El Hurgador [Arte en la Red]

La serie de entrevistas de Shirley Rebuffo nos lleva a La Plata, Buenos Aires, para conocer al pintor argentino Andrés Compagnucci, en cuya obra confluyen el hiperrealismo, el pop art y la intensidad colorista de la psicodelia, conformando un conjunto pictórico donde conviven entrañables personajes icónicos del comic y la cultura popular, souvenirs y exuberantes paisajes florales.

Shirley Rebuffo's series of interviews takes us to La Plata, Buenos Aires, to get to know the Argentine painter Andrés Compagnucci, whose work combines hyperrealism, pop art and the colorful intensity of psychedelia, forming a pictorial ensemble where endearing iconic characters of comic and popular culture, souvenirs and exuberant floral landscapes coexist.

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Andrés Gastón Compagnucci

(La Plata, Buenos Aires, Argentina, 1966-)

Andrés envolviendo su obra "El artista Pop", seleccionada para el premio Fortabat /

Andres wrapping his work "The Pop Artist", selected for the Fortabat award.

Andrés Compagnucci nació en La Plata, capital de la provincia de Buenos Aires, Argentina, el 1 de noviembre de 1966.

Ingresó a la carrera de arquitectura y más tarde se recibió de Diseñador en Comunicación Visual en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata. En 1994 fue becado por la Fundación PROA (Centro de arte contemporáneo ubicado en La Boca, Buenos Aires) para trabajar por un año en el taller de Guillermo Kuitca. Dos de sus obras fueron reproducidas en murales, que se instalaron en 1998 en la estación Carlos Gardel del subte de Buenos Aires.

Bloque de sellos publicado por el Correo Español para conmemorar el 25 aniversario del reinado de Don Juan Carlos I. Pintura de Andrés del Palacio Real en el centro /

Block of stamps issued by the Spanish Postal Service to commemorate the 25th anniversary of the reign of Don Juan Carlos I. Painting of the Royal Palace in the center.

El Correo Español reprodujo pinturas suyas en estampillas junto a la familia real en tres oportunidades: en 2001 para conmemorar el 25 aniversario del reinado de Don Juan Carlos I, en 2003 con motivo del 25 aniversario de la Constitución Española y en 2004 en ocasión de celebrarse la boda real, siendo esta la primera y única vez que el Correo Español publica una edición de estampillas para conmemorar una boda real. En 2009 fue declarado Ciudadano Ilustre por el Honorable Consejo Deliberante de la Ciudad de La Plata.

Ha realizado innumerables muestras colectivas e individuales, tanto en nuestro país como en el exterior y recibido varios premios.

"El artista POP / The Pop Artist"

Óleo y acrílico sobre lino belga / oil and acrylic on Belgian linen, 200 x 146 cm., 2018

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cuándo empezaste en el arte?

Andrés Compagnucci: Toda la vida dibujé y pinté. A pesar de haber ido a talleres de pintura desde muy chico, podría decir que a los trece o catorce años empecé a estudiar metódica y seriamente dibujo y pintura en el taller de Carlos Pacheco, un artista dedicado a la geometría y a la abstracción, donde hice infinitos trabajos de escalas de colores.

SR: ¿Qué te interesa que generen tus obras en el espectador?

AC: Que generen sorpresa, que provoquen una sonrisa, que encanten, que enamoren. Me gustan también que tengan la capacidad de evocar momentos importantes de la vida, en definitiva, que la gente las disfrute y las pueda sentir parte de su vida.

"142 maneras de detener el tiempo / 142 Ways to Stop Time"

Óleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 100 x 140 cm., 2020

"La fuerza de la belleza / The Power of Beauty", óleo sobre lino / oil on linen, 200 x 150 cm.

SR: La técnica y el imaginario de tu obra impactan por su realismo. ¿Cómo surge el uso de la vegetación y la elección de esos personajes tan icónicos?

AC: Las pinturas de flores surgieron en principio como un desafío. Un intento de lograr que un tema tan recurrente en toda la historia del arte parezca fresco, nuevo y contemporáneo. Una de mis primeras decisiones fue pintar souvenirs de viajes. Son objetos baratos en general, pero que tienen el encanto de contener momentos valiosos de viajes felices, por eso los atesoramos. El caso de los personajes es similar, pero esta vez, no funciona como un viaje a algún lugar, sino más bien un viaje en el tiempo, a la infancia, una época de juego y felicidad.

"Alicia / Alice", óleo y acrílico sobre lino belga / oil and acrylic on Belgian linen, 150 x 200 cm., 2011

"Astro Boy", óleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 200 x 150 cm., 2013

SR: Es interesante tu novedosa incorporación del fileteado porteño a obras hiperrealistas ¿Cómo fue que te vinculaste con el fileteado?

AC: Estudié diseño gráfico en la Facultad de Bellas Artes; por esos años estaba pintando una serie de cuadros de autobuses argentinos, de esos que se usan a diario. Este fileteado estaba presente en ellos como parte de su decoración. Me interesó al instante, por mi gusto por la gráfica, y especialmente porque los imaginaba como un posible punto de partida para llegar a una gráfica argentina. Finalmente, nunca me dediqué al diseño gráfico, pero sí terminé usando por años los fileteados en mis pinturas.

SR: Sorprende también el efecto fotográfico a todo color que tiene tu pintura, cuyos comics nos tientan a "tomarlos con las manos". Veo que cuidas todos los detalles...

AC: Trato de que resulten más realistas, brillantes y alegres que todas las fotografías que hago como material de referencia para poder pintarlas.

"Champion pub", óleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 150 x 200 cm., 2011

"El 22 en Congreso / On the 22nd in Congress", óleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 140 x 100 cm., 2011

SR: ¿De dónde proviene tu idilio con los comics?

AC: Siempre me gustaron las historietas, las he coleccionado mucho de niño. Para mí ir al kiosco a ver y comprar comics era un placer. El mundo estaba en los kioscos, era como el internet de aquella época.

SR: ¿Pintas a diario?

AC: Si, todos los días unas 6 u 8 horas, es lo único que hago.

SR: ¿Te gusta experimentar con temáticas diversas? Cuéntanos sobre tus series.

AC: Las series aparecen naturalmente. Ahora estoy haciendo pinturas sobre artistas. En general están representados por personajes de historietas: está el artista narcisista, el artista antiguo o clásico, el que homenajea al arte pop, o a los artistas argentinos, el contemporáneo y hasta me he pintado a mí mismo como el artista que busca alegremente -a pesar de las dificultades- la libertad.

"El cielo de los artistas / The Artist's Heaven", óleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 250 x 141 cm., 2017

"Oldie", óleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 147 x147 cm., 2020

SR: Y a ese nivel de detalle, ¿en cuánto tiempo puedes terminar una obra?

AC: Depende del tamaño, una de 100 x 150 cm. puede demorar 3 meses más o menos.

SR: Además tienes un lado lúdico. Tienes una colección de flippers. Háblanos un poco de ello, si tienes alguno favorito y si te han servido de inspiración para tu arte.

AC: Adoro los pinballs, podría hablar horas de ellos. Empecé comprando uno cuando cerraron los lugares donde se podía ir a jugar, en el año 2000 más o menos. A partir de ahí me di cuenta que nunca es suficiente, ahora tengo 12. En algún sentido son como souvenirs; al jugarlos podemos recordar cuando y con quién los jugábamos y los buenos momentos que pasábamos. Sólo he pintado 4 por diversos pedidos, se pudieron ver en Miami en galerías y en la sección principal de Art Basel.

"El ultimo artista romantico / The Last Romantic Artist"

Óleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 100 x 70 cm., 2021

"El principito y el viento II / The Little Prince and The Wind II"

Óleo sobre tela / oil on canvas, 40 x 40 cm., 2016

SR: ¿Qué le dirías a los haters del hiperrealismo que creen que para eso ya está la fotografía?

AC: Diría que el ojo del artista es diferente al ojo de la cámara. El resultado final, al menos en mis pinturas, parece más vivo, colorido, luminoso, en definitiva, más real. Por otra parte, muchas de mis pinturas no son estrictamente hiperrealistas, sino que tienen elementos de la gráfica y del pop art.

SR: ¿Podrías contarnos acerca de algún proyecto artístico que tengas planeado a futuro?

AC: Participar en la semana del arte en Miami por Art Basel en diciembre. Además, un par de mis pinturas participarán del remate anual del Museo Sívori de Buenos Aires a fin de año.

Andrés pintando a Mr. Monopoly (óleo y acrílico sobre lino belga) /

painting Mr. Monopoly (oil and acrylic on Belgian linen), 2012

Andrés Compagnucci was born in La Plata, capital of the province of Buenos Aires, Argentina, on November 1, 1966.

He studied architecture and later graduated as a Visual Communication Designer at the Faculty of Arts of the National University of La Plata. In 1994 he received a scholarship from the PROA Foundation (Contemporary Art Center located in La Boca, Buenos Aires) to work for a year in Guillermo Kuitca's studio. Two of his works were reproduced in murals, which were installed in 1998 in the Carlos Gardel subway station in Buenos Aires. The Spanish Postal Service reproduced his paintings on stamps with the royal family on three occasions: in 2001 to commemorate the 25th anniversary of the reign of Don Juan Carlos I, in 2003 on the occasion of the 25th anniversary of the Spanish Constitution and in 2004 on the occasion of the royal wedding, this being the first and only time that the Spanish Postal Service published an edition of stamps to commemorate a royal wedding. In 2009 he was declared Illustrious Citizen by the Honorable Deliberating Council of the City of La Plata.

He has made countless collective and individual exhibitions, both in our country and abroad, and has received several awards.

"Don gato / Top Cat", óleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 147 x 147 cm., 2015

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: When did you start in art?

Andrés Compagnucci: I have drawn and painted all my life. In spite of having attended painting workshops since I was very young, I could say that at thirteen or fourteen years old I began to study drawing and painting methodically and seriously in Carlos Pacheco's workshop, an artist dedicated to geometry and abstraction, where I made infinite works of color scales.

SR: What do you want your works to generate in the viewer?

AC: That they generate surprise, that they provoke a smile, that they enchant, that they make people fall in love. I also like that they have the capacity to evoke important moments in life, in short, that people enjoy them and can feel them as part of their lives.

"Flores de plastico 2 / Plastic Flowers 2", óleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 50,8 x 40,6 cm.

"Gato y perro (díptico) / Cat and Dog (diptych)", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 200 cm., 1997

SR: The technique and imagery of your work are striking for their realism. How did the use of vegetation and the choice of such iconic characters come about?

AC: The flower paintings arose in principle as a challenge. An attempt to make such a recurring theme throughout the history of art seem fresh, new and contemporary. One of my first decisions was to paint travel souvenirs. They are cheap objects in general, but they have the charm of containing precious moments of happy trips, that's why we treasure them. The case of the characters is similar, but this time, it doesn't work as a trip to somewhere, but rather a trip back in time, to childhood, a time of play and happiness.

"Recuerdo de Mar del Plata II / Souvenir From Mar del Plata II", óleo sobre tela / oil on canvas, 1996

"Narciso, el artista / Narcissus, The Artist", óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 150 cm., 2017

SR: Your novel incorporation of the fileteado into hyperrealist works is interesting. How did you get involved with it?

AC: I studied graphic design at the School of Fine Arts; at that time I was painting a series of pictures of Argentine buses, the kind that are used every day. This fileteado was present in them as part of their decoration. I was instantly interested, because of my taste for graphics, and especially because I imagined them as a possible starting point to get to an Argentine graphic. Finally, I never dedicated myself to graphic design, but I did end up using the fileteado in my paintings for years.

"307 y coche del artista / 307 and The Artist's Car", óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 150 cm., 1990

SR: Also surprising is the full-color photographic effect of your painting, whose comics tempt us to "pick them up with our hands". I see that you take care of all the details...

AC: I try to make them more realistic, bright and cheerful than all the photographs I take as reference material to be able to paint them.

"Larguirucho", óleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 100 x 100 cm., 2009

"Libertad (Autorretrato) / Liberty (Self Portrait)"

Óleo y acrílico sobre lino belga / oil and acrylic on Belgian linen, 200 x 115 cm., 2020

SR: Where does your love affair with comics come from?

AC: I always liked comics, I collected them a lot as a child. For me going to the kiosk to see and buy comics was a pleasure. The world was in the kiosks, it was like the internet at that time.

SR: Do you paint every day?

AC: Yes, every day about 6 or 8 hours, it's the only thing I do.

SR: Do you like to experiment with different themes? Tell us about your series.

AC: Series come naturally. Right now I'm doing paintings about artists. In general they are represented by cartoon characters: there is the narcissistic artist, the ancient or classic artist, the one who pays homage to pop art, or to Argentine artists, the contemporary one, and I have even painted myself as the artist who joyfully seeks -despite the difficulties- freedom.

"Gigio", oleo sobre lino belga / oil on Belgian linen, 147 x 147 cm., 2014

"Thinking of you (Pensando en tí)", óleo sobre lino / oil on linen, 200 x 150 cm., 2019

SR: And at that level of detail, how long does it take to finish a work?

AC: It depends on the size, a work of 100 x 150 cm. can take 3 months or so.

SR: You also have a playful side. You have a collection of pinballs. Tell us a little about it, if you have a favorite and if they have served as inspiration for your art.

AC: I love pinballs, I could talk about them for hours. I started buying one when the places where you could go to play closed, in the year 2000 or so. From then on I realized that it's never enough, now I have 12. In a sense they are like souvenirs; by playing them we can remember when and with whom we played them and the good times we had. I have only painted 4 due to various requests, they could be seen in Miami in galleries and in the main section of Art Basel.

"Golfers", óleo y acrílico sobre lino belga / oil and acrylic on Belgian linen, 100 x 200 cm., 2015

"Recuerdo de Luján / Souvenir From Lujan", óleo / oil, 140 x 100 cm.

SR: What would you say to the haters of hyperrealism who think that's what photography is for?

AC: I would say that the eye of the artist is different from the eye of the camera. The end result, at least in my paintings, seems more alive, colorful, luminous, in short, more real. On the other hand, many of my paintings are not strictly hyperrealistic, but have elements of graphic and pop art.

SR: Could you tell us about any artistic project you have planned for the future?

AC: To participate in the Miami Art Week for Art Basel in December. Also, a couple of my paintings will participate in the annual auction at the Museo Sívori in Buenos Aires at the end of the year.

"Juguete español / Spanish Toy", óleo y acrílico sobre tela / oil and acrylic on canvas, 200 x 150 cm., 2004

Andrés con su obra "Irresistible", óleo sobre lino, 150 x 200 cm., en proceso /

Andres with his work in progress "Irresistible", oil on linen, 2021

Más sobre / More about Andrés Compagnucci: Website, Instagram, facebook

¡Muchas gracias por la entrevista, Andrés!

Thanks a lot for the interview, Andrés!

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Nuevo post con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado paralelismos siempre interesantes en el mundo del arte.

Primera parte de una miniserie dedicada a la visión cinematográfica de la pintura. Infinidad de directores han representado obras pictóricas a través de imágenes en movimiento, y en otros casos, de forma más o menos deliberada, esta maravillosa intersección de las artes ha dado lugar a significativas analogías visuales. Aquí les dejo algunos ejemplos.

New post with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in always interesting parallels in the art world.

First part of a mini-series dedicated to the cinematographic vision of painting. Countless directors have represented pictorial works through moving images, and in other cases, more or less deliberately, this wonderful intersection of the arts has given rise to significant visual analogies. Here you have some examples.

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Edward Hopper

(Nyack, Rockland, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1882 -

Manhattan, 1967)

"Noctámbulos / Nighthawks", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 84,1 x 152,4 cm., 1942.

The Art Institute of Chicago (Illinois, EE.UU./ USA)

Edward Hopper en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"Dinero caído del cielo / Pennies From Heaven", Herbert Ross, 1981. Filmaffinity, Imdb

"Película de Nueva York / New York Movie"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 32 1/4 x 40 1/8", 1939

Museum of Modern Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Trece pinturas de Edward Hopper cobran vida para contarnos la historia de una mujer que vive una realidad que no acepta. Shirley es una mujer atractiva, carismática, comprometida y emancipada que querría cambiar el curso de la historia, una mujer que no acepta la realidad de la época que le ha tocado vivir: América entre los años 30 y los 60. Filmaffinity

Thirteen paintings by Edward Hopper come to life to tell us the story of a woman who lives a reality she does not accept. Shirley is an attractive, charismatic, committed and emancipated woman who would like to change the course of history, a woman who does not accept the reality of the times she has lived in: America between the 1930s and the 1960s. Filmaffinity

"Shirley: Visiones de una realidad / Shirley: Visions of Reality", Gustav Deutsch, 2013. Filmaffinity, Imdb

"Casa junto a la vía férrea / House by the Railroad", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 73,7 cm., 1925

Museum of Modern Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

La mansión de "Psicosis" / The mansion in "Psycho", Alfred Hitchcock, 1960. Filmaffinity, Imdb

Hitchcock señalando la mansión de Norman Bates / pointing to Norman Bates' mansion.

Vanilla Magazine

Alfred Hitchcock en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"Coches y rocas / Cars and Rocks"

Acuarela y grafito sobre papel / watercolor and graphite pencil on paper, 35,2 × 50,8 cm., 1927

Whitney Museum of American Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

"Días del cielo / Days of Heaven", Terrence Malick, 1978. Filmaffinity, Imdb

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Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix

(Charenton-Saint-Maurice, Francia / France, 1798 - París, 1863)

"La Barque de Dante o Dante et Virgile aux enfers / La barca de Dante o Dante y Virgilio en los infiernos /

The Barque of Dante or Dante and Virgil in Hell"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 189 × 246 cm., 1822

Musée du Louvre (París, Francia / France). Wikipedia (English)

Dante Alighieri en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

Eugéne Delacroix en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Célestin-François Nanteuil-Lebœuf

(Roma, Italia / Rome, Italy, 1813 - Bourron-Marlotte, Francia / France, 1873)

"La barque de Dante, d'après / La barca de Dante, según / The Barque of Dante, after Delacroix"

Litografía / lithography, 26,7 x 31,5 cm., 1849

Musée du Louvre (París, Francia / France)

Célestin-François Nanteuil-Lebœuf, conocido como Célestin Nanteuil, fue un pintor, grabador e ilustrador francés muy vinculado al movimiento romántico en Francia.

Nació en Roma de padres franceses que formaban parte del entorno de José Bonaparte. Nanteuil ingresó en la Escuela de Bellas Artes en 1827, donde estudió con Eustache-Hyacinthe Langlois, y luego trabajó en el estudio de Dominique Ingres. En 1848 fue nombrado director de la Académie des beaux-arts y, más tarde, conservador del Musée des beaux-arts de Dijon. Murió en Bourron-Marlotte a la edad de 60 años.

Murió en 1873.

Wikipedia

Célestin-François Nanteuil-Lebœuf, known as Célestin Nanteuil was a French painter, engraver and illustrator closely tied to the Romantic movement in France.

He was born in Rome of French parents who were part of Joseph Bonaparte's entourage. Nanteuil entered the École des Beaux-Arts in 1827, where he studied under Eustache-Hyacinthe Langlois, and then worked in the studio of Dominique Ingres. In 1848, he was made Director of Académie des beaux-arts and later became the curator of the Musée des beaux-arts in Dijon.

He died in 1873.

Wikipedia

"La casa de Jack / The House That Jack Built", Lars von Trier, 2018. Filmaffinity, Imdb

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Caspar David Friedrich

(Greifswald, Deutschland / Alemania / Germany, 1774 - Dresden / Dresde, 1840)

"Frau vor der untergehenden Sonne / Mujer frente al sol poniente / Woman before the Setting Sun"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 22 x 30,5 cm., c.1918.

Museum Folkwang (Essen, Deutschland / Alemania / Germany). Wikipedia

Caspar David Friedrich en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"Lo que el viento se llevó / Gone With the Wind"

Victor Fleming, George Cukor, Sam Wood, 1939. Filmaffinity, Imdb

"Wanderer über dem Nebelmeer / El caminante sobre el mar de nubes /

Wanderer above the Sea of Fog"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94,8 x 74,8 cm cm., c.1817.

Kunsthalle (Hamburg, Deutschland / Hamburgo, Alemania / Germany)

"Dunkerque / Dunkirk", Christopher Nolan, 2017. Filmaffinity, Imdb

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Benjamin Robert Haydon

(Plymouth, Inglaterra / England, 1786 - 1846)

"Napoléon Bonaparte", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 63,1 cm., antes de / before 1846

Basado en una obra de 1830 / based on a work of 1830

National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Napoleón Bonaparte en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

Benjamin Robert Haydon en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CXXIX)]

Benjamin Robert Haydon fue un pintor británico especializado en grandes cuadros históricos, aunque también pintó algunos temas contemporáneos y retratos. Su éxito comercial se vio perjudicado por el poco tacto con el que trataba a sus clientes y por la enorme escala en la que prefería trabajar. Durante toda su vida tuvo problemas financieros, que le llevaron a pasar varios periodos en prisión por deudas.

Murió por suicidio en 1846.

Wikipedia

Benjamin Robert Haydon was a British painter who specialised in grand historical pictures, although he also painted a few contemporary subjects and portraits. His commercial success was damaged by his often tactless dealings with patrons, and by the enormous scale on which he preferred to work. He was troubled by financial problems throughout his life, which led to several periods of imprisonment for debt.

He died by suicide in 1846.

Wikipedia

"Los duelistas / The Duelists", Ridley Scott, 1977. Filmaffinity, Imdb

Jacques-Louis David

(París, Francia / France, 1748 -

Brussel, Vereinigtes Königreich der Niederlande /

Bruselas, Reino Unido de los Países Bajos /

Brussels, United Kingdom of the Netherlands, 1748)

"Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard /

Napoleón en el paso de San Bernardo o Napoleón cruzando los Alpes /

Napoleon at the Saint-Bernard Pass or Bonaparte Crossing the Alps"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 275 x 232 cm., 1801. Belvedere (Wien, Österreich / Viena / Vienna, Austria)

Jacques Louis David en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"María Antonieta / Marie Antoinette", Sofia Coppola, 2006. Filmaffinity, Imdb

Sofia Coppola en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CLXXI)]

"La mort de Marat / La Muerte de Marat / Death of Marat", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165 x 128 cm., 1793

Musées royaux des Beaux-Arts (Brussel, België / Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium). Wikipedia

Jean Paul Marat en "El Hurgador" / in this blog:

[José Luis Carranza (I)], [Aniversarios (CCLVI)], [Arte y Humor (III)], [Aniversarios (CLXXXIX)]

"A propósito de Schmidt / About Schmidt", Alexander Payne, 2002. Filmaffinity, Imdb

Jack Nicholson en "El Hurgador" / in this blog:

[Aniversarios Fotografía (VI)], [Asonancias (VIII)], [Aniversarios Fotografía (CLVIII)], [Aniversarios Fotografía (CLXXXVIII)]

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Francisco José de Goya y Lucientes

(Fuendetodos, Zaragoza, España / Spain, 1746 -

Burdeos, Francia / Bordeaux, France, 1828)

"Sin título, conocida como Saturno devorando a su hijo /

Untitled, known as Saturn Devouring His Son" (detalle / detail)

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 × 83 cm., 1819-23. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Francisco de Goya en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"El laberinto del fauno / Pan's Labyrinth", Guillermo del Toro, 2005. Filmaffinity, Imdb

Guillermo del Toro en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CLXXXVII)], [Bill Carman (II)]

Erik Thor Sandberg

(Quantico, Virginia, EE.UU./ VA, USA, 1975-)

"Castigo / Grounding", óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 9", 2016. Copro Gallery

"Castigo / Grounding" (detalle / detail)

Erik Thor Sandberg en "El Hurgador" / in this blog: [Erik Thor Sandberg (Pintura)], [Pintando perros (LIV)]

"Shingeki no Kyojin Zenpen ~Guren no Yumiya~ /

Ataque a los Titanes, la película. Parte 1. El arco y la flecha escarlatas /

Attack on Titan Part I: Crimson Bow and Arrow", 荒木哲郎 / Tetsurō Araki, 2014. Filmaffinity, Imdb

"Shingeki no kyojin: Zenpen / Ataque a los Titanes: La película /

Attack on Titan: The Movie", 樋口真嗣 / Shinji Higuchi, 2015. Filmaffinity, Imdb

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Odd Nerdrum

(Helsingborg, Sverige / Suecia / Sweden, 1944-)

"Amanecer / Dawn", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 190,7 x 283,5 cm., 1989

Colección privada / Private Collection. Wikipedia (English)

Odd Nerdrum en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (X)]

"La célula / The Cell", ਤਰਸੇਮ ਸਿੰਘ ਧੰਦ੍ਵਾਰ / Tarsem Singh, 2000. Filmaffinity, Imdb

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Todos los posts de la serie "Asonancias" aquí / All posts in Assonances Series here

Tania Astapenco es la entrevistada por Shirley Rebuffo en este nuevo capítulo de la serie dedicada a artistas uruguayos. Tania crea piezas escultóricas con un estilo muy definido, llenas de emotividad y sentimiento, cada una de ellas fruto de un largo y meticuloso proceso que involucra una variedad de materiales y técnicas.

Un artículo con una completa selección de su obra presentado en dos posts: este primero con texto en español, y el segundo en inglés.

Tania Astapenco is interviewed by Shirley Rebuffo in this new chapter of the series dedicated to Uruguayan artists. Tania creates sculptural pieces with a very defined style, full of emotion and feeling, each one of them the result of a long and meticulous process involving a variety of materials and techniques.

An article with a complete selection of her work presented in two posts: the first one with text in Spanish, and the second one in English.

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Tania Astapenco Arechavaleta

(Montevideo, Uruguay, 1963-)

Tania trabajando / at work

Nace en Montevideo, el 5 de abril de 1963. Es maestra de vocación y profesión. El dibujo y otras expresiones de la plástica están presentes desde muy joven, ya que creció en un ambiente artístico. Su padre, Pedro Astapenco, era artista plástico. Su madre, Josefa, mujer luchadora, fue una artista de la vida, desplegando toda su creatividad en lo cotidiano.

Es en la década de los '90 descubre su pasión por el barro, medio y fin para expresarse desarrollando un proceso de investigación y búsqueda permanente en el acto creativo con la cerámica.

Le gusta acompañar sus obras con la poesía, con la literatura, de esta forma relaciona el arte de la palabra expresada por poetas con la vitalidad de obra concreta que piensa. "Todo lo que me pasa en la vida, lo vuelco al barro", dice.

"De tus abrazos / From your Embraces", pasta con chamote, esmalte monococción /

paste with chamotte, single firing enamel

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cuándo decides aceptar la cerámica como forma de expresión?

Tania Astapenco: Me encuentro con la cerámica en el taller de Mónica Mederos, hace muchos años. Desde ese entonces busco decir cosas a través de ella. Siempre me gustó el dibujo y la posibilidad de expresarme con diferentes materiales. El encuentro con el barro significó un cambio muy importante en mi vida y en eso estamos. El barro es un material primario, cálido, noble que habilita a "hablar" con significado y a "viajar" en la temática. Cuando considero que he llegado, lo dejo secar y comienza otro proceso: el de pensar y explorar cómo continuar con mi obra. Me gusta la frase de Violeta Parra… me siento identificada:

"La creación es un pájaro sin plan de vuelo, que jamás volará en línea recta" dijo Violeta Parra cantautora, pintora, escultora, bordadora y ceramista chilena.

En ese viaje pruebo mezclar pastas, incorporo diferentes elementos tales como arena, chamote de diferentes tamaños, papel… ellos añaden al barro "cuerpo" y diversas texturas que se ponen en juego cuando modelo o trabajo el bajorrelieve. Todo puede convertirse en herramienta… las principales son mis manos por supuesto, pero también, desde un palito hasta la más sofisticada pueden entrar a jugar en la danza de la creación. Trabajar escultura en cerámica ha sido un gran desafío y sigue siéndolo.

Requiere compromiso. La experiencia y el oficio como herramientas para expresar. Me esfuerzo permanentemente en conocer sobre el trabajo en cerámica para poder expresarme. Desde la química hasta la física. El trabajo en cerámica es completo. Se ponen en juego varios saberes, también intuiciones… encontramos conocimientos en culturas primitivas que admiramos y a las cuales recurrimos, tal vez, por su autenticidad, por la virtud de la simpleza de las técnicas y formas.

"De tus abrazos / From your Embraces"

Experiencia táctil con "De tus abrazos" / Tactile experiece with "From your Embraces"

La prohibición habitual "no tocar" de las exposiciones, no existe en las de Tania. El visitante puede tocar las obras, pueden ser sentidas, palpadas, disfrutadas por el tacto, pueden explorarse y reconocerse las diferentes texturas. Son visitadas por personas con dificultades visuales, pero también las personas que no tienen estos hádicaps. Pueden así experimentar qué siente una persona ciega cuando percibe el arte a través de sus dedos. Una inteligente forma de acercar las diferentes realidades, romper barreras y percibir diversas sensaciones.

"Cara / Face", impersión con óxidos sobre pasta de papel /

printing with oxides on paper pulp, 29 x 30,5 cm., 2019

SR: ¿Quiénes son tus referentes en el arte?

TA: Pienso al arte como actividad humana que busca la manera de intervenir, de transformar. En realidad todo ser humano interviene, cambia y genera cambios. Casi que es inevitable. Abstenerse, inhibirse ante el mundo que nos rodea, como maneras de existir, también genera cambios. Entiendo el arte como provocación, interpelación de las emociones. Es todo un viaje… que a veces puede ser enajenante…

Hay búsquedas en el camino a través del arte y por el arte. Una reflexión permanente, un acto decisivo y consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia, un sentimiento con un sentido estético. Cuando trabajo es un diálogo, una conversación con el barro que confronta, resiste y también se deja llevar y surge la escultura concebida como arte de formas sólidas, de masa relacionada con la ocupación del espacio. Aparece también el juego con la luz (toma cuerpo) que aporta tonalidades y posibilita la expresión. La herramienta, la huella de las manos, por pequeña que sea, expresa de alguna manera un lenguaje. Así como la ausencia de materia, el espacio vacío también dice. Es interesante desafiar con las formas en el espacio.

Por lo dicho es que siento que mi padre es un referente muy fuerte, artista muy comprometido, entendido como expresión del realismo social. Me impactan mucho Picasso y Guayasamín, que dijo: "Pese a todo, no hemos perdido la fe en el hombre, en su capacidad de alzarse y construir; porque el arte cubre la vida. Es una forma de amar".

También me maravillo con Yepes, Giacometti, con Rodin…

"Quijota / Female Quixotte", escultura, monococción, pasta con chamote, óxidos y esmalte /

sculpture, single firing, paste with chamotte, oxides and glaze, 74 x 55 x 23 cm.

SR: Modelar con las manos, ver con las manos... ellas son un vínculo con un público especial. Cuéntanos cómo comenzó el proceso de tu serie "Pájaros en la cabeza".

TA: Al momento de trabajar hay una prevalencia de la emoción, del sentir… es el viaje que constituye la creación. La cerámica involucra a todos nuestros sentidos. Vista, olfato, oído, tacto, gusto.

No sólo miro con los ojos; mis manos se han transformado. Puedo leer con ellas el barro, me aportan información sobre texturas, consistencias, humedades, volúmenes, formas. Las manos tienen memoria de lo vivido, memoria de haber tocado, memoria de haber percibido el mundo circundante. Su aporte es muy valioso: las curvas me traen las caricias... la fuerza se expresa en la profundidad de la línea, el corte, el golpe de una madera sobre el barro.

Las ideas vuelan permanentemente sobre mi cabeza, en esos momentos surgió con fuerza las ganas de emprender varias esculturas, varios trabajos…. los pájaros revoloteaban.

Trabajé como tallerista llevando adelante talleres con barro donde participaban jóvenes que visitaban el Museo de la Memoria. Talleres de sensibilización donde nos encontramos con nuestra memoria corporal, con nuestros sentimientos. Ese taller lo planteaba junto a una invitación a trabajar con los ojos cerrados. La experiencia fue muy significativa y me removió a mí también. Surgen casi juntas, ambas iniciativas y experiencias: "Pájaros en la Cabeza"

Y así me decidí. Propuse y convocamos en el Espacio Cultural del Museo del Gaucho a que personas ciegas y de baja visión visitaran la muestra "Pájaros en la cabeza". Un gran apoyo de Cristina Lampariello que sumó a la Fundación Banco República a esta iniciativa, de las compañeras y compañeros del taller de cerámica del [Mume: Museo de la Memoria], de Karina Tassino, de mi familia, de Organizaciones como UNCU [Unión Nacional de Ciegos del Uruguay], Fundación Braille, talleres y escuelas se sumaron con entusiasmo y participaron junto a nosotros para llevar adelante esta iniciativa. Es una experiencia que marcó mi vida. Un antes y un después. La muestra se hizo también en el Polo Temático de Las Piedras, en el Espacio Cultural en San José, en el Teatro Artigas en la ciudad de Trinidad. Muy impactantes todas las experiencias. Tocar, todas y todos. Una propuesta que nos incluye a todas y a todos, a los que podemos ver y a los que no.

Existe la llamada sensibilidad háptica (del griego haptikos). Tocar, prender, sostener. Esta práctica, que se desarrolla desde los primeros años de nuestras vidas, nos permite reconocer objetos y entornos con rapidez. La percepción háptica es un sistema muy complejo a través del cual el receptor da contenido a la información que llega a su cerebro desde los diferentes sentidos. ¿Por qué si en nuestros inicios como humanos apelamos a todos los sentidos, luego los vamos separando? Hoy vivimos en un mundo por sobre todas las cosas visual. Volviendo al principio, poder transformar, cambiar a través del arte.

"Quijota / Female Quixotte"

"Encierros / Confinements", pasta papel, pigmentos, óxido y esmalte / paper pulp, pigments, rust and glaze

SR: Tus obras tienen mensajes. En esa serie, además, nos trasladas desde lo terrenal a lo místico, de la niña a la madre. Pero todas tienen un punto en común: los afectos y las emociones. ¿Podrías referirte a algunas de las obras?

TA: Voy a hablarte de "De tus abrazos". Esa escultura surge del amor de pareja. El abrazo es muy contenedor, muy sostenedor, reúne desde el dolor a la alegría más carnal, como la de un nacimiento. La idea empieza a plasmarse desde el inicio cuando preparo el material, cuando comienzo a amasar el barro. Necesitaba un barro con estructura, que sostenga, por eso lo mezclé con chamote irregular de ladrillo poroso.

Comienza el viaje. Ahí las manos van y vienen con recuerdos que están en el medio de todo, "se amasa" la memoria. Las manos sienten, vuelven a sentir esos abrazos, los que hemos dado y los que hemos recibido, y más aún: los que faltan dar. Lleva días… avanzo y necesito dejar un poco. Tengo que "separarme" de la obra cada tanto, para verla "desde afuera" y porque además es necesario aflojar el tumulto de sentimientos. Vuelvo a ella con aires nuevos, cabeza más libre y la toco, la miro. Tomo decisiones interviniendo en ese juego entre volumen y forma. Trabajo sacando fotos para lograr algo así como la mirada de afuera, la mirada objetiva.

En este momento del proceso los instrumentos comienzan a tener mayor protagonismo; recurro a las estecas y espátulas de metal. Cualquier objeto que está en el entorno se convierte en herramienta, hasta las agujas de tejer y de coser participaron en "De tus abrazos".

Cuando decidí que ya estaba en las últimas fases del proceso, encaro la tarea de ahuecarla. Seccionarla para vaciar de material, que asegure que no existan las famosas burbujas de aire, generar esas chimeneas para la circulación del calor. Volver a unirla. La dejo y no la intervengo más. Hay que dejarla secar muchos, muchos días.

La cocción de la pieza, el color, otra decisión que tomar. Preparé el esmalte para que trasmita la sensación del hueso, de lo calcáreo. Estudié un poco más y realicé las pruebas previas para saber si estaba bien rumbeada. Y ahora sí, preparada para recibir el calor, con óxidos y esmalte, fue al horno con días de secado y horas de cocción, generando mesetas de temperatura. Toda la noche al lado del horno. Un parto. Las esculturas tienen sus historias también.

"Niña soñadora / Dreamy Girl"

Impresión sobre plancha, pasta de papel / printing on platte, paper pulp, 29,5 x 30,5 cm., 2014

"Mujer / Woman", cerámica, pasta negra con chamote / ceramic, black paste with chamotte

SR: ¿Qué situaciones sociales te condicionan al desarrollar tu obra?

TA: Somos seres sociales, no somos nada sin otras personas. Nos atraviesan situaciones de vida, las nuestras y las de los demás. Lo humano está por encima, la condición humana y los afectos. La realidad duele, también nos genera alegrías, nos atraviesa, no puedo pensarla de otra manera, la vivo así. Como mujer me ubico en la vida de muchas mujeres en la historia, es imposible no mirar hacia atrás y reconocer, reconocernos en ellas, en sus luchas, nace… se construye el hoy y el futuro… mi trabajo navega por esos mares.

SR: ¿Qué lugar le asignas a la dimensión poética en lo que haces?

TA: Un lugar muy importante. La poesía me inspira. Me encuentro en ella y es parte en mi trabajo, me abre la cabeza, el corazón, hace mover mis manos en el barro. No soy escritora; pero escribo en hojas las ideas que me sobrevuelan junto con la escultura y las acompaño muchas veces con la palabra escrita

"En-canto al alma", plato, bajorrelieve, esmaltes y óxidos /

plate, bass relief, enamel and rust, diam. 50 cm.

