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Aniversarios Fotografía (LXXXVI) [Septiembre / September 1-6]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Septiembre es el cumple de

Nereo López Meza, fotógrafo, reportero y técnico en proyección cinematográfica, cronista, maestro de fotografía y trotamundos colombiano nacido en 1920 en Cartagena.
Vivió en Nueva York donde realizó gran parte de su trabajo. Fue el fotógrafo designado por el gobierno nacional durante la entrega del premio Nobel en 1982 al escritor colombiano Gabriel García Márquez, así como el fotógrafo acompañante del papa Paulo VI durante su visita a Colombia en 1968.
Formó parte del grupo de amigos que se reunía alrededor de escritores y artistas como Gabriel García Márquez, Alejandro Obregón, Álvaro Cepeda Samudio, Germán Vargas, Alfonso Fuenmayor, Rafael Escalona y muchos más, bajo el nombre de Grupo de Barranquilla en el bar La Cueva. Fue reportero gráfico de El Espectador, El Tiempo, Revista Cromos, O Cruzeiro de Brasil y otros medios nacionales y del exterior durante varios años. Su extensa obra ha sido recogida en numerosas revistas, enciclopedias, catálogos, almanaques, libros y sitios de la web e ilustran un amplio panorama de la historia colombiana en imágenes que pertenecen ya al patrimonio cultural del país.
Murió en 2015.

"Usiacurí, Atlántico, Colombia", 1953


El 2 de Septiembre es el cumple de

Constantino Arias Miranda, fotógrafo y pintor cubano nacido en 1920.
De 1958 1961 cursó estudios en la Escuela Profesional de Periodismo “Manuel Márquez Sterling” de La Habana, Cuba. Desde 1959 y hasta 1986 fue miembro de la Organización Internacional de Periodistas (OIP), La Habana, Cuba.
Arias fue un fotógrafo free lance, no pertenecía al staff de ninguna agencia o publicación. Sin embargo registró -sin pretensiones artísticas- acontecimientos sociales, personalidades cubanas y extranjeras, artistas anónimos de la música popular así como revueltas estudiantiles en el período que va desde la Constitución de 1940 hasta 1959, cuando Fidel Castro y sus rebeldes llegan al poder tras la derrota de Batista. Trabajaba como un paparazzi, pero se convirtió en el cronista de la sociedad cubana de la postguerra. 
Murió en 1991.

de la serie / from the Series"Rumba Palace Bar", 1950


El 3 de Septiembre es el cumple de

Yonosuke Natori (名取 洋之助), fotógrafo y editor japonés nacido 1910.
Natori estudió en la escuela normal de Keio, pero al graduarse se fue con su madre a Munich, donde estudió en una escuela de artes y oficios. Se interesó en la fotografía y en 1931 obtuvo una Leica.
Más tarde obtuvo un contrato para trabajar como fotógrafo para Ullstein, que en 1933 lo envió a Manchuria para cubrir el incidente de Mukden. Inmediatamente después del fin de las hostilidades allí, Natori fue a Japón y creó la primera Nihon Kōbō. Cuando esta se derrumbó creó la segunda, trabajando en su revista Nippon. Se fue a Berlín para los Juegos Olímpicos de 1936, y de allí se dirigió directamente a los EE.UU.. Algunas de las fotografías que tomó mientras estuvo allí fueron publicadas por LIFE y en 1937 se convirtió en el primer fotógrafo japonés en ser contratado para esa revista. Natori regresó a Japón y a la China ocupada por Japón, y trabajó durante los años de guerra en varios órganos de propaganda japoneses, tales como Shanghai y Cantón.
En 1947, Natori estableció Shukan San Nyūsu (Sun News Semanal), inspirada en LIFE y revistas occidentales similares (aunque publicada en papel de calidad inferior). Esto terminó dos años más tarde, con lo cual Natori editó y también fotografió para Iwanami Shashin Bunko (1950-1959). Estuvo muy ocupado en los años cincuenta y realizó una serie de viajes de fuera de Japón: a China en 1956, y a Europa cada año desde 1959 hasta 1962. Hacia el final de este período fotografió escultura y arquitectura románica.
Natori murió en 1962.

"Remero / Rower", fotograbado original de época / original vintage photogravure. c. 1937


El 4 de Septiembre es el cumple de

Alexander Semeonovitch Liberman, editor de revistas, pintor, fotógrafo y escultor ruso-estadounidense nacido en 1912. Ocupó posiciones artísticas de alto nivel durante sus 32 años en Condé Nast Publications.
Cuando su padre tomó un puesto de asesorar al gobierno soviético, la familia se trasladó a Moscú. La vida allí se ponía cuesta arriba, y su padre consiguió el permiso de Lenin y el Politburó para llevar a su hijo a Londres en 1921.
El joven Liberman fue educado en Rusia, Inglaterra y Francia, donde vivió como un "White Émigré" en París.
Comenzó su carrera editorial en París con la temprana revista ilustrada Vu, donde trabajó con Lucien Vogel y con fotógrafos como Brassaï, André Kertész, y Robert Capa.
Después de emigrar a Nueva York en 1941, comenzó a trabajar para Condé Nast Publications, llegando a la posición de director editorial desde 1962 a 1994.
Sólo en la década de 1950 se Liberman tomó la pintura y, más tarde, la escultura del metal. Sus esculturas altamente reconocibles se ensamblan a partir de objetos industriales (segmentos de vigas de acero, tubos, tambores y similares), a menudo pintados en brillantes colores uniformes. En una entrevista de 1986, relativa a sus años de formación como escultor y su estética, dijo Liberman, "Creo que muchas obras de arte son gritos, y me identifico con gritos."
Murió en 1999.

"Robert Rauschenberg"


El 5 de Septiembre es el cumple de

Dennis Mammana, escritor de astronomía, profesor y fotógrafo de los cielos estadounidense nacido en 1951. Su columna de periódico "Stargazers" ha aparecido semanalmente desde 1992, y sus fotos se puede ver en medios de comunicación nacionales e internacionales.
Nacido en Easton, Pennsylvania, el interés de Mammana en los "mundos invisibles" comenzó con un microscopio, pero su atención se desvió hacia el cielo poco después del lanzamiento de los primeros satélites que orbitaban la Tierra: Sputnik I y Echo I en la década de 1950. A mediados de la década de 1960 comenzó regularmente a observar y fotografiar el cielo, y construyó un cuarto oscuro en el sótano donde desarrollaba e imprimía sus propias fotografías del cielo. Su primera foto publicada fue la del eclipse total de Luna del 12 de abril de 1968, que apareció en The Express-Times al día siguiente.
En 1969, se graduó de la Easton Area High School, y estudió física y astronomía en el Otterbein College, donde recibió su licenciatura en 1973. Después de completar el trabajo hacia su EM en Astronomía de la Universidad de Vanderbilt, fue galardonado con una pasantía de un año en el Planetario Strasenburgh en Rochester, Nueva York.

La noche del 28 al 29 de marzo de 2013, la dama de ojos verdes danza graciosamente por los cielos de Alaska / 
On the night of March 28/29, 2013, the green-eyed lady danced gracefully across the Alaskan sky


El 6 de Septiembre es el cumple de

Mariana Yampolsky, una de las principales figuras de la fotografía mexicana del siglo XX nacida en 1925, especializada en fotografiar gente común en situaciones cotidianas en las áreas rurales del país. Nació en los Estados Unidos, pero llegó a México para estudiar arte y nunca regresó, convirtiéndose en ciudadana mexicana en 1958. Su carrera en la fotografía comenzó como una actividad secundaria para documentar los viajes y su trabajo en las artes y la política, pero comenzó mostrar sus fotografías en la década de 1960. Desde entonces y hasta su muerte en 2002, su trabajo fue exhibido a nivel internacional recibiendo premios y otros reconocimientos, tanto durante su vida como después de su muerte.
Murió en 2002.

"Dos máscaras / Two Masks", San Miguel, Puebla, 1990


Textos en inglés / English translation

On September 1 is the birthday of

Nereo López Meza, Colombian photographer, reporter and film projection technician, writer, photography teacher and globetrotter born in 1920 in Cartagena.
He lived in New York where much of his work was performed. He was photographer appointed by the national government for the 1982 Nobel prize to the Colombian writer Gabriel García Márquez, and the accompanying photographer of Pope Paul VI during his visit to Colombia in 1968.
He was part of the group of friends gathered around writers and artists such as Gabriel García Márquez, Alejandro Obregon, Alvaro Cepeda Samudio, German Vargas, Alfonso Fuenmayor, Rafael Escalona and many more, known by the name of Group of Barranquilla at the bar La Cueva. He was a photojournalist for El Espectador, El Tiempo, Revista Cromos, O Cruzeiro (Brazil) and other national and abroad media for several years. His extensive work has been included in numerous magazines, encyclopedias, catalogs, calendars, books and web sites and illustrate a broad overview of Colombian history in images belonging to the cultural heritage of the country.
He died in 2015.

On September 2 is the birthday of

Constantino Arias Miranda, Cuban photographer and painter born in 1920.
From 1958 1961 he studied at the Professional School of Journalism "Manuel Marquez Sterling" in Havana, Cuba. From 1959 to 1986 he was a member of the International Organization of Journalists (OIP), Havana, Cuba.
Arias was a freelance photographer, did not belong to the staff of any agency or publication. However recorded -without pretensions artistic- social events, Cuban and foreign personalities, anonymous folk music artists and student revolts in the period from the 1940 Constitution until 1959, when Fidel Castro and his rebels came to power after the Batista defeat. He worked as a paparazzi, but became the chronicler of Cuban society after the war.
He died in 1991.

On September 3 is the birthday of

Yōnosuke Natori (名取 洋之助), Japanese photographer and editor born 1910.
Natori studied at Keio normal school but upon graduation went with his mother to Munich, where he studied at a school of arts and crafts. He became interested in photography and in 1931 obtained a Leica.
Later he got a contract to work as a photographer for Ullstein, which in 1933 sent him to Manchuria to cover the Mukden Incident. After immediate hostilities there had ended, Natori went to Japan and set up the first Nihon Kōbō. When that collapsed he set up the second, working on its magazine Nippon. He went to Berlin for the 1936 Olympics, and thence went directly to the US. Some of the photographs he took while in the US were published by Life and in 1937 he became the first Japanese photographer to be contracted to that magazine. Natori returned to Japan and Japanese-held China, and worked through the wartime years on various Japanese propaganda organs, such as Shanghai and Canton.
In 1947, Natori set up Shūkan San Nyūsu (Weekly Sun News), inspired by Life and similar western magazines (though published on inferior paper). This ended two years later, whereupon Natori edited and also did photography for Iwanami Shashin Bunko (1950–59). He was busy in the fifties and made a number of trips outside Japan: to China in 1956, and to Europe every year from 1959 to 1962. Toward the end of this period he photographed romanesque sculpture and architecture.
Natori died in 1962.

On September 4 is the birthday of

Alexander Semeonovitch Liberman, Russian-American magazine editor, publisher, painter, photographer, and sculptor born in 1912. He held senior artistic positions during his 32 years at Condé Nast Publications.
When his father took a post advising the Soviet government, the family moved to Moscow. Life there became difficult, and his father secured permission from Lenin and the Politburo to take his son to London in 1921.
Young Liberman was educated in Russia, England, and France, where he took up life as a "White Émigré" in Paris.
He began his publishing career in Paris with the early pictorial magazine Vu, where he worked under Lucien Vogel and with photographers such as Brassaï, André Kertész, and Robert Capa.
After emigrating to New York in 1941, he began working for Condé Nast Publications, rising to the position of editorial director, which he held from 1962-1994.
Only in the 1950s did Liberman take up painting and, later, metal sculpture. His highly recognizable sculptures are assembled from industrial objects (segments of steel I-beams, pipes, drums, and such), often painted in uniform bright colors. In a 1986 interview concerning his formative years as a sculptor and his aesthetic, Liberman said, "I think many works of art are screams, and I identify with screams."
He died in 1999.

On September 5 is the birthday of

Dennis Mammana, American astronomy writer, lecturer and sky photographer born in 1951. His newspaper column "Stargazers" has run weekly since 1992, and his photos can be seen in national and international media.
Born in Easton, Pennsylvania, Mammana's interest in "unseen worlds" began with a microscope, but his attention shifted skyward shortly after the launch of the first Earth-orbiting satellites Sputnik I and Echo I in the late 1950s. By the mid-1960s, he began regularly observing and photographing the sky, and built a basement darkroom where he developed and printed his own sky photographs. His first published photo was of the total lunar eclipse of April 12, 1968, which appeared in The Express-Times the following day.
In 1969, Mammana graduated from Easton Area High School, and studied physics and astronomy at Otterbein College where he received his B.A. in 1973. After completing work toward his M.S. in Astronomy Vanderbilt University, he was awarded a one-year internship at the Strasenburgh Planetarium in Rochester, New York.

On September 6 is the birthday of

Mariana Yampolsky, one of the major figures in 20th-century Mexican photography born in 1925, specializing in capturing photos of common people in everyday situations in the rural areas of the country. She was born in the United States but came to Mexico to study art and never left, becoming a Mexican citizen in 1958. Her career in photography began as a sideline to document travels and work in the arts and politics but she began showing her photography in the 1960s. From then until her death in 2002, her work was exhibited internationally receiving awards and other recognition both during her lifetime and posthumously.
She died in 2002.


Aniversarios Fotografía (LXXXVII) [Septiembre / September 7-13]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 7 de Septiembre es el cumple de

Patrick Hoelck, cineasta y fotógrafo estadounidense nacido en 1968, con sede en Los Ángeles y Nueva York. Aparte de dirigir varios videos musicales y comerciales de televisión convencional, es más conocido por su trabajo fotográfico, especializado en celebridades, publicidad y fotografía artística.
La carrera de Hoelck comenzó a la temprana edad de dieciséis años como director de videos musicales en la ciudad de Nueva York, y más tarde en Los Angeles. La auto-publicación del libro de fotografía de Hoelck, "Tar", fue el catalizador de su carrera como fotógrafo profesional. "Tar" consta de varias historias cortas personales y textos en prosa sobre los primeros días de Hoelck viviendo en la ciudad de Nueva York, y sus experiencias como un adicto a las drogas y abusos. Un giro temprano le llegó a Hoelck cuando un artista y amigo cercano, Vincent Gallo, solicitó especialmente a Hoelck para la portada de la revista británica, "Flux" sobre Richard Avedon. Más tarde Hoelck produjo "Cigarettes and Coffee" para Paul Thomas Anderson.



El 8 de Septiembre es el cumple de

William (Kross) Greiner, fotógrafo y pintor estadounidense nacido en 1957, que ahora vive en Baton Rouge, Louisiana.
Greiner comenzó su carrera como fotógrafo deportivo, primero trabajando en la Liga Nacional de Fútbol Americano (NFL), a la edad de 19 años, desde 1977 hasta 1979. También cubrió los Tour de Francia de 1981 y 1982 para la revista Bicycling, The New York Times y Los Angeles Times. Greiner abandonó el periodismo deportivo para volver a la universidad, consiguiendo un A.A. del Bradford College, una licenciatura en Bellas Artes de la Tufts University / Escuela del Museo de Bellas Artes y un Master en Bellas Artes de la Universidad de Suffolk. Durante este período, Greiner conoció la obra del artista fotógrafo William Eggleston.
Su primer cuerpo de trabajo de color, The Reposed, fue adquirido para la colección permanente del Museo de Arte Moderno (Nueva York), por el curador de fotografía John Szarkowski en 1991. La obra adquirida por el MoMA fue expuesta en una muestra dos años más tarde, en 1993. Este trabajo también fue publicado como una monografía de LSU Press en 1999, con el mismo título.

"City Park - Túnel del tren / Train Bridge", New Orleans, Los Ángeles, Estados Unidos / LA, USA, 1996


El 9 de Septiembre es el cumple de

Brassaï (seudónimo de Gyula Halász), fotógrafo, escultor, escritor y cienasta húngaro nacido en 1899, que alcanzó la fama internacional en Francia durante el s.XX. Murió en 1984.
Más imágenes e información en los posts previos.

"Colonne Morris / Columna Morris / Morris Column", 1932

Más sobre Brassaï en "El Hurgador" / More about Brassaï in this blog:


El 10 de Septiembre es el cumple de

Tay Kay Chin, fotógrafo con sede en Singapur nacido en 1965.
Pasó la primera parte de su carrera profesional en The Straits Times, donde ocupó posiciones desde fotógrafo hasta editor de imágenes.
Después de dejar el Times, trabajó como Editor de Presentación del diario The Sun en Bremerton, Washington, donde su diseño para los desastres del 11 de septiembre fue seleccionado por el Poynter Institute como una de las 10 mejores diseños en el mundo, junto con gigantes del periodismo como The New York Times. Graduado de fotoperiodismo de la Universidad de Missouri-Columbia, es un ponente habitual y juez en eventos de fotografía regionales. Ha realizado numerosas exposiciones y sus fotografías han sido adquiridas por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Singapur, la Casa Europea de la Fotografía en París y coleccionistas privados.

de "Hecho en Singapur" / from Made In Singapore


El 11 de Septiembre es el cumple de

Nath-Sakura, fotógrafa catalán-española nacida en 1973 de padres desconocidos. Se crió en un orfanato. Se convirtió en un fotógrafa porque "no podía pintar", según explicó a Art Nou, la revista de arte catalana de referencia.
En sus primeros años, Nath-Sakura obtuvo un doctorado en filosofía política. Entonces inició una carrera como periodista profesional y más tarde decidió hacer su transición a la vida como mujer. Su trabajo es sobre todo acerca de este movimiento entre géneros y pretende mostrar con gran sutileza la «brutalidad metafísica» que hay en nacer de nuevo.
Ahora vive en el sur de Francia, cerca de Montpellier y trabaja para un gran número de periódicos no especializados diarios y semanales como reportera fotográfica. Hasta la fecha ha publicado cinco libros de fotografía y su obra ha dado una importancia central en muchas exposiciones de prestigio. Es sobre todo una de las artistas asociadas de la Fundación de moda Bertold en Lugano, Suiza.
Como fotoperiodista, tanto como fotógrafa artística, Nath-Sakura muestra la realidad de una forma trágica y peculiar a través de imágenes que producen múltiples niveles de lectura. Ahora es una artista muy singular y conocida entre los fotógrafos europeos.



El 12 de Septiembre es el cumple de

Michèle Van de Roer, artista francés nacido en 1956 en los Países Bajos en Delft; pintora, diseñadora, fotógrafa, y grabadora.
Estudió formalmente en la École d'Arts de Valencia, el Insituto de diseño Pratt de Nueva York, y la École Nationale Supérieure du Paysage en Versalles. Van de Roer Actualmente trabaja en la Fundación La Ruche de Montparnasse, París y es también profesora adjunta de diseño del paisaje en la École Nationale Supérieure du Paysage.
En esencia, ella se siente cautivada por la luz, la ausencia de luz, la curvatura de la luz y las imágenes a través del movimiento - como en su serie de grabados fotográficos titulada "Dessiner Avec La Lune". Para crear esta serie, Van de Roer utiliza una luna llena como un "pincel" fotográfico y el cielo nocturno como su "lienzo" para producir una abstracción inquietante. Si bien gran parte de su trabajo es menos abstracto, el tema de la luz y el movimiento son constantes en todas sus creaciones.



El 13 de Septiembre es el cumple de

Kevin Carter, reportero gráfico sudafricano y miembro del Club Bang-Bang. Recibió un Premio Pulitzer por su fotografía que representa la hambruna de 1993 en Sudán. Su historia se cuenta en la película de 2010 El Club Bang-Bang, en la que fue interpretado por Taylor Kitsch.
Carter había comenzado a trabajar como fotógrafo deportivo de fin de semana en 1983. En 1984, se trasladó para trabajar en la Estrella de Johannesburgo, empeñado en exponer la brutalidad del apartheid.
Carter fue el primero en fotografiar una ejecución pública "necklacing" por los africanos negros en Sudáfrica a mediados de la década de 1980. Carter habló más tarde de las imágenes:. "Me horroricé con lo que estaban haciendo, pero entonces la gente empezó a hablar de esas fotos ... entonces sentí que tal vez mis acciones no habían sido del todo malas. Ser testigo de algo tan horrible no era necesariamente algo malo".
En marzo de 1993, durante un viaje a Sudán, Carter se disponía a fotografiar a un niño muerto de hambre tratando de llegar a un centro de alimentación cuando un buitre se posó cerca. Carter dijo que tomó la fotografía, porque era su "puesto de trabajo", y se fue. Le dijeron que no tocara a los niños por temor a la transmisión de enfermedades. Se suicidó tres meses después de ganar el premio Pulitzer.

La foto ganadora del premio Pulitzer de Carter, tomada en Sudán en marzo de 1993 / 
Carter's Pulitzer Prize-winning photograph, Sudan, March 1993


Textos en inglés / English translation

On September 7 is the birthday of

Patrick Hoelck, American filmmaker and photographer born in 1968, based in Los Angeles and New York City. Aside from directing several mainstream music videos and television commercials, he is more widely known for his photographic work, specializing in celebrity advertisement and fine art.
Hoelck's career began at the young age of sixteen as a music video director in New York City, and later in Los Angeles. Hoelck’s self-published photography book, "Tar", was the catalyst for his late-career emergence as a professional photographer. "Tar" consists of several personal short stories and prose entries about Hoelck’s early days living in New York City, and his experiences as a drug addict and self-abuser. An early break came for Hoelck when close friend and artist, Vincent Gallo, specially requested Hoelck over the late Richard Avedon for the cover of British magazine, "Flux". Later Hoelck produced "Cigarettes and Coffee" for Paul Thomas Anderson.

On September 8 is the birthday of

William (Kross) Greiner, American photographer and painter born in 1957, now living in Baton Rouge, Louisiana.
Greiner began his career as a sports photographer, first working in the National Football League (NFL), at the age of 19, from 1977-1979. He also covered the 1981 and 1982 Tour de France for Bicycling magazine, The New York Times and The Los Angeles Times. Greiner abandoned sports journalism to return to college, earning an A.A. from Bradford College, a B.F.A. from Tufts University/School of the Museum of Fine Art and an M.B.A. from Suffolk University. During this period, Greiner was introduced to the work of artist/color photographer, William Eggleston.
Greiner's first body of color work, The Reposed, was acquired for the Museum of Modern Art (New York City) permanent collection, by photography curator John Szarkowski in 1991. The MOMA acquired work was exhibited in a recent acquisitions show at the museum, two years later, in 1993. This work was also published as a monograph by LSU Press in 1999, by the same title.

On September 9 is the birthday of

Brassaï (pseudonym of Gyula Halász), Hungarian photographer, sculptor, writer, and filmmaker born in 1899, who rose to international fame in France in the 20th century. He died in 1984.
More images and information in previous posts.

On September 10 is the birthday of

Tay Kay Chin, Singapore-based photographer born in 1965.
He spent the early part of his professional career at The Straits Times, where he held positions from photographer to picture editor.
After leaving the Times, he worked as Presentation Editor of the Sun newspaper in Bremerton, Washington, where his frontpage design for the September 11 disaster was selected by Poynter Institute as one of the 10 best designs in the world, along with journalism giants like The New York Times. A photojournalism graduate of the University of Missouri-Columbia, he is a regular speaker and judge at regional photography events. He has exhibited widely and his photographs are collected by Singapore’s Ministry of Foreign Affairs, the European House of Photography in Paris and private collectors.

On September 11 is the birthday of

Nath-Sakura, Catalan-Spanish photographer born in 1973. She is of unknown parents and was raised in an orphanage. She became a photographer because "she couldn’t paint", as she explained to Art Nou, the Catalan reference art magazine.
In her early years, Nath-Sakura became a PhD graduate in political philosophy. Then, she took up a career as a professional reporter and later decided to transition to living as female. Her work is mostly about this movement in-between genders and aims at showing with great subtlety the « metaphysical brutality » there is in being born again.
She now lives in the South of France, near Montpellier and works for a great many non-specialized daily and weekly newspapers as a photo reporter. To date she has published five photography books and she has been given a central importance in many prestigious exhibitions. She is notably one of the associated artists of the very fashionable Bertold Foundation in Lugano, Switzerland.
Both a photo reporter and an art photographer, Nath-Sakura shows the real in a tragic and quirky way through pictures yielding themselves to multiple layers of reading. She is now a well-known and singular artist among European photographers.

On September 12 is the birthday of

Michèle Van de Roer, French artist born in 1956 in The Netherlands at Delft; a painter, designer, photographer, and engraver.
She studied formally at the École d'Arts de Valence, Pratt Institute of Design in New York, and École Nationale Supérieure du Paysage in Versailles. Van de Roer currently works at the Fondation La Ruche in Montparnasse, Paris and is also an Adjunct Professor of landscape design at École Nationale Supérieure du Paysage.
Essentially, she is captivated by light, the absence of light, and the bending of light and imagery through motion – as in her photo etching series entitled Dessiner Avec La Lune. To create this series, Van de Roer used a full moon as a photographic ‘brush’ and the night sky as her ‘canvas’ to produce a haunting abstraction. While much of her work is less abstract, the theme of light and motion are constant in all of her creations.

