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Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
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Aniversarios (I) [Febrero / February 1-8]

February 8, 2014, 6:32 am
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Hace un año comencé una serie dedicada a conmemorar los aniversarios de nacimientos de artistas en la página de facebook del blog, publicando a diario una imagen y una breve reseña biográfica resumida de Wiki o de alguna fuente fiable. Desde hace tres meses, amplié con una nueva serie, esta vez para los fotógrafos. Este año continuaré con ambas, pero publicando los sábados o domingos también un post con los aniversarios de la semana en el blog. Durante éste primer año, dos artistas al día; los ya publicados durante 2013 en facebook y los de éste 2014.
Textos en inglés al final del post.

A year ago I began a series dedicated to commemorate the birth anniversaries of artists on the facebook page of the blog, posting a daily picture and a brief biographical summary from Wiki or any reliable source. Three months ago, I expanded with a new series, this time for photographers. This year I'll continue with both, and also publishing on Saturday or Sunday a post with the anniversaries of the week on the blog. During this first year, two artists for each day - those I already published in facebook during 2013 and the ones for 2014.
English translation at the end of this post.
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El 1 de Febrero es el cumple de

Thomas Cole, pintor estadounidense de origen británico, nacido el 1 de febrero de 1801, conocido por sus paisajes alegóricos. Fue el iniciador de lo que luego se conocería como la "Escuela de Río Hudson". 

"Expulsión. Luna y luz de fuego / Expulsion. Moon and Firelight"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,4 x 122 cm., c.1828.
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)
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Takashi Murakami (村上 隆), artista japonés contemporáneo nacido en 1962.
Se licenció en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio obteniendo el Graduado en Nihonga (pintura tradicional japonesa). Se introduce en el arte contemporáneo en 1990 bajo la tutela del artista Masato Nakamura. En 1993 crea su álter ego Mr. DOB. Comienza entonces a ser reconocido dentro y fuera de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional y contemporáneo japonés y el arte pop norteamericano. Empezó a ser denominado como el Andy Warhol japonés. 
Ha hecho exposiciones en muchas partes del mundo. En mayo de 2009 expuso en el Museo Guggenheim Bilbao.

"Tan Tan Bo Puking - a.k.a. Gero Tan"
Acrílico sobre lienzo, sobre panel / acrylic on canvas mounted on board, 2002.
©2002 Takashi Murakami/Kaikai Kiki Co., Ltd.


El 2 de Febrero es el cumple de

Jacob van Campen, artista y arquitecto holandés de la Edad de Oro, nacido en 1596.
Nacido noble, y con tiempo suficiente, asumió la pintura básicamente como un pasatiempo. En 1624, se convirtió en miembro del Gremio de San Lucas (en Haarlem los arquitectos y pintores eran miembros del mismo gremio, y muchos eran ambas cosas, como Pieter Saenredam y Salomon de Bray), y estudió pintura con Frans de Grebber. Varios óleos de van Campen han sobrevivido. Aproximadamente entre 1616 y 1624, se cree que ha vivió en Italia. A su retorno a Holanda, Van Campen se volvió hacia la arquitectura, aplicando ideas tomadas prestadas a Andrea Palladio, Vincenzo Scamozzi e influencias clásicas como Vitruvio. Fue el principal responsable de introducir el estilo clásico en la arquitectura holandesa barroca, combinando lo nativo, el estilo del ladrillo holandés, con los principios de Vitruvio que había aprendido, para producir un "clasicismo holandés", un estilo con influencia internacional.

"Bodegón Vanitas con libros, un violín y un búho en una hornacina / 
Vanitas Still Life with Books, a Violin and an Owl in a Niche"
Óleo sobre panel / oil on panel, 102 x 85,3 cm., 1645-1650. 
Museum Flehite (Amersfoort, Holanda / The Netherlands)
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Luis Nishizawa Flores, pintor mexicano de padre japonés y madre mexicana, nacido en 1918. Los estudios artísticos de Nishisawa comenzaron en 1942 en la Academia de San Carlos. Desde 1951, el año en que realizó su primera exposición en el Salón de Artes Plásticas se ha convertido en uno de los más importantes exponentes del arte mexicano. Su simplificación de las formas y concepción natural lo comparan con los de Gerardo Murillo. Nishizawa impartió clases en la Universidad Nacional Autónoma de México en 1955. Fue ganador del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes en 1996. Actualmente trabaja y da clases en Toluca, donde su casa se ha convertido también en su estudio.

"Paisaje del Valle / Landscape of the Valley"
Óleo sobre tela sobre madera / oil on canvas, on wood, 81,5 x 124 cm.


El 3 de Febrero es el cumple de

Norman Rockwell, ilustrador, fotógrafo y pintor estadounidense, nacido en 1894 y fallecido en 1978, reconocido por sus imágenes llenas de humor e ironía, principalmente publicadas como portadas del Saturday Evening Post.

"El viejo pintor de letreros / The Old Sign Painter", ilustración / illustration
Portada del S.E.P., 6/2/1926 / cover of the S.E.P., 1926.02.06

Más sobre Norman Rockwell en "El Hurgador" / More about Norman Rockwell in this blog:
[Librofilia (X)]
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Gillian Ayres, pintora inglesa nacida en 1930. 
Ayres dejó la escuela tan pronto como pudo con el fin de estudiar arte. En 1946 solicitó su ingreso a la Slade School of Fine Art y fue aceptada. Sin embargo, a los dieciséis años, era demasiado joven para inscribirse. Le aconsejaron que se apuntara en la Camberwell School of Art y estudió allí desde 1946 hasta 1950. Ayres trabajó a tiempo parcial en la galería de AIA en el Soho 1951-1959 antes de iniciar una carrera docente. 
Su primera exposición individual tuvo lugar en la Gallery One, Londres en 1956. Las primeras obras de Ayres estaban hechas con fina pintura vinílica con un número limitado de colores dispuestos en formas relativamente simples, pero sus trabajos más tardíos en óleo son más exuberantes y muy colorido, en los que utiliza un grueso empaste. Fue nombrada Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE) en 1986, y en 1991 se convirtió miembre de la Real Academia.

"Destilación / Distillation"
Pintura al óleo y pintura de pared sobre panel / oil paint and household paint on hardboard
213,4 x 152,4 cm., 1957. Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)


El 4 de Febrero es el cumple de

Fernand Léger, pintor francés nacido en Normandía en 1881 que evolucionó desde el impresionismo hacia el cubismo, y que también realizó murales y cortos experimentales como "Ballet Mécanique", con Man Ray. Falleció en 1955. 

"Les trois fréres / Las tres hermanas / The Three Sisters", óleo sobre tela / oil on canvas, 162 x 130 cm., 1952. Staatsgalerie (Stuttgart, Alemania / Germany)

Más sobre Fernand Léger en "El Hurgador" / More about Fernand Léger in this blog:
[Manos a la obra (XIX)]
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Louis Michel Eilshemius, pintor estadounidense nacido en 1864, fundamentalmente de paisajes y desnudos. Aunque tuvo instrucción académica, la mayoría de su trabajo presenta el carácter inconsciente del arte naïf. Eilshemius era el nieto del pintor suizo Louis Léopold Robert.
Fue educado en Europa, tras lo cual pasó dos años en la Universidad Cornell antes de comenzar sus estudios artísticos en la Art Students League de New York. También cursó estudios privados con el paisajista estadounidense Robert Crannell Minor. Posteriormente estudió con Bouguereau en la Académie Julian en París y viajó mucho por Europa, África y los Mares del Sur, volviendo a la casa de piedra rojiza de la familia en la ciudad de Nueva York, donde vivió hasta su muerte en 1941.

"Mother Bereft", ca. 1890. Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian Institution.


El 5 de Febrero es el cumple de

Carl Spitzweg, pintor alemán autodidacta del romanticismo nacido en 1808. Está considerado como uno de los más importantes representantes del período Biedermeier, un sobrio estilo de muebles y de decoración típico de Alemania, que luego se aplicó por extensión a cierta literatura y pintura caracterizadas por el sentimentalismo, el intimismo y una sátira amable del mundo pequeño-burgués. Murió en 1885.

"El ratón de biblioteca / The Bookworm", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49,5 x 26, 8 cm., c.1850. Museum Georg Schäfer (Schweinfurt, Bavaria, Alemania / Germany)
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Alison Saar, artista estadounidense nacida en 1956, cuyo trabajo explora temas de la diáspora cultural africana y la espiritualidad.
Durante sus estudios superiores, Alison comenzó a ayudar a su padre en sus trabajos de restauración. Tratar con artefactos de diferentes culturas (frescos chinos, momias 
egipcias y precolombinas, arte africano) enseñó a Alison las propiedades de varios materiales, técnicas y estéticas. Recibió una licenciatura del Script College (Claremont, 
California) en 1978, habiendo estudiado arte africano y caribeño con el Dr. Samella Lewis. La tesis de Saar fue sobre arte popular sudafricano y americano. Recibió un Master 
en Bellas Artes del Otis Art Institute, actualmente conocido como Colegio Otis de Arte y Diseño (Los Angeles, California) en 1981.
Sus sumamente personales esculturas, a menudo a tamaño natural, están marcadas por su candor emocional, y por contrastar materiales y mensajes que imbuyen a su trabajo de 
un alto grado de contexto cultural.

"Despertar / Rouse"
Madera, bronce, fibra de vidrio y cornamentas / wood, bronze, fiberlass and antler sheds, 90 x 76 x 73
Photo: Chris Warner, Ben Maltz Gallery at Otis College of Art and Design.


