Quantcast
Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
Viewing all 2069 articles
Browse latest View live

Hellen van Meene [Fotografía]

$
0
0
Traducción al inglés al final del post, marcada con [*] en cada párrafo /
English translation below marked with [*] in each paragraph
________________________________________________________________

Hellen van Meene


Hellen van Meene es una fotógrafa holandesa nacida en 1972 en Alkmaar.
Estudió en el Colegio de Arte en Edinburgo, Escocia, y fotografía en la Academia Gerrit Rietveld en Ámsterdam.
En sus fotografías, en formato casi siempre cuadrado, con luz natural, suele presentar chicas adolescentes, a veces con perros, que miran a la cámara con una rara intensidad. Otras veces sus miradas sugieren un ensimismamiento profundo, una actitud de estar sumidas en los meandros mentales de su propia adolescencia. [1]

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

Las fotografías de Hellen van Meene de jovenes mujeres y chicas son un delicado equilibrio entre la serenidad y la vulnerabilidad, entre la identidad individual y la caracterización arquetípica, entre la niñez y la adultez. Lo bello e intrigante en las fotografías de van Meene radica en la potencia de su incertidumbre. No está claro si estamos mirando algo cuidadosamente escenificado, o poses torpemente espontáneas, si esas chicas se han vestido para la ocasión, o han sido pilladas en actitudes inconscientes. Es tentadoramente ambiguo, ya sea que se trate de momentos que podrían ocurrir con o sin la presencia de van Meene, su cámara y nuestra apreciación, o si se trata de escenas completamente dirigidas que simplemente tienen el aspecto de algo íntimo y efímero. [2]

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

«Las fotografías no se supone que sean retratos; por eso no tienen títulos. No es mi intención presentar una expresión de su personalidad o un estado mental. Tampoco quiero bocetar una imagen sociológica de la juventud contemporánea o las chicas en la pubertad. Busco un cierto estado de ánimo en las imágenes para que las chicas figuren casi como actrices. De hecho, trato a mis modelos como objetos que puedes dirigir y guiar. Son simplemente material para mí.
Me preocupan principalmente cosas como la luz cayendo sobre una piel blanca, los moretones en un brazo, las manos que se desfiguran en el agua, y la piel de gallina con un tiempo gélido. Sólo entonces ves las texturas de la piel tan hermosas. Es excitante ver lo que ocurre cuando pones una pierna sobre una barra horizontal o cuando cuelgas el pelo de una persona en un arbusto. Más allá de esto, pongo mucha atención en la posición correcta, la puesta en escena, hacer que las ropas y los colores coincidan con la mirada y postura del modelo. Lo preparo todo, hasta el menor detalle, como el pulido de las uñas de sus dedos.
No es que trabaje a partir de una idea claramente definida, a la que me adhiero exactamente. Por supuesto tengo algo en mente, pero la ejecución puede ir por otro camino. A menudo es algo que espero ver, lo que traduzco en mi propia imagen, y lo que transformo en mi propio mundo. Mientras fotografío la casualidad juega un importante papel, porque ocurren toda clase de cosas que no pueden ser previstas. Las cosas llegan, y no siempre permiten que se las dirija.» [3]

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

«Siempre es muy difícil explicar a una modelo lo que estoy viendo, y necesito la libertad y el espacio para dirigir a mi manera. No es que no quiera aprender de ellas, porque si hacen algo a menudo me alegro, pero yo veo lo que quiero fotografiar. La mayoría de las modelos que fotografío no suelen hacer de modelos. Les hago sentir que sé lo que estoy haciendo, y luego dejo que respondan a su manera. Cuando funciona, se ven lo bastante relajadas como para aportar algo a la fotografía.» [4]

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

Invitada a fotografiar en Japón en el 2000, descubrió que aunque no podía comunicarse directamente con sus sujetos, sus instintos respecto a la universalidad de la experiencia adolescente y su abordaje visual y estilístico eran traducibles. En un formato cuadrado, con imágenes de longitud focal media de chicas sin nombre, van Meene busca componer «fotografías de situaciones y actitudes adolescentes, que representan el tipo de "normalidad" que usualmente no compartimos con otros, sino que guardamos para nosotros mismos.» [5]

Hellen van Meene

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

«Para los jovenes todo está abierto, y creo que la juventud inspira. ¿Por qué queremos permancer jóvenes? De algún modo, no queremos aceptar la vejez. Nos gusta volvernos más listos porque sabemos mucho más, pero la juventud es inspiradora, es salud, fortaleza, sueños más abiertos. Lo joven atrae. Todos queremos capturar eso, quisieramos retenerlo, pero no podemos, porque sabemos más. A medida que te haces más viejo, sabes que ya no lo tendrás nunca más.» [6]

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

«Me gusta intentar hacer la foto de una chica, y ver si puedo encontrar su magia. Es muy fácil conseguir ese... "ohhh, pobre niñita...", pero yo quiero una fotografía que también conecte con gente que no tiene niños, o que ni siquiera le gustan, pero encuentran algo en mis fotos. Ese es el momento que busco. (...)
A veces te sientes como un mago, porque ves algo que otros no ven.» [7]

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

© Hellen van Meene

«No me interesan las fotos bonitas de perros. Quiero capturar el carácter del perro, ese sentimiento humano que los perros tienen, ya que es por eso que la gente está tan unida a los perros, por lo que a veces tratan a sus perros como su... hermano, hermana, madre, padre, mejor amigo. Hay algo en los ojos de los perros, la expresión que tienen, la conducta que muestran, que hacen que nos sintamos tan conectados. También los gatos, pero es diferente. Los perros pueden estar tan realmente unidos a tí.» [8]

© Hellen van Meene
____________________________________________________________

Fuentes / Sources:
[2], [4] - Entrevista de Charlotte Cotton en / Interview by Charlotte Cotton inPop Magazine, 2004
[3] - Entrevista de / Interview byKarel Schampers, Haarlem, 15 Enenro / January 2002
[5] - Museum of Contemporary Photography (MoCP). Columbia College, Chicago
[6], [7] - Entrevista de H. Skrikeryud para la TV noruega. Ver video abajo /
Interview by Hanne Skrikerud for Norwegian TV. See video below
[8] - Entrevista a Hellen / Interview with Hellen, WestLicht & WestLicht Photographica Auction. Youtube
____________________________________________________________

Más sobre Hellen en "El Hurgador" / More about Hellen in this blog:
[Recolección (XXXIII)]

Más imágenes e información sobre Hellen en / More images and information about Hellen in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Hellen!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hellen!)



Entrevista a Hellen de H. Skrikeryud para la TV noruega (en inglés y noruego) /
Interview with Hellen by Hanne Skrikerud for Norwegian TV (English and Norwegian)




Traducción al inglés / English translation

[1]
Hellen van Meene is a Dutch photographer born in 1972 in Alkmaar.
She studied at the College of Art in Edinburgh, Scotland, and photography at the Gerrit Rietveld Academy in Amsterdam.
In his photographs, mostly square format with natural light, usually shows teenage girls, sometimes with dogs, looking at the camera with a rare intensity. Sometimes their eyes suggest a deep reverie, an attitude of being mired in the mental meanderings of her own adolescence.

[2]
Hellen van Meene's photographs of young women and girls are delicate balancing acts between self-possession and vulnerability, of individual identity and archetypal characterisation, childhood and adulthood. The beauty and the intrigue of van Meene's photographs is held in the potency of their uncertainty, it's unclear whether we are looking at carefully staged or awkwardly struck spontaneous poses, whether these are girls dressed up for the occasion or caught in unself-conscious play. It's tantalisingly ambiguous whether these are intimate moments that would be happening with or without the presence of van Meene, her camera and our appreciation or if they are fully directed scenes that simply have the look of something intimate and fleeting.

[3]
«The photographs are not meant to be portraits, which is why they have no titles. It is not my intention to give expression to their personality or state of mind. Nor do I want to sketch a sociological image of contemporary youth or girls at the moment of puberty. I look for a certain mood in the pictures, in which the girls almost figure as actors. As a matter of fact I treat my models as objects which you can direct and guide. They are simply material for me.
I am mainly concerned with things such as the lightfall on a white skin, bruises on an arm, hands which disfigure in water, and starting goose-pimples in frosty weather. Only then you see the texture of the skin so beautifully. It is exciting to see what happens when you put a leg over a horizontal bar or when you hang a person's hair in a bush. Besides this I pay a lot of attention to the right position, to the mise-en-scene, to matching clothes as well as their colour, to the gaze and posture of the model. I arrange everything, to the smallest detail, such as the nail polish on their fingers.
It is not that I work from a clearly defined idea, to which I will stick exactly. Of course I have something in mind, but the execution of it can go either way. Often it is something I happen to see, which I then translate into my own image and which I transform into my own world. While photographing, chance plays an important role, because all kind of things happen that cannot be foreseen. Things just come about and do not always let themselves be directed.»

[4]
«It's always very difficult to explain to a model what I am seeing, and I need the freedom and the space to direct in my own way. It's not that I don't want to learn from them because if they do something, I am often happy about that, but I do see what I want to photograph. Most models that I photograph are not used to being models. I give them the feeling that I know what I am doing, and then I give it over to them to respond in their way to this. When it works, they feel relaxed enough to give something to the photograph.»

[5]
Invited to photograph in Japan in 2000, she found that while she could not communicate directly with her subjects, her instincts regarding the universality of adolescent experience, and her visual and stylistic approach to it, were translatable. In her square-format, medium-focal-length pictures of unnamed girls, van Meene strives to compose "photographs of adolescent situations and attitudes, which represent the type of 'normality' we don't usually share with others, but keep to ourselves."

[6]
«For young people everything is open and I think youth inspires. Why do we always want to stay young? We don't want to accept to be old in a way. We do like it we do get smarter because of knowing much more, but youth is inspiring, youth is about healthiness, strongness, openest dreams. Young attracts. It's just something that doesn't last so long. That's why it's still spiring, because last so short in a way.
We all want to capture that, we would like to hold it but we can not, because we know more. As soon as you get older you know that you can't have it anymore.»

[7]
«I would like to try to make a photo of a girl, and try to see if I can find her magic. Is very easy to have these... "ahhh poor nice girl" but I want a photo that also correspond with people that have no children or even don't like children but do have something with my photos. That´s the moment I'm looking for. (...)
I sometimes feel like a magician, 'cause sometimes you see something that others don't see.»

[8]
«I'm not interested in nice dog pictures. I want to capture the character of the dog, that human feeling that dogs have, because that's why people are so attached to dogs, because sometimes they treat the dog like their... brother, sister, mother, father, big friend. There is something with dogs because of the eyes, the expression they have, the behave that they show that we feel so connected. Cats too, but is different. Dogs can really be so attached to you.»


Antonio Padrón y su Casa-Museo [Pintura]

$
0
0
El mes pasado Esther y yo tuvimos la oportunidad de visitar la Casa-Museo del pintor Antonio Padrón, en el pequeño pueblo de Gáldar, al norte de Gran Canaria. Me encantó la obra de este artista local, y también el lugar. La colección está distribuida en un primer espacio, con obras de Padrón, y otra construcción a la que se accede tras atravesar un precioso jardín interior, donde se encuentra el taller donde trabajaba, algunas otras obras (algunas inconclusas), y una interesante colección de piezas de otros artistas destacados. Les dejo algunas imágenes de las pinturas de Padrón, del lugar, y algo de información.

Last month Esther and I visited the House-Museum of the painter Antonio Padrón, in the small town of Galdar, north of Gran Canaria. I loved the work of this local artist, and also the place. The collection is divided into a first space, with works by Padron, and other construction which is accessed after crossing a beautiful interior garden, where is the workshop where he worked, some other works - some unfinished - and an interesting collection of pieces by other prominent artists. Here you have some images of Padron's paintings, the place and some information.
___________________________________________________________

Antonio Padrón y su Casa-Museo / and his House-Museum

Antonio Padrón

Antonio Padrón Rodríguez nació en Gáldar, Gran Canaria en 1920. Allí vivió, desarrolló su obra y murió en 1968.
Artista polifacético, fue pintor, escultor, ceramista y compositor. Durante su vida estuvo muy apegado a su tierra y a su gente. En ellos se inspiró para crear sus cuadros, no desde la pura observación artística, sino desde la implicación con la sociedad de su entorno. Su obra es singular dentro de la pintura canaria del siglo XX. Está marcada, en lo artístico, por su alejamiento de las influencias externas, su deseo de alcanzar un arte genuino y, en lo personal, por su carácter solitario.

"Campesinos - Trabajadores de plataneras / Peasants - Banana Workers"
Óleo y arena sobre tabla / oil and sand on wood, 223 x 173 cm., 1965

"Campesinas / Peasant Women", óleo y arena sobre tabla / oil and sand on wood, 219 x 173 cm., 1965

Tras estudiar como interno durante unos años en el Colegio La Salle de Arucas, prosiguió el bachillerato en el colegio Viera y Clavijo y en el Instituto Pérez Galdós de Las Palmas, donde tuvo como profesor de dibujo al pintor impresionista canario Nicolás Massieu.
En el curso 1942-43 aprobó su ingreso en la Escuela Central de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) donde tuvo como profesores, entre otros, a Vázquez Díaz, Julio Moisés, Enrique de la Fuente Ferrari, Velarde y Ramón Stolz.
En 1949 obtuvo el título de profesor de dibujo, y permaneció en Madrid hasta 1951, año en que regresó definitivamente al Gáldar.

Esther con "Campesinas" (izq.) y "Composición canaria" (der.) /
Esther with "Peasant Women" (left) and "Canary Composition" (right)

"Composición canaria / Canary Composition"
Óleo y arena sobre tablex / oil and sand on hardboard, 150 x 200 cm., 1967

"Niñas de las mariposas / Girls of the Butterflies", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 49 x 43 cm., 1950

La pintura de Antonio Padrón puede definirse como expresionista. Él se definía como un “expresionista sin desgarraduras” para no situarse dentro de ninguno de las tres corrientes en que se suele clasificar dicho movimiento: realismo social, fauvismo y expresionismo psicológico. La obra de Padrón tiene características de algunas o de todas estas corrientes pero no está adscrita claramente a ninguna de ellas. Está vinculada al expresionismo por su gusto por lo popular, la interpretación que hace en sus cuadros de los mitos, las costumbres y el folclore grancanario. Además, el recuerdo y puesta en valor del arte primitivo autóctono desarrollado por los artistas de la Escuela Luján Pérez (Plácido Fleitas, Jorge Oramas, Felo Monzón, Jesús Arencibia…), le descubrieron el riquísimo acervo pictórico que ofrecía Gran Canaria. Se configuró así una pintura indigenista insular cuyos símbolos de identidad serían, según Padrón, los “ocres y rojos, en los tonos cálidos” típicos de la tierra canaria, “situada alrededor del volcán”.

"Cañas en el sur (Cucañas) / Canes in the South (Cucanas)"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 89 x 75 cm., 1960

"La lluvia / The Rain", óleo sobre tablex / oil on hardboard, 91 x 80,5 cm., 1968

"Cabeza de mujer / Head of a Woman", lápiz / pencil, 41 x 31 cm., 1968

"El niño enfermo / The Sick Kid", óleo sobre tablex / oil on hardboard, 91 x 51 cm., 1968

"La lluvia I / The Rain I", óleo sobre tablex / oil on hardboard, 91 x 81 cm., 1967

"Las tuneras / The Cactus", óleo sobre tablex / oil on hardboard, 91,5 x 81 cm., 1965

En primer término, dos niños comen tunos en un barranco, al fondo seis niñas juegan al coro. En múltiples cuadros que Padrón pintó teniendo a los niños como protagonistas, éstos aparecen con expresión melancólica, pese al ambiente sereno y poético que los rodea. Los tonos azules y violetas, predominantes en la pintura, hacen aún más notorio ese sentimiento de punzante añoranza que el pintor parece haber puesto en ellas. Padrón creó un estilo personal, inconfundible, pero en el fondo de esa forma particular de expresión podemos encontrar ciertas influencias. Tanto en el empleo del color como en la forma compositiva se aprecia la influencia de los pintores de la Escuela de San Fernando, sobre todo de Palencia. La presencia de Picasso, advertible especialmente en los ojos sin párpados y en la bifrontalidad de algunos de sus personajes. Pero la influencia más notable, y la que, paradójicamente, contribuyó a darle singularidad a su trabajo, fue la que sobre él ejerció la cultura aborigen canaria.

Foto / Photo: Esther Frías

In the foreground, two children eat prickly pears in a ravine, in the background six girls play the chorus. Children are protagonists in several paintings by Padrón. They appear with a melancholy expression, despite the serene and poetic atmosphere that surrounds them. Blue and violet tones dominant in the paintings make even more noticeable this feeling of poignant longing that the painter seems to have put on them. Padrón created a personal, distinctive style, but on the background of that particular form of expression we find certain influences. Both in the use of color and compositional form we can see the influence of painters of the School of San Fernando, especially from Palencia. The presence of Picasso, especially noticeable in lidless eyes and the bifrontal design of some of his characters. But the most remarkable, and, paradoxically, helped to give uniqueness to your work, it was the influence of the Canary Aboriginal culture.

"Las tuneras / The Cactus" (detalle / detail)

"Campesina / Peasant Woman", óleo sobre tablex / oil on hardboard, 75,5 x 89,5 cm., 1966

Antonio Padron Rodriguez was born in Galdar, Gran Canaria in 1920. There he lived, developed his work and died in 1968.
A versatile artist, he was a painter, sculptor, ceramicist and composer. During his life he was very attached to his land and their people. They was the inspiration to create his paintings, not from the pure artistic observation, but from involvement with the society around it. His work is unique in the Canary twentieth century painting. It is marked, in art, by their remoteness from external influences, their desire to achieve a genuine art and, personally, for his solitary nature.

"En la exposición / At the Exhibition", óleo sobre tabla / oil on wood, 99 x 121 cm., 1964

"En la exposición / At the Exhibition" (detalle / detail)

After studying for a few years as an intern in the college La Salle in Arucas, he continued his secondary education at the college Viera y Clavijo and the Institute Perez Galdos in Las Palmas, where he learned drawing with the canary impressionist painter Nicolas Massieu.
During 1942-1943 was admitted in the Central Academy of Fine Arts of San Fernando (Madrid) where his teachers included, among others, Vazquez Diaz, Julio Moses, Enrique de la Fuente Ferrari, Velarde and Ramón Stolz.
In 1949 he qualified as a teacher of drawing, and remained in Madrid until 1951, when finally he returned to Gáldar.

"Echando las cartas / Reading the Cards", óleo sobre tablex / oil on hardboard, 76 x 89,7 cm., 1960

"En el mercado / At the Market", óleo sobre tablex / oil on hardboard, 75,5 x 89,5 cm., 1962

The painting of Antonio Padron can be defined as Expressionistic. He defined himself as an "expressionist without tears" not to be within any of the three streams that are usually named to classify this movement: Social Realism, Fauvism and Psychological Expressionism. Padrón's work has characteristics of some or all of these currents but is not clearly assigned to any of them. It is linked to expressionism by the taste for the popular, the interpretation in his paintings of myths, customs and folklore of Gran Canaria Island. In addition, the memory and appreciation of indigenous primitive art developed by the artists of the Luján Pérez School (Placido Fleitas, Jorge Oramas, Felo Monzon, Jesus Arencibia ...), discovered to him the rich pictorial heritage offered by Gran Canaria. An insular indigenous painting was so configured. Its symbols of identity would be, according Padron, the "ocher and red, in warm tones" typical of the Canary land, "located around the volcano."

"Mujer infecunda II / Infertile Woman II", óleo sobre tablex / oil on hardboard, 75,5 x 90 cm., 1962
______________________________________________________________

Entrada a la casa-museo / Entrance of the House-Museum. Foto / Photo: Esther Frías

La Casa-Museo Antonio Padrón es un centro museístico ubicado en Gáldar, Gran Canaria, Islas Canarias, España. Se trata de un centro de carácter público, dependiente de la Consejería de Cultura, Patrimonio Histórico y Museos del Cabildo de Gran Canaria.
El edificio, de estilo regionalista, que fue proyectado por González Padrón y construido en 1947, había más de 150 piezas pertenecientes a los diferentes periodos de su actividad creadora: desde unos estudios académicos (de sus principios de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid), hasta el cuadro que estaba pintando los últimos días antes de su muerte, Piedad, que quedó inacabado.

Casa-Museo / House-Museum Antonio Padrón

Casa-Museo / House-Museum Antonio Padrón


The artist's Workshop

Vista del taller / View of the Workshop
Izq., en el caballete / Left (in the easel): "Piedad / Pieta" (inacabado / unfinished)
Óleo sobre tablex / oil on hardboard, 116,7 x 79,6 cm., 1968
Centro, en el caballete / Right (in the easel): "Quesera / Cheesedish" (inacabado / unfinished)
Óleo sobre tablex / oil on hardboard, 80 x 91,5 cm., 1964

The House-Museum Antonio Padrón is located in the center of Galdar, Gran Canaria, Canary Islands, Spain. It is a public center , under the Ministry of Culture, Cultural Heritage and Museums of the Cabildo de Gran Canaria.
The building, regional style, which was designed by González Padrón and built in 1947, had more than 150 pieces from different periods of Antonio Padron creative activity: from a few academic studies (early works made in the School of Fine Arts of San Fernando, Madrid) to the picture he was painting the last days before his death, Pieta, which remained unfinished.

Taller del artista / The artist's Workshop
"Niños buscando nidos / Children Looking for Nests", óleo sobre tablex / oil on hardboard, 90 x 80 cm., 1968

Jardín interior / Interior Garden

Todas las fotografías, excepto donde se indica, son de Javier Fuentes, y pueden usarse libremente citando la fuente /
All photographs by Javier Fuentes - except where noted, can be used freely just by quoting the source.

Más imágenes e información / More images and information:
Website, Casa-Museo en / House-Museum inWikipedia,

Rinocerontes (LXXI)

$
0
0
Hace un tiempo descubrí en la red la existencia de una serie de obras relacionadas con los rinocerontes. Estas creaciones pertencen a Emilio Gargioni, un excéntrico coleccionista italiano amante de los perisodáctilos. Ya he publicado imágenes de algunas de estas obras. En el sitio web donde pueden verse unas cuantas piezas de la colección, hay una entrevista donde Gargioni cuenta cómo empezó todo:

«Por una parte la pasión por los animales raros y salvajes, y por otro el placer de lo grotesco. Estos dos componentes se fusionan cuando, una tarde, en 1962, visitando en Torino la muestra Surfanta, quedé muy impresionado por un cuadro grande, una pintura al óleo sobre masonita titulado "Obsesión de sclassaronti", de Lorenzo Alessandri. Representaba figuras de grandes insectos inventados y grotescos. La bombilla que se había encendido hacía doce años, después de ir al zoológico, se volvió a encender de pronto, y el rinoceronte se ha convertido en el animal guía de mi colección.»
La entrevista completa (en italiano) aquí.

Según comenta, la colección, al momento de publicar los textos en el sitio web, contaba con más de 1200 piezas entre pinturas, esculturas, grabados y "también objetos de naturaleza diversa, hechos de los materiales más dispares".
La selección que presento hoy, además de unas cuantas obras de Possenti, tiene como base esta colección. Las obras aquí presentes son casi todas, y además de las pinturas propiedad de Gragoni van algunas otras obras de estos artistas también relacionadas con rinocerontes. 
_______________________________________________________________

Some time ago I discovered on the Net a set of works related with Rhinos. These creations are owned by Emilio Gargioni, an eccentric Italian collector and lover of perissodactyles. I've published before images of some of this works. In the website where you can see some pieces of this collection, there are an interview with Gargioni where he tells how everything has began:

«On the one hand the passion for rare and wild animals, and on the other the pleasure of grotesque. These two components are merged when one afternoon in 1962, visiting the Surfanta show in Torino, I was very impressed by a large painting, an oil painting on masonite entitled "Obsession sclassaronti" by Lorenzo Alessandri. Invented figures represented large and grotesque insects. The bulb had gone on for twelve years, after going to the zoo, was suddenly rekindled, and rhino has become the animal guide of my collection.»

As he say, the collection, when publishing the text on the website, counted with more than 1,200 pieces, including paintings, sculptures, engravings and "also objects of various nature, made of the most disparate materials.".
The selection that I present today, besides some works by Possenti, is based on this collection. The works present here are almost exclusively of Italian artists. In addition to the works owned by Gragoni, some other paintings of these artists also related to rhinos.
_______________________________________________________________

Antonio Possenti

"Gli antichi animali / Los animales antiguos / The Antique Animals", 200 x 180 cm.

Antonio Possenti es un artista italiano con unas cuantas décadas de obra pictórica a sus espaldas. Recientemente publiqué un post monográfico sobre su obra, y vendrá alguno más. Aquí les dejo una selección de sus pinturas con rinocerontes.

Viaggi, Un viaggiatore allo zoo / Viajes. Un viajero en el zoo / 
Travels. A Traveler at the Zoo", 100 x 200 cm., 1993

"Un Rinoceronte / A Rhino", óleo sobre cartón telado / oil on scrim cardboard, 20 x 15 cm., 1972
Colección de / Collection of Emilio Gargioni, Italia / Italy

"Per 'Bestie' di Federigo Tozzi, Cigno / Para 'Bestias' de Federico Tozzi. Cisne /
For 'Beasts' by Federigo Tozzi. Swan"

Possenti Antonio is an Italian artist with a few decades of pictorial work. Recently I published a monographic post about his work, and more will come in the future. Now let´s enjoy a selection of his paintings with rhinos.

"Carte Nautiche, Verso sud / Cartas náuticas. Al sur / Nautical Charts, To the South" 70 x 130 cm.

"Viaggi, Viaggio a / Viajes. Viaje a / Travels. Travel to Timbuctu"

"Festival de verano / Summer Festival", Orfeo

"Viaggi. Una spiaggia africana / Viajes. Una playa africana / Travels. An African Beach", 30 x 40 cm., 2002

Más sobre Possenti en "El Hurgador" / More about Possenti in this blog:

Más imágenes e información sobre Antonio en / More images and information about Antonio in:


André Duranton

"Rinoceronte / Rhinoceros", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55 x 46 cm., 1976
Colección de / Collection of Emilio Gargioni, Italia / Italy
_________________________________________________________

Eduardo Alcoy

"Rinocerontes / Rhinoceros", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 60 x 50 cm., 1976
Galleria Davico (Torino, Italia / Italy)
Colección de / Collection of Emilio Gargioni, Italia / Italy
_________________________________________________________

 Pippo Ciarlo / Piero Gnesi

Izq./ Left: Pippo Ciarlo: "Rinoceronte guerriero / Rinoceronte guerrero / Warrior Rhino"
Acuarela sobre papel / watercolor on paper
Der./ Right: Piero Gnesi: "Rinoceronte africano / African Rhino"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 50 cm., 1969
Colección de / Collection of Emilio Gargioni, Italia / Italy


Claudio Cargiolli

"Un nuovo cuore per ir rinoceronte / Un nuevo corazón para el rinoceronte / A New Heart for the Rhino"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 50 x 50 cm., 1990. Colección de / Collection of Emilio Gargioni, Italia / Italy

Claudio Cargiolli es un pintor italiano nacido en Ponzanello, un pequeño pueblo cerca de Fosdinovo (Massa Carrara) en 1952.
Estudió en la Escuela de Arte y más tarde en la Academia de Bellas Artes de Carrara, donde vive y trabaja. Desde el inicio fue curioso, libre, favoreciendo la imaginación y la fantasía, lejos de cualquier concesión a las modas, pero siempre cuidadoso y riguroso en la búsqueda de la buena pintura y la experimentación con técnicas antiguas y trucos pictóricos más afines a él. Siendo aún muy joven, participa a partir de 1968 en muchas exposiciones de pintura. Su primera muestra individual fue realizada en 1971 en la galería "Fillungo" de Lucca, comisariada por el crítico y gran historiador del arte Pier Carlo Santini, quien le seguirá durante muchos años en su trabajo.
Con estas primeras experiencias, continuó su camino hasta graduarse de la Academia en 1974. La pintura de aquellos años de formación, de investigación, de experimentación, se caracteriza por una producción dominada por sujetos enigmáticas, figuras en las que las caras han sido eliminadas y compuestas de fragmentos. Desde 1983 y en los años siguientes, Cargiolli logra poner orden en sus visiones y dar forma a sus sueños, la pintura se consolida tanto en la medida como en los volúmenes, las formas y los objetos, que se colocan en el lienzo contando una historia fantástica. Los enfoques al límite de la incongruencia en las escenas, visiones y diferentes descripciones, contribuyen a la construcción de una realidad metafísica, impregnada de poesía, irreal y sin embargo reconfortante, a pesar de su imposibilidad. Este proceso de investigación y trabajo se incrementa y concretiza en la segunda mitad de los años 80; comienza a partir de ese período, de hecho, la colaboración con la galería de Bolonia Forni y el ciclo de exposiciones de alto prestigio en Italia y en el extranjero. Hoy en día Cargiolli, en su perfeccionamiento incesante, compone imágenes cada vez menos concurridas, imágenes de alta definición, soñadoras, puras, atemporales, destinadas a una conversación privada, para condensarse en una ternura de afectos que son verdaderos actos de amor.

"Il peso della poesia / El peso de la poesía / The Weight of Poetry", 20 x 30 cm., 2011

"Il peso della poesia / El peso de la poesía / The Weight of Poetry", 30 x 30 cm., 2011

Cargioli Claudio is an Italian painter born in Ponzanelli, a small village near Fosdinovo (Massa Carrara) in 1952.
He studied at the School of Art and later at the Academy of Fine Arts in Carrara, where he lives and works. From the beginning it was curious, free, encouraging imagination and fantasy, far from any concessions to fashion, but always careful and thorough in finding good painting and experimenting with ancient techniques and pictorial tricks related to him. Still very young, from 1968 he participates in many exhibitions. His first solo show was held in 1971 in the Fillungo Gallery in Lucca, curated by the critic and great art historian Pier Carlo Santini, who will follow his work for many years.
With these early experiences, he continued his way to graduate from the Academy in 1974. The painting of those years of training, research, experimentation, is characterized by a production dominated by enigmatic subjects, figures in which the faces have been removed and composed of fragments. Since 1983 and the following years, Cargiolli manages to put order in his visions and shape his dreams, painting consolidates both in measure and volumes, shapes and objects, which are placed on the canvas telling a story of fantasy. Approaches at the limit of inconsistency in the scenes, visions and different descriptions contribute to the construction of a metaphysical reality, steeped in poetry, unreal and yet comforting, despite its impossibility. This process of research and work increases and concretized in the second half of the 80s; starts from that period, in fact, collaboration with Bologna Forni Gallery and the cycle of prestigious exhibitions in Italy and abroad. Today Cargiolli, in their continuing improvement, composes increasingly crowded timeless images, high-definition images, dreamy, pure, intended for a private conversation, to condense into a tenderness of affection that are real acts of love.

"Il peso della poesia / El peso de la poesía / The Weight of Poetry", 30 x 40 cm., 2011

Más sobre Cargiolli en "El Hurgador" / More about Cargiolli in this blog:

Más imágenes e información sobre Cargiolli en / More images and information about Cargiolli in:


Giuseppe Vignani

"Amanti e Rinoceronte / Amante y rinoceronte / Lover and Rhino"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2001. Colección de / Collection of Emilio Gargioni, Italia / Italy
_________________________________________________________

 Walter Mac Mazzieri

"Rinoceronte fra le nuvole / Rinoceronte en las nubes / Rhinoceros in the Clouds", óleo / oil, 1971
Colección de / Collection of Emilio Gargioni, Italia / Italy

Más sobre Mac Mazzieri en "El Hurgador" / More about Mac Mazzieri in this blog:


Michael Mathias Prechtl

"Rinoceronte arcimboldesco / Archimboldesque Rhino"
Técnica mixta sobre cartulina / mixed media on cardstock, 49 x 33 cm., 1989
Colección de / Collection of Emilio Gargioni, Italia / Italy

Michael Mathias Prechtl, artista alemán, ilustrador y dibujante nacido en 1926. Sirvió como soldado en el frente oriental durante la Segunda Guerra Mundial y pasó de 1945 a 1949 como prisionero de guerra en la Unión Soviética.
Es conocido por ilustrar ediciones alemanas de clásicos de la literatura, tales como obras de E.T.A. Hoffmann, Thomas More, Dante, Goethe, Benvenuto Cellini, y las cartas de Mozart. Recibió más publicidad por las numerosas ilustraciones de portada que hizo para Der Spiegel en la década de 1980.
Prechtl se casó con la artista Frydl Zuleeg en 1956.
Murió en 2003.

"El bote de Fellini / Fellini's Boat"
Técnica mixta sobre cartulina / mixed media on cardstock, 28,5 x 24 cm., 1989
Colección de / Collection of Emilio Gargioni, Italia / Italy

Michael Mathias Prechtl, German artist, illustrator and cartoonist born in 1926. He served as a soldier on the Eastern Front during World War II and spent 1945-49 as a prisoner of war in the Soviet Union.
He is well known for illustrating German editions of literary classics such as works by E.T.A. Hoffmann, Thomas More, Dante, Goethe, Benvenuto Cellini, and the letters of Mozart. He received more publicity for the numerous front page illustrations he made for Der Spiegel in the 1980s.
Prechtl was married to the artist Frydl Zuleeg in 1956.
He died in 2003.


Manlio Amodeo / Walther Jervolino

Izq./ Left: Manlio Amodeo: "Rinoceronte alato / Rinoceronte alado / Winged Rhino"
Aguafuerte coloreada / colored etching, 70 x 50 cm., 1969
Der./ Right: Walther Jervolino: Rinoceronte (vivre livre ou morir / vivir libre o morir / living free or die)"
Óleo y acrílico sobre tabla / acrylic and oil on wood, 50 x 40 cm., 1976
Colección de / Collection of Emilio Gargioni, Italia / Italy
___________________________________________________________________

Otras obras con rinoceronte de la colección Gargioni en el blog / 
Other works with rhino from the Gargioni Collection in this blog:

Agostino Arrivabene: [Rinocerontes (LXIX)]
Andy Warhol: [Rinocerontes (LX)]
Frank Borghese: [Rinocerontes (XLII)]
Gaetano Pompa: [Rinocerontes (XXXIV)]


Los artistas / The Artists

La única información de que dispongo sobre André Duranton es que es francés y nació en 1905.

The only information I have about André Duranton is that is a French painter born in 1905

Eduardo Alcoy fue un artista español nacido en 1930 en Barcelona.
Estudió dibujo y grabado en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos la Lonja. Desde 1950 formó parte del Grupo “Inter-Nos”, e hizo su primera exposición colectiva en la Sala Pino de Barcelona. Perteneció a una generación intermedia de artistas que en la postguerra recibieron las influencias de Tápies y del informalismo. En 1957 fue fundador del Grupo Sílex, junto con Hernández Pijuán, Rovira Brull y Carlos Planell. En 1959, junto con Subirachs y Jordi Curós, creó la Escuela de Barcelona.
Murió en 1987.

Eduardo Alcoy was a Spanish artist born in 1930 in Barcelona.
He studied drawing and engraving at the School of Arts and Crafts La Lonja. Since 1950 he joined the "Inter-Nos" Group, and made his first collective exhibition in the Sala Pino, Barcelona. He belonged to a middle generation of artists who after the war receiveds the influences of Tápies and Informalism. In 1957 he was one of the founders of the Flint Group, along with Hernández Pijuan, Rovira Brull and Carlos Planell. In 1959, along with Subirachs and Jordi Curós, he created the School of Barcelona.
He died in 1987.

Pippo Ciarlo fue un artista italiano nacido en 1949 en Turín. 
Se graduó en 1968 en la Escuela de Arte de Savona y pasó por los movimientos de finales del siglo XX y la primera década del nuevo milenio con una mirada simbólica-surrealista, y un discurso marcado por el color.
Sus trabajos aparecen permeados por una sensación de sutil inquietud, la fascinación de las figuras resueltas entre el sueño y la memoria, de esas sensaciones que gobiernan la formulación de la representación.
Su estudio fue un punto de encuentro y referencia para estudiantes, amigos, invitados extranjeros y modelos.
Libros, carteles, caballetes, tubos de pintura, pinceles eran una presencia constante, documentos de una cotidianeidad interpretada de acuerdo con su idea propia de la libertad interior.
Murió en 2014.

Pippo Ciarlo was an Italian artist born in 1949 in Turin.
He graduated in 1968 at the School of Art in Savona and went through the movements of the late twentieth century and the first decade of the new millennium with a surrealist symbolic look and a discourse marked by color.
His works appear permeated by a sense of subtle inquisitiveness, the fascination of figures resolved between sleep and memory, those feelings that govern the formulation of representation.
His studio was a meeting point and reference for students, friends, foreign guests and models.
Books, posters, easels, paint tubes, brushes were a constant presence, documents of everyday interpreted according to his own idea of inner freedom.
He died in 2014.

Piero Gnesi fue un pintor italiano nacido en Pisa en 1920. Llegó a exponer en Europa y China y murió en 1995.

Piero Gnesi was an Italian painter born in Pisa in 1920. He exhibited in Europe and China, and died in 1995

Giuseppe Vignani nació en 1932 en Argel.
La actividad de su padre (músico) implicaba numerosas reubicaciones, por lo que el futuro pintor pasó los primeros años de su vida viajando frenéticamente. Más tarde la familia se trasladó a Turín, la ciudad que marca su debut en la carrera. Participó en un colectivo por el cual fue mencionado en "La Stampa" de Luigi Carluccio y Angelo Dragone. Alentado por los dos grandes críticos de la época, Vignani comienza a participar en exposiciones colectivas importantes y presentar sus primeras exposiciones individuales, despertando el interés de los críticos más influyentes. Il Resto del Carlino, con motivo de una exposición de arte internacional, señala a Vignani junto con otros artistas de nivel internacional bien establecidos como Emilio Scanavino, Umberto Mastroianni, Roberto Crippa y Giuseppe Tarantino. A esto sigue un período particularmente rico en exposiciones personales. 
En 1995 se organizó una muestra personal de Vignani en el prestigioso Palazzo Salmatoris di Cherasco, que consta de 50 obras, algunas de considerable tamaño, que son recibidas con gran interés por los visitantes y los críticos más calificados. Los años siguientes se caracterizan por un nutrido calendario de exposiciones.

Giuseppe Vignani was born in 1932 in Algiers.
The activity of his father (musician) meant numerous relocations, so that the future painter spent the first years of his life traveling frantically. Later the family moved to Turin, the city that marks his debut in the career. He participated in a group for which he was mentioned in "La Stampa" of Luigi Carluccio and Angelo Dragone. Encouraged by the two great critics of the time, Vignani begins to participate in important group exhibitions and present his first solo show, attracting the interest of the most influential critics. Il Resto del Carlino, on the occasion of an exhibition of international art, draws Vignani along with other international artists well established as Emilio Scanavino, Umberto Mastroianni, Roberto Crippa and Giuseppe Tarantino. This is followed by a particularly rich period in solo exhibitions.
In 1995 a personal exhibition was organized at in the prestigious Palazzo Salmatoris di Cherasco, consisting of 50 works, some of huge size, which was received with great interest by visitors and the most qualified critics. The following years were characterized by a large exhibition schedule.

