have deep, personal meaning.   But whatever she makes, Tanya relates to an emotion or mood. Her ideas come from the subconscious. First she visualizes the image, then transfers them into her sketchbook.  Sometimes she can sit for hours on the sofa just daydreaming about the concept. When she comes up with the idea she sketches out the image.  Tanya calculates that only one out of 20 ideas in her sketchbook will actually come to life.

Tanya Miller tells us that when creating works of art it is important to her that they are meaningful, beautiful, positive and emotional.
Beautiful - because there is too much ugliness in today's world. Meaningful - because without meaning life would be empty and worthless. Positive - because positive art is my escape from the hardship of reality. Emotional - because when we feel we live.
"Art is my past, my present and my future. It is my life."

"Los siete pecados capitales: Gula / Seven deadly sins: Gluttony", pluma y tinta / pen and ink

"El armario / The Wardrobe", acuarela, pluma, tinta / watercolor, pen, ink, 2009

"I love all, completely all artists that have ever existed in the Art History. They all are my favorites. I have a large collection of art books. One day I enjoy looking at Velazquez, second day at Picasso, third day at Canaletto. I love every artist I can learn something new from. I really like to learn and try new things. I love Rembrandt for his freedom in drawing and genuine emotions behind his artworks. I love Vermeer magnetic and mysterious paintings and the feeling of eternity they transcend. I love Picasso for his playfulness and vigorous energy. I love Brueghel for his humor and philosophy. I also love Daumier, Bellini, Mantegna, Dore, Magritte, Piero Della Francesca…and many, many more."
"I love all the techniques. Usually, I like to change them, for example: make a painting, than a drawing, and after that an etching. But drawing is the basis for every other technique be it a painting, watercolor, or an etching. For me drawing is at the top of my priority list. Usually before making a painting or an etching I do a monochrome ink drawing."

"Reunión de té / Tea Party", dibujo / drawing

"Autorretrato / Self-Portrait", óleo / oil, 2009

P: En tu Autorretrato (2007)... el punto focal es una mujer sentada en una silla rodeada por el caos... ¿Puedes darnos una visión más clara de ésta pieza?
R: Fue un momento muy intenso y difícil en mi vida porque mis niños eran muy pequeños (tengo dos). La rutina diaria y todas las tareas familiares me obligaban a reducir al mínimo el tiempo disponible para el arte. Sentía mucha energía e inspiración dentro de mí, pero sólo podía materializar unas pocas cosas. La tensión interior crecía dentro de mí, y me sentía muy miserable, dividida entre mi deseo interior de crear y la realidad de la "lucha por la supervivencia" cotidiana.

Q: Specifically, your Self Portrait (2007)…the focal point is a woman sitting in a chair while chaos surrounds her…(my observation.) Can you give more insight into this piece?
A: It was a very intense and difficult time in my life because my children were very small (I have two kids). The daily routine and all the family duties I had to do reduced the time for making art to a minimum. I felt so much energy and inspiration inside, but I could materialize only a few things. The tension inside of me was growing and I felt very miserable and torn apart by my inner desires to create and reality of daily “life struggles”.

"El fin del tiempo / The End of Time", dibujo con tinta de nuez / walnut ink drawing, 30" x 19"

"Historias del bosque II / Stories from the forest II", acuarela, pluma y tinta / watercolor, pen and ink

Texts were taken from Tanya's website and from an interview by Art Nectar you can fully read aquí.
You can enjoy her work in Tanya's website, in deviantART and also in her facebook.

"En el comedor / In the Dinning Room", técnica mixta / mixed media

Imágenes publicadas con permiso de la artista (¡Muchas gracias, Tanya!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Tanya!)

Sergey Tyukanov en "El Hurgador / Sergey Tyukanov in this blog:
[Tyukanov, Indrikov], [Manos a la obra (VIII)], [Rinocerontes (XII)], [Sergey Tyukanov II (Pintura)]

Julian Jordanov (I) [Ex libris, Grabados]

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Me resultan sencillamente fascinantes las creaciones de éste artista cuyo trabajo es ansiosamente codiciado por coleccionistas de Europa, Japón y China. Dedicaré un par de posts a repasar sus ex libris y litografías para deleitarnos con una serie de imágenes a las que vale la pena volver una y otra vez.

I find simply fascinating the creations of this artist whose work is eagerly sought after by collectors from Europe, Japan and China. I'll dedicate a couple of posts to go over his bookplates and lithographs to delight us with a series of images worth going back to enjoy again and again.

Julian Jordanov


Los Ex libris son marcas de propiedad consistentes en una estampa o etiqueta que aparece en la cubierta de un libro o en su reverso, y que contiene el nombre del propietario del ejemplar (particular o biblioteca) precedido normalmente de la expresión latina "ex libris" o alguna variante. Además de la leyenda citada, también suelen presentar alguna imagen, tradicionalmente escudos heráldicos, aunque posteriormente han predominado aquellas de contenido alegórico o simbólico, a veces acompañadas de algún lema.

Julian Jordanov es un maestro del ex libris en Europa. Nació en 1965 en Lovech, Bulgaria. Se graduó en 1995 con un Master en Bellas Artes en la Academia Nacional de Arte de Sofía. Julian ha presentado más de 15 exposiciones y ganado varios premios por su obra gráfica. Actualmente vive y trabaja en Sofía.

Donka Jordanova, "Europa / Europe", 2004

Dr Arnold Hausweiler, "Juntos / Together", 2005

Dr. Wolfgang Burgmer, "Amor por el libro / Love By The Book", 2004

Sus habilidades para el dibujo muestran una gran erudición en cuanto al equilibrio de la cuestión constructiva. En el campo pictórico dispone figuras grandes y pequeñas en complicados escorzos, extraños detalles arquitectónicos, especímenes de fauna y flora, reveladores de ideas complejas y contrastes bien elaborados, todo presentado convincentemente en nuestro presente. Las sugerencias eróticas, las complejas poses de los seductores cuerpos femeninos, podrían tomarse a primera vista como una ostentación, pero son el resultado de una gran búsqueda creativa y posibilidades al momento del dibujo.

Josef Burch, "Eros y Tánatos", 2006

Leo Bednarik, "Musa / Muse", 2007

Karl Vissers, "Tristán e Isolda / Tristan and Isolde", 2002

Las ideas poco comunes e interpretaciones artísticas hábilmente coinciden con la expresividad exuberante del blanco y el gris hasta llegar a un punto de completa oscuridad. El contraste de los campos puramente blancos con una continuación de las figuras humanas en elementos arquitectónicos o plantas, y la extraña interferencia constructiva de las imágenes de los textos, son muy convincentes. Los detalles supremos, tan favoritos del artista, se llevan a cabo con habilidad, situando su realidad en un imaginario.

Yordan Kolarov, "Artefact III", 2005

Hugo Viaenee, "Dolce Far Niente", 2006

Los textos están traducidos de una reseña realizada por el profesor Vladimir Genadiev que puede leerse completa (en inglés) aquí.
En el sitio web del artista se puede ver una amplia muestra de su trabajo anterior a 2007. El resto hay que rebuscarlo en sitios web de galerías, por ejemplo Largo Art Gallery o en Greamers World of Art.

Lefkada, "La Balada / The Ballad", 2005

Aloys Vertongen, "Peces / Fishes", 2005

A bookplate, also known as ex-librīs [Latin, "from the books of..."], is usually a small print or decorative label pasted into a book, often on the inside front cover, to indicate its owner. Simple typographical bookplates are termed "booklabels". Bookplates typically bear a name, motto, device, coat-of-arms, crest, badge, or any motif that relates to the owner of the book, or is requested by him from the artist or designer. The name of the owner usually follows an inscription such as "from the books of..." or "from the library of...", or in Latin, ex libris.... Bookplates are important evidence for the provenance of books.

Julian Yordanov is a master of the bookplates in Europe. He was born in 1965 in Lovech, Bulgaria. In 1995 he graduated with an MFA from the National Art Academy, Sofia. Julian has over 15 individual exhibitions and more than 10 prizes for his graphics. Lives and works in Sofia.

Dr. Wolfgang Burgmer, "El poder del libro / The Power of The Book", 2004

Dr. Wolfgang Burgmer, "La manzana de Newton / Newton’s Apple", 2001

His drawing skills show a great erudition towards the balance of the constructional problem. In the pictorial field he puts in big and small figures in complicated foreshortening, odd architectural details, specimens of the fauna and flora, exhibited by a complex mind and well-found contrasts - all presented convincingly in our present. The erotic hints, complex poses of the seducing female bodies, at first sight could be taken for ostentation, but they are a result of a great creative search and possibilities of the drawing moment.

Spartaco Cadioli, "Infierno, Canto V / Inferno Canto V", 2005

Willy Felliers, "El zorro Renard / Reynard The Fox", 2003

The unordinary ideas and artistic interpretations skillfully match to the exuberant expressiveness of white, gray to get to a moment of complete darkness. The contrast of purely white fields with a continuation of the human figures into architectural or plant elements and the odd constructional interference of the book-plate's texts are very convincing. The superior details, so favorite to the artist, are accomplished skillfully, put into an imaginary, his reality.

Dimitar Yordanov, "Aries", 2004

Dr. Arnold Hausweiler, "Don Quijote", 2004

Lodewijk Deurinck, "Leda", 2007

Yuzuru Kudo, "Bonsai", 2006

Texts are taken from a review by Prof. Vladimir Genadiev you can fully read here.
In the artist's website is possible to enjoy a wide selection of his work before 2007. For the rest you must check some Galleries websites, for example Largo Art Gallery or in Greamers World of Art.

Graham J.H. Read, "El asno de oro / The Golden Ass", 2002

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Julian!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Julian!)

Cristina Samsa [Pintura]

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Cristina Samsa

Cristina en una fotografía de / in a photograph of"El Norte Red Carpet".

Cristina Samsa es una pintora mexicana que ha tomado como tema de su arte a los insectos. Quienes hayan leído "La Metamorfosis" de Franz Kafka habrán recordado a Gregorio al leer el nombre de ésta artista.
De pequeña su familia se mudó a una casa con un amplio jardín bastante descuidado, con escombros y maleza. Allí empezó a interesarse por el mundo de esos pequeños seres que pululaban por todas partes, lo que ella llama la "figura insecta". Fascinada por su nivel de adaptación, estructura y diversidad, optó por dedicar su esfuerzo creativo a representarlos bajo su particular punto de vista.

"El empalado II / The Impaled II"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 83 cm., 2013

"Cortejo geométrico / Geometric Courtship", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 63 cm.

"Antes yo veía a otros pintores y creía que tenía que hacer lo que ellos hacían: bodegones, paisaje, figura humana. Me puse a hacer éstos temas, pero no me gustaban; me aburrían un poco. Pues entonces mejor voy a pintar lo que siempre me ha gustado, lo que me apasiona, y es cuando empecé a pintar la figura insecta."

"El empalado / The Impaled", Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm.

"Entomología cromática IV / Chromatic Entomology IV"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 100 cm., 2013

"Anatomia Insecta I: Megasoma Elephas", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm.

"Estuve un rato en [la escuela de arte] La Esmeralda, pero tenía un perfil más bien de arte conceptual, y no era lo que yo buscaba. Busqué otros maestros, como Oscar Aguilar Olea. Después estuve un tiempo con Arturo Rivera. Con él aprendí muchas técnicas."

"Acrocinus Longimanus", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm.

"Al principio, los insectos me daban fobia, pero no podía evitarlos. (...) Entonces me dije: ¿por qué me dan miedo?, tengo que vencer esa fobia porque me los voy a encontrar en todos lados. Entonces fue cuando los vi con lupa, los empecé a analizar más de cerca, con microscopio incluso, y me di cuenta de que no había nada que temer, al contrario, hay que admirarlos. Tienen unas estructuras muy complejas, una variedad de colores casi infinita. Fue cuando pasé de la fobia a la adicción."

"Anatomia Insecta: Goliathus Orientalis", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm., 2013

"Microbiontes III", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm., 2008

"De la misma forma que otros pintores hacían cosas muy recurrentes, los mismos temas, yo pensaba que tenía que pintar eso, no paisajes o figura humana. Me interesó mucho el cuerpo de los insectos, pintarlos porque siento que hay mucha más diversidad, mucha más belleza que en la figura humana. Siento que la figura humana en la pintura está hasta cierto punto un poco agotada, muy vista, todo lo que había para aportar ya se aportó, pero los insectos son un terreno que está inexplorado para los artistas, para el pintor.
Siento que es un reto, mucho más reto pintar los insectos que pintar la figura humana. La figura humana hasta cierto punto te la puedes aprender de memoria y la haces casi automáticamente, pero con los insectos es imposible. Es tanta la diversidad que no te los puedes aprender de memoria. Nunca los voy a acabar de pintar."

"Entomología cromática III / Chromatic Entomology III"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 110 cm., 2013

Los textos están tomados de la entrevista realizada a Cristina por Guillermo Sepúlveda con motivo de la muestra "Selección antinatural", cuyo video puede verse al final del post.
Se puede disfrutar del trabajo de Cristina en su espacio de deviantART y también en su facebook.

"Kimera Genomics: Deroplatys Sparverius"
Acrílico y óleo sobre lienzo / acrylic and oil on canvas, 80 x 55 cm., 2013

Cristina Samsa is a Mexican painter who has chosen insects as the subject of her art. Those who have read Franz Kafka's"The Metamorphosis" reminded Gregor reading the name of this artist.
When she was a child her family moved to a house with a large garden pretty sloppy, with rubbish and weeds. There she became interested in the world of that little beings swarming everywhere, what she calls the "Insecta Figure". Fascinated by their level of adaptation, structure and diversity, chose to devote his creative effort to represent them under her particular point of view.

"Kimera Genomics: Macrocheira Alatus"
Acrílico y óleo sobre lienzo / acrylic and oil on canvas, 60 x 50 cm., 2007

"El empalado III / The Impaled III"
Acrílico y óleo sobre lienzo / acrylic and oil on canvas, 110 x 72 cm., 2013

"Before I saw other painters and believed I had to do what they did: still lifes, landscapes, human figure. I started doing these threads, but I did not like, I bored a little. Well then maybe I'll paint what I've always liked, what I love, and that's when I started to paint the Insecta Figure. "

"I spent some time in [art school] La Esmeralda, but had a profile more like conceptual art, and it was not what I wanted. Looked for other teachers, as Oscar Aguilar Olea. Then spent some time with Arturo Rivera. I learned many techniques with him. "

"El Observador I / The Beholder I", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 75 cm., 2013

"La caída del Imperio Humano III / The Fall of the Human Empire III"
Acrílico y óleo sobre lienzo / acrylic and oil on canvas


"At first, I had a phobia of insects, but I could not avoid them. (...) Then I thought, why am I afraid?, I have overcome that phobia because I'm going to find them everywhere. Then was when I saw them with magnifying glass, I started to analyze them very closely, even with a microscope, and I realized that there was nothing to fear, on the contrary, you have to admire them. They have complex structures, an almost infinite variety of colors. Then I pass from the phobia to the addiction."


"Kimera Genomics: Tritonis Nasicornis", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 53 cm., 2013

"Vespula Longicornis", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 70 cm., 2007

"In the same way that other painters did very recurring things, the same subjects, I thought I had to paint that, not landscape or human figure. I was interested in the insects bodies, I paint them because I feel that there is much more diversity, many more beauty than on the human figure. I feel that the human figure in painting is somewhat a little exhausted, too seen, all you has to contribute had already contributed, but insects are an area that is unexplored for artists, for the painter.
I feel it is a challenge, painting insects is much more challenging than painting human figure. To some extent you can memorize the human figure and you can paint it almost automatically, but with insects is impossible. Such is the diversity that you can't memorize it. I'll never finish painting them."

"La caída del Imperio Humano II / The Fall of the Human Empire II"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm.

Texts translated from an Interview by Guillermo Sepúlveda about Cristina's show "Unnatural Selection". The video (in Spanish) can be seen at the end of this post.
You can enjoy Cristina's work in her deviantART space and also in her facebook.

"Retrato híbrido / Hybrid Portrait", grafito y óleo sobre madera / graphite and oil on wood, 40 x 50 cm.

Imágenes publicadas con permiso de la artista (¡Muchas gracias, Cristina!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Cristina!)


"Selección Antinatural". Cristina habla con Guillermo Sepúlveda sobre su trabajo.
"Unnatural Selection". Cristina speaks with Guillermo Sepúlveda about her work.





"El mundo y todas las especies que lo habitan fueron creadas por medio de la destrucción, la violencia y la muerte, y los insectos se han adaptado a la perfección a todo cuanto la naturaleza les ha arrojado. Han sobrevivido a las interminables eras de glaciación, inundación, erupciones volcánicas y extinciones masivas. Es una de las más grandes ironías de la evolución que una de las primeras especies en aparecer será la última en permanecer sobre la Tierra.
Algunas veces me han dicho que soy una traidora de mi propia especie, pero en todos los años que llevo pintando y estudiando a la especie insecta me he dado cuenta de una verdad que muy pocos quieren oir: los insectos son semilla de variación infinita, seres que se reproducen por miriadas, que con cada nueva generación dan lugar a nuevos experimentos de formas y funciones, logrando adaptarse a cualquier circunstancia adversa, incluyendo los venenos inmundos que genera la tecnología humana.
Los deshechos industriales que contaminan el aire, los pesticidas que envenenan las fuentes de alimento, la radiación que destruye nuestra propia carne, son para los insectos sólo un suave perfume. Todas las toxinas que a nosotros nos matan son para los insectos un néctar con el que viven, se reproducen e incluso se hacen más fuertes. Si una especie va a heredar la Tierra, no será el animal humano, sino una legión que ha estado aquí mucho antes que nosotros, que siempre ha estado mucho mejor equipada para la supervivencia.
Sobre los restos de la civilización humana se alzará victoriosa la raza insecta, sus múltiples especies de variación infinita." C.S.

"The world and all the species that inhabit it were created by the destruction, violence and death, and insects have adapted perfectly to everything nature has thrown. They have survived the endless ages of glaciation, flooding, volcanic eruptions and mass extinctions. It is one of the great ironies of the evolution: the first species to appear will be the last to remain on Earth.
Sometimes people told me I'm a traitor to my own kind, but in all my years studying painting and insecta species I realized a truth that few want to hear:  insects are seed of an infinite variation, beings that reproduce by myriads, that with each new generation experiments give rise to new forms and functions, managing to adapt to any adverse circumstances, including unclean poisons generated by human technology.
The industrial waste that pollute the air, pesticides that poison the food sources, the radiation that destroys our own flesh, are to insects just a gentle perfume. All the toxins that kill us are nectar for insects with which they live, breed and even become stronger. If a species is to inherit the Earth, not the human animal, but an army that was here long before us, which has always been much better equipped for survival.
On the remains of human civilization will rise victorious insecta race, its many species of infinite variation." C.S.

Pyke Koch [Pintura]

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Pyke Koch

Pyke Koch en su estudio. Detrás de él, su pintura "La cosecha" de 1953. Foto c. 1955
Pyke Koch at his atelier with his painting "The Harvest", 1953. Photograph c. 1955

Pieter Frans Christiaan Koch, más conocido como Pyke Koch, fue un artista holandés nacido en 1901. Junto con el también pintor Carel Willink está considerado uno de los más destacados representantes del Realismo Mágico en Holanda.
Sus pinturas son muy detalladas. Hay quienes piensan que éstos detalles contienen mensajes ocultos y referencias a su vida personal. Sus obras no contienen muchas referencias a períodos anteriores de la historia del arte. Se inspiró mucho en los pintores italianos del quattrocento, y muy concretamente en la obra de Piero della Francesca.

"Vrouwen in de straat / Mujeres en la calle / Women in the Street"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 114,5 x 150 cm., 1962-64. 
Museum voor Moderne Kunst (Arnhem, Holanda)

"Het uur U II / La Hora II / The Hour II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30,5 x 55 cm., 1963

Izq./Left: "De Zomer / El verano / The Summer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125 x 85 cm., 1948
Der./Right: "De winter / El invierno / The Winter", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125 x 85 cm., 1949

Pyke Koch nació en Beek, un pequeño pueblo cerca de Nijmegen donde fue a la escuela, y más tarde como internado en un colegio de Zeist.
La música fue muy importante en su vida; tocaba el violín y estaba interesado desde Bach hasta la música gitana. Durante sus días de estudiante tocó con una banda de estudiantes gitana llamada Tzigane.
En el verano de 1927 Koch iba muy retrasado en la preparación de sus exámenes finales. Para cuando estuvo listo, su profesor se había ido de la ciudad por sus vacaciones de verano. Lo dejó sin nada que hacer, y encontró algunos pinceles y pintura que una de sus hermanas le había dado hacía años. Tras convencer a una chica de un bar de que era un pintor profesional, consiguió que modelara para él. El resultado fue su primera pintura: "Dolores Ontbijt / El desayuno de Dolores". Esa primera pintura impresionó al pintor Cor Postma, quien hizo los arreglos para que Koch tomara parte en varias exposiciones en los años siguientes en el Stedelijk Museum de Amsterdam.

"De Schoorsteenveger / El deshollinador / The Chimney Sweep", óleo sobre panel / oil on panel, 1944.
Gemeentemuseum (Den Haag / La Haya, Holanda)

"Mercedes de Barcelona", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 80 cm., 1930.
Museum voor Moderne Kunst (Arnhem, Holanda)

Extrañamente, desde el principio sus pinturas fueron admiradas por su perfección técnica, aún cuando no tuvo instrucción formal. De hecho no tuvo instrucción práctica alguna. Koch se creó una imagen de pintor autodidacta. Asistió a clases en el Instituto de Historia del Arte de la Universidad de Utrecht, donde estudió las teorías del arte e incluso teoría acerca de práctias artísticas (el uso de los materiales a través de la historia y cosas por el estilo), pero parece que nunca tomó lecciones de dibujo o pintura.
Estaba muy impresionado por los pintores del Renacimiento italiano (Piero della Francesca, Masaccio y Mantegna). También admiraba a pintores modernos, como Chirico y Magritte.