El 6 de Febrero es el cumple de

Achille-Émile Othon Friesz, pintor francés nacido en El Havre en 1879. Adscrito inicialmente al movimiento fauvista, pronto se separó de la corriente adoptando un estilo más personal. Enseñó de 1912 a 1914, cuando se unió al ejército para participar en la Primera Guerra Mundial. A su regreso se estableció en París donde residió hasta su muerte en 1949, pintando en un estilo completamente apartado del de sus colegas y contemporáneos.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Othon_Friesz

"Techos y Catedral en Rouen / Roofs and Cathedral in Rouen"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 119 x 95,5 cm., 1908. 
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)
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Januarius Zick (Johann Rasso Januarius Zick), pintor y arquitecto alemán nacido en 1730, considerado uno de los principales maestros del barroco tardío.
Januarius comenzó a aprender el oficio de su padre, Johannes Zick, un renombrado pintor, de quien fue aprendiz trabajando en pintura de frescos. Entre 1745 y 1748, fue aprendiz de albañil para Jakob Emele en Schussenried. Habiendo culminado su tiempo de aprendiz, trabajó con su padre en la residencia del Príncipe-Obispo de Würzburg y luego, hasta mediados de 1750's, en la residencia del Príncipe-Obispo de Speyer, en Bruchsal.
En 1756, Januarius Zick marchó a París para continuar su educación. Allí entró en contacto con artistas y conocedores de arte de Roma, Basilea y Augsburgo, quienes ampliaron su horizonte en lo que respecta a su arte y tuvieron una considerable influencia sobre él. Murió en Ehrenbreitstein en 1797.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Januarius_Zick

"Caritas Romana", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 47,5 x 65 cm., c.1797


El 7 de Febrero es el cumple de

Alejandro Jodorowsky, polifacético artista chileno nacido en 1929. Entre sus muchas facetas destacan las de escritor (novelista, dramaturgo, poeta y ensayista), director teatral, director de cine, guionista de cine, actor, mimo, marionetista, compositor de bandas sonoras, escultor, pintor y escenógrafo en cine, guionista de cómics, dibujante, instructor del tarot, psicoterapeuta y psicomago. Un personaje ineludible en el panorama artístico contemporáneo.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Alejandro_Jodorowsky
http://es.wikipedia.org/wiki/La_montaña_sagrada

Fotograma de "La montaña sagrada", película surrealista de 1973, dirigida por Jodorowsky, quien también escribió el guion y participó como actor y compositor, entre otras cosas / 
Still from "The Holy Mountain" (1973), surrealist film directed by Jodorowsky who also wrote the script and served as actor and composer among other things.
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Néstor Martín-Fernández de la Torre, pintor español nacido en Las Palmas de Gran Canaria en 1887, que participó ampliamente de las corrientes simbolista y modernista europeas. 
Néstor comenzó a desarrollar su vocación artística en Gran Canaria cuando aún era niño, haciendo sus primeros dibujos con tan sólo siete años de edad, cuando estudiaba en el Colegio San Agustín, donde recibió lecciones de dibujo de Nicolás Massieu. Antes de acabar el siglo XIX, en 1899, recibe las primeras orientaciones artísticas de su primer profesor, el marinista y paisajista español Eliseo Meifrén, con el que consigue pintar su primera obra. Con quince años, Néstor se trasladaría a Madrid, donde Rafael Hidalgo de Caviedes le acoge como discípulo, para continuar sus estudios y, a partir de 1904, saldría a Europa (París, Bruselas, Gante, Brujas y Londres) para perfeccionar su técnica. Fueron los años durante los cuales residió en París los que terminaron de cincelar al artista, dándole su gran alcance decorativo, renombre que adquirió con su intervención ornamental en edificios públicos y en el diseño de decorados teatrales y vestimenta.
En Wiki:

"Poema de la Tierra, Capas de la Reina, / Earth Poem, Layers of the Queen"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 126 x 126 cm., 1934-1938. 
Museo Néstor (Las Palmas, Islas Canarias, España / Canary Islands, Spain).


Hoy, 8 de Febrero, es el cumple de

Franz Marc, pintor alemán nacido en 1880, uno de los principales representantes del movimiento expresionista. En 1910 hizo amistad con August Macke y Wassily Kandinsky, con quienes fundó, junto a otros pintores, el movimiento artístico Der Blaue Reiter. Murió en una acción de guerra en 1916, durante la Primera Guerra Mundial.
En "El Hurgador": http://elhurgador.blogspot.com.es/2012/04/pintando-perros-vii.html
En "Wiki": http://es.wikipedia.org/wiki/Franz_Marc

"La vaca amarilla / The Yellow Cow", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 140 x 190 cm., 1911. Solomon R. Guggenheim Museum (New York, USA)

Más sobre Franz Marc en "El Hurgador" / More about Franz Marc in this blog:
[Pintando perros (VII)]
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Genaro Lahuerta López, pintor español nacido en Valencia en 1905, destacado retratista, que formó parte del grupo pictórico "Los Ibéricos".
Comenzó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia y en 1919 se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de la misma ciudad. Terminados sus estudios empezó a trabajar como ilustrador para algunas revistas de la época y a dar clases de pintura.
En 1928 hizo su primera exposición en la Sala Blava de Valencia y al año siguiente en la Sala Parés de Barcelona. En 1932, en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid, consiguió la Tercera Medalla por un retrato del escritor Max Aub. Gracias a una beca que le fue concedida en 1932, viajó por varios países europeos buscando temas para sus pinturas. Además de numerosas distinciones, la Academia de las Artes, Ciencias y Letras de París le concedió su Medalla de Oro y en España el Ministerio de Educación y Ciencia le otorgó la Medalla al Mérito de las Bellas Artes. Murió en 1985.

"La siesta / The Nap", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 100 cm., 1942.
Museo de Bellas Artes de Bilbao (Bilbao, España / Spain)


Textos en inglés / English translation

* On February 1 is the birthday of

Thomas Cole, British-born American painter, best known for his allegorical landscapes. He is regarded as the founder of the Hudson River School.

Takashi Murakami (村上 隆), contemporary Japanese artist born in 1962. 
He graduated from the National University of Fine Arts and Music in Tokyo obtaining the Diploma in Nihonga (traditional Japanese painting). Is introduced in contemporary art in 1990 under the tutelage of artist Masato Nakamura. In 1993 he created his alter ego Mr. DOB. Then begins to be recognized within and outside Japan for their particular synthesis between traditional and contemporary Japanese art and American pop art. He began to be referred to as the Japanese Andy Warhol. 
He has exhibited in many parts of the world. In May 2009 he exhibited at the Guggenheim Museum Bilbao.

* On February 2 is the birthday of

Jacob van Campen, Dutch artist and architect of the Golden Age born in 1596.
Being of noble birth and with time on his hands, he took up painting mainly as a pastime. In 1614, he became a member of the Guild of Saint Luke (in Haarlem the architects and painters were both in the same guild, and many were both, such as Pieter Saenredam and Salomon de Bray), and studied painting under Frans de Grebber - a number of Van Campen's oils survive. About 1616 to 1624 he is thought to have lived in Italy. On his return to the Netherlands, Van Campen turned to architecture, applying ideas borrowed from Andrea Palladio, Vincenzo Scamozzi and classical influences from Vitruvius. He was primarily responsible for introducing the classical revival style into Dutch Baroque architecture, combining the native, Dutch brick style with the Vitruvian principles he had learnt to produce "Dutch Classicism", an internationally influential style.

Luis Nishizawa Flores, Mexican painter of a Japanese father and a Mexican mother, born in 1918. Nishisawa artistic studies began in 1942 at the Academy of San Carlos. Since 1951, the year of his first exhibition at the Salon of Fine Arts, has become one of the most important exponents of Mexican art. His simplification of forms and natural conception as compared with those of Gerardo Murillo. Nishizawa taught at the National Autonomous University of Mexico in 1955. He won the National Award for Arts and Sciences - Fine Arts - in 1996. He currently works and teaches in Toluca, where his home has also become their study.

* On February 3 is the birthday of

Norman Rockwell, American illustrator, photographer and painter (1894-1978), best known for his images full of humor and irony, mainly published as covers in The Saturday Evening Post.

Gillian Ayres, English painter born in 1930.
Ayres left school in order to study art as soon as she was able. In 1946, she applied to the Slade School of Fine Art and was accepted. However, at sixteen, she was too young to enrol. She was advised to apply to the Camberwell School of Art and studied there from 1946 to 1950. Ayres worked part-time at the AIA Gallery in Soho from 1951 to 1959 before starting a teaching career.
Her first solo exhibition was held at Gallery One, London in 1956. Ayres' early works are typically made with thin vinyl paint in a limited number of colours arranged in relatively simple forms, but later works in oil paint are more exuberant and very colourful, with a thick impasto being used. She was appointed Officer of the Order of the British Empire (OBE) in 1986, and in 1991 became a Royal Academician.

* On February 4 is the birthday of

Fernand Léger, French painter born in Normandy in 1881 that evolved from Impressionism to Cubism, and also painted murals and filmed experimental shorts as "Ballet Mécanique" with Man Ray. He died in 1955.

Louis Michel Eilshemius, American painter born in 1864, primarily of landscapes and nudes. Although he was academically trained, much of his work has the unselfconscious character of naive art. Eilshemius was a grandson of Swiss painter Louis Léopold Robert.
Eilshemius was educated in Europe, after which he spent two years at Cornell University before beginning his art studies at the Art Students League of New York. He also studied privately with the American landscape painter Robert Crannell Minor (1839-1904). He subsequently studied under Bouguereau at the Académie Julian in Paris and traveled widely in Europe, Africa and the South Seas, returning to the family brownstone in New York City where he was to live for the rest of his life. He died in 1941.