Walter Mac Mazzieri, pintor, grabador y escultor, nació en 1947 en Ca 'd'Olina Pavullo en Frignano (Módena), pueblo medieval en el valle Scoltenna.
Cuando era un niño, dada la pobreza de la familia, tuvo que desempeñarse en muchos oficios diferentes, viviendo en un mundo rural de mentalidad antigua pero lleno de fábulas y leyendas, de caballos y palomas. Empezó a dibujar copiando cómics cuando tenía alrededor de diez años. Luego se trasladó a Pavullo y asistió durante algún tiempo al Instituto de Arte "Adolfo Venturi" en Módena.
Hizo su primera exposición a los quince años, con pinturas de un realismo rústico.
Su personalidad eclosionó en 1968, y atrajo mucho interés gracias a una exposición celebrada en Milán en 1971. Desde entonces (sin dejar de viajar a Europa y África para visitar ciudades y museos) trabajó tenazmente en Italia y en el extranjero. 
Murió en 1998.

Walter Mac Mazzieri, painter, engraver and sculptor, born in 1947 in Ca 'd'Olina Pavullo in Frignano (Modena), medieval village in the Scoltenna Valley.
When he was a child, given the poverty of the family, he had to perform in many different jobs, living in a rural world of old mentality but full of fables and legends, horses and pigeons. He started drawing copying comics when he was about ten years old. Then he moved to Pavullo and attended for some time the Art Institute "Adolfo Venturi" in Modena.
He made his first exhibition at fifteen, with paintings of a rustic realism.
His personality hatched in 1968, and attracted much interest thanks to an exhibition held in Milan in 1971. Since then he worked tenaciously in Italy and abroad, traveled to Europe and Africa to visit cities and museums.
He died in 1998.

Manlio Amodeo es un pintor y artista gráfico italiano.
En los años '60 conoció a Savina Tavano en la Academia Albertina de Torino. Se casaron y desde 1978 viven en Maremma, a donde llegaron en 1978 para pasar unas vacaciones. Manlio y Savina trabajan juntos, y son dos importantes protagonistas de la pintura italiana.

Manlio Amodeo is an Italian painter and graphic artist.
In the '60s he met Savina Tavano at the Albertina Academy of Turin. They married and since 1978 they lives in Maremma, where arrived in 1978 for a holiday. Manlio and Savina work together, and are two key figures of Italian painting.

Walther Jervolino, pintor y artista italiano nacido en 1944, conocido principalmente por su obra surrealista.
Estudió arte con los pintores realistas italianos Mario Calandri y Giacomo Soffiantino, favoreciendo la pintura al óleo, así como las técnicas de grabado.
Comenzó su carrera profesional a finales de 1960 en París, Londres y en Milán, donde vivió durante varios años. Más tarde perfeccionó su técnica en el estudio romano de Riccardo Tommasi Ferroni, uno de los principales artistas italianos. Desde entonces Jervolino aumentó sus conexiones con países de Europa, y también vivió durante mucho tiempo en los Estados Unidos, donde expuso en la Art Expo de Nueva York, Miami y Los Ángeles.
Sus primeras obras estuvieron profundamente influenciadas por el estilo visual de Giorgio de Chirico, Salvador Dalí y Max Ernst, que más tarde se combinaría con el de varios pintores medievales y renacentistas, como El Bosco y Caravaggio. Su técnica única, derivada de años de estudio personal de los materiales renacentistas, colores y química, junto con el arte postmoderno, produjeron a principios de los'80 obras maestras como "Gianduja y Giandujotto", "La muerte de Pinocho", "El coleccionista" y "La Torre de Babel".
Su obra comenzó a ser apreciada fuera de Europa. Vivió en Italia con su familia y, gracias a su perfecto inglés, en los Estados Unidos, donde fueron expuestos muchos de sus cuadros, recibiendo varias críticas positivas en revistas.
En su época tardía, habiéndose vuelto aún más preciso y perfeccionista, Jervolino mejoró sus técnicas de grabado y comenzó a experimentar una técnica singular donde las figuras o personajes salen de la pintura durante una especie de performance artística.
Murió en 2012.

Walther Jervolino, Italian painter and artist born in 1944, mainly known for his Surrealist works.
He studied art under Italian realist painters Mario Calandri and Giacomo Soffiantino, favoring oil painting as well as the engraving techniques.
He began his professional career in the late 1960s in Paris, London and in Milan, where he lived for several years. He later perfected his technique in the Roman studio of Riccardo Tommasi Ferroni, one of the major Italian artists. Since then, Jervolino increased his connections with countries throughout Europe, and also lived for long periods in the United States, where he exhibited his works at the Art Expo in New York, Miami and Los Angeles.
Walther Jervolino's early works were deeply influenced by the visual style of Giorgio de Chirico, Salvador Dalì and Max Ernst which he later combined with that of several Medieval and Renaissance Painters, such as Hieronymous Bosch and Caravaggio. His unique technique, derived from years of personal study of Renaissance materials, colours and chemistry together with Postmodern art, produced in the first 80's masterpieces as "Gianduja and Giandujotto", "The death of Pinocchio", "The collector" and "The Babel tower".
His works started to be to appreciated outside Europe, and thanks to his perfect English, Jervolino lived through Italy, where his family lived, and the United States, where many of his paintings were exposed, receiving several positive reviews on magazines.
In his later period, becoming even more accurate and perfectionist, Walther Jervolino enhanced his engraving techniques and started experimenting a singular technique where figures or characters come out from the painting during a sort of art performance.
He died in 2012.

Nicolas V. Sanchez [Dibujo, Pintura]

$
0
0
Resulta fascinante ver lo que Nicolas es capaz de hacer utilizando tan sólo bolígrafos de colores /
It is fascinating to see what Nicolas can do with using just color ballpoint.
_______________________________________________________

Nicolas V. Sanchez

Nicolas V. Sanchez
fotograma del video que puede verse más abajo / still of the video you can see below

Nicolas V. Sanchez es un artista estadounidense nacido en Lansing, Michigan, que obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en el Colegio de Arte y Diseño Kendall en Grand Rapids, Michigan, y su Master en la Academia de Arte de Nueva York. Durante su estadía en la Academia, fue seleccionado para una residencia de verano en Shangai y Beijing, China, y una residencia en República Dominicana, enseñando en la Escuela de Diseño en Altos de Chavon.
Además de ser un excelente pintor, Nicolas tiene gran habilidad y gusto por el bolígrafo. Siempre lleva encima sus cuadernos de bocetos que llena con dibujos del mundo que le rodea: retratos de familias, escenas rurales en granjas llenas de ganado, mascotas...

"Herencia / Inheritance", extracto del Libro 5 de 5 / excerpt from Book 5 on 5
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 2015 © Nicolas V. Sanchez

"Residencia en China / China Residency"
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 3,5" x 5,5", 2012 © Nicolas V. Sanchez

"The Claim", bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 3,5" x 5,5", 2012 © Nicolas V. Sanchez

«Creo que definitivamente hay un sentido de lucha en mi obra. Me centro en la identidad y la forma como se construye y a la vez se pierde, a través de la preservación de la historia familiar. Utilizo capas de narrativas que activan un sentimiento personal de incertidumbre y a la vez familiaridad del espacio, extrayéndolas de mis experiencias biculturales mientras me criaba, la historia rural mexicana de mi familia y el Medio Oeste estadounidense. Estas cuestiones se me revelan constantemente a través de la herencia de mis tradiciones familiares y valores de otro tiempo y lugar. Es difícil discernir esos ideales en mi vida actual, pero los exploro en mi obra. »

"Residencia en República Dominicana / Dominican Republic Residence"
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 3,5" x 5,5", 2015 © Nicolas V. Sanchez

"The Claim", bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 3,5" x 5,5", 2012 © Nicolas V. Sanchez

«A veces la obra comienza con una imagen en mi mente, otras es un sentimiento, o una ejecución técnica que me motiva. A veces veo algo y pienso: "Oh... sí, esto debería pintarse así...". Así que a veces la cosa comienza con claridad, y otras con momentos de curiosidad en los que tengo que pintar o dibujar algo para descubrir por qué me he sentido atraido por eso.»

"Familia Wang / Wang Family"
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 3,5" x 5,5", 2012 © Nicolas V. Sanchez

"Herencia / Inheritance", extracto del Libro 1 de 5 / excerpt from Book 1 on 5
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 2015 © Nicolas V. Sanchez

"The Claim", bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 3,5" x 5,5", 2012 © Nicolas V. Sanchez

«Una sensación de elasticidad en mi práctica de estudio es importante para mí y mi obra. Utilizo diferentes medios y trabajo a diferentes escales, así que los pequeños libros temáticos de dibujos a bolígrafo, evolucionaron a cuadernos de bocetos en Moleskine que llevo a todas partes y en los que trabajo mientras voy en el tren.»

"Residencia en China / China Residency"
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 3,5" x 5,5", 2012 © Nicolas V. Sanchez

"Encargo / Commision", bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 5" x 7", 2015 © Nicolas V. Sanchez

«Cuando trabajo simultáneamente en una gran pintura al óleo y en un pequeño dibujo a tinta, cada medio es reexaminado con mirada, manos y mente frescas. Al contrario de la idea de imborrable y "restrictivo" del dibujo a tinta, mis dibujos con bolígrafos de colores me ofrecen una sensación de libertad. Mi primera marca es también la última. No hay vuelta atrás, así que ¿para qué preocuparse?. Sólo continúo dibujando. Me empuja a ser más disciplinado y desarrollar mi agilidad.»

"Autorretrato / Self Portrait" © Nicolas V. Sanchez

Nicolas V. Sanchez is an American artist born in Lansing, Michigan, who received his BFA from Kendall College of Art and Design in Grand Rapids, MI, and his MFA from the New York Academy of Art. While at the Academy, Sanchez was selected for a summer residency in Shanghai and Beijing, China, and a residence in the Dominican Republic where he was Visiting Instructor at La Escuela de Diseño in Altos de Chavon (Parson's School)
Besides being an excellent painter, Nicolas has great skill and taste for the color ballpoint. He always carries and fills entire sketchbooks with drawings of the world around him, portraits of families, rural scenes, livestock in farms, pets ...

"Herencia / Inheritance", extracto del Libro 1 de 5 / excerpt from Book 1 on 5
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 2015 © Nicolas V. Sanchez

"Herencia / Inheritance", extracto del Libro 2 de 5 / excerpt from Book 2 on 5
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 2015 © Nicolas V. Sanchez

"Herencia / Inheritance", extracto del Libro 5 de 5 / excerpt from Book 5 on 5
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 2015 © Nicolas V. Sanchez

«I think there is definitely a sense of struggle in my work. I focus on identity and the way its constructed and at the same time lost through the preservation of family history. Extracting from my bi-cultural experiences growing up, my family's rural Mexican history, and the American Midwest I use layered narratives to activate a personal sense of uncertainty yet a familiarity of space. Questions are constantly revealing themselves to me through the inheritance of my family's traditions and values from another place and time. It's difficult to sort out these ideals in my current life, but I explore it in my work.»

"Residencia en República Dominicana / Dominican Republic Residence"
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 3,5" x 5,5", 2015 © Nicolas V. Sanchez

"The Claim", bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 3,5" x 5,5", 2012 © Nicolas V. Sanchez

«Sometimes the work starts with an image in mind, other times its a feeling, or a technical execution that motivates me. Sometimes I'll see something and think, 'oh...yea, that should be painted like this...' So sometimes it starts with clarity and other times it starts with moments of curiosity and I have to paint or draw something to find out why I was so attracted to it.»

"Herencia / Inheritance", extracto del Libro 5 de 5 / excerpt from Book 5 on 5
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 2015 © Nicolas V. Sanchez

"Herencia / Inheritance", extracto del Libro 1 de 5 / excerpt from Book 1 on 5
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 2015 © Nicolas V. Sanchez

"Herencia / Inheritance", extracto del Libro 5 de 5 / excerpt from Book 5 on 5
Bolígrafos de colores / colored ballpoint pen, 2015 © Nicolas V. Sanchez
___________________________________________________________________

Otras técnicas / Other Techniques

"Patrimoino / Birthright", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 72", 2013 © Nicolas V. Sanchez

«A sense of elasticity in my studio practice is important to me and to the work. I use different mediums and make work in different scales so the small themed books of ballpoint pen drawings evolved out of Moleskine sketchbooks that I carried everywhere and worked in while on the train.»

"Fruta (Línea de descendencia) / Fruit (Line of Descent)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 96" x 132", 2014 © Nicolas V. Sanchez

"Extracción / Extraction", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 72", 2013 © Nicolas V. Sanchez

"Puerta Verde / Green Door", óleo sobre lino / oil on linen, 42" x 50", 2014 © Nicolas V. Sanchez

"Herencia II / Inheritance II", óleo sobre lino / oil on linen, 84" x 174", 2012 © Nicolas V. Sanchez

Trabajando / At Work

«When simultaneously working on a large oil painting and a small ink drawing, each medium is revisited with fresh eyes, hands, and mind. Contrary to the non-erasable and 'restrictive' idea about drawing in ink, my colored ballpoint pen drawings offer a sense of freedom. My first mark is also my last mark. There's no taking it back, so why worry about it? I just keep drawing. It pushed me to become more disciplined and develop a sense of agility.»

"Linaje / Bloodline", óleo sobre lino / oil on linen, 48" x 72", 2013 © Nicolas V. Sanchez

"Oído / Heard", carboncillo / charcoal, 5" x 8", 2013 © Nicolas V. Sanchez

"Huella 20 / Trace 20", carboncillo / charcoal, 15" x 20", 2015 © Nicolas V. Sanchez
______________________________________________________________________

Fuentes / Sources: Website, The New York Optimist,
New York Academy of Art: Un pasado inolvidable: La obra de NVS / An Unforgotten Past: The Work of NVS

Más imágenes e información sobre Nicolas en / More images and information about Nicolas in:
Website, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Nicolas!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Nicolas!)


Resolve
haciendo arte / making art
Una conversación con / A conversation with Nicolas V. Sánchez
por / by Jesse Brass


Recolección / Compilation (XXXV)

$
0
0
Blake Ward
(Yellowknife, Northwest Territories, Canadá, 1956-)

"Justicia, La ley patriótica / Justice, The Patriot Act", bronce / bronze, 48 x 38 x 35 cm., 2005

Una mujer en estado de completa sumisión (las manos y los pies atados, la boca amordazada y sus ojos vendados) es la visión que vino a mí después de que George W. Bush promulgó la Ley Patriótica el 26 de octubre de 2001 en respuesta a los atentados del 11 de septiembre.
EE.UU. - PATRIOT significa 'Unir y Fortalecer América con los instrumentos necesarios adecuados para interceptar y obstruir el terrorismo.".
En mi mente, lo que antes era el epítome de un país libre, ahora había eliminado los derechos y libertades de todos los estadounidenses.
La Ley Patriótica restringió las libertades personales como nunca antes - acopio de información de inteligencia, escuchas telefónicas, vigilancia y regulación de los asuntos financieros ahora están permitidos /

A woman made completely submissive – her hands and feet bound, her mouth gagged and her eyes blind folded is the vision that came to me after George W. Bush enacted the Patriot Act on October 26, 2001 in response to the bombings of September 11th.
USA – PATRIOT stands for ‘Uniting and Strengthening America by Providing Appropriate Tools Required to Intercept and Obstruct Terrorism”.
In my mind, what was once the epitome of a free country had now removed the rights and freedoms of all Americans.
The Patriot Act reduced restrictions on personal freedoms as never before – gathering of intelligence, roving wiretaps, surveillance and the regulating of financial matters are all now allowed.

Más sobre Blake Ward en "El Hurgador" / More about Blake Ward in this blog:
__________________________________________________________________

Theodore Frank o Franken
(Alemania / Germany, 1811 - 1876)

"Caballero reclinado en un sofá / Gentleman Reclinin' on a Sofa", óleo sobre lienzo / oil on canvas. Colección privada / Private Collection
__________________________________________________________________

Daniela Uhlig
(Berlín, Alemania / Germany)

"Maureen Van Mortis"© Daniela Uhlig 2016
__________________________________________________________________

Gunther Gerzo
(Ciudad de México, México, 1915 - 2000)

"Paisaje Espejismo / Mirage Landscape"
Acrílico y arena sobre masonite / acrylic and sand on masonite, 72 x 60 cm., 2000
__________________________________________________________________

Briton Rivière
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1840 - 1920)

"El rey bebe / The king drinks", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 62,5 x 93 cm., 1881
 © Royal Academy of Arts
Royal Academy of Arts (Burlington House) (Londres, Reino Unido / London, UK)

Más sobre Briton Rivière en "El Hurgador" / More about Briton Rivière in this blog:
__________________________________________________________________

Joe Testa Secca
(EE.UU./ USA)

"Compositión abstracta fantástica con caballos / Abstract Fantasy Composition with Horses"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48 1/4" x 71 1/2"
__________________________________________________________________

Réhahn Croquevielle
(Bayeux, Normandía, Francia / Normandy, France, 1979-)

"Ojos de Jaisalmer / Eyes of Jaisalmer", India
__________________________________________________________________

Francisco Antonio Cano
(Yarumal, Antioquia, Colombia, 1865 - 1935)

"Horizontes / Horizons", 1913. Museo de Antioquia (Medellín, Colombia)
__________________________________________________________________

Dietrich Wegner
(Adelaide, Australia, 1978-)

Cumulous Brand, "Bill", silicona y uretano / silicone & urethane, 12" x 8" x 8"© Dietrich Wegner
Modelado en arcilla / clay modeling - Julia Ambrose, Tool Mark Studio
__________________________________________________________________

Amos Chapple
(Nueva Zelanda / New Zealand)

Estudiante con ojos de Husky esperando el autobús en Yakutsk (Якутск), la ciudad más fría de la Tierra.
Aunque la mayoría de la población de la ciudad es indígena, muchos rusos y ucranianos se trasladaron la Yakutsk en tiempos soviéticos atraídos por los altos salarios que se pagaban por trabajar en un clima tan duro /

Husky-eyed student waiting for her bus in Yakutsk (Якутск), the coldest city on earth. 
While the majority of the city's population are indigenous Yakutian, many ethnic Russians and Ukrainians moved to Yakutsk in soviet times, lured by high wages for working in the harsh climate.

__________________________________________________________________

Escultura Dogon / Dogón Sculpture

"Pareja sentada / Seated Couple"
Madera, metal / wood, metal, 73 x 23,7 cm., s.XVIII-principio del s.XIX / 18th–early 19th century
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU. / NY, USA)
__________________________________________________________________

Jürgen Klauke
(Alemania / Germany, 1943-)

"Zweisamkeitsimaginierung"
Trabajo fotográfico en tonos azules / blue toned photo work, 180 x 240 cm., 1996/1997

Más sobre Klauke en "El Hurgador" / More about Klauke in this blog:
__________________________________________________________________

Luigi Gariglio
(Turín, Italia / Italy, 1968-)

"La bella durmiente Nº 3 / Sleeping Beauty #03"
Impresión digital / digital C-print, 70 x 90 - 120 x 150 cm., 2001
__________________________________________________________________

Carl Robert Holty
(Freiburg, Alemania / Germany 1900 - Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1973)

"El músico / The Musician", acuarela y aguada sobre papel / watercolor and gouache on paper, 14" x 10,25", 1932

Más sobre Holty en "El Hurgador" / More about Holty in this blog:
__________________________________________________________________

Luo Zhongli
罗中立
(Chongqing, China, 1948-)

"父亲 / Padre / Father", óleo sobre lienzo / oil on canvas , 215 × 150 cm., 1980
Museo Nacional de Arte de China (NAMOC) (Beijing)

Luo Zhongli estudió en el Departamento de la pintura al óleo del Instituto de Bellas Artes de Sichuan en 1978, y "Padre" se creó durante ese período. Interpretó delicadamente a un agricultor típico chino con un enfoque realista. El rostro oscuro del anciano está lleno de arrugas, labios resecos, un único diente y porta un viejo cuenco en su mano lesionada. Todos esto lo hace tan real a los ojos del espectador. Su creatividad y el profundo concepto de la imagen sorprendieron el círculo de bellas artes y a toda la sociedad. Se despertó una discusión sobre lo real y típico de la figura, así como su forma y valores estéticos. La obra fue nombrada originalmente "Mi Padre", y fue galardonada con el 1er Premio en la 2ª Muestra de Arte Joven de China, donde los jueces la renombraron como "Padre". /

He went to study in the Oil Painting Department of Sichuan Institute of Fine Arts in 1978, and Father was created during that time. He delicately portrayed a typical Chinese farmer with realistic approach. The old man’s dark face is full of wrinkles, parched lips, an only tooth, and the injured hand with an old bowl in it. All these are so real before people's eyes. His creativity and the profound concept of the picture shocked the fine art circle, and also the whole society. A discussion of the real and typical of the figure, and the form and esthetic value were aroused. This picture was named My Father originally, and it was awarded the 1st Prize on the 2nd China Youth Art Exhibition, and was renamed Father by the judges.
__________________________________________________________________

Christopher Pew
(Lowbanks Ontario, Canadá)

"La comunicación / The Communication", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60" x 70", 2010

Más sobre Christopher Pew en "El Hurgador" / More about Christopher Pew in this blog:
__________________________________________________________________

Joakim Eskildsen
(Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark, 1971-)

"Casa en el Thar / House in the Thar, Kanud"
__________________________________________________________________

Francisco "Paco" Leiro
(Cambados, Pontevedra, España / Spain, 1957-)

"O Atlante / El Atlante"
Puerto deportivo de Sanxenxo / Sanxenxo Sports Port, Pontevedra, Galicia, España / Spain
__________________________________________________________________

Xue Hequn
薛鹤群
(China)

"老师 / Maestra / Teacher", óleo / oil, 84 x 136 cm.
__________________________________________________________________

Joseph L. van Sickle
(Indiana, EE.UU./ USA, 1915 - 1985)

"Hoedown cubista / Cubist Hoe Down", 1954
__________________________________________________________________

Li Xiaogang
李晓刚
(Beijing, China, 1958-)

"清水 / Shimizu", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 × 162 cm.

Más sobre Li Xiaogang en "El Hurgador" / More about Li Xiaogang in this blog:
[Pintando perros (IX)]

Aniversarios (CXI) [Febrero / February 14-20]

$
0
0
Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
_________________________________________________________

El 14 de Febrero es el cumple de

Bohumil Kafka, escultor y pedagogo checo, nacido 1878 en Nová Paka, Bohemia.
Estudió en Praga con el escultor Josef Václav Myslbek antes de trasladarse a Viena y luego a París para continuar sus estudios. Él trabajó en Londres, Berlín y Roma antes de regresar y establecerse en Praga. Con frecuencia se trabajó en un estilo simbolista expresivo, era un animalier señalado, además de ser conocido por su escultura decorativa. Fue considerado un predecesor de estilo Art Nouveau y fue muy influenciado por las obras de Auguste Rodin.
Murió en 1942.

"Pomník Jana Žižky / Monumento a / Monument to Jan Žižka"
Colina Vítkov, Praga, República Checa / Vítkov Hill, Prague, Czech Republic
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Rudolf Ernst (pintor austro-francés / Austrian-French painter)
Katharina Fritsch (escultora alemana / German sculptor)
Kazimierz Ostrowski (pintor polaco / Polish painter)
Valentine Cameron Prinsep (pintor británico / British painter)


El 15 de Febrero es el cumple de

Carle o Charles-André van Loo, pintor francés, hijo del pintor Louis-Abraham van Loo, hermano menor de Jean-Baptiste van Loo y nieto de Jacob van Loo. Fue el miembro más famoso de una exitosa dinastía de pintores de origen holandés. Su obra incluye todas las categorías: religión, pintura de historia, mitología,  retratos, alegorías y escenas de género.
Van Loo siguió a su hermano Jean-Baptiste a Turín, y luego a Roma en 1712, donde estudió con Benedetto Luti y el escultor Pierre Legros. Después de salir de Italia en 1723, trabajó en París y estudió en la Académie Royale, donde obtuvo el primer premio de dibujo en 1723, y el primer premio de pintura histórica en 1727.
Por su sencillez de estilo y la corrección del diseño, resultado de su estudio de los grandes maestros italianos, hizo mucho para purificar la escuela francesa moderna; pero la alabanza contemporánea que se ha prodigado sobre sus producciones se antoja ahora indebida y excesiva.
Murió en 1765.

"Perseo y Andrómeda / Perseus and Andromeda"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 92 cm., entre / between 1735-40. 
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Charles-François Daubigny (pintor francés / French painter)
Matthew Simmonds (escultor británico / British sculptor)
Erik Thommesen (escultor danés / Danish sculptor)
Príncipe Pablo o Paul Troubetzkoy (Павел Петрович Трубецкой) (pintor y escultor ruso / 
Russian painter and sculptor)


El 16 de Febrero es el cumple de

Kenneth "Ken" Price, ceramista y grabador estadounidense nacido en 1935. Estudió en el Instituto de Arte Chouinard y el Instituto Otis Art (ahora Otis College of Art y Diseño) en Los Ángeles, antes de recibir su Licenciatura en Bellas Artes de la Universidad del Sur de California en 1956. Continuó sus estudios en el Instituto de Arte Chouinard en 1957 y recibió un Master en Bellas Artes del Nueva York State College de Cerámica en la Universidad Alfred en 1959. Estudió cerámica con Peter Voulkos en Otis y fue galardonado con una beca Tamarind.
Es mejor conocido por sus formas abstractas construidas con barro cocido. Por lo general no están vidriadas, sino intrincadamente pintadas con múltiples capas de pintura acrílica brillante y luego lijadas para revelar los colores de debajo. Vivió y trabajó en Venecia, California y Taos, Nuevo México.
Murió en 2012.

"Zizi", acrílico sobre cerámica horneada / acrylic on fired ceramic, 16 1/2" x 24 x 17", 2011
© Ken Price. Photo © Fredrik Nilsen
Los Angeles County Museum of Art (LACMA) (California, EE.UU./ CA, USA)
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

John Bainbridge Copnall (pintor inglés / English painter)
Kanō Eitoku (狩野 永徳) (pintor japonés / Japanese painter)
Armand Guillaumin (pintor y litógrafo francés / French painter and lithographer)


El 17 de Febrero es el cumple de

Manolo Millares, pintor español nacido en 1926 en Las Palmas de Gran Canaria, Islas Canarias.
Autodidacta como artista, Millares se introdujo al surrealismo en 1948. En 1953 se trasladó a Madrid y se convirtió en un pintor abstracto. En 1957 Millares, junto con Antonio Saura y Pablo Serrano, fundó el grupo de vanguardia El Paso en Madrid. Después de mostrar su trabajo en San Pablo en 1957, la obra de Millares fue introducida en los Estados Unidos en 1958. Alcanzó una reputación internacional por la década de 1960, y tuvo una exposición individual en la galería Pierre Matisse de Nueva York en 1961.
En Madrid, Millares se asoció con ''Los informalistas", un grupo de artistas entre los que estaban Antoni Tàpies, Enrique Tábara, Antonio Saura, Laurent Jiménez-Balaguer y Aníbal Villacís entre otros muchos, que insistían en que el arte debe ser retirado de la teoría y el concepto. Para estos artistas, el gesto utilizado para hacer una pintura era lo más importante. En la década de 1950, Millares comenzó a hacer collages dramáticos a partir de materiales encontrados, especialmente de arpillera.
Murió en 1972.

"Sin título / Untitled", técnica mixta sobre cartulina / mixed media on cardstock, 70 x 100 cm., 1966
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Pierre Auguste Cot (pintor francés / French painter)
Hung Liu (刘虹) (artista estadounidense nacida en China / American artist born in China)
Raphaelle Peale (pintor estadounidense / American painter)


El 18 de Febrero es el cumple de

Corrado Giaquinto, pintor rococó italiano nacido en 1703.
De niño fue aprendiz del modesto pintor local Saverio Porta, escapando de la carrera religiosa que sus padres habían destinado para él. Para octubre de 1724 dejó Molfetta, y junto con sus contemporáneos Francesco de Mura y Giuseppe Bonito, recibió instrucción desde 1719-1723 en el prolífico estudio napolitano de Francesco Solimena, ya fuera con el propio Solimena o su alumno, Nicola Maria Rossi.
Giaquinto siguió una carrera itinerante, con largas estancias en Nápoles, Roma (entre 1723-1753), Turín (1733 y 1735-1739) y Madrid (1753-1761).
La primera obra documentada realizada por su mano es "Cristo crucificado con la Virgen, San Juan Evangelista y Magdalena", encargada en 1730 por el rey Juan V de Portugal para la catedral de Mafra.
En Madrid fue patrocinado por Fernando VI, y finalmente fue nombrado director de la Academia de San Fernando. Influyó en pintores tales como como Velázquez González, José del Castillo y Mariano Salvador Maella.
Murió en 1765.

"Una hechicera / A Sorceress", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 136 × 99 cm., 1750-52.
Colección privada / Private Collection
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

James Francis Cropsey (pintor estadounidense / American painter)
Max Klinger (escultor, pintor y artista gráfico alemán / German sculptor, painter and graphic artist)
Gabriel Morcillo Raya (pintor español / Spanish painter)
Anders Leonard Zorn (pintor, escultor y grabador sueco / Swedish painter, sculptor and printmaker)


El 19 de Febrero es el cumple de

Milagro Bayarri Casaní, pintora valenciana nacida en Almàssera en 1939.
Inició su labor desde niña, como podemos apreciar en una de sus pinturas datada en 1954, cuando la artista contaba con tan solo quince años. 
Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia entre 1952 y 1955. Al finalizar realizó estudios de pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia entre 1956 y 1960, obteniendo el título de Profesora de Dibujo.
La artista aborda en su pintura distintos temas: paisajes rurales, arquitecturas, retrato, bodegones y pintura religiosa. Sus primeras pinturas se encuentran dentro de una línea influenciada por el impresionismo y el paisajismo. Esta pintura se caracteriza por el tratamiento, casi realista, de los paisajes rurales. La paleta de Milagros está llena de luz y color, captando con mirada luminosa las zonas costeras del mar Mediterráneo.

"Paisaje Idealizado / Idealized Landscape", tinta y pastel / ink and pastel, 2001
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Constantin Brâncuși (escultor rumano / Romanian sculptor)
Gabriele Münter (pintora alemana / German painter)
Elimar Ulrich Bruno Piglhein (escultor y pintor alemán / German painter and sculptor)


Hoy, 20 de Febrero, es el cumple de

Jorge Peteiro Vázquez, pintor y escultor español nacido en 1959 en A Coruña, lugar donde realizó sus primeros estudios en los Jesuitas.
Completó su formación con conocimientos sobre cine, dibujo y pintura. Entre 1973 y 1977 participó en grupos de teatro independiente, en la creación de uno de los primeros fanzines de la ciudad y pintó sus primeros murales.
En Santiago de Compostela se integró en diversos grupos de clara tendencia contracultural. Viajó por diversas ciudades de Italia, Francia y España. Desde 1979 estudió grabados en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.
Ya en 1989 su pintura es considerada singular e independiente en criterios estéticos y un nuevo valor de la plástica gallega. Su obra Bahía de La Coruña es
adquirida en la I Mostra Unión Fenosa. Peteiro finalizó este período de exploración abandonando la docencia para trasladarse a Nueva York donde residió una temporada pintando y exponiendo. Tras su paso por Nueva York, y a partir de 1992, su obra es seleccionada en certámenes y bienales.
Su primer gran grupo escultórico lo instala en 1998, en el Parque Santiago V (Los Cristianos, Arona, Tenerife) y comienza a mostrar cuadros de gran formato (2 x 4 m.) en la Sala Municipal Estación Marítima de A Coruña.
Murió en 2013.

"A Coruña", oleo sobre lienzo / oil on canvas, 270 x 400 cm., 2000
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Jan de Baen (pintor holandés / Dutch painter)
Louisa Matthiasdottir (pintora islandesa-estadounidense / Icelandic-American painter)
Elie Nadelman (escultor, dibujante y coleccionista estadounidense / 
American sculptor, draftsman and collector)
Julian Otto Trevelyan (artista y poeta británico / Britsh artist and poet)
Nathalia Suellen (artista digital y fotomanipuladora brasileña / 
Brazilian digital artist and photomanipulator)


Textos en inglés / English translation

On February 14 is the birthday of

Bohumil Kafka, Czech sculptor and pedagogue, born 1878 in Nová Paka, Bohemia.
He studied in Prague with sculptor Josef Václav Myslbek before moving to Vienna and then Paris to continue his studies. He worked in London, Berlin and Rome before returning and settling in Prague. He frequently worked in an Expressive symbolist style, was a noted animalier as well as being known for his decorative sculpture. He was considered a predecessor to the Art Nouveau style and was highly influenced by the works of Auguste Rodin.
He died in 1942.

On February 15 is the birthday of

Carle orCharles-André van Loo, French painter, son of the painter Louis-Abraham van Loo, a younger brother of Jean-Baptiste van Loo and grandson of Jacob van Loo. He was the most famous member of a successful dynasty of painters of Dutch origin. His oeuvre includes every category: religion, history painting, mythology, portraiture, allegory, and genre scenes.
Van Loo followed his brother Jean-Baptiste to Turin, and then to Rome in 1712, where he studied under Benedetto Luti and the sculptor Pierre Legros. After leaving Italy in 1723, he worked in Paris, studied at the Académie Royale, where he gained first prize for drawing in 1723, and received the first prize for historical painting in 1727.
By his simplicity of style and correctness of design, the result of his study of the great Italian masters, he did much to purify the modern French school; but the contemporary praise that was lavished upon his productions now appears undue and excessive. 
He died in 1765.

On February 16 is the birthday of

Kenneth "Ken" Price, American ceramic artist and printmaker born in 1935. He studied at the Chouinard Art Institute and Otis Art Institute (now Otis College of Art and Design) in Los Angeles, before receiving his BFA degree from the University of Southern California in 1956. He continued his studies at Chouinard Art Institute in 1957 and received an MFA degree from New York State College of Ceramics at Alfred University in 1959. Kenneth Price studied ceramics with Peter Voulkos at Otis and was awarded a Tamarind Fellowship.
He is best known for his abstract shapes constructed from fired clay. Typically, they are not glazed, but intricately painted with multiple layers of bright acrylic paint and then sanded down to reveal the colors beneath. Ken Price lived and worked in Venice, California and Taos, New Mexico.
He died in 2012.

On February 17 is the birthday of

Manolo Millares, Spanish painter born in 1926 in Las Palmas de Gran Canaria, Canary Islands.
Self-taught as an artist, Millares was introduced to Surrealism in 1948. In 1953, he moved to Madrid and became an abstract painter. In 1957, Millares along with Antonio Saura and Pablo Serrano founded the avant-garde group El Paso (The Step) in Madrid. After showing his work in San Pablo in 1957, Millares' work was introduced to the United States in 1958. He attained an international reputation by the early 1960s, and had a solo show at the Pierre Matisse Gallery in New York in 1961.
In Madrid, Millares was associated with ‘The Informalists’, a group of artists including Antoni Tàpies, Enrique Tábara, Antonio Saura, Laurent Jiménez-Balaguer and Aníbal Villacís among many others who insisted that art should be removed from theory and concept. To these artists, the gesture used to make a painting was all-important. In the 1950s, Millares began to make dramatic collages from found materials, especially burlap.
He died in 1972.

On February 18 is the birthday of

Corrado Giaquinto, Italian Rococo painter born in 1703.
As a boy he apprenticed with the modest local painter Saverio Porta, escaping the religious career his parents had intended for him. By October 1724, he left Molfetta, and along with his contemporaries Francesco de Mura and Giuseppe Bonito, he trained from 1719-23 in the prolific Neapolitan studio of Francesco Solimena, either with Solimena or his pupil, Nicola Maria Rossi.
Giaquinto followed a peripatetic career, with long sojourns in Naples, Rome (between 1723-53), Turin (1733 and 1735–39), and Madrid (1753–1761).
The first documented work by his hand is "Christ crucified with the Madonna, Saint John Evangelist, and Magdalene" commissioned in 1730 by king John V of Portugal for the cathedral of the Mafra.
In Madrid, he was patronized by Ferdinand VI, and was ultimately appointed director of the Academy of San Fernando. His influence there was felt by painters such as González Velázquez, José del Castillo, and Mariano Salvador Maella.
He died in 1765.

On February 19 is the birthday of

Milagro Bayarri Casaní, Valencian painter born in Almàssera in 1939.
She began his work as a child, as we can see in one of her paintings dated to 1954, when the artist had only fifteen.
She studied at the School of Arts and Crafts in Valencia between 1952 and 1955. Then studied painting at the Superior School of Fine Arts of San Carlos, Valencia, between 1956 and 1960, obtaining the title of Professor of Drawing.
The artist approaches painting in its different themes: rural landscapes, architecture, portrait, still lifes and religious paintings. Her early paintings shows the influence of Impressionism and Landscaping. This paintings are characterized by the treatment almost realistic of rural landscapes. Milagros palette is full of light and color, capturing with a luminous look the coastal areas of the Mediterranean Sea.

Today, February 20 is the birthday of

Jorge Peteiro Vazquez, Spanish painter and sculptor born in 1959 in La Coruna, where he began his studies with the Jesuits.
He completed his training with knowledge of cinema, drawing and painting. Between 1973 and 1977 he participated in independent theater groups, in creating one of the first fanzines of the city and painted his first mural.
In Santiago de Compostela was integrated into various groups of clear counterculture trend. He traveled to various cities in Italy, France and Spain. Since 1979 he studied engraving in the School of Fine Arts of San Carlos, Valencia.
In 1989 his painting is considered unique with an independent aesthetic criteria and a new value of Galician plastic. His work "Bahía de La Coruna"
was acquired in the 1st. Mostra Union Fenosa. Peteiro ended this period of exploration leaving teaching to move to New York where he lived for a while painting and exhibiting. After a stint in New York, and since 1992, his work is selected in competitions and biennials.
His first major sculpture was installed in 1998 in the Parque Santiago V (Los Cristianos, Arona, Tenerife) and starts displaying large paintings (2 x 4 m.) in the Municipal Hall of A Coruña Maritime Station.
He died in 2013.

Aniversarios Fotografía (CXI) [Febrero / February 15-21]

$
0
0
Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
_________________________________________________________

El 15 de Febrero es el cumple de

Nickolas Muray (Miklós Mandl), fotógrafo estadounidense y esgrimista olímpico nacido en Hugría en 1892
Muray asistió a una escuela de artes gráficas en Budapest, donde estudió litografía, fotograbado y fotografía. Después de obtener el Certificado del grabador Internacional, Muray tomó un curso de tres años en fotograbado a color en Berlín, donde, entre otras cosas, aprendió a fabricar filtros de color. Al finalizar el curso consiguió trabajo con la editorial Ullstein. En 1913, con la amenaza de guerra en Europa, Muray navegó a la ciudad de Nueva York, y encontró trabajo como impresor a color en Brooklyn.
Para el año 1920, Muray había abierto un estudio de retratos en su casa de Greenwich Village, mientras que aún trabajaba como grabador. En 1921 recibió un encargo de Harper's Bazaar para hacer un retrato de la actriz de Broadway Florence Reed. Al poco tiempo sus fotografías se publicaban mensualmente en la revista, y pudo dejar su trabajo de grabado. En 1922 hizo un retrato de la bailarina Desha Delteil. Muray fue rápidamente reconocido como un importante retratista, y sus modelos incluían a la mayoría de las celebridades de la ciudad de Nueva York. En 1926 la revista Vanity Fair envió Muray a Londres, París y Berlín para fotografiar celebridades, y en 1929 le contrató para fotografiar las estrellas de cine en Hollywood. También hizo trabajo de moda y la publicidad. Las imágenes de Muray aparecieron en muchas otras publicaciones, incluyendo Vogue, Ladies 'Home Journal y The New York Times.
Muray compitió por los Estados Unidos en los Juegos Olímpicos de 1928 y 1932 en los eventos de esgrima. Representó al New York Athletic Club y compitió por el club durante toda la vida.
Entre 1920 y 1940, Nickolas Muray hizo más de 10.000 retratos. Su retrato de Frida Kahlo de 1938, hecho cuando ella vivía en Nueva York, asistiendo a su exhibición en la galería Julien Levy, se convirtió en el retrato más conocido y amado hecho por Muray. Él y Kahlo fueron buenos amigos hasta la muerte de ella, en 1954.
Muray murió en 1965.

