El Hurgador [Arte en la Red]

Albert Ramos

Albert junto a su obra "La espera" / with his work "The Wait"

Albert Ramos Cortés nació en Barcelona y se crió en un pueblo cercano, Argentona.

En 1998 comenzó su carrera de ilustración y diseño gráfico, hasta que se mudó a San Francisco, California, para estudiar ilustración y trabajar para mejorar sus habilidades en la Academy of Art University en 2004. Mientras estudiaba su Licenciatura, trabajó para varios clientes en España, y su curiosidad por las bellas artes se hacía cada día más fuerte. En 2009 se graduó cum laude, y decidió inscribirse en la Maestría de Bellas Artes en su alma mater, donde obtuvo su Master en Dibujo y Pintura en 2012.

Albert ha ganado muchos premios, su obra ha sido publicada en revistas y libros, y se ha presentado en varias muestras colectivas, en galerías tales como Waterhouse Gallery en Santa Barbara, California; Modern Eden en San Francisco, California, y Galeria Artelibre en Zaragoza, España.

La obra de Alberto ofrece una representación realista de sus recuerdos, gente, lugares e ilustraciones del hogar que dejó atrás; intenta pintarlas antes de que se pierdan en el tiempo.

"La espera / The Wait", óleo / oil, 28 x 22

«Estoy permanentemente buscando mi propia voz, para ser tan honesto como pueda con mis obras de arte, y eso implica una evolución eterna en estilo y temática. Podría describir mi arte como realismo contemporáneo. Ambas palabras, contemporáneo y realismo, pueden ser muy subjetivas y aún seguir siendo fieles a sus significados.»

"Ausencia-Presencia-Ausencia / Absence-Presence-Absence"

Óleo sobre lino, sobre panel / oil on linen on board, 100,4 x 155,3 cm., 2012

«Ella es mi abuela. Generalmente para mí el recuerdo que tengo de mi abuela, es ella reunida con mi abuelo y mi bisabuela; ambos han fallecido estando yo aquí, así que no pude decirles adiós.

Para mí, en mi cabeza, cuando regreso a casa espero eoncontralos otra vez en la cocina. Ya no están allí, pero cuando he decidido pintar esta situación... hay un sitio vacío aquí donde mi bisabuela solía sentarse... y el vino representa a mi abuelo.

La situación familiar de ellos reunidos en la cocina, se ha trasladado ahora a una ausencia, una presencia y una ausencia, así que es un retrato triple. Dos personas se han ido, y una está aquí.»

«She's my grandmother. Usually for me the memory I have of my grandmother... she hanging out with my grandfather and great-grandmother who both passed when I was here so I couldn't say goodbye.

To me, in my head, when I go back home I expect to meet them in the kitchen again. They're no there but when I decided to paint this situation... there's an empty spot here where my great-grandmother used to sat... and the wine represents my grandfather.

The familiar situation of them hanging out on the kitchen, is now translated to an absence, a presence and an absence, so is a triple portrait. Two people are gone and one person is here.»

Izq./ Left: "Noir", grafito sobre papel / graphite on paper, 11" x 7", 2013

Der./ Right: "Michael", grafito sobre papel / graphite on paper, 24" x 18", 2012

"El Hombre Que Amé (Retrato de Mi Abuelo) / The Man I Loved (Portrait of my Grandfather)"

Óleo sobre lino, sobre panel / oil on linen on board, 75,8 x 61 cm., 2012.

Colección del artista / Collection of the Artist

«Esta es la fase final de una trilogía que incluye una fotografía en blanco y negro y un dibujo al carboncillo, ambos utilizando la misma imagen. En la representación al óleo, el tamaño del sujeto (mi abuelo) es mayor del natural, indicando que fue, y aún es, una gran presencia en mi vida. Sus manos están agrandadas, para transmitir que fue un hombre que trabajó muy duro. Se muestra de frente porque era honesto y directo. Y, finalmente, la pintura es en color, a diferencia de las versiones anteriores de la imagen, porque, aún cuando ya ha fallecido, su influencia sigue viva.»

«This is the final stage of a trilogy that includes a black-and-white photograph and a charcoal drawing, both using the same image. In the oil rendering, the size of the subject—my grandfather—is larger than life, indicating that he was, and still is, a huge presence in my life. His hands are enlarged to convey that he was a hard worker. He is shown facing forward because he was honest and straightforward. And finally, this painting is in color, unlike previous versions of the image, because, even though he has passed away, his influence is still alive.»

"Hermes", óleo sobre panel / oil on board, 35" x 39,25", 2014

"Doppelgänger", óleo sobre Mylar / oil on Mylar, 24" x 24", 2010

Albert cree que uno debe devolver lo que ha recibido. Actualmente es instructor a tiempo parcial en la AAU, mientras engrosa su obra y pule sus habilidades a través de encargos que recibe desde sus vieja y nueva madres patrias; Europa y Estados Unidos.

"Nostalgia", grafito sobre papel / graphite on paper, 7" x 12". 2013

"El peso de la memoria"

«Cuando dejé España, dejé atrás a la gente que amaba, los lugares en los que crecí y las situaciones que me eran familiares, pero me traje conmigo mis recuerdos. Esos recuerdos son la base de mi obra actual; son el nexo entre lo que dejé atrás y lo que soy ahora, así que necesito pintarlo antes de que se pierda en el tiempo.

Cada recuerdo cuenta una historia diferente, por ende cada pintura es tratada de forma diferente. Diseño mis pinturas intrincadamente, lentamente para permitir que el tiempo organice y ordene mis recuerdos, haciendo de su representación una transcripción más realista de las imágenes en mi cabeza. Las texturas y pinceladas son visibles; el producto del barro y el aceite.»

"Al Fresco", grafito sobre papel / graphite on paper, 23,5" x 17,5", 2013

Albert Ramos Cortés was born in Barcelona and grew up in a nearby town, Argentona. In 1998 he began his illustration and graphic designer career until he moved to San Francisco, California, to study illustration and work on his skills at the Academy of Art University in 2004. While pursuing his B.F.A. he kept working for various clients back in Spain, as his curiosity for fine art grew stronger every day. In 2009 he graduated cum laude and decided to enroll in the Masters of Fine Art at his alma mater where he obtained his M.F.A. in Drawing and Painting in 2012. Albert has won many awards, his work has been published in magazines and books and he has had many group shows, in galleries such as Waterhouse Gallery in Santa Barbara, California, Modern Eden in San Francisco, California, and Galeria Artelibre in Zaragoza, Spain. Albert’s work depicts a realistic representation of his memories, people, places and situations he left back home, as he tries to paint them before they get lost in time.

"Persona (Autorretrato / Self-Portrait)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 12", 2014

"Font del Lladó"

Óleo sobre lino, sobre panel / oil on linen on board, 76,5 x 97,1 cm., 2012

"Marvin (Dibujo del natural / Life Drawing), grafito sobre papel / graphite on paper, 16" x 9", 2014

Izq./ Left: "Richard", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 16" x 12"

Der./ Right: "Estudio de muchacho con turbante / Study of a Boy With Turban"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 12"

«I am constantly finding my own voice in order to be as honest as I can in my artwork, and that means an eternal evolution in style and subject matter. I would describe my art as contemporary realism. Both words, contemporary and realism, can be very subjective and still be true to their meanings.»

"Buscando la Iluminación / Looking for Illumination"

Óleo sobre lino, sobre panel / oil on linen on board, 86,34 x 139,7 cm., 2012-13

"Janus", grafito sobre cuaderno de bocetos Moleskine / graphite on Moleskine sketchbook, 8 1/4" x 10", 2015

"José Alberto Ramos Román (Retrato de mi padre / Portrait of my Father)

Óleo sobre lino, sobre panel / oil on linen on board, 36" x 36", 2011

The Weight of Memory

«When I left my home in Spain I left behind the people I love, the places where I grew up and the situations that were familiar to me but I brought my memories with me. These memories are the foundation of my current body of work, they are the link to what I left behind and to who I was, so I feel the need to paint them before they get lost in time.

Every memory tells a different story; hence every painting is treated differently. I intricately design my paintings slowly to allow time to organize and arrange my memories, making their representation a more realistic rendering than the images in my head. The textures and the strokes remain visible - the product of mud and oil.»

"Tarde de ocio / Lazy Afternoon", óleo sobre lino, sobre panel / oil on linen on board, 14" x 18"

"Reminiscencia / Reminiscence", grafito sobre papel / graphite on paper, 12" x 8", 2012

Albert believes that one has to give back what one has received, he is currently part-time instructor at the AAU, while he engrosses his body of work and polishes his skills through commissions that he receives from his old and new motherland, Europe and America.

"Si Edison tuviera una aguja (Retrato de Tesla) / If Edison Had A Needle (Portrait of Tesla)"

Óleo sobre panel / oil on board, 18,5" x 13", 2012

"Grandes expectativas / Great Expectations", óleo sobre panel / oil on board, 24" x 36", 2013

Los textos están tomados del sitio web del artista, del video que puede verse más abajo, y de una entrevista publicada en Southwest Art, Nev., 2012 que puede leerse completa aquí.

Texts from artist's website, the video you can see below, and an interview published by Southwest Art, Nov., 2012 you can fully read here.

Más imágenes e información sobre Albert en / More images and information about Albert in:
Website, Artelibre, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Albert!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Albert!)

Albert habla sobre su obra, en especial de su pintura "Ausencia-Presencia-Ausencia"

Muestra de primavera 2012 de la Universidad Academia de las Artes

Albert talks about his work, especially about his painting "Absence-Presence-Absence"

Academy of Art University's 2012 Spring Show

Maggie Taylor

Maggie Taylor, nacida en 1961 en Cleveland, Ohio, es una artista que trabaja con imágenes digitales. Ganó la Competición de Proyectos Fotográficos del Santa Fe Center en 2004.

Su obra ha sido ampliamente exhibida en los Estados Unidos y Europa, y está representada en las colecciones permanentes de varias galerías y museos. Es la tercera esposa del fotógrafo estadounidense Jerry Uelsmann.

Maggie produce impresiones escaneando objetos en un ordenador utilizando un escáner de superficie plana, y luego montando en capas y manipulando esas imágenes, empleando Adobe Photoshop, en montajes surrealistas. Trabaja en Gainesville, Florida.

"La casa de la mariposa / The Moth House", 2012 © Maggie Taylor

"Jardín / Garden", 2005 © Maggie Taylor

La intención de sus imágenes es doble: explorar la naturaleza visual de imágenes hechas utilizando este tipo de tecnología digital, y crear un mundo onírico habitado por objetos cotidianos que lleven a nuevos significados míticos, únicos para cada espectador. Ella pretende que su obra sea a la vez caprichosa y perturbadora.

Maggie comenzó a tomar clases de fotografía mientras era estudiante en Yale, e instantáneamente se vio cautivada. Tras obtener su Master en Bellas Artes de Fotografía en la Universidad de Florida, comenzó a crear sus naturalezas muertas collages.

"Hermanas nube / Cloud Sisters", 2001 © Maggie Taylor

«Siempre he usado una colección de objetos encontrados, fotos tomadas por mí misma y fotos antiguas de gente. En los '80 me gustaba situar un collage entero frente a la cámara comenzando con una vieja toma familiar que tenía para mí un valor sentimental. En los '90, situé mi cámara de 4 x 5 pulgadas fuera y jugué con los objetos, la luz y las sombras. A veces podía pasarme toda la tarde haciendo fotos y utilizando toneladas de película. Más tarde comprendí que tenía que tenía que posicionarme de forma algo diferente o habría una sombra que no quería. Tenía que volver a empezar, y era algo a menudo caro y frustrante.»

"Chica de cumpleaños / Birthday Girl", 2000 © Maggie Taylor

"Natación del crepúsculo / Twilight Swim", 2004 © Maggie Taylor

«... recolecto trastos y cosas del jardín, o cualquier otra cosa. A veces utilizo pequeñas cosas muertas, como un pájaro muerto, o alas de mariposa, o cosas que encuentro en el parque.

Me gusta la idea de incluir animales junto con la gente en mi obra, ya sea una persona que se convierte en un ave u otro animal. Es sólo por las implicaciones caprichosas y también mitológicas de ese tipo de cosas.

A menudo hago malabarismos con las cosas que me rodean intentando descubrir qué tiene sentido en una imagen en particular, y puede ser precisamente un animal.

Quiero ser un espacio realmente cohesivo que sea como invitar al espectador, casi como si estuviera mirando una pintura.»

"Mujer que ama el pescado / Woman who Loves Fish", 2003 © Maggie Taylor

«Hay un poco de todo mezclado en las narrativas. A veces hay elementos autobiográficos, como cosas que recuerdo de la infancia. A veces hay pequeños trozos de historias de las noticias; a menudo tengo la TV de fondo cuando estoy trabajando. Hay también referencias a la historia del arte, literatura, filosofía e historia de la fotografía. Pero el aspecto más importante para las narrativas es que están abiertas a la interpretación del espectador.»

"Sujeto a cambios / Subject to Change", 2004 © Maggie Taylor

«Me encanta mirar arte, especialmente pintura surrealista, pero intento mantener cierta distancia y no crear imágenes que estén intencionadamente muy próximas a una obra existente. Como estoy casada con Jerry, veo su obra todo el tiempo y es una gran influencia para mí. Hay todo tipo de formas en las cuales interactuamos con nuestras imágenes e ideas; él trabaja en cuarto oscuro y yo en mi estudio digital, pero somos la primera persona que ve y comenta la obra del otro. Si hay una nueva imagen que utiliza algo que encuentro intrigante, intento incorporarla a mi obra. Por ejemplo, hace unos años él hizo unas bellas escaleras en miniatura con ramitas y yo las escaneé.»

"Gótico sureño / Southern Gothic", 2001 © Maggie Taylor

Maggie Taylor, born 1961 in Cleveland, Ohio, is an artist who works with digital images. She won the Santa Fe Center for Photography's Project Competition in 2004.

Her work has been widely exhibited in the United States and Europe and is represented within the permanent collections of several galleries and museums. She is the third wife of American photographer, Jerry Uelsmann.

Maggie produces prints by scanning objects into a computer using a flatbed scanner, then layering and manipulating these images using Adobe Photoshop into a surrealistic montage. She works in Gainesville, Florida.

"La carga de los sueños / The Burden of Dreams", 2012 © Maggie Taylor

"El concierto / The Concert", 2013 © Maggie Taylor

The intent of her images is twofold: to explore the visual nature of images made utilizing this type of digital technology; and to create a dreamlike world inhabited by everyday objects which take on new and mythical meanings unique to each viewer. She intends her work to be both playful and disturbing.

Maggie began taking classes in photography as an undergraduate at Yale and was instantly enthralled. After earning a Masters of Fine Arts in photography from the University of Florida, she started creating her still life collages.

"Chica con vestido de abejas / Girl in a Bee Dress", 2004 © Maggie Taylor

"Esas extrañas aventuras / These Strange Adventures", 2006 © Maggie Taylor

«I’ve always used a menagerie of found objects, photos I take on my own, and old photos of people. In the 1980s, I liked to set up an entire collage in front of the camera beginning with an old family snapshot that had sentimental value to me. In the 1990s, I set up my 4 x 5 inch view camera outside and played with objects, light, and shadows. Sometimes I would shoot all afternoon and use tons of film. Later, I’d realize I should have positioned something differently or there would be a shadow I didn’t want. I would have to start again, and it was often frustrating and expensive.»

"Encantadora de magnolias / Magnolia Charmer", 2009 © Maggie Taylor

"En movimiento / Moving On" © Maggie Taylor

«... I'm collecting junk and things from the garden or whatever other things. Sometimes I use little dead things, like a dead bird or butterfly wings or things that I found in the yard.

I like the idea of including animals right along with the people in my work, weather is a person who has turned into a bird of another animal. I just like the playful, also mithological implications on that kind of thing.

I'm often just like juggling things around trying to find out what make sense on a particular image, and might just be an animal.

I wanna to be a really cohesive visual space that is like inviting the viewer almost if he looking at a painting.»

"Pequeños mundos posibles / Small Possible Worlds" © Maggie Taylor

«En "Pequeños mundos posibles", el daguerrotipo original de la chica es una imagen muy hermosa con un pequeño globo en la mesa a su lado. Sin embargo, cuando lo escaneé, descubrí que el globo no estaba suficientemente enfocado como yo hubiera querido, así que me dispuse a construir mi propio globo. Una mañana me levanté con una idea de edificios cubriendo el globo, así que pasé bastante tiempo creándolos. El personaje del viento en la esquina superior derecha es de un antiguo mapa que mostraba las direcciones del viento buenas y malas.»

«In Small Possible Worlds, the original daguerreotype of this girl is a very wonderful image with a small globe on the table next to her. However, when I scanned it I found that the globe was not as sharply in focus as I would have liked, so I set about building my own globe. One morning I woke up with an idea of buildings covering a globe, so I spent quite a lot of time creating it. The wind character on the upper right corner is from an antique map showing the good and bad wind directions.»

"El juego del jardín / The Garden Game", 2013 © Maggie Taylor

"El nido / The Nest" © Maggie Taylor

«A little bit of everything is blended into the narratives. Sometimes there are autobiographical elements, such as things I recall from childhood. Sometimes there are bits and pieces of stories from the news-I often have TV on in the background while I am working. There are also references to art history, literature, philosophy and the history of photography. But the most important aspect to the narratives is that they are open to the viewer’s interpretation.»

"Chico que ama el agua / Boy Who Loves Water", 2002 © Maggie Taylor

«I love looking at art, especially Surrealist painting, but I try to keep a little distance and not create images that are intentionally too close to an existing work. Since I am married to Jerry, I see his work all the time and it has the strongest influence on me. There are all kinds of ways in which we interact with our images and ideas-he works in the darkroom and I am in my digital studio, but we are the first people to see and comment on each other’s work. If there is a new image that uses something I find intriguing, I might try to incorporate it into my work. For example, a few years ago he made some nice miniature ladders out of twigs and I scanned them.»

"Sueños animales / Animal Dreams", 2010 © Maggie Taylor
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Los textos están tomados del sitio web de la artista, del video que puede verse más abajo, del artículo "Percepciones e ideas de Maggie Taylor, usuaria de Adobe® Photoshop®" que puede leerse completo (en inglés) aquí, y de una entrevista de Paul Schranz, "Pequeños mundos posibles", Enero-Febrero de 2011 publicada en PhotoTechnique, completa (en inglés) aquí.

Texts from artist's website, the video you can see below, from the article "Insights and ideas from Maggie Taylor, Adobe® Photoshop® user" you can fully read here, and from an interview by Paul Schranz, "Small Possible Worlds", Jan-Feb., 2011, published in Photo Technique Magazine, here.

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Más imágenes e información sobre Maggie en / More info and information about Maggie in:
Website, Wikipedia, facebook

Más sobre Jerry Uelsmann en "El Hurgador" / More about Jerry Uelsmann in this blog:
[Aniversarios Fotografía (XX)], [Judy y los fotógrafos (II)]

Imágenes publicadas con autorización de artista (¡Muchas gracias, Maggie!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Maggie!)

Un video sobre Maggie Taylor de Galería de fotografía VERVE /

A video by VERVE Gallery of Photography about Maggie Taylor

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Jerry Uelsmann y Maggie Taylor entrevistados y sesión de preguntas y respuestas en PhotoPlus Expo 2013 /

Jerry Uelsmann & Maggie Taylor: Interview and Q&A session at PhotoPlus Expo 2013

Esta nueva entrega de la serie se compone de una selección de obras de artistas que han visitado el blog (algunos ya viejos amigos). Sin excepción, trabajos de gran calidad con imaginación, técnica y belleza estética. Que los disfruten.

This new post of the series consists of works by artists who have already visited the blog (some of them old friends). With no exception, works of great quality with imagination, technique and esthetic beauty. Enjoy.

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Catherine Alexandre

"Du nom des passagères d'une ondée passagère / Los nombres de los pasajeros de un aguacero pasajero /

The names of the passengers of a passing downpour" © Catherine Alexandre

Catherine Alexandre es una pintora francesa de la que ya publicamos un buen post en abril de este año. Aquí tienen sus rinocerontes.

"La Pachatte"

Catherine Alexandre is a French painter. I already published a good post about her in April this year. Here you have her rhinos.

"Un rhino, c'est pas rosse", óleo sobre tela / oil on canvas

Más sobre Catherine Alexandre en "El Hurgador" / More about Catherine Alexandre in this blog:

[Catherine Alexandre (Pintura)]

Más imágenes e información en / More images and information in:

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Leszek Bujnowski

"Día lluvioso / Rainy Day", 2015

Una nueva creación de este reconocido fotógrafo polaco especializado en fotomanipulación /

A new creation of this renowned Polish photographer specialized in photomanipulation.

Más sobre Leszek Bujnowski en "El Hurgador" / More about Leszek Bujnowski in this blog:

[Leszek Bujnowski (Fotografía)], [Rinocerontes (XVI)], [Leszek Bujnowski (II) (Fotografía)], [Rinocerontes (XXXVIII)]

Más sobre Leszek Bujnowski / More about Leszek Bujnowski:

1x, Fotoblur, facebook.

Paco Pomet

"Noah´s Nightmare", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 120 cms., 2013

También el inimitable Paco Pomet, este singular artista español cuya obra publiqué en el blog el mes pasado, utiliza la imagen del rinoceronte en una de sus composiciones.

Also the one of a kind Paco Pomet, this unique Spanish artist whose work I published in the blog last month, uses the image of the rhinoceros in one of his compositions.

"Noah´s Nightmare" (detalle / detail)

Más sobre Paco Pomet en "El Hurgador" / More about Paco Pomet in this blog:

[Paco Pomet (Pintura)]

Más imágenes e información sobre Paco en / More images and information about Paco in:
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Sophie Standing

"Rinoceronte negro / Black Rhino", 150 x 100 cm.

Sophie Standing nació en Inglaterra y se crió en Hampshire. En 2003 se mudó a Ciudad del El Cabo, en Sudáfrica, y actualmente vive en Karen, Kenya, donde realiza sus densos y complicados bordados representando la fauna africana. Después del post que le dediqué en julio de este año, y algunos de sus rinocerontes en el post LIV de la serie, van sus nuevos bordados y dibujos representando a nuestro animal fetiche.

"Rinoceronte negro / Black Rhino" (detalle / detail)

"Rinoceronte negro / Black Rhino", dibujo / drawing

Standing Sophie was born in England and raised in Hampshire. In 2003 she moved to Cape Town in South Africa and currently lives in Karen, Kenya, where she made her dense, intricate embroidery depicting African wildlife. After the post I dedicated to her in July of this year, and some of the rhinos in the post LIV of the series, here you have her new embroidery and drawings depicting our fetish animal.

"Rinoceronte blanco del norte / Northern White Rhino", bordado / embroidery, 130 x 160 cm.

"Rinoceronte blanco del norte / Northern White Rhino" (detalle / detail)

Más sobre Sophie Standing en "El Hurgador" / More about Sophie Standing in this blog:

[Sophie Standing (Collages textiles)], [Rinocerontes (LIV)]

Más información y obras de Sophie en / More information and Sophie's works in

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Paul Rumsey

"Rinocerontes / Rhinoceros", carboncillo / charcoal

Paul Rumsey es un artista inglés nacido en Essex, que trabaja principalmente en carboncillo sobre papel. Después del repaso a su obra en el post de Marzo de este año, dos versiones de una obra en la que los rinocerontes se dedican a una actividad bastante peculiar...

"Rinocerontes / Rhinoceros"

Paul Rumsey is an English artist born in Essex, who works mainly in charcoal on paper. After the review of his work in the post of March this year, two versions of a work in which the rhinos are engaged in a rather peculiar activity...

Más sobre Paul Rumsey en "El Hurgador" / More about Paul Rumsey in this blog:

[Paul Rumsey (Dibujo)], [Las referencias de Rumsey (Pintura, Grabado)]

Más imágenes e información sobre Paul / More images and information about Paul:

Website, facebook, Chappel Galleries

Adonna Khare

"Garzas y rinocerontes / Egrets and Rhinos", 18" x 24"

La excepcional dibujante Adonna Khare no necesita más presentación. Ya he publicado en varias oportunidades imágenes de sus generalmente enormes trabajos en los cuales abundan los rinocerontes. Afortunadamente sigue representándolos en espléndidas composiciones.

"Rinoceronte / Rhino"

The exceptional artist Adonna Khare does not need more presentation. I have already posted several times images of her usually huge works in which rhinos abound. Fortunately still representing them in splendid compositions.

"Rinoceronte con bananas / Rhino with Bananas"

Muestra de Adonna Khare y Jon Ng en la Galería de Arte del Fullerton College, Enero, 2015 / Exhibition of Adonna Khare and Jon Ng at Fullerton College Art Gallery, January, 2015

"Rinoceronte con bananas / Rhino with Bananas" (detalle / detail)

Más sobre Adonna Khare en "El Hurgador" / More about Adonna Khare in this blog:

[Adonna Khare (Dibujo)], [Rinocerontes (XXXV)], [Arte y videos (II)], [Rinocerontes (LVII)]

Más imágenes e información en / More images and information in:

Website, facebook

Elio Fidel Villate Lam

"Los otros náufragos / The other Castaways", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas

Elio Fidel Villate es un artista cubano nacido en Pinar del Río en 1957, miembro de la Asociación Cubana de Artistas Artesanos y de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba. Estudió en 1969 en el Centro Vocacional de Artes de Pinar del Río. En 1972 se incorporó a la Escuela de Bellas Artes en la misma ciudad.

Ya vimos uno de sus rinocerontes en el primer post de la serie. Ahora uno más.

Elio Fidel Villate is a Cuban artist born in 1957 in Pinar del Rio, member of both the ACAA (Cuban Association of Craftsmen Artists) and the UNEAC (National Union of Writers and Artists of Cuba). Lam studied in 1969 at the Vocational Center of Arts of Pinar del Río. In 1972, he integrated the School of Fine Arts in the same city.

We saw one of his rhinos in the first post of the series. Now one more.

Más sobre Elio Fidel Villate Lam en "El Hurgador" / More about Elio Fidel Villate Lam in this blog:

[Rinocerontes (I)]

Más sobre Elio Fidel Villate en / More about Elio Fidel Villate in:

Wikipedia, Artelista

Maggie Taylor

"Atendance Record"© Maggie Taylor

Ayer mismo publicaba un post sobre la obra de Maggie Taylor, la genial creadora de imágenes a partir de fotografías antiguas y proceso digital. Pero Maggie también ha vuelto su atención a los rinocerontes, con los resultados que pueden verse.