"Zelfportret met zwarte band / Autorretrato con venda negra / Self-Portrait with Black Headband"
Óleo y témpera sobre panel / oil and tempera on panel, 1925. Centraal Museum (Utrecht, Holanda)

"En éste período, Koch encontró inspiración en la pintura italiana del Renacimiento. La cabeza con la venda está presumiblemente basada en la serie de frescos "La leyenda de la Vera Cruz" [ver al final del post], de Piero della Francesca, en la Basílica de San Francisco, en Arezzo. Varios de éstos frescos representan figuras con vendas blancas: soldados luchando en nombre de la fe única y verdadera. En 1937, Koch se retrata a sí mismo en su autorretrato como un soldado luchando por una gran causa. Estaba convencido de que sólo un nuevo líder fuerte salvaría la cultura occidental de la catástrofe moral: el 'Duce' italiano Benito Mussolini."
De la placa informativa en el museo.

"In this period, Koch found inspiration in Italian painting from the early Renaissance. The head with the headband is presumably based on Piero della Francesca's sequence of frescoes "The Legend of the True Cross" [check at the end of this post]in the Basilica of San Francesco in Arezzo. A number of these frescoes depict figures wearing (white) headbands: soldiers battling in the name of the one true faith. Anno 1937, Koch portrayed himself in this self-portrait as a soldier fighting for a greater cause. He was convinced only a strong new leader could save Western culture from a moral catastrophe: Italian 'Duce' Benito Mussolini."
From the informative plate in the museum.

"Leeuw / León / Lion", óleo y pan de oro sobre panel / oil and gold foil on panel, 27,5 x 27 cm., 1944.
Colección privada.

Entre fines de los '20 y los '30, Koch participó en muchas exposiciones, tanto en solitario como colectivas. En 1931, uno de los más destacados museos de Holanda, el Boijmans van Beuningen, compró una de sus pinturas ("De Schiettent / Galería de tiro"); ésto significaba que era considerado como uno de los Grandes Pintores de Holanda.
Uno de sus amigos, Ernst Voorhoeve, fue el fundador de Verdinaso, un movimiento político que simpatizaba con el movimiento fascista de Benito Mussolini. Durante los años que pasó en Italia, Koch comenzó a admirar a Mussolini, y se hizo miembro del Verdinaso, pero renunció cuando éste se unió con el partido Nazi Holandés (NSB). Por aquél entonces, algunas de sus pinturas habían aparecido en las portadas de revistas asociadas con el fascismo. Ésto se convirtió en una mancha en su reputación que le acompañaría por el resto de su vida.

Izq./Left: "Voorstudie voor de grote contorsioniste / Estudio para «La gran contorsionista» / 
Study for «The Great Contortionist»", óleo sobre tela / oil on canvas, 76 x 57 cm., 1956
Museum voor Moderne Kunst (Arnhem, Holanda)
Der./Right:"Portret van / Retrato de / Portrait of Asta Nielsen", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1929
Centraal Museum (Utrecht, Holanda)

"Stilleven met appels en peren / Naturaleza muerta con manzanas y peras / Still Life with apples and pears"
Óleo sobre panel / oil on panel, 20 x 30,2 cm., c. 1948-49. Dordrechts Museum vanaf de Toren
(Dordrecht, Holanda)

Continuó trabajando durante la Guerra. Como muchos de sus colegas, pintaba básicamente bodegones, que eran menos propensos a ofender a los alemanes.
Después de la Guerra su trabajo se hizo menos popular; el expresionismo abstracto y otras formas de arte más conceptuales se convirtieron en norma. Todas las formas del realismo se consideraban pasadas de moda, aunque aún tenía una base de fans que continuaban comprando su obra.
A principios de los '80 se le diagnosticó Alzheimer. Murió en Wassenaar en octubre de 1991.

"Portret van jonkvrouw / Retrato de la Srta. / Portrait of Lady J.C. van Boetzelaer I"
Óleo y témpera sobre panel, c. 1947. Centraal Museum (Utrecht, Holanda)

"De oogst / La cosecha / The Harvest", 209 x 269,5 x 4,25 cm., 1953.
Gemeentemuseum (Den Haag / La Haya, Holanda)

Pyke Koch was born in Beek, a small village near Nijmegen where he went first to school, later to a boarding school in Zeist. 
Music was very important in his life: he played the violin and was interested in music from Bach to gipsy music. During his student days he played with a student gypsy band called Tzigane.
In the summer of 1927 Koch was slow in preparing for his final exams. By the time he was ready his professor had left the city for the summer. This left him with nothing to do and he found some brushes and paint that one of his sisters had given him years before. After he convinced a girl in a bar he was a professional painter, she modeled for him. The result was his first painting, called Dolores Ontbijt or Dolores' Breakfast. This first painting made an impression on the painter Cor Postma who arranged for Koch to be part of several exhibitions in the following years in the Stedelijk Museum in Amsterdam.

"Het signaal / La Señal / The Signal", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 37,5 cm., 1975. 
Colección privada.

"Voetballers / Futbolistas / Soccer Players V", 1959. Colección privada

"Zelfportret / Autorretrato / Self-Portrait"
Óleo sobre panel en marco de hierro forjado / oil on panel, in a wrought iron frame, 1936. 
Rijksmuseum (Amsterdam, Holanda)

Strangely, from the very start his paintings were admired for their technical perfection, even though he had had no formal training. In fact he had had no practical training whatsoever. Koch was fond of his image as a self taught painter. He did follow classes at the Arthistorical Institute of the University Utrecht where he studied the theories of art and even theories about art practices (the historical use of materials and such) but he never seems to have had lessons in drawing or painting.
He was most impressed with the painters of the Italian Renaissance Piero della Francesca, Masaccio and Mantegna. He also admired some modern painters, notably Chirico and Magritte.

"De schiettent / La galería de tiro / The Shooting Gallery", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1931. 
Museum Boijmans Van Beuningen (Rotterdam, Holanda)

"Es como si ésta mujer gigantesca alquilando armas en una galería llevara una máscara. Su mirada es sombría e irreal, y no está claro cómo está de pie en tan poco espacio. Koch había estado pintando durante muy poco tiempo cuando firmó éste sombrío trabajo, su pintura número 15."
De la placa informativa en el museo.

"It is as if this gargantuan woman renting out guns in a shooting gallery is wearing a mask. Her gaze is cheerless and unreal, and it is unclear precisely how she standing in the shallow space. Koch had only been painting for a short time when he signed this ominous work."
From the information plate in the museum.

"Rustende slaapwandelaarster III / Sonámbula en reposo III / Resting Somnambulist III"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1965. Museum Boijmans Van Beuningen (Rotterdam, Holanda)

During the late 1920s and 1930s Koch had many exhibitions, both solo and in collaboration with others. In 1931 one of the foremost museums in the Netherlands, the Museum Boymans van Beuningen bought one of his paintings called De Schiettent or Shooting Gallery. This meant he was considered one of the Great Painters of the Netherlands.
One of his friends Ernst Voorhoeve was the founder of Verdinaso, a political movement that sympathised with Benito Mussolini's fascist movement. During the years he spent in Italy Koch started to admire Mussolini and became a member of Verdinaso but renounced it when it merged with the Dutch Nazi party NSB. By that time, some of his paintings had appeared on the covers of magazines associated with fascism. This would prove to be a stain on his reputation that would stay with him for the rest of his life.

Izq./Left: "De dode vogel I / El pájaro muerto I / The Dead Bird I"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1952. Colección privada.
Der./Right: "La Belle Epoque II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1932. Colección privada.

He continued to work during the war. Like many of his colleagues he painted mostly still-lifes because those were least likely to offend the Germans.
After the war his work became less popular. Abstract expressionism and other more conceptual forms of art became the norm. All forms of realism were considered old fashioned. Still he had a fan base that continued to buy his work.
Early in the 1980s Koch was diagnosed with Alzheimer's disease. He died in Wassenaar on October 27, 1991.
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La información biográfica está traducida de la versión en inglés de Wiki.
También recomiendo echar un vistazo al post publicado por Olga en su Totum Revolutum hace un par de años, interesante para situar en contexto la obra de Pyke y conocer algún otro trabajo

Biographic information from Wiki
I also recommend the post (in Spanish) published by Olga in her blog Totum Revolutum, interesting to put in context the work of Pyke, get more information and discover some other paintings.



Piero della Francesca
"La leyenda de la Vera Cruz / The Legend of the True Cross"

Piero della Francesca fue un pintor italiano del Quattrocento (siglo XV). Actualmente se le aprecia sobre todo como pintor especialista en frescos, pero en su época fue conocido también como un geómetra y matemático, maestro de la perspectiva y de la geometría euclidiana, temas en los que se concentró a partir del año 1470. Su pintura se caracterizó por su sereno Humanismo y el uso de las formas geométricas, particularmente en relación con la perspectiva y la luz. Es uno de los principales y fundamentales personajes del Renacimiento, aunque jamás trabajó para los Médicis y pasó poco tiempo en Florencia.
Info in english here.

Vista general de la capilla / General view of the Chapel

Traduzco parte de la información acerca de éstos frescos que puede leerse completa (en inglés) aquí:
Los frescos fueron un encargo para la capilla de San Francisco en Arezzo, Italia. Bicci di Lorenzo, un viejo artista florentino, fue contratado y comenzó el trabajo desde arriba junto con su taller (los frescos siempre se pintaban de arriba hacia abajo por el goteo), completando el Juicio Final en el arco a lo alto de la entrada y los cuatro evangelistas, pero enfermó y se trasladó a Florencia, donde falleció en 1452. Los miembros de su taller continuaron con algunos detalles, pero también lo dejaron, y recién entonces fue contratado Piero della Francesca para completar el proyecto.

A pesar de su fama actual, es algo sorprendente que no existan documentos que registren el encargo de Arezzo. No sabemos cuando Piero comenzó (sólo que se fue después de 1452). No sabemos lo que le dijeron que hiciera (sólo que se trataba de pintar la Leyenda de la Vera Cruz, un tema utilizado en muchas otras iglesias franciscanas). No sabemos quiénes o cuántos hombres trabajaban bajo sus órdenes ( aunque por lo menos el nombre de un asistente, Giovanni di Piamonte, se conoce por otras fuentes). Y no sabemos cuando terminó el trabajo, sólo que en 1466 los frescos fueron mencionados en tiempo pasado, por lo que podemos suponer que estaban completos. Por lo tanto toda la información que tenemos proviene de los frescos a sí mismos. Y son algunas de las pinturas más desafiantes del renacimiento temprano.

Vista de las pinturas / View of the paintings

Here part of the information about these frescoes you can fully read here:
Frescos were a comission for the chapel of San Francesco in Arezzo, Italy. Bicci di Lorenzo, an aging artist from Florence, was hired to do the work, and he and his workshop started at the top (frescoes are always painted from the top down because of dripping), and completed the Last Judgement high up on the entrance arch, and the four Evangelists on the webs of the ribbed vault, but Bicci di Lorenzo grew ill and returned to Florence where he died in 1452. Members of his shop continued the work for a short while, but then they too left Arezzo. Only after this sequence of events was Piero della Francesca called in to complete the project.

In spite of his current fame, it is somewhat surprising to find that there are no documents recording his Arezzo commission. We do not know when Piero was engaged (only that is was after 1452). We do not know what he was told to do (only that it was to paint the Legend of the True Cross, a subject used in many other Franciscan churches). We do not know who or how many men worked under him (although at least the name of one assistant, Giovanni di Piamonte, is knows from other sources). And we do not know when he finished the job; we know only that in 1466 the frescoes were referred to in the past tense, and so we may assume that they were complete.  Thus all the information we have comes the frescoes themselves. And they are some of the most challenging paintings of the Early Renaissance.

"La batalla de Heraclio contra Chosroes / The Battle of Heraclius and Chosroes"
Fresco, 329 x 747 cm., entre 1455 y 1458 aprox.

En "Ucello, La Batalla de San Romano", de Volker Gebhardt. Ed. s.XXI, puede leerse acerca de ésta pintura:
"En la representación de detalles atroces el artista logra un caleidoscopio de brutales experiencias de guerra, y ésto de manera aún más efectiva, ya que el artista amalgama las contradicciones entre el armado y el indefenso, el provisto de armadura y las criaturas derrotadas en un montaje artístico definitivo. En Piero el hombre sólo puede ser víctima de la guerra, incluso los victimarios con sus indolentes rasgos faciales, que sin embargo están cuidadosamente diferenciados. La escena de la derecha, donde un combatiente con la mano extendida clava el puñal en la garganta de otro, es, más que un acto de libre albedrío, un holocausto ritual fatal."

"La batalla de Heraclio contra Chosroes / The Battle of Heraclius and Chosroes", detalle / detail

In "Ucello, The Battle of San Romano", by Volker Gebhardt. Ed. s.XXI, the author wrote about this painting:

"In the depiction of atrocius details the artist achieves a kaleidoscope of brutal war experiences, and this in an even more effective way, since the artist blends the contradictions between the armed and the defenseless, between the ones provided with armors and the creatures defeated in a definitive artistic montage. In Piero man can only be a victim of war, even the murderers with their indolent facial features, nevertheless are carefully differentiated. The scene on the right, where a fighter with outstretched hand nails his dagger on the throat of another, is more than an act of free will, a fatal ritual holocaust."

Ken Barthelmey [Arte digital]

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Ken Barthelmey


Ken Barthelmey es un joven artista nacido en Luxemburgo en 1989.
"Comencé a dibujar y esculpir a edad muy temprana. Incluso de niño podía coger una pluma y un papel para dibujar cualquier cosa que veía. Siempre he sido un apasionado del arte y todas las cosas creativas en general. Cada vez que veía una película o leía un libro, quería dibujar los personajes. Creo que mis habilidades han mejorado mucho."

"Criatura alienígena / Alien Creature", 2013 © Ken Barthelmey
Escultura, texturas y render en Zbrush. Composición en Photoshop /
Sculpted, textured and rendered in Zbrush. Compositing in Photoshop.

"Mi objetivo es crear diseños frescos e interesantes, pero lo más importante para mí es asegurarme de que resulten realistas y creíbles. Para alcanzar esas metas, paso mucho tiempo estudiando la anatomía de animales y humanos. Siempre intento encontrar una pose clave en mis conceptos/ilustraciones para mostar en una sóla imagen cómo podrían moverse esas criaturas."

"Encuentro de la Bella con el Unicornio / Beauty Meets the Unicorn", 2011 © Ken Barthelmey

Mi diseño personal de un unicornio. Me gusta la idea de un Unicornio de tamaño colosal, muy musculado. Es un animal noble. / 
My personal design of a unicorn. I like the idea of a Unicorn in colossal size with much muscles. It's an noble animal.

"Nacido para correr / Born to run", 2012 © Ken Barthelmey

"Hércules contra Hydra", 2012 © Ken Barthelmey

"Ya desde mi infancia participé en varios concursos de arte. Desgraciadamente raras veces ganaba, no porque no pudiera pintar a esa edad, sino porque los jueces siempre pensaban que mis padres me habían ayudado con los dibujos... Ésto era frustrante para mí. Sólo cuando tuve cierta edad conseguí más premios. Desde entonces todo fue estupendo."

"Hércules contra Hydra", 2012. Detalle / detail© Ken Barthelmey

"Soy sencillamente un fanático de los detalles. Adoro pintar pequeños detalles, como las texturas de la piel, por ejemplo. Las referencias vitales son muy importantes para un dibujo realista. Como dijo Boris Vallejo: «El secreto para aprender a dibujar es aprender a ver». Donde quiera que estés, en el colegio, en casa, en el trabajo... Cualquier lugar tiene objetos con luces y sombras que puedes estudiar."

"Cuando comienzo un trabajo conceptual de una criatura alienígena, por ejemplo, siempre investigo diferentes animales de libros y de la web. Esas fotos de referencia son muy importantes para crear diseños realistas y creíbles de una criatura que no existe. Para los conceptos es importante presentar el sujeto en forma coherente."

"The Raptor / Cruentulodon", Photoshop, 2012 © Ken Barthelmey

"Simios alienígenas / Alien Apes", 2011 © Ken Barthelmey

Los textos están tomados del sitio wen de Ken y de una entrevista para CGArena que puede leerse completa, en inglés, aquí.
Se puede disfrutar del trabajo de Ken en su sitio web (donde también hay unos cuantos videos que muestran su forma de trabajo) y en deviantART. También vale la pena echar un vistazo a su facebook donde se pueden ver dibujos, obras en proceso y bocetos.

"Cantoris", 2013 © Ken Barthelmey

Ésta criatura tropical vive en lo alto de los árboles y se alimenta de insectos. Como emiten bellos sonidos, son también llamados "los cantores del bosque" /
This tropic creature lives high in the trees and feed on insects. Because they make beautiful sounds, they are also called 'the singers of the forest'.

"Centauro con Princesa guerrera / Centaur with Warrior - Princess", 2012 © Ken Barthelmey

Ken Barthelmey is a young artist born in Luxembourg (1989).
"I started drawing and sculpturing at an early age. Even as a child I would pick up pen and paper to draw everything I saw. I have always been passionate about art and all creative things in general. When ever I watched a movie or read a book I would draw their characters. I think that sharpened my skills very much."

"La caza / The Hunt", 2012 © Ken Barthelmey

"Señor Demonio / Demon Lord", Adobe Photoshop CS4, 2012 © Ken Barthelmey

Ilustración para "CGHUB Production Challenge 2012", basada en un diseño conceptual de Adrian Smith /
Illustration for the CGHUB Production Challenge 2012, based on the concept design by Adrian Smith.

"My goal is to create cool and interesting designs but the most important for me is to make sure they are realistic and believable. To reach that goal I invested a lot of time in studying the anatomy of animals and humans. I always try to find a key-pose in my concepts/illustrations to show in one single picture how this imaginary creatures could move."

"Monstruo contra héroe / Monster vs. Hero", 2012 © Ken Barthelmey

Ilustración para Fantasy Artist Magazine Nº 37 / Illustration for Fantasy Artist Magazine issue #37

"Already from my childhood on I participated in several art-challenges. Unfortunately I rarely won any of these; not because I couldn't paint at that age, it was because the judges always thought that my parents helped me painting my drawings... That was very depressing for me. Only as I reached a certain age, I got more and more prizes. Then it started getting great."

"Diseño de criatura / Creature Design", 2013 © Ken Barthelmey
Escultura y texturas en Zbrush. Sombreado y render final en Modo / 
Sculpted and textured in Zbrush. Shading and the final render in Modo.

"Camelopardalis", 2011 © Ken Barthelmey

"I'm simply a detail-freak. I love painting small details like the texture of a skin for example. Life references are very important to draw realistically. As Boris Vallejo said: 'The secret of learning to draw is in learning to see!' Wherever you are, at school, at home, at work, ... Every place has objects with lights and shadows which you can study."

"When I start a concept work of an alien creature for example, I always make some investigations of different animals from books or from the web. Those reference photos are very important to create a realistic and believable design of a creature that doesn't exist. For concepts it’s important to show the subject in a coherent way."

"Domare", 2012 © Ken Barthelmey

Texts talen from Ken's website and from an interview by CGArena you can fully read aquí.
You can enjoy Ken's work in his website (where you can also find interesting videos of his works from the sketches to the final artworks) and in deviantARTAlso worth taking a look at his facebook where you can see drawings, works in progress and sketches.

"Cetáceos / Cetacean", 2011 © Ken Barthelmey

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Ken!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Ken!)


"Nuevo mundo", desde el boceto hasta la ilustración final.
"New World", from Sketch to final Illustration

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"Nuevo mundo / New World", Photoshop, 2012


Pintando perros (XXX)

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Para el post Nº 30 de ésta colección, una selección de perros de cuadros que tuve oportunidad de ver recientemente en Bélgica, y algunos otros relacionados, con especial atención a tres o cuatro obras de Jordaens con varias versiones.

For the post Nº 30 of this collection, a selection of paintings with dogs I sawrecently in Belgium, and some other related, with particular attention to a couple of works by Jordaens with several versions.
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Gustaf Wappers

"Episodio de los días de Septiembre de 1803 en la Gran Plaza de Bruselas / 
Episode of the September Days 1830 (on the Grand Place of Brussels)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 660 × 444 cm., 1835. 
Reales Museos de Bellas Artes / Royal Museums of Fine Arts (Bruselas, Bélgica) 

Egide Charles Gustave, Baron Wappers, que firmaba sus obras como Gustaf Wappers, fue un pintor belga nacido en 1803
Estudió en el Academia Real de Bellas Artes de Amberes y durante 1826 en París. El movimiento romántico con sus nuevas ideas sobre el arte y la política estaba surgiendo en Francia, y Wappers fue el primer artista belga en tomar ventaja de tal estado de cosas. Su primer cuadro, "La devoción de la burgomaestre de Leiden", apareció en el momento oportuno y tuvo un éxito maravilloso en el Salón de Bruselas, en 1830, el año de la Revolución belga. Aunque política, ésta notable obra revolucionó la dirección de los pintores flamencos.
Wappers fue invitado a la corte en Bruselas, donde recibió varios encargos. En 1832, la ciudad de Amberes lo nombró profesor de Pintura. Exhibió su obra maestra, "Episodio de la Revolución belga de 1830" o "Episodio de los días de septiembre de 1830 en el Gran Palacio de Bruselas" en el Salón Amberes en 1834. Posteriormente fue nombrado pintor de Leopoldo, rey de los belgas. A la muerte de Mathieu-Ignace van Bree, en 1839, fue ascendido a director de la Academia de Amberes. Entre sus pupilos se encontraron Ford Madox Brown y el pintor checo Karel Javůrek.

Detalle / detail

Egide Charles Gustave, Baron Wappers, who signed his works as Gustaf Wappers, was a Belgian painter born in 1803.
He studied at the Royal Academy of Fine Arts in Antwerp, and during 1826 in Paris. The Romantic movement with its new ideas about art and politics was astir in France. Wappers was the first Belgian artist to take advantage of this state of affairs, and his first painting, "The Devotion of the Burgomaster of Leiden," appeared at the appropriate moment and had marvellous success in the Brussels Salon during 1830, the year of the Belgian Revolution. While political, this remarkable work revolutionized the direction of Flemish painters.
Wappers was invited to the court at Brussels, and was favoured with commissions. In 1832 the city of Antwerp appointed him Professor of Painting. He exhibited his masterpiece, "Episode of the Belgian Revolution of 1830" or rather "Episode of the September Days of 1830 on the Grand Place of Brussels", at the Antwerp Salon in 1834. He was subsequently appointed painter to Leopold, King of the Belgians. At the death of Matthieu-Ignace Van Brée in 1839 he was elevated to director of the Antwerp Academy. One of his pupils was Ford Madox Brown; another was the Czech history painter Karel Javůrek.


