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Aniversarios Fotografía (CLXXXIII) [Junio / June 19-25]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Junio aquí / All anniversaries for June here.
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El 19 de Junio es el cumple de

Chauncey Hare, fotógrafo estadounidense nacido en 1934.

"El interior de Estados Unidos / Interior America"

Es conocido principalmente por su libro de 1978 "Interior America" de Aperture. En sintonía con su propia alienación en el mundo corporativo como ingeniero de investigación de Standard Oil, comenzó a fotografiar como un escape de su rutina diaria. En su ensayo introductorio describe la carga física y psicológica que tal ambiente tenía en su salud, incluyendo náuseas diarias y los trastornos extremos de pánico que sufrió. Arrastraba estos desagradables ataques hasta el fin de semana, cuando podía dedicarse a mirar adelante y fotografiar.

"El interior de Estados Unidos / Interior America"

de un Estudio de los empleados de la compañía Standard Oil /
from A Study of Standard Oil Company EmployeesLink

Comenzando con una 35mm y graduándose a una cámara Burke y James 5x7, Hare era al princpio demasiado tímido como para acercarse a las personas directamente, así que describió el paisaje en el entorno de las casas de Richmond, California, donde vivía. En una ocasión en 1968 Hare fue abordado por un hombre que se ofreció a venderle una cámara. Esta invitación a la casa del hombre llevó a Hare a comenzar a explorar la vida interior de los trabajadores de la zona. Hare trabajó metódicamente para obtener acceso a las salas de estar de las personas y tres becas Guggenheim facilitaron una gran obra que ha permanecido increíblemente desconocida para muchos fotógrafos más jóvenes.
En la década de 1980 participó en exposiciones en las principales instituciones. En 1985 abandonó la fotografía y regresó a la escuela, convirtiéndose en terapeuta.

"El interior de Estados Unidos / Interior America"


El 20 de Junio es el cumple de

Michael Philip Manheim, fotógrafo estadounidense nacido en 1940. Ha sido fotógrafo profesional desde 1969.

"En el circo, Elefantes tirando de un camión / At the Circus, Elephants-Pull-Truck", 1957

Intrigado por los temas del cambio y la transformación, Manheim desarrolló un estilo característico de superposición de frases completas de movimiento sobre un único cuadro de la cámara.
Sus primeros trabajos son de naturaleza periodística. Marcado por este enfoque reflexivamente intuitivo de la fotografía, las imágenes de Manheim se convirtieron en las fotografías líricas y evocadoras de su obra posterior.

"Maravilla / Wonder"

"Ciclista / Cyclist", Alliance, Ohio, 1955

Es ampliamente reconocido por sus fotografías experimentales e innovadoras de múltiples exposiciones, imágenes que celebran la emoción humana como un vínculo primordial que unifica a toda la humanidad. Para subrayar este tema, encuentra maneras de animar la participación de la audiencia en sus exhibiciones, y muestra regularmente su obra tanto a nivel doméstico como internacional.

"Alabando", de La energía de la danza / In Praise, from The Energy of Dance"
con / featuring Margaret Schaefer & Thomas Dwyer del / of Liz Lerman Dance Exchange, 2001

Las fotografías de Michael Philip Manheim ha sido expuestas en todo Estados Unidos y en Alemania, Grecia e Italia, en más de 20 exposiciones individuales y más de 30 colectivas. Su trabajo ha aparecido en revistas como Zoom (EE.UU. e Italia), Photographers International (Taiwan), La Fotografia (España), Black and White Magazine (Estados Unidos), y publicado en cientos de otros libros y revistas, así como en blogs online.
Sus fotografías están presentes en colecciones privadas y públicas, incluyendo la Biblioteca del Congreso, el Salón Internacional de la Fama de la Fotografía, los Archivos Nacionales, el Museo de Arte Danforth y el Museo de Arte del Colegio Bates.

Ángeles de la Tierra / Earth Angels
Izq./ Left: "Madonna" - Der./ Right: "Ninfas / Nymphs"© 2012 Michael Philip Manheim


El 21 de Junio es el cumple de

Frieda Gertrud Riess, fotógrafa alemana de gran éxito en la década de 1920 con un estudio en el centro de Berlín. Nació en Czarnikau, en la provincia prusiana de Posen. A finales de la década de 1890 la familia se trasladó a Berlín donde estudió escultura por primera vez bajo la dirección de Hugo Lederer (1907) y más tarde fotografía en el "Photographischen Lehranstalt" de Berlín, recibiendo su diploma en el verano de 1915.

"Selbstbildnis / Autorretrato / Self-portrait", 1922.
Colección Granger, Nueva York / The Granger Collection, New York. MoMA

En 1918 abrió un negocio en el prestigioso Kurfürstendamm, que se convirtió en uno de los estudios más populares de la ciudad. En parte como resultado de su matrimonio con el periodista Rudolf Leonhard a principios de la década de 1920, extendió su clientela a celebridades como el dramaturgo Walter Hasenclever, el novelista Gerhart Hauptmann y actores y actrices como Tilla Durieux, Asta Nielsen y Emil Jannings. Mientras viajaba por Italia en 1929, fue invitada a fotografiar a Benito Mussolini. Además contribuyó a los periódicos y revistas de la época, incluyendo Die Dame, Berliner Illustrierte Zeitung, Der Weltspiegel, Querschnit y Koralle.


"Retrato de perfil de una dama de sociedad / 
Profile Portrait of a Society Woman", c.1930

Su éxito en Berlín fue sin embargo de corta duración. En 1932, después de enamorarse del embajador de Francia en Berlín, se trasladó a París con él, desapareciendo del ámbito público. Ni siquiera la fecha de su muerte puede ser claramente establecida (c.1955) y el sitio de su entierro sigue siendo desconocido.
En 2008, se presentó en la Berlinische Galerie una retrospectiva de su obra.

"Die Bildhauerin / La escultora / The Sculptress Renée Sintenis"
Gelatinobromuro de plata / gelatin silver print, 22,6 x 17,3 cm. MoMA
Negativo de / Negative Date, 1925 - Copia de / Print Date, 1925-35. Colección / Collection Thomas Walther

Renée Sintenis en "El Hurgador" / in this blog: [Aniversarios (LXII)]


El 22 de Junio es el cumple de

Abbas Kiarostami (عباس کیارستمی), director de cine, guionista, fotógrafo y productor iraní nacido en 1940 en Teherán.

Serie de la nieve / Snow Series
copia digital sobre papel de algodón / digital print on rag paper, 57 x 90 cm., 2002. ArtAsiaPacific

Cineasta activo desde 1970, Kiarostami participó en más de cuarenta películas, incluyendo cortometrajes y documentales. Fue aclamado por la crítica por dirigir la "Trilogía de Koker" (1987-94), "Close-Up" (1990), "El sabor de la Cereza" (1997), que fue galardonado con la Palma de Oro en el Festival de Cannes de ese año, y "El viento nos llevará" (1999). En sus trabajos posteriores, "Copia certificada" (2010) y "Como alguien enamorado" (2012), filmó por primera vez fuera de Irán: en Italia y Japón, respectivamente.

Serie de la lluvia Nº 7 / Rain Series #7, copia sobre lienzo / canvas print, 103,5 x 153,5 cm., 2007-08. Artsy

Kiarostami trabajó extensamente como guionista, director de cine, director artístico y productor, y diseñó títulos de crédito y material publicitario. También fue poeta, fotógrafo, pintor, ilustrador y diseñador gráfico. Formó parte de una generación de cineastas de la Nueva Ola iraní, un movimiento de cine persa que comenzó a finales de los años 60 e incluye directores pioneros como Bahram Beyzai, Nasser Taghvai, Ali Hatami, Masoud Kimiai, Dariush Mehrjui, Sohrab Shahid Saless y Parviz Kimiavi. Estos cineastas comparten muchas técnicas comunes, incluyendo el uso del diálogo poético y la narración alegórica que trata de cuestiones políticas y filosóficas.

Serie de la nieve / Snow Series
copia digital sobre papel de algodón / digital print on rag paper, 57 x 90 cm., 2002. ArtAsiaPacific

Kiarostami se caracterizaba por el uso de protagonistas infantiles, películas narrativas de estilo documental, historias que ocurren en pueblos rurales y conversaciones que se desarrollan dentro de los automóviles usando cámaras fijas montadas. También es conocido por su uso de la poesía persa en el diálogo, títulos y temas de sus películas. Las películas de Kiarostami contienen un notable grado de ambigüedad, una mezcla inusual de simplicidad y complejidad, y a menudo una mezcla de elementos ficticios y documentales. Los conceptos de cambio y continuidad, además de los temas de vida y muerte, juegan un papel importante en sus obras.

Serie de la lluvia Nº 27 / Rain Series #27, 2007. The Guardian

Serie de la nieve / Snow Series
copia digital sobre papel de algodón / digital print on rag paper, 57 x 90 cm., 2002. ArtAsiaPacific

Junto con Jean Cocteau, Satyajit Ray, Derek Jarman y Alejandro Jodorowsky, fue un cineasta que se expresó en otros géneros, como poesía, escenografía, pintura o fotografía.
Kiarostami fue un notable fotógrafo y poeta. Una publicación bilingüe de más de 200 de sus poemas, "Caminando con el viento", fue publicada por Harvard University Press. Su trabajo fotográfico incluye "Fotografías sin título", una colección de más de treinta fotografías, sobre todo de paisajes de nieve, tomadas en su ciudad natal Teherán, entre 1978 y 2003.
Murió en 2016.

Serie del camino Nº 30 / Road Series #30
Copia digital sobre lienzo / digital print on canvas, 140 × 220 cm., 2007. Artsy

Abbas Kiarostami en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CLXXIX)]


El 23 de Junio es el cumple de

Francis Julian Gutmann, fotógrafo británico nacido en 1913, "Franzie" fue criado en Munich desde 1919, donde experimentó por primera vez con la fotografía con una cámara Box Brownie. Regresó a Londres en 1931. A los dieciocho años de edad, se convirtió en aprendiz del fotógrafo de moda y publicidad Shaw Wildman, y más tarde trabajó para Peter Rose Pulham. Sus primeras fotografías de moda aparecieron en las revistas Vogue y Harper's Bazaar, mientras que sus retratos de sociedad fueron publicados en The Sketch. Gran parte de la obra original de Goodman de los años 30 se perdió durante la Segunda Guerra Mundial, pero varias fotografías todavía se pueden rastrear en revistas fotográficas y anuales, y reproducciones de prensa.

"David Hockney", 2,25" x 2,25", Feb.2, 1970
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). NPG

David Hockney en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (LXXVIII)]

Durante la Segunda Guerra Mundial, Goodman sirvió en un ejército privado, y más tarde con la Unidad de Interpretación Fotográfica de la Fuerza Aérea Real en Medmenham. Volvió al retrato en 1945, y comenzó a trabajar en localizaciones con tres focos portátiles y una cámara Rolleiflex. La mayor parte de su trabajo apareció regularmente en The Tatler y Bystander desde mediados de los años cuarenta hasta finales de los cincuenta.

"Michael Caine", 2,25" x 2,25", Jul, 1965
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). NPG

En la década de 1950, Goodman siguió tomando retratos de sociedad y también fotografió en bailes de disfraces, fiestas y lanzamientos de libros. Sus fotografías de moda, que a menudo incluían actores famosos y diseñadores en las primeras etapas de sus carreras, continuaron siendo publicadas en revistas como The Tatler y Bystander, y también en Gentlemen's Quarterly y Cloth and Clothes.
Goodman también comenzó a trabajar como fotógrafo de viajes. Trabajó para P & O y Union Castle, y viajó con el Comando de Transporte de la Fuerza Aérea Real para cumplir con encargos en Hong Kong, Singapur y Borneo. En la década de 1960 fue empleado por las juntas de turismo de las Bahamas, Barbados y Jamaica, donde fotografió personalidades conocidas de vacaciones allí. En 1966 Goodman consiguió su "primer trabajo regular" con el British Cycling Bureau, fotografiando personajes famosos en bicicletas y escribiendo artículos.

"Peter Ustinov", 2,25" x 2,25", Enero / January 31, 1947
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). NPG

Goodman no se hizo rico a través de la fotografía, pero siempre creyó en andar bien vestido y mantener una dirección de moda en Londres. Adecuado y popular, siempre fue modesto en sus logros. Goodman murió en 1989 y legó su archivo de negativos a la National Portrait Gallery.

"Francis Bacon", 2,25" x 2,25", May., 1971
© National Portrait Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK). NPG

Francis Bacon en "El Hurgador" / in this blog:


El 24 de Junio es el cumple de

Mohammad "Moe" Kheirkhah Zoyari, fotógrafo iraní-estadounidense nacido en 1986. Zoyari ganó un Premio Pictures of the Year International a los 21 años.

Irán: Una civilización misteriosa
Irán es misterioso. Este pacífico país islámico, hogar de 82 millones de personas, se asienta tranquilamente entre Irak y Turquía, al oeste, y Turkmenistán, Afganistán y Pakistán por el este. Ha sobrevivido a una guerra de ocho años con su vecino Irak, la guerra más larga del siglo XX, y emergió como un país altamente politizado. El conservacionismo gobierna el país, desde la vestimenta de la mujer y los movimientos sociales a la regulación del alcohol y el consumo de noticias. Aunque las regulaciones no han impedido el avance intelectual de los iraníes.


Iran: A Mysterious Civilization
Iran is mysterious. This peaceful Islamic country, home of 82 million people, sits quietly between Iraq and Turkey to the west and Turkmenistan, Afghanistan, and Pakistan to its east. It has survived an eight-year war with its neighbor Iraq, the longest war in the 20th century, and emerged as a highly politicized country. Conservatism governs the country, from women’s dress and social movements, to alcohol regulation and news consumption. Yet this regulation does not hinder the intellectual advancement of Iranians.

Trabajó para United Press International y la BBC de 2005 a 2015. Comenzó su trabajo como fotógrafo a los 14 años. Después de cubrir el programa nuclear de Irán, terremotos y disturbios políticos, cubrió eventos en Oriente Medio, Europa y los Estados Unidos. Sus fotografías han sido publicadas en Newsweek, Time y Le Figaro.

Afganistán: La vida después de la guerra
Hay un cierto desaliento asumido por un país que ha estado plagado por décadas de guerra. En Afganistán, en particular, el paisaje da testimonio de la guerra: los mendigos heridos por las explosiones de las bombas se arrastran para cambiar las partes, las oportunidades educativas son escasas y los ciudadanos luchan por proporcionar a sus familias las necesidades básicas, incluso el agua potable. Sin embargo, en medio de esta penuria, existe una vibrante vida civil, una que es igualmente religiosa, juguetona y bellamente mundana. Pequeñas tiendas de propiedad familiar crecen con los negocios, las mezquitas celebran ceremonias religiosas, los niños convierten la basura en patios de juegos, y los vecinos juegan juegos en las calles. Los afganos son tal vez quienes mejor exhiben la resiliencia del espíritu humano.

Afghanistan: The Life After War
Afghanistan: There is a certain bleakness assumed by a country that has been plagued by decades of war. In Afghanistan particularly, the landscape gives evidence of warfare—beggars wounded by bomb blasts grovel for spare change, educational opportunities are sparse, and citizens struggle to provide their families with basic necessities, even safe drinking water. Yet in the midst of this hardship, there exists a vibrant civilian life—one that is equally religious, playful and beautifully mundane. Small family-owned shops buzz with business, mosques host religious ceremonies, children turn trash into playgrounds, and neighbors play games in the streets. Afghanis perhaps best exhibit the resiliency of human spirit.

Zoyari dejó Irán para siempre después de las turbulentas consecuencias de las elecciones presidenciales de 2009, y se fue a Afganistán durante 44 días para trabajar como periodista empotrado el Ejército de los Estados Unidos, y ahora tiene su sede en Chicago, Illinois. Está representado por Redux Pictures y trabaja para Deutsche Welle.

Cielos azul y negro sobre el sur de Irak
Los cielos negros y humeantes son un modo de vida duro para los habitantes de Qayyarah (a unos 60 km al sur de Mosul), donde varios campos petroleros han sido incendiados deliberadamente por los militantes de ISIS. Un panal de minas terrestres activas en la región evita una solución fácil al problema. Cientos de residentes aquí han requerido asistencia médica por la exposición a humos tóxicos. Antes de caer bajo el control de los yihadistas de línea dura, Qayyarah (junto con su vecino Najma) solía producir hasta 30.000 barriles de crudo pesado por día, el equivalente a casi 2 millones de dólares.

Black & Blue Skies over Southern Iraq
Black, smokey skies are a harsh way of life for the people of Qayyarah (ca. 60 km south of Mosul) where multiple oil fields have been deliberately set ablaze by ISIS militants. A honeycomb of active landmines in the region prevent an easy solution to the problem. Hundreds of residents here have required medical assistance for exposure to toxic fumes. Before falling under the control of hardline jihadists, Qayyarah (along with its neighbor Najma) used to produce up to 30,000 barrels of heavy crude oil per day, or the equivalent of almost 2 millions dollars.


Hoy, 25 de Junio, es el cumple de

Mathieu Asselin, artista de la fotografía francés-venezolano, nacido en 1976 en el sur de Francia, especializado en fotografía documental.

Retratos de / Portraits of Venezuela

Retratos del paso de un tornado
El 22 de mayo de 2011 un tornado golpeó la ciudad de Joplin, en Missouri. La fuerza y magnitud del tornado dejaron un rastro de destrucción de 3 a 4 millas de ancho por 6 millas de largo. Como resultado, 153 personas murieron y en unos pocos minutos, miles de personas se quedaron sin hogar.

Pasó su infancia en Venezuela. A los 16 años comenzó a trabajar con el reconocido director venezolano Alfredo Anzola. La cámara se convirtió en su pasión. A sus 20 años se trasladó a Europa para comenzar su carrera como fotógrafo. Se unió a la agencia fotográfica francesa L'Oeil du Sud y trabajó en un proyecto en España centrado en uno de los mayores mercados europeos de la droga. Sus fotografías han sido incluidas en publicaciones internacionales como Geo Alemania, Paris Match, Le Monde (Francia), El País, Altair, Razor Magazine y Gente Italia, entre otros.

Portraits of the path of a tornado
In May 22 2011 a tornado hits the city of Joplin Missouri. The strength and magnitude of the tornado left a trail of destruction of 3 / 4 wide by 6 miles long, as a result, 153 die and within minutes thousands of people are homeless. 

Retratos de / Portraits of Venezuela

En 2005 se trasladó a Nueva York. Experimentó mucho para perfeccionar sus técnicas de iluminación y trabajó sobre todo en fotografía de retrato. En los últimos años se estableció como fotógrafo comercial trabajando con universidades, arquitectos y agencias de publicidad.
El trabajo personal de Mathieu Asselin se centra en la fotografía documental que, como él dice, tiene fuertes restricciones creativas, que supera a través de sus técnicas de iluminación. "Si el documental es considerado una forma de ficción, es allí donde mi realidad encuentra refugio".

Nadadores de invierno / Winter Swimmers 


Textos en inglés / English translation

On June 19 is the birthday of

Chauncey Hare, American photographer born in 1934.
He is known primarily for his 1978 book Interior America from Aperture. Attuned to his own estrangement in the corporate world being a research engineer for Standard Oil, he began photographing as an escape from his everyday routine. In his written introductory essay he describes the physical and psychological toll that such an environment had on his health including daily nausea and extreme panic disorders from which he suffered. These unpleasant attacks would let up as the week ended and Hare could look forward to photographing during the weekends.
Starting with 35mm and graduating to a Burke and James 5x7 camera, Hare was initially too shy to approach people directly so he described the landscape around the homes of Richmond, California where he lived. On one occasion in 1968 Hare was approached by a man who offered to sell him a camera. This invitation into the man's home led Hare to start to explore the interiors lives of the workers in the area. Citing the resonance of photographers like Evans and Russell Lee, Hare methodically worked to gain access into people's living rooms and three Guggenheim fellowship facilitated a large body of work that has incredibly remained under the radar of many younger photographers.
By the 1980s, Hare had been featured in exhibitions at major institutions. In 1985, he abandoned photography and returned to school, becoming a therapist.

On June 20 is the birthday of

Michael Philip Manheim, American photographer born in 1940. He has been a professional photo-grapher since 1969.
Intrigued with themes of change and trans- formation, Manheim developed a signature style of layering whole phrases of movement onto a single frame in the camera.
His early work is journalistic in nature. Marked by this reflexively intuitive approach to photography, Manheim's images evolved into the lyrical and evocative fine art photographs of his later work.
Manheim is widely recognized for his experimental and innovative multiple exposure photographs, images that celebrate human emotion as a primal link that unifies all of humankind. To underscore this theme, he finds ways to encourage audience participation in his exhibits, and regularly shows his work domestically and internationally.
Michael Philip Manheim's photography has been exhibited throughout the United States and in Germany, Greece and Italy, in over 20 solo exhibitions and over 30 group shows. His work has been featured in magazines such as Zoom (U.S. and Italy), Photographers International (Taiwan), La Fotografia (Spain), Black and White Magazine (U.S.), and published in hundreds of other books and magazines as well as in blogs online.
Manheim's photographs are held in private and public collections including the Library of Congress, the International Photography Hall of Fame, the National Archives, the Danforth Museum of Art, and the Bates College Museum of Art.

On June 21 is the birthday of

Frieda Gertrud Riess, a highly successful German portrait photographer in the 1920s with a studio in central Berlin. She was born in Czarnikau in the Prussian Province of Posen. At the end of the 1890s, the family moved to Berlin where she first studied sculpture under Hugo Lederer (c. 1907) and later photography at the Berlin "Photographischen Lehranstalt", receiving her diploma in the summer of 1915.
In 1918, she opened a business on the prestigious Kurfürstendamm; it became one of the most popular studios in the city. Partly as a result of her marriage to the journalist Rudolf Leonhard in the early 1920s, she extended her clientele to celebrities such as playwright Walter Hasenclever, novelist Gerhart Hauptmann and actors and actresses including Tilla Durieux, Asta Nielsen and Emil Jannings. While on a trip to Italy in 1929, she was invited to photograph Benito Mussolini. In addition, she contributed to the journals and magazines of the day including Die Dame, Berliner Illustrierte Zeitung, Der Weltspiegel, Querschnit and Koralle.
Her success in Berlin was however short-lived. In 1932, after falling in love with the elderly French ambassador in Berlin, she moved to Paris with him, disappearing from the public eye. Even the date of her death cannot be clearly established (c.1955) and her place of burial remains unknown.
In 2008, a restrospective of her work was held in the Berlinische Galerie.

On June 22 is the birthday of

Abbas Kiarostami (عباس کیارستمی‎‎), Iranian film director, screenwriter, photographer and film producer born in 1940 in Tehran.
An active film-maker from 1970, Kiarostami had been involved in over forty films, including shorts and documentaries. Kiarostami attained critical acclaim for directing the Koker trilogy (1987–94), Close-Up (1990), Taste of Cherry (1997) – which was awarded the Palme d'Or at the Cannes Film Festival that year – and The Wind Will Carry Us (1999). In his later works, Certified Copy (2010) and Like Someone in Love (2012), he filmed for the first time outside Iran: in Italy and Japan, respectively.
Kiarostami had worked extensively as a screenwriter, film editor, art director and producer and had designed credit titles and publicity material. He was also a poet, photographer, painter, illustrator, and graphic designer. He was part of a generation of filmmakers in the Iranian New Wave, a Persian cinema movement that started in the late 1960s and includes pioneering directors such as Bahram Beyzai, Nasser Taghvai, Ali Hatami, Masoud Kimiai, Dariush Mehrjui, Sohrab Shahid Saless and Parviz Kimiavi. These filmmakers share many common techniques including the use of poetic dialogue and allegorical storytelling dealing with political and philosophical issues.
Kiarostami had a reputation for using child protagonists, for documentary-style narrative films, for stories that take place in rural villages, and for conversations that unfold inside cars, using stationary mounted cameras. He is also known for his use of Persian poetry in the dialogue, titles, and themes of his films. Kiarostami's films contain a notable degree of ambiguity, an unusual mixture of simplicity and complexity, and often a mix of fictional and documentary elements. The concepts of change and continuity, in addition to the themes of life and death, play a major role in Kiarostami's works.
Kiarostami, along with Jean Cocteau, Satyajit Ray, Derek Jarman and Alejandro Jodorowsky, was a filmmaker who expressed himself in other genres, such as poetry, set designs, painting, or photography.
Kiarostami was a noted photographer and poet. A bilingual collection of more than 200 of his poems, Walking with the Wind, was published by Harvard University Press. His photographic work includes Untitled Photographs, a collection of over thirty photographs, mostly of snow landscapes, taken in his hometown Tehran, between 1978 and 2003.
He died in 2016.

On June 23 is the birthday of

Francis Julian Gutmann, British photographer born in 1913, ‘Franzie’ was brought up in Munich from 1919, where he first experimented with photography on a Box Brownie camera. He returned to London in 1931. As an eighteen-year old, he became apprenticed to the fashion and advertising photographer Shaw Wildman, and later worked for Peter Rose Pulham. His early fashion photographs appeared in Vogue and Harper’s Bazaar magazines, while his society portraits were published in The Sketch. Much of Goodman’s original work from the 1930s was lost during the Second World War, but several photographs are still traceable in photographic magazines and annuals, and press reproductions.
During the Second World War, Goodman served as an army private, and later with the Royal Air Force’s Photographic Interpretation Unit in Medmenham. He returned to portraiture in 1945, and began working on location with three portable flood lights and a Rolleiflex camera. Most of his work appeared regularly in The Tatler and Bystander from the mid 1940s until the late 1950s.
In the 1950s, Goodman continued to take society portraits and also recorded costume balls, parties and book launches. His fashion photographs, which often featured famous actors and designers in the early stages of their careers, continued to be published in magazines such as The Tatler and Bystander, and also in Gentlemen’s Quarterly and Cloth and Clothes.
Goodman also began working as a travel photographer. He worked for P&O and Union Castle liners, and travelled with Royal Air Force Transport Command to complete assignments in Hong Kong, Singapore and Borneo. In the 1960s, he was employed by the tourist boards of the Bahamas, Barbados and Jamaica, where he photographed well-known personalities holidaying there. In 1966, Goodman gained his ‘first regular job’ with the British Cycling Bureau, photographing famous sitters on bicycles and writing accompanying articles.
Goodman did not become wealthy through photography, but always believed in being well-dressed and keeping a fashionable London address. Personable and popular, he was always modest about his achievements. Goodman died in 1989 and bequeathed his remaining archive of negatives to the National Portrait Gallery.

On June 24 is the birthday of

Mohammad "Moe" Kheirkhah Zoyari, Iranian-American photographer born in 1986. Zoyari won a Pictures of the Year International Award of Excellence at the age of 21.
He worked for United Press International, and the BBC from 2005 to 2015. He started his work as a photographer at the age of 14. After covering Iran's nuclear program, earthquakes, and political turmoil, he covered events in the Middle East, Europe and the United States. His photographs have been published in Newsweek, Time, and Le Figaro. Zoyari left Iran for good after the turbulent aftermath of Iranian presidential election, 2009 and went to Afghanistan for 44 days to be an embedded journalist with the U.S. Army, and is now based in Chicago, IL. He is a represented by Redux Pictures and works for Deutsche Welle.

Today, June 25, is the birthday of

Mathieu Asselin, French-Venezuelan photographer artist born in 1973 in the South of France, specializing in documentary photography.
He spends his childhood in Venezuela. At the age of 16 he starts working with acknowledged Venezuelan director Alfredo Anzola. Camera becomes his passion. In his early 20s, Mathieu moves to Europe to begin his career as a photographer. He joins French photo agency L'Oeil du Sud, and works on a project in Spain covering one of the biggest European drug markets. His pictures have been published in international publications such as Geo Germany, Paris Match, Le Monde (France), El País, Altair, Razor Magazine, Gente Italy, among others. 
In 2005 Mathieu moves to New York City. He experiments a lot to perfect his lightening techniques and works mostly on portrait photography. In the last several years he established himself as a commercial photographer working with Universities, architects and advertising agencies.
Mathieu Asselin’s personal work focuses on documentary photography that, as he says, has strong creative restrictions, which he breaks through with his lighting techniques. “If documentary is considered a form of fiction, it is there, where my reality finds shelter”.


Uruguayos (XXXI) - Armando Bergallo (II) (Pintura)

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Armando Bergallo es un artista muy interesante con quien hemos contactado gracias a la dedicación habitual de mi buena amiga y colaboradora Shirley Rebuffo. Armando y Freek han tenido la amabilidad de remitirnos una profusa y bien documentada colección de imágenes de sus obras y una reseña que iré publicando para ustedes en una serie de posts que, a efectos prácticos, y para ofrecer un panorama amplio sobre la variopinta obra de Armando, fraccionaré en bloques temáticos.
Después de un primer post repasando sus pinturas de la serie "Animaux" (Animales), recorremos ahora parte de su obra figurativa, con comentarios de Armando y Freek.

Armando Bergallo is a very interesting artist with whom we have contacted thanks to the usual dedication of my good friend and collaborator Shirley Rebuffo. Armando and Freek have been kind enough to send us a profuse and well documented collection of images of his works and a review that I will be publishing for you in a series of posts that, for practical purposes, and to offer a wide panorama on the varied work of Armando, i've divided in thematic blocks.
After a first post reviewing his series of paintings Animaux (Animals), here we go with part of his figurative work, with comments by Armando and Freek.
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Armando Bergallo
Obra figurativa / Figurative work

"Orfeo", instalación / installation, Atelier Lalandusse, Francia / France 2013

Armando Bergallo nació en Montevideo, Uruguay en 1942, y actualmente reside en Lalanduse, en la región de Aquitania, departamento de Lot-y-Garona, Francia.

"Medusa y los poetas / and the poets", oleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 100 cm., 1994

"Baco / Bacchus", óleo sobre tela / oil on canvas, 70 x 80 cm., 1980

«Mi interpretación del BACCHUS marca la confirmación de la ruptura con las normas constructivas de mi formación. Pasé del rechazo del naturalismo, de la pintura del renacimiento, más aun del barroco a un deseo de acercarme casi físicamente, en este ejemplo a Garavaggio, agregando una necesidad de incluir el movimiento en la obra. A partir de este cuadro mi obra plástica será ecléctica, un deseo incontrolable de libertad.»

«My interpretation of the BACCHUS marks the confirmation of the rupture with the constructive norms of my formation. I went from the rejection of naturalism, the rejection of renaissance painting, even more from the baroque to a desire to approach, almost physically in this example, to Caravaggio. At the same time I needed to include movement in the work, doubling the face and the wine overflowing the glass. From this painting on my work will be eclectic, an uncontrollable desire for freedom.»

"Exacto / Exact", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 120 x 100 cm., 2000

"Fin del día / End of the Day", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 130 x 98 cm., 2006

"Autoportrait avec Santiago / Autorretrato con Santiago / Self Portrait with Santiago"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 160 x 100 cm., 1981

«Santiago del Corral fue muy importante en mi vida profesional y personal. Desde 1979 hasta 1995 [año de su desaparición] este brillante escenógrafo trabajo con Vilche y yo en las producciones del Taller Amsterdam.»

"Santiago del Corral", óleo y acrílico sobre tela / oil and acrylic on canvas, 100 x 100 cm., 1995

«Santiago del Corral was very important in my professional and personal life. From 1979 to 1995, the year of his disappearance, this brilliant stage designer worked with Vilche and I in the productions of Taller Amsterdam.»

"Interno / Internal", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 90 x 90 cm., 2006

"En la mente del niño / In the Mind of the Child", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 120 x 100 cm., 2006

"Descartes aux Pays-Bas / en los Países Bajos / at The Netherlands"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 550 x 380 cm., 1985

«"Descartes aux Pays-Bas" y "Les villes de Descartes" fueron un encargo de Jean Galard, director de la Maison Descartes, Instituto Francés de Amsterdam en ocasión de la visita del presidente François Mitterrand a los Países Bajos en 1985. El tema de la exposición fue Descartes en los Países Bajos.
En Descartes aux Pays-Bas cree esta metáfora de "La lección de anatomía" de Rembrandt cambiando la imagen del doctor Nicolaes Tulp por un retrato realista de Descartes. 
Les villes de Descartes muestra las 9 ciudades donde Descartes vivió durante los 20 años de su residencia en los Países Bajos.»

"Les villes de Descartes / Las ciudades de Descartes / The Cities of Descartes"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 400 x 400 cm., 1985

«Descartes aux Pays-Bas and Les villes de Descartes were commissioned by Jean Galard, Director of Maison Descartes, the French Institute in Amsterdam, on the occasion of the visit of President François Mitterrand to the Netherlands in 1985. The theme of the exhibition was Descartes in the Netherlands.
In Descartes aux Pays-Bas I created this metaphor of The Anatomy Lesson of Rembrandt by changing the image of Dr. Nicolaes Tulp in a realistic portrait of Descartes.
Les villes de Descartes shows the 9 cities where Descartes lived during the 20 years of his residence in the Netherlands.»

"Hombre joven junto al mar / Young Man by the Sea"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 100 cm., 2006

"Le regard de L'Amour / La mirada del amor, mi padre cuando tenía diez años
/ The Look of Love, my father when he was ten years old"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 220 x 220 cm., 2005

"Jean-Marie Londeix", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 115 x 90 cm., 2007

"Hercule / Hércules / Heracles", instalación / installation, Atelier Lalandusse, Francia / France, 2010

«Realicé HERCULE con pasión entusiasta, poseído por el deseo de encontrar durante el proceso de realización, la sorpresa. En cada una de las imágenes de esta instalación, veo la memoria de la Historia del Arte y a la vez siento que mi imaginación se expresa sin límites, ni prejuicios. Una verdadera fiesta de la creación se instala con la impresión de que mi sangre forma parte del fluido de la vida. En HERCULE tengo la sensación de sentirme como un niño al comienzo de su existencia.
Este proyecto marca el despertar de un nuevo siclo de vida y de trabajo. Mi inspiración dice SI a la búsqueda de la belleza. HERCULE es un canto que celebra a plena voz lo Humano y la energía de la vida.»

"Hercule / Hércules / Heracles", 2011

«I created HERCULE with enthusiastic passion, possessed by the desire to find during the process of realization, the surprise. In each image of this installation, I feel the memory of the History of Art and at the same time I see that my imagination is expressed without limits or prejudices. A true feast of creation is installed with the impression that my blood is part of the fluid of life. In HERCULE I have the sensation of feeling like a child at the beginning of its existence.
This project marks the awakening of a new cycle of life and work and my inspiration says YES to the pursuit of beauty. HERCULE is a song that celebrates in full voice the human and the energy of life.»

"Pensamiento universal / Universal Thought", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 100 cm., 2015

"Éveil / Despertar / Awakening", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 100 cm., 2017

"L'Homme et L'Infini / El hombre y el infinito / Man and Infinity"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 120 x 100 cm., 2014

«El increíble poder que se desprende de la mirada de los Animales me llevó a profundizar el concepto de energía pero ahora en un sentido más amplio : la fuerza del universo. Una idea que había ya sentido en la serie Flores, que expresaban el poder creativo de la naturaleza. El encuentro con la obra Désir d’Infini del astrofísico Trinh Xuan Thuan fué un estímulo para avanzar en mi proyecto INFINI.
Decidí desarrollar este trabajo en tres partes, en tres años, en mi espacio de trabajo en Lalandusse. 
En INFINI - Premier Pas, parto del cuerpo humano integrado a la idea del paisaje terrestre, o sea comenzar por nuestro Planeta y por el Hombre. 
En INFINI - Deuxième Pas mi mirada se dirige hacia el Cosmos. 
En INFINI - Le Temps, la tercera parte, me pregunto sobre la existencia del Tiempo, nuestra idea de la Vida y la Muerte.»

"Infini mon amour / Infinito, mi amor / Infinity, my love"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 1200 x 215 cm., Atelier Lalandusse, Francia / France, 2015

«The incredible power that comes from the eyes of the animals led me to deepen the concept of energy, but now in a broader sens, the force of the universe. An idea that I already felt in the Flower series, which expresses the creative power of nature. The encounter with the work Désir d'Infini of the astrophysicist Trinh Xuan Thuan was a stimulus to advance my project INFINI. I decided to develop this work in my space in Lalandusse in three parts. 
In INFINI - Premier Pas, I began with the idea of the human body as a terrestrial landscape, which means to start from our planet and from the human being. 
In INFINI - Deuxième Pas my gaze is directed towards the cosmos. 
In INFINI - Le Temps, the third part, I ask myself about the existence of time, our idea of life and death.»

Armando pintando / at work
"Cercle de miroirs (détail) / Círculo de espejos (detalle) / Circle of Mirrors (detail)"
Acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 2016

"En tus manos / In Your Hands", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 100 cm., 2017

"Michel de Montaigne", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 100 x 95 cm., 2006

Imágenes y textos de / Text and images by Armando Bergallo and Freek van Kleij

Armando Bergallo en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (XXX)]

Más sobre Armando en / More about Armando in: Website, facebook

Muchas gracias a Shirley Rebuffo y a Alberto Schunk por el contacto, y por supuesto a Armando y Freek por la autorización para publicar imágenes y textos.
Thanks a lot to Shirley Rebuffo and Alberto Schunk for the contact, and off course to Armando and Freek for the authorization to publish images and text.

Dariusz Zielinski (III) [Escultura]

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Dariuz Zieliński

Dariusz Zieliński con su obra "Señora Capitana" / with his work "Mrs. Captain"
Cera / wax, altura / height: 160 cm., 2013

Dariusz Zieliński es un escultor y músico polaco nacido en 1975 en la pequeña ciudad de Adamów. Dariusz es un buen amigo del blog que ya nos ha visitado varias veces. Hace unos días me ha enviado imágenes de sus recientes creaciones, hermosas piezas como siempre, llenas de ingenio, fuerza vital, estética y maestría en el uso de materiales.
Para conocer más sobre el artista y su obra, recomiendo echar un vistazo al los posts ya publicados (enlaces abajo)

"Máquina del tiempo / Time Machine", bronce / bronze, 36 x 68 cm. 

"Máquina del tiempo / Time Machine", bronce / bronze, 36 x 68 cm. 

"Ambición. Chica y violoncello / Ambition. Girl and Cello", bronce / bronze, 63 x 22 cm.

Izq./ Left: "Pero aún estoy vivo y feliz / But I'm Still Alive and Happy", bronce / bronze, 113 x 30 cm. 
Der./ Right: "Acróbata / Acrobat", bronce / bronze, 78 x 20 cm.

"Criaturas danzantes / Dancing Creatures", bronce / bronze, 81 x 34 cm.

"Carroza solar / Chariot of the Sun", bronce / bronze, 65 x 43 cm.

"Prisa y aburrimiento / Hurry and Boredom", bronce / bronze, 39 x 98 cm.

"Cuán profunda es la piscnia / How Deep is this Pool", bronce / bronze, 57 x 27 cm.

“Madre con polluelos / Mother With Chicks”, bronce / bronze, altura / height: 33 cm., 2015

«No puedo menos que sentir que en muchas áreas de nuestra naturaleza humana, no estamos en un lugar muy diferente al de los animales habitantes de la Tierra.
Se ven estos polluelos en un cochecito. Así como nuestros hijos buscan nuestra atención y cariño.»

«I cannot help feeling that in many areas of our human nature, we are not in a different place than the animal inhabitants of the Earth.
It shows these chicks in a perambulator. Just as our children seek our attention and treats.»

"Orquesta / Orchestra", bronce / bronze, 50 x 56 cm.

"Caballo de Troya / Trojan Horse", bronce / bronze, altura / height: 43 cm., 2013

Dariusz Zieliński is a Polish sculptor and musician born in 1975 in the small town of Adamów. Dariusz is a good friend of the blog; I published about him several times. A few days ago he has sent me images of his recent creations, beautiful pieces as always, full of wit, life force, aesthetics and mastery in the use of materials.
To know more about the artist and his work, I recommend to take a look at the previous posts (links below)

"Qué pasa conmigo. Pelota / What's Wrong With Me. Ball", bronce / bronze, 37 x 31 cm.

"Puedo ver más / I Can See More", bronce / bronze, 55 x 30 cm.

"Trompetelefante grande / Trumpetelephant big", bronce / bronze, altura / height: 50 cm., 2015

"El hombre con el portátil / The Man With the Notebook", bronce / bronze

«Esta escultura simboliza nuestros tiempos, en lo que tiene que ver con la información y las comunicaciones.
Como antes en los libros, hoy en día a menudo buscamos información sobre el mundo vía Internet.
Por supuesto, Internet es sólo un medio. La palabra es la palabra, y podemos encontrar los mismos libros y otros textos en forma de archivos. Internet sólo facilita el acceso y rapidez en el acceso a la información compartida. Las herramientas para navegar a través de los navegadores, una especie de libro moderno.
Así que he pensado en la transformación de un portátil en un libro.»

"El hombre con el portátil / The Man With the Notebook", vista parcial / partial view, bronce / bronze

«This sculpture symbolizes our times, when it comes to access to information and communication.
As before in books, today we are often looking for information about the world via the Internet.
Of course, the Internet is just a medium. Word is the word and the same books and other texts we can find there in the form of files. The Internet only facilitates the access and speed of sharing information. Tools to navigate through the internet browser, a kind of modern book.
So I thought about transformation laptop in a book.»

"Ladrón del tiempo / Time Thief", bronce / bronze, 55 x 32 cm.


Más sobre Dariusz en / More about Dariusz in: Website

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Dariusz!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Dariusz!)

Pintando perros (LVII)

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Los perros de / The Dogs of Timur D'Vatz

"Eco distante / Distant Echo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 185 cm. © Timur D'Vatz

Timur D'Vatz es un pintor figurativo ruso nacido en 1968 en Moscú, URSS, de cuya obra disfrtuamos recientemente en el blog. Los perros son una presencia constante en sus pinturas, frecuentemente asociados a escenas de caza. Aquí les dejo una selección, aunque hay muchas más.


"Jinetes azules / Blue Riders", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 170 cm. © Timur D'Vatz

"Erec y Enide / Erec and Enid", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 175 cm. © Timur D'Vatz

Izq./ Left: "Caballo rojo / Red Horse"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 182 x 185 cm. © Timur D'Vatz
Der./ Right: "Halconero con sabueso / Falconer with Hound"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 190,5 x 90,2 cm. © Timur D'Vatz

"Crepúsculo / Twilight", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 200 cm. © Timur D'Vatz

"Procesión con halcones / Procession with Falcons"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 127 x 183 cm. © Timur D'Vatz

"Leyenda española (díptico) / Spanish Legend' (diptych)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 225 x 235 cm. cada uno / each © Timur D'Vatz

"Renacimiento / Renaissance", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127 x 183 cm. © Timur D'Vatz

Timur D'Vatz is a Russian figurative painter born in 1968 in Moscow, USSR, whose work we enjoyed recently in this blog. Dogs are a constant presence in his paintings, often associated with hunting scenes. Here is a selection, although there are many more.

"Invierno II / Winter II" © Timur D'Vatz

"Heráldica / Heraldry", técnica mixta / mixed media, 190 x 240 cm. © Timur D'Vatz

"Metamorfosis / Metamorphoses", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 155 cm. © Timur D'Vatz

"Caza medieval / Medieval Hunt", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 135 x 185 cm. © Timur D'Vatz

Timur D'Vatz en "El Hurgador" / in this blog[Timur D'Vatz (Pintura)]

Más sobre Timur en / More about Timur in:
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Kjell Torriset

Kjell Torriset, pintor y artista gráfico noruego nacido en Ålesund en 1950. El 13 de Mayo celebramos su aniversario con una muestra de su singular obra. Aquí una más, con el correspondiente compañero canino.

"La clarividente / The Clairvoyant", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 220 × 200 cm., 2010. Artsy

Kjell Torriset, Norwegian painter and graphic artist born in Ålesund in 1950. On May 13th, we celebrated his anniversary with some samples of his unique work. Here one more, with the corresponding canine companion.

Kjell Torriset en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CLXXVI)]

Más sobre / More about Kjell Torriset: Wikipedia
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J.A.W. Cooper

"Familiares / Familiars"

J.A.W. Cooper nació en Inglaterra, y se crió con sus padres, ecologistas de aguas dulces, por todo el globo (Kenya, Suecia, Irlanda, etc.). Actualmente vive en el centro de Los Ángeles, California.
De su abundante producción de pinturas, ilustraciones y bocetos, algunas obras con perros muy interesantes. Más imágenes e información en los posts previos.

"Presagio / Harbinger"

J.A.W. Cooper was born in England, and grew up with his parents, freshwater ecologists, all over the globe (Kenya, Sweden, Ireland, etc.). She currently lives in downtown Los Angeles, California.
From her abundant production of paintings, illustrations and sketches, some very interesting works with dogs. More images and information in previous posts.

"Tímida / Timid"

J.A.W. Cooper en "El Hurgador" / in this blog[J.A.W. Cooper (Pintura, Ilustración, Dibujo)], [Rinocerontes (LXXVIII)]

Más imágenes e información sobre Cooper en / More images and information about Cooper in:
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Peder Severin Krøyer

"Sommeraften ved Skagens strand. Kunstneren og hans hustru /
Tarde de verano en la playa de Skagen. El pintor y su esposa / 
Summer evening on the beach at Skagen. The painter and his wife"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 135 x 187 cm., 1899. 
The Hirschsprung Collection (Copenhaguen, Dinamarca / Denmark). Wikimedia Commons

Peder Severin Krøyer (1851-1909) fue uno de los más conocidos y queridos pintores daneses, y sin duda el más colorido de los "pintores de Skagen", una comunidad de artistas daneses y nórdicos que vivieron, se reunieron o trabajaron en Skagen, Dinamarca, especialmente durante las últimas décadas del siglo XIX.
No es la primera vez que traemos su obra al blog. Krøyer pintó perros más de una vez, y en la fotografía (más abajo) podemos verlo trabajando en la playa con su compañero.

"Sommeraften... / Tarde de verano... / Summer evening..." (detalle / detail)

"Jeger med hund / Cazador con perro / Hunter With Dog"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 43 x 32 cm., 1898. Link

"Michael Ancher vender hjem fra jagten / vuelve de la caza / returns home from the hunt"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1886 -1893.
Estudio preliminar para un cuadro más grande, en colección privada /
Preliminary study for a larger picture, which is private
Michael og Anna Anchers Hus (Skagen, Dinamarca / Denmark). Wikimedia Commons

"Portræt af Michael Anchers engelske sætterhund ved navn Boy eller Ulla /
Retrato del setter inglés de Michael Ancher llamado Boy o Ulla /
Portrait of Michael Ancher's English Setter named Boy or Ulla"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 12,5 x 21 cm. Lauritz
Boceto de la obra de Kroyer "Hjem fra Jagten" / Sketch of Krøyer's work from 1893 'Hjem fra Jagten'

Peder Severin Krøyer (1851-1909) was one of the most well-known and beloved Danish painters, and undoubtedly the most colorful of the "Skagen Painters", a community of Danish and Nordic artists who lived, met or worked in Skagen, Denmark, especially during the last decades of the 19th century.
It is not the first time we bring his work to the blog. Krøyer painted dogs more than once, and in the photograph (below) we can see him working on the beach with his partner.