"Mujer en la cárcel jugando al solitario / Woman in cell, playing solitaire", ca. 1950

Más subre Muray en "El Hurgador" / More about Muray in this blog:
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Murat Germen (fotógrafo turco / Turkish photographer)
Paola Ossandón Velásquez (fotógrafa y diseñadora chilena / Chilean photographer and designer)


El 16 de Febrero es el cumple de

Esther Bubley, fotógrafa estadounidense nacida en 1921, que se especializó en expresivas fotografías de gente común en su vida cotidiana.
En 1936, inspirada por la revista LIFE, y en particular por las imágenes de la gran depresión producida por la Farm Security Administration, desarrolló una pasión por el fotoperiodismo y la fotografía documental.
En el otoño de 1942, Roy Stryker la contrató como asistente de laboratorio en la Oficina de Información de Guerra (OWI). Con el estímulo de Stryker y algunos fotógrafos mayores, se pasó a tomar fotografías para la sección histórica de la OWI, documentando la vida en el frente durante la guerra. Su tarea más desafiante fue una serie destacada serie sobre el sistema de autobuses medio oeste y el sur.
A finales de 1943 acompañó a Stryker a trabajar para la Standard Oil Company, junto con otros fotógrafos. La serie Bus Story que produjo por la Standard Oil, una reprise de la anterior para la OWI, ganó el premio a la Mejor Secuencia de Imágenes en "Fotos de Noticias del Año" de la Enciclopedia Británica / Universidad de la Escuela de Periodismo de Missouri en 1948.
En 1947 comenzó a trabajar para la Oficina de la Infancia, una agencia federal de bienestar infantil. Durante los próximos años, contribuyó con miles de imágenes para sus archivos, y su trabajo apareció en más de 30 portadas de su revista El Niño.
Murió en 1928.

"Cabina de fotos a 15 céntimos en el lobby del service center de las Naciones Unidas /
15-cent photo booth in the lobby at the United Nations service center", Washington, D.C. 12/1943.
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Eduardo Gageiro (fotógrafo portugués / Portuguese photographer)
Edward Sheriff Curtis (etnólogo y fotógrafo estadounidense / American ethnologist and photographer)


El 17 de Febrero es el cumple de

Timothy Lee Barnwell, autor, fotógrafo comercial y fotógrafo artístico estadounidense nacido en 1955 con sede en Asheville, Carolina del Norte.
Ha trabajado como reportero gráfico y sus imágenes han aparecido en numerosas publicaciones como Time, Newsweek, Mother Jones, Billboard, Lenswork, National Parks, American Craft, Astronomy, Outdoor Photographer y la revista el B&W.
En 1980 fundó los Talleres Fotográficos Apalaches y se desempeñó como director e instructor de fotografía instructor hasta su cierre en 1988. Es autor de cuatro libros: "El rostro de los Apalaches: Retratos de la Granja de la Montaña (W. W. Norton / Nueva York, 2003), "On Earth's Furrowed Brow: La Granja de los Apalaches en fotografías" (W. W. Norton / Nueva York, 2007); "Manos en armonía: Cerámica Tradicional y Música en los Apalaches" (W. W. Norton / Nueva York, 2009), y "Vistas de Blue Ridge Parkway: A Comprehensive Identification Guide to What You See From the Many Overlooks" (Ediciones Numinous, 2014).

Fotografía del libro "Manos en armonía: Cerámica Tradicional y Música en los Apalaches" / 
Photo from the book "Hands in Harmony: Traditional Crafts and Music in Appalachia", 2009
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Horace Walter Nicholls (fotógrafo inglés / English photographer)
John Pfahl (fotógrafo estadounidense / American photographer)


El 18 de Febrero es el cumple de

Pentti Sammallahti, fotógrafo finlandés nacido en 1950 en Helsinki.
Comenzó a fotografiar a los 11 años, y en 1971 comenzó a exponer ampliamente en Finlandia y en todo el mundo. Sammallahti ha viajado mucho como fotógrafo, de su Escandinavia natal, a través de las repúblicas soviéticas cruzando Siberia, a Japón, la India, Nepal, Marruecos, Turquía, Europa y Gran Bretaña, e incluso a Sudáfrica. Sus viajes Sammallahti e interés en la impresión fina y la litografía le han llevado a publicar numerosas colecciones de las cuales la más grande y conocida es "El camino de Rusia" (1996). Como figura de referencia en fotografía finlandesa contemporánea, su obra tiene un sentido sobrenatural de un momento en el tiempo con la sensibilidad y la belleza del mundo mostrado a través de su existencia animal. Su uso particular de los perros, que recogen la experiencia existencial humana, muestra la naturaleza compartida de la tierra con un humor amable y actitud fugaz. Sammallahti se describe a sí mismo como un vagabundo que le gusta la naturaleza del gran norte, el silencio, el frío y el mar. Le gustan las personas y los animales de lugares muy lejanos y registra las relaciones entre ellos y su entorno.

Solovki, Mar blanco, Rusia / White Sea, Russia, 1992
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Michael Melford (fotógrafo, artista y profesor estadounidense / 
American photographer, artist and professor)
Duane Michals (fotógrafo estadounidense / American photographer)


El 19 de Febrero es el cumple de

Ashley Nguyen, fotógrafa estadounidense nacida en 1987.
Combina su experiencia en publicidad, y arte dirigiendo, con su fotografía, creando imágenes de estilo de vida y retratos memorables. Como nativa del medio oeste y graduada de la Universidad de Minnesota, conoce lo "bueno" y no es ajeno al trabajo duro. Después de trasladarse a Los Ángeles ha ampliado su currículum para incluir celebridades, revistas, organizaciones sin ánimo de lucro y fotogramas la ganadora en Sundance "Querido Pueblo Blanco".
Cuando no está escribiendo sobre sí misma en tercera persona, a Ashley le encanta ir de excursión, hacer yoga y jugar en el océano.
La fotografía es su vocación, su profesión a tiempo completo, y lo que sin duda la vuelve loca, o más increíblemente feliz de lo que es ahora.

"Guatemala"
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Santiago Arau Pontones (fotógrafo mexicano / Mexican photographer)
Hugh MacRae Morton (fotógrafo y conservacionista estadounidense / 
American photographer and conservationist)


El 20 de Febrero es el cumple de

Jon Luvelli, fotógrafo estadounidense nacido en Missouri en 1979.
Documentalista artístico, cuyas obras referencian emociones, así como transmiten mensajes sociales. Su estilo calculado fotográfico se distingue fácilmente por el romanticismo en bruto y la atmósfera macabra en sus piezas.
Ha recibido encargos de Universal, Warner Brothers y Nike, entre otros.
"Hay muchos puntos de vista. Nosotros, como fotógrafos, inmortalizamos la existencia de una visión aislada"

"Si tuviera tu fé / If I had your Faith", 2013
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Ansel Easton Adams (fotógrafo estadounidense y ambientalista / American photographer and environmentalist)
Esther Haase (fotógrafa y directora de cine alemana / German photographer and film director)


Hoy, 21 de Febrero, es el cumple de

Yale Joel, fotógrafo estadounidense nacido en 1919, que comenzó su carrera como profesional cuando tenía 19 años de edad, sirvió como fotógrafo de combate durante la Segunda Guerra Mundial, y varios años más tarde se convirtió en miembro del equipo de la famosa revista LIFE.
Murió en 2006.
Más imágenes e información en el post previo.

"París en la niebla / Paris in the Fog", 1948

Más sobre Yale Joel en "El Hurgador" / More about Yale Joel in this blog:
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Alfonso Sánchez García (fotógrafo español / Spanish photographer)
Ryszard Wasko (Waśko) (artista nacido en Polonia / Polish artist)


Textos en inglés / English translation

On February 15 is the birthday of

Nickolas Muray (Miklós Mandl), Hungarian-born American photographer and Olympic fencer born in 1892
Muray attended a graphic arts school in Budapest, where he studied lithography, photoengraving, and photography. After earning an International Engraver's Certificate, Muray took a three-year course in color photoengraving in Berlin, where, among other things, he learned to make color filters. At the end of his course he went to work for the publishing company Ullstein. In 1913, with the threat of war in Europe, Muray sailed to New York City, and was able to find work as a color printer in Brooklyn.
By 1920, Muray had opened a portrait studio at his home in Greenwich Village, while still working at his union job as an engraver. In 1921 he received a commission from Harper's Bazaar to do a portrait of the Broadway actress Florence Reed; soon after he was having photographs published each month in Harper's Bazaar, and was able to give up his engraving job. In 1922 he also made a portrait of the dancer Desha Delteil. Muray quickly became recognized as an important portrait photographer, and his subjects included most of the celebrities of New York City. In 1926, Vanity Fair sent Muray to London, Paris, and Berlin to photograph celebrities, and in 1929 hired him to photograph movie stars in Hollywood. He also did fashion and advertising work. Muray's images were published in many other publications, including Vogue, Ladies' Home Journal, and The New York Times.
Muray competed for the United States at the 1928 and 1932 Summer Olympics in the sabre fencing events. Muray represented the New York Athletic Club and was a lifelong fencer for the club.
Between 1920 and 1940, Nickolas Muray made over 10,000 portraits. His 1938's portrait of Frida Kahlo, made while Kahlo sojourned in New York, attending her exhibit at the Julien Levy Gallery, became the best known and loved portrait made by Muray. He and Kahlo remained good friends until her death, in 1954.
Muray died in 1965.

On February 16 is the birthday of

Esther Bubley, American photographer born in 1921, who specialized in expressive photos of ordinary people in everyday lives.
In 1936, inspired by the magazine LIFE, and particularly by the pictures of the Great Depression produced by the Farm Security Administration, she developed a passion for photojournalism and documentary photography.
In the fall of 1942, Roy Stryker hired her as a darkroom assistant at the Office of War Information (OWI). With the encouragement of Stryker and some of the more senior photographers she moved to taking pictures for the OWI historical section, documenting life on the home front during the war. Her most challenging assignment was a noted series on the bus system in the Midwest and South.
In late 1943 she accompanied Stryker to work for Standard Oil Company, along with other photographers. The Bus Story series she produced for Standard Oil, a reprise of her earlier Bus Story for the OWI, earned the award for Best Picture Sequence in the Encyclopædia Britannica/University of Missouri School of Journalism "News Pictures of the Year" in 1948. 
By 1947 Bubley began working for the Children's Bureau, a Federal child welfare agency. Over the next several years, she contributed thousands of images to their files, and her work appeared on more than 30 covers of their journal The Child.
She died in 1928.

On February 17 is the birthday of

Timothy Lee Barnwell, American author, commercial photographer, and fine art photographer born in 1955 based in Asheville, NC.
He has worked as a photojournalist and had images published in numerous publications including Time, Newsweek, Mother Jones, Billboard, LensWork, National Parks, American Craft, Astronomy, Outdoor Photographer, and B&W magazine.
In 1980 he founded Appalachian Photographic Workshops and served as Director and photography instructor until in closed in 1988. He is the author of four books, The Face of Appalachia: Portraits from the Mountain Farm (W.W. Norton/NY, 2003); On Earth's Furrowed Brow: The Appalachian Farm in Photographs (W.W. Norton/NY, 2007); Hands in Harmony: Traditional Crafts and Music in Appalachia (W.W. Norton/NY, 2009); and Blue Ridge Parkway Vistas: A Comprehensive Identification Guide to What You See From the Many Overlooks (Numinous Editions,2014).

On February 18 is the birthday of

Pentti Sammallahti, Finland photographer born in 1950 in Helsinki.
He began photographing at 11 and by 1971 began to exhibit extensively in Finland and throughout the world. Sammallahti has travelled widely as a photographer, from his native Scandinavia, across the Soviet Republics through Siberia, to Japan, India, Nepal, Morocco, Turkey, across Europe and Great Britain, and even to South Africa. Sammallahti’s travels and interest in fine printing and lithography has led him to publish numerous portfolios of which the largest and most well known is “The Russian Way” (1996). As a benchmark figure in contemporary Finnish photography, his work has a supernatural sense of a moment in time with the sensitivity and beauty of the world displayed through its animalistic existence. His particular use of dogs, which reflects the human existential experience, shows the shared nature of the earth with a gentle humor and fleeting attitude. Sammallahti describes himself as a wanderer who likes the nature of the great north, the silence, the cold, and the sea. He likes the people and the animals of far off places and he records the relationships between them and their environment.

On February 19 is the birthday of

Ashley Nguyen, American photographer born in 1987.
She combines her background in advertising and art directing with her photography, creating memorable lifestyle and headshot portraits. As a midwest native and graduate from the University of Minnesota, she knows “nice” and is no stranger to hard work. After moving to Los Angeles she has extended her resume to include celebrities, magazines,  non-profit organizations and stills from Sundance award winner “Dear White People”.
When she’s not writing about herself in the third person, Ashley loves to go hiking, do yoga and play in the ocean.
Photography is her calling, her full time profession, and the thing that will undoubtedly drive her insane, or insanely happier than she is now.

On February 20 is the birthday of

Jon Luvelli, American photographer born in Missouri in 1979.
Fine Art Documentarian, whose artwork references emotions as well as conveys social messages. His calculated photographic style is easily distinguished by the romantically raw and macabre atmosphere in his pieces.
His work has been commissioned by Universal, Warner Brothers, and Nike, among others.
"There are many points of views. We as photographers immortalize the existence of an isolated view"

Today, February 21 is the birthday of

Yale Joel, American photographer born in 1919, who began his career as a professional when he was 19 years old, served as a combat photographer during World War II, and several years later became a member of the famous LIFE magazine photography staff.
He died in 2006.
More images and information in previous post.

Nicola Verlato [Pintura]

$
0
0
Textos en inglés más abajo, marcados con [*] en cada párrafo / 
Text in english below, marked with [*] in each paragraph.
_____________________________________________________________

Nicola Verlato

Nicola con su obra "Coge el camino a ninguna parte" / with his work "Take the Road to Nowhere"

Nicola Verlato es un notable artista italiano nacido en Verona en 1965.
Se considera casi autodidacta, pero sin embargo entre los 9 y los 14 años pasaba todos los veranos en el estudio de un pintor de monos (Fra' Terenzio), en un monasterio cercano a su pueblo en el noreste de Italia, donde él considera que aprendió a dibujar en un estilo académico.
Su primera muestra seria fue a los 15 años en el Ayuntamiento de Lonigo, una exposición en colaboración con otros dos artistas de la zona. Nicola también se instruyó en música clásica desde los 9 años (guitarra clásica, laúd, piano y composición) en el conservatorio de Verona. Más tarde el rock atrajo su atención, y tocó la guitarra eléctrica, bajo, sintetizadores, compuso canciones, jingles y bandas de sonido para documentales. También estudió arquitectura en la Universidad de Venecia, donde vivió casi trece años pintando retratos y escenas alegóricas para la aristocracia local y los extranjeros que llegaban a vivir a la ciudad. Durante este período en Venecia trabajó con casi todo lo que estuviera conectado con el dibujo: diseño escénico, decoraciones temporales, ilustraciones, cómic, storyboard, etc.
Alrededor de los 28 años comenzó a interesarse en el arte contemporáneo y, consecuentemente, a exponer en numerosas galerías en Italia y el extranjero, en muestras individuales y colectivas. [1]

Serie "Gravedad Cero" / Zero Gravity Series
"Coge el camino a ninguna parte / Take the Road to Nowhere"
Óleo sobre lino / oil on linen, 149,8 x 243,8 cm., 2012
Colección Privada (Milán, Italia) / Private Collection (Milan, Italy)

"Bajo ataque 5 / Under Attack 5", vinílico sobre panel de madera / vinyl on wood panel, 50,8 x 40,6 cm., 2015

Serie "Madres" / Mothers Series
"Sueño de una noche de verano: con / A Midsummer Night's Dream: Featuring 
Julie Atlas Muz, Freewheelin Franklin & Davy Crockett"
Óleo sobre lino / oil on linen, 203,2 x 101,4 cm., 2005. Colección Privada, Italia / Private Collection, Italy

Serie "Martirios y Mitos" / Martyrdoms and Myths Series
"La profunda religiosidad del capitalismo / The Deep Religiosity of Capitalism"
Óleo sobre lino / oil on linen, 133 x 100 cm., 2003.
Colección Helgesen (Oslo, Noruega) / Helgesen Collection (Oslo, Norway)

Serie "Martirios y Milagros"
«La inspiración para esta serie de pinturas me viene de mi interés por la iconografía. Quería verificar cómo funcionarían las viejas estrategias compositivas de los antiguos Maestros, aplicadas a los "martirios" de nuestro tiempo. Es como decir que la manera de componer pintura de la era barroca es para mí una herramienta para revelar la continuidad de las narrativas de nuestro tiempo con las del pasado.» [2]

"Una nueva era está llegando / A New Era is Coming"
Óleo sobre lino / oil on linen, 162,5 x 203,2 cm., 2006.
Colección Privada (Brescia, Italia) / Private Collection (Brescia, Italy)

Serie Pop pagano / Pagan Pop Series
"Pop pagano / Pagan Pop", óleo sobre lino / oil on linen, 177,8 x 127 cm., 2013
Colección privada (París, Francia) / Private collection (Paris, France)

Serie "Madres" / Mothers Series
"Madres / Mothers", óleo sobre lino / oil on linen, 106,6 x 162,5 cm., 2005
Colección privada, Italia / Private Collection, Italy

Serie "Madres"
«Creo que ha sido el más exitoso de mis grupos de pinturas hasta el momento. Probablemente mucha gente considera estas pinturas como mi marca de artista: una composición arremolinada con locas chicas desnudas flotando en un espacio lleno de objetos y escombros...
Creo que lo más interesante de estas pinturas es la ambigüedad con la que han sido recibidas. Alguna gente piensa que fueron hechas por una mujer (mi nombre en Estados Unidos puede pasar por uno de mujer), y por ende las interpretan como una declaración feminista, mientras que otra gente ve en ellas el resultado de una mentalidad misógina... Afortunadamente la mayoría de los espectadores las abordan como la materialización en pintura de algún tipo de visiones. En todo caso, siempre me interesa provocar controversia con mis pinturas.» [3]

Serie "Gravedad Cero" / Zero Gravity Series
"Punto de ruptura 1 / Breaking Point 1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 58,4 x 91,4 cm., 2012
Colección Privada (Chicago, Illinois, EE.UU.) / Private Collection (Chicago, IL, USA)

Serie "Gravedad Cero" / Zero Gravity Series
"Punto de ruptura 4 / Breaking Point 4", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,9 x 91,4 cm., 2012
Colección Privada (Londres, Inglaterra) / Private Collection (London, England)

Tras pasar 7 años en Milán, donde se creó una firme notoriedad en Italia, en 2004 decidió mudarse a Nueva York. En los últimos años expuso principalmente en Nueva York y en varias galerías y museos estadounidenses, de Italia y Noruega, pero también en India y Alemania, Holanda y otros países europeos. Participó con una instalación de pinturas y esculturas como representante del pabellón italiano en la Bienal de Venecia de 2009. Desde 2011 vive y trabaja en Los Ángeles. [4]

Serie "Un disparo" / One Shot Series
"Otro episodio de violencia en la eterna lucha entre las palabras y las imágenes / 
Another Episode of Violence in the Eternal Fight Between Words and Images"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 91,4 x 121,9 cm., 2011
Colección Privada (Nueva York, EE.UU.) / Private Collection (NY, USA)

"Skateboarder 2", óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 81,2 x 81,2 cm., 2015
Colección privada (Washington, EE.UU.) / Private collection (Washington DC, USA)

«La pintura al óleo es tan sólo una parte de los diferentes materiales que utilizo para pintar. Es extremadamente útil para ciertas cosas, y para mí es imprescindible utilizarla para obtener esa clase de sutilezas de luz y sombras, imposibles de obtener con otras técnicas... Me gusta utilizarla sobre una construcción muy precisa hecha con carboncillo o colores acuosos, colores oleosos extendidos sobre las líneas del carboncillo o pinceladas suaves y sensuales. El único problema con el óleo es lo lento que seca...» [5]

Serie "Madres" / Mothers Series
"Madres II / Mothers II", óleo sobre lino / oil on linen, 182,8 x 182,8 cm., 2005 
Colección Privada (Nueva York, EE.UU.) / Private Collection (NY, USA)

Serie Pop pagano / Pagan Pop Series
"De Madonna a Madonna / From Madonna to Maddona", óleo sobre lino / oil on linen,182,8 x 127 cm., 2013
Colección Privada (París, Francia) / Private Collection (Paris, France)

Más sobre Madonna en "El Hurgador" / More about Madonna in this blog:

«Creo que la diferencia [entre pintura e ilustración] radica tan sólo en un diferente abordaje compositivo. La ilustración es una pintura hecha para un medio específico, el papel impreso: libros, revistas o periódicos. Se entiende que es siempre un soporte visual para un texto.
La pintura está hecha para otro medio, que es principalmente una pared en un espacio real, y generalmente no sustenta texto alguno. Es una imagen que se explica por sí misma.
Componer una imagen como ilustración difiere de componer una pintura porque la relación entre la imagen y el espectador cambia entre dos medios diferentes. En la ilustración el espectador se reduce tan sólo a sus ojos. En la pintura, todo el cuerpo del espectador se involucra en la experiencia de estar en el espacio y mirando la pintura.» [6]

"Ataque al asentamiento / Attack on The Settlement", óleo sobre lino / oil on linen, 81,2 x 106,6 cm., 2015
Colección privada (Copenague, Dinamarca) / Private collection (Copenhagen, Denmark)

Serie "Gravedad Cero" / Zero Gravity Series
"Punto de ruptura 9 / Breaking Point 9", óleo sobre lino / oil on linen, 91,4 x 60,9 cm., 2013
Colección Privada (Los Ángeles, EE.UU.) / Private Collection (LA, USA)

«Comencé a pintar al óleo cuando tenía 7 años, y a vender pinturas a los 9... lo gracioso es que no creo haber cambiado del todo desde entonces... Sólo intento mejorar, pero mis ídolos siguen siendo los mismos: Carvaggio, Michelangelo, Corregio, etc... Es verdad que he cambiado mucho respecto a los temas; cuando era un pibe mis pinturas eran sobre historias religiosas: crucifixiones, resurrecciones, etc., a pesar de no haber recibido educación religiosa de mi familia.
Lo que ha cambiado ahora es que encuentro esa misma clase de intensidad de aquellos temas religiosos en la narrativa de las mitologías de nuestro tiempo.» [7]

Serie Pop pagano / Pagan Pop Series
"La aparición de la pintura encantada / The Haunting of the Haunted Painting"
Óleo sobre lino / oil on linen, 111,7 x 203,2 cm., 2014
Colección privada, Italia / Private Collection, Italy

Serie "Un disparo" / One Shot Series
"Triste pero cierto / Sad But True", óleo sobre lino / oil on linen, 121,9 x 81,2 cm., 2012
Coleción privada (Nueva York, EE.UU.) / Private collection (NY, USA)

«No me importa la realidad en sí misma. Estoy interesado en la forma como la percibimos y manipulamos a través de modelos y representaciones. Así, el entorno estético de un videojuego es muy similar a alguien trabajando con mis métodos e intenciones: el dibujo como principio constitutivo de la pintura, las imágenes como resultado de la construcción de un modelo en lugar de un documento de la realidad, etc...
Es más, creo que los videojuegos son la mejor prueba del retorno a la representación en el mundo occidental, impulsado por la tecnología digital, tras casi dos siglos de imágenes y documentos. Gracias al software 3D y el mercado del entretenimiento, estamos volviendo a la senda estético-cognitiva de la representación y los modelos. Cuando un videojuego es exitoso, es capaz de difundir una visión específica del mundo. Por ejemplo, la forma como una hoja es diseñada, está determinada por el software que se utiliza. Ese software puede establecer un standard estético, cambiando la forma como se pinta una hoja. De la misma manera, cuando Piero della Francesca pintaba un hoja o, digamos, una montaña, estaba compartiendo una visión del mundo sustentada por el sistema cultural en el que vivíva y trabajaba. En resumen, los videojuegos producen nuevos modelos y estándares estéticos, y yo estoy interesado en esos estándares.» [8]

Serie "Un disparo" / One Shot Series
"Si / If", óleo sobre panel de madera / oil on wood panel,  91,4 x 121,9 cm., 2011
Colección Vaf Stiftung (Milán, Italia) / Vaf Stiftung collection (Milan, Italy)

"Los colonos / The Settlers", vinílico y óleo sobre lino / vinyl and oil on linen, 167,6 x 182,8 cm., 2015
Colección privada (Berlín, Alemania) / Private collection (Berlin, Germany)

«Yo tan sólo pinto lo que excita mi imaginación. Mi obra trata de los cuerpos, la narrativa y así sucesivamente. Sobre mitologías, específicamente mitologías de nuestro tiempo. Me gusta compartir información visual sobre estos fenómenos y combinarlos en un tipo de representación nuevo y más complejo, una pintura acabada en la cual la información está organizada de una forma coherente y estructurada. Esto es gracias a un proceso muy articulado que pasa por el dibujo, modelos tridimensionales en arcilla, software 3D y, finalmente, la pintura.
Incluso el uso de la tipología del retablo no es una referencia específica al período histórico del catolicismo, sino más bien a algo más profundamente incrustado en nuestros cerebros, que neurológicamente conecta esas formas con el misticismo. El catolicismo utiliza esos formatos por su habilidad para crear reacciones emocionales específicas. Sin embargo, las mismas formas fueron utilizadas en tiempos neolíticos en estructuras de culto, y aún son utilizadas por las tribus Barasana del Amazonas con el mismo propósito.» [9]

Serie "Madres" / Mothers Series
"No hay lugar como el hogar / There's No Place Like Home", óleo sobre lino / oil on linen, 203,2 x 238,7 cm., 2006
Colección privada (Milán, Italia) / Private Collection (Milan, Italy)
_______________________________________________________________

Fuentes / Sources:
* Biografía en su / Biography in his Website
* Una visión del mundo. Entrevista del crítico de arte / A vision of the World. Interview by the Art Critic
Domenico Quaranta. Art Pulse
* Entrevista de / Interview by The Blind Architect, Jul., 2012. Empty Kingdom
_______________________________________________________________

Más imágenes e información sobre Nicola en / More images and information about Nicola in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Nicola!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Nicola!)



En este video (en italiano) podemos ver a Nicola hablando sobre su obra, formación, proyectos y en acción. Presten atención al proceso creativo, partiendo de bocetos tradicionales, dibujos, esculturas, modelos 3D por ordenador, para llegar por fin a la pintura. El video alterna un time-lapse de la creación de su gran lienzo "Burzum".

"Burzum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 159,3 x 426,7 cm., 2012
Colección Vaf Stiftung (Milán, Italia) / Vaf Stiftung Collection (Milan, Italy)

In this video (in Italian) we can see Nicola talking about his work, training, projects and at work. Pay attention to the creative process, starting from traditional sketches, drawings, sculptures, 3D computer models to finally create the paint. The video alternates a time-lapse of the artist at work with his large canvas "Burzum".





Textos en inglés / English text

[1]
Nicola Verlato is a remarkable artist born in Verona, Italy on the 19th of February 1965. His artistic education has been quite unorthodox, he consider himself almost self thought, however, from 9 to 14 ,he spent every summer at the studio of a monk-painter (Fra' Terenzio) in the monastery nearby his village in northeast Italy, he consider that the place where he learned how to drawing in the academic style.
His first serious show was at the age of 15 in the town hall of Lonigo, a 3 person show in collaboration with other 2 artists of the area. Nicola has been also trained in classical music from the age of 9 ( classic guitar, Lute, piano and composition) at the conservatory in Verona, later, he drove his attention toward rock music playing electric guitar, bass, sinths, composing song, jingles and soundtracks for documentaries. He also studied architecture at the university of Venice where he lived for almost 13 years painting portraits and allegorical scenes for the local aristocracy and the affluent foreigners living in that city. During this period in Venice he worked on almost everything that was connected with drawing: stage design, temporary decorations, illustrations, comics, storyboard etc. Around 28 he started to be interested in contemporary art, and, consequentially, to show in numerous gallery in Italy and abroad in solo and group shows.

[2]
Martyrdoms and Miracles Series
«The inspiration for this series of paintings came from my interest in iconography.  I wanted to verify how the old compositional strategies of the old masters would have worked applied on the ‘martyrdom’s’ of our time, it is like to say that the way to compose the painting of the baroque era is for me a tool  to reveal the continuity of the narrations of our time with the ones of the past.»

[3]
Mothers Series
«I think it has been the most successful of all my groups of paintings until the present moment, probably many people consider those paintings as my trademark: swirling composition with naked crazy girls floating in a space filled with objects and debris…
I think that the most interesting thing about those paintings is the ambiguity with which they have been  received.  Some people thought that they were made by a woman (my name in America could be believed to be a female one)  therefore they interpret them as a feminist statement, while, other people, saw them as the result of a misogynist mentality… fortunately the majority of the viewers approach them as the materialization into painting  of some kind of visions, anyway, I’m always interested in provoking controversies with my paintings.»

[4]
After spending 7 years in Milan, where he created his well grounded notoriety in Italy, in 2004 decided to move to NY city. In these last years he showed principally in NY city and in various galleries and museum around the States, Italy and Norway, but also in India as well as Germany, Holland and other Europen countries. He participated with an installation of paintings and sculptures as a representative of the Italian Pavillion at the 2009 Venice Biennale. Since 2011 Nicola Verlato lives and works in Los Angeles. 

[5]
«Oil paint is just a part of the different materials i’m using to make a painting, it is extremely useful for certain things, and to me is mandatory to use it to get those kind of subtleties of light and shadows impossible to obtain with other techniques…I like to use them over a very precise construction made  with charcoal or water based colors, oil colors  spread over the lines of the charcoal or the brushstrokes in such a soft and sensual way, the only  problem of oil paint is how slow it takes to dry...»

[6]
«I think the difference [between painting and illustration] stands only in a different compositional approach.  Illustration is a painting made mainly for a specific media, printed paper such as books magazines or newspapers, it is also always intended to be  a visual support for a text.
Painting is made for another media, which is mainly a wall in the real space and usually it doesn’t support any text at all, it is a self explanatory image.
Composing an image as an illustration differs from composing a painting because the relationship between the image and the viewer’s change between the 2 different media. In illustration the viewer is reduced just to his eyes, in painting the entire body of the viewer is involved into the experience of being in the space and looking at the painting.»

[7]
«I started to paint in oil when I was 7, and to sell paintings when I was 9…the funny thing is that I don’t think I have changed at all since then…I was just trying to get better, my idols are still the same, Caravaggio, Michelangelo Correggio etc…It’s true that I changed a lot about subject matter, when I was a kid all my paintings were about religious stories: crucifixions, resurrections etc even despite I haven’t received a religious education form my family.
What changed now is that I found the same kind of intensity of those religious themes in the narrative of our time mythologies.»

[8]
«I don’t care about reality itself; I’m interested in the way we perceive it and manipulate it through models and representations. Thus, the aesthetic environment that video games shape is very akin to somebody working with my methods and intentions: drawing as the painting’s constitutive principle, images as the result of a model’s construction instead of as a document of reality, etc.
Moreover, I think video games are the best proof of the return of representation, fostered by digital technology, in the Western world after almost two centuries of images as documents. Thanks to 3D software and the entertainment market, we are getting back to an aesthetic-cognitive path of representations and models. When a video game is successful, it’s able to spread a specific vision of the world. For example, the way a leaf is designed is determined by the software used: that software can set an aesthetic standard, changing the way I paint a leaf. In the same way, when Piero della Francesca painted a leaf or, let’s say, a mountain, he was sharing a vision of the world supported by the cultural system in which he was living and working. In short, video games are producing new aesthetic standards and models, and I’m interested in these standards.»

[9]
«I’m just painting what excites my imagination. My work is about bodies and narrative and so forth, about mythologies, specifically mythologies of our time. I like to gather visual information about these phenomena and combine them together in a new and more complex kind of representation, a very finished painting in which all the information is organized in a coherent and structured way. This is thanks to a very articulated process that passes through drawing, three dimensional models in clay, 3D software and finally painting.
Even the use of altarpiece typology is not a reference to a specific historical period of Catholicism, but rather to something deeply embedded in our brains, which neurologically, connects these kinds of shapes with mysticism. Catholicism just used these formats for their ability to create specific emotional reactions; however, the same shapes were used in neolithic times in cult structures, and are still used by the Barasana tribes of the Amazon River for the same purpose.» 


Asya Kozina [Arte con papel / Art with Paper]

$
0
0
Asya Kozina
Ася Козина


Asya Kozina nació en 1984 en la ciudad ucraniana de Dnepropetrovsk. Actualmente vive y trabaja en San Petersburgo, Rusia.
Desde 1994 ha sido una participante regular en exhibiciones regionales. Se graduó en la Escuela Infantil de Arte Cherkasy en 1999 y en la Escuela de Cultura Kaniv en 2004.
Asya crea detallados, intrincados y hermosos vestidos, máscaras, flores, pelucas y elementos decorativos utilizando papel blanco y negro.

Pelucas de papel / Paper Wigs

Pelucas de papel
«Las pelucas históricas siempre me han fascinado, especialmente las de la era barroca. Es un arte por el arte, estética por la estética, sin sentido práctico. Pero son hermosas. He hecho una serie de pelucas. El papel en este caso me ayuda a resaltar la forma principal, sin obsesionarme con detalles innecesarios.»
Fotografía: Anastasia Andreeva - Asistente de fotografía: Dina Kharitonova - Maquillaje: Marina Sysolyatina, Svetlana Dedushkina

Vestidos mongoles de papel / Paper Mongolian Costumes

Muñecas de papel / Paper Dolls

Muñecas de papel
Vestidos de papel creados especialmente por Asya Kozina para ropa interior de bodas de la empresa "Wild Orchid". Son una estilización de vestidos de boda de otros países.
Directora de moda: Julia Piterskaya - Producción creativa: Miranda Saliya - Fotografía: Ira Bordo - Modelos: Oksana Kim, Daria Malykhina, Kristina Rudenkaya, Stefania Jamba

Máscaras / Masks

Caballos de Ajedrez de papel / Paper Chess Horses

Caballos de Ajedrez de papel
«He creado tres caballos para la empresa de ropa interior Wild Orchid. Las esculturas fueron hechas para una serie de fotografías promocionales de un equipo de polo. Trabajé con papel blanco y negro para asociarlos con figuras de ajedrez.»
Directora de moda: Julia Piterskaya - Producción creativa: Miranda Saliya - Fotografía: Ira Bordo - Modelos: Kristina Rudenkaya, Raya Sidorenko

Vestidos mongoles de papel / Paper Mongolian Costumes

Pelucas de papel / Paper Wigs

Muñecas de papel / Paper Dolls

Vestidos mongoles de papel / Paper Mongolian Costumes

Vestidos mongoles de papel
«La idea para este proyecto proviene de mi fascinación por los vestidos de boda mongoles. Son en sí mismos muy extravagantes y futuristas. He creado mi propia versión de esos trajes exagerados, y con el papel he enfatizado su forma, eliminando el color y los detalles innecesarios.»
Fotógrafa: Anastasia Andreeva - Maquillaje: Marina Sysolyatina - Modelos: Lily Abdurasulova, Olga Komarova, Pauline Krasavina

Novia de papel / Paper Bride

Asya Kozina born in 1984 in the city of Dnepropetrovsk, Ukraine. Nowadays she lives and works in St. Petersbourg, Russia.
Since 1994 she was a constant participant of city and regional exhibitions, graduated from the Cherkasy Children's Art School in 1999, and graduated from the School of Culture Kaniv in 2004.
Asya creates absolutely beautiful, detailed and intricate costumes, masks, flowers, wigs and decorative elements using black and white paper.

Chamán / Shaman

Chamán de papel
«Este vestido fue creado por Asya Kozina y Dmitriy Kozin bajo la fuerte impresión del arte indígena de Siberia. Aunque el tema inspirador para muchos artistas durante mucho tiempo ha sido el arte de África, nosotros hemos vuelto nuestra atención hacia una dirección muy diferente. El estilo animal de Perm ha circulado entre el s.VII A.C. y el XII D.C. por los territorios del noreste europeo y el oeste de Siberia. Y cuando nos encontramos con las tradiciones de chamanismo, populares en Siberia aún hoy, súbitamente compusimos un simple puzzle artístico: un traje de chamán, la imagen que combina múltiples capas de mitología, chamanismo, tótems, estilo animal de Perm y la dura naturaleza de Siberia. Nuestra fotógrafa Yana Krutko ha creado la atmósfera adecuada para esta sesión en la mágica, misteriosa taiga, que sólo obedece al chamán.»

Paper shaman
«This paper costume Asya Kozina and Dmitriy Kozin created under strong impression from the indigenous art of Siberia. Whereas inspiring theme for many artists for many years was art of Africa, we brought our attention in a very different direction. Perm animal style was circulated between the VII century BC - XII century AD on the territory of North-Eastern Europe and Western Siberia. And when we met also with traditions of shamanism, popular in Siberia even now, suddenly formed single artistic puzzle: costume of shaman- the image that combining multi-layered mythology, shamanism, tatems, Perm animal style and harsh nature of Siberia. Our photographer Yana Krutko create suitable atmosphere for this shooting, magical, mysterious taiga, obedient only for shaman.»

Pelucas de papel / Paper Wigs

Paper Wigs
«Historical wigs always fascinated me, especially the Baroque era. This is art for art's sake aesthetics for aesthetics, no practical sense. But they are beautiful. I made a series of wigs. Paper helps to highlight in this case the main form and not be obsessed unnecessary details.»
Photography: Anastasia Andreeva - Photographer's assistant: Dina Kharitonova - Makeup: Marina Sysolyatina, Svetlana Dedushkina

Vestidos mongoles de papel / Paper Mongolian Costumes

Muñecas de papel / Paper Dolls

Vestidos mongoles de papel / Paper Mongolian Costumes

Paper Mongolian Costumes
«The idea for this project came from my fascination by mongolian wedding costumes. They themselves are very extravagant and futuristic. I had create own version of these outfits exaggeration, and white paper emphasized their shape and cutting color and unnecessary details.»
Photographer: Anastasia Andreeva - Makeup: Marina Sysolyatina - Models: Lily Abdurasulova, Olga Komarova, Pauline Krasavina

Muñecas de papel / Paper Dolls

Paper Dolls
Paper costumes created by Asya Kozina especially for wedding underwear from "Wild Orchid" company. This is stylization of other countries bridal dresses.
Fashion-director: Julia Piterskaya - Creative-Producer: Miranda Saliya - Photographer: Ira Bordo - Models: Oksana Kim, Daria Malykhina, Kristina Rudenkaya, Stefania Jamba

Pelucas de papel / Paper Wigs

Caballos de Ajedrez de papel / Paper Chess Horses

Paper Chess Horses
«Three paper horses I created for Wild Orchid company of underwear. These sculptures was made for entourage of promotional photo shoots for polo team. I worked with black and white paper to make associations with chess figures.»
Fashion-director: Julia Piterskaya - Creative-Producer: Miranda Saliya - Photographer: Ira Bordo - Models: Kristina Rudenkaya, Raya Sidorenko

Vestidos mongoles de papel / Paper Mongolian Costumes
________________________________________________________
Más imágenes e información sobre Asya en / More images and information about Asya in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Asya!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Asya!)



