El Hurgador [Arte en la Red]

Muchos artistas han fallecido este año. Nuestro recuerdo para todos ellos...

Many artists have passed away this year. Our remembrance for all of them ...

Diciembre / December

31 Herbert "Herb" D. Snitzer (90, 1932) fotógrafo estadounidense / American photographer

31 Kim Jung-man (김중만) (68, 1954) fotógrafo surcoreano / South Korean photographer

28 Michelantonio Celestino Onofrio "Tony" Vaccaro (100, 1922) fotógrafo estadounidense / American photographer

28 Jess Eugene DuBois (88, 1934) artista estadounidense de vidrio soplado y escultura /

American artist of glassblowing and sculpture

27 Giorgio Salmoiraghi (86, 1936) pintor italiano / Italian painter

27 Cervin Robinson (94, 1928) fotógrafo y autor estadounidense / American photographer and author

27 John Grazier (76, 1946) pintor estadounidense / American painter

26 Dorothy Iannone (89, 1933) artista visual estadounidense / American visual artist

24 Harriet Irène Elisabeth K:son Ullberg (nac. H.I.E.Karlsson) (92, 1903) pintora sueca / Swedish painter

24 John Howard Sanden (87, 1935) pintor retratista, ilustrador y diseñador estadounidense /

American portrait artist, illustrator, and designer

22 Concha (Conxa) Ibáñez Escobar (93, 1926) pintora y escritora española / Spanish painter and writer

21 Franz Gertsch (92, 1930) pintor suizo / Swiss painter

20 María de la Concepción "Maya" Widmaier-Picasso (87, 1935) curadora de arte francesa / French art curator

19 Alexander "Alex" Ivanovich Rodin (Аляксандр Іванавіч Родзін) (75, 1947) pintor bielorruso /

Belarusian painter

19 Jason Pearson (52, 1970) artista de comic y escritor estadounidense /

American comic book artist and writer

17 Philip Martin Pearlstein (98, 1924) pintor estadounidense / American painter

15 Eduardo Pelegrín Martínez de Pisón "Calpurnio" (63, 1959) artista de comic e ilustrador español /

Spanish comics artist and illustrator

13 Sylvester Mubayi (80, 1942) escultpr de Zimbabue / Zimbabwean sculptor

12 Jacqueline Stanley (94, 1928) pintora irlandesa / Irish painter

12 Josef Schagerl (99, 1923) escultor austríaco / Austrian sculptor

Josef Schagerl

El artista / The Artist. Foto / Photo: Wiener Zeitung

"Bär / Oso / Bear", piedra artificial / artificial stone, 1953-54.

Landstraßer Hauptstr 92-94 - Neulinggasse (Wien, Österreich / Viena / Vienna, Austria)

Foto / Photo: Herbert Josl. Wikimedia Commons

12 Gosaku (Junichi) Ota (桜多吾作) (74, 1948) artista de manga japonés / Japanese manga artist

11 Wolf Erlbruch (74, 1948) ilustrador y escritor alemán / German illustrator and write

09 Fredrick Terna (99, 1923) pintor estadounidense nacido en Austria / Austrian-born American painter

09 Judith Lauand (100, 1922) pintora y grabadora brasileña / Brazilian painter and printmaker

08 Lee Sharp Lorenz (90, 1932) caricaturista y editor estadounidense / American cartoonist and editor

08 Aldona Gustas (90, 1932) poeta e ilustradora lituano-germana / Lithuanian-German poet and illustrator

07 Ronald Sherr (70, 1952) pintor estadounidense / American painter

07 Manohar Devadoss (86, 1936) artista visual y escritor indio / Indian visual artist and writer

05 Eduard Ovčáček (89, 1933) artista gráfico, escultor, Letrista, pintor y profesor checo /

Czech graphic artist, sculptor, Lettrist, painter, and professor

05 František Dostál (84, 1938) fotógrafo checo / Czech photographer

04 Gino Scarpa (98, 1924) pintor, escultor y grabador noruego nacido en Italia /

Italian-born Norwegian painter, printmaker and sculptor

04 Antonio Recalcati (84, 1938) pintor y escultor italiano / Italian painter and sculptor

03 Ann MacIntosh Duff (97, 1925) acuarelista canadiense / Canadian watercolorist

02 Duncan Robinson (79, 1943) historiador del arte y académico británico / British art historian and academic

Noviembre / November

30 Ashley Bickerton (63, 1959) artista de técnicas mixtas estadounidense nacida en Barbados /

Barbadian-born American mixed-media artist

30 Federico Silva (99, 1923) pintor y escultor mexicano / Mexican painter and sculptor

29 Pierluigi Cerri (83, 1939) arquitecto, curador y diseñador gráfico italiano /

Italian architect, curator and graphic designer

29 Aline Kominsky-Crumb (Aline Goldsmith) (74, 1948) historietista y pintora estadounidense /

American cartoonist and painter

28 Trevor Thomas "Tom" Phillips (85, 1937) pintor, grabador y collagista estadounidense /

American painter, sculptor and collagist

27 Henry Grossman (86, 1936) fotógrafo estadounidense / American photographer

27 Audrey Lily Eagle (nac. Brodey) (97, 1925) ilustradora botánica neozelandesa /

New Zealand botanical illustrator

27 Elena Xausa (38, 1984) ilustradora italiana / Italian illustrator

26 Daniel Brush (75, 1947) pintor, escultor y joyero estadounidense / American painter, sculptor and jewele

24 Mimi Kilgore (87, 1935) mecenas de las artes estadounidense / American arts patron

23 José Ruy Matias Pinto (92, 1930) artista de comic portugués / Portuguese comic book author

23 Joyce Anderson (90, 1932) pintora y profesora canadiense / Canadian painter and art teacher

22 Vic Carrabotta (93, 1929) artista de comic estadounidense / American comic book artist

18 Myriam Cliche (61, 1961) poeta, ilustradora, artesana y lingüista canadiense /

Canadian poet, illustrator, poet, and linguist

17 Bert Seabourn (91, 1931) pintor estadounidense / American painter

16 Francisco Laranjo (67, 1955) pintor portugués / Portuguese painter

12 Claude Perchat (70, 1952) diseñador gráfico e ilustrador francés / French graphic designer and illustrator

12 Hideo Haga (芳賀日出男) (101, 1921) fotógrafo japonés / Japanese photographer

12 Pierre Fournier, 72, 1949) escritor de libros de comic, artista y editor canadiense /

Canadian comic book writer, artist, and publisher

11 Joan Vila i Grau (90, 1932) pintor y artista de vitrales español / Spanish painter and stained-glass artist

11 Claudius de Cap Blanc (69, 1953) escultor francés / French sculptor

10 Hervé Télémaque (85, 1937) pintor francés nacido en Haití / Haitian-born French painter

Hervé Télémaque

"Fonds d’actualité, n°1 / Cuestiones de fondo Nº1 / Substantive Issues, no. 1"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 9' 8"× 12' 3", 2002. Foto / Photo: Artforum

El artista / The Artist: Foto / Photo: Artnews

10 Agustín Hernández Navarro (98, 1924) arquitecto y escultor mexicano / Mexican architect and sculptor

09 Carlos Pacheco (60, 1961) historietista español / Spanish comics artist

08 Lee Bontecou (91, 1931) escultora estadounidense / American sculptor

07 Jan Jacob Vermaat (83, 1939) escultor y dibujante holandés / Dutch sculptor and draughtsman

07 Brian O’Doherty (94, 1928) crítico de arte, escritor, artista visual y académico irlandés /

Irish art critic, writer, visual artist, and academic

06 Don Orehek (94, 1928) caricaturista e ilustrador estadounidense / American cartoonist and illustrator

05 Ivan Kenneth Eyre (87, 1935) pintor canadiense / Canadian painter

04 Sidney F. Mobell (96, 1926) artista y filántropo estadounidense / American artist and philanthropist

03 Lois Jeanette Curtis (55, 1967) artista y activista por los derechos de los discapacitados estadounidense /

American artist and disability rights activist

02 Nicholas Harding (66, 1956) pintor australiano nacido en Inglaterra / English-born Australian painter

01 Vijayakumar Menon (76, 1945/46) crítico de arte, escritor y traductor indio /

Indian art critic, writer and translator

01 John Raymond Henry (79, 1943) escultor estadounidense / American sculptor

01 George Booth (96, 1926) historietista estadounidense / American cartoonist

Octubre / October

28 Neel Pawan Baruah (también Nilpawan Baruah) (নীলপৱন বৰুৱা)(86, 1936) intor indio / Indian painter

27 Rodney Darrell Peppé (88, 1934) autor e ilustrador británico / British author and illustrator

25 Pierre Jean Louis Germain Soulages (102, 2019) French visual artist

26 Hsu Yung Chin (徐永進) (70, 1951) calígrafo taiwanés / Taiwanese calligrapher

26 Lu Shengzhong (吕胜中) (70, 1952) artista chino del papel recortado / Chinese paper cut artist

24 Laila Shawa (ليلى الشوا) (82 , 1940) artista visual palestino / Palestinian visual artist

24 Yuri Oleksandrovich Kosin (Косін Юрій Олекса́ндрович) (74, 1948)

fotógrafo ucraniano / Ukrainian photographer

23 Walter Gaudnek (91, 1931) artista y profesor alemán / German artist and professor

22 William Rodney Graham (73, 1949) artista visual y músico canadiense / Canadian visual artist and musician

22 John Blackburn (90, 1932) pintor abstracto británico / British abstract painter

21 Peter Charles Schjeldahl (80, 1942) crítico de arte estadounidense / American art critic

17 Angelo Venosa (68, 1954) escultor brasileño / Brazilian sculptor

17 Jagoda Buić (92, 1930) artista visual croata / Croatian visual artist

16 Jüri Arrak (85, 1936) pintor estonio / Estonian painter

14 Alfredo Chiappori (79, 1943) historietista italiano / Italian cartoonist

12 Harold Garde (99, 1923) pintor estadounidense / American painter

12 Joan Elizabeth Fear (nac. Gibbiso) (90, 1932) pintora neozelandesa / New Zealand painter

10 Freddy Rodríguez (77, 1945) pintor estadounidense nacido en República Dominicana /

American painter born in Dominican Republic

10 Fred Thomas Martin (95, 1927) artista, escritor y educador estadounidense /

American artist, writer and educator

09 Silke Otto-Knapp (52, 1970) pintora alemana / German painter

Silke Otto-Knapp

La artista / The Artist. Foto / Photo: Newsroom

"Grupo (Moviéndose) / Group (Moving)", acuarela sobre tela montada sobre madera /

watercolor on canvas mounted on wood, 150 x 300 cm., 2019

Musée d'art moderne Grand-Duc Jean (Luxemburgo)

Foto / Photo© Evan Bedford. Cortesía / Courtesy Regen Projects, Los Angeles

09 Samarjit Roy Chowdhury (85, 1937) pintor de Bangladesh / Bangladeshi painter

08 Angus Alexander Geoffrey Trumble (58, 1964) curador e historiador del arte australiano /

Australian art curator and historian

08 Billy Al Bengston (88, 1934) artista visual y escultor estadounidense / American visual artist and sculptor

08 Brígida Baltar (62, 1959/60) artista visual brasileña / Brazilian visual artist

07 Fernando González Gortázar (79, 1942) arquitecto, escultor y escritor mexicano /

Mexican architect, sculptor and writer

06 John-Erik Franzén (80, 1942) artista y pintor suizo / Swedish artist and painter

04 Felicitas Kuhn (96, 1926) ilustradora de libros infantiles austríaca / Austrian children's book illustrator

03 Nicolas Tikhobrazoff (76, 1946) pintor y locutor de radio francés / French painter and radio host

03 Kim Jung Gi (김정기) (47, 1975) ilustrador y artista de comic surcoreano /

South Korean illustrator and comics artist

02 Allan Porter (88, 1934) fotógrafo y editor de revistas suizo-estadounidense /

American-Swiss photographer and magazine editor

02 Eamonn McCabe (74, 1948) fotógrafo británico / British photographer

02 Douglas Morley Kirkland (88, 1934) fotógrafo canadiense-estaodounidense /

Canadian-American photographer

01 John Boxtel (92, 1930) escultor y profesor de arte holandés-canadiense /

Dutch-Canadian sculptor and art teacher

Septiembre / September

30 Outi Marjatta Heiskanen (85, 1937) artista gráfica finesa / Finnish graphic artist

28 Mario Algaze (75, 1947) fotógrafo y fotoperiodista cubano-estadounidense /

Cuban-American photographer and photojournalist

27 Vincent Deporter (63, 1959) artista de comic y animador belga / Belgian comic book artist and animator

26 Brian Catling (73, 1948) escultor, poeta, novelista, cineasta, y artista de performance británico /

British sculptor, poet, novelist, film maker and performance artist

25 Elena Vladimirovna Elagina (Елена Владимировна Елагина) (73, 1949) artista conceptual rusa /

Russian conceptual artist

25 Gürkan Coşkun "Komet" (81, 1941) pintor y poeta turco / Turkish painter and poet

21 François Corteggiani (69, 1953) artista de comic francés / French comics artist

21 Thomas Earl "Tom" Benner (72, 1950) escultor y pintor canadiense / Canadian sculptor and painter

19 Valerie Jean Maynard (85, 1937) escultora, maestra, grabadora y diseñadora estadounidense /

American sculptor, teacher, printmaker, and designer

17 Isami Ishii (石井いさみ) (80, 1941) artista de manga japonés / Japanese manga artist

16 Loïc Raguénès (54, 1968) pintor francés / French painter

14 Jack Brogan (92, 1930) fabricante de arte estadounidense / American art fabricator

13 Toshiko Taira (平良敏子) (101, 1921) artista textil japonesa / Japanese textile artist

13 Roxanne Elizabeth Lowit (80, 1942) fotógrafa de moda estadounidense / American fashion photographer

11 Sonia Handelman Meyer (102, 1920) fotógrafa estadounidense / American photographer

11 Roger Bamber (78, 1944) fotoperiodista británico / British photojournalist

10 William Klein (96, 1926) fotógrafo, director de cine y guionista francés nacido en Estados Unidos /

American-born French photographer, film director, and screenwriter

10 Eric Jones (51, 1971) artista del comic estadounidense / American comic book artist

08 Jens Birkemose (79, 1943) pintor danés / Danish painter

Jens Birkemose

"Komposition / Composición / Composition", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 46 cm., 1982

Foto / Photo: Dansk Kunstgalleri

El artista / The Artist. Foto / Photo: Gallery Channel. facebook

07 Emanoel Alves de Araújo (81, 1940) artista, curador, museólogo e intelectual brasileño /

Brazilian artist, curator, museologist and intellectual

05 Virginia Dwan (90, 1922) coleccionista de arte y mecenas de las artes estadounidense /

American art collector and patron

04 Isolde Schmitt-Menzel (92, 1930) diseñador, autor, ilustrador, grafista y ceramista alemán /

German designer, author, illustrator, graphist, and ceramist

04 Arthur Spark "Art" Rosenbaum (83, 1938) artista visual, músico, folclorista y educador estadounidense /

American visual artist, musician, folklorist, and educator

04 Wes Freed (58, 1964) artista outsider estadounidense / American outsider artist

04 Elias Zayat (87, 1935) pintor, profesor y restaurador de arte sirio / Syrian painter, teacher, art restorer

03 Alarico Gattia (94, 1927) artista de comic e ilustrador italiano / Italian comic artist and illustrator

03 Eva Elisabeth Børresen (101, 1920) ceramista noruego nacido en Alemania /

German-born Norwegian ceramist

01 Diane Robin Noomin (nac. Rosenblatt) (75, 1947) caricaturista y editora estadounidense /

American cartoonist and editor

Agosto / August

30 Arthur Secunda (94, 1927) pintor, escultory grabador estadounidense /

American painter, sculptor, and printmaker

30 Romana Rotterová (91, 1931) grabadora, escultora, artista textil, ilustradora y poeta checa

Czech printmaker, sculptor, textile artist, illustrator and poet

29 Melvin Sokolsky (88, 1933) fotógrafo y director de cine estadounidense /

American photographer and film director

28 Frank Webb (94, 1927) acuarelista estadounidense / American watercolor painter

28 Stefan Arczyński (106, 1916) fotógrafo polaco nacido en Alemania / German-born Polish photographer

25 Fermín Hontou del Portillo (Ombú) (65, 1956) dibujante ilustrador y caricaturista uruguayo /

Uruguayan draftsman, illustrator, and caricaturist

24 Lily Renée Phillips (nac. Willheim), 101, 1921) artista de comic estadounidense nacida en Austria /

Austrian-born American comic book artist

24 Timothy John "Tim" Page (78, 1944) fotógrafo anglo-australiano / English-Australian photographer

24 Charles Baker "Charlie" Finch Jr., 68, 1953) crítico de arte / American art critic

22 Katinka Mann (97, 1925) artista y escultora estadounidense / American artist and sculptor

22 Frederick George "Fred" Lyon, Jr. (97, 1924) fotógrafo estadounidense / American photographer

22 Adnan Çoker (94, 1927) pintor turco / Turkish painter

21 MacGregor Harp (41, 1981) artista y galerista estadounidense / American artist and gallerist

21 Oliver Frey (74, 1948) artista visual suizo / Swiss visual artist

19 Harold Stephen Chapman (95, 1927) fotógrafo británico / British photographer

18 Tom Palmer (81, 1941) artista de comic estadounidense / American comic book artist

16 Bachir Yellès (بشير يلس) (100, 1921) pintor argelino / Algerian painter

15 Tsuneko Sasamoto (笹本恒子) (107, 1914) fotoperiodista japonesa / Japanese photojournalist

15 Brian O'Connor (64, 1958) artista visual estadounidense / American visual artist

Brian O'Connor

"Dormir / Sleep", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 69"

Foto / Photo: Brian O'Connor Website

15 Irvin "Muskie" Robert Head (66, 1956) escultor indígena canadiense / Canadian Indigenous sculptor

14 Dmitri Vladimirovich Vrubel (Дмитрий Владимирович Врубель) (62, 1960) pintor ruso / Russian painter

14 Stefan Gierowski (97, 1922) pintor y artista de vanguardia polaco / Polish painter and avant garde artist

13 Claude Salhani (70, 1952) fotógrafo egipcio / Egyptian photographer

12 Amparo "Amparín" Serrano (56, 1965) diseñadora gráfica mexicana / Mexican graphic designer

12 Natalia LL (Lach-Lachowicz) (85, 1937) fotógrafa polaca / Polish photographer

12 Marga Palau i Bosch (88, 1934) artista visual hispano-mexicana / Mexican-Spanish visual artist

11 Morgan Andrew Taylor (52, 1969) ilustrador estadounidense / American illustrator

11 Jean-Jacques Sempé (89, 1932) historietista francés / French cartoonist

10 Lawney Reyes (91, 1931) artista Sin-Aikst estadounidense / American Sin-Aikst artist

09 Raymond Redvers Briggs (88, 1934) ilustrador, caricaturista, novelista gráfico y autor inglés /

English illustrator, cartoonist, graphic novelist and author

09 Ian McCausland, (77, 1944) artista visual australiano / Australian visual artist

09 Jane McAdam Freud (64, 1958) escultora británica / British sculptor

04 Agustín Drake Aldama (87, 1934) escultor cubano / Cuban sculptor

02 Velichko Minekov (Величко Минеков) (93, 1928) escultor búlgaro / Bulgarian sculptor

02 Jerry W. Holbert, 63, 1958) caricaturista político estadounidense / American political cartoonist

Julio / July

31 Iimura Takahiko (飯村隆彦) (85, 1937) cineasta y artista plástico japonés / Japanese filmmaker and fine artist

31 Carole Caroompas (76, 1946) pintora estadounidense / American painter

Carole Caroompas

"Antes y después de Frankenstein: La mujer que sabía demasiado: Vigilia a pie de cama /

Before and After Frankenstein: The Woman Who Knew Too Much: Bedside Vigil"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 108" x 120", 1992. Cortesía / Courtesy Western Project.

Foto / Photo: Hyperallergic

La artista / The artist. Foto / Photo: Artillery Magazine

29 Mary Obering (85, 1937) pintora estadounidense / American painter

28 Pauline Bewick (86, 1935) artista e ilustradora inglesa nacida en Irlanda /

Irish-born English artist and illustrator

25 Irina Ionesco (91, 1930) fotógrafo francés / French photographer

25 Jennifer Bartlett (nac. Losch) (81, 1941) artista visual estadounidense / American visual artist

23 Sid Jacobson (92, 1929) escritor de libros de comic / American comic book writer

23 Paul Coker (93, 1929) ilustrador estadounidense / American illustrator

22 Nelson Stevens (84, 1938) pintor y dibujante estadounidense / American painter and draftsman

21 Perry Rubenstein (68, 1954) galerista estadounidense / American gallerist

20 Alan Grant (73, 1949) escritor de comic escocés / Scottish comic book writer

18 Claes Oldenburg (93, 1929) escultor sueco-estadounidense / Swedish-American painter and sculptor

15 Howard N. Watson (93, 1929) acuarelista, ilustrador y profesor estadounidense /

American watercolor painter, illustrator and professor

15 Lourdes Grobet Argüelles (81, 1940) fotógrafa mexicana / Mexican photographer

14 Erica Pedretti (nac. Schefter) (92, 1930) autora y artista suiza / Swiss author and artist

14 Thomas Harry Kapsalis (97, 1925) pintor, escultor y educador estadounidense /

American painter, sculptor and educator

09 Matthew Warren "Matt" King (37, 1984) artista visual estadounidense / American visual artist

07 R. C. Harvey (85, 1937) historietista e historiador del comic estadounidense /

American cartoonist and comics historian

05 Annalisa "Lisetta" Carmi (98, 1924) fotógrafa italiana / Italian photographer

04 Kazuki Takahashi (高橋一雅) (60, 1961) artista de manga japonés / Japanese manga artist

04 Bailey Doogan (80, 1941) pintor estadounidense / American painter

03 Leandro Soto Ortiz (66, 1956)

artista multidisciplinar, visual, de instalaciones y performances cubano-estadounidense /

Cuban-American multidisciplinary visual/installation and performance artist

02 Joseph Patrick O'Sullivan (Spider Webb) (78, 1944) artista del tatuaje estadounidense /

American tattoo artist

01 David Lloyd Blackwood (80, 1941) artista gráfico canadiense / Canadian graphic artist

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Fallecimientos en años anteriores / Deaths in previous years

2019 - 2020 - 2021(1-6)(7-12) - 2022(1-6)

Más unicornios gordos para nuestra querida colección. En esta oportunidad el artículo se centra principalmente en pintura, y en una nueva aproximación a la famosa rinoceronte Clara a través de la obra de Pietro Longhi, en otra versión, y algunas reinterpretaciones de la misma realizadas por otros artistas europeos y americanos. Especial presencia de Italia, fuente inagotable de producción iconográfica relacionada con estos maravillosos paquidermos.

More fat unicorns for our beloved collection. This time the article focuses mainly on painting, and on a new approach to the famous rhinoceros Clara through the work of Pietro Longhi, in another version, and some reinterpretations of it made by other European and American artists. Special presence of Italy, inexhaustible source of iconographic production related to this marvelous pachyderms.

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Luigi Serafini

(Roma, Italia / Rome, Italy, 1949-)

"Rinoceronti in gabbia / Rinocerontes enjaulados / Caged Rhinos"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 62 cm., 1982

Colección / Collection Mr Emilio Gargioni (Italia / Italy)

El mismo diseño de los rinocerontes, uno asomando bajo la piel del otro, aparece también en el "Codex Seraphinianus", obra también de Serafini, publicado previamente en el capítulo XLV de la serie.

The same design of rhinos, one peeking out from under the skin of the other, appear also in the "Codex Seraphinianus", also a work by Serafini, posted previously in the chapter XLV of this series.

Luigi Serafini en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (XLV)]

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John Mercer Wesley

(Los Ángeles, California, EE.UU./ LA, CA, USA, 1928-)

"Sueño de unicornios, de 11 Artistas Pop, Volúmen III /

Dream of Unicorns, from 11 Pop Artists, Volume III"

Serigrafía, de una carpeta de diez serigrafías y una litografía /

screenprint from a portfolio of ten screenprints and one lithograph, 1965, publicado / published 1966

Museum of Modern Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

John Wesley en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XXXV-Anexo-II)]

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Nilson Miqueas Rosas Mares

(Panamá, 1983?-)

"Rinoceronte negro / Black Rhino", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas. Artelista

La única información disponible del creador de esta obra es la que aparece en su perfil de Artelista, en la que declara tener 25 años (supongo que al momento de su alta en el sitio web, en 2008) y ser un panameño autodidacta en lo que al arte respecta.

The only information available about the creator of this work is what appears in his Artelista profile, in which he declares to be 25 years old (I guess at the time of his registration in the website, in 2008) and a self-taught Panamanian as far as art is concerned.

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Adriano Pompa

(Roma, Italia / Rome, Italy, 1965-)

Adriano Pompa con cabeza de rinoceronte / with Rhino Head. facebook

"Testa di rinoceronte / Cabeza de rinoceronte / Head of a Rhino"

Terracotta vidriada / glazed terracotta, 80 x 60 x 40 cm.

Adriano Pompa hijo de Gaetano Pompa (pintor y escultor) y Dorothee Leendertz (fotógrafa), nació en Roma en 1965.

Tras terminar el bachillerato, se matriculó en la Facultad de Agricultura de Perugia, donde maduró la convicción y la decisión de seguir una carrera artística y seguir los pasos de su padre Gaetano. A finales de 1984, su padre le animó a quedarse en su taller de Roma, donde trabajaría durante cuatro años. Así perfeccionó la técnica del óleo sobre lienzo muy velado, la gráfica y la escultura, frecuentando principalmente los talleres de los artesanos que producían las obras de su padre. El periodo de aprendizaje en el taller concluyó con una exposición con su padre en la Galleria Rondanini de Roma en el '89, presentada por Vittorio Sgarbi. A principios de los 90 se traslada a Milán y en este contexto desarrolla cada vez más la convicción de que la pintura (y sobre todo el dibujo) tienen el poder de descifrar y expresar una posición atávica y única frente al mundo, una clara revelación de la fundamentalidad de una capacidad manual y artesanal para describir una visión, un pensamiento. La pintura y, sobre todo, el dibujo, siguen siendo el "medio expresivo y descriptivo" preferido de Adriano Pompa.

Monclassico

"Monumento al Rinoceronte / Monument to Rhinoceros", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 35 cm., 1989

Colección de / Collection of Mr Emilio Gargioni (Italia / Italy). Rhino Resource Center

"Rinoceronte con testa volante (Aspetto del grande animale) /

Rinoceronte con cabeza volante (Aspecto del gran animal) /

Rhino With Flying Head (Appearance of the Great Animal)"

Óleo con pan oro sobre tela / oil with gold leaf on canvas, 80 x 100 cm. facebook,

Adriano Pompa was born in Rome in 1965, the son of Gaetano Pompa (painter and sculptor) and Dorothee Leendertz (photographer).

After graduating from high school, he enrolled in the Faculty of Agriculture in Perugia, where he matured the conviction and decision that he wanted to pursue an artistic career and follow in his father Gaetano's footsteps. At the end of 1984 his father encouraged him to stay at his workshop in Rome, where he would work for four years. He would thus refine the technique of oil on heavily veiled canvas, graphic design and sculpture, mainly frequenting the workshops of the artisans who made his father's works. The workshop learning period ended with an exhibition with his father at the Galleria Rondanini in Rome in '89, presented by Vittorio Sgarbi. In the early 1990s he moved to Milan, and in this context he increasingly matured the conviction that painting-and especially drawing-had the power to decipher and express an atavistic and unique stance in front of the world, a clear revelation of the fundamentality of a manual and artisanal ability to describe a vision, a thought. Painting and, above all, drawing remain Adriano Pompa's favorite "expressive and descriptive medium."

Monclassico

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Gaetano Pompa en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (XXXIV)]

Más sobre / More about Adriano Pompa: Website, Instagram, facebook

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Pietro Longhi (Pietro Antonio Falca)

(Repubblica di Venezia / Republica de Venecia /

Venetian Republic, 1701/1702 - 1785)

"Exhibición de un rinoceronte en Venecia / Exhibition of a Rhinoceros at Venice"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 62 x 50 cm., 1751.

National Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Este retrato de la rinoceronte Clara (sobre la cual ya hemos tratado varias veces en el blog, (por ejemplo aquí y aquí) fue pintado por Pietro Longhi por encargo de Girolamo Mocenigo. La otra versión de la obra (publicada en el blog aquí), y que se conserva en la Ca' Rezzonico (Venecia), fue un encargo de Giovanni Grimani, como nos recuerda un cartel situado a la derecha del cuadro. La otra diferencia notable es que en la versión para Grimani dos de los enmascarados aparecen con el rostro descubierto.

National Gallery, Google Arts & Culture

This portrait of Clara the Rhinoceros (which we have already discussed several times on the blog (for example here and here) was painted by Pietro Longhi commissioned by Girolamo Mocenigo. The other version of the work (blogged here), and preserved in the Ca' Rezzonico (Venice), was commissioned by Giovanni Grimani, as a sign to the right of the painting reminds us. The other notable difference is that in the version for Grimani two of the masked men appear with their faces uncovered.

National Gallery, Google Arts & Culture

Pietro Longhi en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (V)], [Rinocerontes (CIV)]

Pintor veneciano / Venetian Painter

"Il Rinoceronte / El rinoceronte (Clara en un recinto cerrado, con un carro) /

The Rhino (Clara in enclosure, with cart)", 1751

Galleria d'Italia. Palazzo Leoni Montanari (Veneto, Italia / Italy)

Esta obra que presenta a la rinoceronte Clara en un recinto cerrado, también con espectadores enmascarados, fue previamente atribuida a Pietro Longhi. Hoy en día aparece en diversos sitios como obra de un pintor veneciano, del círculo de Longhi, y también como posiblemente pintada por Lorenzo Tiepolo o uno de sus hermanos, Giandominico o Fontebasso Tiepolo, ya que presenta diferencias estilísticas demasiado importantes como para ser considerada una pintura de Longhi o su círculo cercano.

El Rijksmuseum de Ámstedam presentó, hasta el 15 de enero de 2023, una muestra dedicada a la rinoceronte Clara con varias obras entre las que se incluian la versión Grimani de la pintura de Longhi, el rinoceronte de Oudry, y ésta pieza.

"Il Rinoceronte / El rinoceronte / The Rhino" (detalle / detail)

This work featuring the rhinoceros Clara in an enclosure, also with masked spectators, was previously attributed to Pietro Longhi. Today it appears in various places as the work of a Venetian painter, from Longhi's circle, and also as possibly painted by Lorenzo Tiepolo or one of his brothers, Giandominico or Fontebasso Tiepolo, as it presents stylistic differences too important to be considered a painting by Longhi or his close circle.

The Rijksmuseum in Amsterdam presented, until January 15, 2023, an exhibition dedicated to the rhinoceros Clara with several works including the Grimani version of Longhi's painting, Oudry's rhinoceros, and this piece.

Julio César Ernesto Fernández Larraz

(La Habana / Havana, Cuba, 1944-)

«"Soñar en Longhi" (2015), de Julio Larraz, tiene ese aire "de absurdo inmediato" que André Breton dijo que era característico del arte surrealista. ¿Qué puede haber más absurdo que un rinoceronte en una plaza de toros observado por un grupo de figuras enmascaradas sacadas de un cuadro veneciano de Pietro Longhi? Pero el absurdo (la sensación de que la escena es irreal, una invención y una fantasía, destinada a escandalizar y asombrar) es engañoso: El cuadro de Larraz se basa en la representación realista de Longhi de Clara la Rinoceronte expuesta en Venecia (1751)»

(...)

«Larraz no se limita a citar el cuadro de Longhi, como si fuera un homenaje, sino que sueña en él, como él mismo dice, y lo trata como un sueño, su sueño despierto. Su ensoñación no es exactamente igual a la de Longhi, no puede serlo, porque el cuadro de Longhi reconoce la realidad de una escena que él observó realmente, mientras que el cuadro de Larraz reconoce la realidad del cuadro de Longhi más que la de la escena que representa. Larraz la transforma imaginativamente, eliminando algunas de las figuras de Longhi, representando otras con un cierto toque gestual, para que estén presentes de forma más expresiva, y cambiando el escenario. El rinoceronte está ahora en una plaza de toros, no en un establo comiendo heno. Algo se pierde en la "traducción" (el cuadro de Larraz no es, evidentemente, una copia exacta y mucho menos una reproducción fácil del cuadro de Longhi), pero también se gana algo: la comprensión de su significado.

"El contenido manifiesto de un sueño es el disfraz simbólico de su contenido latente", escribió Sigmund Freud en La interpretación de los sueños (1900). La tarea de la interpretación consiste en hacer manifiesto el contenido latente (el significado inconsciente) del sueño. Larraz lo hace con hábil ironía. Evoca el significado sexual latente del cuadro de Longhi (una escena de carnaval veneciano, como sugieren las figuras enmascaradas) sin deletrearlo. Se podría decir que encuentra el espíritu sexual que acecha en la letra del cuadro de Longhi, transmitiéndolo audazmente a través del enorme rinoceronte que proyecta su sombra sobre la arena pictórica de la plaza de toros.

Tenemos una vista de pájaro del espectáculo, una visión clara que nos ofrece una cierta perspectiva sobre él (sobrevolándolo con la "atención flotante suspendida uniformemente" que, según Freud, nos permite sintonizar con el inconsciente) para comprender la importancia inconsciente de la escena, personificada por el símbolo onírico del rinoceronte. El cuadro de Longhi cuenta una historia; el cuadro de Larraz, al despertar nuestra curiosidad por la forma en que vuelve a contar la historia, nos da acceso a su significado secreto, aparentemente oculto pero no tan oculto. En efecto, su rinoceronte domina el cuadro, ocupando más de la mitad, mientras que el rinoceronte de Longhi, por mucho que esté en primer plano, sólo ocupa un tercio del cuadro. Los ocho espectadores (cinco en la primera fila [cuatro hombres, dos a cada lado de una mujer regia], tres [todas mujeres] en la segunda fila) detrás del rinoceronte ocupan dos tercios del cuadro. El equilibrio de fuerzas está más repartido que en el cuadro de Larraz, donde el rinoceronte tiene claramente más peso y fuerza que las figuras humanas (ahora tres hombres en la primera fila, dos mujeres en la fila de detrás). En comparación con el gigantesco rinoceronte, parecen secundarios, insignificantes e impotentes. En el cuadro de Larraz, el rinoceronte es un ídolo al que hay que adorar más que una mascota en un zoo.»

Donald Kuspit, Catálogo de la obra de Larraz publicado con motivo de la exposición "Julio Larraz", 15/10 - 14/11/2015 en Ameringer | McEnery | Yohe, Nueva York, EE.UU. Havoli

"Soñar en Longhi / Dreaming in Longhi", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 182,9 x 152,7 cm., 2015

Cortesía de Ameringer McEnery Yohe. Cuban Art News Archive

«Julio Larraz’s Dreaming in Longhi (2015) has that air "of immediate absurdity" that André Breton said was characteristic of Surrealist art. What could be more absurd than a rhinoceros in a bullring watched by a group of masked figures lifted from a Venetian painting by Pietro Longhi? But the absurdity—the sense that the scene is unrealistic, a fabrication and fantasy, meant to shock and astonish—is deceptive: Larraz’s painting is based on Longhi’s realistic rendering of Clara the Rhinoceros on Display in Venice (1751)»

(...)

«Larraz does not simply quote Longhi’s painting, as though in homage to it, but he dreams in it, as he says, and treats it like a dream—his daydream. His daydream is not exactly the same as Longhi’s—it cannot be, for Longhi’s picture acknowledges the reality of a scene he actually observed, while Larraz’s picture acknowledges the reality of Longhi’s picture rather than of the scene it represents. Larraz imaginatively transforms it, by eliminating some of Longhi’s figures, rendering others with a certain gestural flair, so they become more expressively present, and changing the setting of the scene. The rhinoceros is now in a bullring, not in a stable eating hay. Something is lost in the "translation"—Larraz’s picture is clearly not an exact copy let alone facile reproduction of Longhi’s picture—but something also is gained: insight into its meaning.

"The manifest content of a dream is the symbolic disguise of its latent content," Sigmund Freud famously wrote in The Interpretation of Dreams (1900). The task of interpretation is to make the latent content—the unconscious meaning—of the dream manifest. Larraz does this with deft irony. He evokes the latent sexual meaning of Longhi’s picture—a Venetian carnival scene, as the masked figures suggest—without spelling it out. One might say that he finds the sexual spirit lurking in the letter of Longhi’s picture, boldly conveying it through the enormous rhinoceros casting its shadow on the painterly sand of the bullring.

We have a bird’s-eye view of the spectacle, a clear overview affording a certain perspective on it—hovering above it with the "evenly suspended free-floating attention" that Freud said allows one to become attuned to the unconscious—to get insight into the unconscious import of the scene, epitomized by the dream symbol of the rhinoceros. Longhi’s picture tells a story; Larraz’s picture, by arousing our curiosity with the way it re-tells the story, gives us access to its secret meaning, seemingly hidden yet not so hidden. For his rhinoceros dominates the picture, taking up more than half of it, while Longhi’s rhinoceros, however much in the fore-ground, takes up only a third of the picture. The eight spectators—five in the first row (four men, two on each side of a regal woman), three (all women) in the second row—behind the rhinoceros take up two thirds of the picture. The balance of forces is more evenly distributed than in Larraz’s picture, where the rhinoceros clearly has more weight and force than the human figures—now three men in the first row, two women in the row behind them. They seem incidental, petty, and powerless compared with the gigangigantic rhinoceros. In Larraz’s picture, the rhinoceros is an idol to be worshipped rather than a pet in a zoo.»

Donald Kuspit, Catalogue of Larraz's work published on the occasion of the exhibition "Julio Larraz", 10/15 - 11/14/2015 at Ameringer | McEnery | Yohe, New York, USA. Havoli

Julio Larraz en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CCXVIII)]

Sir Peter Thomas Blake

(Londres, Reino Unido / London, UK, 1932-)

"Rinoceronte en Venecia, según Pietro Longhi / Rhinoceros in Venice, after Pietro Longhi"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92,2 x 72,6 cm., 1996. Central Illustration Agency

Esta revisión de la obra de Longhi realizada por el conocido artista pop inglés, creador de, entre otras obras icónicas, la portada del disco de The Beatles "La banda de los corazones solitarios del Sargento Pimienta", aparece en la portada de "Ahora tenemos 64: Peter Blake en la National Gallery", de Marco Livingston y Colin Wiggins, publicado por National Gallery Company Ltd (25 septiembre 1996)

This review of Longhi's work by the well-known English pop artist, creator of, among other iconic works, the cover of The Beatles' album "Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band", appear in the cover of "Now We are 64: Peter Blake at the National Gallery", by Marco Livingston and Colin Wiggins, published by National Gallery Company Ltd (September 25th, 1996)

Peter Blake en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (CXXIX)], [Aniversarios (CLXXXIV)]

Claire Milner

(Yorkshire, Reino Unido / UK, 1966-)

Serie Crepúsculo del Holoceno / Holocene Twilight Series

"Contemplando a Clara: Exhibición de un rinoceronte en Venecia (Según Longhi) /

Contemplating Clara: Exhibition of a Rhinoceros at Venice' (After Longhi)"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 100 cm., 2016

"Exposición de un rinoceronte en Venecia", de Pietro Longhi, recoge un acontecimiento histórico: la exhibición en Europa, con motivo del carnaval de 1751, de una rinoceronte llamada Clara que había sido traída a Europa diez años antes.