SR: Y está la filósofa Hiparquía que ha cruzado épocas con su fuerza hasta ser parte de tu obra con una puesta en escena. ¿Qué reto conlleva hacer este tipo de trabajo?

TA: Me cautivó el personaje de Hiparquía. Ella es considerada una de las primeras mujeres de la historia de la humanidad. Ella decide arriesgar todo para ser auténtica, fiel a sí misma, por el amor en el más amplio sentido de la palabra. Ese proceso que vive, es como una metamorfosis. La valentía, la capacidad de arriesgar por algo que quiere y considera justo. Quería revivir a través del barro lo que ella vivió y representaba. El reto: encontrar la manera plástica de revivirlo a través de la escultura, de que la pueda ver a ella, a la época, al proceso. Traerla al hoy. Todo un viaje, un desafío conmigo misma.

SR: ¿Cómo te sientes cuando culminas una obra y ves lo que has creado, traduciendo lo que está en tu cerebro a algo tridimensional y palpable?

TA: Es todo un viaje, un vuelo. Vivo con mucha intensidad durante todo el proceso. Cuando entiendo que terminó, que la voy a dejar, comienza otro: mirarla alejada, "en frío". A veces me sorprende. El ser humano sorprende.

"El nudo desatado / The Untied Knot"

Pasta con chamote, esmalte monococción / paste with chamotte, single-firing glaze, 70 x 26 x 30 cm.

"Esta obra la concebí como la dualidad que todos tenemos: hombre y mujer son dos realidades referidas recíprocamente la una a la otra. Ese nudo trata la naturaleza y la cultura, dos grandes modeladoras de los aspectos personales del ser humano, que están entrelazadas, desde el principio."

"I conceived this work as the duality that we all have: man and woman are two realities reciprocally referred to each other. This knot deals with nature and culture, two great shapers of the personal aspects of the human being, which are intertwined, from the beginning."

"El nudo desatado / The Untied Knot"

SR: En el proceso de creación de una obra hay varias etapas: está el artista solitario frente al barro trabajado, pero aún sin forma. ¿Cómo es ese proceso que da continuación y termina en una obra?

TA: En general es un proceso largo; muy lindo de vivir en todas sus etapas; aunque a veces puede ocurrir que sale como por impulso. Se pierde la noción del tiempo, eso me ocurre bastante. Es mucho disfrute, pero también muy removedor, emocionante.

SR: ¿Te dejas guiar por el azar a veces?

TA: A veces sí, hay mucho de lúdico y ahí el azar interviene, pero no siempre termina necesariamente en una obra concreta, hay idas y venidas. El ejercicio de romper y empezar de nuevo está bueno.

"Pareja / Couple", plato, bajorrelieve, óxidos / plate, bass relief, rust, diam. 40 cm., 2018

"Dolor / Pain", máscara / mask, cerámica con viruta y esmaltes / ceramics with chips and glazes

SR: ¿Cuál es tu mayor debilidad a la hora de enfrentarte a una nueva creación?

TA: No sé si hay una mayor. Las hay, no hay duda. Una de ellas es que me enfrento a muchas emociones, y no sé si llegará a convencerme al final. Me enfrento a mí misma. Como todo en la vida, tiene sus contradicciones. Está bueno, hay que desarrollar la valentía.

SR: ¿Cuánto tiempo al día le dedicas a la cerámica?

TA: Soy mujer y con muchos roles: me importan mis roles de madre, de compañera, de abuela, de docente. Pongo mucha energía en todo y disfruto mucho, como en la cerámica. Mis nietos hablan de sus esculturas en el taller de la abuela. El trabajo en el taller es casi que diario: a veces es un rato, a veces es el día. La cerámica no implica sólo lo manual, requiere estudio, pensar, organizarse con los materiales, sistematizar experiencias. No es fácil con tantos amores… je. Es todo un desafío.

"Mujer de mar / Sea Woman", escultura, pátina / patinated sculpture, 48 x 50 x 15 cm.

"Mujer de mar / Sea Woman"

SR: Cuéntanos algo sobre las diversas técnicas que usas.

TA: Lo principal para mi es la materia, el barro. Expresar con él. Me gusta trabajar con todas las tierras y preparar diferentes barros. Las técnicas de la cerámica las pongo fundamentalmente al servicio de la expresión. Conocerlas me permite provocar los efectos buscados, a veces contradiciendo la manera en que se deben aplicar. Me gusta el engobe, paleteo, trabajar con óxidos, pigmentos, esmaltes… todas.

SR: ¿Estás trabajando, o te gustaría trabajar, en algún proyecto a futuro?

TA: Siempre andan proyectos en la vuelta. Mis pájaros siempre están revoloteando. Hay un proyecto que me cautiva: "Con los pies en la tierra" Lo llevaré adelante… Ahora estoy preparando una exposición que me entusiasma.

Me siento comprometida con los derechos humanos y además estoy convencida del rol que juega el arte en los procesos sociales. Es así que participo en un proyecto colectivo para construir un memorial junto a Julio Carné y Octavio Podestá. Que recuerde que, en los años del terrorismo de Estado, existió en nuestro país un centro clandestino de tortura, el "300 Carlos-Infierno Grande" donde se secuestró y torturó a más de 600 mujeres y hombres. ¿Para qué? Para que estos hechos no sucedan más, por un nunca más, nunca más a las violaciones a los derechos humanos. Es eso… mirar lo ocurrido en la historia para entender y construir juntos un futuro mejor.

"Mujer / Woman", vasos / cups, tizas cerámicas, óxidos y esmaltes / ceramic chalk, oxide, enamel

SR: Para finalizar, cuéntame una anécdota que te parezca interesante incluir.

TA: En una de las actividades que hice, acompañada con quienes se sumaron a la experiencia para que personas ciegas y de baja visión conocieran la exposición de "Pájaros en la cabeza", sucedieron muchas cosas como para intercambiar largo rato. Te cuento una de ellas. Una mujer increíble que parecía escanear con sus manos las esculturas y los platos con bajorrelieve estaba acompañada por una gran amiga Gabriela Rodríguez a quien le regalé una de mis obras. Se acerca Gabriela hasta donde estaba y me pregunta: "Tania, ¿vos le hiciste un pájaro en "Encanto al alma" (así se llama la obra)? Sí, le respondí. Gabriela nunca se había percatado de que lo era. Celeste, esa mujer que conocí esa noche y que no veía con sus ojos, lo había descubierto.

Tania Astapenco con / with Shirley Rebuffo

Más sobre / More about Tania Astapenco: Instagram, facebook

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Sobre los artistas mencionados:

Astapenco, Pedro Miguel: MNAV

Giacometti, Alberto: [Todos los enlaces / All Links]

Guayasmín, Oswaldo: [Aniversarios (XXIV)]

Picasso, Pablo: [Todos los enlaces / All Links]

Rodin, Auguste: [Todos los enlaces / All Links]

Yepes, Eduardo: Wikipedia

Ir a la Parte 2 / Go to Part 2

¡Muchas gracias por la entrevista, Tania!

Thanks a lot for this interview, Tania!

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Un artículo con una completa selección de su obra presentado en dos posts: el primero con texto en español, y este segundo en inglés.

An article with a complete selection of her work presented in two posts: the first one with text in Spanish, and this second one in English.

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Tania Astapenco Arechavaleta

(Montevideo, Uruguay, 1963-)

Tania trabajando / at work

Born in Montevideo, Uruguay, on April 5, 1963. She is a teacher by vocation and profession. Drawing and other plastic expressions are present from a very young age, since she grew up in an artistic environment. Her father, Pedro Astapenco, was a plastic artist. His mother, Josefa, a fighter woman, was an artist of life, displaying all her creativity in everyday life.
It is in the 90's that she discovers her passion for clay, means and end to express herself, developing a process of research and permanent search in the creative act with ceramics.
She likes to accompany her works with poetry, with literature, in this way she relates the art of the word expressed by poets with the vitality of concrete work that she thinks. "Everything that happens to me in life, I pour it into clay," she says.

"Hiparquía / Hipparchia of Maroneia"

Pasta de arcilla, papel y chamote grueso, monococción, óxidos /

clay paste, paper and coarse chamotte, single firing, oxides, 56 x 48 x 20 cm.

Hiparquía fue una filósofa cínica griega. Considerada una mujer libertina y contestataria, fue en realidad una mujer que supo querer su libertad.

Hipparchia was a Greek cynical philosopher. Considered a libertarian and rebellious woman, she was actually a woman who knew how to love her freedom.

"Hiparquía / Hipparchia of Maroneia" (obra en proceso / work in progress)

"Yo, Hiparquía, no seguí las costumbres del sexo femenino, sino que con corazón varonil seguí a los fuertes perros. No me gustó el manto sujeto con la fíbula, ni el pie calzado y mi cinta se olvidó del perfume. Voy descalza, con un bastón, un vestido me cubre los miembros y tengo la dura tierra en vez de un lecho. Soy dueña de mi vida para saber tanto y más que las ménades para cazar."

"I, Hipparchia, did not follow the customs of the female sex, but with manly heart followed the strong dogs. I did not like the cloak fastened with the fibula, nor the shod foot, and my ribbon forgot the perfume. I go barefoot, with a staff, a garment covers my limbs and I have the hard earth instead of a bed. I am mistress of my life to know as much and more than maenads to hunt."

"Hiparquía / Hipparchia of Maroneia" (obra en proceso / work in progress)

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: When did you decide to accept ceramics as a form of expression?

Tania Astapenco: I came across ceramics in Monica Mederos' workshop, many years ago. Since then I have been looking to say things through it. I always liked drawing and the possibility of expressing myself with different materials. The encounter with clay meant a very important change in my life and that's where we are. Clay is a primary, warm, noble material that enables me to "speak" with meaning and to "travel" in the subject matter. When I consider that I have arrived, I let it dry and another process begins: that of thinking and exploring how to continue with my work. I like Violeta Parra's phrase... I feel identified:

"Creation is a bird without a flight plan, which will never fly in a straight line" said Violeta Parra Chilean singer-songwriter, painter, sculptor, embroiderer and ceramist.

In that journey I try mixing pastes, I incorporate different elements such as sand, chamotte of different sizes, paper... they add to the clay "body" and different textures that come into play when I model or work the bas-relief. Everything can become a tool... the main ones are my hands of course, but also, from a small stick to the most sophisticated one can come into play in the dance of creation. Working with ceramic sculpture has been a great challenge and continues to be so.

It requires commitment. Experience and craft as tools to express. I am constantly striving to learn about ceramic work in order to be able to express myself. From chemistry to physics. Ceramic work is complete. We find knowledge in primitive cultures that we admire and to which we turn, perhaps, for their authenticity, for the virtue of the simplicity of the techniques and forms.

"Hiparquía / Hipparchia of Maroneia"

SR: Who are your references in art?

TA: I think of art as a human activity that seeks ways to intervene, to transform. In fact, every human being intervenes, changes and generates changes. It is almost inevitable. To abstain, to inhibit oneself from the world around us, as ways of existing, also generates changes. I understand art as provocation, interpellation of emotions. It's a journey... that sometimes can be alienating...

There are searches on the way through art and for art. A permanent reflection, a decisive and conscious act capable of reproducing things, constructing forms, or expressing an experience, a feeling with an aesthetic sense. When I work it is a dialogue, a conversation with the clay that confronts, resists and also lets itself go, and sculpture emerges, conceived as an art of solid forms, of mass related to the occupation of space. The play with light also appears (it takes shape) that contributes tonalities and makes expression possible. The tool, the handprint, however small it may be, somehow expresses a language. Just as the absence of matter, the empty space also says. It is interesting to challenge with forms in space.

That is why I feel that my father is a very strong reference, a very committed artist, understood as an expression of social realism. I am very impressed by Picasso and Guayasamín, who said: "In spite of everything, we have not lost faith in man, in his capacity to rise up and build; because art covers life. It is a way of loving".

I also marvel at Yepes, Giacometti, Rodin...

"Hiparquía / Hipparchia of Maroneia", experiencia táctil / tactile experience

The usual "no touching" prohibition in Tania's exhibitions does not exist. The visitor can touch the works, they can be felt, palpated, enjoyed by touch, the different textures can be explored and recognized. The shows are visited by people with visual difficulties, but also by people who do not have these handicaps. They can experience what a blind person feels when perceiving art through their fingers. An intelligent way to bring different realities closer, break barriers and perceive different sensations.

"Mujer llora pájaro / Woman Cries Bird", plato, esmalte, esgrafiado, óxidos / plate, enamel, sgraffito, oxide

SR: Modeling with your hands, seeing with your hands... they are a link with a special audience. Tell us how the process of your series "Birds in the Head" began.
TA: At the moment of working there is a prevalence of emotion, of feeling... it is the journey that constitutes creation. Ceramics involves all our senses. Sight, smell, hearing, touch, taste.
I not only look with my eyes; my hands have been transformed. I can read the clay with them, they give me information about textures, consistencies, humidity, volumes, shapes. The hands have memory of what they have experienced, memory of having touched, memory of having perceived the surrounding world. Their contribution is very valuable: the curves bring me caresses... strength is expressed in the depth of the line, the cut, the blow of a wood on the clay.
The ideas fly permanently over my head, in those moments the desire to undertake several sculptures arose with force, several works .... the birds fluttered.
I worked as a workshop leader conducting workshops with clay with the participation of young people who visited the Museum of Memory (MuMe). Awareness workshops where we met with our body memory, with our feelings. That workshop was an invitation to work with our eyes closed. The experience was very significant and moved me as well. Both initiatives and experiences came up almost together: "Birds in the Head".
And so I decided. I proposed and convened in the Cultural Space of the Gaucho Museum that blind and low vision people visit the exhibition "Birds in the Head". A great support from Cristina Lampariello who joined the Fundación Banco República to this initiative, from the colleagues of the ceramics workshop of the MuMe, from Karina Tassino, from my family, from organizations such as UNCU [National Union of the Blind of Uruguay], Braille Foundation, workshops and schools joined us with enthusiasm and participated with us to carry out this initiative. It is an experience that marked my life. A before and an after. The exhibition was also held at the Thematic Pole of Las Piedras, at the Cultural Space in San José, at the Artigas Theater in the city of Trinidad. All the experiences were very impressive. Playing, all of them. A proposal that includes all of us, those who can see and those who cannot.
There is such a thing as haptic sensitivity (from the Greek "haptikos"). To touch, to grasp, to hold. This practice, which develops from the earliest years of our lives, allows us to recognize objects and environments quickly. Haptic perception is a very complex system through which the receiver gives content to the information that reaches his brain from the different senses. Why is it that if in our beginnings as humans we appeal to all the senses, later we separate them? Today we live in a visual world above all things. Going back to the beginning, to be able to transform, to change through art.

"Azules / Blues", dibujo sobre pasta de papel, pigmentos / drawing on paper pulp, pigments

"Parto / Birth", greda, chamote, totora, óxidos / clay, chamotte, cattail, oxides

SR: Your works have messages. In this series, you also move us from the earthly to the mystical, from the girl to the mother, but they all have a common point: affection and emotions. Could you refer to some of the works?
TA: I'm going to talk about "De tus abrazos" (From Your Embraces). That sculpture comes from the love of a couple. The embrace is very supportive, very sustaining, it gathers from pain to the most carnal joy, like that of a birth. The idea begins to take shape from the beginning when I prepare the material, when I begin to knead the clay. I needed a clay with structure, one that would sustain, so I mixed it with irregular porous brick chamotte.
The journey begins. There the hands come and go with memories that are in the middle of everything, the memory is "kneaded". The hands feel, feel again those hugs, the ones we have given and the ones we have received, and even more: the ones we have yet to give. It takes days... I move forward and I need to leave a little. I have to "separate" from the work from time to time, to see it "from the outside" and also because it is necessary to loosen the tumult of feelings. I return to it with new airs, a freer head and I touch it, I look at it. I make decisions intervening in that game between volume and form. I work taking pictures to achieve something like the outside look, the objective look.
At this point in the process, the instruments begin to play a greater role; I resort to **stecas and metal spatulas. Any object in the environment becomes a tool, even knitting and sewing needles participated in "From Your Embraces".
When I decided that I was already in the last stages of the process, I faced the task of hollowing it out. Section it to empty it of material, to ensure that there are no air bubbles, to generate those chimneys for the circulation of heat. Reattach it. I leave it and I do not intervene any more. It has to be left to dry for many, many days.
The firing of the piece, the color, another decision to make. I prepared the glaze so that it would convey the sensation of the bone, of the calcareous. I studied a little more and made the previous tests to know if it was in the right way. And now, ready to receive the heat, with oxides and glaze, it went to the kiln with days of drying and hours of firing, generating temperature plateaus. All night by the kiln. A childbirth. Sculptures have their stories too.

"La caverna / The Cave", esmalte, óxido, ahumado / enamel, rust, smoked

"Esta obra fue realizada en el 2020, en plena pandemia. Mi idea fue transmitir el encierro, la incertidumbre. Pensé en el estado en que nos encontrábamos todos, o la mayoría, con relación al conocimiento de la verdad o a la ignorancia. La existencia de esos dos mundos en el que estuvimos sumergidos todos (el mundo inteligible y el mundo sensible), tal cual lo explicaba Platón. El juego de la hoguera y las sombras."

"This work was made in 2020, in the middle of the pandemic. My idea was to convey the confinement, the uncertainty. I thought about the state in which we were all, or most of, us in relation to the knowledge of truth or ignorance. The existence of those two worlds in which we were all immersed -the intelligible world and the sensible world-, as explained by Plato. The game of the bonfire and the shadows."

"Cara / Face", impresión con óxidos sobre pasta de papel / printing with oxides on paper pulp, 29 x 30,5 cm., 2019

"Pájaros que erizan… / Birds That Bristle...", escultura monococción, óxidos y esmalte /

single firing sculpture, oxides and enamel, 89 x 30 x 16 cm.

SR: What social situations condition you when developing your work?

TA: We are social beings, we are nothing without other people. Life situations, our own and those of others, cross us. The human is above, the human condition and affections. Reality hurts, it also generates joys, it crosses us, I cannot think of it in any other way, I live it that way. As a woman I place myself in the lives of many women in history, it is impossible not to look back and recognize, recognize ourselves in them, in their struggles, it is born... today and the future are built... my work navigates through those seas.

SR: What place do you assign to the poetic dimension in what you do?

TA: A very important place. Poetry inspires me. I find myself in it and it is part of my work, it opens my head, my heart, it makes my hands move in the clay. I am not a writer, but I write on sheets of paper the ideas that come to me along with the sculpture and I often accompany them with the written word.

"Cabeza abierta / Open Head", pasta con chamote, esmalte monococción /

paste with chamotte, single-firing glaze, 70 x 26 x 30 cm.

"Momentos... / Moments...", pasta de arcilla y papel / clay and paper pulp, 50 x 30 x 36 cm.

SR: And there is the philosopher Hipparchia who has crossed epochs with her strength to be part of your play with a staging. What is the challenge of doing this kind of work?

TA: I was captivated by the character of Hipparchia. She is considered one of the first women in human history. She decides to risk everything to be authentic, true to herself, for love in the broadest sense of the word. The process she undergoes is like a metamorphosis. Courage, the ability to risk for something she wants and considers fair. I wanted to revive through clay what she lived and represented. The challenge: to find the plastic way to revive it through sculpture, so that I can see her, the time, the process. To bring her to today. A journey, a challenge to myself.

SR: How do you feel when you finish a work and see what you have created, translating what is in your brain into something three-dimensional and palpable?

TA: It's a journey, a flight. I live with a lot of intensity during the whole process. When I understand that it's over, that I'm going to leave it, another one begins: looking at it from a distance, "cold". Sometimes it surprises me. The human being surprises.

"Momentos... / Moments..."

"Espera / Wait", plato, texturas, esmalte y óxido, composición con hierro /

plate, textures, enamel and rust, composition with iron

SR: In the process of creating a work there are several stages: there is the solitary artist in front of the worked clay, but still without form. How is that process that continues and ends in a work of art?
TA: In general it is a long process; very nice to live in all its stages, although sometimes it can happen that it comes out as if by impulse. You lose track of time, that happens to me quite a lot. It's a lot of enjoyment, but also very moving, exciting.

SR: Do you sometimes let yourself be guided by chance?
TA: Sometimes yes, there is a lot of playfulness and there chance intervenes, but it doesn't always necessarily end up in a concrete work, there are comings and goings. The exercise of breaking and starting again is good.

"Mujer / Woman", máscara / mask, rakú, 48 x 40 x 14 cm.

"Mujer con sombrero / Woman with a Hat", hierro y madera / iron and wood

SR: What is your greatest weakness when facing a new creation?
TA: I don't know if there is a bigger one. There are, there's no doubt about it. One of them is that I face a lot of emotions, and I don't know if I will be convinced in the end. I am facing myself. Like everything in life, it has its contradictions. It's good, you have to develop courage.

SR: How much time a day do you dedicate to ceramics?
TA: I am a woman with many roles: I care about my roles as mother, companion, grandmother, teacher. I put a lot of energy into everything and I enjoy it a lot, like in ceramics. My grandchildren talk about their sculptures in their grandmother's workshop. The work in the workshop is almost daily: sometimes it's for a while, sometimes it's the whole day. Ceramics is not only manual, it requires study, thinking, organizing with materials, systematizing experiences. It is not easy with so many loves... heh. It is a challenge.

"Soñadora / Dreamer", pasta con chamote, monococción, óxidos y esmaltes, composición con hierro y madera /

chamotte paste, single firing, oxides and enamels, composition with iron and wood, 56 x 23 x 10 cm.

"Niña volando / Flying Girl", impresión con óxidos sobre pasta de papel /

printing with oxides on paper pulp, 33 x 32 cm.

SR: Tell us something about the different techniques you use.

TA: The main thing for me is the material, the clay. To express with it. I like to work with all types of clay and prepare different types of clay. The techniques of ceramics I put them fundamentally at the service of expression. Knowing them allows me to provoke the desired effects, sometimes contradicting the way they should be applied. I like engobe, palletizing, working with oxides, pigments, glazes... all of them.

SR: Are you working, or would you like to work, on any future projects?

TA: There are always projects on the go. My birds are always fluttering around. There is a project that captivates me: "With my feet on the ground" I will take it forward... Now I am preparing an exhibition that excites me.

I feel committed to human rights and I am also convinced of the role that art plays in social processes. That is why I am participating in a collective project to build a memorial together with Julio Carné and Octavio Podestá. Remember that, during the years of State terrorism, there was a clandestine torture center in our country, the "300 Carlos-Infierno Grande" where more than 600 women and men were kidnapped and tortured. Why? So that these events do not happen again, for a never again, never again to human rights violations. It is that... to look at what happened in history to understand and build together a better future.

"Madre Tierra / Mother Earth", mural, cerámica, adobe / ceramic, adobe

SR: Finally, tell me an anecdote that you think would be interesting to include.
TA: In one of the activities I did, together with those who joined the experience so that blind and low vision people could get to know the "Birds in the Head" exhibition, many things happened that could be shared for a long time. I will tell you one of them. An incredible woman who seemed to scan with her hands the sculptures and the bas-relief plates was accompanied by a great friend Gabriela Rodriguez to whom I gave one of my works. Gabriela came up to where I was and asked me: "Tania, did you make a bird in "Enchantment to the Soul" (that's the name of the work)? Yes, I answered her. Gabriela had never realized that it was a bird. Celeste, that woman I met that night and who could not see with her eyes, had discovered it.

Tania con / with Domenico Presutti frente a "Madre Tierra" / in front of "Mother Earth"

Más sobre / More about Tania Astapenco: Instagram, facebook

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About mentioned artists:

Astapenco, Pedro Miguel: MNAV

Giacometti, Alberto: [Todos los enlaces / All Links]

Guayasmín, Oswaldo: [Aniversarios (XXIV)]

Picasso, Pablo: [Todos los enlaces / All Links]

Rodin, Auguste: [Todos los enlaces / All Links]

Yepes, Eduardo: Wikipedia

Ir a la Parte 1 / Go to Part 1

¡Muchas gracias por la entrevista, Tania!

Thanks a lot for the interview, Tania!

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Arjan van Gent

(Delft, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1970-)

Arjan van Gent nació en 1970 en Delft y estudió en la Real Academia de La Haya y en la Escuela de Arte de Ámsterdam. Su obra se encuentra tanto en colecciones privadas (como la de Sting, Romy Haag, Paulette McWilliams, la familia Cruyff y los ex alumnos de David Bowie Mike Garson, Carmine Rojas, Gerry Leonard, Earl Slick, Carlos Alomar y Alan Childs) como en museos (el museo Gerard Reve de Ámsterdam y el museo Swaensteyn de Voorburg) y se expone regularmente en el estudio Pulchri de La Haya. En 2016 ganó el Premio del Público del Salón de Verano de la misma galería. Su obra también se expuso en la Galerie Pictura, Morren Galleries, Kunstzaal Van Heijningen, Galerie Wildevuur y en el Premio Holandés de Retrato, entre otros. En 2012 participó en el conocido programa de televisión "Estrellas en la pantalla".

Su otra gran pasión es la enseñanza y desde 2009 imparte clases de Dibujo Clásico y Pintura en su propia Escuela de Artes Figurativas, Atelier Sint Lucas. Website

"Sara", óleo sobre panel / oil on panel, 30 x 35 cm, 2018

Arjan van Gent was born in 1970 in Delft and studied at the Royal Academy in The Hague and the Amsterdam School of the Arts. His work is in both private (including private collection of Sting, Romy Haag, Paulette McWilliams, the Cruyff family and David Bowie alumni Mike Garson, Carmine Rojas, Gerry Leonard, Earl Slick, Carlos Alomar and Alan Childs) and museum collections (Gerard Reve museum in Amsterdam and museum Swaensteyn in Voorburg) and was regularly shown at Pulchri Studio in The Hague. In 2016 he won the Audience Award of the Summer Salon at the same gallery. His work was also shown at Galerie Pictura, Morren Galleries, Kunstzaal Van Heijningen, Galerie Wildevuur and at the Dutch Portrait Prize, among others. In 2012 he was a participant in the famous television program "Stars on the Screen".

His other great passion is teaching and he has been teaching Classical Drawing and Painting techniques at his own School of Figurative Arts, Atelier Sint Lucas, since 2009. Website

Arjan van Gent en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CLXVI-2)]

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Anton (Anthony) Van Dyck

(Antwerpen, België / Amberes, Bélgica / Antwerp, Belgium, 1599 - 1641)

Seguidor de / Follower of Anton (Anthony) Van Dyck

"Un sabueso favorito encadenado / A Favorite Hound held by a Chain"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97,8 x 114,9 cm. Christie's

Anton (Anthony) Van Dyck en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

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Charles Hermann-Léon

(Le Havre, Francia / France, 1838 - París, 1908)

"Portrait du bouledogue / Retrato del bulldog / Portrait of the bulldog Bonhomme"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 65,5 cm. Tajan

Charles Hermann-Léon fue un pintor francés nacido en 1838 en El Havre.

Alumno de Philippe Rousseau (1816-1897), debutó en el Salón de 1861. Hermann-Léon fue principalmente un pintor de animales. Se le concedió la Legión de Honor en 1897.

Murió en 1908.

Wikipedia (Francés)

"Estudio de un sabueso / A Study of a Hound", óleo sobre panel / oil on panel, 35 x 29,5 cm. Invaluable

Charles Hermann-Léon was a French painter born in 1838 in Le Havre.

A pupil of Philippe Rousseau (1816-1897), he made his debut at the Salon of 1861. Hermann-Léon was primarily a painter of animals. He was awarded the Legion of Honor in 1897.

He died in 1908.

Wikipedia (French)

"Deux chiens assis / Dos perros sentados / Two Dogs Sitting"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 69 cm. Ythurbide

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Gert Lambert

(Drachten, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1962)

"Abedar's Yackson", óleo sobre panel / oil on panel, 30 x 30 cm., 2014

Colección del artista / Artist's Collection

Gert Lambert (Drachten, 1962) estudió diseño gráfico de 1980 a 1985 en la Academia de Arte y Diseño ArtEZ (antes CABK, Kampen). Tras una carrera como diseñador gráfico, consultor, autor e investigador, decidió cambiar de rumbo en 2013. Desde entonces se ha centrado en su pasión original: la pintura y el dibujo. En esto se considera principalmente autodidacta.

Gert pinta retratos humanos y de animales por encargo, así como "estudios de personajes" y desnudos por cuenta propia. La belleza es el punto de partida de su obra, pero también intenta representar el tema de la forma más realista posible. Las fuentes de inspiración más importantes son los retratistas del Renacimiento, pero también el pintor florentino del siglo XX Annigoni. Website

"Chloé krijgt iets lekkers / recibe un regalo / Gets a Treat"

Óleo sobre panel / oil on panel, 40 x 30 cm., 2020

Gert Lambert (Drachten, 1962) studied graphic design from 1980-'85 at the ArtEZ Academy for Art & Design (v/h CABK, Kampen). After a career as a graphic designer, consultant, author and researcher, he decided to change course in 2013. Since then he has focused on his original passion: painting and drawing. In this, he considers himself primarily self-taught.

Gert paints commissioned human and animal portraits as well as free "character studies" and nudes. Beauty is the starting point of his work, but he also tries to render the subject as realistically as possible. Important sources of inspiration are portrait painters from the Renaissance, but also the 20th century Florentine painter Annigoni. Website

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Pieter (Peeter) Boel

(Antwerpen, België / Amberes, Bélgica / Antwerp, Belgium, 1622 -

Paris, Francia / France, 1674)

"Cabeza de un sabueso / Head of a Hound"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 27,8 x 35,2 cm., antes de / before 1674

Dulwich Picture Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). GAP

Pieter Boel (o Peeter) fue un pintor, grabador y diseñador de tapices flamenco nacido en 1622.

Se especializó en suntuosos bodegones y pinturas de animales. Se trasladó a París, donde trabajó en la fábrica de gobelinos y se convirtió en pintor del rey. Pieter Boel revolucionó la pintura de animales trabajando directamente a partir de ejemplares vivos en un entorno natural. Así llegó a representaciones de animales que los mostraban en sus poses naturales y características. Tuvo muchos seguidores en Francia.

Murió en 1674.

Wikipedia

"Diecisiete estudios de diferentes perros / Seventeen Studies of Different Dogs"

Tinta negra / black ink, 22,8 x 34,2 cm., entre / between 1669-1674.

Musée du Louvre (París, Francia / France)

Pieter Boel or Peeter Boelwas a Flemish painter, printmaker and tapestry designer born in 1622.

He specialised in lavish still lifes and animal paintings. He moved to Paris, where he worked in the gobelin factory and became a painter to the king. Pieter Boel revolutionized animal painting by working directly from live animals in a natural setting. He thus arrived at representations of animals showing them in their natural, characteristic poses. He had many followers in France.

He died in 1674.

Wikipedia

Pieter (Peeter) Boel en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XXXVII)], [Recolección (CXXXVI-2)]

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Justin Coburn

(Escocia / Scotland, 1966-)

"Estudio de la cabeza de un Whippet / Whippet Head Study I"

Óleo sobre panel / oil on panel, 40 x 40 cm. Jonathan Cooper Gallery

Justin Coburn nació en 1966 en el noreste de Escocia.

Tras estudiar Bellas Artes en la década de 1980, comenzó a trabajar como diseñador comercial. Ahora pinta profesionalmente y a tiempo completo. En su obra más reciente podemos ver su interés por el estudio de los animales. Con la forma como presenta a los animales busca que reflexionemos sobre la relación que el hombre tiene con la naturaleza y cómo ésta se manifiesta a nivel simbólico, religioso y ético. ¿Cuál es nuestra propia percepción como ser "inseguro" en el mundo? El artista obtuvo el segundo puesto como Artista de vida silvestre del año 2018, y en el mismo año recibió el Premio Lyon y Turnbull de pintura de la Royal Scottish Academy Open. En 2018 fue seleccionado para la exposición New Light en la Bankside Gallery de Londres.

London. Morren Galleries

"Estudio de la cabeza de un perro III / Dog Head Study III"

Óleo sobre panel / oil on panel, 40 x 40 cm. Website

"Galgo / Greyhound", óleo sobre panel / oil on panel, 60 x 50 cm. Instagram

Justin Coburn was born in northeast Scotland in 1966.

After studying fine arts in the 1980s, he began working as a commercial designer. Now he paints professionally and full time. In his most recent work, we see especially his interest in studies of animals. In the way he presents the animal, Coburn wants us to think about the relationship humans have with nature and how this manifests itself on a symbolic, religious and ethical level. What is our own perception as an 'insecure' being in the world? The artist won second place as 'wildlife artist of the year 2018' and in the same year received 'the Lyon and Turnbull Award for painting' from the Royal Scottish Academy Open. In 2018, he was selected for the New Light Exhibition at the Bankside Gallery in London. Morren Galleries

"Estudio de Cabeza de Borzoi / Borzoi Head Study"

Óleo sobre lino panel / oil on linen board

"Estudio de la cabeza de un perro VI / Dog Head Study VI"

Óleo sobre panel / oil on panel, 40 x 40 cm.

"Estudio de la cabeza de un Whippet / Whippet Head Study"

Óleo sobre panel / oil on panel, 41 x 41 cm.

Más sobre / More about Justin Coburn: Website, Instagram

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Antoine François Louis van Engelen

(Lier, België / Bélgica / Belgium, 1856 -

Antwerpen / Amberes / Antwerp, 1940)

Antoine François Louis Van Engelen fue un pintor belga nacido en 1856, que se formó en la Academia de Amberes con Charles Verlat.

Fue miembro del grupo de artistas de Amberes Als Ick Kan y cofundador del grupo De XIII.

Murió en 1940. Wikipedia (Neerlandés)

"Schwarzer Pudel im Atelier des Malers / Caniche negro en el estudio del artista /

Black Poodle in Artist's Atelier"

Óleo sobre tabla / oil on wood, 31,3 x 17,3 cm., 1885. Pinterest

Antoine François Louis Van Engelen was a Belgian painter born in 1856, who trained at the Antwerp Academy with Charles Verlat.

He was a member of the Antwerp artists' group Als Ick Kan and co-founder of the De XIII group.

He died in 1940. Wikipedia (Dutch)

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Saint George Hare

(Limerick, Irlanda / Ireland, 1857 -

Londres, Reino Unido / London, UK, 1933)

"Un borzoi junto a una silla / A Borzo by a Chair"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 109,2 x 69,2 cm., s.XIX / 19th century. Wikimedia Commons

Wikipedia (Holandés / Dutch)

Saint George Hare en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCCVII)]

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Wendy Elia

(Reino Unido / UK, 1953-)

"María (La visita V) / Mary (The Visit V)"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 170 cm., 2010

Wendy Elia es una artista británica nacida en 1953. Se formó en la St Martins School of Art de Londres y ha expuesto ampliamente, siendo finalista en varios concursos nacionales e internacionales, entre ellos cuatro veces en la National Portrait Gallery, así como en el Sovereign European Art Prize y el Threadneedle Prize. Su obra también forma parte de varias colecciones públicas de arte permanentes de todo el país.

Wendy trabaja en series que exploran los contextos sociales y más amplios de nuestro tiempo. En su obra de retratos se enfrenta a nuestro voyeurismo y se pregunta sobre la mirada femenina y la relación de la pintura con la autenticidad y la ilusión. Elia pasa de lo personal a lo político no sólo en la gama de contenidos y formas de las distintas series, sino también en los cuadros individuales: utiliza una serie de símbolos y significantes pictóricos para ampliar el significado/narrativa de las obras. Website

"María (La visita V) / Mary (The Visit V)". Diego (detalle / detail)

"María (La visita V) / Mary (The Visit V)". Frida (detalle / detail)

"Un baile para la música del tiempo (II) / A Dance To The Music Of Time (II)"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 220 cm., 2018

Wendy Elia is a British artist born in 1953. She trained at St Martins School of Art, London and has exhibited widely being a finalist in a number of national and international competitions which include 4 times at the National Portrait Gallery, as well as The Sovereign European Art Prize, and The Threadneedle Prize. Her work is also held in a number of public permanent art collections across the country.

Wendy Elia works in series which explore the social and broader contexts of our times. In her portrait work she confronts our voyeurism and asks questions about the female gaze and painting’s relationship to authenticity and illusion. Elia moves from the personal to the political not only in the range of content and form in the various series, but also within individual paintings: using a range of pictorial symbols and signifiers to extend the meaning/narrative of the works. Website

"Un baile para la música del tiempo (II) / A Dance To The Music Of Time (II)". Lily (detalle / detail)

Más sobre / More about Wendy Elia: Website, Instagram

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Nick Alm

(Sverige / Suecia / Sweden, 1985-)

en Estocolmo / at Stockholm

"Perro / Dog", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 95 cm. Instagram

Óleo / oil, 75 x 90 cm. Instagram

Nick Alm en "El Hurgador" / in this blog: [Nick Alm (Pintura)], [Pintando esculturas (V)]

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La serie completa aquí / Full Series here

Muchos artistas han fallecido este año. Nuestro recuerdo para todos ellos...

Many artists have passed away this year. Our remembrance for all of them ...