Sobre los rinocerontes utilizados por Maggie para sus composiciones, ver más abajo.

"Enredado / Entangled", 2009 © Maggie Taylor

"La carga de los sueños / The Burden of Dreams", 2012 © Maggie Taylor

Yesterday I published a post on the work of Maggie Taylor, the great creator of images from old photographs and digital process. But Maggie has also turning her attention to the rhinos. The results that can be seen here.

About the rhinos used by Maggi in her compositions, check out below.

"La carga de los sueños / The Burden of Dreams" (detalle / detail) © Maggie Taylor

"Los juerguistas / The Revelers", 2013 © Maggie Taylor

"Las señales apuntan al sí / Signs Point to Yes", 2011 © Maggie Taylor

"Las señales apuntan al sí / Signs Point to Yes" (detalle / detail) © Maggie Taylor

Más sobre Maggie Taylor en "El Hurgador" / More about Maggie Taylor in this blog:

[Maggie Taylor (Arte digital, Fotomanipulación)]

Más imágenes e información en / More images and information in:

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Redmer Hoekstra

Otro buenísimo artista, en este caso del dibujo, de quien publiqué un post hace poquitos días. Como pueden ver, sus rinocerontes resultan tan originales como el resto de su obra.

Another terrific artist, in this case of drawing. I published a post about him inch days ago. As you can see, his rhinos are as original as the rest of his work.

Más sobre Redmer Hoekstra en "El Hurgador" / More about Redmer Hoekstra in this blog:

[Redmer Hoekstra (Dibujo)]

Más imágenes e información sobre Redmer / More images and information about Redmer:

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Tim Jeffs

"Rinoceronte negro / Black rhino", pluma y aguada de tinta / pen an ink wash, 11" x 17". 2013

Para finalizar, este rinoceronte negro de Tim Jeffs, otro estupendo ilustrador de animales. El mes pasado disfrutamos con una buena selección de su obra /

Finally, this Tim Jeffs' black rhino, another great illustrator of animals. We enjoyed a good selection of his work last month.

"Rinoceronte negro / Black rhino" (detalle / detail)

Más sobre Tim Jeffs en "El Hurgador" / More about Tim Jeffs in this blog:

[Tim Jeffs (Ilustración)]

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Apéndice / Appendix

El rinoceronte que aparece en la obra de Maggie Taylor "Los juerguistas" se corresponde con el que pintó Jean Baptiste Audry, y que ya vimos en el tercer post de la serie. El de "Las señales apuntan al sí" no he conseguido identificarlo, pero incluiré la referencia correspondiente cuando lo haga (si eso ocurre). En cuanto a los otros, corresponden a la imagen del rinoceronte indio que figura en las láminas del volumen 5 de la "La biblioteca del Naturalista" de William Jardine.

Aprovecho para ofrecer una breve reseña biográfica de Jardine, y el resto de las láminas de rinocerontes, en dos versiones de la edición de W.H. Lizards publicado en 1836 en Edinburgo: la que puede consultarse online aquí (Google books), escaneada de una copia presente en la biblioteca universitaria de Gante, y otra según el escaneado de la copia de la biblioteca de la Universidad de California que puede leerse y descargarse a través de Internet Archive, aquí.

Todos los dibujos aparecen firmados por James Hope Stewart.

"Rinoceronte indio / Indian Rhinoceros"

Grabado coloreado a mano / Hand colored engraving

The rhinoceros that appears in the work of Maggie Taylor "Revellers" corresponds with the one painted by Jean Baptiste Audry, and that we saw in the third post of the series. The one in "The signs point to yes," I have not managed to identify, but I'll include the corresponding reference when I do it (if it happens). As for the others, correspond to the image of the Indian rhinoceros published in the plates of fifth volume of "The Naturalist's Library" by William Jardine.

I take this opportunity to offer a brief biographical note on Jardine, and the rest of the plates in two versions of the Edition W.H. Lizards published in 1836 in Edinburgh: the one that can be accessed online here (Google books), scanned from the copy in the Universitary Library of Ghent, and another scanned of the copy of the library of the University of California that you can read and download in Internet Archive, here.

All drawings are signed by James Hope Stewart.

"Rinoceronte indio / Indian Rhinoceros" (Internet Archive)

"Rinoceronte indio / Indian Rhinoceros" (Google Books)

William Jardine, 7º baronet de Applegirth, fue un naturalista escocés nacido en 1800.

Jardine contribuyó grandemente a la divulgación de la historia natural en el victoriano Reino Unido, editando la muy popular "Biblioteca del naturalista" (en cuarenta volúmenes). Esa obra está dividida en cuatro partes principales: ornitología (14 volumenes), mamiferología (13 volumenes), entomología (7 volumenes) e ictiología (6 volumenes). Cada parte fue preparada por eminentes naturalistas. James Duncan escribió los volumenes de insectos. Entre los artistas que colaboraron en ese proyecto, se menciona a Edward Lear (1812-1888).

Otras publicaciones de Jardine son: Natural History of Selborne de Gilbert White (1720-1793) (la que contribuyó al reconocimiento de ese naturalista) e Illustraciones de Ornitología (1825-1843). También contribuyó con la publicación de Aves de Estados Unidos de Alexander Wilson (1766-1813).

Jardine fue autor de numerosas descripciones de especies de aves, que realizó con su amigo Prideaux John Selby (1788-1867).

Murió en 1874.

En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/William_Jardine_(naturalista)

"Rinoceronte bicorne africano / Two Horned African Rhino" (Google Books)

La otra versión de esta lámina ya fue publicada en el post XXX de la serie /

The other version of this plate was already published in the post XXX of this series

"Rinoceronte bicorne de Sumatra / Two Horned Sumatran Rhino" (Internet Archive)

Sir William Jardine, 7th Baronet of Applegirth, Dumfriesshire (23 February 1800 in Edinburgh – 21 November 1874 in Sandown, Isle of Wight) was a Scottish naturalist born in 1800. He is known for his editing of a long series of natural history books, The Naturalist's Library.

Jardine was a co-founder of the Berwickshire Naturalists' Club, and contributed to the founding of the Ray Society.

While ornithology was his main passion, he also studied ichthyology, botany and geology, writing a work on burrows and traces, the Ichnology of Annandale, his ancestral estate. His private natural history museum and library are said to have been the finest in Britain.

Jardine made natural history available to all levels of Victorian society by editing and issuing the hugely popular forty volumes of The Naturalist's Library (1833-1843). The series was divided into four main sections: Ornithology (14 volumes), Mammalia (13 volumes), Entomology (7 volumes), and Ichthyology (6 volumes); each prepared by a leading naturalist. James Duncan wrote the insect volumes. The artists responsible for the illustrations included Edward Lear. The work was published in Edinburgh by W. H. Lizars. The frontispiece is a portrait of Pierre André Latreille.

His other publications included an edition of Gilbert White's Natural History of Selborne which re-established White's reputation, Illustrations of Ornithology (1825–43), and an affordable edition of Alexander Wilson's Birds of America.

He died in 1874.

In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Sir_William_Jardine,_7th_Baronet

"Rinoceronte de Sumatra / Sumatran Rhino" (Internet Archive)

James Hope Stewart fue el principal artista de las 1.351 ilustraciones de los 40 volúmenes de Sir William Jardine de la "Biblioteca del naturalista". Se vendieron miles de copias de cada volumen cuando se publicaron por primera vez entre 1833 y 1843, y nuevamente en ediciones posteriores. El número de placas impresas de Stewart cuentan en milliones de copias, en lugar de miles. Sin embargo, el hombre que contribuyó grandemente al éxito de esta aventura editorial temprana de pequeños volúmenes de historia natural para el público en general se ha mantenido en una absoluta oscuridad.

Nació en Hillside el 2 de agosto de 1789. Él preparó los dibujos originales a la acuarela de 213 mamíferos, 177 aves, 140 de peces y quince láminas de insectos, es decir, 545 láminas firmadas en 28 de los 40 volúmenes (aunque había muchas más del mismo estilo, pero sin firma). Era un artista aficionado que vivía a unas seis millas al sureste de Jardine Hall en Gillenbie.

Información de aquí.

"Rinoceronte de Sumatra / Sumatran Rhino" (Google books)

"Rinoceronte de nariz chata (Rinoceronte blanco) / Flat-Nosed Rhino (White Rhino)" (Google books)

James Hope Stewart was the major artist for 1.351 illustrations in the 40 volumes of Sir William Jardine's The Naturalist's Library. Thousands of copies of each volume were sold when were first published between 1833 and 1843, and again in later issues. The number of Stewart's printed plates are to be counted in milliones of copies, rather than thousands. However, the man who contributed so greatly to the success of this early publishing venture of small natural history volumes for the general public has remained in total obscurity.

He was born at Hillside on 2 August 1789. He prepared the original watercolor drawings for 213 mammals, 177 birds, 140 fish and fifteen insect plates, i.e. 545 signed plates in 28 of the 40 volumes (though there were many more plates in his style, but unsigned). He was an amateur artist who lived about six miles southeast of Jardine Hall at Gillenbie.

Info from here.

"Rinoceronte indio / Indian Rhinoceros" (Google books)

Más sobre Stewart y Jardine en "El Hurgador" / More about Stewart and Jardine in this blog:

[Rinocerontes (XXX)]

David Strick

(Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)

"Reno 911!: Miami"

Website

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Cai Zhisong

蔡志松

(Shenyang, China, 1972-)

"Oda a la Madre Tierra Nº 4 / Ode to Motherland #4"

Fibra de vidrio reforzada, plancha de cobre, alambre de cobre /

glass-fiber reinforced, copperplate, brass wires, 100 x 65 x 145 cm., 2000-2001

Website

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Marciano Buendía

(Villanueva de Bogas, Toledo, España /Spain)

"Ciudadanos e individuos III / Citizens and Individuals III", 30 x 24 x 9 cm.

Website, facebook

_________________________________________________________________

Lee Bontecou

(Providence, Rhode Island, Estados Unidos / USA, 1931-)

"Sin título / Untitled", 1966

Centre Pompidou / Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou (París, Francia / France)

Wikipedia

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Wang Ruilin

王瑞琳

(Anshan, Liaoning Province, China, 1985-)

"逐梦记-鳄 / Sueños, Cocodrilo / Dreams, Crocodile"

Cobre, pintura / copper, painting, 120 × 46 × 120 cm., 2013

Foto / Photo: Zou Shengwu [邹盛武]

Website, Behance

Más sobre Wang Ruilin en "El Hurgador" / More about Wang Ruilin in this blog:

[Rinocerontes (LVII)]

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Esao Andrews

(Mesa, Arizona, Estados Unidos / USA)

"Velas acolchadas / Quilted Sails", óleo sobre madera / oil on wood, 20" x 30", 2010

Website, facebook

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Wardell Milan

(Knoxville, Tennessee, Estados Unidos / USA, 1978-)

"Domingo, Sentado en el banco de la Colina de las Mariposas /

Sunday, Sitting on the Bank of Butterfly Meadow"

Website, Wikipedia

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Alexey Menschikov [Bednij]

(Penza, Rusia)

"тени отбрасывают птиц / Sombras proyectadas de pájaros / Shadows Cast Birds", arte digital / digital art

500px, Tumblr

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Roger Excoffon

(Marsella, Francia / France, 1910-1983)

"Coq / Gallo / Rooster", diseño gráfico / graphic

Wikipedia

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Melissa Jay Craig

(Estados Unidos / USA) en / at Chicago

"Hongos Amanita Muscaria hechos con libros / Amanita Muscaria Mushrooms made with Books"

Instalación / installation

Website

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Simón Prades

(1985-) en Saarbrücken

"Cabezas / Heads", ilustración / illustration

Website, Behance

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Shinri Tezuka

(Japón / Japan)

"Pez / Fish", Amezaiku (un tipo de caramelo artesanal / a form of artisanal candy)

Website, facebook

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Mary Delany

(Inglaterra / England, 1700-1788)

"Azucena de mar / Sea Dafodil, Pancratium Maritinum (Hexandria Monogynia)"

Antiguamente en un álbum / formerly in an album (Vol.VII, 45)

Collage de papeles de colores (mosaico de papel), con color y acuarela sobre fondo de tinta negra /

collage of coloured papers (paper mosaick), with bodycolour and watercolour, on black ink background

35 x 22,2 cm., 1778

Wikipedia, British Museum

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Kurt Schwitters

(Alemania / Germany, Hannover, 1887-1948)

"Merzbild 1A (El psiquiatra / The Psychiatrist)"

Óleo, assemblage y collage de objetos diversos sobre lienzo /

oil, assemblage and collage of various objects on canvas, 48,5 x 38,5 cm., 1919

Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)

Museo Thyssen-Bornemisza, Wikipedia

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Andrei Petrovich Ryabushkin

Андре́й Петро́вич Ря́бушкин

(Stanichnaya sloboda, Borisoglebskiy uezd,

Gobernación de Tambov, Rusia / Russia, 1861-1904)

"Семья купца в ХVII веке / Familia de un comerciante en el siglo XVII /

Family of merchant in XVII century", 143 x 213 cm., 1896.

Museo Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

Wikiart, Wikipedia

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Daniel Smith

(Mankato, Minnesota, Estados Unidos / USA)

"En tierra congelada / On Frozen Ground", acrílico / acrylic, 22" x 40", 2014

Website, facebook

Más sobre Daniel Smith en "El Hurgador" / More about Daniel Smith in this blog:

[Daniel Smith (Pintura)]

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Algimantas Kezys

(Lituania / Lithuania, 1928 - 2015)

"Sraigtiniai laiptai / Escalera de caracol / Spiral Staircase", Čikaga / Chicago, 1968

Wikipedia

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Damian Chrobak

(1977-) en / at Londres, Reino Unido / London, UK

Fotografía callejera / Street Photography

Website, Blog

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František Antonín Jelínek

(Praga, República Checa / Prague, Czech Republic, 1882-1961)

"En su baño / At her Toilette", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 x 50 cm.

Wikipedia

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Clay Enos

(Estados Unidos / USA, 1969-)

"Retratos de Watchmen, El Comediante / Watchmen Portraits, The Comedian"

Website, Wikipedia

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Greg Lotus

(1967-)

"Rueda de carro / Wagon Wheel"

Website, facebook

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Daniel Pielucha

(Wieluń, Polonia / Poland, 1959-)

"Pastuch / Ganadero / Herdsman", óleo / oil, 100 x 120 cm., 2012

Website, facebook

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Louis Muhlstock

(Narajów, Galicia, Austria-Hungary, 1904 -

Montreal, Quebec, Canadá, 2001)

"Desnudos reclinados / Lying Naked", c.1960

Wikipedia

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Marcelo Monreal

(Brasil)

"Proyecto Rostros [DES] atados / Faces [UN] Bonded Project", collage digital / digital collage

Instagram, facebook

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Jiyen Lee

(Seúl, Corea del Sur / Seoul, South Korea)

Collage digital / digital collage

Saatchi

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.

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El 17 de Mayo es el cumple de

Oisín (Austin) Kelly, escultor irlandés nacido en 1915 en Dublín.

Hasta que se convirtió en un artista en residencia en el Centro de Diseño de Kilkenny en 1966, trabajó como maestro de escuela. Inicialmente asistió a clases nocturnas en el Colegio Nacional de Arte y Diseño, y estudió brevemente, en 1948-1949, con Henry Moore.

En un principio se concentró en pequeñas tallas de madera y sus primeros encargos fueron en su mayoría de iglesias católicas. Se hizo conocido después de que se le encargó hacer una escultura, los hijos de Lir (1964), para el Jardín de la Memoria de Dublín, inaugurado en 1966 con motivo del 50 aniversario del Levantamiento de Pascua. Siguieron más encargos públicos, incluyendo la estatua de James Larkin en O'Connell Street, en Dublín.

Murió en 1981.

Wikipedia

"Los niños de Lir (Rebirth & Resurrection) / The Children of Lir (Renacimiento y resurrección)"

Garden Of Remembrance (Dublín, Irlanda / Ireland)

El 18 de Mayo es el cumple de

Lim Hak Tai (林学大), uno de los artistas pioneros de Singapur a comienzos del siglo XX. Fue la persona que inspiró la forma de arte de la Escuela de Nanyang, para reflejar la región del 'Nanyang' (Sureste de Asia), tanto en estilo de pintura como en tema.

Nació en Xiamen, provincia de Fujian en China (1893). Se graduó de la Escuela de Formación del Provincial de Profesores de Arte en Fuzhou en 1916, y pasó a la Colegio de Profesores de Arte Amoy, especializándose en arte occidental y chino. Llegó a Singapur cuando el estallido de la Primera Guerra Sino-Japonesa en 1937, y enseñó arte en la Escuela Superior de China y la Nan Chiau Girls High School (ahora secundaria de Nan Chiau) durante un año. En 1938 fue nombrado primer director de la Academia Nanyang de Bellas Artes.

Lim fue un educador de arte dedicado y un consumado pintor en Singapur, y enseñó a muchos estudiantes de arte, algunos de los cuales se convirtieron en destacados artistas de Singapur. También fue el primero en articular la noción de un arte "estilo Nanyang" que implicaba representaciones locales y tropicales del sudeste asiático, y que usa técnicas de la pintura occidental. Como tal, Lim persuadió a sus compañeros Cheong Soo Pieng, Chen Wen Hsi, Chen Chong Swee y Liu Kang a buscar la inspiración de su excursión de Bali en 1953, desarrollando lo que hoy se conoce como la Escuela de Nanyang de Pintura.

Murió en 1963.

Wikipedia (en inglés)

"Motín / Riot", óleo sobre panel / oil on board, 1955

El 19 de Mayo es el cumple de

Victor Heinrich Seifert, escultor alemán nacido en 1870. Después de la Primera Guerra Mundial fue uno de los escultores con más actividad. Junto con Hans Dammann y Hermann Hosaeus, enriquecieron ciudades y pueblos alemanes con monumentos de guerra.

Asistió a escuelas en Viena y Munich, y estudió en el Museo de Artes Decorativas. También en Berlín, en la Academia de las Artes. Estudió con Ernst Herter, Ludwig Manzel y Peter Breuer.

Sus viajes de estudio lo llevaron a París en 1903, 1905 y 1910, a Italia, Bruselas y Londres.

Seifert fue miembro de la Cooperativa de Artistas y de la Asociación de Artistas Escultores. El 25 de mayo 1909 se casó con Frieda Deditius y tuvo un hijo, Wolfgang.

Murió en 1953.

Wikipedia (en alemán)

"Mujer bebiendo / Drinking Woman"

Bronce, parcialmente patinado / bronze, partially patinated, 68.5 cm.

El 20 de Mayo es el cumple de

Andreas Schlüter, escultor barroco y arquitecto alemán nacido en 1664, asociado con el estilo barroco petrino de arquitectura y decoración.

Probablemente pasó varios años en el extranjero como jornalero.

Su primera obra conocida fue la decoración de la fachada de la capilla de St. Johannis, o Capilla Real de Danzig, en 1681. Más tarde creó estatuas para el Palacio Wilanów del rey Juan III Sobieski en Varsovia y esculturas sepulcrales en Zolkiew (Zhovkva). En 1689 se trasladó a Varsovia e hizo los relieves del frontón y el trabajo escultórico del Palacio Krasiński.

Schlüter fue invitado a Berlín en 1694 por Eberhard von Danckelmann, para trabajar como escultor de la corte en la armería (Zeughaus) por el Elector Federico III. Sus decoraciones esculpidas son una obra maestra de la expresión barroca y patetismo. Si bien los relieves más visibles en el exterior tenían que alabar la lucha, las estatuas de guerreros muertos en el interior denuncian la guerra y dan una indicación de sus creencias religiosas pacifistas (se dice que fue un Menonita). Viajando a través de Italia en 1696, estudió la obra de maestros como Miguel Ángel Buonarroti y Gian Lorenzo Bernini.

Murió en 1714.

Wikipedia

Escultura decorativa "Cabeza de Medusa" / Decorative sculpture "Head of Meduse"

Zeughaus (arsenal), Berlin-Mitte, actual Deutsches Historisches Museum /

Museo histórico alemán / German Historic Museum

El 21 de Mayo es el cumple de

Emilio Boggio, pintor italo-venezolano, impresionista pionero, nacido en 1857.

En 1864 viajó a Francia y estudió en el Liceo Michelet en París hasta 1870. En 1873 regresó a Caracas y se dedicó a los negocios familiares. En 1877 regresó a Francia para unirse a la Académie Julian, donde recibió lecciones de Jean-Paul Laurens. En 1888 obtuvo un Hors Concours (Mención de Honor) en el Salón de Artistas Franceses, y en 1889 fue galardonado con una medalla de bronce en la Exposición Universal de París.

Entre 1907 y 1909 residió en Italia, donde realizó una serie de paisajes marinos. En 1919 viajó a Caracas por unos meses y exhibió en la Universidad Central de Venezuela. Boggio murió en Francia al año siguiente.

Algunas de las pinturas originales de Boggio que son "brillantemente coloridas, hermosas, con el sello de su estilo personal" se encuentran en la Galería de Arte Nacional y en el Palacio Municipal de Caracas.

Murió en 1920.

Wikipedia (en inglés)

"El bosque / The Forest", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1918.

Galería de Arte Nacional (Caracas, Venezuela)

El 22 de Mayo es el cumple de

Amalia Lindegren, artista sueca y pintora nacida en 1814. Fue miembro de la Real Academia Sueca de las Artes (1856).

Sus dibujos hicieron que el artista y profesor de arte Carl Gustaf Qvarnström (1810-1867) la incluyera como una de las cuatro mujeres aceptadas como estudiantes en la Real Academia Sueca de las Artes en 1849, y en 1850 se convirtió en la primera mujer a la que se el otorgó una beca de la academia para estudiar arte en París, donde permaneció hasta 1856. Allí se convirtió en alumna de Léon Cogniet y Ange Tissier. También estudió en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf y en Münich, y visitó Roma en 1854-1855. En 1856 regresó a Suecia.

Lindeberg está asociada con la escuela de pintura de Düsseldorf. Pintó retratos y obras de género y fue inspirada por Adolph Tidemand, Hans Gude, Per Nordenberg y el estilo contemporáneo alemán. La pintura que ella envió a casa, de sus estudios en París, era una escena del consumo de alcohol, que según la academia era "para una mujer un motivo sorprendente" y "Esta escena de bebida no tiene ningún rastro de haber sido pintada por una solterona".

Como pintora de retratos, fue recomendada por su talento para la observación, y sus pinturas de Dalarna y aquellas sentimentales de niñas algo tristes (que se cree se inspiran en su infancia) fueron muy populares.

Murió en 1891.

Wikipedia (en inglés)

"Desayuno / Breakfast", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 x 69 cm., 1866. Nationalmuseum (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden)

Hoy, 23 de Mayo, es el cumpe de

Gints Gabrāns, conocido artista letón contemporáneo nacido en 1978 en Vlamiera, graduado del departamento de escenografía de la Academia de Arte de Letonia.

Gints Gabrāns ha estado haciendo uso de las nuevas tecnologías y los últimos avances científicos en su trabajo creativo, animando al espectador a participar en experimentos perceptivos y cognitivos que revelan la fascinante encanto de una realidad que es invisible a simple vista. Sus intereses coinciden con las actividades de la Sociedad para el Fomento de la Industria Nacional de París. La Sociedad fue fundada en 1801 con el objetivo de mejorar la interacción entre el arte, la ciencia y la tecnología, y la innovación de apoyo en varios campos. Entre los miembros de esta prestigiosa organización se encuentran prominentes científicos, políticos e industriales.

Ganó el Premio de Arte Hansabank en 2005, y en 2007 representó a Letonia en la Bienal de Venecia con el proyecto Paramirrors.

Website, Wikipedia (en inglés)

"Bloodlight", luz láser dispersada a través de una gota de sangre, sobre papel fotográfico /

Laser light dispersed through a drop of blood. Photography paper.

Textos en inglés / English translation

On May 17 is the birthday of

Oisín (Austin) Kelly, Irish sculptor born 1915 in Dublín.

Until he became an artist in residence at the Kilkenny Design Centre in 1966, he worked as a school teacher. He initially attended night class at the National College of Art and Design and studied briefly in 1948–1949 under Henry Moore.

He originally concentrated on small wood carvings and his early commissions were mostly for Catholic churches. He became well known after he was commissioned to do a sculpture, The Children of Lir (1964), for Dublin's Garden of Remembrance, opened in 1966 on the 50th anniversary of the Easter Rising. More public commissions followed, including the statue of James Larkin on Dublin's O'Connell Street.

He died in 1981.

Wikipedia

On May 18 is the birthday of

Lim Hak Tai (林学大), one of Singapore's pioneer artist at the turn of the 20th century, and was the person who inspired the Nanyang School of art form, to reflect the 'Nanyang' (South-east Asia) region, both in painting style and subject matter.

He was Born in Xiamen, Fujian Province in China (1893). He graduated from the Provincial Art Teacher's Training College in Fuzhou in 1916, and went on to the Amoy Art Teacher's College specialising in Western and Chinese art. He came to Singapore at the outbreak of Sino-Japan War in 1937, and taught art at The Chinese High School and Nan Chiau Girls High School (now Nan Chiau High School) for a year. In 1938, he was appointed as the first principal of the Nanyang Academy of Fine Arts.

Lim was a dedicated art educator and an accomplished painter in Singapore, and have taught many art students - some on to becoming accomplished Singaporean artists. He was also the first to articulate the notion of a 'Nanyang style' art that involved local and South-east Asian tropical representations using Western painting techniques. As such, Lim persuaded his peers Cheong Soo Pieng, Chen Wen Hsi, Chen Chong Swee and Liu Kang to seek inspiration from their Balinese excursion in 1953, developing what is known today as the Nanyang School of Painting.

He died in 1963.

Wikipedia

On May 19 is the birthday of

Victor Heinrich Seifert, German sculptor born in 1870. After the First World War was one of the busiest sculptors. Along with Hans Dammann and Hermann Hosaeus, they enriched German cities and towns with war memorials.

He attended schools in Vienna and Munich, and studied at the Museum of Decorative Arts. Also in Berlin, at the Academy of Arts. He studied with Ernst Herter, Peter Breuer and Ludwig Manzel.

