El Hurgador [Arte en la Red]

Nueva entrevista de Shirley Rebuffo, gracias a la cual regresamos a Uruguay para disfrutar con la obra de Diego Píriz, pintor figurativo que trabaja con óleos creando cuadros casi monocromáticos, con recurrentes referencias a otros artistas, y donde lo relevante son los paisajes y ambientes, más que los contados personajes, muchas veces poco más que accesorios complementarios en los espacios y atmósferas en los que busca introducir al espectador.

Texto en inglés al final del post.

New interview by Shirley Rebuffo, thanks to which we return to Uruguay to enjoy the work of Diego Píriz, figurative painter who works with oils creating almost monochromatic pictures, with recurring references to other artists, and where the relevant are the landscapes and environments, rather than the few characters, often little more than complementary accessories in the spaces and atmospheres in which he seeks to introduce the viewer.

Text in English at the end of this post.

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Diego Píriz

(Montevideo, Uruguay, 1966-)

Diego frente a su obra "Mañana en una ciudad" / in front of his work "Morning in a City"

Diego Píriz nace en 1966 en Montevideo, Uruguay.

Entre 1985 y 1989 estudia en la Facultad de Arquitectura, y entre 1988 y 1992 en la Escuela Nacional de Bellas Artes. También practica grabado en metal con el Profesor Anhelo Hernández (1989 y 1991).

Continuando con su búsqueda, entre 1990 y 1992 se forma en Escenografía teatral con Carlos Carvalho. Como alternativa al paradigma de las "grandes profesiones" y a la carrera profesional que ya era de familia, comienza a hacer artesanías.

Su obra presenta un desafío de la imagen-movimiento, donde el artista nos obliga a detenernos y contemplar desde otra velocidad; lo suyo es un stop, una parada. Sus imágenes se alimentan del vínculo con la cinematografía, la arquitectura y el cómic. Utiliza tonalidades bajas y acentos eróticos. La sociedad contemporánea está focalizada en su obra a través de la soledad individual y la llegada de un peligro inminente.

"Mañana en una ciudad / Morning in a City", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 120 cm., 2019

Colección particular / Private Collection, Montevideo, Uruguay

"Desnudo bajando la escalera / Nude Going Down The Stairs"

Óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 170 cm., 2016

Colección del artista / Artist's Collection

Obra seleccionada para los premios expositivos "Temporada 3" Subte Municipal (2016) /

Work selected for the exhibition awards "Season 3" Subte Municipal (2016)

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Tu entrada al mundo de las artes fue un poco "tangencial". ¿Podrías referirte a esos comienzos?

Diego Píriz: Recordar los comienzos siempre es una tarea agradable, es un ejercicio de interpretaciones y reflexiones que podría centrarse desde la historia individual, pero quiero interpretarla desde la influencia de un contexto histórico, social y familiar, y la influencia de este contexto en un individuo con inquietudes hacia actividades artísticas. Dentro de aquellas con las que tenía afinidad en mi juventud estaban el dibujo, principalmente con tinta y acuarela, la fotografía y la arquitectura. De hecho estudiaba arquitectura, continuando un mandato social y familiar, cuando me decidí a abandonar los estudios académicos para dedicarme a la pintura.

Fue como un salto al vacío. Comencé viviendo en talleres con artesanos, artistas, músicos, o estudiantes de Bellas Artes. También a visitar exposiciones, a asistir a las clases de Bellas Artes, a quedarme toda la noche pintando mis acuarelas y tarjetas, que en un principio vendía a fin de año, en una importante feria del libro y la artesanía que organizaba la poeta Nancy Bacelo.

"La visita / The Visit", óleo sobre tela / oil on canvas, 140 x 100 cm., 2016

Colección particular, Nueva York, EE.UU./ Private Collection, NY, USA

"La noche / The Night", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 130 cm., 2007

Colección del artista / Artist's Collection

SR: Has comenzado con la acuarela como técnica. ¿Cómo fue esa transición hacia el óleo y el realismo?

DP: Continuando con mis investigaciones desde el dibujo y la acuarela, material con el que me sentía familiarizado desde un principio, y que ya comenzaba a comercializar en algunas galerías.

Sentí que tenía que comenzar a estudiar pintura con artistas referentes, y poder encontrarme con formatos de obras mayores. Al principio estudié Escenografía con Carlos Carvalho, y luego grabado en metal con Anhelo Hernández, cuyo taller visitaba y lo veía trabajando. Sabiendo que había concurrido a las clases que Joaquín Torres-García daba en su prestigioso taller, le pregunté a Anhelo: ¿qué era lo les decía Don Joaquín? Él empezó a gesticular con los brazos y con las manos, trasladando medidas y proporciones, recordando principalmente que lo que les decía Torres-García era sobre la importancia de la medida. De corroborar, de medir, de proporcionar.

La influencia de Torres-García en el arte uruguayo y, especialmente, en las generaciones anteriores a la mía, era muy nítida. Unos años después comencé a visitar el taller del artista Ignacio Iturria, iniciando un diálogo sobre pintura con muy buenos resultados y aprendizajes. La presencia de la medida y de la composición, con sus corroboraciones, también está muy presente en la obra de Iturria. Y él pudo transmitírmelo con muy buenos ejemplos. Lo recuerdo muy bien explayándose sobre este tema. Fue en el año 1995: él regresaba de la Bienal de Venecia, donde había recibido un importante premio por su participación. Recorría su taller buscando ejemplos: bocetos, obras sin terminar. Moviendo los brazos y las manos, dividiendo y componiendo la superficie imaginaria.

"Amanecer / Dawn", óleo sobre tela / oil on canvas, 80 x 116 cm., 2021

Colección del artista / Artist's Collection

"Niebla del riachuelo / Fog From the Creek", óleo sobre tela / oil on canvas, 89 x 116 cm., 2015

SR: Y también has disfrutado jugando con los cómics en tus obras…

DP: De los cómics fui aprendiendo a sintetizar, a componer las viñetas, que representan distintos tiempos, construyendo una traducción de lenguajes: gráfico-pictórico, dibujo-materia, humor-significado. Lo que en la historieta es humor, en el mundo del arte puede adquirir otras significaciones y reflexiones que cambian el sentido. En las fructíferas conversaciones que pude tener con Jorge Abbondanza, y con un texto que escribió sobre mi obra de aquella época, pude encontrar una guía en la búsqueda de sentido para mi trabajo. El sentido prolifera, se bifurca, cuando cambiamos los contextos. Trabajando esta temática fue que tuve mis primeros reconocimientos públicos: obtuve la mención en el premio para Arte joven Mercosur, en ArteBA, y expuse individualmente en la Galería Thomas Cohn de San Pablo donde, en años posteriores, volvería a exponer pero con otras temáticas.

SR: Tienes muchas obras donde la intimidad está formada por luz y espacio, y en las que, si aparece algún personaje, es mero adorno. ¿Cómo instrumentas esas obras?

DP: Las obras de interiores, donde no aparecen personajes, están centradas en la observación de los objetos, en las intensidades de la luz, en enfatizar ciertos detalles. Busco expresarme por medio de las conexiones que generan esos objetos en la intimidad del espectador. Muchas veces sugiero citas con artistas, conectando diálogos, como si nos habláramos en secreto. Intentando encontrar ese momento de conexión, con el silencio y la intimidad poética. En mi última serie "Las bañistas", premiada en el 50 Premio Montevideo 2021, el diálogo nace con pinturas de Petrona Viera.

"La espera / The Wait", óleo sobre tela / oil on canvas, 116 x 89 cm., 2020

Colección particular / Private Collection, Montevideo, Uruguay

Bañistas / Bathers

"Bañistas 1 / Bathers 1", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 160 cm., 2021

"El título del proyecto hace referencia a obras de la pintora uruguaya Petrona Viera. Uno de los disparadores para la realización fue encontrar una de las pinturas de esta artista, recreada en la película Historias de Verano (Gabriela Guillermo, Irina Raffo, Uruguay, 2020). En ella, las autoras encuentran, posiblemente, la misma locación que años atrás utilizó Petrona Viera como referencia. Las obras fueron realizadas entre los años 1936-37 según el relato de Raquel Pereda (1987, p,148), quien escribe sobre esta serie de bañistas de la artista: "Es la luz, además de los colores, el otro factor determinante en la obra. Luz invasora,…. que se filtra en los cuerpos, en la arena, que penetra en el mar…" (p, 155).

Este proyecto fue realizado tomando como imágenes de origen las obras de Petrona Viera, resignificándolas en un nuevo contexto, buscando su supervivencia. Para ello realizo montajes pictóricos dentro de dos espacios interiores, produciendo un juego de asociaciones libres, con otros estilos, autores, y disciplinas, dentro de la arquitectura, el diseño, la escultura, el grabado, la fotografía y el cine, con la luz como componente dialógico, el leitmotiv unificador."

Bibliografía

Guillermo, G. Raffo, I. "Historias de verano", película, 60 m. Cinemateca Uruguaya, Uruguay, 2020

Pereda, R., "El Planismo y Petrona Viera", Ed. Galería Latina., 1987

Petrona Viera

(Montevideo, Uruguay, 1895 - 1960)

"Bañistas / Bathers", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 59 x 80 cm.

Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay)

"Bañistas 2 / Bathers 2", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 160 cm., 2021

"The title of the project refers to works by the Uruguayan painter Petrona Viera. One of the triggers for the realization was to find one of the paintings of this artist, recreated in the film Historias de Verano (Gabriela Guillermo, Irina Raffo, Uruguay, 2020). In it, the authors found, possibly, the same location that years ago Petrona Viera used as a reference. The works were made between 1936-37 according to Raquel Pereda (1987, p.148), who writes about this series of bathers by the artist: "It is the light, in addition to the colors, the other determining factor in the work. Invasive light,.... that filters into the bodies, into the sand, that penetrates the sea..." (p, 155).

This project was carried out taking as source images the works of Petrona Viera, resignifying them in a new context, looking for their survival. To do so, I made pictorial assemblages within two interior spaces, producing a game of free associations, with other styles, authors, and disciplines, within architecture, design, sculpture, engraving, photography and cinema, with light as a dialogical component, the unifying leitmotiv".

Bibliography

Guillermo, G. Raffo, I. "Summer Stories", film, 60 m. Cinemateca Uruguaya, Uruguay, 2020.

Pereda, R., "The Planism and Petrona Viera", Ed. Galería Latina, 1987.

Petrona Viera

(Montevideo, Uruguay, 1895 - 1960)

"Bañistas / Bathers", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 60 x 81 cm.

Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay)

Tercer premio adquisición , Carlos Engelman. 50 Premio Montevideo Centro de exposiciones Subte.

Las obras serán parte de la Colección permanente del Museo Blanes.

Third prize acquisition, Carlos Engelman. 50th Prize Montevideo Subte Exhibition Center.

The works will be part of the permanent collection of the Blanes Museum.

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SR: ¿Qué temáticas son las que más te gustan?

DP: Mis temas preferidos son los que tienen que ver con el cine y las artes que se van asociando a la imagen-movimiento: la fotografía y la pintura. En el desarrollo del cine y la fotografía se puede ver cómo la mujer fue ganado protagonismo en la escena. Pasa de una imagen angelical y moralista, a una femme fatal con sus propios derechos. Esta transformación me interesa, me resulta atractiva. Pero siempre que se presente unida, con los climas que se puedan sugerir y recrear. El fotograma de partida es el que me resulte más bello, que por lo general es el que me plantea un cuestionamiento, una búsqueda en mi interior. Me interesa entrar en ese cuarto oscuro donde se va a prender el proyector, y donde poco a poco vamos soltando las amarras de nuestra conciencia, dejándonos llevar por lo que se va a proyectar. Con una expectativa creciente por el encuentro con la intimidad, con la conexión con las intensidades de la memoria. Cuando encuentro ese fotograma suspendo la búsqueda, lo atrapo y lo comienzo a analiza. Coincido con Barthes (1) en "el interés del fotograma". Si la película continuara no tendríamos tiempo para el análisis. La sociedad contemporánea no puede detenerse, y estar largo tiempo observando, y trabajando, sobre una imagen puntual de su pasado, es una forma de interrogarla.

SR: Tienes además obras en las que se manifiesta tu admiración en un diálogo con Hopper, donde Nueva York se sustituye por Montevideo. ¿Podrías contarnos algo de ellas?

DP: Estudiando la obra de Hopper pude conectar con la intensidad del tiempo. La intensidad o "la fuerza del tiempo", como la denomina Deleuze (2), es lo que determina que el tiempo no sea siempre el mismo, lineal y único, sino que hay en él intensidades, bifurcaciones, momentos de intimidad poética, de belleza. Observando la obra de Hopper uno puede percibir cómo el artista logra expresar intensidades. En las intimidades encuentra los lugares y los personajes en su momento ideal para este objetivo. La influencia de Hopper está presente en varias de mis obras.

"Dos ventanas / Two Windows", óleo sobre tela / oil on canvas, 130 x 100 cm., 2017

"En una ciudad / In a City", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 130 cm., 2020

Colección particular / Private Collection, Montevideo, Uruguay

SR: ¿Qué es lo que más te gusta del oficio?

DP: Creo que en mi caso el vínculo con la imagen, que viene de mi familia. Tanto mi madre como mi padre nos educaron en el vínculo con el placer por lo visual. Y también en el sentido de que producir belleza visual puede ser importante desde el punto de vista humano. Mi madre nos hablaba de los grandes pintores como si fueran héroes de lo humano, que habían entregado su vida al arte y a la belleza. La imagen que tengo de mi padre es dibujando proyectos de arquitectura, pero también sacando fotografías que se revelaban en blanco y negro, o se mostraban en un cuarto oscuro, iluminado por el proyector de las diapositivas. A veces el proyector se recalentaba, y con mis hermanos quedábamos ansiosos hasta que se reanudara la función. Creo que de ahí surgen varias respuestas a mis preferencias actuales: el vínculo con la pintura, con la fotografía, con el cine y con la arquitectura. Elementos que siempre están presentes en mis obras.

Pintar es, para mí, acercarse a esos momentos de intimidad, de placer visual, de belleza. Mis preferencias están en detener esos momentos en la película. Encontrar en ese cuarto oscuro el fotograma con mayor intensidad, y trabajarlo con mis elementos, con mi tiempo. Alterarlo, agregar, sacar, sintetizar, traducir, cambiar de lenguaje. Entrar en contacto con otras materias, que son el óleo, el aceite, el aguarrás, la tela, los pinceles. Hacer pasar la imagen por un desarrollo temporal, donde la imperfección y la subjetividad del dibujo manual se van concatenando en sucesivos momentos de reflexión. Plantear montajes alternativos que van a alterar el sentido de la imagen. Dialogar, modificar el contexto. Abrir nuevas reflexiones.

"Mañana en la ciudad 2 / Morning in the City 2", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 120 cm., 2019

"Río de Janeiro", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 160 cm., 2022

Colección del artista / Artist's Collection

SR: ¿Qué es lo que más te enorgullece de tu carrera artística hasta ahora?

DP: Con lo que me siento a gusto es que nunca deje cuestionarme sobre qué es lo que busco como artista. Busco la belleza. ¿Pero, dónde la encuentro? ¿Qué es para mí lo bello? ¿Acaso puedo transmitirlo? ¿Acaso alguien me entiende? Siento que tuve "aciertos" cuando logré exposiciones internacionales en San Pablo o en Buenos Aires, o cuando muy recientemente a fin del año pasado me dieron el tercer premio en el Salón Municipal. Ese reconocimiento es importante, y me enorgullece haber sido interpretado. Sentir que iba por buen camino en esa búsqueda constante de intensidades, de conexiones, de comunicar, de aportar reflexiones.

"El sueño de Sofía / Sofia's Dream", óleo sobre tela / oil on canvas, 116 x 80 cm., 2016

Colección del artista / Artist's Collection

"Pensando en tí / Thinking of You", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 170 cm., 2014

SR: ¿En qué te sientes comprometido como artista?

DP: Dedicarse al arte es estar continuamente en la búsqueda de sentido, en varias direcciones. En la búsqueda de la belleza: de algo que nos conmueva, que nos movilice. Pero también que tenga sentido en esta época, en este contexto social e histórico. La búsqueda de la belleza es una tarea reflexiva: primero es cuestionarse ¿qué es lo bello en esta época, en este contexto? ¿Qué puedo aportar yo desde mi actividad como pintor, desde mi sensibilidad y experiencia, a esta búsqueda colectiva de lo bello? Encontrar una respuesta personal a la pregunta planteada. Es por acá, para mí lo bello es esto, es encontrarme en esta zona, y trabajar desde estas intensidades. Este es mi aporte a la belleza de una época que intensifica el tiempo de los espectadores. Los artistas somos poetas, buscamos en nuestras subjetividades, intensidades, y esto es muy necesario en una sociedad que se vuelve cada vez más tecnocrática y deshumanizada. Humanizar es uno de los compromisos del artista. Esto implica, interrogarse, ser crítico, ser movilizador, conmover, ser conscientes de un contexto histórico, y encontrar la belleza necesaria.

"Interior", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 160 cm., 2021

"Cerca del mar / Close to the Sea", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 90 cm., 2019

Colección particular, EE.UU./ Private Collection, USA

SR: ¿Te resulta satisfactorio enseñar?

DP: En esa búsqueda de sentido, enseñar y aprender es una respuesta. Encuentro sentido practicando la enseñanza artística, trabajo con niños en la escuela pública, y también con estudiantes especializados en arte y pintura en la Escuela de Arte Casablanca. El ejercicio didáctico es saber interpretar y conectar los diferentes conocimientos con los distintos contextos. En un juego de interpretaciones donde el docente es un vínculo, un guía con los conocimientos.

Este juego de adaptaciones didácticas a distintos contextos, y de abrir las posibilidades de diferentes interpretaciones, enriquece el hacer artístico. Me ayuda a ser más comunicativo, a pensar desde el otro, desde el espectador. Ver y verse a sí mismo: dos miradas que posibilitan la producción.

"El jardín / The Garden", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 130 cm., 2017

"La piscina / The Pool", óleo sobre tela / oil on canvas, 116 x 140 cm., 2011

Colección del artista / Artist's Collection

SR: Y para el futuro, ¿qué tienes pensado?

DP: La idea es continuar trabajando, continuar aprendiendo, en estas direcciones señaladas. Mejorando y/o variando las propuestas. Continúo desarrollando los formatos grandes, continúo mejorando la técnica, mejorando el ensamblaje de imágenes que vienen de distintas fuentes lumínicas y de distintas escalas. Saber combinar los lenguajes, las referencias. Cuando miro hacia atrás y veo lo que estoy pintando ahora, creo que el crecimiento artístico es continuo. Que voy madurando el discurso a fuerza de autocríticas y de continuar estudiando. No siempre alcanza con ser autodidacta y tener facilidad para expresarse. De hecho, desde hace unos años, decidí retomar los estudios académicos. Estoy terminado cuarto año de comunicación visual en el IPA [Instituto de Profesores Artigas]. Esto me sirvió para obtener la efectividad como docente de arte en la escuela pública, CEIP [Consejo de la Educación Inicial y Primaria], y para aclarar mis ideas como docente de pintura y arte en Casablanca. La educación permanente, acompañada por la práctica constante del oficio, me permite enriquecer la propuesta artística.

"Paisaje de Nueva York / New York Landscape", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 140 cm., 2017

"La belle Noiseuse", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 150., 2021

Colección particular/ Private Collection, Montevideo, Uruguay

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(1) Barthes, Roland, "La cámara lúcida". Ed. Paidós. Barcelona., 1989

(2) Deleuze, Gilles, "Cine III. Potencias de lo Falso", Ed. Cactus. B.A., 2018

Sobre los artistas y autores mencionados / About mentioned artists and authors:

Nancy Bacelo: Wikipedia

Carlos "Uca" Carvalho: La diaria Cultura

Anhelo Hernández Ríos: Wikipedia

Ignacio Iturria: [Uruguayos (VI)], [Recolección (XIV)], [Rinocerontes (LXIX)], [Ventanas (III)]

Jorge Abbondanza: [Parques de esculturas (II)]

Thomas Michael Siegried Cohn: ArtNexus

Petrona Viera: [Uruguayos (VII)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]

Joaquín Torres-García:

[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)], [Arte perdido (X)], [Hermenegildo Sábat (Caricatura, Pintura)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]

Edward Hopper: [Todos los enlaces / All links]

Más sobre / More about Diego Píriz: Blog, Instagram, facebook

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

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Texto en inglés / Text in English

Diego frente a su obra "Mañana en una ciudad" / in front of his work "Morning in a City"

Diego Píriz was born in 1966 in Montevideo, Uruguay.
Between 1985 and 1989 he studied at the Faculty of Architecture, and between 1988 and 1992 at the National School of Fine Arts. He also practiced metal engraving with Professor Anhelo Hernández (1989 and 1991).
Continuing with his search, between 1990 and 1992 he studied theatrical scenography with Carlos Carvalho. As an alternative to the paradigm of the "great professions" and to the professional career that was already in his family, he begins to make handicrafts.
His work presents a challenge of the image-movement, where the artist forces us to stop and contemplate from another speed; is a stop. His images are nourished by the link with cinematography, architecture and comics. He uses low tonalities and erotic accents. Contemporary society is focused in his work through individual loneliness and the arrival of an imminent danger.

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Your entry into the world of the arts was a bit "tangential". Could you refer to those beginnings?
Diego Píriz: Remembering the beginnings is always a pleasant task, it is an exercise of interpretations and reflections that could be focused from the individual history, but I want to interpret it from the influence of a historical, social and family context, and the influence of this context in an individual with concerns towards artistic activities. Among those with which I had an affinity in my youth were drawing, mainly with ink and watercolor, photography, and architecture. In fact, I was studying architecture, following a social and family mandate, when I decided to abandon my academic studies to dedicate myself to painting.
It was like a leap into the void. I started living in workshops with artisans, artists, musicians, or students of Fine Arts. Also to visit exhibitions, to attend Fine Arts classes, to stay up all night painting my watercolors and cards, which at the beginning I sold at the end of the year, in an important book and craft fair organized by the poet Nancy Bacelo.

SR: You started with the watercolor technique. How was that transition to oil and realism?
DP: Continuing with my research from drawing and watercolor, a material with which I felt familiar from the beginning, and which I was already beginning to market in some galleries.
I felt that I had to start studying painting with referent artists, and to be able to find myself with larger formats of works. At first I studied Scenography with Carlos Carvalho, and then metal engraving with Anhelo Hernández, whose workshop I used to visit and see him working. Knowing that I had attended the classes that Joaquín Torres-García gave in his prestigious workshop, I asked Anhelo: What was it that Don Joaquín was telling them? He began to gesture with his arms and hands, transferring measurements and proportions, remembering mainly that what Torres-García was telling them was about the importance of measurement. To corroborate, to measure, to provide.
Torres-García's influence on Uruguayan art, and especially on the generations before mine, was very clear. Some years later I began to visit the studio of the artist Ignacio Iturria, initiating a dialogue on painting with very good results and learning. The presence of measurement and composition, with its corroborations, is also very present in Iturria's work. And he was able to transmit it to me with very good examples. I remember him very well elaborating on this subject. It was in 1995: he was returning from the Venice Biennale, where he had received an important prize for his participation. He was going around his studio looking for examples: sketches, unfinished works. Moving his arms and hands, dividing and composing the imaginary surface.

SR: And you've also enjoyed playing with comics in your works...
DP: From the comics I learned to synthesize, to compose the cartoons, which represent different times, building a translation of languages: graphic-pictorial, drawing-matter, humor-meaning. What in the comic strip is humor, in the world of art can acquire other meanings and reflections that change the sense. In the fruitful conversations I was able to have with Jorge Abbondanza, and with a text he wrote about my work at that time, I was able to find a guide in the search for meaning in my work. Meaning proliferates, bifurcates, when we change contexts. It was by working on this theme that I received my first public recognition: I received a mention in the award for Young Mercosur Art at ArteBA, and I had a solo exhibition at the Thomas Cohn Gallery in Sao Paulo where, in later years, I would exhibit again, but with other themes.

SR: You have many works where the intimacy is formed by light and space, and in which, if any character appears, it is mere decoration. How do you instrument those works?
DP: The interior works, where no characters appear, are focused on the observation of objects, on the intensities of light, on emphasizing certain details. I seek to express myself through the connections that these objects generate in the viewer's intimacy. Many times I suggest appointments with artists, connecting dialogues, as if we were talking to each other in secret. Trying to find that moment of connection, with silence and poetic intimacy. In my last series "Las bañistas (The Bathers)", awarded in the 50th Montevideo 2021 Award, the dialogue is born with paintings by Petrona Viera.

SR: What themes do you like the most?
DP: My favorite themes are those that have to do with cinema and the arts that are associated with the image-movement: photography and painting. In the development of cinema and photography you can see how women have gained prominence in the scene. She goes from an angelic and moralistic image to a femme fatale with her own rights. This transformation interests me, I find it attractive. But as long as it is presented together, with the climates that can be suggested and recreated. The starting frame is the one I find most beautiful, which is usually the one that raises a question, a search within myself. I am interested in entering that dark room where the projector is going to be turned on, and where little by little we let go of our conscience, letting ourselves be carried away by what is going to be projected. With a growing expectation for the encounter with intimacy, with the connection with the intensities of memory. When I find that frame I suspend the search, I catch it and begin to analyze it. I agree with Barthes (1) in "the interest of the frame". If the film would continue we would not have time for analysis. Contemporary society cannot stop, and to spend a long time observing and working on a specific image of its past is a way of interrogating it.

SR: You also have works in which your admiration is manifested in a dialogue with Hopper, where New York is replaced by Montevideo. Could you tell us something about them?
DP: Studying Hopper's work I was able to connect with the intensity of time. Intensity or "the force of time", as Deleuze calls it (2), is what determines that time is not always the same, linear and unique, but that there are in it intensities, bifurcations, moments of poetic intimacy, of beauty. Observing Hopper's work, one can perceive how the artist manages to express intensities. In the intimacies he finds the places and the characters at the ideal moment for this purpose. Hopper's influence is present in several of my works.

SR: What do you like most about the profession?
DP: I think in my case the link with the image, which comes from my family. Both my mother and my father educated us in the link with the pleasure for the visual. And also in the sense that producing visual beauty can be important from a human point of view. My mother talked to us about the great painters as if they were heroes of the human, who had given their lives to art and beauty. The image I have of my father is drawing architectural projects, but also taking photographs that were developed in black and white, or shown in a dark room, illuminated by the slide projector. Sometimes the projector would overheat, and my brothers and I would wait anxiously for the show to resume. I think that this is the origin of several answers to my current preferences: the link with painting, with photography, with cinema and with architecture. Elements that are always present in my works.
Painting is, for me, to approach those moments of intimacy, of visual pleasure, of beauty. My preference is to stop those moments on film. To find in that dark room the frame with the greatest intensity, and to work it with my elements, with my time. Alter it, add, take out, synthesize, translate, change language. To come into contact with other materials, such as oil, turpentine, canvas, brushes. To make the image go through a temporal development, where the imperfection and subjectivity of the manual drawing are concatenated in successive moments of reflection. To propose alternative assemblies that will alter the meaning of the image. To dialogue, to modify the context. To open new reflections.

SR: What are you most proud of in your artistic career so far?
DP: What I feel comfortable with is that I never stop questioning myself about what I am looking for as an artist. I look for beauty, but where do I find it? What is beauty for me? Can I transmit it? Does anyone understand me? I feel that I had "successes" when I achieved international exhibitions in Sao Paulo or in Buenos Aires, or when very recently at the end of last year I was awarded the third prize in the Municipal Salon. That recognition is important, and I am proud to have been interpreted. I felt that I was on the right track in this constant search for intensities, connections, communication, and reflections.

SR: What do you feel committed to as an artist?
DP: To dedicate oneself to art is to be continually in search of meaning, in various directions. In the search for beauty: for something that moves us, that mobilizes us. But also something that makes sense in this time, in this social and historical context. The search for beauty is a reflective task: first, we must ask ourselves what is beautiful in this time, in this context, what can I contribute from my activity as a painter, from my sensibility and experience, to this collective search for beauty? To find a personal answer to the question posed. It is this way, for me the beautiful is this, it is to find myself in this zone, and to work from these intensities. This is my contribution to the beauty of an era that intensifies the time of the spectators. We artists are poets, we search in our subjectivities, intensities, and this is very necessary in a society that is becoming more and more technocratic and dehumanized. Humanizing is one of the artist's commitments. This implies, to question oneself, to be critical, to be mobilizing, to move, to be aware of a historical context, and to find the necessary beauty.

SR: Is it satisfying to teach?
DP: In that search for meaning, teaching and learning is an answer. I find meaning practicing art teaching, I work with children in public school, and also with students specialized in art and painting at the Casablanca School of Art. The didactic exercise is to know how to interpret and connect different knowledge with different contexts. In a game of interpretations where the teacher is a link, a guide with the knowledge.
This game of didactic adaptations to different contexts, and of opening the possibilities of different interpretations, enriches the artistic work. It helps me to be more communicative, to think from the other, from the spectator. Seeing and seeing oneself: two views that make production possible.

SR: And for the future, what do you have in mind?
DP: The idea is to continue working, to continue learning, in these directions. Improving and/or varying the proposals. I continue developing large formats, I continue improving the technique, improving the assembly of images that come from different light sources and different scales. Knowing how to combine languages, references. When I look back and see what I am painting now, I believe that artistic growth is continuous. That I am maturing the discourse by dint of self-criticism and continuing to study. It is not always enough to be self-taught and to have the facility to express oneself. In fact, a few years ago, I decided to resume my academic studies. I am finishing my fourth year of visual communication at the IPA [Instituto de Profesores Artigas]. This helped me to become an effective art teacher in the public school, CEIP [Consejo de la Educación Inicial y Primaria], and to clarify my ideas as a teacher of painting and art in Casablanca. Continuing education, accompanied by the constant practice of the craft, allows me to enrich the artistic proposal.

(1) Barthes, Roland, "The Lucid Camera". Ed. Paidós. Barcelona., 1989
(2) Deleuze, Gilles, "Cinema III. Powers of the False". Ed. Cactus. B.A., 2018

Con esta nueva entrevista de Shirley Rebuffo nos acercamos a la obra del artista visual uruguayo radicado en Argetina Uri Negvi.

Un artículo en dos posts: este primero con texto en español, y el segundo en inglés.

With this new interview by Shirley Rebuffo we approach the work of Uruguayan visual artist based in Argentina Uri Negvi.

An article in two posts: this first one with text in Spanish, and the second in English.

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Uri Negvi

Jorge González Mega

(Montevideo, Uruguay, 1949-)

Uri Negvi junto a su obra "El hombre cósmico..." / with his work "The Cosmic Man..."

El artista visual Uri Negvi nació el 15 de noviembre de 1949 en Montevideo, Uruguay. Desde hace 22 años reside en Buenos Aires, Argentina donde tiene su taller y da clases.

A sus 17 años emigra a Israel y, una vez terminado el servicio militar, regresa a Uruguay retomando su formación. Artista polifacético, se ha desarrollado en el estudio de varias técnicas: la cerámica, el grabado, el collage, la pintura y la escultura. Es un artista sensible, marcado por soledades, habiendo recorrido caminos en una permanente búsqueda en la que continúa. Esto lo ha llevado a vivir en varios lugares del mundo, no solo como artista, sino también de su primera profesión en Cultivos intensivos y extensivos, en el kibutz Ein Hashlosha del cual es miembro. De esos tiempos, de su contacto con la tierra y el desierto cultivable, brotan ideas en un acto creativo de obras con vida y sentimientos, dejando entrever sus pensamientos: relatos con vida interior, rozando lo social, sensible con el medio, pero sin entrar en la confusión de lo político.

Sus estudios artísticos están basados en la Escuela del Sur, con los principios de Torres-García, y sus maestros Guillermo Fernández y Nelson Ramos. Expresa circunstancias que corresponden a sus vivencias y objetivación de ideas, teniendo algunas de sus obras notorias influencias del maestro José Gurvich.

Sus trabajos se encuentran expuestos en Galerías y colecciones privadas en Israel, Canadá, Francia e Italia, entre otros.

"El hombre cósmico en la lujuria de la creación (detalle ) /

The Cosmic Man in Lust of Creation (detail)", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 80 cm.

Serie La Lujuria de la creación / The Lust of Creation Series, acrílico / acrylic, 100 x 100 cm.

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Exactamente en qué barrio de Montevideo has nacido y cómo fue tu infancia?

Uri Negvi: Nací en el barrio de la Unión, exactamente en las calles [María Stagnero de] Munar y Joanicó, arriba de la carnicería que había en dicha esquina. Con el correr de los años nos mudamos a una cuadra, en Pernas y Joanicó y, más adelante, a Carlos Crocker y Joanicó, siempre en un radio no mayor que a esas escasas cuatro o cinco cuadras. Mi padre tenía su negocio, una óptica, en la avenida 8 de Octubre, al lado del Liceo 14. Como verás soy de la Unión de raíz, un barrio, en aquellos tiempos, de trabajadores. Fuimos una familia de clase media pobre, de casa alquilada, deseos muchos y logros pocos.

Mi infancia hoy la califico de una gran vida interior, donde la soledad fue refugio de una casa conflictiva. De todas formas, creo que algunas de esas carencias formaron y fomentaron mi imaginación y la libertad crítica de la que gozo. Hoy, a la luz de un razonamiento mayor, agradezco aquellas mañanas y tardes de invierno que esperaba el paso de la lluvia para salir a la calle a jugar con una ramita al costado del cordón de la vereda. Allí dejaba navegar esa ramita sobre el agua que corría. Esa agua se transformaba en caudalosos ríos donde mi humilde e imaginario barco enfrentaba tormentas terribles. Cuando no llovía iba a un aserradero que estaba sobre la calle Joanicó, a la vuelta de mi casa, y trepaba el alto de leños, los que se transformaban en inmensas montañas o trincheras de una sangrienta guerra. Las nubes también eran refugio de mi soledad: en ellas buscaba y veía formas colosales que hacían olvidar todo lo que me rodeaba. Tuve un hermano mayor que me llevaba 5 años. Hoy lamento no haber pasado más tiempo con él. Como notarás, mi infancia da para muchas interpretaciones y diferentes consecuencias, una de ellas es el artista que hoy soy y otra es la búsqueda permanente de la felicidad, derecho de todo humano y no regalía que se otorga.

"Castaño / Chestnut", acrílico / acrylic, 80 x 80 cm., 2015

En la serie de los árboles, Uri Negvi, cuenta sobre un mundo mágico, onírico, de sueños profundos ligados a la naturaleza. Son viajes a través de la diversidad de cada planta, de cada árbol, que, dentro de sí guarda un mundo imaginario único, cada uno con una historia y un hilo conductor particular. La vida toma forma en estos árboles soñados.

"El honorable salvaje Nº1 / The Honorable Savage #1", 100 x 100 cm.

SR: ¿Cómo comenzaste con el arte?

UN: Creo que hay dos hechos que me condujeron a este resultado.

Uno de ellos, es que frente a mi casa de la calle Carlos Crocker vivía un señor mayor. Tendría yo unos seis o siete años. Éste dejaba las puertas del garaje abiertas, y yo cruzaba la calle a verlo pintar. Pasábamos horas sin hablar, él pintando y yo mirando con asombro cómo, de a poco, todo se iba transformando. Veía los colores que se unían bajo la magia de aquél hombre que para mí fue un mago. Un día me puse a pintar en la vereda de mi casa, bien frente a él, para mostrarle que yo también, si quería, hacía lo mismo que él. Fue entonces que él salió de su garaje, cruzó la calle y me regaló la paleta con la que estaba pintando.

Otro de los motivos fue un concurso para niños de Punto Publicidad que gané. Como mencioné, mi padre tenía una óptica (Óptica González-Pérez en 8 de Octubre y Propios) que funcionaba en el edificio de la Agrícola Italiana. Con frecuencia iba a cebarle mate a mi padre, y, aprovechando que arriba de la óptica funcionaba una biblioteca barrial donde se impartían clases de dibujo, me quedaba a esas clases. Creo que es muy probable que mi vocación haya nacido gracias a estos hechos.

Serie La Lujuria de la creación / The Lust of Creation Series, acrílico / acrylic, 240 x 150 cm.

Serie Ludibrium / Ludibrium Series

Tinta y grafito a color sobre papel Canson 320 g / ink and color graphite on Canson paper 320 g, 40 x 70 cm.

SR: ¿Qué historia hay detrás de tu nombre?

UN: El nombre con el que fui registrado cuando nací es el de Jorge González Mega. Pero la vida es una acumulación de historias que nos va llevando a la construcción de un ser único, afectado por los acontecimientos. Nos va proponiendo a diario nuevos caminos, los que nosotros optamos por tomar o no, ya sea en el error o en el acierto.

Esto lo digo porque considero a mi generación una frontera entre un mundo de ideales, utópico y pragmático, y otro sin tiempos para hablar con uno mismo, sin considerar la exploración del alma. Toda mi vida se encuentra reflejada en mi nombre. En él están incluidos los sueños y causas que me llevaron a ser un guardián de historias, conquistas, logros y fracasos de un mundo que nunca más será el mundo que es hoy. Mi nombre significa mucho, cuando lo escucho es como si escuchara el llamado de mi alma.

Mi nombre en hebreo lo tomé cuando emigré a Israel, por el año 1967. Estuve en un kibutz que forma parte de un movimiento político de izquierda, que se llama Ein Ashlosha en el desierto del Negev, al sur de Israel, haciendo frontera con la franja de Gaza. Mi nombre significa muchas cosas, en lo referente a su construcción gramatical, por lo tanto, Negev es en referencia al sitio donde vivía en ese desierto. Uri es un nombre bastante popular, que es tomado generalmente por quienes se llaman Jorge y gramaticalmente quiere decir "la luz de mi desierto".

Por lo tanto, mi nombre refleja una necesidad de construir una vida nueva, propia, fuera de la soledad que me acompañó gran parte de mi existencia. Con ese nombre formé una personalidad que pretende dar lugar al cuestionamiento, a la libertad del pensamiento y a la necesidad de superación.

Con este nombre nuevo formé parte de grandes e importantes hechos históricos. Te contaré alguno. Estando recién llegado a Uruguay desde Israel, me dispuse a hacer el trámite del nuevo nombre en la oficina del registro civil. Se acercó a mí una persona que me esperaba y me preguntó: "¿No le gustaría ayudar a salir de Rusia a los judíos que están siendo perseguidos y que por su documentación no pueden salir?”. Respondí con una corta pregunta: "¿Dónde tengo que ir?". Habiendo aceptado le di mi pasaporte uruguayo con mi antiguo nombre. De esta manera, desde Rusia, salieron cientos de judíos con el nombre Jorge González. Con este nombre me enrolé y pertenecí al cuerpo de paracaidistas 890. Fui herido, perdí amigos y solo debo decir que las historias son muchas. Hay veces que me parecen eternas. Pero mi estancia en Israel me formó como una persona de bien. Por eso cuando me dicen Jorge me cuesta reaccionar, en cambio por Uri... Uri soy yo, soy el que subió a su tractor, y mientras araba en el kibutz, detonaron dos minas explosivas y sobrevivió. Soy el que pasó 3 años en el Canal de Suez. Lo más importante no son las interminables historias que tengo para contar, lo más importante es que Uri es una persona de bien. Es tanto, porque he vivido. Hay momentos en que estoy cansado, pero generalmente mi amor por la vida me da las fuerzas para concluir esta gran pintura que es la existencia.

He aprendido a cargar la mochila del héroe que nunca fui. He aprendido que es mucho lo que viví y sufrí, pero soy feliz con un gran amor, donde rescato todas estas historias y muchas más. Imagínate, Uri nació por el año 1967. Estaban Los Beatles, Mao, Vietnam, Fidel, Uganda, Nikita Khrushchev, Cassius Clay, Sputnik, Pablo VI, Kennedy. En fin, como verás, me gusta mi nombre, este nombre elegido por mí, que no es consecuencia de otros, por eso concluyo con este pensamiento: "Vida, nada te debo. Vida, estamos en paz".

"Soñar no cuesta nada / Dreaming Does Not Cost Anything", 80 x 89 cm.

"Objetos inútiles / Useless Objects"

SR: Has viajado mucho y en algunos lugares te has establecido por algún tiempo. ¿Por qué finalmente es Buenos Aires tu lugar de resindecia definitiva?

UN: Vivo en Buenos Aires desde hace 21 años, por lo que hoy la puedo llamar "mi adorada Buenos Aires". Adorada porque tiene embrujo, nostalgia de una Europa que supo ser y "ese qué sé yo" (*) que le da tanto la luz del día en los parques y paseos, como la media luz de sus bares y boliches, dejando "rodar la luna por Corrientes y Callao" (*). Pero hay más que te hará pensar en ángeles o demonios. Elegí Buenos Aires por una razón poco exclusiva, la elegí por una razón que ha sido causa de caídas de imperios o gloria de conquistadores: la elegí por amor.

Una noche de invierno hace 21 años atrás arribaba a Uruguay de un viaje a Israel. Decidí, a la mañana siguiente, pasar a visitar una exposición, que hacía un tiempo había dejado instalada en el Cabildo de Montevideo llamada "La Ruta de la Sal", curada por el profesor Alfredo Torres Tejera [1941-2018]

Estando ahí, antes de retirarme, por curiosidad, fui a ver qué noticias había en el cuaderno de artista, y, para mi gran sorpresa, había una nota de un argentino que ¡me conocía por mi trayectoria en el ejército! Quedamos en vernos. El día del encuentro vino acompañado por una amiga argentina. Fue tal la comunicación que nació entre ella y yo, que lo único que importaba eran nuestras palabras y nuestros ojos anclados los unos en los del otro. Así nació nuestro amor que se fue alimentando durante estos 21 años y que muchas veces salvó mi vida de heridas del pasado.

Hoy somos un matrimonio, casado bajo la orden judía y católica también. Hay mucho más que quizás surja de esta entrevista cuando la sed de saber lo pida.

(*) Versos de la letra del conocido tango "Balada para un loco", compuesto por el músico argentino Astor Piazzolla con letra del poeta uruguayo Horacio Ferrer.

"Momentos / Moments", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 35 x 45 cm., 2015

"La esencia interior / The Inner Essence", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 90 x 80 cm.

SR: ¿Te gusta experimentar y sortear etapas en su pintura?

UN: Esta pregunta viene bien para los momentos en que vivimos, no solo en el arte sino como sociedad toda.

En lo que a mi persona respecta, creo, sin aseverar, que soy capaz de sortear etapas permanentemente. Tanto es así que, de no venir ellas a mí, yo las voy a buscar. Creo que esto funciona debido a que nada del arte me es ajeno y soy un apasionado con la dicha de haber tenido a dos grandes, no solo como maestros, sino también como amigos: Guillermo Fernández y Nelson Ramos.

En lo referente a experimentar, es algo que todo artista debería hacer en forma constante. Probar, ensayar, con la modestia de enfrentar al fracaso sin sentirlo como derrota. Ahora creo que mi pintura, como toda la actividad de artes visuales que ejerzo, requiere de una formación de sacrificio en la vía de la experimentación.

SR: ¿Qué temáticas son las que más te gustan?

UN: Soy un hombre de ideales y un librepensador. Esto me lleva a estar siempre atento a la problemática social y a sus representantes. Lo banal no va conmigo y nunca dejo que el orgullo de ser el creador de una obra anule al espectador.

De acuerdo a lo hablado con mis maestros, la temática va cambiando según la edad, pero eso no es justificativo del desorden, de la desprolijidad y de la falta de herramientas que, como dije anteriormente, son el producto de la experimentación. Otra de las cosas que busco es que el tema me represente y, a la vez, que sea documento de hechos reales y no interpretaciones que permitan ser el disfraz de carnavales políticos. La elección del tema lleva a entender los objetivos del artista, así como la posible participación del espectador. De suceder que el espectador participe, generalmente todo el andamiaje falso que fue usado se vendrá abajo dejando al desnudo al artista.

Como ejemplo en mi obra nombraré algunas exposiciones.

Italia: "La follia", una sociedad amorosa y un país único que vive apasionadamente la locura de la política. Trata sobre la crudeza que se vive en las grandes ciudades.

En Buenos Aires: "La Lujuria de la Creación", el desentendimiento con la naturaleza.

"El cabaré de las plantas", Argentina.

"Identidad Judía": Museo Pissarro, Paris.

"Ludibrium": Un juego con el destino Pandemia.

"Lila / Lilac", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 80 cm.

"El inicio / The Beginning", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 90 cm.

SR: La "locura" social, ¿afecta tu obra?

UN: La locura social me estremece, me provoca. Trata de absorberme y se siente amenazada ante mi libre pensamiento. Creo que le cuesta entender por qué no saco beneficio personal de la incoherencia con la que se vive.

Yo no diría que afecta mi obra, más bien lo que hace con mi obra es ubicarla dentro de la razón de mis ideas y deja al descubierto los intereses con que se maneja la fábrica de artistas noveles.

Es necesario estar bien sólido para enfrentar los diferentes "porqués" que nos han llevado a la situación histórica en que vivimos, y esa solidez no se obtiene con la cosa fácil y menos aún con la pleitesía del poder.

Vivimos, con el nuevo milenio, tiempos tormentosos, y yo me refugio en mi arte para cuidar más de 6000 años de cultura, la que no puede ni debe quedar fuera de la esencia humana.

SR: ¿Qué colores puedes decir que marcan tu obra?

UN: El dilema del color es el mismo dilema de la tela en blanco: ambos marcan la disyuntiva del comienzo, las dudas y el temor.

Me sucede lo mismo, aunque ya con los años en esto el sufrimiento no es tanto. De todas formas, las tierras me conmueven y los rojos desbordan mi pasión. Pero hay un color que se empeña en complicarme y creo que se burla de mí; es el verde.

Según tengo oído, de mis maestros y en los talleres, los colores dicen mucho de lo que vendrá. Es algo así como que vaticinan el futuro. Creo que eso es muy posible debido a las sensaciones que producen.

Serie Ludibrium / Ludibrium Series

Tinta y grafito a color sobre papel Canson 320 g / ink and color graphite on Canson paper 320 g, 40 x 70 cm.

"Ceiba", 100 x 100 cm.

SR: ¿Podrías hablarnos de sus cerámicas? ¿Cómo surgió ese arte en ti?

UN: Mis trabajos en cerámica surgen porque, como ya mencioné, nada del arte me es ajeno. No soy un ceramista, soy sencillamente un autodidacta que compró un horno de cerámica y se puso a jugar. Luego viendo los resultados incorporé alguna cerámica en mis collages.

Como amante apasionado de lo estético y a todo lo que remonta a nuestros orígenes, las estatuillas que hago me dan protección, juegan con los duendes que habitan conmigo.

No tengo mucho más para agregar sobre la cerámica.

SR: ¿Qué opinión te merece el mercado actual del arte?

UN: Linda pregunta para el momento histórico que vive la humanidad. Me tomo mi tiempo para no contestar con vulgaridades o frases ya hechas y políticamente correctas.