Esta versión reimaginada forma parte de una nueva colección de imágenes incongruentes de animales fuera de lugar como referencia alegórica a los efectos perjudiciales del ser humano sobre otras especies a través de la mercantilización, la caza furtiva, la pérdida de hábitat y el cambio climático. Website

Pietro Longhi's 'Exhibition of a Rhinoceros at Venice' records a historical event, the exhibition in Europe for the carnival of 1751 of a rhinoceros called Clara who had been brought to Europe ten years previously.

This reimagined version forms part of a new collection of incongruous images of animals out of place as an allegorical reference to the damaging effects of humans on other species through commodification, poaching, habitat loss and climate change. Website

Claire Milner. Exposición en / Exhibition at "Rise Art"

Claire Milner es una artista británica afincada en North Yorkshire. Estudió Arte y Diseño en la Escuela de Arte de Harrogate y se licenció en Diseño Gráfico y Tipografía en el Politécnico de Coventry (Reino Unido). Antes de dedicarse a las bellas artes, trabajó como ilustradora en Londres, donde recibió encargos de muchas grandes empresas y editoriales. Ilustró los retratos de los cancilleres británicos Gordon Brown y Nigel Lawson para importantes publicaciones, lo que le valió otros encargos de retratos de políticos, banqueros centroeuropeos y presidentes de empresas como Sir Terry Leahy, Sir Martin Sorrell y Lord Browne. Un viaje a África le inspiró el cuadro "Madre e hijo", una obra en técnica mixta que se expuso en Cambridge y fue adquirida por CamFed, una organización que ayuda a combatir la pobreza en África mediante la educación y la capacitación de las niñas, y que posteriormente le encargó cinco obras similares para formar una serie. A principios de los noventa, Milner estudió con la eminente artista internacional del mosaico Elaine M Goodwin, fundadora de Tessellated Expression for the 21st Century (TE-21). Esto supuso un nuevo punto de partida para su trabajo, al tiempo que representaba una evolución orgánica de sus primeras ilustraciones en collage de papel.

Colección / Collection Anima Mundi

"Todo está conectado: Desvaneciéndose hacia la abstracción /

Everything is connected: Fading to Abstraction", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 90 x 90 cm., 2020

Colección / Collection Anima Mundi

"Paraíso perdido / Lost Paradise", acrílico sobre lienzo / acrylic on stretched canvas, 95 x 95 cm., 2020

Serie Crepúsculo del Holoceno / Holocene Twilight Series (2015-16)

"Borrar y desvanecerse: Y entonces no había ninguno... /

Wipe Out and Fade Away: And Then There Were None.."

Óleo sobre lienzo caja / oil on box canvas, 60 x 90 cm.

"Rinoceronte - Tanque de batalla vegetariano / Rhino - Vegetarian Battle Tank"

Collage en técnica mixta y pan de oro / mixed media silver & gold leaf collage

Claire Milner is a British artist based in North Yorkshire. She studied her Foundation in Art and Design at Harrogate School of Art, and went on to Coventry Polytechnic, U.K. from which she graduated in Graphic Design and Typography. Before devoting her career to fine art, she worked as an illustrator in London, where she was commissioned by many large corporations and publishing companies. She illustrated portraits of British Chancellors Gordon Brown and Nigel Lawson for major publications, leading to further portrait commissions of politicians, Central European Bankers and company CEOs such as Sir Terry Leahy, Sir Martin Sorrell and Lord Browne. An African trip inspired the painting ‘Mother and Child’, a mixed media work which was exhibited in Cambridge and acquired by CamFed, an organization which helps fight poverty in Africa by educating and empowering girls, and who subsequently commissioned five similar artworks to form a series. In the early nineties Milner studied under the eminent international mosaic artist Elaine M Goodwin, founder of Tessellated Expression for the 21st Century (TE-21). This was to welcome a new departure for her work, whilst at the same time representing an organic evolution of her early paper collage illustrations.

Colección / Collection Anima Mundi

"Jugando con fuego / Playing With Fire", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 100 cm., 2019

Serie Auténtico valor / True Value Series (2013-15)

"El mito de la medicina / The Medicine Myth"

3000 cristales de Swarowski y pintura sobre lienzo / 3000 Swarovski crystals & paint on canvas, 105 x 75 cm.

"El mito de la medicina / The Medicine Myth" (detalle / detail)

Más sobre / More about Claire Milner: Website, Instagram, facebook, Saatchi

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Walther Jervolino (Valter Iervolino)

(Bondeno, Italia / Italy, 1944 - San Mauro Torinese, 2012)

"El rinoceronte inocente (In odore di santità / En aroma de santidad) / The innocent Rhino (In odore di santità)"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas. facebook

Walther Jervolino en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (LXXI)]

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Giovanni "Kiki" Macciotta

(Torino / Turín, Italia / Italy, 1927 - Coassolo, 1993)

Giovanni Macciotta fue un artista plástico italiano nacido en Turín, Italia, en 1927.

No he encontrado ninguna información sobre este artista, excepto que estuvo relacionado con el grupo "Surfanta", único grupo surrealista italiano, con cuya revista colaboró aportando escritos y obras hasta 1966.

Murió en 1993.

Magica Torino

"Paesaggio con rinoceronte / Paisaje con rinoceronte / Landscape With Rhino"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 45 x 30 cm., 1981

Collection de / Collection of Mr Emilio Gargioni, Italy. Rhino Resource Center

Giovanni Macciotta was an Italian visual artist born in Torino, Italy, in 1927.

I have not found any information about this artist, except that he was related to the group "Surfanta", the only Italian surrealist group, with whose magazine he collaborated contributing writings and works until 1966.

He died in 1993.

Magica Torino

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Nathan Neven

(Irlanda / Ireland, 1979-)

Nathan Neven nació en 1979. Sus pasiones infantiles eran crecer, dibujar y pintar todo lo que le rodeaba.

Con el firme deseo de hacer realidad su sueño de convertirse en pintor a tiempo completo, decidió trasladarse a París, una de las capitales mundiales de las Artes y las Culturas, y asistió a algunos cursillos de Arte para enriquecer sus conocimientos y experiencias.

El arte de Nathan captura los momentos de su sueño, su vida en Europa y su experiencia viajera. Se inspira en todo lo que le rodea y toca su alma: la alegría y la belleza de la vida misma, la belleza de la naturaleza y su entorno.

Entre sus influencias se encuentra un variado grupo de artistas impresionistas. Utiliza el juego de luces, texturas, colores y formas, y las interesantes yuxtaposiciones de nuestra vida cotidiana.

A partir de 2006 presentó algunas exposiciones de arte de éxito que le permitieron convertirse en artista profesional.

"Creo en el poder del arte. Para mí, cada obra de arte tiene un alma y posee la capacidad de influir en la vida de las personas. Cada día me siento bendecido por poder crear rte. Mi estilo se ha centrado en las relaciones de color, la presencia de la luz y una sensación de energía".

Website

Vida silvestre invitada / Wildlife Invited. "Rinoceronte de Nueva York / Rhino of NY"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 x 112 cm., 2021 © Nathan Neven. Artsy

Nathan Neven was born in 1979. His childhood passions were growing, drawing and painting everything around him.

With his strong desire to make his dream come true to become full-time painting artist, he decided to move to Paris, one of the world capitals of Arts and Cultures, attended some short courses in Art to enrich his skills and experiences.

Nathan's art captures the moments of his dream, his living in Europe and his travel experience. He is inspired by everything around that touches his soul -- the joy and beauty of life itself, the beauty of nature and her surroundings.

His influences include a diverse group of impressionist artists. He uses the play of light, texture, color and shape and the interesting juxtapositions in our everyday lives.

From 2006 he had some successful art shows which allow him to become a professional artist.

"I believe in the power of art. For me, each piece of art has a soul and possesses the ability to affect people’s lives. Everyday I feels blessed to be able to create art. My style has centered upon color relationships, the presence of light, and a sense of energy."

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Más sobre / More about Nathan Neven: Website

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María Sada

(Monterrey, México, 1954-)

Pintora de caballete, principalmente, María Sada, nacida en Monterrey, México, en 1954, pertenece a una generación de artistas mexicanas que innovó en temas tradicionales del arte, entre ellos la forma de entender el paisajismo, utilizando un discurso contemporáneo. Inició con trabajos autobiográficos, a través de su interés por la figura humana y el desnudo. Desde 1993 ha concentrado su atención en el mundo natural y el riesgo en el que se encuentra, por lo que la selva, las plantas y los animales son los elementos más presentes en su obra, aunque maneja una línea de trabajo adicional sobre la naturaleza humana y sus iconos. Durante 30 años combinó su trabajo de dibujo y pintura con la restauración de pintura de caballete de lo que resulta un interés especial en los materiales y técnicas de representación. Ha expuesto su obra en diversas galerías y museos de México, España, Estados Unidos, Bélgica y Suiza.

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"Rinoceronte de Sumatra / Sumatran Rhinoceros", óleo sobre madera / oil on wood, 68,5 x 71 cm., 2017

Primarily an easel painter, María Sada, born in Monterrey, Mexico, in 1954, belongs to a generation of Mexican artists who innovated in traditional art themes, among them the way of understanding landscape painting, using a contemporary discourse. She began with autobiographical works, through her interest in the human figure and the nude. Since 1993 she has focused her attention on the natural world and the risk in which she finds herself, so the jungle, plants and animals are the most present elements in her work, although she manages an additional line of work on human nature and its icons. For 30 years she combined her work of drawing and painting with the restoration of easel paintings, resulting in a special interest in the materials and techniques of representation. She has exhibited her work in various galleries and museums in Mexico, Spain, the United States, Belgium and Switzerland.

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Todos los posts de esta serie aquí / All posts in this series here

Nuevo post con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado paralelismos siempre interesantes en el mundo del arte.

En esta selección animalista nos aproximamos a las reinterpretaciones equinas de Lola Dupré, más caballos y jinetes de Carrà y Lichtenstein, cabezas y bocas en bucle, y unas cuantas variantes con conchas.

New post with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in always interesting parallels in the art world.

In this animalistic selection we approach Lola Dupré's equine reinterpretations, more horses and horsemen with Carrà and Lichtenstein, looped heads and mouths, and a few variants with shells.

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Lola Dupré

(الجزائر / Argelia / Algeria, 1982-)

en / at Glasgow, Escocia / Scotland

Lola Dupré es una artista de Glasgow, que se crió en Argelia, Francia, Inglaterra y la propia Escocia.

Lola ealiza collages utilizando la técnica tradicional de recortar y pegar, reconfigurando imágenes bajo el filtro de su propio criterio, obteniendo como resultado nuevas imágenes caracterizadas por el grotesco y la sátira.

Más información y obras en en post monográfico dedicado a la artista.

Lola Dupré is an artist from Glasgow, who grew up in Algeria, France, England and Scotland itself.

Lola creates collages using the traditional cut and paste technique, reconfiguring images under the filter of her own criteria, resulting in new images characterized by grotesque and satire.

More information and works in the monographic post dedicated to the artist.

"Según / After C.D Langley, 11,6" x 8,2", 2021

Dentro de la colección de imaginativos collages de Lola Dupré, encontramos una serie dedicada a los caballos, en los que descompone y reconstruye imágenes clásicas de equinos, fundamentalmente de artistas europeos de los siglos XVII, XVIII y XIX. Aquí unos cuantos ejemplos.

Within Lola Dupré's collection of imaginative collages, we find a series dedicated to horses, in which she decomposes and reconstructs classic images of equines, mainly by European artists of the XVII, XVIII and XIX centuries. Here you have a few examples.

Charles Dickinson (C.D.) Langley

(Bedford?, Reino Unido / UK, c.1799 - 1853)

"Un caballo de carreras favorito / A Favourite Racehorse"

Óleo sobre panel / oil on board, 25,4 x 33 cm. Christie´s

Lola Dupré

"Según / After William Shiels", 16,5" x 11,5", 2022

William Shiels

(Escocia, Reino Unido / Scotland, UK, 1783/5 -

Edimburgo / Edinburgh, 1857)

"Viejo caballo negro inglés / Old English Black Horse", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 131 x 169 cm.

National Museums Collection Centre. ArtUK

William Shiels fue un pintor de escenas de género de su Escocia natal, en las que representaba a diversos personajes característicos y escenarios alegóricos, desde pescadores canosos hasta pretendientes rechazados. Los vendedores ambulantes y las damiselas bellamente vestidas eran figuras habituales en las composiciones de Shiels.

Abundan también en su producción los retratos y las obras de temática animalista, como este caballo negro.

The Fine Art Society

William Shiels was a genre scene painter of his native Scotland, depicting various distinctive characters and allegorical scenarios, from grizzled fishermen to spurned suitors. Peddlers and prettily dressed lassies were common figures in Shiels' compositions.

Portraits and works with animalistic themes, such as this black horse, also abound in his production.

The Fine Art Society

Lola Dupré

"Según / After Joris Hoefnagel", 8,2" x 11,6", 2021

Joris Hoefnagel (Georg Hufnagel)

(Antwerpen, Vlaanderen / Amberes, Flandes / Antwerp, Flanders, 1542 -

Wien, Österreich / Viena / Vienna, Austria, 1600)

"Wit paard / Caballo blanco / White Horse"

Aguada sobre pergamino / gouache on vellum, 7,9 x 10,4 cm., entre / between 1552 - 1601

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

Joris Hoefnagel (o Georg Hufnagel) fue un pintor, grabador, miniaturista, dibujante y comerciante flamenco nacido en Amberes en 1542.

Destacó por sus ilustraciones de temas de historia natural, vistas topográficas, iluminaciones y obras mitológicas. Fue uno de los últimos iluminadores de manuscritos y contribuyó en gran medida al desarrollo del dibujo topográfico.

Sus iluminaciones de manuscritos y diseños ornamentales desempeñaron un papel importante en la aparición de la pintura de bodegones florales como género independiente en el norte de Europa a finales del siglo XVI. El naturalismo casi científico de sus dibujos botánicos y de animales sirvió de modelo a una generación posterior de artistas neerlandeses. Con estos estudios de la naturaleza contribuyó también al desarrollo de la historia natural y fue, por tanto, uno de los fundadores de la investigación protocientífica.

Murió en 1601.

Wikipedia

Joris Hoefnagel (or Georg Hufnagel) was a Flemish painter, printmaker, miniaturist, draftsman and merchant, born in Antwerp in 1542.

He is noted for his illustrations of natural history subjects, topographical views, illuminations and mythological works. He was one of the last manuscript illuminators and made a major contribution to the development of topographical drawing.

His manuscript illuminations and ornamental designs played an important role in the emergence of floral still-life painting as an independent genre in northern Europe at the end of the 16th century. The almost scientific naturalism of his botanical and animal drawings served as a model for a later generation of Netherlandish artists. Through these nature studies he also contributed to the development of natural history and he was thus a founder of proto-scientific inquiry.

He died in 1601.

Wikipedia

Lola Dupré

"Según / After Johann Georg de Hamilton", 16,5" x 11,5", 2018

Johann Georg de Hamilton

(München, Deutschland / Múnich, Alemania /

Munich, Germany, antes de / before 1672 -

Wien, Österreich / Viena / Vienna, Austria, 1737)

"Kladruber Hengst 'Cerbero' in der Kapriole / Semental Kladruber 'Cerbero' haciendo una cabriola

Kladruber stallion 'Cerbero' performing a capriole"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1721.

Kunsthistorisches Museum (Wien, Österreich / Viena / Vienna, Austria). Wikimedia Commons

Johann Georg de Hamilton fue un pintor del sur de los Países Bajos activo en Austria durante el siglo XVIII.

Nació en Múnich, hijo del pintor escocés James de Hamilton, quien le enseñó a pintar. Desde 1689 fue pintor de la corte en Viena, después se trasladó a Berlín, pero a partir de 1718 volvió a Viena. Es conocido por sus escenas de caza, al igual que su hermano Philipp Ferdinand.

Murió en 1737.

Wikipedia (English)

Johann Georg de Hamilton was an 18th-century painter from the Southern Netherlands active in Austria.

He was born in Munich as the son of the Scottish painter James de Hamilton, who taught him to paint. From 1689 he was court painter in Vienna, then after that he moved to Berlin, but after 1718 he was back in Vienna. He is known for hunting scenes like his brother Philipp Ferdinand.

He died in 1737.

Wikipedia

"Das schwarze Pferd Curioso führt einen Capriole / El caballo negro 'Curioso' haciendo una cabriola /

The black horse 'Curioso' performing a Capriole"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas. Meisterdrucke

Lola Dupré

"Mambrino según / after Stubbs", 8,2" x 11,6", 2022

George Stubbs

(Liverpool, Reino Unido / UK, 1724 - 1806)

Lola Dupré

"Mambrino", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1790. Meisterdrucke

George Stubbs en "El Hurgador" / in this blog:

[Pintando perros (XXIX)], [Rinocerontes (XLVIII)], [Recolección (X)], [Aniversarios (CXXXVIII)], [Recolección (LXXXIII)], [Pintando perros (LXIV)]

Lola Dupré

"Según / After James Ward", 11,5" x 16,5", 2021

James Ward

(Londres, Inglaterra / London, England, 1769 - Chestnut, Hertfordshire, 1859)

"Retrato de Adonis, el corcel favorito del Rey Jorge III /

Portrait of horse Adonis, King George III's favourite charger"

Óleo sobre panel / oil on pannel, 1826. Colección privada / Private Collection. Wikimedia Commons

"Adonis, el corcel favorito del Rey Jorge III / Adonis, the favourite charger of King George III"

Óleo sobre panel / oil on panel, 60,5 x 71 cm. Bonhams

La presente obra es una réplica autógrafa del cuadro original de Ward del corcel favorito del rey Jorge III, Adonis. La versión original, cuyo paradero se desconoce en la actualidad, fue reproducida en una litografía por Ward como parte de una serie de catorce caballos dedicados a Su Majestad el Rey Jorge III, publicada por R. Ackerman en 1823/4. Once de estos catorce cuadros se expusieron en la Royal Academy entre 1813 y 1826.

The present work is an autograph replica of Ward's original painting of King George III's favourite charger, Adonis. The original version, whose whereabouts is now unknown, was reproduced in a lithograph by Ward as one of a series of fourteen horses dedicated to His Majesty King George III, published by R. Ackerman in 1823/4. Eleven of these fourteen paintings were exhibited at the Royal Academy between 1813-26.

"Adonis", lithograph on chine collé on wove paper /

litografía en chine collé sobre papel de estraza, 123,2 × 153.9 cm., 1824. Artsy

James Ward en "El Hurgador" / in this blog:

[Pintando perros (L)], [Recolección (LX)], [Arte perdido (X)], [Recolección (CXXIX)], [Recolección (CLVII)], [Carne y huesos (IV)]

Lola Dupré

"Según / After Sawrey Gilpin", 16,5" x 11,5", 2018

Sawrey Gilpin

(Carlisle, Cumbria, Reino Unido / UK, 1733 -

Brompton, Londres / London, 1807)

"Caballos asustados / Frightened Horses"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88,9 x 114,7 cm c., 1780

Royal Collection Trust (Reino Unido / UK)

Sawrey Gilpin fue un pintor de animales, ilustrador y grabador inglés nacido en 1733 y especializado en pinturas de caballos y perros. Fue nombrado académico real.

Gilpin vivió algunos años en Knightsbridge, Londres. Se convirtió en uno de los mejores pintores de caballos del país, y tuvo casi el mismo éxito en otros campos del arte animal. A veces intentó pintar cuadros históricos a mayor escala en los que los caballos ocupaban un lugar destacado, pero con bastante menos éxito. Fue un pintor puramente animalista, y necesitó la ayuda de otros para pintar paisajes y figuras; para lo primero recurrió a menudo a George Barret, padre, a quien prestó un servicio similar a cambio, y para lo segundo utilizó a veces los servicios de John Zoffany, y Philip Reinagle.

Murió en 1807.

Wikipedia (English)

Sawrey Gilpin was an English animal painter, illustrator, and etcher, born in 1733, who specialised in paintings of horses and dogs. He was made a Royal Academician.

Gilpin lived at Knightsbridge in London for some years. He became one of the best painters of horses that the country had produced, and was almost as successful in other areas of animal art. He sometimes attempted historical pictures on a larger scale in which horses were prominent, but with rather less success. He was purely an animal painter, and required the assistance of others to paint landscapes and figures; for the former he often turned to George Barret, Sr., to whom he gave similar service in return, and for the latter he sometimes used the services of John Zoffany, and Philip Reinagle.

He died in 1807.

Wikipedia

Lola Dupré

"Según / After Robert Mapplethorpe", 8,2" x 11,6", 2018

Robert Mapplethorpe

(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1946 - Boston, 1989)

"Caballo Nº2 / Horse #2"

Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 38,6 x 38,7 cm., 1982. Mutal Art

Robert Mapplethorpe en "El Hurgador" / in this blog:

[Juan Carlos Manjarrez (Pintura)], [Fotógrafos japoneses (VII)], [Aniversarios Fotografía (XLII)], [Recolección (LXXVI)], [Asonancias (XXXVII)]

Lola Dupré

"Bayo trotando / Trotting Bay según / after J.F Herring", 16,5" x 11,6", 2022

Lola Dupré en "El Hurgador" / in this blog: [Lola Dupré (Collage)]

John Frederick Herring Sr.

(Londres, Reino Unido / London, UK, 1795 - 1865)

"Caballo de carreras bayo trotando / A Trotting Bay Racehorse"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25,4 x 35,5 cm., 1830. Mutual Art

John Frederick Herring Sr. fue un pintor, rotulista y cochero británico de la Inglaterra victoriana.

Los primeros dieciocho años de la vida de Herring transcurrieron en Londres, donde sus mayores intereses eran el dibujo y los caballos. En el año 1814, a la edad de 18 años, se trasladó a Doncaster, en el norte de Inglaterra. En 1815 se había casado con Ann Harris; sus hijos John Frederick Herring Jr, Charles y Benjamin Herring se convertirían en artistas, mientras que sus dos hijas, Ann y Emma, se casaron con pintores.

En Doncaster, Inglaterra,fue contratado como pintor de letreros de posada e insignias en los laterales de los vagones, y su posterior contacto con una empresa propiedad de un tal Wood le valió el empleo como conductor de vagones nocturnos. Herring dedicaba su tiempo libre a pintar retratos de caballos para los salones de las posadas, y llegó a ser conocido como el "cochero artista" (de la época). El talento de Herring fue reconocido por clientes adinerados, y comenzó a pintar caballos de caza y de carreras para la alta burguesía.

En 1830 abandonó Doncaster para trasladarse a Newmarket, Inglaterra, donde pasó tres años antes de trasladarse a Londres.

En 1845 fue nombrado pintor de animales de la duquesa de Kent, y posteriormente recibió un encargo de la reina Victoria, que siguió siendo su mecenas durante el resto de su vida.

En 1853 se trasladó a la zona rural de Kent, en el sureste de Inglaterra, y dejó de pintar retratos de caballos. Pasó los últimos 12 años de su vida en Meopham Park, cerca de Tonbridge, donde vivió como un terrateniente rural. A partir de entonces amplió su temática pintando escenas agrícolas y cuadros narrativos, así como sus obras deportivas más conocidas de caza, carreras y tiro.

Artista prolífico y de gran éxito, Herring fue, junto con Sir Edwin Landseer, uno de los pintores de animales más eminentes de la Europa de mediados del siglo XIX.

Murió en 1865.

Wikipedia (English)

John Frederick Herring Sr. was a British painter, sign maker and coachman in Victorian England.

The first eighteen years of Herring's life were spent in London, where his greatest interests were drawing and horses. In the year 1814, at the age of 18, he moved to Doncaster in the north of England. By 1815, Herring had married Ann Harris; his sons John Frederick Herring Jr., Charles Herring, and Benjamin Herring were all to become artists, while his two daughters, Ann and Emma, both married painters.

In Doncaster, England, Herring was employed as a painter of inn signs and coach insignia on the sides of coaches, and his later contact with a firm owned by a Mr. Wood led to Herring's subsequent employment as a night coach driver. Herring spent his spare time painting portraits of horses for inn parlors, and he became known as the "artist coachman" (at the time). Herring's talent was recognized by wealthy customers, and he began painting hunters and racehorses for the gentry.

In 1830, John Frederick Herring, Senior left Doncaster for Newmarket, England, where he spent three years before moving to London.

In 1845, Herring was appointed Animal Painter to the Duchess of Kent, followed by a subsequent commission from the ruling Queen Victoria, who remained a patron for the rest of his life.

In 1853, Herring moved to rural Kent in the southeast of England and stopped painting horse portraits. He spent the last 12 years of his life at Meopham Park near Tonbridge, where he lived as a country squire. He then broadened his subject matter by painting agricultural scenes and narrative pictures, as well as his better-known sporting works of hunting, racing and shooting.

A highly successful and prolific artist, Herring ranks along with Sir Edwin Landseer as one of the more eminent animal painters of mid-nineteenth (19th) century Europe.

He died in 1865.

Wikipedia

John Frederick Herring en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XCVII)]

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Carlo Dalmazzo Carrà

(Quargnento, Alessandria, Piamonte, Italia / Italy, 1881 -

Milano / Milán, 1966)

"Jinetes del Apocalipsis / Horsemen of the Apocalypse", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36 × 94 cm., 1908

Art Institute of Chicago (Chicago, Illinois, EE.UU./ IL, USA)

"Il cavaliere rosso / El caballero rojo rojo / Red Horseman", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1913.

Civiche raccolte d'arte applicata (Milano / Milán, Italia / Italy). Widewalls

"Inseguimento / Persecución / Pursuit", carboncillo, témpera y collage sobre cartulina /

charcoal, tempera, and collage on cardboard, 1915

Сolección particular / Private Collection (Milano / Milán, Italia / Italy). 20 minutos

"Il cavaliere occidentale / El caballero occidental / The Western Horseman"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52 x 67 cm., 1917

Carlo Carrà en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LVII)]

Roy Lichtenstein

(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1923 - 1997)

"El jinete rojo / The Red Horseman"

Óleo y magna sobre lienzo / oil and Magna on canvas, 213,4 x 284,5 cm., 1974

Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig (Wien, Österreich / Viena / Vienna, Austria) (MUMOK)

"El jinete rojo (estudio) / The Red Horseman (Study)"

Lápiz de color, grafito y papel de collage sobre papel /

colored pencil, graphite and paper collage on paper, 36,8 x 49,5 cm., 1974. Christie's

Roy Lichtenstein en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

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Martin Wittfooth

(Toronto, Canadá, 1981-)

"Golod", óleo sobre lino, oil on linen, 63,5" x 63,5", 2012. Colección privada / Private Collection

"Golod" (detalle / detail)

Christina Mrozik

(Grand Rapids, Michigan, EE.UU./ MI, USA, 1986-)

en / at Portland, Oregon

"Hacinamiento en silencio / Crowding in Silence", acrílico sobre papel / acrylic on paper, diám. 7,75", 2016. Website

Martin Wittfooth

"Golod", 45" x 25" x 48", bronce / bronze. Ed.9. Corey Helford Gallery

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Miles Johnston

(Reino Unido / UK, 1993-)

"Bucle de pensamientos / Thoughts Loop", lápiz / pencil, 2016. DeviantART

Miles Johnston en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XXXVI)]

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Rembrandt Harmenszoon van Rijn

(Leiden, Republiek der Zeven Verenigde Nederlanden /

Provincias Unidas de los Países Bajos / Dutch Republic, 1606 -

Amsterdam, 1669)

"La concha / The Shell", aguafuerte, grabado y punta seca sobre papel /

etching, engraving and drypoint on paper, 9,7 x 13,2 cm., 1650

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

"La concha / The Shell (Conus marmoreus)", aguafuerte / etching, 9,7 × 12,9 cm., 1650

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

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M. C. (Maurits Cornelis) Escher

(Leeuwarden, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1898 - Hilversum, 1972)

"Concha marina / Sea-shell", xilografía / woodcut, 1919/20. Escher in het Paleis

M.C. Escher en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

Anne (Anna) Lister

(York, Inglaterra / England, 1671 - c.1700)

Martin Lister

(Radcliffe, cerca de / near Buckingham, Inglaterra / England, 1639 -

Epsom, Surrey, 1712)

"Historiae Conchyliorum / Historia natural de las conchas / Natural History of Shells", Martin Lister, 1685

Liber primus / Libro primero / Book One. Qui est de Cochleis Terrestribus

Libri IV. Sect X. Cap. 6 - de Rhombus Reticulatis (Conus marmoreus). ad explar Rambr. V. ryn.

Grabado por / Engraving by Anne Lister

Archive.org

Martin Lister fue un naturalista y médico inglés nacido en 1639. Sus hijas Anne y Susanna fueron dos de sus ilustradoras y grabadoras.

Murió en 1712.

Wikipedia

Martin Lister was an English naturalist and physician born in 1639. His daughters Anne and Susanna were two of his illustrators and engravers. He died in 1712.

Wikipedia

Anne (o Anna) Lister fue una ilustradora inglesa de historia natural nacida en 1671. Ella y su hermana, Susanna Lister, fueron empleadas y formadas por su padre Martin Lister.

Anne realizó algunas ilustraciones para que su padre las presentara a la revista Philosophical Transactions. Por ello, se la considera "una de las primeras ilustradoras científicas que utilizó un microscopio". Su padre publicó De cochleis, que incluía ilustraciones firmadas por Anna y su hermana. En 1685 se publicó la primera versión de la obra de su padre, Historia conchyliorum, con más de 1.000 láminas. Se cree que las láminas datan de tres años de trabajo, de 1685 a 1688.

Su legado incluye las ilustraciones y grabados que realizó. Los grabados se utilizaron en reimpresiones y muchas de las acuarelas originales se conservan en la Biblioteca Bodleian de Oxford.

Murió en 1700.

Wikipedia

Anne (or Anna) Lister was an English natural history illustrator born in 1671. She and her sister, Susanna Lister, were employed and trained by her father Martin Lister.

Anne did some illustrations for her father to present to the Philosophical Transactions. As a result, she is now considered to be "among the first female scientific illustrators to use a microscope". Her father published De cochleis which included illustrations signed by Anna and her sister. In 1685 the first version of her father's work Historia conchyliorum was published with over 1,000 plates. The plates are thought to date from three years work from 1685 to 1688.

Her legacy includes the illustrations and engravings that she constructed. The engravings were used in reprints and many of the original watercolours are extant at the Bodleian Library in Oxford.

She died in 1700.

Wikipedia

Marianne Stam

(Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1960-)

en / at Rhenen

"Conus marmoreus", media tinta / mezzotint, 2006. Pinterest

Marianne Stam es una pintora y grabadora holandesa nacida en 1960.

Se licenció en la Hogeschool voor de Kunsten de Utrecht en 1988. Ese mismo año se convierte en profesora de dibujo en el Segbroek College de La Haya. Actualmente vive en Rhenen. Stam trabaja con diversas técnicas gráficas, como mezzotintas y grabados (en color). Le fascinan los detalles específicos de los objetos y la naturaleza. Se inspira en los recuerdos, los sueños y el cuerpo femenino, que representa con formas orgánicas y colores terrenales. Además de su obra gráfica, Stams también pinta desnudos y retratos. Ha realizado varias exposiciones en los Países Bajos y en el extranjero.

Gallerease

Marianne Stam is a Dutch painter and printmaker who was born in 1960.

She graduated from the Hogeschool voor de Kunsten in Utrecht in 1988. In the same year, she became a drawing teacher at the Segbroek College in the Hague. She currently lives in Rhenen. Stam works with various graphic techniques, including mezzotints and (colour) etchings. Stam is especially fascinated by specific details of objects and nature. She is inspired by memories, dreams and the female body which are rendered in organic forms and earthly colours. Besides her graphic work, Stams also makes paintings of nudes and portraits. She has had various exhibitions in the Netherlands and abroad.

Gallerease

Samuel Jessurun de Mesquita

(Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1868 -

Auschwitz-Birkenau, Oświęcim, Polska / Polonia / Poland, 1944)

"Schelp, naar links / Concha, hacia la izquierda / Shell, to the left"

Pluma sobre cartón / pen on cardboard, 9,9 × 15 cm.

Rijksmuseum (Amsterdam, Nederland / Países Bajos / Netherlands)

Samuel Jessurun de Mesquita fue un artista gráfico holandés nacido en Ámsterdam en 1868, activo en los años anteriores a la Segunda Guerra Mundial. Entre sus alumnos se encontraba el artista gráfico M. C. Escher (1898-1972). Judío sefardí, en su vejez fue enviado a Auschwitz por los nazis, donde fue gaseado junto con su esposa. Tras la guerra, de Mesquita cayó en el olvido.

A los catorce años, el joven de Mesquita se presentó a la Rijksakademie en pos de sus intereses artísticos, pero fue rechazado. Profundamente decepcionado, fue aprendiz de un arquitecto municipal en funciones, para el que trabajó dos años antes de ingresar en una escuela técnica con la intención de convertirse él mismo en arquitecto. Sin embargo, pronto se decantó por la pedagogía y, en 1889, obtuvo el título de maestro, que más tarde le permitiría mantener a su familia.

Durante los años siguientes, de Mesquita se dedicó principalmente al arte, experimentando con diversas técnicas y soportes. Aunque conocido sobre todo por sus grabados en madera, también realizó grabados, litografías, acuarelas y dibujos; su arte aplicado consistía principalmente en diseños de materiales. Hay pájaros, animales exóticos, plantas y flores, y representaciones fantásticas, tanto humorísticas como lúgubres. Entre las obras más bellas de de Mesquita están sus retratos, en particular sus autorretratos.

Con la invasión de los Países Bajos por la Alemania nazi en mayo de 1940, de Mesquita, ya delicado de salud, se vio obligado a llevar una vida retirada, limitando su trabajo en gran medida a los bocetos.

En el invierno de 1944, las fuerzas de ocupación alemanas entraron en la casa de la familia de Mesquita en Watergraafsmeer, ahora parte de Ámsterdam, y lo apresaron a él, a su esposa Elisabeth y a su único hijo, Jaap. Transportados a Auschwitz, Samuel Jessurun y Elisabeth fueron enviados a las cámaras de gas pocos días después de su llegada, el 11 de febrero. Escher y algunos amigos de Jaap lograron rescatar algunas de las obras que habían quedado en casa de los Mesquita.

Wikipedia

Samuel Jessurun de Mesquita was a Dutch graphic artist norn in Amsterdam in 1868, active in the years before the Second World War. His pupils included graphic artist M. C. Escher (1898–1972). A Sephardic Jew, in his old age he was sent to Auschwitz by the Nazis, where he was gassed along with his wife. After the war, de Mesquita was largely forgotten.

At the age of fourteen, the young de Mesquita applied to the Rijksakademie in pursuit of his artistic interests, only to be rejected. Deeply disappointed, he apprenticed himself to an acting city architect, for whom he worked for two years before entering a technical school with the intention of becoming an architect himself. He soon turned, however, to the pedagogy and, in 1889, received a teacher's certificate, which would later enable him to support his family.

Over the next years, de Mesquita principally devoted himself to art, experimenting with various techniques and mediums. Though known primarily for his wood engravings, he also produced etchings, lithographs, watercolors and drawings; his applied art consisted mostly of material designs. There are birds, exotic animals, plants and flowers, and fantastical representations, both humorous and grim. Among de Mesquita's most beautiful works are his portraits, particularly his self-portraits.

With Nazi Germany's invasion of the Netherlands in May 1940, de Mesquita, already in poor health, was forced to lead a secluded life, limiting his work largely to sketches.

In the winter of 1944 the occupying German forces entered the home of the de Mesquita family in Watergraafsmeer, now part of Amsterdam, and apprehended him, his wife Elisabeth, and their only son Jaap. Transported to Auschwitz, Samuel Jessurun and Elisabeth were sent to the gas chambers within days of their arrival on 11 February. Escher and some of Jaap’s friends were successful in rescuing some of the works that had remained in the de Mesquita home.

Wikipedia

Edward Henry Weston

(Highland Park, Illinois, Estados Unidos / IL, USA, 1886 -

Carmel Highlands, California / CA, 1958)

"Concha de nautilus / Nautilus Shell", 23,8 x 19,1 cm., 1927

Gelatinobromuro de plata, montado sobre panel /

gelatin silver print, mounted on board, impreso / printed c.1930. Christie's

"Dos conchas / Two Shells", gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 23,8 x 18,4 cm.

impresa más tarde / printed later. Christie's

Edward Weston en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

George (Gyorgos) Koutsilieris

Γιώργος Κουτσιλιέρης

(Θεσσαλονίκη, Ελλάδα / Tesalónica, Grecia / Thessaloniki, Greece, 1945-)

George (Gyorgos) Koutsilieris nació en Tesalónica en junio de 1945. Trabajó hasta febrero de 2001 en el Banco de Grecia. Vive en Trilofos, Tesalónica, está casado con Filitsa Adamaki y tienen dos hijas. Ha estado involucrado con la fotografía, especialmente en blanco y negro, durante muchos años como aficionado. Tiene en su haber seis exposiciones individuales de fotografía y ha sido premiado y distinguido en varios concursos. Sus obras ha aparecido en muchas publicaciones, y se encuentran en varias colecciones privadas. Ziti

George (Giorgos) Koutsilieris was born in Thessaloniki in June 1945. He worked until February 2001 at the Bank of Greece. He lives in Trilofos, Thessaloniki, he is married to Filitsa Adamaki and they have two daughters. He has been involved with photography, especially black and white, for many years as an amateur. He has six individual photography exhibitions to his credit and has been awarded and distinguished in various contests. His works have appeared in many publications, and are in several private collections. Ziti

Ruth Ray

(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1919 - Darien, Connecticut / CT, 1977)

"Hombre con concha de nautilus / Man With Nautilus Shell"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14" x 10", c.1964. Mutual Art

Ruth Ray fue una pintora estadounidense de estilo realismo mágico, nacida en Nueva York en 1919 en el seno de un sofisticado hogar neoyorquino. Educada en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y en la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York, se inspiró en los caballos y la vida en las granjas de Nueva Inglaterra.

Su madre fue una de las primeras feministas, redactora jefe de Vogue y prolífica autora de libros de autoayuda. Ray estudió en el Swarthmore College, el Barnard College, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania y la Liga de Estudiantes de Arte de Nueva York. En 1948 se casó y estableció su hogar en Darien, Connecticut. Tuvo una exitosa carrera como artista comercial y retratista; entre sus retratos más famosos figura el del golfista Sam Snead. Sin embargo, su pasión era una forma idiosincrásica de realismo mágico inspirado en su amor por los caballos, la vida en las granjas de Nueva Inglaterra y la costa de Maine.

Murió en 1977.

Wikipedia (English)

Ruth Ray was an American painter in the Magic Realism style, born in New York in 1919 into a sophisticated New York City household. Educated at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts and the Art Students League of New York, she drew inspiration from the horses and farm life of New England.

Her mother was an early feminist, a managing editor of Vogue, and a prolific author of self-help books. Ray attended Swarthmore College, Barnard College, the Pennsylvania Academy of the Fine Arts, and the Art Students League of New York. In 1948, she married and established a home in Darien, Connecticut. She had a successful career as a commercial artist and portraitist; among her most famous portraits was the golfer Sam Snead. However, her passion was an idiosyncratic form of Magic realism inspired by her love of horses, New England farm life, and the Maine seacoast.

She died in 1977.