Asya Kozina, LUXE TV (English)


Gabriel Grün [Pintura]

$
0
0
Gabriel Grün es un notable artista figurativo argentino cuya obra merece más espacio, así que habrá más en el futuro. Por el momento, esta selección que espero les agrade. Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

Gabriel Grün is a remarkable Argentine figurative artist whose work deserves more space, so there will be more in the future. Now here you have this selection, I hope you like it. English texts at the end of the post, marked with [*] in each paragraph.
_________________________________________________________________

Gabriel Grün


Gabriel Grün es un artista nacido en Buenos Aires, Argentina, en 1978. Gabriel pinta como un clásico, pero habla de su obra como "inexorablemente contemporánea". Trabaja en la línea de los antiguos maestros, preparando sus propias pinturas con aceites y pigmentos, y dedicando tiempo, mucho tiempo a cada trabajo.
«Supuestamente tendría que estar pintando lo que veo en televisión para ser contemporáneo, ya que es el discurso moderno, nuevo, pero no quiero pensar así, creo que puedo pensar y crear cosas nuevas. Estoy mucho más cómodo en el Louvre que en el Pompidou, en el Prado que en el Reina Sofía.» [1]

"La gran Galatea / The Great Galatea", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 150 cm., 2008

"Retrato imaginario de / Imaginary Portrait of Marie-Sabina", óleo sobre tela / oil on canvas, 162 x 130 cm., 2013

«[en la cartela] sustituí TRUE (verdadera) por IMAGINARY (imaginaria) y listo. La excusa para generar una imagen de Marie-Sabina (ver más abajo) y sus encantadoras manchas a la edad adulta. El cuadro terminó siendo también más arcaico, aflamencado, menos neoclásico, lo que en principio no está mal. La composición cambió a narrativa al agregarle la pequeña serpiente, que comparte la condición de Marie-Sabina, descubierta bajo una roca.» [2]

"Emperador y Emperatriz / Emperor and Empress"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 90 cm. cada uno / each, 2012

"Ninfa en el estanque / Nymph in the Pond", óleo sobre tela / oil on canvas, 60 x 60 cm. 2009

«Los clásicos son los que más me han influenciado realmente, todo el Renacimiento, el Barroco, los alemanes, los flamencos y los italianos. Hay gente interesante hasta el siglo XIX, después en el siglo XX con los impresionistas se cae todo. Me puedo dar el lujo de ser muy crítico porque soy artista. Lo puedo criticar a Duchamp porque lo siento así, y creo que eso me hace bien porque me ubica en un lugar. De otra manera no podría tener la paciencia de estar un mes trabajando en un cuadro, ya que pensaría que todo vale y todo se puede aceptar.» [3]

"Autorretrato a la manera de / Self Portrait in the Manner of Rembrandt"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 75 cm., 2006

"Dánae", óleo sobre tela / oil on canvas, 125 x 160 cm., 2009

Izq./ Left: "Eva / Eve", óleo sobre tabla / oil on wood, 185 x 60 cm., 2006
Der./ Right: "Sirena / Siren", óleo sobre tabla / oil on wood, 185 x 60 cm., 2006

«Hay 3 artistas que me interesan mucho y son contemporáneos: uno es Odd Nedrum, un noruego con muchas influencias de Rembrandt, muy bueno, otro es Dino Valls, un gallego con el que compartimos muestra en Barcelona, y el otro, más cercano, del cual conocimos la obra con César Menegazzo en MiArt, es un italiano llamado Nicola Samorì que trabaja sobre chapas de cobre que es una técnica antigua. Son tres artistas con mucho reconocimiento internacional que hacen una figuración virtuosa.» [4]

"Colgado / Hanging", óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 130 cm., 2009

"Marsupialia", óleo sobre tela / oil on canvas, 195 x 89 cm., 2015

«Simpre me fascinó el realismo. Me parecía mágico, más significativo que la fotografía o las películas el hecho de que esas imágenes pudieran salir de las manos de alguien. Recuerdo, de niño, cortarme el dedo con el filo de una página de un gran libro de Dalí que tenía mi madre, y con el dolor y la sorpresa de haberme cortado con un papel, me vino la asociación de la pintura como poseedora de un poder peligroso, que sobrepasaba la realidad, y la amenaza de que había develado una suerte de secreto del que no se puede escapar ileso. Después del surrealismo, me impresionaron algunos ilustradores, pero lo que aprecié fue siempre la capacidad de emular el mundo natural y jugar con él, y la impresión de que se le estaba añadiendo algo. Al entrar en contacto con el gran arte del pasado, pronto estimé el siglo XX en su auténtico valor, comenzando, por supuesto, a fascinarme con los italianos, todos los habituales, y más tarde comencé a admirar cosas en los holandeses y flamencos que no encontré en ningún otro sitio. Me planteé altos estándares para lo que quería ser como artista, inconsciente de la distancia entre el mundo en que se movía Durero y el mío propio, cuya ingenuidad asimilé y que fue clave más tarde para permitirme ser terco y sólo sentirme juzgado por una carga de historia del arte que hiciera cualquier otra opinión carente de sentido en lo que refiere a mi propia misión pictórica. Para que quede constancia, he de mencionar a Holbein, Bronzino, Fra Angelico, Ribera, Bougereau... » [5]

"Pollo / Chicken", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 50 cm., 2008

"Autorretrato al amanera de / Self Portrait in the Manner of Memling"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 34 x 26 cm., 2007

Si como nos recuerda Ernst Gombrich"el arte se nutre más del arte que de la naturaleza", la obra de Gabriel Grün se presenta como un buen ejemplo para poner a prueba dicha hipótesis. Su serie "Alter Ego", en la que el pintor desarrolla un conjunto variado de autorretratos "a la manera" de aquellos a los que él reconoce como sus maestros, nos introduce en un universo de interrogantes ligados al problema de la creatividad, la apropiación de las tradiciones pictóricas, la persistencia de iconografías y el lugar ocupado por la práctica del oficio.
Maestros de la pintura occidental como el Bosco, Memling, Van Eyck, Leonardo, Durero, Holbein, Caravaggio y Ribera son revisitados con una intención no carente de sinceramiento respecto de algunos aspectos de la impronta de aquellos en los procesos creativos de Grün. Su mirada contemporánea los analiza, los desmonta y desmenuza, los ubica en clave de su propia cotidianeidad, mediante un seguimiento preciso y microscópico de las maneras en que ellos se presentan, para luego rastrear en su propio mundo de imágenes, signos, ideas y símbolos. En este sentido, el recurso de la cita parece ir más allá del homenaje. 
Gabriela Siracusano, 2007 [6]

"Hemafrodita / Hermaphrodite", óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 130 cm., 2012

"Nari Asva", óleo sobre tela / oil on canvas, 200 x 200 cm., 2009

«En aquél momento tomó forma una cierta sintaxis de la pintura; la forma como los árboles eran pintados o la piel representada podía seguirse de ciudad en ciudad y de maestros a aprendices, de acuerdo a auténticas genealogías estilísticas. Mi gusto por lo que los pintores eran capaces de hacer con este alfabeto, me vino principalmente de una temprana exposición al gran arte, pero no podría explicarlo. Parece como un mundo controlado en el cual puedes aprender las letras y luego hacer poesía con ellas. Sus efectos y logros brindan principalmente alegría, y cuando comprendes que puedes producirlo por tí mismo se vuelve inevitable, incluso si no pierde ese rasgo de peligro, como en la pintura, la pintura de la realidad, no hay espacio para esconder o disimular ningún aspecto de tu carácter. También quiero crear ese tipo de imágenes, aquellas que se adhieren a tu ojo y tu mente, no importa en qué contexto o con qué propósito hayan sido creadas. No eres un esclavo de esta compleja sucesión de pintores; aún puedes poner tu modelo delante y dar lo mejor de tí para transferir esa impresión visual al lienzo o el panel... Pero en realidad siempre habrá un lenguaje aprendido, composición, trazas de una u otra escuela de pintura, además de que el material impone sus tiempos y posibilidades, las condiciones para la creación.» [7]

"Leda", óleo sobre tabla / oil on wood, 120 x 120 cm., 2005

Izq./ Left: Metamorfosis en Queso Gruyere / Metamorphosis in Gruyere Cheese"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 100 x 50 cm., 2013
Der./ Right: "Mirra / Myrrh", óleo sobre tabla / oil on wood, 160 x 60 cm., 2005

«La belleza es paradójica. Puedes pensarla como compleja, pero de hecho es asombrosamente simple cuando te expones a ella. La belleza no convencional me permite explorar los senderos de la mente afectada por ella, forzando a esa belleza a ser percibida en lugares y configuraciones inesperadas. Mi modelo para el cuerpo femenino ha sido exclusivamente la escultora Lorena Guzmán, así que debería haber algún tipo de respuesta en ello. Juego libremente con las variaciones de la belleza que surge nuevamente toda vez que la tensión se construye hacia una única figura, con su tipo único de perfección. La belleza te estremece, es incuestionable y crece mientras los estereotipos se desvanecen. Te pide algo. Siendo vulnerable a su significado estás vivo y tienes la capacidad de trascender lo ordinario. No hay un tipo físico o marca para ello, es una mezcla que también tiene que ver con lo que tú le das. Es un encuentro, y es por eso que a menudo vuelves de él incambiado e ileso. La pretensión de capturarla en una pintura explica por qué constituye un ejercicio de riesgo; revelas mucho de tí mismo en la interpretación, y la rabia de la belleza al exponerla.» [8]

"Murciélago / Bat", óleo sobre tela / oil on canvas, 60 x 120 cm., 2007

"Autorretrato a la manera de / Self Portrait in the Manner of Holbein"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 125 x 100 cm., 2007

«Prefiero la presentación de la figura aislada de una manera icónica, con independencia de lo que hago con el fondo. No lo hago tan bien con narrativas largas; prefiero algún detalle para señalar un supuesto contexto. Mis figuras están solas, encontrando la mirada del espectador, como en las pinturas alegóricas o las cartas del Tarot. La silueta no está cortada y la composición es, por lo general, bastante estática. Todo es bastante frontal, con poco lugar para ambigüedades. Mi interés por la antigua religión griega es auténtico, pero raras veces se nota en mis pinturas. Utilizo la mitología de una manera convencional, sobre todo inspirado en su papel y uso en la propia historia del arte, no de una forma recreacionista como podría hacerlo Alma-Tadema. Los paisajes son genéricos, accesorios, al estilo de las colinas y ríos serpenteantes flamencos que Michelangelo desdeñó, pero aún así busco la belleza en el formulismo. El retrato aparece en forma de auto-retrato, que utilizo una y otra vez, y nunca me canso. Lo realmente importante en la pintura es cómo lo haces. Ni siquiera las ideas, sino la manera. Es lo que hace que una Madonna destaque entre diez mil. El misterio está ahí, en la forma que una imagen se incrusta y no te la puedes quitar de la cabeza. Los temas que adoras se te pueden hacer aburridos, y ser transportado por una muestra de un género por el que tenías poco interés. Como pintor tienes una cantidad limitada de trabajo para hacer, por lo que la sensación de urgencia está siempre presente, el sentido de deuda que tienes cuando percibes la práctica del arte como algo personal y significativo. Con la intención de usar este antiguo lenguaje he tenido que aprender sus técnicas, qué pigmentos se utilizaron y con qué propósito, la molienda, las capas, el barniz... el orden y materiales establecen límites que son el único ámbito en el se puede aspirar a dominar el oficio; expresar algo es una cuestión para más adelante.» [9]

"Gaia", óleo sobre tela / oil on canvas, 125 x 160 cm., 2010

"El Traje de Ramas / The Suit of Branches", óleo sobre tela / oil on canvas, 88 x 170 cm., 2015

«Una obra en la que indagué en la situación de una figura inquieta, frágil, pero que elige un camino, cruza un puente y nos mira sobre el hombro, como si estorbáramos un ritual íntimo.»
Sobre la obra que inspiró este trabajo, la pintura presente al cerrar los paneles laterales de "El carro de heno" de El Bosco (ver más abajo), dice Gabriel:
«(...) me abstuve de buscar verla recientemente para que me sirviera de inspiración lejana y general del cuadro, como un Norte nebuloso hacia el cual dirigirme, sin contaminarme directamente y haciendo que su recuerdo me guiara.» [10]

"Parcas / Parcae",óleo sobre tabla / oil on wood, 180 x 135 cm., 2007
____________________________________________________

Fuentes / Sources:
* Entrevista en / Interview inHEY! modern art & pop culture
* Entrevista en / Interview in ArteBA 08 - Wussmann, César Menegazzo
* Gabriela Siracusano, texto sobre la muestra / text on the showAlter Ego, Buenos Aires, 2007

Más imágenes e información sobre Gabriel en / More images and information about Gabriel in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Gabriel!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Gabriel!)



Un reportaje de "La vida es Arte", en el que Gabriel habla sobre cómo prepara sus pinturas de modo artesanal /
A report of "Life is Art", in which Gabriel talks about how he prepares his paintings in a traditional way





Algunas referencias / Some References

El Bosco (Hieronymus Bosch)

"El carro de heno / The Hay Wagon"
Tríptico / triptych, óleo sobre panel / oil on panel, 147 x 212 cm., c.1516
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

La pintura era parte de un grupo de 6 adquiridas por el rey Felipe II de España en 1570, y entregadas en El Escorial cuatro años más tarde. Luego fue vendida al Marqués de Salamanca y dividida en tres pinturas. En 1848, el panel central fue comprado por Isabel II de Epaña y llevado a Aranjuez. El derecho regresó a El Escorial y el izquierdo fue al Prado. El tríptico fue finalmente recompuesto en 1914 en este último museo. Existe una copia en el Escorial.

"El camino de la vida (El vendedor ambulante o El Peregrino) / 
The Path of Life (The Ambulant Vendor or The Pilgrim)"
Parte exterior del tríptico "El carro de heno" / outside of The Hay Wagon Triptych
Óleo sobre panel / oil on panel, 135 x 90 cm., c.1516. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

The painting was part of a group of six acquired by king Philip II of Spain in 1570, and shipped to El Escorial four years later. It was later sold to the Marquis of Salamanca, and divided into three paintings. In 1848, the central panel was bought by Isabella II of Spain and brought to Aranjuez, the right one was returned to Escorial and the left went to the Prado. The triptych was finally recomposed in 1914 in the latter museum. A copy exists at the Escorial.

Más sobre El Bosco en "El Hurgador" / More about Hieronymus Bosch in this blog:
_________________________________________________________________

Mary-Sabina

Artista desconocido / Artist Unknown
"Mary-Sabina nacida en / born in 1736"
Royal College of Surgeons, Hunterian Museum (Lincoln's Inn Fields, Londres, Reino Unido / London, UK)

En la cartela puede leerse:
"La verdadera imagen de Mary-Sabina, que nació el 12 de octubre de 1736 en Matuna, una plantación perteneciente a los Jesuitas en la ciudad de Cartagena (Colombia) en América, de dos esclavos negros llamados Martiniano y Patrous."
 ___________________________________________________________

Nicola Samorí


Nicola Samorí es un pintor italiano nacido en 1977. Después de graduarse de la Academia de Bellas Artes en Bologna, el artista ha estado exponiendo su trabajo en Italia y otros países.
Sus pinturas están llenas de energía sensual. El estilo deriva de las pinturas clásicas del renacimiento temprano. Con un altísimo grado de precisión, sus pinturas emergen de la oscuridad del espacio pictórico hacia la luz con un realismo dramático.

"Maddalena", óleo sobre tabla / oil on wood, 70 x 50 cm., 2010

"Volta del Mondo", óleo sobre cobre / oil on copper, 100 x 100 cm., 2014

Nicola Samori is an Italian painter born in 1977. After his graduation at the Academy of Fine Arts in Bologna, the artist has been showing his work in Italy and other countries. 
His paintings are full of sensuous energy. The style is derived from the classical paintings of early renaissance masters. With the highest degree of precession, his figures emerge from the darkness of pictorial space into the light with dramatic realism.

"J.V.", óleo sobre tabla / oil on wood, 55 x 52 cm., 2009
 ___________________________________________________________

Sobre el resto de los artistas mencionados / About the other mentioned artists:

William-Adolphe Bouguereau[Pintando perros (IV)], [La Colección Bentaberry (I)], [Manos a la obra (XX)], [Manos a la obra (XXV)], [Aniversarios (XLV)]
Lawrence Alma-Tadema[Aniversarios (LII)]
Il Bronzino[Loretta Lux (Fotografía, Fotomanipulación)], [Recolección (VI)]
Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti): [Arte & Humor (II)], [Aniversarios (V)], [Arte perdido (V)], [Adam Lister (Las obras, Anexo)], [Sucedió en el museo (I)], [Sucedió en el museo (I, Anexo)]
Michelangelo Merisi da Caravaggio: [La Colección Bentaberry (II)], [Lost Art (II)], [Fotógrafos japoneses (II)], [Marc Dennis (Pintura)], [Michael Zavros (Pintura)]
Leonardo Da Vinci[La Colección Bentaberry (I)], [Aniversarios (XI)], [Adam Lister (Las obras, Anexo)], [Arte y humor (VIII) - Referencias], [Arte y Humor (IX) - Referencias], [Sucedió en el museo (II, Anexo)]
Marcel Duchamp[Arte & humor (II)]
Fra Angelico[Fred Wessel (Pintura)], [Arte y humor (VIII) - Referencias]
Hans Holbein el Joven[Hans Holbein el Joven, Retratos (I) (Pintura)], [Hans Holbein el Joven, Retratos (II) (Pintura)], [Las referencias de Rumsey (Pintura, Grabado)]
Hans Memling[Fotógrafos japoneses (II)], [Daria Endresen (Arte digital)]
Odd Nedrum[Aniversarios (X)]
Rembrandt Harmeszoon van Rijn[Pintando perros (II)], [Desde Irán (II) - Kamal-ol-Molk], [Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)], [Aniversarios (XXV)], [Uruguayos (XXIV)]
José de Ribera[Aniversarios (CVI)]
Dino Valls[Danisevicius, Valls, Zhu Yiyong], [Dino Valls (II) (Pintura)]
Jan Van Eyck[Pintando perros (IV)], [Arte perdido (II)]



Textos en inglés / English Text

[1]
Gabriel Grün is an artist born in Buenos Aires, Argentina, in 1978. Gabriel paints as a classic, but talks about his work as "inexorably contemporary". He works following the lines of the old masters, preparing his own paintings with oils and pigments, and spending long, long time to each work.
«Supposedly I should be painting what I see on television to be contemporary, as is the modern, new address, but I don't want to think so. I think I can think and create new things. I'm much more comfortable in the Louvre than in the Pompidou, in the Prado than in the Reina Sofia.»

[2]
«[In the cartouche] I just replaced TRUE for IMAGINARY. The excuse to generate an image of Marie-Sabina (see above) and her charming spots to adulthood. The picture ended up being more archaic too, flamencoised, less neoclassical, which is not bad at first. The narrative composition changed by adding the small snake, which shares the condition of Marie-Sabina, discovered under a rock.»

[3]
«I'm really influenced by the classics, the entire Renaissance, Baroque, German, Flemish and Italian. There are interesting people until the nineteenth century, then in the twentieth century with the Impressionists everything falls. Me I can afford to be too critical because I am an artist. I can criticize Duchamp because I feel it, and I think that is good to me because it puts me in one place. Otherwise I would not have the patience to be a month working in a painting because I would think that anything goes and everything is acceptable.»

[4]
«There are 3 artists that interest me a lot and are contemporary: one is Odd Nedrum, a Norwegian with many influences of Rembrandt, very good, another is Dino Valls, a Spaniard with whom we share an exhibition in Barcelona, and the other, closer, whose work we knew with Caesar Menegazzo in MiArt, is an Italian named Nicola Samorì working on copper plates is an ancient technique. Three artists with great international recognition that make a virtuous figuration.»

[5]
«I was always awed by realism, it just seemed magical to me, more meaningful somehow than photo or film, the fact that those images could come from someone's hands. I remember, as a child, cutting my finger with the edge of a page from a big book my mother had of Dalí, and with the pain and surprise of being cut by paper came an association of painting as holding a dangerous power, that of surpassing reality, and the threat that I was disclosing some sort of secret you couldn't get away from unharmed. After surrealism I was impressed by some illustrators, but what I appreciated was always the capacity to mirror the natural world and play with it, and the impression of something added to it. As I was exposed to great art of the past I soon assessed the XX century for its true value, beginning of course to be blowed away by the italians, all the regular ones, and later came to admire things in the dutch and flemish that were not to be found elsewhere. I set for myself high standards for what I meant to be as an artist, ingenuous to the distance between the world Dürer moved in and my own, which ingenuity I kept and was crucial later in allowing me to be stubborn and only feel judged by an over-arching Art History that made any other opinion quite meaningless, in regard to my own pictorial mission. I will for the record mention Holbein, Bronzino, Fra Angelico, Ribera, Bougereau...»

[6]
If as Ernst Gombrich reminds us "art feeds more from art than from nature," Gabriel Grün's work is presented as a good example to test this hypothesis. His series "Alter Ego", in which the painter develops a diverse set of self-portraits "in the manner" of those whom he recognizes as his masters, introduces us to a world of questions related to the problem of creativity, the appropriation of pictorial traditions, the persistence of iconography and the place occupied by the practice of the trade.
Masters of Western painting as Bosch, Memling, Van Eyck, Leonardo, Durer, Holbein, Caravaggio and Ribera are revisited with an intention not without sincerity on some aspects of the imprint of those in the creative processes of Grün. His contemporary look analyzes, disassembled and crumbling, places it according his own daily lives, through accurate and microscopic monitoring of the ways in which they are presented, then search into his own world of images, signs, ideas and symbols. In this sense, the appeal of the quote seems to go beyond the tribute.
Gabriela Siracusano, 2007

[7]
«In that time a certain syntax of painting took form, the way trees were painted or skin rendered could be followed from town to town and master to apprentice conforming true genealogies of styles. My taste for what painters could do with this alphabet came from an early exposure to high art, mainly, but that wouldn't explain it, it seems like a world controlled, you can learn the letters and then make poetry with them, the effects and achievements principally bring joy, and when you understand you can produce this yourself, it becomes unavoidable, even if it doesn't loose that trait of danger, as in painting, painting for real, there's no space to hide or dissimulate any aspect of your character. I want to create that kind of images too, the kind that sticks to your eye and mind, no matter the context or purpose to which it was created. You are not a slave to this complex succession of painters, you can still put your model in front of you and just do your best to pass along that visual impression to the canvas or panel... But in truth there will always be a learned language, composition, shreds of some school of painting or other, besides, the material imposes its times and possibilities, the conditions for creation.»

[8]
«Beauty is paradoxical. You might think it complex but it's actually staggeringly simple when exposed to it. Unconventional beauty allows me to explore the paths of the mind affected by it, by forcing beauty to be perceived in places and configurations you wouldn't expect. My model for the female body has been exclusively the sculptress Lorena Guzmán, so there should be some kind of answer in that. I play freely with the variations of beauty that arise anew each time the tension builds towards an unique figure, with its unique kind of perfection. Beauty makes you shiver, it is unquestionable and grows as stereotypes vanish. It asks something of you, being vulnerable to it means you are alive and have the capacity to trascend the ordinary. There's not a physical type or mark for it, it is a mixture, has to do with what you bring to it too, it is an encounter, that's why you seldom come out of it the same and unharmed. The pretense to capture it in painting explains why it constitutes a risky exercise, you disclose a lot of yourself in interpreting, and chance Beauty's anger for the exposure.»

[9]
«I favor presenting the figure isolated in an iconic manner, regardless of what I do with the background. I don´t do so well with long narratives, preffering some detail to point to a supposed context. My figures stand alone, meeting the viewer´s gaze, as in allegorical paintings or Tarot cards, the siluette is not cut and the composition quite static, usually. It´s all quite frontal, with little place for ambiguities, my interest in ancient greek religion is grnuine, but it seldom shows in my paintings, I use Mythology in a conventional way, mostly being inspired by its role and use in Art History itself, not in the way a recreacionist like Alma-Tadema would have. Landscapes are generical, props in the manner of the flemish twisting rivers and hilltops Michelangelo dismissed, but even so I search for beauty in the formulaic. The actual portrait appears in the guise of the self-portrait, which I use time and again, I never tire. What´s really important in painting is how you do it, not even the ideas, but the manner, that makes a Madonna stand alone between ten thousand, the mystery is there, in the way an image sticks and won´t be taken out of your head. Themes you adore you can find boring, and be transfixed by an example from a genre you had little regard for. As a painter you have a limited anount of work that is yours to do, so the feeling of urgency is ever-present, the sense of debt you have when you perceive art practice as something personal and meaningful. In pretending to use this old language I´ve had to learn its techniques, what pigments were used and for what purpose, the grinding, layering, glazing... the order and materials place limits that are really the only place where you can aspire to master the craft, expressing something is an issue for later.»

[10]
«A work in which I inquired on the status of a restless figure, fragile, but choosing a path, cross a bridge and looks at us over his shoulder, as if we disturb an intimate ritual.»
About the work that inspired this painting, the one you can see when the side panels of "The Hay Wain" by Hieronymus Bosch (see above) is closed, Gabriel says:
«(...) I refrained from see them recently to serve as a distant and general inspiration for the painting, as a hazy North toward which I address without contaminate me directly and making its memory guide me.»

Recolección / Compilation (XXXVI)

$
0
0
Los Museos Ralli conforman una organización privada sin ánimo de lucro que tiene como misión dar a conocer al público el arte contemporáneo de Latinoamérica. La organización fue fundada por el matrimonio formado por el banquero Harry Recanati y Martine Recanati.
Hasta la fecha gestionan cinco museos, el primero de los cuales fue el fundado en Punta del Este en 1987.
Esta recolección va dedicada, y está basada en la visita de mi buena amiga y colaboradora Shirley Rebuffo al Museo Ralli en Punta del Este, Uruguay. Gracias a sus fotografías he tenido la oportunidad de disfrutar de una serie de buenas obras de artistas lationamericanos. Así que aquí les dejo una selección de trabajos, muchos de los cuales están presentes en el museo.

Ralli Museums are a private nonprofit organization whose mission is to inform the public on contemporary Latin American art. The organization was founded by the couple formed by the banker Harry Recanati and Martine Recanati.
So far managed five museums, the first of which was founded in Punta del Este in 1987.
This compilation is dedicated, and is based on a visit of my good friend and collaborator Shirley Rebuffo to the Ralli Museum in Punta del Este, Uruguay. Thanks to her photos I've had the opportunity to enjoy a lot of good work by latinoamerican artists. So here you have are a selection of works, many of which are present in that museum.
______________________________________________________________

Énder Cepeda
(Maracaibo, Edo. Zulia, Venezuela, 1945-)

"Exaedri Nº.1"
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

Felipe Morales López
(San Pedro Mártir, Ocotlán de Morelos, Oaxaca, México, 1959-)

"Hoy se muere compadre / Today you'll die, my friend"
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

Juarez Machado
(Joinville, Santa Catarina, Brasil / Brazil, 1941-)

"Lady Luck"
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

José Antonio Cauja
(Guayaquil, Ecuador, 1954-)

"El Bagre / The Catfish", basalto / basalt, 5 x 2,10 m., 2009.
Malecón del Salado (Guayaquil, Ecuador)

Se trata de un bagre, que mide 5 por 2,10 metros, y que a consideración del autor es el pez característico de la ciudad, porque “se reproduce en aguas del estero Salado, es de aguas dulces”. Fue esculpido en basalto, piedra que –según Cauja– buscó rescatar luego de que un amigo le avisó que estaban dinamitándola y desapareciéndola cerca de la ciudadela Las Orquídeas, “porque ese sector, donde había ese recurso natural, se estaba rellenando para habitarlo” /

This is a catfish, which measures 2.10 meters 5, and is considered by the author the characteristic fish of the town because "it breed in the waters of the Salado estuary, is a freshwater fish." It was carved from basalt. As Cauja said, with this kind of stone he sought bail after a friend told him they were dynamite and making it disappear near the citadel The Orchids, "because this sector, where there was this natural resource, was filling to inhabit."

______________________________________________________________

María José Romero Aldunate
(Osorno, Chile, 1962-)

"María y su Jauría / Mary and her Pack of Dogs", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 100 cms., 2008
______________________________________________________________

Ricardo Carpani
(Tigre, Provincia de Buenos Aires, Argentina, 1930-1997)

"¿Dónde estará la parada del 60? / Where will the bus stop of line 60?", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Esta obra pertenece a la serie de composiciones sobre la selva porteña donde la vegetación tropical sirve de entorno al personaje de arrabal, con su chambergo y su aire de cafetín. Este personaje, aunque se encuentra rodeado de monos, leopardos, osos y tucanes, no consigue desprenderse del diario ni del pucho. De este modo, el artista propone un juego de metáforas con una mirada sarcástica, en la que articula formas tradicionalmente porteñas, urbanas junto al aparentemente hostil ámbito de la naturaleza /

This work belongs to the series of compositions on the Buenos Aires jungle where tropical vegetation serves as an environment for the suburb character, with his slouch and cafe air. This character, though it is surrounded by monkeys, leopards, bears and toucans, do not get rid of the newspaper or the butt. Thus, the artist proposes a set of metaphors with a sarcastic look, which traditionally structured Buenos Aires, urban forms, next to apparently hostile realm of nature.

______________________________________________________________

Gregoria "Gogy" Farías de Arellano
(Ciudad de México, México, 1943-)

"Depresión / Depression", bronce / bronze, 1947
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

Adriana Fiterman
(Buenos Aires, Argentina, 1962-)

"Dias y flores / Days and Flowers", acrilico y oleo sobre tela / acrylic and oil on canvas, 150 x 160 cm., 2014
______________________________________________________________

Nicolás García Uriburu
(Buenos Aires, Argentina, 1937-)

"Vaca y ombú / Cow and Ombu"
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

Mercedes Mouzet
(Argentina, 1940-)

"Nacimiento / Birth", mármol y bronce / marble and bronze, 62 x 61 x 30 cm., 1989.
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

Gaudi Esté
(Los Teques, Edo. Miranda, Venezuela, 1947-)

"Serie Tiempo de la gárgola II / Gargoyle Time II Series", madera / wood, 2014
______________________________________________________________

Inos Corradin
(Vogogna, Piamonte, Italia / Italy, 1929-)
en Brasil / at Brazil

"Sonatore de Jazz / Músico de Jazz / Jazz Musician", óleo sobre tela / oil on canvas, 50 x 70 cm., 1988.
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

Jorge Nigro
(Rosario, Argentina, 1942-)

"Diálogo con / Dialogue with Piero della Francesca".
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

Roberto Alarcón Breto
(Cuba, 1955-)

"El fruto sobre la mesa / The Fruit on the Table".
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

Ponciano Cárdenas Canedo
(Cochabamba, Bolivia, 1927-)

"Furia con luna llena / Rage with Full Moon", óleo / oil, 70 x 100 cm., 2005
______________________________________________________________

Elena Nikitina
(Moscú, Rusia / Moscow, Russia, 1940-)
en Brasil / at Brazil

"Nome da terra, A Terra / Nombre de la tierra, La Tierra / Name of the Earth, The Earth"
Óleo sobre tela / oil on canvas
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

José Antonio da Costa Ciocchini
(Argentina, 1973-)

"El taniador, sus musas y dios / The taniador, his Muses and God", óleo / oil, 180 × 120 cm., 2007
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

Mario Giacoya
(Sarandí Grande, Florida, Uruguay, 1951-)

"Sin título / Untitled", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 120 x 120 cm., 2015
______________________________________________________________

Heriberto Juárez
(Teotihuacan, México, 1934 - 2008)

"Toro cubista / Cubist Bull", bronce, base de mármol / bronze, marble base, 35,5 x 47 x 18 cm., 4/6, 1987
______________________________________________________________

Pablo Curatella Manes
(La Plata, Argentina, 1891 - 1962)

"Tierra Argentina / Argentine Land", bronce / bronze.
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo
______________________________________________________________

Jorge Velarde
(Guadalajara, Jalisco, México, 1950-)


Izq./ Left: "El estudiante / The Student", acuarela / watercolor, 55 x 66 cm. Museo Virtual CJV
Der./ Right: "El punto cardinal / The Cardinal Point", pastel. 
Museo Ralli (Punta del Este, Uruguay) - Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Aniversarios (CXII) [Febrero / February 21-29]

$
0
0
Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
_________________________________________________________

El 21 de Febrero es el cumple de

Sir William Goscombe John, escultor galés nació en 1860.
En su juventud ayudó a su padre, Thomas John, un tallador de madera, en la restauración del castillo de Cardiff. Inicialmente estudió en su ciudad natal, asistiendo a la Escuela de Arte de Cardiff. Se fue a Londres en 1882 y estudió en la ciudad y gremios de la Escuela de Arte de Londres (entonces conocida como South London School of Technical Art) con Jules Dalou y William Plata Frith, y después en las escuelas de la Academia, donde ganó la medalla de oro y una beca de viaje en 1887. En 1890-1891 estudió en París. 
Goscombe Juan fue el encargado de diseñar muchos monumentos públicos y estatuas de figuras públicas como el armador y filántropo John Cory, erigida en la puerta del Ayuntamiento de Cardiff. En 1921 se diseñó el monumento en Port Sunlight a los empleados de Lever Brothers Ltd que habían muerto en la Primera Guerra Mundial. También esculpió retratos de Lord y Lady Lever. Recibió una medalla de oro en París en 1901, se hizo Académico de la Real Academia en 1909, fue nombrado caballero en 1911 y se convirtió en miembro del Instituto Francés. Se instaló en Greville Road, Kilburn (en una casa que había pertenecido anteriormente a Seymour Lucas). 
Murió en 1952 y está enterrado en el cementerio de Hampstead.

"El duende / The Elf", mármol / marble, 1899. Glasgow Museums (Escocia, Reino Unido / Scotland, UK)

Esta escultura única de una joven tallada en mármol, fechada en 1899, es la obra más atractiva del escultor galés Sir W Goscombe John.
Es una obra maestra de la Nueva Escultura, el movimiento que insuflé nueva vida a la escultura británica a fines del s.XIX. Una superficie vital y una pose poco ortodoxa, como se ven en "El duende", son características típicas del período. El amor a "la belleza del cuerpo" y un escalofrío de la sexualidad también sitúan firmemente a esta pieza en la era liberada de "los traviesos Noventa" /

This unique carved marble sculpture of a young woman, bearing a date of 1899, is the most attractive work of the Welsh sculptor Sir W Goscombe John.
It is a masterpiece of the New Sculpture, the movement that breathed new life into British sculpture at the end of the 19th century. A lively surface, an unorthodox pose, as seen in The Elf, are characteristics typical of the period. Love of ‘the body beautiful’ and a frisson of sexuality also place this piece firmly in the liberated era of ‘the Naughty Nineties’.

Más sobre Goscombe John en "El Hurgador" / More about Goscombe John in this blog:
[Aniversarios Fotografía (LXXXIX)]
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Henry Wallis (pintor, escritor y coleccionista de arte británico / British painter, writer and art collector)
Pyotr Petrovich Konchalovsky (Пётр Петрович Кончаловский) (pintor ruso / Russian painter)
Park Su-geun (Park Soo-keun) (pintor coreano / Korean painter)


El 22 de Febrero es el cumple de

Arthur Eric Rowton Gill, escultor Inglés, diseñador tipográfico, cantero y grabador nacido en 1882, que estuvo asociado con el movimiento Arts and Crafts.
Trabajando desde Ditchling en Sussex, donde vivía con su esposa, en 1910 Gill comenzó la talla directa de figuras de piedra. Estas incluyen la "Virgen con el Niño" (1910), que Fry describió en 1911 como una representación de 'animalidad patética', y "Éxtasis" (1911). Tales esculturas semi-abstractas mostraron el aprecio de Gill por las estatuas eclesiásticas medievales, la escultura egipcia, griega e india, así como el post-impresionismo de Cézanne, Van Gogh y Gauguin.
Su primer éxito público fue "Madre y niño" (1912).
Gill se describía como "discípulo" del filósofo e historiador del arte de Ceilán Ananda Coomaraswamy, y estuvo fascinado durante este periodo por la escultura de los templos de la India. Junto con su amigo y colaborador Jacob Epstein, planeó la construcción en el campo de Sussex de un colosal monumento, tallado a mano, imitando las estructuras jainistas a gran escala en la fortaleza de Gwalior, en Madhya Pradesh, que había conocido gracias al indófilo William Rothenstein.
Gill fue nombrado Diseñador Real para la Industria, el premio más importante para los diseñadores británicos, por la Royal Society of Arts. También se convirtió en miembro fundador de la Facultad de reciente creación de los diseñadores reales para la industria.
Murió en 1940.

"Contorsionista / Contortionist", gres / bath stone, alto / height 15 cm., 1913.
Colección privada / Private Collection
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Karl Otto Götz (artista alemán / German artist)
Baltasar Lobo (dibujante y escultor español / Spanish draftsman and sculptor)
Rembrandt Peale (artista estadounidense / American artist)


El 23 de Febrero es el cumple de

Ricardo Bellver, escultor español nacido en 1845.
Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, y terminó su educación escultórica en Roma como becario.
Se hizo muy conocido por su escultura El ángel caído, una obra inspirada en un pasaje de El paraíso perdido de John Milton, que representa a Lucifer cayendo del cielo. La escultura, de gran dramatismo y originalidad, obtuvo la primera medalla en la Exposición Nacional Española de Bellas Artes en 1878, y ese mismo año fue fundida en bronce para la tercera Feria de París Mundial. Más tarde, el Museo del Prado la donó a la ciudad de Madrid, y en 1885 se instaló en una plaza con el mismo nombre en los Jardines del Buen Retiro. Para tal fin, el arquitecto Francisco Jareño diseñó un pedestal de granito, bronce y piedra. El éxito de este trabajo hizo que Bellver fuera aceptado como académico. Fue director de la Escuela de Artes y Oficios en Madrid.
Otras obras de Bellver están en la Basílica de San Francisco el Grande, la iglesia de San José, la iglesia Pontifitial de San Miguel y el edificio del Ministerio de Obras Públicas de Madrid.
Murió en 1924.

