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Alexander Khokhlov [Fotografía, arte facial]

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Alexander Khokhlov


Alexander Khokhlov es un artista ruso nacido en 1982, que trabaja en Moscú realizando fotografía artística, de belleza, moda, callejera y comercial.
Al principio se interesó por la fotografía en vivo. Sin embargo, a fines de 2008, después de asistir a su primera clase magistral del fotógrafo Vladimir Kalinin, la perspectiva de Alex cambió y rápidamente se interesó en trasladar sus fotografías al estudio.
Las popularísimas series "Belleza extraña / Weird Beauty" y "2D or not 2D", fueron creadas en 2012 y 2013, en colaboración con la artista del maquillaje Valeriya Kutsan. Una mezcla de arte facial, fotografía y post-producción, permitieron la creación de estas imágenes.

2D or not 2D - "Rostro vitral / Stained Face" - Modelo / Model: Alexandra Romanova
Foto / Photo: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan
Post-producción / Post-production: Veronica Ershova, Alexander Khokhlov

Extraña belleza / Weird Beauty, Feb.-Sep., 2012
Izq./ Left: "Chanel" - Modelo / Model: Ekaterina Ashikhmina
Der./ Right: "Mickey" - Modelo / Model: Елена Бандуро / Yelena Banduro
Foto, retoque / Photo, retouch: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan

En 2013 Alexander comenzó a trabajar a dúo con su esposa, la diseñadora y artista del maquillaje Veronica Ershova. La serie "Historias de la mesa" combina fotografía y filología, y en ella los autores muestran sus experimentos con juegos de palabras y paráfrasis.
Actualmente Alexander y Veronica trabajan en el proyecto llamado "Formas e ilusiones". La nueva serie continúa el reto del autor de transformar a la gente de diferentes formas. Este proyecto combina técnicas del arte facial, fotografía y decoración.

Extraña belleza / Weird Beauty - "Pulso / Pulse", Feb.-Sep., 2012
Foto, retoque / Photo, retouch: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan
Modelo / Model: Nadezhda Kochetkova

2D or not 2D - "Pintada al óleo / Oil painted"
Foto / Photo: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan
Retoque, Post-producción / Retouching, Post-production: Veronica Ershova

«El reto principal de la serie 2D or not 2D era hacer las imágenes planas. Como sabes, nuestros rostros tienen volumen, y la luz acentúa este volumen en las caras. El desafío para Valeriya era maquillar a un modelo de tal modo que se viera completamente como una pintura, y mi tarea era hacer que la luz fuera plana y no incorporara volumen o profundidad en la imagen. Esto no es usual para mí y para muchos fotógrafos, porque me gusta el volumen y la profundidad que crean las luces y sombras. En este caso era lo opuesto. Este reto fue consecuencia de la idea principal de nuestro proyecto.»

Historias de la mesa / Table Stories - "Mona Listens"
Creado por / Created by Alexander Khokhlov & Veronica Ershova

Extraña belleza / Weird Beauty - "Chip", Feb.-Sep., 2012
Foto, retoque / Photo, retouch: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan
Modelo / Model: Alisa Valova

«No tenemos buenas instituciones de fotografía en Rusia, así que tuve que asistir a cursos, clases magistrales, conferencias y ver videos por mí mismo. No era un gran problema entre 2007 y 2009, pero hoy en día es realmente difícil encontrar un buen profesor de fotografía en Moscú. Cualquiera con una cámara digital se cree un maestro.»

Formas e ilusiones / Shapes and Illusions - "Móvil perpetuo / Perpetuum Mobile"
Idea & Foto / Photo: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Veronica Ershova 
Decoración floral / Flower decoration: Mikhail Kravchenko

«El momento de más orgullo es cuando estás mirando el resultado final de una idea. Porque la idea es sólo el principio. El proceso de realización es realmente duro: encontrar el equipo, modelos, organizar el estudio, conseguir decoración y accesorios, las localizaciones, construir el esquema de iluminación, retocar la imagen, y así sucesivamente. Y cuando estás mirando la imagen final y te gusta, ese es el momento de mayor orgullo. Porque ves tu propia alma en la obra.»

Extraña belleza / Weird Beauty - "Cordones / Laces", Feb.-Sep., 2012
Foto, retoque / Photo, retouch: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan
Modelo / Model: Olga Lysikova

2D or not 2D - "Múltiples rostros / Multiple Faces"
Foto / Photo: Alexander Khokhlov - Maquillaje / Make-Up: Valeriya Kutsan
Post-producción / Post-production: Veronica Ershova - Modelo / Model: Diana Bychkova

Serie Jardín blanco / White Garden Series

Alexander Khokhlov is a beauty, fashion, street, fine art, and commercial photographer from Moscow, Russia, born in 1982.
Alexander was first impressed by live performance photography. However, at the end of 2008 after attending his first studio master-class by photographer Vladimir Kalinin, Alex’s perspective changed and he quickly became interested in moving his photography into the studio.
The wildly popular series Weird Beauty and 2D or not 2D were created in 2012 and 2013 in collaboration with the make-up artist Valeriya Kutsan. A mixture of face art, photography and post-production allowed the creation of these images.

2D or not 2D - "Cara de Poster / Poster Face" - Modelo / Model: Ekaterina Nikulina
Foto / Photo: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan
Post-producción / Post-production: Veronica Ershova, Alexander Khokhlov

Extraña belleza / Weird Beauty - "Silueta / Silhouette", Feb.-Sep., 2012
Foto, retoque / Photo, retouch: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan
Modelo / Model: Александра Романова / Aleksandra Romanova

In 2013 Alexander started to work in duo with his wife - designer and make-up artist Veronica Ershova. The series Table Stories combined photography and philology, as authors showed off their experiments with word games and paraphrases. 
This time Alexander and Veronica are working on the project called Shapes and illusions. The new series continue author's challenge to transform people into different forms. This project combines the techniques of face-art, photography and decoration.

Historias de la mesa / Table Stories - "Be Cool"
Creado por / Created by Alexander Khokhlov & Veronica Ershova

"Marge Simpson"
Fotografía / Photography, video: Alexander Khokhlov - Maquillaje, retoque / Make-up, retouching: Veronica Ershova
Peinado, flores / Hairstyle, flowers: Mikhail Kravchenko - Modelo / Model: Kate Moukhina

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2D or not 2D - "Cara de cómic / Comix face" - Modelo / Model: Ekaterina Ashikhmina
Foto / Photo: Alexander Khokhlov - Maquillaje / Make-up: Valeriya Kutsan 
Post-producción / Post-production: Veronica Ershova, Alexander Khokhlov

«The main challenge of 2D or not 2D series was to make the image flat. You know, how our faces have volume and the light mostly accentuates this volume of the face. Valeriya’s challenge was to put make-up on a model in a way where she looks absolutely like the picture; and my task was to make the light flat and not bring volume or depth into the image. This is unusual for me and for many photographers because I like the volume and depth which light/shadow creates. In this case everything was opposite. This challenge was a consequence of our project’s main idea.»

Extraña belleza / Weird Beauty - "Hipnosis / Hypnose", Feb.-Sep., 2012
Foto, retoque / Photo, retouch: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan
Modelo / Model: Ekaterina Nikulina

Serie Jardín blanco / White Garden Series

«We have no good photography institutions in Russia, so I had to find the courses, master-classes, lectures, videos on my own. It was not a big problem from 2007-2009, but at the present time it’s really hard to find a good photography teacher in Moscow – everyone with a digital camera thinks that he is a master.»

Formas e ilusiones / Shapes and Illusions
Izq./ Left: "El cuchillo / The Knife" - Modelo / Model: Julia Kasyanova
Idea, estilismo, decoración, fotografía, retoque /
Idea, style, decoration, photography, retouching: Alexander Khokhlov and Veronica Ershova
Der./ Right: "En calma como una bomba / Calm Like a Bomb"
Fotografía, post-producción / Photography, post-production: Alexander Khokhlov
Maquillaje y fuegos artificiales / Make-up and fireworks: Veronica Ershova

«The proudest moment is when you are looking at the finished result of an idea. Because the idea is just the beginning. The process of realization is really hard – to find the team, models, to organize the studio, find decorations and props, properties and locations, build the light scheme, retouch image and so on. And when you are looking at the final image and you like it – this is the proudest moment. Because you see your own soul in the work.»

Historias de la mesa / Table Stories
"The Uncoloured Life" - Modelo / Model: Anastacia Kumarova
Idea, foto, post-producción / Idea, photo, post-production: Alexander Khokhlov
Maquillaje, peinado, pinturas / Make-up, hair, paintings: Anna Zakhozhaya
Luces / Lights: Serge Longray

«We have no good photography institutions in Russia, so I had to find the courses, master-classes, lectures, videos on my own. It was not a big problem from 2007-2009, but at the present time it’s really hard to find a good photography teacher in Moscow – everyone with a digital camera thinks that he is a master.»

2D or not 2D - "La máscara / The Mask" - Modelo / Model: Yelena Banduro
Foto / Photo: Alexander Khokhlov - Arte facial / Face-art: Valeriya Kutsan
Retoque, Post-producción / Retouch, Post-production: Veronica Ershova
Inspirada por / Inspired by Ginger Monkey
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"Comas / Quotes"



Formas e ilusiones / Shapes and Illusions
Foto / Photo: Alexander Khokhlov - Maquillaje, retoque / Make-up, retouching: Veronica Ershova
Peinado, flores / Hairstyle, flowers: Mikhail Kravchenko

Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista en / Interview inPhlearn, Mar, 2016
Imagenes en / Images in 500px
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.Más imágenes e información en / More images and information in:

Más sobre Alexander Khokhlov en "El Hurgador" / More about Alexander Khokhlov in this blog:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Alexander!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alexander!)


Michael Talbot [Escultura]

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En las estilizadas esculturas del artista británico Michael Talbot, el duro y frío bronce se convierte en figuras de una levedad sutil y etérea. Son, como él mismo dice, "construcciones teatrales" en las que las formas de bailarines o personajes inspirados en la mitología coreografían graciosamente un momento que el artista congela en el tiempo y el espacio. Desde el modelo de arcilla, al bronce patinado final, esos instantes se plasman en delicadas estructuras metálicas llenas de gracia y armonía.

In the stylized sculptures by the British artist Michael Talbot, hard and cold bronze becomes figures of a subtle and ethereal lightness. They are, as he says, "theatrical constructions" in which dancers or characters inspired by mythology amusingly choreograph a moment that the artist frozen in time and space. From the clay model to final patinated bronze, those moments are captured in delicate metal structures full of grace and harmony.

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Michael Talbot


Michael James Talbot es un escultor británico nacido en Staffordshire, en el norte de Inglaterra, en 1959. Tras completar su licenciatura con honores en escultura, consiguió una beca de la Royal Academy of Arts en Londres para estudios de post-graduado en 1980, ganando el codiciado premio Landseer en 1983. Estudió más tarde en la Sir Henry Doulton Sculpture School con Colin Melbourne y Dame Elizabeth Frink.

"El retorno de Briseida / Briseis Returns"
Bronce con pátina química / bronze with chemical patination, altura / height: 144 cm.

"Briseida / Briseis", bronce con pátina química sobre base de granito / 
bronze with chemical patination on granite base, alto / height, 143 cm.

Inspirada en la antigua historia de Briseida y Aquiles. En la mitología griega, Briseida era una princesa de Lirneso. Cuando Aquiles dirigió el asalto a la ciudad durante la guerra de Troya, Briseida fue capturada y entregada a Aquiles como botín de guerra para que fuera su concubina. A pesar de haber sido esclava de Aquiles, la pareja se enamoró y a ambos se les rompió el corazón cuando Briseida le fue arrebatada a Aquiles por el Rey Agamenón.

Michael trabajando en el modelo en arcilla de "Briseida" / at work with the clay of "Briseis"

Inspired by the ancient love story of Briseis and Achilles. In Greek mythology Briseis, was a princess of Lyrnessus. When Achilles led the assault on that city during the Trojan War Briseis was captured and given to Achilles as a war prize to be his concubine. Despite being held in slavery to Achilles the pair fell in love and they were both heartbroken when Briseis was taken from Achilles by King Agamemnon.

Colección emergente / Emergent Collection (2013-2015)
"Solsticio / Solstice", bronce, edición limitada / bronze, limited edition

"Ariadna / Ariadne", bronce con base de granito / bronze with granite base, altura / height: 195 cm.

Escultura inspirada en la diosa griega Ariadna, de quien los antiguos Celtas decían que había hilado el universo a partir de la oscuridad primordial, de la misma manera que las arañas tejen sus telas. En la mitología griega se decía que había bailado la danza espiral en el centro del laberinto donde el monstruo yace y espera, mientras teje sus hilos mágicos. Michael ha fusionado ambos conceptos mitológicos para crear esta hermosa y fascinante criatura. Ella representa ese yo interior que todos buscamos en nuestro camino hacia la iluminación, llegando a un acuerdo con nuestro yo más oscuro y enfrentando nuestros "monstruos" interiores.


Sculpture inspired by the Greek Goddes Ariadne,  said by the ancient Celts to have spun the universe from the primordial darkness the way a spider spins her web. In Greek mythology she was said to have danced the spiral dance to the centre of the Labyrinth where the monster lies in wait, while weaving her thread of magic. Michael has fused both mythological concepts to create this beautiful bewitching creature. She represents that inner self we all seek in our path to enlightenment, coming to terms with our darker selves and facing our “monsters” within.

"Ensueño / Daydream", bronce / bronze

«La escultura, para mí, es esencialmente una construcción teatral, un intento de mostrar e iluminar un momento escogido en el tiempo. Extraigo mi inspiración creativa del teatro, los mitos, la danza y la ilusión. La inspiración para las esculturas Briseida y Ariadna la tomé de columnas de agua en una fuente iluminada por la noche en la cual, gracias a la distorsión de los ojos de la mente, las figuras aparecían al voltearse la cresta de esa columna de energía líquida. Así, intenté capturarla en bronce, mediante el proceso de la cera perdida, una técnica de los antiguos griegos, para representar una narración intemporal de uno de los mitos griegos. Me gusta dar a mis esculturas una forma coreográfica, tensión y equilibrio que capten la mirada y capturen un momento en el tiempo. A veces trabajo con un fragmento de la forma en vez de una figura entera (como en Arlequín y Velo). Este es un mecanismo artístico favorito, a menudo inspirado por las sombras del modelo en las paredes del estudio, porque a veces menos es más.»

"Haciendo señas / Beckoning", bronce sobre base de granito / bronze on granite base, altura / height: 81 cm.

"Haciendo señas / Beckoning" (detalle / detail)

«Trabajo a partir de modelos en vivo, en mi búsqueda de una forma momentánea o un gesto. Esto contrasta con la naturaleza absoluta del bronce. Es lo que queda cuando el tiempo barre todo lo demás. Cuando miramos el rostro de un antiguo bronce en un museo, lo que nos llega a través de milenios de tiempo no es cuán diferentes, sino cuán parecidos eran a lo que somos ahora.»

Colección Ballet Real / Royal Ballet Collection - "Edward Watson", bronce / bronze, 2014

Michael trabajando con / at work with Edward Watson

Michael James Talbot is a British sculptor, born in Staffordshire in the north of England in 1959. After completing a BA honours degree in Sculpture, he gained a scholarship to the Royal Academy of Arts in London for post graduate study in 1980, winning the coveted Landseer prize in 1983. He studied further at The Sir Henry Doulton Sculpture School under Colin Melbourne ARCA and Dame Elizabeth Frink RA.

"Corsaria / Corsair", bronce con pátina gris plateado veteada / silver grey variegated patina, altura / height: 77 cm. Ed.8

"Corsaria / Corsair" (detalle / detail)

Colección Ballet Real / Royal Ballet Collection
"Calisto / Callisto", bronce / bronce, altura / height: 94 cm., escala 1/3 del natural / 1/3 life size scale
Edición limitada / Limited edition

«Sculpture for me, is essentially a theatrical construction, an attempt to show and illuminate a chosen moment in time. I draw my creative inspiration from theatre, myth, dance and illusion. The inspiration for the Briseis and Ariadne sculptures were taken from plumes of water in a night-lit fountain which, with the distortion of the mind’s eye, figures appeared in the tumbling crest of a column of liquid energy. This, I have tried to capture in bronze, through the lost wax process, a technique from Ancient Greece, to render a timeless human narrative from the Myth of Greece. I like to give my sculptures choreography of form, tension and balance to lead the eye and capture a moment in time, sometimes I work with the fragment form rather than an entire figure (like Harlequin and Veil). This is a favourite artistic device often inspired by shadows of the model on the studio wall – because less is sometimes more.»

"El velo / The Veil", bronce con pátina azul/gris sobre base de granito / 
bronze with blue/grey patina on granite base, altura / height: 88 cm.

Michael siente una especial fascinación por Venecia y la tradición veneciana de las mascaradas. Históricamente, enmascararse era un práctica habitual compartida por los venecianos, y llevar máscaras permitía a la gente relacionarse de todas las maneras en una celebración desinhibida, de forma anónima, permitiendo revelar su verdadera personalidad sin temer ser juzgados.


Michael has a fascination for Venice and the Venetian tradition of masquerade. Historically, masquerading was a shared practice among Venetians, and the wearing of masks allowed people to engage in all manner of uninhibited celebration with anonymity, allowing them to reveal their true persona, without fear of being judged.

Esculpiendo en vivo en la Galería / Live Sculpting at the Gallery




"Cortigiana / Cortesana / Courtesan", arcilla / clay
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"Ofelia / Ophelia" (vista parcial / partial view), bronce con pátina de color sobre base de granito / 
bronze with coloured patination on granite base, altura / height: 87 cm.

Colección emergente / Emergent Collection (2013-2015)
"Ofelia / Ophelia" (vista frontal y trasera / front and back view)

«I work from the live model in my pursuit of a particular momentary form or gesture. This I contrast with the absolute nature of bronze. It is what remains when time sweeps all else away. When we gaze into the face of an ancient bronze in a museum, what reaches out across the millennia of time is not how different, but how like us they were.»

"Mascarada / Masquerade"
Bronce con pátina gris plateado veteada / silver grey variegated patina, altura / height


La obra está inspirada en las sirenas de la mitología griega, las ninfas marinas que vivían en la isla Sirenum Scopuli, que arrastraban a los marinos hacia las rocas con su cantos, haciendo que los barcos se hundieran.
La inusual pátina veteada de esta pieza representa el agua cayendo en cascadas por la piel de la ninfa cuando emerge del océano. Michael le da el nombre de opalina, porque el efecto de la pátina aparece como un ópalo crudo sin pulir, y sugiere una intrigante y colorida profundidad bajo el hermoso pero maldito exterior.

The work is inspired by the Sirens of Greek mythology, the sea nymphs that lived on the island Sirenum Scopuli, who drew sailors to the rocks by their enchanted singing, causing their ships to sink.
The unusual variegated patination on this piece represents the water cascading from the skin of the Nymph as she rises from the sea. Michael gave her the name Opal because the patination effect appears like raw unpolished opal and implies an intriguing and colourful depth behind the beautiful but course exterior.

"Arlequín / Harlequin", bronce / bronze
Altura (incluida la base / inc.base), escala 1/2 del tamaño natural / 1/2 life size scale, altura / height: 64 cm.

Fuentes / Sources
* Website - * Calken Gallery

 Más imágenes e información sobre Michael en / More images and information about Michael in:

Más sobre Michael en "El Hurgador" / More about Michael in this blog:

Imágenes publicadas con autorización (¡Muchas gracias, Michael y Naomi!)
Images published here with permission (Thanks a lot, Michael and Naomi!)



Presentación de la Colección Ballet Real de Michael James Talbot en el Royal Opera House /
Michael James Talbot 'Royal Ballet Collection' Launch at the Royal Opera House, 2016



Uruguayos (XXVIII) - Álvaro Zinno [Fotografía]

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En muchas de las fotografías de Álvaro Zinno, sobre todo esos interiores en los que la luz incide sobre un punto concreto, sin desdibujar el fondo, da la sensación de que en cualquier momento va a aparecer un sonámbulo atravesando la imagen de lado a lado, cuando no un policía con una linterna buscando pruebas de un antiguo crimen. Otro hallazgo muy interesante son esos muñecos que dan ese toque kitsch en espacios que, aunque el artista no lo busque, traslucen una decadencia entre entrañable e inquietante.

In many of the photographs of Alvaro Zinno, especially those indoors where the light falls on a particular point, without blurring the background, it gives the feeling that anytime will appear a sleepwalker crossing from side to side of the picture, or maybe a policeman with a flashlight looking for evidence of an ancient crime. Another very interesting finding are those action figures that give that touch of kitsch in spaces that, although the artist does not seek, reveal a decadence between endearing and disturbing.
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Álvaro Zinno


Álvaro Zinno nació en Montevideo, Uruguay, en 1958. Allí vive y trabaja. 
Estudió dibujo y pintura con el profesor Clever Lara en 1980. Seis años más tarde realizó un curso de grabado (fotograbado) con el profesor David Finkbeiner en Purchase College, State University of New York (Estados Unidos).
En 1987 obtuvo el título de Ingeniero Civil Estructural de la Universidad de la República (Uruguay), y ese mismo año una beca Fullbright para proyecto de fotografía en Nueva York. En 1988 completó un curso de videoarte con el profesor John Sturgeon en el Museo de Artes Plásticas y Visuales.
Desde 1983 ha realizado un buen número de exposiciones tanto individuales como colectivas, y recibido varios premios por su trabajo.

Color - "18 de Julio / July 18th"

«Yo no elaboro intelectualmente previo a trabajar, es como que me sale eso, sin pensar. Aunque después cuando tenés un montón de cosas ya hechas ves para atrás y decís "Ah, mirá". Y además hay gente que te lo dice. Pero yo nunca quise hacer tal o cual tipo de cosa. Es más, al principio estaba un poco perdido porque a mí me gustaba hacer un tipo de foto que no era lo que se usaba en la época, donde lo común era algo más como de fotoperiodismo. Después empecé a ir a la biblioteca de la Alianza Uruguay-Estados Unidos, y encontré libros con otro tipo de fotografía. Gente como Stieglitz, Weston o Minor White (ver más abajo). Descubrí que había montones de autores en una búsqueda más personal. Intentando que lo que sacás refleje lo que tenés adentro. Y no mostrar la realidad de manera ingeniosa, en cuanto a cómo lo componés o el momento que elegís. Mis fotos no dependen de ningún momento, las puedo sacar mañana de vuelta, las mismas que saqué hace 20 años. No es que justo pasó una señora y cruzaba un perro, y capturé ese momento. No, no, nada. Voy y la saco de vuelta.»

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Armarios / Wardrobes"

El aura cargada de sombras abarcativas que domina visualmente el espacio donde duermen las cosas, se conecta a una  latencia onírica que nos enfrenta con la incomodidad del orden trastocado de los sueños, donde lo cotidiano aparece como tal pero preñado de la dimensión perturbadora de un “eso” que está fuera de lugar. En este escenario incierto, el fotógrafo entra en el ruedo como un cazador de objetos e introduce la luz como herramienta de captura. Candil/linterna de quien hasta ese momento buscaba a tientas, su claridad focal genera el escenario y la oportunidad para que los objetos jueguen a nuestra costa, dejándose atrapar en el momento en que detienen toda actividad e inician un simulado letargo, en una puesta en escena que, como la supuesta simplicidad de los juegos infantiles oculta más de lo que muestra.
Texto de Verónica Panella (Montevideo, 1974) Artista visual y docente de Historia e Historia del Arte, para la muestra "Donde duermen las cosas", SOA Arte Contemporáneo, Montevideo, 3/2016

"Digital Mix"

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Baranda / Railing"

«Me parece que tengo muy metido el tema de mi infancia, y de un Uruguay que cuando era chico lo sentía de una manera. Y que hoy sigue estando, aunque muy deteriorado. No es que pretenda hacer un discurso, ni histórico, ni social ni de nada. Es que ciertos espacios me remiten a esa cosa de mi infancia, como medio relativamente feliz, pero no. Que de alguna manera en Uruguay se mantiene. Cuando viví en Los Ángeles no logré sacar ni una foto, nada. Había lugares súper atractivos, pero no me generaban nada. Lo que hago está muy vinculado con el Uruguay.»

Cuba - "Bienvenido / Welcome"

«Mis fotos no tienen sujeto digamos, solo predicado. No está lo que tiene que estar en el medio, es como que no está el protagonista. Está pero no explícitamente. Es una foto de un rincón, con el sujeto omitido. Está presente en ciertos elementos, pero lo tenés que terminar de armar vos, con lo que ves. Y eso es lo complicado, incluso para mí, porque yo saco las fotos y después tengo que ser muy crítico conmigo mismo y tener valor para decir "pa, esto es una porquería". Y eso cuesta muchísimo.»

«...la gente piensa que los lugares hechos mierda son perfectos para mis fotos. Y yo no busco eso, para nada. No es que me gusten las cosas destruidas. Lo que pasa es que lamentablemente esas cosas que me gustan, esos espacios, y esos climas, en general están en lugares un poco deteriorados.»

"Bruselas / Brussels"

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Carmelo & Marcello"

«Cuando me entero lo que piensan otros de mí a partir de mi obra, suele ser una imagen equivocada. En general se hacen una idea más positiva de lo que verdaderamente soy. Tal vez porque he logrado juntar un montón de factores intangibles que comunican algo. En cierto sentido puede ser que tenga algún talento, porque logro alguna cosa manejando un número de variables intangibles. Eso es lo que logra un artista, algo que está un poco más allá de la ciencia. Me parece además que muchos artistas son mucho peor como personas que lo que es su obra. Aunque no está mal ver que su vida es un poco más desastre, comprobar que los que generan obras muy importantes no son gente perfecta, ni cerca. Por eso yo a los artistas los dejaría un poco de lado. Lo interesante del artista es la obra.»

"Fotografías mínimas / Minimal Photographs"

«El valor de las obras de arte es eso, que te enseñan a vivir, y a ser una persona mejor y no valorar otras que te confunden y no sirven para nada.»

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Sótano / Basement", 2015

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Gatamelata"

Alvaro Zinno was born in Montevideo, Uruguay, in 1958. There he lives and works.
He studied drawing and painting with professor Clever Lara in 1980. Six years later he took a course of engraving (photogravure) with Professor David Finkbeiner at Purchase College, State University of New York, USA.
In 1987 he graduated Civil Structural Engineer from the University of the Republic (Uruguay), and that same year earn a Fullbright scholarship for a photography project in New York. In 1988 he completed a course in video art with Professor John Sturgeon at the Museum of Visual Arts.
Since 1983 he has performed a number of solo and group exhibitions and received several awards for his work.

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Hamaca / Hammock"

«I did not develop intellectually before work, it's like I get that, without thinking. But then when you have a lot of things already done, you look back and say "Oh, look at that." And there also people who tells you. But I would never do this or that kind of thing. Indeed, at first I was a little lost because I liked to make a kind of picture that was not what was used at the time, which was more commonly as photojournalism. Then I started going to the library of the Uruguay-US Alliance, and found books with other kind of photography. People like Stieglitz, Weston and Minor White (see below). I found there were lots of authors in a personal quest. Trying to reflect what you have inside with the pictures you take, and not show the reality in an ingenious way regarding how you compose or time you choose. My photos do not depend on any time, I can take it again tomorrow, the same I shot 20 years ago. Is not that a lady pass and a dog was crossing, and I captured that moment. No, no, nothing. I go back and shot it again.»

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Laboratorio 2 / Laboratory 2"

Color - "Lamparita / Nightlight"

«I think I have my childhood really deep inside, and an Uruguay that I felt when I was a kid, in a way. And still today, although very deteriorated. Not intending to make a speech, or historical, or social or anything. It is that certain spaces refer me to that thing of my childhood, as a relatively happy environment, but no. Something that somehow remains in Uruguay. When I lived in Los Angeles I could not take even a picture, nothing. There were highly attractive places, but did not generate anything in me. What I do is closely linked with Uruguay.»

"Digital Mix"

«My photos have not subject, so to say, just predicate. What must be in the middle is not there, it's like the protagonist is not there. It is but not explicitly. It is a picture of a corner with the omitted subject. It is present in certain elements, but you have to finish assembling by yourself, with what you see. And that's complicated, even for me, because I take pictures and then have to be very critical with myself and have courage to say "this is crap". And that costs a lot.»

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Sillita / Little Chair"

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Planetario / Planetarium"

«.. people think that fucked up places are perfect for my photos. And I'm not looking for that at all. Not that I like things destroyed. What happens is that unfortunately those things that I like, those spaces and those climates, are generally in places a little damaged.»

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Pool", 2015

The aura loaded with encompassing shadows that visually dominates the space where things sleeps, connects to a dream latency that confronts us with the discomfort of the order subverted of dreams, where the quotidian appears as such, but pregnant with the disturbing dimension of a "it" that is out of place. In this uncertain scenario, the photographer enters the ring as a hunter of objects and introduces light as capture tool. Oil lamp/Lantern of who until then groped, its focal clarity generates the stage and the opportunity for the objects to play at our expense, letting itself get caught up in the moment in which all activity stops and begin a simulated lethargy, in a staging which, as the supposed simplicity of children's games, hides more than it shows.
Text by Veronica Panella (Montevideo, 1974), visual artist and teacher of History and Art History, for the exhibition "Where things sleep", SOA Contemporary Art, Montevideo, 3/2016

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Sansui"

Color - "Silla / Chair"

«When I find out what others think of me from my work, usually the image is wrong. Generally they have a more positive idea than I am truly. Maybe because I've managed to put together a lot of intangible factors that communicate something. In a sense maybe I have some talent, because I achieve something managing a number of intangible variables. That's what an artist does, something that is a little beyond science. I think also that many artists are people much worse as what is his work. Although it is not bad to see that their lives are a little more disaster, to realize that those who generate very important works are not perfect people at all. So I would leave artists a little aside. The interesting about an artist is the work.»

Cuba - "Sillones / Armchairs"

«The value of artworks is that, they teach you to live, and to be a better person and not give value to others that confuse you and are good for nothing.»

Donde duermen las cosas / Where Things Sleep, "Virgencita / Little Virgin"

Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista a Álvaro, Enero, 2015 / Interview with Alvaro (in Spanish), El País Cultural
* Exposición "Donde duermen las cosas", Marzo, 2016 /
Exhibition "Where things sleep", March, 2016. SOA Arte Contemporáneo

Todas las imágenes / All images© Álvaro Zinno
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Sobre los artistas mencionados por Álvaro / About the artists mentioned by Alvaro:

Clever Lara: [Uruguayos (XVIII)]
Alfred Stieglitz: [Aniversarios Fotografía (LI)]
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Más imágenes e información sobre Álvaro en / More images and information about Alvaro in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Álvaro!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alvaro!)

Recolección / Compilation (XLVIII)

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Giovanni Duprè
(Siena, Italia / Italy, 1817 - 1882)

"Safo / Sappho", mármol / marble, 141 x 122 x 86 cm., 1857-61.
Galeria Nazionale d'Arte Moderna (Roma, Italia / Italy) - Foto / Photo: adrianovero Flickr

Después de visitar el Museo Británico de Londres y quedar profundamente impresionado por los mármoles del Partenón, Dupré comenzó a trabajar en dos bocetos sobre tema griego: Safo sentada meditando sobre arrojarse al mar. Traducida al mármol por encargo de Angelo Gatti, comerciante de estatuas, la obra se presentó en la exposición en Florencia en 1861 y recibió el aplauso generalizado, aunque los críticos trataron de minimizar la exuberante sensualidad de la forma femenina.


After visiting the British Museum in London and being deeply impressed by the Parthenon marbles, Dupré began working in two sketches on Greek theme: Sappho sitting pondering jump into the sea. Translated in marble by commission of Angelo Gatti, statues trader, the work was presented at the exhibition in Florence in 1861 and received wide acclaim, although critics tried to minimize the lush sensuality of the female form.

Más sobre Duprè en "El Hurgador" / More about Dupre in this blog:
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Sara Anne Bright
(Bristol, Inglaterra / England, 1793 - 1866)

"La hoja Quillan / The Quillan Leaf", 1839

La fotografía fue originalmente atribuida a William Henry Fox en una subasta de Sotheby's, luego a Thomas Wedgwood debido a una marca "W", y por fin, se constató que unas iniciales H.B. que aparecían junto a la W, eran en realidad S.A.B., concluyendo que fue tomada por Sara Anne Bright.

The photograph was originally attributed to William Henry Fox in an auction at Sotheby's, then to Thomas Wedgewood due to a "W" clearly marked on the recto, and finally was discovered that the initials H.B. that also appeared along with the W, were in fact S.A.B., concluding that the picture was taken by Sarah Anne Bright.
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Raymond Johnson
(EE.UU. / USA)

"Los asuntos de una líder / The Affairs of a Leading Lady", óleo sobre panel / oil on board, 23,75" x 17,75", 1952
Portada de libro de bolsillo / paperback cover art
Novela de / Novel by Jane Manning, Venus Books #150, 1952
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Jeanne Mammen
(Berlín, Alemania / Germany, 1890 - 1976)

"Ajedrecista / Chess Player", c. 1929-30
Berlinische Galerie, Landesmuseum für Moderne Kunst, Fotografie und Architektur (Berlín, Alemania / Germany
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William Dickey King
(Jacksonville, Florida, EE.UU. / USA, 1925-)

"Acróbatas / Acrobats", bronce / bronze, 19,5" x 7" x 4,5", 1960
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Martin Hudáček“Bongo”
(Banska Bystrica, Eslovaquia / Slovakia, 1984-)

"Pomník nenarodeným deťom / Monumento del niño no nacido / Monument of the Unborn Child"
Resina epoxi con imitación artificial de piedra / epoxide with artificial stone imitation.
inaugurado el 28/10/2011 en el resort / 
opened on October 28, 2011 in the resort Bardejovské Nova Ves (Eslovaquia / Slovakia)

(detalle / detail)
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Roelant Savery
(Kortrijk, Flandes / Flanders, 1576 - Utretch, 1639)

"Dodo de Edwards / Edward's Dodo", fines de la década de 1620 / late 1620s. Natural History Museum (Londres, Reino Unido / London, UK)

Una de las más famosas pinturas, a menudo copiada, de un dodo, pintado por Roelant Savery a finales de 1620. La imagen perteneció al ornitólogo George Edwards, quien luego la donó al Museo Británico, de ahí su nombre. El pájaro que se traga una rana en la parte inferior derecha puede ser un espécimen del también extinto rascón rojo (Aphanapteryx bonasia). También se ha sugerido que los dos loros son los extintos macao de las Menores (izquierda) y Ara Martinica (derecha).

"Dodos / Dodo Birds", tizas negra y ámbar sobre papel color crema / 
black chalk, amber chalk on cream-colored paper, c.1626.
Crocker Art Museum (Sacramento, California, EE.UU. / CA, USA)

One of the most famous and often-copied paintings of a Dodo specimen, as painted by Roelant Savery in the late 1620s. The image came into the possession of the ornithologist George Edwards, who later gave it to the British Museum, hence the name. The bird swallowing a frog in the lower right may be the likewise extinct Red Rail. It has also been suggested that the two parrots are the extinct Lesser Antillean Macaw (left) and Martinique Macaw (right).

