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Aniversarios Fotografía (LXXIII) [Junio / June 1-7]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Junio es el cumple de

George Hurrell, fotógrafo estadounidense nacido en 1904, que hizo una contribución significativa a la imagen de glamour presentado por Hollywood durante los años 1930 y 1940.
A finales de la década de 1920, Pancho Barnes presentó a Hurrell al actor Ramón Novarro, y accedió a tomar una serie de fotografías de él. Novarro quedó impresionado con los resultados y las mostró a la actriz Norma Shearer, que estaba tratando de cambiar su imagen sana en algo más glamoroso y sofisticado, en un intento de conseguir el papel protagonista en la película "El Divorciado". Pidió a Hurrell que la fotografiarla en poses más provocativas que las que sus fans habían visto antes. Después de que ella mostrara estas fotografías a su marido, el jefe de producción de MGM Irving Thalberg, éste quedó tan impresionado que firmó a Hurrell a un contrato con MGM Studios, haciéndole responsable del departamento de fotografía de retrato. En 1932 Hurrell dejó MGM tras diferencias con su jefe de publicidad, y desde entonces hasta 1938 llevó adelante su propio estudio en 8706 Sunset Boulevard.
A lo largo de la década, Hurrell fotografió a cada una de las estrellas contratadas por MGM, y sus sorprendentes imágenes en blanco y negro se utilizaron ampliamente en las campañas de marketing de estas estrellas.
Murió en 1992.

"Joan Crawford", para / for MGM, 1930s

Más sobre Joan Crawford en "El Hurgador" / More about Joan Crawford in this blog:
[Aniversarios Fotografía (LIII)]


El 2 de Junio es el cumple de

Rineke Dijkstra, fotógrafa holandesa nacida en Sittard, 1959.
Dijkstra asistió a la Rietveld Academie de Amsterdam de 1981 a 1986. A continuación pasó unos años trabajando en el campo comercial, tomando retratos corporativos e imágenes para informes anuales.
Dijkstra se centra en retratos individuales, y por lo general trabaja en series, observando a grupos como los adolescentes, los clubbers y soldados, de los retratos de la playa de 1992 y en adelante, a la instalación de vídeo Buzzclub / Mysteryworld (1996-1997), la serie Tiergarten (1998 -2000) y los retratos de un sólo sujeto en transición serial: Almerisa (1994-2005), Shany (2001-2003), Olivier (2000-2003), y el Retratos en el Parque (2005-2006 ). Sus modelos se muestran a menudo de pie, frente a la cámara, contra un fondo mínimo. Este estilo de composición es tal vez más notable en sus retratos de playa, que por lo general cuentan con uno o más adolescentes contra un paisaje marino. Este estilo se ve de nuevo en sus estudios de mujeres que acaban de dar a luz.

"Retratos de la playa / Beach Portraits"


El 3 de Junio es el cumple de

Hugh Leonard Mangum, fotógrafo estadounidense nacido en 1877
La familia se mudó a Eno permanentemente en 1893, cuando Hugh tenía dieciséis años.
A partir de entonces llevó una vida de trotamundos a través de las ciudades y el campo del Sureste, fotografiando negros y blancos, niños jugando, trabajadores del campo y escenas en los alrededores de su casa en Eno. Viajó en tren en estos periplos de captura de imágenes, volviendo a menudo a Durham, tal vez cuando su dinero se acababa. A lo largo del tiempo creó muchos estudios temporales, así como tres permanentes en las ciudades de Virginia Roanoke, Pulaski, y Este Radford.
A los 16 años Hugh Mangum ya era un fotógrafo autodidacta. También había logrado cierto dominio en los óleos y acuarelas. Era músico, como otros en la familia y tocaba la mandolina, el acordeón y el piano. Se dice que fue aceptado en el Trinity College, más tarde Duke College, pero no se sabe si alguna vez asistió allí. En su lugar, fue a Winston-Salem a estudiar arte en la universidad de Salem.
Murió en 1922.

"Retrato de la colección Hugh Mangum Photographs en las Bibliotecas de la Universidad Duke /
Portrait from the Hugh Mangum Photographs collection at Duke University Libraries"
Item N673, ca. 1890-1922.


El 4 de Junio es el cumple de

Edward "Opp" Oppenheimer, premiado fotoperiodista estadounidense nacido en 1957, con sede en Moscú, Rusia. Actualmente se desempeña como Director de Fotografía para el grupo de medios de comunicación ruso Kommersant en Moscú.
A los 13 años vivió un año con su tío y su familia en Yokohama, Japón. Allí recibió su primera cámara y se convirtió en miembro del club de fotografía de la escuela. Sus dos últimos años en la secundaria trabajó como asistente de fotógrafo y laboratorio en el periódico local, The Herald and News.
Después de un breve recorrido por la Unión Soviética en 1989 Oppenheimer pronto regresó a Leningrado para estudiar ruso durante un año en la Universidad. Impresionado por los acontecimientos que se desarrollaban en la Unión Soviética en 1991, se trasladó a Moscú en 1992 y encontró trabajo como fotógrafo de Kommersant, uno de la nueva generación de periódicos que aparecieron al calor de la Perestroika. En Moscú estudió fotografía con Alexander Lapin. Durante la década de 1990 también trabajó freelance para varias publicaciones occidentales líderes y agencias de fotografía.
Oppenheimer fotografió una amplia variedad de temas sociales en Rusia. Hizo varios viajes a la región del Cáucaso Norte durante la primera guerra de Chechenia y cubrió la crisis de los rehenes en el hospital Budyonnovsk en 1995, y la crisis de Pervomayskoye en 1996 para la revista Time. Fue fotógrafo acreditado en la Duma Estatal de Rusia y el Kremlin durante la presidencia de Boris Yeltsin.

"Un hombre sentado en una caja delante de una barricada en llamas durante la Crisis Constitucional Rusa / 
A man sitting in a box in front of a burning barricade during the Russian Constitutional Crisis"
Moscú / Moscow, 5/10/1993


El 5 de Junio es el cumple de

Hank O'Neal, productor musical estadounidense, autor y fotógrafo. Es igualmente bien conocido en todas estas disciplinas
Sus primeras fotografías fueron tomadas en su adolescencia y juventud, pero O'Neal no comenzó en serio con la fotografía en hasta 1969, cuando adquirió una cámara profesional y comenzó a documentar las sesiones de grabación y conciertos de jazz que estaba produciendo. Emprendió su primer proyecto, en la zona rural del este de Texas durante los años 1970-1973. Estas fotografías llevaron a su primera exposición en septiembre de 1973, en la Galería Open Mind, en la ciudad de Nueva York.
En la década de 1970 se hizo amigo y se asoció con un grupo diverso de fotógrafos, especialmente Walker Evans, André Kertész y la más importante, Berenice Abbott, con quien trabajó durante los últimos 19 años de su vida.
Entre los años 1970 y 1999, además de la realización de muchos proyectos fotográficos, O'Neal también publicó numerosos libros relacionados con la fotografía. En 1999, a instancias de Evelyn Daitz, el director de la galería, presentó una gran retrospectiva de su obra hasta ese momento en la Galería Witkin.

"Último retrato de / Last Portrait of Berenice Abbott", Monson, Maine, Jul. 17, 1991

Más sobre Berenice Abbott en "El Hurgador" / More about Berenice Abbott in this blog:


El 6 de Junio es el cumple de

Roberto Dutesco, fotógrafo canadiense de origen rumano nacido en 1961.
Ha estado revelando la belleza de la naturaleza y el espíritu humano a través de su fotografía desde hace más de tres décadas. La primera vez que supo de la Isla Sable y sus caballos salvajes fue en 1994, e hizo su primer viaje a la isla ese mismo año. Un peligroso viaje en avioneta desde Halifax y un desembarco en la playa le llevaron a ese lugar extraordinario. Con el tiempo, y con paciencia y respeto por estas criaturas vivientes que, en ausencia de depredadores naturales, se exhiben sin miedo a los humanos, aprendió los caminos de los caballos, y en el proceso se enamoró de la isla.
Como Dutesco descubrió la isla por sí mismo a lo largo de varias visitas, capturó la belleza y el aislamiento de los caballos salvajes y su hábitat austero través de la fotografía y de película en 16 mm.. Su increíble viaje se presenta en un documental de larga duración titulado "Persiguiendo caballos salvajes", que se ha emitidos muchas veces en el CBC (Canadian Broadcasting Corporation) y otros medios de comunicación en los EE.UU. y Europa.
En 2008, el gobierno canadiense identificó la isla Sable como un tesoro nacional protegido bajo la Canada Shipping Act, Bill #227, como resultado de los esfuerzos de Dutesco. Él dice: "Esta legislación pone de relieve el hecho de que, si se quiere conservar lugares naturales como este, deben ser dejados solos. He pasado los últimos dieciocho años creyendo esto y continuaré trabajando para su preservación para el futuro ".

"Caballos salvajes de la Isla de Sable, Amor / Wild Horses of Sable Island, Love"


Hoy, 7 de Junio, es el cumple de

Tony Ray-Jones, fotógrafo inglés nacido en 1941.
Estudió en la London School of Printing, donde se concentró en el diseño gráfico. A principios de 1960 obtuvo una beca que le permitió unirse a la Escuela de Arte de la Universidad de Yale, por la fuerza de las fotografías que había tomado en el norte de África desde la ventana de un taxi. Aunque sólo tenía 19 años a su llegada a la Universidad de Yale, el talento de Ray-Jones era obvio, y en 1963 se le hicieron encargos para las revistas Car and Driver y Saturday Evening Post.
Ray-Jones se graduó en Yale en 1964 y fotografió los Estados Unidos con energía hasta su partida a Gran Bretaña a finales de 1965.
A su llegada a Gran Bretaña estaba sorprendido por la falta de interés por la fotografía no comercial, y mucho menos por la publicación de libros que la presentaran. Tampoco estaba seguro de qué tema podría seguir, pero la idea de un estudio de los ingleses en su tiempo de ocio fue tomando cuerpo. Fue capaz de trabajar en esto y al mismo tiempo en retrato y otros trabajos para Radio Times, periódicos dominicales y revistas.
Sus fotografías de festivales y actividades de ocio están llenas de un humor un tanto surrealista y muestran la influencia de fotógrafos como Henri Cartier-Bresson, Garry Winogrand, Homer Sykes y su propia colección de la obra de Sir Benjamin Stone.
Murió en 1972.

"Windsor Horse Show", 1967


Textos en inglés / English translation

On June 1 is the birthday of

George Hurrell, American photographer born in 1904, who made a significant contribution to the image of glamour presented by Hollywood during the 1930s and 1940s.
In the late 1920s, Hurrell was introduced to the actor Ramon Novarro, by Pancho Barnes, and agreed to take a series of photographs of him. Novarro was impressed with the results and showed them to the actress Norma Shearer, who was attempting to mould her wholesome image into something more glamorous and sophisticated in an attempt to land the title role in the movie The Divorcee. She asked Hurrell to photograph her in poses more provocative than her fans had seen before. After she showed these photographs to her husband, MGM production chief Irving Thalberg, Thalberg was so impressed that he signed Hurrell to a contract with MGM Studios, making him head of the portrait photography department. But in 1932, Hurrell left MGM after differences with their publicity head, and from then on until 1938 ran his own studio at 8706 Sunset Boulevard.
Throughout the decade, Hurrell photographed every star contracted to MGM, and his striking black-and-white images were used extensively in the marketing of these stars. 
He died in 1992.

On June 2 is the birthday of

Rineke Dijkstra, Dutch photographer born in Sittard, 1959.
Dijkstra attended the Rietveld Academie in Amsterdam from 1981 to 1986. She then spent a few years working commercially, taking corporate portraits and images for annual reports.
Dijkstra concentrates on single portraits, and usually works in series, looking at groups such as adolescents, clubbers, and soldiers, from the Beach Portraits of 1992 and on, to the video installation Buzzclub/Mysteryworld (1996-1997), Tiergarten Series (1998-2000), Israeli soldiers (1999-2000), and the single-subject portraits in serial transition: Almerisa (1994-2005), Shany (2001-2003), Olivier (2000-2003), and Park Portraits (2005-2006).[3] Her subjects are often shown standing, facing the camera, against a minimal background. This compositional style is perhaps most notable in her beach portraits, which generally feature one or more adolescents against a seascape.[4] This style is again seen in her studies of women who have just given birth.

On June 3 is the birthday of

Hugh Leonard Mangum, American photographer born in 1877
The family moved out to the Eno permanently in 1893, when Hugh was sixteen years old.
From this time on he led a rambling life through the cities and countryside of the Southeast, photographing blacks and whites, children at play, workers in the field, and scenes around home by the Eno. He traveled by train on these picture-taking trips, returning often to Durham, perhaps when his money ran out.Along the way he set up many temporary studios, as well as three permanent ones in the Virginia towns of Roanoke, Pulaski, and East Radford
At the age of 16 Hugh Mangum was already a self-taught photographer. He had also achieved some mastery with oils and water-colors. He was musical, like others in the family, and could play the mandolin, accordion, and piano. It is said that he was accepted at Trinity College, later Duke, but it is uncertain whether he ever attended there. Instead he went to Winston-Salem to study art at Salem College.
He died in 1922.

On June 4 is the birthday of

Edward "Opp" Oppenheimer, award-winning American photojournalist born in 1957, based in Moscow, Russia. He currently works as Director of Photography for the Russian media group Kommersant in Moscow.
At age 13 he lived a year with his Uncle and family in Yokohama, Japan. There he was given his first camera and became a member of the school’s photography club. His last two years in high school he worked as a photographer/laboratory assistant at the local newspaper, The Herald and News.
After a short tour of the Soviet Union in 1989 Oppenheimer soon returned to Leningrad to study Russian for a year at the University of Leningrad. Impressed by the events unfolding in the Soviet Union in 1991, he moved to Moscow in 1992 and found work as a photographer for Kommersant, one of the new generation of newspapers to appear on the wave of Perestroika. In Moscow he studied photography with Alexander Lapin. During the 1990s he also worked freelance for several leading western publications and photo agencies.
Oppenheimer (Opp) photographed a wide variety of social themes in Russia. He made several trips to the North Caucasus region during the First Chechen War and covered the Budyonnovsk hospital hostage crisis in 1995 and Pervomayskoye crisis in 1996 for Time magazine. He was an accredited photographer at the Russian State Duma and the Kremlin during the presidency of Boris Yeltsin.

On June 5 is the birthday of

Hank O’Neal, American music producer, author and photographer. He is equally well known in all these disciplines
His first photographs were taken as a teenager and young man but O’Neal didn’t begin to pursue photography seriously until 1969 when he acquired a professional camera and began documenting recording sessions and jazz concerts he was producing. He undertook his first project in rural East Texas during the years 1970-1973. These photographs led to his first exhibition in September 1973, at The Open Mind Gallery in New York City.
In the 1970s he became friendly and associated with a diverse group of photographers, notably Walker Evans, André Kertész and most importantly, Berenice Abbott, with whom he worked for the last 19 years of her life.
Between the years 1970 and 1999 in addition to undertaking many photographic projects, O’Neal also published numerous books related to photography. In 1999, at the urging of Evelyn Daitz, the gallery director, he had a major retrospective of his work to that point at The Witkin Gallery.

On June 6 is the birthday of

Roberto Dutesco, Romanian-born, Canadian photographer born in 1961. 
He has been revealing the beauty of nature and the human spirit through his photography for more than three decades. He first learned of Sable Island and its wild horses in 1994 and made his first trip to the island that same year. A perilous journey by small plane from Halifax and a beach landing brought him to this remarkable place. Over time, and with patience and respect for these living creatures who, in the absence of natural predators, exhibit no fear of humans, he learned the ways of the horses and fell in love with the island in the process.
As Dutesco discovered the island for himself over the course of several visits, he captured the beauty and isolation of the wild horses and their austere habitat through still photography and 16-mm film. His incredible journey is presented in a full-length documentary entitled Chasing Wild Horses, which has aired many times on the CBC (Canadian Broadcasting Corporation) and other media outlets in the U.S. and Europe.
In 2008, the Canadian government identified Sable Island as a protected national treasure under the Canada Shipping Act, Bill #227, as a result of Dutesco’s efforts. He says, “This legislation underscores the point that, if natural locations like this are to endure, they must be left alone. I have spent the last eighteen years dedicated to that belief and will continue to work for their preservation for the future.”

Today, June 7, is the birthday of

Tony Ray-Jones, English photographer born in 1941.
He studied at the London School of Printing, where he concentrated on graphic design. In the early 1960s he obtained a scholarship that enabled him to join Yale University School of Art on the strength of photographs he had taken in north Africa from a taxi window. Although only 19 on his arrival at Yale, Ray-Jones' talent was obvious, and in 1963 he was given assignments for the magazines Car and Driver and Saturday Evening Post.
Ray-Jones graduated from Yale in 1964 and photographed the United States energetically until his departure for Britain in late 1965.
On his arrival in Britain, he was shocked at the lack of interest in non-commercial photography, let alone in publication of books presenting it. He was also unsure of what subject he might pursue, but the idea of a survey of the English at leisure gradually took shape, and he was able to work on this and at the same time portrait and other work for the Radio Times, Sunday newspapers and magazines.
His photographs of festivals and leisure activities are full of a somewhat surreal humour and show the influence of photographers such as Henri Cartier-Bresson, Garry Winogrand, Homer Sykes and his own collection of the work of Sir Benjamin Stone.
He died in 1972.


Viktor Safonkin [Pintura]

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Viktor Safonkin
Виктор Сафонкин


Viktor Safonkin es un pintor nacido en agosto de 1967 en Saransk, ciudad rusa capital de la república de Mordovia.
Define su obra como Eurosurrealismo, o Surrealismo clásico europeo y simbolismo.
Es un artista ampliamente reconocido; en 2005 fue invitado a exponer en el Parlamento Europeo de Bruselas, y una de sus obras, "Crianza de Inhumanos", fue escogida por la banda Killing Joke como portada de su álbum de 2006 (ver más abajo).
De él ha dicho el Maestro surrealista Ernst Fuchs: "uno de los más brillantes artistas que he visto en mucho tiempo."

"Российская газета / La marca de los pecados / The Mark of Sins"

"Реликт / Reliquia / Relic"

Monstruo del mar Hafgufa, gigante de la mitología islandesa, madre de todas las criaturas del mar /
Monster of the see Hafgufa, giant of Icelandic mythology, mother of all sea creatures.

"Oбыденные праздники / Todos los días son vacaciones / Holiday Everyday"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 140 cm., 2011

«Disfrutaba dibujando, como todos los niños. Comprender mi entorno era aún algo lejano, pero había aromas y sentimientos, enormes ratas y dolores de cabeza. Era otra vida fuertemente influenciada por la naturaleza.
Estuve observando y examinando durante mucho, mucho tiempo, antes que todo tomara forma por sí mismo, durante muchos años, en mis convicciones y en pintura. 
¿Salió todo a la luz desde el subconsciente?
Mientras tanto terminaba la escuela secundaria y comenzaba a estudiar la técnica, donde terminé mi educación superior. No obtuve nada, y no llené ni siquiera una pequeña zona de mis hemisferios cerebrales. Me sentía inútil. El racionalismo y la rutina, sin embargo, habrían suprimido finalmente la fiebre psicodélica y alimentado mi complejo de inferioridad, si no fuera por el esfuerzo de mi subconsciente. Aferrándose a las raíces de mi infancia, reventaron las fronteras de la banalidad.
1990 no sólo fue el año de las erupciones del sol, sino también de mi cerebro. Mi corazón se me confesó y abrió la puerta de la creatividad. ¡¡¡ Crucé, para siempre, sin mirar atrás, sin dudar, dejando atrás las sombras y la incredulidad !!!»

"Soldados del Apocalipsis / Soldiers of the Apocalypse", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2007

Izq./ Left: "Hе вздумайте обижать детей / Ni pensar en ofender a los niños / 
Don't Even Think to Offend Children", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2011
Der./ Right: "Secretas puertas mágicas / Magic Secret Gates"

"Pазговор с птицами / Hablando con los pájaros / Talking with Birds", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2010

En su juventud temprana, se sintió inspirado por el arte moderno, que buscaba significados profundos en los automatismo de las imágenes no controladas por el cerebro, o sea, en el así llamado "automatismo psíquico", tanto en la esfera de lo consciente como de lo subconsciente.
(...)
Safonkin estuvo, sin embargo, interesado en los matices del automatismo de nociones libres, en el surrealismo desde dos perspectivas: en parte, comprendió el significado del automatismo simbólico de las nociones de Max Ernst, que hace hincapié en un enfoque simbólico, por ejemplo, en el frottage o el collage al azar y, en parte, pensaba en los valores del llamado automatismo rítmico gestual, como se ve por ejemplo en las obras de André Masson, que reúne imágenes del mundo alucinógeno del caos. Safonkin fue cautivado por los procesos oníricos esquizoides de Dalí y Buñuel; sin embargo, sentía que no podía identificarse plenamente con una crítica paranoica del espíritu, sobre todo en las escenas de crueldad absoluta, excesos eróticos y narcisismo. Se centró en cambio en el concepto verista de la imaginación en una forma metafísica resultante de visiones míticas.

"Чугунные головы / Cabezas de hierro fundido / Cast-Iron Heads", 70 x 80 cm.

"Balas de amor inconmensurable / Bullets of measureless love"

Por lo tanto, es lógico que Safonkin se centrara en parte en el nivel de surrealismo mítico y parcialmente en el arte de la fantasía. Desde el punto de vista del desarrollo en todo el mundo, podemos clasificar con mayor precisión el trabajo de Safonkin tan cerca del surrealismo verista de los pintores alemanes y austriacos, que se centra en las relaciones entre los seres humanos y la naturaleza. Sin embargo, el estilo Jugendstil (Art Nouveau) es ajeno a Safonkin y por eso busca la inspiración en otros lugares, es decir, en una interpretación visionaria de la naturaleza; en la apoteosis vital del universo. Él ama a las técnicas de la 'Viejos Maestros' y una concepción manierista del genio artístico; anhela un paraíso mítico.