* On February 5 is the birthday of

Carl Spitzweg, self-taught painter of German romanticism born in 1808. He is considered one of the most important representatives of the period Biedermeier, a sober style furniture and typical German decoration, which is then applied by extension to certain literature and painting characterized by sentimentality, intimacy and a gentle satire of the small world bourgeois. He died in 1885.

Alison Saar, American artist born in 1956, whose work explores themes of African cultural diaspora and spirituality.
During high school, Alison began assisting her father in his restoration work. Dealing with artifacts from different cultures―Chinese frescoes, Egyptian mummies, and Pre-Columbian and African art―taught Alison about properties of various materials, techniques, and aesthetics. She received a BA from Scripps College (Claremont, CA) in 1978, having studied African and Caribbean art with Dr. Samella Lewis. Saar’s thesis was on Southern African-American folk art. She received an MFA from Otis Art Institute, now known as Otis College of Art and Design (Los Angeles, CA) in 1981.
Her highly personal, often life-sized sculptures are marked by their emotional candor, and by contrasting materials and messages that imbue her work with a high degree of cultural subtext.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Alison_Saar

* On February 6 is the birthday of

Achille-Emile Othon Friesz, French painter born in Le Havre in 1879. Initially attached to Fauvism, soon separated from the stream by adopting a more personal style. He taught 
from 1912 to 1914 when he joined the army to participate in the First World War. On his return he settled in Paris where he lived until his death in 1949, painting in a style 
completely apart from his colleagues and contemporaries.

Januarius Zick (Johann Rasso Januarius Zick), painter and architect born in 1730, considered to be one of the main masters of the Late-Baroque.
Januarius began to learn his trade from his father, Johannes Zick, a renowned painter himself, to whom he was apprenticed in order to learn how to paint frescoes.
From 1745 to 1748, Januarius Zick was apprenticed as a bricklayer to Jakob Emele in Schussenried. Having finished his apprenticeship, he worked, together with his father, at the residence of the Prince-Bishop of Würzburg and then, until the mid-1750s, at the residence of the Prince-Bishop of Speyer in Bruchsal.
In 1756, Januarius Zick went to Paris for further education. There, he came into contact with artists and art connoisseurs from Rome, Basel and Augsburg, who broadened his horizon concerning his art and had a considerable influence on him. He died in Ehrenbreitstein in 1797.

* On February 7 is the birthday of

Alejandro Jodorowsky, Chilean multifaceted artist born in 1929. Among his many facets highlight the writer (novelist, playwright, poet and essayist), theater director, film director, screenwriter, actor, mime, puppeteer, film composer, sculptor, painter and film designer, comics writer, cartoonist, tarot instructor, psychotherapist and psycho magician. An unavoidable character in the contemporary art scene.
In Wiki:

Nestor Martin-Fernandez de la Torre, Spanish painter born in Las Palmas de Gran Canaria in 1887, who participated extensively in European symbolist and modernist currents.
Nestor began to develop his artistic vocation in Gran Canaria as a boy, making his first drawings with only seven years of age, while studying at the Colegio San Agustin, where he received drawing lessons from Nicolas Massieu. In 1899 he received the first artistic guidance of his first teacher, Spanish seascape and landscape painter Eliseo Meifrén with whom he painted his first work. At fifteen Nestor moved to Madrid, where he became disciple of Rafael Hidalgo Caviedes, to continue his studies and, from 1904, he traveled to Europe (Paris, Brussels, Ghent, Bruges and London) to perfect his technique. There were the years during which he lived in Paris ended chisel the artist, giving his great decorative range, which acquired with his renowned ornamental intervention in public buildings and in designing theatrical sets and clothing.
In Wiki:

* Today, February 8, is the birthday of

Franz Marc, German painter born in 1880, one of the main representatives of the Expressionist movement. In 1910 he befriended August Macke and Wassily Kandinsky, with whom he founded, along with other artists, the artistic movement Der Blaue Reiter. He died in an act of war in 1916, during World War I.

Genaro López Lahuerta, Spanish painter born in Valencia in 1905 , a prominent portrait painter , who was part of the pictorial group "The Iberians".
He began his studies at the School of Arts and Crafts in Valencia and in 1919 he enrolled at the School of Fine Arts of San Carlos in the same city. Finished his studies he started working as an illustrator for magazines and teaching painting .
In 1928 he made his first exhibition in the Sala Blava (Valencia) and the following year at the Sala Parés in Barcelona. In 1932, at the National Exhibition of Fine Arts in Madrid, won the third prize for a portrait of the writer Max Aub. Thanks to a grant that was awarded in 1932, toured several European countries looking for subjects for his paintings. In addition to numerous awards, the Academy of Arts, Sciences and Letters of Paris awarded him with the Gold Medal, and in Spain the Ministry of Education and Science awarded him with the Medal of Merit in Fine Arts. He died in 1985.
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Aniversarios, Fotografía (I) [Febrero / February 1-9]

February 8, 2014, 11:26 pm
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Comienzo aquí la serie de aniversarios para fotógrafos y fotografías icónicas de la historia. Textos en inglés al final del post.
Starting here the series of anniversaries of photographers and iconic photographs. English translations at the end of this post.
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El 1 de Febrero...

En 1968, durante la Guerra de Vietnam, el oficial del Vietcong Nguyễn Văn Lém fue ejecutado por el jefe de policía Nguyễn Ngọc Loan durante la Ofensiva del Tet. El hecho fue filmado y fotografiado por Eddie Adams. Esta imágen contribuyó a construir la oposición a la guerra de Vietnam.
Eddie Adams (1933 - 2004) fue un fotógrafo y fotoperiodista estadounidense, reconocido por sus retratos de celebridades y políticos, y por su cobertura de 13 guerras. Ganó el premio Pulitzer en 1969.

El General Nguyễn Ngọc Loan ejecuta sumariamente a Nguyễn Văn Lém /
General Nguyễn Ngọc Loan summarily executes Nguyễn Văn Lém.

Ya habíamos visto esta imágen en el blog cuando presenté el trabajo de Sanna Dullaway /
We had already seen this image in the blog when I presented the work of Sanna Dullaway
[Trigo, Dullaway, Walker, Church]


El 2 de Febrero es el cumple de

Paz Errázuriz Körner, fotógrafa y profesora chilena nacida en 1944 en Santiago de Chile, que ha incursionado principalmente en el uso de la fotografía en blanco y negro y lo contemporáneo. Participa en el denominado "Grupo 8", colectivo artístico que incluye también a Leonora Vicuña, Alexis Díaz, Claudio Pérez, Miguel Navarro, Javier Godoy, Álvaro Hoppe y Alejandro Wagner.
Estudió en el Cambridge Institute of Education y en la Pontificia Universidad Católica de Chile, desde donde se tituló como profesora de educación básica. En el ámbito de la fotografía se inició sin estudios formales, aunque luego estudió en el International Center of Photography de Nueva York.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Paz_Err%C3%A1zuriz
Sitio web: http://www.pazerrazuriz.cl/

De la serie "Los nómades del mar", últimos miembros de la etnia Kawesar / 
From the series "Nomads of the Sea", last members of the Kawesar ethnic group.


El 3 de Febrero es el cumple de

Jim Marshall, fue un fotógrafo estadounidense nacido en 1936 que realizó fotografías a artistas del rock e hizo reportajes en importantes conciertos.
Fue el único fotógrafo que pudo entrar en el camerino de Los Beatles en su último concierto y algunas de sus fotografías más conocidas son de Jimi Hendrix, los Rolling Stones o Johnny Cash. Una de las fotografías más difundidas de Hendrix quemando su guitarra en el festival de Monterrey, sus fotografías del festival de Woodstock o los retratos a Cash en la cárcel de San Quintín le han convertido en uno de los fotógrafos de reportajes musicales más destacados. Entre los artistas musicales que fotografió se encuentran además Janis Joplin, The Who, Bob Dylan, Chuck Berry o Jim Morrison. Aunque residía en California murió en Nueva York en 2010.



El 4 de Febrero es el cumple de

Andy Goldstein, fotógrafo argentino nacido en 1943. Su obra más conocida es "Vivir en la tierra", una serie de 66 fotografías de gran formato en la que retrata familias en asentamientos informales en 14 países de Latinoamérica.
Se interesa por la fotografía desde muy temprana edad, abriendo su primer estudio fotográfico en 1968 en la avenida de Las Heras de Buenos Aires. En 1975 crea la Escuela de Fotografía Creativa, con el propósito de mejorar la formación profesional que se encontraba poco desarrollada en esos años.

"Foto perteneciente a la serie "Vivir en la tierra", Colombia, El Recuerdo / 
Photo from his series "Live on Land", Colombia, El Recuerdo, 1995.


El 5 de Febrero es el cumple de

Deborah Willis, artista, fotógrafa, curadora e historiadora de fotografía, autora y educadora afroamericana, nacida en 1948.
Actualmente es profesora y presidente del Departamento de Fotografía e Imagen en la Escuela de Artes Tisch de la Universidad de Nueva York.
Sus títulos incluyen una Licenciatura en fotografía del Philadelphia College of Art en 1975, un Master de Bellas Artes en fotografía en el Pratt Institute en 1979, una maestría en historia del arte en el City College de Nueva York en 1986 y un doctorado del Programa de Estudios Culturales de la Universidad George Mason en 2001.

"Serie de los culturistas / The Bodybuilders Series", 2011


El 6 de Febrero es el cumple de

Elizabeth Gill Lui, fotógrafa y artista estadounidense nacida en 1951.
Como estudiante de Bellas Artes en la Universidad de Colorado, Gill Lui creaba litografías y grabados muy gráficos y detallados, pero llegando a su tercera década de vida comenzó a explorar la fotografía en el grabado. Después de un accidente de coche devastador en 1979, se dedicó a su trabajo creativo, estudiar a nivel de postgrado en fotografía de arquitectura en Harvard. 
El trabajo fotográfico de Elizabeth Gill Lui ha sido ampliamente publicado y exhibido en museos y galerías.

