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Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
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Aniversarios (CIII) [Diciembre / December 20-26]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 20 de Diciembre es el cumple de

Nicolas Toussaint Charlet, diseñador y pintor francés, sobre todo de temas militares, nacido en París en 1792.
Su primer empleo fue un puesto menor en la administración de la ciudad de París, donde registraba reclutas: sirvió en la Guardia Nacional en 1814, luchó con valentía en la Barrière de Clichy, y, siendo por lo tanto inaceptable para el partido Borbón, fue despedido de la administración de la ciudad en 1816. 
Habiendo tenido desde muy temprana edad propensión al dibujo, entró en el taller del distinguido pintor Barón Gros, y pronto comenzó a producir esos diseños litografiados que finalmente le dieron renombre.
Su "Granaderos de Waterloo", de 1817, con el lema "La Garde meurt et ne se rend pas" (una famosa frase frecuentemente atribuida a Cambronne, pero que él nunca pronunció, y que no puede, tal vez, ser rastreada más allá de esta litografía por Charlet), fue particularmente popular. Fue sólo hacia 1822, sin embargo, que empezó a tener éxito en un sentido profesional. Litografías (unos 2000 en total), acuarelas, dibujos en sepia, numerosos bocetos al óleo y algunos grabados se sucedieron con rapidez; también exhibió tres cuadros al óleo, el primero de los cuales fue especialmente admirado: "Episodio de la campaña de Rusia" (1836), el "Pasaje del Rin por Moreau" (1837) y "Soldados heridos detenidos en un barranco" (1843).
Murió en 1845.

"Épisode de la retraite de Russie / Episodio de la campaña de Rusia / Episode in the Campaign of Russia"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 194,4 x 293,5 cm., 1836. Musée des Beaux-Arts de Lyon (Francia / France)


El 21 de Diciembre es el cumple de

Josep Maria Sert i Badia, muralista español nacido en 1874, hijo de una familia acomodada industria textil y amigo de Salvador Dalí. Fue especialmente conocido por su estilo de grisalla, a menudo en oro y negro.
A partir de su viaje a París en 1899, con 25 años de edad, se involucró en un nivel personal y privado con los artistas adscritos al grupo conocido como Les Nabis, que gravitaban alrededor de Paul Ranson (1864 a 1909), quien había estudiado en la renombrada y privada Académie Julian.
Sus murales públicos más conocidos son los del Hôtel de Ville en París, la Catedral de Vic, en Barcelona, la Sociedad de Naciones en Ginebra y en Nueva York, en el Waldorf-Astoria y 30 Rockefeller Center, el Centro de GE. Allí, su "American Progress" sustituye al mural de Diego Rivera "El hombre en la encrucijada", que Nelson Rockefeller mandó a destruir porque incluía una imagen de Lenin.
Murió en 1945.

"El triunfo de Apolo / The Triumph of Apollo"
Grisalla en negro y oro sobre lienzo sobre panel / black and gold grisaille on canvas panel, 1913.
Fundación Banco Santander (España / Spain)


El 22 de Diciembre es el cumple de

Tiit Pääsuke, pintor estonio nacido en 1941 en Põltsamaa, Põltsamaa Parish, condado de Jõgeva.
Estudió en la Escuela de Arte Tartu (1957-62) y en la Eesti Kunstiakadeemia (Academia Estonia de las Artes). 
Después de graduarse fue miembro de la facultad y profesor emérito. En 2004 fue profesor de artes liberales en la Universidad de Tartu.
Ha realizado más de 20 exposiciones individuales, y está considerado uno de los grandes promotores de la pintura estonia desde las décadas de los '70 y '80.

"Alegría / Joy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45 x 124 cm.


El 23 de Diciembre es el cumple de

Victorio Macho, reconocido escultor español nacido en 1887. Es considerado como uno de los grandes de la escultura española moderna. Su estilo fue influenciado por el arte deco. Después de su muerto, su casa y taller en Toledo se convirtió en un museo dedicado a su obra.
Sus padres lo inscribieron en la escuela de Bellas Artes y Oficios de Santander, donde aprendió a esculpir. En 1903, a los 16 años, se trasladó a Madrid para continuar sus estudios en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Su fama le llegó con un monumento a Benito Pérez Galdós.
Salió de España durante la dictadura de Primo de Rivera y se fue a vivir en Hendaya, justo en la frontera en la región vasca de Francia. Esculpió monumentos a Unamuno y Ramón y Cajal. La Guerra Civil española lo empujó al exilio en Francia, Rusia, y finalmente a Estados Unidos. Después de vivir seis meses en Colombia, comenzó una larga estancia en Lima, Perú. Regresó finalmente a España en 1952.
Murió en 1966.

"Monumento a Santiago Ramón y Cajal, detalle, bajorrelieve de la izquierda / 
Monument to Santiago Ramon y Cajal, detail. Left Bassrelief".
Jardines del Buen Retiro, Madrid, España / Buen Retiro Gardens, Madrid, Spain


El 24 de Diciembre es el cumple de

Eliseu Meifrèn i Roig, pintor impresionista catalán nacido en 1857-59.
Siguiendo su pasión por el arte, abandonó los estudios de medicina y se matriculó en la Escuela de la Lonja, donde sus maestros fueron Antoni Caba y Ramón Martí Alsina. En 1879 se trasladó a París y apoyó sus estudios con la venta de pequeños lienzos y dibujos de paisajes urbanos. Su estilo fue, sin embargo, influenciado de manera decisiva por una breve gira por Italia. A su regreso a España en 1881 participó en la Exposición Nacional de Bellas Artes.
Al año siguiente, se casó, pasó su luna de miel en París y se estableció allí. Su primera exposición personal se produjo en 1890 en la Sala Parés de Barcelona, ​​donde presentó setenta óleos y sorprendió a todos por la subasta de las obras que no se vendieron, con su amigo Santiago Rusiñol actuando como tasador. Utilizó los fondos para volver a Italia.
En 1892 regresó a París y comenzó a asociarse con los impresionistas, produciendo cambios en su uso de los colores.
Su fama llegó a su máximo en el cambio de siglo, con exposiciones en América del Sur y Europa. Sin embargo, tras el fracaso comercial de sus obras en el "El Real Círculo Artístico de Barcelona", decidió trasladarse a Buenos Aires.
Cuando comenzó la Guerra Civil española, él y su familia huyeron a Manresa, donde viveron como refugiados hasta 1939. En diciembre de ese año, su exposición final se celebró en Barcelona en la Sala Gaspar. Fue un éxito de crítica y financiero, pero estaba demasiado enfermo para asistir. Murió unas semanas más tarde, en febrero 1940.

"Costa abrupta / Rugged Coastline", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25 x 35 cm.
Colección privada / Private Collection, Santander


El 25 de Diciembre es el cumple de

Manuel Benedito y Vives, pintor español nacido en 1875. Prolongó la tradición de la escuela valenciana del siglo XIX hasta muy avanzado el siglo siguiente.
Se matriculó en 1888 en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos en Valencia, donde estudió bajo la dirección de Salvá y Vilá. En el año 1894 entró en el taller de Joaquín Sorolla, y en 1896 viajó a Madrid con su maestro, donde realizó ilustraciones para La revista moderna y Blanco y Negro.
Fue pensionado de 1900 a 1904 en la Academia Española de Bellas Artes de Roma, a cuyos requerimientos produjo varias pinturas de tema histórico, una de las cuales (El Infierno de Dante) recibió la Primera Medalla en la Exposición Nacional de 1904.
Viajó por Francia, Bélgica y Holanda, y en 1909 se instaló en Volendam.
Académico en 1923 de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) y posteriormente de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos (Valencia), ejerció como profesor de colorido y composición en la Escuela de San Fernando, sustituyendo a su maestro Sorolla. Posteriormente fue nombrado Director de la Escuela.
En su madurez se volcó en el retrato.
Murió en 1963.

"Cléo de Mérode", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 108 cm., 1910.
Fundación Banco Santander (España / Spain)


Hoy, 26 de Diciembre, es el cumple de

Renato Guttuso, pintor italiano nacido en 1912.
Sus pinturas se inspiraban en los pintores sicilianos "paesaggisti" del 1800, en pintores franceses como Millet y en artistas a él contemporáneos como Carrá. También el arte del retrato influye predominantemente en sus obras.
Durante la adolescencia comienza a asistir al estudio del pintor futurista Pippo Rizzo en Palermo y de otros ambientes artísticos. En 1928, participa en su primera exposición colectiva en Palermo.
Sus trabajos más conocidos incluyen Vuelo desde el Etna (1938-39), Crucifixión (1941) y La Vucciria (1974). También diseñó para teatro (incluyendo decorados y el vestuario para Histoire du Soldat, Roma, 1940) e hizo ilustraciones para libros. Los de "La comida italiana de Elizabeth David" (1954), le hizo conocido para muchos en el mundo de habla inglesa. Fue un antifascista feroz "que desarrolló el expresionismo y la dura luz de su tierra natal para pintar paisajes y comentario social."
Murió en 1987.

"Rally del barrio / Neighbourhood Rally"
Acrílico y collage sobre papel / acrylic and collage on paper, 210 x 200 cm., 1975.
Foto / Photo: Galleria d’Arte Maggiore (Boloña, Italia / Bologna, Italy)


Textos en inglés / English translation

On December 20 is the birthday of

Nicolas Toussaint Charlet, French designer and painter, more especially of military subjects, born in Paris in 1792.
His first employment was a minor post in the Paris city administration, where he had to register recruits: he served in the National Guard in 1814, fought bravely at the Barrière de Clichy, and, being thus unacceptable to the Bourbon party, was dismissed from the city administration in 1816.
Having from a very early age had a propensity for drawing, entered the atelier of the distinguished painter Baron Gros, and soon began issuing the first of those lithographed designs which eventually brought him renown.
His "Grenadier de Waterloo", 1817, with the motto "La Garde meurt et ne se rend pas" (a famous phrase frequently attributed to Cambronne, but which he never uttered, and which cannot, perhaps, be traced farther than to this lithograph by Charlet), was particularly popular. It was only towards 1822, however, that he began to be successful in a professional sense. Lithographs (about 2000 altogether), water-colours, sepia-drawings, numerous oil sketches, and a few etchings followed one another rapidly; there were also three exhibited oil pictures, the first of which was especially admired "Episode in the Campaign of Russia" (1836), the "Passage of the Rhine by Moreau" (1837), "Wounded Soldiers Halting in a Ravine" (1843).
He died in 1845.

On December 21 is the birthday of

Josep Maria Sert i Badia, Spanish muralist born in 1874, the son of an affluent textile industry family and friend of Salvador Dalí. He was particularly known for his grisaille style, often in gold and black.
Beginning on his trip to Paris in 1899, aged 25, he first became involved on a personal and private level with artists ascribed to the group known as Les Nabis, gravitating around Paul Ranson (1864–1909), who had studied at the renowned private Académie Julian.
Best-known public murals are in the Hôtel de Ville in Paris, the Cathedral of Vic in Barcelona, the League of Nations in Geneva and, in New York, at the Waldorf-Astoria and 30 Rockefeller Center, the GE Center. There, his “American Progress” replaced Diego Rivera’s mural Man at the Crossroads, which Nelson Rockefeller destroyed because it included an image of Lenin.
He died in 1945.

On December 22 is the birthday of

Tiit Pääsuke, Estonian painter born in 1941 in Põltsamaa, Põltsamaa Parish, in Jõgeva County.
He studied in the Tartu Art School (1957-1962) and the Eesti Kunstiakadeemia (Estonian Academy of Arts).
After graduation he was a faculty member and professor emeritus. In 2004 he was professor of liberal arts at the University of Tartu.
He has made more than 20 solo exhibitions, and is considered one of the greatest promoters of Estonian painting from the decades of the 70s and 80s.

On December 23 is the birthday of

Victorio Macho, renowned Spanish sculptor born in 1887. He is considered to be one of the greats of modern Spanish sculpture. His style was influenced by art deco. After his death his home and workshop in Toledo was converted into a museum dedicated to his work.
His parents enrolled him in the school of Fine Arts and Crafts of Santander, where he learned to sculpt. In 1903, at the age of 16 he moved to Madrid continuing his studies at the Academy of Fine Arts of San Fernando. He first became famous with a monument to Benito Pérez Galdós.
He left Spain during the dictatorship of Primo de Rivera and went to live in Hendaye, just over the border in the Basque region of France. He sculpted monuments for Unamuno and Ramón y Cajal. The outcome of the Spanish Civil War pushed him to exile in France, Russia, and finally to America. After living six months in Colombia, he began an extended stay in Lima in Peru. He finally returned to Spain in 1952.
He died in 1966.

On December 24 is the birthday of

Eliseu Meifrèn i Roig, Catalonian Impressionist painter born in 1857-59.
Following his passion for art, he gave up the study of medicine and enrolled at the Escola de la Llotja, where his teachers were Antoni Caba and Ramon Martí Alsina. In 1879, he went to Paris and supported his studies by selling small canvases and sketches of cityscapes. His style was, however, decisively influenced by a brief tour of Italy. Upon his return to Spain in 1881, he participated in the National Exhibition of Fine Arts.
The following year, he married, honeymooned in Paris, and settled there. His first personal exhibition came in 1890 at the Sala Parés in Barcelona, where he presented seventy oils and surprised everyone by auctioning off the works that did not sell, with his friend Santiago Rusiñol acting as the appraiser. He used the proceeds to return to Italy.
In 1892, he went back to Paris and began to associate with the Impressionists, producing changes in his use of colors.
His fame peaked at the turn of the century, with exhibitions in South America as well as Europe. However, after the commercial failure of his works at the "Real Círculo Artístico de Barcelona", he decided to move to Buenos Aires.
When the Spanish Civil War began, he and his family fled to Manresa, where they lived as refugees until 1939. In December of that year, his final exhibition was held in Barcelona at the Sala Gaspar. It was a critical and financial success, but he was too ill to attend. He died a few weeks later, February 1940.

On December 25 is the birthday of

Manuel Benedito y Vives, Spanish painter born in 1875. He extended the tradition of the Valencian school of the nineteenth century until well into the next century.
He enrolled in 1888 at the School of Fine Arts of San Carlos in Valencia, where he studied under the direction of saves Salvá y Vilá. In 1894 he entered the workshop of Joaquín Sorolla, and in 1896 traveled to Madrid with his teacher, where he made illustrations for the modern and Black and White magazine.
He was pensioned from 1900 to 1904 in the Spanish Academy of Fine Arts in Rome. There he produced several paintings of historical subject, one of which (Dante's Inferno) received the first medal in the National Exhibition of 1904.
He traveled through France, Belgium and Holland, and in 1909 settled in Volendam.
Academic in 1923 of the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) and later at the Royal Academy of Fine Arts of San Carlos (Valencia), he served as professor of Color and Composition at the School of San Fernando, replacing his teacher Sorolla. He was subsequently appointed Director of the School.
In his maturity he turned to the portrait painting.
He died in 1963.

Today, December 26, is the birthday of

Renato Guttuso, Italian painter born in 1912.
His paintings were inspired by Italian "paesaggisti" painters of 1800, in French painters like Millet and his contemporary artists, as Carrá. Also portraiture influenced his works.
During adolescence begins to attend to the study of Futurist painter Pippo Rizzo in Palermo and other artistic circles. In 1928, he had his first exhibition in Palermo.
His best-known works include Flight from Etna (1938–39), Crucifixion (1941) and La Vucciria (1974). Guttuso also designed for the theatre (including sets and costumes for Histoire du Soldat, Rome, 1940) and did illustrations for books. Those for Elizabeth David’s Italian Food (1954), introduced him to many in the English-speaking world. A fierce anti-Fascist, "he developed out of Expressionism and the harsh light of his native land to paint landscapes and social commentary."
He died in 1987.


Aniversarios Fotografía (CIII) [Diciembre / December 21-27]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 21 de Diciembre es el cumple de

Gabriel Casas y Galobardes, fotógrafo catalán nacido en 1892. Fue uno de los fotógrafos españoles más importantes del periodo de entreguerras, a pesar de que su figura es muy poco conocida.
Se inició de muy joven en el mundo de la fotografía. Después de una estancia en Uruguay y Argentina, donde trabajó con un retratista, volvió a Barcelona donde abrió su propio estudio fotográfico. Hombre inquieto, se interesó rápidamente por las posibilidades que ofrecía el fotoperiodismo, en el cual se inició como fotógrafo deportivo. Entre 1929 y 1939 produjo un gran número de reportajes de altísima calidad que se publicaron en revistas y diarios. También trabajó como cartelista así como en diferentes concejalías del Ayuntamiento de Barcelona y para diferentes departamentos de la Generalitat. Finalizada la guerra fue perseguido y encarcelado y posteriormente se dedicó a la fotografía industrial y publicitaria. Su fondo personal se conserva en el Archivo Nacional de Cataluña.
Gabriel Casas fue uno de los primeros fotógrafos del Estado que adoptaron el lenguaje de la Nueva Visión para crear nuevas narrativas visuales, que él usó para ilustrar revistas, libros y también para la creación de carteles propagandísticos. Su manera de acercarse a los temas sociales y políticos del momento renovó la información visual con la utilización de fotomontajes, puntos de vista inusuales, la fragmentación, la magnificación, la repetición de elementos y la abstracción.
Murió en 1973.

"Reparto de pan / Cast Bread", papel gelatina / gelatin paper, 17,8 x 23,8 cm., 1936-39.
Colección / Collection BNE


El 22 de Diciembre es el cumple de

Carlos González Ragel, pintor y fotógrafo español nacido en 1899.
Su madre le transmitió su gran sensibilidad artística y su padre, Diego González Lozano, propietario de un famoso estudio, le inició en el arte de la fotografía.
Se matriculó en la Escuela de Artes y Oficios, pero no terminó sus estudios, principalmente porque su estilo de pintura no se ajustaba al academicismo de la institución. Trabajó con gran éxito en el estudio fotográfico de su padre, junto con su hermano Javier, llegando a dominar la técnica de una manera en la cual, según se decía, alcanzó niveles más altos que como pintor, y es por eso que hoy es conocido casi exclusivamente.
A lo largo de su vida hizo seis exposiciones, la primera el 16 de febrero 1931 con figuras tipo esqueletos en el Museo de Arte Moderno. En esta primera etapa compaginó sus cualidades artísticas y la fotografía pictórica, haciendo hincapié en dibujos y caricaturas de personajes de todo tipo, desde los políticos hasta escenas locales. Después de la desaparición de su estudio de la fotografía se dedicó por completo a la pintura, aunque de manera desordenada y caótica, alternando períodos de alta producción con otros de inactividad.
Murió en 1969.

"Joaquín Sorolla en la playa de la Malvarrosa / at the Malvarrosa Beach", Valencia, c.1912
© Diego González Ragel, Archivo Ragel

Más sobre Sorolla en "El Hurgador" / More about Sorolla in this blog:


El 23 de Diciembre es el cumple de

Manuel Rivera-Ortiz, fotógrafo documental original de Puerto Rico nacido en 1968, conocido internacionalmente por su fotografía documental social sobre las condiciones de la vida regular de personas en países menos desarrollados quien vive actualmente entre Rochester, New York City y Zúrich.
Después de asistir a la Escuela Secundaria del Este (Rochester, Nueva York) Rivera-Ortiz trabajó como periodista. En 1995 se graduó cum laude en el Nazareth College, y en 1998 recibió un Master de la Escuela de Periodismo de la Universidad de Columbia.
Después de su graduación trabajó como periodista en periódicos, pero pronto se pasó del fotoperiodismo y la fotografía documental.
Viajando ampliamente, su fotografía se centra en cuestiones humanitarias a menudo ignoradas por los medios de comunicación. Su obra está incluida en museos y colecciones corporativas.

"Estación Bandra / Bandra Station", India


El 24 de Diciembre es el cumple de

Rodney Smith, fotógrafo de moda y retrato estadounidense con sede en Nueva York nacido en 1947.
Smith fotografió principalmente con un Leica M4 de 35mm antes de que la transición a una Hasselblad de 120 mm (formato medio) con una lente de 80 mm. Prefiere la luz natural para iluminar sus temas, pero de vez en cuando utiliza la iluminación continua. Smith fotografió mayormente en blanco y negro, hasta 2002, cuando por primera vez comenzó a experimentar con la película de color. Se refiere habitualmente a su obra como clásica, minimalista, y caprichosa.

"Gemelos en el árbol / Twins in Tree", Snedens Landing, Nueva York / NY, 1999


El 25 de Diciembre es el cumple de

Jesús Inostroza Toro, fotógrafo chileno nacido en Santiago en 1956, conocido por su trabajo como fotógrafo de los presidentes chilenos Patricio Aylwin, Eduardo Frei y Ricardo Lagos, desde 1990 a 2001.
Realizó estudios en la Facultad de Bellas Artes de Licenciatura en Artes con mención en Fotografía entre 1975 y 1980.
Se desempeñó como fotógrafo deportivo en revistas chilenas como Foto Sport, Estadio, Deporte Total y Triunfo. Trabajó para el diario la Época entre los años 1987 y 1990.
Entre 1990 y 2001, trabajó como fotógrafo y jefe del departamento de fotografía de la presidencia de Chile, en los periodos de los presidentes Patricio Aylwin, Eduardo Frei y Ricardo Lagos.
Se desempeñó como fotógrafo del Parque Metropolitano de Santiago y editor del diario La Nación, en el 2005.
En la actualidad es director responsable de una agencia fotográfica.

"Tres en la plaza de Quito / Three at the Quito Square"


El 26 de Diciembre es el cumple de

Malgorzata Fober, fotógrafa polaca nacida en 1985 en Cieszyn, que realiza fotografía de moda, publicitaria y artística.
Se graduó de la Escuela de Bellas Artes Anthony Kenar de Zakopane en 2005. En 2012 se graduó en el Departamento de Escultura y Medidas Espaciales en la Universidad Artístico en Poznan.
Ha presentado su obra en varias exposiciones desde 2006.

"Coco", 2011. Creada en honor de la gran / created in honor of the great Coco Chanel

Más sobre Coco Chanel en "El Hurgador" / More about Coco Chanel in this blog:


Hoy, 27 de Diciembre, es el cumple de 

Giovanni Gastel, fotógrafo italiano nacido en Milán en 1955.
En 1967, a los doce años, Gastel empieza a mostrar su vocación artística, uniéndose a compañías de actuación experimentales, para las que actúa hasta los diecisiete años.
Al mismo tiempo desarrolla una pasión por la poesía, y a los dieciséis Cortina publica su poemario titulado "Casbah".
Su primer contacto con la fotografía tiene lugar en la década de 1970. A partir de ese momento comienza un largo período de aprendizaje, durante la cual fotografía en bodas, hace retratos, pequeños bodegones y sesiones ocasionales de fotos de moda con niños. Se le ofrece una oportunidad importante en 1975-76, cuando empieza trabajar para la casa de subastas Christie's.
El punto de inflexión se produce en 1981 cuando conoce a Carla Ghiglieri, que se convierte en su agente y le introduce en el mundo de la moda. A raíz de la aparición de sus primeros bodegones en la magazine Annabella, en 1982, comienza a colaborar con la revista Vogue Italia y luego, gracias al encuentro con Flavio Lucchini, director de Edimoda y Gisella Borioli, con las revistas Mondo Uomo y Donna.
A partir de este momento, su actividad profesional se hace más intensa y comienza a colaborar con las más prestigiosas revistas de moda, tanto en Italia como en el extranjero, sobre todo en París.
La consagración artística tiene lugar en 1997, cuando la Triennale di Milano le dedica una exposición personal, comisariada por el historiador de arte contemporáneo Germano Celant, en la que se exhiben cerca de 200 imágenes, evidenciando su larga y prolífica carrera.
Su éxito profesional se consolida en la década siguiente, hasta el punto en el que su nombre aparece en las revistas especializadas.

"Lynn", Paris, 1992

Más sobre Giovanni Gastel en "El Hurgador" / More about Giovanni Gastel in this blog:


Textos en inglés / English translation

On December 21 is the birthday of

Gabriel Casas i Galobardes, Catalan photographer born in 1892. He was one of the most important Spanish photographers of the interwar period, although the figure is little known.
He started very young in the world of photography. After a stay in Uruguay and Argentina, where he worked with a portraitist, he returned to Barcelona where he opened his own photography studio. Restless man, he quickly interested in the possibilities offered by photojournalism, so he began as a sports photographer. Between 1929 and 1939 he produced a large number of high quality reports that were published in magazines and newspapers. He also worked as a poster artist as well as in different departments of the City of Barcelona and to various departments of the Generalitat. After the war he was persecuted and imprisoned and later to industrial and later he dedicated to advertising photography. His personal fund is kept in the National Archive of Catalonia.
Gabriel Casas was one of the first photographers in the State that adopted the language of the New Vision to create new visual narratives, which he used to illustrate magazines, books and also to create propaganda posters. His approach to social and political issues renewed the visual information with the use of photomontages, unusual views, fragmentation, magnification, repetition of elements and abstraction.
He died in 1973.

On December 22 is the birthday of

Carlos González Ragel, Spanish painter and photographer born in 1899.
His mother had great artistic sensibility conveyed to him and their father, Diego González Lozano, owner of a famous study, initiated him into the art of photography.
He enrolled in the School of Arts and Crafts, but did not finish his studies mainly because his style of painting did not fit the scholarship of the institution. He worked with great success in the photography studio of his father who was with his brother Javier, leading to master the technique so that, according to some in this area reached higher levels than in the painter, who is why today is almost exclusively known.
Throughout his life made six exhibitions. He opened the first on February 16, 1931 with figures as skeletons in the Museum of Modern Art. At this early stage he combined his artistic qualities and pictorial photography, emphasizing drawings and caricatures of characters of all kinds, from politicians to local scenes. After the demise of his photography studio, he was devoted entirely to painting, though in a disorderly and chaotic manner, with alternating periods of high production with others of inactivity.
He died in 1969.

On December 23 is the birthday of

Manuel Rivera-Ortiz, stateside Puerto Rican photographer born in 1968. He is best known for his social documentary photography of people's living conditions in less developed nations. Rivera-Ortiz lives in Rochester, New York, in New York City and in Zurich.
After attending East High School (Rochester, New York) Rivera-Ortiz worked as a journalist. In 1995 he graduated cum laude from Nazareth College, and in 1998 he received his Master's degree from the Columbia University Graduate School of Journalism.
Following his graduation he worked as a journalist for newspapers, but soon turned to photojournalism and documentary photography.
Traveling widely, his photography focuses on humanitarian issues often ignored by mainstream media. His work is included in museum and corporate collections.

On December 24 is the birthday of

Rodney Smith, American fashion and portrait photographer based in New York born in 1947.
Smith primarily photographed with a 35mm Leica M4 before he transitioned to a 120mm (medium format) Hasselblad with a 80mm lens. He prefers natural light to illuminate his subjects, but occasionally will use continuous lighting. Smith shot predominantly in black and white, until 2002, when he first began to experiment with color film. His work is commonly referred to as classic, minimalistic, and whimsical.

On December 25 is the birthday of

Jesús Inostroza Toro, Chilean photographer born in 1956 in Santiago, Chile. He is noted for having worked as official photographer of Chilean presidents Patricio Aylwin, Eduardo Frei and Ricardo Lagos, between 1990 and 2001.
He studied Fine Arts, mention in photography, in the Institute of Art of Universidad de Chile from 1975 to 1980.
He worked as a sport photographer in magazines Foto Sport, Estadio, Deporte Total and Triunfo. Between 1987 and 1990 he worked in La Época, a leftish newspaper.
From 1990 to 2001, he worked as a photographer and Head of photography department for Chilean presidents Patricio Aylwin, Eduardo Frei and Ricardo Lagos.
Then, he worked as a photographer in the Metropolitan Zoo in Santiago and was the editor for La Nación newspaper in 2005. He has also taught in universities and institutes.
Currently he is a director of a Photo Agency.

On December 26 is the birthday of

Malgorzata Fober, Polish photographer born in 1985 in Cieszyn, dealing with both fashion photographs, photographs advertising and artistic photography. 
In 2005, she graduated from the School of Fine Arts in Zakopane name Anthony Kenar. In 2012 she graduated from the Department of Sculpture and Spatial Measures for Artistic University in Poznan.
She has shown her work in several exhibitions since 2006.

Today, December 27, is the birthday of

Giovanni Gastel, Italian photographer born in Milan in 1955.
In 1967, at the age of twelve, Gastel starts showing his artistic vocation, joining experimental acting companies, for which he acts until the age of seventeen.
At the same time, he develops a passion for poetry and at sixteen Cortina publishes his collection of poems named Casbah.
His first contact with photography takes place in the 1970s. From that moment on, a long period of apprenticeship begins, during which he shoots pictures at weddings, makes portraits, small still-lives and occasional kids’ fashion photo sessions, while an important opportunity is offered him in 1975-76, when he starts working for the auction house Christie’s.
The turning point takes place in 1981 when he meets Carla Ghiglieri who becomes his agent and introduces him to the world of fashion. Following the appearance of his first still-lives on the magazineAnnabella, in 1982, he starts collaborating with Vogue Italia and then, thanks to the encounter with Flavio Lucchini, director of Edimoda, and Gisella Borioli, with the magazines Mondo Uomo and Donna.
From this moment on, his professional activity becomes more intense and he starts collaborating with the most prestigious fashion magazines both in Italy and abroad, most of all in Paris.
The artistic consecration takes place in 1997, when the Triennale di Milano dedicates him a personal exhibition, curated by the contemporary art historian Germano Celant, in which about 200 pictures, evidence of his long and prolific career, are exhibited.
His professional success consolidates in the following decade, up to the point in which his name appears on specialized magazines.

Ali Alışır [Fotografía, Arte digital]

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Ali Alışır


Ali Alışır nació en Estambul en 1978, y estudió diseño gráfico comenzando en 1996 con una beca en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Yeditep. Se graduó en fotografía en la Accademia Italiana en Florencia. Durante sus estudios se centró en la edición digital, terminando en 2006 como estudiante de alto grado en la escuela.
Desde 2009 Ali ha focalizado su obra en el concepto de "virtualidad". Se ha esforzado en abordar problemas sociales tratados por diferentes disciplinas como la filosofía, la sociología, la literatura y el cine, a través de la manipulación digital de fotografías, y está advirtiendo acerca de una forma alternativa de "vacío" con un nuevo patrón de imágenes creadas utilizando una variedad de técnicas.

 "Lugares virtuales / Virtual Places # 35", 116,5 x 175 cm.

"Paisajes virtuales / Virtual Landscapes # 018", 80 x 80 cm.

«La tecnología progresa muy rápido. Y nosotros, los artistas que tratamos con las imágenes, producimos obras en una forma de arte que es tecnología. Como artista mi meta es examinar e intentar comprender mi entorno en vez de tomar fotos. La fotografía toma lugar en mi obra en la medida en que sirve como idea creativa. Más aún, creo que durante el último siglo el arte fotográfico ha completado su tarea de "capturar el momento" y "documentar". Ahora estamos en un período en el cual podemos hablar realmente del "arte de la fotografía". Por lo tanto, la batalla en el nuevo orden mundial no está en luchar con documentos sino con imágenes.

Este bombardeo visual compuesto de infinidad de imágenes creadas en nuestras mentes un ahora infinito que resulta incapaz de responder a los deseos. Mientras hace visible lo que no queremos ver, también nos expone a la extrañeza social. Por esto es que la era en que vivimos se convierte en una en la cual no es el conocimiento sino las imágenes quienes (momentáneamente) dominan. Sin lugar a dudas, incluso se han convertido en una clase de arma en manos de gobiernos políticos que tienen en sus manos el poder de los medios de comunicación de masas. Mis objetivos consisten en cuestionar esta era y orden de las imágenes via fotografía, y desnudar y criticar el entorno en el que existen los individuos. E intentar contar esto a través del lenguaje fotográfico.»

"Cuerpos virtuales / Virtual Bodies #08 & #34 ", 155 x 110 cm.

"Guerras virtuales / Virtual Wars # 08",  – 73 x 110 cm.

 "Lugares virtuales / Virtual Places # 22", 175 x 116,5 cm.

«Hoy el concepto de lugar ya no está compuesto por paredes. Con el desarrollo de Internet y el ciberespacio, la gente puede viajar desde sus lugares a varios otros, obteniendo diferente información, o conocer gente y comerciar con ellos en otros campos. Todo este influjo es posible gracias a una serie de cargas eléctricas viajando por las redes a través de circuitos electrónicos. Y hoy en día todos están conectados con otros con ayuda de esas interfases y redes (teléfonos móviles, tablets, ordenadores, etc.) A través de emails, mensajes multimedia y redes sociales podemos acceder a las noticias, información o a los otros, no importa en qué parte del mundo estemos. Hablamos aquí de un importante revolución y cambio. La información, imágenes y sonidos viajan por el mundo sin necesitar ya de un entorno físico. En otras palabras, estamos experimentando una disolución total de espacio. El renacimiento de la tecnología está ahora siendo creado en un entorno virtual.

Por eso he construido mi proyecto de "Espacios virtuales", utilizando estas interfases (circuitos electrónicos y chips) sobre las pesadas y sombrías construcciones del Renacimiento y la Edad Media, producidas a partir de ingredientes físicos. Mientras que cuando se miran estos lugares desde lejos, se crea un efecto de disolución; cuando te acercas, apuntan a una percepción de que son una unidad de datos (la codificación 1-0-1-0 de circuitos electrónicos). Es irónico que hoy en día el factor constitutivo de la fotografía digital no es la imagen, sino la unidad de los datos. Podemos mirar a este proyecto como una crítica artística a nuestra exposición interminable a la imagen y el bombardeo de información, distanciados del espacio físico y rodeados por la tecnología cuantitativa.»

"Paisajes virtuales / Virtual Landscapes # 04", 62 x 120 cm.

"Cuerpos virtuales / Virtual Bodies #09", 155 x 110 cm.

«Mi exposición "Cuerpos virtuales", que se inauguró en 2009, aspiraba a cuestionar la posición del cuerpo y el individuo en la sociedad de consumo. No soy de los que frecuentemente siguen a los medios de comunicación de masas. Pero cuando miro como artista, veo su inmenso efecto en la sociedad. Siento que el poder que solemos llamar "masa peligrosa", ya no existe, que de hecho la gran mayoría se ven empujados a la indiferencia social. Creo que, prisioneros del curso de nuestra economía virtual en lugar de nuestra economía real basada en la "producción", nos hemos vuelto "travestis" mentales (en términos de política, religión, etc.). Mi muestra "Cuerpos virtuales", fue un proyecto determinado a poner de relieve esas críticas.

Además, creo que en nuestros días el concepto de sexualidad aparece no sólo en la sexualidad, sino también en otros muchos campos (en medios, reality shows, noticias, cine, literatura, etc.). Esto me recuerda la expresión de Roland Barthes: dijo "En Estados Unidos, usted puede toparse con la sexualidad en todas partes excepto de las relaciones sexuales". Creo que esta frase sigue siendo válida.»

 "Lugares virtuales / Virtual Places # 09 & #29", 175 x 116,5 cm.

«Hoy en día ser un joven artista, ya sea en Turquía o en Italia, significa aceptar una juventud llena de penurias en cualquier parte del mundo. No recibir visados, rentas impagas, la presión de tus vecinos conservadores, estados que no ayudan, un entorno y familia que no comprenden lo que haces... Ser un artista significa, ante todo, moverte entre esas penurias como un mago. Nada sucede fácilmente en Italia. Te sometes a grandes pruebas y procesos. Con una excepción: si eres realmente bueno, se te aprecia y asciendes de nivel. La cultura te envuelve ni bien estás allí. Si vas a ese país, que produjo el Renacimiento en el mundo y gastó enormes cantidades de dinero en arte, en vivir y producir algo, de alguna manera experimentas la diferencia...»

"Guerras virtuales / Virtual Wars # 59", 150 x 235 cm.

«Antes de comenzar a producir arte, intentaba visitar muchas exposiciones y seguir la obra de artistas contemporáneos del mundo. Me ofrecían diferentes puntos de vista. Pero como he dicho, no es algo que haga constantemente, sino un método que utilizo frecuentemente en el proceso de producción. Recientemente a lo que más presto atención es a si estoy listo para producir y crear. Me lo pregunto con mucha frecuencia. De otro modo, sé que estaría trabajando en vano. Por supuesto si estás involucrado en un proyecto profesional, trabajas con un equipo que piensa en los detalles por tí, y estás libre para llevar adelante lo que es auténtico. Pero si produces obras muy personales, sólo puedes saber lo que es auténtico a través de un proceso muy duro. En este punto, lo que has experimentado contribuye mucho a tu trabajo; tus relaciones, la gente que has conocido, lo que has leído o visto, tus buenos y malos recuerdos, todo ejerce una suerte de influencia en tu obra... Creo que esas situaciones hacen que la creatividad aflore más. Las razones por las cuales produzco hoy en día esas obras digitales radican en mi aceptación del arte como una entidad viva y cambiante, así como el flujo de mis pensamientos no está planificado, sino que es libre, podría decirse.»

 "Lugares virtuales / Virtual Places # 34", 175 x 116,5 cm.

Ali Alışır was born in Istanbul in 1978 and studied graphic design starting in 1996 at the Yeditepe University Faculty of Fine Arts with a merit scholarship. He completed his graduate studies in the area of photography in the Accademia Italiana in Florence. Throughout his graduate studies, he focused on digital editing and graduated in 2006 as the highest ranking student at the school.
Since 2009, Ali Alışır has focused his work on the concept of “virtuality”. The artist has striven to carry social issues highlighted by different disciplines such as philosophy, sociology, literature and cinema through digital manipulation of photographs and is warning of an alternative form of “emptyness” with a new pattern of images created using a variety of techniques.

"Cuerpos virtuales / Virtual Bodies #15 & #31", 155 x 110 cm.

"Paisajes virtuales / Virtual Landscapes # 02", 66 x 100 cm.

«Technology progresses very fast. And we, the artists dealing with images, produce works in an art form the material of which is technology. As an artist my aim is to examine and to try to understand my environment rather than taking photos. Photography takes place in my works as long as it serves to a creative idea. Moreover, I think during the last century the art of photography has quite fulfilled its duty “to catch the moment” and “to document”. Now we are in a period in which we can really talk about “the art of photography”. For, the war in the new world order is not fought with the documents but with the images.

This visual bombardment composed of images creates in our minds an infinite now that is unable to answer the desires. While it renders visible what we do not want to see, it also exposes us to a social estrangement. That is why the age we live in becomes an age in which not the knowledge but the images are –momentarily- dominant. Without a doubt, this has even turned into a kind of weapon in the hands of political governments holding the power of the mass communication media. My objectives are to question this age and order of images via photography, and to lay bare and criticize the environment the individual exists in. And I try to tell this through photographic language.»