Wikipedia

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Dora Maar

Henriette Théodora Markovitch

(Tours, Francia / France, 1907 / París, 1997)

"Sans titre (Main-coquillage) / Sin título (Mano-concha) / Untitled (Hand-Shell)"

Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 40,1 x 28,9 cm., 1934

Centre Pompidou (París, Francia / France)

Dora Maar en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Heidi Taillefer

(Montreal, Quebec, Canadá, 1970-)

"El gusano perdona al arado (que lo corta) / The Worm Forgives the Plow" *

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 20", 2006. Website

* "Los proverbios del infierno / Proverbs of Hell". William Blake, 1792

Heidi Taillefer en "El Hurgador" / in this blog:

[Mujeres al pincel (XIV)], [Pintando perros (VII)], [Manos a la obra (XVI)], [Heidi Taillefer (II)]

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Todos los posts de la serie "Asonancias" aquí / All posts in Assonances Series here

En la obra del estadounidense Victor Grasso conviven armoniosamente la naturaleza y la figura femenina, en composiciones llenas de luz y belleza construidas en base a narrativas teatralizadas que juegan con la mitología y las tradiciones.

Un artículo en dos partes (la primera en español y la segunda en inglés), con una amplia selección de sus obras y reflexiones del artista sobre algunas de ellas extraidas de diversas entrevistas.

In the work of American artist Victor Grasso, nature and the female figure coexist harmoniously, in compositions full of light and beauty built on the basis of theatricalized narratives that play with mythology and traditions.

A two-part article (the first one in Spanish and the second in English), with a wide selection of his works and reflections of the artist on some of them extracted from various interviews.

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Victor Grasso

(Cape May Court House, Nueva Jersey, EE.UU./ NJ, USA, 1977-)

Victor Grasso. Foto / Photo: Jessica Rachel O, 2018. facebook

Victor Grasso es un pintor figurativo autodidacta estadounidense nacido en 1977 en Nueva Jersey.

Desde pequeño estuvo interesado en el arte. Quería ser artista de comics, visitaba museos y admiraba la obra de los grandes pintores.

Comenzó su aproximación al arte trabajando para una empresa que producía murales para propiedades y empresas en Atlantic City. En paralelo, pintaba sus cuadros en casa, con la esperanza de poder realizar una muestra algún día. Abrió su propia empresa de murales, y a los 21 años presentó su primera exposición.

«Supongo que siempre he sido artista. El primer dibujo que tengo es de cuando tenía dos años: un ser humano sentado en una silla sobre otro ser humano en una jaula. De pequeño, mi sueño era ser dibujante de cómics. Dibujaba personajes y superhéroes todo el día e idolatraba a los dibujantes de cómics de los noventa. Pero las cosas cambiaron cuando mi profesor de arte de sexto curso me preguntó: "¿Qué te interesa?". Mi respuesta fue "La muerte y los animales". Al día siguiente vino con una página arrancada de un libro de arte en la que aparecía "Prometeo encadenado" de Peter Paul Rubens. Aquel cuadro me impresionó y nunca me abandonó. Pero pasaron otros siete años antes de que cogiera un pincel, después de terminar el instituto. En lugar de ir a la universidad, conseguí un trabajo pintando murales para una empresa de Atlantic City con una carpeta llena de dibujos de monstruos y cabras. En dos años empecé a aceptar encargos por mi cuenta y pinté todos los días durante cuatro años. Pero los encargos no eran para mí. Así que cada vez que podía, trabajaba en mi obra personal. En 2007 comisarié una exposición de mi obra en mi ciudad natal, Cape May (Nueva Jersey), en una gigantesca iglesia convertida en lujosos apartamentos. Creo que vendí un cuadro, pero la asistencia fue enorme. Ese mismo año se inauguró una galería en Cape May y me preguntaron si quería exponer. Mi primera exposición fue mediocre, pero la segunda, en 2008, tuvo mucho éxito y desde entonces he podido centrarme en mi trabajo y exponer por todo el país.» (4)

"La oscuridad que acaba con todos los amaneceres / A Darkness To End All Daybreaks"

Óleo sobre lino / oil on linen, 22" x 60", 2018

«Sabía que mi concepto era poderoso. Tenía una historia que contar, una historia que nos pasa a todos. Esa cualidad relacional la convierte en una historia universal. Hace que la obra sea lo suficientemente ambiciosa como para brillar. Sabía que si podía plasmar en el lienzo lo que tenía en la cabeza, sería especial.

Ese cuadro en concreto hace que el espectador diga: "Ohhh, por el amor de todo lo que es correcto y bueno en este mundo, ¡DEBEMOS salvar al unicornio! Que alguien lance ese hacha por el acantilado más cercano". El peso de nuestro mundo moderno resuena metafóricamente en esa imagen. La pérdida de la inocencia infantil es palpable. Esa sensación de abatimiento podría aplicarse incluso a las esperanzas truncadas de cualquier tipo de activista o ecologista. Cualquiera que sea su forma de vida, puede contemplar 'Una oscuridad para acabar con todos los amaneceres' y experimentar una tormenta de emociones. ¿Qué se siente al saber que tu lienzo genera una energía cinética tan intensa?

Es increíble. Cada vez que algo que hago resuena en la gente, despierta una emoción o crea tensión, he conseguido algo más que un cuadro bonito. 'La oscuridad que acaba con todos los amaneceres' es la historia del crecimiento. Nos pasa a todos (no hay más remedio), así que es una historia para todos. Cuando somos niños, todos tenemos un sentido de la maravilla. Todos somos artistas y tenemos una imaginación desbordante. Cuando nos hacemos mayores, estas cosas se desvanecen. El asombro se nos escapa y acaba muriendo. Conté esta historia combinando una de las cosas que más aprecio en este mundo -mi hija- con temas que me parecen interesantes como la mitología, la fauna y la muerte.» (2)

"La oscuridad que acaba con todos los amaneceres / A Darkness To End All Daybreaks"

Obra en proceso, detalle / Work in Progress, detail

«I knew that my concept was powerful. I had a story to tell — a story that happens to us all. That relatable quality makes it a universal tale. It makes the work ambitious enough to shine. I knew that if I could get what was in my head onto the canvas, then it was going to be special.

That particular painting makes the onlooker say, "Ohhh, for the love of all that is right and good in this world, we MUST spare the unicorn! Somebody hurl that ax right off the nearest cliff!" The weight of our modern world is so metaphorically resonant within that image. The loss of childhood innocence is palpable. That downcast vibe could even apply to the dashed hopes of any type of activist or eco-champion. No matter your walk of life, you can look at A Darkness to End All Daybreaks and experience a windstorm of emotions. How does that feel, knowing that your canvas generates such intensely affecting kinetic energy?

It feels awesome! Anytime something I make resonates with people, sparks an emotion, or creates tension, I’ve achieved something more than just a pretty painting. "A Darkness To End All Daybreaks" is the story of growing up. It happens to us all (there’s no getting around it), so it is a story for everyone. When we’re children, we all have a sense of wonder. We are all artists, and we all have soaring imaginations. It’s only when we grow older that these things fade. The wonder is forced out of us, and it ultimately dies. I told this story by combining one of the things I hold most dear in this world — my daughter — with subjects that I find interesting like mythology, fauna, and death.» (2)

"Una ofrenda / An Offering", óleo sobre panel / oil on board, 20" x 24", 2016

"La olla amarilla / The Yellow Pot", óleo sobre panel / oil on board, 13" x 23", 2018

«Crecí en la costa, así que el mar parece ser un tema constante, pero nunca me gustó el arte que veía cuando era niño, el arte local que me rodeaba, la representación de la costa y la playa me resultaba muy sosa y banal, sólo vallas de nieve y paisajes costeros y conchas marinas. Quería buscar algo diferente, así que me he orientado hacia la idea de vestir a una mujer con un pulpo o contar toda una historia sobre un capitán borracho que caza monstruos marinos. Es algo que aparece constantemente, pero también tiendo a flotar con narraciones de mitología y tradiciones y cosas así.» (3)

"Pescando (estudio) / Fishing (Study)", lápiz sobre papel / pencil on paper, 15" x 20", 2016

"Pescando / Fishing", óleo sobre lino / oil on linen, 28" x 40", 2016

«Todo empieza con una idea, ¿verdad? Y luego la idea pasa al lápiz sobre el papel, que luego lleva a la producción y finalmente al producto acabado. Así es como yo afronto un cuadro... partiendo de una idea, una historia o un concepto, luego un dibujo en mi cuaderno de bocetos. Trabajo a partir de fotos, del natural y de la imaginación, lo que la obra requiera. Soy un gran fan de "menos es más" en cuanto a composición e intento dejar que la obra respire y tenga vida propia. Algo parecido a lo que hago con mis dos hijos, supongo. No estoy seguro de tener una filosofía sobre el estilo; hay tantas formas de transmitir un mensaje a través de la pintura y aprecio tantos tipos de arte y artistas que me resultaría imposible declarar cuál me parece el correcto. Para mí, es una evolución constante. Intento ser más suelto, sentirme más cómodo y profundizar siempre más. No tiene fin.» (1)

"Hundiéndose / Sinking", óleo sobre panel / oil on board, 9" x 16", 2014

Serie "Fábula" / Fable Series

"Sr. Sábado a la noche / Mr. Saturday Night", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 36", 2013

«Con "Fábula" siempre he sentido un profundo amor por lo fantástico, así que la idea era combinar mitos, leyendas y folclore con la sensualidad de la belleza juvenil, un sentido de fascinación infantil y una rica ración de realismo psicológico. Quería fusionar la elegancia con la oscuridad a partir de historias que me obsesionaban de niño. Los personajes de los cuadros abarcan toda la gama de la religión, los mitos griegos, las canciones infantiles, la tradición de los monstruos y algunos iconos de la vida real cuyas historias se han convertido en leyenda. Había dos obras de temática marina, "Afrodita" y "Sirena". Pinté 12 obras de esta serie, y cuando por fin pinté la decimotercera, "Sirena", creo que encontré lo que buscaba. Combiné un elemento natural del mar y una bella figura femenina. No era la primera vez que lo hacía, pero sí la primera que me parecía perfecto. A partir de ahí, empecé a trabajar con el tema del mar, y así nació "The Sea Is Calling".» (1)

"Flotar / Float", óleo sobre madera de álamo / oil on birch wood, 20" x 48", 2017

"El bosque (Niño radiante) / The Forest (Radiant Child)", óleo sobre lino / oil on linen, 30" x 54", 2021

«Mi hijo y su medusa. Una foto algo tardía del Día del Padre de Ash y yo con "El Bosque (Niño Radiante)" mi nueva pintura al óleo que se expondrá este mes de octubre (2021).» facebook

«My boy and his Jellyfish. A little late Father’s Day shot of Ash and I with “The Forest, (Radiant Child)” my new oil painting set to exhibit this October (2021).» facebook

"Levitación / Levitation", óleo sobre panel / oil on board, 15,5" x 20", 2015

«Hay algo fresco y extremadamente poderoso en una mujer que derrocha confianza. Explorarse a sí misma de una forma nueva para extraer una actitud o una emoción sin explotar. Un cierto je ne sais quoi, por así decirlo. El resultado puede ser estelar, como el whisky añejo. El trigo no tiene ni idea de cuál es su potencial. Una vez que ha sido guiado a través del proceso de destilación y guardado en un barril durante años, bueno, lo que sale por el otro extremo es interplanetario.

Pero volvamos a la Tierra, de la que, de un modo u otro, todos formamos parte, donde espero que todos podamos relacionarnos. En la Tierra hay flora y fauna. El reino animal me ha cautivado desde la infancia. Me maravilla la belleza y la ferocidad de la naturaleza y su frágil equilibrio. Al combinar la belleza femenina con la naturaleza en bruto, se consigue esa tensión feroz e inocente.» (2)

Serie "Fábula" / Fable Series

"Unicornio / Unicorn", óleo sobre lino / oil on linen, 24" x 36", 2013

"El mago / The Wizard", óleo sobre panel / oil on board, 14" x 18", 2021

"H. mamillatus" (*) (obra en proceso / work in progress)

(*) Heterocentrotus mamillatus (Erizo de mar / Sea Urchin)

«Me encanta el arte. El arte lo es todo para mí. El arte es un amigo, el arte es una cronología de la historia, el arte es un documental de la naturaleza, el arte es un maestro y el arte es vida. Aunque el academicismo no fue mi camino (no fui a la escuela de arte ni estudié en talleres), me encanta aprender. Soy un ferviente buscador de conocimientos, de artesanía y de historias. El proceso de pintar nunca tiene fin; no es algo nuevo. La gente lleva cientos de años explotando todos los medios de la pintura para alcanzar la perfección. Sería una tontería pensar que puedo siquiera arañar la superficie de la habilidad y el conocimiento que hay ahí fuera. Pero qué manera de vivir la vida; una nueva maravilla se hace eterna cuando reconoces cómo los pocos objetos que tienes llenan tu botiquín. Hasta aquí mi florida contribución a esta entrevista...» (2)

"H. mamillatus", óleo sobre abedul / oil on birch, 10" x 12,5", 2020

«Esta obra pertenece a la colección "Oceanografía", con retratos y obras figurativas mezcladas con vida marina. Todos los cuadros se titularon con el nombre de la especie marina que aparecía en la obra.»

«This work belongs to the collection "Oceanography", with portraits and figurative works mixed with marine life. All the paintings were titled after the species name of the sea life featured in the piece.»

"Un mundo feliz (Autorretrato) / Brave New World (Self Portrait)", óleo sobre panel / oil on board, 15" x 24", 2015

Serie "Fábula" / Fable Series

"Bad Juju", óleo sobre panel / oil on board, 14" x 16", 2014

«Recuerdo que le pregunté a Bela* si se veía como yo la pintaba. Me miró, sin decir palabra, y negó con la cabeza. Creo que esa reacción dice mucho de mi trabajo. No importa lo estéticamente bella que sea la mujer que te devuelve la mirada desde mi lienzo, no importa la criatura marina o el animal terrestre en el que esté envuelta o adornando, irradia una inocencia que establece una conexión que resuena en el espectador. Una de las razones por las que creo que esto funciona es porque mis musas no son modelos profesionales. Son amigos y personas con las que tengo una conexión. Hay una relación establecida. Son lo bastante afines como para entender la historia que intento contar.» (2)

* Bela Lotozo es una de las modelos en las obras de Victor, por ejemplo en la serie "Fábula"

"El naturalista / The Naturalist", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 54" x 72", 2015

«Para mí es importante dominar todos los medios posibles. Todos tienen algo especial. Los carboncillos dan emotividad y los lápices son ideales para el dibujo. Me encanta la acuarela y soy un gran admirador de Andrew Wyeth. Sus acuarelas son alucinantes. A menudo conduzco para ver sus obras en persona en el Brandywine River Museum. Cada vez que veo un Wyeth, quiero sacar mis acuarelas al instante. Pero la mayor parte de mi obra está pintada al óleo. Es el medio más vivo y cremoso que se presta realmente a pintar carne, y eso es lo que pinto, la mayor parte del tiempo. En cuanto a "El naturalista", hice el estudio mientras trabajaba en la exposición "El naturalista" con la intención de incluirlo en la muestra. La historia del cuadro tiene mucho que ver con el catalizador de la exposición "El naturalista": un explorador de principios del siglo XIX haciendo de las suyas en la costa de Nueva Jersey. El explorador tenía que ser un pulpo, porque los pulpos son lo mío y me pareció una elección perfecta. Peinando la playa con ocho manos, pudes recoger bastantes cosas. Y todo buen explorador necesita un hacha. Mi idea para la obra siempre fue hacerla en acuarela, como un gran Walton Ford de Audubon, pero me pareció que no encajaba con todos los retratos al óleo de "El Naturalista".» (1)

"Huracán / Hurricane", acuarela sobre papel / watercolor on paper, c. 2011

«Una de mis acuarelas favoritas. Es cruda, temperamental, lúgubre y sexy a la vez. Así es como yo lo veo.» facebook

«One of my favorite watercolor paintings I’ve done. It’s stark, moody, grim and sexy all at once. That’s how I see it.» facebook

"Dicha del abismo / Abyss Bliss", óleo sobre panel / oil on board, 11" x 14", 2014

«Un óleo de mi musa Bel con un pulpo en la cabeza. Estos cefalópodos me han fascinado desde siempre y siempre se cuelan en mi trabajo de un modo u otro. De todos modos, estábamos trabajando en el estudio y mi visión original para este cuadro era ella llevando este pulpo y con un aspecto de alta costura, como algo sacado de una revista de moda. Pero en cuanto se lo puse en la cabeza se puso a reír a carcajadas, ¿y por qué no iba a hacerlo? Decidí capturar el momento en lugar de un intento artificioso de algo preconcebido.» facebook

«An oil painting of my long time muse Bel with an octopus on her head. I’ve been incorporating and fascinated by these cephalopods forever and they always creep into my work somehow or another. Anyway, we were working in the studio and my original vision for this painting was her wearing this octopus and looking all high couture, like something from a fashion magazine. But as soon as I threw it on her head she was cracking up, and why wouldn’t she? I decided to capture the moment instead of a contrived attempt at something preconceived.» facebook

Victor junto a su obra "El último tango en Xochimilco" / with his work "Last Tango In Xochimilco"

Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 38" x 58", 2023

«Me han dicho que vivo en un mundo de fantasía. Hacer cuadros para ganarme la vida es como una fantasía, una de las mías que se hizo realidad. Pero todo es muy real, al igual que las imágenes que pinto. Creo que la vida está llena de rarezas y cosas raras que la mayoría de la gente no ve. Llámalo asombro o imaginación, pero la vida es mucho más bella cuando es extraña. Quiero que este mundo que yo veo pero que nunca existiría para los demás sea real y atraiga a la gente. Por eso pinto de forma realista, quiero que este mundo extraño sea tan real que el espectador lo sienta, lo crea.» (1)

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Fuentes / Sources:

(1) "Las pinceladas de / The Brushstrokes of Victor Grasso"

Entrevista de / Interview by Jessica Rae. Beautiful Bizarre, 4/2016

(2) "El resplandor terrenal de las ninfas míticas de Victor Grasso /

The Earthly Resplendence of Victor Grasso’s Mythical Nymphs"

Entrevista en / Interview inBeautiful Bizarre, 2019

(3) "Interesting People and Places of Exit 0". Episode 5 - Victor Grasso"

Entrevista de / Interview by Jonathon Lavengetto. 5/2014. Youtube

(4) "Victor Grasso: Artista-Emprendedor-Hombre de familia / Artist-Entrepreneur-Family Man"

Entrevista de / Interview by Eddie Parsons. 8/2015 - Actualizado / Updated 12/2017. Huffington Post

Puedes ver a Victor trabajando en el film "Grasso: Más allá de la pintura", una creación cinematográfica del cineasta Frank Weiss y el pintor Victor Grasso.

Descrito por su director como un híbrido, el proyecto combina la narrativa documental tradicional y el cine artístico. Se abre el telón para revelar al hombre que hay detrás de la obra, al tiempo que se capta la esencia de la visión creativa única del artista de Cape May, Nueva Jersey. El trailer, aquí.

Más sobre / More about Victor Grasso: Website, Instagram, facebook

A la parte II / To Part II

Imágenes publicadas con autorización del artista. ¡Muchas gracias, Victor!

Images published here with artist's permission. Thanks a lot Victor!

Un artículo en dos partes (la primera en español y la segunda en inglés), con una amplia selección de sus obras y reflexiones del artista sobre algunas de ellas extraidas de diversas entrevistas.

A two-part article (the first one in Spanish and the second in English), with a wide selection of his works and reflections of the artist on some of them extracted from various interviews.

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Victor Grasso

(Cape May Court House, Nueva Jersey, EE.UU./ NJ, USA, 1977-)

Victor Grasso

Victor Grasso is a self-taught American figurative painter born in 1977 in New Jersey.

Since he was a child he was interested in art. He wanted to be a comic book artist, visited museums and admired the work of great painters.

He began his approach to art by working for a company that produced murals for properties and businesses in Atlantic City. At the same time, he painted his pictures at home, with the hope of one day having a show. He opened his own mural company, and at the age of 21 he presented his first exhibition.

«I suppose I've always been an artist. The earliest drawing I have is from when I was two -- it's a human looking thing sitting in a chair over another human looking thing in a cage. Growing up my dream was to be a comic book artist. I drew characters and super heroes all day and I idolized the comic artists of the nineties. But things changed when my sixth grade art teacher asked me "What are you interested in?" My response was "Death and Animals." The next day she came in with a torn out page of an art book with Peter Paul Rubens'"Prometheus Bound" on it. I was blown away by that painting -- it never left me. But it was another seven years before I picked up a paintbrush, after I graduated high school. Instead of college I acquired a job painting for a mural company in Atlantic City with a portfolio full of drawings of monsters and goats. Within two years I started taking on commissions of my own and painted every day for four years. But commission work was not for me. So, every free chance I had I was working on my personal work. In 2007 I curated an exhibition of my work in my home town of Cape May, NJ in a giant church that was converted into luxury condos. I think I sold one painting but the turnout was huge. That same year a gallery opened in Cape May and asked if I would show. My first show was lackluster but my second show, in 2008, was really successful and since then I have been able to focus on my work and show throughout the country.» (4)

"El erizo / The Urchin", óleo sobre panel / oil on board, 16" x 18", 2017

"El ascenso de Nimrod / Nimrod Ascending", óleo sobre lino / oil on linen, 38" x 60", 2019

«I grew up on the shore, so the sea seems to be a constant theme, but I was never pleased with the art that I saw growing up, local art that was around me, the representation of the shore and the beach it was very bland and banal to me, just snow fences and seashore scapes and seashells. I wanted to search for something different, so I've gon on the direction of a whether it's draping a woman in an octopus or telling a whole story about a seafaring drunkard captain hunting sea monsters. That's a constant thing that creeps up, but also I tend to float around with narratives of mythology and lore and things like that. I've always was drawn to growing up.» (3)

"Cangreja / She Crab", óleo sobre lino / oil on linen, 18" x 20", 2016

"El violín (estudio) / The Violin (Study)", lápiz sobre papel / pencil on paper, 14,5" x 40", 2018

«It all starts with an idea, right? And then the idea moves to pencil on paper, which then leads to production and finally the finished product. That’s how I approach a painting… starting with an idea, story, or concept, then a drawing in my sketchbook. I work from photos, life and imagination, whatever the piece calls for. I’m a big less-is-more fan as far as composition and I try to let a piece breathe and have a life of its own. Kinda like the way I am with my two kids, I suppose. I’m not sure I have a philosophy on style, there are so many ways to convey a message through paint and I appreciate so many types of art and artists that it would be impossible for me to declare what I think is right. For me, it’s a constant evolution. Trying to be looser, more comfortable, and always dig deeper. It’s never ending.» (1)

"SOS", óleo sobre panel / oil on board, 18" x 36", 2017

Serie "Fábula" / Fable Series

"Chupacabras", óleo sobre lino / oil on linen, 28" x 38", 2013

«With "Fable" I’ve always had a deep love for the fantastic, so the idea was to combine myths, legend and folklore with the sensuality of youthful beauty, a sense of childlike fascination, and a rich helping of psychological realism. I wanted to fuse elegance with darkness using stories I was obsessed with as a lad. The characters in the paintings span the gamut of religion, Greek myth, nursery rhymes, monster lore and a few real life icons whose stories have become legend. There were two sea-themed pieces, "Aphrodite" and "Siren". I painted 12 pieces in this series, and when I finally painted the thirteenth, "Siren," I think I found what I was looking for. I combined a natural element from the sea and a beautiful female figure. It wasn’t the first time I had done this but it was the first time it felt seamless. I was off and running with the sea theme after that, and so "The Sea Is Calling" came to fruition.» (1)

"La trascendencia de Pablo / The Trascendence of Paul", óleo sobre panel / oil on board, 14" x 24", 2018

"El delfín / The Dolphin", óleo sobre panel / oil on board, 24" x 36", 2017

«Es el retrato de una mujer recostada en una silla ornamental con un esqueleto de delfín totalmente articulado colgado en la pared detrás de ella. Me inspiré en multitud de fuentes para crear mi propia "Odalisca": una belleza a la espera, una doncella icónica, un magnífico misterio. La Gran Odalisca de Ingres me sirvió de modelo. Es uno de mis cuadros favoritos de Ingres y ha estado en el cajón de arriba del archivador de mi cerebro desde que lo vi por primera vez en el Louvre de París.

Lo mezclé con una imagen increíble de la película de Sophia Coppola, María Antonieta. El esqueleto de delfín se inspiró en las vitrinas de historia natural de Damien Hirst, como los tiburones flotantes, las vacas troceadas, etc. Y, por último, añadí un fondo texturizado verde oliva algo sucio como guiño a la obra abstracta de Gerhard Richter titulada Abstraktus Bild (1994).» (2) [ver referencias más abajo]

"El delfín / The Dolphin" (detalle / detail)

«It’s a portrait of a woman lounging in an ornamental chair with a fully articulated dolphin skeleton hanging on the wall behind her. I drew inspiration from a multitude of sources to create my own “Odalisque” — a beauty in waiting, an iconic maiden, a gorgeous mystery. Ingres’ Grand Odalisque was the blueprint for the painting. It’s one of my favorite Ingres paintings and it has been in that top drawer of my brain filing cabinet since I first saw it at the Louvre in Paris.

I mixed it up with an amazing visual from Sophia Coppola’s film, Marie Antoinette. The dolphin skeleton was inspired by Damien Hirst’s Natural History Vitrines, such as floating sharks, sliced up cows, etc. And finally, I threw in a textured, kind of dingy olive green background as a nod to Gerhard Richter’s abstract work titled Abstraktus Bild (1994).» (2) [see references below]

Serie "Fábula" / Fables Series

"Ícaro / Icarus", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 38", 2013

«I remember asking Bela* if she sees herself as I paint her. She just looked at me, not saying a word, and shook her head. I think that reaction says a lot about my work. No matter how aesthetically beautiful the woman staring back at you from my canvas is, no matter what sea creature or land animal she is wrapped in or adorning, she radiates an innocence that establishes a connection that resonates with the viewer. One of the reasons I think that this works is because my muses are not professional models. They are friends and people I have a connection with. There’s an established rapport. They’re akin enough to understand the story I am trying to tell.» (2)

* Bela Lotozo is one of the models in Victor's works, for example in the series "Fábula".

"La seducción de las monjas / The Seduction of the Nuns", óleo sobre lino / oil on linen, 40" x 60", 2012

«I just love art. Art is everything to me. Art is a friend, art is a chronology of history, art is a documentarian of nature, art is a teacher, and art is life. Although academia wasn’t my path — I did not go to art school nor study at ateliers — I love to learn. I’m a ferocious seeker of knowledge, of craft, and of stories. There is never an end to the process of painting; it’s not like it’s a new thing. People have been pushing every medium of painting to achieve perfection for hundreds of years. It would be foolish to think I could even scratch the surface of the skill and knowledge that’s out there. But what a way to live life; new wonder lies eternal when you recognize how the few items you have fill your medicine bag. There’s my flowery contribution to this interview…» (2)

"Ascenso profundo (estudio) / Deep Rise (Study)", lápiz sobre papel / pencil on paper, 14" x 21", 2016

"Ascenso profundo / Deep Rise", óleo sobre panel / oil on board, 14" x 21", 2016

«There’s just something fresh and extremely powerful about a woman exuding confidence. Exploring herself in a new way in order to extract an attitude or an untapped emotion. A certain je ne sais quoi, if you will. The result can be stellar, like aged whiskey. The wheat has no idea of what its potential is. Once it has been guided through the distilling process and stowed in a barrel for years, well, what comes out at the other end is interplanetary.

But let us come back to Earth, which, in one way or another we’re all part of, where I’m hoping we can all relate. Amongst the earth, there is flora and fauna. I’ve been enthralled by the animal kingdom as far back as childhood. I marvel at the beauty and ferocity of nature and its fragile balance. By combining feminine beauty with raw nature, you get that fierce and innocent tension.» (2)

"Avicultura práctica / Practical Birdkeeping", óleo sobre lino / oil on linen, 36" x 48", 2016

"C. carcharias (*) Muerte desde abajo / Death From Below", óleo sobre panel / oil on board, 17" x 28", 2020

(*) Carcharodon carcharias (Gran tiburón blanco / Great White Shark)

"C. carcharias Muerte desde abajo (obra en proceso) / Death From Below (work in progress)"

"C. carcharias Muerte desde arriba / Death From Above", óleo sobre lino / oil on linen, 12" x 16", 2020

"El naturalista III / The Naturalist III", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 51,5" x 72", 2022

«It’s important for me to be proficient in all the mediums that I can. There’s something special about all of them. Charcoals give moodiness and pencils are prime for drafting. I love watercolor and I am a huge Andrew Wyeth fan. His watercolors are mind blowing. I often drive to see his works in person at the Brandywine River Museum. Whenever I see a Wyeth, I want to break out my watercolors instantly. But most of my work is painted in oil. It is the most alive and creamy medium which really lends itself to painting flesh, and that’s what I paint, most of the time. As far as "The Naturalist" goes, I made the study while I was working on "The Naturalist" exhibit with the intention of putting it in the show. The story of the painting is very much the catalyst of "The Naturalist" show, an early 19th century explorer doing his thing on the coastal shores of New Jersey. The explorer had to be an octopus, because, octopi are my thing and it seemed like a perfect pick. To beach-comb with eight hands, you could collect quite a bit. And every good explorer needs an axe. My vision for the piece was always to do it in watercolor like a big Walton Ford of Audubon, but I just felt it didn’t fit with all the oil portraits of "The Naturalist".» (1)

"Cosecha / Harvest", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 68", 2020

"Sphyrnidae", óleo sobre lino / oil on linen, 40" x 60", 2020

«I’ve been told I live in a fantasy world. Just making paintings for a living is like a fantasy, one of mine that came true. But it’s all very real, and so is the imagery I paint. I think life is full of quirkiness and odd things that most people don’t see. Call it wonder or imagination but life is much more beautiful when it’s bizarre. I want this world that I see but would never exist to others to become real and pull people in. That’s why I paint in a realist manner, I want to make this oddball world so real that the viewer feels it, believes it.» (1)

"Rey del mar (King of the Sea)", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 38" x 51,5", 2022

"Louisiana", óleo sobre lino / oil on linen, 22" x 62", 2022

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Fuentes / Sources:

(1) "Las pinceladas de / The Brushstrokes of Victor Grasso"

Entrevista de / Interview by Jessica Rae. Beautiful Bizarre, 4/2016

(2) "El resplandor terrenal de las ninfas míticas de Victor Grasso /

The Earthly Resplendence of Victor Grasso’s Mythical Nymphs"

Entrevista en / Interview in Beautiful Bizarre, 2019

(3) "Interesting People and Places of Exit 0". Episode 5 - Victor Grasso"

Entrevista de / Interview by Jonathon Lavengetto. 5/2014. Youtube

(4) "Victor Grasso: Artista-Emprendedor-Hombre de familia / Artist-Entrepreneur-Family Man"

Entrevista de / Interview by Eddie Parsons. 8/2015 - Actualizado / Updated 12/2017. Huffington Post

You can see Victor at work in the film "Grasso: Beyond the Paint", a cinematic creation of filmmaker Frank Weiss and painter Victor Grasso.

Described by its director as a hybrid, the project blends both traditional documentary narrative and artistic cinema. It parts the curtain to reveal a glimpse of the man behind the work – while capturing on film the essence of the Cape May, N.J. artist’s one-of-a-kind creative vision. Trailer here.

Más sobre / More about Victor Grasso: Website, Instagram, facebook

A la parte I / To Part I

Imágenes publicadas con autorización del artista. ¡Muchas gracias, Victor!

Images posted here with artist's permission. Thanks a lot Victor!

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Algunas referencias / Some references

"La gran odalisca", de Ingres, ya fue publicada en el blog aquí /

"La Grande Odalisque", by Ingres, was already posted in this blog here.

María Antonieta / Marie Antoinette

Kirsten Dunst como María Antonieta en un fotograma de la película homónima de Sofía Coppola /

Kirsten Dunst as Marie Antoinette in a still from Sofia Coppola's film of the same name (2006)

Filmaffinity, Imdb

Sofía Coppola en "El Hurgador" / in this blog:

[Aniversarios Fotografía (CLXXI)], [Asonancias (XL)], [Asonancias (XLI)]

María Antonieta en "El Hurgador" /Marie Antoinette in this blog:

[Aniversarios (CLXXXIV)], [Fotógrafos japoneses (II)], [Eugenia Loli (Collage)], [Pintando esculturas (VI-1)]

Damien Hirst Steven

(Bristol, Reino Unido / UK, 1965-)

"Madre e hijo (divididos) / Mother and Child (Divided)", original, 1993

Vidrio, acero inoxidable, perspex, pintura acrílica, vaca, ternero y solución de formaldehído /

glass, stainless steel, perspex, acrylic paint, cow, calf and formaldehyde solution

2 partes / parts: 208,6 × 322,5 × 109,2 cm., 208,6 × 322,5 × 109,2 cm.

2 partes / parts: 113,6 × 168,9 × 62,2 cm., 113,6 × 168,9 × 62,2 cm.

Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Damien Hirst en "El Hurgador" / in this blog: [Arte & Humor (III)], [Asonancias (XXXV-Anexo-II)]

Gerhard Richter

(Dresden, Deutschland / Dresde, Alemania / Germany, 1932-)

"Abstraktes Bild / Cuadro abstracto / Abstract Painting (809-2)"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 225 x 200 cm., 1994. Christie's

Gerhard Richter en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (II)], [Gottfried Helnwein (Pintura)]

El estadounidense Brad Woodfin nos regala exquisitos retratos de animales sobre intensos fondos negros que confieren a cada uno de ellos una fuerte personalidad y la atmósfera del claroscuro holandés de la Edad de Oro. Con una consistente formación, fundamentalmente en grabados, Brad pinta y expone con regularidad desde 2008. Les presento una selección representativa de su obra, un perfil biográfico y algunas reflexiones extraídas de varias entrevistas.

American Brad Woodfin gives us exquisite portraits of animals on intense black backgrounds that give each of them a strong personality and the atmosphere of the Dutch chiaroscuro of the Golden Age. With a consistent background, primarily in printmaking, Brad has been painting and exhibiting regularly since 2008. Here you have a representative selection of his work, a biographical profile and some reflections drawn from various interviews.