Dirk Bouts

"Paneles de la Justicia del Emperador Otton: Decapitación del Conde Inocente y La Prueba de Fuego / 
Justice of Emperor Otto III: Beheading of the Innocent Count and Ordeal by Fire"
Pintura sobre roble / painting on oak, 323,5 x 182 cm., 1471-75.
Reales Museos de Bellas Artes / Royal Museums of Fine Arts (Bruselas, Bélgica) 

Dirk (Dieric) Bouts fue un pintor neerlandés nacido en Haarlem c. 1410/15, principalmente activo en Lovaina, en donde fue pintor de la ciudad desde 1468. Van Mander confundió la edición escribiendo biografías de ambos "Dieric de Haarlem" y "Dieric de Lovaina", a pesar de referirse al mismo artista. El parecido de sus apellidos también condujo a la confusión de Bouts con Hubrecht Stuerbout, un prominente escultor en Lovaina. Se sabe muy poco acerca de los principios de la vida de Bouts, pero fue altamente influenciado por Jan van Eyck y por Roger van der Weyden, de quien posiblemente haya sido aprendiz. Fue documentado por primera vez en Lovaina hacia 1457 y trabajó allí hasta su muerte en 1475.
Bouts estuvo entre los primeros pintores norteños en demostrar el uso de un único punto de fuga (como puede verse en su "La Última Cena"). Su trabajo tiene cierta rigidez primitiva del dibujo, pero sus pinturas son altamente expresivas, bien diseñadas y ricas en color.

Detalle / detail


Dieric (Drik) Bouts was an Early Netherlandish painter born in Haarlem c.1410/15, mainly active in Leuven (Louvain), where he was city painter from 1468. Van Mander confused the issue by writing biographies of both "Dieric of Haarlem" and "Dieric of Leuven," although he was referring to the same artist. The similarity of their last names also led to the confusion of Bouts with Hubrecht Stuerbout, a prominent sculptor in Leuven. Very little is actually known about Bouts' early life, but he was greatly influenced by Jan van Eyck and by Rogier van der Weyden, under whom he may have studied. He is first documented in Leuven in 1457 and worked there until his death in 1475.
Bouts was among the first northern painters to demonstrate the use of a single vanishing point (as illustrated in his Last Supper). His work has a certain primitive stiffness of drawing, and his figures are often disproportionately long and angular, but his pictures are highly expressive, well designed and rich in colour, with especially good landscape backgrounds.


Jacob Jordaens

"San Martín sanando a un hombre poseído / Saint Martin Healing a Possessed Man"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1630
Reales Museos de Bellas Artes / Royal Museums of Fine Arts (Bruselas, Bélgica) 

Jacob Jordaens fue un pintor barroco flamenco nacido en Amberes en 1593. Es el último gran maestro de la época en los Países Bajos. A diferencia de sus contemporáneos nunca realizó un viaje formativo a Italia para conocer el arte clásico, y su carrera destaca por cierta indiferencia hacia las ambiciones cortesanas o intelectuales. Se le considera, por sus contados viajes fuera de los Países Bajos, como un pintor de considerable genio pese a su carácter local. Fue un pintor de éxito y un notable ejecutor de tapices. Al igual que Rubens fue un maestro de las escenas mitológicas y las alegorías, y el más notable pintor de Amberes tras la muerte de Rubens (1640) y Van Dyck (1641), y como tal recibió numerosos encargos de cortesanos, familias adineradas y otros mecenas. Hoy, sin embargo, es más conocida su obra "de género", pinturas basadas en escenas costumbristas y proverbios al modo de su contemporáneo Jan Brueghel el Viejo, como "El Rey bebe" y "Mientras el Viejo bebe, el joven toca la flauta". Entre sus influencias se cuentan no sólo pintores flamencos como Brueghel o el mencionado Rubens, sino también artistas del norte de Italia como Jacopo Bassano, Paolo Veronese o Caravaggio.

"Estudio para San Martín sanando a un hombre poseído / 
Studio of Saint Martin healing a possessed man"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 115,6 x 74 cm. Colección privada.

Detalles del estudio y la obra / Details of the studio and the main artwork

Jacob Jordaens (19 May 1593 - 18 October 1678) was one of three Flemish Baroque painters, along with Peter Paul Rubens and Anthony van Dyck, to bring prestige to the Antwerp school of painting. Unlike those contemporaries he never traveled abroad to study Italian painting, and his career is marked by an indifference to their intellectual and courtly aspirations. In fact, except for a few short trips to locations in the Low Countries, he remained in Antwerp his entire life. As well as being a successful painter, he was a prominent designer of tapestries. Like Rubens, Jordaens painted altarpieces, mythological, and allegorical scenes, and after 1640 -the year Rubens died- he was the most important painter in Antwerp for large-scale commissions and the status of his patrons increased in general. However, he is best known today for his numerous large genre scenes based on proverbs in the manner of his contemporary Jan Brueghel the Elder, depicting The King Drinks and As the Old Sing, So Pipe the Young. Jordaens's main artistic influences, besides Rubens and the Brueghel family, were northern Italian painters such as Jacopo Bassano, Paolo Veronese, and Caravaggio.
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"Susana y los viejos / Susanna and the Elders"

"Susana y los viejos / Susanna and the Elders", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 189 x 176,5 cm.
Reales Museos de Bellas Artes / Royal Museums of Fine Arts (Bruselas, Bélgica) 

Jordaens realizó al menos tres cuadros de "Susana y los Viejos". Se trata de un tema clásico representado por infinidad de artistas. La historia de Susana es la de una joven «muy bella y temerosa de Dios», esposa del rico Joaquín, a quienes dos viejos espían en el baño. La intentan obligar a tener relaciones sexuales con ellos, diciéndole que, si no accede, dirán que se ha quedado sola, sin sus doncellas, para estar con un joven. Susana no cede a sus amenazas. Entonces los viejos la acusan de adulterio y consiguen que se la condene a muerte. Pero interviene el profeta Daniel quien, interrogando a los ancianos, acaba probando la falsedad de la imputación, con lo que Susana se salvó y los ancianos fueron ejecutados.

Detalle / detail

"Susana y los viejos / Susanna and the Elders", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 153,5 x 203 cm., 1653
Statens Museum for Kunst (Copenhagen, Dinamarca)

Detalle / detail

Jordaens paints at least three canvases with the subject of Susanna and the Elders. Susanna's story is that of a young "very beautiful, God-fearing," Joaquin rich wife, who two old men spy in the bathroom. They attempt to force her to have sex with them, saying that if she refuses, they will say she has been left alone, without her maids, to lay with a young man. Susanna does not yield to their threats. Then the old men accused her of adultery and obtain her death sentence. Intervenes then the prophet Daniel who, questioning the elderly, succeeds in proving the falsity of the accusation, which was saved Susanna and the elders were executed.

"Susana y los viejos (Susana bañándose) / Susanna and the Elders (Susanna at her Bath)",
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1657
Schloss Grunewald, SPK (Stiftung Preussischer Kulturbesitz)
Castillo Grunewald (Fundación Patrimonio Cultural Prusiano)

Imposible encontrar una imágen de mejor calidad de ésta tercera versión, pero como puede verse el perro está siempre presente.
Impossible to find a better quality image of this third version, but as you can see the dog is always present.
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"San Ivo, patrón de los abogados / St. Yves, Patron of Lawyers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1645
Reales Museos de Bellas Artes / Royal Museums of Fine Arts (Bruselas, Bélgica)

Detalle / detail
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"El Rey bebe / The King Drinks"

"El Rey bebe / The King Drinks", óleo sobre lienzo / oil on canvas
Reales Museos de Bellas Artes / Royal Museums of Fine Arts (Bruselas, Bélgica)

"El Rey bebe / The King Drinks"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 156 x 210 cm., 2ª mitad s. XVII / second half of 17th century
Reales Museos de Bellas Artes / Royal Museums of Fine Arts (Bruselas, Bélgica)

Detalles / details

"El Rey bebe (El Rey Habichuela) / The King Drinks (The Bean King)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1638.
Museo del Hermitage (San Petersburgo, Rusia)

Según podemos leer en la ficha de la obra en el sitio web del Hermitage:
"El tema es la festividad tradicional holandesa del 6 de Enero, Día de los Reyes Magos, que vinieron, de acuerdo a los evangelios, para agasajar al Cristo niño.
Tradicionalmente para las festividades se horneaba un pastel conteniendo una habichuela, y el que la encontraba se convertía en el "Rey Habichuela". En ésta obra Jordaens muestra  el momento más travieso y ruidoso de la fiesta. Ricos coloridos y gestos dinámicos enfatizan el aire de la festividad."

As we can read in the record of this artwork in the Hermitage's website:
"The subject is the traditional Netherlandish feast on January 6, the Day of the Three Kings or Magi, who came, according to the Gospels, to worship the Christ Child. Traditionally, a pie containing a bean was baked for the festivities, and he who found the bean in his piece of pie became Bean King. In this picture Jordaens showed the most joyful and noisy moment of the feast. Rich colouring and dynamic gestures emphasize the air of festivity."

"El Rey bebe / The King Drinks", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 242 × 300 cm., 1640-45.
Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)

Detalle / detail

"El Rey Bebe / The King Drinks", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 168 x 241 cm., c.1645
Museo de la Palestina Ocupada, Jerusalén

"El Rey bebe / The King Drinks", óleo sobre lienzo / oil on canvas152 x 204 cm,. c.1638-40
Musée du Louvre (París, Francia)
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Seguidor de / Follower of Jacob Jordaens
"El Rey bebe / The King Drinks", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127,2 x 167,8 cm.
Colección privada.

Aquí una muestra de un trabajo de un seguidor de Jordaens que representa el tema del Rey bebiendo en su mismo estilo... y con sus perros correspondientes.

Here an sample of a work of a follower of Jordaens representing the theme of King drinking in the same style ... and with its respective dogs.

Detalles / details
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"Como el Viejo canta... / As the Old Sing..."

"Como el Viejo canta, el joven toca la flauta / As the Old Sing, The Young Pipe"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 155 × 180 cm.
Musée des beaux-arts, Valenciennes, en depósito en el Musée du Louvre (Paris, Francia)

El título es un proverbio flamenco que significa que los jóvenes están pendientes de lo que hacen los adultos. Advierte a los padres que deben ser un buen ejemplo para los niños ya que cualquier cosa que hagan, los niños la imitarán.
Las escenas de celebración con mensajes moralizantes eran populares y una fuente de ingresos fiable. Jordanes planeó parte de las composiciones, delegando el resto en sus asistentes. Tradicionalmente el Maestro daba los últimos toques y correcciones a la obra, aunque también éstos retoques podían emularse, como en el taller de Rubens, por un asistente avezado que comprendiera el estilo. 

"Como el Viejo canta, el joven toca la flauta / As the Old Sing, The Young Pipe"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165 x 237 cm., c. 1645
Colección privada.

Detalles / details

"Como el Viejo canta, el joven toca la flauta / As the Old Sing, The Young Pipe"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 128 x 192 cm., 1638
Koninklijk Museum voor Schone Kunsten (Amberes, Bélgica)

The title is a Flemish proverb meaning that children take after adults. It warns parents to set a good example to their children, as whatever they do, their children will copy. 
Scenes of celebration, tempered by moralizing messages, were popular and a reliable source of income. Jordaens planned the composition and executed parts of it, delegating the rest to his assistants. Traditionally, the master would also finish and enliven the work through final corrections and retouching, yet these touches could also be emulated, as in Rubens’ workshop, by an assistant who understood the expectation of a certain kind of panache.

"Como el Viejo canta, el joven toca la flauta / As the Old Sing, The Young Pipe"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 211 x 189 cm., 1644. Colección privada

"Como el Viejo canta, el joven toca la flauta / As the Old Sing, The Young Pipe"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 145,5 x 218 cm. National Gallery (Ottawa, Ontario, Canadá)

"Como el Viejo canta, el joven toca la flauta / As the Old Sing, The Young Pipe"
Pluma, tinta marrón y acuarela sobre lápiz negro sobre papel / 
Pen, brown ink and watercolour over black chalk on paper, 26,20 x 29,80 cm., c. 1644. 
Galerías Nacionales de Escocia (Edinburgo).


Charles-Joseph Watelet

"Retrato del Conde Della Faille de Leverghem / Portrait of the Count Della Faille de Leverghem, 1933
Óleo sobre lienzo / oil on canvas. 
Reales Museos de Bellas Artes / Royal Museums of Fine Arts (Bruselas, Bélgica)

Charles-Joseph Watelet, nacido en 1867 fue un pintor belga de retratos y escenas de género. Recibió formación artística en la Academia de Bruselas con Jean Portaels y Alfred Stevens.
Hizo retratos de muchas figuras prominentes. Se mudó de Maranelle a Uccle, en Bruselas. Se especializó en retratos femeninos y llegó a ser bastante famoso. También pintó mujeres en escenas sociales como bailes, teatros y restaurantes. Murió en 1954.

Detalle / detail

Charles-Joseph Watelet born 1867, was a Belgian painter of portraits and genre scenes. He received his artistic training at the Academy of Brussels under Jean Portaels and Alfred Stevens. 
He painted portraits of many prominent figures. He moved from Maranelle to Uccle in Brussels. Watelet specialized in depicting the female portrait and became famous for his oeuvre. He also painted woman at social scenes as balls, theaters, and restaurants. He died in 1954.

Michael Taylor (II) [Pintura]

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Michael Taylor

Segundo post dedicado a éste genial pintor británico. En ésta oportunidad, una selección de sus retratos y bodegones. Las naturalezas muertas de Michael tienen, al igual que el resto de su obra, una intensidad poco común. Me remito al post anterior para más información sobre el artista.

Second post dedicated to this great British painter. This time, a selection of his portraits and still lifes. Michael's still lifes have, like the rest of his work, a rare intensity. I refer to the previous post for more information about the artist.

"Modelo de máquina de vapor / Model Steam Engine"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 46 cm., 2003.
Scheringa Museum voor Realisme.

"Escalas bilaterales / Bilateral Scales", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86 x 66 cm., 2008

"Ellen", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76 x 71 cm., 1991

"Baronesa / Baroness P. D. James", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86 x 106 cm., 1996

"Me gustaba la fuerza y originalidad de sus composiciones y la autoridad con que utiliza el color... Es una pintura potente que admiro mucho"
Comentarios de la Baronesa P. D. James sobre su cuadro.

"I liked the strength and originality of his compositions and the authority with which he used colour..... It is a powerful painting which I much admire."
Baroness P D James, on the painting of herself by the artist

¿Por qué has distorsionado varios objetos?
En el caso de P. D. James, y en los escritores sobre crímenes en general, hay una especie de calidad oscura en el trabajo, y en el caso de la pintura pensé que nada debía ser tal cual. Hay una especie de sentimiento intuitivo de que las cosas se distorsionan cuando las miras, hay una distorsión psicológica en marcha. Hay una brisa oscura soplando sobre la pintura que hace ondear los arquitrabes y puertas como cortinas frente a una ventana abierta. Puertas francesas, nada es lo que parece, todo está distorsionado por la forma en que es visto y por la psicología del modelo casi plegado, así como el testigo mudo de la figura velada, la estatuilla.
Traducción de parte de una video entrevista transcrita por Portrait Explorer en la IT Gallery que puede leerse completa (en inglés) aquí.

Why did you distort various objects?
In the case of P.D. James and often crime writers in general, there is a sort of dark quality to the work and in the case of the painting I thought nothing should be straightforward
and there was a sort of intuitive feel that things distort as you look at them, there’s a psychological distortion going on, there’s a dark wind blowing through the picture, it
billows the architraves and doors like curtains blowing at an open window, French doors, nothing is as it seems, everything is distorted by the way it’s looked at and by the
psychology of the sitter almost bends it as well and the mute witness of the veiled figure, the statuette.
From a video Interview Transcript for the Portrait Explorer in the IT Gallery you can fully read here.

"Pequeña morsa con jarrón de vidrio azul / Small Vice with Blue Grass"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 46 cm., 2008

"Cesta de fruta con icono / Fruit Basket with Icon", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71 x 102 cm., 2010

"Andy Sheppard", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 x 97 cm., 2003

Andy Sheppard es un saxofonista de jazz y compositor británico nacido en 1957. Ha ganado varios premios en los British Jazz Awards, y trabajado con algunas figuras notables del jazz contemporáneo, incluyendo a Gil Evans, Carla Bley, George Russell y Steve Swallow.

Andy Sheppard (born 20 January 1957) is a British jazz saxophonist and composer. He has been awarded several prizes at the British Jazz Awards, and has worked with some notable figures in contemporary jazz, including Gil Evans, Carla Bley, George Russell and Steve Swallow.

"Maryanna Lady Tavener", lápiz / pencil, 59 x 42 cm., 2002

"Calabazas y llave inglesa del 10 / Pumpkins and 10" Wrench"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 87 x 106 cm., 2002

Se puede disfrutar de una amplia muestra de las obras de Michael en su sitio web.

"Paul Beckett - Advocate", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 76 cm., 2007

Paul Beckett es un boxeador amateur de peso pesado, abogado de la Isla de Man, masajista cualificado y hombre tatuado con mucho interés por cuestiones relativas a los derechos humanos.

Se habló del retrato por primera vez en 2004, originalmente para el 50 cumpleaños de Beckett en octubre de 2006. En la ocasión, Paul dijo: "los niveles de luz en el otoño de la Isla de Man son los que son, así que decidimos posponer el trabajo hasta fines de julio. Posé durante 30 horas, mirando hacia el espejo en el gimnasio de mi mujer en nuestra casa, escuchando a Beethoven, Schubert y Messiaen. Michael escuchaba la misma música cuando regresaba a su casa de Dorset a completar el trabajo."

¿Está conforme Beckett con el resultado final?. "Ciertamente -contesta sin dudar- El retrato está en un reflejo, y lleno de capas con significados parcialmente ocultos. La experiencia de estar mirando a mi propia imagen durante tanto tiempo fue absolutamente catártica". O, como dice acerca de la imagen en su muslo izquierdo: "Es una imagen de teatro kabuki japonés del 1752. El actor está quitándose su armadura, no siendo ya más el guerrero sino el hombre que hay dentro. Como yo mismo, cuando el abogado se convierte en Paul al final de cada día de trabajo."
Texto traducido de aquí.

Paul Beckett y Michael Taylor. Fotografía / Photographer: John Sitwell

Paul Beckett is an amateur heavyweight boxer, committed Manx lawyer, qualified masseur and tattooed man with an appetite for human rights issues.

The portrait was first discussed in 2004, originally for Beckett’s 50th birthday in October 2006. In the event, Paul said, “light levels in a Manx autumn being what they are, we decided to postpone the work until last July. I sat for 30 hours, staring into a mirror in my wife’s gym at our home, listening to late Beethoven, Schubert and Messiaen. Michael played the same music when he returned to his home in Dorset to complete the work.”

Is Beckett pleased with the end result? “Certainly,” he says, without hesitation. “The portrait is in reflection, and layered with partly hidden meanings. The experience of staring at my own image for such a length of time was utterly cathartic.” Or, as he says about the image on his left thigh: “This is a Japanese Kabuki Theatre image from 1752 – the actor is taking off his costume armour, no longer the warrior but the man within. So too myself, as the lawyer becomes Paul at the end of each working day.”
Text from here.

"Máquina de coser / Sewing Machine", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 91 cm., 2003

"Pan y agua / Bread and Water",  óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 86 cm., 1994

"Lord Falconer, Gran Canciller de Gran Bretaña / Lord High Chancellor of Great Britain"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 76 cm., 2007

"Muñeca africana con setas / African Doll with Mushrooms"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 71 cm., 1991

"Cesta de manzanas II / Basket of Apples II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 71 cm., 2002

"Julian Bream", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106 x 92 cm., 1984
Commissioned by National Portrait Gallery, as a result of artist winning John Player Award

"Es exactamente lo que siento dentro cuando estoy componiendo"
"It is exactly how I feel inside when I am composing." Julian Bream

Julian Bream, CBE, (Londres, 15 de julio de 1933) es un guitarrista y laudista inglés.
Su padre tocaba jazz en la guitarra y el joven Julian quedó impresionado al oír la forma de tocar de Django Reinhardt.
Se convirtió en un prodigio infantil, al ganar a los 12 años un premio en una exhibición infantil por tocar el piano, dándole oportunidad de estudiar piano y cello en el Royal College of Music. Tuvo su debut en un recital de guitarra en Cheltenham en 1947 a los 13 años.
Info in english here.

You can enjoy a good selection of Michael's work in his website.

"Zapatos / Shoes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 76 cm., 2006

"Sir John Tavener", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 x 81 cm., 200
© National Portrait Gallery, Londres

Sir John Kenneth Tavener es un compositor británico conocido por sus obras religiosas minimalistas como "La Ballena" y "Funeral Ikos". Comenzó como un prodigio; en 1968, con 24 años, fue descrito por "The Guardian" como "el descubrimiento musical del año", mientras que "The Times" decía que estaba "entre los mejores talentos creativos de su generación". Durante su carrera se convirtió en uno de los más conocidos y seguidos compositores de su generación. Tavener fue nombrado Sir en 2000 por sus servicios a la música y ganó el premio Ivor Novello.

Sir John Kenneth Tavener (born 28 January 1944) is a British composer, best known for such religious, minimalist works as The Whale and Funeral Ikos. He began as a prodigy; in 1968, at the age of 24, he was described by The Guardian as "the musical discovery of the year", while The Times said he was "among the very best creative talents of his generation." During his career he has become one of the best known and regarded composers of his generation. Tavener was knighted in 2000 for his services to music and has won an Ivor Novello Award.

Más sobre Michael Taylor en "El Hurgador" / More about Michael Taylor in this blog:

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Michael!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Michael!)

Hanneke Beaumont [Escultura]

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Descubrí la obra de ésta interesantísima escultora a través de su escultura "Courage", situada en la Plaza del Príncipe, en Santa Cruz de Tenerife. Se trata de una instalación con varios personajes en bronce sumamente llamativa. Vamos a conocer un poco más a su creadora.

I discovered the work of this very interesting sculptor through her artwork "Courage", located in the Plaza del Principe, in Santa Cruz de Tenerife. Is a very striking installation with several bronze characters. Let's know a little bit more about her creator.