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Costa Magarakis
(Grecia / Greece, 1977-)

"Sígueme / Follow Me", técnica mixta sobre zapato hecho de fibra de vidrio / 
mixed media on fiberglass cast shoe

Más sobre Magarakis en "El Hurgador" / More about Magarakis in this blog:
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Du Xiaodong
杜晓东
(China, 1956-)

"金风拂面 / Soplaba el viento / The Wind was Blowing", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 178 x 160 cm.
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Raluca Băraru
(Rumania)

"Optimixed", ilustración digital / digital illustration, 2014
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Mark Lewis
(Oklahoma City, EE.UU. / USA, 1959-)

"Avenida Boston, hacia el sur / Boston Avenue Looking South"
Grafito y collage de papel / graphite and paper collage, 70" x 50", 2014
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Andrea Costantini
(Pescara, Italia / Italy, 1977-)

Serie "Dónde está mi mente", "Sin título 06" / Where Is My Mind Series, "Untitled 06"
collage fotográfico / photo collage
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Rossie Anne Proser
(Gales, Reino Unido / Wales, UK)

"Cuidado con donde cuelgas tus esperanzas / Careful Where you Hang your Hopes", 2014

Esto se basa muy libremente en la "Pwca" (o Will o' the Wisp / Fuego fatuo), criatura del antiguo folklore celta. Hay unas pocas variaciones del fenómeno, pero se dice que los viajeros solitarios se ven capturados por la luz del pcwa que parpadea entre los árboles, haciendo que pierdan el camino. Dependiendo de cómo sea tratado el Pwca, será el destino del viajero. Éste puede ser guiado a un lugar seguro, o llevado hacia lo profundo del bosque y abandonado allí, en la oscuridad

This is very loosely based upon the "Pwca" (or "Will o' the Wisp") creature found in ancient celtic folklore. There are quite a few variations of the phenomenon but it is said that lone travellers are caught by the Pwca's light seen flickering through the trees, causing them to drift off path. Depending on how the Pwca is treated determines the traveller's fate. Either the traveller is guided out to safety, or led deeper into the woods where they are subsequently left there, in the dark.

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Magnus Gjoen
(Londres, Reino Unido / London, UK)

"Granada de cerámica jaspe azul / Blue Jasperware Grenade", 40 x 40 cm., 2014. Ed.10


"Anoche tuve un sueño / Last Night I Had a Dream", 100 x 100 cm., 2014. Ed. 25

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Étienne-Jules Ramey
(París, Francia / France, 1796 - 1852)

"Thésée combattant le Minotaure / Teseo luchando contra el Minotauro / Theseus Fighting The Minotaur"
Mármol / marble, 1826. Jardin des Tuileries Gardens (París, Francia / France)

"Thésée... / Teseo... / Theseus..." (partial back view / vista parcial trasera)

"Thésée combattant le Minotaure / Teseo luchando contra el Minotauro / Theseus Fighting The Minotaur"
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Bror Hjorth
(Marma, Suecia / Sweden, 1894 - Uppsala, 1968)

"Porträtt av Fröken / Retrato de la señorita / Portrait of the Lady Inga-Lill Jonsson"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 115 x 87 cm., 1947

Más sobre Hjort en "El Hurgador" / More about Hjort in this blog:
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Leoníd Petróvich Sókov
Леони́д Петро́вич Со́ков
(Mikhalevo, Tver region, Rusia / Russia, 1941-)
en Nueva York, EE.UU. / at NY, USA

"Encuentro de dos esculturas / Meeting of the Two Sculptures, Lenin & Giacometti"
Bronce / bronze, 49 x 40 x 17 cm., 1990. Colección privada / Private Collection


Más sobre Lenin en "El Hurgador" / More about Lenin in this blog:
Más sobre Giacometti en "El Hurgador" / More about Giacometti in this blog:


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Vittore (o Vittorio) Carpaccio
(Venecia, Italia / Venice, Italy, c.1465 - 1525/1526)

"La partida de los embajadores / The Ambassadors Depart", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 280 x 253 cm., c.1495-1500.
Galleria dell'Accademia (Venecia, Italia / Venice, Italy)

Más sobre Carpaccio en "El Hurgador" / More about Carpaccion in this blog:
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Hal Phyfe
(Harold Rodney Eaton Phyfe)
(Niza, Francia / Nice, France, 1892 - 1968)

"Gilda Gray", fotografía / photograph, 1927

"Gilda Gray, Portada para la revista Picture-Play / Cover Art for Picture-Play Magazine
Enero / January, 1926

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Robert Craig
(Nueva York, EE.UU. / NY, USA)

"Serafín en el metro / Subway Seraph", óleo y acrílico sobre lino / oil and acrylic on linen, 46" x 32"
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Wang Zheng Hua
王征骅
(Henan, China, 1937-)

"海螺 / Concha / Shell", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 67 × 101 cm., 1988

Más sobre Wang Zheng Hua en "El Hurgador" / More about Wang Zheng Hua in this blog:

Aniversarios (CXXIV) [Mayo / May 15-21]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 15 de Mayo es el cumple de

Claude Lucien Jean Bouscau, escultor francés nacido en 1909 en Arcachón.
Fue descubierto por Maurice André, arquitecto jefe de los monumentos nacionales de vacaciones en Arcachón, a quien encontró durante una competición de esculturas de arena, que fue su primer material.
Estudió en la Ecole des Beaux-Arts de Burdeos. Fue alumno de Paul Niclausse en la Escuela Nacional de Artes Decorativas de París, donde obtuvo el Gran Premio en 1929. Recibió el Premio Chenavard en 1933. Posteriormente ingresó al estudio de Henri Bouchard en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes en París. Obtuvo el primer Premio de Roma de escultura en 1935.
Pensionado de la Academia de Francia en Roma (Villa Medici: Director Paul Landowski) de 1935 a 1939, regresó a Francia para sumarse al frente del Marne.

"Héraclès / Hércules", altura / high 310 cm.
Inaugurada el 22 de Agosto de 1948 / inaugurated Aug. 22, 1948
Monumento a la resistencia de Arcachon, muertos por Francia /
Monument to the resistance of Arcachon, died for France
Municipio de Arcachon, sudoeste de Francia / Municipality of Arcachon, Southwest France

La obra de Claude Bouscau es muy variada en cuanto a los temas (religiosos, vida civil, la maternidad, la infancia) y también por los modos de expresión (escultura en bulto redondo, bajorrelieves, grabado en madera, dibujo, grabado de cobre o estaño, medalla, pintura) y los materiales utilizados como soporte (piedra, mármol, yeso, bronce, cobre, estaño, papel).
Murió en 1985.


La estatua de Hércules, en el municipio de Arcachon, sudoeste de Francia, pasará a tener un pene desmontable que se colocará tan sólo en las ceremonias públicas, para contrarrestar la sistemática amputación, informó la prensa del país.
"No le deseo a nadie, ni siquiera a mis peores enemigos, lo que le ocurre a esta estatua. Es constante.", dijo el presidente de la cámara de Arcachon Yves Foulon, en declaraciones la Journal du Soud Ouest.
Un adjunto al alcalde comentó recientemente, en una reunión de los municipios, que "Hércules tiene una virilidad frágil", y reveló que el municipio optó por "una prótesis removible que será colocada en la estatua en cada ceremonia."
(...)
El propio escultor tuvo que rehacer dos veces el pene de la escultura, porque desde el principio, según el periódico, aparecía mutilado, una tradición que se mantuvo a lo largo de las décadas, creando la necesidad de implantar una prótesis.
"Es la mejor solución. En caso contrario, la anatomía de Hércules tendría que ser vigilada con gran atención", afirmó Martine Phelippot, a quien la alcaldía encargó preservar la estatua intacta.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Víktor Mijáilovich Vasnetsov (Ви́ктор Миха́йлович Васнецо́в) (pintor ruso / Russian painter)
Knud Larsen Bergslien (pintor, profesor de arte y Maestro artista noruego /
Norwegian painter, Art professor and Master artist)
Isidore Jules Bonheur (escultor francés / French sculptor)


El 16 de Mayo es el cumple de

Alfred Pellan, pintor canadiense nacido en la ciudad de Quebec en 1906. Desde los catorce años hasta su graduación en 1926, estudió en la Escuela de Bellas Artes de Quebec. Sus primeros lienzos, desde su primera visita a París, muestran una marcada tendencia fauvista.
En 1920 se inscribió en la Escuela de Bellas Artes de Quebec. Ganó primeros premios en los cursos avanzados y medallas en pintura, dibujo, escultura, bocetos, anatomía y publicidad. Vendió su primer cuadro a los 17 años a la Galería Nacional de Canadá en Ottawa.
En 1926 recibió la primera beca de artes plásticas en Quebec, lo que le permitió pasar varios años en París y visitar Venecia. Estudió en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París (1926-1930), donde recibió un primer premio de pintura en 1928 (estudio de Lucien Simon).
Volvió a Quebec en 1936 con la esperanza de ser nombrado profesor en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal, pero fue rechazado por el jurado que lo encontró demasiado "moderno". Con el estallido de la guerra regresó de nuevo a Quebec en 1940 y se instaló en Montreal. Las obras que trajo con él fueron elogiadas en exposiciones en Quebec y Montreal, pero sus trabajos cubistas y surrealistas se consideraron demasiado vanguardista y la mayoría no encontraron comprador. De 1943 a 1952 enseñó en la Escuela de Bellas Artes de Montreal.
Durante la década de 1940 ilustró libros de poemas, y diseñó trajes y decorados para teatro. Su estilo maduró y se desarrolló durante este período. El surrealismo comenzó a atraerle con más fuerza, su imaginería se hizo más erótica y sus pinturas, siempre vivas y sorprendentes, se hicieron más grandes, más complejas y con más texturas. Ya no creía en las escuelas de arte, y a principios de 1948 fue co-firmante de "Prisma de ojos", un manifiesto escrito por Jacques de Tonnancour abogando por la libertad de expresión en el arte, en nombre de un grupo que clamaba por el arte libre de cualquier ideología. Más tarde ese mismo año, se formó un grupo aún más radical, que produjo el manifiesto "Refus global".
Volvió a París hasta 1955. Durante esta estancia, el Museo Nacional de Arte Moderno de París presentó una exposición de 181 de sus obras, patrocinada por los gobiernos de Francia y Canadá. Pellan se convirtió en el primer canadiense que expuso en solitario en París.
Murió en 1988.

"Au Soleil Bleu / Sol azul / Blue Sun", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 208 x 168 x 2 cm., 1946. Musée des Beaux-Arts de Montréal (Québec, Canadá)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Tamara de Lempicka (pintora polaca / Polish painter)
Laura Wheeler Waring (artista y educadora afroamericana / African-American artist and educator)
Aleksandr Ivanovich Laktionov (Александр Иванович Лактионов) (pintor soviético / Soviet Union painter)
Svetlana Bobrova (artista rusa / Russian artist)


El 17 de Mayo es el cumple de

Martinus Cristiano Wesseltoft Rørbye, pintor danés nacido en 1803, conocido tanto por sus obras de género y como por sus paisajes. Fue una figura central de la Edad de Oro de la pintura danesa durante la primera mitad del siglo XIX.
Fue un gran viajero, recorriendo el norte de Noruega y Suecia, como por el sur de Italia, Grecia y Constantinopla. También fue el primer pintor danés que se fue a pintar a Skagen, en el norte de Jutlandia, casi medio siglo antes de que la próspera comunidad de pintores de Skagen se formara y llegara a la fama, con Michael Ancher, Ana Ancher y P. S. Krøyer.
Murió en 1848.

"Una logia de Procida / A loggia from Procida", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 37,8 × 55,4 cm., 1835
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Alfred Joseph Casson (pintor canadiense / Canadian painter)
Sergey Tyukanov (artista ruso / Russian artist)
Oisín (Austin) Kelly (escultor irlandés / Irish sculptor)
Naoto Hattori (pintor japonés / Japanese painter)


El 18 de Mayo es el cumple de

Janet Isobel Fish, artista realista estadounidense nacida en 1938. Pinta naturalezas muertas en las que la luz se refleja en superficies reflectantes, como envoltorios de plástico que contienen objetos sólidos y piezas de vidrio vacías o parcialmente llenas.
Ella dijo: "Yo vengo de una familia de artistas y siempre he hecho arte, y sabía que quería ser artista."
Fish rechazaba en gran parte el expresionismo abstracto avalado por sus instructores de Yale. Se sentía "totalmente desconectada" de él y en su lugar deseaba la "presencia física de los objetos", aunque algunos de sus principios muy generales, como las pinceladas suaves, audaces y fluidas, pueden haber influido en su obra figurativa. Su trabajo, aunque realista, puede incluir formas abstractas.

"Día gris / Grey Day", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 42" x 69 7/8", 1978
Eli and Edythe Broad Art Museum, Michigan State University (EE.UU. / USA)

En 1967 disfrutó de su primera exposición individual en Rutherford, en la Universidad Fairleigh Dickinson de Nueva Jersey. La exhibición incluyó pinturas detalladas de verduras y frutas. Su primera exposición en Nueva York llegó dos años después.
Fish es conocido por sus bodegones realistas, sobre todo por la forma en que pinta artículos de uso cotidiano, tales como vidrio claro parcialmente lleno de agua, concentrándose en las formas de los objetos y el juego de la luz sobre sus superficies.
Se interesa en pintar la luz y un concepto que utiliza a veces denominado "envase". Por ejemplo, si pinta un frasco de encurtidos, el frasco se convierte en un "envase", y esto se puede traducir en una búsqueda de la luz que describe el frasco, y una traducción posterior al color. Ella ha creado bodegones de productos de tiendas de comestibles envasados ​​en celofán. Ha dicho que la "envoltura de plástico capta la luz y crea reflejos fascinantes".

"Vasos de cerveza y brandy / Beer and Brandy Glasses", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 117 x 101,5 cm., 1975
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Isabel "Chabela" Villaseñor (escultora y pintora mexicana / Mexican sculptor and painter)
Alain Bonnefoit (pintor y escultor francés / French painter and sculptor)
Lim Hak Tai (林学大) (artista de Singapur / Singaporean artist)


El 19 de Mayo es el cumple de

Alfred Laliberté, escultor y pintor canadiense nacido en 1878, con sede en Montreal.
Comenzó a esculpir a los 15 años. Su trabajo llamó la atención del honorable Wilfrid Laurier quien le animó a entrar en el Consejo de Artes y Manufactura (CAM) en Montreal. Fue en gran parte gracias a la atención de Laurier que Laliberté obtuvo la aprobación de su padre para entrar en la CAM en 1896. En 1888 ganó el primer premio en la Exposición Provincial de la Ciudad de Québec por su escultura a tamaño natural de Laurier.
En 1902 entró en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. Mientras estuvo allí se hizo amigo de su compatriota, el pintor Marc-Aurèle de Foy Suzor-Coté. Volvió a Canadá en 1907, donde comenzó a producir obras que mostraban una marcada influencia del escultor Auguste Rodin.
Entre 1928 y 1932 produjo 215 pequeñas esculturas de bronce que representan leyendas, costumbres y actividades rurales de la historia pasada y presente de los pioneros de Canadá.
Su producción incluye más de 900 esculturas en bronce, mármol, madera y yeso. Muchas de sus esculturas representan figuras nacionales y eventos de Canadá y Francia como Louis Hebert, François-Xavier-Antoine Labelle, Adam Dollard des Ormeaux, y la Rebelión de la Baja Canadá. A pesar de que produjo también cientos de pinturas, se le recuerda principalmente por su trabajo como escultor.
Murió en 1953.

"Le ber / La cuna / The Cradle", yeso / plaster, altura / high: 132 cm., c.1916.
Musée des Beaux Arts (Montréal, Canadá)
Este trabajo se conservó hasta 1920 en la clase de dibujo del Consejo de las Artes y Manufacturas (CAM), donde Laliberté enseñó modelado. Representa a su madre y a él mismo, "siendo aún muy pequeño, y crecí a la sombra del bosque." A lo largo de su carrera, Laliberté pintó numerosos autorretratos, que reflejan su necesidad de introspección /
This work was preserved until 1920 in the class of drawing at the Council of Arts and Manufactures (CAM), where Laliberté taught modeling. It represents his mother and himself, "still very small, and grew up in the shadow of the forest." Throughout his career, Laliberté painted numerous self-portraits, which reflect his need for introspection.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Jacob Jordaens (pintor barroco flamenco / Flemish baroque painter)
Ion Jalea (escultor rumano / Romanian sculptor)
Victor Heinrich Seifert (escultor alemán / German sculptor)
Juan Ventanyol (pintor uruguayo / Uruguayan painter)
Pedro Blanes Viale (pintor uruguayo / Uruguayan painter)


El 20 de Mayo es el cumple de

Richard Erdman, artista estadounidense nacido en 1952.
Su familia se trasladó a Vermont cuando tenía cinco años. Es el nieto de Charles R. Erdman, Jr., ex alcalde de Princeton.

"Cascata", bronce / bronze, 126" x 105" x 90". Grand Rapids, Michigan, EE.UU / USA

El primer éxito de Erdman llegó con la instalación de la escultura monumental "Pasaje", en los jardines de esculturas Donald M. Kendall en Pepsico en Nueva York. Pasaje es la escultura más grande de travertino en el mundo que ha sido tallada en un solo bloque de piedra de cantera. La carrera de Erdman se inició en 1976 y su obra se encuentra en colecciones públicas y privadas de cuarenta países. Ejemplos notables de sus obras pueden verse en el Instituto de Artes de Minneapolis, la Universidad de Princeton y el Museo de Arte Contemporáneo Aldrich.

"Toulouse", bronce / bronze, 96" x 90" x 88"
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Aleksandr Deyneka (Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка)
(pintor, artista gráfico y escultor ruso / Russian painter, graphic artist and sculptor)
Johann Gottfried Schadow (escultor alemán / German sculptor)
Andreas Schlüter (escultor y arquitecto alemán / German sculptor and architect)


Hoy, 21 de Mayo, es el cumple de

Conrad Felixmüller, pintor expresionista y grabador alemán, nacido en Dresde como Conrad Felix Müller en 1897.
Asistió a clases de dibujo en la Escuela Dresden de Artes y Oficios de 1911 a 1912 antes de estudiar con Carl Bantzer en la Academia de Arte de Dresde. En 1917 realizó el servicio militar como asistente médico y se convirtió en un miembro fundador del grupo expresionista Expressionistische Arbeitsgemeinschaft Dresde. Logró su primer éxito como grabador. Felixmüller fue miembro del Partido Comunista de Alemania de 1918 a 1922. Publicó numerosos grabados en madera y dibujos en la revista de izquierdas, y siguió siendo un grabador prolífico durante toda su carrera.

"Frühlingsabend in / Noche de primavera en / Spring Night in Klotzsche", 1926. Repro: Kreis Unna

Fue uno de los miembros más jóvenes del movimiento de la Nueva Objetividad. Sus pinturas a menudo trataban las realidades sociales de la República de Weimar. Felixmüller fue un mentor para el expresionista alemán Otto Dix.
Su obra se volvió más objetiva y contenida después de mediados de 1920.
En la década de 1930 muchas de sus obras fueron requisadas por los nazis como arte degenerado y fueron destruidas. En 1944 su estudio en Berlín fue bombardeado, lo que resultó en más pérdidas de sus obras. De 1949 a 1962 enseñó en la Universidad de Halle.
Murió en el suburbio berlinés de Zehlendorf en 1977.

"Der Agitator / El agitador / The Agitator", 1944. Neue Nationalgalerie (Berlín, Alemania / Germany)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Albrecht Dürer (Alberto Durero) (artista alemán / German artist)
Henri Julien Félix Rousseau (pintor francés / French painter)
Emilio Boggio (pintor italo-venezolano / Italian-Venezuelan painter)


Textos en inglés / English translation

On May 15 is the birthday of

Claude Lucien Jean Bouscau, French sculptor born in 1909 in Arcachon.
He was discovered by Maurice André, chief architect of national monuments who was on holidays at Arcachon. They met during a sand sculpture competition, which was the first material used by Bouscau.
He studied at the Ecole des Beaux-Arts in Bordeaux. He was a student of Paul Niclausse at the National School of Decorative Arts in Paris, where he won the Grand Prize in 1929. He received the Chenavard Prize in 1933. Later he entered the studio of Henri Bouchard in the Superior National Fine Arts School in Paris. He won first Prize of Rome of sculpture in 1935.
Pensioned at the Academy of France in Rome (Villa Medici Director Paul Landowski) from 1935 to 1939, returned to France to join the front of the Marne.
The work of Claude Bouscau is varied in terms of themes (religious, civil life, maternity, childhood) and also by expressive media (sculpture in the round, bas-reliefs, woodcut, drawing, copper or tin engraving, medal, paint) and support materials used (stone, marble, plaster, bronze, copper, tin, paper).
He died in 1985.

On May 16 is the birthday of

Alfred Pellan, Canadian painter born in Quebec City in 1906. From the age of fourteen until his graduation in 1926 he studied at the École des Beaux-Arts de Québec. His early canvases, from his first visit to Paris, show a marked fauvist tendency.
In 1920, Pellan enrolled at the School of Fine Arts of Quebec. He won first prizes in advanced courses and earned medals in painting, drawing, sculpture, sketching, anatomy and advertising. He sold his first painting at the age of 17 to the National Gallery of Canada in Ottawa.
In 1926 Pellan received the first fine arts scholarship in Quebec, which allowed him to spend several years in Paris and visit Venice. He studied at the École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris (1926–1930), where he received a first prize in painting in 1928 (Lucien Simon's studio).
Returning to Quebec in 1936 hoping to be appointed professor at the École des Beaux-Arts in his hometown, he was rejected by the jury, who found him too "modern". With the outbreak of war he again returned to Quebec in 1940 and settled in Montreal. Works he brought back with him were praised in exhibitions in Quebec and Montreal but the cubist and surrealist works were considered too avant-garde and most did not find a buyer. From 1943 to 1952 he taught at the École des Beaux-Arts in Montreal. 
During the 1940s, Pellan illustrated poetry books and designed costumes and sets for the theatre. His style matured and developed during this period. Surrealism began to attract him more strongly: his imagery became more erotic and his paintings, always vivid and striking, became larger, more complex and more textured. No longer believing in art schools, in early 1948 he co-signed Prism of Eyes, a manifesto written by Jacques de Tonnancour advocating freedom of expression in art, speaking for a group that called for art free of any ideology. Later that year, an even more radical group was formed, which produced the manifesto Refus Global.
He returned to Paris until 1955. During this stay, the National Museum of Modern Art in Paris presented an exhibition of 181 of his works, sponsored by the governments of France and Canada. Pellan became the first Canadian to have such a solo exhibition in Paris.
He died in 1988.

On May 17 is the birthday of

Martinus Christian Wesseltoft Rørbye, Danish painter born in 1803, known both for genre works and landscapes. He was a central figure of the Golden Age of Danish painting during the first half of the 19th century.
The most traveled of the Danish Golden Age painters, he traveled both north to Norway and Sweden and south to Italy, Greece and Constantinople. He was also the first Danish painter to take to painting in Skagen at the northern top of Jutland, almost half a century before the thriving community of Skagen Painters formed and came to fame, through Michael Ancher, Anna Ancher and P.S. Krøyer.
He died in 1848.

On May 18 is the birthday of

Janet Isobel Fish, American realist artist born in 1938. She paints still life paintings, some of light bouncing off reflective surfaces, such as plastic wrap containing solid objects and empty or partially filled glassware.
She said, "I came from a family of artists, and I always made art and knew I wanted to be an artist."
Fish largely rejected the Abstract Expressionism endorsed by her Yale instructors, feeling "totally disconnected" from it and desiring instead the "physical presence of objects"; but some of its very general principles, such as the boldness and smooth, flowing brushstrokes, may have influenced her figurative work. Her work, although Realist, may include abstract forms.
In 1967 she enjoyed her first solo show, at Rutherford, New Jersey's Fairleigh Dickinson University. The exhibit included detailed paintings of vegetables and fruits. Her first New York exhibition followed two years after.
Fish is known for her large, bold Realist still lifes, especially the way she paints everyday items such as clear glassware partially filled with water, concentrating on the shapes of the objects and the play of light off of their surfaces.
She is interested in painting light and a concept she has on occasion called "packaging." For instance, if she paints a jar of pickles, the jar becomes "packaging," and this can translate into a searching for the light that describes the jar, and a subsequent translation into color. She created still life paintings of grocery store products packaged in cellophane. She said that the "plastic wrap catches the light and creates fascinating reflections".

On May 19 is the birthday of

Alfred Laliberté, Canadian sculptor and painter born in 1878, based in Montreal.
He began sculpting as a hobby at the age of 15. His work drew the attention of the Honourable Wilfrid Laurier who encouraged him to enter the Conseil des arts et manufactures (CAM) in Montreal. It was largely through Laurier's attention that Laliberté earned his father's approval to enter the CAM in 1896. In 1888 he won first prize at the Québec City Provincial Exhibition for his life size sculpture of Laurier.
In 1902 Laliberté entered the École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris. While there he became friends with his compatriot, the painter Marc-Aurèle de Foy Suzor-Coté. He returned to Canada in 1907 where he began producing works that showed a marked influence of the sculptor Auguste Rodin.
Between 1928 and 1932 he produced 215 small bronze sculptures depicting legends, customs and rural activities of the past and present history of the pioneers of Canada.
His output includes more than 900 sculptures in bronze, marble, wood, and plaster. Many of his sculptures depict national figures and events in Canada and France such as Louis Hebert, François-Xavier-Antoine Labelle, Adam Dollard des Ormeaux, and the Lower Canada Rebellion. Although he produced hundreds of paintings as well, he is chiefly remembered for his work as a sculptor.
He died in 1953.

On May 20 is the birthday of

Richard Erdman, American artist born in 1952.
His family moved to Vermont when he was five. He is the grandson of Charles R. Erdman, Jr., former mayor of Princeton.
Erdman's first real success came with the installation of the monumental sculpture, Passage, in the Donald M. Kendall Sculpture Gardens at Pepsico in New York. Passage is the largest travertine sculpture in the world to have been carved from a single quarried block of stone. Erdman's career began in 1976 and his work can be found in public and private collections in forty countries. Notable examples include Minneapolis Institute of Art, Princeton University, Aldrich Contemporary Art Museum.

Today, May 21, is the birthday of

Conrad Felixmüller, German expressionist painter and printmaker, born in Dresden as Conrad Felix Müller in 1897.
He attended drawing classes at the Dresden School of Arts and Crafts in 1911–12 before studying under Carl Bantzer at the Dresden Academy of Art. In 1917 he performed military service as a medical orderly, and became a founding member of the Dresden Expressionist group Expressionistische Arbeitsgemeinschaft Dresden. He achieved his earliest success as a printmaker. Felixmüller was a member of the Communist Party of Germany from 1918 to 1922. He published many woodcuts and drawings in left-wing magazines, and remained a prolific printmaker throughout his career.
He was one of the youngest members of the New Objectivity movement. His paintings often deal with the social realities of Germany's Weimar Republic. He was mentor to the German Expressionist Otto Dix.
Felixmüller's work became more objective and restrained after the mid-1920s.
In the 1930s, many of his works were seized as degenerate art by the Nazis, and destroyed. In 1944, his studio in Berlin was bombed, resulting in more losses of his works. From 1949 to 1962 Felixmüller taught at the University of Halle.
He died in the Berlin suburb of Zehlendorf in 1977.

Aniversarios Fotografía (CXXIV) [Mayo / May 16-22]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 16 de Mayo es el cumple de

Maria Friberg, artista sueca nacida en 1966 en Malmö, conocida por sus obras en torno a temas del poder, la masculinidad y la relación del hombre con la naturaleza. Sus imágenes presentan cuadros ambiguos, con figuras aisladas en situaciones provocativas.
Estudió Historia del Arte en la Universidad de Gotemburgo en 1986. Luego asistió a Bild & Form, Lunnevad, Suecia, en 1987, la escuela de arte nórdico, Kokkola, Finlandia en 1988, el Colegio Real Universidad de Bellas Artes, Estocolmo, desde 1989-1995, con un paso por Myndlista og Handidaskoli, Reykjavik, Islandia en 1992.

"Naturalezas muertas Nº 3 / Still lives #3", 2004

Una pared repleta de libros antiguos, apilados ordenadamente uno encima de otro. En el centro un cuerpo cuidadosamente colocado entre los libros, su cara vuelta a la pared. El hombre parece estar durmiendo tranquilamente, completamente a gusto, como si este hubiese sido siempre su lugar. Sólo el leve sombra que arrojan los libros en todo el contorno de su cuerpo interrumpe el orden de la imagen, que destaca de inmediato por su belleza y lirismo, pero también porque es muy extraña, y crea una notable sensación de alienación. En esta nueva serie de fotografías, simbólicamente titulada "Naturaleza muerta", Maria Friberg, mediante la utilización de una estrategia habitual en su arte, presenta situaciones paradójicas con extrema simplicidad y levedad, lo que provoca que reconsideremos nuestra percepción de la imagen que estamos contemplando.

A wall engulfed in antiquarian books, piled tidily on top of each other. In the centre a body carefully placed in between the books, its face turned to the wall. The man appears to be sleeping peacefully, completely at ease, as if this had always been his place. Only the slight shadow that the books throw around the outline of his body interrupt the orderliness of the image. It is an image which immediately stands out through its beauty and lyricism but which also, because it is so bizarre, creates a remarkable sense of alienation. In this new series of photographs, symbolically entitled ‘still lives’, Maria Friberg, through employing a strategy customary in her art, presents paradoxical situations with extreme simplicity and levity, thus causing us to reconsider our perception of the image we are gazing upon.

Los primeros trabajos de Friberg fueron presentados en una exposición colectiva titulada "Invasión" en Millesgården, Estocolmo en 1993. Durante los próximos años, Friberg siguió participando en exposiciones colectivas y algunas individuales, principalmente en Estocolmo. Su primera muestra individual fue en 1994, y recibió su primer encargo público en 1996.
Después de más de una docena de exposiciones individuales en la década de 2000, el trabajo de Friberg ha incorporado más recientemente pintura, fotografía y videografía. Su obra se ha vendido en muchos países y exhibido en el Reino Unido, Francia y los EE.UU.

"Días de ojos / Days of Eyes", 2014

Días de Ojos fue fotografiado en el jardín botánico en Uppsala, Suecia. Las imágenes muestran figuras de pie contra los árboles de los que cuelgan enredaderas tropicales. Entre las enredaderas, pesados cables negros se funden con la vegetación existente. Dependemos de cables para transferir palabras e imágenes, que nos conectan a través de la tecnología. La tecnología ha ampliado nuestras capacidades innatas proporcionándonos herramientas que amplían nuestras capacidades de memoria y procesamiento. Aquí las imágenes de Friberg plantean la pregunta: ¿Estamos utilizando la tecnología para ayudar en nuestra evolución? ¿Nos estamos separando aún más del mundo natural en favor de uno virtual? ¿Hay repercusiones y si es así cuáles podrían ser?

Days of Eyes was photographed at the Botanical Garden in Uppsala, Sweden. The images depict figures standing against trees hung with tropical vines. Amongst the vines heavy black cables merge with the existing plant life. We depend on cables to transfer words and images, connecting us via technology. Technology has extended our innate abilities providing us with tools that expand our memory and processing capabilities. Here Friberg’s images pose the question: Are we using technology to assist in our evolution? Are we separating ourselves further from the natural world in favor of a virtual one? Are there repercussions and if so what might they be?
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Juan Rulfo (escritor, guionista y fotógrafo mexicano / Mexican screenwriter and photographer)
Eric Bouvet (fotógrafo francés / French photographer)


El 17 de Mayo es el cumple de

Robinson Savary, director de cine, guionista y fotógrafo francés nacido en 1969 en París. Es conocido por su aclamado debut en el cine con el largometraje Bye Bye Blackbird y su serie fotográfica "Los raros". En la actualidad vive en Francia.
Estudió filosofía en la Sorbona. Recientemente ha vivido en Buenos Aires, Argentina, donde desarrolló aún más como artista, antes de regresar a París.

"Los raros / The Rare" (2009 - 2011)

Su carrera profesional comenzó con la producción de "A suivre" (1988) un corto con Michael Lonsdale. En 2005 dirigió su primer largometraje, Bye Bye Blackbird, un cuento oscuro escrito por Arif Ali-Shah que ganó Mejor Fotografía, el Premio del Público y el Premio FIPRESCI en el Festival de Cine de Taormina en 2005. La película fue a numerosos prominentes festivales internacionales como el Festival de Cine Británico de Dinard y el Festival Internacional de Cine de Tokio. Aclamado por el director alemán Wim Wenders, la película fue estrenada en cines en Francia y en Alemania.
Como fotógrafo especializado en retratos, Robinson Savary ha publicado dos series. La primera de ellas titulada "The Originals", lanzada en 2001, dio vida a los personajes de Bye Bye Blackbird. La segunda, "Los raros" (2009 - 2011) revela la intimidad de los travestis Buenos Aires, y fue exhibida en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires, y en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Argentina).

"Los raros / The Rare" (2009 - 2011)

"Los raros" son 21 retratos hechos de noche en el estudio donde vivo y trabajo en Buenos Aires desde hace más de tres años. Los modelos fueron elegidos dentro de la comunidad transgenero del Bosque de Palermo, la zona roja más prestigiosa de Buenos Aires. Cada sesión de fotos fue un encuentro cara a cara. Quise capturar esas personas exactamente como las veía en el Bosque, usando nada más que las luces artificiales y la intimidad de mi estudio."

"The Rare" are 21 portraits done at night in the studio where I live and work in Buenos Aires for more than three years. The models were chosen within the transgendered community in the Palermo Forest, the most prestigious red zone of Buenos Aires. Each photo session was a face to face meeting. I wanted to capture those people exactly as seen in the Forest, using nothing more than artificial lights and the privacy of my studio. "
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Dennis Lee Hopper (actor, cineasta, fotógrafo y artista estadounidense / 
American actor, filmmaker and photographer)
Hans Arvid Hammarskiöld (fotógrafo sueco / Swedish photographer)


El 18 de Mayo es el cumple de

Mathew B. Brady, uno de los primeros fotógrafos estadounidenses nacido en 1822, conocido por sus escenas de la Guerra Civil.
Estudió con el inventor Samuel Morse F. B., que fue pionero en la técnica del daguerrotipo en América. Brady abrió su propio estudio en Nueva York en 1844, y fotografió a Andrew Jackson y John Quincy Adams, entre otras celebridades.

"Soldado de la Unión en el Arsenal US / Union soldier at US Arsenal", Washington DC, 1862.

Cuando comenzó la Guerra Civil, utilizó un estudio móvil con cuarto oscuro que le permitieron obtener vívidas fotografías del campo de batalla, llevando la realidad de la guerra a las casas de la gente. Miles de escenas de guerra fueron captadas, así como retratos de los generales y políticos de ambos lados del conflicto, aunque la mayoría de las tomas fueron realizadas por sus ayudantes, en lugar de el propio Brady.
Después de la guerra estas imágenes pasaron de moda, y el gobierno no compró las copias maestras como había anticipado. La fortuna de Brady se redujo drásticamente, y murió endeudado en 1896.

Las ruinas de un gran taller de locomotoras en Atlanta, Georgia, después de la Campaña de Atlanta en el verano de 1864. Después haber capturado la ciudad, el Mayor General de la Unión William T. Sherman comenzó su marcha hacia el mar, tomando finalmente el puerto de Savannah, el 21 de diciembre /
The ruins of an extensively damaged Roundhouse in Atlanta, Georgia after the Atlanta Campaign in the summer of 1864. After Union Maj. Gen. William T. Sherman captured the city, he began his destructive March to the Sea, finally taking the port of Savannah on December 21.
(Mathew Brady/NARA)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Martin Munkácsi (Mermelstein Márton) (fotógrafo húngaro / Hungarian photographer)
Gertrude Käsebier (fotógrafa estadounidense / American photographer)


El 19 de Mayo es el cumple de

John Felix Vachon, fotógrafo estadounidense nacido en 1914. Trabajó de mensajero asistente en la Farm Security Administration antes de que Roy Stryker lo reclutara para unirse a un pequeño grupo de fotógrafos que incluía a Ester Bubley, Marjory Collins, Mary Post Wolcott, Jack Delano, Arthur Rothstein, Walker Evans, Russell Lee, Gordon Parks, Charlotte Brooks, Carl Mydans, Dorothea Lange y Ben Shahn, que fueron empleados para dar a conocer las condiciones de la población rural pobre de América.
Vachon no tenía ninguna intención de convertirse en un fotógrafo cuando tomó su puesto en la FSA en 1936, pero a medida que aumentaron sus responsabilidades manteniendo el archivo fotográfico, su interés por la fotografía creció.