On September 13 is the birthday of

Kevin Carter, South African photojournalist and member of the Bang-Bang Club. He was the recipient of a Pulitzer Prize for his photograph depicting the 1993 famine in Sudan. He committed suicide at the age of 33. His story is depicted in the 2010 feature film The Bang-Bang-Club, in which he was played by Taylor Kitsch.
Carter had started to work as a weekend sports photographer in 1983. In 1984, he moved on to work for the Johannesburg Star, bent on exposing the brutality of apartheid.
Carter was the first to photograph a public execution "necklacing" by black Africans in South Africa in the mid-1980s. Carter later spoke of the images: "I was appalled at what they were doing. But then people started talking about those pictures... then I felt that maybe my actions hadn't been at all bad. Being a witness to something this horrible wasn't necessarily such a bad thing to do."
In March 1993, while on a trip to Sudan, Carter was preparing to photograph a starving toddler trying to reach a feeding center when a hooded vulture landed nearby. Carter reported taking the picture, because it was his "job title", and leaving. He was told not to touch the children for fear of transmitting disease. He committed suicide three months after winning the Pulitzer Prize.

Aniversarios Fotografía (LXXXVIII) [Septiembre / September 14-20]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 14 de Septiembre es el cumple de

Terence Daniel Donovan, fotógrafo Inglés y director de cine nacido en 1936, recordado por su fotografía de moda de la década de 1960.
Un libro aclamado por la crítica de su obra moda, "Terence Donovan Moda", fue publicado por Londres editorial Arte / Libros en noviembre de 2012. También ha dirigido numerosos comerciales de televisión y supervisó los vídeos musicales de Robert Palmer "Addicted to Love" y "Simply Irresistible".
Junto con David Bailey y Brian Duffy (apodado por Norman Parkinson el "La trinidad negra"), capturó, y en muchos sentidos ayudó a crear, el Swinging London de la década de 1960: una cultura de la alta costura y la celebridad elegante. El trío de los fotógrafos socializó con actores, músicos y la realeza, y se encontraron ellos mismos elevados al estatus de celebridad. Juntos, ellos fueron los primeros auténticos fotógrafos de celebridades.
Donovan fotografió para varias revistas de moda, incluyendo Harper's Bazar y Vogue, así como dirigió unos 3000 anuncios de televisión, y la película policial de 1973 raras veces vista "Yellow Dog", protagonizada por Jiro Tamiya. También hizo documentales, videos musicales y pintura.
Murió en 1996.


Más sobre Cindy Crawford en "El Hurgador" / More about Cindy Crawford in this blog:


El 15 de Septiembre es el cumple de

Walter Iooss Jr., fotógrafo estadounidense nacido en 1943, conocido por sus galardonadas imágenes de los mejores atletas del deporte, incluyendo a Michael Jordan, Kelly Slater, Tiger Woods, Scottie Pippen y Muhammad Ali.
Iooss comenzó su carrera para Sports Illustrated y ha contribuido a la revista durante más de 50 años. También ha fotografiado para la edición Swimsuit de la revista durante cuatro décadas.
En 1959, a la edad de 16 años, disparó a su primer rollo de película en un partido de fútbol profesional con una cámara de su padre le compró. Al año siguiente asistió a la Escuela Alemana de Fotografía en Nueva York durante el verano. Un año más tarde, a los 17 años, Walter consiguió su primera asignación de Sports Illustrated - el mismo año se graduó de East Orange High School.
Desde 1968 hasta 1972, Iooss fue fotógrafo de la casa de Atlantic Records en Nueva York, donde sus modelos incluyeron a artistas como James Brown, Jimi Hendrix y Janis Joplin.
En 1982, Iooss fue reclutado por Fujifilm para trabajar en un estudio prolongado de los atletas que estaban preparando su camino hacia los Juegos Olímpicos de Verano de 1984 en Los Ángeles. El proyecto de dos años y medio de duración le obligó a abandonar su posición como personal de la revista Sports Illustrated (aunque él siguió contribuyendo) y dio lugar a la publicación del libro "Shooting for the Gold".

"Ali vs. Terrell", The Astrodome, Houston, Texas, 1967

Más sobre Mohamed Ali en "El Hurgador" / More about Mohamed Ali in this blog:


El 16 de Septiembre es el cumple de

Gautam Rajadhyaksha, uno de los fotógrafos de moda líder de la India nacido en 1950. Tenía su sede en Mumbai, India.
Fue uno de los retratistas de celebridades más conocidas de la India, después de haber fotografiado casi todos los iconos de la industria cinematográfica del país.
Después de haber obtenido su diploma en publicidad y relaciones públicas, en 1974 se unió al departamento de servicios de fotografía de Lintas India Ltd, una agencia de publicidad líder y, finalmente, llegó a jefe de departamento. Durante un período de 15 años, participó en la creación de hitos en campañas publicitarias, además de seguir su pasión de la infancia, la fotografía, durante los fines de semana.
Su primer encuentro con la fotografía de moda ocurrió 1980, cuando tomó fotografías de la actriz Shabana Azmi (una compañera de la universidad), Tina Munim y Jackie Shroff. Su pasión por el retrato fotografía llegó a su punto más alto y en 1987 dejó su trabajo de publicidad y empezó a dedicarse a la fotografía comercial a tiempo completo. Pronto comenzó a hacer campañas de productos, encargas de publicidad y portafolios de moda.
Mientras aún estaba trabajando para el Lintas, como redactor, Shobha De su primo lo invitó a escribir para su revista "Celebrity", y poco después comenzó a tomar fotografías para sus artículos, esto le ganó la atención y pronto fue aclamado como fotógrafo de glamour. En poco tiempo comenzó a trabajar para otras revistas, como The Illustrated Weekly of India, y revistas de cine como Stardust, Cineblitz y Filmfare.
Murió en 2011.



El 17 de Septiembre es el cumple de

Gaetano Faillace, fotógrafo personal del general Douglas MacArthur durante la Segunda Guerra Mundial y la ocupación americana de Japón después de la Segunda Guerra Mundial. Nació en 1904.
Durante su época en el ejército de Estados Unidos tomó muchas imágenes famosas, incluyendo a MacArthur vadeando en tierra durante el aterrizaje en Leyte, MacArthur con el emperador Hirohito, y la foto de portada para el libro "Reminiscencias del General del Ejército Douglas MacArthur".
El 20 de octubre de 1944, tropas del Sexto Ejército de Krueger aterrizaron en Leyte mientras MacArthur observaba desde el crucero ligero USS Nashville. Esa tarde llegó a la playa. El avance no había progresado mucho; francotiradores seguían activos y el área estaba bajo fuego esporádico de mortero. Cuando su nave llegó a aguas bajas, MacArthur pidió una nave para bajar, pero el oficial a cargo del desembarco estaba demasiado ocupado para concederle su petición y MacArthur fue obligado a hacerlo caminando. A menudo se ha afirmado que la imagen es un posado, pero William J. Dunn quien estuvo presente durante el amarizaje (el único en el cuadro que no usa casco o sombrero) dice que el rumor "es uno de los errores más ridículos que han salido de la guerra ".
Murió en 1991.

"He vuelto"; el general MacArthur regresa a las Filipinas con el presidente de Filipinas Sergio Osmeña a su derecha, el secretario de asuntos exteriores Carlos P. Romulo a su espalda, y Sutherland a la derecha / 
"I have returned"- General MacArthur returns to the Philippines with Philippine President Sergio Osmena to his right, Philippine Foreign Affairs Secretary Carlos P. Romulo at his rear, and Sutherland on his left.


El 18 de Septiembre es el cumple de

Daniel Robert "Dan" Eldon, reportero gráfico, artista y activista kenyata nacido en Inglaterra en 1970. Él y tres colegas fueron apedreados hasta la muerte por una multitud enfurecida en Mogadiscio en 1993, en un incidente antes de la Batalla de Mogadiscio. Dejó una serie de diarios, que Chronicle Books ha utilizado para publicar tres libros, "El viaje es el destino", "Dan Eldon, el arte de la vida" y "El Safari como forma de vida".
A lo largo de su vida Eldon viajó mucho, visitando 46 países. Además estudió siete idiomas dentro y fuera de la escuela.
En abril del año 1991, Eldon voló a Kenia, donde trabajó como tercer ayudante de dirección en el largometraje "Perdidos en África". 
Durante el verano de 1992, la hambruna en Somalia causaba estragos. Eldon voló a los campos de refugiados de Kenia. La agencia internacional de noticias, Reuters vio a su trabajo y pronto fue reclutado para la empresa, fotografiando una situación cada vez más desesperada. Siguió de cerca la historia y estuvo presente en el desembarco de los Marines de EE.UU. en Mogadiscio, donde un aluvión de fotógrafos y periodistas internacionales los estaban esperando.

Imagen del conflicto de Somalia / Image of Conflict, Somalia


El 19 de Septiembre es el cumple de

Frank Eugene, fotógrafo americano nacido en 1865, miembro fundador de la Photo-Secession y uno de los primeros profesores de nivel universitario de fotografía en el mundo.
Sobre 1880 Eugene comenzó a fotografiar por diversión. En 1886 se trasladó a Munich para estudiar dibujo y escenografía.
Regresó a los Estados Unidos y en 1899 expuso fotografías en el Camera Club en Nueva York. El crítico Sadakichi Hartmann escribió una reseña de la muestra en la que decía: "Es la primera vez que un temperamento verdaderamente artístico, un pintor de logros y capacidad reconocidos, se afirma en la fotografía estadounidense."
En 1906 se trasladó permanentemente a Alemania. Fue reconocido allí tanto como pintor y fotógrafo, pero en un principio trabajó principalmente con pintores destacados como Fritz von Uhde, Hendrik Heyligers, Willi Geiger y Franz Roh. Al mismo tiempo fotografió muchos de estos y otros artistas. También diseñó tapices que usó como fondos en sus fotografías.
En 1913 fue nombrado Profesor Real de Fotografía Pictórica por la Real Academia de las Artes Gráficas de Leipzig.
Murió en 1936.

"La clase de graduación / The Graduating Class", 1913


Hoy, 20 de Septiembre, es el cumple de

"Almuerzo en lo alto de un rascacielos" (trabajadores de la construcción de Nueva York almorzando en una viga), famosa fotografía en blanco y negro tomada durante la construcción del edificio de RCA, en el 30 de Rockefeller Center en Manhattan, Nueva York, Estados Unidos.
La fotografía representa a once hombres comiendo su almuerzo, sentados sobre una viga con los pies colgando a 256 metros sobre las calles de Nueva York. Los hombres no llevan arneses de seguridad, lo que se asocia a la Gran Depresión, cuando la gente tomaba cualquier empleo sin tener en cuenta su seguridad. La foto fue tomada el 20 de Septiembre en el piso 69 del edificio de RCA durante los últimos meses de su construcción. Según los archivistas, la fotografía fue de hecho preparada. Aunque la foto muestra trabajadores reales, se cree que el momento fue preparado por el Rckefeller Center para promover su nuevo rascacielos.
Antiguamente atribuida a un desconocido, se ha acreditado a Charles C. Ebbets desde 2003, y erróneamente a Lewis Hine. La corporacion Corbis le ha retornado su atribución desconocida, aunque las fuentes siguen citando a Ebbets como su autor.



Textos en inglés / English translation

On September 14 is the birthday of

Terence Daniel Donovan, English photographer and film director born in 1936, best remembered for his fashion photography of the 1960s.
A critically acclaimed book of his fashion work, Terence Donovan Fashion, was published by London publisher Art / Books in November 2012. He also directed many TV commercials and oversaw the music video to Robert Palmer's "Addicted to Love" and "Simply Irresistible".
Along with David Bailey and Brian Duffy (nicknamed by Norman Parkinson the 'Black Trinity'), he captured, and in many ways helped create, the Swinging London of the 1960s: a culture of high fashion and celebrity chic. The trio of photographers socialised with actors, musicians and royalty, and found themselves elevated to celebrity status. Together, they were the first real celebrity photographers.
Donovan shot for various fashion magazines, including Harper's Bazaar and Vogue, as well as directing some 3000 TV commercials, and the rarely seen 1973 cop film, Yellow Dog starring Jiro Tamiya. He also made documentaries and music videos, and painted.
He died in 1996.

On September 15 is the birthday of

Walter Iooss Jr., American photographer born in 1943, best known for his award-winning images of sports' greatest athletes, including Michael Jordan, Kelly Slater, Tiger Woods, Scottie Pippen, and Muhammad Ali.
Iooss began his career shooting for Sports Illustrated and has contributed to the magazine for more than 50 years. He has also photographed for the magazine's Swimsuit Issue for four decades.
In 1959, at the age of 16, he shot his first roll of film at a professional football game with a camera his father bought him. The following year he attended the German School of Photography in New York City during the summer. One year later, at the age of 17 years, Walter got his first assignment from Sports Illustrated - the same year he graduated from East Orange High School.
From 1968 through 1972, Iooss was an in-house photographer for Atlantic Records in New York, where his subjects included performers like James Brown, Jimi Hendrix and Janis Joplin.
In 1982, Iooss was recruited by Fujifilm to work on an extended study of athletes who were working their way to the 1984 Summer Olympics in Los Angeles. The two-and-a-half-year project required him to leave his position on the staff of Sports Illustrated (though he continued to contribute) and resulted in the publication of the book Shooting for the Gold.

On September 16 is the birthday of

Gautam Rajadhyaksha, one of India's leading fashion photographers born in 1950. He was based in Mumbai, India.
He was one of India's best known celebrity portraitists, having photographed almost all the icons of the Indian Film industry.
Having completed his diploma in advertising and public relations, Rajadhyaksha joined the photo services department of Lintas India Ltd, a leading advertising agency in 1974, and eventually becoming the head of the department. During his 15-year stint, he participated in the creation of milestone ad campaigns, while continuing his childhood passion of photography over the weekends.
His first encounter with fashion photography happened 1980, when he happen to shoot pictures of actress Shabana Azmi (a college mate), Tina Munim and Jackie Shroff, and his passion for portraiture photography was lit, eventually he left his advertising job in 1987, and took up commercial photography full-time, and soon started doing product campaigns, media assignments and fashion portfolios.
While he was still working for the Lintas, as a copywriter, Shobha De his cousin invited him to write for her magazine, 'Celebrity', soon after started shooting photographs for his articles, this got him attention and soon acclaim as a glamour photographer, and before long he started working for other magazines as well, including The Illustrated Weekly of India, and film magazines like Stardust, Cineblitz and Filmfare.
He died in 2011.

On September 17 is the birthday of

Gaetano Faillace, General Douglas MacArthur's personal photographer during World War II and the American occupation of Japan after World War II. He was born in 1904.
During his time in the United States Army, he took many famous images including MacArthur wading ashore during the landing on Leyte, MacArthur with Emperor Hirohito, and the cover photo for MacArthur's book Reminiscences of General of the Army Douglas MacArthur.
On 20 October 1944, troops of Krueger's Sixth Army landed on Leyte while MacArthur watched from the light cruiser USS Nashville. That afternoon he arrived off the beach. The advance had not progressed far; snipers were still active and the area was under sporadic mortar fire. When his craft grounded in knee-deep water, MacArthur requested a landing craft, but the beachmaster was too busy to grant his request and MacArthur was compelled to wade ashore. It has often been claimed that the picture is posed but William J. Dunn who was present during the landing (the only one in the picture not wearing a helmet or hat) says that rumor "is one of the most ludicrous misconceptions to come out of that war."
He died in 1991.

On September 18 is the birthday of

Daniel Robert "Dan" Eldon, English-born Kenyan photojournalist, artist and activist born in 1970. He and three colleagues were stoned to death by an angry mob in Mogadishu in 1993, in an incident before the Battle of Mogadishu. He left behind a series of journals, which Chronicle Books have used to publish three books, "The Journey is the Destination", "Dan Eldon, the Art of Life" and "Safari as a Way of Life".
Throughout his life, Eldon travelled extensively, visiting 46 countries. In addition, he studied seven languages in and out of school.
In April of 1991, Eldon flew to Kenya, where he worked as a third assistant director on a feature film, Lost in Africa. 
During the summer of 1992, the famine in Somalia raged. Eldon flew to the Kenyan refugee camps. The international news agency, Reuters, spotted his work, and he was soon working for the company, shooting the increasingly desperate situation. He followed the story closely and was present at the US Marine landing, where a barrage of international photographers and journalists were waiting for the American soldiers as they left their landing craft in Mogadishu.

On September 19 is the birthday of

Frank Eugene, American-born (1865) photographer who was a founding member of the Photo-Secession and one of the first university-level professors of photography in the world.
About 1880 Eugene began to photograph for amusement. In 1886 he moved to Munich to study drawing and stage design. 
He returned to the United States, and in 1899 he exhibited photographs at the Camera Club in New York. The critic Sadakichi Hartmann wrote a review of the show, saying “It is the first time that a truly artistic temperament, a painter of generally recognized accomplishments and ability asserts itself in American photography.”
In 1906 Eugene moved permanently to Germany. He was recognized there both as a painter and a photographer, but initially he worked primarily with prominent painters such as Fritz von Uhde, Hendrik Heyligers, Willi Geiger, and Franz Roh. He photographed many of these and other artists at the same time. He also designed tapestries that he used as backgrounds in his photographs.
In 1913 he was appointed Royal Professor of Pictorial Photography by the Royal Academy of the Graphic Arts of Leipzig. 
He died in 1936.

Today, September 20, is the birthday of

Lunch atop a Skyscraper (New York Construction Workers Lunching on a Crossbeam), famous black-and-white photograph taken during construction of the RCA Building at 30 Rockefeller Center in Manhattan, New York City, United States.
The photograph depicts eleven men eating lunch, seated on a girder with their feet dangling 256 meters (840 feet) above the New York City streets. The men have no safety harness, which was linked to the Great Depression, when people were willing to take any job regardless of safety issues. The photo was taken on September 20, 1932 on the 69th floor of the RCA Building during the last months of construction. According to archivists, the photo was in fact prearranged. Although the photo shows real construction workers, it is believed that the moment was staged by the Rockefeller Center to promote its new skyscraper.
Formerly attributed to "unknown", it has been credited to Charles C. Ebbets since 2003 and erroneously to Lewis Hine. The Corbis corporation is now returning its status to unknown although sources continue to credit Ebbets.

Jean-Baptiste Monge [Ilustración, Pintura, Arte digital]

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Jean-Baptiste Monge


Jean-Baptiste Monge es un ilustrador, autor y pintor francés que desde 1994 crea sus propios libros de historias ilustradas. Vive en Montreal, Canadá, y actualmente trabaja como diseñador de personajes y en desarrollo artístico para películas de animación por ordenador.
Es miembro de la Sociedad de Ilustradores de Nueva York.
Jean Baptiste ha creado un universo fantástico de hadas, duendes y animales que interactúan en escenarios de ensueño, o se presentan enfrascados en sus tareas cotidianas.

"Cormac mac Cormick" © jbmonge.com

"Erizo confortable / Cosy Hedgehog"© jbmonge.com

«No era un buen estudiante y mis padres no eran ricos. No tenían medios para mandarme a la escuela a la que yo quería ir. Si hubiera podido, hubiera escogido una escuela de animación en París (les Gobelins). La verdadera historia es que lo aprendí todo por mí mismo. Dejé el colegio pronto y una escuela de Artes Gráficas y Publicidad en Nantes me aceptó en sus clases gracias a mi portafolio, ¡no por mis buenas notas escolares!. Pasé 2 años estudiando allí, pero no aprendí lo que realmente deseaba, así que lo dejé otra vez y comencé a trabajar en publicidad. No era muy excitante, pero creo que aprendí mucho sobre el trabajo profesional durante ese tiempo.»

"Archivista / Archivist"© jbmonge.com

«Cuando tenía entre 14 y 17 años, en el sótano de mis padres había libros de Edgar Rice Burroughs (John Carter, Tarzán). Los leí, por supuesto, pero sobre todo por las portadas que estaban pintadas por Frank Frazetta. Por esa misma época descubrí el libro "Hadas", de Brian Froud y Alan Lee (no pude comprarlo porque estaba en inglés y yo no leía muy bien). Adoro la línea de Alan Lee, ¡diría que es perfecta! Y el estilo de Brian Froud es incluso más loco que el de Adam. ¡Encontré tanta inspiración! Y luego, ¡estaba "El Cristal Oscuro! ¡Asombroso!»

"Dunlee Darnan"© jbmonge.com

"El zapato izquierdo del Leprechaun / Leprechaun's Left Shoe", 2007 © jbmonge.com

«Era difícil conseguir los libros que realmente deseaba porque no había Internet. Todos los libros que quería estaban en inglés, ¡y de hecho no podía imaginar que hubiera tantos! Desde los 17 años estuve leyendo y descubriendo tantos artistas; los pintores prerrafaelitas y los Pompiers (académicos franceses) con mi amigo artista Erlé Ferronnière: J. W. Waterhouse, Gerome, Gustave Doré, John Bauer, Edmund Dulac, Arthur Rackham y Alphonse Mucha. Descubrí el arte de Norman Rockwell (mi segundo maestro después de Disney), Leyendecker, Haddon Sundbloom, Rien Poorvliet... ¡la lista es interminable! Pero hoy en día hay tantos que seguramente me olvido de muchos; mis amigos franceses: Pascal Moguérou, Erlé Ferronnière, Olivier Ledroit, todos muy talentosos, pero también artistas ingleses y estadounidenses como John Howe, Paul Bonner, James Gurney, PJ Lynch, James Browne, el mundo de Pixar, Dreamworks, Disney... Todos ellos me dan fuerzas para seguir adelante.» [más información sobre estos artistas más abajo]

Izq./ Left: "Fiddle and Shamrock" - Der./ Right: "Gusgus"© jbmonge.com

«Mis personajes evolucionan a medida que los dibujo. Pero me encantaría tener una mente más organizada que me permitiera construir una imagen que nunca se alterara desde que comienzo hasta que la termino. ¡Quiero decir que sería menos deportivo!
(suspiro) ¡Nunca estoy satisfecho!
Así que cambio, borro, a veces desisto, vuelvo a comenzar y vuelvo a rendirme, y comienzo otra vez ¡hasta que escucho que la imagen tiene vida!
Para el cerdo tirando del alambique, yo sabía que todo había terminado cuando escuché el sonido de la lluvia cayendo sobre el barro.»

"Gran viaje / Great Journey", 2007 © jbmonge.com

«Lo más divertido: ¡el boceto! Encontrar la pose, la idea es realmente divertida. Es mi momento preferido porque está muy vivo. Y después de eso me place crear las texturas que se encuentran en los detalles de mi obra. Los detalles de los rostros y ropas de la gente pequeña, los animales; sería capaz de pasar horas y horas buscando el color perfecto con la sombra perfecta y la luz de la piel, una prenda, una campana, una nariz enorme ("schnoze"; aprendí esta palabra en Baltimore) de un duende que sabe apreciar un buen whisky. Alguien podría decir que soy un friki... ¡y seguramente tendría razón!»

"Gran viaje / Great Journey" (detalle / detail) © jbmonge.com

«Lo más difícil: saber exactamente cuándo tengo que detenerme antes de pasarme de la raya, antes de que sea demasiado tarde y que la ilustración se me vaya de las manos. No me siento a gusto organizando grandes escenas, grandes decorados con personajes. Tiendo a preferir pequeñas escenas íntimas. Me gustaría tener mucho tiempo para trabajar en ello. Desafortunadamente, la realización de un libro no me da esa oportunidad.»

"Hogar dulce hogar / Home Sweet Home"© jbmonge.com

Jean-Baptiste Monge is a french illustrator, author, and painter since 1994, creating his own illustrating stories in books. He lives now in Montréal, Canada, and is nowadays Character Designer and Visual Development Artist for CG animations and movies.
He is a member of the Society of Illustrators of NY.
Jean Baptiste has created a fantasy world of fairies, goblins and animals interacting in dreamlike settings, or engaged in their daily tasks.

"Tío Piojo de Liebre / Uncle Louse of Hare"© jbmonge.com

«I wasn't a good student and my parents weren't wealthy. They didn't have the means to put me through the school I wanted to attend. If I had the chance I would have chosen an animation school in Paris (les Gobelins). The true story is that I learned all by myself. I left college early and an Advertisement and Graphic school in Nantes accepted me into their classes thanks to my portfolio, not my good grades in college! I spent 2 years studying there but I didn't learn what I really wanted to, so I left again and began to work in advertising. It wasn't very exciting, but I think I learned a lot about working professionally during those times.»

"Knockers", 2007 © jbmonge.com

"Cazador de ranas / Frog Hunter"© jbmonge.com

«When I was 14-17 years old, in my parents cellar, there were the Edgar Rice Burrough's books (John Carter, Tarzan). I read them of course, but above all for the covers they had that were painted by Frank Frazetta. Around the same time I discovered the book "Faeries" by Brian Froud and Alan Lee (I wasn't able to buy it because it was in English and I didn't read very well )!  I love the line of Alan Lee, perfect I would say! And the style of Brian Froud is even crazier than Alan's. I found so much inspiration! And then, there was Dark Cristal ! So amazing !»

