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Robert Farber [Fotografía]

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Hermosas fotografías de Robert Faber, con una atmósfera especial, delicadeza exquisita y un marcado carácter pictorialista, Robert saca partido del azar, la improvisación y la espontaneidad para construir imágenes fotográficas que a menudo parecen pinturas. Les dejo una muestra de sus desnudos. Próximamente un nuevo post repasando el resto de su obra.

Beautiful photographs of Robert Farber, with a special atmosphere, exquisite delicacy and a strong pictorial character, Robert takes advantage of chance, improvisation and spontaneity to build photographic images that often look like paintings. Here you have a selection his nudes. Soon a new post reviewing the rest of his work.
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Robert Farber


Robert Farber es un fotógrafo estadounidense nacido en 1944 en Newark, Nueva Jersey.
Su interés en la fotografía comenzó cuando era muy joven. Su madre era pintora, y le animó a hacer su propio "estudio artístico" en el sótano. Allí trabajaba con óleos, acuarelas y dibujaba.
Mientras estaba en el colegio, Farber mantuvo su ambición de trabajar algún día en las artes, y describe así como recibió su inspiración inicial para dedicarse a la fotografía.
«Un día estaba caminando por Miami Beach y vi una mujer muy grande, vistiendo el bikini más pequeño que he visto en mi vida, sentada en la playa, tejiendo. Pensé "desearía tener una cámara". Y súbitamente vi la fotografía como una forma de capturar un momento para contar una historia. Ese pensamiento siguió en mi cabeza, y al salir del colegio compré mi primera cámara, una Petri de 35mm SLR. No soy una persona técnica; a menudo cometo errores como cambiar los colores y el granulado de las imágenes. Pero he comprendido que esos errores hacen que mis fotografías se parezcan mucho a pinturas.»

"Valorie en el sofá / on the Couch", 1996 © Robert Farber

"En las columnas / At the Columns", 1990 © Robert Farber

Jacqueline Kennedy Onassis llevó a Farber a Doubleday para la publicación de su libro "Cerca del mar", que ganó el premio Art Director de fotografía en color. Además de numerosos premios creativos, también recibió el de Fotógrafo del Año de PMA (Photographic Manufacturers Association), el premio internacional ASP de la PPA (Professional Photographers of America) y la Sociedad Estadounidense de Fotógrafos. Este premio se otorga a quienes han hecho una contribución significativa a la ciencia de la fotografía. Algunos de los otros receptores de esta distinción incluyen al Dr. Edwin Land (inventor de la Polaroid), George Hurrell y National Geographic.

"Mirando / Seeing Montana", 1992 © Robert Farber

"En el baño / At the Bath"© Robert Farber

La participación de Farber en Internet comenzó en 1994 con Farber.com, una galería virtual de su obra. Debido a su popularidad, Farber creó lo que hoy es Photoworkshop.com, que se ha convertido en la forma más exitosa e inusual para aprender fotografía en Internet (2 millones de páginas vistas al mes), una comunidad interactiva en 3-D de fotógrafos de todo el mundo. Photoworkshop.com es patrocinado y respaldado por algunas de las empresas más prestigiosas y organizaciones de fotografía.

"Dos en una roca / Two on a Rock"© Robert Farber

«Algunas imágenes no son visualmente suaves, pero sí lo son en cuanto a su ambiente. La suavidad no tiene que ser una cosa técnica. Es parte de un estilo: el estado de ánimo de una modelo, el entorno, el sentimiento, la tranquilidad de la imagen. Mi idea sobre el foco suave es que hay algo que se ve bien, pero no sabes exactamente qué es.»

«Si sientes que vas a crear una imagen por un filtro o técnica particualr, entonces vas por el mal camino en tu proceso mental. La fotografía tiene que ser creada desde tu interior. El tipo de película y accesorios que utilizas deberían ser tan sólo una ayuda para la historia o emoción que quieres que la imagen contenga.»

"Desnudo en un manantial de azufre, Toscana, Italia / Nude at Sulfur Spring, Tuscany, Italy", 2006 © Robert Farber

"Cuerpos entrelazados / Bodies Entwined"© Robert Farber

«En muchos casos, cuando estoy fotografiando cosas, encuentro viñetas, detalles u otras imágenes. Lo que me place es andar por ahí, mirando por mi cuenta, sin tener que responder ante nadie. Con el trabajo comercial estás respondiendo a otras personas, haciendo que las modelos se sientan a gusto, es lo que tienes. De esta manera voy a mi aire, sin asistente, no tengo que responder a los modelos, no tengo que responder a otras personas, camino por ahí con la cámara, simplemente relajado, mirando. Incluso cuando estoy haciendo fotografía comercial, siempre encuentro tiempo para hacer obra por mí mismo en paralelo. Lo hago donde pueda. Me gusta componer con cosas a las que la gente no presta atención. Lo recreo tal como lo veo. Aíslo la imagen. La portada de mi libro "Por el mar", con el barco rojo y el muelle. ¿Cuánta gente se lo pasó por por alto? Sin embargo, si lo compones de una cierta manera, se convierte en un trabajo gráfico interesante.»

"Bonni en el suelo / on the Floor", 1990 © Robert Farber

«Por supuesto, muchas imágenes potentes son técnicamente perfectas, pero eso no es lo que las hace grandes. Si lo que atrapa al espectador es una exposición perfecta, entonces a la imagen le falta lo más importante: el alma de su creador. Todo esto se traduce en sensibilidad: sensibilidad hacia el sujeto, ya sea humano u otra cosa. Una chispa en los ojos no es una mera reflexión de la luz, como una lágrima no es tan solo una gota de agua. Tienes que sentir el tema de la misma forma que un bailarín siente la música.»

"Saint Tropez", 2014 © Robert Farber

«[Lo que hace un buen desnudo de Faber es] algo que se dispara de forma natural, impulsivamente, cuando todo encaja. No hay puesta en escena, se capta de manera impulsiva. Lo mismo ocurre con mis naturalezas muertas. Me gusta el desnudo. Es un reto. Si estás planeando hacer un desnudo o estás mirando imágenes, tienes la sensación de que ya está todo hecho. Cuando fotografío no pienso así. Pienso en ello como algo placentero. De otro modo, tendría que concentrarme demasiado en cosas para las que no estoy ahí. Parecería forzado. Las imágenes que valen la pena están hechas de forma impulsiva, basadas en lo que hay en la modelo o la luz. Intento brindar a la imagen más misterio. Creo que puede ser una invasión a la privacidad si miras a la persona y también la estás mirando a la cara. O estás retratando o estás buscando la forma. Cuando tienes algo de talento y eres afortunado, estás en el camino correcto en el momento correcto. La modelo no tiene que tener un gran cuerpo, pero tiene que funcionar bien con lo que estás haciendo. Yo no hago un casting de modelos como lo haría para publicidad de perfumes o jabones. Ahí la piel o las piernas tienen que ser perfectas. Yo quiero alejarme lo más posible del trabajo comercial.»

"Envuelta en nieve / Snow Bound", Pennslyvania, 1974 © Robert Farber

Robert Farber is an American photographer born 1944 in Newark, New Jersey.
His interest in photography started at very early age. His mother was a painter and encouraged him to make his own "art studio" in the basement where he worked with oils, drawings and watercolors.
While in school Farber kept his ambition to one day work in the arts and described how he was initially inspired to take up photography:
"One day I was walking on Miami Beach and saw a very large woman wearing the tiniest string bikini I had ever seen, sitting on the beach, knitting. I thought to myself, 'I wish I had a camera.' I suddenly saw photography as a way to capture a moment for storytelling. I kept this thought in my mind, and after college I bought my first camera, a Petri 35mm SLR. I was not a technical person, I often made mistakes like color shifts and grainy pictures. But I realized the mistakes made my photographs look a lot like paintings."

"Sosteniendo los pechos / Holding Breasts"© Robert Farber

Jacqueline Kennedy Onassis brought Farber into Doubleday for the publication of his book “By The Sea,” which won the Art Director’s Award for color photography. Aside from numerous creative awards, Robert Farber also received the Photographer of the Year from PMA (Photographic Manufacturers Association), ASP International Award from the PPA (Professional Photographers of America) and The American Society of Photographers. This award was given to those who’ve made a significant contribution to the science and art of photography. Some previous recipients of this award include Dr. Edwin Land (inventor of the Polaroid), George Hurrell, and National Geographic.

"Desnudo blanco / White Nude", 1994 © Robert Farber

Farber’s involvement in the Internet began in 1994 with Farber.com, a virtual gallery of his work. Because of its popularity, Farber created what is now Photoworkshop.com. It has become the most successful and unusual way to learn photography on the internet (receiving 2 million page views a month), a 3-D interactive community of photographers from all over the world. Photoworkshop.com is sponsored and endorsed by some of the most prestigious corporations and organizations in photography.

"Pelirroja en la playa / Redhead on the Beach"© Robert Farber

«Some images are not visually soft but soft in mood. The softness doesn’t have to be a technical thing. It’s part of a style -- the mood of a model, the surroundings, the feeling, the quietness of the image. My idea about soft focus is that there’s something that looks good about it but you don’t know exactly what it is. When it looks like its soft focus for the purpose of being soft focus then it looks like a Hallmark card. The technical thing takes over.»

«If you feel that you're going to create a great image because of a particular filter or technique, then you are taking the wrong path in your thought process. The photograph has to be created by your inner being. The type of film and accessories used should only be an aid to help deliver the story or emotion you want your image to carry.»

"Frente a la persiana / In Front of Blinds"© Robert Farber

"Habitación en calma / Quiet Room", New York, 1994 © Robert Farber

«In many cases I find vignettes, details, or other images as I’m photographing things. My favorite thing is to go around, looking on my own, not having to answer to anyone. With the commercial work you’re answering to other people, making models comfortable, and what have you. This way I’m on my own, without an assistant, I don’t have to answer to the models, I don’t have to answer to other people, walking around with the camera, just relaxing, looking. Even when I’m shooting commercially, I always find time to do work on the side for my self. I catch it wherever I can. I like composing things that people pass by. I redo it the way I see it. I isolate the image. The cover of my By the Sea Book, with the red boat and the dock. How many people passed it by? But, if you compose it in a certain way, it becomes an interesting graphic.»

"Desnudos de Farber / Farber Nudes", 1981 © Robert Farber

«Of course, many powerful images are technically perfect, but that is not what makes them great. If the viewer is taken in by a perfect exposure, then the image lacks what is most important: the soul of its creator. All this translates as sensitivity: sensitivity to the subject, whether it be human or otherwise. A spark in the eyes is not merely a reflection of light, just as a tear is more than a drop of water. You have to feel your subject in the same way that a dancer has to feel the music.»

"Durmiendo / Sleeping"© Robert Farber

«[What makes a good Farber nude in] Something that’s naturally shot, impulsively, when everything is right. It’s not set up, it’s caught impulsively. It’s just the same with my still lifes. I like the nude. It’s challenging. If you’re planning to do a nude or you’re looking at pictures you get the sense that it’s all been done. When I shoot it I don’t think of it like that. I think of it as something pleasing. Otherwise I’d have to concentrate too much on what I’m not there for. It could become forced. The pictures that I come up with are made impulsively, based on where the model is or the light is. I try to give the image more mystery. I think it can be an invasion of privacy if you’re looking at the person and you’re also looking at the face. It’s either a portrait or you’re looking at form. When you have some talent and you’re lucky, you’re in the right place at the right time, the model doesn’t have to have a great body but it has to work well with what you’re doing. I don’t cast a model like they do for a fragrance or soap ad. There the skin has to be perfect or the legs have to be perfect. I want to go as far away from the commercial work as possible.»

"Piernas arriba / Legs Up" © Robert Farber
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Fuentes / Sources:
* Website
* Wikipedia
* Cavalier Galleries
* John Paul Caponigro (entrevista / interview)

Más imágenes e información sobre Robert en / More images and information about Robert in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Robert!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Robert!)



Robert Farber fotógrafo / photographer



Recolección / Compilation (XXXVIII)

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Severin Müller
(Glarus, Suiza / Glaris, Switzerland, 1964-)

"Müder Hund 2 / Perro cansado 2 / Tired Dog 2", madera de álamo / poplar wood, 130 x 90 x 75 cm., 2012.
Colección privada / Private Collection
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Darío Ortiz Robledo
(Ibagué, Colombia, 1968-)

"Después... / After...", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 165 x 110 cm., 2016

Vetan obra en el Museo Nacional de la Acuarela.
Aquí el comunicado del autor:
"El pasado sábado, la directora del Museo Nacional de la Acuarela me notificó con palabras corteses, pero no por ello menos sorprendentes que ésta obra fue censurada por quienes están al frente del museo y que fue prohibida su exhibición en la muestra “Large Size” organizada por la IWS Switzerland, en la cual soy uno de los invitados especiales, porque el tema les parece inapropiado para una exposición de acuarela y para ese museo. Esto es algo difícil de aceptar y emocionalmente devastador que no me había pasado en 32 años de estar exponiendo en galerías y museos de muchos países con los temas más diversos. Esa es una decisión asombrosa que niega el esfuerzo que desde Don Benito Juárez millones de personas han hecho en éste país para tener mentes críticas y liberales. Más aún sabiendo que México se ha preciado de ser un refugio sereno y un remanso de paz para intelectuales, artistas, perseguidos políticos y religiosos del mundo entero, como los republicanos comunistas y ateos de la guerra civil española, Fidel Castro o García Márquez, entre muchísimos otros. Los artistas anticlericales en México se cuentan por centenares y han existido incluso antes de la revolución mexicana y su movimiento muralista, aquí plumas tan notables como las de Carlos Fuentes y Fernando Vallejo han escrito páginas de oro contra la iglesia y a favor de la libertad de conciencia, pero sin embargo parece que todavía hay quienes no saben que la Inquisición desapareció hace 200 años e imponen con su mediano criterio su pequeño poder. Valga aclarar que no existían restricciones de temática alguna en la invitación de la IWS Switzerland filial de Iws Globe y el Museo es completamente ajeno a la organización del evento ya que incluso alquiló el espacio a los organizadores, algo que demuestra aún más la arbitrariedad de sus directivas. Respeto sin embargo toda opinión que puedan tener sobre mi trabajo y estoy enviando otra obra para cumplirle a mis amigos y colegas de la IWS. No tengo eso si, ni paisajes bucólicos, ni remansos de ríos, ni retratos de niños felices, ni cuadros de flores que exponer ante los ojos castos de quienes desde organizaciones y museos han hecho de la acuarela la más banal de las técnicas artísticas y la han alejado completamente de todos los circuitos del arte contemporáneo. Aclaro a esas almas dolidas que censuraron la obra que “After…” no es retrato de papa alguno sino mi propio autorretrato algo caricaturizado como siempre y no asalté a ningún obispo para robarle su vestido ya que no es más que un disfraz cualquiera. La mujeres que aparecen allí son modelos que gentilmente posaron y sus honras no fueron mancilladas más que por las mentes oscuras de los observadores.
El vetar esta obra en un museo de Coyoacán, ni me silencia, ni borra uno solo de los millares de crímenes perpetrados por los eclesiásticos ni resuelve el inmoral encubrimiento y el palpable entorpecimiento de la justicia que de ellos han hecho sus superiores."
Dario Ortiz Robledo /

Vetoes work at the National Museum of Watercolor.
Here the author's statement:
"Last Saturday, the Director of the National Museum of Watercolor notified me with kind words but no less surprising, that this work was censored by those in charge of the museum and that it was banned from display at the exhibition "Large Size" organized by IWS Switzerland, in which I am one of the special guests. They consider that the subject is inappropriate for an exhibition of watercolor and of course, for that museum. I find this very hard to take, emotionally devastating, and actually had not occurred in 32 years of exposing in galleries and museums around the world, with the most diverse subjects. This startling decision denies the effort that thousands of people have made since Benito Juarez to stimulate critical and liberal minds in this country. Even knowing that Mexico has prided itself on being a serene shelter and a backwater for intellectuals, artists, religious and political refugees throughout the world, as well as the communists and atheists of the Spanish Civil War —Fidel Castro or Gabriel Garcia Marquez, etc. There are hundreds of anticlerical artists that have existed in Mexico even before the Mexican Revolution and Muralist Movement. Here, feathers as remarkable as those of Carlos Fuentes or Fernando Vallejo have written golden pages against church and in favour of freedom of thought; however, it seems that there are still those who don't know that Inquisition finished two centuries ago, and want to impose their nasty ideas and questionable criterion, by exercising a little power. It is important to note that the IWS Switzerland's invitation had no restrictions on the subject, and that the museum is not related with the event planner since even they rented the space to the event planning. It only demonstrates directive's arbitrariness. Nevertheless I respect any opinion about my works, and I'll ship a new painting to comply my friends and colleagues from the IWS. But no one will find bucolic landscapes, backwaters, portraits of happy children or images of beautiful flowers, specially chaste eyes of those who have made from watercolor the most banal art technique and have moved it away from the circuits of Contemporary Art. I clarify to these suffering souls, friends of censorship, that the work "After" it's not the personification of a real pope, but a caricature of myself. I did not assault any bishop to steal his cassock as it is merely a disguise. Women who appear are models that gently posed and their honor only were sullied by the dirt of the observers minds. Thanks for inviting me to the event you preside, Silvia, and your resolute defense of my work. I still believe that watercolor —as any technique in an artist hand— must be at the service of ideas, and not at the service of onanistic docile complacency of its playful effects. To forbid this work in a Coyoacan museum does not silence me, and does not wipe out thousands of crimes perpetrated by clergy; does not solve inmoral concealment, or palpable obstruction of justice."
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Costa Dvorezky
(Rusia / Russia, 1968-)

"Reclinada / Reclining", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 183 x 122 cm.
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David Van Gough
(Irlanda / Ireland)
en / at San Diego, California, EE.UU. / CA. USA

"Osmosis", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 61 cm., 2011

Esta pintura es una meditación sobre la naturaleza de algunas relaciones y simboliza cómo dos personas se convierten en una entidad singular casi andrógina en su emparejamiento, consumido por el otro y perdiendo su identidad en el proceso. Los brazos se envuelven el uno con el otro, convirtiéndose en un grillete y santuario, una sensación de sentirse atrapado y seguro./

This painting is a meditation on the nature of some relationships and symbolizes how two people become a single entity almost androgynous in their match, consumed by the other and losing their identity in the process. The arms are wrapped one with another, becoming a fetter and sanctuary, a feeling of being trapped and secure.
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David Revoy
(Francia / France)

"Dragon Pavo Real / Peacock Dragon"
«Otra "criatura con amo". Me encanta este tema» / «Another 'creature and master' piece. I like this theme.»
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Plácido Fleitas
(Telde, Gran Canaria, Islas Canarias, España / 
Canary Islands, Spain, 1915 - Las Palmas, 1972)

"Cabeza masculina / Male Head", piedra roja / red stone, 80 x 23 x 42 cm., 1950.
Colección Casa Colón. Casa-Museo Antonio Padrón
(Gáldar, Gran Canaria, Islas Canarias, España / Canary Islands, Spain)

Más sobre Plácido Fleitas en "El Hurgador" / More about Plácido Fleitas in this blog:
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Nikoloz Bionika
en / at Tbilisi, Georgia

Serie Homónimos Oscuros / Dark Homonyms Series, Retratos digitales / Digital Portraits
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Erick Aubry
(Francia / France)

"Hippopotame en immersion / Hipopótamo sumergiéndose / Hippo Submerging"
Maqueta en yeso / plaster model, 31  x 62 cm., 
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Gladys Afamado de Sans
(Montevideo, Uruguay, 1925-)

"Sin título / Untitled", linóleo sobre papel / linoleum on paper, 1967.
Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV) (Montevideo, Uruguay)
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John A. Maisano
(Branford, Connecticut, EE.UU. / USA, 1964)

Caballo "Cruzado" / Horse "Crusader", bronce / bronze, 25" x 16" x 8" 

Esta es la pausa, el respiro que te tomas antes de la batalla. Vuelve su cuello hacia abajo preparándose. Todos hemos pasado por ese momento, enfrentando los desafíos y obstáculos que la vida nos pone delante. Respiramos hondo, nos encogemos, y estamos listos para seguir adelante.
Siempre he intentado escoger una pose algo diferente a aquella en la cual los animales son representados. Los caballos normalmente se muestran saltando o corriendo. Me sentí atraído por esta postura porque podía identificarme con este momento /

This is the pause, the breath you take before battle. He stretches his neck downward in preparation. We have all had this moment, facing the trials and obstacles that life throws at us. We take a deep breath, stretch, and get ready to push through. 
I always try to choose a pose that is a bit different from the typical poses in which an animal is depicted. Horses are usually shown leaping or running. I was drawn to this stance because I could identify with this moment. 
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Kate Clark
(EE.UU. / USA)
en / at Brooklyn, Nueva York / NY

"Noche tras noche / Night After Night"
Piel de antílope negro o cervicapra, cuernos, espuma, hilo, alfileres, ojos de caucho / 
blackbuck hide, horns, foam, clay, thread, pins, rubber eyes, 48" x 32" x 43", 2007 
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Pu Xuecheng
朴学成
(China)

"建设者 / Constructores / Builders", 128 x 94 cm.
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Anselm Kiefer
(Donaueschingen, Alemania / Germany, 1945-)

"Sol Invictus", semillas de girasol y emulsión sobre arpillera / 
sunflower seeds and emulsion on burlap, 1995 © Anselm Kiefer
Colección privada / Private Collection, Yvon Lambert, París

Más sobre Kiefer en "El Hurgador" / More about Kiefer in this blog:
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Peter Doig
(Edimburgo, Escocia / Edinburgh, Scotland, 1959-)

"Hace 10 años / 10 Years Ago (Carrera)", óleo sobre lino / oil on linen, 229 x 359 cm., 2001. Colección privada / Private Collection

Más sobre Peter Doig en "El Hurgador" / More about Peter Doig in this blog:
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Michael James Talbot
(Staffordshire, Reino Unido / UK, 1953 o 59-)

“Gracia / Grace”, bronce / bronze, altura (incluida la base) / height (inc.base) 66 cm.
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Victor Safonkin
Виктор Сафонкин
(Saransk, Mordovia, Rusia / Russia, 1967-)

"Метаморфическое осознание (Остров мертвых) / Conciencia metamórfica (Isla de los Muertos) /
Metamorphic consciousness (Isle of the Dead)", 100 x 120 cm., 2010

Esta obra es una interpretación de "La isla de los muertos" de Arnold Böcklin, de la cual hay varias versiones pintadas entre 1880 y 1886. Puede verse la tercera versión de la obra, ya publicada en el blog, aquí. Un para más a continuación.

This work is an interpretation of "The Island of the Dead", by Arnold Böcklin. There are several versions painted between 1880 and 1886. You can see the third version of this work, already published in this blog here. A couple more as follows.

"Die Toteninsel / La isla de los muertos / The Island of the Dead", (version 1)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110,9 x 156,4 cm., May., 1880.
Kunstmuseum Basel (Suiza / Switzerland)

"Die Toteninsel / La isla de los muertos / The Island of the Dead", (version 5)
Óleo sobre panel / oil on panel, 80,7 × 150 cm., 1886.
Museum der bildenden Künste (Leipzig, Alemania / Germany)

Más sobre Victor Safonkin en "El Hurgador" / More about Victor Safonkin in this blog:
Más sobre Böcklin en "El Hurgador" / More about Böcklin in this blog:
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Bernard Meadows
(Norwich, Reino Unido / UK, 1915 - Londres / London, 2005)

"Pájaro asustado / Startled Bird"
Bronce con pátina gris y verde / bronze with a grey green patina, altura / high 60 cm.
Concebido en 1955 y fundido en edición de 6 + 1 / Conceived in 1955 and cast in an edition of 6 + 1
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Richard Saunders
(Reino Unido / UK, 1946-)

"Gato topiario / Topiary Cat", arte digital / digital art

Incluso los gatos topiarios tienen sed / Even Topiary Cats get Thirsty
Esta imagen surrealista de un gato topiario bebiendo de un lago en el Parque Painshill en Surrey, Inglaterra, fue compartido como un gato topiario "real". Richard lo posteó en su página de facebook para rectificar la situación, y el nuevo post recibió más de 3 millones de visitas y más fue compartido más de 55.000 veces./

This surreal image, of The Topiary Cat drinking from a lake at Painshill Park in Surrey, England was also shared as a 'real' topiary. Richard posted it on his Facebook page to rectify the escalating situation and this new post received well over three million views and over 55,000 'Shares'.

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Anders Krisár
(Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden, 1973-)
en Nueva York, EE.UU. / NY, USA

"Sin título / Untitled", 109,5 x 39,5 x 72,5 cm., 2011-12
Acrílico sobre resina poliéster, poliuretano, pintura al óleo y herrajes de metal /
acrylic paint on polyester resin, polyurethane, oil paint, board, and metal hardware

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Otto Dix
(Gera, Alemania / Germany, 1891 - Singen (Hohentwiel), 1969) 

"Bildnis der Eltern I / Retrato de los padres del artista / Portrait of the Artist's Parents I"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,1 x 114,8 cm., 1921. Kunstmuseum (Basilea, Suiza / Basel, Switzerland)

"Die Eltern des Künstlers II / Los padres del artista II / The Artist's Parents II"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 118 x 130,5 cm., 1924
Sprengel Museum (Hannover, Alemania / Germany)


Más sobre Otto Dix en "El Hurgador" / More about Otto Dix in this blog:
[Arte perdido (III)], [Alan Derwin (Pintura)], [Aniversarios Fotografía (XCIII)]

Aniversarios (CXIV) [Marzo / March 6-12]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 6 de Marzo es el cumple de

Jean-Baptiste Marie Pierre, pintor, dibujante y administrador francés nacido en 1714.
Fue estudiante de Charles-Joseph Natoire en la Real Academia de Pintura y Escultura y pintó un autorretrato en 1732. Desde 1770 hasta 1789 fue Primer Pintor del Rey.
Entre los estudiantes de Jean-Baptiste Marie Pierre se cuentan Étienne-Louis Boullée, Louis-Jacques Durameau, Nicolas-René Jollain, Friedrich Reclam, Etienne de la Vallée Poussin, Jean-Jacques-François Le Barbier, Antoine Vestier, Jean-Baptiste Tierce y Hughes Taraval .
Murió en 1789.

"Vieil homme dans une cuisine / Hombre Viejo en la cocina / Old Man in the Kitchen"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 × 97 cm., c.1745
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Michelangelo Buonarroti (Miguel Ángel) (arquitecto, pintor y escultor italiano /
Italian architect, painter and sculptor)
Ejler Bille (artista danés / Danish artist)
Ken Danby (pintor canadiense / Canadian painter)


El 7 de Marzo es el cumple de

Paul Émile Chabas, pintor e ilustrador francés nacido en 1869, miembro de la Académie des Beaux-Arts.
Tuvo su formación artística con William-Adolphe Bouguereau y Tony Robert-Fleury. Expuso por primera vez en el Salón de 1890. Chabas ganó el Premio Nacional en el Salón de París 1899 con su "Joyeux ébats". Fue galardonado con una medalla de oro en la Exposición Universal de 1900 y en 1912 recibió la Médaille d'honneur. Su tema preferido era una joven desnuda en un entorno natural. Se le considera uno de los más grandes pintores de desnudos de Europa.
Su pintura más famosa, "Mañana de septiembre" (1912), se convirtió en un "Succès de scandale" en los Estados Unidos en mayo de 1913, cuando Anthony Comstock, director de la Sociedad de Nueva York para la Supresión del Vicio, protestó contra la pintura como supuestamente inmoral. Chabas estaba profundamente molesto por la controversia sobre la pintura. Durante un tiempo buscó el anonimato en el sur de Francia. Hubo mucha publicidad y las reproducciones de la pintura se vendieron a buen ritmo durante los años siguientes. September Morn ha sido a menudo citada como un ejemplo de lo kitsch. Chabas se negó a identificar a la modelo que fue el tema de la pintura, refiriéndose a ella sólo como "Marthe". Sin embargo, la controversia en relación con la modelo se resistió a desaparecer. Aún en 1935 circuló el rumor de que la joven vivía en la pobreza y Chabas recibía cartas de gente de los EE.UU. que querían acudir en su ayuda. También recordaba lo ofendido que estuvo cuando la pintura fue considerada indecente por algunos en los EE.UU. más de veinte años antes.
Chabas murió en 1937.

"Mañana de septiembre / September Morn", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 163,8 x 216,5 cm., c.1912
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU. / NY, USA)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Boris Mikhaylovich Kustodiev (Борис Михайлович Кустодиев) (pintor y escenógrafo ruso /
Russian painter and stage designer)
Sir Edwin Henry Landseer (pintor inglés / English painter)
Sir Eduardo Luigi Paolozzi (escultor y artista escocés / Scottish artist and sculptor)
Piet Mondrian (pintor neerlandés / Dutch painter)


El 8 de Marzo es el cumple de

Damerla Rama Rao (దామెర్ల రామారావు), artista indio nacido en 1897.
Tuvo una fuerte inclinación hacia el arte de pintar y dibujar desde la infancia, y completó su curso de artes con distinción en 1920. Su padre lo llevó con Sisil N. Burns, que era el decano de artes en la Escuela de Artes de Mumbai en 1916. Los bocetos de un inexperto y desconocido Rama Rao sorprendieron e impresionarin al Decano que lo admitió directamente en el tercer año del curso de bellas artes.
Sus obras eran composiciones de naturaleza decorativa y siempre en el estilo de Puvs de Chavannes, el artista post-impresionista de París.
Rompió las cadenas de la sociedad ortodoxa contemporánea del país del momento con sus pinturas de desnudos, en las cuales su modelo era una dama llamada Nakula. Fue uno de los primeros artistas en pintar desnudos de mujeres indias. Algunas de sus obras de renombre mundial como Ragodayam Siddhartha, Aankarana pushpa o Karthika Pournami fueron exhibidas y premiadas no sólo en Delhi, Mumbai y Calcuta sino también en Londres y Toronto. Sus pinturas se pueden todavía encontrar en la galería de arte Damerla, situada cerca de la estación de tren de Godavari.
Viajó por varios lugares del país y en 1922 se instaló en Rajahmundry. Se instituyó la Sociedad Andhra de las Artes de la India. Él organizó una exposición de arte a nivel nacional en Rajahmundry, por primera vez en la región.
Murió en 1925.

