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Pintando perros / Painting Dogs (LXXXIV) - Norman Rockwell

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Norman Rockwell fue un extraordinario artista estadounidense, ampliamente conocido por sus portadas del The Saturday Evening Post e imágenes para campañas publicitarias de diferentes empresas, con una habilidad notable para captar y representar gestos, actitudes e interacciones de personajes en escenas cotidianas llenas de humor y expresividad. Sus creaciones han estado presentes varias veces en este blog, y ahora les presento una selección de sus pinturas con perros.

Norman Rockwell was an extraordinary American artist, widely known for his covers of The Saturday Evening Post and images for advertising campaigns of several companies, with a remarkable ability to capture and represent gestures, attitudes and interactions of characters in everyday scenes full of humor and expressiveness. His creations have been featured several times in this blog, and now I present a selection of his paintings with dogs.
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Los perros de / The Dogs of
Norman Percevel Rockwell
(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1894 - Stockbridge, Massachusetts / MA, 1978)

Norman Rockwell en su estudio, pintando "El veterinario" / at work in his studio painting "The Veterinarian"
Foto / Photo: Burlington Free Press

En 1956, Upjohn encargó a Norman Rockwell la creación de una imagen para anunciar su nueva línea de productos veterinarios. Upjohn quería asociarse con el enfoque moderno y científico de la medicina animal y pidió que la imagen proyectara una sensación de juventud y alegría. Siempre atento a los deseos y necesidades de sus clientes, Rockwell sugirió una escena de "un veterinario joven e inteligente, tal vez mirando la garganta de un perro muy mono. El perro está sostenido por su cariñoso amo" (citado en La pintura de la salud: Pinturas de Norman Rockwell, Stockbridge, Massachusetts, 2003, p. 25). Sotheby's

Encargo de la compañía Upjohn / Commisioned by The Upjohn Company
"El veterinario / The Veterinarian"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53,3 x 50,8 cm., 1961. Sotheby's

In 1956, Upjohn commissioned Norman Rockwell to create an image advertising its new line of veterinary products. Seeking to associate itself with the modern, scientific approach to animal medicine, Upjohn requested that the image project a sense of youthfulness and playfulness. Always attuned to his patrons' wants and needs, Rockwell suggested a scene of "a young, intelligent veterinary perhaps looking down a very cute dog's throat. The dog being held by its loving master" (quoted in The Picture of Health: Norman Rockwell Paintings, Stockbridge, Massachusetts, 2003, p. 25). Sotheby's

The Saturday Evening Post, 16/11/1935
"Un paseo por el campo / A Walk In The Country"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,6 x 78,7 cm., 1935. Sotheby's

Las ilustraciones de las portadas de Rockwell eran ambiciosas y, como resultado, requerían horas de posado por parte de modelos dispuestos a ello. Rockwell encontraba fácilmente niños del vecindario dispuestos a posar para él, pero con los adultos era otra historia. Los habitantes de New Rochelle, una ciudad de clase trabajadora, a menudo no podían permitirse las horas necesarias para posar, por ello Rockwell y sus colegas ilustradores recurrieron a contratar modelos profesionales durante dos o tres días seguidos. Fred Hildebrandt, con su fina estructura ósea y su figura esbelta y ágil, se convirtió rápidamente en uno de los modelos favoritos de Rockwell y era muy solicitado por los demás ilustradores de New Rochelle. Era un modelo versátil que podía adoptar con facilidad y verosimilitud el papel de cualquier personaje: pirata, héroe, aventurero o figura romántica. Rockwell y Hildebrandt se hicieron buenos amigos y, además de aparecer en varios de sus cuadros, Hildebrandt ayudaba a Rockwell en el estudio cuando podía. Sotheby's

"Un paseo por el campo / A Walk In The Country" (detalle / detail)

Rockwell's cover illustrations were ambitious and as a result, required hours of posing by willing models.  Rockwell easily found neighborhood children who were eager to model for him, however adults were a different story.  The local inhabitants of New Rochelle, a working class town, often could not afford to take off the hours needed to pose.  As a result, Rockwell and his fellow illustrators resorted to hiring professional models for two or three days at a time. Fred Hildebrandt, with his fine bone structure and lean and lithe figure, quickly became one of Rockwell's favorite models and was in great demand by the other New Rochelle illustrators.  He was a versatile model who could easily and believably adopt the role of any character: pirate, hero, adventurer, or romantic figure. Rockwell and Hildebrandt became good friends and, in addition to appearing in a number of his paintings, Hildebrandt helped Rockwell around the studio when he could. Sotheby's

Estudio para "Un paseo por el campo / Study for "A Walk In The Country"
Carboncillo / charcoal, 26,5" x 29", c.1935. Illustrated Gallery

The Saturday Evening Post, 1/5/1926
"Primeros auxilios para chicos y chicas (Scout vendando el dedo de una chica) /
Boys And Girls First Aid Week (Scout Bandaging Girl's Finger)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,8 x 61,6 cm., 1926. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 9/7/1949
"Bloqueo en la calle (Bulldog bloqueando el tráfico, condiciones del tráfico /
Road Block (Bulldog Blocking Truck, Traffic Conditions)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 × 58,4 cm., 1949. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 25/9/1954
"Rompiendo lazos con el hogar / Breaking Home Ties"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 × 112 cm., 1954. Wikipedia

Estudio de color para "Rompiendo lazos con el hogar" /
Color Study For "Breaking Home Ties"
Óleo sobre fotografía / oil on photograph, 27,3 x 25,4 cm., 1954. Sotheby's

"Padre e hijo / Father and Son"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96,5 x 76,2 cm., 1972. Sotheby's

En 1972 la United States Trust Company encargó esta pintura para la portada de su informe anual /
In 1972 the United States Trust Company commissioned Norman Rockwell this painting for the cover of its annual report.

"Padre e hijo / Father and Son" (detalle / detail)

Encargo de la compañía Upjohn / Commissioned by Upjohn Companies
"Va a ser más alto que papá / He's Going To Be Taller Than Dad"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 by 48.3 cm., 1939. Sotheby's

A lo largo de su prolífica carrera, Norman Rockwell realizó más de 300 ilustraciones de portada para el Saturday Evening Post. Además de estos queridos encargos, Rockwell también realizó innumerables ilustraciones y anuncios para más de 150 empresas estadounidenses. (...)
Entre 1929 y 1961, Rockwell creó imágenes para las campañas publicitarias de varias empresas sanitarias, entre ellas las de Upjohn. A finales de la década de 1930, Upjohn había crecido rápidamente hasta convertirse en uno de los principales proveedores farmacéuticos estadounidenses y contrató a Rockwell para que le ayudara a reforzar su imagen pública. (...)
"Va a ser más alto que papá", un anuncio impreso, es un ejemplo de la magistral habilidad de Rockwell para elevar los esfuerzos comerciales al ámbito estético. Realizado en 1939, presenta muchos de los tropos visuales clásicos del artista. En esta encantadora escena, Rockwell representa a un niño pequeño en su casa acompañado de su fiel compañero canino, una escena que podría haber ocurrido en cualquier hogar estadounidense. Mientras el pequeño se estira para aumentar su estatura en su habitación de vivos colores, Rockwell ha logrado claramente la representación de un "niño americano bueno, normal, sano y atractivo" que le pidió la empresa (citado en The Picture of Health: Norman Rockwell Paintings, Stockbridge, Massachusetts, 2003, p. 13). Sotheby's

La aparente veracidad de "El musculoso" oculta la cuidadosa planificación con la que Rockwell ejecutó ésta y todas sus composiciones. En un principio, los ejecutivos de Upjohn pidieron al artista que cambiara el perro moteado por otro completamente blanco que ya aparecía en otro de sus populares anuncios. Rockwell, sin embargo, insistió en el patrón "para concentrar el interés en torno a la cabeza del joven". Simultáneamente atractivo y sutil, y realizado en el estilo clásico del artista, es uno de los mejores ejemplos de sus imágenes como ilustrador comercial. Sotheby's

Encargo de la compañía Upjohn / Commissioned by Upjohn Companies
"El musculoso / The Muscleman"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88,9 x 63,5 cm., 1941. Sotheby's

Over the course of his prolific career, Norman Rockwell executed over 300 cover illustrations for the Saturday Evening Post. In addition to these beloved commissions, Rockwell also produced countless illustrations and advertisements for over 150 American companies. (...)
From 1929 to 1961, Rockwell created images for the advertising campaigns of several healthcare firms, including the Upjohn companies. By the late 1930s, Upjohn had grown rapidly to become a major American pharmaceutical provider and hired Rockwell to help bolster its public image. (...)
Appearing as a print advertisement, He's Going to be Taller than Dad exemplifies Rockwell's masterful ability to elevate commercial endeavors into the aesthetic realm. Executed in 1939, it features many of the artist's most classic visual tropes. In this charming scene, Rockwell depicts a young boy in his home accompanied by his faithful canine companion, a scene that could have occurred in any American household. As the youngster stretches to increase his frame to a higher stature in his brightly colored room, Rockwell has clearly achieved the representation of a "good, average, healthy, attractive American child" the company requested from him (quoted in The Picture of Health: Norman Rockwell Paintings, Stockbridge, Massachusetts, 2003, p. 13). Sotheby's

The apparent veracity of The Muscleman belies the careful planning with which Rockwell executed this—and all—of his compositions. Upjohn executives initially asked the artist to change the spotted dog to the all-white one already featured in another of his popular ads. Rockwell, however, insisted on the pattern “to concentrate the interest around the youngster’s head.” Simultaneously engaging and subtle, and rendered in the artist’s classic style, it is among the finest examples of his imagery as a commercial illustrator. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 18/10/1924
"Vagabundo y perro / Hobo and Dog (Tramp and Dog)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68,6 x 53,3 cm., 1924. Sotheby's

Hobo and Dog presenta a uno de los modelos favoritos de Rockwell de la época, James Kellogg Van Brunt. Van Brunt posó para Rockwell representando a una serie de personajes en una variedad de narrativas, incluyendo un boticario (Farmacéutico y niño resfriado / Druggist and Boy with a Cold, 1939, Colección Privada), un vaquero melancólico (Sueños de antaño / Dreams of Long Ago, 1927, Colección Privada) y como tres ancianas cotilleando (Los cotillas / The Gossips, 1929, Colección Privada). En este cuadro, Rockwell representa con simpatía a Van Brunt como un vagabundo que asa dos salchichas (una para él y otra para su perro) en un palo sobre el fuego de una lata. Los vagabundos fueron uno de los temas favoritos del artista en la primera mitad de su carrera, y siempre los representó con compasión y empatía. Sotheby's

Hobo and Dog features one of Rockwell’s favorite models of the period, James Kellogg Van Brunt. Van Brunt posed for Rockwell as a number of characters in a variety of narratives, including an apothecary (Druggist and Boy with a Cold, 1939, Private Collection), a melancholy cowboy (Dreams of Long Ago, 1927, Private Collection) and as three old ladies gossiping (The Gossips, 1929, Private Collection). In the present picture, Rockwell sympathetically depicts Van Brunt as a tramp roasting two sausages—one for himself and one for his dog—on a stick over a fire in a can. Hobos were among the artist's favorite subjects in the first half of his career and he consistently rendered them with compassion and empathy. Sotheby's

"En una estupenda bolsa de ganga / In A Wonderful Bargain Bag"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,1 x 76,2 cm., 1927. Sotheby's

Campaña publicitaria para productores de Sun-Maid de California /
Advertising campaign for Sun-Maid Growers of California

Norman Rockwell pintó "En una estupenda bolsa de ganga" en 1927 como parte de una campaña publicitaria para productores de Sun-Maid de California, el mayor procesador de pasas y frutos secos del mundo. Esta obra, uno de los cinco anuncios que Rockwell creó para la empresa, es un ejemplo notable del genio del artista para el marketing sutil pero muy eficaz. Su habilidad para vender un producto integrándolo perfectamente en un mundo idealizado y convincente le convirtió en uno de los favoritos de la industria. A mediados de la década de 1920, la estética de Rockwell era casi sinónimo de promoción de nuevas marcas. Sotheby's

"En una estupenda bolsa de ganga / In A Wonderful Bargain Bag" (detalle / detail)

Norman Rockwell painted In a Wonderful Bargain Bag in 1927 as part of an advertising campaign for Sun-Maid Growers of California, the largest raisin and dried fruit processor in the world. As one of five advertisements Rockwell created for the company, the present work is a remarkable example of the artist’s genius for subtle but highly effective marketing. His ability to sell a product by integrating it seamlessly into a compelling idealized world made him a favorite of the industry. By the mid-1920s, Rockwell’s aesthetic was almost synonymous with new brand promotion. Sotheby's

Rockwell descansa en su estudio con sus perros / rests in his studio with his dogs, c. 1960s.
Foto / Photo: Clemens Kalischer. npr

"Yo y mi colega, El baño / Me And My Pal, The Bath"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35,6 x 33,7 cm., 1954. Sotheby's

Brown & Bigelow, Calendario de las Cuatro Estaciones, invierno de 1954.
Brown & Bigelow encargó a Norman Rockwell la creación de imágenes para su serie de calendarios "Cuatro estaciones" de 1948 a 1964. Cada año, el calendario tenía un tema central sobre el que Rockwell pintaba cuatro ilustraciones distintas, una para cada estación. El conjunto de imágenes llevaba al público a través de un año en la vida de dos personajes centrales, a menudo una pareja joven o un niño y su perro, y los representaba realizando una actividad estacional, como patinar sobre hielo en invierno o nadar en verano. Sotheby's

"Yo y mi colega, El baño / Me And My Pal, The Bath" (detalle / detail)

Brown & Bigelow, Four Seasons calendar, winter 1954
Brown & Bigelow commissioned Norman Rockwell to create images for its Four Seasons calendar series from 1948 through 1964. Each year, the calendar had one central theme on which Rockwell painted four separate illustrations, one for each season. The suite of images took the audience through a year in the life of two central characters, often a young couple or a boy and his dog, and depicted them engaged in a seasonal activity such as ice skating in the winter or swimming in the summer. Sotheby's

"Mumps (Chico en cama / Boy on bed)"
Cartel publicitario / Advertising print, 54,61 x 69,22 cm., c.1971
Museo Nacional de Historia Estadounidense / National Museum of American History
Smithsonian Institution (Washington, EE.UU./ WA, SA). Link

Encargo de Merck para celebrar su trabajo con vacunas /
Commissioned by Merck to to Celebrate Their Work with Vaccines

"Por supuesto hay algunas almas bien organizados /
Of Course There Are A Few Well-Organized Souls"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 43,2 by 20,3 cm., c.1955. Sotheby's

La empresa Kellogg utilizó este cuadro como anuncio de sus cereales /
The Kellogg Company used this painting as an advertisement for its cereal.

The Saturday Evening Post, 21/11/1936
"Amantes escuchados / Overheard Lovers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,5 x 61,3 cm., 1936. Sotheby's

"Amantes escuchados" refleja el papel central que el tema del romance juvenil desempeñó en la obra de Rockwell. Esta joven pareja apareció en varias de las ilustraciones del artista de los años veinte y treinta, permitiendo a su público seguir la progresión de su noviazgo. En la presente obra, Rockwell emplea su característico humor simpático para ilustrar un momento en que los amantes se ven perturbados por un hombre curioso que escucha su conversación en el parque. Infunde a la escena ricos detalles, como el pelaje enjuto del perro y el jersey de punto, e incorpora con éxito el formato de portada de The Post para crear una escena totalmente realista, que transporta al espectador a un tiempo y un lugar concretos. "Amantes escuchados" demuestra no sólo toda la precisión técnica y la maestría en el dibujo del artista, sino también su imaginación aparentemente ilimitada, lo que lo convierte en un ejemplo verdaderamente notable de la incomparable capacidad de Rockwell para elevar los esfuerzos comerciales al ámbito estético. Sotheby's

"Overheard Lovers" reflects the central role that the theme of young romance played in Rockwell’s body of work. This young couple appeared in several of the artist’s illustrations from the 1920s and 30s, allowing his audience to follow the progression of their courtship. In the present work Rockwell employs his characteristic sympathetic humor to illustrate a moment when the lovers are disturbed by an inquisitive man listening in on their conversation in the park. He infuses the scene with rich details, such as the dog’s wiry fur and cable knit sweater, and successfully incoroporates The Post’s cover format to create a fully realized scene, transporting the viewer to a specific time and place. Overheard Lovers demonstrates not only the full extent of the artist’s technical precision and masterful draftsmanship, but also his seemingly limitless imagination, making it a truly remarkable example of Rockwell’s unparalleled ability to elevate commercial endeavors into the aesthetic realm. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 31/12/1921
"Pintando la casita / Painting The Little House"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,1 x 61 cm., 1921. Sotheby's

A principios de los años veinte, el estudio de Norman Rockwell estaba situado en el segundo piso de un granero de New Rochelle, Nueva York, que alquilaba por 25 dólares al mes a George Lischke, otro residente.  Rockwell, siempre en busca de un buen modelo, empleó a Franklin, el hijo de Lischke, como modelo para varios cuadros entre 1921 y 1928, incluidas varias portadas del Saturday Evening Post, como No Swimming (4 de junio de 1921, ver más abajo). Según Susan Myer, "su sueldo aumentó de 50 a 75 centavos por hora, y finalmente fue ascendido a "chico de estudio" de Rockwell, a 5 dólares semanales. Sus responsabilidades incluían barrer el estudio, hacer recados y, ocasionalmente, contestar al teléfono para decir que Rockwell estaba fuera cuando el artista estaba presionado para cumplir un plazo" (Norman Rockwell's People, 1981, p. 36). Rockwell describió a Franklin como "un adolescente de hombros estrechos, fibroso y cabeza redonda. Era uno de los niños más crédulos que he conocido... su capacidad para digerir historias fantásticas era inmensa. Clyde [Forsythe] solía contarle las cosas más atroces. Se sentaba en el gran sillón frotándose las rodillas y tragándoselo todo. Luego bajaba corriendo a contárselo a su padre, y más tarde el señor Lischke se reía de ello con nosotros. Franklin era un niño muy simpático y un buen modelo" (Norman Rockwell's People, p. 45)Sotheby's

In the early twenties, Norman Rockwell's studio was located on the second floor of a barn in New Rochelle, New York, which he rented for $25 a month from fellow resident George Lischke.  Rockwell, always on the lookout for a good model, employed Lischke's son Franklin to model for several paintings between 1921 and 1928, including several Saturday Evening Post covers, like No Swimming (June 4, 1921, see below). According to Susan Myer, "His pay rose from 50 to 75 cents per hour, and eventually he was promoted to Rockwell's 'studio boy' at $5.00 a week. His responsibilities included sweeping up the studio, running errands, and occasionally answering the phone to say that Rockwell was out when the artist was pressing to meet a deadline" (Norman Rockwell's People, 1981, p. 36). Rockwell described Franklin as "a narrow-shouldered, stringy adolescent with a round head. He was one of the most gullible kids I've ever known... his ability to digest fantastic stories was immense. Clyde [Forsythe] used to tell him the most atrocious things. He'd sit in the big armchair rubbing his knees and gulping it all in. Then he'd dash downstairs to tell his father, and later on Mr. Lischke would laugh about it with us. Franklin was an awful nice little boy and a good model" (Norman Rockwell's People, p. 45)Sotheby's

Rockwell trabajando en "Pintando la casita", con su modelo Franklin y el perro /
at work with "Painting The Little House", his model Franklin and the dog.
Norman Rockwell Museum Digital Collections. © Norman Rockwell Family Estate / Norman Rockwell Museum

Se tomó una fotografía de Rockwell pintando la presente obra mientras Lishke modelaba. Es posible que esta foto se tomara después de pintar el cuadro, ya que aparece terminado y firmado; sin embargo, en la foto se aprecian muchos de los detalles que Rockwell probablemente utilizó durante la realización del cuadro: la vieja rueda de bicicleta, los botes de pintura y el perro de la familia Lischke. Sotheby's

A photograph was taken of Rockwell painting the present work while Lishke modeled. It is possible this photo may have been staged after the painting was done since it appears finished and signed, however, the photo still shows many of the details Rockwell likely used throughout the completion of the painting: the old bicycle wheel, paint cans, and the Lischke family dog. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 4/6/1921
"Prohibido bañarse / No Swimming"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25 1/4" x 22 1/4", 1921. Wikipedia

"Prohibido bañarse / No Swimming"
Estudio para la portada de The Saturday Evening Post publicado el 4/6/1921 /
Study for "The Saturday Evening Post" front cover titled "No Swimming" issued on June 4, 1921 
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 14 1/8" x 10 1/4", c. 1921. Liveauctioneers

Brown & Bigelow, Calendario de las cuatro estaciones, verano de 1956 /
Four Seasons calendar, summer 1956
"Dos ancianos y un perro: Prohibido bañarse / Two Old Men And Dog: No Swimming"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36,2 x 34,3 cm., 1956. Sotheby's

"Dos ancianos y un perro: Prohibido bañarse / Two Old Men And Dog: No Swimming" (detalle / detail)

"Chico durmiendo con perro / Sleeping Boy With Dog"
Aguada, carboncillo y pastel sobre panel / 
gouache, charcoal, and pastel on board, 29,2 x 26,7 cm., 1925. Sotheby's

Collier's magazine, 29/3/1919
"La pequeña modelo / The Little Model"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 40,6 cm., 1919. Sotheby's

La pequeña modelo es un ejemplo excepcional de la capacidad de Rockwell para captar los momentos tiernos de la infancia y la adolescencia con su aguda perspicacia y su humor característico. Aquí representa a una niña imitando la elegante pose de una modelo de moda cuya imagen estudia de un póster muy gastado que adorna la pared. La protagonista ha hecho todo lo posible por emular también el elegante atuendo de la modelo, sustituyendo su sofisticada estola de piel por un mantón andrajoso y su elegante gorro de plumas por un sombrero de boina de paja que ha visto días mejores. El fiel perro de la niña (otro toque característico de Rockwell) permanece a su lado durante este breve juego de simulación. Sotheby's

The Little Model is an exceptional example of Rockwell’s ability to capture the tender moments of childhood and adolescence with his sharp insight and characteristic humor. Here he depicts a young girl imitating the elegant pose of a fashion model whose image she studies from a well-worn poster that adorns the wall. The protagonist has done her best to emulate the model’s stylish attire as well, substituting her sophisticated fur stole for a tattered shawl and her chic feathered cap for a straw boater hat that has seen better days. The girl’s faithful dog—another characteristic Rockwell touch—stands by during this brief game of pretend. Sotheby's

The Saturday Evening Post, 2/6/1951
"Dos fontaneros / Two Plumbers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99,7 x 94 cm., 1951. Sotheby's

"Dos fontaneros" es una de las imágenes más abiertamente cómicas que el artista creó para la publicación. En ella, Rockwell representa a dos fontaneros toscos a los que se envía a arreglar las tuberías de un cuarto de baño que no se ve. Vestidos para la tarea que tienen entre manos y todavía con las herramientas de su oficio, los fontaneros han descubierto un tocador ornamentado con una sinfonía de volantes y tonos rosas. Intrigados por la variedad de objetos desconocidos pero tentadores que hay sobre la mesa, su curiosidad se apodera de ellos y, profesionalidad aparte, uno rocía a su compañero con lo que sin duda es un perfume caro. El dueño de la casa aún no ha regresado, pero la habitación está vigilada por un pequeño perro faldero que observa a los intrusos con desconfianza, reforzando la idea de que han entrado en un lugar al que realmente no pertenecen. Sotheby's

"Two Plumbers" is among the most overtly comedic images the artist created for the publication. Here Rockwell depicts two rough-and-tumble plumbers sent to attend to the pipes in an unseen bathroom. Dressed for the task at hand and still holding the tools of their trade, the plumbers have discovered a frilly boudoir, ornately decorated in a symphony of ruffles and shades of pink. Intrigued by the array of the unfamiliar yet tantalizing objects on the table, their curiosity gets the best of them and—professionalism thrown aside—one sprays his partner with what is undoubtedly expensive perfume. The owner of the home has not yet returned but the room is guarded by a small lapdog that watches the intruders suspiciously, reinforcing the idea that they have happened upon a place where they truly do not belong. Sotheby's

"Tom Sawyer Suite" (8 obras / 8 works)
Litografía en color sobre papel Arches / lithograph in color on Arches paper
64,8 x 50,2 cm., 1970-71. Ed. 47/200. MutualArt

En / In The Saturday Evening Post, 7/6/1924
"Hora de reemplazar los neumáticos, Muchacho y perro / Time To Re-tire, Boy And Dog"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 57,2 x 43,2 cm., 1924. Sotheby's

Campaña publicitaria para la compañía de neumáticos Fisk de Chicopee Falls, Masachusets /
Advertising Campaign for Fisk Tire Company of Chicopee Falls, Massachusetts

Norman Rockwell en su estudio de Arlington, pintando "Bendiciendo la mesa", aparecido en la portada de The Saturday Evening Post el 24 de noviembre de 1951 /
Norman Rockwell in his Arlington Studio painting Saying Grace which appeared on the cover on The Saturday Evening Post on Nov. 24, 1951
Fotógrafo desconocido / Photographer unknown.
Norman Rockwell Museum Digital Collections. © Norman Rockwell Family Estate / Norman Rockwell Museum

Norman Rockwell en "El Hurgador" / in this blog:
[Librofilia (X)], [Aniversarios (I)], [Recolección (XLVI)], [Sucedió en el museo (XI)], [Asonancias (XLII)]

Más sobre / More about Norman Rockwell: Wikipedia (Español), Wikipedia (English)
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La serie completa aquí / Full Series here


Libros de artista / Artist's Books (VIII) - Lisa Kokin, Ina Kaur, Pilar González, Sara Slipchinsky

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Octavo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

Eighth article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Lisa Kokin
(Mineola, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1954-)

Lisa Kokin con Austin, su asistente en el estudio / with Austin, her studio assistant

Lisa Kokin nació en Mineola, Nueva York, en 1954, y tiene una Licenciatura en Bellas Artes (1989) y un Máster en Bellas Artes, 1991, del Colegio de Artes y Oficios de California, Oakland.
Actualmente vive y trabaja en El Sobrante, California con su esposa Lia, tres asistentes caninos de estudio y la gata Bindi.
Es hija de tapiceros, cose todo lo que cae en sus manos, incluidos los libros desechados que rescata del centro de reciclaje local.
Kokin aporta una sensibilidad de fibra y un enfoque conceptual a una amplia gama de materiales. Su trabajo es a menudo un comentario sobre el mundo que la rodea, a menudo incorporando la antigua respuesta judía a la adversidad, el humor.
Ha recibido múltiples premios y comisiones, incluida una beca Eureka, una beca regional WESTAF/NEA, el premio por invitación Dorothy Saxe a la creatividad en las artes contemporáneas, la comisión de artes del condado de Alameda (múltiples lugares) y el arte público del Centro Cívico de Richmond Proyecto de Adquisiciones de Interiores. Su trabajo se encuentra en numerosas colecciones públicas y privadas, incluido el Boise Art Museum, el Buchenwald Memorial, di Rosa Preserve, Mills College, Kaiser Permanente San Francisco, Yale University Art Museum y Tiffany & El trabajo de Co. Kokin está representado por Seager Gray Gallery en Mill Valley, CA, Gail Severn Gallery en Ketchum, ID, Tayloe Piggott Gallery en Jackson, WY, The Arts Company en Nashville, TN y Mobilia Gallery en Cambridge, MA.

"Libro de rendición de cuentas Nº 1 / Book of Accountability #1"
Cobre, alambre, moneda triturada / copper, wire, shredded currency, 8" x 10" x 5", 2021



La biblioteca sin palabras (2020-2021)

«En la serie The Wordless Library, creo objetos conceptuales similares a libros cosiendo metal con mi vieja y destartalada máquina de coser Kenmore, de alrededor de 1975. Es inmensamente satisfactorio, incluso catártico, perforar el metal con mi máquina. Comienzo cada pieza sin una noción preconcebida de en qué se convertirá. Patino, pincho y perforo.
Las puntadas sin puntadas siguen líneas que recuerdan a texto; a veces incluso se agrupan en "palabras". Otras veces parece como si un animal los hubiera perforado, creando lagunas desiguales. Algunos son libros con páginas, ilegibles y repetitivos, formando líneas y patrones aleatorios, rígidos y minimalistas, artefactos de los tiempos que estamos viviendo.» L.K.

"Libro de enredos / Book of Entanglement"
Cobre, hilo / copper, thread, 6" x 7" x 3", 2021



«Los libros no tienen relieve. Para crear los agujeros utilizo una máquina de coser sin hilo. La costura desempeña un papel fundamental en mi trabajo. Mis padres eran tapiceros y aprendí a utilizar una máquina de coser a una edad temprana. Mi abuela materna era una inmigrante judía de Rumanía que trabajaba en una fábrica de corbatas en Nueva York cuando con 14 años llegó a Estados Unidos, a principios del siglo pasado. Llevo la costura en la sangre y es algo que me reconforta. Siento que me conecta con mis antepasados y con un linaje de mujeres que han cosido toda su vida.
No hago bocetos preliminares de las obras, trabajo espontáneamente. Acabo de empezar y ver qué pasa. A veces esto termina en desastre pero parezco ser capaz de rescatar los desastres, lo que me lleva por caminos que no había planeado y resultan sorpresas. Me encanta el proceso de cometer errores y luego "arreglarlos", terminando con algo completamente diferente de lo que había imaginado cuando comencé (¡si de hecho había imaginado algo!). Estoy muy interesada en el texto asémico, es decir, las imágenes que parecen un lenguaje pero que en realidad lo es.
Precisamente en estos libros utilizan texto asémico creado por una máquina de coser sin hilo. Luego coso alambre a través de algunos de los agujeros para crear un texto más asémico.
No hago bocetos preliminares; trabajo espontáneamente. Simplemente empiezo y veo qué pasa. A veces esto acaba en desastre, pero parece que soy capaz de rescatar los desastres, lo que me lleva por caminos que no había planeado y da lugar a sorpresas. Me encanta el proceso de cometer errores y luego "arreglarlos", terminando con algo completamente diferente de lo que había imaginado cuando empecé (¡si es que de hecho había imaginado algo!).
Me interesa mucho el texto asémico, es decir, la imaginería que parece un lenguaje pero que en realidad no lo es. Estos libros utilizan texto asémico creado con una máquina de coser sin hilo. Luego coso alambre a través de algunos de los agujeros para crear más texto asémico. La pieza de cobre tiene imperdibles que doblo para que parezcan figuras. Me gusta utilizar las nociones de costura como imágenes y no para el fin para el que fueron concebidas.
He viajado a varios países latinoamericanos y tengo conocimientos de español y portugués (brasileño). Cuando era más joven, trabajé por la solidaridad contra la intervención estadounidense en Chile, El Salvador y Nicaragua. Veo mi trabajo como un comentario social, pero evito ser didáctica. Quiero que la obra esté abierta a la interpretación; cada persona aporta su propia experiencia.» L.K.

"Por el momento, ser / For the Time, Being"
Cobre patinado, muelles de reloj / patinated copper, watch springs, 10" x 11.75" x 1", 2021


Lisa Kokin was born in Mineola, New York, in 1954, and has a BFA, 1989, and a MFA, 1991, from California College of Arts and Crafts, Oakland. 
Actuallity she lives and works in El Sobrante, California with her spouse Lia, three canine studio assistants and Bindi the cat.
Is daughter of upholsterers, she stitches everything she can get her hands on, including discarded books which she rescues from the local recycling center.
Kokin brings a fiber sensibility and a conceptual approach to a diverse array of materials. Her work is often a commentary on the world around her, often incorporating the age-old Jewish response to adversity, humor.
Has been the recipient of multiple awards and commissions, including a Eureka Fellowship, a WESTAF/NEA Regional Fellowship, the Dorothy Saxe Invitational Award for Creativity in Contemporary Arts, the Alameda County Arts Commission (multiple venues), and the Richmond Civic Center Public Art Interior Acquisitions Project. Her work is in numerous public and private collections, including the Boise Art Museum, the Buchenwald Memorial, the di Rosa Preserve, Mills College, Kaiser Permanente San Francisco, Yale University Art Museum, and Tiffany & Co. Kokin’s work is represented by Seager Gray Gallery in Mill Valley, CA, Gail Severn Gallery in Ketchum, ID, Tayloe Piggott Gallery in Jackson, WY, The Arts Company in Nashville, TN, and Mobilia Gallery in Cambridge, MA.

"Libro de tendencias oposicionales / Book of Oppositional Tendencies"
Cobre patinado, alambre, imperdibles / patinated copper, wire, safety pins, 6 x 28 cm., 2021



The Wordless Library (2020-2021)

«In The Wordless Library series, I make conceptual book-likevobjects by sewing on metal with my beat up old jalopy of a Kenmore sewing machine, circa 1975.  It is immensely satisfying, even cathartic, to puncture the metal with my machine. I start each piece without a preconceived notion of what it will become. I patinate, I puncture, and I perforate.
The stitchless stitches follow lines reminiscent of text; sometimes they are even grouped into “words.” Other times they look as though an animal has bored into them, creating uneven lacunae.  Some are books with pages, unreadable and repetitive, forming random lines and patterns, stark and minimalist, artifacts of the times we are living through.» L.K.

"Notas para mí misma / Notes to Myself"
Aluminum, wire / aluminio, alambre, 8.5" x 6.5" x 5.5", 2021



«The books are not embossed. To create the holes I use a sewing machine without thread. Sewing plays a major role in my work. My parents were upholsterers and I learned to use a sewing machine at an early age. My maternal grandmother was a Jewish immigrant from Romania who worked in a tie factory in New York when she came to the United States at the beginning of the last century at the age of 14. Sewing is in my blood and is something that I find very comforting. I feel that it connects me with my ancestors and with a lineage of women who have sewn all their lives.
I do not make preliminary sketches; I work spontaneously. I just start and see what happens. Sometimes this ends in disaster but I seem to be able to rescue the disasters, which takes me on paths I hadn't planned on and results in surprises. I love the process of making mistakes and then "fixing" them, ending up with something completely different from what I had imagined when I began (if in fact I had imagined anything!)
I am very interested in asemic text, ie., imagery that looks like a language but in reality is not. These books use asemic text created by a sewing machine without thread. I then stitch wire through some of the holes to create more asemic text. The copper piece has safety pins that I bend to look like figures. I like to use sewing notions as imagery and not for the purpose for which they were intended.
I am attaching a statement about the series which I call "The Wordless Library." I made these pieces during the worst part of the pandemic when I felt that there were no more words to describe anything. We were also living with a terrible government that spread lies and manipulations about the pandemic and about wearing masks and getting vaccinated. Words seemed meaningless.
I am also attaching a short bio and a photo of me with my canine studio assistant, Austin. Additionally, I have included a general statement that I wrote years ago about making books.
I was born in Mineola, New York, a suburb of Manhattan, in 1954. Since 1973 I have lived in or near San Francisco, California. I have traveled to a number of Latin American countries and have a working knowledge of Spanish and Portuguese (Brazilian). When I was younger I did solidarity work against U.S. intervention in Chile, El Salvador and Nicaragua. I see my work as social commentary but I avoid being didactic. I want the work to be open to interpretation; each person brings their own experience to the work.» L.K.

"Mapa mental / Mind Map"
Cobre, alambre, hilo / copper, wire, thread, 8" x 12" x 2.5", 2021



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Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Lisa!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Lisa!)
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Ina Kaur
(नई दिल्ली, भारत गणराज्य / Nueva Delhi / New Delhi, India, 1980-)

Ina Kaur

Ina Kaur es una motivada creadora indo-estadounidense. Trabaja con materiales y comunidades para crear obras de arte y conexiones como profesional activa. Es grabadora de formación y, con el paso del tiempo, ha ido incluyendo diversos trabajos interdisciplinares para explorar la creación de marcas y ampliar los límites de los materiales. Su práctica artística sigue basándose en la tradición del estudio riguroso.
La necesidad de localizar, descodificar y conectar con el yo interior y el mundo exterior es fundamental para su obra en un entorno global, político, ecológicamente desequilibrado y socialmente desigual e injusto. La obra de Kaur es una amalgama de muchas influencias, y expresa de forma abstracta la esencia de la existencia cotidiana, alternando realidades y preocupaciones contrapuestas.
Además de su trabajo de estudio, su interés se extiende a la pedagogía y el comisariado. Le apasiona desarrollar nuevas iniciativas, implementar proyectos para comprometerse con la comunidad y participar en prácticas receptivas.
A partir de septiembre de 2018, Ina Kaur fue honrada como ganadora del Premio de Voz Emergente 2018 en nombre del Colegio de Artes Liberales de la Universidad de Purdue. "Desde 2007, la Junta de Ex Alumnos del Colegio de Artes Liberales y la Asociación de Ex Alumnos de Purdue han estado honrando a jóvenes ex alumnos del Colegio de Artes Liberales que están logrando con éxito sus objetivos profesionales, sirviendo a sus comunidades y representando al Colegio como graduados que piensan ampliamente y lideran con audacia."
Trabaja en su estudio InkSpace.

"Laminado viridiscente / Viridescent Lain"
Papel hecho a mano, cáñamo, hilo rojo de algodón, calcografía /
handmade paper, hemp, cotton red thread, intaglio print
Tamaño variable (objeto pequeño) / size variable (small object), 2016


«Viridiscente significa verdoso o que se vuelve verde. Aprecié esta fase de transición del verde (de claro a oscuro) y me pregunté sobre qué
dirección tomaría. El libro tiene forma de disco o rueda, que avanza o retrocede. La forma escultórica del libro de artista, con sus páginas grabadas y encuadernadas con cáñamo con marcas lineales, rudimentarias y continuas, rechaza lo "auténtico" al abarcar múltiples realidades.
La obra de "Laminado viridiscente" pertenece al proyecto "Medio híbrido", que intenta desdibujar los límites entre medios y materiales, y se compromete en un discurso interdisciplinar. Estas asociaciones visuales triviales y profundas tienen potencial para interpretaciones privadas y compartidas. Reflejan los diversos puntos de contacto que he experimentado al explorar mi identidad híbrida. Los procesos físicos del dibujo y el grabado imitan la exploración de mi historia intercultural. Las obras en técnica mixta reúnen las ideas de nuestra compleja pero básica necesidad de coexistir. Exploran y representan el continuo de la negociación intercultural y fomentan la colaboración y la comunidad.» I.K.


«The Viridescent means greenish or becoming green. I appreciated this transitional phase of green (light to dark) and wondered which
direction it was heading. The book is in the form of a disc or a wheel, either moving forward or backward. A sculptural artist's book form, its etched pages bounded with hemp with linear, rudimentary, continual markings, rejects the 'authentic' as it embraces multiple realities.
Viridescent lain's work is from the project "Hybrid Medium." It attempts to blur the boundaries between mediums and materials and engages in interdisciplinary discourse. These trivial and profound visual associations have the potential for private and shared interpretations. They mirror the various points of contact I have experienced in exploring my hybrid identity. The physical processes of drawing, engraving, and printmaking mimic my exploration of my cross-cultural history. The mixed media works bring together the ideas of our complex yet basic need to coexist. It explores and represents the continuum of cross-cultural negotiation and fosters collaboration and community.» I.K.


"Escencia interna / Internal Essence"
Papel hecho a mano, aguafuerte a color (impresa por ambos lados) / 
handmade paper, color etching (printed on both sides)
Diám. 5", varias páginas / numerous pages, 2011


Ina Kaur is an Indo-American driven maker. She engages with materials and communities to make artwork and connections as an active practitioner. She is a trained printmaker and, over time, has grown to include various interdisciplinary works to explore mark-making and expanding material boundaries. Her studio practice continues to be grounded in the tradition of rigorous studio engagement.
Living in these heightened global, political, ecologically imbalanced, and socially unequal and unjust environments, the need to locate, decode, and connect with one's inner self and the exterior world is central to her oeuvre. Kaur's work is an amalgamation of many influences. Kaur's work abstractly expresses the essence of daily existence, alternating between competing realities and concerns.
In addition to her studio practice, her interest extends to pedagogy and curation. She is passionate about developing new initiatives, implementing projects to engage with the community, and participating in responsive practices.
As of September 2018, Ina Kaur was honored as a 2018 Emerging Voice Award recipient on behalf of the College of Liberal Arts at Purdue University. "Since 2007 the College of Liberal Arts Alumni Board and the Purdue Alumni Association have been honoring young alumni from the College of Liberal Arts who are successfully achieving their career goals, serving their communities, and representing the College as graduates who think broadly and lead boldly."
She works out of her studio InkSpace.

"Sanguina / Sanguine"
Papel hecho a mano, hilo de algodón blanco, calcografía /
handmade paper, white cotton thread, intaglio print
Tamaño variable (objeto pequeño) / size variable (small object), 2016



"Cochinilla / Cochineal"
Papel hecho a mano, hilo de algodón blanco, calcografía /
handmade paper, white cotton thread, intaglio print
Tamaño variable (objeto pequeño) / size variable (small object), 2016



Más sobre / More about Ina Kaur: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Ina!)
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Pilar González
(Montevideo, Uruguay, 1955-)

Pilar González. Foto / Photo: Y. Rasmussen

Pilar González es una artista uruguaya nacida en 1955, de cuya vida y obra nos ocupamos en profundidad en una serie de cuatro artículos publicados en diciembre de 2020 (ver enlaces más abajo).
En esta oportunidad incorporamos su aporte en forma de libros de artista, con un par de trabajos realizados en ocasión de la exposición  "Homenaje a Onetti, un año después", que se presentó en el Subte Municipal de Montevideo en 1994.

Juan Carlos Onetti es un reconocido escritor uruguayo nacido en 1909 en Montevideo.
Escribió 11 novelas, 47 relatos, por lo menos 116 ensayos y 3 poemas. Padrino oculto e inquietante de la literatura latinoamericana del siglo XX, recibió el Premio Cervantes 1980.
Ha escrito obras que se cuentan entre la mejor literatura en lengua española del siglo XX. Santamaría fue el universo inconfundible en  que transcurre buena parte de su narrativa que se caracteriza por un estilo virtuoso, denso, moroso y esteticista.
Tras la publicación de las novelas El pozo (1939) y Tierra de nadie (1942), que presentan una visión sombría de las grandes urbes contemporáneas, aparecieron La vida breve (1950), El astillero (1961) y Juntacadáveres (1964), sus mejores novelas, que retratan un mundo decadente repleto de personajes aislados y fracasados. 
Cultivó también el relato: El infierno tan temido (1962), Cuentos completos (1974), Dejemos hablar al viento (1979) Premio de la crítica española 1980, Para esta noche (1978), Los adioses (1980) y La novia robada (1980). Sus personajes fracasan en su aventura vital y se entregan a un monólogo descreído y amargo. Sólo existen dos posibilidades de liberación: el erotismo y los mecanismo de la ilusión, pero también aquí se impone el fracaso, porque el erotismo se deteriora y los mecanismos ilusorios, que desdoblan la vida del personaje, desembocan en el sarcasmo. 
Murió en Madrid, España, en 1994.

"Y basta para mí / And Enough For Me"
Técnica mixta sobre libro
(hojas de libro, papel seda, hilos, palitos, utilizando el libro como soporte) /
mixed media on book
(book leaves, tissue paper, threads, sticks, using the book as a medium)


Pilar González is an Uruguayan artist born in 1955, whose life and work we dealt with in depth in a series of four articles published in December 2020 (see links below).
In this opportunity we incorporate her contribution in the form of artist's books, with a couple of works made on the occasion of the exhibition "Homage to Onetti, one year later", which was presented at the Municipal Subway of Montevideo in 1994.

Juan Carlos Onetti is a renowned Uruguayan writer born in 1909 in Montevideo.
He wrote 11 novels, 47 short stories, at least 116 essays and 3 poems. A hidden and disturbing godfather of 20th century Latin American literature, he received the Cervantes Prize in 1980.
He has written works that are among the best Spanish-language literature of the twentieth century. Santamaría was the unmistakable universe in which much of his narrative takes place, characterized by a virtuous, dense, morose and aestheticizing style.
After the publication of the novels The Pit (1939) and No Man's Land (1942), which present a somber vision of the great contemporary cities, appeared A Brief Life (1950), The Shipyard (1961) and Body Snatcher (1964), his best novels, which portray a decadent world full of isolated and unsuccessful characters. 
He also wrote short stories: The Long-feared Hell (1962), Complete stories (1974), Let the Wind Speak (1979), Spanish Critics Award 1980, For This Night (1978), Los adioses (1980) and The Stolen Bride (1980). His characters fail in their vital adventure and give themselves up to a disbelieving and bitter monologue. There are only two possibilities of liberation: eroticism and the mechanisms of illusion, but here too failure is imposed, because eroticism deteriorates and the illusory mechanisms, which unfold the character's life, lead to sarcasm. 
He died in Madrid, Spain, in 1994.

"Confesiones de un lector / Confessions of a Reader"
Técnica mixta sobre libro
(hojas de libro, papel seda, hilos, palitos, utilizando el libro como soporte) /
mixed media on book
(book leaves, tissue paper, threads, sticks, using the book as a medium)


Juan Carlos Onetti es un reconocido escritor uruguayo nacido en 1909 en Montevideo.
Escribió 11 novelas, 47 relatos, por lo menos 116 ensayos y 3 poemas. Padrino oculto e inquietante de la literatura latinoamericana del siglo XX, recibió el Premio Cervantes 1980.
Murió en Madrid, España, en 1994.

Juan Carlos Onetti is a renowned Uruguayan writer born in 1909 in Montevideo.
He wrote 11 novels, 47 short stories, at least 116 essays and 3 poems. A hidden and disturbing godfather of 20th century Latin American literature, he received the Cervantes Prize in 1980.
He died in Madrid, Spain, in 1994.

Juan Carlos Onetti en "El Hurgador" / in this blog:
Pilar González en "El Hurgador" / in this blog:

Más sobre / More about Pilar González: facebookWikipediaMNAV

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Sara Slipchinsky
(Buenos Aires, Argentina, 1947-)

Sara Slipchinsky. Expo Punta Arte Internacional, Punta del Este (Uruguay), 2016

Sara Slipchinsky es una artista visual, psicóloga y psicoanalista argentina, nacida en 1947 en Buenos Aires, donde vive y trabaja.
Trabaja por series y con variedad de técnicas: grabado, objetos, libros de artista, y también investiga las posibilidades del papel incorporado a la realización de su obra textil.
Ha expuesto en muestras individuales y colectivas desde 2003 a la fecha en galerías, museos y ferias artísticas.
Premios: 2do Premio Obra Textil en Bolsa de Comercio (2016); 3er Premio Grabado con intervención textil en C.A.A.T (2016); 1er Premio Feria Internacional de Arte en Punta del Este (Uruguay 2016); Mención honorífica - Premio Carmen Arozena (Madrid 2013); Mención Salón Minitextil (2012) en C.A.A.T; 1er Premio Símbolos Patrios (2010); 3er Premio Salón Minitextil (2010); 2do Premio en Pintura, Secretaría de Turismo de Vicente López y Dimensión (2010); Mención en objeto: Bienal siglo XXI (2004); 1er Premio en Objeto en Arte y Dimensión (2003)

"En el principio fue el verbo / In The Beginning Was The Verb"
Litografía y fotograbados / lithography and photoengraving
Medidas de la caja / box size: 36 x 27 cm.
Medida de la página desplegada (impresa de ambos lados) /
size of the unfolded page (printed on both sides): 224 cm., 2004. Ed.10




Sara Slipchinsky is an Argentine visual artist, psychologist and psychoanalyst, born in 1947 in Buenos Aires, where she lives and works.
She works in series and with a variety of techniques: engraving, objects, artist's books, and also investigates the possibilities of paper incorporated into the realization of her textile work.
She has exhibited in solo and group shows since 2003 to date in galleries, museums and art fairs.
Awards: 2nd Prize Textile Work in Bolsa de Comercio (2016); 3rd Prize Engraving with textile intervention in C.A.A.T (2016); 1st Prize International Art Fair in Punta del Este (Uruguay 2016); Honorable Mention - Carmen Arozena Award (Madrid 2013); Mention Minitextil Salon (2012) in C. A.A.T; 1st Prize in National Symbols (2010); 3rd Prize Salón Minitextil (2010); 2nd Prize in Painting, Secretary of Tourism of Vicente López and Dimension (2010); Mention in Object: Biennial XXI Century (2004); 1st Prize in Object in Art and Dimension (2003).