"China", imagen utilizada como portada de "Corazones abiertos, puertas abiertas: Reflexiones sobre el pasado y el futuro de la China" / 
Cover photographic image from "Open Hearts Open Doors:Reflections on China's past and future", 2009


El 7 de Febrero es el cumple de

Elsa Thiemann, fotógrafa alemana nacida en 1910 en Toruń, Prusia oriental (actualmente Polonia), cuyo apellido de nacimiento era Franke. Formó parte de la prestigiosa escuela de la Bauhaus.
Entre los años de 1922 y 1926 Elsa Franke fue alumna del liceo de Neukölln. Su profesora de dibujo, Margarete Kubicka, pronto reconoció sus dotes para el dibujo. Entre 1929 y 1931 fue estudiante de la Escuela de la Bauhaus. Recibió clases de fotografía de mano de Walter Peterhans y asistía a las clases de dibujo de Wassily Kandinsky y de Paul Klee. Luego regresó a Berlín y trabajó como fotógrafa de prensa. Murió en 1981.

"Retrato de / Portrait of Hans Thiemann", ca.1929-30


El 8 de Febrero es el cumple de

Sebastião Salgado, fotógrafo documentalista social y fotoperiodista brasileño nacido en 1944.
Tras una infancia itinerante, recibió inicialmente formación como economista, obteniendo un Master de la Universidad de São Paulo. Comenzó a trabajar como economista, y fue viajando por África en misiones para el Banco Mundial cuando comenzó a tomar fotografías seriamente.
Ha viajado por más de 100 países con sus proyectos fotográficos. Ha obtenido numerosos premios fotográficos en reconocimiento a sus logros.

"Una mujer desnutrida, deshidratada, en el hospital de /
A malnourished, dehydrated woman in the hospital in Gourma Rharous, Mali, 1985



Hoy, 9 de Febrero, es el cumple de

Wilson Alwyn "Snowflake (Copo de Nieve)" Bentley, estadounidense nacido en 1865, uno de los primeros en fotografiar copos de nieve.
Perfeccionó el procedimiento para capturar copos en terciopelo negro de tal manera que las imágenes pudieran ser captadas antes de que se derritieran o sublimaran.
Kenneth G. Libbrecht apuntó que las técnicas utilizadas por Bentley son esencialmente las mismas que se utilizan hoy, y aunque sus fotografías reflejan las limitaciones de la época, "lo hizo también que raras veces alguien se dedicó a fotografiar copos de nieve durante casi 100 años."
La mayor colección de sus fotografías están en poder de la Jericho Historical Society, en su cuidad natal de Jericho, Vermont. Murió en 1931

Lámina XIX de los "Estudios entre cristales de nieve..." /
Plate XIX of "Studies among the Snow Crystals ... ", 1902


English Translations

* On February 1...

1968 - Vietnam War: The execution of Viet Cong officer Nguyen Van Lem by South Vietnamese National Police Chief Nguyen Ngoc Loan during the Tet Offensive, is videotaped and photographed by Eddie Adams. This image helped build opposition to the Vietnam War.
Eddie Adams (1933 - 2004) was an American photographer and photojournalist noted for portraits of celebrities and politicians and for coverage of 13 wars. He won a Pulitzer Prize in 1969

* On February 2 is the birthday of

Paz Errazuriz Körner, Chilean photographer and teacher born in 1944 in Santiago de Chile, who has dabbled mainly in the use of photography in black and white and contemporary. She's part of the so-called "Group 8" art collective that also includes Leonora Vicuña, Alexis Diaz, Claudio Pérez, Miguel Navarro, Javier Godoy, Álvaro Alexander Wagner and Hoppe.
She studied at the Cambridge Institute of Education and the Pontifical Catholic University of Chile, from where he graduated as an elementary school teacher. In the field of photography she began without formal studies, but then he studied at the International Center of Photography in New York.

* On February 3 is the birthday of

Jim Marshall, American photographer born in 1936 who made photographs of rock artists and made reports on important concerts.
He was the only photographer who could enter the dressing room of The Beatles on their last concert and took some of his most famous photographs to Jimi Hendrix, the Rolling Stones or Johnny Cash. One of the most widespread photographs of Hendrix burning his guitar at Monterey festival, photographs or Woodstock festival, portraits to Cash in San Quentin prison have made him one of the most prominent photographers of musical stories. Among the musical artists who photographed are in addition Janis Joplin, The Who, Bob Dylan, Chuck Berry or Jim Morrison. Although he lived in California died in New York in 2010.

* On February 4 is the birthday of

Andy Goldstein, Argentine photographer born in 1943. His best known work is "Live on Land", a series of 66 large-format photographs by portraying families in informal settlements in 14 Latin American countries.
Interested in photography from an early age, opened his first photographic studio in 1968 on Avenida Las Heras, Buenos Aires. In 1975 created the School of Creative Photography, in order to improve professional training was underdeveloped in those years.

* On February 5 is the birthday of

Deborah Willis, contemporary African-American artist, photographer, curator of photography, photographic historian, author, and educator.
She is currently Professor and Chair of the Department of Photography and Imaging at Tisch School of the Arts of New York University.
Her degrees include a B.F.A. in photography from Philadelphia College of Art in 1975; a M.F.A. in photography from Pratt Institute in 1979; a M.A. in art history from City College of New York in 1986; and a Ph.D. from the Cultural Studies Program of George Mason University in 2001.

* On February 6 is the birthday of

Elizabeth Gill Lui (born Nancy Elizabeth Gill, 1951) in Yonkers, New York is an American photographer and artist.
As a fine arts minor at Colorado College, Gill Lui was creating highly detailed and graphic lithography and engraving, but by her late 20s, she began exploring photography in printmaking. After a devastating car accident in 1979, she dedicated herself to her creative work, studying at a graduate level in architectural photography at Harvard.
Elizabeth Gill Lui's photographic work has been widely published and exhibited in museums and galleries.

* On February 7 is the birthday of

Elsa Thiemann, German photographer born in 1910 in Toruń, East Prussia (now Poland), whose birth name was Franke. She was part of the prestigious Bauhaus school.
Between 1922 and 1926 Elsa Franke was a student of the school in Neukölln. Her art teacher, Margarete Kubicka, soon recognized her talent for drawing. Between 1929 and 1931 she was a student at the Bauhaus. There she received photography classes by Walter Peterhans attending drawing classes of Wassily Kandinsky and Paul Klee. Then she returned to Berlin and worked as a press photographer. She died in 1981.

* On February 8 is the birthday of

Sebastião Salgado, Brazilian social documentary photographer and photojournalist born in 1944.
After a somewhat itinerant childhood, Salgado initially trained as an economist, earning a master’s degree in economics from the University of São Paulo in Brazil. He began work as an economist, often traveling to Africa on missions for the World Bank, when he first started seriously taking photographs.
He has traveled in over 100 countries for his photographic projects. He has been awarded numerous major photographic prizes in recognition of his accomplishments.

* Today, February 9, is the birthday of

Wilson Alwyn "Snowflake" Bentley (February 9, 1865 – December 23, 1931) is one of the first known photographers of snowflakes. He perfected a process of catching flakes on black velvet in such a way that their images could be captured before they either melted or sublimated.
Kenneth G. Libbrecht notes that the techniques used by Bentley to photograph snowflakes are essentially the same as used today, and that whilst the quality of his photographs reflect the technical limitations of the equipment of the era "he did it so well that hardly anybody bothered to photograph snowflakes for almost 100 years". The broadest collection of Bentley's photographs is held by the Jericho Historical Society in his home town, Jericho, Vermont.
Bentley donated his collection of original glass-plate photomicrographs of snow crystals to the Buffalo Museum of Science. A portion of this collection has been digitized and organized into a digital library. He died in 1931.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Wilson_Bentley

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Anka Zhuravleva [Fotografía]

February 9, 2014, 10:33 pm
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Un estilo muy particular, con una visión de la mujer entre la ensoñación, la fantasía, cuentos de hadas y toques surrealistas en las imágenes de Anka Zhuravleva, una artista rusa que transitó el dibujo y la pintura hasta encontrar en la fotografía los hermosos resultados que podemos ver en ésta selección.

A very unique style with a view of women between reverie, fantasy, fairytales and surreal touches on images of Anka Zhuravleva, a Russian artist who transited the drawing and painting until find in photography the beautiful results we can see in this selection.

Anka Zhuravleva


Anka Zhuravleva nació en diciembre de 1980 en Moscú. Pasó su infancia entre libros de arte y los útiles de dibujo de su madre, cubriendo acres de papel con sus propios dibujos. En 1997 ingresó en el Instituto de Arquitectura de Moscú, decidiendo seguir los pasos de su madre. Pero a fines de 1997, a su madre le diagnosticaron un cáncer y murió en menos de un año. Dos años más tarde, falleció su padre.

Alrededor de un año atrás en la profunda Rusia, Chelyabinsk. La nieve es real )) /
About one year ago in deep Russia, Chelyabinsk. The snow is real))
Deberías escuchar esta música mientras miras / Should listen this music while watching


Después de esto, la vida de Anka cambió dramáticamente. En un intento por mantener la cordura, se sumergió en un estilo de vida alternativo; trabajando como tatuadora, cantando en una banda de rock, a veces buscando escape en el alcohol. Para sobrevivir mientras estudiaba, Anka trabajó en varias agencias de modelos. Gracias a las clases de dibujo, no temía posar desnuda, y sus fotos aparecieron en las revistas Playboy y XXL, y en la exposición de fotografías de Playboy de 1999. Pero ella no pretendía seguir una carrera como modelo; sólo era un medio para ganar algo de dinero.