Hanneke Beaumont

Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

Hanneke Beaumont es una escultora nacida en Maastricht, Holanda, en 1947. Sus obras se centran en la figura humana y están realizadas en terracota, bronce y hierro fundido.
Estudio odontología en los Estados Unidos, pero regresó a Europa mudándose a Bélgica, donde vive actualmente. Comenzó sus estudios artísticos en 1977 en la Académie de Braine l'Alleud, luego en La Cambre y en Anderlecht. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1983.

"Instalación IV, Terracotas Nº 27 y 29 / Installation IV, Terracottas #27 and #29", 2006
Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Terracota Nº 27, detalle / #27, detail, 2006. Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"¿Quiénes somos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?". Hanneke se hace eco en su trabajo de las preguntas que permanentemente se ha hecho el hombre, pero también trata temas más específicamente contemporáneos, como en su obra "Abundancia y Caos". Muchas de sus figuras no parecen hombres ni mujeres, ni jóvenes ni viejos. No parecen retratos de individuos en particular, ni están modelados a partir de formas humanas estilizadas. Físicamente, son aproximaciones a los seres humanos y como tales ofrecen una forma de considerar, con cierta distancia, ideas generales acerca de la naturaleza de la raza humana. Sus posiciones no son agresivas o provocativas, pero tampoco están resignados. Frágiles pero fuertes, inmóviles pero listos para moverse, éstas figuras parecen estar en un equilibrio espacial ingrávido; su carácter humano atado a las cuerdas del pensamiento. Vestidos con "ropas" intemporales, con materiales parcialmente estructurados, entrelazados con el cuerpo, que desafían nuestra percepción sin escandalizar nuestra sensibilidad.

"Bronce Nº 102 / Bronze #102", 122 x 46 x 52 cm. 
Fotos cortesía de la artista / Photos Courtesy of the Artist

"Terracota Nº 82 (también en bronce) / Terracotta #82 (also available in bronze)"
2006-07, 28" x 60 5/8" x 27 1/8". Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Yo trabajo en arcilla. Construyo en hueco, que es una forma muy complicada de hacer esculturas, pero creo que es la única forma en que puedo hacerlo, porque no me gusta estar pendiente de un armazón y luego hacer el molde, y luego la terracota, así que trabajo la terracota en hueco desde el principio. Es un trabajo lento y creo no hay muchos artistas que trabajen así a ésta escala en terracota"

"Bronce Nº 116 / Bronze #116", 85 x 30 x 80 cm. 
Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Bronce Nº 80 / Bronze #80", 12 1/4" x 9 7/8" x 6 3/4"
Fotos cortesía de la artista / Photos Courtesy of the Artist

"Ahora trabajo a menudo en hierro fundido, que últimamente se ha convertido en un medio que utilizo más y más, y que me brinda también la posiblidad de volver un poquito sobre la terracota. Una vez más, el hierro fundido tiene esa oxidación natural y encuentro que expresa muy bien lo que pretendo cuando utilizo la arcilla."

 Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Conectado-Desconectado / Connected-Disconnected", bronce / bronze, 2010
(Bronces Nº 91, 93 y 99 / Bronzes #91, #93 and #99).
Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Al principio, cuando comencé con la escultura, hacía muchos retratos de personas trabajando a partir de un modelo. Y la gente me pedía cada vez más retratos. Yo realmente no quería involucrarme en ello más aún, así que de alguna manera dejé de lado esa parte de mi trabajo y busqué trabajar sin modelo para expresar más lo que me preocupaba, lo que notaba en la gente, lo que me impactaba a veces en ciertas situaciones, y eso era a lo que yo quería dar expresión. O sea que la forma como está hecho, ya sea sólo anatómicamente o a quién se parezca la figura no tiene importancia, sólo hago salir de mi cabeza todas esas figuras y las hago como surgen.
Y supongo que la forma como salen de mi cabeza es pura intuición que se concreta en mis figuras, porque así es como las veo y así es como me siento, así que parecen todas hermanos y hermanas o algo así. Se ven más o menos similares precisamente porque no trabajo con modelos."

"Bronce Nº 91 / Bronze #91", altura, 116 cm. Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

Ella prefiere dejar la mayoría de sus trabajos sin título.
"Cuando tienes un título, más o menos sientes que fuerza tu pensamiento en una dirección. Si lo dejas neutral, lo interpretarán como quieran", dice. "Me gusta cuando la gente se siente libre de interpretar la escultura."

"Bronce Nº 99, maqueta / Bronze #99, Maquette", 57 x 16 x 32 cm.
Fotos cortesía de la artista / Photos Courtesy of the Artist

Los textos están tomados del sitio web de la artista, de un artículo de Jeffrey Kaczmarczyk en "The Grand Rapids Press" que puede leerse completo (en inglés) aquí, y de partes de la entrevista de Joseph A. Becherer cuyo video puede verse completo al final del post.
Se puede disfrutar del trabajo de Hanneke en su sitio web y en los de varias galerías, por ejemplo en "Bowman Sculpture".
Más información (en inglés) en Wikipedia.

"Bronce Nº 99, detalle / Bronze #99, Detail". Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Bronce y hierro fundido Nº 48, Melancolía / Bronze and Cast Iron #48, Melancholia"
Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

Hanneke Beaumont is a Dutch sculptor born in Maastricht, 1947. Her sculptures focus on the human figure and are realized in Terracotta, Bronze and Cast iron.
She studied dentistry in the United States, but moved back to Europe, to Belgium, where she still lives today. Beaumont started her artistic studies in 1977 at the Académie de Braine l'Alleud, then at La Cambre and in Anderlecht; she received her first solo exhibition in 1983.

Hanneke trabajando en / working on"Melancolía / Melancholy"
Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Hierro fundido Nº 107 / Cast Iron #107", 2010. Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

«Who are we? What are we? Where are we going?». Man’s perennial questions are echoed by Hanneke Beaumont’s work , but she also raises more specifically contemporary issues as in her cast iron sculpture «Abundance & Chaos». Many of her figures appear neither male nor female, neither young nor old. They do not appear as portraits of particular individuals, nor are they modeled after idealized human forms. Physically, they are approximations of human beings, and as such, they provide a way to consider, from a distance, general ideas about the nature of the human race. Their positions are not aggressive or provocative, but neither are they resigned. Fragile but strong, motionless but ready to move, these figures seem in a weightless spatial equilibrium - their human character tied to a string of thought. Dressed in timeless « clothes », partly structured material, intertwined with the body, they defy our perception without shocking our sensibility.

"Hierro fundido Nº 72 / Cast Iron #72", 185 x 34 x 35 cm. incluyendo la base / including base.
Fotos cortesía de la artista / Photos Courtesy of the Artist

"Hierro fundido Nº 72 / Cast Iron #72". Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"I work in clay. I build it up hollow which is a very complicated way of making sculptures, but I think is the only way I can do it because I don't like working with an armature and then later making a mould and then making it in terracotta, so my terracotta is actually build up hollow from the start. Is a slow work and I think not many artists that make'em that scale in terracotta."

"Dando un paso adelante / Stepping Forward"
Bronce patinado / patinated bronze, 600 x 196 x 145 cm., 2007
Frente al Consejo Europeo de Ministros en Bruselas / In front of European Council of Ministers in Brussels.
Fotos cortesía de la artista / Photos Courtesy of the Artist

El video grabado durante la instalación de ésta obra puede verse al final del post /
You can see the video recorded during the installation of this sculpture at the end of this post.

"Bronce Nº 73, El tedio / Bronze #73, L'Ennui", 2005.
Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"Bronce Nº 105 / Bronze #105", 32 ¼" x 13" x 27 ½", 2010.
Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"I work often now also in cast iron, which lately has become a media I use more and more, and which brings me also again a little bit back to the terracotta, and the cast iron again I have this natural oxidation and I get also that expresses very well the way I want to use the clay."

"Bronce Nº 115 / Bronze #115", 40 x 21 x 27 cm. Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

"At the beginning, when I started with the sculpture, I did a lot of portraits of people, I worked out from a model. And the people asked me more and more to do portraits. I didn't really want to get into this more. So I sort of slope that part of my work down and wanted to work completely without the model, and express more what's preoccupying me what I'm notice in people, what strikes me sometimes in situations and that's what I wanted to give expression to. So the way it was done, what it was anatomically just or whether that figure was resembling then make any  ... no more importance, so I just make him out of my head all of this figures since then I made like that. And I suppose the way the head comes out is just pure intuition they become my figures because that's the way I see him and that's the way I feeling, so they looks like they're all brothers and sisters or whatever. They all look more or less the same, that's because I don't work with models."

"Bronce Nº 25 / Bronze #25". Foto cortesía de la artista / Photo Courtesy of the Artist

She also prefers to leave most of her work untitled.
"When you have a title, you pretty much feel that forces you to think in a direction. If you leave it neutral, they will interpret it in their way," she said. "I like it when people feel free to interpret the sculpture."

"Valor / Courage", bronce / bronze. Foto / Photo. Wikimedia Commons
Plaza del Príncipe, Santa Cruz de Tenerife, Canarias, España

"Valor / Courage", detalle / detail. Foto / Photo: Mine d'Art

En 1994, Hanneke fue reconocida por éste grupo escultórico con el premio mayor del Centre International d’Art Contemporain Château Beychevelle.
In 1994, Hanneke was awarded for her sculpture group «Le Courage», the major award of the Centre International d’Art Contemporain Château Beychevelle.

"Valor / Courage", detalle / detail. Foto / PhotoJuan Yanes

Texts are taken from artist's website, from an article by Jeffrey Kaczmarczyk in "The Grand Rapids Press" you can fully read here and from an interview by Joseph A. Becherer whose video you can see at the end of this post. 
You can enjoy Hanneke's work in her website and in the sites of several galleries, for example in "Bowman Sculpture".
More information in Wikipedia.

"Valor / Courage", detalle / detail. Foto / Photo: Javier Fuentes, 9/2013

Post publicado con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Mijntje y Hanneke!)
Post published here with artist's permission (Thanks a lot, Mijntje and Hanneke!)



Entrevista a Hanneke realizada por Joseph a. Becherer, Curador y Vice Presidente de Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park.
Interview of Hanneke, by Joseph A. Becherer, Chief Curator & Vice President of the Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park.


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Instalación de "Un paso hacia adelante". La obra se instaló frente al nuevo edificio dedicado al Consejo de Ministros Europeo en Bruselas.
Installation of "Stepping Forward". Artwork was installed in front of the new building dedicated to the European Council of Ministers in Brussels.



Kyle Fisher [Pintura]

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Kyle Fisher


Kyle Fisher es un joven pintor estadounidense nacido en Trenton, New Jersey. 
Estudió en el Colegio de Arte y Diseño de Savannah, Georgia (SCAD), y también a tiempo parcial en la galería / taller que junto con otros 7 muchachos graduados en el SCAD iniciaron en la Frankford Avenue of the Arts, en Philadelphia.

"Por encima del Hudson / Above the Hudson", acrílico sobre abedul / acrylic on birch, 96" x 45" © Kyle Fisher

"Orgullo / Pride", óleo sobre panel / oil on panel, 42" x 58" x 3"© Kyle Fisher

En los últimos años, el trabajo de Kyle se ha centrado en la madera como superficie para sus pinturas. Según escribe:
"Comenzó como una apreciación de la superficie en sí misma; la forma como asimilaba tanto el acrílico como el óleo. Sin embargo gradualmente me descubrí utilizando las imágenes existentes: el dinamismo y belleza de la veta de la madera, como parte del producto terminado. Desde entonces he estado explorando las ideas de belleza natural, belleza creada por el hombre y la interconectividad."

"Samurai (Díptico / Diptych), acrílico y tintes sobre abedul / acrylic and stain on birch, 84" x 48" © Kyle Fisher

"Las teorías presentes en los trabajos de Piet Mondrian siguen siendo una fuente de inspiración para mí. Utilizando sólo colores primarios y líneas verticales y horizontales, ha creado algunos de los trabajos más visualmente balanceados que se conocen. Cuando paso un tiempo frente a un panel intacto, me fascinan las muchas formas en que el color, la forma y las puras líneas pueden cargar y balancear de manera análoga el movimiento y composición de la madera"
"Selecciono cada panel en función de la inmediata conexión que siento. Cada uno es increíblemente único, y puede haber movimiento, peso visual o una composición que me fascina. Abordo cada pieza con lápiz. Instintivamente, formas gestuales se van garabateando a medida que comienzo a centrarme en la pieza. Es en éste momento que ocurre mi parte favorita del proceso."

"Floración / Bloom", acrílico y grafito sobre abedul / acrylic & graphite on birch, 35" x 62"© Kyle Fisher

"Sudario / Shroud", acrílico sobre abedul con vidrio tonal grabado al ácido / 
acrylic on birch with acid etched toned glass, 50" x 16"  © Kyle Fisher

Le he preguntado a Kyle acerca de la relación entre su referencia a Mondrian y sus últimos trabajos figurativos, concretamente pensando en "Bloom" y "Pride". Me escribe que "en lo que respecta a la ideología de Mondrian, la relación estriba en el papel que juegan esas formas gestuales y cómo se balancean con la veta natural de la madera en mis trabajos abstractos." En cuanto a ésta nueva serie "que busca influir en las connotaciones que aplicamos a lo reconocible", pendiente una declaración artística más inclusiva, Kyle me ofrece algunas claves:

"La iconografía que recopilamos a partir de la vida salvaje, de lo mundano y de las señales presentes en el espacio físico, así como nuestra experiencia del mundo visual, es procesada de innumerables e inimaginables maneras y de forma diferente por cada uno de nosotros. Una aguada de color puede resultar estridente. Por otra parte, una línea que imita un jirón de tela evoca familiaridad.
Formamos nuestra comprensión de la física de las cosas solos y de forma unívoca. Creo que reinterpretando lo representable utilizando la propia y única comprensión de cómo las cosas sienten, se pliegan, se mueven, se rasgan, florecen y caducan, estamos en condiciones de presentar las imágenes de una forma que desafía las tendencias naturales. Somos entonces capaces de comunicar mejor los matices de percepción que nos conectan."

"Espíritu viajero (Díptico) / Wanderlust (Diptych)"
Acrílico y esmalte sobre abedul / acrylic and enamel on birch, 102" x 48" © Kyle Fisher

Kyle forma parte como miembro fundador de la Galería y colectivo Part-Time Studios. Se puede echar un vistazo a ésta propuesta aquí. Más obras e información sobre Kyle en su sitio web.

"Festín / Feast", acrílico y tintes sobre abedul / acrylic and stain on birch, 40" x 32" © Kyle Fisher

Kyle Fisher is a young American painter born in Trenton, New Jersey.
He Went to school in Savannah, Georgia at the Savannah College of Art and Design. Part time studios was a gallery / workspace that he and 7 other kids who graduated from SCAD started on Frankford Avenue of the Arts in Philadelphia. 

"Retrospectiva / Retrospective", acrílico y grafito sobre abedul y metacrilato antibalas / 
acrylic and graphite on birch and bulletproof plexiglass, 35" x 57"© Kyle Fisher

"Sonograma / Sonogram", acrílico sobre abedul / acrylic on birch, 98" x 44"© Kyle Fisher

Over the past couple years, Kyle's work had focused on wood as the surface for his paintings. As he wrote:
"It started as an appreciation for the surface itself; the way it held both acrylic and oils. I gradually, however, found myself using the existing imagery; the dynamism and beauty within the wood’s grain as part of the finished product. Since then, I’ve been exploring the concepts of natural beauty, man-made beauty, and inter-connectivity."

"Inmersión / Immersion", óleo y grafito sobre abedul / oil and graphite on birch, 78" x 53" © Kyle Fisher

"Corazón y alma / Heart and Soul", acrílico sobre abedul / acrylic on birch, 98" x 50" © Kyle Fisher

"Inversion", óleo y grafito sobre abedul / oil and graphite on birch, 34" x 25" x 3" © Kyle Fisher

"The theories found in the works of Piet Mondrian remain an inspiration in my own. Using just primary colors and vertical/horizontal lines, he created some of the most visually balanced works known. When I spend time in front of an untouched panel, I’m amazed at the many ways color, form, and clean line, can similarly charge and balance the wood’s movement and composition.
I select each panel because of an immediate connection I’m able to feel. Each is incredibly unique, and it may be movement, visual weight, or a composition that fascinates me. Each piece is approached with a pencil. Instinctive, gestural shapes are scrawled as I begin to focus the piece. It is at this moment that my favorite part of the process happens."

"Hibernación / Hibernation"
Acrílico y tintes sobre abedul / acrylic and stain on birch, 30" x 41" © Kyle Fisher

"En el núcleo / At The Heart Of It", acrílico sobre abedul con metacrilato esmerilado / 
acrylic on birch with frosted plexiglass, 44" x 34"© Kyle Fisher

I asked Kyle about the relationship with Mondrian concerning his latest figurative works, specifically thinking of "Bloom" and "Pride". He wrote me that "As far as Mondrian's ideology is concerned - that mostly relates to my abstract works where the gestural shapes simply play into / balance out the existing composition of the woodgrain.". About this series "interested in influencing the connotations we apply to the recognizable", pending a more inclusive artistic statement, Kyle gives me some clues:

"The iconography we gather - of wildlife, the mundane, markings of physical space - and our experience of the visual world is processed differently by all - in countless and unimaginable ways.  A spattered wash of color may resonate.  For another, a line mimicking brittle, tattered fabric conjures familiarity.   
We form our grasp of the physicality of things uniquely and alone. I believe through reinterpreting the representational using one's unique understanding of how things feel, fold, move, tear, bloom and decay, we're able to introduce imagery in a way that challenges predispositions.  We're then able to better communicate the nuances of perception that connect us."

"Sweep the Jacks", acrílico sobre luaun / acrylic on luaun, 65" x 32"© Kyle Fisher

"Vanidad / Vanity", acrílico y tintas sobre abedul / acrylic and stain on birch, 30" x 25"© Kyle Fisher

"Trabajo de oficina / Paperwork", acrílico sobre luaun / acrylic on luaun 40" x 26" © Kyle Fisher

Kyle is a founding and current member of Part Time Studios – a gallery and artist collective. You can get more information about this project here.
More works and information about Kyle in his website.

"Realeza / Royalty", acrílico sobre abedul / acrylic on birch", 54" x 36"© Kyle Fisher

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Kyle!)
Agradezco también a mi amigo Pedro que me echó una mano con la traducción.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Kyle!)
I also thank my friend Pedro that helped me with the translation.

Hans Holbein el Joven, Retratos (I) [Pintura]

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Siempre me han fascinado los retratos de Hans Holbein, no sólo por la bellísima factura de los mismos, sino también por la época en que fueron creados, la misma durante la cual estaban activos artistas de la talla de Durero o Lucas Cranach. Aprovechando la alta definición de las imágenes disponibles, selecciono algunos detalles que permiten apreciar la soberbia calidad técnica en la representación de los rostros.

I've always been fascinated by the portraits of Hans Holbein, not only for the beautiful making, but also the time they were created, the same during which were active artists like Dürer and Lucas Cranach. Taking advantage of the high definition of images available, I select some details that allow to appreciate the superb technical quality in the rendering of faces.

Hans Holbein el Joven / The Younger

"Autorretrato / Self-Portrait"
Tiza de color, pluma y oro / color chalk, pen and gold, 32 x 26 cm., 1542-43
Galería Uffizi (Florencia, Italia)

Hans Holbein el Joven (der Jüngere) (Augsburgo, 1497? - Londres, entre el 7 de octubre y el 29 de noviembre de 1543) fue un artista e impresor alemán que se enmarca en el estilo llamado Renacimiento nórdico. Es conocido sobre todo como uno de los maestros del retrato del siglo XVI. También produjo arte religioso, sátira y propaganda reformista, e hizo una significativa contribución a la historia del diseño de libro. Diseñó xilografías, vidrieras y piezas de joyería. Se le llama "el Joven" para diferenciarlo de su padre, Hans Holbein el Viejo, un dotado pintor de la escuela gótica tardía.

"Autorretrato / Self-Portrait", detalle / detail

Nacido en Augsburgo, Holbein trabajó principalmente en Basilea. Al principio pintó murales, obras religiosas, y diseños para vidrieras y libros impresos. También pintó ocasionalmente retratos, destacando internacionalmente con retratos del humanista Desiderio Erasmo de Róterdam. Cuando la Reforma alcanzó Basilea, Holbein trabajó para clientes reformistas mientras continuaba sirviendo a patrones religiosos tradicionales. Su estilo gótico tardío fue enriquecido por las tendencias artísticas en Italia, Francia y los Países Bajos, así como por el Humanismo renacentista. El resultado fue una combinación estética única en sí misma.

"Los embajadores / The Ambassadors"
Oil on oak / óleo sobre roble, 209,5 x 207 cm., 1533. National Gallery (Londres, UK)

La pintura presenta a dos ricos, educados y poderosos hombres jóvenes. A la izquierda está Jean de Dinteville, de 29 años, embajador francés en Inglaterra en 1533. A la derecha, su amigo Georges de Selve, de 25 años, obispo de Lavanur, quien se desempeñó en varias ocasiones como embajador del Emperador en la República de Venecia y la Santa Sede.
La pintura está realizada según un estilo tradicional en el que se presentan hombres cultos con libros e instrumentos. Los objetos sobre el estante incluyen una esfera celeste, un reloj de sol y otros varios instrumentos utilizados para el estudio de los cielos y la medida del tiempo. Entre los objetos del estante inferior, hay un laúd, una caja de flautas, un libro de himnos, un libro de aritmética y un globo terráqueo.
Más información en ficha de la obra, en la web de la National Gallery.

"Los embajadores / The Ambassadors", detalles / detail

This picture memorializes two wealthy, educated and powerful young men. On the left is Jean de Dinteville, aged 29, French ambassador to England in 1533. To the right stands his friend, Georges de Selve, aged 25, bishop of Lavaur, who acted on several occasions as ambassador to the Emperor, the Venetian Republic and the Holy See.
The picture is in a tradition showing learned men with books and instruments. The objects on the upper shelf include a celestial globe, a portable sundial and various other instruments used for understanding the heavens and measuring time. Among the objects on the lower shelf is a lute, a case of flutes, a hymn book, a book of arithmetic and a terrestrial globe.
More information: artwork record in the National Gallery website.