El mercado del arte es un ítem más en la cultura de un país y lo que se espera de ella. Sin entrar en los que trafican sueños y son parte de la formación de opinión e imagen. Y resumiendo que las sociedades actuales adolecen de muchas cosas, entre ellas que todo debe ser rápido, los logros con el menor esfuerzo posible y sacando el mayor beneficio, que el resultado aparente un éxito, aunque sea momentáneo, etc. Perdiéndose incluso la personalidad. No dejo afuera a quienes, acompañando a estos pseudo artistas, se convierten en traficantes del arte, que son parte de la destrucción de 7000 años de cultura. Ahora, esto me lleva a tratar de entender tanta mediocridad y nada mejor para ello que hacerlo bajo la forma de lo hoy llamado “hamparte”, palabra que viene de la conjunción de Hampa (conjunto de personas para delinquir) y Arte. Acá se puede apreciar tanto la creatividad como la estupidez. Se puede ver el lavado de dinero como la maravillosa síntesis de una hoja de papel en blanco o un lienzo colgado en blanco. Pero también estudiando este problema, me encontré con la redefinición del arte, como el deseo de la evolución nos presenta la tentación de incorporarnos a la masa de la estupidez.

¿A que me refiero con la redefinición del arte y la estupidez? Ejemplo, con los adelantos tanto técnicos como científicos se puede decir que Kandinsky no fue el padre de la abstracción, pero también vemos que los diferentes grupos “cool”, esos jóvenes eternamente jóvenes y esos mayores, superficiales, presentan bajo el apodo de artista, una pelota de papel arrollado en el medio de una sala vacía, o un vaso de agua medio lleno, o una pirámide de papel higiénico, y miles de vulgares transgresiones, que no son tales, como hay un mercado para todo, también lo hay para la estupidez. Resumiendo, no soy quién para impedir nada, pero lo que se logró con estas manifestaciones es que surja el casillero del Arte Menor.

"Serie Atentados / Attack Series", collage, 280 x 120 cm.

Serie El cabaré de las plantas / The Cabaret of Plants Series, acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 80 cm.

SR: Ser docente implica algo más que transmitir contenido, también hay un intercambio de ideas con una exigencia de rigor y valoración de conocimientos. ¿Qué buscas trasmitir a sus alumnos?

UN: En mi modesto conocimiento y opinión los talleres de artes visuales han dejado de ser el lugar donde se buscaba tanto el crecimiento profesional como intelectual. En el mundo la palabra discípulo ha desaparecido y es víctima de un cambio de vida que no va acorde con lo que son los sentimientos. Hoy se busca el mejor resultado con el mínimo de esfuerzo, todo es rápido y el éxito es la búsqueda inmediata que no deja lugar a la maduración.

Y qué decir del que ve en el taller un lugar de entretenimiento para con su tiempo libre. Yo pertenezco a un tiempo donde el rigor del esfuerzo siempre es necesario y la búsqueda de la excelencia iba en cada trabajo. Hoy tenemos en muchos casos talleres o universidades que proponen ser fábricas de artistas, algo así como 2 + 2 sale 4 y esta ecuación en el arte no funciona así. Los sentimientos, los valores y la constancia hacen crecer la sensibilidad necesaria para el logro de un buen trabajo. La sensibilidad es un elemento indispensable, difícil de construir y muy fácil de perder, más aún cuando crees que encontraste una fórmula de realización. El taller es el lugar donde no solo se aprende a construir una obra, es el lugar donde la vida muestra la luz interior que llevamos adentro y eso requiere sacrificio y constancia. Esto, y mucho más, busco transmitir.

"La gota de Noe / Noah's Drop", acrílico / acrylic, 120 x 150 cm., 2013

Serie Ludibrium / Ludibrium Series

Tinta y grafito a color sobre papel Canson 320 g / ink and color graphite on Canson paper 320 g, 40 x 70 cm.

SR: ¿En qué estás trabajando ahora?

UN: Hoy me encuentro trabajando en una serie llamada Ludibrium.

Ludibrium es un juego de zonas donde se adelanta y atrasa con el destino de cada uno. Cada uno ve reflejado muchas veces los caminos optados en el trayecto de su vida. Otras veces se produce la burla al destino, ya que puedes recurrir a la corrección de lo pasado.

Son hojas de papel de importante tamaño: 40 x 70 y 100 x 70, trabajadas con tinta y grafo color, este año, 2022, se hará una muestra en Buenos Aires.

"Urano y Gea en la Lujuria de la Creación / Uranus and Gaea in the Lust of Creation"

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 150 x 90 cm., 2017

"Tehaní (nombre africano que significa celebración) / (African name meaning 'celebration')"

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 80 cm., 2015

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Sobre los artistas mencionados:

Guillermo Fernández: Wikipedia

Nelson Ramos: [Parques de esculturas (II)], [Recolección (LXXII)]

Joaquín Torres-García:

[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)], [Arte perdido (X)], [Hermenegildo Sábat (Caricatura, Pintura)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]

Más sobre / More about Uri Negvi: Instagram, facebook, Saatchi

Ir a la Parte 2 / Go to Part 2

¡Muchas gracias por la entrevista, Uri!

Thanks a lot for this interview, Uri!

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Con esta nueva entrevista de Shirley Rebuffo nos acercamos a la obra del artista visual uruguayo radicado en Argetina Uri Negvi.

Un artículo en dos posts: el primero con texto en español, y este segundo en inglés.

With this new interview by Shirley Rebuffo we approach the work of Uruguayan visual artist based in Argentina Uri Negvi.

An article in two posts: the first one with text in Spanish, and this second in English.

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Uri Negvi

Jorge González Mega

(Montevideo, Uruguay, 1949-)

Uri Negvi trabajando / at work

En primer plano, maniquíes de una instalación en el Jardin Botanico de Bs.As. /

In the foreground, mannequins from an installation at the Botanical Garden of Buenos Aires.

Visual artist Uri Negvi was born on November 15, 1949 in Montevideo, Uruguay. For 22 years he has lived in Buenos Aires, Argentina where he has his studio and teaches classes.

At the age of 17 he emigrated to Israel and, once he finished his military service, he returned to Uruguay to resume his training. A multifaceted artist, he has developed in the study of various techniques: ceramics, engraving, collage, painting and sculpture. He is a sensitive artist, marked by loneliness, having traveled paths in a permanent search in which he continues. This has led him to live in various parts of the world, not only as an artist, but also from his first profession in intensive and extensive farming, in Kibbutz Ein Hashlosha of which he is a member. From those times, from his contact with the land and the arable desert, ideas sprout in a creative act of works with life and feelings, leaving glimpses of his thoughts: stories with inner life, touching on the social, sensitive to the environment, but without entering into the confusion of the political.

His artistic studies are based on the Escuela del Sur (School of the South), with the principles of Torres-García, and his teachers Guillermo Fernández and Nelson Ramos. He expresses circumstances that correspond to his experiences and objectification of ideas, having some of his works notoriously influenced by the master José Gurvich.

His works are exhibited in galleries and private collections in Israel, Canada, France and Italy, among others.

"Las celulas del hombre cosmico / The Cells of the Cosmic Man", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 120 x 120 cm.

"Gato verde en el jardín / Green Cat in the Garden", acrílico sobre papel / acrylic on paper, 100 x 85 cm., 2019

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Exactly what neighborhood in Montevideo were you born in and what was your childhood like?

Uri Negvi: I was born in the neighborhood of La Unión, exactly on the streets [María Stagnero de] Munar and Joanicó, above the butcher's shop that was on that corner. As the years went by, we moved one block away, to Pernas and Joanicó and, later on, to Carlos Crocker and Joanicó, always within a radius of no more than those four or five blocks. My father had his business, an optician's store, on Avenida 8 de Octubre, next to Liceo (High School) 14. As you will see, I am from the Unión radically, a workers neighborhood in those days. We were a poor middle class family, with a rented house, many desires and few achievements.

Today I describe my childhood as a great inner life, where solitude was the refuge of a troubled home. In any case, I believe that some of these shortcomings shaped and fostered my imagination and the critical freedom I enjoy. Today, in the light of a greater reasoning, I am grateful for those winter mornings and afternoons when I would wait for the rain to come and play with a twig on the side of the curb. There I would let that twig sail over the running water. That water would turn into mighty rivers where my humble and imaginary boat would face terrible storms. When it wasn't raining, I would go to a sawmill on Joanicó Street, just around the corner from my house, and climb the tall logs, which were transformed into immense mountains or trenches of a bloody war. The clouds were also a refuge for my loneliness: in them I looked for and saw colossal shapes that made me forget everything around me. I had an older brother who was 5 years older than me. Today I regret not having spent more time with him. As you will notice, my childhood gives for many interpretations and different consequences, one of them is the artist I am today and another one is the permanent search for happiness, the right of every human being and not a gift that is granted.

"El honorable salvaje Nº2 / The Honorable Savage #2", 100 x 100 cm.

Serie Ludibrium / Ludibrium Series

Tinta y grafito a color sobre papel Canson 320 g / ink and color graphite on Canson paper 320 g, 40 x 70 cm.

SR: How did you start with art?

UN: I think there are two facts that led me to this result.

One is that across the street from my house on Carlos Crocker Street lived an older man. I was about six or seven years old. He would leave the garage doors open, and I would cross the street to watch him paint. We would spend hours without talking, him painting and me watching in amazement as, little by little, everything was transforming. I saw the colors coming together under the magic of that man who for me was a magician. One day I began to paint on the sidewalk of my house, right in front of him, to show him that I too, if I wanted to, could do the same as he did. It was then that he came out of his garage, crossed the street and gave me the palette with which he was painting.

Another reason was a Punto Publicidad (an Advertising Company) contest for kids that I won. As I mentioned, my father had an optician's shop (Óptica González-Pérez on the corner of 8 de Octubre and Propios Streets) that operated in the Agrícola Italiana building. I often went to brew mate for my father, and, taking advantage of the fact that above the optician's shop there was a neighborhood library where drawing classes were given, I would stay for those classes. I think it is very likely that my vocation was born thanks to these facts.

"La vida no es de uno / Life Is Not Your Own", 80 x 120 cm.

"Ciudades Ocultas / Hidden Cities", 80 x 80 cm., 2015

SR: What is the story behind your name?

UN: The name I was registered with when I was born is Jorge González Mega. But life is an accumulation of stories that leads us to the construction of a unique being, affected by events. Every day it proposes new paths, which we choose to take or not, whether we are wrong or right.

I say this because I consider my generation a frontier between a world of ideals, utopian and pragmatic, and another without time to talk to oneself, without considering the exploration of the soul. My whole life is reflected in my name. In it are included the dreams and causes that led me to be a keeper of stories, conquests, achievements and failures of a world that will never again be the world it is today. My name means a lot, when I hear it, it is as if I hear the call of my soul.

I took my name in Hebrew when I immigrated to Israel in 1967. I was in a kibbutz that is part of a leftist political movement, called Ein Ashlosha in the Negev desert, in the south of Israel, bordering the Gaza strip. My name means many things, in terms of its grammatical construction, so Negev is in reference to the place where I lived in that desert. Uri is a rather popular name, which is generally taken by those who are called George and grammatically it means "the light of my desert".

Therefore, my name reflects a need to build a new life of my own, away from the loneliness that accompanied me for most of my life. With this name I formed a personality that aims to give rise to questioning, freedom of thought and the need for self-improvement.

With this new name I was part of great and important historical events. I will tell you some of them. Having just arrived in Uruguay from Israel, I went to the civil registry office to get my new name. A person who was waiting for me approached me and asked me: "Wouldn't you like to help the Jews who are being persecuted and cannot leave Russia because of their documents? I answered with a short question, "Where do I have to go?". Having accepted I gave him my Uruguayan passport with my old name. In this way, from Russia, hundreds of Jews with the name Jorge Gonzalez left. With this name I enlisted and belonged to the 890th paratrooper corps. I was wounded, I lost friends and I just have to say that the stories are many. Sometimes they seem to last forever. But my stay in Israel shaped me as a good person. That's why when people call me Jorge I find it hard to react, but for Uri.... Uri is me, I am the one who got on his tractor, and while he was plowing in the kibbutz, two explosive mines detonated and he survived. I am the one who spent 3 years in the Suez Canal. The most important thing is not the endless stories I have to tell, the most important thing is that Uri is a good person. It is so much, because I have lived. There are times when I am tired, but generally my love for life gives me the strength to conclude this great painting that is existence.

I have learned to carry the backpack of the hero I never was. I have learned that I have lived and suffered a lot, but I am happy with a great love, where I rescue all these stories and many more. Imagine, Uri was born in 1967. There were The Beatles, Mao, Vietnam, Fidel, Uganda, Nikita Khrushchev, Cassius Clay, Sputnik, Paul VI, Kennedy. Anyway, as you will see, I like my name, this name chosen by me, which is not a consequence of others, that is why I conclude with this thought: "Life, I owe you nothing. Life, we are at peace".

"De la serie Punto Final / From the Final Point Series", collage, 50 x 60 cm.

"Sin título / Untitled", 120 x 150 cm., 2013

SR: What is the story behind your name?

"Morera / Mulberry", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 80 cm., 2015

In the series of trees, Uri Negvi tells of a magical, dreamlike world of deep dreams linked to nature. They are journeys through the diversity of each plant, each tree, which, within itself keeps a unique imaginary world, each with a story and a particular thread. Life takes shape in these dreamed trees.

Serie Ludibrium / Ludibrium Series

Tinta y grafito a color sobre papel Canson 320 g / ink and color graphite on Canson paper 320 g, 40 x 70 cm.

SR: Do you like to experiment and go through stages in your painting?

UN: This question comes in handy for the times we live in, not only in art but as a society as a whole.

As far as I personally am concerned, I believe, without asserting it, that I am capable of permanently going through stages. So much so that, if they don't come to me, I go looking for them. I believe that this works because nothing in art is alien to me and I am a passionate person with the happiness of having had two greats, not only as teachers, but also as friends: Guillermo Fernandez and Nelson Ramos.

As far as experimenting is concerned, it is something that every artist should do constantly. Trying, testing, with the modesty to face failure without feeling it as a defeat. Now I believe that my painting, like all the visual arts activity that I practice, requires a sacrificial training in the way of experimentation.

SR: What themes do you like the most?

UN: I am a man of ideals and a free thinker. This leads me to always be attentive to social problems and their representatives. The banal does not go with me and I never let the pride of being the creator of a work override the spectator.

According to what I have discussed with my teachers, the subject matter changes according to age, but that does not justify disorder, sloppiness and lack of tools that, as I said before, are the product of experimentation. Another of the things I look for is that the theme represents me and, at the same time, that it is a document of real facts and not interpretations that allow it to be the disguise of political carnivals. The choice of the theme leads to an understanding of the artist's objectives, as well as the possible participation of the spectator. If it happens that the spectator participates, generally all the false scaffolding that was used will collapse leaving the artist naked.

As an example in my work I will name some exhibitions.

Italy: "La follia", a loving society and a unique country that passionately lives the madness of politics. It deals with the rawness that is lived in the big cities.

In Buenos Aires: "La Lujuria de la Creación" (The Lust of Creation), the disengagement with nature.

"The cabaret of the plants", Argentina.

"Jewish Identity": Pissarro Museum, Paris.

"Ludibrium": A game with destiny Pandemic.

Serie El cabaré de las plantas / The Cabaret of Plants Series, acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 80 cm.

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 90 x 80 cm.

SR: Does social "madness" affect your work?

UN: Social madness shakes me, provokes me. It tries to absorb me and feels threatened by my free thinking. I think it has a hard time understanding why I don't take personal advantage of the incoherence with which people live.

I would not say that it affects my work, rather what it does with my work is to place it within the reason of my ideas and exposes the interests with which the factory of new artists is managed.

It is necessary to be solid to face the different "whys" that have led us to the historical situation in which we live, and that solidity is not obtained with the easy thing and even less with the allegiance of power.

We live, with the new millennium, stormy times, and I take refuge in my art to take care of more than 6000 years of culture, which cannot and should not be left out of the human essence.

SR: What colors can you say mark your work?

UN: The dilemma of color is the same dilemma of the blank canvas: both mark the dilemma of the beginning, the doubts and the fear.

The same thing happens to me, although with the years the suffering is not so great. Anyway, the earths move me and the reds overflow my passion. But there is a color that insists on complicating me and I think it makes fun of me; it is green.

According to what I have heard from my teachers and in the workshops, colors say a lot about what is to come. It's something like they foretell the future. I think that's very possible because of the sensations they produce.

"Ruido, baile y gritos / Noise, Dance and Shout", 95 x 125 cm.

"Objetos inútiles / Useless Objects"

SR: In both objects and painting you have had a tribal influence, what can you tell us about it?

UN: It is very true, I am a product of a country and a society that has left deep traces in me. Having traveled so much and lived in different countries, Argentina is the only place where I have not felt like an emigrant. But the most important thing is to see how our culture is valued, which, although it is or was encyclopedic, gives us a positioning that in most countries is appreciated. However, I must add that in my art there is, and I pretend that there always is, even if it is in small details, our Uruguayan Torresgarcian school.

Now, in the objects, something very personal happens with regard to the materials. They are objects that have in themselves the past history that provokes memory or love. For example, there is a series of carpenter's brushes all in excellent condition that many times I have been told: "my grandfather worked with one just like this one". There were those who continued to tell me about their grandfather while their eyes filled with tears.

Another series is with antique and intervened razors. And the most unusual thing is that the works that are made with some old, dirty, discarded brushes also have a lot to tell. To show that art is to humans what infinity is to the cosmos: an existential doubt that never ceases to question us.

These objects are intervened with high transparency papers, the ones I collect around the world in my travels. They are very delicate and play with light. They are as delicate as the sensations I awaken.

"Tilo / Lime", acrílico / acrylic, 80 x 80 cm., 2015

"El honorable salvaje Nº3 / The Honorable Savage #3", 100 x 100 cm.

SR: Sometimes you see in certain works something "biological", something that creates itself. How does that also relate to the spiritual?

UN: I work to develop a spiritual character in my pieces. I'm glad you noticed that it is self-feeding. My work is about inviting us on a journey into the deepest part of our being and, if possible, getting to know our own soul. Those cells that you appreciated are spinning, wandering in the tranquility of the space. If the viewer could enter that space, he would see the immensity in which we find ourselves and how insignificant we are. But that journey does not end there: when we reach that state, everything has just begun.

This journey to the deepest, not only will take us, but we will be accompanied by the different contents carried by the cells. It is a unique experience to be able to enter the immensity of the universe. Being in this state of mental rest we will understand how relative is the time we run with every day. We will see the slavery of a consumer society and the anthropophagy in which we have formed our ambition.

My work pursues an achievement: authenticity, besides making us understand that we do not deserve to be slaves of immediacy.

SR: Could you tell us about your ceramics? How did this art emerge in you?

UN: My ceramic works arise because, as I mentioned, nothing about art is foreign to me. I am not a ceramist, I am simply a self-taught person who bought a ceramic kiln and started to play. Later, seeing the results, I incorporated some ceramics in my collages.

As a passionate lover of aesthetics and everything that goes back to our origins, the statuettes I make give me protection, they play with the elves that live with me.

I don't have much more to add about ceramics.

Serie La Lujuria de la creación / The Lust of Creation Series, acrílico / acrylic

SR: What do you think of the current art market?
UN: Nice question for the historical moment humanity is living. I take my time not to answer with vulgarities or ready-made and politically correct phrases.
The art market is one more item in the culture of a country and what is expected of it. Without going into those who traffic in dreams and are part of the formation of opinion and image. And to sum up, today's societies suffer from many things, among them that everything must be fast, the achievements with the least possible effort and getting the greatest benefit, that the result appears to be a success, even if it is momentary, etc., losing even the personality. I do not leave out those who, accompanying these pseudo artists, become art dealers, who are part of the destruction of 7000 years of culture. Now, this leads me to try to understand so much mediocrity and nothing better than to do it under the form of what today is called "hampart", a word that comes from the conjunction of Hampa (a group of people to commit a crime) and Art. Here you can appreciate both creativity and stupidity. You can see money laundering as the marvelous synthesis of a blank sheet of paper or a blank canvas hung in white. But also in studying this problem, I came across the redefinition of art, how the desire for evolution presents us with the temptation to join the mass of stupidity.
What do I mean by the redefinition of art and stupidity? Example: with the technical and scientific advances we can say that Kandinsky was not the father of abstraction, but we also see that the different "cool" groups, those eternally young and those superficial older ones, present under the nickname of artist a ball of rolled up paper in the middle of an empty room, or a glass of water half full, or a pyramid of toilet paper, and thousands of vulgar transgressions, which are not such. As there is a market for everything, there is also a market for stupidity. In short: I am not the one to prevent anything, but what was achieved with these demonstrations is the emergence of the Minor Art pigeonhole.

"Pero con flores vuelvo / But With Flowers I Return"

Serie Ludibrium / Ludibrium Series

Tinta y grafito a color sobre papel Canson 320 g / ink and color graphite on Canson paper 320 g, 40 x 70 cm.

SR: Being a teacher implies more than just transmitting content, there is also an exchange of ideas with a demand for rigor and valuation of knowledge. What do you seek to transmit to your students?

UN: In my modest knowledge and opinion, visual arts workshops have ceased to be the place where both professional and intellectual growth were sought. In the world the word "disciple" has disappeared and is the victim of a change of life that is not in accordance with what feelings are. Today we look for the best result with the minimum of effort, everything is fast and success is the immediate search that leaves no room for maturity.

And what to say about those who see the workshop as a place of entertainment for their free time. I belong to a time when the rigor of effort was always necessary and the search for excellence was in every job. Today we have in many cases workshops or universities that propose to be factories of artists, something like 2 + 2 comes out 4 and this equation in art does not work like that. Feelings, values and constancy make the necessary sensitivity grow for the achievement of a good work. Sensitivity is an indispensable element, difficult to build and very easy to lose, even more so when you think you have found a formula for realization. The workshop is the place where you not only learn to build a work, it is the place where life shows the inner light that we carry inside and that requires sacrifice and perseverance. This, and much more, is what I seek to transmit.

SR: What are you working on now?

UN: Today I am working on a series called Ludibrium.

Ludibrium is a game of zones where you go forward and backward with your own destiny. Each one sees reflected many times the paths chosen in the journey of his or her life. At other times, destiny is mocked, as you can resort to correcting the past.

They are sheets of paper of important size: 40 x 70 and 100 x 70, worked with ink and color graph. This year, 2022, there will be an exhibition in Buenos Aires.

"Ella y yo / She and I", Serie La Lujuria de la creación / The Lust of Creation Series

Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 90 x 80 cm.

About mentioned artists:

Guillermo Fernández: Wikipedia

Nelson Ramos: [Parques de esculturas (II)], [Recolección (LXXII)]

Joaquín Torres-García:

[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)], [Arte perdido (X)], [Hermenegildo Sábat (Caricatura, Pintura)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]

Más sobre / More about Uri Negvi: Instagram, facebook, Saatchi

Ir a la Parte 1 / Go to Part 1

¡Muchas gracias por la entrevista, Uri!

Thanks a lot for this interview, Uri!

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En este nuevo post, Shirley Rebuffo entrevista al artista plástico uruguayo Álvaro Rodríguez Spangenberg, cuya obra, de carácter costumbrista, gira en torno a diversos elementos característicos de la cultura uruguaya, como son los boliches, las ferias barriales y el carnaval. Especialmente en esta última temática, ante los lienzos de Álvaro, resulta inevitable evocar de la obra de Figari. Recientemente, y tal como podemos comprobar con las imágenes del último bloque del artículo, el artista ha incursionado en la abstracción.

In this new post, Shirley Rebuffo interviews Uruguayan artist Álvaro Rodríguez Spangenberg, whose work, of a costumbrista nature, revolves around various elements characteristic of Uruguayan culture, such as nightclubs, neighborhood markets and carnival. Especially in this last theme, before Álvaro's canvases, it is inevitable to evoke Figari's work. Recently, and as we can see in the images of the last block of the post, the artist has ventured into abstraction.

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Álvaro Gutiérrez Spangenberg

(Montevideo, Uruguay, 1950-)

"El truco de boliche / Truco Card Game at the Nightclub", óleo sobre fibra / oil on fiberboard, 60 x 80 cm.

Álvaro Gutiérrez Spangenberg nace en Montevideo, Uruguay el 29 de junio de 1950. Es un artista que se plantea el reto de plasmar en el lienzo una realidad de tradiciones y costumbres montevideanas: los boliches, las ferias, las fiestas populares afro-uruguayas, logrando, con una aparente simplicidad, una coherencia espacial y compositiva del disfrute. En las fiestas populares trasmite el estado de ánimo que representa la ruptura de la continuidad del calendario laboral. En los bares desarrolla una imaginación con mayor intensidad en la intimidad material, desdibujando la finitud entre sujeto y objeto.

Echando una mirada rápida sobre sus obras se puede observar una aparente unidad del conjunto, pero tras una observación más detenida se distingue que cada figura es una entidad separada, absorta en su propia actitud o meditación. Cada personaje está en lo suyo, haciendo que el espectador juegue un rol importante en la integración de la emoción vinculada a la apreciación de la obra.

"La calle Isla de Flores / Isla de Flores Street", óleo / oil, 30 x 30 cm.

"Concurrido / Concurred", óleo sobre fibra / oil on fiberboard, 50 x 60 cm.

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cómo descubriste tu pasión por la pintura?

Álvaro Gutiérrez Spangenberg: Siempre me gusto el dibujo, pero al ingresar al Taller de Guillermo [Fernández], ya con 27 años, al dar los primeros pasos y aprender un lenguaje técnico diferente, que me permitía interpretar y expresar todo mi interior, mi sentir, plasmarlo en un lienzo o cartón, ahí siento que realmente se despertó mi pasión por la pintura.

SR: ¿Cómo fue el camino para llegar a tu estilo? ¿Qué influencias reconoces?

AGS: Creo que se hace camino al andar, pero obras de genios como Van Gogh, Cézanne, Renoir, Picasso o Kandinsky atrapan de por vida. Me fascina tanto el arte impresionista como el expresionista y la libertad de la abstracción y el surrealismo.

SR: Guillermo Fernández siempre decía: “crear con recursos propios”, dando una enseñanza de educación integral en el arte de la pintura. ¿Qué recuerdos tienes de tu maestro?

AGS: Todo lo que el Maestro nos da, nos enseña, todos sus conocimientos en Historia del Arte, su formación pictórica, su creación e ingenio. Hermosos momentos compartidos en el Taller de Guillermo Fernández, mi Maestro.

"Tamborileos / Drumming", óleo / oil, 30 x 30 cm.

"Paseo de sábado / Saturday Walk", óleo sobre fibra / oil on fiberboard, 60 x 80 cm.

SR: ¿Qué emociones fluyen dentro de ti al darle vida a un lienzo?

AGS: Estar frente a un lienzo buscando con pinceladas espontáneas los impactos que surgen a través de manchas de colores generosos, que en su desenfado cromático encuentren lo que uno desea plasmar en la obra, es como una vibración, una emoción enorme al percibir vida en la tela que te obliga a continuar sin parar, con todos tus sentimientos unidos.

SR: ¿De dónde viene tu fascinación por el arte costumbrista?

AGS: Difícil escapar a mi cultura, a mi pueblo a mi gente. Es como un sentimiento de apego a una tradición que vive eternamente en mi interior.

SR: ¿Qué temáticas son las que más te gustan?

AGS: En el "Candombe", el repique de los tamboriles, el baile de los abuelos y las bailarinas de las comparsas lubolas me acercan la fuerza de sus colores, movimientos y ritmos que dan origen a su riqueza afro cultural.

En las "Ferias Callejeras", sus aglomeraciones de caminantes domingueros, sus fachadas y toldos multicolores. El aroma y los sabores de sus frutas y verduras, tienen su origen en nuestra tierra y su naturaleza.

En los "Boliches", las figuras eternas que emergen sentadas en mesas o apoyadas en mostradores antiguos, en busca de historias o un diálogo compartido con el aroma de un café.

"Sorocabana Café", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 70 cm.

"El baile de los abuelos / The Grandparents' Dance", óleo sobre fibra / oil on fiberboard, 80 x 70 cm.

SR: ¿Qué retos conlleva hacer ese tipo de temática?

AGS: Nuestro origen, nuestras costumbres, la cultura y la entidad, así como la tradición que nunca debe quedar en el olvido del tiempo como figuras eternas de nuestra historia de vida.

SR: ¿Eres autoexigente?

AGS: Sí, lo soy. Mis pensamientos creativos vuelan más rápido que mis pinceladas ya que no siempre me conforma lo plasmado en la tela. Es como que mi búsqueda interior debe seguir su camino y mis óleos manchar la superficie de prisa, con fuerza.

SR: ¿Qué satisfacciones te ha dado la pintura?

AGS: En el camino de la pintura, las enseñanzas del inicio, la búsqueda de méritos e ilusiones y la libertad de mis pensamientos para poder interpretar y valorar el solo hecho de crear, de buscar y sentirme en conformidad con lo realizado, pero también el poder volver a emerger y volar con pinceladas espontáneas que den luces y colores a mis telas.

"Mama vieja y Gramillero", óleo sobre madera / oil on wood, 50 x 40 cm.

SR: ¿En qué te sientes comprometido como artista?

AGS: El tratar de ser honesto conmigo, de sobrellevar los egos artísticos con un perfil de humildad y eludir las barreras del camino de la Pintura que te desvían de tus emociones y de tus ilusiones.

SR: ¿Qué proyectos hay pendientes?

AGS: La pintura es un placer maravilloso de la vida en todas sus dimensiones. Tengo que seguir en la búsqueda de nuevos desafíos y aceptar los cambios. Enfrentarlos para poder vivir el arte plenamente ya sea en mi "arte costumbrista" o en mis comienzos por la abstracción en tiempos de madurez.

"Desfile / Parade", óleo sobre madera / oil on wood, 40 x 50 cm.

"Las llamadas" (*), óleo / oil, 30 x 30 cm.

(*) El Desfile de llamadas es una fiesta popular de candombe que se realiza todos los años en Montevideo en el mes de febrero, durante la época de carnaval en Uruguay. Forma parte del concurso oficial de agrupaciones carnavalescas de la capital uruguaya. Durante dos noches desfilan unas 40 comparsas por la calle Isla de Flores atravesando los barrios Sur y Palermo. Constituye una de las manifestaciones más reconocidas de la cultura afrouruguaya.

Wikipedia

(*) The Llamadas Parade is a popular candombe festival that takes place every year in Montevideo in February, during the carnival season in Uruguay. It is part of the official competition of carnival groups of the Uruguayan capital. During two nights about 40 groups parade along the Isla de Flores street crossing the South and Palermo neighborhoods. It is one of the most recognized manifestations of the Afro-Uruguayan culture.

"Palermo", óleo sobre fibra / oil on fiberboard, 80 x 60 cm.

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: How did you discover your passion for painting?

Álvaro Gutiérrez Spangenberg: I always liked drawing, but when I entered Guillermo [Fernández]'s workshop, at the age of 27, when I took my first steps and learned a different technical language that allowed me to interpret and express my inner self, my feelings, to capture them on canvas or cardboard, that's when I feel that my passion for painting was really awakened.

SR: How did you arrive at your style? What influences do you recognize?

AGS: I think you make the path as you go, but the works of geniuses such as Van Gogh, Cézanne, Renoir, Picasso or Kandinsky are captivating for life. I am fascinated by both impressionist and expressionist art and the freedom of abstraction and surrealism.

SR: Guillermo Fernandez always said: "create with your own resources", giving an integral education in the art of painting. What memories do you have of your teacher?

AGS: Everything the Master gives us, teaches us, all his knowledge in Art History, his pictorial training, his creation and ingenuity. Beautiful moments shared in the workshop of Guillermo Fernandez, my teacher.

"Comparsa lubola" (*), óleo sobre fibra / oil on fiberboard, 50 x 50 cm.

(*) Lubolo es un término asociado al candombe y al carnaval en Uruguay. Las comparsas de candombe son conocidas como "sociedades de negros y lubolos" y constituyen una expresión de la cultura afrouruguaya. Además, se usa esta expresión para referir a las personas que, sin ser afrodescendientes, participan en las comparsas de candombe y, en ocasiones, pintan sus rostros de color negro.

Wikipedia

(*) Lubolo is a term associated with candombe and carnival in Uruguay. Candombe comparsas are known as "societies of blacks and lubolos" and constitute an expression of Afro-Uruguayan culture. In addition, this expression is used to refer to people who, without being Afro-descendants, participate in candombe comparsas and sometimes paint their faces black.

Wikipedia (Spanish)

"Boliche en la noche / Nightclub in the Night", óleo sobre fibra / oil on fiberboard, 60 x 80 cm.

"Todo celeste y blanco / All Light Blue And White", óleo sobre tabla / oil on wood, 30 x 30 cm.

SR: What emotions flow within you when you bring a canvas to life?

AGS: Being in front of a canvas looking with spontaneous brushstrokes for the impacts that arise through stains of generous colors, which in their chromatic unrestrainedness find what you want to capture in the work, it is like a vibration, an enormous emotion when you perceive life on the canvas that forces you to continue without stopping, with all your feelings united.

SR: Where does your fascination for costumbrista art come from?

AGS: It's hard to escape my culture, my people. It's like a feeling of attachment to a tradition that lives eternally inside me.

SR: What themes do you like the most?

AGS: In the "Candombe", the beating of the drums, the dance of the grandparents and the dancers of the "comparsas lubolas" bring me closer to the strength of their colors, movements and rhythms that give rise to their Afro cultural richness.

In the "Street Markets", its crowds of Sunday walkers, its facades and multicolored awnings. The aroma and flavors of its fruits and vegetables, have their origin in our land and its nature.

In the "Nightclubs", the eternal figures that emerge seated at tables or leaning on antique counters, in search of stories or a shared dialogue with the aroma of coffee.

"Tronar de tambores / Thunder of Drums", óleo sobre fibra / oil on fiberboard, 60 x 73 cm.

"Tristán Narvaja, clásico de los domingos /

Tristán Narvaja Street Open-air Weekly Market, Sunday Classic"

Óleo sobre fibra / oil on fiberboard, 60 x 80 cm.

Abstractos / Abstracts

"Día en la ciudad / Day in the City", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 80 x 70 cm.

SR: What are the challenges involved in doing this type of theme?

AGS: Our origin, our customs, the culture and the entity, as well as the tradition that should never remain in the oblivion of time as eternal figures of our life history.

SR: Are you self-demanding?

AGS: Yes, I am. My creative thoughts fly faster than my brushstrokes since I am not always satisfied with what is captured on canvas. It is as if my inner search must follow its path and my oil paintings stain the surface in a hurry, with force.

SR: What satisfactions has painting given you?

AGS: In the path of painting, the teachings of the beginning, the search for merits and illusions and the freedom of my thoughts to be able to interpret and value the mere fact of creating, to search and feel in conformity with what I have done, but also to be able to re-emerge and fly with spontaneous brushstrokes that give light and color to my canvases.

"Escuadras / Squares", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 80 x 70 cm.

"Los caminos / The Roads", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 70 x 80 cm.

"Música / Music", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 70 x 80 cm.

SR: What do you feel committed to as an artist?

AGS: Trying to be honest with myself, to overcome artistic egos with a profile of humility and to avoid the barriers of the path of painting that divert you from your emotions and your illusions.

SR: What projects are pending?

AGS: Painting is a wonderful pleasure of life in all its dimensions. I have to keep looking for new challenges and accept changes. To face them in order to be able to live art to the fullest, whether in my "costumbrista art" or in my beginnings for abstraction in mature times.

"Sono salvati", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 70 x 80 cm.

"USE", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 80 x 70 cm.

Sobre los artistas mencionados / About mentioned artists:

Guillermo Fernández: Wikipedia

Vincent Van Gogh: [Todos los enlaces / All links]

Paul Cézanne: [Todos los enlaces / All links]

Pierre-Auguste Renoir: [Todos los enlaces / All links]

Pablo Picasso: [Todos los enlaces / All links]

Vasily Kandinsky: [Todos los enlaces / All links]

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Shirley Rebuffo entrevista a la artista rusa Natalia Deyanova, que emigró a Uruguay en 2013, donde ha venido desarrollado su obra como pintora e ilustradora, así como sus actividades como profesora de artes plásticas y de ruso.

Shirley Rebuffo interviews Russian artist Natalia Deyanova, who emigrated to Uruguay in 2013, where she has been developing her work as a painter and illustrator, as well as her activities as a teacher of plastic arts and Russian.

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Natalia Dayanova

Natalia Eremchenko

(Хабáровск / Jabárovsk / Khabarovsk,

Хабаровский край / Krai de Jabárovsk / Khabarovsk Krai /

Росси́я [CCCP] / Rusia [URSS] / Russia [USSR], 1973)

en / at Монтевидео, Уругвай / Montevideo, Uruguay

Natalia trabajando en "Las tres" / at work with "The Three"

Natalia Dayanova es el nombre artístico de la artista rusa Natalia Eremchenko.

Realizó sus estudios básicos entre 1979 y 1989. Entre 1990 y 1996 estudió en la Facutad de Artes Gráficas de la Universidad Pedagógica de su ciudad natal.

Fue diseñadora y compaginadora en el diario Molodoy dalnevostochnik, en Jabárovsk, Rusia, entre 1996 y 2001.

Desde 2004 hasta 2016 fue propietaria, directora de arte, diseñadora e ilustradora de la editorial Arno.

Natalia vive en Montevideo, Uruguay, desde 2013. En 2018 su título fue reconocido por el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, de Universidad de la República de Uruguay.

Trabaja free-lance realizando ilustraciones y diseño gráfico. Ha ilustrado para la revista La Mochila, Editorial Banda Oriental, Ediciones del Garage y Más Cerca Ediciones. Desde 2014 se ha desempeñado como profesora particular de artes plásticas para niños y adultos. Entre 2016 y 2019 dio clases de ruso en la Academia Montevideo.

Ha expuesto su obra en la Galería Los Caracoles, de José Ignacio (Maldonado)

"Las tres / The Three", óleo y acrílico sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 100 x 120 cm., 2018

La obra y la modelo / The work and the model

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Dónde has nacido (ciudad y región)?

Natalia Dayanova: Nací en el Oriente Lejano de Rusia, ciudad de Khabarovsk.

SR: ¿Cuál es su primer recuerdo vinculado al arte?

ND: La verdad que a esta pregunta no sé qué responder. ¿Vinculado al arte? ¿Me pregunto si un niño dibujando, pintando es que está haciendo el arte? No creo. Los niños todos dibujan -si tienen con qué- practicando sus habilidades de posesión de lápiz, expresando. En los jardines de infantes rusos todos lo hacen. No sé si es arte. Es un método inconsciente de conocer el mundo, de divertirse. El arte comienza cuando uno comienza crear nuevos mundos. Ingresé a la escuela de artes infantil con 12 años de edad; es cuando empecé estudiar el dibujo, pintura, composición, historia del arte etc.

"Luna / Moon", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2017

"Farolitos 1 / Little Lanterns 1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127 x 137 cm., 2020

SR: Has estudiado en la Universidad Estatal de Humanidades del Lejano Oriente, una universidad que tiende a lo pedagógico. ¿Cómo fueron esos años? ¿Y por qué la elección de dibujo y diseño?

ND: Es la única institución de nivel universitario que tiene facultad de arte que hay en mi ciudad natal. Además del arte, tiene todo lo pedagógico: 5 años de psicología, por ejemplo. Me parece interesante para un artista tener esos conocimientos. Las artes plásticas las elegí porque ya tenía 4 años completos de estudios del nivel anterior, y, a los 17 años, al ingresar a la universidad, ya no tuve dudas de a qué me quería dedicar.

SR: ¿Qué es lo que más te gusta del oficio?

ND: Me gusta que es un proceso de aprendizaje que nunca termina. Es un desafío permanente, o sea nunca te aburrís haciendo trabajando en arte. Además... la belleza salvará al mundo... algún día.

"La ninfa de las flores / The Flower Nymph"

Acuarela y tinta sobre papel / watercolor and ink on paper, 51 x 41 cm., 2018

"Ardiente / Fiery", óleo / oil, 73 x 78 cm., 2021

SR: ¿Qué te interesa que generen tus obras en el espectador?

ND: Estoy convencida que para un artista todo lo que hace es “el arte”. El 80% de sus trabajos son estudios, practicas, experimentos. El dominio del dibujo realista y pintura requiere las practicas diarias que son estudios, no más. A veces surge algo interesante que se convierte en una obra de arte y a veces solo queda como material de estudio. Pero claro, cuando te pones pensar en una composición, intentando expresar una idea, ahí aparece el arte o debería aparecer.

Yo pinto lo que conozco bien, lo que entiendo, lo que me rodea – son mis hijas, en general. Y no sé si es como una idea o más bien una sensación que me gustaría transmitir es la fuerza femenina, la fuerza espiritual que nos permita no rendirnos nunca. Y también me fascina la misma plástica del cuerpo humano.

SR: ¿Cómo has encontrado tu lenguaje?

ND: Todavía lo estoy buscando, permanentemente.

"Polina", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 40 x 53 cm., 2019

Modelo y obra en proceso / Model and work in progress

SR: ¿Qué es lo que más te gusta o estimula de tu trabajo como docente?

ND: Debe ser que es una vocación o algo genético, porque me gusta sin vueltas. Como docente de artes plásticas no enseño a ser artista, lo veo imposible. Yo enseño el oficio: dibujar, pintar y componer. El hecho de llegar a ser artista o no, es una decisión propia y trabajo de cada uno. Creo que tener el talento no es lo suficiente, hay que tener buenos instrumentos para realizarlo.

SR: ¿En qué momento de tu vida sentiste mayor libertad?

ND: En la infancia, tal vez.

"Sin título (Bodegón) / Untitled (Still Life)", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 35 x 45 cm., 2019

Estudio / Study

SR: ¿Cuál es tu gusto en cuestión de arte en general?

ND: Me gusta el arte bien hecho. Pero a la misma vez el arte que genera sensaciones. Que te frena, sin entender porqué y te hace sentir y pensar. Si hablar de estilos, creo que es lo que se llama realismo mágico. O sea, la belleza de lo natural junto con el mundo interno, de los pensamientos, sensaciones y sueños.

SR: ¿Qué tienes en mente para el futuro cercano, en relación a tu arte?

ND: En el futuro bien cercano me gustaría hacer una exposición que se llamaría “Las tres” y en el futuro en general seguir pintando porque las ideas que ya tengo en la mente son como para varios años en adelante.

"Desnudo / Nude", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 51 x 74 cm.

Natalia junto a su obra "Peonías" / with her work "Peonies"

Natalia Dayanova is the artistic name of the Russian artist Natalia Eremchenko.
She completed her basic studies between 1979 and 1989. Between 1990 and 1996 she studied at the Faculty of Graphic Arts of the Pedagogical University in her hometown.
She was a designer and typesetter at Molodoy dalnevostochnik newspaper in Khabarovsk, Russia, between 1996 and 2001.
From 2004 to 2016 she was owner, art director, designer and illustrator at Arno publishing house.
Natalia has lived in Montevideo, Uruguay, since 2013. In 2018 her degree was recognized by the Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes, from Universidad de la República de Uruguay.
She works free-lance doing illustrations and graphic design. She has illustrated for La Mochila magazine, Editorial Banda Oriental, Ediciones del Garage and Más Cerca Ediciones. Since 2014 she has worked as a private art teacher for children and adults. Between 2016 and 2019 she taught Russian at the Academia Montevideo.
She has exhibited her work at Los Caracoles Gallery, in José Ignacio (Maldonado).

"Peonias / Peonies", óleo sobre lino / oil on linen, 90 x 150 cm.

"Pájaros mágicos / Magical Birds", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 120 cm., 2017

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Where were you born (city and region)?

Natalia Dayanova: I was born in the Far East of Russia, city of Khabarovsk.

SR: What is your first memory connected with art?

ND: To be honest, I don't know what to answer to this question. Linked to art? I wonder if a child drawing, painting is making art? I don't think so. Children all draw - if they have the means - practicing their skills of pencil possession, expressing themselves. In Russian kindergartens everybody does it. I don't know if it's art. It is an unconscious method of getting to know the world, having fun. Art begins when you start creating new worlds. I entered children's art school when I was 12 years old, that's when I started to study drawing, painting, composition, art history etc.

"Azul y rojo / Blue and Red", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 60 cm., 2020

"Farolitos 2 / Little Lanterns 2", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125 x 135 cm., 2022

SR: You have studied at the Far Eastern State University of Humanities, a university that tends to the pedagogical. What were those years like? And why the choice of drawing and design?

ND: It is the only university-level institution with an art faculty in my hometown. Besides art, it has everything pedagogical: 5 years of psychology, for example. I think it is interesting for an artist to have that knowledge. I chose the plastic arts because I had already completed 4 years of studies at the previous level, and at the age of 17, when I entered the university, I had no doubts about what I wanted to dedicate myself to.

SR: What do you like most about the profession?

ND: I like that it is a learning process that never ends. It is a permanent challenge, that is, you never get bored working in art. Besides... beauty will save the world... someday.

"Joya / Jewel", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 80 cm., 2020

"Las sirenas / The Sirens", acuarela y tinta sobre papel / watercolor and ink on paper, 30 x 40 cm., 2014

SR: What do you want your works to generate in the viewer?

ND: I am convinced that for an artist everything he does is "art". 80% of his works are studies, practices, experiments. The mastery of realistic drawing and painting requires daily practices that are studies, no more. Sometimes something interesting emerges that becomes a work of art and sometimes it just remains as study material. But of course, when you start thinking about a composition, trying to express an idea, then art appears or should appear.

I paint what I know well, what I understand, what surrounds me - they are my daughters, in general. And I don't know if it's like an idea or rather a feeling that I would like to convey is the feminine strength, the spiritual strength that allows us to never give up. And I am also fascinated by the very plasticity of the human body.

SR: How did you find your language?

ND: I'm still looking for it, permanently.

"La pera / The Pear", acrílico sobre cartón entelado / acrylic on cardboard canvas, 50 x 60 cm., 2014

"Granadas / Grenades", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 100 cm., 2018

La modelo / The model

SR: What do you like most or what stimulates you most about your work as a teacher?

ND: It must be a vocation or something genetic, because I like it. As a plastic arts teacher I don't teach to be an artist, I see it as impossible. I teach the craft: drawing, painting and composing. The fact of becoming an artist or not, is a personal decision and the work of each one. I believe that having talent is not enough, you have to have good tools to make it happen.

SR: At what point in your life did you feel the most freedom?

ND: In childhood, perhaps.

"Bañando al dragón azul / Bathing The Blue Dragon", óleo sobre lino / oil on linen, 117 x 137 cm., 2021

"Las pequeñas alegrías / The Little Joys", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 60 cm., 2018

"Ángel durmiendo / Sleeping Angel", óleo sobre lino / oil on linen, 120 x 130 cm., 2019

SR: What is your taste in art in general?

ND: I like well-made art. But at the same time art that generates sensations. That stops you, without understanding why, and makes you feel and think. If we talk about styles, I think it is what is called magical realism. That is, the beauty of the natural together with the inner world of thoughts, sensations and dreams.

SR: What do you have in mind for the near future, in relation to your art?

ND: In the near future I would like to make an exhibition called "The Three" and in the future in general I would like to continue painting because the ideas I already have in my mind are for several years to come.

Más sobre / More about Natalia Deyanova: facebook, Instagram, Galería Los Caracoles

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Más uruguayos en la serie de entrevistas de Shirley Rebuffo. En esta oportunidad, la artista multidisciplinar Yvonne D'Acosta, creadora de esculturas blandas, instalaciones, así como pintura, tanto acrílicos como acuarelas.

More Uruguayans in Shirley Rebuffo's interview series. This time, multidisciplinary artist Yvonne D'Acosta, creator of soft sculptures, installations and also painting, both acrylics and watercolors.