Junio / June

25 Antonio Helguera (55, 1965) caricaturista mexicano / Mexican cartoonist

21 Jeffrey Steele (89, 1931) pintor abstracto británico / British abstract painter

19 Arnold Odermatt (96, 1925) fotógrafo policial suizo / Swiss police photographer

19 Éric Guglielmi (51, 1970) fotógrafo y fotoperiodista francés / French photographer and photojournalist

18 Gérard Fromanger (81, 1939) artista visual francés / French visual artist

16 Romulo Abraham Yanes (62, 1959) fotógrafo estadounidense nacido en Cuba /

Cuban-born American photographer

16 Mogens Møller (86, 1934) pintor y escultor minimalista danés / Danish minimalist painter and sculptor

14 Moira Roth (87, 1933) historiadora del arte británica / British art historian

14 Jean Albert "Schang" Hutter (86, 1934) escultor suizo / Swiss sculptor

Jean Albert "Schang" Hutter

"Vertschaupet II", 1979. Magdeburg, Deutschland / Magdeburgo, Alemania / Germany

Fotos / Photos - Artista / Artist: SWI - Obra / Work: Wikimedia Commons

14 Paul R. Alexander (83, 1937) ilustrador estadounidense / American illustrator

13 Nikita Mandryka (80, 1940) artista de comic francés / French comics artist

11 Hash Halper (Tzvi Mair Lewis) (41, 1980) artista callejero estadounidense / American street artist

10 Tomás Llorens Serra (84, 1936) historiador, crítico de arte y museólogo español /

Spanish historian, art critic and museologist

06 Philip McCracken (92, 1928) artista visual estadounidense / American visual artist

02 Jane Kaufman (83, 1938) artista estadounidense / American artist

01 Will Bunn "Bunny" Matthews III (70, 1951) caricaturista y escritor estadounidense /

American cartoonist and writer

01 Tom Gibson (90, 1930) fotógrafo escocés nacido en Canadá / Scottish-born Canadian photographer

Mayo / May

29 Judith Godwin (91, 1930) pintora estadounidense / American painter

26 Kay Lahusen (Kay Tobin) (91, 1930) fotógrafo, escritor y activista por los derechos LGTB estadounidense /

American photographer, writer, and LGBT rights activist

25 Eva Sereny (86, 1926) fotógrafa y directora de cine suiza / Swiss photographer and film director

23 Alexander Alexandrovich "Alex" Salaueu (Аляксандр Аляксандравіч Салаўёў) (94, 1926)

artista bielorruso / Belarusian artist

23 Eric Carle (91, 1929) escritor e ilustrador estadounidense / American writer and illustrator

22 Sophie Rivera (82, 1938) fotógrafa y artista estadounidense / American photographer and artist

21 Tahir Teymur oglu Salahov (92, 1928) pintor y dibujante azerí /

Azerbaijani-Soviet-Russian painter and draughtsman

20 Ken Garland (92, 1929) diseñador gráfico británico / British graphic designer

20 Ingvar Cronhammar, 73, escultor sueco-danés / Swedish-Danish sculptor

19 Alain Kirili (74, 1946) escultor franco-estadounidense / French-American sculptor

18 Yoshimasa "Yoshi" Wada (ヨシ・ワダ) (77, 1943) artista de instalaciones sonoras y músico japonés /

Japanese sound installation artist and musician

18 Segundo García González "Esegé" (63, 1958) artista de comic español / Spanish comic artist

18 Joséantonio Sánchez (64, 1956) Pulido poeta, artista visual y gestor cultural venezolano /

Venezuelan poet, visual artist and cultural manager

17 Jaqueline "Jackie" Matisse Monnier (89-90, 1931) artista francesa / French artist

16 Fernando Pugliese (81, 1939) escultor y artista plástico argentino / Argentine sculptor and plastic artist

15 Carol Rudyard (98, 1922) artista visual anglo-australiano / English-Australian visual artist

13 Feodor Pitcairn (86, 1934)

fotógrafo, director de fotografía, naturalista, ambientalista y conservacionista de los océanos estadounidense /

American photographer, cinematographer, naturalist, environmentalist, and ocean conservation advocate

13 Raymond Biaussat (89, 1932) pintor francés / French painter

Raymond Biaussat

"Le Secret des Herbes / El secreto de las hierbas / The Secret of Herbs"

Óleo sobre panel / oil on board, 41,5 x 27,4 cm.

Fotos / Photos - Artista / Artist: news.in.24 - Obra / Work:Invaluable

12 Francisco Pelló Hernandis (85, 1935) pintor, escultor y poeta argentino nacido en España /

Spanish-born Argentine painter, sculptor and poet

12 Patrick Dean (45, 1976) caricaturista estadounidense / American cartoonist

11 Richard Nonas (85, 1936) escultor estadounidense / American sculptor

10 Marc Daniëls "De Mark" (61, 1959) autor de comic belga / Belgian comic book artist

08 German Lorca (98, 1922) fotógrafo brasileño / Brazilian photographer

07 John Llewelyn (93, 1928) fotógrafo escocés nacido en Gales / Welsh-born Scottish photographer

06 Kentaro Miura (三浦建太郎) (54, 1966) artista de manga japonés / Japanese manga artist

05 Alfredo Zanellato (90, 1931) pintor y escultor italiano / Italian painter and sculptor

04 Julião Sarmento (72, 1948) artista multimedia y pintor portugués / Portuguese multimedia artist and painter

04 Willian Santiago (30, 1991) ilustrador, diseñador gráfico y profesor brasileño /

Brazilian illustrator, graphic designer, and professor

04 Sir Leslie Lynn Marr of Sunderland, 2nd Baronet (98, 1922) artista de paisaje, pintor y corredor de carreras de autos británico /

British landscape artist, painter and racing driver

02 Patricia Frances Semple (81, 1939) artista de paisaje y profesora escocesa / Scottish landscape artist and teacher

01 John Paul Leon (49, 1972) artista de comic estadounidense / American comic book artist

Abril / April

30 Christopher Ronald Mark Lancaster (82, 1938) artista y diseñador escénico británico-estadounidense /

British-American artist and set designer

30 Neltje Doubleday Kings (86, 1934) artista, mujer de negocios y filántropa estadounidense /

American artist, businesswoman and philanthropist

29 André Evrard (85, 1936) pintor y grabador suizo / Swiss painter and engraver

29 Allan Cosio (79, 1941) pintor, escultor y diseñador de producción filipino /

Filipino painter, sculptor and production designer

25 William Thomas Wiley (83, 1937) artista estadounidense / American artist

24 Riitta Maija Vainionpää (68, 1952) artista textil finesa-sueca / Finnish-Swedish textile artist

24 Miloš Šobajić (Милош Шобајић) (75, 1945) pintor y escultor serbio / Serbian painter and sculptor

22 Krystyna Łyczywek (100, 1921) fotógrafa, traductora y periodista polaca /

Polish photographer, translator and journalist

22 Selma Gürbüz (60-61, 1960) pintora y escultora turca / Turkish painter and sculptor

21 James Prigoff (93, 1927) fotógrafo estadounidense / American photographer

21 Gilbert Clain (79, 1941) escultor de Islas Reunión / Réunionese sculptor

20 Mary Beth Edelson (nac. Mary Elizabeth Johnson) (88, 1933)

artista estadounidense pionera en el movimiento artístico feminista /

American artist and pioneer of the feminist art movement

19 Robin Wood (67, 1953) artista estadounidense especializado en juegos y fantasía /

American artist specializing in game art and fantasy

18 Richard Schmid (86, 1934) pintor estadounidense / American painter

16 Paul Schneider (93, 1927) artista y escultor alemán / German artist and sculptor

16 Fumio Hisamatsu (久松文雄) (77, 1943) artista de manga y diseñador de personajes japonés /

Japanese manga artist and character designer

15 Leon van den Eijkel (80, 1940) artista neozelandés nacido en Países Bajos / Dutch-born New Zealand artist

15 Roger Dewint (78, 1942) grabador y pintor belga / Belgian engraver and painter

14 Stephanie Sinclaire Lightsmith (Stephanie Crawford) (67, 1954) pintora, directora de teatro y cine estadounidense /

American painter and director in theatre and film

13 Yvan Daumas (77-78, 1943) pintor expresionista francés / French expressionist painter

11 Enzo Sciotti (76, 1944) artista e ilustrador italiano / Italian artist and illustrator

11 Milou Hermus (73, 1947) pintora neerlandesa / Dutch painter

Milou Hermus

"De Bijenkorf / La colmena / The Beehive", BIJ editorial, 1979

Fotos / Photos - Artista / Artist: Dutch Graphic Roots, Fotógrafo / Photographer: Paul Huf

Obra / Work: Dutch Graphic Roots

09 June Newton "Alice Springs" (nac. Browne) (97, 1923) modelo, actriz y fotógrafa australiana /

Australian model, actress, and photographer

06 Michel Koeniguer (49, 1971) artista de comic francés / French comic book artist

06 Kittie Bruneau (91, 1929) pintora y grabadora canadiense / Canadian painter and printmaker

05 Joye Evelyn Hummel (97, 1924) autora de libros de comic estadounidense / American comic book author

04 Victoria Vladimirovna Kovalchuk (Вікто́рія Володи́мирівна Ковальчу́к) (67, 1954) ilustradora, diseñadora y escritora ucraniana /

Ukrainian illustrator, designer and writer

04 Jean Dupuy (95, 1925) artista estadounidense nacido en Francia, pionero en combinar arte y tecnología /

French-born American artist and pioneer of work combining art and technology

03 John Stanley Edgar (70, 1950) escultor y medallista neozelandés / New Zealand sculptor and medallist

Marzo / March

31 Winfred Rembert (75, 1945) artista estadounidense / American artist

31 Astrid Kjellaug Nordsjö (94, 1926) pintora de iconos sueco-noruega / Swedish-Norwegian icon painter

31 Leland Howard Marmon (95, 1925) fotógrafo y autor nativo estadounidense /

American Native photographer and author

29 Antonio Caro (70, 1950) artista conceptual colombiano / Colombian conceptual artist

28 Jean-Pierre Hébert (1939) artista estadounidense de origen francés / American artist born in France

28 Gianluigi Colalucci (91, 1929) restaurador y académico italiano / Italian restorer and academic

26 Roderick McKie (c.1942) caricaturista británico / British cartoonist

26 Orest Ivanovich Kryvoruchko (Орест Іва́нович Кривору́чко) (79, 1942) artista ucraniano / Ukrainian artist

24 Zora Plešnar (95, 1925) fotógrafo esloveno / Slovenian photographer

22 Luis Arencibia Betancort (74, 1946) escultor español / Spanish sculptor

Luis Arencibia Betancort

"Neptuno / Neptune", bronce / bronze, altura / height: 420 cm., 2001

Playa de Melenara, Telde, Gran Canaria, Islas Canarias, España /

Melenara Beach, Telde, Gran Canaria, Canary Islands, Spain

Fotos / Photos: Artista / Artist: La Provincia - Obra / Work: Canarias Diario

19 Adel Nassief (58, 1962) (دل نصيف) pintor copto egipcio / Egyptian Coptic painter

19 Gary David Leib (65, 1955) caricaturista, animador y músico estadounidense / American cartoonist, animator and musician

18 Henry Wanton Jones (95, 1925) pintor canadiense / Canadian painter

18 Josep Lluís Martínez i Picañol "Picanyol" (73, 1948) ilustrador de comic español / Spanish comic illustrator

17 Vicente Rojo Almazán (89, 1932) pintor, escultor y artista gráfico español /

Spanish painter, sculptor and graphic artist

16 Armando De Stefano (94, 1926) pintor italiano / Italian painter

16 Líviusz Gyulai (83, 1937) artista gráfico, grabador e ilustrador húngaro nacido en Rumania /

Romanian-born Hungarian graphic artist, printmaker and illustrator

16 Turi Simeti (91, 1929) pintor italiano / Italian painter

14 Laxman Pai (95, 1926) pintor indio / Indian painter

13 Giovanni Gastel (65, 1935) fotógrafo italiano / Italian photographer

13 Ursula Mattheuer-Neustädt (94, 1926) artista gráfica alemana / German graphic artist

11 Lin Emery (94, 1926) artista visual estadounidense / American visual artist

10 Robert-Rudolf Volk (100, 1921) escultor estonio / Estonian sculptor

09 René Taesch (69, 1952) fotógrafo, músico y escritor francés / French photographer, musician, and writer

07 Duggie Fields (Douglas Arthur Peter Field) (75, 1945) pintor y artista británico / British painter and artist

07 Benjamin Franklin "Frank" Thorne (90, 1930) artista del comic estadounidense / American comic artist

06 Catherine Valogne (96-97, 1924) pintora, periodista y escultora francesa / French painter, journalist and sculptor

05 Gerda Schmidt-Panknin (100, 1920) pintora alemana / German painter

04 Klára Tamás (74, 1946) artista gráfica rumano-húngara / Romanian-Hungarian designer

02 Claude Lacroix (76-77, 1944) autor del comic francés / French comic book author

01 Max Morton (78, 1943) pintor belga nacido en Reino Unido / British-born Belgian painter

01 Toko Shinoda (107, 1913) (篠田桃紅) pintora y litógrafa japonesa / Japanese painter and lithographer

Febrero / February

28 Sjuwke Kunst (98, 1922) dibujante y caricaturista holandesa nacida en Indonesia /

Indonesia-born Dutch draftsman and cartoonist

27 William "Bill" Willard Sanders (90, 1930) caricaturista político estadounidense / American political cartoonist

25 Emmanuel Yeboah Bobbie "Bob Pixel" (45, 1976) fotógrafo y diseñador gráfico ghanés /

Ghanaian photographer and graphic designer

25 Rein Halbersma (71, 1949) pintor holandés / Dutch painter

24 Elena Colmeiro (89, 1932) escultora y ceramista española / Spanish sculptor and ceramist

22 Raymond Cauchetier (101, 1920) fotógrafo francés / French photographer

21 Christopher Cardozo (72, 1948) coleccionista de arte, fotógrafo y editor estadounidense /

American art collector, photographer and publisher

19 Arturo Di Modica (80, 1941) escultor ítalo-estadounidense / Italian-American sculptor

18 Vittore Bocchetta (102, 1918) escultor, pintor y académico italiano / Italian sculptor, painter and academic

17 Christine McHorse (72, 1948) ceramista estadounidense / American ceramics artist

16 James Bishop (93, 1927) pintor estadounidense / American painter

16 Jason Benjamin (50, 1971) pintor australiano / Australian painter

15 Gerard Hemsworth (75, 1945) pintor y artista conceptual británico / British painter and conceptual artist

15 Kōjirō Akagi (赤木曠児郎) (87, 1934) pintor japonés / Japanese painter

14 Jean Roulland (89, 1931) escultor francés / French sculptor

12 Pavel Vácha (80, 1940) fotógrafo checo / Czech photographer

11 Rowena A. Morrill (76, 1944) ilustradora de fantasía estadounidense / American fantasy illustrator

11 María Teresa Burga Ruiz (86, 1935) artista multimedia y conceptual peruana /

Peruvian multimedia and conceptual artist

10 Thomas Joannes Maria “Tom” Waterreus (77, 1943) escultor holandés / Dutch sculptor

10 Alberto Corazón Climent (79, 1942) diseñador gráfico y artista multidisciplinario español /

Spanish graphic designer and multidisciplinar artist

10 Victor Ambrus (László Győző Ambrus) (85, 1935) ilustrador británico nacido en hungría /

Hungarian-born British illustrator

10 Alberto Corazón Climent (79, 1942) diseñador gráfico y artista español / Spanish graphic designer and artist

09 Rosemary Namuli Karuga (92, 1928) artista visual keniata / Kenyan visual artist

Rosemary Karuga

"Sin título / Untitled", 40 x 57 cm., 1998 © Familia Karuga / Red Hill Art Gallery

Fotos / Photos - Artista / Artist:Black Women Make Art - Obra / Work: : Wiriko

09 Pedro Tenorio (64, 1957) pintor mexicano / Mexican painter

08 Roland Berthiaume (93, 1927) caricaturista canadiense / Canadian caricaturist

08 Stig Brøgger (79, 1941) escultor, pintor, artista de instalaciones y fotógrafo danés /

Danish sculptor, painter, installations artist and photographer

07 Oscar González Loyo (61, 1959) artista del comic mexicano / Mexican comic book artist

07 J. Guadalupe Huerta Palomino (78, 1942) boxeador y fotógrafo mexicano / Mexican photographer and boxer

07 Luis Feito López (91, 1929) pintor español / Spanish painter

07 Steve Clay Wilson (79, 1941) caricaturista estadounidense / American cartoonist

06 Zamfir Dumitrescu (74, 1946) pintor y político rumano / Romanian painter and politician

06 Jolán Humenyánszky (78, 1942) escultor húngaro / Hungarian sculptor

04 Vlastimil Zábranský (84, 1936) artista visual checo / Czech visual artist

04 Charles McGee (96, 1924) pintor, escultor, artista de ensamblajes y educador estadounidense /

American painter, sculptor, assemblages artist and educator

01 Umberto Bruni (106, 1914) artista y pintor canadiense / Canadian artist and painter

01 Ricky Powell (59, 1961) fotógrafo estadounidense / American photographer

Enero / January

31 Sergio Rascón Martínez (58, 1962) pintor mexicano / Mexican painter

30 Manuel Salinas (80, 1940) pintor español / Spanish painter

30 William "Bill" Hammond (74, 1947) pintor neozelandés / New Zealand painter

28 Gil Imaná Garrón (87, 1933) pintor y muralista boliviano / Bolivian muralist and painter

27 Young Kwok "Corky" Lee (73, 1947) fotoperiodista sino-estadounidense / Chinese-American photojournalist

26 Virginia Fraser (73, 1947) artista, curadora y escritora australiana / Australian artist, curator and writer

25 Luis Enrique Tábara (90, 1930) pintor ecuatoriano / Ecuadorian painter

25 Vladimír Suchánek (87, 1933) artista gráfico y diseñador postal checo /

Czech graphic artist and postage stamp designer

24 Marcel Uderzo (87, 1933) artista del comic francés / French comic book artist

24 Barry Le Va (79, 1941) escultor y artista de instalaciones estadounidense /

American sculptor and installation artist

24 Muhanna Al-Dura (مهنا دره‎) (83, 1938) pintor jordano / Jordanian painter

23 Pheoris West (70, 1950) pintor, dibujante y diseñador afroestadounidense /

Afro-American painter, draftsman and designer

22 Forrest Moses (86, 1934) pintor abstracto estadounidense / American abstract painter

20 Boris Abramovich Zaborov (Барыс Абрамавіч Забораў) (85, 1935) artista bielorruso / Belarusian artist

16 Mihai Mireanu (72, 1949) pintor moldavo / Moldovan painter

15 Eddie Kuligowski (74, 1946) fotógrafo francés / French photographer

13 Michel Gravel (84, 1936) fotógrafo canadiense / Canadian photographer

13 Grace Robertson (90, 1930) fotógrafa británica / British photographer

08 Steve Lightle (61, 1959) artista de libros de comic estadounidense / American comic book artist

07 Guy Péqueux (78, 1942) pintor y litógrafo francés / French painter and lithographer

Guy Péqueux

"Paysage / Paisaje / Landscape", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 47 x 47 cm.

Fotos / Photos - Artista / Artist: The Orbit Patrol - Obra / Work: Auction.fr

05 Annasif Døhlen (90, 1930) escultor noruego / Norwegian sculptor

05 Kim Tschang-yeul (91, 1929) pintor surcoreano / South Korean painter

05 João Cutileiro (83, 1937) escultor portugués / Portuguese sculptor

03 Werner Rataiczyk (99, 1921) pintor alemán / German painter

03 Dick Kulpa (66, 1953) caricaturista estadounidense / American cartoonist

01 Norma (Norbert Morandière) (74, 1946) artista francés de comic / French comic book artist

Muchos artistas han fallecido este año. Nuestro recuerdo para todos ellos...

Many artists have passed away this year. Our remembrance for all of them ...

Diciembre / December

28 Sabine Weiss (nac. Weber) (97, 1924) fotógrafa suizo-francesa / Swiss-French photographer

25 Wayne Thiebaud (101, 1920) pintor estadounidense / American painter

24 Clark Richert (80, 1941) artista estadounidense / American artist

23 Françoise Nuñez (64, 1947) fotógrafo francés / French photographer

23 Ann Harithas (80, 1941) artista visual y coleccionista estadounidense / American visual artist and collector

18 Božena Krejčová (Bedřiška Znojemská , de soltera Fritzová) (93, 1928) pintora checa / Czech painter

17 Eve Babitz (78, 1943) artista visual y autora estadounidense / American visual artist and author

16 Gérald Forton (90, 1931) artista de comic francés nacido en Bélgica / Belgian-born French comic book artist

16 Robert Cumming (78, 1941) pintor, escultor y fotógrafo estadounidense /

American painter, sculptor and photographer

11 Hiroshi Hirata (平田弘史) (84, 1937) artista de manga japonés / Japanese manga artist

11 Fjölnir Geir Bragason (56, 1965) tatuador islandés / Icelandic tattoo artist

09 Don Asmussen (59, 1962) caricaturista estadounidense / American cartoonist

08 Michel Quarez (83, 1938) pintor y artista gráfico francés nacido en Siria / Syrian-born French painter and graphic artist

08 Mitsutoshi Furuya (古谷三敏) (85, 1936) artista de manga japonés / Japanese manga artist

08 Christos "Chris" Achilleos (74, 1947) ilustrador chipriota nacido en Reino Unido / Cypriot-born British illustrator

Christos "Chris" Achilleos

Ilustración para el cartel de la película de animación "Heavy Metal" /

Illustration for the poster of the animated film "Heavy Metal" (Gerald Potterton, 1981)

Fotos / Photos - Artista / Artist: Pedro Alonso - Heavy Metal - Obra / Work: Tilt

07 Benício (José Luiz Benício da Fonseca) (84, 1936) ilustrador brasileño / Brazilian illustrator

04 Hans-Ludwig Blohm (94, 1927) fotógrafo y autor germano-canadiense /

German-Canadian photographer and author

04 Sergio Meirana (54, 1966) artista visual uruguayo / Uruguayan visual artist

03 Marina Laura Lema Riqué (59, 1962) artista visual y docente uruguaya / Uruguayan visual artist and teacher

03 Jean Rosset (84, 1937) escultor francés / French sculptor

02 Lawrence Charles Weiner (79, 1942) artista conceptual estadounidense / American conceptual artist

Noviembre / November

29 Robert Farris Thompson (88, 1932) historiador del arte y escritor / American art historian and writer

28 Guillermo Roux (92, 1929) pintor, acuarelista y collagista argentino /

Argentine painter, watercolorist and collagist

28 Brian Barnes (77, 1944) pintor y muralista inglés / English painter and muralist

23 Robert Wallace Ellis (92, 1929) pintor neozelandés nacido en Reino Unido / British-born New Zealand painter

21 Lou Brooks (77, 1944) artista gráfico, ilustrador y caricaturista estadounidense /

American graphic artist, illustrator and cartoonist

20 Carlo Maria Mariani (90, 1931) pintor italiano / Italian painter

20 Rita Letendre (93, 1928) pintora, muralista y grabadora canadiense / Canadian painter, printmaker and muralist

18 Michael David "Mick" Rock (Michael Edward Chester Smith) (72, 1948) fotógrafo británico / British photographer

18 Jørgen Haugen Sørensen (87, 1934) escultor danés / Danish sculptor

18 Latif al-Ani (لطيف العاني) (89, 1932) fotógrafo iraquí / Iraqi photographer

Latif al-Ani (لطيف العاني)

Izq./ Left: "El fotógrafo Latif Al-Ani / Photographer Latif Al-Ani", norte de Irak / North of Iraq

Negativo de gelatinobromuro de plata en película / gelatin silver negative on film, 6 x 6 cm

Colección / Collection Latif Al-Ani

Der./ Right: "Pastor / Shepherd, Ctesiphon, Al Mada'in"

Chorro de tinta / Inkjet, 100 x 100 cm., 1962, impresa en / printed in 2019

Fotos / Photos - Artista / Artist: COBO - Obra / Work: Gallery Isabelle van den Eynde

17 Levan Tsutskiridze (ლევან ცუცქირიძე) (95, 1926) monumentalista, ilustrador y pintor de frescos georgiano /

Georgian monumentalist artist, illustrator, and frescoes painter

17 Jimmie Bob Durham (81, 1940) escultor, ensayista y poeta estadounidense /

American sculptor, essayist, and poet

15 Oldřich Hamera (77, 1944) grabador, pintor, ilustrador, impresor, tipógrafo, editor y restaurador checo /

Czech printmaker, painter, illustrator, printer, typographer, publisher, and restorer

13 Grigori Aleksandrovich Galitsin (Григо́рий Алекса́ндрович Гали́цын) (64, 1957) fotógrafo erótico ruso /

Russian erotic photographer

12 Leopold Sánchez (73, 1948) artista de libros de comic español / Spanish comic book artist

11 Dino Pedriali (71, 1950) fotógrafo italiano / Italian photographer

10 Gazbia Sirry (جاذبية سري) (96, 1925) pintora egipcia / Egyptian painter

09 Robert Charles "Bob" Gill (90, 1931) ilustrador y diseñador gráfico estadounidense /

American illustrator and graphic designer

07 John Edward Clement Twarowski White (97, 1924) historiador del arte británico / British art historian

07 María del Carmen Laffón de la Escosura (87, 1934) pintora y escultora española / Spanish painter and sculptor

06 Kambiz Derambakhsh (کامبیز درم بخش;) (79, 1942) diseñador gráfico iraní / Iranian graphic designer

03 Sharon Smith Kane (89, 1932) caricaturista, ilustradora y autora de libros inflantiles estadounidense /

American cartoonist, illustrator and children's author

Octubre / October

30 Sonia Sheridan (96, 1925) artista, acedémica e investigadora estadounidense /

American artist, academic, and researcher

29 Raoul Middleman (86, 1935) pintor estadounidense / American painter

25 Patrick Reyntiens (95, 1925) artista de vitrales británico / British stained glass artist

22 Lía Bermúdez (Carmen Rosalía González Agreda) (91, 1930) escultora venezolana / Venezuelan sculptor

Lía Bermúdez

"Y olé", hierro pintado / painted iron, 82 x 82 x 43 cm., 1989

Fotos / Photos - Artista / Artist: Letralia - Obra / Work: Diario Las Américas

21 Jarosław Musiał (58-59, 1962) artista de libros de comic polaco / Polish comic book artist

21 Jean-Jacques Duval (91, 1930) artista estadounidense nacido en Francia / French-born American artist

20 Nyapanyapa Yunupingu (76, 1945) pintor Yolngu australiano / Australian Yolngu painter

20 Jerry Pinkney (81, 1939) ilustrador estadounidense / American illustrator

19 Michel Degand (86, 1934) pintor, escultor, caricaturista y artista gráfico francés /

French painter, sculptor, cartoonist, and graphic artist

18 Vamona Ananta Sinai Navelcar (91, 1930) pintor indio / Indian painter

16 Achille Perilli (94, 1927) pintor y escultor italiano / Italian painter and sculptor

16 Paul Blanca (nac. Paul Vlaswinkel) (62, 1958) fotógrafo artístico neerlandés / Dutch art photographer

14 Sarkasi Said "Tzee" (81, 1940) artista de batik de Singapur / Singaporean batik artist

12 Julie Lynn Green (60, 1961) artista visual estadounidense nacido en Japón / Japan-born American visual artist

12 René Basset (102, 1919) fotógrafo francés / French photographer

10 Evelyn Richter (91, 1930) fotógrafa artística alemana / German art photographer

09 Pierre Pinoncelli (92, 1929) artista de performance francés / French performance artist

08 Sanpei Shirato (白土三平) [Noboru Okamoto (岡本登)] (89, 1932) artista de manga japonés /

Japanese manga artist

08 Rabah Driassa (87, 1934) pintor y cantante argelino / Algerian painter and singer

06 Chackalethu John Yesudasan (83, 1938) caricaturista indio / Indian cartoonist

06 Atta Kwami (65, 1956) pintor, grabador, historiador del arte y curador de Ghana /

Ghanaian painter, printmaker, independent art historian and curator

03 Lars Endel Roger Vilks (75, 1946) artista visual sueco / Swedish visual artist

03 Ivan Leonidovich Lubennikov (Иван Леонидович Лубенников) (70, 1951)

pintor ruso soviético / Russian Soviet painter

03 Lee Brozgol (80, 1941) artista, educador de arte y trabajador social /

American artist, arts educator, and social worker

Septiembre / September

29 Carsten Eggers (64, 1957) escultor y pintor alemán / German sculptor and painter

28 Achille Pace (98, 1923) pintor italiano / Italian painter

27 Ülo Vilimaa (80, 1941) bailarín, coreógrafo y pintor estonio / Estonian dancer, choreographer, and painter

24 Takao Saito (斎藤隆夫) (84, 1936) artista de manga japonés / Japanese manga artist

24 Otacílio Costa d’Assunção Barros "Ota" (67, 1954) caricaturista brasileño / Brazilian cartoonist

24 Gomaa Frahat (جمعة فرحات) (80, 1941) caricaturista político egipcio / Egyptian political cartoonist

24 Robert Mark Altman (76, 1944) fotógrafo estadounidense / American photographer

23 John August Swanson (83, 1938) artista visual estadounidense / American visual artist

22 Colin Jones (85, 1936) fotógrafo, fotoperiodista y bailarín de ballet inglés /

English photographer, photojournalist and ballet dancer

22 Tari Ito (伊藤塔莉) (70, 1951) artista de performance japonesa / Japanese performance artist

18 Anna Chromý (81, 1940) pintora y escultora checa / Czech painter and sculptor

17 Ronald Paris (88, 1933) pintor y artista gráfico alemán / German painter and graphic artist

17 Rafael Consuegra Ferrer (80, 1942) escultor cubano / Cuban sculptor

Rafael Consuegra Ferrer

"Sin título. De la serie 'La violencia en medio de lo banal' /

Untitled. From the series 'Violence in the midst of the banal'", 2018

Museo Nacional de Bellas Artes (La Habana / Havana, Cuba)

Fotos / Photos - Artista / Artist: ADN - Obra / Work: Museo Nacional de Bellas Artes

15 Thomas Ryan (91, 1929) artista, diseñador y medallista irlandés / Irish artist and designer and medallist

13 Charlotte Maria Offlow Johnson Wahl (nac. Fawcett) (79, 1942) pintora británica / British painter

12 Carlo Chendi (88, 1933) caricaturista italiano / Italian cartoonist

08 Fabriciano Gómez (77, 1944) escultor argentino / Argentine sculptor

06 Billy Apple (Barrie Bates) (85, 1935) pintor y escultor neozelandés / New Zealand painter and sculptor

04 Greta Tomlinson (94, 1927) pintora y acuarelista inglesa / English painter and watercolorist

04 Martin Thompson (65, 1956) artista visual neozelandés / New Zealand visual artist

03 Henriette Valium (Patrick Henley) (62, 1959) artista de libros de comic y pintor canadiense /

Canadian comic book artist and painter

03 Yolanda López (78, 1942) pintora, grabadora y productora cinematográfica estadounidense /

American painter, printmaker, and film producer

03 Philip Jamison (96, 1925) acuarelista estadounidense / American watercolorist

03 Janet Doub Erickson (97, 1924) artista gráfico y escritor estadounidense / American graphic artist and writer

Agosto / August

30 Sadashiv Sathe o Bhau Sathe (95, 1926) escultor indio / Indian sculptor

30 Jean-Louis Fiszman, (60-61, 1960) caricaturista y autor de libros de comic francés /

French caricaturist and comic book author

29 Michael John Simon (73, 1947) ceramista estadounidense / American ceramic artist

29 Fran Frisch (73, 1948) caricaturista estadounidense / American cartoonist

25 Jonathan Myles-Lea (52, 1969) pintor británico / British painter

23 Gary Walter Tricker (82, 1938) pintor y grabador neozelandés / New Zealand painter and printmaker

23 Dame Elizabeth Blackadder (89, 1931) pintora y grabadora escocesa / Scottish painter and printmaker

22 Álvaro Blancarte Osuna (84, 1937) pintor, escultor y medallista mexicano /

Mexican painter, sculptor and muralist

19 Charles Thomas "Chuck" Close (81, 1940) pintor fotorrealista estadounidense /

American photorealist painter

18 Kaari Upson (51, 1970) artista estadounidense / American artist

18 Tomiyama Taeko (富山妙子) (99, 1921) artista visual y escritora japonesa / Japanese visual artist and writer

18 Guy du Temple de Rougemont (86, 1935) pintor y escultor francés / French painter and sculptor

18 Franz Josef Georg Clemens Maria Leopold Salvator, Príncipe de Altenburgo (80, 1941)

ceramista y escultor austríaco / Austrian ceramicist and sculptor

17 René Quéré (89, 1932) pintor y ceramista francés / French painter and ceramist

16 Marilynn Lois Webb (83, 1937) grabadora, pastelista y educadora neozelandesa /

New Zealand educator and artist in pastels and printmaking

13 Enzo Facciolo (89, 1931) artista de comic italiano / Italian comic book artist

12 Stanislav Hanzík (90, 1931) escultor checo / Czech sculptor

Stanislav Hanzík

"Rozhovor / Entrevista / Interview", bronce / bronze, 1983

Jardín Voršilská (Praha, Československo [nyní Česká republika] /

Praga, Checoslovaquia [hoy República Checa] / Prague, Czechoslovaquia [now Czech Republic])

Fotos / Photos - Artista / Artist: Wikimedia Commons - Obra / Work: Wikimedia Commons

11 Ernst van de Wetering (83, 1938) historiador del arte neerlandés / Dutch art historian

11 Guy Lalumière (91, 1930) diseñador gráfico y fotógrafo canadiense / Canadian graphic designer and photographer

11 Geneviève Asse (98, 1923) pintora francesa / French painter

08 Alexander Anatolyevich Roitburd (Олександр Анатолійович Ройтбурд) (59, 1961)

pintor y artista de instalaciones ucraniano / Ukrainian painter and installation artist

08 Garry Neill Kennedy (85, 1935) artista conceptual y educador canadiense /

Canadian conceptual artist and educator

07 Hung Liu (劉虹) (73, 1948) artista estadounidense nacida en China / Chinese-born American artist

06 Richard Konvička (64, 1957) pintor checo / Czech painter

03 Đỗ Quang Em (79, 1942) pintor vietnamita / Vietnamese painter

02 Nikolai Nikolayevich Rakhmanov (Николай Николаевич Рахма́нов) (88, 1932) fotógrafo ruso soviético /

Soviet Russian photographer

Julio / July

31 Martin Perscheid (55, 1966) caricaturista alemán / German cartoonist

30 Elaine I. Duillo (93, 1928) pintora e ilustradora estadounidense / American painter and illustrator

28 Ben Wagin (91, 1930) escultor, dibujante, diseñador, artista de performance, autor y compositor alemán /

German sculptor, draughtsman, designer, performance artist, author and composer

28 Theodore Peter Lewin "Ted" Lewin (86, 1935) autor e ilustrador estadounidense / American author and illustrator

28 Nancy Ann Frankel (92, 1929) escultora estadounidense / American sculptor

27 Gérard Zingg (79, 1942) pintor y director de cine francés / French painter and film director

27 Phillip King (87, 1934) escultor británico nacido en el Protectorado Francés de Túnez /

British sculptor born in French Tunisia

27 LeRoy Clarke (82, 1938) artista y poeta de Trinidad y Tobago / Trinidadian artist and poet

26 Louise Fishman (82, 1939) artista abstracta estadounidense / American abstract artist

26 William Clutz (88, 1933) pintor estadounidense / American painter

25 Eddy Posthuma de Boer (90, 1931) fotógrafo y fotoperiodista neerlandés / Dutch photographer and photojournalist

24 Pitaloosie Saila (79, 1942) artista inuk canadiense / Canadian Inuk artist

23 Franz Christian Gundlach (95, 1926) fotógrafo, galerista y coleccionista alemán /

German photographer, gallery owner, and collector

21 Uttam Nepali (Uttam Prasad Karmacharya, उत्तम नेपाली) (84, 1937) artista visual, actor y escritor nepalí /

Nepali visual artist, actor and writer

19 Abel Ramírez Águilar (78, 1943) escultor mexicano / Mexican sculptor

19 Paratene Temokopuorongo Matchitt (88, 1933) escultor y pintor neozelandés / New Zealand painter and sculptor

18 James Earl Reid (78, 1942) escultor estadounidense / American sculptor

17 George Forss (80, 1941) fotógrafo estadounidense / American photographer

16 Danish Siddiqui (38, 1938) fotoperiodista indio / Indian photojournalist

16 Stephen Hickman (72, 1949) ilustrador estadounidense / American illustrator

14 Helen Lieros (80, 1940) arista visual de Zimbabue / Zimbabwean visual artist

14 Christian Liberté Boltanski (76, 1944) escultor, fotógrafo y pintor francés /

French sculptor, photographer and painter

12 Wolfgang Weingart (80, 1941) diseñador gráfico y tipógrafo alemán / German graphic designer and typographer

11 Reynold Dash Ruffins (90, 1930) pintor, ilustrador y diseñador gráfico estadounidense /

American painter, illustrator, and graphic designer

11 Michael Cullimore (84, 1936) acuarelista británico / British watercolour artist

10 Joachim Sauter (61-62, 1959) artista de medios y diseñador alemán / German media artist and designer

10 Mandy Martin (68, 1952) pintora, grabadora y profesora australiana / Australian painter, printmaker and teacher

09 George Rhoads (95, 1926) escultor y pintor estadounidense / American sculptor and painter

06 Walter Libuda (71, 1950) pintor y artista plástico alemán / German painter and plastic artist

Walter Libuda

"Schatten - Wand / Sombra - Pared / Shadow - Wall", Objektkasten / caja de objetos / object box, 200 x 250 x 20 cm., 1998

Fotos / Photos - Artista / Artist: Ludwig Rauch - Obra / Work: Wikimedia Commons

05 Heather Jansch (nac. Heather Rosemary Sewell) (72, 1948) escultora británica / British sculptor

Hoy finalizamos un nuevo año, el décimo de "El Hurgador", marcado, como para todo el mundo, por las extrañas circunstancias que nos han tocado vivir.