"Sommeraften ved Skagen. Kunstnerens hustru med hund ved strandkanten /
Tarde de verano en Skagen. La esposa del artista y un perro en la costa /
Summer Evening at Skagen. The Artist's Wife and Dog by the Shore"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 123 x 206 cm., 1892.
Skagens Museum (Dinamarca / Denmark). Wikimedia Commons

"Marie Krøyer pintando en la playa en Stenbjerg / Painting on the Beach at Stenbjerg"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 23,9 x 32,6 cm., 1889
Skagens Museum (Dinamarca / Denmark). The Athenaeum

"Krøyer pintando en la playa, con su perro y un chico desnudo posando como modelo /
painting on the beach with his dog and a naked boy stands model". Wikipedia

Peder Severin Krøyer en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XXVI)], [Recolección (LXII)]
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Reuben Negron

Las acuarelas y dibujos del estadounidense nacido en 1979 Reuben Negron son de ua calidad exquisita. En el post monográfico del año pasado podemos ver una buena muestra. Me reservé para aquí esta obra, que Reuben consideraba entonces una de las mejores realizadas hasta la fecha, y de la cual nos ofrece algo de información:

«Esta pintura se ha hecho esperar. El pasado abril dos buenos amigos me pidieron que creara una pintura original para ellos. Estuve de acuerdo, pero puse tres condiciones: 1) Ellos deberían aparecer en la pintura, 2) que tendría que utilizar su increíble apartamento como telón de fondo para la obra y 3) que tendría que estar incluida en una serie que había empezado hace años llamada "Escenas de una película". Estuvieron encantados, y rápidamente me tuvieron listo para una tarde de cerveza y fotos. Esta pintura debería haber estado hecha hace mucho tiempo, pero las arremetidas freelance del último verano me obligaron a empujar la fecha de finalización más y más y más allá. Finalmente, la semana pasada, di los últimos toques en la pintura. Siento que es, de lejos, técnicamente hablando, una de mis mejores pinturas hasta la fecha.»

Escenas de una película IV: Suavemente / Scenes From a Movie IV: Softly
Acuarela y aguada sobre papel prensado en frío / Watercolor and Gouache on Cold-press Paper, 52" x 32", 2009

The watercolors and drawings of the American artist born in 1979 Reuben Negron have an exquisite quality. In the monographic post last year, we can see a good sample. I reserved for here this work, which Reuben considered then one of the best performed to date, and which offers us some information.

This painting was long in coming. Last April I was asked by two very good friends of mine to create an original painting for them. I agreed under three conditions: 1) That they be included in the painting, 2) that I get to use their incredible apartment as the backdrop for the painting, and 3) that I get to include them in a series I has started years ago called Scenes From a Movie. They were delighted and eagerly had me over for an afternoon of beer and photos. This painting would have been ages ago, but last summer's freelance-onslaught kept pushing my completion date back and back and back. Finally, this past week, I put the last touches on this image. I feel it's by far, technically speaking, one of my best paintings to date.

Reuben Negron en "El Hurgador" / in this blog[Reuben Negron (Dibujo, Acuarela)]

Más imágenes e información sobre Reuben en / More images and information about Reuben in:
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Luke Hillestad

"Artemisa descansando / Artemis Resting"

En el sitio web del artista se puede leer: "Luke Hillestad es un pintor kitsch que vive en Minneapolis, Minnesota. Trabajando en la tradición del antiguo pintor Apelles, apunta hacia la belleza primordial de los seres humanos en su mayor nobleza, con narrativas que se centran en temas como la muerte, el parentesco, los rituales y los desiertos".
Luke nació en 1982 en Minneapolis. En 2006 dejó su trabajo como agrimensor y comenzó a pintar a tiempo completo, con libros de Rembrandt y Odd Nerdrum abiertos junto a un lienzo vacío. Se sumergió en el aprendizaje, luego estudió con Nerdrum, y viajó a museos y estudios de todo el mundo para aprender de las pinturas de los antiguos maestros cuya tradición busca continuar.
Está representado por Copro Gallery en Los Ángeles, Flanders Gallery y Rogue Buddha Gallery en Minneapolis. Su trabajo también ha sido expuesto en Florida, Chicago, Nashville, Noruega, España y Alemania.
Su obra ya ha aparecido un par de veces en las "Recolecciones" de este blog. Aquí les dejo algunas de sus hermosas pinturas con perros.

"Artemisa / Artemis"

"Mer", 42 x 42

In artist's website you can read that "Luke Hillestad is a kitsch painter living in Minneapolis, Minnesota. Working in the tradition of the ancient painter Apelles, he aims towards the primal beauty of humans at their most noble, with narratives that center on themes of death, kinship, ritual, and wilderness."
Luke was born in 1982 in Minneapolis. In 2006 he left his work as a land surveyor and began painting full time, with Rembrandt and Odd Nerdrum books open next to an empty canvas. He immersed himself in apprenticeship, later studying with Nerdrum, and traveled to museums and studios around the world to learn from the paintings of the old Masters whose tradition he seeks to follow. 
He is represented by Copro Gallery in Los Angeles, Flanders Gallery and Rogue Buddha Gallery in Minneapolis. His work has also been exhibited in Florida, Chicago, Nashville, Norway, Spain and Germany.
His work has already appeared a couple of times in the "Compilations" of this blog. Here you have some of his beautiful paintings with dogs.

"Victor"

Luke Hillestad en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXXIX)], [Recolección (LXXXIII)]

Más sobre / More about Luke Hillestad: Websitefacebook

Aniversarios (CLXXXIV) [Junio / June 25-30]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Junio aquí / All anniversaries for June here.
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El 25 de Junio es el cumple de

Clive Wilkins, pintor figurativo del Reino Unido nacido en 1954.

Ilustración de "Las criaturas de la noche / Illustration from "The Creatures in the Night"

Trabaja en la tradición de la pintura al óleo del norte de Europa, que se basa fuertemente en la habilidad artesana, aliada a una capacidad de dibujo precisa y estudiada, personificada en los artistas de la escuela neerlandesa o flamenca, especialmente Hans Memling y Van Eyck.

Ilustración de "Las criaturas de la noche / Illustration from "The Creatures in the Night"

"Retrato de Peter Blake revisitado / Portrait of Peter Blake revisited"

Peter Blake en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CXXIX)]

Wilkins ha producido retratos de Sir Peter Blake y Sir Howard Hodgkin entre otros notables. Fue presentado a SAR la Princesa Real durante una visita a la Royal Holloway University en 1994.
Su obra más reciente (2000-05) es una secuencia de 31 pinturas titulada "Las criaturas en la noche". El contenido consiste en una serie de 31 ilustraciones y el texto acompañante que describe el viaje de una niña a través de una casa al caer la noche.

Ilustración de "Las criaturas de la noche / Illustration from "The Creatures in the Night"

Ha producido pinturas basadas en ideas emanadas de Don Quijote (2006-08). Otros trabajos principales en curso incluyen dos libros, un libro de imágenes titulado 'Mannikin' (2009) y, más recientemente, una novela titulada 'Moustachio' (2009).

Ilustración de "Las criaturas de la noche / Illustration from "The Creatures in the Night"


El 26 de Junio es el cumple de

Joseph, Barón de Ducreux, noble francés, pintor de retratos, pastelista, miniaturista y grabador nacido en 1735 en Nancy, que fue un retratista exitoso en la corte de Luis XVI de Francia, y reanudó su carrera después de la Revolución Francesa. Sus retratos menos formales reflejan su fascinación por la fisonomía y muestran un interés en ampliar la gama de expresiones faciales más allá de las del retrato oficial.

"Portrait de l'artiste sous les traits d'un moqueur /
Autorretrato del artista con apariencia de un burlón /
Self-portrait of the artist in the guise of a mocker"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 72 cm., c.1793. Musée du Louvre (París, Francia / France)

Ducreux pudo haberse instruido con su padre, que también fue pintor. Cuando fue a París en 1760, se formó como el único estudiante del pastelista Maurice Quentin de La Tour, quien se especializó en retratos. Jean-Baptiste Greuze fue una influencia importante en la técnica del óleo de Ducreux.

"Autorretrato, bostezando / Self-Portrait, Yawning"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 114,3 x 88,9 cm., c.1783
J. Paul Getty Museum (Los Ángeles, California, EE.UU./ CA, USA). Google Art Project

"Autorretrato, bostezando / Self-Portrait, Yawning" (detalle / detail)

"Autoportrait en homme surpris et terrorisé / Autorretrato sorprendido y aterrorizado /
Self portrait Showing Surprise and Terror", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,5 x 73,3 cm., 1791. Artnet

En 1769 fue enviado a Viena para pintar una miniatura de María Antonieta antes de abandonar la ciudad en 1770 y casarse con Luis XVI de Francia. Ducreux fue nombrado por María Antonieta Barón y Primer Pintor de la Reina en premios por sus servicios, y esto aunque no era miembro de la Real Academia de Pintura y Escultura, que había sido fundada en 1648. La academia era estrictamente jerárquica y los puestos de Primer Pintor, Pintor ordinario e Inspector o Inspector General de las fábricas reales se reservaba habitualmente para los miembros de la academia.
Al estallar la Revolución Francesa, Ducreux viajó a Londres. Allí dibujó el último retrato hecho de Luis XVI antes de la ejecución del rey.
Jacques-Louis David se convirtió en uno de los asociados de Ducreux cuando éste regresó a París en 1793.
Murió en 1802.

"L'archiduchesse Marie-Antoinette d'Autriche, future reine de France /
La archiduquesa María Antonieta de Austria, futura reina de Francia /
Archduchess Maria Antonia of Austria, the later Queen Marie Antoinette of France"
Pastel sobre pergamino / pastel on parchment, 64,8 x 49,5 cm., 1769
Château de Versailles / Palacio de Versalles, Francia / France


El 27 de Junio es el cumple de

Gustave Baumann, grabador y pintor estadounidense nacido en Magdeburgo, Alemania, en 1881, una de las figuras principales del renacimiento del grabado en madera en Estados Unidos. Sus obras han sido expuestas en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, la Galería Nacional de Arte de Washington DC y el Museo de Arte de Nuevo México. También es reconocido por su papel en la década de 1930 como coordinador de área del Proyecto de Obras Públicas de Arte de la Administración de Progreso de Obras.

"El estanque del molino / The Mill Pond", xilografía color / color woodcut, 63 x 86 cm., 1913
Indianapolis Museum of Art (Indiana, EE.UU./ IN, USA)

Se trasladó a los Estados Unidos en 1891 con su familia. A los 17 años trabajaba para una casa de grabados mientras asistía a clases nocturnas en el Instituto de Arte de Chicago. Regresó a Alemania en 1904 para asistir a la Kunstgewerbeschule en Munich, donde estudió la talla de madera y aprendió las técnicas de grabados en bloques de madera. Después de regresar a los Estados Unidos comenzó a producir xilografías en color ya en 1908, ganándose la vida como artista gráfico.

"Aspen Red River", xilografía color / color woodblock print, 1924
New Mexico Museum of Art (Santa Fe, Nuevo Mexico, EE.UU./ NM, USA). Wikimedia Commons

"Arroyo Chamisa", xilografía en color sobre papel Van Gelder Zonen /
woodcut in colors on cream laid Van Gelder Zonen paper, 11 1/2" x 13 3/4", Ed.120, 1927. MutualArt

Pasó su tiempo en el condado de Brown, Indiana, como miembro de la colonia del arte del condado de Brown, desarrollando su técnica del grabado. Siguió el método tradicional europeo de impresión de relieve en color utilizando tintas con base oleosa e imprimiendo sus bloques en una prensa grande. Esto contrastaba con la tendencia en la época de muchos artistas estadounidenses que realizaban impresiones frotadas a mano del bloque de madera, en el estilo tradicional japonés. Para entonces había desarrollado su sello artístico personal: la palma abierta de una mano sobre un corazón. Su "Mill Pond" es el grabado de color más grande producido en ese momento. Estos fueron mostrados en la Exposición Internacional Panamá-Pacífico 1915, donde Baumann ganó la medalla de oro para grabar madera en color. En 1918, él se dirigió al sudoeste para investigar en la colonia de los artistas de Taos, New México. Pensándolo demasiado lleno y demasiado social, subió al tren que paró en Santa Fe. Su museo de arte se había abierto el año anterior y su comisario, Paul Water, convenció a Baumann para que se quedara en Santa Fe.

"Procesión / Procession", xilografía color con pan de aluminio /
color woodcut with aluminum leaf, 13" x 12 3/4", 1930
New Mexico Museum of Art (Santa Fe, Nuevo Mexico, EE.UU./ NM, USA). FFLCM

En Santa Fe, Baumann llegó a ser conocido como maestro de las grabados en madera y marionetas, produciendo también óleos y escultura. Su obra representaba paisajes del suroeste, antiguos petroglifos indios, escenas de la vida del pueblo, jardines y huertos. Baumann se casó con Jane Devereaux Henderson el 25 de junio de 1925. Su hija, Ann, nació el 31 de julio de 1927. Permaneció en Santa Fe por más de cincuenta años hasta su muerte en 1971.
Murió en 1971.

"Pinon - Grand Canyon", xilografía color / color woodcut, 12 3/4" x 12 3/4", 1921
Colección privada / Private Collection. Pinterest


El 28 de Junio es el cumple de

Manuel López-Villaseñor y López-Cano, pintor español nacido en Ciudad Real en 1924.

"El corredor / The Corridor", acrílico y mármol sobre tela / acrylic and marble on canvas, 1976

Tuvo una infancia difícil debido a una parálisis. En su soledad el dibujo fue convirtiéndose en su vida, lo que le llevó a conseguir en el año 1935 a los 11 años el primer premio extraordinario de la Asociación de la Prensa, en la Exposición de "Arte Infantil Manchego".
Acabada la Guerra Civil realizó estudios de Bachiller; fue alumno de los profesores Manuel Mendía y Jerónimo Luna en Dibujo Artístico y de Jerónimo López-Salazar Martínez en Modelado y Vaciado en la Escuela de Artes de Ciudad Real. En 1942 se traslada a Madrid, iniciando sus estudios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En esta época comenzó a recibir numerosos premios.

"Habitación 211 / Room 211"óleo sobre tela / oil on canvas, 1978

Seis años más tarde expuso por vez primera, en Ciudad Real y en la Sala "Macarrón", de Madrid. En 1949 gana por oposición, la Pensión de Roma (hecho que le marcará profundamente), se trasladó a Italia y tomó su primer contacto con la pintura de los fresquistas del trecento italiano, especialmente Masaccio y Piero de la Francesca. También descubre las pinturas murales de Pompeya. En 1950 concurre a la Bienal de Venecia, a la "Mostra delle Accademie", en Roma, y a la Selectiva de artistas españoles en la Sala "Feria", de Roma y Nápoles.

"A Pilar le dan miedo las mariposas / Pilar is afraid of butterflies", 1977

"Olla Exprés / Express Pot", 1989

En 1959 fue nombrado catedrático de Pintura Mural y Procedimientos Pictóricos en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, cargo en el que estuvo hasta su jubilación.
“Fue Villaseñor el máximo orientador del nuevo realismo español. Cuando Villaseñor proponía el nuevo realismo, otros pintores, ahora tenidos por los capos del realismo, lo que hacían era hiperrealismo a la americana. Porque un cardo de Sánchez Cotán, un cacharro de Zurbarán, o un membrillo de Villaseñor, son exactamente, más reales y ciertos que sus fotografías. Pintura metafísica la de Villaseñor. Uno de nuestros pocos pintores”. Antonio Manuel Campoy
Murió en 1996.

"La caída / The Fall", 1971


El 29 de Junio es el cumple de

Oleg Turchin, artista moldavo nacido en 1964 que pinta obras realistas al óleo sobre lienzo.

"Венецианские марионетки / Marionetas venecianas / Venetian Puppets"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 110 cm., 2010

"Модель и художник / Modelo y artista / Model and Artist"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 102 x 90 cm., 2011

Estudió en la escuela de arte infantil Sciusev bajo la dirección de V.B. Bulba. En 1981 comenzó sus estudios en el Colegio de Bellas Artes (I.E. Repin) con S. S. Babjuk y Proniaev. Posteriormente estudió bellas artes en el Instituto de Bellas Artes bajo la dirección de los profesores de pintura I.I. Serbinov y V.I. Kazakov.

"Барокко / Barroco / Baroque", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 147 cm., 2015

"Грустная мелодия / Melodía triste / Sad Melody", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 120 cm., 2009

Oleg ofrece una mirada aguda y un estilo flexible que abarca el realismo, fotorrealismo y surrealismo. Su trabajo está presente en colecciones privadas en los Estados Unidos, Italia, Holanda, Turquía (Bora Collection), Ucrania, Grecia, Rusia y en su República de Moldavia. Ha expuesto en galerías de Grecia y Ucrania.

"хищница / El depredador / The Predator", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 87,5 x 122,5 cm., 2003


Ayer, 30 de Junio, fue el cumple de

Wilhelm Schnarrenberger, pintor alemán nacido en Buchen en Odenwald en 1892, uno de los representantes de la Neue Sachlichkeit (Nueva objetividad).

"Kinderzimmer / La habitación de los niños / Children's Room"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 56,5 x 45,5 cm., 1925

"Porträt eines Architekten / Retrato de un arquitecto / Portrait of an Architect"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 87 x 58,5 cm., 1923. Colección privada / Private Collection

Se graduó de la escuela secundaria en 1911. Hasta 1915 asistió al Real Colegio de Bellas Artes de Munich y estudió arquitectura. Desde 1913 fue alumno del diseñador gráfico Fritz Helmuth Ehmcke y amigo de Karl Rössing. En 1918 fue reclutado para el servicio en la Primera Guerra Mundial. Trabajó en 1919 para la revista Der Weg y desde 1920 para las revistas Wieland y Simplicissimus. Schnarrenberger enseñó en la Badische Landeskunstschule de 1921 a 1933.

"Die Freunde / Los amigos / The Friends", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 90 cm., 1924
Staatliche Kunsthalle (Karlsruhe, Alemania / Germany)

En 1924 fue miembro fundador de los talleres de publicidad y decoración interior de ORNA. Entre los socialistas nacionales, su arte estaba mal visto, y fue prohibido como "degenerado" en 1937, tras lo cual no se le permitió enseñar. Ese año se mudó a Berlín con su familia, donde trató de ganarse la vida como fotógrafo independiente. En 1938 se mudó a Lenzkirch, en la Selva Negra, donde él y su esposa Melitta (1909-1996) abrieron un pequeño retiro de vacaciones. Aquí descubrió el tema de la naturaleza muerta que fue tan importante en su obra posterior. En 1947 fue nombrado profesor de la Staatliche Akademie der Bildende Künste Karlsruhe.

"Große Familienbild / Gran retrato de familia / Large Family Portrait"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125,5 x 95,5 cm., 1925
Galerie der Stadt (Stuttgart, Alemania / Germany)

En 1962 recibió el premio estatal Hans Thoma por su trabajo artístico.
Schnarrenberger siempre hizo hincapié en la destreza de sus estudiantes, por lo que tenían que aprender a dibujar edificios arquitectónicos y objetos cotidianos antes de pintarlos.
Murió en 1966.

"Autorretrato en el estudio / Self Portrait in the Studio", 1928
Staatliche Kunsthalle (Karlsruhe, Alemania / Germany)


Textos en inglés / English translation

On June 25 is the birthday of

Clive Wilkins, figurative painter from the United Kingdom born in 1954.
He works in the Northern European tradition of oil painting relying heavily on strong craft skills allied to a precise & studied drawing ability, as epitomised by artists of the Netherlandish or Flemish School, most notably Hans Memling & Van Eyck.
Wilkins has produced portraits of Sir Peter Blake and Sir Howard Hodgkin amongst notable others. He was presented to HRH Princess Royal during a visit to the Royal Holloway University in 1994.
His most recent work of note (2000–05) is a 31 painting sequence entitled "The Creatures in the Night". The content consists of a series of 31 Illustrations and accompanying text describing the journey of a young girl through a house in the dead of night.
He has produced paintings based on ideas emanating from Don Quixote (2006–08). Other main works currently in progress include two books, a picture story book entitled 'Mannikin' (2009), and most recently a novel entitled 'Moustachio' (2009).

On June 26 is the birthday of

Joseph, Baron Ducreux, French noble, portrait painter, pastelist, miniaturist, and engraver born in 1735 in Nancy, who was a successful portraitist at the court of Louis XVI of France, and resumed his career after the French Revolution. His less formal portraits reflect his fascination with physiognomy and show an interest in expanding the range of facial expressions beyond those of official portraiture.
Ducreux may have trained with his father, who was also a painter. When Ducreux went to Paris in 1760, he trained as the only student of the pastelist Maurice Quentin de La Tour, who specialized in portraiture. Jean-Baptiste Greuze was an important influence on Ducreux's oil technique.
In 1769, Ducreux was sent to Vienna in order to paint a miniature of Marie Antoinette before she left the city in 1770 and married Louis XVI of France. Ducreux was made a baron and premier peintre de la reine (First Painter to the Queen) in rewards for his services. Ducreux was given this appointment by Marie-Antoinette even though he was not a member of the Royal Academy of Painting and Sculpture, which had been founded in 1648. The academy was strictly hierarchical and the posts of first painter, ordinary painter and inspector or inspector general of royal factories were customarily reserved for members of the academy.
At the outbreak of the French Revolution, Ducreux traveled to London. There he drew the last portrait ever made of Louis XVI before the king's execution.
Jacques-Louis David became one of Ducreux's associates when the latter returned to Paris in 1793.
He died in 1802.

On June 27 is the birthday of

Gustave Baumann, American printmaker and painter born in Magdeburg, Germany, in 1881, and one of the leading figures of the color woodcut revival in America. His works have been shown at the New York Metropolitan Museum of Art, the National Gallery of Art in Washington DC, and the New Mexico Museum of Art. He is also recognized for his role in the 1930s as area coordinator of the Public Works of Art Project of the Works Progress Administration.
He moved to the United States in 1891 with his family. By age 17 he was working for an engraving house while attending night classes at the Art Institute of Chicago. He returned to Germany in 1904 to attend the Kunstgewerbeschule in Munich where he studied wood carving and learned the techniques of wood block prints. After returning to the U.S. he began producing color woodcuts as early as 1908, earning his living as a graphic artist.
He spent time in Brown County, Indiana as a member of the Brown County Art Colony, developing his printmaking technique. He followed the traditional European method of color relief printing using oil-based inks and printing his blocks on a large press. This contrasted with the trend at the time of many American artists to employ hand rubbed woodblock prints in the Japanese traditional style. By this time he had developed his personal artist's seal: the opened palm of a hand on a heart. His Mill Pond is the largest color woodcut produced at the time. These were shown at the 1915 Panama-Pacific International Exposition where Baumann won the gold medal for color woodcut. In 1918, he headed to the Southwest to inquire into the artists' colony of Taos, New Mexico. Thinking it too crowded and too social, he boarded the train which stopped in Santa Fe. Its art museum had opened the previous year and its curator, Paul Water, persuaded Baumann to stay in Santa Fe.
In Santa Fe, Baumann became known as a master of woodcuts and marionette-making, also producing oils and sculpture. His work depicted southwestern landscapes, ancient Indian petroglyphs, scenes of Pueblo life, and gardens and orchards. Baumann married Jane Devereaux Henderson on June 25, 1925. Their daughter, Ann, was born on July 31, 1927. He remained in Santa Fe for more than fifty years until his death there in 1971.
He died in 1971.

On June 28 is the birthday of

Manuel López-Villaseñor and López-Cano, Spanish painter born in Ciudad Real in 1924.
He had a difficult childhood due to paralysis. In his loneliness the drawing became his life, which led him to achieve in 1935 at age 11 the first extraordinary prize of the Press Association, in the Exhibition of "Machego Child Art".
After the Civil War, he was a student of Professors Manuel Mendía and Jerónimo Luna in Artistic Drawing and Jerónimo López-Salazar Martínez in Modeling and Casting in the School of Arts in Ciudad Real. In 1942 he moved to Madrid, beginning his studies at the Royal Academy of Fine Arts of San Fernando. In this time it began to receive numerous prizes.
Six years later he exhibited for the first time, in Ciudad Real and in the Sala "Macarrón", in Madrid. In 1949 he won by opposition, the Pension of Rome (fact that will mark him deeply), moved to Italy and had his first contact with the painting of the frescoes of Italian Trecento, especially Masaccio and Piero de la Francesca. Also discover the wall paintings of Pompeii. In 1950 he went to the Venice Biennale, to the "Mostra delle Accademie" in Rome, and to the Selective of Spanish artists in the Sala "Feria", in Rome and Naples.
In 1959 he was appointed Professor of Mural Painting and Pictorial Procedures at the Faculty of Fine Arts in Madrid, position in which he was until his retirement.
"Villaseñor was the guiding principle of the new Spanish realism. When Villaseñor proposed the new realism, other painters, now held by the realist masters, what they did was hyperrealism in the style of Americans. Because a thistle by Sánchez Cotán, a crock by Zurbarán, or a quince by Villaseñor, are exactly, more real and certain than his photographs. Metaphysical painting by Villaseñor. One of our few painters." Antonio Manuel Campoy
He died in 1996.

On June 29 is the birthday of

Oleg Turchin, Moldavian artist born in 1964 who paints realistic works with oil on canvas.
He studied at the children’s art school Sciusev under V.B. Bulba. In 1981, he began his studies at the Fine Arts College (I.E. Repin) under S.S. Babjuk and Proniaev. He later studied art at the Institute of Fine Arts under painting faculty leaders I.I. Serbinov and V.I. Kazakov.
Oleg brings a sharp eye and a flexible style that can encompass realism, photorealism and surrealism. His work is held in private collections in the USA, Italy, Holland, Turkey (Bora Collection), Ukraine, Greece, Russia, and in his home Republic of Moldova. He has shown in galleries in Greece and the Ukraine.

Yesterday, June 30, was the birthday of

Wilhelm Schnarrenberger, German painter born in Buchen in the Odenwald in 1892, one of the representatives of the Neue Sachlichkeit (New Objectivity).
He graduated from high school. From 1911 to 1915 he attended the Royal College of Fine Arts Munich and studied architecture. From 1913 he was a pupil of the graphic designer Fritz Helmuth Ehmcke and a friend of Karl Rössing. In 1918 he was recruited for service in the First World War. He was active in 1919 for the magazine Der Weg and from 1920 for the magazines Wieland and Simplicissimus. Schnarrenberger taught at the Badische Landeskunstschule from 1921 to 1933.
In 1924 he was a founding member of ORNA's advertising and interior decoration workshops. Among the national socialists, his art was frowned upon and was forbidden as "degenerate" in 1937; after that he had not been allowed to teach. That year he moved to Berlin with his family, where he tried to earn a living as a freelance photographer. In 1938 he went to Lenzkirch in the Black Forest, where he and his wife Melitta (1909-1996) opened a small holiday retreat. Here he discovered the theme of still life that was so important in his later work. In 1947 he was appointed professor to the Staatliche Akademie der Bildende Künste Karlsruhe.
In 1962 he received the Hans Thoma Staatsspreis for his artistic work.
Schnarrenberger always emphasized the craftsmanship of his students, so they had to learn the drawing of architectural buildings and everyday objects before he painted them.
He died in 1966.

Aniversarios Fotografía (CLXXXIV) [Junio / June 26-30]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Junio aquí / All anniversaries for June here.
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El 26 de Junio es el cumple de

Hermann Oskar Rückwardt, fotógrafo y editor alemán nacido en Löbau en 1845, que se hizo famoso gracias a la fotografía arquitectónica.
Después de sus días escolares en Heilsberg, Prusia Oriental, Rückwardt y su madre se mudaron a Berlín alrededor 1856. Desde 1860 estudió en la Universidad Real de Bellas Artes. Se casó en 1881 y nacieron tres hijos.

"Kaiser-Friedrich-Museum (heute Bodemuseum) und Monbijoubrücke /
Museo Kaiser Federico (hoy Museo Bode), y Puente Monbijou /
Kaiser-Friedrich-Museum (today Bodemuseum) and Monbijou Bridge", Berlin, 1905. Wikimedia Commons

En 1868 se hizo cargo del Fotoatelier Radtke en la Jägerstraße de Berlín. Fotógrafo retratista y de arquitectura, se hizo miembro de la sociedad fotográfica de Berlín. En 1869 fundó su empresa de arte fotográfico y editorial. En los años siguientes publicó muchos portafolios temáticos, como el Stadtschloss de Berlín, la Isla de los Museos, los edificios de madera, los puentes de Berlín y las construcciones ferroviarias. En estas series trabajó a menudo con arquitectos e historiadores del arte. Recibió encargos públicos del Berliner Straßenbauamt para una serie de fotografías del Stadtbrücken (1902) y del Ministerio de Comercio y Edificios Públicos de Prusia.

"Die Börse Berlin an der Friedrichsbrücke in Altberlin. Das Gebäude wurde 1945 vollständig zerstört /
La Bolsa de Berlín en el Puente de Federico, en el Viejo Berlín. El edificio fue completamente destruido en 1945 /
The Berlin Stock Exchange at Friedrichsbrücke in Old Berlin. The building was completely destroyed in 1945", 1886. Wikimedia Commons

En su editorial y estudio, Rückwardt empleaba a más de 20 personas a mediados de la década de 1880. Desde 1892 la empresa tuvo su sede en Groß-Lichterfelde. Recibió encargos de toda Alemania y transportaba su equipo en un coche laboratorio preparado para este propósito. Fue el fotógrafo de la Corte Prusiana Real de Wilhelm II desde 1876 y fotógrafo de la Real Corte Bávara de Ludwig II, desde 1885. Considerado como excepcional y exitoso de su tiempo, fue galardonado con varios premios.
Murió en 1919.

"Wintergarten des "Central Hotel" in der Friedrichstraße in Berlin im Jahr 1881. In diesem Wintergarten residierte ab 1887 eines der bekanntesten Berliner Varietés. Hotel und Wintergarten wurden im Zweiten Weltkrieg zerstört. /
Jardín de Invierno del "Hotel Central", en la calle Friedrich, Berlín, 1881. Desde 1887, el Jardín de Invierno se convirtió en uno de los más conocidos teatros de variedades de Berlín. El Hotel y el Jardón fueron destruidos durante la Segunda Guerra Mundial./
Winter garden of the "Central Hotel" on Friedrichstraße in Berlin in 1881. Starting in 1887, the "Winter Garden" became one of Berlin's best-known variety theaters. Hotel and winter garden were destroyed in WWII", 1881. Wikimedia Commons


El 27 de Junio es el cumple de

David Martin "Dave" Heath, fotógrafo documental y humanista estadounidense nacido en Filadelfia en 1931, mayormente autodidacta, famoso por sus fotografías callejeras.

"Café Galería 7 Artes, Nueva York / 7 Arts Coffee Gallery, New York City", 1959

"Carl Dean Kipper", Corea / Korea, 1953-54

Se inspiró en la revista Life, especialmente en un artículo de Bad Boy's Story por el fotógrafo Life Ralph Crane en 1947, y el libro de 1946 "Photography is a Language" de John R. Whiting.
Fue reclutado en 1952 y sirvió en Corea, tomando muchas fotografías de sus experiencias allí. A su regreso asistió a Philadelphia Museum College, luego al Philadelphia College of Art en 1954-1955 y luego se trasladó a Chicago para estudiar en el Instituto de Chicago de Diseño, en 1955-1956. En 1959 asistió a la Nueva Escuela de Investigación Social en la ciudad de Nueva York, donde se estableció. Emigró a Toronto en 1970.

"Central Park", Nueva York / New York City, 1962

"Museo de Arte Metropolitano, Nueva York / Metropolitan Museum of Art, New York City", c.1960

Su trabajo fotográfico publicado más conocido es la monografía "Un diálogo con la soledad" (1965, reimpreso en 2000). En 2015 el Museo de Arte de Filadelfia organizó una retrospectiva de su obra, que luego fue exhibida en el Museo de Arte Nelson-Atkins.
Murió en 2016.

"Plaza Washington / Washington Square", 1958


El 28 de Junio es el cumple de

Lawrence Fried, fotógrafo y periodista gráfico estadounidense nacido en 1926, cuyo trabajo apareció en Newsweek, The Saturday Evening Post, The New York Times, Vogue, Collier's y Parade Magazine. Con más de 70 portadas para Newsweek, recibió el premio Fotógrafo del Año otorgado por el Club de Prensa de Overseas, el Premio de Servicio Excepcional a ASMP y el Premio Benjamin Franklin.

"Marlon Brando", c.1950s

"Marlon Brando entrevistado por / interviewed by Truman Capote", c.1957

Marlon Brando en "El Hurgador" / in this blog:
Truman Capote en "El Hurgador" / in this blog:

Fried aprendió fotografía mientras servía en la Segunda Guerra Mundial. Después de la guerra asistió a la Universidad de Miami, luego se trasladó a Nueva York. En los años '50 y principios de los '60 trabajó a través de PIX, Inc. junto a amigos como Cornell Capa, Ed Feingersh, George Karger y Hans Knopf. Allí comenzó una carrera de 30 años como fotógrafo freelance. Fue presidente durante tres años de la Sociedad Americana de Fotógrafos de Revistas, una organización comercial, y fue socio fundador del Banco de Imágenes, que representa el trabajo de 300 fotógrafos.

"Stevie Wonder", portada de / cover of Newsweek, Oct.28, 1974

Las personas y temas que fotografió van desde Vietnam a líderes mundiales como Chiang Kai-shek. Su fotografía de Robert F. Kennedy fue elegida como portada del libro de Kennedy "To Seek a Newer World".
Fotografió músicos, actores y artistas visuales a lo largo de su carrera: Bette Midler, Stevie Wonder, Meryl Streep, Shirley MacLaine, Richard Serra, Joseph Kosuth, Willem DeKooning y Audrey Hepburn.
Murió en 1983.

"James Dean", 1954

James Dean en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios fotografía (XXVIII)], [Asonancias (I)]


El 29 de Junio es el cumple de

Don Komarechka, galardonado fotógrafo de naturaleza y paisaje radicado en Barrie, Ontario, Canadá. Cargada de emoción y belleza, la fotografía de Don está respaldada por una pasión por capturar el mundo natural.

"Ataques juguetones / Playful Attacks"
Pasar algún tiempo en los pantanos locales generalmente significa encontrarse con muchas golondrinas. Estas aves a menudo pueden ser vistas volando rápida y erráticamente en busca de insectos.
Las golondrinas aceptan bien anidar en pajareras hechas por humanos. El problema, aparentemente para estos dos pájaros, es que no hay casas suficientes en los alrededores. ¡La lucha comienza! /
Spending some time in local marshes generally means encountering many Tree Swallows. These little birds can often be seen flying quickly and erratically around in the air as they hunt for insects.
Tree Swallows take very well to nesting in man-made bird houses. The problem, it seems for these two birds, is that there aren’t enough houses to go around. The fight is on!

"Vigilancia materna / Mother’s Watch"
Las madres están siempre atentas a sus crías, y este alce no es una excepción. Ella estaba guiando a sus dos jóvenes alrededor de un arroyo sinuoso, pero constantemente mirando hacia atrás en mi dirección para garantizar la seguridad de todos.
Observé a estos alces desde un punto de vista muy cercano al principio, pero era demasiado amplio y lleno de árboles. Esperé mientras la familia se alejaba y cruzaba un pequeño riachuelo, y por un breve instante miraron hacia atrás una vez más antes de desaparecer en la espesura.
Fotografiado en el parque provincial de Algonquin, Ontario. /
Mothers are always watchful of their young, and this Moose is no exception. She was leading her two young ones around a winding creek, but constantly looking back in my direction to ensure everyone’s safety.
I watched these moose from a very close vantage point at first, but there were so spread out and cluttered with trees. I waited as the family moved off and crossed a small creek, and for a brief moment they looked back before heading into the wilderness once again.
Photographed in Algonquin Provincial Park, Ontario.

Las fotos de Don transmiten una sensación de maravilla pacífica, creando curiosidad e intriga en el espectador. Aunque gran parte de su trabajo es de carácter local, muchas de sus obras tienen un atractivo nacional y mundial.
Don enseña fotografía de naturaleza y paisaje, y le encanta compartir su pasión por el mundo visual. "Cada foto tiene una historia - lo mejor viene caundo capturas de modo espectacular momentos ordinarios."

"Gotas de sol / Sundrops"
Esta es una simple hoja de hierba que rocié con un pulverizador, y me arrastré por debajo de ella para obtener la refracción del cielo azul dentro de las gotitas. Es una de las pocas imágenes de refracción de gotas de agua que he hecho usando la luz natural, que era una parte necesaria de la ecuación; necesitaba que la luz ambiental del cielo rellenara las gotitas.
Es una serie de 16 imágenes con diferentes focos, apiladas para aumentar la profundidad de campo. Esta imagen fue hecha a mano por lo que había que hacer una cierta alineación y un montón de ajustes, necesarios para conseguir que se viera mejor, pero el tiempo de edición valió la pena. /
This is simple blade of grass that I sprayed with a mist bottle, and crawled underneath it to have the blue sky refract inside the droplets. This is one of the few water droplet refraction images I’ve made using natural light, which was a necessary part of the equation – ambient light from the sky needed to fill in the droplets.
This is also 16 images focus-stacked together to increase the depth of field. This image was shot hand-held so there was some alignment and plenty of tweaking involved to get it looking it’s best, but the editing time is well worth it.

"Copos de nieve / Snowflakes"
El cristal entero no puede estar completamente enfocado en un sólo cuadro, por lo que se usan múltiples imágenes para montar la fotografía final, de 30 a 50 imágenes en promedio en la creación de la fotografía de un copo de nieve, aunque se toman cientos de imágenes para asegurarse de que no se pierda ningún foco. Cada copo de nieve se fotografía completamente a mano, sin el uso de un trípode. Las imágenes se crean al aire libre en temperaturas frías para que los copos de nieve no se derritan, y sólo la nieve más fresca lo hará. Cuando los copos de nieve han estado descansando durante una hora, comienzan a perder sus delicadas características cristalinas. ¡El tiempo lo es todo!

"Copos de nieve / Snowflakes"
The entire crystal cannot be completely in focus in any one frame, so multiple images are used to put the final photograph together. 30-50 images on average are used in the creation of the snowflake photograph, though hundreds of images are taken to ensure that no slice of focus is missed. Each snowflake is shot entirely handheld, without the use of a tripod. The images are created outdoors in cold temperatures so the snowflakes do not melt, and only the freshest snow will do; Snowflakes that have been resting for even an hour will begin to lose their delicate crystalline features. Timing is everything!

Con un interés en la fotografía que comenzó hace sólo unos pocos años atrás, Don a menudo habla en varios clubes locales de tecnología y fotografía sobre el arte. "La fotografía trata de compartir tu visión única del mundo con otros, sin usar palabras, y ayudar a otros a lograr el mismo objetivo es muy gratificante".

"Esencia de ensueño / Essence of Reverie"
Se trata de un brote de una pequeña flor silvestre (probablemente Prairie Smoke o algo muy similar). El "plumón" en el brote hace un gran trabajo atrayendo gotitas de agua, y cuando se rocía con un pulverizador se puede producir una hermosa colección de gotitas esféricas. Estas diminutas gotitas actúan como una lente y refractan la imagen de lo que haya detrás de ellas. La siguiente parte de este truco implica una flor.
Yo prefiero flores tipo margaritas para este tipo de imágenes, debido a su forma plana circular. Esta flor en particular tenía un centro azul, que agregó un toque agradable de contraste a la composición. La flor se coloca detrás del brote, y se convierte en el fondo fuera de foco. Se enfoca en cada una de las gotitas que tienen una vista directa a ella, llenando la escena con docenas de pequeñas flores. /
This is a seed from a small wildflower (likely Prairie Smoke or something quite similar). The “fluff” on the seed does a great job at attracting water droplets, and when sprayed with a mist bottle they can produce a beautiful array of spherical droplets. These tiny droplets act like a lens, and refract an image of whatever is behind them. The next part of this trick involves a flower.
I prefer daisy-like flowers for these kinds of images, due to their circular flat shape. This particular flower had a blue center, which added a nice touch of contrast to the composition. The flower is placed behind the seed, and it becomes the out-of-focus background. It pops into focus in each of the droplets that have a direct view to it, filling the scene with dozens of tiny flowers.


Hoy, 30 de Junio, es el cumple de

Carl Petter Daniel Dyrendahl Nyblin, fotógrafo nacido en Noruega (1856) y una de las grandes influencias de la historia de la fotografía finlandesa. Su padre fue el escultor Carl Petter Anton Dyrendahl Nyblin (1818-1883) y su madre Petronella Pedersen (1837-1881). La esposa de Daniel Nyblin fue Wera Pautow (1855-1904) de 1877 a 1904. Tuvieron 3 hijos: Hjördis (1880-1959), Ragnar (1881-1933) y Ragnhild (1884-1967).
"Aino Sibelius, la eposa de / the wife of Jean Sibelius", 1894. Flickr

Jean Sibelius en "El Hurgador" / in this blog[Yousuf Karsh (Fotografía)]

Nyblin comenzó como fotógrafo en Oslo en 1875 y trabajó al año siguiente en el estudio Charles Riis de Helsinki. Nyblin fundó su propia tienda de estudio y fotografía en 1877 en Helsinki.
Las fotografías de Nybl ya habían sido reproducidas en la década de 1870. Ocho copias aparecieron en 1883 en la galería de fotos de Finsk konst - Suomen taide.

"Nuoriherra Eero Järnefelt, tuleva taidemaalari ja professori / El joven Eero Järnefelt, el futuro pintor y profesor / 
The Young Eero Järnefelt, later painter and professor", Helsinki 1878. KameraKlick

"Herra Poppell koiransa kanssa / El Señor Popell con su perro / Mr. Popell With His Dog", Helsinki 1878. NBA

Representó paisajes e interiores nacionales-románticos finlandeses, obras de arte y figuras culturales. Organizó exposiciones fotográficas y buscó promover la fotografía como pasatiempo y profesión. Nyblin fue miembro fundador de un club de cine aficionado y una asociación profesional de fotógrafos.
En 1916 sufrió un serio derrame cerebral del que no se recuperó.
Murió en 1923.

"Alexander Laurell", Helsinki, 1877. NBA


Textos en inglés / English translation

On June 26 is the birthday of

Hermann Oskar Rückwardt, German photographer and publisher born in Löbau in 1845, who became famous through architectural photography.
After his school days in the East Prussian Heilsberg, Rückwardt and his mother moved to Berlin around 1856. From 1860 he studied at the Royal College of Fine Arts. He married in 1881, three children were born.
In 1868 he took over the Fotoatelier Radtke in the Jägerstraße in Berlin. The portrait and architectural photographer became a member of the Berlin Photographic Society. In 1869 he founded his photographic art and publishing company. In the following years, he published many portfolios of thematic topics such as the Berlin Stadtschloss, the Museum Island, wooden buildings, Berlin bridges and railway constructions. In these series he often worked with architects and art historians. Rückwardt received public commissions from the Berliner Straßenbauamt for a picture series of the Stadtbrücken (1902) and from the Prussian Ministry of Trade and Public Buildings.
In his publishing and studio, Rückwardt employed more than 20 people in the mid-1880s. From 1892, the company had its headquarters in Groß-Lichterfelde. He received orders from all over Germany and carried out his equipment in a laboratory car for this purpose. He was the Royal Prussian Court Photographer of Wilhelm II from 1876 and the photographer of the Royal Bavarian Court of Ludwig II, from 1885. He was regarded as an outstanding and successful photographer of his time, who was awarded a series of prizes.
He died in 1919.

On June 27 is the birthday of

David Martin "Dave" Heath, American documentary and humanist photographer born in Philadelphia in 1931, whose most famous work was candid street photography. He was a mostly self-taught photographer.
He was inspired by Life magazine, most notably an article Bad Boy's Story by Life photographer Ralph Crane in 1947, and the 1946 book Photography is a Language by John R. Whiting.
He was drafted in 1952 and served in Korea, taking many photographs of his experiences there. On his return he attended Philadelphia Museum College, followed by Philadelphia College of Art during the year 1954-1955 and then moved to Chicago to study at the Chicago Institute of Design, the next year in 1955-1956. In 1959 he attended the New School for Social Research in New York City, where he settled. He emigrated to Toronto in 1970. Heath's best known published photographic work is the monograph A Dialogue with Solitude (1965; reprinted, 2000). In 2015 a retrospective of his work was hosted by the Philadelphia Museum of Art and later displayed at the Nelson-Atkins Museum of Art.
He died in 2016.

On June 28 is the birthday of

Lawrence Fried, American photographer and photojournalist born in 1926, whose work appeared in Newsweek, The Saturday Evening Post, The New York Times, Vogue, Collier's, and Parade Magazine. with over 70 covers for Newsweek. He was the recipient of the Photographer of the Year award by the Overseas Press Club, the Outstanding Service to ASMP award and the Benjamin Franklin Award.
Fried learned photography while serving in World War II. After the war he attended the University of Miami, then moved to New York City. In the 1950s and early 1960s he worked through the PIX, Inc. alongside friends Cornell Capa, Ed Feingersh, George Karger, and Hans Knopf. There he began a 30-year career as a freelance photographer. He was a three-term president of the American Society of Magazine Photographers, a trade organization, and a founding partner of the Image Bank, which represents the work of 300 photographers.
The people and subjects that he photographed on multiple occasions range from Vietnam to world leaders such as Chiang Kai-shek. His photograph of Robert F. Kennedy was chosen as the book cover of Kennedy's To Seek a Newer World.
He photographed musicians, actors, and visual artists throughout his career. Bette Midler, Stevie Wonder, Meryl Streep, Shirley MacLaine, Richard Serra, Joseph Kosuth, Willem DeKooning, and Audrey Hepburn.
He died in 1983.

On June 29 is the birthday of

Don Komarechka, award-winning nature and landscape photographer located in Barrie, Ontario, Canada. Charged with emotion and beauty, Don's photography is backed by a passion for capturing the natural world.
Don's photos convey a sense of peaceful wonder, creating curiosity and intrigue in the viewer. While much of his work is done locally, many have a national and world-wide appeal.
Don teaches Nature & Landscape Photography, and loves to share his passion for the visual world. "Every photo has a story - the best come from the spectacular capture of ordinary moments."
With an interest in photography that started just a few short years ago, Don often speaks at various local technology and photography clubs about the art. "Photography is about sharing your unique view of the world with others - without using words. Helping others accomplish the same goal is extremely rewarding."