"Krishna Leela", óleo / oil, 1921
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Manuel "Manolo" Valdés Blasco (pintor y escultor español / Spanish painter and sculptor)
Johann Köler (pintor, dibujante y líder nacionalista estonio /
Estonian painter, draftsman and nationalist leader)
Wäinö Valdemar Aaltonen (artista y escultor finlandés / Finnish artist and sculptor)


El 9 de Marzo es el cumple de

Sir William Hamo Thornycroft, escultor inglés nacido en 1850, responsable de algunas de las estatuas más conocidas de Londres. Fue un gran estudioso de la escultura clásica y se convirtió en uno de los miembros más jóvenes de la Real Academia.
Fue una figura destacada en el movimiento conocido como la Nueva escultura, que proporcionó una transición entre los estilos neoclásicos del siglo XIX y su posterior fin-de-siècle y salidas modernistas.
Su padre Thomas, su madre Mary y su abuelo John Francis fueron todos distinguidos escultores.
Thornycroft creó una serie de estatuas de género ideal a finales de 1870 y principios de 1880 que buscaban reanimar el formato de la estatua clásica. Entre ellas se cuentan "La esposa de Lot" (1878), "Artemisa y su perro" (1880 yeso, 1882 mármol), el arquero homérico "Teucro" (1881 yeso, 1882 bronce) y "El cortacésped" (1884 yeso, 1894 bronce), que puede considerarse como la primera independiente de tamaño natural de un obrero contemporáneo en la escultura del siglo XIX.
Thornycroft murió en 1925.

"Teucro / Teucer", The Huntington Library, San Marino (California, EE.UU./ CA, USA)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Thomas William "Tom" Roberts (artista australiano de origen inglés / Australian artist of English origin)
Bernarda Bryson Shahn (pintora y litógrafa estadounidense / American painter and lithographer)
Roland David Smith (escultor y pintor estadounidense / American painter and sculptor)


El 10 de Marzo es el cumple de

Pierre Travaux, escultor francés nacido en 1822 en Corsaint en la Côte-d'Or.
Estudió en Semur-en-Auxois y posteriormente fue alumno del escultor François Jouffroy. Expuso por primera vez en el Salón de París de 1851 la obra "Thétis et Achille / Tetis y Aquiles" así como "La Rêverie".
Algunas de sus obras más importantes son:
* Las estatuas de Turgot y Jacques Amyot para el patio Napoléon del Louvre.
* "La vigilancia" y "La sabiduría" para el Palacio de Justicia de Marsella.
* "L'isthme de Suez / El Istmo de Suez" para el estanque del Parque Borély, terminada en 1864.
* Diversos encargos de particulares entre ellos "La religion consolant la douleur / La religión consolando a la tristeza", ubicado sobre una tumba en el Cementerio Saint-Pierre de Marsella.
Murió en 1869.

"La Rêverie / El ensueño / The Reverie", mármol / marble, 1855. Musée des beaux-arts (Rennes, Francia / France)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

William Etty (pintor inglés / English painter)
Harry Bertoia (artista estadounidense / American artist)
Edvard Eriksen (escultor danés-islandés / Danish-Icelandic sculptor)


El 11 de Marzo es el cumple de

Rolf Dagfinn Groven, pintor noruego nacido en 1943, conocido por su arte satírico pintado en estilo figurativo. Las pinturas Groven aparecen con frecuencia impresas en los libros de texto utilizados en las escuelas de Noruega, así como en libros de historia.
Groven se formó como arquitecto en el Instituto de Tecnología de Noruega (NTH, ahora parte de la NTNU) 1966-1972. Su participación en el movimiento radical contra la guerra de Vietnam le convenció de que debía elegir una carrera artística. Actualmente vive en Oslo.

"Los hijos de Abraham / Children of Abraham", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 180 cm., 2003 
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Kenneth Hays Miller (pintor y profesor estadounidense / American painter and professor)
Josep Maria Subirachs i Sitjar (escultor español / Spanish sculptor)
Héctor Sgarbi (pintor, escultor y diplomático uruguayo / Uruguayan painter, writer and diplomat)


Hoy, 12 de Marzo, es el cumple de

Arturo Luna, pintor y ceramista hondureño nacido en 1927, reconocido internacionalmente.
Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes (Honduras) y el Instituto Superior de Cerámica de Faena, Italia. Fue catedrático de Cerámica en Bellas Artes y fundo el Estudio de Arte Lumar donde realizó exposiciones colectivas e individuales.
En 1958 le fue otorgada la Medalla de Oro en la Gran Muestra Artística de Monza, Italia con su cuadro "Mujer Joven con Sombrero".
En 1994, el Centro Cultural de España en Tegucigalpa dedicó la V Antología de las Artes Plásticas y Visuales de Honduras a Arturo Luna.
Murió en 1978.

"Antiguos Guerreros / Old Warriors", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52 x 76 cm., 1976
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Pierre-Jean David D'Angers (escultor francés / French sculptor)
Hugo Kalervo Palsa (artista finlandés / Finnish artist)
Rita Angus (Henrietta Catalina, Rita McKenzie) (pintora neozelandesa / New Zealand painter)


Textos en inglés / English translation

On March 6 is the birthday of

Jean-Baptiste Marie Pierre, French painter, draughtsman and administrator born in 1714.
He was a student of Charles-Joseph Natoire at the Académie royale de peinture et de sculpture and painted a self-portrait in 1732. From 1770 to 1789 he was Premier peintre du Roi.
Jean-Baptiste Marie Pierre's students included Étienne-Louis Boullée, Louis-Jacques Durameau, Nicolas-René Jollain, Friedrich Reclam, Étienne de La Vallée Poussin, Jean-Jacques-François Le Barbier, Antoine Vestier, Jean-Baptiste Tierce, and Hughes Taraval.
He died in 1789.
Wikipedia: https://en.wikipedia.org/wiki/Jean-Baptiste_Marie_Pierre

On March 7 is the birthday of

Paul Émile Chabas, French painter and illustrator born in 1869, a member of the Académie des Beaux-Arts.
He had his artistic training under William-Adolphe Bouguereau and Tony Robert-Fleury. He first exhibited at the Salon in 1890. Chabas won the Prix National at the 1899 Paris Salon with his Joyeux Ébats. He was awarded a gold medal at the Exposition Universelle of 1900 and in 1912 received the Médaille d’honneur. His preferred subject was a nude young girl in a natural setting. He was considered to be one of Europe's greatest painters of nudes.
His most famous painting, September Morn (1912), became a "Succès de scandale" in the United States in May, 1913, when Anthony Comstock, head of the New York Society for the Suppression of Vice, protested against the painting as supposedly immoral. Chabas was deeply upset by the controversy over the painting. For a time he sought anonymity in the South of France. There was much publicity, and reproductions of the painting sold briskly for years afterwards. September Morn has often been cited as an example of kitsch. Chabas refused to identify the model who was the subject of the painting, referring to her only as "Marthe". However, the controversy regarding the painting's model refused to disappear. As late as 1935, a rumor circulated that the young woman was living in poverty and Chabas was receiving letters from people in the US who wanted to come to her aid. He also recalled how offended he was when the painting was considered indecent by some in the US more than twenty years before.
Chabas died in 1937.

On March 8 is the birthday of

Damerla Rama Rao (దామెర్ల రామారావు), Indian artist born in 1897.
He was intensely inclined towards the art of painting and sketching since childhood, and completed his arts course with distinction in 1920. Rao with his father went to Sisil N. Burns, who was the Dean of arts in Mumbai School of Arts in 1916. The sketches of an untrained, unexposed Rama Rao surprised and impressed the Dean which resulted into his admission directly into the third year of fine arts course.
His works were composed, decorative in nature and always compared to those of Puvs de Chavannes, the post-Impressionist artist of Paris. 
He broke the shackles of contemporary orthodox society of the country at that time by nude paintings. His revolutionary nude paintings were of a lady named Nakula. He is one of first artists to paint nude paintings of Indian women. Some of his world-renowned paintings like siddartha ragodayam, pushpaalankarana, kaartika pournami were exhibited and won prizes not only in Delhi, Mumbai, Calcutta as well as London and Toronto. His paintings can be still found at Damerla Art Gallery situated near the Godavari railway station.
He travelled through various locations in the country and in 1922 settled in Rajahmundry. He instituted the Andhra Society of Indian Arts. He organised a national level art exhibition in Rajahmundry, the first time in the region.
He died in 1925.

On March 9 is the birthday of

Sir William Hamo Thornycroft, English sculptor born in 1850, responsible for some of London’s best known statues. He was a keen student of classical sculpture and became one of the youngest members of the Royal Academy.
He was the leading figure in the movement known as the New Sculpture, which provided a transition between the neoclassical styles of the 19th century and its later fin-de-siècle and modernist departures.
His father, Thomas, mother Mary, and grandfather John Francis were all distinguished sculptors. 
Thornycroft created a series of statues in the ideal genre in the late 1870s and early 1880s that sought to reanimate the format of the classical statue. These included Lot's Wife (1878), Artemis and her Hound (1880 plaster, 1882 marble), the Homeric bowman Teucer (1881 plaster, 1882 bronze), and the Mower (1884 plaster, 1894 bronze), arguably the first life-size freestanding statue of a contemporary laborer in 19th-century sculpture.
Thornycroft died in 1925.

On March 10 is the birthday of

Pierre Travaux, French sculptor born in 1822 in Corsaint, in the Côte-d'Or.
He studied at Semur-en-Auxois and later was a pupil of sculptor François Jouffroy. He first exhibited at the Paris Salon of 1851 the work "Thétis et Achille / Thetis and Achilles" and "La Rêverie".
Some of his most important works are:
* The statues of Turgot and Jacques Amyot for Napoléon Courtyard, Louvre.
* "Surveillance" and "Wisdom" for the Palace of Justice in Marseille.
* "L'isthme de Suez / The Isthmus Suez" for the pond of Borély Park, completed in 1864.
* Several special commissions including "La religion consolant the douleur" located on a grave in the Saint-Pierre Cemetery, Marseille.
He died in 1869.

On March 11 is the birthday of

Rolf Dagfinn Groven, Norwegian painter born in 1943, known for his satirical art painted in figurative style. Groven's paintings are frequently printed works of art in textbooks used in Norwegian schools, as well as history books.
Groven was trained as an architect at the Norwegian Institute of Technology (NTH, now a part of NTNU) 1966–72. His participation in the radical Anti-Vietnam War movement convinced him that he should choose an artistic career. He currently lives in Oslo.

Today, March 12, is the birthday of

Arturo Luna, internationally recognized Honduran Painter and ceramist born in 1927.
He studied at the National School of Fine Arts (Honduras) and the Higher Institute of Ceramics at Faena, Italy. He was Professor of Ceramics in Fine Arts and founded the Studio Art Lumar where he performed solo and group exhibitions.
In 1958 he was awarded the Gold Medal at the Great Art Exhibition in Monza, Italy with his painting "Young Woman with Hat".
In 1994, the Cultural Center of Spain in Tegucigalpa dedicated the V Anthology of Visual Arts of Honduras to Arturo Luna.
He died in 1978.

Aniversarios Fotografía (CXIV) [Marzo / March 7-13]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 7 de Marzo es el cumple de

Andrejs Grants, fotógrafo y maestro letón nacido en Riga en 1955.
Estudió en la Universidad Estatal de Letonia (1973-1978) y trabajó en el estudio fotográfico "Ogro" (1978-1988). Desde 1979 es profesor en la Cámara de Innovación Técnica en Riga, donde se ganó su reputación como influyente profesor de fotografía de muchos fotógrafos contemporáneos, cineastas y artistas letones tales como Ritums Ivanov, Arnis Balcus y Gints Berzins. En estudio fotográfico "Oogro" formó un grupo informal "A" con los fotógrafos Inta Ruka, Valts Kleins y Gvido Kajons. Habiendo recibido influencias de fotógrafos documentales tales como Henri Cartier-Bresson y Robert Frank, el grupo "A" utilizó un estilo de reportaje para documentar la vida cotidiana de la Letonia soviética, creando muy a menudo fotografías llenas de crítica. Andrejs Grants recibió el reconocimiento internacional mediante la colaboración con la viuda del líder ideológico del grupo "A" Egones Spuris, Inta Ruka. Su proyecto "Letonia: El cambio y la Realidad Inmutable" se ha exhibido nivel internacional. Al igual que en la obra de Ruka, el tema principal Andrejs Grants es la gente de Letonia. Sus fotografías registran una variedad de personas letonas de diferentes niveles sociales, profesiones, nacionalidades, generaciones, las gentes en su entorno habitual - en la ciudad o en el campo, en el trabajo o en casa, en fiestas o en solitario. En 2002 Neptuns lanzó la monografía "Andrejs Grants", con una selección de sus mejores trabajos.

Pa Latviju / Alrededor de Letonia / Around Latvia, Krāslava, 1999
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Karel Kuklík (fotógrafo checo / Czech photographer)
Nicéphore Niépce (inventor francés / French inventor)


El 8 de Marzo es el cumple de

Mateo Sussman, actor, fotógrafo y documentalista estadounidense nacido en 1958.
Se graduó de la Universidad de Brown y estudió en la Escuela de Teatro de Yale.
Sussman ha aparecido en numerosas películas, entre ellas Kate & Leopold y Pollock, en la que interpretó al artista Reuben Kadish. Sussman también apareció en tres episodios de Los Soprano en 2000 y 2002 como el Dr. Douglas Schreck. Otras películas incluyen Mac e Illuminata de John Turturro. Su trabajo en televisión incluye apariciones en Sexo en Nueva York, Ley y orden, y la efímera serie de Peter Berg Wonderland.
En los escenarios de Nueva York Sussman apareció, en el estreno en el MCC Theater de La Zona Gris, de Tim Blake Nelson, dirigida por Doug Hughes.
En 2001 Sussman comenzó a trabajar en una serie de documentales para una variedad de empresas de producción de televisión internacionales.
Como fotógrafo Sussman se centra en el trabajo comercial: retratos, celebridades y música. Es el fotógrafo de la casa en el Village Vanguard de Nueva York.

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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Aenne Biermann (fotógrafa alemana / German photographer)
Leni Sinclair (Magdalena Arndt) (fotógrafa estadounidense / American photographer)



El 9 de Marzo es el cumple de

Charles Lee Moore, fotógrafo estadounidense nacido en 1931, famoso por sus fotografías que documentan la era de los derechos civiles en EE.UU.
Sirvió tres años en la Marina de Estados Unidos como fotógrafo y luego asistió a lo que entonces se conocía como el Instituto de Fotografía Brooks de Santa Bárbara, California. Luego trabajó como fotógrafo con los periódicos matinales y vespertinos el Montgomery Advertiser y el Montgomery Journal.
En 1958, mientras trabajaba en Montgomery, Alabama para el Montgomery Advertiser, fotografió una discusión entre Martin Luther King, Jr. y dos policías. Sus fotografías fueron distribuidas a nivel nacional por la Associated Press, y se publicaron en LIFE.
A partir de entonces Moore viajó por todo el Sur documentando el movimiento de derechos civiles. Su fotografía más famosa, en Birmingham, representa manifestantes siendo atacados por los bomberos armados con mangueras de alta presión. El senador Jacob Javits, dijo que las imágenes de Moore "ayudaron a impulsar la aprobación de la Ley de Derechos Civiles de 1964."
En 1962, Moore dejó los periódicos para iniciar una carrera independiente. Trabajó para la agencia de fotos Black Star, que vendía gran parte de su trabajo a LIFE.
Moore cubrió la guerra de Vietnam y los conflictos en la República Dominicana, Venezuela y Haití. Luego se pasó a la fotografía de naturaleza, moda y viajes, además de trabajos corporativos.
En 1989 se convirtió en el primer ganador del Premio de Eastman Kodak Águila de Cristal al Impacto en Fotoperiodismo que se otorga por un "cuerpo de trabajo fotográfico que ha influido en la percepción del público sobre cuestiones importantes de nuestro tiempo" en la Competición Internacional Fotos de Año, de la Universidad NPPA de Missouri.
Murió en 2010.

"Martin Luther King Jr. arrestado / MLK arrested", Montgomery 1958 Credit: Charles Moore/Black Star
King es tumbado sobre el mostrador de la policía mientras su esposa mira asumbrada. Fue arrestado por vagancia en los juzgados de Montgomery y liberado cuando la policía conoció su identidad /
King is sprawled across the police desk as his wife looks on stunned. He was arrested for loitering at the Montgomery Courthouse and released when his identity became known to the police.

"Bomberos manguereando a manifestantes / Firefighters Hose Demonstrators", Birmingham 1963
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

David Hume Kennerly (fotógrafo y fotoperiodista estadounidense / American photogapher and  photojournalist)
Alejandro Martínez (fotógrafo español / Spanish photographer)


El 10 de Marzo es el cumple de

Dagmar Hochová-Reinhardtová, fotógrafa checa nacida en Praga en 1926.
Durante los años 1942-43 estudió en la Escuela Nacional de Artes Gráficas de Praga, donde fue alumna de  Jaromir Funke y Josef Ehm. Tras una breve interrupción por la guerra, terminó los cursos en 1945-46. A continuación trabajó en laboratorios con Paul Illek, orientada a la fotografía publicitaria. Se convirtió en una de las primeras estudiantes del profesor Karel Plicka en la recién creada Academia de Cine y Artes Escénicas. Se graduó en 1953.
Ya durante sus estudios cooperó con revistas y editoriales para niños, especialmente en la editorial Albatros. Esta cooperación marcó el enfoque de toda su vida hacia el fotoperiodismo y la fotografía documental. Conocida por sus series de niños, su cámara captó momentos en la vida de niños marginados, ancianos y monjas.
Murió en 2012.

Izq./ Left: "Bez názvu / Sin título / Untitled", 1960
Der./ Right: "Světlá / Una rubia / A Blonde", 1961
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Bun'yō Ishikawa (石川 文 洋) (fotógrafo japonés / Japanese photographer)
Eduard "Ed" van der Elsken (fotógrafo y cineasta danés / Danish photographer and filmmaker)


El 11 de Marzo es el cumple de

Larry Fink, fotógrafo estadounidense nacido en 1941, conocido por sus imágenes en blanco y negro de personas en fiestas y otras situaciones sociales. 
Se crió en un hogar con conciencia política y se ha descrito a sí mismo como "un marxista de Long Island." Estudió en la New School for Social Research en Nueva York, donde fue uno de sus maestros el fotógrafo Lisette Model, quien le animó en su trabajo. 
La obra más conocida de Fink es "Social Graces", una serie de fotografías que produjo en la década de 1970, que representaban y contrastaban residentes ricos de Manhattan en los clubes de moda y eventos sociales, junto con gente de la clase trabajadora de la Pennsylvania rural que participaba en eventos como graduaciones de secundaria. "Social Graces" fue objeto de una exposición individual en el Museo de Arte Moderno en 1979 y se publicó en forma de libro en 1984.

"Meryl Streep y Natalie Portman", fiesta de los Óscar / Oscars Party, Los Ángeles, 2009

Más sobre Natalie Portman en "El Hurgador" / More about Natalie Portman in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Paolo Pellegrin (fotógrafo italiano / Italian photographer)
David LaChapelle (fotógrafo, director de vídeos musicales y de cine estadounidense /
American photographer, videoclip and film director)


El 12 de Marzo es el cumple de

Chris Burkard, fotógrafo autodidacta y artista estadounidense, con sede en la región de la costa central de California. El trabajo de Burkard se mueve entre el paisaje, estilos de vida, surf, fotografía al aire libre y viajes. Adopta un enfoque de fotoperiodismo para conceptualizar proyectos editoriales a gran escala que se extienden a través de múltiples medios, formulados para plataformas de contenidos digitales e impresos. El uso de técnicas de iluminación natural es prevalente en todo el trabajo de Burkard, así como la captura de momentos de humanización tanto en paisajes culturales y naturales.
Contrastando la idea del surf como una experiencia rubias platino bañadas por el sol, Burkard gravita hacia y conduce sus encargos hacia ambientes más fríos. Ha viajado a algunas de las regiones más frías del planeta. Además de la caza de olas perfectas en algunas de las más duras y frías condiciones conocidas por el hombre, Burkard ha fotografiado tanto en lo personal como en lo comercial en seis de los siete continentes. Sus viajes han incluido más de 21 viajes a Islandia, así como a Noruega y las Islas Feroe, India, Cuba, Nueva Zelanda, Rusia, Suiza, Italia y muchos más.

"Surfista en Höfn, Islandia / Höfn Surfer, Iceland", 2013
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Claude Dityvon (fotógrafo francés / French photographer)
Martin Schoeller (fotógrafo residente en New York / photographer based in NY)


Hoy, 13 de Marzo, es el cumple de

Evrard Wendenbaum, fotógrafo de exteriores, realizador, geólogo y explorador nacido en Francia en 1979.
Este amante de la naturaleza y aventurero incansable recorre el mundo en busca de rincones inexplorados y de difícil acceso. Desde 1999, organizó numerosas expediciones, al principio deportivas (escalada, trekking, montañismo, barranquismo, kayak), y luego, hace poco, ha realizado proyectos científicos y de exploración, el más grande de los cuales es su última expedición durante tres meses en el invierno de 2011 a Madagascar, al monte de Makay.
Desde el año 2001, a partir de sus numerosas expediciones, ha aparecido en un gran número de publicaciones de la prensa francesa (incluyendo Paris-Match, Soprt, Vertical, Montagnes Magazine y Climbing) e internacionales (incluyendo Aktuell, Vista, Pareti, Alpinist, Roca and Ice, Escalar, Montana, Alp y Klatring). Sus fotos también han alimentado regularmente los medios de comunicación (catálogos, carteles, publicidad en prensa y sitios web) de varias empresas (incluyendo Petzl, Beal, EXPE, Vertical, Lafuma y Migoo) e instituciones (Ciudad de Grenoble).

Baobab "Adansonia Grandidieri". Region de Morondava, Madagascar
Baobab significa "madre del bosque", y también "madre de los malgaches" / 
Baobab means "mother of the forest", and also "mother of Madagascan"
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Hans Bellmer (artista alemán / German artist)
William J. Cunningham (fotógrafo estadounidense / American photographer)


Textos en inglés / English translation

On March 7 is the birthday of

Andrejs Grants, Latvian photographer and teacher born in Riga in 1955.
He studied at the Latvian State University (1973–78), worked in the “Ogre” photo studio (1978–1988). From 1979 he is a teacher at the House of Technical Innovation in Riga, where he gained his reputation as an influential photography teacher of many Latvian contemporary photographers, film-makers and artists, such as Ritums Ivanovs, Arnis Balcus and Gints Berzins. At "Ogre" photo studio he formed an informal group "A" with photographers Inta Ruka, Valts Kleins and Gvido Kajons. Having influences by documentary photographers, such as Henri Cartier-Bresson and Robert Frank, group "A" used a reportage style to document everyday life of Soviet Latvia, very often creating photographs full of criticism. Andrejs Grants gained international recognition by collaborating with group "A" ideological leader Egons Spuris' widow Inta Ruka. Their project "Latvia: Changing and Unchanging Reality" has been shown internationally. Similar to Ruka's work, Andrejs Grants' main theme are the people in Latvia. His photographs record a variety of Latvian people of different social levels, professions, nationalities, generations, people in their usual surroundings – in the city or countryside, at work or at home, in festivities or alone. In 2002 a monography "Andrejs Grants" was released by Neputns with a selection of his best work.

On March 8 is the birthday of

Matthew Sussman, American actor, photographer, and documentary filmmaker born in 1958.
He graduated from Brown University and was trained at the Yale School of Drama.
Sussman has appeared in numerous films, including Kate & Leopold and Pollock, in which he played the artist Reuben Kadish. Sussman also appeared in three episodes of The Sopranos in 2000 and 2002 as Dr. Douglas Schreck. Other films include John Turturro's Mac and Illuminata. His television work includes appearances in Sex and the City, Law & Order, and the short-lived Peter Berg series Wonderland.
On the New York stage Sussman appeared in MCC Theater's premiere of Tim Blake Nelson's The Grey Zone, directed by Doug Hughes. 
In 2001, Sussman began working on a series of documentaries for a variety of international television production companies.
As a photographer Sussman focuses on commercial work, portraits, celebrities, and music. He is the house photographer at New York's Village Vanguard.

On March 9 is the birthday of

Charles Lee Moore, American photographer born in 1931, most famous for his photographs documenting the American civil rights era.
He served three years in the U.S. Marines as a photographer and then attended what was then known as the Brooks Institute of Photography in Santa Barbara, California. He next worked as a photographer with the morning and afternoon newspapers The Montgomery Advertiser and The Montgomery Journal.
In 1958, while working in Montgomery, Alabama for the Montgomery Advertiser, he photographed an argument between Martin Luther King, Jr. and two policemen. His photographs were distributed nationally by the Associated Press, and published in Life.
From this start, Moore traveled throughout the South documenting the Civil Rights Movement. His most famous photograph, Birmingham, depicts demonstrators being attacked by firemen wielding high-pressure hoses. U.S. Senator Jacob Javits, said that Moore's pictures "helped to spur passage of the Civil Rights Act of 1964."
In 1962, Moore left the newspapers to start a freelance career. He worked for the Black Star picture agency, which sold much of his work to Life.
Moore went on to cover the Vietnam War and conflicts in Dominican Republic, Venezuela and Haiti. He then moved on to nature, fashion and travel photography, in addition to corporate work.
In 1989, Moore became the first recipient of the Eastman Kodak Crystal Eagle Award for Impact in Photojournalism which is awarded for a "body of photographic work which has influenced public perceptions on important issues of our time" in the NPPA–University of Missouri Pictures of the Year International Competition.
He died in 2010.

On March 10 is the birthday of

Dagmar Hochová-Reinhardtová, Czech photographer born in Prague in 1926.
During the years 1942-1943 she studied at the National School of Graphic Arts in Prague, where she was a student of Jaromir Funke and Josef Ehm. After a brief interruption by war, she completed courses in 1945-46. Then worked in laboratories with Paul Illek, oriented to advertising photography. She became one of the first students of Professor Karel Plicka in the newly created Academy of Film and Performing Arts. She graduated in 1953.
During her studies she cooperated with magazines and publishing houses for children, especially in the Albatros publishing house. This cooperation marked the approach of her entire life to photojournalism and documentary photography. Known for her series of children, her camera captured moments in the lives of disadvantaged children, the elderly and nuns.
She died in 2012.

On March 11 is the birthday of

Larry Fink, American photographer born in 1941, best known for his black-and-white images of people at parties and in other social situations.
He grew up in a politically conscious household and has described himself as "a Marxist from Long Island." He studied at the New School for Social Research in New York City, where photographer Lisette Model was one of his teachers and encouraged his work.
Fink's best-known work is Social Graces, a series of photographs he produced in the 1970s that depicted and contrasted wealthy Manhattanites at fashionable clubs and social events alongside working-class people from rural Pennsylvania participating in events such as high school graduations. Social Graces was the subject of a solo exhibition at the Museum of Modern Art in 1979 and was published in book form in 1984.

On March 12 is the birthday of

Chris Burkard, American self-taught photographer and artist, based in California Central Coast region. Burkard’s work is layered by landscape, lifestyle, surf, outdoor and travel subjects. Burkard takes a photojournalistic approach to conceptualize large-scale editorial projects that extend across multiple mediums, formulated for digital and print content platforms. The use of natural lighting techniques is prevalent throughout Burkard’s work as well as capturing humanizing moments in both cultural and natural landscapes.
Contrasting the idea of surfing as a sun-drenched, bleach-blonde experience, Burkard gravitates toward and leads assignments to colder environments. Burkard has led trips to some of the coldest regions of the globe. In addition to hunting down perfect waves in some of the coldest harshest conditions known to man, Burkard has shot- both personally and commercially on six of the seven continents. His travels have included over 21 trips to Iceland, as well as trips to Norway and the Faroe Islands, India, Cuba, New Zealand, Russia, Switzerland, Italy and many more.

Today, March 13, is the birthday of

Evrard Wendenbaum, French outdoor photographer, filmmaker, geologist and explorer born in 1979.
This nature-lovers and indefatigable adventurous travels the world in search of unexplored and inaccessible corners. Since 1999, he organized many expeditions, sporting first (climbing, trekking, mountaineering, canyoning, kayaking), and then recently, he went on scientific and exploration projects, the greatest of it being his last expedition conducted during three months in winter 2011 in Madagascar in the mountain of Makay.
Since 2001, from his numerous expeditions, he brought a large number of publications in the French press (including Paris-Match, Sport, Vertical, Montagnes Magazine and Climbing) and International (including Aktuell, View, Pareti, Alpinist, Rock and Ice, Escalar, Muntana, Alp and Klatring). His photos have also regularly fuelled means of communication (catalogues, posters, press advertising and websites) of various companies (including Petzl, Beal, Expé, Vertical, Lafuma and Migoo) and institutions (City Grenoble).

Kate Clark [Escultura, Taxidermia]

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Cuando le pedí autorización a Kate para publicar sobre su obra, le escribí:
"Mi aproximación al arte con taxidermia no siempre es fácil; amo mucho la naturaleza, así que ver partes de animales utilizadas con propósitos artísticos a veces me hace sentir cosas extrañas y no siempre agradables. Pero encuentro algo a la vez bonito e inquietante en tu obra que me hace pensar que tal vez este uso de pieles y cuernos de animales pueda tener una justificación real para enviar un mensaje potente. Tal vez podría pedirte que en tu próximo proyecto utilizaras cabezas humanas reales para hacerlo más equitativo (podría sugerirte algunas cabezas a ser cortadas sin gran pérdida para la humanidad. :)"
Vean ustedes su trabajo y saquen sus propias conclusiones.

When I ask Kate for permission to post about her work, I wrote her:
"My approach to the art with taxidermy is not always easy; I love nature too much, so seen parts of animals used for artistic purposes sometimes makes me feel strange and not always pleasant things. But I find something at the same time nice and disturbing in your work makes me think that maybe this use of animal skin or horns have a real justification to send a powerful message. Maybe I could ask you to use in the next project real human heads to make it more equitable - I could suggest you some heads to be cutted and used with no great loss for humanity. :)"
See her work and draw your own conclusions.
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Kate Clark

Kate con "Lamiendo el plato" y "Ella obtiene lo que quiere" /
Kate with "Licking the Plate" and "She Gets What She Wants"

Kate Clark es una escultora que vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. En sus obras fusiona rostros humanos con cuerpos de animales salvajes, explorando la superposición existente entre nuestras culturas y en nuestras historias.
Kate obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en la Cornell University, y un Master, también en Bellas Artes, en la Academia de Arte Cranbrook.
Realizó su primera muestra en la Claire Oliver Gallery, Nueva York, en 2008. Desde entonces su obra se ha incluido en numerosas exposiciones indviduales y colectivas. 
Su obra es requerida internacionalmente, y está presente en colecciones públicas de Estados Unidos, Reino Unido y Suiza.
El trabajo de Kate ha sido reseñado en las principales publicaciones (Wall Street Journal, New York Times, New York Magazine, Huffington Post, Hi Fructose y muchas otras) y National Geographic ha filmado en su estudio durante 2 meses para el documental corto que puede verse más abajo.

"Lamiendo el plato / Licking the Plate"
Piel y cuernos de kudu, espuma, arcilla, hilo, alfilerres, ojos de caucho / 
kudu hide and horns, foam, clay, thread, pins, rubber eyes, 10' x 10' x 4', 2014
© Kate Clark, Foto / Photo: Nicole Cordier

«Este gran Kudu tiene una marca de garras preciosa en un lado, así que el animal fue atacado en algún momento y sobrevivió. Esto para algunos podría considerarse una imperfección, pero para mí lo hace más interesante.»