Sara Slipchinsky trabajando en su estudio / at work in her studio

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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
 
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Libros de artista / Artist's Books (IX) - Maria Lai, María José Vañó, Silvia Della Maddalena

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Noveno artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

Ninth article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Maria Lai
(Ulassai, Cerdeña, Italia / Sardinia, Italy, 1919 - Cardedu, 2013)

Maria Lai

María Lai nació el 27 de septiembre de 1919 en Ulassai Italia y murió en Cardedu el 16 de abril de 2013 a los 93 años de edad. Representa una de las figuras femeninas más importantes de la historia del arte italiano de la segunda mitad del siglo XX.
La artista dibujó sus historias personales en libros cosidos, esculturas de pan y mapas inventados.
Sus palabras y sus tiempos de escucha, el silencio que se produce en la conversación con el otro, son tentativas de entrelazar realidades, de generar un arte como parte plena de la vida. La acción de tejer, que la artista definía como una actividad horizontal y no pretenciosa (femenina esencialmente) era la vía para crear una red que comunicara a través de acciones que requieren de otras temporalidades: jugar, remendar, relatar, bordar… El juego, el lenguaje, el paisaje, el mito, son partes de la trama y la urdimbre de esta gran comunidad universal en la que ella creía.

"Passeri / Gorriones / Sparrow"

Libro de artista / Artist's Book, 2008

Foto / Photo: Giorgio Dettori. Mostre © Archivio Maria Lai

SH Magazine © Archivio Maria Lai

"Chiaro di luna / Claro de luna / Moonlight"

Libro en tela bordada, 25 × 34,5 cm / Embroidered Fabric Book, 9 4/5"× 13 3/5", 1998
Foto / PhotoArtsy

Maria Lai was born on September 27, 1919 in Ulassai Italy and died in Cardedu on April 16, 2013 at the age of 93. She represents one of the most important female figures in the history of Italian art of the second half of the twentieth century.
The artist drew her personal stories in sewn books, bread sculptures and invented maps.
Her words and her listening times, the silence produced in conversation with the other, are attempts to interweave realities, to generate an art as a full part of life. The action of weaving, which the artist defined as a horizontal and unpretentious activity (essentially feminine) was the way to create a network that communicates through actions that require other temporalities: playing, mending, recounting, embroidering... Play, language, landscape, myth, are part of the weft and warp of this great universal community in which she believed.

"Sin título / Untitled"
Hilo, tela, témpera / Thread, fabric, tempera, 32 x 26 x 4 cm., c.2002
Colección privada / Private Collection
Foto / Photo: Giorgio Dettori, Artishock © Archivio Maria Lai by SIAE 2020

"Tenendo per mano il sole / De la mano del sol
Holding The Sun By The Hand"

Hilo, tela, terciopelo / thread, cloth, velvet, 33 x 63 cm., 1984-2004
Foto / Photo: Artsupp© Archivio Maria Lai

"Uno dei fili / Uno de los hilos / One Of The Threads"

Libro compuesto por 16 xerografías bordadas con hilo, 11,5 × 15,5 cm. /
Book consisting of 16 xerographies embroidered with thread, 4 1/2"× 6 1/10", 1988. Ed. 19/50
Studio Bocchi, Roma / Rome
La artissta intervino manualmente en cada copia individual /
The artist intervened manually on each individual copy
Dedicado por la artista a / Dedication of the artist to Lamberto Pignotti. Artsy

"Dall'Ultimo Diario di / Del último diario de /
From the Last Diary of Teresa Mundula"

Libro bordado, 19 × 31 × 3 cm. / Embroidered book, 7 1/2"× 12 1/5"× 1 1/5", 1980. Artsy


"Il mare ha bisogno di fichi / El mar necesita higos /
The Sea Needs Figs"

Tela e hilo / fabric and thread, 1996
Collezione / Colección / Collection Stazione dell’arte Ulassai

"Legarsi alla montagna / Vínculo con la montaña / Binding To The Mountain", 1981
Marcador sobre impresión fotográfica / marker on photographic print. Piero Berengo Gardin

En 1981, la artista invitó a sus vecinos a trabajar juntos para crear una obra colectiva a gran escala que volviera a unir los vínculos interpersonales y los inconscientes y ancestrales entre el tejido urbano y el territorio circundante. Durante esta acción comunitaria, "Legarsi alla montaña", inspirada en una antigua leyenda local, Lai, con la ayuda de los habitantes del pueblo, ató todas las puertas, calles y casas con unos 27 kilómetros de cintas de tela celeste. La operación material duró tres días: el primer día que se cortaron las telas, el segundo día que se distribuyeron y el tercer día que se ataron. La iniciativa fue aceptada después de que se estableciera un código que indicara claramente las relaciones entre los vecinos. Un nudo entre las casas significaba amistad, la ausencia de un nudo, rivalidad, y si se agregaba un pan, amor. La cinta que atravesaba todo el pueblo fue llevada por tres escaladores hasta el Monte Tisiddu donde culminó la acción. Pueblo y montaña quedaron atados.

In 1981, the artist invited her neighbors to work together to create a large-scale collective work that would re-unite the interpersonal and the unconscious and ancestral links between the urban fabric and the surrounding territory. During this community action, "Legarsi alla montaña", inspired by an ancient local legend, Lai, with the help of the villagers, tied all the doors, streets and houses with about 27 kilometers of light blue fabric ribbons. The material operation lasted three days: the first day the cloth was cut, the second day it was distributed and the third day it was tied. The initiative was accepted after a code was established to clearly indicate the relationships between neighbors. A knot between the houses meant friendship, the absence of a knot, rivalry, and if a loaf of bread was added, love. The ribbon that crossed the entire village was carried by three climbers to Mount Tisiddu where the action culminated. Village and mountain were tied together.

"Enciclopedia Pane / Enciclopedia de pan / Bread Encyclopedia"

Libros A y Z / Books A and Z., 2008 Foto / Photo: Victoria I. Cardiel. Alfa & Omega


"Senza titolo / Sin título / Untitled"

Hilo, tela / thread, fabric, 18 x 16 cm., 1991
Foto / Photo: Giorgio Dettori © Archivio Maria Lai. AWARE

"Tenendo per mano l'ombra / De la mano de la sombra /
Holding Hands With The Shadow"

Libro con alambres de colores / Book with colored wires, 26 x 26 cm., 1987
Editore AD Arte Duchamp, Cagliari 1995. Artsy


"Senza titolo / Sin título / Untitled"

Papel, xerografías, tinta y hilo bordado, 7,5 × 11,3 × 0,9 cm. /
paper, xerographs, ink and embroidery thread, 3"× 4 2/5"× 2/5", 1984

"Libro scalpo / Libro cabellera / Book Scalp"

Collezione / Colección / Collection Stazione dell’Arte, 1990
Ph. E. Loi, S. Melis, Arasolè, Cortesía / Courtesy Fondazione Stazione dell’Arte. Exibart

"Libro scalpo / Libro cabellera / Book Scalp"

Técnica mixta sobre papel, 27 3/5"× 19 7/10" / mixed media on paper, 70 × 50 cm., 1978. Artsy

"Libro delle formiche / Libro de las hormigas / Ant Book"

Tela e hilo / fabric and thread, 1991-1992
Cerrado / Closed: 21 x 15,2 x 2,5 cm. - Abierto / Open: 21 x 29,2 x 2,5 cm. Marianne Boesky Gallery

"Maria Pietra"

Hilo, tela / thread, fabric, 35 x 32 cm., 1991. Artishock Colección privada / Private Collection
Foto / Photo: Giorgio Dettori © Archivio Maria Lai

Maria Lai. Foto / Photo: Elisabetta Loi © Archivio Maria Lai. Fondazione Stazione dell'Arte

Más sobre / More about Maria Lai: Archivio Maria Lai, Wikipedia
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María José Vañó
(Bocairent, Valencia, España / Spain, 1967-)

María José Vañó

María José Vañó nació en 1967 en Valencia, España, donde actualmente vive y trabaja.
Es Doctora en Derecho y Profesora Titular de Universidad del Departamento de Derecho Mercantil "Manuel Broseta Pont" de la Universitat de València.
De formación autodidacta, la pintura y el dibujo siempre han jugado un papel esencial en su vida y hasta los quince años desarrolló la pintura al óleo. En 2018 retoma de manera habitual la que ha sido siempre su pasión, la pintura, centrándose en la técnica de acuarela que le permite realizar sus composiciones con una técnica rápida, impulsiva y temperamental, a base de pinceladas de color sueltas y vigorosas.
Aunque en un primer momento desarrolló sus habilidades en el ámbito de la botánica, su técnica ha ido evolucionando exponencialmente, y actualmente se centra en el control de las aguadas para formar transparencias y dar luminosidad a sus paisajes. 
A lo largo de estos años ha participado en numerosas exposiciones colectivas de carácter nacional e internacional y ha presentado varias exposiciones individuales. En el caso de las segundas, el lema que vertebra las mismas es compartir con el público sus vivencias más allá de su actividad como profesora de derecho en la Universidad de Valencia.
María José Vañó trabaja cuatro líneas argumentales que son el reflejo de su experiencia vivida a lo largo de los años. La botánica y la "locura de las flores", la naturaleza, que incluye bosques y el mar, y por último la ciudad. En cada una de ellas se refleja su manera de ser y de expresar sus experiencias que las comparte generosamente con los espectadores de sus obras.  
La característica fundamental de la obra de María José Vañó es la consecución de maravillosos contrastes lumínicos que combina con un uso provocativo y vitalista del color. Sus rápidas pinceladas en la ejecución nos ofrecen una atmósfera muy especial a todos los paisajes.

"Flores desestructuradas / Unstructured Flowers"

18 hojas / sheets, Sennelier 10 x 15 cm.

18 hojas / sheets, Sennelier 10 x 15 cm.

"Bosque / Forest"

18 hojas / sheets. Hahnemühle

"Ciudad / City"

18 hojas / sheets. Hahnemühle

María José Vañó was born in 1967 in Valencia, Spain, where she currently lives and works.
She holds a PhD in Law and is a Professor at the Department of Commercial Law "Manuel Broseta Pont" of the University of Valencia.
Self-taught, painting and drawing have always played an essential role in her life and until the age of fifteen she developed oil painting. In 2018 she regularly resumes what has always been her passion, painting, focusing on the watercolor technique that allows her to make her compositions with a fast, impulsive and temperamental technique, based on loose and vigorous color brushstrokes.
Although at first she developed her skills in the field of botany, her technique has evolved exponentially, and currently focuses on the control of watercolors to form transparencies and give luminosity to her landscapes. 
Throughout these years she has participated in numerous national and international group exhibitions and has presented several solo exhibitions. In the case of the latter, the motto that vertebrates them is to share with the public her experiences beyond her activity as a professor of law at the University of Valencia.
María José Vañó works on four plot lines that are a reflection of her experience over the years. Botany and the "madness of flowers", nature, which includes forests and the sea, and finally the city. Each of them reflects her way of being and expressing her experiences, which she generously shares with the viewers of her works.  
The fundamental characteristic of María José Vañó's work is the achievement of marvelous light contrasts that she combines with a provocative and vitalistic use of color. Her quick brushstrokes in the execution offer us a very special atmosphere to all the landscapes.

"Flores desestructuradas / Unstructured Flowers"

18 hojas / sheets, Sennelier 21 x 12 cm.

.18 hojas / sheets, Sennelier 21 x 12 cm.

18 hojas / sheets, Sennelier 21 x 12 cm.

18 hojas / sheets, Sennelier 21 x 12 cm.

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Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, María José!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, María José!)
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Silvia Beatriz Della Maddalena
(Morón, Provincia de Buenos Aires /
Buenos Aires Province, Argentina, 1961-)

Silvia Della Maddalena

Silvia Della Maddalena es una artista argentina de cuya vida y obra nos ocupamos en profundidad gracias a la entrevista que Shirley Rebuffo nos presentó hace un par de años (enlaces más abajo). 

"Las manos-cuenco de neblina / The Hands-bowl Of Mist"

Libro de artista Textil / Textile Artist's Book
Lienzo de algodón y gasas teñidas, estampado xilográfico sobre gasa, avíos y bordados /
cotton canvas and dyed gauze, woodcut print on gauze, trimmings and embroidery
Desplegado / unfolded: 146 x 74 cm., 2018

Silvia Della Maddalena is an Argentine artist whose life and work we dealt with in depth thanks to the interview Shirley Rebuffo posted a couple of years ago (links below).



Silvia della Maddalena en "El Hurgador" / in this blog[Silvia Della Maddalena (I)], [Silvia Della Maddalena (II)]

Más sobre / More about Silvia Della Maddalena: Tumblrfacebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Silvia!)
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
 
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Libros de artista / Artist's Books (X) - Daniela Méndez Guerrero, Rodolfo Torres

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Dácimo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

Tenth article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Daniela Méndez Guerrero
(Risso, Soriano, Uruguay, 1969-)

Daniela Méndez Guerrero. Fotos / Photos: Daniel Méndez Guerrero

Daniela Méndez nació el 10 de febrero de 1969 en Risso, departamento de Soriano, Uruguay.
Desde niña estuvo rodeada de arte y creación artística en su entorno familiar. A los 16 años se traslada a Mercedes, capital del departamento, a fin de terminar sus estudios secundarios. Allí asiste a clases de dibujo, pintura y cerámica en la Casa de la Cultura.
Más adelante comienza sus estudios de Profesorado de Comunicación Visual en el Instituto de Profesores Artigas, en Montevideo.
A los 21 años viaja a España y alterna el trabajo con la asistencia a talleres de Dibujo (Cádiz), y Fotografía y restauración de muebles (Santiago de Compostela).
En Santiago de Compostela reside durante 8 años. Allí tiene la oportunidad de trabajar en el Proyecto “Ferradura Aberta” del Ayuntamiento de Compostela en el taller de cerámica para niños.
Es además docente durante 5 años en el Colegio Manuel Peleteiro.
Ya en su retorno a Uruguay comienza a trabajar en la Casa de la Cultura como docente del taller de Dibujo y pintura, y en Enseñanza Secundaria como docente de Comunicación Visual.
Su obra se encuentra en Chile, Israel, España y Uruguay, habiendo realizado exposiciones individuales y colectivas en estos dos últimos países.

"Bichos / Bugs"
Acrílico, vidrio liquido, tinta y cera / acrylic, liquid glass, ink and wax, 29 x 40 x 2 cm., 2023
Colección de / Collection of Shirley Rebuffo. Fotos / Photos: Flavio Presutti



"La idea es rescatar los libros y algún objeto. En este caso el taco de imprenta forma parte de una colección que me regaló un profesor de dibujo hace años, los cuido y conservo pero me gusta incorporar alguno cada tanto. La tela del lomo la rescaté del interior de un sobretodo de mi abuelo, así que va con carga emotiva también. Forma parte del valor increíble de esos sastres de antes, que hacían un trabajo exquisito y delicado, sin dudas". DMG



"The idea is to rescue books and some objects. In this case, the printing block is part of a collection that a drawing teacher gave me years ago, I take care of them and keep them but I like to incorporate some from time to time. I rescued the fabric of the spine from the inside of one of my grandfather's overcoats, so it is also emotionally charged. It is part of the incredible value of those tailors of yesteryear, who did exquisite and delicate work, without a doubt". DMG


"Zoología / Zoology"
Tinta, acrílico y resina / ink, acrylic and resin, 26 x 35 x 12 cm., 2018


"Escape"
Tinta, acrílico y resina / ink, acrylic and resin, 26 x 35 x 12 cm.


"Escape" (obra en proceso / work in progress)

"Escape" (obra en proceso / work in progress)

"Escape" (detalle / detail)

"La construcción de estos libros de arte, forma parte de un proceso y búsqueda expresiva de mis últimos años de trabajo.
Estos libros, descartados por obsoletos (guías, anuarios y textos sustituídos por nuevas versiones), me han permitido un acercamiento a un soporte que fluctúa entre lo bi y lo tridimensional, en un espacio enriquecido por la textura y el volumen, dándoles una segunda oportunidad, perpetuando la vida transmutada de cada uno de ellos.
Comienzo por un proceso de selección y de preparación. Después humedezco los textos, muchas veces dejando que la lluvia sea la protagonista, para luego trabajar con cola vinílica contribuyendo así al moldeado y la fijación de las hojas, haciendo que cada libro se transforme en un único objeto, donde solo es posible visualizar una página, las demás quedan fijas, inmóviles reteniendo las historias. En algunos casos los cortes que hago llevan a explorar el "interior", creando espacios desde donde surgen elementos vegetales e insectos que se modifican o emergen haciendo referencia a una mutación permanente.
La estructura del libro permite abordarlo desde diferentes ángulos y el trabajo se enriquece con la mezcla de los diversos materiales: resinas, ceras, tintas.
Los textos trasladan al observador a descubrir algunas palabras reconocibles y otras que se pierden o vuelven ilegibles; quien intente leer podrá imaginar historias, reflexiones, cuentos, aunque en su mayoría pierden claridad para que la revelación se transforme en una verdadera interpretación singular, acompañados también de la experiencia táctil, tangible, que forma parte de cada libro". DMG

"Vacaloura 1 / Ciervo volante 1 / European Stag Beetle 1"
Tinta, acrílico y resina / ink, acrylic and resin, 26 x 34 x 6 cm.



"Alguna Cenicienta / Some Cinderella"
Tinta y acrílico / ink and acrylic, 28 x 35 x 12 cm.


"Escaravellos / Escarabajos / Beetles"
tinta, acrílicos y resina / ink, acrylics and resin, 34 x 42 cm.


"Escaravellos" (detalle / detail)

Daniela Méndez was born on February 10, 1969 in Risso, department of Soriano, Uruguay.
Since she was a child she was surrounded by art and artistic creation in her family environment. At the age of 16 she moved to Mercedes, capital of the department, in order to finish her high school studies. There she attended drawing, painting and ceramics classes at the Casa de la Cultura (Culture House).
Later on she begins his studies of Visual Communication at the Instituto de Profesores Artigas, in Montevideo.
At the age of 21 she travels to Spain and alternates her work with drawing workshops (Cadiz), and photography and furniture restoration (Santiago de Compostela).
She lived in Santiago de Compostela for 8 years. There she has the opportunity to work in the "Ferradura Aberta" (Open Horseshoe) Project of the City Council of Compostela in the ceramics workshop for children.
She was also a teacher for 5 years at the Manuel Peleteiro School.
Upon her return to Uruguay, she began to work at the Casa de la Cultura as a teacher in the Drawing and Painting workshop, and in Secondary Education as a teacher of Visual Communication.
Her work can be found in Chile, Israel, Spain and Uruguay, having had solo and group exhibitions in the latter two countries.

"Escaravello roxo / Escarabajo rojo / Red Beetle"
Tintas, acrílicos y resina / inks, acrylics and resin, 10 x 12 cm.


"Sin título / Untitled"
Acrílico y tinta / acrylic and ink, 24 x 36 cm.


"Sin título" (detalle / detail)

"Sin título / Untitled"
Acrílicos, tinta, pocelana y resina / acrylics, ink, porcelain and resin, 28 x 32 x 7 cm.


"Sin título" (detalle / detail)

"En algún lugar / Somewhere"
Acrílico y tinta / acrylic and ink, 36 x 42 x 5 cm.


"En algún lugar" (detalle / detail)

"En algún lugar" (obra en proceso / work in progress)

"The construction of these art books is part of a process and expressive search of my last years of work.
These books, discarded as obsolete (guides, yearbooks and texts replaced by new versions), have allowed me an approach to a support that fluctuates between the two- and three-dimensional, in a space enriched by texture and volume, giving them a second chance, perpetuating the transmuted life of each one of them.
I begin with a process of selection and preparation. Then I wet the texts, often letting the rain be the protagonist, and then I work with vinyl glue, thus contributing to the molding and fixing of the pages, making each book become a single object, where it is only possible to visualize one page, the others remain fixed, immobile, retaining the stories. In some cases the cuts I make lead to explore the "inside", creating spaces from where vegetable and insect elements emerge and modify or emerge, making reference to a permanent mutation.
The structure of the book allows to approach it from different angles and the work is enriched by the mixture of different materials: resins, waxes, inks.
The texts lead the observer to discover some recognizable words and others that are lost or become illegible; those who try to read can imagine stories, reflections, tales, although most of them lose clarity so that the revelation becomes a true singular interpretation, accompanied also by the tactile, tangible experience that is part of each book". DMG

"Vacaloura azul / Ciervo volante azul / Blue European Stag Beetle"
Acrílico, tinta y resina / acrylic, ink and resin, 26 x 32 cm.


"Vacaloura azul" (obra en proceso / work in progress)

La artista trabajando en / The artist at work in"Vacaloura azul"

La artista trabajando en / The artist at work in "Vacaloura azul"

"Vacaloura azul" (detalle / detail)

"Vacaloura azul" (detalle / detail)

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Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Daniela!)
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Rodolfo Torres
(Santa Lucía, Canelones, Uruguay, 1951-)

Rodolfo trabajando / at work. Foto / Photo: Atilio Dutruel Victora

Rodolfo Torres es un artista uruguayo especializado en el collage, cuya obra nos presentó ya Shirley en una entrevista publicada en dos posts el año pasado (enlaces más abajo). Este es su libro de artista.

Rodolfo Torres is an Uruguayan artist specializing in collage, whose work Shirley already introduced us to in an interview published in two posts last year (links below). This is his artist's book.

"El libro de los atados / The Book Of Bundles"
Cartón gris de 2 mm y cartulina Fedrigoni Color Plus /
Grey cardboard 2 mm and Fedrigoni Color Plus card, 70 x 22 cm., 2019


Ante la posible / novedad de vacíos voy /
separando cada momento luminoso en breves atados / día a día en la vida.


In view of the possible / novelty of voids /
I go separating each luminous moment into brief bundles / day by day in life.

Rodolfo Torres en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (LXVII-1)], [Uruguayos (LXVII-2)]

Más sobre / More about Rodolfo TorresBlogfacebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Rodolfo!)
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
 
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Libros de artista / Artist's Books (XI) - Linda Harvey, José María Pelayo

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Nuevo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

New article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Los libros de artista son una forma de expresión artística en la cual los artistas utilizan el formato del libro para crear obras de arte que dentro de este formato pueden tener ciertas variantes ya que estos libros van más allá de ser meramente contenedores de texto e imágenes al incorporar elementos visuales, materiales y conceptuales que los convierten en obras de arte completas.

Los Cuadernos de bocetos pueden ser una de esas variantes. Estos cuadernos contienen bocetos, dibujos, anotaciones y exploraciones visuales realizadas por el artista. A menudo, los artistas utilizan diferentes técnicas y materiales en sus cuadernos de bocetos, como lápices, bolígrafos, acuarelas, collages y collages textiles. Estos cuadernos no solo son una herramienta para el proceso creativo, sino que también pueden considerarse obras de arte por sí mismos.

Los artistas que crean libros de artista a través de cuadernos de bocetos suelen explorar diferentes temas, narrativas o conceptos a lo largo de sus páginas. Pueden utilizar el diseño, la tipografía y la disposición de los elementos en el libro para transmitir una experiencia estética única. Algunos artistas incluso incorporan técnicas de encuadernación especializadas y materiales inusuales para agregar valor estético y conceptual a sus libros de artista.

Shirley Rebuffo, 8/2023

Artist's books are a form of artistic expression in which artists use the book format to create works of art that within this format can have certain variants since these books go beyond being merely containers of text and images by incorporating visual, material and conceptual elements that turn them into complete works of art.

Sketchbooks can be one of these variants. These sketchbooks contain sketches, drawings, annotations and visual explorations made by the artist. Often, artists use different techniques and materials in their sketchbooks, such as pencils, pens, watercolors, collages and textile collages. These sketchbooks are not only a tool for the creative process, but can also be considered works of art in their own right.

Artists who create artist books through sketchbooks often explore different subjects, narratives or concepts throughout their pages. They may use design, typography, and the arrangement of elements in the book to convey a unique aesthetic experience. Some artists even incorporate specialized binding techniques and unusual materials to add aesthetic and conceptual value to their artist's books.

Shirley Rebuffo, 8/2023
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Linda Harvey
(Stoke-on-Trent, Staffordshire, Reino Unido / UK, 1973-)

Linda Harvey

Linda Harvey es una artista textil nacida en Stoke-on-Trent, Staffordshire, Reino Unido, en 1973. Linda ha creado obras de arte textil desde los 16 años, lo que la inspiró para completar una licenciatura en estampado de superficie y moda, graduándose en 1994, seguida de un Posgrado en Educación Artística por el Instituto de Educación de Londres. Linda es actualmente directora de Textiles en la escuela Arzobispo Holgate de York y lleva 25 años enseñando textiles y arte, además de producir sus propias creaciones. Es miembro de York Textile Artists (Artistas textiles de York) y de The Society for Embroidered Work (Sociedad del bordado), que promueve y apoya lo mejor del arte de la costura en todo el mundo.

Linda Harvey is a textile artist born in Stoke-on-Trent, Staffordshire, UK in 1973. Linda has been creating textile artwork since the age of 16, inspiring her to complete a degree in surface print and fashion, graduating in 1994, followed by a PGCE in Art education from the Institute of Education, London. Linda is currently head of Textiles at Archbishop Holgate’s School, York and has been teaching textiles and art for the past 25 years alongside producing her own creations. She is a member of York Textile Artists and The Society for Embroidered Work which promotes and supports the best in stitched art worldwide.  

Collage y cuadrículas / Collage and Grids, 2023
Cinta de carrocero con Expandit, collage de papeles reciclados, placa de impresión de gel y cuadrículas inspiradas en fotografías de marcas viales / 
Masking tape with Expandit, collaged recycled papers, Gelliprint and grids inspired by photographs of road markings. 

«Mis cuadernos de bocetos se inspiran en mi amor por las marcas viales y las aceras. Creo que esta obsesión empezó durante el confinamiento, cuando sólo podíamos salir una vez al día para hacer ejercicio. Corría la misma ruta todos los días y me familiaricé con las carreteras y aceras de mi barrio. Empecé a llevarme la cámara del móvil cuando corría para capturar los patrones y las texturas que observaba. Cuando terminó el confinamiento seguí explorando este tema: cada vez que salía de excursión o de vacaciones con la familia, capturaba las marcas viales, las tapas de alcantarillas e incluso los baches.»

Collage y costura / Collage and Stitch, 2023
Fotografía original rasgada y en collage, y cosida a mano /
Torn and collaged original photography and hand stitched. 

Collage y bocetos en miniatura / Collage and thumbnail sketches, 2023
Fotografía original en collage y papeles reciclados, bocetos en miniatura inspirados en fotografía original de marcas viales /
Collaged original photography and recycled papers, thumbnail sketches inspired by original photography of road markings.

«Trabajo de forma intuitiva, empiezo con una idea básica, pero las páginas del cuaderno evolucionan con el tiempo. Algunas páginas me llevan unos minutos, otras mucho más, dependiendo de las técnicas que utilice. En mis cuadernos de bocetos utilizo muchos esbozos en miniatura; para completarlos utilizo un visor para seleccionar los patrones que me interesan, luego los desarrollo utilizando otros materiales como rotuladores Posca y otros materiales de dibujo.»

Collage, boceto y costura / Collage, Sketch and Stitch, 2023
Collage, fotografía original, puntadas a mano y bocetos inspirados en los guijarros de la carretera /
Collage, original photography, hand stitch and sketches inspired by road pebbles.

Placa de impresión de gel / Gelliprint, 2023
Placa de impresión de gel y cinta de carrocero inspirados en marcas viales /
Gelliprint and masking tape inspired by road markings.

«My sketchbooks are inspired by my love of road and pavement markings. I think this obsession started during lockdown when we were only allowed out once during the day for some daily exercise. I ran the same route everyday and became very familiar with my local roads and pavements. I started to take my phone camera with me on my runs to capture the patterns and textures observed.  When lockdown ended, I continued to explore this theme, whenever I went on daytrips or family holidays I would capture the local road markings, drain covers and even potholes.»

Pintura y costura / Paint and stitch, 2023
Emulsión, pintura acrílica y costura / Emulsion and acrylic paint and stitch.

Tejido de papel / Paper Weave, 2023
Tejido de papel utilizando fotografía original de marcas viales /
Paper weave using original photography of road markings.

«I work intuitively, I will start with a basic idea, but the sketchbook pages will evolve over time.  Some pages take minutes to complete others far longer depending on the techniques being used. Within my sketchbooks I use a lot of thumbnail sketches, to complete these I use a viewfinder to pick out the patterns that interest me, I will then develop these using other materials such as Posca pens and other drawing materials.»

Collage reciclado / Recycled Collage, 2023
Envases reciclados, placa de impresión de gel, fotografía original, collage y costura /
Recycled packaging, gelliprint, original photography, collage and stitch.

Más sobre / More about Linda Harvey: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Linda!)
Images published here with artist's permission. (Thanks a lot, Linda!)
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José María Pelayo
(Montevideo, Uruguay, 1956-)

José María Pelayo

José María Pelayo es un escultor y pintor uruguayo nacido el 17 de octubre de 1956 en Montevideo. Trabaja la madera y otros materiales en un estilo conceptual, con un marcado lenguaje latinoamericano. El ambiente y la magia típicos del espíritu ancestral son fundamentales en su obra.
Más información en el artículo con la entrevista realizada al artista por Shirley, publicada en el blog en julio de 2021.

José María Pelayo is a Uruguayan sculptor and painter born on October 17, 1956 in Montevideo. He works with wood and other materials in a conceptual style with a marked Latin American language. The atmosphere and magic typical of the ancestral spirit are fundamental in his work.
More information in the article with the interview with the artist by Shirley, published on the blog in July 2021.

Libro 1 / Book 1

Por los desaparecidos.
El hueco y el volumen.
Fuera del hueco su presencia, el hueco sin su presencia.
Al cerrar el libro se juntan.
Negativo y positivo.
Los encontramos.

For the missing.
The hollow and the volume.
Outside the hollow their presence, the hollow without their presence.
When closing the book they come together.
Negative and positive.
We find them.

Libro 2 / Book 2

Los objetos encontrados dentro de otros libros, se transforman en un libro de artista.
Estampitas, alguna hoja perdida escrita a mano, junto a alguna poesía que descifra la página encontrada.
Un objeto qué es casi un talismán.

Objects found inside other books are transformed into an artist's book.
Stamps, some lost leaf written by hand, along with some poetry that deciphers the found page.
An object that is almost a talisman.










Libro 3 / Book 3

Una vieja libreta de mi madre, vacía, sin nada escrito.
Hojas sueltas, collage y fotos viejas de la familia.
Un diario íntimo de los objetos guardados.

An old notebook of my mother, empty, with nothing written in it.
Loose leaves, collage and old family photos.
An intimate diary of saved objects.










José María Pelayo en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (XLIX)], [Uruguayos (LVIII)]

Más sobre / More about José María Pelayo: WebsiteBlog

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, José María!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, José María!)
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
 
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Libros de artista / Artist's Books (XII) - Mariana Torconal, Ricardo Pickenhayn

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Nuevo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

New article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Las obras que hoy presentamos no responden estrictamente a las categorías que hemos ido estableciendo para definir el libro de artista, sino más bien en un concepto más amplio del libro como objeto, o del objeto asociado al libro. En el primer caso, la obra de Mariana Torconal se compone de elementos escultóricos en porcelana con forma de libros, creados a partir de estos. Por su parte Ricardo Pickenhayn ha desarrollado una colección de cajas contenedoras para los primeros ejemplares de una obra literaria. 

The works we present today do not respond strictly to the categories that we have been establishing to define the artist's book, but rather to a broader concept of the book as an object, or of the object associated with the book. In the first case, Mariana Torconal's work consists of porcelain sculptural elements in the shape of books, created from books. Ricardo Pickenhayn has developed a collection of boxes containing the first copies of a literary work.
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Mariana Torconal Bravo
(Santiago de Chile, Chile, 1985-)

Mariana Torconal

Mariana Torconal es una artista chilena nacida en Santiago de Chile, donde vive y trabaja. Es Licenciada en artes plásticas de la Universidad Católica de Chile, magíster en Artes Visuales en el California College of the Arts de San Francisco, Estados Unidos. 
Su obra investiga la carga emotiva y cultural de los objetos a través de técnicas como el dibujo, el grabado, la escultura y la instalación, utilizando materiales como cera de abeja, plasticina, resina y otros. Desde el 2011 trabaja en porcelana. 
Ha expuesto en Santiago, Oaxaca, Milán y San Francisco, entre otros lugares. En Chile ha participado en ferias y ha presentado su trabajo en diversas exposiciones colectivas, en lugares como GAM, Museo de Artes Visuales, Sala Gasco y varias galerías.
Su obra "Proyecto Biblioteca", con libros de porcelana, fue exhibida en el Museo de Artes Visuales MAVI (Exposición Individual "Otras Historias") desde Noviembre de 2020 hasta Febrero 2021 y fue convertida en una instalación "Site specific" para la Biblioteca Patrimonial de la Recoleta Dominica (Noviembre 2021 - Mayo 2022) 
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Todas las imágenes pertenecen a la exposición "Otras Historias", presentada en el Museo de Artes Visuales (MAVI), Santiago de Chile, Chile, entre noviembre de 2020 y febrero de 2021.

All images are from the exhibition "Other Stories", presented at the Museo de Artes Visuales (MAVI), Santiago de Chile, Chile, from November 2020 to February 2021.
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Vista de la exposición "Otras historias" / View of the exhibition "Other Stories"
Museo de Artes Visuales (MAVI), Santiago de Chile, Chile

"Fallas individuales / Individual Failures"
Porcelana y esmalte de oro / Porcelain and gold enamel
Tamaño individual máximo / Individual maximal size: 18 x 8 x 22 cm.
montaje variable / variable staging, 2020

"Fallas individuales / Individual Failures" (detalle / detail)

"Fallas individuales / Individual Failures" (detalle / detail)

"Pulso / Pulse"
Porcelana / Porcelain, largo variable / variable length (máx. 700 cm.) x 10 x 22 cm., 2020

En "Otras Historias" las materialidades dicen cosas que la propia historia impresa sobre papel no dice. La limpia radicalidad del trabajo de Mariana Tocornal convierte un objeto que sostiene el imperio de la Ley y del Discurso en un sucedáneo dispuesto a ejercer las funciones decorativas que encubren su disposición en letra muerta.
Aquí, todo brilla por su ausencia. La expulsión de la interioridad y el abandono de la manufactura de un material absorbente ha sido convertida en objeto sobre cuya superficie se refracta el sentido.
Más bien, su conversión en fetiche que concentra la capacidad de encarnar unas fuerzas que sustituyen la superficie donde se imprime “lo que me mata” –una verdad-, pero que deviene amuleto, bruñido para señalar una reparación por sustitución del objeto de nuestro deseo.
Mariana Tocornal muestra lo que falta, pero a través de lo que está de más. Y lo “congela”, para convertirlo en signo moldeado, haciendo ostentación de su condición. Porque la paradoja es que el molde de un libro no reproduce, digamos, su “contenido” impreso, sino que es por sí mismo, una impresión. Pero es la impresión como duelo, porque la reproducción de la objetualidad del libro implica pensar que su portada y contraportada, incluyendo el grosor de su empaste, son algo así como una máscara funeraria, que sometida al juego de la forma y de la contraforma termina por reproducir un paralelepípedo que exhibe su brillo, como exceso, sin por ello borrar la memoria arcaica de la tablilla caldea sobre cuya opacidad se han marcado los primeros indicios de un nombre.
Justo Pastor Mellado

"Ruma/Montón/Pila/Pira II / Stack/Pile/Heap/Bonfire II"
Porcelana / Porcelain, medidas variables / variable size: 80 x 60 x 50 cm. aprox., 2020

"Ruma/Montón/Pila/Pira II / Stack/Pile/Heap/Bonfire II" (detalle / detail)

Vista de la exposición "Otras historias" / View of the exhibition "Other Stories"
Museo de Artes Visuales (MAVI), Santiago de Chile, Chile

"Frases / Phrases"
Porcelana sobre repisas de madera / Porcelain on wooden shelves
montaje variable / variable staging, 2020

"Si ordenara con oro / If I Ordered With Gold"
Porcelana y lustre de oro en estantería de madera / Porcelain and gold luster on wooden shelf"
114 x 16 x 194 cm., 2020

"Si ordenara con oro / If I Ordered With Gold" (detalle / detail)

Mariana Torconal is a Chilean artist born in Santiago de Chile, where she lives and works. She has a degree in visual arts from the Catholic University of Chile and a Master's degree in Visual Arts from the California College of the Arts in San Francisco, USA. 
Her work investigates the emotional and cultural charge of objects through techniques such as drawing, engraving, sculpture and installation, using materials such as beeswax, plasticine, resin and others. Since 2011 she has been working in porcelain. 
She has exhibited in Santiago, Oaxaca, Milan and San Francisco, among other places. In Chile she has participated in fairs and has presented her work in various group exhibitions, in places such as GAM, Museo de Artes Visuales, Sala Gasco and several galleries.
Her work "Proyecto Biblioteca (Project Library)", with porcelain books, was exhibited at the Museo de Artes Visuales MAVI (Solo Exhibition "Other Stories") from November 2020 to February 2021 and was turned into a "Site specific" installation for the Biblioteca Patrimonial de la Recoleta Dominica (November 2021 - May 2022). 

"Todo lo que no dije quedó encallado en mi boca / Everything I Didn't Say Ran Aground In My Mouth"
Porcelana sobre repisas de madera / Porcelain on wooden shelves
Repisa / Shelf 1: 62 x 16 x 22 cm., Repisa / Shelf 2: 50 x 16 x 22 cm., Repisa / Shelf 3: 32 x 16 x 22 cm., 2020

"Pendientes I y II / Pending I & II"
Porcelana y esmalte de oro / Porcelain and gold enamel, 20 x 18 x 60 cm. (aprox), 2020

"Si ordenara al revés / If I Ordered The Other Way Around"
Porcelana en estantería de madera / Porcelain on wooden shelf, 114 x 16 x 194 cm., 2020

In "Other Stories" the materialities say things that history itself, printed on paper, does not say. The clean radicality of Mariana Tocornal's work turns an object that sustains the rule of Law and Discourse into a surrogate willing to exercise the decorative functions that cover up its disposition as a dead letter.
Here, everything is conspicuous by its absence. The expulsion of interiority and the abandonment of the manufacture of an absorbent material has been converted into an object on whose surface meaning is refracted.
Rather, its conversion into a fetish that concentrates the capacity to incarnate forces that substitute the surface where "what kills me" -a truth- is printed, but which becomes an amulet, burnished to signal a repair by substitution of the object of our desire.
Mariana Tocornal shows what is missing, but through what is extra. And she "freezes" it, to turn it into a molded sign, flaunting its condition. Because the paradox is that the mold of a book does not reproduce, let us say, its printed "content", but is itself an impression. But it is the impression as mourning, because the reproduction of the objectuality of the book implies thinking that its front and back covers, including the thickness of its filling, are something like a funerary mask, which subjected to the game of form and counterform ends up reproducing a parallelepiped that exhibits its brightness, as an excess, without erasing the archaic memory of the Chaldean tablet on whose opacity the first traces of a name have been marked.
Justo Pastor Mellado

"Soltar el peso / Release The Weight"
Porcelana y pita de algodón / Porcelain and cotton rope, 90 x 90 x altura variable / variable height, 2020

"Soltar el peso / Release The Weight" (detalle / detail)

Vista de la exposición "Otras historias" / View of the exhibition "Other Stories"
Museo de Artes Visuales (MAVI), Santiago de Chile, Chile

Más sobre / More about Mariana Torconal: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Mariana!)
Images published here with artist's permission. (Thanks a lot, Mariana!)
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Ricardo Pickenhayn
(Islas del Río de la Plata / River Plate Islands,
Tigre, Buenos Aires, Argentina, 1960-)

Ricardo Pickenhayn
Captura del video "Arte en casa" de la Intendencia de Maldonado /
Still of the video "Arte en casa" of the Municipality of Maldonado. Youtube

Ricardo Pichenhayn nació el 27 de agosto de 1960 en las islas del Río de la Plata, desembocadura del Paraná (Tigre, Buenos Aires, Argentina). Hijo de padre argentino y madre uruguaya -una sobrina de Francisco Mazzoni- se nacionalizó oriental en 1978, cuando llegó desde Buenos Aires, donde residía, a vivir en "la quinta de Medina", en las afueras de San Carlos.
Cursó estudios de Artes Plásticas y Cerámica con la profesora Alicia Keshishishián, docente en la Escuela Superior de Bellas Artes de Buenos Aires. Luego perfeccionó su técnica cerámica en el taller de Jorge Santágelo y, ya radicado en el Uruguay, descubrió el "engobe indigenista" con la profesora Imáz de Sosa, alumna de Collel, así como – años después – el "Rakú" junto al renombrado ceramólogo J. Fernández Chiti, una de las autoridades máximas en cerámica de los últimos tiempos.
Hoy es conocido como un gran artista constructivo, una rama a la que ya se había acercado en sus juventudes. "En Montevideo asistí al homenaje por el centenario natalicio del gran maestro [Joaquín Torres-García]; donde pude descubrir su obra y apreciar los emblemáticos murales que, posteriormente, consumiría el trágico incendio (1978) del Museo de Río de Janeiro", ha recordado.

Portada del libro "Nadayave, Metafísica del arte universal (desde la idea hasta su representación)", Cedartes (2018)
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El libro "NADAYAVE, Metafísica del Arte Universal (desde la idea hasta su representación)", es una propuesta para redefinir el concepto de arte universal y su posible interpretación para el siglo XXl. Es un alegato revolucionario que propicia un aporte para enriquecer nuevas consciencias y despertar un diferente interés por el arte entre los jóvenes del presente.
En sus más de 600 páginas se desarrolla un experimento para desvelar la propia esencia metafísica del arte y su evolución en el transcurso de la historia, partiendo de los comienzos más remotos hasta el presente. Por ello, los capítulos redimensionan la apreciación social de las diferentes manifestaciones sensibles, desde lo visual, lo táctil, auditivo, olfativo, habitable e incluso lo referente al orbe gastronómico. Sin duda un desafío ineludible como resumen y revisionismo holístico de la interpretación del arte, en todos los tiempos.
La obra escrita se complementa con la creación de cincuenta cajas artísticas de madera, contenedoras de los primeros ejemplares numerados, cada una de ellas elaborada con diferentes propuestas estéticas, tanto de concepto y estilo, como de desarrollo en diversas técnicas y materiales, que invitan a una óptica reflexiva y vanguardista.
Ambas realizaciones - la literaria y la plástica - se exhibieron en un evento-instalación en el Museo Regional Francisco Mazzoni (Maldonado, Uruguay), en enero de 2019, en donde también se expuso el gran mural en óleo sobre tela "Nadayave Ultra" (creado en el año 2004) representado en la tapa y contratapa del libro.
Aquí les dejamos una selección de las cajas.
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Caja 3 / Box 3. "Estructura tubular de cañas / Tubular Cane Structure"

El universo está pautado por tres estructuras, entre las cuales descuella la ortogonal. En este caso la trama de esta obra se conforma de secciones de caña de bambú (cuyo principio es circular). Este curioso fractal se ordena y fusiona hasta conformar una equilibrada red abstracta que fue posteriormente reforzada por los ritmos de los opuestos del óleo blanco y negro.

The universe is patterned by three structures, among which the orthogonal one stands out. In this case, the weft of this work is made up of sections of bamboo cane (whose principle is circular). This curious fractal is ordered and merged to form a balanced abstract network that was later reinforced by the rhythms of the opposites of the black and white oil.

Caja 7 / Box 7. "Estructura con telas indígenas / Structure With Indigenous Fabrics"

Construcción de madera troquelada sobre fragmentos originales de telas peruanas ancestrales.
La decoración geométrica de estas reliquias se yuxtapone a un constructivo moderno en madera calada con óleo blanco.

Construction of die-cut wood on original fragments of ancestral Peruvian fabrics.
The geometric decoration of these relics is juxtaposed with a modern wood construction with white oil paint.

Caja 8 / Box 8. "Estructura primitiva en piedra / Primitive Structure On Wood"

Alegoría del misterioso cuadrilátero coloreado de la cueva de Lascaux. Antecedente de toda manifestación abstracta en el el curso de la Humanidad. En el famoso enclave prehistórico de Francia coinciden los dibujos naturalistas con este raro entramado que recuerda al cuadrado chino de "Lo Shú". El singular ejercicio geométrico (estudiado por Pitágoras) tiene múltiples versiones numerales en donde cada cuartelillo guarda un dígito que se suma —indistintamente— de forma regular.
Piedra tallada y policromada inserta en cuna de madera.

Allegory of the mysterious colored quadrilateral of the Lascaux cave. Antecedent of all abstract manifestation in the course of the Humanity. In the famous prehistoric enclave of France, the naturalistic drawings coincide with this rare framework reminiscent of the Chinese square of "Lo Shú". The singular geometric exercise (studied by Pythagoras) has multiple numerical versions in which each square keeps a digit that is added - indistinctly - in a regular way.
Carved and polychrome stone inserted in a wooden cradle.

Caja 9 / Box 9. "Pareja multicromática / Multichromatic Couple"

Siempre presentes, hombre y mujer se asocian al concepto ideal (bipolar) de Sol y Luna. En esta obra todo parte de un calado profundo, sobre madera noble, en donde se establece el universo cromático.
Al ver la talla con detenimiento, se advierte la pincelada a modo de mancha rítmica y gestual que se manifiesta en armonía con los colores primarios.
Óleo sobre madera calada y montada sobre la tapa de la caja.

Always present, man and woman are associated to the ideal concept (bipolar) of Sun and Moon. In this work, everything starts from a deep fretwork, on noble wood, where the chromatic universe is established.
When looking at the carving closely, one can see the brushstroke as a rhythmic and gestural stain that manifests itself in harmony with the primary colors.
Oil on fretworked wood and mounted on the lid of the box.

Caja 10 / Box 10. "Sol y Luna de acero / Steel Sun And Moon"

Cuadrilátero de metal en donde se manifiestan los signos del sol y la luna con delgados filamentos electro soldados.
La escultura se desprende y flota en el aire sobre tonalidades de gris que están pintadas al óleo sobre la madera. Por ello, también, las líneas juegan con sus sombras cambiantes, mismas que se proyectan desde la trama de hierro.

Metal quadrilateral where the signs of the sun and the moon are manifested with thin electro-welded filaments.
The sculpture detaches and floats in the air on shades of gray that are painted in oil on the wood. For this reason, the lines also play with their changing shadows, which are projected from the iron frame.

Caja 11 / Box 11. "Nada y Ave (*) - Eva y Adán / Adam and Eve"

(*) "Nada y Ave" is "Adam and Eve" backwards in Spanish.
Also in Spanish "Nada" is "Nothing", and "Ave" is "Bird"

El neologismo NADAYAVE que imaginamos como síntesis para todo Cosmos, es un palíndromo que esconde la metafísica de los opuestos (es decir la esencia energética como principio polarizador del Universo).
En este caso, sus personajes "humanos" son el símbolo de esta metáfora. Acompañados —siempre— del Sol y la Luna (como principio universal: masculino y femenino) recrean, en sí mismos, la unidad.
Esta obra fue compuesta por trozos de madera, sin retocar, que sirven como "leit motiv" para la construcción del dibujo ideo gráfico.
Óleo sobre madera con detalles de tinta china.

The neologism NADAYAVE (Adam and Eve backwards in Spanish), which we imagine as a synthesis for the whole Cosmos, is a palindrome that hides the metaphysics of opposites (i.e. the energetic essence as the polarizing principle of the Universe).
In this case, its "human" characters are the symbol of this metaphor. Accompanied -always- by the Sun and the Moon (as universal principle: masculine and feminine) they recreate, in themselves, unity.
This work was composed by pieces of wood, without retouching, which serve as "leit motiv" for the construction of the ideo-graphic drawing.
Oil on wood with Chinese ink details.

Caja 16 / Box 16. "Síntesis térrea de Nadayave / Nadayave Earthy Synthesis"

Versión simplificada del mural "Nadayave Ultra" que precede al libro. La simbología gira entorno a los opuestos positivo y negativo; motores energéticos de todo el universo. En esta obra se resumen al Sol y la Luna o el Hombre y la Mujer, tanto enfrentados simétricamente en el centro, como conectados por el "arco de tres elementos".
El "Uróboros" (serpiente que se auto-fagocita) rodea a la conjunción de los círculos; acto que da vida a la enigmática "Vésica piscis" y a la "pareja progenitora".
Óleo y tintas térreas sobre tabla.

Simplified version of the "Nadayave Ultra" mural that precedes the book. The symbolism revolves around the positive and negative opposites; energetic engines of the entire universe. This work summarizes the Sun and the Moon or Man and Woman, both symmetrically facing each other in the center, and connected by the "arc of three elements".
The "Ouroboros" (serpent that self-phagocytizes) surrounds the conjunction of the circles; an act that gives life to the enigmatic "Vesica Pisces" and the "progenitor couple".
Oil and earthy inks on board.