"Lata de sardinas / Can of Sardines"© jbmonge.com

«It was hard to find books I really like because there was no internet. All the books I wanted were in English, and I couldn't imagine there were so many in fact! From the age of seventeen I kept on reading and I discovered so many artists : The pre-raphaelite painters and the Pompiers painters with my artist friend Erlé Ferronnière; J. W. Waterhouse, Gerome, Gustave Doré, John Bauer, Edmund Dulac, Arthur Rackham, and Alphonse Mucha. I discovered the Art of Norman Rockwell (my second Master after Disney), Leyendecker, Haddon Sundblom, Rien Poorvliet... the list never will never end !! But today, they are so many that I'm sure to forget some, my French Friends : Pascal Moguérou, Erlé Ferronnière, Olivier Ledroit all very talented but also English and American artists like John Howe, Paul Bonner, James Gurney, PJ Lynch, James Browne, the world of Pixar, Dreamworks, Disney...They all give the strengh to go on.» [for more info about the artists see below]

Izq./ Left: "Cerveceros / Brewers" - Der./ Right: "Ciervo / Deer", 2007 © jbmonge.com

"Ladrones de Navidad / Christmas Thieves"© jbmonge.com

«My characters evolve as I draw them. But I would love to have a more organize mind so that I could build a picture which never alters from the moment I begin to the end. I mean it would be less sportive!
Sigh – I'm never satisfied !
So I change, erase, sometime I give up, begin again and give up again and begin again until I feel and I hear the picture living! For the pig pulling the alambic I knew that it was over when I heard the sound of the rain falling in the mud.»

"Mapache / Raccoon", 2007 © jbmonge.com

"Amanecer de las Hadas / Faery's Dawn"© jbmonge.com

«The most fun: the sketch! Finding the pose, the idea is really fun. It's the moment I prefer best because it's so alive. And after that I find pleasure in creating the textures that are found in the details of my work. The details of the faces and clothes of little people, the animals, I would be able to spend hours and hours to find the perfect color with the perfect shade and light of the skin, a cloth, a bell, a big schnoze (I learned this word in Baltimore ^^) of a goblin who appreciates some good whisky. Some will say that I'm a kind of geek... sure they are so right !»

Izq./ Left: "Sólo un poquito / Just a Smidgen"© jbmonge.com
Der./ Right: "Brindis con el Goblin / Cheers with the Goblin"© jbmonge.com

"Sólo un poquito / Just a Smidgen" (detalle / detail) © jbmonge.com

«The most difficult : to know very sharply when I have to stop before going too far out before it's too late and that the illustration is missed for me. I'm not so confortable with organizing big scenes: large decor with characters. I tend to prefer little intimate scenes. I would like to have much time to work on it. Unfortunately, the realisation of a book doesn't give me the opportunity.»

"Hada con colibrí / Faery with Hummingbird"© jbmonge.com

"Carruaje de Calabaza / Pumpkin Carriage"© jbmonge.com

Los textos están tomados del sitio web del artista, y de una extensa entrevista realizada en 2010, publicada en el blog Character and Creature Design Notes. Un poco antigua, pero recomiendo su lectura ya que resulta muy ilustrativa para conocer las claves creativas de este artista /
Texts from artist's website and from an extense interview published in the blog Character and Creature Design Notes, 2010. A little bit old, but I recommend reading it because it is very illustrative to know the creative keys of this artist

Más imágenes e información en / More images and information in;
Website, Wikipedia (en inglés), Tumblr, Behance, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Jean-Baptiste!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Jean-Baptiste!)


Un video en dos partes en el cual podemos deleitarnos con el proceso creativo de uno de los personajes de Jean-Baptiste /
A two-part video in which we can delight in the creative process of one of the characters of Jean-Baptiste






Algunas referencias / Some References

Brian Froud and Alan Lee
"Hadas / Faeries"


Brian Froud es un ilustrador de fantasía Inglés nacido en 1947. Vive y trabaja en Devon con su esposa, Wendy Froud, que también es artista de fantasía. Los paisajes en sus pinturas se inspiran con frecuencia en Dartmoor.
Froud fue el diseñador conceptual y de vestuario para las películas "El Cristal Oscuro" y "Laberinto" (ambas en conjunto con Jim Henson Creature Shop). Colaboró ​​con Terry Jones, que fue un guionista de "Laberinto", en "Los goblins del laberinto" (1986, reeditado en forma abreviada como "El compañero Goblin: Una Guía de Campo de Goblins" en 1996), y posteriormente en una serie de libros no relacionados con Laberinto, sobre hadas y duendes. También ha trabajado con el escritor estadounidense Ari Berk en libros más recientes, incluyendo "Duendes" y "Las Runas de Elfland", y producido libros de arte como "Buenas Hadas / Malas Hadas". Uno de sus libros de artemás famosos, Faerie (Hadas), producido en colaboración con Alan Lee, fue la base de una película de animación de 1981 del mismo nombre. El hijo de Froud, Toby, representó al infante del mismo nombre en "Laberinto". Actualmente es un destacado titiritero y fabricante de criaturas.

"El corro de las hadas / Ring of Faeries"

Brian Froud is an English fantasy illustrator born in 1947. He lives and works in Devon with his wife, Wendy Froud, who is also a fantasy artist. The landscapes in his paintings are frequently inspired by Dartmoor.
Froud was the conceptual designer and costume designer for the films The Dark Crystal and Labyrinth (both in conjunction with Jim Henson's Creature Shop). He collaborated with Terry Jones, who was a screenwriter on Labyrinth, on The Goblins of the Labyrinth (1986, re-issued in abridged form as The Goblin Companion: A Field Guide to Goblins in 1996), and subsequently on a number of non-Labyrinth-related books about fairies and goblins. He has also worked with American writer Ari Berk on more recent books, including Goblins and "The Runes of Elfland", and produced art books such as Good Faeries/Bad Faeries. One of his most famous art books, Faeries, produced in collaboration with Alan Lee, was the basis of a 1981 animated feature of the same name. Froud's son Toby portrayed the infant of the same name in Labyrinth; he is now an accomplished puppeteer and creature fabricator.

"El Pensamiento / The Garden Pansy"

Alan Lee es un ilustrador de libros y diseñador conceptual de cine nacido en 1947 en Middlesex, Inglaterra, que estudió en la Escuela de Arte Ealing.
Lee ha ilustrado decenas de libros de fantasía, incluyendo algunos de no ficción, y muchas más portadas. Varias obras de J.R.R. Tolkien se encuentran entre sus interiores más notables: la edición del centenario de Tolkien de El Señor de los Anillos (1995), una edición de 1999 de El Hobbit presentada en la misma caja, y Narn i Chîn Húrin: Los Hijos de Húrin (2007). 
Otros libros que ha ilustrado incluyen Faeries (Hadas, con Brian Froud), Lavondyss de Robert Holdstock (así como la cubierta de una impresión inicial de este libro), El Mabinogion (dos versiones), Castillos y el Anillo de Tolkien (ambos de no ficción por David Day), El Espejo de piedra de Michael Palin, La venganza de la Luna por Joan Aiken, y Los sueños de Merlin de Peter Dickinson.

"El espírituo del abedul, El de la mano blanca / The Spirit of Birch, White Hand"

Alan Lee is a book illustrator and movie conceptual designer born in 1947 in Middlesex, England, who studied at the Ealing School of Art.
Lee has illustrated dozens of fantasy books, including some nonfiction, and many more covers. Several works by J.R.R. Tolkien are among his most notable interiors: the Tolkien centenary edition of The Lord of the Rings (1995), a 1999 edition of The Hobbit that has been boxed with it, and Narn i Chîn Húrin: The Children of Húrin (2007). 
Other books he has illustrated include Faeries (with Brian Froud), Lavondyss by Robert Holdstock (as well as the cover of an early print of this book), The Mabinogion (two versions), Castles and Tolkien's Ring (both nonfiction by David Day), The Mirrorstone by Michael Palin, The Moon's Revenge by Joan Aiken, and Merlin Dreams by Peter Dickinson.

"Los Trasgos / The Goblins"
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Haddon Sundblom

Haddon Hubbard "Sunny" Sundblom, fue un ilustrador finlandés y artista estadounidense nacido en 1899.
Sundblom es recordado por su trabajo de publicidad, específicamente por los anuncios de Papá Noel que pintó para The Coca-Cola Company en la década de 1930. El Papá Noel de Sundblom se estableció firmemente, con su tamaño mayor del natural y aspecto de abuelo, como una figura clave en el imaginario estadounidense de la Navidad. Tan popular eran imágenes de Sundblom de Papá Noel (utilizadas por Coca-Cola hasta el día de hoy) que a Sundblom se le acredita a menudo el haber creado la imagen moderna de Santa Claus.
Sundblom es reconocido como una gran influencia en muchos conocidos artistas de pin-up, tales como Gil Elvgren, Edward Runci, Joyce Ballantyne, arte Frahm y Harry Ekman. A mediados de la década de 1930 comenzó a pintar pin-ups y piezas de glamour para los calendarios. La última asignación de Sundblom, en 1972, fue una pintura de portada para la edición de Navidad de Playboy.
Murió en 1976.

"Después del juego / After de Game (Beer Belongs)", c.1954

"Campaña de Coca Cola / Coca Cola Campaign", 1951

Haddon Hubbard "Sunny" Sundblom, was a Finnish illustrator and American artist born in 1899.
Sundblom is best remembered for his advertising work, specifically the Santa Claus advertisements he painted for The Coca-Cola Company in the 1930s. Sundblom's Claus firmly established the larger-than-life, grandfatherly Claus as a key figure in American Christmas imagery. So popular were Sundblom's images of Claus (Sundblom's images are used by Coca-Cola to this day) that Sundblom is often credited has having created the modern image of Santa Claus.
Sundblom is recognized as a major influence on many well known pin-up artists, such as Gil Elvgren, Edward Runci, Joyce Ballantyne, Art Frahm, and Harry Ekman. In the mid-1930s, he began to paint pin-ups and glamour pieces for calendars. Sundblom's last assignment, in 1972, was a cover painting for Playboy's Christmas issue.
He died in 1976.

"Refresco para Bañistas / Sunbathers Refreshment", 1947
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Sobre el resto de los artistas mencionados / About the other mentioned artist's:

Burroughs, Edgar Rice: [Rinocerontes (XXXIII)]
Disney, Walt (Walter Elias Disney): [Manos a la obra (XI)], [Rinocerontes (XVI)]
Dulac, Edmund (Edmond): [Julie Bell (Pintura)]
Gérôme, Jean-Léon: [Pintando perros (XXVI)], [Manos a la obra (XXV)], [Aniversarios (XVI)], [Recolección (I)]
Leyendecker, Joseph Christian: [Aniversarios (LXIII)]
Mucha, Alfons (Alphonse): [Manos a la obra (XXIV)], [Aniversarios (XXVI)]
Poortvliet, Rien: [Aniversarios (LXXXII)], [Rinocerontes (LXV)]
Rackham, Arthur: [Aniversarios (XXXIV)]
Rockwell, Norman Percevel: [Librofilia (X)], [Aniversarios (I)]
Waterhouse, John William: [Aniversarios (X)]

Evelyn Benčičová [Fotografía]

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Evelyn Benčičová

Evelyn por / byMarek Wurfl

Natalia Evelyn Benčičová es una joven artista visual nacida en 1992 en Bratislava, Eslovaquia.
Estudió fotografía y bellas artes en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena, Austria. Desde 2014 vive y trabaja en Alemania.
En su obra intenta llegar a un punto en el que confluyan lo artístico y lo comercial, centrándose en lo conceptual, así como en los aspectos visuales de la fotografía.
Para ella es importante combinar el conocimiento académico, una estética interesante, un mensaje potente y una comunicación activa con la audiencia.
Trabaja en fotografía desde 2012, utilizando una Canon 5D Mark II.

"Sirena / Syren"
Fotografía y dirección artística / Photo and Art Direction: Evelyn Benčičová
Producción / Production: Adam Csoka Keller, Asistencia / Assistance: Bea Prekopova

"Ecce Homo"
Fotografía y dirección artística / Photo and Art Direction: Evelyn Benčičová
Asistencia / Assistance: Adam Csoka Keller, Bea Prekopova, Vanda Knapkova

«Tengo que admitir que la mayoría de los jovenes creativos están dejando el país por alguna razón. No hay suficiente apoyo para el arte y los proyectos culturales, pero también falta una actitud de mentalidad abierta en el común de la sociedad. La gente de las nuevas generaciones sabe que son los únicos capaces de cambiar esta situación, pero puede ser una lucha muy larga. En mi opinión, Eslovaquia tiene problemas para aceptar su identidad cultural. En lugar de apreciar y desarrollar lo que ya tenemos, hay un esfuerzo infructuoso por parecernos a algo que nunca seremos. Mi obra y visión están fuertemente influenciadas por mis orígenes, y creo que incluso quienes viajan y abandonan el país a menudo buscando mejores condiciones o inspiración, siempre regresan con nuevas ideas y energía. Como cualquier relación, esta es de ida y vuelta. Si destruimos nuestras raíces, no podemos crecer.»

«Para mí Berlín es la más hermosa e inspiradora de las ciudades del mundo. Tal vez cambie de opinión más adelante, pero para una persona joven que está buscando inspiración e intensidad, este es el lugar indicado. Está lleno de oportunidades para vivir y crear, pero siempre es necesario encontrar un saludable equilibrio en todo, lo cual a veces es muy difícil.»

"Asíntota / Asymptote", Evelyn Benčičová & Adam Csoka Keller

«La mayoría de mis imágenes las realicé en Bratislava. Me inspira mucho la arquitectura y estética socialista, y en Bratislava tengo muchas oportunidades de encontrar esa clase de edificios y localizaciones. Creo que es natural sentirte influenciada por tu propia cultura también en tu obra, y utilizar cosas de tu entorno, especialmente cuando no puedes permitirte otra cosa.»

"Metamorfosis / Metamorphosis"

«Yo tomo fotografías de gente, pero no son reales. Generalmente tan sólo representan algo, a alguien más. Pero aún así mis fotos no van sobre ellos. No tienen que ver con quién está en la imagen, sino con lo que hay allí, lo que ocurre.»

"Albatros"
Maquillaje / Make-up: Jarka Vladyka, Peinado / Hair: Adam Csoka Keller, Modelo / Model: Dorota K. (elite)

"Ecce Homo"
Fotografía y dirección artística / Photo and Art Direction: Evelyn Benčičová
Asistencia / Assistance: Adam Csoka Keller, Bea Prekopova, Vanda Knapkova

«Prefiero que los modelos quieran ser realmente parte de la fotografía y de todo el proceso creativo. La persona que cree en mi obra y mi visión, es el rostro y el cuerpo adecuado, y sólo con este tipo de modelos puedo darle a la imagen toda su concentración y energía, que es lo que normalmente espero. Por supuesto a veces hay cierto criterio visual, pero la habilidad de interpretar un papel y estar realmente presente en la sesión fotográfica es lo más importante.»

"Cabeza abajo / Upside Down". Modelo / Model: Evelyn Benčičová
Foto de / Photo by: Sandra Schlager

«Tomar la fotografía es para mí el último paso, el más fácil. Mi obra pretende crear una ilusión completa, que eventualmente se vuelve real por un momento. La inspiración es algo que me impulsa hacia delante tan intensamente que se convierte en la más importante de mis necesidades básicas. Mientras tengo una idea y creo en ella, no puedo dormir bien ni hacer ninguna otra cosa hasta el momento en que la traigo a la vida. Es un sentimiento de gran fascinación e importancia, que casi me supera y me impulsa a través de todo el proceso, casi sin darme cuenta.»

"Icono / Icon"
Peinado y maquillaje / hair and make-up: Martina Olenakova, Modelo / Model: Radka O

"Asíntota / Asymptote", Evelyn Benčičová & Adam Csoka Keller

«Utilizo la desnudez en su contexto natural, no sexual. En mis series represento a la humanidad. La utilizo como una forma de unificar a la gente borrando las clasificaciones creadas por la vestimenta. La ropas nos ayudan a distinguir dónde y cuándo vivimos, cuales son nuestros gustos y status social. Creamos un cierto personaje, visible para el resto del mundo, pero sin todo eso somos tan sólo humanos. Creo que la mayoría de nosotros tenemos miedo de nosotros mismos, miedo de nuestra fragilidad y vulnerabilidad de nuestro verdadero yo.»

"Ecce Homo"
Fotografía y dirección artística / Photo and Art Direction: Evelyn Benčičová
Asistencia / Assistance: Adam Csoka Keller, Bea Prekopova, Vanda Knapkova

Natalia Evelyn Bencicova is a young visual artist born in 1992 in Bratislava, Slovakia.
She studied photography and fine art in the University of Applied Arts, Vienna, Austria. Since 2014 she lives and works in Germany.
In her work she's trying to pursue a point in which commercial and artistic meet, focusing on conceptual as well as visual aspect of photography.
It is important for her to combine academic knowledge, interesting aesthetics, strong message and active communication with the audience.
She works with photography since 2012 using Canon 5D Mark II.

Fotografía y dirección artística / Photo and Art Direction: Evelyn Benčičová
Asistencia / Assistance: Adam Csoka Keller, Bea Prekopova

«I have to admit that most of the young creative people are leaving the country for a reason. There is not enough support for art and cultural projects but also lack of open-minded attitude in regular society. People from young generations know that they are the ones able to change this situation but that might be a long struggle. In my opinion, Slovakia has a problem with accepting its real cultural identity. Instead of appreciating and developing what we already have, there is an unsuccessful effort to look like something what we will never be. My work and vision is strongly influenced by my origin and I believe that even the people who travel and leave the country often for better conditions or inspiration always come back with new energy and ideas. Like every relationship, this one is also about taking and giving. If we destroy our roots, we cannot grow.»

«For me is Berlin the most beautiful and inspiring city in the world. Maybe I will change my mind later but for a young person, who is searching for an inspiration and intensity this is the place to be. It is full of opportunities to live and to create but it is always necessary to find the healthy balance in everything, what can be sometimes quite difficult.»

"Licuefacción / Liquify" (arte digital / digital art)
Fotografía y dirección artística / Photo and Art Direction: Evelyn Benčičová
Estilismo / Visage and Styling: Adam Csoka Keller

«Most of my pictures are realized in Bratislava. I’m really inspired by socialistic architecture and esthetic and in Bratislava I have a lot of opportunity to find this kind of buildings and locations. I think that it is natural to be influenced by your own culture also in your work and to use things which are around, especially when you cannot afford anything else.»

"Asíntota / Asymptote", Evelyn Benčičová & Adam Csoka Keller

«I take the pictures of people, but they are not real. Usually they just represent something, someone else. But still, my photos are not about them. It is not about that who is on the picture but what is on the picture, what is happening.»

"Trinidad / Trinity"
Fotografía y dirección artística / Photo and Art Direction: Evelyn Benčičová
Estilismo / Visage and Styling: Adam Csoka Keller

"Ecce Homo"
Fotografía y dirección artística / Photo and Art Direction: Evelyn Benčičová
Asistencia / Assistance: Adam Csoka Keller, Bea Prekopova, Vanda Knapkova

«I prefer when the models really want to be the part of the photography and the whole creative process. The person, who believes in my work and vision is the right face and the right body and only this kind of model can give his or her whole energy and concentration to the picture- what is usually the thing I want and expect. Of course sometimes there are certain visual criteria, but an ability to play the role and to be truly present in the photo shoot is the most important.»

"Icono / Icon"
Maquillaje / Make-up: Jarka Vladyka, Peinado / Hair: Adam Csoka Keller, Modelo / Model: Anna

«To take the picture is for me only the last step, the easiest one. My work is to create the whole illusion, which eventually becomes real for a moment. The inspiration is something that drags me forward so intensely that it becomes the most important of my basic needs. While having an idea I believe in, I cannot really sleep or do anything else until the moment I bring it to life. It is the feeling of the great fascination and importance, which is almost outreaching me and it is pulling me through the whole process almost without my notice.»

"Ecce Homo"
Fotografía y dirección artística / Photo and Art Direction: Evelyn Benčičová
Asistencia / Assistance: Adam Csoka Keller, Bea Prekopova, Vanda Knapkova

Fotografía y dirección artística / Photo and Art Direction: Evelyn Benčičová
Asistencia / Assistance: Adam Csoka Keller, Bea Prekopova

«I’m using nudity in its natural, not sexual context. In my series it represents humanity. I use it as the way to unify the people by erasing any classification created by clothing. Clothes help us to distinguish where and when we live, what our taste and social status is. We create a certain character, visible to the outer world, but without all this we are just human. I believe that most of us are scared of ourselves, we are scared of this fragility and vulnerability of our truth self.»

Modelo / Model: Anit

Los comentarios de la artista están tomados de una entrevista (en inglés) publicada en Septiembre de 2014 en Reykjavik Boulevard, y de otra realizada por George Alexandrakis publicada en City Code en Septiembre de 2015 (en inglés y griego) /
Artist's commentis from an interview published in September, 2014 in Reykjavik Boulevard, and another one by George Alexandrakis published in City Code, September 2013 (in Greek and English)

Más imágenes e información sobre Evelyn en / More images and information about Evelyn in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Evelyn!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Evelyn!)

Recolección / Compilation (XVII)

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Frank Gonzales
(Mesa, Arizona, Estados Unidos / AZ, USA, 1975-)

"Belleza Salvaje / Savage Beauty", acrílico sobre panel / acrylic on panel, 18 x 24, 2014
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Christian Rodriguez
(Montevideo, Uruguay, 1980-)

"Una flor mixe / A Mixe Flower"
Fotografía ganadora del VIII Premio PHotoEspaña OjodePez de Valores Humanos / 
Winner of the 7th PHotoEspaña EyeFish Human Values Award, 2015
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Lori Earley
(Nueva York, Estados Unidos / NY, USA)

"Amanda", óleo sobre panel / oil on board, 2008
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William Strutt
(Teignmouth, Devon, Inglaterra / England, 1825-1915)

"Jueves negro, 6 de febrero, 1851 / Black Thursday, 6 February. 1851"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106,5 x 343 cm., 1864. State Library of Victoria, Australia.

Los fuegos del jueves negro fueron una devastadora serie de incendios que arrasaron el estado de Victoria, en Australia, el 6 de febrero de 1851. Se les considera los más grandes incendios forestales de Australia en una región poblada en lo que se registra de historia, con aproximadamente 5 millones de hectáreas, un cuarto de Victoria, quemados. Murieron doce personas, junto con un millón de ovejas, miles de cabezas de ganado e incontrables animales nativos.

The Black Thursday bushfires were a devastating series of fires that swept the state of Victoria, Australia on 6 February 1851. They are considered the largest Australian bushfires in a populous region in recorded history, with approximately 5 million hectares, or a quarter of Victoria, being burnt. Twelve human lives were lost, along with one million sheep, thousands of cattle and countless native animals.

