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Judy y los Fotógrafos / Judy and the Photographers (I)

August 7, 2014, 1:25 am
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En junio de este mismo año publiqué un post dedicado a la notable fotógrafa estadounidense Judy Dater. Mientras seleccionaba imágenes, noté que Judy retrató durante la década de los '70 a una serie de destacados fotógrafos. Todas sus imágenes son realmente buenas. Dedicaré dos posts a esta colección de retratos, lo cual me servirá además para aportar algo de información y presentar algunas de sus obras.
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

Judy Dater
Autorretrato / Self Portrait, "La Maga / The Magician", 1981 © Judy Dater

In June this year I published a post dedicated to the remarkable American photographer Judy Dater. While I was selecting pictures, I noticed that during the decade of 1970, Judy portrayed a number of notable photographers. All her photographs are really good. I'll dedicate two posts to this collection of portraits, which will serve me well to provide some information and present some of their works.
English texts at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Judy y los Fotógrafos / 
Judy and the Photographers (I)

André Kertész, 1979 © Judy Dater

André Kertész fue un fotógrafo nacido en Hungría en 1894, conocido por sus asombrosas contribuciones a la composición y el ensayo fotográficos. Más imágenes e información en los posts previos. [1]

Más sobre Kertész en "El Hurgador" / More about Kertész in this blog:
[Manos a la obra (XIX)], [Aniversarios fotografía (XXIII)]
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Brett Weston, 1978 © Judy Dater

Brett Weston (originalmente Theodore Brett Weston) fue un fotógrafo estadounidense nacido en 1911. Van Deren Coke lo describió como el "niño genio de la fotografía estadounidense". Fue el segundo de cuatro hijos del fotógrafo Edward Weston y Flora Chandler.
Weston comenzó a fotografiar en 1925, mientras vivía en México con Tina Modotti y su padre. Comenzó a mostrar sus fotografías con Edward Weston en 1927, fue presentado en la exposición internacional Film und Foto en Alemania a los 17 años, y montó su primera retrospectiva individual a los 21 en el Museo De Young de San Francisco, en enero de 1932.
Murió en 1993. [2]
Sitio web del artista: http://www.brettwestonarchive.com/
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Brett_Weston

"Limo Glacial / Glacial Silt", Alaska, 1978 © The Brett Weston Archive, L.L.C. 2014
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Edmund Teske, 1978 © Judy Dater

Edmund Rudolph Teske fue un fotógrafo estadounidense del s.XX nacido en 1911, que combinó una carrera como retratista de artistas, músicos y animadores, con una prolífica producción de fotografía experimental. Su uso de técnicas tales como impresiones combinadas, montajes y solarizaciones, le condujeron a obtener "imágenes a menudo románticas y misteriosas". Aunque expuso extensamente y fue bien conocido durante su vida en los círculos de la fotografía artística, su obra no fue ampliamente conocida por el público. Ha sido llamado "uno de los grandes olvidados de la fotografía estadounidense".
Murió en 1996 [3]
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Edmund_Teske 

Jim Morrison, 1969
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Arnold Newman, 1974 © Judy Dater

Arnold Abner Newman fue un fotógrafo estadounidense nacido en 1918, conocido por sus "retratos ambientales" de artistas y políticos. También destacan sus cuidadosamente compuestas imágenes de bodegones abstractos.
En 1936 estudió pintura y dibujo en la Universidad de Miami. Incapaz de continuar tras dos años, se mudó a Filadelfia para trabajar para un estudio haciendo retratos de 49 céntimos.
Newman encontró su visión en la empatía que sentía por los artistas y su obra. Aunque fotografió a muchas personalidades (Marlene Dietrich, John F. Kennedy, Harry S. Truman, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Arthur Miller, Marilyn Monroe, Ronald Reagan, Mickey Mantle, y Audrey Hepburn) sostenía que incluso si el sujeto no es conocido, o si ya se le ha olvidado, la fotografía en sí misma aún debe excitar e interesar al espectador.
Murió en 2006. [4]
Archivo de Arnold Newman: http://www.arnoldnewmanarchive.com/ 
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Arnold_Newman

Igor Stravinsky, 1946

Más sobre Newman en "El Hurgador" / More about Newman in this blog:
[Manos a la obra (XIX)], [Manos a la obra (XXVII)]
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Aaron Siskind, 1975 © Judy Dater

Aaron Siskind fue un fotógrafo estadounidense nacido en 1903, generalmente considerado como estrechamente involucrado con (si no parte de) el movimiento del expresionismo abstracto. En su autobiografía escribió que incursionó en la fotografía cuando recibió una cámara como regalo de bodas, y comenzó a tomar imágenes de su luna de miel. Pronto comprendió el potencial artístico que ofrecía. Trabajó tanto en Nueva York como en Chicago.
La obra de Siskind se centra en los detalles de la naturaleza y la arquitectura. Las presenta como superficies planas, para crear una nueva imágen fuera de ellas, la cual, argumentaba, pasaba a ser algo independiente del tema original.
En los inicios de su carrera fue miembro de la Liga Fotográfica de Nueva York. Trabajando con este grupo, Siskind produjo en los años '30 varias series de imágenes con significativo trasfondo social, entre ellas el "Documento de Harlem" es la más famosa.
Murió en 1991. [5]
Fundación Aaron Siskind: http://www.aaronsiskind.org/
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Aaron_Siskind

"Placeres y terrores de la levitación / Pleasures and Terrors of Levitation" # 37, 1953
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Pedro Meyer, 1976 © Judy Dater

Pedro Meyer es un reconocido fotógrafo español nacido en 1935, establecido en México. Es uno de los pioneros de la revolución digital en la fotografía contemporánea. Fue el fundador y presidente del Consejo Mexicano de Fotografía y organizador de los tres primeros Coloquios de Fotografía Latinoamericana.
Además de su obra fotográfica, Meyer ha sido profesor en varias instituciones, así como curador, editor, fundador y director del sitio web de fotografía ZoneZero, que alberga la obra de cerca de 1000 fotógrafos de todo el mundo, y es visitada por más de medio millón de personas cada mes.
Obtuvo la beca Guggenheim en 1987. [6]
Sitio web del artista: http://www.pedromeyer.com/
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Pedro_Meyer_(fot%C3%B3grafo) 

"Siluetas de Ipanema / Ipanema Silhouettes"
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Ralph Gibson, 1979 © Judy Dater

Ralph Gibson es un fotógrafo artístico estadounidense nacido en 1939, conocido por sus libros de fotografía. Sus imágenes a menudo incorporan fragmentos con matices eróticos y misteriosos, construyendo un significado narrativo a través de la contextualización y yuxtaposición surrealista. Gibson actualmente vive en Nueva York y viaja frecuentemente a Europa y Brasil.
Estudió fotografía mientras estaba en la marina de los Estados Unidos, y luego en el Instituto de Arte de San Francisco. Comenzó su carrera profesional como asistente de Dorothea Lange entre 1961 y 1962, y trabajó en dos películas con Robert Frank.
Gibson ha mantenido una fascinación de toda la vida con los libros y la factura de libros. Desde la aparición en 1970 de El Sonámbulo, su obra ha sido constantemente empujada hacia la página impresa. En 1969 Gibson se mudó a Nueva York, donde formó Lustrum Press, para poder ejercer el control sobre la reproducción de su obra. Lustrum Press también publicó Tulsa (1971) de Larry Clark. [7]
Sitio web del artista: http://www.ralphgibson.com/
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Ralph_Gibson

"Cristine", 1981
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Brassaï, 1973 © Judy Dater

Brassaï (seudónimo de Gyula Halász) fue un fotógrafo, escultor, escritor y cienasta húngaro nacido en 1899, que alcanzó la fama internacional en Francia durante el s.XX. Fue uno de los numerosos artistas húngaros que florecieron en París en el período de entreguerras. A principios del s.XXI, el descubrimiento de más de 200 cartas y cientos de dibujos y otros ítems del período 1940 - 1984, ha provisto a los estudiosos de material para comprender el último período de su vida y su carrera. Murió en 1984. [8]
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Brassa%C3%AF

Más sobre Brassaï en "El Hurgador" / More about Brassaï in this blog:
[Manos a la obra (IV)], [Manos a la obra (V)], [Manos a la obra (XI)], [Manos a la obra (XX)]
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Richard Misrach, 1975 © Judy Dater

Richard Misrach es un fotógrafo estadounidense nacido en 1949 "firmemente identificado con la introducción del color en la fotografía artística en los '70, y con el uso de cámaras tradicionales de gran formato" (Nancy Princenthal, Art in America).
David Littlejohn del Wall Street Journal, llama a Misrach "el fotógrafo estadounidense más interesante y original de su generación", describiendo su obra como desarrollándose "en paralelo a la de Thomas Struth y Andreas Gursky, dos alemanes contemporáneos." Littlejohn apunta que los tres utilizaron gran formato en color que desafió las expectativas de la fotografía artística en su tiempo.
Es quizá mejor conocido por sus representaciones de los desiertos del oeste estadounidense, y por sus series documentando los cambios ejercidos sobre el medio ambiente por varios factores humanos tales como la expansión urbana, el turismo, la industrialización, las inundaciones, incendios, fabricación petroquímica y las pruebas de explosivos y armas nucleares por los militares. [9]
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Richard_Misrach

"Pantano y tubería / Swamp and Pipeline", Geismar, Louisiana
(negative 1998, print 2012) Inkjet print by Richard Misrach. High Museum of Art, Atlanta.
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Wynn Bullock, 1972 © Judy Dater

Wynn Bullock es un reconocido maestro estadounidense de la fotografía del s.XX, nacido en 1902, cuya obra está incluida en más de 90 colecciones de museos alrededor del mundo. Recibió una sustancial aclamación crítica durante su vida, publicando numerosos libros, y se le menciona en todas las historias standard de la fotografía moderna.
Después de su graduación en la secundaria, se mudó a Nueva York para hacer carrera en la música.
Durante mediados de los '20, prosiguió en Europa, estudiando sobre la voz y dando conciertos en Francia, Alemania e Italia.
Mientras estaba en París, quedó fascinado con la obra de los impresionistas y post-impresionistas. Descubrió la obra de Man Ray y László Moholy-Nagy, y experimentó una inmediata afinidad con la fotografía, no sólo como forma de arte únicamente basado en la luz, sino también como vehículo a través del cual podría involucrarse de manera más creativa con el mundo. Compró su primera cámara y comenzó a tomar fotografías.
Un punto de inflexión en la vida de Bullock como fotógrafo creativo, ocurrió en 1948 cuando conoció a Edward Weston. Inspirado por el poder y la belleza de las impresiones de Weston, comenzó a explorar la "fotografía directa" por sí mismo. [10]
Sitio web del artista: http://www.wynnbullockphotography.com/
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Wynn_Bullock

"Niño en el bosque / Child in Forest", 1951
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Wright Morris, 1975 © Judy Dater

Wright Marion Morris fue un novelista, fotógrafo y ensayista estadounidense nacido en 1910. Es conocido por sus retratos de personas y artefactos de los Grandes Llanos en palabras e imágenes, así como por experimentar con las formas narrativas. Wright Morris murió en 1998 a los 88 años. Está enterrado en el Cementerio Chapman.
Morris recibió numerosos reconocimientos, además del Premio Nacional del Libro por El Campo Visual y Canción de la llanura. Obtuvo la Beca Guggenheim en 1942, 46 y 1954.
El archivo completo de fotografías de Wright Morris está ubicado en el Centro de Fotografía Creativa (CCP) en la Universidad de Arizona en Tucson. [11]
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Wright_Morris 

"Bedroom and Washstand / Dormitorio y lavamanos", Sur de Indiana / Southern Indiana, 1950
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Más sobre Judy Dater en "El Hurgador" / More about Judy Dater in this blog:
[Imogen Cunningham (Fotografía)], [Aniversarios fotografía (XXI)], [Judy Dater (Fotografía)]

Retratos de los fotógrafos publicados con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Judy!)
Portraits of the photographers published with artist's permission (Thanks a lot, Judy!)


Traducción al inglés / English translation.

[1]
André Kertész was an Hungarian-born photographer (1894) known for his groundbreaking contributions to photographic composition and the photo essay. More images and information in previous posts.

[2]
Brett Weston (originally Theodore Brett Weston) was an American photographer born in 1911. Van Deren Coke described Brett Weston as the "child genius of American photography." He was the second of the four sons of photographer Edward Weston and Flora Chandler.
Weston began taking photographs in 1925, while living in Mexico with Tina Modotti and his father. He began showing his photographs with Edward Weston in 1927, was featured at the international exhibition at Film und Foto in Germany at age 17, and mounted his first one-man museum retrospective at age 21 at the De Young Museum in San Francisco in January, 1932.
He died in 1993.
Artist's website: http://www.brettwestonarchive.com/
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Brett_Weston

[3]
Edmund Rudolph Teske was a 20th-century American photographer born in 1911 who combined a career of taking portraits of artists, musicians and entertainers with a prolific output of experimental photography. His use of techniques like: combined prints, montages and solarizations led to "often romantic and mysterious images". Although he exhibited extensively and was well-known within artistic photography circles during his lifetime, his work was not widely known by the public. He has been called "one of the forgotten greats of American photography."
He died in 1996.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Edmund_Teske

[4]
Arnold Abner Newman was an American photographer born in 1918, noted for his "environmental portraits" of artists and politicians. He was also known for his carefully composed abstract still life images.
In 1936, he studied painting and drawing at the University of Miami. Unable to afford continuing after two years, he moved to Philadelphia to work for a studio making 49-cent portraits.
Newman found his vision in the empathy he felt for artists and their work. Although he photographed many personalities—Marlene Dietrich, John F. Kennedy, Harry S. Truman, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Arthur Miller, Marilyn Monroe, Ronald Reagan, Mickey Mantle, and Audrey Hepburn—he maintained that even if the subject is not known, or is already forgotten, the photograph itself must still excite and interest the viewer.
He died in 2006.
Arnold Newman Archive: http://www.arnoldnewmanarchive.com/
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Arnold_Newman

[5]
Aaron Siskind was an American photographer born in 1903, widely considered to be closely involved with, if not a part of, the abstract expressionist movement. In his autobiography he wrote that he began his foray into photography when he received a camera for a wedding gift and began taking pictures on his honeymoon. He quickly realized the artistic potential this offered. He worked in both New York City and Chicago.
Siskind's work focuses on the details of nature and architecture. He presents them as flat surfaces to create a new image out of them, which, he claimed, stands independent of the original subject.
Early in his career Siskind was a member of the New York Photo League. Working with that group, Siskind produced several significant socially conscious series of images in the 1930s. Among them the "Harlem Document" remains the most famous. 
He died in 1991.
Aaron Siskind Foundation: http://www.aaronsiskind.org/
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Aaron_Siskind

[6]
Pedro Meyer is a well-known photographer born in Spain (1935), based in Mexico. He is one of the pioneers of the digital revolution in contemporary photography. He was the founder and president of the Consejo Mexicano de Fotografía (Mexican Council of Photography) and organizer of the first three Latin American Photography Colloquiums.
Besides his artistic photographic work, Meyer has been a teacher in various institutions, as well as the curator, editor, founder and director of the photography ZoneZero website, which hosts the work of over a thousand photographers from all over the world, and is visited by more than 500,000 people each month.
He was awarded the Guggenheim Fellowship in 1987.
Artist's website: http://www.pedromeyer.com/
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Pedro_Meyer

[7]
Ralph Gibson is an American art photographer born in 1939, best known for his photographic books. His images often incorporate fragments with erotic and mysterious undertones, building narrative meaning through contextualization and surreal juxtaposition. Gibson currently lives in New York and travels frequently to Europe and Brazil.
Ralph Gibson studied photography while in the US Navy and then at the San Francisco Art Institute. He began his professional career as an assistant to Dorothea Lange from 1961 to 1962 and went on to work with Robert Frank on two films.
Gibson has maintained a lifelong fascination with books and book-making. Since the appearance in 1970 of THE SOMNAMBULIST, his work has been steadily impelled towards the printed page. In 1969 Gibson moved to New York, where he formed Lustrum Press in order to exert control over the reproduction of his work. Lustrum Press also published Larry Clark's Tulsa (1971).
Artist's website: http://www.ralphgibson.com/
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Ralph_Gibson

[8]
Brassaï (pseudonym of Gyula Halász) was a Hungarian photographer, sculptor, writer, and filmmaker born in 1899, who rose to international fame in France in the 20th century. He was one of the numerous Hungarian artists who flourished in Paris beginning between the World Wars. In the early 21st century, the discovery of more than 200 letters and hundreds of drawings and other items from the period 1940–1984 has provided scholars with material for understanding his later life and career. He died in 1984.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Brassai

[9]
Richard Misrach is an American photographer born in 1949, "firmly identified with the introduction of color to 'fine' [art] photography in the 1970s, and with the use of large-format traditional cameras" (Nancy Princenthal, Art in America).
David Littlejohn of the Wall Street Journal calls Misrach "the most interesting and original American photographer of his generation," describing his work as running "parallel to that of Thomas Struth and Andreas Gursky, two German contemporaries." Littlejohn notes that all three used a large scale color format that defied the expectations of fine art photography at the time.
He is perhaps best known for his depictions of the deserts of the American west, and for his series documenting the changes brought to bear on the environment by various man-made factors such as urban sprawl, tourism, industrialization, floods, fires, petrochemical manufacturing, and the testing of explosives and nuclear weapons by the military.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Richard_Misrach

[10]
Wynn Bullock is a recognized American master photographer of the 20th century born in 1902, whose work is included in over 90 major museum collections around the world. He received substantial critical acclaim during his lifetime, published numerous books and is mentioned in all the standard histories of modern photography.
After high school graduation, he moved to New York to pursue a musical career. 
During the mid-1920s, he furthered his career in Europe, studying voice and giving concerts in France, Germany and Italy.
While living in Paris, Bullock became fascinated with the work of the Impressionists and post-Impressionists. He then discovered the work of Man Ray and László Moholy-Nagy and experienced an immediate affinity with photography, not only as an art form uniquely based on light, but also as a vehicle through which he could more creatively engage with the world. He bought his first camera and began taking pictures.
A major turning point in Bullock’s life as a creative photographer occurred in 1948, when he met Edward Weston. Inspired by the power and beauty of Weston’s prints, he began to explore "straight photography" for himself.
Artist's website:  http://www.wynnbullockphotography.com/
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Wynn_Bullock

[11]
Wright Marion Morris was an American novelist, photographer, and essayist born in 1910. He is known for his portrayals of the people and artifacts of the Great Plains in words and pictures, as well as for experimenting with narrative forms. Wright Morris died in 1998 at the age of 88 years. He is buried in the Chapman Cemetery.
Morris received numerous honors in addition to the National Book Awards for The Field of Vision and Plains Song. He was granted Guggenheim Fellowships in 1942, 1946, and 1954.
The full archive of Wright Morris photographs is located at the Center for Creative Photography (CCP) at the University of Arizona in Tucson.
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Wright_Morris

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Aniversarios (XXVIII) [Agosto / August 1-9]

August 9, 2014, 12:25 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Agosto es el cumple de

Richard Wilson, pintor paisajista galés nacido en 1714, considerado actualmente como uno de los más importantes especialistas en este género del siglo XVIII. Su gusto para el arte fue observado por Sir George Wynne, pariente de su madre, quien en 1729 lo envió a Londres para estudiar con Thomas Wright, un pintor de retratos poco conocido. Luego de que tomara un rumbo independiente adquirió una buena práctica. 
En 1749 Wilson visitó Italia, donde pasó seis años. En 1755 regresó a Inglaterra, y se convirtió en uno de los primeros pintores de paisaje Inglés. 
Cuando se establece la Real Academia en 1768 fue uno de los miembros originales. Durante su vida, sus paisajes no fueron populares, pero después de su muerte, en 1782, su fama creció y en 1814 alrededor de setenta de sus obras fueron exhibidas en la British Institution.
Murió en 1782.

"El Támesis en Twickenham / The Thames at Twickenham"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 59,5 × 91,5 cm., c.1760-62. City of Norwich Museum (Reino Unido / UK)
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Sebastiano Ricci, pintor italiano de la escuela del barroco tardío de Venecia, nacido en 1659. Con casi la misma edad de Piazzetta, y contemporáneo mayor de Tiépolo, representa una versión tardía del vigoroso y luminoso estilo Cortonesco del gran maestro de la pintura al fresco.
Fue aprendiz de Federico Cervelli de Venecia. Otros dicen que el primer maestro de Ricci fue Sebastiano Mazzoni. En 1678, una indiscreción de juventud lo condujo a un embarazo no deseado, y finalmente a un gran escándalo cuando fue acusado de intentar envenenar a la jóven en cuestión para evitar el matrimonio.
Fue encarcelado, y liberado gracias a la intervención de un noble. Se casó con la madre embarazada en 1691, aunque resultó una unión tormentosa. 
Ricci, apoyado en un primer momento en el ejemplo del espléndido arte de Veronés, hizo prevalecer un nuevo ideal, de una belleza colorista clara y rica: en esto allanó el camino para Tiépolo. La pintura de figuras Roccoco en Venecia sigue siendo incomprensible en su evolución sin Ricci ... (Derschau) 
Murió en 1734.

"Venus y Cupido / Venus and Cupid", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72 x 97 cm., c. 1700.


El 2 de Agosto es el cumple de

Samuel Dirksz van Hoogstraten, pintor barroco holandés nacido en 1627 en Dordrecht.
A la muerte de Dirk van Hoogstraten, su padre, quien fuera su primer maestro, cambió de residencia marchándose a Ámsterdam y entró en la escuela de Rembrandt. Poco después, comenzó como maestro y pintor de retratos y empezó una serie de viajes que lo llevaron a Viena, Roma y Londres, retirándose finalmente a Dort. Allí se casó en 1656, y tuvo un cargo como preboste de la ceca.
Un número suficiente de obras de Van Hoogstraten se han conservado, para demostrar que luchó por imitar diferentes estilos en diferentes épocas. En un retrato datado en 1645, actualmente en la colección Lichtenstein de Viena, imita a Rembrandt. Siguió esta tendencia hasta fecha tan tardía como 1653 cuando produjo la maravillosa figura de un hombre con barba mirando afuera de una ventana. Este es uno de los ejemplos más característicos de su estilo. Murió en 1678.

"Anciano mirando por la ventana / Old Man at a Window"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 111 x 86,5 cm., 1653. Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)
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Vali Myers, artista visionaria australiana, bailarina, bohemia y musa de los '50 y los '60 en Europa y Estados Unidos. Nació en 1930.
Nacida de madre violinista y padre telegrafista marino, Vali desplegó su talento para el arte desde una edad muy temprana. La familia se mudó a Box Hill Melbourne desde Sydney, Australia, en 1941, y Vali dejó la casa a los 14 años. Después de trabajar en fábricas para pagar sus clases de baile, terminó convirtiéndose en la bailarina líder de la Compañía de Ballet Moderno de Melbourne. En 1949, a los 19 años, viajó a la empobrecida París de posguerra buscando hacerse una carrera como bailarina, y terminó viviendo en las calles del barrio Saint-Germain-des-Prés.
Myers fue una artista extravagante y fantástica que trabajó en pluma, tinta y acuarela, así como bailarina en clubes nocturnos.
Sus obras de arte visionario evolucionaron desde una temprana y detallada monocromía hasta un amplio abanico de vibrantes colores y tonos, extendiéndose a la acuarela y el pan de oro, desplegando una "meticulosa representación de un mundo personal espiritual." Murió en 2003.

"Moby Dick", 50 x 70 cm.


El 3 de Agosto es el cumple de

Carlos Enríquez, pintor cubano nacido en Zulueta (antigua provincia de las Villas, Cuba) en 1900, a quien se considera uno de los artistas de la Primera Vanguardia Cubana.
Pintor de grandes cualidades naturales, su único estudio formal lo realizó por poco tiempo en la Academia de Bellas Artes de Pennsylvania, regresando a su país en 1925. En 1927 dos de sus obras consistentes en desnudos femeninos fueron retiradas de la Exposición de Arte Nuevo por “realismo exagerado”, lo que le movió a volver al extranjero y se dirigió a España y Francia. Según los críticos, fue la época donde realizó sus mejores obras.
En 1935 se radicó en forma definitiva en su país y comenzó a definir nuevas orientaciones plásticas, referidas al ambiente rural de Cuba, etapa que identificó como “el romancero guajiro”. Murió en 1957.

"El rapto de las mulatas / The Rape of the Mulattas", 1938
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Yoshitoshi ABe (安倍 吉俊), artista gráfico japonés nacido en 1971, que trabaja predominantemente en anime y manga. Recibió su Master en Bellas Artes de la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokyo. Sus obras tienen un estilo vanguardista debido a que, entre otras cosas, no utiliza reglas cuando dibuja, como es habitual en la mayoría del arte de estilo anime. Se ganó la fama por su obra con el anime de vanguardia Serial Experiments Lain. También responsable del concepto y diseño de personajes para la serie NieA 7. Es creador del doujinshi Haibane Renmei, que fue luego adaptada al anime.
ABe comenzó su carrera de adolescente en Tokyo, reconocido como artista de graffiti, y tuvo regularmente problemas con esta clase de arte. Se dice que sus conceptos para todas sus obras posteriores están inspirados por esta época de su vida y ha proyectado una temática oscura en sus diseños de personaje anime.
Es un artista de manga buen conocedor de la tecnología, dibujando sus bocetos tan sólo con sus dedos y una aplicación en un iPad.

"Haibane Renmei"


El 4 de Agosto es el cumple de

Hedda Sterne, artista de origen rumano nacida en 1910, integrante de la primera generación de pintores del expresionismo abstracto.
Su carrera comenzó a finales de los años treinta, cuando expuso con los surrealistas en París. Destacó como grabadora y obtuvo renombre a nivel nacional en los cuarenta y los cincuenta, al exponer con los expresionistas abstractos: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Barnett Newman y Mark Rothko, aunque mantuvo una terca independencia de estilo y tendencias.
sus obras están en la colección de museos entre ellos el MoMA de Nueva York, la Galería Nacional de Arte de Washington DC y el Museo Nacional de Mujeres Artistas también en Washington DC. Murió el 8 de abril de 2011 a los 100 años de edad.

"Coliflor / Cauliflower", acrílico sobre tejido / acrylic on fabric, 1967
Smithsonian American Art Museum (Washington, DC, Estados Unidos / USA)
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Pieter Coecke van Aelst, pintor flamenco nacido en 1502, nombrado pintor de la corte del emperador Carlos V en 1534.
Hijo de Pieter van Aelst el Viejo, un tejedor de tapices. Estudió con Bernaert van Orley y más tarde vivió en Italia antes de entrar en el gremio de pintores de Amberes, en 1527. En 1533 viajó a Constantinopla durante un año e intentó establecer conexiones comerciales para sus tapices, pero no tuvo éxito. Van Aelst estableció un estudio en Bruselas en 1544, donde creó pinturas y produjo ontwerpen (dibujos de pequeño tamaño) y caricaturas a gran escala para sus tapices. Entre sus estudiantes estuvieron Gillis van Coninxloo, Willem Key, Hans Vredeman de Vries, Michiel Coxcie, y posiblemente Pieter Brueghel el Viejo, quien luego se casaría con la hija de Aelst, Mayken. Su segunda esposa, Mayken Verhulst, también fue artista y, según Carel van Mander, la primera maestra de su nieto, Pieter Brueghel el Jóven y Jan Brueghel el Viejo. El estudio de Van Aelst también es conocido por sus grabados.
Murió en 1550.

Pieter Coecke van Aelst I y su taller / and his Workshop
"La última cena / The Last Supper", óleo sobre tabla / oil on panel, 61 x 80,3 cm., 1545.


El 5 de Agosto es el cumple de

Naum Gabo, prominente escultor ruso del Constructivismo nacido en 1890, pionero del arte cinético.
En 1907 comienza a pintar y dibujar. En 1912 visita a su hermano, Antoni Pevsner, en París y al año siguiente entra en contacto con los expresionistas del Blaue Reiter en Munich.
Regresa a Rusia al estallar la Revolución de Octubre y se instala en Moscú, compartiendo taller con Pevsner; mantiene contactos con Kandinsky, Malevich y Tatlin, en un período de grandes discusiones teóricas.
En 1920 realiza sus primeras construcciones cinéticas y redacta, con Pevsner, el Manifiesto Realista. En 1922 se le permite abandonar Rusia y se instala en Berlín, donde participa en la Primera Exposición de Arte Ruso, organizada por el gobierno soviético en la galería Van Diemen.
En 1939 se traslada a Londres, que abandona en 1946 para trasladarse a los Estados Unidos donde residió hasta su muerte en Middlebury en 1977.

"Gestileerde bloem / Flor estilizada / Stylized Flower", vista parcial / partial view
Calle / Street Coolsingel (Rotterdam, Holanda / Netherlands)
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Ilya Yefimovich Repin (Илья́ Ефи́мович Ре́пин), pintor realista ruso nacido en 1844. Fue el más renombrado artista ruso del siglo XIX, cuando su posición en el mundo del arte era comparable a la de Tolstoi en la literatura. Jugó un papel clave en acercar el arte ruso a la corriente principal de la cultura europea.
Entró a la escuela militar en 1854, y en 1856 estudió con Ivan Bunakov, un pintor local de iconos. Comenzó a pintar alrededor de 1860. Conoció a su colega artista Ivan Kramskoi y al crítico Vladimir Stasov durante la década de 1860.
En 1874-76 expuso en el Salón de París y en las muestras de la Sociedad Itinerante de San Petersburgo. Fue reconocido y titulado académico en 1876.
En 1901 fue investido con la Legión de Honor. Murió en 1930.

"Los bateleros del Volga / Barge Haulers on the Volga", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 131,5 × 281 cm., 1870-73. 
Museo Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)


El 6 de Agosto es el cumple de

Lajos Wajda, pintor húngaro nacido en Zalaegerszeg en 1908.
Fue alumno de Isztván Csók en la Academia Húngara de Bellas Artes entre 1927 y 1930. Estudió con Dezsõ Korniss en Paris entre 1930 y 1934, donde fue introducido en el cubismo y el surrealismo.
Vivió y trabajó en Szentendre, Hungría. Seguidor de los métodos de los compositores Béla Bartók y Zoltán Kodály, recolectaba motivos populares en Szentendre y Szigetmonostor para sus obras. Combinó simbología religiosa con motivos arquitectónicos y populares, así como elementos abstractos, figurativos y surrealistas en sus obras creando complejas imágenes visionarias. Sus últimos dibujos de surrealismo abstracto presagiaban los horrores de la Primera Guerra Mundial. Murió de tuberculosis en 1941.

"Tolstoi y Gandhi", fotocollage sobre tabla / photocollage on wood, 50 x 61 cm., 1930-33
Galería Nacional / National Gallery (Budapest, Hungría / Hungary)
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Sir Gordon Howard Eliot Hodgkin, pintor y grabador británico nacido en 1932. Su obra se asocia a menudo con la abstracción.
Hodking, primo del pintor de bodegones inglés Eliot Hodgkin, fue educado en el Eton College y luego en le Escuela Bryanston en Dorset. Más tarde estudió en la Escuela de Arte Camberwell, y también en la Bath Academy of Art en Corsham.
Su primera muestra en solitario tuvo lugar en Londres, en 1962. Sus primeras pinturas tendían a estar formadas por curvas de bordes marcados y un limitado número de colores. 
A principios de los '70, su estilo se hizo más espontáneo, con contornos vagamente reconocibles presentadas en colores brillantes y formas audaces. Sus obras podrían considerarse "semi-abstractas", y a menudo se han comparado sus pinturas con las de Matisse.
Una gran exposición de su obra tuvo lugar en la Tate Gallery, en Londres, en 2006.
Sitio web del artista: http://www.howard-hodgkin.com/

"Despertar en Nápoles / Waking up in Naples", óleo sobre tabla / oil on wood, 59,7 x 74,9 cm., 1980-84.


El 7 de Agosto es el cumple de

Emil Nolde, uno de los más destacados pintores expresionistas alemanes, nacido en 1867.
Más imágenes e información en el post previo.

"La Última Cena / The Last Supper", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86 x 107 cm., 1909. 
Statens Museum for Kunst (Copenhagen, Dinamarca / Denmark)

Más sobre Nolde en "El Hurgador" / More about Nolde in this blog:
[Arte perdido (IV)]
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Togrul Farman oglu Narimanbekov, uno de los prominentes artistas modernos de Azerbaiyán, nacido en 1930.
Estudió en la Escuela de Arte Azim Azimzade de Azerbaiyán, y luego, entre 1950 y 1955, en el Instituto de Bellas Artes de Lituania.
Fue galardonado con el Premio Estatal de la Unión Soviética en 1980, y el de Artista del Pueblo de Azerbaiyán (1967). Vivió en París y tenía ciudadanía francesa.
Asumía que era necesario para las artes retornar a los orígenes de la cultura nacional. Describía su creatividad como una combinación de artes abstractas y figurativas.
Murió en 2013.

"Naturaleza muerta con una niña / Still Life with a Girl"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 183 × 172 cm., 1968. 
Museo de Arte Oriental (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)


El 8 de Agosto es el cumple de

Paul Belmondo, escultor y grabador de medallas francés, nacido en 1898 en Argel, padre de Jean-Paul Belmondo. Apasionado por el dibujo, comenzó a modelar a la edad de 13 años. Comienza sus estudios de arquitectura en la Ecole des Beaux-Arts de Argel, interrumpidos por la Primera Guerra Mundial. Gaseado en la Batalla de San Mihiel en 1917, fue desmovilizado en 1919.
Ganó el Premio Blumenthal y el Premio de Roma de escultura en 1926. Nombrado Comandante de la Legión de Honor y la Orden de las Artes y las Letras. Oficial de la Orden de Leopoldo de Bélgica.
El trabajo de Belmondo siguió el estilo académico neoclásico, la búsqueda de formas armoniosas con líneas simples y superficies lisas.
Murió a los 83 años en París.

"Jeanette", Jardines de la "Organización Mundial de la Propiedad Intelectual / 
Gardens of the "World Intellectual Property Organization" (Ginebra, Suiza / Genéve, Switzerland)
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Fréour Jean, escultor francés nacido en 1919.
Escultor figurativo, Jean Fréour estudió en Nantes y Marruecos. De regreso en Francia hizo el bachillerato en Burdeos y decidió convertirse en un escultor. 
Fue admitido en la École des Beaux-Arts en 1936 y asistió durante un corto período al taller de Henri Bouchard en la Escuela Nacional de Bellas Artes de París en 1941. Se convirtió en un miembro del movimiento artístico bretón Seiz Breur. 
En 1952, formó parte de la 23ª promoción artística para los residentes de la Casa de Velázquez en Madrid, y vivió allí durante un año.
Esculpió en todo tipo de materiales: pizarra, mármol, ónix, madera de África y Bluestone. También produjo estatuas de bronce. Sus obras están marcadas por el sello de regionalismo y una identidad bretona impregnada de catolicismo.
Murió en 2010.

"Lavadoras de ostras / Oyster Washers", Cancale (Bretaña, Francia / Brittany, France) 


Hoy, 9 de Agosto, es el cumple de

François Roffiaen, artista belga nacido en 1820, especializado en la representación de paisajes alpinos. En Namur, ciudad donde pasa, como lo apunta él mismo, «los más bellos años de su existencia» frecuenta el Ateneo así como la Academia de pintura. Sigue estudios artísticos en la Academia de Bruselas (1839-1842), y frecuenta luego el taller en Bruselas de Pierre-Louis Kühnen.
Profundamente impresionado por obras que Alexandre Calame, se dirige a Ginebra en otoño de 1846 y permanece durante seis meses con este maestro antes de descubrir la montaña por sí mismo. Muchos otros viajes siguen familiarizándolo con los paisajes: Suiza, Austria, Alta Baviera y Alta Saboya. Se convierte en uno de los pioneros de la Pintura de Kampina, una escuela hoy en día desgraciadamente olvidada. Los años 1850-1860 fueron los de mayor éxito: numerosas ventas en Bélgica, Reino Unido y los Estados Unidos, obras adquiridas por un sha de Persia, por la casa real belga y británica. Murió en 1898.