His trips took him to Paris in 1903, 1905 and 1910, to Italy, to Brussels and London.

Seifert was a member of the Cooperative of Artists and the Association of Artists Sculptors. On May 25, 1909 he married Frieda Deditius and had a son, Wolfgang.

He died in 1953.

Wikipedia (in German)

On May 20 is the birthday of

Andreas Schlüter, German baroque sculptor and architect born in 1664, associated with the Petrine Baroque style of architecture and decoration.

He probably did spend several years abroad as Journeyman.

Schlüter's first known work was the decoration of the facade of the St. Johannis Chapel, or Danzig Royal Chapel, in 1681. He later created statues for King John III Sobieski's Wilanów Palace in Warsaw and sepulchral sculptures in Żółkiew (Zhovkva). In 1689, he moved to Warsaw and made the pediment reliefs and sculptural work of Krasiński Palace.

Schlüter was invited to Berlin in 1694 by Eberhard von Danckelmann to work as court sculptor at the armory (Zeughaus) for Elector Frederick III. His sculpted decorations are a masterpiece of baroque expression and pathos. While the more visible reliefs on the outside had to praise fighting, the statues of dying warriors in the interior denounced war and gave an indication of his pacifist religious beliefs (he is said to have been a Mennonite). Travelling through Italy in 1696, he studied the work of masters like Michelangelo Buonarroti and Gian Lorenzo Bernini.

He died in 1714.

Wikipedia

On May 21 is the birthday of

Emilio Boggio, Italian-Venezuelan pioneering impressionist painter born in 1857.

In 1864 he traveled to France and studied at the Lycée Michelet in Paris until 1870. In 1873, he returned to Caracas and dedicated himself to the family business. In 1877, he returned to France to join the Académie Julian where he received lessons from Jean-Paul Laurens. In 1888, obtained a Hors Concours (Honorable Mention) at the Salón de Artistas Franceses (Salon of French Artists) and in 1889, was awarded a bronze medal at the Exposition Universelle in Paris.

Between 1907 and 1909, he resided in Italy, where he made a series of seascapes. In 1919, he traveled to Caracas for a few months and exhibited at the Central University of Venezuela. Boggio died in France the following year.

Some of Boggio's original paintings which are "brilliantly colorful, bright, beautiful, with personal style imprint" are in the National Art Gallery of Caracas and in the Palacio Municipal de Caracas.

He died in 1920.

Wikipedia

On May 22 is the birthday of

Amalia Lindegren, Swedish artist and painter born in 1814. She was a member of the Royal Swedish Academy of Arts (1856).

Her drawings made the artist and art teacher Carl Gustaf Qvarnström (1810–1867) include her as one of the four women accepted as students at the Royal Swedish Academy of Arts in 1849, and in 1850, she became the first woman given an art scholarship from the academy to study art in Paris, where she remained until 1856. In Paris, she became the student of Léon Cogniet and Ange Tissier. She also studied at the Kunstakademie Düsseldorf and in Münich, and visited Rome in 1854-55. In 1856, she returned to Sweden.

Lindeberg is associated with the Düsseldorf school of painting. She painted portraits and genre and was inspired by Adolph Tidemand, Hans Gude and Per Nordenberg and the contemporary German style. The painting she sent home from her studies in Paris was a scene of the drinking of alcohol, which according to the academy was "for a woman a surprising motive" and "This drinking scene bears no traces to have been painted by a spinster".

As a portrait painter, she was recommended for her talent of observation, and her paintings from Dalarna, and her sentimental paintings of sad little girls (which are thought to be inspired by her childhood) were very popular.

She died in 1891.

Wikipedia

Today, May 23, is the birthday of

Gints Gabrāns, a well-known contemporary Latvian artist born in 1978 in Vlamiera.

He's a graduate of the Scenography department of the Latvian Academy of Art.

Gints Gabrāns has been making use of new technologies and the latest scientific achievements in his creative work, encouraging the viewer to participate in perceptive and cognitive experiments which reveal the fascinating charm of a reality that is invisible to the naked eye. His interests coincide with the activities of the Society for the Encouragement of National Industry in Paris. The Society was founded in 1801 with the goal of enhancing the interaction between art, science and technology and supporting innovation in various fields. Among the members of this prestigious organisation are prominent scientists, politicians and industrialists.

He won the Hansabank Art Award in 2005, and in 2007 represented Latvia at the Venice Biennale with the project Paramirrors.

Website, Wikipedia

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.

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El 18 de Mayo es el cumple de

Gertrude Käsebier, una de los fotógrafas americanas más influyentes de principios del siglo XX. Es conocida por sus evocadoras imágenes de la maternidad, sus poderosos retratos de nativos americanos y su promoción de la fotografía como una carrera para mujeres.

Käsebier nunca indicó qué la motivó a estudiar arte, pero se dedicó a ello de todo corazón. Estudió en el Instituto Pratt de Arte y Diseño. Uno de sus profesores fue Arthur Wesley Dow, un artista muy influyente y educador de arte. Más tarde la ayudaría a promover su carrera escribiendo sobre su trabajo y presentándola a otros fotógrafos y clientes.

Estudió formalmente dibujo y pintura, pero rápidamente se obsesionó con la fotografía. Al igual que muchos estudiantes de arte de la época, Käsebier decidió viajar a Europa para continuar su educación.

En 1898 Käsebier observaba el desfile de la troupe del Salvaje Oeste de Buffalo Bill pasado frente a su estudio de la Quinta Avenida en Nueva York, hacia el Madison Square Garden. Sus recuerdos de afecto y respeto por el pueblo Lakota la inspiraron para enviar una carta a William "Buffalo Bill" Cody solicitando permiso para fotografiar en su estudio a los Sioux viajaban con el espectáculo.

A diferencia de su contemporáneo Edward Curtis, Käsebier se centró más en la expresión y la individualidad de la persona que en los trajes y costumbres.

Murió en 1934.

Wikipedia

"Retrato del Jefe Halcón volador / portrait of Chief Flying Hawk", c.1900

El 19 de Mayo es el cumple de

Chargesheimer (Carl Heinz Hargesheimer), fotógrafo alemán, que también ejerció de pintor, escenógrafo, escultor y decorador.

Tras sus estudios de bachillerato ingresó en la Escuela de Comercio. En 1943 comenzó a estudiar fotografía en la Bayerischen Staatslehranstalt für Lichtbildwesen y en 1947 comenzó su trabajo como fotógrafo independiente especializado en teatro en las ciudades de Hamburgo, Essen, Colonia y Hannover. Al año siguiente inició su trabajo como escenógrafo y realizó un gran reportaje para la revista Stern que firmó con el seudónimo Chargesheimer que se convertiría en su nombre artístico.

Entre 1950 y 1955 fue profesor en la Escuela Bikla de Dusseldorf. También ilustró libros.

En su primeros trabajos realizó experiencias con fotogramas y fotomontajes y posteriormente realizó imágenes abstractas, sin embargo sus obras más reconocidas son tomas de la ciudad de Colonia realizadas con las calles vacías y con el mismo foco y a la misma altura en busca de la mayor objetividad. Se suicidó el 31 de diciembre de 1971.

Wikipedia

"Finchen im Sonntagstaat / Finchen con sus mejores galas / Finchen in their Sunday best"

El 20 de Mayo es el cumple de

David Octavius Hill, pintor y activista de las artes escocés nacido en 1870. Formó el estudio Hill & Adamson con el ingeniero y fotógrafo Robert Adamson entre 1843 y 1847 siendo pioneros en muchos aspectos de la fotografía en Escocia.

Cuando su hermano mayor Alexander se unió a los editores de Blackwood en Edimburgo, David fue allí a estudiar en la Escuela de Diseño. Aprendió litografía y produjo "Bocetos de Paisajes en Perthshire" que fue publicado como un álbum de vistas. Sus pinturas de paisaje se presentaron en la Institución para la Promoción de las Bellas Artes de Escocia, y fue uno de los artistas insatisfechos con la institución que fundó una Academia Escocesa aparte en 1829 con la ayuda de su amigo Henry Cockburn.

Su colaboración, con Hill aportando sus habilidades en la composición y la iluminación, y Adamson su considerable sensibilidad y destreza en el manejo de la cámara, resultó un gran éxito, y pronto amplió su campo. El estudio de Adamson, "Rock House", en la colina de Calton en Edimburgo se convirtió en el centro de sus experimentos fotográficos. Usando el proceso del calotipo, produjeron una amplia gama de retratos de luminarias escocesas de la época.

Su asociación produjo alrededor de 3.000 impresiones, pero se interrumpió después de tan sólo cuatro años, debido a la mala salud y muerte prematura de Adamson en 1848.

Hill murió en 1870.

Wikipedia

"Pescadoras de Newhaven posan con una nasa /

Newhaven Fishergirls Pose With a Creel", c.1843-47. Foto de / Photo by Hill & Adamson

El 21 de Mayo es el cumple de

Berlyn B. Brixner, fotógrafo jefe estadounidense para la prueba Trinity, la primera detonación de un arma nuclear en julio de 1945.

Brixner se situó a 9.100 m. de distancia de la explosión y tenía 50 cámaras de diferentes velocidades que ubicadas en diferentes lugares para captar las detonación en pleno movimiento.

Brixner asistió a la Universidad de Texas en Austin durante cuatro años sin conseguir un título, y luego trabajó y estudió fotografía con Willis W. Waite. En 1936, Brixner trabajó como fotógrafo regional con el Servicio de Conservación de Suelos en su sede de cuatro estados en Albuquerque, Nuevo México.

Durante la Segunda Guerra Mundial fue contratado en el Laboratorio Nacional de Los Alamos para trabajar en los problemas relacionados con la fotografía del Proyecto Manhattan en el Grupo de Ingeniería Óptica y Fotografía de Alta Velocidad en Los Alamos bajo la dirección del profesor Julian Mack. El grupo inventó y construyó cámaras de extremadamente alta velocidad.

Brixner fue asignado a filmar películas en blanco y negro y en 16 milímetros, desde todos los ángulos y distancias y en todas las velocidades disponibles, de un hecho desconocido que comienza con el flash más brillante jamás producido en la Tierra. "Los teóricos habían calculado brillo de algo así como 10 soles. Así que fue fácil - dijo Brixner - Todo lo que tenía que hacer era salir, apuntar la cámara hacia el sol y tomar algunas fotos. Diez veces eso era fácil de calcular."

Brixner murió en 2009.

Wikipedia (en inglés)

Explosión en el sitio Trinity, 0.016 segundos después de la explosión, 16/7/1945. El punto más alto del hemisferio visible en la imagen está a unos 200 m. de altura, 16 de julio de 1945 /

Trinity Site explosion, 0.016 second after explosion, July 16, 1945. Note that the viewed hemisphere's highest point in this image is about 200 meters high

Jul. 16, 1945

El 22 de Mayo es el cumple de

Kurt Stellaert, fotógrafo belga nacido en 1969.

«Después de terminar mis estudios en la escuela de fotografía de Amberes, fui rápidamente reclutado por algunas de las agencias de publicidad más importantes del mundo.

Desde entonces he trabajado para agencias internacionales de publicidad, como Duval-Guillaume y TBWA, y las principales campañas de publicidad para Levis, Van Marcke, Humo, Telenet, Renault, y muchas más. Como fotógrafo de moda y publicidad, he desarrollado un estilo personal de poderosas imágenes que inspiró a muchas marcas internacionales como Nike, Sisley, Axe, Marie Jo y otras.

Aunque mi imaginería está inspirada en los asuntos sociales y culturales promedio, con un toque de humor e ironía, trato de empujar los límites más allá de lo cotidiano. No importa si se trata de la moda o la publicidad, me encanta trabajar con ajustes elaborados, creando mi propio lenguaje artístico y un mundo imaginario. Recientemente, también he empezado a trabajar con imágenes en movimiento.»

Website

"Mundo de fisicoculturistas / Bodybuilder's world"

El 23 de Mayo es el cumple de

Martin Parr, fotógrafo documental, reportero gráfico y coleccionista de photobooks británico nacido en 1952.

Es conocido por sus proyectos fotográficos que ofrecen una mirada íntima, satírica y antropológica a los aspectos de la vida moderna, en particular documentando las clases sociales de la Inglaterra, y más ampliamente la riqueza del mundo occidental. Sus principales proyectos han sido las comunidades rurales (1975-1982), The Last Resort (1983-1985), El costo de vida (1987-1989), Small World (1987-1994) y El sentido común (1995-1999).

Desde 1994, Parr ha sido miembro de Magnum Photos. Ha publicado alrededor de 40 álbumes de fotos, y su obra ha aparecido en alrededor de 80 exposiciones en todo el mundo, incluyendo la exposición itinerante internacional ParrWorld, y una retrospectiva en el Barbican Arts Centre, Londres, en 2002.

Website, Wikipedia

Cementerio de la Colina de Diamante, Festival Yeung / Diamond Hill Cemetry. Yeung Festival, Hong Kong, 2013

Hoy, 24 de Mayo, es el cumpe de

Pierre Jamet, fotógrafo y cantante francés, nacido en 1910 en Saint-Quentin (Aisne). Es un representante de la fotografía humanista y fue miembro del cuarteto vocal Les Quatre Barbus.

Pierre Jamet era hijo de pequeños comerciantes carniceros establecidos en París. Desde muy temprana edad, mostró un gusto por la canción y adquirió su primera cámara en 1924, con motivo de su participación en el Jamboree Scout en Dinamarca, donde se cantan canciones populares francesas.
En los años previos a la guerra, Pierre Jamet publicó reportajes en los semanarios Regards, donde también trabajaban por aquél entonces Capa, Chim y Cartier Bresson.
Después de la guerra comenzó a cantar en el cuarteto vocal "Compañeros de ruta", más adelante "Les Quatre Barbus". Él era el cantante tenor del grupo, que grabó su primer álbum en 1948. Al mismo tiempo mostró un interés constante en la fotografía, enriquecido por cada encuentro, incluyendo profesionales, que tuvo en todos los países por los que viajó.
Murió en 2000.

Website, Wikipedia (en francés)

"Dina sur la route / Dina en el camino / Dina on the Road",1937

Textos en inglés / English translation

On May 18 is the birthday of

Gertrude Käsebier, one of the most influential American photographers of the early 20th century. She was known for her evocative images of motherhood, her powerful portraits of Native Americans and her promotion of photography as a career for women.

Käsebier never indicated what motivated her to study art, but she devoted herself to it wholeheartedly. She attended the Pratt Institute of Art and Design. One of her teachers there was Arthur Wesley Dow, a highly influential artist and art educator. He would later help promote her career by writing about her work and by introducing her to other photographers and patrons.

She formally studied drawing and painting, but she quickly became obsessed with photography. Like many art students of that time, Käsebier decided to travel to Europe in order to further her education.

In 1898, Käsebier watched Buffalo Bill’s Wild West troupe parade past her Fifth Avenue studio in New York City, New York, toward Madison Square Garden. Her memories of affection and respect for the Lakota people inspired her to send a letter to William “Buffalo Bill” Cody requesting permission to photograph Sioux traveling with the show in her studio.

Unlike her contemporary Edward Curtis, Käsebier focused more on the expression and individuality of the person than the costumes and customs.

She died in 1934.

Wikipedia

On May 19 is the birthday of

Chargesheimer (Carl Heinz Hargesheimer), German photographer, who also worked as a painter, stage designer, sculptor and decorator.

After graduating from high school he entered the School of Commerce. In 1943 he began studying photography at the Bayerischen Staatslehranstalt für Lichtbildwesen and in 1947 began working as a freelance photographer specializing in theater in the cities of Hamburg, Essen, Cologne and Hanover. The following year he began working as a set designer and realized a great story for Stern magazine he signed with the pseudonym Chargesheimer became his stage name.

Between 1950 and 1955 he taught at the School of Dusseldorf Bikla. He also illustrated books.

In his early work he made experiences with photograms and photomontages and later made abstract images, but his best known works are shots of the city of Cologne made with empty streets and with the same focus and the same height in search of greater objectivity.

He committed suicide on December 31, 1971.

Wikipedia (Spanish)

On May 20 is the birthday of

David Octavius Hill, Scottish painter and arts activist born in 1870. He formed Hill & Adamson studio with the engineer and photographer Robert Adamson between 1843 and 1847 to pioneer many aspects of photography in Scotland.

When his older brother Alexander joined the publishers Blackwood's in Edinburgh, David went there to study at the School of Design. He learned lithography and produced Sketches of Scenery in Perthshire which was published as an album of views. His landscape paintings were shown in the Institution for the Promotion of the Fine Arts in Scotland, and he was among the artists dissatisfied with the Institution who established a separate Scottish Academy in 1829 with the assistance of his close friend Henry Cockburn.

Their collaboration, with Hill providing skill in composition and lighting, and Adamson considerable sensitivity and dexterity in handling the camera, proved extremely successful, and they soon broadened their subject matter. Adamson's studio, "Rock House", on the Calton Hill in Edinburgh became the centre of their photographic experiments. Using the Calotype process, they produced a wide range of portraits depicting well-known Scottish luminaries of the time.

Their partnership produced around 3000 prints, but was cut short after only four years due to the ill health and untimely death of Adamson in 1848.

Hill died in 1870.

Wikipedia

On May 21 is the birthday of

Berlyn B. Brixner, American head photographer for the Trinity test, the first detonation of a nuclear weapon in July 1945.

Brixner was positioned 10,000 yards (9,100 m) away from the explosion and had 50 cameras of varying speeds running from different locations to capture the shot in full motion.

Brixner attended the University of Texas at Austin for four years without earning a degree, then worked and studied photography under Willis W. Waite. In 1936, Brixner worked as a regional photographer with the Soil Conservation Service at its four-state headquarters in Albuquerque, New Mexico.

During World War II, he was hired at the Los Alamos National Laboratory to work on photography problems connected with the Manhattan Project in the Optics Engineering and High Speed Photography Group in Los Alamos under the direction of Professor Julian Mack, the group invented and constructed extremely high speed cameras.

Brixner was assigned to shoot movies in 16-millimeter black-and-white film, from every angle and distance and at every available speed, of an unknown event beginning with the brightest flash ever produced on Earth. "The theoretical people had calculated a some 10-sun brightness. So that was easy," said Brixner. "All I had to do was go out and point my camera at the sun and take some pictures. Ten times that was easy to calculate."

Brixner died in 2009.

Wikipedia

On May 22 is the birthday of

Kurt Stellaert, Belgian photographer born in 1969.

«After finishing my studies at the Antwerp School of Photography, I was quickly picked up by some of the top advertising agencies in the world.

Since then I've worked for international publicity agencies such as Duval-Guillaume and TBWA, and directed major advertising campaigns for Levis, Van Marcke, Humo, Telenet, Renault, and many more. As a fashion and advertising photographer, I've developed a personal style of powerful images that inspired many international brands such as: Nike, Sisley, Axe, Marie Jo and many more.

Although my imagery is inspired by average social and cultural matters, with a touch of humor and irony, I try to push my limits above and beyond the everyday. No matter if it's about fashion or advertising, I love to work with elaborate settings, creating my own artistic language and imaginary world. Recently, I've also started to work with moving images.»

Website

On May 23 is the birthday of

Martin Parr, British documentary photographer, photojournalist and photobook collector born in 1952.

He is known for his photographic projects that take an intimate, satirical and anthropological look at aspects of modern life, in particular documenting the social classes of England, and more broadly the wealth of the Western world. His major projects have been rural communities (1975–82), The Last Resort (1983–85), The Cost of Living (1987–89), Small World (1987–94) and Common Sense (1995–99).

Since 1994, Parr has been a member of Magnum Photos. He has had around 40 solo photobooks published, and has featured in around 80 exhibitions worldwide – including the international touring exhibition ParrWorld, and a retrospective at the Barbican Arts Centre, London, in 2002.

Website, Wikipedia

Today, May 24, is the birthday of

Pierre Jamet, French photographer and singer, born in 1910 in Saint-Quentin (Aisne). He is a representative of humanistic photography and was a member of the vocal quartet Les Quatre Barbus.

Pierre Jamet was the son of shopkeepers butchers established in Paris. From an early age, he showed a taste for the song and bought his first camera in 1924, during his participation in the Scout Jamboree in Denmark, where French folk songs are sung.

In the years before the war, Pierre Jamet published reports on weekly Regards, where also worked Capa, Chim and Cartier Bresson.

After the war, Pierre Jamet began singing in the vocal quartet "Fellow Travelers" later "Les Quatre Barbus". The singer was the tenor of the vocal group recorded its first album in 1948. At the same time, showed a constant interest in photography, enriched by every encounter, including professionals, which took in all the countries through which he traveled.
He died in 2000.

Website, Wikipedia (French)

Siempre que tengo oportunidad, declaro que suelo sentirme en deuda con el arte africano, sobre todo porque como el nombre del blog indica, el material que presento es un reflejo de lo que puede encontrarse en la red, y por razones obvias el grueso de material e información no proviene de artistas africanos.

Hoy, 25 de Mayo, se celebra el Día de mi África, así que a sugerencia de mi fiel seguidora y colaboradora Shirley, que tuvo a bien recordarme esto, me uno presentando a una estupenda fotógrafa camerunesa cuya obra, además, hace especial hincapié en la condición de la mujer africana.

Whenever I have an opportunity, I declare that I often feel indebted to African art, especially because as the blog name suggests, the material I present is a reflection of what can be found on the Net, and for obvious reasons the bulk material and information does not come from African artists.

Today, May 25, Africa Day is celebrated, so following the suggestion of my faithful follower and collaborator Shirley, who was kind enough to remind me of this, I join in presenting a great Cameroonian photographer whose work also places special emphasis on the condition of African women.

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Angèle Etoundi Essamba

Angèle Etoundi Essamba nació en Douala, Camerún, y se crió en Yaoundé. De joven se fue a París, donde recibió su educación. Luego se trasladó a Holanda, donde se instruyó en la Nederlandse Fotovakschool (Escuela profesional de fotografía de Holanda). Es una artista comprometida, involucrada en su práctica creativa: una reflexión sobre la identidad de la mujer, respeto al individuo y lucha por la humanidad. Vive y trabaja con los ojos bien abiertos. Durante 20 años, ha observado el mundo a través de las mujeres que fotografía.

Essamba tiene una larga y reconocida trayectoria en la realización de un registro fotográfico de la mujer negra. En su obra, ella rompe con las representaciones estereotípicas de un África arrasada por hambrunas, epidemias y guerras, celebrando en cambio la riqueza cultural y diversidad del continente.

"Eye-Dentity 6", 2010

"Femme du monde / Mujer del mundo / Woman of the World 7-1", 2005

«Mis recuerdos son de vivir en una familia muy grande, con tíos, tías, primos, hermanos, sobrinos, hermanas... todos viviendo en completa armonía carente de esfuerzos.

Mi abuelo era un patriarca respetado, que se ocupaba de toda la familia. Nadie se atrevía a pelearse en presencia de mi abuelo.

Mi recuerdo de mi abuelo es que era muy estricto, una persona muy disciplinada; pero siempre era justo.

Aún recuerdo aquellos días con gran cariño. Era una vida sin preocupaciones ya que mi abuelo se ocupaba de todo.

Mi padre se mudó a Francia cuando yo era muy joven, y fui la primera de sus hijos que se le unió.

Lo que más recuerdo del viaje es que estaba vestida con un extravagante vestido rosa, con unos horribles zapatos rojos.»

Izq./ Left: "Corps et fruit / Cuerpos y fruta / Bodies and Fruit 10", 1998

Der./ Right: "Chasseresse / Cazadora / Huntress 2", 1990

"Noir / Negra / Black", 2001

«Las cuestiones humanas siempre me han fascinado. También creo que mi nostalgia de identidad, de mi identidad africana, tras tantos años de no ver mi tierra natal y sus entornos más familiares, influenciaron en gran medida mi elección. Necesitaba encontrar una salida, una vía para expresar mi nostalgia.

Además, siempre he estado fascinada por las imágenes y la necesidad de capturar las cosas en el espacio y el tiempo.

De niña solía maravillarme mucho con las cosas, y la necesidad de expresar esa admiración encontró su expresión en mis fotografías. También está la necesidad de inmortalizar momentos, gente, sentimientos, emociones. Siempre he tenido ese anhelo de capturar y compartirlo todo. La fotografía ofrece a la gente otra visión; la hace pensar. Podría decir que la fotografía me escogió a mí, y no a la inversa. O nos escogimos mutuamente.»

«La mujer merece ser celebrada. Las mujeres son las portadoras y transmisoras de vida.

Como mencionaba antes, mis obras son en su mayoría autorretratos. Quería crear mi propia identidad; mostrar la mujer que YO SOY, y cuán orgullosa estoy de ser quien soy.

La pregunta de ¿quién soy yo en este mundo? es una de las que siempre han agitado mi pensamiento.»

"Coup d´oeil, coup de coeur 2", 2007

«He intentado, a través de mis trabajos, crear mi propia conciencia. El tipo de mujer negra que veo retratada en los medios del mundo occidental no refleja a las mujeres negras que conozco y con las cuales me relaciono.

Las mujeres africanas no son débiles ni pasivas, ¡al contrario!

Las mujeres africanas no sólo son hermosas; son fuertes, elegantes y con mucha gracia.

De hecho no es difícil hacer esto ya que no requiere distorsión. Tú no puedes mostrar la fuerza donde no existe.

Intento retratar a la mujer africana de forma tan realista como sea posible. El resultado son las fotografías que puedes ver, de mujeres orgullosas, seguras de sí mismas, en su estado natural.

Por supuesto, siempre hay una pequeña coreografía aquí y allá, pero las mujeres que fotografío son artículos genuinos que simplemente están siendo ellas mismas.»

"Appartenance / Pertenencia / Belonging 2", 2007

Izq./ Left: "Devoilement / Develos / Unveiling 9", 2007

Der./ Right: "Panoplie de couleurs / Panoplia de colores / Panoply of Colors 1", 2007

Angéle ha creado una fundación: la Fundación Hogar Essamba.

«La fundación es para ayudar a las chicas a recuperar su autoestima. Hacemos esto no sólo a través de la fotografía, sino que organizamos otras formas de arte (canto, baile, pintura, etc...)

La idea es captar entre 10 y 15 chicas por vez, y ofrecerles una instrucción inicial.