«This greater kudu has a really beautiful claw mark on the side, so an animal attacked him at some point and he survived. This one has what some might consider an imperfection, but to me makes it all the more interesting.»
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"Un comienzo duro / A Rough Start" (pieza y detalle / piece and detail)
P piel y pelaje de oso, espuma, arcilla, hilo, alfileres, ojos de caucho / 
bear hide, foam, clay, thread, pins, bear fur, rubber eyes, 24" x 29" x 65", 2007 © Kate Clark

En lugar de pieles frescas, Kate recicla las viejas, consideradas imperfectas para los propósitos típicos de montaje de trofeos. Ya sea porque han pasado mucho tiempo en los frigoríficos, o porque los insectos las hayan perforado, ella las cose con cuidado, antes de podar la cabeza de espuma del animal y reemplazarla por una hecha de arcilla, esculpida con características humanas, y luego cubrirla con la propia piel de la cara del animal.

"Sin título / Untitled (coyote)"
Piel de coyote, espuma, arcilla, hilo, alfileres, ojos de caucho / 
coyote hide, foam, clay, thread, pins, rubber eyes, tamaño natural / lifesize, 2007 © Kate Clark

"Ceremonia / Ceremony"
Piel de antílope gemsbok espuma, arcilla, hilo, alfileres, ojos de caucho /
gemsbok antelope hide, foam, clay, thread, pins, rubber eyes, 120" x 120" x 72", 2011 © Kate Clark

«Mientras estaba estudiando, leí sobre la evolución del rostro humano, cómo los cambios específicos (la pérdida de pelo en el rostro, el blanco de los ojos, las cejas, el hocico retrayéndose, etc.) permitieron, en su conjunto, un enorme abanico de expresiones fácilmente "legibles". Nuestra habilidad para leer aún las más sutiles expresiones en un instante, ayudaron a los humanos a crear una cultura civilizada basada en la confianza y la comprensión de los demás en nuestras sociedades.
Compré un pequeño mapache trofeo y comencé a experimentar con la piel del animal. Me llevó mucha experimentación, pero finalmente fui capaz de crear un equilibrio entre las características faciales del animal y las del rostro humano, permitiendo que el rostro transformado del animal comunicara expresiones y emociones complejas (lo que nosotros consideramos "humanas"). Una vez que fui capaz de hacer un rostro humano creíble, la discusión pasó de ser científica a ser tanto conceptual como emocional.
Creo que un espectador percibe la cualidad natural o artificial del material, y creo que este material, la piel real, produce una reacción visceral cuando un espectador finalmente aborda la obra. A veces me parece que difícil creer que utilizo piel de animales, pero utilizarlas y transformarlas, en vez de juntar dos cosas artificiales, el el concepto más importante que subyace en la obras.»

"Ceremonia / Ceremony" (detalle de la instalación / installation detail) © Kate Clark

Utilizando hilo de algodón y alfileres de modista, Kate cose, sutura y fija las pieles de animales en su lugar sobre la forma de espuma. Pero los rostros también tienen hileras de alfileres trazando patrones alrededor de la cara humana.
«Algunos piensan que es tribal, otros que es decorativo. Pero yo quiero que esa construcción sea realmente visible. [Como] la sutura desaparece, los alfileres enfatizan que el rostro ha sido reconstruido. Incluso aunque lo reconozca y se lo crea, quiero que el espectador vea claramente que el animal ha sido transformado en humano.»

"Matón / Bully"
Piel de lobo, espuma, arcilla, hilo, alfilerres, ojos de caucho, madera, pintura / 
wolf hide, foam, clay, thread, pins, rubber eyes, wood, paint, 82" x 42" x 54", 2010 © Kate Clark

«Cuando hago las piezas, me detengo cuando he alcanzado un punto en el que las esculturas presentan un balance, es decir, un equilibrio entre hecho vs. ficción, belleza vs. aberración, construcción visible vs. parecido creíble. A través de años de trabajar con animales, he llegado a la conclusión de que quiero que cada pieza se vea digna. Muchos espectadores han sugerido que voy en la dirección de lo monstruoso, pero creo que eso haría más fácil que se apartaran. En cambio, me aseguro de que el animal está sentado o de pie en una posición de poder, mientras que sus rostros aparecen cómodos y casuales en su transformación. Esto añade complejidad a la relación espectador-escultura: el carácter de la escultura es cómodo, mientras el del espectador es incómodo, hasta que él o ella se toman el tiempo para encontrar belleza o significado en la obra.»

"Sin título (busto femenino 3) / Untitled (Female Bust 3)"
Piel de coyote, espuma, arcilla, hilo, alfilerres, ojos de caucho / 
coyote hides, foam, clay, thread, pins, rubber eyes, 19" x 14" x 15", 2013 © Kate Clark

"Encantado / Charmed" (pieza y detalle / piece and detail)"
Piel de springbok, cornamenta, espuma, arcilla, hilo, alfilerres, ojos de caucho, base de madera y acero, lienzo pintado /
Springbok hide, antlers, foam, clay, thread, pins, rubber eyes, steel and wood base, painted canvas
72" x 40" x 23", 2015 © Kate Clark, Foto / Photo: Red Ukachukwu

«Mi obra se discute en el contexto del ambientalismo, la mitología, el espiritualismo, la biología futurista, etc. Lo que adoro de este espectro es que permite que la obra sea considerada de una forma actual y contemporánea, lo que conduce a una discusión más amplia de la evolución cultural. El hecho de que no hayamos evolucionado físicamente como humanos, desde tiempos anteriores a la mitología griega hasta ahora, y probablemente no vayamos a evolucionar físicamente mientras avanzamos hacia el futuro, es un hecho asombroso, teniendo en cuenta que hemos evolucionado culturalmente a pasos agigantados. Aún cuando somos la misma gente físicamente, somos maestros en adaptarnos a esos cambios culturales. Pero hay un punto a tener en cuenta: la gente puede querer reevaluar si se sienten cómodos, adaptados naturalmente a los constantes avances culturales, o en cambio optar por reavivar su relación con la naturaleza.»

"Fortaleza / Fortitude"
Piel de oso, espuma, arcilla, hilo, alfilerres, ojos de caucho, madera, pintura / 
bear hide, foam, clay, pins, thread, rubber eyes, wood, paint, 60" x 39" x 68", 2011 © Kate Clark

«Algo que ha sido un nuevo desafío es cuando imágenes o videos de mi obra se hacen "virales". La visibilidad es grande, pero algunas de las reacciones muestran que un gran porcentaje de los espectadores no se están tomando su tiempo para mirar la obra y comprender lo que estoy presentando. Parecen reaccionar impulsivamente, y muy a menudo reaccionan a las reacciones de otra gente. Estoy segura que no soy la única artista que está sufriendo esto.»

"Travesuras / Antics"
Pieles de íbice, gato montés y liebre, espuma, arcilla, alfileres, hilo, ojos de caucho / 
Ibex, bobcat, jack rabbit hides, foam, clay, pins, thread, rubber eyes, 88" x 28" x 36", 2007 © Kate Clark

Kate trabajando / at work.
Fotograma del video que puede verse más abajo / still of the video you can see below

Kate Clark is a sculptor who lives and works in Brooklyn, NY. Her sculptures synthesize the human face and the body of wild animals, exploring the overlap that exists across our cultures, and within our histories.
Kate earned her BFA at Cornell University, and MFA at the Cranbrook Academy of Art.
She had her first solo exhibit at Claire Oliver Gallery in New York in 2008. Since then she has been included in several solo and group museum exhibitions.
Her work is collected internationally and is in public collections in USA, UK and Switzerland.
Kate's work has been featured in the most important media (Wall Street Journal, New York Times, New York Magazine, Huffington Post, Hi Fructose and many more) and National Geographic has filmen in her studio over a 2 month period for the short documentary you can see below.

"Manada / Pack"
Pieles de coyote, espuma, arcilla, alfileres, hilo, ojos de caucho, madera, cartón / 
coyote hides, foam, clay, pins, thread, rubber eyes, wood, cardboard, (aprox) 66" x 44" x 92", 2007
© Kate Clark

Instead of fresh hides, she recycles old ones that are considered imperfect for the typical purposes of trophy mounts. Whether they were left too long in the freezer or bugs ate holes in the skin, she will stitch them together with care, before lopping off the foam animal head and replacing it with one made of clay, sculpted to have human features and then covered in the animal’s own facial skin.

"Sin título (busto masculino) / Untitled (male bust)" (pieza y detalle / piece and detail)
Piel de antílope, espuma, arcilla, hilo, alfileres, ojos de caucho, madera, 26" x 16" x 16", 2011 © Kate Clark

"Mi corazón late como el trueno / My Heart Beats Like Thunder"
Piel de puma, alfombra de piel de alce, espuma, arcilla, hilo, alfileres, ojos de caucho / 
cougar hide, elk hide rug, foam, clay, thread, pins, rubber eyes, 39"x 60" x 72", 2012
© Kate Clark, Foto / Photo: James Zimmerman

«During graduate school I was reading about the evolution of the human face -- how the specific changes, i.e. a hairless face, whites of the eyes, eyebrows, muzzle pulled back, etc, together allow for an enormous range of easily ‘readable’ expressions. Our ability to read even the subtlest expression in a flash, helped humans create a civilized culture based on trusting and understanding the others in our society.
I bought a small raccoon shoulder mount and started experimenting with the animal hide. It took a lot of experimentation but eventually I was able to create a balance between an animal’s facial features and human facial features, allowing the animal’s transformed face to communicate complex (what we consider ‘human’) expression and emotion. Once I was able to make a believable human face, the discussion switched from a scientific one to both a conceptual and emotional one.
I think a viewer senses a material’s quality, natural or artificial, and I see that this material, real hide, causes a visceral reaction when a viewer first approaches the work. I sometimes find it hard to believe myself -that I use animal hide, but using the animal’s actual skin and transforming it, rather than putting two artificial things together, is the most important concept behind the work.»

"Galant"
Piel de antílope, espuma, arcilla, hilo, alfileres, ojos de caucho / 
antelope hide, foam, clay, thread, pins, rubber eyes, 2015 © Kate Clark

Using cotton thread and dressmaker pins, Kate will stretch, stitch, and secure the animal hides in place on the foam form. But the faces also have rows and rows of pins tracing patterns around the human face.
«Some think it’s tribal, some think it’s just decorative,” she explained. “But I want that construction to be really visible. [Since] the stitching disappears, the pins reemphasize that this face is constructed. Even though you recognize it and believe it, I want the viewer to see clearly that it’s transformed from the animal into the human.»

"Sin título (oso negro) / Untitled (black bear)"
Piel de oso, espuma, arcilla, alfileres, hilo, ojos de caucho / 
bear hide, foam, clay, pins, thread, rubber eyes, 27" x 42" x 16" (tamaño natural / lifesize), 2008
© Kate Clark

"Iluminado desde el interior / Lit From Within"
Pieles y cuernos de gacela, espuma, arcilla, hilo, ojos de caucho, cartón, madera /
gazelle hide and horns, foam, clay, pins, thread, rubber eyes, cardboard, wood
tamaño natural / lifesize variable, 2009 © Kate Clark

«When making the pieces I stop when I reach a point that will present the sculptures as balanced- ie: balanced between presenting fact vs. fiction, beauty vs. aberration, visibly constructed vs. believably lifelike. Through the years of working with animals, I’ve come to the conclusion that I want each piece to look dignified. Many viewers have suggested that I take them in a monster-y direction, but I think that would make them easier to dismiss. Instead, I make sure the animal stands or sits in a powerful position, while their faces appear comfortable and casual in their transformation. This adds complexity within the viewer/sculpture relationship—the character in the sculpture is comfortable while the viewer is uncomfortable-- until he or she spends the time to find beauty or meaning in the work.»

Vista general de la instalación / general view of installation © Kate Clark

«My work is discussed in the context of environmentalism, mythology, spiritualism, futuristic biology, etc. What I love about the range is that it enables the work to be considered in a current and contemporary way that leads to the broader discussion of cultural evolution. The fact that we haven’t physically evolved as humans from the time before Greek mythology until now, and probably won’t evolve physically as we move into the future, is an amazing fact - considering the leaps and bounds that we have evolved culturally. Even though we are the same physical people, we are masters at adapting to these cultural changes. But there is a tipping point – people may want to reevaluate if they feel comfortable/natural adapting to the constant cultural advances, and instead choose to rekindle a relationship with nature.»

"Sin título (busto masculino 2) / Untitled (Male Bust 2)"
Piel de antílope, cornamenta, espuma, arcilla, hilo, ojos de caucho /
antelope hide, antlers, foam, clay, pins, thread, rubber eyes, 32" x 16" x 19", 2012 © Kate Clark

«One thing that’s been a new challenge for me is when images or videos of my work go ‘viral’. The visibility is great but some of the reactions show that a good percentage of the viewers are not taking any time to look at the work and figure out what I’m presenting. They seem to react impulsively and very often they react to other people’s reactions. I’m sure I’m not the only artist who is suffering from this.»

"Niñita / Little Girl", piel de cría de caribú, espuma, arcilla, alfileres, hilo, ojos de caucho /
infant caribou hide, foam, clay, pins, thread, rubber eyes, 15" x 28" x 19", 2008 © Kate Clark
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Fuentes / Sources:
Website, Declaración artística / Artist's Statement
* Un giro artístico a la taxidermia desdibuja las fronteras de la humanidad /
An Artist’s Twist on Taxidermy Blurs the Boundaries of Humanity, Por / byKathryn Carlson
* Una conversación con la artista y escultora / A conversation with artist and sculptor Kate Clark
Por / by Francis Xavier, 1/2016, AXS
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Más sobre Kate Clark en "El Hurgador" / More about Kate Clark in this blog:

Más imágenes e información sobre Kate en / More images and information about Kate in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Kate!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Kate!)


Cabezas que parecen humanas sobre cuerpos de animales: la taxidermia como arte /
Human-Looking Faces on Animal Bodies: Taxidermy as Art


Asonancias / Assonances (V)

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Nuevo post con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado estos siempre interesantes paralelismos.
Información sobre los artistas aún no publicados en el blog, al final del post.
Más en los posts anteriores.

New post with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in these always interesting parallels.
Information about aritists not yet featured in this blog, at the end of this post.
More in previous posts.

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Bruce Davidson
"Sin título, Calle 100 Este (Niña enjaulada) / Untitled, East 100th Street (Young Girl in Bird Cage)", 1966

Más sobre Bruce Davidson en "El Hurgador" / More about Bruce Davidson in this blog:

Stanko Abadžic
"Desnudo femenino en una ventana / Female Nude by a Window", 2007

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Dorothea Lange
"Mujer de las High Planes "Si te mueres, estás muerto. Eso es todo" / 
Woman of the High Plains “If You Die, You're Dead–That's All.
Texas Panhandle, 1938

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Jeanloup Sieff
"Françoise Sagan", St-Tropez, 1956

Más sobre Jeanloup Sieff en "El Hurgador" / More about Jeanloup Sieff in this blog:
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Izq./ Left: Herb Ritts, "Torso masculino con velo / Male Torso with Veil", 1958
Der./ Right: Sally Mann, "Gotas de polo / Popsicle Drips", 1985

Herb Ritts
"Torso masculino con velo / Male Torso with Veil", 1958

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Izq./ Left: Edward S. Curtis, "Cañón / Canon de Chelly–Navajo", 1904
Der./ Right: RAX, "Cazador, Fiordo de Inglefield / Hunter, Inglefield Fjord", 2004

Edward Sheriff Curtis
"Cañón / Canon de Chelly–Navajo", c. 1904. The Library of Congress (Washington, EE.UU. / USA)

Más sobre Edward S. Curtis en "El Hurgador" / More about Edward S. Curtis in this blog:

Ragnar Axelsson "RAX"
Serie Groenlandia / Greenland Series
"Cazadores, Fiordo de Inglefield / Hunters, Inglefield Fjord", 2004 © Ragnar Axelsson
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Bruce Weber
"Luíza Brunet", sesión de fotos en el / photo session at Copacabana Palace, Rio de Janeiro, 1986

Patrick Demarchelier

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Izq./ LeftSatoshi Kon (今敏), "Perfect Blue", 1997
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Pierre Fudarylí
"Cuando estás volando / When you're Flying II", 2013 © Pierre Fudarylí

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Hai Trinh Xuan (Hihiki)
© Hihiki Photography

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Laurence Sackman
"Salvador en mis gafas de sol / Salvador in my Sunglasses", París 1974

Robert Doisneau
"Lunettes / Gafas / Glasses", c.1950

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Un joven (Austin Clinton Brown, de 9 años) asiste al discurso "Yo tengo un sueño" de Martin Luther King, el 28 de agosto de 1963 /
A young boy (Austin Clinton Brown, age 9) attends Martin Luther King Jr.'s "I Have A Dream" speech, 28 August 1963. AP Photo.

Philippe Halsman
"Retrato de / Portrait ofVladimir Nabokov", Montreux, Suiza / Switzerland, c.1968

Más sobre Halsman en "El Hurgador" / More about Halsman in this blog:
Más sobre Nabokov en "El Hurgador" / More about Nabokov in this blog:
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Ruth Bernhard
"Desnudo femenino con los brazos cruzados / Female Nude with Crossed Arms", 1960s

Egon Schiele
"Chica desnuda con los brazos cruzados / Nude Girl with Folded Arms (Gertrude Schiele)"
Acuarela y crayón negro sobre papel / watercolor and black crayon on paper, 48,8 x 28 cm., 1910
Museo Albertina (Viena / Vienna, Austria)

Más sobre Egon Schiele en "El Hurgador" / More about Egon Schiele in this blog:

Patrick Demarchelier
"Christy Turlington con un ratón / with mouse", Vogue, 1999

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Información sobre los artistas / Information about the artists

Sally Mann es una fotógrafa estadounidense nacida en 1951 en Lexington (Virginia), donde aún vive con su esposo Larry, abogado de profesión, con quién tuvo tres hijos: Jessie, Emmett y Virginia, protagonistas de algunos de sus mejores retratos.
Estudió fotografía en la Praestegaard Film School (1971) y en la Aegeon School of Fine Arts (1972), entre otros, graduándose en 1974 en el Bennington College.
Su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias desatadas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía.
Entre otras instituciones el Museo Metropolitano de Nueva York y la colección Corcoran poseen obra entre sus fondos.
En julio de 2001 Sally Mann recibió de la revista Time el premio a la Mejor fotógrafa estadounidense.

Sally Mann is an American photographer born in 1951 in Lexington (Virginia), where she still lives with her husband Larry, a lawyer, with whom she had three children: Jessie, Emmett and Virginia, protagonists of some of her best portraits .
She studied photography at the Praestegaard Film School (1971) and the Aegeon School of Fine Arts (1972), among others, graduating in 1974 at Bennington College.
Her work has drawn attention not only for its technical qualities but also some controversy unleashed by radical groups, at the end of the 1990s, conservative Christians in her country which protested against the photographer, David Hamilton and Jock Sturges, accusing them of create pornography.
Among other institutions, the Metropolitan Museum in New York and the Corcoran collection have Sally's work among their funds.
In July 2001 Sally Mann received the prize for Best American Photographer, awarded by Time Magazine.
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Ragnar Axelsson, quien se llama a sí mismo RAX, es un fotógrafo islandés nacido en 1958.
Ha sido fotógrafo del equipo de Morgunblaðið (el periódico más grande de Islandia) desde 1976. Ha realizado trabajos e historias para varias agencias y revistas, fotografiando en Islandia, las Feroe, Groenlandia, Indonesia, Escandinavia y Siberia.

Ragnar Axelsson, who also calls himself RAX, is an Icelandic photographer born in 1958.
He has been a staff photographer of Morgunblaðið (Iceland's largest newspaper) since 1976. Ragnar has done work and stories for various agencies and magazines, shooting in Iceland, the Faroes, Greenland, Indonesia, Scandinavia, and Siberia.
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Bruce Weber es un fotógrafo de moda y ocasional cineasta estadounidense nacido en 1946. Es conocido por sus campañas publicitarias para Calvin Klein, Ralph Lauren, Pirelli, Abercrombie & Fitch, Revlon y Gianni Versace, así como su trabajo para las revistas Vogue, GQ, Vanity Fair, Elle, LIFE, Interview y Rolling Stone.
La fotografías de moda de Weber aparecieron por primera vez a finales de 1970 en la revista GQ, donde tuvo frecuentes fotos de portada. Nan Bush, su compañera de toda la vida y agente, fue capaz de asegurar un contrato con Federated Department Stores para fotografiar el catálogo por correo de Bloomingdales en 1978. Llegó al público en general a finales de la década de 1980 y principios de 1990 con sus imágenes publicitarias para Calvin Klein y su retrato del entonces joven actor Richard Gere. Sus tomas directasen blanco y negro, que muestran una pareja heterosexual desnuda en un columpio frente a frente, dos hombres vestidos en la cama, y ​​el modelo Marcus Schenkenberg con tan sólo unos jeans, frente de sí mismo en una ducha, lo catapultaron al primer plano nacional. Su fotografía para Calvin Klein de atleta olímpico Tom Hintnaus en calzoncillos blancos es una imagen icónica. Fotografió la colección invierno 2006 de Ralph Lauren
Algunas otras fotografías tempranas de Weber apareció en SoHo Weekly News y mostraban una cantidad de hombres vestidos sólo con su ropa interior. Las fotos se convirtieron en centro de controversia y algunos dijeron que Weber nunca volvería a encontrar trabajo como fotógrafo de moda. Esta reputación lo acompaña. Al respecto ha dicho: "Yo en realidad no trabajo en gran número de revistas, porque muchas de ellas no quieren el tipo de fotografías que hago. Es demasiado arriesgado para ellos.".
Después de hacer sesiones de fotos para y de personajes famosos (muchos de los cuales fueron presentados en la revista Interview de Andy Warhol), Weber hizo películas cortas de boxeadores adolescentes (Broken Noses / Narices rotas), sus queridos perros de compañía, y después, una película más larga titulada "Chop Suey". Dirigió "Let's Get Lost", un documental de 1988 sobre el trompetista de jazz Chet Baker.
Las fotografías de Weber son de vez en cuando en el color, sin embargo, la mayoría son en blanco y negro o en matices tonales.

Bruce Weber is an American fashion photographer and occasional filmmaker born in 1946. He is most widely known for his ad campaigns for Calvin Klein, Ralph Lauren, Pirelli, Abercrombie & Fitch, Revlon, and Gianni Versace, as well as his work for Vogue, GQ, Vanity Fair, Elle, Life, Interview, and Rolling Stone magazines.
Weber's fashion photography first appeared in the late 1970s in GQ magazine, where he had frequent cover photos. Nan Bush, his longtime companion and agent, was able to secure a contract with Federated Department Stores to shoot the 1978 Bloomingdales mail catalog. He came to the attention of the general public in the late 1980s and early 1990s with his advertising images for Calvin Klein, and his portrait of the then young actor Richard Gere. His straightforward black and white shots, featuring an unclothed heterosexual couple on a swing facing each other, two clothed men in bed, and model Marcus Schenkenberg barely holding jeans in front of himself in a shower, catapulted him into the national spotlight. His photograph for Calvin Klein of Olympic athlete Tom Hintnaus in white briefs is an iconic image. He photographed the winter 2006 Ralph Lauren Collection.
Some of Weber's other earliest fashion photography appeared in the SoHo Weekly News and featured a spread of men wearing only their underwear. The photos became the center of controversy and Weber was told by some that he would never find work as a fashion photographer again. This reputation stuck with him, as he says: "I don’t really work editorially in a large number of magazines because a lot of magazines don’t want my kind of photographs. It’s too risky for them.".
After doing photo shoots for and of famous people (many of whom were featured in Andy Warhol's Interview magazine), Weber made short films of teenage boxers (Broken Noses), his beloved pet dogs, and later, a longer film entitled Chop Suey. He directed Let's Get Lost, a 1988 documentary about jazz trumpeter Chet Baker.
Weber's photographs are occasionally in color; however, most are in black and white or toned shades.
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Satoshi Kon (今敏) fue un director de cine, animador, guionista y artista del manga japonés nacido en 1963 en Kushiro, Hokkaido, miembro de la Asociación Japonesa de Animación Creadores (JAniCA).
Se graduó del departamento de Diseño Gráfico de la Universidad de Arte de Musashino.
Sus películas más importantes fueron Perfect Blue (1997), Millenium Actress (2001), Tokyo Godfathers (2003), Paprika (2006), y la serie de televisión Paranoia Agent (2004).
Murió en 2010.

Satoshi Kon (今敏) was a Japanese film director, animator, screenwriter and manga artist born in 1963 in Kushiro, Hokkaidō and a member of the Japanese Animation Creators Association (JAniCA).
He was a graduate of the Graphic Design department of the Musashino Art University. 
His most important films were Perfect Blue (1997), Millennium Actress (2001), Tokyo Godfathers (2003), Paprika (2006), and the TV series Paranoia Agent (2004).
He died in 2010.
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Darren Aronofsky es un director de cine, guionista y productor de cine estadounidense nacido en 1969.
Ha recibido elogios por sus películas a menudo surrealistas, inquietantes y se ha caracterizado por frecuentes colaboraciones con el director de fotografía Matthew Libatique, el editor Andrew Weisblum y el compositor Clint Mansell. Sus películas han generado controversia y son conocidas por sus temas a menudo violentos y sombríos. "Los temas de las seis películas de Aronofsky, de 1998 a 2014 incluyen la búsqueda de la perfección, la búsqueda de la felicidad, el anhelo de amor, la intoxicación con la publicidad, el dolor de la alienación y el peso de la responsabilidad."
Sus películas más importantes son π (Pi) (1998), Réquiem por un sueño (2000), La Fuente (2006), El luchador (2008), Cisne Negro (2010) y Noé (2014).

Darren Aronofsky is an American film director, screenwriter and film producer born in 1969.
He has received acclaim for his often surreal, disturbing films and has been noted for frequent collaborations with cinematographer Matthew Libatique, film editor Andrew Weisblum and composer Clint Mansell. His films have generated controversy and are known for their often violent, bleak subject matter. "The themes in the six Aronofsky’s films from 1998 to 2014 include the search for perfection, the search for happiness, longing for love, intoxication with publicity, the pain of alienation, and the burden of responsibility."
His most important films are π (Pi) (1998), Requiem for a Dream (2000), The Fountain (2006), The Wrestler (2008), Black Swan (2010) and Noah (2014).
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Laurence Sackman es un fotógrafo inglés nacido en Wembley.
Comenzó su carrera en fotografía trabajando para Esquire, Stern, Elle, Marie-Claire, Vogue Hommes, Queen, Sunday Times y Nova. También trabajó en publicidad. Fue uno de los primeros en utilizar el flash anular. Es un referente de los '80 y gran compañero de Helmut Newton.

Laurence Sackman is an English photographer born in Wembley.
He begins his career in photography working for Esquire, Stern, Elle, Marie-Claire, Vogue Hommes, Queen, Sunday Times, Nova. He has also worked in advertising. He was one of the first to work with a ring flash. He is the referent of the 80' and Helmut Newton's great partner. 
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Ruth Bernhard fue una fotógrafa estadounidense de origen alemán nacida en 1905.
Estudió en la Academia de Arte de Berlín entre 1925-27. Su padre, Lucian Bernhard, era conocido por sus carteles y diseños tipográficos, muchos de los cuales llevan su nombre y todavía están en uso.
En 1927 Bernhard se trasladó a la ciudad de Nueva York, donde su padre ya estaba viviendo. Trabajó como asistente de Ralph Steiner en la revista Delineator, pero él puso fin el contrato, desconforme con su rendimiento. Ella utilizó su indemnización por despido para financiar su propio equipo fotográfico. En 1935 se encontró por casualidad con Edward Weston en la playa en Santa Mónica. Diría más adelante: 
"No estaba preparada para la experiencia de ver sus fotografías por primera vez. Fue abrumador. Era un rayo en la oscuridad ... aquí ante mí había una prueba irrefutable de lo que había creído posible: un artista intensamente vital cuyo medio era la fotografía."
A finales de la década de 1920, mientras vivía en Manhattan, Bernhard estuvo muy involucrada en la sub-cultura de lesbianas de la comunidad artística, convirtiéndose en amiga de la fotógrafa Berenice Abbott, y su amante, la crítica Elizabeth McCausland. Ella escribió acerca de sus "aventuras bisexuales" en sus memorias. En 1934 Bernhard comenzó a fotografiar desnudos femeninos. Sería esta forma de arte por la que se la conocería.
Aunque muchas personas no lo saben, Bernhard produjo la fotografía para el primer catálogo publicado por el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York.
Murió en 2006.

Ruth Bernhard was a German-born American photographer.
She studied at the Berlin Academy of Art from 1925–27. Bernhard's father, Lucian Bernhard, was known for his poster and typeface design, many of which bear his name and are still in use.
In 1927 Bernhard moved to New York City, where her father was already living. She worked as an assistant to Ralph Steiner in Delineator magazine, but he terminated her employment for indifferent performance. She used her severance pay to finance her own photographic equipment. In 1935, she chanced to meet Edward Weston on the beach in Santa Monica. She would later say;
I was unprepared for the experience of seeing his pictures for the first time. It was overwhelming. It was lightning in the darkness...here before me was indisputable evidence of what I had thought possible—an intensely vital artist whose medium was photography.
By the late-1920s, while living in Manhattan, Bernhard was heavily involved in the lesbian sub-culture of the artistic community, becoming friends with photographer Berenice Abbott and her lover, critic Elizabeth McCausland. She wrote about her "bisexual escapades" in her memoir. In 1934 Bernhard began photographing women in the nude. It would be this art form for which she would eventually become best known.
Though many people were unaware of this, Bernhard produced the photography for the first catalog published by the Museum of Modern Art in New York City. 
She died in 2006.

Brian Mashburn [Pintura]

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Brian Mashburn pinta unos cielos dramáticos y animales, a veces algún humano, pequeños ante la inmensidad de un paisaje desolado, de ruinas envueltas en la bruma, ante las cuales esos seres solitarios parecen trofeos rescatados de la catástrofe.

Brian Mashburn paints dramatic skies and animals, sometimes some human, small before the immensity of a desolate landscape, ruins shrouded in the mist, before which those lonely beings seem trophies rescued from the disaster.
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Brian Mashburn

Brian frente a sus obras "Testigo" e "Iván" / in front of his works "Witness" and "Ivan"

Brian Mashburn es un artista estadounidense que reside en las montañas de Carolina del Norte. Asistió a la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill, donde recibió su Licenciatura en Bellas Artes en 2002.
La obra de Brian presenta paisajes urbanos e industriales en cercana proximidad con el mundo natural. Básicamente pintor al óleo, Mashburn utiliza la narrativa y una meticulosa atención al detalle para enganchar al espectador. Sus paisajes a menudo tienen tanta mano dura como sutileza, universalidad y alegoría. 
Las influencias de Mashburn abarcan desde las observaciones cotidianas hasta su herencia asiática-estadounidense. Él cita su experiencia de ir a clases de chino los fines de semana como el origen de su interés en la línea pictórica, así como de su fuerte ética respecto al trabajo. Más aún, las densas nieblas de los Apalaches y el smog de la China sudoriental y Hong Kong son la guía de su estética nebulosa.