"Los embajadores / The Ambassadors", detalles / detail

"Retrato de / Portrait of Benedikt von Hertenstein"
Oil on panel / óleo sobre tabla, 52,4 x 38,1 cm., 1517. 
Metropolitan Museum of Art (New York City, USA)

En 1517, Holbein decoró la casa del magistrado de Lucerna Jacob von Hertenstein. Simultáneamente hizo éste retrato del hijo mayor del magistrado, Benedikt, quien involucra al espectador tanto con su mirada directa como con la inscripción que reza, como si él estuviera hablando: "Tenía éste aspecto cuando tenía 22 años". A continuación se indica que "H.H." pintó la obra. El uso del artista de papel montado sobre madera es inusual, aunque no único. Inició el retrato como un dibujo sobre papel y continuó trabajando en color con óleo hasta finalizarlo.
Más información en ficha de la obra, en la web del Metropolitan.

In 1517 Holbein decorated the house of the Lucerne magistrate Jacob von Hertenstein. Concurrently, he made this portrait of the magistrate's eldest son, Benedikt, who engages the viewer both with his direct glance and the inscription, which reads as if he is speaking: "When I looked like this I was twenty-two years old." Directly following these words is the declaration, that "H.H." painted the work. The artist’s use of paper mounted on wood is unusual but not unique. He initiated the portrait as a drawing on paper and then continued working up in oil colors to its completion.
More information: artwork record in the Metropolitan website.

"Retrato de / Portrait of Benedikt von Hertenstein", detalle / detail

"Retrato de / Portrait of Bonifacio Amerbach", pino / pine, 28,5 x 27,4 cm., 1519. 
Kunstmuseum Basel, (Basilea, Suiza)

El arte de Holbein fue apreciado desde el principio de su carrera. El poeta y reformador francés Nicholas Bourbon lo llamó "el Apeles de nuestro tiempo", un galardón típico de la época. Holbein también ha sido descrito como un gran "fuera de serie" de la historia del arte, puesto que no fundó ninguna escuela. Después de su muerte parte de su obra se perdió, aunque mucha fue coleccionada. Para el siglo XIX Holbein era reconocido entre los grandes maestros retratistas.

"Retrato de / Portrait of Bonifacio Amerbach", detalle / detail

"Retrato de Cerick Berck de Colonia / Portrait of Cerick Berck from Cologne"
Óleo sobre lienzo transferido a tabla / oil on canvas transferred to panel, 53,3 x 42,5 cm., 1536
Metropolitan Museum (New York City, USA)

Abundante información sobre Holbein en Wiki. Para recorrer su obra en profundidad, Wikipaintings.

"Retrato de Cerick Berck de Colonia / Portrait of Cerick Berck from Cologne", detalle / detail

Hans Holbein the Younger (c. 1497 - between 7 October and 29 November 1543) was a German artist and printmaker who worked in a Northern Renaissance style. He is best known as one of the greatest portraitists of the 16th century. He also produced religious art, satire, and Reformation propaganda, and made a significant contribution to the history of book design. He is called "the Younger" to distinguish him from his father, Hans Holbein the Elder, an accomplished painter of the Late Gothic school.

"Retrato de Enrique VIII, Rey de Inglaterra / Portrait of Henry VIII, King of England"
Óleo sobre panel / oil on panel, 28 × 20 cm., c.1537. 
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España)

El retrato fue el género más popular en la Inglaterra de la época. A esto contribuyó el cisma de la Iglesia anglicana con la de Roma y que el rey Enrique VIII se convirtiera en cabeza visible de la primera. Con ello, la representación de los géneros pictóricos se restringió enormemente. Este retrato del célebre monarca inglés es una maravillosa muestra del estilo de Holbein, que se caracteriza por la monumentalidad que otorga a sus figuras y la profundidad psicológica que inculca a sus modelos. El pintor consigue retratar el carácter del personaje gracias a recursos como la posición de la figura y las manos, la linealidad y la frontalidad, que en este caso reflejan la regia personalidad de Enrique VIII.
Más información en ficha de la obra, en la web del Museo.

Portraiture was the most popular genre in sixteenth-century England, and indeed one of the few available to artists following the schism between the Church of Rome and the Church of England, of which Henry VIII became head. This likeness of the famous Tudor king is a magnificent example of Holbein’s remarkable style, characterised by a monumental rendering of figures which are nonetheless endowed with considerable psychological depth. In this markedly linear portrait, Holbein uses the frontal pose of the regal model and the position of his hands to convey the sitter’s powerful personality and majestic bearing.
More information: artwork record in the Museum website.

"Retrato de Enrique VIII, Rey de Inglaterra / Portrait of Henry VIII, King of England", detalle / detail

Born in Augsburg, Holbein worked mainly in Basel as a young artist. At first he painted murals and religious works and designed for stained glass windows and printed books. He also painted the occasional portrait, making his international mark with portraits of the humanist Desiderius Erasmus of Rotterdam. When the Reformation reached Basel, Holbein worked for reformist clients while continuing to serve traditional religious patrons. His Late Gothic style was enriched by artistic trends in Italy, France, and the Netherlands, as well as by Renaissance Humanism. The result was a combined aesthetic uniquely his own.

"Retrato de / Portrait of Sir Brian Tuke", óleo sobre roble / oil on oak, 49,1 × 38.5 cm., 1533-35.
National Gallery of Art (Washington, USA)

"Retrato de / Portrait of Sir Brian Tuke", detalle / detail

"Retrato de / Portrait of Thomas Cromwell", óleo sobre tabla / oil on canvas, 61 x 76 cm., c.1533
Frick Collection (New York, USA)

"Retrato de / Portrait of Thomas Cromwell", detalle / detail

Holbein's art was prized from early in his career. The French poet and reformer Nicholas Bourbon dubbed him "the Apelles of our time," a typical contemporary accolade. Holbein has also been described as a great "one-off" of art history, since he founded no school. After his death, some of his work was lost, but much was collected, and by the 19th century, Holbein was recognised among the great portrait masters. 

"Retrato de Tomás Moro / Portrait ofThomas More"
Óleo sobre panel de roble / oil on oak panel, 74,9 x 60,3 cm., 1527. Frick Collection (New York, USA)

"Retrato de Tomás Moro / Portrait of Thomas More", detalle / detail

Tomás Moro fue un humanista, autor y hombre de Estado al servicio de Enrique VIII. Tras rehusar la firma del Acta de Supremacía que hacía al Rey jefe de la Iglesia en Inglaterra, fue condenado y decapitado por alta traición. Venerado por la Iglesia Católica como mártir, fue beatificado y canonizado en 1935. La simpatía de Holbein por este hombre, de quien fue huésped cuando llegó por primera vez a Inglaterra, es evidente en este retrato. Su brillante representación del rico atuendo y accesorios, hacen de esta pintura de Holbein una de las más populares. Hay varias versiones del retrato, pero esta es sin duda la original.
Más información en ficha de la obra, en la web del Museo.

Thomas More was an humanist scholar, author, and statesman, served Henry VIII. After he refused to subscribe to the Act of Supremacy making the King head of the Church of England, he was convicted of high treason and beheaded. Venerated by the Catholic Church as a martyr, More was beatified in 1886 and canonized in 1935 on the four-hundredth anniversary of his death. Holbein’s sympathy for the man whose guest he was upon first arriving in England is apparent in the Frick portrait. His brilliant rendering of the rich fabrics and adornments make this one of Holbein’s best and most popular paintings. Various versions of the portrait exist, but this is undoubtedly the original. 
More information: artwork record in the Museum website.

 "Retrato de un miembro de la familia Wedigh / Portrait of a Wedigh Family Member"
(Probablemente / Probably Hermann von Wedigh)
Oil on panel / óleo sobre tabla, 42,2 × 32,4 cm., 1532. Metropolitan Museum (New York City, USA)

A lot of information about Holbein in Wikipedia. To deeply enjoy his work, Wikipaintings.

"Retrato de un miembro de la familia Wedigh / Portrait of a Wedigh Family Member", detalle / detail

Tara McPherson [Pintura, Ilustración]

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Tara McPherson


Tara McPherson es una artista estadounidense nacida en San Francisco, California, en 1976, que trabaja desde New York.
Estudió en el Santa Monica Community College y obtuvo su licenciatura de Bellas Artes en el Art Center de Pasadena, California, en 2001. Mientras estudiaba en la universidad, hizo una pasantía en los Rough Draft Studios. En 2011 abrió su boutique Cotton Candy Machine en New York.

"Desde el abismo / From the Abyss", óleo sobre abedul / oil on birch, 20" x 24", 2009. 
Colección de / Collection of Alfonso Siegrist.

"El conejito en la luna / The Bunny in the Moon"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen, stretched over panel, 101,6 x 76,2 cm., 2010.

El suceso que inspiró el título de ésta pintura, así como el tema del "Conejito en la Luna" que representa, y la primera vez que me impactó comprender la gran diversidad de las perspectivas sociales, fue cuando estaba en Japón cenando con unos amigos. Estábamos hablando sobre la luna y yo mencioné al hombre en la luna. Mi amigo japonés me miró con su rostro burlón y dijo "¿Un hombre en la luna? Querrás decir el conejito en la luna, ¿verdad?". Mi rostro se iluminó ante la idea de que cuando miramos a la luna, ¡la gente de Japón ve un conejito!. La leyenda, resumiendo, va sobre el conejito que sacrificó su vida para alimentar a un hombre hambriento, que de hecho era una deidad disfrazada. En homenaje al altruismo que mostró el conejito, la deidad hizo volar sus cenizas hasta la luna para que todos pudieran recordar su imagen y actos en los siglos venideros. Así que revisitando y desarrollando ese mito, ésta imagen va sobre ésta leyenda y cómo el sacrificio último de una vida puede equilibrarse con el amor, por la entrega total de uno mismo tan completa y desinteresadamente. ¿Y te devolverán ellos éste amor? ¿Te escribirán una carta de amor en un papelito en blanco sobre tu corazón, o lo utilizarán como un blanco y te ejecutarán como verdugos?

The event that inspired the the title of this painting as well as the theme of the 'Bunny in the Moon' show, and the first time I was struck with the realization of the huge diversity in social perspectives, was while I was in Japan having a dinner with some new friends. We somehow began discussing the moon and I mentioned the man in the moon. My japanese friend looked at me with this quizzical face and said "A man in the moon? You mean the bunny in the moon don't you?". My face lit up at the notion that when we all look at the moon people in Japan see a bunny! The legend, in a nutshell, is about the bunny that sacrificed his life to feed a starving man that was actually a deity in disguise. In homage to the selflessness the bunny showed, the diety made his ashes fly up to the moon so all could remember his image and act for ages to come. So in revisiting and evolving that myth, this image is about this legend and how the the ultimate sacrifice of a life and death can be equated to love, to give yourself to someone so completely and selflessly. And will they love you back? Will they write you a love letter on the blank piece of paper over your heart, or will they use it as a target and stab you like an executioner?

"Luminarias errantes / Wandering Luminations"
Óleo sobre lino montado sobre panel / oil on linen streched over panel, 121,92 x 91,44 cm., 2013.

Tara crea un arte que gira en torno a la gente y sus rarezas. Sus personajes parecen emanar una idealizada inocencia con atisbos en su mirada de una sabiduría ganada duramente. Con el recuerdo de los eventos de su niñez y su experiencia vital, crea imágenes que son tan provocativas como seductoras.
Ha creado numerosos posters para conciertos de bandas como Beck, Modest House, Melvins y muchas otras.

"Un retrato de Halloween / A Halloween Portrait", acrílico / acrylic, 10,5" x 9", 2007.
Colección privada / Private collection.

"Evolución del lenguaje / Evolution of Language", óleo / oil, 20" x 30", 2008.
Colección privada / Private collection.

"Siempre quise pintar, así que después de graduarme en la Escuela de Arte comencé una banda con mis amigos. Toco el bajo desde los 15 años. Así que tenía tiempo; había terminado el colegio, así que empecé la banda y comencé a hacer los flyers y posters. Yo coleccionaba posters... posters de rock. Y pensé... "Me gusta, puedo hacer algo en color con mis ilustraciones, hacer algo mejor". Los primeros que hice apestaban. No eran nada buenos."

Izq./Left: "La novia de nieve / The Snow Bride"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen, stretched over panel, 101,6 x 50,8 cm., 2010.
Der./Right: "Algún lugar bajo el arcoiris, Rosa / Somewhere Under the Rainbow, Pink"
Óleo y acrílico / oil and acrylic, 12" x 24", 2008.

"El segundo fraccionado / The Fractioned Second", óleo / oil
14" x 11", 20" x 16", 30" x 24", 20" x 16" y 14" x 11", 2008.

"Está basado en una teoría de Einstein. Es un evento que predijo. No fue capaz de verlo durante su vida, pero predijo esta lente gravitacional. Donde hay un objeto muy brillante detrás de un objeto masivo, perfectamente alineado con la Tierra, y miramos hacia él. Teorizó que si existe un agujero negro o una galaxia masiva, se creará una depresión en el espacio-tiempo que la luz rodeará, con lo cual si ves el objeto frente a tí, perfectamente alineado, tendrás otras cuatro versiones de la misma imagen. Así se crea la "Cruz de Einstein" o lente gravitacional.
Así que ésta pintura se basa en ello, esa imposibilidad, aunque posibilidad, de ver un objeto desde el mismo punto pero con múltiples puntos de vista. Eso lo cambié un poco haciéndolo en una sola línea."

"Is based on one Einstein's theories. Is an event that he predicted. Wasn't even able to see in his lifetime, but he predicted this gravitational lens where a really bright object is behind a massive object, perfectly in line with Earth, and we are looking at it. He theorizes that if exist that black hole or massive galaxy, it will create such a deep in the space-time that light will wrap around this object so if you see the original object in front of you and if is perfectly aligned you will see four other versions of the same image. So creates the Einstein's cross or gravitational lens.
So that painting is based on that, that impossibility, but possibility of seen one object from the same spot but multiple points of view. So I kinda change it and made it on in one line."

"Oye, todos morimos a veces / Hey, We All Die Sometimes"
Óleo sobre abedul / oil on birch, 24" x 36", 2008.
Coleccion de / Collection of Alexandra Mazzanti.

"Creo que la gente se identifica con lo que hago en parte porque es algo personal. En verdad dibujo desde mi interior, sabes... Espero que la gente pueda ver la honestidad que hay en ello. Son simples comentarios sobre la vida real, la gente, sus relaciones... y el amor, sabes, y la pérdida del amor, ese ciclo. No todo es acerca de eso, pero creo que todo está relacionado.

"Cuchillo flor / Flower Knife", óleo / oil, 24" x 30", 2008. Colección privada / Private Collection.

Los comentarios de Tara están tomados de la entrevista cuyo video puede verse al final del post.
Se puede recorrer su obra en su sitio web y en su tienda online Cotton Candy Machine.

"Refugio de agua / Safety of Water"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen, stretched over panel, 60" x 48", 2010.

Ésta pintura trata sobre encontrar refugio en un lugar aislado en medio del caos. El mito tiene su origen en un texto didáctico de la antigua Grecia, "El Epifanio", según el cual los elefantes antes de aparearse ingerirían la raíz de la mandrágora. Cuando está preparado para parir, el elefante busca refugio contra sus enemigos entrando en un pequeño lugar con agua. El Kappa que conduce al elefante tiene un depoósito de agua en su cabeza que se congela si el agua se vierte. Necesita el agua para sobrevivir y florecer. El elefante es el poderoso vehículo que han cogido el Kappa y las dos mujeres, una madre y su hija, hacia la charca, para escapar de quienes las persiguen. La tela del asiento del elefante, está adornada con flores de mandrágora. Encuentran la seguridad en éste místico lugar líquido, un lago que es una fuente inagotable de agua manando hacia abajo como una catarata circular.

Detalles / Details

This painting is about finding safety in an isolated place amidst chaos. The myth originates from an ancient Greek didactic text, The Epiphanius, where the elephants when preparing to mate would ingest the Mandrake root. When ready to give birth the elephant would find safety from their enemies by entering a small body of water. The Kappa riding the elephant, having a pool of water in his head, becomes frozen if the water spills. They need the water to survive and flourish. The elephant as the all mighty vehicle has taken the Kappa and the two women, a mother and daughter, to the pool to escape those who are chasing them. The fabric of the seat on the elephant is adorned with Mandrake flowers. They find safety in this mystical liquid place, a lake that is a fountain of never ending water streaming down like a round waterfall.

"La cascada de cristal / The Crystal Waterfall"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 76,2 x 45,72 cm.

Tara McPherson (born April 7, 1976 in San Francisco, California) is an American artist based in New York City. She studied art at Santa Monica Community College and earned her BFA from Art Center in Pasadena, CA in August 2001. While in college, she interned with Rough Draft Studios.
She opened the Cotton Candy Machine boutique in New York City in 2011.

"El valle fractal / The Fractal Valley", óleo sobre abedul / oil on birch, 18" x 18", 2009.
Colección privada / Private collection.

"Cómo vuelan tan fácilmente / How They Fly Away So Easily"
Óleo y acrílico / oil and acrylic, 24" x 30", 2008. Colección de / Collection of Rene deBos.

"La bruja de la materia oscura / The Dark Matter Witch"
Óleo y pan de plata sobre lino, montado sobre panel /
oil and silver leaf on linen, stretched over panel, 6,2 x 38,1 cm., 2010.

Tara creates art about people and their odd ways. Her characters seem to exude an idealized innocence with a glimpse of hard earned wisdom in their eyes. Recalling many issues from childhood and good old life experience, she creates images that are thought provoking and seductive. 
She has created numerous gig posters for rock bands such as Beck, Modest Mouse, Melvins and many others.

"Metrónomos aislados / Isolated Metronomes", óleo sobre abedul / oil on birch, 30" x 36", 2009.
Colección privada / Private Collection.

"I always wanted to paint, and then after graduate in the Art School I started a band with friends. I play bass since I was 15. So I found I had time. I had finished school so I start with the band and I start to making the flyers and posters. I was a collector of posters... rock posters. And I thought... "I do like, I can do something in colours with my illustrations, make it cooler". My first ones it sucks. They weren't pretty good."

"El amor que da el espacio es tan profundo como el océano / 
The Love Space Gives Is as Deep as the Oceans"
Óleo sobre lino, montado sobre panel / oil on linen, stretched over panel, 48" x 48", 2010.

"I think part of what I do that people can relate to is because is personal to me. I really draw from within you know... Hopefully people can see the honesty in it. Is just comentaries on real life and people and relationships... and love, you know, and the lost of love, that cicle. Is not all about that but I mean... all is relatable."

"Buscando pingüinos / Searching For Penguins", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 48", 2010.

¿Sabías que un pingüino y un oso polar nunca se encontrarán de forma natural en estado salvaje? Uno vive en el Polo Norte y otro en el Polo Sur. Esta pintura es sobre la búsqueda de algo que nunca podrás ver.

Did you know a Penguin and a Polar Bear will never meet naturally in the wild? One lives on the North Pole and one on the South Pole. This painting is about the quest and search for something you are never meant to see.

Tara McPherson & Jeff Soto (*)
Póster para Pearl Jam en Manchester, 2012, acompañados del grupo "X" / 
Poster Pearl Jam with "X" in Manchester, 19,5" x 35,5", 2012.

(*) Jeff Soto es un artista contemporáneo estadounidense. Se ha dicho que su paleta distintiva, temática y técnicas vienen a ser el puente entre el Surrealismo Pop y el Street Art. Más información en Wiki.
Jeff Soto is an American contemporary artist. His distinct color palette, subject matter and technique have been said to bridge the gap between Pop Surrealism and Street Art. More info in Wiki.

Tara's comments from an interview you can see at the end of this post.
You can enjoy Tara's work and get more information in her website and her online store Cotton Candy Machine.

"Jugando con fuego - La sanadora / Playing With Fire - The Healer"
Óleo sobre abedul / oil on birch, 24" x 30", 2009.
Colección privada / Private Collection.

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Tara!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Tara!)



Volumen 12 de "The Vinyl Frontier" Spotlight, echando un rápido vistazo dentro del mundo de Tara McPherson. Parte de un documental de Daniel Zana, 2008.
This is vol.12 of "The Vinyl Frontier" Spotlight, taking a brief look into the world of Tara McPherson. Part of a documentary by Daniel Zana, 2008.

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Entrevista de "Andamos armados" a Tara McPherson. Inglés con subtítulos en español.
Interview to Tara by "Andamos armados". Spanish subtitles.



Naoto Hattori [Pintura]

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Naoto Hattori


Naoto Hattori nació en 1975 en Yokohama, Japón. Estudió diseño gráfico en Tokyo antes de trasladarse a New York a estudiar en la Escuela de Artes Visuales. En el año 2000 recibió su Licenciatura en Ilustración. 
Ha sido premiado por la Sociedad de Ilustradores, El New York Directors Club, Communication Arts y ha ganado numerosos reconocimientos en varias competiciones. Su trabajo ha sido publicado por una gran cantidad de revistas. 

"Anumodana", acrílico sobre panel / acrylic on board, 13" x 16,5", 2008

"Anumodana", detalles / details

"Recolección / Recollection", 05, 4,1" x 5,8" y 07, 4" x 5,8", acrílico sobre panel / acrylic on board, 2012

Sobre su trabajo dice: "Mi visión es como un sueño, ya sea un dulce sueño, una pesadilla o sólo un sueño irreal. Intento ver qué es lo que realmente sucede en mi mente y ésta práctica incrementa mi conciencia de la creatividad en las corrientes de pensamiento subyacente. Intento no etiquetar o pensar acerca de lo que se supone que es, simplemente tomarlo tal como es y pintar lo que veo en mi mente sin compromisos. Así es como creo mi propia visión ".

"Flotopia", acrílico sobre panel / acrylic on board, 16,6" x 23,4", 2006

"Flotopia", detalle / detail

Las obras de Naoto Hattori pueden parecer a primera vista realizadas por medios digitales, pero son trabajos a puro pincel, generalmente utilizando acrílicos. Composiciones con elementos surrealistas y extraños seres, muchas veces jugando con la ironía, parodiando personajes u obras de arte de los clásicos. Destacan los paisajes, casi siembre verdes praderas y arrozales con árboles y montañas de fondo.

"Generador de vida / Life Generator", acrílico sobre panel / acrylic on board, 6,5" x 9", 2012

"Encuentra el conocimiento / Meet the Knowledge", acrílico sobre panel / acrylic on board, 5,3" x 6,8"

"Ninfa de los bosques / Wood Nymph", acrílico sobre panel / acrylic on board, 12" x 12", 2009

"Nunca he visto un extraterrestre, y no son alienígenas los que pinto, pero he visto y creado mi propio mundo en mi cabeza desde que era un niño. Ahora tengo habilidades que me permiten expresar lo que veo en mis visiones (...) Mi propio arte es aún una continua educación desde mis clases de dibujo en el kinder, simplemente pinto lo que quiero. Puede parecer extraño a mucha gente, pero ¿quién sabe qué está dando vuelas en sus cabezas?"