"Los engullidores de victorias ajenas / The Gobblers of Other's Victories"

Si hablamos de las fuentes de inspiración de Safonkin el pintor, podemos mencionar sin lugar a dudas, además de Ernst Fuchs, ciertas influencias en sus pinturas de las obras de H.R. Giger y Beksinski. En particular, los valores mitológicos de Arnold Böcklin tuvieron una importancia significativa para la orientación de Safonkin. Y uno podría mencionar en particular la inspiración que obtuvo de las obras del pintor noruego Odd Nerdrum (1944). Este pintor tomó el gusto a los paisajes virtuales que representan desastres no identificables y guerreros extraños con sombreros de aviación, armas, etc. No olvidemos su pintura "El guardabosques" (1985-1986), su ciclo "Ley de hierro" (1983-1984), etc. No es de extrañar que Nerdrum haya estado creando sus obras desde 1986 en una isla volcánica. (ver más abajo)

"Mujeres burlándose del hombre / Women Teasing the Man", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2010

Viktor Safonkin is a painter born in August, 1967 in Saransk, a Russian city capital of the Republic of Mordovia.
He describe his work as Eurosurrealism, or European classic surrealism & symbolism.
Victor's work has been highly acclaimed, and in 2005 he was invited to exhibit at the European Parliament in Brussels.
The rock band Killing Joke used his Inhuman Rearing as an album cover in 2006. (see below)
Safonkin has been called "one of the most brilliant artists I have seen in a long time," by master Surrealist Professor Ernst Fuchs.

"Europa en el cerco de los Espíritus de la Guerra / The Europe in the Encirclement of War Spirits"

"La sociedad / The Society"

«I enjoyed drawing, as all children do. Understanding my surroundings was still far away, but there were smells and feelings, huge rats and headaches. It was another life strongly influenced by nature.
I had been watching and examining for a long, long time, before all of this shaped itself, after many years, into conviction and painting. It all surfaced from subconsciousness? In the mean time I finished secondary school and begun studying technical school, where I gained secondary education. It gave me nothing, and did not fill even a little area of my brain hemispheres. I was feeling useless. Rationalism and routine, however, would have finally suppressed the psychedelic fever and would have feeded my minority complexes, if it was not for the striving of my subconsciousness. Taking its roots in the childhood it bursted the frontiers of banality.
1990 was not only the year of sun eruptions, but also of my brain. My heart confessed to me and opened the gate of creativity. I crossed it, forever, without looking back, with no doubt, lost for shadow and disbelief !!!»

"сила и воля / Poder y voluntad / Power and Will", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2011

"Погасшее солнце / Sol de plata / Silver Sun", 2005

In his early youth, he became inspired by modern art that looks for deeper meanings in the automatism of images not controlled by the brain, i.e. in so-called psychic automatism, within the spheres of both subconscious and unconscious.
(...)
Safonkin was, nevertheless, interested in the nuances of the automatism of free notions in surrealism from two perspectives: in part he understood the meaning of the symbolic automatism of Max Ernst’s notions, which emphasises a symbolic approach, for example, in frottage or random collage, and in part he thought about the values of so-called gestic rhythmic automatism as seen for example in the works of André Masson who gathers images from the hallucinogenic world of chaos. Safonkin was captivated by the schizoid dream processes of Dalí and Buñuel; however, he felt he could not fully identify with a paranoid critique of the spirit, particularly with scenes of absolute cruelty, erotic excesses and narcissism. He focused instead on the veristic concept of the imagination in a metaphysical form resulting from mythic visions.

"Cazador de ballenas / Whale Hunter"

"Tres sentimientos tentadores (Sexo, Codicia y Poder) / 
Three Temptating Feelings (the Sex, the Greed and the Power)", óleo sobre lienzo / oil on canvas 2007

Therefore, it is logical that Safonkin was focused partially on the level of mythic surrealism and partially on fantasy art. From the point of view of worldwide development, we can more accurately classify Safonkin’s work as close to that of the German and Austrian painters’ veristic surrealism, which focuses on relationships between human beings and nature. However, the Jugendstil style is alien to Safonkin and so he looks for inspiration elsewhere, i.e., in a visionary interpretation of nature – in the vital apotheosis of the universe. He loves the techniques of the ‘Old Masters’ and a purposeful mannerist conception of artistic genius; he longs for a mythical paradise.

"Догма / Dogma", óleo sobre lienzo / oil on camvas, 2004

"Invasión"

"Invasión" (detalle / detail)

If we want to speak of the sources of inspiration of Safonkin the painter, we can undoubtedly mention, in addition to Ernst Fuchs, certain influences in his paintings from the works of H.R. Giger and Beksinski. In particular, the mythological values of Arnold Böcklin were significantly important to Safonkin’s orientation. And one must mention in particular the inspiration he acquired from the works of the Norwegian painter Odd Nerdrum (1944). This painter took a liking to virtual landscapes depicting unidentifiable disasters and weird warriors with aviation hats, guns, etc. Let’s not forget his painting “The Forester” (1985 – 86), his cycle “Iron Law” (1983 – 84), etc. It is no wonder that Nerdrum has been creating his works since 1986 on a volcanic island. (see below)

"Torre de Babel / Babel Tower", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 x 190 cm., 2014

Los textos están tomados del sitio web del artista, y de un artículo publicado en Sound Colour Vibration que puede leerse completo (en inglés) aquí.

Texts from artist's website and from an article published in Sound Colour Vibration you can fully read here.

Más imágenes e información sobre Victor en / More images and information about Victor in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Víctor!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Victor!)


Algunas referencias / Some References

"Crianza de inhumanos / Inhuman Rearing", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75 x 60 cm., 1999

Portada del álbum / Cover of the album"Hosannas From The Basements Of Hell"
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André Masson


André-Aimé-René Masson fue un artista francés nacido en 1896.
Comenzó sus estudios de arte a los once años en Bruselas, en la Académie Royale des Beaux-Arts, bajo la dirección de Constant Montald, y más tarde estudió en París. Luchó por Francia durante la Primera Guerra Mundial y fue herido de gravedad.
Sus primeras obras muestran un interés por el cubismo. Más tarde llegó a ser asociado con el surrealismo, y era uno de los que empleaban con más entusiasmo el dibujo automático, haciendo una serie de obras en pluma y tinta. Masson solía obligarse a trabajar bajo condiciones estrictas, por ejemplo, después de largos períodos de tiempo sin comer ni dormir, o bajo la influencia de drogas. Él creía que obligarse a sí mismo a un estado reducido de conciencia ayudaba a su arte a no ser objeto de control racional, y por lo tanto estar más cerca de los funcionamientos de su mente subconsciente. Masson experimentó con estados alterados de conciencia con artistas como Antonin Artaud, Michel Leiris, Joan Miró, Georges Bataille, Jean Dubuffet y Georges Malkine, que eran vecinos de su estudio en París.
Murió en 1987.

"Dibujo automático / Automatic Drawing", tinta sobre papel / ink on paper, 1925-6

"Doncellas de la cocina / Kitchen-maids", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,2 x 61 cm., 1962. 
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

André-Aimé-René Masson was a French artist born in 1896.
He began his study of art at the age of eleven in Brussels, at the Académie Royale des Beaux-Arts under the guidance of Constant Montald, and later he studied in Paris. He fought for France during World War I and was seriously injured.
His early works display an interest in cubism. He later became associated with surrealism, and he was one of the most enthusiastic employers of automatic drawing, making a number of automatic works in pen and ink. Masson would often force himself to work under strict conditions, for example, after long periods of time without food or sleep, or under the influence of drugs. He believed forcing himself into a reduced state of consciousness would help his art be free from rational control, and hence get closer to the workings of his subconscious mind.[citation needed] Masson experimented with altered states of consciousness with artists such as Antonin Artaud, Michel Leiris, Joan Miró, Georges Bataille, Jean Dubuffet, and Georges Malkine, who were neighbors of his studio in Paris.
He died in 1987.

"L'homme emblématique / El hombre emblemático / The Iconic Man"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 81 cm., 1939
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Zdzisław Beksiński

Zdzisław Beksiński, Autorretrato / Self-Portrait, 1955
Reproducción del álbum Photo Beksiński, publicado por la editorial BOSZ /
reproduction from the album Photo Beksiński published by the BOSZ Publishing House

Zdzisław beksiński fue un pintor , fotógrafo y escultor polaco nacido en 1929, especializado en el campo del surrealismo distópico.
Beksinski hizo sus pinturas y dibujos en lo que llamó un estilo "barroco" o "gótico". Sus creaciones se efectuaron principalmente en dos períodos: el primer período de trabajo se considera generalmente por contener color expresionista, con un fuerte estilo de "realismo utópico" y arquitectura surrealista, como un escenario apocalíptico. El segundo período presenta un estilo más abstracto, con las principales características del formalismo.
Beksinski fue asesinado en un ataque por arma blanca en su apartamento de Varsovia en febrero de 2005 por un conocido de 19 años de edad, de Wołomin, al parecer porque se negó a prestar dinero al adolescente y luego amenazarlo.

"Sin título / Untitled", acrílico sobre panel / acrylic on beaver board, 98,5 × 101 cm., 1984

"Rysunek bez tytułu / Dibujo sin título / Untitled Drawing", lápiz / pencil, 70 x 100 cm., 1968

Zdzisław Beksiński was a Polish painter, photographer and sculptor born in 1929, specializing in the field of dystopian surrealism.
Beksiński did his paintings and drawings in what he called either a 'Baroque' or a 'Gothic' manner. His creations were made mainly in two periods. The first period of work is generally considered to contain expressionistic color, with a strong style of "utopian realism" and surreal architecture, like a doomsday scenario. The second period contained more abstract style, with the main features of formalism.
Beksiński was murdered in a stabbing attack at his Warsaw apartment in February 2005 by a 19-year-old acquaintance from Wołomin, reportedly because he refused to lend the teenager any money and threatened him further.

"Fotomontaż komputerowy bez tytułu / Montaje por ordenador sin título / 
Untitled computer fotomontage", 2000-05
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Sobre los artistas citados en el artículo, ver los siguientes enlaces en "El Hurgador" / 
About the artists quoted in the article, check out the following links in this blog:

Arnold Böcklin[Arte y videos (IV)]
Odd Nerdrum[Aniversarios (X)]

Diego Fernández [Ilustración, Arte digital]

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Diego Fernández

"246", 2014

Diego Fernández es un ilustrador argentino que trabaja con herramientas digitales (Wacom, Photoshop).
Se centra en el rostro femenino, realizando retratos minimalistas, bellos y sutiles, con gran pureza de líneas, que dotan a sus personajes de un aire muchas veces melancólico. Hay una gran naturalidad en sus expresiones, lejos de todo adorno supefluo.
Su obra se ha presentado en un buen número de publicaciones, y ha participado en exposiciones colectivas en Estados Unidos y Australia.
No hay mucha más información disponible, así que disfrutemos de su obra.

"204", 2013

"214", 2013

"122", 2012

"A la moda / In Fashion", 2012

"Enmascarada / Masked", obra y detalle / work and detail, 2012

"Volando / Flying", 2010

"131", 2012 - "Realeza / Royalty", 2012

"Adoración / Adoration", 2012

"Ascension", 2012

"175", 2012

Diego Fernandez is an Argentine illustrator who works with digital tools (Wacom, Photoshop).
He focuses on the woman's face, making minimalist, beautiful and subtle portraits, with very pure lines, which give their characters an air often melancholic. There's a great naturalness in their expressions, far from any superfluous adornment.
His work has appeared in a number of publications and has participated in group exhibitions in the United States and Australia.
There's no much more information available, so enjoy his work.

"Pálida / Pale", 2012

"170", 2012

"301", 2015 - "178", 2012

"132", 2012

"312", 2015

"254", 2014

"Luto / Mourning", 2011

"289", 2015

"Sangre / Blood", 2010

"248", 2014

"Orgullo / Pride", 2011

En su facebook pueden verse muchas de sus obras en proceso, imágenes de cómo trabaja y algunas animaciones /
In his facebook can be seen many of his works in progress, images of how he works and some animations.

Más sobre Diego Fernández en / More about Diego Fernandez in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Diego!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Diego!)

1000 posts

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Primeros 1000 posts / First 1000 Posts

Hoy celebro un nuevo hito del blog publicando el post Nº 1000.
Tres años y medio desde el primero, y seguimos adelante.
Mi habitual agradecimiento a visitantes, amigos, colaboradores y, sobre todo, a los artistas.


Today I celebrate a new milestone in the blog publishing the post # 1000
Three and a half years from the first one, and moving forward.
My usual thanks to visitors, friends, collaborators and, above all, artists.

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Para los interesados en las cifras y estadísticas:

Las páginas del blog ha recibido 1.052.600 visitas, de 177 países o territorios.

Los 10 lugares desde donde más visitas se han recibido, según los datos de RevolverMaps son, en este orden:
España, México, Argentina, Estados Unidos, Colombia, Chile, Uruguay, Francia, Perú, Alemania

Se han realizado 1072 comentarios (incluidos los míos)

El blog cuenta con 300 seguidores
La página en facebook ha recibido 1127 "Me gusta"

463 artistas me han dado su autorización (directamente o a través de sus representantes o galerías) para publicar imágenes e información sobre ellos.
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For those interested in numbers and statistics:

The pages of this blog received 1.052.600 visits, from 177 countries or territories.

The 10 places from where most visits have been received, according to RevolverMaps are, in this order:
Spain, Mexico, Argentina, United States, Colombia, Chile, Uruguay, France, Peru, Germany

1072 comments have been made (including mine)

The blog has 300 followers
The facebook page has 1127 "likes"

463 artists gave me their authorization (directly or through their representatives or galleries) to publish images and information about them.

Tatiana Kazakova [Ilustración, Arte digital]

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Tatiana Kazakova
Татьяна Казакова


Muy poca información disponible de esta artista rusa nacida en Novosibirsk que, desde Moscú, realiza estos interesantes trabajos digitales.
En sus composiciones caóticas se entremezclan animales, objetos, paisajes surrealistas y platillos volantes.
La mayoría de sus obras comienzan con una ilustración a lápiz o un collage que luego es procesado y refinado digitalmente.
Sus diseños son utilizados a menudo en campañas publicitarias, portadas de libros y estampados de ropa.


"Bambúuu / Bambooo"

"Flor huevo / Flower Egg" - "Licor para las aves / Liquor for Birds"

"Luna llena / Full Moon"

La artista ha ido más allá del background de su Rusia nativa, obteniendo inspiración de gentes, culturas y lugares de otras partes del mundo, en particular Japón. 
Sus pinturas han sido exhibidas y vendidas en prestigiosas muestras en Rusia, Estados Unidos, Finlandia y Suecia.


"Fiesta en el hielo / Holiday Ice" - "Peru"

"Invitado nocturno / Night Guest"

"Elefante en el tapete / Elephant on the Mat"

Very little information is available for this Russian artist born in Novosibirsk, based in Moscow, She makes these interesting digital work.
In her chaotic compositions appear intermingled animals, objects, surreal landscapes and flying saucers.
Most of Kazakova's work begins as a pencil illustration or collage that is then edited and refined digitally, and the resulting otherworldly depictions are often featured in advertising campaigns, on book covers, and as clothing designs.

"Colmena / Hive"

"Contenedor de pinos / Pine Container" - "Roca espacial / Space Stone"



The artist has gone beyond her native Russian background, and pulls inspiration from people, cultures and settings spanning the world, Japan in particular.
Her paintings have been displayed and sold at prestigious exhibitions in Russia, the United States, Finland and Sweden. 



"OVNI / UFO"

"Submarino / Underwater" - "Pez / Fish"



Más sobre Tatiana en / More about Tatiana in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Tatiana!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Tatiana!)



Una animación de Tatiana de sus diseños / An animation by Tatiana with her designs


((())) from tk_tk on Vimeo.

Francesco Sambo [Fotografía, Fotomanipulación]

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Francesco Sambo


Francesco Sambo es un fotógrafo y artista digital italiano, que desde Venecia nos deja estas oscuras composiciones en las que se combinan humanos y animales. Los cuerpos se contorsionan y la carne se distorsiona con goma, cable y metal, sometida a experiencias físicas extremas.
Les dejo una selección de imágenes basadas en su "Bestiario", y alternando con muestras del resto de sus series.

"Bestiario / Bestiary"

"Mascarada / Masquerade"

"Bestiario / Bestiary"

"Mi cabeza en la bolsa, Erizo / My Head in the Bag, Hedgehog"

"Bestiario / Bestiary"

"Del Metallo e della Carne / Del metal y de la carne / Of Metal and Flesh"

"Egomania"

"Bestiario / Bestiary"

"Frigidaire 5"

"Bestiario / Bestiary"

"Bestiario / Bestiary"

Francesco Sambo is an Italian photographer and digital artist who from Venice leaves us these dark compositions that combine human and animal- The bodies contort and the flesh distort with rubber, metal and cable, subjected to extreme physical experiences.
Here you have a selection of images based on his "Bestiary" and alternating with samples of the other series.

"Bolsa de papel / Paperbag"

"Bestiario / Bestiary"

"HiperConexión 1 / HyperConnection 1"

"Bestiario / Bestiary"

"Frigidaire"

"HiperConexión 2 / HyperConnection 2"

"Papá Papier"

"PneHuman"

"No puedo respirar
Bombeo aire en mis pulmones
Me siento casi libre"

"I cannot breathe
I pump air into my lungs
I feel almost free"

"Autorretrato / Self Portrait"

Más sobre Francesco Sambo en / More Francesco Sambo in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Francesco!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Francesco!)

Recolección / Compilation (VIII)

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Alexander Agabekov
Агабеков Александр Суренович
(Leningrado [San Petersburgo], Rusia / 
Leningrad [St. Petersbourg], Russia, 1936-)

"Cupola", técnica mixta sobre cartón / mixed technique on cardboard, 50 x 70 cm., 2008
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Clifford Coffin
(1913-1972)

Fotografía para Vogue Estados Unidos / Photograph for Vogue America, Jun., 1949
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Théodore Géricault
(Ruan, Francia / France, 1791 - 1824)

"El beso / The Kiss", carboncillo, aguada y gouache sobre papel marrón / 
charcoal, wash and gouache on brown paper, 20 x 27,4 cm., c. 1816-1817
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)

Más sobre Géricault en "El Hurgador" / More about Géricault in this blog:
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Patricia Piccinini
(Freetown, Sierra Leona, 1965-) en / at Australia

"Tan esperado / Long Awaited"
Silicona, fibra de vidrio, cabello humano, cuero, madera contrachapada, ropa, / 
silicone, fibreglass, human hair, leather, plywood, clothing, 92 x 151 x 81 cm., 2008
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Werner Gilles
(Rheydt/Rheinland (Mönchengladbach), Alemania / Germany 1894-1961)

"Die Todesvögel / Los ángeles de la muerte / Angels of Death"
Dibujo a pluma y tinta sobre papel ligeramente texturado / 
pen and ink drawing on lightly textured paper, 35 x 50 cm., 1957
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Alexander Ermolitskii
Александр Ермолицкий
(Mogliev, Bielorrusia / Belarus) en Moscú / at Moscow

"Молчание камней / El silencio de las piedras / The silence of Stones"
Territorio de Krasnoyarsk, Parque Natural de Ergaki, Lago del Sueño / 
Krasnoyarsky Krai, National Park Ergaki, Mechta lake (Dream lake)
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Walter Schnackenberg
(Bad Lauterburg, Alemania / Germany, 1880)

"La chica decapitada y el muciélago / The Decapitated Girl and the Bat"
Pluma, tinta y acuarela sobre papel / pen, ink, and watercolor on paper, 1949
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Utagawa Kuniyoshi
歌川 国芳
(Japón / Japan, 1797 - 1861)

"Soma no furu-dairi ni Masakado no himegimi Takiyasha / 
La bruja Takiyasha y el Espectro Esqueleto / Takiyasha the Witch and the Skeleton Spectre"
Impresión xilográfica en tríptico / woodblock triptych print
36,7 x 24,8 cm. (d/r) / 36,8 x 24,7 cm. (c) 36,9 x 24,7 cm. (i/l), 1845-46.
British Museum (Londres, Inglaterra / London, England)
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Lester Bookbinder
(Nueva York, Estados Unidos / New York, USA, 1929-)

Fotografía de 1976 / 1976 Photograph
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Raphaëlle Martin
(Alemania / Germany) en Friburgo / at Freiburg

"Le fils de L'Homme / El hijo del hombre / The Son of Man"
homenaje a / tribute to Magritte, gif animado / animated gif
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Zhang Shijun
张世君
(Liangshan, Sichuan, China, 1996-)

"清妍 / Qing Yan", 100 x 130 cm.
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Carole A. Feuerman
(Estados Unidos / USA, 1945-)

"Equilibrio / Balance", óleo sobre resina / oil on resin, 36" x 32" x 18", 2008-11.
Colección de / Collection of Lois Robbins, Nueva York / New York
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Paul Gerrard
(Afueras de Liverpool, Reino Unido / Outside Liverpool, UK, 1975-)

"Unto the Locust", arte de portada para el último álbum de Machine Head
cover art for the latest Machine Head album
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Arina Grodienko
(Rusia / Russia, 1961-) en Londres, Reino Unido / at London, UK

"Apócrifa 1 y 2 / Apocrypha 1 and 2"
(de la serie 'Apócrifa de Arina' / from the series 'Apocrypha of ARINA')
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 75 cm, 100 x 55 cm
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Dylan Andrews
(Inglaterra / England, 1994-)

Dibujo al carboncillo / charcoal drawing
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John Kenn
(Dinamarca / Denmark, 1978-)

Ilustraciones en post-it / Illustrations on post-it
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Josh Sommers
(Santa Rosa, California, Estados Unidos / USA, 1978)

"Desesperación / Desperation"
En colaboración con el fotógrafo / collaborarive work with the photographer Patrick Hoff
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Luca Pierro
(Cantú, Italia / Italy, 1978-) en / at Milán

Proyecto 100 autorretratos / 100 Self-Portraits Project
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Richard Wilkinson
(en / at Brighton, Inglaterra / England)

"Genesis", ilustración / illustration, 2007
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Lebbeus Woods
(Lansing, Michigan, Estados Unidos / USA, 1940-2012)

"Casa individual / Solo House", dibujo arquitectónico / architectural drawing, 1988

Aniversarios (LXXIV) [Junio / June 7-13]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 7 de Junio es el cumple de

Charles Rennie Mackintosh, arquitecto, diseñador, acuarelista y artista escocés nacido en Glasgow en 1868.
Fue diseñador durante el movimiento post impresionista, y también el principal representante del Art Nouveau en el Reino Unido. Tuvo una considerable influencia en diseño europeo.
Mackintosh fue un admirador del japonismo, debido a su moderación y economía de medios en lugar de acumulación ostentosa, sus formas simples y materiales naturales en lugar de elaboración y artificio, el uso de la textura, la luz y la sombra en lugar de patrones y ornamentos.
En su obra arquitectónica, Mackintosh desarrolló su propio estilo: un contraste entre ángulos rectos fuertes y motivos decorativos de inspiración floral con curvas sutiles, por ejemplo el motivo Mackintosh Rose, junto con algunas referencias a la arquitectura tradicional escocesa. El proyecto que ayudó a darle reputación internacional fue la Escuela de Arte de Glasgow (1897-1909).
Murió en 1928.