"Testigo / Witness", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 20", 2015

"Imperio / Empire", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 20", 2016

"Isla", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 16", 2014

«Mi proceso es bastante largo y de trabajo intenso. Pinto en capas, húmedo sobre seco, así que el tiempo de secado es siempre un problema. Durante esos días, utilizo la mayor parte en mi beneficio. Generalmente tengo al menos una docena de lienzos en proceso en un momento dado, y me muevo entre uno y otro esperando que la pintura seque. Trabajo así por cuestión de eficiciencia, pero también me permite volver atrás, tomar algo de distancia y reevaluar el trabajo varias veces durante el curso de una pintura.»

Izq./ Left: "Nolan", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 72", 2009
Der./ Right: "Transitorio / Transient", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 32", 2010

"Año del mono / Year of the Monkey", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 20", 2016

«Cuando era joven estaba obsesionado con Bob Ross (ver más abajo). Hice intentos de pintar nubes como él cuando tenía unos 11 o 12 años. Probablemente fue una verdadera experiencia formativa. Recuerdo cuan decepcionante se veía de cerca, pero con la distancia parecían estar bien. Me volvía loco, y de alguna manera parecía falso. Desde entonces he tenido esta compulsión para hacer que la pintura funcione mejor, de que sea más potente, cuanto más te acerques a ella. Este es un principio fundamental en lo que hago. Es una cosa extraña, porque muchos de mis artistas favoritos son bastante gestuales. Supongo que es fácil admirar un conjunto de habilidades, es decir, en un nivel profundo, fuera de mi alcance.»

"Árbol arterial / Arterial Tree", óleo sobre panel / oil on panel, 10" x 12", 2015

"Abundantes nociones / A Wealth of Notions", óleo sobre lino / oil on linen, 19" x 23", 2015

«Diría que la idea errónea más generalizada [acerca de ser un artista] radica en la carga de trabajo que implica. Ser un artista es un trabajo muy duro, y no siempre muy romántico. A estas alturas de mi carrera, soy el único propietario del negocio. 100% de producción, i+d, marketing, servicio al cliente, y así sucesivamente, todo depende de mí. Sé que hablar de arte en esos términos es un poco bruto y contradice la intuición general, y ahí subyace el error.
Dicho esto, de alguna manera es también la parte más satisfactoria. Adoro no tener esa especie de figuras autoritarias que encuentras en los entornos de 9 a 5. No siempre me siento a gusto con las figuras autoritarias. Hay una gran cantidad de estrés asociado con lo que hago, pero es mi estrés. Es una carga de mi propia creación y me nutro de ello. Me gusta. También amo la naturaleza interdisciplinaria del arte. Soy muy curioso acerca de una variedad de intereses. Ser un pintor me permite bucear en varios tópicos que me gusta conocer más, y ver si alguno de ellos encaja en el marco de mis pinturas.»

"La reunión / The Gathering", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64" x 36", 2010

"Gallito / Cockerel", óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 13" x 12", 2015

Brian Mashburn is an American artist based in the mountains of North Carolina.  He attended the University of North Carolina at Chapel Hill where he received a BFA in 2002. 
Brian's work depicts urban and industrial landscapes in close proximity to the natural world.  Primarily an oil painter, Mashburn uses narrative and meticulous attention to detail to engage the viewer.  His landscapes are often both heavy handed and subtle, universally applicable and allegorical.
Mashburn's influences range from everyday observations to his Asian-American heritage.  He cites his childhood experience of going to Chinese language school on weekends as the origin for his interest in the painted line as well as his strong work ethic.  Moreover, the heavy mists of Appalachia and smog of southeastern China and Hong Kong inform his foggy aesthetic.

"Arrui / Barbary Sheep", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 26" x 11", 2015

"Ancora", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 32" x 40", 2014

«My process is pretty drawn out and labor intensive. I paint in layers, wet on dry, so drying time is always a concern. These days for the most part I can use this to my advantage. I generally have at least a dozen canvas going at any given time and I move between them while waiting for paint to dry. This works for efficiency’s sake but it also allows me to step back, get some distance and reevaluate a work several times during the course of painting.»

"Brahman", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52" x 36", 2012

Izq./ Left: "Leona / Lioness", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 7" x 13", 2015
Der./ Right: "León / Lion", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 7" x 13", 2015

"Dos elefantes / Two Elephants", óleo sobre lino / oil on linen, 20" x 24", 2015

«I was obsessed with Bob Ross (see below) growing up. I would attempt to paint clouds like him when I was about 11 or 12. It was probably a really formative experience. I remember how disappointing they would always be close up but at a distance they would look fine. This drove me crazy, felt disingenuous somehow. Since then I’ve had this compulsion to make the painting function better, get tighter, the closer you get to it. This is a core tenet of what I do. It’s an odd thing because many of my favorite artists are quite gestural. I guess it’s easy to admire a skill set that is, on a deep seeded level, beyond my grasp.»

"Lechuza / Barn Owl", óleo sobre panel / oil on panel, 16" x 16", 2016

"Gracias, que tengas un buen día / Thank you, Have a Nice Day"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 10" x 10", 2013

"Zorro / Fox", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 12", 2015

"Cabra / Goat", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 12", 2015

«I’d say the biggest misconception [about being an artist] is in the sheer workload involved. Being an artist is very hard work, and not always very romantic. At this stage in my career, I am a sole proprietor of a business. 100% of production, r/d, marketing, customer service, and so on is up to me. I know talking about art making in these terms is a bit gross and somewhat counter-intuitive, wherein lies the misconception.
That said, in a way this is also the most fulfilling part. I love not having those sort of authority figures you find in 9-5 environments. I have not always been great with authority figures. There is a lot of stress associated with what I do, but it’s my stress. It’s a burden of my own making and I nurture it. I like that.
I also love the interdisciplinary nature of art. I am very curious and have a lot of interests. Being a painter allows me to dive into various topics that I’d like to know more about and see what if any fit has within the framework of my paintings.»

"Emboscada / Ambush", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 16", 2014

"Dame un hogar / Give me a Home", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 40", 2012
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Fuentes / Sources:
* Sour Harvest: Entrevista a Brian para su muestra "Testigo" / Interview with Brian for "Witness", 7/2015

Más imágenes e información sobre Brian en / More images and information about Brian in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Brian!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Brian!)



Referencias / References

Bob Ross


Robert Norman "Bob" Ross, pintor estadounidense, instructor de arte y presentador de televisión nacido en 1942.
Fue conocido como el creador y anfitrión de "The Joy of Painting / La alegría de pintar", un programa de televisión que se emitió desde 1983 hasta 1994 en PBS en los Estados Unidos, y también en Canadá, América Latina y Europa.
Murió en 1995.

"Esplendor de la montaña", Temporada 7, Espidodio 8, Emitido en 1985.
"Mountain Splendor", Season 7, Episode 8, Aired 1985. Imdb


Robert Norman "Bob" Ross, American painter, art instructor, and television host born in 1942.
He was best known as the creator and host of The Joy of Painting, an instructional television program that aired from 1983 to 1994 on PBS in the United States, and also aired in Canada, Latin America and Europe.
He died in 1995.

"Sendero salvaje / Wilderness Trail", óleo / oil


Recolección / Compilation (XXXIX)

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Ron Mueck
(Melbourne, Victoria, Australia, 1958-)

"Una niña / A Girl", técnica mixta / mixed media, aprox / about 5 m., 2006
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Simon Brundret
(1967-)

"Perro en un cubo de basura / Dog in a Bin", 2011

Simon crea esculturas animadas. Sus perros utilizan arquetipos expresivos y a veces pueden parecer dibujos animados. Los anima utilizando medios mecánicos a menudo bastante burdos, y a veces también tecnología muy especializada como la robótica. Los controles computarizados que incorpora dentro de los animales están diseñados para emular los reflejos voluntarios e involuntarios que comparten tanto los humanos como los animales. Sus animales replican movimientos y sonidos tanto conscientes como reflejos, su conducta es impulsiva, habitual, buscan atención de una manera enervante y desconcertantemente familiar. /

Simon creates animated sculptures. His dogs use expressive archetypes and can sometimes appear cartoonish. He animates them using often quite crude mechanical means and also sometimes very specialised technology such as computer robotics. The computer control systems that he incorporates inside the animals are designed to reflect the voluntary and the involuntary reflexes that both humans and animals share. His animals replicate movements and sounds both conscious and reflexive, their behaviour is impulsive, habitual and they become attention seeking, unnerving and disarmingly familiar.
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István Étienne Sándorfi
(Budapest, Hungría / Hungary, 1948 - París, Francia / France, 2007)

"Eve ou L'Amour en blanc / Eva o Amor en blanco / Éve of Love in White"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 89 cm., 1992
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Juan Francisco Casas
(La Carolina, Jaén, España / Spain, 1976-)

"Nos importa una mierda / We don't give a Fuck"
Bolígrafo Bic sobre papel / Bic ballpen on paper, 140 x 250 cm., 2014
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Willem van Veldhuizen
(Rotterdam, Holanda / Netherlands, 1954-)

"Tres sillas rojas, Londres / Three Red Chairs, London", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 100 x 130 cm., 2012
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Chris Rainier
(Canadá, 1958-)

"Antiguas marcas y tatuajes 1 / Ancient Marks & Tattooing 1"
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Ragnar Axelsson
RAX
(Islandia / Iceland, 1958-)

Enorme iceberg captado cerca de las islas Baffin (en los hielos entre la isla Baffin y Groenlandia) /
Huge Iceberg taken close to the Baffin Islands (on the ice between The Baffin Island and Greenland)

Más sobre RAX en "El Hurgador" / More about RAX in this blog:
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Pierre Alexandre Schoenewerk
(París, Francia / France, 1820 - 1885)

"La jeune Tarentine / La jóven tarentina / The Young Tarantine", 74 x 171 cm., mármol / marble, 1871.

Musée d'Orsay (París, Francia / France)
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Sandra Yagi
(EE.UU. / USA, 1955-)

"Pegaso 2 / Pegasus 2", óleo sobre tabla / oil on wood, 23 x 30.5 cm., 2005
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Ligier Richier
(Saint-Mihiel, Francia / France, c.1500 - 
Ginebra, Suiza / Genève, Switzerland, 1567)

"Tumba de / Tomb of René de Châlons", mármol / marble, después de / after 1544. 
Iglesia de St. Étienne, antigua Colegiata de Saint Pierre, Francia / 
St. Etienne Church. Bar-le-Duc, France
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Chang Yong
常勇
(China)

"选种 / Selección / Selection", 80 x 109 cm.
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Ilona Aczél
(Hungría / Hungary, 1929 - 2000)

"Csendélet / Bodegón / Still Life"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 80 cm., 1974. Képcsarnok, Budapest, Hungría / Hungary
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Amedeo Modigliani
(Livorno, Italia / Italy, 1884 - París, Francia / France, 1920)

"Tête / Cabeza / Head", piedra / stone, altura / height 73 cm., 1911-12

Más sobre Modigliani en "El Hurgador" / More about Modigliani in this blog:
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Jake Berthot
(Niagara Falls, Nueva York, EE.UU. / NY, USA, 1939 - 2014)

"Sin título / Untitled", óleo sobre lino / oil on linen, 88,9 × 68,6 cm., 2010
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George Bellows
(Columbus, Ohio, EE.UU. / USA, 1882 - Nueva York / NY, 1925)

"Cuarenta y dos chicos / Forty-two Kids", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106,7 × 153 cm., 1907.
National Gallery of Art (Washington, EE.UU. / USA
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Antonia Cruz Subercaseaux
(Santiago de Chile, Chile, 1984-)

"Chica con flores / Girl with Flowers (M. A. Caro)"
Fotomontaje digital / digital photomontage, 100 x 82 cm., 2010
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Jacub Gagnon
(Toronto, Canadá, 1987-)

"El peaje de la libertad / The Toll of Liberty", 20" x 30", 2012
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Wangyuan Zhen
王元珍
(Fujian, China, 1943-)

"凝神 / Atentamente / Attentively", óleo / oil, 116,7 × 91 cm., 1995
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Cornelis Visscher
(Haarlem, Holanda / Netherlands, 1629 - 1658)

"El gran gato / The Large Cat", grabado / engraving, 14,1 x 18,3 cm., c. 1657
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Peter Zokosky
(California, EE.UU. / CA, USA, 1957-)

"Pantera y pavo real / Panther and Peacock", óleo sobre panel / oil on panel, 26″ x 43″, 2008
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Neil Fujita
(Waimea, Hawaii, EE.UU./ USA, 1921 - Nueva York / NY, 2010)

Arte de portada para el álbum de / Cover art for the album by

Más sobre Charles Mingus en "El Hurgador" / More about Charles Mingus in this blog:


Aniversarios (CXV) [Marzo / March 13-19]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 13 de Marzo es el cumple de

William James Glackens, pintor realista estadounidense nacido en 1870, uno de los fundadores de la Escuela Ashcan del arte estadounidense.
También es conocido por su trabajo ayudando a Albert C. Barnes a adquirir las pinturas europeas que forman el núcleo de la famosa Fundación Barnes de Filadelfia. Sus escenas callejeras pintadas en vibrantes tonos oscuros, y representaciones de la vida cotidiana de Nueva York y París antes de la Primera Guerra Mundial, establecieron su reputación como gran artista. Su obra posterior fue realizada en tonos más brillante y mostró la fuerte influencia de Renoir. Durante gran parte de su carrera como pintor, Glackens también trabajó como ilustrador de periódicos y revistas en Filadelfia y Nueva York.
Murió en 1938.

"Grupo de familia / Family Group", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 182,9 x 213,4 cm., 1911
National Gallery of Art (Washington, EE.UU. / USA)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Merab Gagiladze (Мераб Гагиладзе) (pintor georgiano / Georgian painter)
Hans Fredrik Gude (pintor noruego / Norwegian painter)
Günther Uecker (escultor alemán / German sculptor)
Alexej (Alexander) von Jawlensky (Алексей Георгиевич Явленский) (artista ruso / Russian artist)
Johann Zoffany (Zoffani or Zauffelij) (pintor alemán / German painter)


El 14 de Marzo es el cumple de

Richard Ernst Eurich, pintor Inglés nacido en 1903 que trabajó como artista Guerra para el Ministerio de Marina en la Segunda Guerra Mundial y también era conocido por sus paisajes marinos y pinturas narrativas. Estas a menudo se invisten de un sentido de misterio y maravilla que han tendido a diferenciarlo de la corriente principal del desarrollo artístico en el siglo XX.
Richard fue enviado a la Escuela Harpenden de San Jorge a los diez, y luego asistió a la escuela secundaria de Bradford desde 1918 hasta 1921. A continuación estudió en la Escuela de Bradford de Artes y Oficios en 1922, y continuó su formación en la Slade School of Art con el profesor Henry Tonks hasta 1926.
Siendo aún estudiante, Richard conoció a Sir Edward Marsh un gran mecenas de las artes. Éste también presentó a Richard a la galería Redfern propiedad de Rex Nan Kivell. Eurich realizó una muestra allí en 1933, tan exitosa que la Redfern le ofreció un contrato para actuar como su distribuidor en Londres. Su asociación con la galería duró veinticinco años y realizó otras quince exposiciones allí.
Con el estallido de la Guerra, Eurich encontró un nuevo tema. En 1942 fue elegido miembro asociado de la Real Academia. Se convirtió en Académico en 1953.
Después de la guerra, cuando era difícil ganarse la vida como pintor, aceptó una serie de encargos.
Murió en 1992.

"Jonás y la ballena / Jonah and the Whale", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,8 x 61 cm., c.1980
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Giuseppe Maria Crespi (Lo Spagnuolo / El Español) (pintor italiano / Italian painter)
Ferdinand Hodler (pintor suizo / Swiss painter)
Theo Jansen (escultor cinético holandés / Dutch kinetic sculptor)
Norval Morrisseau (Ave Fénix de Cobre / Copper Thunderbird)
(artista aborigen canadiense / Aboriginal Canadian artist)


El 15 de Marzo es el cumple de

Gerda Wegener (Gerda Marie Fredrikke Gottlieb), pintora e ilustradora erótica danesa nacida en 1885 o 1889.
Tras vivir en provincias, se fue a Copenhague para inscribirse en la Academia de Bellas Artes. Allí mismo se casó en 1904 con el artista Einar Wegener, quién después se convierte en Lili Elbe.
En París conoció un gran éxito como pintora e ilustradora de publicaciones como Vogue, La Vie Parisienne o Fantasio. De vuelta a su país, comenzó a cosechar gran reconocimiento gracias a su éxito parisino, y expuso en la Galería Ole Haslunds de Copenhague en varias ocasiones. Su carrera estaba bien edificada en un talento sobresaliente y alimentada por las peculiaridades de su matrimonio.
Gerda, que para muchos era una artista con más talento que su pareja, dejó aparcada su carrera para ayudarle, convirtiéndola en su modelo femenina favorita. Acompañó y apoyó a Einar en su transición a mujer transexual (cambió su nombre por el de Lili Elbe), cuya operación fue la primera de cambio de sexo de un personaje público en 1930. El rey de Dinamarca declaró su matrimonio nulo en octubre de 1930.
En 1931, Gerda se casó con el oficial italiano Fernando Porta (1896-), con quien se mudó a Marruecos, donde intentó seguir con su carrera en balde. Finalmente se divorciaron en 1936, y la artista regresó a Dinamarca en 1938. Expuso por última vez en 1939, ya sin mucho éxito, y murió en julio de 1940.
En 2016 se estrenó un film sobre el caso, The Danish Girl, dirigido por Tom Hooper y protagonizado por Eddie Redmayne en el que Alicia Vikander interpreta a Gerda.
Murió en 1940.

"En Sommerdag / Un día de verano / A Summer Day", 1927 © Bruun Rasmussen Kunstauktioner
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

David Hayes (escultor estadounidense / American sculptor)
Mirovlad Palachich (artista bielorruso / Belorussian artist)
Márton Váró (escultor húngaro / Hungarian sculptor)
Shibata Zeshin (柴田是真) (artista japonés / Japanese artist)


El 16 de Marzo es el cumple de

John Butler Yeats, artista irlandés nacido en 1839 y padre de William Butler Yeats, Lily Yeats, Elizabeth Corbett "Lolly" Yeats y Jack B. Yeats.
Es conocido por su retrato del joven William Butler Yeats, que es uno de una serie de retratos de hombres y mujeres irlandeses en el museo Yeats en la Galería Nacional de Irlanda. Su retrato de John O'Leary (1904) es considerado su obra maestra (Raymond Keaveney 2002).
Sus padres fueron William Butler Yeats (1806-1862) y Jane Gracia Colbert. Fue el mayor de nueve hermanos. Educado en el Trinity College de Dublín y miembro de la Sociedad Filosófica de la Universidad, comenzó su carrera como abogado y comenzó a pintar en 1867. Estudió en la Escuela de Bellas Artes Heatherley. Hay pocos registros de sus ventas, así que no hay catálogo de su obra en colecciones privadas. Es posible que algunos de sus primeros trabajos puedan haber sido destruidos por el fuego en la Segunda Guerra Mundial. Está claro que no tenía problemas para conseguir encargos, ya que sus bocetos y óleos se encuentran en viviendas particulares en Irlanda, Inglaterra y Estados Unidos. Sus retratos posteriores muestran una gran sensibilidad hacia el modelo. Sin embargo, él era muy malo en los negocios y nunca tuvo seguridad económica. Se trasladó casa con frecuencia y se mudó varias veces entre Inglaterra e Irlanda. A los 69 años se trasladó a Nueva York, donde fue amable con los miembros de la Escuela Ashcan de pintores.
Murió en 1922.

"Pippa Passes", 48 x 34 cm., 1870-72. Galería Nacional de Irlanda 
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Rosa Bonheur (pintora francesa / French painter)
Antoine-Jean Gros (pintor francés / French painter)
Juan Martínez Montañés (escultor español / Spanish sculptor)
Carmelo Arden Quin (artista uruguayo / Uruguayan artist)


El 17 de Marzo es el cumple de

Alexei Grigorievich Eriomin (Алексей Григорьевич Ерёмин), pintor realista ruso soviético nacido en 1919, Artista del Pueblo de la Federación Rusa, que vivió y trabajó en San Petersburgo (ex Leningrado).
Fue miembro de la Unión de San Petersburgo de Artistas (antes de 1992 conocida como la rama de Leningrado de la Unión de Artistas de la Federación de Rusia), y considerado como uno de los representantes de la escuela de Leningrado de pintura.
Fue famoso por sus pinturas dedicada a la gente y la naturaleza de Karelia del Norte.
Murió en 1998.

"Осенний день / Un día de otoño / A Fall Day", 1970
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

François Girardon (escultor francés / French sculptor)
Jean-Baptiste Oudry (pintor, grabador y diseñador de tapices francés /
French painter, printmaker and tapestry designer)
Mikhail Vrubel (Михаил Александрович Врубель) (pintor ruso / Russian painter)
Hannah Faith Yata (pintora estadounidense / American painter)


El 18 de Marzo es el cumple de

Eugène Fredrik Jansson, pintor sueco nacido en Estocolmo en 1862.
Fue inicialmente conocido por su paisajes nocturnos y urbanos dominados por tonos de azul, lo que le valió el apodo de blåmålaren, "el pintor azul".
Eugène fue a la escuela alemana en Estocolmo y tomó clases de piano. Un ataque de escarlatina a la edad de catorce años le causó problemas de salud que padeció durante el resto de su vida, incluyendo problemas de visión y audición, y problemas renales crónicos.
La mayoría de sus pinturas de la década de 1890 hasta 1904 son vistas nocturnas más Riddarfjärden, como se veía desde su casa, o vistas a la calle de varias partes de Södermalm. Están dominadas por tonos azules y pinceladas muy visibles, a menudo entrecruzándose. Con el paso de los años, sus pinturas se movieron hacia un aumento de la simplificación y abstracción, y al final de su período de "azul", poco más podía discernirse, a partir de la masa de azul de la tela, que las luces de la calle y sus reflejos en las aguas.
Después de 1904, cuando ya había alcanzado el éxito con sus vistas de Estocolmo, Jansson confesó a un amigo que se sentía absolutamente agotado y no tenía más deseos de continuar con lo que había hecho hasta entonces. Dejó de participar en exposiciones durante varios años y se acercó a la pintura de figuras. Para combatir los problemas de salud que había padecido desde la infancia, se convirtió en un diligente nadador y bañista de invierno, visitando a menudo la casa de baños de la Marina de Guerra, donde encontró nuevos temas para sus cuadros.
Murió en 1915.

"Desnudo sentado en silla blanca / Seated Nude on White Chair"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 x 65 cm., 1906-14
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Achille Beltrame (ilustrador y pintor italiano / Italian painter and illustrator)
Adam Elsheimer (artista alemán / German artist)
William Henry Johnson (pintor estadounidense / American painter)


Hoy, 19 de Marzo, es el cumple de

Anthony Gross, fue un grabador, pintor, artista de guerra y director de cine británico nacido en 1905.
Asistió a la Shrewsbury House School, más tarde a la Escuela Repton hasta 1922, y desde el año siguiente estudió en la Escuela de Bellas Artes Slade con Henry Tonks. Luego de sus estudios, Gross pintó y produjo impresiones en huecograbado en España, pinturas en Bruselas, y en 1928 volvió a trabajar en París y en otras partes de Francia, trabajando enteramente del natural.
Durante la década de 1930 expuso en galerías de París, convirtiéndose en miembro de la Jeune La Gravure Contemporaine, diseñando vestuarios y escenarios para ballet, y trabajando con el compositor Tibor Harsányi.
Durante la Segunda Guerra Mundial aceptó el papel de artista oficial de guerra, y produjo grabados y pinturas al óleo y acuarela de las defensas costeras inglesas y el entrenamiento de las tropas. En 1941se unió al 9º Ejército y pintó dentro de los teatros de guerra egipcios, sirios, palestinos, del Kurdistán, Líbano, y Mesopotamia, a veces acompañado de otros artistas de guerra.
Después de la guerra, Gross regresó a trabajar en Londres, en Chelsea, Greenwich y Blackheath, mientras que a mediados de la década de 1950 trabajó parte del tiempo en Le Boulvé.
Murió en 1984.

"El muelle de Herne Bay / Herne Bay Pier", litografía a color / color lithography, 29,5" x 38,5", 1947
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Alonso Cano Almansa (pintor español / Spanish painter)
Gaston Lachaise (escultor estadounidense / American sculptor)
José Sabogal (pintor y escritor peruano / Peruvian painter and writer)
Christian Seybold (Pintor alemán / German painter)
Volker Tannert (pintor y escultor alemán / German painter and sculptor)


Textos en inglés / English translation

On March 13 is the birthday of

William James Glackens, American realist painter born in 1870, and one of the founders of the Ashcan School of American art.
He is also known for his work in helping Albert C. Barnes to acquire the European paintings that form the nucleus of the famed Barnes Foundation in Philadelphia. His dark-hued, vibrantly painted street scenes and depictions of daily life in pre-WW I New York and Paris first established his reputation as a major artist. His later work was brighter in tone and showed the strong influence of Renoir. During much of his career as a painter, Glackens also worked as an illustrator for newspapers and magazines in Philadelphia and New York City.
He died in 1938.

On March 14 is the birthday of

Richard Ernst Eurich, English painter born in 1903 who worked as a War Artist to the Admiralty in the Second World War and was also known for his seascapes and narrative paintings. These were often invested with a sense of mystery and wonder which have tended to set him apart from mainstream development of Art in the Twentieth Century.
Richard was sent to St George’s School, Harpenden at the age of ten and then attended Bradford Grammar School from 1918 till 1921. He then studied at Bradford School for Arts and Crafts in 1922 and continued his training at the Slade School of Art under Professor Henry Tonks until 1926.
Whilst still a student, Richard met Sir Edward Marsh a great patron of the Arts. Sir Edward Marsh also introduced Richard to the Redfern Gallery owned by Rex Nan Kivell. Eurich had a show there in 1933 which was so successful that the Redfern offered him a contract to act as his London dealer. His association with the gallery lasted for twenty-five years and he had a further fifteen exhibitions there.
With the outbreak of War, Eurich found a new subject. In 1942 he was elected Associate of the Royal Academy. He became a full RA in 1953.
Following the War, when it was difficult to make a living as a painter, he accepted a range of commissions.
He died in 1992.

On March 15 is the birthday of

Gerda Wegener (Gerda Marie Fredrikke Gottlieb), Danish painter and erotic illustrator born in 1885 or 1889.
After living in the provinces, he went to Copenhagen to enroll at the Academy of Fine Arts. Right there in 1904 she married the artist Einar Wegenerss, who later becomes Lili Elbe.
In Paris she had a great success as a painter and illustrator in publications like Vogue, La Vie Parisienne or Fantasio. Back in her country, she began to earn great recognition thanks to her Paris success, and exhibited at the Gallery Ole Haslunds at Copenhagen on several occasions. Her career was well built based on an outstanding talent and fueled by the peculiarities of her marriage.
Gerda, which for many was an artist with more talent than her partner, left parked his career to help her, making it her favorite female model. She accompanied and supported Einar in his transition to transsexual woman (she changed her name to Lili Elbe), whose operation was the first sex change of a public figure in 1930. The king of Denmark declared null their marriage in October 1930 .
In 1931 Gerda married the Italian officer Fernando Porta (1896-), with whom she moved to Morocco, where she tried in vain to continue her career. They finally divorced in 1936, and the artist returned to Denmark in 1938. She exhibited for the last time in 1939, without much success, and died in July 1940.
In 2016 premiered a film about the case, The Danish Girl, directed by Tom Hooper and starring Eddie Redmayne in which Alicia Vikander plays Gerda.
She died in 1940.

On March 16 is the birthday of

John Butler Yeats, Irish artist born in 1839 and the father of William Butler Yeats, Lily Yeats, Elizabeth Corbett "Lolly" Yeats and Jack B. Yeats. He is probably best known for his portrait of the young William Butler Yeats which is one of a number of his portraits of Irishmen and women in the Yeats museum in the National Gallery of Ireland. His portrait of John O'Leary (1904) is considered to be his masterpiece (Raymond Keaveney 2002).
His parents were William Butler Yeats (1806–1862) and Jane Grace Corbert. John Butler Yeats was the eldest of nine children. Educated in Trinity College Dublin and a member of the University Philosophical Society John Butler Yeats began his career as a lawyer, and took up painting in 1867. He studied at the Heatherley School of Fine Art. There are few records of his sales, so there is no catalogue of his work in private collections. It is possible that some of his early work may have been destroyed by fire in World War II. It is clear that he had no trouble getting commissions as his sketches and oils are found in private homes in Ireland, England and America. His later portraits show great sensitivity to the sitter. However, he was a poor businessman and was never financially secure. He moved house frequently and shifted several times between England and Ireland. At the age of 69 he moved to New York, where he was friendly with members of the Ashcan School of painters.
He died in 1922.

On March 17 is the birthday of

Alexei Grigorievich Eriomin (Алексе́й Григо́рьевич Ерё́мин), Russian Soviet realist painter born in 1919, People's Artist of the Russian Federation, who lived and worked in Saint Petersburg (former Leningrad).
He was a member of the Saint Petersburg Union of Artists (before 1992 named as the Leningrad branch of Union of Artists of Russian Federation), and regarded as one of the representatives of the Leningrad school of painting, most famous for his paintings devoted to peoples and nature of Northern Karelia.
He died in 1998.

On March 18 is the birthday of

Eugène Fredrik Jansson, Swedish painter born in Stockholm in 1862.
He was initially known for his night-time land- and cityscapes dominated by shades of blue, which earned him the nickname blåmålaren, "the blue-painter". Towards the end of his life, from about 1904, he mainly painted male nudes.
Eugène went to the German School in Stockholm and took piano lessons. An attack of scarlet fever at the age of fourteen caused him health issues from which he suffered for the rest of his life, including bad eyesight and hearing and chronic kidney problems.
Most of his paintings from the 1890s up to 1904 are night views over Riddarfjärden, as he would have seen it from his home, or street views from various parts of Södermalm. They are dominated by shades of blue and very visible brush strokes, often crossing one another. Over the years his paintings moved towards increasing simplification and abstraction, and at the end of his "blue" period, little more than the street lights and their reflections in the waters can be discerned from the mass of blue of the canvas.
After 1904, when he had already achieved success with his Stockholm views, Jansson confessed to a friend that he felt absolutely exhausted and had no more wish to continue with what he had done until then. He stopped participating in exhibitions for several years and went over to figure painting. To combat the health issues he had suffered from since childhood, he became a diligent swimmer and winter bather, often visiting the navy bathhouse, where he found new subjects for his paintings.
He died in 1915.