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Brad Woodfin

(Marblehead, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA, 1970-)

en / at Montreal, Canadá

Brad Woodfin. Foto / Photo: facebook

Brad Woodfin nació en Marblehead, Massachusetts, en 1970. Se trasladó a Olympia (Washington) en 1991 para estudiar grabado y pintura en el Evergreen State College. Su obra se ha presentado en exposiciones individuales en Nueva York, Vancouver, Calgary, San Francisco, Los Ángeles y Melbourne, así como en exposiciones colectivas y ferias de arte en Hamburgo, Londres, Miami, Nueva York y Melbourne. Brad vive y trabaja en Montreal. (3)

"Manzanas de sangre / Blood Apples", óleo sobre panel / oil on panel, 30,5 × 50,8 cm., 2020

"Loupin", óleo sobre panel / oil on panel, 20,3 × 25,4 cm., 2022

"Minore", óleo sobre panel / oil on panel, 50,8 × 35,6 cm., 2022

«Estudié grabado en el Evergreen State College de Olympia, Washington. Trabajé casi exclusivamente con un profesor y también fui ayudante de laboratorio en el estudio de grabado, así que pasaba cerca de cuarenta horas a la semana haciendo grabado. El último año me pasé a la pintura.» (1)

«Marion Peck (*) es una amiga y una mentora. Tuve la suerte de conocerla hace años y me enseñó lo que es un artista. Me encantan sus cuadros, pero también es que era la persona más guay que había conocido. Yo pintaba pero no sabía nada de lo que hacía. Vi cómo montaba exposiciones en su apartamento. Sus increíbles cuadros clavados en las paredes. Me quedé asombrado, pero también vi cómo funcionaba. El romanticismo y la alquimia. Era mi Patti Smith. Era punk y salvaje, con mucho talento, exótica y con mucha fuerza. Conocerla cambió mi vida. Me encanta la obra del Renacimiento del Norte, los surrealistas, la Internacional Situacionista, Alexander McQueen, pero creo que inspirarse en Marion Peck para vivir, crear, pensar y trabajar, o leer Just Kids de Patti Smith, representa una especie de "paquete completo" que me gusta mucho.» (1)

"Despreocupado / Fazing Out", óleo sobre panel / oil on panel, 25,4 × 27,9 cm., 2020

"Soplos cardíacos / Heart Murmurs", óleo sobre panel / oil on panel, 40,64 × 50,8 cm., 2020

"Soplos cardíacos" fue el cuadro más difícil de esta exposición. Es realmente literal. Es un poco como utilizar un nuevo idioma introduciendo el corazón y la campana. Está inspirado en el dicho "El cerebro es el abismo, el corazón es el puente". Hablar un idioma nuevo puede ser embarazoso y esto se siente un poco así. Creo que me ayudó a crecer porque decidí incluirlo en el programa. Si no lo hubiera hecho, no habría sido honesto con el tema del cuadro, lo que tiene cierta gracia porque el cuadro me puso en ese aprieto.» (1)

«"Heart Murmurs" was the most challenging painting in this show. It’s really literal. It is a bit like using a new language by introducing the heart and bell. It was inspired by the saying "The brain is the chasm, the heart is the bridge". Speaking a new language can be embarrassing and it feels like that a bit. I think it helped me grow as I chose to put it in the show. If I hadn’t I wouldn’t have been honest about the painting’s subject, which is sort of funny that the painting put me in that predicament.» (1)

"Nocturna", óleo sobre panel / oil on panel, 30,5 × 40,6 cm., 2022

"Mèches Allumées (Mechones encendidos / Lighted Wicks)"

Óleo sobre panel / oil on panel, 40,6 × 40,6 cm., 2019

«Cuando terminé la escuela no sabía si me dedicaría al arte y apenas pintaba. Tocaba en grupos y trabajaba en una tienda de discos en Seattle y fue entonces cuando realmente conocí a Marion Peck. Justo antes de mudarme a Montreal envié un correo electrónico a la galería Atelier de Vancouver, BC, porque mostraba cuadros de The Royal Art Lodge, que me encantaban y me dieron una exposición. Fue entonces cuando empecé a trabajar de verdad en la pintura y tenía mucho trabajo que hacer para mejorar. Tuve suerte de exponer mucho en esos 10 primeros años, ya que me obligó a trabajar.» (1)

"Grace Oliver", óleo sobre panel / oil on panel, 27,9 × 35,6 cm., 2018

«Creo que cuando empecé me resultaba fácil comparar mi obra con la de los viejos maestros, pero ahora ya no lo veo así. ¿Quizás el estilo se ha vuelto más propio? Veo mi obra muy contemporánea y antes la veía a través de la lente del pasado.» (2)

«Aunque pinto animales, los veo más como iconos de lo que se siente al ser humano. Nací enfadado. Siento que el patriarcado y el capitalismo están contra mí y contra la belleza. Puedo expresar mis sentimientos hacia el mundo a través de ellos. Representan la naturaleza, la belleza y el sufrimiento. Algunos de los animales que pinto representan cosas específicas para mí, como la violencia y el dolor, y siento que estoy desarrollando mi lenguaje con ellos. Es un proceso lento y siempre estoy descubriendo cosas.» (2)

"Buena sangre / Good Blood", óleo sobre panel / oil on panel, 47 x × 35,6 cm., 2017

"Simone", óleo sobre panel / oil on panel, 2021

«Trabajo a partir de fotografías y paso por fases en cuanto a los animales que pinto. Nunca sé exactamente por qué. Si lo pienso demasiado, me siento un poco falso. A menudo es una fotografía que me llama la atención.» (2)

«La esencia suele venirme fácilmente porque los sujetos que elijo siempre poseen mucho carácter. Simplemente trabajo a partir de lo que me transmiten. El cuadro Loupin es un buen ejemplo de ello. Las liebres me transmiten una energía nerviosa, mucha ansiedad. Captar esa vibración es el placer de pintar una liebre. Los retos suelen venir los aspectos técnicos del cuadro.» (2)

"Mi corazón se detuvo / My Heart Stood Still", óleo sobre panel / oil on panel, 35,6 × 45,7 cm., 2020

Brad Woodfin con la obra de / with the work by Ai Weiwei (**)

"Círculo de animales - Cabezas del zodíaco: Perro / Circle of Animals - Zodiac Heads: Dog"

Bronce / bronze, 310 x 130 x 165 cm., 2010

Brad Woodfin was born in Marblehead, Massachusetts in 1970. He moved to Olympia, Washington in 1991 to study printmaking and painting at The Evergreen State College. His work has been featured in solo shows in New York, Vancouver, Calgary, San Francisco, Los Angeles and Melbourne, as well as group shows and art fairs in Hamburg, London, Miami, New York and Melbourne. Brad lives and works in Montreal. (3)

"Juicio XX / Judgement XX", óleo sobre panel / oil on panel, 22 × 30cm,, 2020

"Marcha de sal hacia las marismas / Salt Marches To Salt Marshes"

Óleo sobre panel / oil on panel, 61 × 76,2 cm., 2016

"Naufrageur (Náufrago / Castaway)", óleo sobre panel / oil on panel, 40,6 × 40,6 cm., 2017

«I studied printmaking at The Evergreen State College in Olympia, WA. I worked almost exclusively with one teacher and also was the lab aide in the printmaking studio so I was spending close to forty hours a week doing printmaking. My last year there I switched to painting.» (1)

«Marion Peck (*) is a friend and a mentor. I was lucky enough to meet her years ago and she showed me what an artist is. I love her paintings, but it was also that she was the coolest person I had met. I was painting but I knew nothing about what I was doing. I saw her put-together shows in her apartment. Her amazing paintings pinned to her walls. I was in awe but also saw how it worked. The romance of it and the alchemy. She was my Patti Smith. She was punk and wild and so talented and exotic and such a force. Meeting her for sure changed my life. I love the work of Northern Renaissance, Surrealists, the Situationist International, Alexander McQueen but I think being inspired how to live, create, think and work by Marion Peck or reading Just Kids by Patti Smith has a sort of “whole package” vibe that I really take to.» (1)

"No despiertes a papá XIV / Don’t Wake Daddy XIV"

Óleo sobre panel / oil on panel, 35,56 × 45,72 cm., 2019

"Mi Par D'udir Ancora (Aún me parece oir / I Still Seem To Hear)" (canción de / song by Enrico Caruso)

Óleo sobre panel / oil on panel, 22,9 × 30,5 cm., 2019

Técnicamente asombrosas, las pinturas de animales, aves y flores de Brad Woodfin, atmosféricas y meticulosamente detalladas, son sentidas meditaciones sobre la relación del ser humano con el mundo natural, con un toque de ironía. Woodfin coloca a todos sus personajes sobre un rico fondo oscuro que recuerda a los retratos holandeses del Siglo de Oro; la postura confiere a la gallina o al búho en el centro del cuadro un semblante casi humano, insinuando sutilmente su sensibilidad y su conciencia de la mirada del espectador. Centrándose en el estado de ánimo y la expresividad, el hábil uso que Woodfin hace del claroscuro infunde a su obra una profundidad metafórica a medida que sus temas pasan de la oscuridad a la luz, como en obras como "Mi Par D'udir Ancora" (2020). La atmósfera de profunda reverencia y melancolía que impregna su obra se inspira en su amor por el arte devocional y las viejas canciones de los años veinte a cincuenta. (4)

Technically astonishing, Brad Woodfin’s atmospheric and meticulously detailed paintings of animals, birds, and flowers are heartfelt meditations on mankind’s relationship with the natural world, touched with a hint of irony. Woodfin sets all his subjects against a rich dark background recalling Dutch Golden Age portraiture; the posture gives the chicken or owl at the heart of the painting an almost human countenance, subtly hinting at their sentience and awareness of the viewer’s gaze. Focusing on a sense of mood and expressiveness, Woodfin’s skillful use of chiaroscuro infuses his work with a metaphorical depth as his subjects move from darkness into the light, as in works like Mi Par D’udir Ancora (2020). The atmosphere of profound reverence and melancholy which saturates his work is inspired by his love of devotional art and old songs from the 1920s to the 1950s. (4)

"Cuerdas colgantes / Ropes Hang", óleo sobre panel / oil on panel, 20,32 × 25,4 cm., 2021

"Sigue sonando / Still Ringing", óleo sobre panel / oil on panel, 50,8 × 35,6 cm., 2022

«When I finished school I didn’t know if I would do art and I was barely painting. I was playing in bands and I worked at a record store in Seattle and this is when I really got to know Marion Peck. Right before I moved to Montréal I sent an email to Atelier Gallery in Vancouver, BC because he showed The Royal Art Lodge paintings, which I loved and he gave me a show. That’s when I started to really work on painting and I had a lot of work to do to get better. I was lucky to show lots in those first 10 years as it forced me to work.» (1)

"Amor perdido / Love Lost", óleo sobre panel / oil on panel, 17,78 × 22,86 cm., 2018

"Evidencia espectral / Spectral Evidence", óleo sobre panel / oil on panel, 40,64 × 50,8 cm., 2019

«I think when I started it was easy for me to compare my work to old masters, but now I don’t see it anymore. Maybe the style has become more my own? I see my work as very contemporary now and I used to see it through a lens of the past.» (2)

«Even though I paint animals I see them more as icons for how it feels to be human. I was born angry. I feel like the patriarchy and capitalism is against me and against beauty. I can express my feelings towards the world through them. They represent nature and beauty and suffering. Some of the animals I paint do represent specific things for me like violence and grief and I feel like I am just developing my language with them. It’s a slow process and I am always figuring things out.» (2)

"Demonio de Tasmania / Tasmanian Devil", óleo sobre panel / oil on panel, 27,9 x 35,56 cm.

"Laurel / Laurier", óleo sobre panel / oil on panel, 30,5 × 40,6 cm., 2022

«I work from photographs and I go through phases of what animals I paint. I never really know exactly why. If I think about it too much I feel a bit like a phony. It’s often just a photograph that strikes me.» (2)

«The essence usually comes to me easily because the subjects I choose always possess so much character. I am just working from what they are giving me. The painting Loupin in the show is a great example of that. Hares have such a nervous energy to me, so much anxiety. Capturing that vibe is the pleasure of painting a hare. The challenges often come more from just the technical aspects of the painting.» (2)

"La Gran Sacerdotisa / The High Priestess", óleo sobre panel / oil on panel, 30 × 40 cm., 2021

"Sábanas al viento / Sheets to The Wind", óleo sobre panel / oil on panel, 17,8 × 22,9 cm., 2022

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Fuentes / Sources:

(1) Entrevista a Brad Woodfin con motivo de su exposición "Me alegro que estés aquí" /

Interview with Brad Woodfin for his upcoming exhibition "Glad You’re Here"

Thinkspace Gallery, April 3, 2021 – April 24, 2021. Sour Harvest

(2) "Brad Woodfin y su prole / and his Brood"

Entrevista de / Interview by Gab Lewis. Outré Gallery. 10/2022

(3) Biografía y Currículum / Bio & CV. Website

(4) Perfil del artista / Artist's profile. Artsy

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(*) Marion Peck en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (XXIX)], [Aniversarios (CXLIV)]

(**) Ai Weiwei en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (XXXII)], [Asonancias (XXXII-Anexo)]

Más sobre / More about Brad Woodfin: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Brad!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Brad!)

Regresamos a esta serie en la que, junto a Shirley Rebuffo, nos ocupamos del lavado de ropa: ropa tendida, ropa y telas al sol, lavanderas, etc., pero también otras actividades y procesos relacionados con el acondicionamiento de la vestimenta y otros textiles, como el planchado, el teñido, el zurcido...

En este nuevo bloque, una colección de pintura en la que el tema principal es la ropa colgada en los tendederos y las lavanderas (también un lavandero, como curiosidad) dedicadas a esta tarea.

We return to this series in which, together with Shirley Rebuffo, we deal with the washing of clothes: hanging clothes, clothes and fabrics in the sun, washerwomen, etc., but also other activities and processes related to the conditioning of clothing and other textiles, such as ironing, dyeing, darning ....

In this new block, a collection of paintings in which the main theme is the clothes hung on clotheslines and the washerwomen (also a washerman, as a curiosity) dedicated to this task.

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David Alexander "Alex" Colville

(Toronto, Canadá, 1920 - Wolfville, 2013)

"Mujer en el tendedero / Woman at Clothesline"

Emulsión esmaltada sobre tablero duro / glazed emulsion on hardboard, 121,8 x 91,5 cm., 1956-57

National Gallery (Ottawa, Canadá). 1000 Museums

Alex Colville en "El Hurgador" / in this blog:

[Aniversarios (XXXI)], [Pintando perros (XLVIII)], [Asonancias (XLII)]

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Afifa Aleiby

عفيفه العيبي‎

(البصرة‎‎, العراق / Basora, Irak / Basra, Iraq, 1952-)

"Día de verano / Summer Day", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 120 cm., 2005

"Discapacidad / Handicap", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 95 x 95 cm., 1986

Más sobre / More about Afifa Aleiby: Website, Instagram

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Kiki de Montparnasse

Alice Ernestine Prin

(Châtillon-sur-Seine, Bourgogne-Franche-Comté, France /

Borgoña, Francia, 1901 - Montparnasse, París, 1953)

"Les Lavandières / Las lavanderas / The Washerwomen"

Óleo y lápiz sobre lienzo / oil and pencil on canvas, 50 x 73,5 cm., 1927

Kunstmuseum (Basel, Schweiz / Basilea, Suiza / Switzerland)

Kiki de Montparnasse en "El Hurgador" / in this blog: [Asonancias (II)]

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Donald Saaf

(Estados Unidos / USA, 1961-)

"El espíritu de la colada / Spirit of the Laundry"

Acrílico, lienzo sobre panel / acrylic, fabric on panel, 30 x 40 cm., 2011

Colección privada / Private Collection. Website

Más sobre / More about Donald Saaf: Website, Instagram

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Ekua Holmes

(Roxbury, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA, 1955-)

Serie "No hay lugar como el hogar" / There's No Place Like Home Series

"Lavandera jamaicana / Jamaican Laundress", 22 x 30 cm., 2015. Website

Serie "No hay lugar como el hogar" / There's No Place Like Home Series

"Día de lavado ventoso / Windy Wash Day", 2009. Website

Más sobre / More about Ekua Holmes: Website, Wikipedia (English)

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José Francisco Domingo Laso de la Vega y de los Ríos

(Tacna, Perú, 1823 - San Mateo, 1869)

"La lavandera / The Laundress", óleo sobre tela / oil on canvas, 106 x 61,3 cm., 1859

Museo de Arte de Lima (Lima, Perú). Wikimedia Commons

El regreso de Laso al Perú en 1856, tras su segundo viaje a Europa, inicia uno de los periodos más productivos de su carrera. Apenas meses después de su llegada, el artista se trasladó a Arequipa para pintar cuatro evangelistas por encargo de la catedral de esa ciudad, y en 1858 volvía a Lima para casarse con Manuela Henríquez. Al año siguiente presentaba al público dos composiciones originales: "La lavandera" y "Las tres razas", en las vidrieras de la litografía de Emilio Prugue. Pese a sus diferencias, ambos lienzos encerraban una misma voluntad por dotar al costumbrismo limeño de una mayor densidad conceptual, en contraste con su predominante carácter anecdótico. Así, La lavandera muestra a una mulata que tiende la ropa a secar en uno de los techos planos de la capital, típica escena limeña que, sin embargo, es abordada desde las rigurosas convenciones de la pintura académica europea. De hecho, Laso otorga a la imagen de la mujer la dignidad y belleza de una escultura clásica, en clara respuesta a las jerarquías étnicas sobre las que se basaba el canon estético occidental. Esta refinada estilización se refleja, además, en el tratamiento sintético de los techos de Lima, resueltos en formas casi geométricas.

Museo de Arte de Lima

Laso's return to Peru in 1856, after his second trip to Europe, began one of the most productive periods of his career. Just months after his arrival, the artist moved to Arequipa to paint four evangelists commissioned by the cathedral of that city, and in 1858 he returned to Lima to marry Manuela Henríquez. The following year he presented to the public two original compositions, "The Washerwoman" and "The Three Races", in the windows of Emilio Prugue's lithography. Despite their differences, both canvases contained the same desire to give Lima's costumbrismo a greater conceptual density, in contrast to its predominantly anecdotal character. Thus, La lavandera shows a mulatto woman hanging out her clothes to dry on one of the flat roofs of the capital, a typical Lima scene that, nevertheless, is approached from the rigorous conventions of European academic painting. In fact, Laso gives the image of the woman the dignity and beauty of a classical sculpture, in clear response to the ethnic hierarchies on which the Western aesthetic canon was based. This refined stylization is also reflected in the synthetic treatment of Lima's ceilings, resolved in almost geometric forms.

Museo de Arte de Lima

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Gary Bunt

(East Peckham, Reino Unido / UK, 1957-)

"Un fuerte apretón / A Tight Squeeze", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25,4 x 30,48 cm. Instagram

"El aclarado azul / The Blue Rinse", 16" x 20"

Hemos parado fuera de este B & B

hay una mujer con el pelo azul claro

está tendiendo la colada

mientras aún hace buen tiempo

"Disculpe querida, estoy preguntando por aquí

has visto al hombre de

arriba Me he extraviado así que cada día rezo

por poder encontrar su amor"

"a menudo viene a visitarme

aunque cuando, realmente no puedo decirlo

He visto al lechero y al cartero

pero hoy no he visto a Dios"

El hombre que encontró a Dios, Abril, 2022

En la exposición "El hombre que encontró a Dios", el hombre y el perro de Gary Bunt cuentan una historia a través de 51 pinturas y poemas. Link

We’ve stopped outside this B & B

there’s a woman with blue rinsed hair

she’s hanging out her washing

whilst the weather is still fair

“excuse me my dear I’m asking around here

have you seen the man from

above I’ve gone astray so daily I pray

that I can find his love”

“he often comes to visit me

although when, I can’t really say

I’ve seen the milkman and the postman

but I haven’t seen God today”

The Man Who Found God, April 2022

The Man Who Found God exhibition sees Gary Bunt’s man and dog telling a story via 51 paintings and poems. Link

"Día de lavado en las colinas / Wash Day On The Downs". Artlex

Más sobre / More about Gary Bunt: Website, Instagram

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Jeffrey T. Larson

(Two Harbors, Minnesota, EE.UU./ MN, USA, 1962-)

"A la luz de la mañana / In the Light of Morning", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 58", 2003

"Tendiendo la ropa / Hanging Laundry", óleo sobre lino / oil on linen, 30" x 48", 2009. facebook

"Patrones / Patterns", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,8 x 61 cm., 2001. ARC

"Impresión de rosas / Rose Print", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 76,2 cm., 2000. facebook

"Lavado matinal / Morning Wash", óleo sobre lino / oil on linen, 15" x 15". Collins Galleries

"Conversación en el tendedero - Colada / Clothesline Conversation – Laundry"

Óleo sobre lino / oil on linen, 91,4 x 116,8 cm., 2015

"Amarillo y azul / Yellow and Blue", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2005

"Sobre el tendedero / Over The Line", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 32" x 84"

"Gracia y Caridad / Grace And Mercy"

"La sábana blanca / The White Sheet", óleo sobre lino / oil on linen, 30" x 30", 2006. facebook

"Notas de color / Color Notes", óleo sobre lino / oil on linen, 20" x 24", 1998. facebook

Más sobre / More about Jeffrey T. Larsson: Website, facebook

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Mian Situ

司徒綿

(开平市, 广州, 中国 / Kaiping, Provincia de Cantón [Guangdong] /

Guangdong Province, China, 1953-)

"Lavandería familiar china en 1880 / Chinese Family Laundry in 1880"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 54", 2013

Más sobre / More about Mian Situ: Website, Instagram

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John French Sloan

(Lock Haven, Pennsylvania, EE.UU./ PA, USA, 1871 -

Hanover, New Hampshire, 1951)

"Trabajo de mujeres / A Woman's Work", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80,3 x 65,4 cm., 1912

The Cleveland Museum of Art (Cleveland, Ohio, EE.UU./ OH, USA)

"Sol y viento en la azotea / Sun and Wind on The Roof"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61,2 x 59,4 cm., 1915

Randolph College (Virginia, EE.UU./ VA, USA). Wikimedia Commons

"Tendiendo ropa / Hanging Laundry", aguafuerte / etching, 10,4 × 15,2 cm., 1912

Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

"Kimono rojo en la azotea / Red Kimono on the Roof"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60,9 x 50,8 cm., 1912

Indianapolis Museum of Art (Indiana, EE.UU./ IN, USA). Wikimedia Commons

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Jacob Abraham Camille Pissarro

(Carlota Amalia, Saint Thomas, Danmark / Dinamarca / Denmark, 1830 -

París, Francia / France, 1903)

"Femme étendant du linge / Mujer tendiendo la colada / Woman Hanging Laundry"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 41 x 33 cm., 1887

Musée d'Orsay (París, Francia / France)

"Femme étendant du linge (étude) / Mujer tendiendo la colada (estudio) /

Woman Hanging Laundry (study)"

Óleo sobre lienzo montado sobre panel /

oil on canvas mounted on panel, 73,3 x 59,7 cm., c.1887. Wikimedia Commons / Hermitage Fine Art

"Les lavandières / Las lavanderas / The Washerwomen, Éragny-sur-Epte"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 38 x 46 cm., 1895. Fine Art America

"Les laveuses à Éragny / Las lavanderas en Éragny / The Washerwomen at Eragny"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73,4 x 92,4 cm., 1901. Mutual Art

"Le Berger et les laveuses à / Pastor y lavanderas en / Shepherd and Washerwomen at Mountfoucault"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 80 cm., 1881. Meisterdrucke

"Estudio de una lavandera arrodillada, vista desde atrás / Study of a Kneeling Washerwoman, Seen from Behind"

Carboncillo con tiza blanca y negra sobre papel azul-gris /

charcoal with white and blue chalk on blue-gray paper, 43,3 x 30,9 cm., 1881. Stephen Ongpin Fine Art

Este dibujo es un estudio preparatorio para una de las lavanderas arrodilladas del cuadro de Pissarro Pastor y lavanderas en Montfoucault, firmado y fechado en 1881, en el Museo Mohamed Mahmoud Khalil de Guiza, Egipto. El cuadro se expuso, como Le berger et les laveuses, en la séptima exposición impresionista de 1882, donde fue uno de los varios lienzos del artista en los que las campesinas ocupaban un lugar destacado. Como señaló un crítico en una reseña de la exposición, "Pissarro sitúa a sus campesinas frente al trabajo que están realizando: aquí están lavando a orillas de un curso de agua, con las mangas arremangadas, la parte baja de la espalda en tensión, las manos enrojecidas, están atrapadas trabajando".

This drawing is a preparatory study for one of the kneeling washerwomen in Pissarro’s painting Shepherd and Washerwomen at Montfoucault, signed and dated 1881, in the Mohamed Mahmoud Khalil Museum in Giza, Egypt. The painting was exhibited, as Le berger et les laveuses, at the seventh Impressionist exhibition in 1882, where it was one of several canvases by the artist in which peasant women were particularly prominent. As one critic noted of the painting in a review of the exhibition, ‘Pissarro places his peasant women in front of the actual work they are doing: here they are washing on the banks of a watercourse, their sleeves rolled up, the small of their back straining, their hands red, they are caught working.

Camille Pissarro en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (XXIV)]

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Otros posts de esta serie / Other posts of this Series: [Sobre la vestimenta... / About Clothing... (I)]

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

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Datos biográficos / Biographic information

Afifa Aleiby (عفيفه العيبي) es una artista iraquí nacida en la ciudad de Basora, en el extremo sur de Irak, en 1952.

Realizó sus estudios en el Instituto de Bellas Artes de Bagdad mientras trabajaba como ilustradora para la prensa iraquí, antes de abandonar Iraq rumbo a la Unión Soviética en 1974 para estudiar y especializarse en arte monumental en el renombrado Instituto Suikuv de Moscú. Debido a la situación política de Irak, no pudo regresar a su país natal tras finalizar sus estudios y decidió trasladarse a Italia y más tarde de nuevo a Moscú antes de establecerse en Yemen para trabajar como profesora en el Instituto de Bellas Artes de Adén, donde también ilustró libros y revistas infantiles. Desde entonces, Aleiby vive y trabaja en los Países Bajos y sigue contribuyendo a numerosas actividades culturales en apoyo del movimiento democrático iraquí e internacional en la lucha contra el terrorismo, el racismo, la guerra y la dictadura. Al no haber regresado a su país natal en 35 años, ha establecido una fuerte conexión con todos los países en los que ha vivido desde que salió de Irak, tanto en el sentido cultural como en el personal. Su conexión con la humanidad y las diferentes culturas ha hecho que la solidaridad, más allá de las fronteras geográficas y culturales, sea un tema importante en su obra. Conjugando diferentes influencias, desde la pintura renacentista hasta los iconos religiosos y el realismo social, utiliza la figura femenina como motivo recurrente para reflejar la belleza, el gusto, la política y la sociedad.

Afifa Aleiby (عفيفه العيبي) is an Iraqi artist born in the city of Basra, in the utmost southern part of Iraq, in 1952.

She took up her studies at the Institute of Fine Arts in Baghdad while working as an illustrator for the Iraqi press before leaving Iraq for the Soviet Union in 1974 to study and specialize in monumental art at the renowned Suikuv Institute in Moscow. Due to the political situation in Iraq, she was unable to return to her native country after the completion of her studies and decided to move to Italy and later back to Moscow before settling in Yemen to work as a teacher at the Institute of Fine Arts in Aden, where she also illustrated children’s books and magazines. Aleiby has since been living and working in the Netherlands and keeps contributing to many cultural activities in support of the Iraqi and international democratic movement in the struggle against terrorism, racism, war, and dictatorship. Not having returned to her native country for 35 years, she has built a strong connection to every country she has been living in since leaving Iraq, both in a cultural and personal sense. Her connection to humanity and different cultures has made solidarity transcending geographical and cultural borders an important theme in her work. Bringing together different influences from Renaissance painting to religious icons and social realism, she uses the female figure as a recurring motif to reflect beauty, taste, politics, and society.

Alice Ernestine Prin, apodada la Reina de Montparnasse y a menudo conocida como Kiki de Montparnasse, fue una modelo, cantante, actriz, escritora de memorias y pintora francesa de la Era del Jazz. Floreció y ayudó a definir la cultura liberada de París en los llamados Années folles ("años locos" en francés). Se convirtió en una de las modelos más famosas del siglo XX y de la historia del arte de vanguardia.

Adoptando un único nombre, "Kiki", Prin se convirtió en una fija de la escena social de Montparnasse y en una popular modelo, posando para decenas de artistas. En otoño de 1921, Prin conoció al artista visual estadounidense Man Ray, y pronto ambos iniciaron una tormentosa relación de ocho años. Vivió con Man Ray en su estudio de la rue Campagne-Première hasta 1929, durante el cual le hizo cientos de retratos.

Prin, pintora por derecho propio, expuso sus cuadros en la Galerie au Sacre du Printemps de París en 1927, con todas las entradas agotadas. Sus dibujos y pinturas, que firmaba con su nombre de soltera, Kiki, incluyen retratos, autorretratos, actividades sociales, animales de fantasía y paisajes de ensueño, compuestos en un estilo expresionista ligero y ligeramente irregular, reflejo de su despreocupación y optimismo sin límites.

Murió en 1953.

Wikipedia

Alice Ernestine Prin, nicknamed the Queen of Montparnasse and often known as Kiki de Montparnasse, was a French model, chanteuse, actress, memoirist and painter during the Jazz Age. She flourished in, and helped define, the liberated culture of Paris in the so-called Années folles ("crazy years" in French). She became one of the most famous models of the 20th century and in the history of avant-garde art.

Adopting a single name, "Kiki", Prin became a fixture of the Montparnasse social scene and a popular model, posing for dozens of artists. In Autumn 1921, Prin met the American visual artist Man Ray, and the two soon entered into a stormy eight-year relationship. She lived with Man Ray in his studio on rue Campagne-Première until 1929 during which time he made hundreds of portraits of her.

A painter in her own right, Prin had a sold-out exhibition of her paintings in 1927 at the Galerie au Sacre du Printemps in Paris. Signing her work with her chosen single name, Kiki, her drawings and paintings comprise portraits, self-portraits, social activities, fanciful animals and dreamy landscapes composed in a light, slightly uneven, expressionist style that is a reflection of her carefree manner and boundless optimism.

She died in 1953.

Wikipedia

Donald Saaf es un pintor estadounidense nacido en 1961. En su declaración artística, en su sitio web, podemos leer:

«Durante los últimos 20 años he estado explorando el lugar donde se cruzan las bellas artes y el arte popular. Mi temática se basa en la experiencia local de la comunidad, la familia y el entorno inmediato, así como en un lugar de ensueño interno. Aunque algunas de las imágenes son muy personales, siempre busco lo universal. Las figuras de los cuadros son a la vez "yo" y una especie de "Cada hombre".

Suelo empezar con una idea compositiva y, una vez establecida, dejo que las cosas crezcan orgánicamente. A veces enfoco la composición como una colcha, o incluso como una vidriera, descomponiéndola en formas y figuras luminosas. Intento ver los cuadros simultáneamente por su "historia" y como pura abstracción. A menudo hay diferentes capas en los cuadros. Algunas de las figuras tienen varias cabezas, una que parece más sólida y otras que parecen más transparentes y fantasmales, insinuando quizá el paso del tiempo o sugiriendo que la realidad es más flexible de lo que solemos pensar. Podrían ser una representación del alma o quizá sólo un símbolo de los muchos niveles de la conciencia personal.

Me interesa la memoria; la memoria del lugar y de la experiencia. El recuerdo de caminar por una calle imaginando el paisaje a vista de pájaro, al tiempo que se ve una casa a lo lejos, se perciben pequeños objetos en el suelo y se experimenta brevemente la vida de otras personas al pasar. Es el momento en que el mundo exterior se solapa con el interior.»

Donald Saaf is a American painter in 1961. In his artistic statement, on his website, we can read:

«For the past 20 years I have been exploring the place where fine art and folk art intersect. My subject matter draws from the local experience of community, family and immediate surroundings as well as an internal dream place. Although some of the imagery is very personal, I am always striving for the universal. The figures in the pictures are simultaneously ‘me’ and a sort of ‘Everyman’.

I usually begin with a compositional idea, and once that is established, I let things grow organically. At times I approach a composition like a quilt, or even a stained glass window; breaking down the composition into luminous forms and shapes. I try to see the pictures simultaneously both for their ‘story’ and as pure abstraction. Often there are different layers in the paintings. Some of the figures will have several heads; one that seems more solid and others that look more transparent and ghostly, hinting perhaps at the passage of time or suggesting that reality is more pliable than we usually think. They might be a representation of the soul or perhaps just a symbol for the many levels of personal consciousness.

I’m interested in memory; the memory of place and experience. The memory of walking down a street imagining the view from a birds eye view, while simultaneously seeing a house in the distance, noticing small objects on the ground and briefly experiencing other people’s lives as they pass by. It’s the moment that happens when the external world overlaps with the internal world.»

Ekua Holmes es una artista estadounidense nacida en 1955, residente de Roxbury de toda la vida y licenciada por el Massachusetts College of Art.

Pintora, diseñadora y artista del collage, los coloridos collages de Holmes responden a la necesidad de comunicar a las generaciones futuras cómo es la vida hoy: lo que sentimos y pensamos, nuestras luchas y victorias. "El arte visual", afirma, "contiene pistas importantes para comprender la historia de la humanidad. La artista guarda los detalles del cambiante paisaje humano del tiempo y el espacio, y así mantiene una conversación con la eternidad."

Ekua Holmes is an American artist born in 1955, is a lifelong resident of Roxbury and a graduate of the Massachusetts College of Art.

A painter, designer, and collage artist, Holmes’ colorful collages answer a need to communicate to future generations what life is like today--what we are feeling and thinking, our struggles and victories. "Visual art," she says, "holds important clues to understanding the history of humankind. The artist keeps the details of the changing human landscape of time and space, and in this way keeps a conversation with eternity."

José Francisco Domingo Laso de la Vega y de los Ríosfue un pintor y político peruano nacido en Tacna en 1823. En vida fue conocido sobre todo por sus retratos, pero actualmente se le conoce más por haber creado obras precursoras del indigenismo en el arte.

Nació en el seno de una familia aristocrática colonial. Cuando sólo tenía siete años, su madre murió y la familia se trasladó a Arequipa.

Asistió a las escuelas públicas, luego fue a Lima a estudiar Derecho, pero lo dejó al poco tiempo y se matriculó en la "Academia de Dibujo y Pintura".

En 1843 se trasladó a París, donde trabajó en los estudios del pintor suizo Charles Gleyre. Cuatro años más tarde viajó a Italia, donde visitó Roma, Florencia y Venecia. Le impresionaron especialmente las obras de Tiziano y Paolo Veronese. En 1849 regresó a Lima y abrió su propio estudio. También viajó por la sierra y la costa, pintando obras que retrataban la vida y las costumbres de la región. En 1851 pudo realizar un segundo viaje a Europa.

Esta vez, cuando regresó a Perú en 1855, se instaló en Arequipa y, a petición del obispo (más tarde arzobispo) José Sebastián de Goyeneche y Barreda, pintó varias obras religiosas. También realizó retratos. En 1863 contrajo matrimonio y realizó otro viaje a Europa que duró tres años.

Poco después de su regreso, participó en la batalla del Callao, donde sirvió como bombero. Al año siguiente, fue elegido diputado al Congreso Constituyente. Una vez en el cargo, fue atacado por críticos anónimos, que se quejaban de que se había lucrado con las diversas becas que le habían permitido estudiar en Europa. Para acallarlas, regaló al gobierno tres cuadros.

En 1868, una epidemia de fiebre amarilla asoló Lima, y colaboró estrechamente con la Cruz Roja en su campaña para erradicarla. Sin embargo, su salud no estaba a la altura y contrajo la enfermedad en 1869.

Murió en 1869.

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José Francisco Domingo Laso de la Vega y de los Ríos was a Peruvian painter and politician, born in Tacna, in 1823. During his lifetime he was mostly known for his portraits, but is now better known for creating works that were precursors to indigenismo in art.

He was born to an aristocratic colonial family. When he was only seven, his mother died and the family moved to Arequipa.

He attended the public schools, then went to Lima to study law, but quit after only a short time and enrolled at the "Academy of Drawing and Painting".

He moved to Paris in 1843 and found a position in the studios of the Swiss painter Charles Gleyre. Four years later, he went to Italy, visiting Rome, Florence and Venice. He was especially impressed by the works of Titian and Paolo Veronese. In 1849, he returned to Lima and opened his own studio. He also travelled throughout the Sierra and along the coast, painting works that depicted the life and customs of the region. He was able to make a second trip to Europe in 1851.

This time, when he went back to Peru in 1855, he settled in Arequipa and, at the request of Bishop (later Archbishop) José Sebastián de Goyeneche y Barreda, he painted several religious works. He also did portraits. In 1863, he was married and made another trip to Europe which lasted for three years.

Shortly after his return, he was a participant in the Battle of Callao, where he served as a firefighter. The following year, he was elected a Deputy to the "Congreso Constituyente". Once in office, he was attacked by anonymous critics, complaining that he had made a profit from the various grants that had allowed him to study in Europe. In an effort to silence them, he presented the government with three paintings.

An epidemic of yellow fever struck Lima in 1868, and he worked closely with the Red Cross in their campaign to eradicate it. His health was not up to the effort, however, and he caught the disease in 1869.

He died in 1869.

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Gary Bunt es un pintor británico autodidacta, nacido en 1957, que actualmente vive en Tonbridge, Reino Unido, con su esposa y sus dos hijos.

Fue un trabajador agrícola al principio de su carrera, y esto se refleja en sus pinturas con escenas de granjeros y paisajes rurales. Gracias a sus habilidades literarias, acompaña las pinturas con composiciones poéticas.

Leía libros sobre pintura mientras aprendía de las obras de otros artistas como William Scott y Christopher Wood. Comenzó a pintar profesionalmente a los 40 años, cuando descubrió que tenía cáncer, y lo hacía libremente, mostrando la vida de un granjero y su perro en la campiña inglesa. Gary ha declarado que el granjero es una representación de sí mismo en una vejez que nunca pensó que alcanzaría.

Gary Bunt is a self-taught British painter, born in 1957, who currently lives in Tonbridge, UK, with his wife and two children.

He was a farm worker at the beginning of his career, and this is reflected in his paintings with scenes of farmers and rural landscapes. Thanks to his literary skills, he accompanies the paintings with poetic compositions.

He read books on painting while learning from the works of other artists such as William Scott and Christopher Wood. He began painting professionally at the age of 40, when he discovered he had cancer, and did so freely, depicting the life of a farmer and his dog in the English countryside. Gary has stated that the farmer is a representation of himself in an old age he never thought he would reach.

Jeffrey T. Larson nació en 1962 en Two Harbors, Minnesota, y creció en las Ciudades Gemelas. A los diecisiete años comenzó sus estudios clásicos con una formación tradicional en el Atelier Lack de Minneapolis, bajo la tutela de Richard Lack. Tras su formación de cuatro años en el Atelier Lack (1980-1984), Larson estudió la obra de los maestros en Estados Unidos y en el extranjero. Estos ejercicios incluían la escultura, lo que proporcionó a Larson una comprensión superior del volumen y la forma que hoy es evidente en sus pinturas. Larson también fue director adjunto e instructor principal en el Atelier LeSeur de Minnesota (1984-1986).

Una marca distintiva de la obra de Larson es su capacidad para elevar el tema. A diferencia de su pintura al aire libre, en la que se centra en la impresión de la luz del sol, sus cuadros de estudio se centran en una luz más contemplativa y atmosférica creada por sutiles cambios de valor y delicadas pinceladas. Ya sea al aire libre o en el estudio, Larson toma algo que de otro modo el ojo categorizaría como anodino y lo presenta con tal autoridad que reevaluamos su integridad artística y, en última instancia, encontramos belleza y relevancia en la cosa misma.

Jeffrey T. Larson was born in 1962 in Two Harbors, Minnesota and grew up in the Twin Cities. At the age of seventeen he began his classical studies with traditional atelier training under Richard Lack at the Atelier Lack in Minneapolis, MN. Following his four- year training at Atelier Lack(1980-1984), Larson studied the work of the masters in the United States and abroad. These exercises included sculpting, which granted Larson a superior understanding of volume and form that is evident in his paintings today. Larson also served as the assistant Director and Head Instructor at Atelier LeSeur in Minnesota (1984-1986).

A Trademark of Larson’s work is his ability to elevate his subject matter. In contrast to his outdoor painting where his focus is on the impression of sunlight, his studio paintings focus on a more contemplative, atmospheric light created by subtle changes in value and delicate brushwork. Whether outdoors or in the studio, Larson takes something that the eye would otherwise categorize as unremarkable, and presents it with such authority that we re-evaluate its artistic integrity, and ultimately find beauty and relevance in the thing itself.

Nacido en el sur de China, Mian Situ (司徒綿) recibió su formación artística formal en su Guangdong natal, antiguo Cantón. Se licenció en Bellas Artes en el Instituto de Bellas Artes de Guangzhou, y unos años más tarde obtuvo un máster en Bellas Artes.

Los cuadros de Mian reflejan claramente su educación en el campo de su China natal. Sus cuadros impresionistas de tonos profundos se centran a menudo en la gente que vive su vida cotidiana en pequeños pueblos y comunidades agrícolas. La versatilidad artística de Mian también queda patente en sus exquisitos retratos, así como en sus obras más recientes inspiradas en temas históricos occidentales y paisajes americanos. Desde 1995 ha sido reconocido con numerosos premios nacionales de arte. Durante la exposición Masters of the American West de 2003 en el Gene Autry Museum, fue galardonado con tres importantes premios: el Thomas Moran Memorial Award (en reconocimiento a un mérito artístico excepcional), el Artists' Choice Award y el Patrons' Choice Award. También ha ganado el Premio a la Excelencia para Maestros Firmantes por su cuadro "Helpful Hand".

Born in Southern China, Mian Situ (司徒綿) received his formal art training in his native homeland of Guangdong, formerly Canton. He graduated with a Bachelor of Fine Arts from the Guangzhou Institute of Fine Art, and a few years later earned a Masters in Fine Art.

Mian’s paintings clearly reflect his upbringing in the rural countryside of his native China. His deep-toned impressionistic paintings of the backcountry often focus on people going about their daily lives in their small villages and farming communities. Mian’s artistic versatility is also evident in his exquisite portraiture, as well as his more recent works inspired by western historical themes and American landscapes. Since 1995, he has been recognized with many national art awards. During the 2003 Masters of the American West show at the Gene Autry Museum, he was honored with three major awards: the Thomas Moran Memorial Award (in recognition of exceptional artistic merit), Artists’ Choice Award and Patrons’ Choice Award. He has also won the Award for Excellence for Master Signature Members for his painting, “Helpful Hand”.

John French Sloan fue un pintor y grabador estadounidense nacido en 1871.

Se le considera uno de los fundadores de la escuela Ashcan de arte estadounidense. También fue miembro del grupo conocido como Los Ocho. Se le conoce sobre todo por sus escenas de género urbano y su habilidad para captar la esencia de la vida en los barrios de Nueva York, a menudo observada a través de la ventana de su estudio de Chelsea. Sloan ha sido considerado el principal artista de la Escuela Ashcan, y también un pintor realista que abrazó los principios del socialismo, aunque él mismo desvinculó su arte de su política.

Murió en 1951.

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John French Sloan was an American painter and etcher born in 1871.

He is considered to be one of the founders of the Ashcan school of American art. He was also a member of the group known as The Eight. He is best known for his urban genre scenes and ability to capture the essence of neighborhood life in New York City, often observed through his Chelsea studio window. Sloan has been called the premier artist of the Ashcan School, and also a realist painter who embraced the principles of Socialism, though he himself disassociated his art from his politics.

He died in 1951.

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Recopilación temática en dos partes centrada en la pintura y dibujo de cefalópodos, con obras de artistas favoritos y habituales del blog (Michael Bergt, Redmer Hoekstra, Bill Carman), y un puñado de nuevas incorporaciones.

Two-part thematic compilation focused on cephalopod painting and drawing, with works by favorite artists and blog regulars (Michael Bergt, Redmer Hoekstra, Bill Carman), and a handful of new additions.