"Diseño de una casa para un amante del arte / Design For A House For An Art Lover", 1901. 
Image © RIBA Library


El 8 de Junio es el cumple de

Sir John Everett Millais, pintor e ilustrador inglés nacido en 1829, uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita.
Un niño prodigio, a la edad de once Millais se convirtió en el estudiante más joven en entrar en la Royal Academy Schools. La Hermandad Prerrafaelita fue fundada en la casa de sus padres en Londres. Millais se convirtió en el más famoso exponente del estilo, su pintura "Cristo en casa de sus padres" (1850) generó una considerable controversia. A finales de la década de 1850 Millais se fue alejando del estilo prerrafaelita. Sus últimas obras fueron un enorme éxito, haciendo de Millais uno de los artistas más ricos de su época. Sin embargo, por lo general han sido consideradas por los críticos del siglo 20 como fracasos. Este punto de vista ha cambiado en las últimas décadas, ya que sus últimos trabajos han llegado a ser vistos en el contexto de cambios más amplios en el mundo del arte.
La vida personal Millais también ha jugado un papel significativo en su reputación. Su esposa Effie estuvo anteriormente casada con el crítico John Ruskin, quien había apoyado los primeros trabajos de Millais. La anulación del matrimonio y su matrimonio con Millais se han relacionado a veces con su cambio de estilo.
Murió en 1896.

"Mariana", óleo sobre caoba / oil on mahogany wood, 59,7 x 49,5 cm., 1851. 
Tate Britain (Londres, Reino Unido / London, UK)

Más sobre Millais en "El Hurgador" / More about Millais in this blog:


El 9 de Junio es el cumple de

May Stevens, artista feminista, activista política, educadora y escritora estadounidense nacida en 1924.
Entre sus obras principales se incluyen: Freedom Riders (1963), la serie "Big Daddy" (1968-1976), Ordinaria / Extraordinaria (1976), y SoHo Mujeres Artistas (1978). En 1977, fue una de las artistas destacadas discutidas en un seminario impartido por Jacqueline Musgo en el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich. El seminario se titulaba "El Movimiento de Mujeres: Iconografía, Estética".
May estudió en el Massachusetts College of Art, la Art Students League y la Académie Julian en París. Comenzó su primera serie importante de pintura en 1963, Freedom Riders (con un ensayo en el catálogo de Martin Luther King, Jr.) antes de mudarse a Nueva York en 1967, donde vivió y tuvo estudios con su esposo, Rudolf Baranik, hasta 1997. Durante ese tiempo, enseñó en la Escuela de Artes Visuales (1961-1996).
Stevens ha expuesto ampliamente toda su vida. Se trasladó a Santa Fe, Nuevo México, en 1998, y en 1999 el Museo de Bellas Artes de Boston presentó una gran retrospectiva de su obra titulada "Imágenes de Mujeres Cercanas y Lejanas 1983-1997", primera exposición del museo para una artista femenina viva.

"Artistas femeninas del Soho / Soho Women Artists"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 78" x 142",1978.
National Museum of Women in the Arts (Washington, Estados Unidos / USA)


El 10 de Junio es el cumple de

Theodor Philipsen, pintor danés nacido en 1840.
Philipsen ha sido considerado un innovador del arte danés del siglo XIX. Llevó arte danés a un nuevo nivel de impresionismo y naturalismo. Fue influenciado por el arte francés. Esta influencia comenzó desde la primera vez que estuvo en París (1874-1876). Quedó impresionado por los pintores Théodore Rousseau, Troyon Constant, y tal vez Jean-François Millet. Hizo una amistad personal con el impresionista francés Paul Gauguin quien fue también una importante fuente de inspiración para él. Viajó por muchos lugares en el mundo en busca de inspiración, incluyendo el norte de África y Andalucía. Su primera obra impresionista importante fue "Tarde de un día de otoño en el parque Jægersborg Deer" que pintó en 1886. La pintura está en el Statens Museum for Kunst. Participó en la exposición Nórdicos y Franceses Impresionistas. Otra de sus obras más famosas es "Una avenida en Kastrup", que pintó en 1892.
Una colección de obras de Philipsen se conserva en Kastrupgårdsamlingen, en Copenhague.
Murió en 1920.

"Allee bei / Una avenida en / An Avenue in Kastrup", color sobre madera / color on wood, 55 × 82 cm., 1891.
Statens Museum for Kunst (Copenhagen, Dinamarca / Denmark)


El 11 de Junio es el cumple de

Oda Krohg, de soltera Othilia Pauline Christine Lasson, pintora noruega y esposa de su maestro y colega Christian Krohg.
En 1881 se casó con el empresario Jørgen Engelhardt (1852-1921), con quien tuvo dos hijos. Se separó de Engelhardt y se divorció en 1888. En 1885 se convirtió en un estudiante de Erik Werenskiold y Christian Krohg: con este último se casaría en octubre de 1888.
En el período 1901-1909, la familia vivió en París.
Con poca educación artística formal, rápidamente absorbió el conocimiento del ambiente artístico del que formaba parte.
Sus primeros años como artista son vistos como un ejemplo de la nueva pintura romántica. Sus obras posteriores, retratos, dejan una impresión más robusta. Oda Krohg es conocida por sus paisajes.
También fue una figura central en el movimiento contracultural de los Bohemios de Christiania («Cristianía-Bohemen») en los años 1880 y 1890. Su imagen pública de "Princesa Bohemia" oscureció hasta cierto punto la impresión de que era una pintora competente.
Murió en 1935.

Obra debut, "En el Fiordo de Oslo (Farolillo japonés)" / Debut work "By the Oslofjord (Japanese lantern)"
Pastel sobre papel pegado sobre lienzo / pastel on paper glued on canvas, 66 x 99 cm., 1886.
Galería Nacional (Oslo, Noruega / Norway)


El 12 de Junio es el cumple de

Henry de Scott Tuke, artista visual inglés, ante todo pintor pero también un fotógrafo, nacido en 1929.
Su trabajo más notable fue en el estilo impresionista, y es bien conocido por sus pinturas de niños y hombres jóvenes desnudos.
Tuke se animó a dibujar y pintar desde muy temprana edad y algunos de sus primeros dibujos, de cuando tenía cuatro o cinco años, se publicaron en 1895. En 1870 Tuke se unió a su hermano William en la escuela cuáquera de Irwin Sharps en Weston-super-Mare, y permaneció allí hasta los dieciséis años.
En 1875 se matriculó en la Slade School of Art para estudiar con Alphonse Legros y Sir Edward Poynter. Inicialmente su padre pagó su matrícula, pero en 1877 Tuke ganó una beca que le permitió continuar su formación en la Slade y en Italia en 1880. De 1881 a 1883 estuvo en París donde conoció a Jules Bastien-Lepage, quien le animó pintar al aire libre. En 1885 regresó a Tuke Falmouth, donde produjo muchas de sus obras más importantes. Tuke se convirtió en un artista establecido y fue elegido miembro de pleno derecho de la Real Academia en 1914.
Murió en 1929.

"Tres compañeros / Three companions", óleo sobre lienzo / oil on canvas


Hoy, 13 de Junio, es el cumple de

Maria Helena Vieira da Silva, pintora abstraccionista portuguesa - francesa nacida en 1908.
A los once años había comenzado a estudiar seriamente dibujo y pintura en la Academia de Belas-Artes de Lisboa. En su adolescencia estudió pintura con Fernand Léger, escultura con Antoine Bourdelle, y grabado con Stanley William Hayter, todos ellos maestros en sus respectivos campos. También creó diseños textiles.
A finales de la década de 1950 Vieira da Silva fue conocida internacionalmente por sus densas y complejas composiciones, influenciados por el arte de Paul Cézanne y las formas fragmentadas, ambigüedades espaciales, y la paleta restringida del cubismo y el arte abstracto. Se la considera uno de los más importantes artistas abstractos de posguerra, aunque ella no es una pintora abstracta "pura". Su trabajo está relacionado con el Tachismo francés, el expresionismo abstracto estadounidense y el surrealismo, al igual que muchos de sus contemporáneos que estaban pintando durante la posguerra París durante la segunda mitad de la década de 1940 y principios de la de 1950.
Ella murió en 1992.

"Composición / Composition", 1955


Textos en inglés / English translation

On June 7 is the birthday of

Charles Rennie Mackintosh, Scottish architect, designer, water colourist and artist born 1868 in Glasgow.
He was a designer in the post impressionist movement and also the main representative of Art Nouveau in the United Kingdom. He had considerable influence on European design. He was born in Glasgow and he died in London.
Mackintosh was an admirer of Japonism, because of: its restraint and economy of means rather than ostentatious accumulation; its simple forms and natural materials rather than elaboration and artifice; the use of texture and light and shadow rather than pattern and ornament. 
While working in architecture, Mackintosh developed his own style: a contrast between strong right angles and floral-inspired decorative motifs with subtle curves, e.g. the Mackintosh Rose motif, along with some references to traditional Scottish architecture. The project that helped make his international reputation was the Glasgow School of Art (1897–1909).
He died in 1928.

On June 8 is the birthday of

Sir John Everett Millais, English painter and illustrator born in 1829, who was one of the founders of the Pre-Raphaelite Brotherhood.
A child prodigy, at the age of eleven Millais became the youngest student to enter the Royal Academy Schools. The Pre-Raphaelite Brotherhood was founded at his parents' house in London. Millais became the most famous exponent of the style, his painting Christ in the House of His Parents (1850) generating considerable controversy. By the late 1850s Millais was moving away from the Pre-Raphaelite style. His later works were enormously successful, making Millais one of the wealthiest artists of his day. However, they have typically been viewed by 20th-century critics as failures. This view has changed in recent decades, as his later works have come to be seen in the context of wider changes in the art world.
Millais' personal life has also played a significant role in his reputation. His wife Effie was formerly married to the critic John Ruskin, who had supported Millais' early work. The annulment of the marriage and her marriage to Millais have sometimes been linked to his change of style.
He died in 1896.

On June 9 is the birthday of

May Stevens, American feminist artist, political activist, educator, and writer born in 1924.
Major works include: Freedom Riders (1963), "Big Daddy" series (1968–1976), Ordinary/Extraordinary (1976), and SoHo Women Artists (1978). In 1977, she was one of the featured artists discussed in a seminar given by Jacqueline Moss at the Aldrich Contemporary Art Museum. The seminar was titled "The Women's Movement: Iconography, Esthetics".
May Stevens studied at the Massachusetts College of Art, the Art Students League and the Academie Julian in Paris. She began her first major painting series in 1963, Freedom Riders (with catalogue essay by Martin Luther King, Jr.) before moving to New York in 1967, where she lived and maintained studios with her husband, Rudolf Baranik, until 1997. During this time, she taught at the School of Visual Arts (1961–96).
Stevens’ has exhibited widely throughout her life. She moved to Santa Fe, New Mexico in 1998 and in 1999, the Museum of Fine Arts, Boston, had a major retrospective of her work, entitled Images of Women Near and Far 1983-1997, the museum’s first exhibition for a living female artist.

On June 10 is the birthday of

Theodor Philipsen, Danish painter born in 1840.
Philipsen has been considered an innovator of 19th century Danish art. He took Danish art into a new level of impressionism and naturalism. He was influenced by French art, this influence beginning in his first time in Paris from 1874–1876. He was impressed by the painters Théodore Rousseau, Constant Troyon, and perhaps Jean-François Millet. He made a close personal friendship with the French impressionist Paul Gauguin who was also an important source of inspiration for him. He traveled to many places in the world for inspiration including North Africa and Andalusia. His first impressionist principal work was Late Autumn Day in the Jægersborg Deer Park which he painted in 1886. The painting is currently in Statens Museum for Kunst. He participated in the exhibition Nordic and French Impressionists. Another one of his more famous paintings is An Avenue in Kastrup, which he painted in 1892.
A collection of Philipsen's works is kept at Kastrupgårdsamlingen in Copenhagen.
He died in 1920.

On June 11 is the birthday of

Oda Krohg, née Othilia Pauline Christine Lasson, Norwegian painter, and the wife of her teacher and colleague Christian Krohg.
In 1881 she married the businessman Jørgen Engelhardt (1852–1921), with whom she had two children. She split from Engelhardt in 1883, and divorced him in 1888. In 1885 she became a student of Erik Werenskiold and Christian Krohg, the latter she would marry in October 1888.
In the period 1901–1909, the family lived in Paris.
Having little formal art education, she quickly absorbed the knowledge of the artistic environment she was a part of. 
Her first years as an artist are seen as an example of new Romantic painting. Her later portrait works make another, more robust impression. Oda Krohg is known for her landscapes.
Oda was also a central figure in the anti-culture movement of the Christiania Bohemians («Kristiania-bohemen») in the 1880s and 1890s. Her public image as the "Bohemian Princess" has to some extent obscured the impression of a competent painter.
She died in 1935.

On June 12 is the birthday of

Henry Scott Tuke, English visual artist; primarily a painter, but also a photographer, born in 1929.
His most notable work was in the Impressionist style, and he is probably best known for his paintings of nude boys and young men.
Tuke was encouraged to draw and paint from an early age and some of his earliest drawings—from when he was four or five years old—were published in 1895. In 1870, Tuke joined his brother William at Irwin Sharps's Quaker school in Weston-super-Mare, and remained there until he was sixteen.
In 1875, Tuke enrolled in the Slade School of Art under Alphonse Legros and Sir Edward Poynter. Initially his father paid for his tuition but in 1877 Tuke won a scholarship, which allowed him to continue his training at the Slade and in Italy in 1880. From 1881 to 1883 he was in Paris where he met Jules Bastien-Lepage, who encouraged him to paint en plein air. In 1885, Tuke returned to Falmouth where many of his major works were produced. Tuke became an established artist and was elected to full membership of the Royal Academy in 1914.
He died in 1929.

Today, June 13, is the birthday of

Maria Helena Vieira da Silva, Portuguese-French abstractionist painter born in 1908.
At the age of eleven she had begun seriously studying drawing and painting at the Academia de Belas-Artes in Lisboa. In her teen years she studied painting with Fernand Léger, sculpture with Antoine Bourdelle, and engraving with Stanley William Hayter, all masters in their respective fields. She also created textile designs.
By the late 1950s Vieira da Silva was internationally known for her dense and complex compositions, influenced by the art of Paul Cézanne and the fragmented forms, spatial ambiguities, and restricted palette of cubism and abstract art. She is considered to be one of the most important Post-War abstract artists although she is not a "pure" abstract painter. Her work is related to French Tachisme, American Abstract expressionism, and Surrealism—as were many of her contemporaries who were painting in Post-War Paris during the mid to late 1940s and early 1950s.
She died in 1992.


Aniversarios Fotografía (LXXIV) [Junio / June 8-14]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 8 de Junio es el cumple de

Enrique Solano Montesinos (Jayro Montesinos), fotógrafo nacido en Madrid en 1970.
Mientras estudiaba, viajó durante sus veranos a Chester, Inglaterra y Montreal, Canadá. Estudió ciencias políticas en la Universidad Complutense. En 1992 viajó a San Diego, California. En 1994 vivió en Lisboa, Portugal por un año con el programa de becas Erasmus.
Enrique se graduó en 1998 y viajó a San Francisco, California. Luego regresó a España para seguir una maestría en Recursos Humanos, después de lo cual comenzó a trabajar para varias empresas. Siempre interesado en el arte contemporáneo, siguió ARCO en Madrid para "estar al día" con la escena del arte, en especial la pintura, la escultura y la fotografía contemporánea. Durante estos años estudió cursos de pintura creativa, comenzó a trabajar como asistente de varios fotógrafos y fue publicado para revistas tanto españolas como internacionales.
Jayro se dedica fundamentalmente al desnudo masculino y la fotografía homoerótica, que comenzó fotografiando amigos.

"Javier lateral / Side View"


El 9 de Junio es el cumple de

José Miguel de Miguel Ruiz, fotógrafo español nacido en 1916 en Cartagena.
Su comienzo en la fotografía se produce oficialmente en 1958, en el Foto Club Valencia. Poseía una cámara fotográfica, una Vito B de Voigtlánder, según comentarios de José Miguel " una cámara barata de paso universal, de óptica fija que incluso carecía de telémetro".
A los seis meses de su inscripción en el Foto Club obtiene el décimo premio en el Salón Nacional que organiza la entidad.
En 1961 obtiene 3er premio en el XII Salón Internacional de Almería y el primer premio en el Salón experimental del Foto Club. Al año siguiente obtiene unos 13 premios. En los años siguientes años sigue acaparando diversos premios en múltiples concursos.
En los años '80 realizó una serie de exposiciones en la Sala de Foto cine Domingo en Valencia.
Murió en 1988.

"Saltimbanquis / Acrobats", 1954 © José Miguel de Miguel


El 10 de Junio es el cumple de

Kate Polin, fotógrafa francesa autodidacta nacida en 1967.
Ella fotografía esencialmente en un solo lugar: su habitación. La necesidad, para ella, importa poco. Lo que busca en la imagen es capturar todos esos "Yo" que nosotros ignoramos. A veces en esta sala ella vuelve a sus amores, a su hijo, las personas que ama, intentando inmortalizarlas para siempre.
En el mundo romano, la imago designaba un retrato del antepasado de cera, colocado en el atrio y llevado al funeral. La imagen de la derecha, reservada para las personas nobles, les permitía establecer y mantener su linaje. Etimológicamente, la imagen incluía un retrato de un muerto. Fotografiando Kate Polin piensa puede preservar de la muerte a las personas que ama.

"Le tombeau des regrets / La tumba de los remordimientos / The tomb of regrets"


El 11 de Junio es el cumple de

Alvin Langdon Coburn, fotógrafo de principios del siglo XX (nacido en 1882) que se convirtió en una figura clave en el desarrollo del pictorialismo estadounidense. Fue el primer fotógrafo importante en hacer hincapié en el potencial visual de puntos de vista elevados y más tarde hizo algunas de las primeras fotografías completamente abstractas.
Cuando tenía dieciséis años, en 1898, conoció a su primo F. Holland Day, que ya era un fotógrafo de renombre internacional con una influencia considerable. Day reconoció el talento de Coburn y fue su mentor, animándole a tomar la fotografía como una carrera.
Day había sido invitado por la Real Sociedad Fotográfica a seleccionar impresiones de los mejores fotógrafos de Estados Unidos para una exposición en Londres. Presentó más de un centenar de fotografías, incluyendo nueve de Coburn - que en este momento sólo tenía 17 años. Con la ayuda de su primo la carrera de Coburn dio un primer paso de gigante.
En 1901 Coburn vivió en París durante unos meses para estudiar con los fotógrafos Edward Steichen y Robert Demachy.
En 1907 estaba tan bien establecido en su carrera que Shaw lo llamó "el más grande fotógrafo en el mundo", a pesar de que sólo tenía 24 años en el momento.
En 1930 Coburn había perdido casi todo interés por la fotografía. Decidió que su pasado era de poca utilidad para él, y durante el verano destruyó casi 15.000 placas de vidrio y negativos de película; su trabajo de casi de toda su vida.
Murió en 1966.

"Auguste Rodin", 1908

Más sobre Alvin Langdon Coburn en "El Hurgador" / More about Alvin Langdon Coburn in this blog:
[Manos a la obra (V)]
Más sobre Rodin en "El Hurgador" / More about Rodin in this blog:


El 12 de Junio es el cumple de

Bjorn Tagemose, fotógrafo y director creativo sueco radicado en Amberes, nacido en 1969.
Con sus raíces en los países escandinavos, combina el fuerte lenguaje de la imagen del Norte y sus experiencias con la moda de la escena popular del diseño en Amberes. Ha realizado varias exposiciones individuales en lugares como Kulturhuset en Estocolmo y el Museo del Louvre en París. El famoso Museo Groeninge de Brujas ha añadido cuatro de las fotografías de Tagemose a su colección permanente. Su trabajo ha sido publicado en libros y revistas.
Ha fotografiado las campañas internacionales y europeas consecutivamente (tanto foto fija como en película) para grandes marcas comerciales como Louis Vuitton, Lee Jeans, Adidas, Natan y cooperó con los diseñadores José Enrique Oña Selfa (Loewe), Dirk Schönberger, Walter Van Beirendonck y la mayoría de los diseñadores de Amberes.
También ha dirigido anuncios para Nike y Adidas con dioses del deporte como David Beckham y Haile Gebrselassie, o para la revista de música más popular de París, Les Inrockuptibles.

"Danza / Dance"


El 13 de Junio es el cumple de

Jacques Henri Lartigue, fotógrafo y pintor francés nacido en 1894, conocido por sus fotografías de carreras de automóviles, aviones y modelos femeninos de moda parisina.
Comenzó a tomar fotografías cuando tenía siete años. Fotografió a sus amigos y familiares jugando (corriendo y saltando), las carreras de coches de fabricación casera, haciendo cometas, planeadores, así como aviones y subidas a la Torre Eiffel. También fotografió eventos deportivos, como la Copa Gordon Bennett y el Gran Premio de Francia, los primeros vuelos de pioneros de la aviación, como Gabriel Voisin, Louis Blériot, Louis Paulhan y Roland Garros. También capturó con sus cámaras a jugadores de tenis como Suzanne Lenglen en el Campeonato de tenis de Roland Garros. Muchas de sus primeras fotografías famosas fueron capturadas originalmente estereoscopía, pero también produjo un gran número de imágenes en todos los formatos y medios, incluyendo placas de vidrio en varios tamaños, autocromos y el cine.
Aunque vendió algunas fotografías para revistas deportivas como La Vie au Grand Air, durante su mediana edad se concentró en la pintura, que también era su fuente de ingresos. Sin embargo continuó tomando fotografías y mantenido diarios escritos sobre ellas durante toda su vida. A los 69 años sus fotografías de infancia fueron "descubiertas" por Charles Rado de la agencia Rapho que presentó a Lartigue a John Szarkowski, curador del Museo de Arte Moderno, que organizó una exposición de su obra allí mismo. La revista Life publicó las fotos en 1963.
Murió en 1986.