"Guerras virtuales / Virtual Wars # 04", 117 x 176  cm.

"Cuerpos virtuales / Virtual Bodies #10", 155 x 110 cm.

 "Lugares virtuales / Virtual Places # 12",116,5 x 175 cm.

«Today the concept of place is no longer composed of four walls. With the development of the Internet and the cyber space, people can travel from their locations to various places, gain different information, or meet new people and trade with them in other fields. All this influx is actually possible by a series of electric charges’ travel on networks via electronic circuits. And today we are all connected to each other with the help of these interfaces and networks (cell phones, tablets, computers, etc). Through e-mails, multimedia messages and social networks we can reach the news, information or to each other no matter where we are in the world. We talk about an important revolution and change here. Information, images, sounds travel around the world without needing a physical environment any more. In other words, we utterly experience a space dissolution. The renaissance of technology is now being created in a virtual environment.

That is why I built my “Virtual Places” project using these interfaces (electronic circuits and chips) upon the heavy and gloomy constructions of renaissance and the middle ages, produced by physical ingredients. While when looked from afar these places create a visual dissolution effect, when you get closer they aim at your perception that they are a unity of data (the 1-0-1-0 codification on the electronic circuits). It is ironic that today the factor which constitutes the digital photography is not the image but the unity of data. We can look at this project as an artistic critique on our exposure to an endless image and information bombardment as distanced from physical space and surrounded by quantitative technology.»

"Paisajes virtuales / Virtual Landscapes # 027", 150 x 216 cm.

"Cuerpos virtuales / Virtual Bodies #23", 155 x 110 cm.

«My “Virtual Bodies” exhibition which I opened in 2009 was aiming to question the position of the body and the individual in consumer society. I am not one of those who frequently follow mass communication media. But when I look as an artist I see its immense effects on society. I feel that the power we used to call “dangerous mass” is no longer existent, that in fact a big majority is propelled to a social indifference. I think that we, imprisoned to the course of virtual economy instead of real economy based on “production”, have become “travestied” mentally (in terms of politics, or religion, etc.). My “Virtual Bodies” exhibition was a project determined to put forth these critiques.

In addition, I think that in our day the concept of sexuality appears not only in sexuality but in many other fields as well (in media, reality shows, news reports, cinema, literature, etc.). This reminds me of Roland Barthes’ expression: he said “In America, you can come across with sexuality everywhere except from sexual intercourse”. I think that this sentence is still valid.»

 "Lugares virtuales / Virtual Places # 49", 129 x 290 cm.

"Guerras virtuales / Virtual Wars # 01", 200 x 133 cm.

«Today being a young artist, either in Turkey or in Italy, means accepting a youth full of hardships in everywhere in the world. Unreceived visas, unpaid rents, the pressure of the conservative neighborhoods, unhelpful states, an environment and family incomprehensive of what you do… To be an artist means first of all to get through these hardships like a wizard. Nothing happens easily in Italy. You undergo big trials and processes. With one exception; if you are really good, you get appreciated and rise to a level. The culture engulfs you the moment you go there. If you go to this country, which produced renaissance in the world and spent enormous amounts of money on art, to live and produce something, you somehow experience this difference…»

 "Lugares virtuales / Virtual Places #17 & #18", 175 x 116,5 cm.

«Before beginning to produce I try to visit so many exhibitions and to follow the works of contemporary artists in the world. They really bring me different points of view. But as I have said this is not something I constantly do, but only a method I frequently use at the production processes. Recently what I most pay attention to is whether I am ready to produce and create. I ask this to myself very frequently. Otherwise I know I will be working in vain. Of course if you are involved in a professional project, you are then working with a team that thinks through all details for you, and you always feel ready to put forward what is true. But if you produce very personal works, you can only find what is true by undergoing very hard processes. At that point what you have experienced contributes to your works a lot; your relationships, people you have just met, what you read or watch, your good and bad memories, they all somehow influence your work… I believe that at these situations creativity surfaces more. The reasons why I produce these digital works today are my acceptance of art as a living and changing entity as well as my thoughts’ flows being not planned but free, I may say.»

"Guerras virtuales / Virtual Wars # 40", 150 x 224 cm.

Los textos están tomados del sitio web de Alí, de sus blogs, y de una entrevista publicada en Art Unlimited, en junio de 2011, que puede leerse completa aquí. Hay mucho escrito de y por el artista, desgranando sus planteamientos conceptuales y puntos de vista artísticos. Recomiendo a quienes estén interesados y se las arreglen con el inglés a echar un vistazo, por ejemplo aquí.

Texts from Ali's website, from his blogs and an interview published June, 2001 in Art Unlimited. There are a lot written by and about the artist, analyzing his conceptual approachings and artistic viewpoints. I recommend to those interested to take a look, for example here.

Más imágenes e información sobre Alí en / More images and information about Ali in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Alí!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Ali!)


Un texto de Ali Alışır de 2012

La estructura del mundo moderno, que se basa en contradicciones y diferencias, está colapsando. El mal existe sin el bien, la verdad sin la falsedad, lo femenino sin masculino (y viceversa), y el poder progresa sin oposición. La desafortunada situación de la "imagen" que una vez parecía ser el componente real de la fotografía, está en situación similar. La imagen no necesita de la realidad para formarse a sí misma. Como en el caso de que la oscuridad ya no se necesita para crear luz, la formación de la fotografía ya no requiere de un objeto real o un tópico. Todo se reproduce en entornos virtuales, y toma el lugar de la realidad. Esta era se ha convertido en una en la cual las imágenes virtuales son las dominantes. Imágenes creadas de la nada.

Antiguamente, la acción de tomar una imagen significaba ser testigo de la desaparición del sujeto y el objeto en un segundo. Hoy en día, en cambio, nos vemos forzados a ser testigos de la recreación de una imagen, que no existe, a través de un proceso informatizado. (Y digo "nos vemos forzados" porque la imagen, debido a su naturaleza, es el aura mística entre un sujeto y un objeto de creación natural, y crearla artificialmente prueba que ya no es una imagen). Como resultado, el hecho de que la imagen de la fotografía se convierta en un símbolo de "algo" significa que no hay espacio para una emoción que se descubrirá en las imágenes y no es posible revisitar esa imagen. Esas imágenes producidas digitalmente - sintéticamente - ya no son más ellas mismas.

Entonces ¿qué significa la desaparición de la imagen? ¿Cómo podemos situar la fotografía, de la cual la imagen ha desaparecido, dentro de la realidad de nuestras vidas?

En primer lugar, es clave tener en cuenta que lo que se ha establecido para dirigir casi toda nuestra vida y eventos actuales que nos rodean, son los medios digitales y sus sistemas. Teléfonos móviles, emails, redes sociales de comunicación, son entidades inseparables para cada uno de nosotros. (Esos complejos y diferentes sistemas en red pueden compararse con un sistema mental ilimitado, dentro del cual el individuo se pierde a sí mismo). El individuo en un cierto espacio ya no está limitado tan sólo por cuatro paredes. Las personas que están siguiendo el flujo de las noticias y novedades de todo el mundo han comenzado a vivir bajo el asedio de las imágenes digitales. Los individuos, que viven bajo el efecto del mundo digital, han comenzado a alimentarse de estos sistemas.

Esa cadena alimenticia digital trabaja igual a como lo hacen los órganos de nuestros cuerpos. La mente sigue las noticias y mensajes que llegan, y rápidamente los digiere y consume. La tecnología digital, de la cual se desmembra (o destruye) la secuencia de la imagen, tiene en la mente un efecto similar al de la comida podrida, que proviene de una cadena de comida arruinada o está modificada genéticamente, atacando al cuerpo en su debido momento. Anteriormente, para distinguir los eventos reales y falsos, había evidencia sobre la relación entre sujetos y objetos. Eran probados por imágenes negativas. Sin embargo, una vez que los circuitos integrados tomaron su lugar, se hizo posible crear imágenes y noticias inexistentes. En resumen, cuando lo referente a la realidad desapareció, el cerebro humano se hizo más vulnerable a los ataques desde el exterior.

Títulos de noticias manipulados, que son utilizados en los medios visuales y escritos para atraer la atención; textos de noticias e imágenes en los cuales las noticias originales y el contexto fueron separados (incluso falsas imágenes de guerra que fueron modificadas), aparecen como genes mal secuenciados.

Esas noticias e imágenes (realidad) que están constantemente fluyendo, por el momento, alcanzan dimensiones exageradas en la mente y comienzan a disminuir al pasar el tiempo. Hoy en día este proceso es tan rápido que la percepción y el olvido suceden casi al mismo tiempo. La capacidad de comprender es casi pasada por alto. Se puede argumentar que dentro de este proceso los polos políticos, ideologías y valores individuales han comenzado a desintegrarse (es irónico, sin embargo, que todos esos valores desintegrados hoy siguen existiendo virtualmente). Todas esas ideologías, polos políticos, e incluso la idea del arte que se desintegran de la realidad, siguen existiendo como reflejos del pasado.

Tal vez hoy el hecho de que los pensamientos (polos políticos e ideologías) realmente existan (revolucionarios y dictatoriales) y reclamen el poder no es el mayor peligro. El mayor peligro es la necesidad de esos pensamientos, que están desapareciendo en nuestra época, de seguir existiendo.

Esta es una afirmación muy grave porque las ilusiones democráticas fueron llevados a una posición más peligrosa que las democracias reales; y los ataques cibernéticos y virtuales se han llevado a una posición más peligrosa que las guerras reales. (Todas esas relaciones entre las finanzas, las redes sociales y de seguridad refuerzan esta idea). La ilusión fue una vez nada más que sólo una ilusión, que hoy se convierte en un fenómeno más peligroso que la realidad. Esta afirmación recuerda la desafortunada situación que ocurrió hace un tiempo a la fotografía constituida por una imagen. Las ideas políticas perdidas y acciones dominadas por un poder virtual y mundial se transforman en amenazas a través de métodos similares; al igual que la imagen, que fue privada de la realidad pura transformada en un arma.

En este siglo, ¿es posible luchar contra una cosa que está literalmente desapareciendo? En esta vida digital y codificada podemos todavía confiar en la creencia de que todavía hay privacidad y fuerza de voluntad, y que en realidad podemos cambiar algo? Y, ¿puede la photography todavía llevarnos a la esfera ilimitada de pensamientos sin su aura mística (imagen)? Esto sigue siendo problemático.

Volviendo al principio de la cuestión, hoy el arte, la historia, la economía y los pensamientos ideológicos han perdido todos su razón de existir. Mientras lo falso tiene todo el poder de la realidad, puede decirse que todos nos convertimos en actores y audiencias a la vez en un espectáculo en el que todos lo saben todo y no hacen nada de nada.

Como la imagen de la fotografía se ha perdido, nosotros estamos perdiendo el espíritu y misterio de lo natural. En este nuevo siglo, bajo la influencia de la transparencia, nuestras vidas se transforman en un efecto, como en una imagen digital.

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A writing by Ali Alışır, 2012

The structure of modern world, which is based on contradictions and differences, is now collapsing. Evil exists without good, true exists without false; female gets on without male (or vice versa), and power gets on without the opposition. The unfortunate situation of the ‘image’ that was once thought to be the real constituent of photography, is a similar case. Image no longer needs reality to form itself. Just like the case that darkness is no longer needed to create light, formation of photography does not require a real object or topic anymore.  Everything is reproduced on virtual environment, and takes the place of reality. This age has become to be an era, to which virtual images are dominant. Images are created out of nothing.

Formerly, the action of taking picture meant to witness the disappearance of subject and object in a second. Today, on the other hand, we are forced to witness recreation of an image, which does not exist, through computational processing. (I said that ‘we are forced to’ because image, due to its nature, is the mystic aura between subject and object of natural creation; and artificially creating proves that it is longer an image). As a result, the case that image of photography becomes symbol of “something” means that there is no room for an emotion that will be discovered in images and it is not possible to review the image. These reproduced digital -synthetic- images are not themselves anymore.

So, what does the disappearance of image mean? How can we situate photography, of which image is disappearing, within the reality of our lives?

First of all, it is crucial to state that what has become to direct almost our entire life and current events surrounding us is the digital media and its systems. Mobile phones, e-mails, social communication networks are inseparable entities for each of us. (These different and complex network systems can be compared to an unlimited mental system, within which the individual looses himself).  Individual in a certain space is not limited with only four walls anymore. Individuals who are following news flow and latest news from all around the world have started to live under the siege of these digital images. Individuals, who live under the effect of digital world, have started to feed from these systems.

These digital food chains work just like the functioning system of organs in our bodies. Mind follows the coming news and messages, and rapidly digests and consumes it. Digital technology, of which sequence of image is impaired (or destroyed), has such an effect on mind similar to that of rotten food, which has a ruined food chain or is genetically modified, attacking to body in due course. Formerly, while distinguishing real and fake events, there was evidence regarding the relationship between subjects and objects. They were proved by negative images; however, once circuits and integrates took their place, it became possible to create nonexistent images and news. In short, when the thing referring to reality disappeared, human brain became more vulnerable to several foreign attacks.

Manipulated news titles, which are used by written and visual media in order to attract attention; news texts and their images, of which the original news and context were separated (even fake images that war views were modified), look like mal-sequenced genes.

Those news and images (reality) that are constantly in flow, by the time, reach to exaggerated dimensions in mind and start to diminish itself in time. Today this process is so fast that perception and oblivion happen almost at the same time. The ability to comprehend is almost by-passed. It can be argued that within this process political poles, ideologies, and individual values are started to disintegrate (it is ironical, though, all those disintegrated values today continue to exist virtually).  All those ideologies, political poles, and even the idea of art that disintegrate from reality, continue to exist as reflections of the past.

Maybe today the fact that thoughts (political poles and ideologies) are really exist (revolutionary and dictatory) and claim power is not the biggest danger. The major danger is the claim of thoughts, which are disappearing in our age, to continue to exist.

This is a very serious claim because democratic illusions were taken to a more dangerous position than real democracies; and cyber and virtual attacks were taken to a more dangerous position than real wars. (All those relations among finance, social and security networks strengthen this idea). Illusion was once nothing but only an illusion, today it turns into a phenomenon more dangerous than reality. This claim reminds the unfortunate situation that happened a while ago to the image constituting photography. Lost political ideas and actions dominated by a virtual and global power are transformed into threats through similar methods; just like the image, which was deprived of pure reality transformed into a weapon.

In this century, is it possible to fight against a thing that is literally disappearing? In this digital and codified life can we still trust to the belief that there is still privacy and power of will and they can actually change something? And, can photography still take us to the unlimited sphere of thoughts without its mystic aura (image)? These are still problematic.

Back to the beginning of the question; today, art; history; economics; and ideological thoughts had all lost their reasons of existence. While the fake got all power of reality it can be said that everyone became actors and audiences at the same in a show that they all know everything and do nothing at all.

Like the image that photography had lost, we are losing the spirit and mystery of what is natural. In this new century, under the influence of transparency, all our lives transform into an effect just like a digital picture.

Muere Lacy Duarte

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Ayer, 27 de Diciembre, falleció la artista visual uruguaya Lacy Duarte. Mis respetos a su familia, en especial a sus hijos Pedro y Pablo, y mi homenaje con esta cita.

Yesterday, December 27, passed away Uruguayan visual artist Lacy Duarte. My respects to her relatives, especially her sons Pedro and Pablo, and my tribute with this note.
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Lacy Duarte (1937 - 2015)

Foto / Photo: Pablo Bielli
Lacy Duarte fue una artista visual uruguaya nacida en Mataojo, Salto, en 1937.
Se crió en un entorno rural que marcaría su vida y su obra. En 1952 se trasladó a la Ciudad de Salto y en 1954 ingresó al Taller Figari de la Asociación Horacio Quiroga donde asistió a clases con el pintor húngaro José Cziffery, formado en París en el taller de Henri Matisse.
En 1959 se casó con el pintor Aldo Peralta, con quien tuvo dos hijos, Pablo y Pedro, también artistas. En 1962 la familia se trasladó a San Carlos en el departamento de Maldonado, donde dio clases de dibujo en el liceo y aprendió la técnica del tapiz. En 1975 a causa de la dictadura militar en Uruguay la familia se mudó a Porto Alegre, Brasil. De regreso en San Carlos creó el taller Duarte Tapices con un grupo de tejedoras. En 1981 falleció su esposo y poco después se trasladó a Montevideo, donde retomó la pintura. En 1987 fue seleccionada para integrar el envío uruguayo a la Bienal de La Habana. Expuso en Europa y Estados Unidos.
A partir de 1990 trabajó en series que incluyen pinturas y objetos, tallas en madera, objetos de miga de pan, colchas de trapos (traperas), en instalaciones que refieren a su origen, a la condición de la mujer y los niños en el campo, a las faenas rurales (Ceibos y panes, Bretes, Trampas, Venceduras, Traperas). Su proyecto Memoria y ritos en el espacio de la mujer campesina, refiere a su traslado a la ciudad como una pérdida de referencias culturales.
Murió en 2015.
Wikipedia

"Serie Traperas", técnica mixta / mixed media, 135 × 108 cm., 2007

Lacy Duarte was a Uruguayan visual artist born in Mataojo, Salto, in 1937.
She grew up in a rural environment that would mark her life and work. In 1952 she moved to the city of Salto and in 1954 entered the Figari Workshop, of the Association Horacio Quiroga, where she attended classes under Hungarian painter José Cziffery, formed in Paris in the studio of Henri Matisse.
In 1959 she married the painter Aldo Peralta, with whom she had two sons, Pablo and Pedro, also artists. In 1962 the family moved to San Carlos in the department of Maldonado, where she taught drawing in high school and learned the technique of tapestry. In 1975 because of the military dictatorship in Uruguay, the family moved to Porto Alegre, Brazil. Back in San Carlos Duarte created the Tapestry workshop with a group of weavers. In 1981 her husband died and soon after moved to Montevideo, where she resumed painting. In 1987 she was selected to integrate the Uruguayan sent to the Havana Biennial. She exhibited in Europe and the United States.
From 1990 she worked on series including paintings and objects, wood carvings, from the crumb of bread, bedspreads rags (ragpickers) in installations that refer to her origin, the status of women and children in the countryside, rural tasks (Ceibos and breads, Bretes, Traps, Venceduras, Traperas). Her project Memory and its rites in the space of rural women, refers to her transfer to the city as a loss of cultural references.
She died in 2015.

Lacy Duarte (der / right) con sus hijos / with her sons, Pedro y Pablo Peralta

Más información sobre esta noticia / More information on this news
Ministerio de Educación y Cultura

Phil Borges [Fotografía]

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Phil Borges


Phil Borges es un fotógrafo estadounidense nacido en 1942.
Desde hace más de veinticinco años, Phil ha estado documentando las culturas indígenas y tribales, buscando crear una comprensión de los desafíos que enfrentan. Su obra se exhibe en museos y galerías de toro el mundo, y sus premiados libros, que se han publicado en cuatro idiomas, incluyen "Retratos Tibetanos", "Espíritu inquebrantable", "Mujeres al poder" y "Tibet: Culture on the Edge". Ha presentado documentales de televisión sobre las culturas indígenas para los canales Discovery y National Geographic. Phil también da conferencias y enseña a nivel internacional.
En sus sitios web podemos leer la siguiente definición para el trabajo de Phil: "Contador de historias para un cambio social".

Retratos del Tibet / Tibet Portraits - Tseten (81), Choglamsar, Ladakh
Tseten tenía casi 50 años cuando fue obligado a abandonar su gran rebaño de cabras y yaks, y huir del Tibet. Ahora es uno de los 2000 tibetanos que viven en un campo de refugiados cerca de Choglamsar, Ladakh, donde tiene tan sólo una cabra y una pequeña parcela de terreno donde cultiva algunos vegetales. Él dice: "debido a mi formación budista, soy feliz viviendo en cualquier lugar." /
Tseten was almost 50 when he was forced to give up his large herd of goats and yaks and flee Tibet. He is now one of 2,000 Tibetans living in a refugee camp near Choglamsar, Ladakh where he has only one goat and a small plot of ground to grow some vegetables. He said ”because of my Buddhist training I am happy living anywhere”.

Retrato tibetano - El poder de la compasión.
Comenzando en 1994, Phil ha viajado al Tibet así como al norte de la India y Nepal, para entrevistar y fotografiar refugiados tibetanos, en un esfuerzo por comprender lo que les ocurrió a ellos, su país y su cultura. Estas son algunas de las personas que conoció en esta cultura profundamente espiritual; desde los nómadas de los remotos Himalayas hasta el propio Dalai Lama, cada uno comprometido con su cultura tibetana única y con la práctica de la compasión mientras llegan a un acuerdo sobre la agresiva ocupación de su tierra natal. En colaboración con la Campaña de los Derechos Tibetanos y la Campaña Internacional por el Tibet, creamos la exposición el el libro "Tibet: El poder de la compasión".

Espíritu inquebrantable / Enduring Spirit
Kalime (22) & Algo (3), Tribu Karo, Murile, Etiopía / Karo Tribe, Murile, Ethiopia
Kalime y su hijo han pasado todo el día trabajando en el maizal. La sequía de este año ha amenazado tanto el crecimiento de sus cultivos como la supervivencia de toda la tribu, los Karo. Hoy en día quedan menos de 500 nativos de la tribu Karo. Kalime dice que han tenido suficiente para comer este año, pero nadie sabe qué hará la tribu el año próximo si no vienen las lluvias./
Kalime and her son had just spent the day working in their cornfield. This year’s drought has threatened both the growth of their crops and the survival of their entire tribe, the Karo. There are fewer than 500 Karo tribespeople remaining today. Kalime said they have had enough to eat this year, but no one knows what the tribe will do if the rains don’t come by next year.

Espíritu inquebrantable / Enduring Spirit
Agino (27), Tribu Mursi, Colinas Mursi, Etiopía / Mursi Tribe, Mursi Hills, Ethiopia
Agino, un guerrero Mursi, era inflexible en querer una Polaroid para sí. Sin embargo, cuando apunté la cámara hacia él, inmediatamente miró hacia abajo. Más tarde descubrí que los Mursi creen que mirar directamente a las lentes puede causar ceguera. Aunque las luchar sin autorización es tabú dentro de la tribu Mursi, los guerreros que matan se otorgan un alto status. Cada cicatriz en el brazo de Agino representa un enemigo muerto./
Agino, a Mursi warrior, was adamant about wanting a Polaroid of himself. However, when I pointed the camera at him, he immediately looked down. I later learned that the Mursi believe that looking directly into the lens can cause blindness. Although unauthorized fighting within the Mursi tribe is a taboo, warriors who kill an enemy are accorded great status. Each curved scar on Agino’s arm represents an enemy killed. 

«Generalmente utilizo historias para ilustrar una situación o cuestión social. Una historia es la mejor manera de hacer esto. Es una forma probada a lo largo de los siglos para transmitir información. Es la forma en la que las culturas se pasan la información; la historia ha sido utilizada desde las pinturas de las cavernas para transmitir información. Las historias de individuos nos resultan especialmente irresistibles como seres humanos. Así que yo utilizo las historias para ilustrar grandes cuestiones sociales. Mira alrededor, a nuestra cultura, y ves que la gente adora las historias individuales. Piensa: revistas de gente, biografías. Es simplemente algo por lo que nos sentimos atraídos. Es tan sólo un vehículo apra hablar de grandes cuestiones, de ilustrar temas sociales.»

Crazywise - Amma (Ulchi ,89), Bulama, Siberia
Amma ha completado un ritual Ulchi, llamado Kasa, para un vecino que ha muerto. Se quedó con el cuerpo durante tres días con sus noches mientras guiaba el alma del difunto al "otro mundo", llamado Aldea Buni. Me dijo que el Kasa es muy peligroso porque el viaje a la Aldea Buni podría costarle la vida. Amma se hizo chamán más bien tarde en su vida. Me dijo que se resistió al llamado durante muchos años porque la vida de un chamán es muy dura. Me dijo: "no es una profesión que tú aprendes; es un llamado que recibes de los espíritus de la naturaleza."
Amma had just completed an Ulchi ritual, called a kasa, for a neighbor who had died. She stayed up with the body for three days and nights while guiding the soul of the deceased to the "other world", called Buni Village. She told me the kasa is very dangerous as the journey to Buni Village could cost her her life. Amma became a shaman rather late in life. She told me that she resisted the calling for many years because a shaman's life is so hard. She said, "it's not like a profession that you learn-it's a calling one receives from the nature spirits." 

Crazywise (Locosabio)
Cuando una persona joven experimenta una aterradora ruptura con la realidad, los expertos de occidente generalmente lo etiquetan como "el primer episodio de una psicosis", mientras que muchos psicólogos y culturas lo definen como un "despertar espiritual". El documental "Crazywise (Locosabio)" revela métodos de tratamiento muy eficaces y un movimiento dirigido por sobreviventes que desafía un sistema de salud mental en crisis.

Retratos del Tibet / Tibet Portraits - Shelo (20) & Benba (17), Nyalam, Tibet
Shelo y Benba, amigas desde la infancia, y actualmente trabajan como empleadas en un albergue de Nyalam, una antigua aldea tibetana que recientemente se ha convertido en una escala para los alpinistas en su camino hacia el Everest. Como tibetanas, rápidamente se convirtieron en una minoría insignificante en su país por la masiva afluencia de chinos al Tibet./
Shelo and Benba, best friends since childhood, are currently working as hostel maids in Nyalam, an old Tibetan village that has recently become a stop over for climbers on their way to Mt. Everest. As Tibetans they are rapidly becoming an insignificant minority in their own country because of the massive influx of Chinese into Tibet.

Espíritu inquebrantable / Enduring Spirit - Pao (79), Karen, Sappong, Tailandia / Thailand
Pao ha vivido en Tailandia durante cerca de 25 años como refugiada de la guerra civil en Myanmar. Perdió a su marido en la lucha, y abandonó su tierra natal. Mucha gente de su nueva aldea han recurrido al cultivo de opio para sobrevivir. Ella me invitó a su choza de bambú de una habitación y graciosamente me ofreció un gran plato de escarabajos fritos. Mordisqueé cautelosamente un escarabajo. Luego disfruté de muchos más./
Pao has lived in Thailand for nearly 25 years as a refugee from the civil war in Burma. She lost her husband in the fighting as she fled her homeland. Many people in her new village have resorted to growing opium poppies in order to survive. She invited me into her one-room bamboo hut and graciously offered me a plate of very large fried beetles. I cautiously nibbled on one beetle, then enjoyed many more.

Espíritu inquebrantable.
Muchos indígenas y gente de las tribus luchan por conservar sus tradiciones culturales y la singularidad en países donde los derechos humanos básicos están amenazados, desde Etiopía y Kenya hasta el Tibet, y desde México hasta Indonesia. Algunos están experimentando su primer contacto con el mundo exterior, algunos han sobrevivido a la explotación y represión durante años, algunos cuyas culturas han sido diezmadas y están intentando regresar, gente intentando conservar sus tradiciones culturales e identidad. Nos asociamos con Amnistía Internacional para crear la exposición y el libro titulados "Espíritu Inquebrantable", celebrando el 50 aniversarios de la firma de la Declaración Universal de los Derechos Humanos.

Espíritu inquebrantable / Enduring Spirit
Botok (76) & Tsangpa (78), Tibetanas, Asentamiento Nº 1 / Tibetan, Settlement Camp #1, Ladakh, India
Botok & Tsangpa han sido clasificadas como ricas por las autoridades comunistas en 1962, porque tenían casi 1000 ovejas y cabras. Amenazadas con la prisión, huyeron por la frontera hacia el estado indio de Ladakh con sus tres hijas y el otro marido de Tsangpa; no es rado para las mujeres tibetanas tener más de uno./
Botok and Tsangpa were classified as wealthy by the Communist authorities in 1962, because they owned almost 1,000 sheep and goats. Threatened with imprisonment, they fled across the border into the Indian state of Ladakh with their three daughters and Tsangpa's other husband - it is not uncommon for Tibetan women to take more than one.

«Al principio, mi interés principal era documentar las culturas indígenas. A medida que me fui dando cuenta de las presiones a las que se enfrentaban esas gentes, centré el foco en los temas que enfrentan en cuanto a los derechos humanos (por ejemplo, la ocupación china del Tibet y los vertidos de petróleo en la Amazonia ecuatoriana). A medida que pasaba el tiempo, me di cuenta de que la única violación de derechos humanos que afecta a casi todas las culturas es la discriminación y opresión de las mujeres y las niñas. Como el empoderamiento de las mujeres ha probado ser una de las mejores estrategias para tratar la pobreza, construir la paz y la sostenibilidad ambiental en comunidades y países, comencé a centrarme en ello.»

Espíritu inquebrantable / Enduring Spirit
Epius (27) & Wele (45), Tribu Loni, Río Pit / Loni Tribe, Pit River, Irian Jaya
Epius y Wele se vistieron con su atuendo de guerreros cuando vieron que estaba tomando fotografías y repartiendo Polaroids. Normalmento sólo se los ponen para celebraciones o luchas. Epius es de la aldea de Illaga, que queda a varios días a pie. Ha venido al Río Pit para educarse y se ha graduado en la secundaria. Como no hay empleo, planea volver a su aldea para ayudar a resolver un conflicto que tienen con una tribu vecina./
Epius and Wele put on their warrior attire when they saw me taking photographs and handing out Polaroids. Normally they only dress up for celebrations or to fight. Epius is from a village in Illaga, which is several days’ walk away. He had come to Pit River for an education and had just graduated from high school. Since no jobs are available, he plans to return to his village to help settle a conflict with a neighboring tribe.

Retratos del Tibet / Tibet Portraits - "Yama", 8, Lhasa, Tibet
Yama viene con sus padres y tres hermanas en una peregrinación de 6 semanas al Templo Jokhang en Lhasa, desde la provincia de Kham. "Yama ayudó a cargar con nuestra hija de 10 meses buena parte del camino - dice su padre. Muy pronto nos dimos cuenta de que había nacido con el verdadero espíritu de ayudar a los demás." / 
Yama came with her parents and three sisters on a 6 week pilgrimage to the Jokhang Temple in Lhasa from the province of Kham. “Yama helped carry our 10 month old daughter much of the way.” Her father said. “We noticed very early that she was born with the true spirit of wanting to help others.”

Espíritu inquebrantable / Enduring Spirit - Cirila, Quechua, Ollantaytambo, Perú
Cirila estaba clasificando papas para semilla con sus nietos cuando nos conocimos. Aunque no recuerda su edad, sabe que nació en una plantación de papas durante la temporada de siembra. Ha cocinado para sus hijos y sus familias desde la muerte de su marido hace 20 años. Cuando le pregunté sobre el hacha que colgaba de su cinturón, me dijo que la utilizaba para recoger leña para las comidas familiares./
Cirila was sorting seed potatoes with her grandchildren when we met. Although she doesn’t remember her age, she knows she was born in a potato field during the sowing season. She has cooked for her children and their families since the death of her husband twenty years ago. When I asked her about the hatchet hanging from her belt, she said that she uses it to collect firewood for family meals.

Retratos del Tibet / Tibet Portraits - Lobsang (67) & Tensin (13), Bodhnath, Nepal
Lobsang y 66 compañeros monjes fueron hechos prisioneros en 1995. Cuando los soltaron, 21 años más tarde, él fue uno de los únicos 3 supervivientes. Mientras estaba en prisión su mejor amigo, un rinpoche, murió en sus brazos. Más tarde Tensin descubrió que era la reencarnación de ese amigo. Lobsang dice que hay muchas características de su viejo amigo en el joven. /
Lobsang and 66 fellow monks were imprisoned in 1959. When released 21 years later, he was one of only three survivors. While in prison his best friend, a rinpoche, died in his arms. Tensin was later discovered to be the reincarnation of that friend. Lobsang said there are so many characteristics of his old friend in the young boy.

Phil Borges is an American photographer born in 1942.
For over twenty-five years Phil has been documenting indigenous and tribal cultures, striving to create an understanding of the challenges they face. His work is exhibited in museums and galleries worldwide and his award winning books, which have been published in four languages, include Tibetan Portrait, Enduring Spirit, Women Empowered and Tibet: Culture on the Edge. He has hosted television documentaries on indigenous cultures for Discovery and National Geographic channels. Phil also lectures and teaches internationally.
In his websites, we can read this definition about Phil's work: Storytelling for Social Change

Izq./ Left: Abi Gul (7), Valle de Rumbur / Rumbur Valley, Pakistan
El padre de Abi Gul pasó 7 años luchando en los tribunales de Pakistán para que los valles de Kalash fueran talados. Para los Kalash, que tienen una cosmología animista, los árboles son muy sagrados. Hace tres años el padre de Abi Gul fue asesinado por una bomba que arrojaron en su pequeña casa de dos habitaciones. Su tío continuó el caso en la corte y finalmente ganó el juicio. Abi Gul era muy seria y tranquila. Muy diligente, se quedó a mi lado y me asistió mientras fotografiaba a sus amigos y familiares en su pequeña aldea./
Abi Gul's father spent eleven years fighting in the Pakistan courts to keep the Kalash valleys from being logged. For the Kalash, who have animist cosmology, trees are very sacred. Three years ago Abi Gul's father was killed by a bomb that was thrown into their little two-room home. Her uncle continued the court case and finally won the judgement. Abi Gul was very serious and quiet. Very dillegent, she stayed by my side and assisted me as I photographed her friends and relatives in her small village.

Arriba, der./ Top Right: Transito (91), Cayambe, Ecuador
En su país, Transito es un símbolo famoso de los derechos humanos. es la "Rosa Parks de Ecuador". Despés de la conquista por parte de España, los pueblos indígenas fueron completamente arrancados de su cultura y forzados a servir y convertirse en esclavos en un sistema de haciendas. A los 14 años, los padres de Tránsito la casaron para que un hacendado abusara sexualmente de ella. A los 18, habló en contra del propietario y fue enviada a la cárcel durante 5 meses. En los últimos 10-20 años, ha habido un retorno constante del orgullo para los indígenas de Ecuador./
In her country, Transito is a famous human rights symbol; she is the "Rosa Parks of Ecuador." After the conquest by the Spanish, the indigenous people were all but stripped of their culture and forced to serve as indentured servants in the hacienda system. At fourteen, Transito's parents married her off to keep a hacienda owner from molesting her. At eighteen, she spoke out against the owner and was sent to jail for five months. In the last 10-20 years, there has been a steady return of pride to the indigenas of Ecuador.

Abajo der./ Bottom Right: Rufo (7), Yabelo, Etiopía / Ethiopia
Noté por primera vez a Rufo cuando caminaba hacia la escuela con su hermana. Como muchas chicas Boran, pasa sus días recolectando agua y leña y ayudando a su madre en la cocina. Su labor juega un papel vital en la supervivencia de la familia. Recientemente ha abierto una escuela en su territorio. Como la madre de Rufo no puede prescindir del trabajo de uno de sus siete hijos, escogió a la hermana de Rufo, Loco, para que tuviera una educación. A medida que las hermanas se acercaban a la sala de estudio, Rufo retrocedió mientras miraba entrar a Loco. Ella se detuvo, se volvió lentamente y se dirigió a casa para comenzar sus tareas diarias./
I first noticed Rufo as she was walking to school with her sister. Like most Boran girls she spends her days collecting water and firewood and helping her mother cook. Her labor plays a vital role in her family's survival. Recently a school was opened in her territory. Since Rufo's mother could only spare the labor of one her seven children she chose Rufo's sister, Loco, to get an education. As the sisters approached the schoolroom, Rufo dropped back as she watched Loco go in. She paused, slowly turned and walked home to begin her daily chores.

Crazywise - Sukulen (37), Tribu Samburu, Monte Nyiru / Samburu Tribe, Mt. Nyiru, Kenya
Cuando era una joven, Sukulen comenzó a tener mareos y escuchar voces. Decía que estaba muy asustada y pensó que estaba enferma. Su abuela le aseguró que estaba saludable y que, de hecho, era muy afortunada. Sukulen es ahora una "vaticinadora" sumamente respetada en la tribu. Dos meses antes de mi llegada, había dicho a varias personas de la aldea que yo iba a venir, y había descrito en detalle mi aparición y el equipo que yo utilizaba./
As a young girl, Sukulen began having dizzy spells and hearing voices. She said she was very frightened and thought she was getting ill. Her grandmother assured her that she was healthy and was, in fact, very gifted. Sukulen is now a highly respected “predictor” in her tribe. Two months before I arrived, she had told several people in her village that I was coming, and had described in detail my appearance and the equipment I was using.

Crazywise
When a young person experiences a frightening break from reality, Western experts usually label it a "first-episode psychosis" while many psychologists and cultures define it as a “spiritual awakening”. The documentary CRAZYWISE reveals remarkably effective treatment approaches and a survivor-led movement challenging a mental health system in crisis.

Espíritu inquebrantable / Enduring Spirit
Naro (16) & Sirba (14), Tribu Ebore, Aldea Ebore, Etiopía / Ebore Tribe, Ebore Village, Ethiopia
Es costumbre de las chicas Ebore afeitarse la cabeza hasta que se casan. Naro y Sirba pasan la mayoría del día acarreando agua y vigilando el ganado. Sin embargo, Naro tiene la responsabilidad añadida de cuidar de su abuela, que ha estado enferma varios meses. Debido a la enfermedad de su abuela, el matrimonio de Naro se ha retrasado. Sirba planea casarse en una pocas semanas./
It is the custom for Ebore girls to shave their heads until they are married. Naro and Sirba spend most of the day fetching water and looking after the cattle. However, Naro has the added responsibility of taking care of her grandmother, who has been ill for several months. Because of her grandmother’s illness, Naro’s marriage has been delayed. Sirba plans to marry in a few weeks.

Retratos del Tibet / Tibet Portraits - Jigme (8) & Sonam (18 meses / months), Ladakh, India
Jigma y Sonam son hermanas cuya familia nómada ha bajado desde las tierras altas del Himalaya a su campamento de invierno a 16500 pies en la meseta tibetana.  Cuando le di a Jigme un Polaroid suya la miró, chilló y se fue corriendo a su tienda. Asumí que era una de las pocas veces que se había visto a sí misma, ya que su familia no tenía un espejo. /
Jigme and Sonam are sisters whose nomadic family had just come down from the Himalayan highlands to their 16,500 ft. winter camp on the Tibetan Plateau. When I gave Jigme a Polaroid of herself she looked at it, squealed and ran into her tent. I assumed that this was one of the only times she had seen herself since her family did not own a mirror.

«I usually use stories to illustrate a situation or a social issue. Story is the best way to do this. It’s the centuries-proven way to deliver information. It’s the way cultures pass down information; the story has been used ever since cave paintings to transfer information. Stories of individuals are especially compelling to us as human beings. So I use individual stories to illustrate larger social issues. You just look around at our culture and see that people love individual stories. Think: People Magazine, biographies. It is just something we are attracted to. It’s just a vehicle for talking about bigger issues, to illustrate social issues.»