"Las Orillas del Königsee / The Königsee Shores"
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Bartolomeu Cozzo, más conocido como Humberto Cozzo, escultor y mosaiquista brasileño, nacido en 1900 en São Paulo.
Formado en el Liceo de Artes y Oficios de São Paulo en 1920, frecuentó posteriormente el taller de Amadeu Zani. Entre los premios que obtuvo destacan el primer premio de escultura en el Salón del Centenario, en São Paulo el año 1922, y una medalla de plata en el salón Nacional de bellas Artes de 1928. Realizó diversas obras para espacios públicos, como los monumentos en bronce a José de Alencar en Fortaleza, Bias Fortes en Barbacena, Benedito Valadares en Uberaba, y la estatua de Machado de Assis, también en bronce, que fue instalada en la entrada de la sede de la Academia Brasileña de Letras, en el Centro de Río de Janeiro. Ejecutor además de la talla en mármol de las sepulturas de la Princesa Isabel y del Conde de Eu, en la Catedral de Petrópolis.
Sus obras integran el acervo del Museu Nacional de Belas Artes y de otros museos de São Paulo. Fuera de Brasil, tiene obras en museos de Argentina y de Portugal.
Murió en 1981.

"Mulher com Amfora / Mujer con ánfora / Woman with amphora" (Rio de Janeiro, Brasil / Brazil)


Textos en inglés / English translation

* On August 1 is the birthday of

Richard Wilson, Welsh landscape painter born in 1714, now considered one of the leading specialists in this genre of the eighteenth century. His taste for art was observed by Sir George Wynne, a relative of his mother, who in 1729 sent him to London to study with Thomas Wright, a portrait painter little known. Then he took an independent course acquired a good practice. 
In 1749 Wilson visited Italy, where he spent six years. In 1755 he returned to England, and became one of the first English landscape painters. 
When set the Royal Academy in 1768 was one of the original members. During his life, his landscapes were not popular, but after his death in 1782, his fame grew and in 1814 about seventy of his works were exhibited at the British Institution. 
He died in 1782.

Sebastiano Ricci, Italian painter of the late Baroque school of Venice born in 1659. About the same age as Piazzetta, and an elder contemporary of Tiepolo, he represents a late version of the vigorous and luminous Cortonesque style of grand manner fresco painting.
He was apprenticed to Federico Cervelli of Venice. Others claim Ricci’s first master was Sebastiano Mazzoni. In 1678, a youthful indiscretion led to an unwanted pregnancy, and ultimately to a greater scandal, when Ricci was accused of attempting to poison the young woman in question to avoid marriage. He was imprisoned, and released only after the intervention of a nobleman. He married the pregnant mother in 1691, although this was a stormy union.
Ricci, leaning at first on the example of splendid art of the Veronese, made a new ideal prevail, one of clear and rich coloristic beauty: in this he paved the way for Tiepolo. The painting of figures of the Roccoco to Venice remains incomprehensible in its evolution without Ricci... (Derschau)
He died in 1734.

* On August 2 is the birthday of

Dirksz Samuel van Hoogstraten, Dutch Baroque painter born in 1627 in Dordrecht. 
On the death of Dirk van Hoogstraten, his father, who was his first teacher, changed residence by leaving Amsterdam and entered the school of Rembrandt. Shortly after, he started as a teacher and portrait painter and began a series of trips that took him to Vienna, Rome and London, finally retiring to Dort. There he married in 1656, and took a position as provost of the mint. 
A sufficient number of works by Van Hoogstraten have been preserved to show that struggled to imitate different styles at different times. In a portrait dating from 1645, now in the Lichtenstein collection of Vienna, imitates Rembrandt. This trend continued until as late as 1653 when he produced the wonderful figure of a bearded man looking out a window. This is one of the most characteristic examples of his style. 
He died in 1678.

Vali Myers, Australian visionary artist, dancer, bohemian and muse of the 50s and 60s in Europe and the US. She was born in 1930.
Born to a violinist mother and marine wireless operator father, Vali displayed a talent for art at an early age. The family moved to Box Hill Melbourne from Sydney, Australia in 1941 and Vali left home at 14. After working in factories to support her dance lessons she became the leading dancer for the Melbourne Modern Ballet Company. In 1949 at age 19 Myers travelled to impoverished post-war Paris to pursue a dance career but found herself living on the streets of Saint-Germain-des-Prés.
Myers was a flamboyant fantasy artist who worked in pen and ink and watercolour as well as being a nightclub dancer.
Her visionary art works developed from early detailed monochromes to a full range of vibrant colours and tones extending to watercolour and gold leaf, displaying a "fastidiously rendered depiction of a personal spirit world". She died in 2003.

* On August 3 is the birthday of

Carlos Enriquez, Cuban painter born in Zulueta (former province of Las Villas, Cuba) in 1900, who is considered one of the artists of the First Cuban Vanguardia. 
Painter with big natural qualities, his only formal study was conducted for a short time at the Academy of Fine Arts in Pennsylvania, returning to his country in 1925. In 1927 two of his works consisting of female nudes were removed from the Exhibition of New Art by "exaggerated realism", which prompted him to go abroad again and went to Spain and France. According to critics, was the time where he did his best. 
In 1935 he settled permanently in his country and began to define new visual guidance, based on the rural atmosphere of Cuba, stage identified as "the peasant ballads". He died in 1957.

Yoshitoshi ABe (安倍 吉俊), Japanese graphic artist born in 1971, who works predominantly in anime and manga. He received his Master of Fine Arts from the Tokyo National University of Fine Arts and Music. His works have an edgy style due to, among other things, his not using a ruler while drawing as is usual for most anime-style art. He first gained fame in his work on the avant-garde anime Serial Experiments Lain. He is also responsible for the concept and character design for the series NieA under 7. He is the creator of the doujinshi Haibane Renmei, which was then adapted into an anime.
Abe Yoshitoshi first began his career as a teen in Tokyo who was first recognized as a graffiti artist, who regularly got into legal problems with his art. His concepts for all his later works are said to be inspired by this time of his life and has projected a dark theme into his anime character designs
He is a fairly tech-savvy manga artist, drawing a sketch with just his finger and an application on an iPad.

* On August 4 is the birthday of

Hedda Sterne, Romanian-born artist (1910), member of the first generation of Abstract Expressionist painters. 
Her career began in the late thirties, when she exhibited with the Surrealists in Paris. She excelled as a printmaker and earned nationally renowned in the forties and fifties by exhibit with the abstract expressionists Jackson Pollock, Willem de Kooning, Barnett Newman and Mark Rothko, but maintained a stubborn independence of style and trends. 
Her works are in the collection of museums including the MoMA in New York, the National Gallery of Art in Washington DC and the National Museum of Women Artists in Washington DC. She died on April 8, 2011 at 100 years old.

Pieter Coecke van Aelst, Flemish painter born in 1502, appointed court painter to Charles V, Holy Roman Emperor, in 1534
The son of Pieter van Aelst the elder, a tapestry weaver. He studied under Bernaert van Orley and later lived in Italy before entering the Antwerp Guild of painters in 1527. In 1533, he travelled to Constantinople for one year in a failed attempt to establish business connections for his tapestry works. Van Aelst established a studio in Brussels in 1544, where he created paintings and produced ontwerpen (small-scale drawings) and full-scale cartoons for tapestries. His students include Gillis van Coninxloo, Willem Key, Hans Vredeman de Vries, Michiel Coxcie, and possibly Pieter Brueghel the Elder, who would eventually marry van Aelst's daughter, Mayken. His second wife, Mayken Verhulst, was an artist as well, and, according to Carel van Mander, the first teacher of her grandchildren, Pieter Brueghel the Younger and Jan Brueghel the Elder. Van Aelst's studio is also well known for its engraved works.
He died in 1550.

* On August 5 is the birthday of

Naum Gabo, prominent Russian Constructivist sculptor born in 1890, a pioneer of kinetic art. 
In 1907 began to paint and draw. In 1912 visit his brother, Antoni Pevsner, in Paris. The following year contact expressionists of Der Blaue Reiter in Munich. 
Return to Russia at the outbreak of the October Revolution and settled in Moscow, sharing workshop with Pevsner; liaises with Kandinsky, Malevich and Tatlin, in a period of great theoretical discussions. 
In 1920 he made his first kinetic constructions and wrote along with Pevsner, the Realistic Manifesto. In 1922 he is allowed to leave Russia and settled in Berlin, where he participates in the First Russian Art Exhibition, organized by the Soviet government in Van Diemen's gallery. 
In 1939 he moved to London, leaving in 1946 to move to the United States where he lived until his death in Middlebury in 1977.

Ilya Yefimovich Repin (Илья́ Ефи́мович Ре́пин), Russian realist painter born in 1844. He was the most renowned Russian artist of the 19th century, when his position in the world of art was comparable to that of Leo Tolstoy in literature. He played a major role in bringing Russian art into the mainstream of European culture.
He entered military school in 1854 and in 1856 studied under Ivan Bunakov, a local icon painter. He began to paint around 1860. He met fellow artist Ivan Kramskoi and the critic Vladimir Stasov during the 1860s.
In 1874–1876 he showed at the Salon in Paris and at the exhibitions of the Itinerants' Society in Saint Petersburg. He was awarded the title of academician in 1876.
In 1901 he was awarded the Legion of Honour. He died in 1930.

* On August 6 is the birthday of

Lajos Vajda, Hungarian Painter born in 1908.
He was a student of István Csók at the Hungarian Academy of Fine Arts in 1927-30. He studied together with Dezsõ Korniss at Fernand Léger in Paris in 1930-34 where he was introduced to cubism and surrealism.
He lived and worked in Szentendre, Hungary. Following the method of composers Béla Bartók and Zoltán Kodály he collected folk art motifs in Szentendre and Szigetmonostor for his artworks. He combined religious symbols, architectural and folk art motifs, abstract, figurative, and surrealistic elements on his pictures to create complex visionary images. His last abstract surreal drawings foreshadow the horrors of World War II. He died of tuberculosis in 1941.

Sir Gordon Howard Eliot Hodgkin CH, CBE, British painter and printmaker born in 1932. His work is most often associated with abstraction.
Hodgkin, a cousin of the English still life painter Eliot Hodgkin (1905–87), was educated at Eton College and then at Bryanston School in Dorset. He then studied at the Camberwell Art School and later at the Bath Academy of Art in Corsham.
Hodgkin's first solo show was in London in 1962. His early paintings tend to be made up of hard-edged curved forms in a limited number of colours.
Around the beginning of the 1970s, Hodgkin's style became more spontaneous, with vaguely recognisable shapes presented in bright colours and bold forms. His works may then be called "semi-abstract", and are often compared to the paintings of Henri Matisse.
A major exhibition of his work was mounted at Tate Britain, London, in 2006.

* On August 7 is the birthday of

Emil Nolde, one of the most remarkable Expressionist German painters, born in 1867.
More images and information in the previous post.

Togrul Farman oglu Narimanbekov, one of the prominent modern Azerbaijani artists born in 1930.
Toghrul Narimanbeyov studied at Azerbaijan Art School named after Azim Azimzade, then, from 1950 to 1955, at Lithuania Institute of Fine Arts.
He is the laureate of the USSR State Prize (1980) and People's Artist of Azerbaijan (1967). He lived in Paris and had a French citizenship.
He assumed that, it is necessary for arts to return to origins of national culture. He described his creativity as a combination of abstract and figurative arts.
He died in 2013.

* On August 8 is the birthday of

Paul Belmondo, French sculptor and engraver of medals, born in 1898 in Algiers, father of Jean-Paul Belmondo. Passionate about drawing, began modeling at the age of 13. He began his studies in architecture at the Ecole des Beaux-Arts in Algiers, interrupted by World War II. Gassed at the Battle of St. Mihiel in 1917, was demobilized in 1919. 
He won the Blumenthal Prize and the Prix de Rome for sculpture in 1926. Appointed Commander of the Legion of Honor and the Order of Arts and Letters. Officer of the Order of Leopold of Belgium. 
Belmondo's work followed the neoclassical academic style, the pursuit of harmonious forms with simple lines and smooth surfaces. 
He died at age 83 in Paris.

Jean Fréour, French sculptor born in 1919. 
Figurative sculptor, Jean Fréour studied at Nantes and Morocco. Back in France completed his Bachelor at Bordeaux and decided to become a sculptor. 
He was admitted to the École des Beaux-Arts in 1936 and attended for a short period to the workshop of Henri Bouchard at the National Fine Arts School of Paris (1941). He became a member of the Breton artistic movement Seiz Breur. 
In 1952, he was part of the 23rd artistic promotion for residents of the Casa de Velázquez in Madrid and lived there for a year. 
He sculpted all kinds of materials: slate, marble, onyx, African wood and Bluestone. He also produced bronze statues. His works are marked by the seal of regionalism and Breton identity impregnated Catholicism. 
He died in 2010.

* Today, August 9 is the birthday of

François Roffiaen, Belgian artist born in 1820, specializing in the representation of alpine landscapes. In Namur, a city he goes, as he himself points out, "the best years of his existence", frequented the Ateneo and the Academy of Painting. Follow artistic studies at the Academy of Brussels (1839-1842) and then attended the studio of Pierre-Louis Kühnen in Brussels . 
Deeply impressed by Alexandre Calame works, goes to Geneva in the fall of 1846 and remained for six months with this teacher before discovering the mountains by himself. Many other trips still familiarizing with the scenery: Switzerland, Austria, Upper Bavaria and Upper Savoy. He becomes one of the pioneers of Kampina Painting, a school today unfortunately forgotten. The years 1850-1860 were the most successful: numerous sales in Belgium, the United Kingdom and the United States, works acquired by the Shah of Persia, and by Belgian and British royal house. He died in 1898.

Bartolomeu Cozzo, better known as Humberto Cozzo,  Brazilian sculptor and mosaic artist, born in 1900 in São Paulo. 
Trained at the School of Arts and Crafts in São Paulo in 1920, then attended the workshop of Amadeu Zani. Among the awards he received include the first prize for sculpture at Centennial Hall in São Paulo in 1922, and a silver medal at the National Exhibition of Fine Arts, 1928. He performed various works for public spaces, like bronze monuments of José de Alencar Fortaleza, Bias Fortes Barbacena, Benedito Valadares in Uberaba, and the statue of Machado de Assis, also in bronze, which was installed at the entrance of the headquarters of the Brazilian Academy of Letters, at the Center for Rio de Janeiro. He sculpted also the marble sculptures at the tombs of Princess Isabel and Count of Eu, in the Cathedral of Petrópolis. 
His works are part of the collection of the Museu Nacional de Belas Artes and other museums in São Paulo. Outside of Brazil, there are works in museums in Argentina and Portugal. 
He died in 1981.

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Aniversarios, Fotografía (XXVIII) [Agosto / August 1-10]

August 10, 2014, 4:56 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Agosto es el cumple de

Gerda Taro (Gerta Pohorylle), fotógrafa de guerra nacida en 1910 en Stuttgart, compañera sentimental y profesional del fotógrafo Robert Capa. Taro es reconocida como la primera mujer fotoperiodista de guerra en cubrir los frentes de batalla, y en morir haciéndolo.
En 1929 la familia se mudó a Leipzig, justo antes del comienzo del régimen Nazi. Taro se opuso al Partido Nazi, uniéndose a grupos de izquierda. En 1933, fue arrestada y detenida por distribuir propaganda anti-Nazi.
En 1936 recibió su primera credencial como fotoperiodista. Luego, ella y su pareja Endre Friedman diseñaron un plan. Ambos tomaban fotografías de noticias, pero las vendían como el trabajo del inexistente fotógrafo estadounidense Robert Capa, un nombre muy conveniente teniendo en cuenta la creciente intolerancia política reinante en Europa, y perteneciendo al lucrativo mercado estadounidense. El secreto no duró mucho, pero Friedman conservó el nombre más comercial de "Capa" en lugar del suyo propio, mientras que Gerta adoptó el de "Gerda Taro", en honor al artista japonés Tarō Okamoto y la actriz sueca Greta Garbo.
Cuando estalló la Guerra Civil Española, en 1936, Taro viajó a Barcelona para cubrir los eventos con Capa y David "Chim" Seymour. Adquirió el mote de "La pequeña rubia". Cubrieron juntos la guerra en el nordeste (Aragón) y el sur (Córdoba).
Gerta murió en 1937.

"Robert Capa", 1938

Más sobre Robert Capa en "El Hurgador" / More about Robert Capa in this blog:
[Manos a la obra (V)]


El 2 de Agosto es el cumple de

Hiroji Kubota (久保田 博二), renombrado fotógrafo japonés nacido en 1939, miembro de Magnum Photos, especializado en fotografiar el Lejano Oriente.
Estudió ciencias políticas en la Universidad Waseda, graduándose en 1962. En 1961 conoció a los fotógrafos de Magnum René Burri, Elliott Erwitt y Burt Glinn. Luego estudió periodismo y política internacional en la Universidad de Chicago, y se convirtió en asistente de Erwitt y Cornell Capa. Desde 1965 trabajó como fotógrafo freelance.
Kubota fotografió la elección presidencial estadounidense en 1968, y luego las islas Ryūkyū antes de su regreso a Japón en 1972. Luego fotografió en Saigón (1975), Corea del Norte (1978), China (1979 - 1985) y Estados Unidos (1988 - 1992), dando como resultado libros y exposiciones.

Indonesia. Banda Aceh. Sumatra. 1998. Los musulmanes celebran la primera mañana después del fin del mes de Ramadán, llamada Idulfitri / 
Muslims celebrate the first morning after the end of the Ramadan fasting month, calling it Idulfitri.


El 3 de Agosto es el cumple de

Harry Webber, fotógrafo freelance nacido en 1976 con estudio en Berlín, especializado en gente, retratos, publicidad y fotografía callejera.
Entre 2001 y 2006 ha trabajado como asistente con varios fotógrafos en diferentes campos, tales como gente, retratos, así como fotografía de coches y paisajes por el mundo.
Desde 2002 ha desarrollado sus propios proyectos artísticos y editoriales. Actualmente también enseña fotografía en la Miami Ad School en Berlín.
Es miembro profesional de BFF (Asociación Alemana de fotógrafos y cineastas)
Sitio web del artista: http://www.harry-weber.com/

"Serie Retratos en negro / Portraits on Black Series"


El 4 de Agosto es el cumple de

Rebecca Lepkoff, fotógrafa estadounidense nacida en 1916. En los años '40, fotografió escenas callejeras en el Lower East Side de Manhattan.
Trabajando como bailarina en la Feria Mundial de 1939, ahorró lo bastante como para comprar un cámara Borlander de segunda mano. Fascinada por la zona donde vivía, primero fotografió las calles Essex y Hester. Ella recuerda que "estaban llenas de carros de mano". Ya no existen hoy en día, pero por aquél entonces "todo estaba fuera: madres con sus cochecitos de bebé, y hombres pasando el rato". Sus fotografías capturaron a la gente de las calles, especialmente niños, así como los edificios y marquesinas.
En 1950 también fotografió a la gente que trabajaba y jugaba en Vermont. Presentan la zona antes de que su carácter cambiara con calles pavimentadas y veraneantes. En los '70 fotografió la siguiente generación de habitantes en una serie llamada "Los Hippies de Vermont".
Sitio web de la artista: http://www.rebeccalepkoff.com/

"Tercera Avenida y Plaza Chatham / Third Avenue El and Chatham Square", c.1940s
De 'Vida en Lower East Side: Fotografías de Rebecca Lepkoff, 1937-1950' / 
From Life on the Lower East Side: Photographs By Rebecca Lepkoff, 1937-1950


El 5 de Agosto es el cumple de

Ariane Lopez-Huici, fotógrafa francesa nacida en 1945 que vive entre Nueva York y París.
Ha recibido un fuerte interés de la crítica por promientes escritores e historiadores del arte. Su obra se centra en el cuerpo humano, transgrediendo constantemente los cánones de belleza. Para acentuar las zonas oscuras de la aventura humana, utiliza la fotografía en blanco y negro, marcada por un granulado intenso y negros profundos. Sus series Aviva, Dalila y Holly, muestran su pasión por los cuerpos al estilo de Rubens. Sus series africanas Adama&Omar y Kenekoubo Ogoïre revelan su interés por cualquier clase de expresión sensual y física. Las series Rebelles y Triumph, lidian con un grupo de mujeres voluptuosas afirmando su majestuosidad. Y una de sus series más recientes, Priscille (2009 - 2011), retratos desnudos de una modelo amputada, afirman, en la tradición de Rodin, la verdadera belleza y personalidad de un cuerpo fragmentado.
Como dice Francis Marmade, ella "ilumina a la modelo dándole la fuerza para transgredir lo que vemos o lo que no vemos."

"Priscille"


El 6 de Agosto es el cumple de

Richard Crump Miller, fotógrafo estadounidense nacido en 1912, conocido por sus fotografías vintage carbro (ozobromo), fotos de celebridades y su trabajo de documentación de la Hollywood Freeway.
El interés de Miller en la fotografía se desarrolló cuando era un niño y jugaba con la cámara de su padre. Su pasión le condujo a aumentar sus conocimientos sobre los fotógrafos reconocidos y cuando supo que Edward Weston se movía por los alrededores, se le acercó para presentarse. 
En 1941, durante la Segunda Guerra Mundial, Miller consiguió un empleo en la aviación estadounidense, donde conoció a Brett Weston. Los cupones de racionamiento de gasolina de Miller y Weston les permitieron conducir fuera del Valle y fotografiar en su tiempo libre. Cuando la guerra terminó, Miller consiguió un puesto como impresor, lo que le permitió probar materiales y desarrollar sus propias impresiones en Gasparcolor (más tarde Cibachrome).

"James Dean durante una pausa en el rodaje de Gigante / 
James Dean, Giant, a break on the set", 1955 © Richard C. Miller


El 7 de Agosto es el cumple de

Leonardo Ampuero es un fotógrafo ecuatoriano/chileno, nacido en 1983 en Guayaquil. 
Realizó sus estudios de Diseño Gráfico y Publicidad en la ESPOL en Guayaquil.
Entre los premios que ha recibido se encuentran el Concurso Iberoamericano de Proyectos Fotográficos “Saltando Muros” (Ecuador) o el Buscador Fotográfico (España).
Leonardo se refiere a todos los proyectos que ha realizado como sus hijos, les dedica a cada uno su tiempo, trabajo y cariño, los quiere a todos por igual y trata de entregar lo mejor en cada uno de ellos.

“Sólo un beso / Just a Kiss” © Leonardo Ampuero
Fotografía ganadora en la / 
photo winner on the 1ª Jornada Chile en Controversia: Feminismo, Diversidad y Disidencia Sexual


El 8 de Agosto es el cumple de

Donald Miralle, fotógrafo nacido en Los Angeles, California, en 1974. Con más de 30 premios internacionales en su haber, Donald es especialmente conocido por sus imágenes deportivas.
Se graduó con una licenciatura en artes. Trabajó con Allsport hasta que la compañía se fusionó con Getty Images, donde como jefe del equipo de fotografía, cubrió 6 Super Bowls, cinco juegos Olímpicos, tres Juegos Panamericanos, los Másters, Indianápolis 500, las Series Mundiales y otros grandes eventos deportivos por todo el mundo. 
Después de 10 años dejó su puesto en Getty Images por una carrera freelance con clientes comerciales y editoriales. Ha trabajado por encargo para ESPN la Revista, Sports Illustrated, Newsweek, The New York Times, Golf Digest, y Men's Journal. Miralle también ha realizado fotografía comercial para Nike, Gatorade, Adidas, Visa, Toyota y otras.
Sitio web del artista: http://www.donaldmiralle.com/

"El récord mundial de los 100 y 200 m. espalda Aaron Peirsol compitiendo en el Gran Premio de Santa Clara, California / 
World-record holder in the 100-meter and 200-meter backstroke events Aaron Peirsol competing in the Santa Clara Grand Prix in California"
(Photo by Donald Miralle/Getty Images)


El 9 de Agosto es el cumple de

João Silva, fotógrafo de guerra portugués nacido en 1966, radicado en Johannesburgo, Sudáfrica. Es el último miembro activo del Club Bang-Bang, un grupo de fotógrafos que cubrieron Sudáfrica desde la liberación de Nelson Mandela hasta las primeras elecciones en 1994. Silva ha trabajado en África, los Balcanes, Asia Central, Rusia y Medio Oriente. El 23 de octubre de 2010, Silva pisó una mina mientras patrullaba con soldados estadounidenses en Kandahar, Afganistán, y perdió su pierna izquierda por debajo de la rodilla, y su pierna derecha por encima.
En 2012 Silva fue galardonado con la Ordem da Libertade por el gobierno portugués, una Orden con la que se premia a individuos que han dedicado sus vidas al avance de la dignidad humana y la causa de la libertad.
Sitio web del artista: http://www.joaosilva.co.za/

Presos en la prisión Maula duermen en el piso. Están tan apiñados que sólo pueden girarse cuando uno de los prisioneros designado para ello los despierta y lo hacen en masa. Lilongwe, Malawi. Segundo premio, Temas contemporáneos, World Press Photo, 2005 / 
Inmates of the Maula Prison sleep on the floor. They are so tightly packed that they turn over only when a designated prisoner wakes them to do so en masse. Lilongwe, Malawi. 2nd prize, Contemporary Issues, World Press Photo, 2005.


Hoy, 10 de Agosto, es el cumple de

Rolf Sachs, artista / diseñador nacido en Alemania en 1955.
Consumado artista y diseñador, Rolf Sachs se le reconoce por su distintivo abordaje multidisciplinar. Su obra se mueve libremente entre el arte y el diseño, objetos, espacios y medios visuales. Destaca por sorprender a las audiencias, animándolos a cuestionar preconceptos y observar los objetos desde una perspectiva diferente.
La obra de Sachs se inspiró inicialmente en los principios del minimalismo: decoración restringida, ángulos rectos deconstruidos y esquinas agudas fueron las características que definían su obra, realizada predominantemente en fieltro y madera sólida. Materiales con "alma".
Sachs creó una obra basada en el subconsciente que aspira a acceder a la memoria colectiva. El hilo conductor que corre a través de su obra es su pasión por la experimentación y la invención, lo que le lleva a cuestionar las aplicaciones de los materiales y el uso de los objetos cotidianos.
Sitio web del artista: www.rolfsachs.com

"Cámara en movimiento / Camera in Motion", #26


Textos en inglés / English translation

* On August 1 is the birthday of

Gerda Taro (Gerta Pohorylle), war photographer born in 1910 in Stuttgart, and the companion and professional partner of photographer Robert Capa. Taro is regarded as the first female photojournalist to cover the front lines of a war and to die while doing so.
In 1929 the family moved to Leipzig, just prior to the beginning of Nazi Germany. Taro opposed the Nazi Party, joining leftist groups. In 1933, she was arrested and detained for distributing anti-Nazi propaganda.
In 1936, Pohorylle received her first photojournalist credential. Then, she and his partner Endre Friedmann devised a plan. Both took news photographs, but these were sold as the work of the non-existent American photographer Robert Capa , which was a convenient name overcoming the increasing political intolerance prevailing in Europe and belonging in the lucrative American market. The secret did not last long, but Friedman kept the more commercial name "Capa" for his own name, while Pohorylle adopted the professional name of "Gerda Taro" after the Japanese artist Tarō Okamoto and Swedish actress Greta Garbo.
When the Spanish Civil War broke out (1936), Gerda Taro travelled to Barcelona, Spain, to cover the events with Capa and David "Chim" Seymour. Taro acquired the nickname of La pequeña rubia ("The little blonde"). They covered the war together at northeastern Aragon and at the southern Córdoba
She died in 1937.

* On August 2 is the birthday of

Hiroji Kubota (久保田 博二), renowned Japanese photographer born in 1939, a member of Magnum Photos who has specialized in photographing the far east.
Kubota studied politics at Waseda University, graduating in 1962. In 1961 he met the Magnum photographers René Burri, Elliott Erwitt, and Burt Glinn. He then studied journalism and international politics at the University of Chicago, and became an assistant to Erwitt and Cornell Capa, in 1965, a freelance photographer.
Kubota photographed the 1968 US presidential election and then Ryūkyū islands before their return to Japan in 1972. He then photographed Saigon in 1975, North Korea in 1978, and China in 1979–85, and the USA in 1988–92, resulting in books and exhibitions.

* On August 3 is the birthday of

Harry Webber, freelance photographer born in 1976 with studio in Berlin, specialised in people, portrait, advertising and street photography.
Between 2001 and 2006 he was working as a longterm photographic assistent with various photographers in different photographic fields such as people and portrait as well as landscape and car photography around the world.
Since 2002 he develop his own art projects and editorials. Currently also lecturing photography at the Miami Ad School in Berlin.
He es a professional Member of BFF (German assoziation of photographers & filmmakers).
Artist's website: http://www.harry-weber.com/

* On August 4 is the birthday of

Rebecca Lepkoff, American photographer born in 1916. In the 1940s, she photographed street scenes on the Lower East Side of Manhattan.
Working as a dancer at the 1939 World's Fair, she saved enough money to buy a second-hand Borlander camera. Fascinated by the area where she lived, she first photographed Essex and Hester Streets which, she recalls, "were full of pushcarts." They no longer exist today but then "everyone was outside: the mothers with their baby carriages, and the men just hanging out." Her photographs captured people in the streets, especially children, as well as the buildings and the signs on store fronts.
In 1950, she also photographed people at work and play in Vermont. They present the area before its character was changed with paved roads and vacationers. In the 1970s, she photographed the next generation of inhabitants in a series she called Vermont Hippies.

* On August 5 is the birthday of

Ariane Lopez-Huici, French photographer born in 1945 living between New York and Paris. 
She has received a strong critical interest from prominent art historians and writers. Lopez-Huici’s work is focused on the human body, constantly transgressing conventional canons of beauty. To accentuate the shadowy areas of the human adventure, she uses black and white photography marked with a pronounced grain and deep blacks. Her series Aviva, Dalila, and Holly show her passion for Rubenesque bodies. Her African series Adama&Omar and Kenekoubo Ogoïre reveal her interest for any kind of physical and sensual expression. The series Rebelles and Triumph deal with a group of voluptuous women asserting their majesty. And one of her most recent series Priscille (2009–2011), nude portraits of a handicapped model, affirms, in the tradition of Rodin, the true beauty and personality of the fragmented body. 
As Francis Marmande says, she “illuminates the model, gives her the strength to transgress what we see or what we do not see.”

* On August 6 is the birthday of

Richard Crump Miller, American photographer born in 1912, best known for his vintage carbro prints, photos of celebrities, and work documenting the Hollywood Freeway.
Miller's interest in photography developed when he was a child and toyed with his father’s 3¼x4¼ folding roll-film camera. His passion for photography led to his increase in knowledge about established photographers, and when he found out Edward Weston was moving nearby he went over to introduce himself.
In 1941, during the Second World War, Miller got a job at North American Aviation, where he met Brett Weston. Miller and Weston's pooled gas ration coupons enabled them to drive out to the Valley and photograph in their free time. When the war ended, Miller took a position as a printer where he was able to test materials and develop his own prints in Gasparcolor (later to become Cibachrome).

* On August 7 is the birthday of

Leonardo R. Ampuero, Ecuadorian / Chilean photographer, born in 1983 in Guayaquil. 
He studied Graphic Design and Advertising at the ESPOL in Guayaquil. 
Among the awards he has received are the Latin American Competition of Photographic Projects "Jumping Walls" (Ecuador) or Photo Finder (Spain). 
Leonardo refers to all the projects he has done as his children, each of them dedicated their time, labor and love, love them all equally and tries to deliver the best in each of them.

* On August 8 is the birthday of

Donald Miralle, photographer born in Los Angeles, California in 1974. With more than 30 international awards to his credit, Donald is especially known for his sports photography imagery.
He graduated with a Bachelors of Arts degree. Miralle worked with Allsport through the company's 1998 merger with Getty Images, where as a senior staff Photographer, Miralle covered six Super Bowls, five Olympic Games, three Pan American Games, The Masters, The Indianapolis 500, The World Series and other major sporting events worldwide.
After 10 years, Miralle resigned from his staff position at Getty Images to pursue a freelance career with editorial and commercial clients. He has worked on assignments for ESPN the Magazine, Sports Illustrated, Newsweek, The New York Times, Golf Digest, and Men's Journal. Miralle has also shot commercially for Nike, Gatorade, Adidas, Visa, Toyota and more.

* On August 9 is the birthday of

João Silva, war photographer born in Portugal, 1966, based in Johannesburg, South Africa. He is the last working member of the Bang-Bang Club, a group of photographers who covered South Africa from the time of Nelson Mandela's release to the first elections in 1994. Silva has worked in Africa, the Balkans, Central Asia, Russia, and the Middle East. On 23 October 2010, Silva stepped on a landmine while on patrol with US soldiers in Kandahar, Afghanistan and lost his left leg below the knee, and his right leg above it.
In 2012 Silva was awarded the Ordem da Liberdade by the Portuguese Government, It is awarded to individuals who have dedicated their lives to advancing the dignity of humankind and the cause of freedom.
Artist's website: http://www.joaosilva.co.za/

* Today, August 10, is the birthday of

Rolf Sachs, German-born (1955) artist/designer.
Accomplished artist and designer, Rolf Sachs is renowned for his distinctive multi-disciplinary approach. His work moves freely between art and design, objects, spaces and visual medium. He is renowned for surprising audiences – encouraging them to question preconceptions and view objects from a different perspective.
Sachs’ work was initially inspired by the principles of minimalism. Restrained decoration, deconstructed right angles and sharp corners were the defining characteristics of his work, predominantly made from felt and solid wood – natural materials with a ‘soul’.
Sachs creates work that draws upon the subconscious and aims to gain access to the collective memory. The common thread that runs through his work is his passion for experimentation and invention, which drives him to challenge the applications of materials and the use of everyday objects.
Artist's Website: www.rolfsachs.com

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Alejandro Carosella [Pintura]

August 11, 2014, 1:10 am
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En la obra del joven artista argentino Alejandro Carosella, me ha llamado la atención la aparente sencillez de su propuesta estética, esa "simplicidad tan compleja", que decía mi amiga Shirley de los perros de Picasso. Y no es casual porque las referencias a Picasso, Braque o Gris son más que evidentes en las composiciones del artista. Como él mismo dice, «Yo creo que todavía soy el mismo chico que se tiraba al piso a dibujar y hacer garabatos en los papeles. Y es lo que a uno lo lleva a seguir en este camino: lo lúdico, lo divertido y lo simple.»

In the work of the young Argentinian artist Alejandro Carosella, I was struck by the apparent simplicity of his aesthetic proposal, that "so complex simplicity", saying my friend Shirley about Picasso's dogs. And it is not a coincidence because references to Picasso, Braque and Gris are evident in the compositions of the artist. As he says: «I think I'm still the same child laying on the floor drawing and scribbling on paper. And that's what makes me continue on this path: the playful, the fun and simple.»
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Alejandro Carosella


Alejandro Carosella es un artista argentino que cursó sus estudios en la Escuela Municipal de Artes Visuales de Lomas de Zamora, egresando en el 2001.
Ha realizado un buen número de exposiciones individuales desde 2004.
A fines de 2005 fue convocado por la Dirección Nacional del Antártico a participar del Programa Antártico, en la campaña 2005/2006.