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Hidenobu Suzuki
(Toyohashi, Aichi, Japón / Japan)

"Hermoso momento / Beautiful Time", 2014
El resplandor matinal del monte Fuji tal como se ve en Asagirikogen / 
The morning glow of Mount Fuji as seen in Asagirikogen
Esta foto ganó un premio en National Geograophic "Abraza lo salvaje" / 
This Photo is National Geographic Assignments & Stories "Embrace the Untamed" Winning a prize
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Robert Neffson
(Nueva York, Estados Unidos / NY, USA, 1949-)

"Grand Central", óleo sobre lino / oil on linen, 50" x 68", Colección privada / Private Collection
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Asaria Marka
(Rusia / Russia)

"Tiempo / Time", grafito sobre papel / graphite on paper
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Yoan Capote
(Pinar del Río, Cuba, 1977-)
en La Habana / Havana, Cuba

"Racional / Rational", 2004
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Gérard Daran
(Toulouse, Francia / France, 1946-)


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Neil Dawson
(Christchurch, Nueva Zelanda / New Zealand, 1948-)

"Horizontes / Horizons"
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Irene Jones
(Beeston, Nottinghamshire, Reino Unido / UK)

Izq./ Left: Small Escape, 220 x 260 cm.
Der./ Right: "Los zapatos rojos / The Red Shoes", 150 x 220 cm
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Alexander "Alex" Saveliev
(en / at Nueva York, Estados Unidos / NYC, USA)

Beauty Photographer New York, Lindsey
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William Trost Richards
(Philadelphia, Pennsylvania, Estados Unidos / USA, 1833 - 1905)

"Luz de luna en el monte Lafayette, New Hampshire / Moonlight on Mount Lafayette, New Hampshire"
Acuarela, aguada y grafito sobre papel tejido gris-verde, 21,6 x 36 cm., 1873.
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos / NY, USA)
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León caminando / Striding Lion

Período Neo-Babilónico, reino de Nabucodonosor II / Neo–Babylonian period, reign of Nebuchadnezzar II
León caminando / Striding Lion, panel, 604 - 562 A.C. / B.C.
Excavado en el muro de una vía procesional, Babilonia, Mesopotamia / 
Excavated at Wall of Processional Way, Babylon, Mesopotamia
ladrillo esmaltado / glazed brick, altura / height: 97,2 cm.
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Anton Belovodchenko
(Rusia / Russia, 1980-)

"Paisaje corporal / Bodyscape"
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Emily Blincoe
(Austin, Texas, Estados Unidos / USA)

"Disposiciones / Arrangements"© 2014 Emily Blincoe
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Andrew Marttila
(Estados Unidos / USA) en / at Fishtown, Philadelphia

"Ojo de gato / Cat's Eye", macro / macrophotography
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Oleg Gordienko
(Ucrania / Ukraine)

"El túnel del amor / The Tunnel of Love", cerca de Kiev, Ucrania / near Kiev, Ukraine
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Diego Rodríguez de Silva y Velázquez
(Sevilla, España / Spain, 1599-1660)

"Pablo de Valladolid", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 213,5 cm × 125 cm., c 1632-1637.
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)
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Jóven sátiro / Young Satyr

"Estatua de un jóven sátiro con una máscara de teatro de Silenos / 
Statue of a Young Satyr Wearing a Theater Mask of Silenos"
Restauración de / Restorations by Alessandro Algardi, 1628.
AIC, Leonora Hall Gurley Memorial Collections
The Art Insitute of Chicago (Estados Unidos / USA)
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Taharqa y Hemen / Taharqa and Hémen

"Taharqa presenta los vasos de vino al dios Hemen / Taharqa presents the wine vases to the god Hemen"
bronce (rey), grauvaca enchapada en oro (Hemen), base de madera chapada en plata / 
bronze (king), greywacke gold plated (Hémen), wooden base silver plated, 19,70 x 26 x 10,30 cm.
Département des Antiquités égyptiennes / Departamento de antigüedades egipcias / 
Aegyptian Antiquities Department
Museo del Louvre (París, Francia / France)

Taharqa, el último gobernante del doble reino egipcio-nubio (25a dinastía) gobernó Egipto en su totalidad desde el 690 hasta el 664, antes de ser expulsado del norte de Egipto por los asirios /
Taharqa, the last ruler of the double-Egyptian kingdom Nubio (25th dynasty) ruled Egypt whole of 690-664, before being driven out of northern Egypt by the Assyrians.

Sue Beatrice [Escultura]

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Sue Beatrice


Utilizando piezas de maquinaria de antiguos relojes de bolsillo, la artista estadounidense Susan Beatrice, con sede en New Jersey, crea estas hermosas esculturas en miniatura.
Además de las composiciones construidas dentro de la carcasa de los propios relojes, Sue también crea animales y otras obras en miniatura, con gran habilidad e ingenio en el tratamiento de las piezas, así como esculturas en cera, arcilla, arena, calabazas...
Sus obras pueden adquirirse a través de su tienda "All Natural Arts"

"El cronometrador / The Timekeeper"

"Carrusel del tiempo / Carousel of Time"

«No sé con certeza cuando crucé oficialmente la línea que te convierte en un artista "profesional". Siempre he estado vendiendo cosas pintadas a mano y dibujos, o haciendo cosas para regalar, incluso en la primaria. Recuerdo haber puesto a los 10 años una mesa en un parque local para vender mis pasteles y rocas pintadas, reuniendo dinero para un refugio de animales. No vendía mucho, pero igual era muy divertido.»

"Carrusel del tiempo / Carousel of Time" (detalle / detail)

"Caballito marino de relojería / Clockwork Seahorse"

«Esta carcasa está forrada de terciopelo negro para destacar las delicadas partes de metal. Nótese el alga en filigrana y la medusa, con muelles para los tentáculos.»

«This case is lined in black velvet to set off the delicate metal parts. Note the filigree seaweed watch hands and jellyfish with springs for tendrils.»

"Caballito marino de relojería / Clockwork Seahorse"

«A los 18 me fui a trabajar como escultura para The Franklin Mint en la división de metales. Mi instructora de grabado en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania estaba casada con el director del departamento de escultura allí, y le mostró algunos de mis trabajos. Se me dieron algunas piezas de prueba, y fui contratada a tiempo completo poco después. En ese punto dejé la academia, con la idea de que el aprendizaje en el trabajo era preferible a pagar por las clases.»

"Ángel vengador creado para el artista Steven DaLuz / Avenging Angel created for artist Steven DaLuz"

«Esgrime una espada dorada; sus alas están hechas con manecillas de reloj, su vestido es un delicado esqueleto de una hoja con toques de oro. Las hebras de su cabello son vellosas plumas de un búho.»

«She wields a golden sword, her wings are made from watch hands, her dress is a delicate leaf skeleton touched with gold. Her hair strands are the downy feathers of an owl.»

"Gatito steampunk / Steampunk Kitty"

«Desafortunadamente, algunos de mis trabajos de más alto perfil están sujetos a contratos de confidencialidad que no me permite hablar de ellos. Hoy en día me produce más placer mis propias creaciones, que no son encargos de corporaciones. Cosas como mis esculturas en relojes de bolsillo y pinturas digitales, me permiten más libertad para expresarme que trabajar en personajes con licencias comerciales.»

"El ritmo del tiempo / Rhythm of Time"

"El ritmo del tiempo / Rhythm of Time"
Izq./ Left: "Frente del reloj cerrado / front of the watch closed" - Der./ Right: Silueta / silhouette

«Tristemente, veo que la escultura comercial es un arte que muere. La escultura arquitectónica está casi extinta. El trabajo artístico siempre tendrá su lugar, pero la producción en masa de objetos artísticos ha alterado el sentido del público sobre su valor. Algunos de los artistas más talentosos que conozco están luchando por sobrevivir. No parece haber una apreciación de lo que conlleva una pieza terminada de arte original, y mucha gente no es capaz de diferenciar lo que constituye una pintura o escultura de calidad. Por supuesto, con una economía aún floja, incluso quienes lo son, no pueden permitirse comprarlas.»

"Ardilla mecánica / Mechanical Squirrel"

"Escultura con piezas de relojes homenaje a Edgar Allan Poe / 
Watch parts sculpture homage to Edgar Allan Poe"

Using old machinery parts of pocket watches, the American artist Susan Beatrice, based in New Jersey, creates these beautiful miniature sculptures.
In addition to this compositions built into the cases of the watches themselves, Sue also creates animals and other works in miniature, with great skill and ingenuity in the treatment of parts, as well as sculptures in wax, clay, sand, pumpkins...
You can buy her works in her store All Natural Arts

"Dragon"

«La "piel" de las alas está hecha de pergamino encerado utilizado para envolver las partes de los relojes a la venta a fines de 1800. La mayoría de las partes utilizadas también son de este período o anteriores.»

«The "skin" of his wings is made from the waxed parchment used to wrap watch parts for sale in the late 1800's. Most of the parts used are also from that time period or earlier.»

"Tiempo metamórfico / Metamorphic Time"

«Esta es la primera escultura que cree utilizando partes de relojes de bolsillo. En esta sólo utilicé engranajes para decorar la pieza en lugar de construir la escultura con ellos. El punto clave es la cara pintada sobre una polilla.»

«This is the first watch sculpture I ever created using pocket watch parts. In this one, I only used cogs to decorate the piece rather than to build the sculpture. The focal point is the face painted on a common species of moth.»

"Tiempo metamórfico, obra en proceso / Metamorphic Time, work in progress"

«I'm not certain when I officially crossed the line into being a "professional" artist. I was always selling hand painted items and drawings or making items to give as gifts, even in elementary school. I recall having a table at a local park to sell my pastels and painted rocks to raise money for a local animal shelter at the age of 10. I didn't sell much but it was fun regardless.»

"Hada steampunk / Steampunk Fairy"

«Pieza creada para Steve Maden, el mundialmente famoso diseñador de calzado, esta pieza está llena de diseños de zapatos específicos suyos, así como cremalleras, hebillas y otros detalles de las creaciones por las cuales es conocido. Además, hay un cartel con la dirección de su primera tienda y una parte de reloj réplica de un dispositivo Brannok para medir los pies.»

«Piece created for Steve Madden, the world famous shoe designer, this piece is filled with specific shoe designs of his (using as actual watch parts and leather from watch bands) as well as zippers, buckles and other details his creations are known for. In addition, there's a sign with the address of his first store and a watch part replica of a Brannock Device used for measuring feet.»

"Conejito mecánico / Mechanical Bunny"

«At 18 I went to work as a sculptor for The Franklin Mint in their metals division. My print instructor at the Pennsylvania Academy of Fine Arts was married to the head of the sculpture department there and showed him some of my work. I was given a few test pieces and hired full time shortly thereafter. I left the Academy at that point figuring that on-the-job training was preferable to paying for classes.»

"Locomotora a vapor / Steam Engine"

«Esta pieza es un encargo creado usando un reloj de bolsillo de oro de una herencia que no funciona. A fin de mantener la mayor cantidad de reloj original como fuera posible, he dado la vuelta al interior, colocando el frente del reloj en la parte trasera. Luego creé una pequeña locomotora y caballete sobre el movimiento del reloj existente. Grabé el tren en la contraportada y añadí un diminuto reloj de bolsillo que funciona al final de la faltriquera. Nótese el pequeño ingeniero y el pasajero.»

«This piece is a commission created using a non-working heirloom gold pocket watch. In order to retain as much of the original watch as possible, I flipped the interior around, placing the watch face in the back, then created a tiny locomotive and trestle over the existing watch movement. I engraved the train on the back cover and added a tiny working pocket watch to the fob end. Note the tiny engineer and passenger.»

"Debajo / Beneath"

«Unfortunately, some of my most high profile creations have non-disclosure contracts that don't allow me to comment on them. These days I gain the most pleasure from my own creations that are not commissioned by corporations. Items such as my pocket watch sculptures and digital paintings allow me far more freedom to express myself than working on commercial licensed characters.»

«Sadly, I see commercial sculpture as a dying art. Architectural sculpture is also nearly extinct. Fine art will always have a place but the mass production of art items has skewed the public's sense of value. Some of the most talented artists I know are struggling to make a living. There doesn't seem to be an appreciation of what goes into a finished piece of original art and many people can't differentiate what constitutes a high quality painting or sculpture. Of course, with the economy still sluggish, even those who do often can't afford to make purchases.»

"León / Lion"

«A menudo realizo las esculturas en mi cabeza antes de tan siquiera tocar la arcilla o la cera, pero con las partes del reloj tiendo a meterme de lleno, encajándolas aquí y allá hasta que van tomando forma. Busco una pieza que inspire el proyecto. Puede ser algo pequeño, pero con la forma correcta para sacar algo. Para ésta fue la nariz lo que disparó la idea del león.»

«I often sculpt in my head before I even touch clay or wax but with the watch parts I tend to dive right in, fitting them this way and that until they take shape. I will look for a single piece to inspire the project. It might be something small but just the right shape for something. For this one it was the nose that triggered the idea for the lion.»

Pieza de aniversario. Las palabras escritas en el libro frente al dragón son su canción favorita, y el jade representa 35 años de matrimonio /
Anniversary piece. The words written on the book in front of the dragon is their special song and the jade represents 35 years of marriage.
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Los comentarios de la artista están tomados de una entrevista publicada en La Vie Sirène /
Artist's comments from an interview published in La Vie Sirène.

Más imágenes e información sobre Sue en / More images and information about Sue in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Sue!)
Gracias también a Esther por descubrirme el trabajo de esta artista.
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Sue!)
Thanks also to Esther for the discover of this artist's work.



Otros trabajos / Other works

"León steampunk / Steampunk Lion", arena / sand

«En verdad disfruto utilizando una variedad de materiales, desde la arena hasta calabazas o esculturas en cera o yeso. También me gusta trabajar directamente tanto en papel como lienzo, y crear en Photoshop. Cada forma de arte tiene su propio conjunto de ventajas y desventajas, aunque las mismas reglas de composición y formas de aplicarlas. Es difícil para mí escoger una favorita, ya que la que estoy utilizando en un momento dado, es mi favorita en ese momento.»

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"Jirafa esculpida en calabaza en el zoo del Bronx / Pumpkin Carved Giraffe at the Bronx Zoo"

«I really enjoy using a variety of materials from sand and pumpkins to carving wax and plaster. I also like working both directly on paper or canvas and creating art in Photoshop. Every form of art has it own set of advantages and disadvantages, yet the same rules of composition and form apply. It's hard for me to pick a favorite since whatever I happen to be using at the time might be my favorite at that moment.»

"Elefante esculpido en calabaza en el zoo del Bronx / Pumpkin Carved Elephant at the Bronx Zoo"

"Dragón, Sand Castle University", hormigón / concrete


"Dragón, Sand Castle University" (detalle / detail)

Rinocerontes (LXVI) - Laurent Baheux y más

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Lauren Baheux

"Bebé rinoceronte y su mamá / Baby Rhino and its Mum", Kenya, 2013 © Laurent Baheux

Laurent Baheux es un excelente fotógrafo autodidacta francés nacido 1970.
Ya presenté en Junio una selección de sus trabajos. Aquí les dejo una muestra de sus fotografías de rinocerontes, en un espléndido blanco y negro.
Para más imágenes e información, me remito al post previo.

"Rinocerontes blancos / White Rhinos", Kenya, 2013 © Laurent Baheux

"Primer plano de un rinoceronte / Rhino closeup" © Laurent Baheux

"Cuerno mágico / Magic Horn", Kenya 2013 © Laurent Baheux

 © Laurent Baheux

"Perfil de rinocerontes / Rhinos Profile" © Laurent Baheux

"Rinoceronte blanco / White Rhino" © Laurent Baheux

"Cuerno de África I / Horn of Africa I" © Laurent Baheux

Laurent Baheux is an excellent French self-taught photographer born 1970.
I presented in June a selection of his works. Here you have a collection of his photographs of rhinos in a splendid black and white.
For more images and information, I refer to the previous post.

"Cuerno de África II / Horn of Africa II" © Laurent Baheux

"Rinoceronte blanco / White Rhino", Sudáfrica / South Africa, 2004 © Laurent Baheux

"Rinoceronte blanco / White Rhino", Sudáfrica / South Africa, 2004 © Laurent Baheux

"Rinocerontes / Rhinoceros", Kenya, 2013

"Rinocerontes blancos / White Rhinos", Kenya, 2013 © Laurent Baheux

Más sobre Laurent Baheux en "El Hurgador" / More about Laurent Baheux in this blog:

Más imágenes e información sobre Laurent en / More images and information about Laurent in:


Simen Johan

Simen Johan es un fotógrafo y escultor escandinavo nacido en 1973 en Kirkenes, Noruega, que en la actualidad vive en la ciudad de Nueva York.
Después de asistir a la escuela de cine en Lugnetskolan in Falun, Suecia, Johan se trasladó a la ciudad de Nueva York en 1992 para continuar sus estudios en la Escuela de Artes Visuales. Pronto se pasó al programa de fotografía, donde estudió con Duane Michals, James Casebere y Gregory Crewdson.
En 2005 cambió su enfoque hacia el mundo natural, y al mismo tiempo también empezó a crear obras escultóricas. Las imágenes de su serie "Hasta que el Reino Venga" incorporan elementos fotografiados en una amplia variedad de lugares de todo el mundo, incluso animales tanto silvestres como cautivos.
Según el New Yorker, "Con casi seis por ocho pies, la mayor de estas fotos rivaliza con los dioramas de historia natural, pero muy poco es natural en esta casa de fieras: un ciervo en un bosque cubierto de nieve es asombrosamente blanco, serpientes malévolas se enroscan alrededor de palos, y otra en un barranco soleado, como fugitivos de El infierno de Dante. Johan socava incluso sus ficciones más convincentes, y la sensación persistente de que algo anda mal aquí mantiene a los espectadores justo donde él quiere: en el borde".

"Sin título / Untitled #168", 2011

Simen Johan is a Scandinavian photographer and sculptor born in 1973 in Kirkenes, Norway, nowadays living in New York City.
After attending film school at Lugnetskolan in Falun, Sweden, Johan moved to New York City in 1992 to continue his studies at School of Visual Arts. He soon transferred to the photography program, where he studied under Duane Michals, James Casebere, and Gregory Crewdson.
In 2005, Johan shifted his focus towards the natural world, at the same time also beginning to create sculptural works. The images in his series "Until the Kingdom Comes" incorporate elements photographed in a wide variety of locations around the world, including both wild and captive animals.
According to the New Yorker, "At nearly six feet by eight feet, the largest of these pictures rival natural-history dioramas, but very little is natural about this menagerie. A deer in a snowy forest is uncannily white; malevolent snakes curl around sticks and one another in a sunny ravine, like fugitives from Dante's Inferno. Johan undermines even his most convincing fictions, and the nagging sense that something is wrong here keeps viewers just where he wants us: on edge."

Más sobre Simen Johan en / More about Simen Johan in:


Robert Clark

Robert Clark es un fotógrafo independiente, con sede en la ciudad de Nueva York, que trabaja con las principales revistas del mundo y grandes editoriales, así como en campañas de publicidad. Su trabajo ha ganado numerosos premios internacionales, apareciendo en las páginas y portadas de publicaciones como Time, Sports Illustrated, Vanity Fair, Stern, Geo francesa, US News and World Report, Discover, y en portadas de más 40 libros. Durante su asociación de quince años con la revista National Geographic, Clark ha fotografiado más de 30 historias, incluyendo más de una docena de portadas.

"Rinoceronte de Sumatra / Sumatran Rhino"
Un rinoceronte de Sumatra cautivo descansa en el Zoo Cincinati, en Ohio. Esta especie críticamente amenazada ha declinado en números hasta más del 80% en sólo tres generaciones, debido a la presión de la caza furtiva, y se espera que continúe su declive /
A captive Sumatran rhinoceros rests at the Cincinnati Zoo in Ohio. This critically endangered species has declined in numbers by more than 80 percent in just three generations due to poaching pressure, and further declines are expected.


Robert Clark is a freelance photographer based in New York City and works with the world's leading magazines and major publishing houses, as well as on cutting edge advertising campaigns. His work has won numerous international awards, graced the pages and covers such as Time, Sports Illustrated, Vanity Fair, Stern, French Geo, US News and World Report, Discover, and has appeared on more than 40 book covers. During his fifteen-year association with National Geographic Magazine, Clark has photographed over 30 stories, including more than a dozen covers.

Más sobre Robert Clark en / More about Robert Clark in:


Paul Bagley

Paul Bagley es un fotógrafo amateur canadiense, cuyo trabajo puede verse siguiendo los links adjuntos. Me ha gustado mucho su fotografía de un rinoceronte en reposo.

"Rinoceronte haragán / Lazy Rhino"

Paul Bagley is a Canadian amateur photographer whose work can be seen following the links below. I liked very mucho his photograph of a rhino at rest.

Más sobre Bagley en / More about Bagley in:


Aniversarios (LXXXIX) [Septiembre / September 20-26]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 20 de Septiembre es el cumple de 

Daniel-Joseph Bacqué, escultor francés nacido en 1874 en Vianne.
Su padre era ebanista estatal, encargado de la restauración del mobiliario nacional. Daniel se trasladó a París, entró en el estudio de Bourdelle y expuso en el Salón de los Artistas Franceses de 1900. Ganó numerosos premios, como la Medalla de Oro en 1922. Entabló amistad con el pintor Raoul Dastrac, gascón como él. Sus talleres eran vecinos en la calle del Pot de Fer, detrás del Panteón de París. Murió como consecuencia de un cáncer, después de destruir todas las obras que le quedaban, en 1947.

"Desnudo con ciervo / Nude with Deer", bronce / bronze, 1930


El 21 de Septiembre es el cumple de 

Ludovico Cardi, también conocido como Cigoli, pintor y arquitecto italiano del manierismo tardío y el barroco temprano nacido en 1559, formado y activo a principios de su carrera en Florencia, y que pasó los últimos nueve años de su vida en Roma.
Inicialmente, Cigoli fue instruido en Florencia por el manierista ferviente Alessandro Allori. Más tarde, influenciado por el más destacado de los pintores "contramanieristas", Santi di Tito, así como por Barocci, Cigoli se liberó de los grilletes del manierismo e infundió sus pinturas posteriores con un expresionismo del que a menudo carece la pintura florentina del siglo XVI.
Cigoli, amigo personal cercano de Galileo Galilei - y considerado por éste como el más grande pintor de la época - pintó un último fresco en la cúpula de la capilla paulina de la iglesia de Santa María la Mayor en Roma, que representa a la Virgen de pie sobre un orbe lunar picoteado. Este es el primer ejemplo existente de los descubrimientos de Galileo sobre la naturaleza física de la luna (como él mismo dibujó en Sidereus Nuncius) que penetró en la práctica de las artes visuales en su día. Hasta esta imagen, la luna en las imágenes de la Virgen había sido siempre mítica y suave, perfectamente esférica como se describe en la tradición platónica y ptolemaica. La combinación de tal realismo científico y astronómico en una pintura religiosa es un símbolo llamativo del choque de paradigmas de la época, sobre todo cuando se tiene en cuenta la condena y encarcelamiento ulterior de Galileo por la Iglesia Católica Romana por la publicación de sus pruebas astronómicas de heliocentrismo.
Cigoli murió en 1613.

"Cabeza de monje franciscano / Franciscan Monk Head"
Óleo sobre papel montado sobre cartón / oil on paper mounted on cardboard, 42 x 28 cm., ca. 1610


El 22 de Septiembre es el cumple de 

Sergei Ivanovich Osipov (Сергей Иванович Осипов), pintor, artista gráfico y profesor de arte ruso soviético nacido en 1915. Vivió y trabajó en Leningrado. Miembro de la rama de Leningrado de la Unión de Artistas de Rusia, considerado uno de los principales representantes de la escuela de Leningrado de pintura, famoso por su paisaje y bodegones.
En 1932 Sergei Osipov entra en las clases de preparación en la Academia Rusa de las Artes, y en 1936 se convirtió en estudiante del departamento de pintura del Instituto de Leningrado de Pintura, Escultura y Arquitectura. Fue estudiante de Semion Abugov, Mikhail Bernshtein y Genrikh Pavlovsky.
Al simplificar y deformar la luz de los objetos, Sergei Osipov destaca su estructura tridimensional y fuerza interna, la tensión que con la que se ha creado por la naturaleza o el hombre. "Hay que llamar la atención del espectador acerca de la energía latente de que está llena cada cosa. - dijo el artista - Para mí aquí hay una verdadera fuente oculta de poesía, más que historias sobre actividades o eventos."
De hecho, en sus lienzos nada "sucede". Pero mantienen vivas tradiciones, gustos, constumbres populares, se peude sentir nuestra conexión con la vida pasada generaciones.
Otra característica notable de su arte tiene que ver con formas más abstractas y toda la composición de la pintura, una marcada tendencia a generalizar, la alegoría, el deseo de alejarse del naturalismo hacia la profundidad contemplativa y filosófica.
Murió en 1985.

"Bodegón con jarra blanca / Still life with White Jug", 1972


El 23 de Septiembre es el cumple de 

Alfred Boucher, escultor francés nacido en 1850, mentor de Camille Claudel y amigo de Auguste Rodin.
Era el hijo de un peón que se convirtió en el jardinero del escultor Joseph Marius Ramus, quien, después de reconocer el talento de Boucher, abrió su estudio para él.
Ganó el Gran Premio del Salón en 1881 con "La Piété Filiale." Luego se mudó a Florencia por un largo período y fue un escultor favorito de los presidentes y miembros de la realeza, como Jorge I de Grecia y Maria-Pia de Rumania.
Proporcionó la inspiración y el estímulo a la próxima generación de escultores como Laure Coutan y Camille Claudel. Esta última fue representada en "Camille Claudel lisant" por Boucher y más tarde ella misma esculpió un busto de su mentor. Antes de trasladarse a Florencia y después de haber enseñado a Claudel y otros por más de tres años, Boucher pidió a Auguste Rodin hacerse cargo de la instrucción de sus alumnos. Así es como se reunieron Auguste Rodin y Claudel y comenzaron su relación tumultuosa y apasionada.
Generoso y filantrópico, Boucher fundó el estudio de La Ruche en Montparnasse, en 1902, para ayudar a jóvenes artistas. Recibió el Gran Premio de escultura de l'Exposition Universelle en 1900.
Murió en 1934.

"El reposo (chica durmiendo) / Le Repos (Sleeping Girl)", mármol / marble, 39,5 x 91 cm.


El 24 de Septiembre es el cumple de

Tilsa Tsuchiya, pintora peruana nacida en el puerto de Supe en 1936.
Hija de un médico japonés y madre peruana, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Lima de donde egresó con honores en el año 1959. A inicios de la década de los años 60’ viajó a París donde encontró el estilo que caracteriza su obra, en el que las figuras antropomorficas denotan el contacto con la experiencia surrealista. 
La cultura popular, el realismo social y el indigenismo fueron sus primeras influencias, las que personalizó fusionándolas con sus orígenes japoneses, la mitología quechua y el arte precolombino que le atraía. Las imágenes figurativas, dramáticas o misteriosas eran parte de su visión del universo externo como proyección de su mundo interno.
A mediados de los años 70’ regresó a Lima.
Murió en 1984.