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Michael Bergt

(Deshler, Nebraska, EE.UU./ NE, USA, 1956-)

"Succumb", temple al huevo / egg temple, 18" x 24", 2022. Artsy

"Succumb", tinta sobre papel / ink on paper, 11,5" x 16", 2021. Artsy

"Bajo el mar / Under the Sea", lápiz de color y aguada sobre papel tonal /

color pencil & gouache on toned paper, 43,2 × 33 cm., 2019. Artsy

"Bajo el mar / Under the Sea" (detalle / detail)

"Nadador / Swimmer", tinta y pan de oro / ink & gold leaf on paper, 99,1 × 123,2 cm., 2017. Artsy

"Nadador / Swimmer", tinta / ink, obra en proceso / work in progress, 2017. Instagram

"El nadador / The Swimmer", tinta y aguada sobre papel / ink & gouache on paper. Nüart Gallery

Más sobre / More about Michael Bergt: Website, facebook, Nüart Gallery

Michael Bergt en "El Hurgador" / in this blog: [Michael Bergt (Pintura)], [Asonancias (XIV)], [Michael Bergt (Tinta, Serie negra)]

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Kane Kokaris

(Gold Coast, Australia)

"Refugio / Shelter", acrílico sobre panel de madera / acrylic on wood panel, 20,3 x 20,3 cm. Instagram

"Recolector / Collector", acrílico sobre panel de madera / acrylic on wood panel, 30,4 x 30,4 cm., 2020. Instagram

"Refugio II / Shelter ll", acrílico y tetrodotoxina sobre panel de madera /

acrylic and tetrodotoxin on wood panel, 2022. Instagram

"Pulploración / Octobloom", acrílico sobre panel de madera / acrylic on wood panel, 8" x 8", 2021. Instagram

Más sobre / More about Kane Kokaris: Instagram, Artsy

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Greg "Craola" Simkins

(Torrance, California, EE.UU./ CA, USA, 1975-)

"El artefacto / The Artifact", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 45" x 38". Website

"El pulpo jardinero / The Octopus Gardener"

Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 139,7 × 83,8 × 5,1 cm., 2021. Website, Artsy

"El artista del escapismo / The Escape Artist", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 60". Website

"Rojo / Red", acrílico sobre panel forrado de lienzo / acrylic on canvas wrapped panel, 72" x 72". Website

Más sobre / More about Greg Simkins: Website, facebook,

Greg Simkins en "El Hurgador" / in this blog:

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Katy Jade Dobson

(Yorkshire, Reino Unido / UK)

en / at Lincoln

"Serpentín / Coil", óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 40" x 40". Instagram

Más sobre / More about Katy Jade Dobson: Website, Instagram, facebook

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Marc Alexander

(Pretoria, Sudáfrica / South Africa)

en Ciudad de El Cabo / at Cape Town

"Pulpo rojo / Red Octopus", de la serie "En el balance" / from In the Balance Series

Óleo y pan de plata sobre lienzo / oil and silver leaf on canvas, 40 x 50 cm., 2015. Website

Más sobre / More about Marc Alexander: Website, Instagram, facebook

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Más cefalópodos / More cephalopods: (I-1), (I-2), (II-1), (II-2)

Toda la serie "Recolecciones" aquí / Full Compilations Series here

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Redmer Hoekstra

(Zwolle, Nederland / Países Bajos / Netherlands, 1982-)

2016, © Redmer Hoekstra. facebook

2013, © Redmer Hoekstra. facebook

6,4 x 8,9 cm., 2020, © Redmer Hoekstra

2017, © Redmer Hoekstra. facebook

2016, © Redmer Hoekstra. facebook

Más sobre / More about Redmer Hoekstra: Website, flickr, facebook

Redmer Hoekstra en "El Hurgador" / in this blog: [Redmer Hoekstra (Dibujo)], [Rinocerontes (LXIV)], [Rinocerontes (CXI)]

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John Haverty

(Boston, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA, 1986-)

"Donde crecen los monstruos / Where the Wild Things Grow"

Acuarela y bolígrafos sobre papel / watercolor and ballpoint pens on paper, 38" x 49", 2014.

"La unidad / The Drive", acuarela y bolígrafos sobre papel /

watercolor and ballpoint pens on paper, 42" x 72", 2017

"Gypsy Diver", acuarela y bolígrafos sobre papel /

watercolor and ballpoint pens on paper, 48" x 48", 2015

Más sobre / More about John Haverty: Website, facebook

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Bill Carman

(서울, 대한민국 / Seúl, Corea del Sur / Seoul, South Korea)

"A veces todo lo que necesitamos es un calamar y una carpa dorada /

Sometimes All We Need is a Squid and a Goldfish", 4" x 6", 2022. facebook

"Deshidratación / Dehydration", 2014. facebook

"Pulponejo / Octobbit". flickr

"Gruta del tentáculo / Grotto of the Tentacle". facebook

"Nopoisonrat". facebook

"Pulpoplastia / Octoplasty". facebook

"Pulpo vs Serpiente / Octo vs Snake". facebook

"Pulpo-amor / Octo-Love". facebook

Más sobre / More about Bill Carman: Website, Blog, Tumblr, Flickr, facebook

Bill Carman en "El Hurgador" / in this blog:

[Bill Carman (Pintura, Ilustración)], [Bill Carman (II, Pintura, Ilustración)], [Rinocerontes (XCIX)], [Recolección (CLXX-2)]

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Rebecca Léveillé-Guay

(Massachusetts, EE.UU./ MA, USA, c.1970-)

"El visitante / The Visitor", 2019. Arthur, Grumbacher

Más sobre / More about Rebecca Léveillé-Guay: Website, facebook, Wikipedia (English)

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Brad Woodfin

(Marblehead, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA, 1970-)

en / at Montreal, Canadá

"Pulpo para Jenn / Octopus for Jenn", óleo sobre panel / oil on panel, 91,4 × 121,9 cm., 2017

"Pendientes resbaladizas / Slippery Slopes", óleo sobre panel / oil on panel, 16" x 12", 2017

"Sub Rosa", óleo sobre panel / oil on panel, 75 x 61 cm., 2022

Más sobre / More about Brad Woodfin: Website, Instagram, facebook

Brad Woodfin en "El Hurgador" / in this blog: [Brad Woodfin (Pintura animalista)]

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Más cefalópodos / More cephalopods: (I-1), (I-2), (II-1), (II-2), (III-1)

Toda la serie "Recolecciones" aquí / Full Compilations Series here

Hace unos años publiqué un par de obras de Endre Penovác; unos gatos minimalistas realizados a partir de un hábil manejo de la tinta y acuarelas sobre papel, aprovechando los caprichosos patrones que los materiales conforman al contactar con el papel mojado, definiendo con un gusto y técnica exquisitos las formas, texturas y actitudes. Hoy les presento un monográfico sobre Endre, con obras con los gatos como protagonistas realizadas en los últimos años, acompañadas de algunos textos extraídos de diversas fuentes. Como complemento, un post anexo con otros animales pintados por el artista utilizando estas mismas técnicas y materiales.

A few years ago I published a couple of works by Endre Penovác; some minimalist cats made from a skillful handling of ink and watercolors on paper, taking advantage of the whimsical patterns that the materials form when in contact with wet paper, defining with exquisite taste and technique the shapes, textures and attitudes. Today I present a monograph on Endre, with works with cats as protagonists made in recent years, accompanied by some texts extracted from various sources. As a complement, an appended post with other animals painted by the artist using these same techniques and materials.

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Endre Penovác

Эндре Пеновац

(Торњош, Југославија / Jugoslavija (сада Србија) /

Tornjoš, Yugoslavia [hoy / today Serbia], 1956-)

en / atБачка Топола / Bačka Topola

Endre Penovác

Endre Penovác es un artista serbio nacido en 1956 en Tornjoš. Finalizó sus cursos en la Academia de Bellas Artes en Novi Sad y trabaja como artista independiente residente en Bačka Topola.

Comenzó a exponer en 1981, y desde entonces ha presentado su obra en exposiciones colectivas y en solitario en el país y en el extranjero (Croacia, Alemania, Francia, Hungría y Bosnia).

«Llevo décadas utilizando la acuarela como medio artístico", explica Endre Penovac a Bored Panda. "Me cautivó su ímpetu y el reto que supone para el pintor».

«La pintura a la acuarela es única e irrepetible, no hay que hacer correcciones, añadir capa sobre capa como se hace con un óleo» (1)

"Saliendo de las sombras / Out Of The Shadows", tinta sobre papel / ink on paper, 2022

Tinta sobre papel / ink on paper, 38 x 28 cm., 2022

Tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2022

«Crecí en un pueblo pequeño. Nadie tenía interés por el arte en mi familia y sin embargo, por alguna razón, yo estaba más interesado en dibujar que cualquier otro niño normalmente en su infancia.

Esto llevó a que cuando fui al instituto de mi pueblo me dieran el siguiente consejo: "Si te gusta dibujar, vete a un instituto de arquitectura", me dijeron mis padres. Pero incluso en ese momento, no tenía ni idea de que existieran escuelas de este tipo que enseñaran bellas artes, ni siquiera hablando del nivel académico de la educación.

Unos años más tarde, durante mi servicio militar, un amigo macedonio me abrió los ojos: era mayor que yo y se había graduado en la academia de bellas artes. En realidad fue entonces cuando decidí qué debía hacer a continuación. Debo decir que leí mucho y eso tuvo un efecto enorme en mí.

Buscando mi camino, experimentando la vida y la lectura, combinada con mi pasión por el dibujo y la pintura, crearon las circunstancias para mí.» (2)

Tinta sobre papel / ink on paper, 38 x 28 cm., 2017

Tinta sobre papel / ink on paper, 33 x 50 cm., 2015

Tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2017

«La gata negra llegó a mi vida accidentalmente. Los niños trajeron a casa una gatita pequeña, gris y de pelo corto, y con los años se convirtió en una gata grande, negra y de pelo largo. Al principio, no me preocupaba mucho por el gato, y tampoco pintaba mucha acuarela. Prefería dibujar a nuestros perros Puli con grafito suave, que captaba muy bien la textura de su pelaje.

Mientras tanto, nuestro gato negro crecía y se hacía cada vez más hermoso. Al mismo tiempo, me interesé cada vez más por la acuarela. Intenté pintar a los perros con acuarela, pero el resultado no era el que yo quería. Fue entonces cuando vi realmente a Boszi ("Boszi" es un apodo de la palabra húngara para "bruja"), en la primera acuarela que pinté de ella. Y entonces sentí que era real. El suave pelaje de la gata, sus gráciles movimientos y el flujo de tinta se complementan, se podría decir que están hechos el uno para el otro. Me abrió un mundo nuevo.» (3)

Tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2022

Tinta sobre papel / ink on paper, 38 x 28 cm., 2016

Tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2022

«Siempre intento dar forma a la dualidad que me atrae, en este caso a través del lenguaje de las bellas artes. Desde hace décadas me interesa cómo podemos lograr la armonía entre elementos espontáneos y racionales. Mis obras de arte también reflejan este interés.» (2)

Saatchi Art: ¿Cuál ha sido el mejor consejo que le han dado como artista?

Endre Penovác: Sólo una palabra: humildad. Permítame tomar prestada una cita de Camus para explicar lo que quiero decir:

"Sea como fuere, tras una prolongada investigación sobre mí mismo, saqué a la luz la duplicidad fundamental del ser humano. Entonces me di cuenta, al hurgar en mi memoria, de que la modestia me ayudaba a brillar, la humildad a vencer y la virtud a oprimir." (4)

Tinta sobre papel / ink on paper, 38 x 28 cm., 2017

"Juguetón / Naughty", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 28 x 38 cm., 2015

Saatchi Art: Si sólo pudiera tener una obra de arte en su vida, ¿cuál sería?

Endre Penovác: Sería un dibujo chino a tinta que vi hace tiempo y que representaba un hacha. El maestro había expresado el peso de la cabeza del hacha con una mancha negra, el filo de la herramienta con un tajo de línea y el material del mango del hacha se conjuraba en el papel con una pincelada. (4)

Tinta sobre papel / ink on paper, 30,5 x 45,5 cm., 2018

"Cataround", tinta sobre papel / ink on paper, 38 x 28 cm., 2022

Endre Penovác trabajando / at work

Endre Penovác is a Serbian artist born in 1956 in Tornjoš. He finished Academy of fine arts in Novi Sad and works as an independent artist based in Bačka Topola.

He started to display in 1981, and since that time, he make group or independent exhibits in country and abroad (Croatia, Germany, France, Hungary, Bosnia).

«I have been using watercolor as an art medium for decades,” Endre Penovac told Bored Panda. “I was captivated by its momentum and what a challenge it provides for the painter»

«Watercolor painting is unique and unrepeatable, there is no making corrections, adding layer upon layer like you would to an oil painting» (1)

"Cola negra / Black Tail", tinta sobre papel / ink on paper, 38 x 28 cm., 2022

"Gato de cobre / Copper Cat", tinta y acuarela sobre papel / ink and watercolor on paper, 38 x 28 cm., 2022

"Fugitivo / Runaway", tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2019

«I grew up in a small village. No one had an interest in art in my family, however, for some reason, I was more interested in drawing than any other children usually in their childhood.

This lead to the following advice when I left to high school from my village: “You love to draw, go to an ‘architecture’ high school” my parents told me. But even at this point, I had no idea that there are such schools that teach fine arts, not even talking about academy level of education.

A few years later, during my military service, a Macedonian friend opened my eyes: he was older than me and had graduated from the academy of fine arts. Actually, this was the time when I decided what I should do next. Must say that I read a lot and It had an enormous effect on me.

Looking for my path, experiencing life and the reading combined with my passion for drawing and painting created the circumstances for me.» (2)

"Galaxia / Galaxy", tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2022

"Anillo gatuno / Catring", tinta sobre papel / ink on paper, 35 x 45 cm., 2022

"Nieve fresca / Fresh Snow", tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2022

«The black cat came into my life accidentally. The children brought home a small, grey, short-haired kitten, and over the years it grew into a big, black, long-haired cat. At first, I didn’t bother much with the cat, and I didn’t paint much watercolour either. I preferred to draw our Puli dogs with soft graphite which captured the texture of their coats very well.

Meanwhile our black cat grew and became more and more beautiful. At the same time, I became more and more interested in watercolour. I tried to paint the dogs with watercolour but the result was not what I wanted. It was then that I really saw Boszi ("Boszi" is a nickname of the Hungarian word for "witch"), in the first watercolour I painted of her. And then I felt it was real. The cat’s soft fur, the graceful movements, and the flow of ink complement each other – you could say they are made for each other. It opened up a new world for me.» (3)

Tinta sobre papel / ink on paper, 31 x 41 cm., 2020

Tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2021

"Felinidad / Catness", tinta y acuarela sobre papel / ink and watercolor on paper, 38 x 28 cm., 2023

«I always try to give form to the duality that engages me, in this case through the language of fine arts. For decades I have been interested in how we can achieve harmony between spontaneous and rational elements. My artworks also reflect this interest.» (2)

Saatchi Art: What was the best advice given to you as an artist?

Endre Penovác: Just one word: Humility. Let me borrow a quote from Camus to explain what I mean:

"However that may be, after prolonged research on myself, I brought out the fundamental duplicity of the human being. Then I realized, as a result of delving in my memory, that modesty helped me to shine, humility to conquer, and virtue to oppress." (4)

Tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2016

"Seguro / Confident", tinta sobre papel / ink on paper, 2021

Saatchi Art: If you could only have one piece of art in your life, what would it be?

Endre Penovác: It would be a Chinese ink drawing I saw sometime ago depicting an axe. The master had expressed the weight of the axe-head by a black blot, the sharpness of the tool by a line slash, and the material of the axe-handle was conjured on the paper by a brush stroke. (4)

Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 28 x 38 cm., 2018

Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 28 x 38 cm., 2019

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Endre creando uno de sus gatos en tinta sobre papel /

Endre creating one of his cats in ink on paper. 2016

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Fuentes / Sources:

(1) "Sombríos gatos de acuarela que se destiñen lentamente en el papel /

Gloomy Watercolor Cats Slowly Bleeding Into The Paper"

Artículo de / Article by Dovas. Bored Panda, 2015

(2) "Endre Penovác ofrece unidad y constrastes armónicos con sus obras de arte /

Offers Unity And Harmonic Contrasts With His Artwork"

Entrevista de / Interview by Felicity Carter. Forbes. 8/2019

(3) "Los gatos en el arte contemporáneo - una charla con el artista Endre Penovác /

Cats in Contemporary Art - A Chat With Artist Endre Penovác"

Entrevista de / Interview by Dr. Caity Venniker. Kat Kin, 3/2023

(4) "Dentro del estudio / Inside the Studio", Endre Penovác

Entrevista en / Interview inSaatchi Art

Endre Penovác en "El Hurgador" / in this blog: [Nido de urraca (IX)], [Endre Penovác (II) (Pintura, animales)]

Más sobre / More about Endre Penovác: Website, Instagram, facebook, Saatchi

Este post complementa el anterior, centrado específicamente en gatos, con una selección de obras animalistas creadas por Endre Penovác utilizando como medios la tinta y las acuarelas.

This post complements the previous one, focused specifically on cats, with a selection of animalistic works created by Endre Penovác using ink and watercolors as mediums.

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Endre Penovác

Эндре Пеновац

(Торњош, Југославија / Jugoslavija (сада Србија) /

Tornjoš, Yugoslavia [hoy / today Serbia], 1956-)

en / at Бачка Топола / Bačka Topola

Endre Penovác

Endre Penovác es un artista serbio nacido en 1956 en Tornjoš. Finalizó sus cursos en la Academia de Bellas Artes en Novi Sad y trabaja como artista independiente residente en Bačka Topola. Más información e imágenes en los posts previos (ver enlaces abajo)

Endre Penovác is a Serbian artist born in 1956 in Tornjoš. He finished Academy of fine arts in Novi Sad and works as an independent artist based in Bačka Topola. More information and images in previous posts (see links below).

"Gallintástica / Hentastic", tinta sobre papel / ink on paper, 2017

Tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2015

"Las tres gracias / The Three Graces", tinta y acuarela sobre papel / ink and watercolor on paper, 35 x 45 cm., 2021

"Llegada / Arrival", tinta sobre papel / ink on paper, 45 x 35 cm., 2020

Tinta sobre papel / ink on paper, 2016

Tinta sobre papel / ink on paper, 45 x 70 cm., 2022

"En la cima del iceberg / On The Top Of The Iceberg"

Tinta y acuarela sobre papel / ink and watercolor on paper, 38 x 28 cm., 2020

"Crowberry", tinta sobre papel / ink on paper, 35 x 45 cm., 2022

Tinta sobre papel / ink on paper, 38 x 28 cm., 2016

"Luna", tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2023

"Patrullando / Patroling", tinta sobre papel / ink on paper, 45 x 35 cm., 2021

Tinta sobre papel / ink on paper, 38 x 56 cm., 2017

"La gallina de mi madre / My Mother's Hen"

Tinta y acuarela sobre papel / ink and watercolor on paper, 50 x 33 cm., 2016

"La madre / The Mother", tinta sobre papel / ink on paper, 35 x 45 cm., 2022

Acuarela / watercolor, 38 x 28 cm., 2020

Tinta sobre papel / ink on paper, 28 x 38 cm., 2022

Tinta sobre papel / ink on paper, 35 x 45 cm., 2022

Tinta sobre papel / ink on paper, 38 x 28 cm., 2017

Tinta sobre papel / ink on paper, 56 x 76 cm., 2019

Acuarela / watercolor, 38 x 56 cm., 2015

"Conejo de año nuevo / New Year's Rabbit", tinta sobre papel / ink on paper, 35 x 45 cm., 2020

Endre Penovác en "El Hurgador" / in this blog: [Nido de urraca (IX)], [Endre Penovác (Pintura, gatos)]

Más sobre / More about Endre Penovác: Website, Instagram, facebook, Saatchi

Un libro de artista, libro-arte o libro objeto es una construcción artística que se concreta en un objeto cuya forma remite al libro clásico, cuyo contenido suele mantener una unidad conceptual, y que constituye una obra de arte en sí mismo. Se publican en ediciones limitadas, y a menudo son producidos como objetos únicos. La definición debe ser lo bastante amplia como para abarcar una variedad de estructuras, materiales y dimensiones, que confieren al creador una gran libertad creativa.

En esta nueva serie presentada por Shirley Rebuffo, exploramos estas piezas gracias a una amplia y diversa selección de obras creadas por otros tantos artistas.

An artist's book, book-art or book-object is an artistic construction that takes the form of an object whose shape refers to the classic book, whose content usually maintains a conceptual unity, and which constitutes a work of art in itself. They are published in limited editions, and are often produced as unique objects. The definition must be broad enough to encompass a variety of structures, materials and dimensions, giving the creator great creative freedom.

In this new series presented by Shirley Rebuffo, we explore these pieces through a wide and diverse selection of works created by as many artists.

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Libros de artista

La inquietud para abordar este trabajo, como proyecto cultural, comenzó con un taller realizado por la doctora en arte y museóloga Carmen Araujo (Venezuela).

Un desafío sustancial para poder realizar esta publicación ha sido recabar información, dada la escasez de fuentes teóricas que nos acerquen a los conceptos, los imaginarios y las ideas asociadas.

Un libro de artista o libro objeto es una obra de arte, generalmente en forma de libro o caja, que combina la literatura con elementos visuales y materiales que hacen referencia al contenido del libro y lo transforman en una exploración sensorial tridimensional.

Se trata de piezas únicas o ediciones limitadas, con amplia libertad creativa tanto en su estructura como en su contenido. Los diseños se presentan en diversos formatos y están construidos con técnicas variadas, que abarcan la escultura de papel, el collage, la pintura, la fotografía, la serigrafía, la xilografía, la tipografía y la encuadernación artesanal.

En general, los libros de artista son una expresión artística que busca romper con los límites entre las artes visuales y literarias, ofreciendo una experiencia única al espectador-lector que va más allá de la simple lectura de un libro convencional, ya que se experimenta con la disposición de las imágenes, la tipografía y la interacción entre el "lector" y la obra. Se utiliza el formato del libro como soporte para la creación y presentación de una obra de arte, y a diferencia de los libros tradicionales, que están diseñados para ser leídos y contener información textual, un libro de artista está concebido como una obra visual y táctil que invita al espectador a explorar su contenido de una manera más intuitiva y sensorial.

Los artistas que crean estas piezas buscan explorar nuevas formas de expresión artística y experimentar con la relación entre el contenido y la forma mediante el uso de materiales, técnicas y estructuras innovadoras, investigando y desafiando las convenciones de los libros tradicionales, expandiendo y forzando los límites respecto a la idea del libro tradicional.

Shirley Rebuffo. Montevideo, 4/2023

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"El libro de artista no es un libro para bibliógrafos, ni un libro ni un libro ilustrado tampoco es un libro sobre el arte sino un libro de arte. El libro de artista es una obra de arte, por esta razón y como cualquier trabajo artístico hay que imaginarlo desde el mismo momento en el que el artista lo comienza a imaginar, incluso de la manipulación por cada espectador o actor. Ese destinatario último es el que por fin se encuentra con el libro en esa relación íntima que significa el gozo de poder acariciarlo e ir descubriendo en cada paso la sensualidad de tenerlo en sus manos…".

Juan Carlos Romero

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Álvaro Amengual González

(Montevideo, Uruguay, 1957-)

"Biografía de un Rara Avis / Biography of a Rara Avis"

37 x 42 x 5 cm.

Portada / Cover

Álvaro Amengual es un artista visual y docente uruguayo nacido en Montevideo el 27 de diciembre de 1957.

Más información e imágenes de la obra de este artista en varios posts publicados previamente (enlaces al final del artículo)

Álvaro Amengual is a Uruguayan visual artist and teacher born in Montevideo on December 27, 1957.

More information and images of this artist's work in several posts previously published (links at the end of the article).

"Ya cuando era así de chiquito odiaba lo vulgar /

Even when I was this small, I hated vulgarity"

"Siempre me movió un obsesivo deseo de llamar la atención /

I have always been driven by an obsessive desire to be noticed"

«"Biografía de un rara avis" es un libro en el cual opté por contar una historia en donde cada página oficia como viñeta y está resuelta con una técnica diferente.

La historia en cuestión es una pequeña autobiografía que pretende parodiar la soberbia de algunos de mis amiguitos artistas que se dedican al gran arte.

Tengo un sentimiento de profunda nostalgia, pero de la linda, de la que nos esboza involuntariamente una sonrisa mientras recuerdo el librito y mi trabajo en prensa de mediados de la década del ochenta.

He perdido muchos años en busca de lo grandioso, recién hace cuatro años he vuelto al espíritu de aquella época y del libro. No he sido un gran pintor como anhelaba; soy un dibujante. No he contado grandes relatos y he naufragado un cuarto de siglo en la duda, pero afortunadamente me he curado de la solemnidad, ya no temo a lo cursi, es más adoro lo cursi y me he quitado un enorme peso de encima y me siento como diría el querido Maestro Espinola Gómez "feliz como chancho entre los boniatos", y se lo debo a aquella época y en particular a este querido librito. Dedico humildemente este librito a todos mis colegas.»

"Admiraba lo único, lo que los demás no podían hacer ni tener /

I admired the unique, what others could not do or have"

Detalle / Detail

«En el año 1986 Omar Bouhid a quien conocí en el semanario "Alternativa" nos propuso a Inés Olmedo, Gustavo Fernández y a quien escribe, realizar una exposición sobre historietas.

Omar también convocó para la muestra a Elbio Gandolfo, quien con extrema generosidad aceptó escribir el texto para el catálogo y también fue quien le puso nombre a la exposición: "Máquinas de no soñar".

La propuesta no era muy clara y eso resultó un beneficio. Se trataba de tomar como idea rectora a la historieta como lenguaje, pero con un criterio experimental, muy especulativo en donde el tradicional desarrollo de viñetas contando una historia podía ser tomado con gran libertad.

El proyecto me resultó atractivo, por quienes me acompañarían en dicha muestra y además porque por ese entonces yo trabajaba como ilustrador y había incursionado no sólo en la historieta sino también en la ilustración periodística y en la caricatura.

Mi formación había sido en una escuela de arte y mis referentes hasta ese entonces habían sido pintores, escultores y arquitectos. Yo sentía que el arte debía ser magno, sublime y por lo tanto debía abordar grandes temas de profundísima significación. ¡Yo quería ser un gran pintor! No me cabía la menor duda. Sin embargo al comenzar a trabajar en la prensa escrita como dibujante, comencé a descubrir un mundo soterrado que involucraba a las artes que yo consideraba por ese entonces menores, me refiero a las disciplinas antes mencionadas: ilustración, caricatura, historieta, etc.

Por la propia dinámica del trabajo fui conociendo personalmente o través de sus trabajos a notables dibujantes de prensa de nuestro medio como Hogue, Ombú, Arotxa, Mingo Ferreira entre otros.»

"Con el tiempo el afán de llamar la atención me llevó a verdaderas excentricidades /

Over time, the desire to attract attention led me to real eccentricities"

"Y un buen día, en un rapto de agudeza y lucidez, comprendí que diferenciarse por fuera no tenía ningún valor /

And one day, in a flash of wit and lucidity, I understood that differentiating oneself on the outside was worthless"

«Mis convicciones acerca de lo sublime del llamado gran arte comenzaban a tambalear.

Un día caminando por 18 de julio quedé absorto ante un quiosco que entre decenas de diarios y revistas colgaba una portada de la revista Humor realizada por el argentino Carlos Nine, pocas veces había sentido tal emoción y admiración ante una imagen. ¡Y estaba frente a un quiosco!

A partir de ese momento sentí una enorme avidez de ahondar en ese mundo de las llamadas artes populares y fue así que conocí a "Little Nemo" de Winsor McCay, "Krazy Cat" de George Herriman, las historietas de Moebius, las ilustraciones de Brad Holland, Jean-Michel Folon, Saul Steinberg, Norman Rockwell, las caricaturas de Hermenegildo Sábat, David Levine entre otros, parecía que había otra historia del arte de la cual nadie había hablado.

Más allá de las virtudes dibujisticas de los artistas antes mencionados, lo que valoré y aún valoro de éstos, es la capacidad natural, lisa y llana de comunicar ideas a un público vastísimo sin necesidad de que éste fuera formado en arte y sin que mediara un texto inextricable que pretendiera explicar lo que los ojos ven.

Esa fue una etapa de revelación en la cual me di cuenta que las fronteras entre los grandes artistas de la historia del arte que admiraba y aún admiro, eran muy difusas o inexistentes en relación a los artistas llamados populares.»

Álvaro Amengual

Detalle / Detail

"A partir de ese momento leí mucho, medité, hablé con gente inteligente, en una palabra... modelé mi interior /

From that moment on I read a lot, I meditated, I talked to intelligent people, in a word... I modeled my inner self"

«"Biography of a rara avis" is a book in which I chose to tell a story where each page serves as a vignette and is made with a different technique.

The story in question is a small autobiography that aims to parody the arrogance of some of my artist friends who dedicate themselves to great art.

I have a feeling of deep nostalgia, but of the nice kind, the kind that involuntarily brings a smile to my face as I recall the small book and my work in the press in the mid-1980s.

I have lost many years in search of the grandiose, only four years ago I have returned to the spirit of that time and of the book. I have not been a great painter as I longed for; I am a draftsman. I have not told great stories and I have been shipwrecked for a quarter of a century in doubt, but fortunately I have been cured of solemnity, I am no longer afraid of the corny, indeed I love the corny and I have taken an enormous weight off my shoulders and I feel as the beloved Maestro Espinola Gómez would say "happy as a pig among the yams", and I owe it to that time and in particular to this dear little book. I humbly dedicate this small book to all my colleagues.»

Detalle / Detail

«In 1986, Omar Bouhid, whom I met in the weekly magazine "Alternativa", proposed to Inés Olmedo, Gustavo Fernández and myself, to organize an exhibition on comics.
Omar also called Elbio Gandolfo for the exhibition, who with extreme generosity agreed to write the text for the catalog and was also the one who gave the exhibition its name: "Máquinas de no soñar" (Machines for not dreaming).
The proposal was not very clear and that turned out to be a benefit. The idea was to take as a guiding idea the comic strip as a language, but with an experimental criterion, very speculative, where the traditional development of vignettes telling a story could be taken with great freedom.
The project was attractive to me, because of those who would accompany me in that exhibition and also because at that time I was working as an illustrator and had ventured not only in comics but also in journalistic illustration and caricature.
My training had been in an art school and my references until then had been painters, sculptors and architects. I felt that art had to be great, sublime and therefore had to deal with great themes of the deepest significance. I wanted to be a great painter! There was no doubt in my mind. However, when I started working in the written press as a cartoonist, I began to discover a hidden world that involved the arts that I considered minor at that time, I am referring to the disciplines mentioned above: illustration, caricature, cartoons, etc.
Due to the dynamics of the work itself, I got to know personally or through their works, notable press cartoonists of our medium such as Hogue, Ombú, Arotxa, Mingo Ferreira, among others.»

"Y me fue revelada la verdad... yo era un intelectual /

And the truth was revealed to me... I was an intellectual"

"Y hoy puedo concluir con absoluta certeza que soy ÚNICO... sencillamente IRREPETIBLE /

And today I can conclude with absolute certainty that I am UNIQUE... simply UNREPEATABLE"

Detalle / Detail

«My convictions about the sublime of the so-called great art began to waver.
One day I was walking along 18 de Julio and I was absorbed by a kiosk that among dozens of newspapers and magazines hung a cover of Humor magazine by the Argentine Carlos Nine, I had rarely felt such emotion and admiration in front of an image. And I was in front of a kiosk!
From that moment on, I felt an enormous eagerness to delve into the world of the so-called popular arts and that is how I got to know "Little Nemo" by Winsor McCay, "Krazy Cat" by George Herriman, the comics of Moebius, the illustrations of Brad Holland, Jean-Michel Folon, Saul Steinberg, Norman Rockwell, the cartoons of Hermenegildo Sábat, David Levine and others, it seemed that there was another history of art that nobody had talked about.
Beyond the drawing virtues of the artists mentioned above, what I valued and still value about them is their natural, plain and simple capacity to communicate ideas to a vast public without the need for them to be trained in art and without the mediation of an inextricable text that tried to explain what the eyes see.
That was a stage of revelation in which I realized that the boundaries between the great artists of the history of art that I admired and still admire, were very blurred or nonexistent in relation to the so-called popular artists".»
Álvaro Amengual

"Dedico humildemente este librito a todos mis colegas /

I humbly dedicate this little book to all my colleagues"

Detalle / Detail

Álvaro Amengual en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (XLIX)], [Uruguayos (LIII-1)], [Uruguayos (LIII-2)]

Más sobre / More about Álvaro Amengual: Website, facebook, Wikipedia

El libro en el blog de Álvaro / The Book in Alvaro's Blog: Post

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Gracias, Álvaro!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Álvaro!)

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Artist's Books

The concern to approach this work, as a cultural project, began with a workshop conducted by Carmen Araujo (Venezuela), doctor of art and museologist.

A substantial challenge for this publication has been to gather information, given the scarcity of theoretical sources that bring us closer to the concepts, imaginaries and associated ideas.

An artist's book or book object is a work of art, generally in the form of a book or box, that combines literature with visual elements and materials that refer to the content of the book and transform it into a three-dimensional sensory exploration.

These are unique pieces or limited editions, with ample creative freedom in both structure and content. The designs are presented in various formats and are constructed using a variety of techniques, including paper sculpture, collage, painting, photography, silkscreen printing, woodcutting, typography and handmade binding.

In general, artist's books are an artistic expression that seeks to break the boundaries between the visual and literary arts, offering a unique experience to the viewer-reader that goes beyond the simple reading of a conventional book, as it experiments with the arrangement of images, typography and the interaction between the "reader" and the work. The book format is used as a support for the creation and presentation of a work of art, and unlike traditional books, which are designed to be read and contain textual information, an artist's book is conceived as a visual and tactile work that invites the viewer to explore its contents in a more intuitive and sensory way.

The artists who create these pieces seek to explore new forms of artistic expression and experiment with the relationship between content and form through the use of innovative materials, techniques and structures, investigating and challenging the conventions of traditional books, expanding and pushing the boundaries with respect to the idea of the traditional book.

Shirley Rebuffo. Montevideo, 4/2023

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"The artist's book is not a book for bibliographers, nor is it a book or an illustrated book, nor is it a book about art, but an art book. The artist's book is a work of art, for this reason and like any artistic work, it must be imagined from the very moment the artist begins to imagine it, even from the manipulation by each spectator or actor. This last addressee is the one who finally meets the book in that intimate relationship that means the joy of being able to caress it and discover at each step the sensuality of having it in his hands...".

Juan Carlos Romero

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María José Fort Brugnini

(Montevideo, Uruguay, 1965-)

María José Fort en su taller / at her Studio

María José Fort nace en Montevideo, Uruguay el 15 de julio de 1965.

En 1985 ingresa en la Escuela Nacional de Bellas Artes y en 1986 comienza estudios en la Facultad de Arquitectura. Más adelante contará entre sus maestros a Javier Santamaría y Guillermo Fernández. En 1994 lleva a cabo viaje de estudios a Europa. En 2003 realiza estudios de Coordinación de Taller de Expresión Plástica. También participa en diversos talleres de pintura y fotografía.

Su trabajo comprende la técnica mixta, el collage, los ensamblajes, el arte textil. Se caracteriza por una marcada identidad formal y por el uso de elementos texturales de gran expresividad.

Participa en exposiciones individuales y colectivas en el Uruguay y en el exterior, y en diversos proyectos.

Ha sido miembro de la Asociación de Pintores y Escultores del Uruguay y también de la Unión de Artistas Plásticos y Visuales.

Su obra ha sido seleccionada y galardonada en Salones Artísticos en Uruguay y el exterior, como la “Biennal de Valencia”, España, recientemente. Se encuentra en colecciones públicas del Uruguay y también particulares, en Uruguay, Argentina, Alemania, Bolivia, Canadá, Colombia, España, Estados Unidos, Francia, Italia y Reino Unido.

"Libro abierto / Open Book"

Técnica mixta / mixed media, 19,4 x 13,2 cm.

El libro abierto / The book open

1. "Sentir / Feel", técnica mixta / mixed media

Filmina, letras transferibles / Film, transferable letters, 19,4 x 13,2 cm.

"Flower Power", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper

Décollage en cartulina y pintura acrílica / on cardboard and acrylic painting

"Naturaleza / Nature", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper

Cartulina, papel, elementos naturales y pintura acrílica

Cardboard, paper, natural elementes and acrylic painting

"Viendo a través / Seeing through", papel traslúcido / translucent paper

"Equilibrio / Balance", collage textil sobre papel / textile collage on paper

Macramé antiguo, enduido, cartón / antique macramé, calk, cardboard

«Cuando comencé a crear este "Libro Abierto", pensé que llevaría poco tiempo de confección, pero no fue así. En los meses de ejecución he volcado muchas vivencias, recuerdos y pensamientos recientes en sus páginas. Ellos están expresados a través de la pintura, el collage, la fotografía, las impresiones. En este caso hay algo que los une, los unifica: las puntadas de hilo.

La costura, el tejido, lo textil, son parte de mi pasado de alguna manera u otra. Costuras y tejidos, a mano y a máquina. Crecí entre telas, vestidos, corbatas, de diseños estampados a mano. Tapices y alfombras tejidas a mano. Tejidos varios. En mi caso, he utilizado frecuentemente el recurso de la costura en las obras, quizá como una referencia inconsciente al acto de unir, recomponer, reparar.»

María José Fort

"Equilibrio / Balance"

"Re-componiendo / Re-composing", collage textil sobre papel / textile collage on paper

Retazos de papel, entretela, botones / paper scraps, interlining, buttons

"Nostalgia de tiempos ajenos / Nostalgia of Other People's Time"

Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper

Papel, vidrio, pintura acrílica / paper, glass, acrylic paint

María José Fort was born in Montevideo, Uruguay on July 15, 1965.
In 1985 she enters the National School of Fine Arts and in 1986 she begins studies at the Faculty of Architecture. Later she will count Javier Santamaría and Guillermo Fernández among her teachers. In 1994 she made a study trip to Europe. In 2003 she studied Coordination of Plastic Expression Workshop. She also participates in various painting and photography workshops.
Her work includes mixed media, collage, assemblages, textile art. It is characterized by a strong formal identity and the use of textural elements of great expressiveness.
She participates in solo and group exhibitions in Uruguay and abroad, and in various projects.
She has been a member of the Association of Painters and Sculptors of Uruguay and also of the Union of Plastic and Visual Artists.
Her work has been selected and awarded in Art Salons in Uruguay and abroad, such as the "Biennal de Valencia", Spain, recently. Her work can be found in public collections in Uruguay and also in private collections in Uruguay, Argentina, Germany, Bolivia, Canada, Colombia, Spain, United States, France, Italy, and United Kingdom.

"Transparencia / Transparency", collage sobre papel / collage on paper

Vinilo, papel, letras transferibles / vinyl, paper, transferable letters

"Memories", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper

Papel, plástico, pintura acrílica / paper, plastic, acrylic paint

"Blanco – Negro. Y también Gris / White - Black. And also Grey"

Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper

Plástico, mosquitero, elementos naturales, pintura acrílica /

plastic, mosquito netting, natural elements, acrylic paint

«When I started to create this "Open Book", I thought it would take a short time to make, but it did not. In the months of execution I have poured many recent experiences, memories and thoughts into its pages. They are expressed through painting, collage, photography, prints. In this case there is something that unites them, unifies them: the stitches of thread.
Sewing, weaving, textiles, are part of my past in one way or another. Sewing and knitting, by hand and by machine. I grew up among fabrics, dresses, ties, hand-printed designs. Tapestries and hand-woven carpets. Various fabrics. In my case, I have frequently used the resource of sewing in the works, perhaps as an unconscious reference to the act of joining, recomposing, repairing.»
María José Fort

"Alegría / Joy", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper

Papel, mica, pintura acrílica / paper, mica and acrylic paint

"Que nunca falten / Never Miss", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper

Cartulina, pintura acrílica, letras / cardboard, acrylic paint, letters

Área de trabajo en el taller / Worskpace at the Studio

Más sobre / More about María José Fort: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Gracias, María José!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, María José!)