"El ángel caído / The Fallen Angel", 1877. Jardines del Buen Retiro / Buen Retiro Gardens (Madrid, España / Spain)
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Antonio Alice (pintor argentino / Argentine painter)
Joan Llimona i Bruguera (pintor español / Spanish painter)
George Frederic Watts (pintor y escultor inglés / English painter and sculptor)


El 24 de Febrero es el cumple de

Hevzi Nuhiu, escultor albanés nacido en 1956 en Carevajkë de Preshevės, en la montañas de Karadakut.
En sus primeros años Hevzi Nuhiu asiste a la escuela primaria en su ciudad natal (Carevajkë). Pasa a cursar la escuela secundaria en Preshevės y terminó sus estudios en el idioma albanés y la Literatura de la Academia de Skopie.
Desde 1983 vive y trabaja en San Dometrio Corone (Shën Mitër Korona en albanés), a unos 500 km de la ciudad de Kozencës, la provincia donde la presencia de asentamientos albaneses es hoy la más grande de Italia.
Sus esculturas reproducen figuras humanas contorsionadas, alejadas cada vez más de la representación natural del cuerpo humano, se transforman en formas orgánicas independientes. Sus relieves muy coloristas.

"Sin título / Untitled"
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Zdzisław Beksínski (pintor, fotografo y escultor polaco / Polish painter, photographer and sculptor)
Winslow Homer (pintor y grabador estadounidense / English painter and printmaker)
Charles Le Brun (pintor y teórico del arte francés / French painter and art theorist)
Franz Ritter von Stuck (pintor alemán / German painter)
Stanislaw Ignacy Witkiewicz ("Witkacy") (poeta, dramaturgo, novelista, pintor, fotógrafo y filósofo polaco /
Polish poet, playwirght, novelist, painter, photographer and philosopher)


El 25 de Febrero es el cumple de

Fletcher Benton, escultor y pintor nacido en Ohio en 1931. Es ampliamente conocido por su arte cinético, así como sus grandes esculturas de acero geométricas abstractas.
Después de estar en la Armada, se graduó de la Universidad de Miami, Oxford, Ohio, con una licenciatura en Bellas Artes en 1956. A partir de entonces se trasladó a San Francisco, y comenzó como instructor en la Escuela de Artes y Oficios de California. Luego fueron a Europa, viajando en su motocicleta por Escandinavia, Holanda y Francia. Pasó algún tiempo en París y luego en Nueva York, y más tarde se trasladó de vuelta a San Francisco.
Benton fue parte del movimiento Beatnik en San Francisco durante los años 50 y 60, trabajando como pintor de carteles durante el día y pintor expresionista por la noche. En 1961 realizó una exposición individual en el California Palace Legion of Honor, mostrando sus retratos de compañeros artistas como David Simpson y William Morehouse. Frustrado con las limitaciones de la pintura sobre lienzo, Benton comenzó a trabajar con el movimiento, con piezas y cajas en patrones geométricos, con las que estaba familiarizado por su trabajo en los anuncios comerciales. Esto fue al comienzo del movimiento cinético. Benton trabajó en gran medida de forma aislada, sin darse cuenta de los esfuerzos de otros artistas cinéticos. Sus primeras obras de esta serie fueron expuestas en la Gump’s Gallery en San Francisco.
A finales de 1970 abandonó el arte cinético, cambiando a medios más tradicionales en la escultura: bronce y acero. Estas obras fueron diseñados para ser vistas desde todos los ángulos y con frecuencia se las ha caracterizado como un nuevo constructivismo. Hoy en día continúa trabajando en este estilo, algunas de cuyas series más populares son los doblados Alfabetos y Numéricos cuadrados plegados, Círculo Doblado, Donuts, y Acuarelas de Acero.

Serie "Alfabeto" / Alphabet Series, Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, Nueva York, EE.UU. / NY, USA)
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Pierre August Renoir (pintor francés / French painter)
Carole Choucair Oueijan (artista del mosaico libanesa / Lebanese mosaic artist)
Santiago Rusiñol i Prats (pintor, poeta y dramaturgo español / Spanish painter, poet and playwright)
Ewald Mataré Wilhelm Hubert (pintor y escultor alemán / German painter and sculptor)
Alexander Sigov (pintor ruso / Russian Painter)


El 26 de Febrero es el cumple de

Eduardo Arroyo, pintor y artista gráfico español nacido en 1937. También es autor y escenógrafo.
Estudió arte en su ciudad natal, pero dejó España en 1958 a causa de sus problemas con el régimen de Franco (Arroyo lo describiría como una "puta") e incluso perdió su ciudadanía española en 1974 (adonde regresó dos años más tarde, un año después de la muerte del Caudillo). En París se hizo amigo de miembros de la escena del arte joven, sobre todo Gilles Aillaud, con quien más tarde colaboró ​​en la creación de escenarios, y también el viejo maestro Joan Miró. En 1964 presentó su primera exposición importante. Le siguieron más de 20 años de gran éxito de crítica y alta estima en el mercado del arte. Hoy en día, el artista inflexible ideológica y creativamente, es tan activo como siempre lo ha sido, aún cuando parece haberse vuelto algo más tranquilo en cuanto a sus creaciones.
Estilísticamente las coloridas obras irónicas de Arroyo son un cruce entre las tendencias de la nueva figuración o figuración narrativa y el arte pop. Una característica de sus representaciones es la ausencia general de profundidad espacial y el aplanamiento de la perspectiva.
Arroyo también se dio a conocer a un público más amplio a través de sus muchos trabajos como diseñador de escenarios, así como en parte por sus diseños de vestuario.
Las pinturas de Arroyo se exhiben en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

"Retrato de / Portrait of Ramoneur", hierro y acero / iron and steel, 64 x 45 x 12 cm., 1986
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Honoré Daumier (grabador, caricaturista, pintor y escultor francés / French engraver, painter and sculptor)
Oldřich Kulhánek (pintor, diseñador gráfico, ilustrador y pedagogo checo /
Czech painter, graphic designer, illustrator and pedagogue)
Tarō Okamoto (岡本 太郎) (artista japonés / Japanese artist)


Hoy, 27 de Febrero, es el cumple de

Alfred Hrdlicka, escultor, dibujante y pintor austríaco nacido en 1928. Su apellido se escribe a veces Hrdlička.
Después de aprender a ser un técnico dental (1943-1945), Hrdlicka estudió pintura hasta 1952 en la Akademie der bildenden Künste con Albert Paris Gütersloh y Josef Dobrowsky. Posteriormente estudió escultura hasta 1957 con Fritz Wotruba. En 1960 realizó su primera exposición en Viena. En 1964 alcanzó la atención internacional como representante de Austria en la Bienal de Venecia, Italia.
En 2008 su nuevo trabajo religioso sobre los Apóstoles, la Religión, la Carne y el Poder, atrajo la crítica sobre su temática homoerótica. La exposición se presentó en el museo de la catedral de San Esteban de Viena.
Enseñó a muchos escultores, como Hans Sailer, Angela Laich y otros.
Murió en 2009.

"Orfeo I / Orpheus I", junto al Memorial contra la Guerra y el Fascismo /
next to the Memorial against War and Fascism (1988), Wien / Viena, 2008
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Carel Pietersz. Fabritius (pintor holandés / Dutch painter)
Marino Marini (escultor italiano / Italian sculptor)
Joaquín Sorolla (pintor y artista gráfico español / Spanish painter and graphic artist)


El 28 de Febrero es el cumple de

Eugène Delaplanche, escultor francés, nacido en Belleville (Sena) en 1836.
Fue alumno de Duret, ganó el Premio de Roma en 1864 (pasando de 1864 a 1867 en la Villa Medici en Roma), y la medalla de honor en 1878. Sus "Mensajero del Amor" (1874), "Aurora" (1878 ) y la "Virgen de los lirios" (1884), se encuentran en el Luxemburgo. Otras obras suyas son "Música" (1878, Opera de París), considerado su obra maestra; "Eva después de la caída" (1869), "La instrucción materna" (1875, Plaza de Santa Clotilde, París) y las estatuas de "Seguridad" y "Comercio" (1884) en el Hotel de Ville, París (réplicas en el Instituto de Arte de Chicago). Destacó por sus decoraciones en relieve en los floreros de la estufa Haviland. Su mejor trabajo es naturalista, pero al mismo tiempo digno y simple en la línea, y muestra buen dominio de la técnica. Está représentado por 15 obras en la Gliptoteca, Copenhague, y en muchos otros museos e iglesisa de Francia.
Murió en 1891.

"Eve après le péché / Eva después de la caída / Eve After the Fall", mármol / marble, 1869.
Musée d'Orsay (Paris, Francia / France)
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

José Gutiérrez Solana (pintor, grabador y escritor español / Spanish painter, printmaker and writer)
Murat Saygıner (artista visionario checo / Czech visionary artist)
Greg “Craola” Simkins (pintor estadounidense / American painter)
Sir John Tenniel (ilustrador y humorista gráfico británico / British illustrator and cartoonist)



Como sólo tenemos un 29 de febrero cada 4 años, celebramos los aniversarios de cuatro artistas /
As we only have one 29 February every four years, we celebrate the anniversaries of four artists.

El 29 de Febrero es el cumple de

Augusta Savage, nacida Augusta Christine Fells, escultora afroamericana nacido en 1892, asociada con el renacimiento de Harlem.
Comenzó a hacer figuras de arcilla de niña, en su mayoría pequeños animales, pero su padre le pegaba cuando encontraba con sus esculturas. Esto se debía a que en ese momento, él creía que su escultura era una práctica pecaminosa, basándose en su interpretación de las "imágenes de ídolos" de la Biblia.
En 1907 se casó con John T. Moore. Augusta Fells Moore continuó modelando arcilla, y montó un stand en la feria del condado de Palm Beach: las autoridades de la feria, inicialmente aprensivas, terminaron otorgándole un premio de US $ 25, y las ventas de su arte totalizaron US $ 175; una suma significativa en ese momento y lugar.
Ese éxito le animó a presentar una solicitud para la Cooper Union (Escuela de Arte) en la ciudad de Nueva York, donde fue admitida en octubre de 1921. Durante este tiempo se casó con James Savage. Se divorciaron después de unos pocos meses, pero mantuvo el apellido.
El conocimiento del talento y las luchas de Savage la hicieron muy conocida en la comunidad afroamericana. Se realizaron fiestas para recaudar fondos en Harlem y Greenwich Village, y grupos de mujeres afroamericanas y profesores de Florida A&M le enviaron dinero para que estudiara en el extranjero. En 1929, también con la asistencia del Fondo Rosenwald Julius, Savage se inscribió y asistió a la Académie de la Grande Chaumière, una de las principales escuelas de arte de París. Allí estudió con el escultor Charles Despiau. Expuso y ganó premios en dos salones y una exposición. Hizo una gira por Francia, Bélgica y Alemania, investigando la escultura en las catedrales y museos.
Volvió a los Estados Unidos en 1931, llena de energía gracias a sus estudios y logros. La gran depresión casi había acabado con las ventas de arte. Siguió adelante, y en 1934 se convirtió en la primera artista afroamericana en ser elegida para la Asociación Nacional de Mujeres Pintoras y Escultoras.
Savage abrió dos galerías, cuyas muestras recibieron mucha atención y buenas críticas, pero pocas ventas como resultado y terminó cerrándolas. Profundamente deprimida por la lucha financiera, en la década de 1940 se trasladó a una granja en Saugerties (cerca de Woodstock, Nueva York), donde permaneció hasta 1960.
Murió en 1962.

"Gamin", bronce / bronze, 1929
_______________________________________________

Adolf Wölfli, artista suizo, nacido en 1864, uno de los primeros artistas que se asocia con el Art Brut o la etiqueta de arte marginal.
Adolf fue abusado física y sexualmente cuando era niño, y quedó huérfano a los 10 años. A partir de entonces creció en una serie de casas de acogida estatales. Trabajó como Verdingbub (niño trabajador por contrato) y se unió brevemente al ejército, pero fue declarado culpable de intento de abuso de menores, por lo que pasó un tiempo en prisión. Después de ser liberado, fue detenido de nuevo por un delito similar en 1895 y fue internado en la Clínica Waldau, un hospital psiquiátrico en Berna, donde pasó el resto de su vida adulta. Estaba muy perturbado y al ingresar a veces era violento, lo que llevo a que fuera mantenido en aislamiento durante su primer período en el hospital. Sufría de la psicosis, lo que le producía intensas alucinaciones.
En algún momento después de su ingreso, Wölfli comenzó a dibujar. Los primeros trabajos de los que se conservan (una serie de 50 dibujos a lápiz) están fechados a partir de 1904 a 1906.
Walter Morgenthaler, un médico de la Clínica Waldau que tuvo un interés especial en el arte de Wölfli y su condición, publicó en 1921 "Ein Geisteskranker als Künstler" (Un paciente psiquiátrico como artista) con el cual llamó por primera vez la atención del mundo del arte sobre Wölfli.
El libro de Morgenthaler detalla las obras de un paciente que parecía no tener ningún interés previo en el arte y desarrolló sus talentos y habilidades de forma independiente después de haber sido sometido a una condición debilitante. A este respecto, Wölfli fue un iconoclasta e influyó en el desarrollo y la aceptación de arte marginal, Art Brut y su campeón Jean Dubuffet.
Wölfli produjo un gran número de obras durante su vida, a menudo trabajando con el más elemental de los materiales y comerciando con obras menores con los visitantes a la clínica para obtener lápices, papel u otros elementos esenciales.
Murió en 1930.

"Die Skt.Wandanna-Kathedrale in Band-Wand, da: 'Von der Wiege bis zum Graab' / 
La catedral Skt.Wandanna en Band-Wand, de 'De la cuna a la tumba' / 
The Skt.Wandanna Cathedral in Band Wall, from: 'From the Cradle to the Grave'"
Cuaderno / copybook 4, p.205., 1910
Lápiz y lápices de colores sobre papel de periódico / pencil and colored pencils on newsprint, 99,4 x 71,8 cm
© Fundación Adolf Wölfli, Museo de arte (Berna, Suiza / Switzerland)
_______________________________________________

Balthasar Klossowski de Rola, conocido como Balthus, artista moderno polaco-francés nacido en 1908.
A lo largo de su carrera, Balthus rechazó las convenciones habituales del mundo del arte. Insistió en que sus pinturas deben ser vistas y no leídas, y se resistió a cualquier intento de construir un perfil biográfico.
En sus años de formación su arte fue patrocinado por Rainer Maria Rilke, Maurice Denis, Pierre Bonnard y Pierre Matisse. Su padre, Erich Klossowski, un destacado historiador de arte que escribió una monografía sobre Daumier, y su madre, Elisabeth Dorothea Spiro (conocida como la pintora Baladine Klossowska), formaban parte de la élite cultural de París. Entre los visitantes y amigos de los Klossowski había escritores famosos como André Gide y Jean Cocteau, quien encontró en sus visitas a la familia algo de inspiración para su novela "Les Enfants Terribles" (1929).
En 1921 se publicó "Mitsou", un libro que incluía cuarenta dibujos de Balthus. Describe la historia de un muchacho joven y su gato, con un prefacio del mentor de Balthus, el poeta bohemio-austriaco Rainer Maria Rilke, quien en ese momento era el amante de su madre.
El estilo de Balthus es principalmente clásico. Su obra muestra numerosas influencias, incluyendo los escritos de Emily Brontë, los escritos y fotografía de Lewis Carroll, y las pinturas de Masaccio, Piero della Francesca, Simone Martini, Poussin, Jean-Étienne Liotard, José Reinhardt, Géricault, Ingres, Goya, Camille Corot, Courbet, Edgar Degas, Félix Vallotton y Paul Cézanne. A pesar de su técnica y composiciones fueron inspirados por pintores pre-renacentistas, también hay indicios inquietantes de surrealistas contemporáneos como de Chirico. Pintando la figura en un momento en que el arte figurativo era ignorado en gran medida, es ampliamente reconocido como un importante artista del siglo XX.
Muchas de sus pinturas muestran chicas jóvenes en un contexto erótico. Balthus insistió en que su trabajo no era erótico pero se reconocen los hechos inquietantes de la sexualidad infantil. En 2013 las pinturas de las adolescentes de Balthus fueron descritas por Roberta Smith en el New York Times como "tan seductoras como inquietantes".
Murió en 2001.

"El gato en el espejo / The Cat in the Mirror", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 170 x 180 cm., c.1978.
Colección privada / Private Collection
_______________________________________________

Leo von Klenze (Karl Franz Leopold von Klenze), arquitecto neoclásico, pintor y escritor alemán nacido en 1784. Arquitecto de la corte del rey bávaro Luis I, fue uno de los representantes más prominentes de estilo del renacimiento griego.
Estudió arquitectura y finanzas públicas con Friedrich Gilly en Berlín, y trabajó como aprendiz de Charles Percier y Pierre François Léonard Fontaine en París. Entre 1808 y 1813 fue un arquitecto de la corte de Jérôme Bonaparte, Rey de Westfalia. Más tarde se trasladó a Baviera y en 1816 comenzó a trabajar como arquitecto de la corte de Ludwig I. La pasión del rey por el helenismo dio forma al estilo arquitectónico de von Klenze. Construyó muchos edificios neoclásicos de Múnich, incluidos el templo de Monopteros y Ruhmeshalle. En Königsplatz diseñó el que es probablemente el conjunto arquitectónico helenístico moderno más conocido. Cerca de Ratisbona construyó el templo de Walhalla, cuyo nombre viene de Valhalla, el hogar de los dioses en la mitología nórdica.
Cuando Grecia consiguió su independencia, el hijo de Luis I, Otto, se convirtió en el primer rey del país. Von Klenze fue invitado a Atenas para presentar planes de reconstrucción de la ciudad al estilo de la antigua Grecia. El Emperador ruso Nicolás I encargó a von Klenze en 1838 el diseño de un edificio para el Nuevo Hermitage, un museo público que albergaba la colección Romanov de antigüedades, pinturas, monedas y medallas, camafeos, grabados, dibujos y libros. Antes de esto, von Klenze también había diseñado y dispuesto salas del museo en Munich, incluyendo la Gliptoteca, el museo de Luis I de escultura antigua y la Alte Pinakothek, una galería de pintura para las obras de la colección de Wittelsbach.
Von Klenze no sólo fue un arquitecto, sino también un consumado pintor y dibujante. En muchas de sus obras representó edificios antiguos. Estos le servían como modelos para sus proyectos arquitectónicos propios. Klenze estudió arquitectura antigua durante sus viajes a Italia y Grecia. También participó en las excavaciones de los edificios antiguos en Atenas y presentó proyectos para la restauración de la Acrópolis.
Murió en 1864.

"Der Domplatz von / La plaza de la Catedral de / The Cathedral Square of Amalfi"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 84,5 x 114 cm., 1859
Niedersächsische Landesgalerie / Museo Estatal de la Baja Sajonia (Hanover, Alemania / Germany)


Textos en inglés / English translation

On February 21 is the birthday of

Sir William Goscombe John, Welsh sculptor born in 1860.
As a youth assisted his father, Thomas John, a wood carver, in the restoration of Cardiff Castle. He initially studied in his home town, attending the Cardiff School of Art. He went to London in 1882 and studied at the City and Guilds of London Art School (then known as the South London School of Technical Art) under Jules Dalou and William Silver Frith and afterward at the Academy schools, where he won the gold medal and a traveling scholarship in 1887. In 1890–91 he studied in Paris.
Goscombe John was commissioned to design many public monuments and statues of public figures such as the shipping magnate and philanthropist John Cory; John's statue of the latter was erected in front of City Hall, Cardiff. In 1921 he designed the memorial at Port Sunlight to the employees of Lever Brothers Ltd who had died in World War I; he also sculpted portraits of Lord and Lady Lever. He received a gold medal in Paris in 1901, was made a Royal Academician in 1909, was knighted in 1911, and became corresponding member of the French Institute. He settled in Greville Road, Kilburn, London (in a house that had previously belonged to Seymour Lucas)
He died in 1952 and is buried in Hampstead Cemetery.

On February 22 is the birthday of

Arthur Eric Rowton Gill, English sculptor, typeface designer, stonecutter and printmaker born in 1882, who was associated with the Arts and Crafts movement.
Working from Ditchling in Sussex, where he lived with his wife, in 1910 Gill began direct carving of stone figures. These included Madonna and Child (1910), which Fry described in 1911 as a depiction of 'pathetic animalism', and Ecstasy (1911). Such semi-abstract sculptures showed Gill's appreciation of medieval ecclesiastical statuary, Egyptian, Greek and Indian sculpture, as well as the Post-Impressionism of Cézanne, van Gogh and Gauguin.
His first public success was Mother and Child (1912). A self-described "disciple" of the Ceylonese philosopher and art historian Ananda Coomaraswamy, Gill was fascinated during this period by Indian temple sculpture. Along with his friend and collaborator Jacob Epstein, he planned the construction in the Sussex countryside of a colossal, hand-carved monument in imitation of the large-scale Jain structures at Gwalior Fort in Madhya Pradesh, to which he had been introduced by the Indiaphile William Rothenstein.
Gill was named Royal Designer for Industry, the highest British award for designers, by the Royal Society of Arts. He also became a founder-member of the newly established Faculty of Royal Designers for Industry.
He died in 1940.

On February 23 is the birthday of

Ricardo Bellver, Spanish sculptor born in 1845.
He studied at the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando, and finished his sculptural education in Rome as a grant holder.
He became well-known because of his sculpture The Fallen Angel (El Ángel Caído, 1877), a work inspired by a passage from John Milton's Paradise Lost, and which represents Lucifer falling from Heaven. The sculpture, of great dramatism and originality, obtained the First Medal at the Spanish National Fine Arts Exhibition in 1878, and the same year was cast in bronze for the third Paris World's Fair. Later on, the Prado Museum donated it to the City of Madrid, and in 1885 it was installed in a square with the same name in the Buen Retiro Gardens. For that purpose, architect Francisco Jareño (1818–1892) designed a pedestal of granite, bronze and stone. The success of this work made Bellver been accepted as academician. He was director of the Arts and Works School in Madrid.
Other works of Bellver are in Saint Francis the Great Basilica, Saint Joseph Church, Pontifitial Church of Saint Michael, and Ministry of Public Works building in Madrid.
He died in 1924.

On February 24 is the birthday of

Hevzi Nuhiu, Albanian sculptor born in 1956 in Carevajkë of Preshevės in the mountains of Karadakut.
In its early years Hevzi Nuhiu attend primary school in his hometown (Carevajkë). He moves to attend secondary school in Preshevės and finished his studies in the Albanian language and Literature Academy in Skopje.
Since 1983 lives and works in San Dometrio Corone, about 500 km from the town of Kozencës, the province where the presence of Albanian settlements is now the largest in Italy.
His sculptures reproduce human figures contorted, far more and more of natural representation of the human body, they become independent organic forms. His  reliefs are highly colored.

On February 25 is the birthday of

Fletcher Benton, American sculptor and painter born in Ohio in 1931. He is widely known for his kinetic art as well as his large-scale steel abstract geometric sculptures.
After serving time in the Navy, he graduated from Miami University, Oxford, Ohio with a Bachelor of Fine Arts degree in 1956. Thereafter he moved to San Francisco, and began as an instructor at the California College of Arts and Crafts and then went to Europe, traveling by his motorcycle through Scandinavia, Holland, and France; he spent some time in Paris and then in New York and later moved back to San Francisco.
Benton was a part of the Beatnik movement in San Francisco during the ‘50s and ‘60s working as a sign painter by day and an expressionist artist (painting) by night. In 1961, he had a solo exhibition at the California Palace Legion of Honor, showing his portraits of fellow artists like David Simpson and William Morehouse. Frustrated with the limitations of paint on canvas, Benton began to work with movement in geometric pattern pieces and boxes which he was familiar with from his work in commercial signs. This was at the beginning of the kinetic movement; Benton worked largely in isolation, unaware of other efforts of kinetic artists. His early works of this series were exhibited at Gump’s Gallery in San Francisco.
In the late 1970s, he abandoned kinetic art, switching to a more traditional media for sculpture: bronze and steel. These works are designed to be viewed from all angles and have often been characterized as new constructivism; he continues to work in this style today. Some of his most popular series in this style are the Folded Square Alphabets and Numericals, Folded Circle, Donuts, and Steel Watercolors.

On February 26 is the birthday of

Eduardo Arroyo, Spanish painter and graphic artist born in 1937. He is also active as an author and set designer.
He studied art in his home city, but left Spain in 1958 because of his basic contempt for the regime of came to terms with Franco in his old age (Arroyo later described him as a "whore") and even lost his Spanish citizenship in 1974 (which he got back two years later, a year after the death of the Caudillo). In Paris, he befriended members of the young art scene, especially Gilles Aillaud, with whom he later collaborated in creating stage sets, but also the old master, Joan Miró. In 1964, he made his breakthrough with his first important exhibition. Over 20 years of great critical success and high esteem on the art market followed. Today, the ideologically and creatively uncompromising artist is as active as he ever was, even if it seems to have become somewhat quieter around his creations.
Stylistically, Arroyo's mostly ironic, colorful works are at the crossroads between the trends of nouvelle figuration or figuration narrative and pop art. A characteristic of his representations is the general absence of spatial depth and the flattening of perspective.
Arroyo also became known to a broad public through his many works as a set designer, as well as partially by his costume designs. 
Arroyo's paintings are showcased at the Museo de Arte Contemporáneo in Madrid.

Today, February 27, is the birthday of

Alfred Hrdlicka, Austrian sculptor, draughtsman and painter artist born in 1928. His surname is sometimes written Hrdlička.
After learning to be a dental technician from 1943 to 1945, Hrdlicka studied painting until 1952 at the Akademie der bildenden Künste under Albert Paris Gütersloh and Josef Dobrowsky. Afterwards he studied sculpture until 1957 under Fritz Wotruba. In 1960 he had his first exhibition in Vienna; in 1964 he attained international attention as a representative of Austria at the Venice Biennale, Italy.
In 2008, his new religious work about the Apostles, Religion, Flesh and Power, attracted criticism about its homoerotic theme. The exhibition was housed in the museum of the St. Stephen's Cathedral of Vienna.
He taught many sculptors, such as Hans Sailer, Angela Laich and others.
He died in 2009.

On February 28 is the birthday of

Eugène Delaplanche, French sculptor, born at Belleville (Seine) in 1836.
He was a pupil of Duret, gained the Prix de Rome in 1864 (spending 1864-67 at the Villa Medici in Rome), and the medal of honor in 1878. His "Messenger of Love" (1874), "Aurora" (1878), and the "Virgin of the Lillies" (1884), are in the Luxembourg. Other works by him are "Music" (1878, Paris Opera House), called his masterpiece; "Eve After the Fall" (1869); "Maternal Instruction" (1875, Square of Sainte-Clothilde, Paris); and the statues of "Security" and "Commerce" (1884) in the Hôtel de Ville, Paris (replicas in the Chicago Art Institute). He is also noted for his decorations in relief on vases of Haviland faience. His best work is naturalistic, but at the same time dignified and simple in line, and shows sound mastery of technique. He is represented by 15 works in the Glyptothek, Copenhagen, and in many other French museums and in churches.
He died in 1891.

On February 29 is the birthday of

Augusta Savage, born Augusta Christine Fells, African-American sculptor born in 1892, associated with the Harlem Renaissance.
She began making clay figures as a child, mostly small animals, but her father would beat her when he found her sculptures. This was because at that time, he believed her sculpture to be a sinful practice, based upon his interpretation of the "graven images" portion of the Bible.
In 1907, Augusta Fells married John T. Moore. Augusta Fells Moore continued to model clay, and applied for a booth at the Palm Beach county fair: the initially apprehensive fair officials ended up awarding her a US$25 prize, and the sales of her art totaled US$175; a significant sum at that time and place.
That success encouraged her to apply to Cooper Union (Art School) in New York City, where she was admitted in October, 1921. During this time she married James Savage; they divorced after a few months, but she kept the name of Savage.
Knowledge of Savage's talent and struggles became widespread in the African-American community; fund-raising parties were held in Harlem and Greenwich Village, and African-American women's groups and teachers from Florida A&M all sent her money for studies abroad. In 1929, with assistance as well from the Julius Rosenwald Fund, Savage enrolled and attended the Académie de la Grande Chaumière, a leading Paris art school. In Paris, she studied with the sculptor Charles Despiau. She exhibited and won awards in two Salons and one Exposition. She toured France, Belgium, and Germany, researching sculpture in cathedrals and museums.
Savage returned to the United States in 1931, energized from her studies and achievements. The Great Depression had almost stopped art sales. She pushed on, and in 1934 became the first African-American artist to be elected to the National Association of Women Painters and Sculptors. 
Savage opened two galleries, whose shows were well attended and well reviewed, but few sales resulted, and the galleries closed. Deeply depressed by the financial struggle, in the 1940s Savage moved to a farm in Saugerties (near Woodstock, New York), where she stayed until 1960.
She died in 1962.
_______________________________________________

Adolf Wölfli, Swiss artist born in 1864, who was one of the first artists to be associated with the Art Brut or outsider art label.
He was abused both physically and sexually as a child, and was orphaned at the age of 10. He thereafter grew up in a series of state-run foster homes. He worked as a Verdingbub (indentured child labourer) and briefly joined the army, but was later convicted of attempted child molestation, for which he served prison time. After being freed, he was re-arrested for a similar offense and in 1895 was admitted to the Waldau Clinic, a psychiatric hospital in Bern where he spent the rest of his adult life. He was very disturbed and sometimes violent on admission, leading to him being kept in isolation for his early time at hospital. He suffered from psychosis, which led to intense hallucinations.
At some point after his admission Wölfli began to draw. His first surviving works (a series of 50 pencil drawings) are dated from between 1904 and 1906.
Walter Morgenthaler, a doctor at the Waldau Clinic, took a particular interest in Wölfli's art and his condition, later publishing Ein Geisteskranker als Künstler (A Psychiatric Patient as Artist) in 1921 which first brought Wölfli to the attention of the art world.
Morgenthaler's book detailed the works of a patient who seemed to have no previous interest in art and developed his talents and skills independently after being committed for a debilitating condition. In this respect, Wölfli was an iconoclast and influenced the development and acceptance of outsider art, Art Brut and its champion Jean Dubuffet.
Wölfli produced a huge number of works during his life, often working with the barest of materials and trading smaller works with visitors to the clinic to obtain pencils, paper or other essentials.
He died in 1930.
_______________________________________________

Balthasar Klossowski de Rola, known as Balthus, Polish-French modern artist born in 1908.
Throughout his career, Balthus rejected the usual conventions of the art world. He insisted that his paintings should be seen and not read about, and he resisted any attempts made to build a biographical profile.
In his formative years his art was sponsored by Rainer Maria Rilke, Maurice Denis, Pierre Bonnard and Pierre Matisse. His father, Erich Klossowski, a noted art historian who wrote a monograph on Daumier, and his mother, Elisabeth Dorothea Spiro (known as the painter Baladine Klossowska), were part of the cultural elite in Paris. Among the visitors and friends of the Klossowskis were famous writers such as André Gide and Jean Cocteau, who found some inspiration for his novel Les Enfants Terribles (1929) in his visits to the family.
In 1921 Mitsou, a book which included forty drawings by Balthus, was published. It depicted the story of a young boy and his cat, with a preface by Balthus's mentor, the Bohemian-Austrian poet Rainer Maria Rilke (1875-1926) who at the time was his mother's lover.
Balthus's style is primarily classical. His work shows numerous influences, including the writings of Emily Brontë, the writings and photography of Lewis Carroll, and the paintings of Masaccio, Piero della Francesca, Simone Martini, Poussin, Jean-Étienne Liotard, Joseph Reinhardt, Géricault, Ingres, Goya, Jean-Baptiste-Camille Corot, Courbet, Edgar Degas, Félix Vallotton and Paul Cézanne. Although his technique and compositions were inspired by pre-renaissance painters, there also are eerie intimations of contemporary surrealists like de Chirico. Painting the figure at a time when figurative art was largely ignored, he is widely recognised as an important 20th-century artist.
Many of his paintings show young girls in an erotic context. Balthus insisted that his work was not erotic but that it recognized the discomforting facts of children's sexuality. In 2013, Balthus's paintings of adolescent girls were described by Roberta Smith in the New York Times as both "alluring and disturbing".
He died in 2001.
_______________________________________________

Leo von Klenze (Franz Karl Leopold von Klenze) German neoclassicist architect, painter and writer born in 1784. Court architect of Bavarian King Ludwig I, he was one of the most prominent representatives of Greek revival style.
He studied architecture and public building finance under Friedrich Gilly in Berlin, and worked as an apprentice to Charles Percier and Pierre François Léonard Fontaine in Paris. Between 1808 and 1813 he was a court architect of Jérôme Bonaparte, King of Westphalia. Later he moved to Bavaria and in 1816 began to work as court architect of Ludwig I. The King's passion for Hellenism shaped the architectural style of von Klenze. He built many neoclassical buildings in Munich, including the Ruhmeshalle and Monopteros temple. On Königsplatz he designed probably the best known modern Hellenistic architectural ensemble. Near Regensburg he built the Walhalla temple, named after Valhalla, the home of gods in Norse mythology.
When Greece won its independence, Ludwig I's son Otto became the country's first king. Von Klenze was invited to Athens to submit plans of city reconstruction in the style of Ancient Greece. Russian Emperor Nicholas I commissioned von Klenze in 1838 to design a building for the New Hermitage, a public museum that housed the Romanov collection of antiquities, paintings, coins and medals, cameos, prints and drawings, and books. Prior to this, von Klenze had also designed and arranged museum galleries in Munich, including the Glyptothek, Ludwig I's museum for antique sculpture, and the Alte Pinakothek, a painting gallery for the pictures of the Wittelsbach collection.
Von Klenze was not only an architect, but also an accomplished painter and draughtsman. In many of his paintings ancient buildings were depicted. Those served as models for his own architectural projects. Klenze studied ancient architecture during his travels to Italy and Greece. He also participated in excavations of ancient buildings in Athens and submitted projects for the restoration of the Acropolis.
He died in 1864.

Aniversarios Fotografía (CXII) [Febrero / February 22-29]

$
0
0
Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
_________________________________________________________

El 22 de Febrero es el cumple de

Hermann Waldenburg (Hermann Vogt), diseñador, artista y fotógrafo alemán nacido en 1940 en Waldenburg.
Estudió arte en Berlín y viajó con una beca a México y Centroamérica, donde trabajó como artista y llegó a exponer. En 1968 comenzó a utilizar como nombre artístico el de su ciudad natal.
En 1969-70 se trasladó a Madrid gracias a una beca, ingresando en el Taller de Grabado de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, donde coincidieron una serie de artistas de muchas nacionalidades y estilos creativos, y donde Hermann destacaba ya por su gran dominio técnico.   
En 1973-74 se formó en Villa Massimo en Roma, consiguiendo el Premio de la República Federal de Alemania en la III Bienal Internacional de la Gráfica de Florencia del año 1974.
Además de su obra como artista plástico, Waldenburg es reconocido por las fotografías que durante años hizo del Muro de Berlín.
Se compró una cámara Minolta "solo para fotografiar el muro", y lo hizo hasta 1994 "cuando las imágenes se volvieron menos interesantes".  Para él el muro es una parte muy importante de su vida, ya que vivió su construcción y posterior caída. Su documentación de los graffitis realizados por artistas anónimos sobre el muro de Berlín le han permitido reunir un testimonio único de este arte efímero callejero, que ha desembocado en el libro Mauer Kunst - Graffiti und Objektkunst in Berlin 1989-1994.

"Autorretrato / Self Portrait", 1990
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Edward Burtynsky (fotógrafo y artista canadiense / Canadian photographer and artist)
Kyōichi Sawada (沢田 教一) (fotógrafo japonés / Japanese photographer)


El 23 de Febrero es el cumple de

Larry C. Price, reportero gráfico estadounidense nacido en 1954 que ha ganado dos premios Pulitzer: en 1981 en Spot News Photography, en reconocimiento a sus imágenes de Liberia publicadas por el Fort Worth Star-Telegram, y en 1985 en fotografía de reportaje por las imágenes de Angola y El Salvador desgarrados por la guerra y publicados por The Philadelphia Inquirer.
Recibió una licenciatura en periodismo de la Universidad de Texas en Austin en 1977. Fue miembro de The Daily Texan durante su último año en la universidad.
Su carrera periodística ha abarcado tres décadas. Después de la universidad se unió al equipo de El Paso Times. Luego trabajó como personal de prensa en el Fort Worth Star-Telegram. Durante ese tiempo (1979-1983) Price también fue profesor visitante en la Universidad de Texas en Austin.
En 1983 dejó de Fort Worth por el The Philadelphia Inquirer para trabajar como reportero gráfico y más tarde director de la fotografía. Después de dejar el Inquirer en 1989 trabajó bajo contrato para National Geographic antes de volver al Fort Worth Star-Telegram como jefe de redacción adjunto en 1991. En 1996 se unió al equipo de fotógrafos del The Baltimore Sun. Fue nombrado asistente del jefe de redacción de fotografía del The Denver Post en 2000, donde permaneció hasta mediados de 2006. En la actualidad es editor para el Cox Media Group en Ohio, operando una sala de redacción convergente que combina el Dayton Daily News, WHIO TV y Radio WHIO.

Sin camisa y con los pies descalzos, Karim Sawadogo, de 9 años, trabaja con su tío en una mina de oro del pueblo minero Kowekowera en Burkina Faso. Fue a la escuela, pero sólo por un tiempo. "Mi sueño - dice - es hacer suficiente dinero para no tener que hacer esto nunca más" /

Barefoot and shirtless, Karim Sawadogo, 9, works with his uncle in a gold mine at Kowekowera mining village, Burkina Faso. He has been to school, but only for a while. "My dream," he says, "is to make enough money so I don't have to do this anymore." 
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

George Smith Cook (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Hiroshi Sugimoto (杉本博司) (fotógrafo japonés / Japanese photographer)


El 24 de Febrero es el cumple de

Richard Harrington, fotógrafo canadiense nacido en 1911 en Hamburgo, Alemania.
Es conocido por sus fotografías tomadas en el Ártico canadiense entre 1948 y 1953.
Emigró a Canadá a mediados de la década de 1920. Durante su carrera ha viajado a más de 100 países y sus fotografías han aparecido en más de 24 libros. Su obra se ha expuesto en el Archivo Nacional de Canadá, la Institución Smithsonian y el Museo de Arte Moderno.
En 2001, fue nombrado Oficial de la Orden de Canadá.
Murió en 2005.

"Dos niñas duermen bajo pieles de caribú durante la hambruna de 1950 / 
Two girls asleep under caribou skins during the famine in 1950, Padlei, NWT, 1950
© Estate of Richard Harrington
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Justine Kurland (fotógrafa estadounidense / American photographer)
Steve McCurry (fotógrafo y fotoperiodista estadounidense / American photographer and photojournalist)


El 25 de Febrero es el cumple de

Herman Puig (Germán Puig Paredes), pionero cubano de la fotografía de desnudo masculino nacido en 1928 en La Habana.
Estudió pintura y escultura en Cuba y filmó su primer corto "Sarna" antes de salir para París a los 20 años, donde estudió Técnicas audiovisuales. En 1950 trabajó para Henri Langlois, director y co-fundador de la Cinemateca Francesa. Esta asociación llevó a la fundación de la Cinemateca de Cuba original, oficializada como institución en 1948 y fundada por Herman Puig y Ricardo Vigón, que renació en 1961 con la iniciativa de Alfredo Guevara y el entonces recién formado ICAIC, como el actual Cinemateca de Cuba.
Desde los años 60 hasta los años 70 Puig trabajado como fotógrafo y realizador de publicidad en España. Fue en Madrid que primero comenzó a experimentar con desnudos masculinos, pero fue detenido por un presunto asunto de drogas y acusado de pornógrafo bajo el clima del gobierno socialista. Fue en este momento que se trasladó a París en un intento de demostrar a España y al mundo que él no era un pornógrafo sino un artista, y fue aceptado con aclamación casi universal. Poco más tarde se trasladó a Barcelona, ​​donde permanece hasta nuestros días.
Herman Puig continúa fotografiando desnudos masculinos y femeninos pasados ​​los 80 años y fue objeto de una película de David Boisseaux-Chical sobre su exilio cultural de Cuba. En la película sigue afirmando su disgusto por haber sido asociado con el mundo de la pornografía y la homosexualidad, simplemente por querer fotografiar cuerpos masculinos artísticamente en lugar de los femeninos.