Today, March 19, is the birthday of

Anthony Gross, British printmaker, painter, war artist and film director born in 1905.
He attended Shrewsbury House School and later Repton School until 1922, and from the following year studied at the Slade School of Fine Art under Henry Tonks. Following study, Gross painted and produced intaglio prints in Spain, painted in Brussels, and in 1928 returned to work in Paris, and other parts of France, working entirely from life.
During the early 1930s he exhibited in Paris galleries, becoming a member of the La Jeune Gravure Contemporaine, designed costumes and settings for ballet, and worked with composer Tibor Harsányi.
During de Second World War, he accepted the role of an official war artist, and produced etchings and oil and watercolour paintings of English coastal defences and troop training. In 1941, with a temporary commission of captain, Gross was attached to the 9th Army and painted within the Egyptian, Syrian, Palestinian, Kurdistan, Lebanese, and Mesopotamian theatres of war, sometimes accompanied by other war artists.
Following the war, Gross returned to working in London, in Chelsea, Greenwich and Blackheath, while in the mid-1950s working partly in Le Boulvé.
He died in 1984.

Aniversarios Fotografía (CXV) [Marzo / March 14-20]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 14 de Marzo es el cumple de

James Nachtwey, periodista gráfico y fotógrafo de guerra estadounidense nacido en 1948.
Se crió en Massachusetts y se graduó en el Dartmouth College, donde estudió Historia del Arte y Ciencias Políticas (1966-1970).
Comenzó a trabajar como fotógrafo de prensa en 1976 en el Albuquerque Journal. En 1980 se trasladó a Nueva York para trabajar como fotógrafo independiente. En 1981 cubrió su primera misión en el extranjero en Irlanda del Norte ilustrando las luchas civiles. Ha documentado una variedad de conflictos armados y problemas sociales, pasando tiempo en África del Sur, América Latina, Oriente Medio, Rusia, Europa del Este y la ex Unión Soviética, tomando imágenes de guerras, conflictos y hambrunas, e imágenes de temas socio-políticos (contaminación, crimen y castigo) en Europa occidental y los Estados Unidos.
Ha sido galardonado con la Medalla de Oro Robert Capa del Club de Prensa Extranjera cinco veces y tiene dos premios World Press Photo. En 2003 Nachtwey fue herido en un ataque con granadas contra su convoy mientras trabajaba en Bagdad. Se recuperó por completo.
Trabajó como fotógrafo contrato de Time desde 1984, para la Black Star (1980-1985), fue miembro de la agencia Magnum (1986-2001) y VII Photo Agency (2001-2011), de la cual miembro fundador.

Foto de un superviviente de los campos de la muerte Hutu en Ruanda, 1994. Este trabajo le valió un premio World Press Photo./
Photo of a survivor of the death camps of Hutu in Rwanda, 1994. This work earned him a World Press Photo award.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Moneta J. Sleet, Jr. (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Kala Scarlet Wynne Mandrake (fotógrafa, autora y productora estadounidense /
American photographer, author and producer)


El 15 de Marzo es el cumple de

Albert William Stevens, oficial en el Cuerpo Aéreo del Ejército de los Estados Unidos, aeronauta y fotógrafo aéreo nacido en 1886.
Mientras volaba sobre América del Sur en 1930, Stevens tomó la primera fotografía de la Tierra de tal manera que la curvatura del horizonte era visible. Para fotografiar a través de la neblina, Stevens empleaba a menudo la película sensible al infrarrojo para tomas aéreas de larga distancia cuyos temas estaban oscurecidos.
Acompañado por el Teniente Charles D. McAllister del Cuerpo Aéreo del Ejército, Stevens tomó la primera fotografía de la sombra de la Luna proyectada sobre la Tierra durante un eclipse solar en agosto de 1932.
El 29 de julio 1934 Stevens y otros dos oficiales del Ejército de Estados Unidos, el mayor William Kepner y el capitán Orvil Arson Anderson, subidos en un globo con góndola especialmente construido llamado Explorer I sobre el noroeste de Nebraska en un intento de romper el récord de altitud de un vuelo tripulado. Sin embargo, acercándose a la altura del registro existente, la envoltura del globo se rompió y la góndola cayó a tierra. Afortunadamente los tres miembros del equipo fueron capaces de saltar en paracaídas antes de la góndola se estrellara en un campo cultivado.
El 11 de noviembre de 1935 Stevens, junto con el capitán Orvil A. Anderson, hizo una ascensión en globo desde Stratobowl cerca de Rapid City, Dakota del Sur. Había 20.000 espectadores, mientras que millones escucharon la emisión en vivo de la NBC. Su góndola sellada Explorer II subió a 72,395 pies (22,066 km), un récord que no fue igualado hasta 1956.
Stevens fue galardonado dos veces con la Distinción Cruz de Vuelo, una por cada uno de sus dos famosos vuelos en globo.
Murió en 1949.

Esta fotografía tomada por Albert W. Stevens sobre las praderas de Dakota del Sur, es la primera prueba visual (además de la sombra de la Tierra en la Luna) de que la Tierra es redonda. /
This picture by Albert W. Stevens, taken above South Dakota prairie, is the first visual proof (apart from the Earth's shadow on the moon) that the Earth is round. (c) National Geographic Society - U.S. Army Air Corps Stratosphere Flight.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Krass Clement Kay Christensen (fotógrafo danés / Danish photographer)


El 16 de Marzo es el cumple de

Spencer Platt, reportero gráfico estadounidense nacido en 1970 en Dylan Darien, Connecticut. Recibió varios premios, incluyendo el World Press Photo 2006 del año por una fotografía de los bombardeos en el sur de Beirut al final de la Guerra del Líbano de 2006.

Youssef Srour reza en el suelo de lo que fuera una mezquita en el pueblo de Aita ech Chaab, Líbano, el 19/8/2006. El lugar fue el escenario de la lucha entre los sionistas y Hezbollah. Durante un tímido cese del fuego, se realizan los funerales por los muertos y se comienza a rescatar pertenencias en el sur del Líbano. /
Youssef Srour prays on the grounds of what was a mosque August 19, 2006 in the village of Aita ech Chaab, Lebanon. Aita ech Chaab was the scene of a fierce battle between Hezbollah and Zionist forces. While a shaky cease fire between Zionists and Hezbollah still holds, funerals for the dead and the salvaging of belongings is just commencing in the south.
Foto / Photo: Spencer Platt/Getty Images
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Anna Atkins (Anna Children) (botánica y fotógrafa inglesa / English photographer and botanist)
Edward Sheriff Curtis (etnólogo y fotógrafo estadounidense /
American photographer and ethnologist)


El 17 de Marzo es el cumple de

Josef Sudek, fotógrafo checo nacido en Kolín, Bohemia en 1896, conocido por sus fotografías de Praga.
Originalmente fue encuadernador. Durante la Primera Guerra Mundial fue reclutado por el ejército austrohúngaro en 1915 y sirvió en el frente italiano hasta que fue herido en el brazo derecho en 1916. A pesar de no tener ninguna experiencia con la fotografía y tener una sola mano debido a una amputación, le regalaron una cámara. Después de la guerra estudió fotografía durante dos años en Praga bajo Jaromir Funke. Su pensión de invalidez del Ejército le dio libertad de acción para hacer arte, y trabajó durante la década de 1920 en un estilo pictorialista romántico. Siempre forzando los límites, un club local de lo expulsó por discutir sobre la necesidad de avanzar más allá de la fotografía "pictórica". Fundó entonces la progresiva Sociedad Fotográfica Checa en 1924. A pesar de tener sólo un brazo, utilizó cámaras grandes y equipo voluminoso con la ayuda de asistentes.
A veces se dice que la fotografía de Sudek es modernista, pero esto sólo es cierto durante un par de años en la década de 1930, durante la cual emprendió la fotografía comercial y por lo tanto trabajó "en el estilo de los tiempos". En primera instancia, su fotografía personal es neo-romántica.
Sus primeros trabajos incluyeron muchas series con la luz incidiendo en el interior de la catedral de San Vito. Durante y después de la Segunda Guerra Mundial Sudek creó paisajes nocturnos y panorámicas de Praga, fotografió el paisaje boscoso de Bohemia, y la ventana de vidrio que daba a su jardín (la famosa serie "La ventana Atelier"). Luego pasó a fotografiar el interior abarrotado de su estudio (la serie "Laberintos").
Su primera exposición occidental ser realizó en la George Eastman House en 1974, y durante su vida publicó 16 libros.
Conocido como el "poeta de Praga", Sudek nunca se casó, y era una persona tímida y retraída. Nunca apareció en las inauguraciones de sus exposiciones y aparecen pocas personas en sus fotografías. A pesar de las privaciones de la guerra y el comunismo, mantuvo una renombrada colección de discos de música clásica.
Murió en 1976.

"Una ventana en / A Window in Praga", 1928
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Norbert Ghisoland (fotógrafo belga / Belgian photographer)
Hans Namuth (fotógrafo alemán / German photographer)


El 18 de Marzo es el cumple de

Eikoh Hosoe (細江英公), fotógrafo y cineasta japonés nacido en 1933, que emergió durante los movimientos artísticos experimentales posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Más imágenes e información en los posts previos.

"Hombre y mujer Nº 31 / Man and Woman #31"
Impresión a la gelatina de plata / silver gelatin print, 32,4 x 45,1 cm., 1960 © Eikoh Hosoe

Más sobre Eikoh Hosoe en "El Hurgador" / More about Eikoh Hosoe in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Hiroh Kikai (鬼海 弘雄) (fotógrafo japonés / Japanese photographer)
John H. White (reportero gráfico estadounidense / American photojournalist)


El 19 de Marzo es el cumple de

Sudharak Olwe, fotógrafo documental con sede en Mumbai nacido en 1966. Su trabajo ha aparecido en publicaciones nacionales y ha exhibido en Mumbai, Delhi, Malmö (Suecia), Lisboa, Amsterdam, Los Ángeles, Washington y Dhaka.
Ha ganado inmensa admiración y asombro en el subcontinente indio, por revelar la realidad desnuda del tragicómico teatro social de la vida. En 2005 fue uno de los cuatro ganadores del "All Roads Photography Program" de la National Geographic.
Sudharak Olwe proviene de Akola, un distrito en el estado de Maharashtra. Ha residido en Mumbai durante los últimos 25 años. Tiene un diploma en fotografía del Instituto J. J. de Artes Aplicadas de Mumbai (1986) y también un diploma en Cine y Producción de Video (1992) de la Universidad St. Xavier, Mumbai. Pero él atribuye su éxito a la experiencia en lugar de la titulación académica. Se fue de su casa en Mumbai a Hyderabad durante algún tiempo, lo que le enseñó sobre la vida en la calle que representa en sus imágenes. Sudharak Olwe encabeza el Fideicomiso promoción de fotografía, que tiene como objetivo difundir el conocimiento de la fotografía en los adultos jóvenes no sólo en las zonas urbanas, sino también en las rurales.

Limpiar la basura es un trabajo que rompe las espaldas. Las herramientas son primitivas, así que el cuerpo tiene que trabajar. Las manos cogen la basura. Los hombros la cargan. Hay cicatrices donde los palos se clavan en los hombros de Jadhav. A Jadhav no le gusta hablar de su trabajo. Cuando le preguntan si duele, mueve la cabeza. Del artículo "En busca de dignidad y justicia", sobre los recolectores de basura de Mumbai, por Sudharak Olwe. Oct, 2013/
Clearing garbage is back breaking work. The tools of the trade are primitive. So the body is put to work. Hands pick up the garbage. Shoulders carry it.There are scars where the wooden pole digs into Jadhav’s shoulders. Jadhav does not like to talk about his work. He nods when asked if they hurt.
From the article "In Search of Dignity and Justice", about the conservacy workers in Mumbai, by Sudharak Olwe. October, 2013.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Francesc Català Roca (fotógrafo español / Spanish photographer)
Victor Pilon (director, escenógrafo, diseñador visual y fotógrafo /
director, theatre designer, visual designer and photographer from Quebec)


Hoy, 20 de Marzo, es el cumple de

Krysada Panusith Phounsiri "Binly", artista e ingeniero laosiano-estadounidense nacido en 1988, con sede en San Diego, California.
Emigró a Estados Unidos con su familia en 1989 de Hoyaxai, Bokeo, Laos. Se crió en San Diego, California, y obtuvo su ciudadanía estadounidense en noviembre de 2009.
Asistió a la Escuela Secundaria Eastlake en Chula Vista. Se graduó de la Universidad de California en Berkeley en 2010 con una doble licenciatura Física y Astrofísica y especialidad en la poesía.
Su trabajo ha aparecido en el Journal of Sudeste Asiático Estadounidense de Educación y Promoción, Little Laos on the Prairie, el Twin Cities Daily Planet, Asian American Press, y la muestra digital "Un día en la vida un asiático estadounidense", del Centro Smithsoniano Estadounidense Asia Pacífico.
Su primera colección de poemas "Danza entre elefantes", fue publicado por Sahtu Press en 2015. Es una colección de poesía y fotografía que explora los retos de la identidad política, ideología, y la música de las relaciones entre las familias y las comunidades que reconstruyen sus vidas. Fue lanzado durante el 40 aniversario de la diáspora laosiana, que comenzó con el final de la Guerra Secreta de Laos en 1975.

Cuando Huyen "Kiki" Vo tenía tan sólo 9 años, sufrió quemaduras en el 85% de su cuerpo, tras quedar atrapada en una casa en llamas que se cobró la vida de su madre. A través de los años, Vo se enfrentó a más de 25 cirugías, pero a pesar del dolor físico y emocional que soportó, encontró un modo de sobreponerse a todo aquello.
En Septiembre de 2015, Vo y el fotógrafo con sede en California Krysada Binly Panusith Phounsiri, conocido como "Binly", se juntaron para una sesión de fotografía, y el resultado fue increíble. Vo nunca había posado para una sesión como esta antes, y admite que quedó impresionada cuando vio las primeras imágenes. / 
When Huyen “Kiki” Vo was just 9 years old, she suffered burns on 85 percent of her body after being trapped in a house fire, which claimed her mother’s life. Over the years Vo has undergone more than 25 surgeries, but despite the emotional and physical pain she’s endured, she’s found a way to rise above it all.
In September, 2015, Vo and California-based photographer Krysada Binly Panusith Phounsiri, known as “Binly,” teamed up for an intimate photo series, and the results are incredible. Vo had never posed for a shoot like this before, and she admitted that even she was was stunned when she first saw the images.
"Belleza más allá de las cicatrices / Beauty Beyond Scars", Sept. 14, 2015
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Mary Ellen Mark (fotógrafa estadounidense / American photographer)
Roger Fenton (fotógrafo británico pionero / British pioneer photographer)


Textos en inglés / English translation

On March 14 is the birthday of

James Nachtwey, American photojournalist and war photographer born in 1948.
He grew up in Massachusetts and graduated from Dartmouth College, where he studied Art History and Political Science (1966–70).
He started working as a newspaper photographer in 1976 at the Albuquerque Journal. In 1980, he moved to New York and began working as a freelance photographer. In 1981, Nachtwey covered his first overseas assignment in Northern Ireland illustrating civil strife. He has documented a variety of armed conflicts and social issues, spending time in South Africa, Latin America, the Middle East, Russia, Eastern Europe, the former Soviet Union shooting pictures of war, conflict and famine, and images of socio-political issues (pollution, crime and punishment) in Western Europe and the United States.
He has been awarded the Overseas Press Club's Robert Capa Gold Medal five times and two World Press Photo awards. In 2003, Nachtwey was injured in a grenade attack on his convoy while working in Baghdad, from which he made a full recovery.
Nachtwey has worked with Time as a contract photographer since 1984. He worked for Black Star (1980–1985), was a member of Magnum Photos (1986–2001) and VII Photo Agency (2001–2011) where he was a founding member.

On March 15 is the birthday of

Albert William Stevens, officer in the United States Army Air Corps, balloonist and aerial photographer born in 1886.
While flying over South America in 1930, Stevens took the first photograph of the Earth in a way that the horizon's curvature is visible. To cut through haze, Stevens often employed infrared-sensitive film for long-distance aerial shots whose subjects were visually obscured.
Accompanied by Lt. Charles D. McAllister of the Army Air Corps, Stevens took the first photograph of the Moon's shadow projected onto the Earth during a solar eclipse in August, 1932.
On 29 July 1934 Stevens and two other US Army officers, Major William Kepner and Captain Orvil Arson Anderson, ascended in a specially-constructed balloon and gondola named Explorer I over north-western Nebraska in an attempt to break the current altitude record for manned flight. However, nearing the current record height, the balloon envelope ruptured, sending the gondola plunging to earth. Fortunately, all three crew were able to eventually exit and parachute to earth before the gondola crashed into a farm field.
On 11 November 1935 Stevens, along with Captain Orvil A. Anderson of the Army Air Corps, made a record balloon ascent from the Stratobowl near Rapid City, South Dakota. There were 20,000 spectators, while millions listened to a live NBC broadcast. Their sealed gondola Explorer II climbed to 72,395 feet (22.066 km), nearly 14 miles, a record unequaled until 1956.
Stevens was twice awarded the Distinguished Flying Cross - one award each for his two famous balloon flights.
He died in 1949.

On March 16 is the birthday of

Spencer Platt, American photojournalist born in 1970 in Dylan Darien, Connecticu. He received several awards, including the 2006 World Press Photo of the Year for a photograph of bombed South Beirut at the end of the 2006 Lebanon War.

On March 17 is the birthday of

Josef Sudek, Czech photographer born in Kolín, Bohemia in 1896, best known for his photographs of Prague.
Sudek was originally a bookbinder. During The First World War he was drafted into the Austro-Hungarian Army in 1915 and served on the Italian Front until he was wounded in the right arm in 1916. Although he had no experience with photography and was one-handed due to his amputation, he was given a camera. After the war he studied photography for two years in Prague under Jaromir Funke. His Army disability pension gave him leeway to make art, and he worked during the 1920s in the romantic Pictorialist style. Always pushing at the boundaries, a local camera club expelled him for arguing about the need to move forwards from 'painterly' photography. Sudek then founded the progressive Czech Photographic Society in 1924. Despite only having one arm, he used large, bulky cameras with the aid of assistants.
Sudek's photography is sometimes said to be modernist. But this is only true of a couple of years in the 1930s, during which he undertook commercial photography and thus worked "in the style of the times". Primarily, his personal photography is neo-romantic.
His early work included many series of light falling in the interior of St. Vitus Cathedral. During and after World War II Sudek created haunting night-scapes and panoramas of Prague, photographed the wooded landscape of Bohemia, and the window-glass that led to his garden (the famous The Window of My Atelier series). He went on to photograph the crowded interior of his studio (the Labyrinths series).
His first Western show was at George Eastman House in 1974 and he published 16 books during his life.
Known as the "Poet of Prague", Sudek never married, and was a shy, retiring person. He never appeared at his exhibit openings and few people appear in his photographs. Despite the privations of the war and Communism, he kept a renowned record collection of classical music.
He died in 1976.

On March 18 is the birthday of

Eikoh Hosoe (細江 英公), born 18 March 1933 in Yonezawa, Yamagata) is a Japanese photographer and filmmaker who emerged in the experimental arts movement of post-World War II Japan. More images and information in previous posts.

On March 19 is the birthday of

Sudharak Olwe, Mumbai-based documentary photographer born in 1966, whose work has been featured in national publications and exhibited in Mumbai, Delhi, Malmo(Sweden), Lisbon, Amsterdam, Los Angeles, Washington and Dhaka.
He has drawn immense admiration and awe in the Indian subcontinent for revealing the naked reality of life’s tragicomic social theater. In 2005, he was one of the four awardees for the National Geographic's "All Roads Photography Program".
Mr. Suhdarak Olwe comes from Akola, a district in the state of Maharashtra. Presently residing in Mumbai for the past 25 years. He has a Diploma in Photography from the Sir J. J. Institute of Applied Art (1986), Mumbai and also a Diploma in Film and Video Production (1992) from St. Xavier's College, Mumbai. But he credits his success to experience rather than educational qualifications. He ran away from his home in Mumbai to Hyderabad for some time which taught him about street life which he depicts in his Pictures. Sudharak Olwe heads the Photography promotion Trust, which aims to spread the knowledge of photography in young adults not only in urban areas but in the rural side too.

Today, March 20, is the birthday of

Krysada Panusith Phounsiri"Binly", Lao-American artist and engineer born in 1988, based in San Diego, California.
He emigrated to America with his family in 1989 from Hoyaxai, Bokeo, Laos. He grew up in San Diego, California, and obtained his US citizenship in November, 2009.
He attended Eastlake High School in Chula Vista. He graduated from UC Berkeley in 2010 with a Physics & Astrophysics Double Major with a Minor in Poetry.
His work has been featured in the Journal of Southeast Asian American Education and Advancement, Little Laos on the Prairie, the Twin Cities Daily Planet, Asian American Press, and the Smithsonian Asian Pacific American Center’s “A Day In The Life Of Asian America” digital exhibit.
His debut collection of poetry “Dance Among Elephants,” was published by Sahtu Press in 2015. It is a collection of poetry and photography that explored the challenge of identity politics, ideology, and the music of relationships between families and communities rebuilding their lives. It was released during the 40th anniversary of the Lao Diaspora that began with the end of the Laotian Secret War in 1975.

Helen Ahpornsiri [Arte con hojas, Ilustración]

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Helen Ahpornsiri


Trabajando desde su estudio en la campiña de East Sussex, Helen Ahpornsiri crea criaturas y objetos trabajando en su mayoría con helechos prensados. Tiene un título de ilustración tras estudiar en el University College Falmouth. Su obra abarca varios medios, trabajando con papel, tinta, tela y, más recientemente, con hojas prensadas.

"Abejorro / Bumblebee", fines de / late 2014

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"Cerdo / Pig", Julio / July, 2015

"Fantail Goldfish"

"Polilla / Moth"

Para crear sus intrincados diseños, prensa cuidadosamente cada hoja de helecho durante al menos un mes, antes de cortarlas y disponerlas para producir sus obras de arte.
La obra se presenta en series de impresiones gliclee de un original de hojas prensadas. El original en sí mismo sucumbe a la propia naturaleza que le dio vida, degradándose y descomponiéndose con el tiempo. Las impresiones de Helen son la evidencia que permanece de su existencia y belleza.

"Ratón / Mouse", Primavera / Spring, 2015

"Tiburón martillo / Hammerhead Shark", Jun., 2015

"Abeja / Bee"

Izq./ Left: "Liebre / Hare", Verano / Summer, 2015
Der./ Right: "3 Medusas comunes / 3 Moon Jellyfish"

"Caballo / Horse", Jun., 2015

Working at her studio in the East Sussex countryside, Helen Ahpornsiri creates creatures and objects working mostly with pressed ferns.
Helen has a degree in Illustration after studying at University College Falmouth. Her work spans across mediums including paper craft, ink, fabric and most recently pressed leaf.

"Caballito de mar blanco / Spinned Seahorse"

"Cráneo de búho / Owl Skull"



"Abeja, miniatura / Bee miniature"

"Garza / Heron"

Helen creates her intricate designs by carefully pressing each leaf, or frond, for at least one month, before cutting and carefully arranging the woodland plants to produce her artwork.
Helen’s work is presented as a series of giclee prints of an original pressed arrangement.  The original itself succumbs to the very nature which gave it life, degrading and decaying over time.  Helen’s prints serve as evidence of their existence and beauty.

"Orca", Junio / June, 2015

"Faisán / Pheasant"

"Búho / Owl", May, 2015

"Reyezuelo / Wren"

Fuentes / Sources:
* Website
* Alter Ego Gallery

Más imágenes e información sobre Helen en / More images and information about Helen in:

Tienda online de Helen / Online Shop:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Helen!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Helen!)



Cigarra hecha con hojas de helecho prensadas. Video time lapse. Más en su canal de Youtube /
Número 2 de una serie de 7 cigarras.


Cicada made with pressed fern. Time Lapse video. More in her Youtube Channel.
#2 in a series of seven cicadas.



Robert Schultz [Dibujo]

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Los dibujos de Robert Schultz son extraordinarios. El nivel de detalle es asombroso, y el juego de luces y sombras define las formas de una manera única. Robert trabaja meticulosamente, a partir de sus bocetos de base, construyendo capa sobre capa con una gran variedad de lápices. El resultado es un delicioso estudio de cuerpos y rostros que les invito a disfrutar a través de esta selección.

Robert Schultz's drawings are extraordinary. The level of detail is amazing, and the play of light and shadows defines the forms in a unique way. Robert works meticulously, from his base sketches, building layer upon layer with a wide range of pencils. The result is a delightful study of bodies and faces that I invite you to enjoy through this selection.
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Robert L. Schultz

Robert Schultz hablando sobre su obra "Contrapeso" en una muestra en la Galería Koplin Del Rio /
talking about his work "Counterpoise" in a show at Koplin Del Rio Gallery, 2011
Captura de un vídeo que pueden verse más abajo / still of a video you can see below.

Robert Schultz nació en Keokuk, Iowa, y se crió en Madison, Winconsin. Recibió una Licenciatura y un Master en Bellas Artes de la Universidad de Wisconsin, y actualmente enseña Dibujo del Natural Avanzado y Dibujo Figurativo en el Madison College. La obra de Schultz se ha exhibido a nivel nacional y está incluida en varias colecciones públicas, entre ellas la del Instituto de Arte de Chicago, el Centro de Arte de Arkansas, el Museo de Arte Boise, el Museo de Arte Chrysler y el Museo de Arte de Filadelfia.

"Anna", grafito sobre papel / graphite on paper, 15" x 15 3/8", 2013

"Pendientes y trenza / Earrings and Braid", grafito sobre papel / graphite on paper, 10" x 8", 2012

Sus modelos, a menudo recurrentes, están representados generalmente desnudos, en entornos austeros, con algún accesorio ocasional.
Cada pieza se completa construyendo metódicamente capas de tonos e información hasta que representa un exquisito mapa de los huesos, piel, músculos y pelo del sujeto.
Los dibujos presentan una sutil narrativa sugerida en el título o en los limitados accesorios que utiliza el artista. El foco, sin embargo, siempre está en el modelo. La iluminación es también parte integral de cada composición, cuidadosamente diseñada, y se utiliza para mejorar aún más la narrativa. Schultz crea dramáticas franjas de sombras en las paredes de su estudio, y sutiles luces que inciden sobre el modelo con igual atención. Así, no hay pérdida de detalle en la riqueza de las partes oscuras y los brillantes reflejos.
La técnica característica de Schultz y su atención al detalle parecen ir más allá de la capacidad del ojo humano de captar información. Sus dibujos hablan no sólo de su diligencia sin concesiones, sino que también capturan su pasión por el modelo en vivo, y su profunda conexión con cada individuo.

"Aaron", punta de plata / silverpoint, 7" x 5 3/8", 2014

Izq./ Left: "Alli", grafito sobre papel / graphite on paper, 16" x 9,75", 2014
Der./ Right: "Tela negra IV / Black Cloth IV"
Grafito sobre papel / graphite on paper, 20,5" x 11,5", 2012

Le pregunté a Robert sobre su método de trabajo. Esta fue su respuesta:

«Para decirlo de una manera simple, siempre estoy trabajando con ideas en mi cabeza y con mi cuaderno de bocetos. Cuando siento que tengo una idea que me gusta y una composición trabajada en mi cuaderno de bocetos, llamo a los modelos. Hago dibujos preliminares y luego los transfiero al folio de trabajo final, 4 ply Strathmore medio, o, si lo voy a hacer con punta de plata, a un panel enyesado, y luego comienzo a trabajar en el dibujo final.
Un dibujo me puede llevar algo así como una semana, lo usual para una pieza pequeña. De dos a ocho semanas para una composición grande.»

"Ofrenda / Offering", grafito sobre papel / graphite on paper, 10" x 10", 2014

Izq./ Left: "Danene", dibujo preliminar / preliminary drawing
Der./ Right: "Danene", punta de plata / silverpoint, 8 1/4" x 5 3/4", 2015

"Despreocupación / Insouciance", grafito sobre papel / graphite on paper, 15 1/2" x 23", 2011

En cuanto a los lápices que utiliza:

«Siempre hago mis dibujos utilizando un lápiz duro, y lentamente voy pasando a lápices más blandos para que las últimas áreas completadas sean las oscuras. De esa forma siento que tengo el control sobre cómo va el dibujo. El más duro que utilizo es el 3H, y el más blando un lápiz B. Ocasionalmente para las áreas más oscuras utilizo 2b, pero creo que mis caballos de batalla son lo lápices H y F.
Hago todos mis dibujos preliminares utilizando el Prismacolor Verithin Tucsn Red o Dark Umbra. El lápiz de grafito que utilizo es el Faber Castel serie 9000. Son los más consistentes ¡y creo que es el mejor lápiz que existe!
A estas alturas de mi carrera tengo mucha confianza en mis habilidades como dibujante. El reto es siempre llegar a ideas nuevas y frescas, que me mantengan trabajando en el estudio.»

"Núcleo / Core", punta de plata / silverpoint, 10" x 7", 2015

"Tela negra II / Black Cloth II", grafito sobre papel / graphite on paper, 11" x 20.25", 2012

"Iduwo", dibujo preliminar / preliminary drawing

Robert Schultz was born in Keokuk, Iowa and grew up in Madison, Winsconsi. He received his B.A. and M.F.A. from the University of Wisconsin and currently teaches Advanced Life Drawing and Figure Drawing at Madison College. Schultz's work has been exhibited nationally and is included in several public collections including the Art Institute of Chicago, The Arkansas Art Center, The Boise Art Museum, The Chrysler Museum of Art, and the Philadelphia Museum of Art.

"Iduwo", punta de plata / silverpoint, 7" x 5 3/8", 2014

"Iduwo" (detalle / detail)

His subjects, often reoccurring, are usually depicted nude in austere surroundings with the occasional prop. 
Each piece is completed by methodically building up the layers of tone and information until an exquisite map of his subject’s bone, skin, muscle, and hair is represented.
The drawings have a subtle narrative suggested in the title or in the minimal props the artist uses. The focus, however, always remains on the model. 
Lighting is also an integral part of each thoughtfully crafted composition and is used to further enhance the narrative. Schultz renders dramatic swaths of shadow on his studio wall and subtle reflective light on the model with equal attention: there is no loss of detail in the rich darkened areas or the crisp highlights.
Schultz’s signature technique and attention to detail goes seemingly beyond the ability of the human eye to capture information. His drawings speak not only of his uncompromising diligence, but also capture his passion of working from the live model and his deep connection with each individual subject.