Today, June 30, is the birthday of

Carl Petter Daniel Dyrendahl Nyblin, Norwegian-born (1856) photographer and one of the great influences of Finnish photography history. His father was the sculptor Carl Petter Anton Dyrendahl Nyblin (1818-1883) and his mother Petronella Pedersen (1837-1881). Daniel Nyblin's spouse was Wera Pautow (1855-1904) from 1877 to 1904. They had 3 children: Hjördis (1880-1959), Ragnar (1881-1933) and Ragnhild (1884-1967).
Nyblin started as a photographer in Oslo in 1875 and worked the following year in the Charles Riis studio in Helsinki. Nyblin founded his own studio and photography store in 1877 in Helsinki.
Nybl's photographs had already been reproduced in the 1870's, which he sold. Eight copies appeared in 1883 in the photo gallery of Finsk konst - Suomen taide.
He depicted Finnish national-romantic landscapes and interiors, art replicas and cultural figures. He organized photography exhibitions and sought to promote photography as a hobby and profession. Nyblin was a founding member of both an amateur film club and a professional association of photographers.
In 1916, Nyblin suffered a serious brain drain from which he did not recover.
He died in 1923.

Hsu Tung Han [Escultura]

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Hsu Tung Han
韓旭東

El artista trabajando / The artist at work

Hsu Tung Han es un escultor taiwanés nacido en 1962. 
Se graduó en el departamento de Antropología de la Universidad Nacional de Taiwan en 1985.
La obra reciente de Hsu Tung Han consiste en esculturas en las que consigue un efecto de pixelado de las figuras. Piensa su obra como si fuera un puzzle, disponiendo cada pieza en bocetos preparatorios y modelos de arcilla. Utilizando cortes de madera encolados construye bloques en los cuales, de manera similar al puntillismo en la pintura, los pequeños componentes se convierten en una estructura mayor que ofrece al artista infinitas posibilidades.
Su obra ha sido presentada en numerosas exposiciones individuales y colectivas desde 1994, y se encuentra presente en museos y colecciones particulares.

"魔術師 / Mago / Magician", teca de África Occidental / West African teak, 2011

"魔術師 / Mago / Magician", teca de África Occidental / West African teak, 2011

"魔術師 / Mago / Magician", teca de África Occidental / West African teak, 2011

"日光月色 / Luz del sol, claro de luna / Sunlight, Moonlight"

"當時明月在 / La luna en ese momento / The Moon at That Time"
Teca de Myanmar / Myanmar teak, 184 x 56 x 52 cm., 2016

"四德 / Cuatro virtudes / Four Virtues", madera de alcanfor / camphor wood, 1996

"閒愁 / Preocupación pausada / Leisurely Worry", abeto de Laos / Laos fir, 2016

"閒愁 / Preocupación pausada / Leisurely Worry" (detalle / detail), abeto de Laos / Laos fir, 2016

"追逐 唐朝 / Persecución, Dinastía Tang / Chase, Tang Dinasty"
Teca de África Occidental / West African teak, 2015

"東方娃娃 / Muñeca oriental / Oriental Doll", caoba / mahogany, 2009

"東方娃娃 / Muñeca oriental / Oriental Doll", caoba / mahogany, 2009

El artista trabajando / The artist at work

Hsu Tung Han is a Taiwanese sculptor born in 1962.
He graduated from the Department of Anthropology at the National University of Taiwan in 1985.
The recent work of Hsu Tung Han consists of sculptures in which he achieves a pixelated effect of the figures. He thinks of his work as a puzzle, carefully laying out each piece in preparatory drawings and clay models. Using glued wood cuts, he builds blocks in which, similarly to pointillism in painting, the small components become a larger structure that offers the artist infinite possibilities.
His work has been showed in numerous individual and collective exhibitions since 1994, and is present in several museums and private collections.

"你好 我是某某某 / Hola, yo soy fulano de tal / Hello, I am so and so"

"你好 我是某某某 / Hola, yo soy fulano de tal / Hello, I am so and so" (detalle / detail)

"韓旭東 / Resbaladizo / Slippery", cedro rojo / red cedar, 2017

"韓旭東 / Resbaladizo / Slippery", cedro rojo / red cedar, 2017

"霸王別姬 / Adiós mi concubina / Farewell My Concubine"
Madera tallada, cobre / carved wood, copper, 2011

"秋天の潮 / Viento otoñal / Autumn Wind", nogal / walnut, 155 x 98 x 50 cm., 2013

"唐山過海 / Puerto de Tangshan / Tangshan Port"

"煉金術 / Alquimia / Alchemy", teca africana / African teka, 2013

"墨色 / Tinta / Ink", 2016

"墨色 / Tinta / Ink", 2016

"沙灘 / Playa / Beach", teca de África Occidental / West African teak, 116 x 76 x 30 cm., 2013

El artista trabajando / The artist at work

Más sobre Hsu Tung Han en / More about Hsu Tung Han in: Blog, Flickr, East Gallery

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Hsu Tung Han!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Hsu Tung Han!)


El proceso / The Process

El trabajo comienza cortando la madera y separando por tamaños.

The work begins by cutting the wood and separating by size.

Luego se realiza el apilado de los tacos de madera, y se unen con cola Titebond 3 de secado rápido, resistente al agua.
Then the stacking of the wooden blocks is done, and they are united with Titebond 3 glue of fast drying, water resistant.

Finalizado el encolado, se obtiene el bloque a ser tallado. La pieza es hueca.
After gluing, the block to be carved is obtained. The piece is hollow.

Hay que tener mucho cuidado de hacer cortes limpios con la sierra, el taladro y las herramientas manuales ya que los bordes de la madera se rajan con facilidad.
Care must be taken to make clean cuts with the saw, drill and hand tools as the edges of the wood split easily.

Finalizado el modelo en bruto, se hace una revisión preliminar de los vacíos.
Once the raw model is finished, a preliminary review of the gaps is done.

Luego se encolan y rellenan los huecos, sujetando las piezas con abrazaderas.
Then glue and fill the holes, holding the pieces with clamps.

Casi terminado / Almost finished

"頭像 / Cabeza / Head", teca de África Occidental / West African teak

Scott G. Brooks (I) [Pintura]

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En este primer post dedicado a la obra del artista estadounidense Scott G. Brooks, les presento una selección de su obra pictórica, y algunos comentarios extraídos y traducidos de entrevistas y de su propio sitio web. En la próxima entrega, me ocuparé de sus dibujos y otras obras sobre papel.

In this first post dedicated to the work of the American artist Scott G. Brooks, I present a selection of his paintings, and some comments extracted from interviews and his own website. In the next one, I will select some of his drawings and other works on paper.
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Scott G. Brooks

Scott en el estudio / in the Studio

Scott G Brooks es un artista estadounidense que vive y trabaja en Baltimore, Maryland. Sus pinturas son figurativas, y van desde el simple retrato hasta intrincadas narrativas. Incorpora cuestiones sociales, psicológicas y políticas, por lo general infundidas de un oscuro sentido del humor. Las distorsiones anatómicas separan las figuras del ideal fotográfico, creando una realidad profundamente distorsionada personalmente. Su obra es intransigente, retorcida y poco convencional, sentimental y perturbadora.

«Mi obra comienza con un deseo, y habilidad, hasta la pintura. Proviene de un intento de ser parte de la historia y alcanzar la inmortalidad. Viene de la obstinación y la resistencia a la rendición. Mi obra debe ser personal y privada para ser exitosa, así que va de exponerme a mí mismo. Hay riesgos y resistencia por mi parte.
Técnicamente el desafío es crear luz, volumen y textura. El arte es una reflexión del hoy y de nuestro tiempo; en medio de la revolución digital, nuestra percepción también está cambiando. El desarrollo de la CGI, y sus posibilidades para sintetizar la "vida", me ha forzado a mirar más profundamente el cómo utilizo la pintura para representar la "vida".
Gran parte de mi proceso pictórico involucra exploración y experimentación. Encontrar el color correcto, la búsqueda de la perspectiva correcta o el punto de fuga. El patrón o gesto correcto de la mano. También tengo formación en ilustración, pero ahora tan sólo tomo mi experiencia y las destrezas técnicas que he aprendido incorporándolas a mi arte.
Utilizo un lenguaje que es fácilmente comprensible. Yo cuento historias. Entretejo figuras, símbolos y elementos para crear una narrativa que compartir con una audiencia.»

“Las tres gracias de Orvieto / The Three Graces of Orvieto
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2015 

"El amor está en el aire / Love is in the Air", óleo sobre lienzo / oil on canvas

«Chuck Close dijo: "La inspiración es para los aficionados, el resto de nosotros sólo aparecemos, y vamos a trabajar." Esperar hasta estar inspirado se me antoja un lujo en este momento. Sin embargo, tengo la pregunta, y en ese sentido me inspiran muchas cosas. Ver el trabajo de otros artistas es una inspiración; el impulso para hacer un buen trabajo y mejorar es también una inspiración. El deseo de pagar mis cuentas y viajar es una inspiración. Cuando se trata de las ideas y el tema, a veces eso está presente desde el principio, otras veces evoluciona junto con la pintura, o me desenchufo hasta que algo me sacude.»

«No me siento presionado a abordar la política en mi trabajo, pero soy consciente de que cualquier cosa puede ser politizada. Un paisaje bonito puede ser sobre el cambio global, o un perrito lindo puede tener que ver con los derechos de los animales. El mundo está tan lleno de agitación y están sucediendo tantas cosas a apenas una milla o así de donde trabajo que es duro no sentir el peso de eso. Lo incorporo en mi obra porque es una parte de lo que soy y lo que veo a mi alrededor. También estoy muy afectado, como todos nosotros, por las decisiones que se toman calle arriba.»

"Fortaleza / Fortitude", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 24"

"Nosotros el pueblo / We the People", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 48", 2010

«La mala interpretación es mi mayor problema. En mis intentos de ser sutil e inteligente, el mensaje puede confundirse o perderse en algunos casos, dejando al espectador simplemente confundido. Estoy bien con eso en su mayor parte, y realmente disfruto escuchando cómo otras personas interpretan mi trabajo. Historias que me parecen tan obvias a veces se pierden para el espectador. Otros vendrán con historias realmente extravagantes y locas que ni siquiera cruzaron por mi mente. Otros espectadores asumen que las historias son sobre mí personalmente.»

“Tiki Phil”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 30", 2015

"Paisajismo masculino con la Madre Naturaleza / Manscaping With Mother Nature
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 26" x 26", 2006

«Mi obra es personal, y compartirlo con el público no es necesariamente mi principal preocupación. Sé que lo más probable es que suceda y lo tomo en consideración, pero al final es MI obra. Algunas piezas son más terapéuticas que otras, y puedo terminar elaborando cuestiones de mi propia vida en el lienzo. Quiero crear un trabajo que sea honesto también. Algunos elementos se oscurecen en el proceso, y también uso un montón de símbolos y metáforas. También pienso en mí como una persona muy privada, aunque en este tiempo de los medios de comunicación social todo es relativo. Es un delicado equilibrio intentar crear una obra que sea honesta con quien soy, y luego ponerla por ahí, sin hacerme vulnerable. Tengo una pareja y una familia, así que necesito respetar su privacidad también. La mayoría de los aspectos de mi vida son públicos si la gente quiere mirar, y estoy bien con eso. La mayor parte de mi vida también era pre-Internet, así que mientras lo uso cuando puedo, recuerdo cómo era la vida antes de Facebook.»

“La libertad se toma unas vacaciones / Liberty Takes a Holiday
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60" x 40", 2013

Finalizado en la primavera del 2003 para "POW: La propaganda de la Guerra"
Se exhibió Warehouse Gallery en Washington, sólo unos meses antes de que G.W.Bush invadiera Irak.
La modelo es mi amiga Brandy. Estaba encantada con la pintura y fue una invitada de honor en la recepción de apertura. /
Finished spring/2003 for "POW: The Propoganda of War". 
It was exhibited at the Warehouse Galllery in DC just months before GW Bush invaded Iraq. 
The model is my friend Brandy. She was thrilled with the painting and was a guest of honor at the opening reception.

“Cara de comida / Foodface”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 20", 2012

“Retrato de la artista entrando en su período azul /
Portrait of the Artist Entering Her Blue Period”, óleo sobre lienzo / oil on canvas

«Trabajo en mi apartamento, que es un loft industrial abierto del tipo dormitorio y estudio. Es un diseño único, en el sentido que es una habitación grande, con una ventana del piso al techo y de pared a pared en un extremo, que conduce a un pequeño balcón, y ahí es donde trabajo. Mi área de trabajo es cerca de 12 x 15 pies, pero mi obra está dispersa por todas partes. Junto a mi caballete hay un televisor grande, que funciona como un monitor de computadora, para poder navegar, ver películas o escuchar música mientras pinto. También hay abundante espacio en la pared, con un rail para imágenes que me permite colgar mis trabajos y los que he recopilado y moverlos mucho más fácilmente cuando es necesario. También hay una pequeña oficina más atrás con los ordenadores, impresoras y archivadores, así como mi Cintiq. Ahí es donde hago el trabajo comercial y las ilustraciones.»

“Podando el seto / Trimming the Hedge”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40" x 40"

«Contrato modelos, o tengo amigos para abordar la mayor parte de mi trabajo. Hacemos una sesión de fotos que dura una hora o dos, y luego imprimo las imágenes. De vez en cuando utilizo una imagen que encuentro en línea si es de alta resolución y única, pero prefiero usar mis propias fotos. Actualmente utilizo imágenes digitales exclusivamente, pero tengo una caja de fotografías viejas que necesito para escanear. También puedo dibujar relativamente bien de memoria, y algunos personajes los creo en mi cabeza. Me encanta trabajar del natural y dibujar con modelos en vivo cuando puedo, pero por desgracia no es posible con el tipo de trabajo que hago.»

«No hay duda de que la pintura sigue siendo válida. Creo que nos estamos alejando de la fotografía y el arte conceptual hacia la pintura y objetos hechos en general a mano. Principalmente debido a la abundancia de fotos y el hecho de que todo el mundo hoy tiene una cámara. Creo que el nuevo movimiento de arte contemporáneo todavía está en sus primeras etapas. La incorporación de elementos pop, y el enfoque en el realismo está aquí para quedarse, al menos por un tiempo. Ha renacido junto con computadoras y medios digitales, así que creo que hay una conexión allí, tal vez tiene algo que ver con que sea accesible, y eso está bien.»

“Atrapado como un ratón / Mousetrapped”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36"

“Chica de Tatooine con / Tatooine Girl withSalacious Crumb
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24", 2015

Scott G. Brooks is an American artist, living and working in Baltimore, MD. His paintings are figurative, and range from simple portraiture to intricate narratives. It incorporates social, psychological, and political issues, usually infused with a dark sense of humor. Anatomical distortions separate the figures from the photographic ideal, creating a deeply personal distorted reality. His work is uncomprimising, twisted and offbeat, sentimental, and disturbing.

«My work starts with a desire, and ability, to paint. It comes from an attempt to be part of history, and achieve immortality. It comes from stubbornness and refusing to give up. My work must be personal and private to succeed, so it’s about exposing myself. There are risks and resistance on my part.  
Technically, the challenge is to create light, volume, and texture.  Art is a reflection of our time and today, in the midst of the digital revolution, our perception is changing as well. The development of CGI, and it’s ability to synthesise “life” has  forced me to look deeper into how I use paint to represent “life” .  
Much of my painting process involves exploring and experimenting. Finding the right color, searching for the correct perspective or vanishing point. The right pattern or gesture of the hand.  I also have a background in illustration,  but I am only now embracing my experience and the technical skills I have learned and incorporating them into my art. 
Using a language that is easily understood,  I tell stories. I weave figures, symbols, and  elements  together to create a narrative to share with an audience.»

“Monstruos de la medicina / Monsters of Medicine”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2011

“Surf & Turf”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 20", 2016

«Chuck Close said, “Inspiration is for amateurs—the rest of us just show up and get to work.” To wait around until I’m inspired seems like a luxury at this point. I do get the question, though, and in that sense I’m inspired by many things. Seeing other artists’ work is an inspiration; the drive to do good work and improve myself is also an inspiration. The desire to pay my bills and travel is an inspiration. When it comes to the ideas and the subject matter, sometimes that’s present from the beginning, other times it evolves along with the painting, or I plug away until something hits me.»

«I don’t feel pressured to address politics in my work, but I’m aware that anything can be politicized. A pretty landscape can be about global change, or a cute puppy can be about animal rights. The world is so full of turmoil and so much is happening just a mile or so from where I work that it’s tough not to feel the weight of that. I get it into my work because it’s a part of who I am and what I see around me. I’m also very much affected, as we all are, by the decisions made just up the street.»

“Separación ansiedad - Una alegoría para el contraste entre el bien y el mal /
Separation Anxiety - An Allegory for the Contrast Between Good and Evil
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 8' x 4'

“Separación ansiedad... / Separation Anxiety...” (detalle / detail)

«Misinterpretation is my biggest problem. In my attempts to be subtle, and clever, the message can get muddled or lost in some cases, leaving the viewer simply confused. I’m okay with that for the most part, and actually enjoy hearing how other people interpret my work. Stories that seem so obvious to me are sometimes lost on the viewer. Others will come up with really outlandish and crazy stories that never even crossed my mind. Other viewers assume the stories are about me personally.»

“Raptado por una rata / Ratnapped”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24"

“Angustia / Heartache”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 16"

«My work is personal, and sharing it with the public isn’t necessarily my primary concern. I know it will most likely happen and I take that into consideration, but in the end it’s MY work. Some pieces are are more therapeutic than others, and I can end up working out issues in my own life on the canvas. I want to create work that’s honest as well. Some elements get obscured in the process, and I also use lots of symbols and metaphors. I also think of myself as a very private person, though in this day of social media that’s all relative. It’s a delicate balance trying to create work that’s honest to who I am, and then putting it out there, without making myself vulnerable. I have a partner and a family so I need to respect their privacy as well. Most aspects of my life are public if people want to look, and I’m okay with that. Most of my life was also pre-Internet, so while I use it when I can, I do remember what life was like before Facebook.»

“Natividad a pedido / Nativity on Demand”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2008

"El centauro borracho / The Drunken Centaur", técnica mixta sobre panel / mixed media on panel, 12" x 12"

«I work in my condo, which is an open industrial loft style one bedroom and den. It is a unique layout in that it’s one large room, with a floor to ceiling, wall to wall window at one end that leads to a small balcony, and that’s where I work. My work area is about 12 ft x 15 ft, but my work is scattered throughout. Next to my easel is a large TV, which doubles as a computer monitor, so I can surf, watch movies, or listen to music while I paint. There is also an abundance of wall space, with a picture rail, which makes hanging up my work, and the work I’ve collected much easier to move around as needed. There is also a small office further back with the computers, printers, and file cabinets, as well as my Cintiq. This is where I do the commercial work and illustrations.»

“Ganadores y perdedores / Winners and Losers”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18" x 24"

“Cadena alimenticia / Food Chain”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 48", 2009

«I hire models, or have friends come over for most of my work. We’ll have a photoshoot that lasts an hour or two, and then I print out the images. I will occasionally use an image I find online if it’s hi-res and unique, but prefer using my own photos. I currently use digital images exclusively, but have a box of old photographs I need to scan in. I can also draw relatively well from memory, and some characters are entirely made up in my head. I love working from life and draw from live models when I can, unfortunately it’s just not possible with the type of work I do.»

“Roman en la playa / at the Beach”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40"

«No question that painting is still valid. I think we’re swinging away from photography and conceptual art back toward painting and hand crafted objects in general. Mostly because of the abundance of photos and the fact that everyone has a camera today. I think the New Contemporary Art movement is still in it’s early stages. The incorporation of pop elements, and focus on realism is here to stay, at least for a while. It has risen up right alongside with computers and digital media, so I think there’s a connection there, perhaps it has something to do with being accessible, and that’s OK.»

“La compra de la vaca / The Buying of the Cow”, óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 40", 2010

Fuentes / Sources:
* Realidad distorsionada. Entrevista / Distorted Reality. Interview, 11/2014, Wowxwow
* Entrevista / Interview, 2/2015, Beinart Gallery

Más sobre Scott Brooks en / More about Scott Brooks in: Website, Flickr, facebook, InstagramBeinart

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Scott!)
Images published here with artist's permission (Thanks a log, Scott!)



Scott G. Brooks: Bajo la piel / Under the Skin




Lowbrow o Surrealismo pop / or Pop Surrealism

La obra de Scott Brooks se encuadra dentro del movimiento artístico conocido como Lowbrow.
Lowbrow, o arte Lowbrow, es un término utilizado para describir un movimiento underground de arte visual que surgió en la zona de Los Angeles, California, a finales de la década de 1970. El Lowbrow es un movimiento artístico popular muy difundido, con orígenes en el mundo del underground comix, la música punk, la cultura callejera del hot-rod y otras subculturas de California. También se le conoce con frecuencia por el nombre de surrealismo pop. El Lowbrow nació de la cultura underground, y tiene un cierto sentido del humor. A veces este humor es alegre, o también lleno de picardía o sarcasmo.
La mayoría de las obras de arte Lowbrow son pinturas, pero también existen juguetes, arte digital y escultura.
En un artículo del número de febrero de 2006 de su revista Juxtapoz, Robert Williams se atribuye el crédito de haber acuñado el término Lowbrow. Afirma que en 1979, Gilbert Shelton, de la editorial Rip-Off Press, tomó la decisión de publicar un libro presentando las pinturas de Williams. Williams dijo que él mismo decidió nombrar el libro con el título menospreciativo de "The Lowbrow Art of Robt. Williams," (El arte de mal gusto de Robt. Williams), ya que ninguna institución de arte renombrada reconocía este tipo de arte. "Lowbrow", por lo tanto, fue usado por Williams en oposición a highbrow (intelectual, elevado). Dijo que el nombre pegó, pese a que cree que es inapropiado.
Ya he publicado sobre varios artistas cuya obra puede considerarse dentro de (o muy próximos a) este movimiento. Algunos de ellos son:

The work of Scott Brooks fits within the artistic movement known as Lowbrow.
Lowbrow, or lowbrow art, describes an underground visual art movement that arose in the Los Angeles, California, area in the late 1970s. It is a populist art movement with its cultural roots in underground comix, punk music, and hot-rod cultures of the street. It is also often known by the name pop surrealism. Lowbrow art often has a sense of humor – sometimes the humor is gleeful, sometimes impish, and sometimes it is a sarcastic comment.
Most lowbrow artworks are paintings, but there are also toys, digital art, and sculpture.
In an article in the February 2006 issue of his magazine Juxtapoz, Robert Williams took credit for originating the term "lowbrow art." He stated that in 1979 Gilbert Shelton of the publisher Rip Off Press decided to produce a book featuring Willams' paintings. Williams said he decided to give the book the self-deprecating title The Lowbrow Art of Robt. Williams, since no authorized art institution would recognize his type of art. "Lowbrow" was thus used by Williams in opposition to "highbrow." He said the name then stuck, even though he feels it is inappropriate. Williams refers to the movement as "cartoon-tainted abstract surrealism." Lately, Williams has begun referring to his own work as "Conceptual Realism."
I've already published in this blog about several artists whose work can be considered within (or very close to) this movement. Some of them are:

Esao Andrews: [Recolección (V)], [Recolección (XXI)]
Ray Caesar: [Ray Caesar (Arte Digital)], [Te Recomiendo (II)]
John Currin[Recolección (XLIX)], [Recolección (LXVIII)]
Camilla D'Errico[Aniversarios (CXLIII)]
Brian Despain[Brian Despain (Pintura)]
Alex Gross[Recolección (IV)], [Recolección (LX)]
James Jean[Rinocerontes (L)]
Audrey Kawasaki[Mujeres al pincel (XIV)], [Manos a la obra (XII)], [Aniversarios (VIII)]
Mark Ryden[Aniversarios (LIV)]
Greg "Craola" Simkins[Ransom y Mitchell (Fotografía, Arte digital)]
Jeff Soto[Tara McPherson (Pintura, Ilustración)], [Aniversarios (XIX)]
Nathalia Suellen[Nathalia Suellen (Arte digital, Fotomanipulación)]
Nicola Verlato[Nicola Verlato (Pintura)]
Robert Williams[Aniversarios (V)]


Alexia Sinclair [Fotografía, fotomanipulación]

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En la obra de la australiana Alexia Sinclair, el proceso es tan importante como el resultado. Ella misma consigue, crea y dispone todos los accesorios y entorno para cada una de sus elaboradas producciones. Partiendo de un boceto inicial, diseña y confecciona el vestuario, y fotografía cada localización, cada elemento y cada personaje, para luego trabajar digitalmente una imagen con un detalle extraordinario que transmita la narrativa que pretende ofrecer al espectador. El producto final es una exquisita obra llena de elementos y símbolos.
Textos en inglés al final del post, marcados con [*] en cada párrafo.

In the work of the Australian Alexia Sinclair, the process is as important as the result. She herself gets, creates and arranges all the accessories and environment for each of her elaborate productions. Starting from an initial sketch, she designs and make the costumes, and photographs each location, each element and each character, and then digitally works on an image with an extraordinary detail that conveys the narrative that he intends to offer the viewer. The final product is an exquisite work of great visual richness, full of elements and symbols.
English text at the end of this post, marked with [*] in each paragraph.
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Alexia Sinclair


Alexia Sinclair es una artista australiana nacida en 1976 en Newcastle. Estudió Bellas Artes en Sydney en la Escuela Nacional de Arte (1995-1998). Se especializó en fotografía tradicional, y sus estudios en pintura, dibujo, escultura e historia del arte han influido mucho en la forma en que aborda su práctica. Completada su Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Newcastle (2007), ganó varios premios nacionales por la serie para el Master en Bellas Artes "Las doce regias". Celebrando la vida de doce mujeres poderosas en la historia, la serie se completó en tres años, e implicó la compilación de más de 2.000 placas de película de formato medio, pasando por a la ilustración a mano y el montaje digital. [1]

"Serie Rococó, El jardín perfumado / Rococo Series, The Perfumed Garden"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 150 x 150 / 111,8 x 111,8 cm., 2015
Ed. 9+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR

"Series Las Antonietas / The Antoinettes Series, Á la victime"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, , 115,8 x 111,8 / 91,4 x 64 cm., 2013.
Ed. 8+1Ap © ALEXIA SINCLAIR

Durante la Revolución Francesa, un período conocido como el Reinado del Terror, se ejecutaron más de 16.000 "enemigos del Estado" frente a multitudes en París. Los ejecutados eran principalmente de la nobleza o la realeza, e incluyeron tanto a María Antonieta como a Luis XVI.
Las víctimas de estas ejecuciones generalizadas se enfrentaron a un nuevo instrumento de muerte llamado la guillotina. Esta gran máquina de matar francesa intoxicó a su público, despertando emoción, miedo y rabia.
Después del Reinado del Terror, un ambiente de celebración inspiró la aparición de una serie de modas horripilantes conocidas como "à la victime".
Se pusieron de moda las cintas rojas alrededor del cuello, para simbolizar la línea de sangre donde cortaba la cuchilla de la guillotina. Hombres y mujeres llevaban el pelo cortado en la parte superior del cuello, para imitar la forma en que el verdugo cortaba el cabello de las víctimas para exponer su cuello a la hoja.
Grandes bailes conocidos como "Bals des victimes" se llevaron a cabo para los familiares de las víctimas de la guillotina. Los invitados vestían con modas à la victime y bailaban juntos para llorar a sus muertos celebrando la vida. En lugar de un arco gracioso, los huéspedes se saludaban recíprocamente agitando bruscamente la cabeza hacia abajo para imitar el momento de la decapitación. [2]

"Mujeres del mundo / Women of the World", UNICEF
Obra por encargo / commisioned work, 2006. © ALEXIA SINCLAIR

"Serie La Edad Dorada, El Fénix dorado / The Golden Age Series, The Golden Phoenix"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 152,4 x 203,2 / 118,8 x 141,3 cm., 2015.
Ed. 9+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR

En un tiempo de confusión religiosa, cuando las mujeres tenían poco poder, Elizabeth I alcanzó gran popularidad manipulando su imagen pública mediante el uso del simbolismo en sus retratos. 
Primero se alineó con la figura bíblica La Virgen María, la Rosa de los Tudor y el Fénix, resurgiendo de sus cenizas. Estos símbolos están entretejidos en el elaborado vestuario de El Fénix Dorado.
El disfraz hecho a mano meticulosamente por Sinclair incorpora tanto el estilo masculino como el femenino para revelar un vestido encaje y tafetán encorsetado bajo accesorios que recuerdan a una armadura. El corsé está bordado con perlas y cuentas para formar un resplandor solar bíblico alrededor de un corazón de cuero perforado. El intrincado gorjal de cuero hecho a mano incorpora un complejo diseño de cuero recortado a mano del Fénix bajo de dos cuellos alechugados isabelinos enjoyados. [3]

"Las doce Regias, Agripina / The Regal Twelve, Agrippina", metallic c-type, 63,5 x 63,5 cm., 2007. Ed. 10-1Ap © ALEXIA SINCLAIR

"Serie La docena real, el Papa Alejandro VI / The Royal Dozen Series, Pope Alexander VI"
C-type, 63,5 x 63,5 cm., 2010. Ed. 10+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR

"Serie Un cuento congelado, Los gabinetes de curiosidades / A Frozen Tale Series, The Cabinets of Curiosity"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print,111,8 X 141 cm., 2013. Ed. 6+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR

Durante la era de grandeza sueca a mediados del siglo XVII, el conde Carl Gustaf Wrangel encargó la construcción de un majestuoso castillo en el lago Mälaren, a 80 km de Estocolmo.
Considerado uno de los mejores ejemplos de arquitectura barroca en toda Europa, Skokloster Slott alberga vastas colecciones de pinturas, antigüedades, tapices, armas y libros raros.
Durante los meses más fríos, el gigantesco lago se congela completamente, y con él, los suntuosos contenidos del castillo se han congelado en el tiempo. Hoy en día, el castillo se ha convertido en un famoso museo, y lo que es más notable, los interiores conservados han permanecido intactos durante más de 300 años. [4]

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"Serie Capuchas, Anónimo Nº 4 / Hoods Series, Anonymous #4"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 143,3 x 111,8 / 91,4 x 708 cm., 2012
Ed. 8+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR

"Capuchas" es una colección de retratos fotográficos escenificados que reflejan la identidad social a través del empleo de trajes sugestivos.
Una serie de modelos inmóviles que son como maniquíes forman la base para las capas de ropa y simbolismo. "Capirotes" se inspira en el comentario social del artista urbano británico Banksy, cuya identidad permanece anónima a través de disfraces callejeros tales como capuchas y pasamontañas. [5]

"Las doce Regias, Isabel I / The Regal Twelve, Elizabeth I", metallic c-type, 63,5 x 63,5 cm., 2007.
Ed. 10-1Ap © ALEXIA SINCLAIR

"Las doce Regias, Isabel de España / The Regal Twelve, Isabella of Spain"
Metallic c-type, 63,5 x 63,5 cm., 2007. Ed. 10-1Ap © ALEXIA SINCLAIR

Las elaboradas composiciones de Alexia asumen las complejidades de la pintura histórica al representar un momento en una historia narrativa. El abundante detalle y simbolismo en su trabajo son dispositivos que le permiten contar historias complejas. Sus cuadros combinan la fina elegancia del diseño contemporáneo con la estética suntuosa de la edad de oro de la pintura.
Desde los cuatro años, Sinclair creció en los escenarios, actuando como bailarina en su adolescencia. Estar inmersa en el mundo de la fantasía del teatro ha impactado profundamente la forma en que aborda su trabajo. A menudo crea escenificaciones dramáticas de sus personajes, iluminando sus escenas en el estilo del claroscuro. Su proceso creativo consiste en diseñar y crear manualmente trajes elaborados, escenografías y accesorios para producir fotografías a gran escala extraordinariamente detalladas. [6]

"Serie Señora Justicia, Justicia sin miedo ni favores / Lady Justice Series, Justice Without Fear of Favour"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 118 x 108 / 91,4 x 78,5 cm., 2012. Ed.6+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR

La serie Señora Justicia explora la iconografía utilizada en las representaciones modernas de la Diosa de la Justicia. Retratada a través de esculturas, relieves y pinturas en juzgados, la Señora Justicia es la personificación de la fuerza moral de los sistemas judiciales.
La Señora Justicia ha evolucionado a partir de varias diosas de la antigüedad, y se la conoce por varios nombres. [7]

"Serie Rococó, Pétalos de porcelana / Rococo Series, Porcelain Petals"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 150 x 150 / 111,8 x 111,8 cm., 2015
Ed. 9+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR


Fotografía y post-producción / Photography and Postproduction - Alexia Sinclair
Iluminación / Lighting - James Hill / Asistente / Assisting - Elanna Harlow
Belleza / Beauty - Sahra Bull & Sarah Laidlaw
Modelos / Models - Monique Kathleen, Kristine Jensson, Hanna Marie, Anastasia Fishburn, Nadia Gritten
Cotorra alejandrina / Alexandrine parrot - Alex
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"Isabel I / Elizabeth I", obra por encargo / commisioned work, 2007. © ALEXIA SINCLAIR

Sinclair es una artista creativa cuya práctica abarca tanto el arte como la aplicación comercial. Sus obras de arte han sido expuestas en la National Portrait Gallery de Londres, el Centro Australiano de Fotografía, la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur, la National Portrait Gallery, Canberra, y en festivales internacionales de fotografía de París a Pingyao, Seúl y Dubai. Entre sus clientes comerciales se cuentan el Fondo de las Naciones Unidas para la Infancia (UNICEF), la Fundación Bill y Melinda Gates, el Queensland Ballet, la Ópera de Nueva Zelanda, Qantas Airlines, Harper's Bazaar y Christie's. Sinclair actualmente vive y trabaja en Londres, con su marido James Hill y su hija Heidi Sinclair-Hill. [8]

"Las doce Regias, Leonor de Aquitania / The Regal Twelve, Eleanor of Aquitaine"
Metallic c-type, 63,5 x 63,5 cm., 2007. Ed. 10-1Ap © ALEXIA SINCLAIR

«La primera gran serie que produje fue en la escuela de arte y se trataba de Ofelia, el trágico personaje de Shakespeare. Me había enamorado de los pintores pre-rafaelitas, e influenciaron fuertemente el estilo y los temas de mi obra. Ahí fue cuando empecé a introducir el simbolismo en mis trabajos.
Mi primera gran serie digital fue The Regal Twelve. Produje esta serie para mis Master de Bellas Artes, y me inspiraba producir una serie de retratos nobles porque estoy fascinada con la historia.
Para esta serie publiqué una exégesis de 22.000 palabras sobre el trabajo, y pasé 6 meses viajando por Europa capturando los paisajes de fondo y la arquitectura que formaron el escenario para mis Reinas. Eventualmente producir la serie me tomó tres años, con el viaje, la exégesis, el vestuario, la fotografía y la compleja postproducción.» [9]

"Serie Señora Justicia, La espada de la razón y la justicia / Lady Justice Series, Sword of Reason and Justice"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 118 x 108 / 91,4 x 78,5 cm., 2012. Ed.6+1Ap.

"Serie La docena real, / The Royal Dozen Series, Gengis Khan"
C-type, 63,5 x 63,5 cm., 2010. Ed. 10+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR

«Producir el trabajo que hago es como para un pintor producir una obra de arte. Empiezo casi todas las ilustraciones con una imagen pre-visualizada. Luego trabajo a través de un proceso de descomponer la pieza en partes que trabajo en post-producción para combinar en la obra de arte original que imaginé.
Por supuesto este proceso a menudo significa que el trabajo evoluciona hacia algo completamente diferente de lo que inicialmente imaginé.»

«Normalmente utilizo un pequeño equipo en mis proyectos. Hago todas las fotografías y la post-producción de mi obra. Mi marido y productor James Hill hace la iluminación, y casi siempre trabajo con una artista de maquillaje llamada Sahra Bull. Ella es una artista de pintura corporal increíble con la que empecé a trabajar mientras creaba mi serie Las doce Regias.
El pelo es una historia diferente. Sahra (u otra artista del peinado) construye la base con cabello real, extensiones de cabello y armazones de alambre, y luego ilustro a mano todo el peinado.»
[10]

"Serie La docena real / The Royal Dozen Series, Vlad Draculea"
C-type, 63,5 x 63,5 cm., 2009. Ed. 10+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR

"Series Las Antonietas / The Antoinettes Series, L'Opéra de Paris"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 91,4 x 64 / 115,8 x 111,8 cm., 2013
Ed. 8+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR

Luis XVI prefería que María Antonieta permaneciera fuera de la política, y en cambio le confió la tarea de entretener a la corte. Realizando varias fiestas temáticas por semana, la reina revivió los grandes bailes de Versalles, organizando deslumbrantes bailes de disfraces y actuaciones teatrales.
Volviendo a la ropa para cultivar su imagen, la suntuosamente vestida reina cautivaba a las multitudes. Sus mensajeros acudían a las fiestas para beber, bailar y jugar, quedándose con la reina hasta bien pasado el amanecer. Los bailes de María Antonieta la situaron como líder en el ámbito de la moda, estableciendo firmemente el tono en Versalles.
Con sus ojos puestos en París, el centro indiscutible de la moda, Marie Antonieta se sentía atraída por las boutiques, las casas de juego y la ultra-elegante París Opéra. En los bolas de la Ópera, los invitados podían disfrazar su identidad detrás de máscaras y capas (dominós) y misteriosos desconocidos podían charlar y coquetear sin revelar su rango social. Aunque la reina rebelde disfrutaba vistiendo de incógnito en los bailes de la Ópera, era reconocida regularmente detrás de su disfraz de dominó negro. [11]

"Serie Rococó, Campos de lavanda / Rococo Series, Lavender Fields"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 150 x 150 / 111,8 x 111,8 cm., 2015
Ed. 9+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR

«Todo lo que ves en mi trabajo es algo que personalmente he fotografiado. Nunca he comprado fotografías de stock, por varias razones.
En primer lugar, quiero muchas variaciones de mis fondos o accesorios, dándome la libertad de producir el trabajo exactamente como me gustaría. También puedo controlar la iluminación y la profundidad de campo para que coincida con todos mis otros componentes.
Además, cuando produzco una serie, no siempre estoy segura de la vida que tendrá. A veces oportunidades maravillosas vienen a mi y no quiero sentirme limitada por lo que puedo hacer con mi trabajo.
Si lo fotografío, es mío. Es tan simple como eso. Aunque a veces no es fácil encontrar las cosas que quiero, y a menudo están en el otro lado del planeta ... ¡pero me encanta viajar!» [12]

"Serie Rococó, La brújula rota / Rococo Series, The Broken Compass"
Copia de archivo de pigmentos / archival pigment print, 150 x 150 / 111,8 x 111,8 cm., 2017
Ed. 9+1Ap. © ALEXIA SINCLAIR
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Fuentes / Sources:
* Website
* Vídeos que pueden verse más abajo / Videos you can see below
* Entrevista de / Interview by Julia Kuzmenko McKim, 3/2014, Fstoppers

Más sobre Alexia en / More about Alexia inWebsite, Flickr, facebook, Vimeo, 500px

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Alexia!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alexia!)



Al final del atardecer / Into the Gloaming

Capítulo Uno del documental detrás de la escena de "Into the Gloaming"
Un video sumamente revelador sobre el proceso creativo de una de las obras de Alexia.

Episode One of Into the Gloaming behind-the-scenes documentary.
A highly revealing video about the creative process of one of Alexia's works.



Para quienes no estén actualizados con el inglés antiguo, el "gloaming" es ese momento del día en el que el suave brillo crepuscular te envuelve el alma. Donde los porteros nocturnos toman el control y todo parece posible. Tú puedes (al menos yo sí) imaginar puertas secretas en los troncos de los árboles o setas venenosas grandes como casas. Es fácil entender por qué es comúnmente conocida como la hora mágica, todo parece posible y ahí es donde comenzamos.

"Into the Gloaming"

For those not up to date on their old English. The gloaming is that time of day where the soft glow of dusk envelopes your soul. Where the nocturnal gatekeepers take control and anything seems possible. You can (at least I do) imagine secret doorways in the trunks of trees or toadstools the size of houses. It's easy to understand why it's commonly known as the magic hour, anything seems possible and that's where we begin.

"Into the Gloaming" (detalle / detail)



Textos en inglés / English translation

[1]
Alexia Sinclair is an Australian artist born in 1976 in Newcastle. She studied Fine Arts in Sydney at The National Art School (1995-1998). She majored in traditional photography, and her studies in painting, drawing, sculpture and art history have heavily influenced the way that she approaches her practice. Completing a Master of Fine Arts at the University of Newcastle (2007), she went on to win several national awards for her MFA series ‘The Regal Twelve’. Celebrating the lives of twelve powerful women in history, the series took three years to complete and involved compiling over 2,000 plates of medium format film through hand illustration and digital montage.

[2]
During the French Revolution, a period known as the Reign of Terror resulted in the execution of over 16,000 “enemies of state” in front of cheering crowds in Paris. Those executed were primarily nobility or royalty and included both Marie Antoinette and Louis XVI.
Victims of these widespread executions faced a new instrument of death called the guillotine. This great French killing machine intoxicated its audience, arousing excitement, fear and rage.
Following the Reign of Terror, a celebratory atmosphere inspired the appearance of a number of gruesome fashions known as à la victime.
Red ribbons became fashionably worn around the neck to symbolise the bloodline where the guillotine’s blade sliced through the neck. Men and women wore their hair cut high off the neck, to imitate the way the executioner cut the hair of victims to expose their neck to the blade.
Great victims’ balls known as Bals des victimes were held for relatives of the victims of the guillotine. Guests dressed in fashions à la victime and danced together to mourn their dead by celebrating life. In place of a graceful bow, guests would greet each other by sharply jerking their head downwards to imitate the moment of decapitation.

[3]
In a time of religious turmoil, a time when women held little power, Elizabeth I rose to great popularity by manipulating her public image through the use of symbolism in her portraits. Foremost, she aligned herself with the biblical figure The Virgin Mary, the Tudor Rose and the Phoenix, rising from the ashes. These symbols are woven into the elaborate costuming of The Golden Phoenix.
Sinclair’s meticulously hand-crafted costuming incorporates both masculine and feminine style to reveal a lace and taffeta corseted gown beneath accessories reminiscent of armour. The corset is embroidered with pearls and beads to form a biblical sunburst surrounding a punched leather heart. The intricately crafted leather gorget incorporates a complex hand cut leather phoenix design below two bejewelled Elizabethan ruffs.

[4]
During the Swedish Age of Greatness in the mid 17th century, count Carl Gustaf Wrangel commissioned a majestic castle to be built on Lake Mälaren, 80km from Stockholm.
Considered to be one the finest examples of baroque architecture in all of Europe, Skokloster Slott houses vast collections of paintings, antiques, tapestries, weaponry and rare books.
During the colder months, the giant lake completely freezes over, and with it, the sumptuous contents of the castle have been frozen in time. Today, the castle has become a famous museum and quite remarkably, the preserved interiors have remained untouched for over 300 years.

[5]
Hoods is a collection of staged photographic portraits that reflect on social identity through the employ of suggestive costuming.
A series of motionless models are mannequin-like and form a foundation for the considered layers of garments and symbolism. Through the wearing of a disguise, the sitter finds duality between their human core and contrasting façade.“Hoods” is inspired by the social commentary of British street artist Banksy, whose identity remains anonymous through street-wear disguises such as hoods and balaclavas.

[6]
Alexia's elaborate compositions take on the complexities of history painting by depicting a moment in a narrative story. The abundant detail and symbolism in her work are devices that allow her to tell complex stories. Her pictures combine the elegant finesse of contemporary fashion design with the sumptuous aesthetics of the Golden Age of painting.
From the age of four, Sinclair grew up on the stage, performing as a ballerina into her late teens. Being immersed in the fantasy world of the theatre has profoundly impacted the way that she approaches her work. She often creates dramatic staging of her characters by lighting her scenes in the chiaroscuro style. Her creative process involves designing and hand producing elaborate costumes, sets and props to produce extraordinarily detailed large-scale photographs.

[7]
The Lady Justice series explores the iconography depicted in modern representations of the Goddess Justice. Portrayed through sculptures, reliefs and paintings in courthouses, Lady Justice is a personification of the moral force of judicial systems.
Lady Justice has evolved from various goddesses of antiquity and is known by many names.

[8]
Sinclair is a creative artist whose practice spans both fine art and commercial application. Her artworks have been exhibited in the National Portrait Gallery, London, the Australian Centre for Photography, the Art Gallery of New South Wales, the National Portrait Gallery, Canberra and internationally in photography festivals from Paris to Pingyao, Seoul and Dubai. Her commercial clients include the United Nations Children’s Fund (UNICEF), the Bill and Melinda Gates Foundation, Queensland Ballet, New Zealand Opera, Qantas Airlines, Harper’s Bazaar and Christie's. Sinclair currently lives and works in London, with her husband James Hill and their daughter Heidi Sinclair-Hill.

[9]
«The first large series I produced was in art school and it was all about Ophelia, the tragic Shakespearean character. I'd fallen in love with the Pre-Raphaelite painters and they heavily influenced the style and subjects of my work. This is when I first started introducing symbolism into my work.
My first large digital series was The Regal Twelve. I produced this series for my Masters of Fine Art, and I was inspired to produce a series of noble portraits because I'm fascinated with history.
For this series I published a 22,000 word exegesis on the work, and spent 6 months traveling through Europe capturing the background landscapes and architecture that formed the stage for my Queens. Eventually, the series took me three years to produce, with the travel, exegesis, costuming, photography, and complex postproduction.»

[10]
«Producing the work I do is much like a painter producing a piece of artwork. I begin almost every artwork with a pre-visualized image. I then work through a process of breaking down the piece into components that I work in post-production to combine into my original imagined artwork.
Of course, this process often means the work evolves into something completely different than what I initially envisioned.»

«I typically use a tiny team on my projects. I do all of the shooting and post-production on my work. My husband and producer James Hill does my lighting, and I almost always work with a makeup artist named Sahra Bull. She's an amazing body paint artist I started working with while creating my series The Regal Twelve.
Hair is a different story all together. I have Sahra (or another hair artist) build the base with real hair, hair extensions, and wire frames, and then I hand illustrate the entire hairdo.»

[11]
Louis XVI preferred Marie Antoinette to remain out of politics and instead, entrusted her with the task of entertaining the court. Hosting several themed parties a week, the Queen revived the grand balls of Versailles by organising dazzling masquerades and theatrical performances.
Turning to clothing to cultivate her image, the sumptuously dressed Queen captivated the crowd. Her couriers flocked to the parties to drink, dance and gamble, lingering with the Queen until well past dawn. Marie Antoinette’s parties established her as a leader in the realm of fashion, firmly setting the tone at Versailles.
Setting her sights on Paris, the undisputed centre of fashion, Marie Antoinette was drawn to the boutiques, gambling dens and the ultra-stylish Paris Opéra. At Opéra balls, guests were able to disguise their identities behind masks and cloaks (dominoes) and mysterious strangers were able to chat and flirt without revealing their social rank. Although the rebellious Queen enjoyed dressing incognito at the Opéra balls, she was regularly recognised behind her black domino disguise.