Caja 22 / Box 22. "Universo Andino / Andean Universe"

Cosmovisión del indígena americano. Simbología que sintetiza el pensamiento de los primeros pueblos de América, cuando el continente aún se denominaba "Abya Yala" (tierra de florecimiento). En esta obra (un óleo sobre tabla) se representan los tres mundos metafísicos. El Hanan Pacha (o espacio de "arriba") El Kay Pacha (entorno presente) y el Uray (o Uku) Pacha (el inframundo). Signos celestiales, humanos y animales sagrados como el cóndor, el zorro, el murciélago, el colibrí la lechuza o la serpiente, conviven con emblemas cósmicos y universales. Existe una pintura mayor de 4 m2 ubicada en el Hotel Punta del Este.

Cosmovision of the American Indian. Symbology that synthesizes the thought of the first peoples of America, when the continent was still called "Abya Yala" (land of flowering). In this work (an oil on panel) the three metaphysical worlds are represented. The Hanan Pacha (or "above" space), the Kay Pacha (present environment) and the Uray (or Uku) Pacha (the underworld). Celestial signs, humans and sacred animals such as the condor, the fox, the bat, the hummingbird, the owl or the snake, coexist with cosmic and universal emblems. There is a larger painting of 4 m2 located in the Hotel Punta del Este.
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Ricardo Pichenhayn was born on August 27, 1960 in the islands of the Río de la Plata, at the mouth of the Paraná River (Tigre, Buenos Aires, Argentina). The son of an Argentine father and Uruguayan mother - a niece of Francisco Mazzoni - he became an Oriental citizen in 1978, when he came from Buenos Aires, where he lived, to live in "La quinta de Medina", on the outskirts of San Carlos.
He studied Plastic Arts and Ceramics with Professor Alicia Keshishishián, a teacher at the Escuela Superior de Bellas Artes (Higher School of Fine Arts) in Buenos Aires. Then he perfected his ceramic technique in the workshop of Jorge Santágelo and, already settled in Uruguay, he discovered the "indigenist slipware" with Professor Imáz de Sosa, a student of Collel, as well as - years later - the "Rakú" with the renowned ceramologist J. Fernández Chiti, one of the highest authorities in ceramics in recent times.
Today he is known as a great constructive artist, a branch he had already approached in his youth. "In Montevideo I attended the homage for the centennial birthday of the great master [Joaquín Torres-García], where I was able to discover his work and appreciate the emblematic murals that would later be consumed by the tragic fire (1978) at the Museum of Rio de Janeiro," he recalled.
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Cover of the book "Nadayave, Metaphysics of universal art (from the idea to its representation)", Cedartes (2018)
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The book "NADAYAVE, Metaphysics of Universal Art (from the idea to its representation)" is a proposal to redefine the concept of universal art and its possible interpretation for the 20th century. It is a revolutionary plea that propitiates a contribution to enrich new consciences and awaken a different interest in art among the young people of the present.
In its more than 600 pages, an experiment is developed to unveil the very metaphysical essence of art and its evolution in the course of history, starting from the most remote beginnings to the present. Therefore, the chapters resize the social appreciation of the different sensitive manifestations, from the visual, tactile, auditory, olfactory, habitable and even the gastronomic orb. Undoubtedly an unavoidable challenge as a summary and holistic revisionism of the interpretation of art, in all times.
The written work is complemented by the creation of fifty artistic wooden boxes, containing the first numbered copies, each one of them elaborated with different aesthetic proposals, both in concept and style, as well as in the development of diverse techniques and materials, which invite to a reflexive and avant-garde optic.
Both works - literary and plastic - were exhibited in an event-installation at the Francisco Mazzoni Regional Museum (Maldonado, Uruguay), in January 2019, where the large mural in oil on canvas "Nadayave Ultra" (created in 2004), represented on the cover and back cover of the book, was also exhibited.
Here you have a selection of the boxes.
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Caja 23 / Box 23. "Intervención constructiva de El Jardín de las delicias /
Constructive intervention of The Garden of Earthly Delights"

Pintura y tinta sobre fotografías de la obra "El Jardín de las delicias" de El Bosco. Mediante un estudio de geometría, se encontraron patrones geométricos en esta obra clásica, los que permitieron un re ordenamiento de la misma y la aparición de una diferente simbología inventada. Los grupos de personajes creados por el genio holandés con una armonía - en sección áurea - dan espacio a una vanguardista propuesta estructurada y a la vez superreal.

Painting and ink on photographs of the work "The Garden of Earthly Delights" by Hieronymus Bosch. Through a study of geometry, geometric patterns were found in this classic work, which allowed a reordering of it and the appearance of a different invented symbology. The groups of characters created by the Dutch genius with a harmony - in golden section - give space to an avant-garde proposal structured and at the same time superreal.

El Bosco en "El Hurgador" / Hieronymus Bosch in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Caja 23 / Box 23. "Construcción a sola línea / Single-line Construction"

Esta obra expone el ejercicio del dibujo construido por una sola línea espontánea que va avanzando y generando nuevas formas en el plano.
El entrecruzamiento ortogonal genera un ritmo en donde se manifiestan partes de círculos, triángulos y cuadrados.
Óleo sobre vieja tela usada (de túnica escolar manchada y desgastada).

This work exposes the exercise of drawing constructed by a single spontaneous line that advances and generates new forms on the plane.
The orthogonal crisscrossing generates a rhythm where parts of circles, triangles and squares are manifested.
Oil on old used canvas (from a stained and worn school tunic).

Caja 32 / Box 32. "Animóvil de etiquetas / Animobile of Labels"

Los "Animóviles" o (ánimas en movimiento) son el producto de una idea que desarrollamos, tanto en lo gráfico como en lo escultórico. La utilizamos de diversas maneras (dibujo, pintura y objetos lúdicos en tres dimensiones). En este caso, nuestra "nave voladora" resume la metáfora del "viaje" que debemos hacer para evadirnos de este plano y adentrarnos en el ámbito más auténtico: el de la metafísica del arte.
La obra es un collage realizado con fragmentos de etiquetas de vino pertenecientes a la serie "Bodegones" del Establecimiento Juanicó de la Familia Deicas, empresa que utilizó nuestras obras como embajadoras del arte uruguayo en diferentes destinos del mundo.

The "Animobiles" (moving animas) are the product of an idea that we developed, both graphically and sculpturally. We use it in different ways (drawing, painting and playful objects in three dimensions). In this case, our "flying ship" summarizes the metaphor of the "journey" we must make to escape from this plane and enter the most authentic realm: that of the metaphysics of art.
The work is a collage made with fragments of wine labels belonging to the series "Still lifes" of Juanicó Establishment of the Deicas Family, a company that used our works as ambassadors of Uruguayan art in different destinations around the world.

Caja 37 / Box 37. "El aroma del Universo / The Aroma Of The Universe"

Esta composición alude al capítulo de NADAYAVE "El arte de los aromas" en donde se comprueba cómo las vibraciones de energía (cuántica) son responsables —también— (por intermedio de su polaridad) de las sutilezas que luego percibimos (entre otras) gracias al sentido del olfato. La abstracción plástica de nuestra alegoría resume (en esta gestalt con "leit motiv" conceptual) ese "perfume" que inhalamos y luego decodificamos en el cerebro (antes de pasar a planos más elevados).
Ambas caras de este personaje metafórico, conforman (con sus perfiles) la forma oculta de un recipiente virtual que "guarda" la esencia de todo (la palabra NADAYAVE representa una síntesis connotativa de este arcano universal).
Óleo sobre tabla.

This composition alludes to NADAYAVE's chapter "The Art of Aromas" where it is shown how (quantum) energy vibrations are also responsible (through their polarity) for the subtleties that we then perceive (among others) thanks to the sense of smell. The plastic abstraction of our allegory summarizes (in this gestalt with conceptual "leit motiv") that "scent" that we inhale and then decode in the brain (before passing to higher planes).
Both faces of this metaphorical character, conform (with their profiles) the hidden form of a virtual container that "keeps" the essence of everything (the word NADAYAVE represents a connotative synthesis of this universal arcane).
Oil on panel.

Caja 41 / Box 41. "Superrealismo en ladrillo y piedra / Superrealism in Brick and Stone"

Singular "animóvil" (ánima en movimiento) que ejemplifica la capacidad "naïf" del inconsciente.
El personaje está creado casi automáticamente merced a las formas que fueron surgiendo "solas" a medida que se cortaron los trozos de ladrillo y piedra al azar.
Luego, un posterior razonamiento ordena, equilibra y cuantifica el conjunto que pasa a conformar esta obra constructiva.
Ladrillo y piedra de basalto cortados y montados en pasta de caolín con polyester. El dibujo está labrado con percutor de tungsteno y policromado con óleo y tinta china.

Singular "animobile" (anima in movement) that exemplifies the "naïf" capacity of the unconscious.
The character is created almost automatically thanks to the shapes that emerged "on their own" as the pieces of brick and stone were cut at random.
Then, a later reasoning orders, balances and quantifies the whole that becomes this constructive work.
Brick and basalt stone cut and assembled in kaolin paste with polyester. The drawing is carved with a tungsten hammer and polychromed with oil and Chinese ink.

Caja 48 / Box 48. "Gestalt de colores puros / Gestalt of Pure Colors"

Esta muy especial gestalt de colores primarios consigue la polarización (de su lado positivo y negativo) mediante el texturado y oscurecimiento de una de sus dos "caras". Para decodificar la obra es preciso enfocar —de forma diferente— tanto en lo claro como en lo oscuro.
Óleo esgrafiado y entonado sobre tabla.

This very special gestalt of primary colors achieves polarization (of its positive and negative sides) by texturing and darkening one of its two "faces". To decode the work it is necessary to focus -in a different way- on both the light and the dark.
Oil sgraffito and toned oil on board.

"Nadayave Ultra", óleo sobre tela / oil on canvas, 2004

Joaquín Torres-García en "El Hurgador" / in this blog:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Ricardo!)
Images published here with artist's permission. (Thanks a lot, Ricardo!)
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
 
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Libros de artista / Artist's Books (XIII) - Rafael Romero, Matilde Marín, Rogelio Osorio

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Nuevo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

New article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Rafael Romero Pineda
(Badalona, Catalunya / Cataluña, España / Catalonia, Spain, 1967-)

Rafael Romero

Rafael Romero es profesor de Técnicas, Materiales y Procedimientos Pictóricos de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, Departamento de Artes y Conservación Restauración. Director del grupo de Innovación Docente M.I.M.A (Memoria y Materia Artística) de esa Universidad. Consultor Académico de la Universidad Nacional de Córdoba (Argentina). Miembro del Grupo de Investigación AASA de la universidad de Jaén. Miembro del comité académico de AAMA Centro Internacional de Arte Contemporáneo Tagus de Hangzhou (China) y Profesor invitado de la Universidad Autónoma de Madrid (España).
Es actualmente artista de la galería In der mühle (Alemania), Arbre Bleu (Marruecos), Ismes (España) y La Cerverina de Arte (España). Su obra, está presente en el Museo Español del grabado (España), El Museo Miraflores (España), El Museo de Dibujo “Castillo de Larrés” (España), El Museo del Càntir (España), La Casa Museo Miguel Hernández (España), El Museo Cerdà (España), El Museo Enric Monjo (España) el Museo Fueguino (Argentina), El Museo de Cartague-Salambno (Túnez), El Museo de Kandira (Turquía), El Museo Haegeumgang (Corea), El Museo Fantapia (Corea) y el Museo Tagus de Hangzhou (China), entre otros.
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Esta nueva propuesta nos presenta una obra en la que un artista desarrolla su proyecto creativo sobre otra preexistente. En este caso, Rafael Romero construye su "Navegar" pintando sobre las páginas de la obra "El secreto del sombrero rosa" (Frances y Richard Lockridge, Cumbre, México, 1953), enriqueciendo y resignificando la obra original, configurando de esta manera una colaboración a tres manos (las Rafael y las de los dos escritores) a través del tiempo, fusionando la literatura con la pintura, rescatando a través de esta suerte de reciclaje el material de base (el libro en sí) para reconvertirlo en un objeto artístico nuevo y diferente. J.F.

This new proposal presents us with a work in which an artist develops his creative project over a pre-existing one. In this case, Rafael Romero builds his "Navigate" by painting over the pages of the work "The Secret of the Pink Hat" (Frances and Richard Lockridge, Cumbre, Mexico, 1953), enriching and resignifying the original work, thus configuring a three-handed collaboration (Rafael's and those of the two writers) through time, merging literature with painting, rescuing through this kind of recycling the basic material (the book itself) to reconvert it into a new and different artistic object. J.F.

Navigare / Navegar / Navigate




El Libro de Artista como extraordinario viaje interior. 

Existen muchos tipos de Libros de Artista en un amplio territorio semántico que va desde las sutilezas plásticas y gráficas más sorprendentes a las objetualidades mágicas más sutiles. De hecho, el libro de artista es todo un universo en su amplio catálogo de posibilidades y es tan vasto como potenciales creativos haya. Cada artista, en su idiosincrasia, será Demiurgo de su propio libro de artista, conservando sus leyes y principios definitorios, tal vez indagando novedades sorpresivas y, porqué no, implementando en lo lúdico.
Yo entiendo en mi cotidianeidad creativa, fundamentalmente en el ámbito de la pintura, el libro de artista como una extraordinaria posibilidad cognitiva. Me reservo mucho el cuándo recurrir a él, como si de un tesoro valioso se tratara y al que hay que dirigirse cuando en lo iniciático uno está preparado, es decir, cuando en lo interno surge una fuerza superior, después de mucha contención, continencia, ayuno diría yo, en lo metafórico. Ahí surge de lo atávico y natural una voz, la voz interior que te dice "¡Ahora puedes!". Si no se hace de esta manera, considero que el libro de artista se vulgariza, pierde su alma y esencia, deviene burdo e intrascendente, deja de ser ese tesoro que debe ser. De hecho, desde mi punto de vista, hacer un libro de artista es una comunión de uno con uno mismo, pues prevalecen en su liturgia, profundas conversaciones entre ese ser dual que todos somos, el consciente y el inconsciente, el ideal y el material. El libro de artista para mí es esa extraordinaria posibilidad de "desaparecer dentro", ejercer dignamente una catarsis y resurgir trayendo como resultado aquello que puede poner orden, no al universo, pues eso es utópico, pero si a uno mismo, a ese yo que en los tiempos que corren, desafortunadamente, tiene tendencia a habitar más el "tener" que el "ser". Por otra parte, para el espectador, usuario, el libro de artista no dejará de ser nunca una herramienta sorpresiva y mágica puesto que su idiosincrasia introspectiva y catártica trasciende al propio autor. De un ser se dirige otro ser que ejercerá nuevas lecturas y posibilidades en esa línea de crecimiento humano, interacción, transformación y evolución. 




"Navegar" es un libro de artista palimpséstico, es decir creado sobre lo escrito e impreso en un antiguo libro de hojas marrones y con el olor característico de la lignina de los libros de antaño. Escribir sobre lo escrito, pintar sobre lo impreso, reciclar, dar una oportunidad a algo digno recuperado de la basura, vestirlo de nuevas retóricas y posibilidades, eso es todo.
Navegar recoge los sueños e invenciones de mi navegación imaginaria a través del barco como leitmotiv que empodera en el viaje, las culturas, los hombres y mujeres del mundo con sus leguas, aromas y sabores. Sutiles acuarelas, libro de bitácora de alguien que se resiste a morir mientras quede vida y que anima a vivenciarlo todo positivizándolo y dejando fuera de juego el cada vez más habitual pesimismo de este "mal de siglo".



Rafael Romero is professor of Pictorial Techniques, Materials and Procedures at the Faculty of Fine Arts of the University of Barcelona, Department of Arts and Conservation and Restoration. Director of the group of Teaching Innovation M.I.M.A (Memory and Artistic Matter) of that University. Academic Consultant of the National University of Cordoba (Argentina). Member of the AASA Research Group of the University of Jaén. Member of the academic committee of AAMA Tagus International Contemporary Art Center of Hangzhou (China) and Visiting Professor at the Autonomous University of Madrid (Spain).
He is currently an artist of the gallery In der mühle (Germany), Arbre Bleu (Morocco), Ismes (Spain) and La Cerverina de Arte (Spain). His work can be found in the Museo Español del grabado (Spain), El Museo Miraflores (Spain), El Museo de Dibujo "Castillo de Larrés" (Spain), El Museo del Càntir (Spain), La Casa Museo Miguel Hernández (Spain), The Cerdà Museum (Spain), The Enric Monjo Museum (Spain), The Fueguino Museum (Argentina), The Cartague-Salambno Museum (Tunisia), The Kandira Museum (Turkey), The Haegeumgang Museum (Korea), The Fantapia Museum (Korea), and The Tagus Museum of Hangzhou (China), among others.




The Artist's Book as an extraordinary inner journey. 

There are many types of Artist's Books in a wide semantic territory ranging from the most surprising plastic and graphic subtleties to the subtlest magical objectualities. In fact, the artist's book is a whole universe in its wide catalog of possibilities and it is as vast as creative potentials are. Each artist, in his idiosyncrasy, will be the Demiurge of his own artist's book, preserving its laws and defining principles, perhaps exploring surprising novelties and, why not, implementing the playful.
In my creative daily life, mainly in the field of painting, I understand the artist's book as an extraordinary cognitive possibility. I keep very much to myself when to resort to it, as if it were a valuable treasure and to which one must turn when one is ready, that is to say, when a superior force emerges from within, after much restraint, continence, fasting I would say, in the metaphorical sense. There arises from the atavistic and natural a voice, the inner voice that tells you, "Now you can do it!". If it is not done in this way, I consider that the artist's book becomes vulgarized, loses its soul and essence, becomes crude and unimportant, ceases to be the treasure it should be. In fact, from my point of view, making an artist's book is a communion of one with oneself, because in its liturgy, deep conversations prevail between that dual being that we all are, the conscious and the unconscious, the ideal and the material. The artist's book for me is that extraordinary possibility to "disappear inside", to exercise a worthy catharsis and to resurface bringing as a result that which can bring order, not to the universe, since that is utopian, but to oneself, to that self that in these times, unfortunately, has a tendency to inhabit more the "having" than the "being". On the other hand, for the spectator, user, the artist's book will never cease to be a surprising and magical tool, since its introspective and cathartic idiosyncrasy transcends the author himself. From one being is directed another being that will exercise new readings and possibilities in that line of human growth, interaction, transformation and evolution. 




"Navigate" is a palimpsestic artist's book, that is to say, created over what was written and printed in an old book with brown pages and with the characteristic smell of the lignin of the books of yesteryear. To write over the written, to paint over the printed, to recycle, to give a chance to something worthy recovered from the trash, to dress it with new rhetoric and possibilities, that is all.
Navegar collects the dreams and inventions of my imaginary navigation through the boat as a leitmotiv that empowers in the journey, the cultures, the men and women of the world with their languages, aromas and flavors. Subtle watercolors, a logbook of someone who refuses to die while there is life left and who encourages to experience everything positively and leaving out of play the increasingly common pessimism of this "evil of the century".



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Matilde Marín
(Buenos Aires, Argentina, 1948-)

Matilde Marín

Matilde Marín (Buenos Aires, 1948) es una artista contemporánea y académica argentina que desarrolla obra en múltiples disciplinas incluyendo grabado, fotografía y video. Marín ha sido profesora visitante dictando seminarios de posgrado en universidades de Argentina, Santiago de Chile y Barcelona, España, y fue Fellow del Institut d’Études Avancées de Nantes, Francia (2020).
Se gradúa como escultora en la Escuela de Bellas Artes de Buenos Aires y continúa sus estudios en la Kunstgewerbeschule de Zúrich, Suiza, donde realiza un entrenamiento en técnicas gráficas. Inicia su trabajo con la obra sobre papel en una constante búsqueda por romper con las normativas tradicionales de la disciplina y desde finales de los noventa incorpora a su obra la fotografía y el vídeo, realizando instalaciones de gran formato.
Desde el año 2008 es Académica de Número y a partir del 2019 vicepresidenta de la Academia Nacional de Bellas Artes y presidenta de la Fundación Federico Jorge Klemm en Buenos Aires. Marín ha trabajado y vivido en Caracas (Venezuela), Zurich (Suiza), Washington (EEUU), y actualmente reside en Buenos Aires (Argentina).
Marín inicia su trayectoria artística en el campo del grabado destacándose por el desarrollo de técnicas experimentales innovadoras trabajadas con materiales no tóxicos. Durante los años 80 y parte de los 90 trabajó la obra gráfica en sus diferentes técnicas, incorporando códigos y símbolos propios, buscando ampliar los horizontes de la técnica y alejarla del contexto tradicional bidimensional y llevarlo al volumen escultórico. Durante este período se destacan sus rollos de papel de gran formato, donde la artista graba con fuego papeles hechos a mano que pese a la impronta gráfica se los asocia al universo de la escultura.
Hacia 1992 investiga sobre «códigos técnicos del grabado», con libertad en la interpretación, lo que Umberto Eco (1968) denominó «Códigos de transmisión». Son los que estructuran las condiciones suficientes para la percepción de la imagen (como el reticulado de la fotografía de prensa), por los que se interesa la artista, que soportan no sólo la calificación estética de la obra, sino los códigos del gusto, los códigos tonales y los códigos estilísticos.

"Laberintos / Labyrinths"

"Laberintos, Homenaje a Jorge Luis Borges", es una edición limitada a cinco ejemplares numerados, realizados con la técnica de suminagashi. Colaboraron en esta edición Alejandro Geiler (papel) y Silvina Pérez (cajas). Se terminó de imprimir en los talleres de Gráfica Kontemporánea, Buenos Aires, Argentina, en abril de 1998.
El Suminagashi es un antiguo arte japonés consistente en el marmoleado de papel. Literalmente la palabra significa "tinta flotante". Se cree que esta técnica surge en el siglo XII tras ser adoptada por monjes japoneses en China. El papel tipo suminagashi se ha utilizado tradicionalmente en Japón para elaborar documentos y libros, también para decorar casas y edificios.
Los patrones de remolinos, imitando los que se encuentran en la piedra de mármol natural, se pueden crear dejando caer tinta sobre la superficie del agua y colocando encima el papel para levantar la tinta.


Matilde Marín (Buenos Aires, 1948) is an Argentine contemporary artist and academic who works in multiple disciplines including printmaking, photography and video. Marín has been a visiting professor teaching graduate seminars at universities in Argentina, Santiago de Chile and Barcelona, Spain, and was a Fellow at the Institut d'Études Avancées de Nantes, France (2020).

She graduated as a sculptor from the School of Fine Arts in Buenos Aires and continued her studies at the Kunstgewerbeschule in Zurich, Switzerland, where she trained in graphic techniques. She begins her work with works on paper in a constant search to break with the traditional rules of the discipline and since the late nineties she incorporates photography and video to her work, making large format installations.

Since 2008 she has been a Full Academician and from 2019 vice-president of the National Academy of Fine Arts and president of the Federico Jorge Klemm Foundation in Buenos Aires. Marín has worked and lived in Caracas (Venezuela), Zurich (Switzerland), Washington (USA), and currently resides in Buenos Aires (Argentina).

Marín began her artistic career in the field of engraving, standing out for the development of innovative experimental techniques worked with non-toxic materials. During the 80's and part of the 90's she worked on graphic work in its different techniques, incorporating her own codes and symbols, seeking to broaden the horizons of the technique and move it away from the traditional two-dimensional context and take it to the sculptural volume. During this period her large format paper rolls stand out, where the artist engraves with fire handmade papers that despite the graphic imprint are associated to the universe of sculpture.

Towards 1992 she researches on "technical codes of engraving", with freedom of interpretation, what Umberto Eco (1968) called "Codes of transmission". These are the ones that structure the sufficient conditions for the perception of the image (such as the reticulation of press photography), in which the artist is interested, supporting not only the aesthetic qualification of the work, but also the codes of taste, the tonal codes and the stylistic codes.


"Labyriths, Tribute to Jorge Luis Borges", is a limited edition of five numbered copies, made with the suminagashi technique. Alejandro Geiler (paper) and Silvina Pérez (boxes) collaborated in this edition. It was printed in the workshops of Gráfica Kontemporánea, Buenos Aires, Argentina, in April 1998.
Suminagashi is an ancient Japanese art of paper marbling. Literally the word means "floating ink". It is believed that this technique emerged in the 12th century after being adopted by Japanese monks in China. Suminagashi paper has traditionally been used in Japan to produce documents and books, as well as to decorate houses and buildings.
Swirling patterns, imitating those found in natural marble stone, can be created by dropping ink on the surface of the water and placing the paper on top to lift the ink.


Todas las fotografías / All images© Estudio / Studio Matilde Marín

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Rogelio Osorio
(Montevideo, Uruguay, 1962-)

Rogelio Osorio

Rogelio Osorio es un artista visual y docente uruguayo nacido en Montevideo en 1962, cuya obra ya presentamos en el blog acompañando la entrevista realizada por Shirley Rebuffo en mayo de 2021, y que puede disfrutarse aquí.

Rogelio Osorio is a Uruguayan visual artist and teacher born in Montevideo in 1962, whose work we already presented in the blog accompanying the interview conducted by Shirley Rebuffo in May 2021, which can be enjoyed here.

Cuadernos de bocetos / Sketchbooks



Al plantearme la inclusión de la obra de Rogelio Osorio dentro de esta serie, me surge la pregunta: ¿podrían considerarse a los cuadernos de bocetos como libros de artista?
Los diarios gráficos son ideas que surgen, y quizá resurgirán como obras en otra modalidad, pero en definitiva son obras de arte per se. El artista puede no considerarlos como obras de arte, pero como registro de sus trabajos, al hacer una retrospectiva, seguramente se presenten sus cuadernos de artista como muestra de sus ideas.
Los cuadernos de bocetos de Rogelio destilan por completo el estilo orgánico de un creador que se centra en el cuerpo humano; nos muestran su proceso creativo y su forma de ver el mundo sin pulir, cosa que hará cuando pase en limpio hacia la obra final. 
Domar las sombras que hacen fluir la luz en sus monocromos, gracias a su invención y observación, es una de las características de estos libros de Rogelio. Shirley Rebuffo



"Los cuadernos de artista son para mí una herramienta indispensable del proceso creativo.
Su uso es básicamente para bocetos y textos variados como direcciones, nombres de películas, recetas, desarrollo de proyectos. El orden cronológico me permite tener una idea clara de mi evolución. A veces rescato apuntes que he realizado hace muchos años atrás para seguir elaborándolos hasta que se convierten en trabajos definitivos. También son una suerte de 'bitácora visual', cuando miro los dibujos, algunos apenas garabatos, recuerdo lo que estaba viviendo en el momento de hacerlos.
No los considero piezas de arte, pero sí son objetos queridos con un gran valor afectivo". Rogelio Osorio




When considering the inclusion of Rogelio Osorio's work in this series, the question arises: could sketchbooks be considered artist's books?
The graphic diaries are ideas that emerge, and perhaps they will re-emerge as works in another modality, but in the end they are artworks per se. The artist may not consider them as works of art, but as a record of his work, when a retrospective is made, his artist's sketchbooks will surely be presented as a sample of his ideas.
Rogelio's sketchbooks completely distill the organic style of a creator who focuses on the human body; they show us his creative process and his unpolished way of seeing the world, which he will do when he moves on to the final work. 
Taming the shadows that make the light flow in his monochromes, thanks to his invention and observation, is one of the characteristics of Rogelio's books. Shirley Rebuffo



"Artist's sketchbooks are for me an indispensable tool of the creative process.
Their use is basically for sketches and various texts such as addresses, names of movies, recipes, project development. The chronological order allows me to have a clear idea of my evolution. Sometimes I rescue notes that I have made many years ago to continue working on them until they become definitive works. They are also a sort of 'visual log', when I look at the drawings, some of them just doodles, I remember what I was living at the moment of making them.
I don't consider them pieces of art, but they are beloved objects with a great affective value". Rogelio Osorio



Rogelio Osorio en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (V)], [Uruguayos (LI)]

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Libros de artista / Artist's Books (XIV) - Silvana Blasbalg, Uri Negvi, Véronique Cardinael

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Nuevo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

New article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Silvana Blasbalg
(Buenos Aires, Argentina, 1950-)

Silvana Blasbalg

Silvana Blasbalg es una grabadora y pintora que Vive y trabaja en Buenos Aires.
Egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, desde 1978 realiza muestras individuales y colectivas en la Argentina, Uruguay, Chile, Brasil, Colombia, México, Cuba, U.S.A., Canadá, Polonia, Italia, España, Israel y Rumania.
Ha recibido más de 55 premios a la fecha, entre ellos el primer premio de pintura Proarte de Pintura, Córdoba, Argentina, 1990; el segundo premio de Grabado Julio Prieto Nespereira en Ourense, España,1994; segundo premio de Grabado Trienal de Frechen, Alemania, 1996; primer premio de Pintura I.C.A.I (instituto Cultural Argentino Israel), 1999; tercer premio de la segunda Bienal de Grabado de ArteBa, 1998; segundo premio de Grabado Salón de Santa Fe, 2000; el Primer premio de Grabado Carmen Arozena, España, 2006, accesit de Grabado en el Premio de Grabado Contemporáneo de Gran Canaria,España,2008;Finalista Acqui Terme, Participa en muestras y concursos en Argentina y el exterior: Biblioteca de Alejandría, (Egipto).
Participa con libros de artista en ferias, muestras y premios internacionales. Asimismo participó como jurado en el premio Itaú de Artes Visuales en el salón de Santa Fe, premio Trabucco de pequeño formato entre otros.
Ha recibido el Primer Premio, disciplina Monocopia, en el Salón Manuel Belgrano (2021), y en 2022 el Segundo Premio de Grabado en el Salón Manuel Belgrano.

Libro de artista / Artist's Book"Menú"


Libro de artista "Interferencias" / Artist's Book "Interferences"



Libro de artista "Yo creo" / Artist's Book "I Believe"




Libro de artista "Siete vuelos" / Artist's Book "Seven Flights"



Silvana Blasbalg is a printmaker and painter who lives and works in Buenos Aires.
A graduate of the Manuel Belgrano National School of Fine Arts, since 1978 she has had solo and group exhibitions in Argentina, Uruguay, Chile, Brazil, Colombia, Mexico, Cuba, U.S.A., Canada, Poland, Italy, Spain, Israel and Romania.
She has received more than 55 awards to date, among them the first prize of painting Proarte de Pintura, Córdoba, Argentina, 1990; the second prize of Engraving Julio Prieto Nespereira in Ourense, Spain, 1994; second prize of Engraving Triennial of Frechen, Germany, 1996; first prize of Painting I.C.A. I (Argentine Cultural Institute Israel), 1999; third prize of the second Biennial of Engraving of ArteBa, 1998; second prize of Engraving Salón de Santa Fe, 2000; the First prize of Engraving Carmen Arozena, Spain, 2006, accesit of Engraving in the Prize of Contemporary Engraving of Gran Canaria, Spain, 2008; Finalist Acqui Terme, Spain; Participates in exhibitions and competitions in Argentina and abroad: Library of Alexandria, (Egypt).
He participates with artist books in fairs, exhibitions and international awards. She also participated as a juror in the Itaú Visual Arts Award at the Santa Fe Salon, Trabucco Small Format Award, among others.
She has received the First Prize, discipline Monocopia, at the Manuel Belgrano Salon (2021), and in 2022 the Second Prize for Engraving at the Manuel Belgrano Salon.

Libro de artista "En el muro" / Artist's Book "On The Wall"



Libro de artista "Libro de Inventarios" / Artist's Book "Inventory Book"






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Uri Negvi
Jorge González Mega
(Montevideo, Uruguay, 1949-)

Uri Negvi frente a su Serie "La Lujuria de la creación" /
in front of his "The Lust of Creation" Series

Uri Negvi es un artista visual argentino nacido el 15 de noviembre de 1949 en Montevideo, Uruguay. Desde hace 22 años reside en Buenos Aires, Argentina donde tiene su taller y da clases. Más información en el artículo publicado en dos post en abril de 2002 (ver enlaces más abajo), que incluyen la entrevista realizada por Shirley Rebuffo y una amplia selección de su obra pictórica.

El formato del libro de artista es parte del libro, del contenido, podría decirse que es un "soporte activo". Un libro de artista es una secuencia temporal que expresa emociones.
En esta obra Uri Negvi expresa lo que siente, lo que pasa por su mente en ese momento. Un diseño geométrico-arquitectónico juega a armonizar la estructura con la sensibilidad del artista. Transmite un mensaje estético ligado a la pintura abstracta, que se concreta en un cuadro-objeto transformado en libro.
Uri se nutre del legado de su maestro, Nelson Ramos, para regalarnos este libro plegable en el que nos dibuja su concepción artística de la vida.
Shirley Rebuffo

Libro de artista / Artist's Book
Todas las fotografías / All photographs © Flavio Presutti



Ray Bradbury
Fragmento de "El amigo del viejo Ahab, y amigo de Noé, dice lo que piensa" /
en "Libro de bolsillo para inspirar a curas, rabinos y pastores desanimados"
Cemetery Dance, 2001

(...)
El mar es mío.
La tierra te pertenece.
Todos giran en una
        vista eléctrica.

Soy el alma mayor
que nunca se aventuró
         aquí

Pero ahora tu alma es
más grande, porque sabe,
y sabe que sabe que sabe.

Yo soy la exhalación
          de un final

Tú eres la inhalación
de un comienzo de
         un inicio

Un florecimiento de la
         vida

que no se cerrará jamás

Yo me quedo aquí
         en las aguas y
me salo con las mareas
para que las cenas
de la eternidad
        me devoren

Mientras tu alma se desliza
          sigues vagando,

Saltas del aire
          con tus alas 
(...)  
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Ray Bradbury
Fragment of "Old Ahab's Friend, and Friend to Noah, Speaks His Piece"
in "A Chapbook for Burnt-Out Priests, Rabbis, and Ministers"
Cemetery Dance, 2001

(...)
The sea is mine. The land belongs to you.
All compass themselves round in one electric view.
I am the greatest soul that ever ventured here,
But now your soul is greater, for it knows*,
And knows that it knows that it knows.
I am the exhalation of a commencement of a beginning,
A flowering of life that will never close.
I stay in waters here and salt myself with tides
For dinners of eternity to eat me up
While your soul glides, you wander on,
You take the air with wings,
(...)


Uri Negvi is an Argentine visual artist born on November 15, 1949 in Montevideo, Uruguay. For 22 years he has lived in Buenos Aires, Argentina where he has his studio and teaches classes. More information in the article published in two posts in April 2002 (see links below), which include the interview conducted by Shirley Rebuffo and a wide selection of his pictorial work.

The format of the artist's book is part of the book, of the content, it could be said that it is an "active support". An artist's book is a temporal sequence that expresses emotions.
In this work Uri Negvi expresses what he feels, what is going through his mind at that moment. A geometric-architectural design plays to harmonize the structure with the artist's sensibility. It conveys an aesthetic message linked to abstract painting, which takes the form of an object-painting transformed into a book.
Uri draws on the legacy of his master, Nelson Ramos, to give us this folding book in which he draws his artistic conception of life.
Shirley Rebuffo


Siempre llevo lo
invisible en mí  

Siempre llevo lo
invisible en mí
          Las cosas que sé
            pero no sé

Y trato de encontrar,
con mano ciega
en ese país de los ciegos
que es la mente
con todo su pensar y
cada cambio
del clima
interno

Puedo asir los cambios
               de la luz

Cada desplazamiento del
        atardecer hacia la
              noche

Todos esos sueños
iluminados a medias
antes del amanecer

Uri Negvi


I always carry
the invisible in
       me

I always carry the
invisible in me
          The things I know
            but I don't know

And I try to find,
with a blind hand
in that land of the blind
which is the mind
with all its thinking and
every change
of the internal
climate

I can grasp the changes
               of the light

Every shift
of the dusk
to night

All those dreams
half-lit
before dawn

Uri Negvi

Uri Negvi en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (LXIII-1)], [Uruguayos (LXIII-1)]

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Véronique Cardinael
(Brugge, België / Bruges, Belgique / Brujas, Bélgica / Belgium, Bruges, 1955-)


Véronique Cardinael es una artista textil especializada en bordado a mano, que nació, vive y trabaja en Brujas, Bélgica.
Sus obras tratan generalmente temas sensibles de actualidad o que Véronique consiedera susceptibles de ser conocidos.

Sobre mí...

«Nací en Brujas, una ciudad de arte con una rica historia cultural. La artesanía de los artesanos supuso una riqueza para una ciudad como Brujas.El textil siempre estuvo presente en mi mundo de vida. Mi madre hacía telas para nuestra numerosa familia, pero también finos tejidos finos, y mi abuelo era un remolque.Cuando los niños estaban fuera de la casa. Las señoras hacían trabajo manual, un trabajo muy agradable. Las novias también llegaron en un grupo de pelucas de parche. Por lo tanto, era obvio que trabajaría con textiles más adelante. Pero hacer telas de acuerdo con patrones establecidos no era mi escultura. Y mis hermanos y hermanas me fascinaron y no he parado.El miércoles por la tarde asistí a la academia de dibujo, luego a las humanidades del arte, donde se sentaron las bases para las muchas técnicas visuales. Posteriormente realicé la formación de profesorado en artes visuales e historia del arte. Me especialicé en técnicas textiles siguiendo diferentes cursos como hilado, tejido, batik, fieltrado, pintura en seda, teñido de telas con materiales naturales, bolillos y encaje de aguja. También estoy interesada en conocimientos básicos de caligrafía y encuadernación. Enseñé humanidades y lenguaje para adultos.el conocimiento de otras técnicas textiles respaldan mi bordado.» V.C.

"El último poste / The Last Post"
Lino, algodón, encaje de bolillos de seda y bordados a mano /
Linen, cotton, silk bobbin lace and hand embroidery.


«Ypres es una ciudad flamenca que fue completamente destruida durante la prima guerra mundial. Incluso ahora, después de cien años, todas las noches en una breve ceremonia se sopla el "último poste" y se coloca una corona de flores. Fuimos a visitar unos cementerios de guerra con amigos alemanes e ingleses y acabamos la jornada asistiendo al "último poste". Este es el relato de este emotivo día.
Hice este Libro de artista para alguien que tenía que despedirse de su hijo por nacer. La historia donde la alegría se convierte en tristeza y uno se queda con una tristeza invisible.» V.C.



«Ypres is a Flemish city that was completely destroyed during the first world war. Even now, after a hundred years, every evening in a short ceremony the "last post" is blown and a wreath is laid. We went to visit some war cemeteries with German and English friends and ended the day by attending the "last post". This is the story of this moving day.
I made this Artist's Book for someone who had to say goodbye to her unborn child. The story where joy turns into sadness and one is left with an invisible sadness.» V.C.





Véronique Cardinael is a textile artist specialized in hand embroidery, who was born, lives and works in Bruges, Belgium.
Her works generally deal with sensitive subjects of current affairs or which Véronique considers to be susceptible to be known.

About myself

«I was born in Bruges, an art city with a rich cultural history. The craftsmanship of the craftsmen meant a wealth for a city as Bruges.
testile was always present in my life world. y mother made cloths for our large family, but also fine fine textile work, and muy grandfather was a trailer.
When the children were out of the home. The ladies did manual work, a very pleasant. Girlfriends also came in a group of patchwigs. It was terefore obvious that I would work with textile later on. But making cloths according to set patterns was not my sculpt. And my brothers and sisters each had fascinated me and I has not stopped.
On Wwdnesday afternoon I attended drawing academy, later art humanities where the basis for the many visual techniques was laid. Afterwards I completed the teacher training in visual arts and art history. I specialized in textile techniques by following different courses such as spinning, weaving, batik, felting, silk painting, dyeing fabric witch natural materials, bobbins and needle lace. I am also interested in basic knowledge of calligraphy and bookbinding. I taught in the humaniores and adult language. Knowledge of other textile techniques supports my embroidery.» V.C.

Germanwings Vuelo / Flight 9525 (*)
En recuerdo a las víctimas de este vuelo / Tribute to the victims of this flight
"Recuerda a las víctimas / Remember the victims"


(*) El vuelo 9525 de Germanwings fue un vuelo internacional regular de pasajeros entre el aeropuerto de Barcelona-El Prat (España) y el aeropuerto de Düsseldorf (Alemania). El vuelo estaba operado por Germanwings, una compañía de bajo coste propiedad de la aerolínea alemana Lufthansa. El 24 de marzo de 2015, el avión, un Airbus A320-211, se estrelló a 100 km al noroeste de Niza, en los Alpes franceses. Murieron los 144 pasajeros y los seis miembros de la tripulación.
El accidente fue provocado deliberadamente por el copiloto, Andreas Lubitz, que había sido tratado previamente por tendencias suicidas y declarado no apto para el trabajo por su médico. Lubitz ocultó esta información a su jefe y se presentó a trabajar. Poco después de alcanzar la altitud de crucero y mientras el capitán estaba fuera de la cabina, Lubitz cerró la puerta de la cabina e inició un descenso controlado que continuó hasta que el avión chocó contra la ladera de una montaña.





(*) Germanwings Flight 9525 was a scheduled international passenger flight from Barcelona–El Prat Airport in Spain to Düsseldorf Airport in Germany. The flight was operated by Germanwings, a low-cost carrier owned by the German airline Lufthansa. On 24 March 2015, the aircraft, an Airbus A320-211, crashed 100 km (62 mi; 54 nmi) north-west of Nice in the French Alps. All 144 passengers and all six crew members were killed.
The crash was deliberately caused by the co-pilot, Andreas Lubitz, who had previously been treated for suicidal tendencies and declared unfit to work by his doctor. Lubitz kept this information from his employer and instead reported for duty. Shortly after reaching cruise altitude and while the captain was out of the cockpit, Lubitz locked the cockpit door and initiated a controlled descent that continued until the aircraft hit a mountainside.



Sobre mi obra, mi trabajo y yo...

«Mis primeros bordados fueron una representación realista de la realidad, mi mundo directo, mis hijos, jardín y bodegones. Usé principalmente hilos de seda sobre base de algodón. Las puntadas de bordado estaban determinadas por la textura que tenía en mente.
El mar se convirtió en una fuente de inspiración recurrente, ahora con una mecha de lana y seda sin hilar. El bordado se liberó y el fondo no estaba completamente trabajado. De allí en adelante, los hilos se colorearán solos, las puntadas de bordado simplemente se vuelven lineales. Mediante el uso de una estructura de línea, la actuación se aproxima más a una técnica de boceto que evidencia una representación fugaz. Los bordados tridimensionales son el siguiente paso, las obras ya no se cuelgan en la pared y se presentan libremente en la sala. Exploro las diferentes posibilidades con la desaparición de las fibras sueltas de la membrana que se conectan entre sí. Las telas están unidas en folletos. Lo especial de los cuadernillos es que el dibujo es visible por ambos lados, lo que le da una dinámica totalmente diferente al dibujo. Los sujetos vuelven a ser mi mundo directo pero ahora desde un ángulo diferente. La actualidad y mi mundo emocional son mis artículos favoritos. Yo los llamo mis caricaturas textiles. Organizo los cuadernillos en diarios y periódicos. Lo táctil está cobrando cada vez más importancia. Los nuevos materiales, como la corteza de las palmeras, por ejemplo, me inspiran. Los folletos recientes también son leporellos. La mayoría de los textos que uso son palabras clave, no siempre legibles porque la parte de atrás muestra la intimidad. Así que uno tiene que adivinar cuál puede ser el contenido. El foco táctil está en el encaje. También el encaje negro me da más oportunidades gráficas. Las obras son cada vez más grandes y ahora son lineales abstractas. Es una muestra de sentimientos personales que dan como resultado frágiles collages.» V.C.



About my work, my work and I

«My first embroidery's were a realistic representation of the reality, my direct world, my children, garden and still life's. I used mainly silk wires on cotton base. The embroidery stitches were determined by texture that I had in mind.
The sea became a recurry source of inspiration, now with a wick of wool and unspun silk. 
The embroidery became freer and the background was no fully worked. From now on the threads will be colored themselves, the embroidery stitches simply become linear. By using a line structure, the performance more closely approximates a sketching technique that evidences fleeting representation. Three-dimensional embroidery are the next step, the workpieces are no longer hung on the wall freely presented in the room. I explore the different possibilities with disappearing membrane loose fibers connect together. The fabrics are bounded together in booklets. The special thing about the booklets is that the drawing is visible on both sides, which gives a totally different dynamic to the drawing. The subjects are again my direct world but now from a different angle. Current events and my emotional world are my favorite items. I call them my textile cartoons. I organize the booklets in diaries and newspapers. The tactile is becoming increasingly important. New material such as the bark of palm trees for instance, inspires me. The recent booklets are also leporellos. Most of the texts I use are keywords, not always readable because the backside shows the intimacy. So one hast to guess what the content can be. The tactile focus is on lace. Also black lace gives me more graphic opportunities. The works are getting bigger and are now abstract linear. It is a display of personal feelings resulting in fragile collages.» V.C.



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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.


Libros de artista / Artist's Books (XV) - Eleonora Cumer

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Nuevo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

New article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Eleonora Cumer
(Bolzano, Italia / Italy, 1956-)
Eleonora Cumer

Nace en Bolzano, Italia, el 29 de setiembre de 1956, donde aún vive y trabaja.
Se dedica al arte a tiempo completo desde 2004, inicialmente con ilustración y luego con libros de artista e instalaciones. Realiza talleres y talleres de artista en museos de arte contemporáneo y diversas instituciones. Ha publicado en Italia y en el extranjero.
Sus libros de artista se pueden encontrar en diversas colecciones privadas y en organismos públicos.
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6m di omologazione / Aprobación de 6 m. / Approval of 6 m.
Ejemplar único / Unique piece, 2010

Libro impreso que se puede desenrollar en toda su longitud.
En el contenedor se han colocado algunos sonajeros.
Estuche de tela. Tamaño: 30 x 600 cm.

Printed book that can be unrolled along its entire length
Some rattles have been placed in the container.
Cloth case. Size: 30 x 600 cm.
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Composizione scomposizione 
Composición descomposición / Composition Decomposition
2013

4 libros en acordeón
Dimensiones: Cerrado 25 x 25 cm. - Abierto 25 x 100 cm.
pintado delante y detrás con etiquetas
Componible en un único libro tridimensional.

4 books on accordion
Dimensions: Closed 25 x 25 cm. - Open 25 x 100 cm.
painted front and back with labels
Composable in a single three-dimensional book.
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Destrutturare / Deconstruir / Deconstruct
Ejemplar único / Unique piece, 2018

Libro cosido compuesto de tarjetas de colores con cortes e incrustaciones
Dimensiones: Cerrado, 21 x 33 cm. – Abierto 21 x 60 cm. (variable)


Stitched book composed of colored cards with cuts and inlays
Book Size: Closed, 21 x 33 cm. – Open 21 x 60 cm. (variable)
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Donne / Mujeres / Women
Ejemplar único / Unique piece, 2014
Diccionario recortable con los 4 lados pegados 
Dentro del libro tres cabezas de mujer hechas de cerámica y alfileres de acero
Cubierta separada con exterior e interior impresos
Libro cerrado: 28,5 x 19 x 7 cm. 