"Jeanine Lhemann", Royan, Sept., 1926


Hoy, 14 de Junio, es el cumple de

Yasuhiro Ishimoto (石元泰博), influyente fotógrafo estadounidense de origen japonés.
Ishimoto nació en 1921 en San Francisco, California, donde sus padres eran agricultores. En 1924, la familia salió de los Estados Unidos y regresó a la ciudad natal de sus padres dentro de la actual Tosa, en la Prefectura de Kochi, Japón. Después de graduarse en la Escuela Secundaria Agrícola Kōchi, regresó a los Estados Unidos en 1939, y estudio arquitectura en la Universidad Northwestern en Chicago durante dos años. A pesar de que no completó el programa, la arquitectura ocuparía un lugar importante en su fotografía.
De 1942 a 1944 fue internado con otros japoneses-estadounidenses en el Campo de internamiento Amache (también conocido como Centro de Reubicación Granada) en Colorado. Fue aquí donde comenzó a aprender fotografía.
Se inscribió en el Departamento de Fotografía del Instituto de Diseño de Chicago en 1948 y estudió con Harry M. Callahan y Aaron Siskind, graduándose en 1952. Durante este tiempo ganó numerosos premios de fotografía, entre ellos el Premio Moholy-Nagy dos veces.
Ishimoto participó en numerosas exposiciones y recibió muchos premios.
Murió en 2012.

"Halloween", 1955. Chicago, Estados Unidos / USA


Textos en inglés / English translation

On June 8 is the birthday of

Enrique Solano Montesinos (Jayro Montesinos), photographer born 1970 in Madrid. 
While studying, he traveled during his  summers to Chester, England and Montreal, Canada.  He studied political science at the (complutense) University.  In 1992 he traveled to San Diego, CA. In 1994 he lived in Lisbon, Portugal for a year with the Erasmus Scholarship program.
Enrique graduated in 1998 and travelled to San Francisco, CA.  He then returned to Spain to pursue a masters degree in Human Resources, after which he began working for various firms. Always interested in contemporary art, he followed ARCO in Madrid to "follow" an art scene especially painting, sculpture, and contemporary photography. During these years he studied creative painting courses and started working as an assistant to various photographers and was published by both spanish and international magazines.
Jayro is devoted primarily to male nudity and homoerotic photography, which began photographing friends.

On June 9 is the birthday of

José Miguel de Miguel Ruiz, Spanish photographer born in 1916 in Cartagena.
His start in photography was officially produced in 1958 in the Photo Club Valencia. He had a camera, a Voigtlander Vito B, according to José Miguel's comments "a cheap camera universal step, fixed optical, even without rangefinder".
Within six months of their registration in the Photo Club gets the tenth prize in the National Exhibition organized by the entity.
In 1961 he obtained 3rd Prize in the XII International Exhibition of Almeria and the first prize in the experimental Hall Photo Club. The following year obtained about 13 awards. In the following years years he continues to hold several awards in many competitions.
In the 80s he made a series of exhibitions in the "Sala de Foto cine Domingo".
He died in 1988.

On June 10 is the birthday of

Kate Polin, self-taught French photographer born 1967. Because she can not see in painting, kate Polin is photography. Essentially in one place: the room. The need for her, matters little, what she's looking in the picture is capture all those "I" in us we ignore. Sometimes in this room she did return her love, her child, the people she loves to try to capture them forever.
In the Roman world, the imago designated a portrait of the ancestor of wax, placed in the atrium and carried to the funeral. The right image, reserved for noble people, allowing them to establish and maintain their lineage. Etymologically, the image therefore included a portrait of a death. By photographing Kate Polin, thinks may be preserved from death the people she loves.

On June 11 is the birthday of

Alvin Langdon Coburn, early 20th-century photographer (born 1882) who became a key figure in the development of American pictorialism. He became the first major photographer to emphasize the visual potential of elevated viewpoints and later made some of the first completely abstract photographs.
When he was sixteen years old, in 1898, he met his cousin F. Holland Day, who was already an internationally known photographer with considerable influence. Day recognized Coburn’s talent and both mentored him and encouraged him to take up photography as a career.
Day had been invited by the Royal Photographic Society to select prints from the best American photographers for an exhibition in London. He brought more than a hundred photographs with him, including nine by Coburn – who at this time was only 17 years old. With the help of his cousin Coburn’s career took a giant first step.
In 1901 Coburn lived in Paris for a few months so he could study with photographer Edward Steichen and Robert Demachy.
By 1907 Coburn was so well established in his career that Shaw called him "the greatest photographer in the world," although he was only 24 years old at the time.
By 1930 Coburn had lost almost all interest in photography. He decided that his past was of little use to him now, and over the summer he destroyed nearly 15,000 glass and film negatives – nearly his entire life’s output.
He died in 1966.

On June 12 is the birthday of

Bjorn Tagemose, Antwerp based, Swedish photographer and creative director born in 1969.
Having his roots in Scandinavia, he combines the strong image language of the North and his fashion experiences with the popular Antwerp-designer scene. He has had several solo expos in venues like Kulturhuset in Stockholm and the Louvre museum in Paris. The famous Groeningemuseum in Bruges has added four of Tagemose’s photographs to its permanent collection. His work has been published in books and magazines. 
Tagemose has shot consecutive worldwide and European campaigns (both still and film) for major commercial brands like Louis Vuitton, Lee Jeans, Adidas, Natan and co-operated with designers José Enrique Oña Selfa (Loewe), Dirk Schonberger, Walter Van Beirendonck and most of the Antwerp-designer scene.
He also directed commercials for Nike & Adidas featuring sport-gods like David Beckham and Haile Gebrselassie or for Paris' most popular music magazine Les Inrockuptibles.

On June 13 is the birthday of

Jacques Henri Lartigue, French photographer and painter born in 1894, known for his photographs of automobile races, planes and Parisian fashion female models.
He started taking photographs when he was seven. He photographed his friends and family at play – running and jumping; racing home-built race cars; making kites, gliders as well as aeroplanes; and climbing the Eiffel Tower. He also photographed sport events, such as the Coupe Gordon Bennett and the French Grand Prix, early flights of aviation pioneers such as Gabriel Voisin, Louis Blériot, Louis Paulhan and Roland Garros. He also captured in his camera, tennis players such as Suzanne Lenglen at the French Open tennis championships. Many of his initial, famous photographs were originally captured through stereo, but he also produced a vast number of images in all formats and media including glass plates in various sizes, autochromes, and film.
While he sold a few photographs to sporting magazines such as La Vie au Grand Air, during his middle-ages he concentrated on painting which also was his source of income and living. However, he continued taking photographs and maintained written journals about them throughout his life. At age of 69 his boyhood photographs were 'discovered' by Charles Rado of the Rapho agency who introduced Lartigue to John Szarkowski, curator of the Museum of Modern Art, who arranged an exhibition of his work at the museum. Life magazine published the photos in 1963.
He died in 1986.

Today, June 14, is the birthday of

Yasuhiro Ishimoto (石元泰博), influential Japanese-American photographer.
Ishimoto was born 1921 in San Francisco, California, where his parents were farmers. In 1924, the family left the United States and returned to his parents' hometown within present-day Tosa, in Kōchi Prefecture, Japan. After Ishimoto graduated from Kōchi Agricultural High School, he returned to the United States in 1939, studying architecture at Northwestern University in Chicago for two years. Though he did not complete this program, architecture would hold an important place in his photography.
From 1942 to 1944, he was interned with other Japanese Americans at the Amache Internment Camp (also known as Granada Relocation Center) in Colorado. It was here that he began to learn photography.
He enrolled in the Photography Department of the Chicago Institute of Design in 1948 and studied with Harry M. Callahan and Aaron Siskind, graduating in 1952. During this time, he won numerous photography awards, including the Moholy-Nagy Prize, which he won twice.
Ishimoto participated in many exhibitions and was awarded many times.
He died in 2012.

Peter Demetz [Escultura]

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Peter Demetz


Peter Demetz es un escultor italiano nacido en Bolzano en 1969, que vive y trabaja en Ortisei.
Estudió en la Escuela de Arte de Ortisei (1983-84), fue aprendiz en el taller de Heinrich Demetz (1984-90), y obtuvo su diploma como Maestro Escultor en 1993.
En la obra de Peter los personajes aparecen representados con minuciosidad y detalle exquisitos, y situados en ambientes al estilo de los dioramas, en los que el artista juega con la luz, el color y la perspectiva. Son recreaciones de escenas, generalmente en miniatura, en las que las actitudes y entorno ofrecen una representación teatral de las peripecias vitales de los personajes.



«La zona donde vivo tiene una tradición de 400 años de tallado en madera. Crecí rodeado de escultores en madera, y seguramente así fue como este material vivo causó impresión en mi vida. La madera fue el material de mi formación, con el cual crecí profesionalmente. Pero fue mucho después que decidí continuar trabajando con ella. Aprendí a amar su aroma, su cálida superficie, su aspecto natural. Pero esas son consideraciones sentimentales. La elección de la madera de tilo como soporte de mi arte es en parte una elección pragmática, y en parte una elección artística.
La madera tiene los elementos que necesito para hacer estas esculturas. Utilizar el tilo es una elección artística. Con su color brillante, y su veta homogénea y no obstructiva, tiene la estética que generalmente encaja con mi obra. Así que no hay romanticismo para mí cuando creo mis obras en madera. Mi atención está enfocada en la escena, en la expresión. Algo tiene que emerger en mi obra, un sentimiento indefinible o emoción. El material es secundario.»

"Reflejada / Mirrored"

«Tomo muchas fotos de gente, a veces en mi estudio, a veces en espacios públicos. Mi interés se enfoca en las posturas, la expresión corporal, si transmiten una emoción. Mirando las imágenes de esa gente, encuentro inspiración para la escena. Aquí mi imaginación crea situaciones, historias cortas, y la meta es un cierto sentimiento. De esta manera desarrollo mis proyectos y completo la mayor parte del proceso creativo, antes de comenzar a construir la pieza.»

"Sull'orlo del vulcano / Al borde del volcán / At the Edge of the Volcano"
Tilo, acrílico y neón / limewood, acrylic, neon light, 55 x 65 x 15,5 cm.

"Bagno matutino / Baño matinal / Morning Bath", tilo / limewood, 2010

«El lenguaje corporal es quizá la forma más honesta de comunicación. Ponemos más atención en controlar nuestras expresiones faciales que en nuestros movimientos corporales. Es también interesante seguir la influencia de los medios en la postura del cuerpo y el comportamiento. Especialmente en la gente joven; ellos muestran muy bien con sus cuerpos qué tipo de "cultura principal" están siguiendo.»


«Suspendido entre la existencia real hecha de vestidos, de pliegues, arrugas, jeans, suéteres, pinzas para el cabello, pequeños detalles de ropa casual, no preparada para posar para el artista, y un área blanca donde el espacio es una relación perceptible entre las perspectivas oblicuas y reales, un fondo labrado en abstracto y el peso real de los pequeños pasos y gestos de luz, el mundo de Peter Demetz no parece abrirse fácilmente a las palabras. Incluye un "aquí" y "allá", que compone y descompone la realidad de acuerdo a parámetros a la vez conocidos y desconocidos.
Estas chicas caminan, pisotean, gesticulan, se miran a sí mismas; los hombres utilizan abrigos formales, observan, meditan ... ¿Dónde están?, ¿quiénes son? Se vuelven, presa de un pensamiento repentino, observan algo que no está allí. Viven en perfectos escenarios de vetas y colores, ventanas rectangulares, en una geometría perfecta de paredes que duplican el espacio y lo abren a una especie de cavidad vaciada de las coordenadas normales de las medidas y proporciones habituales. Al mismo tiempo son retratos reales y significativos, capturados en un instante, con movimientos y aliento vivo, con gestos, con vanidad.» Beatrice Buscaroli, Boloña, 2011

"La otra hermana / The Other Sister"

«Jugando con su tridimensionalidad, "conmutando" entre la superficie y una estructura de múltiples capas, y exponiendo su volumen espacial comprimido (a menudo no exceden los 50 x 60 cm.), las esculturas de Demetz involucran al espectador en un proceso activo de mirar y participar, provocando a menudo una irritación vía inestabilidad óptica y gestalt cambiable, dependiendo del movimiento del espectador y el ángulo de visión.», Adam Budak, Graz 2011

Izq./ Left: "Aspettando l'adolescenza / Esperando la adolescencia / Waiting for the Adolescence"
Tilo, acrílico, neón / limewood, acrylic, neon light, 70 x 60 x 19,5 cm., 2011
Der./ Right: "Próximamente / Coming Soon", Tilo / limewood, 120 x 100 x 40 cm., 2010

Peter Demetz is a Italian sculptor born in Bolzano in 1969, who lives and works in Ortisei.
He studied at the Art School of Ortisei (1983-1984), later was an apprentice of Heinrich Demetz (1984-1990) and then received his degree as Master Sculptor in 1993.
In the work of Peter the characters are meticulously represented with exquisite detail, and located in environments style dioramas, in which the artist plays with light, color and perspective. They are recreations of scenes, usually in miniature, in which the attitudes and environment offer a theatrical representation of the life adventures of the characters.

"L'esposizione / La exposición / The Exhibition", tilo, acrílico, led / limewood, acrylic, led, 22 x 62 x 100 cm.


«My home area where I live has a 400 year old tradition of wood carving. I grew up surrounded by wood sculptors, and surely this way, this living material made an impression in my life. The wood was the material of my formation, with whom I grew up professionally. But it is much later that I decided to continue to work with it. I learned to love the smell, the warm surface, the natural look. But these are sentimental considerations. The choice of lime wood as a support to my art is in part a pragmatic choice and in part an artistic choice.
Wood has the features that I need to make these sculptures. Using lime wood is an artistic choice. With its bright color and very homogeneous and unobtrusive grain, it has the aesthetics that is currently suitable for my works. So there is no romanticism for me, when I create my works in wood. My focus is on the scene, on the expression. Something has to emerge, an indefinable feeling or emotion in my work. The material has to be second in line.»

"Ho deciso / He dedidido / I decided", tilo / limewood, 46,5 x 41 x 13,5 cm., 2009

«I take many photos of people, sometimes in my studio, sometimes in public areas. My interest is focused towards the posture, the body’s expression, if they transmit an emotion. Looking the pictures of these people, I find inspiration for a scene. Here my imagination creates situations, short stories, and a certain feeling as the goal. In this way I develop my projects and complete the biggest part of the creative process, before beginning to build the piece.»


Izq./ Left: "Il pensiero / La idea / The Thought", tilo / limewood, 55 x 50 x 13,5 cm., 2011
Der./ Right: "La partenza / La partida / The Departure"
Tilo, acrílico, led / limewood, acrylic, led, 70 x 60 x 19,5 cm., 2012

«The body language is perhaps the most honest kind of communication. We have more focus on controlling our facial expressions than our body movements. It is also interesting to follow the influence of the media on body posture and behavior. Especially the young people, they are showing very well with their bodies what kind of “main culture” they are following.»


«Suspended between the real existence made of dresses folds, wrinkles, jeans, sweaters, hair clips, little particulars of casual clothes, not prepared to pose for the artist and a white area where the space is a perceivable relationship between skew and real perspectives, a background carved out in the abstract and the real weight of small steps and light gestures, the world of Peter Demetz does not seem to easily open up the words. It includes a “here” and “beyond”, which composes and decomposes reality according to well-known and unknown parameters at the same time.
These girls walk, ride roughshod over the floor, gesture, look at themselves, men wear formal coats, observe, meditate ... Where they are, who they are. They turn, seized by a sudden thought, they observe something that is not there. They live in perfect theaters of veins and colors, rectangular windows, in a perfect geometry of walls that double the space and open it in a sort of cavity emptied from the normal coordinates of the usual measures and ratios. At the same time they are real and meaningful portraits, instantly captured, vivid breaths and movements, mannerisms, vanity.»
Beatrice Buscaroli, Bologna, 2011

Izq,/ Left: "C'è Luce in piazza / Hay luz en la plaza / There's a Light on the Square"
115 × 100 × 29,5 cm, 2013
Der./ Right: "All'entrata sul palcoscenico / La entrada en el escenario / Entrance on Stage"
Tilo / limewood, 120 x 100 x 40 cm., 2010


«Playing with their threedimensionality, "commuting" between the surface and multilayered structure and exposing their compressed spatial volume (often not exceeding the size of ca 50 cm x 60 cm), Demetz’s sculptures engage the spectator in an active process of viewing and participating, provoking often an irritation via optical instability and changable gestalt, depending upon the spectator’s movement and an angle of viewing. » Adam Budak, Graz 2011


"Hombre en una habitación gris / Man in a Gray Room", tilo / limewood, 55 x 65 x 15,5 cm., 2012
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Los textos están tomados del sitio web del artista y de una entrevista de Maria Martens Serrano publicada en Marzo de este año en Artdependence Magazine que puede leerse completa (en inglés) aquí.

Texts from artist's website and from an interview by Maria Martens Serrano published on March, 2015 in Artdependence Magazine you can fully read here.

Más sobre Peter Demetz en / More about Peter Demetz in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Peter!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Peter!)



Un informe de Manuela Vontavon publicado en 2012 por Südtirol Heute con imágenes de Südtirol - 3sat. Desgraciadamente está sólo en alemán, pero es interesante porque permite ver al artista trabajando y algunas perspectivas de sus obras.

A report by Manuela Vontavon published in 2012 by Südtirol Heute with images of Südtirol - 3sat. Unfortunately it is only in German, but it is interesting because you can see the artist at work and some perspectives of his works.



Dariusz Zielinski (II) [Escultura]

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Dariuz Zieliński

Dariusz Zielinski

En marzo de este año publiqué una primera selección de obras de este escultor polaco cuya obra me encanta, junto con una entrevista en la que me comentaba algunas cuestiones interesantes sobre sus creaciones y cómo trabaja. Posteriormente también compartí imágenes de sus bellísimos rinocerontes. Ahora les dejo una nueva selección con más imágenes de su obra para disfrutar.


"Moto del tiempo / Time Motorbike", bronce / bronze, 23 x 46 cm.

"¿Quién está inflando el pimiento / Who is Pumping Paprica?", bronce / bronze, 20 x 21 cm.

"Dos caballos / Two Horses", bronce / bronze, 42 x 40 cm.

"Al feliz no le importa el tiempo / Happy don't Count a Time", 28 x 54 cm.

"Lobo / Wolf", bronce / bronze, 35 x 15 cm.

"Mamut / Mammoth", 24 x 44 cm.

"Motocyklowa para / Pareja en moto / Pair on a Motorbike", 31 x 62 cm.

Izq./ Left. "Caballo de tres patas / Three Leg Horse", 45 x 15 cm.
Der./ Right: "Bicicleta máquina del tiempo / Time machine bike", 102 x 40 cm.

In March this year I published a first selection of works by this Polish sculptor whose work I love, together with an interview in which he answered me some interesting questions about his creations and how it works. Later I also shared pictures of his beautiful rhinos. Here you have a new selection with more images of his work to enjoy.

"Pareja con paraguas al viento / Umbrella Pair on a Wind" 63 x 44 cm.

"Dragón / Dragon", 32 x 45 cm.

"e-Observador / e-Observer", bronce / bronze, 39 x 25 cm.

"Araña / Spider", bronce / bronze, 31 x 18 cm.

"Beso / Kiss", bronce / bronze, 28 x 7 cm.

"Pareja tirando de un globo / Pair pulling a globe", 32 x 42 cm.

"Violinista con agujeros / Violin Player with Holes", bronce / bronze, 46 x 28 cm.

"Velloncino de oro / Golden Fleece", bronce / bronze, 32 x 20 cm.

"Gran pez malo / Big bad Fish", bronce / bronze, 31 x 41 cm.

Más sobre Dariusz en "El Hurgador" / More about Dariusz in this blog:

Más imágenes e información sobre Dariusz en / More images and information about Dariusz in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Dariusz!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Dariusz!)

Julie Bell [Pintura]

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Julie Bell

Julie Bell pintando / painting"Lobos de Lakota / Lakota Wolves"

Julie Bell es una conocida artista nacida en Beaumont, Texas, en 1958. Comparte su vida y estudio con el también artista Boris Vallejo.
Desde una edad muy temprana sintió que estaba destinada a convertirse en artista profesional, pero cuando llegó el momento de convertir su sueño en realidad, fue en el campo de la ilustración de Fantasía y Ciencia Ficción donde encontró su hogar.

"Lobo Alfa / Alpha Wolf", óleo sobre tabla / oil on wood, 18" x 24"

"Susurros de caballo / Horse Whispers", óleo sobre lino / oil on linen, 60" x 48"

Durante años, Julie trabajó en la pintura fantástica, como artista creando sus propias composiciones, y como modelo para las de Boris. En este sentido, la figura humana ha sido siempre muy importante para ella. «Siempre he sentido fascinación por la forma humana, y esa es una de las razones por las que comencé a hacer fisicoculturismo. Esta disciplina me hizo ser más consciente de los músculos y la estructura esquelética del cuerpo, de lo que lo hubiera sido sin ella. También me ayudó a comprender el movimiento. Estudié danza muchos años (ballet, tap, gimnástica, danza moderna), todo lo cual me ayudó a comprender las líneas que se creaban con las diferentes poses. Utilizo toda esta formación y conocimiento cuando tengo modelos posando para mí o cuando estoy creando una pintura.»

"Jardín de flamencos / Flamingo Garden", óleo sobre lino / oil on linen, 18" x 24" 

"Nonie", óleo sobre table / oil on wood, 24" x 18", 2012

«Siempre he amado la mitología. Por supuesto estaba muy influenciada por Boris, pero antes de eso estaba realmente interesada en la obra de Edmund Dulac (ver más abajo), y otros artistas de cuentos de hadas. Esas eran acuarelas, así que es una cosa muy diferente, pero aún tenían esa fantasía para el uso del color y el diseño. Creo que la fantasía nos permite utilizar nuestros cuerpos de la forma que queremos en las pinturas; es tan divertido tener libertad cuando creas. Los entornos de fantasía te dan libertad.»