Como funcionario en un servicio de salud he vivido muy de cerca lo mejor y lo peor que nos ha dejado la pandemia. Que cada uno decida qué ha sido.

Las publicaciones del blog se han visto reducidas en cantidad, por diversas cuestiones, pero no en calidad. Cualquier seguidor del proyecto habrá podido notar que buena parte del mérito se lo lleva Shirley Rebuffo, quien con sus entrevistas, casi todas a artistas sudamericanos, ha presentado el grueso del material que hemos publicado, sobre todo en la segunda mitad del año.

Como siempre, las expectativas para el próximo año apuntan a mejorar lo hecho hasta ahora. No es seguro que el ritmo de las publicaciones vaya a aumentar, pero en todo caso seguiré adelante en la medida de mis posibilidades, contando con los invalorables aportes y propuestas de Shirley y todos los buenos amigos del blog que siempre están ahí.

Les deseo lo mejor para el año que entra. Con que sea un poco menos raro que los dos que han pasado ya será suficiente.

Saludos y felices fiestas.

Javier Fuentes.

Today we end a new year, the tenth of "El Hurgador", marked, as for everyone else, by the strange circumstances that we have had to live through.

As a civil servant in a health service I have lived very closely the best and the worst that the pandemic has left us. Let each one decide what it has been.

Blog posts have been reduced in quantity, for various reasons, but not in quality. Any follower of the project will have noticed that much of the credit goes to Shirley Rebuffo, who with her interviews, almost all of them with South American artists, has presented the bulk of the material we have published, especially in the second half of the year.

As always, the expectations for next year are to improve on what has been done so far. It is not certain that the pace of publications will increase, but in any case I will continue to move forward to the extent of my possibilities, counting on the invaluable contributions and proposals of Shirley and all the good friends of the blog who are always there.

I wish you all the best for the coming year. As long as it is a little less strange than the two that have passed it will be enough.

Greetings and happy holidays.

Javier Fuentes

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Estos son los artistas que nos han autorizado, directamente o a través de sus representantes, a publicar sobre sus creaciones durante este año /

These are the artists who have authorized us, directly or through their representatives, to publish about their creations during this year.

Yulia Artemyeva (fotografía) Nick Alm (pintura) Hilary Harkness (pintura)

Marcela Ambrois (pintura) Johan Barrios (pintura, dibujo) Edgar Mendoza (pintura)

Oscar Alvariño (escultura) Álvaro Olivera (pintura) Virginie Ropars (escultura, muñecas)

Soledad González del Cerro (pintura) Patrick Akpojotor (pintura) Antonio Segura "Dulk" (pintura)

Darío Fromer (escultura, cerámica) Luis Scotti (serigrafía, mixtas) Ruben Bello (pintura, mixtas)

Andrea Kowch (pintura) Rogelio Osorio (dibujo, fotografía) Daniel Pawlowski (pintura)

Sandra Romani Viñals (pintura) Christina Mrozik (dibujo, pintura) Ivonne Jacob (pintura, mixtas)

Álvaro Amengual (dibujo, pintura) Gemmy Woud-Binnendijk (fotografía) Fabián Mendoza (pintura)

Silvia Della Maddalena (pintura, mixtas) Carolina Antoniadis (pintura) Sebastián Saez (pintura)

Federico Rodríguez (fotografía) Florencia de Palleja (pintura) Maru Samuilov (pintura, ilustración)

José María Pelayo (escultura, pintura) S.C. Suman (pintura mithila) Fernando Suárez Reguera (escultura)

Matías Mischung (escultura) Alejandro Bovo Theiler (textiles, escultura) Indira Castellón (pintura)

Joaquín Lalanne (pintura) Andrés Compagnucci (pintura) Tania Astapenco (escultura)

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Aquí las listas de artistas de los años anteriores / Here the lists of artists for previous years

2012 - 2013 - 2014 - 2015 - 2016 - 2017 - 2018 - 2019 - 2020

Empezamos el año como terminamos el anterior, con una entrevista de Shirley Rebuffo. La escogida en esta oportunidad es la uruguaya Virginia Patrone, creadora de una amplia obra fruto de una intensa actividad creadora desarrollada a lo largo de varias décadas entre Montevideo, Barcelona y Madrid.

El artículo va en dos partes, este primer post con texto en español y el segundo en inglés.

We begin the year as we ended the previous one, with an interview by Shirley Rebuffo. The chosen one this time is the Uruguayan Virginia Patrone, creator of an extensive body of work, the result of an intense creative activity developed over several decades between Montevideo, Barcelona and Madrid.

The article has in two parts, this first post with text in Spanish and the second one in English.

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Virginia Patrone

(Montevideo, Uruguay, 1950-)

Virginia Patrone

Virginia Patrone es una artista con ascendencia italiana y francesa, nacida en Montevideo, Uruguay, el 31 de marzo de 1950. En 2003 se instala en Barcelona, entre 2005 y 2009 vive entre Madrid y Barcelona, y desde 2010 tiene estudio en Barcelona y en Montevideo. Desarrolla su actividad plástica desde 1979.

Virginia trabaja en la intersección de formas expresivas: el teatro, la poesía, la fotografía, el video, que se materializan en dibujos y pinturas. Profunda y totalmente interesada en el pensamiento contemporáneo, Giorgio Agamben, Pascal Quignard, Jean-Luc Nancy o Georges Didi-Huberman son su fuente de inspiración y alimentan su creatividad.

Transitó la infancia en un momento álgido de la cultura montevideana: vivió la juventud bajo dictadura militar en permanente temor y resistencia. Madre joven de cuatro hijos, fue una pintora nocturna.

Ocultó su obra y su pensamiento hasta el regreso de la democracia. Con una larga y profunda trayectoria en la plástica, dejó Montevideo para instalarse en Barcelona.

Tiene estudios superiores de arquitectura, estudios de pintura en un taller montevideano con metodología torresgarciana, de grabado con maestro neoyorquino, y obtuvo una Beca Fullbright gracias a la cual estudió en Nueva York en 1988.

Ha desarrollado una intensa colaboración con artistas de su generación en talleres y proyectos conjuntos, participando en muestras internacionales individuales y colectivas desde 1983 en varios países, galerías y museos: desde el Museo Metropolitano de Tokio al Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo.

"Artificio Lunar / Lunar Artifice", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 200 x 250 cm., 2000

Colección / Collection Engelman-Ost

"Porque ser una mujer es un asunto importante / Because Being a Woman is an Important Matter"

De la serie La Señora Macbeth / From Lady Macbeth Series, 2016

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cómo nace tu inclinación por la pintura? Cuéntanos de ti, cómo empezaste a pintar, tu vinculación con el arte.

Virginia Patrone: La pintura vino conmigo, al menos es de las primeras experiencias de consciencia de ser que tengo. El entorno fue propicio: soy hija única y viví mis primeros diez años en un tercer piso de la calle Buenos Aires, en Ciudad Vieja, centro histórico de Montevideo, mi pensamiento y yo con papeles y acuarelas, música, un gran libro de Leonardo Da Vinci y periódicas proyecciones de cine en la pared de la sala.

"Las sanadoras / The Healers", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 73 x 73 cm., 2010

"Los artificios de Urano / The artifices of Uranus", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 155 x 200 cm., 2011

SR: ¿Cuáles fueron sus referentes?

VP: Leonardo primero, claro. Luego el universo se amplió mucho y estoy segura de que el cine, tan grande y dentro de casa, tuvo gran influencia. Fellini, por ejemplo. Y salir a la calle, ir a museos, la pintura uruguaya, Barradas, Torres-García, los planistas. Los dibujantes de comic uruguayos y argentinos, el descubrimiento del ukiyo-e. Las mujeres: Leonora Carrington, Remedios Varo, Nancy Spero.

Izq./ Left: "¿Qué te parece si hiciera saltar la casa con una bomba de dinamita? /

What If I Blew Up The House With A Dynamite Bomb?"

Der./ Right: "Yo digo la verdad, lo que yo digo es lo justo /

I Tell The Truth, What I Say Is The Right Thing To Do"

Ambas / Both: carboncillo sobre papel Hahnemühle / charcoal on Hahnemühle paper, 65 x 50 cm., 2015

"Caprice des yeux / Capricho de los ojos / Whim of the Eyes"

Acuarela y tintas sobre papel / watercolor and inks on paper

SR: ¿Cómo has encontrado tu lenguaje?

VP: Haciendo, fluyendo, no buscando un lugar adonde llegar sino prestando atención a lo que está adelante y a lo que está adentro. Yendo y viniendo a través del límite de la realidad, buscando del otro lado lo que traer y trabajando para hacerlo visible.

"Traicionada / Betrayed", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 95 x 130 cm., 2010

"La pescadora / The Fisherwoman", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 73 x 73 cm., 2016

SR: Viviendo entre dos hemisferios, ¿cómo es tu ritmo de trabajo?

VP: Misterioso, continuo, permanente. A veces es sólo interior, sólo en el pensamiento; sale sobre papel, sobre tela, o en palabras, cuando es el momento.

SR: ¿Cómo pones el punto final a un proyecto que te lleva tanto esfuerzo y tiempo?

VP: Cuando el propio proyecto me lo dice, cuando no puedo agregar nada más, cuando se cierra y me deja afuera.

SR: ¿Qué significa para ti disfrutar de lo que haces?

VP: Vivir.

"Muñequita de trapo con superlunas / Rag Doll With Supermoons"

acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 130 x 100 cm., 2018

"Jennifer Fox", acrílico sobre papel / acrylic on paper, 30 x 30 cm., 2010

SR: Has transitado por diversas experiencias al respecto de tu manera de trabajar, por eso esta pregunta: ¿Prefieres trabajar sola en alguno de tus talleres, o acompañada de otros colegas en procesos colectivos?

VP: Prefiero trabajar sola la mayor parte del tiempo, pero la colaboración, cuando se da naturalmente, es maravillosa.

"Gigante perdida / Lost Giant"

"Mis siete rosas cortadas / My Seven Cut Roses", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 200 cm., 2001

SR: ¿Es importante para ti, como artista generar tu propio análisis pictórico, textual y reflexivo acerca de acontecimientos sociales? Esta pregunta apunta a tus series donde tus pinturas son un medio de comunicación que evoluciona a través sucesos, a veces muy duros, y llevan un mensaje. Tenemos así Iris, La señora Macbeth y otras. ¿Qué retos conlleva hacer ese tipo de obra?

VP: Es fundamental el análisis y la reflexión desde el lugar y a través del arte para mi. Es una forma de conocimiento que incluye lo intuitivo, lo arquetípico, los mitos, el inconsciente colectivo. Esta forma de trabajar los temas permite comunicar y multiplicar la reflexión, hacer posibles otros caminos para comprender. Yo trabajo con la emoción. Transitar estos temas requiere que atraviese límites psicológicos y emocionales, que me relacione con las imágenes supervivientes que conllevan, sin perderme. La tarea incluye usar distancias de seguridad, de ahí la introducción del formato comic, por ejemplo.

"Vestida por tigres / Dressed by Tigers", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 130 cm., 2015

"Los lunáticos / The Lunatics"

SR: ¿Qué criterios seguiste para seleccionar a las mujeres que aparecen en esas series donde lees la realidad?

VP: Simplemente tomé las que se me presentaron, las que vinieron.

SR: ¿Cuál ha sido tu batalla imposible?

VP: Siempre lo más difícil de lograr es entender, realmente, profundamente. Iris dedicó su vida a entender y su estela sigue intentando hacer entender, la Señora Macbeth también. El porqué del paso al acto, porqué poner en la realidad aquello que genera destrucción, arrepentimiento. Qué es el libre albedrío, cuál es el límite, qué es lo normal, qué es la locura. El lugar de la mujer en sociedades tan distantes como la shakespeariana o la del Montevideo de los años treinta, la de hoy, marca particularmente estos relatos, sean realidad o ficción.

"No confíes en mí / Don't Trust Me", tinta sobre papel / ink on paper, 34 x 53,5 cm., 2016

"Las hijas del volcán / The Daughters of The Volcano"

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 250 x 200 cm., 2008

SR: Canalizas de forma intensa tus sentimientos en las obras. ¿Te resulta catártico crear?

VP: Es posible. Sin duda es una forma de sanación, aunque es muy fuerte la parte que podríamos llamar profesional, el método, el trabajo. En casos como los anteriores tengo que relacionarme con emociones y sentimientos que no son parte de mi experiencia, tengo que actuar, relacionarme con estos fantasmas.

SR: Relación entre el amor y la pintura. ¿Ha influido el amor o el desamor al momento de pintar?

VP: Inevitablemente.

"Temer y confiar / Fear And Trust", acuarela y tintas sobre papel / watercolors and ink on paper, 28 x 21 cm., 2018

Izq./ Left: "De chico fue un onanista empecinado / As a child, he was a stubborn onanist"

Carboncillo sobre papel Hahnemühle / charcoal on Hahnemühle paper, 65 x 50 cm., 2015

Der./ Right: "Esa colombina puso en sus ojeras humo de la hoguera de su corazón /

That Columbine put smoke from the bonfire of her heart into her eyes"

Carré negro con aguada de cola vinílica sobre papel Hahnemühle Bamboo 265 g /

black carré with vinyl glue gouache on Hahnemühle Bamboo paper 265 g, 65 x 50 cm., 2018

SR: ¿Qué es lo que más te gusta o estimula de tu trabajo como docente?

VP: La relación con el otro, percibir qué quiere lograr y ayudarle a conseguirlo.

"¡Salve, Banquo, cuyos hijos serán reyes! / Hail, Banquo, whose sons shalt be kings!"

De las serie "La señora Macbeth" / From Lady Macbeth Series

"Los perfectos / The Perfect Ones", acrílico sobre papel / acrylic on paper, 11,8" x 11,8", 2009

SR: ¿Podrías contarnos acerca de algún proyecto artístico y cultural que tengas planeado a futuro?

VP: Tengo un proyecto inmediato, en vías de concreción: "Los Fantasmas de Venus". Es un libro de poesía y acuarelas, cosas que vine escribiendo o pintando en los últimos años. Estoy ahora mismo trabajando en un proyecto del cual no diré nada, por ahora. El proyecto futuro que espera su momento es Xirgu, combinando plástica y teatro, Montevideo y Barcelona, mujeres de dos ciudades, dos lenguas.

"Quelques Ténèbres / Algo de oscuridad / Some Darkness"

Acuarela y tintas sobre papel / watercolor and inks on paper, 28 x 21 cm., 2018

SR: ¿Tienes alguna anécdota que quieras compartir con nosotros?

VP: Teniendo apenas unos días para presentar un proyecto que es muy importante para mi, hay una alarma de urgencia que bloquea toda gracia coloquial. Pido a mi memoria y no quiere darme nada. Quedo en deuda en esta parte.

"Hierro, oro, uranio, plomo / Iron, Gold, Uranium, Lead"

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 200 cm., 2009

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Sobre los artistas mencionados:

Leonardo Da Vinci: [Todos los enlaces / All links]

Rafael Barradas: [Uruguayos (III)], [Recolección (CXLVI-1)]

Joaquín Torres-García:

[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)], [Arte perdido (X)], [Hermenegildo Sábat (Caricatura, Pintura)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]

Leonora Carrington:

[Héctor Pineda (Arte Digital)], [Recolección (LIII)], [Recolección (XCVI)], [Aniversarios Fotografía (CCXXXII)], [Recolección (CXLI-2)]

Remedios Varo: [Mujeres al pincel (XVII)], [Aniversarios Fotografía (CCXXXII)]

Nancy Spero: Wikipedia

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Más sobre / More about Virginia Patrone:

facebook, Blog, Blog (obra reciente / recent work), Wikipedia, Saatchi

Ir a la Parte 2 / Go to Part 2

¡Muchas gracias por la entrevista, Virginia!

Thanks a lot for this interview, Virginia!

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Empezamos el año como terminamos el anterior, con una entrevista de Shirley Rebuffo. La escogida en esta oportunidad es la uruguaya Virginia Patrone, creadora de una extensa obra fruto de una intensa actividad creadora desarrollada a lo largo de varias décadas entre Montevideo, Barcelona y Madrid.

El artículo va en dos partes, el primer post con texto en español y este segundo en inglés.

The article has in two parts, the first post with text in Spanish and this second one in English.

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Virginia Patrone

(Montevideo, Uruguay, 1950-)

Virginia Patrone. Foto / Photo: Valentina Barreto

Virginia Patrone is an artist of Italian and French descent, born in Montevideo, Uruguay, on March 31, 1950. In 2003 she settled in Barcelona, between 2005 and 2009 she lived between Madrid and Barcelona, and since 2010 she has had a studio in Barcelona and Montevideo. She has been working as an artist since 1979.

Virginia works at the crossroads of expressive forms: theater, poetry, photography, video, which materialize in drawings and paintings. Deeply and totally interested in contemporary thought, Giorgio Agamben, Pascal Quignard, Jean-Luc Nancy or Georges Didi-Huberman are her source of inspiration and feed her creativity.

She spent her childhood at a high point of Montevideo's culture: she lived her youth under military dictatorship in permanent fear and resistance. A young mother of four children, she was a night painter.

She hid her work and her thoughts until the return of democracy. With a long and deep trajectory in the plastic arts, she left Montevideo to settle in Barcelona.

She has higher studies in architecture, painting studies in a Montevidean workshop with Torres-Garcia's methodology, engraving studies with a New York master, and obtained a Fullbright Scholarship thanks to which she studied in New York in 1988.

She has developed an intense collaboration with artists of her generation in workshops and joint projects, participating in international solo and group exhibitions since 1983 in various countries, galleries and museums: from the Metropolitan Museum in Tokyo, to the National Museum of Visual Arts in Montevideo.

"Retrato de una poeta herida / Portrait of a Wounded Poet"

Óleo sobre tela / oil on canvas, 73 x 73 cm., 2010

"El descubrimiento / The Discovery", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 180 x 150 cm., 2005

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: How did your inclination for painting begin? Tell us about yourself, how you started painting, your connection with art.

Virginia Patrone: Painting came with me, at least it is one of the first experiences of consciousness of being that I have. The environment was propitious: I am an only child and I lived my first ten years in a third floor apartment on Buenos Aires Street, in Ciudad Vieja, Montevideo's historic center, my thoughts and I with papers and watercolors, music, a big book by Leonardo Da Vinci, and periodic film projections on the wall of the living room.

La danzarina ausente / The Absent Dancer", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 148 x 107 cm., 2011

Colección / Collection Carolina Oehler

Izq./ Left: "Yo habría sido muy enamoradiza, yo me conozco /

I would have been too much in love, I know myself"

Carboncillo sobre papel Hahnemühle / charcoal on Hahnemühle paper, 65 x 50 cm., 2015

Der./ Right: "Su boca que reía yo no pude matar / His laughing mouth I could not kill"

Carré negro con aguada de cola vinílica sobre papel Hahnemühle Bamboo 265 g /

black carré with vinyl glue gouache on Hahnemühle Bamboo paper 265 g, 40 x 30 cm., 2018

SR: Who were your references?

VP: Leonardo first, of course. Then the universe expanded a lot and I'm sure that cinema, so big and indoors, had a great influence. Fellini, for example. And going out in the street, going to museums, Uruguayan painting, Barradas, Torres-García, the Planists. Uruguayan and Argentinean comic artists, the discovery of ukiyo-e. Women: Leonora Carrington, Remedios Varo, Nancy Spero.

"Búho / Owl", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 157 x 99 cm., 2012

"Mujer dragón entre dos mundos / Dragon Woman Between Two Worlds"

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 97 x 130 cm., 2010

SR: How did you find your language?

VP: By doing, by flowing, not looking for a place to arrive but paying attention to what is ahead and what is inside. Going back and forth across the boundary of reality, looking on the other side for what to bring and working to make it visible.

"Vendrá un tiempo de crímenes felices / There will come a time of happy crimes"

De las serie "La Señora Macbeth" / From Lady Macbeth Series

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 148 x 108 cm., 2013

Colección / Collection Engelman-Ost

"La mujer tatuada / The Tattooed Woman", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 135 x 185 cm., 2010

SR: Living between two hemispheres, what is your work rhythm like?

VP: Mysterious, continuous, permanent. Sometimes it's only interior, only in thought; it comes out on paper, on canvas, or in words, when the time is right.

SR: How do you put an end to a project that takes so much effort and time?

VP: When the project itself tells me so, when I can't add anything more, when it closes and leaves me out.

SR: What does it mean to you to enjoy what you do?

VP: To live.

"Un día, sin hablar / One Day, Without Speaking"

Acuarela y tintas sobre papel / watercolor and inks on paper, 29,7 x 21 cm., 2018

"Tigre, tigre / Tiger, Tiger"

SR: You have gone through different experiences regarding your way of working, that's why this question: Do you prefer to work alone in any of your workshops, or with other colleagues in collective processes?

VP: I prefer to work alone most of the time, but collaboration, when it happens naturally, is wonderful.

Izq./ Left: "Se le hizo saber desde el principio que no saldrá nunca de aquí /

It was made known to her from the beginning that she will never leave here"

Carboncillo sobre papel Hahnemühle / charcoal on Hahnemühle paper, 65 x 50 cm., 2015

Der./ Right: "Chanquete / Transparent Goby"

Carboncillo y acuarela sobre papel / charcoal and watercolor on paper, 67 x 50 cm., 2008

Colección / Collection Engelman-Ost

"Tango y Pan con abisales / Tango and Pan With Abyssal"

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 130 x 100 cm., 2018

SR: Is it important for you as an artist to generate your own pictorial, textual and reflective analysis of social events? This question points to your series where your paintings are a means of communication that evolves through events, sometimes very harsh, and carry a message. So we have Iris, Lady Macbeth and others. What are the challenges involved in doing that kind of work?

VP: For me, analysis and reflection from the place and through art is fundamental. It is a form of knowledge that includes the intuitive, the archetypal, the myths, the collective unconscious. This way of working the themes allows to communicate and multiply the reflection, to make possible other ways to understand. I work with emotion. Traversing these themes requires me to cross psychological and emotional boundaries, to relate to the surviving images they carry, without getting lost. The task includes using safety distances, hence the introduction of the comic format, for example.

"Pintalabios y muñeca / Rouge & Doll", acrílico sobre papel / acrylic on paper, 30 x 30 cm., 2010

"El sueño difícil / The Difficult Dream", acrílico / acrylic, 70 x 100 cm., 2005

SR: What criteria did you follow to select the women who appear in these series where you read reality?

VP: I simply took the ones that presented themselves to me, the ones that came.

SR: What has been your impossible battle?

VP: Always the hardest thing to achieve is to understand, really, deeply. Iris dedicated her life to understanding and her wake is still trying to make us understand, Lady Macbeth too. The why of the passage to the act, why to put in reality that which generates destruction, repentance. What is free will, what is the limit, what is normal, what is madness. The place of women in societies as distant as Shakespeare's or Montevideo's in the thirties and today's, particularly marks these stories, be they reality or fiction.

"Kitsune", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 97 x 130 cm., 2010

"El jardín de la milonga / The Milonga Garden", acrílico / acrylic, 155 x 200 cm., 2003

SR: You channel your feelings intensely in your works. Do you find it cathartic to create?

VP: It is possible. Undoubtedly it is a form of healing, although the part that we could call professional, the method, the work, is very strong. In cases like the above I have to relate to emotions and feelings that are not part of my experience, I have to act, relate to these ghosts.

SR: Regarding the relationship between love and painting: has love or lack of love influenced your painting?

VP: Inevitably.

"Árboles genealógicos / Family Trees", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 97 x 130 cm., 2010

"El halcón de Freud / Freud's Falcon"

Acrílico sobre papel / acrylic on paper, 30 x 30 cm., 2011

SR: What do you like most or what stimulates you most about your work as a teacher?

VP: The relationship with others, perceiving what they want to achieve and helping them to achieve it.

"Tarea del crepúsculo: coronarse de tinieblas / Twilight Task: Crowning of Darkness"

Acuarela y tintas sobre papel / watercolor and inks on paper, 28 x 21 cm., 2018

"Manía II / Mania II", acrílico sobre papel / acrylic on paper, 50 x 70 cm., 2004

SR: Could you tell us about any artistic and cultural project you have planned for the future?

VP: I have an immediate project in the works: "Los Fantasmas de Venus" (The Ghosts of Venus). It is a book of poetry and watercolors, things I have been writing or painting in the last few years. Right now I am working on a project of which I will not say anything, for now. The future project that awaits its moment is Xirgu, combining plastic and theater, Montevideo and Barcelona, women from two cities, two languages.

"Muñequitas de arrabal / Suburbian Little Dolls", acrílico / acrylic, 100 x 100 cm., 2003

SR: Do you have any anecdotes you would like to share with us?

VP: Having just a few days to present a project that is very important to me, there is an urgent alarm that blocks all colloquial grace. I ask my memory and it doesn't want to give me anything. I remain in debt on this part.

"Qué has hecho de mi pobre corazón / What Have You Done to my Poor Heart"

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 130 cm., 2018

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About mentioned artists:

Leonardo Da Vinci: [Todos los enlaces / All links]

Rafael Barradas: [Uruguayos (III)], [Recolección (CXLVI-1)]

Joaquín Torres-García:

[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)], [Arte perdido (X)], [Hermenegildo Sábat (Caricatura, Pintura)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]

Leonora Carrington:

[Héctor Pineda (Arte Digital)], [Recolección (LIII)], [Recolección (XCVI)], [Aniversarios Fotografía (CCXXXII)], [Recolección (CXLI-2)]

Remedios Varo: [Mujeres al pincel (XVII)], [Aniversarios Fotografía (CCXXXII)]

Nancy Spero: Wikipedia

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Más sobre / More about Virginia Patrone:

facebook, Blog, Blog (obra reciente / recent work), Wikipedia, Saatchi

Ir a la Parte 1 / Go to Part 1

¡Muchas gracias por la entrevista, Virginia!

Thanks a lot for the interview, Virginia!

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Nuevo post con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado paralelismos siempre interesantes en el mundo del arte.

Segunda parte de una miniserie dedicada a la visión cinematográfica de la pintura. Infinidad de directores han representado obras pictóricas a través de imágenes en movimiento, y en otros casos, de forma más o menos deliberada, esta maravillosa intersección de las artes ha dado lugar a significativas analogías visuales. Aquí les dejo algunos ejemplos.

New post with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in always interesting parallels in the art world.

Second part of a mini-series dedicated to the cinematographic vision of painting. Countless directors have represented pictorial works through moving images, and in other cases, more or less deliberately, this wonderful intersection of the arts has given rise to significant visual analogies. Here you have some examples.

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Sandro Botticelli

(Firenze / Florencia, Italia / Florence, Italy, 1445 - 1510)

"Nascita di Venere / El nacimiento de Venus / The Birth of Venus"

Témpera sobre panel / tempera on panel, 278,5 x 172,5 cm., 1483-85.

Galería Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy)

Sandro Botticelli en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"Las aventuras del Barón Muchausen / The Adventures of Baron Munchausen"

Terry Gilliam, 1988. Filmaffinity, Imdb

Terry Gilliam en "El Hurgador" / in this blog: [Allan Amato (Fotografía)]

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John C. Kacere

(Walker, Iowa, EE.UU./ IA, USA, 1920 - Cedar Rapids, 1999)

John C. Kacere fue un artista estadounidense, nacido en una familia libanesa de Iowa en 1920.

Obtuvo su licenciatura y su máster en la Universidad de Iowa en 1949 y 1950 respectivamente. Inicialmente expresionista abstracto, Kacere adoptó un estilo fotorrealista en 1963.

En 1969 pintó su primer cuadro fotorrealista con la sección media inferior de una mujer vestida con lencería. Era más de tres veces el tamaño natural. En 1978 uno de sus cuadros se utilizó como portada del primer álbum del músico Jorge Santana (el hermano menor del famoso Carlos Santana). Kacere continuó con este tipo de pintura durante el resto de su carrera, convirtiéndola en un icono del movimiento fotorrealista. A principios de la década de 1980 se alejó de este tema e incluyó el cuerpo entero de una mujer en lencería, pero volvió a su sección media original del cuerpo femenino en 1988. Los cuadros de Kacere son figurativos, pero pueden considerarse naturaleza muerta o incluso paisajes.

Murió en 1999.

Wikipedia (English)

"Jutta", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 x 78,5 cm., 1973

John C. Kacere was an American artist, born to a Lebanese-American family in Iowa in 1920.
He earned his B.F.A. and his M.F.A. from the University of Iowa in 1949 and 1950 respectively. Originally an abstract expressionist, Kacere adopted a photorealist style in 1963.
Kacere painted his first photorealist painting in 1969 involving the midsection of a woman dressed in lingerie. It was over three times life size. In 1978 one of his paintings was used as the cover of musician Jorge Santana's first album (Jorge Santana is the younger brother of famous Carlos Santana). Kacere continued this type of painting throughout the rest of his career, making it an icon of the photorealism movement. In the early 1980s, Kacere branched away from this theme and included the entire body of a woman in lingerie, but returned to his original midsection of the female body in 1988. Kacere's paintings are figurative but can be considered still lifes or even landscapes.
He died in 1999.
Wikipedia

"Lost in Translation", Sofia Coppola, 2003. Filmaffinity, Imdb

Sofia Coppola en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CLXXI)], [Asonancias (XL)]

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Jean-Auguste-Dominique Ingres

(Montauban, Francia / France, 1780 - París, 1867)

"La petite baigneuse. Intérieur de harem / La pequeña bañista. Interior de un harén /

Small Bather. Interior of a Harem", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35 x 27 cm., 1828

Musée du Louvre (París, Francia / France)

Jean-Auguste-Dominique Ingres en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"Pasión / Godard's Passion", Jean-Luc Godard, 1982. Filmaffinity, Imdb

Jean-Luc Godard en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CLXXXVII)]

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Jean-Hippolyte Flandrin

(Lyon, Francia / France, 1809 - Roma, Italia / Rome, Italy, 1864)

"Joven desnudo sentado junto al mar. Estudio de figura /

Nude Youth Sitting by the Sea. Figure Study", 98 x 124 cm., 1836

Museo del Louvre (París, Francia / France)

Jean-Hippolyte Flandrin en "El Hurgador" / in this blog:

[Recolección (III)], [Asonancias (IV)], [Aniversarios (CCXIX)], [Recolección (CXXXIII-2)]

"Pozos de ambición / There Will Be Blood", Paul Thomas Anderson, 2007. Filmaffinity, Imdb

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Maria Kreyn

Мария Крейн

(Россия / Rusia / Russia, 1987-)

en EE.UU./ at USA

Maria Kreyn es una artista nacida en Rusia, formada en la Universidad de Chicago (en matemáticas y filosofía), y autodidacta en pintura. Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías de Estados Unidos y Europa, y ha viajado a múltiples museos de China. El cuadro "Alone Together" de María encabezó la trama del programa The Catch de la cadena ABC. Sus obras públicas incluyen una colección de 8 cuadros basados en Shakespeare, encargados por Andrew Lloyd Webber, que ahora se exponen de forma permanente en el vestíbulo del histórico Theater Royal Drury Lane de Londres, abierto al público diariamente.

"Alone Together", óleo sobre lino / oil on linen, 69,9 × 124,5 cm., 2012. Artsy

Maria Kreyn is a Russian born artist, educated at the University of Chicago (in math and philosophy), and self-taught in painting. Her work has been exhibited in numerous galleries in the United States and Europe, and has traveled to multiple museums in China. Maria’s painting Alone Together led the plot of ABC’s The Catch. Her public works feature a collection of 8 paintings based on Shakespeare, commissioned by Andrew Lloyd Webber, now on permanent display in the lobby of London’s historic Theater Royal Drury Lane, open to the public daily.

"La vie d'Adele / La vida de Adèle / Blue Is the Warmest Colour", Abdellatif Kechiche, 2013. Filmaffinity, Imdb

Más sobre / More about Maria Kreyn: Website, Instagram

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Paul Gustave Doré

(Estrasburgo, Francia / Strasbourg, France, 1832 - París, 1883)

Héliodore Joseph Pisan

(Marsella, Francia / Marseille, France, 1822 - París, 1890)

"Newgate - Patio de ejercicios / Exercise Yard"

De "Londres: Una peregrinación", escrito por William Blanchard Jerrold (1826-84), grabados de Heliodore Joseph Pisan (1822-90), publicado en 1872

from 'London, a Pilgrimage', written by William Blanchard Jerrold (1826-84) & engraved by Heliodore Joseph Pisan (1822-90) pub. 1872

Grabado / engraving. Fine Art America

Wikimedia Commons

Gustave Doré en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (LIV)], [Recolección (LXX)]

Vincent Willem Van Gogh

(Zundert, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1853 -

Auvers-sur-Oise, Francia / France, 1890)

"Prisioneros haciendo ejercicio, también conocido como La ronda de los presos (según Doré) /

Prisoners Exercising, aka Prisoners' Round (After Gustave Doré)"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 64 cm., 1890.

Museo Pushkin (Москва́, Россия [CCCP] / Moscú, Rusia [URSS] / Moscow, Russia [USSR])

Wikimedia Commons

"La naranja mecánica / A Clockwork Orange", Stanley Kubrick, 1971. Filmaffinity, Imdb

Stanley Kubrick en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CLXXXVIII)], [Aniversarios (CCXCI)]

Vincent Van Gogh

"Le Café De Nuit / El café de noche / Night Cafe"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72,4 x 92,1 cm., Arles, Sept.1888

Yale University Art Gallery (New Haven, Connecticut, EE.UU./ CT, USA)

"El loco de pelo rojo (Sed de vivir) / Lust For Life", Vincente Minnelli, 1956. Filmaffinity, Imdb

Vincent Van Gogh

"Trigal con cuervos / Wheat Field With Crows", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,2 x 103 cm., 1890

Van Gogh Museum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands). Wikipedia (English)

"Sueños / Dreams", Akira Kurosawa, 1990. Filmaffinity, Imdb

Vincent Van Gogh

"Pont de Langlois / El puente de Longloise en Arles / The Longloise Bridge at Arles"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 54 x 65 cm., 1888

Kröller-Müller Museum (Otterlo, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"Sueños / Dreams", Akira Kurosawa, 1990. Filmaffinity, Imdb

Van Gogh en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

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Pieter Bruegel (Brueghel) el Viejo / The Elder

(Breda o / or Breugel [hoy Países Bajos / modern-day Netherlands], c.1525-30 /

Bruselas, Ducado de Brabante, Países Bajos de los Habsburgo /

Brussels, Duchy of Brabant, Habsburg Netherlands, 1569)

"Cristo llevando la cruz (La Procesión al Calvario) /

Christ carrying the Cross (The Procession to Cavalry)"

Óleo sobre panel / oil on panel, 124 x 170 cm., 1564.

Kunsthistorisches Museum (Wien / Viena / Vienna, Austria). Wikimedia Commons

Pieter Bruegel el Viejo en "El Hurgador" / the Elder in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"Młyn i krzyż / El molino y la cruz / The Mill and the Cross"

Lech Majewski, 2011. Filmaffinity, Imdb

Pieter Bruegel (Brueghel) el Viejo / the Elder

"La Torre de Babel / The Tower of Babel"

Óleo sobre tabla / oil on wood, 59,9 x 74,6 cm., c.1563-65.

Museum Boijmans Van Beuningen (Rotterdam, Nederland / Róterdam, Países Bajos / Netherlands)

"Metropolis", Fritz Lang, 1927. Filmaffinity, Imdb. Akg

Fritz Lang en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CCLIV)]

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Rembrandt Harmenszoon van Rijn

(Leiden, Republiek der Zeven Verenigde Nederlanden /

Provincias Unidas de los Países Bajos / Dutch Republic, 1606 -

Ámsterdam, 1669)

"Anatomische les van / La lección de anatomía del / The Anatomy Lesson of Dr. Nicolaes Tulp"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 169,5 × 216,5 cm., 1632

Koninklijk Kabinet van Schilderijen Mauritshuis

(Den Haag, Nederland / La Haya, Países Bajos / The Hague, Netherlands)

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"Corazones cicatrizados / Scarred Hearts", Radu Jude, 2016. Filmaffinity, Imdb

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Marc Zakharovich (Moishe Khatskelevich) Chagall

Мойше Сегал (Мовшa Хацкелевич) Шагалов

Марк Заха́рович (Моисе́й Ха́цкелевич) Шага́л

(Лёзна, каля Віцебска, Расійская імперыя [цяпер Беларусь] /

Liozna, cerca de Vitebsk, Imperio Ruso [hoy Bielorrusia] /

Liozna, near Vitebsk, Russian Empire [now Belarus], 1887 -

Saint-Paul de Vence, Francia / France, 1985)

"Sobre la ciudad / Over the Town", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 141×197 cm., 1918

Государственная Третьяковская галерея / Galería Estatal Tretyakov

(Москва́, Россия [CCCP] / Moscú, Rusia [URSS] / Moscow, Russia [USSR]). MarcChagall.net

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"Bestia Sexy / Sexy Beast", Jonathan Glazer, 2000. Filmaffinity, Imdb

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Todos los posts de la serie "Asonancias" aquí / All posts in Assonances Series here

Gracias a esta nueva entrevista de Shirley Rebuffo, nos aproximamos a la figuración geométrica del argentino Luis Alberto Plaquin. Como es habitual, una representativa selección de obras y las palabras del artista.

Thanks to this new interview by Shirley Rebuffo, we approach the geometric figuration of Argentinean Luis Alberto Plaquin. As usual, a representative selection of works and the artist's words.