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Yvonne D'Acosta

(Montevideo, Uruguay, 1949-)

Ivonne en su estudio / at her Studio

Yvonne D'Acosta es una artista uruguaya nacida el 3 de marzo de 1949 en Montevideo, donde vive y trabaja.

Se formó en dibujo y pintura en el taller de Hilda López, donde ingresó en 1975.

Su obra se compone de esculturas blandas, realizadas en base a textiles, presentadas en amplias instalaciones en las que el juego de los planos, dimensiones y técnicas desafían la percepción del espectador, y de series de acrílicos y acuarelas en los que el paisaje y los elementos botánicos interaccionan con objetos y estructuras geométricas, conformando intrigantes composiciones llenas de contrastes.

Ha sido seleccionada en Salones Municipales y Nacionales y en los Premios María Freire 2006, Hugo Nantes 2008 y José Gamarra 2014 del Ministerio de Educación y Cultura.

"Revelando lo real / Revealing the Real", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 150 cm.

"Sin título / Untitled", acuarela / watercolor, 12,5 x 19,5 cm.

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Desde qué edad pintas?

Yvonne D´Acosta: Desde niña me gustó pintar y mirar libros de arte.

SR: ¿Tuviste algún maestro que te impulsó para realizar tu trabajo?

YD'A: En el año 1975, años de dictadura [en Uruguay], ingresé al taller de Hilda López, donde me formé en la técnica del dibujo y la pintura. A partir del año 1985, al regreso de la democracia y la apertura de la actividad cultural, comencé a través de diferentes actores a interesarme en la formación teórica.

"Disruptos II / Disrupts II"

"Construcciones geométricas imaginarias intervenidas por sombras arrojadas por un objeto blando,blanco, antropomórfico. Sombras inverosímiles que nos hacen dudar de lo que vemos.

Reflexiones, preguntas, respuestas, es el espectador quién las hace y completa la obra." YD'A

"La sombra / The Shadow", instalación / installation. Foto / Photo: José Risso

Dos esculturas y su sombra, punto de partida para introducirnos en una ilusión.

Mediante los recursos de trompe l'oeil (trampantojo), similitudes, espejamientos, distorsiones, se busca crear un extrañamiento.

Este extrañamiento será significado por el espectador. YD'A

"La sombra / The Shadow", instalación / installation. Foto / Photo: José Risso

Two sculptures and their shadows, the starting point to introduce us into an illusion.

Through the resources of trompe l'oeil, similarities, mirrors, distortions, we seek to create a strangeness.

This estrangement will be signified by the spectator. YD'A

"Disruptos II / Disrupts II"

SR: ¿Qué te lleva a experimentar?

YD'A: El arte es conocimiento y, en la creación, aprendemos. Experimentar es crecer.

SR: ¿Identificas distintas etapas en tu pintura?

YD'A: Si. Puedo decir que hubo una etapa de experimentación en la pintura, donde utilicé diferentes formas de expresión. Ésta se desarrolló desde mi primera muestra individual, en 1987, hasta la muestra del 2003. Luego empecé a incursionar en otras técnicas: objetos, esculturas blandas, instalaciones. Y desde el 2015, donde empecé a trabajar otra vez con la pintura, estoy en otra etapa.

"Revelando lo real / Revealing the Real", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 180 cm.

"Realidad en tiempo de resistencia / Reality in Times of Resistance"

Acuarela sobre papel Canson / watercolor on Canson paper, 50 x 65 cm.

"Realidad en tiempo de resistencia fue producida en pandemia, dónde el arte fue y es una forma de resistencia, ante una realidad otra.

Esa otra realidad se ha debido incorporar, procesar, y luego volcarla a la obra. Esa instrospección del artista, es presentada al otro, el espectador, quién también ha tenido que resistir y hacer su proceso." YD'A

"Sin título / Untitled", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 31 x 46 cm., 2020

"La obra, parte de un conjunto de 5 acuarelas, tiene como objetivo cuestionar el sistema de representación. Dos sistemas se superponen en la misma superficie. En un paisaje figurativo realista se introducen geometrías coloreadas que lo invaden. Obliga al espectador a pensar lo que está viendo. La artista problematiza de esta manera el sistema.

Podríamos suponer que una forma interpela la otra.

El carácter "amable" de los paisajes, que pueden parecer ilustraciones de cuentos infantiles, se contrapone a las formas geométricas. Los planos y aristas de los mismos cargan con cierta violencia. Le tocará al espectador tratar de resolver la incómoda contradicción que se presenta. Con ello la artista está proponiendo que sea el que mira el que repiense y entienda, y desde donde conforma la realidad que lo rodea." YD'A

"El té de las cinco / Five O'clock Tea", 2008

Instalación selecccionada para participar en el Premio Hugo Nantes, Museo Nacional de Artes Visuales /

Installation selected to participate in the Hugo Nantes Award, National Museum of Visual Arts, Montevideo

SR: ¿En qué focalizas tus proyectos?

YD'A: Desde el 2006 vengo desarrollando mis proyectos en torno a los conceptos "real/realidad".

SR: ¿Te consideras una persona sensible y/o frágil?

YD'A: Sensible, sí. Frágil, no. Aunque tenga mis momentos de fragilidad.

"El té de las cinco / Five O'clock Tea" (detalle / detail)

SR: ¿Para ti el artista debe desobedecer? Me refiero a los que le preceden, desobedecer a la historia, a las tendencias, a las corrientes anteriores.

YD'A: El artista tiene que vivir su época, y crear desde ese lugar. Hubo tiempos en la historia del arte donde se necesitó romper con la tradición. Es el caso de la modernidad y sus manifiestos. Pero ahora el arte contemporáneo se preocupa por la realidad, la historia, lo que pasa, las subjetividades, la antropología, la filosofía, las estadísticas, todo se vuelve contenido o materia del arte. Utiliza lo que mejor le sirve para cuestionar los tiempos en que vivimos.

SR: ¿Realizas juicios sobre tu obra anterior?

YD'A: Si. Al ir incorporando nuevos conocimientos, puedo analizar desde otro punto de vista lo producido anteriormente.

"El té de las cinco / Five O'clock Tea" (detalle / detail)

SR: ¿Con qué materiales y temáticas trabajas, y por qué las eliges para trabajar?

YD'A: En este momento he vuelto a la pintura, acuarela y acrílico. He producido mucha obra en esculturas blandas, he realizado instalaciones e intervenciones. Cada técnica tiene su potencial de expresión y de acuerdo a lo que quiero obtener, es el uso que hago de ellas. No descarto, en el futuro, otros materiales y técnicas. Dependerá del proyecto que tenga. Sigo trabajando con los conceptos de "real/realidad".

SR: ¿Qué te lleva a incursionar en otras disciplinas más allá de la pintura?

YD'A: Supongo que la curiosidad, experimentar con nuevas formas, materiales y técnicas, en mi camino de crecimiento, tanto personal como artístico.

"Sin título / Untitled", acuarela / watercolor, 12,5 x 19,5 cm.

SR: ¿Cuál es su experiencia en textiles escultóricos?

YD'A: Es una linda experiencia que me ha permitido trabajar con el espacio de una forma más intensa que el plano. La mirada cambia: en el plano es más focalizada, con las esculturas, la mirada debe moverse.

SR: ¿Te queda alguna materia pendiente?

YD'A: Si, siempre. Cuando logro plasmar una obra, es como haber subido un escalón. Sé que hay otros escalones a seguir subiendo.

"Disruptos II / Disrupts II"

SR: ¿Te planteas también que sea una obra que haga pensar?

YD'A: Toda obra hace pensar. El que la mira lo hará desde su punto de vista, diferente al mío. Al hacer mi obra dejo que la intuición me guíe, pero esa intuición está influenciada por mis vivencias, mis creencias, mi conocimiento. Es imposible separar el pensar del hacer.

SR: ¿Podrías contarnos acerca de algún proyecto artístico y cultural que tengas planeado a futuro?

YD'A: En los años 2020 y 2021 he presentado obra que me llevó tiempo elaborar. Ahora estoy en el periodo de vaciamiento. Es necesario capitalizar lo hecho para seguir adelante. De cualquier manera, he invitado a un colega a participar de una obra cuya temática será el paisaje, pero todavía no tenemos nada definido. Otro proyecto que me gustaría hacer, es el de crear la vestimenta para un colega que actúe. ¡Veremos qué concretamos de estas intenciones!

Ivonne en su estudio / at her Studio

Yvonne D'Acosta is an Uruguayan artist born on March 3, 1949 in Montevideo, where she lives and works.
She trained in drawing and painting at Hilda López's workshop, where she entered in 1975.
Her work consists of soft sculptures, made from textiles, presented in large installations in which the play of planes, dimensions and techniques challenge the viewer's perception, and series of acrylics and watercolors in which the landscape and botanical elements interact with objects and geometric structures, forming intriguing compositions full of contrasts.
She has been selected in Municipal and National Salons and in the María Freire 2006, Hugo Nantes 2008 and José Gamarra 2014 Awards of the Ministry of Education and Culture.

"Revelando lo real / Revealing the Real", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 50 x 60 cm.

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Since what age have you been painting?

Yvonne D'Acosta: Since I was a child I liked to paint and look at art books.

SR: Did you have a teacher who encouraged you to do your work?

YD'A: In 1975, during the years of dictatorship [in Uruguay], I entered Hilda López's workshop, where I was trained in drawing and painting. From 1985 onwards, with the return of democracy and the opening of cultural activity, I became interested in theoretical training through different actors.

"Realidad en tiempo de resistencia / Reality in Times of Resistance"

Acuarela sobre papel Canson / watercolor on Canson paper, 50 x 60 cm.

"Realidad en tiempo de resistencia fue producida en pandemia, dónde el arte fue y es una forma de resistencia, ante una realidad otra.

"Sin título / Untitled", acuarela / watercolor, 12,5 x 19,5 cm.

"Blanco / White", esculturas blandas, instalación / soft sculptures, installation

SR: What leads you to experiment?
YD'A: Art is knowledge and, in creation, we learn. To experiment is to grow.

SR: Do you identify different stages in your painting?
YD'A: Yes. I can say that there was a stage of experimentation in painting, where I used different forms of expression. This developed from my first individual exhibition, in 1987, until the 2003 exhibition. Then I began to dabble in other techniques: objects, soft sculptures, installations. And since 2015, when I started working again with painting, I'm in another stage.

"Blanco / White", esculturas blandas, instalación / soft sculptures, installation

SR: What are your projects focused on?
YD'A: Since 2006 I have been developing my projects around the concepts "real/reality".

SR: Do you consider yourself a sensitive and/or fragile person?
YD'A: Sensitive, yes. Fragile, no. Although I have my moments of fragility.

"Blanco / White", esculturas blandas, instalación / soft sculptures, installation

"Sin título / Untitled", acuarela / watercolor, 12,5 x 19,5 cm.

SR: For you, should the artist disobey? I am referring to those who precede him, to disobey history, trends, previous currents.

YD'A: The artist has to live his time, and create from that place. There were times in the history of art when it was necessary to break with tradition. That is the case of modernity and its Manifestos. But now contemporary art is concerned with reality, history, what is happening, subjectivities, anthropology, philosophy, statistics, everything becomes content or matter of art. It uses what best serves it to question the times in which we live.

SR: Do you make judgments about your previous work?

YD'A: Yes. As I incorporate new knowledge, I can analyze from another point of view what I have produced before.

"Revelando lo real / Revealing the Real", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 50 x 60 cm.

"Sin título / Untitled", acuarela / watercolor, 12,5 x 19,5 cm.

SR: What materials and themes do you work with, and why do you choose to work with them?

YD'A: At the moment I have returned to painting, watercolor and acrylic. I have produced a lot of work in soft sculptures, I have made installations and interventions. Each technique has its potential for expression and according to what I want to obtain, is the use I make of them. I do not rule out, in the future, other materials and techniques. It will depend on the project I have. I continue to work with the concepts of "real/reality".

SR: What leads you to venture into other disciplines beyond painting?

YD'A: I guess curiosity, experimenting with new forms, materials and techniques, in my path of growth, both personal and artistic.

"Disruptos II / Disrupts II"

"Imaginary geometric constructions intervened by shadows cast by a soft, white, anthropomorphic object. Implausible shadows that make us doubt what we see.

Reflections, questions, answers, it is the spectator who makes them and completes the work." YD'A

"Realidad en tiempo de resistencia / Reality in Times of Resistance"

Acuarela sobre papel Canson / watercolor on Canson paper,

"Reality in time of resistance was produced in pandemic, where art was and is a form of resistance, in the face of another reality.

That other reality has had to be incorporated, processed, and then turned into the work. This instrospection of the artist is presented to the other, the viewer, who has also had to resist and make his process". YD'A

"Sin título / Untitled", escultura blanda / soft sculpture

SR: What is your experience in sculptural textiles?
YD'A: It's a nice experience that has allowed me to work with space in a more intense way than the plane. The gaze changes: on the plane it is more focused, with sculptures, the gaze must move.

SR: Do you have any unfinished business?
YD'A: Yes, always. When I manage to capture a work, it's like having climbed a step. I know there are other steps to continue climbing.

"Sin título / Untitled", escultura blanda / soft sculpture

SR: Do you also think it should be a work that makes you think?
YD'A: Every work makes you think. Whoever looks at it will do so from his own point of view, different from mine. When I make my work I let my intuition guide me, but that intuition is influenced by my experiences, my beliefs, my knowledge. It is impossible to separate thinking from doing.

SR: Could you tell us about any artistic and cultural project you have planned for the future?
YD'A: In 2020 and 2021 I have presented work that took me some time to develop. Now I am in the emptying period. It is necessary to capitalize on what has been done in order to move forward. In any case, I have invited a colleague to participate in a work whose theme will be landscape, but we still have nothing defined. Another project I would like to do is to create the costumes for a colleague who will perform. We'll see what we can make of these intentions!

"Sin título / Untitled", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 31 x 46 cm., 2020

"The work, part of a set of 5 watercolors, aims to question the system of representation. Two systems are superimposed on the same surface. In a realistic figurative landscape, colored geometries are introduced and invade it. It forces the viewer to think about what he is seeing. In this way the artist problematizes the system.

We could suppose that one form interpellates the other.

The "friendly" character of the landscapes, which may look like illustrations of children's stories, is contrasted with the geometric forms. Their planes and edges are charged with a certain violence. It will be up to the viewer to try to resolve the uncomfortable contradiction that is presented. With this, the artist is proposing that the viewer is the one who rethinks and understands, and from where he/she shapes the reality that surrounds him/her." YD'A

"Sin título / Untitled", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 31 x 46 cm., 2020

Hilda López en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (IX)]

Más sobre / More about Yvonne D'Acosta: Blog, facebook, Instagram

¡Muchas gracias por la entrevista, Yvonne!

Thanks a lot for the Interview, Yvonne!

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Nueva entrevista de Shirley Rebuffo en la serie dedicada a artistas uruguayos. Hoy nos enfocamos en la obra de la joven pintora Carmela Piñón. Sus grandes lienzos, en los que predominan tonalidades uniformes y sin estridencias, el agua y paisajes naturales, evidentes o intuidos, se pueblan de pequeñas figuras que flotan aquí y allá dando significado al conjunto, marcando las notas de color discordante y atrayendo la atención del observador.

New interview by Shirley Rebuffo in the series dedicated to Uruguayan artists. Today we focus on the work of the young painter Carmela Piñón. Her large canvases, in which uniform tonalities predominate without stridency, water and natural landscapes, evident or intuited, are populated by small figures floating here and there, giving meaning to the whole, marking the notes of discordant color and attracting the attention of the observer.

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Carmela Piñón

(Montevideo, Uruguay, 1985-)

Carmela en su estudio

Carmela Piñón es una artista plástica nacida en Montevideo el 18 de octubre de 1985. En el 2010 se gradúa como Licenciada en Nutrición en la Facultad de Medicina de la Universidad de la República.

Su formación artística comienza en 2008 en el taller de la Escuela de Arte Casablanca. A partir del 2009 decide afirmar su vocación y trabaja a tiempo completo en el estudio del maestro Ignacio Iturria.

En octubre de 2011 realiza una pasantía de un mes en Perú junto a Iturria, teniendo la ocasión de entrar en contacto con el arte precolombino. La composición de colores e iconografía de esta cultura influyen en su universo creativo. Durante esa estancia colabora con un audiovisual en una de las exhibiciones realizadas por el maestro, y toma contacto con otros artistas latinoamericanos.

En 2012 fue elegida para diseñar, dirigir y pintar el mural del parque Grauert por los 100 años del balneario Carrasco, en Montevideo. En ese mismo año comienza a ejercer docencia en artes plásticas y en técnicas de estarcido (stencil) para niños y adolescentes.

Se suceden varias exposiciones en Uruguay en el exterior, desarrollando diversas series pictóricas: "Buscadores", "Ingrávidos", "Tan real como soñar", "Maestro & Alumna".

Fue designada para ser parte del jurado en el concurso internacional de dibujos infantiles de la FAO (Food and Agriculture Organization of the United Nations).

"Piñón crea un orbe azul, como aquel mago de Cunqueiro, donde los problemas son juguetes del alma, que vuelan entre aves nefelibatas y lenes, que festonean de ternura espacios de inocencia, que se funden con el mar, con un medio acuático donde todo fluye"

Tomás Paredes: "Cuerpos en la niebla". La Vanguardia, 19 de noviembre de 2017. Texto escrito a raíz de la exposición "Ingrávidos", en la Galería Juan Riso, Madrid.

"Aparicion de la Tortuga / Appearance Of The Turtle", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 145 x 242 cm.

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Tu primera opción universitaria no fueron las artes. ¿Cómo surge la idea de un cambio tan radical?

Carmela Piñón: Mi primer interés académico fue en el área de la medicina, específicamente la nutrición. Me estaba recibiendo cuando paralelamente me iniciaba como aprendiz de Iturria, allí me di cuenta que prefería nutrir desde el arte y no dudé de mi nuevo camino.

SR: En tu obra está presente lo onírico, incluso como un relato literario. ¿Tus sueños son una fuente de inspiración de ese marcado surrealismo tanto creativo como artístico?

CP: Me gusta lo de relato literario. Seguro viene de mi padre contador y escritor. La inspiración me viene pintando: los climas y personajes se me van revelando en el momento de hacerlo.

Me estoy acordando del cuadro de Remedios Varo (ver más abajo) en el que la luz de una estrella entra por la ventana. Ella con un prisma lo refracta sobre la hoja donde pinta, la luz se descompone sobre la hoja revelando un pájaro que ella va pintando, y a su vez el pájaro se transforma en real y sale volando.

No logro explicar con palabras de donde viene.

"Buscando con luz Inca / Searching With Inca Light", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 155 x 100 cm.

"Entrelazados azules / Intertwined Blues", 100 x 200 cm.

"Las piedras no pesan / Stones Are Weightless", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 80 x 60 cm.

SR: Como ha dicho Bachelard: "La imaginación no es otra cosa que el sujeto transportado dentro de las cosas. Las imágenes llevan entonces la marca del sujeto". ¿En alguna de tus obras eres tú la que está allí representada en pequeño?

CP: Puede que sea yo y todas las personas a la vez.

SR: Cuéntanos sobre ese diálogo reflexivo entre lo etéreo, los retazos, lo flotante, los utilitarios como la mesa y la cama, y el juego…

CP: El asunto de sentirse jugando, para mí, es el estado donde todo fluye mejor. Eso sin dudas lo adquirí de Iturria, quien le da mucha importancia y seriedad a estar en estado lúdico.

Cuando emprendí el estudio de las formas, los volúmenes desde la observación del modelo, como todos, una lo pone en una mesa o en el suelo, acomoda la luz y comienza a copiar e interpretar su forma. Luego a componer con diferentes objetos e ir jugando con ellos, como una niña que juega con sus muñecos e inventa historias. Después de un tiempo sentí la necesidad de que esos elementos, retazos de telas, animales, libros, personajes con los que jugaba, tuvieran movimiento, que pudieran verse en todo su esplendor, flotando, yo me sentía flotando, y entonces comencé el camino con el agua, a sumergirlos en ella, esto me hizo tener un vínculo muy fuerte con el agua, quise que sea mi medio.

La cama surge porque es el lugar donde uno está consigo mismo, solos con nuestros propios sueños e inquietudes.

Yo creo que dormir es el momento más importante del día, donde uno más conecta, y por ello es el más real.

A partir de la cama como símbolo, me apasioné con las colchas de pachwork, una técnica milenaria que comenzó en África y que luego de la abolición de la esclavitud, en Alabama, las mujeres pudieron comenzar a realizarlas. Tenían tiempo para ello: podian juntarse y entre muchas realizaban las colchas para los recien casados.

Son hechas con retazos.

"Buscando con luz esmeralda / Searching With Emerald Light"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 150 cm.

"Felina iluminada / Illuminated Feline", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 80 cm.

"Diálogo entre tribus / Dialogue Between Tribes", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 200 cm.

SR: También esa gama tonal uniforme es algo recurrente en muchas de tus obras, y despierta emociones a quien las mira. ¿Cómo decides trabajar en predominancia de determinado color?

CP: Preparo el color en la paleta en función del clima o emoción que quiero generar, y este será el que predomine y bañe toda la imagen.

SR: ¿Quieres que todos entiendan lo expresado en tu obra, o con que admiren su belleza estética es suficiente?

CP: Con que lo sientan es suficiente para mí.

SR: El agua vital está presente como símbolo, jugando entre la notoriedad y la sutileza en la mayoría de tus obras. Creo que es ella la que le da ese ambiente mágico. ¿Podrías decirnos algo al respecto?

CP: Que el escenario sea acuoso es parte de lo que me permite pintar y moverme con fluidez en él.

"Diálogo entre tribus / Dialogue Between Tribes" (detalle / detail)

"Amazonas entre flores / Amazon Among Flowers", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 130 x 100 cm.

"Buzos en busca del hilo / Divers Looking For The Thread"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 120 x 200 cm. (Madrid)

SR: Dada tu juventud, seguro este estilo no es definitivo, y seguramente seguirás en la búsqueda. ¿Te ves realizando otro estilo de trabajo?

CP: Yo tengo mi estilo. Todos los días estoy en la búsqueda de nuevas técnicas y medios para ir construyendo mi obra. Cada cuadro es el resultado de una acumulación de investigación, como lo hago con el graffiti, los stencils, la fotografía, el Photoshop, armo mis instalaciones, mis modelos en cerámica….

SR: ¿Tienes un lugar y un tiempo "sagrados" para trabajar?

CP: Si, la noche y el estudio, allí el teléfono no suena y los asuntos de fuera quedan afuera, o eso intento.

SR: ¿Te consideras una mujer valiente?

CP: Para pintar y dedicarse al arte se requiere de valentía.

"Tiempo ingrávido / Weightless Time", acrílico sobre lino / acrylic on linen, 160 x 130 cm.

"Nadadores a la luz / Swimmers In The Light", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 70 x 80 cm.

SR: Como docente, ¿qué buscas trasmitir a tus alumnos?

CP: En la escuela Casablanca damos talleres junto a Diego Píriz y Mariana Olaso. En mi grupo insisto y soy exigente en que aprendan la figuración, a pintar observando atentamente con los ojos y el corazón de modo que tengan las herramientas necesarias para expresarse.

SR: Alguna anécdota que quieras compartirnos, quizá de tus viajes…

CP: Muchas, pero, en resumen: una estadía prolongada en Perú organizada por la Fundación Iturria, despertó mi surrealismo mágico.

SR: Y de ahora en más, ¿qué podremos ver de tu trabajo?

CP: Actualmente hay dos exposiciones organizadas por Galería Otro lugar. Una es en José Ignacio: Entalpía Onírica junto a Guadalupe Ayala. En estos cuadros el color ya no es azul o verde; pasó a ser terroso y claro, podria ser el color del agua de río.

Y la otra en Montevideo en la Fundación Iturria: Son Mujeres artistas. Somos 12 mujeres y es muy enriquecedor ver las obras de cada una, tan distintas y en diálogo.

Luego en agosto estarán algunas obras en exposición en la galería Iturria de España.

"La fuerza del agua / The Force Of Water", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 80 cm.

Carmela at her Studio

Carmela Piñón is a plastic artist born in Montevideo, Uruguay, on October 18, 1985. In 2010 she graduated with a degree in Nutrition from the School of Medicine of the University of the Republic.
Her artistic training began in 2008 at the Casablanca Art School workshop. In 2009 she decided to affirm her vocation and worked full time in the studio of Ignacio Iturria.
In October 2011, she did a one-month internship in Peru with Iturria, having the opportunity to come into contact with pre-Columbian art. The color composition and iconography of this culture influence his creative universe. During that stay she collaborated with an audiovisual in one of the exhibitions held by the master, and came into contact with other Latin American artists.
In 2012 she was chosen to design, direct and paint the mural in Grauert Park for the 100th anniversary of the Carrasco beach resort in Montevideo. That same year she began teaching plastic arts and stencil techniques for children and adolescents.
Several exhibitions took place in Uruguay and abroad, developing several pictorial series: "Buscadores (Searchers)II", "Ingrávidos (Weightless)", "Tan real como soñar (As Real As Dreaming)", "Maestro & Alumna (Teacher and Student)".
She was appointed to be part of the jury in the international competition of children's drawings of the FAO (Food and Agriculture Organization of the United Nations).

"Piñón creates a blue orb, like that magician of Cunqueiro, where the problems are toys of the soul, flying among nephelibata birds and lenes, which festoon with tenderness spaces of innocence, which merge with the sea, with an aquatic environment where everything flows".
Tomás Paredes: "Bodies in the fog". La Vanguardia, November 19, 2017. Text written as a result of the exhibition "Weightless", at the Galería Juan Riso, Madrid.

"Nativa, jaguar y lechuza / Native, Jaguar And Owl", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 110 x 200 cm.

"Catarata del indio / Indian Waterfall", 160 x 130 cm.

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Your first university choice was not the arts. How did you come up with the idea of such a radical change?

Carmela Piñón: My first academic interest was in the area of medicine, specifically nutrition. I was receiving my degree when at the same time I was starting as Iturria's apprentice. There I realized that I preferred to nurture from art and I did not hesitate about my new path.

SR: The dreamlike is present in your work, even as a literary story. Are your dreams a source of inspiration for that marked surrealism, both creative and artistic?

CP: I like the expression "literary story". I'm sure it comes from my father, storyteller and writer. Inspiration comes to me by painting: the climates and characters are revealed to me at the moment of doing it.

I am remembering Remedios Varo's painting (see below) in which the light of a star enters through the window. She refracts it with a prism on the sheet where she paints, the light decomposes on the sheet revealing a bird that she is painting, and at the same time the bird becomes real and flies away.

I can't explain in words where it comes from.

"Felina caminando por retazos / Feline Walking on Straps", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 80 cm.

"La rienda del sueño / The Rein Of The Dream", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 200 cm.

SR: As Bachelard said: "Imagination is nothing other than the subject transported into things. Images then bear the mark of the subject." In any of your works is it you who is there represented in small?

CP: It may be me and all the people at the same time.

SR: Tell us about that thoughtful dialogue between the ethereal, the cuttings, the floating, the utilitarian such as the table and the bed, and the game...

CP: The issue of feeling like playing, for me, is the state where everything flows better. I undoubtedly acquired that from Iturria, who gives great importance and seriousness to being in a playful state.

When I began the study of shapes, volumes from the observation of the model, like everyone else, one puts it on a table or on the floor, arranges the light and begins to copy and interpret its shape. Then to compose with different objects and play with them, like a child playing with her dolls and inventing stories. After a while I felt the need for those elements, pieces of fabrics, animals, books, characters with which I played, to have movement, to be able to see them in all their splendor, floating, I felt floating, and then I began the journey with water, to submerge them in it, this made me have a very strong bond with water, I wanted it to be my medium.

The bed arises because it is the place where one is with oneself, alone with our own dreams and concerns.

I believe that sleep is the most important moment of the day, where one connects the most, and that is why it is the most real.

From the bed as a symbol, I became passionate about pachwork quilts, an ancient technique that began in Africa and after the abolition of slavery, in Alabama, women could begin to make them. They had time for it: they could get together and among many of them they made the quilts for the newlyweds.

They are made from scraps.

"La rienda del sueño / The Rein Of The Dream" (detalle / detail)

"Nadadoras voladoras 2 / Flying Swimmers 2", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 80 x 60 cm.

"Calido tejido nacimiento de Venus / Warm woven birth of Venus", acrílic sobre lino / acrylic on linen, 100 x 200 cm.

SR: Also that uniform tonal range is something recurrent in many of your works, and awakens emotions in those who look at them. How do you decide to work with a predominance of a certain color?

CP: I prepare the color in the palette according to the mood or emotion I want to generate, and this will be the one that predominates and bathes the whole image.

SR: Do you want everyone to understand what is expressed in your work, or is it enough for them to admire its aesthetic beauty?

CP: If they feel it, that's enough for me.

SR: Vital water is present as a symbol, playing between notoriety and subtlety in most of your works. I think it's what gives it that magical atmosphere. Could you tell us something about it?

CP: That the setting is watery is part of what allows me to paint and move fluidly in it.

"Encuantro de retazos musicales / Musical Patchwork Snippets"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 148 x 187,5 cm.

"Clásicos y cañeros / Classics And Cane Cutters", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 120 x 200 cm.

"Ellas en el bosque nocturno / They In The Night Forest", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 130 x 100 cm.

SR: Given your youth, surely this style is not definitive, and you will surely continue your search. Do you see yourself doing another style of work?

CP: I have my style. Every day I am in search of new techniques and media to build my work. Each painting is the result of an accumulation of research, as I do with graffiti, stencils, photography, photoshop, I build my installations, my models in ceramics .....

SR: Do you have a "sacred" place and time to work?

CP: Yes, the night and the studio, there the phone doesn't ring and outside issues are left outside, or so I try.

SR: Do you consider yourself a brave woman?

CP: To paint and dedicate oneself to art requires courage.

"La abuela y la Nieta cosen juntas / Grandmother And Granddaughter Sew Together"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 120 x 100 cm.

"Soltar / Release", acrílico sobre lino / acrylic on linen, 160 x 130 cm.

SR: As a teacher, what do you try to transmit to your students?

CP: At the Casablanca school we give workshops with Diego Píriz and Mariana Olaso. In my group I insist and I am demanding that they learn figuration, to paint by observing carefully with their eyes and heart so that they have the necessary tools to express themselves.

SR: Any anecdote you'd like to share with us, perhaps from your travels...

CP: Many, but, in short: an extended stay in Peru organized by the Iturria Foundation awakened my magical surrealism.

SR: And from now on, what will we be able to see of your work?

CP: There are currently two exhibitions organized by Otro lugar Gallery. One is in José Ignacio: Entalpía Onírica (Dream Enthalpy) with Guadalupe Ayala. In these paintings the color is no longer blue or green; it became earthy and clear, it could be the color of river water.

And the other one in Montevideo at the Iturria Foundation: They are Women Artists. We are 12 women and it is very enriching to see the works of each one, so different and in dialogue.

Then in August some of the works will be exhibited at the Iturria Gallery in Spain.

"Sueño profundo / Deep Dream", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 120 x 200 cm.

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Algunas referencias / Some References:

Sobre los artistas mencionados / About Mentioned artists:

Ignacio Iturria: [Uruguayos (VI)], [Recolección (XIV)], [Rinocerontes (LXIX)], [Ventanas (III)]

Carmela e Ignacio en la inauguración de la exposición "Maestro & Alumna, Iturria & Piñón" en Paideia Art corner, José Ignacio, Uruguay, del 3 de enero al 20 de enero 2019 /

Carmela and Ignacio at the opening of the exhibition "Maestro & Alumna, Iturria & Piñón" at Paideia Art corner, José Ignacio, Uruguay, from January 3 to January 20, 2019

Diego Píriz: [Uruguayos (LXII)]

Mariana Olaso: Website

Guadalupe Ayala: Instagram

María de los Remedios Alicia Rodriga Varo y Uranga

(Anglès, Girona [Gerona], España / Spain, 1908 -

Ciudad de México / Mexico City, México, 1963)

"La creación de las aves / Birth of Birds" (detalle / detail), óleo sobre masonita / oil on masonite, 52,5 x 62,5 cm., 1957

Museo de Arte Moderno (México D.F., México)

La obra ya fue publicada en el blog aquí / This work has already posted in this blog here: [Mujeres al pincel (XVII)]

Más sobre / More about Remedios Varo: [Mujeres al pincel (XVII)], [Aniversarios Fotografía (CCXXXII)]

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Más sobre / More about Carmela Piñón: Website, facebook, Galería Iturria

¡Muchas gracias por la entrevista, Carmela!

Thanks a lot for the Interview, Carmela!

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Nuevo post con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado paralelismos siempre interesantes en el mundo del arte.

En esta oportunidad nos centramos en un recurrente elemento arquitectónico: los atlantes, versión masculina de las cariátides.

Información biográfica sobre los artistas y arquitectos al final del post.

New post with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in always interesting parallels in the art world.

This time we focus on a recurring architectural element: the Atlanteans, the male version of the caryatids.

Biographical information about artists and architects at the end of this post.

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En la escultura arquitectónica europea, un atlante es un soporte esculpido en forma de hombre que puede ocupar el lugar de una columna, un pilar o una pilastra. El término romano para este tipo de soporte escultórico es telamón (plural telamones o telamons).

El término atlantes es el plural griego del nombre Atlas, el titán que se vio obligado a sostener el cielo sobre sus hombros durante toda la eternidad. El término alternativo, telamones, también deriva de un héroe mitológico posterior, Telamón, uno de los argonautas, que fue el padre de Áyax.

La cariátide es la precursora femenina de esta forma arquitectónica en Grecia, una mujer que ocupa el lugar de cada columna o pilar. Las cariátides se encuentran en Delfos y en el Erecteión de la Acrópolis de Atenas dedicado a la diosa Atenea.

Wikipedia

In European architectural sculpture, an atlas (also known as an atlant, or atlante or atlantid; plural atlantes) is a support sculpted in the form of a man, which may take the place of a column, a pier or a pilaster. The Roman term for such a sculptural support is telamon (plural telamones or telamons).

The term atlantes is the Greek plural of the name Atlas—the Titan who was forced to hold the sky on his shoulders for eternity. The alternative term, telamones, also is derived from a later mythological hero, Telamon, one of the Argonauts, who was the father of Ajax.

The caryatid is the female precursor of this architectural form in Greece, a woman standing in the place of each column or pillar. Caryatids are found at Delphi and the Erechtheion on the Acropolis at Athens for Athene.

Wikipedia

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Teatro Arriaga / Arriaga Theater

(Bilbo, Bizkaia, Euskadi / Bilbao, Vizcaya, País Vasco, España /

Biscay, Basque Country, Spain)

Teatro Arriaga y Ría de Bilbao / Arriaga Theater and Bilbao Estuary. Foto / Photo: Javier Fuentes, 2021

El Teatro Arriaga es un edificio neobarroco de finales del siglo XIX, obra del arquitecto Joaquín de Rucoba y dedicado al compositor bilbaíno Juan Crisóstomo de Arriaga, a quien se le ha denominado el "Mozart español". Fue inaugurado el 31 de mayo de 1890.

Wikipedia

Fachada trasera / Rear facade. Foto / Photo: Javier Fuentes, 2021

The Arriaga Theater is a neo-baroque building of the late nineteenth century, the work of architect Joaquín de Rucoba and dedicated to the Bilbao composer Juan Crisóstomo de Arriaga, who has been called the "Spanish Mozart". It was inaugurated on May 31, 1890.

Wikipedia

Foto / Photo: Javier Fuentes, 2021

En las fachadas laterales y traseras, los balcones del piso principal se sustentan sobre ménsulas en forma de atlantes o titanes. Se cuenta que estas esculturas se importaron de Francia, donde se producían en serie con el uso de moldes. Son de hormigón imitando piedra.

On the side and rear facades, the balconies of the main floor are supported by corbels in the shape of Atlanteans or Titans. It is said that these sculptures were imported from France, where they were mass produced with the use of molds. They are made of concrete imitating stone.

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La Casa degli Omenoni . Palazzo Leoni-Calchi

(Milano / Milán, Italia / Italy)

Foto / Photo: Geobia, Wikimedia Commons

La Casa degli Omenoni o Palazzo Leoni-Calchi es un palacio histórico de Milán, Italia construido en torno al 1565, situado en la actual Via degli Omenoni Nº3. Fue diseñada por el escultor Leone Leoni para él mismo, que vivió y trabajó aquí. Su nombre procede de los ocho atlantes (llamados omenoni en milanés, es decir, «grandes hombres») de la fachada, esculpidos por Antonio Abondio, probablemente según el diseño de Leoni.

Wikipedia

Marcantonio Dal Re (1697-1766)

La llamada "Casa degli Omenoni" (Casa de los Grandes Hombres), en Milán. El grabado es el número 14 de un conjunto de 88 Vedute di Milano (Vistas de Milán), publicadas por Del Re alrededor de 1745. /

The so called "Casa degli Omenoni" ("House of big men") in Milan. This engraving is # 14 from a set of 88 Vedute di Milano ("Views of Milan") published by Del Re around 1745.

Storia di Milano

Foto / Photo: Miguel Hermoso Cuesta, Wikimedia Commons

Casa degli Omenoni is a historic palace of Milan, northern Italy, built around 1565, located in the eponymous street of Via degli Omenoni (number 3). It was designed by sculptor Leone Leoni for himself; he both lived and worked there. It owes its name to the eight atlantes decorating its facade, termed "omenoni" ("big men" in Milanese), which were sculpted by Antonio Abondio, most probably on a design by Leoni.

Wikipedia

"Negro y rojo / Black & Red", 2021. Foto / Photo: © Andrew B. Silady. twitter

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Calle Saperny 13 / Saperny Lane 13

(Санкт-Петербург, Россия / San Petersburgo, Rusia /

Saint Petersburg, Russia)

Foto / Photo: Citywalls

La casa actual fue construida en 1880-1881 por el arquitecto Pavel Petrovich Deineka (Deineko) [Павел Петрович Дейнека (Дейнеко)] (1832-?)

La casa número 13 es una de las más ridículas y divertidas de San Petersburgo. Se sabe que fue construida por orden del propietario S. F. Anglares [С. Ф. Англареса]. Algunas fuentes indican que era un comerciante, según otras un oficial de la guardia.

Hay dos materiales de archivo sobre esta casa. Hay un proyecto aprobado por el arquitecto Deineka y una imagen de la fachada de la casa en los materiales de la Sociedad de Crédito de la Ciudad. El fondo de esta sociedad contiene documentos curiosos. El hecho es que en San Petersburgo prácticamente no había una sola casa que no estuviera hipotecada. Y cuando el propietario solicitaba a la Sociedad de Crédito un préstamo garantizado por su casa, estaba obligado a proporcionar toda la información y adjuntar un dibujo de la fachada. Así, en el dibujo de la fachada de la casa nº 13, nunca ha habido tanta abundancia de adornos de estuco. Pero ya había Hércules en la entrada. En términos arquitectónicos, el propietario de la casa reveló plenamente su gusto, añadiendo elementos al proyecto Deineka.

Citywalls

Foto / Photo: Citywalls

The current house was built in 1880-1881 by architect Pavel Petrovich Deineka (Deineko) (1832-?)

House number 13 is one of the most ridiculous and funny in St. Petersburg. It is known that it was built by order of the owner S. F. Anglares. Some sources indicate that he was a merchant, others - a guards officer.

There are two archival materials on this house. There is an approved project by the architect Deineka and an image of the facade of this house in the materials of the City Credit Society. The fund of this society contains curious documents. The fact is that in St. Petersburg there was practically not a single house that was not mortgaged. And when the homeowner applied to the Credit Society with a request for a loan secured by his house, he was obliged to provide all the information and attach a drawing of the facade. So, in the drawing of the facade of house No. 13, there has never been such an abundance of stucco decorations. But there were already Hercules at the entrance. In architectural terms, the homeowner fully revealed his taste, adding to the Deineka project.

Citywalls

Foto / Photo: lily.in.city, Instagram

No puedes pasar tranquilamente junto a estos Hércules y no tomar una foto)) /

You can not calmly walk past these Heracles and not take a picture))

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El Nuevo Hermitage / The New Hermitage

(Санкт-Петербург, Россия / San Petersburgo, Rusia /

Saint Petersburg, Russia)

Foto / Photo: Saint-Petersburg.com

Inicialmente el diseño del edificio del Nuevo Hermitage no incluía la decoración del pórtico con figuras atlantes, sino con faraones o cariátides. Pero luego decidieron cambiar de idea, y en su lugar aparecieron los atlantes.

El trabajo se le encargó al escultor ruso Alexander Ivanovich Terebénev después de presentar una obra en yeso. A diferencia de los Atlantes conocidos, hombres mayores, estos serían jóvenes varoniles que, haciendo un guiño a las tradición rusa, traerían un pequeño pedazo de piel de oso para ocultar sus virilidades. Como material para la obra se escogió un granito gris oscuro procedente de la región de Sortavala (Serdobol), en Karelia del Sur, Rusia.

Foto / Photo: ПЕТЕРБУРГ ЦЕНТР

Durante cuatro años 150 orfebres trabajaron sobre la dura piedra para dar vida a 10 colosos, todos iguales. Fueron necesarios tres años más de trabajo para pulir y hacer brillar el granito y llevarlo al estado que le conocemos hoy. Cuando el zar del momento, Nicolás I, vio el resultado, le otorgó al escultor el título de miembro de la Academia Imperial de Artes y le regaló un anillo con un gran brillante. Estos atlantes representan hermosos jóvenes con físico y belleza que recuerdan a los conocidos héroes helénicos. Las venas que afloran tras su piel se muestran hinchadas por la tensión debida al enorme esfuerzo que realizan. El nuevo Hermitage fue inaugurado en 1852.

Diario de Yucatán

Foto / Photo: Alexey Sergeev

Initially, the design of the New Hermitage building did not include the decoration of the portico with Atlantean figures, but with pharaohs or caryatids. But then they decided to change their minds, and Atlanteans appeared instead.

The work was entrusted to the Russian sculptor Alexander Ivanovich Terebenev after a plaster work was presented. Unlike the known Atlanteans, older men, these would be manly young men who, in a nod to Russian tradition, would bring a small piece of bearskin to hide their manhood. Dark gray granite from the Sortavala (Serdobol) region in South Karelia, Russia, was chosen as the material for the work.

Foto / Photo: Scala Regia, facebook

For four years 150 goldsmiths worked on the hard stone to give life to 10 giants, all the same. Three more years of work were necessary to polish and shine the granite and bring it to the state we know it today. When the Tsar of the time, Nicholas I, saw the result, he awarded the sculptor the title of member of the Imperial Academy of Arts and gave him a ring with a large brilliant. These Atlanteans represent beautiful young men with physique and beauty reminiscent of the well-known Hellenic heroes. The veins that emerge behind their skin are shown swollen by the tension due to the enormous effort they make. The new Hermitage was inaugurated in 1852.

Diario de Yucatán

Foto / Photo: Michel Lara, twitter

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Casa Consistorial / City Hall

(Málaga, Andalucía, España / Andalusia, Spain)

Foto / Photo: Bengt Nyman, Wikimedia Commons

La casa consistorial de Málaga, también conocida como la Casona del Parque, es un edificio del siglo XX donde se encuentra la sede del Ayuntamiento de Málaga. Se encuentra situado en el Paseo del Parque, espacio resultante de la ampliación del puerto a mediados del siglo XIX, y rodeado de los Jardines de Puerta Oscura y otros edificios emblemáticos de Málaga como el Banco de España, el Palacio de la Aduana o el Rectorado de la Universidad de Málaga (antiguo edificio de Correos).

El edificio, de estilo neobarroco con detalles modernistas, es obra de los arquitectos Manuel Rivera Vera y Fernando Guerrero Strachan. El alcalde Ricardo Albert colocó la primera piedra el 31 de diciembre de 1911, finalizándose en 1919. El 11 de abril de ese año el Ayuntamiento tomó posesión del edificio. En el interior del edificio se destacan algunas estancias decoradas como el Salón de los Espejos y el Salón de Plenos.

Foto / Photo: Javier Fuentes, 2021

El amplio programa decorativo de las fachadas se continúa con las esculturas de los atlantes sobre ménsulas ubicadas en las cuatro torres del edificio, símbolos de los contribuyentes, y los doce relieves de las fachadas laterales en los que se alegorizan la industria, la agricultura, la pesca y la navegación, el comercio y el ferrocarril, las artes, etc., como actividades claves del progreso y la riqueza de la ciudad, obra de Diego García Carreras, también autor de las parejas de leónes heráldicos y jarrones de bronce que decoran la escalera principal del interior del edificio.

Wikipedia

Foto / Photo: Javier Fuentes, 2021

The Town Hall of Malaga, also known as the Casona del Parque, is a twentieth century building where the headquarters of the City Council of Malaga is located. It is located in the Paseo del Parque, a space resulting from the expansion of the port in the mid-nineteenth century, and surrounded by the Jardines de Puerta Oscura (Dark Gates Gardens) and other emblematic buildings of Malaga as the Bank of Spain, the Custom House or the Rectorate of the University of Malaga (former Post Office building).

The building, of neo-baroque style with modernist details, is the work of architects Manuel Rivera Vera and Fernando Guerrero Strachan. Mayor Ricardo Albert laid the first stone on December 31, 1911, and it was completed in 1919. On April 11 of that year the City Council took possession of the building. Inside the building, some decorated rooms stand out, such as the Hall of Mirrors and the Plenary Hall.

Foto / Photo: Javier Fuentes, 2021

The wide decorative program of the facades continues with the sculptures of the atlantes on corbels located in the four towers of the building, symbols of the taxpayers, and the twelve reliefs on the side facades allegorizing industry, agriculture, fishing and navigation, commerce and railroad, arts, etc., as key activities of the city's progress and wealth, the work of Diego García Carreras, also the author of the pairs of heraldic lions and bronze vases that decorate the main staircase inside the building.

Wikipedia

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Los atlantes de Babinet / Babinet's Atlanteans

(París, Francia / France)

Foto / Photo: Erwmat, Wikimedia Commons

En el número 34 de la avenida Matignon, en París, hay un edificio (sede de la Galerie de Florence de Voldère) cuya primera característica destacable son los atlantes barrocos que enmarcan la puerta. Los gigantes de bronce, con las cabezas inclinadas, parecen sostener el edificio con sus dos brazos cruzados por encima de sus cabezas, pero sólo son decorativos y no sostienen nada, a diferencia de las cariátides del Erecteión de la Acrópolis.

Jean-Jacques Fernier, el arquitecto, y Dominique Babinet, el escultor, han llevado muy lejos la preocupación por el detalle arquitectónico. Siguiendo el ejemplo de Antoni Gaudí y Héctor Guimard, que diseñaban todos los elementos de sus edificios, Babinet diseñó las manillas, los timbres e incluso las columnas secas en el mismo estilo que los Atlantes de bronce de la fachada.

archéologie du futur / archéologie du quotidien (Francés)

Foto / Photo: Parisian Fields

At 34 Avenue Matignon, Paris, there is a building (home of the Galerie de Florence de Voldère) whose first notable feature is the baroque atlantes framing the door. The bronze giants, with bowed heads, seem to support the building with their two arms crossed above their heads, but they are only decorative and do not support anything, unlike the caryatids of the Erechtheion of the Acropolis.