Naturalmente, el dinero es siempre un reto, así que agradecemos donaciones en dinero o de otro tipo, como material artístico.»

"Double dos", 2002

Angèle Etoundi Essamba

Angèle Etoundi Essamba was born in Douala, Cameroon, and grew-up in Yaoundé. As a young girl, she went to Paris where she received her education. Later on she moved to the Netherlands where she trained at the Nederlandse Fotovakschool (Netherlands professional school of photography). She is a committed artist involved in her creative practice, in a reflection on the identity of the woman, in the respect of the individual, in the struggle for humanity. She lives and works with eyes wide open. For twenty eights years, she observes the world through the women she photographs.

Essamba has a long and recognized trajectory in realization of photographical register of black women. In her work, she breaks from stereotypical representations of an Africa torn by famines, epidemics and wars, instead celebrating the cultural richness and diversity of the continent.

"Heritage / Patrimonio", 1999

"Le Visionaire / La visionaria / The Visionaire"

«My recollections were that of living in a very big, extended family of uncles, aunties, nieces, brothers, cousins, sisters with everyone living in complete harmony devoid of strive.

Grandfather was a well-respected Patriarch who looked after the entire family. No one dare to fight in the presence of grandfather.

My memory of grandfather was that of a strict, very disciplined person; but he was always fair.

I still recollect those days with huge fondness. It was a life of no-worries as grandfather was always there to take care of things.

My father moved to France when I was quite young, and I was the first of his children to join in.

What I quite remember about the journey was that I dressed up in a flamboyant Pink dress with some wicked red shoes.»

Izq./ Left: "Profil africain / Perfil africano / African Profile", 1986

Centro / Center: "Regard / Mirada / Look 2", 1998

Der./ Right: "Ombres et lumiéres / Sombras y luces / Shadows and Lights 1", 1985

"Noire / Negra / Black 2"

«Human things have always fascinate me. Also, I believe that my longing for identity, my African identity, after so many years of not seeing my homeland and its familiar surroundings, greatly influenced my choice. I needed to find an outlet, an avenue to express my longings.

Besides, I have always been fascinated by images and the need to capture things in space and time.

As a child I used to wonder a lot about things, and the need to express these wonderments find expression in my photographs. There is also the need to immortalize moments, people, feelings, emotions. I have always have this yearning to capture and share something. Photography brings people to see another view; it drives people to think. I would say that photography chose me rather than the other way. Or we both chose each other.»

Der./ Right: "Máscara / Mask 4", 2010

«Women deserve to be celebrated. Women are the carriers and transmitters of life.

As I mentioned earlier, my works are mostly self-portrait. I wanted to create my own identity; show the woman I AM and how proud I am to be who I am

The question of who I am in this world has been one that always agitate my mind.»

"Blanc d'ébène / Ébano blanco / White Ebony", 1991

«I tried, through my works, to create my own consciousness. The type of Black women that I see portrayed in the media in the western world do not reflect the Black women that I know and to which I can relate.

African women are neither weak nor passive, au contraire!

African women are not only beautiful, they are strong, elegant and very graceful.

Actually this is not difficult to do since it requires no distortion. You cannot show strength where it does not exist.

I try to portray African women as realistically as possible. The outcome are the photographs you see of proud, self-assured women in their natural state.

Of course, you do a little choreography here and there, but the women I photograph are genuine articles who are just being themselves.»

"Pretresse / Sacerdotisa / Priestess", 1996

"Regard / Mirada / Look 1", 1984

Angéle has set up a Foundation, the Foundation Essamba Home.

«The foundation is all about helping the girls to regain their self-esteem. We do this not only through photography, but we organise other forms of arts – singing, dancing, painting etc.

The idea is to take between ten to fifteen girls at a time and give them the necessary training.

Natural, money is always a challenge, so we welcome donations in cash or kind, like art material.»

"Ce regard-là 1", 2007

Izq./ Left: "Noir et or / Negro y oro / Black and Gold 1", 2007

Der./ Right: "Les Amazones / Las amazonas / The Amazons 1", 1993

"Vénération / Veneración / Veneration 1", 1990

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Los textos han sido tomados del sitio web de la artista y de una entrevista de Femi Akomolafe publicada en enero de 2014 en Africanah.org que puede leerse completa (en inglés) aquí.

Texts from artist's website, and from an interview by Femi Akomolafe published Jan., 2013 in Africanah.org you can fully read here.

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Más imágenes e información sobre Angéle en / More images and information about Angéle in:

Website, Wikipedia (español), Wikipedia (English), TEA (Desvelos, 2009, Spanish)

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Angéle!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Angéle!)

Angéle, inauguración de "Desvelos" / inauguration of "Unveiling", Bilbao, España / Spain

Foto / Photo: Casa Africa, flickr

Entre los años 2009 y 2010 se presentó en varias ciudades de España (Bilbao, Madrid, Barcelona, Santa Cruz de Tenerife) la exposición "Desvelos", una retrospectiva con imágenes inspiradas en un viaje que la artista realizó a Zanzíbar en 2006 y en el que trata la estética y el uso del velo en África subsahariana, en general, y en la isla de Zanzíbar, en particular.

"Desvelos" en Bilbao, Paseo de Abandoibarra, Jun-Jul, 2010

Foto / Photo: Julen Landa, flickr

"Es un proyecto que se inscribe dentro de una evolución lógica de mi trayectoria fotográfica, que trata fundamentalmente de la representación de la mujer negra como símbolo de superación de estereotipos", afirma Angèle Etoundi Essamba sobre esta muestra de sus imágenes. "Más allá del velo, he intentado captar el impulso de vitalidad, fuerza interior y dignidad que muestran estas mujeres. Ellas se expresan con nobleza, a través de sus propios códigos y modos, desafiando así los estereotipos que marginan a la mujer velada, expresando por encima de todo su identidad".

Between 2009 and 2010 it was presented in several cities in Spain (Bilbao, Madrid, Barcelona, Santa Cruz de Tenerife) the exhibition "Unveiling", a retrospective with images inspired by a trip the artist made to Zanzibar 2006 and dealing with aesthetics and the headscarf in sub-Saharan Africa in general, and on the island of Zanzibar in particular.

"Desvelos" en Bilbao, Paseo de Abandoibarra, Jun-Jul, 2010. Foto / Photo: Casa Africa, flickr

"It is a project that is part of a logical evolution of my photographic career, which deals mainly with the representation of black women as a symbol of overcoming stereotypes," says Angèle Etoundi Essamba about this show of her pictures. "Beyond the Veil, I tried to capture the momentum of vitality, inner strength and dignity that show these women. They are expressed with nobility, through their own codes and modes, challenging stereotypes that marginalize the veiled woman, expressing above all their identity ".

Tonalités de Femmes, entrevista con / interview with Angèle Etoundi Essamba

(en inglés / in English)

Gracias a mi buena colega en esto de la difusión artística Olga Cabrinety y su blog Totum Revolutum, descubrí a esta interesante artista gráfica china cuyos collages son realmente excelentes. Una gran creatividad en la composición, y la utilización de una amplia gama de recursos, hacen de sus pósters algo siempre novedoso y original.

Thanks to my good colleague in this artistic dissemination Olga Cabrinety and her blog Totum Revolutum, I discovered this interesting Chinese graphic artist whose collages are really excellent. Great creativity in the composition, and the use of a wide range of resources, make her posters always new and original.

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Kayan Kwok

Día / Day 5

Kayak Kwok es una artista, ilustradora y diseñadora gráfica que trabaja desde Hong Kong. La fundadora de "a k e k e" y co-fundadora de "A.D.1.2 Artist Cooperate Organization".

Desde 2014 ha venido llevando a cabo su proyecto "Un póster al día durante 365 días".

Día / Day 6

Día / Day 9

Día / Day 15

Día / Day 26

Las palabras clave para su obra son retro, pin up, collage. También está fascinada con la publicidad de los años 1920 a 1960 en Estados Unidos. Por tanto su obra refleja ciertos elementos de antaño, pero luego ella añade algunos elementos de diseño gráfico, lo cual la hace diferente del collage tradicional.

Sus collage presentan un trasfondo surrealista, pero aparte de eso también actúa como una alquimia, porque poniendo juntas cosas de diferentes tiempos y lugares, el resultado es claramente impredecible y esto es lo que hace esos collages tan fascinantes.

Día / Day 30

Día / Day 34

Día / Day 35

Como comenta Olga en su blog:

"Fotografías antiguas, mezcladas con imágenes de obras de arte, con otras que podrían haber salido de la pluma de Norman Rockwell y su forma de ver la vida americana en los años 30' y 40', obviando toda la miseria y crueldad desatada tanto en EEUU con el crack de 1929 como en la Europa de la II Guerra Mundial, o mapas antiguos y flores, conchas y todo tipo de bichos o ingenios inventados.. ... Esta es su materia prima."

Su colección se agrupa en series, con una estética y punto de vista comunes.

El proyecto completo puede verse en las múltiples plataformas en las que la artista difunde su obra.

Día / Day 37

Día / Day 49

Kayan Kwok is an artist, illustration and a graphic designer based in Hong Kong. The founder of "a k e k e " and co-founder of "A.D.1.2 Artist Cooperate Organization".

Since 2014 has been carrying out her project “A poster per day for 365 days”.

Día / Day 50 - Punto / Dot

Día / Day 71

Día / Day 82 - Letra / Letter

Día / Day 85 - Letra / Letter

Vintage, retro, pin up, collage are the keywords for her works, she also is fascinated by the advertisment duing the 1920 – 1960 in American. Therefore her work reflected certain element from back then but then she also added some graphic design element, which make it different from traditional collage.

Collage has a surrealism background, but other then that, it also act like Alchemy, because you are putting stuff together from different places and times, the result is clearly unpredictable and this is what makes collage so fascinated.

Día / Day 107 - Banana

Día / Day 115 - Banana

Día / Day 202 - Hombre pájaro / Birdman

Día / Day 223

As Olga wrote in her blog:

"Old photographs, mixed with images of artworks, with others that might have come from the pen of Norman Rockwell and his way of American life in the 30 'and 40', ignoring all the misery and cruelty unleashed in both the US with the crash of 1929 and in Europe during World War II, or old maps and flowers, shells and all kinds of bugs or devices invented .. ... This is her raw material."

Her collection is grouped in series, with a common aesthetic and point of view.

The entire project can be seen on multiple platforms where the artist spreads his work.

Día / Day 243

Día / Day 318

Día / Day 339

Más imágenes e información sobre Kayan Kwok en / More images and information about Kayan Kwok in:

Website, flickr, facebook, Behance, Tumblr, Instagram, Totum Revolutum

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Kayan Kwok!)

Images published with artist's permission (Thanks a lot, Kayan Kwok!)

Atsushi Koyama
小山篤

Atsushi Koyama trabajando en "Indefinido 7" / working in"Undefined 7"

Atsushi Koyama es un artista japonés nacido en Tokyo en 1978.

Obtuvo su licenciatura en la Universidad de Artes Tama en Tokyo, y un bachiller en matemáticas en la Universidad de Ciencias de Tokyo.

En los óleos de Atsushi Koyama confluyen ambas vertientes de su formación en diseños en los que se fusionan piezas de maquinarias desmontadas, descritas en diagramas de precisión matemática, con formas del cuerpo humano, situándolas en un mismo nivel en cuanto objetos de belleza expresable a través de la obra.

"Indefinido 6 / Undefined 6", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 130,3 cm., 2013

Atsushi Koyama y / and Aepiel, "Undefined 6", single channel video, 11'4'', 2014

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"TATRA148", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130,3 x 97 cm., 2010

«Yo no transfiero a una imagen plana cosas que he aprehendido y comprendido en mi cabeza, sino que dibujo cosas porque no puedo digerirlas. Quiero ver el rastro de lo que he seleccionado, y cómo lo dibujo, a través del mismo proceso de elaboración. Por lo tanto, mis obras de arte se centran en mi actividad creativa.

Confirmo una cosa que no puedo entender tan sólo mirándola a través del uso de imágenes y líneas adicionales. Durante ese proceso, me doy cuenta de que lo que ha surgido frente a mí constituye una obra de arte. Esto significa, creo, que había algo que tenía que salir de mi cabeza. Yo no necesito sacar cosas si estoy satisfecho con ellas. Por lo tanto, había allí algo que me instó a dibujar. Me pregunto entonces si eso es o no la naturaleza de la creatividad.

El propósito del dibujo es confirmar lo que he seleccionado e ignorado, así como de qué manera representé algo sobre el mismo plano del cuadro a través de lo que ha salido como resultado del ensayo y error; no es reproducir una cosa en una imagen plana como medio para expresar una imagen completa.

Sea cual sea el motivo, considero que el arte es el estado de la comunicación con una imagen plana para entender el motivo y confirmar mi comprensión del mismo. Mi interés no está en leer conceptos de obras de artistas, sino en los rastros de cómo trabajaron y lo que hicieron.»

"Indefinido 9 / Undefined 9", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 194 cm., 2014

"Indefinido 8 / Undefined 8", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 73 cm., 2014

Estos dispositivos están en una suave suspensión, elevados o sostenidos por partes del cuerpo humano, conformando nuevas interacciones entre lo orgánico y lo mecánico. La idea de que un mecanismo puede desarrollarse en nuestras manos para superar su naturaleza utilitaria, o incluso material, es un medio del artista para generar una estética que se extienda más allá de lo material o de las relaciones inmediatas establecidas a través del propio diseño. Sin embargo, también es un medio para revelar la humanidad de la máquina: un producto de la mano del hombre, como la propia pintura. Las visualizaciones distintivas, pictóricas de Koyama, de la Meta-Máquina, transforman, reconfiguran y regeneran los dispositivos; al hacerlo, el artista cuestiona la función de los mecanismos, deconstruye la perspectiva espacio-tiempo, y reorienta nuestra forma de interactuar con estos aparatos. En este nuevo plano del pensamiento y la visión, lo mecánico y lo automático comparten los mismos derechos para la belleza y lo sublime con el cuerpo humano, apareciendo como una extensión natural de éste.

"Indefinido 8 / Undefined 8" (detalle / detail)

"Indefinido 7 / Undefined 7", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 130,3 cm., 2014

"Indefinido 7 / Undefined 7" (detalle / detail)

El despliegue cinético de los lienzos crea un sentido de construcción intercambiable donde los corpus orgánicos e inorgánicos pueden interferir con sus fronteras constitutivas. Como el artista desmonta tanto los mecanismos como el cuerpo humano, se revela una perspectiva particular sobre la estética de la máquina y una comprensión del arte y la función. Esto, a su vez, tiende a borrar la frontera entre el arte y la ciencia. Con reminiscencias de los estudios procesuales que se refieren a la perspectiva histórica de los dibujos de Da Vinci, o los planos de diseño de ingeniería contemporáneos, las pinturas al óleo de Koyama no solamente reconfiguran y reevalúan las relaciones entre lo orgánico y lo mecánico, o lo corpóreo y automático; revelan un acercamiento sin precedentes a la creación de la pintura al óleo en sí y plantean nuevos retos para un medio artístico ancestral que continúa orientando nuestro modo de ver.

"Indefinido 7" en el estudio / "Undefined 7" in Studio© Abandoned Audio 2015

Atsushi Koyama y / and Pachyderme, "Undefined 7", single channel video, 12'10'', 2014

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"Teppei", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 145,5 x 112 cm., 2010

Atsushi Koyama is a Japanese artist born in Tokyo in 1978.

He earned his Bachelor of Arts Tama University in Tokyo, and a bachelor's degree in mathematics at the Tokyo University of Science.

In Atsushi Koyama's canvases converge both sides of his training in designs where parts of disassembled machinery, described in mathematical precision diagrams, merge with shapes of the human body, placing them at the same level as objects of beauty expressible through the artwork.

"Indefinido 17 / Undefined 17", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 160 cm., 2015

"Días futuros / Future Days 01", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 91 cm., 2010

«I don’t transfer what I have caught and understood in my head onto a picture plane, but just draw things because I cannot digest them. I want to see the vestige of what I selected and how I drew through the working process. Thus, my artworks focus on my activity of creation.

I confirm a thing which I cannot understand just by looking at it through use of pictures and additional lines. During that process, I found that what has emerged in front of me forms an artwork. This means, I think, that there was something which had to be output from my head. I don’t need to output things if I’m satisfied with them. So, something that urged me to draw was there. I wondered whether or not this is the nature of creativity then.

The purpose of drawing is to confirm what I selected and ignored as well as in what way I depicted a thing through the output as a result of trial and error on picture plane myself; it is not to reproduce a thing on picture plane as medium to express completed image.

Whatever the motif is, I consider art to be the state of communicating with a picture plane to understand the motif and confirm my understanding of it. My interest is not to read concepts of artists' works, but is in the vestige of how they worked and what they did.»

"Indefinido 10 / Undefined 10", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 72,7 cm., 2014

"Máquina / Machine", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130,3 x 97 cm., 2011

These devices are gently held in suspension, elevated or supported by parts of the human body, shaping new interactions between the organic and the mechanical. The idea that a mechanism can unfold in our hands to overcome its utilitarian or even its material nature is a means for the artist to generate an aesthetic stretching beyond the material or the immediate relations established through proprietary design. Yet it is also a means to reveal the humanness of the machine: a product of the human hand, like painting itself. Koyama’s distinct, pictorial visualisations of the Meta-Machine transform, reconfigure and regenerate the devices; in doing so, the artist challenges the function of mechanisms, deconstructs space-time perspective, and re-informs our way of interacting with these apparatuses. On this new plane of thought and seeing, the mechanical and the automatic share the same rights for beauty and sublime as the human body, being a natural extension of it.

"Indefinido 12 / Undefined 12", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 72,7 cm., 2014

"Máquina / Machine", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130,3 x 194 cm., 2011

"Indefinido 13 / Undefined 13", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 97 cm., 2015

The kinetic display of the canvases creates a sense of interchangeable construction where organic and inorganic corpuses can interfere with their constitutive borderlines. As the artist disassembles both mechanism and the human body, a particular perspective on the aesthetics of the machine and out understanding of art and function is revealed. This, in turn, tends to erase the border between art and science. Reminiscent of processual studies referring to the historical perspective of Da Vinci’s drawings or contemporary engineering design plans, Koyama’s oil paintings do not only re-configure and re-assess the relations between organic and mechanic, or corporeal and automatic – they reveal an unprecedented approach to the creation of oil painting itself and raise new challenges for an ages old artistic medium that continues to inform our way of seeing.

"Días futuros / Future Days 01", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 91 cm., 2010

"Indefinido 1 / Undefined 1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130, x 97 cm., 2013

"Indefinido 16 / Undefined 16", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130, x 97 cm., 2015
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Los textos están tomados del sitio web del artista y de su espacio en la web de Frantic Gallery /
Texts from artist's website and from his space in Frantic Gallery's website.

Si te gustó la obra de Koyama, tal vez te guste / If you liked Koyama's work, maybe you'll like:

Macoto Murayama: [Macoto Murayama (Flora inorgánica / Botech)]
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Más sobre Atsushi Koyama en / More about Atsushi Koyama in:
Website, Frantic Gallery

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Atsushi Koyama!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Atsushi Koyama!)

Muere Mary Ellen Mark a los 75 años en Nueva York /

Mary Ellen Mark dies at 75 in New York

Me acabo de enterar que hace 2 días, el 25 de mayo, ha fallecido la fotógrafa humanista estadounidense Mary Ellen Mark. Desde "El Hurgador" me sumo al reconocimiento a esta gran artista (que ya he citado en el blog un par de veces), nacida en marzo de 1940 en Elkins Park (Pennsylvania, EEUU).

Mary Ellen Mark, New York City, 1979

Foto de / Photo byMartha Casanave

I just found out that two days ago, on May 25, died humanist American photographer Mary Ellen Mark. From "El Hurgador" I join the recognition of this great artist - I've quoted a couple of times in this blog - born in March 1940 in Elkins Park (Pennsylvania, USA).

Mary Ellen Mark en "El Hurgador" / Mary Ellen Mark in this blog:

[Aniversarios Fotografía (VII)], [Judy y los fotógrafos (II)]

Más información en / More info in:

El Mundo, NBC News

Lola Dupré

"Lucas Cranach Nº 1 / Nude by Lucas Cranach # 1"

Collage de papel sobre panel / paper collage on panel, 11,6" x 16,5"

Lola Dupré es una artista de Glasgow, que se crió en Argelia, Francia, Inglaterra y la propia Escocia, por lo cual ha estado expuesta a diversas culturas.

«Creo que esto ha representado un efecto positivo en mi obra, ya que me ha dado el alcance y libertad para explorar más allá de mi propia puerta.» dice Lola.

La artista realiza collages utilizando la técnica tradicional de recortar y pegar, reconfigurando imágenes bajo el filtro de su propio criterio, obteniendo como resultado nuevas imágenes caracterizadas por el grotesco y la sátira. Nadie escapa a su tijera: el mundo de la moda, la política, personalidades de la cultura, y hasta animales, son desmontados y reconstruidos como un puzzle alterado.

Más sobre Lucas Cranach el Viejo en "El Hurgador" / More about Lucas Cranach The Elder in this blog:

[Marta Klonowska (Escultura)], [Pintando perros (XXV)], [Arte perdido (VI)]

"Pieza en colaboración con / Collaborative piece with Helen Sobiralski Photography

Izq./ Left: "Tío Josef / Uncle Joseph" (Iosif Stalin)

Der./ Right: "Los ojos de Baudelaire / The Eyes of Baudelaire"

Collages en papel sobre panel / paper collages on panel, 11,6" x 16,5"

«Me siento fascinada y atraída hacia lo grotesco, lo oculto, lo secreto, lo extraño y lo feo. Creo que hay un gran sentido del humor en la tragedia y el infortunio. Los cuerpos deformes son los que más me atraen e interesan, ya que son los más expresivos, sexys y humorísticos en su rareza.»

«A veces estoy buscando cierto tipo de fotografías con el balance tonal adecuado, y a veces me inspiran las obras o el aspecto de alguien. Y a veces trabajo por encargo. Unas veces retrato gente de mi entorno en Glasgow, y otras figuras políticas de actualidad en los medios. No hay un hilo conductor entre ellas, ¡hasta que tú no encuentres uno, por supuesto!»

Para Vein, España / For Vein Spain, collage

Foto / Photo: Willian Kano - Asistente de fotografía / Assistant Photo: Camilo Diaz

Estilismo / Style: Sebastian Kell - Maquillaje y Peinado / Makeup & Hair: Sol Perkez

Modelo / Model: Abi Lombardi (Civiles Management)

Dupré no es una novata en esta forma de arte del collage, ya que ella misma da fe de que cortaba trozos de fieltro y revistas de moda desde su temprana niñez. Se restringe al tradicional reino del corta y pega, rechazando chapucear con cualquier clase de modificación digital. Sus "Ocho retratos ecuestres", fueron seleccionados para formar parte de una muestra en la Galería Collins en la Universidad de Strathclyde en Glasgow; fueron ocho manipulaciones de pinturas de propaganda política europea, desde fines del siglo XVII hasta mediados del XIX. No importa cual sea el medio que escoja para trocear y empalmar, Dupré sigue siendo una auténtica collagista; cada pieza cuenta con su propio ensamblaje de papel, pegamento y mucha paciencia.

Texto de Richard Quigley

"Chica Desnuda", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 29,9 x 21,1 cm.

"Louise Brooks explotada / Exploded Louise Brooks", 21,1 x 30,3 cm.

«Bueno, como necesito muchas copias de imágenes de diferentes tamaños, la única manera es buscar en la web y luego imprimir lo que quiero. Esto quiere decir que me siento a gusto con papel de 80 gm., y tengo acceso a bancos de imágenes masivos. También imágenes muy contemporáneas son importantes en mi obra.

Siempre utilizo tijeras, ¡odio de veras las navajas! Para mí siempre resulta mucho más fácil usar tijeras. Generalmente no hago cortes delicados; para mí es más bien un asunto de hacer que coincidan trozos de papel, no de recortar cosas. Utilizo un pincel pequeño para pegar las pequeñas piezas de papel, y uno grande para los trozos grandes. Prefiero pegamento PVA, y trabajo con paneles de madera.

Ahora hace frío en mi estudio, así que utilizo los restos de papel para iniciar el fuego. Me gusta recoger madera para la hoguera en el bosque; a menudo me surgen ideas de esta manera.»

"Napoleón cruzando los Alpes / Napoleon crossing the Alps",

Manipulación de una pintura original de / manipulation of an original painting by Jacques-Louis David

Collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 11,6" x 16,5"

Más sobre Jacques-Louis David en "El Hurgador" / More about Jacques Luis David in this blog:

[Arte & Humor (III)]

"Toro desnudo", 8,2" x 11,6"

Lola Dupre is an artist from Glasgow, that grew up in Algeria, France, England and Scotland. She was exposed to a few different cultures. «I think this has had a positive effect on my work in that it has given me scope and freedom to explore beyond my own doorstep.» - says Lola.

The artist creates collages using the traditional technique of cutting and pasting, reconfiguring images under the filter of her own criteria, resulting in new images characterized by the grotesque and satire. Nobody escapes her scissors: the world of fashion, politics, personalities of culture, and even animals, disassembled and rebuilt as an altered puzzle.

Izq./ Left: Edward Weston, "Harald Kreutzberg", 1932

Der./ Right: "Harald Weston", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 8,2" x 11,6"

Más sobre Edward Weston en "El Hurgador" / More about Edward Weston in this blog:

[Magia de los Objetos (Fotografía)], [Aniversarios Fotografía (VIII)], [Imogen Cunningham (Fotografía)], [Judy y los fotógrafos (II)]

"Benjamin Netanyahu", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 8.2 x 11.6

"El noble Parker / Parker the Noble", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 11,6" x 16,5"

Izq./ Left: "Aubrey Beardsley", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 8,2" x 11,6"

Der./ Right: "Retrato basado en una fotografía de Simian Coates /

Portrait based on a photograph by Simian Coates, 11,6" x 16,5"

"Emma", collage original sobre panel, basado en una fotografía de Lisa Carletta /

Original Collage on Board, based on an original photograph by Lisa Carletta, 28 x 42 cm.

«I am fascinated and drawn to the grotesque, the occult, the secret, the freakish and the ugly. I think there is a great sense of humor in tragedy and misfortune. The deformed body is most appealing and interesting to me, as it is very expressive, sexy, and humorous in its unusualness.»