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Luis Alberto Plaquin

(Resistencia, Chaco, Argentina, 1950-)

Luis Alberto Plaquin en el Museo de Arte Contemporáneo Sur /

at the South Contemporary Art Museum, Lanún, Buenos Aires, 2017

Luis Alberto Plaquin es un artista argentino nacido en Resistencia, Chaco, el 15 de noviembre de 1950. Actualmente vive en Ezeiza, Buenos Aires.

En 1996 inició su segunda profesión como pintor y fileteador (*) autodidacta, con una dedicación de varios años. Ha participado en exposiciones a partir de 1998, habiéndose ganado un espacio en las artes. Abandonó el fileteado porteño por una abstracción geométrica con la misma maestría y el bagaje de su experiencia previa.

"Area Plegada III / Folded Area III", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 90 x 130 cm., 2016

"Plegado / Folded", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 80 cm., 2021

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Cuéntame de ti, cómo has empezado a pintar. Tu vinculación con el arte ha sido a través de tu dedicación, durante años, al fileteado porteño.

Luis Alberto Plaquin: Nací en una provincia del norte de la Argentina. Cuando tenía 11 años, junto con mi familia nos trasladamos a Buenos Aires. Allí terminé la primaria y secundaria.

Desde siempre me gustó dibujar. En la escuela, con unos 12 años, cursando sexto grado en una institución sanmartiniana del municipio, invitaron a las escuelas del distrito a formar grupos de alumnos para elaborar un trabajo de investigación sobre el Gral. San Martín. El trabajo debía presentarse en una carpeta, con textos e ilustraciones. Fui elegido para la ejecución de los dibujos. Mi escuela fue una de las premiadas, cada uno de los chicos recibimos un libro biográfico sobre el General.

Más adelante, apenas cumplidos los 15 años, un comerciante del barrio me consultó si me animaba a escribir con tizas en una chapa el anuncio de su mudanza a otro local, le propuse pintarlo, cosa que aceptó. Llevé la chapa a mi casa y, como al tercer o cuarto día, aparecí con el cartel.

Le había pintado a color un personaje muy conocido de las revistas de humor de aquél entonces, Patoruzú. Las letras pretendían ser de molde. Debió haber quedado bastante bien, porque a partir de allí, otros comerciantes me encargaron hacerles algún tipo de trabajo con letras pintadas. A partir de entonces, comencé a prestar atención a cómo pintaban los verdaderos letristas en todo tipo de soportes: carteles, vidrieras, paredes, vehículos y otros.

Pasados muchos años, en una librería artística, hallé un libro sobre los grandes maestros fileteadores de Buenos Aires. Lo compré y comencé a practicar con el filete porteño. Rápidamente aprendí la mayoría de sus secretos y lo fui aplicando en combinación con el trabajo letrístico y de ilustración. Me dediqué al oficio 51 años y, casi siempre, fue mi segunda ocupación. Estuve empleado unos años en una repartición del Estado, luego por más de 20 años, en una empresa privada.

Aprendí mucho y debí de ser bueno, ya que hice dos muestras individuales con filete porteño. La primera en la Casa de Cultura de la Municipalidad de Esteban Echeverría sita en la Ciudad de Monte Grande. La segunda en la Cámara de Diputados de la Provincia de Buenos Aires, en La Plata. Una muestra grupal "Primer Encuentro de Fileteadores" en el cine El Plata, en Ciudad de Buenos Aires.

"Pliegues / Folds", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 100 cm., 2021

"Plegados / Folded", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 100 cm., 2021

SR: Ahora estás realizando figuración geométrica con la obvia destreza y el manejo hábil que te ha aportado la otra técnica.

LAP: Mis incursiones con la que se dice pintura de caballete, dieron comienzo alrededor del año 1998.

Siempre me gustaron los diseños de los pueblos originarios del noroeste de la Argentina. Inspirado en la iconografía empleada por ellos, inicié mis primeros cuadros que tenían mucho de geometría.

Empleaba una técnica que nunca vi hacerlas a otros (aunque no creo haberla descubierto). Consistía en dibujar en la tela y darles el color correspondiente a cada forma y fondos. Luego, con otros tonos, tratar de imitar la trama de telas con rayitas muy cortas. Este tipo de obra la realicé hasta el 2011. A partir de ese año estoy haciendo la pintura que hoy me ocupa.

Siempre pinto sobre tela utilizando pinturas acrílicas; hago la salvedad de que no empleo cinta de enmascarar. La destreza adquirida con los pinceles para pintar letras a lo largo de tanto tiempo me exime de usarla.

Mi labor pictórica se basa en la idea de experimentar con formas que tiendan a generar sorpresa en el observador. Tratando de provocar cierta alteración de la percepción y la visión.

Me considero riguroso en la elaboración de las construcciones. Encaro cada obra con meticulosidad y entusiasmo. Tengo como objetivo crear ilusiones de tres dimensiones en el plano bidimensional, utilizando formas simples: triángulos, rectángulos, cuadrados.

Aunque no tengo formación académica, he sido siempre buen lector y muy curioso. Me interesan distintos temas de arte, sin haber profundizado en las distintas ramas de la disciplina ni seguir los pasos de algún pintor determinado, temas de historia, haiku.

"Rombo I / Romb I", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 60 x 60 cm., 2021

"Encuentro / Meeting", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 60 x 60 cm., 2021

SR: ¿Qué significa para ti disfrutar de lo que haces?

LAP: Disfruto plenamente el acto mismo del proceso de creación de la misma pintura, tal vez más que el estar viendo el cuadro finalizado. Tengo como escenario ideal para pintar una mesa, un caballete y un equipo de música.

"Encuentro III / Meeting III", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 60 x 60 cm., 2021

"Sin título / Untitled", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 40 x 40 cm., 2010

SR: También escribes haikus, una forma poética de ritmo agradable. ¿Puedes referirte a esto? Ese tipo de poesía de 5, 7 y 5 sílabas sin rima transmite la impresión que ha causado la contemplación de algo. Cuando veo tus diseños simétricos, me llevan exactamente a lo mismo: las líneas pueden no tener relación entre sí, pero ésta se percibe en la contemplación del conjunto.

LAP: Mi contacto con el haiku fue en forma casual. Un día descubrí por internet un portal (Paseos.net). Es un sitio donde interactúan personas de muchos lugares del mundo. La lectura de muchos haikus y la búsqueda de materiales que me fueron instruyendo, hicieron que en poco tiempo me convirtiera en entusiasta de esta poesía breve.

De puro audaz, envié algunas al sitio; allí todos participan leyendo y comentando los aciertos y errores. Esto sucedió en el 2012. Un par de años más tarde, tuve la suerte de ser uno de los ganadores de un concurso internacional que se realizó en Cuba. Figuro en un par de antologías. De vez en cuando me da por escribir alguno.

"Danza Geomètrica / Geometric Dance", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 60 x 60 cm., 2020

"Plegeomet 2", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 60 cm., 2020

SR: Realizar estas formas rectas es un cambio de formato con respecto al fileteado porteño que está lleno de firuletes y flores. ¿Cómo fue ese cambio?

LAP: Ya no me dedico más al fileteado porteño, pero éste, junto con la abstracción geométrica, coexistieron en mi trabajo. Comencé alrededor de 1995 con el filete, y, con la pintura, utilizando parte de iconografía de los pueblos originarios, hacia el 2002. Más adelante surgieron las pinturas de borde duro.

Algunos de los letristas también fueron, y son, fileteadores, en mayor o menor medida. Letras y filetes forman parte en ciertas ocasiones de un cartel. A veces pintaba un cuadro con filetes, lo terminaba y enseguida comenzaba otro con una temática diferente.

Dejé el oficio de letrista y fileteador de forma definitiva en 2016, a la par de mi jubilación por mis aportes en empresas donde trabajé.

"Plegeomet 1", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 70 x 60 2020

"Sin título / Untitled", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 90 cm., 2003

SR: ¿Cómo continuará tu vida en el mundo del arte?

LAP: Mi vida en el arte seguirá con la creación permanente, toda vez que tenga deseos de pintar. No me impongo obligaciones en esta ocupación. Luego, si alguien llegase a observar mis obras y resultasen de su agrado, me sentiría muy contento.

"Plegeomet 6", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 100 cm., 2020

(*) El fileteado es un tipo de dibujo y letra artística, con líneas estilizadas y plantas floridas y trepadoras, típicamente utilizado en Buenos Aires, Argentina. Se utiliza para adornar todo tipo de objetos queridos: carteles, taxis, camiones e incluso los antiguos "colectivos", los autobuses de Buenos Aires.

Los filetes suelen estar llenos de adornos de colores y simetrías que se completan con frases poéticas, refranes y aforismos, tanto humorísticos como pícaros, emotivos o filosóficos. Forman parte de la cultura de los porteños desde principios del siglo XX.

Las filetes nacieron como simples adornos, convirtiéndose en una forma de arte emblemática para la ciudad. Muchos de sus iniciadores fueron inmigrantes europeos, que llevaron de Europa algunos elementos de lo que luego fue el fileteado, que se convirtió en la forma de arte distintiva argentina que se conoce hoy en día al mezclarse con los estilos de arte tradicionales locales. El fileteado fue reconocido como un arte único a partir de 1970, cuando se expuso por primera vez.

Luis Alberto Plaquin en la Universidad de Belgrano / at the Belgrano University, 2015

Luis Alberto Plaquin is an Argentine artist born in Resistencia, Chaco, on November 15, 1950. He currently lives in Ezeiza, Buenos Aires.

In 1996 he began his second profession as a self-taught painter and fileteado artist (*), with a dedication of several years. He has participated in exhibitions since 1998, having earned a space in the arts. He abandoned the fileteado porteño for a geometric abstraction with the same mastery and the baggage of his previous experience.

"Area Plegada / Folded Area", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 100 cm., 2015

"Plegeomet 4", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 70 x 60 cm., 2020

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Tell me about yourself, how you started painting. Your connection with art has been through your dedication, for years, to fileteado.

Luis Plaquin: I was born in a province in the north of Argentina. When I was 11 years old, my family and I moved to Buenos Aires. There I finished elementary and high school.

I always liked to draw. At school, when I was about 12 years old, I was in sixth grade in a San Martinian institution of the municipality, and they invited the schools of the district to form groups of students to elaborate a research work about General San Martin. The work had to be presented in a folder, with texts and illustrations. I was chosen for the execution of the drawings. My school was one of the winners, and each of us received a biographical book about the General.

Later on, as soon as I was 15 years old, a shopkeeper in the neighborhood asked me if I would write with chalk on a sign announcing his move to another store, I suggested painting it, which he accepted. I took the sign home and, on the third or fourth day, I showed up with the sign.

It had been painted in color by a well-known character from the humor magazines of that time, Patoruzú. The letters were intended to be molded. It must have looked pretty good, because from then on, other merchants asked me to do some kind of work for them with painted letters. From then on, I began to pay attention to how the real letterers painted on all kinds of supports: posters, shop windows, walls, vehicles, and others.

After many years, in an art bookstore I found a book about the great master fileteado artists of Buenos Aires. I bought it and began to practice with the fileteado. I quickly learned most of their secrets and applied them in combination with lettering and illustration work. I dedicated myself to the trade for 51 years and, almost always, it was my second occupation. I was employed for a few years in a government department, then for more than 20 years in a private company.

I learned a lot and I must have been good, since I made two individual exhibitions with fileteado. The first one at the House of Culture of the Municipality of Esteban Echeverría, located in the City of Monte Grande. The second in the Chamber of Deputies of the Province of Buenos Aires, in La Plata. A group exhibition "Primer Encuentro de Fileteadores (First Encounter of Fileteado Artists)" at the cinema El Plata, in the City of Buenos Aires.

"Plegageomet", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 100 cm., 2019

"Geomet III", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 50 x 70 cm., 2019

SR: You are now doing geometric figuration with the obvious dexterity and deft handling that the other technique has given you.

LAP: My incursions with the so-called easel painting began around 1998.

I always liked the designs of the native peoples of northwestern Argentina. Inspired by the iconography used by them, I started my first paintings that had a lot of geometry.

I used a technique that I never saw others doing (although I don't think I discovered it). It consisted of drawing on the canvas and giving them the corresponding color to each shape and background, then with other tones, trying to imitate the weave of fabrics with very short stripes. I did this type of work until 2011. Since that year I am doing the painting that occupies me today.

I always paint on canvas using acrylic paints, except that I do not use masking tape. The skill acquired with brushes to paint letters over a long period of time exempts me from using it.

My pictorial work is based on the idea of experimenting with forms that tend to generate surprise in the observer. Trying to provoke a certain alteration of perception and vision.

I consider myself rigorous in the elaboration of the constructions. I approach each work with meticulousness and enthusiasm. I aim to create three-dimensional illusions in the two-dimensional plane, using simple shapes: triangles, rectangles, squares.

Although I have no academic training, I have always been a good reader and very curious. I'm interested in different art subjects, without having gone deep into the different branches of the discipline or follow the steps of any particular painter, history subjects, haiku.

"Cortes y Plegados / Cuts and Folds", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 50 x 60 cm., 2019

"Sin título / Untitled", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 50 x 40 cm., 2011

SR: What does it mean to you to enjoy what you do?

LAP: I thoroughly enjoy the very act of the process of creating the painting itself, perhaps more than seeing the finished painting. My ideal setting for painting is a table, an easel and a stereo.

"Geomet II", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 50 x 70 cm., 2019

"Plegeom III", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 40 x 40 cm., 2017

SR: You also write haikus, a poetic form with a pleasant rhythm. Can you refer to this? That kind of poetry of 5, 7 and 5 syllables without rhyme conveys the impression that the contemplation of something has made. When I see your symmetrical designs, they lead me to exactly the same thing: the lines may have no relation to each other, but this is perceived in the contemplation of the whole.

LAP: My contact with haiku was by chance. One day I discovered on the Internet a website (Paseos.net). It is a site where people from all over the world interact. The reading of many haiku and the search for materials that were instructing me, made me become an enthusiast of this short poetry in a short time.

I sent some of them to the site, where everyone participates by reading and commenting on the hits and misses. This happened in 2012. A couple of years later, I was lucky enough to be one of the winners of an international contest held in Cuba. I have been included in a couple of anthologies. From time to time I write some of them.

"Plegeom IV", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 90 x 70 cm., 2017

"Sin título / Untitled", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 40 x 50 cm., 2004

SR: Making these straight forms is a change of format with respect to the fileteado, which is full of adornments and flowers. How was that change?

LAP: Although I am no longer dedicated to the fileteado, but it, along with geometric abstraction, coexisted with me. I started around 1995 with filete (the lines in fileteado style), and with painting, using part of the iconography of native peoples, around 2002. Later on, hard-edge paintings emerged.

Some of the letterers also were, and are, fileteado artists, to a greater or lesser extent. Letters and fillets are sometimes part of a poster. Sometimes I would paint a painting with fillets, finish it and then start another one with a different theme.

I left the profession of lettering and fileteado artists definitively in 2016, at the same time as my retirement for my contributions in companies where I worked.

"Area Plegada IV / Folded Area IV", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 80 cm., 2017

"Sin título / Untitled", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 40 x 50 cm., 2004

SR: How will your life in the art world continue?

LAP: My life in art will continue with permanent creation, as long as I have the desire to paint. I don't impose obligations on myself in this occupation. Then, if someone comes to see my works and they are to his liking, I would be very happy.

"Plegados V / Folded V", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 70 x 60 cm., 2016

"Cortes y Plegados II / Cuts and Folds II", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 90 cm., 2014

(*) Fileteado is a type of artistic drawing and lettering, with stylised lines and flowered, climbing plants, typically used in Buenos Aires, Argentina. It is used to adorn all kinds of beloved objects: signs, taxis, lorries and even the old colectivos, Buenos Aires's buses.

Filetes (the lines in fileteado style) are usually full of colored ornaments and symmetries completed with poetic phrases, sayings and aphorisms, both humorous or roguish, emotional or philosophical. They have been part of the culture of the Porteños (inhabitants of Buenos Aires) since the beginnings of the 20th century.

The filetes were born as simple ornaments, becoming an emblematic form of art for the city. Many of its initiators were European immigrants, who brought from Europe some elements of what later fileteado, which became the distinct Argentinian art form known today when mixed with local traditional art styles. Fileteado was recognized as a unique art after 1970, when it was exhibited for the first time.

Más sobre / More about Luis Alberto Plaquin: Blog, Instagram, facebook

¡Muchas gracias por la entrevista, Luis!

Thanks a lot for the interview, Luis!

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Nuevo post de esta serie dedicada al arte relacionado con museos y galerías, pero no las obras que se exponen, sino aquellos trabajos en los que el lugar, trabajadores, visitantes y lo que allí sucede son el motivo principal, a través de pinturas, grabados, performances y fotografías.

Al igual que en el post anterior, una selección de obras de pintores que han retratado galerías, museos y sus visitantes.

Como siempre, un post anexo en el que repaso los trabajos y artistas cuya obra se muestra en estos espacios, proporcionando imágenes e información adicional. Números de referencia en cada imagen.

New post of this series devoted to share with you art related to museums and galleries, but not for the works exposed, but those in which the place, workers, visitors, and what happens there are the main theme, either through paintings, engravings, performances, and photographs.

As in the previous post, a selection of works by painters who have portrayed galleries, museums and their visitors.

As always, an annex post with a review of works and artists in these spaces, with images and additional information. Reference numbers in each image.

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Frank Jeffrey Edson Smart

(Adelaida, Australia, 1921 - Arezzo, Italia / Italy, 2013)

Frank Jeffrey Edson Smart fue un pintor australiano expatriado conocido por sus representaciones precisionistas de paisajes urbanos "llenas de bromas privadas y alusiones lúdicas".

Smart nació y se educó en Adelaida, donde trabajó como profesor de arte. Después de partir hacia Europa en 1948, estudió en París en La Grande Chaumière, y más tarde en la Académie Montmartre con Fernand Léger. Regresó a Australia en 1951, viviendo en Sidney, y comenzó a exponer con frecuencia en 1957. En 1963 se trasladó a Italia. Tras una exitosa exposición en Londres, compró una propiedad rural llamada "Posticcia Nuova", cerca de Arezzo, en la Toscana. Allí residió con su pareja hasta su muerte.

Su autobiografía, "Not Quite Straight", se publicó en 1996. Una gran retrospectiva de sus obras recorrió las galerías de arte australianas en 1999-2000.

Wikipedia (English)

Frank Jeffrey Edson Smart was an expatriate Australian painter known for his precisionist depictions of urban landscapes that are "full of private jokes and playful allusions".

Smart was born and educated in Adelaide where he worked as an Art teacher. After departing for Europe in 1948 he studied in Paris at La Grande Chaumière, and later at the Académie Montmartre under Fernand Léger. He returned to Australia 1951, living in Sydney, and began exhibiting frequently in 1957. In 1963, he moved to Italy. After a successful exhibition in London, he bought a rural property called "Posticcia Nuova" near Arezzo in Tuscany. He resided there with his partner until his death.

His autobiography, Not Quite Straight, was published in 1996. A major retrospective of his works travelled around Australian art galleries 1999-2000.

Wikipedia

1a."Retrato en el museo de arte / Portrait in the Art Museum"

Óleo sobre panel / oil on composition board, 59,5 x 69,7 cm., 1965. Annette Larkin Fine Art

Es probable que Smart comenzara este cuadro mientras visitaba a sus amigos, los artistas australianos Paul Haefliger y Jean Bellette, en su propiedad de Sóller, Mallorca. La figura que aparece en esta obra está basada en Guiseppina, el ama de llaves de la casa que Smart alquiló allí. Smart seleccionó este cuadro para la portada de su exposición de 1966 en la South Yarra Gallery de Melbourne.

A pesar de su aprecio por este cuadro, no se vendió. Le hizo importantes modificaciones con la esperanza de que animara a un comprador, entre ellas cambiar el vestido de la mujer de negro a verde, cubrir sus hombros y volver a pintar la pared verde en la parte inferior de la obra.

Smart likely began this painting while visiting his friends, Australian artists Paul Haefliger and Jean Bellette at their property in Soller, Mallorca. The figure featured in this work is based on Guiseppina, the housekeeper of the place Smart rented there. Smart selected this painting for the cover of his 1966 exhibition at South Yarra Gallery in Melbourne. Despite his esteem for this painting it didn’t sell. He made significant alterations to it in hope that it would encourage a buyer, including changing the woman’s dress from black to green, covering her shoulders and repainting the green wall in the lower section of the work.

1b. "Retrato en el museo de arte / Portrait in the Art Museum"

Óleo sobre panel / oil on composition board, 59,5 x 69,7 cm., 1965. Annette Larkin Fine Art

Durante una visita al Louvre en las Navidades de 1993, Smart se fijó en un largo biombo de madera provisional en una galería vacía y pensó que la geometría, la luz y las sombras del espacio constituirían un cuadro maravilloso.

De vuelta a su estudio de la Toscana, elaboró estudios de la escena del Louvre que incluían dos figuras caminando por el espacio, pero decidió que necesitaba una figura estática para anclar la composición. "Pensé que si tenía que tener una figura estática, también podía ser un retrato de alguien y entonces pensé en Margaret", declaró. Smart encargó al fotógrafo australiano Robert Walker que fotografiara a Olley y, a partir de esas fotos y de sus bocetos iniciales, creó este cuadro.

Olley dijo más tarde sobre esta obra: "Me siento más en casa en el Louvre que de pie en una de las autopistas de Jeffrey o en los aparcamientos vacíos".

1c. "Estudio para / Figure study for Margaret Olley"

Lápiz sobre papel blanco tejido / pencil on white wove paper, 40 x 30 cm., 1994

Art Gallery of NSW (Sydney, Australia)

Margaret Olley en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LXXVI)], [Recolección (XXV)]

During a visit to the Louvre in Christmas of 1993 Smart noticed a long temporary wooden screen in an empty gallery and thought the geometry, light and shadows of the space would make a wonderful picture.

Back in his Tuscan studio he worked up studies of the Louvre scene that included two figures walking through the space, but he decided he needed a static figure to anchor the composition. ‘I thought if I’ve got to have a static figure, it may as well be a portrait of someone and then I thought of Margaret,’ he stated. Smart commissioned Australian photographer Robert Walker to photograph Olley and from these photos and his initial sketches, he created this painting.

Olley later said of this work, ‘I’m more at home in the Louvre than standing on one of Jeffrey’s freeways or empty car parks’.

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Leng Jun

冷军

(四川省, 中国 / Provincia de Sichuan / Sichuan Province, China, 1963-)

Leng Jun es un pintor chino nacido en 1963 en Sichuan.

En 1984 se graduó en el Departamento de Arte de la sección de Hankou de la Universidad Normal de Wuhan. En la actualidad es decano de la Academia de Pintura de Wuhan, artista nacional de primera categoría, vicepresidente de la Asociación de Artistas de Hubei, miembro de la Asociación de Artistas de China y disfruta de subvenciones especiales de expertos gubernamentales del Consejo de Estado.

S.XY

2a."博物馆之一 / Museo Nº 1 / Museum #1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 70 cm., 2006. Artron

En su serie "Museos", el pintor ha roto con la anterior exploración extrema de los elementos individuales del cuadro, centrándose en la visualización real y vívida de un momento en un espacio escénico mayor. A través de la sutil representación de múltiples grupos de personajes, éstos se combinan con el cuerpo principal de la pieza del museo. Las piezas de pintura y escultura están estrechamente relacionadas para formar una interacción. Las expresiones faciales y el lenguaje corporal de cada personaje son vívidos.

In his Museums Series, the painter has broken through the previous extreme exploration of individual elements of the picture, focusing on a real and vivid display of a moment in a larger scene space. Through the subtle depiction of multiple groups of characters, they are combined with the main body of the museum-one piece. Pieces of paintings and sculptures are closely related to form an interaction, each character’s facial expression and body language are vivid.

2b. "博物馆之二 / Museo Nº 2 / Museum #2", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 70 cm., 2006. Artron

Leng Jun is a Chinese painter born in 1963 in Sichuan

In 1984, he graduated from the Art Department of the Hankou Branch of Wuhan Normal University. He is currently the dean of Wuhan Painting Academy, a national first-class artist, vice chairman of the Hubei Artists Association, a member of the Chinese Artists Association, and enjoys special subsidies from government experts from the State Council.

S.XY

2c. "博物馆之三 / Museo Nº 3/ Museum #3", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44 × 55 cm., 2006. Artron

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Ernest-Ange Duez

(París, Francia / France, 1843 - Forest of Saint-Germain, 1896)

Ernest Ange Duez (también conocido como Ernest-Ange Duez y Ernest Duez) fue un pintor francés de escenas de género, retratos, paisajes y temas religiosos.

Aunque era admirador de Édouard Manet y poseía cuadros de Manet, Claude Monet, Edgar Degas y Berthe Morisot, su paleta era más tenue que la de la mayoría de los impresionistas, y su técnica más controlada. Su estilo, entre el del conservador Salón de París y el del Impresionismo, ha sido denominado "juste milieu", y se le ha comparado con Alfred Stevens, Giuseppe De Nittis y James Tissot.

Wikipedia (English)

Ernest Ange Duez (also known as Ernest-Ange Duez and Ernest Duez) was a French painter of genre scenes, portraits, landscapes and religious subjects.

Although he was an admirer of Édouard Manet and owned paintings by Manet, Claude Monet, Edgar Degas and Berthe Morisot, his palette was more subdued than that of most of the Impressionists, and his technique more controlled. His style, between that of the conservative Paris Salon and Impressionism, has been called juste milieu, and he has been compared to Alfred Stevens, Giuseppe De Nittis, and James Tissot.

Wikipedia

3. "Una visita al museo / A visit to the Museum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 103 x 48 cm., 1873. Didier Aron

Duez, al igual que Gervex y Alfred Stevens, tenía una marcada preferencia por los temas elegantes; gran parte de su obra muestra a jóvenes damas en sus actividades de ocio en una época en la que el turismo y los viajes estaban empezando a desarrollarse en la sociedad.

Duez, like Gervex and Alfred Stevens, had a strong preference for elegant subject matter; much of his work features young ladies glimpsed at their leisure activities at a time when tourism and travel was just beginning to develop in society.

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Albert Mohr

(Deutschland / Alemania / Germany, 1918-)

4."En la galería / At the Gallery", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 8 1/8" x 10". Doyle

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Monica Callaghan

(Sudáfrica / South Africa)

en / at Kent, Reino Unido / UK

Monica Callaghan es una artista sudafricana afincada en Whitstable, que ha vivido en Londres y Alemania. Durante los últimos 30 años ha sido bailarina, actriz, cantante, paisajista, diseñadora de interiores y artista de mosaicos. Empezó a pintar en 2011, habiéndose graduado en la Academia de Arte de Londres en 2015, y ha expuesto en Portland, Oregón, en los Estados Unidos, en la Academia de Arte y en la Dulwich Picture Gallery de Londres y en la Art Factory de Kandern, Alemania.

Pinta principalmente al óleo y al acrílico, utilizando la luz y el color para explorar cómo la esperanza, la belleza y la maravilla pueden encontrarse junto a la tristeza, el dolor y la pena. Cree en la resiliencia y la atención plena, y su trabajo le permite explorarlas. Website

Monica Callaghan is a South African artist, based in Whitstable, having lived in London and Germany. Over the past 30 years, she have been a dancer, actor, singer, landscaper, interior designer, and mosaic artist. She started painting in 2011, graduated from the Art Academy, London in 2015, and have exhibited in Portland, Oregon in the USA, at the Art Academy and Dulwich Picture Gallery in London, and at the Art Factory in Kandern, Germany.

She paints primarily in oils and acrylics, using light and colour to explore how hope, beauty and wonder can be found alongside sorrow, pain and grief. She believes in resilience and mindfulness and her work allows her to explore that. Website

5."Observando a Isabella / Watching Isabella", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 100 cm. Link

Este cuadro recoge el momento en que me encontré por primera vez con Isabella y la olla de Basilea en el Museo de Bellas Artes de Boston. Me gusta la idea de un cuadro dentro de un cuadro. O un cuadro sobre un cuadro. Me gusta cómo la luz del sol y los tonos cálidos del suelo contrastan con el tema más bien oscuro y malhumorado de Isabella y su olla...., que alberga la cabeza de su amante muerto.

This painting captures the moment when I came across Isabella and the Pot of Basel in Boston Fine Art Museum for the first time. I like the idea of a painting within a painting. Or a painting about a painting. I like how the bright sunlight and warm tones of the floor contrast with the rather dark, moody subject matter of Isabella and her pot....which houses the head of her dead lover!

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Xinxin Xu

(北京, 中国 / Pekín / Beijing, China)

6."Mirando pinturas en el museo de David Hockney / Watching paintings of David Hockney in museum"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14" x 11", 2017. Saatchi

Más sobre / More about Xinxin Xu: Instagram, Saatchi

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Steven J. Levin

(Minneapolis, Minnesota, EE.UU./ MN, USA, 1964-)

Steven J. Levin nació en Minneapolis, Minnesota, en 1964. Su interés por el arte comenzó pronto, cuando de pequeño pasaba horas dibujando junto a su padre, un artista comercial. Reconociendo su talento e interés, el padre de Levin le dio a Steven muchas lecciones y consejos improvisados de dibujo, así como libros de instrucción para ayudarle en su desarrollo artístico. Después del instituto, con la mente puesta en convertirse en artista, Levin se matriculó en el Minneapolis College of Art and Design.

En el Atelier LeSueur se vio rápidamente inmerso en un mundo rico en tradición, con una sólida formación, y que mantenía la idea de que la belleza y el oficio seguían siendo los fundamentos del gran arte. Levin prosperó en esta nueva atmósfera y estudió allí durante cinco años, tras los cuales se incorporó al equipo de profesores y permaneció como instructor durante otros siete años mientras construía su propia cartera.

Aunque se formó en la tradición de la Escuela de Boston, Levin tomó una dirección algo diferente y aportó un punto de vista único a su obra. Cita las obras de Jan Vermeer y Edward Hopper como dos de sus mayores influencias. Su rico uso del tono y su habilidad compositiva le diferencian de sus contemporáneos.

7a. "Galería Nacional, Londres / National Gallery, London"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106,68 x 137,16 cm., 2018. Link

"Este cuadro forma parte de una serie que vengo haciendo desde hace muchos años, en la que represento a personas mirando cuadros. Este cuadro muestra una de las galerías más grandes de la Galería Nacional de Londres, una sala inmensa e impresionante. La vista que he pintado es sólo desde el punto medio de la sala.

Me gusta la idea de hacer cuadros dentro de cuadros, de captar las actitudes de las personas que miran el arte y convertirse, inconscientemente, en parte de una obra de arte ellos mismos. Los museos tienen muchos espacios maravillosos que buscar, algunas salas pequeñas e íntimas que sólo ven un puñado de visitantes al día y otras como este gran salón que son el centro de todo".

"This is part of a series I’ve been doing for many years, depicting people looking at paintings. This painting shows one of the largest galleries in the National Gallery of London, it is an immense, breathtaking room. The view I’ve painted is only from about the midway point in the room.

I enjoy the idea of doing paintings within paintings, of capturing the attitudes of people looking at art and becoming unconsciously, part of a work of art themselves. Museums are rich with so many wonderful spaces to search out, some intimate little rooms that only see a handful of visitors a day and others like this grand salon which are the centerpiece of it all."

7b. "Corot y Las tres gracias / Corot and the Three Graces", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 20", 2016. Link

"Esta es una vista interior del Instituto de Arte de Minneapolis. Me encantó la interacción aquí de la escultura de las Tres Gracias de Jean-Baptiste Carpeaux en primer plano con el gran cuadro de ninfas de Corot en la pared de atrás."

"This is an interior view of the Minneapolis Institute of Arts. I loved the interplay here of Jean-Baptiste Carpeaux‘s sculpture of the Three Graces in the foreground with the large Corot painting of nymphs on the wall behind."

7c. "En el museo / In The Museum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 20", 2002. Link

"Esta es una vista en el Instituto de Artes de Minneapolis que muestra la escultura El beso de la victoria de Sir Alfred Gilbert en primer plano y un paisaje de George Inness en la pared de más allá".

"This is a view at the Minneapolis Institute of Arts showing Sir Alfred Gilbert‘s sculpture The Kiss of Victory in the foreground and a George Inness landscape on the wall beyond."

7d. "Museo Metropolitano, La sala de los impresionistas / Met Museum, Impressionists Room"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 22", 2019. Link

"Me encantan esos momentos ocasionales en un museo de arte en los que tienes toda la sala para ti y te quedas contemplando la belleza en silencio".

"I love those occasional moments in an art museum when you have the entire room to yourself and are left to contemplate the beauty in silence."

Steven J. Levin was born in Minneapolis Minnesota in 1964. His interest in art began early, when as a young boy Levin would spend hours drawing alongside his father, a commercial artist. Recognizing his talent and interest, Levin’s father gave Steven many impromptu drawing lessons and tips, as well as instructional books to aid in his artistic development. After high school, with his mind fixed upon becoming an artist, Levin enrolled at the Minneapolis College of Art and Design.

At the Atelier LeSueur, Levin was quickly immersed in a world that was rich in tradition, solid instruction, and which held to the idea that beauty and craft still were the underpinnings of great art. Levin thrived in this new atmosphere and studied there for five years, following which he joined the teaching staff and remained on as an instructor for another seven years while building his own portfolio.

Though trained in the Boston School tradition, Levin has undertaken a somewhat different direction and brought a unique point of view to his work. He cites the works of Jan Vermeer and Edward Hopper as among two of his strongest influences. His rich use of tone and compositional skill sets him apart from his contemporaries.

7e. "La exposición / The Exhibition", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 91,4 cm., 2012. Link

"En realidad era una exposición de Delacroix en el Met, pero el lienzo central no funcionaba para mi diseño, así que me inventé el gran paisaje del centro basándome en un Corot".

"This was actually a Delacroix show at the Met, but the central canvas didn't work for my design so I invented the large landscape in the middle based on a Corot."

7f."La sala de Rembrandt / The Rembrandt Room", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 25", 2008. Link

"Creo que ésta es mi sala favorita del Museo Metropolitano de Arte. Tiene probablemente el mayor conjunto de retratos de Rembrandt que existe".

"This I think is my favorite room in the Metropolitan Museum of Art. It has probably the greatest assemblage of Rembrandt portraits anywhere."

Más sobre / More about Steven J. Levin: Website, Instagram, facebook

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Gao Chen

陈高

(江苏, 中国 / Provincia de Jiangsu / Jiangsu Province, China, 1964-)

en / at Vancouver, Canadá

8a. "Turner", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 16", 2016. Saatchi

Gao Chen estudió en la Escuela de Arte de la Universidad Jiao Tong de Shanghai y perfeccionó sus habilidades con el maestro de la pintura al óleo Chen Danqing antes de iniciar su carrera artística en el Museo de Artes y Oficios de Shanghai. Chen emigró a Vancouver (Canadá) en 1989 y desde entonces trabaja como pintor independiente.

Gao Chen se unió a la Asociación de Pintores de Vancouver en 1990 y en 1991 recibió el encargo de Vancouver Artland Holdings Ltd. para una colección de 20 pinturas de paisajes para su emblemático edificio de apartamentos del centro de la ciudad. Entre 1992 y 2011, más de 30 de sus cuadros han sido coleccionados por los habitantes de Vancouver.

Chen es conocido por sus pinturas de estilo clásico europeo, que consisten principalmente en retratos y paisajes. Sus cuadros suelen mostrar el lado poético e ideal de la vida ordinaria. En los 26 años que lleva pintando en Canadá, Chen ha creado una soberbia colección de pinturas modernas que ha recibido una amplia aclamación.

8b. "Florencia / Firenze", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 16", 2016. Saatchi

8c. "J. Sorolla", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 16", 2017. Saatchi

Gao Chen studied at the Shanghai Jiao Tong University School of Art and honed his skills under master oil painter Chen Danqing before starting his art career at Shanghai Museum of Arts And Crafts. Chen immigrated to Vancouver, Canada in 1989 and has since been working as a freelance painter.

Gao Chen joined the Vancouver Painter Association in 1990 and was commissioned by Vancouver Artland Holdings Ltd. for a collection of 20 landscape paintings for its flagship Downtown apartment building in 1991. Between 1992 and 2011, more than 30 of his paintings have been collected by Vancouverites.

Chen is known for his European classical style of paintings, consisting primarily of portraits and landscapes. His paintings often show the poetic and ideal side of ordinary life. In 26 years of painting in Canada, Chen has created a supreme collection of modern paintings that has received wide acclamation.

8d. "Manet", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 16", 2017. Saatchi

8e. "Peter Paul Rubens", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 16", 2017. Saatchi

Más sobre / More about Gao Chen: Instagram, Saatchi

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Nilisha J. Phad

(मुंबई, ভারতীয় প্রজাতন্ত্র / Bombay / Mumbai, India, 1996-)

9."Consultando / Browsing", pasteles blandos sobre papel / soft pastels on paper, 15" x 15", 2020. Link

Nilisha J. Phad es una pintora india nacida en 1996.

Obtuvo su Bachiller en Bellas Artes (2018) y su Máster (2020) en la Escuela de Arte Sir J.J. de Bombay (Mumbai). Website

Nilisha J. Phad is an Indian painter born in 1996.

She obtained her Bachelor of Fine Arts (2018) and Master of Fine Arts (2020) from Sir J.J. Bombay School of Art (Mumbai). Website

Más sobre / More about Nilisha Phad: Website, facebook, Instagram

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Vita di Milano

Pocos datos he podido recabar sobre Vita di Milano, un artista en cuyo sitio web se puede disfrutar de una selección de su obra, especialmente de su serie "Mujeres y bicicletas", pero ninguna información personal. Como presentación puede leerse: "Las pinturas de Vita Di Milano son la obra de un artesano que representa instituciones fraudulentas y rinde tributo a valores particulares."