Espíritu inquebrantable / Enduring Spirit
Horek (43) & Enalia (50), Tribu Dani / Dani Tribe, Jiwika, Irian Jaya
Horek normalmente pasa el día trabajando en el jardín, y al atardecer regresa a casa para cocinar y ayudar a cuidar de su nieta. Como la muchas mujeres de su edad, tradicionalmente se corta un dedo cada vez que muere un familiar o amigo íntimo. Mostrar respeto y el cuidado de los espírituso de los ancestros se considera esencial para la salud de la tribu. A lo largo de los años ha perdido a dos hermanos, una hija y un marido por la malaria./
Horek typically spends all day working in the garden, and at dusk returns home to cook and help care for her new granddaughter. Like most women her age, she traditionally cuts a finger off each time a relative or close friend dies. Paying respect and caring for one’s spirit ancestors are considered essential for the health of the tribe. Over the years she has lost two brothers, a daughter and a husband to malaria.

Enduring Spirit
Many indigenous and tribal people are striving to hold on to their cultural traditions and uniqueness in countries where basic human rights are threatened—from Ethiopia and Kenya to Tibet, and from Mexico to Indonesia. Some are experiencing their first contact with the outside world; some have survived exploitation and repression for years; some whose cultures have been decimated and are attempting a comeback—people trying to hold on to their cultural traditions and identities. We partnered with Amnesty International to create the exhibition and book titled Enduring Spirit celebrating the 50th anniversary of the signing of the Universal Declaration of Human Rights.

Espíritu inquebrantable / Enduring Spirit
Giniban (50), Tribu Dani / Dani Tribe, Jiwika, Irian Jaya
Aunque los Dani han terminado con sus guerras rituales, continúan escenificando batallas simuladas con otras tribus. Giniban y unos 30 de los guerreros miembros de su tribu han untado sus cuerpos con grasa de cerdo, se han puesto plumas y recogido sus lanzas para el evento vespertino. Las tribus no están realmente enojadas unas con otras; la batalla tan sólo les da la oportunidad de desahogarse. Las mujeres Dani los alimentaban en el almuerzo y les animaban, y todo terminó cuando empezó a llover./
Although the Dani have all but stopped their ritual warfare, they continue to stage mock battles with other tribes. Giniban and some 30 of his warrior tribe members had just smeared their bodies with pig grease, donned their feathers and picked up their spears for the afternoon event. The tribes are not really angry at each other -- the battle just gives them a chance to let off steam. The Dani women fed them lunch and cheered them on, and it all ended when it started to rain.

Retratos del Tibet / Tibet Portraits - Tamdin (69), Dharamsala, India
Tamdin fue apresada y torturada por tomar parte en una manifestación en Lhasa protestando contra la ocupación del Tibet en 1987. Recientemente escapó a través de los Himalayas, caminando 35 días para buscar refugio y una audiencia con su líder espiritual el Dalai Lama. Aún llevaba sus castigados tenis cuando tomé esta foto, tres días después de su llegada a la India./
Tamdin was imprisoned and tortured for taking part in a demonstration in Lhasa protesting the occupation of Tibet in 1987. Recently she escaped across the Himalayas, walking for 35 days to seek refuge and an audience with her spiritual leader the Dalai Lama. Still wearing her beat up tennis shoes, I took this photo three days after she had arrived in India.

Tibetan portrait - The Power of Compassion
Beginning in 1994 Phil traveled to Tibet as well as northern India and Nepal to interview and photograph Tibetans and Tibetan refugees in an effort to understand what had happened to them, to their country and their culture. These are some of the people he met in this deeply spiritual culture—everyone from the nomads of the remote Himalayas to the Dalai Lama himself—each committed to their unique Tibetan culture and to the practice of compassion while coming to terms with the aggressive occupation of their homeland. In partnership with the Tibetan Rights Campaign and the International Campaign for Tibet we created the exhibition and book Tibet: The Power of Compassion.

Espíritu inquebrantable / Enduring Spirit
Dulo (12) & Oita (13), Tribu Hamar, Turmi, Etiopía / Hamar Tribe, Ethiopia
Dulo y Oita iban camino a su ceremonia bullah, un rito de pasaje en el cual los varones iniciados deben correr desnudos cuatro veces a través de los lomos de 30 toros. Los muchachos deben ayudar a mantener estables a los toros durante la ceremonia. Después de pagarles por tomar la fotografía, Dulo y Oita inmediatamente repartieron el dinero entre ellos y la gente de la tribu que andaba por allí. Observé esta generosa práctica entre varios grupos tribales./
Dulo and Oita were on their way to a bullah ceremony -- a rite of passage in which a male initiate must run naked four times across the backs of 30 bulls. The boys were to help steady the bulls during the ceremony. After I paid them for taking their photograph, Dulo and Oita immediately divided the money among themselves and the tribespeople around them. I’ve witnessed this generous practice among many different tribal groups.

Retratos del Tibet / Tibet Portraits - Kalsang (25), Ngawang (22) & Dechen (21), Convento Dolma Ling / Nunnery
Estas monjas han llegado al convento de Dolma Ling en India después de dejar el Tibet. En 1992 fueron arrestadas, castigadas, sacudidas con picanas eléctricas y hechas prisioneras durante dos años por poner carteles en Lhasa protestando contra la ocupación del Tibet. Varias veces, mientras hablaba, Dechen rompía a llorar, se excusaba con calma, y continuaban relatando su historia./ 
These nuns had just arrived at the Dolma Ling nunnery in India after fleeing Tibet. In 1992 they were arrested, beaten, shocked with electric cattle prods and imprisoned two years for placing posters in Lhasa protesting the occupation of Tibet. Several times while talking, Dechen broke into tears, quietly excused herself and continued relating her story.

«At first, my main interest was documenting indigenous cultures. As I became aware of the external pressures these people were dealing with, I began narrowing my focus on the human rights issues they faced (e.g. China’s occupation of Tibet and oil spills in the Ecuadorian Amazon). Over time, I became aware that the one human rights violation that affects almost every culture is the discrimination and oppression of women and girls. Since women’s empowerment has proven to be one of the best strategies to address poverty, build peace and environmental sustainability in communities and countries, I started to focus on this.»

Crazywise - Tsend (Tsaatan, 63), Tsaatan Camp, Mongolia
Tsend es una de las dos chamanes Tsaatan. Su madre de 91 años es la otra. Para los Tsaatan, el paisaje está poblado de espíritus vivos; cada colina, río, piedra y árbol es la morada de un ser diferente. Tsend, que es ciega, estaba haciendo botas de piel de reno cuando la conocí. Cuando respondió a mis preguntas, me hablaba como si pudiera verme. Le pedí unas palabras de sabiduría, y elle dijo: "reza por la tierra cada día, y especialmente reza por el lugar donde vives."
Tsend is one of only two Tsaatan shaman. (Her 91-year-old mother is the other.) For the Tsaatan, the landscape is alive with spirits - every hill, river, stone and tree is the dwelling place of a distinct being. Tsend, who is blind, was making reindeer skin boots when I met her. When she answered my questions she would talk to me as if she could see me. I asked her for some words of wisdom and she said, "pray for the earth every day, and especially pray for the place where you live."

Retratos del Tibet / Tibet Portraits - Sisi (8) & Norsum (8), Parka, Tibet
Sisi y Norsum han pasado casi toda la noche intentando salvar a una cría de cabra prematura. Desafortunadamente la cabra murió y aún tienen la responsabilidad, en la mañana, del cuidado y riego de su campo de colza. Aún en una estación extremadamente corta, a una altitud de 12500 pies, sus familias son capaces de cultivar cebada de montaña, frijoles, maíz y arroz./
Sisi and Norsum had just stayed up most of the night trying to save a premature baby goat. Unfortunately the goat died and they still had the early morning responsibility for the care and irrigation of this rapeseed field. Even with the extremely short season at an altitude of 12,500 ft their families are able to farm highland barley, beans, corn and rice.
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Todas las imágenes / All images © Phil Borges

Los textos están tomados del sitio web de Phil, y de una entrevista publicada en Toad&Co de Abril, 2012 /
Texts from Phil's website and from an interview published in Toad&Co, April, 2012

Más imágenes e información sobre Phil en / More images and information about Phil in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Phil!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Phil!)


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Trailer extendido de "Locosabio"
Una fascinación de 20 años con el chamanismo condujo al cineasta Phil Borges a cuestionar la definición de la cultura occidental y el tratamiento de los desórdenes mentales severos. Crazywise, un documental largo, se centra en la lucha del hombre con su salud, profesionales de la salud mental de todo el mundo y un movimiento conducido por supervivientes... todos desafiando a un sistema de salud mental en crisis.

"Crazywise" extended trailer
A 20-year fascination with shamanism leads filmmaker Phil Borges to question Western culture’s definition and treatment of severe mental disorders. CRAZYWISE, a feature length documentary, centers around a young man struggling with his sanity, world renowned mental health professionals and a survivor-led movement…all challenging a mental health system in crisis.


CRAZYWISE – Extended Trailer from Phil Borges on Vimeo.

Rinocerontes (LXIX)

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Agostino Arrivabene

"Pulcinella a cavallo del rinoceronte / Polichinela montando un rinoceronte /
Pulcinella Riding a Rhino", 2002

Ya publiqué hace un tiempo uno de los rinocerontes de este artista italiano nacido en 1967. Les dejo ahora estos dos, que me gustan incluso más que el anterior.

"Rinoceronte y primate / Rhino and primate", 2001

I published some time ago one of the rhinos by this Italian artist born in 1967. Here you have these two, I like even more than the other one.

Más sobre Agostino Arrivabene en "El Hurgador" / More about Agostino Arrivabene in this blog:


Dariusz Zieliński

"Jinete con ámbar / Rider With Amber", bronce / bronze, 50 x 50 cm.

Más trabajos de un favorito del blog, el escultor polaco Dariusz Zieliński, de quien hay bastantes imágenes en los posts previos, y que tiene especial predilección por los rinocerontes.
Afortunadamente la calidad de su producción no decae, y siempre avisa cuando tiene nuevas creaciones.

"Rinocerontes / Rhinos", bronce / bronze, 24 x 25 cm.

More works by a favorite of this blog, the Polish sculptor Dariusz Zieliński, who there is a lot of images in previous posts, and has a predilection for the rhinos.
Fortunately the quality of their production does not decline, and always tell when he have new creations.

Más sobre Dariusz Zieliński en "El Hurgador" / More about Dariusz Zieliński in this blog:

Más imágenes e información sobre Dariusz en / More images and information about Dariusz in:


Nick Sheehy

Nick Sheehy es un artista e ilustrador nacido en Australia que vive y trabaja en Londres.
Tras estudiar escultura en bronce en la salvaje Tasmania, Nick abandonó el arte, y redescubrió su amor por el dibujo viviendo en Londres, provocado por un interés en el arte low brow de la ciudad; ilustración, arte callejero y graffiti.
En su obra Nick explora las oníricas, a veces semi-autobiográficas escenas y excéntricos personajes que resuenan desde su imaginación infantil.
Empleando una laboriosa técnica, construye capa sobre capa de texturas y finos colores, su obra infunde precisión y atención al detalle, con abstracción y tosquedad aleatorias. Disfruta dibujando cosas extrañas para sí mismo, exposiciones, publicaciones y ocasionalmente algún extraño cliente.

"Rinoceronte en Moleskine / Moleskine Rhino"

Nick Sheehy is an Australian-born artist and illustrator living in London.
After studying bronze sculpture in the wilds of Tasmania, Nick gave up on art only to re-discover his love of drawing whilst living in London, sparked by an interest in the city’s low brow art, illustration, street art, and graffiti.
In his work, Nick explores the dreamlike, sometimes semi-autobiographical scenes and oddball characters that echo from his childhood imagination.
Employing a laborious technique, building up layers of texture and thin colour, his work infuses precision and attention to detail with random abstraction and clumsiness. He enjoys drawing various weird things for himself, exhibitions, publications, and occasionally the odd client.

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Más imágenes e información sobre Nick en / More images and information about Nick in:


Martin Copertari

Británico nacido en Argentina en 1968, y viviendo en Barcelona, Copertari hizo collages utilizando imágenes de la era victoriana. A menudo utilizaba una técnica de grabado, que hacía con sus propias manos. En su Tumblr, la presentación dice: "Todo está hecho a mano con aguafuertes originales de publicaciones del s.XIX, litografías de principios del s.XX y retocado con aguada." Copertari tenía formación en cine y literatura, incluyendo su trabajo como asistente de Doris Lessing durante más de 12 años.
Murió en 2014.

"La Foto de los Señoritos / Photo of the Nobs", 2010

A Briton born in Argentina in 1968, and living in Barcelona, Copertari made collages using images from the Victorian era. He often used a gravure printing technique, which he did by hand. His Tumblr is prefaced, “They are all hand made with original etchings from 19th century publications, lithographic prints from the early 20th century and retouched with gouache.” Copertari had a background in film and literature, including serving as Doris Lessing’s assistant for over 12 years. 
He died in 2014.

Más imágenes e información sobre Copertari en / More images and information about Copertari in:


Ignacio Iturria

 "El hombre mono en Cadaqués / The Monkey Man in Cadaques"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 97 x 130 cm., 2012. Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Ignacio Iturria, artista uruguayo que ya pasó por el blog un par de veces, presentó este año en el Museo de Artes Visuales de Montevideo la exposición "Pintar es soñar". En su visita a la misma, mi buena amiga Shirley Rebuffo hizo un par de fotos de obras con rinoceronte que pueden verse aquí.

 "El hombre mono en Cadaqués / The Monkey Man in Cadaques" (detalle / detail) Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Ignacio Iturria, Uruguayan artist whose work has been published in the blog a few times, presented this year in the Museum of Visual Arts in Montevideo the exhibition "Painting is dream." During his visit to it, my good friend Shirley Rebuffo made a couple of photos of works with rhinos you can see here.

"Las Torres / The Towers", acrilico sobre lienzo / acrylic on canvas, 130 x 160 cm., 2012
Foto / Photo: Shirley Rebuffo

"Las Torres / The Towers" (detalle / detail) Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Más imágenes e información sobre Iturria en / More images and information about Iturria in:

Más sobre Iturria en "El Hurgador" / More about Iturria in this blog:


Serge Van de Put

Serge Van de Put es un artista belga nacido en Amberes en 1958, que trabaja principalmente con neumáticos.
Ya disfrutamos hace unos meses de su obra en el blog. Aquí les dejo su rinoceronte.

"Rinoceronte / Rhino", 2013

Serge Van de Put is a Belgian artist born in Antwerpen in 1958, who works mainly with tires.
We already enjoyed his work months ago in this blog. Here you have his rhino.

Más sobre Serge Van de Put en "El Hurgador" / More about Serge Van de Put in this blog:

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Nano Lopez

Nano Lopez es un artista colombiano nacido en Bogotá en 1955.
Ha vivido y trabajado en su Colombia natal, en Francia, España y Estados Unidos.
Mira de cerca las esculturas de Nano y descubrirás los brillantes colores de un mercado colombiano, animales precariamente cargados de ollas, frutas, vegetales, aves, abejas, geckos y artefactos contemporáneos y precolombinos. Vuelve a mirar y descubrirás un profundo respeto por la vida, observada con claridad, donde todo, incluso una cabra traviesa en equilibrio sobre una pila de neumáticos de descarte, es increíble.
"Timothy", bronce / bronze, 6" x 16" x 3,5"

«Timothy y sus amigos, los Suricatas, gustan de pasar el tiempo juntos recolectando antiguos neumáticos por los caminos. En realidad es mitad un negocio, mitad un esfuerzo medioambiental por mantener las cosas limpias y en buen estado, y como siempre al final del día le llevan los neumáticos a un amigo que tiene una empresa de reciclaje.»
"Timothy" (detalle / detail)

Nano Lopez is a Colombian artist born in Bogota, 1955.
He has lived and worked in his native Colombia, also in France, Spain and EE.UU.
Look closely at Nano's sculpture and you will discover the bright colors of a Colombian market place, animals precariously laden with pots, fruits, vegetables, birds, bees, geckos, Pre-Columbian and contemporary artifacts. Look closer still and discover a deep respect for life, clearly observed, where everything, even a mischievous goat balanced on a pile of cast away tires is amazing.
"Timothy", bronce / bronze, 6" x 16" x 3,5"

«Timothy and his buddies "the Meerkats" like spending their time together collecting old tires on the open road, actually it's kind of like half business and half a environmental effort to keep things good and clean, and as always at the end of the day they give the tires to a friend that has a tire recycling business.»

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Lynn Hatzius

"El abrevadero / The Watering Hole"
Serigrafía sobre papel Fabriano de 200 gm. / screen print on 200 gsm Fabriano paper, 70 x 100 cm., Ed. 25

Lynn Hatzius es una artista de collage, ilustradora y grabadora que trabaja freelance por encargo en el campo del diseño y la ilustración, así como también con proyectos en colaboración. Originaria de Alemania, ha estado residiendo en Londres desde 1998.

"El abrevadero / The Watering Hole" (detalle / detail)

Lynn Hatzius is a collage artist, illustrator and printmaker working freelance on commissions across the field of design and illustration as well as on personal and collaborative projects. Originally from Germany, she has been based in London since 1998.

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Jeff Friesen

La fotografía de Jeff Friesen ha recibido aclamación mundial por la destacada diversidad de su obra. Ha sido reconocido con los más prestigiosos honores a la fotografía por parte de organizaciones tales como Communication Arts, Photo District News e International Photography Awards. Aunque la obra de Jeff se reconoce por la gran variedad de temas que trata, una visión sencilla y fresca permea todas sus creaciones, desde las personales a las realizadas por encargo.

La última migración
Nuestros encuentros con el reino animal comienzan poco después de nacer. Aprendemos el alfabeto utilizando abejas y zorros. Hacemos amistad con osos de peluche. Vemos dibujos animados con tortugas que hablan y pícaros conejos. Nuestra niñez está entrelazada con los animales de una manera profunda y siempre presente.
Debido a este apego temprano a los animales, es sorprendente que como adultos muhos seamos indiferentes ante el destino de las criaturas salvajes. Está ampliamente publicitado el hecho de que una gran variedad de animales está amenazados por la actividad humana, y en muchos casos su número continúa disminuyendo. ¿Es que en el futuro no quedarán más que juguetes de plástico como representantes de lo real? ¿Es la última migración animal la de la carne al plástico?

La última migración / Last Migration, "Rinoceronte / Rhino" © Jeff Friesen

Jeff Friesen's photography has received worldwide acclaim for a remarkably diverse array of work. He has been awarded the photography world's most prestigious honors from organizations such as Communication Arts, Photo District News, and the International Photography Awards. While Jeff is known for working with a wide-range of subjects, a fresh, simple vision is found throughout all of his personal and assigned work.

Last migration
Our encounters with the animal kingdom begin shortly after birth. We learn the alphabet using aardvarks and zebras. We make friends with stuffed bears. We watch cartoons featuring talking turtles and rascally rabbits. Our childhoods are intertwined with animals in a profound, ever-present way.
Given our early attachment to animals it’s surprising that as adults many people are indifferent to the fate of wild creatures. It’s well publicized that a wide range of animals are threatened by human activity, yet in most cases their numbers continue to decline. In the future will we be left with nothing more than plastic toys as proxies for the real thing? Is the last animal migration from flesh to plastic?


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Emily Jan

"Rinocetonte de Durero / Dürer's Rhinoceros"
Resina, silicona, textiles reciclados / resin,silicone,recycled textiles, 84" x 32" x 60", 2011

Emily Jan es una escultora radicada en Montreal, Canadá, proveniente de San Francisco, California. Jan ha viajado por 32 países y vivido en cuatro (Sudáfrica, México, los Estados Unidos y Canadá). Obtiene su inspiración de las experiencias eclécticas de una vida pasada en su mayor parte en el camino, así como de la inquisitiva cultura científica que ha caracterizado su educación.

"Rinocetonte de Durero / Dürer's Rhinoceros" (detalle / detail)

De Rerum Natura, World of Threads Festival, Joshua Creek Heritage Centre, Oakville, ON, 2012


Emily Jan is a Montréal-based sculptor originally hailing from San Francisco, California. Jan has traveled to 32 countries and lived in four (South Africa, Mexico, the US, and Canada). She draws inspiration from the eclectic experiences of a life spent largely on the road as well as from the culture of scientific inquiry that characterized her upbringing.


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Rinoceronte veneciano / Venetian Rhino

Cuando visitamos la Basílica de San Marcos, en Venecia, nos inclinamos a volver la vista hacia arriba para admirar los hermosos mosaicos del techo. En realidad, también deberíamos mirar hacia abajo, porque el piso es otro trabajo de un valor increíble.
Es un suelo de mosaico en opus sectile y opus tesselatum en mármol, que data del s.XII, pero ha sido reconstruido muchas veces a lo largo de los siglos. Hay representadas volutas, meandros geométricos, ruedas, pero también animales, como ciervos, perros, palomas, águilas y muchos otros, todos con significados simbólicos.
En la parte izquierda de la entrada de la Basílica, en el piso de mosaicos, hay un rinoceronte de fecha incierta, símbolo de la fuerza. También puede haber sido un talismán para proteger de las enfermedades.
Este inusual mosaico ha sido objeto de arduos debates durante años, con los eruditos divididos sobre si data de los siglos XIII, XV, XVI, XVIII o incluso el XX.


When visiting St Mark’s Basilica in Venice, we are inclined to turn our gaze upwards to admire the beautiful mosaics on the ceiling. In reality, we should also look downwards, because the flooring is another art work of incredible value.
It is a mosaic floor in opus sectile and opus tesselatum in marble, dating from the 12th century, but largely rebuilt during the following centuries. There are twines depicted, geometric meanders, wheels, but also animals, such as deer, dogs, doves, eagles and many others, all of symbolic significance.
On the left side of the entrance of the Basilica, on the mosaic floor, there is a rhinoceros of uncertain date, symbol of strength. This would also be a talisman to ward off diseases.
This unusual mosaic has been a subject of furious debate for years, with scholars split over whether it dates from the 13th, 15th, 16th, 18th or even 20th centuries.


La información está tomada de / Information from:

Aniversarios (CIV) [Diciembre / December 27-31]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 27 de Diciembre es el cumple de

René Georges Hermann-Paul, artista francés nacido en París en 1864.
Recientes esfuerzos para catalogar la obra de Hermann-Paul revelan un artista de un considerable espectro. Era un conocido ilustrador cuya obra apareció en numerosos diarios y publicaciones periódicas. Su bello arte se muestra en galerías de exposiciones junto a Vuillard, Matisse y Toulouse-Lautrec. Sus obras tempranas destacan por sus caracterizaciones satíricas de las debilidades de la sociedad francesa. Sus ilustraciones se basaban en manchas de negro puro con el esquema mínimo para definir sus marionetas animadas. Sus piezas de exposición llevaban grandes toques de color y esas mismas líneas finas de negro. Hermann-Paul trabajó con pintura al esmalte Ripolin, acuarelas, grabados, litografías, punta seca, óleos y tinta.
En vísperas de la Primera Guerra Mundial, hizo una gran impresión como parte del "Primer Grupo" de M. Druet. La Gran Guerra pronto intervino y Hermann-Paul documentó tanto su tragedia como sus debilidades. Después de la guerra sufrió varios cambios estilísticos. En sus últimos años produjo muchas obras en punta seca y tinta, representando a su amada Camargue.
Murió en 1940.

"Milliners (Modistes) / Modistas"
L'Estampe originale / La estampa original, Album VI / litografía en tres colores / lithograph in three colors
folio / sheet: 43,2 × 60,5 cm., imagen / image: 24,8 × 35,4 cm., 1894.
Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU. / NY, USA)


El 28 de Diciembre es el cumple de

Robert Neffson, pintor estadounidense nacido en 1949, conocido por sus escenas urbanas de diversas ciudades de todo el mundo, y por sus bodegones tempranos y pintura de figuras.
Comenzó a asistir a clases en la Art Students League de Nueva York en 1961, bajo la dirección de artistas como Lennart Anderson y Sidney Dickinson. Como estudiante copió viejos maestros en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y el Museo de Boston de Bellas Artes. Su estudio de, entre otros, los pintores Jan Vermeer, Thomas Eakins, Camille Corot y Canaletto, desarrollaron aún más sus habilidades. Mientras asistía a la Universidad de la Facultad de Bellas Artes de Boston, de la que se graduó cum laude en 1971, el trabajo de Neffson atrajo la atención de sus profesores, entre ellos James Weeks y el pintor expresionista abstracto Philip Guston.
En 1976 la vida y la obra de Neffson dieron un vuelco significativo cuando se le concedió la Beca Fulbright-Hayes para Pintura en Roma.
Neffson fue miembro de la First Street Gallery en Nueva York 1978/85, tiempo durante el cual realizó numerosas exposiciones individuales, así como muestras colectivas con otros artistas tales como Catalina Murphy. Mientras estuvo representado por la Galería de Henoch en la ciudad de Nueva York (1985-1998), fue inspirado por Richard Estes y Chuck Close y se encontraba entre un grupo de pintores fotorrealistas de segunda generación que exponían en galerías del SoHo como OK Harris Works of Art y la Galería Louis Meisel.

"Calle 57 y 5ª Avenida / 57th And 5th Avenue" , óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56" x 79", 2013

Más sobre Robert Neffson en "El Hurgador" / More about Robert Neffson in this blog:
[Recolección (XVII)]


El 29 de Diciembre es el cumple de

Albert Lee Tucker, artista australiano nacido en 1914,  miembro del Círculo Heide, un grupo de artistas modernistas y escritores que se centró en los mecenas John y Sunday Reed cuya casa, "Heide", ubicada en Bulleen, cerca de Heidelberg (fuera Melbourne), fue un refugio para el grupo.
Tucker dejó la escuela a los 14 años para ayudar a mantener a su familia y no tuvo ninguna instrucción formal en artes, pero obtuv o trabajo como pintor de brocha gorda, dibujante e ilustrador comercial en una agencia de publicidad antes de unirse al artista comercial John Vickery. Durante siete años asistió a las clases de dibujo del natural vespertinas de la Victorian Artists' Society tres noches a la semana.
Sus principales fuentes de inspiración incluyen los post-impresionistas, expresionistas y realistas sociales, así como su experiencia personal. Su obra fue fuertemente influenciada por las reflexiones realistas de dos importantes artistas emigrados, Josl Bergner y Danila Vassilieff, que llegaron a Melbourne a finales de 1930, casi al mismo tiempo que Tucker comenzaba a explorar imágenes de la Gran Depresión.
Tucker se asoció con John y Sunday Reed, quienes vieron las conexiones entre la obra de Tucker y otros artistas, enojados por la situación social. Esta llamada "Década enojada" de 1940, vio a Tucker asociado con los Pingüinos enojados (Angry Penguins), un grupo de artistas modernistas que incluía a Joy Hester, Sidney Nolan, John Perceval, Arthur Boyd y Noel Counihan.
En 1959 ganó el Australian Women's Weekly Prize, lo que le permitió pasar dos años en Nueva York produciendo las series Manhattan y Cabezas antípodas. En 1960 fue galardonado con el Premio Kurt Geiger por MoMA Australia, que utilizó para volver a su tierra y montar su primera exposición individual en Australia.
En 1990, la Galería Nacional de Australia celebró una retrospectiva de su obra.
Murió en 1999.

"Retrato de / Portrait of John Perceval", 1976


El 30 de Diciembre es el cumple de

Beauford Delaney, pintor modernista estadounidense nacido en 1901. Es recordado por su trabajo durante el renacimiento de Harlem en los años 1930 y 1940, así como sus últimas obras de expresionismo abstracto después de su traslado a París en la década de 1950.
Cuando era un adolescente consiguió un trabajo como ayudante en correos. Sin embargo él y su hermano menor José dibujaban con sus propias señas. Entonces algunos de sus trabajos fueron vistos por Lloyd Branson, un anciano impresionista estadounidense y el artista más conocido de Knoxville. A principios de la década de 1920, Delaney se convirtió en aprendiz de Branson. Gracias al estímulo de Branson, el joven Delaney emigró al norte a Boston para estudiar arte.
Su llegada a la ciudad de Nueva York en el momento del renacimiento de Harlem fue emocionante. Delaney sintió una afinidad inmediata con esta "multitud de personas de todas las razas que "pasaban todas las noches de su vida en los parques y cafés" sobreviviendo con casi nada.
Una de las obras de Delaney de este período, "Fuego en el tanque, en el parque", donde un grupo de hombres se apiñan juntos para darse calor y compañerismo alrededor de un fuego abierto, es descrito por el Smithsonian American Art Museum como "una inquietante viñeta contemporánea [que] transmite un legado de privación vinculado no sólo a los años de la depresión posterior a 1929, sino también a la privación de derechos de larga data de los estadounidenses negros, retratados aquí como parias sociales ... A pesar de su tema sobrio, la escena crepita con la energía, la culminación de los colores puros, pinturas aplicadas en capas espesas, y en un patrón duro, esquemático. Abandonando el realismo preciso de su formación académica temprana, Delaney desarrolló un estilo lírico expresivo basado en su amor por los ritmos musicales y el uso de improvisación del color". Obras como "Fuego en el tanque, en el parque", "planean entre la representación y la abstracción como ese estilo que evolucionó durante la década de 1940".
Murió en 1979.

"Tanque de fuego en el parque / Can Fire in the Park", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1946


Hoy, 31 de Diciembre, es el cumple de 

Hermann Max Pechstein, pintor alemán y grabador expresionista nacido en 1881, miembro del grupo Die Brücke.
Pechstein nació en Zwickau, hijo de un artesano que trabajaba en una fábrica textil. El contacto temprano con el arte de Vincent van Gogh estimuló el desarrollo de Pechstein hacia el expresionismo. Después de estudiar arte primero en la Escuela de Artes Aplicadas y luego en la Academia de Arte Real de Dresde, Pechstein conoció a Erich Heckel y se unió al grupo Die Brücke en 1906. Él era el único miembro que tenía una instrucción artística formal. Más tarde, en Berlín, ayudó a fundar la Neue Sezession y se ganó el reconocimiento por sus pinturas decorativas y coloridas con ideas que tomó prestadas de las de Van Gogh, Matisse y los fauvistas. Sus pinturas, finalmente, se hicieron más primitivistas, incorporando líneas negras gruesas y figuras angulares.
Desde en 1933, Pechstein fue vilipendiado por los nazis debido a su arte. Un total de 326 de sus cuadros fueron retirados de museos alemanes. Dieciséis de sus obras fueron exhibidas en la exposición Entartete Kunst (Arte degenerado) de 1937. Durante este tiempo, Pechstein se recluyó en la Pomerania rural.
Era un grabador prolífico, habiendo producido 421 litografías, 315 xilografías y grabados en linóleo y 165 huecograbados.
Pechstein fue profesor en la Academia de Berlín durante diez años antes de su despido por los nazis en 1933. Fue restituido en 1945, y posteriormente ganó numerosos títulos y premios por su trabajo.
Murió en 1955.

"Selbstbildnis mit Hut und Pfeife / Autorretrato con sombrero y pipa / 
Self Portrait with Hat and Pipe", óleo sobre tabla / oil on wood, 70,5 x 60 cm., 1918.
Colección privada / Private Collection (Berlin, Alemania / Germany)


Textos en inglés / English translation

On December 27 is the birthday of

René Georges Hermann-Paul, French artist was born in Paris in 1864. 
Recent efforts to catalog the work of Hermann-Paul reveal an artist of considerable scope. He was a well-known illustrator whose work appeared in numerous newspapers and periodicals. His fine art was displayed in gallery exhibitions alongside Vuillard, Matisse and Toulouse-Lautrec. Early works were noted for their satiric characterizations of the foibles of French society. His illustrations relied on blotches of pure black with minimum outline to define his animated marionettes. His exhibition pieces were carried by large splashes of color and those same fine lines of black. Hermann-Paul worked in Ripolin enamel paint, watercolors, woodcuts, lithographs, drypoint engraving, oils, and ink.
On the eve of the First World War, he made quite an impression as part of M. Druet's "First Group." The Great War soon intervened and Hermann-Paul would document its tragedy as well as its foibles. After the war, he underwent several stylistic changes. In his later years, he produced many works in dry point and ink depicting his beloved Camargue.
He died in 1940.

On December 28 is the birthday of

Robert Neffson, American painter born in 1949, known for his street scenes of various cities around the world, and for his early still lifes and figure paintings.
He began attending classes at the Art Students League of New York in 1961, under the instruction of artists such as Lennart Anderson and Sidney Dickinson. As a student he copied old masters at the Metropolitan Museum of Art in New York and the Boston Museum of Fine Arts. His study of, among others, the painters Jan Vermeer, Thomas Eakins, Camille Corot, and Canaletto, developed his skills further. While attending the Boston University College of Fine Arts, from which he graduated cum laude in 1971, Neffson’s work attracted the attention of his professors, including James Weeks and the abstract expressionist painter, Philip Guston.
In 1976, Neffson's life and work were significantly changed when he was awarded the Fulbright-Hayes Fellowship for Painting in Rome.
Neffson was a member of the First Street Gallery in New York from 1978 to 1985, during which time he had numerous solo exhibitions, as well as group shows with such fellow artists as Catherine Murphy. While represented from 1985 to 1998 by Gallery Henoch in New York City, he was inspired by Richard Estes and Chuck Close and was among a group of second-generation Photorealist painters that were exhibiting in SoHo galleries such as O. K. Harris Works of Art and Louis Meisel Gallery.

On December 29 is the birthday of

Albert Lee Tucker, Australian artist born in 1914, and member of the Heide Circle, a group of modernist artists and writers that centred on the art patrons John and Sunday Reed, whose home, "Heide", located in Bulleen, near Heidelberg (outside Melbourne), was a haven for the group.
Tucker left school at 14 to help support his family and had no formal art training, but obtained work as a house painter, cartoonist and commercial illustrator, in an advertising agency before joining the commercial artist John Vickery. For seven years he attended the Victorian Artists' Society evening life drawing class three nights a week.
Tucker's main inspirations include post-impressionists, expressionists and social realists, as well as personal experience. Tucker's work was strongly influenced by the realistic reflections of two important émigré artists, Josl Bergner and Danila Vassilieff, who arrived in Melbourne in the late 1930s about the same time that Tucker began to explore images of the Great Depression.
Tucker associated with John and Sunday Reed, who saw connections between Tucker's work and other artists, angry at the social situation. This so-called "Angry Decade" of the 1940s, saw artist Tucker become associated with the Angry Penguins, a group of modernist artists including Joy Hester, Sidney Nolan, John Perceval, Arthur Boyd and Noel Counihan.
In 1959, Tucker won the Australian Women's Weekly Prize, which enabled him to spend two years in New York producing the Manhattan Series and Antipodean Heads. In 1960 he was awarded the Kurt Geiger Award by MOMA Australia which he used to return to Australia and mount his first Australian solo exhibition. 
In 1990 the National Gallery of Australia held a retrospective of his work.
He died in 1999.

On December 30 is the birthday of

Beauford Delaney, American modernist painter born in 1901. He is remembered for his work with the Harlem Renaissance in the 1930s and 1940s, as well as his later works in abstract expressionism following his move to Paris in the 1950s.
When he was a teenager, he got a job as a "helper" at the Post Sign Company. However, he and his younger brother Joseph were drawing signs of their own. Then some of his work was noticed by Lloyd Branson, an elderly American Impressionist and Knoxville's best known artist. By the early 1920s, Delaney became the apprentice of Branson. Branson's encouragement, the 23-year-old Delaney migrated north to Boston to study art.
His arrival in New York City at the time of the Harlem Renaissance was exciting. Delaney felt an immediate affinity with this "multitude of people of all races – spending every night of their lives in parks and cafes" surviving on next to nothing.
One of Delaney's works from this period, Can Fire in the Park (oil on canvas, 1946), where a group of men huddle together for warmth and companionship around an open fire, is described by the Smithsonian American Art Museum as a "disturbingly contemporary vignette [which] conveys a legacy of deprivation linked not only to the Depression years after 1929 but also to the longstanding disenfranchisement of black Americans, portrayed here as social outcasts… Despite its sober subject, the scene crackles with energy, the culmination of Delaney's sharp pure colors, thickly applied paints, and tought, schematic patterning. Abandoning the precise realism of his early academic training, Delaney developed a lyrically expressive style that drew upon his love of musical rhythms and his improvisational use of color." Works such as Can Fire in the Park "hover between representation and abstraction as that style evolved during the 1940s."
He died in 1979.

Today, December 31, is the birthday of

Hermann Max Pechstein, German expressionist painter and printmaker born in 1881, and a member of the Die Brücke group.
Pechstein was born in Zwickau, the son of a craftsman who worked in a textile mill. Early contact with the art of Vincent van Gogh stimulated Pechstein's development toward expressionism. After studying art first at the School of Applied Arts and then at the Royal Art Academy in Dresden, Pechstein met Erich Heckel and joined the art group Die Brücke in 1906. He was the only member to have formal art training. Later in Berlin, he helped to found the Neue Sezession and gained recognition for his decorative and colorful paintings that were lent from the ideas of Van Gogh, Matisse, and the Fauves. His paintings eventually became more primitivist, incorporating thick black lines and angular figures.
From in 1933, Pechstein was vilified by the Nazis because of his art. A total of 326 of his paintings were removed from German museums. Sixteen of his works were displayed in the Entartete Kunst (Degenerate Art) exhibition of 1937. During this time, Pechstein went into seclusion in rural Pomerania.
He was a prolific printmaker, producing 421 lithographs, 315 woodcuts and linocuts, and 165 intaglio prints.
Pechstein was a professor at the Berlin Academy for ten years before his dismissal by the Nazis in 1933. He was reinstated in 1945, and subsequently won numerous titles and awards for his work.
He died in 1955.

Aniversarios Fotografía (CIV) [Diciembre / December 28-31]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 28 de Diciembre es el cumple de

Jean-Gabriel Eynard, banquero suizo nacido en Lyon en 1775.
En 1795 Jean-Gabriel y su hermano Jacques se fueron a Génova y pronto estuvieron al frente de una empresa comercial floreciente. En 1800 las tropas de Massena entraron en la ciudad y a Jean-Gabriel le fue confiado su suministro. En particular, les proveía de uniformes de un corte de la tela azul llamado "bleu de genes" de donde más tarde se deriva de la famosa prenda conocida mundialmente como "blue jeans".
En 1801 entró en una empresa financiera altamente especulativa y peligrosa convirtiéndose en el único suscriptor de un bono emitido por el duque de Etruria. Ese movimiento audaz fue coronado con el éxito y constituyó la base de su inmensa fortuna.
En 1809 pasó mucho tiempo en París con el fin de esperar el regreso del Emperador, habiéndosele encomendado la misión de darle las gracias, en nombre tanto del Departamento Mediterráneo como de la Cámara de Comercio de Livorno, para el nombramiento de Elisa como Gran Duquesa .
En 1810 se trasladó a Ginebra. Fue embajador de la república de Ginebra en el Congreso de Viena en 1815. Al año siguiente ayudó a organizar la administración de la Toscana, que representó en el Congreso de Aix-la-Chapelle en 1818.
Fue uno de los primeros en Suiza a utilizar la técnica del daguerrotipo presentado en 1839. En particular, hizo daguerrotipos de su familia, su casa, paisajes y él mismo entre 1842 y 1863.
Murió en 1863.