"El silencio de una copa / The Silence of a Cup", óleo sobre tela / oil on canvas, 40 x 50 cm., 2013

Izq./ Left: "Elevación / Height", óleo sobre tela / oil on canvas, 60 x 100 cm., 2010
Der./ Right: "Rayada / Striped", óleo y acrílico sobre tela / oil and acrylic on canvas, 60 x 100 cm., 2011

Sobre la serie de pinturas de la Antártida, comenta Alejandro:
«Mi obra en sí refleja la vida del hombre en armonía con la naturaleza en su estado más puro.
Refleja el respeto del hombre hacia la naturaleza, refleja lo muy pequeños que somos ante lo que siempre pensamos que podíamos dominar, hay que mirar el inmenso mar congelado desde la playa y mirar alrededor y ver el horizonte infinito.»

"Dulce marea / Sweet Tide", óleo y acrílico sobre tela / oil and acrylic on canvas, 40 x 50 cm., 2011

"Luis Alberto", (pintura y detalle / painting and detail)
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 40 x 80 cm., 2012

«Las grandes cuestiones que definen nuestra humana condición, suelen invocarnos desde las cosas más simples y los sitios menos esperados. Nunca sabremos en qué rincones secretos nos está esperando el encanto, hasta que un artista nos lo hace visible.
Y allí está Alejandro Carosella, cumpliendo esa tarea de develarnos lo mágico y lo profundo secretamente contenido en las cosas más sencillas. Le basta un mantel tendido, algunas frutas, los juegos de la niñez, o entrañables rincones suburbanos, para alumbrar con maestría pinturas tan maduradas como sensibles, y desplegar ante nuestros ojos un caleidoscopio donde, transmutado en arte, cabe el universo entero.»
Víctor G. Fernández, curador, crítico de arte y actual Director del Museo de Bellas Artes Benito Quinquela Martín de Buenos Aires.

"Belleza simple / Simple Beauty", óleo sobre tela / oil on canvas, 27 x 35 cm., 2013

Le comenté a Alejandro respecto a su obra que me resultaba muy interesante esa propuesta de pintura al óleo, por momentos tan similar a la ilustración digital. Me dice:
«...me empezó a interesar como una visión más actual por sus resoluciones plásticas, me parecen interesantes como para no desestimar y sumar a los elementos plásticos tradicionales. Igualmente soy de la vieja escuela, de la de las Bellas Artes, del oficio de pintor.
Soy un enamorado de la buena pintura, del color de Van Gogh, de la estructuras de Juan Gris, de Braque, de los quiebres de Picasso, de Seurat, de Pettoruti y la lista sigue.»

"Julio Cortázar", óleo y acrílico sobre tela / oil and acrylic on canvas, 70 x 50 cm., 2011. 
Colección privada / Private Collection

«Soy un agradecido eterno al Arte, en especial a la pintura, y un comprometido con el camino que elegí.»

"El santo / The Saint", óleo sobre tela / oil on canvas, 50 x 40 cm., 2011

«...su obra está impregnada de un tono poético, su imagen está construída desde la luz, el color, la estructura cobra un lugar sobresaliente en su trabajo, Alejandro Carosella arma un andamiaje de luces, formas y colores, se descubre una lírica propia que magnifica el clima que se percibe en su trabajo, habla de poesía, así como los títulos de su obra, que en este caso, forman parte del relato. Así Alejandro expresa la belleza de lo cotidiano, posa su mirada en elementos que para él cobran sentido , el sol, un árbol, una calandria.»
Liliana Khoury. Texto completo en su blog.

"Botella y yeso / Bottle and Plaster", óleo sobre tela / oil on canvas, 40 x 50 cm., 2013

Alejandro Carosella is an Argentinian artist. He studied at the Escuela Municipal de Artes Visuales de Lomas de Zamora, graduating in 2001. 
He has performed a number of solo exhibitions since 2004. 
He was invited by the Dirección Nacional del Antártico to participate in the Antarctic Campaign 2005/2006.

Izq./ Left: "El mate del pintor / The Mate of the Painter"
Óleo y acrílico sobre tela / oil and acrylic on canvas, 50 x 70 cm., 2011. Colección privada / Private Collection
Der./ Right: El pajaro canta hasta morir (lo cazó un gato) / The bird sings to death (he was hunted by a cat)
Óleo y acrílico sobre tela / oil and acrylic on canvas, 50 x 70 cm., 2010

On a series of paintings of Antarctica, said Alejandro: 
«My work itself reflects the life of man in harmony with nature in its purest form. 
It reflects man's respect for nature, reflects the very small we are, facing what we ever thought we could dominate, we must look at the vast frozen sea from the beach and look around and see the infinite horizon.»

"Los cornalitos están listos / Silversides are Ready"
Acrílico y óleo sobre tela / oil and acrylic on canvas, 70 x 50 cm., 2010

"Madre Tierra / Motherland"
Acrílico y óleo sobre tela / oil and acrylic on canvas, 100 x 80 cm 2011. Colección privada / Private Collection

"Copa de la abundancia / Cup of Abundance", óleo sobre tela / oil on canvas, 27 x 35 cm., 2013

«The major issues that define our human condition, often invoke us from simple things and the most unexpected places. We will never know at which secret corners charm is waiting for us, until an artist makes it visible. 
And there's Alejandro Carosella, fulfilling that task of unveil the magical thing, and the deep secret contained in the simplest things. One tablecloth, some fruits, childhood games, or endearing suburban corners are enough to masterfully illuminate with paintings, as matured as sensitive, to unfold before our eyes a kaleidoscope where the entire universe fits transmuted into art.»
Víctor G. Fernández, Art Critic, Curator and the Director of the Museum of Fine Arts Benito Quinquela, Buenos Aires.

"Entre el cráneo y las zapatillas / Between the Skull and the Sneakers"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 70 cm., 2008

Izq./ Left: "Kunturi", óleo sobre tela / oil on canvas, 70 x 90 cm., 2008
Der./ Right: "Yaguareté", óleo sobre tela / oil on canvas, 70 x 90 cm., 2008

I commented to Alejandro about his work, that I found very interesting that proposal of oil painting, at times so similar to digital illustration. He says: 
«... I became interested as a newer vision for their plastic resolutions, I find it interesting enough not to dismiss, but add to traditional plastic elements. Also I'm from the old school of Fine Arts, the painter's craft. 
I am a lover of good painting, the color of Van Gogh, the structures of Juan Gris, Braque, Picasso's breaks, Seurat, Pettoruti and the list goes on.»

"Escalas de reflexiones / Scales of Reflections", óleo sobre tela / oil on canvas, 50 x 40 cm., 2013

«I am an eternal grateful to Art, especially painting, and committed to the path I chose.»

"Paisaje de barrio / Neighborhood Landscape"
Acrílico y óleo sobre tela / oil and acrylic on canvas, 40 x 50 cm., 2010

"Tormenta / Storm", óleo sobre tela / oil on canvas, 35 x 27 cm., 2013

"Zapallo / Pumpkin", óleo sobre tela / oil on canvas, 40 x 30 cm., 2013

«... his work is imbued with a poetic tone, his images are constructed from the light, the color, the structure takes on a prominent place in his work, Alejandro Carosella construct an scaffold of lights, shapes and colors. An own lyric is discovered, magnifying the climate perceived in his work, speaks of poetry as well as the titles of his work, which in this case are part of the story. So Alejandro expresses the beauty of the everyday, his gaze rests on elements that make sense to him, the sun, a tree, a calender.»
Liliana Khoury. Full text in her blog.

Más imágenes e información en / More images and information in:
Blog, Facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Alejandro!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alejandro!)

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Masami Teraoka [Pintura]

August 12, 2014, 12:55 am
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Fascinante la obra de este artista japonés, que fusiona estilos y técnicas clásicas orientales con temas de las más pura actualidad. En sus creaciones abundan la crítica, el humor, las referencias a sus tradiciones y las siempre complicadas cuestiones del choque cultural entre oriente y occidente.

Fascinating work of this Japanese artist, fusing classical Oriental styles and techniques with today issues. In his creations abound criticism, humor, references to his traditions and the always complicated themes of culture clash between East and West.
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Masami Teraoka
寺岡政美


«Nací en 1936 en Onomichi, Hiroshima-ken, Japón, en la isla interior. Mi padre Masao heredó de mi abuelo una tienda de kimonos y allí fue donde me crié. Debido a esta experiencia, mi padre soñaba que su único hijo se convertiría algún día en un artista creativo en vez de sucederlo en la tradición del "hijo más viejo"
Estudié historia del arte y estética en la Universidad Kwansei Gakuin entre 1954 y 1959. Me gradué con una licenciatura en estética. Asistí al instituto de arte Otis en Los Ángeles entre 1964 y 1968, donde recibí una licenciatura y un máster.»

"Hawaii Snorkel Series - Vista desde aquí a la Eternidad / View from Here to Eternity"
Xilografía, aguafuerte, aguatinta y tinta sobre papel / 
woodcut, etching, aquatint and ink on paper, 64,5 x 96,9 cm., 1993.
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

"Los claustros - Nacimiento de Venus / The Cloisters - Birth of Venus"
Óleo sobre lienzo en marco de pan de oro / 
oil on canvas in gold-leaf frame, 90” x 94”, 2002-2005

«En mi carrera he pintado sobre temas desde el matrimonio gay, las confesiones en los shows de TV sobre el estilo de vida estadounidense, confesiones recientes de pastores, política, asuntos internacionales, invasión de la privacidad, género, preferencias sexuales, discriminación religiosa, el juicio político, el Viagra y el SIDA, hasta la polución del agua, el síndrome del shock tóxico, la comida rápida estadounidense y su cultura invadiendo el mundo (Las hamburguesas McDonald´s invaden Japón, 31 sabores invaden Japón), el turismo y el terrorismo internacionales, y el choque de culturas y más allá, hasta las series actuales sobre los medios de masas de hoy en día, la clonación y la cultura de Internet (a menudo vistas a través de los ojos de unos Adán y Eva puestos al día)»

"Los claustros - La caza de la codorniz de Ponte Vecchio / The Cloisters - Ponte Vecchio Quail Hunt"
Óleo sobre panel en marco de pan de oro / oil on panel in gold-leaf frame, 46” x 72.5” x 2.5”, 2005-07
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"Hawaii Snorkel Series - Kunisada Eclipsado / Eclipsed", 
Xilografía, aguafuerte, aguatinta y tinta sobre papel / 
woodcut, etching, aquatint and ink on paper, 65,6 x 115,6 cm., 1993
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

«Kunisada Eclipsado es una de las obras más humorísticas de esta muestra. Como amo a Kunisada, le envié un email y le dije que viniera a visitar Hawaii. La historia va sobre él visitando Hawaii como si hubiera salido de la tumba. Vio las mujeres occidentales por primera vez y súbitamente olvidó todo sobre que había venido aquí a visitar la Bahía de Hanauma. Se supone que venía a observar un eclipse, y también estaba interesado en ir de pesca, pero súbitamente una mujer estadounidense emergió de las aguas poniéndose de pié, y él pensó... ¡Uau! esto es aún más hermoso!. Ese es el sentimiento. Tal vez mi propio sentimiento si yo hubiera sido Kunisada. Asi que la titulé Kunisada Eclipsado.»

«Kunisada eclipsed is one of the most humorous works in this exhibition. Since I love Kunisada, I send him an email and then he said he'll come to visit Hawaii. The story is he's visiting Hawaii, as if he came of from his tomb. He saw Western women for the first time and suddenly he forgot all about why he was there to visit Hanauma Bay. He was supposed to look an eclipse and also he was interested in joining fish in the ocean, but suddenly this American woman came up from the water and standing, and he thought.. Oh uau! this is even more beautiful. That's his feeling. Perhaps that could be my feeling if I was Kunisada. So I called Kunisada Eclipsed.»
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"Serie Nueva Ola - Fantasía de ocho condones / New Wave Series - Eight Condom Fantasy"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 22,5” x 30”, 1992

«A veces trabajo en el suelo, y a veces también en la pared. Trabajo varias piezas a un tiempo; cuando me canso o estoy atascado con una pintura, y visualmente no sé adonde ir, me digo: "Bien, tengo que hacer una pausa", y me paso a la siguiente. Y trabajo en ella, y cuando vuelvo a atascarme, me paso a la tercera.»

"Cuento de los Mil Condones - Geisha y esqueleto / Tale of a Thousand Condoms - Geisha and Skeleton"
Acuarela y tinta sumi sobre lienzo / watercolor and sumi ink on canvas, 133” x 82,5”, 1989

"Los Claustros Última Cena - Eva y los cazadores del Calamar Gigante / 
The Cloisters Last Supper - Eve and Giant Squid Hunters"
Óleo, pan de oro y acrílico con marco de pan de oro / 
oil gold leaf, and acrylic with gold leaf frame, 123" x 120" x 3", 2012

"Los Claustros Sunami / The Cloisters Tsunami", óleo sobre lienzo en marco de pan de oro / 
oil on canvas in gold-leaf frame, 90” x 94”, 2002-2005

«A mediados de los '90, Teraoka llevó su enfoque aún más allá, embarcándose en un esfuerzo por arrojar luz sobre los rampantes abusos de la iglesia católica e incorporar temáticamente otros prominentes escándalos públicos en su obra. Para evocar más provocativamente incidentes e individuos específicos, Teraoka adoptó el lenguaje Europeo del s.XV del tríptico religioso, rico tanto en simbolismos como en especificidad narrativa, con un tono descaradamente medieval, sorprendentemente apropiado para el tema a tratar. Figuras haciendo referencia a Kenneth Starr, Dick Cheney y Bill Clinton, aparecieron con diferentes disfraces, envueltos en el escándalo y la negación, mientras que Tailhook, Monica Lewinsky y las Torres Gemelas de Babel se transformaron en alegorías bíblicas representativas de tiempos culturalmente conflictivos. Estas grandes transformaciones estilísticas permitieron a Teraoka hurgar en una preocupación temática particular que continúa explorando hasta hoy. En su exhibición de 2009 en Samuel Freeman, "Las Confesiones del Claustro", Teraoka hace referencia visual a incontables barbaridades cometidas en el nombre de la "fé", donde hombres célibes y decrépitos aúllan impotentemente sobre el aborto, y el abuso de niños es utilizado para sublimar el miedo sacerdotal hacia las mujeres.»

"Hawaii Snorkel Series - Envidia del pez gato / Envy of the Catfish"
Xilografía, aguafuerte, aguatinta y tinta sobre papel / 
woodcut, etching, aquatint and ink on paper, 65,8 x 97,9 cm., 1993.
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

"Serie 31 sabores invaden Japón - Especial del día / 31 Flavors Invading Japan Series - Today's Special"
Xilografía a 35 colores, con acuarela a mano / 35-color woodblock print with hand-watercolor,
Edición de 500 en papel hosho / Edition of 500 on hosho paper, 11” x 15.5”, 1982
Una de sus dos únicas impresiones siguiendo el proceso de xilografía ukiyo-e /
One of his only two true woodblock print in the Ukiyo-e process


"Los claustros - Test de embarazo de la Santa Mar / The Cloisters - Holy Sea Pregnancy Test", 
Óleo sobre panel en marco de pan de oro / oil on panel in gold-leaf frame, 119” x 112,5” x 2.75”, 2006

"Serie Nueva Ola - Sara y el pulpo retorciéndose / New Wave Series - Sarah and Writhing Octopus"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 22,75” x 30”, 1992

«I was born in 1936 in Onomichi, Hiroshima-ken, Japan on the inland sea. My father Masao inherited my grandfather's kimono store and this is where I grew up. Because of his experience, my father dreamed that his only son should become a creative artist someday rather than succeeding him in "oldest son" tradition.
I studied art history and aesthetics at Kwansei Gakuin University from 1954-59. I graduated from the university with a B.A. in aesthetics. I attended the Otis Art Institue in Los Angeles from 1964-68, where I received a B.F.A. and an M.F.A.»

"Inquisición virtual - Torre de Babel / Virtual Inquisition - Tower of Babel"
Óleo sobre lino / oil on linen, 83” x 250”, 2000

"Semana Santa - Clonando a Eva y la Geisha / Cloning Eve and Geisha"
Óleo sobre lienzo enmarcado / oil on canvas framed, 89,25” x 175”, 2003

«In my career I have painted about issues from gay marriage, American style confessions on TV talk shows, recent priests' confessions, politics, international affairs, censorship, invasion of privacy, gender, sexual preference, religious discrimination, the Impeachment Trial, Viagra, and AIDS to air and water pollution, toxic shock syndrome, American fast food and culture invading the world (McDonald's Hamburgers Invading Japan, 31 Flavors Invading Japan), international tourism and terrorism, and culture clash and beyond to current series on today's mass media, cloning and internet culture (often as seen through the eyes of an up-to-date Adam and Eve).»

"Serie SIDA - Geisha y zorro / AIDS Series - Geisha and Fox"
Acuarela sobre lienzo / watercolor on canvas, 30” x 57”, 1988

«El tema del SIDA lo tenía en mente, pero nunca había encontrado el vocabulario visual para expresarlo. Mi amiga en Nueva York tuvo un niño, y el niño contrajo el SIDA. Creo que fue mi primer encuentro con alguien que tenía SIDA. Desde ese momento sólo quise contarlo... Esta madre con su niño se sentía tan aislada de sus amigos, tal vez por la sociedad allá por 1986. Todos estaban muy asustados. (...)
Sabes... te enamoras de alguien y haces el amor con esa persona, y un momento maravillosamente feliz puede convertirse en algo absolutamente fatal al contraer el SIDA. Nos enfrentamos a una situación realmente curiosa. La escala de mis pinturas es muy grande tan sólo porque el tema del sida requiere algo que permita expresar el impacto de la plaga del SIDA. Para expresar esa intensidad pensé que tal vez una pintura grande, de gran formato, sería capaz de producir ese tipo de impacto.»

«The theme of AIDS I had it in mind, but I never had a visual vocabulary how to say it. My friend in New York who had her baby and her baby contracted AIDS. I think that was my first encounter to someone who has AIDS. From that point I just wanted to say... This mother with the child felt very isolated form her friends perhaps of the society around 1986. Everybody was so scared. (...)
You know, you fall in love with someone and make love to this person and a wonderful happy time can turn out to be totally fatal contracting AIDS. We are really facing a curious sort of situation. The scale of my painting became very large just because the subject of AIDS seems to require something that it needs to express impact of the AIDS plague, in order to express that intensity I thought perhaps large painting, large format painting, may be able to bring that kind of impact.»

"Inquisición Visión nocturna / Night Vision Inquisition"
Acuarela sobre papel montado como un biombo de 4 paneles / 
Watercolor on paper mounted as a 4 panel screen, 92,75” x 168”, 1997

«I work sometimes on the floor, also sometimes on the wall. I work on several pieces at a time. When I get tired or I get stucked on one painting, and visually I don't know where to go, I say, OK, I'm gona take a break, and I move on to next painting. And I work on it, and when I get stucked, I move to the third one.»

"Serie SIDA - Estanque Kanzashi / AIDS Series - Kanzashi Pond"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 28,25” x 77”, 1997

"Serie SIDA - Mujer en jardín de bambú / AIDS Series - Woman in Bamboo Garden"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 15” x 22,25”, 1988

"La confesión serpentina de Venus / Venus' Serpentine Confession", 
Óleo y acrílico sobre panel en marco de pan de oro / 
oil and acrylic on panel in gold-leaf frame, 38” x 22” x 3”, 2003

«In the mid 1990’s Teraoka narrowed his focus even further, embarking on an effort to shed light on the rampant abuses of the Catholic Church and to thematically incorporate other prominent public scandals into his work. In order to most provocatively evoke specific incidents and individuals, Teraoka adopted the 15th century European language of religious triptychs, rich in both symbolism and narrative specificity, with a blatantly medieval tone surprisingly appropriate for the subject matter.  Figures referencing Kenneth Starr, Dick Cheney and Bill Clinton appeared in varying states of disguise, embroiled in scandal and denial, while Tailhook, Monica Lewinsky, and the Twin Towers of Babel were transformed into scriptural allegories representative of the conflicted cultural times. This major stylistic transformation enabled Teraoka to mine a particular thematic preoccupation, one he continues to explore to date.  In his 2009 exhibition at Samuel Freeman, The Cloisters Confessions, Teraoka made visual reference to countless grotesqueries committed in the name of ‘faith’, where decrepit and celibate men howled impotently about abortion, and child abuse was used to sublimate the priestly fear of women.»

"Las hamburguesas McDonald's invaden Japón - Geisha y mujer tatuada / 
McDonald's Hamburgers Invading Japan - Geisha and Tattooed Woman"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 14.25” x 21.5”, 1975

«Por supuesto las hamburguesas McDonald's están en Tokyo. Fueron un gran éxito. Eso me inspiró a comenzar con el tema del choque cultural en mis pinturas. Cuando veo gente en la playa, percibo que esas gentes son visitantes de todo el mundo. Es interesante para mí ver esta suerte de punto de encuentro. Especialmente puedo centrarme en los visitantes japoneses porque su estilo de caminar es muy diferente al de los estadounidenses o la gente occidental. Hay diferentes maneras, diferencias distintivas en la superficie. La actitud de la gente japonesa y la estadounidense. Como los estadounidenses son tan libres, pueden expresarse sobre cualquier cosa, mientras que los japoneses parecen ser muy tímidos. No es su culpa; es la forma como la cultura los ha educado. Es interesante para mí ver las diferencias culturales, y creo que la serie de la Bahía de Hanauma en esta muestra refleja parte de mi estilo de vida en Hawaii...»

«Of course McDonald's hamburguers are in Tokyo, it became a big hit. That inspired me to start a culture clash theme painting. When I see people at the beach, I feel like these people visiting from all over the world. Is interesting for me to see this sort of a meeting place. Specially I can focus on Japanese visitors because they walking style is so different from American or Western people. And there's some manners, there are distinctive differences on the surface. The attitude of the japanse people and American people. How American people are so freely, they can express themselves about anything whereas Japanese people seems to be very timid. That's not they own fault, that's the way culture educated themselves. Is kinda interesting for me to see any cultural diferences, and I think that the Hanauma Bay series in this exhibition I guess it reflects a part of my lifestye in Hawaii...»

"Cuentos del Sushi fantasma de Los Ángeles - Mujer pez y el artista I / 
Los Angeles Sushi Ghost Tales - Fish Woman and the Artist I"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 13.5” x 55”, 1979

Los textos están tomados del sitio web del artista, del video que puede verse a continuación, y de aquí / Texts from artist's website, from the video you can see as follows and from here.

Más información sobre Teraoka y su obra en / More information on Teraoka and his work in
Website, Facebook, Wikipedia

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Masami Teraoka!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Masami Teraoka!)


Masami Teraoka: Una conversación con el artista / A Conversation with the Artist.

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Charla de Masami Teraoka en el McKinney Avenue Contemporary, Partes 1 y 2 - Exposición "Inversión de lo sagrado / Claustros La Última Cena - Serie de Trípticos /
Masami Teraoka Talk at the McKinney Avenue Contemporary, Parts 1 & 2 - Exhibition Inversion of the Sacred / Cloisters Last Supper-Triptych Series.




Utagawa Kunisada (Utagawa Toyokuni III)
歌川 国貞 (三代歌川豊国)

Serie Vestidos en 5 colores diferentes / Costumes in Five Different Colors Series
"Aka / Rojo / Red"
Impresión polícroma de xilografía / polychrome woodblock print, 36,4 x 25,5 cm., c.1874-1852
Los Angeles County Museum of Art (Los Ángeles, California, Estados Unidos / USA)

Utagawa Kunisada fue el más popular, prolífico y financieramente exitoso artista de xilografías ukiyo-e en el s.XIX en Japón. Nacido en 1786, en su época su reputación superó con creces la de sus contemporáneos Hokusai, Hiroshige y Kuniyoshi.
Casi desde el primer día de actuvidad, y casi hasta el momento de su muerte en 1865, Kunisada marcó tendencias en el arte de las xilografías. Siempre a la vanguardia de su tiempo, y en sintonía con el gusto del público, desarrolló su estilo continuamente, cambiandolo radicalmente a veces, y no se plegó a las limitaciones estilísticas marcadas por sus contemporáneos. Su productividad fue extraordinaria. Han sido catalogados aproximadamente 14.500 diseños individuales, correspondientes a más de 22.500 folios indifiduales. Es probable que en base a esas figuras Kunisada produjera de hecho entre 20.000 y 25.000 diseños de impresión xilográfica durante su vida.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Utagawa_Kunisada

"Escena de picnic otoñal de Inaka Genji, de la serie Farol de Magia Oriental Vistas de una Figura con Encanto / 
Autumn Picnic Scene from Inaka Genji, from the series Eastern Magic Lantern Slides of a Charming Figure" (Yasasugata Azuma no utsushi-e)
Tríptico vertical ôban / Vertical ôban triptych
Xilografía (nishiki-e); tinta y color sobre papel / 
woodblock print (nishiki-e); ink and color on paper, 36,4 x 75,9 cm., 1847-52. 
Museo de Bellas Artes de Boston (Estados Unidos / USA)

«La obra de Kunisada tiene una personalidad que realmente me fascina. Si voy a expresar cuestiones sociales y asuntos culturales utilizando la pintura figurativa, creo que me gusta seguir esta tradición. Y también sentía que... una cantidad de sus composiciones son realmente soberbias, tan potentes que ningún otro artista podía haberlas hecho. Me gustan mucho sus impresiones de fantasmas. Son realmente magníficas. Están realizadas de forma tan bella que es capaz de transmitir un sentimiento de miedo asombroso. Es algo que no muchos artistas pueden lograr.» Masami Teraoka

«Kunisada's work has a personality and that's what really fascinated me. If I'm going to express social issues and culture issues using figurative painting, I thought I may like to follow his tradition. And also I felt that... a number of compositions he did, really superb compositions, so powerful that I didn't find other artist could do. I like lot of ghost image prints. They are really magnificent. Just so beautifully done but still he could convey awsome sort of a scary feeling, that is something that not many artists can do.» Masami Teraoka

Serie "La vida de Ôboshi el Fiel" (Seichû Ôboshi ichidai banashi), Nº 28, El actor Bandô Hikosaburô III como Ôboshi Yuranosuke / 
From the series The Life of Ôboshi the Loyal (Seichû Ôboshi ichidai banashi), No. 28 (Actor Bandô Hikosaburô III as Ôboshi Yuranosuke)
Xilografía (nishiki-e); tinta y color sobre papel / 
woodblock print (nishiki-e); ink and color on paper, 35,8 x 24,9 cm., 1847-52

Utagawa Kunisada was the most popular, prolific and financially successful Ukiyo-e woodblock prints artist in 19th-century Japan. Born in 1786, in his own time his reputation far exceeded that of his contemporaries, Hokusai, Hiroshige and Kuniyoshi.
Almost from the first day of his activity, and even at the time of his death in 1865, Kunisada was a trendsetter in the art of the Japanese woodblock print. Always at the vanguard of his time, and in tune with the tastes of the public, he continuously developed his style, which was sometimes radically changed, and did not adhere to stylistic constraints set by any of his contemporaries. His productivity was extraordinary. Approximately 14,500 individual designs have been catalogued corresponding to more than 22,500 individual sheets. It seems probable based on these figures that Kunisada actually produced between 20,000 and 25,000 designs for woodblock prints during his lifetime.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Kunisada

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Nido de Urraca / Magpie's Nest (VI)

August 13, 2014, 12:34 am
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Kseniya Lvova

"Cazadores / Catchers", arte digital / digital art
Ilustración para "Cazadores", de Vladimir Shirogorov. Una novela sobre los cazadores de almas humanas y lobos, que se convierten ellos mismos en víctimas. /
Illustration for “Catchers” by Vladimir Shirogorov. A novel about the catchers of human souls and wolves, who become victims themselves.
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Kseniya Lvova
Kseniya Lvova es una artista residente en Moscú, Rusia.
Los temas preferidos de su arte son los contrastes surrealistas, las metamorfosis y la unidad de los opuestos. Le gusta crear imágenes experimentando con varias técnicas y estilos. Se especializa en proyectos que requieren soluciones visuales originales.
Sus prioridades son las ilustraciones y el desarrollo para sitios web en flash (trabajando con el desarrollador Sergei Chekanov).

Kseniya Lvova is a digital artist based in Moscow, Russia.
The themes she prefer in her art are surrealistic contrasts and metamorphoses, and unity of opposites. She likes to create images, experimenting with various styles and techniques. She specialize in projects that require original visual solutions.
Her priorities are illustrations and flash websites development (in a team with web developer Sergei Chekanov).
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"Adiós / Farewell"
Ilustración para "El Último Reino", una trilogía de Vladimir Shirogorov / 
Illustration for "The Last Kingdom", a trilogy by Vladimir Shirogorov

"Emperatriz de los sueños / Dream Empress"
«Ella teje los sueños para llevarte más allá del fin del mundo. Donde puedes quedarte por siempre.»
«She weaves dreams to carry you beyond the worlds’ end. Where one can stay forever.»

"Letra y música / Lyrics and Music", pintura digital y fotomanipulación / digital painting and photomanipulation
Ilustración para la sección del mismo nombre del sitio web de Vladimir Shirogorov / 
Illustration for the same-name section of the website for Vladimir Shirogorov.

Más sobre Kseniya Lvova en / More about Kseniya Lvova
Website, Behance, deviantART


 Urbano Lugrís

"Mar de los Sargazos / Sargasso Sea", 1946
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Urbano Lugrís
Urbano Lugrís fue un artista gallego nacido en A Coruña en 1908.
De niño fue influenciado por Nacho Viéitez, un hombre cuyo propósito era fomentar el ejercicio de la pintura en las nuevas generaciones. Nacho Viéitez fue un hombre muy importante en la vida de Urbano hasta su muerte. 
Abandonó los estudios de Perito Mercantil en A Coruña para trasladarse, en 1930, a Madrid, donde se integra en las Misiones Pedagógicas, con las que recorre diversas ciudades españolas diseñando figurines y decorados para el teatro La Barraca. En esta época conoce a Federico García Lorca y a Rafael Alberti. Durante la Guerra Civil participa como voluntario en el ejército republicano, marchándose al frente de Asturias.
Su obra, junto a la de Maruja Mallo y Eugenio Granell, es la mayor aportación que dió la vanguardia surrealista a la plástica gallega y si bien, la mayor parte de autores hablan de Surrealismo para enclavar sus creaciones, otros se refieren a su obra como perteneciente al Realismo Mágico.
Sumido en la depresión tras la muerte de su esposa, pasó sus últimos años pintando murales en los bares de A Coruña a cambio de una taza de caldo.
Murió en 1973.
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"Templo Sumergido / Submerged Temple", 1946

"Leyenda marina / Marine Legend", 1946

Urbano Lugris was a Galician artist born in 1908 in A Coruña. 
As a child he was influenced by Nacho Viéitez, a man whose purpose was to promote the practice of painting in the new generations. Nacho Viéitez was very important in the life of Lugris until his death. 
He left his studies of Chartered Accountant in A Coruña and moved in 1930 to Madrid, where he integrated into the Educational Missions, traveling various Spanish cities designing costumes and sets for the theater La Barraca. At this time he met Federico García Lorca and Rafael Alberti. During the Civil War as a volunteer participates in the Republican army, departing to the battlefront of Asturias. 
His work, along with that of Maruja Mallo and Eugenio Granell, is the largest contribution to surrealist Galician avant garde, and although most authors speak of Surrealism to frame his creations, others refer to his work as belonging to Magical Realism. 
He plunged into depression after the death of his wife, spent his last years painting murals in bars in A Coruña in exchange for a cup of broth. 
He died in 1973.

"Epifanía Tres / Epiphany Three", óleo sobre tabla / oil on wood, 40 x 60 cm.

Más obras e información sobre Urbano Lugrís en / More artworks and information about Urbano Lugris in
Wikipedia, Totum Revolutum

Muchas gracias Olga por descubrirme a este estupendo artista de tu tierra
Thanks a lot Olga for discover to me this excellent artist from your homeland.


Alice Zanin

"Verba volant scripta..., Fugiunt iii", papel maché / papier-mache, 150 x 100 x 21 cm., 2013
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Alice Zanin
Alice Zanin nació en Piacenza en 1987. Vive y trabaja en Podenzano (PC). Después de graduarse en lingüística clásica, asistió durante unos meses a la escuela de arte "Gazzola" en Piacenza, abandonándola pronto para dedicarse a su carrera artística como autodidacta. A través de los años, la artista experimenta tanto en pintura como en escultura. Su viaje pictórico constituye un breve paréntesis, y consiste en una serie de pinturas que representan un modelo único, bajo una atmósfera peculiar o surrealista. En cuanto a las obras tridimensionales, su interés se fija en diferentes materiales: cerámica, resina, papel y hierro, individualmente o ensamblados. Estilísticamente, las obras en terracota y materiales múltibles responden a la idea de linealidad y la deconstrucción de los volúmenes, permaneciendo en el ámbito de lo figurativo; los colores apagados o ausentes contribuyen a una escultura de ligereza. Desde principios de 2012, la artista, usando las sugerencias volumétricas y el gusto por la representación de situaciones en equilibrio entre la razón y el absurdo, desarrolladas en el curso de su investigación, opta por centrarse casi exclusivamente en la técnica de papel maché, dando vida a la serie "verba volant scripta ...", donde los sujetos animales se mueven con ironía en torno al valor de la palabra humana. Sus obras forman parte de colecciones privadas en Italia, Austria y Venezuela.
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"Erubescens paradiso iii", papel maché, hierro / papier-mache, iron, 32 x 19 x 23 cm., 2014

"Parvula byzantina"
Papel maché, plástico, materiales orgánicos / papier-mache, plastic, organic materials, 90 x 66 x 50 cm., 2014

Alice Zanin was born in Piacenza in 1987. She lives and works in Podenzano (PC). After graduating in classical linguistics, attended for a few months at art school "Gazzola" in Piacenza, abandoning early to pursue her career as an autodidact. Through the years, the artist experiments in painting and sculpture. Her pictorial journey is a short hiatus, and consists of a series of paintings depicting a single model, under a peculiar or surreal atmosphere. As for the three-dimensional works interest is fixed in different materials: ceramic, resin, paper and iron individually or assembled. Stylistically, the works in terracotta and multi-use materials respond to the idea of ​​linearity and deconstruction of volumes remaining in the field of figurative; the muted or absent colors contribute to a sculpture of lightness. Since early 2012, the artist, using volumetric suggestions and taste for the representation of situations in balance between reason and absurdity, developed in the course of her research, she chooses to focus almost exclusively on the art of paper mache, giving life to the series "verba volant scripta ...", where animal subjects move around the value of human speech. Her works are in private collections in Italy, Austria and Venezuela.

"Verba volant scripta... Imaginantur", papel mache / papier-mache, 84 x 57 x 46 cm., 2013

Más sobre Alice Zanin en / More about Alice Zanin in
Website

Gracias Shirley Rebuffo por el hallazgo / Thanks a lot Shirley Rebuffo for this finding.