[12]
«Everything you see in my work is something I’ve personally photographed. I’ve never purchased photo stock, for several reasons.
Firstly, I want lots of variations of my backgrounds or props, giving me the freedom to produce the work exactly the way I’d like. I can also control the lighting and depth of field to match all of my other components.
Also, when I produce a series, I’m not always certain of the life a series will have. Sometimes wonderful opportunities come my way and I don’t want to be limited with what I can do with my work.
If I shoot it, I own it. It’s as simple as that. Although it’s sometimes not simple to find the things I want, and they’re often on the other side of the planet… but I do love to travel!»

Recolección / Compilation (XC)

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Isabel Chiara
(Sevilla, España / Spain)

Serie "Mujer ornamental" / Ornamental Woman Series, collage digital

"Flamencos / Flamingos", collage digital

"Vida / Life", fotomontage / photomontage
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Albert Koetsier
(Holanda / Netherlands)

"Eucalyptus L282 Color"

"Vid y zarcillo / Grapevine And Tendril L184 color"
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George Bousquet (Casajordi)
(Francia / France)

"Petit "délire" ! Monsieur le Maire, l'homme le plus important de la ville (dont il possède la clé, bien sur !!) /
¡Pequeño "delirio"! Sr. Alcalde, el hombre más importante de la ciudad (¡¡ de la cual tiene la llave, por supuesto !!) /
Small "delirious"! Mr. Mayor, the most important man in the city (of which he has the key, of course !!)"

"Sin título / Untitled"
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Anton Einsle
(Viena / Vienna, Austria, 1801 - 1871)

"Erzherzog Karl Ludwig von Österreich im Alter von 15 Jahren / a la edad de 15 años / 15 years old"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 66 × 52 cm., 1848. Wikimedia Commons
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Melissa Scott-Miller
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1959-)

"Cordelia", la hija de la artista (en 2014) / The artist's daughter (in 2014)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30". Robert Eagle Fine Art

"Palmera en / Palm tree in Knightsbridge", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 30". Robert Eagle Fine Art
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Tobias "Tobe" Kroeger
(Bremen, Alemania / Germany, 1977-)

"Medusa", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 60 x 80 cm., 2017
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Benjamin Sullivan
(Grimsby, Inglaterra / England, 1977-)

"Tríptico de todas las almas / All Souls Tritpych"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 175 x 265 cm., 2012. Website, ArtUK
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Dion Kurczek
(en / at Sarasota, Florida, EE.UU./ USA)

"Paisaje del alma / Soulscape"
Tinta acrílica y resina sobre panel / acrylic ink and resin on panel, 24" x 24". facebook
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Mark Raen

"El caballo de monta The Devil / The Devil Saddle Horse", 1963
Una foto de la Primera Guerra Mundial con soldados homenajeando a sus compañeros equinos.
El pie de foto abajo a la izquierda reza:
"650 Oficiales y Hombres Alistados del auxiliar Remount Depot, Nº 326, Camp Cody, NM
Representan la cabeza de "The Devil", caballo montado por el mayor Frank G. Brewer" /
“A photo of World War 1 soldiers paying homage to their equine partners”
The caption in the bottom left reads:
“650 Officers and Enlisted Men of auxiliary Remount Depot, No 326, Camp Cody, NM
Symbol of Head Pose of “The Devil”, Saddle Horse Ridden by Maj. Frank G. Brewer, Remount Commander
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Johan August Malmström
(Motala, Östergötland County, Suecia / Sweden, 1829 -
Estocolmo / Stockholm, 1901)

"Älvalek / Hadas danzantes / Dancing Fairies", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 900 x 1490 cm., 1866
Nationalmuseum (Estocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden). Google Art Project
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Adrienne Stein
(EE.UU./ USA, 1986-)

"La Fête Sauvage / La fiesta salvaje / The Savage Party"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 24", 2014. Colección de / Collection of Art Renewal Center
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Maxim Nikiforovich Vorobiev (Vorobyov)
Максим Никифорович Воробьёв
(Pskov, Rusia / Russia, 1787 - San Petersburgo / Saint Petersburg, 1855) 

"Дуб, раздробленный молнией. Аллегория на смерть жены художника /
Roble quebrado por un rayo. Alegoría de la muerte de la esposa del artista /
Oak fractured by a lightning. Allegory on the artist's wife death", 1842. Wikimedia Commons
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Anna Grmelovà
(República Checa / Czech Republic, 1926 - 2000)

"Desnudo / Nude"
Xilografía / wood engraving, imagen / image: 4-3/8” x 4-3/4”, folio / sheet 5-7/8” x 5½”, 1975. Link
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Louise Camille Fenne
(Copenague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark, 1972-)

"Augurio Nº2 / Augury no.2", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 55 cm., 2013

"Chica y su loro / Girl and Her Parrot", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 65 cm., 2014
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Kasia & Jacek Anyszkiewic
(Gliwice, Polonia / Poland)

"Caballito de mar / Sea Horse"

"Tortuga / Turtle"
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Sarah Lucas
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1962-)

"Autorretrato con un cráneo / Self Portrait With a Skull"
Copia digital sobre papel / digital print on paper, 73,7 x 76 cm., 1997
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)
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Hu Tung Min
胡棟民
(Taipei, Taiwan, 1967-)

"Caminando sobre la nube / Walking on the Cloud"

"Chi"
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Jesper Neergaard
(Frederiksberg, Dinamarca / Denmark, 1939-)

"La esperanza / The Hope", mármol de carrara / Carrara marble, altura / height: 15,75 cm., 1980. 1stdibs

"El caballo de Troya / The Trojan Horse"
Mármol blanco de Naxos / white Naxos marble, 40" x 40" x 18" cm., 1998
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Viggo Reinholdt Rivad
(Nørrebro, Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark, 1922 - 2016)

"La casa de Amra, Aswan, Egipto / Amra’s House, Aswan, Egypt", 1997 © Viggo Rivad
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Sophus Jacobsen
(Fredrikshald [hoy/today Halden], Noruega / Norway, 1833 -
Düsseldorf, Alemania / Germany, 1912)

"Claro de luna en la bahía / Moonlit Bay", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 127 cm. Christie's
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Legh Mulhall Kilpin
(Isla de Wight, Reino Unido / Isle of Wight, UK, 1853 - 1919)

"La puerta del infinito / Gate of the Infinite", acuarela / watercolor, 29" x 21", c.1910
Colección privada / Private Collection. Township of Langley
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Tamas Kanya
(Hungría / Hungary)

"Kavicsos kompozició / Composición con guijarros / Composition With Pebbles". facebook

"Uszadékfa művészet (A helyi ősbéka vadászat közben)". facebook

Uszadékfa kéz kavicsokkal / Madera flotante con guijarros / Driftwood with Pebbles. facebook

Land art. facebook
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Gracias por sus aportes y sugerencias a / Thank you for their contributions and suggestions to
Shirley Rebuffo, Olga Cabrinety, Esther Frías y Ana Díaz.

Aniversarios (CLXXXV) [Julio / July 1-8]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 1 de Julio es el cumple de

Anton Kolig, pintor expresionista nacido en Neutitschein, Austria-Hungría, en 1886.
Amigo de Oskar Kokoschka y Egon Schiele, Kolig expuso en 1910 con el grupo de la Secesión de Viena, donde conoció a Gustav Klimt. Anton Kolig es un pintor del desnudo masculino. Su bisexualidad era conocida y considerada escandalosa, pero a diferencia de Klimt y Schiele, parece que sólo expresó su sexualidad en su pintura.

"Sehnsucht / Ansiedad / Longing", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 191,5 x 118 cm., 1921
Museo Belvedere (Viena / Vienna, Austria)

Kolig, casado desde 1911, comenzó a trabajar con modelos en 1904. Comenzó pagando profesionales, pero más tarde, cuando abandonó Viena, usó a su familia, amigos, campesinos y sus propios alumnos. Entre los cerca de tres mil dibujos y cuatrocientas pinturas que dejó, Kolig celebra la belleza y la sensualidad del cuerpo masculino joven, pero preocupado por la investigación psicológica. En sus dibujos la cabeza del personaje está a veces ausente, y a menudo esbozada en sus lienzos. La imaginación artística de Kolig no se apega a una persona en particular sino que busca lo efímero.

"Die Gattin des Künstlers mit Blumen / La esposa del artista con flores /
The Artist’s Wife with Flowers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,5 x 61 cm., 1913
Museo Belvedere (Viena / Vienna, Austria)

"Die Familie des Künstlers / La familia del artista / The Family of the Artist"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 201 cm., 1928
Museo Belvedere (Viena / Vienna, Austria)

Kolig una vez invocó la noción de "coito espiritual" para definir el acto de "pintar y ser pintado y por extensión dibujar y ser dibujado". Durante años soñó con un taller de pintura inspirado en las logias masónicas, en el que podría enseñar y vivir con sus alumnos. Como se puede ver en el dibujo inacabado "La familia del pintor", el artista estaba menos interesado en su propio círculo familiar - él y su esposa tuvieron cinco hijos - que el que él había elegido.
Varias de sus obras se conservan en el Museo Leopold de Viena.
Murió en 1950.

"Klage / Querella / Legal Aciton", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 127 x 164 cm., 1920
Museo Belvedere (Viena / Vienna, Austria)


El 2 de Julio es el cumple de

Eduardo Zamacois y Zabala, pintor español de origen vasco nacido en 1841, especializado en lienzos de pequeña escala.
Recibió una completa educación, que incluyó clases de dibujo con un artista local llamado Joaquín Balaca (c.1820-?). Más tarde, cuando la escuela de su padre cerró, la familia se trasladó a Madrid, y en 1856 se inscribió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde estudió con Federico de Madrazo.

"Bufones jugando al Cochonnet / Jesters Playing Cochonnet", óleo sobre tabla / oil on wood, 46 x 35,6 cm., 1868
Museo de Bellas Artes (Bilbao, España / Spain)

En 1860, por recomendación de Madrazo, fue a París y asistió a las clases de Charles Gleyre en preparación para postularse a la Ècole des Beaux-Arts. Su solicitud se negó, por lo que se dirigió a los talleres de Ernest Meissonier, donde encontró una posición.
El éxito llegó rápidamente. En 1861 fue encargado de crear pinturas decorativas en los barrios del futuro rey, Alfonso XII en el Palacio Real de Madrid. Esta obra le valió una beca de la Diputación de Vizacaya, que le permitió continuar sus estudios. En 1862 y 1864 fue galardonado con medallas en la Exposición Nacional de Bellas Artes.
En 1866 se hizo amigo del pintor Marià Fortuny.

"Espadachín / Swordsman", acuarela y lápiz / watercolor and pencil, 26 x 18 cm., c.1868
Museo de Bellas Artes (Bilbao, España / Spain)

"Peregrinos bajo la lluvia / Pilgrims in the Rain", óleo sobre panel / oil on panel, 13 x 10,2 cm., 1868. Sotheby's

Hábil negociador, se esforzó por acceder a tantas exposiciones europeas como fuera posible. En 1870 le concedieron la medalla de oro en el Salón por su pintura "La educación de un príncipe". Después de una muestra en Londres, una de sus pinturas fue comprada por Charles Dickens.
La guerra franco-prusiana creó dificultades que finalmente lo obligaron a regresar a Madrid. Su llegada allí coincidió con la coronación oficial del rey Amadeo I, y asistió a las ceremonias. Fue un invierno inusualmente frío y enfermó al día siguiente. Murió repentinamente en 1871, de lo que se describió como "angina gangrenosa" (posiblemente difteria). En 1878 fue galardonado con un diploma póstumo por la Escuela de Bellas Artes y se realizó una importante retrospectiva en la Exposición Universelle. Goupil & Cie también publicó un gran volumen de fotografías de sus principales obras.

"España, 1812. La ocupación francesa / Spain 1812, French Occupation"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44,3 x 52 cm., 1866
Walters Art Museum (Baltimore, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons
Dos guerrilleros españoles luchan por deshacerse del cadáver de un dragón francés arrojándolo en un pozo. La anciana en la entrada lleva los cascos y las espadas de su víctima y de otro soldado francés que presumiblemente ha sufrido el mismo destino. Zamacois fue alumno de Jean-Louis Ernest Meissonier. Como su maestro, representó escenas de la época napoleónica, pero mostrándolas desde el punto de vista de las víctimas españolas./
Two Spanish partisans struggle to dispose of the corpse of a French dragoon by dumping it into a well. The old woman at the entrance carries the helmets and swords of their victim and of another French soldier who presumably has suffered the same fate. Zamacois was a pupil of Jean-Louis Ernest Meissonier. Like his teacher, he depicted scenes from the Napoleonic era; however, he showed them from the point of view of the Spanish victims.

Eduardo Zamacois y Zabala en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXII)]


El 3 de Julio es el cumple de

José Vento Ruiz, pintor español nacido en Valencia en 1925.

"La voz de la verdad / The Mouth of Truth", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 119 x 119 cm., 1979
Museu d'art contemporani Vicente Aguilera Cerni (MACVAC) (Vilafamés, Valencia, España / Spain)

"Oráculo / Oracle", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36 x 44 cm., 1948. Setdart

Vento cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, en Valencia, y posteriormente, gracias a una beca de la Diputación de Valencia, los amplió en Madrid. Fue cofundador del grupo Hondo junto con Juan Genovés, e impulsor de la Nueva Figuración durante la década de 1950. También fue fundador del Grupo artístico Z. De 1954 a 1960 vivió en Madrid, donde trabajó en diversas pinturas murales.

"Cabeza Lunar / Moonhead", técnica mixta sobre tablero / mixed media on panel, 1988
Colección CajaSur (España / Spain). Link

"Figura / Figure", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 38 cm. The Saleroom

Sus obras pueden verse en los Museos de Arte Contemporáneo de Madrid y Sevilla, en el de Arte Moderno de Alejandría, en el de Arte Abstracto de Cuenca y en el de Bellas Artes de Valencia.
Murió en 2005.

"Homenaje a / Tribute to Sengal"
Óleo sobre lienzo, sobre masonita / oil on canvas, on masonite, 49,5 x 69,9 cm., 1983. Rubylane


El 4 de Julio es el cumple de

David Prentice, artista y ex profesor de arte inglés nacido en Solihull en 1936. En 1964 fue uno de los cuatro miembros fundadores de la Ikon Gallery de Birmingham.

"Apogeo / Apogee", óleo sobre lienzo / oil on canvas. Malvern Gazette

Fue educado en la escuela secundaria de Arte Moseley Road, Birmingham, entre 1949 y 1952, y la Escuela de Arte de Birmingham entre 1952 y 1957. En 1957 hizo el Servicio Nacional en la artillería real, volviendo a la Escuela de Arte de Birmingham para enseñar a partir de 1959. Prentice enseñó en la Facultad de Politécnica de Birmingham entre 1971 y 1986, inicialmente a cargo del taller experimental, y fue artista visitante en Trent Polytechnic, Nottingham University, la Escuela Ruskin y el Birmingham Institute of Art and Design. Prentice realizó exposiciones individuales en la Royal Birmingham Society of Artists en 1961 y 1963, y en el mismo año fue el segundo en la exposición Four Letter Art organizada por Trevor Denning. Prentice celebró desde entonces más de cuarenta exposiciones individuales.

"Aire inglés - Contorno / English Air - Contour"Malvern Gazette

"Black Hill bajo el / below British Camp", acuarela / watercolor. Wikipedia

Fue en la exposición individual de Prentice en 1963 que su pintura "Kate y los Nenúfares" fue comprada por Angus Skene por £ 25, que Prentice entregó en la casa de Skene en Selly Oak atada a un lado de su moto Vespa. Durante la comida subsiguiente, los dos discutieron la falta de apoyo brindado a los artistas locales por las galerías existentes de Birmingham, y decidieron iniciar una nueva organización para "dinamizar la ciudad con ideas progresistas sobre el arte". Prentice reclutó a tres artistas de la Escuela de Arte - Jesse Bruton, Robert Groves y Sylvani Merilion - y en 1965 los cuatro establecieron la Ikon Gallery en un quiosco en el Bull Ring de Birmingham. Prentice dijo más tarde de los fundadores de Ikon: "Las posturas de los artistas originales eran todas muy diferentes, a veces íbamos en direcciones opuestas, pero todos éramos Brummies, todos salimos de la escuela de arte pensando 'podemos hacerlo mejor que esto'... había un elemento de querer cambiar el terreno que todos compartimos".

"Senda otoñal / Autumn Lane", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,8 x 55,9 cm., 2011. The Saleroom

Prentice había mostrado su obra en John Davies Fine Art, Moreton en Marsh Glos., Inglaterra, en ocho exposiciones individuales desde 1996 hasta 2010. Se habían realizado exposiciones individuales de su obra en la Mark Barrow Bellas Artes (www.markbarrowfineart.co.uk), Art First Londres, Anna Mei Chadwick Londres, Medici Galería Londres y Lemon Street Galley Truro Cornwall  en los años siguientes a 1994 y hasta 2008. Las exposiciones durante julio y agosto de 2011 para celebrar su 75 cumpleaños fueron en la Galería John Davies Moreton en Marsh, el número nueve la Galería Birmingham y en el Centro de Arte Monnow, en Walterstone, Herefordshire.
Murió en 2014.

"Caminante en Evening Hill / Evening Hill Walker", pastel, 23½" x 24"

David Prentice en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XI)]


El 5 de Julio es el cumple de

Sergei Alekseyevich Grigoriev (Сергей Алексеевич Григорьев), Artista del Pueblo de la Unión Soviética y miembro de la Academia de las Artes de la URSS, jugó un papel importante en la formación de la escuela de arte de la Ucrania Soviética como destacado pintor y maestro. Grigoriev se embarcó en su carrera artística a finales de la década de 1920 - principios de la de 1930. Comenzó como artista gráfico, trabajando duro como ilustrador de libros, diseñador de carteles y murales, y decorador de interiores. Gradualmente emergió como un pintor lírico.

"Приём в комсомол / Admisión al Komsomol / Admission to the Komsomol"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112 × 149 cm., 1951 
Арт-фонд семьи Филатовых / Fundación de arte de la familia Filatov / Filatov family Art Foundation

En 1933 se le pidió a Grigoriev que enseñara en el Kharkov Art Institute, primero como asistente en el taller de dibujo de Vasili Kasiyan, más tarde en el taller de pintura del profesor Krichevsky.
En 1934, cuando Kiev se convirtió en la capital de la República de Ucrania, Grigoriev aceptó un cargo de docente en el Instituto de Arte de Kiev.
En el invierno de 1940 fue llamado para el servicio militar. Al estallar la guerra en 1941 se unió al partido comunista. Durante este apenas pintó nada. En la década de 1950 se concentró en composiciones de género con múltiples figuras, construidas alrededor de temas dramáticos o de contraste. Estaba especialmente preocupado por los problemas de la educación de los niños y jóvenes, la construcción de sus personalidades y sus perspectivas sociales. Estos temas se tratan en cuadros tan conocidos como "Unirse al Komsomol", "Discusión de la Señal Fallida" y "El Retorno".

"Обсуждение двойки / Discusión de dos / Discussion of Two"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 118 × 181 cm., 1950
Арт-фонд семьи Филатовых / Fundación de arte de la familia Filatov / Filatov family Art Foundation

"Вернулся / El retorno / Returned", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 х 140 cm., 1954
Государственная Третьяковская галерея / Galería Estatal Tretyakov / Tretyakov State Gallery (Moscú, Rusia / Russia)

En 1951 recibió el premio Slate de la URSS para su cuadro "Discusión de la Señal Fallida". También en ese año se hizo Artista Popular de la República de Ucrania. Tres años más tarde fue elegido miembro asociado de la Academia de Artes de la URSS, y en 1958 se convirtió en miembro pleno.
La pintura de retratos se convirtió en una característica dominante del arte de Grigoriev en los años '60. El artista creó una serie de retratos de hombres conocidos, escritores de prosa y poetas ucranianos.
Amplias y diversas, las actividades del académico Grigoriev están inseparablemente ligadas a la vida de su pueblo, con la fe puesta en el tremendo potencial transformador del arte socialista.
Murió en 1988.

"Вратарь / Portero / Goalkeeper", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1950
Государственная Третьяковская галерея / Galería Estatal Tretyakov / Tretyakov State Gallery (Moscú, Rusia / Russia)


El 6 de Julio es el cumple de

James "Jamie" Browning Wyeth, pintor realista estadounidense nacido en 1946, hijo de Andrew Wyeth y nieto de N.C. Wyeth. Fue criado en Chadds Ford Township, Pensilvania, y es heredero artístico de la tradición de la Escuela Brandywine: pintores que trabajaron en el área rural del río Brandywine de Delaware y Pennsylvania, retratando a su gente, animales y paisajes.

"El isleño / The Islander", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1975
Colección de / Collection of Andrew and Betsy Wyeth. WikiArt

Asistió a la escuela pública durante seis años y luego, a petición suya, recibió tutoría en privado en casa, para poder concentrarse en el arte. De niño Jamie estuvo en contacto con el arte de muchas maneras: las obras de sus talentosos miembros de la familia, libros de arte, asistencia a exposiciones, reunión con coleccionistas y familiarizándose con historiadores del arte. También desarrolló un raro sentido del humor, a veces llegando a lo macabro.

"Iglesia de la isla / Island Church", acuarela / watercolor, 1969. WikiArt

"Giuliana y los girasoles / and the Sunflowers", óleo sobre panel / oil on board, 40,64 x 50,8 cm., 1987. WikiArt

"Retrato de / Portrait of Shorty", 1963. Colección de / Collection of Andrew and Betsy Wyeth. Link

El alcance artístico de Wyeth es más amplio que el de su padre y su abuelo. Destaca en el dibujo, la litografía, el aguafuerte, la tempera del huevo, la acuarela y las técnicas mixtas. Aunque basado en los temas y tradición artística de esta familia, y atado por la misma soledad de su arte, sus grandes viajes y experiencias han dado forma a un artista más desarrollado. En sus viajes a Europa estudió a los maestros flamencos y holandeses, y aprendió el intrincado y exigente proceso de litografía, produciendo una cantidad sustancial de obra gráfica.

"Cuervo / Raven", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152,4 x 182,9 cm., 1980
Colección de / Collection of Brandywine River Museum (Delaware, Pensilvania, EE.UU./ PA, USA)

Según el Brandywine River Museum, "James Wyeth se ganó la atención nacional con un retrato póstumo de John F. Kennedy y otras orbas, y después produjo impresionantes retratos de Rudolf Nureyev y Andy Warhol, cuyos estudios están en la colección del museo. Wyeth ha establecido un estilo distintivo caracterizado por imágenes potentes y fuertes contrastes en sus paisajes y retratos, conocido por sus monumentales retratos de animales, entre ellos "Retrato de un cerdo" y "Cuervo" en la colección del museo, que representan varias etapas de su estilo cambiante."

"Retrato de / Portrait of Andrew Wyeth", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61,96 x 81,28 cm., 1969
Colección privada / Private Collection. Link

Andrew Wyeth en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XXIV)], [Recolección (XXIV)]


El 7 de Julio es el cumple de

Wolfgang Robert Paalen, pintor, escultor y filósofo del arte alemán-austriaco-mexicano, nacido en Viena, Austria, en 1905.
Miembro del grupo Abstraction-Création de 1934-35, se unió al influyente movimiento surrealista en 1935 y fue uno de sus destacados exponentes hasta 1942.

"Orages Magnétiques / Tormentas magnéticas / Magnetic Storms"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 29" x 39 3/8", 1938, Weinstein Gallery

En el curso de su asociación con los surrealistas y sus intentos de transformar la escritura automática en dibujo y pintura, creó el fumage - una técnica para generar patrones evocadores con el humo y el hollín de una vela encendida. Entre 1936 y 1937 desarrolló con estas formas visionarias y efímeras sobre el lienzo, que luego pintaba en óleo, una serie de pinturas maduras que pronto le granjearon una reputación internacional. Junto con Marcel Duchamp, Man Ray y Salvador Dalí, Paalen fue uno de los responsables del diseño de la Exposición Internacional del Surrealismo de 1938 en el Palais des Beaux Arts de París.

"Les Cosmogones", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93" x 93", 1944, Weinstein Gallery

"Les étrangers / Los extranjeros / The Foreigners", 1937
Succession Wolfgang Paalen, Berlin. Wikimedia Commons

El desarrollo ulterior en la obra de Paalen continúa con la idea de un continuo biológico-evolutivo-físico-cosmológico, en el cual el organismo humano puede evolucionar y desarrollarse.
En 1938 Paalen y su esposa socializaron con Frida Kahlo durante su visita en París. Ella invitó a la pareja a México, donde Paalen quería organizar una exposición surrealista junto con Breton. En otoño de 1939 organizó la Exposición Surrealista Internacional en la Galería de Arte Mexicano junto con el poeta peruano César Moro.

"Combat des princes saturniens III / Combate de los príncipes de Saturno III / Battle of the Saturnian Princes III", 1939
Wendi Norris Gallery San Francisco © Succession Wolfgang Paalen

Durante su exilio en México, fundó su propia revista de arte contra-surrealista DYN, en la que resumió su actitud crítica hacia el subjetivismo radical y el freudo-marxismo en el surrealismo con su filosofía de la contingencia.
Los últimos años de Paalen en México se caracterizan por problemas de salud cada vez mayores, originados principalmente por su trastorno bipolar (maníaco-depresivo).
Murió en Taxco, en 1959.

"Ciel de pieuvre / Cielo pulpo / Sky Octopus", 1938. Colección privada / Private Collection
Daniel Malingue, Paris © Succession Wolfgang Paalen


Hoy, 8 de Julio, es el cumple de

Stanton MacDonald-Wright, artista moderno estadounidense nacido en Charlottesville, Virginia, en 1890. Fue cofundador del Sincromismo, un modo abstracto de pintura basado en el color, que fue el primer movimiento de arte vanguardista estadounidense en recibir atención internacional.

"Sincromía / Synchromy Nº 3", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 99,1 x 96,5 cm., 1917
Brooklyn Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

Disfrutó de una adolescencia privilegiada en Santa Mónica, California, donde su padre tenía un hotel en la playa. Artista aficionado y empresario, el padre de Macdonald-Wright animó su desarrollo artístico desde muy joven y le aseguró clases particulares de pintura.
Casado a los diecisiete años, Macdonald-Wright se trasladó a París con su esposa para sumergirse en el arte europeo y estudiar en la Sorbona, la Académie Julian, la École des Beaux-Arts y la Academia Colarossi. Él y su compañero Morgan Russell estudiaron con el pintor canadiense Percyval Tudor-Hart entre 1911 y 1913. Fueron profundamente influenciados por la teoría del color de sus profesores, que conectaba las cualidades de color con las de la música, así como con las obras de Delacroix, los Impresionistas, Cézanne y Matisse, que pusieron un gran énfasis en las yuxtaposiciones y reverberaciones de color. Durante estos años, MacDonald-Wright y Russell desarrollaron el Sincromismo (que significa "con color"), buscando liberar su forma de arte de una descripción literal del mundo, en la creencia de que la pintura era una práctica afín a la música que debería separarse de las asociaciones representacionales.

"Serie Beethoven: Forma sinfónica / Beethoven Series: Symphonic Form"
Óleo sobre panel / oil on board, 40" x 30", 1973. Peyton Wright

MacDonald-Wright colaboró ​​con Russell pintando "sincromías" abstractas y organizó exposiciones sincromistas en Munich en junio de 1913, en París en octubre de 1913 y en Nueva York en marzo de 1914. Esto estableció el sincromismo como influencia en el arte moderno, aunque los seguidores de otros artistas abstractos (principalmente los orfistas Robert y Sonia Delaunay) afirmarían más tarde que los sincromistas habían tomado prestados los principios de la abstracción del color del orfismo, un punto discutido vehementemente por Macdonald-Wright y Russell. Mientras estuvo en Europa, Macdonald-Wright conoció a Matisse, Rodin, Gertrude y Leo Stein y Thomas Hart Benton, de quien Stanton hablaba como "el hombre más talentoso que conozco". Él y Russell volvieron a los Estados Unidos esperanzados de la aclamación y del éxito financiero, e impacientes por promover su causa.
Macdonald-Wright se trasladó a Los Ángeles en 1918. En 1920, con el apoyo de Stieglitz, organizó la primera exposición de arte moderno en Los Ángeles, "La Exposición de Modernistas Americanos", en el Museo de Historia, Ciencia y Arte del Condado de Los Ángeles, mostrando sus propias sincromías abstractas a gran escala, así como obras de John Marin, Arthur Dove y Marsden Hartley.

"Sincromía de la Tierra / Earth Synchromy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 13,5", c.1925. Artnet

En 1922 se convirtió en el jefe de la Liga de Estudiantes de Arte de Los Ángeles. También se involucró en el teatro local, sirviendo como el director del gremio del teatro de Santa Mónica, así como escribiendo y dirigiendo textos, diseñando escenarios y actuando él mismo.
Fue una presencia significativa y una personalidad carismática en la escena artística de Los Angeles durante las décadas siguientes.
A principios de los años cincuenta la obra de Macdonald-Wright había caído en relativa oscuridad. Un renovado interés en el modernismo estadounidense llevó a su redescubrimiento gradual y nueva atención académica, y se realizaron varias retrospectivas.
Murió en 1973.

"Embarkación / Embarkation", óleo sobre panel / oil on panel, 122,6 x 91,8 cm., 1962. Sotheby's


Textos en inglés / English translation

On July 1 is the birthday of

Anton Kolig, Expressionist painter born in Neutitschein, Austria-Hungary, in 1886.
A friend of Oskar Kokoschka and Egon Schiele, Kolig exhibited in 1910 with the Secessionist group in Vienna where he met Gustav Klimt. Anton Kolig is a painter of the masculine nude. His bisexuality was known and considered scandalous, but unlike Klimt and Schiele, it would seem that he only expressed his sexuality in his painting.
Kolig, married since 1911, began to work with models in 1904. He began by paying professionals, but later, when he left Vienna, he used his family, friends, farm boys and his own pupils. Among about three thousand drawings and four hundred paintings that he left, Kolig celebrates the beauty and sensuality of the young male body, but concern for psychological research. In his drawings, the head of the character is sometimes absent, and often sketched in his canvases. Kolig's artistic imagination does not attach itself to a particular person but seeks the ephemeral.
Kolig once invoked the notion of "spiritual coitus" to define the act of "painting and being painted and by extension drawing and being drawn". For years he dreamed of a painting workshop inspired by Masonic lodges in which he could teach and live with his pupils. As can be seen in the unfinished drawing The Family of the Painter, the artist was less interested in his own family circle - he and his wife had five children - than the one he had chosen.
Several of his works are kept in Vienna at the Leopold Museum.
He died in 1950.

On July 2 is the birthday of

Eduardo Zamacois y Zabala, Spanish Academic painter of Basque ancestry born in 1841, who specialized in small-scale canvases.
He received a thorough education, which included drawing classes with a local artist named Joaquín Balaca (c.1820-?). Later, when his father's school closed, the family moved to Madrid and, in 1856, he was enrolled at the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, where he studied with Federico de Madrazo.
In 1860, on Madrazo's recommendation, he went to Paris and attended the classes of Charles Gleyre in preparation for applying to the Ècole des Beaux-Arts. His application there was denied, so he turned to the workshops of Ernest Meissonier, where he found a position.
Success came quickly. In 1861, he was commissioned to create decorative paintings in the quarters of the future king, Alfonso XII at the Palacio Real de Madrid. This work won him a grant from the Diputación de Vizacaya, which enabled him to continue his studies. In 1862 and 1864, he was awarded medals at the National Exhibition of Fine Arts.
In 1866, he became good friend with the painter, Marià Fortuny.
A skillful business negotiator, he strove to gain access to as many European exhibitions as possible. In 1870, he was awarded the Gold Medal at the Salon for his painting, The Education of a Prince. After a showing in London, one of his paintings was purchased by Charles Dickens.
The Franco-Prussian War created difficulties that eventually forced him to return to Madrid. His arrival there coincided with the official coronation of King Amadeus I, and he attended the ceremonies. It was an unusually cold winter and he became ill the following day. He died suddenly in 1871, of what was described as "gangrenous angina" (possibly Diphtheria). In 1878, he was awarded a posthumous diploma by the Ècole des Beaux-Arts and a major retrospective at the Exposition Universelle. Goupil & Cie also published a large volume of photographs of his major works.

On July 3 is the birthday of

José Vento Ruiz, Spanish painter born in Valencia in 1925.
Vento studied at the School of Fine Arts of San Carlos in Valencia, and later, thanks to a grant from the Diputación de Valencia, he expanded them in Madrid. He was co-founder of the Hondo group together with Juan Genovés, and promoter of the New Figuration during the 1950s. He was also the founder of the Z Artistic Group. From 1954 to 1960 he lived in Madrid, where he worked on various mural paintings.
His works can be seen in the Museums of Contemporary Art of Madrid and Seville, in the Modern Art of Alexandria, the Abstract Art of Cuenca and the Fine Arts of Valencia.
He died in 2005.

On July 4 is the birthday of

David Prentice, English artist and former art teacher born in Solihull in 1936. In 1964 he was one of the four founder members of Birmingham's Ikon Gallery.
He was educated at Moseley Road Secondary School of Art, Birmingham between 1949 and 1952, and Birmingham School of Art between 1952 and 1957. In 1957 he did National Service in the Royal Artillery, returning to the Birmingham School of Art to teach from 1959. Prentice taught at the Faculty of Birmingham Polytechnic between 1971 and 1986, initially in charge the experimental workshop, and has been a visiting artist at Trent Polytechnic, Nottingham University, the Ruskin School and the Birmingham Institute of Art and Design. Prentice held solo exhibitions at the Royal Birmingham Society of Artists in 1961 and 1963, and in the same year as the second featured in the Four Letter Art exhibition organised by Trevor Denning. Prentice held over forty solo exhibitions since.
It was at Prentice's 1963 solo exhibition that his painting Kate and the Waterlilies was bought by Angus Skene for £25, with Prentice delivering the painting to Skene's house in Selly Oak strapped to the side of his Vespa scooter. Over the subsequent meal the two discussed the lack of support provided to local artists by Birmingham's existing galleries, and decided to start a new organisation to "invigorate the city with progressive ideas about art". Prentice recruited three fellow artists from the School of Art - Jesse Bruton, Robert Groves and Sylvani Merilion - and in 1965 the four established the Ikon Gallery in a kiosk in Birmingham's Bull Ring. Prentice later said of Ikon's founders: "The stances of the original artists were all very different. Sometimes we were going in opposite directions, but we were all Brummies. We had all come out of the art school thinking 'we can do better than this' ... there was an element of wanting to shift the ground we all shared."
David Prentice had shown his work at John Davies Fine Art, Moreton in Marsh Glos. England in eight solo exhibitions up until 2010 since 1996. He had held solo exhibitions of his work at Mark Barrow Fine Art (www.markbarrowfineart.co.uk), Art First London, Anna Mei Chadwick London, Medici Gallery London and Lemon Street Galley Truro Cornwall in the years following 1994 and up to 2008. Exhibitions during July and August 2011 to celebrate his 75th birthday were at John Davies Gallery Moreton in Marsh, Number Nine the Gallery Birmingham and at Monnow Art Centre, Walterstone, Herefordshire.
He died in 2014.

On July 5 is the birthday of

Sergei Alekseyevich Grigoriev (Сергей Алексеевич Григорьев), Soviet artist born in Lugansk, Prov. Ekaterinoslav, Russian Empire, in 1910.
People’s Artist of the Soviet Union and member of the USSR Academy of Arts, has played a major role in the formation of the Soviet Ukraine school of art as an outstanding painter and teacher. Grigoriev embarked on his artistic career in the late 1920s - early 1930s. He started as a graphic artist, working hard as a book illustrator, designer of posters and murals, and interior decorator. He gradually emerged as a lyrical painter.
In 1933 Grigoriev was asked to teach at the Kharkov Art Institute, first as an assistant in the drawing workshop of Vasili Kasiyan, later in the painting workshop of Professor Krichevsky.
In 1934 when Kiev became the capital of the Ukrainian Republic, Grigoriev accepted a teaching position at the Kiev Art Institute.
In the winter of 1940 Grigoriev was called up for the military service. At the outbreak of war in 1941 he joined the Communist Party. During this time he did hardly any painting. In the 1950s Grigoriev concentrated on multifigural genre compositions built around dramatic or contrast subjects. He is especially concerned with problems of the education of children and youth, the building of their characters and social outlooks. These themes are dealt with in such well- known pictures as Joining the Komsomol, Discussion of the Failing Mark, and The Return.
In 1951 Grigoriev received the USSR Slate Price for his picture Discussion of the Failing Mark. Also in that year he was made People’s Artist of the Ukrainian Republic. Three years later, the painter was elected corresponding member of the USSR Academy of Arts, and in 1958 he became lull member of the Academy.
Portrait painting became a dominant feature of Grigoriev’s art in the 1960s. The artist created a large series of portraits of noted men of Ukrainian prose writers and poets.
Extensive and diverse, Academician’s Grigoriev’s activities are inseparably linked with the life of his people, with the faith in the tremendous transformative potential of socialist art.
He died in 1988.

On July 6 is the birthday of

James "Jamie" Browning Wyeth, American realist painter born in 1946, son of Andrew Wyeth, and grandson of N.C. Wyeth. He was raised in Chadds Ford Township, Pennsylvania, and is artistic heir to the Brandywine School tradition - painters who worked in the rural Brandywine River area of Delaware and Pennsylvania, portraying its people, animals, and landscape.
He attended public school for six years and then, at his request was privately tutored at home, so he could concentrate on art. As a boy, Jamie was exposed to art in many ways: the works of his talented family members, art books, attendance at exhibitions, meeting with collectors, and becoming acquainted with art historians. He also developed an offbeat sense of humor, sometimes veering to the macabre.
Wyeth's artistic reach is broader than his father's and grandfather's. He excels in drawing, lithography, etching, egg tempera, watercolor, and mixed media. Though grounded in this family’s artist tradition and subjects, and bound by the same solitude of his art, his wider travels and experiences have shaped a more rounded artist. In travels to Europe, he studied the Flemish and Dutch masters, and learned the intricate and exacting process of lithography, producing a substantial amount of graphic work.
According to the Brandywine River Museum, "James Wyeth had earned national attention with a posthumous portrait of John F. Kennedy and other work. Later, he produced striking portraits of Rudolf Nureyev and Andy Warhol, studies for which are in the museum's collection. Since then, Wyeth has established a distinctive style, characterized by strong images and sharp contrasts in his landscapes and portraits. He is known for his monumental animal portraits, including Portrait of Pig and Raven in the museum's collection, which represents various stages in his changing style."

On July 7 is the birthday of

Wolfgang Robert Paalen, German-Austrian-Mexican painter, sculptor and art philosopher, born in Vienna, Austria, in 1905.
A member of the Abstraction-Création group from 1934-35, he joined the influential Surrealist movement in 1935 and was one of its prominent exponents until 1942.
In the course of his association with the Surrealists and their attempts to transform automatic writing into drawing and painting, he created fumage – a technique for generating evocative patterns with the smoke and soot of a lit candle. Between 1936 and 1937 Paalen developed with these visionary-ephemeral forms on canvas, which he then mostly painted over in oil, a number of mature paintings which soon made his international reputation. Together with Marcel Duchamp, Man Ray and Salvador Dalí, Paalen was among those responsible for the design of the 1938 International Exhibition of Surrealism at the Palais des Beaux Arts in Paris
The further development in the work of Paalen continues to follow up the idea of a biological-evolutionary-physical-cosmological continuum, in which the human organism can evolve and unfold.
In 1938 Paalen and his wife socialised with Frida Kahlo during her visit in Paris. She invited the couple to Mexico, where Paalen wanted to organize a Surrealist exhibition together with Breton. In autumn 1939 he organized the International Surrealist Exhibition in the Galería de Arte Mexicano together with the Peruvian poet César Moro.
Whilst in exile in Mexico, he founded his own counter-surrealist art-magazine DYN, in which he summarized his critical attitude towards radical subjectivism and Freudo-Marxism in Surrealism with his philosophy of contingency.
Paalen´s last years in Mexico are characterized by increasing health problems, mainly originated in his bipolar (manic-depressive) disposition.
He died in Taxco, in 1959.

Today, July 8, is the birthday of

Stanton MacDonald-Wright, modern American artist born in Charlottesville, Virginia, in 1890. He was a co-founder of Synchromism, an early abstract, color-based mode of painting, which was the first American avant-garde art movement to receive international attention.
He spent a privileged adolescence in Santa Monica, California, where his father ran a seaside hotel. An amateur artist as well as a businessman, Macdonald-Wright's father encouraged his artistic development from a young age and secured him private painting lessons.
Married at the age of seventeen, Macdonald-Wright moved to Paris with his wife to immerse himself in European art and to study at the Sorbonne, the Académie Julian, the École des Beaux-Arts and the Académie Colarossi. He and fellow student Morgan Russell studied with Canadian painter Percyval Tudor-Hart between 1911 and 1913. They were deeply influenced by their teacher's color theory, which connected the qualities of color to those of music, as well as by the works of Delacroix, the Impressionists, Cézanne, and Matisse that placed a great emphasis on juxtapositions and reverberations of color. During these years MacDonald-Wright and Russell developed Synchromism (meaning "with color"), seeking to free their art form from a literal description of the world and believing that painting was a practice akin to music that should be divorced from representational associations. MacDonald-Wright collaborated with Russell in painting abstract "synchromies" and staged Synchromist exhibitions in Munich in June 1913, in Paris in October 1913, and in New York in March 1914. These established Synchromism as an influence in modern art well into the 1920s, though followers of other abstract artists (principally, the Orphists Robert and Sonia Delaunay) were later to claim that the Synchromists had merely borrowed the principles of color abstraction from Orphism, a point vehemently disputed by Macdonald-Wright and Russell. While in Europe, Macdonald-Wright met Matisse, Rodin, and Gertrude and Leo Stein, and Thomas Hart Benton, who called Stanton "the most gifted all-around fellow I ever knew". He and Russell returned to the United States hopeful of acclaim and financial success and were eager to promote their cause.
Acknowledging that he would never be able to secure a living in New York, Macdonald-Wright moved to Los Angeles in 1918. In 1920, with Stieglitz's support, he organized the first exhibition of modern art in Los Angeles, "The Exhibition of American Modernists" at the Los Angeles County Museum of History, Science, and Art, showing his own large-scale abstract synchromies as well as works by John Marin, Arthur Dove, and Marsden Hartley. In 1922, he became the head of the Los Angeles Art Students League. He also became involved in local theater, serving as the director of the Santa Monica Theater Guild as well as writing and directing plays, designing sets, and acting himself.
Macdonald-Wright was a significant presence and a charismatic personality in the Los Angeles art scene for the next several decades.
By the early 1950s, Macdonald-Wright's work had fallen into relative obscurity. A renewed interest in American modernism led to his gradual rediscovery and new scholarly attention, and he was given several retrospectives.
He died in 1973.

Aniversarios Fotografía (CLXXXV) [Julio / July 1-9]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 1 de Julio es el cumple de

Léonard Misonne, fotógrafo belga nacido en Charleroi en 1870.
Fue muy conocido durante su vida en los círculos vanguardistas de la fotografía artística. Se enfocó en el Pictorialismo y se dedicó a los efectos de artísticos particulares de la luz y estados de ánimo atmosféricos.

"La Rue, Crépuscule / La calle, crepúsculo / The Street, Twilight", 1931

Estudió griego y humanidades en el Colegio de Jesuitas de Charleroi e Ingeniería de Minas en la Universidad católica de Louvain (1834-1968), aunque nunca ejerció como ingeniero. Cuando era estudiante, se interesó por la música (piano), la pintura y desde 1891 por la fotografía, a la que se dedica de lleno a partir de 1896, uniéndose al Círculo de Lovaina de Fotografía. Viajó por Suiza, Alemania, Francia e Inglaterra.

"En la sombra / In the shadow", Gilly, Belgium, 1920s

«Le sujet n'est rien, la lumière est tout.» (El tema no es nada, la luz lo es todo) “La luz glorifica todo. Transforma y ennoblece los temas y lugares más comunes y ordinarios”, afirmó Misonne.
Utilizó un proceso de carbono similar al de Fresson. Viajó en bicicleta por toda Bélgica (ganando algunas carreras de ciclismo) donde realizó el que ha sido considerado su mejor trabajo. Al término de esta aventura regresó a Gilly, donde pasaría el resto de su vida, administrando la fortuna familiar y reimprimiendo muchas de las imágenes captadas durante este período.

"La Brise / La brisa / The Breeze", 1926

Sus efectos borrosos, con un enfoque impresionista, le valieron el apodo de "El Corot de la fotografía". Su obra es esencialmente paisajista, plasmando en sus fotografías las ciudades de Gante, Amberes y la costa Holandesa.
Misonne sufría de asma y murió en Gilly, Bélgica en 1943.

"Sin título / Untitled", c.1930


El 2 de Julio es el cumple de

Charles "Teenie" Harris, consumado fotógrafo afroamericano nacido en 1908 en Pittsburgh, Pensilvania.
A principios de los años treinta compró su primera cámara y abrió un estudio fotográfico. Trabajó por cuenta propia en la revista de noticias de Washington DC "Flash!". De 1936 a 1975 narró la vida en los barrios negros de la ciudad para el Pittsburgh Courier, uno de los periódicos negros más antiguos de Estados Unidos. Fue apodado "One Shot (Un disparo)" porque rara vez hacía posar a sus modelos para retoques. Harris tomó más de 80.000 imágenes durante su carrera. El cuerpo de su obra constituye sin duda la documentación fotográfica más grande y completa de una comunidad minoritaria en los Estados Unidos.

"Bailarines / Dancers", c. 1938-45. Carnegie International 2013 Blog

A diferencia de sus contemporáneos afroamericanos más célebres, como James Van Der Zee, conocido por retratos de estudio, o Gordon Parks, que viajó ampliamente como periodista gráfico, Harris era un fotógrafo de clase trabajadora, atado a un trabajo circunscrito a un ritmo concreto. Su obra rara vez fue vista fuera de Pittsburgh, hasta después de su muerte en 1998.

"Niño boxeador, sentado en el ring, probablemente en el Kay Boy's Club /
Little child boxer, seated in fighting ring, presumably in Kay Boys’ Club", Pittsburgh, 1945

"Chica leyendo un comic en un kiosco / Girl reading comic book in newsstand", c.1940-45. NPR

Además de sus ensayos fotográficos de la vida cotidiana en la ciudad, fotografió a muchas celebridades que visitaron Pittsburgh, como Louis Armstrong, Duke Ellington, Billy Eckstine, Lena Horne, Sarah Vaughan, Sam Cooke, Cab Calloway, Ray Charles, Charlie Parker, Muhammad Ali, Joe Louis, Eleanor Roosevelt, John F. Kennedy, Martin Luther King, Dwight Eisenhower, Richard Nixon y Dizzy Gillespie.
Harris también fotografió a legendarios jugadores de béisbol de la Liga Negra de Homestead Greys y Pittsburgh Crawfords. Harris mismo jugó al béisbol para los Crawfords cuando eran conocidos como los Crawford Colored Giants.