Izq./ Left: "Pájaro provocando / Provoking Bird", acrílico sobre panel / acrylic on board, 5,4" x 6,8", 2011
Der./ Right: "Bola de cristal / Crystal Ball", acrílico sobre panel / acrylic on board, 4,1" x 6", 2011

Izq./ Left: "Recolección / Recollection" 017, acrílico sobre panel / acrylic on board, 3,8" x 5", 2013
Der. arriba / Right Up: "Reina conejo / Rabbit Queen", acrílico sobre panel / acrylic on board, 3" x 3,7", 2013
Der. abajo / Right down: "Vistazo / Peek" 028, acrílico sobre panel / acrylic on board, 2,3" x 2,3", 2013

Los textos están tomados de la web del artista y de una entrevista un poco antigua (2003) que puede leerse completa (en inglés) aquí.
Se puede disfrutar del trabajo de Naoto Hattori en su sitio web

"Nube mental / Mind Cloud", acrílico sobre panel / acrylic on board, 10" x 13,5", 2013

"Sueño REM 02 / REM Sleep 02", acrílico sobre panel / acrylic on board, 7,7" x 6,3", 2013

Naoto Hattori was born in 1975 in Yokohama Japan, studied Graphic Design in Tokyo before moving to New York to study in the School of Visual Arts. In the year 2000 he received a BFA in illustration from the School of Visual Arts. He has received Awards from the Society of Illustrators, the New York Directors Club, Communication Arts and also he has won numerous award from many art competitions and has been published in many art magazines. 

"Serie Payaso coronado / Crown Clown Series", #2, #3, #4, #5
Acrílico sobre panel / acrylic on board, 3,5" x 3,5", 2013

"Arche", acrílico sobre panel / acrylic on board, 8" x 10", 2012

Of his work, He says: "My vision is like a dream, whether it's a sweet dream, a nightmare, or just a trippy dream. I try to see what's really going on in my mind, and that's a practice to increase my awareness in stream-of-consciousness creativity. I try not to label or think about what is supposed to be, just take it in as it is and paint whatever I see in my mind with no compromise. That way, I create my own vision."

"Inspirado / Inspired", acrílico sobre panel / acrylic on board, 12" x 12", 2010

Izq./ Left: "Alegre paseo / Joy Ride", acrílico sobre panel / acrylic on board, 4" x 5", 2013
Der./ Right: "Santa Mano / St. Hand", acrílico sobre panel / acrylic on board, 5" x 7", 2012

"Recolección / Recollection" 012, 011, 014, acrílico sobre panel / acrylic on board, 3,8" x 5", 2013

At first glance Naoto Hattori's works may seem made ​​digitally, but are pure brushwork, usually using acrylics. Compositions with surreal elements and strange beings, often playing with irony, parodying characters or artworks by the Classics. Notable are also his landscapes, almost all green rice fields and meadows with trees and mountain background.

Izq./ Left: "Perro Darth / Darth Dog", acrílico sobre panel / oil on board, 3,5" x 4,6", 2013
Der./Right: "Mente enfocada / Focus Mind", acrílico sobre panel / acrylic on board, 10" x 13,5", 2013

"Mal día / Bad Day", acrílico sobre panel / acrylic on board, 10,2" x 12,8"

"I have never seen an alien and it is not aliens I try to paint but I've been seeing and creating my own world in my head ever since I was a little kid. Now I got skill to express what I see in my visions (...) My own art is still a continue education from my kindergarten drawing class, just paint whatever I want. It might look weird to some people but who knows what is going around in their heads?"

Izq./ Left: "Abeja loca / Crazy Bee", acrílico sobre panel / acrylic on board, 3" x 3,8", 2013
Centro / Center: "Yamato", acrílico sobre panel / acrylic on board, 3,5" x 5", 2013
Der./ Right: "Malabarista / Juggler" 03, acrílico sobre panel / acrylic on board, 2,3" x 4,6", 2013

Izq./ Left: "Idolatrar / Idolize", acrílico sobre panel / acrylic on board, 8,1" x 10,8", 2011
Der./ Right: "Frontera / Border", acrílico sobre panel / acrylic on board, 6" x 8,5", 2009

Texts taken from artist's website and from an interview (a little bit old, 2003) you can fully read here.
You can enjoy Naoto Hattori's work in his website.

"Paseando / Walking" 02, acrílico sobre panel / acrylic on board, 7,7" x 7,7", 2008

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Naoto Hattori!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Naoto Hattori!)



Hasta el 7 de diciembre se puede ver obra de éste artista en la muestra colectiva "La Hora 13ª / The 13th Hour" que presenta la Galería Last Rites en New York City.


Until December 7 you can see work of this artist in the ongoing group show "the 13th Hour", in "Last Rites Gallery", New York City.


Don Hong-Oai [Fotografía]

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Don Hong-Oai
单雄威


Don Hong-Oai nació en la ciudad de Guangzhou, en la provincia de Guangdong, China, en 1929, pero pasó la mayor parte de su vida en Saigón, Vietnam. Allí, de joven, fue aprendiz en un estudio de fotografía. 
Permaneció en Vietnam durante la guerra, siendo uno de los "boat people" (*) que huyó a California en 1979. Vivió en el Barrio Chino de San Francisco donde tenía un pequeño cuarto oscuro en el que creaba sus fotografías. Mientras residió en Estados Unidos, regresaba a China cada pocos años para hacer nuevos negativos. Recién en los últimos años de su vida su obra fue descubierta por el gran público, y estuvo muy ocupado haciendo impresiones para coleccionistas de Estados Unidos y otros países. Murió en 2004.

(*) "Boat people (Gente de los botes)" es el término con el que se conoce generalmente a los refugiados de la Guerra de Vietnam que abandonaron el país en los años '70 tras la caída de Saigón. Normalmente utilizaban para huir botes hechos de una manera muy rudimentaria.

"Pine Peak, Montaña Amarilla / Pine Peak, Yellow Mountain", 1989

"Flotando en primavera / Floating In Spring", 1990

"En espera / In wait", Guilin, 1999

Las fotografías de Don Hong-Oai presentan un estilo único, considerado como pictorialismo asiático. Éste método mediante el cual adaptó el arte occidental para propuestas orientales, se originó probablemten en el Hong Kong de los años '40. Uno de sus más reconocidos cultores fue el gran maestro Long Chin-San (que murió en 1990 a la edad de 104 años) con quien Don Hong-Oai estudió. Con la mente puesta en la delicada belleza y motivos tradicionales de la pintura china (aves, barcas, montañas, etc.), los fotógrafos de ésta escuela utilizaban más de un negativo para crear hermosas imágenes, a veces empleando alegorías visuales. El realismo no era su meta.


"Jugando con aros / Playing with Hoops", Vietnam, 1976

"Primavera en el Río Li / Spring on the River Li", Guilin, China, 1984

Aspectos centrales en el trabajo de Don y en la técnica que aprendió de Long Chin-San basada en la tradición clásica, fueron los seis principios de la pintura paisajista establecidos en el s.VI por Xie He (también conocido como Hsieh Ho). El primero y más importante de éstos principios es el de resonancia espiritual, la habilidad del artista para sentir la naturaleza auténtica de lo que está pintando... la humanidad del hombre, la arboreidad del árbol, la acuosidad del agua. Éste es uno de los seis principios que no puede ser enseñado; los otros cinco tienen que ver con la técnica y abordaje: el método adecuado del uso del pincel (u otro medio) para alcanzar el efecto deseado, fidelidad en la representación de la naturaleza del tema escogido, cuidado en la aplicación de los tonos y capas, cuidado al situar los elementos compositivos y el adecuado respeto a las experiencias de los antiguos maestros al retomar los temas.

"Lago artificial / Man-Made Lake", Guandong, 1986

Don Hong-Oai fue uno de los últimos fotógrafos en trabajar de ésta manera. También es probablemente el mejor. Fue reconocido por Kodak, Ilford y Fotokina en la Alemania occidental, y fue miembro de la Federación Internacional de Artes Fotográficas en Suiza, y la Sociedad Fotográfica Chinatown.

Textos traducidos de aquí y aquí.

"Amanecer en el Lago Occidental / Dawn on West Lake", Hangzhou, 1990

"Esperando / Waiting", Guilin, 1984

"Tres amigos / Three friends", Beijing, 1989

Don Hong-Oai was born in the city of Guangzhou in the Guangdong Province of China in 1929, but spent most of his life in Saigon, Vietnam. As a young boy in Saigon he was apprenticed to a photography studio. He stayed in Vietnam through the war, but fled by boat (*) to California in 1979. He lived in San Francisco’s Chinatown where he had a small darkroom to create his photographs. While living the US he returned to China every few years to make new negatives. Only in the last few years of his life was his work discovered by a wider public, and he was kept very busy making prints for collectors across the US and elsewhere. Don died in June 2004.

(*) Vietnamese boat people is a term that usually referred to refugees from the Vietnam War during the late 1970s, who fled Vietnam in large numbers following the Fall of Saigon. Typically, they used boats that were old and crudely made.

"La primavera ilumina el bote de pesca / Spring Lights the Fishing Boat", 1995

"Solitario bote de madera / Solitary wooden boat", Hunan, 1991

"Sendero descendente / Hurrying Down Path", Vietnam, 1974

"Melodía de la mañana / Morning Melody", Hunan, 1990s

The photographs of Don Hong-Oai are made in a unique style of photography, which can be considered Asian pictorialism. This method of adapting a Western art for Eastern purposes probably originated in the 1940s in Hong Kong. One of its best-known practitioners was the great master Long Chin-San (who died in the 1990s at the age of 104) with whom Don Hong-Oai studied. With the delicate beauty and traditional motifs of Chinese painting (birds, boats, mountains, etc.) in mind, photographers of this school used more than one negative to create a beautiful picture, often using visual allegories. Realism was not a goal.

"De regreso al crepúsculo / Returning at dusk", Vietnam

Izq./ Left: "Secándose al sol / Dry in the Sun", 1970
Der./ Right: "Secando la ropa / Drying Cloth", Vietnam, 1970

"A visitar a su madre / To visit her mother", Guilin, 1986

Don Hong-Oai was one of the last photographers to work in this manner. He is also arguably the best. He was honored by Kodak, Ilford and at Fotokina in West Germany and was a member of the International Federation of Photographic Art in Switzerland and the Chinatown Photographic Society.

"Gibones jugando, Montaña Tianzi / Gibbons at Play, Tianzi Mountain", 1986

"Niebla invernal / Winter Fog", Vietnam, 1974

Central to Don’s new work…and central to the technique taught to him by Long Chin-San, which was based the classical tradition…were the six principles of landscape painting first laid out in the 6th century by Xie He (also known as Hsieh Ho). The first and most important principle is that of spiritual resonance, the ability of the artist to feel the true nature of what is being painted…the humanness of humans, the treeness of trees, the waterness of water. This is the single aspect of the six principles that cannot be taught; the other five deal with technique and approach: the correct method of using the brush (or other medium) to achieve the desired effect, fidelity in the depiction of the nature of the subject matter, care in the application of tone and layer, care in placing the compositional elements, and proper respect to the experiences of past masters through reprising themes.

"Tormenta de arena / Sandstorm", Vietnam, 1969

Texts taken from here and here.

"La primavera cubre el río / Spring Covers the River", Vietnam, 1971

Hengki Koentjoro [Fotografía]

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Hengki Koentjoro

 © Hengki Koentjoro

Hengki Koentjoro es un fotógrafo indonesio nacido en Semarang, Java Central, en 1963. Estudió en el Instituto Brooks de fotografía en Santa Bárbara, California, donde se tituló en producción de video y fotografía artística.
Hengki regresó a Indonesia para convertirse en editor de video freelance, especializado en documentales de naturaleza y perfiles corporativos, y actualmente vive en Jakarta con su esposa Lana y sus tres hijos. Hengki practica el arte de la fotografía en blanco y negro que, según cree, es el verdadero propósito en el viaje expresivo de la vida.

"Cocoteros / Coconut Trees", Nias Island, Sumatra © Hengki Koentjoro

"Playa Parangtritis / Parangtritis Beach", Jogjakarta © Hengki Koentjoro

"Estudiando a Ansel Adams [ver al final del post] aprendí las posibilidades de improvisar con tonalidades de blanco y negro. El Sistema de Zonas (que nos permite ver las tonalidades de blanco y negro de una manera más completa con 9 tonos de gris desde el negro más negro al blanco más blanco) revolucionó la forma como procesamos las fotografías. Ésto nos permite orquestar fotografías que transmiten emociones más fuertes. Michael Kenna [ver al final del post] es otro maestro que me ha inspirado. Su arte de la composición, su marca de simplicidad, es un recordatorio de que menos puede ser más."
Traducido de una entrevista de Nathan Wirth que puede leerse completa (en inglés) aquí.

"Parque Nacional / National Park Bromo Semeru", Este de Java, Indonesia © Hengki Koentjoro

Temprano en la mañana es el mejor momento para captar su espíritu. Es la hora mágica, esos breves momentos justo antes del amanecer cuando es más amable, vulnerable, aún sumido en el sueño y cubierto por una sábana de nubes bajas. Bromo, asentamiento de los dioses en la Isla de Java, es uno de los 400 volcanes (el "anillo de fuego") esparcidos a lo largo del archipiélago indonesio. Fueron formados, y aún se siguen formando, por el choque de tres placas tectónicas: la Eurasiática, la del Pacífico y la Indo-Australiana. Tranquilos y benévolos durante el sueño, sus cenizas proveen suelos fértiles y un lugar de belleza espiritual para los cerca de 250 millones de habitantes del país. Cuando despiertan, se convierten en forjadores de caos y destrucción. La última erupción el supervolcán Monte Toba, en la isla de Sumatra, hace 80.000 años, creó un cráter inundado de 100 x 80 km. con su propia isla, hoy conocidos respectivamente como Lago Toba e Isla Samosir. En la isla más oriental del archipiélago, la erupción del Monte Tambora en 1815 se convirtió en la más larga erupción volcánica de la historia. Causó la pérdida de cosechas en el norte de Europa, noreste de los Estados Unidos y el este de Canadá; una época conocida como "el año sin verano". Las cuatro explosiones de Krakatoa en 1883, una isla volcánica formada por la lava en el estrecho de Sunda, entre las islas de Java y Sumatra, se convirtió en la mayor explosión de la historia. Se escucharon en lugares tan lejanos como Australia y la Isla Rodrigues, en Mauricio, alrededor de 3.000 millas de distancia, y se estima que mató a 120.000 personas en el archipiélago. Causó un descenso de la temperatura global de al menos 1,2 grados Celsius durante los siguientes 5 años.
Texto traducido de aquí
English translation at the end of this post [1]

"Solo / Alone", Parangtritis, Jogjakarta © Hengki Koentjoro

"Coral" © Hengki Koentjoro

"Una Kodak Pocket fue la primera cámara que utilicé para capturar todo lo que ocurría en casa, para documentar lo que hacían mis familiares. Lo que más me asombró de la fotografía es que me permitía congelar el movimiento y estudiar las cosas detenidamente. Desde ese día no he parado de fotografiar."

"Juego libre / FreePlay", Ambon, Indonesia © Hengki Koentjoro

"Ciwidey", Java Occidental © Hengki Koentjoro

"Nunca voy con una idea premeditada sobre lo que quiero fotografiar, suelo dejar que sea la propia naturaleza que me rodea la que me inspire. Lo mejor de fotografiar la naturaleza es que siempre está ahí y nunca me decepciona, así que normalmente, a lo largo del viaje siempre me veo recompensado en algún momento."

"Twilight / Crepúsculo", Papúa Occidental © Hengki Koentjoro

"Me encanta el agua, especialmente el océano por su inmensidad y amplitud. Me transmite calma y tranquilidad. Es una fuente de equilibrio para el cuerpo y especialmente la mente, que necesita ser mimada de vez en cuando. Por eso intento ir al mar al menos una vez al año. Me aventuré a probar en el mundo de la fotografía submarina después de obtener el permiso de buceo y una cámara decente con carcasa sumergible. A partir de ahí comenzó la aventura submarina y eso me ha permitido conocer el océano un poco más de cerca."

"Androide / Android", Paisaje ciudadano de Singapur / Singapore City scape © Hengki Koentjoro

Los comentarios del artista (salvo donde se indica) están tomados de una entrevista realizada por Violeta Morelli, publicada en 2012 por "Siéntate y Observa...", y puede leerse completa aquí.
El sitio web de Hengki está en construcción, pero se puede disfrutar de su trabajo en flickr, Bēhance, deviantART y también en su facebook.

"Templo de Borobudur / Borobudur Temple", Magelang, Central Java, Indonesia © Hengki Koentjoro

El templo de Borobudur es uno de los mayores monumentos budistas del mundo. Fundado por un rey de la dinastía Saliendra, fue construído para honrar a Buda y a su fundador, un auténtico rey Bodhisattva. Se cree que el nombre Borobudur deriva del Sánscrito: vihara Buda uhr, que significa "Monasterio Budista en la Colina". El templo está situado en Muntilan, Magelang, a unos 42 km. de la ciudad de Yogyakarta.
Texto traducido de aquí
English translation at the end of this post [2]

"Tierras altas de Java / Java Highland", Java Occidental © Hengki Koentjoro

"Líquido / Liquid", Antelope Canyon, Arizona, USA © Hengki Koentjoro

Hengki Koentjoro is an Indonesian photographer born in Semarang, Central Java, Indonesia, on March 24, 1963. He is a graduate of the Brooks Institute of Photography, Santa Barbara, California, where he majored in video production and minored in the fine art of photography.
Hengki returned to Indonesia to become a freelance videographer/editor, specializing in nature documentaries and corporate profiles, and now lives in Jakarta with his wife Lana and their three children. Hengki is a part time practitioner of the art of black and white photography, which he believes to be his true purpose in life’s journey of expression.

"Templo Plaosan / Plaosan Temple", Java © Hengki Koentjoro

"Studying Ansel Adams [check at the end of this post] taught me the possibilities of improvising with B&W tonality.  The Zone System– which shows us how to see B&W tonality in a more complete way with 9 shades of Grey between the blackest black and the whitest white–  revolutionized the way we process photographs. This allows us to orchestrate photographs that convey stronger emotion. Michael Kenna [check at the end of this post] is another master that has inspired me. His art of composition, his trademark of simplicity, is a reminder that less can be so much more."
From an interview by Nathan Wirth you can fully read here.

"Barrera / Barrier", Mar del Sur de Java, Indonesia © Hengki Koentjoro

"A simple Kodak Pocket camera was the first camera to capture things around the house, mainly to document activiies among family members.
The love of studying things aroud and the ability to freeze moment were the source of amazement and I never look back untill the present day."

"Bromo", Este de Java, Indonesia © Hengki Koentjoro

"Cliff House", San Francisco, California, USA © Hengki Koentjoro

"I never intent to photograph certain things, it is better to let the surrounding nature dictates your expectation. Somewhere down the journey you will be rewarded, pay atention and embrace the moment when found. The best thing of photographing nature is she is always be there and rarely disapoint."

"Cascada Coban Rondo / Coban Rondo Fall", Este de Java, Indonesia © Hengki Koentjoro

"I love water specially the ocean because of the vast and the huge space. This sight over calmness and tranquility. No border as far as the eye can see. A source of balance for the body and specially the mind that need to be pampered once in a while for the sake of sanity. 
For this reason I always pay a visit at least once a year and the idea of venturing to the underwater world started. After obtaining dive permit and obtaining a  desend camera with underwater housing, the liquid jouney started and you know the ocean a bit closer."

"Lago Bratan / Bratan Lake" © Hengki Koentjoro

Artist's comments translated from an interview by Violeta Morelli published on 2012 in "Siéntate y observa". You can fully read it (in Spanish) here
Hengki's website is under construction, but you can enjoy his work in flickr, Bēhance, deviantART and also in his facebook.

"Chocolate" © Hengki Koentjoro

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Hengki!)
Agradezco también a "Siéntate y observa...", una muy recomendable web de fotografía, por su autorización para incluir parte de la entrevista realizada por Violeta Morelli.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hengki!)
I want to thank also to "Sientate y observa..." - a highly recommended photography website - for the permission to include part of the interview by Violeta Morelli.



Referencias / References

Ansel Adams

"Las Tetons y el Río Snake", 1942. Grand Teton National Park, Wyoming.
National Archives and Records Administration, Records of the National Park Service.

Ansel Easton Adams fue un fotógrafo estadounidense, nacido en San Francisco, desarrollador del Sistema de Zonas.
Conocido por sus fotografías en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos (entre otros paisajes) y como autor de numerosos libros sobre fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La Cámara, El Negativo y La Copia). Fundó la asociación fotográfica Grupo f/64 junto con otros maestros como Edward Weston, Willard Van Dyke, Imogen Cunningham y otros.
Info in english here.

"Granja, granjeros trabajando, Monte Williamson al fondo", Centro de reubicación Manzanar, California /  "Farm, farm workers, Mt. Williamson in background", Manzanar Relocation Center, California.
Manzanar era un campo de concentración en la costa oeste de los Estados Unidos donde fueron "reubicados" los trabajadores japoneses a partir de 1943.
Manzanar was a concentration camp in the West Coast of USA where japanese people were "relocated" since 1943.
____________________________________________________

Michael Kenna

"Corredor de hojas / Corridor Of Leaves", Guastalla, Emilia Romagna, Italia, 2006

Michael Kenna es un fotógrafo inglés nacido en 1953, conocido por sus paisajes en blanco y negro.
Estudió en el Upholland College, en Lancashire, la Banbury School of Art en Oxfordshire y el London College of Printing. En los '80 se trasladó a San Francisco y trabajó con la impresora Ruth Bernard.
Sus fotografías se centran en paisajes inusuales con luces etéreas logradas fotografiando al amanecer o por la noche con exposiciones de hasta 10 horas. Desde alrededor de 1986 ha utilizado principalmente cámaras Hasselblad de formto medio y Holga. La mayoría de sus fotografías son de formato cuadrado. Su trabajo se ha exhibido en Asia, Australia, Europa y Estados Unidos. También hay fotografías suyas en las colecciones del la National Gallery of Art (Washington), así como en París, Praga y Londres.
Info in english here.