Jean-Jacques Fernier, the architect, and Dominique Babinet, the sculptor, have taken the concern for architectural detail very far. Following the example of Antoni Gaudi and Hector Guimard, who designed all the elements of their buildings, Babinet designed the handles, the bells and even the dry columns in the same style as the bronze Atlanteans on the façade.

archéologie du futur / archéologie du quotidien (French)

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Hotel Pod Orłem

(Bydgoszcz, Polska / Bidgostia, Polonia / Poland)

Foto / Photo: Hotelarz

El Hotel Pod Orłem está ubicado en un edificio histórico en el centro de Bydgoszcz, en la calle Gdańska 14, y su historia se remonta a principios del siglo XIX. Este es uno de los primeros hoteles que se construyeron en Bydgoszcz, en 1896, y es un ícono arquitectónico de la ciudad.

Es obra del arquitecto Józef Święcicki.

Hotelarz

Foto / Photo: Pit1233, Wikimedia Commons

Hotel Pod Orłem is located in a historic building in the center of Bydgoszcz, at 14 Gdańska Street, and its history dates back to the early 19th century. This is one of the first hotels to be built in Bydgoszcz, in 1896, and is an architectural icon of the city.

It is the work of the Prussian architect Józef Święcicki.

Hotelarz

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Todos los posts de la serie "Asonancias" aquí / All posts in Assonances Series here

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Información biográfica de artistas y arquitectos /

Biographical information about artists and architects

Joaquín de Rucoba y Octavio de Toledo, más conocido como Joaquín Rucoba, fue un arquitecto español nacido en Laredo en 1844, activo a finales del siglo XIX y principios del XX.

Estudió en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid entre 1863 y 1869. Tras una breve etapa en Vergara, fue nombrado arquitecto municipal de Málaga, ciudad en la que realizó la neomudéjar plaza de toros de La Malagueta, el Mercado de Atarazanas y el Parque de Málaga. Entre 1883 y 1893 vivió en Bilbao, donde construyó la nueva casa consistorial del Ayuntamiento y el Teatro Arriaga.

Murió en 1919.

Wikipedia

Joaquín de Rucoba y Octavio de Toledo, better known as Joaquín Rucoba, was a Spanish architect born in Laredo in 1844, active in the late nineteenth and early twentieth centuries.

He studied at the Madrid School of Architecture between 1863 and 1869. After a brief period in Vergara, he was appointed municipal architect of Malaga, where he built the neo-Mudejar bullring of La Malagueta, the Atarazanas Market and the Malaga Park. Between 1883 and 1893 he lived in Bilbao, where he built the new Town Hall and the Arriaga Theater.

He died in 1919.

Wikipedia (Spanish)

Leone Leoni fue un escultor italiano de fama internacional nacido hacia 1509, que viajó por Italia, Alemania, Austria, Francia, España y los Países Bajos. Leoni está considerado como el mejor de los medallistas del Cinquecento.

Se dio a conocer gracias a los encargos que recibió de los monarcas Carlos V, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, y Felipe II de España. Su medio habitual fue el bronce, aunque también trabajó en mármol y alabastro, talló piedras preciosas y probablemente dejó algunos trabajos terminados en cera (en la que se modelaron muchas de sus esculturas), además de diseñar monedas. Realizó principalmente retratos, y fue utilizado en varias ocasiones por los Habsburgo españoles, y también austriacos.

Murió en 1590.

Wikipedia

Leone Leoni was an Italian sculptor of international outlook born ca. 1509, who travelled in Italy, Germany, Austria, France, Spain and the Netherlands. Leoni is regarded as the finest of the Cinquecento medallists.

He made his reputation in commissions he received from the Habsburg monarchs Charles V, Holy Roman Emperor and Philip II of Spain. His usual medium was bronze, although he also worked in marble and alabaster, carved gemstones and probably left some finished work in wax (in which many of his sculptures were modelled), as well as designing coins. He mainly produced portraits, and was repeatedly used by the Spanish, and also the Austrian, Habsburgs.

He died in 1590.

Wikipedia

Antonio Abondio fue un escultor italiano nacido en Riva del Garda en 1538, conocido sobre todo como medallista y como pionero del retrato en cera coloreada en miniatura.

Se formó con Leone Leoni y trabajó en Italia entre 1552 y 1565. A partir de entonces, trabajó principalmente para los Habsburgo, con algunas obras realizadas para los reyes franceses y polacos. Se trasladó a Viena, a la corte del emperador Maximiliano I, y tras su muerte, en 1576, a Praga. Viajó a Francia, los Países Bajos y Alemania.

Murió en 1591.

Wikipedia

Antonio Abondio was an Italian sculptor born in Riva del Garda in 1538, best known as a medallist and as the pioneer of the coloured wax relief portrait miniature.

He was trained by Leone Leoni and worked in Italy between 1552 and 1565. Thereafter he mainly worked for the Habsburgs, with a few works made for French and Polish kings. He moved to Vienna to the court of Emperor Maximilian I and after his death in 1576 to Prague. He travelled to France, Netherlands and Germany.

He died in 1591.

Wikipedia

Alexander Ivanovich Terebenev (Александр Иванович Теребенёв) fue un escultor nacido en 1815 en San Petersburgo, Imperio Ruso.

Miembro de la Academia Rusa de Bellas Artes, es el creador de los atlantes del pórtico del Nuevo Hermitage.

Era hijo del escultor y caricaturista Iván Terebenev. En 1824 se matriculó en la Academia Rusa de Bellas Artes, donde primero estudió dibujo y luego optó por seguir los cursos de escultura impartidos por Vassili Demuth-Malinovski.

Por aquél entonces la escultura atravesaba un período de transición en la Academia: en lugar de imitar las formas clásicas de la antigua Grecia, los escultores buscaban representar formas naturales, reales. Terebenev fue uno de los defensores de esta nueva tendencia.

Murió en 1859.

Wikipedia (Francés)

Alexander Ivanovich Terebenev (Александр Иванович Теребенёв) was a sculptor born in 1815 in St. Petersburg, Russian Empire.

A member of the Russian Academy of Fine Arts, he is the creator of the Atlanteans on the portico of the New Hermitage.

He was the son of the sculptor and caricaturist Ivan Terebenev. In 1824 he enrolled at the Russian Academy of Fine Arts, where he first studied drawing and then chose to follow the sculpture courses taught by Vassili Demuth-Malinovsky.

At that time sculpture was going through a transitional period at the Academy: instead of imitating the classical forms of ancient Greece, sculptors sought to represent natural, real forms. Terebenev was one of the advocates of this new trend.

He died in 1859.

Wikipedia (French)

Manuel Rivera Vera fue un arquitecto español nacido en Málaga en 1879, hijo del también arquitecto Manuel Rivera Valentín y autor de una extensa obra en su ciudad natal, entre las que se cuentan algunos de los edificios más emblemáticos de su época, como son la Casa Consistorial (en colaboración con Fernando Guerrero Strachan), los Almacenes Félix Sáenz, el Teatro Echegaray, etc, así como en ciudades cercanas, en Jaén construyó en un tiempo récord el imponente Teatro Cervantes con una de las cúpulas más grandes de la época; en Melilla, el Edificio Metropol.

También se le debe su colaboración en la creación del Parque de Málaga, la remodelación del Centro Cívico y la reforma del Cementerio de San Miguel.

Murió en 1940.

Wikipedia

Manuel Rivera Vera was a Spanish architect born in Malaga in 1879, son of the architect Manuel Rivera Valentín and author of an extensive work in his hometown, among which are some of the most emblematic buildings of his time, such as the Town Hall (in collaboration with Fernando Guerrero Strachan), the Félix Sáenz Warehouse, the Echegaray Theater, etc, as well as in nearby cities, in Jaén he built in record time the imposing Cervantes Theater with one of the largest domes of the time; in Melilla, the Metropol Building.

He also collaborated in the creation of the Malaga Park, the remodeling of the Civic Center and the reform of the St. Michael Cemetery.

He died in 1940.

Wikipedia (Spanish)

Fernando Guerrero Strachan fue un arquitecto español nacido en Málaga en 1879, sobrino del también arquitecto Eduardo Strachan Viana-Cárdenas. También fue alcalde de Málaga entre 1928 y 1930.

Estudió en la Escuela Superior de Arquitectura de Madrid, donde consiguió ser el primero de su promoción y trabajó principalmente en su ciudad natal.

La labor constructiva de Guerrero Strachan fue inmensa durante las primeras décadas del siglo XX. Se le han catalogado más de sesenta y dos obras de carácter público, particular, industriales, comerciales, entre las que destacan la Casa consistorial de Málaga, diseñada junto a Manuel Rivera Vera, de estilo neobarroco.

Murió en 1930.

Wikipedia

Fernando Guerrero Strachan was a Spanish architect born in Malaga in 1879, nephew of the architect Eduardo Strachan Viana-Cárdenas. He was also Mayor of Málaga between 1928 and 1930.

He studied at the Escuela Superior de Arquitectura de Madrid, where he came first in his class and worked mainly in his hometown.

Guerrero Strachan's construction work was immense during the first decades of the 20th century. He has been cataloged more than sixty-two works of public, private, industrial, commercial, including the Town Hall of Malaga, designed with Manuel Rivera Vera, neo-Baroque style.

He died in 1930.

Wikipedia (Spanish)

Jean-Jacques Fernier fue un arquitecto e historiador francés nacido en 1931.

Fernier era arquitecto colegiado. Se licenció en la École Nationale Supérieure des Beaux-arts de París en 1961. De 1959 a 1961 trabajó para Edouard Albert. En 1961 se asoció con André Biro para crear el estudio Biro & Fernier. En 1965 participó en el Groupe international d'architecture prospective (GIAP) junto con Michel Ragon, Yona Friedman, Paul Maymont, Georges Patrix y Nicolas Schöffer. Biro y Fernier trabajaron en el movimiento "Construcción y Humanismo". Recibió el Grand Prix de l'urbanisme por su proyecto Ville en X.

Realizó la mayor parte de su trabajo con su socio André Biro. Construyó numerosas obras públicas y privadas en París, Papeete y otros lugares de la Polinesia Francesa. Cuando Biro se fue en 1985, Fernier creó Fernier & Associates, que pasó a su hija, Laurence.

Murió en 2020.

Wikipedia (English)

Jean-Jacques Fernier was a French architect and historian born in 1931.

Fernier was a registered architect. He graduated from the École nationale supérieure des beaux-arts in Paris in 1961. From 1959 to 1961, he worked for Edouard Albert. In 1961, he joined forces with André Biro to create the firm Biro & Fernier. In 1965, he participated in the Groupe international d'architecture prospective (GIAP) along with Michel Ragon, Yona Friedman, Paul Maymont, Georges Patrix, and Nicolas Schöffer. Biro and Fernier worked in the movement "Construction and Humanism". He received the Grand Prix de l'urbanisme for his project Ville en X.

He conducted most of his work with his partner André Biro. Fernier built numerous public and private works in Paris, Papeete, and elsewhere in French Polynesia. When Biro left in 1985, Fernier created Fernier & Associates, which he passed on to his daughter, Laurence.

He died in 2020.

Wikipedia

Dominique Babinet es un escultor francés nacido en 1931 en Vaudry, en Calvados.

Vinculado por sus orígenes al mundo de la invención, tenía un tío grabador, un hermano arquitecto, un padre ingeniero y, por parte de su madre, unos famosos perfumistas del Segundo Imperio, Roget y Gallet. Su primera exposición fue en Malmö, Suecia, en 1962, y desde entonces ha participado en numerosas exposiciones, pero apenas busca la consagración, sino que prefiere enseñar a los demás lo que ha aprendido en sus años de trabajo, lo que hace en Clamart (SBAC en el centro Albert Chanot) desde 1982.

Enlace

Dominique Babinet is a French sculptor born in 1931 in Vaudry, Calvados.

Linked by his origins to the world of invention, he had an engraver uncle, an architect brother, an engineer father and, on his mother's side, some famous perfumers of the Second Empire, Roget and Gallet. His first exhibition was in Malmö, Sweden, in 1962, and since then he has participated in numerous exhibitions, but he hardly seeks consecration, preferring instead to teach others what he has learned in his years of work, which he has been doing at Clamart (SBAC at the Albert Chanot center) since 1982.

Link

Józef Święcicki fue un fecundo diseñador y constructor nacido en Bydgoszcz, bajo dominio prusiano, en 1859.

Una gran mayoría de sus obras de estilo ecléctico aún se pueden encontrar por toda la ciudad. Józef Swiecicki formó parte de los arquitectos y constructores que dieron una forma característica a la ciudad a finales del siglo XIX y del XX, dominada por edificios eclécticos de diversos estilos, como el Art Nouveau o el Modernismo.

Murió en 1913.

Wikipedia (English)

Józef Święcicki was a fecund designer and builder born in Bydgoszcz, under Prussian rule, in 1859.

A vast majority of his eclectic-style works can still be found all around the city. Józef Swiecicki was part of architects and builders who gave a characteristic shape to the city at the turn of the 19th and 20th centuries, dominated by eclectic buildings with various styles, including Art Nouveau or Modernism.

He died in 1913.

Wikipedia

Nueva entrevista de Shirley Rebuffo. Desde hace más de 25 años, la actividad artística del uruguayo Rodolfo Torres gira en torno a las posibilidades expresivas del collage. Utilizando una gama tonal modesta en la que predominan el blanco, el negro, el rojo y los ocres, sus creaciones se concretan en elaborados y armónicos puzzles estructurados en series en las que cada elemento de las composiciones (incluso el mismo papel o cartulina de base) juega un papel clave.

Presentamos la entrevista en dos posts (este primero en español y el segundo en inglés), junto con una variada selección de imágenes de la obra desarrollada por Rodolfo en los últimos años.

New interview by Shirley Rebuffo. For more than 25 years, the artistic activity of Uruguayan Rodolfo Torres has revolved around the expressive possibilities of collage. Using a modest tonal range in which white, black, red and ochre predominate, his creations take the form of elaborate and harmonious puzzles structured in series in which each element of the compositions (even the base paper or cardbouard itself) plays a key role.

We present the interview in two posts (the first in Spanish and the second in English), along with a varied selection of images of the work developed by Rodolfo in recent years.

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Rodolfo Torres

(Santa Lucía, Canelones, Uruguay, 1951-)

Rodolfo trabajando / at work. Foto / Photo: Atilio Dutruel Victora

Rodolfo Torres nace en Santa Lucía (Canelones, Uruguay), el 21 de julio de 1951. Desde 1961 tuvo una formación en talleres de expresión plástica con una autoformación constante.

Es un activo gestor cultural y tallerista principalmente de su ciudad natal. Se desempeña como tallerista de expresión plástica en educación pública inicial y primaria.

Las características de sus collages son de línea limpia y con un cromo escaso pero suficiente para realizar a la vista un ensamble perfecto entre la forma y la expresión de cada pieza.

Desde 1994 al 2020 realizó talleres de expresión plástica, en especial dentro de las técnicas de crayones y collage en centros educativos de preescolares, escolares, en particular los de educación especial para niños de capacidades diferentes y en ONGs para adultos residentes en centros de salud mental, y en educación Especial los niños y formación de maestros en esa área.

Sus proyectos ganaron el Concurso Inca en cuatro ocasiones, editó más de diez libros y expone de manera individual de forma prácticamente ininterrumpida desde el año 1997. Desde el año 2005 hasta el año 2012 realizó la curaduría del proyecto Acción de murales desarrollado en Santa Lucía, donde se pintaron aproximadamente 1000 mts2 de murales en diferentes barrios junto a instituciones sociales, educativas y grupos de vecinos. Desde el año 1998 ha participado en proyectos organizados en México, Argentina, Brasil, Cuba, Alemania, Inglaterra, Estados Unidos, Canadá, Francia, Japón, Holanda, Bélgica, Italia, Ghana, Suiza, Grecia, Rusia, China

"Sin título / Untitled", collage sobre cartulina Fedrigoni / collage on Fedrigoni cardboard, 30 x 21 cm., 2021

"Sin título / Untitled", collage sobre papel de algodón / collage on cotton paper, 40 x 30 cm., Vendrell, 2020

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Cuéntame de ti, ¿cómo comenzó tu vinculación con el arte?

Rodolfo Torres: Mi vinculación con el arte comenzó siendo escolar, pues mis padres me enviaron al taller de Artes Plásticas del profesor Washington Amaro. Posteriormente, en la adolescencia, fue muy importante la presencia de un artista santalucense con sólida formación montevideana, vecino y amigo de mi familia, Washington Brignoni, quien de alguna manera afirmó lo que era una básica iniciativa primaria en la expresión.

"Alcoi", collage sobre papel artesanal de algodón / collage on handmade cotton paper, Mas Sopalmo, 2017

Serie "Caripelas", collage sobre cartulina Fedrigoni / collage on Fedrigoni cardboard", 30 x 21 cm.

SR: Hoy en día tu práctica gira exclusivamente en torno al collage. ¿Cómo surgió tu interés en esta vertiente artística?

RT: Si bien en el taller de Brignoni la formación era básicamente en dibujo y pintura, el collage, sin poder precisar su porqué, ya estaba entre mis actos. Recuerdo recortar y componer bisoños collages a partir de fragmentos de diferentes comics de los diarios que se recibían en casa, en particular con los personajes de Tarzán y El Fantasma como eje de los mismos, a los que insertaba en una imagen donde ellos interactuaban sobre otros fondos y circunstancias.

Si bien transité mucho tiempo dentro de las técnicas mixtas, ya hace 25 años que el collage se transformó en mi representación creativa en específico.

"desENMARCO / unFRAME", collage, 2021

"La palabra abre puertas / Words Open Doors", collage, 2021

SR: ¿Y cómo surge el collage en tercera dimensión?

RT: Desde un comienzo, donde mi estrategia de collage era básicamente pura, sin intervención de ningún tipo, en mí siempre estuvo esa idea, o mejor dicho el desafío, de ir un poco más allá de eso. Intuí, sin tener certezas teóricas ni técnicas, de que era posible el reto de un collage que fuera hacia otras posibilidades expresivas.

El tiempo, con el contacto de otras realidades del hacer y el camino, me fueron dando herramientas, en particular conceptuales, para que un día de 2019 comenzara a encaminar esa idea y la tomara como una forma de acto creativo, con resultados bastante parecidos a mis originales ideas. Lo que no significa que sea un fin en sí mismo, pues tan solo es un camino a continuar.

SR: ¿Qué colores puedes decir que marcan tu obra?

RT: Me manejo con blanco, rojo, negro y gris. Lo que no significa que no utilice otros de acuerdo a la necesidad expresiva, pero en realidad y visto lo encontrado, por ahora son esos colores donde me siento cómodo y me facilita la expresión en esa línea de trabajo.

"Libro de Artista / Artist's Book", sobre cartulina Fedrigoni / on Fedrigoni cardboard, 22 x 99 cm.

Collage, 2021

SR: Con una mirada retrospectiva hasta el comienzo de tus primeras experiencias artísticas, ¿cómo te sentís hoy en relación con el universo creativo?

RT: Aquel niño del taller de Amaro con varios aciertos y demasiados errores hizo caso a su instinto, claro, sin espalda y con escasas herramientas para desarrollar lo que adentro de mí se fermentaba.

Pasé por varios intentos artísticos, pero siempre ese camino de arte visual estaba muy cercano y terminaba siendo la salida a los desencantos, hasta que un día definitivamente fue “el camino”, el Tao, al decir de la filosofía oriental, allí desaparecen los apuros, las sugerencias inoportunas dejan de pesar, los que hablan como artistas y no lo son, los inciertos se encaran y la experiencia se hace andando.

Ese universo creativo es un mundo donde me siento muy cómodo. Es cobijo y abrazo y lo siento como mi sitio en el mundo.

SR: ¿De qué modo nos dirías que tu trayectoria en el campo artístico te fortaleció existencialmente?

RT: Al entender y sentir que "soy haciendo" y qué es lo que comparto en la comunidad para "ser dentro de ella", mi existencia se fortaleció positivamente pues sin dudas el arte y sus diversas manifestaciones son necesarias en la vida.

Collage, 2020

Serie de grises / Gray Series, collage sobre papel / collage on paper, 2017

SR: Al abordar tus momentos de realizar una obra, ¿cuáles son tus preferencias y tus influencias?

RT: En realidad, el momento de crear no lo encaro con ninguna preparación; simplemente forma parte del trabajo. En lo personal son muchas horas todos los días de la semana y en ellas voy elaborando casi de manera lúdica la labor. El collage, por su estrategia particular, permite hacerlo, me retrotrae a aquella lejana infancia donde más que un sentido artístico predominaba un sentido lúdico, claro que ahora con algunas herramientas más para pensarlo y crearlo.

SR: Se habla mucho de lo terapéutico que es el arte, y tú, precisamente, realizas un trabajo muy especial como coaching creativo con personas que sufren diversas patologías psiquiátricas, e incluso niños especiales. ¿Cómo coordinas las acciones artísticas a llevar a cabo para así potenciar la creatividad en ellos?

RT: Considero, y sin ser un experto desde un punto de vista científico, abordándolo más bien desde la experiencia, que la expresión artística permite generar, en quienes recurren a ella, un posible camino complementario para paliar determinadas situaciones.

La coordinación de esas actividades es diferente a la que se podría dar en talleres dentro de otras circunstancias.

Sin duda es donde aprendí a darle el valor práctico al "camino", encontrando en la interrelación tallerista-participante el intercambio necesario donde aprendemos de todos y entre todos, aunque no lo parezca.

Los objetivos de trabajo no son un fin en sí mismo; el tiempo se hace relativo, la socialización del encuentro transforma casi en un ritual cada taller y allí, sin prisa, aunque sin pausa, se va andando entre todos hacia la propuesta que habitualmente tiene estaciones donde recomponer la estrategia precisa para continuar.

Es una tarea desafiante, pero enriquecedora. La coordinación de esos talleres en los cuales estuve 25 años de mi vida fue un aprendizaje que agradezco a la vida por haber tenido esa oportunidad.

Serie Despliegues / Deployments Series, 92 x 65 cm., 2022

Collage sobre papel de algodón / collage on cotton paper, Mas Sopalmo, 2017

SR: ¿Consideras que el arte es algo que ayuda a ver a la Humanidad con una perspectiva esperanzadora y unificadora?

RT: Por supuesto, el arte construye la posibilidad de unificar a los seres humanos sin fronteras ni banderas.

SR: Vives en una pequeña ciudad con ciertas características que la hacen especialmente tranquila y pintoresca, ¿crees que esto te da un margen insólito de libertad?

RT: Ese es un tema del que siempre hablamos en casa y en el taller.

Creo que ese margen insólito de libertad, en tu decir, es muy relativo. En estos pueblos habitualmente lo tradicional reina, y no siempre es fácil sostener una acción que no se encuadre dentro de ella, por lo tanto, el sentido de libertad está condicionado y acotado en muchas circunstancias.

Entiendo que cada sitio tiene sus dificultades para vivenciar o ejercer la libertad. No son buenos tiempos para ella.

Serie "Caripelas", collage sobre cartulina Fedrigoni / collage on Fedrigoni cardboard", 30 x 21 cm.

"Alcoi", collage sobre papel artesanal de algodón / collage on handmade cotton paper, Mas Sopalmo, 2017

SR: ¿Alguna anécdota sobre tu formación o tu carrera?

RT: Se me ocurre una que sin dudas me marcó en lo personal y en lo artístico. Ocurrió a fines de siglo XX, cuando participé en la Bienal de papel de Alcoi, en la Comunidad Valenciana, organizada por el Consorci de Museus.

Desde ella se dio un vínculo epistolar con Antoni Miró, importante referente cultural valenciano, y desde ese puente se lograron muestras en Santa Lucia y la Comarca dentro de nuestros proyectos de difusión artística con sus piezas y la edición de libro-catálogos con textos de escritores santalucenses.

Recién después de 20 años de cultivar una amistad con él, a través del correo con cartas manuscritas, lo pude conocer en su tierra y en su mundo del Mas Sopalmo. Por su intermedio pude presentar mi primera muestra en el exterior en el Centre d’Art Ovidi Montllor de Alcoi, lo que permitió otras posteriores muestras de artistas santalucenses.

"Sin título / Untitled", collage sobre cartulina Fedrigoni / collage on Fedrigoni cardboard, 30 x 21 cm., 2021

"Libro de Artista / Artist's Book", sobre cartulina Fedrigoni / on Fedrigoni cardboard, 22 x 99 cm.

"La palabra abre puertas / Words Open Doors", collage, 2021

SR: ¿Qué tienes en mente para el futuro en relación a tu arte?

RT: En el próximo mes de julio presentaré en el Centro Comercial e Industrial de Santa Lucía la muestra "desencajes" donde presentaré 33 collages de formato pequeño en cajas de pizza y en setiembre en Meraki Santa Lucía, la muestra "Los Estuches Secretos", compuesta por 15 collages.

"Lebab", collage, 2021

Serie de grises / Gray Series, collage sobre papel / collage on paper, 2017

Rodolfo trabajando / at work. Foto / Photo: Atilio Dutruel Victora

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El Collage y sus puertas.

Rodolfo Torres.

"Cuando empecé de manera informal en la niñez con precarios collages lo lúdico era la base de su construcción.

Por supuesto que desconocía aún que habían determinadas circunstancias más allá del juego que proponía esa expresión, y que solo con el tiempo y la constancia llegaría a conocer.

»Aquellas imágenes devenidas de revistas de comics y diarios, aquel engrudo casero, aquel cuadernote de tapas rígidas de recetario farmacéutico, eran solo el emergente bisoño de un "encanto" por esa tarea collagistica y que hoy me permite decir, con certeza, que mi vida ha girado en general en torno a ella.

La siento como algo propio... quizás lo único realmente propio para bien o mal.

Sin dudas es lo que tengo en las manos para mostrar, dar y compartir.

Entiendo que puede no ser entendible ni compartible, pero es una honesta forma de ser y sentir mi vida... Mi mundo es el collage, me representa y da voz e imagen a mis ideas y opiniones.

»Desde aquellas primarias imágenes recortadas de Tarzán y el Fantasma ubicadas en sitios y situaciones fuera de sus habituales hábitats, he transitado por el Collage, apenas alejado temporalmente para incursionar en técnicas mixtas, donde asimismo el uso de una "estrategia collage" no estaba ausente.

»Estando en el "plano" con el collage siempre pensé en la posibilidad expresiva del volumen, ya no sugerido... lo veía visible, tangible, aunque no me era fácil encontrar esa puerta de entrada hacia su investigación y realización...pero con el tiempo, más precisamente mucho tiempo, fui viendo no muy lejos de mi vista esa posibilidad y entre "entusiasmos e ignorancias" caminé hacia ella.

Al traspasarla se abrió un panorama infinito donde ese idea de volumen me hizo enredarme en 3D, popup, libros de artista (área que no me era del todo desconocida) y escultura en cartón y allí desde se hizo carne la necesidad de bien saber para hurgar en el conocimiento y no andar a tientas para volver a jugar y encontrar nuevos caminos expresivos siempre con "huesos y tendones" de Collage.

»En esos caminos de aprendizajes fueron fundamentales mis viajes al País Valenciano, donde conocí obras y artistas que tenían y aún tienen mucho para decirme... Toni Miró, Andreu Alfaro, Joana Francés, Manolo Millares, Fuencisla Francés, Joan Brossa, Antoni Tàpies, Miquel Navarro...

»Mi presente está en eso... andando, errando y encontrando... en un trabajo encantador que me determina muchas horas de trabajo diario en mi mundo y desde donde soy para integrarlo a la vida comunitaria como un obrero, un empleado, un docente, un enfermero, un comerciante y otros, en pos de mejores momentos comunales, cada uno desde lo suyo."

Fuente

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Más sobre / More about Rodolfo Torres: Blog, facebook

Ir a la Parte 2 / Go to Part 2

¡Muchas gracias por la entrevista, Rodolfo!

Thanks a lot for the Interview, Rodolfo!

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Presentamos la entrevista en dos posts (el primero en español y este segundo en inglés), junto con una variada selección de imágenes de la obra desarrollada por Rodolfo en los últimos años.

We present the interview in two posts (the first one in Spanish and this second in English), along with a varied selection of images of the work developed by Rodolfo in recent years.

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Rodolfo Torres

(Santa Lucía, Canelones, Uruguay, 1951-)

Rodolfo trabajando / at work. Foto / Photo: Atilio Dutruel Victora

Rodolfo Torres was born in Santa Lucía (Canelones, Uruguay), on July 21, 1951. Since 1961 he had a training in plastic expression workshops with a constant self-training.

He is an active cultural manager and workshop leader mainly in his hometown. He works as a plastic expression workshop leader in initial and primary public education.

The characteristics of his collages are of clean line and with a scarce but sufficient chrome to realize at sight a perfect assembly between the form and the expression of each piece.

From 1994 to 2020 he conducted workshops of plastic expression, especially within the techniques of crayons and collage in preschools, schools, particularly those of special education for children with different abilities and in NGOs for adults residing in mental health centers, and in special education for children and teacher training in that area.

His projects won the Inca Competition on four occasions, he has published more than ten books and has been exhibiting his work on an individual basis practically uninterruptedly since 1997. From 2005 to 2012 he curated the project Acción de murales developed in Santa Lucía, where approximately 1000 mts2 of murals were painted in different neighborhoods together with social and educational institutions and neighborhood groups. Since 1998 he has participated in projects organized in Mexico, Argentina, Brazil, Cuba, Germany, England, United States, Canada, France, Japan, Holland, Belgium, Italy, Ghana, Switzerland, Greece, Russia, China.

Serie de grises / Gray Series, collage sobre papel / collage on paper, 2017

"Alcoi", collage sobre papel artesanal de algodón / collage on handmade cotton paper, Mas Sopalmo, 2017

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Tell me about yourself, how did your connection with art begin?

Rodolfo Torres: My connection with art began when I was in school, as my parents sent me to the Plastic Arts workshop of Professor Washington Amaro. Later, when I was a teenager, the presence of an artist from Santa Lucía with a solid background in Montevideo, a neighbor and friend of my family, Washington Brignoni, who somehow affirmed what was a basic primary initiative in expression, was very important.

Serie "Caripelas", collage sobre cartulina Fedrigoni / collage on Fedrigoni cardboard", 30 x 21 cm.

Collage sobre papel de algodón / collage on cotton paper, Mas Sopalmo, 2017

SR: Nowadays your practice revolves exclusively around collage, how did your interest in this artistic aspect arise?

RT: Although in Brignoni's workshop the training was basically in drawing and painting, collage, without being able to specify why, was already among my acts. I remember cutting and composing collages from fragments of different comics from the newspapers that were received at home, particularly with the characters of Tarzan and The Phantom as their axis, which I inserted in an image where they interacted on other backgrounds and circumstances.

Although I spent a long time working with mixed techniques, it has been 25 years since collage became my specific creative representation.

"Sin título / Untitled", collage sobre papel de algodón / collage on cotton paper, 40 x 30 cm., Vendrell, 2020

"Sin título / Untitled", 2020

SR: And how did 3D collage come about?

RT: From the beginning, where my collage strategy was basically pure, without any kind of intervention, I always had the idea, or rather the challenge, to go beyond that. I sensed, without having any theoretical or technical certainties, that it was possible to challenge a collage that went towards other expressive possibilities.

Time, with the contact of other realities of making and the road, gave me tools, particularly conceptual, so that one day in 2019 I began to put this idea on track and take it as a form of creative act, with results quite similar to my original ideas. Which doesn't mean it's an end in itself, as it's just a path to continue.

SR: What colors can you say mark your work?

RT: I deal with white, red, black and gray. This doesn't mean that I don't use others according to the expressive need, but in reality and given what I've found, for now these are the colors I feel comfortable with and which facilitate my expression in this line of work.

"Libro de Artista / Artist's Book", sobre cartulina Fedrigoni / on Fedrigoni cardboard, 22 x 99 cm.

Serie Intérpretes / Performers Series, collage, 2021

SR: Looking back to the beginning of your first artistic experiences, how do you feel today in relation to the creative universe?

RT: That kid from Amaro's workshop, with several successes and too many mistakes, followed his instinct, of course, without a back and with few tools to develop what was fermenting inside me.

I went through several artistic attempts, but always that path of visual art was very close and ended up being the way out of disenchantment, until one day it was definitely "the way", the Tao, according to Eastern philosophy, there the troubles disappear, the inopportune suggestions cease to weigh, those who speak as artists and are not, the uncertainties are faced and the experience is made by walking.

That creative universe is a world where I feel very comfortable. It is shelter and embrace and I feel it as my place in the world.

"La prisión / Prison", collage, 2021

Serie Despliegues / Deployments Series, 92 x 65 cm., 2022

SR: In what way would you say that your trajectory in the artistic field strengthened you existentially?

RT: By understanding and feeling that "I am doing" and what I share in the community to "be within it", my existence was positively strengthened because art and its various manifestations are undoubtedly necessary in life.

Collage sobre papel de algodón / collage on cotton paper, Mas Sopalmo, 2017

SR: When approaching your moments of making a work, what are your preferences and influences?

RT: Actually, I don't approach the moment of creating with any preparation; it is simply part of the work. Personally, there are many hours every day of the week and in them I elaborate the work almost in a playful way. Collage, because of its particular strategy, allows me to do it, it takes me back to that distant childhood where more than an artistic sense a playful sense predominated, of course now with some more tools to think about it and create it.

"Sin título / Untitled", collage sobre cartulina Fedrigoni / collage on Fedrigoni cardboard, 30 x 21 cm., 2021

Serie de grises / Gray Series, collage sobre papel / collage on paper, 2017

SR: There is a lot of talk about how therapeutic art is, and you, precisely, do a very special job as a creative coach with people who suffer from various psychiatric pathologies, and even special children. How do you coordinate the artistic actions to be carried out in order to enhance creativity in them?

RT: I consider, and without being an expert from a scientific point of view, approaching it rather from experience that artistic expression allows to generate, in those who resort to it, a possible complementary way to alleviate certain situations.

The coordination of these activities is different from the one that could be given in workshops in other circumstances.

Undoubtedly, this is where I learned to give practical value to the "way", finding in the interrelation between workshop leader-participant the necessary exchange where we learn from everyone and among everyone, although it may not seem so.

The work objectives are not an end in themselves; time becomes relative, the socialization of the meeting transforms each workshop almost into a ritual and there, without haste, but without pause, we walk together towards the proposal that usually has stations where we can recompose the precise strategy to continue.

It is a challenging but enriching task. The coordination of those workshops in which I spent 25 years of my life was an apprenticeship that I thank life for having had that opportunity.

"Sin título / Untitled", collage sobre papel de algodón / collage on cotton paper, 40 x 30 cm., Vendrell, 2020

Serie "Caripelas", collage sobre cartulina Fedrigoni / collage on Fedrigoni cardboard", 30 x 21 cm.

SR: Do you consider that art is something that helps to see Humanity with a hopeful and unifying perspective?

RT: Of course, art builds the possibility of unifying human beings without borders or flags.

Serie Intérpretes / Performers Series, collage, 2021

"Alcoi", collage sobre papel artesanal de algodón / collage on handmade cotton paper, Mas Sopalmo, 2017

SR: You live in a small town with certain characteristics that make it especially quiet and picturesque, do you think this gives you an unusual margin of freedom?

RT: That's a subject we always talk about at home and in the workshop.

I think that this unusual margin of freedom, in your words, is very relative. In these towns the traditional usually reigns, and it is not always easy to sustain an action that is not framed within it, therefore, the sense of freedom is conditioned and limited in many circumstances.

I understand that each place has its own difficulties to experience or exercise freedom. These are not good times for it.

Serie Despliegues / Deployments Series, 92 x 65 cm., 2022

SR: Any anecdotes about your training or career?

RT: I can think of one that undoubtedly marked me personally and artistically. It happened at the end of the 20th century, when I participated in the Paper Biennial of Alcoi, in the Valencian Community, organized by the Consortium of Museums.

From there, there was an epistolary link with Antoni Miró, an important Valencian cultural reference, and from that bridge we achieved exhibitions in Santa Lucia and the region within our projects of artistic diffusion with his pieces and the edition of book-catalogues with texts by writers from Santa Lucia.

Only after 20 years of cultivating a friendship with him, through the mail with handwritten letters, I was able to meet him in his land and in his world of Mas Sopalmo. Through him I was able to present my first exhibition abroad at the Centre d'Art Ovidi Montllor in Alcoi, which allowed other subsequent exhibitions of artists from Santa Lucia.

"Sin título / Untitled", 2020

Serie de grises / Gray Series, collage sobre papel / collage on paper, 2017

SR: What do you have in mind for the future in relation to your art?

RT: Next July I will present in the Commercial and Industrial Center of Santa Lucia the exhibition "desencajes" (Uncagings) where I will present 33 small format collages in pizza boxes and in September in Meraki Santa Lucia, the exhibition "Los Estuches Secretos" (The Secret Cases), composed of 15 collages.

Rodolfo trabajando / at work. Foto / Photo: Atilio Dutruel Victora

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Collage and its doors

Rodolfo Torres

"When I started informally in my childhood with precarious collages, playfulness was the basis of their construction.

Of course, I was still unaware that there were certain circumstances beyond the game proposed by that expression, and that only with time and perseverance I would get to know.

Those images taken from comic magazines and newspapers, that homemade paste, that notebook with rigid covers of a pharmaceutical prescription book, were only the emergent beginnings of a "charm" for that collagistic task and that today allows me to say, with certainty, that my life has generally revolved around it.

I feel it as something of my own... perhaps the only thing that is really my own, for better or worse.

It is undoubtedly what I have in my hands to show, to give and to share.

I understand that it may not be understandable or shareable, but it's an honest way of being and feeling my life... My world is collage, it represents me and gives voice and image to my ideas and opinions.

From those primary cut out images of Tarzan and the Phantom located in places and situations outside their usual habitats, I have moved through the Collage, just temporarily away to venture into mixed media, where also the use of a "collage strategy" was not absent.

Being in the "plane" with the collage I always thought about the expressive possibility of the volume, no longer suggested... I saw it visible, tangible, although it was not easy for me to find that entrance door towards its investigation and realization... but with time, more precisely a lot of time, I saw not very far from my sight that possibility and between "enthusiasm and ignorance" I walked towards it.

When I crossed it, an infinite panorama opened up where that idea of volume made me get entangled in 3D, popup, artist's books (an area that was not completely unknown to me) and cardboard sculpture and there from there the need to know well to dig into the knowledge and not grope to play again and find new expressive paths always with "bones and sinews" of Collage was made flesh.

In these paths of learning, my trips to the Valencian Country were fundamental, where I met works and artists who had and still have a lot to tell me... Toni Miró, Andreu Alfaro, Joana Francés, Manolo Millares, Fuencisla Francés, Joan Brossa, Antoni Tàpies, Miquel Navarro?

My present is in that... walking, wandering and finding... in an enchanting work that determines me many hours of daily work in my world and from where I am to integrate it to the community life as a worker, an employee, a teacher, a nurse, a merchant and others, in pursuit of better communal moments, each one from his own."

Source

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Más sobre / More about Rodolfo Torres: Blog, facebook

Ir a la Parte 1 / Go to Part 1

¡Muchas gracias por la entrevista, Rodolfo!

Thanks a lot for the Interview, Rodolfo!

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La artista japonesa radicada en Estados Unidos Mariko Kusumoto crea maravillosas y etéreas piezas a base de tejidos, inspiradas en la naturaleza, fundamentalmente en seres marinos. Muchos de estos trabajos son complementos vestibles de dimensiones modestas, como collares, brazaletes, anillos o pendientes, aunque otros son objetos escultóricos de tamaño considerable y exquisito detalle.

Mariko Kusumoto, a Japanese artist based in the United States, creates marvelous and ethereal pieces based on fabrics, inspired by nature, mainly sea creatures. Many of these works are wearable accessories of modest dimensions, such as necklaces, bracelets, rings or earrings, although others are sculptural objects of considerable size and exquisite detail.

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Mariko Kusumoto

楠本真理子

(熊本市, 九州, 日本 / Kumamoto, Kyūshū, Japón / Japan, 1962-)

en / at Lexington, Middlesex, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA

Mariko Kusumoto nació en Japón en 1962, y desde hace más de 30 años vive y trabaja en Estados Unidos. Obtuvo su Bachiller en pintura y grabado en el Colegio de Artes Musashino de Tokyo (1989) y continuó sus estudios en Estados Unidos donde recibió un Máster en grabado Academia de Artes de la Univesidad de San Francisco (1995).

Ha expuesto regularmente desde 1996 en un buen número de muestras tanto colectivas como individuales.

Mariko ha trabajado en varios materiales (especialmente el metal) a lo largo de su dilatada carrera, pero desde hace unos años se ha volcado al diseño de delicadas piezas en base a fibras textiles con extraordinarios resultados. Sus composiciones evocan la biodiversidad marina, desde las pequeñas unitarias que semejan radiolarios, diatomeas y otras criaturas diminutas, hasta sus collares y estructuras complejas, multicolores y abigarrados arrecifes construidos a base de formas orgánicas y sutiles transparencias proporcionadas por las tenues tramas de los tejidos empleados.

"Paisaje marino 1 / Seascape 1", collar / necklace, 2021

"Flor de anémona / Anemone Flower"

«Mis trabajos en metal incorporan imágenes representativas encontradas y son muy complejos y exigentes desde el punto de vista técnico. Mis últimas piezas de tela se han desarrollado con mucha experimentación y demuestran una evolución de las propiedades del metal a algo completamente opuesto. Durante el proceso de experimentación, a veces hay un momento impresionante; "capto" esos momentos y desarrollo ideas a partir de ese punto. Me gusta la suavidad, la textura suave y la calidad atmosférica (por ejemplo, la translucidez) de los tejidos que utilizo. Hay en toda mi obra una insistencia en la habilidad y la artesanía.»

"Brazalete / Brecelet"

"Broche / Brooche"

«Durante mi estancia en la escuela de arte, recibí una formación completa en diversas disciplinas artísticas, como el dibujo, la pintura, el grabado y la metalurgia. Poco después de terminar mis estudios universitarios, me trasladé a los EE.UU. para continuar mi educación, y finalmente me establecí allí.

Crecer en Japón y vivir en los Estados Unidos durante 30 años me ha expuesto a la estética occidental y japonesa, lo que ha aumentado mi curiosidad y ha ampliado mi visión. Soy capaz de apreciar todas las formas de arte (arquitectura, diseño gráfico, escultura, etc.), y las considero todas como una sola. Para mí, no hay fronteras entre las distintas categorías.

Cuando entré en la universidad de arte en Japón, mi especialidad era la pintura al óleo. Al principio de mi primer año pude elegir entre pintura al óleo o grabado, así que decidí cambiar a grabado, focalizado en el metal.»

"Flores / Flowers", tela / fabric

"Flor roja / Red Flower", broche / brooche, 2019

«La tela es todo lo contrario al metal. Me gusta la suavidad y la delicada textura de la tela que utilizo, así como la naturaleza atmosférica de su translucidez. Todavía desconozco todo el potencial de lo que puedo hacer con la tela. Estoy en un viaje para explorar las infinitas e ilimitadas posibilidades de este material.

Mis esculturas comienzan por inspirarme en la naturaleza y en el propio material, además de motivarme por el proceso. Casi la mitad de mi tiempo creativo lo dedico a experimentar. Durante el proceso de experimentación, a veces se produce un momento impresionante. Presto atención a estos descubrimientos accidentales, capto esos momentos y desarrollo nuevas ideas a partir de ese punto.

A menudo se me ocurren grandes ideas, pero pensar en las ideas y trabajar con los materiales reales son experiencias muy diferentes. Hago muchos descubrimientos mientras trabajo en piezas que nunca se me habrían ocurrido de antemano.»

Broche (encargo) / Brooche (commision)

«Me inspiro y aprendo directamente de la naturaleza. Por ejemplo, un día encontré un coral cerebro muy bonito en un mercadillo. Como me fascinó tanto, aprendí cómo estaba estructurado y lo recreé con tela. La naturaleza es la mejor maestra.

Me interesan las criaturas marinas, las plantas, el mundo microscópico, las diatomeas, las células, etc. Siempre me fascinan las formas sistemáticas y me conmueve la maravilla de la naturaleza.

Me gustan especialmente las criaturas marinas; son obras de arte por sí mismas y siempre me asombra su belleza. Siempre que tengo la oportunidad me gusta ver documentales sobre las profundidades del océano. No dejo de sorprenderme con criaturas que nunca había visto.»

Broche / Brooch

"Burbuja azul / Blue Bubble", broche / brooch, 2018

«Además de inspirarme en la naturaleza, también me inspira el propio material. Encontrar diferentes tipos de material en la vida cotidiana es importante para mí. A veces, me encuentro con un material que me parece fascinante, me atrae y despierta mi imaginación.

La tela es uno de los materiales más familiares de la vida cotidiana. Aunque la palabra "tela" suena bastante sencilla, la gama de tejidos es muy amplia, con características únicas que pueden suscitar diversas sensaciones o emociones. Algunos tejidos implican la sensación de frescor de la humedad, otros tienen una esponjosidad que resulta reconfortante; hay tejidos que invocan lo misterioso o lo etéreo, los hay que inspiran tranquilidad y algunos sugieren fragilidad, sutileza, etc.»

Escultura de pared / Wall Sculpture, 2016

"Blanco y negro / Black & White", broche / brooch, 2019

«Como norma general no suelo llevo joyas, pero un día caminaba entre la multitud en una gran inauguración de arte llevando mi gran broche. Mientras la gente pasaba a mi lado, muchos se fijaron en él y empezaron a hacerme muchas preguntas y a mostrar su admiración. Me sorprendió mucho el poder del arte vestible.

El arte vestible puede ser un instrumento para expresar la propia individualidad, el carácter, la personalidad, etc. También abre la cuestión de lo que el arte vestible significa para el portador. Al llevarlo, el propietario se ve obligado a considerar lo que la pieza significa para él.

El arte vestible puede afectar a las emociones de quien lo lleva. Recibo comentarios de personas que dicen que mis obras les hacen sentirse alegres, positivos, animados, felices, etc. No se pueden llevar cuadros y esculturas grandes. Debido a su menor escala, hay cosas que sólo la joyería contemporánea puede lograr, y esto es algo interesante.

"Mosaico de jardín / Garden Mosaic", escultura / sculpture, 2017

Mariko Kusumoto was born in Japan in 1962, and has lived and worked in the United States for over 30 years. She received her BFA in painting and printmaking from Musashino College of the Arts in Tokyo (1989) and continued her studies in the United States where she received an MFA in printmaking from the University of San Francisco Academy of the Arts (1995).

She has exhibited regularly since 1996 in a large number of group and solo shows.

Mariko has worked in various materials (especially metal) throughout her long career, but in recent years she has turned to the design of delicate pieces based on textile fibers with extraordinary results. Her compositions evoke marine biodiversity, from the small units that resemble radiolarians, diatoms and other tiny creatures, to her necklaces and complex structures, multicolored and variegated reefs built from organic forms and subtle transparencies provided by the tenuous weaves of the fabrics used.

"Collar de burbujas (una hebra) / Bubble necklace (single strand)"

Encargo / commision, personalizado para la diseñadora de moda neoyorkina Lela Rose /

personalized for New York fashion designer, Lela Rose , 2019

"Coral", collar / necklace, poliéster, tela / Polyester, fabric, diam: 10", 2020

«My metalwork incorporates found, representational imagery and is very involved and technically challenging. My recent fabric pieces have developed with much experimentation and demonstrate an evolution from the properties of metal to something completely opposite. During the experimental process there is sometimes a breathtaking moment; I 'catch' those moments and develop ideas from that point. I like the softness, gentle texture, and atmospheric (e.g., translucent) quality of the fabrics I use. In all of my work there is always the insistence on skill and craftsmanship.»