"Espejismo en la gran ciudad / Mirage in big city"
Modelo / Model: Kiker Chen

Deberías escuchar esta música mientras miras / Should listen this music while watching

Deberías escuchar esta música mientras miras / Should listen this music while watching
Modelo / Model:Agata

En 2001 Anka estaba trabajando en el departamento de post-producción de Mosfilm Studios. Ese mismo invierno, uno de sus colegas la invitó a pasar un fin de semana en San Petersburgo con su amigo, el compositor Alexander Zhuravlev. En menos de un mes, Anka dijo adiós a Moscú, a sus amigos, a su carrera en Mosfilm, y se mudó con Alexander a San Petersburgo. Vivir con su amado curó su alma, y recuperó la pulsión por pintar. Hizo varios trabajos gráficos y se aventuró en otras áreas de las artes visuales. En 2002 Gavriil Lubnin, famoso pintor y amigo de su marido, le enseñó la técnica de la pintura al óleo, con la cual experimentó durante los años siguientes. Durante ese período hizo sólo unas pocas obras, ya que cada una le requería desencadenar una gran carga emocional. Todas esas obras son tan diferentes que parecen creadas por distintas personas.
Su primera muestra tuvo lugar en un canal de TV local durante una emisión en vivo; el estudio estaba decorado con sus trabajos.
Colecciones privadas de Rusia y del extranjero cuentan con sus pinturas y bocetos. En 2006, Anka notó que su inspiración a menudo le venía de fotografías, y decidió dedicarse a ello.

Modelo / Model: Ksenia Baliyassove - Falda / Skirt: Lollylu Sheinkin


Deberías escuchar esta música mientras miras / Should listen this music while watching

P: Algunas de tus fotografías están llenas de colores cálidos; otras son frías y oscuras. ¿Decides los colores antes de después de hacer las fotos, o antes de las sesiones?
R. No hay reglas... Depende de la situación. A veces hago un boceto antes de la sesión de fotografía y ya sé qué hacer. A veces no.

P: Según tu modo de ver, ¿pueden considerarse tus fotografías un intento de reflejar el surrealismo?
R: No, no lo creo. Sólo una pequeña parte de mis imágenes, de hecho la serie "gravedad distorsionada" son un poco surrealistas, por la propia idea de la serie... Las otras son muy reales.

De una entrevista para la edición de agosto de 2013 de la revista "Republic X" que puede leerse completa aquí.

Deberías escuchar esta música mientras miras / Should listen this music while watching

Der./ Right: "Katia"


Anka vive actualmente en Porto, Portugal, realizando a veces talleres y dando clases online via Skype. A veces realiza fotografía comercial, pero, como ella dice, "Necesito inspiración para cada foto y sólo el dinero no es suficiente. Necesito comprensión, confianza mutua y simpatía."

Modelo / Model: Inga Selivanova - Vestido / Dress: Taisia Kirtsova

"Pez dorado / Golden Fish"

"La intemporal historia de Blancanieves / Timeless story of Snow White"

Anka was born on December 4, 1980. She spent her childhood with books on art and her mothers’ drawing tools, covering acres of paper with her drawings. In 1997 she entered the Moscow Architectural Institute deciding to follow in her mothers’ footsteps. But at the end of 1997 her mother was diagnosed with cancer and died in less that a year. Then her father died in 1999.




After that Anka’s life changed dramatically. In attempt to keep sane, she plunged into an alternative lifestyle – working as a tattoo artist, singing in a rock-band, sometimes looking for escape in alcohol. In order to make a living while studying, Anka worked at several modeling agencies. Thanks to the drawing lessons she wasn’t afraid to pose nude, and her photos appeared in the Playboy and XXL magazines and at the Playboy 1999 photo exhibition. But she was not looking for a modeling career – it was just a way to make some money.


Serie Gravedad distorsionada: "Ajedrez" / Distorted Gravity Series: "Chess"

In 2001 Anka was working in the post-production department at the Mosfilm StudiosThat same winter one of her colleagues invited her to spend a week-end in Saint-Petersburg with his friend, composer and musician Alexander Zhuravlev. In less than a month Anka said farewell to Moscow, her friends, her Mosfilm career and moved in with Alexander in Saint-Petersburg. Living with her loved one healed her soul, and she regained the urge for painting. She made several graphic works and ventured into other areas of visual arts. In 2002 Gavriil Lubnin, the famous painter and her husband’s friend, showed her the oil painting technique, which she experimented with for the following several years. During that period she made just a few works because each one required unleashing of a serious emotional charge. All those paintings are different as if created by different people.
Anka’s first exhibition took place on a local TV channel live on the air - the studio was decorated with her works.
Several exhibitions followed.
Private collections in Russia and abroad feature her paintings and sketches.

"Una historia de Viana do Castelo / Viana do Castelo Story"

Cómo se hizo / The making of

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"Porto en mi cabeza / Porto in my head" - Modelo / Model: Yo / Me
Autorretrato con ayuda de mi marido / Selfportrait with a help of my husband

Q: Some of your photographs are full of warm coloring, others - cold and dark. Do you decide about coloring after sooting, or before making a photo-shot?
A: There are no rules... It depends of the situation. Sometimes I got sketch before the photo session and already know what to do. Sometimes not.

Q: How do yo think, can you photography be called as an attempt of reflecting surrealism?
A: No, I don't think so. Only small part of my pictures, actually "distorted gravity" series are a bit surreal by the reason of the idea of this series... The other ones are quite real.

From an interview with artist in August 2013 issue of Republic X Art Magazine, you can fully read here.
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Circo / Circus - (Sanson y Olga)


«Siéntense y escuchen, chicos y chicas. Les contaré una pequeña historia acerca de un hombre muy fuerte y su hermana Olga...
Tuve la idea hace un par de años, pero no podía encontra modelos. Cuando felizmente los encontré, pasó más de medio año hasta que tomé las fotos. Y otro medio año hasta que comencé con la post-producción»



«Sit down and listen, boys and girls, I will tell you the small story about the very strong man Samson and his sister Olga ..
I came up with it couple years ago, but could not find models for it. When I happily found them, more half year passed until the photoshot. And then half year more passed until the moment I've begun post production.»


Modelo / Model: Stanislav Liepa
Vestuario en colaboración con / Costume was made in collaboration with Anna Braude
Mi hermana Maria amablemente me ayudó con la edición creativa del texto en el poster /
My sister Maria kindly helped me with creative text editing of the poster text.


Anka lives today in Porto, Portugal, sometimes doing workshops and teaching online via Skype. Sometimes she does commercial shots, but as she say: "I need inspiration for every photo shot and just money is not enough. I need understanding, mutual confidence and sympaty."

Más imágenes e información / More images and information
Website, Facebook

Imágenes publicadas con permiso de la artista (¡Muchas gracias, Anka!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Anka!)


Algunos dibujos y pinturas de Anka / 
Some Anka's paintings and drawings






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Dariusz Klimczak (I) [Fotografía, Fotomanipulación]

February 10, 2014, 10:40 pm
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Como el propio Dariusz dice: "hay muy pocos montajes buenos". Puede ser discutible si son muchos o pocos, pero lo que es claro es que la calidad de los suyos es excelente. Por su cuidado en el uso de la luz, el juego de las proporciones, los simbolismos y el diseño de composición, además de que la base son sus propias fotografías. Primero de un par de posts que dedico a su trabajo. 

As Dariusz says: "There are really few good montages." It may be debatable whether many or few, but what is clear is that the quality of his work is excellent. By his care in the use of light, the play of proportions, the symbolism and design of composition, in addition to the base are his own photographs. First of a couple of posts that I dedicate to his work.

Dariusz Klimczak



Dariusz Klimczak nació en 1967 en Sieradz (Polonia) y se graduó en la Escuela de Arte de Zduńska Wola, estableciéndose con su familia en un pueblo cerca de Łeba.
Periodista independiente, pintor y aforista (ganador del Gran Premio en la séptima edición del Concurso Aforístico de Nowy Targ, 2005)
La fotografía ha sido una parte importante de su vida durante los últimos 25 años, pero se convirtió en una auténtica pasión hace poco. 


"Faro / Lighthouse"

Ex presidente de FOTOSIS (una asociación de fotógrafos), en Sieradz, actualmente trabaja como fotógrafo freelance y ha exhibido sus trabajos en las ciudades de Pabianice, Słupsk, Ostrołęka.
Tiene preferencia por el formato cuadrado y las imágenes en blanco y negro, pero no desdeña el color. En sus trabajos de fotomanipulación busca los estados de ánimo, el humor y los símbolos universales con los cuales puede impactar al espectador llevándolo a la contemplación o arrancando una sonrisa.




Rafal Gasiński: Una mujer en zancos con un hipopótamo elevado por un pequeño globo... Para mí esta imagen contiene, probablemente, la escencia de lo que muestras en tu trabajo...
Dariusz Klimczak: Se te olvidó añadir que el trabajo debe ser necesariamente en blanco y negro :). Bueno, sí, en general hay varios elementos que me son característicos.
Aunque trato de no limitarme, constantemente estoy en busca de nuevos temas. Tengo una historia de amor con el surrealismo; es imposible de ocultar. Si en unos pocos años no hay alguna señal de él, es que he cambiado de amante.

Rafal Gasiński: A woman on stilts with a large hippo elevated by a small globe ... For me this image probably contains the essence of what you show in your work ... 
Dariusz Klimczak: You forgot to add that the work must necessarily be in black and white :). Well, yes, in general there are several elements that are characteristic. 
Although I try not to limit myself, I am constantly looking for new items. I have a love affair with surrealism, it is impossible to hide. If there is no sign of it in a few years, is that I changed my lover.