"Dos jovenes comen manzanas acarameladas / Two young women eat caramel apples", c.1940-45. NPR

Licenció su colección de fotografías en 1986 a un empresario local, Dennis Morgan, y posteriormente estos llamados "Grabados Morgan" se vendieron en ferias callejeras en Pittsburgh. Harris presentó una demanda en 1998 por regalías no pagadas y la devolución de su colección. Ganó el caso póstumamente. El Carnegie Museum of Art compró la colección en 2001.

"Duke Ellington al piano, con el bailarín Honey Coles y Billy Strayhorn mirando, en el Teatro Stanley /
Duke Ellington at piano, with dancer Honey Coles and Billy Strayhorn looking on, in the Stanley Theatre", c.1942-43. NPR

Duke Ellington en "El Hurgador" / in this blog[Blues & Jazz / Black & White (V)], [Blues & Jazz / Black & White (X)]


El 3 de Julio es el cumple de

Viggo Reinholdt Rivad, fotógrafo danés nacido en 1922 en Nørrebro, uno de los distritos más pobres de Copenhague.

"Trabajador danés desayunando / Danish worker eating his lunch"© Viggo Rivad

Comenzó como autodidacta en 1946. El mismo año publicó dos fotografías en la revista danesa "Focus". Parecían fotogramas tomados de una película. Una de ellas, titulada "París en Copenhague", se tomó junto a Knippelsbro en Copenhague, con el fotógrafo actuando como un modelo. Sus imágenes ostensiblemente espontáneas, frecuentemente presentadas en concursos de periódicos, eran a menudo composiciones cuidadosamente preparadas para transmitir un mensaje claro. Este enfoque era muy diferente del de la mayoría de las fotografías de aficionados de la época.
Ganó numerosas competiciones en los años '50 y '60. En la década de 1950, con sus fotografías de los barrios marginales de París y Barcelona, ​​desarrolló una reputación como el principal documentalista fotográfico humanitario de Dinamarca.

"Gregorio", Cuba, 1999 © Viggo Rivad

"Plaza Hojbro / Hojbro Square", 1983 © Viggo Rivad

Rivad desarrolló el ensayo fotográfico, una obra documental a menudo en forma de serie de fotografías. Se inspiró en las serie que había visto en libros de fotografía, Paris Match y Life, así como en la exposición "Family of Man" de 1957 en Copenhague. Su técnica a menudo consistía en comenzar con unas pocas imágenes bastante suaves que conducían a las más fuertes y emocionantes, antes de la culminación final. Con frecuencia cambiaba la secuencia cronológica, de modo que sus imágenes no eran tanto "imágenes de una historia", sino "una historia en imágenes". El enfoque de ensayo también le permitió ahondar más profundamente en un tema dado.

"Mañana en Copenhague / Copenhagen Morning"© Viggo Rivad

Fue su simpatía por los menos acomodados de la sociedad lo que le inspiró a componer ensayos como "Fru Svendsen" (1963), "Fransmanden" (1963) y "En Barberstue" (Una barbería) (1969). En contraste con los informes de la alta sociedad en los semanarios, sus ensayos mostraron que se podía contar historias sobre la gente más común de la sociedad.
Durante su carrera, Rivad produjo series fotográficas en muchos países como España, Marruecos, México, Venecia, el Sáhara, la Unión Soviética, China, Egipto, Yemen y más.
Murió en 2016.

"Et Farvel # 1/ Adiós Nº 1 / Farewell # 1", 1962 © Viggo Rivad
En 1962 Rivad creó esta serie sobre el adiós de una pareja de ancianos. La esposa viene a visitar a su marido moribundo al hospital. Ni la pareja ni Rivad sabían que el marido moriría esa misma noche. 
La serie, uno de los trabajos más conocido de Rivad, se publicó en el libro  8 Skildringer (8 Historias) en 1975./
In 1962 Rivad created this series of an old married couple’s last farewell. The wife comes to visit her dying husband at the hospital. Neither the couple nor Rivad knew that the husband would die the same night.
The series – one of Rivad’s most typical and most known works – was published in the book 8 Skildringer (8 Stories) in 1975.

Viggo Rivad en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XC)]


El 4 de Julio es el cumple de

Ferdinando Scianna, fotógrafo italiano nacido en Bagheria en 1943.

"El escultor / Sculptor Emilio Greco", Roma, Italia / Rome, Italy
© Ferdinando Scianna/Magnum Photos

En 1963 Leonardo Sciascia visita casi por azar su primera muestra fotográfica, que tiene como tema las fiestas populares, cerca del círculo cultural de Bagheria. Cuando se encuentran, nace enseguida una amistad que será fundamental para la carrera de Scianna. Sciascia participó con el prefacio y textos de su primer libro, Fiestas religiosas en Sicilia, con el que ganó el premio Nadar en 1966.
El 1967 se mudó a Milán, y un año después comenzó a colaborar como periodista gráfico y enviado especial con El Europeo, convirtiéndose enseguida en corresponsal en París. En el 1977 publica en Francia "Les Siciliens" (Denoel), con textos de Domenique Fernandez y Leonardo Sciascia, y en Italia "La villa de los monstruos", también con introducción de Leonardo Sciascia.

"El director Martin Scorsese mostrando fotos de su álbum familiar, Nueva York, EE.UU. / 
The movie director Martin Scorsese showing pictures from his family album, NY, USA"
© Ferdinando Scianna/Magnum Photos

"El escritor español / Spanish writer Manuel Vázquez Montalbán", Barcelona, España / Spain, 1994
© Ferdinando Scianna/Magnum Photos

En París escribió para Le Monde Diplomatique y La Quinzaine littéraire, y conoció a Henri Cartier-Bresson, cuyas obras lo habían influido desde joven. El gran fotógrafo lo introdujo en 1982 como primero y único fotógrafo italiano en la prestigiosa agencia fotográfica internacional, Magnum Photos, de la cual se convertirá en miembro efectivo en 1989. Mientras tanto trabó amistad y colaboró con varios escritores de éxito, entre los cuales se cuenta Manuel Vázquez Montalbán.
En el 1995 retomó los temas religiosos, publicando Viaje a Lourdes, y en el 1999 se publicaron los retratos del famoso escritor argentino Jorge Luis Borges.

"El filósofo francés / The French Philosopher Louis Pierre Althusser", París, Francia / France, 1976
© Ferdinando Scianna/Magnum Photos

Youvarou, Mali, 1993. © Ferdinando Scianna/Magnum Photos

En 2003 se publicó el libro Quelli di Bagheria, parte de un proyecto más amplio que incluye un documental y varias exposiciones, reconstrucción de la ambientación y las atmósferas de su juventud a través de una investigación en la memoria individual y colectiva. En diciembre de 2006 se presenta el calendario 2007 del Parco dei Nebrodi, con doce fotos de la actriz de Messina Maria Gracia Cucinotta.
Con su conciudadano Giuseppe Tornatore, con ocasión de su nueva película Baarìa, publica en 2009 el libro fotográfico "Baaria Bagheria".

"Estatua de Stalin desmantelada en Budapest, Hungría /
Dismantled statue of Stalin in Budapest, Hungary", c.1990. The Charnel House

El 5 de Julio es el cumple de

Kinji Shigeta, fotógrafo japonés nacido en 1887 en la ciudad de Ueda, Prefectura de Nagano, Japón.
Llegó a Seattle en 1902 con la intención de conocer a un tío al que no pudo localizar. Adoptó el nombre de Harry y comenzó a aprender inglés. Intentó varias ocupaciones, incluyendo empleado de hotel y vendedor de la ropa, antes de mudarse a St. Paul en 1903 para estudiar arte. También comenzó a hacer retoques fotográficos. Regresó brevemente a Seattle antes de trasladarse a Los Ángeles alrededor de 1910, encontrando empleo como un retocador de estudio.

"Desnudo Art Deco / Art Decó Nude"

En 1916 se casó con una compañera de trabajo, tras lo cual abrió su propio estudio y escuela en 1918 en Little Tokyo (donde Toyo Miyatake se convirtió en su estudiante). Shigeta cerró el estudio y la escuela para trabajar en Hollywood para la revista Filmland antes de mudarse a Chicago en 1924, donde trabajó en el Moffet Studio. Se unió al Fort Dearborn-Chicago Camera Club donde conoció a su futuro socio comercial, George Wright. En 1930, fundaron Shigeta-Wright, que se convirtió en uno de los estudios publicitarios más exitosos del país.

Izq./ Left: "Autorretrato / Self Portrait" - Der./ Right: Maelstrom

A lo largo de su larga carrera hizo fotografías artísticas, a veces imbuidas de un cierto sentido mágico, que era su vocación. Incorporó a menudo su arte en los encargos comerciales utilizando técnicas modernistas como fotogramas, montajes y solarizaciones.
Después del bombardeo de Pearl Harbor, se vio obligado a vender su parte del negocio, que se conoció como Wright & McKinney. Durante la guerra se le asignó una
dispensa que le permitió utilizar una cámara, y continuó trabajando en la empresa como empleado. Recuperó su participación en el negocio después de la guerra, y más tarde se retiró a Los Ángeles, donde murió de un ataque al corazón el 21 de abril de 1963.

Izq./ Left: "Marea baja / Low Tide"
Der./ Right: "Desfile de los hombres de nieve / Parade of the Snowmen"


El 6 de Julio es el cumple de

John Massey, artista canadiense de Toronto, nacido en 1950.

"Bitch's Brew", de la serie / from the series After Le Mépris, 2010

Desde los años '80 las instalaciones, esculturas y películas de Massey lo han establecido como uno de los artistas contemporáneos más prominentes de Canadá. Massey combina la fotografía convencional con la manipulación por ordenador. En sus proyectos de fotografía y video utiliza efectos minimalistas para crear obras que habitan en un punto medio entre lo representado y lo creado. Sus trabajo ha sido expuesto ampliamente expuestas y está presente en muchas colecciones privadas y públicas, incluyendo la Galería de Arte de Ontario, el Museo Stedelijk de Amsterdam, el Fondo Nacional de Arte Contemporáneo de París y la Fundación de Arte Ydessa Hendeles. En 2006 la obra de Massey fue incluida en la exposición "Más allá del cine: el arte de la proyección" en la Hamburger Bahnhof de Berlín, y en 2014 fueron incluidas en la Bienal de Montreal. Le concedieron el premio de Gershon Iskowitz por sus logros de toda una vida en 2001.

"Negro y azul / Black and Blue", de la serie / from the series After Le Mépris, 2010

"Blues", de la serie / from the series After Le Mépris, 2010

Después de Le Mépris (El desprecio), 2010
Continuando con su estudio de interiores idealizados, la serie fotográfica After Le Mépris se inspiró en la escena central de la película de Jean Luc Godard en 1963, Le Mépris (El desprecio). En esta serie, los interiores se modelan en el apartamento inacabado en Roma, donde Godard que retrata una ruptura final de la comunicación entre los dos amantes en la película. Massey construyó una maqueta del apartamento, fotografió cada una de sus nueve habitaciones, y configuró sus cuadros con motivos de la película, incluyendo sus fuertes colores primarios y una iluminación distinta.

"Cortina roja / Red Curtain", de la serie / from the series After Le Mépris, 2010

La serie ofrece un espacio blanco quebradizo con los objetos primarios coloreados que fueron ésparcidos ​​por los actores en la película. Massey ha declarado que "el apartamento era un interior realmente cargado, y estoy realmente atraído por el interior de las cosas, tanto literal como figurativamente. Es una especie de apartamento en construcción que se está deshaciendo, tanto figurativa como literalmente: el apartamento está en construcción, mientras que la relación se está desmoronando ".

"Nube nueve / Cloud Nine", de la serie / from the series After Le Mépris, 2010


El 7 de Julio es el cumple de

Trey Ratcliff, fotógrafo, artista, orador público y escritor estadounidense nacido en 1971.

"Asomando tu rostro a través del velo / Poking The Front Of Your Face Through The Veil"
Sur de la provincia de Guangxi / Southern Guangxi Province, China 
Esas hermosas colinas verdes pueden parecer suaves y afelpadas, pero ocultan una rocosidad casi imposible de ascender que tiene la consistencia de un cristal negro grueso. Lo sé porque tuve que subir una de esas torres para conseguir esta foto, lo cual fue bastante dura durante el día, pero durante el descenso en la oscuridad de la noche, fue un ejercicio desangrante./
Those lovely green hills might look soft and plush, but the fauna hides a nearly impossible-to-ascend rockiness that has the consistency of chunky black glass. I know this because I had to ascend one of those spires to get this photo, which was hard enough during the day, but during the descent in the dark of night, it was an exercise in blood loss.

Pueblos de Nueva Guinea, Parte 1 / People Of New Guinea, Part 1
Una de las tribus de las zonas montañosas de la selva alta se pinta como espíritus no-muertos para asustar a las otras tribus. Todo el mundo aquí es bastante supersticioso y una gran parte de su tiempo libre lo pasan intercambiando leyendas e historias. En la tribo pasan horas pintándose entre sí para asegurarse de que sus cuerpos espirituales son vistos desde lo más lejos posible./
One of the tribes from the high jungle mountain areas paints themselves like undead spirits to scare the other tribes away. Everyone here is quite superstitious and a lot of their free time is spend exchanging legends and stories. The tribe spends hours painting one another to make sure their spirit-bodies are seen from as far away as possible.

Publica una nueva foto cada día en su blog de viajes StuckInCustoms, de los destinos y situaciones en las que se encuentra mientras recorre el mundo. Su trabajo ha sido presentado en la BBC, ABC, FOX, CBS y NBC.
Nació ciego de un ojo y sólo ve por el izquierdo. Él lo llama "El Don".
Ratcliff estudió ciencias de la computación y matemáticas en la Universidad Metodista del Sur, graduándose en 1995.

Cinque Terre a la caída de la tarde / As Evening Falls
Es difícil decir cuál fue mi parada favorita durante nuestra gira fotográfica de 55 días por Europa, sin embargo esta zona de Italia está fácilmente en el top 10. Siempre he querido visitar este lugar, ¡así que decidimos hacer que sucediera! Hay 5 pequeñas ciudades aquí incrustadas en la costa de Italia. Puedes caminar entre las 5 o tomar un pequeño tren que conecta a todas ellas. Decidimos tomar el tren para cubrir tanto terreno como fuera posible./
It's hard to say where my favorite stop was during our 55-day photo tour in Europe. This area of Italy is easily in the top 10, though. I've always wanted to visit this place, so we decided to make it happen! There are 5 small towns here embedded into the coastline of Italy. You can hike between all 5 or take a little train that connects all of them. We decided to take the train to cover as much ground as possible.

Góndolas desde arriba / Gondolas From Above
¿Qué hay de interesante es esta foto? Sí, obviamente fue tomada con un quad, pero me parece tan hipnótica. Casi cualquier toma de arriba hacia abajo de un objeto familiar hará que su cabeza gire un poco hacia un lado y haga que su cerebro gire alrededor. ¡Creo que esta es una sensación muy agradable! /
How interesting is this photo? Yes, obviously it was taken with a quad, but I find so mesmerizing. Almost any top-down shot of a familiar object will make your head turn sideways a little bit and make your brain spin around. This is a really nice feeling, I think!

Fue pionero en el campo de la fotografía de Alto Alcance Dinámico (HDR). Originalmente fotógrafo aficionado, comenzó a explorar HDR porque le decepcionaba que las fotografías de paisajes que tomaba no aparecían como él recordaba las escenas. Después de explorar y desarrollar técnicas en el entonces relativamente oscuro método del HDR, comenzó a presentar su obra fotográfica en su blog en 2005. Su trabajo está licenciado a través de Creative Commons Noncommercial. Al principio de la carrera de Ratcliff, dos de sus fotografías de HDR fueron seleccionadas como ganadoras del 4to Concurso Anual de Fotos de la Revista Smithsonian. Las dos fotos "Fourth at Lake Austin" y "Un macaco sentado en una pared en Kuala Lumpur" cuelgan en el Smithsonian Institute.

Abrazo / Embrace
Creo que esta es la pieza favorita del todo el mundo en la edición del Burning Man de este año ¡Qué gran idea! Tomé esta foto la prinera noche, cuando una de las parejas que ayudaron en la construcción se abrazaban en la base /
This is just about everyone's favorite art piece at Burning Man this year. What a bold idea! I took this on the first night when one of the couples that helped build it was embracing down at the base.


El 8 de Julio es el cumple de

Micky Hoogendijk, actriz, presentadora, modelo y fotógrafa profesional holandesa nacida en Ámsterdam en 1970.

"Cuervo negro / Black Raven", 2016

Es una de las primeras personas en los Países Bajos que ha sido concebida mediante inseminación artificial. Fue criada por su madre en un entorno artístico internacional.
En 1990 conoció al artista Rob Scholte, con quien se casó en 1994. Seis meses después de su matrimonio, una granada explotó bajo su coche mientras conducían por Jordaan, un barrio en Ámsterdam. Rob perdió ambas piernas. Los responsables de la explosión nunca fueron identificados.
De 2000 a 2002 Hoogendijk desempeñó un papel en la telenovela holandesa Goede Tijden, Slechte Tijden, interpretando el papel de la villana Cleo de Wold, una manipuladora patológica.
En 2002 se mudó a Los Ángeles para tomar clases de método de actuación en la academia de Eric Morris. En 2004 volvió a los Países Bajos, pero regresaría a L.A. dos veces al año para clases de actuación. Durante este tiempo fue protagonista, junto con Kate Hudson, en la película Raising Helen. También trabajó con Rutger Hauer.

"Danza, blanco y negro I / Dance, B&W I", 2016

Hoogendijk ha actuado en varias series holandesas, y también prestó su cuerpo para el videojuego Killzone. En 2008 recibió el premio Mejor Actriz en una Largometraje en el Festival Internacional de Cine y Video Independiente de Nueva York por su papel en la película holandesa Blindspot.
Luego del tiempo pasado delante de las cámaras, trabajó entre bastidores como directora creativa y productora. Fundó Micky Hoogendijk Productions y comenzó como directora creativa del Supperclub. Desde 2007 el Supperclub está en Amsterdam, San Francisco, Londres, Singapur y Estambul. En 2006 comenzó la compañía de producción cinematográfica Dramatic Beat, un sitio web para jóvenes productores de cine.

"Soy un hombre / I am a Man", 2016

Hoogendijk comenzó en la fotografía en 2009. Después de la publicación de su trabajo online, recibió rápidamente ofertas profesionales. La Galería Internacional de Arte AmstelGallery expuso la obra de Hoogendijk en Ámsterdam, Los Ángeles, Washington y Estambul. La obra de Hoogendijk también se ha presentado en muestras de arte en Tokio, México y Austin.

"Modelo de perfección / Model of Perfection", 2012


Hoy, 9 de Julio, es el cumple de

Shirley Baker, fotógrafa británica nacida en Kersal, norte de Stanford, Lancashire, 1932, conocida por su fotografía y retratos callejeros en las zonas de clase trabajadora del Gran Manchester. Trabajó como escritora y fotógrafa independiente en varias revistas, libros y periódicos, y como conferenciante en fotografía. La mayor parte de sus fotografías fueron hechas por su interés personal, pero ella también realizó encargos ocasionales.

"Pareja de jóvenes / A young couple", Grange-over-Sands, 1968

"Saltando a la comba en la calle / Skipping in the Street", Manchester 1968

Baker era una de dos gemelas idénticas. Se trasladaron a Manchester cuando ella tenía dos años, y su hermana más tarde arribó a la Penrhos Girls 'School en Colwyn Bay, Gales del Norte, desde donde fueron evacuadas durante la Segunda Guerra Mundial a Chatsworth House, en Derbyshire. Baker fue a estudiar fotografía en el Manchester College of Technology, y tomó otros cursos en el Regent Street Polytechnic en Londres y el London College of Printing. Más tarde en la vida obtuvo una maestría en historia crítica y teoría de la fotografía en la Universidad de Derby en 1995.

"Un gran danés en una muestra de perros en Manchester, imitando la posición de piernas cruzadas del caballero /
A Great Dane at the Manchester Dog Show mirroring the cross-legged pose of the gentleman", Manchester, 1966. The Guardian

Baker comenzó a trabajar como fotógrafa industrial para la fábrica de tela Courtaulds antes de trabajar como freelance, como fotógrafa para otros negocios y como escritora en varias revistas, libros y periódicos, incluyendo The Guardian.
En 1960 comenzó a trabajar como conferenciante en Salford College of Art. Durante los quince años siguientes, realizó fotografías espontáneas de personas que vivían en la zona de Salford y Manchester durante una época de limpieza masiva de barrios marginales. Ella dijo que había recibido la influencia de la obra de Henri Cartier-Bresson, Robert Frank y Garry Winogrand. También trabajó como conferenciante en el Manchester Polytechnic.

"Niña con cochecito de muñeca / Little Girl with Doll Pram", Manchester, 1960's

Durante su vida fueron publicados dos libros: "Fotografía Urbana: Manchester y Salford" (1989) contiene sus imágenes de personas en Salford y Manchester en los años '60 y principios de los '70. A finales de los '90 The Lowry recibió el encargo de visitar los mismos lugares. The Lowry realizó una exposición de su obra y publicó un libro, "Calles y Espacios: Fotografía Urbana - Salford y Manchester - 1960s-2000" (2000), con sus fotografías más antiguas presentadas frente a sus nuevas fotografías, mostrando a la gente en diferentes períodos, en un paisaje urbano radicalmente alterado, aunque realizando actividades similares.
También fotografió en Japón, Nueva York y la Riviera francesa.
Murió en 2014.

"Calle de clase obrera / Working Class Street", Manchester, 1966


Textos en inglés / English translation

On July 1 is the birthday of

Léonard Misonne, Belgian photographer born in Charleroi in 1870.
He was well-known during his life in the avant-garde circles of artistic photography. He focused on Pictorialism and devoted himself to the particular artistic effects of light and atmospheric moods
He studied Greek and humanities at the Jesuit College of Charleroi and Mining Engineering at the Catholic University of Louvain (1834-1968), although he never practiced as an engineer. When he was a student, he became interested in music (piano), painting, and since 1891 in photography, which he dedicated himself fully from 1896, joining the Circle of Louvain Photography. He traveled through Switzerland, Germany, France and England.
«Le sujet n'est rien, la lumière est tout.» "The subject is nothing, the light is everything. The light glorifies everything. It transforms and ennobles common and ordinary themes and places," Misonne said.
He used a carbon process similar to that of Fresson. He traveled by bicycle all over Belgium (winning some cycling races) where he performed what has been considered his best work. At the end of this adventure returned to Gilly, where he would spend the rest of his life, administering the family fortune and reprinting many of the images captured during this period.
His blurred effects, with an impressionist approach, earned him the nickname "The Corot of Photography". His work is essentially landscapist, drawing in his photographs the cities of Ghent, Antwerp and the Dutch coast.
Misonne suffered from asthma and died in Gilly, Belgium in 1943.

On July 2 is the birthday of

Charles "Teenie" Harris, an accomplished African-American photographer born in 1908 in Pittsburgh, Pennsylvania.
Early in the 1930s he purchased his first camera and opened a photography studio. He freelanced for the Washington, D.C. news picture magazine, Flash!. From the 1936 to 1975 Harris chronicled life in the black neighborhoods of the city for the Pittsburgh Courier, one of America's oldest black newspapers. He was nicknamed "One Shot" because he rarely made his subjects sit for retakes. Harris took more than 80,000 images during his career. The body of his work constitutes arguably the largest and most complete photographic documentation of a minority community in the United States.
Unlike his more celebrated African-American contemporaries, such as James Van Der Zee, known for studio portraits, or Gordon Parks, who traveled widely as a photojournalist, Harris was a working-class photographer tethered to a job with a circumscribed beat. His work was rarely seen outside of Pittsburgh, until after his death in 1998.
In addition to his photo essays of daily life in the city, he captured many celebrities who visited Pittsburgh, e.g. Louis Armstrong, Duke Ellington, Billy Eckstine, Lena Horne, Sarah Vaughan, Sam Cooke, Cab Calloway, Ray Charles, Charlie Parker, Muhammad Ali, Joe Louis, Eleanor Roosevelt, John F. Kennedy, Martin Luther King, Dwight Eisenhower, Richard Nixon, and Dizzy Gillespie.
Harris also photographed legendary Negro League baseball players of the Homestead Grays and Pittsburgh Crawfords. Harris himself played baseball for the Crawfords when they were known as the Crawford Colored Giants.
He licensed his collection of photographs in 1986 to a local entrepreneur, Dennis Morgan, and subsequently these so-called "Morgan prints" were sold at street fairs in Pittsburgh. Harris filed a lawsuit in 1998 for unpaid royalties and the return of his collection. He won the case posthumously. Carnegie Museum of Art purchased the collection from the Harris estate in 2001.
Teenie Harris Archive, Carnegie Museum of Art http://teenie.cmoa.org/CollectionSearch.aspx

On July 3 is the birthday of

Viggo Reinholdt Rivad, Danish photographer born in 1922 in Nørrebro, one of the poorer districts in Copenhagen. 
He started as an autodidact in 1946. The same year he published two photographs in the Danish magazine "Focus". They looked like stills taken from a movie. One of them, titled "Paris in Copenhagen", was taken beside the Knippelsbro in Copenhagen, with the photographer acting as a model. His ostensibly spontaneous pictures, frequently submitted to newspaper competitions, were often carefully prearranged compositions designed to convey a clear message. This approach was very different from that of most amateur photographs at the time.
He went on to win numerous competitions in the 1950s and 1960s. In the 1950s, with his photographs of the slums of Paris and Barcelona, he developed a reputation as Denmark's leading humanitarian photographic documentarist.
Rivad developed the photographic essay, a documentary work often in the form of series of photographs. He had been inspired by the series he had seen in photo books, Paris Match and Life, as well as by the 1957 "Family of Man" exhibition in Copenhagen. His technique often consisted of starting with a few rather subdued images leading up to ever stronger and more exciting ones, before the final culmination. He would frequently change the chronological sequencing, so that his pictures were not so much "pictures of a story" as "a story in pictures". The essay approach also allowed him to delve more deeply into a given topic.
It was his sympathy for those less well-off in society which inspired him to compose essays such as "Fru Svendsen" (Mrs. Svendsen) (1963), "Franskmanden" (The Frenchman) (1963) and "En Barberstue" (A Barber's Shop) (1969). In contrast to the high-society reports in the weeklies, his essays showed that stories could be told about society's most ordinary people.
During his career, Rivad produced photographic series on many countries as Spain, Morocco, Mexico, Venice, the Sahara, the Soviet Union, China, Egypt, Yemen and more.
He died in 2016.

On July 4 is the birthday of

Ferdinando Scianna, Italian photographer born in Bagheria in 1943.
In 1963 Leonardo Sciascia visits almost by chance his first photographic exhibition, which has as its theme the popular festivals, near the cultural circle of Bagheria. When they meet, a friendship is born that will be fundamental to Scianna's career. Sciascia participated with the preface and texts of his first book, Religious Festivals in Sicily, with which he won the Nadar prize in 1966.
In 1967 he moved to Milan, and a year later he began to collaborate as a graphic journalist and special envoy with El Europeo, becoming a correspondent in Paris. In 1977 he published in France "Les Siciliens" (Denoel), with texts by Domenique Fernandez and Leonardo Sciascia, and in Italy "The Village of the Monsters", also with introduction by Leonardo Sciascia.
In Paris he wrote for Le Monde Diplomatique and La Quinzaine littéraire, and he met Henri Cartier-Bresson, whose works had influenced him since he was young. The great photographer introduced him in 1982 as the first and only Italian photographer in the prestigious international photographic agency Magnum Photos, of which he became a full member in 1989. Meanwhile, he became friends and collaborated with several successful writers, including Manuel Vázquez Montalbán.
In 1995 he returned to religious subjects, publishing Trip to Lourdes, and in 1999 the portraits of the famous Argentine writer Jorge Luis Borges were published.
In 2003 the book Quelli di Bagheria was published, part of a larger project that includes a documentary and several exhibitions, reconstruction of the atmosphere and the moods of his youth through an investigation in the individual and collective memory. In December 2006 presents the 2007 calendar of the Parco dei Nebrodi, with twelve photos of the actress of Messina Maria Gracia Cucinotta.
With his fellow Giuseppe Tornatore, on the occasion of his new film Baaria, he published in 2009 the photographic book "Baaria Bagheria".

On July 5 is the birthday of

Kinji Shigeta, Japanese photographer born in 1887 in the city of Ueda, Nagano Prefecture, Japan.
He arrived in Seattle in 1902 with the intention of meeting an uncle whom he was unable to locate. He adopted the name Harry and began to learn English. He tried various occupations, including hotel clerk and clothing salesman, before moving to St. Paul in 1903 to study art. He also began doing photographic retouching. He returned briefly to Seattle before relocating to Los Angeles around 1910, finding employment as a studio retoucher.
In 1916, he married a fellow retoucher, after which he opened his own studio and school in 1918 in Little Tokyo (where Toyo Miyatake became his student). Shigeta closed the studio and school to work in Hollywood for Filmland magazine before moving to Chicago in 1924, where he was employed at the Moffet Studio. He joined the Fort Dearborn-Chicago Camera Club where he met his future business partner, George Wright. In 1930, they founded Shigeta-Wright, which became one of the most successful advertising studios in the country.
Throughout his long career, he made art photographs, sometimes informed with a sense of magic, which was his avocation. He often incorporated his artistry into commercial assignments using modernist techniques like photograms, montages, and solarizations.
After the bombing of Pearl Harbor, he was forced to sell his share of the business, which became known as Wright & McKinney. During the war he was allotted a special dispensation that allowed him to use a camera, and he continued to work at the firm as an employee. He regained his share in the business after the war, later retiring to Los Angeles, where he died of a heart attack on April 21, 1963.

On July 6 is the birthday of

John Massey, Canadian artist from Toronto born in 1950.
Since the 1980s, Massey’s installations, sculptures, and films have established him as one of Canada’s most prominent contemporary artists. Massey combines conventional photography with computer manipulation. In his photograph and video projects he uses minimal effects to create works that inhabit a middle ground between the depicted and the created. His works are widely exhibited and are in many private and public collections, including the Art Gallery of Ontario, the Stedelijk Museum in Amsterdam, the Fonds National dâ Art Contemporain, Paris, and the Ydessa Hendeles Art Foundation. In 2006, Massey’s work was included in the exhibition "Beyond Cinema: The Art of Projection" at the Hamburger Bahnhof in Berlin. In 2014, his works were included in the Montreal Biennale. He was awarded the Gershon Iskowitz Award for lifetime achievement in 2001.
After Le Mépris (2010) 
Continuing his study of idealized interiors, the After Le Mépris photograph series was inspired by the central scene in Jean Luc Godard's 1963 film, Le Mépris. In this series, the interiors are modelled on the unfinished apartment in Rome where Godard which portrays a final breakdown of communication between the two lovers in the film. Massey built a scale model of the apartment, shot each of its nine rooms, and configured his pictures with motifs from the film, including its strong primary colours and distinct lighting. The series features a crisp white space with primary colored objects that were scattered by the actors in the film. Massey has stated that, "the apartment was a really loaded interior, and I'm really drawn to the inside of things, both literally and figuratively. It's sort of an apartment in the making that's becoming unmade, both figuratively and literally — the apartment is under construction, while the relationship is falling apart."

On July 7 is the birthday of

Trey Ratcliff, American photographer, artist, public speaker and writer born in 1971.
He posts a new photo each day on his travel blog StuckInCustoms of the destinations and situations he finds himself in as he travels the world. His work has been featured on the BBC, ABC, FOX, CBS, and NBC.
He was born blind in one eye and still only see out of his left. He call it “The Gift.”
Ratcliff studied computer science and mathematics at Southern Methodist University graduating in 1995. He pioneered the field of High Dynamic Range (HDR) photography. Originally a hobbyist photographer, he started exploring HDR because he was disappointed that the landscape photographs he had taken did not appear as he remembered the scenes. After exploring and developing techniques in the then relatively obscure HDR method, he began featuring his photographic work on his blog in 2005. His photographic work is licensed through Creative Commons Noncommercial. Early in Ratcliff’s career, two of his HDR photographs were selected as winners of the Smithsonian Magazine’s 4th Annual Photo Contest., The two photos “Fourth at Lake Austin” and “A macaque monkey sits on a wall in Kuala Lumpur” hang in the Smithsonian Institute.

On July 8 is the birthday of

Micky Hoogendijk, Dutch actress, presenter, model and professional photographer, born in Amsterdam in 1970.
She is one of the first people in the Netherlands to be conceived via artificial insemination. She was raised by her mother in an international art environment.
In 1990 she met artist Rob Scholte. Rob Scholte and Micky Hoogendijk married in 1994. Six months after their marriage, a grenade exploded under their car while they were driving through the Jordaan, a neighborhood in Amsterdam. Rob lost both legs.
From 2000-2002 Hoogendijk played a role in the Dutch soap opera Goede Tijden, Slechte Tijden. She played the part of villainous Cleo de Wold, a pathological manipulator.
In 2002 she moved to Los Angeles for lessons in method acting at the academy of Eric Morris. In 2004 she came back to the Netherlands, but would return to L.A. twice a year for acting classes. During this time, she starred with Kate Hudson in the movie, Raising Helen. She also worked with Rutger Hauer.
Hoogendijk has acted in several Dutch series, and also lent her body for the video game Killzone. In 2008 she received the award Best Actress in a Feature Film at the New York International Independent Film & Video Festival for her role in the Dutch movie Blindspot.
After spending time in front of the camera, she worked behind the scenes as creative director and producer. She founded Micky Hoogendijk Productions and started as creative director of the Supperclub. Since 2007 the Supperclub is in Amsterdam, San Francisco, London, Singapore and Istanbul. In 2006 she started film production company Dramatic Beat, a website for young film producers.
Hoogendijk began her photography in 2009. After publishing her work for review online, she quickly received professional offers. International Art Gallery AmstelGallery showed Hoogendijk’s work in Amsterdam, Los Angeles, Washington and Istanbul. Hoogendijk's work has also been featured in art shows in Tokyo, Mexico and Austin.

Today, July 9, is the birthday of

Shirley Baker, British photographer born in Kersal, north Stanford, Lancashire, 1932, best known for her street photography and street portraits in working class areas of Greater Manchester. She worked as a freelance writer and photographer on various magazines, books and newspapers, and as a lecturer on photography. Most of her photography was made for her personal interest but she undertook occasional commissions.
Baker was one of identical twins. They moved to Manchester when she was two, and her sister later boarded at Penrhos Girls' School in Colwyn Bay, North Wales, from where they were evacuated during the second world war to Chatsworth House, in Derbyshire. Baker went on to study photography at Manchester College of Technology, and took other courses at Regent Street Polytechnic in London and the London College of Printing. Later in life she gained an MA in critical history and the theory of photography at the University of Derby in 1995.
Baker started working as an industrial photographer for fabric manufacturers Courtaulds before working freelance, as a photographer for other businesses and as a writer and photographer on various magazines, books and newspapers, including The Guardian.
In 1960 she began work as a lecturer at Salford College of Art. Whilst there, for the next fifteen years, she made candid, unposed, spontaneous photographs of people living in the area in Salford and Manchester during a time of massive slum clearance. She has said she was influenced by the work of Henri Cartier-Bresson, Robert Frank and Garry Winogrand. She also worked as a lecturer at Manchester Polytechnic. 
Baker had two books of her photographs published during her lifetime. Street Photographs: Manchester and Salford (1989) contains her photographs of people in Salford and Manchester in the 1960s and early 1970s. In the late 1990s she was commissioned by The Lowry to revisit the same places. The Lowry held an exhibition of her work and published a book, Streets and Spaces: Urban Photography - Salford and Manchester - 1960s-2000 (2000), with her older photographs juxtaposed against her new photographs, showing people in different periods, in a radically altered urban landscape, yet involved in similar activities.
She also photographed in Japan, New York and the French Riviera.
She died in 2014.

Joshua Abarbanel [Escultura]

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Joshua Abarbanel


Joshua Abarbanel es un artista británico nacido en Manchester, Inglaterra, en 1966, que examina la creación y la impermanencia, usando regularmente formas y patrones evocadores de estructuras biológicas, botánicas, geológicas y mecánicas. Al encontrar inspiración en los fractales, las formaciones acrecentadoras y la secuencia de Fibonacci, la obra de Abarbanel está impregnada de paradojas: entre lo hecho y lo desarrollado naturalmente, la vida y la muerte, las perspectivas microscópicas y aéreas. Sus esculturas y otros proyectos son metáforas visuales para las relaciones arquetípicas entre las personas, los individuos y las comunidades, y entre la humanidad y el planeta, y también ilustran cómo las partes dispares pueden unirse para formar un todo de maneras hermosas y sorprendentes.

"Arrecife 10 / Reef 10", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 4' x 5' x 4", 2016
Encargo del hotel Cuatro Estaciones / Hotel commission, Four Seasons, Abu Dhabi.

"Arrecife 10 (detalle) / Reef 10 (detail)"

«Mis recuerdos de estar interesado en la ciencia se remontan a la química de octavo grado. Recuerdo que nuestro profesor golpeó en una mesa de granito y dijo que eso eran átomos en movimiento, y en verdad no escuché una palabra más de lo que dijo durante unas dos semanas. Es el tipo de misterios que han impulsado el trabajo, esos misterios a tu alrededor que esperan ser vistos.
De niño tenía una Enciclopedia Británica con unas 20 láminas del cuerpo humano con capas de hojas de acetato. Primero veías la imágen de un hombre desnudo y estaba la piel, luego levantabas el acetato y veías los músculos, luego otra capa de acetato y veías los órganos, y así ibas más y más profundo.
Me atrapó la idea de tratar de ver lo que no se ve. No tengo formación en ciencia en términos formales. De alguna manera es mirarlo como poesía en lugar de fórmulas.»

"Arrecife 08 / Reef 08", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 41" x 31", 2015
Colección privada, Santa Mónica, California / Private collection, Santa Monica CA

"Mini Arrecife 04 / Mini Reef 04", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 24" x 50", 2015
Colección privada, Montecito, California / Private collection, Montecito, CA

"Flujo 03 / Flow 03", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 22" x 22", 2015
Colección privada, Saratoga, California / Private Collection, Saratoga, CA

«Puedo crear formas iniciales y diseñarlas en el ordenador y luego ensamblarlas manualmente de manera que parezca orgánico, pero realmente se produjo gracias a tener acceso a esta nueva herramienta.
Las piezas más grandes en la pared fueron cortadas con una máquina CNC.»

"Arrecife 11 / Reef 11", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 48" x 62" x 1,75", 2016
Clolección privada / Private collection, Florida

Izq./ Left: "Arrecife 06 / Reef 06", maderas varias / mixed wood, 24" x 24" x 5", 2014
Colección privada, Burlingame, California / Private Collection, Burlingame, CA
Der./ Right: "Arrecife 01 / Reef 01", maderas varias / mixed wood, 60" x 36" x 5", 2014

"Arrecife 01 (detalle) / Reef 01 (detail)"

«Al principio realmente no pensaba que las computadoras me iban a dar algo y a tener un impacto tangible en mi trabajo.
Lo interesante fue que cuando salí de la escuela en 1993, el mundo se estaba volviendo hiper-digital y aunque había estudiado cerámica, los trabajos relacionados con la enseñanza iban sobre enseñar en formato digital. Ahora enseño medios digitales durante todo el día (en el Harbor College de Los Ángeles). Es algo que dije que nunca haría.
Este es un largo círculo para regresar ahora a la escultura, pero hacerlo con un proceso híbrido. Finalmente siento que estoy insuflando cierto nivel de humanidad o cualidad orgánica en la que lo digital no es abrumador en el resultado final. (...) Estoy muy interesado en el concepto japonés de wabi sabi, de la belleza en la imperfección.
Si piensas que la humanidad es un campo de flores silvestres, todos queremos ser perfectos, pero cuando vas y miras cerca cada uno tiene un par de pétalos que están desardenados y creo que eso es una cualidad importante que incorporar a la obra, encontrando el wabi sabi

"Mo-Flow 03", madera teñida / stained wood, 41" x 21", 2015

"Campo de semillas 02 / Seed Field 02", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 3’ x 3’, 2017

"Sus construcciones se asemejan a la perfección fractal del liquen, del musgo, de los percebes, de los lechos de flores y de la corteza nudosa de la madera de la cual han sido extraidas. Las obras más recientes llamadas "Cáscaras" se parecen a cascos, geodas, armadillos cubiertos de flores, antiguas naves parcialmente desenterradas... y se colocan en equilibrio, e iluminadas desde el interior. (...) La ilusión actuante en las piezas de Abarbanel es el pulso entre lo hecho y lo desarrollado naturalmente, más que entre el plano y el espacio."

"Cáscara 02 / Hull 02", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 12,5" x 25" x 23", 2016

Joshua con / with
"Arrecife T1 / Reef T1", maderas varias / mixed wood, 36" x 36" x 7", 2014

Joshua Abarbanel is a British artist born in Manchester, England in 1966, who examines creation and impermanence, regularly using forms and patterns evocative of biological, botanical, geological, and mechanical structures. Finding inspiration in fractals, accretive formations, and the Fibonacci sequence, Abarbanel's work is suffused with paradox: between the made and the grown, life and death, and microscopic and aerial perspectives. His sculptures and other projects are visual metaphors for archetypal relationships between people, between individuals and communities, and between humankind and the planet, and also illustrate how disparate parts can come together to make a whole in beautiful and startling ways. 

"MegaArrecife 01 / MegaReef 01", madera teñida / stained wood, 10' x 18' x 11", 2014
Colección privada, Malibú, California / Private Collection, Malibu, CA

"Flujo 02 / Flow 02", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 14 1/2" x 14 1/2", 2015
Clolección privada, Los Ángeles, California / Private collection, LA, CA

«My memory of being interested in science dates back to 8th grade chemistry. I remember our teacher rapped on a granite table and said these were atoms in motion and I didn’t really hear another word he said for about two weeks. It’s those kinds of mysteries that have driven the work; those mysteries all around you that are waiting to be seen.
Then as a kid we had an Encyclopedia Britannica with probably 20 plates of the human body with layers of acetate sheets over them and you would first see the image of a naked man and you would see the skin and then you’d peel away that acetate and then you’d see the muscles and then you’d peel another layer of acetate and see the organs and then you’d dive deeper and deeper.
I’ve been transfixed with the idea of trying to see the unseen. In terms of formal training in science I don’t have that so in a way it’s like looking it as poetry instead of as formulas.»

"Arrecife 09 / Reef 09", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 26" x 40", 2015
Colección privada, Pacific Palisades, California / Private collection, Pacific Palisades, CA

«I can create initial shapes and design them on the computer and then by hand put them all together in way that feels organic but really came about through having access to that new tool.
The larger pieces on the large wall were cut with a CNC machine.»

"Arrecife 03 / Reef 03", maderas varias / mixed wood, 50" x 72" x 5", 2014

Izq./ Left: "Arrecife en blanco sobre negro / White on Black Reef"
Der./ Right: "Arrecife en negro sobre blanco / Black in White Reef"
Ambos / both: maderas varias / mixed wood, 60" x 36" x 5", 2014
Colección privada, Malibú, California / Private Collection, Malibu, CA

"Arrecife 02 / Reef 02", maderas varias / mixed wood, 84" x 60" x 5", 2014
Colección privada, Los Ángeles, California / Private Collection, Los Angeles, CA

«Initially I really didn’t think computers were going to bring anything to me and have a tangible impact on my work.
What was interesting is when I got out of school in 1993 the world was becoming hyper-digital and though I’d studied ceramics the teaching jobs were all about teaching digital. Now I teach digital media all day long (at LA Harbor College); it’s something I’d said I wouldn’t do.
This is a long circle to come back to now making sculpture but doing it with a hybrid process; I finally feel I’m breathing some level of humanity or organic kind of quality into it so the digital isn’t overwhelming the end result. (...) I’m very interested in the Japanese concept of wabi sabi, of beauty in imperfection.
If you think of humanity is a field of wild flowers, we all want to be perfect but when you go up and look close each one has a couple petals that are out of order and I think that’s an important quality to bring into the work, finding the wabi sabi.»

"Arrecife 02 (detalle) / Reef 02 (detail)"

"Mo-Flow 01", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 36" x 35", 2015
Colección privada, San Marino, California / Private collection, San Marino, CA

"His constructions resemble the fractal perfection of lichen, moss, barnacles, flower beds and the knotty, gnarly bark of the wood from which they are culled. Newer works called Hulls resemble helmets, geodes, armadillos covered in flowers, partly unearthed ancient vessels… and are set down with balanced poise and illuminated from within. (...) the illusion at work in Abarbanel’s pieces is the push and pull between the made and the grown, rather than between the flat and the spatial."

"Campo de semillas 05 / Seed Field 05", madera teñida y sin teñir / stained and unstained wood, 2’ x 2’. 2017

"Arrecife 04 / Reef 04", maderas varias / mixed wood, 5' x 8' x 8", 2014
Colección privada, Playa Pebble, California. Instalada en la galería Hinge Parallel /
Private Collection, Pebble Beach, CA. Installed at Hinge Parallel Gallery
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Además de sus obras en madera e imágenes digitales, Joshua ha realizado otros proyectos artísticos de naturaleza bien distinta. Un ejemplo lo podemos ver en el apartado "Ártico" en su sitio web. Joshua lo explica así:
«En octubre de 2015 participé en The Arctic Circle, una residencia de artistas expedicionarios a bordo de una goleta. Con otros veinticinco artistas y una pequeña tripulación, navegamos por más de dos semanas alrededor del archipiélago internacional de Svalbard, diez grados al sur del Polo Norte, para experimentar esta región inigualable, hacer investigaciones para futuros emprendimientos artísticos y hacer arte en Situ Actualmente estoy creando una nueva obra (que incluye fotografías, video, sonido y escultura) inspirado por mis experiencias en el Ártico.»

"Bote de hielo con Antigua / Ice Boat With Antigua"

In addition to his works on wood and digital images, Joshua has done other artistic projects of a very different nature. You can see an example in the section "Arctic" in his website. Joshua explains it this way:
«In October 2015 I participated in The Arctic Circle, an expeditionary artists residency aboard a Barquentine Tall Ship. With twenty-five other artists and a small crew, we sailed for more than two weeks around the international archipelago of Svalbard, ten degrees south of the North Pole, to experience this unparalleled region, do research for future artistic endeavors, and make art in situ. Presently I am in creating a new body of work—including photographs, video, sound, and sculpture—inspired by my experiences in the Arctic.»
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Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista para el documental "Golem" / Interview for Golem documentary, 9/2016, Arte TV
* L.A. Designer: Josh Abarbanel en "Viendo la vida" / on “Seeing Life”
Entrevista de / Interview by Frances Anderton, 7/2014, KCRW
* Reseña / Review: "J.A. & China Adams: Seismic | Formations"
Porch Gallery, Ojai, 04-05, 2016. Fabrik

Más sobre Joshua en / More about Joshua in: Website, facebook, Instagram

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Joshua!)
Gracias también a Shirley Rebuffo por el hallazgo y sugerencia.
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Joshua!)
Thanks also to Shirley Rebuffo for the finding and suggestion.