Serie Mitos / Myths Series, "Tristán e Isolda", 1974-75


El 25 de Septiembre es el cumple de

 Jack Storms, escultor de vidrio y empresario nacido en 1970.
Es conocido como uno de los tres destacados artesanos de vidrio en frío de los Estados Unidos. Las esculturas Cubo Spectrum y Tear Drop son parte de la historia y la escenografía en la película de Marvel Guardianes de la Galaxia. Ha recibido encargos de Derek Jeter y el Presidente de Nigeria.
Cada una de las esculturas en vidrio de Jack comienzan en el núcleo; el artista corta, amola, pule y lamina el vidrio literalmetne cientos de veces hasta que obtiene el diseño del núcleo que buscaba. Jack es conocido por utilizar la teoría de Fibonacci como referencia para todos sus diseños. Luego encapsula el núcleo dentro de un cristal óptico y esculpe a mano cada pieza. Cada una de sus esculturas le insume entre 6 y 24 semanas, y todas sus piezas son obras de arte originales. Todas las esculturas se hacen en frío. Los materiales utilizados son 32% de cristal óptico de plomo, cristal óptico y vidrio dicroico.

"Cubo espectro con lentes / Spectrum Cube with Lenses"


Hoy, 26 de Septiembre, es el cumple de

German Alexeevich Tatarinov (Герман Алексеевич Татаринов), pintor ruso soviético nacido en 1925. Honrado artista de la Federación Rusa, vivió y trabajó en Leningrado, y está considerado como uno de los representantes de la escuela de Leningrado de la pintura, siendo reconocido por sus pinturas de paisajes.
En 1942 fue reclutado por el Ejército Rojo, participó en las batallas de Stalingrado y el Lejano Oriente soviético contra Japón.
Tatarinov trabajó sobre todo como paisajista. Las obras presentan una paleta restringida, basada en la relación de tonos verdes y ocres. La composición y el estilo gravitaron hacia pinturas panorámicas al aire libre y en gran escala, con un área de cobertura amplia, con planos consistentemente legibles, manteniendo al mismo tiempo el papel constructivo de la figura.
Murió en 2006.

"Día de marzo / March Day", óleo / oil, 42 x 57 cm.


Textos en inglés / English translation

On September 20 is the birthday of

Daniel-Joseph Bacque, French sculptor born in 1874 in Vianne.
His father was a cabinetmaker of the State, responsible for the restoration of national furniture. Daniel moved to Paris, he entered the studio of Bourdelle and exhibited at the Salon des Artistes in 1900. He won numerous awards, including the Gold Medal in 1922. He became friends with the painter Raoul Dastrac, Gascon like him. Their workshops were neighbors at the Pot de Fer, behind the Pantheon in Paris. He died of cancer, after destroying all the works he had left in 1947.

On September 21 is the birthday of

Lodovico Cardi, also known as Cigoli, Italian painter and architect of the late Mannerist and early Baroque period born in 1559, trained and active in his early career in Florence, and spending the last nine years of his life in Rome.
Initially, Cigoli trained in Florence under the fervid mannerist Alessandro Allori. Later, influenced by the most prominent of the "Counter-Maniera" painters, Santi di Tito, as well as by Barocci, Cigoli shed the shackles of mannerism and infused his later paintings with an expressionism often lacking from 16th-century Florentine painting.
Cigoli, a close personal friend of Galileo Galilei – and regarded by him as the greatest painter of the age – painted a last fresco in the dome of the Pauline chapel of the church of Santa Maria Maggiore in Rome, depicting the Madonna standing upon a pock-marked lunar orb. This is the first extant example of Galileo's discoveries about the physical nature of the moon (as he himself drew it in Sidereus Nuncius) having penetrated the visual arts practice of his day. Until this image, the moon in pictures of the Virgin had always been mythical and smooth, perfectly spherical as described by Platonic & Ptolemaic tradition. The combination of such astronomical scientific realism in a religious painting is a striking symbol of the clash of paradigms of the period, especially when one considers Galileo's later condemnation and imprisonment by the Roman Catholic Church for publishing his astronomical proofs of heliocentricity.
He died in 1613.

On September 22 is the birthday of

Sergei Ivanovich Osipov (Серге́й Ива́нович О́сипов), Soviet Russian painter, graphic artist, and art teacher born in 1915, lived and worked in Leningrad, a member of the Leningrad branch of Union of Artists of Russian Federation, regarded as one of the leading representatives of the Leningrad school of painting, most famous for his landscape and still life paintings.
In 1932, Sergei Osipov enters the preparatory classes at the Russian Academy of Arts, and in 1936 he became a student of painting department of the Leningrad Institute of Painting, Sculpture and Architecture. He studied of Semion Abugov, Mikhail Bernshtein, Genrikh Pavlovsky.
By simplifying and light deformation of objects, Sergei Osipov emphasizes their three-dimensional structure, and internal force, the stress with which they has been created nature or man. "We must remind the viewer about the latent energy which filled every thing, - said the artist. - For me just here is a real hidden source of poetry, rather than in stories about the activities or events."
Indeed, in his canvases nothing "happens." But they come alive traditions, tastes, manners folk, they can feel our connection with life past generations.
Another notable feature of his art become more abstract forms and the entire composition of the painting, a marked tendency to generalize, allegory, the desire to get away from naturalism to the contemplative and philosophical depth.
He died in 1985.

On September 23 is the birthday of

Alfred Boucher, French sculptor born in 1850, mentor to Camille Claudel and friend of Auguste Rodin.
He was the son of a farmhand who became the gardener of the sculptor Joseph-Marius Ramus, who, after recognizing Boucher's talent, opened his studio to him.
He won the Grand Prix du Salon in 1881 with "La Piété Filiale." He then moved to Florence for a long period and was a favourite sculptor of presidents and royals such as George I of Greece and Maria-Pia of Romania.
He provided inspiration and encouragement to the next generation of sculptors such as Laure Coutan and Camille Claudel. The latter was depicted in "Camille Claudel lisant" by Boucher and later she herself sculpted a bust of her mentor. Before moving to Florence and after having taught Claudel and others for over three years, Boucher asked Auguste Rodin to take over the instruction of his pupils. This is how Auguste Rodin and Claudel met and their tumultuous and passionate relationship started.
Ever generous and philanthropic, he founded the studio La Ruche in Montparnasse in 1902 to help young artists. He received the Grand Prix de sculpture de l'Exposition Universelle in 1900.
He died in 1934.

On September 24 is the birthday of

Tilsa Tsuchiya, Peruvian painter born in the port of Supe in 1936.
Daughter of a Japanese doctor and Peruvian mother, studied at the School of Fine Arts in Lima where she graduated with honors in 1959. At the beginning of the decade of the 60's traveled to Paris where she found the style that characterizes her work, in which anthropomorphic figures denote contact with surreal experience.
Popular culture, social realism and indigenismo were her early influences, which personalized fusing with her Japanese origins, Quechua mythology and pre-Columbian art that appealed to her. Figurative, dramatic or mysterious images were part of her vision of the external universe as a projection of her inner world.
In the mid 70's she returned to Lima.
She died in 1984.

On September 25 is the birthday of

Jack Storms, American glass sculptor and entrepreneur born in 1970.
He is known as "one of just three standout cold glass craftsmen" in the United States. He uses a cold glass sculpting process. Storms' glass Spectrum Cube and Tear Drop sculptures are part of the story and set design in the Marvel film Guardians of the Galaxy. His work has been commissioned for Derek Jeter and the President of Nigeria.
Each one of Jack Storms cold glass sculptures starts at the core, the artist cuts, grinds, polishes and laminates together the glass literally hundreds of times until he can get the core design he is looking for. Jack is known for using the theory of Fibonacci as reference for all of his designs. He then encases the core into optical crystal and hand sculpts each piece to shape. Each one of his glass sculptures takes from six to twenty four weeks to create and all of his pieces are original pieces of fine art. All of Jack Storms glass sculptures are done cold. The materials used are 32% optical lead crystal, optical crystal and dichroic glass.

Today, September 26, is the birthday of

German Alexeevich Tatarinov (Ге́рман Алексе́евич Тата́ринов), Soviet, Russian painter born in 1925. Honored Artist of Russian Federation, lived and worked in Leningrad, regarded as one of representatives of the Leningrad school of painting, most famous for his landscape paintings.
In 1942 he was drafted into the Red Army, took part in the battles of Stalingrad and the Soviet Far East against Japan.
Tatarinov mostly worked as landscape painter. The color works restrained, based on the relationship of green and ocher tones. Composition and style gravitated toward plain air painting and full-scale panoramic subjects with a wide coverage area, with a consistently readable plans, while maintaining the constructive role of the figure.
He died in 2006.

Aniversarios Fotografía (LXXXIX) [Septiembre / September 21-27]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 21 de Septiembre es el cumple de

Fred Herzog, fotógrafo alemán nacido en 1930, conocido sobre todo por sus fotografías de la vida en Vancouver, Canadá.
Trabajó profesionalmente como fotógrafo médico. Era el director asociado del Departamento de Comunicación Biomédica UBC, y también enseñó en la Universidad Simon Fraser.
Herzog creció en Stuttgart, pero fue evacuado de la ciudad durante los bombardeos aéreos de la Segunda Guerra Mundial. Sus padres murieron durante la guerra (de la fiebre tifoidea y el cáncer), tras lo cual abandonó la escuela y encontró trabajo como marinero en buques. Emigró a Canadá en 1952, viviendo brevemente en Toronto y Montreal antes de trasladarse a Vancouver en 1953. Había tomado fotos casuales desde la infancia, y comenzó a tomarlas en serio después de mudarse a Canadá.
Su trabajo se centra principalmente en la clase trabajadora, y sus conexiones con la ciudad a su alrededor. Trabajó principalmente con película de diapositivas (en su mayoría de Kodachrome), lo que limitaba su capacidad para exhibir, y también lo marginó un poco como artista en las décadas de 1950 y 1960, cuando la mayoría del trabajo era en blanco y negro. Sin embargo, ha sido cada vez más reconocido en las últimas décadas. Su trabajo ha aparecido en numerosos libros y varias galerías, como la Galería de Arte de Vancouver.

"Escalera / Staircase", impresión de inyección / ink jet print, 27" x 20", 1958


El 22 de Septiembre es el cumple de

Kenn Duncan, fotógrafo estadounidense de danza nacido en 1928 en Nueva Jersey.
Comenzó su carrera como patinador y luego bailarín. Después de romperse su pie y tomar un curso de seis semanas en la fotografía en YMCA, se convirtió en fotógrafo. Duncan trabajó como fotógrafo principal de After Dark y Dance Magazine. Sus fotografías también aparecieron regularmente en Vogue, Harper's Bazaar, Life, Time y Newsweek. Además fotografió una veintena de espectáculos de Broadway, incluyendo Hair, Aplausos, El hombre elefante y Sophisticated Ladies y muchos de danza y estrellas de Broadway incluyendo Chita Rivera, Tommy Tune, Lawrence Leritz, Jerry Herman, Mikhail Baryshnikov, Carol Channing y Angela Lansbury.
Murió en 1986.

"Eleanor D’Antuono"


El 23 de Septiembre es el cumple de

Amelia Ellis, novelista y fotógrafa británico-alemana nacida en 1977, conocida por su serie de misterio del investigador privado londinense Nea Fox.
Sus temas incluyen la culpa y la redención, la integridad, el coraje y el sacrificio, pero también la amistad, el amor y los diversos aspectos de las relaciones lésbicas. La soledad urbana es otro tema importante de sus libros.
La protagonista de Ellis es una mujer post-feminista pensativa pero dura, de unos treinta años, en busca de respuestas a las preguntas persistentes de la vida, que a menudo busca en el curso de sus investigaciones.
Sus novelas contienen elementos de ficción dura, íntima, e historias de detectives clásicas y no pueden ser fácilmente asignados a un género específico de misterio.
Como fotógrafa Ellis trabaja principalmente en el campo de la fotografía callejera. Es conocida por sus fotografías en blanco y negro de Londres.

"Kibble Palace, Glasgow.
"El duende / The Elf" (1898), William Goscombe John"© 2015 Amelia Ellis


El 24 de Septiembre es el cumple de

Dove Bradshaw, artista estadounidense nacida en 1949. Desde 1969, Dove Bradshaw fue pionera en el uso de la indeterminación captando los efectos impredecibles del tiempo, el clima, la erosión y las condiciones atmosféricas interiores y exteriores sobre materiales naturales, químicos y manufacturados. Ha creado pinturas químicas que cambian con la atmósfera, esculturas de erosión de sal, esculturas de piedra que se desgastan y trabajado con cristales que reciben transmisiones de radio de estaciones meteorológicas, onda local y corta, junto con señales de Júpiter de radiotelescopios.
Como Asesora Artística de la Merce Cunningham Dance Company desde 1984, diseñó la decoración y la iluminación de una década de producciones teatrales y de televisión de la compañía.
Está representada en las colecciones permanentes de numerosos museos estadounidenses (Museo de Arte Moderno, Museo Metropolitano de Arte, Galería Nacional), europeos (British Museum) y rusos (Museo del Estado Ruso, Palacio de Mármol). Exhibiendo regularmente a nivel internacional, se incluyó en la Bienal de Gwangju, Corea del Sur y realizó una exposición individual en Tokio.

"Doble negativo / Double Negative", fotograbado / photogravure, 22 ¼" x 19 ¼", 1993. Edición de / Edition of 12


El 25 de Septiembre es el cumple de

Roni Horn, artista plástica y escritora estadounidense nacida en 1955 en Nueva York, donde vive y trabaja. La obra de Horn, que abarca casi cuatro décadas, comprende escultura, dibujo, fotografía, lenguaje e instalaciones en sitios específicos. 
Horn explora la naturaleza mutable del arte a través de esculturas, obras en papel, fotografía y libros. Describe el dibujo como la actividad fundamental en todo su trabajo, porque el dibujo trata de componer relaciones. Los dibujos de Horn se concentran en la materialidad de los objetos representados. También usa palabras como base para dibujos y otras obras.
Su primera instalación fotográfica, Tú eres el tiempo (1994-1996), un ciclo fotográfico con 100 primeros planos de la misma mujer, Margret, en una variedad de piscinas geotérmicas islandesas, trata el enigma de la identidad capturado a través de una serie de expresiones faciales dictadas por cambios de clima imperceptibles.

"Tú eres el tiempo / You are the Weather" (detalle / detail)
De una serie de 100 fotografías / from a Series of 100 photographs, 21,4 x 26,5 cm., 1994-96


El 26 de Septiembre es el cumple de

Yuri Kosin (Косін Юрій Олександрович), fotógrafo, docente, comisario de exposiciones, y viajero ucraniano nacido en 1948.
Kosin es miembro de la Sociedad Nacional de Artistas de la Fotografía de Ucrania, tutor y curador de la Academia Independiente de las Artes Fotográficas de Ucrania, y organizador y comisario de la galería de fotos "Eksar". Es también un miembro de la asociación "Kulturforum" y el estudio artístico "Kulturwerkstatt Trier", Alemania. Es un miembro permanente del programa de TV ucraniano "Svoimi ochima" (testigo) dedicado a los viajes y el turismo. Kosin fue nombrado uno de los expertos en fotografía crítica en Ucrania, en una encuesta de expertos llevada a cabo en 2011.

"Chernobyl, 1986-87"


Hoy, 27 de Septiembre, es el cumple de

Michio Hoshino (星野 道夫), fotógrafo de la naturaleza nacido en Japón en 1952. Originalmente provenía de Ichikawa, en la prefectura de Chiba. Ha sido reconocido como uno de los mejores fotógrafos de naturaleza de su época y comparado con Ansel Adams. Hoshino se especializó en fotografiar la vida silvestre de Alaska, hasta que fue asesinado por un oso pardo, mientras estaba destinado en el Lago Kurilskoye, Rusia, en 1996.
El libro de Lynn Schooler "El Oso Azul" relata la historia de la amistad del autor con Hoshino, un hombre al que admiraba mucho por su habilidad como fotógrafo y su humanidad. Schooler es una guía desierto que se convirtió en fotógrafa por derecho propio bajo la tutela de Hoshino. Otro libro, "El único kayak", de Kim Heacox, describe los viajes de Hoshino a Glacier Bay, así como su propia amistad personal con el fotógrafo.
Un tótem memorial fue levantado en Sitka, Alaska, el 8 de agosto de 2008 (el 12 aniversario de la muerte de Hoshino), en honor a su trabajo.
Murió en 1996.

"Osos de hielo / Ice Bears"


Textos en inglés / English translation

On September 21 is the birthday of

Fred Herzog, German photographer born in 1930 known primarily for his photographs of life in Vancouver, Canada.
He worked professionally as a medical photographer. He was the associate director of the UBC Department of Biomedical Communication, and also taught at Simon Fraser University.
Herzog grew up in Stuttgart, but was evacuated from the city during the aerial bombardment of the Second World War. His parents died during the war (of typhoid and cancer), after which he dropped out of school and found work as a seaman on ships. He emigrated to Canada in 1952, living briefly in Toronto and Montreal before moving to Vancouver in 1953. He had taken casual photos since childhood, and began to take it seriously after moving to Canada.
His work focuses primarily on working class people, and their connections to the city around them. He worked primarily with slide film (mostly Kodachrome), which limited his ability to exhibit, and also marginalized him somewhat as an artist in the 1950s and 1960s when most work was in Black and White. However, he has been increasingly recognized in recent decades. His work has appeared in numerous books, and various galleries, including the Vancouver Art Gallery.

On September 22 is the birthday of

Kenn Duncan, American dance photographer born in 1928 in New Jersey.
He began his career as a skater and then a dancer. After breaking his foot and taking a six-week course on photography at a YMCA, he became a photographer. Duncan worked as a principal photographer for After Dark and Dance Magazine. His photographs also regularly appeared in Vogue, Harper's Bazaar, Life, Time, and Newsweek. In addition, he photographed a score of Broadway shows, including Hair, Applause, The Elephant Man, and Sophisticated Ladies and many dance and Broadway stars including Chita Rivera, Tommy Tune, Lawrence Leritz, Jerry Herman, Mikhail Baryshnikov, Carol Channing and Angela Lansbury.
He died in 1986.

On September 23 is the birthday of

Amelia Ellis, British-German novelist and photographer born in 1977, best known for her mystery series featuring London private investigator Nea Fox.
Her themes include guilt and redemption, integrity, courage and sacrifice, but also friendship, love and various aspects of lesbian relationships. Urban loneliness is another major subject of her books.
Ellis' protagonist is a pensive but tough post-feminist woman in her early thirties searching for answers to life's persistent questions, often finding them in the course of her investigations.
Her novels contain elements of hardboiled fiction, cozies and classic detective stories and cannot easily be assigned to a specific genre of mysteries.
As a photographer, Ellis works primarily in the field of street photography. She is best known for her black and white pictures of London.

On September 24 is the birthday of

Dove Bradshaw, American artist born in 1949. Beginning in 1969, Dove Bradshaw pioneered the use of Indeterminacy by enlisting the unpredictable effects of time, weather, erosion, and indoor and outdoor atmospheric conditions on natural, chemical, and manufactured materials. She has created chemical paintings that change with the atmosphere, erosion sculptures of salt, stone sculptures that weather, and, worked with crystals that receive radio transmissions from weather stations, local and short wave, along with radio telescope signals from Jupiter.
As Artistic Advisor to the Merce Cunningham Dance Company since 1984, she designed decor and lighting for a decade of the company’s stage and television productions.
Represented in the permanent collections of numerous American (Museum of Modern Art, The Metropolitan Museum of Art, The National Gallery), European (The British Museum) and Russian (Russian State Museum , Marble Palace). Exhibiting regularly internationally, she was included in the Gwangju Biennale, South Korea and a solo exhibition in Tokyo.

On September 25 is the birthday of

Roni Horn, American visual artist and writer born in 1955 in New York where she lives and works. Horn's oeuvre, which spans almost four decades, encompasses sculpture, drawing, photography, language, and site-specific installation.
Horn explores the mutable nature of art through sculptures, works on paper, photography, and books. She describes drawing as the key activity in all her work because drawing is about composing relationships. Horn’s drawings concentrate on the materiality of the objects depicted. She also uses words as the basis for drawings and other works.
Horn's first photographic installation, You Are The Weather (1994-1996), a photographic cycle featuring 100 close-up shots of the same woman, Margret, in a variety of Icelandic geothermal pools, deals with the enigma of identity captured through a series of facial expressions dictated by imperceptible weather changes.

On September 26 is the birthday of

Yuri Kosin (Косін Юрій Олекса́ндрович), Ukrainian photographer, lecturer, curator of exhibitions, and traveler born in 1948.
Kosin is a member of the National Society of Photo Artists of Ukraine, tutor and curator at the Independent Academy of the Photographic Arts of Ukraine, organizer and curator of the “Eksar” photo gallery, Ukraine. He is also a member of the “Kulturforum” association and the artistic studio ”Kulturwerkstatt Trier”, Germany. He is a permanent member of the TV Ukrainian program “Svoimi ochima” (eyewitness) dedicated to travel and tourism. Kosin was named one of the experts in photography criticism in Ukraine in expert poll conducted in 2011.

Today, September 27, is the birthday of

Michio Hoshino (星野道夫), Japanese-born (1952) nature photographer. He originally hailed from Ichikawa, Chiba Prefecture. Called one of the most accomplished nature photographers of his era and compared to Ansel Adams, Hoshino specialized in photographing Alaskan wildlife until he was killed by a brown bear while on assignment in Kurilskoye Lake, Russia in 1996.
Lynn Schooler's book The Blue Bear relates the story of the author's friendship with Hoshino, a man he admired greatly for his skill as a photographer and his humanity. Schooler is a wilderness guide who became a photographer in his own right under Hoshino's tutelage. Another book, The Only Kayak by Kim Heacox, describes Hoshino's journeys to Glacier Bay as well as his own close personal friendship with Hoshino.
A memorial totem pole was raised in Sitka, Alaska, on August 8, 2008 (the 12-year anniversary of Hoshino's death), in honor of his work.
He died in 1996.

Calvin Nicholls [Esculturas con papel]

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Calvin Nicholls



Calvin Nicholls es un artista canadiense que crea estas hermosas composiciones con papel, tijera y pegamento, jugando con las luces y las sombras, logrando un efecto de altorrelieve que hace emerger del marco paisajes y animales, utilizando casi siempre el blanco del papel sobre fondos también blancos.

"Ave del paraíso de Wilson / Wilson's Bird-of-Paradise", 2015


«Inspirado por mi familia, amigos y mi profesora de arte de la secundaria, me inscribí en un programa de tres años de diseño gráfico (1976-79) en el colegio Sheridan en Oakville, Ontario, Canadá.
Después de la graduación pasé mi primer año en una agencia de publicidad, antes de abrir mi propio estudio de diseño en el norte de Toronto durante 1981.
Los experimentos con esculturas en papel comenzaron en 1984, y poco después la escultura en papel jugaba un rol predominante en la mayoría de mis diseños para los proyectos y campañas publicitarias de mis clientes.»

"Mochuelo común / Little Owl", 2013

"Woof", 2014

"Woof" (detalle / detail)

«Fue cuestión de tiempo antes de que mi interés desde siempre en el arte y la vida salvaje se combinaran. Había terminado un ave de presa con las alas extendidas para Noranda Recycled Papers, cuando me llamó la atención lo bien adecuadas que resultaban las capas de plumas para esculpirlas con papel.
Mis primeras series de impresiones en edición limitada se lanzaron en 1989 en el Festival de Vida Salvaje Buckhorn en Ontario, y el National Trust me encargó 15 esculturas de vida salvaje para una campaña nacional en 1992.
El éxito en las muestras y la demanda de mi tranajo en el sector corporativo, proveyó la base para lo que se ha convertido en una carrera muy excitante.»

"Ánades reales / Mallards"

"Correcaminos... ¡el coyote te persigue! / Road runner....the coyote's after you!", 2014

"Aves del paraíso / Birds of Eden", 2013
Esta serie en curso por encargo, representa un Ave del paraíso mayor. Las imágenes de referencia y la información complementaria fue obtenida gracias al fotógrafo Tim Laman y el biólogo evolucionista Edwin Scholes III, que trabajaron varios meses documentando el comportamiento de estas asombrosas aves. La escultura, de 60" de largo, está compuesta de 100% de papel de algocón de varias densidades. Apareció en la muestra "Aves en el arte" de 2013, en el Woodson Art Museum de Wausau, Wisconsin /
This ongoing commissioned sculpture series depicts the Greater Bird of Paradise. Reference imagery and background information was obtained through photographer Tim Laman and evolutionary biologist Edwin Scholes III who worked for many months documenting the behaviours of these amazing birds. The sculpture is 60" long and is comprised of varying weights of 100% cotton archival papers. It appeared in the 2014 Birds in Art show at the Woodson Art Museum in Wausau, Wisconsin.