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Konstantin Korobov

Константина Коробова

(Екатеринбург, Россия [CCCP] / Ekaterimburgo, Rusia [URSS] /

Yekaterinburg, Russia [USSR], 1985-)

Konstantin Korobov, 2022

Konstantin Korobov es un artista ruso nacido en 1985 en Ekaterimburgo, de quien ya publiqué material en un post monográfico en 2018. En esta nueva recopilación, les presento una selección de obras producidas por Konstantin desde entonces.

"Raptor", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 100 cm., 2020

"Armadura / Armour", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 70 cm., 2019

"Línea de horizonte / Skyline", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 100 cm., 2020

"Testamento / Testamentum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 100 cm., 2023

"Lobos / Wolves", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 300 cm., 2020

"Veritas", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 50 cm., 2020

"Tormentum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 100 cm., 2018

"Gorgonopsia (*)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 70 cm., 2022

(*) Gorgonopsia (del griego Gorgon, bestia mitológica, y óps 'aspecto') es un clado extinto de terápsidos con dientes de sable del Pérmico Medio a Superior, hace aproximadamente entre 265 y 252 millones de años. Se caracterizan por un cráneo largo y estrecho, así como por unos dientes caninos e incisivos superiores y a veces inferiores alargados que probablemente utilizaban como armas blancas.

Wikipedia (English)

(*) Gorgonopsia (from the Greek Gorgon, a mythological beast, and óps 'aspect') is an extinct clade of sabre-toothed therapsids from the Middle to Upper Permian roughly 265 to 252 million years ago. They are characterised by a long and narrow skull, as well as elongated upper and sometimes lower canine teeth and incisors which were likely used as slashing and stabbing weapons.

Wikipedia

"Flecha / Arrow", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 100 cm., 2023

Konstantin con su obra / with his work"Agnus"

Konstantin Korobov is a Russian artist born in 1985 in Yekaterinburg, of whom I already published material in a monographic post in 2018. In this new compilation, I present to you a selection of works produced by Konstantin since then.

"Agnus", óleo sobre lienzo, oro / oil on canvas, gold, 80 x 80 cm., 2022

"Dirus" (*), óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 90 cm., 2020

(*) El lobo gigante o lobo terrible (Aenocyon dirus) es un cánido extinguido. Es uno de los carnívoros prehistóricos más famosos de Norteamérica, junto con su competidor extinto Smilodon. El lobo gigante vivió en América y Asia oriental durante el Pleistoceno tardío y el Holoceno temprano (hace 125.000-9.500 años). La especie recibió su nombre en 1858, cuatro años después de que se encontrara el primer ejemplar. Se reconocen dos subespecies: Aenocyon dirus guildayi y Aenocyon dirus dirus. La mayor colección de sus fósiles se ha obtenido en las fosas de alquitrán de Rancho La Brea, en Los Ángeles.

Wikipedia (English)

(*) The dire wolf (Aenocyon dirus) is an extinct canine. It is one of the most famous prehistoric carnivores in North America, along with its extinct competitor Smilodon. The dire wolf lived in the Americas and eastern Asia during the Late Pleistocene and Early Holocene epochs (125,000–9,500 years ago). The species was named in 1858, four years after the first specimen had been found. Two subspecies are recognized: Aenocyon dirus guildayi and Aenocyon dirus dirus. The largest collection of its fossils has been obtained from the Rancho La Brea Tar Pits in Los Angeles.

Wikipedia

"Hado / Fatum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 50 cm., 2022

"Poder / Power", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 200 cm., 2021

"Persecución / Chase", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 100 cm., 2019

"Lucha / Wrestling", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 80 cm., 2021

"Trampa / Trap", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 80 cm., 2022

"Centauro / Centaurus", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 100 cm., 2019

"Inundación / Flood", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 70 cm., 2019

"Corona / Crown", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 120 cm., 2022

Konstantin Korobov en "El Hurgador" / in this blog: [Konstantin Korobov (Pintura)]

Más sobre / More about Konstantin Korobov: Website, facebook, Saatchi

Segundo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras, nuevamente de creadores uruguayos, y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

Second article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works, again by Uruguayan creators, and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.

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Los artistas, creadores de estos libros únicos o ediciones limitadas, están enfatizando la singularidad y la intimidad de la obra de arte, invitando al espectador a reflexionar sobre su relación con el objeto y su valor como pieza artística.

Me he encontrado con artistas que han utilizado este tipo de trabajo como una herramienta para explorar temas específicos, como la política, la memoria, la identidad o la cultura. A través de la combinación de imágenes, incluso el collage, texto y diseño, los artistas pueden crear obras con las que comunican un mensaje o una idea de manera impactante y poética.

Los Libros de Artista, tales como los entendemos hoy en día, surgen en el siglo XX con las corrientes de vanguardia, representando una forma de acercamiento del arte a todas las clases sociales. En su elaboración encontramos poesía, obras complejas, enigmáticas, poderosas y ricas.

Son publicaciones concebidas como obras de arte por derecho propio aunque, como comentábamos en el primer post de la serie, no existe una definición universalmente acordada y no pretendemos aquí hacer aforismos, por lo que a este respecto hay un amplio margen para la libre interpretación conceptual.

Por tanto resulta pertinente plantearse ¿qué NO es un libro de artista?

Según la artista Isabel Sevillano (Palencia, 2016) "No es un libro de lectura, no es un libro de imágenes, no es un libro ilustrado, es una obra de arte en sí. Mezcla oficio artesanal y a la vez artístico con lo cual se tiene una libertad que permite desarrollar lo que quieras"

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Jorge Migues Tafernaberry

(Montevideo, Uruguay, 1963-)

Jorge Migues. Foto / Photo: El País

Jorge Migues nace en Montevideo en 1963. De formación arquitecto, sintió más tarde un llamado a darle una oportunidad al «arte en sí mismo», y se anotó en los talleres de artistas importantes de la escena nacional como Clever Lara, Oscar Larroca y Virginia Patrone.

Al día de hoy ha expuesto, además de en Montevideo, en Barcelona, París y Madrid.

Jorge Migues was born in Montevideo in 1963. Trained as an architect, he later felt a call to give "art itself" a chance, and enrolled in the workshops of important artists of the national scene such as Clever Lara, Oscar Larroca and Virginia Patrone.

To date, he has exhibited, in addition to Montevideo, in Barcelona, Paris and Madrid.

"Mil lluvias sobre el Marqués de Barberá /

A Thousand Rains on the Marquis of Barberá"

El proyecto cuenta la relación entre un personaje histórico de la Cataluña del 1700 y el artista nacido a diez mil kilómetros de distancia y trescientos años después. Es el primer libro (2016 / 2017) inspirado en ese personaje.

A partir del nombre de la calle en que residía en Barcelona, el artista desarrolla su capacidad narrativo/expresiva, investigativa e imaginativa en una relación de Alter Ego con Josep Galcerán de Pinós i Rocabertí, Marqués de Barberá, significativo personaje en los ámbitos cívico y militar en la Guerra de Sucesión de Tronos de 1700 y la Barcelona sitiada que cae el 11 de setiembre de 1714.

Estos acontecimientos y el contexto personal del artista constituyen el marco catalizador de este proyecto que muestra el sentir del autor en su obra, partiendo de un libro de artista, semial para todo el resto del proceso creativo.

Detalle / Detail

The project tells the relationship between a historical character of Catalonia in 1700 and the artist born ten thousand kilometers away and three hundred years later. It is the first book (2016 / 2017) inspired by that character.

From the name of the street where he lived in Barcelona, the artist develops his narrative/expressive, investigative and imaginative capacity in an Alter Ego relationship with Josep Galcerán de Pinós i Rocabertí, Marquis of Barberá, a significant character in the civic and military fields in the War of Succession of Thrones of 1700 and the besieged Barcelona that falls on September 11, 1714.

These events and the artist's personal context constitute the catalyzing framework of this project that shows the author's feelings in his work, starting from an artist's book, which is the basis for the rest of the creative process.

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¿Arte en forma de libro? No, no es algo tan simple. Entonces, concretamente, ¿qué características debe tener un libro de artista para que sea designado como tal?

La obra juega con los parámetros del formato libro, lo que la convierte en un medio de expresión artística que utiliza la estructura, formato y función de "libro" como inspiración. En lo que hay consenso es en que es un objeto, al que incluso podríamos llamar escultórico, en algunos casos. Entendido como obra de arte, nos invita a reflexionar sobre las propiedades de la forma del libro en sí: es una experiencia física que está comprendida por un continente y un contenido. El continente que es el soporte, con forma de libro o no, y es lo que en definitiva le confiere una estructura tridimensional. El contenido, que puede ser texto y/o imagen, es básicamente lo que el artista quiere transmitir. Al menos una de estos elementos debe de estar presente. El también llamado libro-objeto puede encuadrarse en la categoría general de los libros alternativos.

El lector toma el rol de usuario de la pieza, de ese "libro objeto" que se constituye en expresión de una comunicación visual. Los textos que forman parte de la obra, más allá de los códigos lingüísticos y el mensaje que puedan o no expresar, no están ahí necesariamente para ser leídos, sino como parte de una narrativa visual en un contexto basado en lo netamente sensorial.

Shirley Rebuffo, 4/2023

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"Barcelurbano"

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The artists, creators of these unique books or limited editions, are emphasizing the uniqueness and intimacy of the artwork, inviting the viewer to reflect on their relationship with the object and its value as a piece of art.

I have come across artists who have used this type of work as a tool to explore specific themes, such as politics, memory, identity or culture. Through the combination of images, including collage, text and design, artists can create works that communicate a message or an idea in a powerful and poetic way.

Artist's Books, as we understand them today, emerged in the twentieth century with the avant-garde currents, representing a way of bringing art closer to all social classes. In their elaboration we find poetry, complex, enigmatic, powerful and rich works.

They are publications conceived as works of art in their own right although, as we mentioned in the first post of the series, there is no universally agreed definition and we do not intend here to make aphorisms, so in this regard there is a wide margin for free conceptual interpretation.

It is therefore pertinent to ask what is NOT an artist's book?

According to the artist Isabel Sevillano (Palencia, 2016) "It is not a reading book, it is not a picture book, it is not an illustrated book, it is a work of art itself. It mixes craftsmanship and at the same time artistic with which you have a freedom that allows you to develop whatever you want."

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"Laberinto nocturno / Night Labirinth"

2019-2020

"Caminar, caminar y caminar ... por las noches caminar. Recorrer los mismos lugares una y otra vez como una adicción".

El artista nos invita a recuperar la pasión del caminante urbano, que deambula sin rumbo aparente, buscando algo que es ignorado pero presentido, mezclando la serena introspección con la atenta expectación abierta al descubrimiento. El libro recoge el fruto de su exploración nocturna por la ciudad vieja de Barcelona durante los meses de enero y febrero de 2019. Abre su corazón gótico en las confesiones de un pasado que habla en fantasmagóricos marrones y ocres; su sedimento histórico se vuelve presente e íntimo, la ciudad se acerca susurrando en una conversación emotiva.

Este Libro de Artista se presenta lleno de connotaciones: códices medievales en los que la pintura y la escritura conviven expresivamente, diarios de viajeros en tierras incógnitas o tratados de alquimistas improbables. En sus páginas el texto deja mayoritariamente lugar al color y a la forma, el precepto deja lugar a la sugerencia, el conocimiento sesudo da paso al sentimiento.

El soporte matérico - cofre de madera y tapas de cuero natural - dialogan en forma fluída con las porosas hojas interiores nutridas de arte donde a las tradicionales texturas de carbonillas y pigmentos, se suman betunes de calzado que refuerzan el carácter de caminante urbano que desprende la obra.

"Walking, walking and walking ... in the evenings walking. To walk the same places over and over again like an addiction".

The artist invites us to recover the passion of the urban walker, who wanders aimlessly, looking for something that is ignored but sensed, mixing serene introspection with attentive expectation open to discovery. The book collects the fruit of his nocturnal exploration of the old city of Barcelona during the months of January and February 2019. It opens its gothic heart in the confessions of a past that speaks in ghostly browns and ochers; its historical sediment becomes present and intimate, the city approaches whispering in an emotional conversation.

This Artist's Book is full of connotations: medieval codices in which painting and writing coexist expressively, travelers' diaries in unknown lands or improbable alchemists' treatises. In its pages the text gives way mostly to color and form, the precept gives way to suggestion, the brainy knowledge gives way to feeling.

The material support - wooden chest and natural leather covers - dialog in a fluid way with the porous interior sheets nourished with art where the traditional textures of charcoal and pigments are added to shoe polishes that reinforce the character of urban walker that the work gives off.

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Imágenes publicadas con autorización de la artista. ¡Muchas gracias, Jorge!

Images published here with artist's permission. Thanks a lot, Jorge!

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Art in book form? No, it's not that simple. Then, concretely, what characteristics must an artist's book have to be designated as such?

The artwork plays with the parameters of the book format, which makes it a means of artistic expression that uses the structure, format and function of "book" as inspiration. What there is consensus on is that it is an object, which we could even call sculptural in some cases. Understood as a work of art, it invites us to reflect on the properties of the form of the book itself: it is a physical experience comprised of a container and a content. The container, which is the support, whether or not it is in the form of a book, and is what ultimately gives it a three-dimensional structure. The content, which can be text and/or image, is basically what the artist wants to transmit. At least one of these elements must be present. The also called book-object can be included in the general category of alternative books.

The reader takes on the role of user of the piece, of this "object book" that is constituted as an expression of a visual communication. The texts that are part of the work, beyond the linguistic codes and the message they may or may not express, are not necessarily there to be read, but as part of a visual narrative in a context based on the purely sensory.

Shirley Rebuffo, 4/2023

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Judith Estela Britez Di Sano

(Montevideo, Uruguay, 1975-)

Judith Britez Di Sano

Judith Estela Britez Di Sano nace en Montevideo, Uruguay, el 23 diciembre 1975.

Sus primeras experiencias artísticas tienen lugar en el taller de sus abuelos maternos. Ingresa a la Facultad de Bellas Artes en 1997. En 2002 obtiene una beca en Florencia (Italia) y crea su proyecto: "Elaborar y pensar a través del Arte". Ingresa en la Facultad de Psicología en 1998. En el año 2002 frecuenta clases con el escultor Federico Arnaud.

A través del Centro Cultural Borges (Buenos Aires) conoce en 2010 a la Señora Sofia de Arden Quin, quien promueve su ingreso al grupo Madi Argentino al año siguiente. Participa en varias muestras como integrante de este grupo, una de ellas en el Palais de Glace. Con su compañero (Marcelo Larrosa) generan diferentes propuestas en Europa, en Saronno (Italia) con el apoyo del Prof. Tomas Maldonado; Constructivo-Madi Galería MartinArte, Torino (Italia); en el Instituto Cervantes Milán; en la Embajada de Uruguay en París; Galería IkiGai Art Gallery en Roma; Muestra "In-Segni", así como también, en el Museo Nacional de Artes Visuales en Montevideo, en el Museo de Artes Aplicadas de Belgrado, en el Museo del Parco-Portofino, en la Fundación Atchugarry en Punta del Este, en el Museo de Arte Contemporáneo de Cusco y en el Museo José Carlos Mariátegui, Lima (Perú).

"Estructuras / Structures"

Técnica mixta / mixed media, 20 x 14 x 1,5 cm., 2017

Judith Estela Britez Di Sano was born in Montevideo, Uruguay, on December 23, 1975.

Her first artistic experiences took place in the studio of her maternal grandparents. She enters the Faculty of Fine Arts in 1997. In 2002 she obtains a scholarship in Firenze, Italy, and creates her project: "Elaborar y pensar a través del Arte (Elaborate and think through Art)". She enters the Faculty of Psychology in 1998. In 2002 she attends classes with the sculptor Federico Arnaud.

In 2010, through the Centro Cultural Borges (Buenos Aires) she meets Mrs. Sofia de Arden Quin, who promotes her joining the group Madi Argentino the following year. She participates in several exhibitions as a member of this group, one of them at the Palais de Glace. With her partner (Marcelo Larrosa) she generates different proposals in Europe, in Saronno (Italy) with the support of Prof. Tomas Maldonado; Constructivo-Madi MartinArte Gallery, Torino (Italy); at the Cervantes Institute in Milan; at the Embassy of Uruguay in Paris; IkiGai Art Gallery in Rome; In-Segni" exhibition, as well as at the National Museum of Visual Arts in Montevideo, at the Museum of Applied Arts in Belgrade, at the Museo del Parco-Portofino, at the Atchugarry Foundation in Punta del Este, at the Museum of Contemporary Art in Cusco and at the José Carlos Mariátegui Museum, Lima (Peru).

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Imágenes publicadas con autorización de la artista. ¡Muchas gracias, Judith!

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"El libro deja de ser el continente de informaciones, dibujos, reproducciones, fotos, para pasar a ser toda una experiencia de proyecto artístico contemporáneo donde se conjugan inteligentemente sensaciones táctiles, secuencia-narratividad y una utilización peculiar del tiempo dedicado a su disfrute." (Soler y Heyvaert, 2013)

"The book ceases to be the container of information, drawings, reproductions, photos, to become a whole experience of contemporary artistic project where tactile sensations, sequence-narrativity and a peculiar use of time are intelligently combined for its enjoyment." (Soler and Heyvaert, 2013)

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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:

[Libros de artista (I)]

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Tercer artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras, nuevamente de creadores uruguayos, y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

Third article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works, again by Uruguayan creators, and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.

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Felipe Maqueira

(Fray Marcos, Florida, 1953-)

Felipe Maqueira. Foto / Photo: EMAD

Felipe Maqueira es un artista textil nacido en Fray Marcos, Florida en 1953.

Ha realizado muestras colectivas e individuales desde 1976. Es miembro fundador del Centro de tapicería Uruguayo (CETU) y docente en área Textil en la Escuela Universitaria Centro de Diseño (EUCD), y docente de Diseño de vestuario en la Escuela de Arte Dramático Margarita Xingu -EMAD.

Ha recibido numerosos Premios, como el Excellence Award Winning, 11th. "From Lausanne to Beijing (De Lausana a Beijing=)", International Fiber Art Biennale, on line (China, 2020); Premio Florencio (2007), por mejor vestuario; Morosoli de Plata (Fundación Lolita Ruibal,2003) y el Premio Paúl Cézanne, beca de estudios en Francia, entre otros.

Felipe Maqueira is a textile artist born in Fray Marcos, Florida in 1953.

He has held collective and individual exhibitions since 1976. He is a founding member of the Centro de Tapicería Uruguayo (CETU) (Uruguayan Tapestry Center) and teaches Textiles at the Escuela Universitaria Centro de Diseño (EUCD) (University School Design Center) and teacher of Costume Design at the Margarita Xirgu School of Dramatic Art-EMAD.

He has received numerous awards, such as the Excellence Award Winning, 11th. "From Lausanne to Beijing", International Fiber Art Biennale, on line (China, 2020); Florencio Award (2007), for best costumes; Morosoli de Plata (Lolita Ruibal Foundation, 2003) and the Paul Cézanne Award, scholarship to study in France, among others.

Más sobre / More about Felipe Maqueira:

Website (en construcción / under construction 5/2023) , Instagram, facebook

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Como bibliotecóloga hube de hacer un desprendimiento de conceptos, hasta llegar a conclusiones lógicas sobre el tema. Los libros son objetos en sí, pero se consideran no por el objeto que son, sino, salvo excepciones, por las ideas, historias o conocimientos que se vehiculizan en sus páginas. Los objetivos que el autor se haya propuesto son los que determinarán la consecución de sus fines, la simbiosis de múltiples posibles combinaciones de distintos lenguajes y sistemas de comunicación. Su existencia está en las intersecciones del grabado, la fotografía, la poesía, la narrativa experimental, las artes visuales, el diseño gráfico y la publicación.

Se han hecho un lugar en las colecciones de museos, bibliotecas y coleccionistas privados. Han captado el interés de los historiadores del arte y los críticos que escriben sobre arte, y existen numerosos programas de estudio en las escuelas de arte dedicados al arte del libro, lo que da paso a nuevas generaciones de artistas que hacen libros.

En sus comienzos hubo artistas que han usado este formato para crear narrativas, tratando temas difíciles o emocionales, otros lo consideran una forma diferente de poner la obra de arte a disposición de un público más amplio que el que permiten las galerías y los museos. La multiplicidad de lenguajes permite que puedan manejarse nodos significativos. Los más utilizados son: "forma-signo-color", "concepto-teoría-archivo", "palabra-escritura-narración", "visión-participación-utopía" y "percepción-manipulación-sensación". La transformación está delimitada sólo por la imaginación del artista.

Según Robert Flynn, un libro de artista "es una edición limitada (generalmente única), que suele estar (mayormente) manufacturado a mano, que combina texto con gráfica original".

Varios se han convertido en intervenciones monumentales y otros en pequeñas esculturas que pese a su tamaño no dejan de llamarse libros.

Estos "libros-objeto" son una experiencia física que permite una conexión social con el medio con implicaciones individuales y personales. Como dijo Peter Thomas: "Hacemos libros que son obras de arte en lugar de libros que son solo vehículos literarios".

Shirley Rebuffo, 4/2023

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Joaquín Torres-García

(Montevideo, Uruguay, 1874 - 1949)

Joaquín Torres-García, reconocido internacionalmente por su pintura, también escribió una serie de textos y libros, algunos de ellos manuscritos, un aspecto menos conocido de su fecunda obra. En varios de los escritos en los que desarrolló los principales fundamentos de su doctrina Torres-García dibujó las palabras, por lo que su lenguaje también tomó una forma plástica.

Joaquín Torres-García, internationally recognized for his painting, also wrote a series of texts and books, some of them manuscripts, a lesser known aspect of his prolific oeuvre. In several of the writings in which he developed the main fundamentals of his doctrine, Torres-García drew the words, so that his language also took on a plastic form.

"La ciudad sin nombre / The City With No Name"

Diseños para "La ciudad sin nombre" / Designs for "The City With No Name"

Conmemorando el 140 aniversario del nacimiento de Joaquín Torres García, el Museo Torres-García y el Museo Nacional de artes Visuales realizaron la exposición conjunta "Ver, sentir, comprender", en la que dialogaron los acervos de ambas instituciones y también los diversos aspectos de la obra de Torres García; cuadros, manuscritos e ideas.

«"Ver, Sentir, Comprender" está conformada por varios núcleos que reúnen libros y pinturas de los periodos más importantes de la carrera del maestro uruguayo. La época catalana está representada por libros como El descubrimiento de sí mismo, Dialegs y Notes sobre art, así como por dibujos de tipo clasicista, entre otros un boceto de uno de los murales que Torres García pintó en Barcelona, mientras que de la época de Nueva York (1920-1922) se ven acuarelas con motivos urbanos de la gran ciudad.

El material correspondiente a los años de París (1926-1932) es reflejo de la influencia que recibió de las vanguardias. En esa época dibujó varios manuscritos, por ejemplo "Foi", "La peinture vierge" y "Passivite". De entonces se muestran las obras "Composición" (1928), "Pintura constructiva" (1928) y "Formas abstractas" (1929), así como dos series de dibujos: "Dibujo Escritura" y "Razón-Emoción-Realidad".

La época posterior al regreso del artista a Uruguay en 1934 está profusamente representada. Entonces publicó algunos de sus libros fundamentales: entre otros La tradición del hombre abstracto, Historia de mi vida, Lo aparente y lo concreto en el arte, La ciudad sin nombre y Universalismo constructivo, mientras que el aporte plástico son dos obras constructivistas: "Pintura constructiva" y "Arte Universal", ambas de 1943.

Ver – Sentir – Comprender permite conocer, a entendidos y al público en general, aspectos poco conocidos de la fecunda actividad artística de un creador fundamental para el arte nacional.»

Pedro Da Cruz, "Imagen y palabra en la obra de Torres-García". Revista Dossier, 10/2014

Diseños para "La ciudad sin nombre" / Designs for "The City With No Name"

In commemoration of the 140th anniversary of the birth of Joaquín Torres García, the Torres-García Museum and the National Museum of Visual Arts held the joint exhibition "Ver, Sentir, Comprender (Seeing, Feeling, Understanding)", in which the collections of both institutions and also the various aspects of Torres García's work; paintings, manuscripts and ideas.

«"Seeing, Feeling, Understanding" is made up of several cores that bring together books and paintings from the most important periods of the Uruguayan master's career. The Catalan period is represented by books such as El descubrimiento de sí mismo, Dialegs and Notes sobre art (The Self-Discovery, Dialogs and Notes on Art)", as well as classicist drawings, including a sketch of one of the murals Torres García painted in Barcelona, while the New York period (1920-1922) includes watercolors with urban motifs of the great city.

The material corresponding to the Paris years (1926-1932) is a reflection of the influence he received from the avant-garde. At that time he drew several manuscripts, for example "Foi", "La peinture vierge" and "Passivite". The works "Composition" (1928), "Constructive Painting" (1928) and "Abstract Forms" (1929), as well as two series of drawings: "Drawing-Writing" and "Reason-Emotion-Reality".

The period after the artist's return to Uruguay in 1934 is profusely represented. Then he published some of his fundamental books: among others La tradición del hombre abstracto, Historia de mi vida, Lo aparente y lo concreto en el arte, La ciudad sin nombre and Universalismo constructivo, while the plastic contribution are two constructivist works: "Pintura constructiva" and "Arte Universal", both from 1943.

Seeing - Feeling - Understanding allows experts and the general public to get to know little-known aspects of the prolific artistic activity of a fundamental creator for national art.»

Pedro Da Cruz, "Image and Words in the Work of Torres-García". Revista Dossier, 10/2014

Diseños para "La ciudad sin nombre" / Designs for "The City With No Name"

La ciudad es una presencia ubicua en la vida, obra y escritos de Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874 - 1949). A partir de 1917, en su proceso de ingreso a la vanguardia, Torres García mira de modo original a la ciudad moderna, de la cual toma elementos visuales que necesita para construir un lenguaje artístico propio.

Los dibujos y acuarelas que integran la exposición "La ciudad sin nombre" son testimonio de un proceso de abstracción y de construcción desde la mirada del pintor, que se manifiesta particularmente en su obra gráfica. Ese arte de ver, que es el fundamento sensible del constructivismo que Torres García practica a partir de 1929, se manifiesta también como una peculiar mirada sobre el mundo en su libro metafórico "La ciudad sin nombre", cuyos dibujos originales son expuestos por primera vez.

Tomado del sitio web del Museo Torres-García

Diseños para "La ciudad sin nombre" / Designs for "The City With No Name"

The city is a ubiquitous presence in the life, work and writings of Joaquín Torres-García (Montevideo, 1874 - 1949). Beginning in 1917, in the process of joining the avant-garde, Torres-García took an original look at the modern city, from which he took the visual elements he needed to construct his own artistic language.

The drawings and watercolors that make up the exhibition "The Nameless City" bear witness to a process of abstraction and construction from the painter's point of view, which is particularly evident in his graphic work. This art of seeing, which is the sensitive foundation of the constructivism practiced by Torres García from 1929 onwards, is also manifested as a peculiar view of the world in his metaphorical book "The Nameless City", whose original drawings are exhibited for the first time.

From Torres-García Museum Website

Diseños para "La ciudad sin nombre" / Designs for "The City With No Name"

Joaquín Torres-García en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

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Juan Cano

(Montevideo, Uruguay, 1954-)

Juan Cano

Juan Cano vive y trabaja en Malmö, Suecia. Desde los años setenta incursiona en la pintura, la gráfica y confección de prendas. Cano desarrolla su arte en un taller de artes gráficas en Malmö, la ciudad más grande de la provincia de Escania.

Algunas de sus exposiciones son: 2014. (Kommande) Axis konst förening Lund (Augusti) ValoArte Costa Rica (Setembre) Mexico: Grafica uruguaya y su historia (Oktubre). 2013 Galeri blå Öland Konsthallen Fyren Kungsbacka Galeri 21 Lomma. 2012 Stadhuset Fonte de Bois, Paris: Mémoire Salón de Grabado "JAIME CASTELLANOS REYES", Mérida, México. Galleri Lisse Brun, Köpenhamn Region Skåne Konstförening ECO Konstförening, Eslöv 2011. Sundsvalls Museum, XIV Grafiktrienal. Kulturhuset, Luleå Falkenberg Museum. Landskrona Konsthall. Fasterbo Konsthall "fyra grafiker". Galleri Sigma, Växjö. 2010 Konstakademin, Stockholm: XIV Grafiktrienal. KKV grafik Malmö Edvisk Konst Hallen. Jäger & jänsson Galleri Lund. Lisse Brunn Galleri Köpenham.

Libro de artista / Artist Book

Técnica / Technique: gráfica Screen, agua tinta, sellos / graphic Screen, gouache, seals

Medidas / Size: hoja oficio, largo aprox. 1m / legal size sheet, long. aprox. 1m

"El Pentágono tiene buenas noticias para el medio ambiente. En el 2003 se usarán municiones que no contaminen. El plomo de las balas debe ser reemplazado por tungsteno."

Juan Cano lives and works in Malmö, Sweden. Since the seventies he has been involved in painting, graphics and garment making. Cano develops his art in a graphic arts workshop in Malmö, the largest city in the Skåne County.

Some of his exhibitions are: 2014. (Kommande) Axis konst förening Lund (Augusti) ValoArte Costa Rica (Setembre) Mexico: Grafica uruguaya y su historia (Oktubre). 2013 Galeri blå Öland Konsthallen Fyren Kungsbacka Galeri 21 Lomma. 2012 Stadhuset Fonte de Bois, Paris: Mémoire Salón de Grabado "JAIME CASTELLANOS REYES", Mérida, Mexico. Galleri Lisse Brun, Köpenhamn Region Skåne Konstförening ECO Konstförening, Eslöv 2011. Sundsvalls Museum, XIV Grafiktrienal. Kulturhuset, Luleå Falkenberg Museum. Landskrona Konsthall. Fasterbo Konsthall "fyra grafiker". Galleri Sigma, Växjö. 2010 Konstakademin, Stockholm: XIV Grafiktrienal. KKV grafik Malmö Edvisk Konst Hallen. Jäger & jänsson Galleri Lund. Lisse Brunn Galleri Köpenham.

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As a librarian, I have had to detach myself from concepts to reach logical conclusions on the subject. Books are objects in themselves, but they are considered not for the object they are, but, with some exceptions, for the ideas, stories or knowledge that are conveyed in their pages. The objectives that the author has set for himself are what will determine the achievement of his goals, the symbiosis of multiple possible combinations of different languages and communication systems. Its existence is at the intersections of engraving, photography, poetry, experimental narrative, visual arts, graphic design and publishing.

They have made a place for themselves in the collections of museums, libraries and private collectors. They have captured the interest of art historians and critics who write about art, and there are numerous programs of study in art schools devoted to the art of the book, giving way to new generations of artists who make books.

In its beginnings there were artists who have used this format to create narratives, dealing with difficult or emotional subjects, others consider it a different way of making the work of art available to a wider public than that allowed by galleries and museums. The multiplicity of languages allows for meaningful nodes to be handled. The most commonly used are: "form-sign-color", "concept-theory-archive", "word-writing-narrative", "vision-participation-utopia" and "perception-manipulation-sensation". The transformation is delimited only by the artist's imagination.

According to Robert Flynn, an artist book, "is a limited edition (usually unique), usually (mostly) hand-made, combining text with original graphics."

Several have become monumental interventions and others have become small sculptures that, despite their size, are still called books.

These "book-objects" are a physical experience that allows a social connection with the medium with individual and personal implications. As Peter Thomas said: "We make books that are works of art rather than books that are only literary vehicles".

Shirley Rebuffo, 4/2023

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Elvira Lacy Duarte Cardoso

(Mataojo, Salto, uruguay, 1937 - Montevideo, 2015)

"Historias abiertas / Open Stories"

22 x 16 cm., 2006 (Fotos / Photos: Catálovo MNAV)

Lacy Duarte fue una artista uruguaya nacida el 15 de setiembre de 1937 y fallecida en Montevideo el 27 de diciembre de 2015.

Su infancia se desarrolla en el entorno rural de Mataojo, cercano a la frontera con Brasil. Estos primeros años tuvieron un impacto directo en su desarrollo artístico. Duarte toma muchos elementos de su infancia en Mataojo convirtiéndolos en motivos centrales de su obra. Particularmente, retoma las vivencias de su niñez en relación a los recursos que utilizaba su madre para solventar las necesidades del hogar familiar, los juguetes hechos a mano con los que jugaba y la creación de traperas (mantas hechas con retazo de telas viejas).

Lacy Duarte es una de las artistas más relevantes de la escena uruguaya, que desarrolló una vasta carrera, utilizando múltiples medios y técnicas como escultura, pintura, collage, instalación, grabado y técnicas mixtas.

Lacy Duarte was an Uruguayan artist born on September 15, 1937 and died in Montevideo on December 27, 2015.

Her childhood took place in the rural environment of Mataojo, near the border with Brazil. These early years had a direct impact on her artistic development. Duarte takes many elements from her childhood in Mataojo turning them into central motifs in her work. Particularly, she takes up the experiences of her childhood in relation to the resources her mother used to meet the needs of the family home, the handmade toys she played with and the creation of "traperas" (blankets made from scraps of old cloth).

Lacy Duarte is one of the most relevant artists of the Uruguayan scene, who developed a vast career, using multiple media and techniques such as sculpture, painting, collage, installation, printmaking and mixed media.

Lacy Duarte en "El Hurgador" / in this blog: [Muere Lacy Duarte], [Aniversarios (CXLI)]

Más sobre / More about Lacy Duarte: Wikipedia

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[Libros de artista (I)], [Libros de artista (II)]

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La obra de la artista iraquí residente en Países Bajos Afifa Aleiby se nutre de un amplio abanico de influencias, desde el arte renacentista, el impresionismo, los iconos religiosos o el realismo social, y a través de la figura femenina explora tanto la cotidianeidad, la sociedad y la política como la pura belleza estética y el juego de las formas y los colores.

Les presento una selección de su obra, básicamente a partir de 2010, en orden cronológico, un breve resumen de su vida basado en la entrevista que concedió a Art Breath, y algunos otros textos relativos a algunas piezas en particular.

The work of the Netherlands-based Iraqi artist Afifa Aleiby draws on a wide range of influences, from the Renaissance Art, Impressionism, Religious Icons or Social Realism, and through the female figure explores both everyday life, society and politics as well as pure aesthetic beauty and the play of shapes and colors.

Here you have a selection of her work, basically from 2010, in chronological order, a brief summary of her life based on the interview she gave to Art Breath, and some other texts related to some particular pieces.

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Afifa Aleiby

عفيفة لعيبي

(البصرة‎, العراق / Basora, Irak / Basra, Iraq, 1952-)

Afifa Aleiby junto a su obra "La última melodía" / with her work "The Last Melody". Foto / Photo: KH

Afifa Aleiby es una artista iraquí nacida en la ciudad de Basora, en el extremo sur de Irak. Estudió en el Instituto de Bellas Artes de Bagdad mientras trabajaba como ilustradora para la prensa iraquí, antes de marcharse de Irak a la Unión Soviética en 1974 para estudiar y especializarse en arte monumental en el renombrado Instituto Suikuv de Moscú. Debido a la situación política de Irak, no pudo regresar a su país natal tras finalizar sus estudios y decidió trasladarse a Italia y más tarde de nuevo a Moscú, antes de establecerse en Yemen para trabajar como profesora en el Instituto de Bellas Artes de Adén, donde también ilustró libros y revistas infantiles. Desde entonces vive y trabaja en los Países Bajos y sigue contribuyendo a numerosas actividades culturales en apoyo del movimiento democrático iraquí e internacional, en la lucha contra el terrorismo, el racismo, la guerra y la dictadura. Tras 35 años sin volver a su país natal, ha establecido una fuerte conexión con todos los países en los que ha vivido desde que lo dejó, tanto en el plano cultural como en el personal. Su conexión con la humanidad y las diferentes culturas ha hecho que la solidaridad, más allá de las fronteras geográficas y culturales, sea un tema importante en su obra. Combinando diferentes influencias, desde la pintura renacentista hasta los iconos religiosos y el realismo social, utiliza la figura femenina como motivo recurrente para reflejar la belleza, el gusto, la política y la sociedad. (1)

"La última melodía / The Last Melody", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 120 cm., 2003

"Descanso / Rest", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 120 cm., 2010

«En "Descanso", de 2010, Afifa participa en una conversación que va más allá del momento personal. Participa en un compromiso histórico artístico no resuelto con el desnudo femenino, que es igualmente un tropo popular del orientalismo. Así, esta obra vuelve a responder a una serie de representaciones que incluyen la controvertida "Olympia" de Eduard Manet de 1865, que a su vez fue una respuesta contemporánea a la "Venus de Urbino" de Tiziano de 1538, "La Maja desnuda" de Goya de 1797-1800 y "Odalisca con esclava" de Jean Auguste Dominique Ingres de 1839. El desnudo reclinado de Afifa, sin embargo, carece de cualquiera de los lujos asociados a las obras anteriores. El fondo no tiene elementos decorativos ni muebles. El desnudo está estirado cruzando un delgado colchón en el suelo. Completamente desnuda y con los ojos cerrados, no se enfrenta ni se afirma. Más bien descansa, aludiendo a las penurias de su jornada. Sus ojos cerrados desinvitan la mirada, que se ve reforzada por el gato agazapado, casi a punto de saltar, que mira al espectador. El gato, generalmente empleado en el arte a través de los tiempos como símbolo de domesticidad, fertilidad, lujuria, curiosidad e independencia, a través de su peculiar postura actúa aquí también como protector.» Nada Shabout (3)

«In Rest, 2010, Afifa partakes in a conversation that reaches beyond the personal moment. She participates in an unresolved art historical engagement with the female nude that is equally a popular trope of Orientalism. Rest of 2010, thus, responds to a series of representations that includes, Eduard Manet’s controversial 1865 Olympia, which itself was a contemporary response to Titian’s 1538 Venus of Urbino, Goya’s 1797-1800 The Nude Maja and Jean Auguste Dominique Ingres’ 1839 Odalisque with a Slave. Afifa’s reclining nude, however, lacks any of the luxuries associated with the previous works. The background has no decorative items or furniture. The nude is stretching cross a thin mattress on the floor. Fully nude with closed eyes, she neither confronts nor asserts. She is instead resting, al-luding to the hardship of her day. Her closed eyes particularly disinvite the gaze, which is further affirmed by the crouching, and almost ready to jump, cat facing the viewer. The cat, generally employed in art through the ages as a symbol of domesticity, fertility, lust, curiosity and independence, through her peculiar stance here acts as a protector as well.» Nada Shabout (3)

"Claro de luna / Moonlight", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 100 cm., 2016

El interés de Afifa por las artes tiene sus raíces en su entorno familiar, tanto en el interés de varios de sus hermanos en las artes, como en la nutrida biblioteca que había en su casa, que incluia literatura extranjera traducida al árabe y libros de artistas internacionales. Finalizada su educación media, se trasladó a Bagdad con su madre, que junto con su hermano fueron su gran apoyo en los cinco años que estudió en el Insituto de Bellas Artes.