Asonancias / Assonances (XI)

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Nuevo post con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado estos siempre interesantes paralelismos.
Información sobre los artistas aún no publicados en el blog, al final del post.

New post with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in these always interesting parallels.
Information about aritists not yet featured in the blog, at the end of this post.
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William Neal
Emerson, Lake & Palmer - "Tarkus"

Tarkus es el segundo álbum de estudio de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer, lanzado en junio de 1971 en Island Records. Después de su gira europea de 1970, el grupo regresó a Advision Studios en enero de 1971 para preparar material para un nuevo álbum. El primer lado es "Tarkus" de siete partes, con una colección de pistas más cortas en el lado dos.
Tarkus fue a número uno en la lista de los álbumes británicos y alcanzó el número 9 en los Estados Unidos.
La obra de arte para la portada fue encargada al pintor y diseñador gráfico William Neal:
"El armadillo era simplemente un garabato creado a partir de una fusión de ideas mientras trabajaba en el álbum de Rare Bird "As Your Mind Flies By". Yo había producido un cinturón de armas compuesto de teclas de piano, que de alguna manera tenía que ver con el armamento de la Primera Guerra mundial. A nadie le gustó la idea, pero el pequeño armadillo quedó en el bloc de diseños. Más tarde se nos pidió que presentáramos ideas a Emerson, Lake & Palmer para su segundo álbum. David Herbet y yo pusimos orugas de tanque al amiguito ... aunque aún era básicamente un garabato. Sin embargo Keith Emerson lo vio y le encantó la idea, así que lo desarrollamos más ... Después de escuchar la sustancia de Tarkus en el acetato, desarrollé las ideas junto con Keith y Greg, y pinté también todas las otras criaturas."


Tarkus is the second studio album by the English progressive rock band Emerson, Lake & Palmer, released in June 1971 on Island Records. Following their 1970 European tour, the group returned to Advision Studios in January 1971 to prepare material for a new album. The first side is the seven-part "Tarkus", with a collection of shorter tracks on side two.
Tarkus went to number one in the UK Albums Chart and peaked at number 9 in the US.
The cover artwork was commissioned from the painter and graphic designer William Neal.
"[T]he armadillo was simply a doodle created from a fusion of ideas while working on the Rare Bird album As Your Mind Flies By. I had produced a gun belt made up of piano keys, which somehow led to WW1 armoury; nobody liked the idea, but the little armadillo remained on the layout pad. Later on we were asked to submit ideas to E.L.P. for their second album. David Herbet and I put tank tracks on the little fellow ... yet it was still basically a doodle. However, Keith Emerson spotted it and loved the idea, so we developed him further ... After hearing the substance of Tarkus on the acetate I developed the ideas along with Keith and Greg, and painted all the other creatures too. Wikipedia


Emerson, Lake & Palmer en "El Hurgador" / in this blog[H.R.Giger (Pintura, Escultura, Diseño, Cine)]

Recientemente descubrí esta versión tridimensional metálica del armadillo de Tarkus, obra del artista Vadim Kolesnik.
I recently discovered this metal three-dimensional version of the Tarkus armadillo, a Vadim Kolesnik artwork.

Vadim Kolesnik (Вадим Колесник)
"броненосец / Armadillo Tarkus", metal lacado / varnished metal

"броненосец / Armadillo Tarkus", metal lacado / varnished metal


"броненосец / Armadillo Tarkus", metal lacado / varnished metal
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Richard Burbridge
10 Magazine, Otoño-Invierno / Autumn-Winter, 2010
Peinado / Hair: Duffy for TommyGuns, NY, at Tim Howard Management
Maquillaje / Make-Up: Francelle for Nars Cosmetics at Art+Commerce
Modelo / Model: Guinevere van Seenus at IMG
Retoque / Retouching: Viennapaint - Producción / Production: Etta Meyer at Art+Commerce

Tim Walker
Karen Elson fotografiada por / photographed by Tim Walker. VOGUE, Feb., 1999. Vogue Archive

Tim Walker en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (II)]
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Diane Arbus
"Sin título / Untitled", 1970-71

Diane Arbus en "El Hurgador" / in this blog:

Richard Kalvar
Warsop Vale, Inglaterra / England, 1974

Richard Kalvar en "El Hurgador" / in this blog[Sucedió en el museo (IV)]
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Manuel Álvarez Bravo
"La hija de los danzantes / The Daughter of the Dancers", 1934. Artsy

Manuel Álvarez Bravo en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (LVI)]

André Kertész
"Circo / Circus", 1967. Lempertz

André Kertész en "El Hurgador" / in this blog:
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Michael Kenna
"Diez árboles / Ten Trees", Peterhof, Rusia / Russia, 1999, Bee. Honey Bee

Michael Kenna en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (LVI)]

Josef Hoflehner
"Estudio 23 - San Petersburgo, Rusia / Study 23 - St. Petersburg, Russia", 2010
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Póster soviético original de la película / Original Soviet Movie Poster

Unos días de la vida de I.I. Oblomov (en ruso: Несколько дней из жизни И. И. Обломова, transliteración: Neskolko dney iz zhizni I.I. Oblomov) es una película soviética de comedia / drama dirigida por Nikita Mikhalkov. Fue lanzada por Mosfilm en 1980. El argumento de la película se basa en la novela Oblomov (ruso: Обломов), escrita por Ivan Goncharov, que cuenta la historia de Ilya Ilyich Oblomov, un noble de mediana edad que vive en San Petersburgo del siglo XIX. Este personaje central ejemplifica el concepto de hombre superfluo que se encuentra en la literatura rusa del siglo XIX. Wikipedia (English)

Oleg Pavlovich Tabakov (Олег Павлович Табаков)
como Oblomov en un fotograma de la película / as Oblomov, in a still of the movie

A Few Days from the Life of I.I. Oblomov (Russian: Несколько дней из жизни И. И. Обломова, translit. Neskolko dney iz zhizni I.I. Oblomov) is a Soviet comedy/drama film directed by Nikita Mikhalkov. It was released by Mosfilm in 1980. The film's plot is based on the novel Oblomov (Russian: Обломов), written by Ivan Goncharov, which tells the story of Ilya Ilyich Oblomov, a middle-aged nobleman living in 19th century Saint Petersburg. This central character exemplifies the superfluous man concept found in 19th century Russian literature. Wikipedia

Theodore Frank / Franken
"Caballero reclinado en un sofá / Gentleman Reclinin' on a Sofa", óleo sobre lienzo / oil on canvas. Colección privada / Private Collection

Theodore Frank en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XXXV)]
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Izq./ Left: Lothar Schmid - "Pestañas / Lashes", 1982
Der./ Right: Richard Burbridge - "Jacquetta Wheeler", Vogue Italia, Sept., 2006
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Izq./ LeftVladimir Klavijo-Telepnev (Владимир Клавихо-Телепнев)
de la serie "Sensualidad" / from the series "Sensuality"
Der./ RightAlfred Cheney Johnston - "Grace Moore", 1920's
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Katsushika Hokusai (葛飾北斎)
Ejiri en la provincia de Surunga, de la serie 36 vistas del Monte Fuji /
Ejiri in Suruga Province (Sunshu Ejiri), from the series Thirty-six Views of Mount Fuji (Fugaku sanjurokkei)"
Ukiyo-e, c.1830-32

Katsushika Hokusai en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XLI)], [Rinocerontes (LXXII)], [Recolección (LXXXIX)]

Jeffrey "Jeff" Wall
"Una súbita ráfaga de viento / A Sudden Gust of Wind", 1993

Jeff Wall en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (XC)]
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Izq./ Left: Saul Leiter - "Sin título / Untitled", 1950
Der./ Right: Josef Koudelka - España / Spain, 1971

Saul Leiter en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CLIII)]
Josef Koudelka en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (LII)]
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Anton Corbijn - "Herbert Grönemeyer"

Arthur Tress
"Prisionera / Woman Prisoner", Nueva York / NY, 1974

Arthur Tress en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios Fotografía (CLI)]
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Otros posts de esta serie / Other posts of this series:




Los artistas / The Artists

William Neal (nacido en 1947) es un pintor inglés y diseñador gráfico que logró reconocimiento internacional después de trabajar para el grupo de rock progresivo inglés Emerson, Lake & Palmer. Durante los últimos 10 años, junto con su obra de acuarela, William ha producido una serie de grandes pinturas abstractas complementadas con composiciones musicales escritas especialmente para las obras suyas y de otros colaboradores. Se realizaron exitosas muestras conteniendo estas series de pinturas en el centro de artes de Gracefield en Dumfries en 2007, y en Mill on the Fleet in Gatehouse of Fleet en 2009. Wikipedia (English)

William Neal (born 1947), is an English artist painter and graphic designer who achieved international recognition after working for the English progressive rock band Emerson, Lake & Palmer. During the last 10 years, and alongside his watercolour work, William has produced a series of large abstract paintings complemented by musical compositions written specially for the works by himself and other collaborators. Successful shows featuring these series of paintings were held in the Gracefield Arts Centre in Dumfries in 2007, and the Mill on the Fleet in Gatehouse of Fleet in 2009.

A sus 44 años, el artista de Odessa Vadim Kolesnik, es un escultor inusual. Los restos de metal en sus manos cobran nueva vida, en forma de originales figuras. Toda la familia Kolesnikov ha estado trabajando durante 10 años en estas piezas hechas a mano. Su hija, su madre y su esposa Elena tejen brazaletes de cuentas, crean muñecas, imanes y souvenirs con los símbolos de Odessa en piezas de mármol. 
"Una vez en el Internet me encontré con un artículo sobre un artista australiano que creaba obras maestras con piezas de repuesto, - dice Vadim. - Así que decidí tratar de crear algo similar." Vadim convierte tuercas, tornillos y cadenas oxidadas de bicicletas en extraños caracoles, escorpiones, gatos, peces, aves, caballos y arañas. Website

44-year-old Odessite Vadim Kolesnik is an unusual sculptor. Waste from scrap metal in his hands get a new life, in the form of original figures. The whole family Kolesnikov for ten years working on hand-made articles. The daughter, mother and wife Elena weave bracelets from beads, create dolls-motanki, magnets and souvenirs with the symbols of Odessa on pieces of marble. 
"Once on the Internet, I caught an eye on an article about an Australian artist who created masterpieces from auto parts, - says Vadim. - So I decided to try to create something like that." He turns nuts, screws and rusty bicycle chains into bizarre snails, scorpions, cats, fish, birds, horses and spiders. Website

Richard Burbridge es técnicamente uno de los 5 mejores fotógrafos de moda en el mercado. La fotografía ambiciosa de este británico explora las propiedades alquímicas del medio. Transformando sus temas de moda, retrato, belleza y fotografía de naturaleza muerta, Burbridge subvierte lo esperado. Con sede en Nueva York durante veinte años, su trabajo abarca moda, belleza, retrato y naturaleza muerta, y se publica regularmente en Vogue Italia, Dazed & Confused y The New Yorker. Sus clientes de publicidad incluyen Tom Ford, Chanel y Cartier. Art and Commerce

Richard Burbridge is technically one of the top 5 fashion photographer on the market. The UK native’s ambitious photography explores the alchemical properties of the medium. Transforming his subjects fashion, portraiture, beauty and still life photography, Burbridge subverts the expected. Based in New York for twenty years, his work covers fashion, beauty, portraiture and still life, and is regularly published in Italian Vogue, Dazed & Confused and The New Yorker. His advertising clients include Tom Ford, Chanel and Cartier. Art and Commerce

Timothy "Tim" Walker es un fotógrafo de moda británico nacido en 1970, que regularmente fotografía para las revistas Vogue, W y Love.
Después de graduarse en 1994, Walker trabajó como asistente de fotografía independiente en Londres antes de trasladarse a Nueva York como asistente de tiempo completo de Richard Avedon. Al regresar a Inglaterra, inicialmente se concentró en el trabajo de retratos y documentales para periódicos del Reino Unido. A los 25 años, fotografió su primera historia de moda para Vogue.
Walker organizó su primera gran exposición en el Design Museum de Londres en 2008. Esto coincidió con el lanzamiento de su libro Pictures publicado por teNeues.
En 2010 el primer cortometraje de Walker, The Lost Explorer (BBC Films, 2010) se estrenó en el Festival de Locarno en Suiza.
Walker's Story Teller fue exhibido en Somerset House en 2012 y publicado como libro de Thames and Hudson, diseñado por Ruth Ansel.
En 2013 el museo de Bowes en Durham exhibió las fotografías de Walker, en una muestra comisariada por Greville Worthington, de la obra más allá de las páginas de Vogue y Vanity Fair.
Walker vive en Londres. Wikipedia

Timothy "Tim" Walker is a British fashion photographer born in 1970, who regularly shoots for Vogue, W and Love magazines.
After graduating in 1994, Walker worked as a freelance photography assistant in London before moving to New York City as a full time assistant to Richard Avedon. On returning to England, he initially concentrated on portrait and documentary work for UK newspapers. At the age of 25, he shot his first fashion story for Vogue.
Walker staged his first major exhibition at the Design Museum, London in 2008. This coincided with the release of his book Pictures published by teNeues.
In 2010 Walker's first short film, The Lost Explorer (BBC Films, 2010) was premiered at Locarno Film Festival in Switzerland.
Walker's Story Teller was exhibited at Somerset House in 2012 and published as a book by Thames and Hudson, designed by Ruth Ansel.
In 2013 The Bowes Museum in Durham exhibited Walker's photographs, curated by Greville Worthington, of work beyond the pages of Vogue and Vanity Fair.
Walker lives in London. Wikipedia

Josef Hoflehner es un fotógrafo austriaco nacido en 1955.
Cada una de sus fotografías alcanza una perfección de composición que parece desafiar la posibilidad de que alguna vez pueda verse de otra manera. Aferradas a su soledad final y la inesperada belleza natural que captan, las fotografías de Hoflehner toman temas terrenales para elevarlo a un nivel casi mítico, definiendo la esencia del lugar. En estos raros y evasivos momentos, lo natural y lo hecho por el hombre se reúnen en una interacción poética de luz y sombra, vacuidad y estructura.
Josef Hoflehner está representado por importantes galerías artísticas de fotografía. Las exquisitas copias a la gelatina de plata de Hoflehner se encuentran en un número cada vez mayor de colecciones públicas, privadas y corporativas de todo el mundo, entre las que destacan las colecciones de Polo Ralph Lauren, AT & T, Fidelity Investments, el gigante bancario francés Société Générale y GAP / Banana Republic. Josef ha expuesto en todo el mundo y fue elegido fotógrafo de la naturaleza del año en 2007.

Josef Hoflehner is an Austrian photographer born in 1955.
Each of his photographs achieves a perfection of composition that seems to defy the possibility that it could ever be seen any other way. Gripping in their ultimate solitude and the unexpected natural beauty they capture, Hoflehner's photographs take his earthly subject matter to raise it to an almost mythical level, defining the essence of the place. In these rare and elusive moments, the natural and the man made are brought together in a poetic interplay of light and shadow, emptiness and structure.
Josef Hoflehner is represented by leading photography art galleries. Hoflehner’s exquisite silver gelatin prints are found in a constantly growing number of public, private and corporate collections around the globe; notable collections include Polo Ralph Lauren, AT&T, Fidelity Investments, French banking giant Societe Generale and GAP/Banana Republic. Josef has exhibited worldwide and he was voted Nature Photographer of the Year 2007.

Lothar Schmid descubrió su amor por la fotografía y estudió en su Suiza natal. Tuvo su primer encargo para French Elle a los 21 años, lo que marcó su carrera internacional en fotografía de moda y belleza. Entre sus clientes se cuentan Elle, British Vogue, Marie Claire, la revista Sunday Times, Yves Saint Laurent y Dior.
A principios de los años '80 Lothar llegó a Nueva York, donde el gran Alexander Lieberman lo mentoró más y le confió tareas regulares para Vogue y GQ. Más tarde trabajó para The New York Times Magazine. Siguieron campañas publicitarias para Chanel, Givenchy, Lancel, Cartier, Vichy, Lancome, L'Oreal Group.
Lothar continúa fotografiando para revistas, campañas publicitarias y proyectos personales. Sus fotos de celebridades incluyen a Catherine Deneuve, Diane Kruger, Sophie Marceau, Lea Seydoux, Olga Kurylenko, Jeremy Irons, Marcello Mastroiani y otros. Vive en Suiza y divide su tiempo profesional entre París y los Estados Unidos.
Lothar Schmid pretende crear imágenes que se destilan de la simplicidad elegante y que sobreviven a las tendencias de la moda.

Lothar Schmid discovered his love for photography and studied in his native Switzerland. He had his first assignment at French Elle at the age of 21, which set off his international career in fashion and beauty photography. Clients included Elle, British Vogue, Marie Claire, The Sunday Times Magazine, Yves Saint Laurent and Dior.
In the early 1980’s Lothar arrived in New York City where the great Alexander Lieberman mentored him further and entrusted him with regular assignments for Vogue and GQ. Later he worked for The New York Times Magazine. Advertising campaigns for Chanel, Givenchy, Lancel, Cartier, Vichy, Lancome, L’Oreal Group followed.
Lothar continues shooting for magazines, advertising campaigns and personal projects. His celebrity photos include Catherine Deneuve, Diane Kruger, Sophie Marceau, Lea Seydoux, Olga Kurylenko, Jeremy Irons, Marcello Mastroiani, and others. He lives in Switzerland and divides his professional time between Paris and the US.
Lothar Schmid aims to create images that are distilled to elegant simplicity and survive the trends of fashion.

Vladimir Klavijo-Telepnev (Владимир Клавихо-Телепнев) es un artista ruso nacido en 1962 en Moscú.
Se graduó de la Academia de Artes Gráficas de Moscú como artista gráfico en 1986. Desde entonces ha sido fotógrafo de prensa para las ediciones italiana, francesa y española y, al mismo tiempo, participante proactiva en exposiciones de pintura y gráficas patrocinadas por artistas de Moscú .
Desde 1993 es miembro de la Asociación Internacional de Artistas Gráficos, y desde 1996 es fotógrafo de moda y publicidad.

Vladimir Klavijo-Telepnev (Владимир Клавихо-Телепнев) is a Russian artist born in 1962 in Moscow.
He graduated from the Moscow Academy of Graphic Arts as a graphic artist in 1986. Since then he has been a press photographer for Italian, French and Spanish editions and, at the same time, a proactive participant at painting and graphic exhibitions sponsored by Moscow artists.
From 1993 he's a member of the International Association of Graphic Artists, and from 1996 he's a fashion and advertising photographer.

Alfred Cheney Johnston fue un fotógrafo de la ciudad de Nueva York conocido por sus retratos de artistas de Ziegfeld Follies, así como de actores y actrices del mundo de la escena y del cine.
Inicialmente estudió pintura e ilustración en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York, pero después de graduarse en 1908 (y casarse con su colega Doris Gernon al año siguiente), sus subsiguientes esfuerzos por ganarse la vida como pintor de retratos no tuvieron éxito. En su lugar, al parecer por sugerencia de un amigo de la familia de larga data, el famoso ilustrador Charles Dana Gibson, comenzó a emplear la cámara previamente utilizada para grabar sus temas de pintura como su medio creativo básico.
Aproximadamente en 1917 Johnston fue contratado como fotógrafo por el famoso showman y productor de teatro en vivo de la ciudad de Nueva York, Florenz Ziegfeld, y estuvo afiliado a Ziegfeld Follies durante los siguientes quince años. También mantuvo su propio estudio fotográfico personal muy exitoso en varios lugares alrededor de la ciudad de Nueva York, fotografiando todo, desde aspirantes a actrices y matronas de la sociedad a una amplia gama de productos comerciales al por menor exclusivos, en su mayoría masculinos y femeninos, para anuncios en revistas. Fotografió a cientos de actrices y showgirls (principalmente en la ciudad de Nueva York, fueran o no integrantes de las Follies) durante ese período de tiempo. Murió en un accidente automovilístico cerca de su casa en Connecticut el 17 de abril de 1971, tres años después de la muerte de su esposa Doris.

Alfred Cheney Johnston was a New York City-based photographer known for his portraits of Ziegfeld Follies showgirls as well as of actors and actresses from the worlds of stage and film.
Initially he studied painting and illustration at the National Academy of Design in New York, but after graduating in 1908 (and marrying fellow student Doris Gernon the next year), his subsequent efforts to earn a living as a portrait painter did not meet with success. Instead, reportedly at the suggestion of longtime family friend and famed illustrator Charles Dana Gibson, he started to employ the camera previously used to record his painting subjects as his basic creative medium.
In approximately 1917, Johnston was hired by famed New York City live-theater showman and producer Florenz Ziegfeld as a contracted photographer, and was affiliated with the Ziegfeld Follies for the next fifteen years or so. He also maintained his own highly successful personal commercial photo studio at various locations around New York City as well, photographing everything from aspiring actresses and society matrons to a wide range of upscale retail commercial products—mostly men's and women's fashions—for magazine ads. He photographed several hundred actresses and showgirls (mainly in New York City, and whether they were part of the Follies or not) during that time period. Alfred Cheney Johnston died in a car crash near his home in Connecticut on April 17, 1971, three years after the death of his longtime wife, Doris. They had no children.

Anton Johannes Gerrit Corbijn de Willenswaard es un fotógrafo, director de videos musicales y director de cine holandés nacido en 1955.
Es el director creativo detrás de la producción visual de Depeche Mode y U2, habiendo manejado la promoción principal y la fotografía de portada para ambas bandas durante tres décadas. Algunas de sus obras incluyen videos musicales para "Enjoy the Silence" de Depeche Mode (1990), One de U2 (versión 1) (1991), "Do I Have to Say the Words?" de Bryan Adams y la "Heart-Shaped Box" de Nirvana (1993), así como la película biográfica de Ian Curtis "Control" (2007), "The American" (2010) y "A Most Wanted Man" (2014), basada en la novela de John le Carré de 2008, y dirigió los videoclips de "Talk" (de Coldplay) (2005) y la segunda versión del videoclip de "Viva la Vida" (2008).
Corbijn comenzó su carrera como fotógrafo musical cuando vio al músico holandés Herman Brood tocando en un café en Groningen alrededor de 1975. Tomó muchas fotografías de la banda Herman Brood & His Wild Romance y éstos condujeron a un aumento en la fama para Brood y exposición al público de Corbijn.
A partir de finales de 1970, el New Musical Express (NME) con sede en Londres, un periódico de música semanal, ofrecía su obra de manera regular y con frecuencia tenía una fotografía tomada por él en la portada.

Anton Johannes Gerrit Corbijn van Willenswaard is a Dutch photographer, music video director, and film director born in 1955.
He is the creative director behind the visual output of Depeche Mode and U2, having handled the principal promotion and sleeve photography for both bands over three decades. Some of his works include music videos for Depeche Mode's "Enjoy the Silence" (1990), U2's "One" (version 1) (1991), Bryan Adams'"Do I Have to Say the Words?" and Nirvana's "Heart-Shaped Box" (1993), as well as the Ian Curtis biographical film Control (2007), The American (2010), and A Most Wanted Man (2014), based on John le Carré's 2008 novel of the same name, and he directed the music videos Talk (Coldplay song) (2005) and the second version of Viva la Vida's (2008) music video.
Corbijn began his career as a music photographer when he saw the Dutch musician Herman Brood playing in a café in Groningen around 1975. He took a lot of photographs of the band Herman Brood & His Wild Romance and these led to a rise in fame for Brood and in exposure for Corbijn.
From the late 1970s the London-based New Musical Express (NME), a weekly music paper, featured his work on a regular basis and would often have a photograph by him on the front page.

Aniversarios (CLXXXVI) [Julio / July 9-15]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 9 de Julio es el cumple de

Lino Selvatico, pintor italiano nacido en 1872 en Roncade, provincia de Treviso.

"Amazzone / Amazona / Amazon", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 125 x 100 cm., 1905.
Colección privada / Private Collection

"Francesca con la maschera / con la máscara / With the Mask"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76 x 62, 1920. Colección privada / Private Collection

Su padre Riccardo (nacido en 1849), era abogado, poeta, dramaturgo cómico y político, y pretendía que su hijo se convirtiera en abogado y legislador. El hermano de Lino, Luigi Selvatico (1873-1938), también fue pintor. Luigi fue apodado "Il gobbo Selvatico" (el jorobado) debido a su dolencia física. Lino fue alumno de Cesare Laurenti, y también fue influenciado por su amigo Ettore Tito. También fue conocido por la crítica de arte. Pintó principalmente paisajes al óleo, y también realizó aguafuertes.

"La Scarpetta / La zapatilla / The Slipper", óleo sobre panel / oil on panel, 46,4 x 36,2 cm., 1924

Exhibió dos retratos en la tercera Bienal de Venecia en 1899. En 1926 la Bienal realizó una exposición póstuma de 45 de sus obras, y en 1935 de dieciséis. Sus obras pueden verse en las Galerías de Arte Moderna de Milán, Roma, Trieste, Udine y Venecia. Realizó retratos de la Condesa Annina Morosini (1908, Venecia, Galería de arte moderna) y la actriz Emma Gramatica (1911, Piacenza, Galería de arte moderna Ricci-Oddi).
Su hermano Luigi participó en la Bienal de Venecia de 1897.
Murió en 1924.

"Ritratto di / Retrato de / Portrait of Irma Gramatica", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 217 x 119 cm., 1911


El 10 de Julio es el cumple de

Bernard Buffet, pintor francés del expresionismo nacido en 1928, miembro del grupo artístico anti-abstracto L'homme Témoin (el testigo).

"Tête de clown / Cabeza de payaso / Head of a Clown", 1955. Norma Wallace Lifestyle

Estudió arte en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts y trabajó en el estudio del pintor Eugène Narbonne. Entre sus compañeros estaban Maurice Boitel y Louis Vuillermoz.
Sostenido por el pintor Maurice Garnier, Buffet produjo piezas religiosas, paisajes, retratos y naturalezas muertas. En 1946, en el Salon des Moins de Trente Ans, en la Galerie Beaux-Arts, realizó su primer dibujo, un autorretrato. Realizó al menos una exposición importante cada año. Buffet ilustró "Les Chants de Maldoror", escrito por el Conde de Lautréamont en 1952. En 1955 fue galardonado con el primer premio de la revista Connaissance des arts, que nombró a los 10 mejores artistas de la posguerra. En 1958, a la edad de 30 años, se realizó la primera retrospectiva de su obra en la Galerie Charpentier.

"Vingt mille lieues sous les mers, Le Poulpe géant / 
Veinte mil leguas de viaje submarino, El pulpo gigante / 
Twenty Thousand Leagues Under the Sea, The Big Octopus"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 233 x 309 cm., 1989.
Collection fonds de dotation Bernard Buffet, Paris, France. Koregos

"L'Atelier / El estudio / The Studio", 1956
Musée d'Art Moderne (Troyes, Francia / France). Flickr

El 23 de noviembre de 1973, el Museo Bernard Buffet fue fundado por Kiichiro Okano en Surugadaira, Japón.
A petición de la administración postal francesa, en 1978 diseñó un sello que representaba el Instituto y el Pont de las Artes - en esta ocasión el Museo del Correo organizó una retrospectiva de sus obras.
Buffet creó más de 8,000 pinturas y también muchos grabados.

"L'oiseau rouge / El pájaro rojo / The Red Bird", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 240 x 280 cm., 1959
Musée d'Art Moderne (Troyes, Francia / France)

Se suicidó en su casa de Tourtour, en el sur de Francia, el 4 de octubre de 1999. Sufría de la enfermedad de Parkinson y ya no podía trabajar. La policía dijo que Buffet murió alrededor de las 4 de la madrugada después de meter la cabeza en una bolsa de plástico que pegó a su cuello con cinta adhesiva.

"Autoportrait sur fond noir / Autorretrato sobre fondo negro / Self Portrait on Black Background"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 129,3 x 96,8 cm., 1956. Colección / Collection Pierre Bergé. Gràffica


El 11 de Julio es el cumple de

Edward Atkinson Hornel, pintor escocés de paisajes, flores y follaje, con niños. Nació en Bacchus Marsh, Victoria, Australia, en 1864, y era primo de James Hornell.
Se crió y vivió prácticamente toda su vida en Escocia después de que su familia se trasladara de regreso a Kirkcudbright en 1866. Estudió durante tres años en la escuela de arte en Edimburgo, y durante dos años en Amberes bajo la dirección del profesor Verlat. De regreso de Amberes en 1885 conoció a George Henry y se asoció con los Glasgow Boys.

"El despertar de la Tierra / The Earth's Awakening", 1912. Wikipedia

"Verano / Summer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 103 x 128,3 cm., 1891
Walker Art Gallery (Liverpool, Inglaterra / England). Wikimedia Commons

Hornel y Henry colaboraron en "Los druidas trayendo el muérdago" (1890), una procesión de sacerdotes druidas que traen en el muérdago sagrado, magnífico, con policromía y oro. Los dos trabajaron lado a lado para lograr esplendor decorativo en el color, Hornel empleando audaz y libremente efectos de textura producidos por carga y raspado, rugosidad, suavizado y tinción. En 1893-94 los dos artistas pasaron un año y medio en Japón, donde Hornel aprendió mucho sobre diseño decorativo y el tratamiento del espacio. Hacia finales de los noventa sus colores, conservando su resplandor y su riqueza, se volvieron más refinados y atmosféricos, y su dibujo más naturalista, combinando el atractivo sensual con el significado emocional y poético. En 1901 rechazó la elección a la Academia Real Escocesa. Miembro del Glasgow Art Club, Hornel expuso en las muestras anuales del club.

"El balcón / The Balcony, Yokohama"
Óleo sobre lienzo, montado sobre panel / oil on canvas laid down on panel, 68,6 x 78,7 cm., 1894
Yale Center for British Art (New Haven, Connecticut, EE.UU./ USA). Google Art Project

En 1901 adquirió Broughton House, una casa de pueblo y jardín en Kirkcudbright, que fue su residencia principal durante el resto de su vida, junto con su hermana Elizabeth. Allí hizo varias modificaciones a la casa y diseñó el jardín inspirándose de sus viajes a Japón. También agregó una galería para sus pinturas. A su muerte, en 1933, la casa y la biblioteca fueron donadas para beneficio de los ciudadanos y la casa de Broughton ahora es administrada por el National Trust for Scotland.
Hay ejemplos de sus obras en los museos de Aberdeen, Buffalo, Bradford, San Luis, Toronto, Montreal, Glasgow, Edimburgo, Leeds, Manchester, Hull, Bath y Liverpool.

"La música de los bosques / The Music of the Woods", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121 x 151,1 cm., 1906
National Gallery (Edinburgo, Escocia / Edinburgh, Scotland). Wikimedia Commons

Edward Atkinson Hornel en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XXVIII)]


El 12 de Julio es el cumple de

Raoul Hausmann, artista y escritor austríaco. Una de las figuras clave del Dada berlinés, sus collages fotográficos experimentales, poesía sonora y críticas institucionales tendrían una profunda influencia en la vanguardia europea después de la Primera Guerra Mundial.

"Elasticum", collage y aguada / collage and gouache, 1920. AAL

Su formación artística más temprana provino de su padre, un conservador profesional y pintor. Después de ver las pinturas expresionistas en la galería Der Sturm de Herwarth Walden en 1912, Hausmann empezó a producir grabados expresionistas en el estudio de Erich Heckel y se convirtió en escritor de Walden, también llamado Der Sturm, que proporcionó una plataforma para sus primeros escritos polémicos contra el arte establecido.

"El crítico de arte / The Art Critic", litografía y papel impreso sobre papel /
lithograph and printed paper on paper, 31,8 x 25,4 cm., 1919-20
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

Cuando Richard Huelsenbeck, un estudiante de medicina de 24 años que era amigo íntimo de Hugo Ball y uno de los fundadores de Dada, regresó a Berlín en 1917, Hausmann fue uno de un grupo de jóvenes artistas descontentos que comenzaron a formar el núcleo De Berlín Dada a su alrededor. El fotomontaje se convirtió en la técnica más asociada con el Dada berlinés, ampliamente utilizado por Hausmann, Höch, Heartfield, Baader y Grosz, y demostraría una influencia crucial en Kurt Schwitters, El Lissitsky y el Constructivismo ruso.
La obra más famosa de Hausmann, Mechanischer Kopf (Der Geist Unserer Zeit), "La Cabeza Mecánica (El Espíritu de Nuestro Tiempo)", c. 1920, es el único montaje superviviente que Hausmann produjo alrededor de 1919-20.

"ABCD, autorretrato / Self Portrait", 1923. Pinterest

Huelsenbeck terminó su formación para convertirse en médico en 1920 y comenzó a practicar la medicina. A finales del año había publicado el Dada Almanach y la Historia del Dadaismo, dos registros históricos que implicaban que el Dada llegaba a su fin. Después de esto, la amistad de Hausmann con Kurt Schwitters se profundizó y Hausmann comenzó a moverse hacia el Modernismo Internacional.
A finales de la década de 1920 se reinventó como fotógrafo de moda en sociedad. En años posteriores Hausmann exhibió ampliamente sus fotografías, concentrándose en desnudos, paisajes y retratos. Como la persecución nazi de los artistas de vanguardia aumentó, emigró a Ibiza, donde sus fotos se concentraron en motivos etnográficos de la vida pre-moderna ibicenca.
Murió en Limoges en 1971.

"Mechanischer Kopf (Der Geist Unserer Zeit) / Cabeza mecánica (El espíritu de nuestro tiempo) /
Mechanical Head (The Spirit of Our Time)", c.1920
National Museum of Art (Washington, EE.UU./ USA). Flickr


El 13 de Julio es el cumple de

Oleg Yurievich Lipchenko (Олег Юрійович Липченко), artista e ilustrador canadiense nacido en 1957 en Bogodukhov, Ucrania. Es miembro de CANSCAIP.

"Elefante negro / Black Elephant", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 30"© Oleg Yurievich Lipchenko

Se mudó a Toronto, Ontario en 1999. Estudió Arte en la Escuela de Arte en Poltava, Ucrania, y Arquitectura en la Universidad Poltava, obteniendo una Maestría. Oleg Lipchenko vive actualmente en Toronto, Ontario.

"MistiGato / MystiCat", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 30"© Oleg Yurievich Lipchenko

"Ventisca de febrero / February Blizzard"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48” x 36”, 2015 © Oleg Yurievich Lipchenko

Ganó el Premio del Libro Ilustrado Canadiense Elizabeth Mrazik-Cleaver en 2009 por sus ilustraciones para la edición de las aventuras de Alicia en el país de las maravillas, publicado por Studio Treasure y Tundra Books.
¿Dónde reside la fuerza de Oleg Lipchenko como artista? Se basa en su versatilidad técnica, su visión compleja, también en la manera perfecta de tejer la historia del arte en su obra, además de su capacidad para tratar con una diversa paleta de temas. Composiciones memorables, referencias históricas irónicas y su excelente ejecución técnica se suman a un talento profundamente significativo que rara vez se encuentra." Peter Alexander Por, escultor, propietario de la galería Articsok

"Danza macabra / Danse Macabre"
Tinta y pluma sobre papel / pen ink on paper © Oleg Yurievich Lipchenko


El 14 de Julio es el cumple de

Odinigwe Benedict Chukwukadibia Enwonwu, pintor y escultor nigeriano nacido en 1917. Es uno de los pioneros cuya carrera abrió el camino a la proliferación postcolonial y aumento de la visibilidad del arte africano moderno y fue el primer artista nigeriano contemporáneo en lograr la aclamación internacional. Su obra ha sido expuesta en todo el mundo. El cráter de Enwonwu en el planeta Mercurio fue nombrado en su honor.

"Negritud / Negritude", aguada sobre papel / gouache on paper, 75 x 55 cm., 1978. Sotheby's

"Ogolo", aguada, pluma y tinta sobre cartón / gouache, pen and ink on cardboard, 74 x 53,5 cm., 1987. Sotheby's

Su padre, Omenka Odigwe Emeka Enwonwu, era un técnico que trabajó con la Royal Niger Company. Él era también un miembro del consejo de Onitsha de jefes y un reconocido escultor tradicional que creaba taburetes de oficina y puertas decoradas con imágenes religiosas. Su madre, Ilom, era una exitosa comerciante de telas.

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 51 cm., 1972. Artnet

Entre 1934 y 1937 Enwonwu estudió Bellas Artes bajo la dirección de Kenneth C. Murray en los Colegios del Gobierno, Ibadan y Umuahia. Murray era un oficial de educación encargado de la educación artística en el servicio civil colonial, que más tarde fue director de antigüedades. Enwonwu asistió al Goldsmith College de Londres en 1944, luego continuó sus estudios en Ruskin College, Oxford, Inglaterra (1944-46), en el Ashmolean College y en la Escuela Slade de Bellas Artes, Oxford (1946-48), graduándose con honores de primera clase. Durante su tiempo juntos, Enwonwu se convirtió en el asistente de Murray y fue reconocido como uno de los más talentosos y técnicamente dotado entre los estudiantes del "Grupo Murray". En 1937 éste exhibió el trabajo de Enwonwu en la Galería Zwemmer en Londres. El período de estudio bajo Murray marcó el principio de la educación formal de Enwonwu en el arte. Tomó cursos de postgrado en antropología y etnografía en la Universidad de California y la Universidad Estatal de Luisiana, Baton Rouge.

"Agbogbho Mmuo / Espíritu Albogbho / Agbogbho Spirit", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1972

"Príncipes de Malí / Princes of Mali", óleo sobre panel / oil on board, 68,5 x 121,5 cm., 1976. Robb Report

Después de trabajar con Murray durante muchos años, fue contratado como profesor en el Colegio de Gobierno de Umuahia. Según Sylvester Ogbechie, autor de "Ben Enwonwu: la creación de un modernista africano (The Making of a African Modernist)", a Murray no le gustaba la idea de que la universidad pagara a Enwonwu el mismo salario que a los otros profesores experimentados. Esto creó una brecha entre mentor y aprendiz. Eventualmente Murray dejó el Colegio del Gobierno y Enwonwu lo reemplazó como profesor de arte, continuando su trabajo como profesor de arte en otras escuelas.
Fue consejero del arte al gobierno nigeriano a partir de 1948. Durante los años posteriores a 1950 viajó y disertó en los Estados Unidos, y ejecutó muchos encargos como artista freelance. De 1949 a 1954 expuso en Londres, Lagos, Milán, Nueva York, Washington DC y Boston.
Durante su tiempo, Enwonwu era bien considerado como un artista. Su arte es descrito como una "forma única de modernismo africano". Ogbechie describe su arte como "el tercer espacio de la historia del arte cuya naturaleza y parámetros están en desacuerdo con las narrativas excluyentes de la modernidad del arte y su inscripción del  sujeto del artista moderno como un hombre blanco de Europa Occidental".
Murió en 1994.

"Trabajadores en el campo / Workers in the fields", óleo sobre panel / oil on board, 53 x 72 cm. Artnet


Hoy, 15 de Julio, es el cumple de

Alexander Roslin, pintor retratista sueco nacido en 1718, que trabajó en Scania, Bayreuth, París, Italia, Varsovia y San Petersburgo, principalmente para los miembros de las familias aristocráticas.

"Självporträtt med hustrun Marie Suzanne Giroust målande Henrik Wilhelm Peill porträtt /
Autorretrato con su esposa Marie Suzanne Giroust, pintando un retrato de Henrik Wilhelm Peill /
Self-portrait with his wife Marie Suzanne Giroust painting a portrait of Henrik Wilhelm Peill"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1767
Nationalmuseum (Escocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden)

Combinó un retrato psicológico perspicaz con una hábil representación de tejidos y joyas. En su elección de estilo y brillantes colores Alexander Roslin es un claro ejemplo del Rococó. Vivió en Francia desde 1752 hasta 1793, período que abarcó la mayor parte de su carrera. Los artistas rococó optaron por un estilo más jocoso, elegante y ornamentado, caracterizado por la ligereza, la elegancia y el enfoque elegante del arte y la arquitectura.

"Damen med slöjan (Konstnärens maka Suzanne Roslin) / La dama del velo (la esposa del artista) / The Lady with the Veil (the Artist's Wife)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 x 54 cm., 1768
Nationalmuseum (Escocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden). Google Art Project

En París fue protegido de François Boucher y su trabajo rápidamente se puso de moda. Fue elegido miembro de la Academia Francesa de Arte, a la que también pertenecía su esposa. Sus primeros retratos están pintados en colores brillantes y frescos, y muestran la influencia de Jean-Marc Nattier y Hyacinthe Rigaud. Alrededor de la década de 1760 empezó a usar un osado colorido en sus pinturas, como en el retrato de su esposa, Lady with Veil (1768), y La familia Jennings (1769).

"Familjen Jennings / La familia Jennings / The Jennings Family"
(Retrato de John Jennings, su hermano y su cuñada / Portrait of John Jennings Esq., his Brother and Sister-in-Law)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121 × 148 cm., 1769
Nationalmuseum (Escocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden). Wikimedia Commons

Roslin tenía gran habilidad técnica para pintar las superficies y la textura de los materiales preciosos tales como telas y joyas, pero también era adepto a capturar a sus modelos en su mejor momento. En París pronto se convirtió en uno de los principales retratistas de su tiempo, valorado principalmente por su habilidad práctica para representar telas lujosas y la tez con gran delicadeza: "¿Satin, piel? Vaya a Roslin". Sus retratos de miembros de la aristocracia francesa muestran sensibilidad y gusto, y también percepción psicológica, aunque los cambios en el gusto pueden hacer que sus rostros parezcan "rígidos y sin vida" para algunos observadores de hoy.
Murió en 1793.

"Den franske konstnären / El pintor francés / The French Painter Claude-Joseph Vernet"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 83 x 65 cm., 1767
Nationalmuseum (Escocolmo, Suecia / Stockholm, Sweden). Wikimedia Commons

Claude-Joseph Vernet en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XXIX)], [Kate Bergin (Pintura)]


Textos en inglés / English translation

On July 9 is the birthday of

Lino Selvatico, Italian painter born in 1872 in Roncade, Province of Treviso.
His father, Riccardo (born 1849), was a lawyer, poet, comedic dramatist, and politician, who intended his son to become a lawyer and legislator. Lino's brother, Luigi Selvàtico (1873-1938), was also a painter. Luigi was nicknamed "Il gobbo Selvatico" (The Hunchbacked) due to his physical ailment. Lino was a pupil of Cesare Laurenti, and was also influenced by his friend Ettore Tito. He also was known for art criticism. He painted mainly landscapes in oil and acquaforte. He exhibited two portraits at the third Venice Biennale in 1899. In 1926, the Biennale had a posthumous exhibit of 45 of his works, and in 1935, sixteen of his works. His works are displayed in the Moderna Art Galleries of Milan, Rome, Trieste, Udine, and Venice. He completed portraits of Countess Annina Morosini (1908, Venice, Galleria d'arte moderna) and the actress Emma Gramatica (1911, Piacenza, Galleria d'arte moderna Ricci-Oddi).
His brother Luigi participated in the 1897 Biennale of Venice.
He died in 1924.

On July 10 is the birthday of

Bernard Buffet, French painter of Expressionism born in 1928, and a member of the anti-abstract art group L'homme Témoin (the Witness-Man).
He studied art there at the École Nationale Supérieure des Beaux-Arts (National School of the Fine Arts) and worked in the studio of the painter Eugène Narbonne. Among his classmates were Maurice Boitel and Louis Vuillermoz.
Sustained by the picture-dealer Maurice Garnier, Buffet produced religious pieces, landscapes, portraits and still-lifes. In 1946, he had his first painting shown, a self-portrait, at the Salon des Moins de Trente Ans at the Galerie Beaux-Arts. He had at least one major exhibition every year. Buffet illustrated "Les Chants de Maldoror" written by Comte de Lautréamont in 1952. In 1955, he was awarded the first prize by the magazine Connaissance des arts, which named the 10 best post-war artists. In 1958, at the age of 30, the first retrospective of his work was held at the Galerie Charpentier.
On 23 November 1973, the Bernard Buffet Museum was founded by Kiichiro Okano, in Surugadaira, Japan.
At the request of the French postal administration in 1978, he designed a stamp depicting the Institut et le Pont des Arts – on this occasion the Post Museum arranged a retrospective of his works.
Buffet created more than 8,000 paintings and many prints as well.
Buffet committed suicide at his home in Tourtour, southern France, on 4 October 1999. He was suffering from Parkinson's disease and was no longer able to work. Police said that Buffet died around 4 p.m after putting his head in a plastic bag attached around his neck with tape.

On July 11 is the birthday of

Edward Atkinson Hornel, Scottish painter of landscapes, flowers, and foliage, with children. He was born in Bacchus Marsh, Victoria, Australia, in 1864, and was a cousin of James Hornell.
He was brought up and lived practically all his life in Scotland after his family moved back to Kirkcudbright in 1866. He studied for three years at the art school at Edinburgh, and for two years at Antwerp under Professor Verlat. Returning from Antwerp in 1885, he met George Henry and associated himself with the Glasgow Boys.
Hornel and Henry collaborated upon The Druids Bringing in the Mistletoe (1890), a procession of druidic priests bringing in the sacred mistletoe, gorgeous with polychrome and gold. The two worked side by side to achieve decorative splendor of color, Hornel boldly and freely employing texture effects produced by loading and scraping, roughening, smoothing, and staining. In 1893–94 the two artists spent a year and a half in Japan, where Hornel learned much about decorative design and spacing. Towards the close of the nineties his colors, while preserving their glow and richness, became more refined and more atmospheric, and his drawing more naturalistic, combining sensuous appeal with emotional and poetic significance. In 1901 he declined election to the Royal Scottish Academy. A member of Glasgow Art Club, Hornel exhibited in the club's annual exhibitions.
In 1901 he acquired Broughton House, a townhouse and garden in Kirkcudbright, which was his main residence for the rest of his life with his sister Elizabeth. There he made several modifications to the house and designed garden taking inspiration from his travels in Japan. He also made an addition of a gallery for his paintings. On his death, in 1933, the house and library were donated for the benefit of the citizens and Broughton House is now administered by the National Trust for Scotland.
There are examples of his works in the museums of Aberdeen, Buffalo, Bradford, St. Louis, Toronto, Montreal, Glasgow, Edinburgh, Leeds, Manchester, Hull, Bath, and Liverpool.