"Retrato de siete sirvientes / Portrait of Seven Servants", daguerrotipo / daguerreotype, c.1848.
The J. Paul Getty Museum (California, EE.UU. / USA)


El 29 de Diciembre es el cumple de

Gilles Peress, fotógrafo francés nacido en 1946 y miembro de Magnum Photos.
Peress comenzó a trabajar en fotografía en 1970, habiendo estudiado previamente ciencia política y filosofía en París. Uno de los primeros proyectos de Peress examinaba la inmigración en Europa, y desde entonces ha documentado los acontecimientos en Irlanda del Norte, Líbano, Palestina, Irán, los Balcanes, Ruanda, los EE.UU., Afganistán e Irak. Su proyecto en curso, "Hate Thy Brother" (Te odio hermano), un ciclo de relatos documentales, pone la mirada en la intolerancia, el resurgimiento del nacionalismo en todo el mundo y sus consecuencias.
Entre los libros de Peress se incluyen "Telex Irán", "El silencio: Ruanda", "Adiós a Bosnia", "Las tumbas: Srebrenica y Vukovar", "Un pueblo destruido", y "Haines". Su trabajo ha aparecido en el New York Times Magazine, The Sunday Times Magazine, la revista Du, LIFE, Stern, Geo, Paris-Match, Parkett, Aperture y The New Yorker.
La obra de Peress ha sido expuesta y puede verse en el Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte, Museo Whitney de Arte Estadouidense y el MoMA (todos en Nueva York), el Instituto de Arte de Chicago, la Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C, Victoria and Albert Museum de Londres, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Museo Picasso, el Parc de la Villette y el Centro Georges Pompidou de París y el Museo Folkwang, Essen, entre otros.

"Una víctima de la violencia tribal, Ruanda, Nyarubuye / 
A victim of tribal violence, Rwanda, Nyarubuye", 1994 © Gilles Peress/Magnum Photos
Más de 1000 refugiados fueron asesinados en este seminario por las milicias hutus conocidas como "interahamwe" /
Over 1000 refugees were slain in this seminary by Hutu militias known as "interahamwe."


El 30 de Diciembre es el cumple de

Milton Rogovin, fotógrafo documental nacido en 1909, que ha sido comparado con grandes fotógrafos documentales sociales de los siglos XIX y XX, como Lewis Hine y Jacob Riis. Sus fotografías se encuentran en la Biblioteca del Congreso, el Museo J. Paul Getty, el Center for Creative Photography y otras importantes instituciones.
Rogovin fue llamado ante el Comité de Actividades Antiamericanas en 1957. Al igual que muchos otros estadounidenses que abrazaron el comunismo como un modelo para la mejora de la calidad de vida de la clase obrera, se convirtió en un sujeto de atención del Comité en el período de posguerra. Fue desacreditado - sin haber sido condenado por ningún delito - como alguien cuyos puntos de vista a partir de ahora había que considerar peligrosos e irresponsables. El incidente inspiró a Rogovin a volverse a la fotografía como medio de expresión; era una manera de continuar hablando del valor y dignidad de las personas que se ganan la vida en circunstancias modestas o difíciles, a menudo en ocupaciones físicamente agotadoras, que por lo general reciben poca atención.
En 1957, una colaboración con William Tallmadge, profesor de música, para documentar la música en las iglesias escaparate, marcó a Rogovin su camino fotográfico.
Trabajó en una serie fotográfica de un mes en la isla de Chiloé, en Chile. El poeta Pablo Neruda guió a Rogovin y le hizo contactar con amigos para que lo llevaran y presentaran a contactos por toda la Isla.
Entre 1981 y 1990 fotografió a los mineros del carbón, un proyecto que lo llevó a Zimbabwe, Francia, Escocia, España, Cuba, China y México. Muchas de estas imágenes fueron publicadas en su primer libro "Los olvidados" (The Forgotten Ones).
Murió en 2011.

"Joe Kemp", 1976


Hoy, 31 de Diciembre, es el cumple de

David Robinson, fotógrafo, artista y autor británico nacido en 1973 en Enniskillen, Irlanda del Norte.
Preocupado por el paisaje del ocio, es conocido como el creador de "Los golfistas" (publicado por la Copa de 2000), "Wonderland" (GenerationYacht 2003), y "Lee Valley Leisure" (GenerationYacht 2005). Ha trabajado en el comercio a lo largo de su carrera, creando imágenes para Penguin books, Polydor, EMI, Sony, Adobe, Pfizer, y editorialmente, trabajando para The Guardian, The Independent y The Daily Telegraph. Robinson fue comisionado por Penguin para fotografiar el poeta dub-reggae Linton Kwesi Johnson para la portada de su libro de modern classics 2001 "Mi Revalueshanary Fren". Robinson también ha creado imágenes de "La Divina Comedia" para su álbum "Regeneración" y para ediciones recientes de Guillemots.
En 2007 apareció en la BBC la serie "Gran Bretaña en imágenes" en el que lo filmaron mientras fotografiar salas de baile y otros edificios inspiradores en la provincia donde se crió. También en 2007 contribuyó con imágenes de paisajes al BBC Culture Show, ilustrando una entrevista con la cantante estadounidense Gwen Stefani.
Durante los últimos cuatro años su obra ha combinado su pasión por la fotografía y los alimentos, produciendo magníficos y muy originales Luminogramas con hongos en su cuarto oscuro del East End.
Las imágenes de Robinson se han expuesto ampliamente en el Reino Unido y el extranjero.

"Luminograma con hongos / Fungiluminogram"© 2014 David Robinson


Textos en inglés / English translation

On December 28 is the birthday of

Jean-Gabriel Eynard, Swiss banker born in Lyon in 1775.
In 1795, Jean-Gabriel and his brother Jacques went to Genoa and both were soon heading a flourishing commercial concern. In 1800 Massena's troops entered the town and Jean-Gabriel was entrusted with their supply. In particular he furnished them with uniforms cut from the blue cloth called "bleu de Genes" whence later derives the famous garment known worldwide as "blue jeans".
In 1801, he entered in a highly speculative and hazardous financial venture becoming the sole subscriber to a bond issued by the duke of Etruria. That audacious move was crowned with success and constituted the foundation of his immense fortune.
In 1809, he spent a long time in Paris in order to await the Emperor's return having been entrusted with the mission of thanking him, on behalf of both the Mediterranean Department and the Chamber of Commerce of Livorno, for the nomination of Elisa as Grand Duchess.
In 1810 he moved to Geneva. He was ambassador of the Geneva republic at the Congress of Vienna in 1815. In the following year he helped to organize the administration of Tuscany, which he represented at the Congress of Aix-la-Chapelle in 1818.
He was one of the first in Switzerland to use the daguerreotype technique presented in 1839. In particular, he made daguerreotypes of his family, his home, landscapes and himself between 1842 and 1863.
He died in 1863.

On December 29 is the birthday of

Gilles Peress, French photographer born in 1946, and a member of Magnum Photos.
Peress began working with photography in 1970, having previously studied political science and philosophy in Paris. One of Peress’ first projects examined immigration in Europe, and he has since documented events in Northern Ireland, Lebanon, Palestine, Iran, the Balkans, Rwanda, the U.S., Afghanistan and Iraq. His ongoing project, Hate Thy Brother, a cycle of documentary narratives, looks at intolerance and the re-emergence of nationalism throughout the world and its consequences.
Peress’ books include Telex Iran; The Silence: Rwanda; Farewell to Bosnia; The Graves: Srebrenica and Vukovar; A Village Destroyed; and Haines. Portfolios of his work have appeared in the New York Times Magazine, The Sunday Times Magazine, Du magazine, Life, Stern, Geo, Paris-Match, Parkett, Aperture and The New Yorker.
Peress’ work has been exhibited and is collected by the Museum of Modern Art, Metropolitan Museum of Art, Whitney Museum of American Art and MoMA PS1, all in New York; Art Institute of Chicago; Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C; Victoria and Albert Museum in London; Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Musée Picasso, Parc de la Villette and Centre Georges Pompidou in Paris; Museum Folkwang, Essen; among others.

On December 30 is the birthday of

Milton Rogovin, documentary photographer born in 1909 who has been compared to great social documentary photographers of the 19th and 20th centuries, such as Lewis Hine and Jacob Riis. His photographs are in the Library of Congress, the J. Paul Getty Museum, the Center for Creative Photography and other distinguished institutions.
Rogovin was called before the House Un-American Activities Committee in 1957. Like many other Americans who embraced Communism as a model for improving the quality of life for the working class, he became a subject of the Committee's attentions in the postwar period. He was discredited — without having been convicted of any offense — as someone whose views henceforth had to be discounted as dangerous and irresponsible. The incident inspired Rogovin to turn to photography as a means of expression; it was a way to continue to speak to the worth and dignity of people who make their livings under modest or difficult circumstances, often in physically taxing occupations that usually receive little attention.
In 1957, a collaboration with William Tallmadge, a professor of music, to document music at storefront churches set Rogovin on his photographic path. Rogovin worked on a month-long photographic series on the island of Chiloé, Chile. Poet,Pablo Neruda helped guide Rogovin and provide friends to drive and introduce Rogovin to contacts throughout the Island. 
From 1981-1990, Rogovin photographed coal miners, a project that took him to Zimbabwe, France, Scotland, Spain,Cuba,China,and Mexico. Many of these images were published in his first book, The Forgotten Ones.
He died in 2011.

Today, December 31, is the birthday of

David Robinson, British photographer, artist, and author born in 1973 in Enniskillen, Northern Ireland.
Preoccupied with the landscape of leisure he is best known as the creator of Golfers (published by Glass 2000), Wonderland (GenerationYacht 2003), and Lee Valley Leisure (GenerationYacht 2005). He has worked commercially throughout his career, creating images for Penguin books, Polydor, EMI, Sony, Adobe, Pfizer, and editorially, working for The Guardian, The Independent and The Daily Telegraph. Robinson was commissioned by Penguin to photograph the dub-reggae poet Linton Kwesi Johnson for the cover of his 2001 modern classics book Mi Revalueshanary Fren. Robinson has also created images of The Divine Comedy for their album Regeneration and for recent releases by Guillemots.
In 2007 he featured in BBC series Britain in Pictures in which he was filmed whilst photographing ballrooms and other inspirational buildings in the province where he grew up. Also in 2007 he contributed landscape images to the BBC Culture Show illustrating an interview with US singer Gwen Stefani.
For the last four years his artwork has combined his passion for photography and food, producing  magnificent and highly original Fungi Luminograms in his east-end darkroom.
Robinson's images have been exhibited widely in the UK and beyond.


Cuatro años... / Four Years...

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En este cuarto aniversario del blog les presento, como cada año, la lista de artistas que me han dado su confianza para publicar imágenes y textos sobre sus obras. Nuevamente, una gran colección de creadores de cuyo trabajo disfrutamos día tras día.

Como siempre, agradezco a los amigos que han pensado en mí cuando se han cruzado con material de interés: Mafa Alborés, Olga (quienes además desde sus propios blogs "La Voz del Animal Invisible" y "Totum Revolutum" difunden estupendo material relacionado con este mundo del arte y que recomiendo fervientemente visitar), y muy especialmente Shirley Rebuffo, colaboradora habitual en múltiples aspectos entre los que cabe destacar sus regulares "sugerencias" a las cuales he sacado tanto jugo tan a menudo.

Espero seguir contando con vuestras visitas, comentarios y aportes de cualquier tipo para que esto siga adelante como fuente de información y disfrute cada vez más fiable y consistente.

Hasta dentro de unos días...


In this fourth anniversary of the blog here you have, as every year, the list of artists who have given me confidence to publish images and texts about their creations. Again a great collection of creators whose work we enjoy daily.

As always, I thank the friends who have thought of me when material of interest crossed their path: Mafa Alborés, Olga (who also from their own blogs "La Voz del Animal Invisible" and "Totum Revolutum" spread excellent material related with art world and I strongly recommend visiting) and especially Shirley Rebuffo, a regular contributor in many aspects among which her regular "suggestions" from which I reap the benefits very often.

I hope to continue counting with your visits, comments and contributions of any kind for this to continue as a source of information and enjoyment increasingly reliable and consistent.

See you in a few days ...

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Dedico este post a modo de pequeño homenaje a los artistas que durante este 2015 me han autorizado expresamente a publicar sobre sus creaciones. Ellos son:

I dedicate this post, as a little tribute, to all those the artists who have expressly authorized me to publish about their creations during 2015.
They are:

   

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

  

   

    

    

    

    

    

    

    

    

  

    

    

    

    

     

    

    

   

    

    

    
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Aquí la lista de artistas de los años anteriores / Here the list of artists for previous years

2012 -  2013 -  2014

Aniversarios (CV) [Enero / January 1-9]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Enero es el cumple de

César Baldaccini, generalmente llamado César, destacado escultor francés nacido en Marsella en 1921.
Estuvo a la vanguardia del movimiento Nouveau Réalisme con sus compresiones radicales (automóviles compactados, metal desechado, basura), expansiones (esculturas de espuma de poliuretano), y fantásticas representaciones de animales e insectos.
Después de estudiar en la Ecole des Beaux-Arts, Marsella (1935-39) pasó a la Escuela de Bellas Artes de París (1943-48). Comenzó a hacer esculturas  de piezas de chatarra soldadas en 1952 yse hizo una reputación con esculturas de insectos, los diversos tipos de animales, desnudos, etc.
Su primera exposición individual fue en la galería Durand Lucien, en París, 1954.
Haci 1960 César era considerado uno de los principales escultores de Francia. En ese año, en una visita a un comerciante de chatarra en busca de metal, vio una máquina trituradora hidráulica en funcionamiento y decidió experimentar con ella en su escultura. Sorprendió a sus seguidores al mostrar tres automóviles compactados en una exposición de París. Fue por estas "compresiones" que César se hizo famoso. César seleccionaba ciertos coches en particular para la trituración, mezclando elementos de vehículos de diferentes colores. De esta manera podía controlar el patrón de superficie y la combinación de colores de la pieza.
En 1965 comenzó a trabajar con plástico, primero con moldes de plástico de huellas humanas, y luego, a partir de 1966, mediante el vertido de espuma de poliuretano, que permitía ser ampliado y solidificado.
Murió en 1998.

"Compression de fourchettes et cuillères en argent / Compresión de tenedores y cucharas en plata /
Compression of Silver Forks and Spoons"
cucharas y tenedores de plata comprimidos / compressed silver forks and spoons, 34 x 15 x 14 cm.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Bartolomé Esteban Murillo (pintor español / Spanish painter)
Jan Vilímek (ilustrador y pintor checo / Czech illustrator and painter)
Qi Baishi (齊白石) (pintor chino / Chinese painter)

 

El 2 de Enero es el cumple de

Richard Westall, pintor e ilustrador Inglés de retratos, eventos históricos y literarios, nacido en 1765, mejor conocido por sus retratos de Byron. También fue profesor de dibujo de la reina Victoria.
Westall fue el más exitosa de dos medios hermanos (ambos hijos de Benjamín Westall, de Norwich) que también se convirtieron en pintores. Su medio hermano más joven fue William Westall (1781-1.850), un pintor paisajista.
Comenzó a estudiar en la Escuela de la Real Academia de las Artes del 10 de diciembre de 1785. Expuso en la Academia regularmente entre 1784 y 1836, se convirtió en Asociado en noviembre de 1792 y fue elegido académico en 10 de febrero 1794.
Sus obras - muchas de ellas acuarelas - causaron gran interés en los últimos años del siglo XVIII, cuando fue considerado por su principal mecenas Richard Payne Knight como un artista sobresaliente de lo pintoresco. Pintó obras en un estilo neoclásico para la Shakespeare Gallery de John Boydell y para la Galería Milton de Henry Fuseli.
Murió en 1836.

"Nelson en combate con una lancha española, 3 de julio de 1797 / 
Nelson in conflict with a Spanish launch, July 3, 1797", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86,3 x 71,1 cm., 1806.
National Maritime Museum, Greenwich, Londres / London, Greenwich Hospital Collection
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Christian Daniel Rauch (escultor alemán / German sculptor)
Ernst Barlach (escultor, grabador y escritor alemán / German sculptor, printmaker and writer)


El 3 de Enero es el cumple de

Émile Néstor José Carlier, escultor francés nacido en 1849.
Comenzó a trabajar tallando las piedras de la catedral de Cambrai. En un momento dado se cayó de un andamio y se salvó gracias a la correa de su bolso que se quedó enganchada en un poste.
Fue a París a visitar la Exposición Universal de 1867, donde confirmó su vocación como artista. Al no recibir el apoyo financiero de sus padres, tuvo que mantenerse con trabajos de menor importancia. Luego volvió a Cambrai para seguir un curso de estudios académicos en el taller de René Fache.
En 1874 expuso por primera vez en el Salón, y continuó haciéndolo los años siguientes. Como muestra de agradecimiento, donó su primera gran obra a la ciudad de Cambrai. Era la estatua de piedra del cronista de Cambrai Enguerrand de Monstrelet, obra que creó en 1876 y que se erigió en un jardín público.
Expuso "Gilliat lucha con el pulpo", que le valió un segundo premio en el Salón de 1879, y Antes de la edad de piedra", que le valió una beca para viajar y visitar Italia en 1881.
Cuando estalló la Primera Guerra Mundial, se dedicó ayudar a los refugiados desde el norte, y como Presidente de los amigos de Cambrai se dedicó durante los cuatro años de conflicto con su amigo Devignes a ayudar a la gente de ese pueblo.
Murió en 1927.

"Gilliat luchando con el pulpo / Gilliat Struggling With the Octopus", mármol / marble, 220 × 120 × 83 cm., 1880-90. Musée des beaux-arts (Lyon, Francia / France)
Inspirada por el libro "Los trabajadores del mar" de Víctor Hugo / 
Inspired from book “Les travailleurs de la mer” by Victor Hugo
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
August Macke (pintor alemán / German painter)
Julio Verdié (pintor, poeta y dramaturgo Uruguayo / Uruguayan painter, poet and playwright)
Óscar M. Domínguez (pintor español / Spanish painter)


El 4 de Enero es el cumple de

François Rude, escultor francés nacido en 1784 en Dijon. Fue el padrastro del escultor Paul Cabet.
Trabajó en el oficio de su padre como fabricante de hornos hasta la edad de dieciséis años, pero recibió capacitación en la elaboración de François Devosges, con quien aprendió que un simple contorno fuerte era un ingrediente muy valioso en las artes plásticas. En 1809 se trasladó a París desde la escuela de arte de Dijon y se convirtió en discípulo de Pierre Cartellier, obteniendo el Gran Premio de Roma en 1812. Después de la segunda restauración de los Borbones se retiró a Bruselas, donde, probablemente debido a la intervención de el exiliado Jacques-Louis David, consiguió algo de trabajo en el marco del arquitecto Charles Vander Straeten, quien lo empleó para ejecutar nueve bajorrelieves en el palacio de Tervuren, ahora destruido.
Su gran éxito data de 1833, cuando recibió la cruz de la Legión de Honor por su estatua de un pescador napolitano jugando con una tortuga (ahora en el Louvre), que también le procuró el importante encargo de todo el ornamento friso escultórico y un grupo en el Arco de Triunfo, en París. Este grupo, Départ des volontaires de 1792 (Partida de los voluntarios de 1792), también conocido como "La Marsellesa", una obra llena de ardor y energía, inmortalizó el nombre de Rude.
Otras de sus producciones son Napoleón Despertando a la Inmortalidad (Musée d'Orsay, París), la estatua del matemático Gaspard Monge (1848), Juana de Arco, en los jardines de Luxemburgo (1852), un Calvario en bronce para el altar de San Vicente de Paúl (1855), y también Hebe y el águila de Júpiter (Museo de Bellas Artes, Dijon), Amor triunfante y Cristo en la Cruz, todas ellas presentadas en el Salón de París de 1857, después de su muerte.
Murió en 1855.

"Joven pescador napolitano jugando con una tortuga / 
Young Neapolitan Fisherboy Playing with a Tortoise", mármol / marble, 82 x 88 x 48 cm.
Yeso presentado en el Salón de 1831. Mármol presentado en el Salón de 1833 / 
Plaster cast presented at the Salon of 1831. Marble (presented at the Salon of 1833).
Museo del Louvre (París, Francia / France)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Augustus Edwin John (pintor, dibujante y grabador británico / British painter, draftman and engraver)
Rafael Barradas (pintor uruguayo / Uruguayan painter)
Wilhelm Lehmbruck (escultor alemán / German sculptor)


El 5 de Enero es el cumple de

Nicolas de Staël (Nikolai Vladimirovich Staël von Holstein, Николай Владимирович Шталь фон Гольштейн), pintor francés de origen ruso conocido por su uso del un empaste grueso y pintura de paisajes sumamente abstractos. También trabajó con el collage, ilustración y textiles.
La familia de De Staël se vio obligado a emigrar a Polonia en 1919 debido a la Revolución Rusa. Tanto su padre como su madrastra murieron en Polonia y el huérfano Nicolas fue enviado con su hermana mayor Marina a Bruselas a vivir con una familia rusa (1922).
Estudió arte en la Academia Real de Bellas Artes de Bruselas (1932). En la década de 1930, viajó por toda Europa, viviendo en París (1934), Marruecos (1936) y Argelia.
En 1936 realizó su primera exposición de iconos de estilo bizantino y acuarelas en la Galería Dietrich et Cie de Bruselas. Se unió a la Legión Extranjera Francesa en 1939 y fue desmovilizado en 1941.
Ese mismo año se trasladó a Niza, donde conoció a Jean Arp, Sonia Delaunay y Robert Delaunay, y estos artistas inspirarían sus primeras pinturas abstractas o "Composiciones". En 1944 tuvo su primera exposición individual en la Galerie l'Esquisse.
En 1950 sus pinturas comenzaron a atraer la atención de todo el mundo y presentó una exposición individual en la Galerie Jacques Dubourg en París, y Schempp presentó las pinturas de De Staël en Nueva York, donde tuvo un éxito considerable.
En 1953 una depresión le llevó a buscar el aislamiento en el sur de Francia (eventualmente en Antibes). Sufría de agotamiento, insomnio y depresión. A raíz de una decepcionante reunión con un crítico de arte despectivo, se suicidó en 1955.

"Estudio de un paisaje / Landscape Study", óleo sobre panel / oil on board, 1952, 32,7 x 46 cm.
Tate Modern (Londres, Reino Unido / London, UK)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Ramon Casas i Carbó (pintor español / Spanish painter)
Pablo Emilio Gargallo (pintor y escultor español / Spanish painter and sculptor)


El 6 de Enero es el cumple de

Joaquín Mir, artista catalán nacido en 1873. Vivió una época turbulenta en la historia de su Barcelona natal, y fue conocido por el colorido de sus pinturas. Ellas ayudaron a definir el movimiento artístico conocido como modernismo catalán.
Mir estudió en la Llotja antes de unirse al grupo Colla del Safrà con Canals, Nonell y Pichot. En 1899 Mir se fue a Mallorca con Santiago Rusiñol, donde conoció al pintor místico belga William Degouve de Nuncques, cuya obra influiría en la suya propia. Trabajando aislado en Mallorca, Mir pintó paisajes extraños en los que las formas y el cromatismo se fusionaron. En su primera exposición en Barcelona en 1901, las reseñas críticas fueron positivas, pero el público encontró sus pinturas difícil de comprender. Comenzó en Mallorca un proceso artístico solitario, lleno de colores y sin formas, que terminó cuando sufrió un accidente en 1905.
En 1913 regresó a posiciones más realistas, recibiendo reconocimiento por su obra. A partir de este periodo, sus pinturas tendieron a volverse más místicas, más abstractas y evocaciones altamente coloristas de la naturaleza, en lugar de escenas topográficos.
Fue uno de los pocos pintores españoles de la época que no continuó su educación artística en París, pero visitaba regularmente a Casas y Rusiñol, que vivían juntos en el Moulin de la Galette, en Montmartre, junto con el pintor y crítico de arte Miquel Utrillo y el dibujante Ramón Canudas.
No tuvo la misma influencia de los impresionistas franceses que sí tuvo Casas. El estilo que sería conocido como modernismo no habían llegado todavía a cuajar por completo, pero los personajes clave comenzaban a conocerse unos a otros, y los artistas catalanes exitosos se identificaban con Barcelona tanto como con París.
Murió en 1940.

"Cala Encantada (Mallorca) / Enchanted Creek (Majorca)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86,5 x 121 cm., c.1901.
Museu Nacional d'Art de Catalunya (Barcelona, España / Spain)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
(pintora y diseñadora ruso-francesa / Russian-French painter and designer)
Anna Halldin-Maule (pintora sueca / Swedish painter)
Ştefan Luchian (pintor rumano / Romanian painter)


El 7 de Enero es el cumple de

Robert Litchfield Juniper, artista, profesor de arte, ilustrador, pintor, grabador y escultor australiano nacido en 1929.
Estudió arte comercial y diseño industrial en la Escuela de Arte de Beckenham, Inglaterra. Después de regresar a Australia Occidental pintó, enseñó y exhibió en Perth. Fue particularmente defendido por Rose Skinner, un expositor local. Fue residente de larga duración de Darlington y en diferentes etapas de su historia participó en el Festival de Artes de Darlington.
Juniper enseñó arte en el Perth College y la Hale School en la década de 1950, y en Guildford Grammar School en 1960. En la década de 1960 sus excursiones por el interior de Australia con Ian Parkes fueron la inspiración para el tema que ocupó gran parte de su estilo de arte abstracto.
En 1992 diseñó el escudo de armas de los Juzgados y Tribunales de la Commonwealth en Perth. Sus obras se conservan en numerosas colecciones, incluyendo la Galería de Arte de Australia Occidental, la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, la Galería Nacional de Australia, la Galería Nacional de Victoria, la Galería de Arte de Queensland y la Casa del Parlamento en Canberra
Juniper realizó numerosas exposiciones individuales y colectivas en Australia y en el extranjero, incluyendo una gran retrospectiva en 1999 en la Galería de Arte de Australia Occidental, en Perth.
Recibió el encargo de trabajar en una ventana en la restaurada Catedral católica de Bunbury, que se terminó en 2011.
Murió en 2012.

"Atento a eso / Hark at That", óleo y pintura de polímero sintético sobre lino / 
oil and synthetic polymer paint on linen, 92, 33 x 45,5 cm., 1992
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Albert Bierstadt (pintor estadounidense, American painter)
Pascal-Adolphe-Jean Dagnan-Bouveret (artista francés / French artist)
Roland Topor (ilustrador, pintor, escritor, cineasta y actor francés / French painter, writer, filmmaker and actor)


El 8 de Enero es el cumple de

Pavel Nikolayevich Filonov (Павел Николаевич Филонов), pintor vanguardista, teórico del arte y poeta ruso nacido en 1883 (27 de diciembre de 1882 según el calendario juliano).
En 1897 se trasladó a San Petersburgo, donde tomó clases de arte. En 1908 entró en la Academia de las Artes de San Petersburgo, de la cual fue expulsado en 1910.
En 1910-1914 participó en el grupo de artes Soyuz Molodyozhi creado por los artistas Elena Guro y Mikhail Matyushin. En 1912 escribió el artículo "El Cánon y la Ley", en el que formuló los principios del realismo analítico, o "anti-cubismo". Según Filonov el Cubismo representa objetos utilizando elementos de su geometría de superficie, pero los "realistas analíticos" deben representar objetos utilizando elementos de su alma interior. Fue fiel a estos principios para el resto de su vida.
Durante los años 1913 a 1915, Filonov estuvo cerca de Vladimir Maiakovski, Velimir Khlebnikov y otros futuristas. Durante este tiempo co-ilustró "Poemas seleccionados con posdata" de Khlebnikov (1907-14), junto Kazimir Malevich. En el otoño de 1916 se alistó para el servicio en la Primera Guerra Mundial, y sirvió en el frente rumano. Participó activamente en la Revolución Rusa de 1917 y se desempeñó como Presidente del Comité de Guerra de la Independencia de la región de Dunay.
En 1919 expuso en la "Primera Exposición Libre de artistas de todas las tendencias" en el Hermitage. En 1923 se convirtió en profesor de la Academia de las Artes de San Petersburgo y miembro del Instituto de Cultura Artística (INKhUK). Organizó una gran escuela de artes de Maestros del Realismo Analítico (más de setenta artistas). Su obra influyó en el suprematismo y el expresionismo.
Murió en 1941.

"Animales / Animals", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 36 x 44 cm., 1925-26.
Museo Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersburg, Russia)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Boris Vallejo (pintor peruano / Peruvian painter)
Lawrence Alma-Tadema (pintor neerlandés / Dutch painter)


Hoy, 9 de Enero, es el cumple de

Simon Vouet, pintor y dibujante nacido en 1590, que es quizás más recordado hoy por ayudar a introducir en Francia el estilo de pintura barroco italiano.
Su padre Laurent fue un pintor en París y le enseñó los rudimentos del arte. Simon comenzó su carrera como retratista. A temprana edad viajó a Inglaterra y fue parte de la comitiva del barón de Sancy, embajador francés en Constantinopla. Desde allí fue a Venecia y Roma en 1614.
Pasó un largo período de tiempo en Italia, desde 1613 hasta 1627. Fue sobre todo en Roma donde perfió el estilo barroco durante estos años. Recibió una pensión del rey de Francia y sus mecenas.
Fue un académico natural, que absorbió lo que vio y estudió, y eso se destila en su pintura: la iluminación dramática de Caravaggio, el Manierismo italiano, el color y la perspectiva en escorzo de Paolo Veronese y el arte de Carracci, Guercino, Lanfranco y Guido Reni. El inmenso éxito de Vouet en Roma llevó a su elección como presidente de la Accademia di San Luca en 1624.
A pesar de su éxito en Roma, Vouet regresó repentinamente a Francia en 1627.
El nuevo estilo de Vouet era claramente italiano, importando el estilo barroco a Francia. Adaptó este estilo al gran esquema decorativo de la época de Luis XIII y Richelieu y se convirtió en "Premier peintre du Roi". Luis XIII le encargó retratos, cartones para tapices y pinturas suyas para el Palacio del Louvre, el Palacio de Luxemburgo y del castillo de Saint-Germain-en-Laye.
En París Vouet fue la fuerza dominante en la pintura francesa, produciendo numerosos retablos públicos y decoraciones alegóricas para clientes privados.
Murió en 1649.

"La Buona Ventura / La adivina / The Fortune Teller", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 170,2 cm., c.1620.
National Gallery (Ottawa, Canadá)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Ian Hornak (pintor, grabador y dibujante estadounidense / American painter, engraver and draftsman)
Nicolas Coustou (escultor y académico francés / French sculptor and academicist)


Textos en inglés / English translation

On January 1 is the birthday of

César Baldaccini, usually called César, noted French sculptor born in Marseille in 1921.
César was at the forefront of the Nouveau Réalisme movement with his radical compressions (compacted automobiles, discarded metal, or rubbish), expansions (polyurethane foam sculptures), and fantastic representations of animals and insects.
After studying at the Ecole des Beaux-Arts, Marseilles (1935-39) he went on to the Ecole des Beaux-Arts in Paris (1943-48). He began making sculptures by welding together pieces of scrap metal in 1952 and first made his reputation with solid welded sculptures of insects, various kinds of animals, nudes, etc.
His first one-man exhibition was at the Galerie Lucien Durand, Paris, 1954.
By 1960 César was considered one of France's leading sculptors. In that year, on a visit to a scrap merchant in search of metal, he saw a hydraulic crushing machine in operation, and decided to experiment with it in his sculpture. He astonished his followers by showing three crushed cars at a Paris exhibition. It was for these 'Compressions' that César became renowned. César selected particular cars for crushing, mixing elements from differently coloured vehicles. In this way he could control the surface pattern and colour scheme of the piece.
In 1965, he started to work with plastics, first with plastic moulds of human imprints, then from 1966 by pouring expanded polyurethane, which was allowed to expand and solidify.
He died in 1998.

On January 2 is the birthday of

Richard Westall, English painter and illustrator of portraits, historical and literary events, born in 1765, best known for his portraits of Byron. He was also Queen Victoria's drawing master.
Westall was the more successful of two half-brothers (both sons of a Benjamin Westall, from Norwich) who both became painters. His younger half-brother was William Westall (1781–1850), a landscape painter.
He began studying at the Royal Academy School of Arts from 10 December 1785. He exhibited at the Academy regularly between 1784 and 1836, became an Associate in November 1792 and was elected an Academician on 10 February 1794.
His works – many in watercolour – caused great interest in the late years of the 18th century when he was considered by his chief patron Richard Payne Knight to be an outstanding artist of the picturesque. He painted works in a neoclassical style for John Boydell's Shakespeare Gallery and for Henry Fuseli's Milton Gallery.
He died in 1836.

On January 3 is the birthday of

Émile Nestor Joseph Carlier, French sculptor born in 1849.
He began work carving the stones of the Cambrai cathedral. At one time he fell from a scaffold and was saved only by his bag's strap catching on a pole.
He went to Paris, visiting the Universal Exhibition of 1867, which confirmed his vocation as an artist. Receiving no financial support from his parents, he had to support himself through minor jobs. Then he returned to Cambrai to follow a course of academic study in the workshop of René Fache.
In 1874 he exhibited for the first time at the Salon, and exhibited there in all subsequent years. As a token of gratitude, he donated his first major work to the city of Cambrai. It was the stone statue of Cambrai chronicler Enguerrand de Monstrelet which he created in 1876 and was erected in a public garden.
He exhibited Gilliat struggling with the octopus, which earned him a second prize at the Salon of 1879,[1] and Before the Stone Age, which earned him a scholarship to travel and visit Italy in 1881.
When World War I broke out, he devoted himself assisting refugees from the North, and as President of the friends of Cambrai, he devoted himself during the four years of conflict with his friend Devignes to help people of that town.
He died in 1927.

On January 4 is the birthday of

François Rude, French sculptor born in 1784 in Dijon. He was the stepfather of Paul Cabet, a sculptor.
He worked at his father's trade as a stovemaker till the age of sixteen, but received training in drawing from François Devosges, where he learned that a strong, simple contour was an invaluable ingredient in the plastic arts. In 1809 he went to Paris from the Dijon school of art, and became a pupil of Pierre Cartellier, obtaining the Grand Prix de Rome in 1812. After the second restoration of the Bourbons he retired to Brussels, where, probably owing to the intervention of the exiled Jacques-Louis David he got some work under the architect Charles Vander Straeten, who employed him to execute nine bas-reliefs in the palace of Tervuren, now destroyed.
His great success dates from 1833, when he received the cross of the Legion of Honour for his statue of a Neapolitan Fisher Boy playing with a Tortoise (now in the Louvre), which also procured for him the important commission for all the sculptural frieze ornament and one group on the Arc de Triomphe, in Paris. This group, Départ des volontaires de 1792 (Departure of the Volunteers of 1792), also known as La Marseillaise, a work full of energy and fire, immortalizes the name of Rude.
Among other productions are Napoleon Awakening to Immortality (Musée d'Orsay, Paris), the statue of the mathematician Gaspard Monge (1848), Jeanne d'Arc, in the gardens of the Luxembourg (1852), a Calvary in bronze for the high altar of St Vincent de Paul (1855), as well as Hebe and the Eagle of Jupiter (Musée des Beaux Arts, Dijon), Love Triumphant and Christ on the Cross, all of which appeared at the Paris Salon of 1857 after his death.
He died in 1855.

On January 5 is the birthday of

Nicolas de Staël (Nikolai Vladimirovich Stael von Holstein, Николай Владимирович Шталь фон Гольштейн), French painter of Russian origin known for his use of a thick impasto and his highly abstract landscape painting. He also worked with collage, illustration and textiles.
De Staël's family was forced to emigrate to Poland in 1919 because of the Russian Revolution; both his father and stepmother died in Poland and the orphaned Nicolas de Staël was sent with his older sister Marina to Brussels to live with a Russian family (1922).
He eventually studied art at the Brussels Académie Royale des Beaux-Arts (1932). In the 1930s, he travelled throughout Europe, lived in Paris (1934) and in Morocco (1936) and Algeria.
In 1936 he had his first exhibition of Byzantine style icons and watercolors at the Galerie Dietrich et Cie, Brussels. He joined the French Foreign Legion in 1939 and was demobilized in 1941.
In 1941, he moved to Nice where he met Jean Arp, Sonia Delaunay and Robert Delaunay, and these artists would inspire his first abstract paintings, or "Compositions". In 1944 he had his first one-man exhibition at the Galerie l'Esquisse.
By 1950 his paintings began to attract attention worldwide and he had a one-man exhibition at the Galerie Jacques Dubourg in Paris and Schempp introduced de Stael's paintings to New York where he had considerable success.
By 1953 de Staël's depression led him to seek isolation in the south of France (eventually in Antibes). He suffered from exhaustion, insomnia and depression. In the wake of a disappointing meeting with a disparaging art critic he committed suicide in 1955.

On January 6 is the birthday of

Joaquin Mir Trinxet, Catalan Spanish artist born in 1873. Living through a turbulent time in the history of his native Barcelona, he was known by the color of his paintings. They helped to define the Catalan art movement known as modernisme.
Mir studied at the Llotja before joining the Colla del Safrà group with Canals, Nonell, and Pichot. In 1899 Mir went to Mallorca with Santiago Rusiñol, where he met the mystic Belgian painter William Degouve de Nuncques, whose work would influence his own. Working in isolated circumstances in Mallorca, Mir painted odd landscapes in which forms and chromatic colors merged. In his first exhibition in Barcelona in 1901, the critical reviews were positive but the public found his paintings difficult to comprehend. He started in Mallorca a solitary artistic process, full of colors without forms, which finished when he suffered an accident in 1905.
In 1913 he returned to more realistic positions, receiving recognition for his work. From this period, his paintings tended to become more mystic, more abstract, and highly colored evocations of nature rather than topographical scenes.
He was one of the rare Spanish painters of the period who did not continue his artistic education in Paris. But he visited regularly Casas and Rusiñol, which lived together at the Moulin de la Galette in Montmartre, along with painter and art critic Miquel Utrillo and the sketch artist Ramon Canudas.
He had not the same influence from the French impressionists as Casas. The style that would become known as modernisme had not yet fully come together, but the key people were beginning to know one another, and successful Catalan artists were increasingly coming to identify themselves with Barcelona as much as with Paris.
He died in 1940.