Calvin trabajando en "Aves del paraíso" / Calvin at work with "Birds of Paradise"

Calvin Nicholls is a Canadian artist who creates these beautiful compositions with paper, scissors and glue, playing with lights and shadows, achieving an effect of high relief that brings out of the frame forms of landscapes and animals, using mostly white paper on white backgrounds.

"Ave del Paraíso de Berlepsch / Parotia Sefilata", 2015

«Mi interés en lo monocromático continúa. Quiero que la gente sumerja y explore la obra y considerae el medio. Aunque he hecho piezas a todo color, sigo experimentando con la interacción de la luz y la sombra en la superficie del papel normal, en blanco bruto o en escalas de grises equivalentes.»

"Grizz...", 2013

«Inspired by family, friends and by my high school art teacher, I enrolled in the three year graphic design program (1976-79) at Sheridan College in Oakville, Ontario. 
Upon graduation I spent my first year in an advertising agency before opening my own freelance design studio in north Toronto during 1981. 
Experiments with paper sculpture began in 1984 and before long paper sculpture played a dominant role in most of my design clients' projects and campaigns.»

"Grizz..." (obra en proceso / work in progress"

"Abundancia / Abundance"

«It was a matter of time before my life-long interest in art and wildlife combined. I had just completed a bird of prey with outstretched wings for Noranda Recycled Papers when it struck me how well suited the layering of feathers was to the art of paper sculpture.
My first series of limited edition prints was launched in 1989 at the Buckhorn Wildlife Festival in Ontario and National Trust commissioned 15 wildlife sculptures for a national campaign in 1992.
Success at shows and demand for my work in the corporate sector provided the base for what has become a very exciting career.»

"Ave del paraíso Rey de Sajonia / King of Saxony bird-of-paradise", 2015

"Primeras huellas / First Tracks", 86" x 30" x 4", 2013
Un esquiador esculpe las primeras vueltas de la mañana en la nieve prístina de la montaña Whistler con el Blackcomb en la distancia. Tres tonos de papel blanco hueso fueron utilizados para esta pieza. /
A skier carves the first turns of the morning in the pristine snow of Whistler Mountain with the Blackcomb runs in the distance. Three hues of off-white archival papers were used in this piece.

Izq./ Left: "Erizo / Hedgehog", 26" x 22" x 3", 2004 - Der./ Right: "Lince / Lynx"

"Ave del paraíso roja / Red bird-of-paradise", 2015

Esta es una idea que me estaba dando vueltas en la mente desde hacía tiempo. He utilizado uno de los más finos papeles japoneses hecho a mano, disponible en la Papelería Japonesa de Toronto, y le he dado forma como una pequeña escultura. Es una cosita pequeña, que mide 4" x 6", 2014 /
This is an idea that has rattled around in my mind for a very long time. I've used one of the finest Japanese hand made papers available at the Japanese Paper Shop in Toronto and morphed it into a little sculpture. It's just a little guy measuring 4" x 6", 2014

"Puerco Espín / Porcupine"

«My interest in monochromatics continues. I want people to be drawn in to explore the work and to consider the medium. Although I have completed pieces in full colour I continue to experiment with the interaction of light and shadow on the surface of plain paper in off white or in multi-step grayscale equivalents.»

"Mochuelo boreal / Boreal Owl", 20" x 14" x 2", 2002

Los comentarios están tomados de un texto biográfico del propio artista que puede leerse completo (en inglés) en Artists for Conservation.
Comments from a biographic text by the artist, you can fully read in Artists for Conservation.

Más imágenes e información sobre Calvin en / More images and information about Calvin in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Calvin!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Calvin!)



Unos videos en los que Calvin comenta y muestra aspectos de su proceso creativo /
A couple of videos in which Calvin comments and shows some aspects of his creative process.





Sucedió en el museo... (II) / It Happened at the Museum... (II)

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Hace un par de años tuve la oportunidad de visitar en el TEA (Tenerife Espacio de las Artes) una muestra de trabajos de Alécio de Andrade, un brasileño que durante décadas fotografió el Museo del Louvre y sus visitantes. Les dejo aquí una selección de imágenes con algo de información, y como de costumbre un post anexo sobre las pinturas y esculturas involucradas.

A couple of years ago I had the opportunity to visit in the TEA (Tenerife Space of Arts) a show of works by Alécio de Andrade, a Brazilian who for decades photographed the Louvre and its visitors. Here you have a selection of images with some information, and as usual an annex post about the paintings and works involved.
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Alécio de Andrade

Alécio de Andrade, Louvre, 1994. Al fondo, obras de / background, works by Le Brun 

Alécio de Andrade nació en Rio de Janeiro, Brasil, en 1938.
Estudió leyes en la Facultad de Derecho de Rio de Janeiro, y entre 1960 y 1963 publicó poemas en varias revistas literarias de la ciudad.
En 1964 estableció su residencia en París, convrtiéndose en fotógrafo freelance.
Entre 1966 y 1973 fue corresponsal extranjero para el semanario brasileño Manchete, y entre 1970 y 1976 miembro asociado de Magnum Photos.
Durante su larga carrera recibió numerosos premios, y su trabajo apareció en publicaciones tales como Elle, Figaro Madame, Géo, Stern (Germany), American Photographer, Fortune, Newsweek (United States) y otras.
Murió en París en 2003.

Baron Jean-Baptiste Regnault (1754-1829)
"Las tres gracias / The Three Graces", 1797-1798. Louvre Museum, Paris, 1970
© Alécio de Andrade, ADAGP, Paris

Centro / Center: Nicolas Poussin (1594-1665)
"Otoño o El racimo de uvas traídas de la Tierra Prometida /
Autumn or The bunch of grapes brought back from the Promised Land", 1660-1664.
Der./ Right: Nicolas Poussin (1594-1665)
"Invierno o La inundación / Winter or The Flood", 1660-1664.
Louvre Museum, Paris, 1985. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris

La muestra "El Louvre y sus visitantes", consistió en una selección de las más de 12.000 fotografías de las que desde 1964, y durante cerca de 40 años, Alécio tomó en el museo parisino. El conjunto presenta "una visión poética cuyo sentido del humor se une a la ternura para revelarnos tanto la apropiación de los especios del museo público, como las relaciones, a veces insólitas, que se establecen entre algunos visitantes y ciertas obras de arte."

Dirck van Santvoort (1610-1680)
"Cristo apareciéndose ante los peregrinos de Emaús / Christ Appearing before the Pilgrims of Emmaus", 1633.
Louvre Museum, Paris, 1990. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris

Foto / Photo: Javier Fuentes

Pierre-Nicolas Beauvallet (1750-1818)
"Susana bañándose / Susanna Bathing", mármol / marble, 1813.
Al fondo / in the background: Antoine-Denis Chaudet (1763-1810)
"El niño Edipo traído a la vida por Forbas, el pastor, quien lo bajó del árbol / 
The infant Oedipus brought back to life by Phorbas, the shepherd, who detached him from the tree", 
terminado por / finished by Pierre Cartellier (1757-1831) & Louis-Charles Dupaty (1771-1825) después de / after 1810.
Louvre Museum, Paris, 1990. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris

«Las fotografías que presento aquí quizá tengan en común el devolver, a ese lugar tan visitado, la presencia y la intimidad de la mirada de quienes, habiendo venido a contemplar cuadros o esculturas, a menudo es poco lo que ven, y sin embargo en un instante puede suceder que se encuentren con una obra, o incluso un detalle, que les conmueva más que ninguna otra cosa.»

Balthazar & Florencio de Andrade, hijos de / sons of Alécio de Andrade & Patricia Newcomer.
Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867)
"Una odalisca, conocido como La gran odalisca / An Odalisque, known as The Grand Odalisque", 1814.
Louvre Museum, Paris, 1990. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris

Leonardo di ser Piero da Vinci (1452-1519), conocido como / known as Leonardo da Vinci, 
"Retrato de una mujer, conocido como La Bella Ferroniera / 
Portrait of a Woman, known as La Belle Ferronnière", c.1495-1500.
Louvre Museum, Paris, 1990. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris

«A través de ese juego de miradas simultáneas, también la historia de la pintura se desarrolla en orden disperso dentro del espacio recompuesto de la camera obscura. De nuevo, se trata de un encuentro entre un espacio repleto de historia, cargado con el peso de un rico pasado, y esas siluetas fugaces, esos rostros indiferentes, sorprendidos o seducidos por lo que han captado durante un instante y que dejará una imagen perdurable en su memoria.»

Pared de la izquierda, arriba / left hand wall, above:
Alumno de / Pupil of Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669)
conocido como Rembrandt, (o imitador contemporáneo) / 
known as Rembrandt (or contemporary imitator)
"Estudio de un anciano / Study of an Old Man", principios de / early 1630s.
Abajo, a la izquierda / below, on the left: Jacob van Spreeuwen (c.1611-after 1650)
"Erudito en su estudio con Vanitas / Scholar in his Study with Vanitas", 1630s.
Abajo, a la derecha / below, on the right: Gerard Dou (1613-1675)
"El dentista / The Tooth Puller", c.1630-1635.
Pared de la derecha, arriba / right hand wall, above
(A partir de / After) Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669), conocido como / known as Rembrandt
"Susana bañándose / Susanna Bathing", c. 1650.
Abajo / below: Pieter Lastman (1583-1633)
"El ángel previniendo a Abraham sobre el sacrificio de su hijo Isaac / 
The Angel Preventing Abraham from Sacrificing his Son Isaac", 1616. 
Louvre Museum, Paris, 1992. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris

Paolo Caliari (1528-1588), conocido como / known as Veronese, & studio
"Susana y los Viejos / Susanna and the Elders", fecha desconocida / date unkown.
Museo del Louvre, París, 1993. © Alécio de Andrade, ADAGP, París

Alécio de Andrade was born in Rio de Janeiro, Brazil, in 1938.
He studied laws at the Faculdade de Direito do Rio de Janeiro, and between 1960 and 1963 published poems in various Rio de Janeiro literary magazines.
In 1964 settled as a permanent resident in Paris to become a freelance photographer.
Between 1966-1973 was foreign correspondant (photo-journalist) for Brazilian weekly Manchete, and between 1970-1976 was associate member of Magnum-Photos.
During his long career received numerous awards and his work was featured in publications as Elle, Figaro Madame, Géo, Stern (Germany), American Photographer, Fortune, Newsweek (United States) and more.
He died in Paris in 2003.

Paolo Caliari (1528-1588), conocido como / known as Veronese
"Las bodas de Caná / The Wedding Feast at Cana", 1562-1563.
Louvre Museum, Paris, 1993. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris

Izq. / Left: Girolamo Mazzola Bedoli (c.1500-1569)
"La adoración de los pastores con San Benito / The Adoration of the Shepherds with Saint Benedict", 1552-54. 
Der. / Right: Federico Fiori Barocci (c.1535-1612), conocido como / known as Baroccio
"La circuncisión / The Circumcision", 1590.
Louvre Museum, Paris, 1993. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris

The exhibition "The Louvre and its visitors" was a collection of photographs selected from the more than 12,000 that since 1964, and for nearly 40 years, Alécio took in the Paris museum. The set shows "a poetic vision whose sense of humor joins tenderness to reveal both the appropriation of museum spaces, as relationships, sometimes unusual, established between some visitors and certain works of art."

Théodore Chassériau (1819-1856)
"Las dos hermanas / The Two Sisters", hermanas del artista / sisters of the artist, 1843
Louvre Museum, Paris, 1994. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris
Foto / Photo: Javier Fuentes

Escuela de Fontainebleau / Fontainebleau School, fin del s. XVI / late 16th Century
"Posible retrato de Gabrielle D'Estrées y de su hermana la duquesa de Villars / 
Presumed Portrait of Gabrielle d'Estrees and her sister Duchess Villars", c. 1534
Louvre Museum, Paris, 1994. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris
Foto / Photo: Javier Fuentes

Arriba / Above: Cosmè Tura (c.1433-1495), "La Piedad / Pietá", c. 1474
Abajo / Below: Andrea Mantegna (1431-1506), "La crucifixión / The Crucifixion", 1456-1459
Louvre Museum, Paris, 1993. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris
Foto / Photo: Javier Fuentes

«The photographs presented here may have in common to return, to that so visited that place, the presence and intimacy of the gaze of those who, having come to see paintings or sculptures, often there is little they see, and yet in a moment can happen to find a work, or even a detail that will touch them more than anything else.»

Jacques Louis David, "Retrato del artista / Portrait of the Artist", 1794
Louvre Museum, Paris, 1970. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris
Foto / Photo: Javier Fuentes

Foto / Photo: Esther Frías

Izq./ Left: Jacques Louis David, "Retrato del artista / Portrait of the Artist", 1794
Centro / Center: Madame Récamier, nacida Julie (llamada Juliette) Bernard /
born Julie (called Juliette) (1777-1849)", 1800
Louvre Museum, Paris, 1969. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris
Foto / Photo: Javier Fuentes

«Through this simultaneous game of sights, also the history of painting develops in dispersed order within the recomposed space of the camera obscura. Again, this is a meeting between an space full of history, burdened with a rich past, and those fleeting silhouettes, those indifferent faces, surprised or seduced by what they have caught for a moment and leave a lasting image in his memory.»

Leonardo di ser Piero da Vinci (1452-1519)
conocido como / known as Leonardo da Vinci
"Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, conocido como La Mona Lisa o La Gioconda / 
Portrait of Lisa Gherardini, wife of Francesco del Giocondo, known as La Mona Lista or La Gioconda"
c. 1503-1506
Louvre Museum, Paris, 1971. © Alécio de Andrade, ADAGP, Paris
Foto / Photo: Javier Fuentes
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Los textos están tomados del sitio web del artista, y de la información disponible en los folletos y las paredes durante la muestra. Las imágenes, excepto donde se indica, están tomadas del sitio web del artista donde están disponibles para descarga con buena calidad e información completa de cada una /
Texts from artist's website and the information available in the booklets and walls during the exhibition. Images, except where noted, taken from the artist's website, available for download with good quality and full captions.

Más imágenes e información sobre Alécio en / More images and information about Alécio in:
Website

Sucedió en el museo... (II, Anexo) / It Happened at the Museum... (II, Annex)

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Este post complementa el anterior de la serie, "Sucedió en el museo (II)", repasando algunas de las obras presentes en las fotografías de la selección. Todas las obras se conservan en la colección del Museo Louvre en París, Francia.

This post complements the previous one of the series, It Happened at the Museum (II), reviewing some of the artworks of the selection. All works in the collection of Louvre Museum, Paris, France.
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Jean-Baptiste Regnault

"Las tres gracias / The Three Graces", 204 x 153 cm., 1797-98

Jean-Baptiste Regnault, fue un pintor francés nacido en 1754 en París. Comenzó su vida en el mar, en un buque mercante.
A la edad de quince años su talento llamó la atención, y fue enviado a Italia por el señor de Monval bajo el cuidado de Bardin. Después de su regreso a París, en 1776 ganó el Gran Premio con su pintura Alexandre y Diógenes, y en 1783 fue elegido académico.
Además de varias pequeñas fotografías y temas alegóricos, Regnault fue también el autor de muchas pinturas históricas de gran formato, y su escuela, que contaba entre sus principales asistentes a Guérin, Crepin, Lafitte, Blondel, Robert Lefèvre, Henriette Lorimier y Alexandre Menjaud, fue durante mucho tiempo rival en influencia de la de David.
Además de Merry-Joseph Blondel y los antes citados, entre los estudiantes de Regnault se cuentan Godefroy Engelmann, Louis Hersent, Charles Paul Landon, Hippolyte Lecomte, Jacques Réattu y Jean-Hilaire Belloc.
Murió en 1829.

Jean-Baptiste Regnault, was a French painter born in 1754 in Paris. He began life at sea in a merchant vessel.
At the age of fifteen his talent attracted attention, and he was sent to Italy by M. de Monval under the care of Bardin. After his return to Paris, in 1776 won the Grand Prix for his painting Alexandre and Diogène, and in 1783 he was elected Academician.
Besides various small pictures and allegorical subjects, Regnault was also the author of many large historical paintings; and his school, which reckoned amongst its chief attendants Guérin, Crepin, Lafitte, Blondel, Robert Lefèvre, Henriette Lorimier and Alexandre Menjaud, was for a long while the rival in influence of that of David.
Besides Merry-Joseph Blondel, Guérin, Lefèvre, and Lorimier, Jean-Baptiste Regnault's students include: Godefroy Engelmann, Louis Hersent, Charles Paul Landon, Hippolyte Lecomte, Jacques Réattu, Jean-Hilaire Belloc.
He died in 1829.
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Nicolas Poussin

"Otoño / Autumn", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 118 x 160 cm., entre / between 1660-64

Las cuatro estaciones (Les Quatre Saisons) fue el último grupo de cuatro pinturas al óleo completadas por el artista. El conjunto fue pintado en Roma entre 1660 y 1664 para el Duque de Richelieu, sobrino del Cardenal Richelieu. Cada pintura muestra un paisaje elegíaco con figuras del Antiguo Testamento, representando las diferentes estaciones y horas del día. Ejecutado cuando al artista le fallaba la salud y tenía temblores en las manos, las Estaciones son una reflexión filosófica sobre el orden natural del mundo.

"Invierno o La inundación / Winter of Flood"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 118 x 160 cm., entre / between 1660-64

The Four Seasons (Les Quatre Saisons) was the last set of four oil paintings completed by the artist. The set was painted in Rome between 1660 and 1664 for the Duc de Richelieu, the nephew of Cardinal Richelieu. Each painting is an elegiac landscape with Old Testament figures conveying the different seasons and times of the day. Executed when the artist was in failing health suffering from a tremor in his hands, the Seasons are a philosophical reflection on order in the natural world.

Más sobre Poussin en "El Hurgador" / More about Poussin in this blog:
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Dirck von Santvoort

 "Cristo se revela a los peregrinos de Emaús / Le Christ se révèlant aux pelerins d'Emmaüs", 1633

Dirck Dircksz van Santvoort fue un pintor holandés del Siglo de Oro nacido en 1610.
Santvoort nació y murió en Amsterdam, donde se casó en 1648 y tuvo un hijo llamado Rembrandt. Se casó por segunda vez en 1657. Aunque no se ha registrado como alumno de Rembrandt, se le considera un miembro de la escuela de pintura de éste, creando retratos y alegorías históricas.
Murió en 1680.

Dirck Dircksz van Santvoort was a Dutch Golden Age painter born in 1610.
Santvoort was born and died in Amsterdam, where he married in 1648 and had a son named Rembrandt. He married a second time in 1657. Though not registered as a Rembrandt pupil, he is considered a member of Rembrandt's school of painting, creating portraits and historical allegories.
He died in 1680.
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Pierre-Nicolas Beauvallet

"Susana bañándose / Suzanne Bathing", mármol blanco / white marble, 144 x 75 x 98 cm., 1813

Más sobre Beauvallet en "El Hurgador" / More about Beauvallet in this blog:
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Antoine-Denis Chaudet

"Œdipe enfant rappelé à la vie par le berger Phorbas qui l'a détaché de l'arbre /
El niño Edipo traído a la vida por Forbas, el pastor que lo bajó del árbol /
Œdipus brought back to life by the shepherd Phorbas, who took him off the tree"
terminado por / finished by Pierre Cartellier & Louis-Charles Dupaty después de / after 1810.
Mármol / marble, 196 x 75 x 82 cm.

Antoine-Denis Chaudet fue un escultor y pintor francés de estilo neoclásico nacido en París en 1763.
Alumno de Jean-Baptiste Stouf y de Étienne Gois padre, recibió el Primer gran Premio de Roma de escultura en 1784. Allí permaneció durante cuatro años. A su regreso en 1789 es admitido en la Académie Royale de Peinture et Sculpture. En 1805 es nombrado miembro del Institut.
Su estatua de Napoleón imperator erigida en 1810 en París, coronando la colomna de la Gran Armada, en la plaza Vendôme, fue reemplazada en 1863 por una figura de Auguste Dumont.
Murió en 1810.

Antoine-Denis Chaudet was a French neoclassical painter and sculptor born in Paris in 1763.
Student of Jean-Baptiste Stouf and Étienne Gois Sr., he received the first Grand Prix de Rome for sculpture in 1784. He remained there for four years. On his return in 1789 he was admitted to the Académie Royale de Peinture et Sculpture. In 1805 he was appointed member of the Institut.
Imperator Napoleon statue erected in 1810 in Paris, crowning the Colomna of the Grand Army in Vendome Square, it was replaced in 1863 by a figure of Auguste Dumont.
He died in 1810.
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Leonardo da Vinci

"La belle ferronnière", óleo sobre tabla / oil on wood, 62 x 44 cm., 1490-96

La belle ferronnière (la bella ferretera) es el retrato de una mujer, usualmente atribuído a Leonardo da Vinci. También se lo conoce como Retrato de una mujer desconocida. El título de la pintura, aplicado tan pronto como en el s. XVII, identifica a la modelo como la esposa o hija de un ferretero (un ferronier), se dice que en alusión discreta a una amante reputada de Francisco I de Francia, casada con un cierto Le Ferron. El cuento es una leyenda romántica de la venganza en la cual el marido agraviado se infecta deliberadamente a sí mismo con la sífilis, que pasa al rey infectando a su esposa.

La belle ferronnière is a portrait of a woman, usually attributed to Leonardo da Vinci. It is also known as Portrait of an Unknown Woman. The painting's title, applied as early as the seventeenth century, identifying the sitter as the wife or daughter of an ironmonger (a ferronnier), was said to be discreetly alluding to a reputed mistress of Francis I of France, married to a certain Le Ferron. The tale is a romantic legend of revenge in which the aggrieved husband intentionally infects himself with syphilis, which he passes to the king through infecting his wife.

Más sobre Da Vinci en "El Hurgador" / More about Da Vinci in this blog:[La Colección Bentaberry (I)], [Aniversarios (XI)]
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Pierre Lastman

 "El ángel previniendo a Abraham sobre el sacrificio de su hijo Isaac / 
The Angel Preventing Abraham from Sacrificing his Son Isaac"
Óleo sobre panel / oil on panel, 26 x 42 cm., 1616

Pieter Lastman fue un pintor holandés nacido en 1583. Se le considera importante debido a su trabajo como pintor de piezas históricas y porque sus alumnos incluyen a Rembrandt y Jan Lievens. En sus pinturas Lastman prestó mucha atención a los rostros, las manos y los pies.
Nació en Amsterdam, hijo de una alguacil de la ciudad, que fue despedido en 1578 por ser católico. Su madre era un tasadora de cuadros y mercancías. Su aprendizaje lo realizó con Gerrit Pietersz Sweelinck, el hermano de Jan Pieterszoon Sweelinck. Aproximadamente entre 1604 y 1607 Lastman estuvo en Italia, donde fue influido por Caravaggio (al igual que los pintores de la Escuela de Utrecht unos años más tarde) y por Adam Elsheimer.
Murió en 1633.

Pieter Lastman was a Dutch painter born in 1583. Lastman is considered important because of his work as a painter of history pieces and because his pupils included Rembrandt and Jan Lievens. In his paintings Lastman paid a lot of attention to the faces, hands and feet.
Pieter Lastman was born in Amsterdam, the son of a town-beadle, who was dismissed in 1578 for being a Catholic. His mother was an appraiser of paintings and goods. His apprenticeship was with Gerrit Pietersz Sweelinck, the brother of Jan Pieterszoon Sweelinck. Between approximately 1604 and 1607 Lastman was in Italy, where he was influenced by Caravaggio (as were the painters of the Utrecht School a few years later) and by Adam Elsheimer.
He died in 1633.
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Paolo Veronese

"Susana y los viejos / Suzanne and the Elders"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 198 × 198 cm., 2º tercio del s.XVI / 2nd third of 16th century

Más sobre Veronese en "El Hurgador" / More about Veronese in this blog:
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Girolamo Mazzola Bedoli

"The Adoration of the Shepherds with Saint Benedict / 
La adoración de los pastores con San Benito", 1552-54

Girolamo Mazzola Bedoli fue un pintor italiano activo en el estilo manierista nacido c. 1500.
Bedoli nació en Parma en una familia procedente de Viadana en Lombardía. Era un casi contemporáneo de Parmigianino, y después de la temprana muerte de este último maestro, completó algunos frescos inicialmente encargados a Parmigianino. Por ejemplo, completó las obras en el ábside de Santa Maria della Steccata. Es conocido por haber trabajado en el estudio de los tíos de la Parmigianino en la ciudad de Parma. Se casó con la hija de Pier Ilaro Mazzola, un primo de Parmigianino, añadiendo a su nombre la más conocida denominación Mazzola.
Murió en 1569.