"Hada, boceto / Fairy, Sketch", 2001

"Lobos de Lakota / Lakota Wolves", óleo sobre lino / oil on linen", 60" x 48"

En el 2000 recibió un encargo de TOR Books para pintar las portadas de una serie de novelas de fantasía cuyo personaje principal era un lobo con poderes mágicos. Para obtener referencias para el encargo, visitó la reserva de lobos de Lakota y, al finalizar una sesión vespertina de fotografías, se había enamorado de los lobos.
El éxito de su primera pintura de lobos trajo consigo más encargos de animales así como peticiones privadas que incluían caballos. Ahora ha encontrado un nuevo sentido a sí misma pintando los animales tal como son, sin poderes sobrenaturales.

"Salto / Leap", 2012

"Quakertown Horse", óleo sobre tabla / oil on wood, 24" x 18"

«Cuando pinto animales con toda su belleza y naturaleza salvaje, experimento una suerte de sentimiento de ser "una con el universo", como el que describe la gente que medita. Es a la vez reconfortante y excitante, la naturaleza tal como es. Sé que sin lugar a dudas que se trata de lo que estaba destinada a hacer.»

"Norn Fates", óleo sobre panel / oil on artist board, 30" x 40"

Julie ha ganado dos premios Chelsea, y es la diseñadora de la popular y premiada serie Dragons of Destiny. También ha ganado numerosos primeros premios en el Salon de Art Renewal Center y nombada "Living Master"

"Hermanos de sangre / Blood Brothers", óleo sobre tabla / oil on wood, 18" x 24"

"Pegaso / Pegasus", grafito / graphite, 18" x 13", 2008

Julie Bell is a well known artist born in Beaumont, Texas in 1958. She shares her life and her studio in Pennsylvania with her husband, Boris Vallejo.
She felt from an early age that she was destined to become a professional artist. But when the time came that she wanted to bring this dream to reality, it was in the field of fantasy/science fiction illustration that she found her home.

"Nariz rosa / Pink Nose", óleo sobre tabla / oil on wood, 8" x 10", 2012

"Bermellón / Vermilion", óleo sobre lino / oil on linen, 30" x 30"

For years Julie worked on fantastic painting, both as artist creating her own compositions and as a model for Boris. In this sense, the human figure has been always very important for her. «I have always had a fascination for the human form, and that's one of the reasons I started bodybuilding. Bodybuilding did make me much more aware of the muscles and skeletal structure of the body than I would have been without it. Also, it helped me in understanding movement. I studied many years of dance -- ballet, tap, gymnastics, modern dance -- all of which helped me understand the lines that are created with specific poses. I use all of this background and knowledge when I have models pose for me or when I create a painting.»

"Divinos recuerdos, boceto / Divine Memory, Sketch", 2001

"Odin", óleo sobre tabla / oil on wood, 9" x 12", 2007

«I’ve always loved mythology. Of course I was really influenced by Boris, but before that I was really interested in the work of Edmund Dulac (see below), and other fairytale artists. These are watercolours so it was a very different kind of thing, but it still had that fantasy use of colour and design. I figure fantasy allows us to use the bodies in a way that we want to in the paintings, it’s so fun to be free when you are creating. Fantasy settings give you freedom.»

"Un sueño sobre un árbol y un dragón / A Dream about a Dragon and a Tree", 2012

"Sombras / Shadows", óleo sobre tabla / oil on wood, 18" x 24"

In 2000, she was given an assignment by TOR Books to paint covers for a series of fantasy novels that starred a large wolf with magic powers. To get reference material for her assignment, she visited the Lakota Wolf Preserve and, by the end of the afternoon photo session, she had fallen in love with the wolves.
The success of that first wolf painting brought more animal assignments as well as private commissions which included horses. Now she is finding a new sense of herself in painting the animals just as they are, without supernatural powers.


"Cabeza de lobo / Wolf Head", grafito / graphite, 18" x 13", 2000

La orden de los lobos / The Order Of Wolves", óleo sobre tabla / oil on wood, 18" x 24", 2009

«When I’m painting animals with all their beauty and wild nature, I experience the kind of at-one-with-the-universe feeling described by people who meditate.  It’s both soothing and exciting, the way nature itself is. I know without a doubt that this is what I was meant to do.»

"Lo que yo quiera / Whatever I Want", 2004

"Dios oscuro / Dark God", 2003

"El Vitral", 1999

Julie has won two Chelsea Awards and was the designer of the popular and award-winning Dragons of Destiny series. She also has won numerous first place awards in the Art Renewal Center’s International Salon and has been named as a Living Master.

"Vuelo fantástico / Fantasy Flight", 2003

"Serpent Sage", 1990

"Reino Inmortal / Immortal Realm", 2001
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Los textos están tomados del sitio web de la artista, de una entrevista publicada en GamesRadar+ en Julio, 2010 (completa en inglés aquí), y de otra realizada por Stephen Smith para Crescent Blues, Volumen 4, Nº4, que puede leerse completa, también en inglés, aquí.

Texts from artist's website, from an interview published in GamesRadar+, July 2010 you can fully read here, and another one by Stephen Smith in Crescent Blues, Volume 4, Issue 4. Full text here.

Más imágenes e información sobre Julie en / More images and information about Julie in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Julie!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Julie!)



Julie Bell habla de su pintura para la portada del ebook para el libro ocho de La Rueda del Tiempo, "El sendero de las dagas", de Robert Jordan /
Julie Bell discusses her painting for the ebook cover of book eight of the Wheel of Time, "The Path of Daggers" by Robert Jordan



"Sendero de las dagas / Path of Daggers", 22″ x 16″



Algunas referencias / Some references

Edmund Dulac


Edmund (Edmond) Dulac fue un ilustrador de revistas, libros y diseñador de sellos británico de origen francés.
Nacido 1882 en Toulouse, estudió derecho, pero más tarde volvió para estudiar arte en la École des Beaux-Arts. Se trasladó a Londres a principios del siglo XX y en 1905 recibió su primer encargo para ilustrar las novelas de las hermanas Brontë. Durante la Primera Guerra Mundial, Dulac produjo libros de relieve y cuando después de la guerra de mercado de los libros de los niños de lujo se redujo se volvió a las ilustraciones de revistas, entre otros emprendimientos. Él diseñó los billetes durante la Segunda Guerra Mundial y los sellos de correos, sobre todo los que anunciaban el comienzo del reinado de la reina Isabel II.

"La sirenita, El rey Tritón (o Sireno) / The Little Mermaid, The Merman King"
Cuentos de Hans Andersen con ilustraciones de / Stories from Hans Andersen, with illustrations by Dulac.
London, Hodder & Stoughton, Ltd., 1911

El Rubaiyat de Omar Khayyam ilustrado por / Rubaiyat of Omar Khayyam, illustrated by Edmund Dulac

Edmund (Edmond) Dulac was a French-born, British naturalised magazine illustrator, book illustrator and stamp designer.
Born 1882 in Toulouse, he studied law but later turned to the study of art the École des Beaux-Arts. He moved to London early in the 20th century and in 1905 received his first commission to illustrate the novels of the Brontë Sisters. During World War I, Dulac produced relief books and when after the war the deluxe children's book market shrank he turned to magazine illustrations among other ventures. He designed banknotes during World War II and postage stamps, most notably those that heralded the beginning of Queen Elizabeth II's reign.

"El ruiseñor / The Nightingale"
Cuentos de Hans Andersen con ilustraciones de / Stories from Hans Andersen, with illustrations by Dulac.
London, Hodder & Stoughton, Ltd., 1911

"La sirenita, El príncipe / The Little Mermaid, The Prince"
Cuentos de Hans Andersen con ilustraciones de / Stories from Hans Andersen, with illustrations by Dulac.
London, Hodder & Stoughton, Ltd., 1911
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Sobre Boris Vallejo en "El Hurgador" / About Boris Vallejo in this blog:

Laurent Baheux [Fotografía]

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Para Laurent Baheux, "África es una tierra de luz y contrastes", por lo que su obra es en blanco y negro, y nunca se ha planteado publicarla en color. Sus dramáticas tomas de grandes mamíferos, frecuentemente primerísimos planos, reflejan toda la intensidad de la vida salvaje, su carácter y a la vez su fragilidad.

For Laurent Baheux, "Africa is a land of light and constrast", so his work is in black and white, and have never thought to publish it in color. His dramatic shots of large mammals, often close-ups, reflect the intensity of wild life, its character and also its fragility.
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Laurent Baheux


Laurent Baheux es un fotógrafo autodidacta francés, nacido en Poitiers en 1970.
Su foco principal son los grandes mamíferos africanos, fotografiados en blanco y negro, con fuertes contrastes.
Su práctica y conocimiento del mundo del deporte le abrió las puertas de las principales agencias de fotografía. De ahí en adelante, ha realizado la cobertura de las más importantes competiciones.
Siempre ha estado fascinado por África.

"Scarface, león al viento / Lion in the Wind", Kenya, 2013 © Laurent Baheux

."Hipopótamo / Hippopotamus" © Laurent Baheux

En 2003, durante una visita a Tanzania, comenzó su obra personal sobre la vida salvaje; su belleza, fuerza, dureza y gran fragilidad. Escogió el blanco y negro, con sus juegos de sombras, luz y contrastes, para inmortalizar escenas raras y efímeras de la naturaleza, intentando constantemente sublimar a los animales para capturar la magnificencia de sus actitudes, la emoción de su mirada... A través de esta auténtica búsqueda, Laurent busca mostrar la vitalidad de esas especies mientras aún están vivas, aunque más amenazadas que nunca, y la inmensa riqueza que representan para el planeta.

"Guepardo / Cheetah" © Laurent Baheux

"Explosión del polvo I / Dust Explossion I" © Laurent Baheux

Laurent acompaña y apoya las obras de organizaciones que trabajan por la protección de la naturaleza y la preservación de la biodiversidad. Desde 2013 apoya las acciones del Programa Ambiental de las Naciones Unidas (UNEP), como Embajador de Buena Voluntad para la muestra "Salvaje y Preciado", organizada en colaboración con la fundación GoodPlanet, en el 40 aniversario de la Convención sobre el Tráfico Internacional de Especies Amenazadas (CITES)
Ha comprendido que sus imágenes pueden ayudar a crear conciencia pública sobre la importancia de preservar y proteger la vida salvaje.

"Crinière de lion / Melena de león / Lion's Mane" © Laurent Baheux

"Cebras / Zebras", Sudáfrica, 2004 © Laurent Baheux

«Mi padre me enseñó acerca de la naturaleza cuando yo era muy joven, en paseos por el campo. Me mostró lo que podría existir en términos de mamíferos silvestres. [Mi interés] viene sobre todo a partir de ahí. Creo.»

"Guepardo / Cheetah" © Laurent Baheux

«Nos levantamos al amanecer o antes del amanecer. Luego vamos a buscar lo que podría estar sucediendo a nuestro alrededor. En África hay una población animal densa en algunos territorios protegidos de los humanos. Aquí es donde tiendo a ir a buscarlos. Durante el encuentro trato de capturar momentos de la naturaleza, algo que puede parecer relativamente simple, pero son completamente mágicos, al menos ante mis ojos. A menudo estamos hasta el atardecer, cuando llego a casa, tomándome mi tiempo, con las imágenes en la cámara y en mi cabeza.»

Izq./ Left: "Babuinos / Baboons" - Der./ Right: "Flamencos / Flamingos" © Laurent Baheux

·"Retrato de un león / Lion's Portrait", Kenya, 2006 © Laurent Baheux

«Es verdad que me encantan los grandes mamíferos: el elefante, el rinoceronte, el búfalo, la jirafa, la cebra ... pero el león es el más impresionante debido a su carácter, su fuerte personalidad. El depredador más fuerte de África es el rey de la selva y que es evidente en todo lo que es o hace. África sin leones ya no sería África.»

"Cruzando la llanura I / Crossing the plain I" © Laurent Baheux

"Lion en son royaume / León en su reino / Lion in his Kingdom" © Laurent Baheux

Laurent Baheux is a self-taught french photographer, born in Poitiers in 1970.
His main focus are the african big mammals, photographed in high contrast black and white. 
His devoted practice and his knowledge of the sporting world opened the doors to the top press photography agencies. From then on, he covered the main international competitions.
He has always been fascinated by Africa.

"Cebra con pájaros / Zebra with birds", Masai Mara, Kenya 2014 © Laurent Baheux

 © Laurent Baheux

From 2002, during a visit to Tanzania, he began private work on the wild fauna, its beauty, strength, roughness and great fragility. He chose black and white, with its play on shadow, light and contrast, to immortalise rare and ephemeral scenes of nature, constantly trying to sublimate the animals, to capture the magnificence of their attitudes, the emotion of their look… Through this authentic quest, Laurent wants to show the vividness of these species which are still alive, but more menaced than ever, and the immense richness that they represent for the planet.

"León cazando / Hunting Lion", Tanzania 2015 © Laurent Baheux

"Leona cazando / Hunting Lioness", Tanzania 2015 © Laurent Baheux

Laurent accompanies and supports the deeds of organisations which work for the protection of nature and the preservation of biodiversity. Since 2013, he supports actions of The United Nations Environmental Program (UNEP) as Goodwill Ambassador for the exhibit WILD & PRECIOUS organized in collaboration with GoodPlanet fondation the fortieth anniversary of Convention on International Trade in Endangered Species (CITES).
He realizes that his pictures can help create public awareness about the importance of preserving and protecting wildlife.

"Jirafas / Giraffes" © Laurent Baheux

«My father taught me about nature when I was very young, on walks in the countryside. He showed me what could exist in terms of wild mammals. [My interest] comes mainly from there. I think.»

"Ojos de guepardo / Cheetah's Eyes", Namibia 2004 © Laurent Baheux

«We get up at dawn, or before dawn. Then we go to look for what might be happening around us. In Africa, there is a dense animal population in certain territories that are preserved from humans. This is where I tend to go look for them. During the encounter I try to capture moments of Nature, that may appear to be relatively simple, but there are completely magic, at least in my eyes. Often until sunset, when I come home, taking my time, with images in the camera and in my head.»

"Babuinos / Baboons" © Laurent Baheux
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Paisajes del Oeste estadounidense / Landscapes of West USA

"Valle de Yosemite / Yosemite Valley"© Laurent Baheux
Parque Nacional de Yosemite, San Francisco, California, Estados Unidos / USA

"Media Cúpula / Half Dome", Yosemite © Laurent Baheux
Parque Nacional de Yosemite, San Francisco, California, Estados Unidos / USA

«It’s true that I love big mammals: the elephant, rhino, buffalo, giraffe, zebra… but the Lion is the most impressive because of his character, his strong personality. The strongest predator of Africa is the king of the bush and that is apparent in everything he is or does. Africa without lions wouldn’t be Africa anymore.»

"Gran prismático, Parque Nacional de Yellowstone / Grand Prismatic, Yellowstone National Park"
Wyoming, Estados Unidos / USA © Laurent Baheux

Río Snake, Parque Nacional Grand Teton / Snake River, Grand Teton National Park"
Wyoming, Estados Unidos / USA © Laurent Baheux
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Los textos están tomados del sitio web del artista, de una pequeña entrevista publicada en CFYE (Feb., 2015) que puede leerse completa (en inglés) aquí, y del video que puede verse más abajo.

Texts from artist's website, from a short interview published in CFYE (Feb., 2015) you can fully read here, and from the video you can see below.

Más imágenes e información sobre Laurent en / More images and information about Laurent in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Laurent y Maryline!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Laurent and Maryline!)





Recolección / Compilation (IX)

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Jacques Resch
(Francia / France, 1945-) en / atÁfrica

"Retour / Regreso / Return", óleo / oil
Website
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Toon Hertz
(Lieja, Bélgica / Liége, Belgium, 1967-)

"Corazón muerto / Dead Heart", ilustración digital / digital illustration
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 Basil Wolverton
(Central Point, Oregon, Estados Unidos / USA, 1909-1978)

Ilustración del Apocalipsis, de la Biblia de Wolverton /
Illustration of the Apocalypse, from Wolverton's Bible
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Langdon Graves
(Virginia, Estados Unidos / USA) en / at Brooklyn

"Astigmático / Astigmatic", dibujo / drawing
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Jeff Friesen
(Halifax, Nueva Escocia / Nova Scotia, Canadá)

Serie de las Rocas Flotantes, Nueva Escocia / Floating Stones Series, Nova Scotia
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Tim Brogman
(Alemania / Germany)

"Fragmento / Fragment 140.02b", arte digital / digital art
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Ars Thanea
Publicidad y Producción / Advertising & Production
(Polonia / Poland)

"La ceniza / The Ash", Flores de ceniza / Ash Flowers
Director ejecutivo creativo / Executive Creative Director: Peter Jaworowski
Director artístico / Art Director: Michal Lisowski, Peter Jaworowski
Fotógrafo / Photographer: Szymon Swietochowski
Productor / Producer: Bartosz Cerkaski
Arte conceptual / Concept Artist: Michal Lisowski
Mockup Artist: Jaroslaw Polowiec
Artistas digitales / Digital Artists: Piotr Fraczkowski, Łukasz Wiktorzak, Marcin Kowalski
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 Rocío Montoya
(Madrid, España / Spain)

"En flor / In Bloom", collage
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 Xue Jiye
(Dalian, Liaoning, China, 1965-) en / at Beijing

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Lisa Rodden
(Sydney, Australia)

"Dragon", papel recortado a mano y acrílico / hand cutted paper & acrylic, 113 x 86 cm.
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John Kacere
(Estados Unidos / USA, 1920 - 1999)

"Joelle 89", óleo sobre lino / oil on linen, 101.6 x 152.4 cm, 1989
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 Anna Mary Robertson "Grandma" Moses
(Greenwich, Nueva York, Estados Unidos / New York, USA, 1860 - 1961)

"Mañana en la granja / Morning Day on the Farm", 1951
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 Samuel Lewis "Sam" Francis
(San Mateo, California, Estados Unidos / USA, 1923 - 1994)

"Sin título / Untitled", acrílico y aguada sobre papel / acrylic and gouache on paper, 35,6 x 49,5 cm., 1962

Más sobre Sam Francis en "El Hurgador" / More about Sam Francis in this blog:
[Aniversarios (XXII)]
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David Gray
(Estados Unidos / USA)

"El cuentacuentos / The Storyteller", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 18"
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 Liao Yibai
廖一百
(Jiang An, Sichuan, China, 1971-)

"Zapato de tacón de Cenicienta / Cinderella High Heel", 103,2 x 124,8 x 39,7 cm., 2010. Ed. 3.
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Zhong Biao
钟飙
(Chongqing, Sichuan Province, China, 1968-)

"公元 / 1998 d.C. / 1998 A.D.", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 180cm., 1999
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James McNaught
(Glasgow, Escocia / Scotland, 1948-)

"La Grand Bouffe", aguada / gouache, 21,5 x 60 cm.
Open Eye Gallery, Bill Cliff Gallery
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Luka Basyrov
Лука Басыров
(San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

"Pasión / Passion", témpera y relieve sobre cartón / tempera and relief on cardboard, 20 x 25 cm., 2008-12
deviantART, facebook
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Carlos A. Santos
(Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)

Modelo / Model: Angela Llano
Website, Instagram
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Marià Fortuny i Marsal
(Mariano José María Bernardo Fortuny y Marsal)
(Reus, España / Spain, 1838 - 1874)

"Desnudo en la playa de Portici / Nude on the Beach at Portici"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 13 x 19 cm., 1874.
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)
Museo del Prado, Wikipedia

Aniversarios (LXXV) [Junio / June 14-20]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 14 de Junio es el cumple de

Hans van Bentem, artista contemporáneo, escultor y pintor neerlandés, nacido en 1965 en La Haya.
Se formó como diseñador monumental, en la Academia Real de Arte en su ciudad natal La Haya, donde se graduó en 1988. Inicialmente van Bentem se dedicó a la pintura. Fue inspirado por el punk, y se alejó de las maneras tradicionales. En varios emplazamientos del espacio público en los Países Bajos se pueden encontrar obras de su autoría.
Ha trabajado con diferentes materiales, como cristal, madera, porcelana, cerámica y bronce.
Hans van Bentem es el autor de la escultura titulada Pato piloto espacial - título original en inglés: Space Duck Racer - que forma parte del proyecto Sokkelplan de La Haya y que fue instalada el año 2011.

"Isla de cerámica / Ceramic Island"
(zes keramieken vazen op een eiland / seis jarrones de cerámica en una isla / Six Ceramic Vases on an Island)


El 15 de Junio es el cumple de

Ivan Grohar, pintor impresionista esloveno nacido en 1867. Junto con Rihard Jakopič, Matej Sternen y Matija Jama, se le considera una de las principales figuras del impresionismo esloveno de fin de siglo. Es conocido por sus paisajes y retratos. También fue un reconocido guitarrista y cantante.
Desde muy temprana edad mostró un interés por el arte, pero no pudo desarrollar su talento porque era huérfano y vivía en la pobreza. En 1888 el párroco local Anton Jamnik lo envió a una exposición en la cercana ciudad de Škofja Loka, lo que le permitió pasar el verano trabajando en la ciudad de Kranj bajo la supervisión del pintor de iglesias Matija Bradaška. También viajó a Zagreb, donde trabajó en el taller de Spiridion Milanesi.
A finales de 1894 terminó sus estudios en Graz. En agosto de 1896 abrió su propio taller en Škofja Loka. También trabajó en Munich, donde asistió a la escuela de arte de Anton Azbe. De vuelta a casa, se hizo amigo del pintor impresionista Rihard Jakopič. En otoño de 1900 participó en la primera Exposición de Artistas Eslovenos, organizado por la Asociación Artística Eslovena (Slovensko umetniško društvo, SUD).
Murió en 1911.