"Aunque las pinturas figurativas de Vita, detalladas y francas, pueden recordar una narrativa común al arte clásico, la intención implícita en cada una de sus obras supera con creces lo que podría confundirse con un ejercicio de técnica.

En sus composiciones, el pintor expresa su preocupación por las ideas erróneas y los prejuicios, a la vez que elabora esas perspectivas socio-humanísticas que a menudo quedan enmascaradas por los velos de la hipocresía."Useum

10a. "Arte contemporáneo / Contemporary Art"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 48" cm., 2007. Colección privada / Private Collection

Donde el adulto adoctrinado contempla lo que no puede comprender, la mente desprejuiciada de un niño se vuelve hacia los cánones de belleza que dominan el entorno abstracto.

Where the indoctrinated adult contemplates what cannot undetstand, the non-prejudicial mind of a child turns towards the canons of beauty that dominates the abstract environment.

I have been able to gather little information about Vita di Milano, an artist on whose website you can enjoy a selection of his work, especially his Women and Bicycles Series, but no personal information. As an introduction you can read: "Vita Di Milano’s paintings are the works of an artisan depicting fraudulent institutions and paying tribute to particular values."
"Aunque las pinturas figurativas de Vita, detalladas y francas, pueden recordar una narrativa común al arte clásico, la intención implícita en cada una de sus obras supera con creces lo que podría confundirse con un ejercicio de técnica.
En sus composiciones, el pintor expresa su preocupación por las ideas erróneas y los prejuicios, a la vez que elabora esas perspectivas socio-humanísticas que a menudo quedan enmascaradas por los velos de la hipocresía."Useum

10b. "Arte moderno / Modern Art", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 46", 2007

En una galería dominada por abstracciones ininteligibles, la atención se desvía hacia la realidad que admiran tanto el hombre como el perro.

In a gallery dominated by unintelligible abstractions, the attention is diverted to the reality admired by the man as well as the dog.

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Sergei Nikanorovich Belik

Сергей Никанорович Белик

(Оде́са, Україна [CCCP] / Odessa, Ucrania [URSS] / Ukraine [USSR], 1953-)

11a. "Desnudo en el museo / Nude at the Museum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 120 cm., 2013

Sergei Belik nació en Odessa en 1953. En 1973 se graduó en la Escuela de Arte de Odessa que lleva el nombre de Grekov.

Más tarde estudió en San Petersburgo, en la Escuela de Arte que lleva el nombre de Mukhina. Desde 1987 es miembro de la Unión de Artistas de Ucrania. Sergey Belik ha participado en numerosas exposiciones nacionales, sindicales e internacionales. Sus obras se encuentran en las colecciones de muchos museos nacionales y extranjeros. Así como en colecciones privadas y galerías. En 2005-2006, las obras de S. Belik se subastaron en Sotheby's, Christie's y Philips. De 2000 a 2009, el artista vivió, trabajó y expuso regularmente en Nueva York, Estados Unidos.

11b. "Desnudo y Matisse / Nude and Matisse", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 120 cm., 2013

Sergei Belik was born in Odessa in 1953. In 1973 he graduated from the Odessa Art School named after Grekov.

Later he studied in St. Petersburg, Art School named after Mukhina. Since 1987 - member of the Union of Artists of Ukraine. Sergey Belik has participated in many national, all-union and international exhibitions. His works are in the collections of many domestic and foreign museums. As well as in private collections and galleries. In 2005-2006, the work of S. Belik were auctioned at Sotheby's, Christie's, Philips. From 2000 to 2009 the artist lived, worked and exhibited regularly in New York, USA.

Más sobre / More about Sergei Belik: Galerie Les Noms, Artinvestment

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Al anexo / To Annex

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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:

I, I-Anexo/Annex, II, II-Anexo/Annex, III, III-Anexo/Annex, IV, IV-Anexo/Annex
V, V-Anexo/Annex, VI, VI-Anexo/Annex, VII, VII-Anexo/Annex, VIII, VIII-Anexo/Annex
IX, IX-Anexo/Annex

Este post complementa el anterior de la serie, "Sucedió en el museo (X)", repasando algunas de las obras presentes en las pinturas de la selección. Números de referencia en cada imagen.

This post complements the previous one of the series, It Happened at the Museum (X), reviewing some of the artworks of the selection. Reference numbers in each image.

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Franz Krüger

(Großbadegast bei Köthen, Deutsches Reich /

Imperio Alemán / German Empire, 1797 - Berlín, 1857)

2a. "Портрет Александра I (1777-1825) верхом на коне /

Retrato ecuestre de Alejandro I / Equestrian Portrait of Alexander I (1777-1825)"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 484 x 344 cm., 1837

Государственный Эрмитаж / Museo Hermitage

(Санкт-Петербург, Россия / San Petersburgo, Rusia / Saint Petersburg, Russia)

Alejandro I en "El Hurgador" / Alexander I in this blog: [Recoolección (XLVII)], [Aniversarios (CCLVII)]

Franz Krüger en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LXXXVII)]

Boris Ivánovich Orlovski

Борис Иванович Орловский

(село Столбецкое Малоархангельский уезд, Российская Империя /

Aldea Stolbetskoye, Distrito de Maloarkhangelsky, Imperio Ruso /

Stolbetskoye Village, Maloarkhangelsky District, Russian Empire, 1790s -

Санкт-Петербург / San Petersburgo / Saint Petersburg, 1837)

2b."Fauno y Bacante / Faun and Bacchante", mármol / marble, 1837

Museo Estatal Ruso (Санкт-Петербург, Россия / San Petersburgo, Rusia / Saint Petersburg, Russia)

Foto / Photo: Stebanoid, Wikimedia Commons

Boris Ivanovich Orlovski (Борис Иванович Орловский) fue un escultor neoclásico ruso nacido en 1793, en el seno de una familia de campesinos siervos.

Su talento artístico hizo que fuera liberado por su amo y enviado a la Academia Imperial de Artes de San Petersburgo. Tras estudiar durante seis años en Italia con Bertel Thorvaldsen, regresó para enseñar en la Academia, donde más tarde se convirtió en profesor. Al mismo tiempo se perfeccionó en los estudios de Santino Campioni y Agostino Triscorni.

Las estatuas de Orlovski de Kutuzov y Barclay de Tolly, frente a la catedral de Kazán, revelan un trasfondo realista en su obra, por lo demás neoclásica, tipificado por el Ángel en la cima de la columna de Alejandro en la plaza del Palacio.

Murió en 1837.

Wikipedia

Foto / Photo: Stebanoid, Wikimedia Commons

Boris Ivanovich Orlovsky (Борис Иванович Орловский) was a Russian Neoclassical sculptor born in 1793, into a serf peasant family.

His artistic talent led to him being freed by his master and sent to the Imperial Academy of Arts in Saint Petersburg. After studying for six years in Italy under Bertel Thorvaldsen, he returned to teach at the Academy where he later became a Professor. At the same time, he improved his skill in the studios of Santino Campioni and Agostino Triscorni.

Orlovsky's statues of Kutuzov and Barclay de Tolly in front of the Kazan Cathedral reveal a realistic undercurrent in his otherwise Neoclassical work, typified by the Angel on top of the Alexander Column at the Palace Square.

He died in 1837.

Wikipedia

2c. Antonio Canova, "Psique reanimada por el beso del amor / Psyche Revived by Cupid's Kiss"

Ya publicado en "El Hurgador" aquí / Already posted in this blog here:

[Recolección (XXXIII)], [Pintando esculturas (II)]

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John White Alexander

(Allegheny, Pennsylvania, EE.UU./ PA, USA, 1856 -

Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1915)

5."Isabela y la maceta de albahaca / Isabella and the Pot of Basil"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 192,09 x 91,76 cm., 1897

Museum of Fine Arts (Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA)

John White Alexander en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCL)], [Pintando perros (LXIX)]

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3. Según se apunta aquí, el retrato podría ser obra de Juan Bautista Martínez del Mazo /

.According to what is noted here, the portrait could be a work by Juan Bautista Martínez del Mazo.

Juan Bautista Martínez del Mazo

(Cuenca, España / Spain, c.1612 - Madrid, 1667)

Izq./ Left: "Doña Margarita de Austria / Margaret Theresa of Spain"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 205 x 144 cm., 1665-66

Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Der./ Right: "Retrato de la Duquesa de Hijar / Portrait of the Duchess of Hijar"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 210 x 138 cm., c.1660

Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid, España / Spain)

Martínez del Mazo en "El Hurgador" / in this blog: [Pintando perros (I)], [Arte perdido (XI)]

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David Hockney

(Bradford, Reino Unido / UK, 1937-)

6."Retrato de un artista (Una piscina y dos figuras) / Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 213,5 x 305 cm., 1972.

Colección privada / Private Collection. Christie's

Fotografía preparatoria para la obra / Preparatory photo for the work

Le Nid-du-Duc, 1972 © David Hockney. Christie's

David Hockney en "El Hurgador" / in this blog:

[Aniversarios Fotografía (LXXVIII)], [Aniversarios Fotografía (CLXXXIII)], [Sucedió en el museo (VIII)], [Sucedió en el museo (VIII, Anexo)], [Asonancias (XXXII)], [Asonancias (XXXII-Anexo)]

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Joseph Mallord William Turner

(Londres, Reino Unido / London, UK, 1775 - Chelsea, 1851)

7a1. - 8a."Ulises burlándose de Polifemo - La Odisea de Homero /

Ulysses deriding Polyphemus - Homer's Odyssey"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 132,5 x 203 cm., 1829

National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

7a2."Lluvia, vapor y velocidad - El gran ferrocarril del oeste /

Rain, Steam, and Speed - The Great Western Railway"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 121,8 cm., 1844.

National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

7a4."Barcos holandeses en un vendaval (La pieza marina de Bridgewater) /

Dutch Boats in a Gale ('The Bridgewater Sea Piece')"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 162,5 x 221 cm., 1801

National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

J.M.W.Turner en "El Hurgador" / in this blog: [La Colección Bentaberry (II)], [Aniversarios (XII)]

John Constable

(East Bergholt, Suffolk, Inglaterra / England, 1776 -

Londres / London, 1837)

7a3."El carro de heno / The Hay Wain", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130,5 x 185,5 cm., 1821

National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

John Constable en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XX)], [Recolección (CXXXIII-1)]

Thomas Gainsborough

(Sudbury, Reino Unido / UK, 1727 - Londres / London, 1788)

7a5. "El abrevadero / The Watering Place", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 147,3 x 180,3 cm., antes de / before 1777

National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

7a6. "El Sr. y la Sra. William Hallett (El paseo matinal) /

Mr and Mrs William Hallett ('The Morning Walk')"

Ya publicado en "El Hurgador" aquí / Already posted in this blog here: [Pintando perros (XXV)]

Thomas Gainsborough en "El Hurgador" / in this blog:

[Marta Klonowska (Escultura)], [Pintando perros (XXV)], [Pintando perros (XLIII)], [Sucedió en el museo (V-Anexo)]

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Jean-Baptiste Carpeaux

(Valenciennes, Francia / France, 1827 - Courbevoie, 1875)

7b1."Las tres gracias / The Three Graces", yeso / plaster, 82,55 x 46,99 cm., c.1872

Minneapolis Institute of Art (Minneapolis, Minesota, EE.UU./ MN, USA)

Foto / Photo: CanadaGood Gregory, Flickr

Jean-Baptiste Carpeaux en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XVI)]

Jean-Baptiste-Camille Corot

(París, Francia / France, 1796 - París, 1875)

7b2. "Sileno / Silenus", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 247,65 x 179,09 cm., 1838.

Minneapolis Institute of Art (Minneapolis, Minesota, EE.UU./ MN, USA)

Jean-Baptiste-Camille Corot en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XXV)]

Alfred Gilbert

(Londres, Reino Unido / UK, 1854 - 1934)

7c1. "El beso de la victoria / Kiss of Victory"

Mármol, base de madera / marble, wooden base, altura / height: 227,33 cm., 1878-81

Minneapolis Institute of Art (Minneapolis, Minesota, EE.UU./ MN, USA)

Sir Alfred Gilbert fue un escultor inglés nacido en 1854 en Londres.

Estudió escultura con Joseph Boehm, Matthew Noble, Édouard Lantéri y Pierre-Jules Cavelier. Su primera obra de importancia fue "El beso de la victoria", seguida de la trilogía de "Perseo armado", "Ícaro" y "Comedia y tragedia". Sus años más creativos fueron desde finales de la década de 1880 hasta mediados de la de 1890, cuando creó obras célebres como el monumento conmemorativo del Jubileo de Oro de la Reina Victoria y la Fuente Conmemorativa de Shaftesbury.

Además de la escultura Gilbert exploró otras técnicas, como la orfebrería y el damasquinado. Pintó acuarelas y dibujó ilustraciones de libros. En 1892 fue nombrado miembro de la Real Academia de las Artes, pero su vida personal empezó a deteriorarse, ya que aceptó demasiados encargos y se endeudó, al tiempo que la salud mental de su esposa empeoraba. Gilbert recibió un encargo real para la tumba del príncipe Alberto Víctor en 1892, pero no pudo terminarlo y las quejas de otros clientes insatisfechos comenzaron a acumularse. A mediados del siglo XX se vio obligado a declararse en quiebra y a renunciar a la Real Academia. Se trasladó a Brujas en desgracia y se separó de su esposa. Más tarde se volvió a casar, entrando en un periodo en el que creó pocas obras de arte.

Sin embargo en la década de 1920 su carrera se rehabilitó con la ayuda de la periodista Isabel McAllister. Regresó a Inglaterra y finalmente completó la tumba del príncipe Alberto Víctor, además de aceptar nuevos encargos como el monumento a la reina Alexandra. En 1932 fue readmitido como miembro de la Real Academia y también fue nombrado caballero.

Murió en 1934, a la edad de 80 años.

Wikipedia

"El beso de la victoria / Kiss of Victory" (detalle / detail)

Sir Alfred Gilbert was an English sculptor born in 1854 in London.

He studied sculpture under Joseph Boehm, Matthew Noble, Édouard Lantéri and Pierre-Jules Cavelier. His first work of importance was The Kiss of Victory, followed by the trilogy of Perseus Arming, Icarus and Comedy and Tragedy. His most creative years were from the late 1880s to the mid-1890s, when he created celebrated works such as a memorial for the Golden Jubilee of Queen Victoria and the Shaftesbury Memorial Fountain.

As well as sculpture, Gilbert explored other techniques such as goldsmithing and damascening. He painted watercolours and drew book illustrations. He was made a member of the Royal Academy of Arts in 1892, yet his personal life was beginning to unravel as he took on too many commissions and entered into debt, whilst at the same time his wife's mental health deteriorated. Gilbert received a royal commission for the tomb of Prince Albert Victor in 1892, but was unable to finish it and the complaints from other dissatisfied clients began to build up. By the mid-1900s, Gilbert had been forced to declare himself bankrupt and to resign from the Royal Academy. He moved to Bruges in disgrace and separated from his wife. He later remarried, entering a period when he created few artworks.

However, in the 1920s his career was rehabilitated with the help of journalist Isabel McAllister. He returned to England and finally completed the tomb of Prince Albert Victor, as well as taking on new commissions such as the Queen Alexandra Memorial. In 1932, Gilbert was reinstated as a member of the Royal Academy and was also knighted.

He died in 1934, at the age of 80.

Wikipedia

George Inness

(Newburgh, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1825 -

Bridge of Allan, Escocia / Scotland, 1894)

George Inness fue un destacado paisajista, nacido en Newburg, Nueva York, en 1825.

Uno de los artistas estadounidenses más influyentes del siglo XIX, Inness se vio influenciado, a su vez, por los Antiguos Maestros, la escuela del río Hudson, la escuela de Barbizon y, finalmente, la teología de Emanuel Swedenborg, cuyo espiritualismo encontró una vívida expresión en la obra de la madurez de Inness (1879-1894).

Aunque su estilo evolucionó a través de distintas etapas a lo largo de una prolífica carrera que abarcó más de cuarenta años y 1.000 cuadros, sus obras fueron siempre aclamadas por sus poderosos y coordinados esfuerzos para suscitar la profundidad del estado de ánimo, la atmósfera y la emoción. Ni realista ni impresionista, Inness era una figura de transición que pretendía que sus obras combinaran lo terrenal y lo etéreo para captar la esencia completa de un lugar. Maestro de la luz, el color y la sombra, se hizo famoso por crear escenas muy ordenadas y complejas que a menudo yuxtaponían elementos brumosos o borrosos con detalles nítidos y refinados para evocar un entrelazamiento de la naturaleza física y espiritual de la experiencia. En palabras de Inness, con su arte intentaba demostrar la "realidad de lo invisible" y conectar lo "visible con lo invisible".

Durante su vida, los críticos de arte aclamaron a Inness como uno de los mejores artistas de Estados Unidos. A menudo llamado "el padre de la pintura paisajista estadounidense", es bien conocido por sus obras de madurez que no sólo ejemplifican el movimiento tonalista, sino que también muestran un estilo original y exclusivamente estadounidense.

Murió en 1894.

Wikipedia

7c2. "El arroyo del molino Montclair, Nueva Jersey /

The Mill Stream, Montclair, New Jersey"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77,47 x 114,3 cm., 1888

Minneapolis Institute of Art (Minneapolis, Minesota, EE.UU./ MN, USA)

George Inness was a prominent landscape painter, born in Newburg, New York, in 1825.

One of the most influential American artists of the nineteenth century, Inness was influenced, in turn, by the Old Masters, the Hudson River school, the Barbizon school, and, finally, the theology of Emanuel Swedenborg, whose spiritualism found vivid expression in the work of Inness's maturity (1879–1894).

Although Inness's style evolved through distinct stages over a prolific career that spanned more than forty years and 1,000 paintings, his works consistently earned acclaim for their powerful, coordinated efforts to elicit depth of mood, atmosphere, and emotion. Neither pure realist nor impressionist, Inness was a transitional figure who intended for his works to combine both the earthly and the ethereal in order to capture the complete essence of a locale. A master of light, color, and shadow, he became noted for creating highly ordered and complex scenes that often juxtaposed hazy or blurred elements with sharp and refined details to evoke an interweaving of both the physical and the spiritual nature of experience. In Inness's words, he attempted through his art to demonstrate the "reality of the unseen” and to connect the "visible upon the invisible."

Within his own lifetime, art critics hailed Inness as one of America's greatest artists. Often called "the father of American landscape painting," Inness is best known for his mature works that not only exemplified the Tonalist movement but also displayed an original and uniquely American style.

He died in 1894.

Wikipedia

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René François Auguste Rodin

(Paris, Francia / France, 1840 - Meudon, Île-de-France, 1917)

7c3. "L'Âge d'airain / La edad del bronce / The Age of Bronze"

Bronce / bronze, modelado / modeled 1877, fundido / cast 1902-1917?

Minneapolis Institute of Art (Minneapolis, Minesota, EE.UU./ MN, USA). French sculpture

La versión de esta escultura que se conserva en la Alte Nationalgalerie (Berlín, Alemania), ya fue publicada en el blog aquí /

The version of this sculpture owned by the Alte Nationalgalerie (Berlin, Germany), was already posted in this blog here: [Aniversarios (XLIII)]

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Édouard Manet

(París, Francia / France, 1832 - 1883)

7d1. "Chico con una espada / Boy with a Sword", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 131,1 x 93,4 cm., 1861

Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

8d1."El cantante español / The Spanish Singer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 147,3 × 114,3 cm., 1680

Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

8d2."Joven dama en 1866 / Young Lady in 1866"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 185,1 x 128,6 cm., 1866

Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

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Rembrandt Harmenszoon van Rijn

(Leiden, Republiek der Zeven Verenigde Nederlanden /

Provincias Unidas de los Países Bajos / Dutch Republic, 1606 -

Ámsterdam, 1669)

7f1. "Herman Doomer (c.1595-1650)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75,2 x 55,2 cm., 1640

Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

7f2. "Aristóteles con un busto de Homero / Aristotle with a Bust of Homer"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 143,5 x 136,5 cm., 1653

Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

7f3. "Retrato de un hombre / Portrait of a Man", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75,6 x 52,1 cm., 1632

Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

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Giovanni Bellini (Giambellino)

(Venezia, Serenissima Repubblica di Venezia / Venecia, República de Venecia /

Venice, Republic of Venice, c.1433 - 1516)

Giovanni Bellini fue un pintor italiano del Renacimiento, probablemente el más conocido de la familia Bellini de pintores venecianos, nacido en la República de Venecia hacia 1433.

Su padre era Jacopo Bellini, su hermano era Gentile Bellini (que fue más apreciado que Giovanni en vida, aunque hoy en día ocurre lo contrario), y su cuñado era Andrea Mantegna. Se considera que revolucionó la pintura veneciana, orientándola hacia un estilo más sensual y colorista. Mediante el uso de pinturas al óleo claras y de secado lento, Giovanni creaba tintes profundos y ricos y sombreados detallados. Su suntuoso colorido y sus paisajes fluidos y atmosféricos tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.

Murió en 1516.

Wikipedia

8b1."Il doge / El Dux / Portrait of Doge Leonardo Loredan"

Óleo y temple sobre panel de álamo / oil and tempera on poplar panel, 61,6 × 45,1 cm., c.1501-02

National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Giovanni Bellini was an Italian Renaissance painter, probably the best known of the Bellini family of Venetian painters, born in the Republic of Venice c.1433.

His father was Jacopo Bellini, his brother was Gentile Bellini (who was more highly regarded than Giovanni during his lifetime, although the reverse is true today), and his brother-in-law was Andrea Mantegna. He was considered to have revolutionized Venetian painting, moving it towards a more sensuous and colouristic style. Through the use of clear, slow-drying oil paints, Giovanni created deep, rich tints and detailed shadings. His sumptuous coloring and fluent, atmospheric landscapes had a great effect on the Venetian painting school, especially on his pupils Giorgione and Titian.

He died in 1516.

Wikipedia

Jacometto Veneziano

(Italia / Italy, activo / active c.1472 - muerto antes de / died before 1498)

8b2. "Ritratto di ragazzo / Retrato de un muchacho / Portrait of a Boy"

Temple y óleo sobre madera / tempera and oil on canvas, 22,9 x 19,7 cm., c.1475-98.

National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). Wikimedia Commons

Jacometto Veneziano fue un pintor e iluminador italiano.

La información que tenemos sobre Veneziano se basa principalmente en los registros del diarista y coleccionista de arte Marcantonio Michiel.

Del testimonio de Michiel se desprende que Veneziano trabajó principalmente como iluminador de manuscritos y pintor de paneles de pequeño tamaño, la mayoría de los cuales eran retratos.

Murió antes del 10 de septiembre de 1497.

Wikipedia (English)

"Ritratto di ragazzo / Retrato de un muchacho / Portrait of a Boy"

Jacometto Veneziano was an Italian painter and illuminator.

The information we have about Veneziano is mainly based on the records of the diarist and art collector Marcantonio Michiel.

From the testimony of Michiel it can be concluded that Veneziano was mainly active as a manuscript illuminator and a painter of small-scale panels, the majority of which were portraits.

He died before 10 September 1497.

Wikipedia

Joaquín Sorolla y Bastida

(Valencia, España / Spain, 1863 - Cercedilla, Madrid, 1923)

8c."Niña en la playa / Girl at the Beach, Valencia"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 69 x 100 cm., 1910. Christie's

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Henri Émile Benoît Matisse

(Le Cateau-Cambrésis, Norte, Francia / Nord, France, 1869 - Niza / Nice, 1954)

11a. Henri Matisse, "La danse / La danza / The Dance" (1ª versión / 1st version)

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 259,7 x 390,1 cm., 1909

Museum of Modern Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

11b. La segunda versión de esta obra, propiedad del Museo Hermitage de San Petersburgo, ya fue publicada en el blog aquí /

The second version of this work, owned by the Hermitage Museum, in Saint Petersburg, was already posted in this blog here: [Manos a la obra (V)]

Henri Matisse en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

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Al post principal / To the main post

Una meticulosa laboriosidad, espacios cromáticos abigarrados y exuberantes, y el uso de una variedad técnicas apropiadas para cada proyecto son algunas de las claves en la construcción de la obra de Lia Porto, la artista argentina que nos presenta hoy Shirley Rebuffo en esta nueva entrevista.

A meticulous laboriousness, variegated and exuberant chromatic spaces, and the use of a variety of techniques appropriate for each project are some of the keys in the construction of the work of Lia Porto, the Argentine artist that Shirley Rebuffo presents to us today in this new interview.

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Lia Porto

(Río Gallegos, Santa Cruz, Argentina, 1968-)

En mi instalación "LA TOMA", muestra "TAREA" curada por /

In my installation "LA TOMA", exhibition "TASK" curated by Leo Chiachio y Daniel Gianonne

Galería Pasaje 17, Buenos Aires, 2018

Nacida en Río Gallegos, Provincia de Santa Cruz (Patagonia argentina) el 14 de junio de 1968, Lia se muda a Buenos Aires donde se gradúa como abogada.

Ejerce la abogacía durante varios años, y paralelamente escribe prosa y poesía, pero el arte ya le atraía tanto que, con audacia, pasó de las leyes y los textos a los pinceles. Se forma en varios talleres en pintura y grabado. Su trabajo se caracteriza por su laboriosidad, complejidad y minuciosidad, desarrollando imágenes orgánicas con diversos focos. Los textiles aparecen ricamente bordados y texturizados. Esmaltes, capas de color, líneas y puntos, telas y costuras se entrelazan conformando mundos de jardines insólitos, tanto naturales como artificiales, que despiertan la imaginación del espectador.

"Espacio para habitar / Living Space", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 92 x 102 cm., 2010

"Los secretos / The Secrets 1", dibujo, bordado, costura, plegado, cutout y collage sobre papel de empapelar /

drawing, embroidery, sewing, folding, cutout and collage on wallpaper, 63 x 83 cm.

(bordes variables / variable borders), 2019

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Dónde has estudiado y cómo fue esa etapa? Sé que el arte no ha sido tu primera elección.

Lia Porto: Ingresé a la Universidad de Buenos Aires a los 17 años, hice la carrera de abogacía, y más adelante realicé un posgrado de especialización. Esa etapa fue muy tironeada entre los mandatos y una rebeldía interna a todo eso que derivaba en poemas y escritos que sucedían en paralelo, como algo privado. Mi formación como artista visual fue posterior, fue en talleres y clínicas.

SR: Cuéntanos si pasar al arte fue gradual o ya estaba esa opción dentro de ti.

LP: De alguna forma tuve que agotar una estructura que no me servía, en la que era funcional a un deber ser externo, familiar y social para poder dar espacio al arte.

Cuando hablo de arte me refiero a un hacer que procesa la experiencia del mundo y la transforma y resignifica, como un motor que se acciona y manifiesta en respuesta al hecho de habitar el mundo. El arte siempre estuvo dentro de mí, no fue un pasar a eso, sino más bien dejar todo lo que no era eso. Sí hubo un pase de la palabra a la imagen, porque por muchos años mi medio fue la escritura, pero había algo que no entraba ahí, que se quedaba afuera y eso abrió el campo a la pintura.

"Soñaba con perros y lobos / I Dreamed on Dogs and Wolves"

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 147 cm., 2015

"Hibridaciones / Hybridizations 1", aguada, acuarela, lápiz y tintas sobre papel /

gouache, watercolor, pencil and inks on paper, 93 x 70 cm., 2020

SR: Eres nacida en la Patagonia argentina. ¿Cómo influyó ese hecho en tus recuerdos para tu obra?

LP: Nací en la Patagonia y vivi ahí hasta los 17 años. Mi experiencia matriz de mundo se forjó en ese paisaje. El paisaje inicial es una huella básica, está impregnado en la memoria, y como todo lo inicial es constitutivo. La Patagonia es un territorio muy extenso, con baja densidad de población en el que predominan colores desaturados, con vegetación baja, rala, achaparrada, que exige ser mirada en detalle y donde todo es muy pequeño en un contexto de inmensidad, muy impactante. Además, está lo sonoro, hay un ulular del viento, sonidos muy fuertes de la propia naturaleza que también por momentos ofrece un silencio absoluto. He trabajado mucho un paisaje por oposición, al que denominé "Utotrópico", un lugar verde, frondoso, húmedo y cálido. Sin embargo, sé que ese registro de lo mínimo múltiple propio del paisaje patagónico está en todos mis trabajos. Creo que aprendí a mirar en ese lugar y por lo tanto veo en términos de detalle, construyo desde lo pequeño, desde cada partícula que se va integrando con la siguiente, hasta conformar algo más grande. Mis trabajos le piden al ojo del espectador esa atención.

"Escudo protector / Protective Shield", bordado y costura manual, acrílico y pasamaneria recuperada sobre tela /

embroidery and manual sewing, acrylic and trimmings (Passementerie) recovered on fabric, 63 x 63 cm., 2021

"Mirlos brillantes en la hierba, cerca del río... / Brilliant Blackbirds on the Grass, Near the River...."

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 78,7" x 51,2", 2013

SR: ¿Cómo surgen las temáticas tan salvajes donde tu fantasía se convierte en arte?

LP: Creo que has utilizado una palabra muy interesante, lo "salvaje", que podemos pensarlo como algo muy primario, instintivo, libre, propio del mundo natural y opuesto a lo "domesticado". Una muestra que realicé hace poco tiempo, se llamó "Perro-Lobo", poniendo en relación esos dos pulsos.

A lo largo de mi trabajo he ido desde el paisaje salvaje, utópico ("Utotrópico"), al mundo doméstico, la casa y sus elementos. Es un arco que va desde el paisaje, como hábitat más amplio, hacia el mundo doméstico, donde los elementos del paisaje son desmembrados en la ornamentación y dejan de ser fuerzas naturales para ser elementos del lenguaje visual que denotan lo cultural y portan valor simbólico.

Esta exploración tiene su correlato en una materialidad que se funda en la pintura y el dibujo, y abarca lo instalativo y otras materialidades, muy particularmente el textil, que abre una puerta directa al espacio doméstico y es un puente de conexión directa con la historia personal y socio-cultural.

"No me busques en la cocina / Don't Look For me in The Kitchen"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 95 cm., 2011

"Arqueología doméstica / Domestic Archaeology"

Marcadores, bolígrafos y tintas metalizadas sobre papel de empapelar /

markers, pen and metallick chalk on wallpaper, 50 x 50 cm., 2021

SR: ¿Cuáles son los referentes artísticos y culturales que más te han influenciado?

LP: No me gusta hacer listas de referentes porque siento que nunca son muy exactas y que dejan afuera una parte importante de los trabajos que nos afectan de una manera u otra. Pero claro, Gustav Klimt, Henri Mattise, Henri Rousseau, Beatriz Milhazes, Feliciano Centurión, Arthur Bispo do Rosario, Omar Schiliro, Carolina Antoniadis, Mónica Millán, Chiachio Giannone, son sin duda parte de una línea imaginaria, de un gran espectro de artistas que me interesan mucho.

SR: ¿Existe alguna búsqueda emocional o simbólica en la elección de tu paleta cromática?

LP: Trabajo el color como una vibración que porta carga emocional, es una exploración que apunta a materializar esa conexión, a construir relaciones simbólicas antes que a racionalizarla.

"Ñandu-Jouy", bordado y costura manual, acrílico, ñanduti y pasamaneria recuperada sobre tela /

manual embroidery and sewing, acrylic, ñanduti and trimmings (Passementerie) recovered on fabric, 100 x 80 x 5 cm., 2021

"Jardines ajenos / Foreign Gardens 3", acrílico, calado, cutout y collage sobre papel de empapelar y plástico /

acrylic, fretwork, cutout and collage on wallpaper and plastic, 2020

SR: ¿Te guías a menudo por el azar?

LP: No, a pesar de que trabajo sin mucho plan previo no es el azar lo que me guía sino una lógica muy interna de mi propia forma de trabajo que va resolviendo con mucha atención los pasos necesarios para cada pieza.

SR: ¿Qué es para ti la belleza?

LP: Un estado.

SR: ¿Qué técnicas prefieres?

LP: Creo mucho en la apropiación de la técnica, en el sentido de un uso moldeado por uno mismo, un uso mutable que se acomoda a los requerimientos del propio trabajo. Subordino la técnica al trabajo, es una herramienta nada más y prefiero la que convenga a cada proyecto.

Serie "Pequeños paisajes" / Little Landscapes Series

"Selva submarina / Underwater Forest", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 97 x 140 cm., 2014

"Los secretos / The Secrets 3", dibujo, costura, plegado, cutout y collage sobre papel de empapelar /

drawing, sewing, folding, cutout and collage on wallpaper, 56 x 38 cm., 2020

SR: ¿Podrías referirte a las claves de tu trabajo?

LP: Tengo un sistema de hacer que es muy laborioso, podría decir que eso es una clave. También lo interconectivo, el uso del soporte como campo donde los elementos se interceptan y atraviesan entre si, con mucha electricidad, mucha intensidad.

SR: ¿Crees que has conseguido encontrar el estilo con el que realmente te sientes cómoda?

LP: Hay una forma de hacer, una lógica y una poética que identifican mi trabajo. Eso es como una plataforma para un hacer que naturalmente no está fijo, sino que va mutando en el tiempo, abriéndose a nuevas exploraciones.

SR: ¿Qué tienes en mente para el futuro cercano, en relación a tu arte?

LP: Por delante veo mucho trabajo.

Lia trabajando en su taller / at work in her atelier

Born in Rio Gallegos, Province of Santa Cruz (Argentine Patagonia) on June 14, 1968, Lia moved to Buenos Aires where she graduated as a lawyer.

She practiced law for several years, and at the same time wrote prose and poetry, but she was already so attracted to art that she boldly moved from law and texts to paintbrushes. She trained in several workshops in painting and engraving. Hers work is characterized by its laboriousness, complexity and thoroughness, developing organic images with different focuses. The textiles are richly embroidered and textured. Enamels, layers of color, lines and stitches, fabrics and seams intertwine to form worlds of unusual gardens, both natural and artificial, that awaken the imagination of the viewer.

"Arqueología doméstica / Domestic Archaeology", marcadores, bolígrafos y tintas metalizadas sobre papel de empapelar /

markers, pen and metallick chalk on wallpaper, 50 x 50 cm., 2021

"Buscando el León Tinchus / Looking for Lion Tinchus"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 178 cm., 2014

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Where did you study and how was that stage? I know that art was not your first choice.

Lia Porto: I entered the University of Buenos Aires at the age of 17, I studied law, and later I did a postgraduate specialization. That stage was very tugged between the mandates and an internal rebellion to all that that resulted in poems and writings that happened in parallel, as something private. My training as a visual artist came later, in workshops and clinics.

SR: Tell us if the transition to art was gradual or if that option was already within you.

LP: Somehow I had to exhaust a structure that did not serve me, in which I was functional to an external, familiar and social duty to be in order to give space to art.

When I speak of art I refer to a way of doing that processes the experience of the world and transforms and re-signifies it, as an engine that is activated and manifests itself in response to the fact of inhabiting the world. Art was always within me, it was not a passage to that, but rather to leave everything that was not that. Yes, there was a passage from the word to the image, because for many years my medium was writing, but there was something that did not enter there, that remained outside, and that opened the field to painting.

"Manto / Cloak", acrílico y ojalillos metálicos sobre telas / acrylic and metal eyelets on fabrics, 198 x 115 cm., 2019

"Gatas peludas / Hairy Pussycats", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 52" x 40,2", 2013

SR: You were born in Argentine Patagonia. How did that fact influence your memories for your work?

LP: I was born in Patagonia and lived there until I was 17. My matrix experience of the world was forged in that landscape. The initial landscape is a basic imprint, it is impregnated in the memory, and like everything initial is constitutive. Patagonia is a very extensive territory, with a low population density in which desaturated colors predominate, with low, sparse, stunted vegetation, which demands to be looked at in detail and where everything is very small in a context of immensity, very impressive. There is also the sound, there is a howling of the wind, very strong sounds of nature itself, which also offers absolute silence at times. I have worked a lot on a landscape by opposition, which I called "Utotropic", a green, lush, humid and warm place. However, I know that this register of the multiple minimum of the Patagonian landscape is in all my work. I think I learned to look at that place and therefore I see in terms of detail, I build from the small, from each particle that integrates with the next, until it forms something bigger. My works ask the viewer's eye for that attention.

"Que diria Lee? / What would Lee say?", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 126 x 200 cm., 2012

"Ñandu-Jouy", bordado y costura manual, acrílico, ñanduti y pasamaneria recuperada sobre tela /

manual embroidery and sewing, acrylic, ñanduti and trimmings (Passementerie) recovered on fabric, 100 x 80 x 5 cm., 2021

SR: How do you come up with such wild themes where your fantasy becomes art?

LP: I think you have used a very interesting word, the "wild", which we can think of as something very primal, instinctive, free, proper to the natural world and opposed to the "domesticated". An exhibition I did a short time ago was called "Dog-Wolf", putting in relation those two pulses.

Throughout my work I have gone from the wild, utopian landscape ("Utotropic"), to the domestic world, the house and its elements. It is an arc that goes from the landscape, as a broader habitat, to the domestic world, where the elements of the landscape are dismembered in the ornamentation and cease to be natural forces to be elements of the visual language that denote the cultural and carry symbolic value.

This exploration has its correlate in a materiality that is based on painting and drawing, and encompasses installation and other materialities, particularly textiles, which open a direct door to the domestic space and is a bridge of direct connection with personal and socio-cultural history.