On July 12 is the birthday of

Raoul Hausmann, Austrian artist and writer born in 1886. One of the key figures in Berlin Dada, his experimental photographic collages, sound poetry and institutional critiques would have a profound influence on the European Avant-Garde in the aftermath of World War I.
His earliest art training was from his father, a professional conservator and painter. After seeing Expressionist paintings in Herwarth Walden's gallery Der Sturm in 1912, Hausmann started to produce Expressionist prints in Erich Heckel's studio, and became a staff writer for Walden's magazine, also called Der Sturm, which provided a platform for his earliest polemical writings against the art establishment. 
When Richard Huelsenbeck, a 24-year-old medical student who was a close friend of Hugo Ball and one of the founders of Dada, returned to Berlin in 1917, Hausmann was one of a group of young disaffected artists that began to form the nucleus of Berlin Dada around him. The photomontage became the technique most associated with Berlin Dada, used extensively by Hausmann, Höch, Heartfield, Baader and Grosz, and would prove a crucial influence on Kurt Schwitters, El Lissitsky and Russian Constructivism.
The most famous work by Hausmann, Mechanischer Kopf (Der Geist Unserer Zeit), "The Mechanical Head (The Spirit of Our Time)", c. 1920, is the only surviving assemblage that Hausmann produced around 1919–20.
Huelsenbeck finished his training to become a doctor in 1920 and started to practice medicine; by the end of the year he had published the Dada Almanach and The History of Dadaism, two historical records that implied that Dada was at an end. In the aftermath, Hausmann's friendship with Kurt Schwitters deepened, and Hausmann started to take steps toward International Modernism. 
In the late 1920s, he re-invented himself as a fashionable society photographer. In later years, Hausmann exhibited his photographs widely, concentrating on nudes, landscapes and portraits. As Nazi persecution of avant-garde artists increased, he emigrated to Ibiza, where his photos concentrated on ethnographic motifs of pre-modern Ibizan life. 
He died in Limoges in 1971.

On July 13 is the birthday of

Oleg Yurievich Lipchenko (Ukrainian: Олег Юрійович Липченко), Canadian artist and illustrator born in 1957 in Bogodukhov, Ukraine. He is a member of CANSCAIP.
He  moved to Toronto, Ontario in 1999. He studied Art at Art School in Poltava, Ukraine. He studied Art and Architecture at Poltava Technical University, gaining a Master of Architecture degree. Oleg Lipchenko currently lives in Toronto, Ontario.
He won the 2009 Elizabeth Mrazik-Cleaver Canadian Picture Book Award for his illustrations to the edition of Alice's Adventures in Wonderland, published by Studio Treasure and Tundra Books.
‘Where does Oleg Lipchenko’s strength as an artist lie?  It rests in his technical versatility, his complex vision, also in the seamless manner of weaving art history into his oeuvre plus in his ability to engage with a diverse palette of subjects. Memorable compositions, ironic historical references and his superb technical execution all add up to a rarely encountered, profoundly significant talent.’ Peter Alexander Por, sculptor, Articsok Gallery owner

On July 14 is the birthday of

Odinigwe Benedict Chukwukadibia Enwonwu, Nigerian painter and sculptor born in 1917. He is one of the pioneers whose career opened the way for the postcolonial proliferation and increased visibility of modern African art, and was the first Nigerian contemporary artist to win international acclaim. His work has been exhibited around the world. The Enwonwu crater on the planet Mercury is named in his honour.
His father, Omenka Odigwe Emeka Enwonwu, was a technician who worked with the Royal Niger Company; he was also a member of the Onitsha Council of Chiefs and a reputable traditional sculptor who created office stools and decorated doors with religious images. His mother, Ilom was a successful cloth merchant.
In 1934-37, Enwonwu studied Fine Arts under Kenneth C. Murray at Government Colleges, Ibadan and Umuahia. Murray was an education officer in charge of art education in the colonial civil service and later director of antiquities. Enwonwu attended Goldsmith College, London, in 1944, then continued his studies at Ruskin College, Oxford, England, from 1944 to 1946, at Ashmolean College and Slade School of Fine Arts, Oxford, 1946–48, graduating with first-class honours. During their time together, Enwonwu became Murray’s assistant and was recognized as one of the most gifted and technically proficient student of the “Murray Group”. In 1937, Murray exhibited Enwonwu’s work at the Zwemmer Gallery in London. The period of study under Murray marked the beginning of Enwonwu’s formal education in art. He took postgraduate courses in anthropology and ethnography at the University of California and Louisiana State University, Baton Rouge.
After working with Murray for many years, he was hired as a teacher at the Government College of Umuahia. According to Sylvester Ogbechie, author of Ben Enwonwu: The Making of an African Modernist, Murray was displeased with the university’s choice to provide Enwonwu with the same salary as the other seasoned teachers. This created a rift between mentor and mentee. Eventually Murray left Government College and Enwonwu replaced him as art teacher. He continued his work as an art teacher in other various schools.
He was art adviser to the Nigerian government from 1948. During the years following 1950, he toured and lectured in the United States, and executed many commissions as a freelance artist. From 1949 to 1954, Enwonwu held many art exhibitions within London, Lagos, Milan, New York City, Washington D.C., and Boston.
During his time, Enwonwu was well regarded as an artist; his art is described as a "unique form of African modernism". Ogbechie describes his art as "[the opening up of] third space in art history whose nature and parameters are at variance with art history's exclusionary narratives of modernity and its inscription of the modern artist-subject as a white, Western European male”.
He died in 1994.

Today, July 15, is the birthday of

Alexander Roslin, Swedish portrait painter born in 1718, who worked in Scania, Bayreuth, Paris, Italy, Warsaw and St. Petersburg, primarily for members of aristocratic families. He combined insightful psychological portrayal with a skillful representation of fabrics and jewels. In his choice of style and lustrous, shimmering colors Alexander Roslin exemplifies Rococo. He lived in France from 1752 until 1793, a period that spanned most of his career. Rococo artists opted for a more jocular, elegant and ornate style, characterized by lightness, elegance and graceful approach to art and architecture.
In Paris he was a protégé of François Boucher and his work rapidly became fashionable. He was chosen as a member of the French Art Academy, to which his wife also belonged. His early portraits are painted in bright, cool colours, and show the influence of Jean-Marc Nattier and Hyacinthe Rigaud. Around the 1760s he started using daring colouring in his paintings, such as in the portrait of his wife, Lady with Veil (1768), and the Jennings Family (1769).
Roslin had great technical skill in painting the surfaces and texture of precious materials such as fabrics and jewels, but was also adept at capturing his sitters at their best. In Paris he soon became one of the foremost portraitists of his time, valued mostly for practiced rendering of luxurious fabrics and gentle complexions: "Satin, skin? Go to Roslin." His portraits of members of the French aristocracy show sensitivity and taste and also psychological insight, although changes in taste might make his faces seem "stiff and lifeless" to some observers today.
He died in 1793.


Aniversarios Fotografía (CLXXXVI) [Julio / July 10-16]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 10 de Julio es el cumple de

Leila Alaoui (en árabe: ليلى علوي; en tifinag: ⵍⴰⵢⵍⴰ ⵄⴰⵍⴰⵡⵉ), fotógrafa franco-marroquí y video artista nacida en 1982 en París.

Serie "Les Marocains" / Los marroquíes / The Moroccans Series
"Khamlia, Sur de Marruecos Nº 1 / South of Morocco # 1", 2014

Se crió en Marrakesh, Marruecos. Durante su niñez y adolescencia estuvo expuesta regularmente a historias trágicas de inmigrantes ahogándose en el mar mientras emprendían viajes peligrosos, que ella interpretó como historias de injusticia social. Cuando cumplió 18 años se mudó a Nueva York para estudiar fotografía en la City University. Alaoui sentía que estudiar en los Estados Unidos le permitía estar "aún más expuesta a las cuestiones de pertenencia y construcción de identidad". Regresó a Marruecos en 2008.

Serie "Les Marocains" / Los marroquíes / The Moroccans Series
"Zoco de Boumia, Atlas Medio / Middle Atlas"; 2011

Alaoui creía que la fotografía y el arte podían utilizarse para el activismo social y debían ser utilizados para "reflexionar y cuestionar a la sociedad". Como consecuencia, eligió enfocar su trabajo en realidades sociales y nacionales de identidad cultural y diversidad, migración y desplazamiento. Para ello utilizó la creación de imágenes, los informes y las instalaciones de video de estudio. Una de sus técnicas de uso común fue la creación de un estudio portátil en un lugar público, como una plaza de mercado, e invitar a los transeúntes interesados ​​en ser fotografiados. Alaoui indicó que su inspiración para este tipo de fotografía del retrato le vino de Robert Frank de los americanos en la era de la post-guerra, por ejemplo en The Americans (1958). Alaoui a menudo enfatizaba sus modelos, minimizando el fondo de algunos de sus retratos.


Serie "Les Marocains" / Los marroquíes / The Moroccans Series
"Esposa en / Wife at Khamlia, Sur de Marruecos / South of Morocco", 2014

Sus fotos fueron publicadas en The New York Times y Vogue. También realizó trabajos para el reality show español El Mago. En 2013 el Consejo Danés para los Refugiados le encomendó crear una serie de retratos de refugiados en el Líbano. El proyecto se llamó "Natreen" (Esperamos). En 2013 creó una instalación de vídeo titulada "Cruces", que describe los viajes de los marroquíes que viajan a Europa. En 2015 completó una misión fotográfica "Everyday Heroes of Syria", en Líbano, Jordania e Irak, centrándose en los sirios que viven en asentamientos de refugiados. El proyecto se completó para el Consejo Danés para los Refugiados, la Oficina de Ayuda Humanitaria de la Comisión Europea y ActionAid.

Serie "Les Marocains" / Los marroquíes / The Moroccans Series
"Essaouira / Esauira", 2011

Alaoui fue contratada por ONU Mujeres y Amnistía Internacional para trabajar en una tarea fotográfica sobre los derechos de las mujeres en Burkina Faso. El 16 de enero de 2016, durante su primera semana de trabajo, fue herida de gravedad por disparos mientras estaba sentada en un automóvil aparcado con su chofer fuera del café Cappuccino, cuando unos pistoleros atacaron el Cappucino y el Hotel Splendid. Mahamadi Ouédraogo, el conductor, sufrió lesiones graves y murió en el vehículo. Alaoui fue rápidamente trasladada a un hospital, y parecía inicialmente en una condición estable después de una operación. Murió tres días después de un ataque al corazón.

Serie "Les Marocains" / Los marroquíes / The Moroccans Series
"Zoco de Tounfite, Atlas Medio / Middle Atlas", 2011


El 11 de Julio es el cumple de

Peter F. Miraglia, fotógrafo estadounidense que vive y mantiene un estudio en Filadelfia.

"Charterina frente a su casa / in Front of Her Home", Zanzibar
Gelatinobromuro de plata / silver print, 16" x 2", 1998

Estudió en el Instituto de Tecnología de Rochester, Rochester, N.Y. (con Betty Hahn 1973-1975) y la Universidad de Rochester, Rochester, N.Y. (Licenciatura en Bellas Artes / Fotografía 1976). También realizó un trabajo de investigación en la historia de la fotografía (1973-1976) en el Museo Internacional de Fotografía en la Casa George Eastman, Rochester, N.Y. Estudió con William Jenkins y Robert Sobieszek.


India-Africa Mix, "Mohamed en su tierra / on his land"

Retratos como teatro humano / Portraits as a Human Theater, "Elizabeth"

Su obra fotográfica se centra en el retrato psicológico, la narrativa del corazón y la mente.
El cuerpo completo de su obra puede ser visto como íntimo, enigmático y emocionalmente complejo, con una sugerencia de las vidas internas de las personas y las historias personales. A través del uso dramático de escenificación, color, sombra y luz, los retratos se convierten en una especie de teatro psicológico.
El artista ha viajado extensamente alrededor del mundo, y mantiene un continuo interés e implicación en el campo de la psiquiatría.

Retratos como teatro humano / Portraits as a Human Theater, "Keith"


El 12 de Julio es el cumple de

Motoichi Kumagai (熊 谷 元 一), fotógrafo e ilustrador de libros para niños japonés nacido en Ōchi (会 地, ahora Achi), distrito de Shimoina, Prefectura de Nagano en 1909, conocido por sus retratos de la vida rural y escolar.

"コッペパンをかじる / Comiendo rollos / Eating Rolls"
Prefectura de Nagano, Japón / Nagano Prefecture, Japan, 1953. Flying Postman

Kumagai trabajó de 1930 a 1933 como profesor. Publicó su primer trabajo para niños en la edición de mayo de 1932 de la revista Kodomo no Kuni. En 1936 compró una cámara Pearlette (un derivado Konishiroku del Vest Pocket Kodak), con una lente de menisco simple, y con ella comenzó a fotografiar la vida de la aldea. Su primera colección de fotografías fue publicada dos años más tarde por Asahi Shinbunsha. En 1939 se fue a Tokio a trabajar como fotógrafo del gobierno y fue enviado más adelante tres veces a Manchukuo. Después de la guerra, volvió a enseñar en su pueblo.
Un libro de fotografías de la vida escolar publicado por Iwanami Shoten en 1955 ganó un premio de fotografía de Mainichi Shimbun.


Kumagai publicó libros de obras para niños, así como libros de fotografías. Sus fotografías se encuentran en la colección permanente del Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio, y un volumen de la serie Nihon no Shashinka está dedicado a su trabajo. Recibió varios honores por su obra, sobre todo desde alrededor de 1990. El pueblo de Achi creó una galería, Kumagai Motoichi Shashin Dōgakan, para la exposición permanente de su obra.
Murió en 2010, en una residencia de ancianos en Tokio, por causas naturales.



El 13 de Julio es el cumple de

Grace Robertson, fotógrafa británica nacido en 1930.

"Chicas divirtiéndose en una montaña rusa / Girls having fun on a rollercoaster", Margate, 1954

"Salida de Pubs / Pub Outing", copia de época gelatinobromuro de plata / 
Vintage gelatin silver print, 29,21 x 24,38 cm., 1954. British photography

Después de salir de la escuela cuidó a su madre que sufría de artritis reumatoide. Su padre le regaló una cámara de segunda mano en 1949 y al año siguiente vio una historia fotográfica sobre su hermana haciendo su tarea publicada en Picture Post. En los años siguientes varias historias fotográficas suyas se publicaron en la revista Sheep Shearing en Gales (1951), Tate Gallery (1952), Mother's Day Off (1954) y Childbirth (1955).

"Salida de Pubs / Pub Outing", copia de época gelatinobromuro de plata / 
Vintage gelatin silver print, 24,13 x 29,21 cm., 1954. British photography

Robertson recibió la Orden del Imperio Británico en 1999. Estuvo casada con el fotógrafo del Picture Post Thurston Hopkins (1913-2014).
Además de fotoperiodismo para revistas como Life Magazine, Robertson trabajó en publicidad. Es hija del periodista y locutor Fyfe Robertson.

"Grupo de mujeres visitando la Tate Gallery / A group of women visiting the Tate Gallery", Londres / London, 1957


El 14 de Julio es el cumple de

Jim French, fotógrafo, cineasta y editor estadounidense nacido en 1932. Bajo el seudónimo Rip Colt creó Colt Studio.

"Kirk Egans", de la serie / from the Series "Opus Deorum", 57 x 72 cm., 1987. 1stdibs

"Sin título / Untitled", 72 x 57 cm., c.1970s. 1stdibs

French dejó un legado de imágenes homoeróticas en series fotográficas, revistas, libros y calendarios, que presentaron su obra en excliusiva y establecieron un nuevo estándar en la fotografía de hombres. Dado que era propietario de la empresa que producía y distribuía su obra, se autopublicaba.
French comenzó a dibujar y fotografiar erótica masculina en los años sesenta. Su primer libro, "Hombre", fue publicado en 1972. Otros libros que publicó fueron "Otro hombre", "Hombres de Jim French", "Quorum", "Opus Deorum, Masc.", "El arte de Jim French" y "El arte del desnudo masculino". Las revistas Colt comenzaron a publicarse a principios de los años setenta.

"Erron", de la serie / from the Series "Opus Deorum", 72 x 57 cm., 1987. 1stdibs

"Kirk Egans", de la serie / from the Series "Opus Deorum", 72 x 57 cm., 1987. 1stdibs

A finales de la década publicaba cortometrajes en formato de 8mm. Pronto se recogieron en formato de cassette de vídeo, que fueron remasterizados para el formato DVD en los años noventa. Estos DVDs siguen estando disponibles. Los calendarios anuales en el estilo de Jim French, algunos de ellos incluyendo sus fotografías icónicas, continúan publicándose cada año.
French nurió en casa en Palms Springs, California, en 2017.

"John Pruitt", 57 x 46 cm., 1985. 1stdibs


El 15 de Julio es el cumple de

James H. Karales, fotógrafo y ensayista fotográfico estadounidense más conocido por su trabajo con la revista Look entre 1960 y 1971. En Look cubrió el movimiento de derechos civiles mientras duró, tomando muchas de las fotografías más memorables del mismo, incluyendo las de la formación de El Comité de Coordinación Estudiantil No Violento (SNCC) y el Dr. Martin Luther King Jr. y su familia. La imagen individual más conocida de Karales es la fotografía icónica de la marcha de Selma a Montgomery que muestra a la gente marchando orgullosamente a lo largo de la carretera bajo un turbulento cielo nublado.

"Andrea Doria, Esperando por los supervivientes / Awaiting Survivors", Nueva York / NYC, 1956

"Rendville", Ohio, 1956

Aunque inicialmente se matriculó en la Universidad de Ohio con la intención de especializarse en ingeniería eléctrica, Karales se pasó a la fotografía después de ver a su compañero de habitación trabajando en el cuarto oscuro. Se graduó con una licenciatura en Bellas Artes en 1955, saliendo de Ohio para Nueva York. Finalmente encontró trabajo como ayudante de cámara oscura para el fotógrafo de ensayos fotográficos W. Eugene Smith en la agencia Magnum, inicialmente en una tarea de dos semanas haciendo copias para el ensayo de Smith "Pittsburgh". Continuaría trabajando para Smith durante dos años, haciendo más de 7.000 copias y desarrollando experiencia tanto en el cuarto oscuro como de fotógrafo.

"Explotación forestal / Logging", Oregon, 1959

"Vietnam", 1963

Después de dejar Magnum Karales produjo sus propios ensayos fotográficos, incluyendo trabajos que muestran cómo era la vida de los ciudadanos trabajadores de Rendville, Ohio, una antigua parada del ferrocarril subterráneo, y una de las pocas comunidades de trabajo integradas en los Estados Unidos. Su ensayo fotográfico "Rendville" llamaría la atención de Edward Steichen y conduciría a una exposición individual en la galería de Greenwich Village de Helen Gee, Limelight. Karales también llamó la atención de Look por el ensayo "Rendville", y Look lo contrataría en 1960 para cubrir y fotografiar tanto el movimiento por los derechos civiles como la guerra en Vietnam. Karales trabajó para Look hasta que la revista cerró en 1972, y después trabajó como freelance. Antes de conocer a Smith, también creó un ensayo fotográfico sobre la comunidad greco-estadounidense en su ciudad natal de Canton, Ohio.
Murió en 2002.

"Rendville", Ohio, 1956


Hoy, 16 de Julio, es el cumple de

Antoni Arissa Asmarats, impresor y fotógrafo español nacido en el distrito de San Andrés de Barcelona

"Sense títol / Sin título (Una lectora seria) / Untitled (A Serious Reader)", 1930-36

"Sense títol / Sin título / Untitled", 1930-36

Se inició en la fotografía como aficionado mientras trabajaba en la imprenta de su padre. Con 22 años obtuvo su primer premio en la revista Criterium, en 1924 obtuvo premio en el Ateneo Obrero de Gijón y al año siguiente obtuvo otro en el distrito segundo y un premio de honor en Figueras. También obtuvo galardones internacionales y realizó exposiciones en salones como la Royal Photographic Society. A nivel nacional, fundó la Agrupació Fotogràfica Saint Víctor en su barrio de San Andrés.

"Madre, carro y niño / Mother, kart and child", 1923-29
Archivo Arissa, Fundacion Telefónica / Arissa Archive, Telefonica Foundation

Participó en la revista Art de la Llum que se autotitulaba "Revista fotográfica de Cataluña", y que se editaba en 1933, en mitad del debate sobre el Estatuto de Cataluña, íntegramente en catalán, con un enfoque catalanista y pictorialista. En ella Antoni Arissa dispuso de un número monográfico en 1935.
Su obra fotográfica se enmarcó en el pictorialismo, que era el estilo fotográfico valorado entonces en los salones fotográficos, sin embargo posteriormente encaminó su obra hacia la nueva objetividad y el constructivismo. Al finalizar la Guerra Civil Española abandonó prácticamente la fotografía, principalmente por la imposibilidad de dar salida a su obra artística en estas circunstancias.
Parte de su obra se encuentra en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. El Instituto de Estudios Fotográficos de Cataluña dispone, además, de un fondo​ con más de dos mil imágenes, que abarcan el periodo entre la primera década del siglo XX y la Guerra Civil. El resto de su legado se conserva en la Universidad de Navarra. Su familia también conserva obra, aunque tras la muerte del artista tiraron la mayoría de sus trabajos, sin ser conscientes de la importancia artística e histórica que tenían.
Arissa murió en 1980.

"Perchero y sombrero / Coat Rack and Hat", 1930-36
Archivo Arissa, Fundacion Telefónica / Arissa Archive, Telefonica Foundation


Textos en inglés / English translation

On July 10 is the birthday of

Leila Alaoui (arabian: ليلى علوي; tifinag: ⵍⴰⵢⵍⴰ ⵄⴰⵍⴰⵡⵉ), French-Moroccan photographer and video artist born in 1982 in Paris.
She grew up in Marrakesh, Morocco. During her childhood and adolescence, she was regularly exposed to tragic stories of migrants drowning at sea while undertaking hazardous journeys, which she interpreted as stories of social injustice. When Alaoui turned 18, she moved to New York City to study photography at the City University of New York. Alaoui felt that studying in the United States allowed her to become "even more exposed to questions of belonging and identity construction." She returned to Morocco in 2008.
Alaoui believed that photography and art could be used for social activism, and should be used for "reflecting and questioning society". As a result, she chose to focus her work on social and national realities of cultural identity and diversity, migration and displacement. To do this, she used image creation, reports and studio video installations. One of her commonly used techniques was to set up a portable studio in a public place such as a market square and to invite interested passers-by to be photographed. Alaoui stated that her inspiration for this type of portrait photography came from Robert Frank's portrayal of Americans in the post-war era, such as in The Americans (1958). Alaoui often emphasizes her subjects, minimizing the background of some of her portraits.
Her photos were published in The New York Times and Vogue. She also completed assignments for the Spanish TV reality show El Mago. In 2013, she was commissioned by the Danish Refugee Council to create a series of portraits of refugees in Lebanon. The project was called "Natreen" ("We Wait"). In 2013, she created a video installation entitled "Crossings", describing the journeys of Moroccans travelling to Europe. In 2015, she completed a photographic assignment "Everyday Heroes of Syria", in Lebanon, Jordan and Iraq, focusing on Syrians living in refugee settlements. The project was completed for the Danish Refugee Council, the European Commission Humanitarian Aid Office and ActionAid.
Alaoui was hired by UN Women  and Amnesty International to work on a photographic assignment on women's rights in Burkina Faso. On January 16, 2016, during her first week working on the assignment, she was seriously wounded by gunshots while sitting in a parked car with her driver outside the Cappuccino cafe whilst gunmen attacked the Cappucino and the Splendid Hotel. Mahamadi Ouédraogo, the driver, sustained critical injuries and died in the vehicle. Alaoui was quickly taken to a hospital and seemed initially in a stable condition following an operation. She died three days later of a heart attack.

On July 11 is the birthday of

Peter F. Miraglia, American photographer who lives and maintains a studio in Philadelphia.
He studied at the Rochester Institute of Technology, Rochester, N.Y. (with Betty Hahn 1973-1975) and the University Of Rochester, Rochester, N.Y. (B.A. Fine Arts/Photography 1976). He also made a research work in the history of photography (1973-1976) at the International Museum of Photography at the George Eastman House, Rochester, N.Y. He studied with William Jenkins and Robert Sobieszek.  
His photographic work concentrates on psychological portraiture, the narrative of the heart and the mind. 
The complete body of work can be seen as intimate, enigmatic, and emotionally complex, with a suggestion of peoples’ inner lives and personal stories. Through the dramatic use of staging, color, shadow and light the portraits become a kind of psychological theater. 
The artist has traveled extensively around the world. He has a continuing interest and involvement in the field of Psychiatry. 

On July 12 is the birthday of

Motoichi Kumagai (熊谷 元一), Japanese photographer and illustrator of books for children born in Ōchi (会地; now Achi), Shimoina District, Nagano Prefecture in 1909, known for his portrayal of rural and school life.
Kumagai worked from 1930 to 1933 as a teacher. He had his first work for children published in the May 1932 issue of the magazine Kodomo no Kuni. In 1936 he bought a Pearlette camera (a Konishiroku derivative of the Vest Pocket Kodak), with a simple meniscus lens, and started to use this to photograph village life; his first photograph collection was published two years later by Asahi Shinbunsha. In 1939 he went to Tokyo as a government photographer and was later sent three times to Manchukuo; after the war, he returned to teach in his village.
A book of photographs of school life published by Iwanami Shoten in 1955 won a photography prize from Mainichi Shimbun.
Kumagai published books of works for children as well as books of photographs. His photographs are held in the permanent collection of the Tokyo Metropolitan Museum of Photography, and a volume of the series Nihon no Shashinka is dedicated to his work. He received various honours for his work, especially since around 1990. The village of Achi created a gallery, Kumagai Motoichi Shashin Dōgakan, for the permanent exhibition of his work.
He died in 2010, in a nursing home in Tokyo, of natural causes.

On July 13 is the birthday of

Grace Robertson, British photographer born in 1930.
After leaving school she looked after her mother who suffered from rheumatoid arthritis. Robertson's father gave her a second-hand camera in 1949 and the following year she had a photo story about her sister doing her homework published in Picture Post. Over the next few years she had several photo stories published in the magazine including Sheep Shearing in Wales (1951), Tate Gallery (1952), Mother's Day Off (1954) and Childbirth (1955).
Robertson was appointed an OBE in 1999. She was married to the Picture Post photographer Thurston Hopkins (1913-2014).
As well as photojournalism for magazines such as Life Magazine, Robertson worked in advertising. She is the daughter of journalist and broadcaster Fyfe Robertson.

On July 14 is the birthday of

Jim French, American photographer, filmmaker and publisher born in 1932. Under the pseudonym Rip Colt he created Colt Studio.
French left a legacy of homoerotic images in photo sets, magazines, books and calendars that presented his work exclusively and set a new standard in photography of men. Given that he owned the company that produced and distributed his work, it was self-published.
French began drawing and photographing male erotica in the 1960s. His first published book, Man, was issued in 1972. Other books include Another Man, Jim French Men, Quorum, Opus Deorum, Masc., The Art of Jim French and The Art of the Male Nude. Colt magazines began in the early 1970s. By the late 1970s, short films were being issued in 8mm format; they were soon collected on video-cassette format, which were remastered for DVD format in the 1990s. These DVDs remain available. Annual calendars in the Jim French style, some of them including his iconic photographs, continue to be published each year.
French died at home in Palms Springs, California, in 2017.

On July 15 is the birthday of

James H. Karales, American photographer and photo-essayist best known for his work with Look magazine from 1960 to 1971. At Look he covered the Civil Rights Movement throughout its duration, taking many of the movements memorable photographs, including those of the formation of the Student Nonviolent Coordinating Committee (SNCC) and of Dr. Martin Luther King Jr. and his family. Karales's single best known image is the iconic photograph of the Selma to Montgomery march showing people proudly marching along the highway under a cloudy turbulent sky.
Although he initially enrolled in Ohio University with the intention of majoring in electrical engineering, Karales switched his major to photography after watching his roommate in the darkroom. He graduated with a bachelor of fine arts degree in 1955, departing Ohio for New York City. He eventually found work as a darkroom assistant for photo-essay photographer W. Eugene Smith at the Magnum photo agency, initially on a two-week assignment making prints for Smith's Pittsburgh essay. He would go on to work for Smith for two years, making more than 7,000 prints and developing expertise both in the darkroom and as a photo-essayist.
After leaving Magnum, Karales produced his own photo essays, including works showing what life was like for the working citizens of Rendville, Ohio, a former stop on the Underground Railroad and one of the few integrated working communities in the United States. His Rendville photo-essay would draw the attention of Edward Steichen and led to a solo exhibition at Helen Gee's Greenwich Village gallery, Limelight. Karales also drew attention from Look for the Rendville essay, and Look would go on to hire him in 1960 to cover and photograph both the civil rights movement and the war in Vietnam. Karales worked for Look until the magazine closed in 1972; afterwards, he worked as a freelance photographer. Before he met Smith, he also created a photo-essay on the Greek-American community in his hometown of Canton, Ohio.
He died in 2002.

Today, July 16, is the birthday of

Antoni Arissa Asmarats, Spanish printer and photographer born in the San Andrés district of Barcelona
He began photography as an amateur while working in his father's printing press. With 22 years obtained his first prize in the magazine Criterium, in 1924 obtained prize in the Ateneo Obrero of Gijón and the following year he obtained another in the second district and an honor prize in Figueras. He also won international awards and held exhibitions in salons such as the Royal Photographic Society. Nationally, he founded the Agrupació Fotogràfica Saint Victor in his neighborhood of San Andrés.
He participated in the magazine Art de la Llum, which was entitled "Photographic Magazine of Catalonia", and was published in 1933, in the middle of the debate on the Statute of Catalonia, entirely in Catalan, with a Catalan and pictorialist approach. In it Antoni Arissa had a monographic number in 1935.
His photographic work was framed in pictorialism, which was the photographic style then valued in the photographic salons, nevertheless later directed his work toward the new Objectivity and Constructivism. At the end of the Spanish Civil War he practically abandoned photography, mainly because of the impossibility of giving output to his artistic work in these circumstances.
Part of his work is in the National Museum of Art of Catalonia. The Institute of Photographic Studies of Catalonia also has a fund with more than two thousand images, covering the period between the first decade of the twentieth century and the Civil War. The rest of his legacy is preserved in the University of Navarra. His family also conserves work, although after the death of the artist they threw most of them, without being aware of the artistic and historical importance they had.
Arissa died in 1980.

Rinocerontes (LXXXIV)

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Armando Bergallo

El artista con su obra / The artist with his work
"Rinoceronte / Rhinoceros", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 600 x 215 cm., 2017

En estos días estamos repasando la obra del artista uruguayo, residente en Francia, Armando Bergallo. El primer post estaba dedicado a su serie sobre animales. Dentro de la misma, también ha hecho un lugar para los rinocerontes, con estas dos piezas que les presento.

"Le Rhinocéros / El rinoceronte / The Rhino", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 120 x 100 cm., 2017

These days we are reviewing the body of work of the Uruguayan artist, based in France, Armando Bergallo. The first post was dedicated to his series of paintings with animals as main subject. Within it, he has also made a place for the rhinos, with these two pieces you can enjoy here.

Armando Bergallo en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (XXX)], [Uruguayos (XXXI)]

Más sobre Armando en / More about Armando inWebsitefacebook
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Lius Lasahido

Lius Lasahido es un artista conceptual e ilustrador independiente de Jakarta, Indonesia. Sus obras giran en torno a la fantasía, creando personajes y entornos increíbles. Es el fundador de "Polar Engine", un "modesto grupo de artistas que ofrece ilustraciones de alta calidad para la industria del entretenimiento".

"La bella y la bestia / Beauty and the Beast", 2013

Lius Lasahido is a freelance concept artist and illustrator from Jakarta, Indonesia. His works revolves around fantasy, creating amazing characters and environments. He's the founder of "Polar Engine", a "Modest group of artists providing high quality illustrations for entertainment industry".

Más sobre Lius Lasahido en / More about Lius Lasahido in:

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Hua Tunan
画图男

Otro artista de quien publiqué un rinoceronte muy personal en septiembre de 2014. Aquí les dejo otro en el que estaba trabajando en 2015.

"Sudan"

Another artist from whom I published a very personal rhinoceros in September 2014. Here you another one he was working on in 2015.

Trabajando en / At work with Sudan

Hua Tunan en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (LVI)]

Más sobre Hua Tunan en / More about Hua Tunan: FacebookdeviantARTTumblr
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Rakhmatulin Roman Fitratovich
Рахматулин Роман Фитратович

El artista ruso Roman Rakhmatulin nació en 1986 en San Petersburgo. En 2009 se graduó en el Instituto de Arquitectura de Moscú, después de lo cual trabajó en el campo del diseño de interiores. En 2011 se volvió seriamente a la pintura. Viajó extensamente por Rusia, India, Gran Bretaña y los EEUU. Sus primeras series artísticas fueron obras creadas a partir de los bocetos de su viaje por la India y el norte de la península de Kola. En febrero de 2013 hizo un segundo viaje a Estados Unidos, esta vez a Nueva York, donde trabajó con famosos artistas estadounidenses. Su obra fue exhibida al público en general en muestras de arte colectivas e individuales en Brooklyn y Manhattan. En Manhattan en la "Galería Ward-Nasse" presentó una exposición individual. A finales de 2013 regresó a Moscú, donde continúa trabajando activamente y participando en la vida cultural de la capital. ArtNow

"Синий Носорог / Rinoceronte azul / Blue Rhino"
técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 50 x 70 cm., 2015. ArtNow

Russian artist Roman Rakhmatulin was born in 1986 in St. Petersburg. In 2009 he graduated from the Moscow Architectural Institute, after which he worked in the field of interior design. In 2011, I turned seriously to painting. He traveled extensively in Russia, India, Great Britain and the USA. The first art cycles were works created on the sketches of Indian travel and trips to the north of the Kola Peninsula. In February 2013, Roman made a second trip to the US this time in New York, where he worked with famous American artists. His work was demonstrated to the general public at the art venues of Brooklyn and Manhattan in group and individual shows. On Manhattan in the "Ward-Nasse Gallery" was a solo exhibition. In late 2013, Roman returned to Moscow, where he continued to work actively and participate in the cultural life of the capital. ArtNow
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Igor Morski

Igor Morski es un diseñador gráfico, ilustrador y diseñador escénico nacido en Poznań (Polonia) en 1960. En abril de 2013 disfrutamos de una selección de su obra hasta entonces.

Serie Animales, Rinoceronte / Animal Series, Rhino. Displate

Igor Morski is a graphic designer, illustrator and stage designer born in Poznań (Poland) in 1960. In April 2013 we enjoyed a selection of his work until then.

Igor Morski en "El Hurgador" / in this blog[Igor Morski (Ilustración, Arte digital)]

Más sobre Igor Morski en / More about Igor Morski in: Website, his Gallery, facebook
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Patrick Cabral

Patrick Cabral es un artista con sede en Manila. Como parte de una serie para llamar la atención sobre diversas especies en peligro de extinción, Patrick creó impresionantes figuras de papel recortado de animales amenazados. Las obras están cortadas a mano, e incorporan floridos patrones decorativos en cada animal. Acerca de este rinoceronte, podemos leer en su página web:

«La primera cosa que leí en Facebook hoy fue "Furtivos entran en un zoo francés, matan al rinoceronte blanco y roban su cuerno. Los furtivos forzaron la entrada al zoológico francés por la noche y mataron a un rinoceronte blanco del sur llamado Vince, aserrando uno de sus cuernos antes de huir. A pesar de las prohibiciones por la convención internacional y la ley francesa, la venta ilegal de cuernos de rinoceronte persiste debido a la demanda de uso en la medicina tradicional asiática. Un kilo de cuerno de rinoceronte se vendía en el mercado negro por casi $ 54.000 en 2015." El rinoceronte blanco es una especie en peligro de extinción, con un estimado de unos 21.000 ejemplares en el medio silvestre en todo el mundo, principalmente en Sudáfrica y Uganda. Sus cuernos son buscados en Asia, donde son valorados por sus supuestas cualidades afrodisíacas. Alguien sugirió que tal vez deberíamos cortar todos sus cuernos para evitar que los cazadores furtivos maten a los rinocerontes. Es exasperante que hayamos llegado a un  punto en que la gente este considerando esto como una solución. Este animal fue el más difícil de hacer. Quería hacer algo que destacara a los rinocerontes, especialmente cuando @inkhappythoughts compartió que sólo quedan tres blancos del norte y está vigilados las 24 horas por hombres armados. Esta obra en papel recortado se inspira en el grabado en madera de Alberto Durero de 1515. Es una de mis imágenes favoritas. La primera vez que lo vi fue en una enciclopedia y se ha grabado en mi memoria. Quería hacer una pieza que personalmente me gustaría conservar, y esta es una de mis preferidas.»

Serie "Especies amenazadas", Rinoceronte / Endangered Species Series, Rhinoceros
Papel recortado a mano / hand-cut paper

Patrick Cabral is an artist based in Manila. As part of a series to highlight various endangered species, Patrick created amazing cut paper portraits of threatened animals. The works are cut by hand and incorporate decorative flourishes and patterns in each animal. About this rhino, we can read in his website:

«The first thing I read on Facebook today was "Poachers Break Into French Zoo, Kill White Rhino And Steal His Horn” . "Poachers forced their way into a French zoo and killed a southern white rhinoceros named Vince, sawing off one of his horns before fleeing into the night.""Despite bans by international convention and French law, the illegal sale of rhino horns persists because of demand for use in traditional Asian medicine. A kilogram of rhino horn sold on the black market for nearly $54,000 in 2015, according to the zoo.” The white rhino is an endangered species, with an estimated 21,000 remaining in the wild across the world, mainly in South Africa and Uganda. Their horns are sought after in Asia, where they are valued for their supposed aphrodisiac qualities. Someone actually suggested that maybe we should cut-off all their horns to prevent poachers from killing Rhinos. It’s infuriating how we are at the point that people are considering this as a solution. This animal was the hardest one to make. I really want to make something that highlights Rhinos specially when @inkhappythoughts shared that there are only three northerns whites left and it’s guarded 24/7 by armed men. This papercut is inspired by Albrecht Durer’s woodcut from 1515. It’s one of my most favourite image ever. The first time I saw it was from an encyclopaedia and it has been seared into my memory. I want to make a piece that I would personally would want to keep and this one is among my most favourit.»

Más sobre Patrick Cabral en / More about Patrick Cabral in:
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Josh Keyes

Josh Keyes nació en Tacoma, Washington. Se graduó con un Bachiller de Bellas Artes en 1992 en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, y obtuvo un Master de la Universidad de Yale en 1998. Actualmente vive y trabaja en Portland, Oregon.
Ya disfrutamos de una de sus piezas titulada "El recolector", en el post número 34 de nuestra serie de rinocerontes. Ahora, uno más.

"Temblor / Quake", acrílico sobre panel de abedul /
acrylic on birch panel, 12" x 18", 2015. Colección privada / Private Collection

Josh Keyes was born in Tacoma, Washington. He graduated with a Bachelor of Fine Arts in 1992 at the School of Art Institute of Chicago, and a Master of Yale University in 1998. He currently lives and works in Portland, Oregon.
We already enjoyed one of his pieces entitled "The Collector" in the post #34 of our Rhinos Series. Now, one more.

Josh Keyes en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (XXXIV)]

Más sobre Josh Keyes en / More about Josh Keyes in: Website, facebook
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Dalia del Bue

Dalia del Bue es una ilustradora y profesora de arte que vive en Turín, Italia.
Asistió a la Academia de Bellas Artes, donde se centró en técnicas de dibujo, desarrollando una sólida formación en pintura y técnicas gráficas tradicionales. También se dedicó al aprendizaje de la escultura y el modelado, y asistió a una pasantía en el taller de artesanía y escultura de Michele Guaschino, que proporciona material para artistas internacionales contemporáneos, máscaras, modelos y reproducciones de animales. Luego trabajó como asistente de artista en el estudio Fabio Viale, colaborando en la realización de sus estatuas de mármol tatuadas.
Mientras tanto se dedicó a su obra personal y comenzó a trabajar como ilustradora.
Su trabajo va desde la pintura hasta la ilustración para revistas, libros, periódicos, diseño impreso y exposiciones.
Ella define su trabajo como una mezcla de elementos curiosos y caprichosos con imágenes oníricas. Se inspira en la naturaleza, plantas, animales, comportamientos extraños, máscaras extrañas, netsuke japonés y el arte del Renacimiento italiano.

"L'alba del rinoceronte albero / El amanecer del rinoceronte árbol / Dawn of the Tree Rhino"
Aguafuerte / etching, 2008

Dalia del Bue is an illustrator and art teacher living in Turin, Italy.
She attended at the Academy of Fine Arts, where she focused on drawing techniques, developing a strong background in painting and traditional graphics techniques. She also dedicated to sculpture and modelling learning, and she attended an internship in Michele Guaschino craftsmanship and sculpting studio, which provided creations for international contemporary artists, masks, models and reproductions of animals. Then she worked as artist assistant in Fabio Viale studio, collaborating to the realization of his tattooed marble statues.
Meanwhile she dedicated to her personal work and started working as an illustrator.
Her work ranges from painting to illustration for magazines, books, newspapers, print design and exhibitions.
She defines her work as a mixture of curious and whimsical elements with a dreamlike imagery. It is inspired by nature, plants, animals, bizarre behaviours, weird masks, japanese netsuke, art from the Italian Renaissance.

Más sobre Dalia del Bue en / More about Dalia del Bue inWebsite, Blog, Behance, facebook
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Nerina Canzi

Otra visitante que repite en el blog es la pintora y artista gráfica argentina Nerina Canzi. Hace unos cuantos años ya disfrutábamos de sus coloridas e imaginativas creaciones. Este simpático rinoceronte, con un aparato locomotor de lo más singular, pertenece a su serie de animales.

Serie Animales, Rinoceronte / Animals Series, Rhinoceros

Another visitor who repeats on the blog is Argentine painter and graphic artist Nerina Canzi. A few years ago we already enjoyed her colorful and imaginative creations. This nice rhinoceros, with a locomotor system quite singular, belongs to her Animals series.

Nerina Canzi en "El Hurgador" / in this blog[Nerina Canzi (Ilustración)]

Más sobre Nerina Canzi en / More about Nerina Canzi in: Blogfacebook
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Jean Baptiste Vendamme

Las caricaturas de animales del ilustrador francés Jean Baptiste Vendamme son exquisitas. Ya vimos uno de sus rinocerontes en el Nº 11 de la serie. Ahora dos más.

"Rinorojo / Redrhino", arte digital / digital art, 2015 © 2015-2017 JBVendamme

The animal caricatures of the French illustrator Jean Baptiste Vendamme are exquisite. We already saw one of his rhinos in the #11 of the series. Now two more.

"Salvenalrinoceronte / Savetherhino", arte digital / digital art, 2015 © 2015-2017 JBVendamme
Porque... ¿quién quiere vivir en un mundo sin rinocerontes? /
Because who wants to live in a world without rhinos...?

Jean Baptiste Vendamme en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (XI)]
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Anna Rodionova
Анна Родионова

Anna Rodionova es una artista gráfica, ceramista, diseñadora, miembro de la Unión de Artistas de Rusia, miembro de la Unión Creativa de Artistas de Rusia, miembro de la Asociación Internacional Público "Unión de Diseñadores" y uno de los fundadores de la Empresa "Liyalo". Anna nació en 1977 en Cheboksary, República de Chuvash. Se graduó en la escuela de arte infantil No. 6 en 1993.
Suyo es este vistoso rinoceronte realizado en una técnica que aún no habíamos tratado en el blog, el batik. Liyalo

"Носорог / Rinoceronte / Rhinoceros", batik, 2008

Anna Rodionova is an artist, graphic artist, ceramist, designer, member of the Union of Artists of Russia, member of the Creative Union of Artists of Russia, member of the International Public Association "Union of Designers", one of the founders of the company "Liyalo". Anna was born in 1977 in Cheboksary, Chuvash Republic. She is a graduate of the Children's Art School No. 6 named after Aktsynov (1993).
Hers is this colorful rhinoceros realized in a technique not yet addressed in the blog, the batik. Liyalo
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Alexandra de Lazareff

Alexandra Lazareff es una escultora ucraniana nacida en Kiev, radicada en Italia, que aprendió el arte del dibujo en Australia, y trabajó como retratista en París. Desde 1986 se dedica por entero a la escultura. En esta segunda visita al blog, otro de sus hermosos rinocerontes. Website

"Rinosofía / Rhinosophy", bronce / bronze, 42 x 125 x 70 cm.

Alexandra Lazareff is an Ukranian sculptor born in Kiev, based in Italy, who learnt drawing in Australia, working after that as a portraitist in Paris. Since 1986 she works full time in sculpture. In her second visit to this blog, another beautiful rhinoWebsite 

Alexandra de Lazareff en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (XXXIV)]
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Jordan MacLachlan

Jordan Maclachlan nació en Toronto y sigue viviendo y trabajando allí. Trabaja con la arcilla y técnicas mixtas, y ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales y colectivas a lo largo y ancho de Canadá, incluyendo el Museo Nacional de Ciencias Naturales de Ottawa y en la exposición "Inefabilidad de la Plasticidad: la experiencia de ser humano" en el Museo de Arte Canadiense Contemporáneo en Toronto.
Su obra se conserva en una variedad de colecciones corporativas e institucionales incluyendo el centro de la confederación para las artes, PEI, y la galería de Robert McLaughlin, Oshawa.
«El trabajo que hago debe ser siempre convincente y tener sentido para mí, de lo contrario no me siento obligada a hacer arte en absoluto. Como artista vengo de un lugar instintivo mientras que al mismo tiempo hago un esfuerzo consciente para reflejar clara y respetuosamente la manera en que veo la vida desarrollándose a mi alrededor. Todo eso. Creo que es por eso que mi trabajo resulta de alguna manera bastante franco, mientras que al mismo tiempo posee una "vivacidad", como si hubiera alguien viviendo dentro de cada pieza.
Siempre he tenido tendencia a trabajar con arcilla porque ha sido capaz de encajar en casi cualquier circunstancia de mi vida, grande o pequeña. En el acabado de las obras combino asombrosamente el uso de esmaltes, cintas, pinturas, maquillaje y materiales encontrados. Algunas veces dejo las obras sin terminar.» 

"Ways to Live" representa tres modos familiares de vivir. Aunque sus entornos se cruzan y superponen, cada uno sigue siendo distinto. Y sin embargo he llegado a pensar en estos como síntomas de un todo mayor.
Nuestro trato con los animales, y nuestras relaciones animales de los unos con los otros, forman una historia complicada y continua que evade la lógica, y conlleva dolor. Es una narrativa que es, a menudo, violenta y opaca.