"Štemarski vrt / Jardín de Štemarje / The Štemarje Yard", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 44 cm., 1907.
Narodna Galerija (Ljubljana, Eslovenia / Slovenia)


El 16 de Junio es el cumple de

Juan Muñoz, escultor español nacido en 1953, que trabajó principalmente en papel maché, resina y bronce. También estaba interesado en las artes auditivas y creó composiciones para la radio. En 2000 fue galardonado con el importante Premio Nacional de Bellas Artes en reconocimiento a su trabajo.
Su primera exposición fue en 1984 en la galería Fernando Vijande de Madrid. Desde entonces, sus obras fueron expuestas con frecuencia en Europa y otras partes del mundo. A principios de la década de 1990, Juan Muñoz comenzó a romper las reglas de la escultura tradicional esculpiendo obras de una manera "narrativa", que consistía en la creación figuras de tamaño más pequeño que el natural, en un ambiente de interacción mutua. Las esculturas de Muñoz menudo invitan al espectador a relacionarse con ellas, haciendo que este se sienta como si le hubieran convertido discretamente en parte de la obra de arte. Sus figuras monocromáticas de pizarra gris o de color de cera crean una especie de discreción debido a su falta de individualidad, pero esta ausencia de individualidad cuestiona al espectador, tal vez incluso tanto como para que se sienta incómodo. Cuando se le preguntaba por su ocupación, Muñoz respondía simplemente que él era un "contador de historias."
Murió en 2001.

"A Caballito frente al espejo / Piggyback in front of the mirror"
Resina de polyester y espejo / polyester resin and mirror, 174,2 x 118,1 x 115,6 cm., 1997


El 17 de Junio es el cumple de

John Anthony Baldessari, artista conceptual estadounidense nacido en 1931, conocido por su trabajo con fotografías encontradas e imágenes apropiadas. Vive y trabaja en Santa Mónica y Venice, California.
Inicialmente un pintor, Baldessari comenzó a incorporar textos y fotografía en sus lienzos a mediados de la década de 1960. En 1970 comenzó a trabajar en grabados, cine, video, instalación, escultura y fotografía. Ha creado miles de obras que demuestran y, en muchos casos, combinan, el potencial narrativo de las imágenes y el poder asociativo del lenguaje dentro de los límites de la obra de arte. Su arte ha aparecido en más de 200 exposiciones individuales en los EE.UU. y Europa. Su obra ha influido en Cindy Sherman, David Salle, Annette Lemieux y Barbara Kruger entre otros.

"Stonehenge (con dos personas, naranja / With Two Persons, Orange)
Impresión de mixografía sobre papel hecho a mano / mixografia print on handmade paper, 33 1/4" x 36 1/4", 2007


El 18 de Junio es el cumple de

Erik Ortvad, pintor danés y creador de muchos dibujos nacido en 1917.
Debutó como pintor en 1935. Es conocido sobre todo por sus coloridas pinturas surrealistas. También creó varios cientos de dibujos satíricos sobre la forma de vida moderna bajo el seudónimo de Enrico.
En 1948 fue miembro fundador del movimiento artístico de vanguardia COBRA.
Está representado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y en el Statens Museum for Kunst de Copenhague.
Durante la Segunda Guerra Mundial vivió como refugiado en Suecia debido a sus simpatías comunistas y su esposa judía, y en 1962 regresó y se instaló en un cercado en Kvänjarp, Municipio de Ljungby, Småland, Suecia, donde vivió el resto de su vida.
Murió en 2008.

"Leche derramada / Spilt Milk", 1936. Galería Nacional (Copenhague, Dinamarca / Denmark)


El 19 de Junio es el cumple de

Cornelius David Krieghoff, pintor canadiense nacido 1815 en Amsterdam, Países Bajos.
Krieghoff es famoso por sus pinturas de paisajes de Canadá y la vida canadiense al aire libre, que fueron tan solicitados en su tiempo como lo son hoy en día. Es particularmente reconocido por sus escenas de invierno, algunas de las cuales pintó en una serie de variantes.
Se mudó a Nueva York en 1836 y se alistó en el ejército de Estados Unidos al año siguiente. Mientras estuvo en el ejército, hizo bocetos de la Segunda Guerra Seminole de la que más tarde produjo pinturas al óleo. Fue relevado del ejército en 1840. Se trasladó a Montreal alrededor de 1846 junto con su esposa Émilie Gauthier. Participó en el Salon de la Société des Artistes de Montréal. Mientras estuvo en Montreal se hizo amigo de los Mohawks que viven en la reserva india de Kahnawake e hizo muchos bocetos de ellos de los que más tarde produjo pinturas al óleo.
Krieghoff viajó a París en 1844, donde copió obras maestras del Louvre bajo la dirección de Michel Martin Drolling. Los Krieghoffs regresaron a Montreal en 1846.
Murió en 1872.

"Regreso de la caza / Return from the Hunt", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1871.
Galería de arte de Ontario, Canadá.


Hoy, 20 de Junio, es el cumple de

Salvator Rosa, pintor barroco, poeta y grabador italiano nacido en 1615 (20 de junio o 21 de julio).
Como pintor es conocido como "poco ortodoxo y extravagante", además de ser un "rebelde perpetuo" y un proto-romántico.
Comenzó pintando evocadores paisajes poblados de vegetación, o playas escarpadas, montañas y cuevas. Rosa fue uno de los primeros en pintar paisajes "románticos", con un giro especial para las escenas pintorescas, a menudo turbulentas y ásperas, pobladas de pastores, bandidos, marineros y soldados. Estos primeros paisajes se vendían a bajo precio a través de comerciantes privados.
La influencia más duradera de Rosa estuvo en el posterior desarrollo de las tradiciones románticas y pintorescas dentro de la pintura. Como comenta Wittkower, es en sus paisajes, no sus grandes dramas históricos o religiosos, donde Rosa expresa verdaderamente sus capacidades innovadoras más gráficamente. El mismo Rosa puede haberlas dejado de lado como capricci frívolo en comparación con sus otros temas, pero estos cuadros académicos convencionales a menudo refrenaban su vena rebelde.
Murió en 1673.

"Brujas haciendo sus encantamientos / Witches at their Incantations"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72 x 132 cm., 1646
Colección de la National Gallery, Londres, Reino Unido / Collection, The National Gallery, London, UK


Textos en inglés / English translation

On June 14 is the birthday of

Hans van Bentem, Dutch contemporary artist, sculptor and painter, born in 1965 in The Hague.
He trained as a monumental designer at the Royal Academy of Arts in his hometown The Hague, where he graduated in 1988. Initially van Bentem devoted to painting. It was inspired by punk, and moved away from the traditional ways. In several locations in the public space in the Netherlands you can find works of his authorship.
He has worked with different materials such as glass, wood, porcelain, ceramic and bronze.
Hans van Bentem is the author of the sculpture titled Duck Space Pilot, part of the project Sokkelplan Hague, installed in 2011.

On June 15 is the birthday of

Ivan Grohar, Slovene Impressionist painter born in 1867. Together with Rihard Jakopič, Matej Sternen, and Matija Jama, he is considered one of the leading figures of Slovene impressionism in the fin de siecle period. He is known by his landscapes and portraits. He was also an established guitarist and singer.
From an early age, he showed an interest in art but he could not develop his talent because he was an orphan and lived in poverty. In 1888, the local vicar Anton Jamnik sent him to an exhibition in the nearby town of Škofja Loka, enabling him to spend the summer working in the town of Kranj under the supervision of the church painter Matija Bradaška. He also travelled to Zagreb, where he worked in the atelier of Spiridion Milanesi.
He continued his schooling in Graz and finished it at the end of 1894. In August 1896, he opened his own atelier in Škofja Loka. He also worked in Munich, where he attended Anton Ažbe’s school of art. Back home, he befriended the impressionist painter Rihard Jakopič. In autumn of 1900, he took part in the first Slovene Artists’ Exhibition, organised by the Slovene Artistic Association (Slovensko umetniško društvo, SUD).
He died in 1911.

On June 16 is the birthday of

Juan Muñoz, Spanish sculptor born in 1953, working primarily in paper maché, resin and bronze. He was also interested in the auditory arts and created compositions for the radio. In 2000, Muñoz was awarded Spain's major Premio Nacional de Bellas Artes in recognition of his work.
His first exhibition was in 1984 in the Fernando Vijande gallery of Madrid. Since then, his works have been frequently exhibited in Europe and other parts of the world. At the beginning of the 1990s, Juan Muñoz began breaking the rules of traditional sculpture by sculpting works in a "narrative" manner which consisted of creating smaller than life-size figures in an atmosphere of mutual interaction. Muñoz's sculptures often invite the spectator to relate to them, making the viewer feel as if they have discreetly become a part of the work of art. His slate-gray or wax-colored monochrome figures create a sort of discreetness due to their lack of individuality, but that absence of individuality questions the viewer, perhaps even so much as to make the viewer uncomfortable. When asked his occupation, Muñoz would respond simply that he was a "storyteller."
He died in 2001.

On June 17 is the birthday of

John Anthony Baldessari, American conceptual artist known for his work featuring found photography and appropriated images. He lives and works in Santa Monica and Venice, California.
Initially a painter, Baldessari began to incorporate texts and photography into his canvases in the mid-1960s. In 1970 he began working in printmaking, film, video, installation, sculpture and photography. He has created thousands of works that demonstrate—and, in many cases, combine—the narrative potential of images and the associative power of language within the boundaries of the work of art. His art has been featured in more than 200 solo exhibitions in the U.S. and Europe. His work influenced Cindy Sherman, David Salle, Annette Lemieux, and Barbara Kruger among others.

On June 18 is the birthday of

Erik Ortvad, Danish painter and a creator of many drawings born in 1917.
He debuted as a painter in 1935. He is mostly known for colorful surrealistic paintings. He also created several hundred satiric drawings about the modern way of life under the pseudonym Enrico.
In 1948 he was a founding member of the COBRA avant-garde art movement.
He is represented in the Museum of Modern Art in New York and Statens Museum for Kunst in Copenhagen.
During the second world war he lived as a refugee in Sweden due to communist sympathies and a Jewish wife, and in 1962 he returned and settled in a croft in Kvänjarp, Ljungby Municipality, Småland, Sweden where he lived for the rest of his life.
He died in 2008.

On June 19 is the birthday of

Cornelius David Krieghoff, Canadian painter born 1815 in Amsterdam, Netherlands.
Krieghoff is most famous for his paintings of Canadian landscapes and Canadian life outdoors, which were sought-after in his own time as they are today. He is particularly famous for his winter scenes, some of which he painted in a number of variants.
He moved to New York in 1836, and enlisted in the United States Army in 1837. While in the army, he made sketches of the Second Seminole War from which he later produced oil paintings. He was discharged from the army in 1840. Together with his wife Émilie Gauthier, he moved to Montreal around 1846. He participated in the Salon de la Société des Artistes de Montréal. While in Montreal, he befriended the Mohawks living on the Kahnawake Indian Reservation and made many sketches of them from which he later produced oil paintings.
Krieghoff traveled to Paris in 1844, where he copied masterpieces at the Louvre under the direction of Michel Martin Drolling. The Krieghoffs returned to Montreal in 1846.
He died in 1872.

Today, June 20, is the birthday of

Salvator Rosa, Italian Baroque painter, poet, and printmaker born in 1615 (June 20 or July 21). 
As a painter, he is best known as "unorthodox and extravagant" as well as being a "perpetual rebel" and a proto-Romantic.
He began painting haunting landscapes, overgrown with vegetation, or jagged beaches, mountains, and caves. Rosa was among the first to paint "romantic" landscapes, with a special turn for scenes of picturesque, often turbulent and rugged scenes peopled with shepherds, brigands, seamen, soldiers. These early landscapes were sold cheaply through private dealers.
Rosa's most lasting influence was on the later development of romantic and picturesque traditions within painting. As Wittkower states, it is in his landscapes, not his grand historical or religious dramas, that Rosa truly expresses his innovative abilities most graphically. Rosa himself may have dismissed them as frivolous capricci in comparison to his other themes, but these academically conventional canvases often restrained his rebellious streak. 
He died in 1673.


Muere María Freire

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En un tuit del día de hoy, el Museo Nacional de Artes Visuales informa que María Freire, destacada artista uruguaya nacida en 1917, precursora del arte abstracto en el país, falleció hoy. Pueden ver una selección de sus obras y algo de información en el post que le dediqué en febrero de 2012.
Mis condolencias a la familia y amigos.

"Al final de mi trayectoria, lo que deseo es que mi pasión no se apague y terminar así mi obra con la misma convicción y exigencia de siempre." M. F.

María Freire, 1955

The National Museum of Visual Arts reported in a tweet that Maria Freire, leading Uruguayan artist born in 1917, forerunner of abstract art in the country, passed away today. You can see a selection of his works and some information on the post I dedicated to her in February 2012.
My condolences to the family and friends.

"At the end of my career, what I want is that my passion don't fade away and finish my work with the same conviction and requirement as always." M.F.

Aniversarios Fotografía (LXXV) [Junio / June 15-21]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 15 de Junio es el cumple de

Xiao Hui Wang (王小慧), artista, autora y personalidad social china nacida en 1957 en Tianjin, que trabaja principalmente en fotografía, escultura, diseño y arte multimedia.
Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente, y ha recibido numerosos premios y honores; la ciudad de Suzhou ha dado su nombre a una institución de arte (el Museo de Arte Xiao Hui Wang), un raro honor para un artista vivo. Ella ha sido nombrada por la prestigiosa revista Hong Kong Phoenix Weekly como una de las 50 personas más influyentes en el mundo chino. Ha sido profesora en la Universidad de Tongji, en Shanghai desde 2003, donde dirige el Xiao Hui Wang Art Center. Divide su tiempo entre China y Alemania.

"Paraíso aislado Nº 18 / Isolated Paradise # 18"


El 16 de Junio es el cumple de

Joel Sartore, fotógrafo estadounidense, orador, escritor, profesor y colaborador durante 20 años para la revista National Geographic. Nació en 1962 y creció en Ralston, Nebraska. Se graduó de la Universidad de Nebraska-Lincoln con un título en periodismo. Su interés por la naturaleza comenzó en la infancia, cuando se enteró de la última paloma migratoria en uno de los libros ilustrados TIME-LIFE de su madre. Desde entonces se ha ocupado de una amplia variedad de especies incluyendo lobos, osos pardos, bueyes almizcleros, leones, elefantes y osos polares. Sus primeras misiones para National Geographic le introdujeron a la fotografía de naturaleza, y también le permitieron ver de primera mano el impacto humano sobre el medio ambiente.
Además de la labor que ha hecho para National Geographic, Joel ha contribuido con Audubon Magazine, GEO, Time, Life, Newsweek, Sports Illustrated y numerosos proyectos de libros. Joel Sartore es miembro fundador de la Liga Internacional de Fotógrafos de Conservación (ILCP). En 2012 fue nombrado miembro de la National Geographic Society.
Sartore reside en Lincoln, Nebraska con su esposa y tres hijos.

Langures de Francois (Trachypithecus francoisi) en el zoo de Omaha. Estos monos son buenos saltadores. Cuando nacen son de un naranja brillante durante tres o cuatro meses /
Francois langurs (Trachypithecus francoisi) at the Omaha Zoo. These monkeys are good jumpers. When they're born, they're bright orange for the first three or four months.


El 17 de Junio es el cumple de

Paul Burty Haviland, fotógrafo, escritor y crítico de arte franco-estadounidense nacido en 1880 en París, que estuvo estrechamente asociado con Alfred Stieglitz y la Photo-Secession.
A principios de 1908, él y su hermano Frank, que era fotógrafo, fueron a ver la exposición de dibujos de Rodin en Little Galleries de la Photo-Secession, donde conoció a Stieglitz. Tanto él como su hermano compraron obras de la exposición, y pronto él y Stieglitz mantuvieron largas discusiones sobre el arte y la cultura. Haviland considerada la galería "un oasis único para cultivarse" y pronto comenzó a pasar la mayor parte de su tiempo allí.
Unos meses más tarde, Stieglitz le dijo que la galería se iba a cerrar a causa de un aumento sustancial de la renta, y sin decirle nada a Stieglitz, Haviland fue a ver al propietario y firmó un contrato de arrendamiento de tres años para un espacio aún más grande directamente frente al Ayuntamiento. Stieglitz estaba tan agradecida por la generosidad de Haviland que durante la próxima década, los dos fueron amigos inseparables y colegas.
A partir de 1909 Haviland comenzó a escribir columnas regulares para la revista de Stieglitz Camer Work, y ese mismo año una de sus fotografías se publicó en la revista.
Havilland murió en París y fue enterrado en Yzeures-sur-Creuse en 1950.

"Dos hermanas / Two Sisters", ca. 1908
Impresión de platino sobre papel / platinum print on paper (Smithsonian)


El 18 de Junio es el cumple de

Jessica Yatrofsky, artista, fotógrafa y cineasta estadounidense nacida en 1981.
Estudió Arte en la Universidad de Nevada, Las Vegas de 2002-2006 y recibió su maestría en fotografía en 2009 en Parsons New School for Design. Su primera monografía de fotografía, "I Heart Boy", fue publicada en 2010 por Powerhouse Books. Su primera exposición individual fue en 2011.
Yatrofsky escribió y dirigió su primera película, "Sol en mi boca", en 2010, y se estrenó en el Festival de Northside en Brooklyn, Nueva York.
Su trabajo ha sido expuesto en la ciudad de Nueva York, Las Vegas, Gante y Copenhague, incluyendo una actuación en vivo en Daniel Cooney Fine Art que apareció en New York Press. Es la fundadora del blog de fotografía "I Heart Boy", y ha contribuido con publicaciones como East Village Boys, Brooklyn y la revista The New York Times Style Magazine.
Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.

Serie "Yo chica corazón" / "I Heart Girl" Series


El 19 de Junio es el cumple de

Heinz Hudelist, fotógrafo de naturaleza y paisajes nacido en 1960 en Carintia, Austria. Actualmente reside en Viena.
Después de más de veinte años trabajando en la fotografía publicitaria, se ha dedicado activamente a la fotografía de naturaleza desde 2005, tras un largo viaje a África.
Gran parte de su trabajo se centra en la educación y difusión de sus conocimientos fotográficos en talleres y tours.

"Seeadler / Águila marina / Sea Eagle"


El 20 de Junio es el cumple de

Daniel Iván, artista multimedia, fotógrafo y diseñador mexicano nacido en 1972, especializado en video arte, fotografía, CGI,  artes performativas y creación de ambientes multimedia. En sus piezas mezcla fotografía, dibujo, animación 2D y 3D, diseño, hipertexto experimental y net-art. Sus obras son desarrolladas en entornos digitales y con un especial atencion al uso de nuevos enfoques narrativos y la interpolación de unidades semánticas.
Sus obras se han exhibido en festivales, museos y centros de arte contemporáneo de diversas partes del mundo.
Asimismo sus videos han sido seleccionados por diversos sitios web enfocados al  arte contemporáneo. La mayoría de sus trabajos son publicados bajo licencias Creative Commons y pueden ser descargados, exhibidos y transmitidos libremente con fines no comerciales.

"La araña y la mosca / The Spider and the Fly"


Hoy, 21 de Junio, es el cumple de

Tchan Fou-li (陈复礼), fotógrafo chino nacido en 1916 que trabajó para desarrollar formas chinas distintivas en fotografía y de establecer la fotografía como una forma de arte seria en Hong Kong. Es conocido por sus obras que evocan los valores artísticos y la composición de las pinturas de paisajes chinas.
En 1944 se trasladó a Vietnam para llevar adelante un negocio comercial, pero pasaba más y más tiempo con la fotografía. Una de sus más importantes influencias fue Lang Jingshan (1892-1995), cuya fotografía estaba arraigada en la pintura china. Tchan siguió el ejemplo de Lang en trabajos de montaje imprimiendo varios negativos en una imagen con el fin de evocar una pintura china. Por ejemplo, a principios de 1950, Tchan produjo fotografías que utilizan el estilo pictórico del pintor dinastía Song Ma Yuan (1189-1224). Aunque seguía fotografiando como aficionado, después de regresar a Hong Kong en 1955, Tchan viajó a muchos países en expediciones fotográficas, incluyendo Vietnam, Tailandia y Camboya. En estas fotografías Tchan declaró que su nueva ambición era retratar "el objeto real en colaboración con la habilidad de la representación pictórica", es decir, para mostrar las vidas de la gente común en imágenes vívidas y estéticamente rigurosas. En 1959 y 1962 regresó a China, y fotografió los paisajes clásicos de Guilin y Huangshan.

"Mañana en / Morning in Shau Kei Wan"
Tomada en 1967, impresa en 2014 / executed in 1967, printed in 2014


Textos en inglés / English translation

On June 15 is the birthday of

Xiao Hui Wang (王小慧), Chinese artist, author and socialite born 1957 in Tianjin, who works mainly in photography, sculpture, design, and media art.
Her work has been exhibited internationally, and she has been the recipient of numerous awards and honors; the city of Suzhou has named an art institution after her (the Xiao Hui Wang Art Museum), a rare honor for a living artist. She has been profiled by the prestigious Hong Kong magazine Phoenix Weekly as one of the Top Fifty Most Influential Chinese Worldwide. She has been a professor at Shanghai's Tongji University since 2003, where she runs the Xiao Hui Wang Art Center. She divides her time between China and Germany.

On June 16 is the birthday of

Joel Sartore, American photographer, speaker, author, teacher, and a 20-year contributor to National Geographic magazine. He was born in 1962 and grew up in Ralston, Nebraska. He graduated from the University of Nebraska-Lincoln with a degree in journalism. His interest in nature started in childhood, when he learned about the very last passenger pigeon from one of his mother's Time-Life picture books. He has since been chased by a wide variety of species including wolves, grizzlies, musk oxen, lions, elephants and polar bears. His first National Geographic assignments introduced him to nature photography, and also allowed him to see human impact on the environment first-hand.
In addition to the work he has done for National Geographic, Joel has contributed to Audubon Magazine, GEO, Time, Life, Newsweek, Sports Illustrated and numerous book projects. Joel Sartore is a founding Fellow of the International League of Conservation Photographers (ILCP). In 2012 was named a Fellow of the National Geographic Society.
Sartore resides in Lincoln, Nebraska with his wife and three children.