Francisco Toledo

"Juarez en la Mar de Santa Teresa / Juarez in the Santa Teresa Sea"
aguada, acuarela, collage, pluma y tinta sobre papel / 
gouache, watercolor, collage, pencil and ink on paper, 28 x 39 cm., 1984
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Francisco Toledo
Francisco Benjamín López Toledo es un artista plástico mexicano nacido en 1940 que también tiene una destacada labor como activista social, ambientalista, promotor cultural y filántropo, ha apoyado numerosas causas enfocadas a la promoción y conservación del patrimonio artístico mexicano, orientada al libre acceso a la formación artística y el cuidado del medio ambiente.
Francisco Toledo es considerado uno de los mayores artistas vivos de México y cuenta con amplio reconocimiento internacional. Es un experto impresor, dibujante, pintor, escultor y ceramista. Su arte refleja un gran aprecio por la estética de la naturaleza, particularmente la de animales que no son convencionalmente asociados con la belleza como monos, murciélagos, iguanas, sapos e insectos. La visión moral de Toledo afirma que el mundo de los humanos y el de los animales son uno con la naturaleza. Toledo muestra un sentido de lo fantástico muy desarrollado al crear criaturas antropomórficas que son a la vez monstruosas y juguetonas, personajes que incluye en sus papalotes, libros de artista, máscaras, piezas de joyería y complejos grabados..
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"Sapo recostado y grillo / Reclinig Frog and Cricket"
Aguada, cobre y pastel sobre papel / gouache, copper and pastel on paper, 34,5 x 85 cm., 2006

"El conejo que imita a un león que imita a un grillo / The Rabbit that Imitates the Lion Imitating a Cricket"
Aguada sobre papel / gouache on paper, 24 x 33 cm., 1987

Francisco Toledo Benjamin Lopez is a Mexican artist born in 1940, also has an outstanding work as a social activist, environmentalist, cultural promoter and philanthropist, has supported numerous causes focused on the promotion and preservation of Mexican artistic heritage oriented free access artistic training and care for the environment. 
Francisco Toledo is considered one of the greatest living artists of Mexico, has broad international recognition. He is a master printmaker, draftsman, painter, sculptor and ceramist. His art reflects an appreciation for the aesthetics of nature, particularly animals that are not conventionally associated with beauty as monkeys, bats, iguanas, frogs and insects. The moral vision of Toledo says the world of humans and animals are one with nature. Toledo shows a sense of fantasy to create highly developed anthropomorphic creatures that are at once playful and monstrous characters who include in their kites, artist books, masks, jewelry pieces and intricate engravings.

"Cocodrilo rojo / Red Crocodile", papel grueso recortado, aguada, pastel y gesso sobre papel / 
paper cut, gouache, pastel and gesso on paper, 80 x 120 cm., 2009

Más imágenes e información sobre Toledo / More images and information about Toledo in
Website, Wikipedia (español), Wikipedia (English)


Oscar Barra

 "El Viaje de los sentidos / The Trip of Senses"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 110 x 160 cm., Nov. 2011
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Oscar Barra
Oscar Barra es un pintor e ilustrador chileno nacido en 1964.
«Mi obra se desarrolla entre lo figurativo y lo fantástico, creando nuevas realidades alegóricas utilizando elementos tales como juguetes, escaleras, ruedas, carros con artefactos y máquinas.
Enmarcada  dentro de la corriente del surrealismo conocida como arte fantástico.
En todas mis obras hago referencia a la condición humana y la dualidad permanente entre el bien y el mal.
Se caracterizan por la ausencia de perspectiva, volumetría plana y un imaginario de seres, artefactos y maquinas cuyo significado o intenciones están determinados por el uso racional color. Como referententes puedo mencionar a pintores como Max Ernts y Giorgio de Chirico y escritores como Ray Bradbury y Jorge Luis Borges.»
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"La Distancia de tu Alma / The Distance of your Soul"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 14 x 20 cm., 2012

"La luna cree que somos el viento / The Moon Thinks we are the Wind"
Acrílico sobre tela / acrylico on canvas, 2010

Oscar Barra is a Chilean painter and illustrator born in 1964. 
«My work develops between the figurative and the fantastic, creating new allegorical realities using items such as toys, ladders, wheels, cars with devices and machines. 
Framed within the stream of surrealism known as fantastic art. 
In all my works I refer to the human condition and the constant duality between good and evil. 
They are characterized by the absence of perspective, flat volume and an imaginary of beings, artifacts and machines whose meaning or intentions are determined by the rational use of color. As a model I can mention painters like Max Ernts and Giorgio de Chirico and writers like Ray Bradbury and Jorge Luis Borges.».

"La vida nos alcanza / Life reaches us", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 54 x 76 cm.

Más sobre Oscar Barra en / More about Oscar Barra in
Blog

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Anna Halldin-Maule [Pintura]

August 14, 2014, 12:27 am
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Anna Halldin-Maule

Anna Halldin-Maule. Foto / Photo: Tom Maule

Anna Halldin-Maule es una pintora extremadamente talentosa, nacida en Suecia en 1972. Se casó con Tom, nacido en Hawaii en 1970, y se mudaron allí en el 2002. Juntos forman una pareja única en amor y creatividad.

“Una chica puede soñar (naranja) / A Girl Can Dream (orange)”
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 38″ © 2014 Halldin+Maule

“Papillon / Mariposa / Butterfly”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 36″ © 2014 Halldin+Maule

Aunque Halldin Maule utiliza modelos profesionales como tema, cada pintura puede ser leída como un autorretrato psicológico. Admite que sucumbe a la tentación del glamour. Dice: «las mujeres de hoy son asaltadas por un continuo flujo de bits a través de los medios, dictando cómo deben verse, pensar y comprar. Mis últimas pinturas son parte de mi serie "Persona", y a través de ellas exploro las "máscaras" que las mujeres llevan en su búsqueda intentando descubrir su auténtico yo.»

“Papillon / Mariposa / Butterfly” (detalle / detail) © 2014 Halldin+Maule

“Flora”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 38″ © 2014 Halldin+Maule

«Conocí a mi marido en Suecia, en 2001. Después del 9/11 decidimos mudarnos a la casa de Tom en Hawaii, y centrarnos en el arte a tiempo completo. Él es fotógrafo y trabajamos juntos para crear las fotos de referencia de mis pinturas. Siempre he estado pintando, pero conocer a Tom fue la patada en el culo que necesitaba para comenzar en serio. Dejé mi trabajo, mi familia y amigos y me mudé a Hawaii para dedicarme a mi amor por el arte. Fue la mejor decisión que he tomado en mi vida. Sigue siempre tu pasión y te sucederán cosas maravillosas.»

“Flora” (detalle / detail) © 2014 Halldin+Maule

«Pinto con finas capas de óleo. Se llama "veladura". Capa sobre capa de pintura. Consume mucho tiempo, pero es hermosa la forma en que la pintura resplandece.»
«Estas obras pueden tomarme meses pintando, y se convierten en parte de mí. Normalmente paso 6 días a la semana, 8 horas al día pintando. Cuando pasas tanto tiempo con una pintura, realmente quedas enganchada.»

“Playa secreta / Secret Beach”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30″ x 60″ © 2014 Halldin+Maule

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“Persona”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 38″ © 2014 Halldin+Maule

En estas pinturas, la belleza de sus modelos se trunca con joyas y "máscaras" que se entrometen en la imagen. La excentricidad de los avíos (un tocado compuesto por algodón, una jaula dorada) apuntan a su obsolescencia. En varias pinturas, los adornos de la modelo o el recorte de la imagen actúan literalmente como máscaras, evitando que el espectador pueda ver la cara del sujeto. El mensaje es que los esfuerzos para "maquillar" nuestra identidad a menudo resultan en la pérdida de la misma.

“Obsesionada / Obsessed”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72″ x 48″ © 2014 Halldin+Maule

Anna Halldin Maule is an exceptionally talented painter born in Sweden in 1972. She married Tom, born in Hawaii in 1970, and they moved there in 2002.
Together they form a unique partnership of love and creativity.

“Terapia de compras / Retail Therapy”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 38″ © 2014 Halldin+Maule

Izq./ Left: “Pedestal 1”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 32″ © 2014 Halldin+Maule
Der./ Right: “Pedestal 2”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64″ x 32″ © 2014 Halldin+Maule

Although Halldin Maule uses professional models as subjects, each painting can be read as a psychological self-portrait. She admits that she succumbs to the temptation of glamour along with the rest of us, stating, “Women of today are assaulted by a continuous stream of media bytes dictating how we should look, think, and purchase. My latest paintings are part of my ‘Persona’ series and through them I explore the ‘masks’ women wear in their quest to discover their true selves.”

“Una chica puede soñar (azul) / A Girl Can Dream (blue)”
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 38″ © 2014 Halldin+Maule

“Una chica puede soñar (azul) / A Girl Can Dream (blue)” (detalle / detail) © 2014 Halldin+Maule

«I met my husband in my native Sweden in 2001. After 9/11 we decided to move to Tom’s home of Hawaii, and focus on art full time. He is a photographer and we work together to create the reference photos for my paintings. I have always been painting, but meeting Tom was the kick in the butt I needed to get started for real. I quit my job, left my family and friends and moved to Hawaii to pursue my love for art. It was the best decision I ever made. Always follow your passion and wonderful things will happen to you.»

“Codiciar / Covet”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68″ x 60″ © 2014 Halldin+Maule

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“Su arma secreta / Her Secret Weapon”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 56″ © 2014 Halldin+Maule

“Arma de consumo masivo / Weapon of Mass Consumption”
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 56″ © 2014 Halldin+Maule

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«I paint in thin layers of oil, it’s called glazing. Layers upon layers of paint and medium. It’s very time consuming but it’s so beautiful the way it makes the paint glow.»
«These paintings can take me months to paint and they become so much a part of me. Typically I’ll spend 6 days a week, 8 hours a day painting. When you’re spending this much time with any one painting you really get attached.»

“Imitación de la vida / Imitation of Life”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 38″ © 2014 Halldin+Maule

In these paintings, the beauty of her sitters is truncated by jewels and "masks" that intrude onto the image. The eccentricity of the accoutrements -- a headdress composed of cotton, a gilded birdcage -- points to their obsolescence. In several paintings, the model's adornments or the cropping of the image act as literal masks, preventing the viewer from seeing the subject's face. The message is that efforts to "make up" our identity often result in the loss of it.

“Imitación de la vida / Imitation of Life” (detalle / detail) © 2014 Halldin+Maule

“La jaula dorada / The Gilded Cage”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56″ x 38″ © 2014 Halldin+Maule
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Los textos están tomados del sitio web de los artistas, de aquí y de una entrevista realizada a Anna por Melissa Fox para la revista Contra que puede leerse completa aquí.

Texts from artists' website, from here and an interview with Anna by Melissa Fox published in Contra, Feb., 2011, you can fully read here.
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Más información e imágenes en / More images and information in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Anna y Tom!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Anna and Tom!)

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Hans Holbein el Joven, Retratos (II) [Pintura]

August 15, 2014, 1:51 am
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Volviendo un poco sobre los clásicos, segunda parte para completar una selección de retratos realizados por el genial Hans Holbein el Joven. Para más imágenes e información sobre el artista, me remito al post anterior.

Going back a bit on the classics, second part to complete a selection of portraits by the great Hans Holbein the Younger. For more images and information about the artist, I refer to the previous post.
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Hans Holbein el Joven / The Younger

"El Mercader Georg Gisze / The Merchant Georg Gisze", óleo sobre roble / oil on oak, 86,2 x 97,5 cm., 1532.
Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Berlín, Alemania / Germany)

Hans Holbein el Joven (der Jüngere) (Augsburgo, 1497? - Londres, entre el 7 de octubre y el 29 de noviembre de 1543) fue un artista y grabador alemán que se enmarca en el estilo llamado Renacimiento nórdico.

"Retrato de Antoine le Bon, Duque de Lorraine / Portrait of Antoine Le Bon, Duke of Lorraine"
Témpera sobre tabla / tempera on wood, 51 × 37 cm., 1543. 
Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Berlín, Alemania / Germany)

"Retrato de dama con ardilla y estornino / Portrait of a Lady with a Squirrel and a Starling"
Óleo sobre roble / oil on oak, 54 x 38,7 cm., 1527-28. National Gallery (Londres, Inglaterra / London / England)

Pintado probablemente durante la primera visita de Holbein a Inglaterra en 1526-28, se ha sugerido, bastante plausiblemente, que la modelo fuera Anne Lovell. El estornino al fondo y la ardilla mascota en su regazo, pueden tratarse de una alusión a su nombre: la familia Lovell llevaba ardillas en su escudo de armas, y tenían una casa en East Harling, en Norfolk. Es probable que el retrato fuera una vez parte de un par de marido y mujer.
Las ardillas eran mascotas muy populares en Inglaterra desde épocas tan tempranas como el s.XIV.
De la ficha de la obra en el sitio web de la National Gallery.

Probably painted during Holbein's first visit to England in 1526-8, it has been suggested, very plausibly, that the sitter is Anne Lovell. The starling in the background and the pet squirrel on a chain may have been intended to allude to her name: the Lovell family showed squirrels on their coat of arms and owned a house at East Harling in Norfolk. It is conceivable that the portrait was once part of a pair of husband and wife.
Squirrels were popular pets in England as early as the 14th century.
From the record on this arwork, National Gallery website.

"Retrato de / Portrait of Derich Born", óleo sobre tabla / oil on wood, 45 x 60 cm., 1533. 
Royal Collection, Windsor Castle (Londres, Inglaterra / London, England)

"Retrato de / Portrait of Dirk Tybis", óleo sobre tabla / oil on wood, 48 x 35 cm., 1533. 
Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)

"Retrato de esponsales de Ana de Cleves / Betrothal portrait of Anne of Cleves"
Acuarela sobre pergamino / watercolor on parchment, 65 x 48 cm., c.1539
Museo del Louvre (París, Francia / France)

Ana de Cleves (1515-17), una hija de Juan III, Duque de Cleves, fue la cuarta esposa de Enrique VIII. Holbein fue enviado a pintarla a Düren en el verano de 1539, para que Enrique pudeira evaluarla como posible esposa. Holbein la hizo posar de frente y con sus mejores galas. Enrique se decepcionó sobre la marcha, y se divorció de ella tras un matrimonio breve que no llegó a consumarse. Renombró a Ana como "Hermana del Rey", y ella permaneció en Inglaterra donde murió durante el reinado de la Reina María.
El uso de pergamino sugiere que Holbein pintó, o al menos comenzó el retrato en Düren. La versión en miniatura en el Victoria and Albert Museum fue probablemente pintada al mismo tiempo. Holbein también hizo el retrato de la hermana de Anna, Amelia, que está perdido. 
La idea de que Holbein cortejaba a Ana no está sustentada en evidencias.
Texto traducido de aquí.

Anne of Cleves (1515–57), a daughter of John III, Duke of Cleves, was the fourth wife of Henry VIII. Holbein was sent to paint her at Düren in summer 1539, so that Henry could appraise her as a possible wife. Holbein posed Anne square-on and in elaborate finery. Henry was disappointed with her in the flesh, and he divorced her after a brief, unconsummated marriage. He redesignated Anne as "King's Sister", and she remained in England, where she died during the reign of Queen Mary.
The use of parchment suggests that Holbein painted, or at least began, the portrait in Düren. A miniature version in the Victoria and Albert Museum was probably painted at the same time. Holbein also produced a portrait of Anne's sister, Amelia, which is now lost. Nicholas Wotton, the head of the English delegation, reported to Henry: "Your Grace's servant Hanze Albein hathe taken th'effigies of my lady Anne and the lady Amelye and hath expressed theyr images very lyvely". The tradition that Holbein flattered Anne is not borne out by the evidence.
Text from here.

"Retrato de Jane Seymour, Reina de Inglaterra / Portrait of Jane Seymour, Queen of England"
Témpera sobre panel / tempera on panel, 65,4 x 40,7 cm., 1536-37. 
Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)

"Retrato de / Portrait of Jane Seymour", boceto preliminar / preliminar sketch
Tizas negra y de colores, pluma y tinta india, sobre papel con imprimación rosada / 
black and coloured chalks, pen and Indian ink, on pink-primed paper, 50,3 × 28,7 cm., c.1536.
Royal Collection of Queen Elizabeth II, Castillo de Windsor (Berkshire, Reino Unido / UK)

Hans Holbein the Younger (c. 1497 - between 7 October and 29 November 1543) was a German artist and printmaker who worked in a Northern Renaissance style.

"Retrato de / Portrait of Lady Margaret Butts", óleo sobre panel / oil on panel, 47,2 x 36,9 cm., c.1543. 
Isabella Stewart Gardner Museum (Boston, Estados Unidos / USA)

"Retrato de / Portrait of Richard Southwell", témpera sobre panel / tempera on panel, 47,5 × 38 cm., 1536
Galeria degli Uffizi (Florencia, Italia / Florence, Italy)

"Retrato de / Portrait of Sir Henry Guildford", óleo sobre roble / oil on oak, 81,4 × 66 cm., 1527
Royal Collection of Queen Elizabeth II, Castillo de Windsor (Berkshire, Reino Unido / UK)

"Retrato de / Portrait of Sir Henry Wyatt", óleo sobre roble / oil on oak, 39 × 31 cm., c.1537
Museo del Louvre (París, Francia / France)

Retrato de / Portrait of  Sir William Butts", óleo sobre panel / oil on panel, 46 x 36 cm., 1543
Isabella Stewart Gardner Museum (Boston, Estados Unidos / USA)

"Retrato de un jóven comerciante / Portrait of a Young Merchant"
Óleo sobre roble / oil on oak, 46,5 × 34,8 cm., 1541. Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)

"Retrato de una Dama, probablemente de la familia Cromwell / 
Portrait of a Lady, probably a Member of the Cromwell Family"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 71,9 x 49,5 cm., c.1535-40. Toledo Museum of Art (Ohio, Estados Unidos / USA)

"Retrato de uno de los mercaderes de la familia Wedigh en Colonia / 
Portrait of one of the Merchants of the Wedigh family, at Cologne"
Témpera y óleo sobre lienzo / tempera and oil on canvas, 39 × 30 cm., 1533
Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin (Berlín, Alemania / Germany)

"Retrato de William Warham, Arzobispo de Canterbury / Portrait of William Warham, Archbishop of Canterbury"
Témpera sobre madera / tempera on wood, 82 x 67 cm., 1527
Museo del Louvre (París, Francia / France)

"Retrato del astrónomo / Portrait of the Astronomer Nikolaus Kratzer"
Témpera sobre madera / tempera on wood, 83 × 67 cm., 1528
Museo del Louvre (París, Francia / France)

"Retrato de / Portrait of Robert Cheseman", óleo sobre panel / oil on panel, 58,8 x 62,8 cm., 1533
Royal Picture Gallery Mauritshuis (La Haya, Holanda / Netherlands)

La inscripción en latín nos cuenta la identidad de este noble: Robert Cheseman, 48 años en 1533. Cheseman era el halconero jefe del Rey Enrique VIII, una honorable posición. Sostiene al ave en su mano con gesto tierno. Esta pieza magistral fue pintada poco después de establecerse definitivamente en Inglaterra. Su asombrosa técnica pictórica se aprecia con claridad en la intensa mirada del hombre, el brillante satinado de las plumas y el pequeño brazalete de cobre.
De la ficha de la obra en el sitio web del Mauritshuis.

The Latin inscription tells us the identity of this nobleman: Robert Cheseman, 48 years old in 1533. Cheseman was the chief falconer to the English king Henry VIII, an honourable position. He is stroking the bird on his hand with a tender gesture. This masterpiece was painted shortly after he had settled for good in England. His amazing painting technique is shown to great advantage in the man’s intent gaze, in the shiny satin of his sleeves and in the little brass bell.
From the record on this painting in Mauritshuis website.

"Retrato del / Portrait of Dr John Chambers", témpera sobre tabla / tempera on wood, 51 × 54 cm., 1541-43
Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)

"Retrato del poeta Henry Howard, Conde de Surrey / Portrait of the Poet Henry Howard, Count of Surrey"
Témpera sobre madera / tempera on wood, 55,5 × 44 cm., 1541-43. 
Museu de Arte (São Paulo, Brasil / Brazil)

Más información e imágenes en / More images and information in:
Wikipedia, Wikimedia Commons, Hans Holbein.org

Más sobre Holbein en "El Hurgador" / More about Holbein in this blog:

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Aniversarios (XXIX) [Agosto / August 10-16]

August 17, 2014, 6:08 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 10 de Agosto es el cumple de

Sheikh Mohammed Sultan (SM Sultan, শেখ মোহাম্মাদ সুলতান ),pintor de Bangladesh nacido en 1923, declarado "Hombre de Asia" en 1982 por la Universidad de Cambridge. Comenzó dibujando los edificios en los que trabajaba con su padre como albañil. No pudo ir a estudiar a Calcuta por falta de medios, pero eventualmente llegó allí en 1938 con apoyo de un terrateniente local. No pudo entrar en la Escuela de Arte de Calcuta, y nunca completó su educación.
Viajó por la India como artista freelance, ganándose la vida pintando retratos de los soldados que acampaban en los lugares que visitaba. Su primera exposición tuvo lugar en Simla. Por fin se estableció en Narail, con vistas al río Chitra, donde vivió rodeado de animales. Su primera exposición en Dhaka fue en 1976. Murió en 1994.

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Anton Pavlovich Losenko (Антон Павлович Лосенко), pintor ucraniano neoclásico y académico nacido en 1737, que vivió en la Rusia Imperial y se especializó en temas históricos y retratos. Fue uno de los fundadores del movimiento pictórico histórico de la Rusia Imperial.
Fue admitido en la Academia de las Artes en 1759. Entre sus pinturas se cuentan los retratos de Ivan Shuvalov (1760) y de Alexander Sumarokov (1760).
En 1760 la academia lo envió a París para estudiar arte con el pintor francés neoclásico Jean II Restout.
En 1769, Losenko regresó a San Petersburgo. Recibió una oferta para presentar una pintura histórica como forma de recibir el status de Académico en la Academia Imperial de las Artes. De un episodio de la historia de Rus de Kiev, pintó su clásico lienzo de olodymyr y Rohnida. Gracias a esta pintura no sólo obtuvo el título de Académico, sino también un profesorado.
Murió en 1773.

"Fyodor Volkov", 1763. Tretyakov Gallery (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)


El 11 de Agosto es el cumple de

Pavel 183, misterioso artista callejero ruso nacido en 1983. 
Su trabajo abarcó desde murales pintados con spray hasta combinaciones de audio y video, acompañados con mensajes políticos. Su trabajo se ha comparado con el del británico Banksy y el estadounidense Keith Haring.
A pesar de su graduado en diseño, solía atacar la publicidad por privar a la gente de su libre albedrío. También describía a los diseñadores como máquinas de hacer dinero, comparándolos con los verdaderos artistas, cuya obra respetaba más. Fue reconocido por sus instalaciones socialmente críticas y murales fotorrealistas a gran escala. Con el tiempo exploró técnicas de creación diferentes, como dibujar en la oscuridad con luz e incorporar estructuras existentes en el entorno, como las canalizaciones de Moscú y espacios de hormigón. Aunque su obra incorporaba elementos políticos, reivindicaba no ser considerado un "artista político".
Murió en 2013

Intervención en la vía pública / Intervention in the streets
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Martin Johnson Heade, prolífico pintor estadounidense nacido en 1819, conocido por sus paisajes de marismas, marinas y representaciones de aves tropicales (como colibríes), así como flores de loto y otras naturalezas muertas. Su estilo pictórico y temática, aunque derivado del romanticismo de la época, fue visto por los historiadores del arte como significativamente apartado del de sus colegas.
Sus obras tempranas (principalmente retratos) fueron producidas durante la década de 1840. De joven viajó varias veces por Europa, convirtiéndose en una artista itinerante en las costas estadounidenses y exhibiendo en Filadelfia en 1841 y en Nueva York en 1843. Su amistad con los artistas de la Escuela del Río Hudson condujo a su interés en el arte del paisaje. Desde entonces viajó varias veces a los trópicos, y continuó pintando aves y flores.
Heade no fue un artista ampliamente conocido durante su vida, pero su obra atrajo la atención de estudiosos, historiadores del arte y coleccionistas durante la década de 1940.
Murió en 1904.

"Orquídea y colibrí cerca de una cascada / Orchid and Hummingbird close to a Cascade"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 38,2 x 51,5 cm., 1902. 
Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, en el Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)


El 12 de Agosto es el cumple de

Lino Enea Spilimbergo, pintor y grabador argentino nacido en Buenos Aires en 1896, considerado uno de los grandes maestros del arte de su país.
En 1917 se recibe de profesor nacional de Dibujo de la Academia Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, entre sus profesores se encuentran artistas de la talla de Pío Collivadino, Ernesto de la Cárcova y Carlos Pablo Ripamonte.
Al ser asmático crónico los médicos le aconsejan trasladarse a un lugar de clima seco. Se muda a Desamparados, provincia de San Juan, donde realiza su primera exposición individual. En 1925 viaja a Europa y en Italia estudia a los clásicos con atención especial a los frescos.
Entre 1926 y 1928 (año de retorno a Argentina) sigue los cursos en la Académie de la Grande Chaumière por las mañanas y concurre por las tardes al taller de André Lhote en París, logrando una síntesis muy personal de estilos entre lo clásico y lo moderno. Murió en 1964.

"Paisaje de San Juan / Lanscape of San Juan", 1939.
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Tamás Lossonczy, pintor abstracto húngaro nacido en Budapest en 1904. Es considerado por  muchos críticos como una de las figuras líderes del arte moderno en Hungría durante el s.XX.
Tras finalizar la secundaria, comenzó a estudiar leyes, pero poco después hizo el examen de ingreso a la Academia de Bellas Artes de Hungría, y fue aceptado. Durante los años '20 viajó frecuentemente a París, donde se hizo amigo de varios prominentes artistas de la época. Tras su regreso a Hungría, estudió diseño de interiores en la Academia Húngara de Artes Aplicadas, donde sus intereses cambiaron temporalmente de la pintura a la arquitectura.
Lossonczy fue miembro de la Escuela Europea, los Artistas de Vanguardia del Valle del Danubio, y el Grupo Húngaro de Arte Concreto.
Entre sus obras más conocidas está el gran mosaico de la estación de metro EUR-Magliana en Roma, que fue inaugurado en 1998.
Murió en 2009.

"Gran tormenta purificadora / Great Purifying Storm", 1962. Foto / Photo: Kieselbach Gallery


El 13 de Agosto es el cumple de

Miklós Borsos, escultor y medallista húngaro nacido en 1906, cuyo estilo integró elementos del arte arcaico y el clasicismo con aportes modernos.
Se interesó en el arte, especialmente en la escultura, a fines de los años '20, iniciándose en la pintura y volcándose en la escultura durante la década de los '30.
Hizo uso de todos los géneros escultóricos, enriqueciéndolos con varias soluciones novedosas. Desarrolló el estampado en placas de cobre (una técnica rara en ese momento histórico), y produjo varias esculturas para lugares públicos y monumentos funerarios, centrándose en una cultura ambiental moderna que a menudo llevaba un mensaje personal profundo reflejando una gran intimidad (combinando motivos simbólicos de la vida natural, así como valores culturales). También se dedicó al retrato durante los '50 y los '60.
En 1979 abrió la Miklós Borsos Art Gallery in Győr. Murió en 1990.

"Tumba de / Tomb of Béla Bártok" (Budapest, Hungría / Hungary)
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Takahiro Hara, brillante pintor realista japonés nacido en Fukuyama, prefectura de Hiroshima, en 1971.
Más imágenes e información en el post previo.

"Espejo y notas / Mirror and Notes", 2013

Más sobre Takahiro Hara en "El Hurgador" / More about Takahiro Hara in this blog:


El 14 de Agosto es el cumple de

Yannoulis Chalepas, escultor y figura significativa del arte moderno griego, nacido en 1851 en Pyrgos (isla de Tinos), en una familia de artesanos del mármol. Estudió en la Escuela de Artes de Atenas como alumno del escultor neoclásico Leonidas Drossis. En 1873 llegó a Münich gracias a una beca para continuar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de la ciudad como alumno de Max von Widnmann. Regresó a Atenas en 1876, abriendo un taller donde comenzó a trabajar por su cuenta.
En 1878 sufrió una crisis nerviosa, destruyó algunas de sus esculturas y pasó por varios intentos de suicidio. Su condición empeoró y entre 1888 y 1902 estuvo recluído en el Hospital Mental de Corfu. Tras la muerte de su padre, vivió en Tinos con su madre que, culpando a la escultura de su enfermedad, le impidió trabajar y destruyó todo lo que había creado. Tras la muerte de ella, Chalepas retomó su trabajo ganándose la atención de los círculos intelectuales atenienses y en 1927 recibió el premio de la Excelencia en Artes y Letras de la Academia de Atenas. Murió en 1938.

"Figura de mujer durmiente / Figure of a Sleeping Woman", 1877
Tumba de Sofia Afentaki, Primer Cementerio de Atenas / Tomb of Sofia Afentaki, First Cemetery of Athens
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Claude-Joseph Vernet, pintor francés nacido en 1789. 
Con sólo catorce años de edad, ayudaba a su padre, Antoine Vernet (1689-1753), un experto pintor decorativo, en las partes más importantes de su trabajo. Los paneles de sillas de manos, sin embargo, no podían satisfacer su ambición, y Vernet comenzó por Roma. La vista del mar en Marsella y su viaje desde allí a Civitavecchia (puerto principal de los Estados Pontificios en el mar Tirreno) causó una profunda impresión en él, e inmediatamente después de su llegada, entró en el estudio de un pintor de marinas, Bernardino Fergioni. 
Durante veinte años Vernet vivió en Roma, produciendo vistas de los puertos de mar, tormentas, calmas, luz de luna, haciéndose especialmente popular entre los aristócratas ingleses.
Murió en 1789.

"Una bahía a la luz de la luna / A Harbor in Moonlight"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 × 81,3 cm., 1787. 
Saint Louis Art Museum (San Luis, Missouri, Estados Unidos / USA)


El 15 de Agosto es el cumple de

Ivan Meštrović, escultor y arquitecto croata nacido en 1883. Se le considera posiblemente el más grande de los escultores de temática religiosa desde el Renacimiento, y fue la primera persona viva de quien se hizo una exposición individual en el Metropolitan Museum de New York City. 
A los 16 años, un maestro cantero de Split notó su talento y lo tomó como aprendiz. Sus habilidades fueron mejorando con el estudio de los edificios monumentales de la ciudad. En 1905 hizo su primera exposición junto al grupo de la Secesión de Viena, notablemente influido por el Art Nouveau. Pronto su estilo se hizo popular. 
Durante la Primera Guerra viajó y expuso en París, Cannes, Londres y Suiza. Fue uno de los miembros del Comité para la ex-Yugoslavia.
Después de la Segunda Guerra se le ofreció un profesorado en la Universidad de Siracusa y se mudó a Estados Unidos. Murió en 1962.

"Fuente de la Vida / Fountain of Life", 1905. 
Frente al Teatro Nacional de Croacia / In front of the Croatian National Theater, Zagreb
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Kolë Idromeno, pintor, escultor, fotógrafo, arquitecto e ingeniero albanés nacido en 1860. 
Aprendió los primeros elementos de la fotografía de Pietro Marubi. En 1876 permaneció durante algunos meses en la Accademia di Belle Arti di Venezia (Academia de Bellas Artes de Venecia), y luego trabajó en el estudio de un pintor italiano. Cuando regresó a Albania (1878), se dedicó a una serie de actividades, trabajando como arquitecto, escultor, fotógrafo, escenógrafo, ingeniero y pintor. Realizó la primera exposición de arte en Shkodër (1923) y estuvo representado en la primera exposición nacional de arte en Tirana (1931). 
Idromeno fue el primer pintor en mostrar imágenes en movimiento en Albania en 1912, había mantenido una correspondencia con los hermanos Lumière en París. 
Fue también el primer pintor de paisajes en la escuela de pintura albanesa moderna (Patio de una casa en Shkodra) y fue pionero en la pintura secular realista. 
Murió en 1939.

"Dasma shkodrane / Boda en / Wedding in Shkodra", 1924. National Art Gallery (Tirana, Albania / Albany)


Ayer, 16 de Agosto, fue el cumple de

Agostino Carracci, pintor y grabador italiano de transición entre el Manierismo y el naciente Barroco, nacido en Bolonia en 1557.
Seguía como ideal la naturaleza, y fue, con sus parientes Annibale y Ludovico, el fundador de una escuela que buscaba una visión más particularizada de ésta, y en cierto modo rival al estilo preconizado por Caravaggio.
Agostino se formó en el ambiente manierista de Bolonia, especialmente con el arquitecto y tallista Domenico Tibaldi. Hizo viajes de estudios a Venecia en 1582, y a Parma entre 1586 y 1587, volviendo a Venecia entre 1587 y 1589; su vida y actividad posteriores se centraron no obstante en su ciudad natal.
Sus modelos pictóricos fueron, entre otros, Federico Barocci, Tintoretto, Antonio Campi y Correggio, de cuyas obras famosas hizo copias.
Murió en 1602.

"El Diluvio / The Flood", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 166 x 247 cm., 1616-18. 
Museo del Louvre (París, Francia / France)
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Paulino Vicente Rodríguez, pintor español nacido en 1900 en Oviedo, destacando por su habilidad como retratista.
Estudió en la "Escuela de Artes y Oficios" de Oviedo, y más adelante en la "Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando" en Madrid.
Se dio a conocer en la exposición celebrada en Oviedo en las fiestas de San Mateo de 1916.
Tras una estancia en Italia se establece definitivamente en Oviedo en 1931. Desde 1933 fue profesor de Dibujo en el Instituto local de Sama de Langreo y más tarde Catedrático en el "Instituto Masculino" de la misma ciudad.
En sus pinturas atrapa los matices arquitectónicos de la ciudad de Oviedo, aunque su temática es variada, incluyendo bodegones, pintura religiosa, retratos y murales.
Murió en 1990.

"Gitana / Gipsy Woman", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 74 cm., 1961.


Textos en inglés / English translation

* On August 10 is the birthday of

Sheikh Mohammed Sultan (Sultan SM, শেখ মোহাম্মাদ সুলতান), painter born in Bangladesh in 1923, declared "Man of Asia" in 1982 by the University of Cambridge. He began drawing the buildings where his father worked as a mason. He could not go to study in Calcutta for lack of means, but eventually got there in 1938 with support from a local landowner. He could not enter the School of Art in Calcutta, and never completed his education. 
He traveled to India as a freelance artist, making a living painting portraits of soldiers camped in the places he visited. His first exhibition was held in Simla. Finally he settled in Narail overlooking the river Chitra, where he lived surrounded by animals. His first exhibition was in Dhaka in 1976 and died in 1994.

Anton Pavlovich Losenko (Антон Павлович Лосенко), Ukrainian neoclassical painter and academician born in 1737, who lived in Imperial Russia and who specialized in historical subjects and portraits. He was one of the founders of the Imperial Russian historical movement in painting.
He was admitted to the Imperial Academy of Arts in 1759. Among the paintings he created there was the Portrait of Ivan Shuvalov (1760) and the Portrait of Alexander Sumarokov (1760).
In 1760, the Academy sent him to Paris to study art under the French neoclassical painter Jean II Restout.
In 1769, Losenko returned to Saint-Petersburg. He received an offer to present a historical painting as a way of receiving Academician status in the Imperial Academy of Arts. From an episode of Kievan Rus' history, he painted his classical canvas of Volodymyr and Rohnida. This painting not only brought him the title of Academician but also a professorship.
He died in 1773.