"Desnudo de pie / Standing Nude", grafito sobre papel / graphite on paper, 22" x 17", 2013

"Asir / Hold", grafito sobre papel / graphite on paper, 7" x 5", 2015

I asked Robert about his working process. This was his answer:

«To put it simply, I'm constantly working and ideas in my head and in my sketchbook. When I feel like you had an idea that I like and a composition worked up in my sketchbook I call in the models. I did work on preliminary drawings and then transfer those onto the final working sheet of Rag, 4 ply Strathmore medium, or if I'm doing is silverpoint- to the gessoed panel, and then start work on the final drawing.
A drawing can take me anywhere from a week, which is usually a small piece, two up to eight weeks for a large composition.»

"Supino / Supine", punta de plata / silverpoint, 6 1/4" x 10", 2015

"V Hombre / V Man", grafito sobre papel / graphite on paper, 9,5" x 9,5", 2012

"Kouros V", punta de plata / silverpoint, 8" x 8", 2015

About the materials used:

«I always build my drawings up using a harder pencil and slowly work into softer pencils so the final areas that are completed are the darks. That way I  feel like I'm in control of where the drawing is going. The hardest pencil I use is a 3H and the softest is a B pencil. Occasionally for a very dark area I will sneak in using a 2B pencil. But I find that the workhorse pencils are the H and F pencils. 
I do all my preliminary drawings using the Prismacolor Verithin Tucsn Red or Dark Umbra. The graphite pencil I use is the Faber Castel 9000 series. They are very consistent and I think the best pencil made!
At this point in my career I am very confident with my drawing skills. The challenge is always  coming up with new ,fresh ideas that make me want to stay working in the studio!
I hope this is helpful but please feel free to send me any specific questions. I look forward to hearing from you, Robert»

Izq./ Left: "Fuera del jardín - Femenino / Out of the Garden - Female"
Punta de plata / silverpoint, 9" x 7 3/4", 2014
Der./ Right: "No ver el mal, no hablar sobre el mal / See No Evil, Speak no Evil"
Tríptico, izquierdo / triptych, left, grafito sobre papel / graphite on paper, 14,75" x 7,5", 2012

"Tapete tejido / Woven Rug", grafito sobre papel / graphite on paper, 6,75" x 16,75", 2009

Más imágenes e información sobre Robert en / More images and information about Robert in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Robert!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Robert!)



Quienes quieran conocer algo más sobre el artista y se manejen bien con el inglés, pueden disfrutar de este paseo informativo con Robert por una muestra en la galería Koplin Del Rio /
If you want to know more about the artist, here you can enjoy an informative walk through with artist Robert Schultz at Koplin Del Rio Gallery







Recolección / Compilation (XL)

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Felo Monzón
(Las Palmas de Gran Canaria, Islas Canarias, España / 
Canary Islands, Spain, 1910 - Las Palmas, 1989

"Composición canaria / Canary Composition"
Óleo y tierra del Teide sobre tela / oil and soil of the Teide on canvas, 156 x 302 cm., 1937.
Colección CAAM. Casa-Museo Antonio Padrón
(Gáldar, Gran Canaria, Islas Canarias, España / Canary Islands, Spain)
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Tim Cherry
(Calgary, Alberta, EE.UU. / USA, 1965-)

"Plato de pescado / Fish Dish", bronce / bronze, 33" x 12" x 5", ed. 18
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Gerardo Feldstein
(Buenos Aires, Argentina, 1958-)

"Ni tanto ni tan poco / Neither Much nor Too Little"
Resina y masilla epoxy / resin and epoxy putty, 2012 © Gerardo Feldstein
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Lucio Ranucci
(Italia / Italy, 1925-)

"Porticciolo mediterraneo / Puertecito mediterráneo / Little Mediterranean Port"
Aguafuerte acuarelada a mano / etching hand watercolored, 80 x 120 cm., 2009. Ed. 75
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Zhao Heng
赵蘅
(Chongqing, China, 1945-)

"太阳很足的晌午作 / Suficiente sol para mediodía / The Sun is Enough for the Noon"
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Enzo Plazzotta
(Italia / Italy, 1921 - 1981)

"Conversación / Conversation", bronce / bronze, 186,7 x 105,4 x 77,5 cm., 1980
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Bohumil Kafka
(Nová Paka, Bohemia, Imperio Austro-Húngaro / 
Austro-Hungarian Empire, 1878 - Praga / Prague, Bohemia & Moravia, 1942)

"Toro / Bull", bronce con pedestal de madera / bronze with wood pedestal, 30 x 65 cm., c.1910

Más sobre Bohumil Kafka en "El Hurgador" / More about Bohumil Kafka in this blog:
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Nicola di Luca
(Torre di Ruggiero, Catanzaro, Italia / Italy, 1953-)

"L'Orecchino di Titanio / El pendiente de titanio / The Titanium Earring", grafito / graffite, 76 x 56, 2015
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Alec Dawson
(Ciudad de México, México, 1975-)

Amalgama Series
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Kim Sung-Jin
김성진
(Corea del Sur / South Korea, 1973-)

"Oculto Nº 1 / Hide #1", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101 x 130 cm.
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Costa Magarakis
(Grecia / Greece, 1977-)

"Bebé centauro / Centaur Baby", escultura en técnica mixta / mixed media sculpture
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David Van Gough
(Irlanda / Ireland)
en / at San Diego, California, EE.UU. / USA

"El abismo del tiempo oscuro y del revés / The Dark and Backwards Abysm of Time"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 91,5 cm., 2014

Más sobre van Gough en "El Hurgador" / More about van Gough in this blog:
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Kevin Peterson
(Elko, Nevada, EE.UU. / USA, 1979-)

"Búsqueda / Quest", óleo sobre panel / oil on panel, 32" x 32", 2015
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Suzie Zamit
(Reino Unido / UK)
en Londres / at London

"Maddy", yeso, tinte / plaster, tint, tamaño natural / lifesize. Obra y detalle / work and detail
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Herbert Ploberger
(Wels, Imperio Austrohúngaro / Austria-Hungary, 1902 -
Múnich, Alemania / München, Germany, 1977)

"Toilettentisch / Tocador / Dressing table", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45 x 70 cm., 1926. Colección privada / Private Collection
© 2015 Artists Rights Society (ARS), New York/Bildrecht, Vienna.
Foto / Photo: Benjamin Hasenclever, Munich
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Carrie Ann Baade
(Louisiana, EE.UU. / USA, 1974-)

"Halcyon", óleo Misch sobre panel / Misch oil on panel, 13” × 18”, 2012 © 2015 Carrie Anne Baade 
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Laurie Hogin
(EE.UU. / USA, 1963-)

"Diorama con gasolina, dopamina y adrenalina / Diorama with Gasoline, Dopamine and Adrenaline"
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Steven Kenny
(Peekskill, Nueva York, EE.UU. / NY, USA, 1962-)

"El señuelo / The Lure", óleo sobre panel / oil on panel, 16" x 12", 2016
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Giulio Arístide Sartorio
(Roma, Italia / Italy, 1860 - 1932)

"La sirena (Abissi verdi) / La sirena (Profundidades verdes) / The Mermaid (Green Depths)"
Óleo sobre lienzo, sobre tabla / oil on canvas on wood, 58 × 129 cm., 1893.
Galleria Civica d'Arte Moderna e Contemporanea (GAM) (Torino, Italia / Italy)
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Devin Mitchell
(Los Ángeles, California, EE.UU. / CA, USA, 1988-)

"Rostros salvajes / Faces of the Wild"
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Sarah Sitkin
(Los Ángeles, EE.UU. / LA, USA)

Escultura / sculpture

Aniversarios (CXVI) [Marzo / March 20-26]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 20 de Marzo es el cumple de

Naima Neidre, pintora, artista gráfica e ilustradora estonia.
Estudió en la Academia de Arte de Estonia (artes gráficas) 1965 - 1971. Comenzó a exponer en 1968. Miembro de la Unión de Artistas de Estonia desde 1974.
En la actualidad es artista free-lance en Tallin.

“Lahkumine / Partida / Departure”, dibujo en tinta china / drawing in Chinese ink, 75 x 102 cm., 2009
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Jean-Antoine Houdon (escultor francés / French sculptor)
Jorge Melício (escultor portugués / Portuguese sculptor)
Edward John Poynter (pintor británico / British painter)
Renée Sintenis (escultora alemana / German sculptor)


El 21 de Marzo es el cumple de

Cosmo Campoli, escultor de Chicago nacido en 1922, especializado en una fuerte imaginerís surrealista con aves y huevos. En sus últimos años se vio afectado por un trastorno bipolar.
Exhibió una escultura, "El nacimiento de la Muerte", en la muestra de 1959 "Imágenes del Hombre" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, entre otros artistas notables como Karel Appel, Leon Golub, y Alberto Giacometti.
Sin embargo, en este momento también se sintió "confuso", como él decía, y su trastorno bipolar se manifestó. Incapaz de mantener un ritmo constante de trabajo, fue no obstante profesor de escultura en el Instituto de Diseño en el Insituto de Tecnología de Illinois y expuso con los Imaginistas de Chicago en el Centro de Arte Hyde Park.
Se realizó una gran retrospectiva sobre su carrera en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago en 1971.
Era popular en su barrio natal de Hyde Park, habiendo incluso un plato con su nombre, "Pasta a la Campoli", en un restaurante local tailandesa. Su escultura de bronce, "Pájaro de la Paz", se puede ver cerca de la Escuela Murray en Nichols Park, Hyde Park.
Murió en 1997.

"Nacimiento de la muerte / Birth of Death", 1950–1951
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Hans Hofmann (pintor alemán / German painter)
John Angel (escultor, medallista y profesor británico / British sculptor, medallist and lecturer)
Hiroyuki Hamada (escultor japonés / Japanese sculptor)


El 22 de Marzo es el cumple de

Osvaldo Licini, artista y pintor italiano nacido en 1894.
Pintor abstracto, en 1911 se matriculó en la Academia de Bellas Artes de Bolonia y más tarde se trasladó a París, donde fue influido por las pinturas de Henri Matisse.
En 1958 ganó el premio en la Bienal de Venecia. En los años 20 Licini tuvo como objetivo la pintura de paisaje, post-impresionista y fauvista, con una reflexión sobre Morandi.
Su primera exposición data de 1914, en el Baglioni Hotel en Bolonia. Su fama se debe al hecho de que fue uno de los primeros en Italia en avanzar hacia la pintura abstracta, entendida en el sentido europeo, en los años 30. En 1935, en París, visita el estudio de Kandinsky y la exposición Man Ray en la Galería de Cahiers d'Art.
Su pintura abstracta es lírica, puesto que está libre de la jaula de la geometría racionalista a través del color, la imaginación y una señal que conduce a un clima muy expresionista.
Murió en 1958.

"Amalasunta su fondo nero / sobre fondo negro / on black background", 1950
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Yayoi Kusama (草間彌生) (artista japonesa / Japanese artist)
Anthony van Dyck (artista flamenco / Flemish artist)
Anton Raphael Mengs (pintor bohemio alemán / Bohemian German painter)


El 23 de Marzo es el cumple de

Josef Čapek, artista checo nacido en 1887, conocido como pintor aunque también fue un destacado escritor y un poeta. Él inventó la palabra robot, que se introdujo en la literatura gracias a su hermano, Karel Čapek.
Nació en Hronov, Bohemia (Austria-Hungría, más tarde Checoslovaquia, ahora República Checa) en 1887. Al principio fue un pintor de la escuela cubista, que más tarde desarrolló su propio estilo primitivo lúdico. Colaboró ​​con su hermano Karel en una serie de obras de teatro y cuentos cortos; por su cuenta, escribió el guión utópico "La tierra de muchos nombres" y varias novelas, así como ensayos críticos en los que abogaba por el arte de lo inconsciente, de los niños, y de los "salvajes". Su hermano le atribuyó ser el verdadero inventor del término "robot". Como dibujante trabajó para Lidové Noviny, un periódico con sede en Praga. Debido a su actitud crítica hacia el nacionalsocialismo y Adolf Hitler, fue detenido después de la invasión alemana de Checoslovaquia en 1939. Escribió "Poemas desde un campo de concentración" en de Bergen-Belsen, donde murió en 1945.
Sus historias ilustradas "Povídání o Pejskovi un Kočičce" ("Todo sobre el perrito y el minino") son considerados clásicos de la literatura infantil Checa.
Murió en 1945.

"Hlava / Cabeza / Head", linograbado sobre papel / linocut on paper, 20,5 x 16 cm., 1926
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Juan Gris (pintor español / Spanish painter)
Carlo Borer (artista y diseñador suizo / Swiss artist and designer)
Joseph Christian Leyendecker (ilustrador estadounidense / American illustrator)


El 24 de Marzo es el cumple de

Charles Hubert Eyck (Eijck), pintor y escultor expresionista de los Países Bajos nacido en 1897, diseñador de vidrieras y esculturas.
A los 14 años, entra a trabajar como aprendiz como pintor de cerámica en la fábrica de Cerámica en Maastricht.
Cuatro años después contacta con el pintor Jean Wingen que le ayudará a entrar en la Academia.
Recibió su formación para el arte monumental, incluyendo pinturas murales, cristal manchado y grisallas en vidrio en la Academia Estatal de Ámsterdam. En 1922 ganó el Premio de Roma. En Italia conoció a Karin Meyer ("Bimba") , con quien se casaría en Estocolmo en 1924. Después de breves estancias en Suecia, Francia meridional, Ámsterdam, Clamart, y Utrecht, se instaló en Schimmert.
Murió en 1983.

"Invierno en Valkeburg / Winter in Valkenburg", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 90 cm.
Colección privada / Private Collection
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

José Pérez Ocaña (pintor, anarquista y activista español / Spanish painter, anarchist and activist)
Orest Kiprensky (Орест Адамович Кипренский) (pintor ruso / Russian painter)
Jorge González Camarena ( pintor, muralista y escultor mexicano / 
Mexican painter, muralist and sculptor)


El 25 de Marzo es el cumple de

Juan Carreño de Miranda, pintor español del barroco nacido en 1614 en Avilés, Asturias.
Su familia se trasladó a Madrid en 1623, y allí se formó a finales de la década de 1620 como aprendiz de Pedro de las Cuevas y Bartolomé Román. Llegó a conocimiento de Velázquez por su trabajo en el claustro de Doña María de Aragón y en la iglesia de El Rosario. En 1658 fue contratado como asistente en un encargo real para pintar frescos en el Alcázar de Madrid, que fue destruido por un incendio en 1734. En 1671, tras la muerte de Sebastián de Herrera, fue nombrado Pintor de Cámara de la reina, y comenzó a pintar fundamentalmente retratos. Se negó a ser nombrado caballero de la orden de Santiago, diciendo que "La pintura no precisa honores. Puede darlos al mundo entero". Se le recuerda sobre todo como pintor de retratos. Sus principales pupilos fueron Mateo Cerezo, Cabezalero, Donoso, Ledesma y Sotomayor.

"Pedro Ivanowitz Potemkin, embajador de Rusia / The Russian Ambassador"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 207,2 x 122,8 cm., c.1681. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Noble por descendencia, tenía una comprensión del funcionamiento y de la psicología de la corte real como ningún otro pintor antes que él, haciendo que sus retratos documentaran a la familia real española de una manera sin precedentes. La mayor parte de su obra son retratos de la familia real y la corte, aunque hay algunos retablos, trabajos tempranos encargados principalmente por la iglesia.
Murió en 1685.

"La monstrua  (Eugenia Martínez Vallejo) desnuda o Baco / The Monster, Nude or Bacchus"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 168 × 105 cm ., c.1680. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Gutzon Borglum (escultor estadounidense / American sculptor)
Igor Grabar (Игорь Эммануилович Грабарь) (pintor, editor, restaurador e historiador del arte ruso / 
Russian painter, publisher, restorer and historian of art
Pedro Coronel (escultor y pintor mexicano / Mexican sculptor and painter)


Hoy, 26 de Marzo, es el cumple de

Alfred Hirv, pintor estonio nació en 1880, conocido sobre todo por sus bodegones. Durante un tiempo estudió con Julius von Klever en San Petersburgo; más estudios lo llevaron a Roma y Munich, donde estudió en la escuela de Anton Ažbe.

"Jugadores de cartas (Salario) / Card-players (Salary)", 1880-1918. Kumu Kunstimuuseum (Tallin, Estonia)

Sus pinturas son una reminiscencia del estilo de la Edad de Oro holandesa. Obras de Hirv puede encontrarse en el Museo de Arte de Estonia.
Murió en 1918.

"Natüürmort vähiga / Bodegón con cangrejo de río / Still Life with Crayfish"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 43,5 × 52 cm., c. 1910. Kumu Kunstimuuseum (Tallin, Estonia)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Julius Schnorr von Carolsfeld (pintor alemán / German painter)
Igor Mitoraj (escultor polaco / Polish sculptor)
Li Keran (李可染) (pintor y educador del arte chino / Chinese painter and art educator)
Shirin Neshat (artista visual iraní / Iranian visual artist)


Textos en inglés / English translation

On March 20 is the birthday of

Naima Neidre, Estonain painter, graphic artist and illustrator.
Studied at Estonian Academy of Art (graphic art) 1965 – 1971. Began to exhibit in 1968. Member of the Estonian Artists Union since 1974.
At present free-lance artist in Tallinn.

On March 21 is the birthday of

Cosmo Campoli, Chicago sculptor born in 1922, specializing in strong, surreal bird and egg imagery. He was hampered in later years by bipolar disorder.
He exhibited a sculpture, "The Birth of Death", in the 1959 show, "Images of Man" at the Museum of Modern Art in New York, among other notable artists as Karel Appel, Leon Golub, and Alberto Giacometti.
However, at this time he also became "confused", as he put it, and his bipolar disorder manifested. Unable to keep up a steady pace of work, he nevertheless taught sculpture at the Institute of Design at Illinois Institute of Technology and exhibited with the Chicago Imagists at the Hyde Park Art Center.
Campoli was given a major career retrospective at Chicago's Museum of Contemporary Art in 1971.
He was popular in his home neighborhood of Hyde Park, even having a dish, "Pasta Campoli" named after him at a local Thai restaurant. His bronze sculpture, "Bird of Peace", can be seen near the Murray School in Nichols Park in Hyde Park.
He died in 1997.

On March 22 is the birthday of

Osvaldo Licini, Italian artist and painter born in 1894.
Abstract painter, in 1911 he enrolled at the Academy of Fine Arts in Bologna and later moved to Paris, where he was influenced by the paintings of Henri Matisse.
In 1958 he won the award at the Venice Biennale. In the decade of 20s Licini aimed landscape painting, post-Impressionist and Fauvist, with a reflection on Morandi.
His first exhibition dates from 1914, in the Hotel Baglioni in Bologna. His fame is due to the fact that it was one of the first in Italy to move towards abstract painting, understood in the European sense, in the 30s. In 1935, in Paris, he visited the study of Kandinsky and Man Ray exhibition at Gallery of Cahiers d'Art.
His abstract painting is lyrical, since it's free from the cage of rationalist geometry through color, imagination and a signal that leads to a very expressionist climate.
He died in 1958.

On March 23 is the birthday of

Josef Čapek, Czech artist born in 1887 who was best known as a painter, but who was also noted as a writer and a poet. He invented the word robot, which was introduced into literature by his brother, Karel Čapek.
Čapek was born in Hronov, Bohemia (Austria-Hungary, later Czechoslovakia, now the Czech Republic) in 1887. First a painter of the Cubist school, he later developed his own playful primitive style. He collaborated with his brother Karel on a number of plays and short stories; on his own, he wrote the utopian play Land of Many Names and several novels, as well as critical essays in which he argued for the art of the unconscious, of children, and of 'savages'. He was named by his brother as the true inventor of the term robot. As a cartoonist, he worked for Lidové Noviny, a newspaper based in Prague. Due to his critical attitude towards national socialism and Adolf Hitler, he was arrested after the German invasion of Czechoslovakia in 1939. He wrote Poems from a Concentration Camp in the Bergen-Belsen concentration camp, where he died in 1945.
His illustrated stories 'Povídání o Pejskovi a Kočičce' ('All About Doggie and Pussycat') are considered classics of Czech children's literature.
He died in 1945.

On March 24 is the birthday of

Charles Hubert Eyck (Eyck), expressionist painter and sculptor born in the Netherlands in 1897, designer of stained glass and sculptures.
At 14, starts as apprentice painting ceramics in the Ceramics factory in Maastricht.
Four years later contacts the painter Jean Wingen that will help hip to enter in the Academy.
He received his training for monumental art, including wall paintings, stained glass and grisaille glass at the State Academy in Amsterdam. In 1922 he won the Prix de Rome. In Italy he met Karin Meyer ("Bimba"), with whom he married in Stockholm in 1924. After brief stays in Sweden, southern France, Amsterdam, Clamart, and Utrecht, he settled in Schimmert.
He died in 1983.

On March 25 is the birthday of

Juan Carreño de Miranda, Spanish painter of the Baroque period born in 1614 in Avilés, Asturias.
His family moved to Madrid in 1623, and he trained there during the late 1620s as an apprentice to Pedro de Las Cuevas and Bartolomé Román. He came to the notice of Velázquez for his work in the cloister of Doña María de Aragón and in the church of El Rosario. In 1658 Carreño was hired as an assistant on a royal commission to paint frescoes in the Alcázar of Madrid, which was destroyed in a fire in 1734. In 1671, upon the death of Sebastian de Herrera, he was appointed court painter to the queen (pintor de cámara) and began to paint primarily portraits. He refused to be knighted in the order of Santiago, saying Painting needs no honors, it can give them to the whole world. He is mainly recalled as a painter of portraits. His main pupils were Mateo Cerezo, Cabezalero, Donoso, Ledesma y Sotomayor.
Noble by descent, he had an understanding of the workings and psychology of the royal court as no painter before him, making his portraits of the Spanish royal family in an unprecedented documentary fashion. Most of his work are portraits of the royal family and court, though there are some altarpieces, early works commissioned mainly by the church.
He died in 1685.

Today, March 26, is the birthday of

Alfred Hirv, Estonian painter born in 1880, known especially for his still lifes. For a time he studied with Julius von Klever in Saint Petersburg; further studies took him to Rome and Munich, where he studied at the school of Anton Ažbe. His paintings are reminiscent of the style of the Dutch Golden Age. Works by Hirv can be found in the Art Museum of Estonia.
He died in 1918.

Aniversarios Fotografía (CXVI) [Marzo / March 21-27]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 21 de Marzo es el cumple de

Babak Salari, fotógrafo independiente iraní-canadiense nacido en 1959, que vive y trabaja en Montreal. Estudió en la Universidad de Concordia y el Dawson College, y se especializó en fotografía documental en blanco y negro.
Su interés por la fotografía comenzó cuando era un adolescente en su Irán natal, donde contribuyó con diversas publicaciones. Salari ha venido documentando la vida de la gente común en Afganistán, Pakistán, Jordania, Irak, Kurdistán, Palestina, Palestina Ocupada, México, Cuba, Bulgaria. Ha recibido numerosos premios, entre ellos un Addy de Oro de la Federación Americana de Publicidad en el año 2004 por su trabajo "Situando Afganistán".

"Traumas y Milagros, Retratos del Noroeste de Bulgaria /
Traumas and Miracles, Portraits from Northwestern Bulgaria"

Muchas de las mujeres de la región se han ido durante años, buscando empleos temporales en Grecia, España y especialmente en Italia (donde se las emplea para cuidar gente mayor. Se las llama badante (cuidadoras). Dejan atrás a sus maridos, hijos y familia. La población disminuye en número y se envejece. Actualmente, el noroeste es la región más pobre de Bulgaria y de toda la Unión Europea./

Many of the region’s women have been leaving it for years, seeking temporary jobs in Greece, Spain and especially in Italy (where they are employed as care workers for old people – the so called badante). Left behind them are husbands, children, parents. The population is diminishing in numbers and getting older. Currently, the Northwest is the poorest region in Bulgaria and in the whole of the European Union.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Herbert George Ponting (fotógrafo británico / British photographer)
Robert Lebeck (fotoperiodista alemán / German photojournalist)


El 22 de Marzo es el cumple de

Annie Wells, fotógrafa estadounidense nacida en 1954, ganadora de un premio Pulitzer.
Se graduó de la Universidad de California, Santa Cruz (1981), y estudió periodismo gráfico en la Universidad Estatal de San Francisco, donde formó parte de un grupo que ganó el premio al servicio público RFK.
Trabajó como fotógrafa para el Santa Rosa Press Democrat, la oficina de San Francisco de Associated Press, el Greeley Tribune en Greeley, Colorado, y el Diario Herald en Logan, Utah.
Se unió a Los Angeles Times en 1997, donde permaneció hasta 2008.

"Adolescente rescatada de una inundación / Teen Rescued From Flood Water", 1997
The Press Democrat, Santa Rosa
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Enrique Bostelmann (fotógrafo mexicano / Mexican photographer)
Juan Di Sandro (fotógrafo ítalo-argentino / Italian-Argentine photographer)


El 23 de Marzo es el cumple de

Franco Rubartelli, director, escritor y fotógrafo italiano nacido en Florencia en 1937.
Alcanzó el reconocimiento internacional como fotógrafo de modas, comenzando en 1965 con sus editoriales para Linea Italian y las ediciones francesa, inglesa y italiana de Vogue, el más famoso de los cuales presentaba a la modelo alemana Vera Gottliebe von Lehndorff (Veruschka), con la cual comenzó a trabajar en 1963, primero en Italia, luego en Nueva York, y otra vez en Italia en 1967.
Vivieron juntos en un penthouse en Roma, y produjeron numerosos artículos para Vogue y otras revista de Condé Nast.

Primer plano de la modelo Veruschka de perfil, con un montón de zarcillos por su cara, cuello y hombros. Peinado de Hugh Harrison./
Close-up of model Veruschka in profile, with many tiny tendrils framing her face, neck, and shoulders; coiffure by Hugh Harrison, 1968
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Ilse Bing (fotógrafa alemana / German photographer)
José Fernandes (fotógrafo portugués / Portuguese photorapher)


El 24 de Marzo es el cumple de

Mirosław Araszewski, fotógrafo y director de fotografía polaco nacido en 1941 en Baránovichi
Graduado de la Academia Nacional de Cine, Televisión y Teatro de Lodz, fue un profesor académico entre 1973 y 1985 en la Escuela de Cine. Tiene un doctorado, y es profesor y vicerrector de la Escuela de Arte y Diseño de Lodz. Se especializa en la fotografía artística, y ha trabajado en publicidad, moda e industria. Ha realizado varias exposiciones individuales y numerosas colectivas.

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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Edward Henry Weston (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Scott Krycia (director de cine, productor, actor y fotógrafo estadounidense /
American film director, producer, actor and photographer)


El 25 de Marzo es el cumple de

Eusebio Juliá, fotógrafo español nacido en 1826 que ejerció su actividad profesional en Madrid y París.
Inició su trabajo profesional en 1854 como administrador de una editorial pero al mismo tiempo hacía fotografías y a continuación abrió su estudio en Madrid. Unos años después abrió nuevos gabinetes en otras ciudades españolas y en París. Un tipo de trabajo que ofrecía con bastante aceptación del público eran sus almanaques y álbumes con retratos de personalidades que comercializaba tanto en formato de "tarjeta de visita" como a tamaño natural.
Su trabajo recibió diversos homenajes y galardones entre los que se puede destacar la medalla que obtuvo en la Exposición Universal de París de 1867.
Gran parte de sus fotografías de estudio se han conservado gracias a la colección de Manuel Castellano, que fue adquirida por la Biblioteca Nacional de España, pero también existen fotos suyas en otros fondos como el del Museo Naval de Madrid.
Murió en 1895.

"Retrato de / Portrait of Amadeo de Saboya", 1870
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Anna Zavileiskaia (arquitecta y fotógrafa rusa / Russian architect and photographer)
Marie Šechtlová (fotógrafa checa / Czech photographer)


El 26 de Marzo es el cumple de

Murray Fredericks, fotógrafo y director de fotografía australiano nacido en Sydney en 1970. Su obra ha sido adquirida por importantes colecciones públicas y privadas de todo el mundo. Los clientes comerciales de Murray incluyen marcas internacionales y agencias, organismos de turismo, hoteles, arquitectos, diseñadores y desarrolladores.
Su primer crédito cinematográfico en el documental 'Sal' (que codirigió) ganó más de 14 premios internacionales. "Sal" fue proyectado en más de 50 festivales.
Inicialmente fotografiaba exclusivamente para exposiciones, pero descubrió que estaba bien equipado para empezar a trabajar como fotógrafo comercial. El trabajo comercial proporcionó los fondos para sus proyectos personales que fueron en constante aumento en cuanto a complejidad y ambición. Desde 1999 Murray ha trabajado con éxito tanto la fotografía artística como comercial, con ambas facetas de su carrera apoyando a la otra.

"North Stradbroke", Queensland, Australia
Impresión digital con pigmentos / digital pigment print, ed. 7, 100 x 284 cm., 2014. 
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Harold Stephen Chapman (fotógrafo británico / British photographer)
Leonard Simon Nimoy(actor, director de cine, fotógrafo, autor, poeta, cantante y compositor estadounidense /
American actor, director, photographer, author, poet, singer and composer)


Hoy, 27 de Marzo, es el cumple de

Félix-Jacques AntoineMoulin, fotógrafo francés nacido en 1802.
En 1849 Moulin abrió un estudio fotográfico en el 31 bis de la Rue du Faubourg, Montmartre, y comenzó a producir daguerrotipos de jóvenes de 14 a 16años. En 1851 la obra de Moulin fue confiscada, y fue condenado a un mes de prisión por el carácter "obsceno" de su obra, "tan obsceno que incluso pronunciar los títulos (...) violaría la moralidad pública", según documentos de la corte.
Después de su liberación, Moulin continuó sus actividades de forma más discreta. Enseñó la fotografía, vendió equipamiento fotográfico, y tenía una puerta trasera instalado para su estudio para esquivar los problemas legales. Sus obras se ganaron la estima de los críticos.

"Nu féminin / Desnudo femenino / Female Nude", 1856. The J. Paul Getty Museum (California, EE.UU. / CA, USA)

En 1856 Moulin hizo un viaje fotográfico a Argelia, con una tonelada de equipo, respaldado y financiado por el gobierno francés, lo que le permitió obtener beneficios de las estructuras del colonialismo. Allí se vio sometido a dificultades técnicas debido a las variaciones en la humedad, el trabajo en campo abierto y la calidad del agua, pero logró, sin embargo, documentar ampliamente los beneficios de las colonias francesas en el norte de África. Regresó en 1858 con cientos de fotografías de paisajes, ciudades, estudios arqueológicos y retratos de habitantes, y publicó 300 de ellas como "L'Algérie photographiée", en tres volúmenes. Estos documentos se convirtieron en los folletos oficiales del gobierno colonial de Napoleón III, a quien dedicó la obra. Recorrieron Europa en varias exposiciones.
Murió en 1875.