"Niños que viven en los suburbios / Children who Live in the Slums", Dubuque, Iowa, abril / April, 1940. 
John Vachon para la / for Farm Security Administration

En 1937 Vachon había mirado lo suficiente como para querer hacer fotografías a sí mismo, y con el asesoramiento de Ben Shahn probó con una Leica en y alrededor de Washington. Sus fotografías de fin de semana de "todo en el valle del río Potomac" fueron claramente la obra de un principiante, pero Stryker le prestó equipo y le animó a que lo tuviera consigo. Vachon recibó ayuda también a Walker Evans, que insistió en que dominara la cámara de visor, y Arthur Rothstein, quien lo llevó a cumplir un encargo fotográfico de las montañas de Virginia. En octubre y noviembre de 1938, Vachon viajó a Nebraska en su primer largo viaje en solitario. Fotografió programas agrícolas, en nombre de la oficina regional de la FSA y también una asignación adicional de Stryker: la ciudad de Omaha.
El sello distintivo de este estilo de fotografía es la imagen de lugares y gente de las calle, sin los adornos y artificios de embellecimiento utilizados para los calendarios y por los fotógrafos de relaciones públicas.
Murió en 1975.

"Chico afroamericano / African-American boy", Cincinnati, Ohio, 1942-1943
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Bert Hardy (fotógrafo documentalista y de prensa británico / British press and documentary photographer)
Chargesheimer (Carl Heinz Hargesheimer) (fotógrafo alemán / German photographer)


El 20 de Mayo es el cumple de

la primera fotografía tomada por el Telescopio Espacial Hubble (HST)
Fue lanzado hacia una órbita baja de la Tierra en 1990, y aún está activo. Aunque no fue el primer telescopio espacial, es uno de los mayores y más versátiles, y es bien conocido tanto como vital herramienta de investigación, como por su cartel de relaciones públicas de la astronomía. El HST recibe su nombre del astrónomo Erwin Hubble, y es uno de los grandes observatorios de la NASA, junto con el Observatorio de Rayos Gamma Compton, el de Rayos X Chandra y el Telescopio Espacial Spitzer.
26 días después de su lanzamiento -el 20 de mayo de 1990- se produjo un hecho sin precedentes en la historia de la Astronomía: el Hubble envió su primera imagen.
En la imagen que encabeza este post se puede ver una comparativa en cuanto a nitidez de un telescopio de características similares al Hubble como es el telescopio Irénée du Pont (2.5 metros) del Obsevatorio de Las Campanas (Chile).
El objeto de esta primera captura de pantalla cósmica fue el sistema de estrellas binario HD96755 en el cúmulo abierto NGC 3532, a unos 1.300 años luz de distancia. HD96755 es el objeto vagamente parecido a un muñeco de nieve en la parte superior de la imagen; el otro más pequeño, por debajo y a la derecha, era un espectador estelar que simplemente foto-bombardeó la imagen. La NASA ha publicado la imagen junto con una segunda, arriba a la izquierda, tomada de los mismos objetos por un telescopio basado en tierra en el desierto de Atacama, en Chile, para demostrar que el Hubble, de 2.500 millones de dólares podría hacer un mejor trabajo.

Imagen desde tierra / Ground Image: E. Persson (Las Campanas Observatory, Chile) / Observatories of the Carnegie Institution of Washington
Imagen del Hubble / Hubble Image: NASA, ESA, and STScI
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Astrid Kirchherr (fotógrafa y artista alemana / German photographer and artist)
David Octavius ​​Hill (pintor y activista de las artes escocés / Scottish artist activist and painter)


El 21 de Mayo es el cumple de

Pavel Kassin, fotoperiodista y fotógrafo independiente ruso nacido en 1964 que vive y trabaja en Moscú.
Es también autor del curso de fotografía para la Escuela Superior de televisión 'MGU'.
Pavel lleva ya más de 25 años trabajando como fotoperiodista político. Desde 1988 ha cubierto todos los principales acontecimientos políticos para periódicos rusos y occidentales ("Der Spiegel", "Le Monde", "Stern", "Toronto Star", "Kommersant", "Moscow News", "Political Class")

"Orenburg, Sur de los Urales / Southern Urals", 1988

De 1990 a 2008, fue el acreditado foto-reportero en Rusia para el semanario "Der Spiegel".
También trabajó como fotógrafo de guerra en los puntos calientes de la antigua URSS y la Rusia actual: los Eventos de Osh (Valle de Fergana); El conflicto entre Armenia y Azerbaiyán / Sumgait, Bakú, Karabaj; conflictos de Abjasia-Georgia y Osetia; empresas chechenas; Kosovo (Balcanes), Afganistán, eventos de Abjasia, ataques terroristas en Budennovsk, Pervomaisk, Beslán y Moscú.

"Evacuación tras un escape en una usina de gas, área de Orenburg, Pueblo de Muzhichja Pavlovka /
Evacuation after failure at a gas factory, The Orenburg area, Village Muzhichja Pavlovka, 1988

Más sobre Pavel Kassin en "El Hurgador" / More about Pavel Kassin in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Harold Mortimer-Lamb (fotógrafo, pintor, crítico de arte e ingeniero de minas canadiense / 
Canadian photographer, painter, art critic and mine engineer)
Berlyn B. Brixner (fotógrafo estadounidense / American photographer)


Hoy, 22 de Mayo, es el cumple de

Agustí Centelles Ossó, fotógrafo español nacido en Valencia en 1909, que esarrolló la totalidad de su carrera profesional en Barcelona.

"Guardia de asalto / Assault Guard (Mario Vitini)", Barcelona, Jul, 19. 1936

Es considerado uno de los pioneros del fotoperiodismo moderno en Europa. Algunas de sus fotografías están entre las más representativas y famosas de la Guerra Civil, tanto de la retaguardia en Barcelona, los bombardeos de Lérida, el frente de Aragón o la estancia a los campos de concentración de exiliados españoles en el sureste de Francia. Ha sido frecuentemente comparado con Robert Capa.
Murió en 1985.

Los guardias de asalto defienden las instalaciones de la Cía Telefónica en la Plaça de Catalunya / 
Assault guards defend facilities of Telephone Co. in Plaça de Catalunya
LIFE, Jul., 1936
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Manuel Vilariño (artista y poeta español / Spanish artist and poet)
Kurt Stellaert (fotógrafo belga / Belgian photographer)


Textos en inglés / English translation

On May 16 is the birthday of

Maria Friberg, Swedish artist born in 1966 in Malmö, known for her works revolving around themes of power, masculinity and man's relationship to nature. Her images depict ambiguous tableaus with isolated figures in provocative situations.
She studied art history at Gothenburg University in 1986. She then attended Bild & Form, Lunnevad, Sweden in 1987, Nordic Art School, Kokkola, Finland in 1988, Royal University College of Fine Arts, Stockholm from 1989-1995 with a break to Myndlista og Handidaskoli, Reykjavik, Iceland in 1992.
Friberg's earliest work was featured in a group exhibition titled Invasion in Millesgården, Stockholm in 1993. For the next several years, Friberg continued to participate in group exhibitions and a few solo exhibitions, mainly in Stockholm. Her first solo exhibition was in 1994, and she received her first public commission in 1996.
After more than a dozen solo exhibitions in the 2000s, Friberg's work has more recently incorporated painting, photography, and videography. Her work has been sold in many countries and exhibited in the U.K., France, and the U.S.

On May 17 is the birthday of

Robinson Savary, French Film director, screenwriter, and photographer born in 1969 in Paris. He is best known for his acclaimed debut full length film Bye Bye Blackbird and his photography series, "Los Raros". He is currently living in France.
He studied philosophy at La Sorbonne. He recently lived in Buenos Aires, Argentina where he further developed as an artist, before returning to Paris.
His professional career begun with the production of "A suivre" (1988) a short film featuring Michael Lonsdale. In 2005, Robinson Savary directed his debut feature film, Bye Bye Blackbird, a dark fairy tale written by Arif Ali-Shah that won Best Photography, Audience Prize and the FIPRESCI Award at the Taormina Film Festival in 2005. The film went to numerous prominent International film festivals such as the Dinard British Film Festival and the Tokyo International Film Festival. Acclaimed by German director, Wim Wenders, the film was released theatrically in France and in Germany.
As a photographer specializing in portraits, Robinson Savary has released two series. The first one, titled "The Originals", released in 2001 gave life to the characters of Bye Bye Blackbird. The second one, untitled "Los Raros" (2009 - 2011) revealed the intimacy of Buenos Aires transvestites, and was exhibited at the Centro Cultural Borges of Buenos Aires, and at the Museum of Contemporary Art of Rosario (Argentina).

On May 18 is the birthday of

Mathew B. Brady, one of the first American photographers born in 1822, best known for his scenes of the Civil War.
He studied under inventor Samuel F. B. Morse, who pioneered the daguerreotype technique in America. Brady opened his own studio in New York in 1844, and photographed Andrew Jackson and John Quincy Adams, among other celebrities. When the Civil War started, his use of a mobile studio and darkroom enabled vivid battlefield photographs that brought home the reality of war to the public. Thousands of war scenes were captured, as well as portraits of generals and politicians on both sides of the conflict, though most of these were taken by his assistants, rather than by Brady himself.
After the war, these pictures went out of fashion, and the government did not purchase the master-copies, as he had anticipated. Brady’s fortunes declined sharply, and he died in debt in 1896.

On May 19 is the birthday of

John Felix Vachon, American photographer born in 1914. He worked as a filing clerk for the Farm Security Administration before Roy Stryker recruited him to join a small group of photographers, including Esther Bubley, Marjory Collins, Mary Post Wolcott, Jack Delano, Arthur Rothstein, Walker Evans, Russell Lee, Gordon Parks, Charlotte Brooks, Carl Mydans, Dorothea Lange and Ben Shahn, who were employed to publicize the conditions of the rural poor in America.
Vachon had no intention of becoming a photographer when he took the position at the FSA in 1936, but as his responsibilities increased for maintaining the photographic file, his interest in photography grew.
By 1937 Vachon had looked enough to want to make photographs himself, and with advice from Ben Shahn he tried out a Leica in and around Washington. His weekend photographs of "everything in the Potomac River valley" were clearly the work of a beginner, but Stryker lent him equipment and encouraged him to keep at it. Vachon received help as well from Walker Evans, who insisted that he master the view camera, and Arthur Rothstein, who took him along on a photographic assignment to the mountains of Virginia. In October and November 1938, Vachon traveled to Nebraska on his first extensive solo trip. He photographed agricultural programs on behalf of the FSA's regional office and pursued an extra assignment from Stryker: the city of Omaha.
The hallmark of this style of photography is the portrayal of people and places encountered on the street, unembellished by the beautifying contrivances used by calendar and public relations photographers.
He died in 1975.

On May 20 is the birthday of

the first image taken by the Hubble Space Telescope (HST).
It was launched into low Earth orbit in 1990, and remains in operation. Although not the first space telescope, Hubble is one of the largest and most versatile, and is well known as both a vital research tool and a public relations boon for astronomy. The HST is named after the astronomer Edwin Hubble, and is one of NASA's Great Observatories, along with the Compton Gamma Ray Observatory, the Chandra X-ray Observatory, and the Spitzer Space Telescope.
26 days after the launch, on May 20, 1990, took place an unprecedent fact in Astronomy history: the Hubble sent its first image.
In the picture of this post you can see a comparison in terms of sharpness of the same image taken with a similar telescope ground-based, the Irenee du Pont (2,5 m.), Las Campanas Observatory (Chile)
The subject of this first-ever cosmic screen grab was the binary star HD96755 in the open cluster NGC 3532, about 1,300 light years away. HD96755 is the vaguely snowman-shaped object at the top of the image; the smaller one, below it and to the right, was a stellar bystander that simply photo-bombed the image. NASA released the picture along with a second one, top left, taken of the same objects by a ground-based telescope in Chile’s Atacama Desert, to show that the $2.5 billion Hubble could do a better job.

On May 21 is the birthday of

Pavel Kassin, Russian independant photo reporter and photographer born in 1964 who lives and works in Moscow. 
He's also the author of the photography course for the superior school of television 'MGU'.
Pavel has already worked more than 25 years as a political photo journalist. Since 1988, he covered all the major political events for the Russian and western newspapers ("Der Spiegel", "Le Monde", "Stern", "Toronto Star", "Kommersant", "Moscow news", "Political class")
From 1990 to 2008, he was the accredited photo-reporter in Russia for the weekly newspaper "Der Spiegel".
He also worked as war photographer on the hot spots of the former USSR and actual Russia: "Osh events" (Ferghana Valley); The Armenian-Azerbaijani conflict / Sumgait, Baku, Karabakh; Georgian-Abkhazian and Ossetian conflicts; Chechen companies; Kosovo (Balkans), Afghanistan, Abkhazian events, terrorist attacks in Budennovsk, Pervomaisk, Beslan and Moscow.

Today, May 22, is the birthday of

Agustí Centelles Ossó, Spanish photographer born in Valencia in 1909. He developed his entire professional career in Barcelona.
He is considered one of the pioneers of modern photojournalism in Europe. Some of his photographs are among the most representative and famous of the Civil War, both the rear in Barcelona, the bombing of Lerida, the Aragon front or stay to the concentration camps of Spanish exiles in southeastern France. It has often been compared to Robert Capa.
He died in 1985.

Sucedió en el museo... (IV) / It Happened at the Museum... (IV)

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Continúo con esta serie dedicada al arte relacionado con museos y galerías, pero no las obras que se exponen, sino aquellos trabajos en los que el lugar, trabajadores, visitantes y lo que allí sucede son el motivo principal, ya sea a través de pinturas, grabados, performances, pero especialmente fotografías.
Como siempre, un post anexo en el que repaso los trabajos y artistas cuya obra se muestra en estos espacios, proporcionando imágenes e información adicional. Números de referencia en cada imagen.

I continue with this series devoted to share with you art related to museums and galleries, but not for the works exposed, but those in which the place, workers, visitors, and what happens there are the main theme, either through paintings, engravings, performances, but mainly photographs.
As always, an annex post with a review of works and artists in these spaces, with images and additional information. Reference numbers in each image.
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Elliott Erwitt


Elliott Erwitt fue un fotógrafo publicitario y documental francés nacido en 1928, conocido por sus cándidas imágenes en blanco y negro de situaciones absurdas o irónicas en entornos cotidianos; un maestro en el "momento decisivo" de Cartier-Bresson, quien ya ha visitado el blog en más de una oportunidad (enlaces más abajo).
Aquí les ofrezco una selección de sus fotografías en museos, casi todas ellas con su punto de humor y ese sentido de la oportunidad que le es tan característico.

Palacio de Versalles / The Castle of Versailles, Francia / France, 1975

Musée de l’Orangerie, París, Francia / France, 1998 (1)

Musée Rodin, París, Francia / France, 1998

«Para quien escribe tienen una especial sugestión las dedicadas a los museos y galerías de arte, en las que Erwitt juega a mostrar la invisibilidad de lo artístico en esos recintos o las contradictorias decisiones de los visitantes; así en el Museo del Prado una solitaria mujer, a la que vemos de espaldas, contempla la maja vestida de Goya, mientras a su lado se agolpan varios hombres delante de la maja desnuda, así, también, varios espectadores observan detenidamente y en grupo la cartela que anuncia el préstamo de una obra, mientras declinan mirar el cuadro justo al lado.»
El Cultural, Mariano Navarro, 17/07/2002

Izq./ Left: Tate Gallery, Londres, Reino Unido / London, UK, Escultura de / Sculpture by Rodin, 1998 (2)
Der./ Right: Grecia / Greece, 1963

The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE.UU./ New York, USA, 1988 (3)

The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE.UU./ New York, USA, 1949 (4)

"Personal", 1966

Museo Reina Sofía, Madrid, España / Spain, 1955 (5)

Museo del Prado, Madrid, España / Spain, 1995 (6)

Musée du Louvre, París, Francia / France, 1998 (7)

Elliott Erwitt was a French advertising and documentary photographer born in 1928, known for his black and white candid shots of ironic and absurd situations within everyday settings— a master of Henri Cartier-Bresson's "decisive moment", who has visited the blog more than once (links below)
Here you have a selection of his photographs at museums, almost all of them with its touch of humour and that timing of Erwitt.

Musée du Louvre, París, Francia / France, 1975 (8)

Musée du Louvre, París, Francia / France, 1991 (9)

Roma, Italia / Rome, Italy, 1998

Roma, Italia / Rome, Italy, 1955 (10)

«I find particularly suggestive those dedicated to museums and art galleries, where Erwitt plays to show the invisibility of the artistic in those places, or inconsistent decisions by visitors. At the Museo del Prado a lonely woman, whom we see her back, contemplates Clothed Maja by Goya, while beside her, several men crowd in front of the Nude Maja. Also several spectators carefully watching the cartouche announcing the loan of a work, while declining to look at the picture beside.»
El Cultural, Mariano Navarro, 17/07/2002

Ciudad del Vaticano, Italia / Vatican City, Italy, 1993

Museo de la Acrópolis, Atenas / Acropolis Museum, Athens, 1963

Museo de la Acrópolis, Atenas / Acropolis Museum, Athens, 1963 (11)

Más sobre Erwitt en "El Hurgador" / More about Erwitt in this blog:
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Museo Arqueológico (Atenas, Grecia) / Archeological Museum (Athens, Greece) (11)
 Foto / Photo: Javier Fuentes
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Martine Franck


Martine Franck fue una reconocida fotógrafa documental y retratista belga nacida en 1938. Fue miembro de la agencia Magnum durante 32 años. Franck fue la segunda esposa de Henri Cartier-Bresson, y cofundadora y presidenta de la fundación que lleva el nombre del artista.
También presenté a Martine en el blog hace un par de años. Aquí algunas de sus fotografías en museos.

Musée Louvre, París, Francia / France, Galería táctil / Tactile Gallery, 2007

Grand Palais, Paris, Francia / France
"Peintres de l'imaginaire" exhibition / Exposición "Pintores de la imaginación" / 
Exibition "Painters of the Imagination", Paul Delvaux, 1972 (12)

Grand Palais, Paris, Francia / France
"Peintres de l'imaginaire" exhibition / Exposición "Pintores de la imaginación" / 
Exibition "Painters of the Imagination", Paul Delvaux, 1972 (13)

Martine Franck was a well-known Belgian documentary and portrait photographer born in 1938. S
he was a member of Magnum Photos for over 32 years. Franck was the second wife of Henri Cartier-Bresson and co-founder and president of the Henri Cartier-Bresson Foundation.
I also featured Martine in the blog a couple of years ago. Here some of her photographs in museums.

Museo Pushkin, Moscú, URSS / Moscow, USSR, 1972 (14)

Centre Georges Pompidou, Musée National d'Art Moderne, París, Francia / France, 1977

Más sobre Franck en "El Hurgador" / More about Franck in this blog:
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Richard Kalvar


Richard Kalvar es un fotógrafo estadounidense nacido en Brooklyn, Nueva York, en 1944, que ha estado asociado con la agencia Magnum desde 1975.
Un viaje a Europa en 1966 con una cámara Pentax que le había dado el fotógrafo de moda francés Jérôme Ducrot (con quien Kalvar trabajó en Nueva York como asistente) le inspiró para convertirse en fotógrafo. A su regreso a Nueva York, trabajó en el laboratorio fotográfico Modernage. Dos años más tarde se trasladó a París y se unió a la agencia de fotografía Vu.
El trabajo de Kalvar ha sido presentado en exposiciones individuales y colectivas en Francia, incluyendo la galería Agathe Gaillard y la Maison Européenne de la Photographie de París. Ha trabajado en todo el mundo, especialmente en Inglaterra, Francia, Italia, Japón y Estados Unidos.

"Bestia salvaje y mujer / Savage Beast and Woman"
Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1969 (15)

"Mujer y estatua, ambas cogiéndose las manos / Woman and statue, both with folded hands", 1969
Metropolitan Museum of Art, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1969 (16)

Richard Kalvar is an American photographer born in Brooklyn, Nueva York, in 1944, who has been associated with Magnum Photos since 1975.
A trip to Europe in 1966 with a Pentax camera given him by French fashion photographer Jérôme Ducrot (with whom Kalvar worked in New York as assistant) inspired him to become a photographer. On his return to New York he worked at Modernage photo lab. Two years later he moved to Paris and joined Agence Vu photography agency.
Kalvar's work has been featured in solo and group exhibitions in France, including at Agathe Gaillard gallery and at Maison Européenne de la Photographie in Paris. He has worked around the world, especially in England, France, Italy, Japan and the United States.

Sucedió en el museo... (IV, Anexo) / It Happened at the Museum... (IV, Annex)

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Este post complementa el anterior de la serie, "Sucedió en el museo (IV)", repasando algunas de las obras presentes en las fotografías de la selección. Números de referencia en cada imagen.
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

This post complements the previous one of the series, It Happened at the Museum (IV), reviewing some of the artworks of the selection. Reference numbers in each image.
English text at the end of the post, marked with [*] in each paragraph
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Oscar-Claude Monet
(1) (París, Francia / France, 1840 - Giverny, 1926)

"Los nenúfares / The Water Lilies". Musée de l'Orangerie (París, Francia / France)

Ofrecido al Estado de Francia por el pintor Claude Monet el día siguiente al Armisticio del 11 de Noviembre de 1918 como símbolo de la paz, los Nenúfares se encuentran instalados de acuerdo al plan del Museo l'Orangerie en 1927, pocos meses después de su muerte. Este conjunto único, una auténtica "Sixtina del impresionismo", en palabras de André Masson en 1952, da testimonio de la obra tardía de Monet. Fue diseñado como un entorno real y corona el ciclo de los Nenúfares comenzado casi 30 años antes. El conjunto es uno de las más grandes logros monumentales de principios del s. XX en pintura. Las dimensiones del área cubierta por la pintura rodea y acompaña al visitante a lo largo de casi 100 metros lineales que despliegan un paisaje dotado de nenúfares, ramas de sauce, árboles y reflejos de las nubes, generando la "ilusión de un todo infinito, de una ola sin horizonte ni costa", en palabras de Monet. Esta obra maestra única no tiene igual en el mundo entero. [1]


De acuerdo con las sugerencias del propio Monet, las ocho composiciones fueron instaladas en dos salas ovales consecutivas. Esas habitaciones tienen la ventaja de la luz natural del techo, y están orientadas de oeste a este, siguiendo el curso del sol y una de las principales rutas a través de París, a lo largo del Sena. Los dos óvalos evocan el símbolo del infinito, mientras que las pinturas representan el ciclo de luz durante el día.
Monet incrementó en gran medida las dimensiones de su proyecto inicial, comenzado antes de 1914. El pintor quería que los visitantes fueran capaces de sumergirse completamente en la pintura y olvidar el mundo exterior. El fin de la Primera Guerra Mundial en 1918 reafirmó su deseo de ofrecer belleza a las almas heridas. 
La primera sala reune cuatro composiciones que muestran los reflejos del cielo y la vegetación en el agua, desde la mañana a la tarde, mientras que la segunda contiene un grupo de pinturas con contrastes creados por las ramas de los sauces llorones alrededor de la orilla del agua. [2]
Textos del sitio web del Museo de l'Orangerie.

El conjunto / The Set: Link
Visita virtual / Virtual Visit: Link

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François Auguste René Rodin
(2) (Paris, Francia / France, 1840 - Meudon, Île-de-France, 1917)

"Le Basier / El Beso / The Kiss" (segunda copia / second copy)
Mármol pentélico / Pentelican marble, 182,2 x 121,9 x 153 cm, 3.180 kg., 1901-4. 
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

El beso originalmente representaba a Paolo y Francesca, dos personajes tomados, otra vez, de la Divina Comedia de Dante: asesinados por el marido de Francesca quien los sorprendió mientras se daban su primer beso, ambos amantes fueron condenados a vagar eternamente por el infierno. Este grupo, diseñado en las primeras etapas de la elaboración de Las Puertas, iba a ocupar una posición destacada en la parte baja de la puerta izquierda, opuesto a Ugolino, hasta 1886 cuando Rodin decidió que esta representación de la felicidad y la sensualidad era incongruente con el tema de su vasto proyecto. [3]

"Le Basier / El Beso / The Kiss", tercera copia / third copy.
Ny Carlsberg Glyptotek (Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark)

"Le Basier / El Beso / The Kiss", primera copia / first copy
Mármol / marble, 181,5 cm. x 112,5 x 117 cm., c.1882
Musée Rodin (París, Francia / France)

Así que transformó el grupo en una obra independiente y la expuso en 1887. El modelado suave y fluido, la composición muy dinámica y el encantador tema llevaron a este grupo a un éxito inmediato. Al no haber detalles anecdóticos que identificaran a los amantes, el público lo llamó "El beso", un título abstracto que expresa muy bien su carácter universal. El Estado francés encargó una versión grande en mármol, que Rodin tardó 10 años en entregar. No fue hasta 1898 que accedió a que se expusiera lo que él llamaba su "enorme chuchería" como pieza compañera de su audaz Balzac, como si El beso pudiera hacer más fácil para el público aceptar el retrato del escritor. [4]
Texto de la ficha de la obra en el sitio web del Musée Rodin.

"Le Basier / El Beso / The Kiss", cuarta copia tras la muerte de Rodin / fourth copy after Rodin's death
Mármol / marble, 182,9 × 116,8 × 121,9 cm. 2494,78 kg.
Hecha en Francia / made in France, 1929. Museo Rodin (Filadelfia, EE.UU./ Philadelphia, USA)


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(3) Sekhmet

Estatuas de Sekhmet en el Museo Metropolitano de Nueva York /
Sekhmet statues at the Metropolitan Museum, New York

Las estatuas de Sekhmet tienen su origen durante el reinado de Amenhotep III, dinastía 18 (ca 1390-1352 aC). Se han recuperado más de seiscientas estatuas en Egipto. La mayoría de ellas fueron creadas durante el reinado de Amenhotep III. Se las ha encontrado en el templo mortuorio de Amenhotep III  / Complejo en Kom el Heittan en la orilla occidental de Tebas y en el templo de Mut en Karnak en la orilla oriental, en Tebas. Las estatuas de Sekhmet son una parte de su programa estatuario masivo. [5]
Información de Wikipedia (en inglés)

"Estatua de la diosa Sakhmet / Statue of the Goddess Sakhmet"
Diorita / granodiorite, altura / high: 210 x ancho de base / width of base: 47,5 x 95,5 cm.
Imperio Nuevo, Dinastía 18, Reinado de Amenothep III / 
New Kingdom, Dynasty 18, Reign of Amenhotep III, c.1390-1352 A.C / B.C.
del Alto Egipto, Tebas, Karnak / from Upper Egypt, Thebes, Karnak
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
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(4) Augustus Saint-Gaudens

"Diana", bronce, dorado / bronze, gilt, 258,4 x 135,9 x 35,9 cm., 1892-93, fundido / cast, 1928.
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Augustus Saint-Gaudens fue un escultor estadounidense de la generación de Bellas Artes nacido en Dublín en 1848, que encarnó los ideales del "Renacimiento Estadounidense". Criado en la ciudad de Nueva York, viajó a Europa para continuar su formación y el estudios artísticos, y luego regresó logrando un éxito importante crítico por sus monumentos conmemorativos de los héroes de la guerra civil estadounidense, muchos de las cuales aún se conservan. Además de sus obras, como el Robert Gould Shaw Memorial en Boston Common, y los fantásticos grandes monumentos ecuestres a los generales de la Guerra Civil, John A. Logan en el Grant Park de Chicago, y William Tecumseh Sherman, en la esquina de Central Park de Nueva York , Saint-Gaudens también creó obras como Diana y empleó sus habilidades en la numismática. Él diseñó la pieza de oro de $ 20 "doble águila", para la Casa de la Moneda de Estados Unidos en 1905-1907, considerada una de las más bellas monedas de Estados Unidos que se emitieron, así como la "Cabeza de Indio"águila de oro de $ 10, ambas acuñadas a partir de 1907 y hasta 1933. En sus últimos años se fundó la "Colonia de Cornualles", una colonia artística que incluyó a pintores, escultores, escritores y arquitectos notables. Su hermano Louis Saint-Gaudens fue también un conocido escultor con el que colaboró ​​ocasionalmente.
Murió en 1907. [6]
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(7) James (Jean-Jacques) Pradier
(Ginebra, Suiza / Geneve, Switzerland, 1790 - París, Francia / France, 1852)

"Les Trois Grâces / Las tres gracias / The Three Graces", mármol blanco / white marble, 45 x 172 x 102 cm., 1825
Presentada en el Salón de / presented at the Salon of 1831
Musée du Louvre (París, Francia / France)

Más sobre Pradier en "El Hurgador" / More about Pradier in this blog:
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(9) Satyres

Las estatuas pertenecen a un grupo de cuatro personajes similares a los encontrados en el teatro de Dioniso en Atenas. Espléndidamente restauradas, transformadas en soporte de una pila y expuestas al aire libre, se encontraban en el s.XVIII entre las más famosas piezas de la Villa Salaria del cardenal Albani (1692 - 1779). Varios pintores contemporáneos, como Hubert Robert, las representaron. [7]

"Satyres en atlante / Sátiros en Atlante / Satyrs in Atlantean", mármol / marble, altura / height: 218 cm.
Roma, época imperial, siglo II d.C. /  Rome, Imperial Age, 2nd century A.D.
Musée du Louvre (París, Francia / France)
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(11) Zeus / Poseidón

Zeus o Poseidón, bronce, c.460 a.C. / Zeus or Poseidon, bronze, c.460 BC
Foto / Photo: Javier Fuentes

Encontrada en el mar de Cabo Artemisio, en el norte de Euboea.
El dios, presentado dando una gran zancada, extiende su brazo izquierdo por delante del cuerpo, mientras sostiene un rayo o tridente en su mano derecha. 
Su identificación con Zeus o Poseidón es controvertida (la identificación antigua es la más probable). Es una de las pocas estatuas originales del Estilo Severo que se conserva, notable por la exquisita representación del movimiento y la anatomía. Es ciertamente obra de un gran escultor del período clásico temprano. [8]

Zeus o Poseidón, bronce, c.460 a.C. / Zeus or Poseidon, bronze, c.460 BC
Foto / Photo: Javier Fuentes
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(12-13) Paul Delvaux

"El Museo / The Musee Spitzner", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 240 x 200 cm., 1943

Paul Delvaux, pintor belga nacido en 1897, asociado con el surrealismo, famoso por sus pinturas de desnudos femeninos.
El joven Delvaux tomó clases de música, estudió griego y latín, y absorbió la ficción de Julio Verne y la poesía de Homero. Toda su obra fue influenciada por estas lecturas, empezando por sus primeros dibujos con escenas mitológicas. Estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts de Bruselas, aunque fue en el departamento de arquitectura debido a la desaprobación de su ambición de ser pintor por parte de sus padres. Sin embargo, para realizar su meta, asistió a clases de pintura impartidas por Constant Montald y Jean Delville. Los pintores Frans Courtens y Alfred Bastien también alentaron a Delvaux, cuyas obras de este período fueron principalmente paisajes naturales. Realizó alrededor de 80 pinturas entre 1920 y 1925, que fue el año de su primera exposición en solitario. [9]

"L'echo / El eco / The Echo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 105 x 128 cm., 1943

Las pinturas de Delvaux de finales de 1920 y principios de 1930, que presentan desnudos en paisajes, están fuertemente influenciadas por los expresionistas flamencos tales como Constant Permeke y Gustave De Smet. Un cambio de estilo hacia 1933 refleja la influencia del arte metafísico de Giorgio de Chirico, con quien se había encontrado por primera vez en 1926 o 1927. En la década de 1930 encontró más inspiración en las visitas a la Feria de Bruselas, donde el Museo Spitzner, un museo de curiosidades médicas, mantuvo un stand en el que los esqueletos y una figura mecánica de Venus se mostraban en una ventana con cortinas de terciopelo rojo. Este espectáculo cautivó a Delvaux, proporcionándole motivos que aparecerían en toda su obra posterior. A mediados de la década de 1930 también comenzó a adoptar algunos de los motivos de su compañero belga René Magritte, así como el estilo inexpresivo de ese pintor en la prestación de las yuxtaposiciones más inesperadas de objetos por lo demás ordinarios.
Las pinturas de Delvaux se hicieron famosas por presentar generalmente varias mujeres desnudas que miran como si estuvieran hipnotizadas, con gesto misterioso, a veces reclinadas incongruentemente en una estación de tren o vagando por edificios clásicos. A veces van acompañadas de esqueletos, hombres con sombrero hongo, o intrigantes científicos sacados de las historias de Julio Verne
Murió en 1994. [10]

"Estudio para El eco / Study for The Echo", tinta india sobre papel / indian ink on paper, 35 x 27 cm., c.1943

Más sobre Delvaux en "El Hurgador" / More about Delvaux in this blog:
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(14) Victor Mijáilovich Vasnetsov
Виктор Михайлович Васнецов
(Viatca (hoy Kirov), Imperio ruso / (today Kirov), Russian Empire, 1848 - 
Moscú, Unión Soviética / Moscow, URSS, 1926)

"Иван-царевич на Сером Волке / Ivan Tsarevich sobre el lobo gris / on the Grey Wolf"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 249 x 187 cm., 1889
Museo Pushkin (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)

Más sobre Vasnetsov en "El Hurgador" / More about Vasnetsov in this blog:
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(15-16) León y Gudea / Lion and Gudea

"Estatua de un león / Statue of a lion", mármol / marble, 79,4 x 161,3 cm.
Griega, periódo clásico / greek, classical period, 400 - 390 a.C / B.C.
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Las estatuas de mármol de leones se utilizaban a veces como monumentos de tumbas o como guardianes en ambos extremos de una gran fachada de la tumba. [11]
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"Estatua de Gudea / Statue of Gudea", diorita / diorite, 44 x 21,5 x 29,5 cm.
Neo-Sumeria, Mesopotamia, probablemente de Girsu (actual Tello) /
Neo-Sumerian, Mesopotamia, probably from Girsu (modern Tello), c.2090 a.C / B.C.
Metropolitan Museum of Art (MET) (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Gudea fue un gobernante (ensi) del estado de Lagash, en el sur de Mesopotamia, que gobernó entre c.2144 - 2124 a.C.
Veintiséis estatuas de Gudea se han encontrado hasta ahora durante las excavaciones en Tello (antigua Girsu).
Las más tempranas están hechas de arenisca, esteatita y alabastro. Más tarde, al establecerse intercambios comerciales de más largo alcance, se utilizó la más exótica y costosa diorita. La diorita ya había sido utilizada por los antiguos gobernantes sumerios (Estatua de Entemena). Estas estatuas incluyen inscripciones describiendo el comercio, regencias y religión. [12]

"Estatua de Gudea, príncipe de Lagash / Statue of Gudea, prince of Lagash", diorita / diorite, 46 x 33 x 22,5 cm.
Dedicada al dios Ninishzida, período Neo Sumerio /
dedicated to the god Ningishzida, neo-Sumerian period, c.2120 a.C / B.C.
Musée du Louvre (París, Francia / France)
Wikimedia Commons
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El resto de las obras ya publicadas pueden verse en / The rest of the artworks already published can be see in:

(5) - Pablo Picasso, "Guernica": [Manos a la obra (X)]
(6) - Francisco de Goya, "Maja": [Pablo Morales de los Ríos (II), Desvariaciones (Pintura)]
(8) - Escuela de Fontainebleau / Fontainebleau School, "Gabrielle d'Estrées y una de sus hermanas / and One of Her Sisters": [Asonancias (I)]
(10) - Coloso de Constantino / The Colossus of Constantine[Sucedió en el museo (III) - Anexo]



Textos en inglés / English Translation

[1]
Offered to the French State by the painter Claude Monet on the day that followed the Armistice of November 11, 1918 as a symbol for peace, the Water Lilies are installed according to plan at the Orangerie Museum in 1927, a few months after his death. This unique set, a true "Sixtine of Impressionism", in the words of André Masson in 1952, testifies to Monet’s later work. It was designed as a real environment and crowns the Water Lilies cycle begun nearly thirty years before. The set is one of the largest monumental achievements of early twentieth century painting. The dimensions and the area covered by the paint surrounds and encompasses the viewer on nearly one hundred linear meters which unfold a landscape dotted with water lilies water, willow branches, tree and cloud reflections, giving the "illusion of an endless whole, of a wave with no horizon and no shore" in the words of Monet. This unique masterpiece has no equivalent worldwide.