Cut-out dictionary with the 4 sides glued together
Inside the book three women's heads made of ceramic and steel pins
Separate cover with printed exterior and interior
Book closed: 28.5 x 19 x 7 cm.
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"He participado y expuesto en numerosas muestras nacionales e internacionales, entre ellas la Bienal del Libro de Artista de Cassino (provincia de Frosinone), Bienal del Libro de Artista de Nápoles, "Libros de Arte en Archivo" durante el Artelibro de Bolonia, "Libro de artista y de las pequeñas ediciones" Barcelona, ​​​​Libros de Schio Books, Belgrado y Vicenza, Bienal de arte y diseño de Padua, y Délires de livres.
Mi última exposición personal, "Libro de artista", tuvo lugar entre diciembre de 2022 y marzo de 2023 en Pavullo nel Frignano, en la Galería de Arte Contemporáneo del Palacio Ducal.
Mis trabajos han ganado varios premios: Premio Stupor Sensibile (Libros inéditos), Premio Libcomelibrarsi (Libros hechos a mano) y Mejores aplicaciones y libros electrónicos internacionales (Kirkus Reviews)".
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Fili incrociati / Hilos cruzados / Crossed Threads
Ejemplar único / Unique piece, 2018

Cartulina blanca Hanemühle, papel japonés, tarlatana
impresión monotipo con tintas calcográficas y cosido con hilos de algodón
Dimensiones: Cerrado, 27 x 39 cm. - Abierto, variable, con 12 páginas de costura central

White Hanemühle cardstock, Japanese paper, tarlatana
monotype printing with intaglio inks and stitching with cotton threads
Dimensions: Closed, 27 x 39 cm. - Open, variable, with 12 central stitched pages
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In movimento / En movimiento / In Movement
Ejemplar único / Unique piece, 2010

Libros antiguos desmontados, las páginas individuales cortadas, pintadas y cosidas.
Dimensiones: Cerrado 12 x 13 x 16 cm. - Abierto: variable


Old books dismantled, the individual pages cut, painted and stitched together
Dimensions: Cerrado 12 x 13 x 16 cm. - Open: variable

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Incastri / Encaje / Joint
Ejemplar único / Unique piece, 2019
Cartulinas de colores Canson.
Dimensiones: Cerrado, 22 x 26 x 14,5 cm. - Abierta, variable
Canson colored cardboard.
Dimensions: Closed, 22 x 26 x 14.5 cm. - Open, variable
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"Me ocupo del libro desde hace algunos años. Creo que hojear las páginas o desenrollarlas estimula más la curiosidad por ver qué contiene el objeto que tienes en las manos. La posibilidad de tocarlo, darle vueltas una y otra vez, 'leerlo' por un lado y luego por el otro, es como entrar en el objeto mismo. De esta manera, la percepción táctil se suma a la visual. El libro se convierte en una escultura de papel, la escultura de papel se convierte en un libro. De la misma manera, trabajar con el papel de los libros viejos, los que se encuentran en los mercadillos o cerca de los contenedores de basura, es como trabajar sobre uno mismo, reciclarse y reciclarse, nuevas formas de ser y proponerse, como un fin pero a la vez un nuevo comienzo.
Utilizo varias técnicas: pochoir (esténcil o plantilla), monotipo, linograbado. Dibujo con tinta e hilo. Me gusta experimentar, encontrar siempre nuevas formas de expresión para contar mis emociones y mis pensamientos. Trabajo en textos, como poemas o haiku, pero rara vez, así como apenas uso la palabra en mis obras".
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La non cultura / La no cultura / Non-culture
Ejemplar único / Unique piece, 2014

10 volúmenes no legibles representados temáticamente del lexicon-enciclopedia Meyers Kleines
cubierta separada con impresión digital
Tamaño del libro: 19,5 x 12,5 cm., instalación de dimensiones variables


10 thematically rendered unread volumes of the Meyers Kleines lexicon-encyclopedia.
Separate cover with digital printing
Book size: 19.5 x 12.5 cm., installation of variable dimensions
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Eleonora Cumer

Born in Bolzano, Italy, on September 29, 1956, where she still lives and works.
She dedicates herself to art full time since 2004, initially with illustration and then with artist's books and installations. She conducts workshops and artist's workshops in contemporary art museums and various institutions. She has published in Italy and abroad.
Her artist books can be found in various private collections and public institutions.
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Legami / Corbatas / Ties
Ejemplar único / Unique piece, 2018

Libro de cartón negro cosido con cortes, gasa e hilo rojo.
Dimensiones: 20 x 19 cm. (cerrado)

Black cardboard book sewn with cuts, gauze and red thread
Book size: 20 x 19 cm. (closed)
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Libro sotto vetro / Libro bajo vidrio / Book Under Glass
Ejemplar único / Unique piece, 2021

Jarra de vidrio, cartulina Fabriano, agujas, imperdibles, hilo rojo.
Dimensiones: altura 16 cm., diámetro 9 cm.

Glass jar, Fabriano cardboard, needles, safety pins, red thread.
Tamaño: altura 16 cm., diameter 9 cm.
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Paesaggi urbani / Paisaje urbano / Urban Landscape
Ejemplar único / Unique piece, 2012
2 cartulinas pintadas por delante y por detrás
Tamaño: Cerrado, 15 x 25 cm. – Abierto, 60 x 25 cm.

2 cards painted front and back
Book Size: Closed, 15 x 25 cm. – Open, 60 x 25 cm.
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Per filo e per segno / Por hilo y por signo / By Thread And By Sign
Ejemplar único / Unique piece, 2019

Diferentes cartulinas, tela, tarlatana, hilo
Dimensiones: Cerrado, 23 x 26 cm. - Abierto: variable


Different cardboards, fabric, tarlatana, thread
Dimensions: Closed, 23 x 26 cm. - Open: variable
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"I have participated and exhibited in numerous national and international shows, including the Biennale del Libro d'Artista in Cassino (province of Frosinone), Biennale del Libro d'Artista in Naples, "Art Books in Archive" during Artelibro in Bologna, "Artist's Book and Small Editions" Barcelona, Schio Books, Belgrade and Vicenza, Biennale d'arte e design in Padua, and Délires de livres.
My latest solo exhibition, 'Artist's Book', took place between December 2022 and March 2023 at Pavullo nel Frignano, at the Contemporary Art Gallery of the Palazzo Ducale.
My works have won several awards: Premio Stupor Sensibile (Unpublished Books), Premio Libcomelibrarsi (Handmade Books) and Best International Apps and eBooks (Kirkus Reviews)."
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Percezioni visive / Percepciones visuales / Visual Perceptions
Ejemplar único / Unique piece, 2016

5 páginas - tela impresa con linograbado y dibujando con hilo
Dimensiones: Cerrado 20 x 17,50 cm.

5 pages - fabric printed with linocut and drawing with thread
Dimensions: Closed 20 x 17.50 cm.
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Quando il cerchio incontra il quadrato
Cuando el círculo se encuentra con el cuadrado
When The Circle Meets The Square
Ejemplar único / Unique piece, 2022

Cartulina Fabriano, papel hecho a mano, tarlatana, cáñamo, diferentes hilos
Dimensiones: Cerrado, 30 x 20 cm. - Abierto: 30 x 40 cm.

Fabriano cardboard, handmade paper, tarlatana, hemp, different threads
Dimensions: Closed, 30 x 20 cm. - Open: 30 x 40 cm.
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Ricordi / Recuerdos / Memories
Ejemplar único / Unique piece, 2019

Cartulina Fabriano, tarlatana, hilo
Tamaño: Cerrado, 21 x 25 cm. - Abierto, variable

Fabriano cardboard, tarlatana, thread
Size: Cerrado, 21 x 25 cm. - Open, variable
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Scomporre e ricomporre
Descomponer y recomponer / Break Down and Recompose
Ejemplar único / Unique piece, 2019

3 cartulinas de Fabriano dobladas en leporello (acordeón), pintadas por delante y por detrás
Tamaño: Cerrado, 25 x 17 cm. – Abierto, variable

3 Fabriano cardboard folded like a leporello, painted on the front and back
Book size: Closed, 25 x 17 cm. – Open, variable size
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"I've been taking care of the book for a few years now. I think flipping through the pages or unrolling them stimulates more curiosity to see what the object in your hands contains. The possibility of touching it, turning it over and over again, 'reading' it on one side and then on the other, is like entering the object itself. In this way, tactile perception is added to visual perception. The book becomes a paper sculpture, the paper sculpture becomes a book. In the same way, working with the paper of old books, those found in flea markets or near garbage containers, is like working on oneself, recycling and recycling oneself, new ways of being and proposing oneself, as an end but at the same time a new beginning.
I use various techniques: pochoir (stencil or templates), monotype, linocut. I draw with ink and thread. I like to experiment, to always find new ways of expression to tell my emotions and my thoughts. I work on texts, such as poems or haiku, but rarely, as I hardly use words in my works".
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Scomposizione di un libro - omaggio al teatro dell’assurdo di Jonesco
Descomposición de un libro - homenaje al teatro del absurdo de Ionesco /
Breakdown of a Book - Tribute to Ionesco's Theater of the Absurd
Ejemplar único / Unique piece, 2015

Páginas de "El Rinoceronte" cortadas en tiras de 1 cm aproximadamente y enrolladas,
pero que se pueden volver a desenrollar para recomponer el libro.

Pages from "The Rhinoceros" cut into strips of approximately 1 cm and rolled up,
but can be unrolled again to recompose the book.

Eugène Ionesco en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes ( LIX)], [Rinocerontes (LXXVII)]

Eleonora Cumer
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Más sobre / More about Eleonora Cumer: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Eleonora!)
Images published here with artist's permission. (Thanks a lot, Eleonora!)
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
 
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Libros de artista / Artist's Books (XVI) - Lucía Guichón, Rimer Cardillo (II)

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Nuevo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

New article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Lucía Guichón
(Florida, Uruguay, 1975-)

Lucía Guichón

Lucía Guichón es una artista uruguaya nacida el 6 de agosto de 1975 en Florida. Actualmente vive y trabaja en la ciudad de Santa Lucía, Canelones.

"Me considero artesana. Desde que tengo memoria me ha interesado el arte y en especial el trabajo manual. En el año 1995 inicié mi camino en el trabajo artesanal, experimentando durante los primeros 10 años con diferentes materiales y técnicas. Pero fue a partir de los 2000 que el papel comenzó a hacerse cada vez más presente, de forma un tanto indefinida y experimental al comienzo. Con el tiempo empecé a hacer empaques para otros artesanos y en paralelo a buscar la forma de realizar trabajos más personalizados, lo que me llevó a estudiar diseño de forma autodidacta. Al mismo tiempo mi gusto por los libros también fue haciéndose presente en mi trabajo y de a poco incursioné en la encuadernación. Toda esa mezcla de inquietudes fue definiendo 'Mandala', el taller en el que desempeño mi trabajo artesanal, dedicado especialmente a técnicas en las que el papel es tanto materia prima como recurso creativo. La encuadernación y papelería artesanal, y el diseño y elaboración de packaging artesanal, son los rubros en lo que se enfoca mi producción actual, con énfasis en el trabajo personalizado y sustentable. Los libros de artista son una parte más personal de mis procesos de búsqueda creativa. Un lugar donde experimentar, diseñar y crear de forma libre y volcar esa pasión por el libro como objeto y el papel.."

Libro de artista con formato acordeón.
Matriales: cartulinas (varias), papel vegetal, hilos.
Técnica: collage, costuras.
Medidas: cerrado, 12 x 16 x 0,7 cm. - desplegado, 16 x 76 cm.

Artist's book in accordion format.
Materials: cardboard (various), tracing paper, threads.
Technique: collage, stitching.
Dimensions: closed, 12 x 16 x 0,7 cm. - unfolded, 16 x 76 cm.

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"Mis primeros vínculos con el libro se inician en la infancia, como simple lectora. Con el paso de los años me he ido acercando a los libros desde todos los lugares que me ha sido posible (y otros tantos que aún me faltan). Desde que inicié mi vínculo con el papel y la encuadernación, la forma de ver y entender los libros se amplió inmensamente, abordando las muchas formas que como objeto puede adoptar, así como la cantidad de elementos, técnicas y oficios que implica materializarlo. Además de leerlos, de encuadernar y de reencuadernar, o de reparar libros, he diseñado algunos, poniendo en páginas y dando forma a su contenido. Trabajar en una librería me abrió otro enorme abanico de posibilidades de acercamiento, de entender un aspecto que tiene más que ver con lo comercial, pero también con lo que otros eligen leer, con el vínculo de otros lectores con los libros. También lo abordé desde un lado más artístico, investigando el universo de los libros de artista. Para mi leer un libro no consiste en empezar por la primera página: hay toda una lectura que tiene que ver con el objeto antes mencionado. El diseño, el papel, las portadas, las diferentes ediciones, la tipografía, el tamaño, las formas en que está encuadernado y otras cosas que me entretienen antes que el propio contenido. Me gusta leer muchos tipos de libros, tanto como me gusta hacerlos. Leo libros sobre libros. No tengo una gran biblioteca, pero además de la gata y las plantas es como otro ser vivo en la casa: es dinámica, crece, disminuye, se nutre de préstamos, de nuevas adquisiciones o de otros objetos que guardan algún vínculo afectivo con ellos. Los libros en ella son herramientas, productos, arte, afectos, emociones, dolores de cabeza... todo a la vez."
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Lucía Guichón is an Uruguayan artist born on August 6, 1975 in Florida. She currently lives and works in the city of Santa Lucia, Canelones.

"I consider myself an artisan. For as long as I can remember I have been interested in art and especially in manual work. In 1995 I started my way in handicraft work, experimenting during the first 10 years with different materials and techniques. But it was in the 2000's that paper began to become more and more present, in a somewhat undefined and experimental way at the beginning. Eventually I began to make packaging for other artisans and in parallel to look for ways to make more personalized work, which led me to study design in a self-taught way. At the same time, my love for books was also present in my work and little by little I started to work in bookbinding. All this mixture of concerns was defining 'Mandala', the workshop where I perform my craft work, especially dedicated to techniques in which paper is both raw material and creative resource. The binding and handmade stationery, and the design and elaboration of handmade packaging, are the areas in which my current production is focused, with emphasis on personalized and sustainable work. Artist books are a more personal part of my creative search processes. A place to experiment, design and create in a free way and to pour that passion for the book as an object and the paper."
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"My first links with books began in childhood, as a simple reader. Over the years I have approached books from all the places I have been able to (and many others that I still lack). Since I began my relationship with paper and bookbinding, the way of seeing and understanding books has expanded immensely, addressing the many forms that an object can take, as well as the number of elements, techniques and trades involved in its materialization. In addition to reading them, binding and re-binding, or repairing books, I have designed some, putting in pages and giving shape to their content. Working in a bookstore opened up another enormous range of possibilities of approach, of understanding an aspect that has more to do with the commercial, but also with what others choose to read, with the link of other readers with books. I also approached it from a more artistic side, investigating the universe of artists' books. For me, reading a book does not consist of starting with the first page: there is a whole reading that has to do with the aforementioned object. The design, the paper, the covers, the different editions, the typography, the size, the way it is bound and other things that entertain me before the content itself. I like to read many kinds of books, as much as I like to make them. I read books about books. I don't have a big library, but besides the cat and the plants it is like another living thing in the house: it is dynamic, it grows, it diminishes, it is nourished by loans, by new acquisitions or by other objects that have some affective link with them. The books in it are tools, products, art, affections, emotions, headaches... all at the same time."
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Más sobre / More about Lucía Guichón: Instagram

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Lucía!)
Images published here with artist's permission. (Thanks a lot, Lucia!)
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Rimer Cardillo
(Montevideo, Uruguay, 1944-)

Rimer Cardillo es un artista visual, escultor y grabador uruguayo nacido en Montevideo el 17 de agosto de 1944, residente en los Estados Unidos desde 1979.
Más información en el capítulo VII de esta serie, en el que ya presentamos un libro de artista de este creador en forma de relicario. 

Caja de madera patinada, papel gofrado y materiales diversos
Dimensiones: 14" x 12" x 4" - abierto: 14" x 20" x 11"

Patinated wood box, embossed paper and various materials
Dimensions: 14" x 12" x 4" - open: 14" x 20" x 11"
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Rimer Cardillo is an Uruguayan visual artist, sculptor and engraver born in Montevideo on August 17, 1944, who has lived in the United States since 1979.
More information in chapter VII of this series, in which we already presented an artist's book by this creator in the form of a reliquary.
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Caja de madera patinada, papel gofrado y materiales diversos
Dimensiones: 14" x 12" x 4" - abierto: 14" x 20" x 11"

Patinated wood box, embossed paper and various materials
Dimensions: 14" x 12" x 4" - open: 14" x 20" x 11"


Rimer Cardillo en "El Hurgador" / in this blog[Libros de artista (VII)]

Más sobre / More about Rimer Cardillo: WebsiteInstagramWikipedia

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Rimer!)
Images published here with artist's permission. (Thanks a lot, Rimer!)
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Roxa Smith [Pintura, entrevista / Painting, Interview]

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Volviendo a las entrevistas de Shirley Rebuffo, presentamos la obra de la artista venezolana, residente en Estados Unidos, Roxa Smith. Un intenso colorido, pinturas de transitan desde los exteriores a los interiores, y la naturaleza en forma de animales y plantas como elementos complementarios de esos entornos profusa e intrincadamente decorados.
Les presentamos una selección cronológica de su obra y un cuestionario en profundidad en el que Roxa nos revela claves de su evolución artística y proceso creativo.

Returning to Shirley Rebuffo's interviews, we present the work of the Venezuelan artist, resident in the United States, Roxa Smith. Intense color, paintings of transition from exteriors to interiors, and nature in the form of animals and plants as complementary elements of these profusely and intricately decorated environments.
Here we have a chronological selection of her work and an in-depth questionnaire in which Roxa reveals keys to her artistic evolution and creative process.
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Roxa Smith
(Caracas, Venezuela)
en EE.UU./ at USA

Roxa Smith entre sus pinturas / among her paintings

Roxa Smith nació y creció en Caracas, Venezuela. Llegó a los EE. UU. en su adolescencia y asistió al Bowdoin College en Brunswick, Maine, donde obtuvo una licenciatura en Historia del Arte y Alemán con especialización en Artes Visuales en 1984. Posteriormente recibió un Certificado de Posgrado en Bellas Artes de la Universidad de California, Santa Cruz en 1987.
En California participó activamente en un grupo de pintores al aire libre liderados por Lundy Siegrist y Terry St. John, uno de los pintores al aire libre originales del Área de la Bahía de la década de 1970. Ser parte de este grupo consolidó su amor por la pintura y, en particular, por la pintura de paisajes, en la que se centró hasta que se mudó a la ciudad de Nueva York en 1991.
En la década de 1990 la ciudad de Nueva York no era la ciudad visualmente hermosa que es hoy. Sin inspiración para pintar el paisaje de la ciudad de Nueva York, Smith se dedicó a pintar los interiores de la gente, que estaban llenos de vida y color. A lo largo de los años Smith trabajó en una variedad de otros temas, como animales en interiores, paisajes mentales, juguetes y robots. Sin embargo el amor de Smith por interpretar la vida contemporánea cotidiana siempre ha sido el ancla de su arte. Además de pintar, Smith también ha explorado el collage de papel utilizando temas de sillas y bicicletas. Desde la pandemia, Smith ha seguido reinterpretando escenas interiores contemporáneas centrándose en particular en plantas y sillas. Sus coloridas pinturas han evolucionado hasta convertirse en reconsideraciones familiares e idiosincrásicas del espacio donde los patrones y los detalles reinan de forma suprema.
Smith ha realizado múltiples exposiciones individuales y en compañía de otros artistas. Ha recibido una variedad de premios, residencias y becas. En 2022 fue premiada como artista de la semana en la revista online: Epicenter-NYC. En 2021 recibió el premio The Walter J. and Anna H. Burchan Trust Memorial en la 86ª Exposición Anual de Arte con Jurado en Cooperstown, Nueva York. Ese mismo año el Vermont Studio Center le otorgó una Beca de Artista. En 2017 fue finalista de una comisión de Arte y Diseño de la Autoridad de Transporte Metropolitano (MTA) (Brooklyn, Nueva York). En 2013 recibió la prestigiosa Beca Basil Alkazi de la Fundación para las Artes de Nueva York (NYFA) en el Sheldon Museo en Lincoln, Nebraska. En 2012, Smith recibió una beca en pintura de la NYFA, un año después de recibir una subvención para asistir al programa Boot camp de la NYFA 'El artista como emprendedor', en 2011.
Se ha publicado sobre Smith en muchas revistas y periódicos. Está representada por C24Gallery, en Chelsea, Nueva York.

"Las montañas en los Andes / The Mountains in Los Andes, Venezuela"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 24", 1986

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cómo surgió tu pasión por la pintura?

Roxa Smith: Crecí en un hogar muy creativo. Mi madre era artista comercial de formación y escultora, diseñadora y arquitecta aficionada. Nos animó a mis hermanos y a mí a dibujar y pintar en proyectos y juegos caseros. Nací y crecí en Venezuela. Cuando éramos jóvenes, mis padres nos llevaron a viajar por toda Venezuela y nos expusieron a su rico arte de los pueblos e iglesias coloniales, así como al arte indígena y popular del pueblo venezolano. Estoy segura de que el color y la calidad naif de mi trabajo provienen de la influencia de esos primeros años.
Terminé la secundaria y la universidad en Estados Unidos. Allí tomé algunas clases formales de arte, pero en realidad fueron las clases de historia del arte que tomé en Bowdoin College las que hicieron que me apasionara el arte. Me gradué con una licenciatura en Historia del Arte y Alemán con mención en Artes Visuales. Después de graduarme pasé un año en la ciudad de Nueva York siguiendo diferentes carreras artísticas, pero las encontré insatisfactorias. Me sentí abrumada y deprimida por la ciudad y fui a visitar a mi hermana a Santa Cruz, California. Allí me uní a un grupo de pintura al aire libre dirigido por Lundy Siegriest y Terry St. John, uno de los pintores al aire libre originales del Área en la Bahía de la década de 1970. Unirme a este grupo renovó mi amor por la pintura. Comencé a pintar a diario, al aire libre y en el estudio. Desarrollé amistades cercanas con artistas y eventualmente comencé a asistir a clases de arte en la Universidad de Santa Cruz (UCSC). Esto fue a finales de los años 1980. La UCSC fue una gran escuela para pintores y grabadores.
En 1987 asistí al programa de posgrado de quinto año en la UCSC. Los profesores y colegas que conocí en la USC me inspiraron, moldearon mi ética de trabajo y me dieron la fuerza para buscar una vida como artista. Hubo un profesor, Hardy Hanson, jefe del departamento de arte de la UCSC, que tuvo un profundo efecto en mi trabajo. Él me inculcó muchas de mis prácticas artísticas. Por ejemplo, me dijo que fuera paciente con mi proceso, que no tomara atajos al terminar una pieza, que no buscara respuestas fáciles y que me involucrara constantemente con mi trabajo e hiciera preguntas. A menudo pienso en sus consejos.

"Costa de Santa Cruz / Sancta Cruz Coastline", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 30", 1987

"Un santuario para los sueños / A Sanctuary For Dreams"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60" x 64", 1999

SR: Has sufrido varios cambios de paisaje debido a tus varias mudanzas y constantes viajes. ¿Cómo ha influido eso en cómo ves la vida y cómo la transfieres desde la paleta al lienzo?

RS: Mi viaje artístico ha sido un reflejo de los muchos lugares y entornos en los que he vivido. Si bien mi educación latinoamericana y mis clases de arte en Bowdoin College me inspiraron, fue en Santa Cruz [California] donde realmente comenzó mi carrera artística. Primero, me enamoré de la pintura a través del proyecto Pintores al aire libre. Luego estudiar en la Universidad de Santa Cruz (UCSC) solidificó mi pasión artística. Fue en Santa Cruz donde establecí una práctica artística diaria. En aquella época, pintaba principalmente por observación. Mis pinturas eran paisajes llenos de luz y colores de casas de Santa Cruz y pueblos costeros del Área de la Bahía. Me centré en capturar la luz, el color y la vida del norte de California a través de la pintura. Esto duró hasta el final de mi estancia en la Universidad de Santa Cruz.
Siendo una artista joven, quería explorar diferentes estilos y medios, así que después de graduarme del Programa de Quinto Año en la UCSC, comencé a experimentar con la pintura abstracta. Pinté gruesas piezas de empaste sobre cajas y marcos de madera usando malla de alambre, óleos, barras oleosas y arena. Mis piezas a menudo incluían figuras parecidas a cadáveres pintadas en azules y marrones oscuros. Durante este tiempo, la mayoría de mis amigos y mi comunidad artística se habían ido de Santa Cruz y me sentí aislada y sola. Mis pinturas reflejaban mi estado de ánimo.
Después de dos años decidí volver a pintar desde la observación. Mi paleta inmediatamente se volvió brillante y llena de luz. Sabía que me había reconectado conmigo misma. Al mismo tiempo decidí dejar Santa Cruz y regresar a la ciudad de Nueva York. El traslado de Santa Cruz también coincidió con dos acontecimientos fundamentales que guiaron mi brújula artística; primero, la retrospectiva de Matisse en la National Gallery de Washington DC (1989), que despertó mi pasión por los interiores, y segundo, un viaje europeo de ocho meses que inspiró numerosos cuadernos de bocetos y me brindó experiencias que me enriquecerían para toda la vida.
Regresar a la ciudad de la que había huido marcó para mí un paso atrevido. A principios de la década de 1990, la ciudad de Nueva York era una mezcla de peligro y dinamismo. En medio de su atractivo áspero, compartí una antigua funeraria de East Village con mi novia durante seis años transformadores. En esta época exploré diversos estilos y temas. Hice una extensa serie de autorretratos vestida con trajes, dividiendo el lienzo en segmentos y, a menudo, ampliando partes del cuerpo para enfatizar. Estas pinturas eran audaces, a veces agresivas y con un tinte político.
Después de la serie de autorretratos, me embarqué en una extensa serie de pinturas a gran escala, de 127 x 152,4 cm, o incluso más grandes, que retratan animales alojados dentro de intrincados y dramáticos fondos interiores, que a menudo recuerdan entornos eclesiásticos o del Medio Oriente. Estas pinturas desentrañaron historias utilizando animales como metáforas humanas, trufadas con comentarios sociales y políticos. Paralelamente a estas dos series diferentes, realicé pinturas de tamaño mediano que capturaban escenas interiores familiares. El acto de pintar interiores se convirtió en un ancla para mi práctica mientras exploraba una variedad de otros temas.

"Cuero de vaca / Cowhide", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 1997

»Después de seis años de trabajar y vivir en la antigua funeraria, mi pareja y yo trasladamos nuestros estudios a un espacio compartido, que era un tercio del tamaño de nuestros estudios. Continué pintando animales en interiores, pero mis pinturas se hicieron más pequeñas en escala 41 x 50 cm. Este estudio sólo duró unos pocos años. Al final los precios de las propiedades inmobiliarias de la ciudad de Nueva York se dispararon y tuve que trasladar mi estudio a una esquina de nuestro apartamento de un dormitorio en Manhattan. En medio de esta transición, mis pinturas se redujeron de tamaño y mi tema cambió. Esta fase de estudio en casa desencadenó una serie de pequeñas pinturas en aguada sobre panel 20,3 x 25,4 cm, que representan juguetes y robots influenciados por una extensa colección de 1950-60 perteneciente a mi arrendador. También hice 30 pinturas en aguada sobre panel de 12,7 x 17,78 cm, inspiradas en interiores familiares. Esta vez la temática interior empezó a tener más importancia en mi práctica artística.
La serie de juguetes y robots decayó cuando encontré mi estudio actual en Greenpoint, Brooklyn. Con un nuevo espacio para expandirme más allá de mis pinturas de mesa, decidí ampliar mis miniaturas interiores hasta convertirlas en lienzos que tuvieran dimensiones a escala humana. Esta transición a lienzos más grandes condujo al surgimiento de pinturas más imaginativas, lo que me permitió experimentar con elementos como la profundidad tridimensional yuxtapuesta con planos llanos, patrones intrincados, ricos colores y detalles meticulosos. El cambio a esta escala ampliada marcó un momento crucial y desde entonces he dedicado gran parte de mi obra a crear pinturas de interiores a esta escala.

»En 2013, hice una residencia de dos semanas en el Vermont Studio Center en Johnson, Vermont. Decidí utilizar papel estampado y de colores para hacer collages de interiores y sillas. El trabajo de collage era más gráfico, abstracto e impredecible que la pintura. Estas dos semanas haciendo collages cambiaron mi enfoque de la pintura. De vuelta en el estudio, decidí impulsar la yuxtaposición de plano y profundidad en mis pinturas aún más de lo que había hecho anteriormente, y comencé a "cotejar metafóricamente" en mi trabajo otros elementos, que no pertenecen a los interiores reales. Mis nuevos interiores se convirtieron en "interiores inventados" alternando entre lugares reales que me inspiraron y espacios inventados llenos de imágenes simbólicas personales. Aquí es donde se desarrolla mi trabajo hoy. Mis pinturas son de espacios recreados e inventados, donde planos oscilantes presentan mundos familiares pero idiosincrásicos fuera de lugar.

"Fiesta oscura / Dark Party", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 24", 1986

SR: Empezaste pintando al aire libre. ¿Cómo fue esa experiencia tan gratificante y poderosa?

RS: Cuando me mudé a Santa Cruz, California, desde la ciudad de Nueva York, me enamoré de la luz y la naturaleza del Área de la Bahía. El verano que me mudé allí tuve la suerte de encontrar un curso, "El Proyecto del Pintor", ofrecido por la Universidad de Santa Cruz, sobre pintura al aire libre. Nunca hubiera imaginado que estar en esta clase cambiaría mi vida de la forma en que lo hizo.
Pintar al aire libre renovó mi espíritu y me dio vida. Me encantó este proceso, desde buscar un lugar para pintar, instalar el caballete hasta lidiar con todos los elementos ambientales: el viento, el sol y el público. Fue emocionante tener una obra evolucionando in situ y regresar al lugar en el transcurso de unos días o semanas para terminarla. Era una forma de trabajar tan directa y casi urgente que requería concentración y determinación.
Durante el primer "Proyecto del Pintore", conocí a varios amigos de toda la vida. Uno de ellos era mi amigo William Steiger. Nos convertimos en un equipo de pintores al aire libre y pintamos cientos de escenas diferentes en la Bahía de Monterey, la Bahía de la Media Luna y la Bahía de San Francisco en California. En 1987 mi pareja, Rebecca Weinstein, y William, pasaron un mes en Venezuela pintando paisajes a lo largo de la Cordillera de los Andes. Fue un viaje y una experiencia que me hizo conectar con mi país de nacimiento de una manera muy diferente. Pintábamos en las calles de pequeños pueblos con decenas de niños y adultos rodeándonos mientras nos concentrábamos en nuestro trabajo.
La práctica de la pintura al aire libre jugó un papel crucial en la base de mi práctica artística. La importancia fue tal que integré la misma técnica cuando pinté las residencias de amigos y familiares en la ciudad de Nueva York.
Hoy en día ya no pinto al aire libre. No tengo la resistencia ni la paciencia para pararme frente a una escena y lidiar con los diferentes elementos ambientales del escenario. Utilizo bocetos y fotografías para registrar el lugar que quiero pintar.

"Huéspedes no invitados / Uninvited Guests", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 21", 2004

"Estilo brasileño / Brazilian Flair", 5" x 7", aguada sobre panel / goauche on board, 2001

SR: El color de tu obra actual remite más al caribeño que al estadounidense. ¿Definirías tu estilo actual como "barroco moderno"?

RS: Mi afinidad por el color proviene de haber crecido en un país tropical. Al crecer en Venezuela, estuve inmersa en un mundo saturado de colores vibrantes, tanto en la ropa de las personas, en las calles, en la vegetación, como en el interior y exterior de las casas. Incluso la comida es colorida.
Nunca estudié teoría del color. Mi elección de colores es muy intuitiva. Curiosamente he observado una correlación llamativa: a medida que las noticias del mundo adquieren matices más oscuros y pesimistas, mis pinturas se vuelven más radiantes y vibrantes.
Creo que es interesante que me preguntes si categorizo mi obra como "barroco moderno". Puedo ver por qué podrías eso, ya que muchas de mis pinturas están llenas de detalles y patrones. Sin embargo, no clasificaría mi trabajo de esta manera porque no creo que mi arte actual encaje en ninguna categoría en particular.

"Confort, Estancia Santa Marina, Brasil / Comfort, Fazenda Santa Marina, Brazil"
Aguada sobre panel / goauche on board, 7" x 5", 2011

SR: Cuéntanos sobre tu estilo particular. ¿Cómo llegaste ahí? Además del color, en los interiores se aprecia una formación arquitectónica.

RS: He estado haciendo arte durante más de 3 décadas y he visto mucho arte a lo largo de mi vida. Estudié Historia del Arte Occidental en la universidad, viajé por Europa, India, Centro y Sudamérica y crecí en Venezuela. Todos estos factores ciertamente han afectado mi sensibilidad y gusto artístico.
Por supuesto ciertos artistas y mentores me influyeron profundamente al comienzo de mi carrera. Paul Cezanne, Henry Matisse y Vincent Van Gogh fueron quizás los primeros maestros que emulé en mi trabajo, pero fueron realmente los interiores de Pierre Bonnard los que me cautivaron. Me encanta cómo tradujo sus experiencias íntimas y cotidianas en lienzos llenos de color y luz. Henri Rousseau y Frida Kahlo jugaron un papel importante en la formación de mi vocabulario artístico. Me encanta la calidad naif y narrativa de su arte. También me han influido profundamente las sensibilidades de color y composición de Paul Klee, Paul Gaugin y Giorgio Morandi.
Cuando la gente me pide que describa mi trabajo, les digo que coloquen las obras de David Hockney, Matisse, Bonnard, Van Gogh y Frida Kahlo en una licuadora, espolvoreen un poco de arte popular y externo, y añadan un toque de arte en miniatura indio y persa a la mezcla, combine todos estos estilos y observe mi trabajo a través de un filtro de colores vibrantes. Esto le dará al espectador una idea de mi estilo.
Honestamente, no estoy casada con ningún estilo en particular. Tengo un vocabulario con el que trabajo, pero estoy abierto al cambio. Por ejemplo, recientemente he estado incorporando bordados en mis pinturas. Me gusta este ángulo, pero como soy nueva en esta práctica, necesito explorarla más a fondo y ver a dónde me lleva.
Considero que vivir en Nueva York y viajar son fuentes de inspiración. Además Internet, Instagram y las redes sociales, ciertamente me han informado sobre formas nuevas y diferentes de abordar el arte.

"Cuerno de la abundancia en Casa Hyder, México / Cornucopia in Casa Hyder, Mexico"
Aguada sobre panel / goauche on board, 5" x 7", 2021

SR: ¿Cómo es tu espacio de trabajo ideal? ¿Es ese tu taller actual?

RS: Mi estudio está en una habitación en el cuarto piso de un departamento de ferrocarril. Tengo mi propia entrada, separada del otro lado del apartamento, por lo que es mi espacio privado. Es una habitación larga y estrecha 3,36 x 7 m, dividida en dos por un tabique. Mi estudio está bañado de luz, especialmente en los meses de verano. Es tranquilo y privado, y para ser una habitación en un apartamento, es muy espacioso. Sin embargo, a pesar de sus virtudes, no llega a ser mi estudio ideal.
En mi visión, el estudio perfecto abarcaría al menos 152 metros cuadrados en una planta baja, rezumando mucha luz y excelente ventilación. Su diseño sería un gran cuadrado o rectángulo, con ventanas orientadas al norte, un tragaluz y un área al aire libre. Este espacio de trabajo de ensueño comprendería distintas secciones: una zona de pintura adornada con obras de arte y un espacioso caballete plegable horizontalmente, un espacio dedicado al collage y trabajos sobre papel, completado con un par de archivos planos, y otra sección especializada para artes con fibras. Las características esenciales, como un fregadero y un espacio de trabajo al aire libre, permitirían la experimentación con diversos materiales que requieren una mejor ventilación o espacio para diseminarse. En un entorno ideal, mi estudio estaría ubicado dentro de una vibrante comunidad de artistas, con un lugar de reunión compartido para interacciones comunitarias y comidas compartidas.

SR: ¿Cómo es tu ritmo de trabajo?

RS: Mi ritmo como pintora ha evolucionado significativamente. Cuando era pintora al aire libre, podía terminar un cuadro en unos pocos días. Sin embargo, mi enfoque ha cambiado desde entonces. Hoy en día mi proceso es mucho más complejo y requiere semanas o meses para completar una pintura, dependiendo de su tamaño y complejidad. Invierto un esfuerzo considerable en cada etapa de la pieza, desde la contemplación prolongada hasta la búsqueda de imágenes, bocetos y elaboración de detalles. Si bien las superficies de mis pinturas son delgadas, las aplico meticulosamente prestando mucha atención a la interacción de los bordes y el color. Mi objetivo final es crear una pieza llena de vida, color y bien elaborada.

"Único en su clase / One Of A Kind", aguada sobre panel / goauche on board, 7" x 5", 2012

"Sala de estar amarilla en Casa Huder, México / Yellow sitting room in Casa Hyder, Mexico"
Aguada sobre panel / goauche on board, 5" x 7", 2022

SR: Cuando afrontas una obra tienes un proyecto inicial, pero también dejas espacio a la espontaneidad y la improvisación. ¿Cómo es esa dinámica?

RS: A menudo hago cuadros más pequeños antes de embarcarme en otros más grandes. Usar las pinturas más pequeñas como estudios me da una plataforma desde la que empezar. Sin embargo, cada cuadro es una pieza nueva y no me gusta repetir cuadros, así que quiero que cada cuadro tenga su propio lenguaje. Muy a menudo, especialmente con mis piezas más grandes, el proceso es un poco doloroso porque requiere que tenga paciencia. Si alguna vez te has dejado crecer el pelo, llega un momento en el que el pelo se ve muy feo y quieres cortarlo, pero sabes que para tener el pelo largo hay que aguantar ese periodo. La pintura es así para mí. Hay muchos momentos en mi proceso, después de la emoción inicial del proyecto, en los que quiero tirar o alejarme de mis piezas. Siempre me sorprende que no sea así, y sigo trabajando duro hasta que empieza a hablarme. Cuando el cuadro empieza a tener un lenguaje propio, respondo a él. Aquí es cuando dejo de lado cualquier plan inicial y dejo que la pieza me guíe.

SR: Usas acrílico, collage. ¿Con qué técnica te sientes más cómoda?

RS: Me encanta pintar con aguada. Comencé a pintar con esta técnica cuando empecé a hacer mis interiores en miniatura. Pinto con aguada acrílica, por lo que está más cerca del acrílico que de la aguada tradicional. Es opaca y mate, como la aguada tradicional, y como el acrílico, es de secado rápido y resistente al agua una vez seco. Pinto sobre tableros de yeso con una imprimación específica y normalmente limito mis aguadas a una escala pequeña de 30,5 x 40,6 cm.
Pintar en acrílico es bastante nuevo para mí. Comencé como pintor al óleo, pero debido a diferentes circunstancias de la vida, comencé a utilizar cada vez más material a base de agua. Durante mucho tiempo usé óleos a base de agua, pero en los últimos años pasé a la pintura acrílica. Puedo lograr la intensidad del color que logré con el aceite, pero no me preocupo por los productos químicos ni necesito esperar a que se seque la pintura. Solía ​​evitar los acrílicos por lo rápido que se secaban, pero a medida que aprendo sobre el medio, aprendo a trabajar con este elemento.
El collage todavía presenta sus desafíos. Todavía me siento un poco torpe con el medio, especialmente cuando pego papel sin dejar burbujas. No siento que haya dominado este aspecto del collage, pero cuanto más trabajo con el collage, más aprendo y descubro trucos del oficio.
Ahora estoy experimentando con el bordado en mis pinturas. No tengo experiencia en arte textil, por lo que esta es una experiencia y técnica nueva para mí. Estoy aprendiendo por mi cuenta mediante prueba y error, como lo he hecho con gran parte de mi trabajo.

"Robot engranaje / Gearobot", aguada sobre panel / goauche on board, 14" x 11", 2009

SR: ¿Qué significa para ti disfrutar de lo que haces?

RS: Mi esposa, Rubia do Pinho, a menudo bromea diciendo que el arte es mi número uno y ella mi número dos. No es exactamente cierto, pero hay un poco de verdad en su afirmación. Hacer arte, mirar arte y experimentar el arte me lleva a otro lugar. Pierdo el sentido del tiempo y del lugar. Muy pocas cosas en la vida tienen este poder sobre mí. Me encantan los momentos en los que estoy tan sincronizado con mi trabajo y tan perdido en el proceso que pierdo el sentido de mí mismo y soy uno con el proceso. Esto es más que simplemente disfrutar de lo que hago. Esto es pasión.

SR: ¿Dónde se separan la lógica y la experiencia?

RS: La lógica y la experiencia son formas distintas, pero interconectadas, de entender el mundo y, para mí, de abordar mi trabajo. La lógica se esfuerza por lograr la objetividad aferrándose a reglas de razonamiento establecidas. Por ejemplo, me baso en la lógica cuando pienso, hablo y analizo mi arte. Mi elección de tema, paleta y mi enfoque de las composiciones es subjetivo y se basa en la experiencia, las percepciones sensoriales y las emociones.

SR: ¿A la obra hay que amarla, enamorarse de ella, comprenderla y luego simplemente decir que está terminada?

RS: Hacer un trabajo significativo requiere amor, paciencia y un compromiso firme con el proceso. Si bien el amor por mi trabajo ciertamente alimenta mi creatividad, la fuerza impulsora radica en la dedicación inquebrantable para presentarme y esforzarme, día tras día. En mi opinión, el éxito se basa en un 1% de inspiración y un 99% de transpiración. Establecer una rutina, cumplir con un cronograma y perseverar a través de los desafíos son la base del progreso. Si bien inevitablemente ocurren contratiempos y momentos de duda, la pasión subyacente por el trabajo y la confianza en el proceso me sirven como guía. Cuando decido concluir un proyecto, aunque no esté totalmente enamorado de él, es porque he explorado a fondo las preguntas que planteaba. En última instancia, la fusión de dedicación, paciencia, fe y amor por el proceso me permite crear piezas que resuenan y cumplen con mi visión artística.

"Astronauta con perro / Spaceman With Dog", aguada sobre panel / goauche on board, 14" x 11", 2009

"Una reunión / A Gathering", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 45", 2013

SR: Si pudieras transportarte a una época de la historia del arte, ¿adónde irías?

RS: Al contemplar la posibilidad de transportarme a un momento específico de la historia del arte, me resulta difícil identificar un período en el que las artistas mujeres realmente hayan recibido el nivel de reconocimiento y seriedad que se les ha otorgado a sus homólogos masculinos.
Aunque se están logrando avances, las mujeres todavía luchan contra una subrrepresentación y una subvaloración sustanciales en los ámbitos de los museos, galerías y casas de subastas. Tengo una visión optimista del futuro y creo que los esfuerzos artísticos de las mujeres serán reconocidos y celebrados con razón. Por lo tanto, como mujer artista, me gustaría transportarme 100 años al futuro y, con suerte, vivir en un mundo en el que las mujeres tengan una mayor presencia en las artes.

Sin embargo, si tuviera que transportarme al pasado como artista, optaría por ser hombre y gozar de una disposición financiera estable. Elegiría vivir en Francia a finales del siglo XIX, que abarcó la transición del impresionismo al posimpresionismo. Esta era dio origen a muchos de mis íconos artísticos, y si viviera en Francia en ese momento, me imagino formando conexiones con estas luminarias, participando en sus diálogos y compartiendo su viaje creativo.

SR: ¿Qué viene en el futuro? ¿Has pensado sobre ello?

RS: En un futuro próximo tendré que trasladarme a un nuevo estudio. Como cualquier artista sabe, se trata de un cambio sísmico. Si bien no tengo muchas ganas de buscar, empacar y mudarme, imagino este próximo cambio como una transformación positiva. Aceptar el cambio puede abrir caminos inesperados. Un nuevo entorno, un viaje diferente y una comunidad nueva podrían catalizar nuevas formas de pensar y crear.

Roxa Smith entre sus pinturas / among her paintings, 2023

Roxa Smith was born and raised in Caracas, Venezuela. She came to the US in her teens and attended Bowdoin College in Brunswick, Maine, earning a BA in 1984 in Art History and German with a minor in Visual Arts. She later received a Graduate Certificate in the Fine Arts from the University of California, Santa Cruz in 1987.
In California, she was an active participant of a group of 'plein-air' painters led by Lundy Siegrist and Terry St. John, one of the original Bay Area 'plein air' painters of the 1970s. Being part of this group cemented her love for painting and in particularly at that point in landscape painting, which she focused on until she moved to New York City in 1991.
In the 1990s, New York City was not the visually beautiful city it is today. Not inspired to paint the landscape of New York City, Smith turned to painting people's interiors, which were full of life and color. Over the course of years, Smith worked on a variety of other subject matter such as Animals in Interiors, Mindscapes and Toys and Robots. However, Smith's love for interpreting every day contemporary life has always anchored her art. Besides painting, Smith has also explored paper collage using the themes of chairs and bicycles. Since the pandemic, Smith has continued re-interpreting contemporary indoor scenes focusing in particular on plants and chairs. Her colorful paintings have evolved into familiar and idiosyncratic reconsiderations of space where patterns and details reign supreme.
Smith has had multiple solo and two-person shows. She has received a range of awards, residencies, and fellowships. In 2022, she was awarded artist of the week in the online magazine: Epicenter-NYC. In 2021, she received the The Walter J. and Anna H. Burchan Trust Memorial Prize at the 86th Annual Juried Art Exhibition in Cooperstown, NY. That same year, she was awarded an Artist Grant by the Vermont Studio Center. In 2017, Smith was a finalist for a Metropolitan Transportation Authority (MTA) Arts and Design commission (Brooklyn, New York.) In 2013, she was awarded the prestigious New York Foundation for the Arts (NYFA)-Basil Alkazi Fellowship at the Sheldon Museum in Lincoln, Nebraska. In 2012, Smith received a Fellowship in Painting from NYFA a year after receiving a grant to attend NYFA Boot camp: Artist as an Entrepreneur program in 2011.
Smith has been published in many magazines and newspapers. She is represented by C24Gallery, Chelsea, NY.

"Continuidad / Continuity", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2011

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: How did your passion for painting come about?

Roxa Smith: I grew up in a very creative household. My mother was a commercial artist by training and an amateur sculptor/designer and architect. She encouraged my siblings and I to draw and paint in home projects and games. I was born and raised in Venezuela. When we were young, my parents took us traveling all over Venezuela and exposed us to its rich art of colonial towns and churches as well as to the indigenous and folk art of the Venezuelan people. I am sure that the color and the naïve quality of my work stems from the influence of those early years.
I finished high school and college in the US.  There, I took some formal art classes, but it was really the art history classes I took at Bowdoin College that made me passionate about art. I graduated with a BA in Art History and German with a minor in Visual Arts. After graduation, I spent a year in New York City pursuing different art careers, but finding them unfulfilling. I felt overwhelmed and depressed by the city and left to visit my sister in Santa Cruz, California. There, I joined a group of plein-air lead by Lundy Siegriest and Terry St. John, one of the original Bay Area plein-air painters of the 1970’s. Joining this group renewed my love for painting. I began to paint daily, outdoors and in the studio. I developed close friendships with artists and eventually, I began attending art classes at the University of Santa Cruz (UCSC). This was in the late 1980’s. UCSC was a great school for painters and printmakers.
In 1987, I attended the Fifth Year Post Graduate program at UCSC. The teachers and colleagues I met at USC, inspired me, molded my work ethic and gave me the strength to pursue the life of an artist. There was one professor, Hardy Hanson, the head of the art department at UCSC, who had a profound effect on my work. He inculcated in me many of my artistic practices. For example, he told me to be patient with my process, to not take short cuts when finishing a piece, to not look for easy answers and to constantly engage with my work and ask questions. I often think of his advice. 

"Mañana de domingo / Sunday Morning", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45" x 36", 2010

"Terraza acristalada / Sunroom In The Spring", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2014

SR: You have undergone several landscape changes due to the various moves or your constant travels. How has that influenced how you see life and how you transfer it from the palette to the canvas? 

RS: My artistic journey has been a reflection of the many places and environments I have lived in. While my Latin American upbringing and art classes at Bowdoin College inspired me, it was in Santa Cruz [California] where my artistic career really began. First, I fell in love with painting through the plain-air painters project. Then studying at the University of Santa Cruz (UCSC) solidified my artistic passion. It was in Santa Cruz where I established a daily art practice. At that time, I mostly painted from observation. My paintings were colorful light filled landscapes of Santa Cruz homes and Bay Area coastal towns. I was focused on capturing the light, color and life of northern California through painting. This lasted through the end of my time at the University of Santa Cruz.
Being a young artist, I wanted to explore different styles and mediums, so after graduating from the Fifth Year Program at UCSC, I began to experiment in abstract painting. I painted thick impasto pieces on boxes and wood frames using wire mesh, oil, oil sticks and sand. My pieces often included cadaver like figures painted in dark blues and browns. During this time, most of my friends and art community had left Santa Cruz and I felt isolated and lonely. My paintings reflected my mood. 
After two years, I decided to go back to painting from observation. My palette immediately became bright and full of light. I knew I had reconnected to myself. At the same time, I decided to leave Santa Cruz and move back to New York City. The move from Santa Cruz also coincided with two pivotal events that guided my artistic compass; first, The Matisse retrospective at the National Gallery in Washington DC (1989), which kindled my passion for interiors and second, an eight-month European trip which inspired numerous sketchbooks and provided experiences that would enrich me for life. 
Returning to the city I had run away from marked a daring move for me. In the early 1990s, New York City was a mix of danger and dynamism. Amid its gritty allure, I shared an East Village ex-funeral home with my girlfriend for six transformative years. At this time, I explored diverse styles and subjects. I made an extensive series of self-portraits clothed in costumes, breaking the canvas into segments, and often magnifying body parts for emphasis. These paintings were bold, at times aggressive and with a political overtone. 
After the self-portrait series, I embarked on an extensive series of large scale paintings, 50x60” [127x152,4 cm] or even larger, portraying animals housed inside intricate dramatic interior backdrops, often reminiscent of ecclesiastical or Middle Eastern settings. These paintings unraveled stories using animals as human metaphors, infused with social and political commentary. Parallel to these two different series, I made mid-size paintings capturing familiar interior scenes. The act of painting interiors became an anchor to my practice while I explored a range of other subject matter.