Girolamo Mazzola Bedoli was an Italian painter active in the Mannerist style born c. 1500.
Bedoli was born in Parma in a family coming from Viadana in Lombardy. He was a near contemporary of Parmigianino, and after the early death of the latter master, he completed some frescoes initially commissioned from Parmigianino. For example, he completed works in the apse of Santa Maria della Steccata. He is known to have worked in the studio of the Parmigianino's uncles in the city of Parma. He married the daughter of Pier Ilaro Mazzola, a cousin of Parmigianino, hence he added to his name the better known Mazzola appellation.
He died in 1569.
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Federico Barocci

"La circuncisión / The Circumcision", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 374 x 252 cm., 1590

Federico Barocci fue un pintor y grabador italiano renacentista nacido en 1526.
Su nombre original era Federico Fiori, y fue apodado Il Baroccio, que aún en los dialectos italianos noroeste significa un carro de dos ruedas tirado por bueyes. Su trabajo fue muy apreciado e influyente, y prefigura el barroco de Rubens.
El artista biógrafo Giovanni Bellori, el equivalente barroco de Giorgio Vasari, consideraba a Barocci como uno de los mejores pintores de su tiempo. La pincelada emotiva de Barocci no pasó desapercibida para Peter Paul Rubens, cuando estaba en Italia. Rubens es conocido por haber hecho un esbozo de su dramático "Martirio de San Vitale", en el que la carne ondulante del mártir es el ojo de otro torbellino de figuras, gestos y drama. También "El Martirio de San Livinus" de Rubens parece deberle mucho a Barocci, desde el angelote señalando con la hoja de palmera, a la presencia de perros en la esquina inferior derecha.
Murió en 1612.

Federico Barocci was an Italian Renaissance painter and printmaker born in 1526.
His original name was Federico Fiori, and he was nicknamed Il Baroccio, which still in northwestern Italian dialects means a two wheel cart drawn by oxen. His work was highly esteemed and influential, and foreshadows the Baroque of Rubens.
The artist biographer Giovanni Bellori, the Baroque equivalent of Giorgio Vasari, considered Barocci to be among the finest painters of his time. Barocci's emotive brushwork was not lost on Peter Paul Rubens when he was in Italy. Rubens is known to have made a sketch of his dramatic Martyrdom of St Vitale, in which the martyr's undulating flesh is the eye of another whirlwind of figures, gestures, and drama. Also, Rubens' The Martyrdom of St Livinus seems to owe much to Barocci, from the putto with the pointing palm frond to the presence of dogs in the lower right corner.
He died in 1612.
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Théodore Chassériau

"Las dos hermanas / The Two Sisters", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 × 135 cm., 1843

Completada cuando el artista tenía 23 años, representa a las hermanas de Chassériau Adéle y Aline. 
La obra es producto de la temprana madurez de Chassériau, cuando estaba ansioso por demostrar su independencia de su antiguo maestro J.A.D. Ingres, con quien había tenido un altercado en 1840. Cuando la pintura se exhibida en el Salón de 1843, con una respuesta diversa de público y crítica.

Completed when the artist was twenty-three years of age, it depicts Chassériau's sisters Adèle and Aline.
The work is a product of Chassériau's early maturity, when he was eager to demonstrate his independence form his former master, J.A.D. Ingres, with whom he had had a falling-out in 1840. When the painting was exhibited in the Salon of 1843, the response of the critics and the public was mixed.

Más sobre Chassériau en "El Hurgador" / More about Chassériau in this blog:
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Cosimo Tura

"La Piedad (panel del Políptico Roverella) / Pietà (panel from the Roverella Polyptych)"
Óleo sobre panel / oil on panel, 132 x 267 cm., 1474

Cósimo Tura, también conocido como Il Cosme o Cosme Tura, fuen un pintor del Renacimiento temprano (o Quattrocento, nacido c.1430), considerado uno de los fundadores de la Escuela de Ferrara.
Nacido en Ferrara, fue alumno de Francesco Squarcione de Padua. Más tarde obtuvo el patrocinio de los duques de Borso y Ercole I d'Este. En 1460 se le dio un estipendio por parte del Tribunal de Ferrara. Entre sus pupilos se cuentan Francesco del Cossa y Francesco Bianchi. Parece haber sido influenciado por los estilos del Quattrocento de Mantegna y Piero della Francesca.
Murió en 1495.

Cosimo Tura, also known as Il Cosmè or Cosmè Tura, was an Italian early-Renaissance (or Quattrocento) painter - born c.1430 - and considered one of the founders of the School of Ferrara.
Born in Ferrara, he was a student of Francesco Squarcione of Padua. Later he obtained patronage from both Dukes Borso and Ercole I d'Este. By 1460, he was given a stipend by the Ferrarese Court. His pupils include Francesco del Cossa and Francesco Bianchi. He appears to have been influenced by Mantegna's and Piero della Francesca's Quattrocento styles.
He died in 1495.
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Andrea Mantegna

"La crucifixión / The Crucifixion", óleo sobre panel / oil on panel, 67 x 93 cm., 1457-59

La Crucifixión es un panel de la parte central de la predela de un gran retablo pintado por Mantegna entre 1457 y 1549, para el gran altar de San Zeno (Verona, Italia). Fue un encargo de Gregorio Correr, el abad del monasterio.

"El retablo completo / The Complete Altarpiece"

The Crucifixion is a panel in the central part of the predella of a large altar piece painted by Andrea Mantegna between 1457 and 1459 for the high altar of San Zeno, Verona (Italy). It was commissioned by Gregorio Correr, the abbot of that monastery.

Más sobre Mantegna en "El Hurgador" / More about Mantegna in this blog:
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Jacques-Louis David

"Autorretrato / Self-portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80,5 x 64,1 cm., 1794

"Retrato de Madame Récamier o retrato de Juliette Récamier /
Portrait de Madame Récamier ou Portrait de Juliette Récamier"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 173 × 243 cm., 1800

Es un retrato de la joven de la alta sociedad parisina Juliette Récamier, mostrándola a la altura de la moda neoclásica, reclinada en un sofá de estilo Directorio, con un sencillo vestido de línea imperio, con los brazos casi desnudos, y el pelo corto "a la Titus". Lo comenzó en mayo de 1800, pero podría haberlo dejado sin terminar cuando se enteró de que François Gérard había recibido antes que él el encargo para pintar un retrato del mismo modelo (el retrato de Gerard fue terminado en 1802). Por otro lado muchos retratos David tienen el mismo fondo desnudo. La pose de una figura recostada mirando hacia atrás por encima del hombro, fue adoptada en 1814 por Ingres para su Gran Odalisca.

Is a portrait of the Parisian socialite Juliette Récamier, showing her in the height of Neoclassical fashion, reclining on an Directoire style sofa in a simple empire line dress with almost bare arms, and short hair "à la Titus". He began it in May 1800 but may have left it unfinished when he learned that François Gérard had been commissioned before him to paint a portrait of the same model (Gerard's portrait was completed in 1802); on the other hand many David portraits have the same bare background. The pose of a reclining figure looking back over her shoulder was adopted in 1814 by Ingres for his Grande Odalisque.

Más sobre David en "El Hurgador" / More about David in this blog:

Aniversarios (XC) [Septiembre / September 27-30]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 27 de Septiembre es el cumple de 

Carles Casagemas i Coll, estudiante de arte español y poeta nacido en 1881, conocido por su amistad con Pablo Picasso.
Picasso y Casagemas se reunieron por primera vez en la cafetería de Barcelona Els Quatre Gats. En 1901, los dos amigos se trasladaron de Barcelona a París. 
Casagemas se disparó ese mismo año, con sólo 20 de edad, a causa de un amor no correspondido por Germaine Pichot. Esta fue más tarde una de las modelos representadas en Las señoritas de Avignon de Picasso.

"Casa de citas / Brothel", c. 1900. Museu Nacional d’Art de Catalunya (Barcelona, España / Spain)


El 28 de Septiembre es el cumple de 

Kenzo Okada (岡田 謙 三), pintor estadounidense nacido en Japón en 1902, primer artista estadounidense de origen japonés en trabajar en el estilo expresionista abstracto y recibir reconocimiento internacional.
Según Michelle Stuart, "cuando Okada vino a los Estados Unidos ya era un pintor maduro, bien considerado en su Japón natal. A la abstracción americana, Okada le aportó un civilizada moderación, elegancia y un don inusual para la transmutación poética de las formas naturales".
Cuando su padre murió, Okada entró en el departamento de pintura occidental en la Escuela de Bellas Artes de Tokio, pero en 1924 se marchó a Francia, donde estudió con su compañero expatriado japoneses Tsugouharu Foujita, ejecutando pinturas de temas urbanos. En 1927 expuso su obra en el Salón de Otoño.
Pintor realista en Japón, en 1950 se trasladó a la ciudad de Nueva York donde produjo pinturas abstractas. Sin duda estimulado por el expresionismo abstracto, estas pinturas, sin embargo muestran una fuerte sensibilidad japonesa y sensibilidad para la forma. Sus pinturas de la década de 1950 revelan cambios sutiles en el mundo natural a través de la utilización de imágenes construidas con delicadas tonalidades de color sensibles, flotando en el espacio compositivo.
Murió en 1982.

“Nube y niño / Cloud and Child”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 194,5 × 126 cm., 1966
Meguro Museum of Art (Tokyo, Japón / Japan)


El 29 de Septiembre es el cumple de 

Vladimír Vašíček, pintor checo nacido en 1919, uno de los pioneros y clásicos de la pintura moderna y abstracta Checa pasado la Segunda Guerra Mundial.
Los inicios de la carrera artística de Vašíček se retrasaron por la Segunda Guerra Mundial; pudo entrar en la Academia de Bellas Artes sólo después de la liberación del país. Al finalizar sus estudios regresó a su región natal, donde fundó su familia y construyó un estudio.
En los duros días de régimen totalitario persistió en su búsqueda de la expresión artística moderna e intentó mantener su libertad artística y ser independiente de la doctrina del llamado realismo socialista.
Junto con sus amigos, los pintores de Moravia Kubicek, Matal y Vaculka, buscó las posibilidades de la expresión concentrada, acompañada por sujetos estilizados y su transformación de base fauvista, cubista, futurista, y particularmente orfista. Tomó su inspiración de los clásicos de la pintura moderna, sobre todo de la obra de František Kupka.
A partir de 1960 produjo pinturas no figurativas.
Murió en 2003.

"Pequeño estudio para la serie de las flores / Small Study for the Flowers Series"
Óleo sobre panel / oil on panel, 30 x 24 cm.


Hoy, 30 de Septiembre, es el cumple de

Ilya Kabakov (Илья Иосифович Кабаков), artista conceptual soviético-estadounidense, nacido en Dnipropetrovsk, Ucrania, en 1933. Trabajó durante treinta años en Moscú, desde la década de 1950 hasta finales de 1980. Actualmente vive y trabaja en Long Island.
A lo largo de sus más de cuarenta años de, Kabakov ha producido una amplia gama de pinturas, dibujos, instalaciones y textos teóricos - por no hablar de extensas memorias que hacen un seguimiento de su vida desde su infancia hasta la década de 1980. En los últimos años ha creado instalaciones que evocan la cultura visual de la Unión Soviética, aunque este tema nunca ha sido el enfoque exclusivo de su obra. A diferencia de algunos artistas soviéticos underground, Kabakov se unió a la Unión de Artistas soviéticos en 1959, y se convirtió en miembro de pleno derecho en 1965. Esta fue una posición de prestigio en la URSS y que trajo consigo beneficios materiales sustanciales. En general, Kabakov ilustraba libros infantiles durante 3-6 meses al año y luego dedicaba el resto de su tiempo en sus propios proyectos.
Mediante el uso de las biografías ficticias, muchas inspiradas en sus propias experiencias, Kabakov ha intentado explicar el nacimiento y la muerte de la Unión Soviética, que dice ser la primera sociedad moderna a desaparecer.

"Nuevo acordeón / New Accordeon", 2001


Textos en inglés / English translation

On September 27 is the birthday of

Carles Casagemas i Coll, Spanish art student and poet born in 1881, best known for his friendship with Pablo Picasso.
Picasso and Casagemas first met at the Barcelona café Els Quatre Gats. In 1901, the two friends moved from Barcelona to Paris. 
Casagemas shot himself in 1901 because of an unrequited love for Germaine Pichot, with only 20 years old. Pichot was later one of the models depicted in Picasso's Demoiselles d'Avignon.

On September 28 is the birthday of

Kenzo Okada (岡田 謙三), Japanese-born (1902) American painter and the first Japanese-American artist to work in the abstract expressionist style and receive international acclaim.
According to Michelle Stuart, “when Okada came to the United States he was already a mature painter, well considered in his native Japan. To American abstraction Okada brought civilized restraint, an elegance of device and an unusual gift for poetic transmutation of natural forms.”
When his father died, Okada entered the department of Western painting at Tokyo School of Fine Arts, but in 1924 left for France where he studied with fellow Japanese expatriate Tsugouharu Foujita, executing paintings of urban subjects. In 1927, he exhibited work in the Salon d'Automne.
A realist painter in Japan, in 1950 he moved to New York City, where he produced abstract paintings. Undoubtedly stimulated by Abstract Expressionism, these paintings nevertheless display a strong Japanese sensibility and feeling for form. His paintings from the 1950s reveal subtle changes in the natural world through the use of imagery constructed with delicate, sensitive color tonalities, floating within the compositional space.
He died in 1982.

On September 29 is the birthday of

Vladimír Vašíček, Czech painter born in 1919, one of pioneers and classics of Czech modern and abstract painting past the Second World War.
The beginnings of Vašíček's artistic carreer were delayed by the World War II - he could enter the Academy of Fine Arts only after the liberation of the country. Having finished his studies, he returned to his native region, where he founded his family and built a studio.
In the hard days of totalitarian regime he persisted in his search for modern artistic expression and was trying to keep his artistic freedom and remain independent from the doctrine of the so called socialistic realism.
Together with his friends, Moravian painters Kubiček, Matal and Vaculka, he searched for the possibilities of concentrated expression accompanied by stylized subjects and their transformation based on fauvist, cubist, futuristic, and particulary Orphist incentives. He took his inspiration from classics of modern painting, mainly the work of František Kupka.
From 1960 he produced non-figurative paintings.
He died in 2003.

Today, September 30, is the birthday of

Ilya Kabakov (Илья́ Ио́сифович Кабако́в), Soviet-born American conceptual artist, born in Dnipropetrovsk, Ukraine, in 1933. He worked for thirty years in Moscow, from the 1950s until the late 1980s. He now lives and works on Long Island.
Throughout his forty-year plus career, Kabakov has produced a wide range of paintings, drawings, installations, and theoretical texts — not to mention extensive memoirs that track his life from his childhood to the early 1980s. In recent years, he has created installations that evoked the visual culture of the Soviet Union, though this theme has never been the exclusive focus of his work. Unlike some underground Soviet artists, Kabakov joined the Union of Soviet Artists in 1959, and became a full-member in 1965. This was a prestigious position in the USSR and it brought with it substantial material benefits. In general, Kabakov illustrated children's books for 3–6 months each year and then spent the remainder of his time on his own projects.
By using fictional biographies, many inspired by his own experiences, Kabakov has attempted to explain the birth and death of the Soviet Union, which he claims to be the first modern society to disappear. 

Aniversarios Fotografía (XC) [Septiembre / September 28-30]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 28 de Septiembre es el cumple de

Sunil Vaidyanathan, autor, fotoperiodista y ambientalista de renombre internacional nacido en la India en 1976, que ha publicado nueve libros con éxito de crítica sobre fotografía, arquitectura y viajes. Su último libro "Los ríos de la India", explora la simbiosis entre los principales ríos del país y la gente que vive a lo largo de ellos.
Su obra también ha aparecido en diversas publicaciones de prestigio que incluyen: Jet Wings in-flight magazines, FlyLite, Patrimonio de La India, Zeitgeist Asia, Viajes X, RCI Holiday revista del Reino Unido, A & M, Afternoon Dispatch and Courier, Swagat, Femina y muchas más.
Sunil Actualmente vive en Mumbai, la capital comercial de la India.

"Kumbhar Wada, el pueblo de los alfareros de Mumbai / the Potters Village of Mumbai"


El 29 de Septiembre es el cumple de

Jeffrey "Jeff" Wall, artista canadiense nacido en 1946, conocido por sus fotografías Cibachrome a gran escala retroiluminadas y escritos sobre historia del arte. Wall ha sido una figura clave en la escena del arte de Vancouver desde principios de la década de 1970. En los inicios de su carrera, ayudó a definir la Escuela de Vancouver y ha publicado ensayos sobre la obra de sus colegas y compañeros de Vancouver Rodney Graham, Ken Lum e Ian Wallace. Sus cuadros fotográficos a menudo toman la mezcla de belleza natural, decadencia urbana y monotonía posmoderna e industrial de Vancouver como telón de fondo.

"La habitación destruida / The Destroyed Room"
Transparencia en caja iluminada / Transparency in light box, AP, 159 x 234 cm., 1978
Colección del artista / Collection of the artist. © Jeff Wall


Hoy, 30 de Septiembre, es el cumple de

Tom Millea, fotógrafo estadounidense nacido en 1944.
«Tengo un vivo recuerdo de mi primera cámara. Me la dieron como un regalo de Navidad cuando tenía siete años, y el período siguiente fue uno de los más felices de mi infancia. Sin embargo, no fue hasta la universidad que la fotografía se convirtió en un compromiso de vida.
Mi reunión con Pablo Caponigro y aprender de él sobre el trabajo de otros fotógrafos me mostró el camino que quería seguir. Este período me dio una base para construir y afirmar mi sensación de que había algo más en la fotografía que la imaginería representacional; podía reflejar mi filosofía de la vida.»
Murió en 2015.

Izq./ Left: Laramie - Der./ Right: Ann


Textos en inglés / English translation

On September 28 is the birthday of

Sunil Vaidyanathan, internationally renowned author, photojournalist and environmentalist born in India in 1976, who has nine well-reviewed books on photography, architecture and travel to his credit. His latest book ‘Rivers of India’, explores the symbiosis between the major rivers of India and the people who live along them.
He has also been featured in various prestigious publications which include: Jet Wings in-flight magazines, FlyLite, Heritage India, ZeiTGeiST Asia, Travel X, RCI Holiday Magazine UK, A & M, Afternoon Dispatch and Courier, Swagat, Femina and many more.
Sunil currently lives in Mumbai, India’s commercial capital.

On September 29 is the birthday of

Jeffrey "Jeff" Wall, Canadian artist born in 1946, best known for his large-scale back-lit cibachrome photographs and art history writing. Wall has been a key figure in Vancouver's art scene since the early-1970s. Early in his career, he helped define the Vancouver School and he has published essays on the work of his colleagues and fellow Vancouverites Rodney Graham, Ken Lum and Ian Wallace. His photographic tableaux often take Vancouver's mixture of natural beauty, urban decay and postmodern and industrial featurelessness as their backdrop.

Today, September 30, is the birthday of

Tom Millea, American photographer born in 1944.
«I have a vivid memory of my first camera It was given to me as a Christmas present when I was seven, and the following period was one of the happiest of my childhood. However, it was not until college that photography became a life commitment.
Meeting Paul Caponigro and learning from him about the work of other photographers showed me the path I wanted to follow. This period gave me a basis to build on and affirmed my feeling that there was more to photography than representational imagery, it could reflect my philosophy of life.»
He died in 2015.


Recolección / Compilation (XVIII)

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Kyle Hagey
(Estados Unidos / USA)

"C3PO de vacaciones / on Holidays"
"Utilizo una combinación de / I use a combination of 3d Studio Max, Vray, Zbrush, Photoshop, and Marvelous Designer.
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Andrew St. George
(Hungría / Hungary, 1923-2001)

El Che Guevara descansando en su habitación en la fortaleza La Cabaña, tomando mate / 
Che Guevara relaxing in his room at La Cabaña Fortress, drinking mate, 1959

Más sobre Ernesto "Che" Guevara en "El Hurgador" / More about Ernesto "Che" Guevara in this blog:
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Etai Rahmil
(en / at Oakland, California, Estados Unidos / CA, USA)

"Audaz como el amor / Bold as Love", trompeta de vidrio / glass trumpet, 23" x 7.5" x 12"

Esta pieza es un homenaje a Jimi Hendrix, un poster para un concierto creado por David Byrd para Jimi Hendrix Experience en el Filmore East. Es también un testimonio del amor que la música despliega en cada rincón del mundo / 
This piece is a tribute to Jimi Hendrix, a concert poster created by David Byrd for the Jimi Hendrix Experience at the Fillmore East. It is also a testament to the love that music spreads to every inch of the world.
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Carmel Seymour
(Londres, Reino Unido / London, UK)
en / at Reykjavik, Islandia / Iceland

Acuarela, crayon / watercolor, crayon
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August Macke
(Meschede, Alemania / Germany, 1887-1914)

"Circo / Circus", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 47 x 63,5 cm., 1913.
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)

Más sobre Macke en "El Hurgador" / More about Macke in this blog:
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Meike Nixdorf
(Alemania / Germany, 1976-)

Lámina / Plate #4, 80 x 80 cm.

El proyecto "Tu Tierra se transforma" muestra una sección transversal de las diferentes cadenas montañosas, entre ellas los Alpes, el Cascade Range, las Montañas Rocosas, el Himalaya y el Karakorum. Las imágenes muestran su respectiva forma en un determinado momento en el tiempo, en base a representaciones de Google Earth desde diversas imágenes de satélite. Se ha tomado una imagen de una imagen renderizada, que se hizo a partir de una colección de imágenes - una transformación (casi) invisible.

The project "Your Earth Transforms" shows a cross section of different mountain ranges, including the Alps, the Cascade Range, the Rocky Mountains, the Himalaya and the Karakoram. The images display their respective shape at a certain moment in time, based on renderings by Google Earth from various satellite imagery. An image was taken of a rendered image, which was made from a collection of images - an (almost) invisible transformation.
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Gaetano Gandolfi
(San Matteo della Decima, Italia / Italy, 1734-1802)

"Nudo di uomo riverso / Hombre desnudo acostado / Naked Man Lying"
Lápiz, carboncillo y blanco de plomo sobre papel / 
pencil, charcoal and white lead on paper, 28,4 x 44,1 cm., 1799-1801.
Colección privada, Florencia / Private Collection, Firenze
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Eugène Boudin
(Honfleur, Francia / France, 1824-1898)

"Étretat. El acantilado de Aval / The Cliff of Aval", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 79,9 x 109,9 cm., 1890.
Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza
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Ushio Shinohara “Gyu-chan”
(Tokyo, Japón / Japan, 1932-)

"Onna no matsuri / Festival de Muñecas / Doll Festival"
Tríptico de serigrafías a color sobre papel / tryptich of color screen prints on paper, c/u / each 71,1 × 48,3 cm., 1966.
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos / NY, USA)
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Alessia Iannetti
(Carrara, Italia / Italy, 1985-)

"Eco / Echo", grafito, acuarela y tinta sobre madera / graphite, watercolor, ink on wood, 40 x 50 cm., 2012
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Christopher Swann "Swanny"
(Reino Unido / UK, 1957-)

"Ballena gris / Gray Whale"(Eschrichtius robustus)
Una ballena gris alimentándose en la superficie y mostrando sus ballenas. Golfo de California / 
A gray whale feeding at the surface and showing it's baleen. Gulf of California.
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Waldemar von Kozak
(Rusia / Russia, 1973-)

"Aquí estoy, Abuelita / I'm here Grandma", 30 x 40 cm.
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Andree Wallin
(Suecia / Sweden)

"Dragón contra soldados / Dragon vs Soldiers"
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Abbey Marie
(Estados Unidos / USA)

"Luz de superficie / Surface Light", arte digital / digital art
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Liam Barr
(Escocia / Scotland, 1966)
en Isla de la Bahía, Wellington, Nueva Zelanda / at Wellington's Island Bay, New Zealand

"Sola", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92 x 152 cm., 2012 © Liam Barr
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Aron Demetz
(Italia / Italy, 1972-)

"Minorías avanzadas / Advanced Minorities"
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Ramsés Ruiz
(León, Guanajuato, México, 1980-)

"Efectos de la ausencia / Effects of the Absence", resina poliéster / Polyester resin, 76 x 23 x 20 cm., 2012
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Christopher Murphy
(Irvine, California, Estados Unidos / CA, USA, 1977-)

"Barriendo el Valle / Sweeping the Valley", grafito sobre papel / graphite on paper, 27,5" x 33,25", 2012-13
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Takashi Yasui
(Tokyo, Osaka, Kyoto, Japón / Japan)

"Alex en Kyoto", 2015
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Chaim Machlev
(en / at Berlín, Alemania / Germany)

Tatuaje geométrico / Geometric Tattoo
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Wolfgang Stiller
(Wiesbaden, Alemania / Germany, 1961-)

"Matchstickmen / Hombres de cerillas / Men Matches"
Madera, acrílico, aguada / wood, PU acrylic, gouache paint,  ca. 155-158 cm., 2011

Chema Madoz [Fotografía]

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La obra de Chema Madoz me parece fascinante. Tal vez la mejor forma de describir su trabajo es la que el propio Chema ofrece en un fragmento de la entrevista de la que he traducido algunos párrafos, y que complementa las imágenes que pueden verse en este post: "Mi fotografía también puede tener alguna relación con el haiku..."
Disfrutemos con su desbordante imaginación, su poesía visual y su fina habilidad técnica...
Textos en inglés al final del post, señalados con [*] en cada párrafo.