[2]
According to Claude Monet’s own suggestion, the eight compositions were set out in the two consecutive oval rooms. These rooms have the advantage of natural light from the roof, and are oriented from west to east, following the course of the sun and one of the main routes through Paris along the Seine. The two ovals evoke the symbol of infinity, whereas the paintings represent the cycle of light throughout the day.
Monet greatly increased the dimensions of his initial project, started before 1914. The painter wanted visitors to be able to immerse themselves completely in the painting and to forget about the outside world. The end of the First World War in 1918 reinforced his desire to offer beauty to wounded souls.
The first room brings together four compositions showing the reflections of the sky and the vegetation in the water, from morning to evening, whereas the second room contains a group of paintings with contrasts created by the branches of weeping willow around the water’s edge.
Texts from Musée de l'Orangerie's website.

[3]
The Kiss originally represented Paolo and Francesca, two characters borrowed, once again, from Dante’s Divine Comedy: slain by Francesca’s husband who surprised them as they exchanged their first kiss, the two lovers were condemned to wander eternally through Hell. This group, designed in the early stages of the elaboration of The Gates, was given a prominent position on the lower left door, opposite Ugolino, until 1886, when Rodin decided that this depiction of happiness and sensuality was incongruous with the theme of his vast project.

[4]
He therefore transformed the group into an independent work and exhibited it in 1887. The fluid, smooth modelling, the very dynamic composition and the charming theme made this group an instant success. Since no anecdotal detail identified the lovers, the public called it The Kiss, an abstract title that expressed its universal character very well. The French state commissioned an enlarged version in marble, which Rodin took nearly ten years to deliver. Not until 1898 did he agree to exhibit what he called his “huge knick-knack” as a companion piece to his audacious Balzac , as if The Kiss would make it easier for the public to accept his portrait of the writer.
Text from the record about the piece in Musée Rodin's website.

[5]
The origin of the Sekhmet statues was during the reign of Amenhotep III dynasty 18 (ca 1390-1352 BC). There have been more than six hundred statues that have been recovered from Egypt. Most of these Sekhmet statues were created during the reign of Amenhotep III. Sekhmet statues have been found at Amenhotep III Mortuary Temple/Complex at Kom el Heittan on the Theban West Bank and at the Temple of Mut at Karnack on the east bank at Thebes. The Sekhmet statues are a part of his massive statuary program.
Information from Wikipedia

[6]
Augustus Saint-Gaudens was an American sculptor of the Beaux-Arts generation born in Dublin in 1848, who most embodied the ideals of the "American Renaissance". Raised in New York City, he traveled to Europe for further training and artistic study, and then returned to New York, where he achieved major critical success for his monuments commemorating heroes of the American Civil War, many of which still stand. In addition to his works such as the, Robert Gould Shaw Memorial on Boston Common, and the outstanding grand equestrian monuments to Civil War Generals, John A. Logan in Chicago's Grant Park, and William Tecumseh Sherman, at the corner of New York's Central Park, Saint-Gaudens also created such works the Diana and employed his skills in numismatics. He designed the $20 "double eagle" gold piece, for the US Mint in 1905–1907, considered one of the most beautiful American coins ever issued as well as the $10 "Indian Head" gold eagle, both of which were minted from 1907 until 1933. In his later years he founded the "Cornish Colony", an artistic colony that included notable painters, sculptors, writers, and architects. His brother Louis Saint-Gaudens was also a well-known sculptor with whom he occasionally collaborated.
He died in 1907.

[7]
The statues belong to a group of four similar characters to those found in the theater of Dionysus in Athens. Splendidly restored, transformed into a sink support and exposed outdoors in the eighteenth century, were among the most famous pieces of the Villa Salaria Cardinal Albani (1692-1779). They were represented by several contemporary painters like Hubert Robert.

[9]
Paul Delvaux, Belgian painter born in 1897, associated with Surrealism, famous for his paintings of female nudes.
The young Delvaux took music lessons, studied Greek and Latin, and absorbed the fiction of Jules Verne and the poetry of Homer. All of his work was to be influenced by these readings, starting with his earliest drawings showing mythological scenes. He studied at the Académie Royale des Beaux-Arts in Brussels, albeit in the architecture department owing to his parents' disapproval of his ambition to be a painter. Nevertheless, he pursued his goal, attending painting classes taught by Constant Montald and Jean Delville. The painters Frans Courtens and Alfred Bastien also encouraged Delvaux, whose works from this period were primarily naturalistic landscapes. He completed some 80 paintings between 1920 and 1925, which was the year of his first solo exhibition.

[10]
Delvaux's paintings of the late 1920s and early 1930s, which feature nudes in landscapes, are strongly influenced by such Flemish Expressionists as Constant Permeke and Gustave De Smet. A change of style around 1933 reflects the influence of the metaphysical art of Giorgio de Chirico, which he had first encountered in 1926 or 1927. In the early 1930s Delvaux found further inspiration in visits to the Brussels Fair, where the Spitzner Museum, a museum of medical curiosities, maintained a booth in which skeletons and a mechanical Venus figure were displayed in a window with red velvet curtains. This spectacle captivated Delvaux, supplying him with motifs that would appear throughout his subsequent work. In the mid-1930s he also began to adopt some of the motifs of his fellow Belgian René Magritte, as well as that painter's deadpan style in rendering the most unexpected juxtapositions of otherwise ordinary objects.
The paintings Delvaux became famous for usually feature numbers of nude women who stare as if hypnotized, gesturing mysteriously, sometimes reclining incongruously in a train station or wandering through classical buildings. Sometimes they are accompanied by skeletons, men in bowler hats, or puzzled scientists drawn from the stories of Jules Verne
He died in 1994.

[11]
Marble statues of lions were sometimes used as tomb monuments or as guardians at both ends of a large tomb facade.

[12]
Gudea was a ruler (ensi) of the state of Lagash in Southern Mesopotamia who ruled c. 2144 - 2124 BC.
Twenty-six statues of Gudea have been found so far during excavations of Telloh (ancient Girsu)
The early statues were made of limestone, steatite and alabaster; later, when wide-ranging trade-connections had been established, the more costly exotic diorite was used. Diorite had already been used by old Sumerian rulers (Statue of Entemena). These statues include inscriptions describing trade, rulership and religion. 


Arte Perdido / Lost Art (VIII)

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Continúo recopilando imágenes e información sobre obras de arte perdidas y/o destruidas /
Continue collecting images and information about works of art lost and/or destroyed.
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Franz von Stuck

"Centauro y ninfa / Centaur and Nymph", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106 x 101 cm., c.1883-1928.
Destruido durante los tres bombardeos aéreos de los días 13 y 14 de febrero de 1945 sobre Dresde, o en los incendios que les sucedieron /
Destroyed February 13-14, 1945, during three allied bombing raids on Dresden or in subsequent fires.

Sobre este artista de quien ya nos ocupamos en posts anteriores, y en relación con la destrucción de arte, cabe destacar que la villa que construyó en Munich, y que hoy en día alberga una importante colección de obras del artista, también sufrió las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial, y muchas estatuas se perdieron para siempre.

About this artist who was already featured in previous posts, and related to the destruction of art, note that the villa built in Munich that houses an important collection of works by the artist, also suffered the consequences of World War II, and many statues were lost forever.

Más sobre von Stuck en "El Hurgador" / More about von Stuck in this blog:


Otto Dix

"Straßenkampf / Lucha callejera / Street Fight", técnica mixta sobre panel / mixed media on panel, 1927
La pintura está perdida desde 1945 y se presume que fue destruida /
The painting has been missing, and presumed destroyed, since 1945

Ya vimos algunas obras de Otto Dix que fueron destruidas por los nazis como arte degenerado, en el post III de la serie. Incorporo esta otra, también interesantísima y que me encantaría haber visto con sus colores originales. Probablemente no haya imágenes, pero sí existe un boceto.

We already saw some works by Otto Dix that were destroyed by the Nazis as degenerate art in the post III of the series. Here you have this one, also very interesting and I would love to have seen it with their original colors. Probable there's no images, but there is a sketch.

Boceto de / Sketch for"Straßenkampf", lápiz sobre papel / pencil on paper, 1924.
El artista creó este estudio en un cuaderno de bocetos suyo, tres años antes de crear la pintura / 
The artist created this study in a sketch book of his, three years prior to creating the painting.

Más sobre Otto Dix en "El Hurgador" / More about Otto Dix in this blog:


Augusta Savage

"El arpa / The Harp", yeso imitando basalto negro / plaster finished to resemble black basalt

Augusta Savage (Augusta Christine Fells) fue una escultora afroamericana nacida en 1892, asociada con el renacimiento de Harlem.
Fue nombrada primera directora del Centro Comunitario de Arte de Harlem, y se le encargó crear una escultura simbolizando la contribución musical de los afroamericanos para la Feria Mundial de Nueva York de 1939. Los spirituals e himnos de los negros fueron las formas que Savage decidió simbolizar en El Arpa. Inspirada en la letra del poema de James Weldon "Lift Every Voice and Sing" (Alzad todas las voces y cantad), El Arpa fue la obra más grande de Savage y su último gran encargo. 

Augusta trabajando en la escultura / at work with the sculpture

Se tomó un permiso de su posición en el Centro Comunitario de Arte de Harlem, y pasó casi dos años trabajando hasta completar su escultura de 16 pies. Realizada en yeso, y terminada para emular basalto negro, fue exhibida en el atrio del edificio de Artes Contemporáneas, donde recibió gran aclamación. La escultura representaba un grupo de doce estilizados cantantes negros, ordenados por altura de mayor a menor, que simbolizaban las cuerdas de un arpa. La caja de resonancia estaba formada por la mano y el brazo de dios, y un hombre arrodillado sosteniendo una línea de una partitura, representaba el pedal. No se consiguieron fondos para fundir la obra, ni tampoco sitio para guardarla. Después del cierre de la feria, fue destruida como lo fue todo el resto de arte.

Augusta Savage presenta una miniatura de El Arpa a Grover Whalen, Presidente de la Feria Mundial de Nueva York /
Augusta Savage presents a miniature of The Harp to Grover Whalen, President of the New York World’s Fair.

Augusta Savage, born Augusta Christine Fells, wan an African-American sculptress born in 1892, associated with the Harlem Renaissance.
She was appointed the first director of the Harlem Community Art Center and was commissioned by the New York World's Fair of 1939 to create a sculpture symbolizing the musical contributions of African Americans. Negro spirituals and hymns were the forms Savage decided to symbolize in The Harp. Inspired by the lyrics of James Weldon Johnson's poem "Lift Every Voice and Sing", The Harp was Savage's largest work and her last major commission.


She took a leave of absence from her position at the Harlem Community Art Center and spent almost two years completing the sixteen-foot sculpture. Cast in plaster and finished to resemble black basalt, The Harp was exhibited in the court of the Contemporary Arts building where it received much acclaim. The sculpture depicted a group of twelve stylized black singers in graduated heights that symbolized the strings of the harp. The sounding board was formed by the hand and arm of God, and a kneeling man holding music represented the foot pedal. No funds were available to cast The Harp, nor were there any facilities to store it. After the fair closed it was demolished as was all the art.

La información está tomada del sitio web del Smithsonian. El resto de las esculturas de la Feria Mundial de 1939 pueden verse aquí.
Information from the Smithsonian website. The rest of the sculptures of the World Fair can be seen here.

Más sobre Augusta Savage en "El Hurgador" / More about von Augusta Savage in this blog:


Más obras del Museo del Kaiser Federico depositadas en la torre de fuego antiaéreo Friedrichshain, o Flakturm, para mantenerlas en custodia, que se presume fueron destruidas cuando la torre ardió en mayo de 1945.

More works from the Kaiser Friedrich Museum deposited in the Friedrichshain flak tower, or Flakturm, for safekeeping, presumed destroyed when the tower was burned in May of 1945.

Alonso Cano

"Saint Agnes", óleo sobre panel / oil on panel, 111 x 86 cm., c.1624-1638

Más sobre Alonso Cano en "El Hurgador" / More about Alonso Cano in this blog:
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Anthony van Dyck

"Cristo con la corona de espinas / Christ Crowned with Thorns"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 262 x 214 cm., c.1618-20

"Lamentación por Cristo / Lamentation over Christ", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 220 x 166 cm., c.1629-30

"Ninfas sorprendidas por sátiros / Nymphs Surprised by Satyrs"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 94 cm., c.1618-19

"Botín de caza / Spoils of the Chase", óleo sobre panel / oil on panel, 45 x 59 cm., c.1626-32

"Los dos San Juan / The Two Saint Johns", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 261 x 212 cm., c.1617

Más sobre van Dyck en "El Hurgador" / More about van Dyck in this blog:


Más obras destruidas durante los tres bombardeos aéreos de los días 13 y 14 de febrero de 1945 sobre Dresde, o en los incendios que les sucedieron.

More works destroyed February 13-14, 1945, during three allied bombing raids on Dresden or in subsequent fires.

Frtiz von Uhde

"La hija del artista en verano / The Artist's Daughter in Summer"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165 x 178 cm., 1898

Fritz von Uhde (Friedrich Hermann Carl Uhde) fue un pintor alemán de género y temas religiosos nacido en 1848. Su estilo se sitúa entre el realismo y el impresionismo. En una época fue conocido como "un sobresaliente impresionista alemán", y se convirtió en uno de los primeros pintores que introdujeron la pintura al aire libre en el país.
Uhde sintió el llamado del arte mientras estudiaba en el Gymnasium de la ciudad, y en 1866 fue admitido en la Academia de Bellas Artes de Dresde. Totalmente en desacuerdo con el espíritu predominante, ese mismo año abandonó sus estudios para unirse al ejército. Después de conocer al pintor Makart en Viena en 1876, Uhde dejó el ejército en 1877 con la intención de convertirse en un artista. Se trasladó a Munich ese mismo año para asistir a la Academia de Bellas Artes. Allí llegó a admirar a los viejos maestros holandeses, especialmente Rembrandt. 
En 1879 viajó a París, donde sus estudios de los pintores holandeses continuaron bajo la supervisión de Mihály Munkácsy.
En 1882 un viaje a los Países Bajos provocó un cambio en su estilo, abandonando el claroscuro oscuro que había aprendido en Munich en favor de un colorismo influenciado por las obras de los impresionistas franceses. Alentado por su contemporáneo Max Liebermann, de quien había pintado un retrato, Uhde pintó "Niños de los pescadores en Zandvoort" (1882) como un experimento de pintura al aire libre, pero optó por exhibir una versión más convencional de la composición, "La llegada del organillero" (1883; Kunsthalle de Hamburgo). Este conflicto entre innovación y precaución caracteriza la mayor parte de su carrera.
Murió en 1911.

"Descanso en el estudio / Studio Break", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 271 x 230 cm., c.1900

Fritz von Uhde (Friedrich Hermann Carl Uhde) was a German painter of genre and religious subjects born in 1848. His style laying between Realism and Impressionism, he was once known as "Germany's outstanding impressionist" and he became one of the first painters who introduced en plein air art in his country.
Uhde found art appealing while studying at the Gymnasium at this city, and in 1866 he was admitted to the Academy of Fine Arts in Dresden. Totally at variance with the spirit prevailing there, later that year he left his studies to join the army. After meeting the painter Makart in Vienna in 1876, Uhde left the army in 1877 with the intention to become an artist. He moved to Munich in that year to attend the Academy of Fine Arts. There, he particularly came to admire the Dutch old masters, specially Rembrandt. 
In 1879 he traveled to Paris where his studies of the Dutch painters continued under Mihály Munkácsy's supervision.
In 1882 a journey to the Netherlands brought about a change in his style, as he abandoned the dark chiaroscuro he had learned in Munich in favor of a colorism informed by the works of the French Impressionists. Encouraged by his contemporary Max Liebermann, whose portrait he painted, Uhde painted Fishermen's Children in Zandvoort (1882) as an experiment in plein-air painting, but chose to exhibit a more conventional version of the composition, the Arrival of the Organ-Grinder (1883; Kunsthalle Hamburg). This conflict between innovation and caution characterized the greater part of his career.
He died in 1911.


Carl Bloch

Carl Heinrich Bloch fue un pintor danés nacido en 1834.
Se fue a Italia a estudiar arte, pasando por los Países Bajos, donde entró en contacto con la obra de Rembrandt, que se convirtió en una gran influencia para él. Sus primeros trabajos presentan escenas rurales de la vida cotidiana. De 1859 a 1866 vivió en Italia, y este período fue importante para el desarrollo de su estilo histórico.
Su primer gran éxito fue la exposición de su "Prometeo liberado" en Copenhague en 1865.
Se le encargó producir 23 pinturas para la capilla de Palacio Frederiksborg. Estas fueron todas las escenas de la vida de Cristo llegaron a ser muy popular como ilustraciones. Los originales, pintados entre 1865 y 1879, se encuentran todavía en Frederiksborg.
Bloch murió en 1890.

"Prometheus Befrielse / La liberación de Prometeo / Prometheus Unbound"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 398 x 294 cm., 1864.
Única fotografía existente de la obra / The only extant photograph of the painting

La pintura muestra el momento en que Prometeo es liberado del águila por Hércules. El cuerpo de Prometeo descansa aún sobre las rocas escarpadas, pero las cadenas se rompen por el sonido del arco de Hércules, cuando el águila es atravesada por la flecha. La obra se convirtió en un gran éxito en la exposición de 1865 en Chatterborg, y podría reflejar los sueños de recuperación de los daneses tras el desafortunado resultado de la guerra de 1864. Después de este éxito, Bloch fue nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes. 
La pintura se ha perdido, pero hay dos estudios preliminares en el Ribe Kunstmuseum: un boceto de la pintura completa (ver abajo) y una sección del águila muerta de 68 x 95,5 cm.
Información de Wikipedia (en Danés)

The painting shows the moment Prometheus is released from the eagle by Hercules. Prometheus's body still rests on the steep rocks, but the chains are broken by the sound of the bow of Hercules, when the eagle is crossed by the arrow. The work became a great success in the exhibition of 1865 in Chatterborg, and could reflect the dreams of recovering of Danish people after the unfortunate result of the war of 1864. After this success, Bloch was appointed member of the Academy of Fine Arts.
The painting has been lost, but there are two preliminary studies in Ribe Kunstmuseum: a sketch of the entire painting (see below) and a section of dead eagle, 68 x 95,5 cm.

"Prometheus Befrielse / La liberación de Prometeo / Prometheus Unbound", 1864.
Museo de Arte (Ribe, Dinamarca / Denmark)

Carl Heinrich Bloch was a Danish painter born in 1834.
He went to Italy to study art, passing through the Netherlands, where he became acquainted with the work of Rembrandt, which became a major influence on him. His early work featured rural scenes from everyday life. From 1859 to 1866, Bloch lived in Italy, and this period was important for the development of his historical style.
His first great success was the exhibition of his "Prometheus Unbound" in Copenhagen in 1865. 
He was commissioned to produce 23 paintings for the Chapel at Frederiksborg Palace. These were all scenes from the life of Christ which have become very popular as illustrations. The originals, painted between 1865 and 1879, are still at Frederiksborg Palace.
Bloch died in 1890.


Dom Sebastião

Entrada a la estación / Entrance to the Station

La noticia apareció en prensa hace pocos días: un jóven que intentaba hacerse un selfie destruyó una valiosa estatua en la estación de trenes de Rossio, en Lisboa.
La obra se encontraba situada entre los dos arcos de la entrada a la estación (obra cumbre del estilo Manuelino) desde 1890. Representaba al rey portugués Sebastião I, cuya muerte en una batalla en Marruecos en 1578 dio pie al nacimiento del "Sebastianismo", una popular corriente mística según la cual el monarca regresaría para restablecer el imperio portugués en la época en que éste se hallaba bajo el dominio de España (1580-1640).
Les dejo aquí imágenes de la obra, de cómo quedó tras su destrozo, y un video informativo (en portugués) con la noticia del suceso.

La estatua de Don Sebastian antes de que fuera destruida / 
The statue of Dom Sebastiao before it was destroyed

The news appeared in the press a few days ago: a young man who tried to take a selfie, destroyed a valuable statue at Rossio train station in Lisbon.
The work was placed between the two arches of the entrance to the station (masterpiece of Manueline style) since 1890. It represented the Portuguese King Sebastião I, whose death in battle in Morocco in 1578 gave rise to the birth of "Sebastianism", a popular mystique movement according which the monarch would return to restore the Portuguese empire, at that time under the dominion of Spain (1580-1640).
Here you have pictures of the work, how it was after its destruction, and an informative video (in Portuguese) with the news of the event.

Restos de la estatua después del incidente / Remains of the statue after the incident

Noticia en español La Voz de Galicia, News in English IndependentArtnet


Recolección / Compilation (XLIX)

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David Černý
(Praga, Reública Checa / Prague, Czech Republic, 1967-)

Escultura rotatoria en 42 capas de la cabeza de Franz Kafka / A Rotating 42-Layer Sculpture of Franz Kafka's Head


Foto / Photo by Jindřich Nosek via Wikimedia Commons.
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Jaime Molina
(en Denver, EE.UU./ at Denver, USA)
escultura, madera, clavos / sculpture, wood, nails
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Anne Mondro
(EE.UU./ USA)

Crochet de alambre / Crocheted Wire
via Colossal / Boredpanda
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Franz von Bayros
(Zagreb, Croacia / Croatia, 1866 - Viena / Vienna, Austria, 1924)

"Cuentos en el tocador, Júpiter y Europa / Tales At the Dressing Table, Jupiter and Europe"
Impresión / print, 13,75" x 11,75", 1908

"Cuentos en el tocador, El reloj de sol / Tales At the Dressing Table, The Sundial"
Impresión / print, 13,75" x 11,75", 1908
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Ludvig Abelin Schou
(Slagelse, Dinamarca / Denmark, 1838 - Florencia, Italia / Florence, Italy, 1867)

"Chione dræbt på jagten af den krænkede Diana / Chione muerta durante la caza de la herida Diana /
Chione Killed in the Hunt of the Injured Diana", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 122 x 146 cm., 1866.
Ribe Kunstmuseum
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Johannes Leemans
(La Haya, Holanda / The Hague, Netherlands, 1633 - 1688)

"Un trampantojo bodegón de caza con un rifle, un pájaro en una jaula, un cuerno de caza, un silbato para pájaros y otros artículos de caza / 
A trompe l'oeil Hunting Still Life With a Rifle, a Bird in a Cage, a Hunting Horn, a Bird-Whistle and Other Hunting Gear"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110,2 x 124,3 cm. Colección privada / Private Collection
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Jean-Victor Bertin
(París, Francia / France, 1767 - 1842)

"Paysage, Site de la Grèce / Paisaje, un sitio de Grecia / Landscape, Site of Greece"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75 x 109 cm., 1812.
Museo Nacional de Arte Occidental (Tokyo, Japón / Japan)
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Frederick Kann
(Gablonz, Checoslovaquia / Czechoslovakia, 1884 - 
Los Ángeles, California, EE.UU./ LA, CA, USA, 1965)

"Bodegón cubista / Cubist Still Life", 50,8 x 60,9 cm., 1930.
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Matteo Pugliese
(Milán, Italia / Italy, 1969-)

"Gravitas", bronce / bronze, 88 x 90 x 38 cm., 2014. Ed. 7+3
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John Currin
(Boulder, Colorado, EE.UU./ USA, 1962-)

"Ménades / Maenads", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121,9 x 91,4 x 3,2 cm., 2015
Foto / Photo: Douglas M. Parker Studio
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Malvina Hoffman
(Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1887 - 1966)

"Mujer de Martinica / Martinique Woman"
Roca metamórfica negra / black metamorphic stone, 55,9 x 36,2 x 38,7 cm., 1928.
Brooklyn Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA). Foto / Photo: Brooklyn Museum
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Bill Adams
(Dayton, Ohio, EE.UU./ USA, 1964-)

"Fiesta de bachillerato / Bachelor Party", version 4
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Shaun Jeffers
(Nueva Zelanda / New Zealand) en / at Auckland

Waitomo, Cuevas en Nueva Zelanda / New Zealand Caves

Durante el año pasado, el fotógrafo Shaun Jeffers ha explorado lo que hay bajo la superficie de la tierra. Específicamente, se ha centrado en el área de Waitomo, en Nueva Zelanda, y su fascinantes cuevas subterráneas de caliza. En ellas, pequeños gusanos luminiscentes emiten una potente fosforecencia que ilumina la oscura caverna, desplegando un show espectacular que parece de otro mundo.
"me ha exigido sumergirme con mi trípode en agua fría hasta 6 u 8 horas diarias. ¡Pero ha valido la pena! /
For the past year, photographer Shaun Jeffers has explored what lies beneath the surface of the Earth. Specifically, he’s focused on the Waitomo area of New Zealand and its mesmerizing underground limestone caves. In them, glow worms—tiny creatures that emit a powerful phosphorescent shine—illuminate the pitch black cavern, putting on a spectacular show that looks out of this world.
“it required me to submerge myself and my tripod in cold water for up to 6-8 hours a day.” But, he says, “It was totally worth it!”
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Denis Cherim
en Londres, Reino Unido / at London, UK

Proyecto Coincidencia / Coincidence Project
El proyecto de Denis Cherim "Coincidencia", captura momentos de armoniosas alineaciones entre elementos escénicos separados, retratados desde perspectivas particulares /
Photographer Denis Cherim's Coincidence Project captures moments of harmonious alignment between separate scenic elements, portrayed from particular perspectives.
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Mat Szulik
(Rybnik, Polonia / Poland)

"The Plyuwood Project", impresión en 3D / 3D print
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Istvan Nyari
en Londres y Budapest / at London and Budapest

"¡¡¡Él se fue, seguro!!! / He's gone for sure!!!", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 150 x 200 cm., 2007
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Ji Lee
(Corea / Korea)
en Nueva York, EE.UU./ at New York, USA

"Reloj redundante / Redundant Clock"
Este es un reloj redundante, y esta es una descripción redundante / This is a redundant clock, and this is a redundant description.
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Anouk Griffioen
(Rotterdam, Holanda / Netherlands, 1979-)

"Jakobstova", carboncillo sobre lienzo / charcoal on canvas, 102,4" x 165,4" x 0,4"

Cuando entramos a una habitación con obras de Anouk Griffi oen, nos encontramos rodeados de gente colosal, seres híbridos y sombras. Las auras de esas obras pueden ser aterradoras, extrañas y confusas, pero también despiertan la curiosidad del espectador sobre los seres interiores en sus creaciones. Su método de representación realista les confiere una gran expresividad. Griffioen amalgama realidad e imaginación; la flora y la fauna se funden sin problemas, conformando así mundos oníricos surrealistas /
When we enter a room of artworks by Anouk Griffi oen we fi nd ourselves surrounded by colossal people, hybrid beings and shadows. The auras of these works can be frightening, strange and confusing, but they also arouse the viewer's curiosity about the inner beings inside her creations. Her lifelike method of depiction lends them great expressivity. Griffi oen amalgamates reality and imagination; flora and fauna merge seamlessly into one another, thus forming surrealistic dream worlds. 
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Kaori Tamura
香織田村
(Yokohama, Japón / Japan, 1987-)

"火ノ鳥, Hinotori / El infinito / The infinite", témpera sobre / on panel, 300 x 180 cm.
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Louis Jean Desprez
(Auxerre, Bourgogne, Francia / France, 1743 
- Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden, 1804)

"Casa Somerset, Vestíbulo / Somerset House, the Strand Vestibule"
Acuarela, aguada gris, pluma, tinta negra, tinta gris y grafico sobre papel tejido color crema levemente texturado / 
watercolor, gray wash, pen and black ink, pen and gray ink and graphite on medium, slightly textured, cream wove paper, 47,9 x 78,7 cm., sin fecha / undated
Yale Center for British Art (New Haven, Connecticut, EE.UU./ USA)

Más sobre Desprez en "El Hurgador" / More about Desprez in this blog:
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Willem Willemsz. van der Vliet
(Delft, Holanda / Netherlands, c.1584 - 1642)

"Retrato de Willem Reyersz. de Langue (1599-1656), de pie, tres cuartos, sosteniendo guantes en su mano derecha y papeles notariales en la izquierda, vistiendo un traje negro y sombrero negro, cerca de una mesa. Retrato de su mujer, María Pijnacker (1599-1678), de pie, tres cuartos, con un vestido netro con puños blancos, collar y tocado, de pie junto a una mesa con una biblia, sostienendo unos guantes /
A portrait of Willem Reyersz. de Langue (1599-1656), standing three-quarter lenght, holding gloves in his right hand and notary papers in his left, wearing a black suit and black hat, next to a table. A portrait of his wife Maria Pijnacker (1599-1678), standing three-quarter lenght, wearing a black dress with white cuffs, collar and headdress, standing next to a table with a Bible, holding gloves."
ambos oleo sobre panel, aprox. / both oil on panel, approx. 113,2 x 86,3 cm., 1626

Aniversarios (CXXV) [Mayo / May 22-31]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 22 de Mayo es el cumple de

Fritz von Uhde (Friedrich Hermann Carl Uhde) pintor alemán de género y temas religiosos nacido en 1848. Su estilo se sitúa entre el realismo y el impresionismo. Murió en 1911. Más imágenes e información en el post previo.

"En la ventana (Costurera en la ventana) / At the Window (Sempstress at the Window)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80,5 × 65,5 cm., 1890.
Städelsches Kunstinstitut und Städtische Galerie (Frankfurt am Main, Alemania / Germany)

Más sobre von Uhde en "El Hurgador" / More about von Uhde in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Hubert Robert (pintor y grabador francés / French painter and printmaker)
Félix Henri Bracquemond (pintor y grabador francés / French painter and printmaker)
Amalia Lindegren (artista sueca y pintora / Sweden artist and painter)


El 23 de Mayo es el cumple de

Carl Heinrich Bloch, pintor danés nacido en 1834, fallecido en 1890.
Más imágenes e información en el post previo.

"Fra et romersk osteria / En una hostería romana / In a Roman Osteria"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 148,5 x 177,5 cm., 1866. 
Statens Museum for Kunst (SMK) (Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark)

"Una cocina / A Kitchen", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,5 x 111,5 cm., 1878
Statens Museum for Kunst (SMK) (Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark

Más sobre Bloch en "El Hurgador" / More about Bloch in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

August von Kreling (pintor, ilustrador y escultor alemán / German painter, illustrator and sculptor)
James (Jean-Jacques) Pradier (escultor francés / French sculptor)
Gints Gabrāns (artista letón / Latvian artist)


El 24 de Mayo es el cumple de

Sylvia Daoust, nacida en Montreal en 1902, fue una de los primeras escultoras de Quebec.
Se graduó de la École des Beaux-Arts de Montréal, y también estudió en Europa. En Francia estudió con Henri Charlier. Además de trabajar como escultora profesional, enseñó en la Escuela de Bellas Artes de Québec (1930-1943), y a continuación en la École des Beaux-Arts de Montréal (1943-1968).
La mayoría de sus obras son religiosas en forma y contenido. Se las ha descrito como una mezcla entre el clasicismo y el realismo religioso. Sus trabajos incluyen el bronce Nicolas Viel que adorna la fachada de la legislatura de Quebec (Asamblea Nacional), María Reina del Mundo en María de Montreal, Catedral Reina del Mundo, y una estatua de Édouard Montpetit en la Université de Montréal.
Las obras de Daoust se encuentran en la colección de la Galería Nacional de Canadá y la Colección Corbet de Mujeres Artistas Canadienses, entre otros.
Murió en 2004.

"Mi hermano / My Brother", bronce / bronze, 1921
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Joaquín Vaquero Turcios (pintor y escultor español / Spanish painter and sculptor)
Georg Rafael Donner (escultor austríaco / Austrian sculptor)


El 25 de Mayo es el cumple de

Antônio Caringi, escultor brasileño nacido en 1905 en Pelotas, considerado el más importante en la historia del arte del estado de Río Grande do Sul.
Se lo conoció como el «escultor de los pampas» por la elección para sus obras de temas regionales, ligados a la historia y a la cultura gaúcha. Una de sus obras más importantes es la estatua del lazador, símbolo oficial de la ciudad de Porto Alegre, capital de Río Grande del Sur.

"Monumento às Mães / Monumento a las madres / Monument to mothers", Pelotas, Río Grande do Sul, Brasil / Brazil
La obra tuvo como modelo a la poetisa Noemi de Assumpçao Osorio Caringi, esposa del escultor /
The model for this work was the wife of the sculptor, the poet Noemi de Assumpçao Osorio Caringi

Fue alumno del profesor Francis Pelichek, con quien estudió diseño en el Instituto de Bellas Artes. En 1925 expuso trabajos en yeso en el Salón de Otoño de Porto Alegre, histórica exposición a la que también se presentaron otros futuros artistas de relevancia como Sotéro Cosme, Oscar Boeira y João Fahrion.
Después de trabajar durante años en varios países como agregado cultural, regresó definitivamente a Brasil y comenzó a esculpir varios de los monumentos al aire libre más importantes de Río Grande del Sur.
Recibió numerosos premios y condecoraciones por su obra.
Murió en 1981.

"Monumento ao Imigrante / Monumento al Inmigrante / Monument to Immigrant", Caxias do Sul, Brasil / Brazil
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Carlo Dolci (pintor italiano / Italian painter)
Gabriel Bracho (artista venezolano / Venezuelan artist)
Juan Cristóbal González Quesada (escultor español / Spanish sculptor)


El 26 de Mayo es el cumple de

Manuel Muñoz Barberán, pintor y escritor español nacido en Lorca, Región de Murcia, en 1921.
Se inició artísticamente en la Academia Municipal de Lorca, dirigida por Francisco Cayuela. Fue expulsado por falta de disciplina. Gracias a su madre volvió a ser admitido y pudo continuar sus estudios. En los años 30 se trasladó a Garrucha.
Al comienzo de la Guerra Civil regresó con su familia a Lorca, y comenzó a trabajar en el taller fotográfico de Juan Navarro Morata.

"Paisaje / Landscape"

En la década de los '40 se traslada a Cehegín. Comienza un período en el que el pintor viaja a Zaragoza, Barcelona y Madrid, visitando las principales salas de exposiciones y museos.
Muñoz Barberán fija su residencia en Murcia aunque viaja frecuentemente a Madrid, aprovechando para completar su formación en el Círculo de Bellas Artes y realizando copias de los cuadros del Museo del Prado. 
El tema urbano ha sido el predilecto de su pintura. En 1957 visitó por primera vez a Roma, y regresó a Italia en numerosas ocasiones dedicando largas visitas a Florencia y Venecia, que quedaron plasmadas en sus lienzos, acuarelas y cuadernos de dibujo. Visitó y pintó también en otros países.
Murió en 2007.