Allí recibió las enseñanzas de una serie de profesores iraquíes, artistas de renombre y destacado recorrido artístico, varios de ellos graduados en institutos europeos (Rasool Alwan, Muhammad Ali Shaker, Muhammad Shaker Al Saeed, Miran Al Saadi, Sadiq Rabih, Rafeeh Al-Nasiri, Muhammad Mehr Al-Din, Muhammad Aref, Mahud Ahmed)

La gran apertura cultural que reinaba en la época tuvo un efecto significativo en el desarrollo de su producción artística, especialmente durante el tiempo que trabajó como pintora para uno de los más importantes y progresistas periódicos izquierdistas Tareek Al Shaab y New Culture Magazine, de gran difusión entre la sociedad iraquí en general, y en particular la élite intelectual de izquierdas. Afifa fue la primera joven en emprender un trabajo periodístico como artista. (2)

"La cosecha / The Harvest", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 100 cm., 2016

"Alas rotas / Broken Wings", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75 x 70 cm., 2017

Gracias a la biblioteca de su hermano Faisal, y de las publicaciones sobre artista europeos, Afifa se enamoró del impresionismo y la obra de artista contemporáneos, así como los académicos franceses (David), el estilo de Ingres y Delacroix, italianos como Botticelli, y también artistas rusos como Rabin, Vrubel y Vodkin, del período soviético. En Moscú conoció el arte y el humanismo del renacimiento italiano. Sus estudios allí fueron como un nuevo comienzo, desaprendiendo y volviendo a aprender cómo dibujar el cuerpo humano, reconsiderando el valor histórico de las artes, su papel en la interpretación y la escritura de la historia a través de las emociones y los sentimientos, y la responsabilidad de un artista.

La implicación política de la artista, y su traducción en su obra, tienen que ver con los vínculos que mantiene con su país, ese "cordón umbilical" que la

vincula a su tierra natal y que mantiene vivos su temor y pena por las circunstancias en las que viven sus compatriotas. Así, Afifa plasma en pinturas su reacción al sufrimiento del pueblo a manos del regimen dictatorial, su oposición "a lo que se ha venido haciendo al pueblo iraquí y la naturaleza de la maquinaria terrorista que aplasta la vida del gente y destruye todos los canales de comunicación, hermandad y amor. Esto ha cambiado a la gente y ha convertido a Irak en una tierra de terror y crueldad".

Finalizados sus estudios en Moscú, se fue a vivir a Roma con su marido, el artista iraquí Jabr Alwan, y más tarde a Yemen, donde trabajó como profesora y fue testigo de la crueldad de la vida y la brutalidad de la política, al ver cómo el bloqueo al que someten al país algunos regímenes árabes para castigar al gobierno, causan la hambruna de la población.

Hoy en día Afifa vive y trabaja en los Países Bajos. (2)

"Dolor / Pain", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 100 cm., 2017

"Música primaveral / Spring Music", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 60 cm., 2017

«El uso del componente feminista como medio para comunicar mis pensamientos y sentimientos me resultó eficaz para crear los mundos que quería expresar a través de mi arte. Personalmente considero que la mujer es el origen de todo, un pilar en la vida y un elemento positivo y bello. Las mujeres fueron las que estuvieron detrás de todos los movimientos de cambio desde el principio de los tiempos hasta nuestros días.

La figura femenina es un elemento fundamental para mi arte porque tiene todas las capacidades para ayudarme a transmitir lo que quiero decir a través de ella. Contiene mucho significado y múltiples facetas.

La mayoría de mis cuadros tienen un significado o una idea específica detrás, pero una idea no significa necesariamente que sea política o de dimensión social o educativa. Hay otras nociones de dimensiones artísticas que he investigado. A veces el concepto es el color, querer expresar su valor o composición en un cuadro, o puede ser relativo a la luz o incluso a la belleza y sus variados significados.» AA (2)

"Al Anfal", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 100 cm., 2019

"Eva / Eve", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 60 cm., 2019

«A primera vista, la obra de Afifa estremece al espectador por su intimidad. Uno no puede evitar la inquietud de entrar en un espacio personal. Los vibrantes colores de Afifa y las elegantes líneas de sus figuras son autorreflexivos. En respuesta a sus desplazamientos físicos, el espacio del cuadro se convierte en su hogar definitivo. La figura es constante en sus cuadros, y es predominantemente una mujer en la que Afifa se identifica y explora la maleabilidad. Esta mujer, que siempre es el centro de sus cuadros, es marcadamente autobiográfica y negocia con la vida y las emociones de Afifa. Como tal, podemos leer la obra como retratos que representan diferentes aspectos y capítulos de su viaje y sus relaciones. En conjunto, su obra cuenta su historia y reflexiona sobre el estado de la humanidad, y de la mujer en particular. Negocia su distancia de Irak, la maternidad, el aislamiento, el desplazamiento, el amor y el dolor, con colores vivos y saturados y líneas nítidas y definidas.» (3)

"Virgen de las rocas / Virgin of Stones", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 60 cm., 2019

"Casta Diva", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 90 cm., 2020

Afifa trabajando en su estudio / at Work in her Studio

Afifa Aleiby is an Iraqi artist who was born in the city of Basra, in the utmost southern part of Iraq. She took up her studies at the Institute of Fine Arts in Baghdad while working as an illustrator for the Iraqi press, before leaving Iraq for the Soviet Union in 1974 to study and specialize in monumental art at the renowned Suikuv Institute in Moscow. Due to the political situation in Iraq, she was unable to return to her native country after the completion of her studies and decided to move to Italy and later back to Moscow, before settling in Yemen to work as a teacher at the Institute of Fine Arts in Aden, where she also illustrated children’s books and magazines. Aleiby has since been living and working in the Netherlands and continues to contribute to a great deal of cultural activities in support of the Iraqi and international democratic movement, in the struggle against terrorism, racism, war and dictatorship. Having not returned to her native country for 35 years, she has built a strong connection to every country she has lived in since leaving Iraq, both in a cultural and personal sense. Her connection to humanity and different cultures has led to solidarity transcending geographical and cultural borders becoming an important theme in her work. Bringing together different influences from Renaissance painting to religious icons and social realism, she uses the female figure as a recurring motif to reflect beauty, taste, politics and society. (1)

"Secretos de taza / Cups Secret", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 100 cm., 2020

"Para siempre / Forever", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 100 cm., 2020

«Aunque gran parte de la obra de Aleiby aborda el sufrimiento histórico, el conflicto y la pérdida, el ambiente de cada cuadro está determinado por paletas de colores distintas y variadas que proporcionan una lente metafórica para guiar nuestras interpretaciones. En un cuadro de una mujer sentada con un niño entre las rodillas, los tonos cálidos de la habitación y las telas indican un ambiente íntimo y doméstico: una sensación de hogar. Sin embargo, la expresión de la mujer es fría y severa, mientras que el niño parece distraído e incómodo, con la mirada hacia arriba y las piernas inquietas. Como en toda la obra de Aleiby, nos alejamos de la imagen exterior para adentrarnos en las capas de subjetividad incrustadas: la humanidad. Es esta sensibilidad y profundidad lo que eleva la obra más allá de lo puramente visual para dejar una impresión poderosa y resonante en el espectador.» Millie Walton (4)

«Though much of Aleiby’s work deals with historical suffering, conflict and loss, the mood of each painting is set by distinct and varying colour palettes that pro-vide a metaphorical lens to guide our interpretations. In one painting of a woman sitting with a young boy between her knees, the warm tones of the room and fabrics indicate an intimate, domestic setting: a sense of home. Yet, the woman’s expression is cool and stern, whilst the boy appears distracted and uncomfortable, his gaze turned upwards and his legs restless. As with all of Aleiby’s work, we are directed away from the exterior image towards the layers of embedded subjectivity: the humanity. It is this sensitivity and depth that elevates the work beyond the purely visual so as to leave a powerful and resonating impression on the viewer.» Millie Walton (4)

"Mensajes desde la madre patria / Homeland Messages", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 125 cm., 2020

"El regreso / The Return", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 80 cm., 2020

Afifa's interest in the arts has its roots in her family environment, both in the interest of several of her siblings in the arts, as well as in the large library in her home, which included foreign literature translated into Arabic and books by international artists. After her intermediate education, she moved to Baghdad with her mother, who together with her brother was her great support during the five years she studied at the Institute of Fine Arts.

There she was taught by a series of Iraqi professors, renowned artists with an outstanding artistic career, several of them graduates of European institutes (Rasool Alwan, Muhammad Ali Shaker, Muhammad Shaker Al Saeed, Miran Al Saadi, Sadiq Rabih, Rafeeh Al-Nasiri, Muhammad Mehr Al-Din, Muhammad Aref, Mahud Ahmed).

The great cultural openness that prevailed at the time had a significant effect on the development of her artistic production, especially during the time she worked as a painter for one of the most important and progressive leftist newspapers Tareek Al Shaab and New Culture Magazine, widely circulated among the Iraqi society in general, and in particular the leftist intellectual elite. Afifa was the first young woman to undertake journalistic work as an artist.

After finishing her studies in Moscow, she went to live in Rome with her husband, the Iraqi artist Jabr Alwan, and later to Yemen, where she worked as a teacher and witnessed the cruelty of life and the brutality of politics, seeing how the blockade to which some Arab regimes subject the country to punish the government, cause starvation of the population.

Today Afifa lives and works in the Netherlands. (2)

"Sueño de la infancia / Childhood Dream", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 85 x 70 cm., 2021

"Mi paraiso terrenal / My Earthly Paradise", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 105 x 125 cm., 2021

Thanks to the library of her brother Faisal, and publications on European artists, Afifa fell in love with impressionism and the work of contemporary artists, as well as French academics (David), the style of Ingres and Delacroix, Italians such as Botticelli, and also Russian artists such as Rabin, Vrubel and Vodkin, from the Soviet period. In Moscow she became acquainted with the art and humanism of the Italian Renaissance. Her studies there were like a new beginning, unlearning and relearning how to draw the human body, reconsidering the historical value of the arts, their role in interpreting and writing history through emotions and feelings, and the responsibility of an artist.

The political involvement of the artist, and its translation in her work, have to do with the ties she maintains with her country, that "umbilical cord" that links her to her native land keeping alive her fear and sorrow for the circumstances in which her compatriots live. Thus, Afifa captures in paintings her reaction to the suffering of the people at the hands of the dictatorial regime, her opposition "to what was being done to Iraqis and the nature of the terrorist machine that was crushing the lives of people and destroying all bonds of communication, friendship and love. That changed people and turned Iraq into a land of terror and cruelty". (2)

"En el manantial / At the Spring", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125 x 100 cm., 2022

"Calesita / Carousel", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125 x 100 cm., 2022

«My use of the feminist component as a medium to communicate my thoughts and feelings, was effective to create the worlds that I wanted to express through my art. I personally consider women to be the origin of everything, a pillar in life and a positive and beautiful element. Women were the ones behind all the movements of change from the beginning of time to the present day.

The female figure is a fundamental element for my art because it has all the capabilities in helping me relay what I want to say through it. It contains much meaning and multiple facets.

Most of my paintings have a specific meaning or idea behind them, but an idea does not necessarily mean that it is political or of social or educational dimension. There are other notions of artistic dimensions that I’ve researched. Sometimes colour is the concept, wanting to express its value or composition in a painting or it could be regarding light or even beauty and its varied meanings.» AA (2)

"La tragedia de Orfeo / Orpheus' Tragedy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 95 x 85 cm., 2022

"La mensajera / The Messenger", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 50 cm., 2022

«At the first glance, Afifa’s work rattles the viewer with its intimacy. One cannot escape the uneasiness of entering a personal space. Afifa’s vibrant colors and the elegant lines of her figures are self-reflective. In response to her physical dis-placements, the space of the painting becomes her ultimate home. The figure is constant in her paintings, and is predominantly a woman in which Afifa identifies and explores malleability. This woman who is always the center of her paintings is pronouncedly autobiographical and negotiates Afifa’s life and emotions. As such, we can read the work as portraits representing different aspects and chap-ters in her journey and relationships. Collectively her oeuvre tells her story as it equally reflects on the state of humanity, and womanhood in particular. It negoti-ates her distance from Iraq, motherhood, isolations, displacement, love and pain, in vivid and saturated colors with sharp crisp lines.» (3)

"No la molesten / Do Not Disturb Her", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 72 cm., 2023

"La violación de Bagdad / The Rape of Baghdad", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 120 cm., 2023

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Fuentes / Sources:

(1) Sitio web de la artista / Artist's Website

(2) Entrevista de / Interview by Noor Saleh. Art Breath

(en inglés y en árabe / in English and Arabic)

(3) "Ser una mujer...", por / To be a Woman..., by Nada Shabout, Fort Worth, Texas, 10/2022. Link

(4) "El eco del tiempo", por / The Echo of Time, by Millie Walton. Link

Afifa Aleiby en "El Hurgador" / in this blog: [Sobre la vestimenta y otros textiles (II)]

Más sobre / More about Afifa Aleiby: Website, Instagram, facebook

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Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Afifa!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Afifa!)

Cuarto artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

Fourth article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.

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Héctor Ragni

(Buenos Aires, Argentina, 1897 - Montevideo, Uruguay, 1952)

Héctor Ragni es un artista nacido en Buenos Aires en 1897 y fallecido en Montevideo en 1952.

A los 20 años viaja a Montevideo y luego a Barcelona, España. Integra rápidamente la vanguardia artística de España (según Joan Manuel Bonet en su "Diccionario de las Vanguardias en España", 1907-1938), exponiendo con la Asociación de Artistas Catalanes y el Círculo Artístico de Sant Lluc en Galería Dalmau y Galerías Layetanas. Comienza a grabar en madera. En 1926 viaja a París. Vuelve a Montevideo en 1927. En 1934 se vinculó al maestro Joaquín Torres García con quien compartía una amistad previa y a quien acompañó en la creación de la Asociación de Arte Constructivo y la Escuela del Sur entre 1935 y 1942, para luego participar activamente de la fundación del Taller Torres García. Así, se convirtió en propulsor de las teorías del maestro durante el resto de su vida, colaborando en publicaciones de divulgación de la escuela como "Círculo y Cuadrado" y "Removedor", esta última la publicación oficial del Taller. Expone, junto a él, en la 3ª. Muestra de la ETAP. Junto a Torres-García y su taller, participa en la decoración mural del Pabellón Martirené del Hospital Saint Bois de Montevideo. De 1991 a 1993 su obra integra la exposición "La Escuela del Sur, el Taller Torres-García y su legado", exhibida en Europa y varios países de América. Wn 1997-98, se realiza en Montevideo, Maldonado y Buenos Aires la Exposición-Homenaje en el Centenario de su nacimiento. Sus obras integran, entre otros, el acervo de la Cisneros Fontanals Art Foundation, CIFO, USA; el Museum of Fine Arts, MFAH, de Houston, USA y la Colección Fernand y Karine Huts (Grupo Katoen Natie) de Amberes, Bélgica. De noviembre de 2022 a marzo de 23 obras de su autoría integran la Exposición "El Maestro y los compañeros de Gurvich en el Taller Torres-García", exhibida en forma conjunta en el Museo Gurvich y el Museo Cabildo de Montevideo, Uruguay.

"Joaquín", Vol. 1

15 x 11,5 x 1,8 cm., 1942

Portada / Cover

En la nota preliminar del volumen 1, el autor apunta:

"Llamamos a esta narración «UNA HISTORIA IMPORTANTE», pues para el padre no hay nada más importante que el hijo",

para al final, concluir:

«Solo nos resta dejar constancia de que estas páginas fueron dictadas por el amor al niño… y para ofrendarla… de homenaje a la Madre Ejemplar todo abnegación y ternura, que … logró … este niño … que va creciendo … y que en su infantil optimismo cree que el mundo es todo de él y … ojalá lo sea!!»

Fuente

In the preliminary note to volume 1, the author notes:

"We call this narrative "AN IMPORTANT STORY", because for the father there is nothing more important than the son."

and at the end, he concludes:

"It only remains for us to put on record that these pages were dictated by love for the child... and to offer it... as an homage to the Exemplary Mother all self-sacrifice and tenderness, who ... achieved ... this child ... who is growing ... and who in his childish optimism believes that the world is all his and ... I hope it is!!!"

Source

Página / Page 1

"Offering"

Página / Page 9

"The little man weighed

three kilos 600 grams

when life came."

Página / Page 14

"Moving to a new address

in a car with a banner

with a beautiful word

like a happy prediction."

Página / Page 23

"For his library

receives the first book

from the hands of his godfather."

La portada representada corresponde al libro de artista "La ciudad sin nombre", de Joaquín Torres-García, ya publicado en el capítulo III de esta serie.

The cover corresponds to the artist's book "The City With No Name", by Joaquín Torres-García, already published in chapter III of this series.

Héctor Ragni & Joaquín Torres-García, Asociación de Arte Constructivo, 1938. Foto / Photo: Propuesta

Joaquín Torres-García en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Página / Page 27

"His father sees a little car

and remembers the little son."

Página / Page 34

"He saw the immensity of the sea

at a month and a half of age."

Augusto Torres

"Retrato de / Portrait of Héctor Ragni", c.1943. Foto / Photo: Cecilia Torres

Augusto Torres en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (XIII)], [Recolección (CXLVI-1)]

Héctor Ragni is an artist born in Buenos Aires in 1897 and died in Montevideo in 1952.

At the age of 20 he traveled to Montevideo and then to Barcelona, Spain. He quickly became part of the artistic avant-garde in Spain (according to Joan Manuel Bonet in his "Dictionary of the Avant-Garde in Spain", 1907-1938), exhibiting with the Asociación de Artistas Catalanes and the Círculo Artístico de Sant Lluc in Galería Dalmau and Galerías Layetanas. Begins to engrave on wood. In 1926 he travels to Paris. Returns to Montevideo in 1927. In 1934 he became linked to the master Joaquín Torres García with whom he shared a previous friendship and whom he accompanied in the creation of the Constructive Art Association and the Escuela del Sur between 1935 and 1942, to later actively participate in the founding of the Taller Torres García. Thus, he became a proponent of the master's theories for the rest of his life, collaborating in publications disseminating the school such as "Circle and Square" and "Removedor", the latter the official publication of the Workshop. Exhibits with him at the 3rd. ETAP Exhibition. Together with Torres-García and his workshop, he participates in the mural decoration of the Martirené Pavilion at the Saint Bois Hospital in Montevideo. From 1991 to 1993 his work is part of the exhibition "La Escuela del Sur, el Taller Torres-García y su legado (The School of the South, the Torres-García Workshop and its Legacy)", exhibited in Europe and several American countries. In 1997-98, in Montevideo, Maldonado and Buenos Aires, the Tribute Exhibition was held on the centenary of his birth. His works integrate, among others, the collection of the Cisneros Fontanals Art Foundation, CIFO, USA; the Museum of Fine Arts, MFAH, of Houston, USA and the Fernand and Karine Huts Collection (Katoen Natie Group) of Antwerp, Belgium. From November 2022 to March 2023 works by him are part of the exhibition "El Maestro y los compañeros de Gurvich en el Taller Torres-García (The Master and Gurvich's colleagues at the Torres-García Workshop)", jointly exhibited at the Gurvich Museum and the Cabildo Museum in Montevideo, Uruguay.

"Joaquín", Vol. 2

1949

Portada / Cover

"An important story", Vol. 2

Página / Page 3

"By bus or by tram

traveling gives him joy."

Página / Page 14

"If he has fallen asleep with pleasure

he does not even feel the sound of lightning."

Página / Page 31

"And without any pomp

he goes 'swimming' to the buoy"

Página / Page 44

"He also

like the good ones

with a pencil in his hand

works a lot."

Página / Page 45

"And, to be

more of an artist

he pretends to be

as a violinist"

Página / Page 51

"...that the world is

all yours

and... I hope it is!"

Más sobre / More about Augusto Torres: Blog, facebook

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En estos libros tenemos elementos a reconocer: el artista o autor (que puede incluso ser un colectivo), el formato de elaboración, los materiales, las relaciones entre el artista, el libro y la realización del libro en sí, en una combinación armoniosa de diseño, forma, contenido y contexto sin un área que domine, o sea responsable y con el control total del formato y los mensajes previstos. Ocurren diversos enfoques en el uso de los materiales y/o técnicas de impresión no convencionales, la interrupción de la secuencia y la naturaleza de las páginas, la sensación cromática y la invitación de las texturas a usar el tacto en la percepción de la forma.

Se desprende de esto que la "lectura" o visualización de la obra puede ser variada: se puede avanzar, retroceder, verlo en forma lineal o leer el discurso en secuencia y desplegar páginas.

El texto incluido puede ser o no legible, con o sin sentido para el público, en una variedad de secuencias dispares, con estructuras existentes que normalmente no se asocian con la palabra “libro”, por ende exentos de crítica textual. Pueden no contener texto ni explicación plausible porque, como sucede con todas las obras de arte, es la naturaleza individual, la imaginación y la habilidad de cada artista lo que determina su tema y estructura. El medio es realmente el mensaje. Son obras en sí mismas, no reproducciones de obras.

De esas varias implicancias surgen preguntas, tales como: ¿la tipología, en sí misma, es textual o visual? ¿Es ambas cosas? Cualquier respuesta nos lleva a darle o no importancia al lenguaje que en ellos se expresa, por lo tanto ¿es más importante el continente o el contenido?

La respuesta en sí no importa, porque los libros de artista salen de los parámetros del modelo cultural que tenemos de la palabra “libro”. Justamente, lo que hace que la descripción de libro de artista sea tan difícil, es que no tiene que ser un libro por lo variado y ecléctico, confundible fácilmente con otros géneros.

En lo que sí podemos estar de acuerdo es en que un artista, en sus libros-objeto, toma las convenciones preexistentes de la concepción de un libro. La consecuencia de esa creación es un objeto, fruto de un proceso. Trabajando con, dentro, alrededor, desarrollando en contra o a favor de esas convenciones preexistentes, utilizando materiales convencionales como el papel y el cartón u otros usados en artesanía, dándole el contenido y la forma de ensamblaje, que su imaginación entienda. Dando como resultado en ciertas ocasiones una fusión de imágenes y texto en soportes diversos, a veces distinto al papel.

Shirley Rebuffo, 5/2023

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Lilián Madfes

(Montevideo, Uruguay, 1953-)

Lilián Madfes en una arquitecta y artista plástica uruguaya nacida en Montevideo en 1953, que trabajs con diversos materiales produciendo series de manera obsesiva. Abarca lo figurativo, geométrico y/o conceptual.

"El arte siempre fue algo que me atrajo. Es difícil definir en qué me inspiro para crear. En una época eran las fotos viejas de las historias de mis padres porque había cosas que no entendía, era todo tan entreverado con los lugares y las mudanzas y los lenguajes que yo no entendía nada. Entonces lo fui rearmando con las fotos viejas. Además, cuando falleció una tía mía, hermana de papá (que la queríamos mucho), mis tíos que la habían cuidado me dieron una caja con unas fotos impresionantes. La fotografía fue también una de mis primeras pasiones.”

En una época tenía una locura con las piedras. Daniel Vidart me explicó de dónde proviene la filosofía, entre ellas la lógica que viene de la palabra leggein, que quiere decir poner una piedra detrás de la otra. Y empecé como loca a juntar piedras. Y empecé a hacer libros con piedras que estaban erosionadas por el mar. Tuve una obsesión de dos años de juntar piedras y trozos de azulejo y de porcelana que después descubrí que eran de naufragios. Es decir que mi inspiración siempre es como una obsesión disparada por algo."

Fuente: Link

"Fragmentos / Fragments"

seda, papel sulfito, guata, bordado, hilo, fragmentos de loza provenientes de naufragios en la costa de Punta Carretas /

silk, sulphite paper, wadding, embroidery, thread, fragments of earthenware from shipwrecks on the coast of Punta Carretas

30 x 33 x 13 cm., 2013

Lilián Madfes is an Uruguayan architect and plastic artist born in Montevideo in 1953, who works with diverse materials producing series in an obsessive way. Her work is figurative, geometric and/or conceptual.

"Art has always been something that attracted me. It is difficult to define what inspires me to create. At one time it was the old photos of my parents' stories because there were things I didn't understand, it was all so intertwined with the places and the moves and the languages that I didn't understand anything. So I was reassembling it with the old photos. Also, when an aunt of mine, my father's sister (who we loved very much) passed away, my uncles who had taken care of her gave me a box with some impressive photos. Photography was also one of my first passions."

At one time I had a craze with stones. Daniel Vidart explained to me where the philosophy comes from, including the logic that comes from the word leggein, which means to put one stone after the other. And I started to collect stones like crazy. And I started to make books with stones that were eroded by the sea. I had a two-year obsession of collecting stones and pieces of tile and porcelain that I later discovered were from shipwrecks. In other words, my inspiration is always like an obsession triggered by something."

Source: Link

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In these books we have elements to recognize: the artist or author (who may even be a collective), the format of elaboration, the materials, the relationships between the artist, the book and the realization of the book itself, in a harmonious combination of design, form, content and context without an area that dominates, or is responsible and in total control of the format and the intended messages. Various approaches occur in the use of unconventional materials and/or printing techniques, the disruption of the sequence and nature of the pages, the chromatic sensation and the invitation of textures to use touch in the perception of form.

It follows from this that the "reading" or visualization of the work can be varied: one can move forward, backward, view it in linear form or read the discourse in sequence and unfold pages.

The text included may or may not be readable, with or without meaning for the audience, in a variety of disparate sequences, with existing structures not normally associated with the word "book", thus exempt from textual criticism. They may contain no text or plausible explanation because, as with all works of art, it is the individual nature, imagination and skill of each artist that determines their subject matter and structure. The medium is really the message. They are works in themselves, not reproductions of works.

From these various implications arise questions such as: is the typology itself textual or visual? Is it both? Either answer leads us to give or not to give importance to the language expressed in them, so is the container or the content more important?

The answer itself does not matter, because artists' books are outside the parameters of the cultural model we have of the word "book". Precisely what makes the description of an artist's book so difficult is that it does not have to be a book because it is so varied and eclectic, easily confused with other genres.

What we can agree on is that an artist, in his book-objects, takes the pre-existing conventions of the conception of a book. The consequence of this creation is an object, the fruit of a process. Working with, within, around, developing against or in favor of those pre-existing conventions, using conventional materials such as paper and cardboard or others used in crafts, giving it the content and the form of assembly, that his imagination understands. Sometimes resulting in a fusion of images and text in different media, sometimes other than paper.

Shirley Rebuffo, 5/2023

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Nora Kimelman

(Montevideo, Uruguay, 1949-)

Nora Kimelman

Artista visual nacida en Montevideo, ciudad donde reside y trabaja.

Licenciada en Artes Visuales por la Universidad de la República (IENBA). En su formación pasó por los talleres de los maestros Guillermo Fernández, Nelson Ramos y Gerardo Acuña.

Trabaja en escultura, pintura, collages, instalaciones, intervenciones, dibujos y joyas.

Su obra alude a la identidad, la libertad, las raíces, las migraciones y a temas de género.

La artista realizó más de un centenar de exposiciones individuales y colectivas en las Américas, Europa y Asia.

Proyectos creados por la artista y ya realizados: 2008 Joya X Joya. MNAV; 2010 Ancestros Alianza Francesa, 2010; Arte al Pasar WTC 2012; Ludus: Fundación Unión. 2011; Imagine. Espacio Cultural de México, 2015; Museo Zorrilla; Ancestros y Memoria, 2021-.2022; Por una Cabeza. Museo Zorrilla. Todos estos en Montevideo.

En el Museo Nacional de Artes Visuales se llamó MIGRATIUM, y en forma de una mega instalación se enfocó en las migraciones actuales.

A fines del 2018 recibió el Premio Morosoli de Plata, por su trayectoria en Artes Plásticas / Escultura.

Realizó la exposición Flores atávicas donde varias páginas de este libro textil formaron parte de la exposición.

"Anecdotario atávico / Atavistic anecdotes"

Collages bordados; telas, cuerdas, hilo de bordar, papel, guata, tintas /

embroidered collages; fabrics, strings, embroidery thread, paper, wadding, inks, etc.

46 x 40 cm.

"Durante la pandemia, como dentro de un ritual lúdico, estuve seleccionando fotos, documentos y objetos de mi infancia.

Comencé haciendo un pequeño archivo familiar, recordando mi pasado. Surgieron ausencias y presencias que marcaron mi vida y le dieron sentido. Aquellos tímidos dibujos bordados con los que comencé a cristalizar este proyecto se fueron convirtiendo en fuertes y desafiantes collages, y luego en grandes telas que expresaban mi sentir.

De la narrativa autorreferencial que relataba anécdotas vividas, fui migrando hacia temas vinculados a la desigualdad de género y al papel de la mujer como trasmisora de enseñanzas y valores en una sociedad patriarcal.

Durante mi generación (la de los 50) se naturalizaba la violencia de género, había una marcada desigualdad, pocas mujeres estudiaban o terminaban sus estudios, muchísimas luego de casarse dejaban de trabajar o de estudiar para dedicarse pura y exclusivamente a su hogar.

Había que casarse joven, ser ama de casa y ser madre. La sociedad discriminaba a quienes no cumplían con esos mandatos.

Los hombres que participaban en las tareas domésticas o en la educación de los hijos eran pocos. Ellos eran los proveedores y se enorgullecían de serlo.

El rol madre-esposa producía dependencia y cautiverio. La mujer estaba permanentemente buscando la aceptación en el otro y no en ella misma como individuo.

La discriminación, la violencia y el autoritarismo eran moneda corriente y no se denunciaban. Se nos denominaba “sexo débil” y no lo cuestionábamos, era lo aceptado en la época."

"Actualmente, si bien tenemos igualdad normativa, existen jerarquías, donde la mujer queda en posición de subordinación y subsisten múltiples brechas. En algunos países, vinculadas a falta de derechos civiles, prohibición de estudiar, obligación de casarse de niñas, ser vírgenes al momento de casarse, mutilaciones genitales y castigos verbales y físicos.

Tampoco existe igualdad alguna a la hora de recibir salarios y de ocupar cargos que solo les son otorgados a los varones. Queda mucho por resolver.

En mi obra hablo fundamentalmente de las diferencias creadas por el patriarcado, y también de la repetición de conductas y valores que realizamos las mujeres a través de la educación que recibimos y trasmitimos. Las madres, abuelas, maestras y niñeras somos aún – a veces inconscientemente - reproductoras de legados culturales que llegan desde los primeros años de vida a los niños, momento en el que se genera la identidad y personalidad de los mismos.

Isabel Allende dice “el machismo tiene origen en las madres que crían a sus hijos para ser servidos y a las hijas para servirlos”.

Esa actitud replicadora de las mujeres es tratada con fuerza y aparece en mis trabajos como una sombra negra que invade mis telas y se convierte en atuendos, capas, chaquetas, gorros, hábitos o en burkas.

Pero que también aparece mutando en guantes o en bolsas de boxeo.

Tomo como símbolo el boxeo, porque en los años 50 era admirado por los hombres de mi generación.

De ahí que surgió la idea de crear bolsas de boxeo, guantes, y dibujos vinculados con ese deporte.

Al investigar este tema, me cuestiono como mujer varias cosas, entre ellas:

¿qué cambio deberíamos realizar las mujeres en el rol de educadoras y transmisoras para no reproducir modelos de antaño que nos hacen daño y nos subordinan?

¿Cómo deberíamos actuar para no continuar con el modelo patriarcal que nos fue impuesto?

¿Cómo podemos educar para transmitir valores de equidad y justicia que nos acerquen a terminar con la gran sombra negra que nos acosa, manipula, condiciona e impide funcionar como deberíamos?"

Visual artist born in Montevideo, where she lives and works.

She holds a degree in Visual Arts from the Universidad de la República (IENBA). In her training she attended the workshops of the masters Guillermo Fernández, Nelson Ramos and Gerardo Acuña.

She works in sculpture, painting, collages, installations, interventions, drawings and jewelry.

Her work alludes to identity, freedom, roots, migration and gender issues.

The artist has had more than a hundred solo and group exhibitions in the Americas, Europe and Asia.

Projects created by the artist and already realized: 2008 Joya X Joya. MNAV; 2010 Ancestros Alianza Francesa, 2010; Arte al Pasar WTC 2012; Ludus: Fundación Unión. 2011; Imagine. Espacio Cultural de México, 2015; Museo Zorrilla; Ancestros y Memoria, 2021-.2022; Por una Cabeza. Zorrilla Museum. All these in Montevideo.

At the Museo Nacional de Artes Visuales it was called MIGRATIUM, and in the form of a mega-installation focused on current migrations.

At the end of 2018 he received the Silver Morosoli Award, for his career in Plastic Arts / Sculpture.

He made the exhibition Atavistic Flowers where several pages of this textile book were part of the exhibition.

"During the pandemic, as if in a playful ritual, I was selecting photos, documents and objects from my childhood.

I started making a small family archive, remembering my past. Absences and presences emerged that marked my life and gave it meaning. Those shy embroidered drawings with which I began to crystallize this project turned into strong and challenging collages, and then into large canvases that expressed my feelings.

From the self-referential narrative that recounted anecdotes I had lived through, I migrated towards themes linked to gender inequality and the role of women as transmitters of teachings and values in a patriarchal society.

During my generation (the 50's) gender violence was naturalized, there was a marked inequality, few women studied or finished their studies, many of them stopped working or studying after getting married to devote themselves exclusively to their homes.

You had to marry young, be a housewife and be a mother. Society discriminated against those who did not comply with these mandates.

Men who participated in household chores or in the education of their children were few. They were the providers and took pride in being so.

The mother-wife role produced dependency and captivity. The woman was permanently seeking acceptance in the other and not in herself as an individual.

Discrimination, violence and authoritarianism were commonplace and were not denounced. We were called the 'weaker sex' and we didn't question it, it was accepted at the time."

"Currently, although we have normative equality, there are hierarchies in which women remain in a position of subordination and multiple gaps persist. In some countries, these are linked to a lack of civil rights, prohibition to study, obligation to marry as girls, being virgins at the time of marriage, genital mutilations and verbal and physical punishments.

Nor is there any equality when it comes to receiving salaries and occupying positions that are only granted to men. Much remains to be resolved.

In my work I talk mainly about the differences created by patriarchy, and also about the repetition of behaviors and values that we women carry out through the education we receive and transmit. Mothers, grandmothers, teachers and nannies are still - sometimes unconsciously - reproducers of cultural legacies that reach children from the first years of life, when their identity and personality are generated.

Isabel Allende says "machismo has its origin in mothers who raise their sons to be served and their daughters to serve them".

This replicating attitude of women is treated with force and appears in my work as a black shadow that invades my fabrics and becomes clothing, capes, jackets, hats, habits or burkas.

But it also appears mutating into gloves or boxing bags.

I take boxing as a symbol, because in the 50s it was admired by the men of my generation.

Hence the idea of creating boxing bags, gloves, and drawings linked to the sport.

While researching this topic, I questioned myself as a woman several things, among them:

What changes should we women make in our role as educators and transmitters so as not to reproduce old models that harm us and subordinate us?

How should we act so as not to continue with the patriarchal model that was imposed on us?

How can we educate to transmit values of equity and justice that bring us closer to ending the great black shadow that harasses, manipulates, conditions and prevents us from functioning as we should?"

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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:

[Libros de artista (I)], [Libros de artista (II)], [Libros de artista (III)]

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Quinto artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

Fifth article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.

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Silvia Brewda

(Buenos Aires, Argentina, 1949-)

Silvia Brewda

Silvia Brewda nace en Buenos Aires, Argentina, en donde vive y trabaja. Allí se graduó de Profesora Nacional de Pintura.

Desde el año 1978 realiza exposiciones individuales y colectivas en el país y en el exterior, en Museos, Galerías, Instituciones y Ferias.

Su producción comprende pinturas, obras sobre papel, litografías, objetos, libros de artista, juegos, murales, textiles e instalaciones.

Forma parte del colectivo de arte CRUDA desde el año 2015.

Participa de RenR (Residencia en Residencias) desde el año 2020.

Desarrolla la actividad docente desde 1966, dictando clases a jóvenes y adultos de todos los niveles. Realiza un trabajo personalizado en clínica de obra para artistas avanzados, nacionales o extranjeros; asesora para la concreción de proyectos, presentaciones a exposiciones y concursos. Coordina también seminarios practico-teóricos sobre propuestas específicas.

"Giro dorado / Golden twist"

Textil. Litografía en piedra sobre papel. Stamping con foil de bronce. Bordado con tanza /

textile. Stone lithography on paper. Stamping with bronze foil. Embroidery with fishing line

Medidas: Variable (de acuerdo al plegado se abre más o menos) /

Size: Variable (according to the folding it opens more or less)

Septiembre / September, 2018. Buenos Aires, Argentina, Ed: 1/2

Encuadernación / Binding: Carlos Quesada

Impresión / Printing: Centro de edición gráfica / Graphic Edition Center Buenos Aires

"Veoqueveo / SeewhatIsee"

Libro de artista, litografía, pieza única /

Artist's Book, lithograph, unique piece, 2020

Premio Mención de la Bienal del Libro de Artista en el Museo Casa Carnacini

Mention Award of the Biennial of the Artist's Book at the Carnacini House Museum

(Villa Ballester, Buenos Aires, Argentina)

"Ríos de leche / Milk Rivers"

Libro de artista / Artist's Book

"1.2.3.4.5.6.7.8.9.10.11.12"

Libro de artista, pieza única / Artist's Book, unique piece, 2019

Silvia Brewda trabajando / at work

Silvia Brewda was born in Buenos Aires, Argentina, where she lives and works. There she graduated as a National Professor of Painting.

Since 1978 she has had solo and group exhibitions in Argentina and abroad, in museums, galleries, institutions and fairs.

Her production includes paintings, works on paper, lithographs, objects, artist books, games, murals, textiles and installations.

She is part of the art collective CRUDA since 2015.

He has participated in RenR (Residency in Residencies) since 2020.

She has been teaching since 1966, giving classes to young people and adults of all levels. She carries out personalized work in art clinics for advanced artists, national or foreign; she advises for the realization of projects, presentations to exhibitions and competitions. She also coordinates practical-theoretical seminars on specific proposals.

"Volver a ser / Back to Being"

Dibujo sobre papel y tela con tintas chinas e indelebles /

drawing on paper and canvas with Chinese and indelible inks.

Caja / Box: 18 cm. - 3 cuerpos del interior / bodies inside: 8 x 5 x 8,5 cm.

Cerrado / Closed: 19 x 19 x 3 cm. Abierto 42 x 48 x 3 cm. /

Enero / January, 2014. Buenos Aires, Argentina, Ed: 1/2

Encuadernación / Binding: Carlos Quesada

El envoltorio es en tela basado en el estilo utilizado en Japón para envolver objetos queridos /

The wrapping made with fabric based on the style used in Japan for wrapping cherished objects.

"Acuerdo-desacuerdo / Agreement-Disagreement"

Libro de arista / Artist's Book, Ed. 2

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Miguel Scaltritti

(Montevideo, Uruguay, 1957-)

Miguel Scaltritti trabajando / at work

Miguel Scaltritti es un dibujante, grabador y escultor uruguayo nacido en Montevideo en octubre de 1957.

Formado en el Centro de Expresión Artística (CEA), taller Nelson Ramos y grabado en el taller de Pedro Peralta y Taller de Expresión Artística de Pilar González.

Integró el grupo de grabado y participó en talleres de técnicas gráficas de Claudia Anselmi y de Rimer Cardillo.

"Historia encajada / Embedded History"

Cuatro dibujos desplegables en caja de maderas varias /

four fold-out drawings in a box of various woods, 20 x 20 x 4,5 cm

"Para este el libro decidí unir técnicas de trabajos en paralelo: dibujo y composiciones en madera"

"For this book I decided to unite techniques of parallel work: drawing and wood compositions."M.S.

Miguel Scaltritti is an Uruguayan draftsman, engraver and sculptor born in Montevideo in October 1957.