"Stop"

«Llevo tomando fotos más de treinta años. Empecé con la fotografía analógica. Por entonces a nadie se le pasaba por la cabeza que algún día surgirían cámaras digitales y programas informáticos para el procesamiento de imágenes. Hice una ampliadora para montajes fotográficos, así que tengo un punto de comparación. Pasaba durante horas en la oscuridad, enmascarado, encorvado, para lograr el efecto deseado, pero rara vez salía tal como querías. Se dice que Photoshop es un cuarto oscuro digital moderno, y estoy totalmente de acuerdo con eso. Es más preciso, mucho más potente y, sobre todo, no tienes que inhalar el olor de los productos químicos :)»


«Soy totalmente independiente, y no acepto ningún tipo de encargos para fotografía, así que sólo fotografío lo que me interesa. En su mayor parte son paisajes, que luego utilizo para mis fotomontajes. Trabajo en casa (paso muchas horas frente al ordenador) creando nuevos mundos basados en mis propias fotos. Mi inspiración puede desencadenarse a partir de las cosas más pequeñas: una textura interesante, componentes arquitectónicos, paisajes inusuales. Puede sonar presuntuoso, pero eso me inspira.»


«Desafortunadamente, hay muy pocos montajes buenos. No es cuestión sólo de pegar una imagen sobre otra, así que es un trabajo que hay que poner en valor. Lo que se necesita es una anécdota, humor, una idea. Mucha gente olvida las cuestiones básicas: la dirección de la luz, la proporción, composición. Los fotomontajes, al menos en mi opinión, deberían estar basados en los mismos principios que la pintura clásica. Importa tanto la originalidad como la técnica. Si las cualidades técnicas son pobres, una buena idea puede salvarlo.»

"Ladrón de sueños / Thief of Dreams"


Textos traducidos (lo mejor posible) de una entrevista que puede leerse completa (en polaco) aquí, y de otra para Toxique Magazine (Vol. 1) que puede leerse (en inglés) aquí.

"Amo de la pájaros / Master of the Birds"

Dariusz Klimczak, born in 1967 in Sieradz, a graduate of Art School in Zduńska Wola, settled with his family in a village near Łeba.
Independent journalist, painter and aphorist (Grand Prix winner of the seventh edition of Aphoristic Contest in Nowy Targ, 2005).
Photorgaphy for the last 25 years has been an important part of his life, but it's become his true passion few years ago. The former chairman of FOTOSIS (an association of photographers), Sieradz. Currently, a freelance photographer. Has exhibited his works in cities of Pabianice, Słupsk, Ostrołęka.
Prefers square frames & black and white pictures but doesn't shun colours. In his photomanipulative works he seeks mood, joke and universal symbols,  which can  strike, make  the viewer contemplate  or laugh.


"Casa de madera / Wooden House"

"Peinando el viento / Combing The Wind"

"Posesiones / Possessions"

«I've been taking pictures for over thirty years. I started with analog photography. By then no one could expect that someday emerge digital cameras and software for image processing. I made an enlarger to photo montages, so I have a point of comparison. For hours spent in the dark, blurred, bent, to achieve the desired effect, but rarely left as wanted. It is said that Photoshop is a modern digital darkroom, and I totally agree with that. It is more accurate, more powerful and, above all, you don't have to inhale the smell of chemicals :)»

"Piecito / Little foot"

"Cargo / Cargo"

«I'm totally independent, not accepting any kind of photographic orders, so I photograph only what interests me. These are mostly landscape, which are then uses in my photomontages. I work from home - many hours I spend in front of the computer, creating new worlds based on my own photos. As for inspiration, it can sometimes just be triggered by the smallest things: an interesting texture, component architecture, unusual landscape. It may sound presumptuous, but it inspire me.»

"Tierra de libros / Bookland"

"Acróbatas / Acrobats"

«Unfortunately, there are really few good montages. You do not just paste an item from one image to another, so it is a valuable job. What is needed is an anecdote, humor, idea. Many people forget about the basic issues: the direction of light, proportion, composition. Photomontages, at least in my opinion, should be based on the same principles as the classical picture. What matters is both originality and technique. If the technical qualities are poor, a good idea can't save it.»

Kromelcy o Tumba al Soldado Desconocido / Kromlechy, or Tomb of the Unknown Soldier

"Hora del paseo / Time to Walk"

Texts translated (I did the best I could) from an interview by Rafal Gasiński you can fully read (in Polish) here and from another one by Toxique Magazine (Vol. 1) you can read here.

Más imágenes e información / More images and information
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Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Dariusz!)
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Klaus Enrique [Fotografía]

February 11, 2014, 11:29 pm
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Fantástico el trabajo de éste fotógrafo, que en una de sus series más destacadas recrea algunas de las clásicas composiciones de Arcimboldo, ampliándola con las suyas propias basadas en personajes actuales. Pero no es lo único de Klaus; vale la pena echar un vistazo al resto de su obra.

Fantastic work of this photographer, who in one of his most important series recreates some classic compositions by Arcimboldo expanding with their own compositions based on current figures. But is not all of Klaus; worth checking out the rest of his work.

Klaus Enrique


Klaus Enrique nació en 1975 y se crió en Ciudad de México. Estudió genética en la Universidad de Nottingham, Inglaterra, y recibió un Master de la Columbia Business School en la ciudad de New York. Durante la mayoría de su carrera laboral se desempeñó como consultor freelance, hasta que su interés se volcó a la fotografía, que estudió en Parsons y en la Escuela de Artes Visuales. 
Comenzó a recibir atención internacional en 2007 cuando su retrato "Madre e Hija"[ver más adelante] fue preseleccionado por la National Portrait Gallery para el Premio al Retrato Fotográfico. Posteriormente lo fue por otros trabajos por "Newspace Center for Photography", "National Geographic Traveler", la "Photography Masters Cup", y el "Art of Photography Show", entre otros. Actualmente vive en New York City. 

"El Jardinero Vegetal / The Vegetable Gardener" [ver más adelante / check out below]

"Vertumnus"

«Hace cuatro años, estaba trabajando en una serie fotográfica titulada "Máscaras", en la cual diferentes partes de la anatomía humana se presentaban en el contexto de cientos de diversos elementos orgánicos del mismo tipo, como manzanas, flores o pelo, por nombrar algunos. En diciembre de 2007, estaba fotografiando un ojo humano rodeado de cientos de hojas secas. Una de las hojas se alineó de tal forma que parecía una nariz correspondiente a ese ojo. La imagen fue escalofriante, pero también parecía artificial. Parecía que la hoja había sido puesta allí deliberadamente para que se viera como una cara. En ese momento, escribí en mi portátil: "Hacer un rostro con hojas secas"»

"Tiziano / Titian"

«Antes de comenzar un nuevo proyecto, siempre investigo el trabajo que otros artistas han hecho sobre el mismo tema. No tardé mucho en descubrir la obra de Giuseppe Arcimboldo. Fue una decepción inmediata para mí. Como con muchas otras ideas mías, alguien, en algún sitio, ya había pensado en ello (en éste caso hace más de 400 años) y había ejecutado la idea estupendamente. "Oh, bien...", pensé, y con esto abandoné el proyecto.

Pero la idea seguía dándome vueltas en la cabeza. Hace mucho tiempo escuché a alguien citar a Alfred de Musset: "La perfección no existe: comprender ésto es el triunfo de la inteligencia humana; esperar alcanzarla es el más peligroso tipo de locura." Si la perfección existiera, superarse sería imposible. Así el arte es como la ciencia. De hecho, para mí el arte es forzar los límites de nuestra comprensión. Es el acto de crear algo nuevo. Es romper un record mundial. Es descubrimiento.

Cuánto más investigaba la obra de Arcimboldo, más convencido estaba de que tenía que crear mi propia serie.»

"Darth Vader"

"Cabeza de un hombre / Head of a Man"

«¿Fue Aretino el primero en crear una cabeza compuesta? Probablemente no. El antropomorfismo (la atribución de características humanas a cosas vivas o no), la Pareidolia (percibir cosas que no existen, como la carita sonriente o el hombre o conejo en la luna) y el proceso cognitivo de la percepción de los rostros, son probablemente tan viejos como la humanidad misma. Nada de ésto, sin embargo, quita grandeza a Aretino, o Da Vinci, o Arcimboldo. Pero de la misma forma ninguno de ellos tiene la propiedad de estos conceptos. Gheeraerts, Tobias Stimmer, Carlo Urbino, Ambrogio Brambilla, Joos de Momper, Wenzel Hollar, todos han creado obras de una u otra manera similares a las de Arcimboldo. Más recientemente, Salvador Dalí homenajeó el “Invierno” de Arcimboldo en su “Portrait of Frau Isabel Styler-Tas”. Uno podría argumentar que hay algo Arcimboldesco en la obra de István Orosz y Ju Duoqi, y ciertamente en la obra del fotógrafo contemporáneo Bernard Pras [ver más adelante], quien recientemente, en 2007, creó su propia versión del “Verano” de Arcimboldo.»

«Puedo imaginar un día en el futuro, distante o no, cuando un artista utilice la ingeniería genética para crear una planta viva que se vea exactamente igual que el "Vertumnus" de Arcimboldo. Será un espectáculo deslumbrante. ¿Podría ese ser el perfecto Arcimboldo? La perfección no existe.»

 "Cabeza de un hombre / Head of a Man"

"Terminator"

En el resto de la obra de Klaus hay un constante juego con las formas, los colores, las texturas y el movimiento; desde las complejas y densas tramas de "Burnt" y "Milk", pasando por la vibrante masa humana de "Uno", hasta la minimalista sobriedad de las volutas de humo en "La geometría fractal...".