English translations

[1]
Early dawn is the best time to capture her spirit. It's the magic hour, the briefest of moments just before sunlight when she is most gentle, most vulnerable, still deep in slumber and blanketed by low-hanging clouds. Bromo, seats of the gods in the island of Java, is one of 400 volcanoes --the ring of fire-- scattered throughout the Indonesian archipelago. These were formed and are still forming by the encounter of three tectonic plates: the Eurasian, Pacific and the Indo-Australian. Restful and benevolent in sleep, their ashes provides fertile grounds and place of spiritual beauty for the country's now nearly 250 million inhabitants. Awoken, they wrought havoc and destruction. The last eruption of the supervolcano Mount Toba in the island of Sumatra, nearly 80,000 years ago, created a watery crater 100 km by 80 km wide complete with its own island, today respectively known as Lake Toba and Samosir island. On the archipelago's easter island, Mount Tambora's eruption in 1815 became the "largest volcanic eruption in history". It caused wide spread harvest failures in Northern Europe, the Northeastern United States, and eastern Canada in 1816 --a time known as the Year Without a Summer. Krakatau's four explosions in 1883, a volcanic island formed by lava in the Sunda Strait between the islands of Java and Sumatera, became the biggest bang in history. The explosions were heard as far as Australia and the island of Rodrigues off Mauritius, over 3,000 miles away, and killed an estimated 120,000 people in the archipelago. It caused global temperatures to fall by as much as 1.2 degree Celcius over the next 5 years.
Text from here.

[2]
Borobudur is one of the greatest Buddhist monuments in the world. Founded by a king of the Saliendra dynasty, it was built to honour the glory of both the Buddha and its founder, a true king Bodhisattva. The name Borobudur is believed to have been derived from the Sanskrit words vihara Buddha uhr, meaning the Buddhist monastery on the hill. Borobudur temple is located in Muntilan, Magelang, and is about 42 km from Yogyakarta city.
Text from here.

Rinocerontes (XLVI)

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Mapas antiguos / Antique Maps

En los mapas antiguos también encontramos rinocerontes ilustrando la fauna de África y Asia. Como era de esperar, la influencia de Durero es más que notoria. Traducción al inglés al final del post, indicada con [*] en cada párrafo.

In ancient maps also find rhinos illustrating the wildlife in Africa and Asia. As expected, Dürer's influence is more than noticeable. English translation at the end of this post marked with [*] in each paragraph.

Petrus Plancius

ORBIS TERRARUM TYPUS DE INTEGRO MULTIS IN LOCIS EMMENDATUS

Según podemos leer en la web de origen de la imagen:
"Éste es el primer mapamundi que presenta los bordes profusamente decorados con representaciones alegóricas de los continentes que dominarían los mapas del mundo más tarde, en el s.XVI, con Willem Blaeu, Henricus Hondius y otros. La escena en la parte superior izquierda es de Europa, con representaciones alegóricas de Europa y un cuerno de la abundancia, dos ejércitos en batalla, dos personas y una escena pastoral con animales. Asia está en la parte superior derecha, con un asiático portando joyas sentado sobre un rinoceronte, dos ejércitos en lucha y varios animales asiáticos, incluido un unicornio. Las Américas (como "Mexicana" y "Peruana") están abajo a la izquierda, con un indio americano sentado sobre un armadillo y varios escenas de vida de los Indios. África aparece abajo a la izquierda con un africano sentado sobre un cocodrilo y una escena de un poblado africano, pirámides don numerosos animales (elefantes, leones, etc.). Detrás de África está Magellanica (por Magallanes), el supuesto gran continente del sur, con una persona sobre un elefante rodeada de otros animales. Las escenas están inspiradas por el trabajo de Theodore de Bry acerca de la temprana exploración del mundo realizada pocos años antes.
Éste hermoso mapa fue grabado e impreso por el famoso maestro holandés Joannes van Doetecum o Doetichum II, activo en Amsterdam entre 1592 y 1630, y fue el hijo más jóven de Johannes Doetichum el Viejo. Éste es probablemente su trabajo más famoso." 
Más información en "Hemispheres" [1]


Petrus Plancius (Dranouter (ahora Heuvelland), 1552 - 15 de mayo de 1622), forma latinizada de Pieter Platevoit, fue un teólogo, cartógrafo y astrónomo holandés. Es conocido por introducir el método de proyección de Mercator en los mapas de navegación y por desarrollar un nuevo método de medir la longitud. Publicó varias guías y diarios de navegación, siendo su obra más conocida un mapa del mundo, el Nova et exacta Terrarum Tabula geographica et hydrographica (1592). 
Más información en Wiki. [2]


Henri Abraham Châtelain

“Coutumes moeurs &c habillemens des peuples qui habitent aux environs du Cap de Bonne Esperance avec une description des animaux et reptiles qui se trouvent dans ce pais.”
"Vestidos, modos y costumbres de las personas que habitan en los alrededores del Cabo de Buena Esperanza, con una descripción de los animales y reptiles que se encuentran en este país." 

Grabado en cobre coloreado, 10 x 12 cm., junto con otras 10 imágenes y bloques de texto en una lámina de 38 x 44 cm. Del "Atlas Histórico" o "Nueva Introducción a la Historia, la Cronología y la Geografía antigua y moderna..." (Amsterdam, 1705-1720). [3]

Éste mapa de África del sur fue realizado en 1719 por Henri Abraham Châtelain.
This map of South Africa was created by Henri Abraham Châtelain, 1719

(una buena traducción de este texto sería bienvenida / a good translation of this text will be welcome)

Henri Abraham Châtelain (1684 - 1743) fue un pastor hugonote de origenes parisinos. Vivió consecutivamente en París, St. Martins, Londres (c. 1710), La Haya (c. 1721) y Amsterdam (c. 1728). Es conocido como cartógrafo holandés, más concretamente por su contribución cartográfica en su Atlas Historique, una obra en 7 volúmenes publicada en Amsterdam entre 1705 y 1720. Innovador para su tiempo, este Atlas combina finos grabados en un gran trabajo artístico junto con estudios académicos de geografía, historia, etnología, heráldica y cosmografía. Algunos estudiosos creen que el Atlas Historique no fue compilado exclusivamente por Châtelain, según la creencia general, sino que fue una empresa familiar que involucró a Henri, su padre Zacharie y su hermano, también Zacharie.
Texto traducido de aquí [4]


Heinrich Scherer

Idea Naturalis Americae Borealis Digito Dei Fromata Geographice Proposita A. MDCC'
'Cum Suo Apparatu Volcurum Piscium et Quadrupedum A MDCC'

Éste mapa de Norteamérica fue publicado en 1702 y fue diseñado por Heinrich Scherer.
Antique map of North America by Heinrich Scherer published in 1702.

Aún cuando el propósito del mapa parece ser ilustrar los animales indígenas de Norteamérica y sus hábitats, extrañamente el cartucho está decorado con animales y plantas que se encuentran mayormente en África.
El "Atlas Novus" de Scherer consiste en 8 volúmenes, 187 láminas, y fue publicado entre 1702 y 1710. El trabajo fue considerado innovador por su combinación de una iconografía católica sumamente decorativa y una cartografía muy precisa. Scherer, que era jesuita, cartografió el revival y expansión de la fe católica entre fines del s.XVJ y el s.XVII.
Texto traducido de aquí. [5] 


Heinrich Scherer (1628-1704) fue profesor de matemáticas y devoto jesuita. Su "Atlas Novus", publicado por primera vez en Munich entre 1702 y 1710, conformado por un inusual, casi revolucionario trabajo en términos de creación de mapas en Europa a principios del s.XVIII, ya que condensa en siete volumenes separados, organizados por temas. Además de su abordaje temático de la cartografía, Scherer introdujo el concepto, revolucionario para la época, de mostrar montañas y bosques en relieve físico, con los cursos de agua más importantes y sistemas hidrográficos claramente indicados. Los mapas de Scherer eran inusuales por su iconografía católica decorativa y temática natural. 
Texto traducido de aquí. [6]


Joan Nieuhoff

"Caerte van de Cabo de Bona Esperanca en haer gelegentheyt daer omtrent"
"Mapa del Cabo de Buena Esperanza y sus alrededores / Map of Cape of Good Hope and surroundings"

Éste mapa, en el que podemos ver un pequeño rinoceronte en el centro derecha, pertenece a la obra
'Gedenkweerdige Brasiliaense Zee en Lantreize ...' de Johan Nieuhoff, publicado por Jacob van Meurs, Amsterdam, 1682, en su primera y única edición holandesa. Hubo una posterior inglesa publicada por Churchill en 1744.
Información de aquí. [7]


Johan Nieuhoff (Uelsen, 22 July 1618 - Madagascar, 8 October 1672) fue un viajero holandés que escribió sobre sus viajes a Brasil, China y la India. El más famoso de ellos fue uno de 2400 km. desde Cantón a Pekin entre 1655 y 1657, que le permitió convertirse en una autoridad occidental en escritos sobre China. Más información en Wiki. [8]
________________________________________________

Nieuhoff también tiene que ver con ésta lámina:
Nieuhoff have also something to say about this plate:


Ésta lámina forma parte de "Una embajada de las Provincias Unidas de la Compañía de las Indias Orientales ante el Gran Tartar Cham, Emperador de China (...) También una epístola del padre John Adams (...) Con una apéndice con varias observaciones del padre Atanasio Kircher.", por John Ogilby, 2ª Edición, publicado en Londres en 1673. Ésta es de hecho una traducción de un trabajo original de Johan Nieuhoff, publicado por primera vez en Holandés en 1665 ('Gezandtschap der Nederlandtsche Oost-Indische Compagnie ...).
La obra fue famosa por sus ricos grabados, mientras que el texto está basado en antiguas fuentes jesuitas. 
Los grabados en la edición original holandesa se basaban en ilustraciones (cerca de 150) hechas por artistas de China.
Texto traducido de aquí. [9]


Antonio Tempesta


Ésta curiosísima imagen de un "rinoceronte" africano (ya que presenta dos cuernos), pertenece a la obra "Nova raccolta de li animali piu curioso del mondo (Nueva colección de los animales más curiosos del mundo)", Gio Jacobo Rossi, Roma, 1650. Su autor es Antonio Tempesta y es de presumir que el diseño es fruto de la pura imaginación del autor. [10]


Según podemos leer en éste interesante artículo del blog "en son de luz":
"El profesor Manuel Barbero Richart (Universidad Complutense de Madrid) publicó en 1999 su obra 'Iconografía Animal: la representación animal en libros europeos de historia natural de los siglos XVI y XVII', donde se reproduce una estampa atribuída también a Tempesta, en la que este artista escenificaba la lucha entre el rinoceronte y el elefante. Como el autor me ha informado la reproducción aparece en la obra 'The Rhinoceros. From Dürer to Stubbs (1515-1799)' de T.H. Clarke. (1986)" [11a]

Dio crea gli animali / Dios crea a los animales / God creates animals
Aguafuerte / etching, 33,9 x 45,7 cm., 1590-99

Encontré también aquí y aquíéstos dos aguafuertes de Tempesta en los que puede verse un pequeño rinoceronte. Por desgracia no encontré imágenes de mayor tamaño para ampliar detalles.

I also found here and here this two etchings by Tempesta in which you can see a small rhino. Unfortunately I didn't found bigger images to enlarge details.

Orfeo ammansisce gli animali / Orfeo amansa a los animales / Orpheus taming the animals
Aguafuerte / etching, 32,2 x 45,7 cm., principios de / early s.XVII 

Antonio Tempesta (1666 - 1630) fue un pintor y grabador italiano, un punto de contacto entre el Barroco de Roma y la cultura de Amberes. Nació y estudió en Florencia y pintó en una variedad de estilos, influenciado en alguna medida por el "Contramaniera". Se inscribió en la Academia Florentina de las Artes del Diseño en 1576, fue pupilo de Santi di Tito y más tarde del pintor flamenco Joannes Stradanus. Es reconocido como impresor y grabador. Entre sus seguidores se cuenta Marzio di Colantonio.
Fue parte de la larga lista de artistas que trabajaron para Giorgio Vasari en la decoración interior del Palazzo Vecchio.
Sus temas favoritos fueron las batallas, cabalgatas y procesiones. Se trasladó a Roma donde se asoció con artistas holandeses, lo que puede haber dado lugar a su facilidad para la pintura de paisaje.
Más información en Wiki. [11b]


John Harris

"El rinoceronte visto por los antiguos. El rinoceronte dibujado del natural.
Una audiencia de ofrenda al monarca desde su elefante., 1727.
Del Volumen 1, p.465 de "Navigantium atque itinerantium bibliotheca" o "Colección completa de viajes."
The Rhinoceros as described by ye ancients. The rhinoceros drawn from life. An Indian monarchgiving audience from his elephant.
1727. From Vol. 1 p.465, John Harris. Navigantium atque itinerantium bibliotheca. Or, a complete collection of voyages and travels.

Resulta sumamente interesante la comparativa entre el rinoceronte "tradicional", al estilo del acorazado de Durero a la izquierda y el dibujado del natural a la derecha.
La obra "Navigantium..." está disponible para lectura y descarga aquí. [12a]

Erudito, científico, escritor y topógrafo, John Harris fue un miembro distinguido de la Royal Society que publicó ésta obra por primera vez en 1705 para competir con la colección de viajes editada por Churchill en 1704. El trabajo de Harris difería del de su rival en su objetivo de proveer una historia comprehensiva en lugar de una simple colección relatos publicados previamente.
Texto traducido de aquí. [12b]


Illustrated Sporting and Dramatic News


Una impresión de 1875 tomada de "Illustrated Sporting and Dramatic News", Volumen 3. Un periódico semanal de clase alta con deportes, artes, literatura, música y drama. 
Podemos ver un artículo titulado "Deporte en los afluentes superiores del Limpopo y en la tierra de Makalaka", encabezado por dos cabezas de rinocerontes: el "Mochocho, o rinoceronte blanco común", y el "Keiloa, o rinoceronte negro bicorne".
Texto traducido de aquí. [13]


El Reino de la Naturaleza / The Kingdom of Nature

"El rinoceronte y el caballo"

Estas imágenes pertenecen a "El Reino de la Naturaleza: un museo ilustrado del mundo animal... ". Esta obra de Mrs. Frank Leslie fue editada en Chicago por Thompson & Thomas en 1888. El volumen, de 440 páginas, presenta casi 1000 ilustraciones.
Información de aquí. [14]


Miriam Leslie (1836 - 1914) fue una editora y autora estadounidense, esposa de Frank Leslie y heredera de su negocio editorial.
Al morir éste se hizo cargo de la firma y cambió su nombre a Frank Leslie en 1881. Reorganizó el negocio y se convirtió en su presidenta.
Más información en Wiki. [15]

"El pájaro guardián del rinoceronte"


Mar y Tierra / Sea and Land
"Un gran cazador en una situación peligrosa", página / page 615

La obra de J. W. (James William) Buel de 1889 "Mar y Tierra" es una colección de deliciosamente pintorescas ilustraciones de la flora y fauna terrestres. Muchas de éstas pinturas representan la miríada de graciosas formas en que el reino animal ataca y devora a los humanos.
La obra está disponible para consulta y descarga aquí. [16]

"Un rinoceronte atacando una carreta", página / page 610

J. W. Buel (1849 - 1920) fue un escritor profesional de muy diversos temas, responsable de numerosos trabajos publicados en San Luis. (...) Buel no se caracterizaba por su respeto a la exactitud de los hechos, y se dice que trabajó en base a la premisa: "Se non è vero, è ben trovato (aunque no sea cierto, es un buen hallazgo)".
Información de aquí. [17]


The Graphic


Una página del semanario ilustrado "The Graphic" fechada en 1893. La publicación es un buen ejemplo de registro británico de temas de sociedad y eventos del mundo.
La información está tomada de aquí. [18]


El texto que acompaña la imagen es el siguiente:
Un rinoceronte herido defendiendo a su cría ante un león.
"La madre había sido herida severamente, y su aparente incapacidad, combinada con el olor de la sangre, había vuelto al león, indudablemente, más osado de lo habitual. La cría era la presa anhelada por Su Majestad, pero la sumamante afectada madre estaba evidentemente determinada a que su hijo no fuera la víctima mientras le quedase vida. El jóven también era consciente del peligro, y se mantenía tan cerca del flanco de su madre (a veces casi entre sus piernas) como le era posible." [19]


Georges Louis Leclerc, conde de Buffon

"Elefante, Rinoceronte, Camello"

Por último, éste grabado y aguafuerte publicado en 1835 por Pourrat, Paris, para las "Obras completas de Buffon", por Antoine Richard. Ilustrado por Edouard Travies, Paul Oudart y otros.

Georges-Louis Leclerc, Conde de Buffon (1707 - 1788) fue un naturalista, matemático, cosmólogo y autor enciclopédico francés.
Sus trabajos influenciaron a las dos generaciones de naturalistas que le siguieron, incluyendo a Jean-Baptiste Lamarck y Georges Cuvier. Buffon publicó treinta y seis volúmenes de su Historia Natural durante su vida, con volúmenes adicionales basados en sus apuntes y subsiguientes investigaciones que se publicaron en las dos décadas que siguieron a su muerte. 
Se ha dicho que "En realidad, Buffon fue el padre de todo el pensamiento sobre historia natural en la segunda mitad del s.XVIII."
Buffon ostentó el cargo de Intendente (Director) del Jardin du Roi, actualmente llamado Jardin des Plantes, el equivalente francés de los Kew Gardens. 
Más información en Wiki. [20]


English translation

[1]
As we can read in the map's website:
"This is the first world map to use the highly decorative border scenes with allegorical representations of the continents that came to dominate world maps later in the 17th century under Willem Blaeu, Henricus Hondius and others.   The scene in the upper left is of Europe with an allegorical representation of Europa and a cornucopia of plenty, two armies engaged in battle, and two people and a pastoral scene with animals.  Asia is at the top right with an Asian wearing jewels sitting on a rhinoceros, two armies in battle, and various animals, including a unicorn, of Asia.  The Americas (as "Mexicana" and "Peruana") is at the bottom left with an American Indian sitting on an armadillo with various scenes of Indian life.  Africa is at the bottom right with an African sitting on a crocodile and a scene of an African village, pyramids with numerous animals (elephants, lions, etc.).  Beside Africa is Magallanica (from Magellan), the supposed great southern continent, with a person on an elephant surrounded by other animals.  These scenes are inspired by Theodore de Bry's work about early exploration of the world from a few years before.

This beautiful map was engraved and etched by the famous Dutch master, Joannes van Doetecum or Doetichum II.   Johannes van Doetichum II was active in Amsterdam from 1592 to 1630, and was the younger son of Johannes Doetichum, the elder.  This is probably his most famous work."
More info in "Hemispheres"

[2]
Petrus Plancius (1552 – May 15, 1622) was a Dutch astronomer, cartographer and clergyman. He was born as Pieter Platevoet in Dranouter, now in Heuvelland, West Flanders. In 1592 he published his best known world map titled "Nova et exacta Terrarum Tabula geographica et hydrographica". Apart from maps, he published journals and navigational guides and developed a new method for determining longitude. He also introduced the Mercator projection for navigational maps.
More information in Wiki.

[3]
“Garments, manners and customs of people living in Cape of Good Hope with a description of aninmals and reptiles living in that country.” Copperplate map, with added color, 10 x 12 cm., set among ten other images and accompanying blocks of text on a 38 x 44 cm. sheet. From Chatelain’s Atlas historique, ou, Nouvelle introduction à l’histoire, à la chronologie & à la géographie ancienne & moderne…(Amsterdam, 1705-1720).

[4]
Henri Abraham Châtelain (1684 - 1743) was a Huguenot pastor of Parisian origins. He lived consecutively in Paris, St. Martins, London (c. 1710), The Hague (c. 1721) and Amsterdam (c. 1728). He is best known as a Dutch cartographer and more specifically for his cartographic contribution in the seminal seven volume Atlas Historique, published in Amsterdam between 1705 and 1720. Innovative for its time, the Atlas Historique combined fine engraving and artwork with scholarly studies of geography, history, ethnology, heraldry, and cosmography. Some scholarship suggests that the Atlas Historique was not exclusively compiled by Henri Chatelain, as is commonly believed, but rather was a family enterprise involving Henri, his father Zacharie and his brother, also Zacharie. 
Text from here.

[5]
While the purpose of the map seems to be to illustrate the indigenous animals of North America and their habitats, strangely, the cartouche is elaborately decorated with animals and plant life mostly found in Africa. All five Great Lakes appear on the map, and Florida is portrayed as highly mountainous. The title is set within an illustration of the base of a statue, which is located underneath a globe that divides into hemispheres, the top half representing what the map is actually showing. 
Scherer’s Atlas Novus consisted of eight volumes, 187 plates, and was published between 1702 and 1710. The work was considered innovative in its combination of highly decorative Catholic iconography and largely accurate cartography. The Jesuit, Scherer, charted the revival and spread of the Catholic faith in the late 16th and 17th century. 
More information here.

[6]
Heinrich Scherer (1628-1704) was a Professor of Mathematics and a devout Jesuit. His ‘Atlas Novus’  first published in Munich between 1702 and 1710, formed an unusual, almost revolutionary work in terms of the development of European mapmaking at the beginning of the eighteenth century as it comprised seven separate volumes organized according to themes. Besides his thematic approach to mapmaking, Scherer introduced the revolutionary concept for the period of showing mountains and forests in physical relief with all major waterways and river systems clearly indicated. Scherer’s maps are unusual because of their highly decorative Catholic iconography and thematic nature. The maps show the revival and spread of Catholicism in the sixteenth and seventeenth centuries principally through the efforts of the Jesuit missionaries around the globe. 
Text from here.

[7]
This map where we can see a little rhino in the center right is an antique print from the book: 'Gedenkweerdige Brasiliaense Zee en Lantreize ...' by Johan Nieuhof, published by Jacob van Meurs, Amsterdam, 1682. First and only Dutch edition. Later amended English edition published by Churchill in 1744.
Info from here.

[8]
Johan Nieuhoff (Uelsen, 22 July 1618 - Madagascar, 8 October 1672) was a Dutch traveler who wrote about his journeys to Brazil, China and India. The most famous of these was a trip of 2,400 km from Canton to Peking in 1655-1657, which enabled him to become an authoritative Western writer on China.
More information in Wiki.