* On August 11 is the birthday of

Pavel 183, mysterious Russian street artist born in 1983-
The works of Pavel 183 range from murals spray-painted on public structures to combinations of audio and video, at times accompanied by a political message. His works have been compared with those of the British street artist Banksy, and U.S. artist Keith Haring.
Despite his degree in design, he used to attack advertising for its power to deprive people of free will. He also describes designers as money makers and compares them to real artists, whose work he respects most. He was best known for his socially critical installations and grey-scale photorealistic murals. Later in his career, Pukhov explored different techniques of creation, eventually learning to draw in the dark with lights and to incorporate existing environmental aides, such as Moscow's waterways and concrete spaces.
While his works addressed political issues, he claimed not to consider himself a "political artist"

Martin Johnson Heade, prolific American painter born in 1819, known for his salt marsh landscapes, seascapes, and depictions of tropical birds (such as hummingbirds), as well as lotus blossoms and other still lifes. His painting style and subject matter, while derived from the romanticism of the time, are regarded by art historians as a significant departure from those of his peers.
His earliest works were produced during the 1840s and were chiefly portraits. He travelled to Europe several times as a young man, became an itinerant artist on American shores, and exhibited in Philadelphia in 1841 and New York in 1843. Friendships with artists of the Hudson River School led to an interest in landscape art. He travelled to the tropics several times thereafter, and continued to paint birds and flowers. 
Heade was not a widely known artist during his lifetime, but his work attracted the notice of scholars, art historians, and collectors during the 1940s.
He died in 1904.

* On August 12 is the birthday of

Lino Enea Spilimbergo, Argentine painter and engraver born in Buenos Aires in 1896, considered one of the great masters of his country. 
In 1917 he became professor of drawing in the National Academy of Fine Arts Prilidiano Pueyrredon. Among his teachers had artists like Pius Collivadino, Ernesto and Carlos Cárcova Paul Ripamonte. 
Being asthmatic chronic medical advise moving to a place of dry weather. He moved to Desamparados in the province of San Juan, where he had his first solo exhibition. In 1925 he traveled to Europe and Italy studying the classics with a focus on frescoes. 
Between 1926 and 1928 (the year of his return to Argentina) follows the courses at the Academie de la Grande Chaumiere in the mornings, and evenings attends the workshop of André Lhote in Paris, achieving a very personal synthesis of styles of classic and modern . He died in 1964.

Tamás Lossonczy, Hungarian abstract painter born in Budapest in 1904. He is considered by many critics to be one of the leading figures of modern art in Hungary of the 20th century.
After graduation from secondary school, Lossonczy began law studies, but soon afterward took an entrance examination to the Hungarian Academy of Fine Arts and was accepted. During the 1920s, he traveled frequently to Paris, where he befriended several prominent artists of the period. Upon his return to Hungary, he studied interior design at the Hungarian Academy of Applied Arts, where his interests temporarily shifted from painting to architecture.
Lossonczy was a member of the European School, the Avant-garde Artists of the Danube Valley, and the Hungarian Group of Concrete Art.
Among his best known works is his large-scale mosaic at the EUR-Magliana metro station in Rome, Italy, which was inaugurated in 1998.
He died in 2009.

* On August 13 is the birthday of

Miklós Borsos, Hungarian sculptor and medalist born in 1906, whose style integrated elements of archaic art and classicism with modern inputs. 
He became interested in art, especially in sculpture, in the late 20s, beginning in painting and focusing in sculpture during the decade of the 30s. 
He used all sorts of sculptures genders, endowing them with several innovative solutions. He developed the stamped copper plates (a rare technique in that historical moment), and produced several sculptures for public places and funerary monuments, focusing on modern environmental culture that often took a deep personal message reflecting great intimacy (combining symbolic motifs of natural life and cultural values​​). He also devoted himself to portraiture during the 50s and 60s. 
In 1979 he opened the Miklós Borsos Art Gallery in Győr. He died in 1990.

Takahiro Hara, brilliant Japanese realist painter born in Fukuyama, Hiroshima Prefecture, in 1971.
More images and information in the previous post.

* On August 14 is the birthday of

Yannoulis Chalepas, sculptor and significant figure of Modern Greek art, born in 1851 in Pyrgos (Tinos), into a family of craftsmen of the marble.
He studied at the Athens School of Arts as a student of neoclassical sculptor Leonidas Drossis. In 1873 he arrived in Munich on a scholarship to continue his studies at the Academy of Fine Arts in the city as a student of Max von Widnmann. He returned to Athens in 1876, opening a workshop where he began working on his own. 
In 1878 he suffered a nervous breakdown, destroyed some of his sculptures and went through several suicide attempts. Her condition worsened between 1888 and 1902 and was confined in the Mental Hospital of Corfu. After the death of his father, he lived in Tinos with his mother. She blamed sculpture of his illness prevented him from working and destroyed everything he had created. After her death, Chalepas resumed his work gaining the attention of Athenian intellectual circles and in 1927 received the Award of Excellence in Arts and Letters from the Academy of Athens. He died in 1938.

Claude-Joseph Vernet, French painter born in 1789.
When only fourteen years of age he aided his father, Antoine Vernet (1689–1753), a skilled decorative painter, in the most important parts of his work. The panels of sedan chairs, however, could not satisfy his ambition, and Vernet started for Rome. The sight of the sea at Marseilles and his voyage thence to Civitavecchia (Papal States' main port on the Tyrrhenian Sea) made a deep impression on him, and immediately after his arrival he entered the studio of a marine painter, Bernardino Fergioni.
For twenty years Vernet lived in Rome, producing views of seaports, storms, calms, moonlights, becoming especially popular with English aristocrats
He died in 1789.

* On August 15 is the birthday of

Ivan Meštrović, Croatian sculptor and architect born in 1883. He is considered possibly the greatest sculptor of religious subject matter since the Renaissance, and was the first living person who made ​​a solo exhibition at the Metropolitan Museum in New York City. 
At age 16, a Split stonemason teacher noticed his talent and took him as an apprentice. His skills were improved by studying the monumental buildings of the city. In 1905 he made his first exhibition with the group of the Vienna Secession, greatly influenced by the Art Nouveau. Soon his style became popular. 
During World War I he traveled and exhibited in Paris, Cannes, London and Switzerland. He was one of the members of the Committee for the former Yugoslavia. 
After World War II he was offered a professorship at Syracuse University and moved to the United States. He died in 1962.

Kolë Idromeno, Albanian painter, sculptor, photographer, architect and engineer born in 1860.
He learned the first elements of photography from Pietro Marubi. In 1876 he stayed for some months at the Accademia di Belle Arti di Venezia, the academy of fine arts of Venice, and then worked in the studio of an Italian painter. When back in Albania (1878), he engaged himself in a number of different activities, working as an architect, sculptor, photographer, scene-painter, engineer and painter. He was the initiator of the first art exhibition in Shkodër (1923) and was represented in the first national art exhibition in Tirana (1931).
Idromeno was the first painter to show motion pictures in Albania in 1912. He had kept up a correspondence with the Lumière brothers in Paris.
He was the first landscape painter in the modern Albanian painting school (Courtyard of a House in Shkodra) and pioneered realistic secular painting. 
He died in 1939.

* Yesterday, August 16, was the birthday of

Agostino Carracci, Italian painter and engraver in the transition between Mannerism and the nascent Baroque, born in Bologna in 1557. 
His ideal was nature, and with his relatives Annibale and Ludovico was the founder of a school that was looking for a more particularized view of nature, and in an style in certain way rival of the advocated by Caravaggio. 
Agostino was trained in the Mannerist environment of Bologna, especially with the architect and carver Domenico Tibaldi. He made trips to Venice in 1582, and Parma between 1586 and 1587, returning to Venice in 1587 and 1589; his life and subsequent activity is however focused on his hometown. 
His pictorial models were, among others, Federico Barocci, Tintoretto, Antonio Campi and Correggio, whose famous works made ​​copies. 
He died in 1602.

Paulino Vicente Rodríguez, Spanish painter born in 1900 in Oviedo, noted for his skill as a portraitist. 
He studied at the "School of Arts and Crafts" of Oviedo, and later in the "School of Fine Arts of San Fernando" in Madrid. 
His presentation was at the exhibition held in Oviedo in the festivities of San Mateo, 1916. 
After a stay in Italy he settled definitely in Oviedo in 1931. From 1933 he taught drawing at the local Institute of Sama at Langreo, and later professor at the "Instituto Masculino" in the same city. 
In his paintings captures the architectural nuances of the city of Oviedo, but his themes are varied, including still lifes, religious paintings, portraits and murals. 
He died in 1990.


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Aniversarios, Fotografía (XXIX) [Agosto / August 11-17]

August 17, 2014, 6:08 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 11 de Agosto es el cumple de

Reid Turner Blackburn, fotógrafo estadounidense nacido en 1952, que murió durante la erupción volcánica del Monte Santa Elena en 1980. Cubría la erupción como fotoperiodista de un periódico local (Vancouver, Washington Columbian), así como para para el la revista del National Geographic y el Observatorio Geológico de los Estados Unidos, cuando su coche fue atrapado en Coldwater Camp por la erupción.
El coche de Blackburn y su cuerpo fueron encontrados cuatro días después de la erupción. Su cámara, enterrada bajo los escombros, se encontró casi una semana después.
En diciembre de 2013, un rollo de película sin revelar que contenía tomas anteriores a la erupción del Monte Santa Elena, fue descubierto y revelado más de 30 años después de la muerte de Blackburn, y permanece como un importante registro periodístico del paisaje anterior a la erupción.

"Vista aérea del Monte Santa Elena tomada a principios de abril de 1980 / 
Aerial view of Mount St. Helens shot in early April 1980"


El 12 de Agosto es el cumple de

Antoine François Jean Claudet, fotógrafo y artista nacido en 1797 en Lyon, que produjo daguerrotipos. Estuvo activo en Gran Bretaña y fue estudiante de Louis Daguerre.
Después de haber adquirido una participación en el invento de Daguerre, fue uno de los primeros en practicar la técnica del retrato de daguerrotipos en Inglaterra, y mejoro la sensibilidad del proceso utilizando clorina (en lugar de bromina) añadido a la iodina, ganando así una gran rapidez en la acción. También inventó la luz roja para cuarto oscuro y fue quien sugirió la idea de utilizar series de fotografías para crear la ilusión de movimiento. También se le atribuye la idea de utilizar telones de fondo pintados.
Claudet recibió muchos honores, entre los cuales está la designación, en 1853, como "Fotógrafo habitual" para la Reina Victoria, y el premio honor, diez años más tarde, otorgado por Napoleón III de Francia. Menos de un mes después de su muerte, su "Templo de la fotografía" ardió, y muchos de sus más valiosos tesoros fotográficos se perdieron.

"La lección de geografía / The Geography Lesson"
Daguerrotipo estereoscópico / stereoscopic daguerreotype, 1851


El 13 de Agosto es el cumple de

Herbert "Herb" Ritts, fotógrafo de modas estadounidense nacido en 1952, que se concentró en la fotografía en blanco y negro y retratos, a menudo en el estilo de la escultura clásica griega.
Comenzó su carrera trabajando en el negocio de muebles de la familia. Más tarde, mientras vivía en Los Ángeles, se interesó en la fotografía cuando él y su amigo Richard Gere, por aquél entonces aspirante a actor, decidieron tomar unas fotografías frente a un viejo Buick. La imagen le proporcionó cierta cobertura, y comenzó a tomarse más en serio la fotografía.
Durante los '80 y '90, Ritts fotografió celebridades, desnudos y top models.
También trabajó para revistas y dirigió videos.
Murió en 2002.

Tatjana Patitz, Rostro velado, toma ajustada / Veiled Head, Tight View, Joshua Tree, 1988


El 14 de Agosto es el cumple de

Willy Ronis, fotógrafo francés nacido en 1910, conocido por una obra que muestra la vida en el París de la posguerra y la Provenza. 
Su padre abrió un estudio de fotografía en Montmartre, y su madre daba clases de piano. El interés inicial del niño fue la música y esperaba convertirse en compositor. A su regreso del servicio militar obligatorio en 1932, debió suspender sus estudios de violín ya que el cáncer de su padre requería que Ronis se hiciera cargo del negocio de retratos de la familia. La pasión de Ronis por la música está presente en sus fotografías. 
Tras la muerte de su padre en 1936, el negocio se vino abajo y Ronis se pasó a trabajar por su cuenta. Sus primeras fotografías se publicaron en Regards. En 1937 conoció a David Seymour y Robert Capa. 
Ronis se convirtió en el primer fotógrafo francés para trabajar para LIFE. En 1953, Edward Steichen incluyó Ronis, Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Izis y Brassaï en una exposición en el Museo de Arte Moderno titulada Cinco fotógrafos franceses. 
Murió en 2009.

“Nu provençal / Desnudo provenzal / Provencal nude”, 1936


El 15 de Agosto es el cumple de

Paul Outerbridge, Jr., fotógrafo estadounidense nacido en 1896, que destacó por su uso temprano y experimentos en la fotografía en color. Outerbridge fue un fotógrafo de moda y comercial, un pionero y maestro de la fotografía en color, y un creador de fotografías de desnudos eróticos que no pudieron ser exhibidos durante su vida. 
Siendo aún adolescente, Outerbridge trabajó como ilustrador y diseñador teatral creando escenografías y esquemas de iluminación. Después de un accidente que causó su baja de la Royal Canadian Naval Air Service, en 1917, se alistó en el Ejército de Estados Unidos, donde produjo su primer trabajo fotográfico. En 1921, se matriculó en la escuela Clarence H. White de fotografía en la Universidad de Columbia. En tan sólo un año, su obra comenzó a ser publicada en las revistas Vanity Fair y Vogue. 
En Londres, en 1925, la Real Sociedad Fotográfica invitó Outerbridge a exponer en una muestra individual. Luego viajó a París y se hizo amigo de los artistas y fotógrafos Man Ray, Marcel Duchamp y Berenice Abbott. 
Los vívidos colores de sus desnudos de estudio, incluían tempranas fotos fetichistas y eran demasiado indecente para los estándares contemporáneos, como para lograr la aceptación del público en general. 
Murió en 1958.

"Desnudo de pie con silla / Standing Nude with Chair", c. 1924


El 16 de Agosto es el cumple de

Wolfgang Tillmans, fotógrafo artístico alemán nacido en 1968. Su obra se distingue por la observación de su entorno y una investigación en curso de los cimientos del medio fotográfico. 
En 2000, Tillmans fue el primer fotógrafo - y también la primera persona no-inglesa - en recibir el Premio anual Turner de la Tate Gallery. En 2009 fue galardonado con el Kulturpreis der Deutschen Gesellschaft für Photographie (El Premio de Cultura de la Sociedad Alemana de Fotografía). Tillmans vive en Berlín y Londres. 
Tillmans fue considerado un "documentalista de su generación, especialmente la del club de Londres y escenas homosexuales." La mitad de su obra se escenifica, con el artista escogiendo la ropa y la ubicación, así como la posición de sus modelos. 
La práctica fotográfica Wolfgang Tillmans se ha desarrollado para abarcar una amplia gama de géneros. Sus retratos, bodegones, fotografías del cielo (la serie Concorde), astrofotografía, tomas aéreas y paisajes son motivados tanto por intereses estéticos y políticos, y por las formulaciones de la realidad y requerimientos de la verdad, sobre todo en relación a la homosexualidad y la identidad de género.
Sitio web del artista: http://tillmans.co.uk/

"I don't want to get over you / No quiero terminar contigo", 2000


Hoy, 17 de Agosto, es el cumple de

Tina Modotti (Assunta Adelaide Luigia Modotti Mondini), fotógrafa italiana, modelo, actriz y activista política revolucionaria nacida en 1886 (16 o 17 de agosto). 
Atraída por las artes escénicas apoyadas por la comunidad de emigrados italianos en el Área de la Bahía de San Francisco, Modotti experimentó con la actuación. Apareció en varias obras de teatro, óperas y películas de cine mudo en la década de 1910 y principios de 1920, y también trabajó como modelo de un artista. 
Estando en Los Angeles, conoció al fotógrafo Edward Weston y a su socia creativa Margrethe Mather. Fue a través de su relación con Edward Weston que Modotti se desarrolló como una importante fotógrafa artística y documentalista. En 1921 Modotti fue la modelo favorita de Weston. 
El fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo divide la carrera de Modotti como fotógrafa en dos categorías: "romántica" y "revolucionaria". En general, Weston fue movido por el arte del paisaje y la gente de México para crear obras abstractas, mientras que Modotti fue más cautivada por el pueblo de México y mezcló este interés humano con una estética modernista. 
Murió en 1942.

"Donna che porta la brocca / Mujer con olla / Woman with Pot", 1926


Textos en inglés / English translation

* On August 11 is the birthday of

Reid Turner Blackburn, American photographer born in 1952, killed in the 1980 volcanic eruption of Mount St. Helens. A photojournalist covering the eruption for a local newspaper - the Vancouver, Washington Columbian - as well as National Geographic magazine and the United States Geological Survey, he was caught at Coldwater Camp in the blast.
Blackburn's car and body were found four days after the eruption. His camera, buried under the debris of the eruption, was found roughly one week later.
In December 2013, a roll of undeveloped film containing pre-eruption shots of Mount St. Helens was discovered in Blackburn's archives at The Columbian. The photos, taken by Blackburn during a helicopter photo shoot of the mountain the month before the eruption, were successfully developed over 30 years after Blackburn's death, and remain journalistically important as a record of the pre-eruption landscape.

* On August 12 is the birthday of

Antoine François Jean Claudet, French photographer and artist born in 1797 in Lyon, who produced daguerreotypes. He was active in Great Britain and was a student of Louis Daguerre.
Having acquired a share in L. J. M. Daguerre's invention, he was one of the first to practice daguerreotype portraiture in England, and he improved the sensitizing process by using chlorine (instead of bromine) in addition to iodine, thus gaining greater rapidity of action. He also invented the red (safe) dark-room light, and it was he who suggested the idea of using a series of photographs to create the illusion of movement. The idea of using painted backdrops is also attributed to him.
Claudet received many honours, among which was the appointment, in 1853, as "Photographer-in-ordinary" to Queen Victoria, and the award, ten years later, of an honor from Napoleon III of France. Less than a month after his death, his "Temple to photography" was burnt down, and many of his most valuable photographic treasures were lost.
He died in 1867.

* On August 13 is the birthday of

Herbert "Herb" Ritts, American fashion photographer born in 1952, who concentrated on black-and-white photography and portraits, often in the style of classical Greek sculpture.
Ritts began his career working in the family furniture business. Later, while living in Los Angeles, he became interested in photography when he and friend Richard Gere, then an aspiring actor, decided to shoot some photographs in front of an old jacked up Buick. The picture gained Ritts some coverage and he began to be more serious about photography. 
During the 1980s and 1990s, Ritts photographed celebrities and took many fashion and nude photographs of top fashion models.
He also worked for the magazines and directed videos.
He died in 2002.

* On August 14 is the birthday of

Willy Ronis, French photographer born in 1910, the best-known of whose work shows life in post-war Paris and Provence.
His father opened a photography studio in Montmartre, and his mother gave piano lessons. The boy's early interest was music and he hoped to become a composer. Returning from compulsory military service in 1932, his violin studies were put on hold because his father's cancer required Ronis to take over the family portrait business; Ronis' passion for music has been observed in his photographs.
After the dead of his father in 1936, the business collapsed and Ronis went freelance, his first photographs being published in Regards. In 1937 he met David Seymour and Robert Capa.
Ronis became the first French photographer to work for Life. In 1953, Edward Steichen included Ronis, Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Izis, and Brassaï in an exhibition at the Museum of Modern Art titled Five French Photographers.
He died in 2009.

* On August 15 is the birthday of

Paul Outerbridge, Jr., American photographer born in 1896, prominent for his early use and experiments in color photography. Outerbridge was a fashion and commercial photographer, an early pioneer and teacher of color photography, and a creator of erotic nude photographs that could not be exhibited in his lifetime.
While still in his teens, Outerbridge worked as an illustrator and theatrical designer creating stage settings and lighting schemes. After an accident caused his discharge from the Royal Canadian Naval Air Service, in 1917, he enlisted in the U.S. Army where he produced his first photographic work. In 1921, Outerbridge enrolled in the Clarence H. White school of photography at Columbia University. Within a year his work began being published in Vanity Fair and Vogue magazines.
In London, in 1925, the Royal Photographic Society invited Outerbridge to exhibit in a one-man show. Outerbridge then traveled to Paris and became friends with the artists and photographers Man Ray, Marcel Duchamp, and Berenice Abbott.
Outerbridge's vivid color nude studies included early fetish photos and were too indecent under contemporary standards to find general public acceptance.
He died in 1958.

* On August 16 is the birthday of

Wolfgang Tillmans, German fine-art photographer born in 1968. His diverse body of work is distinguished by observation of his surroundings and an ongoing investigation of the photographic medium’s foundations.
In 2000, Tillmans was the first photographer - and also the first non-English person - to be awarded the Tate annual Turner Prize. In 2009, he was awarded the Kulturpreis der Deutschen Gesellschaft für Photographie (The Culture Prize of the German Society for Photography). Tillmans lives in Berlin and London.
Tillmans was considered the “documentarian of his generation, especially that of the London club and gay scenes.” Half of his work is staged, with the artist choosing the clothes and the location, as well as setting his models up in their positions.
Wolfgang Tillmans’ photographic practice has developed to encompass a wide array of genres. His portraits, still lifes, sky photographs (i.e. the Concorde series), astrophotography, aerial shots and landscapes were all motivated equally by aesthetic and political interests and in formulations of reality and truth claims – particularly in relation to homosexuality and gender identity.
Artist's website: http://tillmans.co.uk/

* Today, August 17, is the birthday of

Tina Modotti (Assunta Adelaide Luigia Modotti Mondini), Italian photographer, model, actress, and revolutionary political activist born in 1986  (August 16 or 17).
Attracted to the performing arts supported by the Italian émigré community in the San Francisco Bay Area, Modotti experimented with acting. She appeared in several plays, operas, and silent movies in the late 1910s and early 1920s, and also worked as an artist's model.
While in Los Angeles, she met the photographer Edward Weston and his creative partner Margrethe Mather. It was through her relationship with Edward Weston that Modotti developed as an important fine art photographer and documentarian. By 1921, Modotti was Weston's favorite model.
Mexican photographer Manuel Álvarez Bravo divided Modotti’s career as a photographer into two distinct categories: "Romantic" and "Revolutionary". In general, Weston was moved by the landscape and folk art of Mexico to create abstract works, while Modotti was more captivated by the people of Mexico and blended this human interest with a modernist aesthetic.
She died in 1942.

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Rinocerontes (LIV)

August 17, 2014, 11:33 pm
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Tony Fredriksson


Tony Fredriksson es un artista sudafricano que comenzó a hacer esculturas con madera arrastrada por las aguas en 2007. Su primera muestra en solitario presentaba un pez con un guerrero Tambooti Masaai, en préstamo de un cliente. Recibió un encargo para hacer una escultura de una chica desnuda, con este tipo de madera, para la Galería White River.

"Rinoceronte blanco / White Rhino", madera flotante / driftwood

Las esculturas de peces llamaron la atención de una cadena de hoteles de las Seychelles que compraron su tiburón de madera exponiendo todos sus órganos internos, y un celacanto de 3 metros. Recibió un encargo de Seasons in Africa para hacer un esqueleto de ballena a tamaño natural en las islas Desroches, utilizando madera flotante depositada en la playa. La escultura de 13 metros le insumió 5 semanas de trabajo.
2011 fue el año de las aves, y 2012 el de los mamíferos y objetos mecánicos.

"Rinoceronte blanco / White Rhino", madera flotante / driftwood

Tony ha realizado numerosas esculturas de bronce para Leopard Creek, Nelspruit Golf club, Penryn College así como una colección de mamíferos sudafricanos que vendió cerca de 7000 ediciones limitadas por todo el mundo.

"Rinoceronte negro / Black Rhino", madera flotante / driftwood

Tony Fredriksson is a South African artist, started doing driftwood sculptures 2007. His first solo exhibition featured fish with a Tambooti Masaai warrior which was on loan from a client. He was commissioned to do a nude driftwood sculpture of a female figure for the White River Gallery.

Tony trabajando / Tony at work

"Rinoceronte negro en la tienda / Black Rhino in Shop", madera flotante / driftwood

The game fish sculptures got the attention of a hotel group in the Seychelles who purchased his driftwood shark which displayed all the internal organs and a 3 meter Coelacanth. He was commissioned by Seasons in Africa to make a life size whale skeleton on the Desroches Island using driftwood found on the beach, the 13 meter sculpture took five weeks to complete.
2011 was the year for birds and in 2012 featured mammals and mechanical objects.

"Rinoceronte / Rhino", madera flotante / driftwood
Donado por Tony para "Arte contra la caza furtiva del rinoceronte". Lo recaudado fue donado a WESSA / 
The Rhino Tony donated to Art Against Rhino Poaching. Funds will be donated to WESSA.


Tony has made numerous bronze sculptures for Leopard Creek, Nelspruit Golf club, Penryn College as well as a collection of mammals of South Africa which sold close to 7000 limited editions that went all over the world. These were cast in marble and hand painted.

Más sobre Tony y su obra en / More about Tony and his work in:
Website, Facebook, South African Country Life


Xavier Cortada

101º E, Rinoceronte de Sumatra / Sumatran Rhinoceros, "Dicerorhinos Sumatrensis"

Xavier Cortada es un pintor estadounidense nacido en 1964 en Albany, Nueva York, que actualmente reside en Miami, Florida. Su obra se ha exhibido en museos, galerías y eventos culturales en las Américas, Europa y África.

Cortada ha creado instalaciones artísticas en los polos terrestres para concienciar acerca del cambio climático global. En 2007 utilizó la placa de hielo que se mueve bajo el Polo Sur como un instrumento para marcar el tiempo. La obra de arte se completó en 150.000 años. En 2008 plantó una bandera verde en el Polo Norte, reclamándolo para la naturaleza, y al hacerlo lanzó un esfuerzo eco-artístico mundial para la reforestación.

108º E, Rinoceronte Java / Javan Rhinoceros, "Rhinoceros Sondaicus"

Los rinocerontes pertenecen a la serie Mundo Amenazado: dibujos del Hemisferio Oriental, 180 dibujos a grafito sobre papel, cada uno 9" x 12", 2009 / 
The rhinos are part of the series Endangered World: Eastern Hemisphere drawings, 180 graphite drawings on paper, each 9″ x 12″. 2009

15º E, Rinoceronte negro / Black Rhinoceros, "Diceros Bicornis"

"Rinoceronte negro, 15º E / Black Rhino, 15 degrees E"

Xavier Cortada is an American painter born 1964 in Albany, New York, who now resides in Miami, Florida. His work has been exhibited in museums, galleries and cultural venues across the Americas, Europe, and Africa.

Cortada has created art installations in the Earth's poles to generate awareness about global climate change: in 2007 he used the moving ice sheet beneath the South Pole as an instrument to mark time; the art piece will be completed in 150,000 years. In 2008 Cortada planted a green flag at the North Pole to reclaim it for nature and in so doing launch a global reforestation eco-art effort.

88º E, Rinoceronte indio / Indian Rhinoceros, "Rhinoceros Unicornis"

Más sobre Xavier Cortada en / More about Xavier Cortada in
Website, Facebook, Wikipedia


Christiane Klatt

Christiane Klatt. Foto / Photo: Bert Loewenherz

Christiane Klatt es una artista alemana nacida en 1973. Residente en Berlín, presentó en 2011 su muestra "Salvaje" en la Galerie Cubus-M.
Christiane construyó una serie de rinocerontes de caucho, pero con agujeros estratégicamente situados que revelan un esqueleto de acero interior.
Debido a la vulnerabilidad de la armadura, Klatt nos descubre fragilidad inherente de sus criaturas, a pesar de su exterior fuerte y masivo.




Exposición / Exhibition"Salvaje / Wild", Foto / Photo© cubus-m

Christiane Klatt is a German artist born in 1973 based in Berlin. She presented in 2011 his show "Wild" at Galerie Cubus-M. 
Christiane built a series of rubber rhinoceros, but with strategically placed holes that reveal an inner steel skeleton. 
Due to the vulnerability of armor, Klatt reveals inherent fragility of his creatures, despite their exterior strength and bulk. 

Christiane Klatt. Foto / Photo: Bert Loewenherz

Exposición / Exhibition "Salvaje / Wild", Foto / Photo © cubus-m

No hay mucha información sobre Christiane / Not much information about Christiane...
Cubus-m (German), Artfacts (C.V. English)


Antonio Guerrero


Antonio Guerrero es un artista cubano-estadounidense nacido en Matanzas, Cuba, en 1968, bajo el gobierno de Castro.
Se crió en un ambiente en el que la expresión artística era apreciada y estimulada; aunque los materiales no siempre estaban disponibles, sus sueños e ideas siempre abundaban.
En 1968 fue reclutado por el ejércido e inmediatamente transportado a África para luchar en la Guerra de Etiopía. Recibió inspiración de la gente y escenas de África, y desarrolló su interés en el expresionismo moderno, comenzando a experimentar con formas modernas de arte visual. La popularidad de su obra le llevó a exponer sus pinturas en la base militar.
Antonio regresó a Cuba en 1988, donde continuó con su trabajo como artesano especializado en pintura, grabados en madera, escultura y trabajo en metal. 
Sintiéndose oprimido por el gobierno cubano, e infeliz con sus malas condiciones de vida, Antonio, junto con otros dos hombres, se subieron a una balsa que habían diseñado y construído secretamente. Flotando desde las costas de Matanzas, se echaron al mar durante cinco días hasta ser rescatados y llevados a Estados Unidos.

"El rinoceronte blanco / The White Rhino" 
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 82,5" x 102"© 2011 Antonio Guerrero

Antonio Guerrero is a contemporary Cuban American Artist. He was born in 1968 in Matanzas Cuba, under the Castro regime. 
Guerrero grew up in a household where artistic expression was appreciated and encouraged; although materials were not always available, his dreams and ideas were always abundant.
In 1986 Antonio was drafted into the army and was immediately transported to Africa to fight in the Ethiopian War. He was inspired by the people and scenes of Africa and he developed an interest in modern expressionism and began to experiment with modern forms of visual art. The popularity of his work led to exhibits of his paintings at the military based  
Antonio returned to Cuba in 1988 where he resumed his job as an artisan specializing in painting, engraving wood carving, sculpting and metal work. Feeling increasingly oppressed by Cuba's government, and unhappy with the worsening living conditions, Antonio, along with two other men, climbed into a raft they had secretly designed and built. Floating off from the coast of Matanzas, they were at sea for five days before being rescued and brought to the U.S.

"El último rinoceronte / The Last Rhino"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 23" x 29"© 2012 Colección privada / Private Collection

Más sobre Antonio Guerrero en / More about Antonio Guerrero in
Website, Facebook


Los pintores Tingatinga / The Tingatinga painters

Adeusi
"Rinoceronte / Rhino", 60 x 60 cm. Foto / Photo © Svend Erik Sokkelund

A fines de la década de 1960, un hombre muy pobre de Tanzania comprendió que a los turistas y expatriados locales les gustaba comprar souvenirs de sus viajes para llevar de vuelta a casa, así que comenzó a producir pinturas de animales para vender. Su nombre era Edward Saidi Tingatinga, y por aquél entonces no sabía que esto sería el principio de un estilo de pintura único en África, que terminó por llevar su nombre, y que continúa hoy en día.
E. S. Tingatinga pintaba diseño sencillos de animales africanos, aves en la sabana o escenas de la vida en las aldeas. Pragmáticamente, utilizaba los materiales que tenía a mano: pintura en esmalte sobre paneles, creando su propia expresión distintiva en un estilo naïf, colorido y con superficies brillantes.
E. S. Tingatinga murió por una bala perdida en 1972, pero su estilo único de pintura se ha mantenido y desarrollado durante los últimos 40 años. La nueva generación de artistas Tingatinga continuaron pintando con esmalte, pero cambiaron los paneles por lienzos y añadieron diseños nuevos, audaces y humorísticos, y composiciones detalladas.

Lewis
"Vida salvaje / Wildlife", 60 x 60 cm. cada uno / each


Mbuka
"Kilimanjaro Safari", 75 x 75 cm.

In the late 1960s an impoverished Tanzanian man realised that tourists and local ex-pats liked buying souvenirs from their trip to bring back home, and so he started producing paintings of animals to sell. His name was Edward Saidi Tingatinga, and at the time he did not know that this would be the beginnings of a unique African paining style, which has come to bear his name, and which continues to this day.
E. S. Tingatinga painted simple designs of African animals, birds on the savannah or situations from village life. Pragmatically, he used the materials at hand; enamel paint on hard board - creating his own distinctive expression of naive, colourful designs with glossy surface.
E. S. Tingatinga died from a stray bullet in 1972, but the unique painting style has been maintained and developed over the past forty years. The new generation of Tingatinga artists continued to paint with enamel paints, but have swapped hard board for canvas and added new, bold, colourful and humorous designs and detailed compositions.

Mteko
"Estampida / Animals Running", pintura sobre lienzo / paint on canvas, 60 x 60 cm., 2011
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Omari Amonde


Omary Amonde nació en 1940 en el poblado de Nakapanya, distrito de Tunduru, región de Rovuma (Tanzania). Se fue a Tanga en 1957 para trabajar en una finca de sisal, y en 1960 se mudó a Dar es Salaam por primera vez buscando trabajo. En 1972 se estableció definitivamente en la capital.
Omary Amonde es "medio hermano" de E. S. Tingatinga, y el más viejo de los pintores Tingatinga aún en activo. Trabajó con E.S. Tingatinga en 1972 hasta la muerte de éste. Amonde está considerado como el último y más legítimo heredero del legado de Tingatinga, y actualmente es el presidente de la TACS (Sociedad Artística Cooperativa Tingatinga)

"Rinoceronte, ave y mariposa / Rhino, Bird and Butterfly"

Omary Amonde was born in 1940 in the village of Nakapanya, Tunduru district, Rovuma Region. He went to Tanga in 1957 to work on a sisal estate and in 1960 he came to Dar es Salaam for the first time looking for work. In 1972 Omari Amonde definitely settles in the capital.
Omary Amonde is "half brother" of E.S. Tingatinga and the oldest of all Tingatinga painters still active. He worked with E.S. Tingatinga in 1972 until Tingatinga's death. Amonde is considered as the very last legitimate heir of Tingatinga's heritage and his currently Chairman of the TACS.

"Rinoceronte, ave y mariposa / Rhino, Bird and Butterfly" (pieza y detalle / piece and detail)
Esmalte oleoso sobre lienzo / oil enamel on canvas, 60 x 50 cm., c.2010


Más sobre Tingatinga en / More about Tingatinga in:
Wikipedia, Tinga Tinga.org, Tinga Tinga.info


Sophie Standing

"Rinoceronte negro / Black Rhino", 160 x 90 cm.

Sophie Standing es una artista del bordado textil, de quien publiqué una selección de obras el mes pasado. Ella crea hermosos collages utilizando como tema principal la fauna salvaje africana. Me remito al citado post para más información e imágenes. Ahora, sus espléndidos rinocerontes bordados y dibujos.

"Rinoceronte negro / Black Rhino" (detalle / detail)

"Rinoceronte negro / Black Rhino" (dibujo / drawing)

"Dos rinocerontes / Two Rhinos"

"Dos rinocerontes / Two Rhinos" (detalle / detail)

Sophie Standing is a textile embroidery artist, whom I published a selection of works last month. She creates beautiful collages using as main theme African wildlife. I refer to that post for more information and pictures. Now, her splendid embroidered rhinos and drawings.

"Rinoceronte negro / Black Rhino"

"Rinoceronte negro / Black Rhino" (detalle / detail)

"Rinoceronte negro / Black Rhino" (detalle / detail)

"Rinoceronte negro / Black Rhino" (dibujo / drawing)

Más sobre Sophie en "El Hurgador" / More about Sophie in this blog:
[Sophie Standing (Collages textiles)]

Más información y obras de Sophie en / More information and Sophie's works in
Website, Tumblr, Facebook
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Gracias, como siempre, a la infatigable Shirley Rebuffo, a estas alturas ya una consumada pescadora de rinocerontes mientras navega en las procelosas aguas de la red. A ella le debemos el descubrimiento de varios de estos ejemplares.