On January 7 is the birthday of

Robert Litchfield Juniper, Australian artist, art teacher, illustrator, painter, printmaker and sculptor born in 1929.
He studied commercial art and industrial design at Beckenham School of Art, England. After returning to Western Australia he painted, taught and exhibited in Perth. He was particularly championed by Rose Skinner, a local exhibitor. He was a long term resident of Darlington and at different stages in its history involved with the Darlington Arts Festival.
Juniper taught art at Perth College and Hale School in the 1950s, and at Guildford Grammar School in the 1960s. In the 1960s his excursions into the Australian outback with Ian Parkes was the inspiration for the subject matter a large part of his abstract style of art.
He designed the coat of arms for the Commonwealth Law Courts in Perth, in 1992. His works are held in numerous collections, including the Art Gallery of Western Australia, the Art Gallery of New South Wales, the National Gallery of Australia, the National Gallery of Victoria, the Queensland Art Gallery and Parliament House, Canberra
Juniper was given many solo and group exhibitions throughout Australia and overseas, including a major retrospective in 1999 at the Art Gallery of Western Australia, Perth.
Juniper was commissioned to work on a feature window in the restored Bunbury Catholic Cathedral- and it was completed in 2011.
He died in 2012.

On January 8 is the birthday of

Pavel Nikolayevich Filonov (Па́вел Никола́евич Фило́нов), Russian avant-garde painter, art theorist, and poet born in 1883 (December 27, 1882, Julian calendar).
In 1897, he moved to St. Petersburg where he took art lessons. In 1908, he entered St. Petersburg Academy of Arts, from which, he was expelled in 1910.
In 1910–1914, he took part in the arts group Soyuz Molodyozhi created by artists Elena Guro and Mikhail Matyushin. In 1912, he wrote the article The Canon and the Law, in which, he formulated the principles of analytical realism, or "anti-Cubism". According to Filonov, Cubism represents objects using elements of their surface geometry but "analytical realists" should represent objects using elements of their inner soul. He was faithful to these principles for the remainder of his life.
During the years 1913 to 1915, Filonov was close to Vladimir Mayakovsky, Velimir Khlebnikov, and other futurists. He co-illustrated Khlebnikov's Selected Poems with Postscript, 1907-1914 alongside Kazimir Malevich during this time. In the autumn of 1916, he enlisted for service in World War I, and served on the Romanian front. Filonov participated actively in the Russian Revolution of 1917 and served as the Chairman of the Revolutionary War Committee of Dunay region.
In 1919, he exhibited in the First Free Exhibit of Artists of All Trends at the Hermitage. In 1923, he became a professor of St. Petersburg Academy of Arts and a member of the Institute for Artistic Culture (INKhUK). He organized a large arts school of Masters of Analytical Realism (over seventy artists). Their work influenced suprematism and expressionism.
He died in 1941.

Today, January 9, is the birthday of

Simon Vouet, French painter and draftsman born in 1590, who today is perhaps best remembered for helping to introduce the Italian Baroque style of painting to France.
His father Laurent was a painter in Paris and taught him the rudiments of art. Simon began his painting career as a portrait painter. At a young age he travelled to England and was part of the entourage of the Baron de Sancy, French ambassador to Constantinople. From there he went to Venice and was in Rome in 1614.
He spent an extensive period of time in Italy, from 1613 to 1627. He was mostly in Rome where the Baroque style was emerging during these years. He received a pension from the King of France and his patrons. 
He was a natural academic, who absorbed what he saw and studied, and distilled it in his painting: Caravaggio's dramatic lighting; Italian Mannerism; Paolo Veronese's color and di sotto in su or foreshortened perspective; and the art of Carracci, Guercino, Lanfranco and Guido Reni. Vouet's immense success in Rome led to his election as president of the Accademia di San Luca in 1624.
Despite his success in Rome, Vouet suddenly returned to France in 1627.
Vouet's new style was distinctly Italian, importing the Italian Baroque style into France. He adapted this style to the grand decorative scheme of the era of Louis XIII and Richelieu and was made premier peintre du Roi. Louis XIII commissioned portraits, tapestry cartoons and paintings from him for the Palais du Louvre, the Palais du Luxembourg and the Château de Saint-Germain-en-Laye.
In Paris, Vouet was the fresh dominating force in French painting, producing numerous public altarpieces and allegorical decors for private patrons.
He died in 1649.

Aniversarios Fotografía (CV) [Enero / January 1-10]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Enero es el cumple de

Wim van der Linden, fotógrafo y director de cine y televisión holandés nacido en Ámsterdam en 1941.
Su exposición Het andere Mokum ("El otro Ámsterdam"), de 1962, una colección de fotos de barrios pobres de la ciudad y la gente que vivía en ellos, fue la base para un álbum de fotos que hizo a mano y se entregó al alcalde de la ciudad, van Hall. Al inaugurar la exposición, el portavoz de la ciudad, Jan Mastenbroek, pronunció una conferencia apasionada en la que usó sus fotos como evidencia para enfatizar la urgencia de desarrollar la Bijlmermeer como un espacio para construir grandes casas limpias. Como un "fotógrafo de Amsterdam", se dice está a la par con su famoso colega Ed van der Elsken. Los negativos de Van der Linden se archivan en el Instituto María Austria en Ámsterdam.
Sus "tulipanes", una de las cuatro experimentales y satíricas "Películas tristes" (1966-1967), es alabado como uno de los puntos altos dramáticos de la historia del cine holandés, y con Wim T. Schippers y otros hizo programas de televisión para el VPRO revolucionarios y controvertidos entre los años 1960 y 1970.
Murió en 2001

"Boulevard Saint-Germain/Place Henri", 1961
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Alfred Stieglitz (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Michael Poliza (fotógrafo alemán y empresario / German photographer and businessman)


El 2 de Enero es el cumple de

Jack William Dykinga, fotógrafo estadounidense nacido en 1943. En 1970 trabajando para el Chicago Sun-Times Ganó el Premio Pulitzer anual por sus "dramáticas y sensibles fotografías en las Escuelas Estatales para retrasados Lincoln y Dixon en Illinois."
Dykinga comenzó su carrera en el Chicago Tribune y el Chicago Sun-Times antes de mudarse a Arizona, donde se unió al Arizona Daily Star, y enseñó en la Universidad de Arizona y Pima Community College.
Jack Dykinga es miembro fundador de la Liga Internacional de Fotógrafos Conservacionistas. Su obra aparece en Arizona Highways y National Geographic. Expone en la galería de G2. Pertenece a la junta del Proyecto Parque Nacional del Desierto de Sonora.
En 2010, Dykinga fue fotógrafo residente en Sedona Photofest.

"Grullas canadienses en el Refugio de Vida Salvaje Bosque Apache, Nuevo México, a la luz del atardecer, con las patas en posición de aterrizaje / 
Sandhill cranes, Grus Canadensis at Bosque del Apache National Wildlife Refuge, New Mexico, in evening light, legs decended for landing"© Jack Dykinga
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Pirkle Jones (fotógrafo documentalista estadounidense / American documentary photographer)
Henry Chalfant (fotógrafo y camarógrafo estadounidense / Canadian photographer and cameraman)


El 3 de Enero es el cumple de

Tony Northrup, autor, fotógrafo, e instructor de vídeo estadounidense nacido en 1974 en Binghamton, Nueva York. Se crió en Pflugerville, Texas, y actualmente reside en Waterford, Connecticut.
En junio de 2000 Northrup ganó el concurso Sexiest Geek Alive. Luego hizo apariciones en varios programas de televisión, incluyendo Good Morning America, el Montel Williams Show. y To Tell The Truth. Northrup ha hablado en conferencias, eventos y webcasts. Es citado regularmente como un experto en tecnología. Creó una serie de videos y un libro que muestra cómo utilizar la tecnología para crear soluciones personalizadas a problemas comunes.
Ha publicado 32 libros sobre procedimientos que cubren la administración de sistemas en Windows, desarrollo de software y la fotografía para Microsoft Press, O'Reilly, SAMS Publishing y Mason Press. Entre los libros que ha escrito y en los que ha sido co-autor, hay varios "Kits de recursos", un libro de MCDST, y varios de Microsoft Press Training Kits.

"Amanecer en Machu Pichu / Machu Picchu Sunrise", panorama de 125 Mb / 125 Megabit panorama
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Francis Mary Hegarty Browne (jesuita y fotógrafo irlandés / Irish Jesuit and photographer)
Charlie Grosso (artista y fotógrafa estadounidense / American artist and photographer)


El 4 de Enero es el cumple de

Edward Aninaru, fotógrafo comercial y retratista y director de videos musicales rumano nacido en 1976 en Bucarest. En la actualidad vive y trabaja en Los Ángeles, California. Es conocido por ser el fotógrafo oficial del cantante, compositor y bailarín rumano INNA.
Se graduó en música y contabilidad y asistió a dos colegios. Descubrió la fotografía en 2007.
Aninaru comenzó su carrera en Bucarest, Rumania, trabajando para INNA, con quien hizo más de 50 sesiones de fotos, algunas de las cuales aparecieron en revistas. Ha fotografiado para la portada de ELLE Rumania, ELLE Bulgaria, Playboy Rumania, Forbes Rumania, FHM Rumania, FHM Francia, FHM Rusia, SHAPE Malasia y CKM (Polonia), y fotografió campañas para Anastasia Beverly Hills, Pepsi Rumania y los sellos discográficos rumanos Roton, Cat Music y MediaPro Music.
En 2012 Aninaru se mudó a Los Ángeles y trabajó con Celine Dion, Ne-Yo, Jay Sean, Shontelle, Los Janoskians, Michael Franti, Akcent, Alexandra Stan, James Goldstein, Falling in Reverse, Catrinel Menghia y Madalina Ghenea. También fotografió para Capitol Records y Sony Music.

"Inna para FHM Rusia / for FHM Russia"© 2015 Edward Aninaru Photography
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Rudolf Koppitz (fotógrafo Austríaco / Austrian photographer)
William George "Bill" Wadman (retratista estadounidense / American portrait photographer)


El 5 de Enero es el cumple de

Lucienne Bloch, artista estadounidense nacida en Suiza en 1909.
Artista de múltiples talentos, Lucienne asistió a la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París a los 14 años, como aprendiz con el escultor Antoine Bourdelle y el pintor André Lhote. Su íntimo amigo Beniamino Bufano también influyeron en su escultura.
En 1917 la familia Bloch emigró a Estados Unidos.
En 1929 fue pionera en el diseño de esculturas de vidrio para la fábrica de vidrio Royal Leerdam Crystal en Holanda. Cuando Frank Lloyd Wright vio sus obras de vidrio y habló con ella en Nueva York, la invitó a enseñar en su escuela de arquitectura, Taliesin East, donde trabajó con el artista y muralista Santiago Martínez Delgado y otros compañeros Taliesin.
Más tarde, en 1931, Bloch conoció y comenzó su aprendizaje con Diego Rivera en sus frescos en Nueva York (1931, 1933) y Detroit (1932). También hizo una estrecha amistad con la esposa de Rivera, Frida Kahlo, y se convirtieron en compañeras y mutuas confidentes. En 1932 acompañó a Kahlo en México cuando la madre de Kahlo se enfermó. También estaba con Kahlo en Detroit cuando Kahlo abortó.
Prolífica fotógrafa, Bloch contribuyó con muchas fotografías de Rivera y Kahlo a sus biografías. Ella tomó las únicas existentes del (polémico) mural destruido de Rivera, "El hombre en la encrucijada", en el Rockefeller Center Plaza en la ciudad de Nueva York.
Murió en 1999.

"Frida en el Hotel Barbizon / at the Barbizon Hotel", 1931

Más sobre Frida Kahlo en "El Hurgador" / More about Frida Kahlo in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Mayeu Akpovi (fotógrafo nacido en Benin / Benin photographer)
Asís González Ayerbe (fotógrafo, diseñador gráfico y editor español / 
Spanish photographer, graphic designer and publisher)


El 6 de Enero es el cumple de

Aron Eisenberg / Scott, actor estadounidense nacido en 1969, conocido por su papel como Nog en Star Trek: Deep Space Nine.
Eisenberg apareció en programas de televisión, incluyendo Cuentos de la cripta, Amityville: The Evil Escapes, Parker Lewis nunca pierde, Aquellos maravillosos años, y Hospital General. Fue actor invitado en "Amor Maternal", un episodio de Amor Fraternal.
Eisenberg tuvo un papel reiterado como estrella invitada en la serie de TV de los 90 El mundo secreto de Alex Mack, en la que interpretó el personaje de Jerry.
Apareció en películas como El Club de los Mentirosos, Puppet Master III, Calles, Colores y House 3.
Eisenberg interpretó al Ferengi Nog, en Star Trek: Deep Space Nine. Aunque en su papel aparecía bajo una espesa capa de maquillaje para aparecer como un ferengi, apareció sin maquillaje como un proveedor de noticias en el episodio "Más Allá de las Estrellas". También estrella invitada como un Kazon llamado Kar, en "Iniciaciones", un episodio de Star Trek Voyager.
Eisenberg también ha actuado en producciones como The Indian Wants, On Borrowed Time y Minor Demons. Ha dirigido en ocasiones para el teatro, como en la reciente producción de "El negocio del Asesinato" en Conejo Players Theater.
Ahora se desempeña como fotógrafo profesional.

"Playa, Invierno / Beach, Winter"
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Günter Rössler (fotógrafo y fotoperiodista alemán / German photographer and photojournalist)
Wright Marion Morris (novelista, fotógrafo y ensayista estadounidense / American novelist, photographer and essayist)


El 7 de Enero es el cumple de

Roloff Beny, fotógrafo canadiense nacido en 1984, quien pasó la mayor parte de su vida en Roma y en viajes fotográficos de todo el mundo. Nacido Wilfred Roy Beny en Medicine Hat, Alberta, tomó más tarde Roloff, el apellido de soltera de su madre.
Beny tenía una considerable reputación y registro de exposiciones como creador de pintura progresiva, dibujo y grabado a finales de 1940 y principios de 1950. Fue reconocido como uno de los artistas abstractos líderes de su época con obras del período expuestas y recogidas en ese momento por distinguidas instituciones como el Museo Metropolitano, el Museo de Arte Moderno, la Galería de Arte de Ontario y la Galería Nacional de Canadá, entre otros. Su trabajo en obras de arte, pintura, dibujo y grabados, se discute en el libro de Mitchell Crites: "Roloff Beny viaje visual."
Canadá, como Beny comentó, "no tenía templos de dos mil años de antigüedad, ni caminos desgastados por viajeros apasionados." Pero el fotógrafo pronto encontró su camino a esas sendas y templos en el curso de "andanzas insaciables en Europa y Asia" y, sobre todo, en todo el largo y rico perímetro del Mediterráneo. Beny fue en los primeros días un protegido de Peggy Guggenheim y Herbert Read. El círculo de amigos en torno a él, actores, artistas, coleccionistas y escritores, incluía figuras como Laurence Olivier, Stephen Spender, Rose Macauly, Bernhard Berenson, Jean Cocteau, Henry Moore y otras luminarias del arte y la literatura. Sus lectores, al igual que sus viajes, son internacionales, y sus libros han sido publicados en los Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Francia, Alemania, Italia, España, Holanda, Yugoslavia, Dinamarca, Suecia, Finlandia, Irán y Japón.
Era un hombre obsesionado con la belleza del mundo. Muy justamente se le ha llamado "fotógrafo poético" y era un esteta apasionado cuyo ojo transformaba todo lo que veía. Sus viajes fotográficos se registraron en una serie de espléndidos volúmenes de gran formato que aparecieron a lo largo de los años.
Murió en 1984.

"India", 1969
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Antonio García Peris (fotógrafo español / Spanish photographer)
Matt Kleiner (director, fotógrafo y músico estadounidense / American director, photographer and musician)


El 8 de Enero es el cumple de

Michelle Valberg, fotógrafa canadiense.
Michelle nació para ser una fotógrafa. Con una insaciable búsqueda de aventura, meticulosa atención al detalle y un ojo sin igual para lo singular, Valberg se ha convertido en una reconocida fotógrafa de vida salvaje, paisaje y retrato a nivel mundial.
Además de ser una exitosa mujer de negocios de Ottawa y una de las más destacadas retratistas de Canadá, Valberg ha recibido reconocimientos internacionales por sus fotografías de Ártico de Canadá, incluyendo su gente y paisajes inquietantemente bellos. Estas obras se han exhibido en diversas exposiciones y muestras en América del Norte, incluyendo Nueva York, Los Ángeles, Toronto, Ottawa y Montreal.
Sus fotografías se presentan regularmente en publicaciones a través de América del Norte y Europa, tales como National Geographic, The London Tribune, More Magazine, Canadian Geographic y In Style.

"Foca leopardo en la Antártida / Leopard Seal in Antarctica"
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Arnold Genthe (fotógrafo prusiano / Prusian photographer)
Francis Latreille (artista y fotógrafo franco-estadounidense / French-American artist and photographer)


El 9 de Enero es el cumple de

Christophe Beauregard, retratista francés nacido en 1966 que comenzó su carrera fotográfica en el sector comercial. Inicialmente trabajó como retratista deprensa y campañas de publicidad que conjuntamente desarrollaron y aportaron a su impulso creativo personal. Actualmente está reconocido en Francia y en el extranjero como un fotógrafo contemporáneo centrado en temas clave como la identidad y el individualismo en las sociedades postmodernas.
Después de su graduación de Bellas Artes, Beauregard se trasladó a París en 1993 para iniciar su carrera profesional como asistente de Fabian Cevallos, un fotógrafo de celebridades. Luego fue admitido para trabajar como asistente en una agencia fotográfica paparazzi, donde fue responsable de la organización del estudio, así como la venta de las fotos (debido a su dominio de idiomas). A lo largo de los años '90, Beauregard amplió su profesión creativa comercial suministrando fotografías a revistas y celebridades. Trabajando para revistas como Libération, Le Monde y Télérama, Beauregard también realizó trabajos como fotografías para grandes corporaciones como LMVH, Publicis y Havas. Teniendo en cuenta la exposición pública de estos últimos trabajos, Beauregard también se promocionó fotografiando famosos de la sociedad como Richard Price, Erwin Olaf, Dan Graham y Georg Baselitz.
En 2003 Nicolás Thely, un crítico de arte de Le Monde, y Hélène Sirven, profesora de Bellas Artes en La Sorbona, impulsaron la oferta para exhibir primera serie artística de Beauregard, "Chirurgies", que tuvo lugar en Bureau d’Hypothèses, sala Michel Journiac. A partir de entonces Beauregard decidió llevar de forma conjunta su carrera comercial y sus series artísticas personales.

"Le Nom: Sari - Sari d'Orcino, été / Nombre: Sari - Sari d'Orcino, verano / 
Name: Sari - Sari d'Orsino, Summer", 2015 
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Cindy Sherman (artista, fotógrafa y directora de cine estadounidense / American, photographer and film director)
Antoine-Samuel Adam-Salomon (escultor y fotógrafo francés / French sculptor and photographer)


Hoy, 10 de Enero, es el cumple de

Ronald Edward Galella, fotógrafo estadounidense nacido en 1931, conocido como un paparazzo pionero. Apodado "Paparazzo Extraordinaire" por la revista Newsweek y "el padrino de la cultura paparazzi Estados Unidos" por la revista Time y la revista Vanity Fair, es considerado por Harper's Bazaar como "el más polémico paparazzo de todos los tiempos".
Él inmortalizó a muchas celebridades fuera de la mirada del público y se hizo famoso por sus peleas con algunos de ellos, sobre todo Jacqueline Kennedy Onassis y Marlon Brando. A pesar de las numerosas controversias, Galella ha sido citado por Andy Warhol como su fotógrafo preferido.
Durante su carrera, Galella ha tomado más de tres millones de fotografías de figuras públicas.
Es ampliamente conocido por su tratamiento obsesivo de Jacqueline Kennedy Onassis y las batallas judiciales posteriores asociadas a ella. El New York Post lo llamó "la relación más co-dependiente de la historia entre una celebridad y un paparazzo". El famoso juicio abierto de 1972 de Galella contra Onassis dio lugar a una orden de restricción para mantener a Galella a 50 pies (más tarde cambiado a 25) de distancia de la señora Onassis.
El 12 de junio de 1973, el actor Marlon Brando dio un puñetazo en la cara a Galella a la salida de un restaurante en el barrio chino de Nueva York, rompiendo la mandíbula del fotógrafo y la arrancándole cinco de los dientes del lado izquierdo de su boca. Galella había seguido a Brando al restaurante, quien estaba acompañado por Dick Cavett, después de la grabación de El show de Dick Cavett ese mismo día. Galella contrató al abogado Stuart Schlesinger para demandar Brando y finalmente se conformó con $ 40.000.

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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Rudolf Heinrich Zille (dibujante y fotógrafo alemán / German draftsman and photographer)
Josef Koudelka (fotógrafo checo / Czech photographer)


Textos en inglés / English translation

On January 1 is the birthday of

Wim van der Linden, Dutch photographer and film and television director born in Amsterdam in 1941.
His 1962 exposition Het andere Mokum ("The other Amsterdam"), a collection of photos of the city's slums and the people who lived in it was the basis for a photo album he made by hand and delivered to the city's mayor, van Hall. To open the exposition, the city's spokesperson, Jan Mastenbroek, delivered a passionate lecture in which he used his photos as evidence to emphasize the urgency of developing the Bijlmermeer as a space to build large, clean homes. As a "photographer of Amsterdam", he is said to be on a par with his more famous colleague Ed van der Elsken. Van der Linden's negatives are archived in the Maria Austria Institute in Amsterdam.
His "Tulips", one of four experimental and satirical Sad Movies (1966-1967), is praised as one of the dramatic high points of Dutch film history, and with Wim T. Schippers and others he made groundbreaking and controversial television shows for the VPRO in the 1960s to the 1970s.
He died in 2001.

On January 2 is the birthday of

Jack William Dykinga, American photographer born in 1943. For 1970 work with the Chicago Sun-Times he won the annual Pulitzer Prize for Feature Photography citing "dramatic and sensitive photographs at the Lincoln and Dixon State Schools for the Retarded in Illinois."
Dykinga began his career at the Chicago Tribune, and the Chicago Sun-Times before moving to Arizona, where he joined the Arizona Daily Star, and taught at the University of Arizona and Pima Community College.
Jack Dykinga is a founding Fellow of the International League of Conservation Photographers. His work appears in Arizona Highways and National Geographic. He shows at the G2 Gallery. He is on the board of the Sonoran Desert National Park Project.
In 2010, Dykinga was photographer in residence at Sedona Photofest.

On January 3 is the birthday of

Tony Northrup, American author, photographer, and video instructor born in 1974 in Binghamton, New York. He raised in Pflugerville, Texas, and currently resides in Waterford, Connecticut.
In June 2000, Northrup won the Sexiest Geek Alive contest. Following the contest he made appearances on several TV shows, including Good Morning America, the Montel Williams Show, and To Tell The Truth. Northrup has spoken at conferences and hosted events and webcasts. Northrup is regularly cited as a technology expert. Northrup created a series of videos and a book showing how to use technology to create custom solutions to common problems.
Northrup has published 32 how-to books covering Windows systems administration, software development, and photography for Microsoft Press, O'Reilly, SAMS Publishing, and Mason Press. Among the books he has authored and co-authored are several Resource Kits, an MCDST book, and several Microsoft Press Training Kits.

On January 4 is the birthday of

Edward Aninaru, Romanian commercial and portrait photographer and music video director born in 1976 in Bucharest, currently living and working in LA, California. He is best known for being the official photographer of Romanian singer-songwriter and dancer INNA.
He graduated from a school of music and one of accountancy and attended two colleges. He discovered photography in 2007.
Aninaru started his career in Bucharest, Romania, working for INNA, with whom he shot over 50 photo sessions, some of them being featured in magazines. He has photographed for covers of ELLE Romania, ELLE Bulgaria, Playboy Romania, Forbes Romania, FHM Romania, FHM France, FHM Russia, SHAPE Malaysia and CKM (Poland), and shot campaigns for Anastasia Beverly Hills, Pepsi Romania and Romanian record labels Roton, Cat Music and MediaPro Music.
In 2012, Aninaru moved to Los Angeles and worked with Celine Dion, Ne-Yo, Jay Sean, Shontelle, The Janoskians, Michael Franti, Akcent, Alexandra Stan, James Goldstein, Falling in Reverse, Catrinel Menghia and Madalina Ghenea. He also shot for Capitol Records and Sony Music.

On January 5 is the birthday of

Lucienne Bloch, Switzerland-born (1909) American artist.
A multi-talented artist, Lucienne attended the École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris at 14, apprenticing with sculptor Antoine Bourdelle and painter Andre Lhote. Her close friend Beniamino Bufano also influenced her sculpture.
In 1917, the Bloch family emigrated to America.
In 1929, she pioneered the design of glass sculpture for the Royal Leerdam Crystal Glass Factory in the Netherlands. When Frank Lloyd Wright saw her glass works and spoke with her in New York, he invited her to teach at his architectural school, Taliesin East, where she worked with artist and muralist Santiago Martínez Delgado and other Taliesin fellows.
Then, in 1931, Bloch had met and began her apprenticeship with Diego Rivera on his frescoes in New York (1931, 1933) and Detroit (1932). She also formed a close friendship with Rivera's wife Frida Kahlo, and they became each other's companion and confidant. In 1932 she accompanied Kahlo to Mexico when Kahlo's mother became ill. She was also with Kahlo in Detroit when Kahlo had her miscarriage.
A prolific photographer, Bloch contributed many photographs of Rivera and Kahlo to biographical works about them. She took the only existing photographs of Rivera's (controversially) destroyed mural, Man at the Crossroads, in Rockefeller Center Plaza in New York City.
She died in 1999.

On January 6 is the birthday of

Aron Eisenberg / Scott, American actor born in 1969, known for his role as Nog on Star Trek: Deep Space Nine.
Eisenberg appeared on TV shows including Tales from the Crypt, Amityville: The Evil Escapes, Parker Lewis Can't Lose, The Wonder Years, and General Hospital. He guest-starred in "Motherly Love", an episode of Brotherly Love.
Eisenberg had a repeating guest star role in the '90s TV series The Secret World of Alex Mack, in which he played the character Jerry.
He appeared in films such as The Liars' Club, Puppet Master III, Streets, Colors, and House 3.
Eisenberg played the Ferengi Nog, on Star Trek: Deep Space Nine. Although the part called for him to appear under heavy makeup to appear as a Ferengi, he appeared without makeup as a news vendor in the episode "Far Beyond the Stars". He also guest-starred as a Kazon, called Kar, on "Initiations", an episode of Star Trek Voyager.
Eisenberg has also performed on stage in such productions as The Indian Wants, On Borrowed Time and Minor Demons. He has occasionally directed for the theater, as in the recent production of The Business of Murder at the Conejo Players Theater.
He is now a professional photographer.

On January 7 is the birthday of

Roloff Beny, Canadian photographer born in 1984, who spent the better part of his life in Rome and on his photographic travels throughout the world. Born Wilfred Roy Beny in Medicine Hat, Alberta, he later took as his first name Roloff, his mother's maiden name.
Beny had a considerable reputation and exhibition record as the maker of progressive painting, drawing and printmaking in the late 1940s and early 1950s. He was recognized as one of the leading abstract artists of his day with works of the period exhibited and collected at that time by distinguished institutions such as the Metropolitan Museum, Museum of Modern Art, Art Gallery of Ontario and National Gallery of Canada among others. His work in 'fine art': painting, drawing and prints is discussed in the book by Mitchell Crites: "Roloff Beny Visual Journey."
Canada, as Beny remarked, had "no temples two thousand years old, no paths worn hard by passionate travelers." But the photographer soon found his way to those paths and temples in the course of "insatiable wanderings in Europe and Asia," and, above all, around the long, richly-indented perimeter of the Mediterranean. Beny was in early days a protégé of Peggy Guggenheim and Herbert Read. The circle of friends around him—actors, artists, collectors, writers—included such figures as Laurence Olivier, Stephen Spender, Rose Macauly, Bernhard Berenson, Jean Cocteau, Henry Moore, and other luminaries of art and literature. His readers, like his travels, are international, and his books have been published in America, Canada, England, France, Germany, Italy, Spain, the Netherlands, Yugoslavia, Denmark, Sweden, Finland, Iran, and Japan.
He was a man obsessed with the beauty of the world. He has most justly been called "a poetic photographer" and he was a passionate aesthete whose eye transfigured everything he saw. His photographic journeys were recorded in a series of splendid large-scale volumes which appeared over the years.
He died in 1984.

On January 8 is the birthday of

Michelle Valberg, Canadian photographer.
Michelle was born to be a photographer. With an insatiable quest for adventure, meticulous attention to detail, and an unrivalled eye for the unique, Valberg has become a globally recognized and celebrated wildlife, landscape and portraiture photographer. 
​In addition to a successful Ottawa businesswoman and one of Canada’s premier portrait photographers, Valberg has received international accolades for her photographs of Canada’s Arctic, including its people and hauntingly beautiful landscapes. These works have been showcased in various exhibits and features across North America, including New York, Los Angeles, Toronto, Ottawa and Montreal.
​Her photographs are regularly featured in publications across North America and Europe such as National Geographic, The London Tribune, More Magazine, Canadian Geographic and In Style.

On January 9 is the birthday of

Christophe Beauregard, French portrait photographer born in 1966 who started his photographic career in the commercial sector. Initially working as a portraitist for the press and advertising campaigns he then jointly develop and pursue of his personal creative impulse. He is currently recognized in France and abroad as a contemporary photographer focusing on key themes such as identity and individualism in post-modern societies.
Following his graduation from Beaux Arts, Beauregard moved to Paris in 1993 to start his working career as an assistant for Fabian Cevallos, a celebrity photographer. He was then admitted to work as an assistant in a paparazzi photographic agency, where he was responsible for the organisation of the studio as well as the selling of the photos (due to his proficiency in languages). Throughout the 90’s Beauregard expanded his commercial creative profession by supplying magazines and celebrities with photographs. Working for magazines such as Libération, Le Monde, and Télérama, Beauregard also landed assignments such as professional head-shots for large corporations such as LMVH, Publicis, and Havas. Taking into account the public exposure of the latter job opportunities, Beauregard also promoted himself by photographing the socially famous such as Richard Price, Erwin Olaf, Dan Graham, and Georg Baselitz.
In 2003 Nicolas Thely, an art critic from Le Monde, and Hélène Sirven, a professor of Fine Arts at La Sorbonne, prompted the offer to exhibit Beauregard’s first artistic series, Chirurgies, held at the Bureau d’Hypothèses, salle Michel Journiac. From then on Beauregard decided to conduct jointly his commercial career and his personal artistic series.

Today, January 10, is the birthday of

Ronald Edward Galella, American photographer born in 1931, known as a pioneer paparazzo. Dubbed "Paparazzo Extraordinaire" by Newsweek and "the Godfather of the U.S. paparazzi culture" by Time magazine and Vanity Fair, he is regarded by Harper's Bazaar as "the most controversial paparazzo of all time".
He immortalized many celebrities out of the public eye and gained notoriety for his feuds with some of them, most notably Jacqueline Kennedy Onassis and Marlon Brando. Despite the numerous controversies, Galella has been cited by Andy Warhol as his favourite photographer.
During his career, Galella has taken more than three million photographs depicting public figures.
Galella is widely known for his obsessive treatment of Jacqueline Kennedy Onassis and the subsequent legal battles associated with it. The New York Post called it "the most co-dependent celeb-pap[arazzi] relationship ever". The famous 1972 free-speech trial Galella v. Onassis resulted in a restraining order to keep Galella 50 feet (later changed to 25 feet) away from Mrs. Onassis.
On June 12, 1973, actor Marlon Brando punched Galella in the face outside a restaurant in Chinatown in New York City, breaking the photographer's jaw and knocking out five of his teeth on the left side of his mouth. Galella had been following Brando, who was accompanied by Dick Cavett, to the restaurant after a taping of The Dick Cavett Show earlier that day. Galella hired lawyer Stuart Schlesinger to sue Brando and ultimately settled for $40,000. 

Recolección / Compilation (XXX)

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Nivanh Chanthara (duster132)
(Francia / France)
en / at Montreal, Canadá

Proyecto Babiru / Babiru Project, "Babel", arte digital / digital art
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Ernst Ferdinand Oehme
(Dresde, Alemania / Dresden, Germany, 1797 - 1855)

"Schloß Naudersberg in Tirol / Castillo Naudersberg en el Tirol / Castle Naudersberg in Tirol"
Acuarela y lápiz / watercolor and pencil, 23,7 × 33,7 cm., 11/8/1825.
Wallraf-Richartz-Museum (Köln / Colonia, Alemania / Cologne, Germany)
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Wenceslaus Hollar (Václav Hollar)
(Praga, Bohemia (hoy República Checa) / 
Prague, Kingdom of Bohemia, (present-day Czech Republic), 1607 
- Londres, Reino Unido / London, UK, 1677)

"Un grifo / A Griffin", aguafuerte / etching, 17,2 x 27,5 cm., c.1625–77
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Hermenegildo (Hermen) Anglada Camarasa
(Barcelona, España / Spain, 1871 - Puerto de Pollensa, Mallorca, 1959)

"El tango de la corona", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1910. Archivo Colección La Caixa (España / Spain)

Más sobre Anglada Camarasa en "El Hurgador" / More about Anglada Camarasa in this blog:
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Elaine de Kooning
(Brooklyn, Nueva York, EE.UU. / NY, USA, 1918 - Southampton, NY, 1989)

"Fairfield Porter #1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 31 7/8", 1954.
Coleccción del / Collection of the Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City (Missouri, EE.UU. / MO, USA)
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Daniel Luther
(Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden)

"Vit Uggla / Búho blanco / White Owl", acuarela / watercolor© 2015 Daniel Luther
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Joana Biarnés i Florensa
(Tarrasa, Vallés Occidental, Cataluña, España / Catalonia, Spain, 1935-)

"Les rierades / Las riadas / The Flood", Tarrasa, 25/9/1962
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Stefanie "Steff" Rocknak
(EE.UU. / USA, 1966-)

"Edgar Allan Poe", bronce / bronze, tamaño natural / lifesize 5' 8", 2014
Plaza Poe, en la esquina de las calles Boylston y Charles, Boston, Masachusets / 
Poe Square on the corner of Boylston St. and Charles St., Boston, MA

Más sobre Steff Rocknak en "El Hurgador" / More about Steff Rocknak in this blog:
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Cherine Fahd
(Australia, Sydney, 1974-)

"Homenaje al rectángulo, cara / Homage to a Rectangle, face", c-type, 60 x 40 cm., 2015
© Cherine Fahd 2015
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Pascal Bobillon
(Francia / France)
en / at Lyon

"Les villes étirées # 2, New York / Las ciudades estiradas Nº 2, Nueva York / Stretched Cities # 2, New York"
© 2013 Pascal Bobillon
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Toin Adams (Tawny Gray)
(Kitwe, Zambia, 1965-)
en / at Faro, Portugal

"Minotauro, para Seres Imaginarios / Minotaur, for Imaginary Beings", Loule, Algarve, Portugal, 2013
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Joseph-Désiré Court
(Rouen, Francia / France, 1797 - París, 1865)

"La mort d'Hippolyte / La muerte de Hipólito / The Death of Hippolytus"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 35 x 46 cm., 1825 © Musée Fabre (Montpellier, Francia / France)
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Agnolo Gaddi
(c.1345-50 - Florencia, Italia / Florence, Italy, 1396)

Ciclo de frescos / Frescos Cycle
"Leggenda della Vera Croce / Leyenda de la Vera Cruz / Legend of the True Cross"
"El emperador Heraclio decapita a Cosroes y entra a Jerusalén con la Vera Cruz /
Emperor Heraclius Beheads Chosroës and Enters Jerusalem with the True Cross", fresco, 1385-87. Cappella Maggiore di Santa Croce (Florencia, Italia / Florence, Italy)
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Vincenz Statz
(Köln / Colonia, Alemania / Cologne, Germany, 1819 - 1898)

"¡Por fin están listas!, visión de las torres  completas de la Catedral de Colonia /
And finally they're ready!, vision of the completed Towers of Cologne Cathedral"
Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud (Köln / Colonia, Alemania / Cologne, Germany)
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Zuna Potočná
(Bratislava, Eslovaquia / Slovakia)

"Cuando me dejas caer / When you let me down"
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Pablo Antonio Béjar Novella
(Barcelona, España / Spain, 1869 - Londres, Reino Unido / London, UK, 1920)

"Retrato de una dama de cuerpo entero en vestido de noche / 
Portrait of a lady, full length, in an evening dress", pastel, 220 x 130 cm., 1911
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Jennybird Alcantara
(Nueva York, EE.UU. / NY, USA)
en / at San Francisco

"Un escape sublime / A Sublime Escape", óleo sobre tabla / oil on wood, 36" x 48", 2015
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Jaume Plensa
(Barcelona, España / Spain, 1955-)

"Sho", acero inoxidable / stainless steel, 400 x 400 x 300 cm., 2007.
Colección / Collection Meadows Museum (Dallas, EE.UU. / USA)
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Ike Edeani
(Enugu, Nigeria)
en / at Brooklyn, Nueva York, EE.UU. / NY, USA)

"Karibu Tena", 2014
«En el verano de 2014 pasé cuatro semanas viajando entre Kenya, Uganda y Tanzania por encargo con Mama Hope, una organización sin fines de lucro con sede en San Francisco, para documentar su obra en varias comunidades de la región.
Estas imágenes fueron hechas en momentos tranquilos del camino.
Karibu tena significa "Celebramos tu regreso" en Swahili.»
«In the summer of 2014 I spent four weeks traveling between Kenya, Uganda, and Tanzania on assignment with Mama Hope, a San Francisco-based non-profit organization, to document their work in various communities throughout the region.
These pictures were made in quieter moments along the way.
Karibu tena means 'Welcome back' in Swahili.»
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Maestro lombardo / Lombard Master
(Italia / Italy)

"León y oso / Lion and Bear", pluma y tinta marrón, acuarela y témpera sobre pergamino / 
pen and brown ink, watercolour and tempera on parchment, 14,5 x 19 cm., c 1500
Wallraf-Richartz-Museum & Foundation Corboud (Köln / Colonia, Alemania / Cologne, Germany)

Aniversarios (CVI) [Enero / January 10-16]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 10 de Enero es el cumple de

Eldzier Cortor, artista y grabador afroestadounidense nacido en 1916. Su obra ofrece figuras desnudas, típicamente alargadas, en entornos íntimos, influenciado tanto por el arte africano tradicional como por el surrealismo europeo.
Cortor estudió en el Instituto de Arte de Chicago, obteniendo su título en 1936. En 1940 trabajó con la Works Progress Administration (WPA), donde dibujó escenas de época de la Depresión en Bronzeville, un barrio en el sur de Chicago. En 1949 estudió en Jamaica, Cuba y Haití gracias a una beca Guggenheim, y enseñó en el Centro de Arte de Puerto Príncipe entre 1949 y 1951.
Se convirtió en un ávido lector del Chicago Defender, un periódico popular centrado en la celebración de los éxitos de los afroestadounidenses. Esto se tradujo en última instancia en el principal foco temático de su obra, que fue retratar a los afroestadounidenses con una luz positiva, y resaltar su belleza y sus logros. Durante la mayoría de su carrera, Cortor jugó con diferentes representaciones de la figura femenina negra y la forma de representar a su fuerza y ​​belleza. Él vio la figura femenina negra como el espíritu esencial de la raza negra. Su estilo es a menudo descrito como la experimentación con fisonomía del negro, mientras infundido de surrealismo.
Cortor es considerado como uno de los primeros artistas americanos africanos en representar mujeres desnudas como tema central de su obra. Esta fue una decisión impopular para muchos artistas en su momento como una reacción al paisaje cultural europeo y americano dominante en la época. Esto también fue desfavorecido por el legado histórico de la explotación sexual de las mujeres negras durante la esclavitud. Cortor refuta estas nociones al mostrar el cuerpo femenino negro desnudo como una fuente de fortaleza.
Murió en 2015.