"David Pontremoli", actor italiano / Italian actor
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Masahisa Fukase (深瀬 昌久) (fotógrafo japonés / Japanese photographer)
Akim Monet (fotógrafo suizo-estadounidense / Swiss-American photographer)


El 26 de Febrero es el cumple de

William M. Gallagher, fotógrafo estadounidense nacido en 1923 que ganó el Premio Pulitzer de Fotografía 1953 por su fotografía del candidato presidencial Adlai Stevenson. Gallagher fue fotógrafo durante 27 años en el Flint Journal en Flint, Michigan.
En 1936 se trasladó a Flint y se graduó de la Escuela Secundaria de San Mateo en 1943. Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió en el Ejército de los Estados Unidos en el cuerpo de señales, el cuerpo médico y el cuerpo de aire.
Gallagher obtuvo su primera cámara vendiendo revistas mientras estaba en la escuela secundaria. Comenzó su carrera de fotografía profesional con el Sporting Digest en Flint en 1946. Al año siguiente se trasladó al Flint Journal y en pocos meses se convirtió en fotógrafo de plantilla, una posición que mantendría hasta su muerte. Los colegas de Gallagher lo describían como "un personaje ruidoso y extravagante" que tenía buenas relaciones con los funcionarios de la policía y del gobierno local.
Gallagher tomó la foto ganadora del Pulitzer en una manifestación del Día del Trabajo en Flint Park. El candidato presidencial demócrata Adlai Stevenson estaba sentado en una plataforma con el gobernador de Michigan G. Mennen Williams. Gallagher, de rodillas en la base de la plataforma, tomó una foto de Stevenson sentado con las piernas cruzadas, que reveló un agujero en la parte inferior de su zapato derecho.
Gallagher murió en 1952.

Foto tomada durante la campaña presidencial de 1952 en el que el candidato demócrata, el Gobernador Adlai Stevenson, que revela un agujero en su zapato derecho / 
Photo taken during the 1952 campaign of the democratic presidential candidate Gov. Adlai Stevenson which revealed a hole in the bottom of his right shoe.
William Gallagher/Flint (Mich.) Journal via AP
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Meeno Peluce (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Bernard Plossu (fotógrafo francés / French photographer)


El 27 de Febrero es el cumple de

Alexeï Vasiliev, fotógrafo ruso nacido en 1959. Vive en Francia desde 1993.
Estudió en el Liceo Romain Rolland y en la Universidad de las Humanidades en Moscú.
No siendo un joven comunista muy ortodoxo - por lo tanto en el que no se podía confiar - Vassiliev no podía convertirse en intérprete, su sueño en aquél entonces. Después de dos años de servicio militar en el Ejército Rojo, incluyendo seis meses con un batallón disciplinario en Siberia, decidió ganarse la vida trabajando, sucesivamente, en la televisión, la radio, y luego en varias fábricas y obras de construcción. En resumen, la trayectoria clásica de cada soviético que, sin ser un disidente de plano, se niega a adherirse a las normas oficiales.
Después de la perestroika, finalmente fue capaz de ejercer su profesión de intérprete; también tradujo novelas de misterio del francés al ruso.
Fue cuando llegó a Francia, hace catorce años, que la fotografía entró en su vida de una manera totalmente fortuita. Un amigo periodista le pidió sustituir, sobre la marcha, a un fotógrafo que iba a acompañarle en un encargo. Una mañana de mayo de 1995 fueron a Aviñón para entrevistar al Conde de Sade y visitar el castillo donde su antepasado, el "divino Marqués," había vivido.
Alentado a explorar, solo y autodidacta, casi en secreto, los meandros de la fotografía conceptual, esto se convirtió en la experiencia que cambió el curso de su vida.

"Momentos conflictivos / Troubled Moments"
Estudio / study N°14.09 - Estudio / study N°04.04
Ellos están allí, simplemente allí: elusivos aunque irrefutables, furtivos aunque definitivos, efímeros aunque eternos...
Aparecen súbitamente, en la mancha borrosa y urgencia de los pequeños momentos, luego parecen desvancerse; lo mejor para imponer su presencia al azar.
Envueltos en misterio, relevados de toda trivialidad y así investidos de lo esencial, esos seres paradójicos me desafían y persiguen.
Para contar sus secretos sin revelarse, requieren de la estridencia de los colores desnudos, o llamadas en gamas crepusculares, pero siempre demandan la colisión de una luz improbable.
Imperiosos, también dictan extrañas estrategias de emborronamiento parcial, aparente dilución, de los gestos, de caras, o de dividir y reducir las siluetas.
Están ahí, y en otras partes. No más allá; dentro ... tal vez.
Ellos no descansan. Ellos no juegan. Ellos están, ellos mismos, enredados en la poesía de su propia verdad insondable. /

They are there, simply there: elusive yet irrefutable, furtive yet definitive, ephemeral yet eternal...
They appear suddenly, in the blur and urgency of tiny moments, then seem to fade away - the better to imposse their random presence.
Enshrouded in mistery, relieved of all triviality and thus entrusted to the essential, these paradoxical beings defy and haunt me.
To tell their secrets without revealing them they solicit the stridency of naked colors or call on crepuscular gamuts, but they always demand the collision of improbable light.
Imperious, they also dictate strange strategies of partial effacement, apparent dilution, of gestures, of faces, or of split and reduced silhouettes.
They are there - and elsewhere. Not beyond; within... perhaps.
They do not rest. They don not play. They are, themselves, wound up in the poetry of their own unfathomable truth.
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Jaroslav Beneš (fotógrafo checo / Czech photographer)
Walter Niedermayr (fotógrafo italiano / Italian photographer)


Hoy, 28 de Febrero, es el cumple de

John Bulmer, fotógrafo y cineasta británico nacido en 1938, que destacó por su temprano uso del color en el fotoperiodismo.
Comenzó en la fotografía cuando joven. Aunque su interés primero estuvo principalmente en tecnología (incluso construyó su propia ampliadora), fue un gran admirador de Henri Cartier-Bresson en su adolescencia.
Bulmer estudió ingeniería en Cambridge, donde su interés por la fotografía se profundizó. Cuando todavía era un estudiante publicó fotografías en Varsity así como así como una revista que co-fundó, Imagen. Hizo fotohistorias para el Daily Express, Queen y LIFE. También trabajó como asistente de Larry Burrows y Burt Glinn. La historia en LIFE llevó a su expulsión de Cambridge seis semanas antes de sus exámenes finales.
Tras su expulsión, Bulmer intentó conseguir un trabajo con el Daily Express. Después de tres días de repetidos intentos, el periódico le dio una oportunidad. Permaneció durante dos años. Después de esto, trabajó con encargos para una serie de revistas: al principio en blanco y negro, para Queen, Town, and Time and Tide.
Gracias en parte a una ola de gente creativa desde el norte de Inglaterra, el norte estaba de moda en el sur. El primer encargo lo tuvo en 1960, para Town, para pasar tres días fotografiando el rápido declive de la ciudad Nelson, de Lancashire, y compararlo con el rápido crecimiento de Watford. Encontró la experiencia reveladora y agradable.

"Calle divisoria / Dividing Street", 1961 © John Bulmer
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Aderemi Adegbite (fotógrafo, artista multimedia, poeta y editor nigeriano / 
Nigerian photographer, multimedia artist and publisher)
Luis Beltrán (fotógrafo español / French photographer)


Como sólo tenemos un 29 de febrero cada 4 años, celebramos los aniversarios de tres artistas y una fotografía.

El 29 de Febrero es el cumple de

GillesFrancisCharlesBensimon, fotógrafo de moda francés nacido en 1944, ex director creativo internacional de la revista Elle. También ha sido el fotógrafo en la serie de televisión reality America's Next Top Model.
Tenía una dislexia avanzada, así que su madre le dijo que si hacía algo en el arte podría expresarse mejor. Viviendo en París, Francia, se unió a Elle Francia en 1967. Dos años más tarde ayudó a lanzar American Elle, para la cual fotografió a Christy Turlington, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Tyra Banks, Rachel Williams, Honor Fraser, Yasmin Le Bon, Elle Macpherson y Beverly Peele.
Durante el tiempo que estuvo al mando como director creativo internacional y fotógrafo jefe de la revista Elle, la visión de Bensimon alcanzó un estimado de 20 millones de lectores en todo el mundo. Es bien conocido como fotógrafo de personalidades, con una cartera compuesta por las principales modelos y celebridades, incluyendo Schiffer, Campbell, Turlington, Linda Evangelista, Nadège du Bospertus, Gisele Bündchen, Madonna, Gwyneth Paltrow, Sharon Stone, Keira Knightley, Beyoncé, Jennifer López, Reese Witherspoon, Sarah Jessica Parker, Halle Berry y Uma Thurman. Sus clientes comerciales abarcan desde Kohl's hasta Saks Fifth Avenue y de Maybelline a Clarins.

"Kate Winslet", 2012
________________________________________________________

Hal Gould, fotógrafo y galerista estadounidense nacido en 1920.
Se crió en un rancho en Nuevo México y se fue de su casa a los 16 años. Después hacer una serie de trabajos diferentes, entró en la escuela de odontología, pero fue reclutado por el ejército en 1940. Finalmente entró en la escuela de oficiales. Después del bombardeo de Pearl Harbor, saltó de isla en isla con el general Douglas MacArthur y permaneció en Japón durante la ocupación.
Aunque Gould se desempeñó en muchos trabajos durante su vida, incluyendo reparaciones de durmientes de ferrocarril, boxeador, aviador y pintor, fue su búsqueda en la fotografía lo que cambiaría su vida. Durante casi un cuarto de siglo ejerció como fotógrafo de retratos, y con el tiempo se pasó a la fotografía artística.
Gould pidió en varias ocasiones al Museo de Arte de Denver que exhibiera fotografía artística, pero el director Otto Bach se negó a considerar tal medio. Para hacer que la fotografía artística llegara al público, Gould y otros crearon un espacio para la visualización de las obras directamente detrás del Museo de Arte de Denver. Finalmente esto se convertiría en la Galería Cámara Oscura. Hoy en día es una de las galerías más antiguas dedicadas exclusivamente a la fotografía artística. La galería de Gould realizó la primera exposición en Estados Unidos de Sebastião Salgado, y ha publicado el Photography in the Fine Arts Quarterly desde 1983.
Hal Gould murió en 2015.

"Carretera solitaria, Norte de Nuevo México / Lonely Road, Northern New Mexico", 1994
_____________________________________

Hércules Florence (Antoine Hercule Romuald Florence), pintor e inventor franco-brasileño nacido en 1804, conocido como inventor aislado de la fotografía en Brasil, tres años antes de Daguerre (pero seis años después de Nicéphore Niépce), utilizando la matriz negativo / positivo, todavía en uso. Según Kossoy, que examinó las notas de Florence, se refirió a su proceso, en francés, como photographie en 1834, al menos cuatro años antes de que John Herschel acuñara la palabra inglesa p'hotography'.
En 1832, con la ayuda de un amigo farmacéutico, Joaquim Correa de Mello, Florence comenzó a estudiar maneras de fijar imágenes de cámara oscura de forma permanente, que denominó "Photographia". En 1833 se fijaron en nitrato de plata sobre papel, una combinación que había sido objeto de experimentos por Thomas Wedgwood alrededor del año 1800. A diferencia de Wedgwood, quien fue incapaz de tomar fotografías de escenas del mundo real con su cámara o representar los fotogramas producidos con luz rápida. Los cuadernos de Florence indican que finalmente logró hacerlo. Por desgracia, en parte porque nunca publicó adecuadamente su invención, en parte porque era un oscuro inventor viviendo en una provincia remota y poco desarrollada, Hércules Florence nunca fue reconocido internacionalmente como uno de los inventores de la fotografía.
Murió en 1879.

"Diploma da Maçonaria / Diploma de albañil / Masonry Diploma"
Primera imagen oficial registrada por H.F. / first official image recorded by H.F., 1832.
_____________________________________

esta fotografía, tomada el 29 de de febrero de 1916.
Aviones 6338, un Fe2B perteneciente al Escuadrón 20 de la RFC (Royal Flying Corps, Real Cuerpo Aéreo) es examinado por lanceros Ulanos de uno de los regimiento de la Guardia de Ulanos o Sajones Ulanos (Ejército Real de Prusia)
Los registros oficiales indican que el avión realizaba en una misión de reconocimiento cuando fue obligado a descender por aviones enemigos cerca Menin. El avión aterrizó intacto y los dos miembros de la tripulación fueron hechos prisioneros. Un tal Vizefeldwebel Wass se atribuyó la victoria, sin embargo, apenas hay constancia de él en cualquier lugar o en cualquier referencia.
Esta aeronave en particular era un avión obsequiado llamado "Ceilán Nº 3".

Foto del álbum de / Photo: Álbum ofdrakegoodman, Flickr


Textos en inglés / English translation

On February 22 is the birthday of

Hermann Waldenburg (Hermann Vogt), German designer, artist and photographer born in 1940 in Waldenburg.
He studied art in Berlin and traveled with a scholarship to Mexico and Central America, where he worked as an artist and exhibited his works. In 1968 he started using the name of his hometown as artistic name.
In 1969-70 he moved to Madrid with a scholarship, entering the Printmaking Workshop of the School of Fine Arts of San Fernando, where happen to meet a number of artists of many nationalities and creative styles, and where Hermann stood out for his great technical mastery.
In 1973-74 he trained at Villa Massimo in Rome, obtaining the Award of the Federal Republic of Germany in the III International Biennial of Graphic, Florence 1974.
In addition to his work as an artist, Waldenburg is recognized by the photographs of the Berlin Wall he made for years.
He bought a Minolta camera "just to photograph the wall", and did so until 1994 "when images became less interesting." For him, the wall is a very important part of his life, having lived its construction and subsequent fall. Documentation of graffiti made by anonymous artists of the Berlin Wall have enabled him to gather a unique testimony of this ephemeral street art, which has resulted in the book Mauer Kunst - und Objektkunst Graffiti in Berlin from 1989 to 1994.

On February 23 is the birthday of

Larry C. Price, American photojournalist born in 1954 who has won two Pulitzer Prizes: In 1981 in Spot News Photography, recognizing images from Liberia published by the Fort Worth Star-Telegram, and in 1985 for Feature Photography for images from war-torn Angola and El Salvador published by The Philadelphia Inquirer.
He received a Bachelor of Journalism degree from the University of Texas at Austin in 1977. He was a member of The Daily Texan staff during his senior year in college.
His journalism career has spanned three decades. After college, he joined the El Paso Times staff. He then worked on the news staff at the Fort Worth Star-Telegram. During that time [1979-1983], Price also was a visiting professor at the University of Texas at Austin.
In 1983, he left Fort Worth for The Philadelphia Inquirer to work as a photojournalist and later director of photography. After leaving the Inquirer in 1989, Price worked on contract for National Geographic before returning to the Fort Worth Star-Telegram as an assistant managing editor in 1991. In 1996 Price joined The Baltimore Sun photography staff. He was named assistant managing editor for photography for The Denver Post in 2000 where he remained until mid-2006. He is currently an editor for Cox Media Group in Ohio, CMG Ohio operates a converged newsroom that combines the Dayton Daily News, WHIO TV and WHIO Radio.

On February 24 is the birthday of

Richard Harrington, Canadian photographer born in 1911 in Hamburg, Germany.
He is best known for his photographs taken in the Canadian Arctic between 1948 and 1953.
He immigrated to Canada in the mid-1920s. During his career he traveled to more than 100 countries and his photographs have appeared in more than 24 books. His work has been shown at the National Archives of Canada, the Smithsonian Institution and the Museum of Modern Art.
In 2001, he was made an Officer of the Order of Canada.
He died in 2005.

On February 25 is the birthday of

Herman Puig (German Puig Paredes), Cuban pioneer of male nude photography born in 1928 in Havana.
He studied painting and sculpture in Cuba and filmed his first short "Sarna" before leaving for Paris at the age of 20 where he studied Audio Visual Techniques. In 1950 he worked for Henri Langlois director and co-founder of the Cinémathèque Française. This association lead to the foundation of the original Cinemateca de Cuba, officialised as an institution in 1948, and founded by Herman Puig and Ricardo Vigón, which would later be reborn in 1961 with the initiative of Alfredo Guevara and the then newly formed ICAIC as today's Cuba Cinemateca.
From the 60s to the 70s Puig worked in advertising as a photographer and publicity filmmaker in Spain. It was in Madrid that he first started experimenting with male nudes but was arrested in an alleged drugs affair and charged as a pornographer under the climate of the socialist government. It was at this point that he moved to Paris in an attempt to prove to Spain and the world that he was not a pornographer but an artist and was accepted with almost universal acclaim. A little later he moved to Barcelona where he remains to this day.
Herman Puig continues photographing male and female nudes past the age of 80 and was made the subject of a film by David Boisseaux-Chical about his cultural exile from Cuba. In the film he continues to affirm his dislike at being associated with the worlds of pornography and homosexuality, simply for wanting to photograph male bodies as art instead of that of women.

On February 26 is the birthday of

William M. Gallagher, American photographer born in 1923 who won the 1953 Pulitzer Prize for Photography for his photograph of presidential candidate Adlai Stevenson II. Gallagher was a photographer for 27 years with the Flint Journal in Flint, Michigan.
In 1936 he moved to Flint and graduated from St. Matthew's High School in 1943. During World War II he served in the United States Army in the signal corps, medical corps, and air corps.
Gallagher earned his first camera while in high school by selling magazines. He began his professional photography career with the Sporting Digest in Flint in 1946. The following year he moved to the Flint Journal and within a few months became a staff photographer, a position he would hold until his death. Gallagher's colleagues described him as "a boisterous, flamboyant character" who had good relationships with local police and government officials.
Gallagher snapped his Pulitzer-winning photo at a Labor Day rally in Flint Park. Democratic presidential candidate Adlai Stevenson was seated on a platform with Michigan Governor G. Mennen Williams. Gallagher, kneeling at the base of the platform, took a photo of Stevenson seated with his legs crossed, which revealed a hole in the bottom of his right shoe.
Gallagher died in 1952.

On February 27 is the birthday of

Alexeï Vassiliev, Russian photographer born in 1959. He lives in France since 1993.
Studied at the Lycée Romain Rolland and the University of the Humanities in Moscow.
Not a very orthodox young Communist – thus not to be trusted – Vassiliev could not become an interpreter, his dream at the time. After two years of military service in the Red Army, including six months with a disciplinary battalion in Siberia, he decided to earn his living working, successively, in television, radio, and then in various factories and on construction sites. In short, the classic trajectory of every Soviet who, without being an outright dissident, refuses to adhere to the official norms.
After the perestroïka, he was finally able to exercise his profession as interpreter; he also translated French mystery novels into Russian.
It was when he arrived in France fourteen years ago that photography entered his life in an altogether fortuitous way. A journalist friend asked him to replace, on the spur of the moment, a photographer who was to accompany her on an assignment. One morning in May 1995 they left for Avignon to interview the Count De Sade and to visit the château where his ancestor, the “divine Marquis,” had lived.
Encouraged to explore, alone and self-taught, almost secretly, the meanders of conceptual photography, this became the experience that changed the course of his life.

Today, February 28, is the birthday of

John Bulmer, British photographer and filmmaker born in 1938, notable for his early use of colour in photojournalism. 
He started photography when young. Although his earliest interest in it was primarily as a technology (he even built his own enlarger), he was a great admirer of Henri Cartier-Bresson as a teenager.
Bulmer studied engineering at Cambridge, where his interest in photography deepened. While still a student he had photographs published in Varsity as well as a magazine he co-founded, Image; and did photostories for the Daily Express, Queen, and Life. He also worked as an assistant to Larry Burrows and Burt Glinn. The Life story led to his expulsion from Cambridge six weeks before his finals.
On his expulsion, Bulmer attempted to get a job with the Daily Express; after three days of repeated attempts, the newspaper gave him one. He stayed for two years. After this he worked on assignments for a number of magazines: first in black and white, for Queen, Town, and Time and Tide.
Thanks in part to a wave of creative people from the north of England, the north was at the time enjoying a vogue in the south. Bulmer's first assignment there was in 1960, for Town, to spend three days photographing the fast-declining Lancashire town of Nelson and compare it with the fast-growing Watford. He found the experience eye-opening and enjoyable.

As we only have one February 29 every four years, we celebrate the anniversaries of three artist and a photograph.

On February 29 is the birthday of

Gilles Francis Charles Bensimon, French fashion photographer born in 1944, and the former International Creative Director of Elle magazine. He has also been the photographer on the reality television series America's Next Top Model.
He had advanced dyslexia so his mother said if he did something in art he could express himself better. Living in Paris, France, he joined French Elle in 1967. Two years later Bensimon helped launch American Elle, for which photographed Christy Turlington, Cindy Crawford, Naomi Campbell, Tyra Banks, Rachel Williams, Honor Fraser, Yasmin Le Bon, Elle Macpherson, and Beverly Peele.
During his tenure as International Creative Director and Head Photographer of Elle magazine, Bensimon's vision reached an estimated 20 million readers worldwide. He is well known as a celebrity photographer, with a portfolio consisting of leading models and celebrities, including Schiffer, Campbell, Turlington, Linda Evangelista, Nadège du Bospertus, Gisele Bündchen, Madonna, Gwyneth Paltrow, Sharon Stone, Keira Knightley, Beyoncé, Jennifer Lopez, Reese Witherspoon, Sarah Jessica Parker, Halle Berry and Uma Thurman. His commercial clients range from Kohl's to Saks Fifth Avenue and Maybelline to Clarins.
________________________________________________

Hal Gould, American photographer and gallery curator born in 1920.
He grew up on a ranch in New Mexico and left home at the age of 16. After holding a number of different jobs, he entered dentistry school, but was drafted into the army in 1940. Eventually he entered officer school. After the bombing of Pearl Harbor, he island-hopped with General Douglas MacArthur and remained in Japan during the occupation.
While Gould held many jobs during his life, including railroad-tie repairer, boxer, aviator, and painter, it was his pursuit of photography that would change his life. For nearly a quarter of a century he practised as a portrait photographer, eventually shifting into fine art photography.
Gould repeatedly asked for the Denver Art Museum to display fine art photography, but director Otto Bach refused to consider the medium. To make artistic photography available to the public, Gould and others created a venue for displaying works directly behind the Denver Art Museum—eventually this would become the gallery Camera Obscura. This is now one of the oldest galleries dedicated exclusively to fine art photography. Gould's gallery gave Sebastião Salgado his first show in America, and has been publishing the Photography in the Fine Arts Quarterly since 1983.
Hal Gould died in 2015.
________________________________________________

Hercules Florence (Antoine Hercule Romuald Florence), French-Brazilian painter and inventor born in 1804, known as the isolate inventor of photography in Brazil, three years before Daguerre (but six years after Nicéphore Niépce), using the matrix negative/positive, still in use. According to Kossoy, who examined Florence's notes, he referred to his process, in French, as photographie in 1834, at least four years before John Herschel coined the English word photography.
In 1832, with the help of a pharmacist friend, Joaquim Correa de Mello, Florence began to study ways of permanently fixing camera obscura images, which he named "photographia". In 1833, they settled on silver nitrate on paper, a combination which had been the subject of experiments by Thomas Wedgwood around the year 1800. Unlike Wedgwood, who was unable to make photographs of real-world scenes with his camera or render the photograms that he did produce light-fast, Florence's notebooks indicate that he eventually succeeded in doing both. Unfortunately, partly because he never published his invention adequately, partly because he was an obscure inventor living in a remote and undeveloped province, Hércules Florence was never recognized internationally as one of the inventors of photography.
He died in 1879.
________________________________________________

this photograph taken on February 29, 1916
Aircraft 6338, a FE2b belonging to 20 Squadron RFC (Royal Flying Corps) is examined by Uhlans (lancers) from one of the Garde Ulanen or Saxon Ulanen regiments (Royal Prusian Army)
The official records indicated the aircraft was on a reconnaissance mission when it was forced down by enemy aircraft near Menin. The aircraft landed intact and both crewmen were taken prisoner. A Vizefeldwebel Wass claimed the victory, however there is little record of him anywhere in any reference.
This particular aircraft was a presentation aircraft dubbed "Ceylon No 3".

Bruno Pontiroli [Pintura]

$
0
0
En las imágenes creadas por Bruno Pontiroli todo está cabeza abajo. Las nubes arden, los muñecos de nieve sangran... Trabajos sumamente imaginativos llenos de humor, absurdos y paradojas.

In the images created by Bruno Pontiroli everything is upside down. The clouds burn, snowmen bleed ... highly imaginative works full of humor, absurd and paradoxes.
____________________________________________________________

Bruno Pontiroli

Bruno trabajando en su estudio / at work in his Studio

Bruno Pontiroli es un artista francés que pinta un mundo vuelto del revés, en el que las leyes de la física se distorsionan y nada es como debería ser.
Se crió en el sur de Francia, y también pasó unos años en Guadalupe.
«Mi objetivo es cambiar la estrecha visión del mundo que tenemos volviéndolo cabeza abajo y perturbar nuestra imaginación sacudiendo una realidad aceptada con imágenes que son tan incomprensibles como familiares.
Distorsionar un símbolo o mezclar universos opuestos me permite cuestionar la identidad de las cosas, y de esa manera reinventarlas.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 146 cm., 2015

"En chair et en eau / En carne y agua / In Flesh and Water", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 146 cm., 2013

«Siempre quise hacer arte. De hecho, siempre he estado haciendo bocetos, dibujando o pintando desde que era muy joven. Desde hace 6 años he estado dedicando a ello la mayor parte de mi tiempo. Simplemente un día sentí la urgencia de plasmar en el lienzo este universo absurdo y bizarro que imaginaba. Pensé que sería divertido, y de hecho lo es.»

"La bonne aventure", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 130 cm., 2011

«Las nubes son también muy importantes en mi universo. Imagino que están hechas de carne, además de agua.
Es mi forma de hacerlas más vulnerables. Y de esta manera comprenderlas mejor. Siento una especie de envidia por ellas; su libertad, existencia ociosa, la forma en que son impalpables, en oposición a las cosas más atadas a la tierra, que son mucho más sólidas.»

"Tinta india sobre papel / Indian ink on paper", 80 x 120 cm., 2010

"La main à la patte / Las manos son piernas / Hands are Legs"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 162 x 130 cm., 2014

«Escribo todas las ideas que tengo en un bloc de notas, ya sean buenas o malas, y boceto la mayoría de ellas, utilizando lápiz, acuarela o tinta india. Una idea generalmente se convierte en el tema central para una nueva pintura y utilizo algunas de las otras para construir el universo circundante. El paso siguiente es el boceto en papel para confirmar el aspecto general de la composición. Eventualmente procedo con la pintura en lienzo, lo cual implica un proceso de dos pasos: primero acrílico en blanco y negro, y luego óleos y color.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 89 x 130 cm., 2015

«Llego muy temprano a mi estudio. Me siento frente a la última pieza artística con una taza de café recién hecho, echo una mirada crítica sobre mi trabajo del día anterior y veo lo que va bien y lo que no. Preparo mis colores para el día y pinto hasta el atardecer. Antes de dejar mi estudio, me detengo una vez más frente a mi pintura para apreciar mejor la obra del día. Entonces me voy a casa con mi familia y disfruto de algunas horas con mi niño. Una vez en la cama, a menudo veo libros o navego en Internet; me ayuda a estimular mi creatividad.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 160 cm., 2015

«Creo que lo más difícil para mí es tener que responder a la pregunta clásica y recurrente del público: "¿qué has querido decir con esa pintura? No me gusta mucho la idea de ofrecer la interpretación de mi obra, porque generalmente la gente sólo toma en cuenta esa interpretación que les doy, cosa que considero contraproducente. De hecho, lo que busco es el fenómeno opuesto, que cada individuo se forme su propia opinión de lo que subyace en cada pintura y lo comparta. Eso genera un mundo de posibilidades.
En cuanto a la soledad, creo que ser un artista es de hecho ser algo solitario, o al menos que uno puede sentirse aislado debido a ello. La mayoría de la gente escoge una vida más "racional"; algunos de mis amigos lo tienen difícil para comprender por qué he escogido el arte en lugar de una vida más clásica, con un empleo a tiempo completo. Sin embargo, cada vez que pienso sobre por qué hice esta elección y cómo podría haber sido mi vida de otra manera, me reafirmo en que ser un artista es el camino correcto para mí.»

"Tinta india sobre papel / Indian ink on paper", 80 x 120 cm., 2013

Bruno Pontiroli is a French artist that paints a world turned upside down, in which the laws of physics are distorted and nothing is as it should be.
He grew up in the south of France, and he also spent a few years in Guadeloupe. 
«My aim is turn the narrow vision that we have of the world upside down and disturb our imagination while shaking an accepted reality with images that are as comprehensible as they are familiar.
Distorting a symbol or mixing opposing universes allows me to question the identity of things so that I can reinvent them.»

"L'histoire à dormir debout / El cuento chino / The Tell Tale"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 x 114 cm., 2012

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 89 x 130 cm., 2011

«I always wanted to do art, in fact I've always been sketching, drawing or painting even when I was a young boy. For over 6 years now I've been dedicating most of my time to it, I just one day felt the urge to put on canvas this absurd and off the wall universe I was imagining. I thought it would be fun, and indeed it is.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 97 cm., 2010

«I write down all the ideas I have on a notebook, whether good or bad and I sketch most of them, using either a pencil, watercolor or indian ink. One idea usually becomes the central subject for a new painting and I use some of the others to build the surrounding universe. Next step is a sketch on paper to confirm the overall composition. Eventually, I proceed with the actual painting on canvas, which is for me a two-steps process: first, black and white acrylic and then, oil and color.»

"Tinta india sobre papel / Indian ink on paper", 80 x 120 cm., 2014

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 146 cm., 2013

«I arrive quite early at my studio. I sit in front of my latest piece of art with a cup of freshly brewed coffee and take a critical look at the previous day's work, see what works well and what doesn't. I prepare my colors for the day and paint until early evening. Before leaving the studio, I stand again in front of my painting for a better appreciation of the day's work. Then I go home to my family and enjoy a few hours with my babyboy. Once he's in bed, I very often start going through books or surfing the web, it helps stimulate my creativity.»

"Le sens du poil", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 x 114 cm., 2012

"L'Osso Bucco / El osobuco / The Osso Bucco", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 146 cm., 2013

«Clouds are also important in my universe. I imagine they are made of flesh as well as water.
It’s my way to make them more vulnerable. And this way better understand them. I kind of envy them, their freedom, leisurely existence, the way they are impalpable as opposed to most bound to earth things which are very much solid.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas", 146 x 114 cm., 2015

«I guess that the most difficult thing for me is having to answer one very classical and recurring question from the public: "what did you want to say with that painting?". I don't much like the idea to be be the one providing the interpretation of my work because usually then the public only considers this very interpretation I gave which I consider counterproductive. In fact I am looking for the exact opposite phenomena, that each individual makes up their own opinion of what lies behind each painting and share it. It makes for a world of possibilities.
As for loneliness, I believe that being an artist can indeed be somewhat lonely or at least, that one can feel isolated because of it. Most people chose a more “rational” life, and even some of my close friends have a hard time understanding why I chose to do art instead of a more classical full-time employee life. However, every time I think about why I made this choice and how my life would be otherwise, I am more confident that being an artist is the right path for me.»

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 97 x 146 cm., 2011
_____________________________________________________________

Fuentes / Sources:
* Artículo de Rocío González en / Article by Rocio Gonzalez inStaf (12/2015)
* Entrevista de Linda Bergerova en / Interview by Linda Bergerova inOh, so surreal... (10/2015)
* Entrevista en / Interview inDioniso Punk (12/2015)
_____________________________________________________________

Más imágenes e información sobre Bruno en / More images and information about Bruno in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias Bruno!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Bruno!)

Saturno Buttò (I) [Pintura]

$
0
0
En este post y otro que publicaré más adelante, les ofrezco un recorrido cronológico por la obra del pintor italiano Saturno Buttò, gracias a la completa colección de imágenes de sus cuadros que puede disfrutarse en su sitio web. Acompaño estas selecciones con reflexiones del artista tomadas de diferentes entrevistas en italiano e inglés realizadas en los últimos años.

In this post and another one that I'll publish later, I offer a chronological journey through the work of Italian painter Saturno Butto, thanks to the complete collection of images of his paintings that can be enjoyed on his website. I accompany these selections with reflections of the artist taken from different interviews in Italian and English made in recent years.
_________________________________________________________________

Saturno Buttò

Saturno Buttò, Roma / Rome, 2008

Saturno Buttò es un artista italiano nacido en Venecia en 1957. Comenzó su carrera en exposiciones en 1993, cuando publicó su primera monografía titulada "Retratado desde Saturno: 1989-1992". Desde entonces ha expuesto en Italia, Europa y Estados Unidos (Nueva York, Los Ángeles, San Francisco)
La obra de Buttò se caracteriza por una interpretación formal personal del arte sacro europeo y habilidades técnicas que recuerdan a los grandes maestros de nuestra tradición pictórica.

(1986 - 2007)

"Cristina", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 50 cm., 1986

"Apollo servito dalle ninfe / Apolo atendido por las ninfas / Apollo served by the Nymphs"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 95 x 140 cm., 1989

"Sacra famiglia influenzata / Familia sacra afectada / Sacred Family Affected"
Óleo y oro sobre table / oil and gold on wood, 120 x 100 cm., 1995-1996

Rituales figurativos, cuadros vivientes o retablos neogóticos son magistrales creaciones de las cuales Buttò extrae los fascinantes misterios de una religión "oscura, negra". Este concepto está ilustrado brillantemente por la yuxtaposición entre la sensualidad innata del cuerpo y su profunda espiritualidad. A través de la ilustración del conflicto entre el erotismo y el dolor, la transgresión y el éxtasis, las valiosas pinturas sobre tabla de Buttò examinan en profundidad la estricta y conflictiva visión de la iconografía religiosa occidental en relación con el cuerpo. Este es exhibido, por un lado, como un objeto de culto, a la vez que simultáneamente se le niega el valor de una belleza erótica naciente. Es una tensión fascinante que por encima de todo exalta la figura humana como centro de la exposición.

"Clistery Dominus Gourmet", óleo y oro sobre table / oil and gold on wood, 115 x 204 cm., 1999

"Andrea convalescente / Andrea convaleciente / Andrea Convalescent"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 86 x 85 cm., 2001

"Mala monja / Bad Nun", óleo sobre tabla / oil on wood, 135 x 100 cm., 2001

«... esas implicaciones de las imágenes de Saturno parecen grotescamente irónicas ante el observador inexperiente, pero son referencias al arte sacro. De hecho, la precisión de la geometría, el obsesivo centrado y simetría de los retratos, la ceremonia y monumentalidad de sus pinturas refieren a la tradición iconográfica trágica del arte cristiano occidental. El sufrimiento que retrata no es un mero juego fetichista ambiguo; va mucho más allá del lado sadomasoquista, hacia una suerte de "éxtasis secular", regocijo del espíritu por el sufrimiento del cuerpo. Él pinta imágenes de "pasión", como esa peculiar de tantos santos y mártires cristianos, retratados en el momento de su placer místico supremo obtenido por la tortura física de la carne.»
Devis Granziera

"Sin título / Untitled", óleo sobre tabla / oil on wood, 90 x 120 cm., 2002

«Creo que hay algo "genético" que pasa de generación en generación. "Nuestra" historia del arte es una parte fundamental en el desarrollo de nuestra identidad artística. Concretamente en mi caso, la exaltación de la figura y la técnica me viene de la tradición clásica. Personalmente, en el momento actual, no puedo encontrar nada en el campo de las artes visuales que se compare con la belleza, autoridad y naturaleza monumental del arte barroco. La fuerza y trascendencia es lo que mayormente busco expresar con mi obra.»

"Lola", óleo sobre tabla / oil on wood, 130 x 95 cm., 2003

"Mujer meando / Pissing Woman", óleo sobre tabla / oil on wood, 78 x 135 cm., 2003

«Afortunadamente nunca he tenido problemas serios con la censura, tal vez porque intento ser cuidadoso al decidir cuándo exponer pinturas de naturaleza explícita. Inevitablemente las obras reflejan el tiempo del artista y el contexto histórico en el que vive. Mis pinturas no podrían haber existido hace 40 o 50 años, o tal vez no podrían haber sido transmitidas a través de los canales oficiales, y por tanto habrían permanecido desconocidas para la mayoría de la gente. Sin embargo, como ha sucedido siempre en el pasado, si pensamos en las obras erótico-voyeuristas de creadores como Rembrandt y Courbet, podemos ver cómo la sociedad impone sus filtros... Naturalmente, con el tiempo y la sociedad misma, el sentido común respecto a la decencia evoluciona (aunque lentamente) gracias a los artistas vanguardistas.»

"Figura con rasoio / Figura con navaja / Figure with Razor", óleo sobre tabla / oil on wood, 126 x 86 cm., 2004

Saturno trabajando con una de sus modelos / at work with one of his models

Saturno Buttò is an Italian artist born in Venice in 1957 who started his exhibition career in 1993, when he published his first monograph titled “portrayed from Saturn: 1989-1992”. Since then he’s exhibited in Italy, Europe and US (New York, Los Angeles, San Francisco).
Saturno Buttò’s artwork is characterized by a personal, formal interpretation of European sacred art and technical skill, that reminds one of the great masters of our pictorial tradition.

"Sin título / Untitled", grafito sobre papel / graphite on paper, 150 x 100 cm., 2003

"Limpiando a Sebastián / Cleaning Sebastian"
Óleo y oro sobre tabla / oil and gold on wood, 160 x 100 cm, 2005

"Educación sentimental / Educazione Sentimentale", óleo sobre tabla / óleo y oro sobre tabla, 160 x 100 cm

"Silvia devotio / La devoción de Silvia / Devotion of Sylvia", óleo sobre tabla / oil on wood, 150 x 100 cm.

Figurative rituals, tableaux vivants, neo-Gothic altar pieces are the skillful creations with which Butto extracts the fascinating mysteries of an “obscure, dark religion. This concept is brilliantly illustrated by the juxtaposition between the body’s innate sensuality and its deeper spirituality. Through illustrating the conflict between eroticism and pain, transgression and rapture, Buttò’s valuable paintings on wood examine in depth the strict and conflicting vision of Western religious iconography by comparisons with the body. The body is, on one side exhibited like an object of cult, while simultaneously being denied its value of nascent erotic beauty. It’s a fascinating tension that above all exalts the human figure, to the centre of the exhibition.