"Criatura marina / Sea Creature", collar / necklace,

Poliéster y monofilamento / Polyester and monofilament, 9,5 x 31,1 x 30,5 cm., 2015

Colección permanente del Museo de Bellas Artes /

Permanent collection of Museum of Fine Arts (Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA)

"Jardín marino 1 / Sea Garden 1", poliéster, madera / Polyester, wood, 60 x 34 cm.

«While at art college, I received a well-rounded education in a variety of art disciplines, including drawing, painting, printmaking, and metalworking. Shortly after completing my

undergraduate studies, I moved to the USA to continue my education, eventually settling there.

Growing up in Japan and living in the USA for 30 years has exposed me to both the western and Japanese aesthetics, which, enhanced my curiosity and has broadened my view. I am able to appreciate all art forms (architecture, graphic design, sculpture, etc.), and I regard them all as one. To me, there is no boundary between the different categories.

When I entered art college in Japan, my major was oil painting. At the beginning of my junior year, I was able to choose between either an oil painting or printmaking major, so

I decided to switch to printmaking with a focus on metal-etching.»

"Vida marina / Sea Life", broche / brooch

"Paisaje marino 2 / Seascape 2", collar / necklace, 2021

«Fabric is the complete opposite of metal. I like the softness and gentle texture of the fabric I use, as well as the atmospheric nature of its translucency. The full potential of what I can do with fabric is still unknown to me. I’m on a journey to explore the endless, unlimited possibilities of this material.

My sculptures begin by my being inspired by nature and the material itself, in addition to my being motivated by the process. Almost half of my creative time is spent experimenting. During the experimental process, there is sometimes a breathtaking moment. I pay attention to these accidental discoveries, capture those moments, and develop new ideas from that point.

Great ideas often come to me but thinking about ideas and working with the actual materials are very different experiences. I make lots of discoveries while working on pieces that I never would have thought of in advance.»

"Flor nocturna / Night Flower", broche / brooch, 2022

"Floración / Bloom", escultura / sculpture, 2021

«I’m inspired by and learn from nature directly. For example, one day, I found a very beautiful brain coral at a flea market. Because I was so fascinated by it, I learned how it was structured and recreated it with fabric. Nature is the best teacher.

I’m interested in sea creatures, plants, the microscopic world, diatom, cells, etc. I’m always fascinated by systematically formed shapes and moved by the wonder of nature.

I especially love sea creatures, they are artwork by themselves, and I’m always blown away by their beauty. Whenever I have the opportunity, I enjoy watching documentary films about the deep ocean. I’m constantly amazed by creatures that I’ve never seen before.»

"Vidrio de hierba / Grass Glass", poliéster, tela / Polyester, fabric, 5" x 14", 2017

Algunas piezas con metal / Some Work with Metal

"Tansu no oku"

"Tansu no oku" (abierto / open)

«Besides being inspired by nature, I am also inspired by the material itself. Encountering different types of material in daily life is important to me. Sometimes, I’ll come across a material that I find mesmerizing, and it will draw me in and stir my imagination.

Fabric is one of the most familiar of everyday materials. Even though the word “fabric” sounds straightforward enough, the range of different fabrics is broad, with unique characteristics that can draw out a variety of sensations or emotions. Some fabrics imply the cool feeling of moisture, others have a fluffiness that is comforting; there are fabrics

that invoke the mysterious or the ethereal; there are fabrics that inspire tranquility; and some fabrics suggest fragility, subtlety, etc.»

"La habitación del padre / Father's Room"

«As a matter of fact, ordinarily, I don’t wear jewelry, but one day I was walking through the crowd at a big art opening event wearing my big brooch. As people walked by me, so

many of them gazed at my brooch and started asking me a lot of questions and showed admiration. I was very much surprised by the power of wearable art.

Wearable art can be a device for expressing one’s individuality, character, personality, etc. It also opens up the question of what the wearable art means to the wearer. By wearing it, the owner is forced to consider what the piece means to them.

Wearable art can affect the wearer’s emotions. I get comments from people saying how my pieces make them feel lighthearted, positive, uplifted, happy, etc. You cannot wear large paintings and sculptures. Because of the smaller scale, there are things that only contemporary jewelry can achieve, and this is an interesting thing about it.»

"La habitación del padre / Father's Room" (abierto / open)

Más sobre / More about Mariko Kusumoto: Website, Instagram, facebook

Fuentes / Sources:

* Website

* Lo que crean las mujeres (EE.UU.), primavera 2022 /What Women Create (USA), Spring 2022

* Artículos varios que pueden leerse aquí / Several articles you can read here: Press

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Mariko!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Mariko!)

Shirley Rebuffo, en una nueva entrevista para la serie de artistas uruguayos, nos acerca a la obra de Mane Gurméndez, quien valiéndose de herramientas de diseño digitales y un cúter distorsiona y reconfigura fragmentos literarios, letras de canciones o textos de fuentes diversas para componer formas bi o tridimensionales, generalmente en papel, buscando una estética y un mensaje que van más allá que el puro significado de lo escrito, contado o cantado, entrelazando disciplinas a través del calado a mano de la palabra dibujada.

Shirley Rebuffo, in a new interview for the series of Uruguayan artists, brings us closer to the work of Mane Gurméndez, who, using digital design tools and a cutter, distorts and reconfigures literary fragments, song lyrics or texts from different sources to compose two or three-dimensional forms, usually on paper, seeking an aesthetic and a message that goes beyond the pure meaning of what is written, told or sung, intertwining disciplines through the handmade fretwork of the drawn word.

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Magdalena "Mane" Gurméndez Armand-Ugon

(Montevideo, Uruguay, 1966-)

Mane junto a su obra "The Future (El futuro)" / with her work "The Future"

Mane Gurméndez es una artista uruguaya nacida en Montevideo el 1 de noviembre de 1966.

Entre 1993 y 1998 estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes habiendo realizado el taller con Anhelo Hernández. Egresó en 1992 del Centro de Diseño Industrial de Montevideo. En 1986 residió en Ciudad de México y entre 1990 y 1991 vivió en Barcelona. Allí estudió Diseño Gráfico por Ordenador en IDEP - Institució D´estudis Politecnics. Ha realizado estudios de Dibujo y Pintura con Guillermo Fernández (2004) y Gerardo Acuña (2005-2009), de Fotografía en el Foto Club Uruguayo y en Dimensión Visual (2001-2002) y cerámica en diversos talleres. Actualmente trabaja en su estudio de diseño y comunicación.

Fue seleccionada para el Premio Montevideo, el Premio Nacional de Artes Visuales y la Bienal de Salto en varias oportunidades; ha expuesto en el Museo Nacional de Artes Visuales, el Espacio de Arte Contemporáneo (EAC), el Subte Municipal, el Museo Figari, Artfest Garzón, entre otros.

En sus trabajos experimenta plásticamente el potencial visual de las palabras, tanto desde lo formal como lo metafórico. Su obra busca establecer un diálogo entre textos extraídos de la literatura o de canciones.

"The future / El futuro", papel calado / fretwork paper, 130 x 230 cm., 2017

Obra seleccionada Premio Montevideo / Selected work Montevideo Award

Inspirada en la letra de la canción "El futuro" / Inspired by the lyrics of the song "The Future"

Leonard Cohen. Album "The Future", 1992. Youtube

Leonard Cohen en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CXCVII)]

"I read the news today / Hoy leí las noticias"

Obra seleccionada Premio Nacional / Selected work National Award

Inspirada en la letra de la canción "Un día en la vida" / Inspired by the lyrics of the song "A Day In The Life"

The Beatles. Album "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", 1997. Youtube

The Beatles en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Cuéntame de ti, ¿tienes una vinculación familiar con el arte?

Mane Gurméndez: En realidad nunca hubo un vínculo directo con ningún artista ni con las artes plásticas, pero crecí rodeada de muchos libros, discos, cámaras de fotos y de cine. Mi madre había estudiado arquitectura y en sus ratos libres pintaba planos con acuarelas, y mi padre era buen fotógrafo y escuchaba mucha música. Pero las artes eran vistas como hobbies, como ocupación principal se inspiraba a seguir a carreras universitarias, sobre todo científicas, y algo de ese espiritu científico y experimental creo que me define en la forma de trabajar a nivel artístico.

Exposicion en Kiosco Espacio de Arte / Exhibition at Kiosco Art Space (Montevideo, Uruguay)

SR: ¿En qué otras técnicas artísticas trabajabas antes de esta interacción con los textos?

MG: Siempre fui muy experimental, muy curiosa y una eterna aprendiz, por lo que he ido probando distintas disciplinas y actividades artísticas, para así encontrar un lenguaje en el cual poder expresar mejor mi sentir. Incursioné en la fotografía, el cine, la cerámica y el dibujo y la pintura, y en estas ultimas probé todos los materiales que encontré: lapiz, carbonilla, pasteles, tintas, acuarela, óleo y acrílico. En técnicas como el grabado, collage, texturas, fotocopias, transferencias, entre otras.

Mis primeras interacciones con textos fueron haciendo collages de fotos y textos por medio de transferencias de fotocopias. Era una técnica interesante ya que siempre es una sorpresa el resultado: algunas partes quedan muy nítidas, otras difusas. Me gusta cuando no hay un control total del proceso y quedan cosas libradas al azar. Luego vino la etapa del stencil, donde armaba un texto en computadora y luego lo calaba en un stencil para plasmar textura matérica sobre una tela pintada. Y fue con el papel que usaba para recortar el stencil con lo que terminé trabajando e investigando.

"All my little words / Todas mis palabritas", papel calado / fretwork paper, 2018

Inspirada en la letra de la canción "Todas mis palabritas" / Inspired by the lyrics of the song "All my little words"

The Magnetic Fields. Album "69 Love Songs", 1999. Youtube

"Just Breathe / Sólo respira", papel calado / fretwork paper, 2018

Inspirada en la letra de la canción "Sólo respira" / Inspired by the lyrics of the song "Just Breathe"

Pearl Jam. Album "Backspacer", 2009. Youtube

Pearl Jam en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (XXIV)]

SR: Eres también diseñadora, e igualmente trabajas con carbonilla y tinta. ¿Cómo se vinculan ambas profesiones?

MG: Creo que ambas actividades son muy diferentes, con fines y objetivos bien disímiles, pero que comparten un mismo lenguaje plástico. El diseño es, entre otras cosas, comunicación, y el mensaje debe estar clara y correctamente expresado. Sucede que a veces diseñando surgen detalles, composiciones, formas, a los que les veo potencial para seguir investigando en mi arte. Esto hace que muchas veces sea un ida y vuelta entre ambas actividades.

SR: ¿Para ti el artista debe desobedecer? Me refiero desobedecer a los que le preceden, desobedecer a la historia, a las tendencias, a las corrientes impuestas.

MG: Yo entiendo que el artista primero debe conocer la historia del arte, estudiar a los clásicos, aprender a dibujar desde cero, experimentar técnicas, etc. No creo mucho en el autodidacta. Son escasos los que logran desarrollar una trayectoria artística de calidad sin tener estudios o años de taller. Luego, teniendo ese conocimiento uno puede romper, o no, las reglas o dogmas para crear algo diferente. Pero tampoco creo que ser rupturista garantice un resultado interesante. Más bien me inclino a pensar que son muy pequeñas variaciones de lo ya establecido las que generan un arte nuevo.

"El Decamerón / The Decameron"

Obra seleccionada Premio Montevideo / selected work Montevideo Award

Inspirado en la obra de / Inspired by the work by Giovanni Boccaccio, 1351-1353

La obra, en formato de poesía visual, se compone de 6 piezas de papel calado con textos extraídos del libro de Giovanni Boccaccio. Dicho libro, cuyas historias transcurren durante la peste de Florencia en 1348 se lo reconoce como la obra precursora del Renacimiento, marcando el fin de la era Medieval.

The work, in the form of visual poetry, is composed of 6 pieces of fretwork paper with texts taken from the book by Giovanni Boccaccio. This book, whose stories take place during the plague of Florence in 1348, is recognized as the precursor of the Renaissance, marking the end of the Medieval era.

Giovanni Bocaccio en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LXXXV)]

"Des-composicion, ponele", papel calado / fretwork paper, 2011. Subte municipal

SR: La imagen y palabra están unidas en tu obra: el lenguaje es portador de imágenes y las imágenes son portadoras de la palabra. ¿Cómo surge esta relación literal entre la literatura y la plástica?

MG: Creo que hay en las palabras, en las letras, en los textos, un fuerte componente visual muy rico estéticamente, que a veces no lo apreciamos porque vamos directamente a leer el contenido de esos símbolos que conocemos y podemos decodificar. Pero cuando vemos una palabra, o un texto en un alfabeto que desconocemos, como el árabe, chino, etc. vemos esos grafismos como un hecho plástico.

En mis obras las palabras son la materia prima, y dependiendo lo que quiera transmitir o expresar hago la composición. A veces me interesa que se pueda leer completo o alguna parte, y otras veces la intención es que sea ininteligible.

Trabajo componiendo textos para luego descomponerlos, deformarlos, quebrarlos para lograr expresar plásticamente lo que busco transmitir con dicho texto.

Papel calado / Fretwork paper

Obra seleccionada Bienal de Salto 2013 / Selected work Salto Biennial 2013

SR: ¿Cómo eliges las obras para hacer esa fusión entre arte pictórico y poesía?

MG: Mi proceso creativo es bastante aleatorio: el disparador puede ser desde una poesía, una canción y un relato, otras veces un pensamiento que me inquieta o cuestiona, a veces una textura, una forma, un material, un color. No tengo un método específico. Trato de ir por la vida exponiéndome a estímulos que me despierten interés y me interpelen, intentando verlo todo a través de un lente poético.

SR: En cuanto a la caligrafía, o sea las fuentes que le dan un carácter especial a cada obra, ¿cómo la eliges para cada obra?

MG: La tipografía elegida para cada obra también depende mucho de lo que quiero expresar, una letra muy cerrada o bold crea una trama bien diferente a una más light. También hay una dependencia en el tipo de papel que voy a utilizar, si es de muy poco gramaje, muy finito, generalmente evito usar algunas tipografías con serif, ya que las puntas tienden a arquearse. Además hay una parte más técnica de ajuste, para lograr que la trama tenga los puntos de contacto necesarios para evitar que algunas partes se vayan hacia adelante o se combe la pieza. Hay ciertas tensiones en el papel cortado que hay que tener en cuenta para que la obra se sostenga correctamente.

"Deep Quiroga / Quiroga Profundo", papel calado / fretwork paper

Obra seleccionada Premio Montevideo / Selected work Montevideo Award

SR: Las letras son ondulantes y las grafías varían en tamaño dando movimiento a la obra. ¿Cuán importante es la luz que se filtra entre las figuras?

MG: En mi caso creo que es tan relevante la obra como las sombras que arroja. Son fondo y figura, una misma concepción.

SR: ¿Y quieres que todos entiendan lo que expresas en tu arte, o con que admiren su belleza y estética te alcanza?

MG: La búsqueda de la belleza en todo lo que hacemos creo que es natural y esencial, siempre considerando el sentido más amplio del concepto belleza, tanto visual como filosófico. En mis obras trabajo dos niveles de creación: un trabajo más compositivo, de índole formal y experimental, y otro más orientado al entender contemporáneo de ver la realidad, reflexionando sobre temáticas sociales o existenciales, donde me interesa profundizar y plantear una mirada personal de la cuestión.

Que el observador tenga una experiencia estética al ver la obra, y que además pueda ver que algo más subyace en la misma y lo hace meditar o cuestionarse, me hace muy feliz.

SR: ¿Qué emociones fluyen dentro de ti al darle visualización plástica e interpretación a un texto?

MG: Variadas como el texto o la temática tratada, paseo por la incertidumbre, el caos, la fragilidad o el desconsuelo, hasta la armonía, la felicidad o la esperanza.

"Deep Quiroga / Quiroga Profundo", papel calado / fretwork paper

SR: ¿Cuánto te lleva, aproximadamente, cada obra?

MG: Te diría que es muy relativo. A veces me lleva mucho tiempo el trabajo en la composición, el que realizo en la computadora, y a veces es mucho más el tiempo de recorte del papel, el que hago absolutamente a mano con un cúter.

Son dos etapas diferentes en el proceso de creación y nunca puedo prever cuánto tiempo me puede llevar. Con respecto al recorte en sí, en general las obras de tramas grandes me insumen menos tiempo de calado, cuanto más chiquita la letra, más lento se me hace el trabajo porque necesito ser bien precisa en el corte.

SR: ¿Cuáles fueron las dificultades en tus inicios en el oficio?

MG: La técnica de calado no ofrece mayor dificultad: en definitiva, es como tejer o bordar, se aprende fácilmente. Creo que las mayores dificultades de los comienzos son las mismas que tengo hoy día: conseguir buenos materiales. La escasez de buenos papeles, grandes y variados es un problema.

"Is there anybody out there? / ¿Hay alguien ahí afuera?"

Espacio de Arte Contemporáneo (EAC)

Ex carcel de Miguelete / Former Miguelete Prison (Montevideo, Uruguay)

Inspirada en la letra de la canción "¿Hay alguien ahí afuera?" /

Inspired by the lyrics of the song "Is there anybody out there?"

Pink Floyd. Album "The Wall", 1979

Pink Floyd en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

SR: En cuanto a las herramientas, ¿cuáles usas?

MG: Mis dos herramientas básicas son los programas de diseño y de retoque fotográfico, y la x-acto knife, un bisturí con forma de lápiz y punta muy afilada.

SR: Y tus soportes preferidos, ¿cuáles son?

MG: Papeles de todo tipo y textura, soy una recolectora compulsiva, pero sin duda los más preciados son los artesanales de origen chino o japonés, muy finitos y resistentes.

SR: ¿Qué proyectos hay pendientes?

MG: Creo que algo que me hace ilusión y lo tengo pendiente es hacer una residencia artística en algún país con una cultura bien diferente a la mía. Me parece una experiencia excelente y enriquecedora.

"I shall be released / Seré liberado", papel calado / fretwork paper

Inspirada en la letra de la canción "Seré liberado"/ Inspired by the lyrics of the song "I shall be released"

The Band (Bob Dylan). Album "Music from Big Pink", 1968

Mane Gurméndez

Mane Gurméndez is an Uruguayan artist born in Montevideo on November 1, 1966.

Between 1993 and 1998 she studied at the National School of Fine Arts, having attended the workshop with Anhelo Hernández. She graduated in 1992 from the Industrial Design Center of Montevideo. In 1986 he lived in Mexico City and between 1990 and 1991 he lived in Barcelona. There he studied Computer Graphic Design at IDEP - Institució D'estudis Politecnics. He has studied Drawing and Painting with Guillermo Fernández (2004) and Gerardo Acuña (2005-2009), Photography at the Foto Club Uruguayo and Dimensión Visual (2001-2002) and ceramics in various workshops. She currently works in her design and communication studio.

She was selected for the Montevideo Award, the National Visual Arts Award and the Biennial of Salto on several occasions; she has exhibited at the National Museum of Visual Arts, the Contemporary Art Space (EAC), the Municipal Subway, the Figari Museum, Artfest Garzón, among others.

In his works he experiments plastically with the visual potential of words, both formally and metaphorically. His work seeks to establish a dialogue between texts taken from literature or songs.

"Palabras al vacío / Words Into the Void"

Obra seleccionada para el 56º Premio Nacional de Artes Visuales 2014 /

Work selected for the 56th National Visual Arts Award 2014.

Obra en papel japones / Work in Japanese paper

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Tell me about yourself, do you have a family connection with art?
Mane Gurméndez: Actually there was never a direct link with any artist or with the plastic arts, but I grew up surrounded by many books, records, photo and film cameras. My mother had studied architecture and in her spare time she painted plans with watercolors, and my father was a good photographer and listened to a lot of music. But the arts were seen as hobbies, as a main occupation was inspired to follow university careers, especially scientific, and some of that scientific and experimental spirit I think defines me in the way I work at the artistic level.

SR: What other artistic techniques were you working on before this interaction with texts?
MG: I've always been very experimental, very curious and an eternal learner, so I've been trying different disciplines and artistic activities, in order to find a language in which to better express my feelings. I tried my hand at photography, cinema, ceramics, drawing and painting, and in the latter I tried all the materials I could find: pencil, charcoal, pastels, inks, watercolor, oil and acrylic. In techniques such as engraving, collage, textures, photocopies, transfers, among others.
My first interactions with texts were making collages of photos and texts by means of photocopy transfers. It was an interesting technique because the result is always a surprise: some parts are very clear, others are blurred. I like it when there is no total control of the process and things are left to chance. Then came the stencil stage, where I would create a text on a computer and then I would trace it on a stencil to create a material texture on a painted canvas. And it was with the paper I used to cut out the stencil that I ended up working and researching.

Instalación / Installation. Museo Figari (Montevideo, Uruguay)

Pedro Figari en "El Hurgador" / in this blog:

[Uruguayos (I)], [Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXII)], [Recolección (CXLVI-2)]

"El fin de las especies / The end of the species", papel calado / fretwork paper (detalle / detail)

SR: You are also a designer, and you also work with charcoal and ink. How are both professions linked?

MG: I think both activities are very different, with very dissimilar aims and objectives, but they share the same plastic language. Design is, among other things, communication, and the message must be clearly and correctly expressed. It happens that sometimes when designing, details, compositions, shapes emerge that I see potential for further research in my art. This often makes it a back and forth between both activities.

SR: For you, the artist must disobey? I mean disobey those who precede him, disobey history, trends, imposed currents.

MG: I understand that the artist must first know the history of art, study the classics, learn how to draw from scratch, experiment with techniques, etc. I don't believe much in the self-taught. There are few who manage to develop a quality artistic trajectory without having studies or years of workshop. Then, having that knowledge one can break, or not, the rules or dogmas to create something different. But I don't think that being a breaker guarantees an interesting result either. Rather, I am inclined to think that it is very small variations of what is already established that generate new art.

Mural. Hotel Hyatt (Montevideo, Uruguay)

Inspirada en la poesía de / Inspired by the poetry of Idea Vilariño (ver abajo / see below)

Mural. Hotel Hyatt (Montevideo, Uruguay) (detalle / detail)

SR: Image and word are united in your work: language is the bearer of images and images are bearers of the word. How does this literal relationship between literature and the plastic arts come about?

MG: I think there is in words, in letters, in texts, a strong visual component that is aesthetically very rich, that sometimes we don't appreciate it because we go directly to read the content of those symbols that we know and can decode. But when we see a word, or a text in an alphabet that we do not know, such as Arabic, Chinese, etc., we see those graphics as a plastic fact.

In my works the words are the raw material, and depending on what I want to transmit or express I make the composition. Sometimes I want it to be readable in whole or in part, and sometimes I want it to be unintelligible.

I work composing texts and then decomposing them, deforming them, breaking them in order to express plastically what I want to transmit with that text.

SR: How do you choose the works to make this fusion between pictorial art and poetry?

MG: My creative process is quite random: the trigger can be a poem, a song or a story, sometimes a thought that makes me uneasy or questions me, sometimes a texture, a shape, a material, a color. I don't have a specific method. I try to go through life exposing myself to stimuli that awaken my interest and challenge me, trying to see everything through a poetic lens.

SR: Regarding the calligraphy, that is, the fonts that give a special character to each work, how do you choose them for each work?

MG: The typeface chosen for each work also depends a lot on what I want to express, a very closed or bold typeface creates a very different pattern than a lighter one. There is also a dependence on the type of paper I am going to use, if it is very light, very thin, I generally avoid using some serif fonts, since the tips tend to arch. There is also a more technical part of adjustment, to ensure that the weft has the necessary contact points to prevent some parts from going forward or the piece from warping. There are certain tensions in the cut paper that must be taken into account so that the work is properly supported.

Mural. Edificio Alma Sur / Alma Sur Building

Obra por encargo inspirada en el poema Oda al aceite de Pablo Neruda /

Commissioned work inspired by the poem Ode to oil by Pablo Neruda.

Papel calado / fretwork paper, 2021 (ver abajo / see below)

SR: The letters are undulating and the letters vary in size, giving movement to the work. How important is the light that filters between the figures?

MG: In my case I think the work is as relevant as the shadows it casts. They are background and figure, one and the same conception.

SR: And do you want everyone to understand what you express in your art, or is it enough for them to admire its beauty and aesthetics?

MG: I believe that the search for beauty in everything we do is natural and essential, always considering the broadest sense of the concept of beauty, both visual and philosophical. In my works I work on two levels of creation: a more compositional work, of a formal and experimental nature, and another more oriented to a contemporary understanding of reality, reflecting on social or existential issues, where I am interested in deepening and presenting a personal view of the question.

That the observer has an aesthetic experience when viewing the work, and that he/she can also see that something else underlies it and makes him/her meditate or question, makes me very happy.

"Tribus / Tribes", papel calado / fretwork paper, 2018

Casa de la Cultura / House of Culture (Maldonado, Uruguay)

Mane Gurméndez trabajando en la instalación de "Tribus" / working on the installation of "Tribes"

SR: What emotions flow within you when you give plastic visualization and interpretation to a text?
MG: Varied as the text or the subject matter, I walk through uncertainty, chaos, fragility or grief, to harmony, happiness or hope.

SR: How long does each work take you approximately?
MG: I would say it's very relative, Sometimes it takes me a long time to work on the composition, which I do on the computer, and sometimes it takes me much longer to cut the paper, which I do absolutely by hand with a cutter.
They are two different stages in the creation process and I can never foresee how long it may take me. With regard to the cutting itself, in general, the works with large frames take me less time to cut, the smaller the letter, the slower the work takes me because I need to be very precise in the cutting.

"Templum", papel calado / fretwork paper, 2018

Instalación en / Installation at ArtFest (Pueblo Garzón, Maldonado, Uruguay)

SR: At the beginning, what were the difficulties of the craft?
MG: The fretwork technique offers no major difficulty: in short, it's like knitting or embroidery, it's easy to learn. I think the biggest difficulties at the beginning are the same ones I have today: getting good materials. The scarcity of good, large and varied papers is a problem.

SR: In terms of tools, which ones do you use?

MG: My two basic tools are design and photo retouching programs, and the x-acto knife, a pencil-shaped scalpel with a very sharp tip.

"Miss Misery", papel calado / fretwork paper, 2008

Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay)

Inspirada en la letra de la canción "Señorita Miseria" / Inspired by the lyrics of the song "Miss Misery"

Elliott Smith. Album "Good Will Hunting Soundtrack", 1997. Youtube

SR: And what are your favorite supports?

MG: Papers of all kinds and textures, I am a compulsive collector, but without a doubt the most precious are the handmade ones of Chinese or Japanese origin, very thin and resistant.

SR: What projects are pending?

MG: I think something I'm looking forward to and I have pending is to do an artistic residency in a country with a culture very different from mine. I think it's an excellent and enriching experience.

"Heart of Gold / Corazón de oro", papel calado / fretwork paper, 70 x 70 cm., 2018

Inspirada en la letra de la canción "Corazón de oro" / Inspired by the lyrics of the song "Heart of Gold"

Neil Young. Album "Harvest", 1972. Youtube

Neil Young en "El Hurgador" / in this blog: [Marc Burckhardt (Pintura, Ilustración)]

Más sobre / More about Mane Gurméndez: Website, Instagram, facebook

¡Muchas gracias por la entrevista, Mane!

Thanks a lot for the Interview, Mane!

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Algunas referencias / Some references

"Tan arduamente el mar", Idea Vilariño

Tan arduamente el mar,

tan arduamente,

el lento mar inmenso,

tan largamente en sí, cansadamente,

el hondo mar eterno.

Lento mar, hondo mar,

profundo mar inmenso... Tan lenta y honda y largamente y tanto

insistente y cansado ser cayendo

como un llanto, sin fin,

pesadamente,

tenazmente muriendo... Va creciendo sereno desde el fondo,

sabiamente creciendo,

lentamente, hondamente, largamente,

pausadamente,

mar,

arduo, cansado mar,

Padre de mi silencio.”

"So arduously the sea", Idea Vilariño

So arduously the sea,

so arduously,

the slow immense sea,

so long in itself, wearily,

the deep eternal sea.

Slow sea, deep sea,

deep immense sea... So slow and deep and long and so long and so much

insistent and weary being falling

like a weeping, without end,

heavily,

tenaciously dying... It is growing serenely from the bottom,

wisely growing,

slowly, deeply, long,

slowly,

sea,

arduous, weary sea,

Father of my silence."

(free translation by myself)

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"Oda al aceite" (fragmento), Pablo Neruda

(...)

y allí

los secos

olivares

donde

tan sólo

cielo azul con cigarras,

y tierra dura

existen,

allí

el prodigio,

la cápsula

perfecta

de la oliva

llenando

con sus constelaciones el follaje:

más tarde

las vasijas,

el milagro,

el aceite.

(...)

"Ode to oil" (excerpt), Pablo Neruda

(...)

and there

the dry

olive groves

where

alone

the blue sky with cicadas

and the hard earth

exist

there

the prodigy

the perfect

capsules

of the olives

filling

with their constellations, the foliage:

then later,

the bowls,

the miracle,

the olive oil.

(...)

Translation: Motherbird

Pablo Neruda en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CCVI)], [Aniversarios Fotografía (CCXXX)]

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Sobre los artistas mencionados / About mentiones artists

Anhelo Hernández Ríos: Wikipedia

Guillermo Fernández;: Wikipedia

Deutsche Schule / Escuela Alemana / German School

Anonym. Deutsche Schule / Anónimo. Escuela Alemana /

Anonymous. German School

"Estudio de un perro sentado rascándose / Study of a Seated Dog Scratching Himself"

Tiza negra, pluma y tinta negra / black chalk and pen and black ink, 26,2 x 17,8 cm.

Mediados del s.XVI / mid 16th century. Sotheby's

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Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix

(Charenton-Saint-Maurice, Francia / France, 1798 - 1863)

"Perro echado / Lying Dog"

Tiza sobre papel hecho a mano / halk on handmade paper. Lempertz

Eugéne Delacroix en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

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Gerard ter Borch

(también / also Terburg, Terborgh y Terborch)

(Zwolle, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1617 -

Daeventer / Deventer, 1681)

"Studieblad van een lopende hond / Estudio de un perro corriendo /

Study of a Running Dog"

Tiza y tinta sobre papel / chalk and ink on paper, 151 × 159 cm., c. 1626

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

Gerard ter Borch en "El Hurgador" / in this blog: [Pintando perros (XX)]

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Anthonie van den Bos

(Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1763 - 1838)

"Liggende Hond / Perro echado / Lying Dog", aguafuerte / etching, 6,5 × 8,4 cm.

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"Zittende hond / Perro sentado / Sitting Dog", aguafuerte / etching, 6,5 × 5,2 cm.

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

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Václav Hollar

(Wenceslaus, Wenceslas, Wenzel Hollar)

(Praha, České království [dnes Česká republika] /

Praga, Reino de Bohemia [hoy República Checa] /

Prague, Kingdom of Bohemia, [present-day Czech Republic], 1607 -

Londres, Reino Unido / London, UK, 1677)

"Twee zittende en vier staande jachthonden / Dos perros de caza sentados y cuatro de pie

Two Seated and Four Standing Hunting Dogs", aguafuerte / etching, 13,8 × 20,7 cm., 1646

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands). Wikipedia

Václav Hollar en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XXX)], [Recolección (CXI)]

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Johann Elias Ridinger

(Ulm, Deutschland / Alemania / Germany, 1698 -

Augsburg / Augsburgo, 1767)

"Un galgo / A Greyhound", aguafuerte / etching, 18,1 x 22,4 cm. RareOldPrints

"Cinco cabezas de sabuesos / Five Heads of Hounds"

Aguafuerte / etching, 17,6 x 21,7 cm. RareOldPrints

"Un sabueso con una mosca / A Hound with a Fly"

Aguafuerte / etching, 18,1 x 22,9 cm. RareOldPrints

Johann Elias Ridinger en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (XVII)], [Johann Elias Ridinger (Grabados)]

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Jean-Baptiste Huet

(París, Francia / France, 1745 - 1811)

"Un perro / A Dog"

Grafito y acuarela / graphite and watercolor, 10,9 x 20,8 cm., 1780. Christies. Wikipedia

Jean-Baptiste Huet en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (LXXXIII)], [Recolección (CLXVIII-1)]

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Cornelis Saftleven

(Gorinchem, Nederland / Gorcum, Países Bajos / Netherlands, 1607 -

Rotterdam / Róterdam, 1681)

"Een hond / Un perro / A Dog"

Tiza negra y aguada gris / black chalk and gray wash, 8,3 x 15,2 cm., s.XVII / 17th century

Metroplitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Cornelis Saftleven en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XXII)], [Recolección (XCVII)]

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Sir Edwin Henry Landseer

(Londres, Reino Unido / London, UK, 1802 - 1873)

"Estudio de un perro / Study of a Dog", tiza negra, iluminada con blanco y tiza roja /

black chalk heightened with white and red chalk, 17,7 x 24,7 cm., 1820-73

Metroplitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

"Dos Whippets / Two Whippets", grafito sobre papel / graphite on paper

Museum of the Shenadoah Valley (Virginia, EE.UU./ VA, USA)

Edwin Henry Landseer en "El Hurgador" / in this blog:

[Aniversarios (V)], [Pintando perros (XXXII)], [Pintando perros (XXXV)], [Recolección (CXXXVI-1)], [Pintando perros (LXXIX)]

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Henri-Pierre Danloux

(París, Francia / France, 1753 - 1809)

"Estudios de un Spaniel (Thisbe, el cocker de María Antonieta) /

Studies of a Spaniel (Marie Antoinette's Spaniel Thisbe)"

Tiza negra sobre papel verjurado / black chalk on laid paper, 20,7 x 33,3 cm., 1791

Wikipedia (English)

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Frans Snyders (Snijders)

(Antwerpen, België / Amberes, Bélgica / Antwerp, Belgium, 1579 - 1657)

"Een zittende hond en de kop van een hond / Un perro sentado y la cabeza de un perro /

A Seated Dog and the Head of a Dog"

Tiza sobre papel preparado / chalk on prepared paper, 19,4 x 15 cm.

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"Een zittende hond... / Un perro sentado... / A Seated Dog..." (detalle / detail)

Franz Snyders en "El Hurgador" / in this blog:

[Pintando perros (XXIX)], [Aniversarios (XLIII)], [Kate Bergin (Pintura)], [Recolección (LXXXIII)]

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Tobias Stimmer

(Schaffhausen, Schweiz / Suiza / Swiss, 1539 -

Strasbourg, France / Estrasburgo, Francia / France, 1584)

"Un perro mirando hacia la derecha / A Dog Looking to the Right"

pluma y tinta gris, pincel y aguada blanca y negra /

pen and gray ink, brush and black and gray wash, 13 x 17 cm., 1564

Metroplitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

"Un perro mirando hacia la derecha / A Dog Looking to the Right" (detalle / detail)

Tobias Stimmer en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (X)]

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Anónimo francés / Anonymous French

"Sitzender Hund / Pero sentado / Sitting Dog"

carboncillo, tiza blanca y tiza roja sobre papel azul, montado sobre papel verjurado azul /

charcoal, white chalk and red chalk on blue paper, mounted on blue laid paper, 19,9 x 10,6 cm.,

Siglo XVIII / 18th Century. Bassenge Auctions

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Joseph Georg Winter

(?, 1751 - München, Deutschland / Múnich, Alemania / Germany, 1789)

"Französischer Parforce-Hund / Sabueso Francés / French Hound Dog"

Lápiz sobre papel azul hecho a mano / lead pencil on blue laid paper, 18,6 x 26,3 cm.

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Más perros en la serie "Pintando perros" / More dogs in "Painting Dogs Series"

Todos los posts / All posts: Pintando perros / Painting Dogs

Toda la serie "Recolecciones" aquí / Full Compilations Series here

Utilizando la figuración realista plasmada en retratos y desnudos, Verónica Cestau explora cuestiones relacionadas con la identidad, la sexualidad, la libertad, y homenajea a sus referentes y favoritos artísticos, musicales y cinematográficos. Gracias a esta nueva entrevista de Shirley Rebuffo nos aproximamos a la obra e ideas artísticas de esta singular creadora uruguaya.

Using realistic figuration in portraits and nudes, Verónica Cestau explores issues related to identity, sexuality, freedom, and pays tribute to her artistic, musical and cinematographic references and favorites.. Thanks to this new interview by Shirley Rebuffo we approach the work and artistic ideas of this singular Uruguayan creator.

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Verónica Cestau

(Montevideo, Uruguay, 1972-)

Verónica en su estudio trabajando en el retrato de Mick Jagger /

at work in her Studio with Mick Jagger's portrait

Verónica Cestau es una artista uruguaya nacida en Montevideo el 24 de marzo de 1972.

Desde 1988 asiste a los talleres de Edgardo Ribeiro, Norman Bottrill y Joaquín Aroztegui. A partir de 1992 estudia en la Escuela Nacional de Bellas Artes, donde cursa hasta el año 2000. Trabaja en publicidad como diseñadora en diversas agencias publicitarias de primera línea y también se desempeña en empresas multimedia como ilustradora y animadora 2D.

En 2009 abre su taller y dicta clases.

Sus obras integran colecciones privadas de Uruguay, Argentina, Brasil, República Dominicana, Costa Rica, España, Italia, Francia, Alemania, Suecia, Rusia, Arabia Saudí, Malasia, Puerto Rico y Estados Unidos.

"Mick Jagger" (I know it's only rock & roll but I like it...)

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 50 cm.

Mick Jagger en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Serie "Convivencia" / Living Together Series - "Los amantes / Lovers"

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cómo fue tu experiencia artística en Europa?

Verónica Cestau: A los 23 años viajé a Palma de Mallorca dado que mi hermana vivía allí, y me quedé unos meses. Fue un viaje increíble que me dio otra perspectiva del mundo y de Uruguay. Seguramente en un empuje nostálgico, o tal vez el querer afirmar una identidad cultural, empecé a pintar cuadros de Candombe (*) (tema que luego trabajé durante mucho tiempo). Se me ocurrió preguntar en una tienda llamada Georgeville, dedicada pequeñas esculturas de origen africano, cuadros y otros, si me tomarían mi trabajo a consignación. Enseguida me dijeron que sí. Quedaba en Cala Mayor, un lugar de ensueño con una playa hermosa de aguas turquesas. Al mismo tiempo fui a algunas inauguraciones de muestras, relacionándome con muchos artistas jóvenes. En ese momento pensé que no era difícil entrar en el circuito artístico, pero yo también era muy joven, mi cabeza estaba más en disfrutar el momento y pensar que la oportunidad de viajar nuevamente iba a estar a la vuelta de la esquina y bueno, no concreté nada, solo probé un poco.

Años después expuse en la embajada de Francia, pero fue por medio de una galería en la que trabajaba; yo no viajé, fueron solo las obras.

Creo que no es tan fácil entrar al mercado europeo si no vivís ahí.

(*) El candombe es un estilo de música y danza que se originó en Uruguay entre los descendientes de los esclavos africanos liberados. En 2009, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) inscribió el candombe en su Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

En menor medida, el candombe se practica también en Argentina, Paraguay y Brasil.

Este estilo musical uruguayo se basa en tres tambores diferentes: chico, repique y piano. Suele tocarse en febrero, durante el carnaval de Montevideo, en los desfiles de baile denominados "Llamadas" y el desfile inaugural del carnaval. Wikipedia

SR: ¿Tuviste maestros que te impulsaron en tu oficio?

VC: Si, todos los maestros y profesores que he tenido (y fueron varios, no menos de seis, entre talleres y Bellas Artes) me impulsaron, me alentaron y me hicieron sentir que tenía talento, sin regalarme elogios y realizando la crítica necesaria. Creo que eso es formidable para una persona que se está formando.

Serie "Candombe"

Serie "Libertad" / Freedom Series

SR: ¿Qué emociones fluyen dentro de ti al darle vida a un lienzo?

VC: ¡Pah… todas! ¡Jajaja! ¡No exagero! Imagínate. Estás muchos días todo el tiempo haciendo algo, y mientras también te pasan cosas a otros niveles, familiar, afectivo, laboral y existencialmente, es inevitable que transites por diferentes estados de ánimo, ahí sentada pintando. Paralelamente estás dialogando con una imagen. La pintura, que en mi caso es un ser humano sí o sí me está diciendo algo, me está contando algo, entonces surgen todo tipo de cuestionamientos, más preguntas que respuestas, y cuando sentís que estás en la pintura es una satisfacción inexplicable que no se iguala a nada.

SR: Háblanos sobre tu estilo en particular y de cómo llegaste a él.

VC: Como te contaba fui a muchos talleres. El primero fue muy importante. el profesor era Edgardo Ribeiro Nario, de la escuela de Torres-García. Había allí mucha disciplina, mucho estudio del natural, los pasos estaban bien definidos y no había lugar para los ansiosos que solo querían poner color. Mucho dibujo, mucho estudio de valor antes de la pintura. Una vez en la pintura, también mucho ejercicio de observación y síntesis. Después los distintos talleres me aportaron enseñanzas valiosas.

La escuela Nacional de Bellas Artes también fue muy importante. Al principio sólo me interesaba la pintura clásica, un poco por gusto, otro poco por desconocimiento; en mi familia nadie tenía nada que ver con el arte, y entonces en la Escuela se me presentó el mundo del arte del siglo XX, que es alucinante. Pienso que esa formación teórica, junto con las experiencias sensoriales, permiten ser mucho más permeable a los acontecimientos que te rodean.

En los '90 también trabajé en publicidad y en un estudio multimedia, dónde hacíamos cuentos animados, con un gran dibujante de cómics, Gerry Fernández, quien me enseñó todo lo que sé del esquema de la anatomía humana. Teníamos que hacer dibujos a partir de la imaginación, con escenas y movimientos desde todos los puntos de vista. Es un trabajo técnico muy grande por más que luego uno lo ve y parece que es facilísimo. La creación de personajes, del carácter, vestuario, escenografía, soltura, credibilidad, significó una escuela gigantesca.

Esas combinaciones, junto con mi fascinación por los seres humanos y un trabajo de búsqueda de un lenguaje constante e incesante, es lo que tal vez hizo que tenga esta forma de trabajar: una combinación entre lo clásico y lo expresivo en temas contemporáneos.

SR: ¿Cómo se construye la memoria y cómo opera?

VC: No trabajo de memoria, si es esa la pregunta. Trabajo con ideas, que las armo en sesiones fotográficas y luego las llevo al lienzo a través del dibujo y la pintura. Es una reinterpretación. El proceso creativo es una sinergia de varios lenguajes: el fotográfico primero y después el pictórico.

"Retrato de / Portrait of Frida"

Serie "Convivencia" / Living Together Series - "La danza del romance / Dance of Romance"

SR: ¿Qué satisfacciones te ha dado la pintura?

VC: Enormes satisfacciones. Por ejemplo, el día que expuse por primera vez. Fue una expo individual, a los 19 años, en un club deportivo, pero con vernissage y todo. Ese fue uno de los días más felices que he tenido. Esa sensación inigualable de que tu vida tiene alguna utilidad, de sentirte valorada por algo que haces con las manos y con el alma, fue hermoso, y un motor increíble para seguir hasta ahora. ¡Han pasado décadas! He tenido muchos momentos enormemente agradables.

Otro ejemplo: cuando Edgardo Ortuño, en aquel momento Diputado de la República, creó el Día del Candombe la Cultura Uruguaya y la Equidad Racial, se hizo un evento en el Palacio Legislativo e hicimos una exposición con otros pintores que abordaban el tema. En el lanzamiento surgieron muchos testimonios de lo que significaba la negritud en el pasado y presente, y tomé conciencia real de las inequidades que sufría la población afro-descendiente: historias de angustia y discriminación, pero también de lucha y resistencia. Fue un gran aprendizaje.

En el año 2019 hice un retrato para el Banco Central. Fue sobre la primera mujer en ocupar el puesto de secretaria general. La satisfacción es que, además, yo fui primera pintora mujer en la galería de autoridades. Un orgullo enorme. La persona que retraté, Elizabeth Oria, es una mujer importante y encantadora, y en seguida estuvimos en sintonía. Yo admiraba su capacidad. Ella fue muy abierta, mostrándose tal cual era. De ahí surgió un retrato muy colorido, como su espíritu, entre muchos trajes y corbatas. Fue muy reconfortante realizar este reconocimiento que refleja no sé si un cambio, pero sí al menos un avance en cuestiones de género y posibilidades de las mujeres en el acceso a lugares de poder.

Hace poco participé en la exposición en el Museo Blanes sobre los desaparecidos en la Dictadura Militar. Me conmovió ver cómo un colectivo de artistas pudo generar algo tan removedor.

He conocido gente maravillosa, colegas increíbles con los que aprendí y aprendo un muchísimo. Gente que me ha abierto puertas, modelos con la que he trabajado con los que también crecí.

A veces suceden cosas sorprendentes. Una vez una persona de origen árabe me compró todos los cuadros de mi estudio, y eran muchísimos, en fin...

SR: ¿Cuánta libertad hay a la hora de retratar tus personajes?

VC: Depende. Si es un retrato por encargo, la libertad es limitada. Hay quienes directamente quieren algo muy realista y lo piden, y otras personas son afines de un abordaje más personal.

Luego, cuando yo elijo los personajes porque hay algo allí que quiero rescatar y guardarme de una persona en particular, la única limitante es conservar el carácter o "el alma" no solo el parecido. Y si se trata de un proyecto personal, la libertad es total, más allá de mi interés de mantener la esencia de los retratados; de esta manera el margen es mucho más grande si la pintura necesita corregirse y tomar otro rumbo.

"Retrato de / Portrait of Frank Zappa"

Serie "Libertad" / Freedom Series

SR: ¿Qué sientes al pintar un espejo que expresa lo cotidiano?

VC: Que está mi vida allí, y tal vez la de mucha gente, pero esencialmente son momentos vividos. Algunos toman el tedio de la rutina y, si me pongo filosófica, el peso de estar vivos y otros muchos instantes más placenteros donde existe la comunicación y el amor.

SR: Más allá de las etapas, ¿crees que hay una constante en tus obras?

VC: Una vez una curadora me dijo que le llamaba la atención que en casi todas mis pinturas hay pocas personas o una sola, eso es una constante: me gusta enfocarme en alguien o en una situación íntima. Mis pinturas son íntimas, incluso cuando hacía la serie de Candombe. Me gusta entrar en los personajes y ver qué hay de mí en ellos, en que me parezco y en que me diferencio. En esencia, saber cuál es la emoción que prevalece.

"Retrato de / Portrait of Lucia"

SR: ¿Cómo es tu espacio de trabajo?

VC: Es bastante amplio. Lo comparto con mis alumnos, lo que hace que a veces tenga que cambiar la "escenografía" del taller según la hora. pero es muy lindo, luminoso y acogedor. Un poco cursi lo que voy a decir, pero es mi lugar en el mundo. He estado de viaje en un lugar precioso, pero siento que quiero volver a mi casa-taller con mi mate, mi música y mis óleos (¿nostalgia?). En ocasiones, si estás haciendo algo muy visceral o directamente no te sale lo que estás buscando, se sufre, pero también es muy entretenido, lúdico.

SR: ¿Y cómo es la experiencia de dar clase?