Trained at the Centro de Expresión Artística (Center of Artistic Expression) (CEA), Nelson Ramos workshop and engraving at Pedro Peralta's workshop and Pilar González's Taller de Expresión Artística (Artistic Expression Workshop).

He was part of the engraving group and participated in workshops of graphic techniques of Claudia Anselmi and Rimer Cardillo.

Más sobre / More about Miguel Scaltritti: Instagram, facebook

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Sandra Petrovich

(Montevideo, Uruguay, 1950-)

Sandra Petrovich

Sandra Petrovich es una artista nacida en Montevideo, Uruguay. Desarrolla sus estudios e investigaciones en las artes en Bruselas, Bélgica, donde vive desde 1974 hasta su regreso al Uruguay en 1997.

Realiza videos-poemas en donde entrelaza imágenes, poesía y música. En Bruselas desarrolló una intensa actividad en la docencia. Trabajo, entre otros lugares, en el departamento de educación del Museo de Arte e Historia de esa ciudad, donde impartió talleres vinculados a la colección permanente del Museo y a muestras temáticas temporales.

Participó en distintos proyectos de arte colaborativo con distintos artistas a nivel internacional.

Estudiosa de la filosofía, hace de sus obras un soporte para la meditación y una búsqueda en el pensamiento.

Sus obras actuales exploran y contienen el tema de las Mutaciones; éstas comportan una serie de obras sobre papel, además de poemas, textos y manifiestos de artista.

"Noir-Rouge (Negro-Rojo / Black-Red)"

Libro de artista / Artist's book, 2004

Libro objeto desplegable en caja contenedora. Impresión en laser. Reproducciones de dibujos en carbonilla. Texto en francés.

Fold-out object book in a box. Laser printing. Reproductions of charcoal drawings. Text in French.

Noir cendre comme des idées parfois...

Negro ceniciento como a veces son las ideas... /

Ashy black, like ideas sometimes...

Aux milieu de ce noir un bateau berce des possibles ailles

En medio de esta oscuridad, un barco acuna posibles alas /

In the midst of this darkness, a boat cradles possible wings

Noir charbon des souffrances innommables

Des caresses interdites

Carbón negro de indecible sufrimiento

Caricias prohibidas /

Black coal of unspeakable suffering

Forbidden caresses

Libro de artista / Artist's Book

Círculos de papel con dibujos parafinados. Dibujos a tinta unidos por un lazo rojo. Año 2010.

Paper circles with waxed drawings. Ink drawings joined by a red ribbon. Year 2010.

Sandra Petrovich is an artist born in Montevideo, Uruguay. She developed her studies and research in the arts in Brussels, Belgium, where she lived from 1974 until her return to Uruguay in 1997.

She makes video-poems where she intertwines images, poetry and music. In Brussels she developed an intense teaching activity. She worked, among other places, in the education department of the Museum of Art and History of that city, where she gave workshops linked to the permanent collection of the Museum and to temporary thematic exhibitions.

She has participated in various collaborative art projects with different artists internationally.

A student of philosophy, she makes her works a support for meditation and a search in thought.

Her current works explore and contain the theme of Mutations; they include a series of works on paper, as well as poems, texts and artist manifestos.

Más sobre / More about Sandra Petrovich: Website, facebook

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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:

[Libros de artista (I)], [Libros de artista (II)], [Libros de artista (III)], [Libros de artista (IV)]

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Sexto artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

Sixth article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.

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Marcelo Larrosa Martinatto

(Montevideo, Uruguay, 1971-)

Marcelo Larrosa

Marcelo Larrosa Martinatto es un artista uruguayo nacido el 13 de junio de 1971.

Estudió con Carlos Medina en Barquisimeto-Venezuela, y fue discípulo de Julio Alpuy y Anhelo Hernández.

En 2003 consigue una beca en Palazzo Spinelli, Florencia, Italia.

En 2007 crea su taller a instancias de Julio Alpuy, en el que da clases en base al espíritu constructivo.

Expuso en diversos países de América y Europa:

"Passion et raison d´un espírit constructif (Pasión y razón de un espíritu constructiv)", Biarritz, Francia, 1999

Museo de Arte Contemporáneo El País (Montevideo, Uruguay), 2013

En 2015 Forma parte de la colección Katoen Natie siendo representado con una obra en el libro "Arte desde América Latina" de Laurens Dhaenens Bélgica.

Arte Abstracto Uruguayo Saronno; 2016 "Constructivo-Madí" en Milán, Torino y Buenos Aires. En esta última ciudad conoce a Tomás Maldonado.

En 2017 expone colectivamente "La Tradición Rebelada" en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo.

Participa en "Context art Miami" y en 2017/18 en "Rofa Proejcts LA art show", 2018 "Volta Art Fair", 2018 "Art Marbella"; 2018 "Constructivo-Madí-Deconstructivo" en París. Ese mismo año ejecuta el diseño y la realización del telón y la escenografía de la obra Bokeh en el Teatro Solís presentada al público en 2019.

"Kompositionen (Composición / Composition)"

Óleo y tinta china sobre hoja partitura /
oil and India ink on score sheet, 23 x 30,5 cm., 2020/2021

Participación en el proyecto "Archivo degli Angeli", Milán, 2019.

"Constructivo-Madí, Larrosa-Britez", en el marco del Festival de Poesía de Milán, 2019.

"Homenaje a Julio Uruguay Alpuy", Museo Mazzoni, Maldonado, 2020.

"Homenaje a Julio Uruguay Alpuy", Museo de Historia del Arte, Montevideo, 2020.

Galería 2020 Lissiers-Francia; IkiGai Art Gallery. Roma, Italia; "Covimetry" 2020-2021 Polonia-EEUU.

"Correspondencias" muestra colectiva en la Fundación Atchugarry, Maldonado, 2020/21.

"Notaciones", Museo Mazzoni, 2021.

"Serra – Batalla – Larrosa" Rofa Projects Gallery, Maryland EEUU.

AAMA Asían & African and Mediterranean Art international 18ª Exhibition.

Exposición iberoamericana Instituto Cervantes San Pablo.

Exposición Amoris Laetitia Monasterio De San Salvador de Grijo.

Galería de Arte Virginia SÉ Portugal.

Embajada de Uruguay en Washington Dc, "La obra en si misma" Batalla | Larrosa | Serra, 2022.

Es invitado a participar en Variaciones Cracco, taller de Pintura al Fresco dirigido por Federico Méndez.

«Soy profesor en Facultad de Artes de Montevideo, Uruguay.

Bellas Artes comparte edificio con la Escuela de Música. A veces la Facultad se deshace de algunos materiales, los que se ponen a disposición de otros que vemos la posibilidad de enriquecernos con ellos de alguna forma. Generalmente de alguna manera casi todo les sirve, algunos están en buenas condiciones (discos, partituras, tapas, etc.).

Allí encontré las partituras un poco "destruidas", amarillentas y con detalles, por eso aproveché para intervenirlas. Seguro que si hubieran estado sanas me hubiese dado pena trabajarles encima.

El texto de la tapa, en alemán, es casualidad: "Composición". Mientras trabajaba me di cuenta que el título era significativo y decidí dejarlo a la vista ya que tiene que ver con la forma en que se hace la obra. Siempre tiene que existir un orden para llegar a la unidad.

Este es un trabajo dentro de la idea de la estructura, con libertad, pero dentro de un orden geométrico, lo que va generando diferentes formas, una especie de pruebas de artista, bocetos, configuraciones libres, con ideas que vengo desarrollando y que luego me abrirá puertas simbólicas a otros nuevos universos infinitos de ideas.

Creo que básicamente esa es la función de este libro: una especie de "libro de consulta" para cuando estoy creando otros proyectos». M.L.

Marcelo Larrosa Martinatto is an Uruguayan artist born in 1971.

He studied with Carlos Medina in Barquisimeto-Venezuela, and was a disciple of Julio Alpuy and Anhelo Hernández.

In 2003 he was awarded a scholarship at Palazzo Spinelli, Florence, Italy.

In 2007 he created his workshop at the request of Julio Alpuy, where he teaches classes based on the Constructive spirit.

He exhibited in several countries in America and Europe:

"Passion et raison d'un espírit constructif (Passion and reason of a Constructiv spirit)", Biarritz, France, 1999.

Museum of Contemporary Art El País (Montevideo, Uruguay), 2013

In 2015 his work is part of the Katoen Natie collection being represented with a work in the book "Art from Latin America" by Laurens Dhaenens Belgium.

Uruguayan Abstract Art Saronno; 2016 "Constructive-Madi" in Milan, Turin and Buenos Aires. In the latter city he meets Tomás Maldonado.

In 2017 he exhibits collectively "La Tradición Rebelada" at the National Museum of Visual Arts in Montevideo.

He participates in "Context art Miami" and in 2017/18 in "Rofa Proejcts LA art show", 2018 "Volta Art Fair", 2018 "Art Marbella"; 2018 "Constructive-Madi-Deconstructive" in Paris. That same year he executes the design and realization of the curtain and scenography of the play Bokeh at the Teatro Solis presented to the public in 2019.

Participation in the project "Archivio degli Angeli", Milan, 2019.

"Constructive-Madí, Larrosa-Britez", within the framework of the Milan Poetry Festival, Milan, 2019.

"Homage to Julio Uruguay Alpuy," Museo Mazzoni, Maldonado, 2020.

"Homage to Julio Uruguay Alpuy", Museum of Art History, Montevideo, 2020.

Gallery 2020 Lissiers-France; IkiGai Art Gallery. Rome, Italy; "Covimetry" 2020-2021 Poland-USA.

"Correspondences" group show at the Atchugarry Foundation, Maldonado, 2020/21.

"Notaciones", Museo Mazzoni, 2021.

"Serra - Batalla - Larrosa" Rofa Projects Gallery, Maryland USA.

AAMA Asian & African and Mediterranean Art international 18th Exhibition.

Iberoamerican Exhibition Instituto Cervantes San Pablo.

Amoris Laetitia Exhibition Monasterio De San Salvador de Grijo.

Virginia SÉ Portugal Art Gallery.

Embassy of Uruguay in Washington Dc, "The work itself" Batalla | Larrosa | Serra, 2022.

Invited to participate in Variaciones Cracco, Fresco Painting workshop directed by Federico Méndez.

«I am a professor at the Faculty of Arts in Montevideo, Uruguay.

Fine Arts Faculty shares a building with the School of Music. Sometimes the Faculty gets rid of some materials, which are made available to others who see the possibility of enriching ourselves with them in some way. Generally in some way almost everything is useful to them, some are in good condition (records, scores, covers, etc.).

There I found the scores a bit "destroyed", yellowed and with details, that's why I took the opportunity to intervene them. I'm sure that if they had been in good condition I would have been sorry to work on them.

The text on the cover, in German, is a coincidence: "Composition". While I was working I realized that the title was significant and decided to leave it in view because it has to do with the way the work is done. There always has to be an order to reach unity.

This is a work within the idea of structure, with freedom, but within a geometric order, which generates different forms, a kind of artist's proofs, sketches, free configurations, with ideas that I have been developing and that later will open symbolic doors to other new infinite universes of ideas.

I think that's basically the function of this book: a sort of "reference book" for when I'm creating other projects». M.L.

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Imágenes publicadas con autorización del artista. (¡Muchas gracias, Marcelo!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Marcelo!)

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Los orígenes del arte del libro de artista

¿Desde cuándo podemos comenzar a hablar del libro de artista? Mucho se discute al respecto.

Tenemos antecedentes que cumplen con las características de este tipo de obra en la antigua China. Allí fueron descubiertos rollos de papel y tejidos que, además de satisfacer necesidades comunicativas, trataban de explorar el soporte para la escritura, el rollo como "objeto único". Aunque, en la que es considerada la muestra más antigua de escritura, la tablilla de Kish, hallada en Tell al-Uhaymir (Irak) alrededor del año 3500 a.C., pueden reconocerse dos aspectos que ensamblan a la perfección lo artístico en el libro: "lo objetual y lo plástico con una función comunicativa, aspectos que se encontraban conjuntamente en estos testimonios cuneiformes" Masaki Fujihata, Beyond Pages (1995). Al decir de Magda Polo: "En el Medievo los códices eran los grandes libros en los que se recogía la cultura, se alternaba lo textual con las miniaturas llevadas a cabo por los copistas o amanuenses y en este caso, al ser un libro hecho a mano, puede considerarse como una obra de arte, estos ejemplares eran únicos y abundaba en ellos la exhibición de detalles con la finalidad de embellecer el libro".

Tablilla de Kish

Tablilla de piedra caliza hallada en Tell al-Uhaymir, aldea ubicada en la gobernación de Babilonia (Irak), en el emplazamiento de la antigua ciudad sumeria de Kish. Ha sido datada en el 3500 a. C. (a mediados del período Uruk). Foto: Peel Academy

Magda Polo también señala en su artículo "El libro como una obra de arte" (2011) la importancia de Aldo Manuzio, y el Humanismo en general, para la total integración de texto e imagen en el libro: fue en pleno Humanismo cuando se acuñaron dos términos que dotaron al libro de su doble naturaleza, la cultural y la de "producto manufacturado", esos términos fueron los de "mercancía de honor" y "mercancía de utilidad". Aldo Manuzio supo, con su visión editorial, unir indisolublemente ambos conceptos en la concepción de un libro que debía responder al prestigio del editor y a las necesidades del lector en una simbiosis que nunca descuidaba el equilibrio entre el contenido y lo artístico que lo complementaba.

Se piensa que el precursor de los libros de artista contemporáneos sea el británico William Blake, quien trabajó a finales del siglo XVIII y principios del XIX. Blake fue poeta, pintor y grabador, con la idea integradora del trabajo visual y el escrito. Si bien produjo libros de formato tradicional, jugó un papel preponderante en este cambio.

Pero es a mediados de los años sesenta cuando surge con fuerza el concepto de libro de artista gracias a los trabajos de Diter Roth (abril 21, 1930 Hannover, Alemania – June 5, 1998, Hegenheimer Strasse en Basilea, Suiza) y Edward Ruscha (Omaha, Nebraska, en 1937), donde se consideraban así ediciones limitadas realizadas por artistas.

Sea cual sea el precursor, todos cuentan con la validación y el reconocimiento al haber contribuido a la producción cultural y artístico-estética.

Formas de hacerlos hay varias. Pueden tener texto donde surgen las alegrías, los deseos, los conflictos, el presente y el pasado y el futuro, las noches de insomnio. Resulta entonces un recurso de los mil mandatos inconscientes que se hacen conscientes y toman cuerpo.

¿Y qué lo convierte en una obra de arte? Decididamente lo que lo hace es la iniciativa artística. Están la ilustración, la elección de los materiales, el proceso de creación, la maquetación y el diseño, esto es: el concepto prima de igual manera que la presentación del objeto.

Concluyendo, lo realmente importante es que los artistas continúen produciendo lo que sienten y los represente, demandando expresarse con su libro de artista sin que las definiciones coarten el sentido que quieran darle a su obra, dejando fluir el libre albedrío del espectador, sorprendiéndonos por el alcance imaginativo y en evolución constante.

Shirley Rebuffo, 5/2023

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Andrea Bustelo Acosta

(Montevideo, Uruguay, 1965-)

en / at Neptunia, Canelones

Andrea Bustelo

Andrea Bustelo Acosta es una artista visual y educadora social uruguaya nacida en Montevideo, que vive y trabaja en Neptunia (Canelones)

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes y se especializó en textiles con varios docentes.

Gestora y Host de diferentes retiros textiles en Uruguay, referidos al fieltro y los tintes naturales (desde 2013).

Ha realizado exposiciones en Madrid, Chile, Argentina, Barraquilla (Colombia), Beijing, Irlanda y Uruguay.

"Mujer y el jazmín / Woman and the Jasmine"

Libro de artista / Artist's Book

Fieltro intervenido con sedas y puntadas /

felt intervened with silks and stitches, 14 x 14 x 4 cm.

Inspiración textil sobre el relato de Lia Schenck (ver más abajo) /

Textile inspiration based on Lia Schenck's story (see below)

«Vengo de una línea de mujeres que nunca tuvieron sus manos quietas, siempre sanando con palabras, plantas, tejidos e instantes sencillos.

De ahí proviene mi arte, que intenta conectar desde el lugar donde están la belleza y la calma que llevamos dentro.

Mi búsqueda está en expresar un arte muy material, sano, regenerativo, que sea el diálogo armónico entre mi sentir, mis deseos y el ambiente que me rodea.

Me mueve el vínculo con la naturaleza y su movimiento, la ida y vuelta entre pasado y presente, la búsqueda de caminos de comunicación entre mundos materiales y también espirituales o etéreos. Creo que es por eso que solo utilizo materiales que sean cálidos y perecederos, y colores que vengan de vegetales y minerales.» A.B.

When a woman...

"Una vez una mujer no tenía de qué agarrarse.

El mundo desaparecía bajo sus pies, las estanterías se venían abajo, el canasto de la ropa se desbordaba, y ella no tenía de qué agarrarse.

El agua de los floreros hablaba de malos tiempos.

Las canillas anunciaban pérdidas.

Estaba a punto de caer cuando se agarró de un olor a jazmín que entró por la ventana sin hacerle caso a los floreros...

Cuando una mujer a punto de caerse se deja rescatar por un olor a jazmín, todos los jazmines del planeta la sostienen..."

Lia Schenck

... lets herself be rescued...

... by the scent of a jasmine...

... all the jasmines...

Andrea Bustelo Acosta is an Uruguayan visual artist and social educator born in Montevideo, who lives and works in Neptunia (Canelones).

She studied at the National School of Fine Arts and specialized in textiles with various teachers.

Manager and Host of different textile retreats in Uruguay, referring to felt and natural dyes (since 2013).

She has held exhibitions in Madrid, Chile, Argentina, Barraquilla (Colombia), Beijing, Ireland and Uruguay.

... all the jasmines...

... on the planet...

... support her.

«I come from a line of women who never had their hands still, always healing with words, plants, fabrics and simple instants.

That's where my art comes from, which tries to connect from the place where the beauty and calmness we carry inside are.

My search is to express a very material, healthy, regenerative art, which is the harmonious dialogue between my feelings, my desires and the environment that surrounds me.

I am moved by the link with nature and its movement, the back and forth between past and present, the search for ways of communication between material and also spiritual or ethereal worlds. I think that's why I only use materials that are warm and perishable, and colors that come from vegetables and minerals.» A.B.

"Once upon a time a woman had nothing to hold on to.

The world was disappearing beneath her feet, the shelves were falling apart, the laundry basket was overflowing, and she had nothing to hold on to.

The water in the vases spoke of bad times.

The faucets announced losses.

She was about to fall when she caught hold of a scent of jasmine that came through the window without paying attention to the vases....

When a woman about to fall lets herself be rescued by a scent of jasmine, all the jasmines on the planet support her..."

Lia Schenck

Más sobre / More about Andrea Bustelo: Blog, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista. (¡Muchas gracias, Andrea!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Andrea!)

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The origins of the art of the artist's book

Since when can we start talking about the artist's book? There is much discussion on the subject.

We have antecedents that meet the characteristics of this type of work in ancient China. There, paper scrolls and fabrics were discovered that, besides satisfying communicative needs, tried to explore the support for writing, the scroll as a "unique object". Although, in what is considered the oldest sample of writing, the Kish tablet, found in Tell al-Uhaymir (Iraq) around 3500 B.C., two aspects can be recognized that perfectly assemble the artistic in the book: "the objectual and the plastic with a communicative function, aspects that were found together in these cuneiform testimonies" Masaki Fujihata, Beyond Pages (1995). According to Magda Polo: "In the Middle Ages the codices were the great books in which culture was collected, the textual alternated with the miniatures carried out by the copyists or amanuenses and in this case, being a handmade book, it can be considered a work of art, these copies were unique and abounded in them the exhibition of details in order to embellish the book".

Kish Tablet
Limestone tablet found at Tell al-Uhaymir, a village located in the governorate of Babylon (Iraq), on the site of the ancient Sumerian city of Kish. It has been dated to 3500 BC (mid Uruk period).
Photo: Wikipedia

Magda Polo also points out in her article "The book as a work of art" (2011) the importance of Aldo Manuzio, and Humanism in general, for the total integration of text and image in the book: it was in the midst of Humanism when two terms were coined that endowed the book with its dual nature, the cultural and that of "manufactured product", those terms were those of "honor merchandise" and "utility merchandise". Aldo Manuzio knew, with his editorial vision, how to indissolubly unite both concepts in the conception of a book that had to respond to the prestige of the publisher and the needs of the reader in a symbiosis that never neglected the balance between the content and the artistic aspect that complemented it.

The precursor of contemporary artist's books is thought to be the British William Blake, who worked in the late 18th and early 19th centuries. Blake was a poet, painter and engraver, with the integrative idea of visual and written work. Although he produced books in traditional format, he played a preponderant role in this change.

But it was in the mid-sixties when the concept of artist's book emerged with force thanks to the works of Diter Roth (April 21, 1930 Hannover, Germany - June 5, 1998, Hegenheimer Strasse in Basel, Switzerland) and Edward Ruscha (Omaha, Nebraska, in 1937), where limited editions made by artists were considered as such.

Whatever the precursor, they all have the validation and recognition of having contributed to cultural and artistic-aesthetic production.

There are several ways of making them. They can have text where joys, desires, conflicts, the present and the past and the future, sleepless nights emerge. It is then a resource of a thousand unconscious mandates that become conscious and take shape.

And what makes it a work of art? Decidedly what does it is the artistic initiative. There is the illustration, the choice of materials, the creation process, the layout and the design, that is: the concept is as important as the presentation of the object.

In conclusion, what is really important is that artists continue to produce what they feel and what represents them, demanding to express themselves with their artist's book without definitions restricting the meaning they want to give to their work, leaving the free will of the spectator to flow, surprising us by the imaginative and constantly evolving scope.

Shirley Rebuffo, 5/2023

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Álvaro Bustelo

(Montevideo, Uruguay, 1967-)

Álvaro Bustelo

Álvaro Bustelo es un artista uruguayo, egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes, nacido en Montevideo el 7 de mayo de 1967.

«A fines de los años 80, cursando la Escuela Nacional de Bellas artes y trabajando allí en el taller de Carlos Seveso, descubrí mi pasión por la pintura.

A lo largo de todos estos años transcurridos, mi trayectoria artística ha sido muy diversa.

Fui seleccionado en dos ediciones del Premio Nacional de Artes visuales (2008 y 2010) y he obtenido una serie de menciones en distintos eventos artísticos en Uruguay, ganando incluso el Premio Morosoli, edición 2005, como "Revelación en pintura".

He realizado exposiciones individuales y participado en varias colectivas nacionales e internacionales (España, Alemania, Cuba y Bélgica).

Parte de mi obra integra las pinacotecas del Discount Bank, Alianza Francesa, Escuela Nacional de Bellas Artes y varias colecciones privadas de Alemania, Estados Unidos, Costa Rica, entre otros países.» A.B.

Libro de artista / Artist's Book

«Mi arte nace en mi casa junto a mis hijos: Simona y Luciano. Las creaciones surgen de vivencias profundas en contacto la naturaleza, el verde de la selva y el horizonte.

Canalizo, exorcizo y plasmo en mi obra el sentir de mi vida. Atesoro el silencio, la quietud, el espacio finito, la calma de no esperar nada. Siento el tiempo inmóvil, el humedal durmiendo callado, quieto, somnoliento. La esencia del lugar donde vivo me da calma, aquí habla la brisa, el calor desdibuja.» A.B.

Álvaro Bustelo is an Uruguayan artist, a graduate of the National School of Fine Arts, born in Montevideo on May 7, 1967.

«At the end of the 80's, while attending the National School of Fine Arts and working there in Carlos Seveso's workshop, I discovered my passion for painting.

Throughout all these years, my artistic career has been very diverse.

I was selected in two editions of the National Visual Arts Award (2008 and 2010) and I have obtained a series of mentions in different artistic events in Uruguay, even winning the Morosoli Award, 2005 edition, as "Revelation in painting".

I have had solo exhibitions and participated in several national and international group exhibitions (Spain, Germany, Cuba and Belgium).

Part of my work is owned by the art galleries of Discount Bank, Alianza Francesa, Escuela Nacional de Bellas Artes and several private collections in Germany, United States, Costa Rica, among other countries.» A.B.

«My art is born at home with my children: Simona and Luciano. The creations arise from deep experiences in contact with nature, the green of the jungle and the horizon.

I channel, exorcise and capture in my work the feeling of my life. I treasure silence, stillness, finite space, the calm of not expecting anything. I feel time motionless, the wetland sleeping quietly, still, somnolent. The essence of the place where I live gives me calm, here the breeze speaks, the heat blurs.» A.B.

Más sobre / More aboutÁlvaro Bustelo: Instagram, facebook, Artmajeur

Imágenes publicadas con autorización del artista. (¡Muchas gracias, Álvaro!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Álvaro!)

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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:

[Libros de artista (I)], [Libros de artista (II)], [Libros de artista (III)], [Libros de artista (IV)], [Libros de artista (V)]

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Séptimo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

Seventh article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.

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María Guerreiro

(Algarve, Portugal)

en / at Buenos Aires, Argentina

Maria Guerreiro. Foto / Photo: Pablo Jantus (c) ARSOmnibus

Maria Guerreiro es una artista visual luso-argentina nacida en el Algarve, Portugal, que vive y trabaja en Buenos Aires.

Se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes, en Argentina.

Ha sido seleccionada e invitada a exponer en importantes salones, museos y galerías nacionales e internacionales. Participó en las ferias internacionales de ArteBA, Buenos Aires, Argentina; en la Primera Bienal de Ushuaia, Tierra del Fuego, Argentina; en ArtBO, Feria Internacional de Arte de Bogotá, Colombia; en Arteaméricas, Miami, Estados Unidos; en Affordable Art Fair, NY, Estados Unidos; y en Estampa, Madrid, España.

En 2020/2023 participo con el CDE en las muestras: “Ancestros” Suances, Cantabria, España; "Infancia/Kindheit" Einladung zur Ausstellung, Voitsberg, Austria; "Litografías" Estudio y Art Gallery, Miami Beach, Estados Unidos de Norteamérica, y "Pequeño formato" Villa Angostura, Argentina.

Sus pinturas, grabados y libros de artista, merecieron diversos premios, destacándose el 2º premio por dibujo/grabado en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Florencia Italia 2003.

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"Tu palabra y la mía / Your Word And Mine"

Libro de artista / Artist's Book, Ed.5, 2004

Impresión digital y grabado / digital printing and engraving

Tu palabra y la mía

Diez años de cartas transformadas en obra

El papel, los sobres , sellos, palabras…

ausencias….

Humo … generando nuevos canales de comunicación.

Velos… como veleros transbordando mensajes

fechas … lugares … recibimientos … adioses.

El encuentro con lo pequeño, con lo intimo

Un nuevo mensaje que espera ser recibido.

María Guerreiro

Your word and mine

Ten years of letters transformed into work

Paper, envelopes, stamps, words...

absences....

Smoke ... generating new channels of communication.

Veils ... like sailboats transshipping messages

Dates ... places ... welcomes ... farewells.

The encounter with the small, with the intimate.

A new message waiting to be received.

María Guerreiro

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"... que sepa bordar / ... who knows how to embroider (*)"
Libro de artista / Artist's Book
Papel de algodón y papel vegetal. Gofrados en papel de algodón /
Cotton paper and tracing paper. Cotton paper embossing
Edición única / Unique edition, Buenos Aires, Argentina, 2016

(*) Verse of a traditional children's song

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Maria Guerreiro is a Portuguese-Argentine visual artist born in Algarve, Portugal, who lives and works in Buenos Aires.

She graduated from the National School of Fine Arts in Argentina.

She has been selected and invited to exhibit in important national and international salons, museums and galleries. She participated in the international fairs of ArteBA, Buenos Aires, Argentina; in the First Biennial of Ushuaia, Tierra del Fuego, Argentina; in ArtBO, International Art Fair of Bogota, Colombia; in Arteaméricas, Miami, USA; in Affordable Art Fair, NY, USA; and in Estampa, Madrid, Spain.

In 2020/2023 she participated with the CDE in the following exhibitions: "Ancestros" Suances, Cantabria, Spain; "Infancia/Kindheit" Einladung zur Ausstellung, Voitsberg, Austria; "Litografías" Estudio y Art Gallery, Miami Beach, USA; and "Pequeño formato" Villa Angostura, Argentina.

Her paintings, engravings and artist's books have been awarded several prizes, including the 2nd prize for drawing/engraving at the International Biennial of Contemporary Art in Florence, Italy 2003.

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"Tu mar distante / Your Distant Sea"

Libro de artista / Artist's Book

Cubos de papel grabado / Engraving paper cubes

Ejemplar único / Unique piece, 2004

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"Guardar Vacios / Keep Emptinesses"

Libro objeto / Object Book

Papel de algodón gofrado en caja de acrílico /

Embossed cotton paper in an acrylic box, 46,5 x 20 cm., 6/2014. Florida, Buenos Aires

En el punto … donde silencio y soledad,

se cruzan con la noche y con el frio, esperé como quien

espera en vano. Tan nítido y preciso era el vacío.

Sophía de Mello Breyner Andresen

At the point ... where silence and solitude,

intersect with the night and the cold, I waited as one who

waits in vain. So clear and precise was the emptiness.

Sophía de Mello Breyner Andresen

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"Vuelos / Flights"

Libro objeto / Object Book

Caja de madera y espejos, impresión digital y grabado

Wooden box and mirrors, digital print and engraving

Ejemplar único / Unique piece, 2004

Más sobre / More about María Guerreiro: Blog, facebook

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Rimer Cardillo

(Montevideo, Uruguay, 1944-)

Rimer Cardillo

Rimer Cardillo es un artista visual, escultor y grabador uruguayo nacido en Montevideo el 17 de agosto de 1944, residente en los Estados Unidos desde 1979.

Profesor Emérito de la Universidad Estatal de Nueva York, New Paltz, recibió su Maestría en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Uruguay. Pasó dos años en Alemania estudiando en la Escuela de Arte y Arquitectura de Weissensee, Berlín, y en la Escuela de Arte Gráfico de Leipzig. En 1997 recibió una beca John Simon Guggenheim. Recibió tres becas de la Fundación para las Artes de Nueva York, entre muchas otras distinciones. Con una formación muy sólida en grabado y tecnologías relacionadas con la fotografía, Cardillo ha desarrollado un cuerpo de trabajo grande y poderoso que incluye grabados, fotografías, esculturas e instalaciones. Su obra presenta a los espectadores su indagación continua sobre las preocupaciones culturales y ambientales.

En 1994 el Museo de las Artes del Bronx exhibió una muestra de diez años de su trabajo. Fue seleccionado para representar a Uruguay en la Bienal de Venecia de 2001. En 2003 fue invitado por la Tate Modern de Londres a dar una conferencia y presentar un video sobre sus creaciones. En 2004 el Museo de Arte Samuel Dorsky en SUNY New Paltz organizó la primera encuesta exhaustiva de la carrera de Cardillo. En 2010 se exhibió una gran instalación de su Cupís en Temple Space - Museo Kiscell en Budapest, Hungría. El Museo de Arte del Condado de Nassau presentó una extensa exhibición de sus obras en septiembre de 2011. El Museo de Arte de las Américas en Washington, D.C. exhibió sus obras en 2016 ocupando todo el museo. Recientemente el Museo Nacional de Artes Visuales en Montevideo organizó una exposición retrospectiva del artista.

Con frecuentes viajes a América Latina, donde mantiene su estudio en Montevideo, el artista vive y trabaja actualmente en el valle del río Hudson y en la ciudad de Nueva York.

"Relicario con diez cajas / Reliquary with Ten Boxes"

De la serie Objeto Gráfico-Ecológico /

From the Graphic-Ecological Object Series, 1974-75 & 1978-79.

Madera de imbuya, vidrio y tres grabados sobre papel (cuatro impresiones pequeñas de insectos y un grande debajo, y cuatro hojas impresas con una grande debajo)

Imbuya wood, glass, and ten prints on paper (four small insects prints with one large insect print beneath, and four leaf prints with one large leaf print beneath)

Pieza única / Unique object

Abierto / Open: 11 3/8" x 14 3/8" x 8" - Cerrado / Closed: 11 3/8" x 8 3/4" x 4 1/2"

Rimer Cardillo is a Uruguayan visual artist, sculptor and printmaker born in Montevideo on August 17, 1944, living in the United States since 1979.

Professor Emeritus at the State University of New York, New Paltz, he received his MFA from the School of Fine Arts at the University of Uruguay. He spent two years in Germany studying at the School of Art and Architecture in Weissensee, Berlin, and at the School of Graphic Art in Leipzig. In 1997 he received a John Simon Guggenheim Fellowship. He received three fellowships from the New York Foundation for the Arts, among many other distinctions. With a strong background in printmaking and photography-related technologies, Cardillo has developed a large and powerful body of work that includes prints, photographs, sculptures and installations. His work presents viewers with his ongoing inquiry into cultural and environmental concerns.

In 1994 the Bronx Museum of the Arts exhibited a ten-year survey of his work. He was selected to represent Uruguay at the 2001 Venice Biennale. In 2003 he was invited by the Tate Modern in London to give a lecture and present a video about his creations. In 2004 the Samuel Dorsky Museum of Art at SUNY New Paltz organized the first comprehensive survey of Cardillo's career. In 2010 a large installation of his Cupís was exhibited at Temple Space - Kiscell Museum in Budapest, Hungary. The Nassau County Museum of Art presented an extensive exhibition of his works in September 2011. The Art Museum of the Americas in Washington, D.C. exhibited his works in 2016 occupying the entire museum. Recently the National Museum of Visual Arts in Montevideo organized a retrospective exhibition of the artist.

With frequent trips to Latin America, where he maintains his studio in Montevideo, the artist currently lives and works in the Hudson River Valley and New York City.

Rimer Cardillo trabajando / at work

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Raúl De Paula (Tato)

(Montevideo, Uruguay, 1948-)

Raúl De Paula nace en Montevideo el 30 de octubre de 1948.

Desde joven manifiestó interés por el arte en general, y fue mediante la habilidad del dibujo que establece un diálogo permanente con el mismo, incursionando con sus diseños en el grabado sobre linóleo.

Su obra se centra en la creación de pequeños objetos a modo de escultura, realizados mediante manipulación de materiales diversos tales como piedras, alambres, desechos de plástico, restos metálicos y herramientas en desuso, y también realiza pequeños muebles con decoraciones artísticas.

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"La mano, el corazón y el ojo /

The Hand, The Heart and The Eye"

Libro de artista / Artist's Book, 2023

Fotos de dibujos y pinturas modificadas con Photoshop y detalles de color a mano /

Photos of drawings and paintings modified with Photoshop and hand-colored details

Así. Como un mecanismo que se rompe

Un ojo que se queda ciego

Un corazón que no funciona

Como un cuerpo que no responde

Una pregunta sin respuesta

Como una mínima esperanza vana

Así

Thus. Like a mechanism that breaks

An eye that goes blind

A heart that doesn't work

Like a body that does not respond

A question without an answer

Like a slim hope in vain

Thus

Tozuda e infantil figuración

La mano, el corazón y el ojo

Que tanto hicieron que cuánto han sentido

Que como han visto

Juego niño adentro para no sentirme abandonado

Stubborn and childish figuration

The hand, the heart and the eye

That so much they did that how much they have felt

That as they have seen

I play childishly inside so as not to feel abandoned

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Raúl De Paula was born in Montevideo on October 30, 1948.

From a young age he showed interest in art in general, and it was through the ability of drawing that he established a permanent dialogue with it, dabbling with his designs in engraving on linoleum.

His work focuses on the creation of small objects as sculpture, made by manipulating various materials such as stones, wires, plastic waste, metal scraps and disused tools, and also makes small pieces of furniture with artistic decorations.

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Ojos devenidos

en lunas

Lunas en píldoras

Cápsulas de muerte

Manos árboles

estrellas

Manos que ofrecen

que quitan

Manos

Imágenes

Palabras

Líneas

que articulan

La vida

Crean y destruyen

Eyes turned

into moons

Moons in pills

Capsules of death

Hands trees

stars

Hands that offer

that take away

Hands

Images

Words

Lines

that articulate

Life

They create and destroy

«Uno de los textos presentes en esta obra, de algún modo, representa una síntesis de mi expresión. Los ojos, las manos, son presencias habituales en el dibujo. El corazón, a veces, no está presente visualmente, sin embargo, está en mi obra pues es desde allí que nacen las ideas y las inquietudes, presencias que me desbordan, voces que me obligan a hacer cosas, de las que no me arrepiento y que resultan tan necesarias como respirar.

He optado en este trabajo por la integración del dibujo manual y la palabra manuscrita, con técnicas digitales, efectos y diseño de página. Siento la necesidad de optar finalmente por un trabajo que se pueda reproducir, más fiel al libro tradicional que a la obra única.»

«One of the texts present in this work, in a way, represents a synthesis of my expression. The eyes, the hands, are usual presences in the drawing. The heart, sometimes, is not visually present, however, it is in my work because it is from there that ideas and concerns are born, presences that overflow me, voices that force me to do things, of which I do not regret and that are as necessary as breathing.

In this work I have opted for the integration of manual drawing and the handwritten word, with digital techniques, effects and page design. I feel the need to finally opt for a work that can be reproduced, more faithful to the traditional book than to the unique work.»

Inmersa en un mar de verdes

viaja mi pequeñez

Me subo a una nube

divago sin prejuicios

Observo desde las alturas el hormiguero humano

frenético

alucinante

disperso palabras

La tormenta me propulsa

más allá de los radares

Al fin la lluvia!

Immersed in a sea of green

my smallness travels

I climb on a cloud

I wander without prejudice

I observe from the heights the human anthill

frenetic

hallucinating

I scatter words

The storm propels me

beyond the radars

At last the rain!

Más sobre / More about Raúl de Paula: Junarte

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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:

[Libros de artista (I)], [Libros de artista (II)], [Libros de artista (III)], [Libros de artista (IV)], [Libros de artista (V)], [Libros de artista (VI)]

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Adiós / Goodbye [2022-2] (Julio-Diciembre / July-December)

Rinocerontes / Rhinos (CXII)

Asonancias / Assonances (XLIV)

Victor Grasso (I) [Pintura / Painting]

Victor Grasso (II) [Pintura / Painting]

Brad Woodfin [Pintura animalista / Animal Painting]

Sobre la vestimenta y otros textiles / About Clothing and Other Textiles (II) [Pintura / Painting]

Recolección / Compilation (CLXXIV-1) - Cefalópodos / Cephalopods (III-1)

Recolección / Compilation (CLXXIV-2) - Cefalópodos / Cephalopods (III-2)

Endre Penovác (I) [Pintura, gatos / Painting, Cats]

Endre Penovác (II) [Pintura, animales / Painting, Animals]

Libros de artista / Artist's Books (I) - Presentación / Presentation, Álvaro Amengual, María José Fort

Konstantin Korobov (II) [Pintura / Painting]

Libros de artista / Artist's Books (II) - Jorge Migues, Judith Britez Di Sano

Libros de artista / Artist's Books (III) - Maqueira, Torres-García, Cano, Duarte

Afifa Aleiby [Pintura / Painting]

Libros de artista / Artist's Books (IV) - Ragni, Madfes, Kimelman

Libros de artista / Artist's Books (V) - Brewda, Scaltritti, Petrovich

Libros de artista / Artist's Books (VI) - Marcelo Larrosa, Andrea Bustelo, Álvaro Bustelo

Libros de artista / Artist's Books (VII) - María Guerreiro, Rimer Cardillo, Raúl de Paula