"La habitación Nº 4 / The Room No. VI", óleo y gesso sobre masonita / oil and gesso on Masonite, 107,3 x 80 cm., 1948.
Art Institute of Chicago (EE.UU. / USA)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Antonio Carnicero (pintor español / Spanish painter)
Barbara Hepworth (escultora británica / British sculptress)
Eduardo Chillida (escultor español / Spanish sculptor)


El 11 de Enero es el cumple de

Manfredi Beninati, artista italiano nacido en Palermo (Sicilia) en 1970. Pintor figurativo contemporáneo, su obra abarca también instalaciones, dibujos, escultura y collage.
Después de abandonar la escuela, tanto de leyes como de el cine y habiendo colaborando con conocidos directores italianos, Manfredi Beninati comenzó a trabajar como artista, dedicándose al dibujo. Pasó algún tiempo en España e Inglaterra y en 2002, cuando regresó a Italia, comenzó a hacer esculturas y pinturas figurativas basadas directamente en la realidad o (a menudo) recuerdos imaginarios de la infancia.
En 1994 se trasladó a Londres, donde comenzó a trabajar como artista visual. En 2005 fue seleccionado como uno de los cuatro artistas que representaron a su país en la 51 Bienal de Venecia, donde recibió el premio del público en el pabellón italiano. En 2006 se le concedio una beca en la Academia Estadounidense en Roma como parte del Premio de Roma. Actualmente vive y trabaja en Palermo, Roma y Los Ángeles donde, junto con su esposa Milena Muzquiz (de Los Super Elegantes) ha fundado un grupo de teatro experimental. Está representado por James Cohan Gallery de Nueva York, Tomio Koyama en Tokio y Galleria Lorcan O'Neill en Roma.
Beninati ejerce también patronazgo de herencia cultural italiana, organiza exposiciones, talleres, seminarios y produce publicaciones sobre talentos italianos, a través de una fundación que él y su madre crearon en la memoria de su hermano menor Flavio. Los proyectos más recientes que ha comisariado incluyen una serie de charlas sobre diseño italiano y un taller sobre el icono de la arquitectura Aldo Rossi celebrada por el arquitecto estadounidense Thomas Tsang en Hong Kong y Palermo.

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 90 cm., 2008 
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Alexander Stirling Calder (escultor estadounidense / American sculptor)
Georgios Jakobides (Γεώργιος Ιακωβίδης) (pintor griego / Greek painter)
Nora Heysen (artista australiana / Australian artist)



El 12 de Enero es el cumple de

José de Ribera y Cucó, pintor y grabador español nacido en 1591, que desarrolló toda su carrera en Italia y principalmente en Nápoles. Fue también conocido con su nombre italianizado Giuseppe Ribera y con el apodo Lo Spagnoletto («El Españolito») debido a su baja estatura y a que reivindicaba sus orígenes firmando sus obras como «Jusepe de Ribera, español».
Cultivó un estilo naturalista que evolucionó del tenebrismo de Caravaggio hacia una estética más colorista y luminosa, influida por Van Dyck y otros maestros. Contribuyó a forjar la gran escuela napolitana (Giovanni Lanfranco, Massimo Stanzione, Luca Giordano...), que le reconoció como su maestro indiscutible; y sus obras, enviadas a España desde fecha muy temprana, influyeron en técnica y modelos iconográficos a los pintores locales, entre ellos Velázquez y Murillo. Sus grabados circularon por media Europa y consta que hasta Rembrandt los conocía. Autor prolífico y de éxito comercial, su fama reverdeció durante la eclosión del realismo en el siglo XIX; fue un referente imprescindible para realistas como Léon Bonnat. Algunas de sus obras fueron copiadas por pintores de varios siglos, como Fragonard, Manet, Henri Matisse, entre otros.
Murió en 1652.

"Viejo desnudo al sol / Nude Old Man in the Sun", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76 x 60 cm., 1871.
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
John Singer Sargent (pintor estadounidense / American painter)
William (Bill) Ronald Reid, Jr. (artista canadiense / Canadian artist)



El 13 de Enero es el cumple de

Paul Gavarni, seudónimo de Sulpice Guillaume Chevalier, ilustrador francés nacido en París en 1804.
Paul comenzó a trabajar como obrero mecánico en una fábrica de máquinaria pero vio que para hacer algún progreso en su profesión, tenía que ser capaz de dibujar; en consecuencia, en su tiempo libre por las tardes, tomó clases de dibujo. Dedicó especial atención al dibujo arquitectónico y mecánico y trabajó en agrimensura y cartografía, lo que le llevó a obtener un puesto en el Departamento de Artillería del Gobierno como dibujante. No fue hasta los treinta años que volvió su atención a su vocación como artista.
Sus primeros dibujos publicados fueron para la revista Journal des modes. Su lápiz afilado e ingenioso dotó a estas figuras generalmente comunes y nada artísticas de apariencia vital y una expresión con la que pronto se ganó un nombre en los círculos de moda. Poco a poco prestó mayor atención a este trabajo más agradable, y finalmente dejó de trabajar como ingeniero para convertirse en el director de la revista Les Gens du monde.
Con una ambición que crecía en proporción a su éxito, Gavarni siguió a partir de entonces sus verdaderas inclinaciones y comenzó una serie de bocetos litografiados, en los que interpretó las características más llamativas, debilidades y vicios de las diversas clases de la sociedad francesa. Las explicaciones de tipografía que acompañaban a sus dibujos eran siempre cortas, pero de gran fuerza y ​​muy buen humor, aunque a veces trivial, que se adaptaba admirablemente a los sujetos.
Murió en 1866.

"Un Soupçon jaloux / Un celoso que sospecha / A Jealous Suspicion"
Pluma y acuarela sobre lápiz, sobre papel tejido / 
pen and watercolor over pencil on wove paper, folio / sheet 23,5 x 15,24 cm., c.1830s - mediados / mid 1840s 
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Eduardo Carretero Martín (escultor español / Spanish sculptor)
Jan van Goyen Josephszoon (pintor paisajista holandés / Dutch landscape painter)

Martin Wittfooth (pintor estadounidense / American painter)



El 14 de Enero es el cumple de

Henri Fantin-Latour, pintor y litógrafo francés nacido en 1836, conocido por sus pinturas de flores y retratos de grupo de artistas parisinos y escritores.
En su juventud recibió clases de dibujo de su padre, que era un artista. En 1850 ingresó en la Ecole de Dessin, donde estudió con Lecoq de Boisbaudran. Después de estudiar en la École des Beaux-Arts de París de 1854, dedicó mucho tiempo a copiar obras de los viejos maestros en el Musée du Louvre. Aunque se hizo amigo de varios de los jóvenes artistas que más tarde se asociaron con el impresionismo, incluyendo Whistler y Manet, su propio trabajo siguió siendo conservador en el estilo.
Whistler llamó la atención sobre Fantin en Inglaterra, donde sus naturalezas muertas vendían tan bien que fue "prácticamente desconocido en Francia durante su vida". Además de sus pinturas realistas, Fantin-Latour creó imaginativas litografías inspiradas en la música de algunos de los grandes compositores clásicos.
En 1875 se casó con una compañera pintora, Victoria Dubourg, tras lo cual pasó sus veranos en la finca de la familia de su esposa en Bure, Orne en la Baja Normandía, donde murió en 1904.

"Autorretrato / Self-portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101 × 83,5 cm,
Musée des Beaux-Arts (Grenoble, Francia / France)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Einar Hákonarson (pintor islandés / Icelandic painter)
Juan de Ribera Berenguer Palau (pintor español / Spanish painter)



El 15 de Enero es el cumple de

(Friedrich August) Erich Schmidt-Kestner, escultor alemán nacido en 1877 en Berlín.
Estudió en la Academia de las Artes de Berlín y en la  Academia de Arte de Dusseldorf.
En 1904 fue galardonado con una medalla de oro en la Gran Exposición de Arte de Berlín. En 1905 obtuvo una medalla de oro en la Exposición Internacional de Arte de Munich por su obra Schreitendes Mädchen. Después de completar sus estudios, se le concedió el Premio de Roma en 1905. Así tuvo la oportunidad de vivir dos años en Italia para poder profundizar en su obra. Hasta los 50 años vivió en su ciudad natal trabajando como artista independiente, solamente interrumpido por el estallido de la Primera Mundial Guerra en la que participó como soldado en Francia, Rusia e intérprete italiano en los Alpenkorps. Uno de su estudios en la Offenbacher Straße, en Berlín-Friedenau, aún se utiliza como tal.
Murió en 1941.

"Der Abschiedskuss / El beso del adiós / The Farewell Kiss"
Bronce, pátina marrón oscura, sobre base de mármol veteado en verde /
bronze, dark brown patina, on a veined green marble base
Bronce / bronze: 40 x 42 cm., Base: 2 x 41 x 21 cm.
placa inscrita en la base / plaque on the base inscribed: Regenburg M Ostern 1927
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Armando Morales Sequeira (pintor nicaragüense / Nicaraguan painter)
Eugène Brands (pintor holandés / Dutch painter)
Ferdinand Georg Waldmüller (pintor y escritor austríaco / Austrian painter and writer)


El 16 de Enero es el cumple de

Pierre Louis Rouillard, escultor francés nacido en París en 1820, conocido por sus esculturas de animales. Fue uno de la "escuela de animalistas franceses", que también incluyó a Pierre-Jules Mene, Antoine-Louis Barye, Auguste Caín y François Pompon. Trabajó principalmente en hierro fundido en vez de bronce.
Rouillard asistió a la École des Beaux-Arts de París, donde fue alumno de Jean-Pierre Cortot. Fue profesor de escultura en la Escuela de Artes Decorativas de 1840 a 1881. François Pompon estudió con él.
Entre sus obras destacan las esculturas de la Ópera de París, Palacio del Louvre y de la Fontaine Saint-Michel. Fue encargado de viajar a Estambul, por el sultán Abdulaziz. Tiene muchas esculturas en diferentes lugares de Estambul, incluyendo una escultura de un toro en el centro del distrito Kadikoy. Fue condecorado con la Orden de las Palmas Académicas y nombrado Caballero de la Legión de Honor.
Murió en 1881.

"La Chienne / La perra / The Bitch", Antoine Durenne fundidor, hierro / founder, cast iron.
Obra adquirida por la ciudad de Toulouse durante la Exposición de 1865 /
Work acquired by the city of Toulouse during the Exhibition of 1865.
Entrada del Jardín “Grand Rond” / Entrance to the Garden of the “Grand Rond” (Toulouse, Francia / France)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Antonio Herrera Toro (pintor venezolano / Venezuelan painter)
Edouard Martinet (escultor francés / French sculptor)
Lucas Achtschellinck (pintor barroco flamenco / Flemish Baroque painter)



Textos en inglés / English translation

On January 10 is the birthday of

Eldzier Cortor, African-American artist and printmaker born in 1916. His work typically features elongated nude figures in intimate settings, influenced by both traditional African art and European surrealism.
Cortor attended the Art Institute of Chicago, gaining a degree in 1936. In 1940 he worked with the Works Progress Administration (WPA), where he drew scenes of Depression-era Bronzeville, a neighborhood on Chicago's South Side. In 1949, he studied in Jamaica, Cuba, and Haiti on a Guggenheim Fellowship, and taught at the Centre d'Art in Port-au-Prince from 1949 to 1951.
Growing up, he was an avid reader of the Chicago Defender, which was a popular newspaper that focused on celebrating the successes of African Americans. This is ultimately translated into the main thematic focus of his artwork, which is to portray African Americans in a positive light and highlight their beauty and achievements. For the majority of his career, Cortor played with different representations of the black female figure and how to represent her strength and beauty. Cortor saw the black female figure as being the essential spirit of the black race. His style is often described as experimenting with black physiognomy while infusing it with surrealism.
Cortor is considered to be the first African American artists to depict nude women as the central theme of his work. This was an unpopular choice for many artists at the time as a reaction to the dominant European and American cultural landscape at the time. This was also unfavored because of the historical legacy of the sexual exploitation of black women during slavery. Cortor refutes these notions by showing the nude black female body as a source of strength.
He died in 2015.

On January 11 is the birthday of

Manfredi Beninati, Italian artist born in Palermo (Sicily) in 1970. A contemporary figurative painter, his oeuvre also covers installations, drawings, sculpture and collage.
After dropping out of both law and film school and collaborating with well-known Italian directors, Manfredi Beninati began working as an artist, devoting himself to drawing. He spent some time in Spain and England and, in 2002, when came back to Italy, he began to make sculptures and figurative paintings that drew directly on real or (often) imaginary childhood memories. Beninati first started studying law then switched to film courses in the early 1990s while working as an assistant director in the Italian film industry. In 1994 he moved to London where he started working as a visual artist. In 2005 he was selected as one of four artists to represented his country at the 51 Venice Biennale where he received the audience award for the Italian pavilion. In 2006 he was given a fellowship at the American Academy in Rome as part of the Rome Prize. He currently lives and works in Palermo, Rome and Los Angeles where, together with his wife Milena Muzquiz (of Los Super Elegantes) he has founded an experimental theatre group. He is represented by James Cohan Gallery in New York, Tomio Koyama in Tokyo and Galleria Lorcan O'Neill in Rome.
Beninati is also a patron of Italian cultural heritage, organizing exhibitions, workshops, seminars and producing publications on Italian talents, through a foundation he and his mother set up in the memory of his younger brother Flavio. Recent projects he has curated include a series of talks on Italian design and a workshop on architecture icon Aldo Rossi held by American architect Thomas Tsang in Hong Kong and Palermo.

On January 12 is the birthday of

José de Ribera y Cuco, Spanish painter and printmaker born in 1591, better known as Jusepe de Ribera, who worked in Italy, mainly in Naples. He also was called Lo Spagnoletto ("the Little Spaniard") by his contemporaries and early writers because of his small stature an also because he originally claimed his origins by signing his works as "Jusepe de Ribera, Spanish".
He cultivate a naturalistic style that evolved from Tenebrism by Caravaggio towards a more colorful and luminous aesthetics, influenced by Van Dyck and other masters. It helped forge the great Neapolitan school (Giovanni Lanfranco, Massimo Stanzione, Luca Giordano ...), who recognized him as their undisputed master; and his works, sent to Spain at an early date, influenced art and iconographic models to local artists, including Velázquez and Murillo. His prints circulated through Europe and even Rembrandt knew it. A prolific author with commercial success, his fame had blossomed during the emergence of realism in the nineteenth century. He was an essential reference for Realists as Léon Bonnat. Some of his works were copied for centuries by painters as Fragonard, Manet, Henri Matisse, among others.
He died in 1652.

On January 13 is the birthday of

Paul Gavarni, nom de plume of Sulpice Guillaume Chevalier, French illustrator born in Paris in 1804.
Paul began work as a mechanical worker in a machine factory but he saw that to make any progress in his profession, he had to be able to draw; accordingly in his spare time in the evenings, he took classes in drawing. He devoted his special attention to architectural and mechanical drawing and worked at land surveying and mapping which led to his obtaining a position with the Government Ordnance Department as a draughtsman. It wasn't until his early thirties that he turned his attention to his proper vocation as an artist.
His first published drawings were for the magazine Journal des modes. His sharp and witty pencil gave to these generally commonplace and unartistic figures a life-likeness and an expression which soon won for him a name in fashionable circles. Gradually he gave greater attention to this more congenial work, and finally ceased working as an engineer to become the director of the journal Les Gens du monde.
His ambition rising in proportion to his success, Gavarni from this time followed the real bent of his inclination, and began a series of lithographed sketches, in which he portrayed the most striking characteristics, foibles and vices of the various classes of French society. The letterpress explanations attached to his drawings were always short, but were forcible and highly humorous, if sometimes trivial, and were admirably adapted to the particular subjects. 
He died in 1866.

On January 14 is the birthday of

Henri Fantin-Latour, French painter and lithographer born in 1836, best known for his flower paintings and group portraits of Parisian artists and writers.
As a youth, he received drawing lessons from his father, who was an artist. In 1850 he entered the Ecole de Dessin, where he studied with Lecoq de Boisbaudran. After studying at the École des Beaux-Arts in Paris from 1854, he devoted much time to copying the works of the old masters in the Musée du Louvre.Although Fantin-Latour befriended several of the young artists who would later be associated with Impressionism, including Whistler and Manet, Fantin's own work remained conservative in style.
Whistler brought attention to Fantin in England, where his still-lifes sold so well that they were "practically unknown in France during his lifetime". In addition to his realistic paintings, Fantin-Latour created imaginative lithographs inspired by the music of some of the great classical composers.
In 1875, Henri Fantin-Latour married a fellow painter, Victoria Dubourg, after which he spent his summers on the country estate of his wife's family at Buré, Orne in Lower Normandy, where he died in 1904.

On January 15 is the birthday of

(Friedrich August) Erich Schmidt-Kestner, German sculptor born in 1877 in Berlin.
He studied at the Berlin Academy of the Arts, and at the Academy of Art in Dusseldorf.
In 1904 he was awarded with a gold medal at the Great Berlin Art Exhibition. In 1905 he won a Gold medal at the International Art Exhibition in Munich for his work Schreitendes Mädchen. After completing his studies, he was awarded the Prix de Rome in 1905. So he had the opportunity to live two years in Italy to deepen their work. Until his 50 he lived in his hometown working as a freelance artist, only interrupted by the outbreak of the First World War in which he participated as a soldier in France, Russia and Italian translator on Alpenkorps. One of his studies at the Offenbacher Straße in Berlin-Friedenau, is still used as such.
He died in 1941.

On January 16 is the birthday of

Pierre Louis Rouillard, French sculptor born in París in 1820, known for his sculptures of animals. He was one of a "school of French animalières", which also included Pierre-Jules Mêne, Antoine-Louis Barye, Auguste Caïn and François Pompon. He worked mainly in cast iron rather than bronze.
Rouillard attended the École des Beaux-Arts in Paris, where he was a pupil of Jean-Pierre Cortot. He was a professor of sculpture at the École des Arts décoratifs from 1840 to 1881. François Pompon studied with him.
His works include sculptures for the Opéra de Paris, Palais du Louvre and the Fontaine Saint-Michel. He was commissioned to travel to Istanbul, by Sultan Abdulaziz. He has many sculptures in different locations of Istanbul, including a bull sculpture at the center of Istanbul's Kadikoy district. He was awarded the Ordre des Palmes Académiques and made a Chevalier of the Légion d'honneur.
He died in 1881.

Aniversarios Fotografía (CVI) [Enero / January 11-17]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 11 de Enero es el cumple de

Eva Mahn, historiadora del arte, profesora universitaria y fotógrafa alemana nacida en 1947, residente actualmente en Halle (Saale).
Se graduó en 1964 en la escuela "Thomas Müntzer"de Aschersleben
Entre 1970 y 1972 fue becaria de investigación y de 1972 a 1996 profesora adjunta en la Escuela de Arte Burg Giebichenstein en Halle (Saale) en el Departamento de Arte. Ha trabajado activamente como historiadora del arte, en investigación, docencia y periodismo. A menudo ha actuado como jurado, comisaria en simposios relacionados con las artes y la artesanía, el diseño, la construcción y la arquitectura de los siglos XIX y XX.
En 1991 recibió su doctorado de la Universidad de Leipzig con su publicación sobre "El vitral en el romanticismo alemán 1790-1850". De 1992 a 1996 Eva Mahn fue Jefa de la Colección de Arte y Diseño de la Universidad Burg-Giebichenstein de Arte y Diseño de Halle. Desde 1996 ha estado allí, realizando investigación artística en el Departamento de Artes, sobre todo referente a los conceptos básicos de la fotografía.
Entre 1969 y 1977 trabajó a tiempo parcial como modelo para revistas de moda "Sybille" (Berlín), "Saison" y "Modische Madchen" (Leipzig). Durante dos años (1973-1975) fue ayudante del fotógrafo de moda Günter Rössler en Leipzig y trabajó intensamente la fotografía en blanco y negro.

"Sin título / Untitled" de la serie Schattenbilder (Siluetas) / from the series Silhouettes"
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Kyle Thompson (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Alexander Zhitomirsky (artista ruso / Russian artist)


El 12 de Enero es el cumple de

Laura Adams Armer, artista y escritora estadounidense nacida en 1874. También fue una fotógrafa temprana en San Francisco, California.
Mientras estudiaba en la Escuela de Diseño de California en San Francisco, conoció a su futuro esposo, Sidney Armer. Desde alrededor de 1900 tuvo su propio negocio en la ciudad como fotógrafa de retratos y exhibía sus obras en exposiciones.
Su interés especial en los Navajo y el suroeste de Estados Unidos dio lugar a una película muda "The Mountain Chant" (1928) y de fotografías de las actividades cotidianas de los navajo, incluyendo la pintura con arena. Farmer fue una escritora de éxito, ganando en 1931 la Medalla Newbery por el libro infantil acerca de los navajos: "Montaña sin agua".
Las fotografías de Armer están en las colecciones de la Sociedad Histórica de California, San Francisco, el Museo Phoebe A. Hearst de Antropología, Berkeley, y el Museo Wheelwright de los indios estadounidenses de Santa Fe, Nuevo México.

Izq./ Left: "Un inmigrante chino en el Barrio Chino de San Francisco /
A Chinese immigrant in San Francisco Chinatown", 1911
Der./ Right: "Retrato de / Portrait of Elsie Whitaker", c.1907

Más sobre Laura Adams en "El Hurgador" / More about Laura Adams in this blog:
[Recolección (XXXI)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Christian Poveda (fotógrafo y cineasta hispano-francés / Spanish-French photographer and filmmaker)
Teoberto Maler o Teobert Maler (explorador ítalo-alemán / Italian-German explorer)


El 13 de Enero es el cumple de

Joshua Benoliel, periodista gráfico portugués nacido en Lisboa en 1873. Fue el fotógrafo oficial del rey Carlos I de Portugal.
Comenzó a trabajar como reportero gráfico para la revista deportiva Tiro e Sport, pero la mayor parte de su carrera fue en el diario portugués O Século y su suplemento Ilustração Portuguesa. También fue corresponsal en portugal del diario español ABC y la revista francesa L'Illustration.
Benoliel cubrió los principales acontecimientos de la historia de Portugal durante las primeras décadas del siglo 20, incluyendo la caída de la monarquía y la participación portuguesa en la Primera Guerra Mundial, pero fue conocido sobre todo por informar, de las fiestas de sociedad y escenas callejeras cotidianas.
Murió en 1932.

"Beco de São Miguel. Crianças em Alfama / Callejón de San Miguel. Niños en Alfama /
St. Michael's Alley. Children at Alfama"
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Barry Chapman Bishop (montañero, científico y fotógrafo estadounidense / 
American mountaineer, scientific and photographer)

Ruth Harriet Louise (Ruth Goldstein) (fotógrafa profesional estadounidense / 
American professional photographer)


El 14 de Enero es el cumple de

Garry Winogrand, fotógrafo callejero del Bronx, Nueva York, nacido en 1928, conocido por su interpretación de la vida estadounidense y sus problemas sociales a mediados del siglo XX. Aunque fotografió en Los Ángeles y en otras partes, Winogrand fue esencialmente un fotógrafo de Nueva York.
Recibió tres becas Guggenheim para trabajar en proyectos personales, una beca de la Fundación Nacional para las Artes, y publicó cuatro libros durante su vida. Fue uno de los tres fotógrafos destacados en la influyente "Nueva Exposición Documentos" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1967 y realizó muestras individuales allí en 1969, 1977 y 1988. Se sostuvo trabajando como fotoperiodista independiente y fotógrafo publicitario en la década de 1950 y 1960, y enseñando fotografía en la década de 1970. Sus fotografías se pulicaron en revistas como Popular Photography, Eros, Contemporary Photographer y Photography Annual.
El curador de fotografía, historiador y crítico John Szarkowski llamó a Winogrand al fotógrafo central de su generación. Phil Coomes, escribió para la BBC en 2013: "Para aquellos de nosotros interesados ​​en la fotografía callejera hay algunos nombres que destacan y uno de ellos es Garry Winogrand, cuyas imágenes de Nueva York en el 1960 son una lección fotográfico en cada toma".
Al momento de su muerte, la obra tardía de Winogrand no se había revelado aún (cerca de 2.500 rollos de película), 6.500 rollos esataban revelados pero no había pruebas, y alrededor de 3.000 rollos sólo habían llegado hasta las hojas de contacto.
Murió en 1984.

"Feria Mundial de los Estados Unidos / American World's Fair", Nueva York / NY, 1964
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Cecil Walter Hardy Beaton (diseñador de vestuario y fotógrafo británico / 
British costume designer and photographer)

Erik Refner (fotógrafo y reportero gráfico con sede en Dinamarca / Denmark based photographer and photojournalist)


El 15 de Enero es el cumple de

Andreas Gursky, fotógrafo alemán y profesor de la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, Alemania, nacido en 1955. Es conocido por sus fotografías a color de gran formato de paisaje y arquitectura formato, a menudo empleando un punto de vista elevado. Gursky comparte un estudio con Laurenz Berges, Thomas Ruff y Axel Hütte en el Hansaallee, en Düsseldorf. El edificio, una antigua central eléctrica, se transformó en un estudio de artistas y viviendas, en 2001, por los arquitectos Herzog & de Meuron. En 2010-11, los arquitectos trabajaron nuevamente en el edificio, diseñando una galería en el sótano.
Antes de la década de 1990, Gursky no manipulaba digitalmente sus imágenes. En los años posteriores, Gursky ha sido franco respecto a su dependencia de los ordenadores para editar y mejorar sus imágenes. Escribiendo en la revista The New Yorker, el crítico Peter Schjeldahl calificó estas fotos de "inmensas", "ostentosas", "entretenidas" y "literalmente increíbles." En la misma publicación, el crítico Calvin Tomkins describe a Gursky como uno de los "dos Maestros" de la escuela de Düsseldorf.

Rin II es una fotografía hecha por Gursky en 1999. En 2011, una impresión de la misma fue subastada por 4,3 millones de dólares, por lo que es la fotografía más cara jamás vendida.
Fue producida como la segunda (y más grande) de un conjunto de seis que representan el río Rin. En la imagen, el Rin fluye horizontalmente a través del campo de visión, entre verdes campos, bajo un cielo nublado.
Detalles extraños como paseadores de perros y el edificio de una fábrica fueron retirados por el artista mediante edición digital. Justificando esta manipulación de la imagen, Gursky dijo "Paradójicamente, este punto de vista del Rin no se puede obtener in situ, se requiere una construcción ficticia para proporcionar una imagen exacta de un río moderno."

"Rhein II / Rin II", c-print montado sobre plexiglás en marco hecho por el artista /
c-print mounted to plexiglass in artist's frame, 190 x 360 cm., 1999
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Marc Cartwright(fotógrafo de celebridades con sede en Los Angeles / L.A. based celebrity photographer)

Frances "Fannie" Benjamin Johnston
(fotógrafa y fotoperiodista estadounidense / American photographer and photojournalist)


El 16 de Enero es el cumple de

Ralph Gibson, fotógrafo artístico estadounidense nacido en 1939, conocido por sus libros de fotografía. Sus imágenes a menudo incorporan fragmentos con matices eróticos y misteriosos, construyendo un significado narrativo a través de la contextualización y yuxtaposición surrealista. Más imágenes e información en el post previo.

"Sin título / Untitled", 1974

Más sobre Ralph Gibson en "El Hurgador" / More about Ralph Gibson in this blog:
[Judy y los fotógrafos (I)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Shōmei Tōmatsu (東松照明) (fotógrafo japonés / Japanese photographer)

Francesco Scavullo (fotógrafo de moda estadounidense / American fashion photographer)


Hoy, 17 de Enero, es el cumple de

Marcus Halevi, fotógrafo estadounidense nacido en 1942 en Croton-on-Hudson, Nueva York.
Entre sus muestras individuales se incluyen Anchorage (Alaska) Museo de Bellas Artes, 1978, Museo Peabody, 1990, Carpenter Center Arts de la Universidad de Harvard, 1995, Galería del Radcliffe College, 2001, Sacramento St. Gallery, 2002.
Obras principales: los refugiados del río Mekong, limpieza de minas en Camboya, hijos de Bangkok, la prostitución infantil, la intoxicación por el Agente Naranja de los veteranos de Vietnam, campos de refugiados camboyanos, asilos de Rumania, sistema penitenciario ruso, la India urbana, guardias medioambientales, oficinas de correos rurales.
Halevi es famoso por dedicar su tiempo y atención a las víctimas de la guerra y la injusticia en el mundo. Ha dedicado su vida a la tragedia de los demás y se ha beneficiado de la desgracia de otras persona. Un día fue enviado a fotografiar una tormenta y tomó una foto de una mujer fumando y bebiendo en la orilla. Una fracción de segundo después de tomar la imagen, una ola hizo que el suelo debajo de ella desapareciera y ella cayera en las agua turbulentas. Continuó fotografiando la situación porque un hombre y un salvavidas estaban a unos 100 pies de distancia de ella y venían en su ayuda. El hombre que llegó primero entró en el agua y le tomó la mano, pero se detuvo. Una ola masiva llegó de repente y se tragó a la mujer, ahogándola.

La secuencia de fotos de Halevi se ha convertido en un elemento básico de estudio en el aula sobre la ética de los medios. ¿Es obligación del reportero gráfico  intervenir? Y de ser así, ¿es esta forma de intervención un imperativo moral compartido por todos? La historia se complica aún más cuando nos enteramos de que al parecer la cercanía de Halevi a la víctima es una ilusión producida por un teleobjetivo. En realidad estaba a casi 50 pies de distancia de la mujer, y cuando vio a dos hombres (uno de los cuales resultó ser un salvavidas) corriendo en su ayuda, él se mantuvo firme con dedo en el disparador. Si bien la falta de acción de Halevi hizo que algunos le acusaran de oportunista (cuando no francamente macabro), otros lo han defendido, argumentando que salvar vidas era la función de un socorrista capacitado, y que el papel principal de Halevi era realizar su función como había sido entrenado para mantener la toma en cuadro y disparar hasta que se acabara la película.

"Secuencia de la muerte por ahogamiento de una mujer /
drowning death of a woman sequence", Plum Island, Massachusetts, Lawrence Eagle-Tribune
Halevi habla sobre sus imágenes (en inglés) / Halevi talks about his images: Youtube
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Izis (Israëlis Bidermanas) (fotógrafo lituano-francés / French-Lithuanian photographer)

Luis Antonio Peirce Byers "Korda" (fotógrafo cubano / Cuban photographer)


Textos en inglés / English translation

On January 11 is the birthday of

Eva Mahn, German art historian, university professor and photographer born in 1947, currently residing in Halle (Saale).
She graduated in 1964 at school "Thomas Müntzer" Aschersleben.
Between 1970 and 1972 she was a research fellow and 1972-1996 assistant professor at the School of Art Burg Giebichenstein in Halle (Saale) at the Department of Art. She has been active as an art historian in research, teaching and journalism. She has often acted as a jury and curator at symposiums related to arts and crafts, design, construction and architecture of the nineteenth and twentieth centuries.
In 1991 she received her doctorate from the University of Leipzig with her publication on "The stained glass in the German romanticism 1790-1850". From 1992 to 1996 Eva Mahn was Head of the Collection of Art and Design at Burg-Giebichenstein Art and Design Halle University. Since 1996 she has been there, doing artistic research in the Department of Arts, especially regarding the basics of photography.
Between 1969 and 1977 she worked part-time as a model for fashion magazines "Sybille" (Berlin), "Saison" and "Modische Madchen" (Leipzig). For two years (1973-1975) was assistant of fashion photographer Günter Rössler in Leipzig and worked intensely photography in black and white.

On January 12 is the birthday of

Laura Adams Armer, American artist and writer born in 1874. She was also an early photographer in San Francisco, California.
While studying at the California School of Design in San Francisco, she met her future husband, Sidney Armer. From around 1900, she had her own business in the city as a portrait photographer and displayed her works at exhibitions.
Her special interest in the Navajo and the Southwestern United States led to a silent film The Mountain Chant (1928) and to photographs of the day-to-day activities of the Navajo including sandpainting. Armer was a successful writer, winning the Newbery Medal for her children's book about the Navajo: Waterless Mountain in 1931.
Armer's photographs are in the collections of the California Historical Society, San Francisco, the Phoebe A. Hearst Museum of Anthropology, Berkeley, and the Wheelwright Museum of the American Indian, Santa Fe, New Mexico.
She died in 1963.

On January 13 is the birthday of

Joshua Benoliel, Portuguese photojournalist born in Lisbon in 1873. He was the official photographer for King Carlos I of Portugal.
He started working as a photojournalist for sports magazine Tiro e Sport, but most of his career was in the Portuguese newspaper O Século and its supplement Ilustração Portuguesa. He was also the Portuguese correspondent of Spanish newspaper ABC and French magazine L'Illustration.
Benoliel covered the main events in Portuguese history during the early decades of the 20th century, including the downfall of monarchy and the Portuguese participation in World War I. But he was known to report on about everything, from society parties to common street scenes.
He died in 1932.

On January 14 is the birthday of

Garry Winogrand, street photographer from the Bronx, New York, born in 1928, known for his portrayal of American life, and its social issues, in the mid-20th century. Though he photographed in Los Angeles and elsewhere, Winogrand was essentially a New York photographer.
He received three Guggenheim Fellowships to work on personal projects, a fellowship from the National Endowment for the Arts, and published four books during his lifetime. He was one of three photographers featured in the influential New Documents exhibition at Museum of Modern Art in New York in 1967 and had solo exhibitions there in 1969, 1977 and 1988. He supported himself by working as a freelance photojournalist and advertising photographer in the 1950s and 1960s, and taught photography in the 1970s. His photographs featured in photography magazines including Popular Photography, Eros, Contemporary Photographer and Photography Annual.
Photography curator, historian, and critic John Szarkowski called Winogrand the central photographer of his generation. Phil Coomes, writing for BBC News in 2013, said "For those of us interested in street photography there are a few names that stand out and one of those is Garry Winogrand, whose pictures of New York in the 1960s are a photographic lesson in every frame."
At the time of his death Winogrand's late work remained undeveloped, with about 2,500 rolls of undeveloped film, 6,500 rolls of developed but not proofed exposures, and about 3,000 rolls only realised as far as contact sheets being made.
He died in 1984.

On January 15 is the birthday of

Andreas Gursky, German photographer and Professor at the Kunstakademie Düsseldorf, Germany, born in 1955. He is known for his large format architecture and landscape colour photographs, often employing a high point of view. Gursky shares a studio with Laurenz Berges, Thomas Ruff and Axel Hütte on the Hansaallee, in Düsseldorf. The building, a former electricity station, was transformed into an artists studio and living quarters, in 2001, by architects Herzog & de Meuron. In 2010-11, the architects worked again on the building, designing a gallery in the basement.
Before the 1990s, Gursky did not digitally manipulate his images. In the years since, Gursky has been frank about his reliance on computers to edit and enhance his pictures. Writing in The New Yorker magazine, the critic Peter Schjeldahl called these pictures "vast,""splashy,""entertaining," and "literally unbelievable." In the same publication, critic Calvin Tomkins described Gursky as one of the "two masters" of the Düsseldorf school.

Rhein II is a photograph made by Gursky in 1999. In 2011, a print was auctioned for $4.3 million, making it the most expensive photograph ever sold.
The photograph was produced as the second (and largest) of a set of six depicting the River Rhine. In the image, the Rhine flows horizontally across the field of view, between green fields, under an overcast sky.
Extraneous details such as dog-walkers and a factory building were removed by the artist using digital editing. Justifying this manipulation of the image, Gursky said "Paradoxically, this view of the Rhine cannot be obtained in situ, a fictitious construction was required to provide an accurate image of a modern river."

On January 16 is the birthday of

Ralph Gibson, American art photographer born in 1939, best known for his photographic books. His images often incorporate fragments with erotic and mysterious undertones, building narrative meaning through contextualization and surreal juxtaposition. More images and information in previous post.

Today, January 17, is the birthday of

Marcus Halevi, American photographer born in 1942 in Croton-on-Hudson, New York.
One person shows include Anchorage (Alaska) Fine Arts Museum, 1978, Peabody Museum, 1990, Carpenter Center Arts Harvard University, 1995, Radcliffe College Gallery, 2001, Sacramento St. Gallery, 2002. 
Principal works include refugees of Mekong River, land mine clearing in Cambodia, children of Bangkok, child prostitution, Agent Orange poisoning of Vietnam veterans, Cambodian refugee camps, asylums of Romania, Russian prison system, urban India, environmental vigilantes, rural post offices. 
Halevi is famous for devoting his time and attention to victims of war and injustice around the world. He’s dedicated his life to the tragedy of others and has benefited from someone else’s misfortune. One year, he was sent out to photograph a storm and he caught a picture of a woman having a smoke and drinking a beer by the shore. A split-second after the picture was snapped, a wave caused the ground beneath her to give way and she was pulled into the turbulent water. He continued to photograph the situation because a man and a lifeguard were about 100 feet away from her and coming to help. The man got there first, he stepped into the water and reached for her hand, but stopped. A massive wave suddenly came in and consumed the woman, drowning her. 

Halevi’s photos have become a staple in the media ethics classroom. Is it the photojournalist’s obligation to intervene? And, if so, is this form of intervention a moral imperative shared by all? The story is complicated further when we learn that Halevi’s seemingly close proximity to the victim is an illusion, the result of a telephoto lens. In reality, he was nearly 50 feet away from the woman, and when he spotted two men (one of whom happened to be a lifeguard) rushing to her aid, he held firm, his finger on the shutter release. While some view Halevi’s inaction as opportunistic (if not outright ghoulish), others have defended him, arguing that lifesaving was best attempted by a trained lifeguard and that Halevi’s primary role was to perform his function as he had been trained—to keep the subject in frame, to shoot until the film ran out.