Izq./ Left: "Shimon Peres", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 11,6" x 16,5"

Der./ Right: "David Cameron #7", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 20 x 29,6 cm.

"Flores desnuda", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 8,2" x 11,6"

Izq./ Left: "Vince #2", manipulación de una fotografía original de /

Manipulation of an original photograph by Michelle Tran, 8,2" x 11,6"

Der./ Right: "Loulou", encargo / commission, collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 8,2" x 11,6"

«Sometimes I am just looking for a certain type of photograph with the right tonal balance, and sometimes I am inspired by someone’s deeds or looks. And sometimes I am working on commission. I sometimes portray people around me in Glasgow and sometimes political figures who are topical in the media. There is no common thread between them, unless you find one, of course!.»

"Gaga Hari", encargo / commission, 11,6" x 16,5". Foto original de / Original Photo byMariano Vivanco

Dupré is no novice to the collage art form, as she attests to cutting up pieces of felt and fashion magazines since toddlerhood. She restricts herself to the traditional realm of cut and paste, refusing to dabble in any sort of digital modification whatsoever. Her “Eight Equestrian Portraits” were selected to appear as part of an exhibition at The Collins Gallery at the University of Strathclyde in Glasgow; these were eight manipulations of European political propaganda paintings, ranging from the late seventeenth to the mid-nineteenth centuries. No matter which medium she chooses to splice and dice, Dupré remains a true collagist—each piece it’s own assemblage of paper, glue and a lot of patience.

Text by Richard Quigley

"Sessilee", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 8,2" x 11,6"

Foto original de Sessilee Lopez por / Original photo of Sessilee Lopez byTerry Richardson

"¿Son peligrosas las jirafas? / Are Giraffes Dangerous?"

Collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 8,2" x 11,6"

«Well becasue I need multiple copies of images at different sizes, the only way is to search the web and then print what I want. It means I am very comfortable with 80gm paper, and I have access to a massive bank of images. Also very contemporary images which is important for my work.

I always use scissors, I really hate blades!, to me it always seemed so much easier using scissors. Usually I am not making a delicate cut, for me it is more about matching up the pieces of paper, not cutting things out. I use a small brush to stick down a small piece of paper, and a big brush to stick down a big piece of paper. I prefer PVA glue, and I work on wood panels.

Now, its getting cold in my studio, so I am using my paper scraps to start fires. I like gathering wood in the forest to burn, often I find ideas this way.»

"Anna May Wong", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 27,9 x 21,5 cm.

Izq./ Left: Albert Einstein escribe una ecuación en la pizarra. Instituto de Tecnología de California / writes an equation on a blackboard. He is at the California Institute of Technology, 17/1/1931

Der./ Right: "Albert Einstein #1", collage en papel sobre panel / paper collage on panel, 8,2" x 11,6"

Más sobre Albert Einstein en "El Hurgador" / More about Albert Einstein in this blog:

[Trigo, Dullaway, Walker, Church], [Yousuf Karsh (Fotografía)]

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Los textos están tomados del sitio web de la artista, de una entrevista publicada en OAK que puede leerse completa (en inglés) aquí, y de otra publicada en The Weird Show en Octubre de 2014, por Cles, aquí.

Texts from artist's website, from an interview published in OAK you can fully read (in english) here, and from another one posted in The Weird Show, October, 2014 by Cles, here.
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Más imágenes e información sobre Lola en / More images and information about Lola in:

Website, Tumblr, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Lola!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Lola!)

Algunas referencias / Some References

Imágenes utilizadas por Lola para sus collages / Images used by Lola for her collages

Lucas Cranach El Viejo / The Elder

"Venus", técnica mixta sobre madera de haya / mixed media on beech wood, 24,5 × 37,7 cm., 1532

Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie (Frankfurt am Main, Alemania / Germany)

Étienne Carjat

Retrato de / Portrait of Charles Pierre Baudelaire, ca. 1863

Louise Brooks. Foto / Photo© John Springer Collection/Corbis

Jacques-Louis David

"Napoleón cruzando los Alpes / Napoleon Crossing the Alps"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 275 × 232 cm., 1801. Austrian Gallery Belvedere (Viena / Vienna, Austria)

Aubrey Beardsley. Foto / Photo c. 1895

Simian Coates

"Elegancia negra / Elegance Noir", KCTV Online A/W 08

Maquillaje / Make up - Kenny Campbell @ Premier Hair & Make Up

Peinado / Hair - Kenny Campbell @ Premier Hair & Make Up

Mariano Vivanco

"Lady Gaga", con sombrero zapato de Bob Recina, un abrigo de Mugler y zapatos de Noritaka Tatehana /

wearing a Shoe Hat by Bob Recine and a coat by Mugler with shoes by Noritaka Tatehana.

Izq./ Left: Terry Richardson, "Sessilee Lopez", para Vogue Japón / for Vogue Japan
Der./ Right: Anna May Wong

Sobre los artistas / About the artists

Helen Sobiralski es un joven artista alemana.

Después de recibir su diploma de diseño de la Universidad de Ciencias y Artes Aplicadas de Dortmund (2012), Helen ahora vive en Berlín y trabaja como fotógrafa independiente.

Website

Helen Sobiralski is a young German artist.

After receiving her design diploma from the University of Applied Sciences and arts in Dortmund (2012), Helen now lives in Berlin and works as a freelance photographer.

Website

Étienne Carjat es un periodista francés, caricaturista y fotógrafo nacido en 1828. Él co-fundó las revistas Le Diogene y Le Boulevard. Es bien conocido por sus numerosos retratos y caricaturas de personajes políticos, literarios y artísticos de la vida parisina. Su obra más conocida es el retrato icónico de Arthur Rimbaud que tomó en octubre 1871.

Murió en 1906.

Wikipedia

Étienne Carjat in French journalist, caricaturist and photographer born in 1828. He co-founded the magazines Le Diogène and Le Boulevard. He is best known for his numerous portraits and caricatures of political, literary and artistic Parisian figures. His best-known work is the iconic portrait of Arthur Rimbaud which he took in October 1871.

He died in 1906.

Wikipedia

Simian Coates es un fotógrafo británico de moda, belleza y retrato, que aprendió sus habilidades en Londres.

Autodidacta, comenzó su carrera en la moda fotografiando para el SuperBlow zine zeitgeist (ahora Súper Súper) en 2005.

Esto llevó a los encargos de iD, POP, KCTV, Tanque y la revista Sunday Times Style, entre otras.

Su trabajo también ha sido expuesto en la Galería Kemistry, Londres EC2 y publicado en los libros: "Club de los niños - de bares clandestinos de Boombox y más allá", "100 Diseñadores de la nueva moda" y "Diseñadores de Moda británicos" (Hywel Davies).

Behance, facebook

Simian Coates is a British born fashion / beauty / portrait photographer who learnt his skills in London.

Self taught, he started his fashion career shooting for the zeitgeist zine SuperBlow (now Super Super) in 2005.

This led on to commissions from i-D, POP, KCTV, Tank and Sunday Times Style magazine amongst others.

His work has also been exhibited in the Kemistry Gallery, London EC2 and published in books: "Club Kids - from Speakeasies to Boombox and Beyond", "100 New Fashion Designers" and "British Fashion Designers" (Hywel Davies).

Behance, facebook

Mariano Vivanco es un fotógrafo peruano nacido en 1975. Desde muy temprana edad viajó por el mundo con su familia, estableciéndose en Nueva Zelanda, donde su pasión por la fotografía tomó vuelo. Inspirado artistas como Steichen y Horst, Mariano se trasladó a Londres en 2000 para dedicarse a su pasión por la fotografía de moda.

Desde entonces se ha convertido en uno de los fotógrafos editoriales más importantes del mundo, trabajando regularmente para Vogue, Vanity Fair, GQ, Dazed & Confused, Numéro, MUSE, DSECTION, entre otras.

Website, facebook

Mariano Vivanco is a Peruvian photographer born in 1975. Since a very early age traveled the World with his family, settling down in New Zealand, where his passion for photography took flight. Inspired by the likes of Steichen and Horst, Mariano moved to London in 2000 to pursue his passion for fashion photography.

Since then, Mariano has become one of the World’s leading editorial photographers, regularly shooting for Vogue (American, Japanese, Russian, Spanish, and Brazilian editions), Vanity Fair (American and Spanish editions), GQ (British, China, Italian, and German, editions), Dazed & Confused, Numéro (Homme, Tokyo, and Korea editions), MUSE, DSECTION, among others.

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Terrence "Terry" Richardson, es un fotógrafo de moda y retratista estadounidense nacido en 1965, que ha fotografiado las campañas publicitarias para Marc Jacobs, Aldo, Supreme, Sisley, Tom Ford, e Yves Saint Laurent, entre otros. También ha trabajado para revistas como Rolling Stone, GQ, Vogue, Vanity Fair, Harper Bazaar, iD, y Vice.

Su madre ha comentado que Richardson tuvo su primera cámara instantánea en 1982. Él la utilizó para documentar su vida y la escena punk rock en Ojai. En 1992, Richardson abandonó la música y se trasladó a la zona de East Village de Nueva York, donde comenzó el rodaje de escenas de jóvenes de fiesta y la vida nocturna de la ciudad de Nueva York. Fue allí que Richardson tuvo su primera "gran oportunidad". Sus primeras fotos de moda se publicaron en Vibe en 1994.

Website, Wikipedia

Terrence "Terry" Richardson, is an American fashion and portrait photographer born in 1965, who has shot advertising campaigns for Marc Jacobs, Aldo, Supreme, Sisley, Tom Ford, and Yves Saint Laurent among others. He has also done work for magazines such as Rolling Stone, GQ, Vogue, Vanity Fair, Harper's Bazaar, i-D, and Vice.

His mother reportedly gave Richardson his first snapshot camera in 1982. He used the camera to document his life and the punk rock scene in Ojai. In 1992, Richardson quit music and moved to the East Village neighborhood of New York City, where he began shooting scenes of young people partying and New York City's nightlife. It was in New York City that Richardson had his first "big break." His first published fashion photos appeared in Vibe in 1994.

Website, Wikipedia

Helen Sobiralski

(Alemania / Germany)

"Intimidad / Intimacy", 2010

Website, facebook

Más sobre Helen Sobiralski en "El Hurgador" / More about Helen Sobiralski in this blog:

[Lola Dupré (Collage)]

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Adolfo Wildt

(Milán, Italia / Italy, 1868 - 1931)

"Vir Temporis Acti", mármol / marble, 100 x 75 x 63 cm., 1914 © Archivio Franco Maria Ricci

Musée de l'Orangerie (París, Francia / France)

Wikipedia

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Agnolo di Cosimo, Il Bronzino

(Florencia, Italia / Florence, Italy, 1503 - 1572)

"Mujer joven con un niño / A Young Woman and Her Little Boy

Óleo sobre panel / oil on panel, 9,95 x 7,6 cm., c. 1540.

National Gallery of Art (Wahington, Estados Unidos / USA)

Wikipedia, Wikipedia (obra / artwork)

Más sobre Il Bronzino en "El Hurgador" / More about Il Bronzino in this blog:

[Loretta Lux (Fotografía, Fotomanipulación)]

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Des Bowden

(Nairobi, Kenya)

Chicos regresando a casa de la escuela bajo la polvorienta luz solar de la tarde, mientras otros miembros de la comunidad van al trabajo, pueblo de Sheriani /

Kids returning home after school in the dusty evening light as other community members go about their work, Sheriani village (Mombasa, Kenya)

Website, National Geographic

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Mona Lee

(Seattle, Washington, Estados Unidos / USA)

Website, See.me

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Jennifer Huang

(Los Angeles, California, Estados Unidos / USA)

Modelo / Model: Janice © Jennifer Huang Photography

Website, See.me

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Ville Kansanen

(Finlandia / Finland, 1984)

Serie "La procesión de los espectros" / The Procession of Spectres Series

Website, facebook

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Jaroslav Wieczorkiewicz

(Polonia / Poland) en Londres, Reino Unido / at London, UK

"Héroes de salpicaduras / Splash Heroes"

Website

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Egipto, Imperio Nuevo / Egypt, New Kingdom

Estatua de Hatshepsut sentada / Seated Statue of Hatshepsut

Dinastía XVIII, Reinado conjunto de Hatshepsut y Tutmosis III /

Dynasty 18, Joint reign of Hatshepsut and Thutmose III

Caliza endurecida pintada / Indurated limestone, paint, c. 1479–1458 A.C. / b.C.

Alto Egipto, Tebas, Deir el-Bahri y Asasif / Upper Egypt; Thebes, Deir el-Bahri & Asasif

Metropolitan Museum (Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)

Metropolitan Museum

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Wanja Surikov

(Moscú, Rusia / Moscow, Russia, 1965-)

"Sin título / Untitled", acrílico y oro sobre lienzo / acrylic and gold on canvas, 146 x 114 cm., 2010

TEA (Tenerife Espacio de las Artes)

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Seth Casteel

(Estados Unidos / USA) en / at Chicago, Los Angeles

"Perros submarinos / Underwater Dogs"

Website, facebook

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Fernando Vicente

(Madrid, España / Spain, 1963-)

Serie Atlas

Website, facebook

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Chen Rong

陳容

(China, Dinastía Song del sur / Southern Song Dynasty, 1235-1262)

"Sección del rollo "Nueve dragones" / Section of the roll Nine dragons"

Tinta y color sobre papel Xuan / Ink and color on Xuan paper, 46,3 x 1096,4 cm., 1244.

Museum of Fine Arts (Boston, Estados Unidos / USA)

Wikipedia, Wikipedia (obra / artwork)

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Paul Delvaux

(Antheit, Bélgica / Belgium, 1897-1994)

"L ́ Age de Fer / La edad de hierro / The Iron Age", óleo sobre tabla / oil on wood, 152 x 240 cm., 1951.

Mu.Zee (Ostende, Bélgica / Belgium)

Wikipedia

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Vittore Carpaccio

(Venecia, Italia / Venice, Italy, c.1465-66 - 1525-26)

"Joven caballero en un paisaje / Young Knight in a Landscape"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 218,5 × 152,5 cm., 1510.

Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)

Museo Thyssen-Bornemisza, Wikipedia

Más sobre Carpaccio en "El Hurgador" / More about Carpaccio in this blog:

[Marta Klonowska (Escultura)]

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Kelly Stevens (Fab Funky)

en / at West Sussex, Reino Unido / UK

"Ciervo y silla / Deer and Chair"

Website

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Allison Schulnik

(San Diego, California, Estados Unidos / USA, 1978-)

"Gran cabeza de mono lanudo / Big Wooly Monkey Head", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60" x 60", 2008

Website, facebook

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Denis Mayer Jr.

(Quebec, Canadá, 1970-) en / at Vancouver

"Amo del norte / Master of the North"

Técnica mixta, aguada sobre panel libre de ácido /

Mixed Media - Gouache on Acid Free Museum Board, 22,5" x 30"

Website, facebook

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Pieter Wagemans

(Merksem, Bélgica / Belgium, 1948-)

Website, facebook

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Nahoko Kojima

小島奈保子

(Hyogo, Japón / Japan, 1981-)

"Pantera Nebulosa / Cloud Leopard"

Kirie (Técnica japonesa de papel recortado / Japanese Papercutting). Saatchi Gallery, Reino Unido / UK, 2012

Website, Wikipedia

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Rob Gonsalves

(Toronto, Canadá, 1959-)

"Aguas tranquilas / Still Waters"

Saper Galleries, Wikipedia

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Atsushi Takahashi

高橋淳

(Saitama, Japón / Japan, 1979-)

"Pensando, Yo / Thinking, Me", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 110 cm., 2012.

Colección privada, Alemania / Private Collection, Germany

Frantic Gallery

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Nick van Woert

(Reno, Nevada, Estados Unidos / USA, 1979-)

"Sin título / Untitled", yeso y plástico / plaster and plastic, 2010

Website, Wikipedia

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Alexander Zavarin

Александр Заварин

(Bielorrusia, URSS, 1954-)

"вечер после дождя / Noche después de la lluvia / Night after Rain", 40 x 80 cm., 2013

Website, Blog

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Amy Guidry

(Jacksonville, Carolina del Norte, Estados Unidos / N.C., USA, 1976-)

en / at Lafayette, Louisiana

"El salvaje oeste / The Wild West", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 30"
Website, facebook

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.

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El 24 de Mayo es el cumple de

Georg Rafael Donner, uno de los escultores austríacos más prolíficos del siglo XVIII. Su estilo era barroco con algunas adiciones pseudo antiguas. Educó a muchos escultores alemanes de su época, entre ellos su hijo Matthäus Donner.

Su obra se inspiró en la naturaleza y en las esculturas antiguas que estaban en depósito en la academia de la Viena. Una de las obras más famosas de Donner es Donnersteig en el castillo de Mirabel, Salzburgo (1725-1727), para el que esculpió figuras de mármol de tamaño natural. Desde 1728 trabajó en Bratislava en la corte del conde-obispo Emeric (o Imrich) Esterhazy. Allí esculpió una lápida para el obispo y un monumento ecuestre de San Martín. Durante casi 10 años tuvo su taller en el jardín del Palacio Arzobispal de Verano, por aquél entonces a las afueras de Bratislava. En Viena creó dos fuentes: Fuente de los ríos de Austria "Donnerbrunnen" (1737-1739) y la fuente con las esculturas de Perseo y Andrómeda frente al Ayuntamiento (1739). Una de sus últimas obras fue la Piedad en la catedral de Gurk (1741).

Murió en Viena en 1741.

Wikipedia

"Donnerbrunnen / Fuente de la Providencia / Providentia Fountain", 1737-9. Neuer Markt, Vienna, Austria.

Foto / Photo: © Bwag/Commons

El 25 de Mayo es el cumple de

Juan Cristóbal (Juan Cristóbal González Quesada), escultor español nacido en Ohanes (Almería) en 1897.

Pasó su adolescencia en Granada, e inició sus estudios en el taller de Nicolás Prado Benítez y en la Escuela de Artes y Oficios de esta ciudad. Al tiempo se trasladó a Madrid, becado por el ayuntamiento de su pueblo natal, para entrar como aprendiz en el taller de Mariano Benlliure.

Su verdadera formación, no obstante, tuvo lugar en el Museo de Reproducciones Artísticas, donde copió a los clásicos griegos, romanos y renacentistas, como Donatello.

Su labor comenzó a ser conocida en 1917, cuando expuso en el Ateneo de Madrid y obtuvo el 2º premio de la Exposición Nacional de Bellas Artes. Despuntó por fin en 1922, cuando logró el máximo galardón con gran éxito de crítica, siendo reconocido una segunda vez con este premio en 1927.

Trabajaba piedra, bronce y madera. En su estilo confluyen el helenismo y el quattrocento italiano más clásicos, con las corrientes contemporáneas, combinando asimismo en su lenguaje el simbolismo y el realismo.

Murió en 1961.

Wikipedia

"Escultura del Mio Cid / Mio Cid Sculpture", bronce / bronze, 1955.

Plaza del Mio Cid / Mio Cid Square, Señorío de Covarrubias, Burgos, España / Spain

El 26 de Mayo es el cumple de

Alberto Gómez Ascaso, escultor aragonés nacido en 1963 en Zaragoza, España, donde vive y trabaja.

Hacia 1979 se inicia en el modelado. En 1985 decide dedicarse profesionalmente a la escultura y en 1994 abre su propio taller en Zaragoza.

A principios de la década de 2000 estudió durante un tiempo en la Académie de la Grande Chaumière de París.

Entre sus obras destaca un busto de Miguel Fleta en el Cementerio de Zaragoza, que le representa en su edad adulta, inaugurado el 29 de mayo de 1999. La obra se realizó con motivo del los actos de celebración del centenario del nacimiento del cantante.

Es también autor de la escultura de bronce Complicidad, instalada en la Gran Vía de Zaragoza. Obra donada a la ciudad de Zaragoza por la Fundación San Valero y la Fundación SAMCA en 2003.

Website, Wikipedia

"Complicidad / Complicity", bronce / bronze. Gran Vía de Zaragoza (España / Spain)

El 27 de Mayo es el cumple de

Cesáreo Bernaldo de Quirós, pintor argentino de la escuela post-impresionista nacido en 1879.

Comenzó a pintar a los ocho años, y poco después creó un retrato hablado que resultó en la captura de un criminal fugitivo. De Quirós era un estudiante inquieto, y con frecuencia se saltaba las clases para pasar el tiempo entre los gauchos de la zona; durante una de esas escapadas, fue testigo de un duelo. Inspirado por el evento creó su primera pintura conocida.

El pintor español Vicente Cotanda dio el joven artista su primer entrenamiento formal, y más tarde fue aceptado en la Academia de Bellas Artes, donde fue apadrinado por los pintores realistas Ángel Della Valle y Ernesto de la Cárcova.

Murió en 1968.

Wikipedia

"Las gringas", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 87 cm.

El 28 de Mayo es el cumple de

Wilhelm Albermann, escultor alemán nacido en 1835.

A los 16 años se fue a la Escuela del Rectorado de Werden y luego se graduó en Elberfeld donde aprendió el oficio de escultor de madera. En 1855 fue a Berlín llamado para hacer el servicio militar, cumplido con su deber en el segundo regimiento Garde-Grenadier. Su comandante de la compañía reconoció el talento artístico de Albermann y le permitió, durante el servicio y en uniforme, visitar la Academia de Arte de Berlín.

En 1864 su regimiento fue movilizado y como soldado participó en la guerra contra Dinamarca en 1865 y luego volvió a Colonia. Allí trabajó como escultor independiente. A instancias de la ciudad de Colonia y el gobierno del distrito de Colonia en 1871, fundó una escuela de arte comercial (Gewerbliche Zeichenschule), a la que se vinculó como profesor y fue su director hasta 1896. De 1893 a 1900 fue concejal de la ciudad de Colonia. En 1902 le fue concedido el título de profesor.

Albermann dejó muchas obras. Es el autor de las estatuas de Ferdinand Franz Wallraf y Johann Heinrich Richartz, instaladas en el Museo de Artes Aplicadas de Colonia. Otros trabajos suyos son la fuente de Johann von Werth en el Mercado Viejo (Alter Markt) y la fuente de Hermann-Joseph en Waidmarkt. Sus esculturas arquitectónicas adornan muchos hogares y edificios monumentales en Colonia, para las iglesias de Renania, creó altares, vírgenes y santos.

Murió en 1913.

Wikipedia

"Vier Karyatiden / Cuatro cariátides / Four Caryatids"

Personificaciones de la música, la pintura, la escultura y la arquitectura /

personifications of music, painting, sculpture and architecture, 1879 - 1881.

Altstadt Kunsthalle, Düsseldorf, Alemania / Germany

El 29 de Mayo es el cumple de

Jolanta Kvašytė, artista de la cerámica lituana nacida en 1956.

En 1982 se graduó en el Instituto Lituano de Bellas Artes. Entre 1982-1984 trabajó en una fábrica tienda "Jiesia" Kybartu, en 1985-1988 Restoration Trust en Vilnius. En 2003 fue artista residente en la Universidad de Akron. Expuso en la galería Klaipeda Baroti, y en el Museo de Cerámica de Kaunas.

Combina delicadamente arcilla, porcelana, cerámica negro y otros materiales varios (Biseris, piedras, plumas).

Desde 1983 ha participado en exposiciones y simposios internacionales de cerámica y porcelana en Lituania y en el extranjero (en Letonia, Polonia, República Checa, Gran Bretaña y EE.UU.).

Wikipedia (en inglés)

Hoy, 30 de Mayo, es el cumple de

Kevin Charles "Pro" Hart, considerado el padre del movimiento de la Pintura Interior de Australia, nacido en 1880. Sus obras son ampliamente admiradas por capturar el verdadero espíritu del interior. Fue apodado "El Profesor" (de ahí "Pro") durante sus días de juventud, cuando era conocido como inventor.

Sus cuadros suelen estar pintados con óleo o acrílico, usando pinceles y esponjas, con escenas de la vida rural ciudad, comentarios de actualidad y algunos temas religiosos.

Hart creía en las teorías de la conspiración del gobierno. tales como que encubrían "avistamientos" de OVNIS y que hay una "base de datos" mundial que contiene información sobre todos los seres humanos en el planeta.

Con frecuencia contempló temas políticos en su obra. Cuando se le preguntó acerca de este tema, afirmó "Si dijera lo que pensaba a veces, podría ser demandado, por lo que la pinto para mostrar lo que está pasando, para sacar la verdad y hacer que la gente tome conciencia".

Murió en 2006.

Wikipedia (en inglés)

"La barbacoa / The Barbeque", óleo sobre panel / oil on composition board, 60 x 60 cm.

Mañana, 31 de Mayo, es el cumpe de

Alessandro Allori (Alessandro di Cristofano di Lorenzo del Bronzino Allori), retratista italiano de la escuela florentina del manierismo tardío, nacido en 1535.

En 1540, tras la muerte de su padre, fue criado e instruído en el arte por un amigo cercano, a menudo referido como su "tío", el pintor manierista Agnolo Bronzino, cuyo nombre se asume a veces en sus cuadros. En cierto modo Allori es el último de la línea de prominentes pintores florentinos, del concentrado patrimonio artístico de la Toscana. Andrea del Sarto trabajó con Fra Bartolomeo (así como Leonardo da Vinci), Pontormo brevemente trabajó con Andrea, y instruyó a Bronzino, que insturyó a Allori. Las generaciones posteriores en la ciudad serían fuertemente influenciadas por la marea de estilos barrocos preeminentes en otras partes de Italia.

Entre sus colaboradores estuvo Giovanni Maria Butteri y su discípulo principal fue Giovanni Bizzelli.

Allori fue uno de los artistas, trabajando bajo Vasari, incluido en la decoración de la Studiola de Francesco I.

Murió en 1607.

Wikipedia

"Ritratti femminile / Retrato de una mujer / Portrait of a Woman", c.1570-75.

Galería Palatina (Florencia, Italia / Florence, Italy)

Textos en inglés / English translation

On May 24 is the birthday of

Georg Rafael Donner, one of the most prolific Austrian sculptors of the 18th century. His style was baroque with some pseudo-ancient additions. He educated many German sculptors of his era, including his son Matthäus Donner.