"Mi casa en la calle Alberti / My House at Alberti Street"

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 200 x 200 cm., 2014

"Hibridaciones / Hybridizations 2", aguada, acuarela, lápiz y tintas sobre papel /

gouache, watercolor, pencil and inks on paper, 93 x 70 cm., 2020

SR: What are the artistic and cultural references that have influenced you the most?

LP: I don't like to make lists of references because I feel that they are never very accurate and that they leave out an important part of the works that affect us in one way or another. But of course, Gustav Klimt, Henri Mattise, Henri Rousseau, Beatriz Milhazes, Feliciano Centurion, Arthur Bispo do Rosario, Omar Schiliro, Carolina Antoniadis, Monica Millan, Chiachio Giannone, are certainly part of an imaginary line, of a great spectrum of artists that interest me a lot.

SR: Is there any emotional or symbolic search in the choice of your chromatic palette?

LP: I work with color as a vibration that carries an emotional charge, it is an exploration that aims to materialize that connection, to build symbolic relationships rather than to rationalize it.

"Los secretos / The Secrets 2"

Dibujo, bordado, costura, plegado, cutout y collage sobre papel de empapelar /

drawing, embroidery, sewing, folding, cutout and collage on wallpaper, 55 x 86 cm.

(bordes variables / variable borders), 2019

"Utotropico / Utotropic", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 200 x 187 cm., 2016

SR: Are you often guided by chance?

LP: No, even though I work without much of a previous plan, it is not chance that guides me but a very internal logic of my own way of working that carefully resolves the necessary steps for each piece.

SR: What is beauty for you?

LP: A state.

SR: What techniques do you prefer?

LP: I believe a lot in the appropriation of technique, in the sense of a use molded by oneself, a mutable use that adapts to the requirements of the work itself. I subordinate technique to the work, it's just a tool and I prefer the one that suits each project.

"Los secretos / The Secrets 4", dibujo, costura, plegado, cutout y collage sobre papel de empapelar /

drawing, sewing, folding, cutout and collage on wallpaper, 50 x 44 cm., 2020

SR: Could you talk about the keys to your work?

LP: I have a system of making that is very laborious, I could say that is a key. Also the interconnective, the use of the support as a field where the elements intercept and cross each other, with a lot of electricity, a lot of intensity.

SR: Do you think you have managed to find the style with which you really feel comfortable?

LP: There is a way of doing, a logic and a poetics that identify my work. That is like a platform for a way of doing that is naturally not fixed, but mutates over time, opening up to new explorations.

SR: What do you have in mind for the near future, in relation to your art?

LP: I see a lot of work ahead.

Lia en su taller, con una obra en proceso (Ruinas circulares) /

Lia in her workshop, with a work in progress (Circular Ruins), 2020

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Sobre los artistas mencionados / About mentioned artists:

Gustav Klimt: [Todos los enlaces / All links]

Henri Mattise: [Todos los enlaces / All links]

Henri Rousseau: [Todos los enlaces / All links]

Beatriz Milhazes: Wikipedia

Feliciano Centurion: Wikipedia

Arthur Bispo do Rosario: Wikipedia (English)

Omar Schiliro: Artnexus

Carolina Antoniadis: [Carolina Antoniadis (Pintura, Entrevista)]

Mónica Millán: Bola de nieve

Leo Chiachio & Daniel Giannone: Wikipedia (English)

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Más sobre / More about Lia Porto: Website, Instagram, Saatchi

¡Muchas gracias por la entrevista, Lia!

Thanks a lot for the interview, Lia!

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Nuevo post con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado paralelismos siempre interesantes en el mundo del arte.

Tercera parte de una miniserie dedicada a la visión cinematográfica de la pintura. Infinidad de directores han representado obras pictóricas a través de imágenes en movimiento, y en otros casos, de forma más o menos deliberada, esta maravillosa intersección de las artes ha dado lugar a significativas analogías visuales. Aquí les dejo algunos ejemplos.

New post with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in always interesting parallels in the art world.

Third part of a mini-series dedicated to the cinematographic vision of painting. Countless directors have represented pictorial works through moving images, and in other cases, more or less deliberately, this wonderful intersection of the arts has given rise to significant visual analogies. Here you have some examples.

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James Abbott McNeill Whistler

(Lowell, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA, 1834-1903)

"Arreglo en gris y negro nº 1, más conocido como Retrato de la madre del artista /

Arrangement in Grey and Black No.1, famous under its colloquial name Whistler's Mother"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 144,3 cm × 162,4 cm., 1871. Musée d'Orsay (Paris, Francia / France)

James McNeill Whistler en "El Hurgador" / in this blog:

[Rinocerontes (XXXVI)], [Aniversarios (XXIV)], [Recolección (XII)]

"El presidente / The President", Carl Theodore Dreyer, 1919. Filmaffinity. Imdb

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David Alexander "Alex" Colville

(Toronto, Canadá, 1920 - Wolfville, 2013)

"Hacia la isla Príncipe Eduardo / To Prince Edward Island", 1965

Alex Colville en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XXXI)], [Pintando perros (XLVIII)]

"Moonrise Kingdom", Wes Anderson, 2012. Filmaffinity. Imdb

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Thomas Gainsborough

(Sudbury, Suffolk, Inglaterra / England, 1727 - Londres / London, 1788)

"El joven azul / The Blue Boy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 177,8 × 112,1 cm., c.1770

Biblioteca Huntington (San Marino, California, EE.UU./ CA, USA). Wikipedia. Wikimedia Commons

Thomas Gainsborough en "El Hurgador" / in this blog:

[Marta Klonowska (Escultura)], [Pintando perros (XXV)], [Pintando perros (XLIII)], [Sucedió en el museo (V-Anexo)]

Jamie Foxx como / as Django Freeman

"Django desencadenado / Django Unchained", Quentin Tarantino, 2012. Filmaffinity. Imdb

Quentin Tarantino en "El Hurgador" / in this blog: [Jason Seiler (Ilustración, Caricatura)]

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Francisco José de Goya y Lucientes

(Fuendetodos, Zaragoza, España / Spain, 1746 -

Burdeos, Francia / Bourdeaux, France, 1828)

"Duelo a garrotazos o La riña / Fight with Cudgels"
Óleo sobre muro trasladado a lienzo / oil mural transferred to canvas, 123 x 266 cm., 1819-23
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Francisco de Goya en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"Jamón jamón", Pedro Almodóvar, 1992. Filmaffinity. Imdb

Pedro Almodóvar en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (L)], [José Haro (Fotografía, Cine)]

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Diego Rodríguez de Silva y Velázquez

(Sevilla, Andalucía, España / Seville, Andalusia, Spain, 1599 - Madrid, 1660)

"Las lanzas o La rendición de Breda / The Surrender of Breda", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 307 x 367 cm., c.1635

Museo Nacional del Prado (Madrid, España / Spain)

Diego Velázquez en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"Alatriste (El capitán Alatriste)", Agustín Díaz Yanes, 2006. Filmaffinity. Imdb

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Grant DeVolson Wood

(Anamosa, Iowa, EE.UU./ IA, USA, 1891 - Iowa City, 1942)

"Maíz joven / Young Corn", óleo sobre masonita / oil on masonite, 23 3/4" x 29 3/4", 1931

Cedar Rapids Museum of Art (Cedar Rapids, Iowa, EE.UU./ IA, USA). Wikiart

Grant Wood en "El Hurgador" / in this blog: [Arte & Humor (II)], [Aniversarios (II)], [Adam Lister (Acuarelas)]

"El imaginario del Dr. Parnasus / The Imaginarium of Dr. Parnassus", 2009. Terry Gilliam. Filmaffinity. Imdb

Terry Gilliam en "El Hurgador" / in this blog: [Allan Amato (Fotografía)], [Asonancias (XLI)]

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John Singer Sargent

(Firenze / Florencia, Italia / Florence, Italy, 1856 -

Londres, Reino Unido / London, UK, 1925)

"El jaleo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 232 x 348 cm., 1882

Isabella Stewart Gardner Museum (Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA). Wikipedia

John Singer Sargent en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"El Álamo / The Alamo", John Wayne, 1960. Filmaffinity. Imdb

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Norman Percevel Rockwell

(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1894 - Stockbridge, Massachusetts / MA, 1978)

"Libertad de vivir sin miedo / Freedom From Fear"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116,2 x 90 cm., entre / between 1941-45

National Archives at College Park (Maryland, EE.UU./ MD, USA). Wikimedia Commons

Norman Rockwell en "El Hurgador" / in this blog:

[Librofilia (X)], [Aniversarios (I)], [Recolección (XLVI)], [Sucedió en el museo (XI)], [Sucedió en el museo (XI, Anexo)]

"El imperio del sol / Empire Of The Sun", Steven Spielberg, 1987. Filmaffinity. Imdb

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Wilhelm Heinrich Otto Dix

(Gera, Alemania / Germany, 1891 - Singen [Hohentwiel], 1969)

"Retrato de la periodista / Portrait of the journalist Sylvia von Harden"

Técnica mixta de óleo y témpera sobre tabla / mixed media of oil and tempera on wood, 121 × 89 cm., 1926

Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou (París, Francia / France). Wikipedia (English)

Otto Dix en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"Cabaret", Bob Fosse, 1972. Filmaffinity. Imdb

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René François Ghislain Magritte

(Lessines, België / Bélgica / Belgium, 1898 -

Brussel / Bruselas / Brussels, 1967)

"Le Fils de l'Homme / El hijo del hombre / The Son of Man"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116 x 89 cm., 1964. Colección privada / Private Collection. Link

René Magritte en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

"El secreto de Thomas Crown / The Thomas Crown Affair", John McTiernan, 1999. Filmaffinity. Imdb

Pierce Brosnan como / as Thomas Crown

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Andrew Newell Wyeth

(Chadds Ford, Pennsylvania, EE.UU. / PA, USA, 1917 - 2009)

"El mundo de Cristina / Christina's World"

Témpera sobre panel / tempera on panel, 81,9 x 121,3 cm., 1948

Museum of Modern Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

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"Forrest Gump", Robert Zemeckis, 1994. Filmaffinity. Imdb

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Amedeo Clemente Modigliani

(Livorno, Italia / Italy, 1884 - París, Francia / France, 1920)

"Madame Zborowska con las manos juntas / With Clasped Hands"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 65 cm., c.1917. Colección privada / Private Collection. Wikiart

Amedeo Modigliani en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Judith. "It", Andy Muschietti, 2017. Filmaffinity. Imdb

Con su rostro alargado y deformado y sus ojos inquietantemente vacíos, "la mujer del cuadro" (llamada Judith en los créditos de la película) se parece mucho a "Mamá", la entidad titular de la anterior película de Muschietti, que, curiosamente, fue interpretada por Javier Botet. Esto se debe a que tanto Mamá como Judith se inspiran en las pinturas del artista Amedeo Modigliani.

"Es la traducción literal de un miedo infantil muy personal", explicó recientemente Muschietti respecto a la creación de Judith. "En mi casa había un grabado de un cuadro de Modigliani que me parecía aterrador. Y la idea de encontrarme con una encarnación de la mujer que aparece en él me volvía loco".

Continuó: "[Modigliani] suele hacer estos retratos con personajes alargados. Su visión de los humanos era con cuellos alargados, caras torcidas y ojos vacíos la mayoría de las veces. Era tan deforme que, de niño, no lo ves como el estilo de un artista. Lo ves como un monstruo". Fuente

Fotograma de la película / Still of the Movie

With her elongated, deformed face and eerily vacant eyes, "the woman in the painting" (named Judith in the film’s credits) looks a whole lot like Mama, the titular entity from Muschietti’s previous film - who was, funny enough, played by Javier Botet. That’s because both Mama and Judith were inspired by the paintings of artist Amedeo Modigliani.
"It’s a literal translation of a very personal childhood fear,” Muschietti recently explained the creation of Judith. "In my house, there was a print of a Modigliani painting that I found terrifying. And the thought of meeting an incarnation of the woman in it would drive me crazy."
He continued, "[Modigliani] often does these portraits with elongated characters. His vision of humans were with elongated necks, crooked faces and empty eyes most of the time. It was so deformed that as a child, you don’t see that as an artist’s style. You see it as a monster."Source

Daniel Jimenez Villalba

(Madrid, España / Spain)

"Judith con flauta / flute", arte digital / digital art. ArtStation

Más sobre / More about Daniel Jiménez: ArtStation

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Otros posts de esta miniserie / Other posts in this miniseries

[Cuadros y pelis (I)], [Cuadros y pelis (II)]

Todos los posts de la serie "Asonancias" aquí / All posts in Assonances Series here

Volvemos a Argentina para adentrarnos en el mundo artístico de otro interesante creador rioplatense: Leandro Niro. Shirley Rebuffo nos presenta esta nueva entrevista, que acompañamos con tres posts repasando en imágenes la amplitud y variedad de su obra. Leandro se expresa utilizando diferentes medios y técnicas, tales como la cerámica, pintura, dibujo, acuarela, carboncillo...

Un primer post con cerámica y la entrevista en español, el segundo con la misma en inglés, y el tercero con una selección de sus dibujos y pinturas, y algunas preguntas y respuestas específicas sobre estas disciplinas.

We return to Argentina to delve into the artistic world of another interesting creator from Rio de la Plata: Leandro Niro. Shirley Rebuffo presents this new interview, which we accompany with three posts reviewing in images the breadth and variety of his work. Leandro expresses himself using different media and techniques, such as ceramics, painting, drawing, watercolor, charcoal...

A first post with ceramics and the interview in Spanish, the second with the same in English, and the third with a selection of his drawings and paintings, and some specific questions and answers about these disciplines.

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Leandro Niro

(Olivos, Buenos Aires, Argentina, 1975-)

Leandro Niro en su taller / at his workshop

"La idea está en ponerle un alma a las cosas, que tengan vida y, dentro de lo figurativo, romper los esquemas y distorsionarlos en forma arbitraria sin salir de una armonía estética.", L.N.

Leandro Niro es un artista argentino nacido el 2 de setiembre de 1975 en Olivos, Buenos Aires.

Comenzó su carrera experimentando como autodidacta. Más adelante asistió a varios talleres de dibujo y pintura, ya con la decisión de ingresar a la Universidad de Buenos Aires (UBA) en la carrera de Diseño Industrial. Comprendiendo que su búsqueda estaba dirigida hacia la plástica, se cambió a la carrera de Diseño Gráfico. Es así que en 1996 ingresa a la Escuela Nacional de Bellas Artes "Prilidiano Pueyrredón", egresando como profesor nacional de escultura. En el año 2004 comienza el seminario de equivalencias universitarias en el Instituto Universitario Nacional de Arte.

Leandro se caracteriza por tener una voz que comunica con una serenidad sincera, propia de un maestro transmisor de conocimiento. Eso hace que cuando describe sus obras anuncia su oficio con exquisito detalle.

Actualmente es profesor de escultura, dibujo y pintura en el taller de Leo Tavella. Ha realizado numerosas exposiciones, siendo además jurado en el 58ª. Salón Anual Internacional de Arte Cerámico. Ha impartido varias conferencias y seminarios.

"Tejido / Weave", cerámica, madera, hierro / ceramic, wood, iron, 14 x 5 x 12 cm., 2021

"En el cuarto / At the Room", Serie Fútbol (Boca) / Soccer (Boca) Series

Cerámica, hierro / ceramic, iron, 39 x 22 x 28 cm., 2017

"En esta serie quiero expresar o contar, con una mirada de espectador, parte de algunas vivencias, lo que nos pasa con el fútbol en cuanto a la pasión, alegría, tristeza, nostalgia, decepción, frustración, llanto y... puedo seguir con mas adjetivos, porque el fútbol es eso.

Pero en esta serie destaco y pongo una mirada a las derrotas: al que le metieron el gol, a los camilleros, al banco de suplentes, a la hinchada, al que escucha el partido estando solo en una pieza. Es una mirada de nostalgia quizás, pero también sobre aquello que no tienen, ese protagonismo, aunque siempre están.

Creo que el fútbol abarca todo esto, porque simplemente es cuestión de estar atentos, y ahí aparecen todas estas emociones.", L.N.

"Dónde estoy / Where I Am", cerámica, hierro / ceramic, iron, 42 x 48 x 38 cm., 2021

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Eres un artista polifacético, por lo tanto, tengo que hacer una pregunta amplia, ¿cómo, y porqué te convertiste en artista?

Leandro Niro: No sé si soy polifacético, pero me gusta todo en el mundo del arte visual. Obviamente que ahora el tema visual se expandió bastante con el uso de la informática. Se trabaja con audio y video. No es que sea muy partícipe, pero me alegra que esté ahí.

A los seis o siete años comencé a dibujar. Nunca lo dejé. Cuando uno es niño tiene ciertos intereses que después decaen, pero de ningún modo renuncié al dibujo porque siempre me sentí muy cómodo expresándome así.

Tengo una familia que de a poco fue cambiando. Antes veía que el arte no era una profesión, no veían como una carrera eso de dibujar, pintar, hacer escultura. No lo veían como una salida económica. Pero igual me apoyaron porque tuve claro que mi vida venía por ahí y no había otra cosa con la cual me sintiera satisfecho.

Cuando comencé en la secundaria me fui volcando en el terreno artístico hacia las carreras de diseño. Elegí diseño industrial porque me gustaba dibujar autos. Después me volqué al diseño gráfico porque era más libre, con dibujo a mano alzada, no tanta teoría o matemáticas y física.

Se ve que vieron mis inclinaciones y me dijeron que debería hacer Bellas Artes. Sinceramente no conocía, y busqué por las guías telefónicas. Llamé y me anoté. Ahí descubrí la escultura.

Al terminar la carrera de Bellas Artes quise seguir haciendo escultura y busqué un taller de una forma casi diríamos desesperada. Encontré el de Leo Tavella, [23 de septiembre de 1920, Gálvez, Santa Fe – 30 de julio de 2015, Buenos Aires], quien venía de la misma experiencia de escuelas de Bellas Artes y después descubrió la cerámica. Hoy en día el U.N.A. (Universidad Nacional de las Artes, así se llama el taller) está volcado hacia las artes de fuego. Cuando yo estudiaba, las artes de fuego no eran bien vistas. Estamos presenciando un resurgimiento, pero todavía hay gente que no las quiere bien. No consideran a la cerámica como una de las artes más fuertes.

"La espera / The Wait", cerámica, madera / ceramic, wood, 41 x 31 x 56 cm., 2020

"Marquito quiso volar / Marquito Wanted to Fly", cerámica, hierro / ceramic, iron, 38 x 168 x56 cm., 2007

SR: ¿Lo que realizas es la suma de tus experiencias, de tus recuerdos de esas experiencias o de la historia que has tejido a partir de ellas?

LN: Hay un poco de todo. Hay mucha práctica, hay recuerdos. Además me informo y absorbo experiencias de otras personas.

Soy bastante nostálgico. Me gusta mucho esa etapa de los chicos de entre 4 hasta 12 años, cuando tienen toda su vida por delante. Esa etapa de mi vida fue una de las mejores y quizá por eso siento la nostalgia. Me gusta ver películas con personajes de esa edad. Mi forma de verlo es que es una etapa donde todo es pintoresco. Busco mucha información sobre esa época, tal como la que yo viví. Serían los años 70, en que se jugaba en la calle, la ropa era distinta, los juguetes eran otros. Me gusta traer ese período de la infancia, y tomo mucha información de esos recuerdos: películas, fotos, series, imágenes.

SR: ¿Cuándo introdujiste la cerámica en tu imaginario?

LN: La cerámica vino a mi mundo cuando me recibí de la Licenciatura, en el 2003. En el 2000 me recibí con el profesorado y en el 2002 hice materias de homologación. Por ciertas causalidades comencé a averiguar buscando taller y llegué al taller de Leo Tavella. Pasados unos años Leo me contrató como ayudante y por motivos de la vida quiso que esté a cargo del taller, a cargo de su cuidado ya que empezaba a estar solo. Todos sus alumnos y alumnas fuimos una gran familia, estábamos cerca de él. Sigo con las clases, ya teniendo mis propios alumnos.

"Salamandra / Woodstove", instalacion / installation

Cerámica, hierro, chapa, madera / ceramic, iron, metal sheet, wood, 200 x 168 x 200 cm., 2011

"Penitencia / Grounded", cerámica / ceramic, 4 x 10 x 7 cm., 2012

SR: En tus esculturas cerámicas, realizas obras con amplia incorporación de materiales: cerámica, papel maché, hierro, madera, son como una puesta en escena, logrando gran dinamismo. ¿Está todo muy pensado o surge todo a medida que se van realizando?

LN: El mundo de la cerámica se abrió y empecé a investigar a fondo el tema. Para mí es una de las disciplinas más lindas porque lo que haces es lo que queda. No hay un pasaje a bronce, un pasaje a yeso, no hay que hacer un molde ni nada. Lo que tiene es que reduce, según la pasta y la cocción, una vez que se seca y va al horno, reduce aproximadamente entre el 10 % y el 15 %. Eso también tiene pequeños inconvenientes en cuanto a los ensambles. Si a lo que se hace hay que agregar algo y se modela con ese algo que no va a ir al horno, hay que ver el tamaño, cómo reduce, para que en el ensamble quede bien.

Eso hay que pensarlo antes, a priori. Ese objeto que se quiere agregar a la cerámica es el disparador de la idea. A veces quiero crear algo a partir de ese objeto que quiero incorporar, y otras veces quiero que sea la parte principal de la composición. Quizá te mienta si te digo que está todo pensado antes; casi siempre va sobre la marcha.

Después está la complicación del armado. Pienso cómo voy a solucionarlo, cómo se para la pieza, qué le agrego después. Es difícil trabajar todo a priori. Siempre hay sorpresas. Y para mí esas sorpresas son lo más lindo porque te pueden, incluso, cambiar toda la composición. Por ejemplo, la nena con globos, pero ¿cómo le agrego los globos? Bueno, sí, los hice con papel, pero nunca trabajo el papel maché, fue una innovación para mí. Simplemente lo hice para hacer los globos, para que no pesaran tanto.

El hierro y la madera son materiales que tengo siempre presente. Levanto de la calle maderas, hierros, y pienso que algo voy a hacer con esto o con lo otro. O sea, toda esa composición se va armando por medio de un material que encontré. O explorar con la cerámica que voy modelando y a la vez pensando qué puedo meter en una u otra parte.

Las escenografías son lindas porque me voy abriendo a posibilidades y voy agregando materiales que no sean todo cerámica, por el peso. El que sean cosas ensambladas hace que el movimiento de la pieza no sea tan dependiente de ayudas y fletes, sino que queda trasladarlo y armarlo en otros lugares de exposición.

Izq./ Left: "Aventura / Adventure", cerámica, madera / ceramic, wood, 102 x 27 x 125 cm., 2020

Der./ Right: "Balero / Ball-and-Stick", cerámica, madera / ceramic, wood, 38 x 164 x 48 cm., 2012

"Juntadxs / Gathered", cerámica, hierro / ceramic, iron, 31 x 5 x 42 cm., 2018

SR: Los esmaltes que usas en cerámica son de un solo uso. Explícanos cómo es eso.

LN: Como yo no vengo de la escuela de cerámica mi forma de trabajo es bastante espontánea, es ir probando sobre mis trabajos. El resultado es la derivación de diversas influencias: el horneado, la pasta, los insumos de la materia prima, la cantidad de esmalte que se agrega. Todo eso cambia constantemente, es un abanico grande. Un ceramista tiene que ver bien la materia prima, su preparado, hacer las muestras adecuadamente y al final ponerlo en la última pieza que quiera hacer. Yo casi no hago pruebas, los mando directamente en la escultura.

Después hay ciertos esmaltes que, como se usa mucho el soplete de aspersión en el taller, eso hace que mucho esmalte se desperdicie y vuelvo a recuperarlo en la cabina. Así termino haciendo otro esmalte con el rejunte de todo ese sobrante. Y quedan cosas que, en sí, no tienen fórmula, eso hace que cuando se termina ese esmalte ya no exista más. Es un esmalte único, por eso cuando los uso, la pieza pasa a ser absolutamente única porque el esmalte se terminó.

SR: ¿Qué significa para ti disfrutar de tu trabajo?

LN: Poder hacerlo. Quizá muy dentro de mí sabía que no iba a dejar de hacer esto. No sabría decirte si por hobby, por trabajo o por lo que me convertí, pero nunca lo iba a dejar. Por suerte lo hago porque lo puedo hacer, es lo que soy y mis ingresos son por las clases, que me gustan. Es lindo enseñar, pero lo más lindo es hacer arte, expresar, hacer esculturas, dibujos y si uno puede vivir de eso, mejor. También es lindo mostrarlo y recibir lo que la gente percibe y siente. Pero creo que lo más placentero es tener algo en la mente y hacerlo. A veces trato de ponerme en la cabeza de las personas que no necesitan hacer esto y es muy difícil poder entenderlo. Así como también hay personas que no entienden que yo quiera hacer esto, qué ganancia tiene hacer algo con barro, porqué estar horas con ese barro. Hay mucha gente que no entiende por qué se hace un trabajo así. Lo hacemos porque nos satisface. Es algo que está en nuestras mentes y después es palpable, lo podemos tocar: algo que no existía ahora existe. Para mí eso es maravilloso, lo disfruto mucho. Significa mi vida.

"Incertidumbre / Uncertainity", cerámica, hierro / ceramic, iron, 59 x 62 x 97 cm., 2016

"La serie 'Escafandra' es una composición de diferentes esculturas que destacan dicho objeto, expresando estética, rigidez y belleza.

Aunque el mismo lleve a los observadores a tomar diferentes interpretaciones y a veces muy ambiguas, la expresión del autor en sus obras fue la de Protección. Protegerse de lo desconocido, de la exposición que en ocasiones debilita.

La escafandra será una herramienta, un nexo, un punto de partida para abordar lo más profundo que habita en nosotros, llevándonos a un autoconocimiento en búsqueda de la verdad. Dichas profundidades nos topan con diferentes sensaciones y personajes, desde lo más íntimo y a la vez universal."

"Pandemia / Pandemic", cerámica / ceramic, 30 x 28 x 25 cm., 2017

SR: ¿Cuál es tu mayor debilidad a la hora de enfrentarte a una nueva creación?

LN: No pienso que no me va a salir. Tampoco pienso que me va a quedar distinta a lo que me imaginaba. Después si no me gusta, no me gusta. A veces en trabajos que hago para alguien, si ya tiene un fin, para quien sea, o encargos, siempre hay dificultades. Eso me pone bastante nervioso porque trabajo distinto. Te piden algo y te tiene que quedar igual a algo que habían visto algo. Las energías no son iguales. Por eso no me gusta trabajar algo en serie, volver a hacer sobre algo que me gustó. Me gusta hacer, trabajarlo, si queda, bien, pero si no queda, no queda. Creo que esa es la debilidad trabajar sobre algo ya hecho. Tampoco es tan dramático.

"Elena", cerámica / ceramic, 46 x 31 x 25 cm., 2011

"Vivito y coleando / Alive and Kicking", madera, hierro / wood, iron, 17 x 28 x 38 cm., 2021

SR: ¿Podrías comentar alguna curiosidad artística?

LN: No soy de estar conectado con lo que está pasando en el mundo artístico. Quizá haga mal. Aplaudo a que el arte se abra y aparezcan cosas nuevas. A veces, como soy bastante clásico en mis trabajos, me cuesta ver algo que sea muy distinto a lo que entiendo como clásico-arte. No entiendo eso de que compran un espacio y colocan ramas y nada más y la gente compra el papel y el título de la obra. Eso la verdad me cuesta verlo como arte. Pienso que quizá sea que yo me tenga que poner a estudiarlo más, saber porqué llegan a hacer eso, si es una forma de crítica del mundo actual. Me tengo que involucrar más, estudiar esas formas de arte. Eso es una curiosidad.

"Te cuido modelado / I Take Care of You", cerámica, madera / ceramic, wood, 68 x 18 x 7 cm., 2021

"Miedo / Fear", cerámica, hierro, madera / ceramic, iron, wood, 21 x 7 x6 cm., 2019

SR: ¿Cómo han sido tus experiencias de viajes con respecto a las cerámicas?

LN: Me han invitado a seminarios en algunas escuelas de arte de cerámica. La experiencia es hermosa, como esto que hacemos ahora, interiorizar y adentrarse en lo que uno hace, que por lo general no se piensa tanto. Sin embargo, cuando tengo seminarios en los que tengo que hablar de mi obra, hace que me interiorice más y piense en lo que estoy haciendo y dónde estoy parado. Eso es agradable, pensar en lo que hago.

En mi primer viaje a Europa, tuve que llevar mis cosas, las mostré, tuvo buena repercusión, vendí obra, quedaron contactos. La experiencia fue hermosa. Esa experiencia hace que sea una parte del viaje porque fue mi primer viaje a Europa, entonces fui más de turista. Por ahí, si viajo más, con más involucramiento en el arte, tengo otras experiencias que seguro deberán ser muy buenas.

"Amigos / Friends", cerámica, hierro / ceramic, iron, 200 x 195 x 150 cm., 2011

"Carnicero / Butcher", cerámica, madera / ceramic, wood, 10 x 23 x 6 cm., 2011

SR: ¿Puedes hablarnos de tu taller?

LN: Como te he mencionado, yo empecé como alumno en el taller de Tavella. Es un taller muy viejo. Leo estuvo trabajando unos 50 años trabajando ahí. Queda en zona norte, en Acassuso [partido de San Isidro, provincia de Buenos Aires, Argentina]. Tiene tres hornos, herramientas para trabajar la madera y todas las herramientas de trabajo, mesas grandes. Se divide en dos: la cerámica y escultura, y la alfarería. Comparto el taller con Stella Cardigonde, que es alfarera. Con ella le dimos la palabra a Leo Tavella de continuar con el taller abierto, que no desaparezca. Es una especie de homenaje siempre a Leo el estar ahí. Me siento cómodo porque, más allá de todo, siempre me permitió trabajar libremente. Siento un respeto grande el mantener en vida sus obras, él también me dejó esa libertad de crecer como artista y no estar siempre pegado a su arte.

Es un taller hermoso, con mucha energía. Muy viejo, parece estar todo desordenado, que todo es un caos, pero no es así. Es lindo, porque donde se levanta la vista se ven cosas de arte. Me da placer estar en él.

Izq./ Left: "Globos / Balloons", cerámica, madera, hierro, papel mache /

ceramic, wood, iron, papier mache, 67 x 165 x 70 cm., 2015

Der./ Right: "Cebollita", ceramica / cerámica, 5 x 21 x 4 cm., 2021

"Banco de suplentes (Banquillo) / Bench", Serie Fútbol / Soccer Series

Cerámica, madera / ceramic, wood, 28 x 21 x 14 cm., 2017

SR: En relación a tu rol como profesor de arte, ¿cuál es el aporte del artista que modela su práctica y trabaja con los estudiantes?

LN: Aporto por lo que estudié en cuanto a la composición, a la forma de enseñar. Como artista, en la práctica, hago cosas y mis errores o lo que me queda bien, se lo trasmito a mis estudiantes. A veces como prueba o error, se los traslado y eso hace que se acorten algunos pasos de ellos y que no entren en un fracaso. Todo lo que hago y lo que siento puedo enseñarlo; lo que siento que está bien, se los transmito como profesor.

SR: ¿Qué proyectos tienes para el futuro?

LN: Siempre hay proyectos, siempre encuentro algo qué hacer. Dibujar en algún cuadernito, tener presente esas anotaciones hace que me ponga temas y tareas. Proyectos siempre tengo como para presentar en salones, Nacional, municipal. Eso hace que trabaje en tamaños más grandes, que no me acomode en tamaños pequeños. Siempre me propongo esos proyectos para tener obras grandes y después si sale una muestra, sacar esos trabajos.

Proyectos con el tema de los niños, no ya con juguetes y sus dificultades, sino en situaciones. La escafandra siempre va a estar ahí. Quizá como meta hacer más dibujos porque a veces los comienzo y luego los voy dejando de lado, van pasando los días y me gustaría meterme más en el mundo del dibujo.

Entrada del taller / Workshop entrance. Cerámica / ceramic, 50 x 195 x 50 cm., 2008-09

Más sobre / More about Leandro Niro: Blog, facebook

¡Muchas gracias por la entrevista, Leandro!

Thanks a lot for the interview, Leandro!

Parte 2, Parte 3 / Part 2, Part 3

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Un primer post con cerámica y la entrevista en español, el segundo con la misma en inglés, y el tercero con una selección de sus dibujos y pinturas, y algunas preguntas y respuestas específicas sobre estas disciplinas.

A first post with ceramics and the interview in Spanish, the second with the same in English, and the third with a selection of his drawings and paintings, and some specific questions and answers about these disciplines.

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Leandro Niro

(Olivos, Buenos Aires, Argentina, 1975-)

Leandro Niro junto a su obra "Sumergido" / with his work "Submerged"

Foto / Photo: Pablo Jantus (c) ARSOmnibus

"The idea is to give things a soul, to give them life and, within the figurative, to break the schemes and distort them in an arbitrary way without leaving an aesthetic harmony.", L.N.

Leandro Niro is an Argentine artist born on September 2, 1975 in Olivos, Buenos Aires.
He began his career experimenting as a self-taught artist. Later he attended several drawing and painting workshops, already with the decision to enter the University of Buenos Aires (UBA) in the career of Industrial Design. Realizing that his search was directed towards the plastic arts, he switched to the career of Graphic Design. Thus, in 1996 he enters the National School of Fine Arts "Prilidiano Pueyrredón", graduating as a national professor of sculpture. In 2004 he began the seminar of university equivalencies at the National University Institute of Art.
Leandro is characterized by a voice that communicates with a sincere serenity, typical of a master transmitter of knowledge. This means that when he describes his works, he announces his craft with exquisite detail.
He currently teaches sculpture, drawing and painting at Leo Tavella's workshop. He has made numerous exhibitions, being also juror in the 58th. Annual International Exhibition of Ceramic Art. He has given several lectures and seminars.

"Sumergido / Submerged", cerámica, hierro / ceramic, iron, 28 x 165 x 31 cm., 2017

"La familia ventosa / Cupping Glasses Family", cerámica, vidrio / ceramic, glass, 11 x 15 x 10 cm., 2006

"Esta fue una de las primeras obras donde comencé a poner cosas en la cabeza, siempre con objetos reciclados.", L.N.

"This was one of the first works where I started to put things on the heads, always with recycled objects.", L.N.

"Resurgir / Resurgence", cerámica / ceramic, 150 x 68 x 155 cm., 2017

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: You are a multifaceted artist, therefore, I have to ask a broad question: How, and why did you become an artist?

Leandro Niro: I don't know if I am multifaceted, but I like everything in the visual art world. Obviously now the visual theme has expanded a lot with the use of computers. We work with audio and video. It's not that I'm very involved, but I'm glad it's there.

I started drawing when I was six or seven years old. I never stopped. When you are a child you have certain interests that later decline, but in no way I gave up drawing because I always felt very comfortable expressing myself that way.

I have a family that has been changing little by little. Before, they didn't see art as a profession, they didn't see drawing, painting, sculpture as a career. They didn't see it as an economic outlet. But they still supported me because it was clear to me that my life came that way and there was nothing else with which I felt satisfied.

When I started high school, I began to turn towards design careers in the artistic field. I chose industrial design because I liked to draw cars. Then I turned to graphic design because it was more free, with freehand drawing, not so much theory or mathematics and physics.

They saw my inclinations and told me I should do fine arts. I honestly didn't know, and I looked through the phone books. I called and signed up. That's when I discovered sculpture.

When I finished my Fine Arts degree I wanted to continue sculpting and I looked for a workshop in an almost desperate way. I found Leo Tavella's, [September 23, 1920, Gálvez, Santa Fe - July 30, 2015, Buenos Aires], who came from the same experience of Fine Arts schools and then discovered ceramics. Today the U.N.A. (Universidad Nacional de las Artes "National University of Arts", that's the name of the workshop) is focused on fire arts. When I was a student, fire arts were not well regarded. We are witnessing a resurgence, but there are still people who don't like them. They don't consider ceramics as one of the strongest arts.

"Resurgir / Resurgence", cerámica / ceramic, 150 x 68 x 155 cm., 2017

"Clases / Classes", cerámica, madera / ceramic, wood, 40 x 8 x 50 cm., 2019

"The Scuba Series is a composition of different sculptures that highlight this object, expressing aesthetics, rigidity and beauty.

Although that object leads observers to take different interpretations and sometimes very ambiguous, the expression of the author in his works was that of Protection. To protect oneself from the unknown, from the exposure that sometimes weakens.

The scuba will be a tool, a nexus, a starting point to approach the deepest that dwells in us, leading us to a self-knowledge in search of truth. These depths meet us with different sensations and characters, from the most intimate and at the same time universal."

"Isaac & Mabel", cerámica / ceramic, 15 x 18 x 6 cm., 2009

SR: Is what you do the sum of your experiences, of your memories of those experiences, or of the history you have woven from them?

LN: There's a little bit of everything. There is a lot of practice, there are memories. I also inform myself and absorb other people's experiences.

I'm quite nostalgic. I like very much that stage of kids from 4 to 12 years old, when they have their whole life ahead of them. That stage of my life was one of the best and maybe that's why I feel the nostalgia. I like watching movies with characters of that age. My way of looking at it is that it's a stage where everything is picturesque. I look for a lot of information about that era, just like the one I lived through. It would be the 70s, when people played in the street, the clothes were different, the toys were different. I like to bring back that period of my childhood, and I take a lot of information from those memories: movies, photos, series, images.

SR: When did you introduce ceramics in your imaginary?