"Plaza Santa Catalina, Edificio del Contraste de la Seda /
Santa Catarina Square, Contraste de la Seda Building", Murcia
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Gustavo Arias Murueta (artista plástico mexicano / Mexican artist)
Paul François Niclausse (escultor francés / French sculptor)
Alberto Gómez Ascaso (escultor español / Spanish sculptor)


El 27 de Mayo es el cumple de

José Vela Zanetti, pintor y muralista español nacido en 1913 que trabajó en España, la República Dominicana y los Estados Unidos.
Pasó su infancia en León y más tarde se trasladó a Madrid, donde estudió con José Ramón Zaragoza. En 1931 su primera exposición individual se celebró en León. Se le concedió una beca para estudiar en Italia en 1933.
En 1936, durante la Guerra Civil española, el padre de Vela Zanetti fue ejecutado por sus convicciones socialistas. Al final de la guerra, en 1939, Vela Zanetti se exilió en la República Dominicana, al igual que los artistas Josep Gausachs y Eugenio Granell.
Vela Zanetti tuvo un gran éxito en la República Dominicana. Realizó su primera exposición individual en Santo Domingo un año después de su llegada, y su carrera como muralista floreció. Vela Zanetti fue el encargado de pintar más de 100 murales en el país, incluidos los del Edificio de Justicia, el Banco Central y la Biblioteca Nacional (todos en Santo Domingo). Además de trabajar como artista, se convirtió en profesor en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Santo Domingo en 1945, y fue nombrado director de la escuela en 1949.

"En la era / At the Threshing Floor", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 80 cm

Vela Zanetti ganó una beca Guggenheim para artistas hispanos en 1951. Utilizó la beca para viajar a Nueva York y decidió quedarse durante varios años. En 1953 pintó su obra más famosa, "La ruta de la libertad o La lucha del hombre por una paz duradera", un mural en la sede de la ONU en Nueva York. Pintado en una paleta sombría de azules y marrones, la obra representa los horrores de la guerra y muestra a las personas que trabajan juntas para reconstruir el mundo.
En 1960 regresó a Milagros, España, a vivir en la casa en la que nació. En sus últimos años, el artista se centró en la pintura de caballete, en particular retratos, naturalezas muertas, paisajes y obras religiosas.
Murió en 1999.

"La ruta de la libertad o La lucha del hombre por una paz duradera / 
Mankind's Struggle For Lasting Peace" (detalle / detail), mural, 2000 x 350 cm., 1953
Edificio de conferencias de las Naciones Unidas / United Nations Conference Building
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

(pintor y crítico de arte ruso / Russian painter and art critic)
Georges Henri Rouault (pintor, grabador y litógrafo francés / French painter, printmaker and lithographer)
Cesáreo Bernaldo de Quirós (pintor argentino / Argentine painter)


El 28 de Mayo es el cumple de

Robert William Willson, artista estadounidense y escultor nacido en 1912, que destacó por su uso creativo del vidrio sólido.
Educado en el suroeste de Estados Unidos y en México, también estudió el vidrio en Murano, Italia. Tuvo una asociación artística especialmente estrecha con Venecia, de pasar treinta y siete veranos allí haciendo esculturas de vidrio.
Siendo un joven de veintitrés años, Willson fue arrastrado por la Revolución Mexicana, pintando brevemente con Diego Rivera, y se hizo amigo de Frida Kahlo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo, muchos de los cuales capturó en fotografías. También parte de la historia del arte mexicano, Willson fue uno de los primeros artistas nacidos en los EE.UU. que en la década de 1930 adaptó imágenes del arte popular maya y mexicano. Su arte mezcló continuamente antigua imaginería maya con antiguas técnicas venecianas de fabricación de vidrio.
Fue cronista, corresponsal, colaborador de revistas de arte, autor de catálogos de museo y locuaz sujeto de entrevistas televisivas. Sus observaciones incluyeron comentarios prescientes, no sólo en cuanto al futuro de vidrio en el arte americano y la arquitectura, sino también sobre figuras mayores y menores del arte mexicano e italiano, los muralistas mexicanos de su juventud, y tres generaciones de maestros del cristal de Murano (Barbini, Zuffi, Guarnieri, Rosin, Signoretto, Raffaeli) a todos los cuales reclutó para ejecutar sus formas cada vez más masivas. Los escritos de Willson forman un importante archivo internacional, que forma parte de la tradición de los artistas estadounidenses que viajaron al extranjero para instrucción, exposiciones, aceptación y reconocimiento.
Murió en el año 2000.

"Árbol símbolo / Tree Symbol"
Vidrio trabajado en caliente / hot-worked glass, 15,25" x 11,75", Vetreria A. Barbini, 1984
Robert Willson con la asistencia de / with the assistance of Alfredo Barbini. Italia / Italy, Murano.
Colección del Museo del Vidrio Corning / Collection of The Corning Museum of Glass
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Carl Larsson (pintor y diseñador de interiores sueco / Sweden painter and interior designer)
Israel Roa Villagra (pintor chileno / Chilean painter)
Wilhelm Albermann (escultor alemán / German sculptor)


El 29 de Mayo es el cumple de

Alberto Urdaneta, dibujante y pintor colombiano nacido en 1845. Fue una de las personalidades más interesantes del siglo XIX como caricaturista, periodista, escritor, coleccionista de arte, agricultor, militar y catedrático; pero sobre todas estas facetas de su vida, vale la pena destacar su entusiasmo por la cultura, que lo animó a ser un fecundo promotor cultural.
Realizó sus estudios en el Instituto de Cristo, en el Seminario de los Jesuitas y finalmente en la Academia de Mutis. En 1865 viajó a París, donde aprendió los métodos para la agricultura y la ganadería. De regreso al país en 1868, se dio a la tarea de fundar El Agricultor, órgano informativo que le sirvió para iniciarse como periodista. En 1876 se vinculó activamente a la guerrilla de El Mochuelo, movimiento conformado por jóvenes conservadores que luchaban contra el gobierno radical de Aquileo Parra.
Desde su posición revolucionaria, publicó el periódico El Mochuelo (1877), caracterizado por su contenido de abierta crítica al radicalismo, acompañado de mordaces caricaturas que él mismo realizaba.
Apolítica, o mejor, dando cabida a todas las tendencias y partidos. Esta estrategia le permitió contar con la colaboración de las personalidades del arte y la literatura. Por esta razón, su periódico fue considerado como un proyecto pacifista en Colombia que se mantuvo durante el siglo XIX.
Murió en 1887.

Caricatura del Presidente de la República, Aquileo Parra, aprieta con una soga el cuello del gobernador de Cundinamarca, Jacobo Sánchez, obligándolo a arrojar por la boca una gran cantidad de monedas / 
Caricature of the president of the republic, Aquileo Parra, tighten with a rope the neck of the governor of Cundinamarca, Jacobo Sanchez, forcing him to throw out from his mouth a lot of coins.
Colección Biblioteca Nacional de Colombia / Collection Colombian National Library, 1876.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Lars Bo (artista y escritor danés / Danish artist and writer)
Jolanta Kvašytė (cerámista lituana / Lithuanian ceramist)
Edmé Bouchardon (escultor y dibujante francés / French sculptor and draftsman)


El 30 de Mayo es el cumple de

Vanessa Bell (de soltera Stephen), pintora y diseñadora de interiores inglesa nacida en 1879, miembro del Grupo de Bloomsbury y hermana de Virginia Woolf.
Después de la muerte de su madre en 1895 y su padre en 1904, Vanessa se mudó a Bloomsbury con Virginia y sus hermanos Thoby y Adrian, donde conocieron y comenzaron a socializar con los artistas, escritores e intelectuales que terminarían por formar el Grupo de Bloomsbury. Las primeras reuniones de los jueves del grupo comenzaron en la casa de Bell en Gordon Square.

"Virginia Woolf", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1912 © Estate of Vanessa Bell 

En 1906, cuando Bell comenzó a pensar en sí misma como artista, formó el Friday Club para crear un lugar en Londres que fuera más favorable para la pintura. Vanessa se sintió alentada por las exposiciones postimpresionistas organizadas por Roger Fry, y copió sus colores brillantes y formas audaces en sus obras de arte. En 1914 se volvió hacia la abstracción.
Bell rechazó los ejemplos de la pintura narrativa victoriana y el discurso sobre las cualidades ideales y aberrantes de la feminidad. Algunas de sus obras estaban relacionados con su vida personal.
Fue una de las pintoras más célebres del grupo de Bloomsbury. Exhibió en Londres y París durante su vida, y ha sido elogiada por obras innovadoras durante su temprana madurez y por sus contribuciones al diseño.
Murió en 1961.

"Autorretrato / Self-portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1958. © 1961 estate of Vanessa Bell

Más sobre Vanessa Bell en "El Hurgador" / More about Vanessa Bell in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Fernando Cueto Amorsolo (pintor filipino / Philippine painter)
(artista, escultor y artista gráfico ucraniano / Ukrainian artist, sculptor and graphic artist)
Kevin Charles "Pro" Hart (pintor australiano / Australian painter)


Hoy, 31 de Mayo, es el cumple de

Mikhail Vasilievich Nesterov (Михаил Васильевич Нестеров), pintor nacido en Rusia en 1862, importante representante del simbolismo religioso en el arte ruso.
Fue alumno de Pavel Chistyakov en la Academia Imperial de las Artes, pero más tarde se alió con el grupo de artistas conocido como el Peredvizhniki. Su lienzo "La visión del joven Bartolomé" (1890-1891), que representa la conversión del santo medieval ruso San Sergei Radonezhsky, se considera a menudo el primer ejemplo del estilo simbolista ruso.

"На Руси. Душа народа / En Rusia. El alma de la gente / In Russia. Soul of the people"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 206 × 484 cm., 1914-16
Tretyakov Gallery (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)

La última pintura religiosa simbolista que Nesterov pintó antes de la revolución. La obra representa a la gente rusa siguiendo a un joven, mientras al fondo, una figura religiosa rusa y un loco místico que se queda a un lado, rezando estáticamente, sin ropas y posiblemente advirtiendo a la gente /
The last religious symbolic painting Nesterov painted before the revolution. The picture depicts the Russian people following a young boy, while in the background a Russian religious figure, an old holy fool, stays aside, praying ecstatically, wearing no clothes and possibly warning the people.

De 1890 a 1910 vivió en Nesterov Kiev y San Petersburgo, trabajando en los frescos de la catedral de San Vladimir y la Iglesia de la Sangre Derramada, respectivamente. Desde 1910 pasó el resto de su vida en Moscú, trabajando en el Convento Marfo-Mariinsky.

"Философы / Filósofos / Philosophers (S.N. Bulgakov& P.A. Florensky)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 123 × 125 cm., 1917
Tretyakov Gallery (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)

Como cristiano ortodoxo devoto, él no aceptó la revolución bolchevique en Rusia, pero se mantuvo hasta su muerte pintando los retratos de Ivan Ilyin, Ivan Pavlov, Ksenia Derzhinskaya, Otto Schmidt y Vera Mukhina, entre otros.
Murió en 1942.

"Домашний арест / Arresto domiciliario / House Arrest", 1883
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

(pintor francés nacido en Bielorrusia / Belorussian-born, French painter)
Walter Richard Sickert (pintor y grabador alemán / German painter and printmaker)
Alessandro Allori (Alessandro di Cristofano di Lorenzo del Bronzino Allori) (pintor italiano / Italian painter)
Jules Chéret (pintor y litógrafo francés / French painter and lithographer)
Ellsworth Kelly (pintor y escultor estadounidense / American painter and sculptor)


Textos en inglés / English translation

On May 22 is the birthday of

Fritz von Uhde (Friedrich Hermann Carl Uhde) German painter of genre and religious subjects born in 1848. His style laying between Realism and Impressionism. He died in 1911.
More images and information in previous post.

On May 23 is the birthday of

Carl Heinrich Bloch, Danish painter born in 1834, died in 1890.
More images and information in previous post.

On May 24 is the birthday of

Sylvia Daoust, born in Montreal in 1902, was one of the first female sculptors in Quebec.
She graduated from the École des Beaux-Arts de Montréal (Montreal School of Fine Arts), but also studied in Europe. In France she studied with Henri Charlier. As well as working as a professional sculptor, she taught at the École des Beaux-Arts de Québec from 1930 to 1943, then at the École des Beaux-Arts de Montréal from 1943 to 1968.
The majority of her works are religious in content and form. They have been described as a mixture between religious classicism and realism. Her works include the Nicolas Viel bronze adorning the façade of the Quebec Legislature (National Assembly), Mary Queen of the World at Montreal's Mary, Queen of the World Cathedral, and a statue of Édouard Montpetit at the Université de Montréal.
Daoust's works are in the collection of the National Gallery of Canada and Corbet Collection of Canadian Women Artists, among others.
She died in 2004.

On May 25 is the birthday of

Antônio Caringi, Brazilian sculptor born in 1905 in Pelotas, considered the most important in the history of art in the state of Rio Grande do Sul.
He was known as the "sculptor of the Pampas" by the choice for his works of regional issues, linked to the history and the gaucho culture. One of his most important works is the statue of roper, official symbol of the city of Porto Alegre, capital of Rio Grande do Sul.
He was a student of Professor Francis Pelichek, with whom he studied design at the Institute of Fine Arts. In 1925 he exhibited works in plaster at the Salon d'Automne in Porto Alegre, historical exhibition in which also presented works other relevant future artists like Cosme Sotero, Oscar Boeira and João Fahrion.
After working for years in several countries as cultural attache, he returned to Brazil and began to sculpt several of the most important monuments Rio Grande do Sul.
He received numerous awards and commendations for his work.
He died in 1981.

On May 26 is the birthday of

Manuel Muñoz Barberán, Spanish painter and writer born in Lorca, Murcia, in 1921.
He began artistically in the Municipal Academy of Lorca, directed by Francisco Cayuela. He was expelled for indiscipline. Thanks to his mother returned to be admitted and could continue his studies. In the 30s he moved to Garrucha.
At the beginning of the Civil War he returned with his family to Lorca, and began working in the photographic workshop of Juan Navarro Morata.
In the early 40s he moved to Cehegín. Begins a period in which the painter travels to Zaragoza, Barcelona and Madrid, visiting the main exhibition halls and museums.
Muñoz Barberán up residence in Murcia but often travels to Madrid, taking the opportunity to complete his training in the Fine Arts and making copies of paintings from the Prado Museum.
The urban theme has been the favorite of his painting. In 1957 he visited Rome for the first time, and returned to Italy on numerous occasions spending long visits to Florence and Venice, which were reflected in his paintings, watercolors and sketchbooks. He also visited and painted in other countries.
He died in 2007.

On May 27 is the birthday of

José Vela Zanetti, Spanish painter and muralist born in 1913 who worked in Spain, the Dominican Republic and the United States.
He spent his childhood in León and later moved to Madrid, where he studied under José Ramón Zaragoza. In 1931, his first solo exhibition was held in León. He was awarded a scholarship to study in Italy in 1933.
In 1936, during the Spanish Civil War, Vela Zanetti’s father was executed for his socialist beliefs. At the end of the war, in 1939, Vela Zanetti went into exile in the Dominican Republic, as did artists Josep Gausachs and Eugenio Granell.
Vela Zanetti was extremely successful in the Dominican Republic. He had his first solo exhibition in Santo Domingo a year after his arrival, and his career as a muralist flourished. Vela Zanetti was commissioned to paint more than 100 murals in the country, including works in the Justice Building, Central Bank and National Library (all in Santo Domingo). In addition to working as an artist, he became a professor at the National School of Fine Arts in Santo Domingo in 1945, and was named the school’s director in 1949.
Vela Zanetti won a Guggenheim Fellowship for Hispanic artists in 1951. He used the fellowship to travel to New York and decided to stay for several years. In 1953, he painted his most famous work Mankind's Struggle for a Lasting Peace, a mural at the UN headquarters in New York. Painted in a somber palette of blues and browns, the work depicts the horrors of war and shows people working together to rebuild the world.
In 1960 he returned to Milagros, Spain, living in the house where he was born. In his later years, the artist focused on easel paintings, particularly portraits, still lifes, landscapes and religious works.
He died in 1999.

On May 28 is the birthday of

Robert William Willson, American artist and sculptor born in 1912, notable for his creative use of solid glass.
Educated in the American Southwest and in Mexico, he also studied glass in Murano, Italy. He had an especially close artistic association with Venice, spending thirty-seven summers there making glass sculptures.
As a young man of twenty-three, Willson was swept up in the Mexican Revolution, briefly painted with Diego Rivera, and was befriended by Frida Kahlo, Jos Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, and Rufino Tamayo, many of whom he captured in photographs. Part of Mexican art history, too, Willson was among the first U.S.-born artists in the 1930s to adapt Mayan and Mexican folk art imagery. His art continually blended ancient Mayan imagery with ancient Venetian glassmaking techniques.
Willson was a diarist, correspondent, art magazine contributor, museum catalogue author, and loquacious television interview subject. His observations included prescient comments, not only about the future of glass in American art and architecture, but also about major and minor figures of Mexican and Italian art, the Mexican muralists of his youth, and three generations of Murano glass masters—Barbini, Zuffi, Guarnieri, Rosin, Signoretto, Raffaeli—all of whom he hired to execute his increasingly massive forms. Willson’s writings form an important international archive, part of the tradition of American artists who traveled abroad for instruction, exhibitions, acceptance, and recognition.
He died in 2000.

On May 29 is the birthday of

Alberto Urdaneta, Colombian artist and painter born in 1845. He was one of the most interesting personalities of the nineteenth century as a caricaturist, journalist, writer, art collector, farmer, military and professor; but all these facets of his life, it is worth noting his enthusiasm for culture, which encouraged him to be a fruitful cultural promoter.
He studied at the Institute of Christ, at the Seminary of the Jesuits and finally at the Academy of Mutis. In 1865 he traveled to Paris, where he learned the methods for agriculture and livestock. Back to the country in 1868, he was given the task of founding "El Agricultor", information organ that helped him start as a journalist. In 1876 he became actively involved with the guerrillas "El Mochuelo / The Little Owl", movement formed by young conservative fighting against the radical government of Aquileo Parra.
From his revolutionary position, he published the newspaper El Mochuelo (1877), characterized by its content of an open criticism of radicalism, accompanied by scathing caricatures that he himself created.
Apolitical, or better, accommodating all trends and parties. This strategy allowed him to have the cooperation of the personalities of art and literature. For this reason, his newspaper was regarded as a peace project in Colombia which was maintained during the nineteenth century.
He died in 1887.

On May 30 is the birthday of

Vanessa Bell (née Stephen), English painter and interior designer born in 1879, a member of the Bloomsbury Group and the sister of Virginia Woolf.
After the deaths of her mother in 1895 and her father in 1904, Vanessa moved to Bloomsbury with Virginia and brothers Thoby and Adrian, where they met and began socialising with the artists, writers and intellectuals who would come to form the Bloomsbury Group. The Bloomsbury Group's first Thursday evening meetings began at Bell's house in Gordon Square.
In 1906, when Bell started to think of herself as an artist, she formed the Friday Club to create a place in London that was more favourable to painting. Vanessa was encouraged by the Post-Impressionist exhibitions organised by Roger Fry, and she copied their bright colours and bold forms in her artworks. In 1914, she turned to Abstraction.
Bell rejected the examples of Victorian narrative painting and rejected a discourse on the ideal and aberrant qualities of femininity. Some of Vanessa Bell’s works were related to her personal life.
Bell is one of the most celebrated painters of the Bloomsbury group. She exhibited in London and Paris during her lifetime, and has been praised for innovative works during her early maturity and for her contributions to design.
She died in 1961.

Today, May 31, is the birthday of

Mikhail Vasilyevich Nesterov (Михаи́л Васи́льевич Не́стеров), Russian painter born in 1862, a major representative of religious Symbolism in Russian art.
He was a pupil of Pavel Chistyakov at the Imperial Academy of Arts, but later allied himself with the group of artists known as the Peredvizhniki. His canvas The Vision of the Youth Bartholomew (1890-91), depicting the conversion of medieval Russian Saint Sergei Radonezhsky, is often considered to be the earliest example of the Russian Symbolist style.
From 1890 to 1910, Nesterov lived in Kiev and Saint Petersburg, working on frescoes in St. Vladimir's Cathedral and the Church on Spilt Blood, respectively. After 1910, he spent the remainder of his life in Moscow, working in the Marfo-Mariinsky Convent. As a devout Orthodox Christian, he did not accept the Bolshevik Revolution but remained in Russia until his death, painting the portraits of Ivan Ilyin, Ivan Pavlov, Ksenia Derzhinskaya, Otto Schmidt, and Vera Mukhina, among others.
He died in 1942.

Aniversarios Fotografía (CXXV) [Mayo / May 23-31]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 23 de Mayo es el cumple de

Vitek Ludvik, fotógrafo de aventura y deporte, y cámara checo nacido en 1973.
Se inició en la fotografía a los 10 años con una cámara que le regaló su abuelo. A los 14 comenzó la escalada en roca, siempre con una cámara alrededor de su cuello. Después de acabar la escuela de ingeniería técnica, se fue a un viaje de surf en Hawai, donde descubrió la magia de la fotografía de paisajes.
Entró en serio en la fotografía en un viaje al Monte McKinley en 1996. Su trabajo fue publicado por primera vez en 1997 y ese mismo año, fundó Sharp Pictures, una agencia multimedia especializada en la industria del deporte internacional. Desde entonces ha estado trabajando como fotógrafo independiente. Fotografía catálogos y anuncios para varios clientes. También hace películas y colabora en ellas, como por ejemplo Goosneck y Real Night in Prague (bicicleta de montaña) y Just One Day (snowboard).

Peter Kraus, República Checa / Czech Republic.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Henry Wolf (diseñador gráfico, fotógrafo y director artístico estadounidense /
American graphic designer, photographer and art director)
Martin Parr (fotógrafo documental, reportero gráfico y coleccionista de photobooks británico /
British documentary photographer, photojournalist and photobook collector)


El 24 de Mayo es el cumple de

Sylvia Plachy, fotógrafa húngara / estadounidense nacida en Bodapest en 1943.
La familia de Plachy se trasladó a la ciudad de Nueva York en 1958, después de la revolución húngara. Ella comenzó a fotografiar en 1964 "con un énfasis en el registro del carácter visual de la ciudad junto con sus diversos ocupantes". Plachy estudió fotografía en el Instituto Pratt en Nueva York, recibiendo su Licenciatura en Bellas Artes. en 1965. Allí conoció al fotógrafo André Kertész, que se convirtió en su amigo de toda la vida.
Los ensayos y retratos fotográficos de Plachy han aparecido en The New York Times Magazine, The Village Voice, The New Yorker, Granta, Artforum, Fortune, y otras publicaciones. Ha expuesto en galerías y museos de Berlín, Budapest, Chicago, Minneapolis, Nueva York, París y Tokio, y su obra se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York, el Instituto de Arte de Minneapolis, el Houston Museum of Fine Arts y el Museo de San Francisco del Arte Moderno.
El primer libro de Plachy, "El tour sin guía de Sylvia Plachy", ganó el premio Infinity del Centro Internacional de Fotografía a la mejor publicación en 1991. Su libro "Autorretrato con vacas yendo a casa" (2005), una historia personal de Europa Central con fotografías y texto, recibió una Light Award de oro al mejor libro en 2004.
Plachy vive en la ciudad de Nueva York con su marido, Elliot Brody, y es la madre del ganador del premio de la Academia, el actor Adrien Brody.

"Jean Michel Basquiat"© Sylvia Plachy

Más sobre Basquiat en "El Hurgador" / More about Basquiat in this blog:
[Boz Mugabe (Pintura)], [Aniversarios Fotografía (XXII)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Dezider (Dezo) Hoffmann (fotógrafo, fotoperiodista y cameraman eslovaco o húngaro /
Slovakian or Hungarian photographer, photojournalist and cameraman)
Pierre Jamet (fotógrafo y cantante francés / French photographer and singer)


El 25 de Mayo es el cumple de

Luca Pierro, fotógrafo italiano nacido en Cantú, Como, en 1978. Actualmente vive y trabaja en Milán.
A lose trece años, cuando recibió su primera cámara, una Polaroid, se enamoró de la fotografía y el arte en general, bajo la influencia de sus padres (en particular su madre, una pintora). A los dieciséis años realizó sus primeros experimentos en el cuarto oscuro.

100 Self Portraits / Autorretratos, 2011

A los diecinueve se trasladó a Roma para realizar estudios universitarios en Derecho. Durante este período, sin dejar de lado su amor por la fotografía, se dedicó a la música, su otra gran pasión.
En los últimos años su investigación se ha centrado en retratos artísticos.
Inspirándose en la pintura y el surrealismo, Luca intentó recrear en sus retratos etéreas atmósferas surrealistas.
En lugar de confiar demasiado en las técnicas de manipulación visual de edición en post-producción, Pierro incorpora materiales naturales como harina, leche y agua en el marco de la toma.
Luca trabaja en publicidad para muchos clientes importantes como Samsung, Microsoft, KIA, Daily News, Bloomberg y más.
Ha expuesto en Italia y en el extranjero desde 2011 y ha recibido varios premios por su trabajo.

"Retratos fotográficos detrás del lienzo / Photographic Portraits Behind the Canvas"

Utilizando un marco y tela elástica, quise crear fotos que parecieran como pintadas en lienzo. Una vez más, intenté minimizar el uso del Photoshop. El resultado es realmente sorprendente. ¡Los modelos parecen pinturas del siglo XIX!

Using a frame and elastic fabric I wanted to create photography that seemed like painted canvas. Once again, I tried to minimize the use of Photoshop. The result is truly amazing. The models look like paintings from the nineteenth century!

Más sobre Luca Pierro en "El Hurgador" / More about Luca Pierro in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Tim Page (fotógrafo inglés / English photographer)
Nobuyoshi Araki (荒木 経 惟) (fotógrafo y artista contemporáneo japonés / 
Japanese photographer and contemporary artist)


El 26 de Mayo es el cumple de

Naomi Harris, fotógrafa canadiense nacida en Toronto en 1973, que vive en Nueva York, EE.UU.
Después de terminar su licenciatura en Bellas Artes por la Universidad de York, Toronto, se trasladó a Nueva York, donde recibió formación fotográfica en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York.
Se trasladó a Miami Beach en diciembre de 1999 para comenzar su primer proyecto personal que documenta el último hotel en South Beach que atendía a la tercera edad. El proyecto, denominado "Haddon Hall Hotel" recibió el Premio Internacional de Fotoperiodismo Joven presentado por Agfa y Das Bildforum en Alemania en 2001
Mientras vivía en Miami, frecuentaba una playa nudista donde comenzó a fotografiar compañeros amantes del sol. Poco después se enteró de que muchos de los otros asistentes de la playa eran también swingers. Después de asistir a una fiesta, decidió que tenía que fotografiar esta subcultura.
A su regreso a Nueva York en abril de 2002 se comenzó a investigar el estilo de vida e hizo su primera sesión con swingers en julio de 2003 en Black River Falls, WI. Este iba a ser la primera de más de 38 fiestas que fotografiaría durante 48 meses en todo los EE.UU..
El proyecto se realizó en América Swings, su primera monografía publicada por Taschen en octubre de 2008. Fue editada por Dian Hanson e incluye una entrevista realizada por el artista Richard Prince, que buscó a Harris después de ver su trabajo en The New Erotic Photography de Taschen.
La edición comercial de America Swings fue publicada por Taschen en agosto de 2010.

"Gemelos albinos idénticos, Colonia Acadia Hutterite /
Albino Identical Twins, Acadia Hutterite Colony", Manitoba, Jul., 2011
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Dorothea Lange, fotógrafa documentalista y fotoperiodista estadounidense / 
American documentalist photographer and photojournalist)
Jane Fulton Alt (fotógrafa estadounidense / American photographer)
Alex Timmermans (fotógrafo holandés / Dutch photographer)


El 27 de Mayo es el cumple de

April Saul, periodista ganadora del premio Pulitzer nacida en Brooklyn, Nueva York, en 1955. Se especializa en fotoperiodismo documental.
April Saul ha fotografiado y escrito para The Philadelphia Inquirer desde 1981. En 1997 Saul, junto con el reportero investigador Michael Vitez y fotógrafo Ron Cortés, fue galardonada con el Premio Pulitzer de periodismo explicativo por una serie de artículos sobre los cuidades al final de la vida, contando las historias de pacientes con enfermedades terminales que deseaban morir con dignidad.
Saúl se convirtió en fotógrafa de The Baltimore Sun en 1980, y al año siguiente se unió al personal del Philadelphia Inquirer. Fue la primera en recibir la beca Documental Nikon / NPPA Sabbatical por su trabajo sobre los refugiados Hmong en 1985.

"Camden en estado de sitio / Camden Under Siege"
Un joven llora en el funeral por su padre, asesinado a tiros en Camden /
A young boy cries at the funeral for his father, gunned down in Camden.

Durante los últimos veinticinco años, ha ganado numerosos premios.
En enero de 2006, Saul "se comprometió a documentar en las palabras y las fotos de todos los niños muertos por armas de fuego en la región de Filadelfia ocho condados en el año." La columna resultante en el Philadelphia Inquirer fue llamada "Kids, Armas de fuego y Cifras de Muertos".

En el campo de cruces de Camden, Tyesha Pegues llora por su hermana, a quien dispararon y mataron en la puerta de su apartamento / 
At the field of crosses in Camden, Tyesha Pegues grieves for her sister, who was shot and killed outside her apartment.

En 2012 Camden, Nueva Jersey, se convirtió no sólo en la ciudad más pobre de los Estados Unidos, sino también (como consecuencia de los masivos despidos en la seguridad pública el año anterior) en la más peligrosa. Al final del año, se habían registrado 67 homicidios, y aunque la mayoría estaban relacionados con drogas y guerras de bandas, muchos involucraron a niños y víctimas cuyo único crimen era vivir en Camden. Se convirtió en un año de activismo, con un torneo veraneo de boxeo de todo un día para promover la paz, y un campo de cruces frente al ayuntamiento para recordad las víctimas asesinadas y llamar la atención sobre la tragedia. En diciembre, una recompra de armas en Camden que se había producido solamente cerca de 50 armas de fuego en el año anterior, contabilizó más de mil armas de los residentes, muchos de los cuales citaron su frustración con toda esa violencia /
In 2012, Camden, NJ became not only the poorest city in America, but--following massive public safety layoffs the year before--the most dangerous. By year’s end, there were a record 67 homicides, and though most were related to drugs and gang warfare, many involved children and victims whose only crime was living in Camden. It became a year for activism, with a daylong summer boxing tournament to promote peace, and a field of crosses in front of City Hall to remember the murder victims and bring attention to the tragedy. By December, a gun buyback in Camden that had yielded only about 50 guns the year before netted over a thousand weapons from residents, many of whom cited frustration with all the violence.
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) (pintor y fotógrafo alemán / 
German painter and photographer)
Ingeborg Hermine "Inge" Morath (fotógrafa austriaca / Austrian photographer)


El 28 de Mayo es el cumple de

Luigi Veronesi, fotógrafo, pintor, escenógrafo y director de cine italiano nacido en 1908.
Comenzó su actividad artística en 1920 formándose como diseñador textil y practicando la fotografía. Fue presentado por Raffaelle Giolli a un grupo de intelectuales italianos asociados con la revista Polígono. A los 20 años estaba interesado por la pintura y tomó clases con el pintor napolitano Carmelo Violante, entonces profesor de la Academia Carrara de Bérgamo.
En 1932 viajó a París y conoció a Fernand Léger. Sus primeros trabajos fueron presentados en la Galería Il Milione de Milán. Aún era figurativo. Más tarde Veronesi comenzó a investigar en la dirección del arte abstracto. En 1934 exhibió obras xilográficas con el artista alemán Josef Albers en la Galería Il Milione. Ese mismo año se unió al grupo Abstracción-creación fotográfica en París, experimentó el constructivismo, y se adhirió al método Bauhaus. El 4 de marzo de 1935 participó en la primera exposición colectiva de arte abstracto de Italia en el taller de los pintores Felice Casorati y Enrico Paolucci en Turín, junto con los artistas Oreste Bogliardi, Cristoforo De Amicis, Ezio D'Errico, Lucio Fontana, Virginio Ghiringhelli, Osvaldo Licini, Fausto Melotti, Mauro Reggiani y Atanasio Soldati, firmando el Manifiesto de la primera exposición colectiva de arte abstracto italiano. En 1936 fue el ilustrador de un libro de geometría de Leonardo Sinisgalli y participó en la Trienal de Milán. Ese año también participó en una exposición de arte abstracto en la ciudad de Como con otros artistas. En 1939 realizó una exposición personal en la Galería L'Equipe en París.
Veronesi también fue activo en teatro y cine con nueve películas experimentales y abstractas realizados entre 1938 y 1980, siete de las cuales fueron destruidas durante los bombardeos en la Segunda Guerra Mundial.
Fue un artista polivalente y ecléctico que logró sintetizar los movimientos de vanguardia de diversas regiones de Europa.
Murió en 1998.

"Fotograma / Photogram", 1936
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Abe Frajndlich (fotógrafo estadounidense nacido en Alemania / American photographer born in Germany)
Sergei (o Siarhei) Brushko (Сергей Брушко) (fotógrafo bielorruso / Belarusian photographer)


El 29 de Mayo es el cumple de

Joyce Tenneson, fotógrafa artística estadounidense nacida en 1945, conocida por un estilo distintivo que a menudo incluye mujeres desnudas o semidesnudas. Tenneson dispara principalmente con una cámara Polaroid de 20 x 24. En una entrevista a una revista de fotografía, Tenneson aconseja a los artistas: "Creo muy firmemente que si vuelves a tus raíces, si te metes en ese territorio interior, puedes sacar a la luz algo que es indeleblemente tuyo y auténtico, como tu huella digital. Va a tener tu estilo, porque no hay nadie como tú."

"Transformaciones, Susana con serpiente / Transformations, Suzanne with Snake", 61 x 76 cm., Ed.20

De niña, sus padres trabajaban en un convento. Ella y su hermana "se apuntaron para estar en los concursos de vacaciones y procesiones Era un ambiente misterioso, algo felliniano, lleno de simbolismo, ritual, belleza y también una especie de inquietante imaginería surrealista."
Su obra se ha presentado en más de 100 muestras por todo el mundo. Tenneson ha realizado portadas para varias revistas, incluyendo Time, Life, Entertainment Weekly, Newsweek, Premiere, Esquire y la revista de The New York Times.

"Guerreras de la luz / Light Warriors, Dasha", 76 x 102

Más sobre Tenneson en "El Hurgador" / More about Tenneson in this blog:
[Dennis Mecham (Fotografía)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Paul Almásy (fotógrafo húngaro / Hungarian photographer)
Doris Ulmann (fotógrafa estadounidense / American photographer)


El 30 de Mayo es el cumple de

Pete Turner, fotógrafo estadounidense nacido en 1934 en Albany, Nueva York.
Es quizás más conocido como uno de los primeros maestros de la fotografía en color. PDN le votó como uno de los 20 fotógrafos más influyentes de todos los tiempos y en 1981 la Sociedad Americana de Fotógrafos de Medios (ASMP) le concedió el honor del Logro Excepcional en Fotografía.
El destacado crítico A. D. Coleman describió el trabajo de Pete Turner como poseedor de "sentido del acontecimiento, coloración intensa y saturada y una diferente, si no indescriptible, "otredad" omnipresente en sus imágenes".
Se graduó en el Instituto de Tecnología de Rochester en 1956 junto con sus compañeros Bruce Davidson y Jerry Uelsmann.
Sus fotografías se encuentran en las colecciones permanentes de los museos más importantes, incluyendo la Sociedad de Misiones Extranjeras de París (MEP), el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio y el International Center of Photography (ICP) en Nueva York. El George Eastman House en Rochester es el depositario de la obra de la vida de Turner y donde su exposición retrospectiva, "Pete Turner: Fortalecido por el color", se abrió en 2007.
En 1986 Turner publicó su primera monografía, "Fotografías Pete Turner" (Abrams). Su segundo libro, Pete Turner Viaje Africano (Graphis Inc., 2001), documenta las muchas aventuras de Turner en África, empezando por su viaje en 1959 desde Ciudad del Cabo a El Cairo con la famosa caravana Airstream de Wally Byam. El color del Jazz (Rizzoli, 2006) es una colección completa de sus provocadoras portadas para CTI Records, entre muchas otras.