His work was inspired by nature and by antique sculpture which was deposited in the Vienna's academy. One of Donner's most famous works is Donnersteig in Mirabel Castle, Salzburg (1725–1727), for which he sculpted life-size marble figures. From 1728 he worked in Bratislava at the court of count-bishop Emeric (or Imrich) Esterhazy, where he sculpted a gravestone for Bishop Esterhazy and a horse monument of St. Martin. For almost 10 years he had his studio in the garden of the Summer Archbishop's Palace, at that time just outside of Bratislava. In Vienna he created two fountains: Fountain of Austria's rivers (1737–1739) and the source with the sculptures of Perzei and Andromeda in front of the City Hall (1739). One of his last works is the Pieta at the cathedral in Gurk (1741). He died 1741 in Vienna.

Wikipedia, Wikipedia (Deutsch)

On May 25 is the birthday of

Juan Cristobal (Juan Cristóbal González Quesada), Spanish sculptor born in Ohanes (Almeria) in 1897.

He spent his adolescence in Granada, and began his studies in the workshop of Nicolas Prado Benitez and in the School of Arts and Crafts in this city. At the time he moved to Madrid with a scholarship from the city of his hometown, to enter as an apprentice in the workshop of Mariano Benlliure.

His real education, however, took place at the Museum of Artistic Reproductions, where he copied the Greeks, Romans and Renaissance classics such as Donatello.

His work became known in 1917 when he exhibited at the Ateneo de Madrid and won the 2nd prize at the National Exhibition of Fine Arts. He finally dawned in 1922, when he won the top prize with critical acclaim, being recognized a second time with this award in 1927.

He worked stone, bronze and wood. In style converge classic Hellenism and Italian Quattrocento, with contemporary trends, also combining in his language symbolism and realism.

He died in 1961.

Wikipedia (in Spanish)

On May 26 is the birthday of

Alberto Gómez Ascaso, Aragonese sculptor, born in 1963 in Zaragoza, Spain, where he lives and works.

By 1979 it starts in modeling. In 1985 he took up professionally to sculpture and in 1994 opened his own workshop in Zaragoza.

In the early 2000s he studied for a time at the Academie de la Grande Chaumiere in Paris.

Among his works is a bust of Miguel Fleta in Zaragoza Cemetery, depicting him as an adult, inaugurated on May 29, 1999. The work was done on the occasion of the celebration of the centenary of the birth of the singer.

He is also author of the bronze sculpture Complicity, installed in the Gran Via in Zaragoza. The work was donated to the city by the San Valero Zaragoza Foundation and the Foundation SAMCA in 2003.

Website, Wikipedia (in Spanish)

On May 27 is the birthday of

Cesáreo Bernaldo de Quirós, Argentine painter of the post-impressionist school born in 1879.

He began to paint at age eight, and shortly afterwards, created a facial composite sketch that resulted in a fugitive criminal's apprehension. De Quirós was a restless student, and often skipped classes to spend time among the area's gauchos; during one such opportunity, he witnessed a duel and, inspired by the event, created his first known painting.

The Spanish painter Vicente Cotanda gave the young artist his first formal training, and later, de Quirós was accepted into the Fine Arts Academy, where he was mentored by realist painters Ángel Della Valle and Ernesto de la Cárcova.

He died in 1968.

Wikipedia

On May 28 is the birthday of

Wilhelm Albermann, German sculptor born in 1835.

At age 16 he went to the School of the Rector of Werden and then graduated in Elberfeld where he trained as a wood sculptor. In 1855 he went to Berlin called for military service done their duty in the second Garde-Grenadier Regiment. His company commander acknowledged the artistry of Albermann and allowed, for the duty and in uniform, visit the Academy of Arts in Berlin.

In 1864 his regiment was mobilized and participated as a soldier in the war against Denmark in 1865, then he returned to Cologne. He worked as a freelance sculptor. At the request of the city of Cologne and the district government of Cologne in 1871, he founded a school of commercial art (Gewerbliche Zeichenschule), which he joined as a teacher and was its director until 1896. From 1893-1900 was councilor of Cologne. In 1902 he was awarded with the title of professor.

Albermann left many works. He is the author of the statues of Ferdinand Franz Wallraf and Johann Heinrich Richartz, installed in the Museum of Applied Arts in Cologne. Other works are the fountain of Johann von Werth in the Old Market (Alter Markt) and the fountain of Hermann-Joseph in Waidmarkt. His architectural sculptures adorn many homes and monumental buildings in Cologne, for the churches of the Rhineland, created altars, virgins and saints.

He died in 1913.

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On May 29 is the birthday of

Jolanta Kvašytė, Lithuanian ceramic artist born in 1956.

In 1982, she graduated from the Lithuanian Institute of Fine Arts. In 1982-1984, she worked in a factory "Jiesia" Kybartu shop, in 1985-1988 Restoration Trust in Vilnius. In 2003, she was resident artist at the University of Akron. She showed at the Klaipėda Baroti gallery, and The Ceramics Museum, Kaunas.

She delicately combined clay, porcelain, black pottery and various other materials (Biseris, stones, feathers).

Since 1983, she participated in exhibitions, in international Pottery and Porcelain symposia in Lithuania and abroad (in Latvia, Poland, Czech Republic, Great Britain, the USA).

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On May 30 is the birthday of

Kevin Charles "Pro" Hart, considered the father of the Australian Outback painting movement, born in 1880. His works are widely admired for capturing the true spirit of the outback. He was nicknamed "Professor" (hence "Pro") during his younger days, when he was known as an inventor.

His pictures are typically painted with oil or acrylic, using paint brushes and sponges scenes of rural town life, topical commentary and some religious subjects.

Hart believed in Government conspiracy theories. such as the covering up of UFO "sightings" and a world "database" containing information on every human on the planet.

He frequently addressed political themes in his artwork. When asked about this subject, he stated "If I said what I thought sometimes, I might get sued so I paint to show what is going on, to bring out the truth and make people aware".

He died in 2006.

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Today, May 31, is the birthday of

Alessandro Allori (Alessandro di Cristofano di Lorenzo del Bronzino Allori), Italian portrait painter of the late Mannerist Florentine school, born in 1535.

In 1540, after the death of his father, he was brought up and trained in art by a close friend, often referred to as his 'uncle', the mannerist painter Agnolo Bronzino, whose name he sometimes assumed in his pictures. In some ways, Allori is the last of the line of prominent Florentine painters, of generally undiluted Tuscan artistic heritage: Andrea del Sarto worked with Fra Bartolomeo (as well as Leonardo da Vinci), Pontormo briefly worked under Andrea, and trained Bronzino, who trained Allori. Subsequent generations in the city would be strongly influenced by the tide of Baroque styles pre-eminent in other parts of Italy.

Among his collaborators was Giovanni Maria Butteri and his main pupil was Giovanni Bizzelli.

Allori was one of the artists, working under Vasari, included in the decoration of the Studiola of Francesco I.

He died in 1607.

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.

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El 25 de Mayo es el cumple de

Nobuyoshi Araki (荒木経惟), fotógrafo y artista contemporáneo japonés nacido en 1940.

Después de haber publicado más de 350 libros hasta el año 2005, y aún más cada año, Araki es considerado uno de los artistas más prolíficos vivos o muertos en Japón y en todo el mundo. Muchas de sus fotografías son eróticas. Algunas incluso consideradas pornográficas. Entre sus libros de fotografía se cuentan "Viaje sentimental" (1971, más tarde reeditado) y "Tokyo Lucky Hole" (1985). Viaje sentimental "1972-1992" es un diario de vida con su esposa Yoko Aoki hasta que murió de cáncer de ovario en 1990.

La música islandesa Björk es una admiradora de la obra de Araki, y fue una de sus modelos. A petición suya fotografió la portada y páginas interiores del librillo de su álbum de remixes, Telegram (1997). Más recientemente ha fotografiado a la cantante pop Lady Gaga. La vida y la obra de Araki fueron el tema de la película documental de 2005 "Arakimentari", de Travis Klose.

En octubre de 2013 Araki perdió la visión en su ojo derecho debido a una obstrucción de la arteria retiniana. A pesar de esto, los 74 años de edad el hombre lo utilizó como inspiración para exhibir sus obras, llamados "El amor en el ojo izquierdo", que se celebró el 21 de junio de 2014 en la Galería Taka Ishii en Tokio, Japón.

Wikipedia

"Kaori"

El 26 de Mayo es el cumple de

Jane Fulton Alt, fotógrafa estadounidense nacida en 1951 que explora en su obra los temas del amor, la pérdida y la espiritualidad. Alt fue la ganadora del Premio Beca del Consejo de Arte de Illinois (2007) y el Premio Beca Ragdale en 2007, 2008 y 2009.

Ha participado activamente en las artes gran parte de su vida. Sus padres que eran ávidos coleccionistas y comenzó a explorar activamente las artes visuales mientras formaba su propia familia. Estudió en el Centro de Arte Evanston, en el Columbia College y el Instituto de Arte de Chicago.

Alt ha realizado numerosas exposiciones tanto a nivel nacional como internacional incluyendo exposiciones individuales en Chicago, San Francisco, Polonia y Siria (Festival Internacional de Fotografía).

Website, Wikipedia (en inglés)

Serie México / Mexico Series

El 27 de Mayo es el cumple de

Ingeborg Hermine "Inge" Morath, fotógrafa austriaca nacida en 1923. En 1953, se incorporó a la Agencia Magnum Photos, fundada por los mejores fotógrafos en París y se convirtió en fotógrafa en 1955. Ese mismo año publicó su primera colección de fotografías, y un total de 30 monografías durante su vida. Morath fue también la tercera y última esposa del dramaturgo Arthur Miller. Su hija es la guionista y directora Rebecca Miller.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Morath trabajó como traductora y periodista. En 1948, fue contratada por Warren Trabant, primero como corresponsal de Viena y más tarde como el editora austriaca para Heute, una revista ilustrada publicada por la Oficina de Información de Guerra en Munich. Morath conoció al fotógrafo Ernst Haas en la Viena de posguerra, y llevó su obra a que la viera Trabant. Trabajando juntos para Heute, Morath escribió artículos para acompañar las imágenes de Haas. En 1949, Morath y Haas fueron invitados por Robert Capa a unirse a Magnum Photos, recién fundada en París, donde comenzó como editora. Trabajar con las hojas de contactos enviadas a la oficina Magnum por el miembro fundador Henri Cartier-Bresson fascinóMorath. "Creo que estudiando su forma de fotografiar aprendí a fotografiar yo misma, antes de llegar a tener una cámara en mis manos."

Murió en 2002

Website, Wikipedia

"Mädchen mit einem Laib Brot / Chica con una hogaza de pan / Girl with a loaf of bread"

Cáceres, Extremadura, España / Spain, 1955 © Fotosammlung WestLicht, Wien

El 28 de Mayo es el cumple de

Sergei (o Siarhei) Brushko (Сергей Брушко), fotógrafo bielorruso nacido en 1958. Conocido sobre todo por su trabajo de fotografía documental en la década de 1990, utilizando el estilo de Cartier-bressoniano de fotografía de calle. Trabajó como reportero para "Chyrvonaya Zmiena" y la prensa diaria "Narodnaya Gazieta". Su fotografía se exhibe en Bielorrusia, Alemania y Suiza.

Recibió su primera cámara para su 6º cumpleaños. Desde entonces, su vida entera estuvo conectada con la fotografía. En su juventud, Sergei Brushko se pluriempleaba fotografiando fiestas de pueblo y bodas; el dinero que ganaba lo gastaba en comprar productos químicos para su pasión de la fotografía y revistas raras "Foto Checa" durante sus viajes a Lituania.

Comenzó a trabajar en el tema de la tragedia de Chernobyl, que se convirtió en una prioridad, y que impregnó su obra. A partir de los primeros viajes a la zona de exclusión y el Centro de Oncología en 1987, y terminando con el último viaje, dos meses antes de su muerte, la tragedia social de la sociedad después de la explosión fue la base de estos estudios. Casi sin tocar la zona de alienación y aspectos ambientales, Sergei Brushko mostró la tragedia de personas inocentes que simplemente fueron expulsadas de sus tierras como resultado de un desastre producto del hombre y el descuido humano.

Murió en 2000.

Wikipedia (en inglés)

Discapacitado afectado por la explosión de la planta nuclear de Chenobyl reasentado, ayudando a los vecinos para recoger patatas, región de Gomel /

Disabled affected by the explosion of the nuclear plant Chenobyl resettled, helping neighbors to pick potatoes, Gomel region, 1997

El 29 de Mayo es el cumple de

Doris Ulmann, fotógrafa estadounidense nacida en 1882, conocida por sus dignos retratos de la gente de los Apalaches, en particular artesanos y músicos, como la familia de Jean Ritchie, realizados entre 1928 y 1934.

Su interés por la fotografía fue en un principio un hobby, pero después de 1918 se dedicó e ella profesionalmente. Practicó el pictorialismo y fue miembro de los fotógrafos ilustradas de América. Ulmann documentó las poblaciones rurales del Sur, en particular los pueblos de las montañas de los Apalaches y los Gullah de las Sea Islands, con un profundo respeto por sus modelos y mirada de etnógrafo para la cultura.

Murió en 1934.

Wikipedia (en inglés)

El 30 de Mayo es el cumple de

Agnès Varda, directora de cine francesa y profesora de la European Graduate School, nacida en 1928. Sus películas, fotografías e instalaciones de arte se centran en el realismo documental, temas feministas y comentario social, con un estilo experimental distintivo.

Su carrera anticipa el inicio de la Nouvelle vague (nueva ola francesa), y "La Pointe Courte" contiene muchos elementos específicos de ese movimiento. En una entrevista con The Believer, Varda declaró que quería hacer películas que se relacionaran con su tiempo (en referencia a La Pointe Corte), en lugar de centrarse en las tradiciones o normas clásicas.

Al igual que muchos otros directores de la Nueva Ola francesa, Varda fue probablemente influenciada por la teoría de autor, creando su propio estilo con su firma, utilizando la cámara "como una pluma." Varda describe su método de hacer cine como cinescritura (escritura cinematográfica o "escribir en la película").

Debido a su bagaje fotográfico, las imágenes fijas suelen ser importantes en sus películas. Estas pueden servir a propósitos simbólicos o narrativos, y cada elemento de ellas es importante. A veces hay conflicto entre las imágenes fijas y en movimiento en sus películas, y a menudo mezcla imágenes fijas (capturas) con imágenes en movimiento.

Wikipedia

"Una familia china en Hankou, Provincia de Hubei / A Chinese Family in Hankou, Hubei Province"

China, 1957

Hoy, 31 de Mayo, es el cumpe de

Eugene Hutchinson, fotógrafo estadounidense nacido en 1880. Al igual que sus contemporáneos Alfred Stieglitz y Edward Steichen, Hutchinson primero hizo su marca como un pictorialista, utilizando técnicas de iluminación y de cuarto oscuro para transformar su trabajo en imágenes artísticas.

Con sede en Chicago desde alrededor de 1910 a 1930, Hutchinson se especializó inicialmente en el retrato, ganando el favor más notable entre las luminarias del mundo de la literatura, las artes y la política progresista. Sus clientes incluían a Rupert Brooke, Carl Sandburg, Edgar Lee Masters, Anna Pavlova , Emma Goldman y William Jennings Bryan.

Después de mudarse a la ciudad de Nueva York durante la Gran Depresión, Hutchinson tal vez por razones económicas volvió la cámara cada vez más a temas industriales, asociándose con Underwood y Underwood, el famoso productor de imágenes estereoscópicas.

En 1909 expuso en una muestra fotográfica importante en Dresde, junto con Goldensky, Käsebier y Dooner.

Hutchinson es recordado más por su trabajo en los años inmediatamente antes y después de la Primera Guerra Mundial. Quizás ninguna fotografía contribuyó más a su reputación que su retrato de 1914 del gran poeta británico Rupert Brooke, un sujeto que claramente le fascinaba.

Murió en 1957.

Wikipedia (en inglés)

"Anna Pavlova en traje de Souvenir de España (también conocido como Baile español) /

in costume for Souvenir d'Espana (also known as Danse espagnol)", c.1915

Textos en inglés / English translation

On May 25 is the birthday of

Nobuyoshi Araki (荒木経惟), Japanese photographer and contemporary artist born in 1940.

Having published over 350 books by 2005, and still more every year, Araki is considered one of the most prolific artists alive or dead in Japan and around the world. Many of his photographs are erotic; some have been called pornographic. Among his photography books are Sentimental Journey (1971, but later reissued), and Tokyo Lucky Hole (1985). Sentimental journey "1972-1992" is a diary of life with his wife Aoki Yoko until she died of ovarian cancer in 1990.

The Icelandic musician Björk is an admirer of Araki's work, and served as one of his models. At her request he photographed the cover and inner sleeve pages of her 1997 remix album, Telegram. More recently, he has photographed pop singer Lady Gaga. Araki's life and work were the subject of Travis Klose's 2005 documentary film Arakimentari.

In October of 2013, Araki lost the vision in his right eye due to a retinal artery obstruction. Despite this, the 74 years old man utilised this as an inspiration to exhibit his works, called "Love on the left eye", which was held on the 21st of June 2014 at the Taka Ishii Gallery, Tokyo, Japan.

Wikipedia

On May 26 is the birthday of

Jane Fulton Alt, American photographer born in 1951 who explores issues of love, loss, and spirituality in her work. Alt was the recipient of the 2007 Illinois Art Council Fellowship Award and the 2007, 2008 and 2009 Ragdale Fellowship Award.

She has been active in the arts much of her lifetime. She grew up with parents who were avid collectors and began actively exploring the visual arts while raising her own family. She studied at the Evanston Art Center, Columbia College, and the Art Institute of Chicago.

Alt has exhibited extensively both nationally and internationally including solo exhibitions in Chicago, San Francisco, Poland, and Syria (International Photography Festival).

Website, Wikipedia

On May 27 is the birthday of

Ingeborg Hermine "Inge" Morath, Austrian photographer born in 1923. In 1953, she joined the Magnum Photos Agency, founded by top photographers in Paris, and became a full photographer with them in 1955. That same year she published her first collection of photographs, a total of 30 monographs during her lifetime. Morath was also the third and last wife of playwright Arthur Miller; their daughter is screenwriter/director Rebecca Miller.

After the Second World War, Morath worked as a translator and journalist. In 1948, she was hired by Warren Trabant, first as Vienna Correspondent and later as the Austrian editor, for Heute, an illustrated magazine published by the Office of War Information in Munich. Morath encountered photographer Ernst Haas in post-war Vienna, and brought his work to Trabant's attention. Working together for Heute, Morath wrote articles to accompany Haas' pictures. In 1949, Morath and Haas were invited by Robert Capa to join the newly founded Magnum Photos in Paris, where she started as an editor. Working with contact sheets sent into the Magnum office by founding member Henri Cartier-Bresson fascinated Morath. "I think that in studying his way of photographing I learned how to photograph myself, before I ever took a camera into my hand."

She died in 2002.

Website,Wikipedia

On May 28 is the birthday of

Sergei (or Siarhei) Brushko (Сергей Брушко), Belarusian photographer born 1958. Known particularly for his documentary photography work in the 1990s, utilizing the Cartier-Bressonian style of street photography. Worked as a reporter for "Chyrvonaya Zmiena" and "Narodnaya Gazieta" daily newspapers. Photography exhibited in Belarus, Germany, Switzerland.

He received his first camera at age of 6 for his birthday. Since then, his whole life was connected with photography. In his youth, Sergei Brushko was moonlighting shooting village celebrations and weddings; the money which he was paid was spent to buy chemicals for his passion of photography and rare magazines "Czech Foto" during his trips to Lithuania.

He began working on the theme of the Chernobyl tragedy, which became a priority, permeating his work. Beginning with the first trips to the exclusion zone and the Oncology Center in 1987 and ending with the last trip, two months before his death, the social tragedy of society after the explosion was the basis of these studies. Almost without touching upon the zone of alienation and environmental aspects, Sergei Brushko showed the tragedy of innocent people who were simply expelled from their land as a result of a man-made disaster and human carelessness.

He died in 2000.

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On May 29 is the birthday of

Doris Ulmann, American photographer born in 1882, best known for her dignified portraits of the people of Appalachia, particularly craftsmen and musicians such as Jean Ritchie's family, made between 1928 and 1934.

Her interest in photography was at first a hobby but after 1918 she devoted herself to the art professionally. She practiced Pictorialism and was a member of the Pictorial Photographers of America. Ulmann documented the rural people of the South, particularly the mountain peoples of Appalachia and the Gullahs of the Sea Islands, with a profound respect for her sitters and an ethnographer's eye for culture.

She died in 1934.

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On May 30 is the birthday of

Agnès Varda, French film director and professor at the European Graduate School born in 1928. Her films, photographs, and art installations focus on documentary realism, feminist issues, and social commentary - with a distinct experimental style.

Her career pre-dates the start of the Nouvelle vague (French New Wave), and La Pointe Courte contains many elements specific to that movement. In an interview with The Believer, Varda stated that she wanted to make films that related to her time (in reference to La Pointe Court), rather than focusing on traditions or classical standards.

Like many other French New Wave directors, Varda was likely influenced by auteur theory, creating her own signature style by using the camera "as a pen." Varda describes her method of filmmaking as cinécriture (cinematic writing or "writing on film").

Because of her photographic background, still images are often of significance in her films. Still images may serve symbolic or narrative purposes, and each element of them is important. There is sometimes conflict between still and moving images in her films, and she often mixes still images (snapshots) in with moving images.

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Today, May 31, is the birthday of

Eugene Raymond Hutchinson, American photographer born in 1880. Like contemporaries Alfred Stieglitz and Edward Steichen, Hutchinson first made his mark as a pictorialist, using lighting and darkroom techniques to transform his work into artistic images.

Based in Chicago from about 1910 to 1930, Hutchinson initially specialized in portrait work, winning favor most notably among leading lights in the world of literature, the arts and progressive politics, his clients including Rupert Brooke, Carl Sandburg, Edgar Lee Masters, Anna Pavlova, Emma Goldman, and William Jennings Bryan.

After moving to New York City during the Great Depression, Hutchinson perhaps for economic reasons turned his camera increasingly to industrial subjects, associating himself with Underwood & Underwood, the famous producer of stereoscopic images.

In 1909, he exhibited at a major photographic exhibition in Dresden along with Goldensky, Käsebier, and Dooner.

Hutchinson is remembered most for his work in the years immediately before and after the First World War. Perhaps no single photograph contributed more to his reputation than his 1914 portrait of the great British poet, Rupert Brooke, a subject who plainly fascinated him.

He died in 1957.

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Siempre me ha resultado interesante, instructivo, entretenido y revelador encontrar analogías entre imágenes. Lo sabrán quienes sigan el blog y hayan visto los post que he publicado sobre parecidos razonables (aquí y aquí).

En esta serie, me propongo ofrecer grupos de imágenes cuyas similitudes resultan significativas, ya sea por tratarse de copias, interpretaciones, o simples casualidades a través de las cuales la inspiración o el inconsciente colectivo han generado paralelismos llamativos.

Muchas de estas las he recogido de un masivo blog de fotografía ruso que recomiendo visitar a todos los interesados. Otras son fruto de mis propios hallazgos, y animo a quienes encuentren material de este tipo a ofrecer sugerencias para incluir en esta colección.

Intentaré, como siempre, enriquecer la presentación con algo de información relativa a los artistas involucrados y/o las imágenes producidas.

I have always found interesting, enlightening, entertaining and revealing finding analogies between images. You will know who follow the blog and have seen the posts I published about lookalikes (here and here).

In this series, I intend to offer groups of images whose similarities are significant, either because they are copies, interpretations, or mere coincidences through which the inspiration or the collective unconscious have generated striking parallels.

I've collected many of these in a massive Russian photography blog that I recommend visiting to all the people interested. Others are the result of my own findings, and encourage those who find such material offering suggestions to include in this collection.

I will try, as always, to enrich the presentation with some information on the artists involved and / or the images produced.

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Dennis Stock

James Dean, Times Square, Nueva York, Estados Unidos / New York City, USA, 1955

Más sobre James Dean en "El Hurgador" / More about James Dean in this blog:

[Aniversarios fotografía (XXVIII)]

Lara Rossignol

Liv Tyler, Bikini Magazine

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Howard Schatz

Más sobre Howard Schatz en "El Hurgador" / More about Howard Schatz in this blog:

[Howard Schatz (Fotografía)]

Nate Walton

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Eikoh Hosoe 細江英公

Más sobre Eikoh Hosoe en "El Hurgador" / More about Eikoh Hosoe in this blog:

[Fotógrafos japoneses (IV)], [Judy y los fotógrafos (II)]

Escuela de Fontainebleau / Fontainebleau School

"Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas / and One of Her Sisters"

Óleo sobre madera / oil on wood, 96 × 125 cm., 1594

Museo del Louvre (París, Francia / France)

El artista ha hecho un hábil uso del trampantojo, utilizando un estilo realista, imitativo, para el lienzo en la bañera y las dos cortinas que enmarcan la escena. El efecto del trampantojo se acentúa por la visión de lo que está sucediendo en la habitación trasera. Ricamente coloreada, inquietante en su presentación de las dos mujeres en el baño, y misterioso en el uso de los símbolos (el anillo que presenta Gabrielle d'Estrées, por ejemplo), la sensualidad de la pintura la convirtió en un éxito popular. Sensuales aunque maravillosamente delicados, los contornos de ambos cuerpos desnudos se realzan por la iluminación de las dos mujeres desde la izquierda, y en contraste con el fondo en sombras.

Las modelos han sido identificadas como Gabrielle d'Estrées (1571-99), la favorita de Enrique IV (1553-1610), y una de sus hermanas, la Duquesa de Villars, o Madame de Balagny. La extrañamente afectada forma en que la hermana está pellizcando el pecho derecho de Gabrielle d'Estrées, ha sido tomada a menudo como un símbolo del embarazo de esta última del hijo ilegítimo de Enrique IV. Esta interpretación parece estar confirmada por la escena de la joven tejiendo (tal vez preparando la canastilla para el niño por venir) en el fondo. La pintura fue adquirida por el Louvre en 1937.

Texto traducido de la ficha de la obra en el sitio web del Museo del Louvre.