"Conquista / Conquering", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 30", 2015

»After six years of working and living at the ex-funeral home, my partner and I moved our studios to a shared space, which was a third of the size of our studios. I continued to paint animals in interiors, but my paintings became smaller in scale (16x20”) [40,64x50,8 cm]. This studio only lasted a few years. Eventually, the New York City real estate priced us out and I had to move my studio to a corner of our one bedroom Manhattan apartment. Amid this transition, my paintings shrunk in size and my subject matter shifted. This home studio phase sparked a series of small (8x10”) [20,32x25,4 cm] gouache on panel paintings featuring toys and robots influenced by an extensive 1950-60 collection belonging to my landlord. I also made 30, 5x7” [12,7x17,78 cm] gouache on panel paintings inspired by familiar interiors. This time, the interior subject matter started to have more importance in my artistic practice.
The toys and robots series waned when I found my current studio in Greenpoint, Brooklyn. With a newfound space to expand beyond my tabletop paintings, I decided to blow up my interior miniatures to canvases that had human scale dimensions. This transition to larger canvases led to the emergence of more imaginative paintings, allowing me to experiment with elements such as three-dimensional depth juxtaposed with flat planes, intricate patterns, rich colors, and meticulous detail. The shift to this expanded scale marked a pivotal moment and I have since dedicated a large part of my oeuvre to creating interior paintings at this scale.

»In 2013, I did a two-week residency at the Vermont Studio Center in Johnson, Vermont. I decided to use patterned and colored paper to make collages of interiors and chairs. Collage work was more graphic, abstract and unpredictable than painting. These two weeks making collages changed my approach to painting. Back in the studio, I decided to push the juxtaposition of flatness and depth in my paintings even more than I had previously done, and began to “metaphorically collage “other elements, not belonging to the actual interior, into my work. My new interiors became “invented interiors“ toggling between actual places that inspired me and invented spaces filled with personally symbolic imagery. This is where my work today exists. My paintings are of recreated and invented spaces, where oscillating planes present familiar, yet idiosyncratic off-kilter worlds.

"El explorador / The Explorer", óleo sobre panel / oil on canvas, 20" x 17", 2015

"Flower Power", óleo y acrílico sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 40" x 30", 2019

SR: You started with painting outdoors. How was that experience so rewarding and powerful

RS: When I moved to Santa Cruz, California from New York City, I fell in love with the light and nature of the Bay Area. I was lucky to find a course “The Painter’s Project,” offered by the University of Santa Cruz, in plein-air painting the summer I moved there. I would have never guessed that being in this class would change my life the way it did. 
Painting outdoors renewed my spirit and gave me life. I loved the process of plein-air painting from scouting a place to paint, setting up the easel to dealing with all the environmental elements: wind, sun and the public.  It was thrilling to have a work evolve on site and to return to the place over the course of a few days or weeks to finish it. It was such a direct and almost urgent way of working that required focus and grit.   
During the first ‘Painters Project.’, I met several life long friends. One of them was my friend, William Steiger. We became an outdoor painter team and painted hundreds of different scenes throughout the Monterey Bay, Half Moon Bay and the San Francisco Bay Are in California. In 1987, my partner, Rebecca Weinstein and William spent one month in Venezuela painting landscapes throughout the Andes Mountains. It was a trip and experience that made me connect with my birth country in a very different way. We painted on the streets of little towns with dozens of children and adults circling us as we focused on our work. 
The practice of plein-air painting played a crucial role in the foundation of my artistic practice. The significance was such that I integrated the same technique when I made paintings of friend’s and family members’ residences in New York City. 
Today, I don’t paint plein-air painting anymore. I don’t have the stamina nor the patience to stand in front of a scene and deal with the different environmental elements of the setting. I use sketches and photographs to record the place I want to paint. 

SR: The color of your current work refers more to the Caribbean than to the North American. Would you define your current style as “modern baroque”?

RS: My affinity for color comes from being raised in a tropical country. Growing up in Venezuela, I was immersed in a world saturated with vibrant colors- be it on people’s clothes, on the streets, in the vegetation or in the interior and exterior of homes. Even the food is colorful. 
I never studied color theory. My choice of colors is very intuitive. Interestingly, I’ve observed a curious correlation: as the world’s news takes on darker and more pessimistic toners, my paintings become more radiant and vibrant.
I think it is interesting that you ask if I categorize my work as “modern baroque.” I can see why you would think that since many of my paintings are full of detail and pattern.  However, I wouldn’t categorize my work this way because I don’t think art nowadays fits into any particular category. 

"En reverencia / In Reverence", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 44" x 57", 2023

"Loopy Loft in Red", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2018

SR: Tell us about your particular style. How did you get there? In addition to the color, an architectural formation of interiors is seen.

RS: I have been doing art for over 3 decades and have seen a lot of art in the course of my life.  I studied Western Art History in College, traveled through Europe, India and Central and South America and was raised in Venezuela. All of these factors certainly have affected my sensibility and artistic taste. 
Of course, certain artists and mentors deeply influenced me at the beginning of my career. Paul Cezanne, Henry Matisse and Vincent Van Gogh were perhaps the first masters I emulated in my work, but it was really Pierre Bonnard’s interiors that mesmerized me. I love how he translated his intimate and daily life experiences into canvases full of color and light. Henri Rousseau and Frida Kahlo played a large role in forming my artist vocabulary. I love the naïve and narrative quality in their art. I have also been deeply influenced by Paul Klee, Paul Gaugin and Giorgio Morandi ‘s sensibilities in color and compositions. 
When people ask me to describe my work, I tell them to place David Hockney, Matisse, Bonnard, Van Gogh and Frida Kahlo’s work in a blender, sprinkle some folk and outsider art and add a touch of Indian and Persian miniature art to the mix, blend all these styles together and look at my work through a filter of vibrant color. This will give the viewer a glimpse into my style.
Honestly though, I am not married to any particular style. I have a vocabulary I work with, but I am open to change. For instance, I have recently been incorporating embroidery into my paintings. I like this angle, but since I am new to this practice, I need to explore it further and see where it will take me.
I find that living in NYC and traveling are a source of inspiration. Also, the internet, Instagram, and social media have certainly informed me of new and different ways of approaching art.  

SR: What is your ideal workspace like? Is that your current workshop?

RS: My studio is in a room on the 4th floor of a railroad apartment. I have my own entrance, separate from the other side of the apartment, so it is my private space.  It is a long and narrow room (11 feet by 23 feet) [3,36x7 m], which has a partition that divides it in two. My studio is bathed in light, especially in the summer months. It is quiet and private and for a room in an apartment, it is very spacious. Yet, despite its virtues, it falls short from my ideal studio.
In my vision, the perfect studio would span at least 500 square feet [152 square meter] on the ground floor, exuding ample light and excellent ventilation. Its design would be a large square or rectangle, with north facing windows, a skylight, and an accompanying outdoor area. This dream workspace would comprise distinct sections: a painting zone adorned with artworks and a spacious, horizontally folding easel; a dedicated space for collage and works on paper, complete with a couple of flat files; and another section specialized for fiber arts. Essential features like a slop sink and an outdoor workstation would accommodate experimentation with various materials that require improved ventilation or room to spread out. In an ideal setting, my studio would be nestled within a vibrant artist community, featuring a shared gathering spot for communal interactions and shared meals.

"Inadvertido / Oblivious", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 40", 2023

"Refugio / Refuge", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 44" x 56", 2022

SR: How is your work rate?

RS: My pace as a painter has evolved significantly.  When I was a plein-air painter, I could finish a painting in a few days. However, my approach has since shifted. Nowadays, my process is much more intricate requiring weeks to months to complete a painting, depending on its size and complexity. I invest considerable effort in every stage of the piece from extended contemplation to researching for images, sketching and working out details. While the surfaces of my paintings are thin, I apply them meticulously paying close attention to the interplay of edges and color. My ultimate goal is to create a piece that is full of life, color and well crafted. 

SR: When you face a work you have an initial project, but you also leave room for the spontaneous and improvisation. How is that dynamic?

RS: I often do smaller paintings before I embark on larger ones. Using the smaller paintings as studies, gives me a platform to start off from. However, every painting is a new piece, and I don’t like to repeat paintings, so I want every painting to have its own language. Quite often, especially with my larger pieces, the process is a bit painful because it requires that I be patient with the process. If you have ever let you hair grow out, there is a moment where the hair looks really ugly and you want to cut your hair, but you know that in order to get long hair, you need to endure that period. Painting is like that for me. There are a lot of moments in my process- after the initial excitement of the project, where I want to throw out or turn away from my pieces. I am always amazed that I don’t, and I just keep plugging away at the work until it begins to speak to me. When the painting begins to have a language of its own, I respond to it. This is when I let go of any initial plans and allow the piece to guide me.

SR: You use acrylic, collage. What technique do you feel most comfortable with?

RS: I love to paint in gouache. I began painting in gouache when I started doing my miniature interiors. I paint with Acrylic Gouache, so it is closer to acrylic than it is to traditional gouache. It is opaque and matte, like traditional gouache paint, and it is like acrylic in that is quick-drying and water resistant once dry. I paint on specifically primed gesso boards and usually limit my gouache paintings to small scale 30,5 x 40.6 cm.
Painting in acrylic is rather new for me. I began as an oil painter, but because of different life circumstances, I started to use more and more water-based material. For a long time, I used water-based oils, but in the last few years, I transitioned to acrylic painting. I can achieve the color vibrancy I achieved with oil, but not worry about chemicals or need to wait for the paint to dry. I used to shy away from acrylics because of how fast they dried, but as I learn about the medium, I am learning to work with this element. 
Collage still presents its challenges. I still feel a bit clumsy with the medium especially when gluing paper down without leaving bubbles. I don’t feel I have mastered this aspect of collage, but the more I work with collage, the more I learn and discover tricks of thetrade.  
I am now experimenting with embroidering into my paintings. I don’t have any background in textile art, so this is a new experience and technique for me. I am learning on my own through trial and error, much like I have done with a lot of my work.

"Abundancia / Abundance", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 40" x 30", 2022

"Renovación / Renewal", óleo y acrílico sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 40" x 30", 2022

SR: What does it mean to you to enjoy what you do?

RS: My wife, Rubia do Pinho, often jokes that art is my #1 and she is my #2. Not exactly true, but there is a little truth to her statement. Making art, looking at art and experiencing art takes me to another place. I lose sense of time and place. Very few things in life have this power over me. I love the moments when I am so in sync with my work and so lost in the process that I lose my sense of self and I am one with the process. This is more than just enjoying what I do. This is passion.

SR: Where do logic and experience separate?

RS: Logic and experience are distinct, but interconnected ways of understanding the world and for me, of approaching my work. Logic strives for objectivity by holding onto established rules of reasoning. For instance, I rely on logic when thinking, talking and analyzing my art. My choice of subject matter, palette and my approach to compositions is subjective and based on experience, sensory perceptions and emotions. 

SR: To the work, do you have to love it, fall in love with it, understand it, and then just say that it is finished?

RS: Making meaningful work requires love, patience and a steadfast commitment to the process. While love for my work certainly fuels my creativity, the driving force lies in the unwavering dedication to show up and put in the effort, day after day. In my opinion, success is built upon the foundation of 1% inspiration and 99% perspiration. Establishing a routine, adhering to a schedule, and persevering through challenge are the basis of progress. While setbacks and moments of doubt inevitably occur, the underlying passion for the work and the trust in the process serve as my guiding lights. When I decide to conclude a project, even if I am not totally in love with it, it is because I’ve thoroughly explored the questions it posed. Ultimately, the fusion of dedication, patience, belief and love for the process allows me to craft pieces that resonate and fulfill my artistic vision.

"Ramo / Bouquet", acrílico y bordado sobre lienzo / acrylic and embroidery on canvas, 12" x 12", 2022

"Chicas espinosas / Prickly Girls"
Acrílico y bordado sobre lienzo / acrylic and embroidery on canvas, 12" x 12", 2022

SR: If you could transport yourself to a time in art history, where would you go?

RS: In contemplating the prospect of transporting myself to a specific time in art history, I find it challenging to pinpoint a period where women artists have truly received the level of recognition and gravitas that has been bestowed upon their male counterparts. 
Although progress is being made, women still struggle with substantial underrepresentation and undervaluation within the realms of museums, galleries and auction house. I have an optimistic vision of the future and believe that women’s artistic endeavors will be rightfully acknowledged and celebrated. Therefore, as a woman artist, I would like to be transported 100 years into the future and hopefully, live in a world in which women have an enhanced presence in the arts.
However, if I were to transport myself back in time as an artist, I would opt to be a man and enjoy a stable financial disposition. I would choose to live in France during the late 19th century, which encompassed the transition from Impressionism to Post Impressionism.  This era birthed many of my artistic icons, and were I to live in France then, I envision myself forming connections with these luminaries, participating in their dialogues, and sharing in their creative journey.

SR: What comes in the future? Have you thought about it?

RS: In the near future, I will have to relocate to a new studio. As any artist knows, this is a seismic shift.  While I’m not looking forward to the search, packing and move, I envision this forthcoming change as a positive transformation. Embracing change can open unexpected avenues. New surroundings, a different commute and a fresh community could catalyze novel ways of thinking and creating.

Roxa con sus pinturas de fondo / with painting as background

Más sobre / More about Roxa Smith: Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Roxa!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Roxa!)
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR), Especializada en libros de artista (Facultad de Humanidades y Ciencias, Uruguay), Periodista cultural (España) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), Specialized in Artists' Books (Faculty of Humanities and Sciences, Uruguay), Cultural Journalist (Spain), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Uruguayos / Uruguayans (LXXI) - Fernando Amaral [Pintura, Entrevista / Painting, Interview]

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Nueva entrevista de Shirley Rebuffo, presentando en esta oportunidad al pintor Fernando Amaral. En su obra destacan los constructivos, clara referencia al maestro Torres-García, los retratos, bodegones y paisajes campestres con escenas típicas del Uruguay rural.

New interview by Shirley Rebuffo, presenting this time the painter Fernando Amaral. In his work stand out the Constructive, clear reference to the master Torres-García, portraits, still lifes and country landscapes with typical scenes of rural Uruguay.
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Fernando Amaral
(Maldonado, Uruguay, 1964-)

Fernando Amaral pintando un retrato de / painting a portrait of Joaquín Torres-García.
Foto / Photo: Enrique Abal Oliú

Fernando Amaral nace el 30 de agosto de 1964 en Maldonado, Uruguay.
Pinta desde niño dirigido por su padre Wilson Amaral. En 1984 cursa pintura con Carlos Tonelli (pintor y grabador), en la escuela de Artes Plásticas y Visuales de la Intendencia Municipal de Maldonado (Uruguay).
En 1988 continúa sus estudios de dibujo y pintura con el Maestro Edgardo Ribeiro (Artigas, 13 de octubre de 1921 - Maldonado, 22 de febrero de 2006), discípulo directo de Joaquín Torres-García. Aquí comienza la etapa que marcaría su obra hasta el presente. Sin perjuicio de esa influencia, su paleta emprende una búsqueda propia que evoluciona hasta la madurez artística que hoy se observa en su pintura.
Su obra ha trascendido fronteras y a partir de 1986 participa en muestras individuales y colectivas en el exterior, y en Uruguay en las ciudades de Maldonado, Paysandú, Rocha y Montevideo. Sus obras se encuentran en colecciones privadas de Argentina, Brasil, Paraguay, Perú, Colombia, Venezuela, España, Alemania, Francia, Italia, Japón, África y Estados Unidos. Ha sido invitado en varias oportunidades a exponer en Washington DC.
"Con su agudeza para manifestar la luz, la sombra y el color, este artista, de reconocida trayectoria, ha expuesto exitosamente en diversas partes del planeta. Fernando se identifica con los colores y las mezclas, colocándolos en el lugar correcto a fin de crear un juego variado de efectos dinámicos que acompañan la forma." (Shirley Rebuffo)

"Bodegón disociado / Dissociated Still Life"
Acrílico sobre tela sobre bastidor / acrylic on canvas on board, 75 x 60 cm.

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cómo surge tu interés por la pintura?
Fernando Amaral: El primer contacto fue a través de mi padre, Wilson Amaral [1919-1990]. Me gustaba mucho verlo pintar escuchando música clásica; compartíamos ese momento y me pedía opiniones. Siempre dibujé por mi cuenta, porque me gustaba, y él era quien me enseñaba y corregía.
A los 16 comencé a ir a la casa de la cultura en Maldonado donde cursé materias como teoría de la forma, del color, historia del arte y taller de dibujo. Quería aprender desde otras fuentes cosas distintas y nuevas a lo que conocía.

SR: ¿Cómo fue descubrirse artista en una ciudad pequeña?
FA: Yo pienso que se trata de una ciudad pequeña si la comparamos con los gigantes del mundo. Maldonado es un departamento muy importante a nivel cultural en nuestro país. Ha visto nacer artistas muy reconocidos, destacando la trayectoria de mi padre y muchos referentes y amigos. Hasta el día de hoy posee uno de los mercados de arte más grandes del país, concurridos a nivel internacional.
Somos un país pequeño, pero de todos los departamentos han salido buenos artistas, hubo y hay hoy en día, muy buenos a nivel internacional.

"Paisaje campestre / Country Landscape", óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 80 x 65 cm.

"Paisaje urbano Pandemia / Urban Landscape Pandemics"
Óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 60 x 70 cm.

SR: ¿Qué referencias marcaron tu formación? ¿Qué artistas te influyen hoy o admiras?
FA: Como grandes referencias que marcaron mi formación, en primer lugar, claro está, mi padre, y por otro lado Edgardo Ribeiro, mi mayor referente (alumno de Torres-García).
A partir de la incomodidad que plantee a mi padre en cuanto a que quería cambiar de taller, fue que surgió esta oportunidad. Sentía mucha monotonía en lo que venía estudiando hacía varios años y necesitaba un avance. Apareció Ribeiro por casa y mi padre le mostró mi inicio y mis obras. Me dijo que tenía condiciones y me invitó a su taller. Desde ese momento establecimos un vínculo muy fuerte hasta el día que falleció. Me trataba como un hijo y para mí fue además de un gran referente, como otro padre. Hasta el último tiempo tuve el honor de estar a su lado y compartir el arte con él.
Por otro lado, como artistas influyentes me gustaría nombrar a Torres-García, principalmente por sus constructivos y la paleta de colores que me inspiró en los inicios, y a Barradas por sus colores, la forma de pintar suelta y esquemática, sus figuras y su creatividad.

"Constructivo en madera reciclada / Constructive on Recycled Wood", óleo / oil, 60 x 50 cm.

SR: ¿Cómo es tu rutina o ritual creativo? ¿Comienzas a trabajar con la obra ya proyectada en tu mente o va tomando forma en el proceso?
FA: Primero trabajarlo en la cabeza, y cuando ya está decidido, de a pasos se va plasmado la idea. Elaborar el bastidor, aprontar la tela, buscar el momento, el día, el lugar, cuándo parar, el resultado, hasta los bloqueos también son parte del proceso creativo en el que suceden cosas inesperadas. Hay que estar inspirado para pintar, hay momentos de bloqueo también que hay que dejarlos fluir. Ribeiro me decía: "Si no tienes ganas no pintes, cuando llegan las ganas y la inspiración vas a hacer algo mucho mejor." Estos momentos sirven para reflexionar y crear cosas nuevas, cambiar.
En mi rutina diaria, mi momento de creación es a primera hora de la mañana, tomando unos mates con música clásica.
Creo que el artista empieza la obra desde el momento en el que se crea ese "en mi mente ya sé lo que quiero hacer". Y luego voy por cada parte. Primero el bastidor, que lo elaboro especialmente para la obra que toma la marcha.
En el proceso de pintar una obra voy creando y cambiando. Cada proceso es único. Cuando la idea es clara me brinda más seguridad y se vuelve más fácil concretarlo, es ahí cuando casi siempre se parecen mucho a la idea inicial de mi mente y cuando los hago más rápido.

"Paisaje campestre / Country Landscape", óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 50 x 40 cm.

SR: Al abordar tus momentos de pintar, ¿cuales son tus preferencias y tus influencias?
FA: Me gusta la variedad porque el artista para mí tiene que saber hacer diferentes cosas, entonces no me gusta que me encasillen. Ya a esta altura tengo un estilo marcado por varias preferencias a lo largo de los años, un estilo propio. Depende mucho del momento la elección de los colores, las líneas, las formas, etc., pero aun así puedo destacar como caminos más frecuentes los constructivos, bodegones, paisajes, disociados y algunos retratos.

SR: El color es un elemento fundamental en tu obra, como una fuerza potente o una presencia perenne. ¿Cómo lo manejas y cuál de tus maestros te afirmó en su uso?
FA: El color, que va de la mano del tono y el valor, es fundamental siempre en todas las obras. El cuadro es todo, no solo una parte, y es importante lograr una paleta armoniosa. Cuando empecé mi paleta era baja, con pocos colores y básicos. Con el tiempo fui subiendo la paleta y las obras fueron más coloridas. Fue un proceso de investigación personal.

SR: ¿Qué buscas cuando pintas?
FA: Por un lado, lo técnico: empaste, equilibrio, la paleta, que haya una armonía visual y que el espectador abarque toda la obra en su recorrido. Por otro lado, se crea un vínculo con el espectador, la obra se lee, se siente, se percibe de una forma única porque cada espectador vive una algo distinto pero lo importante es que sea una experiencia de conexión nutritiva y agradable.

"Retrato de / Portrait of Wilson Amaral", óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 46 x 38 cm.

"Bodegón / Still Life", óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 80 x 65 cm.

SR: ¿Qué satisfacciones te ha dado la pintura?
FA: Principalmente la posibilidad de vivir del arte a través de la venta de los cuadros y a través de la docencia.
Construir una vida de forma libre me dio la oportunidad de poder ver crecer a mis hijas, acompañarlas y criarlas. He conocido personas y establecí vínculos que me han nutrido tanto en el camino como artista tanto como personalmente. Instancias para viajar por el mundo y conocer lugares, cosas que te amplían la cabeza y te hacen crecer.

SR: ¿Cómo creas una pieza de madera?
FA: Estudié en la UTU [Universidad del Trabajo del Uruguay] de carpintería y aprendí mucho del oficio. Partiendo de este conocimiento lo uní a lo pictórico y tomando de base los constructivos de Torres-García, surgió la creación.
Improviso la construcción en madera y luego le agrego la pintura, según la construcción primaria.
La textura de la madera rústica es distinta y me interesa mucho. Las busco en la calle igual, cuanto más castigada esté, mejor es la textura que se consigue para este objetivo, mejor se traduce la esencia del material.

SR: Más allá de las etapas, ¿crees que hay una constante en tus obras?
FA: No es lo mismo el inicio que después de 40 años. El proceso de hacerse artista es lento, y lleva muchas etapas. Desde el principio hasta ahora hay un abismo; el cambio y la transformación hablan de la evolución del proceso. Las cosas que hoy me definen puedo decir que han sido esos caminos más frecuentes para pintar y detalles, como el empaste y la pincelada suelta, que hace que se transmita la presencia y la acción.

"Constructivo urbano / Urban Constructive", tela sobre bastidor / oil on board, 70 x 50 cm.

SR: ¿En qué te sientes comprometido como artista?
FA: Siento que hoy en día no existe la cultura que hubo antes en el arte, de paciencia, de proceso, de quemar etapas, de ensayo y error. Estamos en una época en la que queremos aprender el oficio muy rápido; todo va muy rápido, y para aprender necesitamos tiempo.
En el arte hay un proceso de ir quemando etapas, que lleva mucho de ese tiempo para aprender y mucho contenido en ese aprendizaje.
El mundo está cien por ciento materialista y yo siento el compromiso de contribuir a recuperar esa atmósfera para el arte que se vivía tiempo atrás.

SR: ¿Hay algún otro artista en tu familia?
FA: Mi padre Wilson Amaral, pintor.
Cuando chico siempre lo veía pintar y él me incentivaba a hacerlo. A mí me gustaba mucho. Siempre lo acompañaba, entregaba las invitaciones para las exposiciones, lo ayudaba a trasladar y colgar los cuadros. Principalmente cuando expuso en Punta del Este estuve muy presente, y compartimos muchas exposiciones colectivas importantes ahí mismo.
Cuando venían sus colegas a casa a compartir sus obras y darse sus opiniones mutuas, siempre aprovechaba esos momentos para estar ahí en ese ambiente de arte.
Tenía 15 o 16 años cuando él estaba pintando un cuadro del cerro Pan de Azúcar. Le comenté lo lindo que estaba y me dijo que, si me gustaba, me lo regalaba, eso me quedó para siempre marcado.

SR: ¿Crees que la originalidad artística es cada vez más difícil de encontrar? ¿Es ahí donde reside el valor de una obra?
FA: Lo más difícil es crear algo distinto y personal.
La originalidad para un artista es un concepto muy amplio; requiere en primer lugar hacerse en el oficio, estudiar mucho. Eso es lento, lleva tiempo. Hay que empezar por el principio: figurativo, bodegones, es como en la música el solfeo.
Es importante para el artista porque uno quiere crear lo que uno siente, pero llegar a ese nivel lleva tiempo y trabajo; es un proceso, por lo tanto. Claro que en ese sentido la obra adquiere otro valor.

SR: Ser docente implica algo más que transmitir contenido, también hay un intercambio de ideas con una exigencia de rigor y valoración conocimientos. ¿Qué buscas trasmitir a tus alumnos?
FA: Es un intercambio muy lindo. El arte es algo muy libre, no es fácil enseñarlo, pero siempre intento escucharlos para poder guiarlos mejor y explicar las cosas desde el fundamento teórico para que las puedan aplicar con un sentido.
Muestro con el ejemplo, y también se dan los intercambios entre los alumnos. Trato de fomentar esos valores para generar el ambiente de arte.

Fernando Amaral pintando "Constructivo" / painting "Constructive"

Fernando Amaral was born on August 30, 1964 in Maldonado, Uruguay.
He has been painting since he was a child under the guidance of his father Wilson Amaral. In 1984 he studied painting with Carlos Tonelli (painter and engraver), at the school of Plastic and Visual Arts of the Municipality of Maldonado (Uruguay).
In 1988 he continued his drawing and painting studies with Master Edgardo Ribeiro (Artigas, October 13, 1921 - Maldonado, February 22, 2006), a direct disciple of Joaquín Torres-García. Here begins the stage that would mark his work up to the present. Without prejudice to this influence, his palette undertook a search of its own that evolved to the artistic maturity that can be seen in his painting today.
His work has transcended frontiers and since 1986 he has participated in individual and collective exhibitions abroad, and in Uruguay in the cities of Maldonado, Paysandú, Rocha, and Montevideo. His works are in private collections in Argentina, Brazil, Paraguay, Peru, Colombia, Venezuela, Spain, Germany, France, Italy, Japan, Africa and the United States. He has been invited on several occasions to exhibit in Washington DC.
"With his sharpness to manifest light, shadow and color, this artist, of recognized trajectory, has successfully exhibited in various parts of the planet. Fernando identifies with colors and mixtures, placing them in the right place in order to create a varied play of dynamic effects that accompany the form." (Shirley Rebuffo)

"Constructivo / Constructive", maderas recicladas / recycled wood, 60 x 50 cm.

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: How did your interest in painting come about?
Fernando Amaral: The first contact was through my father, Wilson Amaral [1919-1990]. I really liked to watch him painting while listening to classical music, we shared that moment and he would ask me for my opinions. I always drew on my own, because I liked it and he was the one who taught me and corrected me.
At 16 I started to go to the house of culture in Maldonado where I took subjects such as theory of form, color, art history and drawing workshop. I wanted to learn from other sources different and new things to what I knew.

SR: What was it like to discover yourself as an artist in a small city?
FA: I think it is a small city if we compare it with the giants of the world. Maldonado is a very important cultural department in our country. It has seen the birth of very renowned artists, highlighting the career of my father and many references and friends. To this day it has one of the largest art markets in the country, which is internationally visited.
We are a small country, but good artists have come out of all the departments, there were and there are today, very good artists at international level.

"Puerto, constructivo disociado / Port, dissociated constructive"
Acrílico sobre tela sobre bastidor / acrylic on canvas on board, 40 x 50 cm.

"Paisaje urbano, constructivo disociado / Urban Landscape, Dissociated Constructive"
Acrílico sobre tela sobre bastidor / acrylic on canvas on board, 40 x 50 cm.

SR: What references marked your formation? What artists influence you today or do you admire?
FA: As great references that marked my formation, in the first place, of course, my father and on the other hand Edgardo Ribeiro, my greatest reference (a student of Torres-García).
This opportunity arose from the discomfort I felt when I asked my father that I wanted to change workshops. I felt a lot of monotony in what I had been studying for several years and I needed a breakthrough. Ribeiro showed up at my house, my father showed him my beginnings and my works. He told me that I had the conditions and invited me to his workshop. From that moment on we established a very strong bond until the day he passed away. He treated me like a son and for me he was not only a great reference, but another father. Until the last time I had the honor of being by his side and sharing art with him.
On the other hand, as influential artists I would like to name Torres-García, mainly for his constructive and color palette that inspired me in the beginning; and Barradas for his colors, his loose and schematic way of painting, his figures and his creativity.

SR: What is your routine or creative ritual? Do you start working with the work already projected in your mind or does it take shape in the process?
FA: First I work on it in my head, and when it's already decided, the idea takes shape step by step. Making the stretcher, preparing the canvas, looking for the moment, the day, the place, when to stop, the result, even the blockages are also part of the creative process in which unexpected things happen. You have to be inspired to paint, there are also moments of blockage that you have to let them flow. Ribeiro used to tell me: "If you don't feel like it, don't paint, when you feel like it and get inspired, you will do something much better". These moments serve to reflect and create new things, to change.
In my daily routine, my moment of creation is first thing in the morning, drinking some mates with classical music.
I think the artist starts the work from the moment he creates that "in my mind I already know what I want to do". And then I go through each part. First the stretcher, which I make especially for the work that takes place.
In the process of painting a work I create and change. Each process is unique. When the idea is clear it gives me more security and it becomes easier to concretize it, that's when they almost always look very similar to the initial idea in my mind and when I make them faster.

"Paisaje urbano / Urban Landscape", óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 60 x 50 cm.

"Paisaje urbano disociado / Dissociated Urban Landscape"
Óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 50 x 40 cm.

SR: When approaching your painting moments, what are your preferences and influences?
FA: I like variety because for me the artist has to know how to do different things, so I don't like to be pigeonholed. At this point I already have a style marked by several preferences over the years, a style of my own. It depends a lot on the moment the choice of colors, lines, shapes, etc., but even so I can highlight as the most frequent ways the constructive, still lifes, landscapes, dissociated and some portraits.

SR: Color is a fundamental element in your work, like a powerful force or a perennial presence. How do you handle it and which of your masters affirmed you in its use?
FA: Color, which goes hand in hand with tone and value, is always fundamental in all works. The painting is the whole, not just a part, and it is important to achieve a harmonious palette. When I started my palette was low, with few and basic colors. As time went by I increased the palette and the works became more colorful. It was a process of personal research.

SR: What do you look for when you paint?
FA: On the one hand, the technical aspects: impasto, balance, the palette, that there is a visual harmony and that the viewer takes in the whole work in its path. On the other hand, you create a bond with the spectator, the work is read, felt, perceived in a unique way because each spectator experiences something different, but the important thing is that it is an experience of nourishing and pleasant connection.

"Constructivo / Constructive", óleo sobre madera / oil on wood, 120 x 40 cm.

SR: What satisfactions has painting given you?
FA: Mainly the possibility of making a living from art through the sale of paintings and through teaching.
Building a life in a free way gave me the opportunity to see my daughters grow up, accompany them and raise them. I have met people and established bonds that have nurtured me both as an artist and personally. Instances to travel the world and see places, things that broaden your mind and make you grow.

SR: How do you create a piece of wood?
FA: I studied carpentry at the UTU [Universidad del Trabajo del Uruguay] and learned a lot about the trade. Based on this knowledge I combined it with the pictorial and, taking Torres-García's constructions as a base, the creation arose.
I improvise the wooden construction and then I add the painting, according to the primary construction.
The texture of rustic wood is different and interests me a lot. I look for them in the street anyway, the more damaged it is, the better the texture that is achieved for this purpose, the better the essence of the material is translated.

SR: Beyond the stages, do you think there is a constant in your work?
FA: It is not the same at the beginning as it is after 40 years. The process of becoming an artist is slow, and it takes many stages. From the beginning until now there is an abyss; the change and transformation speak of the evolution of the process. The things that define me today I can say have been those more frequent ways of painting and details, such as impasto and loose brushstrokes, which convey presence and action.

"Marina de Punta del Este / Punta del Este Marine"
Óleo sobre tela sobre bastidor / oil on canvas on board, 60 x 80 cm.

SR: What do you feel committed to as an artist?
FA: I feel that today there is not the culture that there used to be in art, of patience, of process, of burning stages, of trial and error. We are in an era in which we want to learn the trade very quickly; everything goes very fast, and to learn we need time.
In art there is a process of burning stages, which takes a lot of that time to learn and a lot of content in that learning.
The world is one hundred percent materialistic and I feel the commitment to contribute to recovering that atmosphere for art that was experienced some time ago.

SR: Are there any other artists in your family?
FA: My father Wilson Amaral, a painter.
When I was a child I always saw him painting and he encouraged me to do it. I liked it a lot. I always accompanied him, handed out invitations to exhibitions, helped him move and hang the paintings. Especially when he exhibited in Punta del Este I was very present, and we shared many important group exhibitions there.
When his colleagues came home to share their works and give each other their opinions, I always took advantage of those moments to be there in that art environment.
I was 15 or 16 years old when he was painting a picture of the Sugarloaf Mountain. I told him how beautiful it was and he told me that if I liked it, he would give it to me as a gift.

SR: Do you think that artistic originality is increasingly difficult to find? Is that where the value of a work lies?
FA: The most difficult thing is to create something different and personal.
Originality for an artist is a very broad concept; it requires first of all to get into the craft, to study a lot. That is slow, it takes time. You have to start at the beginning: figurative, still lifes, it's like solfeggio in music.
It is important for the artist because one wants to create what one feels, but reaching that level takes time and work; it is a process, therefore. Of course, in that sense the work acquires another value.

SR: Being a teacher implies more than just transmitting content, there is also an exchange of ideas with a demand for rigor and knowledge valuation. What do you seek to transmit to your students?
FA: It's a very nice exchange. Art is something very free, it is not easy to teach it, but I always try to listen to them to be able to guide them better and explain things from the theoretical basis so that they can apply them with a sense.
I show by example, and there are also exchanges between students. I try to foster those values to generate an art environment.

Fernando Amaral pintando en su estudio / painting at his Studio

Más sobre / More about Fernando Amaral: Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Fernando!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Fernando!)
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Sobre los artistas mencionados / About mentioned artists:

Wilson AmaralLilia Muniz
Carlos Tonelli: facebook, MNAV
Edgardo Ribeiro en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CXLVI-1)]
Joaquín Torres-García en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR), Especializada en libros de artista (Facultad de Humanidades y Ciencias, Uruguay), Periodista cultural (España) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), Specialized in Artists' Books (Faculty of Humanities and Sciences, Uruguay), Cultural Journalist (Spain), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Doce años / Twelve Years

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Un año más del blog, en tiempos en que el propio concepto de blog ya ha quedando obsoleto para muchos navegantes de la red. La inmediatez en el consumo de la información a través de las redes sociales ha hecho que los contenidos más ricos y densos, que exigen una lectura pausada y una digestión tranquila de la información hayan pasado a otro plano. Por suerte (se le atribuye a Mark Twain aquello de que "la historia nunca se repite, pero a menudo rima") hay nuevas oleadas de vuelta a lo "tradicional", por decirlo de alguna manera, y es posible encontrar (siempre lo fue, pero las modas son lo que son) contenidos profundos y elaborados en todo el espectro de la información, ya sea por ejemplo el análisis político, la crítica, las entrevistas, y también lo que nos ocupa, que es el arte en su acepción más amplia. Si bien muchos de los posts que habitualmente publico son recopilaciones de imágenes, sigo procurando que la información complementaria sea lo más completa y precisa posible y que los monográficos ofrezcan abundante material biográfico y contextual. Por su parte, las extensas entrevistas realizadas por Shirley ponen a nuestra disposición una valiosa fuente para el conocimiento general de los perfiles, intereses, evolución artística y circunstancias vitales de los artistas presentados, muchos de los cuales cuentan con escasa difusión, ya sea por su carácter novel o por su circunscripción al ámbito local. La apuesta, en todo caso, es seguir el rumbo.

La cantidad de artículos ha sido modesta en relación a la producción presentada en años previos, pero la calidad (espero) no ha disminuido, y tampoco el número de artistas, aunque con menos monográficos y más concentración en posts temáticos corales.

Shirley Rebuffo ha sido la protagonista del 2023, y en concreto su investigación sobre los libros de artista, una vertiente con escasa presencia, al menos en relación a las formas artísticas habituales, pero que ofrece un amplio abanico de posibilidades abarcando infinidad de técnicas, soportes, formatos, materiales y recursos expresivos. Los artistas rioplatenses han predominado debido a la proximidad social y geográfica del ámbito en que se mueve Shirley, aunque también hemos salpicado con algunos de otras procedencias. 

El propósito para este nuevo año es, como siempre, mantenernos, y dependiendo de las circunstancias aumentar la productividad para presentar más material con el cual seguir disfrutando de la creatividad humana expresada a través de las diferentes disciplinas artísticas, y conocer un poco más a quienes nos entregan lo mejor de sí en forma de obras arte de todo tipo.

Como cada año, nuestro agradecimiento a quienes nos siguen, comentan, aportan y disfrutan con los contenidos presentados, y nuestros deseos de un excelente 2024, lo cual puede resultar un poco ambicioso teniendo en cuenta el estado del planeta y la humanidad en estos momentos, pero, como bien sabemos, si en algún momento tocamos fondo (si es que no ha sucedido ya), una de dos, o ya no habrá nada que hacer, o sólo nos quedará empezar a remontar. Que así sea.

Abrazos para todos y... adelante.
Javier Fuentes


Another year of blogging, in times when the very concept of the blog has become obsolete for many web surfers. The immediacy in the consumption of information through social networks has meant that the richer and denser contents, which require a leisurely reading and a quiet digestion of information have passed to another plane. Fortunately (Mark Twain is credited with saying that "history never repeats itself, but it does often rhyme") there are new waves of return to the "traditional", so to speak, and it is possible to find (it always was, but fashions are what they are) deep and elaborate content across the spectrum of information, whether for example political analysis, criticism, interviews, and also what concerns us, which is art in its broadest sense. Although many of the posts I usually publish are compilations of images, I still try to ensure that the complementary information is as complete and precise as possible and that the monographs offer abundant biographical and contextual material. For their part, the extensive interviews conducted by Shirley provide us with a valuable source for the general knowledge of the profiles, interests, artistic evolution and life circumstances of the artists presented, many of whom have little diffusion, either because of their novel character or because they are limited to the local sphere. The bet, in any case, is to stay the course.

The quantity of articles has been modest in relation to the production presented in previous years, but the quality (I hope) has not diminished, and neither has the number of artists, although with fewer monographs and more concentration on choral thematic posts.

Shirley Rebuffo has been the protagonist of 2023, and specifically her research on artist's books, an aspect with scarce presence, at least in relation to the usual artistic forms, but which offers a wide range of possibilities covering an infinite number of techniques, supports, formats, materials and expressive resources. Rio de la Plata artists have predominated due to the social and geographic proximity of the environment in which Shirley moves, although we have also sprinkled with some from other origins. 

The purpose for this new year is, as always, to maintain, and depending on the circumstances, increase productivity to present more material with which to continue enjoying human creativity expressed through different artistic disciplines, and to get to know a little more those who give us the best of themselves in the form of works of art of all kinds.

As every year, our thanks to those who follow us, comment, contribute and enjoy the contents presented, and our wishes for an excellent 2024, which may be a bit ambitious considering the state of the planet and humanity at this time, but, as we well know, if at some point we hit bottom (if it has not already happened), one of two things, or there will be nothing left to do, or we will only have to start going up again. May it be so.

Hugs to all and... onward.
Javier Fuentes

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Estos son los artistas que nos han autorizado, directamente o a través de sus representantes, a publicar sobre sus creaciones durante este año /
These are the artists who have authorized us, directly or through their representatives, to publish about their creations during this year.

    

    

    

    

    

    

    

    

    

    

    

    

    

* La abreviatura "Lda" corresponde a "Libros de artista"
* The abbreviation "Lda" stands for "Libros de artista (Artist's books)"
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Aquí las listas de artistas de los años anteriores / Here the lists of artists for previous years

2012 - 2013 - 2014 - 2015 - 2016 - 2017 - 2018 - 2019 - 2020 - 2021 - 2022

Adiós / Goodbye [2023-1] (Enero-Junio / January-June)

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Muchos artistas han fallecido este año. Nuestro recuerdo para todos ellos...
Many artists have passed away this year. Our remembrance for all of them ...

Junio / June

22 Cora Cohen (79, 1943) pintora, dibujante y fotógrafa estadounidense /
     American painter, draftsman and photographer
18 Graziano Origa (70, 1952) artista de comic italiano / Italian comic book artist
16 Bruce Stuart Roberts (93, 1930) fotógrafo y autor estadounidense / American photographer and author
13 April Kingsley (82, 1941) crítica de arte estadounidense / American art critic
13 Simpson Kalisher (96, 1926) fotoperiodista estadounidense / American photojournalist
13 Huang Yongyu (黄永玉) (98, 1924) pintor chino / Chinese painter

Huang Yongyu (黄永玉)
El artista / The Artist. Foto / Photo: SouthCn.com
https://www.southcn.com/node_0183de080d/b4ef28016f.shtml
"Viejo monje / Old Monk", tinta y color / ink and color, 57 x 60 cm. Chinese Style Finds
https://www.chinesestylefinds.com/products/chinese-antique-art-painting-%E9%BB%84%E6%B0%B8%E7%8E%89-%E8%80%81%E5%83%A7-huang-yongyu-old-monk

12 John Victor Romita Sr. (93, 1930) artista de comic estadounidense / American comic book artist
12 Paolo Di Paolo (98, 1925) fotógrafo italiano / Italian photographer
11 László Balogh (93, 1930) pintor húngaro / Hungarian painter
09 Ndoye Douts (Mohamadou Ndoye) (50, 1973) artista plástico senegalés / Senegalese plastic artist
09 William Robert "Jim" Allen (100, 1922) artista visual neozelandés / New Zealand visual artist
08 Ian McGinty (38, 1985) escritor y artista de comic estadounidense / American comic book writer and artist
07 Lisl Steiner (95, 1927) fotógrafa, fotoperiodista y cineasta documentalista austro-estadounidense /
     Austrian-American photographer, photojournalist, and documentary filmmaker
07 Leonardo Nierman Mendelejis (90, 1932) pintor y escultor mexicano / Mexican painter and sculptor
06 Françoise Gaime Gilot (101, 1929) pintora francesa / French painter
03 Byron Barton (92, 1930) escritor e ilustrador de libros infantiles estadounidense /
     American writer and illustrator of children's books
02 Reno Salvail (75, 1947) artista, fotógrafo y autor canadiense / Canadian artist, photographer, and author
02 Natasha Al-Maani (ناتاشا المعاني) (64, 1959) artista jordana / Jordanian artist
01 Robert Rigot (93, 1929) escultor francés / French sculptor
01 James Frederick "Jim" Melchert, 92, 1930) artista estadounidense / American artist

Mayo / May

27 Graham Knuttel (69, 1954) pintor y escultor irlandés / Irish painter and sculptor
25 Frank William Handlen (106, 1916) pintor, escultor y armador estadounidense /
     American painter, sculptor and shipwright
24 Hans-Peter Feldmann (82, 1941) artista visual alemán / German visual artist
22 John A. Walker (84, 1938) crítico e historiador del arte británico / British art critic and historian
22 Harold Mockford (91, 1932) artista inglés / English artist
     * muerte anunciada en esta fecha / death announced on this date
20 Benjamin Harjo Jr. (77, 1945) pintor y grabador estadounidense / American painter and printmaker
19 Sergei Dmitrievich Vorzhev (Сергей Дмитриевич Воржев) (73, 1950)
     pintor ruso-soviético / Russian-Soviet painter
19 Christian Aaron Boulogne (60, 1962) fotógrafo, actor y escritor francés / French photographer, actor and writer
     * el cuerpo se descubrió en esta fecha / body discovered on this date
17 Jorrit Tornquist (85, 1938) artista visual, consultor colorista y teórico del color austro-italiano /
     Austrian-Italian visual artist, color consultant, and theorist
17 Jean-Louis Pesch (94, 1928) caricaturista francés / French cartoonist
16 Dorothy Elsie Knowles (96, 1927) artista visual canadiense / Canadian visual artist
15 Jitka Svobodová (81, 1941) pintora, escultora y académica checa / Czech painter, sculptor and academic
14 József Ács (92, 1931) escultor y medallista húngaro / Hungarian sculptor and medalist
12 Leroy Alphonse Cooper (1960/61, 62) fotógrafo británico nacido en Jamaica / Jamaican-born British photographer

Leroy Alphonse Cooper
"Liverpool, 1980s". Foto / Photo © Leroy Cooper. British Culture Archive
El artista / The Artist. Andrew Teebay/Liverpool Echo

10 Russ Nicholson () ilustrador británico / British illustrator
10 Princess Virginia Maria Clara von und zu Fürstenberg (48, 1974) artista, poeta y diseñadora de moda italiana /
     Italian artist, poet and fashion designer
10 Massimo Cavezzali (73, 1950) artista de comic italiano / Italian comic book artist
08 Robert L. Peters (68, 1954) educador y diseñador gráfico canadiense / Canadian graphic designer and educator
06 Frank Kozik (61, 1962) artista e ilustrador gráfico estadounidense / American artist and graphic designer
06 Sam Gross (89, 1933) caricaturista estadounidense / American cartoonist
05 Sophia Vari (Sophia Canellopoulos) (Σοφία Βάρη) (82, 1940)
     pintora y escultora griega / Greek painter and sculptor
05 Gerald Hembdon Seymour Rose (87, 1935) ilustrador de libros infantiles británico /
    British illustrator of children's books
05 Bruce McCall (87, 1935) autor e ilustrador canadiense / Canadian author and illustrator
05 Martti Aiha (70, 1952) escultor finés / Finnish sculptor
03 Gail Tremblay (77, 1945) escritor y artista estadounidense / American writer and artist
02 Giovanni Urbinati (76, 1946) ceramista y escultor italiano / Italian ceramist and sculptor
01 Paul Francis Giambarba (94, 1928) artista gráfico, diseñador y caricaturista estadounidense /
     American graphic designer and cartoonist

Abril / April

29 Richard B. Woodward (70, 1953) crítico de arte estadounidense / American arts critic
27 Dennis Richard Reid (80, 1943) historiador del arte y curador canadiense / Canadian art historian and curator
26 George Mossman Greenamyer (83, 1939) escultor estadounidense / American sculptor
24 Alfredo Arreguín (88, 1935) pintor mexicano-estadounidense / Mexican-American painter
23 Yvonne Helene Jacquette (88, 1934) pintora estadounidense / American painter
22 Ju Ming (朱銘) (85, 1938) escultor taiwanés / Taiwanese sculptor
21 Theodore "Ted" Richards (76, 1946) caricaturista estadounidense / American cartoonist
20 Richard Leo Woldendorp (96, 1927) fotógrafo australiano nacido en holanda /
     Dutch-born Australian aerial photographer
     * muerte anunciada en esta fecha / death announced on this date
19 Volodymyr Volodymyrovych Melnychenko (Володимир Володимирович Мельниченко) (91, 1932)
     artista visual, escultor y arquitecto ucraniano / Ukrainian visual artist, sculptor, and architect
19 Lee John Harding (86, 1937) fotógrafo y escritor australiano / Australian photographer and writer
18 Harold Francis Riley (88, 1934) pintor inglés / English painter

Harold Francis Riley
El artista / The Artist. Foto / Photo: Manchester Evening News
"Florería Stantons / Stantons Flower Shop", carboncillo y pastel / charcoal & pastel, 31 x 26 cm. Carnes Fine Art