"Una mujer mora con su criada / A Moorish Woman with Her Maid"
Albúmina de plata / albumen silver, c. 1856. The J. Paul Getty Museum (California, EE.UU. / CA, USA)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Edward Jean Steichen (fotógrafo, pintor, galerista y curador de museo estadounidense /
American photographer, painter, galerist and curator)
Shoji Ueda (植田正治) (fotógrafo japonés / Japanese photographer)


Textos en inglés / English translation

On March 21 is the birthday of

Babak Salari, Iranian-Canadian freelance photographer born in 1959, based in Montreal, educated at Concordia University and Dawson College and specialized in black and white documentary photography.
His interest in photography began as a teenager in his native Iran where he contributed to various publications. Salari has been documenting the life of common people in Afghanistan, Pakistan, Jordan, Iraq, Kurdistan, Palestine, Occupied Palestine, Mexico, Cuba, Bulgaria. He has received many awards, including a Gold Addy from the American Ad Federation in 2004 for his work Locating Afghanistan.

On March 22 is the birthday of

Annie Wells, American photographer born in 1954, winner of a Pulitzer Prize.
She graduated from University of California, Santa Cruz with a B.A. in 1981, and studied photojournalism at San Francisco State University where she was part of a group that won the RFK public service award.
She worked as a photographer for the Santa Rosa Press Democrat, San Francisco bureau Associated Press, the Greeley Tribune in Greeley, Colorado, and the Herald Journal in Logan, Utah.
She joined the Los Angeles Times in 1997, where she worked until 2008.

On March 23 is the birthday of

Franco Rubartelli, Italian director, writer and photographer born in Florence in 1937.
He sprung into international prominence as a fashion photographer beginning with his 1965 editorials for Linea Italiana, and French, English, and Italian Vogue, the most famous of which featured the German model Vera Gottliebe von Lehndorff, aka Veruschka, with whom he began working in 1963, first in Italy, then New York, then back to Italy in 1967, where they lived together in a penthouse in Rome, and produced numerous features for Vogue and the other Condé Nast magazines.

On March 24 is the birthday of

Mirosław Araszewski, Polish photographer and cinematographer born in 1941 in Baranovichi
A graduate of the National Academy of Film, Television and Theatre in Łódź he was an academic teacher from 1973 to 1985 in the Film School. He holds a PhD and is a Professor and Vice-Rector of the School of Art and Design in Łódź. He specializes in artistic photography, and has worked in advertising, fashion and industry. He has had several solo exhibitions and participated in numerous group exhibitions.

On March 25 is the birthday of

Eusebio Juliá, Spanish photographer born in 1826 who worked in Madrid and Paris.
He began his professional work in 1854 as an editorial manager but at the same time took photographs and then opened his studio in Madrid. A few years later he opened new cabinets in other Spanish cities and in Paris. One type of job that offered quite public acceptance were his almanacs and albums with portraits of personalities marketed both in format "visiting card" as a natural size.
His work has received several honors and awards among which can highlight the medal won at the World Exhibition in Paris in 1867.
Much of his studio photographs have been preserved thanks to the collection of Manuel Castilian, which was acquired by the National Library of Spain, but there are also pictures of him in other funds such as the Naval Museum in Madrid.
He died in 1895.

On March 26 is the birthday of

Murray Fredericks, Australian photographer and cinematographer born in Sydney in 1970. His work has been acquired by major public and private collections around the world. Murray's commercial clients include international brands and agencies, tourism bodies, hotels, architects, designers and developers.
His first cinematography credit on the documentary 'Salt' (which he co-directed) won over 14 international awards. Salt was screened at over 50 festivals.
Initially photographing solely for exhibition, Murray discovered that he was well equipped to start working as a commercial photographer. The commercial work provided the funding for his personal projects that were constantly increasing in complexity and ambition. Since 1999, Murray has worked successfully both 'artist' and 'commercial photographer' with both facets of his career supporting the other.

Today, March 27, is the birthday of

Félix-Jacques Antoine Moulin, French photographer born in 1802.
In 1849 Moulin opened a photographer's studio at 31 bis rue du Faubourg Montmartre and started producing daguerreotypes of young girls aged 14 to 16. In 1851, Moulin's work was confiscated, and he was sentenced to one month imprisonment for the "obscene" character of his works, "so obscene that even to pronounce the titles (...) would violate public morality" according to court records.
After his release, Moulin continued his activities more discreetly. He taught photography, sold photographic equipment, and had a backdoor installed to his studio to dodge further legal problems. His works gained esteem from critics.
In 1856, Moulin made a photographic trip to Algeria, with a tonne of equipment, backed and financed by the French government, which allowed it to gain benefit from the structures of colonialism. There, he met technical difficulties due to variations in humidity, work in the open, and the quality of water, but managed nonetheless to extensively document the benefit of French colonies in Northern Africa. He came back in 1858 with hundreds of photographs of landscapes, cities, archeologic surveys and portraits of inhabitants, and published 300 of them as L'Algérie photographiée, a three-volume in folio work. These documents became official brochures of the colonial rule of Napoléon III, to whom the work was dedicated. They toured Europe in several expositions.
He died in 1875.


Mercedes Fittipaldi [Fotografía]

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Mercedes Fittipaldi


Mercedes Fittipaldi es una fotógrafa argentina nacida en 1973 en Azul, Buenos Aires, que actualmente vive y trabaja en Alicante, España.
«La fotografía ha sido siempre mi verdadera pasión, una pasión con la que día a día me sumerjo en un mundo donde la luz, las sensaciones y los momentos se transforman en fotografías.»
«...desde pequeña me atraía la magia de poder inmortalizar momentos, situaciones, emociones. Me parecía genial.
Tenía un tío que se dedicaba a ella e iba a su estudio, y me encantaba ver negativos, fotografías, cámaras y todo lo que conlleva este mundo.
Con el tiempo empecé a involucrarme más, comencé a estudiar, realicé varios cursos y fui comprándome las cámaras y accesorios.»

Bajofondo, "Sin título / Untitled", 50 x 60 cm., 2011

Alter Ego, "Sin título / Untitled", 23 x 33 cm., 2012

«Fotografiar es un todo que comienza con la mirada, con la observación de cada detalle, con el estudio de un momento que es ahora o nunca, y que termina con la emoción de sentirlo único y de haberlo atrapado. Mirar, observar, sentir, emocionarse, y fotografiar.»
«A veces no existe preparación alguna, simplemente mirar por el visor y disparar. Y otras veces lleva semanas preparar una producción., buscar la locación, el atrezzo correspondiente, la o las modelos, etc.»

Diálogos con el arte / Dialogues with Art
"La Incredulidad de Santo Tomás / The Incredulity of Saint Thomas", 50 x 70 cm., 2010
(ver referencias más abajo / see references below)

Dolorosa Piel / Painful Skin, "Sin título / Untitled", 70 x 50 cm., 2012

Algunos fotógrafos cuyo trabajo admira son Julia M. Cameron, Dorothea Lange, Eugéne Smith, Irving Penn (ver referencias más abajo), aunque, según dice, no cree tener influencias marcadas de ninguno en particular.

«... prefiero la fotografía de interiores, y en mi estudio al ser posible. Soy ratón de laboratorio, me gusta mucho poder recrear situaciones, momentos, jugar con la luz.
Con respecto a los retoques digitales, suelo generalmente hacer los básicos, no soy muy amiga del photoshop, no me gusta manipular mucho la imagen, salvo en contadas ocaciones, prefiero manipularla con antelación en mi cabeza.»

Dolorosa Piel / Painful Skin, "Sin título / Untitled" (versiones en color y blanco y negro / color and b&w versions)

En cuanto a color o blanco y negro, «eso me lo dice la fotografía. Me han pasado situaciones en que en una sesión pensaba que iba a ser a color, y luego a la hora de sentarme frente al ordenador y de retocarla, la fotografía me pedía a gritos que fuese en blanco y negro. Eso depende mucho de la fotografía.»

About color or b&w, «the photograph itself tells me. I have been situations where a session thought it would be in color, and then when sitting at the computer and retouch, photography asked me shouting that must be in black and white. That depends a lot on photography.»

Bajofondo, "In Utero 01", 50 x 60 cm., 2011

"Autorretrato, Pequeños Secretos" / "Self Portrait, Little Secrets", 40 x 40 cm., 2011

«[un modelo debe tener] Buena actitud, predisposición y ser profesional, pienso que si tenemos eso luego los buenos resultados vienen solos.»
«La inspiración me viene de situaciones que he vivido, de relacionar cosas, del momento que este pasando en mi vida o de lo que quiera plasmar.
Del arte en si…… de las historias que veo día a día o simplemente de lo que veo.»

Izq./ Left: Sin-Cera, "Sin título / Untitled", 40 x 50 cm., 2013
Der./ Right: Retratos / Portraits, "Aurora"

Bajofondo, "Fragilidad / Fragility", 50 x 60 cm., 2011

Autorretrato, "Sin título / Untitled", 40 x 50 cm., 2011

Mercedes Fittipaldi is an Argentine photographer born in 1973 in Azul, Buenos Aires, who currently lives and works in Alicante, Spain.
«Photography has always been my true passion, a passion that every day I immerse myself in a world where light, sensations and moments are transformed into pictures.»
«... Since childhood I was attracted by the magic of immortalize moments, situations, emotions. I felt great.
I had had an uncle who was devoted to photography and went to his studio, and I loved to watch negatives, photographs, cameras and all that goes with this world.
Over time I began to get more involved, I started studying, I made several courses and went up buying cameras and accessories.»

Inframundo / Underworld, "Sin título / Untitled", 70 x 50 cm. 2011

Bajofondo, "Ascensión", 60 x 50 cm., 2011

«Shooting is a whole that begins with the gaze, observing every detail, with the study of a moment that is now or never, and ending with the thrill of feeling it unique and have caught it. Look, observe, feel, get excited, and photograph.»
«Sometimes there is not any preparation, just look through the viewfinder and shoot. And sometimes take weeks to prepare a production, find the location, the corresponding props, the female or male models, etc.»

Paisajes / Landscapes, "Los Pasos de los Años / Over the Years, 50 x 70 cm., 2010

"Emergiendo / Emerging"

Some photographers whose work she admires are Julia M. Cameron, Dorothea Lange, Eugene Smith, Irving Penn (see references below), though, she says, does not believe to have strong influences of any particular one.
«... I prefer indoor photography, and in my studio if possible. I'm a lab mouse, I like to recreate situations, moments, play with light.
About to digital retouching, I usually made the basics, I'm not very fond of photoshop, I do not like to manipulate the image much, except on rare occasions, I prefer to handle it in advance in my head.»

"Fragmentos del tiempo / Fragments of Time"

Diálogos con el arte / Dialogues with Art
"El Cristo de la Columna / Christ of the Column", 50 x 70 cm., 2010
(ver referencias más abajo / see references below)

Dolorosa Piel / Painful Skin, "Sin título / Untitled", ambas / both 70 x 50 cm., 2012

Bajofondo, "Sin título / Untitled", 60 x 50 cm., 2012

«[A model must have] a good attitude, predisposition and be professional, I think if we have that then the good results come alone.»
«Inspiration comes from situations that I lived, to relate things, the moment that is happening in my life or what I want to capture.
Art itself ...... stories that I see every day or just what I see.»

"Job en la ceniza / on the Ash", 40 x 60 cm., 2013
(ver referencias más abajo / see references below)

Dolorosa Piel / Painful Skin, "Sin título / Untitled", 50 x 70 cm., 2012

Fuentes / Sources:
* Website
* Alacantí Cultural, entrevista / interview, Jun., 2012
* Whohub, entrevista / interview
* Video (ver más abajo / see below)

Más imágenes e información sobre Mercedes en / More images and information about Mercedes in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Mercedes!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Mercedes!)


Algunas referencias / Some References

Michelangelo Merisi da Caravaggio

"La incredulidad de Santo Tomás / The Incredulity of Saint Thomas"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 107 x 146,1 cm., 1601
New Palace (Potsdam, Alemania / Germany)

El motivo había sido representado con frecuencia en el arte cristiano desde al menos el siglo V, y se utiliza para hacer una variedad de apuntes teológicos. Según el Evangelio de San Juan, Tomás Apóstol se perdió una de las apariciones de Jesús a los apóstoles después de su resurrección, y dijo: "Si no viere en sus manos la señal de los clavos, y metiere mi dedo en el lugar de los clavos, y metiere mi mano en su costado, no creeré." Juan 20:25. Una semana más tarde, Jesús se le apareció y le dijo a Tomás que lo tocara y dejara de dudar. Entonces Jesús dijo: "Porque me has visto, Tomás, creíste; bienaventurados los que no vieron, y creyeron." Juan 20:29
En la pintura, la cara de Tomás muestra sorpresa mientras Jesús sostiene su mano y la guía dentro de la herida. La ausencia de un halo hace hincapié en la corporeidad de Cristo resucitado. La obra es un claroscuro.

It shows the episode that gave rise to the term "Doubting Thomas" which, formally known as the Incredulity of Thomas, had been frequently represented in Christian art since at least the 5th century, and used to make a variety of theological points. According to St John's Gospel, Thomas the Apostle missed one of Jesus's appearances to the Apostles after His resurrection, and said "Unless I see the nail marks in his hands and put my finger where the nails were, and put my hand into his side, I will not believe it." John 20:25. A week later Jesus appeared and told Thomas to touch Him and stop doubting. Then Jesus said, "Because you have seen me, you have believed; blessed are those who have not seen and yet have believed." John 20:21
In the painting, Thomas's face shows surprise as Jesus holds his hand and guides it into the wound. The absence of a halo emphasizes the corporeality of the risen Christ. The work is in chiaroscuro.

"Cristo en la columna o Flagelación de Cristo / Christ at the Column or Flagellation of Christ"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 134,5 × 175,5 cm., c.1607
Museo de Bellas Artes (Ruan, Francia / Rouen, France)

Esta es una de las dos versiones de la Flagelación de Cristo de Caravaggio pintada a finales de 1606 o principios de 1607, poco después de su llegada a Nápoles. La pintura muestra la flagelación de Cristo después de su detención y el juicio, antes de su crucifixión. La escena fue representada tradicionalmente frente a una columna, posiblemente en alusión a la sala del juicio de Pilatos. El torturador de nariz chata en el extremo derecho es reconocible como la misma figura que modela como el verdugo en "Salomé con la cabeza de San Juan Bautista".

This is one of two versions of the Flagellation of Christ by Caravaggio painted late in 1606 or early in 1607, soon after his arrival in Naples. The painting shows the flagellation of Christ following his arrest and trial and before his crucifixion. The scene was traditionally depicted in front of a column, possibly alluding to the judgement hall of Pilate. The snub-nosed torturer on the far right is recognisably the same figure who modelled as the executioner in Salome with the Head of John the Baptist.

Más sobre Caravaggio en "El Hurgador" / More about Caravaggio in this blog:
[La Colección Bentaberry (II)], [Lost Art (II)], [Fotógrafos japoneses (II)], [Marc Dennis (Pintura)], [Michael Zavros (Pintura)]
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José de Ribera y Cucó
Lo Spagnoletto / El españolito / The Little Spaniard

"Job sobre la ceniza / Job on the Ash Heap"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 x 187,7 cm., c.1630
Colección privada / Private Collection
Wikipedia

Job: 7-10
Entonces Satanás salió de la presencia del Señor, e hirió a Job con llagas malignas desde la planta del pie hasta la coronilla.
Y Job tomó un pedazo de teja para rascarse mientras estaba sentado entre las cenizas.
Entonces su mujer le dijo: "¿Aún conservas tu integridad? Maldice a Dios y muérete."
Pero él le dijo: "Hablas como habla cualquier mujer necia. ¿Aceptaremos el bien de Dios pero no aceptaremos el mal?" En todo esto Job no pecó con sus labios.

Desde sus primeros años, Ribera había estado produciendo lienzos igualmente monumentales y horizontales, representando temas religiosos o bíblicos, con la figura principal de la composición dispuesta, en toda su longitud, en la parte baja del plano de la pintura. De hecho, es una configuración en la que el artista parece haber mantenido el interés durante toda su carrera, proveyéndole de un formato adecuado para una variedad de temas, apropiado tanto para cuadros de galería como para uso religioso. Cuando "Job..." reapareció, fue datada a principios de la década de 1620, cuando Ribera comenzó a experimentar más ampliamente con este tipo de pinturas.
Tras la reciente restauración de "Job...", sin embargo, Spinosa ha reconsiderado esta datación, prefiriendo situarla cerca de 1630. Esto ciertamente podría tener sentido estilísticamente, ya que la pintura parece ser una trabajo más maduro, traicionando un abordaje más sutil y psicológico. La existencia de una versión (¿de estudio?) de la obra (mercado de arte de Nueva York), que presenta firma y fecha de 1632 también sustenta esta teoría; aunque aparentemente apócrifa, esta inscripción sugiere que el lienzo original debería datarse alrededor de esa fecha.

Job: 7-10
So went Satan forth from the presence of the Lord and smote Job with sore boils from the sole of his foot unto his crown.  And he [Job] took him a potsherd to scrape himself withal; and he sat down among the ashes.  Then said his wife unto him, "Dost thou still retain thine integrity?  Curse God, and die." But he said unto her, "Thou speakest as one of the foolish women speaketh.  What?  Shall we receive good at the hand of God and shall we not receive evil" In all this did not Job sin with his lips.

From his early years, Ribera had been producing similarly monumental, horizontal canvases depicting religious or biblical subjects with the main figure of the composition disposed, full-length, across the bottom of the picture plane.  Indeed, it is a configuration which the artist appears to have remained interested in throughout his career, providing him with a suitable format for a variety of subjects, as appropriate for gallery pictures as for paintings meant for religious use.  When the Job first reappeared, it was dated to the very early 1620's, when Ribera had started to experiment more widely with this type of picture.

After the recent restoration of the Job, however, Spinosa has reconsidered his dating of the picture, preferring to place it circa 1630.  This certainly would make sense stylistically, as the painting appears to be a more mature work, betraying a subtler and more psychological approach.  The existence of a (studio?) version of the picture (art market, New York) which bears a signature and date of 1632 also supports this theory; although apparently apocryphal, this inscription is suggestive that the original canvas should date to about the same time.

Más sobre José de Ribera en "El Hurgador" / More about José de Ribera in this blog:
[Aniversarios (CVI)]
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Sobre los fotógrafos mencionados por Mercedes / About the photographers mentioned by Mercedes:

Julia Margaret Cameron: [Aniversarios Fotografía (LV)]
Dorothea Lange[Aniversarios Fotografía (XVIII)], [Asonancias (V)]
Irving Penn: [Watson, Penn, Shinoyama, Johnsen], [Rufino Tamayo (Litografías, Mixografías)], [Aniversarios fotografía (XXI)], [Asonancias (III)]
William Eugene Smith[Aniversarios Fotografía (L)]


Entrevista a / Interview with Mercedes Fittipaldi. Estudios Omh


Rinocerontes (LXXII)

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Con excepción de los tres últimos, creados por artistas cuya obra ha sido publicada en el blog, y el jinete turco, esta entrada está integrada en su totalidad por imágenes descubiertas por Shirley Rebuffo, habitual colaboradora, muy prolífica últimamente.
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

With the exception of the last three - artists whose work have already been published in the blog -, and the Turkish rider, this entry is made entirely of images discovered by Shirley Rebuffo, regular contributor, very prolific lately.
English text at the end of the post, marked with [*] in each paragraph.
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Momò Calascibetta

"La nicchia del rinoceronte / El nicho del rinoceronte / The Rhino Niche", acrilico / acrylic, 50 x 40 cm., 1987

Momó Calascibetta es un interesante artista italiano nacido en Palermo.
Se graduó en arquitectura en 1977 con Gregotti y Pollini, y a pesar de su intrigante pasión por ella, escogió la pintura, que había venido practicando desde su infancia.
Habrá más sobre él y su obra en el futuro. [1]


BlummPrize Art Award U20
Este es el logotipo de la agencia de comunicación italiana Pomilio Blumm
En el año 2014 convocaron un concurso para que estudiantes de colegios y academias de arte reinventaran el logotipo de la empresa. Entre las obras premiadas se encuentran las dos que pueden verse a continuación.
Edoardo Serra (Done) es un ilustrador italiano de Florencia, radicado en Livorno, apasionado por el arte y cultura urbanos.
No hay información sobre Lucilla Scalia.[2]

Edoardo Serra (Done)

"El muro / The Wall"

Lucilla Scalia

"La forza dell'equilibrio / El poder del equilibrio / The Power of Balance"


Gregorio Giannotta

"Rinoceronte a vapor / Steam Rhinoceros"
Aguafuerte y aguatinta sobre plancha de zinc / etching and aquatint on zinc sheet, 27 x 10 cm.

Gregorio Giannotta nació en Génova en 1974, donde vive y trabaja.
Estudió en la Escuela de Arte "Paul Klee" y en 1993 asistió a la "Escuela de la Historieta Chiavarese". En 2000 se graduó en la Academia de Liguria de Bellas Artes en Génova.
Publicó dibujos, ilustraciones, portadas y cómics en varias ediciones Andersen: El mundo de la infancia, El Golfo, Mazurka, El Nuevo Mal, Rey Desnudo, Gud, Mono, etc ...
En sus obras representa un pasado paralelo con artilugios, maquinaria y leviatanes, suspendido en una atmósfera onírica surrealista en la cual la revolución industrial se fusionó con un mundo perdido de fantasía.
O visiones de un futuro cercano en el que las contradicciones sociales y metropolitanas se mezclan con personajes improbables envueltos en papeles caricaturescos y etiquetas dictadas por el mundo del cómic, con un fondo de arquitecturas periféricas. [3]


Guido Airoldi

"Rinoceronte / Rhino"
Collage y temple al huevo sobre papel / collage and egg temple on paper, 95 x 124, 2010

Guido Airoldi nació en Bérgamo (Italia) en 1977. Se graduó en la Academia de Brera de Bellas Artes de Milán. Sus áreas de interés son la pintura, el collage y la performance. En 2007 presentó su primera muestra individual "Dicotomías" en el Castillo Colleoni en Bérgamo. Participó en numerosas exposiciones y recibió varios premios, obteniendo de inmediato el reconocimiento por la calidad de su trabajo.
Sus obras están, de hecho, presente en las principales ferias de arte contemporáneo en Italia (entre ellas: AAF y AAM en Milán, Art Padua, Feria de Arte de Bergamo, Feria de Arte de Bolonia, ArtVerona, Paratissima en Turín). Airoldi vive y trabaja en Verona y Bérgamo. [4]


Marcantonio Raimondi Malerba
"Rinoceronte con sedie / Rinoceronte con sillas / Rhino with Chairs"

Marcantonio Raimondi Malerba nació en 1976 en Massalombarda, Italia. Estudió en el Instituto de Arte y la Academia de Bellas Artes. Recién graduado comenzó a trabajar en la escena teatral y colaborando en proyectos con arquitectos. Pronto empezó a crear piezas únicas de diseño en paralelo con una producción de arte, pero poco a poco ambas carreras comenzaron a contaminarse, por lo que su diseño está enriquecido con conceptos artísticos. 
Las conexiones entre el hombre y la naturaleza son su tema favorito, tanto la interpretación de la dinámica y la belleza de la naturaleza, mostrando cómo las actitudes del hombre afectan al original. Le encanta pensar en su obra como una continuación directa de lo que solía hacer cuando era un niño, jugando con todo lo que encontraba, y creando lo que su mente imagina. De hecho, en esa búsqueda del componente estético y el concepto, toma las ideas de las mismas fuentes que creó mientras jugaba, soñando despierto, con cualquiera de las cosas corrientes que le rodean. Aprendió del arte cómo una idea puede ser elegante, y es por eso que siempre está en busca de conceptos puros y resumidos. "Nunca dejo de lado la ironía: la ironía es cosa seria. Si una buena idea es incluso divertida, no me puedo resistir a llevarla a cabo" [5]

"Rinoceronte con sedie / Rinoceronte con sillas / Rhino with Chairs" (detalle / detail)

«Rinoceronte con sillas es una analogía irónica de lo que hace el hombre: construir estructuras improbables de una naturaleza poderosa aparentemente tranquila. Con estructuras no me refiero a edificios, sino incluso a conceptos y dinámicas que no se puede considerar con propiedad optimizando un sistema.» [6]


Vik Muniz

"Fósil (Rinoceronte)", de la serie Imágenes del suelo / Fossil (Rhino), from the Soil Images Series"
Impresión a la gelatina de plata / gelatin silver print, 50,8 x 60,9 cm., 1998

Vik Muniz (Vicente José de Oliveira Muniz) es un artista y fotógrafo brasileño nacido en 1961.
Inicialmente un escultor, Muniz se interesó en las representaciones fotográficas de su trabajo, llegando con el tiempo a centrarse por completo en la fotografía. Trabajando principalmente en series, Muniz incorpora a su práctica el uso de objetos cotidianos, como diamantes, azúcar, hilo, jarabe de chocolate y basura, para crear una atrevida, irónica y a menudo engañosa imaginería, recogida de las páginas de la cultura pop y la historia del arte. Su trabajo ha sido recibido con tanto éxito comercial como elogios de la crítica, y se ha exhibido en todo el mundo. Su exposición individual en el MAM en Río de Janeiro sólo fue superada por Picasso en los registros de asistencia.
En 2010 Muñiz fue presentado en la película documental Waste Land, dirigida por Lucy Walker, que contó con Muniz trabajando en uno de los vertederos de basura más grandes del mundo, Jardim Gramacho, en las afueras de Río de Janeiro. La película fue nominada para el Oscar a la Mejor Película Documental en los 83º premios de la Academia. [7]


Olga Florenskaya y Alexander Florensky
Ольга Флоренская г. Александр Флоренский

"Rinoceronte" del proyecto Varios esqueletos / "Rhino", from the project Various Skeletons, 2008

Olga Florenskaya y Alexander Florensky son una pareja de artistas rusos, nacidos en 1960.
Se graduaron en 1982 en la Escuela de Arte y Diseño Mukhina de Leningrado. Fundadores del grupo artístico Mitki en 1985, son miembros de la Unión de Artistas Rusos desde 1998.
Trabajan en diferentes campos: pintura, artes gráficas, ilustración de libros, cerámica y animación. Son autores de las películas animadas "Mitkimayer" (1992), "Álbum ruso" (2001) y "Trophy Films" (2004). Han tomado parte en gran número de festivales de cine locales, tanto en Rusia como en el extranjero, y son fundadores de la editorial Mitkilibris.
Viven y trabajan en San Petersburgo. [8]


Sherry Matlack

"Rinoceronte / Rhino"
Acuarela transparente sobre papel Arches / transparent watercolor on Arches paper, 22" x 30", 2013

Sherry Matlack es un artista autodidacta de la acuarela que se especializa en pinturas en primer plano de animales y flores. Ella ama estudiar a los animales, tanto silvestres como domésticos, capturar esas observaciones en fotografías y luego recortarlas para sus visiones singulares a la acuarela. Comienza sus imágenes de animales pintando sus ojos para llevar el animal a una vida temprana en el desarrollo de la pintura.
El intenso mundo de los animales salvajes en su hábitat natural no se encuentra en los animales del zoológico, incluso en las mejores circunstancias. Los retratos de Sherry capturan la mirada pensativa y profundidad que en realidad nunca ha notado en sus mundos amurallados. Sus vistas en primer plano crean visiones distintas y originales. Todas las pinturas se originan a partir de fotografías que la propia Sherry ha tomado.
Es miembro signatario de la Sociedad Nacional de la Acuarela, miembro de la Hermandad Saguaro del Gremio de la Acuarela del Sur de Arizona, y miembro asociado de la Sociedad Americana de la acuarela. [9]


Ibrahim Miranda

"Rinoceronte de París / Rhinoceros of Paris"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 215 cm., 2007

Ibrahim Miranda es uno de los más destacados artistas visuales de Cuba y ha recibido un significativo reconocimiento internacional en los últimos años. Pintor, grabador y profesor, es oriundo de Pinar del Río (nacido en 1969) y se graduó en el Instituto Superior de Arte de La Habana. Pertenece a una generación de artistas cuya sustancial intervención en artes visuales cubanas fue impulsada por una urgencia para hacer frente a la "sensación de abandono causado por el éxodo masivo de las generaciones anteriores." En la década de 1990, durante el llamado "período especial" de crisis política y económica (debido a la disolución de la Unión Soviética), Miranda ya había contribuido a la remodelación de los paradigmas estéticos de la nación. Estuvo "profundamente involucrado en el reexamen conceptual y formal del grabado" y renunció al grabado como una forma de medio masivo disponible para el consumo generalizado. En lugar de hacer arte y reproducirlo a través de grabados, aplicó nuevas técnicas de grabado en un sentido más personal. [10]

"Rinoceronte en París / Rhinoceros in París", serigrafía / silkscreen, 2010

Hace unos años ya publiqué un proyecto para construir un centro urbano (concretamente en la ciudad de Juba, Sudán) cuyo trazado tendría forma de rinoceronte. Puede verse aquí. [10b]


Katsushika Hokusai
葛飾 北斎
Hokusai Manga [北斎漫画]

Hokusai Manga Vol.3/15. Tinta y color sobre papel / ink and color on paper

El Hokusai Manga (北斎漫画, "Bocetos de Hokusai") es una colección de bocetos de diversos temas realizados por el artista japonés Hokusai. Los temas incluyen paisajes, flora y fauna, la vida cotidiana y lo sobrenatural. La palabra "manga" en el título no se refiere al manga contemporáneo, que cuenta historias, ya que los bocetos de la obra no están conectados entre sí. Impresos en tres colores (negro, gris y piel pálida), los Manga comprenden literalmente miles de imágenes en 15 volúmenes, el primero publicado en 1814, cuando el artista tenía 55 años. Los últimos tres volúmenes fueron publicados después de su muerte. Dos de ellos fueron compilados por su editor como material inédito. El volumen final se compone de trabajos publicados anteriormente, algunos ni siquiera de Hokusai, y no se considera auténtico por los historiadores del arte. [11]


Más sobre Hokusai en "El Hurgador" / More about Hokusai in this blog:


Jinete de rinocerontes turco / Turkish Rhino Rider

"Turco en un rinoceronte / Turk on a Rhinoceros"
Porcelana dura / hard-paste porcelain, figura / figure: 20,5 × 20,6 cm., base: 4,4 × 24,4 cm., c.1755-60
Fábrica / Factory: Ludwigsburg Porcelain Manufactory (Alemana / German)
Museo Metropolitano (MET) (Nueva York EE.UU. / NY, USA)

Una bella pieza de cerámica pintada con esmalte azul vidriado que me descubrió mi buena colega Olga. Pertenece a la colección del Metropolitan Museum of Art. No está en exhibición. [12]


Marcin Owczarek

Serie "Paraíso perdido", "El último rinoceronte sobre la Tierra" /
"Paradise Lost" Series, "The Last Rhino on Earth"
Edición limitada de 7+2PA / Limited edition of 7+2AP, 100 x 150 cm. ©2016

Marcin Owczarek es un fotógrafo y artista visual nacido en 1985 en Wroclaw (Polonia) que vive y trabaja en Lier (Bélgica). Hace un tiempo vimos una selección de su obra en el blog. Ahora uno de sus recientes trabajos con rinoceronte. [13]

Más sobre Marcin en "El Hurgador" / More about Marcin in this blog:


Anna Berezovskaya
Aнна Березовская

30 x 40 cm.