The artist has made skillful use of the trompe-l'oeil technique, using an imitative, realistic style for on the sheet in the bath and the two curtains framing the scene. The trompe-l'oeil effect is accentuated by the view of what is taking place in the background room. Richly colored, unsettling in its presentation of two women in their bath, and mysterious in its use of symbol - the ring being shown by Gabrielle d'Estrées, for example - the sensuality of the painting made it a popular success. Sensuous yet marvelously delicate, the contours of the two naked bodies are highlighted by the lighting of the two women from the left and the contrast with the shadowy background.

The models have been identified as Gabrielle d'Estrées (1571-99), the favorite of Henry IV (1553-1610), and one of her sisters: the Duchess de Villars or Madame de Balagny. The oddly affectionate way in which the sister is pinching Gabrielle d'Estrées' right breast has often been taken as symbolizing the latter's pregnancy with the illegitimate child of Henry IV. This interpretation would seem to be confirmed by the scene of the young woman sewing - perhaps preparing a layette for the coming child - in the background. The picture was acquired by the Louvre in 1937.

Text from the record on this artwork in Louvre's website.

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Meret Oppenheim

"La pareja / The Couple", 1956

MyeongBeom Kim

"Sin título, zapatos / Untitled, Shoes"

Más sobre MyeongBeom Kim en "El Hurgador" / More about MyeongBeom Kim in this blog:

[MyeongBeom Kim (Instalaciones, Escultura)]

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Brett Walker

Patrick Devresse

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Adam Lister

"Mona Lisa en el Louvre / Mona Lisa at the Louvre", acuarela / watercolor, 6" x "6

Más sobre Adam Lister en "El Hurgador" / More about Adam Lister in this blog:

[Adam Lister (Acuarelas a 8 bits)], [Adam Lister (Las obras, anexo)]

Martin Parr

Más sobre Martin Parr en "El Hurgador" / More about Martin Parr in this blog:

[Aniversarios Fotografía (LXXI)]

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Martín y Sicilia

"Riña de gallos / Cock Fight"

Acrílico sobre madera recortada / acrylic on cut out wood, 300 x 440 cm., 2011

En el TEA (Tenerife Espacio de las Artes), 11/2014.

Más sobre Martín y Sicilia en "El Hurgador" / More about Martín and Sicilia in this blog:

[Martín y Sicilia (Pintura, Fotografía, Instalaciones)]

Jeremy Deller

"Magia inglesa / English Magic", 2013. The Sandringham Estate, Norfolk, UK

Magia inglesa ha sido concebida y creada para el pabellón británico en la 55ª Exposición Internacional de Arte - La Biennale di Venezia. La exposición refleja las raíces de gran parte de la obra de Deller, centrándose en la sociedad británica; su gente, iconos, mitos, folclore y su historia cultural y política. Él entreteje lo alto y lo bajo, lo popular y lo enrarecido, para crear una obra única y sugerente. Magia inglesa aborda los acontecimientos del pasado, presente y un futuro imaginado. Deller enmarca estos casos de una manera contemporánea, pero también fiel al tema original, tejiendo una narrativa que es casi psicodélico; flotando delicadamente entre realidad y ficción, lo real y lo imaginario.

English Magic has been conceived and created for the British Pavilion at the 55th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia. The exhibition reflects the roots of much of Deller's work, focusing on British society - its people, icons, myths, folklore and its cultural and political history. He weaves together high and low, popular and rarefied to create unique and thought provoking work. English Magic addresses events from the past, present and an imagined future. Deller frames these instances in a way that is contemporary but also true to the original subject, weaving a narrative that is almost psychedelic; hovering delicately between fact and fiction, real and imagined.

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Martín y Sicilia

"Dele color al difunto / Give Color to the Deceased"

Instalacion / Installation, Medidas variables / Variable Size

Tyson Grumm

"Oscura rinoterapia pintada encima / Obscure Rhinotherapy Painted Over"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas

Más sobre Tyson Grumm en "El Hurgador" / More about Tyson Grumm in this blog:

[Rinocerontes (XXXVI)], [Rinocerontes (XLII)], [Rinocerontes (LX)]

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Herb Ritts

"Cindy Crawford"

Más sobre Herb Ritts en "El Hurgador" / More about Herb Ritts in this blog:

[Aniversarios Fotografía (XXIX)]

Marc Lagrange

"Laura"

Más sobre Marc Lagrange en "El Hurgador" / More about Marc Lagrange in this blog:

[Marc Lagrange (Fotografía)]

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Marc Lagrange

"Entrelazados / Entwined", 2010

Jean Baptiste Mondino

Vincent Cassell y / andMonica Bellucci

Información sobre los artistas / Info about the artists

Dennis Stock fue un fotoperiodista y fotógrafo documentalista estadounidense nacido en 1928, miembro de Magnum Photos.

Stock sirvió en el ejército de Estados Unidos de 1947 a 1951. Después de su baja fue aprendiz de fotógrafo Gjon Mili. En 1951 ganó el primer premio en un concurso de la revista LIFE para jóvenes fotógrafos. Ese mismo año se convirtió en miembro asociado de la agencia de fotografía Magnum. Pasó a ser socio-miembro de pleno derecho en 1954.

En 1955 conoció al actor James Dean y realizó una serie de fotos de la joven estrella en Hollywood, la ciudad natal de Dean en Indiana y en la ciudad de Nueva York. Tomó una fotografía de Dean en el Times Square de Nueva York en 1955 (el año que Dean murió) que se convirtió en una imagen icónica de la joven estrella.

Desde 1957 hasta principios de la década de 1960 volvió su lente a los músicos de jazz, fotografiando a gente como Louis Armstrong, Billie Holiday, Sidney Bechet, Gene Krupa y Duke Ellington. Con esta serie de fotografías publicó el libro Jazz Street.

Murió en 2010.

Wikipedia

Dennis Stock was anAmerican photojournalist and documentary photographer born in 1928, a member of Magnum Photos.

Stock served in the United States Army from 1947 to 1951. Following his discharge, he apprenticed under photographer Gjon Mili. In 1951, he won a first prize in a Life magazine competition for young photographers. That same year, he became an associate member of the photography agency Magnum. He became a full partner-member in 1954.

In 1955, Stock met the actor James Dean and undertook a series of photos of the young star in Hollywood, Dean's hometown in Indiana and in New York City. He took a photograph of Dean in New York's Times Square in 1955 (the year Dean died) that became an iconic image of the young star.

From 1957 until the early 1960s, Stock aimed his lens at jazz musicians, photographing such people as Louis Armstrong, Billie Holiday, Sidney Bechet, Gene Krupa and Duke Ellington. With this series of photographs he published the book Jazz Street.

He died in 2010.

Wikipedia

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Lara Rossignol es un fotógrafa comercial con sede en Los Ángeles.

«He estado trabajando durante más de 20 años, y he fotografiado principalmente moda y retratos de famosos mientras vivía en Nueva York. Me mudé a Atlanta hace unos años y he ampliado para incluir comida, estilo de vida y niños. También retratos de personas más "reales". Un mercado más pequeño permite una mayor diversidad. Todavía hago un montón de fotografía editorial, pero también mucha más publicidad. »

Website

Lara Rossignol is a Los Angeles based commercial photographer.

«I have been working for over 20 years and shot primarily fashion and celebrity portraits while living in NY. I moved to Atlanta a few years ago and have expanded to include food, lifestyle and kids. Also more “real” people portraits. A smaller market allows more diversity. I still shoot a lot of editorial but also much more advertising.»

Website

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La obra del fotógrafo con sede en Los Ángeles Nate Walton es como un hermoso homenaje salvaje y celebración de los detalles de la vida, el sexo y la cultura juvenil.

«Me inspiro en los momentos cotidianos de la vida en Los Ángeles, y cómo el erotismo encaja ahí. Estoy interesado en las situaciones mundanas que rodean el sexo y la intimidad.»

Instagram

Los Angeles based photographer Nate Walton work is like a beautiful wild homage and celebration to details of life, sex and youth culture.

«I am inspired by the quotidian moments of life in Los Angeles, and how eroticism fits in to that. I’m interested in the mundane situations surrounding sex and intimacy.»

Instagram

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Meret Elisabeth Oppenheim fue una artista surrealista y fotógrafa suiza nacida en Alemania en 1913.

Oppenheim fue miembro del movimiento surrealista de la década de 1920, junto con André Breton, Luis Buñuel, Marcel Duchamp, Max Ernst y otros escritores y artistas visuales. Además de la creación de objetos de arte, Oppenheim también apareció como modelo para las fotografías de Man Ray, sobre todo una serie de fotos de ella desnuda interactuando con una imprenta.

En 1936 Oppenheim realizó su primera exposición individual en Basilea, Suiza, en la Galerie Schulthess. Siguió contribuyendo a las exposiciones surrealistas hasta 1960. Muchas de sus piezas consisten en objetos cotidianos dispuestos de tal modo que hacen alusión a la sexualidad femenina y la explotación femenina por el sexo opuesto. Las pinturas de Oppenheim se centraron en los mismos temas. Su originalidad y audacia la estableció como una figura destacada en el movimiento surrealista.

Murió en 1985.

Wikipedia

Méret Elisabeth Oppenheim was a German-born (1913) Swiss Surrealist artist and photographer.

Oppenheim was a member of the Surrealist movement of the 1920s along with André Breton, Luis Buñuel, Marcel Duchamp, Max Ernst, and other writers and visual artists. Besides creating art objects, Oppenheim also famously appeared as a model for photographs by Man Ray, most notably a series of nude shots of her interacting with a printing press.

In 1936, Oppenheim had her first solo exhibition in Basel, Switzerland, at the Galerie Schulthess. She continued to contribute to Surrealist exhibitions until 1960. Many of her pieces consisted of everyday objects arranged as such that they allude to female sexuality and feminine exploitation by the opposite sex. Oppenheim’s paintings focused on the same themes. Her originality and audacity established her as a leading figure in the Surrealist movement.

She died in 1985.

Wikipedia

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Brett Walker is a photographer based in London.

Website, Flickr, facebook

Brett Walker es un fotógrafo residente en Londres.

Website, Flickr, facebook

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Patrick Devresse es un fotógrafo francés.

"Patrick Devresse es un hombre que mira. Analiza con cuidado la realidad a su alrededor. Tan sólo eso. Casualmente. E incluso baja la vista, sonriendo. Con la mente en otra parte. Como si hacer una vigilancia en el mundo y la vida estuvieran íntimamente vinculados. Sus fotos son como él y sus silencios son el negativo de una reflexión intensamente controlada con una sensibilidad tan fuerte que es el papel en el que revela su universo. Un hombre que no hace fotografías. Un hombre que está en la fotografía."

Dominique Sampiero

Website

Patrick Devresse is a French photographer.

"Patrick Devresse is a man who looks. Carefully analyze the reality around him. Just that. Casually. And even looks down, smiling. With the mind elsewhere. As if making a watch on the world and life they were closely linked. His photos are like him and silences are a negative reflection intensely controlled with such a strong sensitivity to the role in which he reveals his universe. A man who don't takes photographs. A man in the photograph."

Dominique Sampiero

Website

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Jeremy Deller es un artista conceptual, de vídeo e instalaciones inglés nacido en 1966. Gran parte de la obra de Deller es en colaboración; tiene un fuerte aspecto político. En sus temas trata también la devaluación del ego artístico a través de la participación de otras personas en el proceso creativo. Ganó el Premio Turner en 2004, y en 2010 fue galardonado con la Medalla Albert de la Sociedad Real para el fomento de las Artes, Manufacturas y Comercio (RSA). Deller es conocido por su Batalla de Orgreave (2001), una recreación de la batalla real de Orgreave que ocurrió durante la huelga de los mineros británicos en 1984. De 2007 a 2011, Deller sirvió como Patrono de la Tate Gallery.

Website, Wikipedia (en inglés)

Jeremy Deller is an English conceptual, video and installation artist born in 1966. Much of Deller's work is collaborative; it has a strong political aspect, in the subjects dealt with and also the devaluation of artistic ego through the involvement of other people in the creative process. He won the Turner Prize in 2004, and in 2010 was awarded the Albert Medal of the Royal Society for the encouragement of Arts, Manufactures & Commerce (RSA). Deller is known for his Battle of Orgreave (2001),[1] a reenactment of the actual Battle of Orgreave which occurred during the UK miners' strike in 1984. From 2007 to 2011, Deller served as a Trustee of the Tate Gallery.

Website, Wikipedia

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Jean-Baptiste Mondino es un fotógrafo de modas y director musical de vídeo francés. Ha dirigido videos musicales para Madonna, David Bowie, Sting, Björk, Jaye Muller "J.", Neneh Cherry y Les Rita Mitsouko. Mondino también ha fotografiado las portadas y arte interior para los álbumes de Marianne Faithfull "Before The Poison" (2005) y "Easy Come, Easy Go" (2008), "Shakespear's Sister's Hormonally Yours" (1992), y los de Alain Bashung "Osez Joséphine" de (1991) y Chatterton (1994), y es director artístico para un documental DVD incluido con una edición especial de este último álbum, dirigido por Ann Rohart.

El video de Don Henley de "The Boys of Summer", dirigido por Mondino, barrió en los MTV Video Music Awards en 1985, ganando "Mejor Video", "Mejor Dirección", "Mejor Dirección de Arte" y "Mejor Fotografía". Este video le empareja con el director de fotografía compatriota Pascal Lebègue, con quien más tarde realizaría varios vídeos musicales notables otras en blanco y negro, como los "Rusos" de Sting y "Justify My Love" de Madonna.

Website, Wikipedia (en inglés)

Jean-Baptiste Mondino is a French fashion photographer and music video director. He has directed music videos for Madonna, David Bowie, Sting, Björk, Jaye Muller aka J., Neneh Cherry and Les Rita Mitsouko. Mondino has also photographed the covers and album packaging for the Marianne Faithfull albums Before The Poison (2005) and Easy Come, Easy Go (2008), Shakespear's Sister's Hormonally Yours (1992), Alain Bashung's Osez Joséphine (1991) and Chatterton (1994) and is Artistic Director for a DVD documentary included with a special edition of the latter album, directed by Ann Rohart.

The video for Don Henley's "The Boys of Summer", which Mondino directed, swept the MTV Video Music Awards in 1985, winning "Best Video", "Best Direction", "Best Art Direction" and "Best Cinematography". This video paired him with compatriot cinematographer, Pascal Lebègue, with whom he would later shoot several other notable music videos in black and white, such as "Russians" for Sting and "Justify My Love" for Madonna.

Website, Wikipedia

Dominique Salm

Dominique Salm es una artista jamaicana nacida en 1972. Allí pasó su niñez antes de mudarse con su familia a Hampshire, Inglaterra.

Siempre ha sido una apasionada del arte y la vida salvaje, y tras graduarse en ilustración en la Universidad de West of England, se ha ido convirtiendo en una artista talentosa y aclamada artista a nivel internacional.

Dominique tiene una gran habilidad técnica y es una aguda observadora, capaz de capturar en carácter único de la naturaleza en cada una de sus pinturas.

Trabaja básicamente con acuarelas, tierra, tintas y lápiz.

«Dos figuras inspiradoras fueron mi abuela, que era una artista y mi vecino de al lado, que era específicamente un pintor de fauna. Recuerdo entrar en el estudio de mi vecino mientras él estaba trabajando en una pintura al óleo y quedar embelesada por ella. Esto, junto con mi amor por los animales, han influenciado fuertemente mi camino actual.»

"Abrevadero / Watering Hole", lápiz y tierra roja sobre papel / pencil and Red Earth on Paper

«Tengo que ver a los animales antes para capturar su esencia. Pero tomo muchas fotos y pinto a partir de ahí. Con los animales salvajes es difícil pintar al aire libre, pero a veces las oportunidades se presentan por sí mismas. Por ejemplo, recientemente pinté algunos cachorros de león que habían quedado huérfamos y estaban siendo criados en unas instalaciones, así que pude tener acceso permanente a ellos.

Con mis pinturas de elefantes, sentía que no podía capturar la pigmentación roja del polvo del que están recubiertos, así que utilicé tierra de Kenya y la mezclé en mi obra.»

«También he intentado explorar el lado cómico de los animales, e intento darles características humanas, así la gente puede identificarse con ellos. Crecí rodeada de perros, y un spaniel en particular solía hacerme reir con sus expresiones, así que intento buscarles el lado gracioso a algunos animales que pinto.»

Dominique Salm is an artist born in Jamaica in 1972. There she spent her childhood before relocating with her family to Hampshire, England. She has always been passionate about art and wildlife completing an illustration degree in the University of West England, has becoming an skillful artist acclaimed nationally and internationally.

Dominique has great technical ability and is a keen observer, able to capture the unique character of nature in each of her paintings.

She works primarily with watercolors, colored earth, ink and pencil.

«Two inspirational figures were my grandmother who was an artist and my next door neighbour who was specifically a wildlife painter. I remember walking into my neighbour’s studio while he was working on an oil painting and being enraptured by it. This together with my love of animals heavily influenced my current path.»

«I have to go and see the animals first to capture their essence. But I’ll take many photos and paint from these. With wild animals it’s hard to paint plein air but sometimes the opportunity does present itself, for example I recently painted some lion cubs and as they had recently been orphaned they were being raised on a compound so I had constant access to them.

With my elephant paintings, I felt I couldn’t capture the red pigmentation of the dust that they’re caked in. So I used the earth from Kenya and mixed it into my work.»

"Majestuoso / Majestic"

«I’ve also tried to explore the comical side of animals and I try to give them human characteristics so people can relate to them. I grew up surrounded by dogs and one spaniel in particular always used to make me laugh with her expressions, so I try to bring out a humorous side in some of the animals I paint.»

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Los textos han sido tomado del sitio web de la artista, y de una entrevista publicada por Londonist en Mayo, 2012, que puede leerse completa (en inglés) aquí /

Texts from artist's website, and from an interview published in Londonist, May, 2012. Full text here.

Todas las imágenes son propiedad de Dominique Salm, y están sujetas a copyright /

All images are the property of Dominique Salm and are subject to copyright."

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Más imágenes e información sobre Dominique en / More images and information about Dominique in:
Website, facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Dominique!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Dominique!)

En Junio de 2013 publiqué un primer post con imágenes, información y una entrevista al muy buen fotógrafo y fotomanipulador mexicano Pierre Fudarylí.

Desde entonces ha seguido adelante con su obra, creando estupendos trabajos que podrían definirse como surrealismo erótico, en los que la luz y la figura femenina son claves.

Aquí va una selección de sus creaciones, en su mayoría de estos últimos dos años, y mi recomendación de echarle un vistazo al post anterior y a los enlaces para disfrutar del resto de su producción.

In June 2013 I published the first post with pictures, information and an interview with very good Mexican photographer and fotomanipulator Pierre Fudarylí.

Since then he has continued his work, creating great images - could be defined as erotic surrealism - in which the light and the female figure are the keys.

Here you have a selection of his creations, mostly of this two years, and my recommendation to check out the previous post and links in order to enjoy the rest of his production.

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Pierre Fudarylí

Pierre Fudarylí nació en noviembre de 1984 en la ciudad de Cancún, Quintana Roo /
Pierre Fudarylí was born in November, 1984 in the city of Cancun, Quintana Roo.

"Perséfone / Persephone", (detalle / detail)

"I'm not a good photographer, so I bet on the imagination", P.F.

Casi todas me dicen que no son modelos... hasta que lo son /

Almost all of them tell me they are not models ... until they are

Más sobre Pierre en "El Hurgador" / More about Pierre in this blog:

[Pierre Fudarylí (Fotografía, Arte digital)], [Aniversarios Fotografía (XLII)], [Héctor Pineda (Arte Digital, Dibujo, Collage)]

Más imágenes e información / More images and information:

Website, Tumblr, deviantART, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Pierre!)

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Pierre!)

Un video producido por Carlos Perucini sobre obras de Pierre /

A video produced by Carlos Perucini about Pierre's artworks

Como se hizo "Polinización cósmica" / The making of "Cosmic Pollination"

detalle / detail

Ashkan Honarvar

Ashkan Honarvar es un artista nacido en la ciudad de Shiraz, Irán, en 1980. Se crió en Holanda y se graduó con una Licenciatura en Artes Visuales y Comuniación. Actualmente vive y trabaja en Trondheim, Noruega.

Ashkan realiza complicados y coloridos collages en los que el cuerpo humano juega un papel preponderante.

"Wunderkind 2"

Los collages de Ashkan Honarvar presentan el cuerpo humano en el centro de teatros microcósmicos de dicotomías en las cuales la irracionalidad permea la lógica, la serenidad contrasta con la violencia, y el lujo segrega explotación. Trágicamente vulnerable al dolor, aunque resistente en su habilidad de curarse, el cuerpo mismo es una paradoja viviente: su vitalidad puede ser hermosa; su deformación, grotesca.

Igualmente, lo reconocible de una pintura puede ser parcialmente retenido incluso cuando su subtexto es metamorfoseado a través de la alteración morfológica. En nuestra era de la publicidad digital y el exhibicionismo en medios sociales, adulterar fotos es clave de la manipulación de la apariencia de la realidad para un beneficio egoísta. Honarvar involucra este paradigma, mientras desenmascara sus consecuencias. Se fabrica sus collages a mano, reciclando y empalmando imágenes encontradas con el fin de extraer significados frescos.

Annabel Osberg

"Iconos / Icons 2-7"

"Formas / Forms 2, 10"

«Las imperfecciones juegan un gran papel en mi obra. Siempre estoy buscando la belleza en lugares donde no se supone que la haya. Creo que inconscientemente estoy intentando buscar belleza / estética en los extremos, tan sólo para ser capaz de creer que todo está bien y que hay esperanza. Generalmente utilizo imágenes del cuerpo humano de libros de medicina que compro online o en librerías.

Esta fascinación por la imperfección está a veces ligada a las imágenes del cuerpo humano, como explicaba antes, pero también a la no visible "condición humana". Siempre me ha fascinado comprender el por qué la gente se comporta como lo hace en circusntancias extremas. Encuentro y estudio esos momentos extremos en libros de historia.»

"Credo / Creed, Magdalena 1-3"

"Los ingenieros / The Engineers 2"

«[El proceso] es diferente cada vez. Puede ser una simple imagen que dispara por completo un nuevo proyecto, o puede ser una película o leer un libro. A veces tengo una idea primero, y luego voy a por imágenes y libros para recortar, y otras veces es a la inversa, encuentro un gran libro para collage, pero necesito conectarlo con una historia / significado. Creo que siempre necesito una razón para hacer collages. Necesito contar historias. Especialmente con algunas imágenes gráficas que utilizo, necesito manejarlas con respeto y cuidado, así siempre me fuerzo a mí mismo a darles un sentido, y al hacerlo respetas más las imágenes y comprendes mejor cómo utilizarlas.

También intento no sobreutilizar ciertas imágenes. Así que después de recortar un libro para hacer collages, intento no utilizar el mismo libro para otros proyectos. De esta forma todos los proyectos tienen diferentes tipos de sentimientos y estética. Haciéndolo así, también te fuerzas a tí mismo a ser más creativo y no repetirte. Como si hicieras puzzles, pero no quisieras utilizar las mismas piezas una y otra vez; quieres nuevas piezas cada vez que finalizas un puzzle.»

"Credo Adán / Creed Adam 2"

"Credo Lilit / Creed Lilith 3, 6"

«Sobre los materiales que uso en mis proyectos... ¡los encuentro por todas partes! Veo cualquier papel impreso a mi alrededor como material potencial para collages. Hasta el más aburrido libro de los noventa sobre construcción con ladrillos en Inglaterra puede tener partes hermosas para utilizar en tus collages. El arte del collage, para mí, consiste en un 30% de mirar alrededor y comprar libros y otro material impreso, y un 70% en hacer el collage en sí mismo.

Para recortar los collages, siempre utilizo una cuchilla X-Acto (x245) con cabeza rotatoria de 360º. De esta forma puedo cortar fácilmente las partes curvas. Pero también es muy fina y afilada, así que puedes cortar fácilmente las partes muy pequeñas si es necesario.»

"Credo / Creed Magdalena 3-3"

«Durante mucho tiempo mi familia pensaba que era un raro, pero han aprendido a vivir con eso ahora. Especialmente mi madre tuvo algunas dificultades al principio, pero ahora es mi mayor fan.

Además de hacer collages, soy un auténtico friki de las películas caseras/underground. Cuanto más raras mejor. Y desde que me mudé a Noruega, disfruto mucho de la naturaleza.»

"Hexen - La caza / Hexen - The Hunt 11"

"Heroes 5, 2"

«[Mi último descubrimiento en el mundo de collage] podría ser la obra de Matthew Stone. De hecho es un fotógrafo, pero sus cubos escultóricos están más relacionados con el arte del collage. Es realmente interesante e inspirador ver que el collage puede ser interpretado de tantas maneras.» [ver más abajo]

«Veo el mundo como un gran bosque. El arte son las setas que viven aquí.

Como las setas, el arte puede decirnos mucho acerca del mundo en que vivimos. Está creado por esta fuerza invisible en el mundo visible. O sea que sí, creo que es esencial tener arte.»

"En tí la Tierra / In you the Earth 14"

Ashkan Honarvar is an artist born 1980 in the city of Shiraz, Iran. He grew up in Netherlands and graduated with a BFA Visual Arts & Communication in Utrecht. Nowadays is based in Trondheim, Norway, where he lives and works.

Ashkan creates complicated and colorful collages in which human bodies plays a key role.

Ashkan Honarvar´s collages present the human body at the center of microcosmic theaters of dichotomy in which irrationality permeates logic, serenity belies violence, and luxury secretes exploitation. Tragically vulnerable to injury yet resilient in its ability to heal, the body itself is a living paradox: its vitality can be beautiful; its deformation, grotesque.

Likewise, the recognizability of a picture can be partially retained even as its subtext is transmogrified through morphological alteration. In our age of digital advertising and social media exhibitionism, doctoring photos is key to manipulating the appearance of reality to self-serving advantage. Honarvar engages this paradigm while unmasking its consequences. He fabricates his collages by hand, recycling and splicing found images in order to distill fresh meaning.

Annabel Osberg

"Rey de los gusanos - Canción de cuna dorada / King of Worms - Golden Lullaby 3"

"Orígenes / Origins 7"

«Imperfections play a big role in my work. I’m always looking to find beauty in places you don’t expect them to be. I think subconsciously I’m trying to find beauty/aesthetics in the extremes, just to be able to believe that everything is ok and there is hope. I usually use images of the human body from medical books that I order online or in bookshops.