16 Bernice Harriet Rose (nac. Berend) (87, 1935) curadora e historiadora del arte estadounidense /
     American art historian and curator
14 Edward "Ed" Benjamin Koren (87, 1935) escritor, ilustrador y caricaturista político estadounidense /
     American writer, illustrator, and political cartoonist
14 Sylvie Fanchon (70, 1953) pintora francesa nacida en Kenya / Kenyan-born French painter
14 Irma Blank (88, 1934) pintora y artista gráfica italiana nacida en Alemania /
     German-Italian painter and graphic artist
11 Martje Lammigje "Maya" Wildevuur (78, 1944) pintora holandesa / Dutch painter
11 John Henry Olsen (95, 1928) artista visual australiano / Australian visual artist
10 Allan "Al" Jaffee (nac. Abraham Jaffee) (102, 1921) caricaturista estadounidense / American cartoonist
10 Jane Davis Doggett (93, 1929) diseñador gráfico estadounidense / American graphic designer
08 Valérie Oka (56, 1967) artista y diseñadora marfileña / Ivorian artist and designer
08 Deborah Brown (95, 1927) escultora irlandesa / Northern Irish sculptor
07 Carl Fischer (98, 1924) director artístico y fotógrafo estadounidense / American art director and photographer
06 Bruce Leslie Petty (93, 1929) satírico político, escultor y caricaturista australiano /
     Australian political satirist, sculptor and cartoonist
03 Neal Boenzi (97, 1925) fotógrafo estadounidense / American photographer
02 Hans Edvard Nørregård-Nielsen (78, 1945) historiador del arte danés / Danish art historian
01 Kwame Brathwaite (85, 1938) fotoperiodista y activista estadounidense / American photojournalist and activist

Marzo / March

31 Bruce A. Fuhrer (91, 1930) botánico y fotógrafo australiano / Australian botanist and photographer
29 Joan Wadleigh Curran (72, 1950) artista visual estadounidense / American visual artist
28 Constantinos "Ted" CoConis (95, 1927) ilustrador y pintor estadounidense / American illustrator and painter
28 Ernesto García Seijas (81, 1941) artista del comic argentino / Argentine comics artist
27 James Fergus Wyatt (56, 1967) artista, caricaturista e ilustrador británico / British artist, cartoonist and illustrator
25 Lucinda Urrusti (94, 1929) artista mexicana nacida en España / Spanish-born Mexican artist
23 Souhila Belbahar (Souhila Bel Bahar) (89, 1934) pintora argelina / Algerian painter
21 Shamim Sikder (70, 1952) escultor de Bangladesh / Bangladeshi sculptor 
21 Joe Giella (94, 1928) artista del comic estadounidense / American comic book artist
18 Francisco Rodón (88, 1934) pintor portorriqueño / Puerto Rican painter
14 Dorothy Bohm (98, 1924) fotógrafa británica nacida en Alemania / German-born British photographer
13 Luigi Piccatto (68, 1954) artista del comic italiano / Italian comic artist
13 Marija Ujević-Galetović (89, 1933) pintora y escultora croata / Croatian sculptor and painter
12 Dame Phyllida Barlow (78, 1944) British visual artist, sculptor / Artista visual británica, escultora

Dame Phyllida Barlow
"Muelle / Dock", técnica mixta / mixed media, 2014. Art Forum
La artista / The Artist: Foto / Photo: David Levene/The Guardian

11 William Edward "Bill" Tidy (89, 1933) historietista británico / British cartoonist
06 Masayuki Imai (今井政之) (92, 1930) ceramista japonés / Japanese ceramicist
05 Piero Gilardi (80, 1942) escultor italiano / Italian sculptor
04 Paulo Caruso (73, 1949) caricaturista satírico, historietista, ilustrador y personaje de TV brasileño /
     Brazilian satirical cartoonist, caricaturist, illustrator, and television personality
03 Franco Mulas (84, 1938) pintor italiano / Italian painter
03 Camille Souter (Betty Pamela Holmes) (93-94, 1929) pintora irlnadesa / Irish painter
03 Margherita Spiluttini (75, 1947) fotógrafa austríaca / Austrian photographer 
03 Luther McKinley Stovall (86, 1937) grabador y serigrafista estadounidense / 
     American printmaker and silkscreen printer
02 Mary Hilde Ruth Bauermeister (88, 1934)
     escultora, dibujante, artista de instalaciones y performance alemana /
     German sculptor, draftswoman, installation and performance artist
02 Vladimir Afanasevich Fateev (Владимир Афанасьевич Фатеев) (71, 1951)
     pintor, artista de teatro, artista gráfico y profesor ruso soviético / 
     Russian Soviet painter, stage and graphic artist, and professor
01 Peter Weibel (78, 1944) artista post-conceptual, curador y teórico de nuevos medios austríaco /
    Austrian post-conceptual artist, curator, and new media theoretician

Febrero / February

28 Tony Scherman (72, 1950) artista canadiense / Canadian artist
28 Doina Botez (71, 1951) artista visual rumana / Romanian visual artist
26 Anna Jacoba Westra (86, 1936) fotógrafa neozelandesa nacida en países bajos /
     Dutch-born New Zealand photographer
26 Amy Schwartz (68, 1954) autora e ilustradora de libros infantiles /
     American author and illustrator of children's books
19 David Lance Goines (77, 1945) artista, calígrafo, grabador, tipógrafo, empresario y autor /
     American artist, calligrapher, printmaker, typographer, printing entrepreneur, and author
17 Elda Cerrato (92, 1930) pintora argentina y profesora / Argentine painter and professor
17 Ángela Gurría Davó (93, 1929) escultora mexicana / Mexican sculptor
15 Algimantas Žižiūnas (83, 1940) fotógrafo lituano / Lithuanian photographer
14 Anthony Green (83, 1939) pintor y grabador inglés / English painter and printmaker
13 Fidel Tello Repiso (97, 1925) pintor español / Spanish painter
13 Lalita Lajmi (ললিতা লাজমী) (90, 1932) pintora india / Indian painter
13 Leiji Matsumoto (松本零士) (85, 1938) artista de manga japonés / Japanese manga artist
12 Enric de Manuel González "Enrich" (93, 1929) historietista español / Spanish cartoonist
12 Miloš Budík (88, 1935) fotógrafo checo / Czech photographer
10 Carlos Saura Atarés (91, 1932) cineasta, fotógrafo y escritor español / Spanish filmmaker, writer and photographer
07 Thibaut de Reimpré, (73/74, 1949) pintora francesa / French painter

Thibaut de Reimpré
El artista / The Artist. Foto / Photo: Galerie Pome Turbil
"Sans titre / Sin título / Untitled", acrílico sobre papel, montado sobre lienzo /
acrylic on paper mounted on canvas, 2011. Artsy

07 Joseph Franz Hedwig Loeckx (85, 1937) artista de comic belga / Belgian comic book artist
06 Emory Kristof (80, 1942) fotógrafo estadounidense / American photographer
06 Květa Pacovská (94, 1928) pintora, escultora e ilustradora checa / Czech painter, sculptor and illustrator
06 (Irene Mary) Jane Dowling (97, 1925) pintora británica / British painter
06 Bukkasagara Krishnaiah Srinivas (B. K. S.) Varma (74, 1948) pintor indio / Indian painter
05 Christopher "Chris" Kelly Browne (70, 1952) artista de comic e historietista estadoundiense /
     American comic strip artist and cartoonist
05 Roslyn Swartzman (nac. Sheinfeld) (91, 1931) grabadora, pintora y escultora canadiense /
     Canadian printmaker, painter and sculptor
05 Rosa Tavarez (Rosa Mercedes Tavárez Payams) (83, 1939) pintora y grabadora dominicana /
     Dominican painter and engraver
04 Susan Duhan Felix (85, 1937) ceramista estadounidense / American ceramic artist
03 Augustyn Dyrda (96, 1926) escultor polaco / Polish sculptor
03 Alain Lacouchie (76, 1946) poeta, ilustrador y fotógrafo francés /
     French poet, illustrator, and photographer
01 Terence Dickinson (79, 1943) astrofotógrafo y astrónomo amateur canadiense /
     Canadian astrophotographer and amateur astronomer

Enero / January

30 Albert L. "Al" Schweitzer Jr. (101, 1921) caricaturista e ilustrador estadounidense /
     American cartoonist and illustrator
27 Alfred Leslie (95, 1927) pintor y cineasta estadounidense / American painter and film director 
24 Mira Lehr, 88, 1934) artista multidisciplinar estadounidense / American multidisciplinary artist
23 Top Topham (75, 1947) músico y artista visual inglés / English musician and visual artist
22 Gianfranco Goberti (83, 1939) pintor italiano / Italian painter
19 Carin Goldberg (69, 1953) diseñadora gráfica estadounidense / American graphic designer
17 Andrzej Władysław “Dudi” Dudziński (77, 1945) ilustrador, artista gráfico, pintor, caricaturista y fotógrafo polaco /
     Polish illustrator, graphic artist, painter, cartoonist and photographer
17 Nicola Zamboni (79, 1943) escultor italiano / Italian sculptor

Nicola Zamboni
"Umanità / Humanidad / Humanity" (detalle / detail), [Nicola Zamboni & Sara Bolzani] cobre / copper
El artista / The Artist: Foto / Photo: Il denaro

17 Paul Soulikias (Παλαιολόγος Σουλικιάς) (96, 1926) pintor greco-canadiense / Greek-Canadian painter
17 Stanislav Tereba (85, 1938) fotoperiodista checo / Czech photojournalist
17 Andrzej Władysław Dudziński (77, 1945) ilustrador, artista gráfico, pintor, caricaturista y fotógrafo polaco /
     Polish illustrator, graphic artist, painter, cartoonist and photographer
17 Cornelius Hendrik Rogge (90, 1932) escultor, artista de instalaciones y pintor holandés /
     Dutch sculptor, installation artist‎ and painter
16 Alan Glass (90, 1932) artista multidisciplinar y profesor canadiense /
     Canadian multidisciplinary artist and teacher
16 Tom Corcoran (79, 1943) novelista y fotógrafo estadounidense / American novelist and photographer
14 Gianfranco Baruchello (98, 1924) pintor italiano / Italian painter
11 Christian Sauvé (79, 1943) pintor francés / French painter
10 Gregory Lee Blackstock (77, 1946) artista estadounidense / American artist
07 Antoni Batllori "Toni" Batllori (71-72, 1951) caricaturista satírico, ilustrador y escultor español /
     Spanish satirical cartoonist, illustrator, and sculptor
05 Dave Schubert (49, 1973) fotógrafo callejero estadounidense / American street photographer
05 Michael James Aleck Snow (94, 1929) artista visual, cineasta y músico canadiense /
     Canadian visual artist, filmmaker and musician
03 Lyuben Hristov Zidarov (Любен Христов Зидаров) (99, 1923) pintor e ilustrador búlgaro /
      Bulgarian illustrator and painter
03 Karim Bennani (ريم بناني ) (87, 1936) pintor marroquí / Moroccan painter
02 Marilyn Jean Stafford (nac. Gerson) (97, 1925) fotógrafa británica nacida en Estados Unidos /
     American-born British photographer.
01 Kadri Mälk, 64, 1968) artista visual y diseñadora de joyas estonia /
     Estonian visual artist and jewellery designer

Fallecimientos en años anteriores / Deaths in previous years

2019 - 2020 - 2021 (1-6) (7-12) - 2022 (1-6)(7-12)

Adiós / Goodbye [2023-2] (Julio-Diciembre / July-December)

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Muchos artistas han fallecido este año. Nuestro recuerdo para todos ellos...
Many artists have passed away this year. Our remembrance for all of them ...

Diciembre / December

31 Isabel Steva i Hernández "Colita" (83, 1940) fotógrafa española / Spanish photographer
29 John M. Burns (84-85, 1938) artista de comic inglés / English comics artist
28 R. Soehardi "Hardi" (72, 1951) artista visual indonesio / Indonesian visual artist
25 Eugenio Riccomini (87, 1936) historiador del arte italiano / Italian art historian
24 Sherif Sonbol (شريف سنبل) (67, 1956) fotógrafo egipcio / Egyptian photographer
23 William Pope.L (68, 1955) artista visual estadounidense / American visual artist
22 Imroz (Inderjeet Singh) (97, 1926) artista visual y poeta indio / Indian visual artist and poet
18 Dmitry Petrovich Peychev (80, 1943) artista plástico moldavo / Moldovan plastic artist
18 Giovanni Anselmo (89, 1934) artista visual italiano / Italian visual artist
17 Pavel Preiss (97, 1926) historiador del arte y académico checo / Czech art historian and academic
17 Kala Keerthi Camillus Perera (84, 1939) historietista cingalés / Sri Lankan cartoonist
17 Leonardo Díaz Torres "Reja" (73, 1950) escultor uruguayo / Uruguayan sculptor
16 Richard Howard Hunt (88, 1935) escultor estadounidense / American sculptor

Richard Howard Hunt
El artista / The Artist. Richard Howard Hunt en el estudio de la calle Lill /
in Lill Street Studio, Chicago, 2018. Wikipedia
"Híbrido alado / Winged Hybrid", acero soldado / welded steel, altura / height: 4 1/2", 1963. Invaluable

16 Peter Bush (93, 1930) fotógrafo y periodista deportivo neozelandés / New Zealand photographer and sportswriter
11 Ian Gibson (77, 1946) artista de comic británico / British comic book artist
08 Dærick Gröss Sr. (76, 1947) ilustrador estadounidense / American illustrator
08 Girolamo Ciulla (71, 1952) escultor italiano / Italian sculptor
07 Vera Molnár (nac. Gács) (99, 1924) artista de medios húngara / Hungarian media artist
07 Jacqueline Mesmaeker (93, 1929/30) artista plástica belga / Belgian plastic artist
05 Jessie T. Pettway (94, 1929/30) artista estadounidense / American artist
     * su muerte se anunció en esta fecha / death announced on this date
05 Paul Dibble (80, 1943) escultor neozelandés / New Zealand sculptor
01 Wolfgang Hollegha (94, 1929) pintor austríaco / Austrian painter

Noviembre / November

28 Elliott Erwitt (Elio Romano Erwitz) (95, 1928) fotógrafo estadounidense nacido en Francia /
     French-born American photographer
27 Zaverilal Mehta (ઝવેરીલાલ મહેતા) (96, 1927) fotógrafo indio / Indian photographer
27 Helen Lucas (nac. Geatros) (92, 1931) artista canadiense / Canadian artist
27 William Anastasi (90, 1933) artista conceptual estadounidense / American conceptual artist
25 Laurence Bruce "Larry" Fink (82, 1941) fotógrafo estadounidense / American photographer
22 Linda Salzman Sagan (83, 1940) artista y escritora estadounidense / American artist and writer
20 Rob Krier (85, 1938) escultor, arquitecto y diseñador urbanístico /
    Luxembourgish sculptor, architect, and urban designer
20 Alice Denney (101, 1922) curadora estadounidense / American art curator
20 Noah Jones (Background Bob) (15, 2008) artista británico / British artist
19 Erich Schutt (92, 1931) fotógrafo alemán / German photographer

Erich Schutt
"Vor dem Einkaufszentrum in Burg / Frente al centro comercial de Burg /
In front of the Burg shopping center", 1971, © Erich Schutt. Niederlausitz Aktuell
El artista / The Artist
El fotógrafo de 86 años Erich Schutt toma parte en un evento con motivo del Día de los Mineros de 2017 en el Steinitzhof en Drebkau, cerca de Cottbus (Brandenburgo), el 2/7/2017 /
86-year-old photographer Erich Schutt takes part in an event to mark Miners' Day 2017 at the Steinitzhof in Drebkau near Cottbus (Brandenburg) on July 2, 2017.  PA. Picture Alliance

19 Gene Beery (86, 1937) pintor y fotógrafo estadounidense / American painter and photographer
19 C. L. Porinchukutty (91, 1932) artista y educador indio / Indian artist and art educator
18 Akif Izzatulla oghlu Asgarov (83, 1940) escultor de Azerbaiyán / Azerbaijani sculptor
17 Agustín Ibarrola (93, 1930) pintor y escultor español / Spanish painter and sculptor
17 Brijinder Nath Goswamy (பி. என். கோசுவாமி) (90, 1933)  crítico de arte e historiador indio /
     Indian art critic and historian
17 Bob de Groot (82, 1941) artista de comic belga / Belgian comic books artist
15 Michio Fukuoka (福岡道雄) (87, 1936) escultor japonés / Japanese sculptor
14 Neville Garrick (73, 1950) artista gráfico y fotógrafo jamaicano / Jamaican graphic artist and photographer
14 Radcliffe Bailey (54, 1968) pintor, escultor y artista multimedia estadounidense /
    American painter, sculptor and multimedia artist
13 Judith Tucker (63, 1960) artista y académica británica / British artist and academic
13 George Tscherny (99, 1924) diseñador gráfico y educador estadounidense nacido en Hungría /
     Hungarian-born American graphic designer and educator
09 Joe Tilson (95, 1928) artista visual británico / British visual artist
09 K. A. Francis (75, 1947) pintor indio / Indian painter
08 Roger Kastel (92, 1931) artista de pósters de cine estadounidense / American film poster artist
06 Sergio González (1971) grabador, xilógrafo y docente uruguayo /
     Uruguayan printmaker, xylographer and teacher
05 Malo Louarn (74, 1949) escritor y artista de comic francés / French comic book writer and author
04 Gord Smith (86, 1937) escultor canadiense / Canadian sculptor
04 Bill Milbank (75, 1948) curador neozelandés / New Zealand art curator
03 Priit Vesilind (80, 19443) fotoperiodista y autor estonio-estadounidense /
     Estonian-American photojournalist and author
01 Majd Arandas (مجد عرندس) (29, 1994) fotógrafo palestino / Palestinian photographer
01 Carlo Ambrosini (69, 1954) artista de comic italiano / Italian comic artist

Octubre / October

25 Robert Irwin (95, 1928) artista de instalaciones estadounidense / American installation artist
25 Steve Erwin (63, 1960) artista de comic estadounidense / American comic book artist
24 Mirna Frascarelli (66, 1957) pintora uruguaya / Uruguayan painter
21 Sergio Staino (83, 1940) autor de comic, satirista y director de cine italiano /
    Italian comics author, satirist, and film director
21 Alexander Ilečko (86, 1937) escultor eslovaco / Slovak sculptor
21 Ida Applebroog (93, 1929) pintora, escultora y artista multimedia estadounidense /
     American painter, sculptor and multimedia artist
20 Vera Klement (93, 1929) artista estadounidense y profesora emérita de la Universidad de Chicago /
     American artist and Professor Emerita at the Chicago University
20 Gerald Ernest Harold Cranham (94, 1929) fotógrafo deportivo inglés / English sports photographer
20 Eduardo Arranz-Bravo (82, 1941) pintor catalán-español / Catalan Spanish painter
19 Teresa Magalhães (79, 1944) pintora portuguesa / Portuguese painter

Teresa Magalhães
La artista / The Artist. Foto / Photo: SAPO
"Sin título / Untitled", acrílico y collage sobre lienzo / acrylic and collage on canvas, 1969
Colección / Collection: Teresa Magalhães
Calouste Gulbenkian Museum, Modern Collection, Lisboa / Lisbon, Portugal
Foto / Photo: Pedro Ribeiro Simões, flickr

18 Juanita McNeely (87, 1936) artista estadounidense / American artist
18 William Anthony "Tony" Husband (73, 1950) historietista británico / British cartoonist
18 Marinette Cueco (89, 1934) artista plástica francesa / French plastic artist
18 Giovanni Chiaramonte (75, 1948) fotógrafo, teórico del arte, curador y académico italiano /
    Italian photographer, art theorist, art curator and academic
15 Jacques Pavlovsky (92, 1931) fotoperiodista francés / French photojournalist
14 Gastón Ugalde (79, 1944) artista visual boliviano / Bolivian visual artist
14 Park Seo-bo (박서보) (91, 1931) pintor surcoreano / South Korean painter
13 Heba Zaqout (هبة زقوت) (38–39, 1984) artista y maestro palestino / Palestinian artist and schoolteacher
12 Hisaya Nakajo (中条 比紗也) (50, 1973) artista de manga japonés / Japanese manga artist
10 Paul Leuquet (90, 1932) pintor, caricaturista y poeta francés / French painter, cartoonist, and poet
10 Jean-Claude Cassini (55, 1968) artista de comic francés / French comic artist
09 Keith Giffen (70, 1952) artista de comic y escritor estadounidense / American comic book artist and writer 
09 Haluk Akakçe (53, 1970) artista turco / Turkish artist
06 Esme Rusell (Timbery) (92, 1931) artista Bidjigal australiano / Australian Bidjigal artist
06 Stelios Faitakis (Στέλιος Φαϊτάκης) (47, 1976) pintor y grafitero griego / Greek painter and graffiti artist
05 Paul Ramboux (91, 1932) historietista belga / Belgian cartoonist
05 Piotr Klemensiewicz (67, 1956) pintor y escultor francés / French painter and sculptor
03 Hitoshi Nomura (野村仁) (78, 1945) artista japonés / Japanese artist

Septiembre / September

30 Sukumar (91, 1932) satirista y caricaturista indio / Indian satirist and cartoonist
29 Ed Tse-chun Young (杨志成) (91, 1931) ilustrador estadounidense nacido en China /
     Chinese-born American illustrator
29 Anne Kahane (99, 1924) escultora canadiense nacida en Austria / Austrian-born Canadian sculptor

Anne Kahane
"Cola / Queue", madera / wood, 63,5 x 122 x 24 cm., 1955. Mutal Art
La artista / The Artist.
"Anne Kahane, escultora / sculptor, Montreal, Quebec, Canadá"
Foto / Photo: Sam Tata. National Gallery (Ottawa, ON, Canada)

25 Gerry James Shamray (66, 1957) artista de comic estadounidense / American comic book artist
25 Burkey Belser (76, 1947) diseñador gráfico estadounidense / American graphic designer
20 Erwin Olaf Springveld (64, 1959) fotógrafo holandés / Dutch photographer
18 Joe Matt (60, 1963) caricaturista estadounidense / American cartoonist
15 Yoshiko Tsuchida (土田よしこ) (75, 1948) artista de manga japonés / Japanese manga artist
15 Fernando Botero (91, 1932) pintor y escultor colombiano / Colombian painter and sculptor
13 Marvin Elliott Newman (95, 1928) fotógrafo estadounidense / American photographer
13 Renato Calligaro (95, 1928) pintor y caricaturista italiano / Italian painter and cartoonist
12 László Kutas (87, 1936) escultor húngaro / Hungarian sculptor
08 Buichi Terasawa (68, 1955) artista de manga japonés / Japanese manga artist
08 Ajit Ninan (அஜித் நைனான்) (68, 1955)  caricaturista político indio / Indian political cartoonist
05 Jürgen Claus (88, 1935) artista y autor alemán / German artist and author
04 Danas Andriulionis (71, 1951) pintor lituano / Lithuanian painter
02 Michael Klar (80, 1943) artista gráfico alemán / German graphic artist
01 Tony Quan (Tempt One) (54, 1968/69) grafitero estadounidense / American graffiti artist
01 Sitt Nyein Aye (67, 1956) artista y activista político birmano / Burmese artist and political activist

Agosto / August

29 Katalin Rényi (72, 1951) pintora húngara / Hungarian painter
27 Minna Tarkka (62, 1960) curadora y crítica de arte finesa / Finnish art critic and curator
26 John Benton-Harris (83, 1939) fotógrafo estadounidense / American photographer
24 Barbara Rossi (82, 1940) artista estadounidense / American artist
20 Pierre Cornette de Saint-Cyr (84, 1939) marchante de arte francés / French art dealer
19 Dan Green (70, 1952) artista de comic estadounidense / American comic book artist
18 Tadaaki Kuwayama (桑山忠明) (91, 1932) pintor japonés / Japanese painter
17 Wayne Gilbert (76, 1946) pintor estadounidense / American painter
13 Thierry Despont (75, 1948) arquitecto, artista y diseñador francés / French architect, artist and designer
12 Djoko Pekik (86, 1937) pintor indonesio / Indonesian painter

Djoko Pekik
El artista / The Artist.
Djoko Pekik frente a su obra / in front of his work (Meitika Candra Lantiva/Radar Jogja)
"Anjing Menggonggong / Pedro ladrador / Barking Dog"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 115 cm., 2018. Indo Art Now

11 Simone Gilges (50, 1973) artista alemana / German artist
11 Angela Mary Flowers (nac. Holland) 90, 1932) galerista británica / British gallerist
11 John Fielder (73, 1950) fotógrafo estadounidense / American photographer
09 Nicholas Brice Marden Jr. (84, 1938) pintor estadounidense / American painter
08 Jamie Mcgrregor Reid (76, 1947) artista visual británico / British visual artist
07 Roland L. Freeman (87, 1936) fotógrafo estadounidense / American photographer
05 Nami Sano (佐野 菜見) (36, 1987) artista de manga japonés / Japanese manga artist 
05 Giuseppe Montanari (86, 1936) artista de comic italiano / Italian comic artist
02 John Glithero (John Goto) (74, 1949) artista fotográfico británico / British photographic artist
01 David Adam Le Batard "LEBO" (50, 1972) artista gráfico estadounidense / American graphic artist

Julio / July

27 Didier Lourenço (55, 1968) pintor español / Spanish painter
27 Margaretha Henrica Gerardus Maria Heijmans (90, 1932) escritora e ilustradora de literatura infantil holandesa /
     Dutch writer and illustrator of children's literature
24 Oswaldo Viteri (91, 1931) pintor ecuatoriano / Ecuadorian painter
24 Jesse Lott (80, 1943) artista visual estadounidense / American visual artist
24 William "Wim" Boissevain (96, 1927) pintor australiano / Australian painter
20 Concha García Zaera (93, 1930) artista digital española / Spanish digital artist
19 Robert McFarlane (80–81, 1942) fotógrafo y crítico fotográfico australiano /
     Australian photographer and photographic critic
17 Rubén Martínez Bulnes (94, 1929) arquitecto y escultor salvadoreño / Salvadoran architect and sculptor
16 Ian Emes (73, 1949) artista y director de cine británico / British artist and film director
15 Marie-Laure de Decker (75, 1947) fotógrafa francesa / French photographer
11 Agim Rada (70, 1953) escultor albanés / Albanian sculptor
11 Ales Pushkin (Aliaksandr Mikalaevich Pushkin / Аляксандр "Але́сь"Мікалаевіч Пу́шкін) (57, 1965)
     pintor, director de teatro y prisionero político bielorruso /
     Belarusian painter, theatre director, and political prisoner
11 Fazil Imamverdi oghlu Najafov (88, 1935) pintor y escultor de Azerbaiján / Azerbaijani painter and sculptor
09 Garrick Palmer (89, 1933) pintor, grabador en madera y fotógrafo / English painter, wood engraver and photographer
07 Namboothiri (Karuvattu Mana Vasudevan Namboothiri) (97, 1925) pintor y escultor indio / Indian painter and sculptor
06 Joop Sanders (101, 1921) pintor y educador holandés-estadounidense / Dutch-American painter and educator
04 Jan Sierhuis (94, 1928) pintor holandés / Dutch painter

Jan Sierhuis
"Sin título / Untitled", óleo sobre cartón, montado sobre lienzo /
oil on cardboard, mounted on canvas, 74 x 100 cm., 1961. Olla/Art
El artista / The Artist. Foto / Photo: Trouw

04 Tabaré Gómez Laborde (74, 1948) historietista uruguayo / Uruguayan cartoonist
02 K. Jayaram (கே. ஜெயராம்) (74, 1949) fotógrafo indio / Indian photographer
02 Khosrow Hassanzadeh (59, 1933) (خسرو حسن‌زاده) pintor iraní / Iranian painter
02 Cho Yong-ik (조용익) (89, 1934) pintor surcoreano / South Korean painter
02 Michel Charpentier (95, 1927) escultor y medallista francés / French sculptor and medalis
01 Ippei Kuri (Toyoharu Yoshida, 吉田豊治) (83, 1940)  artista de manga y animador japonés /
     Japanese manga artist and animator 
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Fallecimientos en años anteriores / Deaths in previous years

2019 - 2020 - 2021 (1-6) (7-12) - 2022 (1-6) (7-12) - 2023 (1-6)


Uruguayos / Uruguayans (LXXII) - Miguel Scaltritti [Composiciones en madera, Entrevista / Wooden Compositions, Interview]

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Miguel Scaltritti desarrolla su práctica artística en un amplio abanico de disciplinas: pintura, dibujo, grabado, libros de artista, pero esta nueva entrevista que nos ofrece Shirley Rebuffo va acompañada de una selección de su obra en madera. Se trata de una serie de composiciones, muchas de ellas con forma de cuadro y planteamiento escultórico en las que el artista elabora, recicla, trata y enmarca jugando con las formas, geometrías y colores de la madera para construir armoniosas piezas artísticas.

Miguel Scaltritti develops his artistic practice in a wide range of disciplines: painting, drawing, engraving, artist's books, but this new interview offered by Shirley Rebuffo is accompanied by a selection of his work in wood. It is a series of compositions, many of them in the form of paintings and sculptural approach in which the artist elaborates, recycles, treats and frames playing with the shapes, geometries and colors of wood to build harmonious artistic pieces.
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Hacer un viaje en ómnibus y con personas con un fin común puede ser una excelente oportunidad de compartir experiencias únicas. En una de esas circunstancias, hacia la Bienal de San Pablo, conocí a Miguel que viajaba junto a su esposa Stella. Los encuentros fortuitos y las conexiones humanas son aspectos fascinantes de los viajes y pueden dejar recuerdos duraderos.
Miguel trabaja en grabado, diseño en papel y últimamente se ha destacado con sus obras realizadas en maderas. Esto le brinda la oportunidad de dar rienda suelta a su creatividad y expresión artística. Combina diferentes formas, tamaños y texturas realizando composiciones únicas y originales, interpretando formas y ángulos, con una actitud de apertura a lo nuevo.
Como él mismo dice: "en lugar de desecharlas, es una forma creativa de reciclaje, contribuyendo así a la sostenibilidad ambiental".
Las diferentes texturas de las maderas tienen una belleza natural que aprovecha en su arte, dando profundidad y riqueza visual a sus obras, ya se corta, lija, pinta, tiñe e incluso graba sobre ella. Esa versatilidad permite la concepción de cuadros-collages, confrontando su esencia racional y objetiva con su parte emocional y creativa.
En su reciente exposición en la sala Sáez se pueden observar sus obras y sentir que, al ser la madera un material orgánico, nos transportan, de una forma artística, hacia una conexión especial con la naturaleza. Shirley Rebuffo

Traveling by bus and with people with a common purpose can be an excellent opportunity to share unique experiences. In one such circumstance, on the way to the São Paulo Biennial, I met Miguel who was traveling with his wife Stella. Chance encounters and human connections are fascinating aspects of travel and can leave lasting memories.
Miguel works in printmaking, paper design and lately he has excelled with his works in wood. This gives him the opportunity to unleash his creativity and artistic expression. He combines different shapes, sizes and textures making unique and original compositions, interpreting shapes and angles, with an attitude of openness to the new.
As he himself says: "instead of throwing them away, it is a creative way of recycling, thus contributing to environmental sustainability".
The different textures of wood have a natural beauty that he takes advantage of in his art, giving depth and visual richness to his works, whether he cuts, sands, paints, dyes and even engraves on it. This versatility allows the conception of collage-paintings, confronting his rational and objective essence with his emotional and creative part.
In his recent exhibition at the Sala Sáez, one can observe his works and feel that, since wood is an organic material, they transport us, in an artistic way, to a special connection with nature. Shirley Rebuffo
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Miguel Scaltritti
(Montevideo, Uruguay, 1957-)

Miguel Scaltritti, a quien ya presentamos en el blog dentro de la serie dedicada a los libros de artista (ver enlace más abajo), nació en Montevideo, Uruguay, en 1957.
En el 2004 ingresó al CEA, Centro de Expresión Artística del Maestro Nelson Ramos, participando en el 2005 de una muestra colectiva en el Centro Cultural Lapido. También ese año obtuvo mención de Honor en el Salón Anual de Pintura Marítima del Club Naval.
En el año 2006 participó de varias exposiciones colectivas: en el Centro Cultural La Paloma, Rocha; "De menos a más", realizada en la Galería Arteviaja, y otra por los 35 años del CEA, en Galería del Paseo. Exposición individual en la Galería La Puerta de San Juan. Ese mismo año ingresó al taller de grabado de Pedro Peralta, y también fue seleccionado para el III Salón Nacional del Grabado Uruguayo, obteniendo una Mención Especial.
En el 2007 se incorporó al taller de grabado dirigido por Gabriel Lema. Obtuvo una Mención de Honor en el Salón Anual de Pintura Marítima del Club Naval y fue seleccionado en el certamen "Convivencia de los Pueblos", organizado por la Filial Monte Scopus de B’nai B’rith. Participó con Gabriel Lema en la creación de 12 grabados para los premios del Rally de la 8ª Semana Internacional del Automóvil Sport y Clásico de Punta del Este.

Miguel Scaltritti trabajando en su estudio / at work in his Studio

En 2008 ingresó al taller de Expresión por la Plástica de Pilar González, y obtuvo Mención de Honor en el Salón Anual de Pintura Marítima del Club Naval.
En 2010 y 2011, respectivamente, participó del primero y segundo Taller de técnica Hayter dirigido por Rimer Cardillo y Claudia Anselmi. En el 2010 ingresó al taller de grabado de Claudia Anselmi. Participó en la XIV Bienal de Miniaturas Gráficas Luisa Palacios, Venezuela, y en un trabajo colectivo del taller de Pilar González para la celebración del Día del Patrimonio en recuerdo de Florencio Sánchez.
En el 2011 participó en trabajo colectivo del taller de Claudia Anselmi para realizar intervención de la Fundación Nancy Bacelo. Realiza una exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo de El País.
Más adelante presentó exposiciones individuales en el Centro Cultural de La Paloma, Rocha; Casa de la Cultura de Minas, Lavalleja; en la Sala Carlos Federico Sáez (2017 y 2023); en la embajada de Uruguay en Buenos Aires, Argentina. Expuso en ArteUyEnPerspectiva de Radiomundo 1170 AM en dos ocasiones, y también obra gráfica en Galería Quarentena (galería virtual, 2021). 
En 2022 expuso obras en madera bidimensionales y esculturas en Aguada Park y recibió mención especial en el concurso de caricaturas y viñetas de Bodega Bouza, trabajo exhibido en sus viñedos, en la ruta a Punta del Este.
Ha publicado trabajo en la Revista Cultura Amsterdam Sur (Amsterdam).
Fue premiado en el 5to. Concurso Isusa.
Sus obras forman parte de colecciones privadas en Argentina, Brasil, España, Estados Unidos, Canadá y Uruguay.



Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cuál es tu primer recuerdo vinculado al arte? ¿En qué momento de tu vida descubres que el arte es tu camino?
Miguel Scaltritti: Recuerdos hay muchos, pero uno en especial fue dibujar en el hule de la mesa de la cocina a la hora de la siesta una persecución de indios y soldados que empezó en un lado, continuó en la cabecera y terminó con un enorme regaño a la mitad del otro lado. Descubrí que bolígrafo negro sobre hule es un soporte placentero.

SR: ¿Qué experiencias han determinado tu carrera?
MS: En esta incursión por las artes visuales, al finalizar el primer año en el taller del maestro Nelson Ramos, tuve que hacer una pausa por motivos familiares. Tuve una conversación con él explicándole y fue en ese diálogo, aclarándole mis razones, que me quedó claro que este era mi camino, el cual recorro desde hace ya veinte años.



SR: ¿Hubo alguien en la familia que te inspirara hacia lo que hoy creas?
MS: Directamente no. Generacionalmente esto de incursionar en el camino de las artes generaba de manera automática la pregunta: ¿y cómo te vas a ganar la vida? Era una educación que se ceñía estrictamente a los dictámenes familiares, y se puede observar en infinidad de casos que, por suerte, en estos tiempos las cosas parecen haber cambiado. En mi caso el esposo de mi madrina, persona sensible y allegada al arte, siempre me alentó a no dejar que esa llama se apagara y puedo decir que fue el mi primer mentor.

SR: ¿Planificas tus ideas antes de ponerte manos a la obra? ¿O la inspiración te surge conforme vas trabajando?
MS: La planificación existe siempre, pero creo que las ideas están primero. Mi maestra, Pilar González, obsequió a sus alumnos con un manifiesto sobre hacer y pensar arte del cual rescato un detalle importantísimo: los ojos atentos a lo que nos rodea porque estamos rodeados de estímulos que luego se transforman en ideas, que más tarde se transforman en trabajos. Esos estímulos, algunos conscientes y otros inconscientes son, por lo menos en mi caso, los generadores que alimentan y motivan mis trabajos. Con [Nelson] Ramos hablamos mucho sobre lo que la obra pide y ese ejercicio es fascinante, el diálogo entre el hacedor y lo que va naciendo, donde la improvisación juega un papel importantísimo y a su vez, en mi caso, fundamental.   



SR: ¿Estás satisfecho con lo que quieres transmitir a través del arte?
MS: Absolutamente. Considero que el mundo y la vida no son buenos ni malos, es el camino que nos toca recorrer y así debemos aceptarlos. Entre esos límites, a través del arte, me permito crear ese mundo que me gusta, el que me imagino, en donde el equilibrio que recreo me hace sentir a bien y se manifiesta sin otra pretensión.

SR: ¿Qué referentes marcaron tu formación?
MS: Referentes hay muchos según la etapa de mi vida. Comenzando con los dibujantes de historietas, como por ejemplo Harold Foster, los argentinos Lucho Olivera o Salinas, y Hergé, creador de Tin Tin, a quienes seguía con mucho interés. También el dibujo publicitario estadounidense de las décadas del 50, 60 y 70. En lo clásico: Rembrandt, Goya, Leonardo y Miguel Ángel. Ya inserto en el mundo del taller formal, el cual me abrió un portal inabarcable, comprendí poco a poco la diferencia entre el virtuosismo y el arte propiamente dicho, a interesarme y conocer diferentes corrientes, sintiéndome inspirado por la necesidad de trascender el plano como por ejemplo [Nelson] Ramos, [Washington] Barcala y [Gonzalo] Fonseca. 



SR: ¿Identificas distintas etapas artísticas en tu evolución artística?
MS: Obvio que sí. La evolución en los trabajos y el recorrido que se transita van marcando diferentes etapas, y podría decir que el factor común entre ellas es la permanente búsqueda de mi huella de identidad. Todo en este mundo está inventado y apenas podemos darles a nuestros trabajos esa impronta personal que los diferencia de otros. Llegar a esta conclusión requiere oir constantemente esa voz interior de honestidad, de valor para animarse a salir de la zona de confort, experimentar en un ejercicio pleno de libertades y es en ese recorrido en que transitan las diferentes etapas de un artista. En mi caso fue el paso por el dibujo, el grabado, las pequeñas formas con maderas, los collages y la intención de que se entremezclen en un futuro.

SR: Trabajas sobre papel y fibra, además del grabado digital, pero últimamente te has dedicado a la madera. ¿Cómo has encontrado este lenguaje?
MS: La fascinación por la madera proviene primeramente por los sentidos: el tacto, el olor, la vista y hasta diría por el calor. Con todo ese cúmulo de sensaciones me resulta imposible no convivir y trabajar con ella. Como diría el maestro Díaz Valdéz, "la madera nos proporciona la oportunidad de someterla o aceptarla según el caso". Es a partir de una bolsa de recortes, destinados a ser leña de estufa, que comencé a seleccionar maderas que, por su condición, no merecían ser quemadas. Es a partir de ahí que empecé a combinarlas en formas y tamaños, surgiendo así composiciones en material natural. Con el tiempo comencé a darles color e incluir en las composiciones trabajos en los fondos. Me empeño en que sean maderas de descarte, trozos destinados a desecho y esa condición permite darles nuevos destinos, que en este caso pretenden ser trabajos artísticos.



SR: ¿Sueles tratar mucho las maderas para que formen parte de tu obra, o tratas de modificarlas lo menos posible, tal cual llegan a tus manos?
MS: Las dos cosas. En esa recolección de materiales encuentro algunos que no necesitan intervención alguna. Algunos apenas merecen algún ajuste a las medidas que el trabajo necesita y otros sí, los cuales trabajo meticulosamente, de manera casi obsesiva.

SR: ¿Qué emociones fluyen dentro de ti al darle vida los trozos de madera?
MS: Diría que la primera emoción que surge es la alegría. Trato de que sean musicales y armónicas, porque la mayor parte de ellas están acompañadas en su factoría por temas de jazz, baladas y algún que otro tango. Cuando llega el momento del punto final –difícil momento– pasamos a la etapa de contemplación, luego del juicio, y si este es aprobatorio aparece la satisfacción y el sentir que valió la pena lo realizado.



SR: ¿Cómo suele ser tu método de trabajo? ¿Eres ordenado o reina el caos en tu estudio? ¿Te consideras un artista con reglas?
MS: De atrás hacia adelante, más que reglas me considero una persona metódica. Mi día empieza muy temprano, antes del amanecer, según la estación del año en plena oscuridad o con los albores cerca de las cinco de la mañana. Disfruto recibiendo el día y es a partir de esa hora que dedico la mañana a desarrollar los trabajos creativos dejando para la tarde los rutinarios y artesanales. Con respecto al orden puedo decir que trabajo en un desorden ordenado, sobre todo cuando me ocupo de las maderas, seleccionándolas, intercambiándola o descartándolas, pero cuando llego al punto en que ya la mesa de trabajo comienza a ser caótica, necesito limpiar y ordenar para luego retomar la labor. Es un constante ir y venir en la búsqueda del equilibrio interno que pretendo se refleje en las obras.

SR: ¿Cuánto tiempo te insume realizar las piezas más grandes?
MS: El tiempo es relativo. Hay piezas que llevan meses y otras salen a la luz en poco tiempo. Los dibujos, al ser más espontáneos, salen varios en una mañana. Diferente es con las maderas, pues ensamblarlas, encolarlas y llegado el caso colorearlas, requiere tiempo. Estos son trabajos que a veces los hago en simultáneo, por lo que una obra de mediano porte puede llevar una semana o semana y media. Aunque en realidad el tiempo que insume poco me preocupa.



SR: ¿Cómo decides poner el punto final a un proyecto?
MS: Cuando el mismo me lo pide. A veces finalizar un trabajo es simple y obvio. Hay otros casos en que no soy capaz de ver con claridad ese final y es ahí cuando prefiero dejar descansar una obra y retomarla al tiempo para así sentir si precisa algo más o ya está pronta. Los seres humanos tenemos la capacidad natural de enmarañar las cosas y es ahí donde se comete el error de hacer un movimiento de más. Practico el aforismo "lo bueno, si breve, dos veces bueno".

SR: ¿En qué focalizas tus proyectos? ¿Qué desafíos te has impuesto?
MS: El mundo es muy grande y hay lugar para todos. Creo que la principal función de un artista es sensibilizar al prójimo que, en este caso, es el espectador y para ello existen infinidad de modos y temáticas. En lo que a mí refiere, solo pretendo recrear esos mundos que, sin mayores explicaciones, surgen desde la gráfica o desde la composición bidimensional, tratando de que el caos y el orden estén en ellos, que el desafío tenga como resultado siempre un equilibrio. Esta en mi esencia como persona en la vida y por ende pretendo que se vea reflejado en mis obras.


SR: ¿Tienes alguna anécdota para compartir que nos enriquezca con relación al arte?
MS: No se me ocurre nada que decirle a quien quiera oír; recorran los caminos sensibles de las artes, practicándolas o contemplándolas. Un espíritu satisfecho poca cosa más necesita.

***

"Jugar es hacer algo con alegría, con el fin de entretenerse, divertirse o desarrollar determinadas capacidades. Me atrevo a sugerir que, el hacerlo en esta, mi etapa adulta de la vida, resulta algo serio y desafiante. Serio porque este hacer lleva consigo honestidad, respeto y dedicación. Desafiante porque cuando el trabajo realizado es puesto a consideración del espectador, nos desnudamos frente a ellos.
Hay quienes se desvelan por la técnica y los materiales utilizados, haciendo de ellos un fin en sí mismo, olvidando lo más importante, algo que decir, capturar la atención de quien la observa.
El propósito de estos trabajos en madera es reflejar el gusto por el material, modelarlo, ensamblarlo y disfrutar lo que va surgiendo sin mayores planes previos.
Algunas composiciones son simples, otras más complejas, algunas en blanco, otras en negro, algunas al natural, otras coloreadas, intentando un mundo caótico y ordenado a la vez. Es mi mundo el que viaja entre estos extremos y, como dice un querido amigo, procurando mantener un fino equilibro. Sin más les invito, pasen y vean". Miguel Scaltritti

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Miguel Scaltritti, whom we have already presented in the blog in the series dedicated to artist's books (see link below) was born in Montevideo, Uruguay in 1957.
In 2004 he joined the CEA, Centro de Expresión Artística del Maestro Nelson Ramos, and in 2005 he participated in a group show at the Centro Cultural Lapido. Also that year he received an honorable mention in the Annual Maritime Painting Salon of the Naval Club.
In 2006 he participated in several group exhibitions: at the Centro Cultural La Paloma, Rocha; "From less to more", held at the Arteviaja Gallery, and another for the 35th anniversary of the CEA, at the Paseo Gallery. Solo exhibition at La Puerta de San Juan Gallery. That same year he joined Pedro Peralta's engraving workshop, and was also selected for the III National Salon of Uruguayan Engraving, obtaining a Special Mention.
In 2007 he joined the engraving workshop directed by Gabriel Lema. He obtained an Honorable Mention in the Annual Maritime Painting Salon of the Naval Club and was selected in the contest "Convivencia de los Pueblos", organized by the Monte Scopus Branch of B'nai B'rith. He participated with Gabriel Lema in the creation of 12 engravings for the awards of the Rally of the 8th International Week of the Sport and Classic Automobile of Punta del Este.

Miguel Scaltritti trabajando en su estudio / at work in his Studio

In 2008 he entered Pilar González's "Expresión por la Plástica" workshop, and obtained Honorable Mention in the Annual Maritime Painting Salon of the Naval Club.
In 2010 and 2011, respectively, he participated in the first and second Hayter technique workshop directed by Rimer Cardillo and Claudia Anselmi. In 2010 he joined Claudia Anselmi's engraving workshop. He participated in the XIV Biennial of Graphic Miniatures Luisa Palacios, Venezuela, and in a collective work of Pilar Gonzalez's workshop for the celebration of Heritage Day in memory of Florencio Sanchez.
In 2011 she participated in a collective work of Claudia Anselmi's workshop for the intervention of the Nancy Bacelo Foundation. He had a solo exhibition at the Museum of Contemporary Art of El País.
Later he presented solo exhibitions at the Cultural Center of La Paloma, Rocha; Casa de la Cultura de Minas, Lavalleja; at the Sala Carlos Federico Sáez (2017 and 2023); at the Embassy of Uruguay in Buenos Aires, Argentina. He exhibited in ArteUyEnPerspectiva of Radiomundo 1170 AM on two occasions, and also graphic work in Galería Quarentena (virtual gallery, 2021). 
In 2022 he exhibited two-dimensional wooden works and sculptures in Aguada Park and received special mention in the contest of caricatures and vignettes of Bodega Bouza, work exhibited in their vineyards, on the road to Punta del Este.
He has published work in the magazine Cultura Amsterdam Sur (Amsterdam).
He was awarded in the 5th Isusa Contest.
His works are part of private collections in Argentina, Brazil, Spain, United States, Canada and Uruguay.



Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: What is your first memory linked to art? At what point in your life did you discover that art was your path?
Miguel Scaltritti: There are many memories, but one in particular was drawing on the oilcloth of the kitchen table at nap time a chase of Indians and soldiers that started on one side, continued on the headboard and ended with a huge scolding in the middle of the other side. I discovered that black pen on oilcloth is a pleasurable medium.

SR: What experiences have shaped your career?
MS: In this foray into the visual arts, at the end of the first year in the workshop of Nelson Ramos, I had to take a break for family reasons. I had a conversation with him explaining and it was in that dialogue, clarifying my reasons, that it became clear to me that this was my path, which I have been following for twenty years now.



SR: Was there anyone in your family who inspired you towards what you create today?
MS: Not directly. Generationally, the idea of going into the arts automatically generated the question: "And how are you going to make a living?" It was an education that strictly adhered to family dictates, and it can be seen in countless cases that, fortunately, nowadays things seem to have changed. In my case, my godmother's husband, a sensitive person close to art, always encouraged me not to let that flame go out and I can say that he was my first mentor.

SR: Do you plan your ideas before getting down to work, or does inspiration come to you as you work?
MS: Planning always exists, but I think ideas come first. My teacher, Pilar Gonzalez, gave her students a manifesto on making and thinking art, from which I'd like to highlight a very important detail: our eyes are attentive to what surrounds us because we are surrounded by stimuli that later become ideas, which later become works. Those stimuli, some conscious and others unconscious, are, at least in my case, the generators that feed and motivate my work. With [Nelson] Ramos we talk a lot about what the work asks for and that exercise is fascinating, the dialogue between the maker and what is born, where improvisation plays a very important role and at the same time, in my case, fundamental. 