On June 17 is the birthday of

Paul Burty Haviland, an early French-American 20th-century photographer, writer and arts critic born 1880 in Paris, who was closely associated with Alfred Stieglitz and the Photo-Secession.
In early 1908 he and his brother Frank, who was a photographer, went to see the exhibition of Rodin drawings at the Little Galleries of the Photo-Secession, where he met Stieglitz. Both he and his brother bought works from the exhibit, and soon he and Stieglitz were engaged in long discussions about art and culture. Haviland considered the gallery "a unique oasis of cultivation" and soon spent most of his time there.
A few months later, Stieglitz told him the gallery was going to close because of a substantial increase in the rent, and without telling Stieglitz Haviland went to the landlord and signed a three-year lease for an even larger space directly across the hall. Stieglitz was so appreciative of Haviland's generosity that for the next decade the two were nearly inseparable friends and colleagues.
Beginning in 1909, Haviland began writing regular columns for Stieglitz's journal Camera Work, and later that year one of his photographs was published in the magazine.
Havilland died in Paris and was buried in Yzeures-sur-Creuse in 1950.

On June 18 is the birthday of

Jessica Yatrofsky, American artist, photographer and filmmaker born in 1981.
She studied Art at the University of Nevada, Las Vegas from 2002–2006 and later received her masters in photography in 2009 from Parsons the New School for Design. Her first photography monograph, "I Heart Boy," was published in 2010 by Powerhouse Books. Her first solo show was in 2011.
Yatrofsky wrote and directed her first film, SUN IN MY MOUTH, in 2010 which premiered at the Northside Festival in Brooklyn, New York.
Her work has been exhibited in New York City, Las Vegas, Ghent and Copenhagen, including a live performance at Daniel Cooney Fine Art that was featured in New York Press. She is the founder of the photography blog, I Heart Boy, and has contributed to publications such as East Village Boys, Brooklyn Magazine and The New York Times Style Magazine.
She currently lives and works in Brooklyn, New York.

On June 19 is the birthday of

Heinz Hudelist, nature and landscape photographer born in 1960 in Carinthia, Austria. Currently he lives in Vienna.
After more than twenty years working in advertising photography, he has been actively engaged in nature photography since 2005, after a long trip to Africa.
Much of his work focuses on education and dissemination of their photography skills in workshops and tours.

On June 20 is the birthday of

Daniel Ivan, Mexican multimedia artist, photographer and designer born in 1972, specializing in video art, photography, CGI, performing arts and creation of multimedia environments. In his pieces mix photography, drawing, 2D and 3D animation, design, experimental hypertext and net-art. His works are developed in digital environments with special attention to the use of new narrative approaches and interpolation of semantic units.
His works have been shown at festivals, museums and centers of contemporary art from around the world.
Also his videos have been selected by various websites focused on contemporary art. Most of his works are published under Creative Commons licenses and can be downloaded, displayed and transmitted freely for non-commercial purposes.

Today, June 21, is the birthday of

Tchan Fou-li (陈复礼), Chinese photographer born in 1916 who worked to develop distinctive Chinese forms of photography and to establish photography a serious art form in Hong Kong. He was known for his photographs which evoked the artistic values and composition of Chinese landscape paintings.
In 1944, Tchan moved to Vietnam to run a trading business but spent more and more time with photography. One of his most important influences was Lang Jingshan (1892-1995), whose photography was rooted in Chinese painting. Tchan followed Lang’s example in montage works which printed several negatives into one image in order to evoke a Chinese painting. For instance, in the early 1950s, Tchan produced photographs which used the “one corner” pictorial style of the Song dynasty painter Ma Yuan (1189-1224). Although still pursuing photography as an amateur, after returning to Hong Kong in 1955, Tchan traveled to many countries on photographic expeditions, including Vietnam, Thailand, and Cambodia. In these photographs Tchan declared that his new ambition was to portray "the real object in collaboration with the skill of pictorial depiction," that is, to show the lives of ordinary people in vivid and aesthetically rigorous images. In 1959 and 1962 he returned to China, and photographed the classic landscapes of Guilin and Huangshan.

Alexandra Manukyan [Pintura]

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Alexandra Manukyan

Alexandra junto a su obra / with her work 
"Atrapada / Trapped", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36"

Alexandra Manukyan es una artista armenia nacida y criada en Yereván, que actualmente reside en California.
Tiene una licenciatura en Bellas Artes y Diseño Gráfico del College of Fine Arts and Design (P.Terlemezian), y otra en Bellas Artes de la Universidad del Estado (Kh.Abovian) Yerevan/Armenia. También es licenciada en Diseño de Moda por el Trade-Technical College de Los Ángeles, y estudió diseño gráfico en la UCLA.

Alexandra trabajó cerca de 22 años en diseño de moda y diseño gráfico.
«Llegado cierto punto en mi carrera, comprendí que cuanto más aprendía sobre estilización y abstracción en diseño gráfico, tenía el deseo de aprender más sobre el arte tradicional de la pintura. Eso era lo que realmente me inspiraba, y cuanto más diseñaba para la industria gráfica o la industria de la moda, y más orientada estaba a las necesidades de los clientes, tenía la necesidad de la libertad de expresarme pintando al óleo, expresando mis ideas.»

"Música rota / Broken Music", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40"© Alexandra Manukyan

"Un romance rebelde / A Rebel Romance", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30", 2012
© Alexandra Manukyan

«El tema central que une mis pinturas es un examen de cómo las experiencias de una vida aparentemente separada y aislada, ocultan la magnitud de nuestros lazos individuales y comunitarios. Las "máscaras" y las identidades que las acompañan, que asumimos dependiendo del papel que debemos desempeñar en la vida, obstruyen a la mente consciente el conocimiento que en verdad nos une entre el aislamiento y el caos: nuestros encuentros compartidos en la pena, la pérdida, el deseo y la nostalgia por la serenidad y la aceptación. Las falsas fachadas que construimos para adaptarnos y pertenecer, también nos hacen más ciegos y perdidos en un mundo donde lo insignificante se ha vuelto de alguna manera significativo y la idea de una honestidad propia compartida, carente de agendas ocultas, resulta del todo infrecuente.»

"For The Jar of Hearts", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30", 2013 © Alexandra Manukyan

Izq./ Left: "Afecto deteriorado / Impaired Affection", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 30", 2014
Der./ Right: "Jugando con fuego / Playing with Fire", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 36", 2013
© Alexandra Manukyan

«Me centro en combinar técnicas de pintura tradicionales con simbolismo surrealista, para explorar el presunto paisaje distópico y emocional, y las cicatrices físicas presentes muy a menudo entre los personajes femeninos. Sin embargo, el tema de mi pintura rehusa caer en la victimismo o el odio a sí mismo, por el contrario, las mujeres de las que a menudo se ocupa mi pintura, figurativa y literalmente, portan sus heridas con rotundo orgullo y fortaleza. Ni los errores de sus pasados, las enconadas heridas de pena y pérdida, ni las inquietantes puñaladas heladas de la traición, ninguno de esos espectros las doblegan o determinan sus destinos.»

"Un crescendo de pasión sangrante (Duele cuanto más amamos) / 
A Crescendo Of Passion Bleeding (We hurt once we love the most)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30", 2014 © Alexandra Manukyan

"Valkyrie", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 36"© Alexandra Manukyan

Alexandra Manukyan is an Armenian artist who was born and grew up in Yerevan. Nowadays she lives and works in California.
She Majored in Fine Arts / Graphic Design at College of Fine Arts and Design ( P.Terlemezian ) and Majored in Fine Arts at State University ( Kh.Abovian ). Yerevan/Armenia. She also Majored in Fashion Designs at Trade-Technical College de Los Ángeles and studied Graphic Design at UCLA.

"Rechazo / Rejection", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2012 © Alexandra Manukyan

El objeto del deseo femenino desenmascara fácilmente la agenda poco profunda de la conquista masculina y lo ha manipulado para servir a todos sus caprichos. Ahora él se arrodilla en el shock de su estado de sometimiento, privado de su virilidad y profundamente rechazado por el premio de sus ambiciones lascivas, mientras la joven protegida observa de cerca.

The female object of desire easily unmasks the shallow agenda of masculine conquest and has manipulated him to serve her every whim. Now he kneels in shock of his subdued state deprived of manhood and soundly rejected by the prize of his lustful ambitions while her young protege observes closely.
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"Hermosamente dañada / Beautifully Damaged", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 12", 2013
© Alexandra Manukyan

Alexandra worked about 22 years in fashion design and graphic design.
«At some point in my career I realized that more I was learning about stylizing and abstracting in graphic design and fashion design I had the need to learning more about tradicional art of painting. That's what really inspires me, and more I designed for graphic industry or fashion industry, and more geared to client's needs, I had the need of having the freedom of expressing myself with oil paint, expressing my ideas.»

"Paralelas / Parallels", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2012 © Alexandra Manukyan

Entre la pasión feroz y la gracia elegante, entre un camino incierto de sorpresas y el final idílico de los cuentos infantiles, él se encuentra en el lugar más envidiado para un hombre, y sin embargo, está muy lejos de la certeza, tirado y empujado en el espacio intermedio que es el purgatorio del amor.

Between fiery passion and elegant grace, between an uncertain road of surprises and the idyllic ending of children's stories, he stands in the most enviable of places for men, and yet, he stands far from certainty caught and pulled in the space in-between that is love's purgatory.
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Izq./Left: "Hermoso desastre / Beautiful Disaster", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 20", 2014
Der./ Right: "Complicado / Complicated", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 36", 2011
© Alexandra Manukyan

"Reflejada en tí / Reflected in You", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 30", 2014 © Alexandra Manukyan

«The central theme that unites all my paintings examines how seemingly separate and isolated life experiences actually disguise the extent of our individual and communal bonds. The "masks" and the accompanying identities we all assume depending on the life role we must play, obstructs the conscious mind from acknowledging what truly unites us through the isolation and chaos: our shared encounters of pain, loss, desire, and longing for serenity and acceptance. The false facades we all manufacture to adapt and belong also renders most blind and lost in a world where the meaningless has somehow become meaningful and the idea of a shared honest self devoid of hidden agendas all too infrequent.»

"Volver a respirar / Breathe Again", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 24"© Alexandra Manukyan

​«I focus on combining traditional oil painting techniques with surrealist symbolism to explore the presumably dystopian landscape of emotional and physical scars carried all too often amongst the female characters.  However, the subject of my paintings refuse to fall into victimhood or self-loathing; instead, the women that often preoccupy my paintings figuratively and literally wear their wounds with resounding pride and empowerment. The mistakes of their pasts, the festering wounds of pain and loss, and the hauntingly icy stabs of betrayal, none of these specters weigh them down or define their destinies.» 

"Primera cita / First Date", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 24"© Alexandra Manukyan

Una reflexión sobre el encuentro inaugural de dos amantes aún por conocerse. El desfile procesional del cortejo de la joven pareja no es diferente al de sus homólogos avícolas; el atuendo adornado sirve a iguales propósitos, irradiando bravuconería y seducción como se hace para ocultar las dudas y tribulaciones. Cómo, dónde y si terminan juntos sigue siendo tan misterioso y diverso como las posibilidades que cada amante imagina debajo de la máscara del otro.

A reflection upon the inaugural meeting of two yet to be acquainted lovers. The processional pageant of the young couple's courtship is not unlike those of their aviary counterparts - the ornate attire serve equal purpose in radiating bravado and enticement as it does to hide doubts and trepidations. How, where, and if they end up remaining together remains as mysterious and various as the possibilities each lover imagines beneath the other's mask.
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"Sine Qua Non", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24", 2012 © Alexandra Manukyan

"Tóxica / Toxic", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 36", 2010 © Alexandra Manukyan

"Tóxica" examina el aparentemente perfecto atractivo de la belleza femenina que seduce a los hombres, sólo para que los pretendientes descubran las traicioneras e intrincadas redes engaños y rencor que emanan de las mujeres que tanto desean. 

"Toxic" examines the seemingly flawless allure of female beauty beguiling men only for suitors to discover treacherous and intricate webs of deceit and rancor from the women they so desire.
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"Mecánica de la manipulación / Mechanics of Manipulation"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2012 © Alexandra Manukyan
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Trabajando en la serie Taboo, con / Making of 'Taboo series' with Lacy Soto and David. 
Agosto / August 2011
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Proceso de "Réquiem de vuelo" / Process of "Requiem of Flight"


Perfectamente entrelazados en una danza aérea de cortejo que desafía toda lógica, y sin embargo creida y sostenida en su totalidad por los que miran desde abajo. Como si mágicamente desafiaran el destino que planea sobre su caída, hasta los dioses caprichosos de los mitos retienen las intrusiones, porque ellos también quieren ver la historia continuar.



Perfectly intertwined in an aerial dance of courtship that defies all logic and yet somehow believed and sustained entirely by those who watch from below. As though magically daring the fates to bring upon their downfall, even the capricious gods of myth withhold intrusion, for they too want to see the story continue.

"Réquiem de vuelo / Requiem of Flight", óleo sobre lino / oil on linen, 30" x 40", 2012
© Alexandra Manukyan


"Campo de los sueños / Field of Dreams", óleo sobre lino / oil on linen, 18" x 24"© Alexandra Manukyan

"Trabajando con / Working with Lizz Lopez"

"Persiguiendo sombras / Chasing Shadows", óleo sobre lino belga / oil on belgian linen, 24" x 36", 2014
© Alexandra Manukyan
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Los textos están tomados del sitio web de la artista, de los videos que pueden verse más abajo, y de las "sinopsis" que acompañan las imágenes de las obras en deviantART.
Texts from artist's website, from the videos you can see below, and the "synopsis" accompanying the images of the works in deviantART.

Más imágenes e información sobre Alexandra en / More images and information about Alexandra in:
Wesbsite, facebookfacebook (Studio), deviantART

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Alexandra!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alexandra!)



Dentro de su serie de entrevistas, Last Rites Gallery presenta a Alexandra Manukyan con motivo de su exposición "Sine Qua Non", presentada en la citada galería en 2013 /
Last Rites Interview Series interviews Alexandra Manukyan.
Her exhibition, "Sine Qua Non" is on view at Last Rites Gallery through February 23, 2013. 


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Alexandra habla sobre su educación y experiencia que la han llevado a convertirse en una de las más destacadas pintoras surrealistas del momento /
Alexandra talks about her education and other experience that led her in becoming one of the most renowned surrealist painters today.



Asonancias / Assonances (II)

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Segundo post con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado estos siempre interesantes paralelismos. Más en el post anterior.

Second post with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in these always interesting parallels. More in the previous post.
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Helmut Newton

Gavin Bond
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Helmut Newton

Ricardo Tinelli
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Andrea Mantegna
"Cristo morto (Lamentación sobre Cristo muerto) / Lamentation of Christ"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68 × 81 cm., c.1480-1490.
Pinacoteca de Brera, (Milán, Italia / Italy)

Más sobre Mantegna en "El Hurgador" / More about Mantegna in this blog:

Андрей Петрович Звягинцев
Fotograma de la película / Still of the movie"Возвращение / El regreso / The Return", 2003
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Martin Munkácsi
"La saltadora de charcos / The Puddle Jumper", 1936

Más sobre Munkácsi en "El Hurgador" / More about Munkácsi in this blog:

Elliott Erwitt
"Hombre saltando y Torre Eiffel / Jumping Man at Eiffel Tower", 1989. Paris, Francia / France

Más sobre Erwitt en "El Hurgador" / More about Erwitt in this blog:

Henri Cartier-Bresson
"Hombre saltando sobre un charco / Man Jumping Over Puddle"
Gare Saint Lazare, Paris, Francia / France, 1932

Más sobre Cartier-Bresson en "El Hurgador" / More about Cartier-Bresson in this blog:

Mark Henley
"La banca en nosotros / Bank on Us", Zúrich, Suiza / Switzerland © Mark Henley

Hombre corriendo a través de Paradepatz, centro de la banca suiza, durante una súbita tormenta /
Man running across Paradepatz, the centre of Switzerland's banking industry, during a sudden heavy rain storm.
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Alexendr Deineka
Алексaндр Алексaндрович Дейнeка
"Ducha, Después de la batalla / Shower, After the Battle", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1944

Boris Ignatovitch
Борис Всеволодович Игнатович
"Ducha / Shower", 1932
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Frank Horvat
"Les amoureux du / Los amantes del / The lovers of Quai du Louvre", París, Francia / France, 1955

Hans Mauli
Paris, 1959
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Man Ray
Tête de Kiki couchée sur une table yeux fermés à côté d’un masque africain /
Cabeza de Kiki, acostada sobre una mesa con los ojos cerrados, al lado de una máscara africana /
Head of Kiki with eyes closed, lying on a table with an African mask", 1926

Más sobre Man Ray en "El Hurgador" / More about Man Ray in this blog:

Nicola Costantino
"Blanco y negro, según / Black and White after Man Ray", 2006

Günter Knop
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Fan Ho
"Sombra aproximándose / Approaching Shadow", 1954

Más sobre Fan Ho en "El Hurgador" / More about Fan Ho in this blog:

Ellsworth Kelly
"Curva blanca VII / White Curve VII", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 233 x 233 cm., 1976.
Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, Estados Unidos / New York, USA
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Izq./ Left: Martha Amorocho, "Lo llevo puesto / I'm Wearing", 2004
Der./ Right: Pierre Fudarylí, "Polinización cósmica / Cosmic Pollination", 2014

Más sobre Pierre Fudarylí en "El Hurgador" / More about Pierre Fudarylí in this blog:

Martha Amorocho
"Lo llevo puesto / I'm Wearing", tríptico / tryptich, 2004
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Douglas Kirkland
"Coco Chanel", 1962

Brigitte Lacombe



Información sobre los artistas / Info about artists

Helmut Newton (Helmut Neustädter) fue un fotógrafo alemán nacido en Australia en 1920. Fue un "fotógrafo de moda prolífico y ampliamente imitado, cuyas fotografías en blanco y negro, provocativas y de gran carga erótica, fueron uno de los pilares de la revista Vogue y otras publicaciones."
Newton asistió a la Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium y a la Escuela Estadounidense en Berlín. Interesado en la fotografía desde los 12 años cuando compró su primera cámara, trabajó para el fotógrafo alemán Yva (de) (Elsie Neulander Simon) a partir de 1936.
En 1946 estableció un estudio en el moderno Flinders Lane en Melbourne y trabajó en fotografía de moda y cine en los prósperos años de la posguerra. Compartió su primera exposición conjunta mayo 1953 con Wolfgang Sievers, un refugiado alemán como él que también había servido en la misma empresa. La exposición de "Nuevas Visiones en Fotografía" fue exhibida en el Hotel Federal en Collins Street y fue probablemente la primera visión de la Nueva Objetividad en Australia.
Newton se estableció en París en 1961 y continuó su trabajo como fotógrafo de moda. Sus obras aparecieron en revistas, sobre todo la francesa Vogue y Harpers Bazaar. Estableció un estilo particular marcado por escenas eróticas, estilizadas, a menudo con subtextos sadomasoquistas y fetichistas.
Murió en 2004.

Helmut Newton (Helmut Neustädter) was a German-Australian photographer born in 1920. He was a "prolific, widely imitated fashion photographer whose provocative, erotically charged black-and-white photos were a mainstay of Vogue and other publications."
Newton attended the Heinrich-von-Treitschke-Realgymnasium and the American School in Berlin. Interested in photography from the age of 12 when he purchased his first camera, he worked for the German photographer Yva (de) (Elsie Neulander Simon) from 1936.
In 1946, Newton set up a studio in fashionable Flinders Lane in Melbourne and worked on fashion and theatre photography in the affluent post-war years. He shared his first joint exhibition in May 1953 with Wolfgang Sievers, a German refugee like himself who had also served in the same company. The exhibition of 'New Visions in Photography' was displayed at the Federal Hotel in Collins Street and was probably the first glimpse of New Objectivity photography in Australia.
Newton settled in Paris in 1961 and continued work as a fashion photographer. His works appeared in magazines including, most significantly, French Vogue and Harper's Bazaar. He established a particular style marked by erotic, stylised scenes, often with sado-masochistic and fetishistic subtexts.
He died in 2004.
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Gavin Bond es un fotógrafo inglés nacido en 1970.
Es uno de los fotógrafos de celebridades más buscados en el mundo.
Su mezcla embriagadora de sexo, sofisticación y sonrisas, combinado con descaro contemporáneo y buen glamour vintage de Hollywood es un cóctel irresistible de singulares ideas conceptuales y memorables tomas impulsadas por la personalidad.
La magia viene de la manera especial de Bond de conectar con sus sujetos. Desde Jennifer Aniston, Jack Black, Jessica Alba, George Clooney, U2, Eva Mendes y The Killers a Rihanna, Sasha Baron Cohen, Kings of Leon, AC / DC y Muse entre muchas otras celebridades, los clientes están dispuestos a ser socios activo en su proceso. La capacidad innata de Bond para crear un aire inmediato de intimidad, junto con su buen ojo y la imaginación caprichosa siempre permite a Bond conseguir exactamente lo que necesita para su imagen, ya sea que se trate de revelar el auténtico carácter, una versión exagerada del yo de las celebridades o el reverso de una persona pública.
Actualmente reside en Nueva York y divide su tiempo entre Los Ángeles y Londres.

Gavin Bond is an English photographer born in 1970.
He's one of the most sought-after celebrity photographers in the world.
His intoxicating mix of sex, sophistication and smiles, combined with contemporary sass and good ol' Hollywood glamour is an irresistible cocktail of uniquely conceptual ideas and memorable personality driven shots. 
The magic comes from Bond's special way of connecting with his subjects. From Jennifer Aniston, Jack Black, Jessica Alba, George Clooney, U2, Eva Mendes, The Killers to Rihanna, Sasha Baron Cohen, Kings of Leon, AC/DC and Muse among many other celebrities clients willing become an active partner in his process. Bond's innate ability to create an immediate air of intimacy along with his keen eye and whimsical imagination always amounts to Bond getting exactly what he needs for his image, whether it is a captured revelation of true character, an exaggerated version of celebrity sleves or the flip side to a public persona.
Today he's based in NYC, dividing his time between Los Angeles and London.
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Ricardo Tinelli es un fotógrafo profesional de moda nacido en Treviso, Italia.
Trabaja para varias revistas de todo el mundo, y reparte su tiempo entre Nueva York y París.