"Maneras de vivir: Viviendo en el Zoo / Ways to Live Series: Zoo Living"

Jordan Maclachlan was born in Toronto and continues to live and work there. She works with clay and mixed media, and has shown her work in solo and group exhibitions across Canada, including the National Museum of Natural Science in Ottawa, and in the exhibition "Ineffable Plasticity: the experience of beig human" at the Museum of Contemporary Canadian Art in Toronto.
Her work is included in a variety of corporate and institutional collections including the Confederation Centre for the Arts, PEI, and The Robert McLaughlin Gallery, Oshawa.
«The work I do must always be compelling, and have meaning to me, otherwise I am not driven to make art at all. As an artist I come from an instinctual place while at the same time making a conscious effort to clearly and respectfully reflect the way I see life unfolding all around me. All of it. I think this is why my work tends to appear somehow quite frank, while at the same time posessing an "aliveness" as though there were someone home inside each piece.
I have always been partial to working with clay because it has been able to fit into just about any of my life circumstances, big or small. In finishing the works I spaingly combine the use of glazes, slips, paints, make-up and found materials. I will sometimes leave the works unfinished.»

"Ways to Live" figures three familiar models of living. While their environments intersect and overlap,each one remains distinct. And yet I’ve come to think of these as symptoms of a greater whole.
Our dealings with animals, and our sometimes animal-dealings with one another, form a complicated and continuous story that evades logic, and carries hurt. It’s a narrative that is, oftentimes, violent and opaque.

Más sobre Jordan en / More about Jordan inWebsiteLa Voz del Animal Invisible /
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Masayoshi Matsumoto
松本壮由

El sorprendente trabajo del japonés Masayoshi Matsumoto también fue objeto de un post en octubre de 2015. Sin ningún tipo de pegamento ni método de unión más que los propios globos, confecciona animales de todo tipo jugando con las formas y los colores. Como no podía ser de otra manera, también hay un rinoceronte.


The surprising work of the Japanese Masayoshi Matsumoto was also the theme of a post in October 2015. Without any glue or bonding method more than the balloons themselves, he makes animals of all kinds playing with shapes and colors. As it could not be otherwise, there is also a rhinoceros.

Masayoshi Matsumoto en "El Hurgador" / in this blog[Masayoshi Matsumoto (Arte con globos)]

Más sobre Matsumoto en / More about Matsumoto in: Tumblr, Website, facebook
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Jagannath Panda

Jagannath Panda es un artista indio nacido en Bhubaneswar, Orissa en 1970.
Tiene una licenciatura en Bellas Artes del BK College of Art & Crafts en Bhubaneswar (1991) y también un Máster en la MS University en Baroda (1994), así como una maestría del Royal College of Art de Londres (2002). Sus pinturas y esculturas han sido presentadas en "Chalo India", una exposición colectiva de arte nuevo de la India organizada por el Mori Art Museum en Tokio (noviembre de 2008 a marzo de 2009), que viajó al Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Seúl, Corea (Abril-junio, 2009) y el Museo Essl en Viena, Austria (septiembre-diciembre 2009).
Jagannath Panda explora la diversidad de expresiones y simbolismos posibles a través de imágenes y formas animales. Sus obras exploran muchas de nuestras dicotomías más fundamentales: Naturaleza / Cultura, Urbano / Rural, Tradicional / Contemporáneo y Figuración / Abstracción. Crea un arte intrincado que reconcilia lo mítico y lo tecnológico, reflexionando sobre la transición de la India en una época de intensa urbanización. Él registra las tensiones provocadas por el cambio social, a menudo humanizando a los animales para convertirse en actores en sus ambiguos mundos que flotan entre la realidad, la metáfora y el sueño.

"El ser / The Being", fibra de vidrio, resina, tela, acrílico, hierro, pegamento /
fiberglass, rexine, fabric, acrylic, iron, glue, 154 x 194 x 119 cm., 2015. Halcyon Gallery

Jagannath Panda is an Indian artist born in Bhubaneswar, Orissa in 1970.
He received a BFA from the BK College of Art & Crafts in Bhubaneswar (1991) and then an MFA at the MS University in Baroda (1994), as well as an MA degree from the Royal College of Art in London (2002). His paintings and sculptures have been featured in "Chalo! India," a group exhibition of new art from India organized by the Mori Art Museum in Tokyo (Nov 2008-March 2009) and travels to the National Museum of Contemporary Art in Seoul, Korea (April-June, 2009) and the Essl Museum in Vienna, Austria (Sept-Dec 2009).
Jagannath Panda explores the diversity of expressions and symbolisms possible through animal images and forms. His works explore many of our most fundamental dichotomies: Nature/Culture, Urban/Rural, Traditional/Contemporary and Figuration/Abstraction. He creates intricate art that reconciles the mythical and technological, reflecting on India’s transition in an era of intense urbanisation. He records the tensions brought about by social change, often humanising animals to become actors in his ambiguous worlds which hover between reality, metaphor and dream.

"El ser II / The Being II", 264 x 152 x 139 cm., 2009. Naturemorte

Textos / TextHalcyon GalleryNaturemorte

Jagannath Panda en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (LXXVII)]
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Reciclaje / Recycling

XI Festival de Arquitectura, Plaza de Octubre
Exposición de esculturas a partir de materiales reciclados 
Bielorrusia, 2015


XI Architecture Festival, October Square
Exhibition of sculptures made from recycled materials
Belarus, 2015. City Dog
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El rinoceronte de oro / The Golden Rhinoceros

Rinoceronte de oro de / Golden rhinoceros of Mapungubwe
Oro / gold, descubierto en / discovered 1932

El Rinoceronte de Oro es un objeto antiguo del antiguo reino de Mapungubwe, que se encuentra en la actual África del Sur. Fue encontrado en una tumba real en la colina de Mapungubwe en 1932 por los arqueólogos de la universidad de Pretoria. El objeto se describe como "lo suficientemente pequeño para caber en la palma de la mano", y también como el equivalente de África del Sur de la máscara de Tutankhamon o el tesoro de Staffordshire.
Durante décadas fue ignorado en Sudáfrica porque contradecía la ideología racista del apartheid, que enseñaba que la historia comenzó cuando el primer colono holandés llegó a Ciudad del Cabo en 1652. Pocos estaban dispuestos a reconocer que el rinoceronte, hecho de varias piezas de delgadas láminas de oro originalmente clavadas en una talla de madera, podría ser el trabajo de una cultura negra mucho más temprana.
Desde los albores de la democracia multirracial, Mapungubwe ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco e incorporado a un parque nacional. Un museo en el campus universitario tiene 9 kg de tesoros de oro encontrados en el sitio - la colección arqueológica más grande de artefactos de oro en el África subsahariana - de los cuales 3,5 kg, incluyendo el rinoceronte, están en exhibición.

Rinoceronte de oro de / Golden rhinoceros of Mapungubwe
Oro / gold, descubierto en / discovered 1932

The golden rhinoceros of Mapungubwe is an ancient artifact from the ancient Kingdom of Mapungubwe, which is located in modern-day South Africa. It was found on a royal grave on Mapungubwe Hill in 1932 by archaeologists from the University of Pretoria. The artifact is described as being "small enough to stand in the palm of your hand", and also as southern Africa’s equivalent of Tutankhamun’s mask or the Staffordshire hoard.
For decades it was largely ignored in South Africa because it contradicted the racist ideology of apartheid, which taught that history began when the first Dutch settler arrived in Cape Town in 1652. Few were willing to contemplate that the rhino, made of several pieces of thin gold foil originally nailed on to a wooden carving, could be the work of a much earlier black culture.
Since the dawn of multiracial democracy, Mapungubwe has been declared a World Heritage Site by Unesco and incorporated into a national park. A museum on the university campus holds 9kg of gold treasures found at the site – the biggest archaeological collection of gold artefacts in sub-Saharan Africa – of which 3.5kg, including the rhino, are on display.

El rinoceronte en el / The Rhino at British Museum (Londres, Reino Unido / London, UK)

Fuentes / Sources: Wikipedia, The Guardian
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Calle de la Abada / Sreet of the Abada
Alfredo Ruiz de Luna González

Ya habíamos comentado en el blog [Rinocerontes (XVII)] la presencia en Madrid de un rinoceronte indio hembra que llegó a Lisboa en 1577 a enriquecer la colección de bestias del rey loco Sebastián I, sucedido por Enrique I. Cuando en 1582 el rey Felipe II de España recogió la herencia de Enrique I y reunificó las coronas de España y Portugal, heredó el rinoceronte que fue trasladado a la Casa de Campo, cerca de Madrid. Posteriormente se trasladó a El Escorial donde fue exhibido ante los embajadores japoneses en 1584, y donde murió antes de 1588. 

Placa cerámica de la calle, obra de /
Ceramic plate of the street, a work by Alfredo Ruiz de Luna.

El texto que sigue está tomado del libro de Antonio de Capmany y de Montpalau sobre el origen de los nombres de las calles de Madrid:

CALLE DE LA ABADA.
"En las antiguas eras pertenecientes al Priorato de San Martin se aposentaron unos cazadores portugueses que traian una Abada ó Rinoceronte hembra, en cuyo sitio improvisaron una tienda, y al toque de tamboril y de dulzaina, embocaban á las gentes curiosas que acudían en gran multitud á contemplar la fiera, por cuya vista pagaban dos maravedises, acosándolas con estrepitosos silbidos y otros ademanes, mientras que los portugueses intentaban poner orden advirtiendo el peligro. Sucedió, pues, que un muchacho del hornero de la mata, familiarizándose demasiado con la Abada, halagándola con darle á comer pan y bollos calientes que cogia del horno, en un dia por travesura sacó un mollete abrasando y así se lo puso en la boca á la fiera, y esta se lo tragó. Ensoberbecido el animal, se arrojó sobre el muchacho, sin que los portugueses pudieran librarlo de los enormes dientes de la Abada. Sabida esta ocurrencia fatal por Fr. Pedro de Guevara, prior de San Martin y dueño de los terrenos, hizo salir de su jurisdicción á los portugueses, quienes aturdidos dejaron escapar la Abada, causando su fuga una grande alarma en Madrid. El poeta Quevedo escribe, que siendo ya el ano (?, c.1582-88) y divisándose un carro con un carguío de lanas en el Postigo de San Marlin, que salieron los madrileños con palos y picas á cazar la fiera, pero que se vieron burlados al saber que era un carro. El P. Sarmiento dice que las viejas y beatas refirieron hasta veinte muertes ocasionadas por la Abada cuando huia  y que las contaban entre lágrimas y sollozos; y otro autor, bastante crítico, consigna que un perro que venia en huida llevó delante de sí un tropel de gentes, juzgando que era la fiera, la cual fué cogida cerca de la era de Vicálvaro por los mencionados portugueses, ayudados por la Santa Hermandad.
De aquí quedó aquel paraje con el nombre de la Abada, y por la circunstancia de haberse puesto allí una cruz de palo para recuerdo de la desgraciada muerte del muchacho. Mas adelante, D. Juan Gabriel de Ocampo y doña María de Meneses compraron varios terrenos al prior, en los cuales levantaron casas, y á su imitación otros, y se formó la calle con la denominación de la Abada, que todavía viene conservando. Así constaba en el libro de la fundación de las capellanías de D. Jaime Moncada que se cumplían en la iglesia de clérigos menores de Portaceli, capilla donde se venera una imagen titulada Nuestra Señora de la Consolación."

Capmany y de Montpalau, Antonio de (1863). Orígen histórico y etimológico de las calles de Madrid. Madrid: Imprenta de Manuel B. de Quirós. pp.5-6. Fuente



We had already commented in the blog [Rinocerontes (XVII)] the presence in Madrid of an Indian female rhinoceros that arrived in Lisbon in 1577 to enrich the collection of beasts of the crazy king Sebastián I, succedded by Enrique I. When in 1582 the king Felipe II of Spain collects the inheritance of Enrique I and reunites the crowns of Spain and Portugal, inherited the rhinoceros that was transferred to the Casa de Campo, near Madrid. Later it was transferred to El Escorial where it was exhibited before the Japanese ambassadors in 1584, and where died before 1588.

The text that follows, is taken from the book of Antonio de Capmany and Montpalau on the origin of the names of the streets of Madrid:
(Translation is not very accurate because is writed in an antique form of Spanish. Sorry for that)

STREET OF THE ABADA.
"In the old eras belonging to the Priory of San Martin, were settled Portuguese hunters who brought in an Abada or female Rhinoceros, in whose place they improvised a tent, and at the beat of monkfish and the call dulzaina, they convened the curious people who came in a great multitude to contemplate the beast, by whose sight they paid two maravedises, harassing it with loud whistles and other gestures, while the Portuguese tried to put order warning the danger. It happened, then, that a boy from the baker, becoming too familiar with the Abada, flattering it by giving it bread and hot buns to take from the oven, one day for mischief, he took out a burning muffin and put it in its mouth And the beast swallowed it. Enraged the animal, he threw itself upon the boy, and the Portuguese could not free him from the Abada's enormous teeth. Pedro de Guevara, prior of San Martin and owner of the lands, having heard this fatal occurrence, throw out the Portuguese from his jurisdiction, who were stunned and let the Abada escape, causing a great alarm in Madrid. The poet Quevedo writes that in the year (?, c.1582-88), and seeing a carriage with a load of wool in the Postigo de San Marlin, the people from Madrid went out with sticks and spades to hunt the beast, but that they were mocked to know that it was a cart. Father Sarmiento says that the old women and the beatified women mentioned up to twenty deaths caused by the Abada when they counted them between tears and sobs; and another author, quite critical, says that a dog that came in flight charged against a mob of people, judging that it was the beast, which was caught near the era of Vicálvaro by the aforementioned Portuguese, aided by the Holy Brotherhood .
From here it remained that place with the name of the Abada, and by the circumstance of having put there a cross of wood for memory of the unfortunate death of the boy. Later on, Don Juan Gabriel de Ocampo and Dona Maria de Meneses bought several lands from the prior, in which they erected houses, and in their imitation others do the same, and formed the street with the name of the Abada, which still exist. Thus it was in the book of the founding of the chaplaincies of Don Jaime Moncada that were fulfilled in the church of minor clergy Portaceli, a chapel where an image entitled Our Lady of Consolation is venerated." Source
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Como siempre, mi agradecimiento a mis habituales colaboradores, sugeridores y suministradores de imágenes para esta serie: Shirley Rebuffo, Mafa Alborés, Olga Cabrinety, Ana Díaz...

As always, my thanks to my usual collaborators, supporters and suppliers of images for this series: Shirley Rebuffo, Mafa Alborés, Olga Cabrinety, Ana Díaz ...

Muere Jorge Damiani

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Muere Jorge Damiani a los 85 años / 
Jorge Damiani passed away at age 85

El artista durante su última exposición junto al fotógrafo Julio Testoni “Manos del mar, manos del hombre”, en el Museo Zorrilla de Montevideo, Uruguay, en mayo de 2012.
The artist during his last exhibition along with photographer Julio Testoni "Hands of the Sea, Hands of Men", at Zorrilla Museum, Montevideo, Uruguay, May 2012

Me ha llegado vía Shirley Rebuffo la triste noticia del fallecimiento del pintor uruguayo Jorge Damiani.

"Casco de estancia / Farmstead"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, v60 x 73 cm., 1973. Subastasarteya

Nacido en Italia en 1931, estudió en la Academia Brera de Milán. Recibió la beca Guggenheim por dos períodos y The New School for Social Research, EEUU (1959-1961). Participó en la IV, VII y XX Bienal de San Pablo, en la II Bienal de París (1963) y en la XXXII Bienal de Venecia (1964). También en la II Bienal Americana de Arte de Córdoba, Argentina (1964) y muchas otras muestras. También participó en otras exposiciones colectivas en distintos países.
Sus obras se encuentran en museos de Montevideo, Buenos Aires, Caracas, San Pablo, Río de Janeiro, Santiago de Chile, Washington, Nueva York, etc.
Nuestro pésame a familiares y amigos.
Más información en Teledoce.

"Paloma y Ombú / Pigeon and Ombu Tree"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 90 x 72 cm., 1973. Subastasarteya

I received via Shirley Rebuffo the sad news that Uruguayan painter Jorge Damiani passed away yesterday. 

"Estancia con luna / Ranch With Moon", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 1995. El Observador

I received via Shirley Rebuffo the sad news that Uruguayan painter Jorge Damiani passed away yesterday. 
Born in Italy in 1931, he studied at the Academy of Brera, in Milan. He received a Guggenheim Fellowship for two periods and The New School for Social Research, USA (1959-1961). He participated in the IV, VII and XX São Paulo Biennial, in the II Paris Biennial (1963) and XXXII Venice Biennale (1964). Also at the II American Art Biennial Córdoba, Argentina (1964) and many other collectiv shows in several countries.
His works are in museums in Montevideo, Buenos Aires, Caracas, São Paulo, Rio de Janeiro, Santiago de Chile, Washington, New York, etc..
Our condolences to family and friends.
More information (in Spanish), in Teledoce.

''Estancia y Luna / Ranch and Moon''
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24 x 33 cm., 2001. Subastasarteya

Jorge Damiani en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (XXI)]

Evelyn Benčičová (II) [Fotografía]

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Evelyn Benčičová

Evelyn Benčičová. Foto / photo Marek Wurfl Photography

Nueva selección de obras de la magnífica artista visual eslovaca Evelyn Benčičová, cuya obra ya tuvimos oportunidad de disfrutar más de una vez en el blog. Algunos trabajos nuevos y otros rescatados de series más antiguas, pero igualmente bellas y estéticamente impecables, como todo lo que crea. Para más información, me remito a los posts previos.

"Naturaleza muerta orgánica: Lujo / Organic Still Life: Luxury"
Asistencia / assistance: Marek Wurfl, Naďa Molnárová

Colaboración con / collaboration withElvira Golombosi& Oleg Kostoglotov

"Concepto sin rostro / Faceless Concept". Fotografiada con / shot on Hasselblad

"(último) primero de Mayo / (last) first of May". Evelyn Benčičová & Marek Wurfl
 Modelo / Model: Katarina Sido

"Naturaleza muerta orgánica: Esterilidad / Organic Still Life: Sterility"
Asistencia / assistanceMarek WurflNaďa Molnárová

Révérence, "Mia"
Fotografiada con / shot on Hasselblad, asistencia / assistance Marek Wurfl

"Ve hacia la luz / Follow the Light", con / withKaroline Ashy Pichlerova
Fotografiada con cámara analógica de formato medio / shot on analogue medium-format camera

"(último) primero de Mayo / (last) first of May". Evelyn Benčičová & Marek Wurfl
Modelo / ModelDominika Belanská

Sesión espontánea de fotografía/performance, con la increíble bailarina y coreógrafa Ki Kianí en Berlín /
Spontaneous photography-performance session with amazing dancer and choreographer Ki Kianí in Berlin

"Suave / Soft" - Modelo / Model: Bronka Mišúrová
Maquillaje / Make-up: Dominika Drums

"Naturaleza muerta orgánica: Artificialidad / Organic Still Life: Artificiality"
Asistencia / assistanceMarek WurflNaďa Molnárová

New selection of works by the magnificent Slovak visual artist Evelyn Benčičová, whose work we already had opportunity to enjoy more than once in the blog. Some new works and others rescued from older series, but equally beautiful and aesthetically impeccable, as everything she creates. I refer to previous posts for more images and information.

Révérence, "La pequeña DI / Little DI"
Fotografiada con / shot on Hasselblad, asistencia / assistance Marek Wurfl

"Veracidad / Truthness"

"(último) primero de Mayo / (last) first of May". Evelyn Benčičová & Marek Wurfl
 Modelo / ModelTomas Benadik

Metamorfosis, "Pulpo" / Metamorphose, "Octopus"
Modelos / Models: Soňa Summerlingová, Lucia Mandincová

Collaboration with designer / colaboración con la diseñadora Eva Husárová
Rostro / Visage: Mischel Warenits - Asistencia / Assistance Marek Wurfl
Modelo / Model: Katka

"Naturaleza muerta orgánica: Surrealismo / Organic Still Life: Surrealism"
Asistencia / assistanceMarek WurflNaďa Molnárová

"Corrompido / Rotten", con / withKaroline Ashy Pichlerova

"Nadie está mirando / Nobody's Watching"
Modelos / Models: Tereza Fedorová, Saska Baginova

"Veracidad / Truthness"

"Vero" - Rostro / Visage: Mischel Warenits

"Naturaleza muerta orgánica: Aristocracia / Organic Still Life: Aristocracy"
Asistencia / assistanceMarek WurflNaďa Molnárová

Evelyn Benčičová en "El Hurgador" / in this blog[Evelyn Benčičová (Fotografía)], [Aniversarios Fotografía (CLIII)]

Más imágenes e información sobre Evelyn en / More images and information about Evelyn in:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Evelyn!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Evelyn!)

Aniversarios (CLXXXVII) [Julio / July 16-22]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
Todos los aniversarios de Julio aquí / All anniversaries for July here.
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El 16 de Julio es el cumple de

Vasily Alexeyevich Kafanov (Василий Алексеевич Кафанов), pintor e ilustrador ruso nacido en Moscú 1952.

"Cuidando el nido / Guarding the Nest"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 54" x 54", 2016

"Arlequín en patineta (Homejane a Chirico) / Harlequin on Scooter (Homage to De Chirico)"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 54" x 42", 1993

Después de terminar la escuela se trasladó al Lejano Oriente Soviético, a las Islas Kuriles, sirviendo en las filas de las Fuerzas Armadas Soviéticas de 1970 a 1972. Se graduó en el Instituto de Arte de Moscú y comenzó su vida como artista gráfico e ilustrador. Más tarde se graduó de la Escuela Superior de Cinematografía y creó cuatro cortos de dibujos animados en el estudio Soyuzmultfilm.
Kafanov utilizaba para pintar óleos tradicionales sobre lienzo, y a veces sobre paneles de madera. 

"Garza sobre un piso tablero de damas / Heron on the checkerboard floor"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, "40" x 50", 2017

Más tarde comenzó a presentar en sus dibujos a un pez grande, que surgía de una variedad de lugares muy extraños, con pequeñas capillas y torres en el lomo. Hoy en día utiliza rapidograf y tinta japonesa negra sobre acrílico para sus pinturas, en las que utiliza brillantes colores primarios. También ha trabajado con cerámica, soldadura, escultura y artefactos relacionados con la alquimia.
A lo largo de su carrera, Kafanov se ha inspirado en las pinturas de destacados artistas, como Pablo Picasso, Marc Chagall, Mikhail Shemyakin y Giorgio Morandi. En 1990 emigró a América y comenzó a vivir en Nueva York. Su primera exposición en los Estados Unidos fue en el verano de 1990 en San Francisco.

"En la sala de squash / In the Squash Room"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 60" x 70", 1999

Trabajó como ilustrador para The New York Times. A finales de los '90 conoció a Billy Corgan, el vocalista de la banda de rock alternativo The Smashing Pumpkins, y más tarde se ofreció a crear la portada de su lanzamiento de 2000 "Machina", que él considera una de sus mejores obras en toda su carrera.

"Marc Chagall en Nueva York / in New York"
Técnica mixta sobre lienzo / mixed media on canvas, 60" x 40", 2015

Marc Chagall en "El Hurgador" / in this blog:


El 17 de Julio es el cumple de

Francisco Benjamín López Toledo, pintor, escultor y artista gráfico mexicano nacido en 1940. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Oaxaca y en el Centro Superior de Artes Aplicadas del Instituto Nacional de Bellas Artes de México, donde estudió artes gráficas con Guillermo Silva Santamaria.

"Barriendo las ranas (de la serie "Vaquero") / Sweeping the Frogs (from the Cowboy Series)"
Litografía color / color lithograph, 15 7/8" x 20 1/2", 1971. Annex Galleries

"Tamazul", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 57 x 76,5 cm., 1977.

Sus inquietudes sociales y culturales sobre su estado natal llevaron a su participación en el establecimiento de una biblioteca de arte en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), así como su participación en la fundación del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO), El Patronato Pro-Defensa y Conservación del Patrimonio Cultural de Oaxaca, una biblioteca para ciegos, un centro fotográfico y la Biblioteca de Música Eduardo Mata. Toledo trabaja en diversos medios, incluyendo cerámica, escultura, tejido, artes gráficas y pinturas. Ha realizado exposiciones en Argentina, Brasil, Colombia, Ecuador, España, Reino Unido, Bélgica, Francia, Japón, Suecia, Estados Unidos y otros países.

"Vaca pariendo / Cow Giving Birth", litografía / lithograph, 19" x 24,5". icollector

"Autorretrato con pájaro / Self Portrait With a Bird"
Aguada y pan de oro sobre papel / gouache and gold leaf on paper, 1975. Casa Chihuahua

Es considerado uno de los mayores artistas vivos de México, y cuenta con amplio reconocimiento internacional. Su arte refleja un gran aprecio por la estética de la naturaleza, particularmente la de animales que no son convencionalmente asociados con la belleza como monos, murciélagos, iguanas, sapos e insectos. En su escultura tiene dos formas de expresión, una donde representa cosas del mundo natural, específicamente bestiarios de distintos animales y otra en la que se despega totalmente de la realidad. “Fragua, de ese modo, un universo que ata cabos con lo real y, simultáneamente, despliega la metáfora”. Esta última se deja ver en su obra gracias a que representa figuras humanas y de otros animales en una forma de apareamiento ya sea explícito o simbólico. La visión moral de Toledo afirma que el mundo de los humanos y el de los animales son uno con la naturaleza.

"Dos caballos / Two Horses", aguada, acuarela y tinta sobre papel /
gouache, watercolor and ink on paper, 36,8 x 45,4 cm., c.1965. Christie's


El 18 de Julio es el cumple de

Gastón Orellana, pintor español nacido en Valparaíso, Chile en 1933.

"Dialogo entre Dos Mujeres / Dialogue between Two Women"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 39" x 47", c.1966. AMA
Collection OAS Art Museum of the Americas

Estudió Bellas Artes en la Escuela Experimental de Educación Artística Santiago, Chile. Luego continuó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar y perfeccionó su habilidad con el violín en el Conservatorio de Música dentro de la misma escuela. En 1954 conoció a Pablo Neruda, estableciendo una intensa relación que duraría hasta la muerte del poeta. Esta amistad afectaría en gran medida a Orellana, a quien el poeta dedicó el poema "Recibimiento" en 1966, alabando "lo que está en la obra de Orellana / es tan vivo / como una vida, tan seguro como / un objeto, tan misterioso / como una piedra. "

"Los Mudos / The Dumb Ones", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 80 cm., 1975. The Saleroom

En sus primeros trabajos, Orellana muestra algunos de los signos que se convertirían en la neo-figuración, con figuras expresivas pero indefinidas. Las obras de Orellana de este período se distinguen por su naturaleza casi monocromática, donde la mayoría de las figuras aparecen en negro y en escala de grises, hasta el punto de que, aunque predominan los óxidos y la arena, tienen una apariencia casi de acuarela.

"Crucifixión Nº 1", 1971
Collezione d'arte contemporanea (Vaticano). Wikimedia Commons

En 1964 participó en la exposición inaugural de la Galería Juana Mordó, en Madrid, España, con la que iba a establecer una relación comercial duradera. Al año siguiente se trasladó a Nueva York, aunque continuó viajando extensamente a España, Italia, Suiza y el Reino Unido. Nueva York demostró ser un crisol de creación artística que alentó al artista a través de su animada escena artística. En 1966 empezó una próspera relación comercial con la distribuidora neoyorquina Martha Jackson quien lo introdujo en el movimiento que iba a resultar en la exposición histórica del MoMA "La Nueva Imagen del Hombre". En 1969, con el poeta Allen Ginsberg y otros artistas, participó en numerosas protestas contra la guerra de Vietnam.

"Bronx VIII", 1989. La Balsa de la Musa

En 1970 representó a España en la XXV Bienal de Venecia. Las pinturas del período 1970-79 son más notables por la vivacidad de la violencia extrema e incluso la denigración humana que se representa a menudo. Tales representaciones son, sin embargo, también ricas en el contenido lírico que iba a caracterizar al artista a partir de entonces.
Volvió a Europa en 1984, cuando vivió entre su estudio en Madrid, España, y Albisola, Italia. En 1985 dejó los otros estudios, y se trasladó a Riva del Garda, Italia, donde disfrutó un período artístico increíblemente prolífico.
Christian Stein, a las puertas del pabellón español en la Bienal de Venecia de 1995, declaró que "Orellana es el artista más interesante que España ha creado desde Tàpies y Miró".

"El tren en llamas / The Train in Flames" (tríptico / triptych)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, cada panel / each panel 98" x 88", 1969
Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution (Washington, EE.UU./ USA). Wikipedia

"El tren en llamas / The Train in Flames" (tríptico, panel central / triptych, central panel)


El 19 de Julio es el cumple de

Louise Christiane Ravn-Hansen, pintora paisajista danesa nacida en Copenhague en 1849.
Perdió a sus padres cuando tenía ocho años y fue adoptada por su tío, Niels Frederik Hansen, un comerciante de telas. Recibió su primera instrucción de arte de la pintora de flores Emma Mulvad (1838-1903). Entre 1872 y 1876 estudió en la "Escuela de Pintura para Mujeres", operada por Vilhelm Kyhn. En el verano dibujó las estatuas y relieves de la Colección Real de esculturas y, por un tiempo, tomó lecciones privadas de Jørgen Roed.

"Brödebæk Vandmølledam / Estanque del molino de Brödebæk / Brödebæk Watermill Pond"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 59 x 96 cm. Bruun Rasmussen

Durante este tiempo también comenzó a pintar al aire libre. En 1877 realizó su primera muestra de paisajes en la exposición de primavera de Charlottenborg y se convirtió en una participante regular durante el resto de su vida. También hizo presentaciones en la Exposición Nórdica de 1888 y en el Glaspalast (Munich) en 1899, entre otras.

"Paisaje del verano danés / Danish Summer Landscape"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 89 x 126 cm., 1901. Artnet

En 1888, junto con otras 22 artistas mujeres, entre ellas Marie Luplau, Emilie Mundt y Anne Marie Carl-Nielsen, firmó una petición a los Rigsdagen exigiendo que las mujeres fueran admitidas a la Real Academia Danesa de Bellas Artes. Ese mismo año se creó la Escuela de Arte para mujeres de la Real Academia. A pesar de que ayudó a contratar a Viggo Johansen como maestro allí, en general no estuba involucrada con la escuela.

"Almiares en el campo danés / Haystacks in a Field in Denmark"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 28 x 43 cm., 1985. The Saleroom

En 1890 recibió una donación del Fondo Raben-Levetzauske, un fondo científico, educativo y cultural establecido por Carl Vilhelm Raben-Levetzau (1789-1870), un terrateniente importante. Esto le permitió estudiar en Italia y Alemania. Hizo varios viajes a Berlín, donde pudo hacer que sus aguafuertes fueran producidos con una calidad mucho más alta.
Se ahogó en el río Havel, cerca de Schwanenwerder, en su camino a Berlín en 1909, aparentemente a causa de un accidente, pero las circunstancias no están claras.

"Landskab ved Gyrstinge / Paisaje de / Landscape of Gyrstinge", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1882
Museo Estatal de Arte (Copenhague, Dinamarca / Copenhagen, Denmark). Wikimedia Commons


El 20 de Julio es el cumple de

Max Liebermann, pintor y grabador alemán nacido en 1947, uno de los principales defensores del impresionismo en su país.

"Schweinemarkt in Haarlem / Mercado del cerdo en Haarlem / Pig market in Haarlem"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 111 × 151 cm.
Kunsthalle Mannheim (Alemania / Germany). Wikimedia Commons

Primero estudió derecho y filosofía en la Universidad de Berlín, pero después estudió pintura y dibujo en Weimar en 1869, en París en 1872 y en Holanda en 1876-77. Durante la Guerra Franco-Prusiana (1870-71), Liebermann sirvió como médico con la Orden de San Juan cerca de Metz. Después de vivir y trabajar durante algún tiempo en Munich, finalmente regresó a Berlín en 1884, donde permaneció por el resto de su vida.

"Flachsscheuer in Laren / El granero del lino en Laren / The Flax Barn at Laren"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 135 x 232 cm., 1887
Alte Nationalgalerie (Berlin, Alemania / Germany). Google Art Project

Utilizó su propia riqueza heredada para reunir una impresionante colección de obras impresionistas francesas. Más tarde eligió escenas de la burguesía, así como aspectos de su jardín cerca del lago Wannsee, como motivos para sus pinturas. Su obra es especialmente cercana en espíritu a Édouard Manet. En Berlín se convirtió en un famoso retratista. Hizo más de 200 por encargo a lo largo de los años, incluso de Albert Einstein y Paul von Hindenburg, y también algunos autorretratos.
Con ocasión de su 50 aniversario, Liebermann realizó una exposición individual en la Academia Prusiana de las Artes de Berlín, y al año siguiente fue elegido para la Academia. De 1899 a 1911 dirigió la primera formación de vanguardia en Alemania, la Secesión de Berlín. En sus varias capacidades como líder en la comunidad artística, habló a menudo de la separación del arte y la política.

"Das Atelier des Künstlers / El estudio del artista / The Artist's Studio"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68 x 81 cm., 1902
Kunstmuseum (St. Gallen, Suiza / Switzerland). Wikimedia Commons 

En 1909 compró una propiedad en Wannsee, un suburbio rico de casas de verano en las afueras de Berlín, y diseñó una villa con jardines allí. Desde la década de 1910 hasta su muerte, las imágenes de los jardines dominaron su obra. Reclutó también a Lovis Corinth, Ernst Oppler y Max Slevogt para la Secesión de Berlín; juntos fueron los pintores más famosos del Impresionismo alemán.
A partir de 1920 fue presidente de la Academia Prusiana de las Artes. En 1927 Liebermann fue celebrado con una gran exposición, declarado ciudadano honorario de Berlín y aclamado en una portada de la principal revista ilustrada de la ciudad.
En 1933 dimitió cuando la academia decidió dejar de exhibir obras de artistas judíos.
Murió en 1935.

"Gänserupferinnen / Desplumando gansos / Women Plucking Geese"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 119,5 x 170,5 cm., 1871-72
Alte Nationalgalerie (Berlin, Alemania / Germany). Google Art Project


El 21 de Julio es el cumple de

Mihai Cotovanu, pintor rumano nacido en Iassy en 1967.

"Singurătatea obiectelor / Soledad de los objetos / Loneliness of Objects"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 54 x 46 cm., 2015

"Peisaj de la / Paisaje de / Landscape of Chaily en Biére"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 54 x 38 cm., 2015

En 1987-1989 estudió en la Escuela de Arte Folklórico, clases del Prof. Ghiţă Leonard, y durante 1990-1995 en la Academia de Arte "George Enescu", Facultad de Artes Plásticas y Diseño, especialización en Pedagogía de las Artes en la clase del Prof. Liviu Gonceariuc .
Participó en más de 70 exposiciones colectivas y realizó más de 60 exposiciones individuales en su país y en el extranjero.

"Spiritualitate printre ruine / Espiritualidad entre las ruinas / Spirituality Among the Ruins"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 46 x 54 cm., 2008

Fue galardonado con el primer lugar - Canción rumana en el Salón de Otoño, en 1988, Premio de la Academia "C.D. Stahi ", Concurso Nacional de Arte "Nicolae Tonitza", Bârlad, 2006, y Medalla de la Fundación "San Lucas" y Premio Nacional de Performance "Top Art" de "Top Business", en noviembre de 2008.
Es miembro de la Unión Rumana de Artistas Plásticos, filial Iaşi, desde 1997.

"Trinitatea efemeră / Trinidad efímera / Ephemeral Trinity"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 64 x 54 cm., 2013


Hoy, 22 de Julio, es el cumple de

Fernando Soria Pérez, pintor español nacido en Alicante en 1922.

"Figuras en la playa. Beatriz / Figures on the Beach. Beatrice", 1986

"Autorretrato / Self Portrait"

A partir de 1937 estudió en Mallorca, donde vivió durante 6 años. Luego viajó a París para realizar estudios de pintura. Allí conoció a Picasso, Oscar Domínguez, Dalí, etc. Tras un breve paso por Londres, a partir de 1946 estudió en Valencia y Madrid, frecuentando ambientes artísticos y literarios. A partir de 1952 viajó y expuso en Alemania, Francia e Inglaterra.
De 1953 al 55 se dedica a la escultura en hierro forjado y el mosaico. Desde 1956 en adelante vivió en Alicante. La influencia del impresionismo y su gusto por lo expresivo y surreal fueron una constante en su obra.

"Mecedora con velador / Rocking Chair With Pedestal Table", 1991

"Estiu / Verano / Summer", óleo sobre tela / oil on canvas, 61 x 50 cm., 1970

Durante los años cincuenta y sesenta su estilo evolucionó hacia un impresionismo más expresivo y surreal. De este período destaca su obra "La Cigarrera" (1960), que refleja el ambiente popular con el tranvía que pasaba por delante de la fábrica de tabacos por aquellos años.
En 1983 la muerte de su hija beatriz transforma a Soria, que pasa del impresionismo a la abstracción en blanco y negro.
Murió en 2009.

"Puesta de sol en La Albufereta / La Albufereta Sunset"


Textos en inglés / English translation

On July 16 is the birthday of

Vasily Alexeyevich Kafanov (Василий Алексеевич Кафанов), Russian painter and illustrator born in Moscow in 1952.
After finishing school, he was in the Soviet Far East, Kuril Islands, serving in the ranks of the Soviet Armed Forces from 1970 to 1972. He graduated from the Moscow Institute of Art and started his life as a graphic artist and an illustrator. Later on, he graduated from Advanced School of Cinematography and created four short cartoons at the Soyuzmultfilm studio.
Kafanov used to paint traditional oils on canvas and sometimes on wood panels. Later on, his drawing began to feature a large fish, which popped up in a variety of very strange settings, carrying small chapels and towers on its back. Nowadays, he uses rapidograph and black Japanese ink on acrylic for his paintings, using bright primary colors. He also worked on ceramics, welding, sculpture and artifacts concerning alchemy.
Throughout his career, Kafanov has been inspired by the paintings of prominent artists, such as Pablo Picasso, Marc Chagall, Mikhail Shemyakin and Giorgio Morandi. In 1990, Kafanov emigrated to America and started living in New York. His first exhibition in the United States was in the summer of 1990 in San Francisco.
He used to work as illustrator for The New York Times. In the late 1990s, he met Billy Corgan, the lead singer of the alternative rock band The Smashing Pumpkins and later was offered to create the cover of their 2000 release Machina, which he believes is one of his best works in his entire career.

On July 17 is the birthday of

Francisco Benjamín López Toledo, Mexican painter, sculptor, and graphic artist born in 1940. He studied at the Escuela de Bellas Artes de Oaxaca and the Centro Superior de Artes Aplicadas del Instituto Nacional de Bellas Artes, Mexico, where he studied graphic arts with Guillermo Silva Santamaria.
His social and cultural concerns about his home state led to his participation in the establishment of an art library at the Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), as well as his involvement in the founding of the Museum of Contemporary Art of Oaxaca (MACO), the Patronato Pro-Defensa y Conservación del Patrimonio Cultural de Oaxaca, a library for the blind, a photographic center, and the Eduardo Mata Music Library. Toledo works in various media, including pottery, sculpture, weaving, graphic arts, and paintings. He has had exhibitions in Argentina, Brazil, Colombia, Ecuador, Spain, the United Kingdom, Belgium, France, Japan, Sweden, the United States, as well as other countries.
He is considered one of the greatest living artists in Mexico, with wide international recognition. His art reflects a great appreciation for the aesthetics of nature, particularly that of animals that are not conventionally associated with beauty such as monkeys, bats, iguanas, frogs and insects. In his sculpture he has two forms of expression, one where he represents things of the natural world, specifically bestiaries of different animals and another in which he totally detached himself from reality. "Forge, thus, a universe that ties together with the real and, simultaneously, unfolds the metaphor." The latter is seen in his work thanks to the fact that it represents human figures and other animals in a form of mating either explicit or symbolic. The moral vision of Toledo affirms that the world of humans and the world of animals are one with nature.

On July 18 is the birthday of

Gaston Orellana, Spanish painter born in Valparaiso, Chile in 1933. 
He studied Fine Art at the Escuela Experimental de Educación Artistica Santiago, Chile. He then continued his studies at the Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar and perfectioned his skill with the violin at the Conservatorio de Música within the same school. In 1954, Orellana meets Pablo Neruda, establishing an intense relationship that was to last until the death of the poet. This friendship was to greatly affect Orellana, to whom the poet dedicated the poem "Recibimiento" in 1966, praising "what lies in the work/ of Orellana/ is as alive/ as a life, as secure as/ an object, as mysterious/ as a stone."
In his earliest works, Orellana shows some of the signs that were to become the Neo-figuration, with expressive and yet undefined figures. Orellana's works from this period are distinguished for their almost monochromatic nature, where most figures appear in black and grayscale, to the point that, even though there is a predominant use of oxides and sand, they had an almost watercoulour appearance.
In 1964, Orellana participates in the opening exhibition of the Juana Mordó Gallery, in Madrid, Spain, with whom he was to establish a long-lasting business relationship.[2] In the following year, he moves to New York, even though he continued to travel extensively to Spain, Italy, Switzerland and the UK. New York proved to be a melting pot of artistic creation that greatly encouraged the artist through its lively artistic scene. In 1966 he started a thriving business relationship with the New York dealer Martha Jackson who introduced him to the movement that was to result in the historic exhibition at the MOMA "The New Image of Man". In 1969, with the poet Allen Ginsberg and other artists, he participates in numerous protests against the Vietnam war.
In 1970 he represents Spain at the XXV Venice Biennale. The paintings from the period 1970-79 are most remarkable for the vividness of the extreme violence and even the human denigration that is often depicted. Such representations are however, also rich in a lyrical content that was to characterise the artist from then on.
Orellana moved back to Europe in 1984, when he lived between his studio in Madrid, Spain, Albisola, Italy. In 1985 he left the other studios, and moved to Riva del Garda, Italy, where he was to enjoy an incredibly prolific artistic period.
Christian Stein, at the gates of the Spanish Pavilion at the 1995 Venice Biennale, declared that "Orellana is the most interesting artist that Spain has created since Tàpies and Miró".

On July 19 is the birthday of

Louise Christiane Ravn-Hansen, Danish landscape painter and etcher born in Copenhagen, in 1849.
She lost both parents when she was eight and was adopted by her uncle, Niels Frederik Hansen, a cloth merchant. She received her first art instruction from the flower painter, Emma Mulvad (1838-1903). From 1872 to 1876, she studied at the "Painting School for Women", operated by Vilhelm Kyhn. In the summer, she made drawings of the statues and reliefs at the Royal Cast Collection and, for a time, took private lessons from Jørgen Roed.
During this time, she also began painting en plein aire. In 1877, she had her first showing of landscapes at the Charlottenborg Spring Exhibition and became a regular participant for the rest of her life. She also had showings at the Nordic Exhibition of 1888 and the Glaspalast (Munich) in 1899, among others.
In 1888, along with 22 other female artists, including Marie Luplau, Emilie Mundt and Anne Marie Carl-Nielsen, she signed a petition to the Rigsdagen demanding that women be admitted to the Royal Danish Academy of Fine Arts. That same year saw the establishment of the Royal Academy Art School for Women. Although she helped recruit Viggo Johansen as a teacher there, she was generally not involved in the school.
In 1890, she received a grant from the Raben-Levetzauske Fund, a scientific, educational and cultural fund established by Carl Vilhelm Raben-Levetzau (1789-1870), a major landowner. This enabled her to study in Italy and Germany. She made several trips to Berlin, where she could have her etchings produced at a much higher quality.
She drowned in the Havel River, near Schwanenwerder, on her way to Berlin in 1909; apparently the result of an accident, but the circumstances are unclear.

On July 20 is the birthday of

Max Liebermann, German painter and printmaker born in 1947, and one of the leading proponents of Impressionism in his country.
He first studied law and philosophy at the University of Berlin, but later studied painting and drawing in Weimar in 1869, in Paris in 1872, and in the Netherlands in 1876-77. During the Franco-Prussian War (1870–71), Liebermann served as a medic with the Order of St. John near Metz. After living and working for some time in Munich, he finally returned to Berlin in 1884, where he remained for the rest of his life.
He used his own inherited wealth to assemble an impressive collection of French Impressionist works. He later chose scenes of the bourgeoisie, as well as aspects of his garden near Lake Wannsee, as motifs for his paintings. His work is especially close in spirit to Édouard Manet. In Berlin, he became a famous painter of portraits; He did more than 200 commissioned ones over the years, including of Albert Einstein and Paul von Hindenburg, and also painted himself from time to time.
On the occasion of his 50th birthday, Liebermann was given a solo exhibition at the Prussian Academy of Arts in Berlin, and the following year he was elected to the academy. From 1899 to 1911 he led the premier avant-garde formation in Germany, the Berlin Secession. In his various capacities as a leader in the artistic community, Liebermann spoke out often for the separation of art and politics.
In 1909 Liebermann bought property in Wannsee, a wealthy suburb of summer homes on the outskirts of Berlin, and designed a villa with gardens there. From the 1910s until his death, images of the gardens dominated his work. Liebermann recruited also Lovis Corinth, Ernst Oppler and Max Slevogt for the Berlin Secession, together they were the most famous painters of the German Impressionism.
Beginning in 1920 he was president of the Prussian Academy of Arts. In 1927, Liebermann was celebrated with a large exhibition, declared an honorary citizen of Berlin and hailed in a cover story in Berlin's leading illustrated magazine.
In 1933 he resigned when the academy decided to no longer exhibit works by Jewish artists.
He died in 1935.

On July 21 is the birthday of

Mihai Cotovanu, Romanian painter born in Iassy in 1967.
In 1987-1989 he studied at The Folklore School of Art, Prof. Ghiţă Leonard's class, and during 1990-1995 at the "George Enescu" Art Academy, Faculty of Plastic Art and Design, specialization of Arts' Pedagogy in Prof. Liviu Gonceariuc's class.
He participate in more than 70 collective exhibitions and held more than 60 solo shows in his country and abroad.
He was awarded the first place - Romanian's Song at the Autum Salon, 1988, Academy Award ”C.D. Stahi”, National Art Contest "Nicolae Tonitza", Bârlad, 2006, and Foundation Medal of Arts "St. Luca ", and Naţional Performance Award "Top Art" by "Top Business”, November 2008.
He is a Member of Romanian Union of Plastic Artists Iaşi Subsidiary since 1997.

Today, July 22, is the birthday of

Fernando Soria Pérez, Spanish painter born in Alicante in 1922.
From 1937 he studied in Mallorca, where he lived for 6 years. Then he traveled to Paris to study painting. There he met Picasso, Oscar Domínguez, Dalí, etc. After a brief stay in London, from 1946 he studied in Valencia and Madrid, frequenting artistic and literary circles. From 1952 he traveled and exhibited in Germany, France and England.
From 1953 to 1955 he devoted to sculpture in wrought iron and mosaic. From 1956 onwards he lived in Alicante. The influence of Impressionism and his taste for the expressive and surreal were a constant in his work.
During the fifties and sixties he evolved towards an Impressionism more expressive and surreal. From this period stands out the work "La Cigarrera" (1960), which shows the popular atmosphere with the tram that passed in front of the tobacco factory in those years.
In 1983 the death of his daughter Beatriz transforms the artist and his work, that passes of the impressionism to the abstraction in black and white.
He died in 2009.

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