SR: Are you satisfied with what you want to transmit through art?
MS: Absolutely. I believe that the world and life are neither good nor bad, it's the path we have to take and that's the way we have to accept it. Between those limits, through art, I allow myself to create that world I like, the one I imagine, where the balance I recreate makes me feel good and manifests itself without any other pretension.

SR: What references marked your formation?
MS: There are many references depending on the stage of my life. Starting with the cartoonists, such as Harold Foster, the Argentines Lucho Olivera or Salinas, and Hergé, creator of Tin Tin, whom I followed with great interest. Also the American advertising drawings of the 50s, 60s and 70s. In the classics: Rembrandt, Goya, Leonardo and Michelangelo. Once I entered the world of the formal workshop, which opened an unfathomable portal for me, I understood little by little the difference between virtuosity and art itself, I became interested in and got to know different currents, feeling inspired by the need to transcend the plane, such as [Nelson] Ramos, [Washington] Barcala and [Gonzalo] Fonseca.



SR: Do you identify different artistic stages in your artistic evolution?
MS: Of course I do. The evolution of my work and the path I follow mark different stages, and I could say that the common factor among them is the permanent search for my identity. Everything in this world is invented and we can hardly give our works that personal stamp that differentiates them from others. Reaching this conclusion requires constantly listening to that inner voice of honesty, of courage to dare to leave the comfort zone, to experiment in a full exercise of freedom and it is in this journey that the different stages of an artist go through. In my case it was the passage through drawing, engraving, small forms with wood, collages and the intention of intermingling them in the future.

SR: You work on paper and fiber, as well as digital engraving, but lately you have been working on wood. How did you find this language?
MS: The fascination for wood comes primarily from the senses: touch, smell, sight and I would even say from the heat. With all these sensations it is impossible for me not to live and work with it. As the master Díaz Valdéz would say, "wood gives us the opportunity to submit it or accept it as the case may be". It is from a bag of offcuts, destined to be stove wood, that I began to select woods that, because of their condition, did not deserve to be burned. It is from there that I began to combine them in shapes and sizes, thus emerging compositions in natural material. Over time I began to give them color and include in the compositions works in the backgrounds. I make sure that they are discarded wood, pieces destined to be discarded, and that condition allows me to give them new uses, which in this case are intended to be artistic works.



SR: Do you usually treat the woods a lot so that they become part of your work, or do you try to modify them as little as possible, just as they come into your hands?
MS: Both. In that collection of materials I find some that don't need any intervention. Some barely deserve some adjustment to the measurements that the work needs and others do, which I work on meticulously, almost obsessively.

SR: What emotions flow within you as you bring the pieces of wood to life?
MS: I would say that the first emotion that arises is joy. I try to make them musical and harmonic, because most of them are accompanied in their factory by jazz tunes, ballads and the occasional tango. When the moment of the final point arrives -a difficult moment- we go to the stage of contemplation, after the judgment, and if this is approving, satisfaction appears and the feeling that what was done was worthwhile.



SR: How do you usually work? Are you orderly or does chaos reign in your studio? Do you consider yourself an artist with rules?
MS: From back to front, more than rules I consider myself a methodical person. My day starts very early, before dawn, depending on the season in the dark or with the dawn around five in the morning. I enjoy receiving the day and it is from that hour that I dedicate the morning to develop the creative works leaving for the afternoon the routine and handmade ones. With respect to order I can say that I work in an orderly disorder, especially when I take care of the wood, selecting, exchanging or discarding it, but when I get to the point where the work table starts to be chaotic, I need to clean and tidy up and then resume the work. It is a constant back and forth in the search for the internal balance that I intend to reflect in the works.

SR: How long does it take you to make the larger pieces?
MS: Time is relative. There are pieces that take months and others come out in a short time. The drawings, being more spontaneous, come out several in a morning. It's different with the wood, because assembling them, gluing them and, if necessary, coloring them, takes time. These are works that I sometimes do simultaneously, so a medium-sized work can take a week or a week and a half. Although I am not really concerned about the time it takes.



SR: How do you decide to bring a project to a close?
MS: When the project asks me to. Sometimes finishing a job is simple and obvious. There are other cases in which I am not able to see that end clearly and that's when I prefer to let a work rest and take it up again in time to feel if it needs something else or if it's ready. Human beings have the natural capacity to tangle things up and that is where we make the mistake of making one move too many. I practice the aphorism "the good thing, if brief, is twice as good".

SR: What are your projects focused on and what challenges have you set for yourself?
MS: The world is very big and there is room for everyone. I believe that the main function of an artist is to sensitize his fellow man who, in this case, is the spectator, and for that there are an infinite number of ways and themes. As far as I am concerned, I only intend to recreate those worlds that, without further explanation, emerge from the graphic or from the two-dimensional composition, trying that chaos and order are in them, that the challenge always results in a balance. This is in my essence as a person in life and therefore I intend to see it reflected in my work.



SR: Do you have any anecdote to share that would enrich us in relation to art?
MS: I can't think of anything to tell anyone who wants to listen; travel the sensitive paths of the arts, practicing or contemplating them. A satisfied spirit needs little else.


"To play is to do something with joy, in order to entertain oneself, have fun or develop certain skills. I dare to suggest that, doing so in this, my adult stage of life, is both serious and challenging. Serious because this doing carries with it honesty, respect and dedication. Challenging because when the work done is put to the consideration of the spectator, we undress in front of them.
There are those who are unveiled by the technique and the materials used, making them an end in itself, forgetting the most important thing, something to say, to capture the attention of the observer.
The purpose of these works in wood is to reflect the taste for the material, model it, assemble it and enjoy what emerges without previous plans.
Some compositions are simple, others more complex, some in white, others in black, some natural, others colored, trying to create a chaotic and ordered world at the same time. It is my world that travels between these extremes and, as a dear friend says, trying to maintain a fine balance. Without further ado, I invite you to come in and see". Miguel Scaltritti

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Sobre los artistas mencionados / About mentioned artists:

Gabriel Lema: facebook, MNAV
Claudia Anselmi: Website, Wikipedia
Harold FosterWikipedia
Ricardo Luis "Lucho" Olivera: Wikipedia

Hergé (Georges Prosper Remi): Wikipedia
Francisco de Goya[Todos los enlaces / All links] 
Miguel Ángel / Michelangelo Buonarroti[Todos los enlaces / All links]

Washington Barcala[Recolección (CXLVI-2)]
Gonzalo Fonseca[Uruguayos (IX)]
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Miguel Scaltritti en "El Hurgador" / in this blog[Libros de artista (V)]

Más sobre / More about Miguel Scaltritti:  Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Miguel!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Miguel)
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR), Especializada en libros de artista (Facultad de Humanidades y Ciencias, Uruguay), Periodista cultural (España) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), Specialized in Artists' Books (Faculty of Humanities and Sciences, Uruguay), Cultural Journalist (Spain), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Libros de artista / Artist's Books (XVII) - Carla Di Pardo, Hélène Derkx

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Nuevo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

New article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Carla Di Pardo
(Termoli, Campobasso, Molise, Italia / Italy, 1968-)

Carla Di Pardo. Foto / Photo: Rosella De Rosa

Carla Di Pardo nació en 1968 en Termoli, Provincia de Campobasso, región del Molise, Italia, donde vive y trabaja,
Es escenógrafa y vestuarista, habiéndose graduado en la Academia de Bellas Artes de Roma en 1991. Fue alumna de renombrados artistas del panorama internacional de los años 60 a los 90, tales como Frasca, Angiolillo, Castelli, Vergoz, Scalco y Fizio. Es profesora de Arte en MIUR y experimenta con diversas técnicas y materiales. Está comprometida artísticamente con una continua evolución y sucesión de experiencias. A Carla no le gusta definirse como "artista", sobre todo porque no desea ser encorsetada en ningún lenguaje. No siente que su obra es encuadre dentro de arte específico, sino al "arte como esencia de la percepción de sí mismo y del otro, a través de las múltiples expresiones de la pura investigación y experimentación, un arte informal, alejado de lo figurativo, pero también de la abstracción. Formas, colores y materiales se entrelazan, aparentemente sin significado; el observador es libre de percibir y experimentar emociones, sin sugerencias y sin ser dirigido por un camino forzado".

El arte es su alimento. Le encanta definirse como una "artista/creadora" donde ambas cosas se entrelazan y fusionan, nunca se separan. Abarca desde el teatro, ocupándose de la escenografía y el vestuario, a la pintura y la escultura, y es también decoradora e interiorista. Se dedica principalmente a la docencia, poniendo al servicio de los estudiantes en las escuelas sus treinta años de experiencia artística, dedicándose primero a los Liceos Artísticos de Moda, Pictórica, Escenografía y Vestuario, luego a la sección de Arquitectura de Interiores, y actualmente enseña Arte e Imagen. Su pasión: "Aprender a hacer - hacer para aprender". Sus profesores, Bruno Munari y Maria Lai.
Desde siempre se ha sentido perteneciente a ese mundo, desconocido e incomprensible para muchos. A sus trece años ingresó en la Escuela de Arte en la especialidad en Arquitectura y Diseño de Mobiliario, graduándose en 1986. Más adelante, en 1994, la Institución se convirtió en una Asociación artística y cultural que actúa en la región desde hace diez años, contando con más de 60 socios cotizantes. Al mismo tiempo que continuaba sus estudios, se especializó en moda de vestuario, obteniendo un segundo diploma en 2008. Continuando su ciclo de estudios y su "deformación" profesional, cursó tres Maestrías Universitarias y diversos cursos de especialización.

Libro de artista
"Assenza di parole - Il valore delle parole /
Ausencia de palabras - El valor de las palabras"


La singular obra consta de dos libros. El de mayor tamaño con forma de caja mide 35 x 23 x 5 cm. Contiene el libro pequeño completamente en blanco ("Ausencia de palabras"). Este segundo libro está atado por una larga cuerda que no permite mirar dentro. El hecho de que en su interior haya un libro con páginas en blanco, que nadie puede ver, sigue siendo un misterio.

Técnica mixta: tejido de lino crudo, tejido cepillado, madera, yeso y acrílico blanco, un blanco total adornado con pan de oro que le devuelve su preciosidad.
El segundo libro, más pequeño, tiene páginas abiertas intercaladas con tela cepillada que, a través de su transparencia, deja entrever las letras que, leídas sucesivamente, escriben la frase: EL VALOR DE LAS PALABRAS. Medidas: 20 x 20 cm. Técnica mixta: trapos, gasas, yeso, madera, lienzo, pan de oro. La obra nos hace reflexionar sobre los silencios (Ausencia de palabras) y al mismo tiempo sobre el "valor de las palabras"



Carla se inspira en la observación, el descubrimiento, la experimentación y sobre todo los detalles, hasta los más escondidos e insignificantes, donde nadie mira, más allá de las cosas. Apasionada por los mercados vintage, los libros, la recuperación y el reciclaje, transforma objetos dándoles alma, una nueva identidad cada vez a través del uso y la reutilización, que varía ampliamente. Es una artista multifacética, intrigada por las performances y las instalaciones, las obras efímeras, las que dejan espacio para la reflexión y la interpretación personal del observador. Una pasión incontenible por los libros, pero también por la moda y la estética. "El vestuario y la moda, así como los libros, son la respuesta a los cambios de la sociedad y representan un escenario de la ficción en la realidad y la realidad en la ficción, en un continuo intercambio de roles, que se esconde en los personajes".

A través del estudio de objetos, de trajes, de vestidos, de la relectura de libros, es posible percibir un mundo, la investigación de tejidos, texturas y decoraciones, de papeles, la escritura como historia, pero también como signo, papeles singulares que desarrolla en soledad y libros de artista. Reúne, crea, devuelve vida a cosas olvidadas. Tiene un pensamiento altamente creativo, que abarca un universo sin límites.

Ha estado involucrada en diversas exposiciones colectivas. En los últimos ocho años ha realizado muestras en lugares de interés histórico y artístico. Ha participado de diversos eventos vinculados a las Jornadas de otoño y primavera de la FAI. Recientemente ha participado en el Congreso Internacional Exposición del Libro de Artista en Noto, Sicilia. Se ha seleccionado una de sus obras para la exposición colectiva del Libro de Artista en Milán y en primavera en Ancona. Lo mismo ocurre con el Mail Art. También participa de una exposición en el Castillo de Roccascalegna, Abruzzo, una de las mansiones más bellas de Italia.



Carla Di Pardo was born in 1968 in Termoli, Province of Campobasso, Molise region, Italy, where she lives and works,
She is a set designer and costume designer, having graduated from the Academy of Fine Arts in Rome in 1991. She was a student of renowned artists of the international scene from the 60's to the 90's, such as Frasca, Angiolillo, Castelli, Vergoz, Scalco, and Fizio. She teaches art at MIUR and experiments with various techniques and materials. She is artistically committed to a continuous evolution and succession of experiences. Carla does not like to define herself as an "artist", especially because she does not want to be confined to any language. She does not feel that her work is framed within specific art, but to "art as the essence of the perception of oneself and the other, through the multiple expressions of pure research and experimentation, an informal art, far from figurative, but also from abstraction. Forms, material and colors intertwine, apparently without meaning; the observer is free to perceive and experience emotions, without suggestions and without being directed by a forced path".

Art is her nourishment. She loves to define herself as an "artist/creator" where both things intertwine and merge, never separate. She covers from theater, taking care of scenography and costumes, to painting and sculpture, and she is also a decorator and interior designer. She is mainly dedicated to teaching, putting her thirty years of artistic experience at the service of students in schools, dedicating herself first to the Artistic Lyceums of Fashion, Pictorial, Scenography and Costumes, then to the section of Interior Architecture, and currently teaches Art and Image. Her passion: "Learning to do - doing to learn". Her teachers, Bruno Munari and Maria Lai.
She has always felt she belonged to this world, unknown and incomprehensible to many. At the age of thirteen he entered the School of Art, specializing in Architecture and Furniture Design, graduating in 1986. Later, in 1994, the Institution became an artistic and cultural Association that has been active in the region for ten years, with more than 60 contributing members. While continuing her studies, she specialized in costume fashion, obtaining a second diploma in 2008. Continuing her studies and her professional "deformation", she attended three University Master's Degrees and several specialization courses.

Artist's Book
"Assenza di parole - Il valore delle parole /
Absence of Words - The value of Words"


The unique work consists of two books. The larger box-shaped one measures 35 x 23 x 5 cm. It contains the small book completely blank ("Absence of words"). This second book is tied by a long rope that does not allow to look inside. The fact that inside there is a book with blank pages, which no one can see, remains a mystery.

Mixed technique: raw linen fabric, brushed fabric, wood, plaster and white acrylic, a total white adorned with gold leaf that restores its preciousness.
The second book, smaller, has open pages interspersed with brushed fabric that, through its transparency, reveals the letters that, read successively, write the phrase: THE VALUE OF WORDS. Size: 20 x 20 cm. Mixed media: rags, gauze, plaster, wood, canvas, gold leaf. The work makes us reflect on the silences (absence of words) and at the same time on the "value of words".




Carla is inspired by observation, discovery, experimentation and above all the details, even the most hidden and insignificant, where no one looks, beyond things. Passionate about vintage markets, books, recovery and recycling, she transforms objects giving them soul, a new identity each time through use and reuse, which varies widely. She is a multifaceted artist, intrigued by performances and installations, ephemeral works, those that leave room for reflection and personal interpretation of the observer. An irrepressible passion for books, but also for fashion and aesthetics. "Costume and fashion, as well as books, are the response to changes in society and represent a scenario of fiction in reality and reality in fiction, in a continuous exchange of roles, which is hidden in the characters."

Through the study of objects, costumes, dresses, the re-reading of books, it is possible to perceive a world, the research of fabrics, textures and decorations, of papers, writing as a story, but also as a sign, singular papers that she develops in solitude and artist's books. She gathers, creates, brings forgotten things back to life. She has a highly creative thinking, which encompasses a universe without limits.

She has been involved in several group exhibitions. In the last eight years she has held exhibitions in places of historical and artistic interest. She has participated in several events linked to the FAI's Autumn and Spring Conferences. She has recently participated in the International Congress and Exhibition of the Artist's Book in Noto, Sicily. One of his works has been selected for the collective exhibition of the Artist's Book in Milan and in spring in Ancona. The same happens with the Mail Art. He also participates in an exhibition at the Castle of Roccascalegna, Abruzzo, one of the most beautiful mansions in Italy.




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Hélène Derkx van Overveld
(Rotterdam, Nederland / Róterdam, Países Bajos / Netherlands)
en / at Steenwijk, Overijssel

Con intrincadas puntadas en la tela y un susurro suave de la aguja, nos sumergimos en el fascinante mundo de Hélène Derkx, una talentosa creadora francesa que ha elevado el arte textil con delicadeza añadiendo recortes de papel. Con hilo y aguja aborda narrativas visuales de sus poemas que van más allá de la superficie, explorando la riqueza de las emociones y la memoria a través de sus creaciones.
En la obra de Hélène Derkx, el hilo y la aguja no son simplemente herramientas, sino también medios para enviar un mensaje. Con sus puntadas cuenta una historia, y las texturas creadas son un lenguaje táctil que invita a los observadores a sentir y experimentar la obra de una manera única. Es un diálogo entre lo visual y lo táctil, donde las sutilezas de la textura refuerzan la riqueza emocional de sus libros de artista. Shirley Rebuffo

Hélène Derkx

Hélène Derkx nació en Rotterdam, Países Bajos y vive en la actualidad en Steenwijk, Provincia de Overijssel.
A Hélène le encanta compartir su trabajo y sus historias. Y hay muchas historias. No se limita a una metodología, no tiene miedo de experimentar. Buscar, aprender y variar son sus métodos, los que contribuyen a contar la historia que desea transmitir. Produce obras de arte complejas que se basan en meticulosas elecciones de material, color, técnica y composición.
El hilo conductor de sus obras son los textiles y costuras. Altera los tejidos manipulándolos con calor, usando técnicas de estampación propia que ella denomina "filismo", y que implica la pintura con acuarela. Pinta o dibuja sobre un trozo de lino y luego lo trabaja con mucho hilo para lograr un efecto casi tridimensional a partir de un planteamiento de base bidimensional. Sus elecciones de color dejan claro que tiene una visión feliz y optimista de la vida. Le gusta utilizar textiles con un pasado, con una historia. Busca irradiar vitalidad y dinamismo, por ejemplo, en sus libros de artista, que ella llama "pergaminos narrativos". Su versatilidad resulta sumamente atractiva.
Se formó como profesora de artes visuales (historia del arte, artesanía y dibujo). Posteriormente añadió el título de especialista en publicidad. En principio no se mostró entusiasta cuando le pidieron que enseñara textiles durante unas horas (una materia nueva en ese momento). Aunque Hélène confeccionaba su propia ropa, no tenía ningún interés por los textiles. Luego todo cambió cuando descubrió las muchas posibilidades que ofrecían y lo que podía jugar con los hilos y la aguja.
Su inspiración proviene de todas partes: de la actualidad, la naturaleza, la poesía, la música, sus viajes y la vida cotidiana.

"Esperanza / Hope"
Un libro en una caja basado en un poema sobre la esperanza. La gente necesita esperanza hoy en día /
A book in a box based on a poem, a poem  about  hope. People today needs hope.

El libro está realizado en algodón, pintado con bolsitas de té. El dibujo está hecho con tiza e hilo, y las pequeñas figuras son de papel tejido hecho por mí misma. El libro mide 13 x 75 x 4 cm. La caja 17 x 12 x 4 cm.

"La esperanza es como un camino rural.
Al principio no hay camino,
pero si suficiente gente camina por él, 
el camino surge automáticamente"
Lin Yutang



"Como profesora de Historia del Arte y Artes Visuales he experimentado con todo tipo de materiales como piedra, madera, metal, barro, etc. Personalmente prefiero los textiles, las estructuras del tejido, a veces su transparencia, los colores, las técnicas. Los textiles me ofrecen muchas posibilidades, ya sean bidimensionales o tridimensionales.
Mi inspiración proviene de la historia del arte, desde la antigüedad hasta la actualidad. Me autorretrato en diferentes épocas. Como mujer egipcia, me siento a orillas del Nilo rodeada de mis propios jeroglíficos o bailo como una de las tres Gracias, las doncellas de Venus. También como la Diosa romana Aurora, la Diosa de la fertilidad que repartía flores, o como participante de una procesión que representa la entrada al cristianismo.
Sigo la historia del arte. Utilizo telas que también tienen una historia, evitando recortar el deshilachado, que enfatiza la historia de las telas." HD

The book is made of cotton, painted with teabags. The drawing is made with chalk and thread and the little figures are made of fabric paper I made myself.
The book mesures 13 x 75 x 4 cm. The box 17 x 12 x 4 cm. 

"Hope is like a countryroad
first there is no way
but when enough people walk over it 
the path arises automatically"
Lin Yutang


"La escalera de Jacob / Jacob's Ladder"

Fenómeno natural, un libro textil con pintura e hilo /
Natural phenomenon, a book in textile with paint and threads.

"Folleto sobre ramas / Booklet on Branches"

Un patrón de ramas pintadas y trabajadas con alambre. El diseño tiene el mismo patrón que las ramas reales /
A pattern of branches painted and worked with wire. The design has the same pattern as the actual branches.
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With intricate stitches on the fabric and a soft whisper of the needle, we dive into the fascinating world of Hélène Derkx, a talented French creator who has elevated textile art with delicacy by adding paper cut-outs. With thread and needle she approaches visual narratives of her poems that go beyond the surface, exploring the richness of emotions and memory through her creations.
In Hélène Derkx's work, thread and needle are not simply tools, but also means to send a message. With her stitches she tells a story, and the textures created are a tactile language that invites observers to feel and experience the work in a unique way. It is a dialogue between the visual and the tactile, where the subtleties of texture reinforce the emotional richness of her artist's books. Shirley Rebuffo

Hélène con uno de sus trabajos / with one of her works

Hélène Derkx was born in Rotterdam, The Netherlands and currently lives in Steenwijk, Province of Overijssel.
Hélène loves to share her work and her stories. And there are many stories. She does not limit herself to one methodology, she is not afraid to experiment. Searching, learning and varying are her methods, which contribute to telling the story she wants to convey. He produces complex works of art that are based on meticulous choices of material, color, technique and composition.
The common thread of her works is textiles and stitching. She alters fabrics by manipulating them with heat, using proprietary printing techniques she calls "philism", which involves painting with watercolor. She paints or draws on a piece of linen and then works it with lots of thread to achieve an almost three-dimensional effect from a two-dimensional base approach. Her color choices make it clear that she has a happy and optimistic outlook on life. She likes to use textiles with a past, with a history. She seeks to radiate vitality and dynamism, for example, in her artist's books, which she calls "narrative scrolls". Her versatility is extremely appealing.
She trained as a teacher of visual arts (art history, crafts and drawing). She later added a degree in advertising. She was not initially enthusiastic when she was asked to teach textiles for a few hours (a new subject at the time). Although Hélène made her own clothes, she had no interest in textiles. Then everything changed when she discovered the many possibilities they offered and what she could play with thread and needle.
Her inspiration comes from everywhere: from current events, nature, poetry, music, her travels and everyday life.

"Claustro / Cloister"

Papel hecho a mano y piezas de tela / Handmade paper and pieces of fabric.

"Tour de France"

Un libro textil hecho de páginas de periódicos deportivos con parches e hilos /
A textile book made from the sports page of the newspaper with patches and threads.

"El tulipán / The Tulip"

Un libro textil que cuenta la historia del tulipán desde Turquía hasta Países Bajos /
A textile book tells the story of the tulip from Turkey till The Netherlands
Telas, pintura, tiza e hilos / Fabric, paint, chalk and thread

"As an Art History and Visual Arts teacher I have experimented with all kinds of materials such as stone, wood, metal, clay, etc. Personally I prefer textiles, the structures of the fabric, sometimes its transparency, the colors, the techniques. Textiles offer me many possibilities, whether they are two-dimensional or three-dimensional.
My inspiration comes from the history of art, from antiquity to the present day. I self-portrait myself in different periods. As an Egyptian woman, I sit on the banks of the Nile surrounded by my own hieroglyphs or dance as one of the three Graces, the maidens of Venus. Also as the Roman Goddess Aurora, the fertility Goddess who distributed flowers, or as a participant in a procession representing the entrance to Christianity.
I follow the history of art. I use fabrics that also have a history, avoiding cutting out the fraying, which emphasizes the history of the fabrics."

"El paseo diario de Rembrandt / Rembrandt’s Daily Walk"

Todos los días Rembrandt caminaba por su querida Ámsterdam a lo largo de los canales con hermosas casas hasta el puerto para mirar los barcos con gente exótica a bordo y para obtener inspiración.
Every day Rembrandt walked through his beloved Amsterdam along the canals with beautiful houses to the harbor to look at the boats with exotic people on board and to get inspiration.
Papel arrugado, textil pintado con bolsitas de té, tiza y mucho hilo /
crumpled paper, textile painted with teabags, chalk and a lot of thread.


"Impresión / Impression Hundertwasser"

Un leporello (libro en acordeón) con piezas de tela manipuladas con calor /
A leporello with pieces of fabric manipulated with heat.

"Mi / My Facebook"

Retratos dibujados con hilos sobre lino y mucho texto /
Drawn portraits with thread on linen and lots of text.

Más sobre / More about Hélène Derkx: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Hélène!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hélène!)
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
 
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR), Especializada en libros de artista (Facultad de Humanidades y Ciencias, Uruguay), Periodista cultural (España) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), Specialized in Artists' Books (Faculty of Humanities and Sciences, Uruguay), Cultural Journalist (Spain), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

 

Libros de artista / Artist's Books (XVIII) - Shirley Rebuffo, Jean Fick, Andrea de Souza, Xul Solar

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Nuevo artículo de esta serie, presentada por Shirley Rebuffo, con más obras y textos que nos ayudan a profundizar sobre el concepto, ideas e historia de estos versátiles objetos de expresión artística.

New article in this series, presented by Shirley Rebuffo, with more works and texts that help us to deepen our understanding of the concept, ideas and history of these versatile objects of artistic expression.
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Shirley Nancy Rebuffo Muriguenes
(Montevideo, Uruguay)

Shirley Rebuffo, Tenerife, 2020. Foto / Photo: Esther Frías

Shirley Rebuffo nació en Montevideo, Uruguay, y es la principal (de hecho, últimamente, la única) fuente de los artículos que estamos publicando en forma de entrevistas monográficas y series temáticas. Se puede consultar su amplio currículum académico, estrechamente vinculado al mundo del arte, en el apartado dedicado a sus contribuciones al blog. En esta oportunidad, y dentro de esta serie, incorporamos su interpretación del libro de artista plasmado en dos pequeñas piezas acompañadas de su propia descripción de las obras y el proceso creativo.

Shirley Rebuffo was born in Montevideo, Uruguay, and is the main (in fact, lately, the only) source of the articles we are publishing in the form of monographic interviews and thematic series. Her extensive academic curriculum, closely linked to the art world, can be consulted in the section dedicated to her contributions to the blog. In this opportunity, and within this series, we incorporate her interpretation of the artist's book embodied in two small pieces accompanied by her own description of the works and the creative process.

"Natura, un libro en constante observación"

Pigmentos botánicos en base acuosa sobre papel Canson Montreal 300 g/m2, 77 x 21 cm., 2022

"Este pequeño libro fue realizado en la primavera de 2022 con la idea de "renaturalizar" y fundir mis dos pasiones: la botánica y el arte.
En primavera el jardín se llena de flores y hojas de variados colores. Recolecté las flores en la mañana del mismo día que hice este trabajo a fin de asegurarme su frescura. De la gran variedad de plantas elegí las más saludables y de colores vibrantes.
Coloqué cada grupo de pétalos y hojas sucesivamente en un mortero, trabajándolos con muy poca agua, y comencé a machacarlos para liberar los pigmentos. El agua se tiñó con los colores de las flores y las hojas. Colé la sustancia para así extraer las impurezas, creando así la paleta de colores. Hice pruebas y no todos los tonos logrados me satisficieron, aunque obtuve una amplia gama de colores naturales.
Como soporte utilicé papel de acuarela de 300 gr. y un pincel suave. Comencé esta pintura botánica realizando distintas manchas, procediendo como si fuesen acuarelas. Fui observando cómo se armonizaban plásticamente los tonos sobre el papel. Una vez seco por completo noté que ciertos colores habían opacado su tono natural, por lo que apliqué una segunda capa para intensificarlos en algunas zonas. 

Las formas finales las he delineado con una Pilot negra de punta 0.4.
Por la incidencia de la luz sobre los pigmentos protegí con laca al agua a fin de que perduren.
Al tener este libro un carácter esencialmente experimental, traté de ser organizada con las plantas que, después de las pruebas, elegí utilizar, y siempre que fue posible incluí el nombre científico de la planta. Las flores, inflorescencias y hojas que dieron los mejores resultados fueron: hibisco rosado y rojo (hibiscus syriacus), petunia (Petunia hybrida), ceibo (Erythrina crista–galli), rosas diversas, caléndulas (Calendula officinalis), flor de pascua (Euphorbia pulcherrima), hortensia (Hydrangea macrophylia), dimorfoteca (Osteospermum ecklonis), Santa Rita (Bougainvillea glabra), agapanto azul (Agapanthus africanus), geranio (Pelargonium zonale) y ruellia (Ruellia brittomiana).

Continúo observando el libro en forma regular para ver la reacción de cada tinte natural en el papel y su comportamiento con el paso del tiempo y las esporádicas exposiciones a la luz." Shirley Rebuffo



"Natura a book under constant observation"

Water-based botanical pigments on Canson Montreal paper 300 g/m2, 77 x 21 cm., 2022


"This little book was made in the spring of 2022 with the idea of "renaturalizing" and merging my two passions: botany and art.
In spring the garden is filled with flowers and leaves of various colors. I picked the flowers in the morning of the same day I did this work in order to ensure their freshness. From the wide variety of plants I chose the healthiest and most vibrantly colored ones.
I placed each group of petals and leaves in turn in a mortar, working them with very little water, and began to crush them to release the pigments. The water was dyed with the colors of the flowers and leaves. I strained the substance to extract the impurities, thus creating the color palette. I made tests and not all the shades achieved satisfied me, although I obtained a wide range of natural colors.
As support I used 300 gr. watercolor paper and a soft brush. I began this botanical painting by making different stains, proceeding as if they were watercolors. I observed how the tones harmonized plastically on the paper. Once completely dry I noticed that certain colors had dulled their natural tone, so I applied a second layer to intensify them in some areas. 
I outlined the final shapes with a black Pilot with 0.4 tip.
Due to the incidence of light on the pigments, I protected them with water-based lacquer so that they would last.

As this book is essentially experimental, I tried to be organized with the plants that, after testing, I chose to use, and whenever possible I included the scientific name of the plant. The flowers, inflorescences and leaves that gave the best results were: pink and red hibiscus (hibiscus syriacus), petunia (Petunia hybrida), kapok (Erythrina crista-galli), various roses, marigolds (Calendula officinalis), poinsettia (Euphorbia pulcherrima), hydrangea (Hydrangea macrophylia), dimorphotheca (Osteospermum ecklonis), bouganvillea (Bougainvillea glabra), blue agapanthus (Agapanthus africanus), geranium (Pelargonium zonale) and ruellia (Ruellia brittomiana).

I continue to observe the book on a regular basis to see the reaction of each natural dye on the paper and its behavior over time and sporadic exposure to light." Shirley Rebuffo


"Jardín / Garden"



Todas las fotos (salvo donde se indica) / All photos (except where noted): Flavio Presutti

Más sobre / More about Shirley Rebuffo: facebook
Shirley Rebuffo en "El Hurgador" / in this blog: Contribuciones / Contributions
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Jean Fick
(L'Hopital, France / Francia, 1876 - ?)


Jean Fick fue un metalúrgico francés nacido en la ciudad de L'Hopital, cerca de la frontera con Alemania, en 1876. 
Según un registro militar francés, publicado por Leyendecker Joel aquí, fue reclutado por los alemanes (presumiblemente para la guerra de 1870), antes de ser llamado para el servicio militar en el ejército francés. Fue declarado no apto para el servicio militar debido a una antigua herida en la cabeza, y una consecuente enfermedad mental.
Lo interesante de este personaje, y por lo cual nos ocupamos de él, es la existencia de un pequeño y misterioso cuaderno de notas, que fue expuesto en el American Folk Art Museum, como parte de la muestra colectiva de 2018 Vestiges & Verse: Notes from the Newfangled Epic (Vestigios y Verso: Notas de la épica moderna). Se trata de una pieza de 90 páginas, en tinta, lápiz y acuarela sobre papel, de 4 3/4 x 2 3/8 pulgadas, perteneciente a la Colección abcd/Bruno Decharme.
La práctica totalidad de la información disponible sobre el creador, la proporciona él mismo en el propio cuaderno, en el que consta el siguiente texto:
"FICK JEAN BORN 23.11.1876 – HOSPITAL – SOLDIER. 13.10.1898 – 13.9.1900 – RM 57 – WESE WAR 9.14 – 4.8.1.4.1917.7. SAINTE INJURED – INVALID FICK J MARRIAGE ABANDONED HUSBAND . MODES 29.4.1902 HOSPITAL BORN 8.9.1874. FICK ALISE 24.2.1903. MARRIED. A. 1.2.1904. JEAN. K. 22.05. MAGU. 11.6.10"
Y en la portada: "Fick Jean Ambassadeur Mondieu, N.23"



Sobre su contenido, transcribo el texto publicado en Notebook Stories:
"Como en muchas otras obras de arte outsider, parece haber una influencia religiosa, dado su título en la portada de "Ambasadeur Mondieu". Pero me pregunto si creó estas páginas deliberadamente como arte, o si se trataba de un diario en clave, con símbolos de colores anotando lo que Fick hacía cada día, o lo que sucedía a su alrededor. Una página con texto parece tener notas sobre la luna, la lluvia, árboles rotos y un jardín. Otra parece apuntar acontecimientos biográficos, como su nacimiento, las fechas de su servicio en la Primera Guerra Mundial, su matrimonio y las fechas de nacimiento de sus hijos."


Jean Fick was a French metalworker born in the town of L'Hopital, near the German border, in 1876. 
According to a French military record, published by Leyendecker Joel here, he was drafted by the Germans (presumably for the war of 1870), before being called up for military service in the French army. He was declared inapt for military service due to an old head injury, and a consequent mental illness.
What is interesting about this character, and why we are dealing with him, is the existence of a small, mysterious notebook, which was exhibited at the American Folk Art Museum, as part of the 2018 group show Vestiges & Verse: Notes from the Newfangled Epic. It is a 90-page piece in ink, pencil, and watercolor on paper, 4 3/4 x 2 3/8 inches, from the abcd/Bruno Decharme Collection.
Practically all the information available about the creator is provided by himself in the notebook itself, which contains the following text:
"FICK JEAN BORN 23.11.1876 – HOSPITAL – SOLDIER. 13.10.1898 – 13.9.1900 – RM 57 – WESE WAR 9.14 – 4.8.1.4.1917.7. SAINTE INJURED – INVALID FICK J MARRIAGE ABANDONED HUSBAND . MODES 29.4.1902 HOSPITAL BORN 8.9.1874. FICK ALISE 24.2.1903. MARRIED. A. 1.2.1904. JEAN. K. 22.05. MAGU. 11.6.10"
And on the cover: "Fick Jean Ambassadeur Mondieu, N.23"


About its content, I transcribe the text published in Notebook Stories:
"As with much other outsider art, there seems to be a religious influence given his title on the cover of “Ambasadeur Mondieu.” But I wonder if he created these pages deliberately as art, or whether it was a diary in code, with colored symbols noting what Fick did each day, or what happened around him. One page with text seems to have notes about the moon, rain, broken trees and a garden. Another seems to note biographical events, such as his birth, dates of his service in WWI, his marriage, and birth dates of his children."


Fuentes / Sources:
* "Vestigios y Verso: Notas de la épica moderna / Notes from the Newfangled Epic"
Enero / January 21, 2018 – Mayo / May 27, 2018
* Leyendecker Joel, facebook
* "El cuaderno de notas de Jean Fick / Jean Fick's Notebook", 11/2018
* "Jean Fick (1876-19??)", Álbum - Arte marginal / Outsider Art: facebook
* "El cuaderno de notas de Jean Fick / Mysterious Notebook by Jean Fick", Art is a Way
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Libros intervenidos

Según Luis Moros, en su artículo "El libro de artista y el libro intervenido. Un análisis semiótico", para el caso de los libros intervenidos, 
"se trata de tomar un libro cualquiera y trabajar sobre él, a la manera de un palimpsesto, a fin de producir un nuevo objeto, esta vez estético, cuya soberanía ha perdido toda importancia. Aquí el artista no enfrenta a la superficie blanca, lisa, hermosa del papel o el lienzo sin marcación alguna. Todo lo contrario, en este caso desterritorializa un objeto ya editado, restringiendo las fronteras que su condición le impone, para habitarlo bajo los criterios de una nueva territorialización que lo hará devenir en objeto estético". Pero de los dos ejemplos que presentamos aquí, uno de ellos contradice lo dicho por Moros ya que a veces esa intervención no "desterritorializa un objeto libro ya editado", sino que a veces le agrega valor, conservando el texto y su visualización.

Por un lado, tenemos el libro de Andrea de Souza Rocha que sí realiza un trabajo sobre él. Interviene un libro de Derecho, formando un libro que reivindica los derechos de las mujeres. Por otro, el libro de Jorge Luis Borges, intervenido por Xul Solar, haciendo de ese ejemplar un libro único de un valor inestimable, tanto en lo estético como la originalidad. Pero Moros aclara: "En cualquiera de los casos, se trata de hacer uso de una forma socialmente aceptada, para transgredirla, destruirla mediante una gimnasia creativa y transustanciarla en obra de arte". Si bien en este segundo caso no estoy acuerdo con la palabra "destruirla" ya que la intervención de Xul Solar no destruye, sino que crea significados sobre las palabras de Borges, sí comparto lo de "gimnasia creativa".

Analizando ambas obras, tenemos que el libro de de Souza Rocha, que forma parte de una instalación y que aboga por el derecho de las mujeres a vivir sin violencia de ningún tipo. Es un libro de denuncia la vergonzosa cantidad de casos de feminicidios. Aquí su condición material transforma el libro en un bloque que pasa a cumplir una función de signo, una metáfora visual que representa hechos dolorosos.
La violencia contra mujeres y niñas es una violación grave de los derechos humanos, un mal endémico de desigualdad del que hasta ahora no nos hemos podido librar, en el que la educación debe seguir haciendo su trabajo. Debe quedar claro que se seguirá luchando contra ello desde varios frentes, poniendo en evidencia las autoridades omisas y la sociedad dormida. En este caso la denuncia es a través del arte, como una manera de resignificar a las víctimas y sus familias, salvaguardar en la memoria social a las mujeres a manera de manifestación simbólica de su sangre, listando sus nombres, individualizándolas más allá de la mera estadística.

El segundo es un libro intervenido por Alejandro Xul Solar sobre textos de Jorge Luis Borges. El escritor y el pintor compartieron una amistad de 40 años.
El original se conserva en el Museo Xul Solar de la ciudad de Buenos Aires (la obra se exhibió en la muestra "Xul Solar Panactivista", en 2017).  Afortunadamente se ha impreso una edición facsimilar que no tuvo distribución comercial, sino que fue enviada en forma gratuita a bibliotecas e instituciones culturales públicas con salas de lectura. Dicha edición estuvo a cargo del Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), y colaboraciones de la Fundación Pan Klub y la Fundación internacional Jorge Luis Borges.
Hacía cuatro años que [Borges y Xul Solar] se conocían, cuando el escritor, ceerca de cumplir 30 años, publicó "El idioma de los argentinos". En la dedicatoria de uno de los ejemplares se lee: "A Juan Iraizoz, amigo de árboles y de libros, con la estima cordial de Jorge Luis Borges". A su vez el pintor ilustró con óleo la portada de ese ejemplar y con acuarelas su interior. Ese libro, no se sabe por qué, nunca llegó a las manos de su destinatario, permaneciendo en la biblioteca de Xul Solar.

"Escribo imágenes y no dejo de saber lo traicionero de esa palabra. Intuiciones y en su sentido estricto percepciones instantáneas de una verdad, la palabra me satisface, pero está usurpada por significaciones connotativas -adivinación, ocurrencia, corazonada- que la echan a perder", puede leerse en el capítulo ‘La simulación de la imagen’, ilustrado por su amigo con un gato gigante, de largos bigotes y muchos ojos, sobre el que cabalgan cuatro niños aguerridos, con espadas y una bandera argentina. Texto citado y analizado por el director del MNBA, Andrés Duprat, el día de la presentación del libro facsimilar.

El libro intervenido, continente de significaciones, se revela en éste como una transgresión que no destruye la copia industrialmente producida, sino que, a manera de guiño entre amigos, entre los miles de ejemplares existentes elige éste en concreto, lo valoriza y, a su vez, permite hacer de él otro ejemplar que puede volver a masificarse. Imagino el proceso como una matrioska.

Podría considerarse como una transferencia narcisista en la que el artista se propone trascender con la ayuda de las marcas y textos dejados por otro, aunque, como en cualquier expresión artística, no tenemos por qué atribuir una búsqueda de trascendencia por parte de los autores, ya que muchas veces se trata simplemente una pulsión que lleva al creador a expresarse por el medio que sea, sin importar el destino final de la obra o su influencia en el entorno. Como sea, si lo que entendemos por libro no es simplemente un bloque de papel arbitrario y sin destino, es porque puede ser leído y en él se ha infundido una dosis de sentido a través de, en este caso, dos lenguajes trascendentales: la escritura editada y el dibujo inédito.
Shirley Rebuffo

Andrea de Souza Rocha
(Rocha, Uruguay, 1973-)

Nacida en Rocha, Uruguay, el 18 de julio de 1973, esta artista feminista muestra un marcado interés en las temáticas vinculadas al género y los movimientos sociales, considerando al arte un motor de cambio y experiencia sensible, además de una herramienta fundamental para acompañar las diferentes reflexiones de carácter social. 
Es licenciada en comunicación, artista visual e interiorista.
Con una trayectoria internacional de más de 20 años, ha sido nombrada embajadora cultural de su Departamento (Rocha) y Artista de interés ministerial (MEC) para representar a Uruguay en Alemania (2013). Ganadora de una mención de honor en la Feria de Arte contemporáneo del Museo del Louvre (2019) y Premio a la excelencia artística en el HGGT Museum de Corea del Sur (2020) entre otros galardones en Salones de artes plásticas en Uruguay y España. 
Desde 2004 sus obras se han exhibido en salones y galerías de Uruguay, otros varios países de Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia. 
Andrea combina su actividad artística con la académica, y forma parte de colectivos artísticos catalanes de artes visuales e investigación vinculados a Bellas Artes en la Universidad de Barcelona.

Andrea De Souza Rocha trabajando en su estudio / at work in her Studio

Born in Rocha, Uruguay, on July 18, 1973, this feminist artist shows a marked interest in issues related to gender and social movements, considering art an engine of change and sensitive experience, as well as a fundamental tool to accompany the different social reflections. 
She has a degree in communication, visual artist and interior designer.
With an international career of over 20 years, she has been appointed cultural ambassador of her Department (Rocha) and Artist of Ministerial Interest (MEC) to represent Uruguay in Germany (2013). Winner of an honorable mention at the Contemporary Art Fair of the Louvre Museum (2019) and Award for Artistic Excellence at the HGGT Museum in South Korea (2020) among other awards in Salons of Plastic Arts in Uruguay and Spain. 
Since 2004 her works have been exhibited in salons and galleries in Uruguay, several other Latin American countries, the United States, Europe and Asia. 
Andrea combines her artistic activity with the academic, and is part of Catalan artistic collectives of visual arts and research linked to Fine Arts at the University of Barcelona.

"Historias privadas"

"El libro, que forma parte de una instalación, presenta una tapa en la que se lee 'Historias privadas', y al abrirlo, 'De libertad'. De él surge una larga cinta con nombres reales que al amontonarse se tornan anónimos por la cantidad y la ausencia del Estado, y esa ausencia hace mucho daño". A. de Souza Rocha

La pieza consiste en la intervención de un libro de Derecho. La tira de papel que se despliega contiene los datos de las víctimas de feminicidio registradas por el Observatorio de Género del Uruguay entre 2000 y 2021. La instalación en la que se presenta reflexiona sobre la génesis de la violencia de género a través de siete lenguajes artísticos: fotografía, ilustración, collage matérico, arte textil, instalación y poesía.



"Private Stories"

"The book, which is part of an installation, presents a cover that reads 'Private Stories,' and when opened, 'Of Freedom.' From it emerges a long ribbon with real names that when piled up become anonymous because of the quantity and the absence of the State, and that absence does a lot of damage." A. de Souza Rocha

The piece consists of the intervention of a law book. The strip of paper that unfolds contains the data of the victims of femicide registered by the Gender Observatory of Uruguay between 2000 and 2021. The installation in which it is presented reflects on the genesis of gender violence through seven artistic languages: photography, illustration, material collage, textile art, installation and poetry.


Más sobre / More about Andrea de Souza Rocha: Instagram, facebook, Youtube
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Intervened books

According to Luis Moros, in his article "Artist's Book and Intervened Book. A semiotic analysis", for the case of intervened books, 
"it is a matter of taking any book and working on it, in the manner of a palimpsest, in order to produce a new object, this time an aesthetic one, whose sovereignty has lost all importance. Here the artist does not confront the white, smooth, beautiful surface of the paper or canvas without any marking. On the contrary, in this case he deterritorializes an already edited object, restricting the borders that its condition imposes on it, to inhabit it under the criteria of a new territorialization that will make it become an aesthetic object". But of the two examples we present here, one of them contradicts what Moros said, since sometimes this intervention does not "deterritorialize an already edited book object", but sometimes it adds value to it, preserving the text and its visualization.

On the one hand, we have Andrea de Souza Rocha's book, who does work on it. She intervenes in a law book, forming a book that vindicates women's rights. On the other hand, the book by Jorge Luis Borges, intervened by Xul Solar, making that copy a unique book of inestimable value, both aesthetically and in terms of originality. But Moros clarifies: "In either case, it is a matter of making use of a socially accepted form, to transgress it, destroy it through creative gymnastics and transubstantiate it into a work of art". Although in this second case I do not agree with the word "destroy it" since Xul Solar's intervention does not destroy, but creates meanings on Borges' words, I do agree with the word "creative gymnastics".

Analyzing both works, we have de Souza Rocha's book, which is part of an installation and advocates the right of women to live without violence of any kind. It is a book that denounces the shameful number of cases of femicides. Here its material condition transforms the book into a block that becomes a sign, a visual metaphor that represents painful facts.
Violence against women and girls is a serious violation of human rights, an endemic evil of inequality from which we have so far not been able to free ourselves, and in which education must continue to do its job. It must be clear that we will continue to fight against it from several fronts, exposing the omissive authorities and the sleeping society. In this case the denunciation is through art, as a way of resignifying the victims and their families, safeguarding the women in the social memory as a symbolic manifestation of their blood, listing their names, individualizing them beyond mere statistics.

The second is a book intervened by Alejandro Xul Solar on texts by Jorge Luis Borges. The writer and the painter shared a 40-year friendship.
The original is preserved in the Xul Solar Museum in the city of Buenos Aires (the work was exhibited in the show "Xul Solar Panactivist", in 2017).  Fortunately, a facsimile edition has been printed, which was not distributed commercially, but was sent free of charge to libraries and public cultural institutions with reading rooms. Said edition was in charge of the Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA), and collaborations with the Pan Klub Foundation and the Jorge Luis Borges International Foundation.
Borges and Xul Solar] had known each other for four years when the writer, who was about to turn 30, published "El idioma de los argentinos" (The Language of the Argentines). The dedication of one of the copies reads: "To Juan Iraizoz, friend of trees and books, with the cordial esteem of Jorge Luis Borges". In turn, the painter illustrated the cover of that copy with oils and the inside with watercolors. It is not known why this book never reached the hands of its addressee, remaining in Xul Solar's library.

"I write images and I do not cease to know how treacherous that word is. Intuitions and in its strict sense instantaneous perceptions of a truth, the word satisfies me, but it is usurped by connotative meanings -adivination, occurrence, hunch- that spoil it", can be read in the chapter 'The simulation of the image', illustrated by his friend with a giant cat, with long whiskers and many eyes, on which four brave children ride, with swords and an Argentine flag. Text quoted and analyzed by the director of the MNBA, Andrés Duprat, on the day of the presentation of the facsimile book.

The intervened book, continent of meanings, is revealed in this one as a transgression that does not destroy the industrially produced copy, but, as a wink among friends, among the thousands of existing copies, it chooses this one in particular, valorizes it and, at the same time, allows to make of it another copy that can be massified again. I imagine the process as a matryoshka.