"Autorretrato con / Autoritratto con / Self Portrait with Solange"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 112 x 176 cm., 2006

«…those implications of Saturno’s pictures look like grotesquely ironic to an unexperienced observer, but they are references to the sacred art. In fact, the precision of the geometry, the obsessive centeredness and symmetry in the portraits, the ceremony and the monumentality of his pictures refer to the tragic iconographic tradition of western christian art. The suffering he portrays is not a mere ambiguous fetish game, it goes far beyond the sado-masochist side, it goes into a kind of “secular ecstasy”, joy of the soul paid by pain of the body. He paints pictures of “passion”, like that one peculiar to many christian saints and martyrs, portrayed during the moment of their sublime mystical pleasure obtained physical torture of the flesh.»
Devis Granziera

"Oscuridad interior - Estación VII / Inner Dark - VII Station"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 55 x 65 cm., 2006

"Tríptico de la decoración del cuerpo, 1 y 2 / Body Decoration Triptych, 1 & 2"
Óleo sobre tabla / oil on wood, cada uno / each 70 x 55 cm., 2007

«I think there is something “genetic” that is passed down from generation to generation. “Our” own art history is a fundamental part in the development of our artistic identity. In my case specifically, the exaltation of the figure and the technique comes from the classical tradition. Personally, for now, I can not find anything in the field of visual arts that compares to the beauty, authority and the monumental nature of Baroque art. Strength and transcendence are what I want to express most with my work.»

"Tríptico de la decoración del cuerpo, 3 / Body Decoration Triptych, 3"
Óleo sobre tabla / oil on wood, cada uno / each 70 x 110 cm., 2007

"Geisha con calice / con cáliz / with Calyx", óleo sobre tabla / oil on wood, 100 x 150 cm., 2007

«Fortunately, I never had serious censorship problems, perhaps because I try to be careful in deciding when to exhibit paintings of an explicit nature. Inevitably, the works reflect an artist’s time and the historical context in which they live. My paintings could not have existed 40 or 50 years ago, or rather could not have been conveyed through official channels so they would have remained unknown to most people. However, as it has already happened in the past, if we think of the erotic-voyeuristic works by creators such as Rembrandt and Courbet that survived, we can see how society imposes its filters… Naturally, with time and along with society itself, common sense regarding decency evolves (albeit slowly), thanks to avant-garde artists.»

"Fiesta en la clínica / Klinik Party", óleo sobre tabla / oil on wood, 130 x 175 cm., 2007

"Silvia con vaso di orchidee / con orquídea en maceta / with Potted Orchid"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 72 x 70 cm., 2007
__________________________________________________________

Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista de Daniela Minuti en / Interview by Daniela Minuti in Learn, 2014
* Entrevista de Denis en / Interview by Denis in von Scaramouche Blog, 2011
* Entrevista en / Interview inMaxim Magazine, 2012
* Entrevista en / Interview in InsideArt, 2010
__________________________________________________________

Más imágenes e información sobre Saturno en / More images and information about Saturno in:
Website, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Saturno!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Saturno!)


Entrevista (en italiano) / Interview (in Italian), 2009


_____________________________________________________

Saturno Buttò si racconta / cuenta / tells...

Entrevista (en italiano con subtítulos en inglés) / Interview (in Italian, English subs), 2009
Cámara y edición / Camera & Editing: Al Bruni
Música / Music: violoncello & voice, Laura Bisceglia

En un pasaje de esta entrevista, el artista describe el proceso que sigue en la creación de una obra. Texto en español abajo /
In a passage of this interview, the artist describes the process followed in the creation of a work.



«Una vez establecidas las medidas de la pintura, y preparada la base de yeso de Boloña, cola, agua y una capa de acrílico blanco, comienzo el proceso de dibujo, a través del cual transfiero el sujeto, la imagen fotográfica que he creado previamente, básicamente copiando la fotografía e inventándome, a medida que avanzo, todo lo que tiene que ver con la decoración del sujeto, por ejemplo los cuernos, las cosas que no pueden ser fotografiadas.
Lo ensamblo todo a través del dibujo, y es un proceso que puede tomar algunos días, dependiendo por supuesto de la naturaleza del tema.
Lógicamente cuantas más figuras, más tiempo me lleva completar esta etapa, pero normalmente en unos dos o tres días he completado el dibujo.
Una vez terminado el diseño, generalmente hecho en un estilo de claroscuro que me ayudará luego en la primera fase de las capas de color, para las cuales utilizo un óleo muy diluido, mezclado con trementina, hasta que tiene casi la consistencia de una acuarela, para así lograr una textura transparente a pesar de ser óleo. Esto me permite mantener visible el dibujo, lo cual es algo muy informal que mantiene visible el claroscuro y me da la posibilidad de ver el dibujo, de seguirlo mientras empiezo a trabajar con el óleo después que el fondo se ha secado.
La pintura comienza a tomar las características cromáticas que conocemos, y esta es la parte más delicada, la más lenta, ya que requiere una completa concentración para poder mantener el óleo limpio. En realidad esto puede durar semanas, porque es una estratificación, un proceso de trabajo con muchas capas de color. Así que puedes estar trabajando en una cara, por ejemplo, y abandonarla por el vestido, y te das cuenta que hay algo que falta, así que vuelves a la cara una y otra vez, y se convierte en una cuestión de imponerte límites, porque el problema es la lentitud de la ejecución. Llego a un punto en el que me detengo violentamente y me digo: "ok, basta, no voy a volver a tocar esta pintura", aún cuando sé que podría perfectamente seguir perfeccionándola.»


Recolección / Compilation (XXXVII)

$
0
0
Leopoldo Martins
(Brasil / Brazil, 1961-)

"Leona despertando / Lioness Awaken", bronce cromado / chromed bronze, 45 cm.
____________________________________________________________________

Jerome Witkin
(Brooklyn, Nueva York, EE.UU. / NY, USA, 1939-)

"Tit for Tat", 1983-84. Colección de / Collection of Georgia & Nat Kramer
____________________________________________________________________

Liu Suihai
刘遂海
(Chongqing, China, 1950-)

"凉山的春天 / Primavera de Liangshan / Liangshan Spring", 59 x 80 cm.
____________________________________________________________________

José Jorge Oramas
(Las Palmas de Gran Canaria, Islas Canarias, España / 
Canary Islands, Spain, 1911 - Tafira, 1935)

"Aguadoras / Water Sellers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 109 x 132 cm., c.1933-35.
Colección CAAM. Casa-Museo Antonio Padrón
(Gáldar, Gran Canaria, Islas Canarias, España / Canary Islands, Spain)
____________________________________________________________________

Dario Tironi
(Italia / Italy, 1980-)
en / at Bergamo

Crash Toys (con / with Koji Yoshida)
"Bambino con cane / Niño con perro / Boy with Dog", 40 x 40 x 120 cm., 2012
____________________________________________________________________

He An
何岸
(Guangzhou, China, 1957-)

"双人体 / Doble de cuerpo / Body Double", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 100 cm.
____________________________________________________________________

Laila Prytz
(Gällivare, Suecia / Sweden, 1907-1982)

"Massai con ganado / Massai with Livestock", 1966
____________________________________________________________________

Yuichi Ikehata
(Chiba, Japón / Japan, 1975-)

"Fragmento de / Fragment of LTM8"
____________________________________________________________________

Russel Cameron
(Brookly, Nueva York, EE.UU. / NY, USA)

"La atracción / The Attraction"
Arcilla, pinturas, madera, acero, acrílico / clay, painting, wood, steel, acrylic, 14 x 9 x 9 cm., 
____________________________________________________________________

Weng Wei
翁伟
(Guangdong, Chaozhou, China, 1962-)

"天空依然晴朗 / El cielo aún está claro / The Sky is Still Clear"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 162 × 130 cm., 2006
____________________________________________________________________

Eugen Krüger
(Altona, Alemania / Germany, 1832 - Düsternbrook, 1876)

"Hjort / Ciervo / Stag", óleo / oil, 57 x 45 cm.
____________________________________________________________________

Deborah Kay Butterfield
(San Diego, California, EE.UU. / CA, USA, 1949-)

"Rama roja / Red Branch", madera / wood, 215,9 x 279,4 x 116,8 cm., 2007
Collection Autry National Center (Los Ángeles, California EE.UU. / LA, CA, USA)
____________________________________________________________________

Michael Hutter
(Alemania / Germany, 1963-)

"Babilonia entregando la llave del abismo a los reyes del mundo / 
Babylon Handing the Key to the Abyss to the Kings of the World"
Óleo sobre madera / oil on wood, 120 x 120 cm., 2012
____________________________________________________________________

Patrice "Pit" Hubert
(Francia / France)
"Kinetic mecaniK 46", acero, cristal, motor 12 v., Led / steel, glass, motor 12 v., LED, 65 cm., 2013
____________________________________________________________________

Plácido Fleitas
(Telde, Gran Canaria, Islas Canarias, España / 
Canary Islands, Spain, 1915 - Las Palmas, 1972)

"Pescadora / Fisherwoman", madera / wood, 56 x 23 x 19 cm., 1933.
Colección CAAM. Casa-Museo Antonio Padrón
(Gáldar, Gran Canaria, Islas Canarias, España / Canary Islands, Spain)
____________________________________________________________________

Pantonio
Antonio Correira
(São Mateus, Azores, Portugal, 1974-)

Mural en / at Covilhã, Portugal
____________________________________________________________________

Pieter (Peeter) Boel
(Amberes, Bélgica / Antwerp, Belgium, 1622 - Paris, Francia / France, 1674)

"Studie einer Ziege / Estudio de una cabra / Study of a Goat"
Óleo sobre papel montado sobre lienzo / oil on paper mounted on canvas, 24 × 32 cm., c.1674
____________________________________________________________________

Henry Darger
(EE.UU. / USA, 1892 - 1973)

"Ilustración de "La historia de las chicas Vivian / Illustration from The Story of the Vivian Girls"
Acuarela y lápiz sobre papel / watercolor and pencil on paper, 14" x 33 3/4", mediados de siglo / midcentury
____________________________________________________________________

John Singleton Copley
(Boston, Massachusetts, EE.UU./ USA, 1738 - 
Londres, Reino Unido / London, UK, 1815)

"Watson y el tiburón / Watson and the Shark", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 182,1 × 229,7 cm., 1778
National Gallery of Art (Washington, EE.UU./ USA)
____________________________________________________________________

Dale Weiler
(EE.UU. / USA)
en / at Carolina del Norte / North Carolina

"Salto de fé (oso polar) / Leap of Faith (Polar Bear)", alabastro de Colorado / Colorado Alabaster, 24" x 13" x 18"
____________________________________________________________________

Wang Yuqi
王玉琦
(China, 1958-)
en Nueva York, EE.UU. / at NY, USA

"净化,当黑暗升起 / Purificación, cuando se levanta la oscuridad / Purification, when the darkness lifted"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 173 x 148 cm., 2009

Más sobre Wang Yuqi en "El Hurgador" / More about Wang Yuqi in this blog:

Aniversarios (CXIII) [Marzo / March 1-5]

$
0
0
Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
_________________________________________________________

El 1 de Marzo es el cumple de

Giovanni Dupré, escultor italiano nacido en 1817.
Empezó en el taller de talla de su padre y en el de Paolo Sani, donde producía falsificaciones de esculturas renacentistas.
En un concurso abierto a cargo de la Academia de Bellas Artes, ganó el primer premio con un "Juicio de Paris" y se hizo una reputación con la figura de tamaño natural de Abel muerto, que fue comprada por la Gran Duquesa Maria Nikolaevna, duquesa de Leuchtenberg (ahora en el Museo del Hermitage, San Petersburgo) y fue reproducida en bronce, c. 1839, (ahora en la Galleria d'Arte Moderna, Palazzo Pitti, Florencia). El crudo naturalismo de la figura, recibida con conmoción en la época, presagiaba el comienzo del fin del neoclasicismo en la escultura italiana y le ganó a Dupré estímulo de Lorenzo Bartolini. Siguió a esto con un Caín más clásico (1840, también en mármol en el Museo Hermitage y en bronce en el Pitti). Luego llegaron figuras de Giotto y San Antonino de Florencia para nichos de fachada en los Uffizi, y un busto de Pío II para la Iglesia de San Domenico en Siena.
En 1863 Duprè creó su trabajo más fino, la Pietà (1860-1865), para la tumba familiar del marqués Bichi-Ruspoli en el cementerio de la Misericordia en Siena.
Su último trabajo, el San Francisco en el interior de la Catedral de San Rufino, en Asís, fue terminado por su hija mayor y su alumna, Amalia. El tiempo le impidió ejecutar la figura coronada de la Virgen para Santa María del Fiore.
Murió en 1882.

"La muerte de Abel / The Death of Abel", mármol / marble, 22,86 x 113,67 x 35,88 cm., 1853.
Los Angeles County Museum of Art (LACMA) (California, EE.UU. / USA)
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Sandro Botticelli (pintor italiano / Italian painter)
Nikolaos Gyzis (Νικόλαος Γύζης) (pintor griego / Greek painter)
Oskar Kokoschka (pintor y poeta austríaco / Austrian poet and painter)
Maya Kulenovic (pintora canadiense nacida en / Canadian painter born in Bosnia-Herzegovina)


El 2 de Marzo es el cumple de

Jacobus Co Westerik, artista holandés nacido en 1924, que ha trabajado como acuarelista, grabador, fotógrafo, pintor de aguadas, ceramista, litógrafo, pintor, dibujante, pintor muralista, serígrafo y profesor de academia.
Westerik recibió su educación en la Real Academia de Arte, La Haya de 1942 a 1947. Después de su graduación hizo un viaje de estudios a los Estados Unidos en 1948. De regreso a Holanda se estableció como artista independiente en La Haya. Con los artistas Herman Berserik, Jan van Heel, Willem Hussem y Jaap Nanninga participó en el grupo de Verve, que se fundó en 1951 y se disolvió en 1957.
De 1954 a 1958 fue profesor de la Escuela Internacional y la Deutsche Schule de Scheveningen, y de 1955 a 1958 también en la Vrije Academie de La Haya. De 1958 a 1971 fue profesor de dibujo figurativo en la Real Academia de Arte de La Haya. Y entre 1960 y 1970 también fue profesor en Ateliers '63 en Haarlem. En 1971 se trasladó a Rotterdam, y comenzó un estudio en el sur de Francia, donde trabajó alternativamente hasta 2010.
Westerik fue galardonado con el Premio Jacob Maris tres veces, en 1951 y 1955 por pintura y en 1953 por dibujo. También recibió el Premio Rembrandt de la ciudad de Leiden, el Premio Estatal de Artes Visuales y Arquitectura, Premio Cultural de Holanda Meridional y el Premio Hendrik Chabot de Anjerfonds Rotterdam. En 1999 fue nombrado Caballero de la Orden del León holandés y en 2005 miembro honorario del Studio Pulchri, La Haya.

"Gramófono / Gramophone player"
Óleo y témpera sobre lienzo, sobre panel / oil paint, tempera on canvas on panel, 1971.
Museo Boijmans van Beuningen (Rotterdam, Holanda / Netherlands)
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Meki Megara (Mekki Mghara, المكي مغارة) (pintor marroquí / Moroccan painter)
Alejandro «Mono» González (artista y escenógrafo chileno / Chilean artist and stage designer)
Robert Williams (pintor e ilustrador estadounidense, fundador de / 
American painter and illustrator, founder of Juxtapoz Magazine)


El 3 de Marzo es el cumple de

Jean Rustin, pintor y destacado artista figurativo francés nacido en 1928.
A los 19 años se trasladó a París, donde estudió en la Escuela de Bellas Artes, en el estudio de Untersteller. Durante la década de 1950 estuvo interesado principalmente en la pintura abstracta, pero a partir de la década de 1970 se embarcó en la figuración. Creó un mundo extraño de figuras humanas, donde un callejón sin salida existencial se transforma no sólo en miedo, horror, piedad, sino también alivio.
El artista declaró que ..... "Soy consciente de que detrás de la creación artística, detrás de la fascinación por el cuerpo desnudo, hay veinte siglos de pintura, sobre todo religiosa, veinte siglos de Cristos muertos, mártires torturados, revoluciones sangrientas, masacres y sueños rotos [...] me doy cuenta de que la historia, y tal vez la historia del arte, están grabados en el cuerpo y la carne de los hombres ..... "
El trabajo de Rustin es relativamente desconocido. Hasta finales de la década de 1960, su pintura abstracta tenía un gran número de seguidores en Francia. Sin embargo, mientras la mayoría de los artistas europeos y americanos fueron ensanchando la brecha entre ellos y las tradiciones figurativas que precedieron al Modernismo, Rustin comenzó a nadar contra la corriente, una decisión que le costó caro en el corto plazo.
Murió en 2013.

"Couple dans le couloir / Pareja en el pasillo / Couple in the Hallway"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 161 x 130 cm., 1995
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Esaias Boursse (pintor holandés / Dutch painter)
Asger Oluf Jorn (pintor, escultor, ceramista y autor danés / Danish painter, sculptor, ceramist and author)
Holger Pedersen Wederkinch (escultor danés / Danish sculptor)


El 4 de Marzo es el cumple de

Francisco Asorey González, escultor español nacido en 1889 en Cambados, Galicia, considerado por algunos críticos como una de las figuras más relevantes de la renovación del arte escultórico español del siglo XX. De niño ya había destacado en la realización de Cristos y santos de madera.
Asorey estudió en el colegio de los Salesianos en Sarriá (actualmente un barrio de la ciudad de Barcelona) y posteriormente en el de Barakaldo (Vizcaya), donde fue profesor de dibujo de 1906 a 1909. En Barakaldo también tuvo un importante taller de imaginería. Con su obra Viuda del Pescador, fruto de este taller, Asorey obtuvo la segunda medalla de la Exposición Regional Gallega celebrada en Santiago de Compostela en el año 1909. Pasó luego a Madrid, donde realizó sus primeros encargos de importancia. A disgusto con el ambiente artístico de la capital se trasladó a Santiago de Compostela en 1918, habiendo obtenido plaza como escultor anatómico de la facultad de medicina, donde vivió hasta su muerte en 1961.

"Cristóbal Colón", El Retiro (Madrid, España / Spain) Foto / Photo: Carlos Viñas-Valle
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Rodolfo Galeotti Torres (escultor guatemalteco / Guatemalan sculptor)
Kano Tan'yū (狩野探幽) (pintor japonés / Japanese painter)
Nexhmedin Zajmi (pintor y escultor albanés / Albanian painter and sculptor)


Hoy, 5 de Marzo, es el cumple de

Peter Brandes, pintor, escultor, ceramista y fotógrafo danés nacido en 1944.
El arte de Brandes es abstracto, y a menudo en colores marrones. Tuvo su despegue como artista a comienzos de la década de 1980. Ha hecho, entre otras cosas, obras de arte en Roskilde Domkirke y ventanas de mosaico (vidrio coloreado) en una iglesia en Nordkapp y la Villa Iglesia de la Esperanza, al sur de Los Ángeles. En 1998 creó las enormes Vasijas de Roskilde que sobresalen fuera de la principal estación de tren de la ciudad.
Brandes es autodidacta y su arte gira en torno a temas del cristianismo. También se inspira en la antigua mitología griega. Brandes ha ilustrado varios libros, por ejemplo la Ilíada, de Homero. Gran parte de sus obras de cerámica se inspiran en el arte griego antiguo y la mitología.

"Vasijas de Roskilde / Roskilde Jars", 1998. Hestetorvet (Roskilde, Dinamarca / Denmark
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Jean-Jacques Henner (pintor francés / French painter)
Joan-Josep Tharrats i Vidal (pintor, teórico del arte y editor español / Spanish painter, art theorist and publisher)
Giovanni Battista (Giambattista) Tiepolo (pintor y grabador italiano / Italian painter and engraver)


Textos en inglés / English translation

On March 1 is the birthday of

Giovanni Duprè, Italian sculptor born in 1817.
He began in his father's carving workshop and that of Paolo Sani, where he was occupied with producing fakes of Renaissance sculptures.
In an open contest run by the Accademia di Belle Arti, he won first prize with a Judgment of Paris and made his reputation with the life-size figure of the dead Abel, which was purchased for Grand Duchess Maria Nikolaievna, Duchess of Leuchtenberg (now at the Hermitage Museum, St. Petersburg) and was replicated in bronze, c. 1839, (now in the Galleria d'arte moderna, Palazzo Pitti, Florence). The raw naturalism of the figure, greeted with shock at the time, presaged the beginning of the end of Neoclassicism in Italian sculpture and gained Dupré the encouragement of Lorenzo Bartolini. He followed this with a more classical Cain (1840, also in marble at the Hermitage Museum and in bronze at the Pitti). He followed with figures of Giotto and Saint Antonino of Florence for façade niches on the Uffizi, and a bust of Pius II for the Church of San Domenico (Siena) in Siena.
In 1863 Duprè created his finest work, the Pietà (1860–65), for the family tomb of the marchese Bichi-Ruspoli in the cemetery of the Misericordia, Siena.
His last work, the St. Francis inside the Cathedral of S. Rufino in Assisi, was finished by his eldest daughter and pupil, Amalia. Time failed him to execute the crowning figure of the Madonna for Santa Maria del Fiore.
He died in 1882.

On March 2 is the birthday of

Jacobus Co Westerik, Dutch artist born in 1924, who worked as watercolorist, etcher, photographer, gouache painter, ceramicist, lithographer, painter, draftsman, wall painter, serigrapher and academy lecturer.
Westerik received his education at the Royal Academy of Art, The Hague from 1942 to 1947. After his graduation he made a study trip to the United States in 1948. Back in the Netherlands, he settled as independent artist in The Hague. With the artists Herman Berserik, Jan van Heel, Willem Hussem and Jaap Nanninga he participated in the Verve group, which they founded in 1951 and resolved in 1957.
From 1954 to 1958 he was lecturer at the Internationale School and the Deutsche Schule in Scheveningen, and from 1955 to 1958 also at the Vrije Academie in The Hague. From 1958 to 1971 he was lecturer in figure drawing at the Royal Academy of Art, The Hague. And from 1960 to 1970 he also lectures at Ateliers '63 in Haarlem. In 1971 he moved to Rotterdam, and started a studio in the South of France, where he worked alternately until 2010.
Westerik was awarded the Jacob Maris Prize three times, in 1951 and 1955 for painting and in 1953 for drawing. He also received the Rembrandt Prize of the city of Leiden, the State Prize for Visual Arts and Architecture, Cultural Prize of South Holland and the Hendrik Chabot Price of Anjerfonds Rotterdam. In 1999 he was appointed Knight in the Order of the Dutch Lion and in 2005 an honorary member of Pulchri Studio, The Hague.

On March 3 is the birthday of

Jean Rustin, French painter and prominent figurative artist born in 1928.
At the age of 19 he moved to Paris where he studied at the School of Fine Arts, in the studio of Untersteller. During the 1950s he was mainly preoccupied with abstract painting but from the 1970s he embarked on figuration. He created a bizarre world of human figures, where an existential dead-end is transformed into fright, abhorrence, pity but also relief.
The artist stated that....."I realize that behind my artistic creation, behind the fascination for the naked body, there are twenty centuries of painting, primarily religious, twenty centuries of dead Christs, tortured martyrs, gory revolutions, massacres and shattered dreams [...] I realize that history and maybe art history are engraved on the body and flesh of men....."
The work of Rustin is relatively unknown. Until the late 1960s, his abstract painting had a large following in France. However, while most European and American artists were widening the gap between themselves and the figurative traditions that preceded Modernism, Rustin started to swim against the current, a decision which cost him dearly in the short term.
He died in 2013.

On March 4 is the birthday of

Francisco Asorey Gonzalez, Spanish sculptor born in 1889 in Cambados, Galicia, considered by some critics as one of the most important figures in the renewal of Spanish sculptural art of the twentieth century. As a child he had already excelled in making wooden Christs and saints.
Asorey studied in the school of the Salesians in Sarriá (now a district of Barcelona) and later in Barakaldo (Vizcaya), where he was professor of drawing from 1906 to 1909. in Barakaldo also he had an important workshop imagery. With his work Fisherman's Widow result of this workshop, Asorey won the second medal of the Galician Regional Exhibition held in Santiago de Compostela in 1909. Then went to Madrid, where he made his first commisions of importance. Disgusted with the artistic atmosphere of the capital moved to Santiago de Compostela in 1918, having obtained a place as anatomical sculptor of the medical school. There he lived until his death in 1961.

Today, March 5, is the birthday of

Peter Brandes, Danish painter, sculptor, ceramic artist and photographer born in 1944.
Brandes' art is abstract and often in brown colours. He had his breakthrough as artist in the beginning of the 1980s. He has inter alia done artwork on Roskilde Domkirke and mosaic (colored glass) windows in a church at Nordkap and the church Village of Hope, south of Los Angeles. In 1998, he created the enormous Roskilde Jars which stand outside the main Roskilde Railway Station.
Brandes is self-taught and his art circles around themes from Christianity. Also the ancient Greek mythology has inspired his art. Brandes has illustrated a number of books, for example Homer’s Iliad. A great part of Brandes' ceramic works are inspired by ancient Greek art and mythology.

Aniversarios Fotografía (CXIII) [Marzo / March 1-6]

$
0
0
Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
_________________________________________________________

El 1 de Marzo es el cumple de

Matthew Russell Rolston, fotógrafo, director y director creativo estadounidense nacido en 1955. Es conocido por sus técnicas de iluminación características y su meticuloso abordaje de la dirección de arte y diseño, y se ha identificado en varias ocasiones a lo largo de su carrera con un revival de la expresión moderna del glamour de Hollywood .
Rolston fue "descubierto" por Andy Warhol para su revista centrada en las celebridades Interview, donde comenzó una exitosa carrera en la fotografía. Poco después, comenzó a fotografiar portadas y desarrollar encargos editoriales para Jann Wenner, editor fundador de la revista Rolling Stone. Pronto, otras publicaciones bien establecidas comenzaron a reconocer el trabajo de Rolston, como Harper's Bazaar, Vogue, Vanity Fair, W, GQ, Esquire, Cosmopolitan, O: The Oprah Magazine y The New York Times.
Extendiendo su visión más allá de la fotografía fija, hacia la imagen en movimiento, Rolston comenzó a concebir, escribir y dirigir videos musicales y anuncios de televisión para diversos clientes tales como Madonna, Janet Jackson, Christina Aguilera, L'Oreal, Revlon, Estee Lauder, Clairol, Levi, Pantene, Elizabeth Arden, Gap y Polo Ralph Lauren, entre otros.
También ha aparecido como experto invitado en una variedad de programas orientados a la belleza, el de Shear Genius "Bravo" y "Make Me a Supermodel" de CW's America's Next Top Model.
La carrera de Rolston se ha ampliado a áreas como la dirección creativa, el diseño experimental (incluyendo el desarrollo de la hospitalidad), marcas, diseño de productos, empresas de nuevos medios, las bellas artes y la edición.

_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Manfred Baumann (fotógrafo austríaco / Austrian photographer)
Roger Rössing (fotógrafo alemán / German photographer)


El 2 de Marzo es el cumple de

Lucien Henri César Briet, escritor, fotógrafo y explorador francés nacido en París en 1860.
Recorrió el Pirineo aragonés y contribuyó a expandir muchos lugares de este, especialmente el valle de Ordesa que conoció en 1881. Sus obras contribuyeron a mostrar la necesidad de la creación del Parque Nacional de Ordesa.
Algunos de sus trabajos destacados sobre el Pirineo aragonés nos hablan del macizo de Marboré, la Peña Montañesa, la sierra de Guara, los congostos de Entremont y del río Vero, el valle de Vió, el río Flumen, Brecha de Rolando o Bielsa. Muchos de estos escritos, la mayor parte manuscritos, junto con fotografías de estos lugares (unas 1.600 imágenes), se pueden ver en el Museu d'os Perineus de Lorda. Importante también su libro Bellezas del Alto Aragón (Bellezas del Alto Aragón) publicado en Huesca en 1913 nos cuenta sus exploraciones por Ordesa, el Valle de Aran, Escuain, Bielsa o Mascún.
Murió en 1921.

"Grande Cascade de / Gran cascada de / Great Fall of Gavernie"
Circo de Gavarnie (Pirineos, Francia / Pyrenees, France)
Una grieta en el banco de nieve / A Crevice in the Snow Bank
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Ernst Haas (fotoperiodista y pionero austríaco de la fotografía en color / 
Austrian photojournalist and color photography pioneer)
(fotógrafo, productor de radio, productor de televisión, supervisor musical y actor estadounidense / 
American photographer, radio producer, television producer, music supervisor and actor)


El 3 de Marzo es el cumple de

Floris Michael Neusüss, fotógrafo alemán nacido en 1937 que se convirtió en gran especialista de la técnica del fotograma.
Estudió fotografía en la Escuela de Artes y Oficios de Wuppertal en Renania del Norte-Westfalia y los continúo en la Escuela de fotografía del Estado de Baviera en Múnich. Completó su formación con Heinz Hajek-Halke en 1960 en la Escuela de Arte de Berlín.
Entre 1966 y 1971 fue profesor en la academia de Bellas Artes de Kassel. El fotograma es el eje central de su obra ya que lo afronta desde la triple perspectiva de autor, teórico e historiador, publicando en 1983 el libro Fotogramme. Entre sus trabajos destacan Nudogramm de 1968, que son fotogramas en las que la modelo se situaba sobre el material fotosensible y se le exponía a diferentes luces con el correspondiente procesado químico posterior, Sonnen de 1974 en las que trabaja con la luz solar, o sus obras denominadas «imágenes nocturnas» realizadas por la noche al aire libre y sus «paisajes artificiales» realizados en los años ochenta que se pueden considerar como obras de arte abstracto.
Está considerado como uno de los fotógrafos que han aportado rigor a los trabajos realizados sin el empleo de la cámara fotográfica.

"Nachtbild 63 / Imagen nocturna 63 / Night Image 63"
Impresión a la gelatina de plata / silver gelatin print, 25" x 20 1/2", 1987 
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

František Drtikol (fotógrafo checo / Czech photographer)
Jorge Ontalba (fotógrafo español / Spanish photographer)


El 4 de Marzo es el cumple de

Horace Roye-Narberth, fotógrafo inglés nacido en 1906.
La Crucifixión del mañana de Roye, que representa a una modelo desnuda, con una máscara de gas, clavada en una cruz, causó controversia cuando se publicó en el North London Recorder en agosto de 1938, pero ahora se la considera una fotografía notable para su tiempo.

"La crucifixión del mañana / Tomorrow's Crucifixion", 1938

Como fotógrafo de desnudos, desafió con éxito las leyes de obscenidad de su época.
En 2002, a los 96 años, Roye fue muerto a puñaladas por un intruso en su casa de la kasbah de Rabat, en Marruecos.

"Deborah Kerr", c.1942
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Shin'ya Fujiwara (藤原新也) (fotógrafo japonés / Japanese photographer)
Margrethe Mather (fotógrafa estadounidense / American photographer)


El 5 de Marzo es el cumple de

Étienne-Jules Marey, científico, fisiólogo y cronofotógrafo francés nacido en 1830.
Su trabajo fue significativo en el desarrollo de la cardiología, la instrumentación física, la aviación, la cinematografía y la ciencia del laboratorio de fotografía. Es ampliamente considerado como uno de los pioneros de la fotografía, y un influyente pionero de la historia del cine. También fue un pionero en el establecimiento de una variedad de técnicas gráficas para la visualización e interpretación de los datos cuantitativos de la medición fisiológica.
La escopeta cronofotográfica de Marey fue realizada en 1882. Este dispositivo era capaz de tomar 12 fotogramas por segundo consecutivos, todos grabados en la misma imagen. Utilizando estas imágenes estudió caballos, pájaros, perros, ovejas, burros, elefantes, peces, criaturas microscópicas, moluscos, insectos, reptiles, etc. Algunos lo llaman "zoológico animado" de Marey. También llevó a cabo el famoso estudio sobre los gatos, que siempre aterrizan de pie. Llevó a cabo estudios muy similares con un pollo y un perro y se descubrió que podían hacer casi lo mismo. Marey también estudió la locomoción humana. Publicó otro libro, "Le Mouvement" en 1894.
Murió en 1904.

"Salto con pértiga / Pole Vault", 1890
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Letizia Battaglia (fotógrafa y fotoperiodista italiana / Italian photographer and photojournalist)
Norman Seeff (fotógrafo sudafricano / South African photographer)


Hoy, 6 de Marzo, es el cumple de

Joel Meyerowitz, fotógrafo callejero, retratista y paisajista estadounidense nacido en 1938.
Comenzó a fotografiar en color en 1962 y fue de los primeros defensores del uso del color en una época en que había una resistencia significativa a la idea de la fotografía en color como arte serio. A principios de la década de 1970 se impartió el primer curso de color en la Cooper Union de Nueva York, donde muchos de los fotógrafos de color de renombre de hoy estudiaron con él.
En 1962, inspirado al ver la obra de Robert Frank, Meyerowitz renunció a su trabajo como director de arte en una agencia de publicidad y salió a las calles de la ciudad de Nueva York con una cámara de 35 mm y película en blanco y negro. Garry Winogrand, Tony Ray-Jones, Lee Friedlander, Tod Papageorge y Diane Arbus fotografiaban por allí al mismo tiempo. Meyerowitz fue inspirado por Henri Cartier-Bresson, Robert Frank y Eugène Atget. Ha dicho: "En el panteón de los grandes está Robert Frank y está Atget."
Después de la alternancia entre blanco y negro y color, Meyerowitz "adoptó permanentemente el color" en 1972, mucho antes de la promoción de John Szarkowski en 1976 de la fotografía en color en una exposición de obras del entonces poco conocido William Eggleston. Meyerowitz también cambió en este tiempo al gran formato, utilizando a menudo una cámara de 8 × 10 para producir fotografías de lugares y personas.
Es autor de 16 libros, entre ellos Cape Light, considerada una obra clásica de la fotografía en color.

"Calle de Nueva York / New York City Street", 1964
_____________________________________________________

También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Herman Leonard (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Anatole Saderman (fotógrafo ruso-argentino / Russian-Argentine photographer)


Textos en inglés / English translation

On March 1 is the birthday of

Matthew Russell Rolston, American photographer, director, and creative director born in 1955. He is known for his signature lighting techniques and detailed approach to art direction and design, and has been repeatedly identified throughout his career with the revival and modern expression of Hollywood glamour.
Rolston was "discovered" by Andy Warhol for Warhol's celebrity focused Interview magazine, where he began a successful career in photography. Soon after, he began shooting covers and editorial assignments for founding editor Jann Wenner of Rolling Stone. Shortly, other well-established publications began to recognize Rolston’s work, such as Harper’s Bazaar, Vogue, Vanity Fair, W, GQ, Esquire, Cosmopolitan, O: The Oprah Magazine, and The New York Times.
Extending his vision beyond still photography into the moving image, Rolston began conceiving, writing and directing music videos and television commercials for such diverse clients as Madonna, Janet Jackson, Christina Aguilera, L’Oreal, Revlon, Estée Lauder, Clairol, Levi's, Pantene, Elizabeth Arden, Gap, and Polo Ralph Lauren, among others.
Rolston has also appeared as a guest expert on a spectrum of beauty-oriented broadcast programs, from Bravo's Shear Genius and Make Me a Supermodel to the CW's America's Next Top Model.
Rolston’s career has expanded into areas such as creative direction, experiential design (including hospitality development), branding, product design, new media ventures, fine art and publishing.

On March 2 is the birthday of

Lucien Henri César Briet, writer, photographer and explorer born in Paris in 1860.
He toured the Aragonese Pyrenees and contributed to expand many places in this, especially the valley of Ordesa he met in 1881. His works helped to show the need for the creation of the National Park Ordesa.
Some of his outstanding work on the Aragonese Pyrenees massif speaks us about Marboré massif, the Peña Montañesa, the Sierra de Guara, the gorges of Entremont and the Vero river, the valley of Vio, the Flumen river, the Rolando Gap or Bielsa. Many of these writings, most manuscripts, along with photographs of these places (about 1,600 images), can be seen at the Museu d'os Perineus Lorda. Important also his book Beauties of Alto Aragon published in Huesca in 1913 also tells us his explorations in Ordesa, Aran Valley, Escuain, Bielsa or Mascún.
He died in 1921.

On March 3 is the birthday of

Floris Michael Neusüss, German photographer born in 1937 who became a great specialist in the art of Photogram.
He studied photography at the School of Arts and Crafts in Wuppertal in North Rhine-Westphalia and continued at the School of Photography of the State of Bavaria in Munich. He completed his training with Heinz Hajek-Halke in 1960 at the School of Art in Berlin.
Between 1966 and 1971 he was a professor at the Academy of Fine Arts in Kassel. The photogram is the backbone of his work as it faces from the triple perspective of the author, theorist and historian. In 1983 he published the book Fotogramme. His work includes Nudogramm 1968, which are photograms in which the model was placed on the photosensitive material and exposed to different lights with the corresponding chemical processing later, Sonnen (1974) in which he works with sunlight, or works called "night images" made by the night outdoors and his "artificial landscapes" made in the eighties, that can be considered as works of abstract art.
He is considered one of the photographers who have brought rigor to the work done without the use of the camera.

On March 4 is the birthday of

Horace Roye-Narbeth, English photographer born in 1906.
Roye's photograph Tomorrow's Crucifixion, depicting a nude model wearing a gas mask while pinned to a crucifix caused controversy when published in the North London Recorder in August 1938, but is now a noted photograph of its time. As a photographer of nudes, he successfully contested the obscenity laws of his day.
In 2002 at the age of 96, Roye was stabbed to death by an intruder at his home in the kasbah of Rabat, Morocco.

On March 5 is the birthday of

Étienne-Jules Marey, French scientist, physiologist and chronophotographer born in 1830.
His work was significant in the development of cardiology, physical instrumentation, aviation, cinematography and the science of laboratory photography. He is widely considered to be a pioneer of photography and an influential pioneer of the history of cinema. He was also a pioneer in establishing a variety of graphical techniques for the display and interpretation of quantitative data from physiological measurement.
Marey's chronophotographic gun was made in 1882. This instrument was capable of taking 12 consecutive frames a second, with all the frames recorded on the same picture. Using these pictures he studied horses, birds, dogs, sheep, donkeys, elephants, fish, microscopic creatures, molluscs, insects, reptiles, etc. Some call it Marey’s "animated zoo". Marey also conducted the famous study about cats always landing on their feet. He conducted very similar studies with a chicken and a dog and found that they could do almost the same. Marey also studied human locomotion. He published another book Le Mouvement in 1894.
He died in 1904.

Today, March 6, is the birthday of

Joel Meyerowitz, American street photographer and portrait and landscape photographer born in 1938.
He began photographing in color in 1962 and was an early advocate of the use of color during a time when there was significant resistance to the idea of color photography as serious art. In the early 1970s he taught the first color course at the Cooper Union in New York City where many of today's renowned color photographers studied with him.
In 1962, inspired by seeing Robert Frank at work, Meyerowitz quit his job as an art director at an advertising agency and took to the streets of New York City with a 35 mm camera and black-and-white film. Garry Winogrand, Tony Ray-Jones, Lee Friedlander, Tod Papageorge and Diane Arbus were photographing there at the same time. Meyerowitz was inspired by Henri Cartier-Bresson, Robert Frank and Eugène Atget — he has said "In the pantheon of greats there is Robert Frank and there is Atget."
After alternating between black-and-white and color, Meyerowitz "permanently adopted color" in 1972, well before John Szarkowski's promotion in 1976 of color photography in an exhibition of work by the then little-known William Eggleston. Meyerowitz also switched at this time to large format, often using an 8×10 camera to produce photographs of places and people.
He is the author of 16 books including Cape Light, considered a classic work of color photography.