VC: Es enormemente enriquecedora, a todo nivel. Tengo alumnos muy jóvenes y otros más veteranos y de todos aprendo algo, tanto cuestiones humanas como de pintura. Hay veces que traen un artista, una inquietud nueva o un abordaje distinto. También se da que están en un mismo espacio personas que piensan muy diferente, entonces la idea es rescatar lo que pueda haber en común y tratar de generar afecto a partir de las diferencias. Me parece que el taller debe de ser un ámbito de diálogo y respeto, abierto a las sensibilidades. A veces se logra.

"Retrato de / Portrait of Yayoi Kusama"

Serie "Libertad" / Freedom Series

SR: Y el juego, ¿cómo influye?

VC: Como dije, mi trabajo también es un juego, es mi hobby. Lo paso muy bien, incluso cuando estoy días sin resolver un cuadro.

Los materiales, los colores, los pinceles me llevan a cuando era niña y pasaba largas horas con mi hermana (melliza) dibujando, pintando, creando. Siento que en algún punto sigo jugando. Los que saben dicen que el juego es un agente de retroalimentación: vuelcas emociones, experimentas, te planteas objetivos, comunicas y sobre todo se siente placer.

SR: ¿Cómo es tu vínculo con el trabajo entre la pintura y la publicidad?

VC: Trabajé bastante tiempo en publicidad. Tal vez lo que me ha servido en ese sentido es tener alguna capacidad para, justamente, difundir el trabajo a través de la gráfica, redes sociales, etc. Son mundos distintos. En la pintura las emociones viven en un lugar de libertad: eres tú y ellas. En la publicidad la creatividad o las ideas están para complacer a un cliente que quiere vender algo. Son mundos casi paralelos que pueden unirse cuando hay una idea conmovedora o algo así. Lo que no quiere decir que no haya sensibilidades artísticas dentro de la publicidad.

"Retrato de / Portrait of Annel"

SR: ¿Podrías contarnos acerca de algún proyecto artístico y cultural que tengas planeado a futuro?

VC: Estoy desarrollando una serie que tiene que ver con la libertad y la sexualidad, habla mucho de erotismo, de la manera de relacionarnos con nuestro propio cuerpo y con otras personas. Pienso que estamos viviendo un momento histórico respecto a los temas de género, identidad sexual preferencias sexuales y me siento una espectadora privilegiada con un tema para trabajar riquísimo y enorme. El placer como una dimensión de la libertad, como un derecho humano, también está muy presente en esta nueva serie.

En la mayoría de los casos, la historia del erotismo ha sido pintada por hombres, me gusta la idea de profundizar estos tópicos desde otra perspectiva.

Verónica Cestau is an Uruguayan artist born in Montevideo on March 24, 1972.

Since 1988 she attended the workshops of Edgardo Ribeiro, Norman Bottrill and Joaquín Aroztegui. From 1992 until 2000, she studied at the National School of Fine Arts. She works in advertising as a designer in several top advertising agencies and also works in multimedia companies as an illustrator and 2D animator.

In 2009 she opened her workshop and teaches classes.

Her works are part of private collections in Uruguay, Argentina, Brazil, Dominican Republic, Costa Rica, Spain, Italy, France, Germany, Sweden, Russia, Saudi Arabia, Malaysia, Puerto Rico and the United States.

"Retrato de / Portrait of Nina Simone", óleo y spray sobre lienzo / oil and spray on canvas, 100 x 70 cm.

Serie "Candombe"

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: How was your artistic experience in Europe?

Verónica Cestau: When I was 23 years old I traveled to Palma de Mallorca because my sister lived there, and I stayed there for a few months. It was an incredible trip that gave me another perspective of the world and of Uruguay. Surely in a nostalgic push, or perhaps wanting to affirm a cultural identity, I started to paint pictures of Candombe (*) (a theme that I later worked on for a long time). It occurred to me to ask in a store called Georgeville, dedicated to small sculptures of African origin, paintings and others, if they would take my work on consignment. They immediately said yes. It was in Cala Mayor, a dream place with a beautiful beach of turquoise waters. At the same time I went to some exhibition openings, meeting many young artists. At that time I thought it was not difficult to enter the art circuit, but I was also very young, my head was more in enjoying the moment and thinking that the opportunity to travel again would be just around the corner and well, I did not do anything, I just tried a little.

Years later I exhibited at the French embassy, but it was through a gallery where I worked; I didn't travel, it was just the works.

I think it's not so easy to enter the European market if you don't live there.

(*) Candombe is a style of music and dance that originated in Uruguay among the descendants of liberated African slaves. In 2009, the United Nations Educational, Scientific and Cultural Organization (UNESCO) inscribed candombe in its Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity.

To a lesser extent, candombe is practiced also in Argentina, Paraguay, and Brazil.

This Uruguayan music style is based on three different drums: chico, repique, and piano drums. It is usually played in February during carnival in Montevideo at dance parades called "Llamadas" and the inaugural carnival parade. Wikipedia

SR: Did you have teachers who encouraged you in your craft?

VC: Yes, all the teachers and professors I've had (and there were several, no less than six, between workshops and Fine Arts) pushed me, encouraged me and made me feel that I had talent, without giving me compliments and making the necessary criticism. I think this is formidable for a person who is being formed.

Serie "Convivencia" / Living Together Series - "Las respuestas del espejos / Answers of the Mirror"

Serie "Libertad" / Freedom Series

SR: What emotions flow inside you when you bring a canvas to life?
VC: Woh... all of them! hahaha! I'm not exaggerating! Imagine. You are many days all the time doing something, and while things also happen to you at other levels, family, emotional, work and existentially, it is inevitable that you go through different states of mind, sitting there painting. At the same time you are dialoguing with an image. The painting, which in my case is a human being, is telling me something, then all kinds of questions arise, more questions than answers, and when you feel that you are in the painting is an inexplicable satisfaction that is not equal to anything.

SR: Tell us about your particular style and how you came to it.
VC: As I was telling you, I went to many workshops. The first one was very important. The teacher was Edgardo Ribeiro Nario, from the Torres-García school. There was a lot of discipline there, a lot of study of the natural, the steps were well defined and there was no room for the anxious ones who just wanted to put color. A lot of drawing, a lot of study of value before painting. Once in painting, there was also a lot of observation and synthesis. Afterwards, the different workshops gave me valuable lessons.
The National School of Fine Arts was also very important. At the beginning I was only interested in classical painting, a little out of taste, a little out of ignorance; no one in my family had anything to do with art, and then at the School I was introduced to the world of 20th century art, which is amazing. I think that this theoretical training, together with sensory experiences, allows me to be much more permeable to the events around me.
In the '90s I also worked in advertising and in a multimedia studio, where we made animated stories, with a great comic artist, Gerry Fernandez, who taught me everything I know about the scheme of the human anatomy. We had to make drawings from imagination, with scenes and movements from all points of view. It is a very big technical work, even though later one sees it and it seems to be very easy. The creation of characters, moods, costumes, scenery, fluency, credibility, meant a gigantic school.
These combinations, together with my fascination for human beings and a constant and incessant search for a language, is perhaps what made me have this way of working: a combination of the classical and the expressive in contemporary themes.

SR: How is memory constructed and how does it operate?
VC: I don't work from memory, if that's the question. I work with ideas, which I put together in photographic sessions and then take them to the canvas through drawing and painting. It is a reinterpretation. The creative process is a synergy of several languages: the photographic first and then the pictorial.

"Retrato de / Portrait of Jimi Hendrix", 40 x 30 cm.

Serie "Convivencia" / Living Together Series - "Espacio secreto / Secret Space"

SR: What satisfaction has painting given you?

VC: Enormous satisfaction. For example, the day I exhibited for the first time. It was a solo exhibition, when I was 19 years old, in a sports club, but with vernissage and everything. That was one of the happiest days I've ever had. That incomparable feeling that your life has some use, to feel valued for something you do with your hands and soul, was beautiful, and an incredible engine to keep going until now. It's been decades! I have had many enormously pleasant moments.

Another example: when Edgardo Ortuño, at that time Deputy of the Republic, created the Day of Candombe, Uruguayan Culture and Racial Equity, an event was held at the Legislative Palace and we made an exhibition with other painters who addressed the theme. At the launching, many testimonies of what blackness meant in the past and present emerged, and I became really aware of the inequities suffered by the Afro-descendant population: stories of anguish and discrimination, but also of struggle and resistance. It was a great learning experience.

In 2019 I did a portrait for the Central Bank. It was about the first woman to hold the position of general secretary. The satisfaction is that, in addition, I was the first female painter in the gallery of authorities. An enormous pride. The person I portrayed, Elizabeth Oria, is an important and charming woman, and we were immediately in tune. I admired her ability. She was very open, showing herself as she was. From that came a very colorful portrait, like her spirit, among many suits and ties. It was very comforting to make this recognition that reflects, I don't know if it reflects a change, but at least an advance in gender issues and women's possibilities in accessing places of power.

I recently participated in the exhibition at the Blanes Museum on the disappeared during the military dictatorship. I was moved to see how a collective of artists could generate something so moving.

I have met wonderful people, incredible colleagues with whom I have learned and continue to learn a lot. People who have opened doors for me, models with whom I have worked and with whom I have also grown.

Sometimes amazing things happen. Once a person of Arab origin bought all the paintings in my studio, and there were so many of them, well....

SR: How much freedom is there in portraying your characters?

VC: It depends. If it's a commissioned portrait, the freedom is limited. There are those who directly want something very realistic and ask for it, and other people like a more personal approach.

Then, when I choose the characters because there is something there that I want to rescue and keep from a particular person, the only limitation is to keep the character or "the soul" not just the resemblance. And if it is a personal project, the freedom is total, beyond my interest in keeping the essence of the portrayed; in this way the margin is much bigger if the painting needs to be corrected and take another direction.

Serie "Libertad" / Freedom Series

"Autorretrato / Self Portrait"

SR: What do you feel when you paint a mirror that expresses the everyday?

VC: That my life is there, and perhaps that of many people, but essentially they are lived moments. Some take the tedium of routine and, if I get philosophical, the weight of being alive and many other more pleasant moments where there is communication and love.

SR: Beyond the stages, do you think there is a constant in your work?

VC: Once a curator told me that she was struck by the fact that in almost all my paintings there are few people or only one, that is a constant: I like to focus on someone or on an intimate situation. My paintings are intimate, even when I did the Candombe series. I like to get into the characters and see what there is of me in them, how I resemble them and how I differ. In essence, to know what the prevailing emotion is.

SR: What is your workspace like?

VC: It's quite large. I share it with my students, which means that sometimes I have to change the "scenography" of the workshop depending on the time of day. but it's very nice, bright and cozy. A bit corny what I am going to say, but it is my place in the world. I've been on a trip to a beautiful place, but I feel like I want to go back to my home-workshop with my mate, my music and my oil paintings (nostalgia?). Sometimes, if you are doing something very visceral or if you don't get what you are looking for, you suffer, but it is also very entertaining, playful.

"Retrato de / Portrait of Patti Smith"

Serie "Libertad" / Freedom Series

SR: And what is the teaching experience like?
VC: It is enormously enriching, at all levels. I have very young students and other more veteran ones and I learn something from all of them, both human and painting issues. Sometimes they bring an artist, a new concern or a different approach. It also happens that people who think very differently are in the same space, so the idea is to rescue what they have in common and try to generate affection from the differences. It seems to me that the workshop should be an environment of dialogue and respect, open to sensitivities. Sometimes it is achieved.

SR: And what is the influence of playing?
VC: As I said, my work is also a game, it's my hobby. I have a great time, even when I'm days without solving a painting.
The materials, the colors, the brushes take me back to when I was a child and spent long hours with my sister (twin) drawing, painting, creating. I feel that at some point I am still playing. Those who know say that the game is an agent of feedback: you pour out emotions, you experiment, you set goals, you communicate and above all you feel pleasure.

Serie "Candombe"

SR: How is your link with the work between painting and advertising?

VC: I worked for a long time in advertising. Perhaps what has helped me in that sense is to have some ability to, precisely, disseminate the work through graphics, social networks, etc. They are different worlds. In painting, emotions live in a place of freedom: it's you and them. In advertising, creativity or ideas are there to please a client who wants to sell something. They are almost parallel worlds that can come together when there is a touching idea or something like that. Which is not to say that there are no artistic sensibilities within advertising.

SR: Could you tell us about any artistic and cultural projects you have planned for the future?

VC: I am developing a series that has to do with freedom and sexuality, it talks a lot about eroticism, about the way we relate to our own body and to other people. I think we are living a historic moment regarding gender issues, sexual identity, sexual preferences and I feel like a privileged spectator with a very rich and huge topic to work on. Pleasure as a dimension of freedom, as a human right, is also very present in this new series.

In most cases, the history of eroticism has been painted by men, I like the idea of deepening these topics from another perspective.

Verónica trabajando / at work

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Sobre los artistas mencionados / About mentiones artists

Edgardo Ribeiro Nario: [Recolección (CXLVI-1)]

Norman Botrill: Blog

Joaquín Aroztegui: [Ventanas (III)]

Gerardo "Gerry" Fernández: Website

Más sobre / More about Verónica Cestau: Instagram, facebook

¡Muchas gracias por la entrevista, Verónica!

Thanks a lot for the Interview, Verónica!

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Algunas imágenes de referencia / Some Reference Images

Frida Kahlo en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Imogen Cunningham en "El Hurgador" / in this blog:

[Imogen Cunningham (Fotografía)], [Judy Dater (Fotografía)], [Judy y los fotógrafos (II)], [Asonancias (III)]

"Frank Zappa", 1967. Foto / Photo: Jerry Schatzberg. Northfork Sound. Imgur

Frank Zappa en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

Jerry Schatzberg en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CXXIX)]

"Nina Simone", 1969. Foto / Photo: Gerrit de Bruin. Wikimedia Commons

Nina Simone en "El Hurgador" / in this blog: [Blues & Jazz / Black & White (III)]

"Yayoi Kusama", para / for W Magazine, 2010. Foto / Photo: François Halard

Yayoi Kusama en "El Hurgador" / in this blog:

[Aniversarios (VII)], [Sucedió en el museo (X, Anexo)], [Asonancias (XXXII)], [Asonancias (XXXII-Anexo)]

"Jimi Hendrix", Mason's Yard Studio, Londres / London, 1967. Foto / Photo: Gered Mankowitz

Jimi Hendrix en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

Gered Mankowicz en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios Fotografía (CCXLIX)]

"Patti Smith", Ámsterdam, 1976. Foto / Photo: Gijsbert Hanekroot. Barnebys

Para realizar sus esculturas de cartón, el artista estadounidense Warren King se inspira en personajes relacionados con su patrimonio cultural: habitantes de la aldea china donde nacieron sus abuelos, viandantes de las calles de Chinatown, bailarines, jugadores de ajedrez... El resultado es una colección de figuras de exquisita factura (sobre todo teniendo en cuenta la modestia del material y los exiguos medios técnicos), muchas de ellas a tamaño natural, o incluso mayores, con una sorprendente vitalidad y expresividad.

To create his cardboard sculptures, the American artist Warren King is inspired by characters related to his cultural heritage: inhabitants from the Chinese village where his grandparents were born, pedestrians from the streets of Chinatown, dancers, chess players... The result is a collection of figures of exquisite workmanship (especially considering the modesty of the material and the meager technical means), many of them life-size, or even bigger, with a surprising vitality and expressiveness.

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Warren King

(Madison, Wisconsin, EE.UU./ WI, USA, 1970-)

en Nueva York / at New York

Warren en su estudio / at his Studio

Warren King es un artista estadounidense, que se crió en los suburbios de Wisconsin, donde nació en 1970.

Hijo de inmigrantes muy trabajadores y disciplinados, no hay antecedentes artísticos en su familia, y en principio hizo lo que se esperaba tanto de él como de sus hermanos: estudiar una carrera universitaria (ingeniero de estructuras), con la idea de convertirse de mayor en sustento del hogar continuando con el negocio familiar.

El arte hizo su aparición bastante más tarde en su vida. Los primeros años de ejercicio de su profesión coincidieron con el boom de las tecnologías de Internet, y muchas compañías de software buscaban gente sin experiencia, que aprendieran rápido y pudieran dedicarle un buen número de horas semanales. Tras varios años de viajes de negocios en plena burbuja de Internet, llegó a la gerencia brindando sus servicios a varias start-ups, hasta que decició dejarlo por un tiempo. Por ese entonces, su familia decidió aprovechar una oportunidad que se presentó para mudarse a Suecia, lo cual abrió la mente de Warren a nuevas posibilidades, y fue allí donde realizó la primera de sus figuras de los aldeanos de Shaoxing.

"Xuanzang", cartón y tinta / board and ink© Warren King

Foto / Photo: Jón Prospero

El estoico personaje está basado en el monje del siglo VII del mismo nombre que recorrió 16.000 kilómetros en la India para recuperar textos budistas y que inspiró la novela clásica "Viaje al Oeste". "Yo mismo fui un ávido mochilero y realicé algunos viajes que definieron mi vida", explica el artista. "Y también soy un empollón de los libros, así que Xuanzang es naturalmente una especie de ídolo para mí". (4)

The stoic character is based on the 7th Century monk by the same name who trekked 10,000 miles into India to recover Buddhist texts and inspired the classic novel, Journey to the West. "I used to be an avid backpacker and made a few life-defining treks myself," the artist shares. "And I’m a book nerd too, so Xuanzang is naturally kind of an idol for me." (4)

Instalación en el Museo Alma Löv / Installation at Alma Löv Museum

(Östra Ämtervik, Suecia / Sweden) © Warren King

"Esposo de Shaoxing 2 / Shaoxing Husband 2", cartón / cardboard, 2016 © Warren King

«Tengo dos hijos, y cuando eran más pequeños les hacía juguetes y disfraces utilizando cualquier material disponible y gratuito. Todo el mundo tiene cajas viejas en sus armarios, así que utilicé una para hacer mi primera pieza, un casco de Darth Vader para mi hijo. Luego, para Halloween, hice unas cuantas máscaras más, y rápidamente se convirtió en una actividad habitual en nuestra casa. Un gran paso fue cuando me ofrecí para hacer máscaras para una producción teatral del colegio. Se aprende rápido cuando hay que hacer 30 máscaras que soporten el abuso de niños de seis años. Después de unos cuantos años haciendo máscaras, armaduras y juguetes para mis hijos, me volví bastante hábil con el cartón. Entonces, un día mi hijo me retó a hacer algo "más realista, como una cara". Hasta entonces no había hecho ningún proyecto para mí, y me pareció un reto interesante, así que lo intenté. Capturar la expresión humana es cuestión de pequeños matices, por supuesto; un milímetro de ajuste en un rasgo facial puede dar lugar a una sensación completamente diferente. Si no tuviera años de práctica haciendo máscaras de cartón, no creo que tuviera el control sobre el material necesario para hacer figuras humanas.» (2)

"Cordón para zapatos / String for Shoes"

Cartón corrugado y tinta / corrugated cardboard and ink, 127 × 86 × 10 cm., 2018 © Warren King

"Hombre de Shaoxing, Sonriendo / Shaoxing Man, Smiling", cartón / cardboard, 2015 © Warren King

«En todas mis obras recientes, intento contar una historia. Algunas de estas historias proceden de la experiencia personal, pero muchas se basan en narraciones sobre personajes de la historia o cuentos populares. Y otras son puramente imaginarias, inspiradas en una foto o quizá en un artefacto u objeto. Así que miro muchas fotos documentales, hablo con los miembros de la familia, leo sobre acontecimientos de la historia. Lo que busco es algo que arroje luz o plantee una pregunta sobre mi conexión con mi cultura y mis antepasados. Y luego trato de desarrollar formas de expresar visualmente estas conexiones. Sinceramente, esta es la parte que más me cuesta. Viniendo de una formación de ingeniería y análisis, en la que las cosas tienen que ser explícitas, me ha costado aprender a usar imágenes, metáforas e iconografía para evocar una respuesta emocional. Pero por eso estoy tan agradecido por la oportunidad de hacer arte en este momento de mi vida; me está dando la oportunidad de explorar una forma de pensar totalmente nueva. Me sigue fascinando la reacción de la gente ante mi obra cuando la muestro en público, ver que la gente conecta de forma poderosa y personal con estas figuras que he hecho con mis manos. Y las reacciones no siempre son positivas. Me costó un tiempo aceptar que cada persona tendrá una respuesta diferente a mi trabajo, y que está bien que así sea.» (2)

"Sentado en un banco del Parque Columbus / Columbus Park Bench Sitter", cartón / cardboard © Warren King

"400 manzanas al día y otras mentiras / 400 Apples a Day and Other Lies"

Cartón, tinta acrílica / cardboard, acrylic ink, altura / height: 40", 2018 © Warren King

La Emperatriz viuda Cixi (慈禧太后), del clan manchú Yehe Nara, fue una noble china, concubina y posteriormente regente que controló eficazmente el gobierno chino a finales de la dinastía Qing durante 47 años, desde 1861 hasta su muerte en 1908.

Esta obra, inspirada en la controvertida vida de la emperatriz, trata de reivindicar la historia auténtica, frente a quienes pretenden empañarla.

Empress Dowager Cixi (慈禧太后), of the Manchu Yehe Nara clan, was a Chinese noblewoman, concubine and later regent who effectively controlled the Chinese government in the late Qing dynasty for 47 years, from 1861 until her death in 1908.

This work, inspired by the controversial life of the Empress, is about reclaiming one's own story from those who seek to tarnish you.

"Tang Sanzang", cartón / cardboard, 2019 © Warren King

Maestro del Rey Mono, caminante épico. Compasivo, idealista, totalmente indefenso ante los males del mundo /

Monkey King’s teacher, epic trekker. Compassionate, idealistic, utterly defenseless against the evils of the world.

"Esposo de Shaoxing / Shaoxing Husband"

Cartón corrugado y tinta / corrugated cardboard and ink, 165 × 74 × 46 cm., 2019 © Warren King

"Durante mi primer viaje a China visité el pueblo y hablé con los residentes que recordaban a mis abuelos de hace más de 50 años", cuenta King. "Fue una experiencia fundamental para mí, que me inspiró a convertirme en artista. A través de mi trabajo, intento comprender las frágiles conexiones con la gente y la cultura, y examinar si esas conexiones, una vez rotas, pueden restaurarse". (3)

"En la recreación de los habitantes del pueblo natal de sus abuelos, un individuo a la vez, los lugares comunes son materiales desechados que utiliza en relación con la naturaleza de las conexiones que intenta reconstruir. Las formas se abstraen, y las espaldas de las figuras quedan inacabadas, revelando la oquedad y la meticulosa construcción del artista. Su obra no trata tanto de los individuos representados como de sus propios intentos de comprenderlos, y también de las limitaciones de estos esfuerzos". (1)

Warren se inspira en "músicos callejeros, jugadores de ajedrez en Columbus Park, vendedores de verduras, vendedores de bolsos de imitación en Canal Street, bailarines de leones durante las celebraciones del Año Nuevo chino", cuenta a Colossal. "Me ha fascinado durante mis viajes semanales a la tienda de comestibles la vibrante y diversa comunidad de Chinatown (Nueva York), que es tan diferente de los suburbios relativamente homogéneos donde crecí". (4)

"Abuela, enmascarada / Grandmother, Masked" (frontal y trasera / front and back)

Cartón y tinta / cardboard and ink, 2016 © Warren King

"El Wu Dan responde al llamado / The Wu Dan Answers the Call"© Warren King

Cartón ondulado de archivo y tinta / Corrugated board and ink, 127 × 64 × 51 cm., 2019

Foto / Photo: Satoshi Kobayashi

Con este personaje, dice Warren, "quería contar la historia de mi aguerrida abuela, que de joven intentó alistarse en la sangrienta lucha contra los japoneses. Pero la obra es una mezcla de un personaje de la ópera china y la famosa escultura del David de Donatello, que refleja las dos lentes a través de las que veo la historia" (2)

With this character “I wanted to tell the story of my feisty grandmother, who as a young woman tried to enlist in the bloody fight against the Japanese. But the piece is a mashup of a character from Chinese opera and Donatello’s famous sculpture of David, which reflects the two lenses through which I view the story,” he says. (2)

Warren trabajando en "Hombre en cuclillas Nº 1" / at work with "Squatting Man #1"

Warren King is an American artist, who grew up in the suburbs of Wisconsin, where he was born in 1970.
The son of hard-working and disciplined immigrants, there is no artistic background in his family, and he initially did what was expected of him and his siblings: study a university degree (structural engineer), with the idea of becoming a breadwinner by continuing the family business when he grew up.
Art made its appearance much later in his life. The first years of his career coincided with the boom of Internet technologies, and many software companies were looking for inexperienced people who could learn quickly and dedicate a good number of hours per week. After several years of business travel in the middle of the Internet bubble, he became a manager providing his services to several start-ups, until he decided to leave for a while. Around that time, his family decided to take advantage of an opportunity to move to Sweden, which opened Warren's mind to new possibilities, and it was there that he made the first of his Shaoxing villagers figures.

"Hombre en cuclillas Nº 1 / Squatting Man #1"

Cartón / cardboard, 180 x 140 x 120 cm., 2015 © Warren King

"Invasores y nietos / Invaders and Grandsons"

Cartón corrugado y tinta / corrugated cardboard and ink, 79 × 53 × 53 cm., 2019 © Warren King

«I have two kids, and when they were younger I would make toys and costumes for them using whatever materials were available and free. Everyone has old boxes in their closets, so I used one to make my first piece, a Darth Vader helmet for my son. Then for Halloween, I made a few more masks, and then it quickly became a regular activity in our house. A big step was when I volunteered to provide masks for a school theater production. You learn quickly when you have to make 30 masks that can withstand abuse from six year olds. After a few years of making masks, armor and toys for my kids, I got pretty proficient with cardboard. Then one day my son challenged me to make something “more realistic, like a face”. I hadn’t really done any projects for myself up until then, and this seemed like an intriguing challenge, so I gave it a shot. Capturing human expression is all about tiny nuances, of course; a millimeter of adjustment to a facial feature can result in a completely different feeling. If I didn’t have years of practice making masks out of cardboard, I don’t think I would have the control over the material necessary to make human figures.» (2)

"Esposa de Shaoxing / Shaoxing Wife"

Cartón corrugado y tinta / corrugated cardboard and ink, 160 × 71 × 41 cm., 2019 © Warren King

«In all of my recent works, I’m trying to tell a story. Some of these stories come from personal experience, but many are based on narratives about figures in history or folk tales. And some are purely imagined, inspired by a photo or maybe an artifact or object. So I look at a lot of documentary photos, I talk to family members, I read about events in history. What I’m looking for is something that sheds light on or raises a question about my connection to my culture and ancestors. And then I try to develop ways to visually express these connections. Honestly, this is the part that I struggle with the most. Coming from an engineering and analytical background, where things have to be explicitly stated, I’ve been struggling to learn how to use imagery, metaphor and iconography to evoke an emotional response. But this is why I’m so grateful for the opportunity to make art at this point in my life; it’s giving me a chance to explore a totally new way of thinking. I am still fascinated by people’s reactions to my work when I show it publicly, to see people connecting in a powerful and personal way to these figures that I’ve made with my hands. And the reactions are not always positive. It took me a while to accept that different people will have different responses to my work, and that it’s totally fine if they do.» (2)

"Mujer de Shaoxing Nº 19 / Shaoxing Woman #19", cartón / cardboard, 2016 © Warren King

"During my first visit to China about 7 years ago, I visited the village and spoke with residents who actually remembered my grandparents from over 50 years ago," said King. "It was a pivotal experience for me, one that inspired me to become an artist. Through my work, I am attempting to understand the fragile connections to people and culture, and examine whether those connections, once broken, can be restored." (3)

"In the recreation of the residents of his grandparents’ home village, one individual at a time, the commonplace are discarded materials that he uses relate to the nature of the connections he is attempting to reconstruct. The forms are abstracted, and the backs of the figures are left unfinished, revealing hollowness and the artist’s meticulous construction. His work is not so much about the individuals that are represented as it is about his own attempts to understand them, and also the limitations of these efforts." (1)

Warren draws inspiration from "street musicians, chess players in Columbus Park, vegetable sellers, knockoff handbag vendors on Canal Street, lion dancers during Chinese New Year celebrations,” he tells Colossal. "I’ve been fascinated during my weekly grocery shopping trips by the vibrant, diverse community there, which is so different from the relatively homogenous suburbs where I grew up." (4)

"El emperador se toma un descanso / The Emperor Takes Five"

Fuentes / Sources:

* (1) Sobre / About Warren King. Website

* (2) Entrevista de / Interview by Y-Jean Mun-Delsalle

"Preguntas y respuestas, con Warren King, que convierte el cartón en arte" /

"Q&A With Warren King Who Turns Cardboard Into Art", Forbes, 1/4/2020

* (3) Artículo de / Article by Grace Ebert. Colossal, 7/2022

"Las esculturas de cartón del artista Warren King son un homenaje a su herencia china /

The Cardboard Sculptures of Artist Warren King Are an Homage to His Chinese Heritage"

* (4) Artículo de / Article by Kate Sierzputowski. Colossal, 12//2017

"Las esculturas de cartón a tamaño natural de aldeanos chinos sacan partido de la herencia ancestral del artista Warren King /

Life-Size Cardboard Sculptures of Chinese Villagers Tap Into Artist Warren King’s Ancestral Heritage"

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Más sobre / More about Warren King: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista. ¡Muchas gracias, Warren!

Images published here with artist's permission. Thanks a lot, Warren!

Rodolfo Medina es un enamorado de la cultura, la gente y los paisajes de su tierra. "Amo la Patagonia y la Cordillera desde siempre. En los últimos 25 años no sólo trabajé en esa zona austral del país, sino que también allí comencé con los viajes de trekking y fotografía. No podría decir qué fue primero, pero sí podría afirmar que la fotografía patagónica y andina ha sido y es un foco importante en mi trabajo."

Shirley Rebuffo cruza el Río de la Plata para acercarnos la obra de este creador argentino en una nueva entrevista.

Rodolfo Medina is in love with the culture, people and landscapes of his homeland. "I have always loved Patagonia and the Cordillera. In the last 25 years I have not only worked in that southern area of the country, but I also started trekking and photography trips there. I couldn't say which came first, but I could say that Patagonian and Andean photography has been and is an important focus in my work."

Shirley Rebuffo crosses the Río de la Plata to bring us closer to the work of this Argentine creator in a new interview.

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Rodolfo Medina

(Buenos Aires, Argentina, 1952-)

Rodolfo Medina es un fotógrafo argentino nacido el 5 de diciembre de 1952 en Buenos Aires.

En 1979 obtiene el título de Ingeniero Civil en la Universidad de Buenos Aires (UBA). Trabaja en su profesión en Argentina y otros países, siendo ejecutivo / CEO en empresas de terceros, globales y propias.

Por el conocimiento en su área laboral se fue volcando a proyectos de desarrollo sustentables, los que se cruzaron con su actividad de deportista y explorador, desarrollando de esa forma su pasión por la fotografía, una síntesis de su mirada. Tiene registrada la marca "El poder de la Imagen®" para la Argentina.

"Cerro Torre, Andes patagónicos / Patagonian Andes", 3/2015

En la Patagonia profunda - Un viaje fotográfico y de trekking con Steven Rockefeller Jr y el súper guía Nico Olaciregui. El monte Torre, de 3.128 mts de altura, es mundialmente famoso por sus paredes verticales de 3.000 mts, sólo para altos expertos en escalada técnica. Muy temprano en la mañana, y después de muchos días de fuertes tormentas.

In deep Patagonia - A photographic and trecking trip with Steven Rockefeller Jr and super guide Nico Olaciregui. The 3.128 mts high Mount Torre is world famous for its 3.000 mts vertical walls for only high experts on technical climbing. Very early in the morning, and after many days of heavy storms.

"Atardecer en la Pampa / Pampas Sunset"

Un adorable atardecer en la Pampa, con una pequeña laguna y vacas pastando en la distancia /

A lovely sunset at the Pampas with a small lagoon and cows still eating in the distance

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Háblanos de tus inicios en la fotografía. ¿Ha influido tu familia o el lugar donde has nacido?

Rodolfo Medina: La fotografía me atrajo desde siempre, en especial entre los 25 o 30 años, hasta hoy. Pero no me dediqué de lleno a la actividad, hasta que tuve una suerte de crisis en el 2015, tanto de trabajo como personal. Ahí reflexioné sobre el por qué no dedicarme más a la fotografía. No lo pensé demasiado y comencé a hacerlo. Se me juntaron los mundos de la fotografía con el de la sustentabilidad, en lo cual trabajé en forma considerable, ya que ha sido mi paradigma personal desde siempre.

SR: Tus proyectos fotográficos se mueven según el camino andado, con abordajes culturales, sociales y geográficos ¿Qué te tiene que atraer para que te enganche y lo incorpores a tu trabajo?

RM: Si, es así. Y sucede fundamentalmente, como te decía, con el tema de la sustentabilidad y el cambio climático, que son mis temas. Pero eso es más fotografía documental, que no tiene mucho que ver con el arte, aunque sí con la mirada que tengo de las cosas. En cuanto a la fotografía en sí, lo que más me gusta son los momentos contemplativos, si se puede resumir en esos términos, esos en los que me quedo frente a un escenario observando y sin prisa, me sumerjo en esa atmósfera, y llega el momento donde veo algo que me resuena. De todo eso lo que más me atrae es lo mínimo, las extracciones de los paisajes, lo minimalista o situaciones callejeras, o incluso del tango, en ese momento cuando se produce un abrazo. Esos son los casos donde me golpean las emociones y los encuentros visualmente interesantes.

"Coreografía de flamencos / Flamingo Choreography"

Un grupo de flamencos se marchan a toda prisa en una pequeña laguna patagónica /

A group of Flamingos gracefully rush away at a small Patagonian lagoon.

"Baño frío / Cold Bath"

SR: ¿Te definirías como un viajero que saca fotos o más bien como un fotógrafo que se dedica a viajar?

RM: En realidad, y con todo respeto, ninguna de las dos. Mis fotos no son siempre de viajes. Justamente, me encanta registrar sucesos y momentos, de donde quiera que me encuentre, que a veces pasan desapercibidos, y hay que estar atento para captarlos. Puede ser un rayo de sol que impacta en un poste o en un caballo. Es decir, ser testigo de la realidad que se nos escapa y a cuyo lado pasamos caminando sin advertirla. No pasa siempre por la importancia del objeto en sí. Lo que más me convoca siempre es la luz en la escena o de la situación, por ejemplo, en el raro caso del taller de caños de escape que aparece como colección en mi web.

"Taller de escapes Moroni / Moroni Car Exhaust Pipe Workshop", San Isidro, Buenos Aires, Argentina

SR: La belleza forma parte de tus fotografías, pero también la geometría a veces simple, pero notable, da ese toque que la hace única ¿Es buscada esa analítica en tus composiciones?

RM: Te super agradezco tu comentario acerca de la belleza. Lo aprecio de verdad. Creo que esto surge dentro de uno, en la mirada, como pasaría con cualquier otro artista o persona que se detiene frente a lo que hay, lo que nos rodea, que es mucho y maravilloso. Pero a lo cual hay que darle lugar. No es un tema analítico, al menos en mi caso. Es una suerte de alborozo que surge cuando me encuentro con esas situaciones, en especial como he dicho, con la luz, que, como fotógrafo creo, humildemente, es primordial.

"Colores del tango / Tango Colors"

"Un primer plano del glaciar / A Closeup View of the Glacier", 3/2015

El glaciar Perito Moreno en Calafate, Patagonia, ofrece un concierto de luces y sombras bajo nubes de lluvia /

The Perito Moreno Glacier at Calafate, Patagonia, offers a concert of lights and shadows under the rainy clouds.

SR: Al ser ingeniero civil, pienso que esas curvas y rectas elegidas, por las que ya te pregunté, quizá el ojo profesional te ha ayudado a potenciar los detalles ¿Opinas que podría ser así?

RM: Podría ser. Tanto un ingeniero civil y proyectista, como un arquitecto o un diseñador, buscan o diseñan esas líneas o trazas para concebir algo. En mi caso, no es tanto que lo conciba, sino que casi automáticamente me encuentro frente a estas situaciones minimalistas y simples que tanto me atraen. Creo que tiene más que ver con lo caricaturesco, si se puede decir así, de la situación o los personajes, que de alguna manera los define. Es decir, con lo mínimalista, lejos de algo más barroco, que en general está más lleno de detalles. En mi caso es como si me perturbaran y sacaran de lo simple. No es que no sea importante todo lo que hay. Por ejemplo, estar frente a un camino por el campo, que va hacia o pasa por una casa, o un caballo, algo por lo general simple, hace que detenga mi mirada en el camino en sí, sin la casa ni todo lo demás, ese camino que a veces no va a ninguna parte, al menos inmediatamente.

SR: ¿Qué hora de luz es tu preferida para una fotografía?

RM: En general cualquier momento lo es. En mi caso, la luz es siempre primordial. Más aún la natural. En exteriores en especial la luz cercana a la madrugada y más aún la de los atardeceres. Esto le ocurre a la gran mayoría de los artistas. De noche, o en espacios cerrados, como en las milongas, la mezcla difusa de luces y sombras le confieren misterio a la situación.

"Caballos de regreso a casa / Horses Arriving Back Home"

Muy temprano en la mañana, en un día de verano en la estancia El Cóndor, junto al lago San Martín, al sur de la Patagonia Argentina, un grupo de caballos son guiados de regreso cerca del casco de la estancia /

Very early in the morning on a Summer day at the big El Condor Estancia aside the San Martin lake, South Argentinian Patagonia, a group of horses are guided back closer to the houses

"Mimetización / Mimetization"

Esta fue en 2012 en los Andes, el espinazo de latinoamérica deste el norte hasta el sur. La segunda cordillera más larga del mundo, después de los Himalayas. En un día nublado y tras la salida del sol, el cielo y la montaña tienen el mismo color /

This was in 2012 at The Andes - the spine of Latin America from North to the very South, the worlds second largest and highest mountain range, after the Himalayas. On a cloudy day and after the sunset, both Sky and Mountain were the same color

SR: ¿Tienes alguna cámara preferida? ¿Porqué?

RM: Ahora uso Sony, que siempre ha sido un innovador en lo electrónico, en especial en el caso de las cámaras llamadas mirrorless (sin espejos), en las que es precursor. Pero cualquier tipo de cámara es válida en verdad, pues, como he dicho, para mi pasa muchísimo más por la precepción y la mirada. En la serie Patagonia hay algunas imágenes cordilleranas que saqué en el 2013 con una cámara Canon compacta, muy simple respecto a las más avanzadas. Y son algunas de mis fotografías preferidas. Lo más importante que tienen las cámaras más avanzadas es la facilidad del manejo y sus opciones operativas. La mirada viene de uno, del fotógrafo, enteramente. Creo que el interior del fotógrafo es, por lejos, lo que hace a una fotografía en sí.

SR: También la impresión es realizada en papeles especiales ¿Podrías contarnos algo de ellos?

RM: Digamos que voy utilizando distintas opciones que haya en el mercado. Pero en general no papeles muy especiales, que son más para lo, así llamado, fine art y en estudio, que no es tanto mi caso. Me gustan más los papeles mate.

SR: ¿Cómo es recorrer ciertos caminos perdidos con tu mirada personal?

RM: Me es internamente muy atractivo estar frente a situaciones de inmensidad o de horizontes amplios y de caminos que se pierden. Situaciones que sugieren y plenas de misterio. ¡Me pierdo yo con ellos! Lo que llamaba "mínima". Pues ésta lo es sin demasiados objetos o detalles que a mí, en especial, me distraen de aquello más profundo.

Rodolfo Medina fotografiando en las dunas / photographing in the dunes

Dunas de arena en la playa al sur de la provincia de Buenos Aires, Argentina /

Sand dunes on the beach in the south of Buenos Aires province, Argentina, 1-3/2022

SR: ¿Cómo te resulta la mediación que debe hacer el fotógrafo entre la fotografía y la oportunidad?

RM: Esto es un punto importante en la fotografía. En general, tanto en la naturaleza como en especial las situaciones callejeras y demás, la oportunidad de una imagen es única, no volverá a aparecer. El grado que le dé el fotógrafo depende del tipo de fotografía que haga.

SR: ¿Tienes lugares y/o momentos inolvidables donde has sacado determinada fotografía?

RM: ¡Si claro! En cuanto a la Naturaleza y a los paisajes, la Patagonia y la Cordillera de Los Andes son de mis preferidas, pero muy especialmente, ya que en lo personal me introduzco y sumerjo en esos lugares. Aunque hay muchísimos otros. Aquí y afuera. No es necesario estar en lugares tan lejanos, las imágenes aparecen mucho más cerca de lo que uno se imagina. A la vuelta de la esquina. En lugares espectaculares o con gente vestida de ocasión, la foto es casi como que se hace sola.

En el caso de la fotografía callejera, cualquier lugar, pueblo o ciudad son atrayentes y tienen lo suyo. ¡Hay que encontrarlos y entrarlos! Pero lo admito, hay lugares como New York, Buenos Aires y Montevideo que tienen inacabables aspectos para retratar.

SR: A lo largo de los años has recorrido mucho, siendo además un canal de comunicación. ¿Notas la influencia del cambio climático?

RM: Si claro. En el caso de los glaciares en Patagonia, por ejemplo, la mayoría de los mismos han retrocedido y perdido muchos kilómetros de extensión en poco tiempo por el cambio climático. Como ocurre en Siberia, en Groenlandia, etc. Tremendo si seguimos haciéndonos los tontos … Hay excepciones increíbles como en el caso del Glaciar Perito Moreno que aparece igual en imágenes que he realizado hace tiempo. Es uno de los únicos glaciares en el mundo que sigue avanzando, o al menos no retrocediendo.

Y así, se ve en muchos lugares en la Naturaleza.

"Avenida Corrientes / Corrientes Avenue"

La famosa Avenida Corrientes de Buenos Aires por la noche, con el símbolo principal de la ciudad, el Obelisco. Esta construcción está ubicada en el cruce de las dos mayores avenidas: 9 de Julio y Corrientes. Exactamente en el centro de la ciudad. Desde donde se toman todas las distancias del país /

Buenos Aires City famous Corrientes Ave at night, with the main symbol in town at the back, the Obelisco. This building is located exactly at the crossing of the both major avenues in town, 9 de Julio and Corrientes. Exactly the center of the city. From where all the distances in the Country are taken.

SR: Asimismo, te has dedicado a lo cultural con una visión social ¿Nos narras algo de ello?

RM: En cuanto a ello, sí, me es central. Aunque tal vez, salvo en la situación de foto callejera y algunas más en general, no apareció tanto por ahora en mi foto más artística, si se puede decir. Sí en los proyectos más integrales donde participo o participé, en especial los vinculados a la sustentabilidad. La cual justamente plantea un equilibrio entre lo económico, lo social y lo ambiental, los así llamados tres pilares de la sustentabilidad. Por ello es que registré la marca "El Poder de la Imagen", que consiste en contribuir a la visibilidad de determinados temas, a la luz de los principios de la sustentabilidad. Todo esto da para muchísimo.

SR: ¿De cuál de tus fotografías te sientes más orgulloso?

RM: Tal vez no sea orgulloso la palabra, pero si afortunado y feliz, además de esperanzado, en especial en los casos en que sé que la inmensidad es inacabable, y que las situaciones en el mismísimo lugar cambian totalmente. Una riqueza tremenda para el alma y el espíritu. Esto es justamente lo que me pasa cada vez que vuelvo a la Patagonia y a Los Andes. El mar es otro de los lugares que genera mucho dentro de mí. Algunas de las fotografías que están aquí ejemplifican esto.

"Dance a trois"

Un moderno trío de tango mostrando sus habilidades / A modern Tango trio is showing their skills.

"Glaciar Perito Moreno / Perito Moreno Glacier", 3/2015

Durante mi viaje de senderismo y fotografía en la Patagonia con Steven Rockefeller Jr y Nicolás Olaciregui, nuestro amigo y súper guía, al quedarme en una carpa frente y por encima del Glaciar, trataba siempre de capturar algunas luces y patrones especiales. Esta mostraba una buena parte del caos en el hielo /

During my Patagonian trek + photo trip with Steven Rockefeller Jr and Nicolas Olaciregui, our Friend and super guide, when staying in a tent in front and above of the Glacier, I was trying always to capture some special lights and patterns. This one showed much of the chaos in the ice.

SR: ¿Qué crees que es más importante capturar el momento o vivirlo?

RM: Dependiendo de la situación, ambos casos son parte de lo mismo. Creo que capturar el momento es justamente resultado de vivirlo, experimentarlo, dentro de uno mismo.

SR: ¿Tienes pensado un recorrido futuro?

RM: Estoy justo en un momento de mucha pregunta y búsqueda en tal sentido. Hay muchísimas cosas y lugares que me atraen, de lo desconocido y de lo conocido, como he explicado más arriba. Ahora mismo estoy en Uruguay, que me encanta. Siberia e Islandia son dos lugares que estoy también teniendo en cuenta.

Rodolfo en la Galería del Paseo junto a su obra "Aguas congeladas" /

Rodolfo at Galería del Paseo with his work "Frozen Waters"

Rodolfo Medina is an Argentine photographer born on December 5, 1952 in Buenos Aires.

In 1979 he obtained a degree in Civil Engineering from the University of Buenos Aires (UBA). He works in his profession in Argentina and other countries, being executive / CEO in third party, global and own companies.

Due to the knowledge in his work area, he turned to sustainable development projects, which intersected with his activity as a sportsman and explorer, thus developing his passion for photography, a synthesis of his vision. He has registered the trademark "El poder de la Imagen® (The Power of Image)" for Argentina.

"Aguas congeladas / Frozen Waters", 3/2015

En el glaciar Perito Moreno, cerca del pueblo de Calafate, Patagonia del sur. Increíblemente inspiradoras texturas debido a los rayos del sol que atraviesan las nubes durante un día tormentoso, sobre las aguas del Lago Argentino, junto al glaciar /

At the Perito Moreno Glacier, close to Calafate town, South Patagonia. Incredibly inspiring textures due to sun rays passing through the clouds during a stormy day, on the frozen waters of the Lago Argentino lake, just aside the glacier.

"Juncos en el lago Lezana / Rushes at Lezana Lake"

Patagonia media, lago Lezana, cerca del lago Cholila. Atardeceres plenos de colores y reflejos... Mucho para disfrutar... /

Mid Patagonia, Lezana Lake, close to huge Cholila Lake. Sunsets full of colors and reflexes .... So much to enjoy ...

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Tell us about your beginnings in photography, did your family or the place where you were born have an influence?

Rodolfo Medina: I have always been attracted to photography, especially when I was 25 or 30 years old, until today. But I didn't dedicate myself fully to the activity, until I had a sort of crisis in 2015, both work and personal. There I reflected on why not dedicate myself more to photography. I didn't think about it too much and I started to do it. The worlds of photography and sustainability came together, which I worked on considerably, since it has always been my personal paradigm.

SR: Your photographic projects move according to the road you have traveled, with cultural, social and geographical approaches. What has to attract you to get you hooked and incorporate it into your work?

RM: Yes, that's the way it is. And it happens fundamentally, as I was saying, with the theme of sustainability and climate change, which are my themes. But that is more documentary photography, which does not have much to do with art, although it does have to do with the way I look at things. As for photography itself, what I like most are the contemplative moments, if you can summarize it in those terms, those in which I stand in front of a stage observing and without haste, I immerse myself in that atmosphere, and the moment comes when I see something that resonates with me. Of all that, what attracts me the most is the minimum, the extractions of landscapes, the minimalist or street situations, or even the tango, in that moment when an embrace takes place. Those are the cases where emotions and visually interesting encounters strike me.