This fascination with the imperfection is sometimes linked to images of the human body as explained above but also the not visible ‘human condition’. It always has fascinated me to understand why people behave the way they do under extreme circumstances. I find and study these extreme moments in history books.»

"El sueño / The Dream 1, 5"

"Credo Adán / Creed Adam 4"

«[The process] Its really different each time, it can be a single image that triggers a whole new project. Or I might see a movie or read a book. Sometimes I have an idea first then I go and look for images and books to cut up and other times is the way around. I have found a great collage book but I need to connect it to a story/meaning. I believe I always need to have a reason for making collages. I need to tell stories. Especially with some graphic images I use, I need to handle them with respect and care so I always force myself to give it a meaning and by doing this you respect the images and understand better why you use them.

I also try not to over use certain images. So after cutting a book for making collages I will try not to use the same book for other projects. In that way all the projects have different kind of feeling and aesthetics. By doing this you also force your self to be more creative and you don’t repeat yourself. As if you like making puzzles but you don’t want to use the same pieces all over again. You want new pieces each time you have finished a puzzle.»

"En tí la Tierra / In you the Earth 6"

«About my materials that I use in my projects; I find them everywhere! I see every printed-paper around me as a potential collage material. Even the most boring book from the nineties about brick construction in England can have beautiful parts you can use in your collages. Collage art for me consist of 30% looking around and buying books and other printed material and 70% on making collages itself.

For cutting the collages I always use an X-Acto knife (X245) with a 360 degrees rotating head part. In that way I can easily cut-out curved parts. But its also very sharp and thin so you can easily cut-out the smallest parts if needed.»

"Credo Eva / Creed Eve 2-7"

«For a long time my family thought I was Weird but they have learned to live with it now. Especially my mom had some difficulties at first, but now she is my biggest fan.

Besides making collages, I’m a real art house/underground movie geek. The weirder the better. And since moving to Norway I enjoy the nature so much.»

"Hexen - Juicio / Hexen Judgement 11"

Izq./ Left: "En tí la Tierra / In you the Earth 12"

Der./ Right: "Rey de los gusanos - El ascenso / King of Worms - The Climb 2"

«[My last discovery in collage world] would be the works of Matthew Stone. He is actually a photographer but his sculptural cubes are more linked to collage art. It’s really interesting and inspiring to see that collage can be interpreted so many ways.» [check out below]

«I see the world as a big forest. Art is the mushroom that grows here.

Like the mushrooms, art can tell a lot about the world we live in. Its created by this invisible force in the visible world. So yes, I think its essential to have art.»

Der./ Right: "Rey de los gusanos - El ascenso / King of Worms - The Climb 1-1"

Algunas referencias / Some References

Matthew Stone

"Autorretrato con Kane / Self-portrait with Kane", 2010

Matthew Stone es un artista multimedia nacido en Londres, 1982. Aparte de las performances, vida nocturna y excursiones de moda, la carne de sus obras de arte físicas implican una exploración de la geometría del cuerpo en la fotografía. Su trabajo como fotógrafo, escultor, performer, curador y escritor ha sido bien reconocido en Londres, a pesar de ser relativamente nuevo en los Estados Unidos.

"Y mientras tocaban a dios con los dedos sus pies escribían historias en la arena /

And as they reached for god with their finger tips their toes wrote stories in the sand"

Instalación / installation, 2008

Stone se graduó en 2004 de la Universidad de las Artes de Londres, donde actualmente vive y trabaja. Ha realizado exposiciones individuales en Asia Sociedad de Terence Koh Song, y The Hole, Nueva York, Union Gallery, Londres y más recientemente V1 Gallery, Dinamarca, Copenhague. Ha sido incluido en exposiciones colectivas en el ICA de Londres y la Royal Academy, Londres, Inglaterra, Peres proejcts, Berlín, Alemania, el Centro Báltico de Arte Contemporáneo, Gateshead, Reino Unido y la Bienal de Marrakech, Marrakech, Marruecos. Su trabajo ha sido discutido en el New York Times, Interview, y Vogue Hommes.

"Una preciosa espuma fugaz / A Precious Fleeting Foam"

Impresión fotográfica sobre contrachapado de abedul /

Photographic print on birch plywood, 101,6 x 68,58 cm., 2011

Matthew Stone is a multimedia artist born in London, 1982. Aside from performance, nightlife and fashion excursions, the meat of his physical artworks involves an exploration of body geometry in photography. His work as a photographer, sculptor, performer, curator and writer has been well recognized in London, despite being relatively new to the United States.

"El cuerpo más allá / The Body Beyond", 2010

"Rutas novedosas para el éxtasis / Novel Routes to Ecstasy"

Impresión fotográfica sobre contrachapado de abedul /

Photographic print on birch plywood, 183 x 122 cm., 2011

Stone graduated in 2004 from University of the Arts London, where he currently lives and works. He has had solo exhibitions at Terence Koh’s Asian Song Society, and The Hole, New York, NY, Union Gallery, London and most recently V1 Gallery, Denmark, Copenhagen. He has been included in group exhibitions at the ICA London and the Royal Academy, London, England, Peres Proejcts, Berlin, Germany, The Baltic Center for Contemporary Art, Gateshead, UK, and the Marrakech Bienale, Marrakech, Morocco. His work has been discussed in The New York Times, Interview, and Vogue Hommes.

"Vacío invertido / Void Invert", impresión fotográfica sobre contrachapado de abedul /

Photographic print on birch plywood, 2011

Más sobre Matthew Stone en / More about Matthew Stone in:

Website, facebook

John Lopez

(Dakota del Sur, Estados Unidos / South Dakota, USA)

"Dakotah", escultura / sculpture, 2012

Website, facebook

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Daniel Danger

(afueras de Nueva Inglaterra, Estados Unidos / out of New England, USA)

“vamos a despertar, y vamos a olvidar / we’re gonna wake up, and we’re going to forget”, serigrafía a 5 colores / 5 color screenprint, 24"x 36", 2015

Website, Tumblr, facebook

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David Stephenson

(Estados Unidos / USA, 1955-) en / at Hobart, Tasmania

"Madonna degli Angeli /Madona de los ángeles / Madonna of Angels"

Website

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Cara Thayer & Louie Van Patten

(Los Angeles, California) - (Des Moines, Iowa)

en / at Bend, Oregon, Estados Unidos / USA

"Chromatic Maladies IV", óleo sobre lienzo / oil on canvas

Website, Website

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Juan Carlos Garcés Botello

(México D.F., México, 1957-)

"Inexorable tiempo / Inexorable Time"

Técnica mixta sobre yeso comprimido / mixed media on compressed plaster, 120 x 120 cm.

Website, facebook

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Julie Dillon

(Norte de California, Estados Unidos / Northern California, USA)

"Paseo vespertino / Afternoon Walk", 2012

Website, facebook

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Vladimir Hozatski

(San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia, 1955-)

"Primavera en Florencia / Spring in Florence", pintura / painting

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Alessandro Allori

(Florencia, Italia / Florence, Italy, 1535 - 1607)

(atribuido / attributed)

"Retrato de una dama / Portrait of a Lady", óleo sobre panel / oil on panel painting, c. 1560.

Museo de Arte de San Diego (California, Estados Unidos / USA)

Wikipedia, Wikimedia Commons

Más sobre Alessandro Allori en "El Hurgador" / More about Alessandro Allori in this blog:
[Aniversarios (LXXII)]
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Donald Hord

(Prentice, Wisconsin, Estados Unidos / USA, 1902-1966)

"Mañana / Morning", bahía de San Diego, Estados Unidos / San Diego Bay, USA

Wikipedia (en inglés)

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Jenny Morgan

(Salt Lake City, Utah, Estados Unidos / USA, 1982-)

"Venus con pieles / Venus in Furs", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77" x 55", 2014

Website

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Selçuk Yılmaz

(Estambul, Turquía / Istanbul, Turkey)

"Aslan / León / Lion", creado con cerca de 4000 piezas de restos de metal /

created from nearly 4,000 pieces of metal scraps

Behance, facebook

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Erin Anderson

(Waterville, Ohio, Estados Unidos / USA, 1987)

"El secuestro de Amygdala / Amygdala Hijack", óleo sobre cobre / oil on copper, 6" x 8"

Website

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Cris Pereby

(Bélgica / Belgium)

"Maternidad / Maternity", terracota con pátina / terra-cotta with patina

Website, facebook

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Edward Wesson

(Inglaterra / England, 1910-1983)

"Procesión religiosa acercándose a una iglesia / Religious Procession approaching a Church"

Pluma, tinta y acuarela / pen, ink and watercolour, 31,5 x 49,5 cm

Wikipedia

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Sir Henry Raeburn

(Escocia / Scottland, 1756 - 1823)

"El ministro esquiando / The Skating Minister", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 × 63,5 cm., 1790s.

Scottish National Gallery (Edinburgo, Escocia / Edinburgh, Scottland)

En marzo de 2005, un curador de la Galería Nacional del Retrato de Escocia sugirió que la pintura era del artista francés Henri-Pierre Danloux /

In March 2005, a curator from the Scottish National Portrait Gallery suggested that the painting was by French artist Henri-Pierre Danloux

Wikipedia, Wikipedia (obra / artwork)

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Pierre Mignard

(Troyes, Francia / France, 1612-1695)

"Cronos corta las alas de cupido / Time Clipping Cupid's Wings", 1694.

Denver Art Museum (Denver, Colorado, Estados Unidos / USA)

Wikipedia, Wikimedia Commons

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Anton (Anthony) Van Dyck

(Amberes, Bélgica / Antwerpen, Belgium, 1599-1641)

"Cronos corta las alas de cupido / Time clipping Cupid's wings", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 187 x 120 cm., c.1627. Jacquemart-André Museum (París, Francia / France)

Wikipedia, Museo Jacquemart-André

Más sobre Van Dyck en "El Hurgador" / More about Van Dyck in this blog:

[Pintando perros (XXIV)]

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Leta Sobierajski

(en / at Brooklyn, Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)

Campaña para "Odd Pears" / "Odd Pears" Campaign

Website, Behance, Tumblr, facebook

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Winold Reiss

(Karlsruhe, Alemania / Germany, 1886-1953)

"Isamu Noguchi", pastel sobre papel / pastel on paper, 73,7 x 54,6 cm., c.1929.

National Portrait Gallery (Washington, Estados Unidos / USA)

Wikipedia

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Scott Naismith

(Bellshill, Escocia / Scotland, 1978-)

"Cielo de Uig / Uig Sky", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 80 cm.

Website, deviantART, facebook

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Marko Prpić "Zets"

(Zagreb, Croacia / Croatia, 1978-)

"Sueños retorcidos / Twisted Dreams", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas", 100 x 100 cm. Marbour events 2012 (Marsella, Francia / Marseille, France)

Website, facebook

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Andrew Shaylor

(Dorking, Reino Unido / United Kingdom)

"Bisonte / Buffalo", Bear Butte, Dakota del sur / South Dakota

Website, Behance

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Guan Zeju

关则驹

(Yangjiang, Guangdong, China, 1941-)

"戏鹤 / Jugando con la grulla / Playing with Crane", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 × 60 cm., 1992

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Lado Tevdoradze

ლადო თევდორაძე

(Tbilisi, Georgia, 1957-)

"Cine al aire libre / An Outdoor Cinema"

Georgia About

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Marina Richterova

Марина Рихтерова

(Moscú, Rusia / Moscow, Russia, 1962-)

en Praga, República Checa / at Prague, Czech Republic

"Хокку / Haiku", ilustración / illustration, 43 x 60 cm.

Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.

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El 1 de Junio es el cumple de

Kenneth "Ken" Bunn, escultor estadounidense nacido 1935 en Denver, Colorado.

Ha sido un apasionado de la escultura y la anatomía desde la escuela primaria. Inmediatamente después de la escuela secundaria, asistió a una clase de anatomía en la Facultad de Medicina de la Universidad de Utah y luego como aprendiz en el Museo Nacional de Historia Natural en Washington, DC. De regreso a Denver, Bunn continuó estudiando la anatomía mientras trabajaba para el renombrado taxidermista y escultor Coloman Jonas. Bunn aceptó encargos comerciales, modelando figuras y animales, hasta finales de 1960, cuando decidió seguir una carrera como artista en la escultura.

Website

"Lobo y hueso / Wolf and Bone", bronce / bronze, 1978

El 2 de Junio es el cumple de

Isaac van Ostade, paisajista y artista de género holandés bautizado el 02 de junio 1621 en Haarlem.

Van Ostade comenzó sus estudios con su hermano, Adriaen, con quien permaneció hasta 1641, cuando comenzó su propia práctica. En un primer período sintió la influencia de Rembrandt, y esto es evidente en un Cerdo Sacrificado de 1639, en la galería de Augsburgo. Pronto encontró un estilo más acorde a sus propias inclinaciones.

Isaac muestra sus mejores cualidades en las escenas de invierno. La ausencia de follaje, el ambiente fresco y el aire tranquilo de los días fríos de enero, inmaculados por el humo o el vapor, impiden la utilización del tinte marrón, y no dejan el pintor más remedio que cambiar a una gran variedad de tonos ópalo. A continuación, las figuras surgen con un efecto magistral sobre el fondo claro. Entre las posadas de carretera son de destacar las de las colecciones del Palacio de Buckingham, la National Gallery de Londres, las colecciones de Wallace Collection y Holford en Inglaterra, los museos del Louvre, Berlín, Hermitage y Rotterdam y la colección Rothschild en Viena. La mejor de las escenas de hielo es la famosa del Louvre.

Murió en 1649.

Wikipedia (en inglés)

"Una escena invernal / A Winter Scene", óleo sobre roble / oil on oak, 48,8 x 40 cm., 1640s.

National Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

El 3 de Junio es el cumple de

Raoul Dufy, pintor fauvista francés nacido en 1877. Desarrolló un estilo colorido y decorativo que se puso de moda para diseños de la cerámica y textiles, así como esquemas decorativos de los edificios públicos. Es conocido por las escenas de eventos sociales al aire libre. Fue también un dibujante, grabador, ilustrador de libros, diseñador escénico, diseñador de muebles y planificador de los espacios públicos.

En 1895, cuando tenía 18 años, comenzó a tomar clases nocturnas de arte en la École des Beaux-Arts de Le Havre (escuela de arte municipal). Las clases fueron impartidas por Charles Lhuillier, quien había sido, cuarenta años antes, un estudiante de la notable pintor francés Ingres. Allí, Dufy se reunió Raymond Lecourt y Othon Friesz con quien más tarde compartió un estudio en Montmartre y de quién seguiría siendo un amigo de por vida. Durante este período, Dufy pintó en su mayoría paisajes normandos en acuarelas.

Los pintores de paisajes impresionistas, como Claude Monet y Camille Pissarro, influenciaron profundamente a Dufy.

Su primera exposición (en la Exposición de Artistas Franceses) se llevó a cabo en 1901. Introducido a Berthe Weill en 1902, Dufy mostró su trabajo en su galería. Luego expuso de nuevo en 1903 en el Salón de los Independientes.

Luxe, Calme et Volupté de Henri Matisse, que Dufy vio en el Salón de los Independientes en 1905, fue una revelación para el joven artista, y dirigió sus intereses hacia el fauvismo.

Murió en 1953.

Wikipedia

"Barques à / Botes en / Boats at Martigues", 65 x 54 cm., c.1908.

Courtauld Institute of Art (Londres, Reino Unido / London, UK)

El 4 de Junio es el cumple de

François Rude, escultor francés nacido 1784 en Dijon. Era el padrastro del escultor Pablo Cabet.

Trabajó en el oficio de su padre como fabricante de hornos hasta la edad de dieciséis años, pero recibió capacitación en dibujo de François Devosges, con quien aprendió que un simple contorno fuerte era un ingrediente de gran valor en las artes plásticas. En 1809 se trasladó a París desde la escuela de arte de Dijon, y se convirtió en discípulo de Pierre Cartellier, obteniendo el Gran Premio de Roma en 1812. Después de la segunda restauración de los Borbones se retiró a Bruselas, donde, probablemente debido a la intervención de el exiliado Jacques-Louis David, consiguió algo de trabajo con el arquitecto Charles Vander Straeten, quien lo empleó para ejecutar nueve bajorrelieves en el palacio de Tervuren, ahora destruido.

Su gran éxito tuvo lugar a partir de 1833, cuando recibió la cruz de la Legión de Honor por su estatua de un "Chico pescador napolitano jugando con una tortuga" (ahora en el Louvre), que también le procuró el importante engargo de todo un friso escultórico ornamental y un grupo en el Arco de Triunfo, en París.

Murió en 1855.

Wikipedia

"Bust du peintre français / Busto del pintor francés / Bust of French painter Jacques Louis David"

Mármol / marble, 86 x 75 x 50 cm., 1838. Museo del Louvre (París, Francia / France)

El 5 de Junio es el cumple de

Carlos Zúñiga Figueroa, pintor hondureño nacido en 1885.

Estudió en la Real Academia de San Fernando en la ciudad de Madrid, España, y más tarde en el Estudio Litografía y Fotografía en Tegucigalpa, Honduras.

Fue nombrado Director de la "Tipo-Litografía Nacional" por espacio de siete años consecutivos. Seguidamente entró en la política y fue Ministro y representante de Honduras en la república de Costa Rica, por espacio de cuatro años.

En 1940, fue inaugurada la Escuela Nacional de Bellas Artes (Honduras) o (E.N.B.A.) en Comayagüela con el fin de impartir clases de pintura, escultura, dibujo, música, etc. Allí el maestro Zuñiga impartiría algunas clases.

En 1951 participó - por invitación de la Embajada de España - en la Primera Bienal Iberoamericana de Arte que convocó el Instituto de Cultura Hispánica en Madrid.

Murió en 1964.

Wikipedia

"Jugando Mables / Playing Mables", óleo sobre tela / oil on canvas, 66 x 89 cm., 1939

Hoy, 6 de Junio, es el cumple de

Konstantin Apollonovich Savitsky (Константин Аполлонович Савицкий), pintor realista ruso nacido 1844 en la ciudad de Taganrog, en el pueblo Frankovka o Baronovka, llamado así por el ex gobernador Otto Pfeilizer-Frank.

Cuando Konstantin cursó el quinto grado en el Taganrog Gymnasium, su vida de su adolescente cambió inesperadamente. Sus dos padres murieron repentinamente. Kostya fue llevado por su tío, que vivía en la actual Letonia, y se convirtió en su tutor. Allí Savitsky entró en un internado privado y en 1862 se graduó y se fue a San Petersburgo, donde ingresó en la Academia Imperial de las Artes. Los contactos personales con destacados representantes de la cultura rusa - Ilya Repin, Iván Shishkin, Victor Vasnetsov, Mark Antokolski, Stasov, Nikolai Mijailovich Karamzin - tuvieron una gran influencia en el desarrollo del joven artista.

Pronto Savitsky convirtió en uno de los mejores estudiantes de la Academia Imperial de las Artes. Sus pinturas de estudiante fueron premiados con medallas de plata, y por su pintura "Caín y Abel" (1871) recibió una medalla de oro.

Después de graduarse de la Academia Imperial de las Artes el artista dedicó más de 20 años a la enseñanza de las artes en las escuelas de arte de Moscú, San Petersburgo y Penza. En 1897 Konstantin Savitsky se convirtió en miembro de la Academia.

Murió en 1905.

Wikipedia

"Ремонтные работы на железной дороге / Reparando las vías / Repairing the Railway"

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 × 175 cm., 1874.

Galería Tretyakov (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)

Textos en inglés / English translation

On June 1 is the birthday of

Kenneth "Ken" Bunn, American sculptor born 1935 in Denver, Colorado.

He has been passionate about sculpture and anatomy since grammar school. Immediately following high school, Bunn attended an anatomy class at the Medical School of the University of Utah and then apprenticed at the National Museum of Natural History in Washington, D.C. Returning to Denver, Bunn continued to study anatomy while he worked for renowned taxidermist and sculptor Coloman Jonas. Bunn accepted commercial commissions, modeling figures and animals until the late 1960's, when he decided to pursue a sculpture career as an artist.

Website

On June 2 is the birthday of

Isaac van Ostade, Dutch genre and landscape painter baptized on June 2, 1621 in Haarlem.

Van Ostade began his studies under his brother, Adriaen, with whom he remained till 1641, when he started his own practice. At an early period he felt the influence of Rembrandt, and this is apparent in a Slaughtered Pig of 1639, in the gallery of Augsburg. He soon found a style more suited to his own inclinations.

Isaac displays the best qualities in winter scenes. The absence of foliage, the crisp atmosphere and the calm air of cold January days, unsullied by smoke or vapour, preclude the use of the brown tinge, and leave the painter no choice but to ring the changes with a great variety of opal tints. Then the figures emerge with masterly effect on the light background. Amongst the roadside inns it is worth noting those in the collections of Buckingham Palace, the National Gallery, London, the Wallace Collection and Holford collections in England, the Louvre, Berlin, Hermitage and Rotterdam museums and the Rothschild collection at Vienna. The finest of the ice scenes is the famous one at the Louvre.

He died in 1649.

Wikipedia

On June 3 is the birthday of

Raoul Dufy, French Fauvist painter born in 1877. He developed a colorful, decorative style that became fashionable for designs of ceramics and textiles, as well as decorative schemes for public buildings. He is noted for scenes of open-air social events. He was also a draftsman, printmaker, book illustrator, Scenic designer, a designer of furniture, and a planner of public spaces.

In 1895, when he was 18, he started taking evening classes in art at Le Havre's École des Beaux-Arts (municipal art school). The classes were taught by Charles Lhuillier, who had been, forty years earlier, a student of the remarkable French portrait-painter, Ingres. There, Dufy met Raymond Lecourt and Othon Friesz with whom he later shared a studio in Montmartre and to whom he remained a lifelong friend. During this period, Dufy painted mostly Norman landscapes in watercolors.

The impressionist landscape painters, such as Claude Monet and Camille Pissarro, influenced Dufy profoundly.

His first exhibition (at the Exhibition of French Artists) took place in 1901. Introduced to Berthe Weill in 1902, Dufy showed his work in her gallery. Then he exhibited again in 1903 at the Salon des Independants.

Henri Matisse's Luxe, Calme et Volupté, which Dufy saw at the Salon des Indépendants in 1905, was a revelation to the young artist, and it directed his interests towards Fauvism.

He died in 1953.

Wikipedia

On June 4 is the birthday of

François Rude, French sculptor born 1784 in Dijon. He was the stepfather of the sculptor Paul Cabet.

He worked at his father's trade as a stovemaker till the age of sixteen, but received training in drawing from François Devosges, where he learned that a strong, simple contour was an invaluable ingredient in the plastic arts. In 1809 he went to Paris from the Dijon school of art, and became a pupil of Pierre Cartellier, obtaining the Grand Prix de Rome in 1812. After the second restoration of the Bourbons he retired to Brussels, where, probably owing to the intervention of the exiled Jacques-Louis David he got some work under the architect Charles Vander Straeten, who employed him to execute nine bas-reliefs in the palace of Tervuren, now destroyed.

His great success dates from 1833, when he received the cross of the Legion of Honour for his statue of a Neapolitan Fisher Boy playing with a Tortoise (now in the Louvre), which also procured for him the important commission for all the sculptural frieze ornament and one group on the Arc de Triomphe, in Paris.

He died in 1855.

Wikipedia

On June 5 is the birthday of

Carlos Zuniga Figueroa, Honduran painter born in 1885.

He studied at the Royal Academy of San Fernando in Madrid, Spain, and later in the Lithography and Photography Studio in Tegucigalpa, Honduras.

He was appointed Director of the "National Type-Lithography" for seven consecutive years. He then entered politics and was Minister and representative of Honduras in the Republic of Costa Rica, for four years.

In 1940, was opened the National School of Fine Arts (Honduras) or (ENBA) in Comayagüela order to give classes in painting, sculpture, drawing, music, etc. There the Master Zuñiga impart some classes.

In 1951 he participated - at the invitation of the Embassy of Spain - in the First Iberoamerican Biennial of Arts convened by the Institute of Hispanic Culture in Madrid.

He died in 1964.

In Wiki (in Spanish)

Today, June 6, is the birthday of

Konstantin Apollonovich Savitsky (Константи́н Аполло́нович Сави́цкий), Russian realist painter born 1844 in the city of Taganrog in the village Frankovka or Baronovka, named after former governor Otto Pfeilizer-Frank.

When Konstantin was fifth-grader at Taganrog Gymnasium, his teenager's life changed unexpectedly. Both of his parents died suddenly. Kostya was taken by his uncle who lived in present-day Latvia and became his guardian. There Savitsky entered a private boarding-school and in 1862 he graduated and left for Saint Petersburg, where he entered The Imperial Academy of Arts. Personal contacts with outstanding representatives of Russian culture - Ilya Repin, Ivan Shishkin, Viktor Vasnetsov, Mark Antokolski, Stasov, Nikolai Mikhailovich Karamzin - made a great influence on development of the young artist.

Soon Savitsky became one of the best students of the Imperial Academy of Arts. His student paintings were awarded with silver medals and for his painting "Cain and Abel" (1871) he received a gold medal.

After graduation from the Imperial Academy of Arts the artist dedicated more than 20 years to teaching arts in the art schools of Moscow, Saint Petersburg and Penza. In 1897 Konstantin Savitsky became a member of the Imperial Academy of Arts.

He died in 1905.

Wikipedia

Albert Ramos [Pintura]

Maggie Taylor [Arte digital, Fotomanipulación]

Rinocerontes (LXIV)

Recolección / Compilation (V)

Aniversarios (LXXI) [Mayo / May 17-23]

Aniversarios Fotografía (LXXI) [Mayo / May 18-24]

Angèle Etoundi Essamba [Fotografía]

Kayan Kwok [Ilustración, Diseño gráfico]

Atsushi Koyama [Pintura]

Muere Mary Ellen Mark

Lola Dupré [Collage]

Recolección / Compilation (VI)

Aniversarios (LXXII) [Mayo / May 24-31]

Aniversarios Fotografía (LXXII) [Mayo / May 25-31]

Asonancias / Assonances (I)

Dominique Salm [Acuarela]

Pierre Fudarylí (II) [Fotografía, Fotomanipulación]

Desde Irán (IX) - Ashkan Honarvar [Collage]

Recolección / Compilation (VII)

Aniversarios (LXXIII) [Junio / June 1-6]