"Gandhi II"
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Otras series / Other Series

"Quemado 12 / Burnt 12"

Born in 1975, Enrique grew up in Mexico City. He studied Genetics at the University of Nottingham, England, and received an MBA from Columbia Business School in the City of New York. Most of his working career was spent as a freelance IT consultant before Enrique turned to photography, which he studied at Parsons and at the School of Visual Arts. Enrique began to receive worldwide attention in 2007 when his portrait of “Mother & Daughter” [check out below] was short listed for the Photographic Portrait Prize at London’s National Portrait Gallery. Subsequently, Enrique has been short listed for other works by the Newspace Center for Photography, National Geographic Traveler, the Photography Masters Cup, and the Art of Photography Show among others. In 2011, Klaus Enrique was the winner of the prestigious Curator Award / Emerging Artist of the Year for Still Photography, which is presented by Photo District News. His work is collected by a growing number of public institutions and private collections. Enrique currently lives in New York City.

"Leche 01 / Milk 01"

"Leche 05 / Milk 05"

«Four years ago I was working on a photographic series titled “Masks” in which different parts of the human anatomy are presented in the context of hundreds of different organic elements of the same kind, be it apples, flowers, or hair, to name a few. In December of 2007, I was shooting a human eye surrounded by thousands of dried leaves. One of the leaves happened to be aligned in such a way as to looking like the nose that belonged to that eye. The image was spooky, but it also seemed contrived. It appeared as if the leaf had been deliberately placed there to look like a face. In that moment I wrote in my notepad, “Make face with dried leaves”»

"Leche 07 / Milk 07"

"Leche 19 / Milk 19"

«Before I begin work on a new project, I always research the work that has been done on that subject by other artists. It didn’t take long before I came across the work of Giuseppe Arcimboldo. This was an immediate disappointment to me. As with so many of my ideas, someone, somewhere had already thought about it (in this case more than 400 years ago) and had executed the idea magnificently. “Oh well…” I thought, and with that I abandoned the project.»

"Uno 05 / One 05"

«But the idea kept stirring in my head. A long time ago I heard someone quote Alfred de Musset: “Perfection does not exist; to understand it is the triumph of human intelligence; to expect to possess it is the most dangerous kind of madness.” If perfection existed, improving upon it would be impossible. Thus art is like science. Indeed, to me art is pushing the boundaries of our understanding. It is the act of creating something novel. It is breaking a world record. It is discovering.

The more I researched Arcimboldo’s work, the more convinced I became of creating my own series.»

"Uno 08 / One 08"

«Was Aretino the first artist to create a composite head? Probably not. Anthropomorphism (the attribution of human characteristics to living and non-living things), Pareidolia (perceiving things where non exist – think of the smiley face or the man or rabbit on the moon) and the cognitive processes of face perception are probably as old as mankind itself. None of this, however, takes away from the greatness of Aretino, or da Vinci, or Arcimboldo. But equally, neither of them has ownership over those concepts. Marcus Gheeraerts, Tobias Stimmer, Carlo Urbino, Ambrogio_Brambilla, Joos de Momper, Wenzel Hollar, have all created works that one way or another are similar to Arcimboldo’s oeuvre. More recently, Salvador Dali paid homage to Arcimboldo’s “Winter” in his “Portrait of Frau Isabel Styler-Tas”. One could argue that there is something Arcimboldesque in the work of István Orosz and Ju Duoqi, and certainly in the works of contemporary photographer Bernard Pras [check out below], who incidentally recently (2007) created his own version of Arcimboldo’s “Summer”.»

«I can imagine one day in the future, distant or not, when an artist will use genetic engineering to create a living plant that looks exactly like Arcimboldo’s Vertumnus. It will be an arresting sight. Would that be the perfect Arcimboldo? Perfection does not exist.»

"La geometría fractal de la naturaleza 05 / The Fractal Geometry of Nature 05"

The rest of Klaus' work is a constant play with shapes, colors, textures and movement, from the complex and dense whefts of "Burnt" and "Milk", through the vibrant human mass of "One" until the minimalist sobriety of the wisps of smoke in "The fractal geometry ...".

"La geometría fractal de la naturaleza 11 / The Fractal Geometry of Nature 11"

Los textos están traducidos de una reseña que Klaus tuvo la amabilidad de remitirme /
Texts from a review that Klaus was kind enough to sent me.

Otros trabajos / Other Work

Izq./Left: "Madre e hija / Mother and Daughter", 2007 - Der./Right: "Día de los Muertos / Day of Dead"

Izq./Left: "Tierra fértil / Fertile Ground" - Der./Right: "Killing Fields / Campos de la Muerte"

Se puede obtener más información y disfrutar de la obra de Klaus en /
You can get more information about Klaus and enjoy his work in
Website, Facebook, Flickr

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Klaus!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Klaus)


Referencias / References
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"Invierno" / "Winter"

Klaus Enrique: "Invierno / Winter"

Klaus recrea una obra de Arcimboldo de la cual existen varias versiones / 
Klaus recreates an  Arcimboldo's work with several versions

Giuseppe Arcimboldo: "Invierno / Winter", 1563. Museo del Louvre (París, Francia / France)

La serie de "Las Estaciones" fue encargada en 1573 por el emperador Maximiliano II de Habsburgo para ser ofrecida al Elector Augusto de Sajonia cuyas armas, las espadas cruzadas de Meissen, están bordadas en el manto de "Invierno". Retoma una serie anterior, de las que subsisten sólo el verano y el invierno, fechados en 1563 (Viena, Kunsthistorisches Museum), ofrecidos en 1569 por Arcimboldo a Maximiliano II, junto con una serie de los cuatro elementos.
El marco de flores, probablemente fue añadido a los cuatro cuadros en el XVII.
Información de la ficha de la obra en el sitio web del Museo del Louvre.

Giuseppe Arcimboldo
"Invierno / Winter", óleo sobre madera de tilo / oil on limewood, 66 × 50 cm., 1563. 
Kunsthistorisches Museum, Gemäldegalerie (Viena, Austria)

The series of "The Seasons" was commissioned in 1573 by the Habsburg Emperor Maximilian II to be offered to the Elector Augustus of Saxony whose weapons, Meissen crossed swords are embroidered on the mantle of "Winter". Resumes a previous series, the only remaining "Summer" and "Winter", dated 1563 (Vienna, Kunsthistorisches Museum), offered in 1569 by Arcimboldo to Maximilian II, along with a series of four elements. 
Floral frame, was probably added to the four paintings in the XVII. 
Information from the record of this artwork in the Louve Museum Website.

Giuseppe Arcimboldo
"Invierno / Winter", óleo sobre tabla / oil on wood, 84 x 57 cm. 
Bayerische Staatsgemaeldesammlungen (Múnich, Alemania / Germany)

Philip Haas: "Invierno y Verano / Winter and Summer", Jardín botánico / Botanical Garden. Foto / Photo: ConexionModa

Philip Haas es un artista, guionista y cineasta estadounidense nacido en 1954, conocido por sus muestra escultórica "Las Cuatro Estaciones", de 2012, y su película de 1995 "Ángeles e Insectos".

La monumental escultura en fibra de vidrio "Invierno de Arcimboldo", fue presentada en la National Gallery of Art, en Washington, en septiembre de 2010, antes de viajar en 2011 a la Piazza del Duomo de Milán y el Jardín de Versalles. En 2012, en una espectacular transformación típica de su trabajo, Haas creó un conjunto de esculturas de fibra de vidrio a gran escala (15 pies de altura), inspiradas en las pinturas renacentistas de Arcimboldo de las cuatro estaciones: "Primavera", "Verano", "Otoño", e incluyendo "Invierno". Información de Wiki.

Philip Haas: "Invierno, de Arcimboldo / Winter, after Arcimboldo", 
Fibra de vidrio con pintura y pigmentos / pigmented and painted fiberglass, 2010
Foto / Photo: Seabamirum (Flickr)

Philip Haas (born 1954) is an American artist, screenwriter and filmmaker, perhaps best known for his 2012 sculpture exhibition "The Four Seasons" and his 1995 film Angels and Insects.

Haas's monumental fiberglass sculpture Winter (after Arcimboldo) was unveiled in the National Gallery of Art in Washington, D.C. in September, 2010, before traveling in 2011 to the Piazza del Duomo in Milan and the Garden of Versailles. In 2012, in a spectacular transformation that is typical of his work, Haas created a group of large-scale, fifteen-foot-high, fibre-glass sculptures, inspired by Giuseppe Arcimboldo's Renaissance paintings of the four seasons, comprising Spring, Summer, Autumn, and including Winter. Info from Wiki.
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Giuseppe Arcimboldo: "El Jardinero / The Gardener"
Óleo sobre tabla / oil on wood, 35 x 24 cm., c.1590. Museo Civico "Ala Ponzone" (Cremona, Italia / Italy)
 Obra reversible / Reversible Work

Bernard Pras: "Inventario Nº 77 / Inventaire # 77, Arcimboldo"
Cibachrome en diasec / Cibachrome on diasec, 160 x 120 cm., 2007
Imagen / Image: Artsper

Bernard Pras es un artista plástico francés nacido en 1952.
Se diplomó en 1974 en la Escuela de Bellas Artes de Toulouse. En la década de 1980 inventó la técnica del "aquagravure", para reproducir obras de otros pintores.
A partir de 1994, tras varios años de búsqueda en su obra personal, encontró una nueva vertiente artística. Desarrolla instalaciones y acumulaciones de objetos heterogéneos cuya composición es fotografiada y sólo toma forma para el espectador a través del punto focal del objetivo. El concepto de anamorfosis es el hilo conductor de la serie. Con esta técnica reinterpretó imágenes de los pintores Van Gogh, Francis Bacon, Manet y Andy Warhol. También exploró mitos e iconos de la historia: Jimmy Hendrix, Che Guevara, Albert Einstein, Marilyn Monroe y Mickey. Información traducida de la versión en portugués de Wiki.