Thanks, as always, to the indefatigable Shirley Rebuffo, now already an accomplished fisherwoman of rhinos while navigating the stormy waters of the Net. To her we owe the discovery of a number of these specimens.

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Arte y Humor (V)

August 19, 2014, 2:08 am
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El Grito / The Scream

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Rep


Miguel Repiso, más conocido como Miguel Rep o Rep, es un dibujante y humorista gráfico autodidacta argentino nacido en 1961.
Pasó su infancia en el barrio de Boedo y publicó su primer dibujo a los 14 años.
Dibujó para la revista Humor, donde hizo la tira "Los Alfonsin", donde varios "nietitos" de Raúl Alfonsín le hacían reclamos al Presidente.
Publica a diario en el matutino Página/12, desde el primer número; en la semanal Revista Veintitrés y cada mes en Revista Fierro. También hizo colaboraciones para los diarios El País y La Vanguardia de España.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_Rep


It would take too much to finish, Master?

Miguel Repiso, aka Miguel Rep or Rep, is a self-taught Argentine artist and cartoonist born in 1961.
He spent his childhood in the Boedo neighborhood and published his first drawing at the age of 14.
He drew for the journal Humor, where he made ​​the strip "The Alfonsin" where several "grandbabies" Raul Alfonsin made claims to the President. 
Published daily in the morning Page / 12, since the first issue; in the weekly magazine Twenty Three and monthly in the magazine Fierro. He also made contributions to the daily El País and La Vanguardia in Spain.
In Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_Rep
Más sobre Rep / More about Rep:
Website, Blog, Facebook
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Alberto Montt



Leonardo Da Vinci Year 1948 Federico Sforza shows the sketch of the logo for his new gym on the outskirts of Milan.

Más sobre Montt / More about Montt
Blog,Facebook

Más sobre Montt en "El Hurgador" / More about Montt in this blog:
[Arte & Humor (II)], [Rinocerontes (XXXII)]
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Cifré

Guillermo Cifré Figuerola, conocido por su primer apellido, Cifré, fue un historietista, ilustrador y animador español nacido en 1922, creador de algunos de los personajes más representativos de la llamada "escuela Bruguera", como El repórter Tribulete y Don Furcio Buscabollos, y del tipo iconográfico del solterón (Cucufato Pi, Golondrino Pérez). También fue, con Peñarroya, el portadista "oficial" de muchas de las publicaciones de la casa, hasta su prematura muerte.
Debido a ello, se le considera uno de los "cinco grandes" de la editorial en los años 50, junto a Conti, Escobar, Giner (éste, dibujante realista) y Peñarroya. Es el padre del también historietista Guillem Cifré.
Murió en 1962.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Guillermo_Cifr%C3%A9


Guillermo Cifré Figuerola, known by her first name, Cifré was an Spanish cartoonist, illustrator and animator born in 1922, creator of some of the most representative of the "Bruguera school" as El Reporter Tribulete and Don furcio Buscabollos and the iconographic type of the old bachelor (Cucufato Pi, Golondrino Pérez). He was also with Penyarroya, the "official" cover artist for many of the publications of the house, until his untimely death. 
As a result, he is considered one of the "big five" of publishing in the 50s, with Conti, Escobar, Giner (this, realistic artist) and Penyarroya. He is also the father of Guillem Cifré cartoonist.
He died in 1962.
In Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Guillermo_Cifr%C3%A9
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José Peñarroya

José Peñarroya Peñarroya, fue un historietista español de la Escuela Bruguera nacido en 1910, creador de célebres personajes como Don Pío o Gordito Relleno. También fue, con Cifré, el portadista "oficial" de muchas de las publicaciones de la casa, hasta bien entrados los años 60.
Un autor de una generación posterior como Joan March, gran admirador de su obra, la elogiaba en 1981 con las siguientes palabras:
«A mí Peñarroya, Escobar, me parecen fantásticos, yo lo veo como un humor mucho más interiorizado y quizá más inteligente; con Ibáñez uno se ríe a carcajadas, es mucho más directo, es un humor explosivo; sin embargo el otro es más sutil, nadie se ríe a carcajadas con las páginas de Peñarroya, pero para mí es mucho más poético.»
Murió en 1975.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Pe%C3%B1arroya


José Penyarroya Penyarroya, was a Spanish cartoonist of Bruguera School born in 1910, celebrated creator of characters like Don Pio or Gordito Relleno. He was also with Cifré, the "official" cover artist for many of the publications of the house, well into the 60s. 
An author of a later generation as Joan March, a great admirer of his work, praised in 1981 with the following words: 
"To me Penyarroya, Escobar, I look fantastic, I see it as a much more internalized and perhaps more intelligent humor; with Ibanez you laugh out loud, it's much more direct, is an explosive mood; however the other is more subtle, nobody laughs out loud at Penyarroya pages, but for me it is much more poetic. "
He died in 1975.
In Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Pe%C3%B1arroya
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Quino


Las viñetas recogidas aquí, pertenecen al libro "Ni arte ni parte", editado por Lumen en 1982.

Congratulations! You have the magic of Chagall
The poetry of Renoir
The vigour of Van Gogh
The freedom of Picasso
The fineness of Modigliani
...
I just wanted to be I!


The cartoons collected here belong to the book "Ni arte ni parte / Neither art nor part," edited by Lumen in 1982.

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Más sobre Quino en "El Hurgador" / More about Quino in this blog:
[Rinocerontes (XXXII)]
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Por último, hace unos días me enteré de la reapertura del Mauritshuis de La Haya, que permanecía cerrado desde hacía más de dos años por reformas. Entre las obras más importantes del Museo, se encuentra "La jóven de la perla", uno de los trabajos más reconocidos de Vermeer. También objeto de mucho humor, cierro con este simpático fotomontaje.


Finally, a few days ago I heard the reopening of the Mauritshuis in The Hague, which was closed for more than two years for renovations. Among the most important works of the Museum, is "Girl with a Pearl Earring," one of the most recognized works of Vermeer. Also the subject of much humor, I close with this funny photomontage.


Las Obras / The Works

El Grito, de Edward Munch, puede verse aquí / The Scream by Munch can be seen here:
[Adam Lister (Las obras, Anexo / The Works, Annex)]

Algunas obras de Modigliani aquí / Some works by Modigliani here:
[Flóra Borsi (Fotografía, Fotomanipulación)], [Aniversarios (XXIV)]

La Lección de anatomía..., de Rembrandt, aquí / The Anatomy Lesson... by Rembrandt, here:
[Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)]
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Eduardo Sívori
"Le lever de la bonne / El despertar de la criada / Waking of the Servant"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 192 × 131 cm., 1887
Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina

Eduardo Sívori fue un artista argentino nacido en 1847, considerado como el primer pintor realista de su país. 
Su padre le pidió que lo acompañara en un viaje de negocios a París en 1874, oportunidad que Sívori aprovechó para frecuentar los ateliers parisinos. De regreso a Buenos Aires, la experiencia lo llevó a otros pintores locales, entre ellos su hermano, Alejandro, José Aguyari y Eduardo Schiaffino, quien luego se convertiría en uno de los pintores simbolistas más conocidos de Argentina. Juntos fundaron la Sociedad para la Promoción de las Bellas Artes en 1875, un importante hito temprano en el desarrollo de los gremios artesanales en Argentina. 
Volvió a París en 1882, aprendiendo en el prestigioso atelier de Jean Paul Laurens, tras lo cual creó "El despertar de la criada", tal vez su obra más reconocida.
Murió en 1918.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Eduardo_S%C3%ADvori
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Un interesante video documental sobre la historia de esta obra dirigido por Marcelo Lezama / 
An interesting documentary (in Spanish) about the history of this work, directed by Marcelo Lezama.

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Eduardo Sívori was an Argentine artist born in 1847, widely regarded as his country's first realist painter.
Asked by his father to join him on a business trip to Paris in 1874, Sívori took the opportunity to frequent Parisian ateliers. Returning to Buenos Aires, the experience drew him to other local painters, including his brother, Alejandro, José Aguyari and Eduardo Schiaffino, who would later become one of Argentina's best-known symbolist painters. Together, they founded the Society for the Promotion of Fine Arts in 1875, an important early milestone in the development of artisan guilds in Argentina.
He returned to Paris in 1882, eventually earning an apprenticeship in the prestigious Jean Paul Laurens atelier, following which he created El despertar de la criada ("Waking of the Servant"), perhaps his best remembered work.
He died in 1918.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Eduardo_S%C3%ADvori


René Magritte
"Golconda", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 81 cm., 1953. 
Menil Collection, Houston (Texas, Estados Unidos / USA)

Golconda es una de las pinturas más conocidas de Magritte, que presenta a los hombres con bombín lloviendo desde el cielo. Es uno de los mejores usos de la duplicación por parte de Magritte (ver En el mes de la vendimia), un proceso que comenzó en 1926 con varias imágenes especulares (ver Foolhardy). La duplicación no es exacta, lo que lo hace más real, y el uso de la perspectiva crea una ilusión perfecta.
Magritte tomó el nombre para esta pintura de su poeta y amigo Louis Scutenaire, quien a veces le ayudaba con los nombres para sus cuadros. En este caso, Golconda refiere a una ciudad de la India, que fue asentamiento de dos reinos diferentes entre los siglos XIV y XVII. La riqueza de la región, ya que era el centro de la industria del diamante, se ha hecho tan legendaria que el nombre es hoy en día sinónimo de "mina de riqueza."
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Golconda_(painting)

Golconda is one of Magrite's best known paintings featuring the bowler hatted men raining from the sky. Is one of Magritte's best uses of duplication (see also The Month of the Grape Harvest), a process he began in 1926 with several mirror images (see: Foolhardy). The duplication is not exact making it more real, and his use of perspective creates the perfect illusion.
Magritte got the name for this painting from his poet friend Louis Scutenaire, who often helped him find names for his paintings. In this case, the name Golconda refers to a city in India, which was the seat for two different kingdoms from the 14th to 17th centuries. The richness of the region, as it was the center of the diamond industry, has become so legendary that the name is now synonymous with “mine of wealth.”
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Golconda_(painting)

Más sobre Magritte en "El Hurgador" / More about Magritte in this blog:
[Manos a la obra (I)], [Arte & Humor (II)], [Librofilia (X)], [Pedro Palencia (Arte digital, Fotomanipulación)], [Caleb Brown (Pintura)]
[Adam Lister (Las obras, Anexo / The Works, Annex)]


Johannes Vermeer
"Het meisje met de parel / La joven de la perla / Girl with a Pearl Earring"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46,5 × 40 cm., c.1665
Royal Picture Gallery Mauritshuis (La Haya, Holanda / Netherlands)

La imagen es un "tronie", descripción que se hacía en Holanda en el siglo XVII a los retratos solo de una "cabeza", que no tenía intención de ser un retrato. Tras la más reciente restauración de 1994, el sutil esquema de color y la íntima mirada fija de la chica hacia el espectador se han realzado mucho. Durante la restauración, se descubrió que el fondo oscuro, hoy algo moteado, pretendió ser un profundo verde como esmaltado. Este efecto se producía aplicando una fina capa transparente (veladura) sobre el fondo negro que tenemos hoy. Sin embargo, los dos pigmentos orgánicos de la veladura verde: índigo y amarillo indio, se han desvanecido.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/La_joven_de_la_perla

The image is a tronie, the Dutch 17th-century description of a ‘head’ that was not meant to be a portrait. After the most recent restoration of the painting in 1994, the subtle color scheme and the intimacy of the girl’s gaze toward the viewer have been greatly enhanced. During the restoration, it was discovered that the dark background, today somewhat mottled, was initially intended by the painter to be a deep enamel-like green. This effect was produced by applying a thin transparent layer of paint, called a glaze, over the present-day black background. However, the two organic pigments of the green glaze, indigo and weld, have faded.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Girl_with_a_Pearl_Earring

Más sobre Vermeer en "El Hurgador" / More about Vermeer in this blog:
[Diego Dayer (Pintura)]

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Agatha Belaya [Pintura]

August 19, 2014, 11:53 pm
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Agatha Belaya
Агата Белая


Agatha Belaya nació en 1975 en San Petersburgo. Puede haber sido la belleza de esta ciudad rusa tan europea que nutrió su naturaleza artística y la ayudó a escoger el camino a seguir. Aunque no eran artistas, los padres de Agatha mostraban interés por las artes y la apoyaron en su deseo de convertirse en pintora. 
En 1995 Belaya entró a la más renombrada escuela artística de Rusia: el Instituto Académico de Pintura, Escultura y Arquitectura de San Petersburgo, que lleva el nombre de Ilya E. Repin. Como estudiante, trabajó en el Monumental Art Studio del famoso pintor Mylnikov.

“Siguiendo a un paraguas / Following an Umbrella”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 110 cm., 2005 

“Juego del escondite / Hide-and-seek game”, acuarela sobre papel / watercolor on paper, 50 x 60 cm.

“Un soplo / A puff”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 120 cm.

En 1999, con cinco años de estudios, Agatha escogió unirse a un grupo de artistas para pintar murales en la recientemente restaurada Catedral del Cristo Salvador en Moscú, una catedral de gran importancia simbólica para la iglesia ortodoxa rusa y para toda la Rusia post-comunista. Luego Agatha también pintó murales para la Catedral Znamensky de la Vírgen María en Kurks, Rusia. Ella cree que pintar murales en aquellas catedrales contribuyó mucho, no sólo a su desarrollo artístico, sino también personal.
Agatha disfruta trabajando con varios medios, incluyendo cerámica, mosaico, vitral, seda y también dibujando, pero su medio favorito es el óleo sobre lienzo.

“Nido / Nest”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 120 cm., 2003 

«Los colores blancos predominan en esta pintura. La vestimenta blanca de las chicas las une y están literalmente por encima del resto del mundo, lo que simboliza la pureza y la inocencia. Al mismo tiempo, su separación refleja una suerte de fría autosuficiencia. Para mí, personalmente, la comprensión mutua y la verdad entre las mujeres es significativa y muy preciada.»

«White colors are prominent in this painting. The girls' white attire unites them. They wear white and they are literally raised above the rest of the world, which symbolizes purity and innocence. At the same time, their detachment reflects a somewhat cold self-sufficiency. For me, personally, mutual understanding and trust among females is significant and very precious.»

“Siesta”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 110 cm.

“Jardín de otoño / Autumn garden”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 110 cm.

“Judith”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 100 cm.

“Plaza Central / Central Square”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 100 cm., 2001

«Esta pintura tiene una historia en sí misma. En 1999, mis amigos y yo viajamos en el tiempo al pueblo de Veliky Ustyug, un antiguo pueblo, casi extinto, que se convirtió en el héroe de mi pintura. La silla al frente es uno de los numeroso objetos que viven su propia vida. Al mismo tiempo encarna la soledad y nos recuerda a una persona ausente.»

«This painting has a story of its own. In 1999, my friends and I traveled in time to a town of Veliky Ustyug. An ancient town, almost extinct, it became the main hero of my painting. A chair in the front is one of the numerous objects living their own life. At the same time it embodies loneliness and reminds us of an absent person.»

“Porche / Porch”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 100 cm., 2002 

“Ajedrez / Chess”, acuarela sobre papel / watercolour on paper, 50 x 60 cm.

Agatha Belaya was born in 1975, in St.Petersburg. It might have been the beauty of this most European Russian city that nourished her artistic nature and helped her to choose her way. Though not artists themselves, Agatha's parents showed an interest in the arts and fully supported her desire to become a painter.
In 1995, Belaya entered the most renowned art school in Russia - the St. Petersburg Academic Institute of Painting, Sculpture, and Architecture named after Ilya E. Repin. As a student, she worked in the Monumental Art studio, run by a famous painter Mylnikov.

“Recolectora / Gatherer”, acuarela sobre papel / watercolour on paper, 50 x 60 cm.

"Leopardo / Leopard", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 10 x 120 cm., 2007 

“Gatos rojos / Red cats”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 130 cm.

In 1999 a fifth-year student Agatha Belaya was chosen to join the group of artists to paint murals in the newly restored Cathedral of Christ the Savior in Moscow, the cathedral of great symbolic importance for the Russian Orthodox Church and for the whole post-communist Russia. Later Agatha also painted murals for the Znamensky Cathedral of the Virgin Mary in Kursk, Russia. Agatha believes that painting murals in those cathedrals contributed a lot not only to her artistic, but personal coming-to-be.
Agatha enjoys working with various media, including ceramics, mosaic, stained glass, silk and fine drawings, but her favorite is oil on canvas.

“Autorretrato con / Selfportrait with Serezha”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 120 cm.

“Esperando / Waiting”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 110 cm.

"Una presa / A Dam", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 100 cm., 2001

“Artista / Artist”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 100 cm., 2004

«Este es el retrato de mi marido, Aydar. Lo pinté de espaldas al espectador. Aún tiene una personalidad misteriosa para mí. Es un artista de verdad. Puede pasar horas, meses intentando alcanzar la perfección. Por una parte, percibe claramente sus metas artísticas; por otra, está constantemente cuestionando su ideal. Es el retrato de un artista que aún no ha comenzado a trabajar. Está concentrado, embelesado y encantado por el mundo de dios.»

«This is the portrait for my husband, Aydar. I painted him with his back turned to the viewer. He is still a mysterious personality for me. He is a real artist. He can spend hours, months trying to reach perfection. On the one hand, he clearly sees his artistic goals; on the other hand, he is constantly questioning his ideal. It is a portrait of an artist who has not started working yet. He is concentrated, delighted and enchanted by God's world.»

"Flautista / Flute Player", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 100 cm., 2011

Más imágenes e información sobre Agatha en / More images and information about Agatha in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Agatha y Elena!)
Y, por supuesto, gracias a Shirley Rebuffo. Este ha sido otro de sus hallazgos.
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Agatha and Elena!)
And of course thanks a lot to Shirley Rebuffo. This has been also her finding.

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Bohnchang Koo [Fotografía]

August 20, 2014, 10:39 pm
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Bohnchang Koo


Koo Bohnchang es un fotógrafo y curador nacido en Corea del Sur en 1953.
Asistió a la Universidad Yonsei graduándose en Administración de Empresas, y más tarde estudió fotografía en Hamburgo, Alemania. Fue profesor en la Escuela de Arte y Diseño Kaywon, en la Universidad Chung Ang, en el Instituto de Artes de Seúl y profesor visitante en el Saint Martin School de Londres.

"En el principio / In the Beginning" 09, 1998

"Chasse-Roue 02", 2003

Su obra ha sido exhibida en más de 30 muestras individuales en Corea, Estados Unidos, Francia, Austria, Alemania, Dinamarca y más.
Sus colecciones están presentes en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, Museo de Bellas Artes, Houston, Museo de Arte Contemporáneo Kahitsukan Kyoto, Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Corea, Leeum, Museo de Arte Moderno Samsung, Seúl, y sus trabajos han sido publicados en muchos medios.

"Máscaras / Masks", 10GA 13

"Vasija / Vessel"
Izq./ Left: Colección / Collection Itami Jun - JUN16
Der./ Right:  Museo de la Universidad de Corea, Seúl / Korea University Museum, Seoul - KUM02 VW

Según podemos leer en una reseña de El País (completa aquí) sobre su primera muestra en España 'Slow Talk / Conversación lenta':
El artista propone en la galería madrileña Ivorypress (del 21 de noviembre de 2013 al 25 de enero de 2014) una conversación queda con el visitante en tiempos de prisas. “Mi fotografía no es dramática”, repite, como gira un derviche, varias veces durante el encuentro. Lo suyo es una poética del vacío. “Las imágenes las he tomado en menos de una fracción de segundo, pero piden tiempo al espectador”
[ver video al final del post / check out the video at the end of this post]

"Objeto / Object" 11, 2004

"En el principio / In the Beginning" 13, 1998

"Interiores / Interiors" 02, 2002

«Este tipo de imágenes mantiene una especie de diálogo con la arquitectura en sí misma. Estas arquitecturas no son lugares con mucha decoración. Son como espacios abandonados y con cada fotografía espero que se produzca un diálogo entre los deferentes objetos, e incluso que las imágenes dialoguen con el espacio en sí mismo. A medida que me he vuelto un poquito más viejo, puedo tener más tiempo para mirar algunos objetos, y el paisaje y la naturaleza. Mi obra ha cambiado para atrapar imágenes de movimientos muy minimalistas, entre el silencio y la soledad, para que los objetos puedan respirar por sí mismos.»

"Respiración / Breath" 06, 1995

"En el principio / In the Beginning" 12-1, 2002

"Respiración / Breath" 05, 1995

Koo Bohnchang is a photographer and curator born in South Korea in 1953.
He attended Yonsei University majoring in Business Administration and later studied photography in Hamburg, Germany. He was a professor at Kaywon School of Art and Design, Chung Ang University, Seoul Institute of the Arts and a visiting professor in London Saint Martin School.

"Chasse-Roue 10", 2003

His works have been exhibited in over 30 solo exhibitions in Korea, USA, France, Austria, Germany, Denmark and more.
His collections are at San Francisco Museum of Modern Art, Museum of Fine art, Houston, Kahitsukan Kyoto Museum of Contemporary Art, National Museum of Contemporary Art, Korea, Leeum, Samsung Museum of Art, Seoul and his work has been featured in many publications.

"Océano / Ocean" 07, 2002

"En el principio / In the Beginning" 10-02, 1995-96

"Máscaras / Masks", 1BC 01

As we can read in a review published in El Pais (full text in Spanish here) on his first show in Spain 'Slow Talk':
In the Ivorypress Gallery, Madrid (November 21, 2013 - January 25, 2014), the artist proposes a slow conversation with the visitor in times of haste. "My photography is not dramatic", repeats, as a dervish rotates, several times during the meeting. His is a poetics of emptiness. "I took the images in less than a fraction of a second, but they ask for time to the viewer."

"En el principio / In the Beginning" 02, 1991

"Interiores / Interiors" 01, 2002

«This kind of images have a kind of dialogue with architects itself. These arquitects is not a place with many decoration. Is also like abandoned spaces, and my each photographs I hope that they make a dialogue between different objects, even this images make a dialogue with the space itself. Since I became little bit older and I can have more time to look at some objects and look at the landscape and nature. My work has changed just to catch the images of very minimal movement but between silence and emptyness, to let the objects breath in itself.»

"Respiración / Breath" 01, 1991

Más imágenes e información sobre Bohnchang Koo en / More images and information about Bohnchang Koo in:
Website

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Bohnchang Koo!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Bohnchang Koo!)


Video perfil del artista realizado en 2003 / Artist profile video made in 2003

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Explorando el Arte de la Luminosidad: Vasija de Koo Bohnchang / 
Explore the Art of Luminous: Vessel by Koo Bohnchang


«Comencé a hacer esta serie de fotografías de porcelanas blancas, y esta es una de esa serie que llamamos "Vasijas de luna". La mayor parte de las vasijas coreanas son coleccionadas en otros países, especialmente en Japón, y a través de mis fotografías me gusta volver a reunirlas, como en un viejo álbum de fotos de familia.»

«I began to make this series of white porcelain photographs, and this is one of that series which we call Moon Jars. Many part of Korean vessels are collected in other countries, specially in Japan, and through my photographs I like to met them back together, like an old family album.»

Museo de Cerámicas Orientales / Museum of Oriental Ceramics, 2005 - OSK 02 BW

Desde 2004, el artista ha estado utilizando fotografía monocromática para capturar la evocadora belleza de las famosas vasijas de porcelana coreanas, seña de identidad de la cerámica de la dinastía Joseon (1392 - 1910). El delicado color y sutil curvatura de las vasijas de luna es el paradigma de la estética Joseon. Las fotografías de Koo capturan la exquisita belleza de esta vasija, albergada en el Museo de Cerámica Oriental de Osaka, y evoca una nostalgia por el pasado. Catherine Roche, 2011.

Since 2004, the artist has been using monochromatic photography to capture the haunting beauty of Korea’s famous white porcelain vessels, the hallmarks of Joseon dynasty (1392–1910) ceramics. The delicate color and subtle warp of the Moon Jar is regarded the epitome of Joseon aesthetics. Koo’s photograph captures the exquisite beauty of this vessel, housed in the Museum of Oriental Ceramics, Osaka, and evokes a longing for the past. Catherine Roche, 2011.
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Video sobre la muestra "Convesación lenta" / Video on the show "Slow Talk"


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Michael Cheval (II) [Pintura] + Boris Glikman

August 21, 2014, 10:56 pm
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Segundo post dedicado a este original pintor ruso, y también aquí incluyo uno de los textos que el escritor, poeta y filósofo australiano Boris Glikman escribió basándose en las inspiradoras imágenes de Cheval.
Para más imágenes e información, me remito al post previo.

Second post devoted to this original Russian painter, and also I include here one of the writings by Boris Glikman. He is a talented Australian writer, poet an philosopher that wrote several stories based on the highly inspiring Cheval's images.

I refer to the previous post for more images and information.

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Michael Cheval


Michael Cheval es un artista contemporáneo, especializado en pinturas "absurdas", dibujo y retrato.

"Peculiaridades de la geografía local / Twist of Local Geography"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30"

«Tuve la suerte de nacer en una familia en la que el arte era, probablemente, el interés principal de la vida. Las pinturas, libros y música me rodearon desde la infancia. Para mí fue tan natural como jugar con soldaditos o el que participar en deportes era para otros niños. Esto no quiere decir que no me gustaran los juegos corrientes. Pero más que nada en el mundo me gustaba dibujar, hojear álbumes de pintores famosos o simplemente fantasear mirando las nubes o los diseños de las cortinas... siempre había allí algo que encontrar. Mis padres estaban muy felices con esto ya que siempre era muy fácil mantenerme ocupado. Todo lo que tenían que hacer era darme papel y un lápiz.»

"Patrimonio del futuro / Heritage of the Future", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30"

"Equilibrio en la absoluta distinción / Equilibrium at the Absolute Distinction"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 36"

"Las obras de Cheval son tan etéreas y su mundo tan extraño, que hace falta un ojo agudo para notar las alusiones."
Daily News, 17 de agosto de, 2003

"Susurro de explosión / Whisper of Explosion", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40"

"Dodociclo / Dodocycle", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 23" x 18", 2010

«¿La inspiración? Es difícil de explicar. Imagina una radio común y corriente. Recibe la señal y tú escuchas la música. De manera similar, la inspiración es un proceso de aceptar ciertas señales y, si tu alma está en sintonía, escucharás la "música" que se produce. En realiad, por supuesto, no es tan simple. Siempre es necesario alimentar la inspiración, cargarla con cierta energía que permita la sintonía adecuada. Yo viajo, conozco gentes diferentes, leo, voy al teatro, miro películas... Nunca me aburro. Más aún, mi falta de tiempo es crónica. Es una pena que el día tenga sólo 24 horas.»

"Canción de cuna para Desdémona II / Lullaby For Desdemona II"
óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 36", 2012

"Silencio sonoro / Sounding Silence", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24"

"La guerra como la guerra / A la Guerre comme a la Guerre / A War as a War"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36"

«Por supuesto, Salvador Dalí y René Magritte. Esos padres del surrealismo me han dado un increíble empuje. Cuando ví sus obras por primera vez, sentí que todo mi mundo se ponía cabeza abajo; fue un auténtico descubrimiento. Nunca he sufrido por falta de fantasía, pero no podía imaginar que era posible romper todas las reglas así, y aún así estar de acuerdo con ellas, creando tu propio mundo, lleno de misterios, sabiduría y sensaciones increíbles. Pero nunca rechacé a Leonardo, Rembrandt o Vermeer, con los que me crié. Para mí la conexión ha continuado a través del tiempo; Dalí y Magritte fueron una honorable continuación de ese proceso.»

"Perfecto extraño / Perfect stranger", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24"

"Solitario de pantomima / Solitaire of Pantomime", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36"

Michael Cheval is the world's leading contemporary artist, specializing in Absurdist paintings, drawings and portraits.

"Ruido seco en pleno verano / Midsummer Chirr", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24", 2011

"Juramento de coexistencia / Pledge Of Coexistence"
Óleo sobre lienzo dorado / oil on gilded canvas, 24" x 20"

«I was lucky to be born in a family where art was, probably, the main interest in life. Paintings, books and music surrounded me from childhood. For me, it was as natural as playing with toy soldiers or (what) participating in sports was for other children. This does not mean that I did not like regular games. But more than anything in the world I loved to draw, to leaf though albums of famous painters, or simply to fantasize looking at the clouds or the patterns on the curtains … there was always something to find in them. My parents were very happy about this since it was always easy to keep me occupied. All it took was to give me a paper and a pencil.»

"Nocturno / Nocturne", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 20"

"Cheval's works are so ethereal and his world so strange that it requires a keen eye to note the allusion."
Daily News August 17, 2003

"Matriz / Matrix", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 20"

"El arte de la diplomacia II / Art of Diplomacy II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 34" x 36"

«Inspiration? This is difficult to explain. Imagine a regular radio. It accepts signals and you hear the music. Similarly, inspiration is a process of accepting certain signals, and, if your soul is properly tuned, you will hear the produced “music.” In reality, of course, this is not so simple. It is always necessary to feed your inspiration, to charge it with a certain energy that allows the proper tuning. I travel, meet with different people, read, go to the theater, (and) watch movies … I am never bored. Moreover, I am chronically short of time. What a pity that there are only 24 hours in a day.»

"Teatro de daguerrotipo / Daguerreotype Theatre", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 30"

 "Payasadas de primavera / Spring Tomfoolery", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 20"

"Asamblea de hipocresía / Hypocrisy Assembly", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 37", 2009

«Of course, Salvador Dali and Rene Magritte. These fathers of surrealism gave me an incredible push. When I saw their works for the first time, I felt the whole world turn upside-down; it was a true discovery. I never suffered from lack of fantasy, but I could not imagine that it was possible to break all the rules like that and yet stay in agreement with them, creating your own world, full of mysteries, wisdom and incredible feelings. But I never rejected Leonardo, Rembrandt or Vermeer, with whom I grew up. For me the connection through time continued — Dali and Magritte were an honorable continuation of this process.»

"Endspiel / Fin del juego / End of the Game", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30"
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Los comentarios del artista están tomados de una entrevista realizada en 2008 por David Carrillo que puede leerse completa (en inglés) aquí / 
Artist's comments from an interview by David Carrillo in 2008, you can fully read here.

Más sobre Cheval y Glikman en "El Hurgador" / More about Cheval and Glikman in this blog:

Más información e imágenes sobre Cheval en / More images and information about Cheval in
Website, Facebook

Más sobre Glikman en / More about Glikman in:
Facebook, The beautiful people project
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Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Michael!)
Gracias también a Boris Glikman por su autorización para traducir y publicar su "Discordia de la analogía"
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Michael!)
Thanks also to Boris Glikman for his permission to translate and post his "Discord of Analogy"


Entrevista a Michael realizada por Jamie Ellin Forbes para Fine Art Magazine en Art Expo Nueva York, 2012 /
Interview with Michael by Jamie Ellin Forbes for Fine Art Magazine in Art Expo New York, 2012



Discordia de la Analogía por Boris Glikman 

"Discordia de la analogía / Discord of Analogy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 24"

Un buen día de sol, comprendieron que era en vano seguir fingiendo que las cosas podrían funcionar entre ellos. La separación se hacía una necesidad urgente, sin embargo ni él y ella tenían otro lugar donde estar.

Tras considerar varias opciones, se decidió que ella debía mudarse a vivir en el techo.

La mitad de los muebles, incluída la cama de dos plazas y el piano, su más preciada posesión, fueron trasladados también allí. Un globo de luz fue incrustado en el piso para proveer iluminación a la habitante del techo.

Tras un inevitable período de dificultades e inconvenientes, las cosas volvieron a la normalidad. Él siguió con su vida, y ella con la suya.

Aunque no debería haber habido dificultades entre ellos para comunicarse, cada uno se comportaba como si el otro no existiera; sólo así podían mantener una ilusión de privacidad. De esta forma, podían negar el hecho de que estaban cada uno colgando sobre la cabeza del otro, y observando y juzgando cada acción del otro.

El piano se convirtió en el único lazo entre él y ella, poque el sonido no respeta límites artificiales y se expande por igual a cada punto de la habitación.
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Discord of Analogy by Boris Glikman

One fine, sunny day, they realized it was futile to go on pretending that things would work out between them. Separation became an urgent necessity, yet neither he nor she had anywhere else to stay.

After considering a number of options, it was decided that she would move to living on the ceiling.

Half the furniture, including the double bed and the piano, her most treasured possession , were moved up there too. A light globe was inserted into the floor to provide illumination for the ceiling dweller.

After an inevitable period of awkwardness and inconvenience, things returned back to normal. He led his life and she hers.

Although it would not have been very difficult for them to communicate, they each carried on as if the other one didn't exist, just so that they could maintain the illusion of privacy. That way they could deny the fact that they were hanging above each other's heads and observing and judging one another's every action.

The piano became the sole link between him and her, for the sound respected no artificial boundaries and spread equally to every point in the room.

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Aniversarios (XXX) [Agosto / August 17-23]

August 22, 2014, 11:31 pm
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 17 de Agosto es el cumple de

Harald Jerichau, pintor danés nacido en Roma en 1852. 
Se formó en sus comienzos con Léon Benouville en Roma, a continuación siguió su formación como paisajista con estudios de la naturaleza. Desde 1870 pintó vistas de los alrededores de Roma.
Luego viajó por Grecia, Asia menor y Turquía. Entre sus obras destacan: “Una playa de Sorrento” y la “Caravana de Sardes”, esta última se encuentra en el museo de Copenhaguen. Más tarde vivió mayormente en Roma, donde murió en 1878.

"Constantinopla", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 96 cm., 1875. 
Vista de Estambul y vida callejera con la Mezquita Azul, Santa Sofía y el Obelisco de Tutmosis III / 
View of Istanbul, street life with the Blue Mosque, Hagia Sophia and the Obelisk of Thutmosis III.
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John Varley, pintor, acuarelista y astrólogo inglés nacido en 1778, amigo íntimo de William Blake. Colaboraron entre 1819 y 1820 en el libro "Cabezas Visionarias / Visionary Heads", escrito por Varley e ilustrado por Blake. Fue el hermano mayor de Cornelius Varley.
Durante un breve período, John Varley fue empleado por un pintor retratista en Holborn, y más tarde, a los 15 o 16 años, se convirtió en pupilo de Joseph Charles Barrow, quien tenía una escuela nocturna de dibujo dos veces a la semana. Fue Barlow quien llevó a Varley en un tour a Peterborough para hacer bocetos. De allí emergió como pintor profesional. En 1798 exhibió un apreciado boceto de la Catedral de Peterborough en la Royal Academy, y se convirtió en expositor regular de la misma hasta la fundación de la Old Watercolour Society en 1805.

"Una calle en Boulaq, cerca de El Cairo / A Street In Boulaq Near Cairo"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1881


El 18 de Agosto es el cumple de

Ferdinando Maria Galli da Bibbiena, arquitecto, pintor, escritor, diseñador y escenógrafo barroco italiano nacido en 1657. 
Estudió en Bolonia, su ciudad natal, con Giacomo Torelli. Activo como decorador desde 1676, con su hermano Francesco trabajó en Mirandola, Módena y Novellara, realizando una serie de ciclos de frescos actualmente destruidos. De 1685 a 1708 trabajó para Ranuccio II y Francisco Farnesio en Parma, desde 1687 como pintor y, desde 1697, como arquitecto. En 1708 se trasladó a Barcelona para supervisar los eventos de la boda de Carlos VI de Austria, entonces pretendiente al trono español, regresando a Parma en 1711.
En 1717, debido a una enfermedad ocular, volvió a Bolonia, donde completó los proyectos para el observatorio del Instituto de Ciencias, la escalera principal del Palazzo Malvezzi, la sala de fiestas del Palazzo Ranuzzi, etc. Murió en 1743.