[9]
This attractive original old antique print / plate originates from 'An Embassy from the East India Company of the United Provinces, to the Grand Tartar Cham, Emperor of China (...) Also an epistle of father John Adams (...) With an appendix of several remarks taken out of father Athanasius Kircher.', by John Ogilby, 2nd edition, published in London 1673. This is in fact a translation of the original work by Joan Nieuhof, first published in Dutch in 1665 ('Gezandtschap der Nederlandtsche Oost-Indische Compagnie ...) The work was famous for its wealth of engravings, while the text was based on earlier (Jesuit) sources as well. 
The engravings in Nieuhoff's original Dutch edition were based on illustrations done by artists in China and contained around 150 illustrations. 
Text from here.

[10]
This very curious image of a African "rhinoceros" (because the two horns), is part of the work "Nova raccolta de li animali piu curioso del mondo (New collection of the the most curious animals of the world)", Gio Jacobo Rossi, Roma, 1650. The author is Antonio Tempesta, and presumably, the design is the result of pure imagination of the author.

[11a]
As we can read in this very interesting article (in Spanish) in the blog "en son de luz":
"Professor Manuel Barbero Richart (Complutense University of Madrid) in 1999 published his book "Animal Iconography: animal representation in European natural history books of the sixteenth and seventeenth centuries",  it was a plate attributed to Tempesta where the artist staged the fight between the rhinoceros and elephant. As the author has informed me the plate appears in the work "The Rhinoceros. From Dürer to Stubbs (1515-1799)" by HT Clarke. (1986) "

[11b]
Antonio Tempesta (1555 – 5 August 1630) was an Italian painter and engraver, a point of connection between Baroque Rome and the culture of Antwerp.[1] He was born and trained in Florence and painted in a variety of styles, influenced to some degree by "Counter-Maniera" or Counter-Mannerism. He enrolled in the Florentine Accademia delle Arti del Disegno in 1576, and was a pupil of Santi di Tito, then of the Flemish painter Joannes Stradanus. He is now best known as a printmaker in etching and engraving. Among his followers was Marzio di Colantonio.
He was part of the large set of artists working under Giorgio Vasari on the interior decoration of the Palazzo Vecchio.
His favorite subjects were battles, cavalcades, and processions. He relocated to Rome, where he associated with artists from the Netherlands, which may have led to his facility with landscape painting.
More info in Wiki.

[12a]
It's very interesting the comparison between the "traditional" ironclad rhino in the Dürer style on the left and the "drawn from life" rhino on the right.
The book "Navigantium..." can be readed and downloaded here.

[12b]
Scholar, scientific writer and topographer John Harris, a distinguished member of the Royal Society, first published this work in 1705 to compete with Churchill’s 1704 collection of voyages. Harris’ work differed from his rival in aiming to provide a comprehensive history rather than simply a collection of previously published narratives.
Text from here.

[13]
Antique Print of 1875 taken from the Illustrated Sporting and Dramatic News volume 3. A high class weekly journal featuring sports, arts, literature music and the drama.
Here we can see an article entitled "Sport in the upper tributaries of the Limpopo and in Makalaka Land" headlined by two heads of rhinos: the "The Mochocho, or common white rhino" and "The Keiloa, or two-horned black rhinoceros"
Text from here.

[14]
This set of images are part of "The Kingdom of nature : an illustrated museum of the animal world ...", a work by Mrs. Frank Leslie edited Thompson & Thomas, ©1888. The preface advertises a content of almost 1,000 illustrations in 440 pages.
Information from here.

[15]
Miriam Leslie (June 5, 1836 – September 18, 1914) was an American publisher and author. She was the wife of Frank Leslie and the heir to his publishing business.
When Frank Leslie died in 1880, Miriam Leslie took the business in hand and change her name legally to Frank Leslie in June 1881.
More info in Wiki.

[16]
In J.W. (James William) Buel's 1889 book Sea and Land, the author laid out delightfully quaint illustrations of the Earth's flora and fauna. Many of these pictures detailed the myriad hilarious ways the animal kingdom eats humans.
This work is available online to read and download here.

[17]
J. W. Buel (1849 - 1920) was a professional writer on incredibly diverse subjects, was responsible for numerous works published in St. Louis. (...) Buel is not admired for his factual accuracy, and is said to have worked from the premise: “Se non è vero, è ben trovato”  
Info from here.

[18]
A full page from the GRAPHIC, an illustrated weekly newspaper dated 1893. The Graphic is an illustrated newspaper and is a fine example of a historic social record of British and world events up to the present day.
Info from here.

[19]
The text accompanying the image is as follows:
A wounded rhinoceros defending its young against a lion.
"The mother had been severely wounded, and her apparent incapacity, combined with the smell of blood, had doubtlessly, made the lion more reckless tan usual. The calf was the game that his majesty yearned for, but the sorely stricken mother was evidently determined that her child should not be a victim while she posessed life. The youngster knew its danger, too, and kept as close to the mother's flank - at times almost between her legs- as it possible could"

[20]
Georges-Louis Leclerc, Comte de Buffon (1707 - 1788) was a French naturalist, mathematician, cosmologist, and encyclopedic author.
His works influenced the next two generations of naturalists, including Jean-Baptiste Lamarck and Georges Cuvier. Buffon published thirty-six quarto volumes of his Histoire naturelle during his lifetime; with additional volumes based on his notes and further research being published in the two decades following his death.
It has been said that "Truly, Buffon was the father of all thought in natural history in the second half of the 18th century".
Buffon held the position of intendant (director) at the Jardin du Roi, now called the Jardin des Plantes; it is the French equivalent of Kew Gardens.
More info in Wiki.

Moore al aire libre (II) [Escultura]

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En éste segundo post, una selección de buenas imágenes de obras públicas de Moore rescatadas de la red. Para más información sobre el artista, véase el post anterior.

In this second post, a selection of good images with public artworks by Moore founded on the net. You can ckeck the previous posts for more artworks and information.
___________________________________________________

Henry Moore

Henry Moore fotografiado por / photographed by Alan Warren (1975). Imagen / Image: Wiki

"Figura reclinada en dos piezas Nº 5 / Two Piece Reclining Figure No. 5", bronce / bronze, 1963-64.
(Kenwood House, London, UK).
Imagen / Image: Wikimedia Commons

"Gran Huso / Large Spindle Piece", bronce / bronze, 1974-2. (West Bretton, Reino Unido)
Imagen / Image: Lesley Rigby, Panoramio

"Dos formas grandes / Large Two Forms", bronce / bronze, 1966 
(Instalación en Perry Green, Hertfordshire, Reino Unido) Imagen / Image:LFA

"Grupo familiar / Family Group", bronce / bronze, 1950. 
A la entrada de / Entrance to Barclay School, Stevenage, Hertfordshire, England. 
Imagen / Image:Wikimedia Commons

La estatua fue el primer encargo a gran escala que recibió Moore, y el primero después de la Segunda Guerra Mundial. Fue originalmente diseñada para el Impington Village College ya que encajaba con la filosofía del colegio de una educación a lo largo de toda la vida. Sin embargo, cuando Moore tenía ya diseñada la maqueta, Impington canceló el encargo por falta de fondos.
El proyecto fue reflotado años después cuando se diseñó el nuevo pueblo de Stevenage. El director de educación John Newsom, persuadió al ayuntamiento de que aportara fondos para obras de arte público destinadas a las nuevas escuelas que se estaban construyendo, permitiendo a Moore completar su obra para la Escuela Barclay en 1950.

This statue was Moore's first large scale commission for a bronze and his first commission following the Second World war. It was originaly intended for Impington Village College in Cambridge and the Family Group subject fits in with the village college philosophy of life-long education. However, after Moore had designed the maquette, Impington cancel the sculpture due to lack of funds.
The project was revived a few years later when the new town of Stevenage was being designed. The Chief Education Officer, John Newsom, persuaded the coucil to allocate funds for public art works at each of the new schools being built, allowing Moore to complete Family Group for the Barclay School in 1950.

"Óvalo doble / Double Oval", bronce / bronze, 1977. Jardín / Garden Connaught, Hong Kong
Imagen / Image:Wikimedia Commons

"Figura reclinada / Reclining Figure", bronce / bronze, 1951. Imagen / Image:Wikimedia Commons.
Galería Nacional de Arte Moderno, Edinburgo, Escocia / 
Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh, Scotland.

"Pieza en tres sentidos Nº 2, 'El Arquero' / Three-Way Piece Nº 2, 'The Archer'", bronce / bronze, 1966.
Plaza Nathan Philips, Ayuntamiento / Nathan Philips Square, City Hall, Toronto, Canada
Imagen /Image: Wikimedia Commons

El arquitecto Viljo Revell pidió al escultor británico Henry Moore que diseñara y creara una estatua que complementara la fluidez de líneas del Ayuntamiento.
"El Arquero" es un forma libre en bronce de 2,5 toneladas que descansa sobre una base de hormigón, rodeada por un piso de hormigón con piedras incrustadas. Información traducida de aquí.

Architect Viljo Revell asked British sculptor, Henry Moore, to design and create a statue that would complement the flowing lines of City Hall.
"The Archer" is a 2.5 tonne bronze free-form statue that rests on a concrete base, surrounded by a floor of concrete embedded with stones. Info from here.

"Pieza en tres sentidos Nº 2, 'El Arquero' / Three-Way Piece Nº 2, 'The Archer'"
Vista norte / North view. Imagen / Image: Wikipedia

"Filo de cuchillo - Dos piezas / Knife Edge - Two Piece", bronce / bronze, 1962.
Imagen e información / Image and info: Wikimedia Commons

"Cuando se me propuso éste sitio cerca de la Cámara de los Lores (...) me gustó tanto el lugar que no me molesté en ver un sitio alternativo en Hyde Park. Una escultura solitaria puede quedar perdida en un parque grande. La Cámara de los Lores es bastante diferente. Está cerca de un sendero por donde camina la gente, y hay algunos asientos donde pueden sentarse a contemplarla." H.M.

"When I was offered the site near the House of Lords... I liked the place so much that I didn't bother to go and see an alternative site in Hyde Park — one lonely sculpture can be lost in a large park. The House of Lords site is quite different. It is next to a path where people walk and it has a few seats where they can sit and contemplate it." H.M.

"Mujer reclinada / Reclining woman", bronce / bronze, 19??.
Jardín de Esculturas Donald M. Kendall, Sede mundial de Pepsico, Purcahse, New York
Donald M. Kendall Sculpture Gardens, Pepsico world headquarters, Purcahse, NY
Imagen / Image: Wikimedia Commons

"Relieve de pared Nº 1 / Wall Relief Nº 1", ladrillo / bricks, 1955. Imagen / ImageWikimedia Commons
Antiguo Centro de Construcción, Calle Weena, Rotterdam, Holanda / 
Former Bouwcentrum (Building Centre), Weena Street, Rotterdam, Netherlands

Ésta pieza fue encargada al artista después de su exposición en el museo Boijmans Van Beuningen en 1953. Es su única obra en ladrillo.

This piece was commissioned to the artist after his exhibition in Museum Boijmans Van Beuningen in 1953. It is his first and only work in brick. 

"Mujer reclinada vestida / Draped Reclining Woman", bronce / bronze, 1961.
Neue Staatsgalerie, Stuttgart, Alemania / Germany. Imagen / Image: Wikimedia Commons

“Figura reclinada en dos piezas / Two Pieces Reclining Figure Cut”, bronce / bronze, 1979-81
Rijksmuseum, Amsterdam, Holanda / Netherlands

"Escultura en tres piezas: Vértebras / Three piece sculpture: Vertebrae", bronce / bronze, 1968-69
Museo de la Palestina Ocupada, Jerusalén / Occupied Palestine Museum, Jerusalem
Imagen / Image: Wikimedia Commons

"Gran forma interna/externa vertical en primavera / 
Large Upright Internal/External Form in Spring", bronce / bronze, 1981-82
Exposición de 2007 en los Jardines Kew, Londres, Inglaterra / 
Exhibition at Kew Gardens (2007), London, England
Imagen / Image: Wikipedia

"Dos formas grandes / Two Large Forms", bronce / bronze, 1966-1969.
Galería Nacional de / Nationa Gallery of Ontario, Canada. Imagen / Imagetravellingflip

"Gran forma cuadrada con corte / Large Square Form with Cut"
Mármol de Rio Serra / Rio Serra marble, 1969-71
Plaza de San Marcos / Piazza San Marco, Prato, Toscana, Italia
Imagen / Image: Wikipedia

Más sobre Henry Moore en "El Hurgador" / More about Henry Moore in this blog:
[Moore al aire libre (I) (Escultura)]

Cane Dojcilovic [Dibujo, Pintura]

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Me ha llamado la atención el trabajo de éste artista. Les invito a conocer sus intrincados dibujos y curiosas pinturas, así como sus interesantes reflexiones sobre su propia obra y el arte en general.

I was struck by the work of this artist. I invite you to know his intricate drawings and curious paintings, and also his interesting reflections on his own work and art in general.

Cane Dojcilovic


Cane Dojcilovic es un pintor y dibujante nacido en Sabac, Serbia, que actualmente vive y trabaja en New York City.
Se graduó en Bellas Artes en departamento de Pintura de la Universidad de Artes de Belgrado, ha participado en cerca de 100 exposiciones colectivas con jurado en Europa y Estados Unidos, y varias muestras independientes. 

"Dibujo Nº 27 / Drawing # 27", grafito / graphite, 16,9" x 14,2" © Cane Dojcilovic

"Sedimentos eólicos Nº2 / Eolian Sediments #2", pintura al óleo / oil painting© Cane Dojcilovic

Selecciono y traduzco algunos párrafos de sus escritos que bajo el título de "Fragmentos del bloc de notas", pueden leerse completos (en inglés) aquí.

«...La inspiración es un rostro humano o un cuerpo, pero el tema es intrascendente, puede ser cualquier cosa. La fase inicial de la pintura o dibujo es calculada, calma y simple, con un tema claro. Le siguen la fragmentación y el caos, a veces tan sólo para retornar a ese cálculo y calma del principio, que podría ser, inevitablemente, vuelto a fragmentar. Durante el proceso se desarrollan diferentes "poéticas" que dependen, intencionada o inintencionadamente, del proceso de pintura en sí mismo. Algunas horas pintando hoy podrían derivar en cualquier dirección mañana, incluso en más fragmentación y complicación, o limpiando y simplificando la fragmentación pintada ayer. Extremos de opuestos, simbiosis de las formas y suavidad, quietud y movimiento, brillo y oscuridad y una escala de diferentes temperaturas de gris entre medio se están originando y volviéndose visibles. Todos estos opuestos pueden encontrar el equilibrio sólo en el proceso de la pintura, y no pueden ser concebidos, formulados o planteados de antemano. En ese proceso, ritmos distintos, "juegos", y las fragmentaciones de las formas, luces, sombras y estructuras se están desarrollando y comenzando a evolucionar y desviarse en diferentes direcciones, algo que se vuelve independiente del tema inicial.

Me parece que éste proceso nunca termina y en él encuentro el regocijo de la pintura que me impide declarar un cuadro "terminado". Por eso mis pinturas están tan sólo en diferentes etapas, dependiendo de dónde y cuándo decido parar de pintar. Soy consciente de que ésta decisión debe ser tomada tarde o temprano: ¿Cuándo parar? Pero mis pinturas nunca están "terminadas".»

"La vida en tiempos de guerra Nº 3/ Life During Wartime #3"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 76 cm., 2002 © Cane Dojcilovic

"Dibujo Nº 2 / Drawing # 2", lápiz sobre papel / pencil on paper, 34 x 47 cm., 1997 © Cane Dojcilovic

«...¿Cómo expicas cómo, qué y por qué pintas? ¿Cómo condensar eso en palabras, frases y párrafos? ¿Es posible enclaustrar todo el amor, tranquilidad, pasión, ingenio, absurdidad, decepción, miedo, simpatía, afecto, inventiva, estupidez, sentimentalismo, idiotez, maquinación, ingenuidad, locura, empatía y duplicidad en unos cientos o millones de pinceladas y trazos de grafito a lo largo de la vida... en unas pocas frases?»

«...Tal vez sea posible, si eres un buen escritor. Las palabras son como el agua, y como ella pasan de boca en boca, pero nunca sacian el mismo tipo de sed. Hemingway escribió una historia corta utilizando sólo seis palabras y estoy seguro de que yo podría hacer un dibujo empleando una sóla línea. ¿O tal vez sólo un pequeño punto con el lápiz en medio de un folio en blanco? ¿Pero de qué valdría? ¿Por qué querría yo hacer eso? Yo quiero dibujar con sescientas mil líneas.»

"Día y noche: Omega 2 / Day & Night: Omega 2"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 76 cm., 2001 © Cane Dojcilovic

«...Cuánto más se convierte el arte visual en una imitación sintética y simulada de lo bello, culto, creativo e imaginativo, más palabras y explicaciones vacías e instrucciones se necesitan. Hoy en día hay todo un hábil negocio montado en torno a esta comedia. Profetas de este monumental engaño del "Gran Arte" y sus acólitos cojos han etiquetado prácticamente todas y cada una de las cosas que tienen que ver con el Arte de hoy en día, como un producto: por tipos, contenidos, valores, ingredientes, mes, año y fecha de caducidad. La escena del Arte Contemporáneo es como un enorme supermercado global: rentable, predecible, explicado, esperado, definido, institucionalizado, establecido, arraigado y completamente sin sentido. Sin embargo, cuando llegan al Arte, los gestores de éste Supermercado de Arte global, son como maridos cornudos: siempre los últimos en enterarse.»

Izq./ Left: "Bodegón con sangre / Still Life With Blood", pintura al óleo / oil painting 
Der./ Right: "Terra incognita", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 76 cm., 1995
© Cane Dojcilovic

Se puede disfrutar del trabajo de Cane en Saatchi Online y también en ArtSlant.

"Dibujo Nº 12 / Drawing # 12", lápiz sobre papel / pencil on paper, 40 x 31 cm., 2001 © Cane Dojcilovic

Cane Dojcilovic is a Serbian drawer and painter born in Sabac, currently based in New York City.
Graduated at Belgrade University of Arts (Academy of Fine Arts, Painting Department). Participated in over hundred juried group exhibitions in Europe and United States (mostly in New York City) and several independent exhibitions.

"Caballero Nº 2 / Knight #2", pintura al óleo / oil painting © Cane Dojcilovic

Izq./ Left: "Dibujo Nº 5 / Drawing # 5", lápiz sobre papel / pencil on paper, 34 x 27 cm., 1998
Der./ Right: "Dibujo Nº 9 / Drawing # 9", lápiz sobre papel / pencil on paper, 39 x 29 cm., 2000
© Cane Dojcilovic

I select some paragraphs from his writings entitled "Fragments from the notebook" you can fully read here.

«...Inspiration is a human face or a body, but subject matter is inconsequential, it could be anything. Initial stage of the painting or drawing is calculated, calm and simple, with a clear subject matter. Fragmentation and chaos follows, sometimes only to lead right back to the calculated and calm beginning which would be, inevitably, fragmented again. Different “poetics” are developing in the process, intentionally or unintentionally dependent to the painting process itself. Few hours of painting today could take any direction tomorrow, either to more fragmentation and complication or to clearing and simplification of the fragmentation painted yesterday. Extremes of opposites, symbiosis of sharp and soft, stillness and motion, bright and dark and a range of different temperature grays in between are originating and becoming visible. All those opposites can find the balance only in the process of painting and they cannot be devised, formulated or arranged in advance. In that process, separate rhythms, “plays” and fragmentations of the forms, lights, shadows and structures are developing and starting to evolve and deviate to different directions, somehow becoming independent from the initial “subject” matter.

It seems to me that there is never end to that process and in it I find the joy of painting that prevents me from declaring a painting “finished”. That is why my paintings are only in different stages, depending on where and when I decided to stop painting them. I am aware that rational decision must be made sooner or later: when to stop? But my paintings are never “finished…»

"Vida de un cuerpo celeste / Life of a Celestial Body", pintura al óleo / oil painting© Cane Dojcilovic

"Los recuerdos no esperan Nº 2 / Memories Can't Wait # 2"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 99 cm., 2002 © Cane Dojcilovic

«…How do you explain how, what and why do you paint? How do you squeeze that into words, sentences and paragraphs? Is it possible to box in all the love, silliness, passion, artfulness, absurdity, deception, fear, sympathy, affection, inventiveness, stupidity, sentimentality, idiocy, machination, ingenuity, lunacy, empathy and duplicity in a hundreds of millions of brush strokes and graphite treads over a lifetime… in a few sentences?...»

"Requiem", pintura al óleo / oil painting © Cane Dojcilovic

Izq./ Left: "Perdón por una mirada tan larga (inconcluso, detalle central) / 
Sorry for such a long staring gaze (unfinished, detail center)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127 x 102 cm.
Der./ Right: "Gravedad salvaje / Wild Gravity", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72 x 56 cm., 2003
© Cane Dojcilovic

«…Perhaps it is possible, if you are a good writer. Words are like water, and like water they pass from mouth to mouth but they never quench the same kind of thirst. Hemingway wrote a short story using only six words and I am sure I could make a drawing using only one line. Or just one, small pencil dot in the middle of the white paper? But what would be the point? Why would I ever want to do that? I want a drawing with six hundred thousand lines…» 

"Día y noche: Omega / Day & Night: Omega"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 76 cm., 2000 © Cane Dojcilovic

"Sic Transit Gloria Mundi", pintura al óleo / oil painting© Cane Dojcilovic

«… The more visual art becomes a synthetic and simulated mimicry of the beautiful, cultured, creative and imaginative, the more worded and hollow explanations and instructions are required. Today, there is a whole new adroit business made out of that comedy. Prophets of this monumental High Art hoax and their lamed acolytes have had labeled just about anything and everything in Art today, like a produce:  by type, content, value, ingredients, month, year and expiration date.  Contemporary Art scene today is like a huge, global supermarket: profitable, predictable, explained, expected, defined, institutionalized, established, entrenched and totally meaningless.  However, when it comes to Art, managers of this global Art Supermarket are like cuckolded husbands: always last to find out…»

"La vida en tiempos de guerra Nº 1 y 2 / Life During Wartime # 1 & # 2"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71 x 56 c/u / each, 1999 © Cane Dojcilovic

You can enjoy Cane's work in Saatchi Online and also in ArtSlant.

"Cabeza / Head", pintura al óleo / oil painting© Cane Dojcilovic

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Cane!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Cane!)

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