Recolección / Compilation (XXXI)

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Valentino Quijano
(Redwood City, California, EE.UU. / USA)
en / at Waimea, Hawaii

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Qin Tianzhu
秦天柱
(Chengdu, Provincia de Sichuan / Chengdu City, Sichuan Province, China, 1952-)

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Ryan Duffin
(Alberta, Canadá, 1994-)

"Hoja púrpura sobre mármol / Purple Leaf on Marble", 2013
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Go Itami
(Tokushima, Japón / Japan, 1976-)

"Mazime 3"
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Kour Pour
(Exeter, Devon, Reino Unido / UK, 1987-)

"Recuerdos de un mercader / Memoirs of a Merchant"
Acrílico sobre lienzo, sobre panel / acrylic on canvas over panel, 96" x 72", 2014- 2015
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Carl Larsson
(Estocolmo, Suecia / Sweden, 1853 - Falun, 1919)

"Comienza la temporada de pesca del cangrejo de río / The Crayfish Season Opens"
Acuarela / watercolor, 1897

Más sobre Carl Larsson en "El Hurgador" / More about Carl Larsson in this blog:
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Anne Marie Hall
(Australia, 1945-)

Izq./ Left: "El circo / The Circus", óleo sobre panel / oil on board, 121,5 x 90,5 cm., 1974
Der./ Right: "Figuras y animales / Figures & Animals", óleo sobre panel / oil on board, 90 x 54 cm., 1972
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Louis Abel-Truchet
(Versailles / Versalles, Francia / France, 1857 - Auxerre, 1918)

"La Festa Del Redentore, Venezia / La fiesta del redentor, Venecia / 
The Feast of the Redeemer, Venice", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 123,3 x 96 cm.>
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Clara Ledesma
(Santiago de los Caballeros, República Dominicana / Dominican Republic, 1924 - 
Nueva York, EE.UU. / NY, USA, 1999)

"Eco atávico / Atavistic Echo", tinta sobre papel / ink on paper, 34 x 26 cm., 1964
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Cameron Gray
(Melbourne, Australia, 1984-)

"Jaula / Cage", arte digital / digital art
"Esta es una obra antigua creada para una banda de Brisbane llamada Dead Letter Circus /
This is an older piece now which was created for Brisbane based band Dead Letter Circus"
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Erin Anderson
(Waterville, Ohio, Estados Unidos / USA, 1987)

"Cambio de Paradigma / Paradigm Shift", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 17" x 20"

Más sobre Erin Arnderson en "El Hurgador" / More about Erin Anderson in this blog:
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John Buckland Wright
(Dunedin, Nueva Zelanda / New Zealand, 1897 - 
Londres, Reino Unido / London, UK, 1954)

"Camber Sands", grabado en madera / wood engraving, 17,5 x 25 cm., 1953
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Utagawa Yoshitora
歌川 芳虎
(Edo (Tokyo), Japón / Japan, activo / active c.1850 - c.1880)

"Taiheiki Ashikaga Takauji no daigun o Kusunoki Masatsura kozei ni te uchiyaburu zu / 
En el Taiheiki, el Gran Ejército de Ashikaga Takauji es derrotado por la pequeña fuerza de Kusunoki Masatsura /
In the Taiheiki, the Great Army of Ashikaga Takauji Is Defeated by the Small Force of Kusunoki Masatsura"
grabado en madera (nishiki-e), tinta y color sobre papel / woodblock print (nishiki-e); ink and color on paper
Período Edo / Edo period, 1847–52 (Kôka 4–Kaei 5)
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John Honeywill
(Australia, Brisbane, 1952-)

"Merengue, pintura Nº 4 / Meringue painting no 4", 36 x 36 cm. Copyright 2015, John Honeywill
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Tassia Bianchini
(São Paulo, Brasil / Brazil, 1988-)

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20 x 20 cm., 2015
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Barbara Probst
(Munich, Alemania / Germany, 1964-)
en Nueva York y München / at NY, Munich

"Exposure #65, N.Y.C., 555 8th Avenue, 11.26.08, 6:11 p.m.", 2 partes / parts, 112 x 112 cm., 2008
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Laura Adams Armer
(Sacramento, California, EE.UU. / CA, USA, 1874-1963)

Izq./ Left: "Montaña sin agua / Waterless Mountain"
Aguada y grafito sobre papel / gouache and graphite on paper, 13 3/4" x 9 3/4"
Der./ Right: "Mamá sacó las ovejas / Mother Took Out the Sheep"
Aguada y grafito sobre papel / gouache and graphite on paper, 13 3/4" x 9"

Más sobre Laura Adams en "El Hurgador" / More about Laura Adams in this blog:
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Grigory Gluckmann
Рыгор Яфімавіч Глюкман
(Vitebsk, Bielorrusia / Belarus, 1898 - Los Angeles, EE.UU. / LA, USA, 1973)

"Desnudo reclinado / Reclining Nude", óleo sobre panel / oil on panel, 78,5 x 130 cm., 1929
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Filipp Andreevich Malyavin
Филипп Андреевич Малявин
(Kazanki, Provincia de Samara, hoy Distrito de Totsk, Región de Orenburg, Rusia / 
Samara Province, now Totsk District, Orenburg Region, Russia,1869 - 
Niza, Francia / Nice, France, 1940)

"Retrato de una campesina próspera / Portrait of a Prosperous Peasant Woman"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 107 x 89 cm.
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Zinaída Yevguénievna Serebriakova
Зинаида Евгеньевна Серебрякова
(Neskuchnoye, Ucrania / Ukrainie, 1884 - París, Francia / France, 1967)

"Desnudo durmiendo / Sleeping Nude", 1934

Más sobre Zinaída Serebriakova en "El Hurgador" / More about Zinaída Serebriakova in this blog:
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Juan Genovés
(Valencia, España / Spain, 1930-)

"El Abrazo / The Hug", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 151 x 201 cm., 1976.
Museo Reina Sofía (Madrid, España / Spain)


Michael Somoroff [Fotografía]

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En el año 2003 tuve la oportunidad de difrutar de la muestra "Ausencia de Sujeto" en el TEA (Tenerife Espacio de las Artes). A través de la misma conocí parte de la obra del fotógrafo Michael Somoroff. Pronto descubrí que entre sus varios trabajos, destacaba una serie de retratos de algunos de los más importantes fotógrafos del s.XX, realizados a fines de la década de los '70. Les presento aquí una selección de estas fotografías, junto con algunos de sus trabajos sobre la obra de August Sander.

In 2003 I was able to enjoy the exhibition "Absence of Subject" at the TEA (Tenerife Espacio de las Artes). Through it I knew part of the work of photographer Michael Somoroff. I soon discovered that among his various works, highlighted a series of portraits of some of the leading photographers of the twentieth century made in the late '70s. I present here a selection of these pictures, along with some of his work on the photgraphs by August Sander.
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Michael Somoroff

Maestros de la fotografía / Master Photographers


Michael Somoroff nació en Nueva York en 1957. Hijo del eminente fotógrafo comercial Ben Somoroff, Michael estudió arte y fotografía en la New School for Social Research, y asistió a su padre en el estudio, en el escenario, en localizaciones y en el cuarto oscuro. En octubre de 1979 tuvo lugar la primera exposición de fotografías de Michael en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, bajo la supervisión personal de Cornell Capa, lanzando la carrera del joven Somoroff. En 1978, a los 21 años, abrió su propio estudio fotográfico y poco después comenzó a trabajar para las más importantes revistas de Nueva York y Europa.

Elliott Erwitt
Easthampton, Nueva York / NY, 1979 © Michael Somoroff

Más sobre Elliott Erwitt en "El Hurgador" / More about Elliott Erwitt in this blog:

Ernst Haas
Nueva York / New York City, 1980 © Michael Somoroff

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Como estudiante del legendario director artístico Alexey Brodovitch, Ben introdujo a Michel a una edad muy temprana en la filosofía revolucionaria de Brodorovitch, que influenció a una generación de fotógrafos, artistas y diseñadores incluidos Richard Avedon, Irving Penn, Robert Frank, Louis Faurer, Lillian Bassman, Henry Wolf y Milton Glaser, animándolos a hacer imágenes inesperadas y forzar los límites de las formas de mirar convencionales. Brodovitch instaba a sus alumnos a que le mostraran "algo que nunca antes haya visto", creando así un excitante período de experimentación e innovación en todo tipo de medios. Su influencia permanece hasta hoy como una fuerza dominante en todas las áreas de la producción cultural.

Sidney "Sid" Kaplan
Nueva York / New York City, 1979 © Michael Somoroff
(información sobre este artista, más abajo / info about this artist below)

Brassaï (Gyula Halász)
París, 1983 © Michael Somoroff

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En 1980, Somoroff se mudó a Europa, donde trabajó en Londres, París, Milán y Hamburgo. Poco después de su llegada a Europa, se convirtió en un fotógrafo destacado por derecho propio, siendo un colaborador regular en revistas tan influyentes a ambos lados del Atlántico como Vogue, Harper's Bazaar, Stern y LIFE. Continuó desarrollando su obra personal, viajando por Europa y el norte de África, cultivando muchas amistades que le sirvieron de base para sus esfuerzos artísticos. Entre sus más importantes mentores están el fotógrafo Gyula Halász, más conocido como Brassaï, Andreas Feininger, Louis Faurer y André Kertész.

Duane Michals
Nueva York / New York City, 1980 © Michael Somoroff

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El libro "Un momento. Maestros de la fotografía: Retratos de Michael Somoroff" es una obra que Michael realizó hace más de 35 años. Tomó para sí la tarea de fotografiar a sus héroes y mentores, los maestros de la fotografía del siglo XX. 
Dice Michael: «Esas imágenes fueron obra del amor, un homenaje a mis profesores, amigos y mentores. Y ellos son mis raíces, raíces fuertemente fundamentadas en la historia de la fotografía. Esa es mi historia.»

Jacques-Henri Lartigue
París, Francia / France, 1983 © Michael Somoroff

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The son of the eminent commercial photographer Ben Somoroff, was born in New York City in 1957. Michael studied art and photography at the New School for Social Research and assisted his father in his studio, on the set, on location and in the darkroom. In October 1979 the first exhibition of Somoroff's photography was held at The International Center of Photography in New York City under the personal supervision of Cornell Capa launching young Somoroff's career. In 1978, at the age of twenty-one, he opened his own photography studio and shortly thereafter began working for virtually every major magazine in New York and Europe.

Horst P. Horst
Oyster Bay, 1980 © Michael Somoroff
(información sobre este artista, más abajo / info about this artist below)

Arnold Newman
Nueva York / New York City, 1979 © Michael Somoroff

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As a student of the legendary art director Alexey Brodovitch, Ben Somoroff introduced Michael at an early age to Brodovitch's revolutionary philosophy, which influenced a generation of photographers, artists and designers including Richard Avedon, Irving Penn, Robert Frank, Louis Faurer, Lillian Bassman, Henry Wolf and Milton Glaser, encouraging him to make unexpected images and push the boundaries of conventional ways of seeing. Brodovitch urged his students to "Show me something I haven't seen before.", thus creating an exciting period of experimentation and innovation in media of all kinds. His influence remains a dominant force, even today, in all areas of cultural production.

Robert Doisneau
París, Francia / France, 1983 © Michael Somoroff

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Bertram "Bert" Stern
Nueva York / New York City, 1979 © Michael Somoroff
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Andreas Feininger
Nueva York / New York City, 1980 © Michael Somoroff

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In 1980, Somoroff moved to Europe where he worked in London, Paris, Milan and Hamburg. Shortly after his arrival in Europe, he became a noted photographer in his own right, where he was a regular contributor to such influential magazines on both sides of the Atlantic as Vogue, Harpers Bazaar, Stern and Life. He continued to develop his personal work, traveling throughout Europe and North Africa, forming many friendships that served as the foundation for his artistic efforts. Among his most important mentors was the photographer Gyula Halász, better known as Brassai, Andreas Feininger, Louis Faurer, and André Kertész.

Alfred Eisenstaedt
Nueva York / New York City, 1980 © Michael Somoroff

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Cornell Capa
Nueva York / New York City, 1978 © Michael Somoroff

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The book "A Moment. Master Photographers: Portraits by Michael Somoroff" is a body of work Michael Somoroff made thirty-five years ago. He took it upon himself to photograph in-depth his heroes and mentors, the master photographers of the twentieth century. 
Michael said: «These images were a labor of love, an homage to my teachers, friends and mentors. And they are my roots, roots that are firmly grounded in the history of photography; that is my history.»


Art Kane
Nueva York / New York City, 1979 © Michael Somoroff

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Mary Ellen Mark
Nueva York / New York City, 2011 © Michael Somoroff

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Lillian Bassman
Nueva York / New York City, 2011 © Michael Somoroff
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August Sander / Michael Somoroff

Ausencia de sujeto / Absence of Subject

August Sander es considerado como el mejor fotógrafo retratista alemán de los primeros años 20. El primer libro de August Sander, la controvertida publicación sobre el retrato colectivo de la sociedad alemana, Rostro de Nuestro Tiempo (Antlitz der Zeit), salió a la luz en 1929. Después fue ampliada con el trabajo al que Sander dedicó toda su vida, Gente del Siglo XX (Menschen des 20 Jahrhunderts). Rostro de Nuestro Tiempo contenía una selección de 60 retratos y pretendía mostrar un perfil representativo de la sociedad durante la República de Weimar. Sander, desde una posición política neutral, intentó crear un estudio fotográfico que incluyera todas las ocupaciones, profesiones y clases que formaban la estructura social del país en los años después de la Primera Guerra Mundial. Esta serie está dividida en siete secciones: la granja, los oficios y comerciantes, las mujeres, clases y profesiones, los artistas, la ciudad y la última, gente (personas sin hogar, veteranos, etc.). Sander fotografiaba sujetos de todos los tramos de la vida y creó un catálogo tipológico de más de 600 fotografías de gente alemana. Los sujetos eran colocados formalmente e identificados solo por un pie de foto que especificaba sus referencias sociales.

La ambición de Sander era crear un retrato universal del género humano, un documental monumental. Con los retratos de Sander, vemos a un artista intentando documentar, sistematizar y organizar tipos modernos de gente, con el fin de lograr una mejor comprensión de los cambios en aspectos como clase, raza, profesión, etnicidad y otras construcciones de identidad. Las imágenes se convierten de este modo, en la representación de tipos, como él pretendía que fueran, más que retratos de individuos.

"El gitano / The Gypsy"
Izq./ Left: August Sander, 1930
© Die Photographische Sammlung SK-Stiftung Kultur – August Sander Archiv, Koln – VG-Bild Kunst, Bonn, 2011
Der./ Right: Michael Somoroff, 2007 © Michael Somoroff

Ausencia de Sujeto de Michael Somoroff es un conmovedor homenaje al trabajo del legendario fotógrafo August Sander, Gente del Siglo XX. Es una profunda y pasional meditación sobre la memoria, la imaginación, la resistencia humana y la creatividad.

"La originalidad de este trabajo se basa en el entusiasmo de Somoroff por la observación y la interpretación. Ausencia de Sujeto permite revisionar la obra de August Sander, haciendo posible comprender la riqueza de la intención de Sander. En cada una de las imágenes de August Sander, Michael Somoroff ha borrado los sujetos dejando sólo el fondo. La revolución digital ha centrado la atención en su potencial para la manipulación. A través del uso del software, Somoroff ha sacado de la foto lo que siempre hemos creído que era un "elemento esencial" -el sujeto, el retrato. Los fondos de las imágenes, antes considerados fragmentos secundarios, ahora se convierten en los motivos principales. Han sido traducidos en imágenes totalmente reconcebidas que justamente pertenecen al idioma "post moderno"."
Curadora Diane Edkins
Información del TEA

"Hija de un granjero / Daughter of a Farmer"
Izq./ Left: August Sander, 1919
© Die Photographische Sammlung SK-Stiftung Kultur – August Sander Archiv, Koln – VG-Bild Kunst, Bonn, 2011
Der./ Right: Michael Somoroff, 2007 © Michael Somoroff

August Sander is considered the best German portrait photographer of the early 20's, The first book of August Sander, the controversial publication on the collective portrait of German society, Face of Our Time (Antlitz der Zeit), was published in 1929. Then it was enlarged with the work to which he devoted his entire life People of the Twentieth Century (Menschen des 20 Jahrhunderts). Face of Our Time contained a selection of 60 portraits and intended to show a representative profile of society during the Weimar Republic. Sander, from a neutral political position, tried to create a photo studio to include all occupations, professions and classes, which formed the social structure of the country in the years after the First World War. This series is divided into seven sections: the farm, the trades and traders, women, classes and professions, artists, the city, and the last one, people (homeless, veterans, etc.). Sander photographed subjects in all sections of life and created a typological catalog of over 600 photographs of German people. Subjects were formally placed and identified only by a caption which specified social references.

Sander's ambition was to create a universal portrait of mankind, a monumental documentary. With Sander's portraits, we see an artist trying to document, systematize and organize modern types of people, in order to gain a better understanding of changes in areas such as class, race, profession, ethnicity and other constructions of identity. Images are converted thus in the representation of types, as he were intended, rather than portraits of individuals.

 "Jefe de repostería / Pastry Chef"
Izq./ Left: August Sander, 1928
© Die Photographische Sammlung SK-Stiftung Kultur – August Sander Archiv, Koln – VG-Bild Kunst, Bonn, 2011
Der./ Right: Michael Somoroff, 2007 © Michael Somoroff

Absence of Subject, by Michael Somoroff, is a moving tribute to the work of the legendary photographer August Sander People of the Twentieth Century. It is a deep and passionate meditation on memory, imagination, human resilience and creativity.

"The originality in this body of work is based on Somoroff’s keen sense of observation and interpretation. In this collection of photographs by Somoroff and Sander accompanied with three animated pieces, Absence of Subject lets you revisit August Sander’s work, allowing the audience to understand the richness of Sander’s intent. In each of August Sander’s pictures Michael Somoroff has erased the subject retaining only the background. The unprecedented digital revolution has brought the potential for manipulation into focus. Through the use of software Somoroff has taken out what we have always believed to be the “essential element” – the subject, the portrait. The backgrounds once a secondary fragment now become the primary motivator. They have now been translated into new fully conceived images that rightfully belong to the “post-modern” idiom."
Curator Diane Edkins
Information from TEA (in Spanish)

"Artistas de circo / Circus Artists"
Izq./ Left: August Sander, 1926-32
© Die Photographische Sammlung SK-Stiftung Kultur – August Sander Archiv, Koln – VG-Bild Kunst, Bonn, 2011
Der./ Right: Michael Somoroff, 2007 © Michael Somoroff

Más sobre August Sander en "El Hurgador" / More about August Sander in this blog:
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En los vídeos siguientes puede verse a Michael hablando de su proyecto /
In the following videos you can see Michael talking about his project


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Los textos e información, salvo donde se indica, están tomados del sitio web del artista y de un texto de Diana Edkins (abril, 2011) que puede leerse completo (en inglés) aquí. /
Text and information, except where noted, from artist's website and a text by Diana Edkins (April, 2011) you can fully read here.

Más imágenes e información sobre Michael en / More images and information about Michael in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Michael!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Michael!)



Sidney Kaplan nació en Nueva York en 1938. Allí vive y trabaja.
A los 10 años vio un revelado en blanco y negro en cuarto oscuro. La experiencia lo hipnotizó y comenzó una carrera en fotografía e impresión que duraría toda su vida. Ha estado permanentemente cautivado por lo que el llama "la magia" de hacer una impresión en blanco y negro. En 1952, Kaplan comenzó su única educación formal en fotografía en la Escuela de Artes Industriales, una escuela vocacional en Nueva York. Al mismo tiempo, asistió a reuniones en el Village Camer Club, que servía como un refugio para miembros de la recientemente desaparecida Liga de la Fotografía. Tras 6 años adquirió habilidades suficientes como para ser reclutado por Compo, un conocido laboratorio neoyorquino. Allí imprimió para exposiciones y libros de varios fotógrafos de Magnum: Philippe Halsman, Robert y Cornell Capa, y Weegee. En Compo, Kaplan conoció a Ralph Gibson quien más tarde le presentaría a Robert Frank. Kaplan comenzó a imprimir para Frank ese mismo día, y aún continúa esa relación. Se ha convertido en un legendario maestro del cuarto oscuro. Durante años, su cuarto oscuro comercial, situado en el quinto piso de un edificio de la calle 23 Este, en Madison Square Park, ha sido un lugar frecuentemente visitado por fotógrafos.

Sidney Kaplan was born in New York in 1938. There he lives and works.
At the age of ten, he saw a black-and-white print develop in a darkroom. The experience hypnotized him and he began his lifelong career of photographing and printing. He has been and continues to be enthralled with what he calls “the magic” of making a black-and-white print. In 1952, Kaplan began his only formal education in photography at the School of Industrial Arts, a New York City vocational high school. At the same time, he attended meetings at the Village Camera Club, which served as a refuge for members of the recently defunct Photo League. After six years he gained enough skill to be hired by Compo, a well-known custom lab in New York. There he printed exhibition and book prints for several Magnum photographers: Philippe Halsman, Robert and Cornell Capa, and Weegee. At Compo, Kaplan met Ralph Gibson who later introduced him to Robert Frank. Kaplan began printing for Frank that day and still continues that relationship. He has become legendary as a darkroom master. For years, his commercial darkroom, located on the fifth floor of a building at East 23 Street, on Madison Square Park, was a well-known hangout for photographers.
Master Photographers


Horst Paul Albert Bohrmann, que eligió a ser conocido como Horst P. Horst, fue un fotógrafo de moda germano-estadounidense nacido en 1906.
En su adolescencia conoció a la bailarina Evan Weidemann en la casa de su tía, y esto despertó su interés por el arte de vanguardia. A finales de la década de 1920 estudió en Hamburgo Kunstgewerbeschule, dejándola en 1930 para ir a París a estudiar con el arquitecto Le Corbusier.
Horst es reconocido por sus fotografías de mujeres y moda, pero también por las de arquitectura de interiores, bodegones (especialmente los que incluyen plantas) y retratos ambientales. Una de las grandes fotografías icónicas del Siglo XX es "El corsé Mainbocher", con su misterio cargado de erotismo, capturado por Horst en el estudio de Vogue París en 1939. Los diseñadores como Donna Karan siguen utilizando la belleza atemporal de "El corsé Mainbocher" como una fuente de inspiración para sus colecciones de hoy. Su obra refleja con frecuencia su interés por el surrealismo y su sentido del antiguo ideal griego de la belleza física.
Su método de trabajo generalmente implicaba una cuidadosa preparación para las tomas, con los accesorios de iluminación y de estudio (de los que utilizaba muchos) dispuestos de antemano. Sus instrucciones a los modelos son recordadas por ser breves y concisas.
Murió en 1999.

Horst Paul Albert Bohrmann, who chose to be known as Horst P. Horst was a German-American fashion photographer born in 1906.
In his teens, he met dancer Evan Weidemann at the home of his aunt, and this aroused his interest in avant-garde art. In the late 1920s, Horst studied at Hamburg Kunstgewerbeschule, leaving there in 1930 to go to Paris to study under the architect Le Corbusier.
Horst is best known for his photographs of women and fashion, but is also recognized for his photographs of interior architecture, still lifes, especially ones including plants, and environmental portraits. One of the great iconic photos of the Twentieth-Century is "The Mainbocher Corset" with its erotically charged mystery, captured by Horst in Vogue’s Paris studio in 1939. Designers like Donna Karan continue to use the timeless beauty of "The Mainbocher Corset" as an inspiration for their outerwear collections today. His work frequently reflects his interest in surrealism and his regard of the ancient Greek ideal of physical beauty.
His method of work typically entailed careful preparation for the shoot, with the lighting and studio props (of which he used many) arranged in advance. His instructions to models are remembered as being brief and to the point. 
He died in 1999.

Bertram "Bert" Stern fue un fotógrafo comercial autodidacta estadounidense nacido en 1929.
Después de abandonar la escuela secundaria a los 16 años, obtuvo un trabajo en la sala de correspondencia de la revista Look. Se convirtió en director artístico de la revista [Flair], donde aprendió a revelar película y hacer hojas de contacto. Allí comenzó a tomar sus propias fotografías. En 1951 fue reclutado por el ejército de Estados Unidos y enviado a Japón, asignado al departamento fotográfico.
En la década de 1960, su uso intensivo de las anfetaminas llevó a la destrucción de su matrimonio con Allegra Kent, una bailarina. A fines de 1970 regresó a los EE.UU. para fotografiar retratos y moda.
Su obra más conocida es sin duda "The Last Sitting", una colección de 2.500 fotografías tomadas para la revista Vogue de Marilyn Monroe en un período de tres días, seis semanas antes de su muerte. El libro de Stern The Last Sitting fue publicado en 1982 y nuevamente en 2000.
Fotografió a Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Madonna, Kylie Minogue, Drew Barrymore y Lindsay Lohan (recreando The Last Sitting), entre otros, además de su trabajo para publicaciones de publicidad y viajes.
Murió en 2013.

Bertram "Bert" Stern was a self-taught American commercial photographer born in 1929.
After dropping out of high school at the age of 16, he gained a job in the mail room at Look magazine. He became art director at [Flair] magazine, where Stern learned how to develop film and make contact sheets, and started taking his own pictures. In 1951, Stern was drafted into the US Army and was sent to Japan and assigned to the photographic department. 
In the 1960s, his heavy use of amphetamines led to the destruction to his marriage to Allegra Kent, a ballerina. By the late 1970s Stern returned to the U.S. to photograph portraits and fashion. 
His best known work is arguably The Last Sitting, is a collection of 2,500 photographs taken for Vogue of Marilyn Monroe over a three-day period, six weeks before her death. Stern's book The Last Sitting was published in 1982 and again in 2000. 
He has photographed Audrey Hepburn, Elizabeth Taylor, Madonna, Kylie Minogue, Drew Barrymore and Lindsay Lohan (recreating The Last Sitting), among others, in addition to his work for advertising and travel publications. 
He died in 2013. 
Wikipedia


Lillian Bassman fue una fotógrafa y pintora estadounidense nacida en 1917.
Creció en Brooklyn y Greenwich Village, Nueva York, y estudió en la Escuela Superior de textiles en Manhattan con Alexey Brodovitch, donde se graduó en 1933.
Desde la década de 1940 hasta la de 1960 Bassman trabajó como fotógrafo de moda para Junior Bazar y más tarde Harper's Bazar, donde promovió las carreras de fotógrafos como Richard Avedon, Robert Frank, Louis Faurer y Arnold Newman. Bajo la guía del emigrante ruso Alexey Brodovitch, comenzó a fotografiar a sus modelos principalmente en blanco y negro. Su trabajo fue publicado en su mayor parte en el Harper's Bazar desde 1950 hasta 1965.
Para la década de 1970 el interés de Bassman en las formas puras en su fotografía de moda, estaba pasada de moda, así que se volvió hacia sus propios proyectos fotográficos y abandonó la fotografía de moda. Al hacerlo desechó 40 años de negativos y copias; el trabajo de toda una vida. Un bolso olvidado lleno de cientos de imágenes se descubrió más de 20 años después. El trabajo fotográfico en moda de Bassman comenzó a volver a apreciarse en la década de 1990.
Trabajó con tecnología digital y fotografía abstracta en color en sus años 90 para crear una nueva serie de trabajos. Utilizó Photoshop para la manipulación de imágenes.
Las cualidades más notables de su trabajo fotográfico son los altos contrastes entre luz y oscuridad, el granulado de las fotos terminadas, y la colocación geométrica y ángulos de cámara de los sujetos. Bassman se convirtió en una de las últimas grandes fotógrafas en el mundo de la moda.
Murió en 2012.

Lillian Bassman was an American photographer and painter born in 1917.
She grew up in Brooklyn and Greenwich Village, New York, and studied at the Textile High School in Manhattan with Alexey Brodovitch and graduated in 1933.
From the 1940s until the 1960s Bassman worked as a fashion photographer for Junior Bazaar and later at Harper's Bazaar where she promoted the careers of photographers such as Richard Avedon, Robert Frank, Louis Faurer and Arnold Newman. Under the guidance of the Russian emigrant, Alexey Brodovitch, she began to photograph her model subjects primarily in black and white. Her work was published for the most part in Harper’s Bazaar from 1950 to 1965.
By the 1970s Bassman’s interest in pure form in her fashion photography was out of vogue. She turned to her own photo projects and abandoned fashion photography. In doing so she tossed out 40 years of negatives and prints - her life’s work. A forgotten bag filled with hundreds of images was discovered over 20 years later. Bassman’s fashion photographic work began to be re-appreciated in the 1990s.
She worked with digital technology and abstract color photography into her 90s to create a new series of work. She used Photoshop for her image manipulation.
The most notable qualities about her photographic work are the high contrasts between light and dark, the graininess of the finished photos, and the geometric placement and camera angles of the subjects. Bassman became one of the last great woman photographers in the world of fashion.
She died in 2012.

Rinocerontes (LXX) - Filatelia (IV)

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Sigo dando rienda suelta al coleccionismo con esta nueva selección para la serie de filatelia rinoceróntica. Con el mismo criterio más o menos alfabético, aquí les dejo unas cuantas imágenes más para añadir al álbum.
Por favor tengan en cuenta que esto NO ES UNA PÁGINA DE REFERENCIA ESPECIALIZADA EN FILATELIA, con lo cual tal vez puedan encontrarse con imágenes de material editado en forma ilegal o planchas de souvenirs que no tienen por qué ser ejemplares válidos de coleccionismo.

I keep collecting with this new selection for the series on Rhinocerotic philately. Following the same criteria roughly alphabetical, here are a few more images to keep adding to the album.
Please note that this is not a SPECIALIZED PHILATEIC REFERENCE PAGE, so maybe you can find images of stamps published illegally or souvenir sheets not valid for collectors.

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India

"Rinoceronte / Rhino", 1976

"Semana de la Vida Salvaje / Wildlife Week", 1981

Izq./ Left: "Refinería de Gauhati / Gauhati Refinery", 1961
Der./ Rigth: "Parque Nacional de Kaziranga / Kaziranga National Park", 2007

"3er Foro Cumbre India-África, Rinoceronte indio / 
3rd India-Africa Forum Summit, Indian Rhinoceros", 2015

"3er Foro Cumbre India-África, Rinoceronte africano / 
3rd India-Africa Forum Summit, African Rhinoceros", 2015
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República de / Republic of Indonesia

Badak Jawa, Rhinoceros Sondaicus, 1996

Badak Jawa, Rhinoceros Sondaicus - Badak Sumatera, Rhinoceros Sumatrensis, 1996

Badak Sumatera, Rhinoceros Sumatrensis, 1996

Izq./ Left: "Lingugilah margasatwa / Protección de la naturaleza / Protect Wildlife", Badak, 1959
Der./ Right: "Badak Cula Satu, Jawa barat / Cuerno de Rinoceronte, Este de Java / 
A Rhino Horn, East Java", Rhinoceros Sondaicus, 1995

"Campeonato mundial de sellos de correo / World Stamp Championship"
Rinoceronte de Java / Javan Rhinoceros, Indonesia, 2012

"Badak, Rinoceronte / Rhinoceros", 1956

"Badak, Rinoceronte / Rhinoceros", 1956

"Badak, Rinoceronte / Rhinoceros" - mal cortado / bad cut, 1956

Serie de animales de Indonesia / Indonesia Animals Series,
Rhinoceros Sondaicus, Anoa Depressicornis, Varanus Komodensis, 1985

Edición que acompaña la serie "Colección de sellos de conservación de WWF" /
Issued accompanying "WWF Conservation Stamp Collection" Series, 1996
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Islas Cook / Cook Islands

"Vida salvaje amenazada / Endangered Wildlife", 
Lutra lutra, Felisconcolor cougar, Ovis ammon, Panthera tigris, Diceros bicornis, Ursus arctos horridus, 1992
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Kenya

"Rinoceronte / Rhino", 1966

"Meru Mulika Lodge", 1988

Izq./ Left: Fauna, mamíferos / mammals - "Kiparu / Rinoceronte / Rhinoceros, Diceros bicornis", 1992
Der./ Right: Vida salvaje, rinoceronte y elefantes en las casas en lo alto de los árboles en Water Bay /
Wild Life Rhinoceros & Elephants at Water Bay Tree Top Houses, 1952

"Animales amenazados / Endangered Animals", Kitaru, Diceros bicornis, 1985
Pico Maensi (izq.) y Kilimanjaro al fondo / Mawensi Peak (left) and Kilimanjaro in the background

Izq./ Left: "Rinoceronte negro / Black Rhino", 1996 - Der./ Right: "Rinoceronte / Rhino"

"50 Aniversario de la Independencia, Rinoceronte / 50th Anniversary of Independence, Rhinocerus", 2013

"Uganda, Tanganika, Kenya - Árbol candelabro y rinoceronte - 
Candelabra Tree & Rhinoceros", 1960
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Laos

"Rhinoceros sondaicus"
Sello diseñado por el artista laosiano Ky Phung Chaleun, grabado por Jean Miermont y editado en Laos el 16/9/1972
Stamp designed by Laotian artist Ky Phung Chaleun, engraved by Jean Miermont, and issued by Laos on September 16, 1971

"Rinoceronte de Java / Javan Rhinoceros", 1990
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Lesotho

"Rinoceronte negro africano / African Black Rhinoceros", 2000

"Rinoceronte blanco del norte / Northern White Rhinoceros", 2000

"Rinoceronte blanco / Northern White"

Actores y películas rodadas en Lesotho / Actors and movies filmed in Lesotho,1991
John Wayne, "Hatari" (Rinoceronte / Rhino) - Meryl Streep "Memorias de África / Out of Africa"
Humphrey Bogart & Cateherine Hepburn - "La reina africana / The African Queen"
Sigourney Weaver - "Gorilas en la niebla / Gorillas in the Mist"

Más sobre Hatari en "El Hurgador" / More about Hatari in this blog:
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Liberia

"Rinoceronte negro / Black Rhinoceros", Diceros bicornis

"Diceros bircornis", c.1981

"Rinoceronte negro / Black Rhino, Diceros bicornis"

"Rinoceronte blanco / White Rhino, Ceratotherium simum"

"Rinoceronte / Rhinoceros"

1966

"Rinoceronte / Rhinoceros"

"Vida salvaje de África / Wildlife of Africa", 2013
Acinonyx Jubatus, Aepyceros Melampus, Diceros Bicornis
Equus Grevyi, Panthera Leo, Phacochoerus Africanus

Adrien Tache [Fotografía]

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Adrien Tache
"Photografrika"


Adrien Tache es un joven fotógrafo del sur de Francia. Según cuenta: 
«... la fotografía ha sido mi pasión desde que era adolescente, especialmente durante mi viaje a Asia. Pero cuando experimenté por dos veces la escuela ambulante "Atelier Nomade" en África occidental, mi relación con la fotografía cambió mucho, y se volvió más social y humanista.

"En un pueblo de Senegal / In a Senegalese Village", 2013 © Adrien Tache

"Fotografiando en el Río Niger. Oumar Maïga haciendo una sesión para una joven / 
Shooting. In the Niger River, Oumar Maïga is having a shooting for this young girl"
Markala, Mali © Adrien Tache

«Cuando era muy joven, me topé con la famosa imagen de Nick Ut, un fotógrafo vietnamita que me marcó. Más tarde, para uno de mis cumpleaños, mi tío me regaló dos cosas: un mapamundi y una guía fotográfica de la National Geographic. Así es como empecé a aprender teoría de la fotografía y practicarla durante mis viajes a Asia, Europa y África. Mis dos experiencias con la escuela de fotografía ambulante "Atelier Nomade" me ayudaron mucho a mejorar a medida que trabajaba en un proyecto real.»

"Studio Africa, propiedad de / owned by Check Niang", Nouakchott, Mauritania © Adrien Tache

"In situ". Markala, Mali © Adrien Tache

«Con el proyecto Fotografrika gané un gran concurso de Lens Cultura, y las repercusiones por todo el mundo me llegan a diario.... así que estoy muy ocupado con entrevistas, publicaciones, etc... No estoy muy familiarizado con eso, pero es realmente gratificante cuando comprendes cuántas horas has dedicado a un proyecto que ha sido realmente importante para tí. Especialmente cuando te las arreglas para tocar a la gente a nivel emocional, y les haces abrir los ojos a temas de los que no se habían percatado.»

"Mamoukou Coulibaly", Koblalakourou, Mali © Adrien Tache

"Estudio / Studio", Burkina Faso © Adrien Tache

«Entre 2012 y 2013 estuve en ruta a través de África Occidental. Me monté en un Mercedes 911 (un viejo camión de bomberos, tomado de la escuela de fotografía en movimiento "Atelier Nomade") Me reuní con ellos en todas partes: Mauritania, Guinea Conakry, Senegal, Malí y Burkina Faso. Eran fotógrafos de todas las formas, tamaños y procedencias.
Hoy en día, la fotografía digital es utilizada en (casi) todo el mundo. Pero esos fotógrafos aún están equipados con viejas cámaras, un equipo que data de los '70 y los '80. En palabras de Mohamed, un fotógrafo de Mauritania, "Nosotros jamás hemos tenido instrucción fotográfica en nuestras vidas. Aprendimos a utilizar las cámaras nosotros mismos. Por eso nuestras fotografías no parecen profesionales en absoluto. Una vez que alguien obtiene su propia cámara, ya no nos necesitan más. Quién sabe, tal vez fotografíen mejor que nosotros. Desapareceremos poco a poco y sólo quedarán los laboratorios para los clientes."»

"Laboratorio / Lab", Nouakchott, Mauritania © Adrien Tache

Aún cuando algunos se llaman a sí mismos fotógrafos ambulantes, la mayoría de ellos tienen sus propios estudios, a menudo con fachadas de colores tentadores, decoradas por el calígrafo local.
Los interiores, iluminados con luces de neón, son generalmente simples y equipados con un sencillo sofá para los clientes, una mesa y algunos accesorios de plástico. En las paredes cuelgan pósters o telas de colores que se utilizan como fondo para los retratos.