"Cortile e Chiesa di una Reggia / Patio e Iglesia de Regia / Courtyard and Church of Reggia"
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René Victor Auberjonois, pintor suizo Post-Impresionista nacido en 1872, uno de los principales artistas suizos del siglo 20. 
Después de incursionar en la caricatura y la música durante un primer viaje a Inglaterra, decidió dedicarse a la pintura y se matriculó en la Escuela de Arte de Kensington. En 1896, se trasladó a París para estudiar con Luc-Olivier Merson y en la École de Beaux-Artes del DES. Su emergente carrera francesa se observó en Suiza, y a la vuelta del nuevo siglo, se hizo conocido del también pintor Ferdinand Hodler, el director de orquesta Ernest Ansermet y el escritor Charles Ferdinand Ramuz. 
Después de comenzar su carrera en Francia como un realista, Auberjonois comenzó a emplear técnicas post-impresionistas después de 1903. Su temática era sobre todo la de su Vaud nativa; paisajes naturales, mujeres bañándose o bodegones rústicos. A principios de la década de 1930, su pintura se hizo progresivamente más sencilla en un estilo expresionista cercano al de Modigliani.
Murió en 1957.

"Nu étendu avec chien / Desnudo reclinado con un perro / Reclining nude with a dog", 1922. 
Musée Cantonal des Beaux-Arts (Lausana, Suiza / Lausanne, Switzerland)


El 19 de Agosto es el cumple de

Gustave Caillebotte, pintor francés, coleccionista, mecenas y organizador de exposiciones nacido en París en 1848. Después de la guerra, Caillebotte ingresó al taller del pintor académico León Bonnat, donde inició seriamente el estudio de la pintura. Con el transcurso del tiempo logró desarrollar su propio estilo y estableció su primer taller. Aproximadamente en 1874, conoció y entabló amistad con varios artistas que estaban alejados de la academia de arte francesa, incluyendo a Edgar Degas y Giuseppe De Nittis, y acudió a la primera exposición impresionista llevada a cabo ese año. Caillebotte realizó su debut artístico en la segunda exposición impresionista en 1876. Murió en 1894.

"Calle de París, día lluvioso / Street of Paris, Rainy Day", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 212,2 × 276 cm., 1877. 
Art Institute of Chicago (Estados Unidos / USA)

Más sobre Caillebotte en "El Hurgador" / More about Caillebotte in this blog:
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Gerbrand van den Eeckhout, pintor del Siglo de Oro holandés nacido en 1621, y un estudiante favorito de Rembrandt. También fue grabador, poeta aficionado, coleccionista y asesor de arte. 
Arnold Houbraken registra que Van den Eeckhout fue discípulo de Rembrandt. Condiscípulo de Ferdinand Bol, Nicolaes Maes y Govert Flinck, considerado como inferior a ellos en habilidad y experiencia, pronto asumió las maneras de Rembrandt con tal éxito que sus imágenes se confundían con los de su Maestro. 
Eeckhout no se limitaba a copiar los sujetos; también tomaba las formas, las figuras, la vestimenta judía y los efectos pictóricos de su Maestro. Es difícil formarse un juicio exacto de las cualidades de Eeckhout al comienzo de su carrera. Sus primeras piezas son probablemente aquellas en las que más fielmente reproducía peculiaridades de Rembrandt. Exclusivamente suyo es un matiz de verde en las sombras que estropean la armonía de la obra, una vulgaridad de tintes, discordantes, superficies uniformes y un toque más rápido que sutil. 
Él murió en 1674.

"De overlieden van het Kuipers en Wijnverlatersgilde / Los jefes del gremio de toneleros y vinateros / 
The Headmen of the Coopers' and Wine Tappers' Guild"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1673. Museo de Ámsterdam (Holanda / Netherlands)


El 20 de Agosto es el cumple de

Narcisse Virgilio Díaz de la Peña (en algunos sitios aparece el 25 de agosto), pintor francés de padres españoles nacido en 1876. Huérfano con diez años, la fortuna no le acompañó demasiado en su infancia. Un reptil le mordió un pie en el bosque de Meudon cerca de Sèvres, donde se había instalado con unos amigos de su madre. La herida que le produjo no se curó bien y le amputaron la pierna. Más tarde su pierna de madera se hizo bastante famosa. Con 15 años ingresó en los estudios de Sèvres, donde se ocupó de la decoración con porcelana. Empezó además a pintar figuras ataviadas con vestidos de ricos colores; le interesaban las escenas turcas y orientales y muchas de sus mejores obras se corresponden a este período.
Al principio comenzó pintando figuras, pero más tarde pintaría sobre todo paisajes. Se le suele asociar con los pintores la escuela de Barbizon. 
Murió en 1876.

"Les Hauteurs du Jean de París / Las alturas del Jean de París / The Heights of Le Jean de Paris"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 84 x 106 cm., 1867. Musée d'Orsay (París, Francia / France)

Más sobre Díaz de la Peña en "El Hurgador" / More about Díaz de la Pena in this blog:
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Heinz Henghes, escultor británico nacido en 1906. 
A los 17 años, Henghes se escapó de casa para irse a los Estados Unidos. En la ciudad de Nueva York conoció a una serie de artistas y escritores, y fue influenciado por Isamu Noguchi. En 1932, después de 8 años en Estados Unidos, Henghes viajó a Francia y vivió un tiempo en París, donde conoció a Constantin Brâncuși. En 1933 se fue a Rapallo, en Italia, donde disfrutó del patronazgo de Ezra Pound, quien le ayudó proporcionando materiales y espacio para trabajar. Los cuatro años siguientes Henghes permaneció en Italia, celebrando una serie de exposiciones y forjándose una reputación como escultor. 
Henghes es particularmente conocido por sus finamente pulidos torsos de mármol blanco, pero se movió con los tiempos, viviendo siempre en el presente, y trabajó en una variedad de materiales y estilos. 
Murió en 1975.

"Busto / Bust", yeso / plaster, c.1928


El 21 de Agosto es el cumple de

Radish Tordia (რადიშ თორდია), pintor figurativo georgiano nacido en 1936. Trabaja la pintura figurativa, al óleo, con especial énfasis en la figura femenina. Se graduó en el J. Nikoladze Art Studio de Tbilisi en 1956, y luego en la State Academy of Arts en 1962. Ha sido ampliamente reconocido en su país, declarado "Artista de Honor" de Georgia en 1979, y premiado con el Premio Estatal al año siguiente. En 1997 obtuvo la "Orden de Honor". 
Ha exhibido regularmente en el país y en Rusia desde 1978, y en el extranjero desde 1980, por ejemplo en Túnez, Colonia, Washington y Londres.
Su trabajo puede encontrarse en colecciones privadas como la de la Reina de Holanda, el antiguo presidente georgiano Shevarnadze, Helmut Kohl y Roman Herzog. Sus obras pueden verse en el Museo Nacional de Georgia, la Tretyakov Gallery y el Museo de Arte Oriental en Moscú, Museo Ruso de San Petersburgo y el Peter Ludwig Museum en Colonia. Actualmente vive en Tbilisi.

"Mujer con bicicleta / Woman with bike", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 80 cm., 1996.
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Bohumil Kubišta, pintor y crítico de arte checo nacido en 1884, uno de los fundadores de la pintura moderna checa. Estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Praga, pero se fue en 1906 para estudiar en el Reale Istituto di Belle Arti de Florencia. Él, Emil Filla, Antonín Procházka, y otros cinco fundaron Osma (Los Ocho), un grupo de artistas de orientación expresionista. 
Kubišta llegó a su expresión individual gradualmente. En un primer momento se vio influido por las obras de Vincent van Gogh y Paul Cézanne. Se educó en filosofía y óptica, y estudió el color y la construcción geométrica de la pintura. 
Kubišta, al igual que varios otros artistas checos de su generación, se vio fuertemente afectado por la exposición Edvard Munch de 1905 en Praga.
Trabajó en un estilo expresionista hasta 1910, e intercambió ideas con los pintores alemanes de Die Brücke. También desarrolló ideas visuales aprendidas de la obra de Cézanne. Su estilo tardío (aproximadamente a partir de 1911) fue fuertemente influenciado por el cubismo y el expresionismo. 
Murió en 1918.

"Fakir adiestrando serpientes / Fakir Taming Snakes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36,7 × 48,8 cm., 1915.
Galería Nacional de Praga (República Checa / Czech Republic)


El 22 de Agosto es el cumple de

Roberto Aizenberg, pintor y escultor considerado como el más importante surrealista de la Argentina, nacido en 1928 en Entre Ríos. Cuando tenía 8 años su familia se mudó a la capital y allí realizó sus estudios secundarios en el Colegio Nacional Buenos Aires. Comenzó la carrera de arquitectura pero la abandonó para dedicarse a la pintura.
Sus comienzos fueron como alumno de Antonio Berni y luego más tarde con Juan Batlle Planas, quien le inculca el surrealismo, en la década del '50.
Luego del golpe militar que dio origen a la dictadura fueron secuestrados los tres hijos de su compañera y sus respectivas parejas; una de ellas, Valeria Belaustegui, estaba embarazada. Todos permanecen desaparecidos. En 1977 debió exilarse en París. Regresó a Buenos Aires en 1984. Murió en 1996 cuando preparaba una gran exposición retrospectiva de su obra en el Museo Nacional de Bellas Artes.

Escultura de bronce / Bronze sculpture, 69 x 24 x 17 cm.
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Isaac Díaz Pardo, intelectual gallego nacido en 1920, fuertemente asociado tanto al Grupo Sargadelos como a Cerámica do Castro. Era un intelectual galleguista, pintor, ceramista, diseñador y editor. 
En 2009, recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes de España. 
Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid, entre 1939 y 1942. 
Luego tomó un puesto de profesor en la Real Academia Catalana de Bellas Artes de Sant Jordi, en Barcelona, y comenzó a exponer en España (La Coruña, Madrid y Vigo) y en el extranjero (Europa y América). Luego dejó las artes plásticas por la cerámica. 
Murió en 2012.

"El juicio de Salomón / The Judgement of Solomon"


Hoy, 23 de Agosto, es el cumple de

Pierre Gauvreau, pintor canadiense originario de Quebec que también trabajó en producciones de cine y televisión.
Nació en Montreal y estudió en la École des Beaux-Arts de Montréal. Eventualmente se asoció con el grupo de artistas disidentes "Les Automatistes" y fue uno de los firmantes del manifiesto artístico global Refus.
Trabajó en varios aspectos de la producción televisiva durante los '50s. Se tomó un descanso de la pintura desde los '60 hasta 1975. Continuó pintando hasta 2005.
Murió en 2011 de un fallo cardíaco.

"Bleu stoique: rubans et tralala / Azul estoico, cintas y adornos / Stoic blue: ribbons and trimmings", 1978
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Cristino Gómez González, conocido artísticamente como Cristino Mallo, escultor español nacido en 1905.
Desde 1923 estudió en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, con José Capuz y Mateo Inurria. Acude, con su hermana, que también estudiaba en la Academia, a las tertulias de la Granja del Henar, donde entra en contacto con Alberti, García Lorca y Valle Inclán. 
Terminada la guerra, mientras su hermana salía al exilio, él permaneció en España en lo que se ha denominado exilio interior, incluyendo una estancia en la cárcel.4 Se relacionó con los artistas que renovaron la estética de la posguerra (la denominada Escuela de Madrid). Frecuentaba la tertulia del Café Gijón y llega a alcanzar éxito en el ambiente artístico, participando en el quinto Salón de los Once (1947) y exponiendo en la galería Theo.
Su obra se realizó de forma predominante en formatos reducidos, aunque también realizó escultura de grandes dimensiones para monumentos urbanos.
Murió en 1989.

"Dama del sombrero / Lady of the Hat", bronce / bronze, 47 x 33 cm., 1972


Textos en inglés / English translation

* On August 17 is the birthday of

Harald Jerichau, Danish painter born in Rome in 1852. 
He was taught in the beginning with Léon Benouville in Rome, then continued his training as a landscape painter with nature studies. Since 1870 he painted views of the surroundings of Rome. 
He then traveled through Greece, Asia Minor and Turkey. His works include: "A beach of Sorrento" and "Caravan of Sardis," the latter is in the Museum of Copenhagen. Later he lived mainly in Rome, where he died in 1878.

John Varley, English watercolour painter and astrologer born in 1778, and a close friend of William Blake. They collaborated in 1819–1820 on the book Visionary Heads, written by Varley and illustrated by Blake. He was the elder brother of Cornelius Varley.
For a brief time John Varley was employed by a portrait painter in Holborn and then, at the age of 15 or 16, he became a pupil of Joseph Charles Barrow, who had an evening drawing school twice a week. It was Barrow who took Varley on a sketching tour to Peterborough from which he emerged as a professional painter. In 1798 he exhibited a highly regarded sketch of Peterborough Cathedral at the Royal Academy and became a regular exhibitor at the RA until the foundation of the Old Watercolour Society in 1805.
He died in 1842.

* On August 18 is the birthday of

Ferdinando Maria Galli da Bibbiena, Italian Baroque architect, painter, writer, designer and stage designer born in 1657. 
He studied at Bologna, his hometown, with Giacomo Torelli. Active as a decorator since 1676, with his brother Francesco worked in Mirandola, Modena and Novellara, performing a series of fresco cycles nowadays destroyed. From 1685 to 1708 he worked for Ranuccio II and Francisco Farnese in Parma, from 1687 as a painter and, since 1697, as an architect. In 1708 he moved to Barcelona to monitor the events of the wedding of Charles VI of Austria, the pretender to the Spanish throne. Then he returned to Parma in 1711. 
In 1717, due to an eye disease, he returned to Bologna, where he completed projects for the observatory of the Institute of Sciences, the main staircase of the Palazzo Malvezzi, the ballroom of the Palazzo Ranuzzi, etc. He died in 1743.

René Victor Auberjonois, Swiss Post-Impressionist painter born in 1872, one of the leading Swiss artists of the 20th century.
After dabbling in caricature and music during a first trip to England, he decided to become a painter and enrolled in the Kensington School of Art. In 1896, he moved to Paris to study with Luc-Olivier Merson and at the École des Beaux-Arts. His budding French career was noted in Switzerland, and after the turn of the century, he made the acquaintance of fellow painter Ferdinand Hodler, conductor Ernest Ansermet and writer Charles Ferdinand Ramuz.
After beginning his career in France as a Realist, Auberjonois began to employ Post-Impressionist techniques after 1903. His subject matter was mostly that of his native Vaud, such as natural landscapes, bathing women or rustic still lifes. In the early 1930s, his paintings became progressively simpler in an Expressionist style close to that of Modigliani.
He died in 1957.

* On August 19 is the birthday of

Gustave Caillebotte, French painter, collector, patron and exhibition organizer born in Paris in 1848. After the war, Caillebotte entered the studio of the  academic painter Leon Bonnat, where seriously began to study painting. With the passage of time managed to develop his own style and established his first workshop. Around 1874, he met and befriended several artists who were alienated from French art academy, including Edgar Degas and Giuseppe De Nittis, and went to the first Impressionist exhibition held that year. Caillebotte made ​​her stage debut in the second Impressionist exhibition in 1876. He died in 1894.

Gerbrand van den Eeckhout, Dutch Golden Age painter born in 1621, and a favourite student of Rembrandt. He was also an etcher, an amateur poet, a collector and an adviser on art.
Arnold Houbraken records Van den Eeckhout was a pupil of Rembrandt. A fellow pupil to Ferdinand Bol, Nicolaes Maes and Govert Flinck, be regarded as inferior to them in skill and experience; he soon assumed Rembrandt's manner with such success that his pictures were confused with those of his master.
Eeckhout does not merely copy the subjects; he also takes the shapes, the figures, the Jewish dress and the pictorial effects of his master. It is difficult to form an exact judgment of Eeckhout's qualities at the outset of his career. His earliest pieces are probably those in which he more faithfully reproduced Rembrandt's peculiarities. Exclusively his is a tinge of green in shadows marring the harmony of the work, a gaudiness of jarring tints, uniform surface and a touch more quick than subtle.
He died in 1674.

* On August 20 is the birthday of

Narcisse Virgilio Diaz de la Peña (in some sites August 25), French painter born of Spanish parents in 1876. Orphan with ten years old, fortune did not accompany him in his childhood. A reptile bit his foot in the forest of Meudon near Sèvres, which was installed with some friends of his mother. The wound did not heal properly and his leg was amputated. Later his wooden leg became quite famous. At 15 he entered the studios of Sèvres, where he worked with porcelain decoration. He also began to paint figures dressed in richly colored dresses; was interested in Turkish and Oriental scenes and many of his best works belong to this period. 
At first he began painting figures, but later paint mostly landscapes. He is usually associated with the Barbizon school painters. 
He died in 1876.

Heinz Henghes, British sculptor born in 1906.
At the age of 17, Henghes ran away from home to go to the United States. In New York City he met a number of artists and writers, and was influenced by Isamu Noguchi. In 1932, after 8 years in America, Henghes traveled to France and lived for a short time in Paris where he met Constantin Brâncuși. In 1933 he went on to Rapallo in Italy where he enjoyed the patronage of Ezra Pound, who helped him by providing materials and space to work. For the next four years Henghes was based in Italy, holding a number of exhibitions and building his reputation as a sculptor.
Henghes is particularly noted for his finely polished white marble torsos, but he moved with the times, always living for the present, and worked in a range of materials and styles.
He died in 1975.

* On August 21 is the birthday of

Radish Tordia (რადიშ თორდია), a painter of figurative art from Georgia born in 1936. He works in oil painting, with particular emphasis on colouristic features. His preferred subject is women.
He graduated from the J. Nikoladze Art Studio in Tblisi in 1956, and then moved on to the Tbilisi State Academy of Arts, from where he graduated in 1962.
He has been widely lauded in his home country, where he was denoted the "Honoured Artist of Georgia" in 1979, and awarded the State Prize the following year. In 1990, he became the "People's Artist of Georgia", and was the recipient of the "Order of Honour" in 1997. He has regularly exhibited throughout Georgia and Russia since 1978, and abroad since 1980, including Tunisia, Cologne, Washington, D.C. and London.
His work can be found in the private collections of the Queen of the Netherlands, former Georgian President Eduard Shevardnadze, former German political leaders Helmut Kohl and Roman Herzog. It is also exhibited at the Georgian National Museum, the Tretyakov Gallery and the Museum of Oriental Art in Moscow, the Russian Museum in Saint Petersburg, and the Peter Ludwig Museum in Cologne.
He presently lives in Tbilisi.

Bohumil Kubišta, Czech painter and art critic born in 1884, one of the founders of Czech modern painting. He studied at the School of Applied Arts in Prague, but left in 1906 to study at the Reale Istituto di Belle Arti in Florence. He, Emil Filla, Antonín Procházka, and five others founded Osma (The Eight), an Expressionist-oriented group of artists.
Kubišta came to his individual expression gradually, at first he was influenced by the work of Vincent van Gogh and Paul Cézanne. He educated himself in philosophy and optics, and studied colour and the geometrical construction of painting.
Kubišta, like several other Czech artists of his generation, was strongly affected by the 1905 Edvard Munch exhibition in Prague.
He worked in an Expressionist style until 1910, and exchanged ideas with German painters in Die Brücke. He also developed visual ideas learned from the work of Cézanne. His later style (approximately from 1911) was strongly influenced by cubism and expressionism.
He died in 1918.

* On August 22 is the birthday of

Roberto Aizenberg, painter and sculptor considered the most important surrealist of Argentina, born in 1928 in Entre Ríos. When he was 8, his family moved to the capital and there completed his secondary education at the Colegio Nacional Buenos Aires. She started studying architecture but abandoned it to devote himself to painting. 
His beginnings were as a student of Antonio Berni and then later with Juan Batlle Planas, who instilled him the surrealism in the 50s. 
After the military coup that led to the dictatorship were kidnapped the three children of his partner and their partners; one of them, Valeria Belaustegui, was pregnant. All remain missing. In 1977 he had to go into exile in Paris. He returned to Buenos Aires in 1984, died in 1996 when he was preparing a major retrospective exhibition of his work at the National Museum of Fine Arts.

Isaac Díaz Pardo, Galician intellectual born in 1920, strongly attached to both Sargadelos Group and Cerámica do Castro. He was an intellectual galicianist, painter, ceramist, designer, editor and businessman.
In 2009, he received the Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (Gold Medal of Merit in Fine Arts) of Spain.
He studied at the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando in Madrid, between 1939 and 1942.
He went on to take a professorship at The Catalan Royal Academy of Fine Arts of Saint George in Barcelona, and began to exhibit in Spain (La Coruña, Madrid and Vigo) and abroad (Europe and The Americas). He then left the plastic arts for ceramics.
He died in 2012.

* Today, August 23, is the birthday of

Pierre Gauvreau, Québécois painter born in 1922 who has also worked in film and television productions.
He was born in Montreal, and studied at the École des Beaux-Arts de Montréal, today part of UQAM. He eventually associated with Quebec artistic dissident group Les Automatistes and became a signatory to the Refus global artistic manifesto.
Gauvreau worked in various aspects of television production during the 1950s. He took a break from painting during the 1960s until 1975. He continued to paint in 2005.
Gauvreau died on 7 April 2011 of heart failure at the age of 88.

Cristino Gomez Gonzalez, known artistically as Cristino Mallo, Spanish sculptor born in 1905. 
From 1923 he studied at the Academy of Fine Arts of San Fernando, with José Capuz and Mateo Inurria. With her sister, who was also studying at the Academy, he assist to the gatherings of La Granja del Henar, where he met Alberti, García Lorca and Valle Inclán. 
After the war, while her sister went into exile, he remained in Spain in what has been termed internal exile, including a stay in prison. He socialized with artists who renewed postwar aesthetics (the so-called School of Madrid ). Frequented the Café Gijón gathering and reaches success in the art world, taking part in the fifth Salon of the Eleven (1947) and exhibiting in the gallery Theo. 
His work is predominantly performed in small formats, but also made large sculpture for city monuments. 
He died in 1989.

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Aniversarios, Fotografía (XXX) [Agosto / August 18-24]

August 24, 2014, 1:16 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 18 de Agosto es el cumple de

Guglielmo Plüschow, fotógrafo alemán nacido en 1852, que se mudó a Italia y se hizo conocido por sus fotografías de desnudo de jóvenes locales, predominantemente chicos. Era el primo de Wilhelm von Gloeden quien, a pesar de fotografiar desnudos después de él pronto lo eclipsó. 
Plüschow tuvo varias veces problemas con la justicia, acusado por corrupción de menores. Hoy en día sus fotografías son reconocidas por sus méritos artísticos, incluso cuando generalmente se le considera algo inferior a Gloeden, en vista de su menos gracioso manejo de la iluminación y las poses algo afectadas de sus modelos.
Uno de los más famosos fue Vincenzo Galdi, quien probablemente fue uno de los amantes de Plüschow. Galdi luego se convertiría en fotógrafo por derecho propio, así como galerista.
Plüschow murió en 1930.

"Il Serpente, modèle fétiche de Galdi", fines s.XIX / late 19th. Century


El 19 de Agosto es el cumple de

Mariano Díaz Bravo, fotógrafo  chileno-venezolano, diseñador gráfico y escritor nacido (1929), conocido por sus contribuciones al estudio y promoción del arte popular venezolano. En 1993 recibió el Premio Nacional de Arte Popular "Aquiles Nazoa" (Premio Nacional de Cultura Popular), el honor más alto de Venezuela para los artistas populares y promotores del arte popular. 
De 1954 a 1960, Díaz trabajó como diseñador gráfico para el departamento de Teatro Experimental de la Universidad de Chile. En 1960 se trasladó a Caracas, Venezuela, invitado por la Universidad Central de Venezuela. Allí trabajó como reportero gráfico, diseñador gráfico y escritor de varios periódicos y revistas venezolanas, como La Esfera, El Mundo, La República, y El Nacional. Fue Director de Publicaciones de la Universidad de Oriente, Director de Arte y Publicaciones, Asesor de la Oficina Central de Información del Presidente y coordinador de publicaciones de CVF. Desde 1978 Díaz ha trabajado exclusivamente como un escritor independiente y diseñador gráfico.



El 20 de Agosto es el cumple de

Bernhard "Bernd" Becher, artista alemán nacido en 1931, que trabajó a dúo con Hilla Becher. Son conocidos por sus extensivas series de imágenes fotográficas o tipologías de edificios industriales y estructuras.
Él estudió pintura en la Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart entre 1953 y 1956, luego tipografía con Karl Rössing en la Düsseldorfer Kunstakademie entre1959 y 1961.
Bernd y Hilla Becher se conocieron siendo estudiantes de pintura en la Kunstakademie Düsseldorf en 1957, y en principio colaboraron en 1959 fotografiando y documentando la arquitectura industrial alemana que desaparecía. Se casaron en 1961.
Atrayendo la atención sobre la dimensión cultural de la arquitectura industrial, su obra también resalta la necesidad de preservar estas construcciones.
Bernd murió en 2007.

"Torres de enfriamiento / Cooling Towers", Distrito del Ruhr / Ruhr District, 1983


El 21 de Agosto es el cumple de

Gabriel Carvajal, fotógrafo colombiano nacido en 1916.
Empezó a ejercer de fotógrafo cuando se le despertó la afición por el nuevo arte en el año de 1942. Con su cámara Vantam, adquirida por treinta pesos, se dedicó a fotografiar paisajes, escenas callejeras y todo lo que visualmente le atraía. Su primera fotografía como aficionado en el periodismo gráfico la realizó en 1945, en la plaza de Cisneros, en una manifestación por la descentralización de Antioquia.
Con el maestro Leo Matiz, fotógrafo colombiano, ilustró el libro Medellín capital industrial de Colombia, publicado en 1947. Posteriormente, en 1949, con Fen Duperly se dedicó a recorrer el país, unos 15.000 kilómetros por tierra, para fotografiar las bellezas naturales. La excursión duró tres meses, en la que hicieron unas mil fotografías que luego fueron utilizadas en las publicaciones de calendarios para Fabricato y Pantex. 
Murió en 2008.



El 22 de Agosto es el cumple de

Helene Bertha Amalie "Leni" Riefenstahl, directora de cine, productora, guionista, editora, fotógrafa, actriz y bailarina alemana nacida en 1902, ampliamente conocida por dirigir el film de propaganda Nazi "El triunfo de la voluntad". La prominente posición de Riefenstahl durante el Tercer Reich, así como su personal asociación con Hitler, destruyeron su carrera fílmica tras la derrota de Alemania en la Segunda Guerra Mundial, tras lo cual fue arrestada y más tarde liberada sin cargos.
El Triunfo de la Voluntad otorgó a Riefenstahl una fama internacional inmediata y duradera, así como infamia. Dirigió ocho películas, dos de las cuales recibieron una cobertura significativa fuera de Alemania. Los elementos propagandísticos de sus películas realizadas durante los años '30, producen el rechazo de los comentaristas modernos, pero muchos historiadores del cine citan su estética como asombrosa. The Economist escribió que El Triunfo de la Voluntad "selló su reputación como la mujer cineasta más grande del s.XX". 
Después de su muerte, Associated Press describió a Riefenstahl como una "aclamada pionera en la técnicas del cine y la fotografía".
Murió en 2003.

"África", 2002


El 23 de Agosto es el cumple de

Héctor García, fotógrafo / fotoperiodista mexicano nacido en 1923, quien a lo largo de una carrera de 60 años realizó una crónica de las clases sociales mexicanas, de Ciudad de México y varios eventos del s.XX, como el levantamiento estudiantil de 1968. Nació pobre, pero descubrió la fotografía de adolescente, y a principios de la década de 1920 decidió estudiar seriamente tras fallar en el intento de fotografiar la muerte de un compañero de trabajo. Fue enviado a la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas por el director de revistas Edmundo Valdés, quien reconoció el talento de García.
La mayoría de su carrera estuvo relacionada con el fotoperiodismo, trabajando con publicaciones tanto de México como extranjeras. Sin embargo una cantidad sustancial de su obra tiene más calidad artística y crítica. Mucha de esa obra fue exhibida en galerías y museos, habiendo realizado 65 muestras individuales a lo largo de su vida. Esto no sólo incluye retratos de artistas e intelectuales (incluyendo el famoso retrato de David Alfaro Siqueiros en la prisión de Lecumberri), sino también retratos de gente común y pobres. Fue el primer fotoperiodista en criticar explícitamente a las élites de México, tanto burlándose de ellos como contrastándolos con los muy pobres.
Murió en 2012.

"David Alfaro Siqueiros en la prisión de / at the prison of Lecumberri", México, D.F., 1960


Hoy, 24 de Agosto, es el cumple de

Lennart Nilsson, fotógrafo y científico sueco nacido en 1922, conocido por sus fotografías de embriones humanos en vivo y otros temas médicos que antes se consideraban infotografiables, y en general por su fotografía macro extrema. También es considerado como uno de los primeros reporteros gráficos modernos de Suecia. 
Comenzó su carrera profesional a mediados de la década de 1940 como fotógrafo freelance, trabajando con frecuencia para el editor Ahlen y Åkerlund de Estocolmo. Una de sus primeras tareas fue cubrir la liberación de Noruega en 1945 durante la Segunda Guerra Mundial. Algunos de sus ensayos fotográficos tempranos atrajeron sobre él atención internacional después de la publicación en LIFE, Illustrated, Picture Post, y en otros lugares. 
A mediados de la década de 1950 comenzó a experimentar con nuevas técnicas fotográficas para hacer fotografías close-up extremas. Estos avances, combinados con endoscopios muy finos que estuvieron disponibles a mediados de la década de 1960, le permitieron tomar fotografías pioneras de los vasos sanguíneos humanos y cavidades de un cuerpo vivo. Alcanzó fama internacional en 1965, cuando sus fotografías del comienzo de la vida humana aparecieron en la portada y en dieciséis páginas de la revista Life.
Website del artista: http://www.lennartnilsson.com/

"Ha nacido un niño / 8 semanas, el embrión en rápido crecimiento está bien protegido en su saco fetal / 
/ A child is born - 8 Weeks, the rapidly-growing embryo is well protected in the foetal sac"


Textos en inglés / English translation

* On August 18 is the birthday of

Guglielmo Plüschow, German photographer born in 1852, who moved to Italy and became known for his nude photos of local youths, predominantly males. Being the cousin of Wilhelm von Gloeden, who, despite taking up nude photography later than Plüschow, soon overshadowed him, Plüschow was several times at odds with the law and charged with corruption of minors. Today, his photography is recognized for its artistic merits, even though it is generally considered somewhat inferior to von Gloeden's on account of his less graceful handling of lighting and the sometimes strangely stilted poses of his models.
One of Plüschow's more famous models was Vincenzo Galdi, who was probably one of Plüschow's lovers. Galdi later became a photographer in his own right, as well as an art gallery owner.
He died in 1930.

* On August 19 is the birthday of

Mariano Díaz Bravo, Chilean-born (1929) Venezuelan photographer, graphic designer and writer, best known for his contributions to the study and promotion of Venezuelan folk art. In 1993, he received the Premio Nacional de Arte Popular "Aquiles Nazoa" (Popular Culture National Prize), Venezuela's highest honor for folk artists and folk art promoters.
From 1954 to 1960, Díaz worked as a graphic designer for the University of Chile's Experimental Theater Department. Then, in 1960 he moved to Caracas, Venezuela, invited by the Universidad Central de Venezuela. In Venezuela he worked as a photojournalist, graphic designer and writer for several Venezuelan newspapers and magazines, including La Esfera, El Mundo, La República, and El Nacional. He was Director of Publications for the Universidad de Oriente, Director of Art and Publications Advisor for the President´s Central Information Office and Publications Coordinator for CVF. Since 1978, Díaz has exclusively worked as a free-lance writer and graphic designer.

* On August 20 is the birthday of

Bernhard "Bernd" Becher, German artist born in 1931, worked as a collaborative duo with Hilla Becher. They are best known for their extensive series of photographic images, or typologies, of industrial buildings and structures.
He studied painting at the Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart from 1953 to 1956, then typography under Karl Rössing at the Düsseldorfer Kunstakademie from 1959 to 1961.
Meeting as painting students at the Kunstakademie Düsseldorf in 1957, Bernd and Hilla Becher first collaborated on photographing and documenting the disappearing German industrial architecture in 1959. The couple married in 1961.
In drawing attention to the cultural dimension of industrial architecture, their work also highlighted the need for preservation of these buildings.
Bernd died in 2007.

* On August 21 is the birthday of

Gabriel Carvajal, Colombian photographer born in 1916. 
He began practicing photographer when he woke the fans for the new art in the year 1942. With his Vantam camera, acquired by thirty pesos, he devoted himself to photographing landscapes, street scenes and all that attracted him visually. His first amateur photography as photojournalist was made in 1945, in the Plaza de Cisneros, in a protest march for the decentralization of Antioquia. 
With the Master Leo Matiz, Colombian photographer, illustrated the book Medellín industrial capital of Colombia, published in 1947. Later in 1949, with Fen Duperly set about touring the country, some 15,000 miles by land, to photograph the natural beauty. The tour lasted three months, in which they did a thousand photographs were then used in publications and calendars for Fabricato and Pantex. 
He died in 2008.

* On August 22 is the birthday of

Helene Bertha Amalie "Leni" Riefenstahl, German film director, producer, screenwriter, editor, photographer, actress and dancer born in 1902, widely known for directing the Nazi propaganda film Triumph of the Will. Riefenstahl’s prominence in the Third Reich, along with her personal association with Adolf Hitler, destroyed her film career following Germany's defeat in World War II, after which she was arrested but released without any charges.
Triumph of the Will gave Riefenstahl instant and lasting international fame, as well as infamy. She directed eight films, two of which received significant coverage outside Germany. The propaganda value of her films made during the 1930s repels most modern commentators, but many film histories cite the aesthetics as outstanding. The Economist wrote that Triumph of the Will "sealed her reputation as the greatest female filmmaker of the 20th century".
After her death, the Associated Press described Riefenstahl as an “acclaimed pioneer of film and photographic techniques”.
She died in 2003.

* On August 23 is the birthday of

Hector Garcia Cobo, Mexican photographer/photojournalist born in 1923, who had a sixty year career chronicling Mexico’s social classes, Mexico City and various events of the 20th century, such as the 1968 student uprising. He was born poor but discovered photography in his teens and early 20’s, deciding to study it seriously after his attempt to photograph the death of a coworker failed. He was sent to the Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas by magazine director Edmundo Valdés who recognized García’s talent. Most of García's career was related to photojournalism, working with publications both inside and outside of Mexico. However, a substantial amount of his work had more artistic and critical qualities. Many of these were exhibited in galleries and museums, with sixty five individual exhibitions during his lifetime. This not only included portraits of artists and intellectuals (including a famous portrait of David Alfaro Siqueiros at Lecumberri Prison) but also portraits of common and poor people. He was also the first photojournalist to explicitly criticize Mexico’s elite, either making fun of them or contrasting them to the very poor.
He died in 2012.