I find fascinating the work of Chema Madoz. Perhaps the best way to describe his work is what Chema itself says in a fragment of the interview that I translated some paragraphs, and that complements the images you can see in this post: "My photography may also bear some relation to haiku..."
Let's enjoy with his boundless imagination, visual poetry and fine technical skill...
English text at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Chema Madoz


José María Rodríguez Madoz (Chema Madoz), es un fotógrafo español nacido en 1958, conocido por sus fotografías surrealistas en blanco y negro.
Estudió Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid entre 1980 y 1983. Fue aquí que llegó al estudio de la fotografía y la imagen.
Desde pequeño estuvo interesado la imagen (también la literatura y la música) pero ni dibujaba, ni pintaba bien, ni tocaba ningún instrumento de forma defendible... "Hasta que cayó una cámara en mis manos y todo empezó a cobrar sentido para mí", explica. [1]

© Chema Madoz

© Chema Madoz

«Siempre me he definido como un fotógrafo, porque es lo más fácil, inmediato y evidente. Encontrar otro término para definir lo que hago siempre ha sido muy complicado para mi. Toda mi cultura visual viene de la fotografía; todas mis imágenes son imágenes fotográficas. La ventaja de la fotografía es que puede ser usada en miles de maneras diferentes, así que hay grandes obras fotográficas que no tienen nada que ver con la mía, pero no hay ninguna razón por la cual lo mío no pueda incluirse en el ámbito de la fotografía.» [2]

© Chema Madoz

© Chema Madoz

María Lluisa Borrás escribió: "Desde que el Dada transgredió el orden establecido y las fronteras entre las disciplinas, se ha vuelto cada vez más difícil clasificar a los artistas, para encuadrarlos dentro de un género, y esto es particularmente evidente en el caso de Chema Madoz, quien es y no es un fotógrafo, es y no es un poeta, es y no es un neoconceptualista emergente, y es y no es un representante de la innovación internacional. Su obra tiene aspectos de todas esas cosas, y estas interactúan continuamente. Él dice que se considera un escultor de objetos que trabaja desde el punto de vista de un fotógrafo, aunque también insiste en que para él la fotografía es poco más que un registro de la memoria que nos permite capturar una idea.» [3]

© Chema Madoz

© Chema Madoz

«Por supuesto hay obviamente algunos poemas, libros y escritores que me han influenciado, pero es verdad que lo mismo puede decirse de cualquier otra actividad como la música o las películas. He encontrado directores o artistas con los cuales siento gran afinidad, por ejemplo, o que me llegan muy adentro, y a su vez abren la puerta a otros autores y artistas. En el campo de la literatura, en particular, no creo que sea incorrecto decir que hay alguna relación entre mis imágenes y las vívidas imágenes de la prosa o greguerías de Ramón Gómez de la Serna. Esos escritos presentan una huella visual similar y cierto sentido del humor... Mi fotografía también puede tener alguna relación con los haikus, aunque éstos son más abiertos que las imágenes y tienen más aire poético.» [4]

© Chema Madoz

© Chema Madoz

«Quiero ser capaz de detenerme frente a una de mis imágenes y sentir que puedo comunicarme con ellas. Si una imagen me dice algo, tengo confianza en que pueda haber otra gente que experimentará lo mismo.» [5]

© Chema Madoz

© Chema Madoz

«El blanco y negro es la "paleta" mínima. Con el tipo de imágenes que tomo, estableciendo un nexo entre un elemento y otro, todo se reduce al contraste, volumen y textura. Eso simplifica mucho las cosas, en el sentido en que se sitúa objetos muy diferentes en un mismo plano, unificándolos y situándolos en el mismo territorio. Es más, el blanco y negro establece una cierta distancia respecto a la realidad. El blanco y negro es también más intemporal: cuando miras una fotografía en color, te sitúas rápidamente en una cierta década de acuerdo al tipo de color, pero cuando ves una en blanco y negro, sólo puedes situarte en algún punto entre los comienzos de la fotografía y el presente. Es más ambiguo.» [6]

© Chema Madoz

© Chema Madoz

«Chema Madoz no cae en el manierismo habitual heredado de un concepto surrealista de la imagen como punto de encuentro de lo heterogéneo, ni tampoco tiende hacia lo siniestro (esa desconcertante familiaridad) tan en boga en el realismo traumático. En sus metaforizaciones fotográficas enmarca las cosas con una simetría única o nos hace concentrarnos en simples desplazamientos, en puntos de vista que modifican la realidad.» [7]

© Chema Madoz

© Chema Madoz

© Chema Madoz

«A veces puede haber inspiración, o más precisamente, puedo "estamparme" contra un objeto, situación o disposición específica de elementos que me conduce a una imagen. En tal caso es una suerte de descubrimiento. En otras ocasiones el tema puede ser un encargo, como cuando las imágenes son para ilustrar un texto sobre la familia. Lo que hago en ese caso es buscar un elemento que implícitamente refleje el concepto, en este ejemplo una rebanada de pan (que es algo que se comparte y come en un entorno familiar). Entonces busco en el entorno el elemento o elementos y a partir de ahí desarrollo la imagen que tenga un cierto sentido o que ofrezca la posibilidad de comprender el concepto desde un ángulo diferente. Finalmente hay otro tipo de imágenes que expresan sensaciones o emociones que puedo sentir en un momento específico. Y eso es todo, tiene lugar un proceso completamente diferente dependiendo de las circunstancias. He dicho que el hecho de no conocer muy claramente la totalidad de lo que está involucrado es lo que me lleva hacia delante, porque si lo comprendiera completamente, creo que perdería mucho de su atractivo y misterio: la fotografía podría convertirse para mí en una especie de fórmula, o una serie de pasos que conducen a un resultado.» [8]

© Chema Madoz

© Chema Madoz

«[Los objetos de mis fotos] son cosas tan ordinarias que no tengo con ellas ningún cuidado especial, ni las pongo en una caja en exposición como obras terminadas, pero tengo cuidado con algunas que han sido especialmente preparadas. Mis objetos sólo se han expuesto dos veces, y en una de esas ocasiones fue para ilustrar el proceso de producción de las imágenes: la relación entre elementos distantes o pertenecientes a diferentes universos, y la creación de nuevas relaciones.» [9]

© Chema Madoz

© Chema Madoz

© Chema Madoz
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Los textos están tomados de una entrevista publicada en Book Style en Junio de 2013, y de un par de artículos de Luis Arenas y Fernando Castro Flórez (que recomiendo), que pueden leerse completos en el sitio web del artista /
Texts from an interview published in Book Style, June 2013, and a couple of articles by Luis Arenas and Fernando Castro Flórez - I recommend it -, you can fully read in artist's website.

Más imágenes e información sobre Chema en / More images and information about Chema in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Chema!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Chema!)



La asociación de la obra visual de Chema con la literatura no se queda sólo en las referencias, sino que ha colaborado con escritores en trabajos en los cuales la imagen y el texto se complementan y retroalimentan.
Con Joan Brossa mantuvo una fructífera relación, que se materializó en la creación conjunta del libro "Fotopoemario" (2003). En la obra de Salvador Espriu"Per al llibre de salms d’aquests vells cecs" (ed. 2008), cada uno de los cuarenta haikus del poeta de Sinera iba acompañado de una fotografía de Madoz.
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De / From"Fotopoemario"

Cosmos
Dicen que se desconoce el papel que juegan
los campos magnéticos en la formación de estrellas
y que tampoco se conocen las características
del polvo y el gas interestelar de los que
nace la nueva generación de estrellas.

They say that the role of magnetic fields 
in star formation is unknown
and also the characteristics 
of the interstellar dust and gas from which
comes the new generation of stars are unknown.
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The association of Chema's visual work with literature is not only references, but has worked with writers in works in which image and text can complement and feed.
He maintained a fruitful relationship with Joan Brossa, which materialized in the joint creation of "Fotopoemario". In the work of Salvador Espriu "Per the Llibre of salms d'aquests vells cecs", each of the forty haikus of this Sinera poet was accompanied by a photograph of Madoz.


Una entrevista a Chema en su estudio, realizada por Enrique del Río y Mario Herrero /
An interview with Chema in his Studio by Enrique del Rio y Mario Herrero.



Textos en inglés / English Translation

[1]
Jose Maria Rodriguez Madoz, better known as Chema Madoz, is a Spanish photographer born in 1958, best known for his black and white surrealist photographs.
He studied Art History at Universidad Complutense de Madrid between 1980 and 1983. It is here that he was first exposed to the study of photography and imaging.
From childhood he was interested in the image - also literature and music - but neither draw nor going well, or playing well any instrument... "Until he dropped a camera in my hands and it all started to make sense to me." Madoz says.

[2]
«I’ve always defined myself as a photographer because that’s the easiest, most immediate and evident thing to do. Searching for some other term to define what I do has always been too complicated for me. All my visual culture comes from photography; all my images are photographic images. The advantage with photography is that it can be used in a thousand different ways, so there are a great many photographic works which have nothing to do with mine, but that’s no reason why mine shouldn’t come within the scope of photography.»

[3]
María Lluisa Borrás wrote «Ever since Dada transgressed established order and the frontier between disciplines, it has become increasingly more difficult to classify artists, to fit them into a genre, and this is particularly clear in the case of Chema Madoz, who is and isn’t a photographer, is and isn’t a visual poet, is and isn’t an emerging neoconceptualist, and is and isn’t a representative of the international cutting edge. His work has aspects of all of these things and they interact continuously. He says he considers himself an object sculptor who works from a photographer’s viewpoint, yet he also insists that for him photography is little more than a record of memory which allows him to capture an idea.»

[4]
«Of course there are obviously some poems, books and writers that have influenced me, but this is true to the same extent as any other activity like music or movies. I come across directors or artists with whom I feel a greater affinity, for example, or who reach me more deeply, and they open doors to other authors and artists. In the field of literature, in particular, I don’t think it would be wrong to say that there is some relation between my pictures and the vivid prose images or greguerías of Ramón Gómez de la Serna. Those writings show a similar visual imprint and a certain sense of humour... My photography may also bear some relation to haiku, although they are more open as images and have a more poetic air.»

[5]
«I want to be able to stand in front of my pictures and feel that I can communicate with them. If a picture says something to me, I feel confident that there may be other people who will experience the same thing.»

[6]
«Black and white is the smallest “palette”. With the type of pictures I take, establishing links between one element and another, everything is reduced to contrast, volume and texture. That simplifies things greatly in the sense that it sets widely differing objects on the same plane, unifying them and placing them in the same territory. What’s more, black and white establishes a certain distance with respect to reality. Black and white is also more timeless: when you look at a colour photograph, you situate it quickly in a certain decade according to the type of colour, but when you see one in black and white, it can only be situated somewhere between the beginnings of photography and the present. It’s more ambiguous.»

[7]
«Chema Madoz clearly does not fall into the usual mannerism inherited from a surrealist concept of the image as a meeting point for the heterogeneous, nor does he tend toward the sinister (that disconcerting familiarity) so in vogue in traumatic realism. In his photographic metaphorisations he frames things with a unique symmetry or makes us concentrate on simple displacements, on viewpoints that modify reality.»

[8]
«At times I may have an inspiration, or more precisely, I may “bump into” an object, a situation or a specific arrangement of elements that leads me to a picture. In that case it’s a kind of discovery. On other occasions the subject may be commissioned, like when pictures are needed to illustrate a text on the family. What I do then is look for an element that implicitly reflects the concept, in this example like a loaf of bread (which is something that is shared and eaten in the family setting). Then I look closely at the element or elements and from there I develop a picture that makes a certain sense or that offers possibilities of understanding the concept from a different angle. Lastly, there is another type of pictures that express sensations or emotions I may have felt at some specific
time. All told, widely differing processes take place, depending on the circumstances. I’d say that the fact of not knowing very clearly what the whole thing involves is what drives me on, because if I understood it completely I think it would lose some of its appeal or mystery: photography would become a sort of formula for me or a series of steps to obtain a result.»

[9]
«[The objects in my photographs] are such ordinary things that I don’t give them any particular care or put them in a display case like finished works, but I do take care of the few that have been specially prepared. My objects have only been displayed twice and on one of those occasions it was to illustrate the process of producing the pictures: the relation between elements that are distant or in different universes and the creation of new relationships.»

Uruguayos (XXVIII) - Juan Fielitz [Fotografía]

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Juan Fielitz

Juan Fielitz - Foto / Photo© Julien Darblade

Poco puedo contarles de Juan Fielitz, un joven fotógrafo y diseñador editorial uruguayo que desde Montevideo nos deja estas potentes imágenes en blanco y negro, fuertemente contrastadas.

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

I cann't tell you too much about Juan Fielitz, a young Uruguayan photographer and publisher designer who from Montevideo leaves us these powerful and strongly contrasted black and white images.

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

© Juan Fielitz

"Montevideo fantasma / Ghostly Montevideo"© Juan Fielitz

Más imágenes de Juan en / More images by Juan in:

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Recolección / Compilation (XIX)

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Charles Ray
(Chicago, Illinois, Estados Unidos / IL, USA, 1953-)
en / at Los Angeles, California, Estados Unidos / USA

"Chico con rana / Boy with Frog", acero pintado / painted steel, 244 x 75 x 105 cm., 2009.
Punta della Dogana, Venecia, Italia / Venice, Italy
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Roeselien Raimond
(Holanda / Netherlands)

"Primera nevada del zorro / Fox First Snow"
Un joven zorro rojo (Vulpes Vulpes) que experimenta la primera nevada de su vida, y obviamente está intrigado /
Young Red Fox (Vulpes vulpes) that experiences the first snow in her life and is obviously intrigued by it
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Ana Enshina
(Londres, Inglaterra, Reino Unido / London, England, UK)

"Medusa / Jellyfish", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 29,7 x 42,0 cm.
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Aki Inomata 
(Tokyo, Japón / Japan, 1983-)

"Por qué no dar un "refugio" a los cangrejos ermitaños / Why Not Hand Over a “Shelter” to Hermit Crabs?"
Impresión 3D / 3D print, 2010-2013
Le doy a los cangrejos conchas que he hecho para ellos, y si les gustan, se trasladan a mis "refugios". Los refugios que hago representan ciudades de todo el mundo /
I gave hermit crabs shells that I had made for them, and if they liked them, they moved into my “shelters”. The shelters that I made for them represented cities from around the world.
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Solomon Joseph Solomon
(Londres, Inglaterra / London, England, 1860-1927)

"Ayax y Casandra / Ajax and Cassandra", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1886.
Ballarat Fine Art Gallery (Ballarat, Victoria, Australia)
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Oscar Florianus Bluemner
(Hannover, Alemania / Germany, 1867-1938)

"Calle en el Bronx / Street in the Bronx", crayon, 12,1 x 19,2 cm., 1913.
National Gallery of Art (Washington, Estados Unidos / USA)
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Vanessa Bell (Vanessa Stephen Jackson)
(Londres, Inglaterra / London, England, 1879-1961)

"Desnudo / Nude", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,3 x 65,4 cm., c.1922-3.
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)
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Hans Andersen Brendekilde
(Brændekilde, Funen, Dinamarca / Denmark, 1857-1942)

"Un sendero del bosque en otoño / A Wooded Path in Autumn"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 69,8 × 91,4 cm., 1902. Colección privada / Private Collection
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STALLMAN (Jason Hallman,  Stephen Stum)
(Estados Unidos / USA) en Noroeste del Pacífico / at Pacific Northwest

"Plexo solar / Solar Plexus", lienzo esculpido y acrílico / sculpted canvas and acrylic, 37″ × 60″
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Andrea Minini
(Milán, Italia / Milano, Italy)

"Ardillas / Squirrels"
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Koos Breukel
(Holanda / Netherlands)

"Estudiante / Student", Ámsterdam, 1995
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Kishangarh, Rajasthan, India

"Pichvai para el / for Sharad Purnima", fines del s.XIX / late 19th century. Foto / Photo TAPI Collection
El pichvai (literalmente "algo para detrás") es un colgante de tela (pintado en algodón), con escenas de la vida de la deidad hindú Krishna (siempre azul), y se utiliza como fondo para su ídolo.
El Sharad Purnima (o Kojaagari Purnima o Kumar Purnima) es un festival de las cosechas celebrado el día de la luna llena en el mes lunar hindú de Ashvin (Septiembre-Octubre). Que marca el fin del monzón. /
The pichvai (literally, ‘something at the back’) is an Indian temple hanging (paint on cotton cloth) with scenes from the life of the Hindu deity Lord Krishna (always blue) and is used as a backdrop for his idol.
The Sharad Purnima or Kojaagari Purnima or Kumar Purnima is a harvest festival celebrated on the full moon day of the Hindu lunar month of Ashvin (September–October). It marks the end of monsoon.
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Candida Höfer
(Eberswalde, Brandenburg, Alemania / Germany, 1944-)

"Teatro Scientifico Bibiena Mantova I" (Mantua, Italia / Italy), 2010
© Candida Höfer / VG Bild-Kunst, Bonn 2014
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Mayumi Hosokura
(Kyoto, Japón / Japan, 1979-)

Serie Kazan
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Matt Buckley
(Reino Unido / UK)

"Tigre / Tiger", arcilla / clay
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Helen Beatrix Potter
(Kensington, Londres, Reino Unido / Kensington, London, UK, 1866-1943)

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Lorenzo Quinn
(Roma, Italia / Rome, Italy, 1966-)

"La fuerza de la naturaleza / Force of Nature"
Aluminio y acero inoxidable / aluminium and stainless steel, 183 x 109 x 40 cm., instalación, octubre, 2008 / 
installation, october, 2008. Marina Barrage (Singapur / Singapore)
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Bridget Bate Tichenor
(nacida / born Bridget Pamela Arkwright Bate)
(París, Francia / France, 1917-1990)

"Sin título / Untitled", óleo sobre tela / oil on canvas, 50 x 50 cm. Colección particular / Private Collection
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Jean-Louis André Théodore Géricault
(Rouen, Francia / France, 1791-1824)

"Cabeza de león / Head of a Lion", 55 x 65 cm.

Más sobre Géricault en "El Hurgador" / More about Géricault in this blog:
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Giuseppe Cades
(Roma, Italia / Rome, Italy, 1750-99)

"Orfeo encantando a los animales / Orpheus Charming the Animals"
Pluma y tinta marrón; aguada en ocre, marrón, rosa y gris /
pen and brown ink; ochre, brown, rose and grey gouache, 14,5 x 38 cm., 1780.
Museo del Louvre (París, Francia / France)
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Artista desconocido / Unknown Artist (Senegal)

"Retrato de una mujer / Portrait of a Woman"
Impresión a la gelatina de plata / gelatin silver print from glass negative (1975), ca. 1910.
The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, Estados Unidos / NY, USA)

Aniversarios (XCI) [Octubre / October 1-3]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Octubre es el cumple de 

Nicolaes Pieterszoon Berchem, pintor del Siglo de Oro holandés altamente estimado y prolífico, cuya obra gira en torno a paisajes pastorales, poblados de figuras mitológicas o bíblicas, y también alegorías y piezas de género. Nació en 1620 en Haarlem.
Recibió instrucción de su padre Pieter Claesz, y delos pintores Jan van Goyen, Pieter de Grebber, Jan Baptist Weenix, Jan Wils y Claes Cornelisz. Moeyaert.
Hacia 1650 viajó a Westfalia con Jacob van Ruisdael, donde se registra una pieza fechada mostrando Bad Bentheim. Tal vez Berchem fue a Italia después de este viaje y antes de trasladarse a Amsterdam. No está claramente documentado en los Países Bajos entre 1650 y 1656. Alrededor de 1660 trabajó para el grabador Jan de Visscher diseñando un atlas. Entre 1661-1670 se le sitúa en Amsterdam y en 1670 se trasladó de nuevo a Haarlem, aunque estuvo viviendo de nuevo en Amsterdam en 1677, donde murió en 1683.
Fue un maestro popular y un miembro de la segunda generación de pintores holandeses de "paisajes italianizantes". Fueron artistas que viajaron a Italia, o aspiraban a ello, con el fin de absorber el romanticismo del país, trayendo a casa cuadernos llenos de dibujos de ruinas clásicas e imágenes pastorales.

"Estudio de animales / Animal Study", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44,9 × 63,7 cm., 1635-1683.
Museum voor Schone Kunsten (Gante, Bélgica / Ghent, Belgium)


El 2 de Octubre es el cumple de

François Arnal, artista contemporáneo francés, nacido en 1924 en La Valette-du-Var. Después de estudiar en la escuela secundaria en Toulon, continuó en la Universidad de Aix-en-Provence, donde estudió derecho y letras.
En 1943, se unió a la resistencia francesa y a los maquis de Auvergne. Finalizada la guerra, en 1947 volvió a la pintura.
Un año después llegó a París, donde conoció a pintores como Pierre Dmitrienko, Serge Rezvani o Quentin, y escritores, entre ellos Raymond Queneau, Hubert Juin, J.C. Lambert y Alain Jouffroy.
Participó en el movimiento de la abstracción lírica (con Charles Estienne) y el arte informal (con Michel Tapié).
Desde 1960 se dedicó a la escultura. Después vivió en Estados Unidos seis meses al año, donde expuso y trabajó hasta 1964, cuando se estableció definitivamente en París.

"Sans titre / Sin título / Untitled", óleo sobre tela / oil on canvas, 130 x 80,6 cm., 1949


Hoy, 3 de Octubre, es el cumple de

Ikenaga Yasunari (池永康晟), artista japonés nacido en 1965 en Tsukumi, en la prefectura de Oita. 
Se graduó en el Instituto de Arte Midoriagoka en Oita. Sus retratos serenos y relajados de mujeres moderna evocan una nostalgia de ensueño a través de sus tonos dorados descoloridos y elegantes poses flotantes. Utilizando un cepillo Menso, pigmentos minerales, y tinta de hollín sobre lino, Yasunari continúa la antigua tradición de la pintura Nihonga y al mismo tiempo juega con elementos modernos, como el estilo de ropa actual y diseños textiles florales. El resultado es a la vez hermoso y melancólico, capturando la atemporalidad del estilo Nihonga.
Website (en inglés): http://ikenaga-yasunari.com/

"「血痕-樹子」/ Mancha de sangre / Bloodstain, Natsuko", tinta sumi, pigmentos minerales sobre lino / 
sumi-ink, mineral pigments on linencanvas, 60 x 100 cm., 2012

Más sobre Ikenaga Yasunari en "El Hurgador" / More about Ikenaga Yasunari in this blog:


Textos en inglés / English translation

On October 1 is the birthday of

Nicolaes Pieterszoon Berchem, a highly esteemed and prolific Dutch Golden Age painter of pastoral landscapes, populated with mythological or biblical figures, but also of a number of allegories and genre pieces. He was born in 1620 in Haarlem.
He received instruction from his father Pieter Claesz, and from the painters Jan van Goyen, Pieter de Grebber, Jan Baptist Weenix, Jan Wils and Claes Cornelisz. Moeyaert.
Around 1650 he travelled to Westphalia with Jacob van Ruisdael, where a dated piece showing Bad Bentheim is recorded. Maybe Berchem went to Italy after this trip and before he moved to Amsterdam - he is not clearly documented in the Netherlands between 1650 and 1656. Around 1660 he worked for the engraver Jan de Visscher designing an atlas. In 1661-1670 he is registered in Amsterdam and in 1670 he moved back to Haarlem, but was living back in Amsterdam by 1677, where he died in 1683.
He was a popular teacher and a member of the second generation of "Dutch Italianate landscape" painters. These were artists who travelled to Italy, or aspired to, in order to soak up the romanticism of the country, bringing home sketchbooks full of drawings of classical ruins and pastoral imagery.

On October 2 is the birthday of

François Arnal, French contemporary artist born in 1924 in La Valette-du-Var. After attending high school in Toulon, he continued at the University of Aix-en-Provence, where he studied law and letters.
In 1943, he joined the French Resistance and the maquis of Auvergne. After the war, in 1947 he returned to painting.
A year later he came to Paris, where he met painters like Pierre Dmitrienko, Serge Rezvani or Quentin, and writers, including Raymond Queneau, Hubert Juin, JC Lambert and Alain Jouffroy.
He participated in the movement of Lyrical Abstraction (with Charles Estienne) and Informal Art (Michel Tapie).
Since 1960 he devoted himself to sculpture. He then lived in the United States six months a year, where he exhibited and worked until 1964, when he settled in Paris.

Today, October 3, is the birthday of

Ikenaga Yasunari (池永康晟), japanese artist born in 1965 in Tsukumi, Oita Prefecture.
serene and soothing portraits of modern women evoke a dreamy nostalgia through their faded golden hues and elegant floating poses. Using a Menso brush, mineral pigments, and soot ink on linen cloth, Yasunari continues the ancient tradition of Nihonga painting while simultaneously bringing modern elements to play, such as present-day clothing styles and floral textile designs. The result is both beautiful and melancholy, capturing the timelessness of the Nihonga style.

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