LN: Ceramics came into my world when I graduated in 2003. In 2000 I graduated as a teacher and in 2002 I took homologation courses. For certain reasons I started to look for a workshop and I came to Leo Tavella's workshop. After a few years Leo hired me as an assistant and for reasons of life he wanted me to be in charge of the workshop, in charge of his care since he was starting to be alone. All his students were a big family, we were close to him. I continue with the classes, now having my own students.

"Contra el raquitismo / Against Rickets", cerámica, madera / ceramic, wood

Izq./ Left: "Introspección / Introspection", cerámica / ceramic, 80 x 160 x 45 cm., 2014

Der./ Right: "Homenaje / Tribute", cerámica en molde / cast ceramic, 5 x 21 x 4 cm., 2021

SR: In your ceramic sculptures, you make works with a wide incorporation of materials: ceramics, papier-mâché, iron, wood... They are like a staging, achieving great dynamism. Is everything well thought out or does it all emerge as you make them?

LN: The world of ceramics opened up and I began to investigate the subject in depth. For me it is one of the most beautiful disciplines because what you do is what remains. There is no passage to bronze, no passage to plaster, you don't have to make a mold or anything. What it has is that it reduces, depending on the paste and the firing, once it dries and goes to the oven, it reduces approximately between 10% and 15%. That also has small drawbacks in terms of the assemblies. If something has to be added to what is made and it is modeled with that something that is not going to go to the oven, it is necessary to see the size, how it reduces, so that in the assembly it fits well.

You have to think about it beforehand, a priori. That object that I want to add to the ceramic is the trigger of the idea. Sometimes I want to create something from that object that I want to incorporate, and other times I want it to be the main part of the composition. Maybe I'm lying if I tell you that everything is thought out beforehand; it almost always happens on the fly.

Then there is the complication of the assembly. I think about how I'm going to solve it, how to finish the piece, what to add later. It is difficult to work everything a priori. There are always surprises. And for me those surprises are the most beautiful thing because they can even change the whole composition. For example, the girl with balloons, but how do I add the balloons? Well, yes, I made them with paper, but I never worked with papier-mâché, it was an innovation for me. I simply did it to make the balloons, so they wouldn't weigh so much.

Iron and wood are materials that I always keep in mind. I pick up wood and iron from the street and I think I'm going to do something with this or that. In other words, the whole composition is put together by means of a material I found. Or explore with the ceramics that I am modeling and at the same time thinking about what I can put in one part or another.

The scenographies are nice because I open myself to possibilities and add materials that are not all ceramic, because of the weight. The fact that they are assembled things means that the movement of the piece is not so dependent on aids and freight, but it is possible to move it and assemble it in other exhibition places.

"Camilleros / Stretcher-bearers", Serie Fútbol / Soccer Series

Cerámica, madera / ceramic, wood, 28 x 21 x 12 cm., 2017

"In this series I want to express or tell, with a spectator's view, part of some experiences, what happens to us with soccer in terms of passion, joy, sadness, nostalgia, disappointment, frustration, crying and... I can go on with more adjectives, because soccer is that.

But in this series I highlight and put a look at the defeats: the one who scored the goal, the stretcher bearers, the substitutes' bench, the fans, the one who listens to the game alone in a room. It is a look of nostalgia perhaps, but also about what they do not have, that protagonism, although they are always there.

I think soccer encompasses all this, because it's simply a matter of being attentive, and all these emotions appear.", L.N.

Serie Capuchas / Hoods Series, cerámica, madera / ceramic, wood, 26 x 16 x 12 cm., 2021

"Perplejidad metafísica / Metaphysical Perplexity", cerámica / ceramic, 50 x 195 x 50 cm., 2009

SR: The glazes you use on ceramics are single-use. Explain to us what that's like.

LN: Since I don't come from a ceramics school, my way of working is quite spontaneous, it's a matter of experimenting with my work. The result is the derivation of various influences: the firing, the paste, the raw material inputs, the amount of glaze that is added. All this changes constantly, it is a wide range. A ceramist has to see well the raw material, its preparation, make the samples properly and at the end put it in the last piece he wants to make. I almost never do tests, I send them directly to the sculpture.

Then there are certain enamels that, as the spray torch is used a lot in the workshop, this causes a lot of enamel to be wasted and I recover it again in the cabin. So I end up making another glaze with the rejoining of all that leftover. And there are things left over that, in themselves, do not have a formula, so when that glaze is finished, it no longer exists. It is a unique glaze, so when I use them, the piece becomes absolutely unique because the glaze is finished.

SR: What does it mean to you to enjoy your work?

LN: To be able to do it. Maybe deep down inside I knew that I wasn't going to stop doing this. I couldn't tell you if it was a hobby, a job or what I became, but I was never going to stop. Luckily I do it because I can do it, it's who I am and my income is from the classes, which I love. It's nice to teach, but the nicest thing is to make art, to express, to make sculptures, drawings, and if you can make a living from that, all the better. It is also nice to show it and receive what people perceive and feel. But I think the most pleasurable thing is to have something in your mind and do it. Sometimes I try to put myself in the head of people who don't need to do this and it's very difficult to understand. Just as there are people who don't understand why I want to do this, what's the point of doing something with clay, why spend hours with that clay. There are many people who don't understand why we do this kind of work. We do it because it satisfies us. It is something that is in our minds and then it is palpable, we can touch it: something that did not exist now exists. For me that is wonderful, I enjoy it very much. It means my life.

"Sereno / Night Watchman", cerámica, madera / ceramic, wood, 10 x 8 x 5 cm., 2009

"Basta / Stop", cerámica / ceramic, 25 x 32 x 12 cm., 2021

SR: What is your greatest weakness when facing a new creation?

LN: I don't think it won't come out. Nor do I think that it will be different from what I imagined. Then, if I don't like it, I don't like it. Sometimes in works I do for someone, if it already has a purpose, for whoever, or commissions, there are always difficulties. That makes me quite nervous because I work differently. They ask you for something and it has to be the same as something they had seen before. The energies are not the same. That's why I don't like to work on something in series, to redo something I liked. I like to do, to work on it, if it looks good, but if it doesn't look good, it doesn't. I think that's the weakness of working on something in series. I think that's the weakness of working on something already done. It's not so dramatic either.

SR: Could you comment on any artistic curiosity?

LN: I'm not one to be connected to what's going on in the art world. Maybe I'm wrong. I applaud when art opens up and new things appear. Sometimes, as I'm quite classic in my work, it's hard for me to see something that is very different from what I understand as classic-art. I don't understand that they buy a space and put branches and nothing else and people buy the paper and the title of the work. I have a hard time seeing that as art. I think that maybe I have to study it more, to know why they do that, if it is a form of criticism of today's world. I have to get more involved, to study these art forms. That's a curiosity.

"Elena y Fausto", cerámica, madera, hierro / ceramic, wood, iron, 125 x 50 x 100 cm., 2014

"En 'Elena y Fausto', Elena, la perra, es 'la musa inspiradora'. Está realizada con un barro español, tiene un poco de mira, óxido y cristal en el hocico y en los ojos. El coche está fabricado con cosas encontradas en la calle. Fausto está hecho con pasta blanca. La malla tiene esmalte y óxido de hierro y manganeso, muy suave, y un esmalte mate realizado con fundente plúmbico y carbonato de calcio. El chupete es el mismo barro de Elena.", L.N.

"Elena y Fausto", cerámica, madera, hierro / ceramic, wood, iron, 125 x 50 x 100 cm., 2014

"In 'Elena and Fausto', Elena, the dog, is 'the inspiring muse'. She is made with a Spanish clay, she has a little bit of [mira], rust and glass on the muzzle and in the eyes. The car is made from things found in the street. Fausto is made with white paste. The mesh has enamel and iron and manganese oxide, very soft, and a matte enamel made with plumbic flux and calcium carbonate. The pacifier is the same clay as Elena's.", L.N.

"Hay equipo / There's a Team", cerámica, hierro / ceramic, iron, 87 x 47 x 40 cm., 2008

SR: What have your travel experiences been like with regard to ceramics?

LN: I've been invited to seminars at some ceramic art schools. The experience is beautiful, like this thing we are doing now, internalizing and getting into what you do, which usually you don't think about as much. However, when I have seminars where I have to talk about my work, it makes me internalize more and think about what I'm doing and where I'm standing. That's nice, thinking about what I'm doing.

On my first trip to Europe, I had to take my stuff, I showed it, it had good repercussions, I sold work, I made contacts. The experience was beautiful. That experience makes it a part of the trip because it was my first trip to Europe, so I was more of a tourist. Maybe if I travel more, with more involvement in art, I will have other experiences that I'm sure will be very good.

"Nélida", cerámica, hierro / ceramic, iron, 100 x 160 x 100 cm., 2014

SR: Can you tell us about your workshop?

LN: As I mentioned, I started as a student in Tavella's workshop. It's a very old workshop. Leo has been working there for about 50 years. It is located in the northern area, in Acassuso [San Isidro, Buenos Aires province, Argentina]. It has three kilns, woodworking tools and all the working tools, big tables. It is divided in two: ceramics and sculpture, and pottery. I share the workshop with Stella Cardigonde, who is a potter. With her we gave the word to Leo Tavella to continue with the workshop open, so that it does not disappear. It is a kind of homage to Leo to always be there. I feel comfortable because, beyond everything, he always allowed me to work freely. I feel great respect for keeping his works alive, he also gave me the freedom to grow as an artist and not always be stuck to his art.

It is a beautiful workshop, with a lot of energy. Very old, it seems to be all messy, that everything is chaos, but it is not like that. It's nice, because wherever you look up you can see things of art. It gives me pleasure to be there.

Serie "Capuchas" / Hoods Series

Izq./ Left: Cerámica, madera, hierro / ceramic, wood, iron, 4 x 14 x 4 cm., 2020

Der./ Right: Cerámica / ceramic, 16 x 23 x 7 cm., 2021

"Tribuna / Stand", cerámica, madera, hierro / ceramic, wood, iron, 68 x 65 x 56 cm., 2017

SR: In relation to your role as an art teacher, what is the contribution of the artist who models his practice and works with students?

LN: I contribute because of what I studied in terms of composition, the way I teach. As an artist, in practice, I make things and my mistakes or what I get right, I pass on to my students. Sometimes as a trial or error, I transfer them and that makes some of their steps shorter and they don't enter into a failure. Everything I do and what I feel I can teach; what I feel is right, I pass it on to them as a teacher.

SR: What projects do you have for the future?

LN: There are always projects, I always find something to do. Drawing in a notebook, keeping those notes in mind makes me set topics and tasks. I always have projects to present in salons, National, municipal. That makes me work in bigger sizes, I don't feel comfortable in small sizes. I always propose these projects in order to have large works and then, if an exhibition comes out, I can show those works.

Projects with the theme of children, not with toys and their difficulties, but in situations. The scuba will always be there. Maybe as a goal I would like to do more drawings because sometimes I start them and then I put them aside, days go by and I would like to get more into the world of drawing.

Leandro Niro esmaltando en su taller / glazing at his workshop, 2007

Más sobre / More about Leandro Niro: Blog, facebook

¡Muchas gracias por la entrevista, Leandro!

Thanks a lot for the interview, Leandro!

Parte 1, Parte 3 / Part 1, Part 3

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Un primer post con cerámica y la entrevista en español, el segundo con la misma en inglés, y el tercero con una selección de sus dibujos y pinturas, y algunas preguntas y respuestas específicas sobre estas disciplinas.

A first post with ceramics and the interview in Spanish, the second with the same in English, and the third with a selection of his drawings and paintings, and some specific questions and answers about these disciplines.

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Leandro Niro

(Olivos, Buenos Aires, Argentina, 1975-)

Leandro Niro junto a su obra "Andamio", cerámica, madera, hierro /

with his work "Scaffolding", ceramic, wood, iron, 110 x 170 x 35 cm., 2016

Leandro Niro es un artista argentino nacido el 2 de setiembre de 1975 en Olivos, Buenos Aires. Más imágenes e información en los posts anteriores.

Leandro Niro is an Argentine artist born on September 2, 1975 in Olivos, Buenos Aires. More images and information in previous posts.

"Andamio, boceto / Scaffolding, Sketch", grafito sobre papel / graphite on paper, 30 x 15 cm., 2016

"Boceto / Sketch", acuarela y carton / watercolor and cardboard, 20 x 30 cm., 2020

SR: El arte contemporáneo tiene mucho de filosofía, de leer la realidad que nos rodea. ¿Qué te inspira para realizar tus dibujos?

LN: Creo que la filosofía siempre estuvo presente en el arte, no solamente en el arte contemporáneo. También depende de cómo se use la filosofía. Obviamente que hubo épocas en que la religión fue muy importante en cuanto al arte.

Me preguntas por los dibujos, la realidad y la filosofía, quizá estén muy agrupados ahora. Aunque ahora estoy en una etapa en que razono mucho con la escultura. Pienso que está más presente el ambiente, es como la forma más directa de plasmar como veo el mundo, la realidad, lo que nos rodea. Son cosas que nos pasan, que veo o que me llaman la atención y pienso que eso es parte de la filosofía.

Hay muchos bocetos en los que la realidad está más presente; son dibujos más brutos y más contestarios, más políticos. Pero después tengo esa parte muy nostálgica, o más tranquila, en los dibujos más grandes, más intimistas, con un pequeño mensaje de la actualidad, pero no son tan chocantes, tan fuertes. Diría que en realidad no sigo una línea, son argumentos del momento.

Por el tema de la pandemia la escafandra termina siendo muy actual, pero eso es pura coincidencia.

"Cuerpo viejo-casco nuevo / Old Body - New Helmet"

Carbonilla, tiza pastel, acrílico / charcoal, pastel chalk, acrylics, 120 x 150 cm., 2017

"Pausa / Break", acuarela / watercolor, 16 x 10 cm., 2020

"4x4", carbonilla sobre tela / charcoal on canvas, 150 x 120 cm., 2008

SR: ¿Cómo escoges los temas que plasmas en tus dibujos?

LN: Relacionándolo con la pregunta anterior, te cuento que tengo unos cuadernos chiquitos, cosa que tomé de la Escuela de Bellas Artes, de una profesora de pintura que nos dijo: tengan siempre un cuadernito de hojas lisas como para cargar todo lo que les pasa en sus hojas, y la verdad es que es alucinante. Tengo un montón de cuadernitos llenos: son muy importantes, son las anotaciones. La dificultad es que tu mente y tu mano trabajan en un tamaño pequeño, el del cuaderno, y si luego tienes que interpretar eso en un tamaño mayor, termina siendo distinto. Esto es porque todo se concluye de manera diferente en cuanto a que, en pequeño, la mano y los trazos son diversos, aunque en el dibujo grande se ven otras tramas.

En dibujos grandes, en cuanto a la temática, por ejemplo, ahora estoy con dibujos de nenes y nenas. Realizo un personaje o dos, nada más. Una figura, un fondo neutro, sin paisaje que le dé espacialidad. La figura es el tema principal, sin nada más. Contando algo, incorporo máscaras o que tenga algo en la cabeza, que ya eso diga algo.

"Lala", carbonilla, tiza pastel, acrílico / charcoal, pastel chalk, acrylics, 153 x 183 cm., 2011

Serie Bicicletas / Bicycle Series, birome / pen, 24 x 19 cm., 2006

"Escafandra / Scuba", carbonilla, tiza pastel, acrílico / charcoal, pastel chalk, acrylics, 100 x 120 cm., 2017

SR: ¿Consideras que es más versátil el sistema de la veladura para expresar lo que quieres en el dibujo? ¿Cómo es el proceso?

LN: Como me gusta mucho el dibujo, trato de experimentar técnicas. Todo depende de épocas, momentos. Si hay una búsqueda específica, quizá no haga el tema de las veladuras. Quizás por realizar una acción o un tanto más rápido dibujo más lineal, contorneado. Hubo una etapa donde usé no levantar el lápiz o la lapicera y el dibujo que fuera así algo bien gestual.

Cuando es el formato más grande eso gestual no me llena, no me convence. Cuando es un bastidor, una tela o una madera muy grande, el trazo cambia y termina siendo poco expresivo, ahí elijo el tema de las veladuras.

Las veladuras son distintas tramas, una yuxtapuesta una encima de otra, en la que se va bajando el valor, se va oscureciendo, o sea más tramas más oscuro. Eso le da una gran riqueza de valores al dibujo, obviamente en grande, porque terminan siendo casi como diez capas o más de veladuras. Esto puede ser simplemente con una la carbonilla con un solo color, monocromático o, como lo hago bastante, con tiza pastel. Esto me permite jugar con distintas capas de colores lo que le da más viveza al dibujo. Por ejemplo, en un rostro, la piel, puedo hacer veladuras que tengan toda la paleta de lo que quiero dibujar en la imagen. Todo está en la piel: yo le incorporo trazos de azules, de verdes, de grises, de marrón, ocre, naranja, amarillo, rojos, o sea, todo eso aparece en la piel, una encima de otra le da una cierta vivencia, una riqueza al dibujo.

"Foto vieja / Old Photo", birome / pen, 18 x 28 cm., 2006

"Boceto / Sketch", acuarela / watercolor, 10 x 8 cm., 2017

"Serie "Cromañon" / Cro-Magnon Series", birome / pen, 15 x 20 cm., 2005

SR: Contemporary art has a lot to do with philosophy, with reading the reality that surrounds us. What inspires you to make your drawings?

LN: I think philosophy has always been present in art, not only in contemporary art. It also depends on how philosophy is used. Obviously there were times when religion was very important in terms of art.

You ask me about drawings, reality and philosophy, maybe they are very grouped together now. Although now I'm at a stage where I'm reasoning a lot with sculpture. I think that the environment is more present, it is like the most direct way of expressing how I see the world, reality, what surrounds us. They are things that happen to us, that I see or that call my attention and I think that is part of the philosophy.

There are many sketches in which reality is more present; they are rougher drawings, more confrontational, more political. But then I have that very nostalgic part, or more calm, in the larger drawings, more intimate, with a small message of current events, but they are not so shocking, so strong. I would say that I don't really follow a line, they are arguments of the moment.

Because of the pandemic theme the scuba ends up being very current, but that's pure coincidence.

"Temporada de pileta / Pool Season", carbonilla, acrilico / charcoal, acrylic, 120 x 153 cm., 2017

"Carboneros / Charcoal Burners", carbonilla y acrílico sobre mdf / charcoal and acrylics on mdf, 187 x 150 cm., 2009

"Juego / Game", carbonilla sobre mdf / charcoal on mdf, 120 x 150 cm., 2020

SR: How do you choose the subjects you depict in your drawings?

LN: In relation to the previous question, I have some little notebooks, something I took from the School of Fine Arts, from a painting teacher who told us: always have a little notebook with smooth pages so as to carry everything that happens to you on your pages, and the truth is that it is amazing. I have a lot of little notebooks full of them: they are very important, they are the notes. The difficulty is that your mind and your hand work in a small size, the size of the notebook, and if you then have to interpret that in a larger size, it ends up being different. This is because everything is concluded differently in that, in small, the hand and the strokes are different, although in the large drawing you see other plots.

In large drawings, in terms of subject matter, for example, I am currently working on drawings of boys and girls. I do one or two characters, nothing more. A figure, a neutral background, without landscape to give it spatiality. The figure is the main subject, nothing else. I incorporate masks or something on the head, that already says something.

Serie Bicicletas / Bicycle Series, birome, aguada / pen, gouache, 10 x 15 cm., 2004

"Mi papi el sastre / My Dad The Tailor"

Carbonilla y acrílico sobre mdf / charcoal and acrylic on mdf, 150 x 183 cm., 2011

"Jugando / Playing", acuarela / watercolor, 20 x 15 cm., 2020

SR: Do you consider that the glazing system is more versatile to express what you want in the drawing? How is the process?

LN: As I like drawing very much, I try to experiment with techniques. It all depends on times, moments. If there is a specific search, maybe I don't use glazing. Perhaps to perform an action or a somewhat faster, more linear, contoured drawing. There was a stage where I used not to lift the pencil or the pen and the drawing was something gestural.

When it is in a larger format that gesture does not fill me, it does not convince me. When it is a frame, a canvas or a very large wood, the line changes and ends up being not very expressive, so I choose the glazes.

The glazes are different wefts, one juxtaposed one on top of the other, in which the value is lowered, it gets darker, that is to say, the more wefts the darker. This gives a great richness of values to the drawing, obviously in large, because they end up being almost like ten layers or more of glazes. This can be simply with a charcoal with a single color, monochromatic or, as I do a lot, with pastel chalk. This allows me to play with different layers of colors which gives the drawing more liveliness. For example, in a face, the skin, I can make glazes that have the whole palette of what I want to draw in the image. Everything is in the skin: I incorporate strokes of blues, greens, grays, browns, ochers, oranges, yellows, reds... in other words, all that appears in the skin, one on top of the other gives a certain liveliness, a richness to the drawing.

"Tavella", birome / pen, 10 x 15 cm., 2006

Leo Tavella fue un escultor, pintor y ceramista argentino, nacido en 1920 en Gálvez, Santa Fe.

Reconocido por su labor escultórica en cerámica y su gran participación tanto en la escena artística local, con reconocimiento internacional, como en la docencia. Fue socio fundador del Centro Argentino de Arte Cerámico (CAAC), y primer ganador del Salón Nacional de Cerámica.

Falleció el 30 de julio de 2015 en Buenos Aires.

Wikipedia

Leo Tavella was an Argentine sculptor, painter and ceramist, born in 1920 in Gálvez, Santa Fe.

Recognized for his sculptural work in ceramics and his great participation in the local art scene, with international recognition, as well as in teaching. He was a founding member of the Argentine Center of Ceramic Art (CAAC), and the first winner of the National Ceramic Salon.

He died on July 30, 2015 in Buenos Aires.

Wikipedia (Spanish)

"Vértigo", carbonilla y acrílico sobre mdf / charcoal and acrylic on mdf, 153 x 183 cm., 2013

"Esta serie consta de dibujos sacados directamente de fotos antiguas. En este caso es una foto de mi suegra, cuando era pequeña, con su hermano. Aquí quise representar el miedo al vértigo.", L.N.

"This series consists of drawings taken directly from old photos. In this case it is a photo of my mother-in-law, when she was little, with her brother. Here I wanted to represent the fear of vertigo.", L.N.

"Frontera / Border", carbonilla sobre tela / charcoal on canvas, 150 x 120 cm., 2008

Más sobre / More about Leandro Niro: Blog, facebook

¡Muchas gracias por la entrevista, Leandro!

Thanks a lot for the interview, Leandro!

Parte 1, Parte 2 / Part 1, Part 2

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Una muy disfrutable y extremadamente productiva visita a Bélgica y Países Bajos del año 2013 es la base para este post en el que os dejo una selección de obras de artistas neerlandeses y los correspondientes detalles con representaciones caninas.

A very enjoyable and extremely productive visit to Belgium and the Netherlands in 2013 is the basis for this post in which I leave you with a selection of works by Dutch artists and the corresponding details with canine representations.

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Más perros neerlandeses / More Dutch Dogs

Hendrick Jansz. ter Brugghen

(Deventer, Nederland / Países Bajos / Netherlands, c.1588 - Utrecht, 1629)

"De rijke man en de arme Lazarus / La parábola del hombre rico y el pobre Lázaro /

The parable of the rich man and poor Lazarus, Lucas 16:19-13"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 207,5 cm., 1625

Centraal Museum (Utrecht, Nederland / Países Bajos / Netherlands). Wikimedia Commons

Hendrick Jansz ter Brugghen (o Terbrugghen) fue un pintor holandés de escenas de género y temas religiosos, nacido hacia 1588.

Fue uno de los seguidores holandeses de Caravaggio, los llamados "Caravaggistas de Utrecht". Junto con Gerrit van Hondhorst y Dirck van Baburen, Ter Brugghen fue uno de los pintores neerlandeses más importantes influidos por Caravaggio.

No se han identificado referencias a ter Brugghen escritas durante su vida. Su padre, Jan Egbertsz ter Brugghen, originario de Overijssel, se trasladó a Utrecht, donde fue nombrado secretario de la Corte de Utrecht por el príncipe de Orange, Guillermo el Silencioso.

"De rijke man en de arme Lazarus / La parábola del hombre rico y el pobre Lázaro /

The parable of the rich man and poor Lazarus, Lucas 16:19-13" (detalle / detail)

"De rijke man en de arme Lazarus / La parábola del hombre rico y el pobre Lázaro /

The parable of the rich man and poor Lazarus, Lucas 16:19-13" (detalle / detail)

La primera referencia breve al pintor se encuentra en Het Gulden Cabinet (1661) de Cornelis de Bie, donde se le llama erróneamente Verbrugghen.

Cornelis de Bie, en su "Spiegel vande Verdrayde Werelt" (1708), y Arnold Houbraken, en su "De Groote Schouburgh" (1718-1721), elaboraron biografías en las que repetían las afirmaciones de Richard (hijo de Hendrick) de que el pintor conoció a Rubens en Roma y también trabajó en Nápoles. Había un cadete del mismo nombre sirviendo en el ejército de Ernst Casimir de Nassau-Dietz en la primavera de 1607, y por esta razón, se cree que ter Brugghen estuvo en Italia, pero sólo en ese año, y no como se creía anteriormente en 1604 (como se deducía de la inscripción en el grabado de Bodart). Esto significaría, sin duda, que nunca conoció a Caravaggio en Roma; este artista había huido de Roma acusado de asesinato en 1606. Sin embargo, es seguro que fue el único pintor holandés en Roma durante la vida de Caravaggio.

Murió en 1629.

Wikipedia

"Jacob reprochando a Labán / Jacob Reproaching Laban"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 123,5 x 157,5 cm., 1628

Wallraf–Richartz Museum (Köln, Deutschland / Colonia, Alemania / Cologne, Germany). Wikimedia Commons

"La vocación de San Mateo / The Calling of St Matthew"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152 x 195 cm., 1620

Musée Malraux (MuMa), Musée des Beaux-Arts (Le Havre, Francia / France). GAP

Hendrick Jansz ter Brugghen (or Terbrugghen) was a Dutch painter of genre scenes and religious subjects, born c.1588.

He was one of the Dutch followers of Caravaggio – the so-called Utrecht Caravaggisti. Along with Gerrit van Hondhorst and Dirck van Baburen, Ter Brugghen was one of the most important Dutch painters to have been influenced by Caravaggio.

No references to Ter Brugghen written during his life have been identified. His father Jan Egbertsz ter Brugghen, originally from Overijssel, had moved to Utrecht, where he was appointed secretary to the Court of Utrecht by the Prince of Orange, William the Silent.

"La vocación de San Mateo / The Calling of St Matthew" (detalle / detail)

"Un sonriente Bravo (mercenario) con su perro / A Laughing Bravo (mercenary) With His Dog"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 83,2 x 68,5 cm., 1628

Colección Hehenbuchau, en préstamo permanenete Liechtenstein /

Hohenbuchau Collection, a on permanent loan to Liechtenstein.

The Princely Collections (Wien, Österreich / Viena, Austria / Vienna). Wikimedia Commons

The earliest brief reference to the painter is in Het Gulden Cabinet (1661) of Cornelis de Bie, where he is mistakenly referred to as Verbrugghen.

Cornelis de Bie, in his Spiegel vande Verdrayde Werelt (1708), and Arnold Houbraken, in his De Groote Schouburgh (1718-1721), produced biographies where they repeated Richard's claims (Richard was the son of Hendrick) that the painter met Rubens in Rome and also worked in Naples. There was a cadet of the same name serving in the army of Ernst Casimir of Nassau-Dietz in the spring of 1607, and for this reason, Ter Brugghen is thought to have been in Italy, but only in that year, rather than as previously believed in 1604 (inferred as it was from the inscription on the Bodart print). This would certainly mean that he never met Caravaggio in Rome; that artist had fled Rome on a murder charge in 1606. However, it is certain that he was the only Dutch painter in Rome during Caravaggio's lifetime.

He died in 1629.

Wikipedia

"Un sonriente Bravo... / A Laughing Bravo..." (detalle / detail)

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Pieter de Hooch

(Rotterdam, Nederland / Róterdam, Países Bajos / Netherlands, 1629 -

Ámsterdam, 1684)

"Hombre entregando una carta a una mujer en el vestíbulo de una casa /

Man Handing a Letter to a Woman in the Entrance Hall of a House"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, h 68cm × w 59cm., 1670

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"Hombre entregando una carta... / Man Handing a Letter..." (detalle / detail)

"Een moeder die het haar van haar kind reinigt, bekend als ‘Moedertaak’ /

Una madre despiojando a su niña, conocido como 'El deber de una madre' /

A Mother Delousing her Child's Hair, known as ‘A Mother's Duty’"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52,5 x 61 cm., 1658-60.

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands). Wikimedia Commons

"Een moeder... / Una madre... / A Mother..." (detalle / detail)

"La sala del concejo del ayuntamiento de Ámsterdam /

Interior of the Council Chamber of Amsterdam Town Hall"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112,5 x 99 cm., 1663-65

Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)

"La sala del concejo... / Interior of the Council Chamber..." (detalle / detail)

Pieter de Hooch en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XLVIII)]

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Jan Havickszoon Steen

(Leiden, Nederland / Países Bajos / Netherlands, c. 1626 - 1679)

"Kinderen leren een poes dansen, bekend als ‘De dansles’ /

Niños enseñando a bailar a un gato, conocido como 'La lección de baile' /

Children Teaching a Cat to Dance, Known as ‘The Dancing Lesson’"

Óleo sobre panel / oil on panel, 68,5 × 59 cm., 1660-9

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"De dansles... / La lección de baile / The Dancing Lesson’" (detalle / detail)

"Het vrolijke huisgezin / La alegre familia / The Merry Family"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110,5 × 141cm., 1668

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"Het vrolijke huisgezin / La alegre familia / The Merry Family" (detalle / detail)

"Soo gewonne, soo verteert / Fácil llega, fácil se va / Easy Come, Easy Go"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1661

Museum Boijmans van Beuningen (Rotterdam, Nederland / Róterdam, Países Bajos / Netherlands)

"Soo gewonne, soo verteert / Fácil llega, fácil se va / Easy Come, Easy Go" (detalle / detail)

Jan Steen en "El Hurgador" / in this blog: [Arte y Humor (XI, Anexo)], [Arte y odontología (III)]

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Bartholomeus van der Helst

(Haarlem, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1613 - Ámsterdam, 1670)

"Schutters van wijk VIII in Amsterdam onder leiding van kapitein /

La compañía de milicias del distrito VIII a las órdenes del Capitán /

Militia Company of District VIII under the Command of Captain Roelof Bicker"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 235 × 750 cm., c.1640-1643

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"Schutters van wijk VIII... / La compañía de milicias del distrito VIII... /

Militia Company of District VIII..." (detalle / detail)

"De overlieden van de Handboogdoelen /

De vier overlieden van de Handboog- (St Sebastiaan) doelen te Amsterdam"

Los jefes de la Casa de la Guardia Cívica de Longbow

The headmen of the Longbow Civic Guard House"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 183 x 268 cm., 1653

Amsterdam Museum (Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"De overlieden... / Los jefes... / The headmen..." (detalle / detail)

"Twee regenten en twee regentessen van het Spinhuis /

Dos gobernadores y dos gobernadoras de la Spinhuis /

Two Governors and two Lady Governors of the Spinhuis"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 219 x 305 cm., 1650

Amsterdam Museum (Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"Twee regenten... / Dos gobernadores... / Two Governors..." (detalle / detail)

"Retrato de familia (Pieter Lucaszn van de Venne con Anna de Carpentier and su niña) /

Family Portrait (Pieter Lucaszn van de Venne with Anna de Carpentier and Child)"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 187,5 x 226,5., 1652

Museo Hermitage (Санкт-Петербург, Россия / San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia)

"Retrato de familia / Family Portrait" (detalle / detail)

"Retrato de una familia / Portrait of a Family", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 235 x 345 cm., 1647 (1652)

Museo Hermitage (Санкт-Петербург, Россия / San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia)

"Retrato de una familia / Portrait of a Family" (detalle / detail)

"Retrato de Jan Jacobs. Hinlopen y Lucía Wijbrants con una vista a su izquierda mostrando a una nodriza con un niño /

Portrait of Jan Jacobsz. Hinlopen (1626-1666) and Lucia Wijbrants (1638-1719) with to the left a vista showing a wet nurse and child"

Óleo / oil, 1666. Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

"Retrato de Jan Jacobs. Hinlopen... / Portrait of Jan Jacobsz. Hinlopen..." (detalle / detail)

Bartholomeus van der Helst en "El Hurgador" / in this blog: [Carne y huesos (II)]

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Abraham Lambertsz. van den Tempel

(Leeuwarden, Nederland / Países Bajos, Netherlands, c.1622 - Ámsterdam, 1672)

David Leeuw met zijn gezin / con su familia / with his Family"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 190 × 200 cm., 1671

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

Abraham van den Tempel fue un pintor holandés del Siglo de Oro, nacido en 1622 en Leeuwarden.

Probablemente aprendió a pintar con su padre, también pintor, pero que murió cuando él era aún muy joven, en 1636. Ese mismo año se trasladó a Ámsterdam, donde permaneció hasta 1647, cuando se mudó a Leiden. Según Houbraken era hijo de un predicador menonita de Leeuwarden que era un respetado profesor de arte. Su padre era Lambert Jacobsz (o Jacobszoon), que había enseñado en su juventud a Govert Flinck y Jacob Adriaensz Backer, ambos artistas de familias menonitas. Abraham adoptó el nombre de Tempel porque, cuando estudiaba en Leiden, vivía en una casa con un relieve de un Tempel en la clave. Fue alumno de Jacob Backer y estudió matemáticas en la Universidad de Leiden. Tuvo un gran éxito con el ayuntamiento de Leiden obteniendo varios generosos encargos, entre ellos una serie de tres grandes cuadros alegóricos a la industria textil de Leiden para el Salón de la Tela que aún hoy cuelgan en su lugar original en el Stedelijk Museum De Lakenhal.

En 1657 se convirtió en maestro de la Cofradía de San Lucas y en 1659 en maestro de obras. En 1660 regresó a Áms

terdam.

Murió en 1672.

Wikipedia

David Leeuw met zijn gezin / con su familia / with his Family" (detalle / detail)

"Retrato de / Portrait of Jacquemijna Le Pla", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 114,9 x 92,3 cm., c.1666

Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

Abraham van den Tempel was a Dutch Golden Age painter, born in 1622 in Leeuwarden.

He probably learned painting from his father, also a painter, but who died when he was still quite young, in 1636. That is the same year that he moved to Amsterdam, where he stayed until 1647, whereupon he moved to Leiden. According to Houbraken he was the son of a Mennonite preacher in Leeuwarden who was a respected art teacher. His father was Lambert Jacobsz (or Jacobszoon), who had taught Govert Flinck and Jacob Adriaensz Backer in their youth, both of whom were artists from Mennonite families. Abraham took the name Tempel because when he studied in Leiden, he lived in a house there with a relief of a Tempel in the keystone. He became a pupil of Jacob Backer, and studied mathematics at Leiden University. He met with great success with the Leiden city council, earning several generous commissions, including a series of three large allegorical paintings on the cloth industry of Leiden for the Cloth Hall which still hang in their original place today in the Stedelijk Museum De Lakenhal.

He became master of the Guild of St. Luke in 1657 and in 1659 he was chartermaster. In 1660 he returned to Amsterdam.

He died in 1672.

Wikipedia

"Retrato de / Portrait of Jacquemijna Le Pla" (detalle / detail)

"Portret van Albertine Agnes, Prinses van Oranje, met haar drie kinderen /

Retrato de Albertine Agnes de Nassau con sus tres niños /

Portrait of Albertine Agnes van Nassau With Her Three Children"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 x 192 cm., 1668

Fries Museum (Leeuwarden, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"Portret van Albertine Agnes... / Retrato de Albertine Agnes... / Portrait of Albertine Agnes..." (detalle / detail)

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La serie completa aquí / Full Series here

Andrés Compagnucci [Pintura, Entrevista / Painting, Interview]

Asonancias / Assonances (XL) - Cuadros y pelis / Pictures and Movies (I)

Uruguayos / Uruguayans (LX-1) - Tania Astapenco (I) [Escultura, Cerámica, Entrevista / Sculpture, Ceramics, Interview]

Uruguayos / Uruguayans (LX-2) - Tania Astapenco (II) [Escultura, Cerámica, Entrevista / Sculpture, Ceramics, Interview]

Pintando perros / Painting Dogs (LXXXII)

Adiós / Goodbye [2021-1] (Enero-Junio / January-June)

Adiós / Goodbye [2021-2] (Julio-Diciembre / July-December)

Diez años / Ten Years

Uruguayos / Uruguayans (LXI-1) - Virginia Patrone [Pintura, Entrevista / Painting, Interview]

Uruguayos / Uruguayans (LXI-2) - Virginia Patrone [Pintura, Entrevista / Painting, Interview]

Asonancias / Assonances (XLI) - Cuadros y pelis / Pictures and Movies (II)

Luis Alberto Plaquin [Pintura, Entrevista / Painting, Interview]

Sucedió en el museo... / It Happened at the Museum... (X)

Sucedió en el museo... (X, Anexo) / It Happened at the Museum... (X, Annex)

Lia Porto [Pintura, Textiles, Entrevista / Painting, Textiles, Interview]

Asonancias / Assonances (XLII) - Cuadros y pelis / Pictures and Movies (III)

Leandro Niro (I) [Cerámica, Entrevista / Ceramic, Interview]

Leandro Niro (II) [Cerámica, Entrevista / Ceramic, Interview]

Leandro Niro (III) [Dibujo, Pintura, Entrevista / Drawing, Painting, Interview]

Pintando perros / Painting Dogs (LXXXIII)