"Caballo de carreras tomando su baño / Racehorse Having his Shower"

Tras finalizar su carrera, un elegante caballo disfruta del baño en el hipódromo de San Isidro, Buenos Aires, Argentina /

After finishing his race an elegant horse enjoys his bath, at the San Isidro hippodrome, Buenos Aires, Argentina.

"Sierras de Tandil, provincia de Buenos Aires / Tandil Mountain Range, Buenos Aires Province", 6/2022

SR: Would you define yourself as a traveler who takes pictures or rather as a photographer who is dedicated to travel?

RM: Actually, and with all due respect, neither. My photos are not always about travel. Precisely, I love to record events and moments, wherever I am, that sometimes go unnoticed, and you have to be attentive to capture them. It could be a ray of sunlight hitting a pole or a horse. That is to say, to be a witness of the reality that escapes us and by whose side we walk by without noticing it. It does not always happen because of the importance of the object itself. What always summons me most is the light in the scene or the situation, for example, in the rare case of the exhaust pipe workshop that appears as a collection on my website.

SR: Beauty is part of your photographs, but also the geometry, sometimes simple but remarkable, gives that touch that makes it unique. Is that analytical aspect sought after in your compositions?

RM: I really appreciate your comment about beauty. I really appreciate it. I believe that this arises within oneself, in the look, as it would happen with any other artist or person who stops in front of what is there, what surrounds us, which is a lot and wonderful. But we have to make room for it. It is not an analytical issue, at least in my case. It is a kind of joy that arises when I encounter these situations, especially, as I said, with light, which, as a photographer, I humbly believe, is primordial.

Patagonia argentina / Argentine Patagonia

De izq. a der. / from left to right: Nico Olaciregui, Rodolfo Medina & Steven Rockefeller Jr., 3/2015

"Luces y sombras en las alturas / Lights and Shadows in the Heights"

Muy al sur en la Patagonia, del lado chileno, en las famosas Torres del Paine /

In very Southern Patagonia, Chilean side, at the famous Torres del Paine (Paine Towers)

SR: Being a civil engineer, I think that those chosen curves and straight lines, which I asked you about, perhaps the professional eye has helped you to enhance the details, do you think that could be so?

RM: It could be. Both a civil engineer and planner, as well as an architect or a designer, look for or design those lines or traces to conceive something. In my case, it's not so much that I conceive it, but that almost automatically I find myself in front of these minimalist and simple situations that attract me so much. I think it has more to do with the caricature, if I can say so, of the situation or the characters, which somehow defines them. That is, with the minimalist, far from something more baroque, which in general is more full of details. In my case it's as if they disturb me and take me out of the simple. It is not that everything that is there is not important. For example, being in front of a road in the countryside, that goes to or passes by a house, or a horse, something usually simple, makes me stop my gaze on the road itself, without the house or everything else, that road that sometimes goes nowhere, at least not immediately.

SR: What is your favorite time of daylight for a photograph?

RM: In general, any time is. In my case, light is always paramount. Even more so natural light. In exteriors especially the light near dawn and even more the sunset. This happens to the vast majority of artists. At night, or in enclosed spaces, like in milongas, the diffuse mixture of light and shadow gives mystery to the situation.

"Retratos femeninos / Female Portraits"

"Camino hacia los Andes patagónicos / Road into the Patagonian Andes"

En la Patagonia media, entre Trevelin y Corcovado, viniendo de la gran estancia Río Frío, cerca de la ciudad de Esquel. Incluso con el peor clima vale la pena respirar y contemplar /

Mid Patagonia, between Trevelin and Corcovado, coming from the huge Rio Frio Estancia, close to bigger town of Esquel. Even with the worst weather is worth to breath and contemplate ...

SR: Do you have a favorite camera, and why?

RM: Right now I use Sony, which has always been an innovator in electronics, especially in the case of mirrorless cameras, in which it is a forerunner. But any type of camera is really valid, because, as I said, for me it's much more about preception and the look. In the Patagonia series there are some mountain range images that I took in 2013 with a Canon compact camera, very simple compared to the most advanced ones. And they are some of my favorite photographs. The most important thing that the most advanced cameras have is the ease of use and its operational options. The look comes from one, from the photographer, entirely. I think that the inside of the photographer is by far what makes a photograph itself.

SR: The printing is also done on special papers. Could you tell us something about them?

RM: Let's say I use different options available on the market. But in general, not very special papers, which are more for the so-called fine art and in the studio, which is not so much my case. I prefer matte papers.

SR: What is it like to walk certain lost paths with your personal gaze?

RM: I find it internally very attractive to be in front of situations of immensity or wide horizons and paths that get lost. Situations that suggest and are full of mystery. I get lost with them! What I called "minima". Well, this one is minimal without too many objects or details that, especially for me, distract me from what is deepest.

"Tango"

SR: How do you find the mediation that the photographer must do between the photograph and the opportunity?

RM: This is an important point in photography. In general, both in nature and especially in street situations and so on, the opportunity of an image is unique, it will not appear again. The degree to which the photographer gives it depends on the type of photography he or she does.

SR: Do you have unforgettable places and/or moments where you have taken a certain photograph?

RM: Yes, of course! In terms of nature and landscapes, Patagonia and the Andes Mountains are among my favorites, but especially because I personally get into and immerse myself in those places. Although there are many others. Here and abroad. It is not necessary to be in such distant places, the images appear much closer than one imagines. Just around the corner. In spectacular places or with people dressed for the occasion, the photo is almost as if it makes itself.

In the case of street photography, any place, town or city is attractive and has its own thing. You have to find them and enter them! But I admit, there are places like New York, Buenos Aires and Montevideo that have endless aspects to portray.

SR: Over the years you have traveled a lot, being also a communication channel. Do you notice the influence of climate change?

RM: Yes, of course. In the case of the glaciers in Patagonia, for example, most of them have retreated and lost many kilometers of extension in a short time due to climate change. The same is happening in Siberia, Greenland, etc. Tremendous if we continue to play dumb ... There are incredible exceptions as in the case of the Perito Moreno Glacier that appears the same in images that I made some time ago. It is one of the only glaciers in the world that continues to advance, or at least not receding.

And so it is seen in many places in nature.

"Cerro Fitz Roy, Andes patagónicos / Patagonian Andes", 3/2015

En la Patagonia profunda - Un viaje fotográfico y de trekking con Steven Rockefeller Jr y el súper guía Nico Olaciregui. El monte Fitz Roy, de 3.700 metros de altura, es también mundialmente famoso por sus paredes verticales de 3.000 metros, sólo aptas para grandes expertos en escalada técnica.

In deep Patagonia - A photographic and trecking trip with Steven Rockefeller Jr and super guide Nico Olaciregui. The 3.700 mts high Mount Fitz Roy is also world famous for its 3.000 mts vertical walls for only high experts on technical climbing.

"Salida del Sol Nº 4 / Sunrise #4"

"Caballo de carreras esperando el baño / Racehorse Waiting for a Bath"

Un caballo de carreras ganador espera su baño después de la carrera /

A winner racehorse waiting for his shower after the race

SR: You've been also involved in cultural issues, with a social vision.
RM: As far as that goes, yes, it is central to me. Although perhaps, except in the situation of street photography and some more in general, it hasn't appeared so much for now in my more artistic photography, if I may say so. Yes, in the more integral projects where I participate or have participated, especially those related to sustainability. Which precisely proposes a balance between the economic, social and environmental, the so-called three pillars of sustainability. That is why I registered the trademark "The Power of Image", which consists of contributing to the visibility of certain issues, in the light of the principles of sustainability. All this is a lot of work.

SR: Which of your photographs are you most proud of?
RM: Maybe not proud is the word, but lucky and happy, as well as hopeful, especially in those cases where I know that the immensity is endless, and that the situations in the very same place change completely. A tremendous richness for the soul and spirit. This is exactly what happens to me every time I return to Patagonia and the Andes. The sea is another place that generates a lot within me. Some of the photographs here exemplify this.

"Tango"

"Luces y sombras en las alturas / Lights and Shadows in the Heights"

Muy al sur en la Patagonia, del lado chileno, en las famosas Torres del Paine /

In very Southern Patagonia, Chilean side, at the famous Torres del Paine (Paine Towers)

SR: What do you think is more important to capture the moment or to live it?

RM: Depending on the situation, both are part of the same thing. I believe that capturing the moment is precisely the result of living it, experiencing it, within oneself.

SR: Do you have a future tour in mind?

RM: I'm just in a moment of a lot of questioning and searching in that sense. There are many things and places that attract me, from the unknown and the known, as I explained above. Right now I am in Uruguay, which I love. Siberia and Iceland are two places I am also considering.

Rodolfo en Galeria del Paseo con Silvia Arrozés, propietaria y directora, junto a la obra "Esplendor" /

Rodolfo at Galería del Paseo, with Silvia Arrozés, Director and Owner, with the work "Splendor"

Expo "Patagonia" (7/2022)

Más sobre / More about Rodolfo Medina: Website, Instagram, facebook

¡Muchas gracias por la entrevista, Rodolfo!

Gracias también a Galeria del Paseo, por el material y por su apoyo.

Thanks a lot for the interview, Rodolfo!

Thanks also to Galería del Paseo, for the material and for their support

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Tras una larga pausa en las publicaciones, por diversos motivos que no vienen al caso, retomo el trabajo con una puesta al día que debe comenzar con un cierre del ejercicio en condiciones. Así que aquí les dejo el resumen con los artistas que nos han autorizado a publicar sobre su obra en 2022.

Para este nuevo año, que comezaremos como terminamos el anterior, con entrevistas y material de artistas recopilados por Shirley Rebuffo, espero poder retomar un ritmo de publicaciones razonable, y ya veremos por dónde van los tiros.

Creo que, si bien con el tiempo el formato blog va decayendo en favor de otras herramientas comunicativas, debido a la evolución del ciberespacio y las preferencias de los usuarios a la hora de consumir contenidos, creo que sigue siendo el medio que más se ajusta a mis pretensiones y posibilidades, ofreciendo un marco lo bastante flexible como para organizar y presentar la producción artística que me interesa, contribuyendo así a difundir el trabajo de los creadores que admiramos y respetamos, con todo el rigor y seriedad posibles.

Durante este tiempo muerto en cuanto a nuevos posts, las visitas de los artistófilos del mundo nos han regalado un nuevo hito, y este espacio ha superado los 5 millones de visualizaciones. Infinitas gracias por ello.

Un saludo a todos esos amigos, seguidores y visitantes ocasionales del blog, y a ver qué tal se desarrolla este nuevo año.

Javier Fuentes.

After a long pause in publications, for various reasons that are not relevant, I return to work with an update that should begin with a closing of the year in conditions. So here I leave you the summary with the artists who have authorized us to publish about their work in 2022.

For this new year, which will begin as we ended the previous one, with interviews and artist material compiled by Shirley Rebuffo, I hope to be able to resume a reasonable pace of publications, and we'll see where things go.

I believe that, even if over time the blog format is declining in favor of other communicative tools, due to the evolution of cyberspace and the preferences of users when it comes to consuming content, I think it is still the medium that best suits my intentions and possibilities, offering a flexible enough framework to organize and present the artistic production that interests me, thus contributing to disseminate the work of the creators we admire and respect, with all the rigor and seriousness possible.

During this dead time in terms of new posts, the visits of the artistophiles of the world have given us a new milestone, and this space has exceeded 5 million views. Infinite thanks for that.

Greetings to all those friends, followers and occasional visitors of the blog, and let's see how this new year develops.

Javier Fuentes.

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Estos son los artistas que nos han autorizado, directamente o a través de sus representantes, a publicar sobre sus creaciones durante este año /

These are the artists who have authorized us, directly or through their representatives, to publish about their creations during this year.

Virgina Patrone (pintura) - Luis Alberto Plaquin (pintura) - Lia Porto (pintura, textiles)

Leandro Niro (cerámica, dibujo) - Diego Píriz (pintura) - Uri Negvi (pintura)

Álvaro G. Spangenberg (pintura) - Natalia Deyanova (pintura) - Yvonne D'Acosta (pintura, instalaciones)

Carmela Piñón (pintura) - Rodolfo Torres (collage) - Mariko Kusumoto (escultura, textiles)

Mane Gurméndez (papel calado, escultura) - Verónica Cestau (pintura) - Warren King (escultura)

Rodolfo Medina (fotografía)

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Aquí las listas de artistas de los años anteriores / Here the lists of artists for previous years

2012 - 2013 - 2014 - 2015 - 2016 - 2017 - 2018 - 2019 - 2020 - 2021

Muchos artistas han fallecido este año. Nuestro recuerdo para todos ellos...

Many artists have passed away this year. Our remembrance for all of them ...

Junio / June

26 Margaret D. H. Keane (nac. Peggy Doris Hawkins) (94, 1927) pintora estadounidense / American painter

25 Elena Oskarovna Marttila (Еле́на Оска́ровна Мартти́ла) (99, 1923) pintora rusa / Russian painter

25 Sam Gilliam (88, 1933) pintor estadounidense / American painter

21 Harvey Dinnerstein (94, 1928) artista figurativo estadounidense / American figurative artist

19 Ritzi Jacobi (Victoria Areclia Gavrilă) (80, 1941) artista textil rumana / Romanian textile artist

18 Pierre Baldi (103, 1919) pintor francés / French painter

17 Manuel Bennett (100, 1921) litógrafo y escultor estadounidense / American lithographer and sculptor

16 Tim Sale (66, 1956) artista de comic estadounidense / American comic book artist

15 Arnold Skolnick (85, 1937) artista gráfico estadounidense / American graphic artist

15 Juan Pablo Echeverri Muñoz (43, 1978) artista visual colombiano / Colombian visual artist

14 Hermann Fillitz (98, 1924) historiador del arte austríaco / Austrian art historian

12 Hunter Wayne Reynolds (62, 1959) artista visual y activista contra el SIDA estadounidense /

American visual artist and AIDS activist

12 Kurt Markus (75, 1947) fotógrafo estadounidense / American photographer

12 Heidi Horten (81, 1941) coleccionista de arte austríaca / Austrian art collector

12 Frederick George Ree "Fred" Cuming (92, 1930) pintor paisajista inglés / English landscape painter

11 Ravi Paranjape (रवी परांजपे) (86, 1935) pintor e ilustrador indio / Indian painter and illustrator

11 Duncan Rathbun Hannah (69, 1952) artista visual y autor estadounidense /

American visual artist and author

11 Tarek Al-Ghoussein (60, 1962) (طارق الغصين) artista visual y de performance kuwaití /

Kuwaiti visual and performance artist

11 Igor Ilyich Dudinsky (Игорь Ильич Дудинский) (75, 1947) artista y crítico de arte ruso /

Russian artist and art critic

08 Dame Maria Paula Figueiroa Rego (87, 1935) artista visual luso-británica / Portuguese-British visual artist

Paula Rego

La artista en su estudio / The artist in her studio

Foto / Photo: National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

"Moça com um feto / Joven con un feto / Young woman with a fetus", pastel, 120 x 100 cm., 2015

Marlborough Gallery, Nueva York (EE.UU.) / NY, USA. Foto / Photo: HA!

08 Aurora Altisent (93, 1928) pintora, dibujante y escultora española / Spanish painter, drafter, and sculptor

07 Jean-Louis Schefer (83, 1938) escritor, filósofo, crítico de arte y teórico del cine y la imagen francés /

French writer, philosopher, art critic, and theoretician of cinema and image

06 Jacques Mahé de la Villeglé (96, 1926) artista de técnicas mixtas francés / French mixed-media artist

06 Jacques Destoop (90, 1931) pintor y actor francés / French painter and actor

05 Christopher Pratt (86, 1935) pintor y grabador canadiense / Canadian painter and printmaker

02 Charles L. “Chick” Peterson (95, 1927) pintor estadounidense / American painter

01 Takeyoshi Tanuma (田沼武能) (93, 1929) fotógrafo japonés / Japanese photographer

01 Serge Diantantu (62, 1960) artista de comic congolés / Congolese comic book artist

Mayo / May

30 Jacques Nicolaou (91, 1930) autor de libros de comic francés / French comic book author

30 Morio Matsui (松井守男) (79, 1942) artista japonés / Japanese artist

29 Vivian Ann Davidson Hewitt (102, 1920) coleccionista de arte y bibliotecaria /

American art collector and librarian

27 Claude Rutault (80, 1941) pintor francés / French painter

27 Samella Sanders Lewis (99, 1923) artista visual e historiadora del arte estadounidense /

American visual artist and art historian

25 Allie Eagle (73, 1949) artista neozelandesa / New Zealand artist

24 Ouka Leele (Bárbara Allende Gil de Biedma) (64, 1957) fotógrafa española /

Spanish photographer

23 David Datuna (დეივიდ დათუნა) (48, 1974) artista estadounidense nacido en Georgia /

Georgian-born American artist

22 Miss.Tic (nac. Radhia Novat) (66, 1956) artista urbana francesa / French street artist

22 Colin Forbes (94, 1928) diseñador gráfico británico / British graphic designer

19 Andréi Borisov Nakov (Андрей Борисов Наков) (80, 1941) historiador del arte franco-búlgaro /

French-Bulgarian art historian

19 Sheherezade Alam (74, 1947-48) ceramista pakistaní / Pakistani ceramist

18 Thomas Resetarits (nac. Tome Rešetarić) (82, 1939) escultor austríaco / Austrian sculptor

18 Henry Mavrodin (84, 1937) pintor, diseñador y ensayista rumano / Romanian painter, designer and essayist

15 Knox Martin (99, 1923) pintor, escultor y muralista estadounidense nacido en Colombia /

Colombian-born American painter, sculptor, and muralist

09 Fred Carter (83, 1938) artista de comic estadounidense / American comic book artist

07 Suzi Gablik (87, 1934)

artista visual, autora, crítica de arte y profesora de historia del arte y crítica artística estadounidense /

American visual artist, author, art critic, and professor of art history and art criticism

06 George Pérez (67, 1954) artista de comic estadounidense / American comic book artista

04 Wukun Wanambi (59, 1962) pintor Yolngu australiano / Australian Yolngu painter

Wukun Wanambi

El artista / The artist. Foto / Photo: Buku-Larrnggay Mulka. facebook

"Sin título (pez sagrado larrakitj) / Untitled (sacred fish larrakitj)" altura / height: 187,5 cm. Bonhams

04 Mary Fuller (99, 1922) escultora e historiadora del arte estadounidense /

American sculptor and art historian

03 Marie Magdalena Františka "Meda" Mládková (née Sokolová) (102, 1919) coleccionista de arte checa /

Czech art collector

02 Đuro Seder (94, 1927) pintor croata / Croatian painter

Abril / April

30 Lyubov Mykhailivna Panchenko (Любов Михайлівна Панченко) (84, 1938)

artista visual y diseñadora de moda ucraniana / Ukrainian visual artist and fashion designer

28 Neal Adams (80, 1941) artista de comic estadounidense / American comic book artist

25 Salvatore Pica (83, 1939) coleccionista de arte italiano / Italian art collector

24 James Bama (95, 1926) artista e ilustrador de portadas estadounidense /

American artist and book cover illustrator

23 Barbara Sansoni (94, 1928) artista, diseñadora y escritora de Sri Lanka /

Sri Lankan artist, designer and writer

23 Enoch Kelly Haney (81, 1940) escultor, pintor y político estadounidense /

American sculptor, painter, and politician

23 Justin Considine "Justin" Green (76, 1945) historietista estadounidense / American cartoonist

22 Marcus Leatherdale (69, 1952) fotógrafo canadiense / Canadian photographer

22 Marshall Arisman (83, 1938) ilustrador, pintor e educador estadounidense /

American illustrator, painter, and educator

21 Clive Hugh Austin Collins (80, 1942) historietista e ilustrador británico /

British cartoonist and illustrator

17 Omer Kaleshi (90, 1932) pintor macedonio / Macedonian painter

16 David Leeson (64, 1957) fotoperiodista estadounidense / American photojournalist

David Leeson

"Atrapada en el fuego cruzado de la 3ª División de Infantería que lucha en el norte de Bagdad, una mujer se acurruca en una zanja abierta con dos niños aterrorizados y ensangrentados /

Caught in crossfire from the 3rd Intantry Division fighting through Northern Baghdad, a woman huddles in an open ditch with two terrified and bloodstained children" Foto / Photo: Pulitzer.org

El artista / The artist. Foto / Photo: Alchetron

13 Letizia Battaglia (87, 1935) fotógrafa italiana / Italian photographer

11(?) Daniel Pontet (1957) dibujante y pintor uruguayo / Uruguayan draftsman and painter

11 Eduardo Mernies (76, 1944) pintor uruguayo / Uruguayan painter

11 Philippe Vallancien "Calvi" (83, 1938) historietista, caricaturista e ilustrador francés /

French cartoonist, caricaturist and illustrator

08 Stelio Fenzo (89, 1932) historietista italiano / Italian cartoonist

07 Motoo Abiko (安孫子素雄) (Fujiko A. Fujio duo) (88, 1934) artista de manga japonés /

Japanese manga artist

06 David McKee (87, 1935) escritor e ilustrador británico / British writer and illustrator

05 Yoshikazu Shirakawa (白川義員) (87, 1935) fotógrafo japonés / Japanese photographer

04 Jerry Norman Uelsmann (87, 1934) fotógrafo estadounidense / American photographer

04 Margo Feiden (77, 1944) galerista estadounidense / American art gallery owner

04 Donald Baechler (65, 1956) pintor y escultor estadounidense / American painter and sculptor

01 Eleanor Munro (94, 1928) crítica e historiadora de arte y escritora estadounidense /

American art critic, art historian, and writer

01 Maksim Yevhenovych Levin (Максим Євгенович Леві) (40, 1981)

fotoperiodista ucraniano (cuerpo encontrado este día) /

Ukrainian photojournalist (body discovered on this date)

Marzo / March

31 Patrick Demarchelier (78, 1943) fotógrafo de modas francés / French fashion photographer

28 Lee Kelly (89, 1932) escultor estadounidense / American sculptor

26 Garry Leach (67, 1954) artista del comic británico / British comic book artist

26 James Walter Butler (90, 1931) escultor británico / British sculptor

25 Dirck Storm Halstead (85, 1936) fotoperiodista estadounidense / American photojournalist

25 Ivan Pavlovich Dikunov (Иван Павлович Дикуно́в) (80, 1941) escultor ruso / Russian sculptor

25 Birago Balzano (86, 1936) historietista italiano / Italian cartoonist

22 Tadao Mitome (三留理男) (83, 1938) fotógrafo japonés / Japanese photographer

20 Howard Charles Tibbals (85, 1936) escultor estadounidense / American sculptor

19 Tom Moody (60s, ?) artista visual, crítico y bloguero estadounidense /

American visual artist, critic and blogger

19 Pierre Carron (89, 1932) escultor y pintor francés / French sculptor and painter

Pierre Carron

"Mauvaise joueuse / Mal jugador / Bad Player", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2010

Foto / Photo: Connaissance des arts

18 Grigory Danilovich Yastrebenetsky (Григо́рий Дани́лович Ястребене́цкий) (98, 1923) escultor ruso /

Russian sculptor

18 Nan Melville (72, 1949) fotógrafo estadounidense / American photographer

16 Natta Ivanovna Konysheva (Натта Ивановна Конышева) (86, 1935) pintora rusa / Russian painter

14 Pierre "Zar" Zakrzewski (55, 1966) fotoperiodista de guerra irlandés / Irish war photojournalist

13 Paweł Kwiek (70, 1951) artista visual, fotógrafo, director de fotografía y de iluminación polaco /

Polish visual artist, photographer, cinematographer, and lighting director

13 Albert Kresch (99, 1922) pintor estadounidense / American painter

10 Hiram Maristany (76, 1945) fotógrafo estadounidense / American photographer

07 Sumaya Maria Sadurni Carrasco (32, 1989) fotoperiodista chilena / Chilean photojournalist

07 Mia Ikumi (征海美亜,) (42, 1979) artista de manga japonesa / Japanese manga artist

03 Josef Bauer (88, 1934) artista austríaco / Austrian artist

02 Cathy Daley (66, 1955) artista visual y educador canadiense / Canadian visual artist and educator

01 Noni Olabisi (67, 1954) pintor y muralista estadounidense / American painter and muralist

01 Jim Denomie (67, 1955) pintor Ojibwe estadounidense / American Ojibwe painter

Febrero / February

28 Grenville Davey (60, 1961) escultor inglés / English sculptor

28 Peter George Caras (80, 1941) ilustrador estadounidense / American illustrator

27 Dick Guindon (86, 1935) historietista estadounidense / American cartoonist

26 Srihadi Soedarsono

(Kanjeng Raden Haryo Tumenggung H. Srihadi Soedarsono Adhikoesoemo) (90, 1931) pintor indonesio /

Indonesian painter

26 Antonio Hugo Seguí (88, 1934) historietista y pintor argentino / Argentine cartoonist and painter

21 Miguel Ángel Gallardo Paredes (66, 1955) historietista español / Spanish comic book artist

20 DeWain Valentine (86, 1936) escultor minimalista estadounidense / American minimalist sculptor

19 Fedor Ivánovich Madurov (Фёдор Иванович Мадуров) (79, 1942) escultor y artista gráfico ruso /

Russian sculptor and graphic artist

19 Dan Graham (79, 1942) artista visual, escritor y curador estadounidense /

American visual artist, writer, and curator

17 John Scott (71, 1950) pintor multimedia, escultor y artista de instalaciones canadiense /

Canadian multimedia painter, sculptor, and installation artist

17 Askia Muhammad (Charles K. Moreland) (76, 1945)

poeta, periodista, productor de radio, comentarista y fotoperiodista estadounidense /

American poet, journalist, radio producer, commentator, and photojournalist

16 William Underhill (88, 1933) escultor y trabajador del metal estadounidense /

American sculptor and metalworker

16 Mona Saudi (76, 1945) (منى السعودي) escultora y editora jordana / Jordanian sculptor and publisher

Mona Saudi (منى السعودي)

"Madre - Tierra / Mother - Earth", 1969 - La artista trabajando / The artist at work

Ambas fotos Cortesía / both pictures Courtesy Sharjah Art Foundation. Arts & Culture

16 Jean-Marie Queneau (87, 1934) pintor, grabador y editor francés / French painter, engraver and editor

14 Tom Veitch (80, 1941) escritor de libros de comic estadounidense / American comic book writer

13 Halyna Sylvestrivna Sevruk (Галина Сильвестрівна Севрук) (92, 1929)

ceramista y mosaiquista ucraniana nacida en Uzbekistán (URSS) /

Ceramic and mosaic Ukrainian artist born in Uzbekistan (USSR)

13 Hilda Margery Clarke (95, 1926) pintora inglesa / English painter

12/13 Sharon Wohlmuth (nac. Sharon J. Josolowitz), 75, fotógrafa y autora estadounidense /

American photographer and author

12 Carmen Herrera (106, 1915) artista visual y pintora estadounidense nacida en Cuba /

Cuban-born American visual artist, and painter

11 Mel Keefer (95, 1926) historietista estadounidense / American cartoonist

10 John Mercer Wesley (93, 1928) pintor estadounidense / American painter

10 Givi Toidze (გივი თოიძე) (89, 1932) pintor y artista georgiano / Georgian painter and artist

09 Kazuyoshi Torii (とりいかずよし) (75, 1946) artista de manga y profesor japonés /

Japanese manga artist and professor

08 Igor Ivánovich Gubskiy (Игорь Иванович Губский) (67, 1954) pintor ucraniano / Ukrainian painter

07 Dan Lacey (61, 1960) pintor estadounidense / American painter

07 Jacques Calonne (91, 1930) compositor, artista, cantante, actor, logogramista y escritor belga /

Belgian composer, singer, actor, logogramist, and writer

05 Ian Kennedy (89, 1932) artista de comic británico / British comics artist

04 Sonia Chalif Simon (96, 1925) historiadora del arte estadounidense / American art historian

03 Harry Carmean (99, 1922) pintor estadounidense / American painter

03 Manuel Bromberg (104, 1917) pintor estadounidense / American painter

01 Brian Augustyn (67, 1954) editor y escritor de libros de comic estadounidense /

American comic book editor and writer

Enero / January

31 Gloria June Tew (98, 1923) escultor abstracto estadounidense / American abstract sculptor

31 James Alan Bidgood (88, 1933) cineasta, fotógrafo, artista visual y de performances estadounidense /

American filmmaker, photographer, and visual and performance artist

30 Graciela Gutiérrez Marx (79, 1945) artista argentina / Argentine artist

30 Francis Apesteguy (69, 1952) fotógrafo francés / French photographer

29 Kohei Yoshiyuki (吉行耕平) (76, 1946) fotógrafo japonés / Japanese photographer

29 Michael Charles Spafford (86, 1935) pintor estadounidense / American painter

28 Brigitte Kowanz (64, 1957) artista austríaco / Austrian artist

28 Paolo Gioli (79, 1942) pintor, fotógrafo y director de cine experimental italiano /

Italian painter, photographer and experimental film director

27 Lady Veronica Gibson (née Waggett) (85, 1937) mecenas de las artes escocesa / Scottish arts patron

26 Anthony "Tony" Morse Urquhart (87, 1934) pintor canadiense / Canadian painter

26 Julio Radilović Jules (93, 1928) artista de libros de comic croata / Croatian comic book artist

26 Esther Alzaibar (91, 1930) ceramista venezolana / Venezuelan ceramic artist

25 Erwin Eisch (94, 1927) artista del vidrio, pintor, dibujante y grabador alemán /

German glass artist, painter, draughtsman, and printmaker

23 Jean-Claude Mézières (83, 1938) artista de libros de comic francés / French comic book artist

23 Narciso Debourg (96, 1925) escultor venezolano / Venezuelan sculptor

22 René Gagnon (93, 1928) pintor canadiense / Canadian painter

21 Felicia Donceanu (90, 1931) pintora, escultora y compositora rumana / Romanian painter, sculptor, and composer

20 René Robert (85, 1936) fotógrafo francés nacido en Suiza / Swiss-born French photographer

19 Marcus Reichert (73, 1948) pintor, fotógrafo y director de cine estadounidense /

American painter, photographer, and film director

18 Narayan Debnath (96, 1925) historietista india / Indian cartoonist

17 Jonathan Brown (82, 1939) historiador del arte estadounidense / American art historian

16 Alekos Fassianos (Αλέκος Φασιανός) (86, 1935) pintor griego / Greek painter

15 Hossein Valamanesh (72, 1949) artista iraní-australiano / Iranian-Australian artist

15 Steve Schapiro (87, 1934) fotógrafo y fotoperiodista estadounidense / American photographer and photojournalist

14 Paolo Schiavocampo (97, 1924) pintor y escultor italiano / Italian painter and sculptor

13 Chiara Samugheo (86, 1935) fotógrafa y fotoperiodista italiana / Italian photographer and photojournalist

12 Marc Janson (91, 1930) pintor francés nacido en Bélgica / Belgian-born French painter

11 Orlando Busino (95, 1926) historietista estadounidense / American cartoonist

10 Shinji Mizushima (水島新司) (82, 1939) artista de manga japonés / Japanese manga artist

10 Ali Mitgutsch (86, 1935) ilustrador alemán / German illustrator

10 James Alexander Drake Jr. (89, 1932) fotógrafo estadounidense / American photographer

09 Mike Jones (80, 1941) pintor galés / Welsh painter

08 Aleksandr Lebedev-Frontov (Александр Лебедев-Фронтов) (61, 1960) pintor, collagista y músico ruso soviético /

Soviet Russian painter, collagist, and musician

08 Maria de Lourdes Bettencourt de Castro (91, 1930) artista abstracta portuguesa / Portuguese abstract artist

06 Tony Tallarico (88, 1933) historietista estadounidense / American cartoonist

06 Joanne "Jo" Elizabeth Manning (98, ) pintora, grabadora y autora canadiense / Canadian etcher, painter and author

Joanne "Jo" Elizabeth Manning

La artista en / The artist in 2009. Foto / Photo: Times Colonist

"Pradera 1 / Prairie 1", aguafuerte / etching, Ed.49/75, 17,5" x 23,5". Foto / Photo: Earls Court Gallery

04 Craig Ruddy (53, 1968) pintor australiano / Australian painter

04 Sergio Dangelo (89, 1932) pintor surrealista italiano / Italian surrealistic painter

01 Pierre Parsus (100, 1921) ilustrador y pintor francés / French painter and illustrator

Retomando las publicaciones regulares del blog, una nueva entrevista de Shirley Rebuffo, gracias a la cual nos internamos en la vida y obra de la artista uruguaya Nicole Vanderhoeght, con un extenso reportaje que aborda en profundidad su vida y obra, acompañado de profusa documentación fotográfica y una nutrida muestra de sus creaciones.

El artículo va en dos partes: la primera con texto en español e imágenes de la artista, su vida y su entorno, y la segunda en inglés con obras de diversos períodos creativos.

Resuming the regular publications of the blog, a new interview by Shirley Rebuffo, thanks to which we delve into the life and work of Uruguayan artist Nicole Vanderhoeght, with an extensive report that deals in depth with her life and work, accompanied by profuse photographic documentation and a large selection of her creations.

The article is in two parts: the first one with text in Spanish and images of the artist, her life, and her environment, and the second in English with works from different creative periods.

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Nicole Vanderhoeght Debrouwer

(San Carlos, Maldonado, Uruguay, 1964-)

Nicole Vanderhoeght con sus obras / with her works. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Nicole Vanderhoeght ha revitalizado el concepto de la cerámica constructiva desde una óptica personal que tiene sólidos antecedentes en las contadas experiencias que se gestaron a través de los lineamientos esgrimidos por el maestro catalán Josep Collell en el Taller Torres-García a mediados del siglo XX. La intención de crear, siempre, la pieza única, refuerza el antiguo criterio de exaltar el verdadero numen del objeto.

El artista y docente Ignacio Olmedo opinó acerca de la trayectoria de Nicole recalcando que: "desde sus inicios, produjo una obra coherente, de rica inventiva y profusa experimentación. Preámbulo de un desarrollo sin pausas, embebido en auténticos valores estéticos".

Su arte -vaso, objeto, escultura y mural-, es "un micro-universo donde las felices e inspiradas proporciones transmiten el equilibrio y la belleza, recurriendo a una amplísima gama de recursos: desde lo delicado, femenino y sutil, a la rusticidad contundente". Por lo tanto: "tal cerámica, si bien se nutre de la huella torresgarciana, lleva sapiencia a términos personales como nunca se había hecho antes."

Sus creaciones se han extrapolado del ámbito de la arcilla para incurrir -también- en otras disciplinas diferentes. Una de ellas es la de los "tissus" o murales confeccionados a partir de fragmentos de tela cosida. Esta otra manera de ver se potencia, a veces, con la escultura en hierro, para conformar una sutil amalgama.

La obra de Nicole es apreciada por coleccionistas en todo el mundo y tiene dos grandes referentes monumentales en su "Árbol constructivo" (realizado entorno a una gran piedra de cuarzo blanco) y la "Espiral de Vida"; construcción metálica móvil ubicada en el balneario de La Barra de Maldonado (Uruguay).

Introducción realizada para la muestra "Luces y sombras" (2014)

"Mural urbano sobre gres / Urban Mural on Stoneware", 1998

Hija de padres belgas, nació el 26 de mayo de 1964 en San Carlos, Departamento de Maldonado, Uruguay. La familia se radicó en la localidad rural de "Los Ceibos". A sus siete años de edad viajó toda la familia regresó a Bélgica donde descubrió sus primeras aptitudes para el arte y la decoración. En 1979 la familia regresó al Uruguay. En 1982 contrae enlace con el plástico Ricardo Pickenhayn Mazzoni, quien la inicia en la cerámica y luego en el Arte Constructivo, apadrinados por la amistad y el apoyo de Daymán Antúnez primero y Edgardo Ribeiro después, ambos, cofundadores del Taller de Torres-García (TTG).

En 1983, junto a su esposo, comienzan la construcción del -hoy- "Taller de Cerámica y Arte Estructurado" cuya labor educativa funciona en la campaña carolina. Allí imparte clases ininterrumpidamente hasta la actualidad formando a decenas de alumnos, algunos de los cuales, incluso plásticos de carrera, llegaron a desplazarse desde la capital y el exterior para asistir a los cursos.

El estudio / The Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

En 1984, 1987 y 1991, nacen sus tres hijos, Gabriel, Federico y Verónica quienes heredan las dotes artísticas de sus padres. Además de su actividad fundadora en el taller, entre 1992 y 2002, se desempeñó como docente en la escuela rural donde, frente a varios grupos de niños, supo conquistar numerosos premios de plástica infantil a nivel nacional; siempre desde una óptica constructiva.

Las obras de Nicole, vaso, mural y escultura, escapan de los cánones de la cerámica habitual para manifestarse con un estilo diáfano y puro.

Su accionar traza un nuevo horizonte de imágenes surrealistas que, a su vez, se apoyan en la solidez de la estructura.

Ha expuesto periódicamente en múltiples exhibiciones tanto en la capital como en el interior.

En 1996 lo hizo junto a importantes figuras como Edgardo Ribeiro, José Luis "Tola" Invernizzi, Pedro Gava, Manolo Lima, Ignacio Olmedo, Pedro Peralta, y otros, con motivo de integrar a los plásticos de Maldonado en el espacio de la "Feria Nacional del Libro". En 1998 es invitada a exponer en el Museo Mazzoni de Maldonado en el marco de los homenajes del cincuentenario de la muerte de Joaquín Torres-García. En 1999, participa en la exposición de artistas residentes del departamento con formación u orientación constructivista y en septiembre del mismo año, forma parte de la muestra inaugural del "Taller de la Galería Latina" de Punta del Este en donde intervienen varios discípulos del Maestro Edgardo Ribeiro. Simultáneamente expone con Pickenhayn en el Hotel Meliá y poco después forma parte de dos importantes eventos con integrantes de la "Escuela del Sur".

"Pareja constructiva con trama / Constructive Pair With Weft", 2008

Durante el verano del 2000, después de inaugurar el primero de los salones que habrán de conformar el complejo CEDARTES, muestra su trabajo junto a la obra de maestros del Arte Universal Constructivo en la Galería "Sur". Es protagonista en los espacios de Arte de Susana Aramayo y la Galería Ciudadela. Y desde el verano de 2003, sus obras forman parte de la muestra permanente del Hotel Serena de Punta del Este.

En mayo de 2006 viaja a Europa en donde, además de vincularse al movimiento artístico de la tierra de sus padres (Bélgica), recorre los más importantes museos y galerías de París, Madrid y Barcelona.

En cada uno de estos centros de arte, deja constancia de su trayectoria y establece vínculos con emblemáticas galerías; como la Sala Dalmau de Barcelona y la de Nery Mariño en París las que, en su momento, acogieron a figuras como Picasso o el propio Torres-García.

En ese período inauguró, compartiendo espacio con su esposo, una muestra retrospectiva en la Casa de la Cultura de Maldonado y otra individual en el Museo Mazzoni. A partir de 2007 coparticipa, con Pickenhayn, en el ambicioso proyecto "Mantra-Art" en el que se lleva adelante la propuesta constructiva a las grandes salas del Hotel Mantra de Punta del Es te. En enero de 2008, la pareja acepta el desafío planteado por una importante empresa minera de Artigas para crear arte a partir de las especiales geodas de cuarzo, el denominado proyecto: "Amethystos". Este peculiar experimento estético comprende la realización de 23 singulares esculturas que fusionan la creatividad con la naturaleza.

En verano de 2014 expuso en la Galería de las Misiones de José Ignacio (Maldonado) junto a varios referentes de la "Escuela del Sur". Luego lo haría, con Pickenhayn, en la muestra "Luces y sombras" en Montevideo. Simultáneamente conformó la idea de llevar el arte estructurado a los generosos espacios de la emblemática Bodega Juanicó. También expuso en el espacio de Arte de la Laguna del Diario de Sylvia Poorth y Peter Bronner. A su vez mostró su trabajo en la Posada de los Pájaros de La Barra (en donde se emplazó su gran escultura "Espiral de vida") y en varias exposiciones individuales y colectivas en Maldonado.

"Mural estructurado con acero / Steel Structured Mural", 1999

En 2022 participó en el stand de la Fundación Gurvich de "Este Arte" en Punta del Este. También expone en el complejo "Las Taperas del Valle Edén" y continúa su participación en las galerías "Sur" y "de Las Misiones" así como en el espacio de Lilia Muñiz en la Península.

En su amplia trayectoria, Nicole desarrolla una nueva concepción estructural que combina el análisis con su peculiar estilo espontáneo y gestual. Su incesante afán creativo la llevó a pergeñar diferentes modos de ver el arte; los que incluyen a la Cerámica, la pintura y sus "tissus" (composiciones, murales y escultóricas, en tela cosida) de muy especial factura. Estas realizaciones escapan de los tradicionales "collages" para adentrarse en la esencia más pura del femenino oficio del corte y la confección.

La obra de Vanderhoeght ha despertado el interés de coleccionistas locales e internacionales, encontrándose su trabajo en varios países, tales como: Uruguay, Brasil, Argentina, España, Francia, Inglaterra, Suiza, Bélgica, Luxemburgo y Estados Unidos. En la actualidad integra el acervo de la colección del "Legado del TTG" en la Fundación Gurvich.

Entrevista de Shirley Rebuffo

Orígenes

Shirley Rebuffo: Cuéntanos un poco cómo han sido tus idas y venidas en el trajín de la vida

Nicole Vanderhoeght: Nací el 26 de mayo de 1964 en la ciudad de San Carlos, departamento de Maldonado, Uruguay. Esta historia comenzó luego de la guerra, cuando mis padres decidieron dejar su Bélgica natal para radicarse aquí y vivir una vida más alejada del tumulto y las secuelas de aquel conflicto que tanto afectó a Europa. Ambos pasaron instancias duras durante la ocupación en su querida ciudad.

Mi familia decidió venir a Uruguay al descubrir esta zona cálida y tranquila, que también está próxima al mar. Se afincaron en el campo, en la zona rural de Los Ceibos. Allí mis padres habrían de crear una chacra autosustentable. Todo se elaboraba en casa: el pan, la manteca, el dulce y otras facturas exquisitas que provenían del producto de nuestro trabajo. Teníamos animales de granja y un pequeño tambo que representaba el ingreso principal. Una huerta siempre surtida, así como los frutales que eran fuente de una deliciosa jalea que terminó siendo famosa en la región. Desde mi punto de vista, todo ello fue una experiencia muy feliz.

"Nicole en la casa de Los Ceibos / Nicole at Los Ceibos house", 1966

"Nicole con sus padres y hermanos / Nicole With her Parents and Siblings (Los Ceibos)", 1969

Instancias de vida

SR: ¿Piensas que tu vida, algo retirada de las grandes ciudades, ha influido en la forma de realizar tu arte?

NV: El hecho de vivir en el campo hace que aprecies todo de una forma más profunda. Los sentidos se agudizan cuando todos los días observas la naturaleza recreando sus ciclos. El frío y el calor, los vientos, el movimiento de las nubes; los animales, las plantas y los insectos. Allí el aire es más fuerte; pisas la tierra, tocas el agua y la madera de los árboles. Esa es la realidad, no faltaba nada.

Recuerdo jugar descalza en el barro y formar personitas que de alguna manera eran mi familia. Sentados allí, esperando la siguiente lluvia que los devolvería, como arcilla, al cauce del río.

"Nicole en la 'playa' de 'Los Ceibos', con Ángela, Mónica, su padre Clemente y la yegua "Ñata" /

Nicole at the 'Beach' of 'Los Ceibos', With Angela, Monica and her Father Clemente and the mare 'Ñata'", 1971

Al caer la noche los faroles suplían la falta de electricidad. Me veo jugando con pequeños trozos de tela y lana bajo aquella tenue luz en la aromática cocina de mi madre. Eran tiempos y atmósferas de ensueño.

Estuve aquí en Uruguay hasta mis siete años.

Todas esas vivencias quedaron marcadas en mi interior y sin duda afloran hoy, de algún modo, expresadas como formas, texturas y colores, en mis obras cerámicas y textiles.

La ida y la vuelta

SR: Cuéntanos sobre las idas y vueltas desde Uruguay a Bélgica.

NV: A principio de los años setenta, mis hermanos varones primero y luego el resto de la familia emprendió el regreso a Bélgica. En el emblemático transatlántico "Giulio Cesare" de la línea "C" viajamos hacia esa Barcelona mágica que fue cuna de Gaudí y Torres-García, y luego desde allí en tren hasta Bruselas.

En un abrir y cerrar de ojos la vida me cambió. El maravilloso viaje, el descubrimiento de la ciudad, con sus grandes y hermosos edificios, concurridas avenidas, subterráneos, vehículos modernos, nunca vistos por mí y el privilegio de estar presente en lo que muchos denominan como "primer mundo".

Ahora podríamos tener luz eléctrica, lavarropas y TV color. Los alimentos ya no "saldrían" más de la tierra; sólo había que ir al moderno supermercado donde encontrar las aves ya procesadas, los lácteos en botella y los vegetales en conserva. Entonces descubrí también ¡los maravillosos chocolates belgas!

De repente, una casa a estrenar y un moderno automóvil sustituyeron a nuestra humilde vivienda rural y al cotidiano carro tirado por nuestra yegua "Ñata".

Al principio, a pesar de las comodidades, fue difícil el cambio, pero rápidamente me adapté. Tuve la oportunidad de conocer otros países, con sus increíbles paisajes, ciudades, costumbres y enormes museos; como el del África en Tervuren, localidad flamenca en la cual nos radicamos. Desde sus vitrinas, me atrajo la estética y ese primitivo simbolismo del sur que pronto se iría identificando con mi propio terruño americano.

En el año 1979, luego de toda esta gran experiencia, volvemos mis padres y yo al Uruguay.

Otra vez el trasplante y sus complicaciones. Había construido allá una nueva vida de estudio, sorpresas y amigos, expresándome entre el idioma francés y el complejo neerlandés.

Volvimos a un país que apenas comenzaba a despertar de los pesares de la dictadura. La ciudad de San Carlos aún mantenía ese perfil pueblerino de paisanos y caballos atados al palenque.

Una vez más, nos instalamos en el campo; pero esta vez mis padres adquirieron un terreno que casualmente fue lindero con la propiedad en donde vivía el que luego sería mi esposo: Ricardo Pickenhayn. Entonces nació el romance. Nos casamos en 1982 y a partir de allí empieza nuestra historia compartida.

La vida constructiva en familia

SR: Al principio, ¿cuáles fueron las dificultades del oficio y qué recuerdos tienes de tus maestros?

NV: En los inicios todo comenzó en nuestra casa "Micromundo" en donde pronto sumamos el taller que construimos enteramente con Ricardo.

"El taller en construcción, con Sebastián (sobrino) /

The Workshop Under Construction, With Sebastian (Nephew)", 1984

Tuvimos tres hijos, también con aptitudes plásticas. Ese mismo amor por el arte nos vinculó con los maestros y con sus respectivas familias; tanto la de Daymán Antúnez y su esposa Adelina, con sus hijos Lahiri y Yuktéswar, como la de Edgardo Ribeiro con Paquita y su entrañable hermano Alceu.