Juan Canavesi [Dibujo, Escultura]

$
0
0
Juan Canavesi es un interesante artista multidisciplinario argentino con una larga carrera a sus espaldas. Shirley Rebuffo, amiga y habitual colaboradora del blog, tuvo la oportunidad de conocer a Juan en Córdoba, Argentina. Este post es consecuencia de aquél encuentro. En él pueden disfrutar de imágenes de la obra de Canavesi (dibujo y escultura), parte de un texto que el artista ha tenido la amabilidad de preparar (Reflexiones sobre el trabajo de un artista), videos, algunas referencias a destacados escultores argentinos. y también comentarios y fotos de Shirley. A por ello...
Textos en inglés más abajo, marcados con [*] en cada párrafo.

Juan Canavesi is an interesting multidisciplinary Argentine artist with a long career behind him. Shirley Rebuffo, friend and frequent collaborator of this blog, had the opportunity to meet Juan in Cordoba, Argentina. This post is a consequence of that meeting. Here you can enjoy images of some pieces of Canavesi's body of work (drawing and sculpture), part of a text that the artist has been kind enough to prepare - Reflections on the Work of an Artist-, videos, some references on remarkable Argentine sculptors, and also reviews and photos by Shirley. Let's go...
English text below, marked with [*] in each paragraph.
________________________________________________________________

«Para comprender cómo se forman los artistas en Córdoba (Argentina) visitamos la Ciudad de las Artes. Muchas cosas buenas sucedieron en el viaje. Fue bueno saber y compartir con quienes hacen el arte cordobés para el mundo. Fue bueno conocer a Juan Canavesi, artista y personaje a la vez, un dignatario del arte cordobés que te encanta con sus historias.  Pero Juan es mucho más que eso, es una persona con un rico interior que te va mostrando su mundo a medida que habla de su obra con esa melodía de la zona, cuando te invita a sumergirte en la construcción de sus porqués, de sus recuerdos. Te permite conocer el alma de sus personajes que se mueven inflexionados por sus manos entre el dibujo y la escultura.» [1]
Shirley Rebuffo
__________________________________________________________________

Juan Canavesi

Juan Canavesi en casa de la artista / in the house of the artistSara Goldman
Foto / Photo: Shirley Rebuffo

Juan Canavesi nació en Córdoba, Argentina, en 1960. Aquí les dejo sus reflexiones sobre su viaje artístico.

«Con frecuencia se pregunta a los artistas sobre el origen de su vocación o sus primeros contactos con el arte. En mi caso, mi primer vínculo con el arte se dio de manera inconsciente y lúdica siendo niño, creando objetos e inventando juegos con mis amigos. Ya adolescente, entré a un taller de cerámica y después a un grupo de teatro independiente. La primera clase fue la única y me llenó de alegría. Interrumpí por decisión de mi padre y fue muy decepcionante. Todo esto sucedió en los años 60 y a principios de la década de los 70, en Córdoba, Argentina, ciudad donde vivo y trabajo.» [2]

Los atrapados / The Trapped
"Sin título / Untitled", técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 70 x 100 cm., 1988.
Colección privada / Private Collection

Serie “La Equs-Hembra” / The Equs-Female Series
"Sin título / Untitled", sanguina y acrílico sobre papel / sanguine and acrylic on paper, 110 x 74 cm., 1993

«En un viaje a Uruguay, al terminar el secundario, en 1978 (año de dictadura y de Mundial de fútbol en Argentina), descubrí algo que estaba en mí desde siempre y que logré identificar: deseaba crear, trabajar con mis manos, volar hacia mundos imaginarios y, a través de todo ello, despegarme de lo cotidiano. En ese viaje, realicé una visita a Casapueblo, del artista Páez Vilaró, experiencia que actuó como un disparador interno. A mi regreso a Córdoba me inscribí en la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta, (actual Facultad de Arte y Diseño de la Universidad Provincial de Córdoba-UPC), donde en abril de este año cumplo treinta años como docente. Desde entonces, mi vínculo con las artes visuales fue ininterrumpido y marcó mi identidad personal y profesional.
La visita a la casa-taller de Páez Vilaró, a los 17 años, tuvo un fuerte impacto en mí que se manifestó en, al menos, tres aspectos, que de algún modo influyeron en mi desarrollo artístico posterior: el artista que experimenta y transita diversos lenguajes, el arte como forma de vida y la casa-taller como espacio abierto en trasformación permanente.» [3]

Serie "La Corte" / The Court Series
"El sueño del príncipe / The Dream of the Prince"

“AKER” (tríptico / triptych),  lápiz sobre lienzo / pencil on canvas, 150 x 300 cm., 2014

«Los siete años de estudio posteriores en la Escuela de Arte fueron de trabajo, descubrimiento y aprendizaje y entre otras cosas positivas, se dio el encuentro con el escultor Carlos Peiteado (ver más abajo), quién fue mi maestro en escultura y dibujo. Eran años de dictadura militar que dejaron marcas indelebles en mi persona y mi hacer artístico. En 1985, dos años después del retorno a la democracia, presenté mi tesis “Carne Existencial” y al año siguiente de recibirme obtuve una beca del Fondo Nacional de las Artes, lo cual me permitió trabajar en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto De la Cárcova en Buenos Aires, con los escultores Juan Carlos Distéfano y Antonio Pujía,(ver más abajo), destacados artistas argentinos, con quienes pude indagar y experimentar con resina poliéster y bronce.» [4]

"Memorias de un cuerpo / Memories of a Body"
"El Mandato / The Mandate" (detalle / detail), fibrocemento blanco / white fiber cement

Los atrapados / The Trapped
"Sin título / Untitled", dibujo, collage / drawing, collage, 110 x 74 cm, 1987

«A partir de ese momento, mi vida empieza a entrecruzarse con otros lenguajes de producción, ya no sólo con la  escultura y el dibujo. Estos cruces se dieron, en primer lugar, a partir de trabajos escenográficos para obras de danza contemporánea, lo que me llevó a teatros de Argentina, Alemania y España y permitió que mis dibujos se expusieran en galerías de Europa. A finales de los 80, junto al Coreógrafo y bailarín Marcelo Gradassi (ya fallecido), creamos CID, un espacio de producción, investigación y centro de formación de creadores, sin fronteras disciplinarias. Allí se desarrollaron las Bienales CID, los Workshops de Escultura en Papel, los Encuentros de Gráfica Experimental, los Salones de Arte Austero, el Centro del Grabado, etc. Años más tarde, el lugar se transformó en lo que hoy es Antonia, mi casa taller. Con ello, se materializó una de las intuiciones que tuve en 1978, durante mi visita a la Casapueblo de Páez Vilaró.» [5]

Izq./ Left: Serie “Amores corruptos” / Tainted Loves Series
"El Polaco", acrílico y lápiz sobre lienzo / acrylic and pencil on canvas, 150 x 90 cm., 1989
Der./ Right: "El Polaco", fibrocemento y flores / fiber cement and flowers, 1990

Serie “Factus” - "Sin título / Untitled"
Conte pencil and pastel on paper / lápiz conté y pastel sobre papel, 100 x 70 cm., 1984

Serie “La Equs-Hembra” / The Equs-Female Series
"La Polaca", técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 150 x 100 cm., 1993

«Observando el conjunto de mi obra retrospectivamente, puedo concluir que se ha dado un desplazamiento de mi mirada y de mi búsqueda desde el exterior hacia mi universo subjetivo e íntimo. Sin ser necesariamente autobiográficos, mis trabajos están impregnados de vivencias y experiencias personales. La subjetividad situada en un contexto social y cultural determinado –el de Argentina a partir de la década del setenta- tamiza lo social e histórico y lo transmuta en imágenes cuya referencia a la “realidad” inmediata es indirecta. Tanto en lo formal como en su contenido, mi obra se mantiene alejada de la representación de lo próximo y cotidiano, de lo local, lo parroquial y costumbrista.» [6]

"La Polaca", escultura / sculpture, Foto / Photo: Gustavo Soler y Javier Cervantes

"La Polaca", escultura, vista parcial / sculpture, partial view

«Tanto en mis dibujos como en mis esculturas, el cuerpo, la corporeidad humana, siempre ha sido el objeto de experimentación y expresión del que me he valido para manifestar mis desilusiones, enojos, amores y desamores, encuentros y desencuentros, así como, de manera indirecta, la relación entre el mundo “objetivo” y su representación.
El cuerpo es el gran protagonista, o dicho con más precisión, distintas representaciones del mismo. Lo utilizo como medio de expresión de múltiples significados, los que no son fijos, ni mantienen un estilo único de representación. Hago uso de recursos plásticos variados, incorporo y combino flexibilidad, desinhibición expresiva, espíritu crítico y entrecruzamientos de técnicas y lenguajes artísticos.» [7]

Serie “La Equs-Hembra” / The Equs-Female Series
"La equilibrista / The Equilibrist", técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 150 x 100 cm., 1993

"Los probadores de miriñaques / The Crinolines Testers"
Sala de Exposiciones Ernesto Farina Ciudad de las Artes, Córdoba, abril 2014 /
Ernesto Farina Exhibition Hall, City of Arts, Córdoba, April, 2014

«Lo animal en lo humano es recurrente en mi obra. En las series Equs-hembra (1993) y Aker (2014), la más reciente, utilizo imágenes que comparten formas humanas y animales (equinos y carneros) -siempre vigorosos- que representan fuerzas básicas. Asimismo, la apelación a la animalidad está presente en los dibujos de los cuerpos masculinos de Factus, mi primera serie de dibujos (1984). Aunque pueden ser vinculadas a representaciones mágico-religiosas de distintas cosmovisiones milenarias, no son imágenes mitológicas en sentido estricto, ni centauros, ni machos cabríos. En todo caso, constituyen representaciones actuales, más referidas a la mitología propia de mi universo personal que a tradiciones culturales arcaicas. Esta fusión de lo humano con la animalidad es un recurso que utilizo para recordar a quien accede a ellas, la presencia en lo humano, de rasgos elementales y fuerzas emocionales subyacentes, con frecuencia reprimidas y socialmente condenadas.» [8]

Serie “Los Pozos” / The Wells Series
"Sin título / Untitled", lápiz carbón y acrílico sobre lienzo / charcoal and acrylic on canvas, 100 x 70 cm., 1987

Serie “Studio per un omaggio” 
"El aprendiz de vuelo / The Flight Apprentice", sanguina sobre lienzo / sanguine on canvas, 100 x 100 cm., 1998

"El solo / The Lonely", caemento / concrete

«Un momento importante y de giro en mi carrera se dio en el año 2000, a partir de un viaje a la State University of New York at New Paltz. Junto a otros 17 artistas argentinos seleccionados por Gráfica Contemporánea de Buenos Aires, trabajamos en nuestros respectivos proyectos personales, utilizando la técnica de serigrafía fotográfica en instalación.
Esta experiencia y perfeccionamiento en técnicas gráficas hizo que, al regresar a mi país, comenzara a experimentar con las técnicas serigráficas en instalaciones, lo que dio lugar a obras y series como “Ex Voto en Rojo” y “Pleamar” (obra participativa de ambientación a ras de suelo)» [9]

Serie “Amores corruptos” / Tainted Loves Series
"Adquisición de status / Acquisition of status"
Acrílico y lápiz sobre lienzo / acrylic and pencil on canvas, 150 x 90 cm., 1989

Serie “Studio per un omaggio” 
"Sábana roja / Red Blanket", sanguina sobre lienzo / sanguine on canvas, 150 x 100 cm., 1998

«Después de mi retrospectiva “Dibujos 1984-2014” cerré una etapa de treinta años de trabajo y volví a jugar de nuevo, como aquel niño que fui. Antonia, mi taller -cuyo nombre elegí en homenaje póstumo a mi madre- se transforma día a día en un laboratorio donde experimento y buceo en un mar de ideas, objetos y materiales, buscando nuevas formas de expresión que sirven de alimento a la nueva etapa que transito. De este modo, renuevo cotidianamente mi deseo de continuar trabajando, cada vez que me enfrento a un lienzo en blanco o a la materia que reclama ser transformada para dar nacimiento a una nueva obra de arte.» [10]
Córdoba, febrero de 2016.

Los atrapados / The Trapped
"Sin título / Untitled", dibujo, collage / drawing, collage, 110 x 70 cm, 1987

Serie “Los Pozos” / The Wells Series
"Sin título / Untitled", lápiz carbón y acrílico sobre lienzo / charcoal and acrylic on canvas, 100 x 70 cm., 1987

"Tesis / Thesis"
Escuela Provincial de Bellas Artes / Provincial School of Fine Arts“Dr. José Figueroa Alcorta”
Córdoba, Argentina

El cuerpo y la carne.
«Busco la incompletitud del cuerpo, el desgarro y el dolor de la carne, la indefinición y la indeterminación sexual – la animalidad.
Busco un cuerpo dolorido y lacerado que lucha por vivir.
Torsión, tensión, distorsión, equilibrio aparente e inestable.
Busco en el interior de un cuerpo sometido, decadente e incompleto – ausente.
Elimino la cabeza, los brazos y las manos, me quedo con el torso, las piernas y sus pies.
Dibujo sobre papel, cualquier papel con carbón o lo que tengo.
Sueldo el metal, el hierro, la chapa oxidada y objetos encontrados: mi primer material de investigación y lo desecho.
Modelo la cera, la estiro con mis manos, la corto y la pego con calor a estructuras de cobre. Elijo la cera por su color, textura, olor y plasticidad. Continúo indagando.
Descubro la resina poliéster, investigo forzando el material, experimento con cargas sólidas y líquidas, indago con el color, la transparencia, la textura y su ductilidad. Busco en el cobre representar estructuras óseas, lo achato, lo marco, lo doblo, lo sueldo y lo ensamblo a carcasas de resina poliéster.
Sigo buscando el cuerpo y la carne.» [11]

Los atrapados / The Trapped
"Sin título / Untitled", dibujo, collage / drawing, collage, 110 x 74 cm, 1987

Serie “La Equs-Hembra” / The Equs-Female Series
"Tía Ana en el carnaval de Venecia / Aunt Ana in the Venetian Carnival"
Técnica mixta sobra lienzo / mixed media on canvas, 150 x 100 cm., 1993
______________________________________________________________

Fuentes / Sources:
* Sitio web del artista / Artist's website
* Reflexiones sobre el trabajo de un artista, de /
Reflections on the Work of an Artist, by Juan Canavesi, 2006
______________________________________________________________

Imágenes y textos publicados con autorización del artista (¡Muchas gracias, Juan!)
Y por supuesto gracias a Shirley Rebuffo, por el contacto, material, textos...
Images and text published here with artist's permission (Thanks a lot, Juan!)
And of course thanks to Shirley Rebuffo, for the contact, material, texts...

Más imágenes e información sobre Juan en / More images and information about Juan in:



Algunos videos (más en Youtube y sitio web del artista) / Some videos (more in Youtube and artist's website)

Entrevista de zona centro para Canal (a) / Interview by Zona Centro for Channel (a)


_________________________________________________________________

Juan habla sobre su obra en y la muestra de dibujos en Ciudad de las Artes
Sala de Exposiciones Ernesto Farina
Juan talks about his work and the exhibition of his drawings in the City of Arts
Exhibition Hall Ernesto Farina


_________________________________________________________________

Informe del programa de televisión .Córdoba.ar, emitido el 18 de agosto de 2012 por Canal 10 de Córdoba.
Juan habla sobre la creación de su taller Antonia.
TV report in the program .Córdoba.ar, broadcasted on August 18, 2012 by Channel 10, Córdoba.
Juan talks about the creation of his workshop Antonia (in Spanish)





Algunas referencias / Some References

Carlos Peiteado


Carlos Peiteado es un artista argentino nacido en la ciudad de Córdoba en 1935.
Desde 1958 ha participado en numerosas muestras colectivas en Argentina y otros países, y ha realizado 20 exposiciones individuales.
Peiteado se mueve tanto en el terreno de la escultura, como el dibujo, la pintura y el grabado.

Izq./ Left: "La gran ciudad / The Big City" - Der./ Right: "Los Pozos 2 / The Wells 2"

"Las arrojadas al río / The Thrown Into the River" (dibujo / drawing)

Carlos Peiteado is an Argentine artist born in the city of Cordoba in 1935.
Since 1958 he has participated in numerous group exhibitions in Argentina and other countries, and has made 20 solo exhibitions.
Peiteado moves in the field of sculpture, but also drawing, painting and engraving.

Izq./ Left: "Figura Monumental 1 / Monumental Figure 1"
Der./ Right: "Figura con pájaro / Figure with Bird"
________________________________________________________________

Juan Carlos Distéfano


Juan Carlos Distéfano es un escultor argentino nacido en Buenos Aires en 1933.
Entre 1960 y 1970 fue director gráfico del Centro de Artes Visuales del Instituto Di Tella. A partir de 1968 se dedica a la escultura.
Casado con la escritora y dramaturga Griselda Gambaro, tuvo que exiliarse debido a la prohibición de la novela de su mujer «Ganarse la muerte» por la dictadura militar argentina. Vivió en España entre 1977 y 1980.
En 1982 ganó el Premio Konex de Platino a la escultura figurativa, y en 1992 recibió el Konex de Brillante como la personalidad más relevante de las Artes Visuales en la última década en Argentina.

"Ícaro II / Icarus II", 1978. Imagen / Image

"El mudo / The Mute", modelado vaciado / casting, 75 x 80 x 102 cm., 1973.
Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) (Buenos Aires, Argentina)

Juan Carlos Distefano is an Argentine sculptor born in Buenos Aires in 1933.
Between 1960 and 1970 he was art director of the Center for Visual Arts, Di Tella Institute. From 1968 he dedicated to sculpture.
Married to writer and playwright Griselda Gambaro, he was exiled because of the ban on the novel by his wife "Winning death" by Argentina's military dictatorship. He lived in Spain between 1977 and 1980.
In 1982 he won the Konex Platinum Award to figurative sculpture, and in 1992 received the Diamond Konex as the most important personality of Visual Arts in the last decade in Argentina.

"La urpila en Buenos Aires", 2010. Imagen / Image
____________________________________________________________

Antonio Pujía

Antonio Pujia en su estudio / in his atelier, Nov., 2005

Antonio Pujia es un escultor ítalo-argentino nacido en Polia, Calabria, en 1929. En su obra trabaja tanto bronce, como plata, oro y también mármol.
Llegó a Buenos Aires en 1937, y adquirió la nacionalidad argentina varios años después.
Se formó con Alberto Lagos, Troiano Troiani, Alfredo Bigatti, José Fioravanti y Rogelio Yrurtia, entre otros.
Recibió el título de profesor nacional de escultura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y el de profesor superior de escultura en la Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova.
Ejerció la docencia en las escuelas Pueyrredón, de La Cárcova y Belgrano y también en su propio taller-escuela durante más de treinta años. En 1956, tras ganar un concurso convocado por Héctor Basaldúa, organizó el taller de escultura escénica del Teatro Colón, del que fue jefe hasta 1970, año en que renunció al cargo para dedicarse de lleno a la escultura artística. En 1965 realizó su primera exposición individual en la Galería Witcomb.

"Arpa y sicuri / Harp and Sicuri", bronce / bronze, 15 x 7 x 3 cm., 1970

"La columna de la vida / The Column of Life"
Mármol de Carrara / Carrara marble, 200 x 70 x 70 cm., 1968
En la Plaza Velez Sarfield de la Ciudad de Buenos Aires desde 1982 /
at Velez Sarfield Square, Buenos Aires, since 1982

Antonio Pujía is an Italian-Argentine sculptor born in Polia, Calabria, in 1929. He works with bronze, silver, gold and marble.
He arrived in Buenos Aires in 1937, and acquired Argentine citizenship several years later.
He was trained with Alberto Lagos, Troiano Troiani, Alfredo Bigatti, José Fioravanti and Rogelio Yrurtia, among others.
He received the title of national teacher of sculpture at the National School of Fine Arts Prilidiano Pueyrredón and professor of sculpture at the Fine Arts National School Ernesto Cárcova.
He taught in the schools Pueyrredon, La Cárcova and Belgrano and also in his own workshop-school for over thirty years. In 1956, after winning a contest organized by Hector Basaldúa he organized the workshop scenic sculpture at Teatro Colon, of which he was chief until 1970, when he resigned to devote himself to artistic sculpture. In 1965 he held his first solo exhibition at the Gallery Witcomb.

"Sin título / Untitled", mármol / marble, 64 x 37 x 14 cm., 2015

Más sobre Pujía en "El Hurgador" / More about Pujía in this blog:
[Aniversarios (XX)]



Textos en inglés / English Translation

[1]
"To understand how artists are trained in Cordoba (Argentine) we visited the City of Arts. Many good things happened on the trip. It was good to know and share with those who do art from Cordoba to the world. It was good to meet Juan Canavesi, artist and character at a time, a dignitary of the art of Cordoba that captivates you with his stories. But Juan is much more than that, is a person with a rich interior that shows his world as he speaks about his work with that local tune, when he invites you to immerse yourself in the construction of his whys, his memories. He lets you know the soul of his characters moving inflected by his hands between drawing and sculpture. "

[2]
Juan Canavesi was born in Córdoba, Argentine, en 1960. Here you have his reflections on his artistic journey.

«Very often people ask artists about the origin of their vocation or their first contact with art. In my case, my first link with art, happened when I was a child, in an unconsciously and playful way, creating objects and inventing games with my friends. As a teenager, I went to a pottery workshop and then a group of independent theater. The first class was the only and filled me with joy. I interrupted due to my father's decision and was very disappointing. All this happened in the '60s and the early 70s, in Cordoba, Argentina, where I live and work.»

[3]
«During a trip to Uruguay, finished high school, in 1978 (year of dictatorship and World Cup in Argentina), I discovered something that was in me forever and I managed to identify: I wanted to create, work with my hands, fly to imaginary worlds and through all this, detach from the everyday. On that trip, I made a visit to Casapueblo, owned by the artist Paez Vilaró, an experience that acted as an internal trigger. On my return to Cordoba I enrolled in the School of Fine Arts Dr. José Figueroa Alcorta, (now Faculty of Art and Design of the Provincial-UPC Córdoba University), where in April this year I celebrate thirty years as a teacher. Since then, my relationship with the visual arts was uninterrupted and marked my personal and professional identity.
The visit to his house and workshop of Paez Vilaró, at age 17, had a strong impact on me that manifested in at least three ways, that somehow influenced my later artistic development: the artist who experiences and travels different languages, art as a way of life and as an open house and workshop space in permanent transformation.»

[4]
«The next seven years of study at the School of Art were working, discovery and learning among other positive things, it took place the meeting with the sculptor Carlos Peiteado (see below), who was my teacher in sculpture and drawing. They were years of military dictatorship that left indelible marks on me and my art making. In 1985, two years after the return to democracy, I presented my thesis "Carne Existencial" and the following year after my graduation I got a grant from the National Endowment for the Arts, which allowed me to work at the School of Fine Arts Ernesto De la Cárcova in Buenos Aires, with the sculptors Juan Carlos Distefano and Antonio Pujía (see below), prominent Argentine artists with whom I explored and experimented with polyester resin and bronze.»

[5]
«From that moment on, my life began to interbreed with other languages of creation, not only with sculpture and drawing. These crosses were given, first, from scenographic works for works of contemporary dance, which led me to theaters in Argentina, Germany and Spain and allowed my drawings were exposed in galleries in Europe. In the late 80s, together with the choreographer and dancer Marcelo Gradassi (now deceased), we create CID, a production, research and training center for creators, without disciplinary boundaries. There took place the CID Biennials, the Paper Sculpture Workshops, Meetings of Experimental Graphics, the Halls of Austere Art, Centre for Engravings, etc. Years later, the place was transformed into what is now Antonia, my home workshop. With this I  materialized one of the insights I had in 1978, during my visit to the Casa Pueblo Paez Vilaró.»

[6]
«Looking back to my whole body of work, I can conclude that there has been a displacement of my gaze and my search from outside to my subjective and intimate universe. Not being necessarily autobiographical, my works are imbued with experiences and personal experiences. Subjectivity located in a particular social and cultural context - that of Argentina from the early seventies - sifts the social and historical and transmuted into images whose immediate reference to "reality" is indirect. Both in form and content, my work is kept away from the representation of the near and everyday, local, parochial and costumbrist.»

[7]
«Both in my drawings and my sculptures, body, human corporeality, has always been the object of experimentation and expression that I have used to express my disappointment, anger, loves and hates, meetings and disagreements, and so indirectly, the relationship between the "objective" world and its representation.
The body is the protagonist, or, more accurately, different representations of the same. I use it as a means of expression of multiple meanings, which are not fixed, nor maintain a unique style of representation. I use various plastic resources, incorporate and combine flexibility, expressive disinhibition, critical spirit and crosslinks techniques and artistic languages.»

[8]
«Animality in humanity is recurrent in my work. In Equs-female (1993) and Aker (2014), the most recent series, I use images that share human and animals forms (horses and sheep) -always vigorous- representing basic forces. Also appeal to animality is present in the drawings of male bodies in Factus, my first series of drawings (1984). Although they can be linked to magical-religious world views of various ancient representations are not strictly mythological images, or centaurs, or goats. In any case, current representations are more referred to the mythology of my own personal universe that archaic cultural traditions. This fusion of the human and the animal is a resource I use to remember who access them, the presence in the human, elemental forces underlying emotional traits, often repressed and socially condemned.»

[9]
«An important and turning point in my career came in 2000, after a trip to the State University of New York at New Paltz. Along with 17 other Argentine artists selected by Contemporary Graphic Buenos Aires, we worked in our respective personal projects, using the technique of photographic serigraphy in installation.
Back in my country, thanks to this experience and improvement in graphical techniques I began experimenting with silk-screening techniques in installations, which resulted in works and series like "Ex Voto in Red" and "High Tide" (participatory work of setting at ground level)»

[10]
«After my retrospective "Drawings 1984-2014" I closed a period of thirty years of work and started playing again, as that child I was. Antonia, my workshop whose name I chose posthumous tribute to my mother is transformed daily into a laboratory where I experiment and dive into a sea of ideas, objects and materials, seeking new forms of expression that serve as food for the new stage I transit. Thus, every day I renew my desire to continue working, every time I face a blank canvas or matter that claims to be transformed to give birth to a new work of art.»
Córdoba, February 2016

[11]
Flesh and Body
«I'm looking incompleteness of the body, tearing and pain of the flesh, the indefiniteness and sexual indeterminacy - animality.
I am seeking a sore and lacerated body that fight to live.
Torsion, tension, distortion, apparent and unstable equilibrium.
I am looking inside of a submitted, decadent and incomplete body - absent.
I remove the head, arms and hands, I keep the torso, legs and feet.
I draw on paper, any paper with charcoal or what I have.
I weld metal, iron, rusty metal sheet and found objects: my first research material, and I discard it.
I model wax, I stretched it out with my hands, I cut it and merge it with heat to copper structures. I choose the wax by its color, texture, smell and plasticity. I continue investigating.
I discover polyester resin, I investigate forcing the material, I experiment with solid and liquid cargo, I investigate with color, transparency, texture and ductility. I intend to represent bone structures with copper, I flatten it, mark it, fold it, weld it and assemble it with frameworks of polyester resin.
I'm still looking for the body and flesh.»

Pintando perros / Painting Dogs (XLV)

$
0
0
Boris Mikhaylovich Kustodiev
Борис Михайлович Кустодиев

Boris Kustodiev (Борис Михайлович Кустодиев), pintor y escenógrafo ruso nacido en 1878 en Astrakán. Murió en 1927.
Ya he publicado algunos de sus trabajos en posts previos (ver más abajo). A ellos me remito para más imágenes e información. Aquí sus pinturas con perro.

"Портрет Федора Шаляпина / Retrato de / Portrait of Fyodor Chaliapin"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99 x 80 cm., 1922
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

Por aquél entonces, el cantante de ópera Fyodor Chaliapin estaba preparándose para interpretar la ópera de Alexander Serov "La fuerza del mal" en el antiguo teatro Mariinsky. Invitó a Boris Kustodiev a crear arte para la representación.
El levantamiento causado por las Revoluciones de Febrero y Octubre, y la Guerra Civil Rusa llevaron a que en las ciudades se viviera en condiciones desesperantes. La moneda se devaluó, y el teatro no tenía dinero para pagar a Chaliapin por su representación. En su lugar, el teatro le ofreció un rico abrigo de piel, cogido de unos depósitos soviéticos que contenían objetos confiscados a los ricos durante la revolución.
Chaliapin se puso el abrigo en una visita a Kustodiev para invitarlo a diseñar obras de arte para la representación. En aquél momento Kustodiev estaba enfermo y no podía caminar. Cuando Kustodiev se enteró de la historia del abrigo, confiscado a su antiguo dueño, anunció su intención de pintar un retrato de Chaliapin vistiéndolo. Así comenzo una obra doble: Chaliapin llevó a Kustodiev al teatro para trabajar en el escenario, y Kustodiev pintó el retrato de Chaliapin en casa.
El gobierno soviético había asignado tan sólo una pequeña habitación a Kustodiev, y no había espacio suficiente para pintar un sólo lienzo. En cambio, Kustodiev lo pintó en partes. Chaliapin hablaba mientras posaba, y a veces cantaban juntos. 
El retrato es típico del estilo de Kustodiev, y en el fondo se representa una festividad, concretamente la de tradición rusa de Maslenitsa.
Kustodiev incluyó en la escena al perro favorito de Chaliapin.

"Портрет Федора Шаляпина / Retrato de / Portrait of Fyodor Chaliapin" (detalle / detail)

At this time the opera singer Feodor Chaliapin was preparing to perform in Alexander Serov's opera The Power of the Fiend in the former Mariinsky Theatre. He invited Boris Kustodiev to create artwork for the performance.
The upheaval caused by the February and October Revolutions and the Russian Civil War led to desperate conditions in the cities. The currency was devalued and there was no money for the theatre to pay Chaliapin for his performance. Instead the theatre offered Chaliapin a rich fur coat, taken from a Soviet warehouse containing items confiscated from rich people during the revolution.
Chaliapin wore the coat on a visit to Kustodiev to invite him to design artworks for the performance. Kustodiev was ill at the time and was unable to walk. When Kustodiev learned of the coat’s history, confiscated from its previous owner, he announced his intention to paint a portrait of Chaliapin in this coat. Thus began a double work: Feodor Chaliapin brought Kustodiev to the theatre to work on the stage scenery, and Kustodiev painted Chaliapin's portrait at home.
The Soviet government had allocated only a small room to Kustodiev, and there was not enough space to work on a single canvas. Instead Kustodiev painted it in parts. Chaliapin talked about himself as he posed, and at times they sang together.
The Portrait of Chaliapin is typical of Kustodiev's style, and is set against a background of festivity, specifically the Russian traditions of Maslenitsa.
Kustodiev included in the scene Chaliapin’s favourite dog.

"Портрет Ю.Е. Кустодиевой / Retrato de / Portrait of Yulia Yevstafievna Kustodieva"
Esposa del artista / the artist's wife, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 139 x 133 cm., 1903
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)

Boris Kustodiev (Борис Михайлович Кустодиев), Russian painter and stage designer born in 1878 in Astrakhan. He died in 1927.
I've published before some of his works in previous posts (see below). I refer to it for more images and information. Here his paintings with dogs.

"Портрет Ирины Кустодиевой с собакой Шумкой / Retrato de Irina Kustodiev con el perro Shumka / 
Portrait of Irina Kustodiev with the dog Shumka", 1907

"Портрет доктора С.Я.Любимова с собакой / Retrato del Dr. S. Y. Lyubimov con perro / 
Portrait of Dr. S. Y. Lyubimov with dog", 1905

"Купеческий двор / Patio de comerciantes / Merchant's Yard", 1921

Más sobre Kustodiev en "El Hurgador" / More about Kustodiev in this blog:


Francis-Marie Martínez Picabia

"Basket", óleo sobre panel / oil on panel, 50 x 39 cm., 1936-38. Colección privada / Private Collection

Francis-Marie Martínez Picabia fue un pintor vanguardista francés de origen cubano nacido en 1879. Murió en 1953.
Como le comentaba recientemente a mi colega Olga, es un artista a quien tengo mucho cariño, ya que pintó la primera obra de arte no figurativo que me gustó (Udnie, jeune fille américaine), y que publiqué hace ya unos años.
Picabia transitó por el impresionismo, el cubismo, el fauvismo, el orfismo, el dadaísmo, el surrealismo y el arte abstracto, y en muchas de sus obras aparecen perros. Aquí les dejo algunas.

"Mujeres y bulldog / Women and Bulldog", 1942. Centre Pompidou (París, Francia / France)

Picabia siempre se sintió fascinado por la imaginería popular, utilizándola a veces como medio para socavar la grave seriedad y preocupaciones formales del arte moderno. En esta obra, parte de una notoria serie de desnudos realistas y eróticos que pintó a principios de la década de 1940, utilizó pinups de las revistas de los años '30. Aunque muchos creen que la pintó por dinero (se vendieron a través de un agente en Argel), sus amigos cercanos han sostenido que Picabia siempre pintaba lo que quería y que no deben considerarse como anomalías en su carrera. Los curadores de posguerra a menudo las dejaban de lado, ensalzando la pintura de Picabia de sus años Dada, aún cuando desde los '80 tales imágenes fueron una importante influencia en artistas que van desde David Salle hasta John Currin, quienes estaban fascinados por su forma de abrazar el kitsch.

Picabia always had a fascination with popular imagery, often employing it as a means to undermine the grave seriousness and formal concerns of modern art. In this painting, part of a notorious series of realistic and erotic nudes that he painted in the early 1940s, he used pin-ups from 1930s "nudie" magazines. Though many believe they were painted for money (they were sold through an agent in Algiers), his close friends have maintained that Picabia always painted what he wanted and that they cannot be dismissed as anomalies in his career. Curators after the war often did put them aside in favor of celebrating Picabia's Dada years, yet since the 1980s these pictures have been an important influence on artists ranging from David Salle to John Currin, who have been fascinated by their embrace of kitsch.

"Chien de cirque / Perro de circo / Circus Dog"
Carboncillo, acuarela, tiza y lápiz sobre papel / charcoal, watercolor, chalk and pencil on paper, 16 x 24 cm

"Têtes de Chiens / Cabezas de perros / Heads of Dogs"
Tiza negra, acuarela y grafito sobre papel / black chalk, watercolor and graphite on paper, 1926

Francis-Marie Martinez Picabia was a French avant-garde painter of Cuban origin born in 1879. He died in 1953.
As I recently told my colleague Olga, is an artist whom I have great affection, as he painted the first non-figurative work of art that I liked (Udnie, jeune fille américaine). I published it a few years  ago.
Picabia transited by Impressionism, Cubism, Fauvism, Orphism, Dadaism, Surrealism and Abstract Art, and in many of his works appear dogs. Here you have some of them.

"Dresseur d'animaux / Entrenador de animales / Animal Trainer"
Ripolin sobre tela / Ripolin on canvas, 250 x 200 cm., 1923

"La femme au chien / Mujer con perro / Woman with a Dog"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 68,5 x 94 cm. Galerie Piltzer

Más sobre Picabia en "El Hurgador" / More about Picabia in this blog:

Más imágenes e información sobre Picabia en / More images and information about Picabia in:


Nicolas V. Sanchez

Bolígrafos de color / colored ballpoint pen, 5" x 7", 2015

Si bien estos trabajos del artista estadounidense Nicolas Sanchez no son pinturas, ya que están realizados con bolígrafos de color sobre papel y cuadernos de bocetos, casi que lo parecen. Su calidad técnica es exquisita y no me pude resistir a incluirlos en esta serie.
Son todos trabajos por encargo.
Para más imágenes e información sobre Nicolas, me remito al post previo.

"Frisbee", bolígrafos de color / colored ballpoint pen, 5" x 7", 2015

"Truman", bolígrafos de color / colored ballpoint pen, cada uno / each 5" x 7", 2015

While these works by American artist Nicolas Sanchez are not paintings because they are made with colored ballpoint pens on paper and sketchbooks, almost it seems. Its technical quality is exquisite and I could not resist including them in this series.
All of them are commisioned works.
For more images and information about Nicolas, I refer to the previous post.

Bolígrafos de color / colored ballpoint pen, 5" x 7", 2015

Bolígrafos de color / colored ballpoint pen, 5" x 7", 2015

Más sobre Nicolas en "El Hurgador" / More about Nicolas in this blog:


Bruno Bobak

Bruno Bobak fue un pintor y profesor de arte canadiense de origen polaco nacido en 1923. Su medio preferido fue la acuarela. Murió en 2012.
Me remito al post en el que celebramos su aniversario para más información.

"Anny y un perro / Anny and Dog", óleo sobre panel / oil on board, 5" x 7"

Bruno Bobak was a Polish-born (1923) Canadian war painter and art teacher. His medium was watercolour painting. He died in 2012.
I refer to the post in which we celebrate his birthday for more information.

Más sobre Bobak en "El Hurgador" / More about Bobak in this blog:


Saturno Buttò

"Ecce Ancilla Domini", óleo sobre tabla / oil on wood, 185 x 120 cm., 2014

Otro artista de cuyo trabajo disfrutamos recientemente en el blog, el italiano Saturno Buttò. Esta es su obra con perro.

Another artist whose work we recently enjoyed in the blog, the Italian Saturno Butto. This is his painting with dog.

Más sobre Buttò en "El Hurgador" / More about Buttò in this blog:

Más imágenes e información sobre Buttò en / More images and information about Buttò in:
Websitefacebook


Alex Stevenson Díaz

"¿Y quién es esa mujer? / And who is that woman?", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2010

Alex Stevenson Díaz, nació en Codazzi, Cesar, Colombia el 2 de marzo de 1962, viviendo desde muy niño en Barranquilla.
Artista plástico colombiano que desde muy pequeño demostró sus dotes artísticas, estudió Publicidad y diseño publicitario en la Universidad Litoral de Barranquilla en 1990. Realizó estudios de Escultura, vitral, dibujo y pintura. Expuso en el Concejo de Bogota (Bogota 2008), Universidad los Libertadores, (Bogota 2007), Taller de Artes Claudia Olano (Bogota 2005) y Hotel Puerta del Sol, (Barranquilla 2002).



Alex Stevenson Diaz, born in Codazzi, Cesar, Colombia on March 2, 1962, living since childhood in Barranquilla.
Colombian artist who from an early age showed his artistic talents. He tudied advertising and advertising design at the Litoral University of Barranquilla, 1990. He studied sculpture, stained glass, drawing and painting. He exhibited in the Council of Bogota (Bogota 2008), Libertadores University, (Bogota 2007), Claudia Olano Arts Workshop (Bogota 2005) and Hotel Puerta del Sol (Barranquilla 2002).


Viewing all 2069 articles
Browse latest View live