It could be considered as a narcissistic transference in which the artist intends to transcend with the help of the marks and texts left by another, although, as in any artistic expression, we do not have to attribute a search for transcendence on the part of the authors, since many times it is simply a drive that leads the creator to express himself by whatever means, regardless of the final destination of the work or its influence on the environment. In any case, if what we understand by book is not simply an arbitrary block of paper with no destination, it is because it can be read and a dose of meaning has been infused into it through, in this case, two transcendental languages: published writing and unpublished drawing.
Shirley Rebuffo

Xul Solar
Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari
(San Fernando, Buenos Aires, Argentina, 1887 - Tigre, 1963)

Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, más conocido como Xul Solar, nació en San Fernando, provincia de Buenos Aires, el 14 de diciembre de 1887, y murió en 1963.
Ya nos ocupamos un par de veces de este artista hace unos años. Ahora prestamos atención a su intervención de una obra literaria de Jorge Luis Borges.

Xul Solar

Oscar Agustín Alejandro Schulz Solari, better known as Xul Solar, was born in San Fernando, province of Buenos Aires, on December 14, 1887, and died in 1963.
We have already dealt with this artist a couple of times a few years ago. Now we turn our attention to his intervention of a literary work by Jorge Luis Borges.

Portada / Cover



Jorge Luis Borges, 1951. Foto / Photo: Grete Stern
Museo Nacional de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)

Grete Stern en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (XV)], [Recolección (LVI)]

Bocetos para "El idioma de los Argentinos" / Sketches for "The language of the Argentines"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 28,4 x 22,2 cm., c.1928
Fundación Pan Klub (Buenos Aires, Argentina)

Edición facsímil / Facsimile edition
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Más sobre / More about Xul Solar: Museo / Museum Xul Solar, Wikipedia (Español / English)

Xul Solar en "El Hurgador" / in this blog[Xul Solar, Theologis, Lu Cong, NG], [Aniversarios (XLVIII)]
Jorge Luis Borges en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:
 
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR), Especializada en libros de artista (Facultad de Humanidades y Ciencias, Uruguay), Periodista cultural (España) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Currículum académico y artístico completo aquí.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), Specialized in Artists' Books (Faculty of Humanities and Sciences, Uruguay), Cultural Journalist (Spain), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
Full academic and artistic curriculum here.

Uruguayos / Uruguayans (LXXIII-1) - Claudio Chanquet [Pintura, Dibujo, Entrevista / Painting, Drawing, Interview]

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Me ha resultado especialmente interesante la obra de Claudio Chanquet, el artista entrevistado por Shirley Rebuffo que presentamos hoy en estos dos artículos (el primero con texto en español, el segundo en inglés). He buceado con sumo deleite en su obra pictórica de los últimos años, cuyas claves radican en una mirada cruda a los personajes, que nos presenta despojados de todo artificio (en general sin mobiliario, sin referencias espaciales, sin paisaje), interactuando teatralmente, dispuestos y observados desde ángulos infrecuentes (planos cenitales, desde abajo, en escorzo), con una cuidada economía colorista y permeados por una amplia paleta expresiva en la que el artista vuelca su mundo interior y su mirada sobre la compleja sociedad en la que vivimos, estableciéndose de esta forma un diálogo emocional entre el pintor y el observador a través de las intensas interacciones y marcada gestualidad de las figuras representadas.
He seleccionado una muestra de sus dibujos y pinturas creados a lo largo de más de una década para acompañar las reflexiones de Claudio y algunos textos de crítica y análisis que nos ayudan a contextualizar el desarrollo artístico de este notable creador uruguayo.

I have found particularly interesting the work of Claudio Chanquet, the artist interviewed by Shirley Rebuffo which we present today in these two articles (the first one with text in Spanish, the second one in English). I have dived with great delight into his pictorial work of recent years, whose keys lie in a raw look at the characters, which he presents to us stripped of all artifice (generally without furniture, without spatial references, without landscape), interacting theatrically, arranged and observed from unusual angles (zenithal shots, from below, foreshortened), with a careful economy of color and permeated by a wide expressive palette in which the artist overturns his inner world and his look on the complex society in which we live, thus establishing an emotional dialogue between the painter and the observer through the intense interactions and marked gestures of the figures represented.
I have selected a set of his drawings and paintings created over more than a decade to accompany Claudio's reflections and some critical and analytical texts that help us to contextualize the artistic development of this remarkable Uruguayan creator.
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Claudio Chanquet Rodrigo
(Montevideo, Uruguay, 1963-)

Claudio Chanquet
Fotograma del video entrevista / Still of the video interview, En Perspectiva, ArteUy

Claudio Chanquet Rodrigo es un dibujante y pintor uruguayo, nacido en Montevideo en 1963.
Arquitecto desde 1991, ha sido docente de diseño y proyecto arquitectónico en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de la República (Montevideo, Uruguay) entre 1993 y 2013.
Ha participado en diversos concursos de arquitectura, diseño gráfico, dibujo y pintura en más de 30 años de actividad, obteniendo menciones y premios en diversas bienales, muestras y concursos.
Ha expuesto regularmente de forma individual y colectiva desde el año 1999. Se puede consultar su currículum expositivo en detalle al final del post.

Témpera y acrílico sobre tela / tempera and acrylic on canvas, 2023
Exposición / Exposition "PANEO", Sala Carlos F. Sáez, MTOP, Montevideo, Uruguay
Foto / Photo: Lucia Durán

La retroalimentación que existe entre la arquitectura y las artes plásticas forja un vínculo creativo que ha dado forma a ciudades, paisajes y experiencias visuales inolvidables. Ese lazo profundo y enriquecedor entre dos vías de expresión artística se manifiesta de diversas maneras, desde la influencia directa de movimientos artísticos en la arquitectura hasta la incorporación de elementos plásticos en los diseños arquitectónicos.
Esta relación se manifiesta también en la soltura de la mano, la elección de colores, texturas y formas que, dentro de un espacio arquitectónico, evoca la paleta de un pintor que da forma en la bidimensionalidad ya que también tiene, como arquitecto, la formación para que cada elemento contribuya a la creación de una obra tridimensional.
El diálogo entre la arquitectura y las artes plásticas a menudo crea una tensión imaginativa donde formas, líneas y colores coexisten en una danza visual estableciendo un terreno fértil para la innovación creativa. Esta tensión puede ser armoniosa y provocadora, desafiando las convenciones establecidas y abriendo nuevas posibilidades estéticas como sucede con la obra de Claudio Chanquet, un artista al que le concierne la influencia del observador en el diálogo artístico. Shirley Rebuffo

"Ángel moderno / Modern Angel", acrílico sobre cartón / acrylic on cardboard, 80 x 100 cm., 2022

Entrevista de Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: ¿Cuántos años hace que te dedicas al arte propiamente dicho?
Claudio Chanquet Rodrigo: Desde siempre, desde niño, he sentido el interés por el dibujo y la pintura. La práctica y la curiosidad por aprender y comprender técnicas, leer sobre la historia del arte y la vida de los pintores ha sido una actividad permanente en mí. Asimismo, paralelamente a mi actividad profesional como arquitecto, me he dedicado tanto a cultivar la práctica específica del dibujo y la pintura, como a estudiarla. Mostrar mis obras se ha dado de manera paulatina, primero pequeñas muestras, algunas colectivas, y desde hace unos veinte años exhibo en algunas galerías, publico en redes y organizo muestras un poco más ambiciosas. Además de realizar una práctica y estudio más sistemático, con objetivos y contenidos pensados con cierta planificación.

SR: ¿Tu evolución en uno u otro ámbito implicó desafíos, dejar atrás zonas de confort o fue algo que surgió en forma natural?
CCR: Implicó e implica siempre muchos desafíos. Permanentemente el dibujo y la pintura cuestionan el hacer. No solo desde el punto de vista del contenido, sino que concomitantemente, la técnica y la forma expresiva se ven interpelados. "Hacer" implica un permanente estado de afirmación y de cuestionamiento. Además de que mi formación académica crea paradigmas y "maneras", el dibujo y la pintura encarados como formas expresivas con sus propias "leyes" contradicen los saberes adquiridos en la academia, rompen esquemas aprendidos. Lo que denominamos "arte" involucra a la arquitectura, y por supuesto que muchos conceptos son compartidos con todas las manifestaciones expresivas, pero exigen ser reformulados por ser específicos. Además de que se deben adquirir otros conocimientos y una práctica concreta (las técnicas del pintar y dibujar), y obliga a "pensar" de otra manera. 

"El diablo verde / The Green Devil", técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 70 x 100 cm., 2016

"Escena urbana / Urban Scene", acrílico sobre papel kraft / acrylic on Kraft paper, 105 x 118 cm., 2021

SR: ¿Cómo definirías tu obra?
CCR: Intento que lo que hago sea un reflejo de la realidad. Un reflejo matizado por mi visión, mi sensibilidad y mi postura frente al mundo. Lo que veo de la realidad de hombres y mujeres en sociedad. Este reflejo es metafórico. Apelo por lo tanto a la sensibilidad de un observador atento y dispuesto a "leer" lo que se presenta, pretendiendo captar su atención generosa. Son imágenes exageradas, muchas veces teatrales. Son puestas en escena, donde los protagonistas fuerzan posturas y actitudes. Por lo tanto, esa realidad reflejada no es una mímesis (sería un vano intento), sino que son recreación intencionada en función del relato. Lo que sostengo siempre es que para que valga tiene que ser convincente y significativa.

SR: ¿A qué retos te has enfrentado como artista?
CCR: ¡Retos permanentes! A lo que surge de lo anterior: mejorar técnicamente. Crear nuevas escenas y metáforas. No seguir haciendo lo mismo. Ser relevante (que no es lo mismo que ser famoso). 

"Carnaval sin control / Carnival Without Control"
Técnica mixta sobre cartón / mixed media on cardboard, 50 x 70 cm., 2017

"Equilibrio... o la búqueda de un dios / Equilibrium... Or The Quest For A God"
Chalk pastel and acrylic on Kraft paper / pastel tiza y acrílico sobre papel Kraft, 100 x 100 cm., 2021

SR: Nos presentas personajes con la misma dramatis personae: son damas y caballeros particulares, hasta podríamos decir los mismos tipos humanos con una personalidad afín. ¿En qué ideas o experiencias te basas para la temática de tus obras?
CCR: Pretendo mostrar poéticamente lo que observo del mundo. Claro que toda obra habla del creador, de sus ideas y sensibilidades. Pero no hago una obra autoreferencial. Importan las miserias colectivas, los anhelos de muchos, lo que nos une y desune a tantos, las pasiones desbordadas… Pero lo que muestro son personajes actuando en escenarios que son remedos de la vida misma. Como he dicho, imágenes pretendidamente "poéticas". Puestas en escena. Dramas y comedias donde la expresividad corporal, la exageración, la acción de los cuerpos, sus actitudes, los gestos son el vehículo expresivo de las emociones humanas y de sus conflictos. Claro que muchos pasan los límites de lo "verosímil", pasan a convertirse en símbolos.

SR: De todas tus obras, ¿podrías elegir una y hablarme en profundidad de ella?
CCR: Me incomoda hablar de mis obras. Creo que la obra se hace para que los demás la "lean" y entiendan algo de lo que uno pretenciosamente quiere transmitir o de última interpreten lo que les venga en gana. La obra se debe sostener sola. Pero voy a hacer una excepción única e intentaré hablar con objetividad (es difícil) y síntesis de un cuadro.
Esta obra fue expuesta en la sala F. Sáez del Ministerio de Transporte y Obras públicas en setiembre del 2023.

Témpera y acrílico sobre tela / tempera and acrylic on canvas, 145 x 145 cm., 2023

Habla de seres, desesperados en pos de papelitos que vuelan al viento, como una quimera de lo insustancial….
Las figuras están desnudas, se muestran en su misma condición humana. No hay objetos superfluos que no sean afines al cometido expresivo de la escena. El color es asimismo un recurso subordinado al mensaje.

Témpera y acrílico sobre tela / tempera and acrylic on canvas (detalle / detail)

"Lienzo 1 / Canvas 1", acrílico / acrylic, 100 x 1700 cm., Sept. 2023.
Exposición / Exposition "PANEO", Sala Carlos F. Sáez, MTOP, Montevideo, Uruguay
Foto / Photo: Lucia Durán

"Lienzo 1 / Canvas 1" (detalle / detail)

SR: En cuanto a la realidad de tus personajes, ¿cómo percibes el color y la línea a fin de crear sus mundos?
CCR: El dibujo es estructural en estas pinturas. Y el color se subordina tanto a la escena como a la expresión general de la obra. No soy un "colorista". El color es un atributo más de la obra. Y, cuando aparece, refuerza la comprensión de la obra o tiene un significado simbólico acorde con el relato. De hecho uso pocos colores. La paleta que uso es muy limitada. Asimismo el claroscuro es relevante como recurso expresivo.

"Lienzo 1 / Canvas 1" (detalle / detail)

"Lienzo 1 / Canvas 1" (detalle / detail)

SR: ¿Nos podrías explicar el procedimiento de tus obras?
CCR: En términos generales, en la mayoría aplico el esquema: línea/claroscuro/color. Como he expresado, con un leiv motiv más o menos explícito (que puede mutar) que guía el proceso. Aunque a veces (y he hecho alguna exposición con este enfoque) he realizado obras sin bosquejos o temas previos, librando la ejecución a una improvisación controlada (en un símil con el jazz). En ocasiones es estimulante invertir los procesos. Quizás empezar por una mancha, dibujar encima y estructurar la forma en base a la incidencia de la luz. O contradecir procesos que aconsejan pensar lo general para ir a lo particular e ir al revés. Estos esquemas contradictorios sirven como experimentos. En un proceso continuo de trabajo se van generando protocolos que sirven para avanzar en discursos más sólidos. Esto es necesario, pero creo que en algún momento aparece el cuestionamiento que posibilita explorar nuevos caminos. Uso pocos materiales, básicamente acrílicos en pintura, algo de tintas y témpera algunas veces, grafitos y lápices pastel en dibujos, cartones y telas. También papel kraft. El desafío es usar pocos recursos materiales para explorar muchas posibilidades y combinaciones; y apelar a la simplicidad del lenguaje plástico sin artificios ajenos. Como "método" también recurro a plasmar previamente guiones que sirvan de sustrato conceptual los cuales se van modificando en el trascurso de la ejecución. Todo muta. 

Dibujo / Drawing

"Dancing (Zombie)", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 120 x 120 cm., 2017

SR: Cuando te enfrentas a un nuevo lienzo, ¿cuál es la principal motivación? ¿Qué es lo que te inspira?
CCR: Es un lugar común hablar de que la inspiración es fruto de la constancia y el trabajo. Y es una verdad. La inspiración viene de equivocarse muchas veces. Las ideas buenas aparecen cuando se han generado muchas ideas, la mayoría malas. Intentar interpretar el mundo, el mundo de los seres humanos y reflejarlo en imágenes significativas, es mi inspiración. Me motiva expresar en imágenes las pasiones humanas. Es un poco pretensioso, pero me lo tomo así. La vida misma es lo que me inspira. Y hay muchas cosas que pasan en el mundo. Las ideas son muchas, el desafío es recrearlas con arte. 

SR: ¿Te dedicas en exclusividad al arte o lo compaginas con la arquitectura?
CCR: Ambas actividades son mi preocupación intelectual y práctica, además de que soy un profesional y vivo de esto como un simple trabajador. Las dos actividades comparten espacios comunes en ciertos conceptos (la cultura, la expresión, el arte, etc.), pero tiene cada una sus especificidades y "objetos" diferentes.

"Escena onírica / Oneiric Scene", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 80 x 100 cm., 2017

"Casi una danza / Almost A Dance", acrílico sobre cartón / acrylic on cardboard, 50 x 80 cm., 2022

SR: ¿Qué factores marcaron que tu camino como artista debía ir por esta forma particular que tienes de realizar tus obras?
CCR: Observar el mundo y sus contradicciones. Sociedad manifiestamente violenta, cuya contracara es el amor. Y ese, creo, es el principal eje de mi obra y su expresión, aunque hay otros. Es un contrapunto entre dos manifestaciones extremas de lo humano. Mi actitud es la de ser sensible a las maneras que adquieren las pasiones e intento plasmarlo en imágenes exageradamente expresivas de manera "poética". La condición humana, tensionada por la abundancia y la miseria, la furia y el amor, el egoísmo y la solidaridad, etc., son son mis preocupaciones y los tópicos que recorren mis obras. Eso es lo que veo y no necesariamente es mi vivencia, pero me asigno la función de intentar plasmar lo que percibo y no ser indiferente. Más aún: nadie me lo pidió, pero mal o bien siento que debo expresarlo. 

"Mujer con el pelo enredado / Woman With Tangled Hair"
Acrílico sobre cartón / acrylic on cardboard, 70 x 100 cm., 2020

Dibujos / Drawings

SR: ¿Cómo fueron variando tus obras desde que te iniciaste hasta hoy?
CCR: En tantos años hubo caminos, en lo formal y en los contenidos, que han sido desechados o reconvertidos. También intento aprender todos los días para  mejorar técnicamente. Me comparo con otros mejores. He dejado de lado esquemas, prejuicios, muchos teñidos de frivolidad, que parecían rocas sólidas y hoy son polvo. Esto se debe a una permanente reflexión acerca de lo que considero debe ser el arte como manifestación de lo humano. Involucra mi postura humanista y cuestionadora de la sociedad. Y por supuesto considero la historia del arte con sentido crítico. Hay que confrontarla con el mundo que en el que vivimos. El arte tiene muchos planos de actuación en nuestra sociedad. Me pregunto cómo, por qué, con qué fin. Estas interrogantes ubican lo que quiero expresar y de qué manera. Relacionar el arte con la política, con la ideología, con una moral, encausa mi acción con un sentido y modela lo que hago. Y el camino que transito pretende, aún más hoy que ayer, hablar de algunos aspectos de la civilización, de lo que somos, de la sociedad con sus miserias, sus horrores y sus virtudes. Lo digo con modestia y como anhelo.
En concreto: hoy no me interesa agradar.

Dibujo / Drawing, 2022

"Juicio / Trial", grafito y esmalte sobre cartón / graffite and enamel on cardboard, 50 x 70 cm., 2015

SR: ¿Cómo influyó tu ambiente en tu interés por el arte?
CCR: Mi hogar era de clase media; se hablaba de cultura, de política. Mis padres tenían formación y eso creaba un ambiente estimulante. Había muchos libros de arte y de literatura en general. Esto despertó en mí gran curiosidad e impulsó el hábito de la lectura y el estudio. Mi padre pintaba y había tenido formación artística. Era amigo de Hugo Nantes, y de niño visitábamos su taller en San José. Estas vivencias impactaron fuertemente en mi vocación.

Témpera y acrílico sobre tela / tempera and acrylic on canvas, 2023
Exposición / Exposition "PANEO", Sala Carlos F. Sáez, MTOP, Montevideo, Uruguay
Foto / Photo: Lucia Durán

"La luz blanca y la luz amarilla / The White Light and The Yellow Light", 100 x 119 cm, 2020

SR: ¿Te fuerzas a pintar aún cuando no estás inspirado?
CCR: Sí, claro. Es cierto que se debe tener hábito en la práctica para mejorar. No siempre se tienen ganas de dibujar y a veces podemos dejar de hacerlo. Y no sostengo que se deba estar permanentemente dibujando y pintando como un poseso. Se deben mirar otras expresiones para enriquecerse, el cine, el teatro, la danza, otros artistas, tener vida social, lo que sea. Lo que sostengo sí es que se debe ser disciplinado, constante y autocrítico. El relajarse en esto se paga con retrocesos o avance nulo, o lo peor: la autocomplacencia. Y sobre todo se debe mirar atentamente la vida con sensibilidad. La realidad es infinita fuente de inspiración y creatividad. La mente no tanto. No creo en el talento.

Dibujo / Drawing, 2022

SR: ¿Qué tienes pensado para el futuro?
CCR: En estos momentos estoy replanteándome conceptos y realizando, sin dejar de lado el camino que se enmarca en los principios que he expresado anteriormente, una serie de obras que sinteticen una evolución de la técnica expresiva (es mi intento) y que muestren conceptos comprometidos con la realidad en la que estamos insertos desde otros ángulos. Con lenguaje metafórico, apelando a la expresión extrema (la expresión artística exige exagerar). El conflicto debe tener expresión artística concreta, material, sobre todo significativa. Esa es la función primordial del arte como lo entiendo. Debe ser una interpelación a nuestros sentidos y a nuestro intelecto. Sabiendo mis limitaciones, donde vivo, qué puedo hacer y quien soy, la respuesta es: intentar emocionar a algunos con dibujos y pinturas.

"Entrega / Surrender", acrílico sobre cartón / acrylic on cardboard, 80 x 100 cm., 2021

"Todo es dinámico.
Se mueven los personajes.
Creo que giran como en la divina comedia cientos de Paolos y Francescas, a veces eróticos, a veces desamparados, a veces con irónicas risotadas, a veces faltando el respeto y lacónicos como la mirada perdida de Toulouse Lautrec, luego de su última copa con la mano prendida el vaso aún...
Es un brillante desafío no cartesiano que pulsea con tu formación académica".
Alejandro Falkenstein, arquitecto, profesor

"La mirada de los otros / The Gaze Of Others", técnica mixta / mixed media, 70 x 100 cm., 2016

"Baile público / Public Dance", acrílico y pastel tiza / acrylic and chalk pastel, 70 x 100 cm., 2020

"No sé bien si Claudio Chanquet aprisionó a esos personajes en esas celdas de hojas rectangulares o si ellos se criaron allí adentro.
He visto que viven en un mundo sin objetos, habitado solo por ellos, por estos personajes que siempre están conspirando, tramando algo, mirando hacia el exterior, queriendo escapar. Parece que están buscando la forma de hacerlo, de salir a ese mundo exterior que desconocen, pero intuyen.  Mientras persisten en el intento de salir de allí, sus relaciones se vuelven tensas, se increpan con dedos acusadores, se reprochan, muchas veces discuten crispados y vociferan entre ellos, se aman descontroladamente y se violentan. otras veces se sorprenden y se asustan o yacen desganados, como si se hubieran olvidado de todo y estuvieran empezando de nuevo. Miran hacia el exterior, extrañados, seguros de que alguien los está observando.
Cuando el espectador los mira desde lejos, parecen tener colores concretos, definidos, pero al mirarlos desde más cerca nos damos cuenta de que su color está hecho de muchos colores, de muchos trazos, de pinceladas en tensión y contraste, que continúan la dinámica de vida de los personajes, enfrentándose, discutiendo, tramando conspiraciones.
Es imposible observarlos sin sentir los gritos, los ruidos apagados que surgen de ese mundo y se filtran al exterior, murmullos al oído, vociferaciones, exclamaciones, largas conversaciones se van mezclando y generan un ruido constante, dispar y algunas veces ensordecedor.
A pesar de ese movimiento y caos aparente, resultan estéticamente muy agradables de contemplar.
Mis felicitaciones Claudio, tremenda obra, imposible aburrirse mirando estas pinturas, parecen cambiar cada día.
Pablo Pucheu, director de Cultura, Intendencia de San José de Mayo, 2021.

"Auditoría / Audit", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 100 cm., 2019

"Batería de murga / Murga Drums"
Grafito y esmalte sobre papel Canson / graffite and enamel on Canson paper, 2010

"Prácticamente despojadas de referencias con el entorno, las figuras de Claudio Chanquet levitan suspendidas, resultado de una distorsión a la que el artista apuesta, exagerando sus contornos en exasperadas contorsiones captadas desde infrecuentes puntos de vista.
El resultado despierta la imaginación, escarba en la sensibilidad y se carga de significados, trasmitiendo angustia, ansiedad, deseo, soledad, melancolía… todo un abanico de tonalidades emocionales que exacerba ese verdadero dramatis personae que se desplaza ante la mirada del observador.
A trazos de dibujo con una paleta cromática baja, terrosa, de ocres y grises con sutiles notas vibrantes, se delinea esa galería de sujetos, que, cortados sus referentes contextuales, agonizan en un mundo de incomunicación, librados a los impulsos de su libido, debatiéndose entre las pulsiones de Eros y Thanatos.
Las obras expuestas pueden generar reminiscencias o tentar paralelismos, pero la fluidez, los desbordes, la levedad y liquidez que emanan las deja inequívocamente plantadas en la fase actual de la modernidad."
Alicia Cambra, arquitecta. Exposición Fundación Verde, julio 2022.

"Día muy apacible de playa / A Very Peaceful Day at the Beach"
Acrílico sobre cartón / acrylic on cardboard, 80 x 100 cm., 2021

Dibujo / Drawing, 2022

"La obra de Claudio inquieta y atrapa.
Personajes intensos interactuando en su mundo. Parecen disfrutar y burlarse de la vida. 
Saltimbanquis modernos, llenos de deseo y desparpajo.
Las luces y sombras del ser humano en una cruda representación, donde el movimiento, el sentimiento y la acción dominan la satírica escena de interacción humana. 
Personalidades "sin caretas", el drama presente, potentes carnales desnudos, despiertan los sentidos del espectador conectando con la cuestionada realidad del ser humano en su máxima expresión."
Serrana Ferrés, artista plástica

El artista frente al lienzo en blanco / The artist in front of the blank canvas

Más sobre Claudio Chanquet Rodrigo: Website, Instagram, facebook
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Exposiciones
Exposición colectiva, COFAC (institución financiera), 1999.
Exposición colectiva Centro Comunal Zonal Nº7, Intendencia de Montevideo, 2014.
Exposición individual en "Margat", espacio Serratosa, 25 de Mayo 747, Ciudad Vieja de Montevideo. 14 de abril a 10 de mayo de 2016.
Exposición colectiva "Arte por América", fundación América Solidaria. Hotel Cottage, Carrasco, Montevideo. 16 de junio de 2016.
Exposición colectiva "vivir con él". Mes de lucha contra el cáncer de mama. World Trede Center de Montevideo. 4 de octubre de 2016.
Exposición individual en centro cultural "Hugo Nantes", de la ciudad de San José de Mayo, Intendencia de San José, Uruguay. agosto de 2021.
Exposición individual en centro cultural Ciudad del Plata, departamento de San José. noviembre de 2021.​
Exposición individual en Casa de la cultura Ciudad de Libertad, mayo de 2022.
Exposición individual en Fundación Verde (Fundación Fucac), Montevideo, julio de 2022.
Exposición colectiva Victoria Plaza Office Tower, piso 16. Curaduría: Roxana Pallotta #arteuyenperspectiva. Montevideo 16 de set. 2022.
Exposición individual, Foyer teatro del Notariado. Curaduría: Alicia Cambra. Montevideo, 12 de abril 2023.
Exposición individual, Sala Carlos F. Sáez Ministerio de Transporte y Obras Públicas. Curaduría: Alejandro Falkenstein. Montevideo, 18 de agosto 2023.

Exposición individual, Fundación Verde (Fundación Fucac) /
Solo Exhibition, Green Foundation (FUCAC Foundation)
Montevideo, Jul. 2022

Exposiciones permanentes

Montevideo, Uruguay: "Acatrás del Mercado" Galery, Calle Yacaré 1595, Ciudad Vieja, Montevideo, Uruguay. acatras@adinet.com.uy
José Ignacio, Punta del Este: Galería "Los caracoles".
Buenos Aires, Argentina:​ Galería "Thames", Calle Thames 1776. galeriathames@yahoo.com.ar

Su obra está presente en diversas colecciones a nivel nacional e internacional.

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Claudio!)

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas y prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR), Especializada en libros de artista (Facultad de Humanidades y Ciencias, Uruguay), Periodista cultural (España) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.
Currículum académico y artístico completo aquí.

Uruguayos / Uruguayans (LXXIII-2) - Claudio Chanquet [Pintura, Dibujo, Entrevista / Painting, Drawing, Interview]

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Me ha resultado especialmente interesante la obra de Claudio Chanquet, el artista entrevistado por Shirley Rebuffo que presentamos hoy en estos dos artículos (el primero con texto en español, este segundo en inglés). He buceado con sumo deleite en su obra pictórica de los últimos años, cuyas claves radican en una mirada cruda a los personajes, que nos presenta despojados de todo artificio (en general sin mobiliario, sin referencias espaciales, sin paisaje), interactuando teatralmente, dispuestos y observados desde ángulos infrecuentes (planos cenitales, desde abajo, en escorzo), con una cuidada economía colorista y permeados por una amplia paleta expresiva en la que el artista vuelca su mundo interior y su mirada sobre la compleja sociedad en la que vivimos, estableciéndose de esta forma un diálogo emocional entre el pintor y el observador a través de las intensas interacciones y marcada gestualidad de las figuras representadas.
He seleccionado una muestra de sus dibujos y pinturas creados a lo largo de más de una década para acompañar las reflexiones de Claudio y algunos textos de crítica y análisis que nos ayudan a contextualizar el desarrollo artístico de este notable creador uruguayo.

I have found particularly interesting the work of Claudio Chanquet, the artist interviewed by Shirley Rebuffo which we present today in these two articles (the first one with text in Spanish, the second one in English). I have dived with great delight into his pictorial work of recent years, whose keys lie in a raw look at the characters, which he presents to us stripped of all artifice (generally without furniture, without spatial references, without landscape), interacting theatrically, arranged and observed from unusual angles (zenithal shots, from below, foreshortened), with a careful economy of color and permeated by a wide expressive palette in which the artist overturns his inner world and his look on the complex society in which we live, thus establishing an emotional dialogue between the painter and the observer through the intense interactions and marked gestures of the figures represented.
I have selected a set of his drawings and paintings created over more than a decade to accompany Claudio's reflections and some critical and analytical texts that help us to contextualize the artistic development of this remarkable Uruguayan creator.
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Claudio Chanquet Rodrigo
(Montevideo, Uruguay, 1963-)

Claudio Chanquet,Casa de la Cultura, 2022. Foto / Photo: La Semana 

Claudio Chanquet Rodrigo is a Uruguayan draftsman and painter, born in Montevideo in 1963.
An architect since 1991, he has been teaching design and architectural project at the Faculty of Architecture of the University of the Republic (Montevideo, Uruguay) between 1993 and 2013.
He has participated in various architecture, graphic design, drawing and painting competitions in more than 30 years of activity, obtaining mentions and awards in various biennials, exhibitions and competitions.
He has regularly exhibited individually and collectively since 1999. You can consult his exhibition curriculum in detail at the end of this post.

"Tensiones Varias / Various Tensions", técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 120 x 150 cm., 2016

The feedback that exists between architecture and the visual arts forges a creative bond that has shaped unforgettable cities, landscapes and visual experiences. This deep and enriching bond between two avenues of artistic expression manifests itself in a variety of ways, from the direct influence of artistic movements on architecture to the incorporation of plastic elements in architectural designs.
This relationship is also manifested in the looseness of the hand, the choice of colors, textures and shapes that, within an architectural space, evokes the palette of a painter who gives form in two-dimensionality since he also has, as an architect, the training for each element to contribute to the creation of a three-dimensional work.
The dialogue between architecture and the visual arts often creates an imaginative tension where shapes, lines and colors coexist in a visual dance establishing a fertile ground for creative innovation. This tension can be harmonious and provocative, challenging established conventions and opening up new aesthetic possibilities as is the case with the work of Claudio Chanquet, an artist who is concerned with the influence of the viewer in artistic dialogue. Shirley Rebuffo

"Mujer en éxtasis / Woman In Ecstasy", acrílico y pastel / acrylic and pastel, 100 x 115 cm., 2020

Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: How many years have you been involved in art?
Claudio Chanquet Rodrigo: I have always been interested in drawing and painting since I was a child. The practice and curiosity to learn and understand techniques, to read about the history of art and the life of painters has been a permanent activity in me. Also, parallel to my professional activity as an architect, I have dedicated myself to cultivate the specific practice of drawing and painting, as well as to study it. Showing my works has happened gradually, first small exhibitions, some collective, and for about twenty years I have been exhibiting in some galleries, I publish in networks and I organize more ambitious exhibitions. In addition to a more systematic practice and study, with objectives and contents thought out with some planning.

SR: Did your evolution in one field or another imply challenges, leaving comfort zones behind, or was it something that came naturally?
CCR: It implied and always implies many challenges. Drawing and painting permanently question what I do. Not only from the point of view of the content, but associated to this, the technique and the expressive form are questioned. "Making" implies a permanent state of affirmation and questioning. In addition to the fact that my academic training creates paradigms and "ways", drawing and painting, approached as expressive forms with their own "laws", contradict the knowledge acquired in the academy, breaking learned schemes. What we call "art" involves architecture, and of course many concepts are shared with all expressive manifestations, but they need to be reformulated because they are specific. In addition to the fact that other knowledge and a concrete practice must be acquired (the techniques of painting and drawing), it forces us to "think" in a different way.

"Pareja en un banco / Couple On A Bench"
Grafito y esmalte sobre cartón / graffite and enamel on cardboard, 50 x 70 cm., 2016

"¿Por qué murió el pájaro? / Why the bird died?"
Grafito y esmalte sobre cartón / graffite and enamel on cardboard, 50 x 70 cm., 2016

SR: How would you define your work?
CCR: I try to make what I do a reflection of reality. A reflection tinged by my vision, my sensibility and my position in front of the world. What I see of the reality of men and women in society. This reflection is metaphorical. I appeal therefore to the sensibility of an attentive observer willing to "read" what is presented, pretending to capture your generous attention. They are exaggerated images, often theatrical. They are staged, where the protagonists force postures and attitudes. Therefore, this reflected reality is not a mimesis (it would be a vain attempt), but an intentional recreation in function of the story. What I always maintain is that for it to be worthwhile it has to be convincing and meaningful.

SR: What challenges have you faced as an artist?
CCR: Ongoing challenges! To what comes from the above: to improve technically. To create new scenes and metaphors. Not to keep doing the same thing. To be relevant (which is not the same as being famous).

Témpera y acrílico sobre tela / tempera and acrylic on canvas, 2023
Exposición / Exposition "PANEO", Sala Carlos F. Sáez, MTOP, Montevideo, Uruguay
Foto / Photo: Lucia Durán

Boceto / Sketch (2020/21)

SR: You present us with characters with the same dramatis personae: they are particular ladies and gentlemen, we could even say the same human types with a similar personality. What ideas or experiences do you base the themes of your works on?
CCR: I try to show poetically what I observe of the world. Of course, every work speaks of the creator, of his ideas and sensibilities. But I do not make a self-referential work. What matters are the collective miseries, the yearnings of many, what unites and disunites so many of us, the overflowing passions... But what I show are characters acting in scenarios that are imitations of life itself. As I have said, images that are supposedly "poetic". Staging. Dramas and comedies where the corporal expressiveness, the exaggeration, the action of the bodies, their attitudes, the gestures are the expressive vehicle of human emotions and their conflicts. Of course, many of them go beyond the limits of the "plausible", they become symbols.

SR: Of all your works, could you choose one and tell me about it in depth?
CCR: It makes me uncomfortable to talk about my works. I believe that the work is made so that others "read" it and understand something of what one pretentiously wants to transmit or ultimately interpret what they want. The work should stand on its own. But I am going to make a unique exception and try to speak with objectivity (it is difficult) and synthesis of a painting.
This work was exhibited in the F. Sáez hall of the Ministry of Transportation and Public Works in September 2023.

Témpera y acrílico sobre tela / tempera and acrylic on canvas, 145 x 145 cm., 2023

It speaks of beings, desperate in pursuit of small pieces of paper that fly in the wind, like a chimera of the insubstantial.....
The figures are naked, they are shown in their human condition. There are no superfluous objects that are not related to the expressive task of the scene. Color is also a resource subordinated to the message.

Témpera y acrílico sobre tela / tempera and acrylic on canvas (detalle / detail)

"Lienzo 2 / Canvas 2", acrílico / acrylic, 100 x 1700 cm., Sept. 2023.
Exposición / Exposition "PANEO", Sala Carlos F. Sáez, MTOP, Montevideo, Uruguay
Foto / Photo: Lucia Durán

"Lienzo 2 / Canvas 2" (detalle / detail)

SR: In terms of the reality of your characters, how do you perceive color and line in order to create their worlds?
CCR: The drawing is structural in these paintings. And color is subordinate to both the scene and the overall expression of the work. I am not a "colorist". Color is just another attribute of the work. And, when it appears, it reinforces the understanding of the work or has a symbolic meaning in accordance with the story. In fact, I use few colors. The palette I use is very limited. Chiaroscuro is also relevant as an expressive resource.

"Lienzo 2 / Canvas 2" (detalle / detail)

"Lienzo 2 / Canvas 2" (detalle / detail)

SR: Could you explain the procedure of your works?
CCR: In general terms, in most of them I apply the scheme: line/chiaroscuro/color. As I said, with a more or less explicit leitmotif (which can change) that guides the process. Although sometimes (and I have made some exhibitions with this approach) I have made works without previous sketches or themes, freeing the execution to a controlled improvisation (in a simile with jazz). Sometimes it is stimulating to invert the processes. Perhaps starting with a stain, drawing over it and structuring the form based on the incidence of light. Or contradict processes that advise to think the general to go to the particular and go the other way around. These contradictory schemes serve as experiments. In a continuous process of work, protocols are generated that serve to advance in more solid discourses. This is necessary, but I believe that at some point the questioning appears that makes it possible to explore new paths. I use few materials, basically acrylics in painting, some inks and tempera sometimes, graphite and pastel pencils in drawings, cardboard and fabrics. Also kraft paper. The challenge is to use few material resources to explore many possibilities and combinations; and to appeal to the simplicity of the plastic language without extraneous artifices. As a "method", I also resort to previously drawing scripts that serve as a conceptual substratum, which are modified in the course of the execution. Everything mutates. 

"Mujeres danzando Fela Kuti / Women Dancing Fela Kuti"
Acrílico sobre cartón / acrylic on cardboard, 80 x 100 cm., 2022

"Mujer / Woman", acrílico sobre papel kraft / acrylic on Kraft paper, 100 x 80 cm., 2021

SR: When you face a new canvas, what is the main motivation? What inspires you?
CCR: It's commonplace to say that inspiration comes from perseverance and hard work. And it's true. Inspiration comes from being wrong many times. Good ideas appear when many ideas have been generated, most of them bad. Trying to interpret the world, the world of human beings and reflect it in meaningful images, is my inspiration. I am motivated to express human passions in images. It's a bit pretentious, but I take it that way. Life itself is what inspires me. And there are many things going on in the world. The ideas are many, the challenge is to recreate them with art. 

SR: Do you dedicate yourself exclusively to art or do you combine it with architecture?
CCR: Both activities are my intellectual and practical concern, besides the fact that I am a professional and I live from this as a simple worker. The two activities share common spaces in certain concepts (culture, expression, art, etc.), but each has its specificities and different "objects".

"Sujetos / Subjects", acrílico sobre papel kraft / acrylic on Kraft paper, 105 x 118 cm., 2021

"¿Qué dice? / What You Say?", grafito y esmalte sobre cartón / graffite and enamel on cardboard, 50 x 70 cm., 2016

SR: What factors marked that your path as an artist should go through this particular way you have of making your works?
CCR: Observing the world and its contradictions. A manifestly violent society, whose counterpart is love. And that, I think, is the main axis of my work and its expression, although there are others. It is a counterpoint between two extreme manifestations of the human. My attitude is to be sensitive to the ways that passions acquire and I try to capture it in exaggeratedly expressive images in a "poetic" way. The human condition, tensioned by abundance and misery, fury and love, selfishness and solidarity, etc., are my concerns and the topics that run through my works. This is what I see and it is not necessarily my experience, but I assign myself the function of trying to capture what I perceive and not to be indifferent. Even more: nobody asked me to do it, but I feel I have to express it, badly or well. 

"Tremendo / Tremendous", acrilico sobre tela / acrylic on canvas, 70 x 100 cm., 2023

Dibujos / Drawings

SR: How have your works changed since you started until today?
CCR: In so many years there have been ways, in the formal and in the contents, that have been discarded or reconverted. I also try to learn every day to improve technically. I compare myself with others who are better. I have left aside schemes, prejudices, many of them tinged with frivolity, which seemed solid rocks and today are dust. This is due to a permanent reflection on what I consider art should be as a manifestation of the human. It involves my humanistic and questioning stance on society. And of course I consider art history with a critical sense. It has to be confronted with the world we live in. Art has many planes of action in our society. I ask myself how, why, to what end. These questions locate what I want to express and in what way. Relating art to politics, to ideology, to morality, channels my action with a sense and shapes what I do. And the path that I walk is intended, even more today than yesterday, to talk about some aspects of civilization, of what we are, of society with its miseries, its horrors and its virtues. I say this with modesty and as a yearning.
Specifically: today I am not interested in pleasing.

Dibujo / Drawing, 2022

"Pareja / Couple", técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 80 x 80 cm., 2017

SR: How did your environment influence your interest in art?
CCR: My home was middle class; people talked about culture, politics. My parents were educated and that created a stimulating environment. There were many books on art and literature in general. This awakened in me great curiosity and encouraged the habit of reading and studying. My father painted and had had artistic training.He was a friend of Hugo Nantes, and as a child we used to visit his studio in San José. These experiences had a strong impact on my vocation.

Témpera y acrílico sobre tela / tempera and acrylic on canvas, 2023
Exposición / Exposition "PANEO", Sala Carlos F. Sáez, MTOP, Montevideo, Uruguay
Foto / Photo: Lucia Durán

"Pelotudeando / Faffing Around", esmalte sobre papel Canson / enamel on Canson paper, 50 x 70 cm., 2011

SR: Do you force yourself to paint even when you are not inspired?
CCR: Yes, of course. It's true that you have to be in the habit of practicing in order to improve.You don't always feel like drawing and sometimes you can stop doing it.And I don't say that you should be permanently drawing and painting like a madman.You should look at other expressions to enrich yourself, cinema, theater, dance, other artists, have a social life, whatever. What I do maintain is that one must be disciplined, constant and self-critical. Relaxing in this is paid with setbacks or no progress at all, or the worst: complacency. And above all, one must look at life with sensitivity.Reality is an infinite source of inspiration and creativity. The mind not so much. I don't believe in talent.

"Murguistas / Murguistas (Street musicians)"
Grafito y esmalte sobre papel Canson / graphite and enamel on Canson paper, 50 x 70 cm., 2012

SR: What do you have in mind for the future?
CCR: At the moment I am rethinking concepts and making, without leaving aside the path that is framed in the principles that I have expressed above, a series of works that synthesize an evolution of the expressive technique (this is my attempt) and that show concepts committed to the reality in which we are inserted from other angles. With metaphorical language, appealing to extreme expression (artistic expression requires exaggeration). The conflict must have concrete, material, and above all, meaningful artistic expression. That is the primary function of art as I understand it. It must be an interpellation to our senses and to our intellect. Knowing my limitations, where I live, what I can do and who I am, the answer is: to try to move some people with drawings and paintings.

Boceto / Sketch, 2020

"Everything is dynamic.
The characters move.
I think they turn as in the divine comedy hundreds of Paolos and Francescas, sometimes erotic, sometimes helpless, sometimes with ironic laughter, sometimes disrespectful and laconic as the lost look of Toulouse Lautrec, after his last drink with his hand still clutching the glass....
It's a brilliant non-Cartesian challenge that arm-wrestles with your academic training".
Alejandro Falkenstein, architect, professor

"Pareja bailando / Dancing Couple"
Grafito y esmalte sobre cartón / graffite and enamel on cardboard, 50 x 70 cm., 2016

"¿Qué sueñas, Annabella? / What are your dreams, Annabella?"
Esmalte sobre papel Canson / enamel on Canson paper, 50 x 70 cm., 2009

"I don't know if Claudio Chanquet imprisoned those characters in those cells of rectangular sheets or if they grew up in there.
I have seen that they live in a world without objects, inhabited only by them, by these characters who are always conspiring, plotting something, looking outside, wanting to escape. They seem to be looking for a way to do it, to get out into that outside world that they don't know about, but they sense.  As they persist in the attempt to get out of there, their relationships become tense, they rebuke each other with accusing fingers, they reproach each other, they often argue and vociferate with each other, they love each other uncontrollably and become violent. They look outward, quizzical, certain that someone is watching them.
When the viewer looks at them from afar, they seem to have concrete, defined colors, but when we look at them from closer we realize that their color is made of many colors, of many strokes, of brushstrokes in tension and contrast, that continue the life dynamics of the characters, confronting each other, arguing, plotting conspiracies.
It is impossible to observe them without feeling the screams, the muffled noises that emerge from that world and filter to the outside, murmurs to the ear, vociferations, exclamations, long conversations are mixed and generate a constant noise, disparate and sometimes deafening.
In spite of this movement and apparent chaos, they are aesthetically very pleasant to contemplate.
My congratulations Claudio, tremendous work, impossible to get bored looking at these paintings, they seem to change every day.
Pablo Pucheu, Director of Culture, Municipality of San José de Mayo, 2021.

"Reflexiones no compartidas, etc... / Reflections not shared, etc..."
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 70 x 100 cm., 2016

"Salto acrobático entre dos mujeres que justo capté debajo de ellas /
Acrobatic Jump Between Two Women That I Caught Right Underneath Them"
Lápiz pastel sobre papel / pastel pencil on paper, 20 x 25 cm, Sept., 2021

"Practically stripped of references to the environment, Claudio Chanquet's figures levitate suspended, the result of a distortion to which the artist bets, exaggerating their contours in exasperated contortions captured from infrequent points of view.
The result awakens the imagination, digs into the sensibility and is loaded with meanings, transmitting anguish, anxiety, desire, loneliness, melancholy... a whole range of emotional tonalities that exacerbate this true dramatis personae that moves before the observer's gaze.
Drawing strokes with a low, earthy chromatic palette of ochers and grays with subtle vibrant notes, this gallery of subjects is delineated, who, cut off from their contextual references, agonize in a world of incommunication, freed to the impulses of their libido, debating between the drives of Eros and Thanatos.
The exhibited works may generate reminiscences or tempt parallels, but the fluidity, the overflows, the lightness and liquidity they emanate leave them unequivocally planted in the current phase of modernity."
Alicia Cambra, architect. Fundación Verde Exhibition, July 2022.

"Mujeres con el pelo al viento (una con estola) / Women With Windblown Hair (One With A Stole)"
Acrílico sobre cartón / acrylic on cardboard, 50 x 80 cm., 2022

"Viento lateral / Side Wind", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 50 x 80 cm., 2022

"Claudio's work is disturbing and captivating.
Intense characters interacting in their world. They seem to enjoy and mock life. 
Modern acrobats, full of desire and self-confidence.
The lights and shadows of the human being in a crude representation, where movement, feeling and action dominate the satirical scene of human interaction. 
Personalities "without masks", the drama present, powerful naked carnals, awaken the senses of the spectator connecting with the questioned reality of the human being in its maximum expression".
Serrana Ferrés, plastic artist

El pintor trabajando en su estudio / The painter at work in his Studio

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Exhibitions

Collective exhibition in COFAC (financial institution). 1999
Collective exhibition in 7th Communal Centre of the Montevideo City Council. 2014
Individual exhibition in Margat. Serratosa Space. April – May 2016
Collective exhibition in “Art for America”. Solidary America. Cottage Hotel, Carrasco, Montevideo. June 16th, 2016
Collective exhibition “Living with it”. Breast cancer awareness month. October 4th, 2016
Individual exhibition at the "Hugo Nantes" cultural center in the city of San José de Mayo, Municipality of San José, Uruguay. August 2021.
Individual exhibition at the Ciudad del Plata cultural center, department of San José. November 2021.
Individual exhibition at the City of Liberty House of Culture, May 2022
Individual exhibition at Fundación Verde (Fucac Foundation), Montevideo, July 2022.
Collective exhibition in Victoria Plaza Office Tower, #arteuyenperspectiva. Montevideo, september 2022.
Individual exhibition at Notary theater foyer, Montevideo, april 2023.
Individual exhibition, Carlos F. Sáez Room, Ministry of Transportation and Public Works. Curator: Alejandro Falkenstein. Montevideo, August 18, 2023.

Exposición individual, Margat, Espacio Serratosa, Montevideo, 2016 
Solo Exhibition, Margat. Serratosa Space, Montevideo, 2016

Permanent exhibitions

Montevideo, Uruguay: “Acatrás del Mercado” Galery, Yacaré street 1595, Ciudad Vieja de Montevideo, Uruguay. acatras@adinet.com.uy
José Ignacio, Punta del Este: "Los caracoles" Gallery
Buenos Aires, Argentina:​ "Thames" Galery, Thames street 1776. galeriathames@yahoo.com.ar

Artworks in several national and international collections

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Claudio!)

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Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), Specialized in Artists' Books (Faculty of Humanities and Sciences, Uruguay), Cultural Journalist (Spain), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
Full academic and artistic curriculum here.

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