Ricardo Tinelli is a professional fashion photographer born in Treviso, Italy.
He works for several magazines around the all world, dividing his time between New York and Paris.
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Mark Henley es un fotógrafo radicado en Ginebra, que reparte su tiempo entre el "mundo real" y las Naciones Unidas.
Tras muchos años trabajando en el terreno, observando las consecuencias de los cambios sociales y económicos en un mundo globalizado, Mark ha tomado como tema las organizaciones que ayudan a conducir esos cambios, elaborando un lenguaje visual para hablar de los tomadores de decisiones, diplomáticos y banqueros, más habituados a operar lejos de las miradas, tras puertas habitualmente cerradas.
Su proyecto "La banca en nosotros", sobre la secreta industria bancaria suiza, ha ganado muchos premios, incluido el Swiss Press Photographer of the Year en 2012. Ganó este premio por segunda vez en 2013 por su observación de las negociaciones diplomáticas que se llevaron adelante en Ginebra sobre el tema de las cuestión nuclear iraní.
Ha fotografiado en más de 50 países durante las últimas dos décadas, siguiendo asuntos globales desde Casablanca a Ciudad de México, de Dar es Salaam a Jakarta, de Moscú a Bombay, y ha sido publicado por muchos de los mayores medios del mundo.

Mark Henley is a photographer based in Geneve that divides his time between the real world and the United Nations.
After many years in the field, observing the consequences of economic and social change in a globalised world, Mark is now based in Switzerland and has taken as subject the organisations that have helped drive these changes, elaborating a visual language to talk of decision makers, diplomats and bankers more used to operating unobserved behind substantially closed doors.
His project 'Bank on us' on the secretive Swiss banking industry has won several awards including the Swiss Press Photographer of the Year 2012. He won this award a second time in 2014 for his observation of the diplomatic negotiations leading to the Iranian nucleur deal in Geneva 'Waiting on a deal'.
He has photographed in over 50 countries over the last two decades, tracking global issues from Casablanca to Mexico City, Dar es Salaam to Jakarta, Moscow to Mumbai and has been published by many of the world's major publications.
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Aleksandr Aleksandrovich Deyneka (Александр Александрович Дейнека) fue un pintor ruso soviético, artista gráfico y escultor nacido en 1899, considerado como uno de los más importantes pintores figurativos modernistas rusos de la primera mitad del siglo 20. Su "Granjero colectivo en bicicleta"(1935) ha sido descrito como ejemplo del estilo del Realismo Social.
Deyneka nació en Kursk y estudió en la Escuela de Arte Kharkov (alumno de Alexander Lubimov) y en Vkhutemas. Fue miembro fundador de grupos como OST y Oktyabr, y su obra ganó amplia visibilidad en las principales exposiciones. Sus pinturas y dibujos (los primeros a menudo monocromos debido a la escasez de materiales de arte) representan escenas de género, así como trabajos y a menudo los deportes. Deyneka más tarde comenzó a pintar obras monumentales, como la defensa de Petrogrado en 1928, que sigue siendo su obra más emblemática, y La batalla de Sebastopol en 1942, Las afueras de Moscú y El as derribado. Sus mosaicos son una característica de la estación de metro Mayakovskaya en Moscú.
Murió en 1969.

Aleksandr Aleksandrovich Deyneka (Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка) was a Soviet Russian painter, graphic artist and sculptor born in 1899, regarded as one of the most important Russian modernist figurative painters of the first half of the 20th century. His Collective Farmer on a Bicycle (1935) has been described as exemplifying the Social Realist style.
Deyneka was born in Kursk and studied at Kharkov Art College (pupil of Alexander Lubimov) and at VKhUTEMAS. He was a founding member of groups such as OST and Oktyabr, and his work gained wide exposure in major exhibitions. His paintings and drawings (the earliest are often monochrome due to the shortage of art supplies) depict genre scenes as well as labour and often sports. Deyneka later began painting monumental works, such as The Defence of Petrograd in 1928, which remains his most iconic painting, and The Battle of Sevastopol in 1942, The Outskirts of Moscow and The Shot-Down Ace. His mosaics are a feature of Mayakovskaya metro station in Moscow.
He died in 1969.
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Boris Vselvolodovich Ignatovich (Борис Всеволодович Игнатович), fotógrafo ruso nacido en 1899 en Lutsk.
Primero trabajó como periodista y editor de un periódico antes de dedicarse a la fotografía en 1923. En la década de 1920 trabajó para una serie de publicaciones, sobre todo Bednota (pobreza), Krasnaia Niva (Campo Rojo) y Ogonek. Ignatovich primero captó la atención a través de sus fotografías de temas de pueblo, en particular las que tomó en el asentamiento Ramenskoe cerca de Moscú. Se convirtió en alumno de Alexander Rodchenko y fue muy influenciado por su estilo. Ambos se convirtieron en miembros del distinguido grupo Octubre y en 1931, cuando fue expulsado Rodchenko, Ignatovich asumió el cargo de jefe del grupo hasta que se disolvió en 1932 por decreto gubernamental. Ignatovich pasó a ser pionero de la teoría del colectivismo en el fotoperiodismo, en la agencia Soiuzfoto, donde desarrolló reglas específicas para la fotografía; los fotógrafos que trabajaban con él firmaron sus fotografías como "Brigada Ignatovich". También se le conoce por ser el primer foto-reportero soviético que tomó fotografías aéreas. En la década de 1930, hizo varias películas documentales.
Murió en 1976.

Boris Vselvolodovich Ignatovich (Борис Всеволодович Игнатович), Russian photographer born in 1899 in Lutsk.
He first worked as a journalist and a newspaper editor before taking up photography in 1923. In the 1920s he worked for a number of publications, most notably, Bednota (Poverty), Krasnaia Niva (Red Field) and Ogonek. Ignatovich first gained attention through his photographs of village themes, particularly those taken in the Ramenskoe settlement near Moscow. He became a pupil of Alexander Rodchenko and was greatly influenced by his style. Both became members of the distinguished October group and in 1931, when Rodchenko was expelled, Ignatovich took over as head of the group until it was dissolved in 1932 by governmental decree. Ignatovich went on to pioneer the theory of collectivism in photojournalism at the Soiuzfoto agency where he developed specific rules of photography; photographers working under him signed their photographs “Ignatovich Brigade”. Ignatovich is also noted as the first Soviet photo-reporter to take aerial photographs. In the 1930s, he made several documentary films.
He died in 1976.
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Frank Horvat es un fotógrafo nacido en 1928 en Abbazia (Italia), hoy Opatija (Croacia), que en la actualidad vive y trabaja en Francia.
Es conocido por su fotografía de moda, publicada entre mediados de la década de 1950 y finales de la de 1980, pero su obra fotográfica incluye fotoperiodismo, retrato, paisaje, naturaleza y escultura. In 1988, produjo un libro importante de entrevistas con compañeros fotógrafos (como Don McCullin, Robert Doisneau, Sarah Moon, Helmut Newton y Marc Riboud). A principios de la década de 1990 fue uno de los primeros en experimentar con Photoshop. En 1998 reemplazó a su equipo profesional con una cámara compacta, que siempre lleva en el bolsillo, con el fin de disparar a cualquier cosa, en cualquier momento, que le parezca de interés. En 2011 puso en línea su primera aplicación para iPad (Horvatland).

Frank Horvat is a photographer born 1928 in Abbazia (Italy), now Opatija (Croatia), presently living and working in France.
He is best known for his fashion photography, published between the mid 1950s and the end of the 1980s, but his photographic opus includes photojournalism, portraiture, landscape, nature and sculpture.In 1988, he produced a major book of interviews with fellow photographers (such as Don McCullin, Robert Doisneau, Sarah Moon, Helmut Newton, Marc Riboud). At the beginning of the 1990s, he was one of the first to experiment with Photoshop. In 1998, he replaced his professional equipment with a compact camera, which he always carries in his pocket, in order to shoot anything, at any moment that seems to him of some interest. In 2011, he put online his first iPad application (Horvatland).
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Nacido cerca de Aarau, Suiza, en 1937, Hans Mauli trabajó en Aarau, Copenhague, Londres, París y Nueva York como diseñador gráfico y director de arte. Mientras trabajaba para Herb Lubalin en Nueva York en 1968, diseñó el tipo de letra que se creó exclusivamente para su uso en la señalización del World Trade Center. De 1971 a 1991 trabajó como fotógrafo profesional en París. Desde que se mudó a los EE.UU. en 1991 se ha convertido a la fotografía artística. Una de sus impresiones, Escaparatismo, Copenhague 1960, fue adquirida por el Museo de San Francisco de Arte Moderno en 1997.

Born near Aarau, Switzerland in 1937, Hans Mauli worked in Aarau, Copenhagen, London, Paris and New York as a graphic designer and art director. While working for Herb Lubalin in New York in 1968, he designed the font that was created exclusively for use in the World Trade Center's signage. From 1971 to 1991 he worked as a professional photographer in Paris. Since moving to the US in 1991 he has turned to fine art photography. One of his prints, Window Dressing, Copenhagen 1960, was acquired by the San Francisco Museum of Modern Art in 1997. 
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Nicola Costantino nació en Rosario, Argentina (1964), donde cursó la carrera de Bellas Artes con especialización en escultura.
Cochon sur canapé (1992), su primera muestra individual, es considerada precursora del arte contemporáneo latinoamericano. En 1994 entra en el taller de Barracas de Fundación Antorchas coordinado por Suárez y Benedit y se traslada a Buenos Aires, donde vive y trabaja. En 1998 representa a la Argentina en la bienal de San Pablo, y desde entonces participa en numerosas muestras en museos de todo el mundo, entre los que se destacan Liverpool (1999), Tel Aviv (2002) y Zurich (2011). En 2000 realiza una muestra individual en Deitch Projects (Nueva York) y su Corset de peletería humana ingresa en la colección del MOMA. En 2004 presenta Animal Motion Planet, una serie de máquinas ortopédicas para animales nonatos, y Savon de Corps, obra que tuvo gran repercusión en la prensa. El encuentro con Gabriel Valansi en 2006 significó su entrada al mundo de la fotografía, con más de 30 obras en las que es constante su protagonismo encarnando distintas personalidades del arte y la fotografía. Su interés en la videoperformance la conduce a crear la obra autorreferencial Trailer (2010), su primera producción de tipo cinematográfica, y a abordar un personaje histórico femenino paradigmático como Eva Perón en Rapsodia Inconclusa (55a Bienal de Venecia, 2013).

Nicola Costantino (1964) was born in Rosario, Argentina, where she studies Fine Arts with a specialization in Sculpture.
Cochon sur canapé (1992), her first solo show, is considered a forerunner of contemporary Latin American art. In 1994 she is admitted into Antorchas Foundation’s Barracas Workshop, coordinated by Suárez and Benedit and moves to Buenos Aires, where she settles down and starts working. In 1998 she represents Argentina in San Pablo biennial and then begins to take part in several exhibits in museums around the world, such as those of Liverpool (1999), Tel Aviv (2002) and Zurich (2011). In 2000, she performs a solo show at Deitch Projects (New York); her Corset of Human Furriery becomes part of the MOMA collection. In 2004 she presents Animal Motion Planet, a series of orthopedic machines for stillborn animals, and Savon de Corps, a work that causes great impact in mass media. Her reunion with Gabriel Valansi in 2006 leads her way into photography, where she has more than 30 works in which she always takes the leading role embodying different characters of photography and other art forms. Her interest in video performance drives her creation of self-referential work Trailer (2010), her first cinematographic-like production, as well as her embodying of a historical and emblematic female character like Eva Perón in Rapsodia Inconclusa [Unconcluded Rhapsody] (55th Venice Biennial, 2013).
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Günter Knop is a German photographer born in 1954 in Bremen who lives in New York, best known for his photographs of nudes in black and white.
He began his career working in the studio in Hamburg for the fashion photographer and publicity Charlotte March in the late 70s. He made a trip around the world in a year, then spent 10 years as first assistant Henry Wolf (art director of the magazines Esquire, Harper's Bazaar and Show) in high fashion, television and print advertising for major clients in the eighties and nineties.
He opened his own studio in Chelsea, Manhattan, in 1989, engaged in advertising, cosmetics and publishing photography.
His images feature a unique lighting and custom elements inspired by the designs of the Bauhaus, Art Nouveau and Art Deco. The women he uses as models are selected by him on the streets of New York.

Günter Knop es un fotógrafo alemán nacido en 1954, en Bremen que vive en Nueva York, conocido por sus fotografías de desnudos en blanco y negro.
Comenzó su carrera trabajando en el estudio de Hamburgo de la fotógrafo de moda y publicidad Charlotte March a finales de los 70. Realizó un viaje alrededor del mundo de un año, trabajó 10 años como primer asistente de Henry Wolf (director de arte de las revistas Esquire, Harper's Bazaar y Show), en alta costura, televisión y publicidad impresa para los principales clientes de los años ochenta y noventa.
Abrió su propio estudio en Chelsea, Manhattan, en 1989, dedicado a la fotografía de publicidad, cosméticos y editorial.
Sus imágenes incorporan una iluminación singular y elementos personalizados inspirados en los diseños de la Bauhaus, Art Nouveau y Art Deco. Utiliza como modelos mujeres que selecciona en las calles de Nueva York.
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Ellsworth Kelly es unpintor, escultor y grabador estadounidense  nacido en 1923, asociado con la pintura hard.edge, los campo de color y la escuela minimalista. Sus obras demuestran técnicas sin pretensiones que enfatizan la simplicidad de la forma, similar a la obra de John McLaughlin y Kenneth Noland. A menudo emplea colores brillantes. Vive y trabaja en Spencertown, Nueva York.
William Rubin señaló que "el desarrollo de Kelly ha sido decididamente dirigido hacia el interior: ni es una reacción al expresionismo abstracto, ni el resultado de un diálogo con sus contemporáneos." Muchas de sus pinturas consisten de un solo color (por lo general brillante), con algunos lienzos de forma irregular, a veces llamados "lienzos con forma." La calidad de la línea que puede verse en sus cuadros y en la forma de sus lienzos es muy sutil, e implica la perfección. Esto se demuestra en su obra Estudio de Block Island, de 1959.

Ellsworth Kelly is an American painter, sculptor, and printmaker born in 1923, associated with hard-edge painting, Color Field painting and the minimalist school. His works demonstrate unassuming techniques emphasizing simplicity of form, similar to the work of John McLaughlin and Kenneth Noland. Kelly often employs bright colors. He lives and works in Spencertown, New York.
William Rubin noted that “Kelly’s development had been resolutely inner-directed: neither a reaction to Abstract Expressionism nor the outcome of a dialogue with his contemporaries.” Many of his paintings consist of a single (usually bright) color, with some canvases being of irregular shape, sometimes called "shaped canvases." The quality of line seen in his paintings and in the form of his shaped canvases is very subtle, and implies perfection. This is demonstrated in his piece Block Island Study 1959.
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Martha Amorocho es una artista colombiana nacida en 1971 en Cartagena.
En 1998 viaja a Londres para realizar un Máster en Artes en Chelsea College of Arts and Design, experiencia que la lleva a adentrarse en otros soportes, alejándose poco a poco de la pintura al óleo. Su obra más reciente involucra dibujo, pintura, doucmentación, acciones, video y fotografía para abordar su temática de contenido feminista. A lo largo de su carrera artística, Amorocho ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Colombia, Francia, Inglaterra y España. Además de diversos premios con los que ha sido galardonada su obra, ciertas de sus piezas artísticas forman parte de colecciones como la colección del Banco de la República (en Colombia es una de las más importantes del país), la colección del Museo de Arte Moderno de Cartagena y el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá entre otras. Actualmente vive y trabaja en Francia.

Martha Amorocho is a Colombian artist born in 1971 in Cartagena.
In 1998 she traveled to London for a Master of Arts in Chelsea College of Arts and Design, experience leads her to venture into other media, gradually moving away from oil painting. Her most recent work involves drawing, painting, doucmentación, actions, video and photography to address the issue of feminist content. Throughout her career, Amorocho has participated in numerous group exhibitions in Colombia, France, England and Spain. In addition to various awards that has won her work, some of her art works are part of collections such as the one of the Central Bank of Colombia (in Colombia is one of the largest in the country), the Museum of Modern Art Cartagena and the Museum of Contemporary Art in Bogotá among others. She currently lives and works in France.
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Douglas Kirkland es un prominente fotógrafo canadiense nacido 1934 en Toronto, Ontario, con sede en Estados Unidos. A los veinticuatro años fue contratado como fotógrafo para la revista Look, y se hizo famoso por sus fotos de 1961 de Marilyn Monroe tomadas para la edición del 25 aniversario de Look. Más tarde se unió al personal de la revista Life.
Un selecto grupo de personas notables han posado para Kirkland, desde el gran innovador de la fotografía Man Ray y el fotógrafo / pintor Jacques Henri Lartigue a Stephen Hawking. Celebridades del mundo del entretenimiento que ha fotografiado incluyen a Mick Jagger, Sting, Arnold Schwarzenegger, Morgan Freeman, Orson Welles, Andy Warhol, Oliver Stone, Mikhail Baryshnikov y muchos otros.
Kirkland es contratado por todo el mundo y ha trabajado en la industria del cine como fotógrafo especial en más de 150 películas como 2001: Una odisea del espacio, El sonido de la música, La decisión de Sophie, Memorias de África, La película del pirata, Butch Cassidy y el chico de Sundance, El corazón verde, Titanic y Moulin Rouge.

Douglas Kirkland is a Canadian prominent photographer born 1934 in Toronto, Ontario, based in the United States. At age twenty-four, Kirkland was hired as a staff photographer for Look magazine and became famous for his 1961 photos of Marilyn Monroe taken for Look's 25th anniversary issue. He later joined the staff of Life magazine.
A Who's Who of notable persons have posed for Kirkland from the great photography innovator Man Ray and photographer/painter Jacques Henri Lartigue to Dr. Stephen Hawking. Entertainment celebrities he has photographed include Mick Jagger, Sting, Arnold Schwarzenegger, Morgan Freeman, Orson Welles, Andy Warhol, Oliver Stone, Mikhail Baryshnikov and many others.
Kirkland is contracted for work around the world and has worked in the motion picture industry as a special photographer on more than 150 films including 2001: A Space Odyssey, The Sound of Music, Sophie's Choice, Out of Africa, The Pirate Movie, Butch Cassidy and the Sundance Kid, Romancing the Stone, Titanic, and Moulin Rouge.
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La fotógrafa francesa Brigitte Lacombe vive en la ciudad de Nueva York. Sus amores son los retratos y los viajes.
Brigitte dejó la escuela para ser una aprendiz en el laboratorio en blanco y negro de Elle en París.
En 1975, en el Festival de Cine de Cannes, mientras trabajaba para la edición francesa de Elle, conoció a Dustin Hoffman y Donald Sutherland.
Cada uno de ellos, respectivamente, la invitaron a los sets de filmación de "Casanova de Fellini," filmada en Cinecittà, y de "Todos los hombres del Presidente" de Alan Pakula, rodada en Washington DC y Los Ángeles.
Luego trabajó en "Encuentros Cercanos del Tercer Tipo", de Steven Spielberg, filmada en Mobile, Alabama.
Ha contribuido con las revistas Vanity Fair, Acne Paper, The New Yorker, New York Magazine, The Financial Times Magazine, Vogue alemán, Nowness, Zeit Magazine y otras publicaciones.
Ha estado contribuyendo con Condé Nast desde su primera edición en 1987.
En 2000, ganó el Premio de Fotografía de viajes Eisenstaedt. En 2010, Brigitte recibió el Premio del "Art Director's Club" Salón de la Fama por su trayectoria de toda una vida en fotografía.

French photographer Brigitte Lacombe lives in New York City. Her loves are portraits and travel.
Brigitte left school to be an apprentice at the black and white lab of Elle in Paris.
In 1975, at the Cannes Film Festival, while on assignment for French Elle, she met Dustin Hoffman and Donald Sutherland. 
They each respectively invited her to the film sets of "Fellini's Casanova,” shot at Cinécitta, and Alan Pakula’s "All the President's Men," shot in Washington D.C. and Los Angeles. 
She next worked on Steven Spielberg's "Close Encounters of the Third Kind,” shot in Mobile, Alabama.
She contributes to Vanity Fair, Acne Paper, The New Yorker, New York Magazine, The Financial Times Magazine, German Vogue, Nowness, Zeit Magazine, and other publications.
She has been a contributing photographer for Condé Nast's Traveler  since their first issue in 1987.
In 2000, she won The Eisenstaedt Award for Travel Photography.
In 2010, Brigitte received the “Art Director’s Club” Hall of Fame Lifetime Achievement Award for Photography.

Evgeni Kolesnik [Fotografía]

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Evgeni Kolesnik
Евгений Колесник


Evgeni Kolesnik es un fotógrafo freelance ucraniano nacido en 1987, que trabaja en una variedad de áreas: retrato, moda, comercial, conceptual, eventos y bodas. 
Me ocuparé aquí de sus retratos femeninos. Con una buena dosis de imaginación y creativa puesta en escena, el artista consigue captar toda la belleza de sus modelos.

Modelo / Model: Yulia Grynchuk
Asistente / Assistant: Anastasiya Kolesnik© Evgeni Kolesnik 

© Evgeni Kolesnik

"Reina de las nieves / Snow Queen"© Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Anastasiya Kolesnik © Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Anastasiya Kolesnik © Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Abdulaeva Nurida © Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Tanya Anischenko © Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Jeny Dobizha© Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Julia Krikunova
Maquillaje / Makeup: Anastasiya Kolesnik © Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Anastasiya Kolesnik © Evgeni Kolesnik

Evgeni Kolesnik is an Ukrainian freelance photographer born in 1987, working in wide variety of areas, portraiture, fashion, commercial, conceptual, special events and weddings.
I'll review here his female portraits. With a good dose of imagination and creative staging, the artist manages to capture all the beauty of his models.

Modelo / Model: Anastasiya Kolesnik © Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Anastasiya Kolesnik © Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Anastasiya Kolesnik © Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Lorelai Kitan
Asistente / Assistant: Anastasiya Kolesnik© Evgeni Kolesnik 

© Evgeni Kolesnik

© Evgeni Kolesnik

© Evgeni Kolesnik

© Evgeni Kolesnik

© Evgeni Kolesnik

© Evgeni Kolesnik

Modelo / Model: Anastasiya Kolesnik © Evgeni Kolesnik

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