Izq./ Left: "Doble empleo: fotógrafo y barbero / Double Job. Photographer and Barber"
Der./ Rigth: "In situ. Aboubacar Coulibaly observando su edición / watching his editing", Fana, Mali
© Adrien Tache

"Cheick Niang", Nouakchott, Mauritania © Adrien Tache

Para estos fotógrafos, especialmente los de los pueblos, el procesamiento de las películas y el revelado presentan problemas.
"Trabajar con cámaras manuales se ha vuelto muy caro, porque el laboratorio que utilizo para revelar mis fotos está a 300 km. del estudio - dice un fotógrafo de la aldea Podor (Senegal) -. Tengo que pagar los billetes de ida y vuelta en autobús, y a veces los clientes no pueden pagar por las fotos que encargaron, y las recogen 2 o 3 años después."
En estos países, una impresión en 13 x 18 cuesta alrededor de 0,70€, lo cual es muy caro, si se tiene en cuenta que una comida básica cuesta la mitad.

El fotógrafo y archivista Yagfa de / 
Yagfa photographer & archivist from Nouhadibou, Mauritania, 2013 © Adrien Tache

Adrien Tache is a young Photographer from Southern France. As he told:
«... photography has been a passion since I was a teenager, especially during my trip in Asia. But when I experienced twice the moving photography school "Atelier Nomade" in West Africa, my relation with photography changed a lot and became more social and humanist.»

"Dentro del estudio de Yagfa, fotógrafo y archivista / Inside Yagfa's Studio, photographer and archivist
Nouhadibou, Mauritania © Adrien Tache

"Haciendo una foto para carnet de identidad / Taking identity picture" © Adrien Tache
Dentro del un laboratorio en Guinea Conakry / Inside a Labo in Guine Conakry

«When I was much younger, I came across the famous picture of Nick Ut, a Vietnamese war photographer, which left a mark on me. Later, for one of my birthday, I’ve got 2 gifts from my uncle : a world map and a photography guide from the National Geographic. That’s how I started to learn photography theory and to practice during my trip in Asia, Europe and Africa. My two experiences in the moving photography school “Atelier Nomade” helped me a lot to improve as I was working on a real project.»

"Estudio / Studio", Kiffa, Mauritania © Adrien Tache

"Estudio en el camino a Bamako / Studio. On the road to Bamako", Mali © Adrien Tache

«With Photografrika Project, I just won a big competition on Lens Culture, and repercussion from all over the world are coming everyday… so I’m quite busy with interviews, publication etc… I’m not so familiar with that, but it’s really rewarding when you realize how many hours you spent on a project that has been really important for you. Especially when you managed to touch people emotionally, and made them open their eyes on a subject they were not aware of.»

Tambacounda, Senegal, 2013 © Adrien Tache

"Antiguo laboratorio coreano / Old Corean Lab", Yako, Burkina Faso © Adrien Tache

«From 2012 to 2014 I was on the road all across West Africa. I rode in a Mercedes 911 (an old firefighter's truck, borrowed from the moving photography school "Atelier Nomade.") I met them everywhere: Mauritania, Guinea Conakry, Senegal, Mali & Burkina Faso. Them was photographers of all shapes, sizes and backgrounds.
Nowadays, digital photography is used (almost) all around the world. But these photographers are still equipped with old silver-based cameras, equipment dating from the 70s and 80s. In the words of Mohamed, a photographer from Mauritania, "We never had any photography training in our lives, we only learnt how to use our camera by ourselves, that's why our pictures don't look professional at all. Once everyone gets their own camera, they won't need us anymore. Who knows, maybe they will shoot even better than us. We will disappear little by little and only the laboratories will remain, for the customers."»

"Identidad / Identity", Aïoun, Mauritanie © Adrien Tache

"Estudio / Studio", Toma. Burkina Faso © Adrien Tache

Even though some of them call themselves traveling photographers, most of them have their own studios, often with tempting colored shop fronts, decorated by the local calligraphist.
The interiors, lit by neon light, are usually simple and equipped with a single sofa for customers, a table and a few plastic accessories. On the wall are hung posters or colorful fabric that is used as a background for portraits.

Studio. Chez 'Le guinéen' Aïoune, Mauritania © Adrien Tache

Estudio 2001 / Studio 2001" © Adrien Tache

For these photographers, especially those from villages, film processing and development are posing problems.
“Working with manual cameras is getting more expensive, because the laboratory I use to wash (develop) my pictures is 300km away from my studio” says a photographer from a village in the area of Podor (Senegal). 
“I pay the roundtrip bus ticket to get there, and sometimes, customers aren't able to pay for the pictures they ordered, or collect them 2 or 3 years later.” 
In these countries, a 13x18 print costs around 0.70 euros, which is expensive when you think that a basic meal only costs half that.

"Fotógrafo de un pueblo en Senegal occidental / 
Senegalese photographer, Villa in Western Senegal" © Adrien Tache
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Los textos están tomados del sitio web del artista, de un artículo publicado en octubre de 2014 en Dodho, de LensCulture aquí y aquí, y de una entrevista que puede leerse completa (en inglés) en Mull it Over.
Según me cuenta Adrien, durante el presente año se publicará un libro sobre este proyecto.

Texts from artist's website, from an article published Oct. 2015 in Dodho, from LensCulture here and here, and from an interview in Mull it Over.
As Adrien told me, during 2016 will be published a book on this project.
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Más imágenes e información sobre Adrien en / More images and information about Adrien in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Adrien!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Adrien!)

Aniversarios (CVII) [Enero / January 17-23]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 17 de Enero es el cumple de

Ivan Grigorievich Savenko (Иван Григорьевич Савенко), pintor soviético - ucraniano nacido en 1924 que vivió y trabajó en Leningrado, considerado como uno de los representantes de la escuela de Leningrado de la pintura, famosa por sus pinturas de paisajes.
En 1950 se graduó en el Instituto de Arte de de Kiev, en el estudio artístico personal de Grigory Svetlitsky.
Durante 1950-1954 estudió como un post-grado en el Instituto Ilya Repin, en el estudio del arte de Aleksandr Gerasimov. Máster en crítica de arte (1954). Artista de Honor de la Federación de Rusia (1975).
Desde 1950 participó en exposiciones de arte. Pintó paisajes, retratos, escenas de género y bocetos del natural. Exposición Personal en Moscú (1990).
Savenko fue miembro de la Unión de Artistas de Leningrado desde 1952.
Murió en 1987.

"Camino a Makishino / Road to Makishino", 1975
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Laurent Delvaux (escultor de los Países Bajos / Southern Netherlands sculptor)
Duane Hanson (escultor estadounidense / American sculptor)
Pieter van de Bloemen (Standaart) (pintor flamenco / Flemish painter)


El 18 de Enero es el cumple de

Eugène Anatole Carrière, artista simbolista francés nacido en 1849. Sus pinturas destacan por su paleta monocromática marrón. Fue amigo cercano del escultor Rodin y su obra influyó en Picasso. Algunos ven trazas del estilo monocromático de Carrière en período azul de Picasso.
Estudió en la École des Beaux-Arts de París y más tarde con Cabanel. Durante la guerra franco-prusiana pasó algún tiempo como prisionero en Dresde, donde el arte de Rubens hizo una impresión duradera en él, como puede verse en los colores brillantes de sus primeras pinturas. Sobre 1890 adoptó el esquema gris brumoso, con contrastes de luz y sombras, tan característico de su arte, pero que ningún otro artista ha sido capaz de imitar sin afectación.
Sus temas suelen ser escenas de su vida doméstica, e introdujo en varias ocasiones la imagen de su esposa en sus pinturas. La primera de ellas, La Madre Joven (1879), se encuentra ahora en el Musée des Beaux-Arts de Rouen.
Carrière fue uno de los líderes en el movimiento secesionista, lo que llevó a la fundación de la Sociedad Nacional de Bellas Artes.
Varias de sus obras se pueden encontrar en el Musée d'Orsay de París y en el Museo Nacional de Serbia en Belgrado.
Murió en 1906.

"El beso de su madre / Her Mother's Kiss", 1899
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Lincon Muteta (escultor zimbabuense / Zimbabwe sculptor)
Antoine Pevsner (escultor ruso / Russian sculptor)


El 19 de Enero es el cumple de

Valentin Aleksandrovich Serov (Валентин Александрович Серов), pintor ruso y uno de los primeros retratistas de su época.
En su infancia estudió en París y Moscú con Ilya Repin, y en la Academia de San Petersburgo de las Artes (1880 a 1885) con Pavel Chistyakov. La temprana creatividad de Serov fue despertada por el arte realista de Repin y el estricto sistema pedagógico de Chistyakov.
Las grandes obras de su primera época fueron retratos. En estas pinturas Serov se concentró en la espontaneidad de la percepción del modelo y la naturaleza. En el desarrollo de la luz y el color, la compleja armonía de reflejos, el sentido de la saturación de la atmósfera, y la pintoresca percepción fresca del mundo, aparecen las características de un temprano impresionismo ruso, aunque Serov aún no conocía las obras de los impresionistas franceses al momento de realizar esas pinturas.
Desde 1890 en adelante, el retrato se convirtió en el género básico en el arte de Serov. Fue en este campo que su estilo temprano llegaría a destacar, con pinturas notables por la captación de las características psicológicas de sus modelos. Los favoritos de Serov eran actores, artistas y escritores.
Al igual que en la obra de sus contemporáneos John Singer Sargent y Anders Zorn, el impresionismo no es doctrinario, sino que se deriva tanto del estudio de Hals y Velázquez como de la teoría moderna.
Los últimos años de la vida de Serov estuvieron marcados por trabajos sobre temas de la mitología clásica. Al abordar imágenes de la antigua tradición, Serov hizo una interpretación personal de los temas clásicos.
Murió en 1911.

"Retrato del artista / Portrait of the Artist Ilya Repin", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 1901
Tretyakov Gallery (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)

Más sobre Ilya Repin en "El Hurgador" / More about Ilya Repin in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Paul Cézanne (pintor francés / French painter)
Georg Roemer (escultor alemán / German sculptor)


El 20 de Enero es el cumple de

Esteban Vicente Pérez, pintor estadounidense nacido en Turégano, España, en 1903. Fue uno de la primera generación de la Escuela de Nueva York de expresionistas abstractos.
Vicente ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de Madrid en 1921 con la intención de estudiar escultura. Completó su formación en 1924. Al comentar sobre su experiencia en la Academia, dijo "No te da idea alguna de nada. Se te da herramientas, y te enseña acerca de los materiales. La formación académica está a salvo. Te prepara para estar en contra."
Tuvo su primera exposición individual en Madrid en 1928, después de lo cual se fue a París y no regresó a España hasta 1930. En 1935 se casó con Estelle Charney, uns estadounidense a quien había conocido en París. Tras el estallido de la Guerra Civil Española en 1936, él y su esposa se mudaron a Nueva York. El embajador español en los EE.UU. le consiguió un puesto como vicecónsul en Filadelfia, una posición con la que mantuvo a su familia durante tres años. Vicente tuvo mucho tiempo para continuar con su arte y realizó su primera exposición individual en Nueva York, en la Galería Kleeman, en 1937. Después de la caída de la República Española en 1939 regresó a la ciudad de Nueva York. Durante la Segunda Guerra Mundial se mantuvo con encargos de retratos y enseñando español.
Fue miembro fundador de New York Studio School, donde enseñó durante 36 años. Aunque nunca exhibió en España durante el gobierno de Francisco Franco, en 1998 el gobierno español abrió el Museo Esteban Vicente de Arte Contemporáneo en Segovia.
Murió en 2001.

"Crecimiento / Growth", óleo sobre tela / oil on canvas, 121,9 x 114,3 cm., c.1951
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Jesús Fructuoso Contreras (escultor mexicano / Mexican sculptor)
Mark Ryden (artista estadounidense / American artist)


El 21 de Enero es el cumple de

Fernando Beorlegi Beguiristain, pintor figurativo y grabador español nacido en Navarra en 1928. Desarrolló el grueso de su trabajo en la localidad guipuzcoana de Eibar.
Con 15 años visitó el Museo del Prado, quedando impresionado por las pinturas de Goya. La influencia de Goya se mantendría a lo largo de toda su obra.
Realizó exposiciones en Madrid y otras ciudades españolas, sobresaliendo las realizadas en el País Vasco y Navarra.
La obra de Gustave Doré y de Francisco de Goya fueron la base de su trabajo y estilo que conformó con el ambiente industrial y carácter de la ciudad, dando como resultado una pintura realista y figurativa. Beorlegui decía: "Me escapo de la realidad porque me parece horrorosa" y esa percepción se plasmaba en sus lienzos a modo de "pintura negra".
Las influencias que recibió Beorlegui no se limitaban a las de Doré o Goya. En él la denuncia social y la crítica tenían un amplio valor, por ello también le influyeron personajes como Gómez de la Serna, Buñuel y Fernando Arrabal.
Murió en 2008.

"Paisaje onírico / Dreamscape", 1977
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

René Iché (escultor francés / French sculptor)
Jeff Koons (escultor estadounidense / American sculptor)
Adriaen van der Werff (pintor, escultor y arquitecto holandés / Dutch painter, sculptor and architect)


El 22 de Enero es el cumple de

Shozo Shimamoto (嶋本昭三), artista nacido en Japón en 1928.
Fue co-fundador (junto con Jirō Yoshihara) del grupo de vanguardia Gutai formado en la década de 1950, y sus obras se encuentran en colecciones de museos tales como la Tate Gallery y la Tate Modern (en Londres y Liverpool) y el Hyogo Prefectural Museum of Art en Kobe, Japón. La crítica de arte de New York Times Roberta Smith le ha señalado como uno de los experimentadores más audaces e independientes de la escena artística internacional de la posguerra en la década de 1950. Internacionalmente hoy es especialmente conocido por su trabajo en el género del "mail art", en el que fue pionero.
Murió en 2013.

"Choque de botella (azul) / Bottle Crash (blue)"
Óleo y vidrio roto sobre lienzo / oil and broken glass on canvas, 135 x 97 cm., 1997
Las performances de choque de botellas de Shimamoto consisten en el artista estallando vasos y recipientes plásticos llenos de pintura contra un suelo de lienzo para crear un vibrante campo de color, dirigido simultáneamente por los gestos del artista y el azar /
Shimamoto's Bottle Crash performances consist of the artist smashing glass and plastic vessels full of paint against a ground of canvas to create a vibrant field of overall color, ruled simultaneously by the artist’s gesture and chance.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Moïse (Mojzesz) Kisling (pintor francés de origen polaco / French painter of Polish origin)
Francis Picabia (pintor francés / French painter)
Joseph Wolf (artista alemán / German artist)


Hoy, 23 de Enero, es el cumple de

Jean-Michel Atlan, artista francés nacido en Constantina, Argelia francesa, en 1913.
Estudió filosofía en la Sorbona. Empezó como pintor autodidacta en 1941. Fue detenido por ser judío y por su activismo político en 1942. Se declaró loco y fue confinado en el asilo Sainte Anne.
Publicó un pequeño volumen de poesía en 1944 y tuvo su primera exposición en la Galería Arc en Ciel. En 1946 conoció a Asger Jorn y se involucró con el grupo artístico CoBrA. Su estudio se convirtió en lugar de encuentro para el grupo en París.
En 1955 expuso en la Galería Carpenter. Dos de las obras por las que se le conoce son La Kahena y Composición.
Murió en París en 1960.

"Reino / Realm", pastel on colored paper / pastel sobre papel coloreado, 25,1 x 32,7 cm., 1957. Museum of Modern Art (MoMA) (Nueva York, EE.UU. / NY, USA)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Édouard Manet (pintor francés / French painter)
Leon Golub (pintor estadounidense / American painter)


Textos en inglés / English translation

On January 17 is the birthday of

Ivan Grigorievich Savenko (Ива́н Григо́рьевич Саве́нко), Soviet Russian - Ukrainian painter lived and worked in Leningrad, regarded as one of representatives of the Leningrad school of painting, most famous for his landscape paintings.
In 1950 he graduated from Kiev Art Institute in Grigory Svetlitsky personal Art Studio.
In 1950–1954, Savenko studied as post-graduate student in Ilya Repin Institute in Aleksandr Gerasimov Art studio. Master of Art-criticism (1954). Honored Artist of the Russian Federation (1975).
Since 1950 he participated in Art Exhibitions. He painted landscapes, portraits, genre scenes, sketchs from the life. Personal Exhibition in Moscow (1990).
Savenko was a member of Leningrad Union of Artists since 1952.
He died in 1987.

On January 18 is the birthday of

Eugène Anatole Carrière, French Symbolist artist born in 1849. His paintings are best known for their brown monochrome palette. He was a close friend of the sculptor Rodin and his work influenced Picasso. Some see traces of Carrière's monochrome style in Picasso's Blue Period.
He studied at the École des Beaux-Arts in Paris and later under Cabanel. During the Franco-Prussian War he passed some time as a prisoner in Dresden, where the art of Rubens made a lasting impression on him, as may be seen in the glowing colors of his early paintings. About 1890 he adopted the gray, misty-color scheme with contrasts of light and shadow, so characteristic of his art, but which no other artist has been able to imitate without affectation.
His themes usually are scenes of his domestic life, and he repeatedly introduced the likeness of his wife in his paintings. The first of these, The Young Mother (1879), is now in the Musée des Beaux-Arts de Rouen.
Carrière was one of the leaders in the secessionist movement, which led to the founding of the Société Nationale des Beaux-Arts. 
Several of his works may be found at the Musée d'Orsay in Paris and in National Museum of Serbia in Belgrade.
He died in 1906.

On January 19 is the birthday of

Valentin Alexandrovich Serov (Валенти́н Алекса́ндрович Серо́в), Russian painter, and one of the premier portrait artists of his era.
In his childhood he studied in Paris and Moscow under Ilya Repin and in the St. Petersburg Academy of Arts (1880–1885) under Pavel Chistyakov. Serov's early creativity was sparked by the realistic art of Repin and strict pedagogical system of Chistyakov.
The greatest works of Serov's early period were portraits. In these paintings Serov concentrated on spontaneity of perception of the model and nature. In the development of light and color, the complex harmony of reflections, the sense of atmospheric saturation, and the fresh picturesque perception of the world, there appeared the features of early Russian impressionism (though Serov was not yet aware of works of French impressionists at the time of making those paintings).
From 1890 on, the portrait became the basic genre in Serov's art. It was in this field that his early style would become apparent, the paintings notable for the psychologically pointed characteristics of his subjects. Serov's favorite models were actors, artists, and writers.
As in the work of his contemporaries John Singer Sargent and Anders Zorn, the impressionism is not doctrinaire, but derives as much from the study of Hals and Velázquez as from modern theory.
The last years of Serov's life were marked by works on themes from classical mythology. While addressing images from the ancient tradition, Serov endowed classical subject matter with a personal interpretation.
He died in 1911.

On January 20 is the birthday of

Esteban Vicente Pérez, American painter born in Turégano, Spain, in 1903. He was one of the first generation of New York School abstract expressionists.
Vicente enrolled at the Real Academia de Bellas Artes in Madrid in 1921 intending to study sculpture. He completed his training in 1924. Commenting on his experience at the Academy he said "It doesn't give you any ideas about anything. It gives you tools, and teaches you about materials. Academic training is safe. It prepares you to be against.".
He had his first one-man exhibition in Madrid in 1928, after which he left for Paris and did not return to Spain until 1930. In 1935 he married Estelle Charney, an American whom he had met in Paris. After the outbreak of the Spanish Civil War in 1936 Vicente, supporting the Loyalist forces, painted camouflage in the mountains outside Madrid for a few months. Later that year he and his wife moved to New York. The (Loyalist) Spanish Ambassador to the U.S. set him up as a Vice Consul in Philadelphia, a position which supported his family for three years. Vicente had ample time to continue with his art and had his first one-man show in New York at the Kleeman Gallery in 1937. After the fall of the Spanish Republic in 1939 he returned to New York City. During World War II he supported himself with portrait commissions and by teaching Spanish.
He was a founding member of the New York Studio School, where he taught for 36 years. Although he never exhibited in Spain during the rule of Francisco Franco, in 1998 the Spanish government opened the Esteban Vicente Museum of Contemporary Art in Segovia.
He died in 2001.

On January 21 is the birthday of

Fernando Beorlegui Beguiristain, Spanish figurative painter and engraver born in Navarra in 1928. He developed the bulk of his work in the Basque town of Eibar.
With 15 years he visited the Prado, being impressed by the paintings of Goya. Goya's influence would remain throughout his work.
He held exhibitions in Madrid and other Spanish cities, highlighting those in the Basque Country and Navarra.
The work of Gustave Doré and Francisco de Goya were the basis of his work and style that conformed with the industrial atmosphere and character of the city, resulting in a realistic and figurative painting. Beorlegui said: "I escaped from reality because I find horrifying" and that perception was shaped in his paintings as a "black paint".
Beorlegui received influences were not limited to those of Doré or Goya. In his social issues and criticism had ample value, he received also the influences of people like Gomez de la Serna, Buñuel and Fernando Arrabal.
He died in 2008.

On January 22 is the birthday of

Shozo Shimamoto (嶋本昭三), Japanese artist born in 1928.
He was a co-founder (along with Jirō Yoshihara) of the avant garde Gutai group formed in the 1950s, and his works are in museum collections such as those of the Tate Gallery and the Tate Modern (in both London and Liverpool) and the Hyogo Prefectural Museum of Art in Kobe, Japan. New York Times art critic Roberta Smith has noted him as one of the most daring and independent experimentalists of the postwar international art scene in the 1950s. Internationally today he is especially noted for his work in the "mail art" genre, of which he was a pioneer.
He died in 2013.

Today, January 23, is the birthday of

Jean-Michel Atlan, French artist born in Constantine, French Algeria, in 1913.
He studied philosophy at the Sorbonne. He started as a self-taught painter in 1941. He was arrested for being Jewish and for his political activism in 1942. He pleaded insanity and was confined to the Sainte Anne asylum. He published a slim volume of poetry in 1944 and had his first exhibition at the Gallerie Arc en Ciel. In 1946 he met Asger Jorn and got involved with the CoBrA art group. His studio became a meeting place for the group in Paris.
In 1955 he exhibited in the Gallerie Carpenter. Two of the works he is known for include Le Kahena, and Composition.
He died in Paris in 1960.

Aniversarios Fotografía (CVII) [Enero / January 18-24]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 18 de Enero es el cumple de

Jay Maisel, fotógrafo estadounidense nacido en 1931. Sus premios incluyen el del Salón de la Fama del Club de Directores de Arte, el Lifetime Achievement Award de la Sociedad Americana de Fotógrafos de Medios, y el premio Infinity del Centro Internacional de Fotografía.
Maisel estudió pintura y diseño gráfico en la Cooper Union de Manhattan y en la Universidad de Yale, y se convirtió en fotógrafo en 1954.
Una de las imágenes más conocidas de Maisel es su fotografía de Miles Davis que apareció en la portada del álbum Kind of Blue. En 2009, Andy Baio creó una imagen basada en la cubierta del álbum Kind of Blue para la portada de un álbum tributo de chiptune titulado "Kind of Bloop". Los abogados que representan Maisel exigieron daños y que la imagen resultante se eliminaradel álbum chiptune, dando lugar a un acuerdo fuera de la corte por el que Baio tuvo que pagar $ 32,500.
Durante 40 años Maisel vivió con su familia en el edificio histórico de Banco Germania en el bajo Manhattan.

© Jay Maisel
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Christian Poveda (fotógrafo y cineasta hispano-francés / Spanish-French photographer and filmmaker)
Teoberto Maler o Teobert Maler (explorador alemán de la civilización Maya / German Explorer of Maya Civilization)


El 19 de Enero es el cumple de

Cindy Sherman, artista, fotógrafa y directora de cine estadounidense nacida en 1954 en Nueva Jersey.
Sherman es una de las representantes más importantes de la fotografía de posguerra en Nueva York, exhibió más de tres décadas de trabajo en el Museo de Arte Moderno.
Al girar la cámara hacia sí misma, Cindy Sherman ha sido una de las fotógrafas más respetadas del siglo XX. La mayoría de sus fotografías son imágenes de ella; se utiliza a sí misma como un vehículo para una variedad de temas del mundo moderno: el papel de la mujer, el papel del artista y muchos más. A través de una serie de diferentes obras, Sherman ha planteado difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte.

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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Thomas Andrew (fotógrafo neozelandés / New Zealand photographer)
William Herman Rau (fotógrafo estadounidense / American photographer)


El 20 de Enero es el cumple de

José María Rodríguez Madoz, conocido como Chema Madoz, fotógrafo español nacido en 1958, conocido por sus fotografías surrealistas en blanco y negro.
Más imágenes e información en el post previo.

© Chema Madoz

Más sobre Chema Madoz en "El Hurgador" / More about Chema Madoz in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Hippolythe Bayard (inventor y fotógrafo francés / French inventor and photographer)
Buzz Aldrin (ingeniero estadounidense y ex astronauta / American engineer and  former astronaut)


El 21 de Enero es el cumple de

Jean-François Vibert, fotógrafo francés nacido en 1967.
Comenzó su carrera en el periodismo en 1991, mientras seguía cursos en la Ecole Normale Supérieure, donde estudió Historia del Arte, diseño, gráficos, fotografía, y CAP (obtención de su título de docente en Artes Aplicadas en 1992). Fascinado por los deportes extremos, publicó sus primeras fotos y artículos en Ski-Français, Planchemag, Wind y Equipe-Magazine. El Sr. Vibert es un esquiador experto, practicante de windsurf, y fue pionero del snowboard en Francia, habiendo comenzado ya en 1984.
Después de completar su servicio militar en el departamento de Información y Relaciones Públicas del Ejército (creó un proyecto llamado «Prensa para el soldado francés de la ONU»). También enseñó diseño gráfico en una secundaria parisina antes de lanzarse a la aventura del periodismo independiente. Obtuvo su tarjeta de prensa en 1993.
Con el tiempo comenzó a especializarse en la fotografía de acción y viaje. Colaboró en muchas publicaciones relacionadas con el turismo y el deporte.
Fue co-fundador de una empresa creada a finales de 1999 (Ridingzone.com fue comprada por France-Telecom 10 meses después) y también prepara a muchos profesionales del área.
En 2001 se volvió un auténtico converso al mundo de fotos digitales y tuvo la suerte de ser solicitado por las escuelas de periodismo para enseñar esta disciplina. Hoy en día divide su tiempo entre la toma de fotos, edición de imágenes y creación e implementación de cursos de capacitación para fotógrafos y compañías independientes.

"Islandia"© Jean-François Vibert
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Evelyn Hofer (fotógrafa retratista y documentalista alemana / German documentary and portrait photographer)
Yeşim Ağaoğlu (artista multidisciplinar y poetisa turca / Turkish multidisciplinary artist and poet)


El 22 de Enero es el cumple de

Dan McCormack, fotógrafo estadounidense y profesor en el Colegio Marista en Nueva York, donde dirige el programa de fotografía.
Nacido en 1944, McCormack ha llevado el Seminario de Fotografía Avanzada en la Asociación de Arte del Condado de Dutchess, en Poughkeepsie, Nueva York durante más de veinte años. Ha fotografiado desnudo durante más de cuarenta años, trabajando en estudio, varios interiores, y en los paisajes del norte del estado de Nueva York. Su libro "La luz del cuerpo: Los pasajes en la relación", una serie de imágenes de su esposa Wendy, fue publicado en 1988.
Después de estudiar con Aaron Siskind, José Jachna, Arthur Siegel y Wynn Bullock en el Instituto de Diseño de IIT en 1965, Dan empezó el posgrado en 1968 en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, donde comenzó a fotografiar desnudos. Allí trabajó con Kenneth Josephson, Barbara Crane y Frank Barsotti. Desde entonces, ha "explorado imaginería figurativa en plata, cianotipo, paladio e impresiones digitales", trabajando con "Nimslo, Diana, Holga" y cámaras convencionales, así como un escáner de oficina y una cámara de vídeo. En su serie más reciente, toma fotografías en blanco y negro con una cámara caja de avena estenopeica, luego las colorea, con el resultado de que las imágenes resultan "arraigados en la óptica del siglo XVI, yuxtapuestas con la tecnología digital del siglo XXI."
Las fotografías de Dan McCormack se pueden encontrar en una serie de libros de texto: "Luz y lente: Fotografía en la Era Digital" (2007) y "Exploración de fotografía en color" (2004), así como en las colecciones del Museo de Bellas Artes de Houston; el Center for Creative Photography, Universidad de Arizona; el Visual Studies Workshop de Rochester, Nueva York; el Museo Ontológico en Fort Worth, Texas; el Recurso de alfiler en San Lorenzo, Nuevo México; y el Ultimate Eye Foundation en San Francisco, CA.

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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Clarence J. Williams III (fotógrafo del Los Angeles Times ganador del premio Pulitzer / 
Los Angeles Times photographer winner of Pulitzer Prize)
Andrzej Jerzy Lech (artista y fotógrafo polaco / Polish artist and photographer)


El 23 de Enero es el cumple de

David Douglas Duncan, fotoperiodista estadounidense nacido en 1916, conocido por sus espectaculares fotografías de combate.
Duncan asistió brevemente a la Universidad de Arizona, donde estudió arqueología. Mientras estaba en Tucson, fotografió por casualidad a John Dillinger tratando de entrar en un hotel. Finalmente continuó su educación en la Universidad de Miami, donde se graduó en 1938, habiendo estudiado zoología y español. Fue en Miami que comenzó en serio su interés por el fotoperiodismo. Trabajó como editor de imágenes y fotógrafo del periódico universitario.
Después de la universidad comenzó a trabajar como independiente, vendiendo su trabajo a revistas como The Kansas City Star, LIFE y la revista National Geographic. Después de Pearl Harbor Duncan se unió a la Infantería de Marina, se ganó un encargo de un oficial y se convirtió en fotógrafo de combate. Después de breves destinos en California y Hawai, fue enviado en misión al Pacífico Sur cuando Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial. Como segundo teniente, inicialmente sirvió con Grupo de marines 23 aerotransportado, y posteriormente fue asignado a fotografiar operaciones del combate Comando de Transporte Aéreo del Pacífico Sur. Aunque los fotógrafos de combate están a menudo cerca de la acción, rara vez luchan. Sin embargo, en una breve participación en la isla de Bougainville, Duncan se encontró luchando contra los japoneses. Duncan también cubrió la batalla de Okinawa, y se encontraba a bordo del USS Missouri durante la rendición japonesa.
Sus fotografías fueron tan impresionantes que después de la guerra fue contratado por LIFE para unirse a su personal, a instancias de JR Eyerman, fotógrafo jefe de la publicación. Durante su tiempo con LIFE, Duncan cubrió muchos eventos, incluyendo el fin del dominio británico en la India y los conflictos en Turquía, Europa del Este, África y Oriente Medio.
Tal vez sus fotografías más famosas fueron tomadas durante la Guerra de Corea. Compiló muchas de ellas en un libro: This Is War ! (¡Esto es la guerra!), (1951). Las ganancias fueron destinadas a las viudas e hijos de los marines que habían muerto en el conflicto. Duncan está considerado como el más prominente fotógrafo de combate en la Guerra de Corea.

"Marines estadounidenses pasan, en su carrera, junto al cadáver de un soldado enemigo en Corea /
American Marines race past a dead enemy soldier in Korea", Sept. 1950

Más sobre Douglas Duncan en "El Hurgador" / More about Douglas Duncan in this blog:
[Manos a la obra (X)], [Pintando perros (XI)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Bill Curtsinger (fotógrafo de naturaleza estadounidense / American nature photographer)
Guido Karp (fotógrafo de música alemán / German music photographer)


Hoy, 24 de Enero, es el cumple de

Jo Brunenberg, fotógrafo holandés nacido en 1949 en Stramproy.
En 1963 "descubre" la fotografía y dos años más tarde se inicia como aprendiz en la fotografía en una imprenta, realizando luego varios estudios en artes gráficas.
De 1965 a 1970, experimenta con diferentes técnicas fotográficas.
En 1969 su primer portafolio, "cristalización", está listo.
Entre 1970 y 1985 Jo viaja en Europa, el Lejano Oriente, África del Norte y los EE.UU. concentrándose principalmente en la fotografía de paisaje.
Su primera exposición tuvo lugar en el Museo Municipal, Weert, Holanda, en 1979.

"Atlantikwal 11, Pieter en Ton", 1983 © Jo Brunenberg
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:
Simon Norfolk (fotógrafo nigeriano / Nigerian photographer)
Solomon D. Butcher (fotógrafo ambulante estadounidense / American itinerant photographer)


Textos en inglés / English translation

On January 18 is the birthday of

Jay Maisel, American photographer born in 1931. His awards include the Art Directors Club Hall of Fame, the Lifetime Achievement Award of the American Society of Media Photographers, and the Infinity Award of the International Center of Photography.
Maisel studied painting and graphic design at Manhattan's Cooper Union and at Yale University, and became a photographer in 1954.
One of Maisel's most known images is his photograph of Miles Davis that appeared on the cover of Davis's album Kind of Blue. In 2009, Andy Baio created an image based on the original Kind of Blue album cover for the cover of a chiptune tribute album titled "Kind of Bloop". Attorneys representing Maisel demanded damages and that the resulting image be removed from the chiptune album, resulting in an out-of-court settlement of $32,500 from Baio.
For 40 years Maisel lived with his family in the historic Germania Bank Building in lower Manhattan.

On January 19 is the birthday of

Cindy Sherman, American artist, photographer and film director born in 1954 in New Jersey.
Sherman is one of the most important representatives of postwar photography in New York, exhibited more than three decades of work at the Museum of Modern Art.
Turning the camera on herself, Cindy Sherman has been one of the most respected photographers of the twentieth century. Most of her photographs are images of herself; she uses herself as a vehicle for a variety of issues of the modern world: the role of women, the role of the artist and many more. Through a series of different works, Sherman has raised important and challenging questions about the role and representation of women in society, the media and the nature of art creation.

On January 20 is the birthday of

Jose Maria Rodriguez Madoz, better known as Chema Madoz, is a Spanish photographer born in 1958, best known for his black and white surrealist photographs.
More images and information in previous post.
El Hurgadorhttp://elhurgador.blogspot.com.es/2015/10/chema-madoz-fotografia.html

On January 21 is the birthday of

Jean-Francois Vibert, French photographer born in 1967. 
He began his career in journalism in 1991 while pursuing courses at the Ecole Normale Supérieure, where he studied History of Art, Design, Graphics, Photography, and CAP (obtaining his teaching degree in Applied Arts in 1992). Fascinated by extreme sports, he published his first photos and articles in Ski-Français, Planchemag, Wind, and, Equipe-Magazine. Mr. Vibert is an adept skier, wind surfer, and was a pionner of the snowboard in France, he began as early as 1984.
After completing his military service in the department of Information and Public Relations for the Army (he created a project called « Press for the French UN Soldier »). He also taught Grahic Design in a Parisian High School before launching himself into the adventures of Freelance journalism, where he obtained his Press card in 1993.
Overtime he began specializing in action and travel photo shoots. He collaborated on many publications that deal with tourism and sports.
He was a co-founder of a start-up company, which was created the end of 1999 (Ridingzone.com was bought by France-Telecom 10 months later) and also trains many professionals in this area.
In 2001 he became a true convert to the world of digital photos and was fortunate to be solicited by schools of journalism to teach digital photography. Today, he divides his time between taking photos, editing images, and creating and implementing training courses for independent photographers and companies.

On January 22 is the birthday of

Dan McCormack, American photographer and professor at Marist College in NY, where he heads the photography program.
Born in 1944 McCormack has led the Advanced Photography Seminar at the Dutchess County Art Association in Poughkeepsie, NY for over twenty years. He has photographed the nude for over forty years, working in the studio, various indoor settings, and out in the landscape of upstate New York. His book Body Light: Passages in a Relationship, a series of images of his wife Wendy, was published in 1988.
After studying with Aaron Siskind, Joseph Jachna, Arthur Siegel, and Wynn Bullock at the IIT Institute of Design in 1965, Dan started graduate school in 1968 at the School of the Art Institute of Chicago, where he began photographing the nude. There he worked with Kenneth Josephson, Barbara Crane and Frank Barsotti. Since then, he has "explored figurative imagery in silver, cyanotype, palladium, and digital prints," while working with "Nimslo, Diana, Holga," and conventional cameras, as well as an office scanner and video camera. In his most recent series, he takes B&W photographs with an oatmeal box pinhole camera, then digitally colorizes them, with the result that the images are "rooted in sixteenth-century optics juxtaposed with twenty-first century digital technology."
Dan McCormack's photographs can be found in a number of textbooks--Light and Lens: Photography in the Digital Age (2007) and Exploring Color Photography (2004)--as well as in the collections of the Museum of Fine Arts, Houston; the Center for Creative Photography, University of Arizona; the Visual Studies Workshop in Rochester, NY; the Ontological Museum in Fort Worth, TX; the Pinhole Resource in San Lorenzo, New Mexico; and the Ultimate Eye Foundation in San Francisco, CA.

On January 23 is the birthday of

David Douglas Duncan, American photojournalist born in 1916 who is best known for his dramatic combat photographs.
Duncan briefly attended the University of Arizona, where he studied archaeology. While in Tucson, he inadvertently photographed John Dillinger trying to get into a hotel. Duncan eventually continued his education at the University of Miami, where he graduated in 1938, having studied zoology and Spanish. It was in Miami that his interest in photojournalism began in earnest. He worked as picture editor and photographer of the university paper.
After college, Duncan began to freelance, selling his work to journals such as The Kansas City Star, Life and the National Geographic Magazine. After Pearl Harbor Duncan joined the Marine Corps, earned an officer’s commission, and became a combat photographer. After brief postings in California and Hawaii, he was sent to the South Pacific on assignment when the United States entered World War II. As a 2nd Lieutenant, he initially served with Marine Aircraft Group 23 and later assigned to photograph operations of the South Pacific Combat Air Transport Command. Though combat photographers are often close to the action, they rarely fight. However, in a brief engagement at Bougainville Island, Duncan found himself fighting against the Japanese. Duncan also covered the battle of Okinawa, and was on board the USS Missouri during the Japanese surrender.
His wartime photographs were so impressive that after the war he was hired by Life to join its staff at the urging of J.R. Eyerman, Life's chief photographer. During his time with Life, Duncan covered many events, including the end of the British Raj in India and conflicts in Turkey, Eastern Europe, Africa, and the Middle East.
Perhaps his most famous photographs were taken during the Korean War. He compiled many of these into a book, This Is War!, (1951), with the proceeds going to widows and children of Marines who had been killed in the conflict. Duncan is considered the most prominent combat photographer of the Korean War.

Today, January 24, is the birthday of

Jo Brunenberg, Dutch photographer born in 1949 in Stramproy.
In 1963 he "discovers" photography and two years later starts as apprentice in photography at a printing-company, followed by several studies in graphic arts.
From 1965 to 1970, he experiments with various photographic techniques.
In 1969 his first portfolio, "Crystallization", is ready.
Between 1970 and 1985, Jo travels in Europe, the Far East, Northern Africa and the U.S.A. concentrating mainly on landscape photography.
His first exhibition took place in the Municipal Museum, Weert, Netherlands, in 1979.

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