"Jirafa / Giraffe", 1964 © Pete Turner
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Simon Arnaudin (Félix Arnaudin) (poeta y fotógrafo francés / French poet and photographer)
Agnès Varda (directora de cine, profesora y fotógrafa francesa / 
French film director, professor and photographer)


Hoy, 31 de Mayo, es el cumple de

Sean Leslie Flynn Carré, actor y reportero gráfico independiente estadounidense nacido en 1941, conocido por su cobertura de la guerra de Vietnam.
Flynn era el único hijo de actor australiano-estadounidense Errol Flynn y su primera esposa, la actriz francesa Lili Damita. Después de estudiar brevemente en la Universidad de Duke, se embarcó en una carrera como actor. Se retiró a mediados de la década de 1960 para convertirse en reportero gráfico independiente con un contrato para Time.

Duc Phong, Vietnam, 1966
Un joven sospechoso de pertenecer al Vietcong llora tras oir el disparo de un rifle. Sus captores, de la tribu china Nung, al servicio de la Fuerzas Especiales de los Estados Unidos, dicen haber matado a su padre, un ardid para hacer que el chico revele información sobre las guerrillas comunistas.

A young Viet Cong suspect cries after hearing a rifle shot.  His captors, Chinese Nung tribesmen in the service of the U.S.  Special Forces, pretended to shoot his father, a ruse designed  to make the boy reveal information about Communist guerrillas. (UPI)

Buscando imágenes excepcionales, viajó con unidades de las Fuerzas Especiales e irregulares que operaban en zonas remotas. Mientras cumplía una misión en Camboya en abril de 1970, Flynn y su compañero reportero gráfico Dana Piedra, fueron capturados por la guerrilla comunista. A ninguno de los dos se les volvió a ver.
En 1984, la madre de Flynn le declaró muerto en ausencia.

Vietnam, 1966.
"Un grupo de las Fuerzas Especiales cuelga y tortura a un Vietcong que ha matado a una niña / A U.S. Special Forces team strung up and tortured a Viet Cong who had shot a little girl", 
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Charlie G (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Eugene Hutchinson (fotógrafo estadounidense / American photographer)


Textos en inglés / English translation

On May 23 is the birthday of

Vitek Ludvik, Czech photographer of adventure and sports and cameraman born in 1973.
He started in photography at age 10 with a camera that was a gift from his grandfather. At 14 He started rock climbing and always had a camera around his neck. After finished technical engineering school, he left for a surfing trip to Hawaii where he discovered the magic of landscape photography.
He got seriously into photography on a trip to Mt. McKinley in 1996. His work was first published in 1997 and in the same year, he founded Sharp Pictures, a multimedia agency specializing in the international sport industry. Since then, he has been working as a freelance photographer. He shoots catalogs and ads for several clients. He also make and collaborate on movies, including Goosneck and Real Night in Prague (mountain biking) and Just One Day (snowboarding).

On May 24 is the birthday of

Sylvia Plachy, Hungarian/American photographer born in Bodapest in 1943. 
Plachy's family moved to New York City in 1958, after the Hungarian revolution. She started photographing in 1964 "with an emphasis of recording the visual character of the city along with its diverse occupants". Plachy studied photography at the Pratt Institute in New York City, receiving her B.F.A. in 1965. There she met the photographer André Kertész, who became her lifelong friend.
Plachy's photo essays and portraits have appeared in The New York Times Magazine, The Village Voice, The New Yorker, Granta, Artforum, Fortune, and other publications. They have been exhibited in galleries and museums in Berlin, Budapest, Chicago, Minneapolis, New York, Paris and Tokyo, and are in collection of the Museum of Modern Art in New York City, the Minneapolis Institute of Arts, the Houston Museum of Fine Arts, and the San Francisco Museum of Modern Art.
Plachy's first book, Sylvia Plachy's Unguided Tour, won the Infinity Award from the International Center of Photography for best publication in 1991. Her book Self Portrait with Cows Going Home (2005), a personal history of Central Europe with photographs and text, received a Golden Light Award for best book in 2004.
Plachy lives in New York City with her husband, Elliot Brody, and is the mother of Academy Award-winning actor Adrien Brody.

On May 25 is the birthday of

Luca Pierro, Italian photographer born in Cantú, Como, in 1978. He currently lives and works in Milan.
At the age of thirteen, when he received his first camera, a Polaroid, he falls in love with photography and art in general, under the influence of parents, in particular, his mother, a painter. At the age of sixteen tests the first experiments in the darkroom.
At nineteen he moved to Rome to undertake university studies in Law. During this period, while continuing to love photography, he devoted himself to the music, his other great passion.
In recent years his research focuses on artistic portraits.
Taking inspiration from painting and the surrealism in particular, Luca tried to recreate in his portraits ethereal surrealistic atmospheres.
Rather than relying too heavily on the visual manipulation techniques acquired through post-production editing, Pierro incorporates natural materials like flour, milk, and water on set, within the frame of the shoot.​
Luca works on advertising for many important clients like Samsung, Microsoft, KIA, Daily News, Bloomberg and more.
He has exhibited in Italy and abroad since 2011 and received several awards for his work.

On May 26 is the birthday of

Naomi Harris, Canadian photographer born in Toronto in 1973, living in New York, USA.
After completing her Bachelor in Fine Arts from York University, Toronto, she moved to New York where she received her photographic training at New York’s International Center of Photography.
She moved to Miami Beach in December 1999 to begin her first personal project documenting the last hotel in South Beach that catered to senior citizens. The project, called “Haddon Hall Hotel ” received The International Prize for Young Photojournalism presented by Agfa and Das Bildforum in Germany in 2001
While living in Miami, she would frequent a nude beach where she began photographing fellow sun worshipers. Shortly thereafter she learned that many of the other beach goers were also swingers. After attending a party she decided she had to photograph this subculture.
Upon returning to New York in April 2002 she began researching the lifestyle and did her first swinger shoot in July 2003 in Black River Falls, WI. This was to be the first of over 38 parties she would photograph in 48 months all over the US.
The project was realized in America Swings, her first monograph published by Taschen in October 2008. It was edited by Dian Hanson and includes an interview by artist Richard Prince who sought out Harris after seeing her work in Taschen’s The New Erotic Photography.
The trade edition of America Swings was released by Taschen in August 2010.

On May 27 is the birthday of

April Saul, Pulitzer Prize-winning journalist born in Brooklyn, New York, in 1955. She specializes in documentary photojournalism.
Saul has photographed and written for The Philadelphia Inquirer since 1981. In 1997, Saul, along with Inquirer reporter Michael Vitez and photographer Ron Cortes, was awarded the Pulitzer Prize in Explanatory Journalism for a series of articles on end-of-life care, telling the stories of terminally-ill patients who wished to die with dignity.
Saul became a photographer at The Baltimore Sun in 1980, and the following year, joined the staff of the Philadelphia Inquirer. She was the first recipient of the Nikon/ NPPA Documentary Sabbatical Grant for her work on Hmong refugees in 1985.
Over the last twenty-five years, she has won numerous honors.
In January 2006, Saul "vowed to document in words and photos the death of every child by gun in the eight-county Philadelphia region in 2006." The resulting column in the Philadelphia Inquirer was called "Kids, Guns and a Deadly Toll."

On May 28 is the birthday of

Luigi Veronesi, Italian photographer, painter, scenographer and film director born in 1908.
He started his artistic activity in the 1920s by training as textile designer and by practising photography. He was introduced by Raffaelle Giolli in a group of Italian intellectuals associated with the review Poligono. At the age of 20, he was interested for painting and took lessons with the Neapolitan painter Carmelo Violante, then professor at the Accademia Carrara of Bergamo.
In 1932 he travelled to Paris and met Fernand Léger. His first works were presented in the Gallery Il Milione in Milan. They were still figurative. Later, Veronesi started to research in the direction of abstract art. In 1934, he exhibits xylographic works with the German artist Josef Albers in the Gallery Il Milione. In the same year he joined the photographic group Abstraction-Création in Paris, he experimented constructivism, and adhered to the Bauhaus method. On 4 March 1935, he participated to the first collective exhibition of abstract art of Italy in the atelier of the painters Felice Casorati and Enrico Paolucci in Turin together with the artists Oreste Bogliardi, Cristoforo De Amicis, Ezio D'Errico, Lucio Fontana, Virginio Ghiringhelli, Osvaldo Licini, Fausto Melotti, Mauro Reggiani and Atanasio Soldati, who signed the Manifest of the first collective exhibition of Italian abstract art. In 1936, Veronesi was the illustrator of a geometry book of Leonardo Sinisgalli and he participated to the triennal of Milan. In that year he also participated to an exhibition of abstract art in the city of Como with other artists. In 1939 he made a personal exhibition in the Gallerie L'Equipe in Paris.
Veronesi was also active in theatre and cinema with nine experimental and abstract films made between 1938 and 1980, seven of which were destroyed during bombing in World War II.
He was a polyvalent and eclectic artist who managed to synthesise the avant-garde movements of various regions of Europe.
He died in 1998.

On May 29 is the birthday of

Joyce Tenneson, American fine art photographer born in 1945, known for her distinctive style of photography, which often involves nude or semi-nude women. Tenneson shoots primarily with the Polaroid 20x24 camera. In an interview with a photography magazine, Tenneson advised artists: "I very strongly believe that if you go back to your roots, if you mine that inner territory, you can bring out something that is indelibly you and authentic - like your thumbprint. It's going to have your style because there is no one like you." As a child, her parents worked on the grounds of a convent. She and her sister "were enlisted to be in holiday pageants and processions. It was a mysterious environment - something out of Fellini - filled with symbolism, ritual, beauty, and also a disturbing kind of surreal imagery."
Her work has been displayed in more than 100 exhibitions around the world. Tenneson has had cover images on several magazines including Time, Life, Entertainment Weekly, Newsweek, Premiere, Esquire and The New York Times Magazine.

On May 30 is the birthday of

Pete Turner, American photographer born in 1934 in Albany, New York.
He is perhaps best known as one of the first masters of color photography. PDN voted him as one of the 20 most influential photographers of all time and in 1981 the American Society of Media Photographers (ASMP) awarded him its Outstanding Achievement in Photography honor.
Noted critic A. D. Coleman described the work of Pete Turner as having "A dramatist's sense of event, intense and saturated coloration, and a distinct if indescribable otherness are omnipresent in Turner's images".
He graduated from the Rochester Institute of Technology in 1956 along with classmates Bruce Davidson and Jerry Uelsmann.
His photographs are in the permanent collections of many major museums, including the Paris Foreign Missions Society (MEP), the Tokyo Metropolitan Museum of Photography and International Center of Photography (ICP) in New York. The George Eastman House in Rochester is the depository of Turner’s life’s work and where his retrospective exhibit, “Pete Turner: Empowered by Color”, opened in 2007.
In 1986, Turner published his first monograph, Pete Turner Photographs (Abrams). His second book, Pete Turner African Journey (Graphis Inc., 2001), documents Turner's many adventures in Africa, beginning with his trek in 1959 from Cape Town to Cairo with Wally Byam's famous Airstream caravan. The Color of Jazz (Rizzoli, 2006) is a comprehensive collection of his provocative album covers for CTI Records among many others.

Today, May 31, is the birthday of

Sean Leslie Flynn Carré, American actor and freelance photojournalist born in 1941, best known for his coverage of the Vietnam War.
Flynn was the only child of Australian-American actor Errol Flynn and his first wife, French actress Lili Damita. After studying briefly at Duke University, he embarked on an acting career. He retired by the mid-1960s to become a freelance photojournalist under contract to Time.
In a search of exceptional images, he traveled with Special forces units and irregulars operating in remote areas. While on assignment in Cambodia in April 1970, Flynn and fellow photojournalist Dana Stone were captured by communist guerrillas. Neither man was seen or heard from again.
In 1984, Flynn's mother had him declared dead in absentia.

Hiroki Kakinuma [Pintura]

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Hiroki Kakinuma
柿沼 宏樹


Hiroki Kakinuma es un artista mitad indonesio que nació en 1985 y se crió en Tokyo.
Es ya popular entre los coleccionistas asiáticos, especialmente en Indonesia. Sus obras se caracterizan por audaces composiciones y una elaborada descripción de los motivos. Los escenarios que crea escapan al sentido común en términos de tiempo y espacio, y puedes encontrarte con la sensación de estar perdido en un mundo de ciencia ficción.
Una vez observados sus trabajos desde cierta distancia, uno siente la necesidad de acercarse para apreciar los detalles más interesantes. Sus sofisticadas obras fascinan a la gente de la misma forma que lo hace una maquinaria de precisión japonesa.

"来るべき日本 / Futuro Japón / Future Japan"
Óleo y pluma sobre panel de madera / oil, pen on wood panel, 116,5 x 80,5 cm., 2007

"鉄塔より愛を込めて / Desde la torre de hierro con amor / From the Iron Tower With Love"
Óleo y témpera sobre panel / oil and tempera on panel, 162 × 162 cm., 2014

Un bebé monstruo similar a Godzilla ruge en lo alto de una torre de hierro. Debajo de la torre, otro mira hacia arriba rugiendo. El artista dibujó esto empleando un efecto especial, planteándose que sería como si pudiéramos eliminar los problemas causados por las plantas de energía nuclear, reviviendo a Godzilla con una bomba de hidrógeno. Sin embargo no es una convicción personal del artista, sino un pequeño pensamiento de que sería bueno que pasaran este tipo de cosas. El amor está dado por las contradicciones que surgen allí, efectos especiales y los incidentes que ocurren en la torre.


A Godzilla-like baby monster at the top of the iron tower is roaring. At the bottom of the tower, another one is looking up and roaring. The artist drew this employing a special effect, wondering what it would be like if we could eliminate problems caused by nuclear power plants by reviving Godzilla born from a hydrogen-bomb. However this is not the artist’s personal conviction, but just a small thought that it may be nice if this kind of thing happens. Love is given to contradictions arising from it, special effects, and incidents that occurred at the tower.

"La gran muralla / The Great Wall", 116 x 65,7 cm., 2008

"渓山偏在図", 116,7 × 90,9 cm., 2011

«La extraña existencia que se acerca a nuestra esfera de vida es como la imagen de un monstruo que aparecía en Ultraman (un superhéroe japonés), y que vi en la televisión cuando era un niño. Al mismo tiempo, representando la vida de la gente común, yo trato como tema el hecho de que hay sólo una delgada línea entre los "días ordinarios" y el "miedo" oculto, simbolizado por monstruos inesperados.»

"獣機 / Máquina bestia / Beast Machine"
´Óleo y témpera sobre panel de madera / oil, tempera on wood panel,  90 x 180 cm., 2010

"獣機 / Máquina bestia / Beast Machine"" (detalle / detail)

"渓山自縛図 / Atrapado entre una roca y un lugar difícil / Caught Between a Rock and a Hard Place"
Óleo y témpera sobre panel de madera / oil, tempera on wood panel, 180 x 81,5 cm., 2010

"軍鶏も鳴かずば / Si no languidece ni siquiera Shamo / If not Languish Even Shamo", 112 x 162,1 cm., 2014

"塔 / La torre / The Tower", óleo y témpera sobre panel de madera / oil, tempera on wood panel, 90,7 x 65 cm., 2012

Hiroki Kakinuma is a half Indonesian artist born in 1985. He grew up in Tokyo. 
He is already a popular artist among Asian collectors especially Indonesia. His artworks are characterized by the bold compositions of bird's-eye view and elaborated description of motifs. The stage he creates goes freely beyond
the common senses in terms of times and places and you may find yourself having an illusion that you are lost in a world of science fiction.
After appreciating his artworks from a distance you feel the need of come closer to look for the most interesting details. His sophisticated artworks must fascinate a lot of people the same as they do Japanese precision machine.

"Respuesta no manifestada B / Unmanifested Response B", 97 x 162,1 cm., 2011

"岐路 / Encrucijada / Crossroads", óleo sobre panel / oil on panel, 165 x 165 cm., 2008
En la encrucijada de la vida. La Torre de Babel en construcción / 
At the crossroads of life. The Tower of Babel under construction.

"咆哮", 116,8 x 72,8 cm., 2012

"Si tan sólo los gallos de riña no hubieran llorado... / Only if Fighting Cocks did not Cry..."
Óleo y témpera sobre panel / oil, tempera on panel, 2014

Dos gigantescos gallos de riña descienden sobre un complejo habitacional similar a uno en el que el artista se crió. Este complejo, una pequeña parte de Tokyo que él conoció y que ya no existe, es muy diferente del glamoroso Tokyo que todos tienen en mente. Este es el primer acercamiento a la serie "Complejo de Tokyo", con la que el artista refleja una triste realidad y una sensación de pérdida de su hogar.


Two giant fighting cocks descend on a housing complex similar to the one where the artist grew up, as a motif. This housing complex, a tiny piece of Tokyo that he knows and no longer exists, is far different from the glamorous Tokyo that everybody has in their minds. This is his first attempt at a “Tokyo Complex” (what the artist wants to call it) series to reflect the sad reality and a sense of loss of his home.

"Realidad no manifiesta / Un manifested Reality"
Óleo y témpera sobre panel de madera / oil, tempera on wood panel, 125 x 284 cm., 2011

"生きとし、生ける都市 / Ciudad viva / Living City"
Óleo y témpera sobre panel de madera / oil, tempera on wood panel, 60,3 × 91 cm., 2009

«The uncanny existence approaching our sphere of life is like an image of a monster that appeared in the Ultraman (a Japanese super hero) which I watched on TV when I was a child. At the same time, by depicting the life of ordinary people I deal with the fact, as a theme, there is only a thin line between "ordinary days" and hidden "fear" symbolized by unexpected monsters.»

"Turbina / Turbine(布石)", 27,3 x 45,5 cm., 2011

"キセイ / Parásitos / Parasites"
Óleo y pluma sobre panel de madera / oil, pen on wood panel, 91 x 116,5 cm., 2010

Más imágenes e información sobre Hiroki en / More images and information about Hiroki in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Hiroki!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hiroki!)

Levon Biss, Proyecto Microescultura [Macrofotografía]

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No hace mucho Mafa Alborés presentaba en su blog "La voz del animal invisible" un artículo sobre los retratos de insectos de Levon Biss. Allí se indicaba que la técnica utilizada es lo que en el medio se conoce como "fotografía de juntura", y que el propio Levon explica más abajo. Sobre estos acercamientos hiperdellados de las criaturas observadas, apuntaba Mafa:
"...del mismo modo en que Swift situaba a Gulliver en diferentes perspectivas metafóricas de la humanidad (la simplificación liliputiense de las formas humanas aparentemente bellas pero de bajas y mezquinas motivaciones en contraste con la grandeza llena de innumerables defectos visibles de los gigantescos habitantes de Brobdingnag) las imágenes obtenidas por Biss ofrecen, además de un eficiente recurso expositivo y de estudio, una oportunidad para reflexionar sobre el concepto de escala, y cómo ésta forma parte de los criterios para definir lo extraordinario y lo monstruoso, de hecho uno de los recursos más antiguos para la creación de criaturas fantásticas."
Gracias a la amabilidad de Levon, les dejo aquí mi propia selección junto con información y datos sobre el complejo sistema de construcción de estas magníficas imágenes.

Not long ago Mafa Albores posted in his blog "The voice of the invisible animal" an article about the portraits of insects by Levon Biss. There he pointed that the technique used is what is known in the media as "joint photograph", explained below by Levon himself. About these hyperdetailed approaches of these creatures, Mafa wrote:
"... Just as Swift placed Gulliver in different metaphoric perspectives of mankind (the Lilliputian simplification of seemingly beautiful human forms but low and petty motives, in contrast to the grandeur filled with countless visible defects of the gigantic inhabitants of Brobdingnagian) the images obtained by Biss offer, besides an efficient exhibition and study resource, an opportunity to reflect on the concept of scale, and how it is part of the criteria for the extraordinary and the monstrous, in fact one of the oldest means to create fantastic creatures."
Thanks to the kindness of Levon, I leave here my own selection along with information and data about the complex system of construction of these magnificent images.
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Levon Biss

Levon trabajando en su estudio / at work in his studio
fotograma del video que puede verse más abajo / still of the video you can see below

Levon Biss es un fotógrafo británico nacido en 1975 con sede en Londres. Su obra se centra en el mundo del deporte, capturando la pureza y emoción del movimiento, tanto en grandes producciones como trabajos personales documentales. 
Levon ha fotografiado campañas para marcas internacionales durante los últimos 18 años. Su trabajo ha aparecido en portadas de publicaciones como la revista Time, y ha producido un libro sobre el fútbol a nivel mundial titulado "Un amor / One Love".
Su pasión por la naturaleza y la fotografía se han reunido para crear "Microescultura", un estudio fotográfico único de los insectos con una ampliación extraordinaria. Para este último proyecto personal, Biss ha abordado el mundo de la macrofotografía, llevándolo a un nuevo nivel. Sus tomas capturan con un detalle asombroso la belleza del mundo de los insectos, imprimiéndolas en formatos a gran escala que ofrecen a la audiencia una inolvidable experiencia visual.

Jewel Longhorn Beetle
Sternotomis sp. (Coleoptera, Cerambycidae)

Jewel Longhorn Beetle (detalle / detail)
Sternotomis sp. (Coleoptera, Cerambycidae) 

La actividad de realizar estas imágenes de insectos comenzó como un proyecto colateral, en su casa, y utilizaba bichos capturados por su propio hijo. Pero vertió toda su habilidad como fotógrafo y maestro de la iluminación en esas imágenes, y cuando las mostró al Museo de Historia Natural de la Universidad de Oxford, nació el proyecto Microescultura, y sus especímenes se volvieron mucho más intrincados.
Seleccionando en la masiva colección de insectos del museo, Biss escogió los especímenes más coloridos, con texturas más bellas y perfectamente preservados que se conservan en el museo, y se los llevó a casa para producir las imágenes.

Orange Net-winged Beetle
Lycus constrictus (Coleoptera, Lycidae)

Orchid Cuckoo Bee
Exaerete frontalis (Hymenoptera, Apidae)

«Cada imagen del proyecto Microescultura está creada a partir de cerca de 8000 fotografías individuales. El insecto pinchado en un alfiler es situado en el set de un microscopio adaptado que me permite un completo control del espécimen posicionado frente a las lentes. Disparo con una cámara de 36 megapixels con un objetivo de microscopio 10x incorporado a través de lentes prime de 200 mm.
Fotografío al insecto en aproximadamente 30 secciones diferentes, dependiendo del tamaño del espécimen. Cada sección es iluminada de forma diferente con luces estroboscópicas para obtener la belleza microescultórica de cada sección particular del cuerpo. Por ejemplo, ilumino y disparo sólo una antena; una vez completada esta área, me muevo hacia el ojo y la configuración de iluminación cambia completamente para captar la textura y contornos de esa parte del cuerpo. Continúo este proceso hasta haber cubierto toda la superficie del insecto.»

Levon trabajando en su estudio / at work in his studio
fotograma del video que puede verse más abajo / still of the video you can see below

Orchid Cuckoo Bee (detalle / detail)
Exaerete frontalis (Hymenoptera, Apidae)

«Debido a la escasa profundidad de campo que proveen esas lentes, cada fotografía individual sólo contiene un mínimo deslizamiento del foco. Para permitirme capturar toda la información que necesito para crear una imagen completamente enfocada, la cámara está montada sobre un riel electrónico que programo para que avance 10 micrones entre toma y toma. Para que te hagas una idea de cuánto es esto, un cabello humano promedio tiene alrededor de 75 micrones de ancho. La cámara se mueve lentamente a lo largo del insecto creando un conjunto de imágenes que tienen, cada una, un mínimo plano enfocado. A través de un proceso de varios apilados, hago esas imágenes planas creando una única en la que todo el insecto está completamente enfocado.
Repito este proceso en todo el cuerpo del insecto, y una vez que tengo 30 secciones completamente enfocadas, las junto en Photoshop para crear la imagen final. De principio a fin, la fotografía final me puede insumir alrededor de 3 semanas entre tomas, procesamiento y retoque.»

Burrowing Ground Beetle
Scarites sp. (Coleoptera, Carabidae)

Short Nosed Weevil

Wasp Mimic Hoverfly
Cerioides sp. (Diptera, Syrphidae)

Desde el 27 de Mayo, y hasta el 30 de Octubre, tiene lugar una exhibición de la obra de Levon. El Museo de Historia Natural, que recibe alrededor de 650.000 visitantes al año, cuenta con una colección de insectos de relevancia internacional, con más de 7 millones de especímenes recogidos en cada país del mundo, incluidas algunas de las regiones e islas más remotas. 
La colección de entomología también tiene un significativo valor cultural e histórico, ya que contiene los más antiguos especímenes, y miles de insectos recolectados por biólogos y exploradores victorianos pioneros, como Charles Darwin y Alfred Russel Wallace.
La muestra se despliega en la sala principal del museo, rodeada de una maravillosa arquitectura neogótica. Las impresiones fotográficas de las Microesculturas más grandes miden hasta tres metros y rodean al visitante. Presentadas junto con los pequeños especímenes, esta inmensa transformación de escala ofrece una experiencia visual única.

Wasp Mimic Hoverfly (detalle / detail)
Cerioides sp. (Diptera, Syrphidae)

Darkling Beetle
Stenocara eburnea (Coleoptera, Tenebrionidae)

Levon trabajando en su estudio / at work in his studio
fotograma del video que puede verse más abajo / still of the video you can see below

Levon Biss is a British born London-based (1975) photographer, concentrates on the world of action and sport, capturing the purity and emotion of movement in both large productions and personal documentary work.
Levon has been shooting campaigns for international brands for the last 18 years.  His work has graced the covers of publications such as TIME Magazine and he has produced a best selling book on the global game of soccer titled ‘One Love’.
Biss’s passion for nature and photography have now come together to create Microsculpture, a unique photographic study of insects in mind-blowing magnification.  For his latest personal project, Biss embraced the world of macrophotography and has taken the genre to a new level.  His photographs capture in breathtaking detail the beauty of the insect world and are printed in large-scale formats to provide the audience with an unforgettable viewing experience.

Tricolored Jewel Beetle
Belionota sumptuosa (Coleoptera, Buprestidae)

Flying Saucer Trench Beetle
Lepidochora porti (Coleoptera, Tenebrionidae)

This capture of insects started as a side-project in his home, and featured bugs caught by his own son. But he poured his whole skill as a photographer and light master into those images, and when he showed them to the Oxford University Museum of Natural History, Microsculpture was born and his specimens got a LOT more intricate.
With his pick of the museum’s massive collection of insects, Biss picked some of the most colorful, beautifully textured, and perfectly preserved specimens the museum had on hand and took them home to produce these images.

Green Tiger Beetle
Cicindela campestris (Coleoptera, Carabidae)

Levon trabajando en su estudio / at work in his studio
fotograma del video que puede verse más abajo / still of the video you can see below

Treehopper
Membracis sp. (Hemiptera, Membracidae)

«Each image from the Microsculpture project is created from around 8000 individual photographs.  The pinned insect is placed on an adapted microscope stage that enables me to have complete control over the positioning of the specimen in front of the lens.  I shoot with a 36-megapixel camera that has a 10x microscope objective attached to it via a 200mm prime lens.
I photograph the insect in approximately 30 different sections, depending on the size of the specimen.  Each section is lit differently with strobe lights to bring out the micro sculptural beauty of that particular section of the body.  For example, I will light and shoot just one antennae, then after I have completed this area I will move onto the eye and the lighting set up will change entirely to suit the texture and contours of that part of the body.  I continue this process until I have covered the whole surface area of the insect.»

Tortoise Beetle
Platypria melli (Coleoptera, Chrysomelidae)

Mantis-Fly
Mantispa sp. (Neuroptera, Mantipidae)

Mantis-Fly (detalle / detail)
Mantispa sp. (Neuroptera, Mantipidae)

«Due to the inherent shallow depth of field that microscope lenses provide, each individual photograph only contains a tiny slither of focus.  To enable me to capture all the information I need to create a fully focused image, the camera is mounted onto an electronic rail that I program to move forward 10 microns between each shot.  To give you an idea of how far that is, the average human hair is around 75 microns wide.  The camera will then slowly move forward from the front of the insect to the back creating a folder of images that each have a thin plane of focus.  Through various photo-stacking processes I flatten these images down to create a single picture that has complete focus throughout the full depth of the insect.
I repeat this process over the entire body of the insect and once I have 30 fully focused sections I bring them together in Photoshop to create the final image.  From start to finish, a final photograph will take around 3 weeks to shoot, process and retouch.»

Ground Beetle
Carabus (Coptolabrus) elysii (Coleoptera, Carabidae)

Marion Flightless Moth
Pringleophaga marioni (Lepidoptera, Teneidae)

From May 27, until October 30, it takes places an exhibition of Levon's work. The Museum of Natural History receives around 650,000 visitors a year, has an internationally-important insect collection contains more than seven million specimens drawn from every country in the world, including specimens from some of the most remote regions and islands. 
The entomology collection also has significant cultural and historical value, containing the world’s oldest pinned insect specimen and many thousands of insects collected by pioneering Victorian explorers and biologists such as Charles Darwin and Alfred Russel Wallace.
On show in the main court of the Museum, surrounded by stunning Neo-Gothic architecture, the largest of Microsculpture’s photographic prints measure up to three metres across and surround the visitor. Seen alongside the tiny insect specimens themselves, this huge transformation of scale offers a unique viewing experience.

Tiger Beetle
Cicindelinae sp. (Coleoptera, Carabidae)

Splendid-necked Dung Beetle
Helectopleurus splendidicollis (Coleoptera, Scarabaeidae)
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Fuentes / Sources:
* Website
* Exposición en el Museo de Historia Natural de la Universidad de Oxford / 
Exhibition at Oxford University Museum of Natural History. Link
* Artículo (Abril, 2016) en / Article (April, 2016) inPetapixel
* La voz del animal invisible (Mayo, 2016) / The Voice of the Invisible Animal (May, 2016). Link

Más imágenes e información en / More images and information in:
Website, Microsculpture, Oxford Museum

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Levon!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Levon!)





Pintando perros / Painting Dogs (XLVIII) - Alex Colville

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Los perros de / The Dogs of Alex Colville

Alex Colville. Foto / PhotoArnaud Maggs, 1983

David Alexander Colville fue un pintor canadiense nacido en 1920 en Toronto, que se mudó pronto a St. Catharines y a Nueva Escocia, en 1929.
Asistió a la Mount Allison University graduándose con un Bachiller en Bellas Artes. Pintó en Yorkshire y tomó parte en los desembarcos de la Real Marina Canadiense en el sur de Francia. Más tarde fue asignado a la 3ª División Canadiense. Estuvo dos años en el ejército, y como era estudiante de Bellas Artes, fue convertido en artista de guerra en mayo de 1944. Estuvo en Holanda y Alemania, y también se el encargó la tarea de representar los horrores del campo de concentración de Bergen-Belsen. A su regreso tras la guerra, dio clases en la Universidad de Mount Allison entre 1946 y 1963. Más tarde lo dejó para dedicarse a la pintura y la impresión desde su estudio en la calle York.
Murió el 16 de julio de 2013.

"Perro y gato / Dog and Cat"
Emulsión de polímero acrílico sobre hardboard / acrylic polymer emulsion on hardboard, 1986

"Perro y niña / Dog and Child", témpera sobre masonita / tempera on masonite, 80,9 x 60,8 cm., 1952
National Gallery (Ottawa, Canadá)

Colville explora con valentía los problemas de confianza y vulnerabilidad entre los seres humanos y animales en este retrato de una niña y su perro. La niña no aparece intimidada por la mirada audaz del animal y el collar tachonado. Visto desde fuera, no nos sentimos tan confiados. Uno no se puede dejar de sentirse incómodo por cómo Colville nos lanza hacia una escena bien compuesta para observar el encuentro a nivel visual. Como la mayoría de los perros en sus cuadros, este está basado en una mascota de la familia: "[Él] fue un gran perro mestizo y nuestros hijos eran muy jóvenes. Y era muy protector con los niños, así que podía asustar a otros niños o adultos si pensaba que podrían dañar a nuestros hijos". Colville decidió sacrificar al perro debido a las quejas de un vecino, una decisión que más tarde, según describió, le produjo un "profundo remordimiento".

Colville boldly explores issues of trust and vulnerability between humans and animals in this portrait of a girl and her dog. The toddler is unintimidated by the animal’s bold stare and studded collar. Looking in from the outside, we are not so trusting. You cannot help but feel uncomfortable as Colville pulls us into a tightly composed scene to view the encounter at eye level. Like most of the dogs in his paintings, this canine was based on a family pet: “[He] was a big mongrel dog and our children were very young. And he was very protective of the children so he would scare other children or adults if he thought they might harm our kids.” Colville decided to put the dog down after a neighbour complained about the animal: a decision he later described as an “enormous regret.”
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"Sala de estar / Living Room"
Acrílico sobre masonita / acrylic on masonite, 41,8 × 58,5 cm., 1999-2000. National Gallery (Ottawa, Canadá)

"Parada de camiones / Truck Stop", acrílico sobre panel / acrylic on board, 1966

Sus pinturas tienen más afinidad con con los Precisionistas estadounidenses de la década de 1930 que con el fotorrealismo. Sus perfectas composiciones están basadas en abundantes bocetos y estudios, que primero se convierten en un esquema abstracto y geométrico, antes de realizar los dibujos a partir del modelo del natural, y proporcionados de acuerdo al formato planeado. Sólo entonces tiene lugar el lento y paciente proceso de la pintura. Capa sobre capa de fina pintura es aplicada sobre los paneles de madera imprimados, y la superficie opaca finalmente es sellada con laca transparente. El proceso a veces puede llevar meses. 

"Perro dorado / Golden Dog", serigrafía / screenprint, 10 1/4" x 24 3/4", 1987. Ed.70

"Cocina / Stove", serigrafía / screenprint, 49,8 x 49,8 cm., 1988. Ed.70

Colville era un amante de los perros y otros animales. Fueron los personajes principales en algunas de sus pinturas más memorables. Un sabueso corriendo por un campo invernal. Un caballo negro galopando hacia la puerta abierta de un cementerio. Una vaca descansando bajo la luna llena.
En el universo de Colville, sin embargo, tal inocencia enmascara, inevitablemente, alguna clase de peligro inminente. Para cada signo visible de calma o pureza (el cuerpo de una mujer desnuda, una pradera dorada, una extensión plana de agua) hay su correspondiente sugerencia de un peligro (un cielo tormentoso, un arma sobre la mesa). En la pintura de Colville, siempre parece que algo está a punto de suceder.

"Sauce / Willow", 70 x 43,2 cm., 2002. Ed.70

"Mujer, perro y canoa / Woman, Dog and Canoe", serigrafía / screenprint, 1982

Alex Colville was a Canadian painter born in 1920 in Toronto, he moved soon to St. Catharines and Nova Scotia in 1929. He attended the Mount Allison University and graduated with a Bachelor in Fine Arts. He painted in Yorkshire and took part in the Royal Canadian Navy's landings in southern France. He was in the army for two years, and because he was a fine-arts student, he was made a war artist in May 1944. He continued on to tours in the Netherlands and Germany, where he was also tasked with depicting the horrors of the Bergen-Belsen concentration camp. On his return after the war, he taught at Mount Allison University between 1946 and 1963. He left teaching to devote himself to painting and print-making full-time from a studio in his home on York Street
He died on July 16, 2013.

"Mujer y terrier / Woman and Terrier"
Emulsión de polímero acrílico sobre hardboard / acrylic polymer emulsion on hardboard, 60.9 x 60.9 cm., 1963.
Colección privada / Private Collection. © A.C. Fine Art Inc. Foto / Photo: Earnest Mater, Winnipeg Art Gallery.