* Today, August 24, is the birthday of

Lennart Nilsson, Swedish photographer and scientist born in 1922. He is noted for his photographs of in vivo human embryos and other medical subjects once considered unphotographable, and more generally for his extreme macro photography. He is also considered to be among Sweden’s first modern photojournalists.
He began his professional career in the mid-1940s as a freelance photographer, working frequently for the publisher Åhlen & Åkerlund of Stockholm. One of his earliest assignments was covering the liberation of Norway in 1945 during World War II. Some of his early photo essays, brought him international attention after publication in Life, Illustrated, Picture Post, and elsewhere.
In the mid-1950s he began experimenting with new photographic techniques to make extreme close-up photographs. These advances, combined with very thin endoscopes that became available in the mid-1960s, enabled him to make groundbreaking photographs of living human blood vessels and body cavities. He achieved international fame in 1965, when his photographs of the beginning of human life appeared on the cover and on sixteen pages of Life magazine. 

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Uruguayos (XXIII) - Pedro Peralta (I)

August 25, 2014, 1:05 am
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Dedicaré este post, así como los dos siguientes de esta serie, al excelente artista uruguayo Pedro "Pichín" Peralta.
La visita de mi buena amiga Shirley Rebuffo a su muestra retrospectiva realizada entre junio y julio de este año en el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo me sirvió de punto de partida para contactar con Pichín y comentarle mi idea de presentar su obra en el blog. 
Entre las fotografías realizadas por Shirley durante la exposición y el material recogido en la red, les ofrezco este vistazo a un artista original y versátil con más de 30 años de arte a sus espaldas, en un entorno tan complicado como el uruguayo para una creación artística sostenida y de alta calidad.

I'll dedicate this post and the next two in this series, to the excellent Uruguayan artist Pedro "Pichin" Peralta. 
The visit of my good friend Shirley Rebuffo to his retrospective held between June and July this year at the National Museum of Visual Arts in Montevideo served as my starting point for contact Pichín, and tell him about my idea to present his work on the blog. 
With the photographs by Shirley during the exhibition, and the material collected on the net, I offer this view at the work of an original and versatile artist with over 30 years in the world of art, in such a complicated environment as the Uruguayan for the artistic creation sustained and with high quality.
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Pedro Peralta


Pedro "Pichín" Peralta es un pintor y grabador uruguayo nacido en Salto en 1961.
Pertenece a una familia de artistas visuales (Aldo Peralta padre pintor, madre Lacy Duarte, artista de notoria trayectoria) y se expresa como un virtuoso en grabado, pintura y dibujo, habiendo abordado también la escultura y el bajorrelieve.
Realizó estudios con Carlos Porro, Osvaldo Paz, Vicente Martín y Clever Lara, en cuyo taller ejerció más tarde tarea docente. Realizó un curso de postgrado en grabado en metal con David Finkbeiner en el Museo Nacional de Artes Visuales (1986). Desde 1995 es docente de dibujo, pintura y grabado en madera y metal en su propio taller.
Sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas de Uruguay, Argentina, Brasil, Estados Unidos, Puerto Rico, México, España, Australia y otros países.

"Basurarte endémico y reciclable y el artista contemporáneo /
 Endemic and Recyclable gArtbage and the Contemporary Artist"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 200 cm., 2011-12.
Colección privada / Private collection (Punta del Este, Uruguay)

"Aunque el sistema proponga basura habrá pintura / Although the system propose trash, will be painting"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 200 x 150 cm., 2008
Colección Gilvich - Stein Collection (Montevideo, Uruguay) Foto / Photo: Shirley Rebuffo

"Aunque el sistema proponga basura...  / Although the system propose trash..." (detalle / detail)

«Yo apelo [a los clásicos de la pintura] por un lado por esa parte lúdica que tiene. Por otro lado es un poco como un pequeño signo de protesta frente a lo que en algún momento fue lo que generó el posmodernismo, que era como meter una mano para atrás en una biblioteca y sacar dos períodos de la historia sin importar donde estaban ni nada. Y yo me crié en el respeto por los que hicieron antes porque fueron los que nos dieron los móviles, o la capacidad para hacer tal cosa, porque al ver una obra, ponele un Rembrandt, el tipo, sólo viendo el cuadro, te está dando 50 años de tu trabajo experimentando para ver algo mínimamente cercano a eso. Claro que para mí Rembrandt, creo fehacientemente que no era humano, debía ser un marciano o algo por el estilo, porque fue un tipo que cuando lo ví en el Rijks dije, tá, este tipo no es humano, los otros los ves más al alcance, pero hay algunos en la historia que son...
Entonces es una cuestión de respeto, fundamentalmente porque hay todo un mito atrás del artista que es bohemio, y a veces es todo lo contrario, son horas y horas de trabajo... yo, por ejemplo, 12 horas de trabajo todos los días desde hace 30 años. Para llegar a ser lo que fueron ellos es muchísimo trabajo y mucho sufrimiento, porque hoy los vemos a todos famosos en los libros, pero en vida no lo fueron y pasaron hambre...»

"El baño / The Bath", técnica mixta sobre fibra / mixed media on fiber, 42 x 53 cm., 2000

"Paseo a la villa / Walk to Town", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 135 x 180 cm., 2008.
Colección Nicole Berenstein Collection (Montevideo, Uruguay) 
Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Cuando preguntan a Pedro dónde encaja su obra, comenta: "A mí me incluyen muy fácil, así, rápido, en el surrealismo. No es lo que más me gusta, incluso conceptualmente no es lo que más comparto. Yo me incluiría más dentro de lo que es el realismo mágico, lo que Carpentier planteó como idea..." Su pasión por los clásicos barrocos y renacentistas le ha llevado a encajar en un barroco latinoamericano que asocia con el sincretismo cultural.
Hablando de la presencia de los iconos visuales montevideanos en su obra (el Palacio Salvo, los gauchos de Blanes, Carlota), dice Pedro:
"...a mí me pasó en el año '92, cuando la época de los contrafestejos de los 500 años del descubrimiento de América, yo andaba exponiendo por Finlandia, y tenía una pintura que casi no era figurativa, y yo seguía a cielo y sombra a un grupo que se llama Grupo COBRA, que quiere decir Copenhaguen, Bruselas y Ámsterdam, y en especial a uno: Alechinsky.
Y cuando expuse ahí me dí cuenta de que los sigo amando, que siguen siendo terribles pintores, pero que no tengo nada que ver con un escandinavo, entonces quedé absolutamente perdido sin saber de qué estaba hablando. Y ahí comenzó todo esto porque, caminando por una plaza de esas finlandesas, que los escalones son de este tamaño, que a los bajitos nos cuesta subir, me acordé por ejemplo de que Onetti en algún momento dijo "Los uruguayos descienden de los barcos", y empecé a jugar, caprichosamente, con lo que era el realismo mágico, como que los uruguayos eramos como el resultado biológico del realismo mágico. Realismo mágico es cuando empieza, sobre todo el barroco americano, que después se llama sincretismo cultural, con las iglesias de Ouro Preto, o Centroamérica que querían hacer un barroco italiano pero los que trabajaban eran indios y negros. Entonces las vírgenes eran morenas, los cuernos de la abundancia no tiraban oro sino maíz porque era lo que ellos tenían... esa mezcla de que vos querés hacer una cosa, pero inevitablemente sale otra..."

Izq./ Left: "Homo constructore civilizantis", 76 x 55 cm. - Der./ Right:"Homo edipicus según Naklae", 45 x 55 cm.
Ambos / both, xilografía / xilography, 76 x 55 cm., 2000

"El hermano más chico de / The younger brother of Hernandarias"
1er. Premio del 3er. concurso de pintura / 1st. Prize 3rd. Contest of Painting ISUSA, 2011

Pedro Peralta junto a su obra / with his work.

Pedro "Pichin" Peralta is an Uruguayan painter and engraver born in Salto in 1961. 
He belongs to a family of visual artists (father painter Aldo Peralta, mother Lacy Duarte, artist of notorious career) and he expressed as a virtuoso in printmaking, painting and drawing, having also dealt sculpture and bas-relief. 
He studied with Carlos Porro, Osvaldo Paz, Vicente Martin and Clever Lara, in whose studio exercised later teaching. He completed a postgraduate course in metal engraving with David Finkbeiner at the National Museum of Visual Arts (1986). Since 1995 he teaches drawing, painting and engraving in wood and metal, in his own workshop. 
His works are in public and private collections in Uruguay, Argentina, Brazil, United States, Puerto Rico, Mexico, Spain, Australia and other countries.

"El viaje del Elefante / The Trip of the Elephant". En honor a / In honor of Saramago.
Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Yo tuve la suerte, porque me sucedió una cosa que fue para mí... digo... me conmovió la modestia de ese ser que es Saramago, un Premio Nóbel de la literatura. La primera vez que vino a Uruguay, me llama Esther Elizaga de la Fundación Itaú, que yo soy del staff, y me dijo: - Che, le vamos a regalar un cuadro a Saramago. Yo le dije: - Hagan lo que quieran, elegí el que quieras y dáselo.
Me dice: - Bueno, pero venite. Le dije: - A mí me cuesta leer Saramago, así que no voy a ir porque no me gusta ser Figuretti.
Pasó eso, yo me fui de vacaciones. Cuando volví, por debajo de la puerta de mi casa había una carta personal de él en la que me llamaba amigo, me invitaba a la casa, una carta hermosa, hablando con conocimiento. Decía: "En tu obra veo a Brueghel, esto, lo otro...". Y yo me quedé maravillado por la modestia de un tipo que estando en el plano que él estaba, me mandaba una carta personal a mí que no soy nadie.

- ¿Y por qué el elefante para homenajearlo?

- Porque fue el último libro que él hizo, y quiso la vida que dos años después cuando volvió acá a presentar el libro del espejo y la afeitada, me llamó, me invitó y estuvimos con él, conocí a la señora... Discutimos muchísimo de política... Incluso yo, cuando él me escribió, le imprimí un grabado en una hoja de carta y le puse: "Maestro, yo lo de escribir se lo dejo a usted, porque yo, esto es lo que hago, escribir no es lo mío."
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I was very lucky because something happened to me that was for me... I say... I was touched by the modesty of that human being Saramago, a Nobel Prize of Literature. The first time he came in Uruguay, Esther Elizaga called me from the Itau Foundation - I'm part of the staff. She said: "we're going to give a painting to Saramago". I said: "Do what you want. Just choose the one you want and give him".
She told me: "Well, but you come here". I said: "For me is difficult to read Saramago, so I don't go because I don't want to go just to be noted.
So that happened, I went on holidays. When I came back, I found behind the door a personal letter written by him in which he called me friend, he invited me to his house, a beutiful letter, talking with knowing what he talking about. He said: "In your work I see Brueghel" and so on. And I was amazed by the modesty of a guy being in the level he was on, he sent me a personal letter to me that I am nobody. 

- And why the elephant to honor him? 

- Because it was the last book he did, and happened two years later when he returned here to present the book of the mirror and shave, he called me, invited me and we stayed with him. I met her wife ... We discussed a lot policy ... Even then, when he wrote to me, I printed out an engraving on a sheet and I wrote: "Master, writing is for you. For me, this is what I do. Writing is not for me." 

"Amanecer telúrico / Telluric Dawn", dibujo sobre lienzo / drawing on canvas, 115 x 89 cm., 2013
Foto / Photo: Shirley Rebuffo

"El retorno de Lupín a la luna de miel del piloto / The Return of Lupin to the Honeymoon of th Pilot"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 81 x 100 cm.

«I appeal [to classical painting] on one side by that playful part they have. On the other side is a bit like a small sign of protest against what was at one time which led to postmodernism, it was like putting a hand back into a library and get two periods in history no matter where they were or anything. And I grew up in respect for they did before because they were the ones who gave us the motives, or the ability to do that, because when you see a work, for example Rembrandt, the guy, just seeing the picture, it takes you at least 50 years of your work experimenting to see something a little bit close to that. Of course for me Rembrandt, I think conclusively that he was not human, it must be a Martian or something like that, because he was a guy... when I saw [his works]  in the Rijksmuseum I said, ok, this guy is not human, the others look more within reach, but there are some in art story that they are ... 
Then it's a matter of respect, mainly because there is a myth about the artist who is bohemian, and sometimes it's the opposite, they are hours and hours of work ... I, for example, 12 hours of work every day during the last 30 years. To become what they were it was a lot of work and suffering, because today we see all of them famous in the books, but in life they were not, and were starved ... »

"El intenso intento del artista de dar vuelta la lata", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 200 x 150 cm., 2013.
Colección privada / Private Collection (Montevideo, Uruguay) Foto / Photo: Shirley Rebuffo

"Atardecer en el club de los cabeza hueca / Sunset at the Airhead Club"

«When ask Peter where it fits his work, he says: "I'm included very easy, so fast, in surrealism. It is not what I like, even conceptually is not what most I share. I would include my work in magic realism, which Carpentier raised as an idea ... ". His passion for Baroque and Renaissance classics led him to engage in a Latin American baroque associated with cultural syncretism. 
Speaking of the presence of Montevideo visual icons in his work (Palacio Salvo, the gauchos of Blanes, Carlota), says Peter:
"... it happened to me in '92, at the time of celebrations against the 500th anniversary of the discovery of America, I was exposing in Finland, and had a kind of painting that almost was not figurative, and I followed unconditionally a group called COBRA, meaning Copenhagen, Brussels and Amsterdam, and especially one artist: Alechinsky. 
And when I stated there I realized that I still in love with them, still amazing painters, but I have nothing to do with a Scandinavian, so I was absolutely lost without knowing what I was talking about. And that started all this because walking on one of those Finnish squares, that the steps are this size, that short people costs us up, I thought for example that Onetti sometime said "Uruguayans are descended from the ships", and I started playing whimsically with what was magical realism, as the Uruguayans were like the biological result of magical realism. Magical realism is when it starts, especially American Baroque, which is then called syncretism, with the churches of Ouro Preto, or Central America. They wanted to do an Italian Baroque but those who worked were Indians and black men. Then the virgins were dark, the horns of plenty throw out corn instead gold, because it was what they had ... that mixture that happens when you want to do one thing, but inevitably goes another ...»

"La balsa de Medusa rumbo a Montevideo / The Raft of Medusa bound for Montevideo"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 140 cm., 2011. 
Colección Doro - Altan Sader Collection (Punta del Este, Uruguay)

"Mujer chiva y esquiva la Carlota", acrílico sobre damasco / acrylic on apricot wood, 140 x 100 cm., 2010. 
Colección privada / Private Collection (Montevideo, Uruguay)Foto / Photo: Shirley Rebuffo

"Ángel paseandero ingresando a Santiago Vázquez / Strolling Angel Entering Santiago Vazquez"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 300 cm., 2008
Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Los comentarios del artista están tomados de los videos que pueden verse más abajo y otros que veremos en próximos posts /
Artist's comments from the video you can see below and others we'll see in posts to come.

Más imágenes e información en / More images and information in
Facebook, Arte MUVA, MNAV

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Pedro!)
Y por supuesto gracias a Shirley Rebuffo.
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Pedro!)
And of course thanks a lot, Shirley Rebuffo.


Camila Cibils charla con el artista sobre su muestra en el Museo Nacional de Artes Visuales /
Camila Cibils chat with the artist about his exhibition at the National Museum of Visual Arts

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Referencias / References

El famoso retrato de Carlota Ferreira ya fue publicado en el post dedicado a la obra de Blanes /
The famous portrait of Carlota Ferreira was already published in the post on Blanes' work.
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Diego Velázquez

"Retrato ecuestre del Conde-Duque de Olivares / Equestrian Portrait of the Count-Duke of Olivares"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 313 × 239 cm., c.1638. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

El objeto de la obra fue retratar con poderío al valido del rey Felipe IV Gaspar de Guzmán, un influyente noble y político español, conde de Olivares y duque de Sanlúcar la Mayor, conocido como el Conde-Duque de Olivares. Dentro del estilo de Velázquez, este cuadro se considera una excepción, ya que su diseño y colorido resultan más movidos y pomposos de lo habitual en los retratos del artista, más sobrios.
Olivares es retratado a lomos de un caballo, un honor generalmente reservado a los monarcas y que refleja el poder que alcanzó como valido o mano derecha del rey (cargo equivalente al actual de primer ministro). El cuadro se asemeja a los retratos ecuestres que Velázquez había pintado para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, pero no se hizo para dicha serie sino como encargo particular de Olivares, con destino a su casa.
Info in english here.

"El bufón / The Buffoon don Diego de Acedo, el Primo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 107 x 82 cm., 1644
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"El bufón / The Buffoon don Sebastián de Morra", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106,5 x 82,5 cm., 1643-49
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Más sobre Diego Velázquez en "El Hurgador" / More about Velazquez in this blog:
[Manos a la obra (I)], [Pintando perros (I)], [Aniversarios (XIX)]
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Pierre Alechinsky

"Central Park", 1965

Pierre Alechinsky es un artista belga nacido en 1927. Ha vivido y trabajado en Francia desde 1951, su obra se relaciona con Tachismo, el expresionismo abstracto y la abstracción lírica. 
En 1944 asistió a l'Ecole Nationale Supérieure d'Architecture et des Arts Décoratifs de La Cambre, Bruselas, donde estudió técnicas de ilustración, impresión y fotografía. En 1945 descubrió la obra de Henri Michaux, Jean Dubuffet y desarrolló una amistad con el crítico de arte Jacques Putman. En 1949 se unió a Christian Dotremont, Karel Appel, Constant, Jan Nieuwenhuys y Asger Jorn para formar el grupo de arte Cobra. Participó en las exposiciones de Cobra y se fue a París a estudiar grabado en el Atelier 17, bajo la dirección de Stanley William Hayter en 1951. En 1954 tuvo su primera exposición en París y comenzó a interesarse en la caligrafía oriental. A principios de la década de 1950 fue el corresponsal en París de la revista japonesa Bokubi (La alegría de la tinta). En 1955, animado por Henri Storck y Luc de Heusch, se fue a Japón con su esposa. 
Su carrera internacional continuó a lo largo de los años setenta y en 1983 se convirtió en profesor de pintura en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes, París. En 1994 fue investido doctor honoris causa por la Universidad Libre de Bruselas.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Pierre_Alechinsky

"Le Bruit de la Chute / El sonido de la caída / The Sound of the Fall", 1974-75
Louisiana Museum for Moderne Kunst (Humlebaek, Dinamarca / Denmark)

Pierre Alechinsky is a Belgian artist born in 1927. He has lived and worked in France since 1951. His work is related to Tachisme, Abstract expressionism, and Lyrical Abstraction.
In 1944 he attended the l'Ecole nationale supérieure d'Architecture et des Arts décoratifs de La Cambre, Brussels where he studied illustration techniques, printing and photography. In 1945 he discovered the work of Henri Michaux, Jean Dubuffet and developed a friendship with the art critic Jacques Putman. In 1949 he joined Christian Dotremont, Karel Appel, Constant, Jan Nieuwenhuys and Asger Jorn to form the art group Cobra. He participated with the Cobra exhibitions and went to Paris to study engraving at Atelier 17 under the guidance of Stanley William Hayter in 1951. In 1954 he had his first exhibition in Paris and started to become interested in oriental calligraphy. In the early 1950s he was the Paris correspondent for the Japanese journal Bokubi (the joy of ink). In 1955, encouraged by Henri Storck and Luc de Heusch, he left for Japan with his wife.
His international career continued throughout the seventies and by 1983 he became Professor of painting at the École nationale supérieure des Beaux-Arts, Paris. In 1994 he was awarded an honorary doctorate by the Free University of Brussels.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Pierre_Alechinsky

"Je reviens dans 5 minutes / Vuelvo en 5 minutos / I'll be Back in 5 Minutes"
Técnica mixta / mixed media, 100 x 65 x 60 cm., 2011
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Philippe de Champaigne
"Cardenal / Cardinal Richelieu", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 222 x 155 cm., c.1639. 
Musée du Louvre (Paris, Francia / France)

Philippe de Champaigne fue un pintor barroco francés, importante exponente de la escuela francesa. 
Nacido en 1602 en una familia pobre en Bruselas (Ducado de Brabante, Países Bajos meridionales), Champaigne fue alumno del pintor paisajista Jacques Fouquières. En 1621 se trasladó a París, donde trabajó con Nicolas Poussin en la decoración del Palacio de Luxemburgo, bajo la dirección de Nicolas Duchesne. 
Según Houbraken, Duchesne estaba enojado con Champaigne por hacerse más popular que él en la corte, y por esta razón Champaigne regresó a Bruselas a vivir con su hermano. Tras recibir la noticia de la muerte de Duchesne, regresó para casarse con su hija. Después de la muerte de su protector Duchesne, Champaigne trabajó para la reina madre, María de Médicis, y para el cardenal Richelieu, (para quien decoró el Palais Cardinal), la cúpula de la Sorbona y otros edificios. Fue miembro fundador de la Academia de Pintura y Escultura en 1648. 
Murió en 1674.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Philippe_de_Champaigne

Philippe de Champaigne was a French Baroque era painter, a major exponent of the French school.
Born of a poor family in Brussels (Duchy of Brabant, Southern Netherlands, 1602), Champaigne was a pupil of the landscape painter Jacques Fouquières. In 1621 he moved to Paris, where he worked with Nicolas Poussin on the decoration of the Palais du Luxembourg under the direction of Nicolas Duchesne.
According to Houbraken, Duchesne was angry at Champaigne for becoming more popular than he was at court, and this is why Champaigne returned to Brussels to live with his brother. It was only after he received news of Duchesne's death that he returned to marry his daughter. After the death of his protector Duchesne, Champaigne worked for the Queen Mother, Marie de Medicis, and for Cardinal Richelieu, (for whom he decorated the Palais Cardinal), the dome of the Sorbonne and other buildings. He was a founding member of the Académie de peinture et de sculpture in 1648.
He died in 1674.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Philippe_de_Champaigne

Eugène Delacroix
"La Liberté guidant le peuple / La Libertad guiando al pueblo / Liberty Leading the People"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 260 x 325 cm., 1830
Musée du Louvre (Paris, Francia / France)

Jean-Auguste-Dominique Ingres
"Retrato de la Princesa / Portrait of Princesse Albert de Broglie 
(Joséphine-Eléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,3 × 90,8 cm., 1853.
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)

Más sobre Delacroix en "El Hurgador" / More about Delacroix in this blog:
[Manos a la obra (XXV)], [Fotógrafos japoneses (II)], [Aniversarios, fotografía (IX)], [Lalla Essaydi (Fotografía)]

Más sobre Ingres en "El Hurgador" / More about Ingres in this blog:
[Lalla Essaydi (Fotografía)]

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Rabarama (III) [Escultura]

August 26, 2014, 5:31 am
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Nueva selección dedicada a ésta escultora, pintora y artista de performances italiana. Un conunto de imágenes de su obra, en éste caso tomadas de su colección en facebook.
Para más imágenes e información, me remito a los post previos, aquí y aquí.

New selection dedicated to this Italian sculptor, painter and performance artist. A set of good images of her work, this time all of them taken from Rabarama's collection in facebook.
I refer to the previous posts for more images and information, here and here.
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Rabarama


Rabarama (Paola Epifani) es una artista italiana mundialmente reconocida por sus notables esculturas. Además de muy originales, resultan sumamente fotogénicas...

Rabarama (Paola Epifani) is an Italian artist known worldwide for her remarkable sculptures. Her work is very original, and also extremely photogenic ...

"Secreto / Secret", bronce pintado / painted bronze, 56 x 41 cm., 2011

"R-accolto", mármol negro belga / black marble of Belgium

"In-cinta", Foto / Photo: Gianni Filipas

"Vibr-azione / Vibr-ación / Vibr-ation", mármol blanco de Carrara / Carrara white marble, 53 x 89 x 49 cm.

 "Krijaman karma", bronce pintado / painted bronze, 31 x 18 x 19 cm., 2013

 "Im-mortale", 2012

"Tes-Oro RaRo", bronce pintado / painted bronze, 19 x 38 x 19 cm., 2012

"Metamorfosi / Metamorphose", bronce pintado / bronzo dipinto, 45 x 40 x 29,5 cm.

 "Metamorfosi / Metamorphose", bronce pintado / bronzo dipinto, 45 x 40 x 29,5 cm.

 "Personalizz-azione / Personali-zación / Personal-ization", alabastro blanco / white alabaster, 48 x 68 x 42 cm.


"Vuelo de dragón / Dragon Fly", bronce pintado / painted bronze, 68 x 43 x 23 cm., 2012

"Sun (Il Mite)", bronce pintado / painted bronze, cm. 14 x 47 x 23 cm.

"Alicante", mármol negro del Belgio / black marble from Belgio

"Mantis", bronce pintado / painted bronze, 13 x 26 x 19 cm., 2013

"Trans-mutazione / Trans-mutación / Trans-mutation", bronce pintado / painted bronze, 2000

Izq./ Left: "Sapere / Saber / Know", mármol blanco de Carrara / Carrara white marble, 195 x 221 x 134 cm., 2005/2011
Der./ Right: "Tran-sito / Tran-sit", mármol blanco de Carrara / Carrara white marble, 202 x 225 x 134 cm., 2002/2011

"Com-posizione / Com-posición / Com-position", bronce pintado / bronzo dipinto, cm. 48 x 57 x 45 cm.

Más sobre Rabarama en "El Hurgador" / More about Rabarama in this blog:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Paola!)
Images published with artist's permission (Thanks a lot, Paola!)

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Nunzio Paci [Pintura]

August 26, 2014, 11:15 pm
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Una interesante forma de plantear las estrechas relaciones entre el ser humano y la naturaleza es la que propone Nunzio Paci. A través de una suerte de arqueología de disección, con estética de obra anatómica clásica, Paci construye mutaciones e intrincadas mixturas en las que la carne florece y los músculos de humanos y animales se fusionan para configurar nuevos seres entre lo mitológico y el especimen de laboratorio.

An interesting way of posing the close relationship between man and nature is that proposed Nunzio Paci. Through a kind of archeology of dissection and aesthetically classical anatomical work, Paci construct mutations and intricate mixtures in which the meat blooms and muscles of humans and animals fuse to form new beings between mythology and laboratory specimen .
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Nunzio Paci


Nunzio Paci es un artista nacido en 1977. Vive en Boloña, Italia. Su estilo está relacionado con la arqueología; el alma fósil se revela a través de las capas de materiales. Óleo, esmalte, lápiz y brea son las herramientas que le ayudan a cubrir las mesas científicas con extintos seres híbridos, tal vez del futuro.

"Muscoli e carne eri, sangue e foglie ritornerai / Músculos y carne fuiste, como sangre y hojas regresarás /
Muscles and Flesh you Were, Blood and Leaves you Will go Back"
Lápiz y óleo sobre lienzo / pencil and oil on canvas, 130 x 100 cm., 2014

"Toda mi obra trata las relaciones entre el hombre y la naturaleza, en particular con los animales y las plantas. El centro de mi observación es el cuerpo con sus mutaciones. Mi intención es explorar las infinitas posibilidades de la vida, buscando un equilibrio entre la realidad y la imaginación."

"Radice / Raíz / Root", lápiz y óleo sobre lienzo / pencil and oil on canvas, 60 x 60 cm., 2013

"Acefalo / Acéfalo / Headless"
Lápiz, óleo y bitumen sobre lienzo / pencil, oil, bitumen on canvas, 180 x 150 cm., 2013

Paci encuentra síntesis icásticas de figuras: simeses y caníbales, ejemplos radicales de relación y autosuficiencia en el ciclo de la vida. Aquí las fronteras entre los cuerpos se reducen hasta desaparecer en un proceso que sublima crueldad natural en fértiles abrazos, inclusiones, nutrición recíproca de tal modo que la enfermedad se transforma en regeneración. El tema del cuerpo como campo de fuerza y metáfora social es la clave de muchas obras contemporáneas, desde la revolución del body art a la cristalización química de cadáveres destinada al voyeurismo público de Gunther Von Hagens, pero es en el cine de David Cronenberg donde podemos hallar el término preciso de comparación. En su película de 1988 Dead Ringers (Inseparables), el director canadiense pone en escena una suerte de danza paranoica entre dos siameses simétricos, incrustados uno en el otro, tomada con la fuerza de la imaginería precientífica por los pioneros de la anatomía y la patología desde tradiciones ceroplásticas, bajo la influencia de la universidad de Bolonia, donde también estudió Gaetano Zumbo, cuenta con maestros tales como Giuseppe Astorri y Cesare Bettini.
Reseña de la muestra "De Signatura Rerum", por Davide W. Pairone. Texto completo aquí.

"Alato / Alado / Winged", lápiz sobre papel / pencil on paper, 30 x 40 cm., 2013

"Le radici mi fecero vedere, la terra mi fece respirare / Las raíces me hacen ver, la tierra me hace respirar / 
The Roots Made me See, The Soil Made me Breathe"
Lápiz y óleo sobre lienzo / pencil and oil on canvas, 130 x 100 cm., 2014

«Observar el musgo húmedo, una pared descascarada o una superficie oxidada, siendo sensible a las cuestiones sociales, tratando de captar la esencia de las cosas sin limitarme a lo externo ... todo esto es parte de mi vida diaria. Al final analizo, examino y reconstruyo aquello que despierta mi curiosidad e interés.»

«Mi trabajo se centra en la relación / comparación entre géneros y reinos, en particular, la relación de alteridad / identidad entre el hombre y el mundo animal / vegetal. Una metáfora social para definir la posibilidad de un encuentro entre elementos o individuos de horizontes absolutamente diversos.»

"Foresta / Bosque / Forest", lápiz sobre papel / pencil on paper, 30 x 40 cm., 2013

"Equino in fiore / Equino en flor / Equine in Bloom"
Lápiz, óleo, esmalte, resinas y espinas sobre lienzo / pencil, oil, enamel, resins, thorns on canvas, 60 x 90 cm., 2013

«Creo que cada nuevo trabajo es la evolución del precedente.»

«No me gustaría que alguien considerase mi obra como "macabra", porque este tipo de provocación no está en mis intenciones.»

"Equino in fiore / Equino en flor / Equine in Bloom" (detalle / detail)

"Equino in fiore / Equino en flor / Equine in Bloom", lápiz sobre papel / pencil on paper, 30 x 40 cm., 2013

«Pienso que a veces se crean buenas oportunidades. Algo a lo que me resisto en los concursos es a la competencia generalmente acompañada de arrogancia por parte de algunos artistas en contra de otros. No lo creo necesario... básicamente no hacemos nada especial que no sea por nosotros mismos.»

"Uomo cervo / Hombre ciervo / Deer Man"
Lápiz, óleos, esmalte y resinas sobre lienzo / pencil, oil, enamel, resins on canvas, 100 x 80 cm., 2013

Nunzio Paci is an artist born in 1977. He lives in Bologna (Italy). His style is archaeology related, the fossil soul is disclosed through material layers.
Oil, enamel, pencil and tar are the tools that help him to fill out the scientific tables with hybrid extinct beings, maybe the future ones.

"L'inquietudine del mattino / La ansiedad de la mañana / The Anxiety of the Morning"
Lápiz sobre papel / pencil on paper, 30 x 40 cm., 2014

“My whole work deals with the relationship between man and Nature, in particular with animals and plants. The focus of my observation is body with its mutations. My intention is to explore the infinite possibilities of life, in search of a balance between reality and imagination.”

"Equino ramificato / Equino ramificado / Branched Equine"
Lápiz, óleo, resinas y bitumen sobre lienzo / pencil, oil, resins, bitumen on canvas, 50 x 70 cm., 2013

"Il vento che scolpisce le tue vene / El viento que esculpe tus venas / The Wind That Sculpts your Veins"
Lápiz y óleo sobre lienzo / pencil and oil on canvas, 100 x 100 cm., 2014

Paci met icastic synthesis figures: siamese and cannibals, radical examples of relation and self-sufficiency of the life cycle. Here, the boundary between bodies is reduced until it disappears in a process that sublimates natural cruelty in fertile hugs, inclusions, reciprocal nourishing so that illness is transformed into regeneration. The subject of the body as a force field and social metaphor is the cipher of many contemporary works, from the body art revolution to the chemical crystalization of corpses destined to public voyeurism by Gunther Von Hagens, but it is in David Cronenberg’s cinema that we can find a precise term of comparison. In the movie Dead Ringers (1988), the Canadian director stages a sort of paranoid dance between two siamese twins, Animal and vegetal physiology, fibres, nerves, bones, matter are the composing elements used by Nunzio Paci, stripped modules and torn symmetries, grafting one onto another, taken with strength from the prescientific imaginary by the pioneers of anatomy and pathology from the ceroplastics tradition which, right in the influence of the Bolognese university where Gaetano Zumbo also studied, counts masters as Giuseppe Astorri and Cesare Bettini.
Review for the exhibition "De Signatura Rerum", by Davide W. Pairone. Full text here.

"L'ultimo respiro prima di germogliare / El último aliento antes de brotar / 
The last breath before sprouting"
Lápiz, óleo, resinas y bitumen sobre lienzo / pencil, oil, resins, bitumen on canvas, 150 x 200 cm., 2013

"Parasitic siamese / Siamés parásito"
Óleo, esmalte, bitumen y resinas sobre lienzo / oil, enamel, bitumen, resins on canvas, 100 x 120 cm., 2012

«Observe the wet moss, one peeling wall or a rusty surface, being sensitive to social issues, trying to capture the essence of things without limit myself to the outside ... this is part of my daily life. In the end I analyze, examine and reconstruct what piques my curiosity and interest.»

«My work focuses on the relationship / comparison between genera and kingdoms, in particular the relationship of otherness / identity between man and animal / vegetable kingdoms. A social metaphor to define the possibility of a meeting between elements or individuals from very different horizons.»

"Parasitic siamese / Siamés parásito" (detalle / detail)

"Equini cannibali / Equinos caníbeles / Cannibal equines"
Lázpiz, óleo, esmalte, bitumen y resinas sobre lienzo / pencil, oil, enamel, bitumen, resins on canvas
200 x 175 cm., 2013

«I believe that every new work is the evolution of the previous one.»

«I would hate if someone considered my work "macabre" because this kind of provocation is not within my intent.»

"Uomo caprone gravido / Hombre cabra preñado / Goat man pregnant"
Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 50 x 70 cm., 2012

"Se non potrò camminare imparerò a volare / Si no puedo caminar aprenderé a volar / 
If I can’t walk I will learn to fly"
Lápiz, óleo, esmalte, resinas y bitumen sobre lienzo / pencil, oil, enamel, resins, bitumen on canvas, 100 x 80 cm., 2013

«I think sometimes created good opportunities. One thing I've been suffered in contests is competition accompanied by an attitude of arrogance by some artists against others. I don't think it's necessary ... basically we don't do anything special other than ourselves.»

"Irrigherò la mia carne con acqua pulita, ogni giorno / Irrigaré mi carne con agua limpia, día tras día / 
I will irrigate my flesh with clean water, every day"
Lápiz, óleo, esmalte, resinas y bitumen sobre lienzo / pencil, oil, enamel, resins, bitumen on canvas
150 x 200 cm., 2013

Los comentarios del artista están tomados de su sitio web y de una entrevista publicada por Equilibri Arte, que puede leerse completa (en italiano) aquí.

Artist's comments from an interview published by Equilibri Arte you can fully read (in Italian) here.

Más sobre imágenes e información en / More images and information in:
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Si te gustó la obra de Nunzio Paci, tal vez te guste / If you liked Nunzio Paci's work, maybe you'll enjoy:

Travis Bedel (Bedelgeuse): [Travis Bedel (Bedelgeuse) (Collages anatómicos)]
Ellen Jewett: [Ellen Jewett (Escultura)], [Rinocerontes (LIII)]
Lauren Marx: [Lauren Marx (Dibujo, Pintura)]
Michael Reedy: [Michael Reedy (Pintura)]
Christoffer Relander: [Christoffer Relander (Fotografía)]
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Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Nunzio!)
Otra vez mi amiga Shirley Rebuffo por aquí. Gracias por el hallazgo y la ayuda en la traducción.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Nunzio!)
Here my friend Shirley Rebuffo again. Thanks for the finding and your help with the translation.

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