Day Mán siempre insistía en la metafísica y en nunca apartarnos de lo más puro. "A veces la obra nace de un instinto y otras de un proceso más meditativo" decía. Edgardo era más racional; nos ponía los "pies en la tierra" y sobre todo nos enseñaba a "ver".

Day Mán y después Ribeiro nos inculcaron un profundo respeto por el oficio. La lógica de sus enseñanzas fue una liberación. Frecuentemente nos repetían conceptos que venían de la prédica del propio Torres-García: "Hay que poner el corazón en el arte, pero la mente y las manos deben actuar como un simple albañil que construye su obra con oficio y sabiduría". También nos recalcaban que: "para realmente aprender, hay que experimentar y arriesgarse siempre".

Poda mística con Day Mán, Gabriel, Federico y Milú /

Mystical pruning with Day Mán, Gabriel, Federico and Milú", 1988 - Foto / Photo G. Serra

SR: Has compartido una vida artística. ¿Cómo fueron esos comienzos?

NV: Con Ricardo compartimos todo. Desde la austeridad de empezar de cero hasta la esperanza por encontrar un destino. Comenzamos juntos como ceramistas, pero luego los materiales que empleó cada uno nos fueron cambiando. Sin embargo, a pesar de que los oficios varían, nos nutrimos de la misma fuente. Somos bien distintos, pero tenemos un lineamiento común. Lo interesante es que todavía hay mucho camino por descubrir.

En lo que refiere al Universalismo Constructivo la idea es trazar un puente entre la forma y su contenido. Muchos piensan que el constructivismo es otro "ismo" pero esta filosofía va mucho más lejos. Se trata de un proceso en constante desarrollo. A nosotros, por ser continuadores de esa escuela, nos cabe la responsabilidad de hacer vibrar esas enseñanzas.

Luego de tanto tiempo, tengo muchísimas obras y ojalá pueda seguir intensamente en esta actividad. Ideas y ganas me sobran.

"Edgardo, Paquita, Nicole, Gabriel, Federico & Verónica en / at Micromundo", 1998

SR: ¿Te emociona ver la obra terminada? ¿Por qué la pieza tiene una geometría razonada desde lo constructivo y se entremezcla a veces lo indígena? Pienso que conseguir esos acabados de engobe y opacidad, en el resultado final, debe ser apasionante.

NV: Muchas emociones. El hecho de construir, siempre es un desafío. Primero la forma, la cual puede dar vida a un objeto, una escultura o el desarrollo de un mural. En el caso de la decoración, ésta nunca es un simple adorno. El constructivismo te enseña que cada línea o color son parte del todo.

Por esto la geometría que se ve en mis obras está directamente relacionada con la estructura que sostiene al conjunto de sus elementos.

Tanto en mis trabajos cerámicos como en la obra textil comienzo con una idea para desarrollar y en el transcurso puede haber cambios dentro de esa construcción.

Tengo obras de cerámica que se asocian a lo que hago con las telas y a su vez concibo murales textiles que terminan inspirando mi actividad en el barro.

Estas dos expresiones son el centro de mi obra, por ello se relacionan y van tomando ideas de una para la otra.

Cuando estás con tu pieza en la intimidad del taller la experiencia es como la de dos personas que se hablan. Se establece un diálogo en comunión. Me gusta esa dualidad de poner en la obra lo que yo siento o lo que ella me pide: a su manera cada forma exige algo.

Ese contrapunto de "tú y yo" es el momento que más me gusta.

"Nicole en el taller / at the Studio", 1998

Intento que toda realización sea en su totalidad una armonía con una lectura agradable y a su vez que no sean sólo líneas tiradas al azar. Hay un estudio y mucho trabajo detrás de cada idea intuitiva.

Por otro lado, realizar una escultura es algo más complejo, aunque todo es parte de lo mismo.

"Tres de vasijas y mural en el taller / Three Pots and Mural in the Studio", 2011

Naturaleza y proporciones inspiradoras

SR: ¿La naturaleza te inspira?

NV: La Naturaleza es parte fundamental de lo que expreso en muchas de mis obras. De por sí, el barro es un ser vivo que se transforma y busca su propia significación. A su vez en el dibujo que voy trazando aparecen vestigios de entes que me rodean.

Pero más allá de esta experiencia superrealista, necesito de la estructura, como soporte para conformar una trama bien hecha.

El compás áureo es un instrumento universal que utilizo con frecuencia y me permite entender y explorar la estructura y la medida que existe en todas las cosas. Establece una composición armónica y sirve para que razonemos que todo este cosmos está signado por una "Divina Proporción".

"Vasija con constructivo en contraste / Vase With Constructive in Contrast", 2012

En definitiva, cada obra parte de lo mismo porque toda creatividad está basada en el sustento de una construcción geométrica. Las tres formas básicas: círculo, cuadrado y triángulo son las protagonistas y de modo diferente van formando lenguajes simbólicos. Si a cada una le quitamos o agregamos una parte, se transforma en otra y por ello tal geometría (pura o entrelazada) va ideando diseños novedosos.

Luego de tantos años creando obras, compruebo que felizmente no hay ninguna igual a la otra. Por suerte la inventiva no se acaba. Hay infinidad de posibilidades. Un manantial inagotable. Cuando trabajo en una escultura como, por ejemplo, una de mis "damas" (así las llamo) son personajes singulares en sus curvas, movimientos y disociaciones.

Cada figura siempre parte de algo más puro. Por ejemplo, si a un cubo lo corto por su sección áurea y desplazo sus partes, aparecen facetas nuevas. Eso se denomina: "disociado". El Disociado es un sutil perfeccionamiento del Universalismo Constructivo. Su creador fue Day Mán Antúnez, nuestro primer mentor, quien desarrolló, a principios de los años 60, un singular ejercicio que había esbozado Torres-García, mejorando de este modo, la distribución de líneas en el plano. Nosotros, a partir de 1985 comenzamos a aplicar esta arquitectura en el volumen, supervisados por el propio maestro, y esto lo trasladamos a la escultura, el mural en relieve y los objetos. También transmitimos estos avances a nuestros alumnos.

Obras varias / Several Works, Muestra en la sala de Cedartes / Exhibition at Cedartes, 2018

Materiales

En lo que refiere a la Cerámica, su principal elemento es la arcilla, misma que puede contener diferentes constituciones que se traducen en texturas y colores. Estas propiedades se vuelven interesantes al momento de elaborar murales, esculturas o vasijas. Toda arcilla es potencialmente utilizable, pero debe de ser intervenida para lograr un equilibrio entre "plásticos y antiplásticos".

La plasticidad se da por su propia condición de ser, en su forma química, un "silicato de alúmina hidratado". Esta materia universal se combina con otros elementos -en diverso grado y medida- que son los que le otorgan fortaleza a esa flexibilidad.

Hay mucho trabajo detrás del taller del ceramista. Es necesario procesar cientos de kilos de arcilla, dejarla reposar por meses, dosificar el secado en planchas de yeso y finalmente amasarla.

"Colando arcilla roja / Straining red clay", 1987

"Nicole preparando arcilla / Preparing Clay", 2022

"Secando arcilla en el yeso / Drying Clay in Plaster", 2021

También está el tratamiento de los óxidos y esmaltes, pero especialmente de los engobes.

El engobe es una técnica de cobertura ancestral que logra una perfecta amalgama (interior-exterior). Es la propia arcilla diluida, la que se entona con los óxidos metálicos otorgando así un acabado natural. Nuestros indígenas americanos fueron maestros en su uso, logrando una verdadera impronta que se extiende de norte a sur.

En mi caso, las piezas las hago totalmente a mano desde su base y las técnicas son varias. Pero resalto la conclusión del engobe. Éste, según una tradición milenaria, se aplica sobre la pieza aún húmeda y luego se bruñe para dotarlo de su característico brillo satinado. Más allá de nuestra América precolombina, el engobe fue la técnica universal que unió los principales pueblos de la Antigüedad, tanto en África, como Asia y la cuna del Mediterráneo.

"Aplicando engobes en un mural / Applying Slipware on a Mural", 2022

No me canso de ver la gran obra continental de nuestros antepasados indígenas: creadores de cosas maravillosas. Esos pueblos espirituales tenían su arte intrínseco. Todavía hoy podemos leer el contenido de sus creaciones, las cuales siguen vigentes y podemos aprender de su factura y religiosidad.

Todo trabajo cerámico involucra paciencia y dedicación. Cuando estoy en eso, entro en otro plano que motiva todo mi ser y pueden pasar horas a pesar del cansancio.

SR: ¿De dónde se extrae tu arcilla preferida? ¿Cómo te sientes cuando una obra sale del horno? ¿Te has llevado sorpresas?

NV: A lo largo de los años, más de tres décadas, he creado piezas con distintos tipos de arcillas, muchas de las cuales extrajimos aquí en Maldonado nosotros mismos, o las hacemos traer desde yacimientos próximos al río Yi de Durazno.

Otro factor importante en el proceso de la Cerámica es la cocción; el momento en que esa sustancia que antes fue roca, polvo y lodo -calor mediante- logra convertirse en un nueva entidad cristalina, sonora y perdurable.

En el taller hemos hecho múltiples experiencias. Desde las iniciales, en hornos de aserrín, hasta quemas de leña. También prácticas exóticas como el Rakú (técnica que proviene del lejano oriente). Pero nos resulta más cómodo el manejo de artefactos eléctricos, los cuales permiten un control más sustentable en el quehacer cotidiano. Son seguros, queman parejo y nos dan tiempo aprovechable durante las cocciones.

"Mural cerámico con talla y engobe / Ceramic Mural With Carving and Slipware", 2022

También tenemos un horno a leña del tipo romano. De allí surgieron obras hermosas e inigualables pero su complejidad requiere de una atención de varias horas.

El ritual de la "quema" es todo un misterio alquímico. Las obras previamente deben de ser secadas y necesitan "respirar" antes de que se ubiquen en el horno. Luego, la puerta se cierra en su último proceso. Hay mucha expectativa. Comienza la mística.

En ocasiones hay sorpresas y el riesgo siempre existe. Colores y texturas pueden variar en función de la temperatura, pero todo transcurre dentro de un margen esperado.

Por fin la hora del encuentro llega. Reaparece aquella pieza que veneras y a la cual le has dedicado tanto tiempo. Ahora, ya cocida, proyectará las ideas y todo tu espíritu como una carta hacia el futuro.

"Horno a leña y vasija realizada en el mismo / Wood Oven And Pot Made in the Same Oven"

Docencia

SR: Trabajando como docente ¿Cuál piensas es tu aporte como artista que modela su práctica?

NV: La Cerámica ha representado lo más importante de nuestras vidas. Porque, más allá de la propia labor e investigación como artistas, la hemos desarrollado como actividad docente.

Todo comenzó luego de la boda, cuando nos vinimos a este Micromundo donde constituimos el epicentro de nuestro accionar. A principios de los años 80 comenzamos juntos este trabajo de enseñanza que se extendió desde el taller hasta las escuelas rurales donde trabajé honoríficamente por un largo período. Ricardo, por su lado, lo hizo de forma curricular en el propio Liceo de San Carlos y en otras instituciones donde realiza también charlas y conferencias.

"Nicole en la Escuela 24 / at the 24 School", 1997

"Mural constructivo premio Inca, Escuela 24 / Constructive Mural Inca Prize, 24 School", 1998

Por nuestra formación constructivista que, como mencioné, heredamos de nuestros maestros Day Mán Antúnez y Edgardo Ribeiro y por el vínculo con la Fundación "Condorhuasi" del entrañable Ceramólogo Jorge Fernández Chiti, en Buenos Aires, nos abocamos en el desafío de conformar un especial "Taller de cerámica y Arte Constructivo". Singular polo de investigación, único en su especie y con más de cuarenta años de trayectoria ininterrumpida.

La premisa fundamental del taller siempre fue la de "abrir puertas" para que cada uno encuentre su propio camino. A su vez, resulta imprescindible enseñar cuáles son las pautas para alcanzar un objetivo ya que, al aplicar estos conceptos, es cuando realmente involucramos todo nuestro ser.

Mis primeras experiencias educativas las realicé con niños; en ese momento mágico de su formación. Luego en el taller siempre vamos compartiendo las enseñanzas con los alumnos. Se trabaja con ambiciosos desafíos que involucran el estudio de la estructura y su aplicación en el espacio. El objetivo siempre es el de ser originales y lograr que cada quien aporte ideas propias. Una obra nueva nace en lo profundo del espíritu, a veces cuesta desarrollarla, pero con trabajo y dedicación se consigue.

"En Condorhuasi con Jorge Fernández Chiti - Ceramista fundador /

At Condorhuasi with ceramist Jorge Fernandez Chiti - Founder", 1999

"Clase en el taller / Class at the Workshop", 2010

Los textiles

SR: ¿Cómo comenzó tu trabajo con los textiles?

NV: En otro orden, pero conjuntamente con mi pasión por el arte del barro, desarrollé otra manifestación estética: la que se refiere a mi trabajo con telas.

La inquietud viene de niña cuando creaba vestuarios y escenografías para mis muñecas. En casa había una máquina de coser "Singer" a pedal. Mi madre nos hacía la ropa y mi hermana mayor me enseñó a coser, con la excusa de que yo hiciera vestidos para ornar aquel íntimo mundo infantil. Una tía me trajo muestras de género de una fábrica de Bruselas con las cuales logré confeccionar una particular colección de vestuario en miniatura; la que canjeaba a mis amigas por otros beneficios. En el futuro también continuaría en el "métier" pero como otra forma de mimar a mis hijos.

Durante mi adolescencia siempre soñé con la Decoración. No con el simple concepto de "adorno" sino con la intención de ver a los objetos funcionando en perfecta armonía. Esa aspiración decantó y evolucionó con el tiempo. En el caso de las telas, por ejemplo, hoy las utilizo con otra estética más profunda y constructiva. Les dejo sus "flequillos", el "desgaste del tiempo" y su textura, así como veo tramas, tono y color con otra madurez.

El redescubrimiento de esta otra actividad me inspiró para ver el arte en nuevas dimensiones -por un lado, similares- pero, por otro, muy diferentes a la Cerámica.

Cada cambio de material agiliza la mente y despierta el alma. Las telas son el perfecto complemento de la arcilla. Por estar en las antípodas, poseen esa levedad y tersura que las hace especiales. Tanto en forma de collage como cosidas a mano o a máquina, intervengo sus tramas y colores en forma de una particular arquitectura.

Mis creaciones tienen esa impronta que nace a partir de una idea muchas veces invisible.

Dibujos gestuales que se "hilvanan" en forma de signos expresando un lenguaje revelador y personal.

"Gran mural de tela / Large Fabric Mural", 2016

Nicole confeccionando el mural rojo / Nicole Making the Red Mural", 2022

SR: ¿Cómo crees que influye o puede incidir el tiempo para con tus creaciones?

NV: En general, ante toda disciplina que practico, insisto en que "no hay que apurarse". El tiempo es otra medida abstracta que vale como la forma o el vacío.

Se deben respetar las etapas y dejar que la obra hable su propio idioma. En el arte toda "cosa" parte de una síntesis. Desde una imagen, como un signo volumétrico, un objeto o una escultura, se resume en un mismo problema básico.

A todo esto, se suma la simbología que vamos desplegando a lo largo de una vida. Geometría abstracta que se transforma en "personajes" imaginarios.

Mucho de ello proviene del gesto; esa impronta que llevamos dentro y que cada quien manifiesta de diferente manera.

"Mural en tissu / Tissue Mural", 2018.

El arte está en lo vivido y en lo que sueñas. Estas breves sucesiones que se van presentando día a día conformaron mi tránsito como artista. La vida me fue encauzando, desde las experiencias de niña con el barro en el campo, luego los primeros textiles hasta mis dibujos en el colegio Mater Dei de Bruselas. Ya de vuelta en Uruguay, hice mi primera pieza cerámica, con Ricardo, sentados al borde del pozo de casa (año 1982) un pequeño vaso sencillo, pero muy significativo.

Me casé muy joven y fuimos descubriendo juntos este camino que hoy es presente. Unos años más adelante (1985) bajo las directivas de Day Mán comencé un periplo de aprendizaje con el dibujo constructivo-disociado, mismo que luego trasladé a una pequeña pieza con engobe que hoy también valoro como a un objeto especial.

"Boceto para vasija (clases de Day Mán) / Sketch for Pot (Day Mán Classes)", 1986

"Cerámica 'pionera' (primera obra constructiva) /'Pioneering' ceramics (first constructive work)", 1988

Proyectos pasados presentes y futuros

SR: ¿Qué proyectos tienes pendientes?

NV: Desde que comenzamos esta cruzada en pos del arte hemos hecho innumerables exposiciones. Tanto las que fuimos impulsando en CEDARTES (nuestro Centro para el desarrollo del Arte Estructurado) hasta muestras individuales en Uruguay, Brasil y Francia. Además de las incontables colectivas del Taller, junto a nuestros alumnos, participamos en varios importantes encuentros en compañía de los grandes Maestros del TTG.

En mi caso particular expuse individualmente varias veces en diferentes sitios además de incluir mi obra en las galerías como "Sur" y de "Las Misiones".

Nos involucramos en la estética de varios desarrollos de hotelería como "Las Dunas" (2003) "Serena" (2004) Mantra (2007) Posada de los Pájaros (2010) y "Las Taperas" (2021). También en "Casa Pluna" (2010) y el "Establecimiento Juanicó" (2014). Desde 2022 formamos parte del acervo de obras de la Fundación Gurvich en donde participamos en eventos como el de "Este Arte Uruguay" (2022).

En cuanto al futuro, hace años concebí algunas esculturas de gran tamaño como la "Espiral de Vida" (que está en la "Posada de los pájaros" de "La Barra") o el "Árbol Simbólico" obra de acero que rodea un enorme cuarzo blanco. Pero aún tengo varios proyectos para obras monumentales (que yo denomino como esculturas "para andar") que siguen a la espera en el cajón de los bocetos. También nuevas ideas de fusión entre cerámica y otros materiales que espero hacer en algún momento.

"Espiral del vida / Spiral of Life" 2013

"Árbol de vida (acero y cuarzo blanco) / Tree of Life (Steel and White Quartz)", 2008

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Sobre los artistas mencionados:

Ricardo Pickenhayn Mazzoni: Guía en Movimiento

Daymán Antúnez: Wikipedia

Edgardo Ribeiro: [Recolección (CXLVI-1)]

Joaquín Torres-García:

[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)], [Arte perdido (X)], [Hermenegildo Sábat (Caricatura, Pintura)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]

José Luis "Tola"Invernizzi: [Ventanas (I)]

Pedro Gava: Contexto

Héctor Ignacio Gonçalvez Olmedo: Wikipedia

Pedro"Pichín" Pablo Peralta:

[Uruguayos (XXIII)], [Uruguayos (XXIV)], [Rinocerontes (LVII)], [Uruguayos (XXVI)], [Asonancias (XXVII)]

José Gurvich (Zusmanas Gurvicius): [Uruguayos IV], [Ventanas (III)]

Jorge Fernández Chiti: Website

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Ir a la Parte 2 / To Part 2

Muchas gracias, Nicole, por la entrevista y las imágenes.

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El artículo va en dos partes: la primera con texto en español e imágenes de la artista y su entorno, y la segunda en inglés con obras de diversos períodos creativos.

The article is in two parts: the first one with text in Spanish and images of the artist and her environment, and the second in English with works from different creative periods.

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Nicole Vanderhoeght Debrouwer

(San Carlos, Maldonado, Uruguay, 1964-)

"Nicole Vanderhoeght con su obra en Cedartes / With Her Works at Cedartes", 2018

Nicole Vanderhoeght has revitalized the concept of constructive ceramics from a personal point of view that has solid antecedents in the few experiences that were gestated through the guidelines wielded by the Catalan master Josep Collell in the Torres-García Workshop in the mid-twentieth century. The intention of creating, always, the unique piece, reinforces the old criterion of exalting the true numen of the object.

Artist and teacher Ignacio Olmedo commented on Nicole's career, noting that "from the very beginning, she has produced a coherent work, richly inventive and profuse experimentation. Preamble of a development without pauses, imbued with authentic aesthetic values".

Her art -vase, object, sculpture and mural-, is "a micro-universe where the happy and inspired proportions transmit balance and beauty, resorting to a wide range of resources: from the delicate, feminine and subtle, to the forceful rusticity". Therefore: "such ceramics, while nourished by the imprint of Torres García, bring sapience to personal terms as never done before."

Her creations have extrapolated from the realm of clay to incur -also- in other different disciplines. One of them is the "tissus" or murals made from fragments of sewn fabric. This other way of seeing is sometimes enhanced with iron sculpture, to form a subtle amalgam.

Nicole's work is appreciated by collectors all over the world and has two great monumental references in her "Constructive Tree" (made around a large white quartz stone) and the "Spiral of Life"; a mobile metallic construction located in the seaside resort of La Barra de Maldonado (Uruguay).

Introduction for the exhibition "Lights and Shadows" (2014)

Obras en el estudio / Works in the Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo.

Daughter of Belgian parents, she was born on May 26, 1964 in San Carlos, Department of Maldonado, Uruguay. The family settled in the rural town of "Los Ceibos". When she was seven years old, the whole family returned to Belgium where she discovered her first aptitude for art and decoration. In 1979 the family returned to Uruguay. In 1982 she married Ricardo Pickenhayn Mazzoni, who initiated her in ceramics and then in Constructive Art, sponsored by the friendship and support of Day Mán Antúnez first and Edgardo Ribeiro later, both co-founders of the Torres-García Workshop (TTG).

In 1983, together with her husband, she began the construction of today's "Ceramics and Structured Art Workshop", whose educational work is carried out in the San Carlos countryside. She has been teaching there uninterruptedly until today, training dozens of students, some of whom, including career plastic artists, have even traveled from the capital and abroad to attend the courses.

"Mural calado con luz / Openwork mural with light", 2016

In 1984, 1987 and 1991, his three children were born, Gabriel, Federico and Veronica, who inherited the artistic gifts of their parents. In addition to her founding activity in the workshop, between 1992 and 2002, she worked as a teacher in the rural school where, in front of several groups of children, she was able to conquer numerous prizes of children's art at a national level; always from a constructive point of view.

Nicole's works, vase, mural and sculpture, escape from the canons of the usual ceramics to manifest themselves with a diaphanous and pure style.

Her actions trace a new horizon of surrealist images that, in turn, are supported by the solidity of the structure.

She has exhibited periodically in multiple exhibitions both in the capital and in the interior of the country.

In 1996 she did it together with important figures such as Edgardo Ribeiro, José Luis "Tola" Invernizzi, Pedro Gava, Manolo Lima, Ignacio Olmedo, Pedro Peralta, and others, on the occasion of integrating the plastic artists of Maldonado in the space of the "National Book Fair". In 1998 she is invited to exhibit at the Mazzoni Museum in Maldonado as part of the tributes to the fiftieth anniversary of the death of Joaquín Torres-García. In 1999, she participates in the exhibition of resident artists of the department with constructivist formation or orientation and in September of the same year, she is part of the inaugural exhibition of the "Taller de la Galería Latina" of Punta del Este where several disciples of Master Edgardo Ribeiro take part. Simultaneously, he exhibits with Pickenhayn at the Meliá Hotel and shortly after, he takes part in two important events with members of the "Escuela del Sur".

"Máscaras esgrafiadas / Sgraffito Masks", 2015

During the summer of 2000, after inaugurating the first of the halls that will make up the CEDARTES complex, she shows her work along with the work of masters of Universal Constructive Art at the "Sur" Gallery. She is a protagonist in the art spaces of Susana Aramayo and the Ciudadela Gallery. And since the summer of 2003, his works are part of the permanent exhibition at the Serena Hotel in Punta del Este.

In May 2006 she travels to Europe where, besides being linked to the artistic movement of the land of his parents (Belgium), she visits the most important museums and galleries of Paris, Madrid and Barcelona.

In each of these art centers, she left a record of her career and established links with emblematic galleries, such as the Sala Dalmau in Barcelona and the Nery Mariño Gallery in Paris, which at the time hosted figures such as Picasso and Torres-García himself.

In that period she inaugurated, sharing space with her husband, a retrospective exhibition at the Casa de la Cultura de Maldonado and another individual exhibition at the Museo Mazzoni. In 2007 she took part, with Pickenhayn, in the ambitious project "Mantra-Art" in which the construction proposal for the large halls of the Mantra Hotel in Punta del Este was carried out. In January 2008, the couple accepted the challenge posed by an important mining company in Artigas to create art from the special quartz geodes, the so-called "Amethystos" project. This peculiar aesthetic experiment involves the realization of 23 unique sculptures that merge creativity with nature.

"Dama reclinada con trama sutil / Reclining Lady With Subtle Weave", 2004

In the summer of 2014 she exhibited at the Galería de las Misiones in José Ignacio (Maldonado) along with several members of the "Escuela del Sur". Then she would do it, with Pickenhayn, in the exhibition "Lights and Shadows" in Montevideo. At the same time, she formed the idea of taking structured art to the generous spaces of the emblematic Juanicó Winery. She also exhibited at the Laguna del Diario Art Space of Sylvia Poorth and Peter Bronner. She also showed her work at the Posada de los Pájaros in La Barra (where her large sculpture "Espiral de vida" was placed) and in several solo and group exhibitions in Maldonado.

In 2022 she participated in the stand of the Gurvich Foundation of "Este Arte" in Punta del Este. She also exhibits in the complex "Las Taperas del Valle Eden" and continues her participation in the galleries "Sur" and "de Las Misiones" as well as in Lilia Muñiz's space in the Peninsula.

"Vasija ahusada con engobe esgrafiado / Tapered vessel With Sgraffito Slipware", 2013

In her wide trajectory, Nicole develops a new structural conception that combines analysis with her peculiar spontaneous and gestural style. Her incessant creative zeal led her to devise different ways of looking at art, including ceramics, painting and her "tissus" (compositions, murals and sculptures, in sewn fabric) of very special workmanship. These creations escape from the traditional "collages" to enter into the purest essence of the feminine craft of cutting and sewing.

Vanderhoeght's work has aroused the interest of local and international collectors, and her work can be found in several countries, such as Uruguay, Brazil, Argentina, Spain, France, England, Switzerland, Belgium, Luxembourg and the United States. Her work is currently part of the collection of the "Legado del TTG (Legacy of Torres García Workshop)" at the Gurvich Foundation.

Interview by Shirley Rebuffo

Origins

Shirley Rebuffo: Tell us a little about your comings and goings in the hustle and bustle of life.

Nicole Vanderhoeght: I was born on May 26, 1964 in the city of San Carlos, department of Maldonado, Uruguay. This story began after the war, when my parents decided to leave their native Belgium to settle here and live a life farther away from the turmoil and the aftermath of that conflict that affected Europe so much. Both went through hard times during the occupation in their beloved city.

My family decided to come to Uruguay when they discovered this warm and quiet area, which is also close to the sea. They settled in the countryside, in the rural area of Los Ceibos. There, my parents were to create a self-sustaining farm. Everything was made at home: bread, butter, sweets and other exquisite products that came from the product of our work. We had farm animals and a small dairy that represented the main income. A vegetable garden was always well stocked, as well as the fruit trees that were the source of a delicious jelly that became famous in the region. From my point of view, it was a very happy experience.

"Pareja Constructiva / Constructive Couple", 2010

"Escultura vasiforme / Glass-Shaped Scultpure", 2020

Instances of life

SR: Do you think your life, somewhat removed from the big cities, has influenced the way you make your art?

NV: Living in the countryside makes you appreciate everything in a deeper way. Your senses are sharpened when you observe nature every day, recreating its cycles. The cold and the heat, the winds, the movement of the clouds; the animals, the plants and the insects. There the air is stronger; you step on the earth, touch the water and the wood of the trees. That is the reality, nothing was missing.

I remember playing barefoot in the mud and forming little people who were somehow my family. Sitting there, waiting for the next rain that would return them, like clay, to the riverbed.

En el estudio de Nicole / At Nicole's Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

At nightfall the lanterns made up for the lack of electricity. I see myself playing with small pieces of cloth and wool under that dim light in my mother's aromatic kitchen. Those were dreamy times and atmospheres.

I was here in Uruguay until I was seven years old.

All those experiences were marked inside me and undoubtedly emerge today, somehow, expressed as shapes, textures and colors, in my ceramic and textile works.

"Dama blanca con tragaluz / White Lady With Skylight", 2017

"Dama blanca disociada / Dissociated White Lady", 2014

Going and coming back

SR: Tell us about the comings and goings from Uruguay to Belgium.

NV: In the early seventies, first my brothers and then the rest of the family went back to Belgium. On the emblematic "Giulio Cesare" liner of the "C" line we traveled to that magical Barcelona that was the birthplace of Gaudi and Torres-Garcia, and then from there by train to Brussels.

In the blink of an eye my life changed. The wonderful trip, the discovery of the city, with its large and beautiful buildings, busy avenues, subways, modern vehicles, never seen by me and the privilege of being present in what many call "first world".

Now we could have electric lights, washing machines and color TV. Food would no longer "come out" of the ground; you only had to go to the modern supermarket where you could find already processed poultry, bottled dairy products and canned vegetables. Then I also discovered the wonderful Belgian chocolates!

En el estudio de Nicole / At Nicole's Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Suddenly, a brand new house and a modern automobile replaced our humble rural dwelling and the daily cart pulled by our mare "Ñata".

At first, despite the comforts, the change was difficult, but I quickly adapted. I had the opportunity to get to know other countries, with their incredible landscapes, cities, customs and huge museums, such as the African museum in Tervuren, the Flemish town where we settled. From its showcases, I was attracted by the aesthetics and that primitive symbolism of the south that would soon be identified with my own American homeland.

In 1979, after all this great experience, my parents and I returned to Uruguay.

"Vasija planiforme / Flat-Shaped Vessel", 2009

Again the transplant and its complications. I had built there a new life of study, surprises and friends, expressing myself between the French language and the complex Dutch.

We returned to a country that was just beginning to wake up from the sorrows of the dictatorship. The city of San Carlos still maintained that small-town profile of countrymen and horses tied to the tethering post.

Once again, we settled in the countryside; but this time my parents bought a piece of land that happened to be adjacent to the property where the man who would later become my husband, Ricardo Pickenhayn, lived. Then romance was born. We got married in 1982 and from then on our shared history began.

Constructive Family Life

SR: In the beginning, what were the difficulties of the trade and what memories do you have of your teachers?

NV: In the beginning it all started in our house "Micromundo (Microworld)" where we soon added the workshop that we built entirely with Ricardo.

"Mural cerámico sobre concreto / Ceramic Mural on Concrete", 2010

We had three children, also with plastic skills. That same love for art linked us with the teachers and their respective families; Day Mán Antúnez and his wife Adelina, with their children Lahiri and Yuktéswar, and Edgardo Ribeiro with Paquita and his beloved brother Alceu.

Day Mán always insisted on metaphysics and on never straying from the purest. "Sometimes the work is born from an instinct and sometimes from a more meditative process," he would say. Edgardo was more rational; he put our "feet on the ground" and above all taught us to "see".

Day Mán and later Ribeiro instilled in us a deep respect for the craft. The logic of their teachings was liberating. They frequently repeated to us concepts that came from Torres-García's own preaching: "You have to put your heart into art, but your mind and hands must act like a simple bricklayer who builds his work with skill and wisdom". They also emphasized that: "to really learn, you must always experiment and take risks".

"Dama blanca / White Lady" (Matías Doro)

SR: You have shared an artistic life, what were those beginnings like?

NV: With Ricardo we shared everything. From the austerity of starting from scratch to the hope of finding a destiny. We started together as ceramists, but then the materials each of us used changed. However, even though the trades vary, we draw from the same source. We are very different, but we have a common line. The interesting thing is that there is still a long way to discover.

As far as Constructive Universalism is concerned, the idea is to build a bridge between form and content. Many think that constructivism is another "ism" but this philosophy goes much further. It is a process in constant development. We, as continuators of this school, have the responsibility to make these teachings vibrate.

After such a long time, I have a lot of works and I hope I can continue intensely in this activity. I have plenty of ideas and desire.

En el estudio de Nicole / At Nicole's Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

SR: Are you excited to see the finished work? Why does the piece have a geometry that is reasoned from the constructive point of view and sometimes intermingles the indigenous? I think that achieving those finishes of engobe and opacity, in the final result, must be exciting.

NV: Many emotions. The fact of building is always a challenge. First the form, which can give life to an object, a sculpture or the development of a mural. In the case of decoration, it is never a simple ornament. Constructivism teaches you that each line or color is part of the whole.

That is why the geometry that you see in my works is directly related to the structure that supports the whole of its elements.

In both my ceramic and textile works I start with an idea to develop and along the way there can be changes within that construction.

I have ceramic works that are associated to what I do with fabrics and at the same time I conceive textile murals that end up inspiring my activity in clay.

"Vasija 'Pompeyana' /'Pompeyan' Vessel", 1995

These two expressions are the center of my work, so they are related and take ideas from one to the other.

When you are with your piece in the intimacy of the workshop, the experience is like that of two people talking to each other. A dialogue is established in communion. I like that duality of putting into the work what I feel or what it asks of me: in its own way, each form demands something.

That counterpoint of "you and me" is the moment I like the most.

"Mural constructivo superrealista / Super-realistic Constructive Mural", 2021

I try to make every realization a harmony with a pleasant reading and at the same time not just randomly thrown lines. There is a study and a lot of work behind each intuitive idea.

On the other hand, making a sculpture is somewhat more complex, although it is all part of the same thing.

"Escultura calada / Fretwork Sculpture", 2014 - "Primera dama / First Lady", 2008 (Pruznan)

Nature and Inspiring Proportions

SR: Does nature inspire you?

NV: Nature is a fundamental part of what I express in many of my works. In itself, clay is a living being that transforms itself and seeks its own meaning. At the same time, traces of entities that surround me appear in the drawing that I am tracing.

But beyond this super-realistic experience, I need the structure as a support to form a well-made plot.

The golden compass is a universal instrument that I use frequently and allows me to understand and explore the structure and measure that exists in all things. It establishes a harmonic composition and serves to reason that this entire cosmos is marked by a "Divine Proportion".

"Mural con estructura ondulada / Mural With Undulating Structure", 2014

Ultimately, each work starts from the same thing because all creativity is based on the support of a geometric construction. The three basic shapes: circle, square and triangle are the protagonists and in different ways they form symbolic languages. If we remove or add a part to each one, it becomes another and therefore such geometry (pure or intertwined) is devising new designs.

After so many years creating works, I find that happily there is no one like the other. Fortunately, inventiveness does not end. There are infinite possibilities. An inexhaustible spring. When I work on a sculpture like, for example, one of my "ladies" (that's what I call them) they are singular characters in their curves, movements and dissociations.

"Escultura femenina constructiva / Constructive Female Sculpture", 2021

"Vasija con engobe esgrafiado / Vessel With Sgraffito Slipware", 2012

Each figure always starts from something purer. For example, if I cut a cube by its golden section and move its parts, new facets appear. This is called: "dissociated". Dissociated is a subtle improvement of Constructive Universalism. Its creator was Day Mán Antúnez, our first mentor, who developed, at the beginning of the 60's, a singular exercise that Torres-García had outlined, improving in this way, the distribution of lines in the plane. In 1985 we began to apply this architecture to volume, supervised by the master himself, and we transferred it to sculpture, relief murals and objects. We also transmitted these advances to our students.

Materials

As far as ceramics is concerned, its main element is clay, which can contain different constitutions that translate into textures and colors. These properties become interesting at the moment of elaborating murals, sculptures or vessels. All clay is potentially usable, but it must be intervened to achieve a balance between "plastics and antiplastics".

Plasticity is given by its own condition of being, in its chemical form, a "hydrated alumina silicate". This universal material is combined with other elements - to varying degrees and to varying extents - that give strength to this flexibility.

There is a lot of work behind the potter's workshop. It is necessary to process hundreds of kilos of clay, let it rest for months, dose the drying in plaster sheets and finally knead it.

"Escultura vasiforme con engobe esgrafiado / Glass-Shaped Scultpure With Sgraffito Slipware", 2013

There is also the treatment of oxides and glazes, but especially slipware.

The slipware is an ancestral covering technique that achieves a perfect amalgam (interior-exterior). It is the diluted clay itself, which is in tune with the metallic oxides, thus giving a natural finish. Our American Indians were masters in its use, achieving a true imprint that extends from north to south.

In my case, I make the pieces entirely by hand from their base and the techniques are various. But I emphasize the conclusion of the slipware, which, according to an ancient tradition, is applied on the piece while it is still wet and then burnished to give it its characteristic satin sheen. Beyond our pre-Columbian America, slipware was the universal technique that united the main peoples of Antiquity, in Africa, Asia and the cradle of the Mediterranean.

En el estudio de Nicole / At Nicole's Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

I never tire of seeing the great continental work of our indigenous ancestors: creators of marvelous things. These spiritual peoples had their intrinsic art. Even today we can still read the content of their creations, which are still valid and we can learn from their workmanship and religiosity.

All ceramic work involves patience and dedication. When I am at it, I enter another plane that motivates my whole being and hours can pass despite the fatigue.

"Guerrero / Warrior", cerámica / ceramic, 1997

SR: Where do you get your favorite clay from? How do you feel when a piece comes out of the kiln? Have you had any surprises?

NV: Over the years, more than three decades, I have created pieces with different types of clays, many of which we extract here in Maldonado ourselves, or have them brought from deposits near the Yi River in Durazno.

Another important factor in the ceramic process is the firing; the moment when that substance that was once rock, dust and mud -by means of heat- manages to become a new crystalline, sonorous and lasting entity.

In the workshop we have made multiple experiences. From the initial ones, in sawdust ovens, to wood burning. Also exotic practices such as Raku (a technique that comes from the Far East). But it is more comfortable for us to use electric devices, which allow a more sustainable control in our daily tasks. They are safe, burn evenly and give us more time to make the most of our cooking time.

"Mural de personajes con textura / Textured Character Mural", 2007

We also have a wood-fired oven of the Roman type. From there, beautiful and unequaled works of art were created, but their complexity requires several hours of attention.

The ritual of the "burning" is an alchemical mystery. The works must first be dried and need to "breathe" before they are placed in the kiln. Then, the door closes in its last process. There is much expectation. The mystique begins.

"Mural en relieve / Mural in Relief", 2015

Sometimes there are surprises and the risk is always there. Colors and textures may vary depending on the temperature, but everything takes place within an expected range.

Finally the hour of the encounter arrives. That piece that you venerate and to which you have dedicated so much time reappears. Now, already baked, it will project the ideas and all your spirit as a letter to the future.

"Personaje con diseño / Character With Design", 2016

En el estudio de Nicole / At Nicole's Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Teaching

SR: Working as a teacher, what do you think is your contribution as an artist who models his practice?

NV: Ceramics has represented the most important thing in our lives. Because, beyond our own work and research as artists, we have developed it as a teaching activity.

It all began after the wedding, when we came to this Microworld where we constituted the epicenter of our actions. At the beginning of the 80's we started together this teaching work that extended from the workshop to the rural schools where I worked honorarily for a long period. Ricardo, for his part, did it in a curricular way in the San Carlos high school and in other institutions where he also gave lectures and conferences.

"Vaso plano con formas en armonía / Flat Glass With Harmonious Shapes", 2013

Because of our constructivist training that, as I mentioned, we inherited from our teachers Day Mán Antúnez and Edgardo Ribeiro and because of the link with the "Condorhuasi" Foundation of the beloved ceramologist Jorge Fernández Chiti, in Buenos Aires, we set ourselves the challenge of creating a special "Ceramic and Constructive Art Workshop". A singular research center, unique in its kind and with more than forty years of uninterrupted trajectory.

The fundamental premise of the workshop has always been to "open doors" so that everyone can find their own way. At the same time, it is essential to teach which are the guidelines to achieve a goal because, when applying these concepts, is when we really involve our whole being.

My first educational experiences were with children; in that magical moment of their formation. Then in the workshop we always share the teachings with the students. We work with ambitious challenges that involve the study of the structure and its application in space. The goal is always to be original and to get everyone to contribute their own ideas. A new work is born in the depths of the spirit, sometimes it is difficult to develop it, but with hard work and dedication it is achieved.

"Mural Primavera / Spring Mural", 2008

Textiles

SR: How did your work with textiles begin?

NV: In another order, but together with my passion for clay art, I developed another aesthetic manifestation: the one that refers to my work with fabrics.

The curiosity comes from my childhood when I used to create costumes and scenographies for my dolls. At home there was a "Singer" treadle sewing machine. My mother made clothes for us and my older sister taught me to sew, with the excuse that I made dresses to decorate that intimate childish world. An aunt brought me samples of fabric from a factory in Brussels with which I managed to make a particular collection of miniature costumes, which I exchanged with my friends for other benefits. In the future I would also continue in the "métier" but as another way to pamper my children.

"Mural 'tissú' abstracto / Abstract 'Tissu' Mural", 2020

During my adolescence I always dreamed of Decoration. Not with the simple concept of "ornament" but with the intention of seeing objects working in perfect harmony. This aspiration evolved and evolved over time. In the case of fabrics, for example, today I use them with a deeper and more constructive aesthetic. I leave them their "bangs", the "wear of time" and their texture, as well as I see weaves, tone and color with another maturity.

The rediscovery of this other activity inspired me to see art in new dimensions - on the one hand, similar - but, on the other hand, very different from Ceramics.

Each change of material quickens the mind and awakens the soul. Fabrics are the perfect complement to clay. Being at the antipodes, they have that lightness and smoothness that makes them special. Whether in the form of collage or sewn by hand or machine, I intervene their wefts and colors in the form of a particular architecture.

My creations have that imprint that is born from an often invisible idea.

Gestural drawings that are "threaded" in the form of signs expressing a revealing and personal language.

En el estudio de Nicole / At Nicole's Studio. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

SR: How do you think time influences or can influence your creations?

NV: In general, in every discipline I practice, I insist that "one should not hurry". Time is another abstract measure that is as valid as form or emptiness.

One must respect the stages and let the work speak its own language. In art, every "thing" starts from a synthesis. From an image, such as a volumetric sign, an object or a sculpture, it is summarized in the same basic problem.

To all this, we add the symbology that we deploy throughout a lifetime. Abstract geometry that is transformed into imaginary "characters".

Much of it comes from the gesture; that imprint that we carry inside and that everyone manifests in different ways.

Art is in what you live and in what you dream. These brief successions that are presented day by day shaped my transit as an artist. Life was channeling me, from my experiences as a child with clay in the countryside, then the first textiles to my drawings at the Mater Dei School in Brussels. Back in Uruguay, I made my first ceramic piece, with Ricardo, sitting on the edge of the well at home (1982), a small, simple but very significant vase.

I married very young and we were discovering together this path that today is present. A few years later (1985) under the guidance of Day Mán I began a learning journey with constructive-dissociated drawing, which I later transferred to a small piece with engobe that today I also value as a special object.

"Vasija con símbolos en franjas de color / Vessel With Symbols in Colored Stripes", 2013

SR: What projects do you have pending?

NV: Since we started this crusade in pursuit of art, we have made countless exhibitions. From the ones we promoted at CEDARTES (our Center for the Development of Structured Art) to individual exhibitions in Uruguay, Brazil and France. In addition to the countless collective exhibitions of the Workshop, together with our students, we participated in several important meetings in the company of the great Masters of the TTG.

In my particular case I exhibited individually several times in different places besides including my work in galleries such as "Sur" and "Las Misiones".

We were involved in the aesthetics of several hotel developments such as "Las Dunas" (2003) "Serena" (2004) Mantra (2007) Posada de los Pájaros (2010) and "Las Taperas" (2021). Also in "Casa Pluna" (2010) and "Establecimiento Juanicó" (2014). Since 2022 we are part of the collection of works of the Gurvich Foundation where we participate in events such as "Este Arte Uruguay" (2022).

As for the future, years ago I conceived some large sculptures such as the "Spiral of Life" (which is in the "Posada de los pájaros" in "La Barra") or the "Symbolic Tree" steel work that surrounds a huge white quartz. But I still have several projects for monumental works (which I call sculptures "to walk") that are still waiting in the drawer of the sketches. Also new ideas of fusion between ceramics and other materials that I hope to do at some point.

"Nicole construyendo una escultura vasiforme / Building a Glass-Shaped Scultpure", 2022

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About mentioned artists:

Ricardo Pickenhayn Mazzoni: Guía en Movimiento

Daymán Antúnez: Wikipedia

Edgardo Ribeiro: [Recolección (CXLVI-1)]

Joaquín Torres-García:

[Uruguayos (XII)], [Aniversarios (XXVII)], [Arte perdido (X)], [Hermenegildo Sábat (Caricatura, Pintura)], [Recolección (CXLVI-1)], [Ventanas (III)]

José Luis "Tola" Invernizzi: [Ventanas (I)]

Pedro Gava: Contexto

Héctor Ignacio Gonçalvez Olmedo: Wikipedia

Pedro "Pichín" Pablo Peralta:

[Uruguayos (XXIII)], [Uruguayos (XXIV)], [Rinocerontes (LVII)], [Uruguayos (XXVI)], [Asonancias (XXVII)]

José Gurvich (Zusmanas Gurvicius): [Uruguayos IV], [Ventanas (III)]

Jorge Fernández Chiti: Website

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Ir a la Parte 1 / To Part 1

Thanks a lot, Nicole, for the Interview and images.

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Uruguayos / Uruguayans (LXII) - Diego Píriz [Pintura, Entrevista / Painting, Interview]

Uruguayos / Uruguayans (LXIII-1) - Uri Negvi [Pintura / Painting]

Uruguayos / Uruguayans (LXIII-2) - Uri Negvi [Pintura / Painting]

Uruguayos / Uruguayans (LXIV) - Álvaro Gutiérrez Spangenberg [Pintura / Painting]

Natalia Deyanova [Pintura, entrevista / Painting, Interview]

Uruguayos / Uruguayans (LXV) - Yvonne D'Acosta [Pintura, instalaciones, entrevista / Painting, Installations, Interview]

Uruguayos / Uruguayans (LXVI) - Carmela Piñón [Pintura, entrevista / Painting, Interview]

Asonancias / Assonances (XLIII) - Atlantes

Uruguayos / Uruguayans (LXVII-1) - Rodolfo Torres (I) [Collage, Entrevista / Interview]

Uruguayos / Uruguayans (LXVII-2) - Rodolfo Torres (II) [Collage, Entrevista / Interview]

Mariko Kusumoto [Escultura, Textiles / Sculpture, Textiles]

Uruguayos / Uruguayans (LXVIII) - Mane Gurméndez [Papel calado, escultura, entrevista / Fretwork Paper, Sculpture, Interview]

Recolección / Compilation (CLXXIV) - Dibujos y grabados de perros (s.XVI-XIX) / Drawings and Engravings of Dogs (16th-19th Centuries)

Uruguayos / Uruguayans (LXIX) - Verónica Cestau [Pintura, Entrevista / Painting, Interview]

Warren King [Escultura / Sculpture]

Rodolfo Medina [Fotografía, Entrevista / Photography, Interview]

Once años / Eleven Years

Adiós / Goodbye [2022-1] (Enero-Junio / January-June)

Uruguayos / Uruguayans (LXX-1) - Nicole Vanderhoeght [Cerámica, textiles, entrevista / Ceramic, Textiles, Interview]

Uruguayos / Uruguayans (LXX-2) - Nicole Vanderhoeght [Cerámica, textiles, entrevista / Ceramic, Textiles, Interview]