"Bahía / Harbour"
Emulsión de polímero acrílico sobre hardboard / acrylic polymer emulsion on hardboard, 34,3 x 54,6 cm., 1975

His bear more affinity to the American Precisionists of the 1930s than to photo-realism. His perfect compositions are based on an abundance of sketches and studies, which are first brought into an abstract, geometric scheme before drawings are made from the live model and proportioned according to the planned format. Only then does the slow and patient process of painting begin. Layer upon layer of thinned paint is applied to a primed wooden panel, and the opaque surface finally sealed with transparent lacquer. The process can often take months.

Colville en el balcón de su apartamento en Berlín, durante una residencia /
Colville on the balcony of his apartment in Berlin, during a residency there, 1971

"Perro y cepillado / Dog and Groom", emulsión de polímero acrílico sobre hardboard / 
acrylic polymer emulsion on hardboard, 62,4 × 72 cm., 1991
Colección privada / Private collection. © A.C. Fine Art Inc. Foto / Photo: Felix Plawski Photography.

Aquí Colville revela su profundo respeto por los animales con el rol inverso: un hombre sirviendo a su perro. La pintura muestra una relación de confianza y cariño. La mano del hombre bajo el cuello del perro sujeta, pero no retiene al animal. Como en muchas de las representaciones de Colville de la gente, el hombre aparece abstraído en su tarea, mientras el perro mira directo al espectador, viendo lo que el hombre no puede ver. Colville era claro sobre su admiración por los perros: "si existiera la reencarnación (o sea, si volvieramos a otro cuerpo, literalmente), no me importaría ser un perro. Sus vidas me parecen absolutamente inocentes."

Here, Colville reveals his deep respect for animals with a role reversal: a man serving his dog. The painting shows a caring and trusting relationship. The man’s hand under the dog’s neck steadies, rather than restrains, the animal. As in many of Colville’s representations of people, the human is distracted by his task, while the dog looks straight at the viewer, seeing what the man cannot. Colville was forthright about his admiration for dogs: “if it were a question of reincarnation – that is, being embodied again, literally – I wouldn’t mind just being a dog. Their lives seem to me to be entirely innocent.”
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"Sabueso en el campo / Hound in Field"
Témpera a la caseína sobre masonita / casein tempera on masonite, 76.3 × 101.5 cm., 1958
National Gallery (Ottawa, Canadá) © A.C. Fine Art Inc. Foto / Photo: © AGO.

Izq./ Left: "Perro y hueso / Dog and Bone", 1961
Der./ Right: "Perro y puente / Dog and Bridge", 1976

"El río Spree / The River Spree"
Emulsión de polímero acrílico sobre hardboard / acrylic polymer emulsion on hardboard, 60 x 104 cm., 1971
Museum der moderner Kunst (Viena / Vienna, Austria) Leihgabe Sammlung Ludwig/Aachen

"Perro nadando y canoa / Swimming Dog and Canoe", 11" x 15 1/2", 1979

"Chico, perro y río San Juan / Boy, Dog And St John River", acrílico / acrylic, 38,75 x 51 cm., 1958

Colville was a lover of dogs and other animals. They are main characters in some of his most memorable paintings. A hound runs in a wintry field. A black horse gallops towards the open gate of a churchyard. A cow rests under a full moon. 
In Colville’s universe, however, such innocence inevitably masks some kind of looming danger. For each outward sign of calm or purity (a woman’s naked body, a golden meadow, a flat expanse of water), there is a corresponding suggestion of menace (a stormy sky, a gun on a table). In a Colville painting, it always seems as if something is about to happen.

"Perro en coche / Dog in Car"
Emulsión de polímero acrílico sobre hardboard / acrylic polymer emulsion on hardboard, 36 x 62,4 cm., 1999
Art Gallery of Nova Scotia (Halifax, Canadá)

"Perro y sacerdote / Dog and Priest", emulsión de polímero acrílico sobre hardboard / 
acrylic polymer emulsion on hardboard, 52 × 90 cm., 1978
Colección de / Collection of Jean and Bill Teron

Esta pintura, en la cual un perro de líneas puras y aspecto noble obstruye la figura de un hombre, subraya la profunda reverencia de Colville hacia los animales. La cabeza del perro esconde el rostro del sacerdote, y el collar del perro aparece en el lugar donde el cura lleva el alzacuellos blanco. El perro aparece dignificado, sabio y bueno; sus ojos amarillos miran hacia el río, pero ¿qué nos dice ésto sobre el sacerdote detrás de él?

This painting, in which a sleek and noble-looking dog obstructs the figure of a man of the cloth, underscores Colville’s deep reverence for animals. The dog’s head obscures the face of the priest, with the dog’s collar appearing in the place of the minister’s usual white neckline. The dog appears dignified, wise and good, his yellow eyes gazing out across the water, but what does this say about the priest behind him?
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"Waterville"
Emulsión de polímero acrílico sobre hardboard / acrylic polymer emulsion on hardboard, 33 x 73,8 cm., 2003
Colección privada, Canadá / Private collection, Canada
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Fuentes / Sources:
* Artículo de Katherine Stauble en la Revista de la Galería Nacional de Canadá. Abril, 2015 / 
Article by Katherine Stauble in National Gallery of Canada Magazine. April, 2015. Link
Sitio web de la Galería Nacional de Canadá. Alex Colvin, un icono canadiense. Animales / 
National Gallery of Canada Website. Alex Colvin, a Canadian icon. Animals. Link

Más sobre Alex Colville en "El Hurgador" / More about Alex Colville in this blog:



Entrevista de Bárbara Brun a Alex Colville. En esta entrevista de 1983, el artista y Bárbara hablan sobre sus pensamientos acerca de ser un icono canadiense, sobre su inspiración y su esposa (en inglés) /
Barbara Frum interview with Alex Colville. In this 1983 interview the artist and Barbara discuss his thoughts on being a Canadian icon, his inspiration and his wife.




Recolección / Compilation (L)

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Esta semana vamos con una nueva recolección temática. En este caso, retratos de escultores por destacados pintores de todos los tiempos.

This week a new thematic compilation. In this case, sculptors portraits by prominent painters of all time.
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Adélaïde Labille-Guiard
(París, Francia / France, 1749 - 1803)

"El escultor / The Sculptor Augustin Pajou", pastel sobre papel / pastel on paper, 71 x 59 cm., 1783.
Musée du Louvre (Paris, Francia / France)

Más sobre Labille-Guiard en "El Hurgador" / More about Labille-Guiard in this blog:
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Adrien Carpentiers o Carpentière
(Posiblemente de origen flamenco, activo en Inglaterra / 
Posibly Flemish origin, active in England, 1739 - 1778)

"Retrato de Louis-François Roubiliac dando los toques finales a su Shakespeare /
Portrait of Louis-François Roubiliac putting the finishing touches to his Shakespeare"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125,7 × 100,3 cm., 1762
National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, England)

La estatua de mármol de Shakespeare fue hecha para la Villa de David Garrick en Hampton / 
The Marble Statue of William Shakespeare was made for David Garrick's Villa at Hampton

David Martin
(Fife, Reino Unido / UK, 1737 - 1797)

"Roubillac y el modelo del Shakespeare de Garrick / Roubiliac and the Modello of Garrick's Shakespeare"
a partir de una obra de / after Carpentier, mezzotint, 1765
British Museum (Londres, Reino Unido / London, UK)

Andrea Soldi
(Italia / Italy, 1703 - 1771)

"Louis Francois Roubiliac y el busto de / and the bust of David Garrick", 1757. Garrick Club.
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Agnolo di Cosimo, Il Bronzino
(Florencia, Italia / Florence, Italy, 1503 - 1572)

"Retrato de un hombre sosteniendo una estatuilla / Portrait of a Man Holding a Statuette"
Óleo sobre madera transferido a lienzo / oil on wood transferred to canvas, 99 x 79 cm., 1545-55
Musée du Louvre (París, Francia / France)

Más sobre Il Bronzino en "El Hurgador" / More about Il Bronzino in this blog:
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Charles Le Brun
(París, Francia / France, 1619 - 1690)

"Retrato del escultor / Portrait of the Sculptor Nicolas Le Brun"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 86,9 × 69,3 cm., c.1635

Más sobre Charles Le Brun en "El Hurgador" / More about Charles Le Brun in this blog:
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Étienne Aubry
(Versalles, Francia / Versailles, France, 1745-1781)

"Retrato del escultor / Portrait of Sculptor Louis-Claude Vassé", c.1771
Château de Versailles (Francia / France)
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Gabriel Revel
(Château-Thierry, Francia / France, 1643 - Dijon, 1712)

"Retrato de / Portrait of François Girardon", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 111 x 89,5 cm., 1683
Château de Versailles (Francia / France)

Más sobre Girardon en "El Hurgador" / More about Girardon in this blog:
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Lucas Franchoys el Joven o II / the Younger or II
Atribuido a / Attributed to
(Mechelen, Flandes / Flanders, 1616 - 1681)

"Retrato del escultor / Portrait of the Sculptor Gérard van Opstal"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 67,3 x 56,5 cm. Colección privada / Private Collection
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Francis Hayman
(Exeter, Reino Unido / UK, 1708 - 1776)

"Retrato del escultor / Portrait of the Sculptor Peter Scheemaeckers"
Royal College of Physicians (Londres, Reino Unido / London, UK)
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François Jouvenet
(Rouen, Francia / France, 1664 - 1749)

Anteriormente atribuido a / Formerly attributed toPierre Mignard (1612–1695)
"Retrato de / Portrait of Antoine Coysevox", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 47 × 39 cm., 1701
Minneapolis Institute of Art (Minnesota, EE.UU./ USA)

Más sobre Coysevox en "El Hurgador" / More about Coysevox in this blog:
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Giovanni Battista Moroni
(Albino, cerca de Bérgamo, Italia / near Bergamo, Italy, c. 1520/24 - 1579)

"Lo scultore / El escultor / The Sculptor Alessandro Vittoria"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82,5 x 64,6 cm., 1552. Kunsthistorisches Museum (Viena / Vienna, Austria)

Más sobre Moroni en "El Hurgador" / More about Moroni in this blog:

Paolo Caliari o Cagliari Veronese
(Verona, Italia / Italy, 1528 - Venecia / Venice, 1588)

"Retrato de / Portrait of Alessandro Vittoria", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110,5 x 81,9 cm., c.1570
Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU./ New York, USA)

Más sobre Paolo Veronese en "El Hurgador" / More about Paolo Veronese in this blog:
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Jean-Auguste-Dominique Ingres
(Montauban, Francia / France, 1780 - París, 1867)

"Retrato del escultor / Portrait Of The Sculptor Lorenzo Bartolini"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 85,1 x 106 cm., 1820
Musée du Louvre (París, Francia / France)

Más sobre Ingres en "El Hurgador" / More about Ingres in this blog:
Más sobre Bartolini en "El Hurgador" / More about Bartolini in this blog:
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Joseph Allen
(Birmingham, Inglaterra / England, 1769 - 1839)

"Retrato de George Bullock, escultor, diseñador de muebles, con un busto de Henry Blundell /
Portrait of George Bullock, Sculptor, Furniture designer with a Bust of Henry Blundell"

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Joseph-Siffred Duplessis
(Carpentras, cerca de Aviñón, Francia / near Avignon, France, 1725 - 
Versalles / Versailles, 1802)

"Retrato de / Portrait of Gabriel-Christophe Allegrain", 1775

Más sobre Duplessis en "El Hurgador" / More about Duplessis in this blog:
Más sobre Allegrain en "El Hurgador" / More about Allegrain in this blog:
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Leon Jan Wyczółkowski
(Huta Miastowska, cerca de / near Garwolin, Polonia / Poland, 1852 - 1936)

"Retrato de / Portrait of Konstanty Laszczka", pastel sobre cartón / pastel on cardboard, 1901-02
Academia de Bellas Artes (Cracovia, Polonia / Kraków, Poland)
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Lovis Corinth
(Tapiau [Gvardeysk], Prusia, 1858 - Zandvoort, Holanda / Netherlands, 1925) 

"Retrato del escultor / Portrait of the Sculptor Friedrich", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 120 cm., 1904.
© President and Fellows of Harvard College
Nikolaus Friedrich (1865–1914)
Harvard Art Museums / Busch-Reisinger Museum (Cambridge, Massachussetts, EE.UU./ USA)

Más sobre Lovis Corinth en "El Hurgador" / More about Lovis Corinth in this blog:
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Mikhail Vasilievich Nesterov
Михаил Васильевич Нестеров
(Ufá, Imperio ruso / Russian empire, 1862 - Moscú / Moscow, 1942)

"Retrato de la escultora / Portrait of the sculptress Vera Mukhina", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1940.
Galería Tretyakov (Moscú, Rusia / Moscow, Russia)  (19/6 jul, 1/7 greg)

Sello de la URSS / USSR Stamp, 1989

Más sobre Nesterov en "El Hurgador" / More about Nesterov in this blog:
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Mary Moser
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1744 - 1819)

"Joseph Nollekens", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,5 x 48,3 cm., 1770-71
Yale Center for British Art (New Haven, Connecticut, EE.UU./ USA)

Sir William Beechey
(Burford, Oxfordshire, Reino Unido / UK, 1753 - Londres / London, 1839)

"Retrato de / Portrait of Joseph Nollekens", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 74,3 x 63,2 cm.
copia autógrafa de Beechey del retrato que se conserva en la Tate Gallery /
autograph replica of the same portrait in Tate Gallery
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Santiago Rusiñol i Prats
(Barcelona, Cataluña, España / Catalonia, Spain, 1861 - Aranjuez, 1931)

"Retrat de l'escultor / Retrato del escultor / Portrait of the sculptor Carles Mani"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 59 x 68 cm., 1895
Cau Ferrat Museum (Sitges, Cataluña, España / Catalonia, Spain)

Más sobre Rusiñol en "El Hurgador" / More about Rusinol in this blog:
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Elisabeth Jerichau-Baumann
(Anna Maria Elisabeth Lisinska Jerichau-Baumann)
(Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland, 1819 - 
Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark, 1881)

"Jens Adolf Jerichau malt av ektefellen / esposo de la artista / The Artist's Husband"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 142 x 95 cm., 1846.
Statens Museum for Kunst (Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark)

Más sobre Elizabeth en "El Hurgador" / More about Elizabeth in this blog:
[Aniversarios (XLIV)]

Aniversarios (CXXVI) [Junio / June 1-4]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Junio es el cumple de

Gerald Anthony Scarfe, dibujante e ilustrador Inglés nacido en 1936. Ha trabajado como caricaturista editorial de The Sunday Times y el ilustrador de The New Yorker.
Su otro trabajo incluye gráficos para el grupo de rock Pink Floyd. Scarfe fue el diseñador de producción de la película animada de Disney Hércules (1997).
Después de trabajar brevemente en publicidad, profesión que llegó a disgustarle intensamente, sus primeras caricaturas de personajes públicos se publicaron en la revista satírica Private Eye lo largo de los años 1960 y 1970. A partir de 1960 produjo ilustraciones para Punch, The Evening Standard y The Daily Sketch. La revista Sunday Times le asignó para cubrir las elecciones presidenciales de Estados Unidos 1964. Continuó trabajando para el Sunday Times durante dos años, produciendo también varias ilustraciones de portada para la revista Time.

Pink Floyd, The Wall: "El grito / The Scream"

Scarfe se acercó a trabajar con Pink Floyd después de que Roger Waters y Nick Mason vieran su película animada de la BBC "A Long Drawn Out Trip". El programa de Pink Floyd para su gira de 1974 por el Reino Unido y los Estados Unidos, en forma de cómic, incluia una caricatura doble central de la banda. Scarfe más tarde produjo una serie de clips cortos de animación utilizados en el 1977 en la gira "In the Flesh", incluyendo un video musical de larga duración de la canción Welcome to the Machine.

Pink Floyd, The Wall, "El maestro y la picadora de carne / The Teacher and Mincer"

Scarfe también dibujó las ilustraciones para su álbum de 1979 The Wall y realizó la animación para la posterior gira de conciertos 1980-1981 de ese álbum. En 1982, trabajó en la versión cinematográfica de The Wall, aunque él y Roger Waters se distanciaron del director Alan Parker durante las últimas etapas de la edición. Además de la obra, Scarfe contribuyó con 15 minutos de animación para la película, incluyendo una secuencia que representa la campaña de bombardeos alemanes sobre Inglaterra durante la Segunda Guerra Mundial, durante la canción "Blue Sky Goodbye". Algunas de las imágenes animadas no eran originalmente para la película, habiendo sido producidas para su uso en la gira de conciertos 1980-81, además de aparecer en el video musical de 1979 "Otro ladrillo en la pared: Parte 2".

Pink Floyd, The Wall, "La celda de las flores / The Flowers Cell"

Más sobre Pink Floyd en "El Hurgador" / More about Pink Floyd in this blog:
[Pablo Lobato (Caricaturas)], [Aniversarios, Fotografía (XVII)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Paul-Ambroise Slodtz (escultor francés / French sculptor)
Francisco Amighetti Ruiz (pintor y escritor costarricense / Costa Rican painter and writer)
Kenneth "Ken" Bunn (escultor estadounidense / American sculptor)


El 2 de Junio es el cumple de

Francesc Ribalta (también conocido como Francisco Ribalta o de Ribaltá), pintor español del Barroco, en su mayoría de temas religiosos.
Nació en Solsona en 1565. Aunque su primer aprendizaje fue aparentemente con Navarrete, quién trabajó durante años en el Escorial, la primera obra de Ribalta (una Cruxifixion de 1582) fue firmada en Madrid. Después de sus años en Madrid, Ribalta se estableció como artista en Valencia. Se convirtió en uno de los primeros seguidores en España del austero estilo tenebrista de Caravaggio. No está claro si él visitó directamente Roma o Nápoles, donde el estilo de Caravaggio tuvo muchos adeptos.

"Cristo abrazando a san Bernardo / Christ embracing Saint Bernard", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 158 x 133 cm.
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Por otra parte, es probable que las pinturas tenebristas estaban disponibles en España a principios del siglo XVII a través del gobierno español del reino de Nápoles. Se dice que José de Ribera fue uno de sus alumnos, aunque es muy posible que Ribera adquiriera su tenebrismo cuando se trasladó a Italia.
Este estilo reunió a un buen número de adeptos en España, e influyó en el preeminente Barroco o Edad de Oro de los pintores españoles, especialmente Zurbarán, pero también Velázquez y Murillo. Incluso el arte de la naturaleza muerta española, el bodegón, era a menudo pintado en un estilo marcado y austero similar. Entre los discípulos directos de Francisco estaba su hijo Juan Ribalta, Antonio Bisquert y Vicente Castelló.

"Ramón Llull", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 84,5 cm., c.1620
Museu Nacional d'Art de Catalunya (Barcelona, España / Spain)
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Frank Runacres (pintor inglés / English painter)
Federico Zandomeneghi (pintor italiano / Italian painter)
Isaac van Ostade (pintor holandés / Dutch painter)


El 3 de Junio es el cumple de

Johan Barthold Jongkind, pintor y grabador holandés nacido en 1819. Pintó paisajes marinos en un estilo libre y es considerado como un precursor del impresionismo.
Formado en la academia de arte en La Haya, en 1846 se trasladó al barrio de Montmartre de París, Francia, donde estudió con Eugène Isabey y François-Edouard Picot. Dos años más tarde, el salón de París aceptó su obra para su exhibición y recibió la aclamación del crítico Charles Baudelaire y más tarde de Émile Zola. Sin embargo no experimentaría un gran éxito, y sufrió episodios de depresión complicados por el alcoholismo.

"Rotterdam bij maneschijn / a la luz de la luna / in the Moonlight", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 34 × 46 cm., 1881
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands)

Jongkind regresó a vivir en Rotterdam en 1855, y permaneció allí hasta 1860. De vuelta en París en 1861, alquiló un estudio en la rue de Chevreuse en Montparnasse, donde algunos de sus cuadros comenzaron a mostrar destellos del estilo impresionista por venir. En 1862 se reunió en Normandía, en el famoso Ferme Saint-Siméon en Honfleur, con algunos de sus amigos artistas, tales como Alfred Sisley, Eugène Boudin y el joven Claude Monet, a todos los cuales Jongkind sirvió como mentor. Monet más tarde se refirió a él como "... un hombre tranquilo con un talento tal que está más allá de las palabras" y se acredita la "educación definitiva" de su propio ojo a Jongkind. En 1863 Jongkind expuso en el primer Salon des Refusés (Salón de los Rechazados). Fue invitado a participar en la primera exposición del grupo impresionista en 1874, pero se negó.

"Das Dorf Doverschie in Holland / El pueblo de Doverschie en Holanda / The Town of Doverschie at Netherlands"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2º tercio del s.XIX / 2nd third of 19th century
Musée d'Orsay (París, Francia / France)

En 1878 Jongkind y su compañera Joséphine Fesser se trasladaron a vivir en la pequeña ciudad de La Côte-Saint-André, cerca de Grenoble, en el departamento de Isère, en el sureste de Francia, donde el artista murió en 1891.

"Le Pont de Claix / El puente de Claix / The Claix Bridge"
Acuarela, crayon negro y aguada / watercolor, black crayon and gouache, 1883
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Jeff Soto (artista estadounidense / American artist)
Raoul Dufy (pintor francés / French painter)
Blake Ward (escultor canadiense / Canadian sculptor)
Marc Dennis (pintor estadounidense / American painter)
Jiri Georg Dokoupil (pintor alemán nacido en Checoslovaquia / German painter born in Czechoslovakia)


Hoy, 4 de Junio, es el cumple de

John Albert Bauer, pintor e ilustrador sueco nacido en 1882.
Su obra tiene que ver con el paisaje y la mitología, pero también compuso retratos. Es conocido por sus ilustraciones de las primeras ediciones de Bland tomtar och troll (Entre gnomos y trolls), una antología de cuentos de hadas y folklore sueco.
Bauer nació y se crió en Jönköping. A los 16 años se trasladó a Estocolmo para estudiar en la Real Academia Sueca de las Artes. Estando allí recibió sus primeros encargos para ilustrar historias de libros y revistas, y conoció a la artista Ester Ellqvist, con quien se casó en 1906.

"Barn Och Stentroll / Los niños y el troll de piedra / The Children and the Stone Troll"
Lápiz, tiza de colores y aguada / pencil, colored chalk and gouache, 24,5 x 33 cm., 1915

Viajó a través de Laponia, Alemania e Italia a principios de su carrera, y estas culturas influenciaron profundamente su trabajo. Pintó e ilustró en un estilo nacionalista romántico, en parte influenciado por las culturas renacentistas italiana y sami. La mayoría de sus obras son acuarelas o impresiones en blanco y negro o colores apagados. También produjo óleos y frescos. Sus ilustraciones y pinturas ampliaron la comprensión y apreciación del folclore, cuentos de hadas y el paisaje suecos.
En 1918, cuando Bauer tenía 36 años, él, Ester y su hijo Bengt se ahogaron en un naufragio en el lago Vättern.

Ilustración para / Illustration for
"Pojken som aldrig var rädd / El chico que nunca tuvo miedo / The boy who was never afraid"
por Alfred Smedberg in "Bland tomtar och troll / Entre gnomos y trolls) /
by Alfred Smedberg in en "Bland tomtar och troll / Among Gnomes and Trolls"
Dibujo / drawing, 25,3 × 25,2 cm, 1912. 

Más sobre John Bauer en "El Hurgador" / More about John Bauer in this blog:
[Recolección (XLVII)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Natalia Sergéyevna Goncharova (Ната́лья Серге́евна Гончаро́ва) (pintora rusa / Russian painter)
Leon Botha (pintor y DJ sudafricano / South African painter and DJ)
Robert Julius Tommy Jacobsen (escultor y pintor danés / Danish sculptor and painter)
Hugo Longa (pintor uruguayo / Uruguayan painter)


Textos en inglés / English translation

On June 1 is the birthday of

Gerald Anthony Scarfe, English cartoonist and illustrator born in 1936. He has worked as editorial cartoonist for The Sunday Times and illustrator for The New Yorker.
His other work includes graphics for rock group Pink Floyd. Scarfe was the production designer on the Disney animated feature Hercules (1997).
After briefly working in advertising, a profession he grew to dislike intensely, Scarfe's early caricatures of public figures were published in satirical magazine Private Eye throughout the 1960s and 1970s. Beginning in 1960, he produced illustrations for Punch, The Evening Standard and The Daily Sketch. The Sunday Times magazine assigned Scarfe to cover the 1964 US Presidential election. He continued to work for The Sunday Times for two years, also producing several cover illustrations for Time magazine.
Scarfe was approached to work with Pink Floyd after Roger Waters and Nick Mason both saw his animated BBC film A Long Drawn Out Trip. Pink Floyd's 1974 programme for their tour in the UK and US, in the form of a comic, included a centre-spread caricature of the band. Scarfe later produced a set of animated short clips used on the 1977 In The Flesh tour, including a full-length music video for the song Welcome to the Machine.
Scarfe also drew the illustrations for their 1979 album The Wall and provided animation for the subsequent 1980-1981 concert tour in support of that album. In 1982, he worked on the film version of The Wall, although he and Roger Waters fell out with director Alan Parker during the latter stages of editing. As well as the artwork, Scarfe contributed 15 minutes' worth of elaborate animation to the film, including a sequence depicting the German bombing campaign over England during World War II, set to the song "Goodbye Blue Sky". Some of the animated footage was not original to the film, having been produced for and used in the 1980-81 concert tour, as well as being featured in the 1979 music video for "Another Brick in the Wall: Part 2".

On June 2 is the birthday of

Francesc Ribalta (also known as Francisco Ribaltá or de Ribalta), Spanish painter of the Baroque period, mostly of religious subjects.
He was born in Solsona, Lleida in 1565. Although his first apprenticeship was apparently with Navarrete, who worked for years in the Escorial, Ribalta's earliest work (a Cruxifixion of 1582) was signed in Madrid. After his years in Madrid, Ribalta was to settle as an artist in Valencia. He became among the first followers in Spain of the austere tenebrist style of Caravaggio. It is unclear if he directly visited either Rome or Naples, where Caravaggio's style had many adherents.
Alternatively, it is likely that tenebrist paintings were available in Spain by the early 17th century through the Spanish rule of the Neapolitan kingdom. Jusepe de Ribera is said to have been one of his pupils, although it is entirely possible that Ribera acquired his tenebrism when he moved to Italy.
The tenebrist style gathered a number of adherents in Spain, and was to influence the pre-eminent Baroque or Golden Age Spanish painters, especially Zurbarán, but also Velázquez and Murillo. Even the art of still life in Spain, the bodegón, was often painted in a similar stark and austere style. Among the direct disciples of Francisco were his son, Juan Ribalta, Antonio Bisquert, and Vicente Castelló.
Ribalta died in Valencia in 1628.

On June 3 is the birthday of

Johan Barthold Jongkind, Dutch painter and printmaker born in 1819. He painted marine landscapes in a free manner and is regarded as a forerunner of Impressionism.
Trained at the art academy in The Hague, in 1846 he moved to the Montmartre quarter of Paris, France where he studied under Eugène Isabey and Francois-Edouard Picot. Two years later, the Paris Salon accepted his work for its exhibition, and he received acclaim from critic Charles Baudelaire and later on from Émile Zola. He was to experience little success, however, and he suffered bouts of depression complicated by alcoholism.
Jongkind returned to live in Rotterdam in 1855, and remained there until 1860. Back in Paris, in 1861 he rented a studio on the rue de Chevreuse in Montparnasse where some of his paintings began to show glimpses of the Impressionist style to come. In 1862 he met in Normandy, in the famous ferme Saint-Siméon in Honfleur, with some of his artist friends, such as Alfred Sisley, Eugène Boudin, and the young Claude Monet, to all of whom Jongkind served as a mentor. Monet later referred to him as "...a quiet man with such a talent that is beyond words" and credited the "definitive education" of his own eye to Jongkind. In 1863 Jongkind exhibited at the first Salon des Refusés. He was invited to participate in the first exhibition of the Impressionist group in 1874, but he declined.
In 1878, Jongkind and his companion Joséphine Fesser moved to live in the small town of La Côte-Saint-André near Grenoble in the Isère département in the southeast of France where the artist died in 1891.
He died in 1891.

Today, June 4, is the birthday of

John Albert Bauer, Swedish painter and illustrator born in 1882.
His work is concerned with landscape and mythology, but he also composed portraits. He is best known for his illustrations of early editions of Bland tomtar och troll (Among Gnomes and Trolls), an anthology of Swedish folklore and fairy tales.
Bauer was born and raised in Jönköping. At 16 he moved to Stockholm to study at the Royal Swedish Academy of Arts. While there he received his first commissions to illustrate stories in books and magazines, and met the artist Ester Ellqvist, whom he married in 1906. He traveled throughout Lappland, Germany and Italy early in his career, and these cultures deeply informed his work. He painted and illustrated in a romantic nationalistic style, in part influenced by the Italian Renaissance and Sami cultures. Most of his works are watercolors or prints in monochrome or muted colours; he also produced oil paintings and frescos. His illustrations and paintings broadened the understanding and appreciation of Swedish folklore, fairy tales and landscape.
In 1918, when Bauer was 36, he, Ester and their son, Bengt, drowned in a shipwreck on Lake Vättern.

Aniversarios Fotografía (CXXVI) [Junio / June 1-5]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Junio es el cumple de

Johan Hagemeyer, horticultor y vegetariano holandés, recordado principalmente por ser un fotógrafo temprano e intelectual del arte a principios del siglo XX. Su familia emigró a California para cultivar árboles frutales, pero en 1916 conoció al fotógrafo Alfred Stieglitz, quien le convenció para dedicar su vida al mundo entonces emergente de la fotografía artística. En 1923 abrió un estudio de retratos en San Francisco y también se construyó un estudio de verano en Carmel, California, que pronto se convirtió en lugar de encuentro de artistas e intelectuales.

"Elsa Naess", 1931

Fue allí donde conoció a Edward Weston, quien le animó a continuar su carrera en la fotografía. Pronto desarrolló su propio estilo, y desde los años '20 hasta '40 fotografió las figuras más importantes del momento, entre ellos Albert Einstein y Salvador Dalí. Sin embargo, a veces retocaba o manipulaba sus fotos, cosa que iban en contra de las creencias de Weston. Su negativa a adherirse a las opiniones de Weston fue una de las principales causas de una creciente enemistad entre los dos hombres. Cuando Weston, Ansel Adams y otros fundaron Grupo f / 64, dedicado a la fotografía directa, no manipulada, Hagemeyer no se unió. Quizás debido a su determinación de seguir su propio camino o tal vez porque su estilo nunca fue apreciado plenamente, nunca estuvo cerca de lograr la fama de sus antiguos amigos. En 1947 abandonó el Carmel y regresó definitivamente a San Francisco. 


La colección de la fotografía de Johan Hagemeyer en la Biblioteca Bancroft de la Universidad de California, Berkeley, contiene los aproximadamente 6.785 impresiones fotográficas y negativos que componían archivo personal del fotógrafo.
Murió pobre y casi olvidado a los 78 años.

"Helen Wills", 1929
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Alfredo Fernando Testoni Lauriti (fotógrafo, grabador y editor uruguayo /
Uruguayan photographer, printmaker and editor)
George Hurrell (fotógrafo estadounidense / American photographer)


El 2 de Junio es el cumple de

Lourdes García Noriega, más conocida como Lourdes Almeida, fotógrafa nacida en Ciudad de México en 1952.
Realizó sus estudios de fotografía en Florencia, Italia. Fue alumna del taller "Charlas de otoño" impartido por Manuel Álvarez Bravo. Desde 1978 ha tenido 100 exposiciones individuales en importantes museos de México, Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y Asia. Ha participado en más de 300 exposiciones colectivas alrededor del mundo. Es considerada la maestra de la fotografía Polaroid experimental en México. Ha impartido varios talleres y conferencias de fotografía en varias Universidades de México como la UNAM, ITESO, la Universidad Iberoamericana, Tecnológico de Monterrey.

Lo que el mar me dejó, "Nereida 2" / What the sea left me, "Nereid 2", 1987

Su trabajo es parte de diferentes colecciones públicas y privadas entre las que se encuentran: La colección internacional de Polaroid (Cambridge, MS), Museum of Fine Arts (Houston); Southeast Museum of Photography, Daytona Beach Community College (Florida); Fundación Castilnovo en España; Museo Universitario del Chopo(UNAM, México); Casa de la Américas, La Habana, Cuba; Centro Wilfredo Lam, La Habana, Cuba; El Museo de los Ángeles, Turégano, España.

El lugar de los anhelos / The place of the yearnings
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Erwin Olaf (fotógrafo holandés / Dutch photographer)
Rineke Dijkstra (fotógrafa holandesa / Dutch photographer)


El 3 de Junio es el cumple de

Abraham "Abe" Aronow, médico estadounidense y fotógrafo nacido en 1940, conocido por sus retratos en blanco y negro de fotógrafos prominentes.

"Ansel Adams en su casa / at his Home", Carmel, California, 1982 © Abe Aronow

Más sobre Ansel Adams en "El Hurgador" / More about Ansel Adams in this blog:

El padre de Aronow era un aficionado a la fotografía y lo instruyó en el arte a una edad temprana. En 1981, mientras trabajaba en Ralph K. Davies Medical Center, uno de sus pacientes fue el famoso fotógrafo de paisajes Ansel Adams. Los dos hablaron extensamente, y Adams más tarde invitó Aronow a una sesión de filmación a la que asistieron los miembros sobrevivientes de Grupo f / 64 y otros fotógrafos como Beaumont Newhall.

"Ruth Bernhard en su casa-estudio en San Francisco, California / 
at Her (Home) Studio in San Francisco, CA", 1985 © Abe Aronow

Más sobre Ruth Bernhard en "El Hurgador" / More about Ruth Bernhard in this blog:

Este fue el inicio de un proyecto de décadas de duración en el que Abe Aronow hizo retratos de fotógrafos prominentes y otras figuras. Inicialmente tomó muchas de estas utilizando luces artificiales y estroboscópicas, e hizo la transición a la iluminación natural, sobre todo a partir de 2000. Su colección consta actualmente de más de 1.200 fotografías, incluyendo retratos de Edmund Teske, Oliver Gagliani, Morley Baer, Ernst Haas, Aaron Siskind, Ruth Bernhard, André Kertész, Roy DeCarava, Barbara Morgan y Yousuf Karsh.

"Martine Franck en Magnum, París, Francia / at Magnum, Paris, France", 1994 © Abe Aronow

Más sobre Martine Franck en "El Hurgador" / More about Martine Franck in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Keith Carter (fotógrafo, educador y artista estadounidense / American photographer, educator and artist)
Hugh Leonard Mangum (fotógrafo estadounidense / American photographer)
Alfred Weidinger (curador, historiador del arte y fotógrafo austríaco /
Austrian curator, art historian and photographer)


El 4 de Junio es el cumple de

Rogelio Cuéllar, fotógrafo mexicano nacido en 1950.
Se inició en la fotografía en 1967, y durante los últimos 30 años ha abordado básicamente tres líneas en su obra:
- Retrato de creadores contemporáneos de México y algunos países, en las disciplinas de literatura, artes plásticas, teatro y música. Actualmente ha integrado un acervo de negativos correspondientes a más de mil personajes nacidos entre 1900 y 1980.
- Fotografía de autor en la que destaca la atención en el “paisaje humano”, ya sea en atmósferas urbanas o rurales en los diferentes estados de la República Mexicana. Para esta temática se nutre de los constantes viajes que realiza a los estados.

José Emilio Pacheco en su biblioteca / at his library, Nov., 1976

- Desnudo, tanto masculino como femenino. Trabajo que desarrolla en estudio y en exteriores con luz natural. De esta vertiente de su quehacer se han expuesto cerca de 300 fotografías en diferentes exposiciones individuales y colectivas, en México y algunas ciudades del extranjero.
Primordialmente se expresa fotografía en blanco y negro controlando todas las fases del proceso en forma personal. Estos ámbitos de su interés los desarrolla en forma cotidiana, haciendo tomas fotográficas, trabajo de revelado, clasificación, edición, amplificado e impresión en técnicas de laboratorio en cuarto oscuro. Esta disciplina de trabajo lo caracteriza como un fotógrafo tradicional, sello que ha singularizado su quehacer.