Este rinoceronte es un antiguo trabajo que la pintora rusa Anna Berezovskaya, también amiga del blog, cuya obra ya hemos revisado en posts previos, ha publicado no hace mucho en su facebook. [14]

Más sobre Anna en "El Hurgador" / More about Anna in this blog:


Nick Brandt
Heredar el Polvo / Inherit the Dust


Imágenes de Nick Brandt a tamaño natural de animales desaparecidos en África Oriental, instaladas en los eriales que han reemplazado a sus hábitats.
Publicado por Edwynn Houk Editions

Tres años después de completar su trilogía "On This Earth, A Shadow Falls Across the Ravaged Land", Nick Bradt regresa al África Oriental para fotografíar la escalada de cambios en el mundo natural y los animales del continente. En una serie de panoramas épicos, Brandt registra el impacto del hombre en lugares que los animales solían recorrer, pero ya no lo hacen. [15]


En cada lugar, Brandt erigió un panel a tamaño natural con uno de sus retratos (mostrando grupos de elefantes, rinocerontes, jirafas, leones, guepardos y cebras) situando a los animales desplazados en sitios de desarrollo urbano explosivo, nuevas fábricas, tierras yermas y canteras. Las figuras en las fotografías parecen ignorar la presencia de los paneles y los animales representados en ellos, que no son más que fantasmas en el paisaje. [15]


Algunos de los animales en los paneles parecen estar mirando esos paisajes destruidos con tristeza, como lamentándose de la pérdida de un mundo que una vez habitaron. Al final, vemos que no sólo los animales son víctimas de este mundo fuera de control, sino también los humanos. [15]

Portada del libro / Cover of the book

Más información sobre el libro / More info about the book
Nick Brandt Website, La voz del animal invisible

Más sobre Nick Brandt en "El Hurgador" / More about Nick Brandt in this blog:
[Rinocerontes (II)], [Asonancias (IV)]
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Gracias Shirley por tan buenos hallazgos. También a Mafa y Olga, siempre tan atentos... /
Thank you Shirley for such good finds. Thanks also to Mafa and Olga, always so attentive...

La voz del animal invisible, Totum Revolutum


Traducción al inglés / English Translation

[1]
Momó Calascibetta is an interesting Italian artist born in Palermo. 
He graduated in Architecture in 1977 with Gregotti and Pollini, and despite the intriguing passion for it, chooses the painting he had practiced since childhood.
There will be more about him and his work in the future.

[2]
This is the logo of the Italian communication agency Pomilio Blumm.
In 2014 they convoked a competition for students of art colleges and academies, asking them to reinvent the company logo. Among the winning works are the two you can be seen below.
Edoardo Serra aka Done is an Italian illustrator from Florence, based in Livorno, passionate for urban art and culture.
No information about Lucilla Scalia.

[3]
Gregorio Giannotta was born in Genoa in 1974 where he lives and works.
He studied at the Art School "Paul Klee" and in 1993 he attended the "Chiavarese Cartoon School". In 2000 he graduated from the Ligurian Academy of Fine Arts in Genoa.
He published drawings, illustrations, covers and comics for several Andersen editions The world of childhood, The Gulf, Mazurka, The New Evil, King Naked, Gud, Mono, etc ...
In his works he depicts a parallel past with gizmos, machinery and leviathans, suspended in a surreal dreamlike atmosphere in which the industrial revolution merged to a lost world of fantasy.
Or visions of a close future in which social contradictions and metropolitan mingle with unlikely characters wrapped in caricatural roles and labels dictated by the world of comics with the background of peripheral architectures.

[4]
Guido Airoldi was born in Bergamo (Italy) in 1977. He graduated at the Brera Academy of Fine Arts in Milan. His interests are painting, collage and performance. In 2007 he exhibited his first solo show “Dichotomies” at the Castle Colleoni in Bergamo (Italy). He participated in numerous exhibitions and reveived several awards, immediately obtaining appreciations for the quality of his work.
His works are in fact present in the major contemporary art fairs in Italy (among them: AAF and AAM in Milan, Art Padua, Bergamo Arte Fiera, Art Fair Bologna, ArtVerona, Paratissima in Turin). Airoldi lives and works in Verona and Bergamo.

[5]
Marcantonio Raimondi Malerba was born in 1976 in Massalombarda, Italy. He attended the Art Institute and the Academy of Fine Arts. Just graduated he begins to work in the  theater scene and collaborating with architects on projects. Soon he begins to create unique pieces of design in parallel with a production of art, but step by step the two careers are beginning to become contaminated. So its design is enriched with artistic concepts. 
Connections between Man and Nature are his favourite theme; interpreting both dynamics and beauties of nature; showing the Man's attitude affecting the original. He loves thinking about his work as a direct continuation of what he used to do when he was a child, playing with everything he finds, and create what his mind imagined. Actually ,looking for the aesthetic component and concept, takes ideas from the same sources he created while playing, daydreaming with everything normally surrounds him. 
 He learned from Art how an idea could be elegant, that's why he's always looking for pure concepts and summary. "I never give up irony: irony is a serious matter. If a good idea is even fun, I cannot resist to realize it".

[6]
«Rhino with chairs is an ironic analogy for what man does; building improbable structures of a powerful nature apparently quiet.
As structures I do not mean just buildings but even concepts and dynamics that can not be considered properly optimizing a system.»

[7]
Vik Muniz (Vicente José de Oliveira Muniz) is a Brazilian artist and photographer born in 1961.
Initially a sculptor, Muniz grew interested with the photographic representations of his work, eventually focusing completely on photography. 

Primarily working in series, Muniz incorporates the use of quotidian objects such as diamonds, sugar, thread, chocolate syrup and garbage in his practice to create bold, ironic and often deceiving imagery, gleaned from the pages of pop culture and art history. His work has been met with both commercial success and critical acclaim, and has been exhibited worldwide. His solo show at MAM in Rio de Janeiro was second only to Picasso in attendance records.
In 2010, Muniz was featured in the documentary film Waste Land, directed by Lucy Walker, which featured Muniz's work on one of the world's largest garbage dumps, Jardim Gramacho, on the outskirts of Rio de Janeiro. The film was nominated to the Academy Award for Best Documentary Feature at the 83rd Academy Awards.

[8]
Olga Florenskaya and Alexander Florensky are a couple of Russian artists both born in 1960.
They graduated from the Mukhina College of Art and Design (Leningrad) in 1982. One of the founders of MITKI artist group (1985). The members of the Russian artist's Union (1998). Artists work in different fields of art: painting, graphics, book illustration, sculpture, ceramics and animation. The authors of animated films "Mitkimayer" (1992), "Russian Album" (2001) and "Trophy Films" (2004). Have taken part in a large number of film festivals, both in Russia and abroad (1993-2002). The founders of Mitkilibris publishing house.
They lives and works in St Petersburg.

[9]
Sherry Matlack is a self-taught watercolor artist who specializes in close-up paintings of animals and flowers. She loves to study animals, both wild and domestic, capture those observations in photographs and then crop them for unique visions in watercolor. She starts her animal pictures by painting their eyes to bring the animal to life early in the painting's development.
The intense world of wild animals in their natural habitat is missing in the lives of zoo animals, even in the best circumstances. Sherry's portraits capture the pensive gaze and depth never truly realized in their walled worlds. Her close-up views create distinctive and original visions. Alll paintings originate from photographs Sherry has taken.
Sherry is a Signature Member of the National Watercolor Society, a Saguaro Fellow of the Southern Arizona Watercolor Guild and an Associate Member of the American Watercolor Society.

[10]
Ibrahim Miranda is one of Cuba’s most prominent visual artists and has received significant international recognition over the years. A painter, engraver and professor, he is a native of Pinar del Rio (born in 1969) and a graduate of Instituto Superior de Arte in Havana. He belongs to a generation of artists whose substantial intervention in Cuban visual arts was spurred by an urgency to address the prevailing “sense of abandonment caused by the mass exodus of previous generations.” By the 1990s, during the so called “special period” of political and economic crisis (due to the dissolution of the Soviet Union), Miranda had already contributed to reshaping the nation’s aesthetic paradigms. He became “deeply engaged in the conceptual and formal re-examination of engraving” and renounced prints as a form of mass media available for widespread consumption. Instead of making art and reproducing it through prints, he applied new printmaking techniques to more personal subject matter.

[10b]
A few years ago I published a project to build an urban center (specifically in the city of Juba, Sudan) whose urban planning would be in the form of a rhinoceros. It can be seen here. [10b]

[11]
The Hokusai Manga (北斎漫画, "Hokusai's Sketches") is a collection of sketches of various subjects by the Japanese artist Hokusai. Subjects of the sketches include landscapes, flora and fauna, everyday life and the supernatural. The word manga in the title does not refer to the contemporary story-telling manga, as the sketches in the work are not connected to each other. Block-printed in three colours (black, gray and pale flesh), the Manga comprise literally thousands of images in 15 volumes, the first published in 1814, when the artist was 55. The final three volumes were published posthumously, two of them assembled by their publisher from previously unpublished material. The final volume was made up of previously published works, some not even by Hokusai, and is not considered authentic by art historians.

[12]
A beautiful ceramic piece painted in underglaze blue enamel, discovered for me by my good colleague Olga. It belongs to the collection of Metropolitan Museum of Art. Not on view.

[13]
Marcin Owczarek is a photographer and visual artist born in Wroclaw (Poland) who lives and works in Lier (Belgium). Some time ago we saw a selection of his work in the blog. Now une of his recent works with a rhino.

[14]
This rhino is an old work by the Russian painter Anna Berezovskaya, also a friend of this blog whose work we've reviewed in previous posts. She had posted it recently in her facebook.

[15]
Nick Brandt's life-size images of East Africa's disappearing animals installed in the wastelands that have replaced their habitats
Published by Edwynn Houk Editions

Three years after the completion of his trilogy, On This Earth, A Shadow Falls Across the Ravaged Land, Nick Brandt returned to East Africa to photograph the escalating changes to the continent’s natural world and its animals. In a series of epic panoramas, Brandt recorded the impact of man in places where animals used to roam, but no longer do. In each location, Brandt erected a life-size panel of one of his portrait photographs—showing groups of elephants, rhinos, giraffes, lions, cheetahs and zebras—placing the displaced animals on sites of explosive urban development, new factories, wastelands and quarries. The contemporary figures within the photographs seem oblivious to the presence of the panels and the animals represented in them, who are now no more than ghosts in the landscape. Some of the animals in the panels appear to be looking out at these destroyed landscapes with sadness, as if lamenting the loss of the world they once inhabited. By the end, we see that it is not just the animals who are the victims in this out of control world, but also the humans.

Max Sauco (II) [Fotografía, Fotomanipulación]

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Max Sauco
Макс Сауко

Max Sauco en / at 798 Art District, 2013

Max Sauco es un notable fotógrafo y fotomanipulador ruso nacido y residente actualmente en Irkutsk. Su obra es espléndida, y ya disfrutamos de algunos de sus trabajos en un post previo, al cual me remito para más imágenes e información. Aquí les dejo una nueva selección de sus obras.

"Mirada / Sight", 2007 © Max Sauco

"Bogman", 2009 © Max Sauco

"Leda y su cisne / Leda and her Swan", 2010. Modelo / Model: Irina Bauskova © Max Sauco

"Piel / Skin 1 & 3", 2002 © Max Sauco

"La canción del serrucho / Saw's Song", 2014 © Max Sauco

"Caroteno / Carotene", 2015 © Max Sauco

"Clara und Rosa", 2010 © Max Sauco

"El libro / The Book", 2002 © Max Sauco

"Autorretrato / Self Portrait"© Max Sauco
Una historia sobre mi tercer ojo / story about my 3rd eye. Foto / PhotoTarkhanov Nickolai

Max Sauco is a remarkable Russian photographer and photomanipulator based in Irkutsk. His work is superb, and we enjoyed some of it in a previous post, to which I refer for more images and information. Here is a new selection of his creations.

"Flor de helecho / Fern Flower", 2008 © Max Sauco

"Pigmalión", 2002 © Max Sauco

Izq./ Left: "Yema de huevo / Yolk", 2015
Der./ Right: "Huevos de nieve / Snoweggs", 2009 © Max Sauco

"Cnossos / Knosos", 2009 © Max Sauco
Inspirado por mi visita al palacio de Cnossos en Creta. El Laberinto, el Minotauro, la hazaña de Teseo, el hilo de Ariadna...
It was inspired me to visit Knossos palace on Crete. Labyrinth, Minotaur, Theseus feat, Ariadne's thread...

"Radhe Govinda", 2008 © Max Sauco

"Tijeras / Scissors", 2009 © Max Sauco
Modelos / Models: Svetlana Abzalova (svetlyak) and Irina Bauskova (iriska)

"Dos gatitos / Two Pussies", 2010 © Max Sauco
¿No te gustan los gatos? Creo que simplemente no eres capaz de cocinarlos... /
Don't you like cats? I think you simply aren’t able to cook them...

"La chica de Vitruvio / Vitruvian Girl", tríptico unido / merging triptych, 2009 © Max Sauco
Un agradecimiento especial a Leonardo / special thanx to Leonardo

"El cuento sobre la cola / The Tale About the Tail", 2008 © Max Sauco

Más imágenes e información sobre Max en / More images and information about Max in:

Más sobre Max en "El Hurgador" / More about Max in this blog:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Max!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Max!)

Juan Carlos Batista [Escultura, fotografía, arte digital]

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Hace unos días tuvimos oportunidad de visitar la muestra que el artista canario Juan Carlos Batista presenta en el TEA (Tenerife Espacio de las Artes) en Santa Cruz. Aprovecho la oportunidad para presentar la obra de este interesante creador.
La primera imagen que recibe al visitante, un enorme collage digital de explosiones en verde que desde lejos asemeja un bosque, es una clara muestra de lo que se encontrará durante el recorrido: la utilización de una variedad de medios expresivos para crear obras en las que predomina una ácida ironía enfocada en una crítica al poder, los destrozos medioambientales y la guerra.
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cara párrafo.

A few days ago we had the opportunity to visit the exhibition that the canary artist Juan Carlos Batista hold in the TEA (Tenerife Espacio de las Artes) in Santa Cruz. I take this opportunity to present the work of this interesting creator.
The first image that welcomes visitors, a huge digital collage of explosions in green that from afar resembles a forest, is a clear example of what you will find in the show: the use of a variety of expressive means to create works in which predominates an acid irony focused on a critique of power, environmental destruction and war.
English text at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Juan Carlos Batista


Juan Carlos Batista nació en Tegueste, Tenerife, España, en 1960. 
«No puedo negar que lo lúdico está presente en parte de mi trabajo, incluso cuando trato de ser irónico y cáustico me lo tomo como un divertimento, eso sí, un divertimento serio y reflexivo. De una forma tácita, lo lúdico se puede percibir en toda esa juguetería alterada que llevo haciendo desde hace algunos años.» [1]

Vista general, acceso a la muestra / General view, entrance to the show
Frente / foreground: "Entandrophragma utile", talla, madera de utile / carving, utile wood, 104 x 570 x 21 cm., 2008
Fondo / background: "La vita è bella / La vida es bella / Life is Beautiful"
Impresión digital en papel Blueback / digital print on Blueback paper, 400 x 560 cm., 2014

"La vita è bella / La vida es bella / Life is Beautiful"

"Custodia de la nostalgia / Custody of Longing", madera quemada, bota de soldado y pigmento / woodsmoke, soldier boot and pigment, 214 x 110 x 125 cm., 2015-16

«Con este tipo de preguntas [¿cómo definirías el arte?] se corre el riesgo de quedar como un tonto petulante. Diría que el arte es una experiencia estética que se intenta compartir con los demás para hacer la vida más llevadera. No me puedo imaginar a un pobre ateo como yo sin música, cine, literatura, etc. El creyente lo tiene más fácil, le queda toda la eternidad para vacilar y para conocerse a sí mismo.
Ahora en serio, lo que tengo claro es que el Arte con mayúscula siempre estará frente a la barbarie. En Auschwitz a los prisioneros no solo se le usurpó la dignidad y la vida, también se les privó de cualquier tipo de arte.
(...) a veces me pregunto la cantidad de millones de niños que han probado ser futbolistas para que salga un Messi. Pero entre este genio del fútbol y el jugador más torpón  hay una multitud de jugadores interesantes. Igual pasa en el mundo del arte. Hay mucho arte interesante y de gran calidad hecho por artistas poco conocidos o desconocidos. Me conformaría con estar en ese club.» [2]

"La negación del yo o la apología del éxito / The Denial of Self or The Advocacy of Success"
Vinilo impreso y recortado de un tipo de granada de la Gran Guerra / 
printed and cut vinyl of a type of grenada of the Great War, 300 x 225 cm., 2014
Obra y detalle / work and detail

"Imposición / Imposition", madera, bota de soldado, hierro y réplica en metal de un AK47 (Softair) / 
wood, soldier boot, iron and metal replica of an AK47 (Softair)

"Imposición / Imposition" (detalle / detail)

«Los que infravaloran el arte contemporáneo se suelen aferrar a toda una serie de tópicos al uso para no poner un pie ni un museo ni en una galería de arte, y ahí incluyo a algunos amigos de izquierda.
Supuestos expertos en historia del arte no se ponen de acuerdo en quién es un bluff y quién es un  auténtico artista, imagínese el no iniciado. Como cualquier tipo de arte el espectador debe conocer un mínimo el propio lenguaje artístico. Es parecido a aprender un idioma sin resultar tan duro.
Tal vez sea el arte contemporáneo, entre todas las artes, donde es más fácil vender gato por liebre. Es verdad que también muchos mediocres pasan por grandes artistas en otras disciplinas. Un doloroso ejemplo para mí sería el gran Calatrava.» [3]

Serie "Románticos y realistas" / Romantics and Realists Series
Impresión digital / digital print, 2008-10 (*)
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"Piezas de sobremesa / Desktop Pieces"
técnica mixta / mixed media, 2009-15




«El que trabajes sobre el lado oscuro de la condición humana no te garantiza que sea un trabajo interesante, en el sentido de que tienes que utilizar nuevas formas de expresión con el tema de la guerra, porque ya están los fusilados de Goya como obra maestra, y de hecho hay temas relacionados con los soldados de plástico, pero yo he tratado de hacer algo un poquito diferente. Intervenir un soldado que mide 8 cm. y realizar una microtalla, y quitarle la ropa y tal, a mí, como no lo había visto nunca, me parecía un tema interesante.» [4]

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"Humosapiens", impresión digital / digital print (*)

"El híbrido expansivo / The Expansive Hybrid", carboncillo sobre pared / charcoal on wall, 2016
Con la colaboración de / with collaboration ofJulio Blancas
en el cuadro, una de las piezas de "Animal sublimado" / In the frame one of the pieces of "Sublimated Animal"

"La ideología del paisaje / Ideology of Landscape"
Fotografía digital / digital photography, 205 x 150 cm., 2010. Obra y detalle / work and detail

Izq./ Left: "El soldado Boccioni / The Boccioni Soldier"
Cibachrome sobre aluminio / on aluminium, 121 x 190 cm., 2000-02
Der./ Right: Pieza creada para / Piece created for Lonarte, 2011 (Praia da Calheta, Isla de Madeira) (no está en esta muestra / not in this show)

Sobre Boccioni y su obra en "El Hurgador" / About Boccioni and his work in this blog:

«En mi serie de soldados de 1997 y "Patologías de la Guerra" (1999-2002), transformé a todos los soldados de juguete en una especie de brutalidad y perversión, intentando desmitificar una iconografía de guerra dirigida al entretenimiento de los niños.
(...)
Creo que mi trabajo reflexiona sobre la distancia entre la guerra real y la "barbarie abyecta", es decir, entre los que realmente pasaron por la experiencia real y aquellos que la ven representada a través de las películas de guerra, revistas, anuncios de alistamiento para el ejército, ropa militar, juguetes, etc.
Este viaje entre un soldado de plástico que se crea para el niño, y el campo de batalla, donde este niño es un hombre que llora y suspira por su madre, es una idea inteligente por la seducción del engaño.
Una de las piezas que creé en 2002 se titula "Soldado Boccioni." Es un híbrido, mitad soldado, mitad la escultura de Boccioni titulada "Formas únicas de continuidad en el espacio". Es el futurista fascinado por la guerra y la tecnología. Es una estética seductora y de fascinación de la guerra que realmente importa. El intento de subvertir estos estereotipos es parte del discurso de mi trabajo.» [5]
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"Animal sublimado / Animal Sublimated", 2011-2015
45 piezas de plástico, resina, acrílico y pigmentos / 45 pieces made of plastic, resin, acrylic and pigments





«Tanto en mis fotografías como en mis esculturas, lo real y lo ficticio conviven, y a lo largo del tiempo he percibido que es una metáfora de cómo veo la vida, de cómo las mentiras tienen tanta importancia como las verdades. Las mentiras se visten de verdades y las verdades se visten de mentiras. (...) Unos viven con la mentira de un señor que quiere cambiar el mundo, y otros con un señor que te va a dar la inmortalidad, y yo vivo creyendo que es todo lo contrario... La imposibilidad de llegar a la verdad se refleja mucho en esa dualidad de lo real y lo ficticio conviviendo sin jerarquías.» [6]




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Serie "Románticos y realistas" / Romantics and Realists Series
Impresión digital / digital print, 2008-10

En lo básico, las operaciones con que se maneja Batista responden a una subversión, un desviamiento de las estrategias textuales surrealistas, con su abundancia de amalgamas y metamorfosis de objetos o imágenes ya dadas, así como la frecuente desviación del sentido original que se asocian a ellos. La naturaleza heteróclita de todos esos materiales de los que parte para sus esculturas o fotografías (juguetes, enseres domésticos, piezas de almoneda, rastrillo o "todo a 100", elementos decorativos...) se mezclan sin solución de continuidad con citas cultas -y más o menos ocultas- a la Historia de Arte de todos las épocas, que nos llevan de la estatuaria clásica a Boccioni, de Goya a los hermanos Champan. Sin embargo, su narrativa resulta cualquier cosa menos automática: cada pieza responde a una idea muy concreta donde el artista plasma una visión tan ácida como desencantada con determinados aspectos de la realidad que le rodea. Visión, por otro lado, perfectamente articulada en un denso sistema ético personal que, sin caer nunca en lo panfletario ni en lo programático, articula al cabo un comentario profundamente político (en el sentido de pensar la "polis", lo común) de esa misma realidad parafraseada.
Óscar Alonso Molina, Comisario de la muestra "Realidad casi humo" [7]

"Ocaso / Sunset", impresión digital / digital print, 100 x 133 cm., 2015
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"Bosque de oportunidades / Forest of Opprotunities", 2006-15
18 esculturas en técnica mixta / 18 sculptures, mixed media





«A mí me influye el paisaje, la luz, la playa, me influye el destrozo medioambiental a que han sometido las islas durante estos últimos veinte años. Todo eso lo tengo que reflejar en mi trabajo. Yo veo artistas canarios que trabajan como si vivieran en Nueva York. ¿Y todo este contexto no te influye? A mí sí, y estoy muy contento de que me influya.» [8]

 (+)
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Folleto de la exposición / Exhibition Brochure

Puedes visitar la exposición hasta el 22 de mayo en el TEA (Tenerife Espacio de las Artes), en Santa Cruz de Tenerife

You can visit the exhibition until May 22 at TEA (Tenerife Espacio de las Artes / Tenerife Space of Arts)

 "La vita è bella / La vida es bella / Life is Beautiful" (+)
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Fuentes / Sources:
* Entrevista en / Interview inBoletín de Artizar, 10/2013
* Texto sobre la exposición "Realidad casi humo" / Text about the exhibition "Smoke-like Reality"
* Lonarte 2011, Blog
* Vídeo que puede verse más abajo / video you can see below

Todas las fotografías de Javier Fuentes, excepto las marcadas con (+), tomadas por Esther Frías, y las marcadas con (*), encontradas de Internet.
All photographs by Javier Fuentes, except the ones marked with (+), taken by Esther Frías, and those marked with (*), found in Internet.

Más sobre Batista en / More about Batista in:

Entrevista a Juan Carlos para / Interview with Juan Carlos for Lonarte, 2011



Texto en inglés / English translation

[1]
Juan Carlos Batista was born in Tegueste, Tenerife, Spain, in 1960.
«I can't deny that playfulness is present in part of my job, even when trying to be ironic and caustic I take it as an amusement, but a serious and thoughtful entertainment. In a tacit way, playfulness can be seen in all that altered toys I've been doing for some years.»

[2]
«With this kind of questions [How would you define art?] there's a risk of appear like a petulant. I would say that art is an aesthetic experience you try to share with others to make life more bearable. I can't imagine a poor atheist like me without music, film, literature, etc.
The believer has it easier, it fits all eternity to hesitate and to know himself.
Now talking seriously, what I have clear is that great art will always against barbarism. In Auschwitz prisoners not only were usurped the dignity and life, were also deprived of any kind of art.
(...) I sometimes wonder how many millions of children have tried to be players for the emergence of a Messi. But between this football genius and the clumsiest player there are a multitude of interesting players. Same happens in the art world. There are a lot of interesting and high quality art made by little-known or unknown artists. I'd settle for being one of that club.»

[3]
«Those who underestimates contemporary art are often cling to a range of common topics to never go to a museum or an art gallery, and that included a few leftists friends.
Supposed experts in art history not agree on who is a bluff and who is a true artist, imagine the uninitiated. Like any kind of art the viewer must know a minimum artistic language itself. It's like learning a language without being so hard.
Perhaps the contemporary art, among of all arts, is where it is easier to give a pig in a poke. It is true that too many mediocre pass by great artists in other disciplines. A painful example for me would be the great Calatrava.»

[4]
«The fact that one works on the dark side of the human condition does not guarantee you that is an interesting work, in the sense that you have to use new forms of expression with the theme of war, because they are already The Third of May 1808 by Goya as a Masterpiece, and indeed there are issues related to plastic soldiers, but I have tried to do something a little different. Intervening a soldier measuring 8 cm. and make a microcarving, and remove the clothing and such, to me, as I had never seen, it seemed an interesting topic.»

[5]
«In my 1997 series of soldiers and "Pathologies of War" (1999-2002), I transformed all toy soldiers in a kind of brutality and perversion, trying to demystify a war iconography led to entertainment of children.
(...)
I think my work reflects on the distance between real war and the "abject barbarism", that is, between those who actually went through the actual experience and those who sees it represented through war movies, magazines, advertisements enlistment for the army, military clothing, toys, etc.
This trip between a soldier plastic that is created for the child, and the battlefield where this child is a man who weeps and longs for his mother, is a smart idea by its seduction of deception.
One of the pieces I created in 2002 is entitled "Soldier Boccioni." It is an hybrid, half soldier, half Boccioni's sculpture entitled "Unique Forms of Continuity in Space". It's the futuristic fascinated by war and technology. It is a seductive and alluring aesthetics of war that really matters. The attempt to subvert these stereotypes is part of the discourse of my work.»

[6]
«Both in my photographs and my sculptures, reality and fiction coexist, and over time I have perceived that it is a metaphor for how I view life, how the lies are as important as the truths. Lies dress of truths and truths are dressed in lies. (...) Some live with the lie of a man who wants to change the world, and others with a man who will give you immortality, and I live believing that is the opposite ... The inability to reach the truth is much reflected in the duality of reality and fiction coexist without hierarchy.»

[7]
Fundamentally, the operations with which Batista deals respond to a subversion, a derailment of the surrealist textual strategies, with their abundance of amalgams and metamorphoses of already-given objects or images, as well as the frequent deflection of the original sense which is associated with them. The unusual nature of all those materials from which he starts for his sculptures or photographs (toys, domestic goods, lots at auction, jumble sale of "Poundland", decorative elements...) are mixed without a solution of continuity with cultured - and more or less hidden - quotations from the History of Art of all epochs, which take us from the classical statuary of Boccioni, from Goya to the Chapman Brothers. However, their narrative sounds anything other than automatic: every piece responds to a very specific idea where the artist reflects a vision which is acid as it is disenchanted with certain aspects of the surrounding reality. A vision, on the other hand, which is perfectly articulated in a dense ethnical and personal system which, although it never falls into the demagogic or the programmatic, in the end articulates a deeply-political commentary (in the sense of the "polis" meaning "the common") of that same paraphrased reality.
Óscar Alonso Molina, Curator of the exhibition "Smoke-like Reality"

[8]
«I'm influenced by the landscape, the light, the beach, I'm influenced by the environmental destruction that the islands have undergone over the last twenty years. I must reflect all that in my work. I see Canary artists working as living in New York. And all this context does not influence you? To me yes, and I am very happy about that influence.»

Muere Zaha Hadid

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Dame Zaha Mohammad Hadid
زها حديد
(1950 - 2016)


Dame Zaha Hadid Mohammad (زها حديد), fue una arquitecta británica nacida en Irak en 1950.
Se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Pritzker de Arquitectura (2004). Recibió el Premio Stirling en 2010 y 2011. En 2012 fue nombrada Dama Comandante de la Orden del Imperio británico y en 2015 se convirtió en la primera mujer en ser galardonado con la Medalla de oro del RIBA.
Los edificios de Hadid, de un carácter neo-futurista, se caracterizan por formas curvas con "múltiples puntos de perspectiva y geometría fragmentada para evocar el caos de la vida moderna".
Ayer, 31 de Marzo de 2016, Hadid murió de un ataque al corazón en un hospital de Miami, donde estaba siendo tratada por una bronquitis.

Estación de tranvía Nordpark / Norpark Tram Station, Innsbruck, Austria, 2004-2007
Basadas en las formaciones naturales de hielo / Based on natural ice formations

Dame Zaha Mohammad Hadid (زها حديد‎ Zahā Ḥadīd), was an Iraqi born (1950) British architect. She became the first woman to receive the Pritzker Architecture Prize (2004). She received the Stirling Prize in 2010 and 2011. In 2012, she was created a Dame Commander of the Order of the British Empire and in 2015 she became the first woman to be awarded the RIBA Gold Medal.
Hadid's buildings are distinctively neo-futuristic, characterised by curving forms with "multiple perspective points and fragmented geometry to evoke the chaos of modern life".
Yesterday, 31 March 2016, Hadid died of a heart attack in a Miami hospital, where she was being treated for bronchitis.

Centro cultural Heydar Aliyev / Heydar Aliyev Cultural Center, Bakú, Azerbaiyán, 2007-2012

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