"Julio Cortázar", Morelos, Hacienda de Cocoyoc, 1979

Más sobre Cortázar en "El Hurgador" / More about Cortazar in this blog:
[Librofilia (X)], [Aniversarios Fotografía (XI)]
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Robert Riger (ilustrador de deportes, fotógrafo, director de televisión y cineasta estadounidense / American sports illustrator, photographer, TV director and filmmaker)
Edward "Opp" Oppenheimer (fotoperiodista estadounidense / American photojournalist)


Hoy, 5 de Junio, es el cumple de

Jason Schmidt, fotógrafo y director estadounidense nacido en 1969, conocido por sus retratos de artistas y figuras culturales. Tiene su sede en la ciudad de Nueva York.
Se graduó de la Universidad de Columbia en 1992 con un título en Historia del Arte.
Jason Schmidt ha fotografiado más de 600 artistas contemporáneos lo largo de los veinte años que lleva trabajando en el tema. Gran parte de este trabajo se ha recogido en sus libros, artistas (2007) y artistas II (2015, Steidl). Schmidt fotografía a los artistas en sus estudios, representando a sus sujetos en configuraciones personales, revelando aspectos del proceso creativo. Los artistas con los que ha fotografiado van desde los menos conocidos a los de fama mundial, e incluyen John Baldessari, Mike Kelley, Cindy Sherman y James Turrell.

"Nan Goldin", Paris, Francia / France, Feb., 2004

Más sobre Nan Goldin en "El Hurgador" / More about Nan Goldin in this blog:

Schmidt ha exhibido este cuerpo de trabajo en curso en Deitch Projects, Ciudad de Nueva York (2007), La Colección Margulies, Miami (2008), y el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (2012). Y sus fotografías se encuentran en la colección de Martin Z. Marguiles, entre otros.
La crítica de arte Karen Rosenberg observa que las fotografías de Schmidt "trascienden los clichés Pollock-pinta-una-imagen; cada fotografía tiene su propia estética peculiar, desde Paul McCarthy captado como un asesino en serie en un barco salpicado de sangre falsa, hasta el bromista Maurizio Cattelan instalando su de su tristemente célebre escultura de un Papa caído ".

"Gregory Crewdson", North Adams, Massachusetts, EE.UU./ USA, Enero / January 8, 2004

Más sobre Gregory Crewdson en "El Hurgador" / More about Gregory Crewdson in this blog:
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También cumplen años este día / Other birthdays for this day:

Hugh Turve (artista y fotógrafo británico / British artist and photographer)
Hank O'Neal (productor musical, autor y fotógrafo estadounidense / 
American music producer, author and photographer)


Textos en inglés / English translation

On June 1 is the birthday of

Johan Hagemeyer, Dutch born horticulturalist and vegetarian who is remembered primarily for being an early 20th-century photographer and artistic intellectual. His family came to California to grow fruit trees, but in 1916 he met photographer Alfred Stieglitz, who convinced him to devote his life to the then emerging world of artistic photography. In 1923 Hagemeyer opened a portrait studio in San Francisco and also built a summer studio in Carmel, California which soon became a meeting place for artists and intellectuals.
It was there that he met Edward Weston, who encouraged Hagemeyer to further his career in photography. Hagemeyer soon developed his own style, and from the 20s through the 40s he photographed leading figures of the day, including Albert Einstein and Salvador Dalí. However, he sometimes retouched or manipulated his photos, which went against the beliefs of Weston. His refusal to adhere to Weston's views was a major cause in a growing alienation of the two men. When Weston, Ansel Adams and others founded Group f/64, devoted to straight, unmanipulated photography, Hagemeyer did not join. Perhaps because of his determination to go his own way or perhaps because his style was never fully appreciated, he never came close to achieving the fame of his former friends. In 1947 he left Carmel and returned to San Francisco full-time. 
The Johan Hagemeyer Photograph Collection at the Bancroft Library at the University of California, Berkeley, contains the approximately 6,785 photographic prints and negatives which made up the photographer's personal archive at the time of his death.
He died poor and virtually forgotten at age 78.

On June 2 is the birthday of

Lourdes Garcia Noriega, better known as Lourdes Almeida, Mexican photographer born in Mexico City in 1952.
She studied photography in Florence, Italy. She attended the workshop "Talks Fall" taught by Manuel Alvarez Bravo. Since 1978 she has performed 100 solo exhibitions in major museums in Mexico, Latin America, USA, Europe and Asia. She has participated in over 300 group exhibitions around the world. She is considered the Master of experimental Polaroid photography in Mexico. She has given several workshops and conferences of photography in several universities in Mexico like UNAM, ITESO, Universidad Iberoamericana, Tecnologico de Monterrey.
Her work is part of several public and private collections, among which are: The international collection of Polaroid (Cambridge, MS), Museum of Fine Arts (Houston); Southeast Museum of Photography, Daytona Beach Community College (Florida); Castilnovo Foundation in Spain; University Museum of Poplar (UNAM, Mexico); House of the Americas, Havana, Cuba; Wilfredo Lam Center, Havana, Cuba; The Museum of Angels, Turegano, Spain.

On June 3 is the birthday of

Abraham "Abe" Aronow, American physician and photographer born in 1940, best known for his monochrome portraits of prominent photographers.
Aronow's father was an amateur photographer and instructed him in the art at an early age. In 1981, while working at Ralph K. Davies Medical Center, one of his patients was the famous landscape photographer Ansel Adams. The two talked extensively, and Adams later invited Aronow to a filming session attended by the surviving members of Group f/64 and other photographers such as Beaumont Newhall.
This was the start of a decades-long project in which Abe Aronow made portraits of prominent photographers and other figures. He initially took many of these using artificial lights and strobes, and transitioned to mostly natural lighting in the 2000s. His collection currently consists of over 1,200 such photographs, including portraits of Edmund Teske, Oliver Gagliani, Morley Baer, Ernst Haas, Aaron Siskind, Ruth Bernhard, André Kertész, Roy DeCarava, Barbara Morgan, and Yousuf Karsh.

On June 4 is the birthday of

Rogelio Cuellar is a Mexican photographer born in 1950.
He took up photography in 1967, and over the past 30 years has basically addressed three lines in his work:
- Portrait of contemporary artists of Mexico and some countries in the disciplines of literature, visual arts, theater and music. He has now integrated a wealth of negatives corresponding to more than a thousand people born between 1900 and 1980.
- Author photography which emphasizes attention on the "human landscape", whether in urban or rural atmospheres in the different states of the Mexican Republic. For this subject is nourished by the constant trips made to the states.
- Nude, both male and female. Work developed in studio and outdoors in natural light. This aspect of his work have been exhibited nearly 300 photographs in various solo and group exhibitions in Mexico and some cities abroad.
His photography is expressed primarily in black and white, controlling all phases of the process personally. These areas of interest are developed on a daily basis, making photographic shots, developing work, sorting, editing, enlarging and printing in laboratory using darkroom techniques. This work discipline characterizes him as a traditional photographer, label that has singled out his work.

Today, June 5, is the birthday of

Jason Schmidt, American photographer and director born in 1969, best known for his portraits of artists and cultural figures. He is based in New York City.
He graduated from Columbia University in 1992 with a degree in Art History.
Jason Schmidt has photographed more than 600 contemporary artists over the twenty years since he began work on the subject. Much of this work has been collected in his books, Artists (2007) and Artists II (2015, Steidl). Schmidt primarily photographs artists in their studios, depicting his subjects in personal settings, revealing aspects of the creative process. Artists he has photographed range from lesser known to world famous and include John Baldessari, Mike Kelley, Cindy Sherman and James Turrell.
Schmidt has exhibited this ongoing body of work at Deitch Projects, New York City (2007); The Margulies Collection, Miami (2008); and The Museum of Contemporary Art, Los Angeles (2012). And his photographs are in the collection of Martin Z. Marguiles, among others.
Art critic Karen Rosenberg observes that Schmidt’s photographs "transcend Pollock-paints-a-picture clichés; each photograph has its own peculiar aesthetic, from Paul McCarthy’s being caught like a serial killer in a boat spattered with fake blood, to prankster Maurizio Cattelan’s installing his infamous sculpture of a fallen pope."

Anton Belovodchenko [Fotografía]

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Anton Belovodchenko 
Антон Беловодченко

Anton Belovodchenko, "Scarface"

Anton Belovodchenko es un fotógrafo ruso nacido en 1980 en Novosibirsk.
Comenzó en la fotografía en el año 2000, según cuenta tras recuperar una vieja reflex que permanecía olvidada en un armario. Al principio fotografiaba paisajes, y al revelar su película, aparecieron imágenes de exposición múltiple.
En los últimos años, se ha centrado en su proyecto "Paisaje corporal / Bodyscape"; deportistas de cuerpos esculturales y excepcionalmente flexibles, posan en un despliegue físico exuberante que Anton capta en un escenario minimalista y con una iluminación muy concreta. El resultado es estéticamente fantástico.
Anton ha tenido la amabilidad de contestar un par de preguntas sobre su obra para acompañar las imágenes.
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Paisaje corporal / Bodyscape 

Alexandra Malykhova

© Anton Belovodchenko

El Hurgador:¿Hay mucha postproducción y retoque en tus fotografías? ¿Qué piensas sobre el Photoshop y otro sofware por el estilo?
Anton Belovodchenko: Varias copias de la misma pose (de 3 a 7); de ahí en adelante, el trabajo con editores gráficos es mínimo. Retoques de la piel y paso la foto a blanco y negro.

© Anton Belovodchenko

© Anton Belovodchenko

EH: Has dicho en una entrevista que recomendabas la obra de Vadim Stein y André Brito. ¿Qué hay de los rusos? ¿Podrías nombrar un par de fotógrafos rusos que encuentres interesantes?
AB:Últimamente admiro las fotos de Krista Sudmalis (SLEEK'N'TEARS) (ver más abajo)

© Anton Belovodchenko

© Anton Belovodchenko

EH: Has dicho en la misma entrevista que generalmente no buscas modelos. En cambio, ellas vienen a tí intentando inmortalizar el momento de su plenitud física. Además de la iluminación y una decoración minimalista, ¿quién decide las poses y gestualidad de esas modelos, tú o ellas? ¿Cuánta libertad les das a tus modelos para componer con sus cuerpos?
AB: Un cuarenta por ciento del tiempo hacemos poses al principio de la sesión, para el calentamiento :) El resto del tiempo, performance, con ajustes. Libertad total.

© Anton Belovodchenko

© Anton Belovodchenko

EH: Hay muchos buenos fotógrafos rusos que trabajan con desnudos. ¿Por qué piensas que pasa esto? ¿Es sólo por la belleza de las mujeres rusas, o hay algo más?
AB: La cultura rusa es grande y potente. No sólo son los fotógrafos; hay músicos, bailarines y artistas como en todo el mundo. No excluyo que hay algunas ventas de cámaras, y sus propietarios se convierten en fotógrafos :) Y nuestras mujeres son hermosas :) Cuando hay una venta de saxofones, aparecen una gran cantidad de saxofonistas :)

© Anton Belovodchenko

© Anton Belovodchenko

Sobre su serie Bodyscape me cuenta Anton:

«Esta serie la comencé en 2010 y aún sigo con ella, durante 5 años. La idea de este proyecto es mostrar la belleza del cuerpo femenino desnudo, sin vulgaridad. Las condiciones minimalistas garantizan que el énfasis se ponga en las líneas y curvas del cuerpo.
Dibujo con luz, geometría, calidad gráfica y perspectiva.
El perfecto balance entre blanco y negro, líneas rectas y curvas, luz y oscuridad, horizontal y vertical.
Vivo en Rusia, y estoy rodeado de las típicas chicas rusas, muy esbeltas, altas y hermosas.
Casi todas ellas involucradas con el deporte (fitness, power, e incluso deportes de combate)
Esta explicación pretende aclarar cuestiones sobre el color de la piel y el que a veces se vean huesos y costillas. Es sólo un juego de luz y poses de estiramiento. Ninguna de las modelos es anoréxica. Todos son cuerpos hermosos con buen tono muscular.»

© Anton Belovodchenko

© Anton Belovodchenko

Anton Belovodchenko is a Russian photographer born in 1980 in Novosibirsk.
He started in photography in 2000, as he told when he recovered an old reflex camera forgotten in a closet. At first he photographed landscapes, and when developed the film appeared multiple exposure images.
In recent years, he has focused on his Bodyscape project; statuesque athletes with exceptionally flexible bodies, posing in a lush physical deployment that Anton captures with a minimalist stage and a very specific lighting. The result is aesthetically fantastic.
Anton has been kind enough to answer a few questions about his work to accompany the images.
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Natalia Siglova

© Anton Belovodchenko

El Hurgador: Is there much retouching and postproduction in your photographs? What do you think about Photoshop and other software like that?
Anton Belovodchenko: Several doubles of one pose (from 3 to 7) therefore work in graphic editors is minimum. Retouch of skin and transfer of a photo to black-and-white.

© Anton Belovodchenko

EH: You told in an interview that you recommend the work of Vadim Stein and André Brito. What about Russian? Could you name a couple of Russian photographers you find interesting?  
AB: Lately I admire Krista Sudmalis (SLEEK'N'TEARS) photos

© Anton Belovodchenko

© Anton Belovodchenko

EH: You told in the same interview that usually you don't look for models. Instead, they comes to you trying to immortalize their moment of her physical plenitude. Besides the light sources and minimal decoration, who decides the poses and gesture of that models, you or they? How much freedom do you give to your models to compose with their bodies?
AB: Percent forty we put poses at the beginning of a photoset, for a warming up). The rest of the time performance, with amendments. Full freedom.

© Anton Belovodchenko

EH: There are many very good Russian photographers that work with nudes. Why do you think this happens? Is just for the beauty of Russian women or there are something more?
AB: The Russian culture Is big and mighty, Is not only Photographers, are musicians, dancers, artists as well as around the world. I don't exclude that there was some sale of cameras and their owners became photographers) And girls at us beautiful) When there is a sale of saxophones, the huge number of saxophonists will appear)

© Anton Belovodchenko

About his Bodyscape series, Anton wrote to me:

«This series I started to shoot in 2010 and are still doing, for 5 years.
The idea of this project show the beauty of the naked female body, without vulgarity.
The minimum conditions that the emphasis was on the lines and curves of body. 
Drawing with Light. Geometry, graphic quality and perspective.
The perfect balance between white and black, straight lines and curves, light and dark, horizontal and vertical.
I live in Russia, and I am surrounded by the typical Russian girl, very slender, tall and beautiful.
Almost all of them involved in sports (fitness, power and even combat sports)
This explanation is in order to prevent disputes about skin color and visible sometimes bones and ribs. It's just a play of light and stretching posing.
None of the models do not have anorexia, all beautiful body in good muscle tonus.»

 "Gotas / Drops"© Anton Belovodchenko
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EH: Para este post, he seleccionado fotografías de Natalia Siglova y Alexandra Malykhova. ¿Podrías por favor escoger una imagen de cada modelo?
AB: Estas son mis fotos favoritas.

EH: For this post, I've selected photographs of Natalia Siglova and Alexandra Malykhova. Could you please choose one picture of each model?
AB: Just the most favourite photos for me.

Paisaje Corporal / Bodyscape. Modelo / Model: Alexandra Malykhova © Anton Belovodchenko

Paisaje Corporal / Bodyscapes. Modelo / Model: Natalia Siglova © Anton Belovodchenko
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EH: ¿Algún otro proyecto por venir? ¿Qué podemos esperar en el futuro?
AB: Hay nuevos proyectos en camino, por ejemplo el proyecto Porcelana.

EH: Any other project coming? What can we expect in the future?
AB: New projects are coming, for example the project Porcelain.

Porcelana / Porcelain
Modelo / Model: Alexandra Malykhova

© Anton Belovodchenko

«Lo que más me atrae de fotografíar desnudos es el juego de luces y sombras, la profundidad en la cual puedo obtener las texturas de la piel. Alternando blanco y negro, líneas rectas y curvas.»

© Anton Belovodchenko

© Anton Belovodchenko

«What attracts me most to photographing nudes is the game of light and shadow, the depth of which I can get of texture of the skin. Alternating black and white, straight and curved lines.»

© Anton Belovodchenko

Fuentes / Sources:
Entrevista en / Interview in Graine de Photographe, Oct., 2015. Link

Más sobre Anton en "El Hurgador" / More about Anton in this blog:
[Recolección (XVII)]

Más imágenes e información sobre Anton en / More images and information about Anton in:
500px, deviantART, Instagram, Shutterstock

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Anton!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Anton!)

Algunas referencias / Some References

Krista Sudmalis

Krista Sudmalis & Anna Shafran

Krista Sudmalis es una artista rusa de la fotografía que al igual que Anton trabaja sobre el cuerpo, aunque ella se dedica a los hombres. Según apunta respecto a su proyecto Sleek'n'Tears: "el proyecto exalta el cuerpo masculino. Aspira a explotar los cánones familiares de la fotografía artística que implícitamente discriminan la desnudez masculina."
Trabaja con Anna Shafran, artista del maquillaje creativo y estilista.



Krista Sudmalis is a Russian artist of photography that also works on the body, but focused on men. About her project Sleek'n'Tears, Krista points: "The project is exalting male body. Aspiration to explode familiar artistic photography canons that implicitly discriminate male nudity."
She works with Anna Shafran, creative make-up artist and stylist.


Más sobre Krista en / More about Krista in:
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André Brito: Próximamente... / Coming Soon...
Vadim Stein en "El Hurgador" / Vadim Stein in this blog[Stein, Saturno, Ma Jing Hu, Laukota]

Zachari Logan [Dibujo, Pintura]

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Zachari Logan


Zachari Logan, nacido en 1980 en Saskatoon, es un artista canadiense que trabaja principalmente en dibujo, cerámica e instalaciones. Su obra ha sido exhibida ampliamente, en muestras individuales y colectivas, en Norteamérica y Europa, y puede encontrarse en colecciones públicas y privadas por todo el mundo. Ha estado como artista en residencia en París, Tennessee rural, Calgary, varias veces en Viena, Londres, Brooklyn y más recientemente en el Bronx, en los Jardines Botánicos Wave Hill. Se ha escrito mucho sobre su obra, y ha sido presentada en publicaciones por todo el mundo.

A través del dibujo e instalaciones, Zachari explora las intersecciones entre la masculinidad, identidad, memoria y lugar. Su obra previa, relacionada con la actual, involucraba su propio cuerpo como lugar de exploración. En la reciente, su cuerpo permanece como catalizador, pero ya no es el único foco. Empleando una estrategia de citas visuales, extraidas de lugares y experiencias, Logan vuelve a hacer salvaje su cuerpo, como una extraña encarnación de la naturaleza. Este cambio narrativo utiliza tanto exploraciones empíricas de paisajes y la superposición de motivos histórico-artísticos. Enlazando tanto la escala épica como técnicas estilístico-históricas, los meticulosos dibujos de Logan evolucionan hacia un lenguaje visual que habla de lo metafórico, así como de lo metafísico.

"Hombre verde 2 / Green Man 2", lápiz azul sobre Mylar / blue pencil on Mylar, 17" x 24", 2014

"Hombre verde 2 / Green Man 2" (detalle / detail)

«Encuentro el dibujo una manera más natural de expresar directamente mis ideas. Es una mezcla de lo físico y paciencia. No tengo tanta para el proceso de la pintura, pero para el dibujo tengo una paciencia aparentemente interminable. Recordando una conversación reciente con Rhiannon Vogl sobre el aspecto físico del dibujo y su relación con el propio cuerpo, llegamos al consenso de que para los espectadores hay una capacidad de relación en el dibujo que no siempre está presente en otros medios, un elemento natural interactivo, porque todo el mundo ha tenido alguna la experiencia con él y por lo tanto, al menos en cierto grado, aún pequeño, provoca una respuesta empática. He utilizado el dibujo como eje principal, en parte porque soy naturalmente mejor en él, por lo que se hace más clara la expresión de ideas visualmente, cuando uno es capaz de acceder a una determinada instalación. En lo que respecta a mis estudios, en realidad tuve más instrucción en pintura. Esto tiene sentido en retrospectiva, ya que en su momento sentía una especie de ansiedad por las referencias que tenía (y sigo teniendo) que provienen principalmente del lenguaje de la pintura. Ahora me doy cuenta que era una preocupación tonta; todo el lenguaje visual está obviamente vinculado. También me he movido recientemente hacia la cerámica, sobre todo construcciones a mano, es otro proceso con un sentido de inmediatez que aprecio.»

Serie "Natural Drag"
"Lisovik 2 / Leshy 2", pastel sobre papel negro / pastel on black paper, 50" x 60", 2014

El Lisovik, literalmente "[él] de los bosques", es el espíritu tutelar de los bosques en el folclore eslavo. La forma plural en ruso puede trasliterarse como Leshiye.
El lisovik es masculino y de forma humanoide, capaz de asumir cualquier parecido, y puede cambiar su tamaño y peso. En algunos relatos, se dice que el lisovik tiene una esposa (leshachikha/leszachka/lesovikha) y niños (leshonki/leszonky). Debido a su propensión a arrastrar viajeros a caminos extraños y abducir niños, que comparte con el Chort, algunos creen que el Lisovik es malvado. Otros lo ven como un ser más bien temperamental, como un hada.

de la serie "Pelo" / from the "Hair"Series, grafito / graphite, 2009-10

«Creo que mi habilidad para dibujar bien, incluso cuando era bastante joven, viene de una gran agudeza visual que estaba naturalmente allí y con la cual podía comenzar. Creo que esto es cierto para muchos artistas. Sin embargo, la he perfeccionado. Desde muy temprana edad, he recibido elogios por mis habilidades en el dibujo. Tenía una enorme cantidad de apoyo familiar y los educadores me impulsaron a continuar, y con esta base de apoyo tomé lo que ya estaba presente y continué construyendo sobre ello. Yo era disléxico y tenía muchos problemas con las matemáticas y la ciencia, la lectura y la escritura eran también una gran lucha, por lo que el dibujo era también un desahogo definitivo de esas frustraciones.»

de la serie "Pelo" / from the "HairSeries (detalle / detail)

«Alison Norlen (ver más abajo) fue la primera artista cuya obra tuvo una influencia directa sobre mi. La escala y el oficio en su obra dejaron una impresión imborrable en mi deseo de trabajar el dibujo de la forma que lo hago. Viajar es un gran estímulo; las experiencias de viajes, tanto por las residencias como por los proyectos, influyen en mi práctica de estudio de forma continua.»

Serie "Natural Drag"
"El traje nuevo del Emperador / Emperor's New Clothes" (obra y detalle / work and detail)
Pastel sobre papel / pastel on paper, 50" x 110", 2011

Un dibujo hecho con pasteles que toma su sujeto de un cuento de Hans Christian Andersen. Aquí Zachari Logan cubre la desnudez con un enjambre de mariposas monarca. La especie, que migra anualmente en grupo desde el sur de Canadá a México, es vista como una metáfora de una identidad colectiva enfrentando el sentimiento de aislamiento presente en el artista.

A drawing made up of pastels which borrows its subject from a Hans Christian Andersen's tale. Here Zachari Logan covers the nakedness with a swarm of monarch butterflies. The species which migrates on an annual basis as a group from southern Canada to Mexico is seen as a metaphor for a collective identity facing the sense of isolation felt by the artist.

"Vanitas", lápiz azul sobre Mylar / blue pencil on Mylar, 9" x 12", 2013

Un romanticismo sensual rodea el alineamiento que hace Logan del raro homo universalis y el hombre salvaje. Ambos implican la unificación de la naturaleza, y afirman nuestro parentesco colectivo imaginado con todo lo primitivo. Las imígenes compuestas resultantes presentan una similitud con las figuras situadas en la irrealidad, cargadas de psicología, de Hieronymus Bosch (El Bosco), y la obra imaginativa de artistas prerrafaelitas como Dante Gabriel Rosetti y su influyente seguidor, William Morris. (ver más abajo)

"Tapiz eunuco 1/ Eunuch Tapestry 1", Panel 1, 6' x 12,5' (proyecto en curso / ongoing project)

En los últimos cinco años, la representación de Logan de su propio cuerpo ha mantenido una pose singular, frontal, para destacar algún aspecto o símbolo de caracter, un signo que pueda retratar una idea, identidad o una construcción abierta de realidad. En muchos sentidos Logan no considera que sus autorretratos sean tradicionales en el sentido de capturar la esencia visual de un individuo. En su lugar, las "poses" teatrales de su cuerpo representado son un mundo imaginado en sí mismas, y ofrecen una meditación sobre la impermanencia.

"Tapiz eunuco 1/ Eunuch Tapestry 1", Panel 1 (detalle / detail)

"Dualidad 1, Abrham e Isaac / Duality 1, Abraham & Isaac", grafito sobre papel / graphite on paper, 42" x 75", 2010

«Durante mucho tiempo estuve trabajando en pinturas y dibujos que representaban hombres recopilados de fuentes cotidianas tales como la pornografía en Internet, revistas y fotografías antiguas. Estas series tuvieron éxito en mi opinión, pero me parecía que les faltaba una arista más sutil, una que sentí que había adquirido a través del uso de mí mismo como sujeto. Utilizar sólo mi propia imagen ha ayudado en la producción de una comprensión visual más matizada de las representaciones masculinas. Tengo mucho más control sobre cómo presento mi propia imagen en lugar de imágenes de hombres que no conozco y con los que tengo poca o ninguna conexión psicológica. En el desarrollo de una obra que me presenta como el único elemento figurativo, soy capaz de situarme a mí mismo en relación con mi espectador. Con esta única fuente, narro experiencias personales encarnadas sobre mi vida como hombre gay, mi relación con mi cuerpo y cómo lo perciben los demás.»

Serie "Hombre Salvaje" / Wild Man Series
"Hombre Salvaje 3 / Wild Man 3", 22" x 42", 2013

Zachari Logan, b. 1980, Saskatoon SK, Canada, is a Canadian artist working mainly in drawing, ceramics and installation practices. His work has been exhibited widely, in group and solo exhibitions throughout North America and Europe, and can be found in public and private collections worldwide. Logan has attended several residencies in Paris, rural Tennessee, Calgary, in Vienna several times, in London, Brooklyn and most recently in the Bronx at Wave Hill Botanical Gardens. Logan's work has been written about and featured in many publications worldwide. 

Through drawing, and installation practices Zachari explores the intersections between masculinity, identity, memory and place. Previous work related to Logan's current practice involved the investigation of his body as singular site of exploration. In recent work, his body remains a catalyst, but no longer the sole focus. Employing a strategy of visual quotation, mined from place and experience, Logan re-wilds his body as a queer embodiment of nature. This narrative shift employs both empirical explorations of landscape and overlapping art-historic motifs. Engaging both epic-scale and stylistically-historic techniques, Logan's meticulous drawings evolve a visual language which speaks to the metaphoric as well as the metaphysical. 

Serie "Natural Drag"
"Hombre verde / Green Man", pastel sobre papel / pastel on paper, 50" x 100", 2012

"Hombre verde / Green Man" (detalle / detail)

«I find drawing to be a more natural way for me to express ideas directly, it’s a mixture of physicality, and patience; I have less for the process of painting, and for drawing, I have seemingly endless patience. Recalling a recent conversation with Rhiannon Vogl about the physicality of drawing and its relation to one’s body, we came to the consensus that for viewers there is a relatablity in drawing that’s not always present in other media, a naturally interactive element, because everyone’s had some experience with it, therefore to some small degree, it elicits an empathic response. I’ve gravitated to drawing as a main focus, in part, because I am naturally better at it, so expressing ideas becomes clearer visually, when one’s able to access a certain facility. When it came to my studies, I actually had more instruction in painting. This makes sense in retrospect, as at the time I felt a sort of anxiety about the references I was (and continue) to make that are predominantly from the language of painting. I realize now it was a silly concern, all visual language is obviously linked. I’ve also recently moved into ceramics, mostly hand-building construction, it’s another process with a sense of immediacy that I appreciate.»

Proyecto "Reinas domésticas" / Domestic Queens Project
"Viñeta / Vignette", grafito sobre papel / graphite on paper, 110" x 200", 2011
Arriba / Top: obra / work - Abajo / Bottom: detalles / details

«I do think my ability to draw well, even when I was fairly young was from a strong visual acuity that was naturally there to begin with, yes. I think this is true for many artists. However, I did hone it. From an early age, I received praise for my drawing skills. I had a tremendous amount of support from family and educators pushing me to continue, and with a supportive base I took what was already present and continued to build upon it. I was dyslexic and had many troubles with math and science, reading and writing were also a big struggle, so drawing was a definite respite from those frustrations as well.»

Serie "Hombre salvaje" / Wild Man Series
"Alimentando 1 / Feeding 1", lápiz azul sobre Mylar / blue pencil on Mylar, 24" x 38", 2013

"Alimentando 1 / Feeding 1" (detalle / detail)

«Alison Norlen (see below) was the first artist whose work had a direct influence on me. The scale and craft of her work left a lasting impression on my desire work with drawing in the manner that I do. Travel is a big stimulation; experiences of travel for both residencies and projects influence my studio practice on an ongoing basis.»

"Lisovik / Leshy", pastel sobre papel negro / pastel on black paper, 50" x 110", 2013
Der./ Right: obra / work - Izq./ Left: detalles / details

The Leshy, literally, "[he] from the forest", is the tutelary spirit of the forests in Slavic folklore. The plural form in Russian can be transliterated leshiye.
Leshiye are masculine and humanoid in shape, are able to assume any likeness and can change in size and height. In some accounts, the leshy is described as having a wife (leshachikha/leszachka/lesovikha) and children (leshonki/leszonky). Because of his propensity to lead travelers astray and abduct children, which he shares with Chort, or "The Black One," the Leshy is believed by some to be evil. Others view him as more of a temperamental being like a fairy.

Serie "Hombre salvaje" / Wild Man Series
"Posadero / Perch", lápiz azul sobre Mylar / blue pencil on Mylar, 15" x 15", 2012

A sensual romanticism surrounds Logan’s alignment of the rare homo universalis and the Wild Man. Both imply the unification of nature, and affirm our imagined collective kinship with all things primitive. The resulting composite images, bear a telling similarity to Hieronymus Bosch’s psychologically charged figures set in unreality, and the imaginative work of pre-Raphaelite artists such as Dante Gabriel Rossetti (and influential follower, William Morris) (see below) 

Over the last five years Logan’s representation of his own body has maintained a singular, frontal pose to highlight some aspect or symbol of character, a sign that could portray an idea, identity or an open construction of reality. In many ways Logan has not considered his self-portraits to be traditional in the sense of capturing the visual essence of an individual. Rather, the theatrical “poses” of his depicted body are an imagined world unto themselves, and offer a meditation on impermanence. 

Serie "Natural Drag"
"Hombre salvaje / Wild Man", pastel sobre papel / pastel on paper, 50" x 100", 2012
obra y detalle / work and detail

"Hombre salvaje / Wild Man" (detalle / detail)

«For a long time I had been working on paintings and drawings which depicted men compiled from everyday sources such as internet porn, magazines and old photographs. These series were successful in my opinion, but I felt they were lacking a more subtle edge, one which I felt I have acquired through the use of myself as the subject. Using only my own image has aided in the production of a more nuanced visual understanding of masculine portrayals. I have much more control over how I present my own image as opposed to images of men I do not know and have little or no psychological connection to. In developing a body of work that features me as the sole figurative element, I am able to locate myself in relation to my viewer. With this single source, I narrate embodied personal experiences about my life as a gay man, my relationship with my body and how others perceive it.»

"Multitud I / Crowd I", grafito sobre papel / graphite on paper, 102" x 82"

Serie "Hombre salvaje" / Wild Man Series
"Hombre salvaje 2 / Wild Man 2", lápiz azul sobre Mylar / blue pencil on Mylar
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"Proyecto Hermosos perdedores / Beautiful Losers Project"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 108" x 200", 2009-10

Serie Feria de Arte / Art Fare Series
Spinello, New York Pulse, 2010. Foto / Photo: Andy Freeberg

«Los galeristas y su equipo están generalmente escondidos tras grandes escritorios y oficinas a puertas cerradas. Pero en las grandes ferias de arte que he visitado, con la Armory Show de Nueva York y Art Basel en Miami y Suiza, están a plena vista en sus stands. Como en un escenario, puedes ver a los comerciantes de arte en sus encuentros con coleccionistas, vendiendo y negociando, hablando por sus móviles, trabajando con sus portátiles y manipulando pantallas táctiles en posturas del s.XXI adaptadas a los últimos dispositivos electrónicos. He hallado la iluminación, vestimenta y diseño de los escenarios excelentes para fotografiar estos dioramas vivientes, donde el mundo del arte se representa a sí mismo.» Andy Freeberg

Proyecto "Hermosos perdedores" / Beautiful Losers Project (detalle / detail)

«Gallery owners and their staff are usually hidden behind large entry desks and closed office doors. But at the major art fairs I've visited, like New York's Armory Show and Art Basel in Miami and Switzerland, they're in plain view in their booths. As if on stage, you can see art dealers meeting with collectors, selling and negotiating, talking on cell phones, working on laptops, and manipulating touch screens in 21st century postures newly adapted for the latest electronic devices. I found the lighting, costumes, and set design excellent for photographing these living dioramas, where the art world plays itself.» Andy Freeberg

Más sobre Andy Freeberg en "El Hurgador" / More about Andy Freeberg in this blog:
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Serie "Metamorfosis" / Metamorphose Series
"Enjambre / Swarm", lápiz azul sobre Mylar / blue pencil on Mylar, 15" x 15", 2013

Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista en / Interview inYatzer
* Entrevista en / Interview inLine Gallery, 2014

Más imágenes e información sobre Zachari en / More images and information about Zachari in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Zachari!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Zachari)


Algunas referencias / Some References

Alison Norlen


Alison Norlen es una artista canadiense nacida en 1962 en Saskatoon.
Recibió su Licenciatura en Bellas Artes (con honores) de la Universidad de Manitoba en 1987, y un Máster en Bellas Artes de la Universidad de Yale en 1989.
«Mi trabajo es autobiográfico, registro de la experiencia sensorial, incorporando la narración / relato personal, utilizando un enfoque documental, que culmina en un diario visual. Se deriva de observaciones, recuerdos e interpretaciones de la experiencia, los viajes y la investigación cultural teórica. Mi investigación consiste en una recolección obsesiva, documentando visual/mentalmente y, por último, creando bocetos, dibujos y esculturas. »

"Puente de luz tenue/peatonal / Glimmer/pedway Bridge", tiza pastel / chalk pastel, 10' x 22', 2010

Alison Norlen is a Canadian artist born in 1962 in Saskatoon.
She received a BFA (Honours) degree from the University of Manitoba in 1987, and MFA from Yale University in 1989. 
«My work is autobiographical, recording sensory experience, incorporating storytelling/personal narration, utilizing a documentary approach, culminating in a visual diary. It is derivative of observations, recollections and interpretations of experience, travel and theoretical cultural research. My research involves obsessively collecting, visually/mentally documenting, and finally, building sketches, drawings, and sculptures.»

"Puente de la Universidad / University Bridge", tiza, pastel, lápiz de carboncillo, pintura de base acuosa /
chalk, pastel, charcoal pen, water based paint, 8.5" x 11", 2014

Sobre los otros artistas mencionados / About the other mentioned artists:

Hieronymus Bosch (El Bosco): [Sergey Tyukanov II (Pintura)], [Recolección (XVI)], [Lori Pond (Fotografía)], [Recolección (XXXIV)], [Gabriel Grün (Pintura)]
Dante Gabriel Rossetti: [Brad Kunkle (Pintura)]
William Morris[Wikipedia]

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