Bernard Pras is a French artist born in 1952. 
He graduated in 1974 at the School of Fine Arts in Toulouse. In the 1980s invented the technique of "aquagravure" to reproduce works of other painters. 
In 1994, after several years of research in his personal work, he found a new artistic side. He performs installations and collections of heterogeneous objects whose composition is photographed and only takes shape to the viewer through the focal point of the lens. The concept of anamorphosis is the guiding line of the series. With this technique reinterpreted images of painters Van Gogh, Francis Bacon, Andy Warhol and Manet. Also explored myths and icons of history: Jimmy Hendrix, Che Guevara, Albert Einstein, Marilyn Monroe and Mickey. Info from the Portuguese version of Wiki.

Más sobre Arcimboldo en "El Hurgador" / More about Arcimboldo in this blog:
[Sergey Tyukanov II (Pintura)]

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Fotógrafos japoneses (III) - Shōmei Tōmatsu

February 13, 2014, 1:09 am
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Shōmei Tōmatsu
東松 照明


Shōmei Tōmatsu fue un fotógrafo japonés nacido en 1930 en Nagoya. Estudió económicas en la Universidad de Aichi, graduándose en 1954. Mientras aún era un estudiante, sus fotografías se publicaron en las más importantes revistas del Japón. Entró al grupo editorial Iwanami, y trabajó en la serie Iwanami Shashin Bunko. Dos años más tarde lo dejó para convertirse en fotógrafo freelance.
En 1959 formó el grupo "Vivo" con Eikoh Hosoe y Ikkō Narahara. Dos años después el libro que realizó con Ken Domon"Hiroshima - Nagasaki Document 1961", sobre los efectos de las bombas atómicas, que se publicó con gran éxito.

Eiko Ôshima, Actriz en el film Shiiku / Actress in the film Shiiku, 1961

En 1972 se mudó a Okinawa y en 1975 se publicó su libro con fotografías de Okinawa "Lápiz del Sol" (太陽の鉛筆, Taiyō no enpitsu).
En 1998 de trasladó a Nagasaki donde continuó retratando supervivientes de la bomba atómica con los que acabó por entablar una relación muy cercana. 
Su obra estuvo enfocada al reportaje social como crítica de la pérdida de los valores de la sociedad japonesa frente a la influencia estadounidense. 
Murió en Naha (Okinawa) en 2012.

"Daños de la bomba atómica: Reloj de pulsera detenido a las 11:02, 9 de agosto, 1945 / 
Atomic Bomb Damage: Wristwatch Stopped at 11:02, August 9, 1945", Nagasaki, 1961

Izq./ Left: Hibakusha (*) Senji Yamaguchi, Nagasaki, 1962
Der./ Right: "Sin título / Untitled" de la serie / from the series"Chindon", Tokyo, 1961

Hibakusha (被爆者?) es un término japonés que significa ‘persona bombardeada’ (de hibaku (被爆?), forma pasiva de baku (爆 bomba o bombardear?) y de sha (者 persona?)) y con el que se designa a los supervivientes de los bombardeos nucleares a civiles en las ciudades de Hiroshima y Nagasaki en agosto de 1945 por parte de la fuerza aérea de Estados Unidos tras la aprobación del presidente Harry S. Truman.

"Sin título / Untitled (Hateruma-jima)", Okinawa,1971
De la serie "El lápiz del Sol" / from the series "The Pencil of the Sun"

«La gente que se dedica a la fotografía tiende a tener un ángulo típico. La mayoría de mis fotos están tomadas desde arriba, en un ángulo inclinado. Un ángulo inclinado desde arriba es lo que ves cuando trepas al segundo piso y miras desde allí. O si subes a un poste de electricidad y disparas, o si lo haces desde el techo. Es una posición que no puedes alcanzar sin hacer algún tipo de esfuerzo. Viviendo en Nagasaki, una ciudad de desniveles, no hay que hacer un esfuerzo especial. Simplemente caminas por ahí y siempre hay una vista cambiante frente a tí en un ángulo de 45º desde arriba.»

"Sin título / Untitled", Yokosuka, 1966
De la serie "Chicle y Chocolate" / from the series Chewing Gum and Chocolate

El primer encuentro de Tomatsu con Nagasaki se remonta a 42 años. A pedido de un grupo de sobrevivientes de la bomba atómica, hizo fotos en Nagasaki y publicó una colección de fotografías, combinadas con fotos de Hiroshima tomadas por Ken Domon. Fue 15 años después de que la bomba fuera lanzada en Nagasaki. Tomatsu tenía 31 años.

«Nagasaki era un lugar que nunca había visitado y no conocía. Además de eso, apenas tenía conocimiento alguno sobre la bomba atómica. Así que tomé el trabajo sin saber nada y me metí en él con indiferencia.»

"Prostituta / Prostitute", Nagoya, 1958

Una botella de cerveza que se derritió y deformó por el calor de los rayos y la bomba atómica. Estatuas de ángeles de una catedral católica que fueron derribados por el estallido de la bomba. Lo que Tomatsu encontró en Nagasaki 15 años después de la bomba, fue la erosión de las cicatrices dejadas por la bomba atómica y la apenas velada agonía de los sobrevivientes.

La información está tomada de la ficha del artista en Wiki y traducida de los comentarios del artista en los videos que pueden verse al final del post.

"Hibakusha (*) Tsuyo Kataoka", Nagasaki, 1961

(*) The surviving victims of the atomic bombings of Hiroshima and Nagasaki are called hibakusha (被爆者?), a Japanese word that literally translates as "explosion-affected people" and is used to refer to people who were exposed to radiation from the bombings.

"Hospital de la bomba atómica / Atomic Bomb Hospital”, Nagasaki, 1961

"Sin título / Untitled (Kadena, Okinawa)"
De la serie "Chicle y chocolate" / from the series "Chewing Gum and Chocolate", 1969

Shōmei Tōmatsu was a Japanese photographer born in Nagoya in 1930. He studied economics at Aichi University, graduating in 1954. While still a student, he had his photographs published by the major Japanese photography magazines. He entered Iwanami and worked on the series Iwanami Shashin Bunko. Two years later, he left in order to freelance.
In 1959, Tōmatsu formed Vivo with Eikoh Hosoe and Ikkō Narahara. Two years later, his and Ken Domon's book Hiroshima–Nagasaki Document 1961, on the effects of the atomic bombs, was published to great acclaim.

"Sin título / Untitled"
De la serie "Protesta" / from the series Protest, Tokyo, 1969

In 1972, he moved to Okinawa; in 1975, his prizewinning book of photographs of Okinawa, Pencil of the Sun (太陽の鉛筆, Taiyō no enpitsu) was published.
In 1998 Tōmatsu moved to Nagasaki where he continued portraying survivors of the atomic bomb that ended up building really close relationship.
His work was focused on social reportage and criticism of the loss of the values ​​of Japanese society against U.S. influence.
Tōmatsu died in Naha (Okinawa) on December 2012.

Izq./ Left: "Consecuencias de un tifón / Aftermath of a Typhoon", Nagoya, 1959
Der./ Right: "Estatua de un ángel destrozada por la bomba atómica en la Catedral de Urakami / 
Statue of an Angel Shattered by the Atomic Bomb at Urakami Cathedral", Nagasaki, 1961

«People who are engaged in photography tend to have a typical angle. Most of my photos are taken from an overhead, slanted angle. A slanted overhead angle is what you see when you climb up to the second floor and look down from there. Or if you climb and electric pole and shot, or you shoot from the rooftop. It's a standing position that you can't reach without making some sort of effort. Whereas living in Nagasaki, a town of slopes, you don't have to make any special effort. You simply walk and there's an ever-changing view in front of you at an angle of 45 degrees from above.»

Tsukudajima, Tokyo 1955

"Botella derretida y deformada por el calor, radiación y fuego de una bomba atómica /
Bottle Melted and Deformed by Atomic Bomb Heat, Radiation, and Fire", Nagasaki, 1961

Tomatsu's first encounter with Nagasaki goes back 42 years. At the request of a group of A-bomb survivors he shot in Nagasaki and published a collection of photographs, combined with photos of Hiroshima taken by Ken Domon. It was 15 years after the bomb was dropped on Nagasaki. Tomatsu was then 31 years old. 

"Sangre y rosas 2 / Blood & Roses 2", Tokyo, 1969

«Nagasaki was a place I had never visited and I did not know. On top of that, I hardly had any knowledge of the atomic bomb. So, I took the job without knowing anything and rushed into it nonchalantly.»

"Juego de cartas / Card Game", Zushi, Kanagawa, 1964

A beer bottle that was melted and deformed by the heat rays and fire of the atomic bomb. Statues of angels at a Catholic cathedral that were toppled by the bomb blast. What Tomatsu found in Nagasaki, 15 years after the bombing, was the weathering of the scars left by the atomic bomb and the thinly veiled agony of the bomb survivors.

"Coca-cola", Tokyo, 1969

"Isla de Fuhuejima / Fukuejima Island", Nagasaki, 1963

Information taken from the article about the artist in Wiki and from the coments in the videos you can see below. 


Shōmei Tōmatsu trabajando en / at work in Nagasaki, 2002


Shōmei Tōmatsu sobre sus fotografías de las víctimas de la bomba atómica de Nagasaki / 
on photographing the Nagasaki A-bomb victims


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Michael Papendieck [Fotografía]

February 14, 2014, 12:25 am
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Michael Papendieck


Michael Papendieck es un fotógrafo alemán nacido en 1970 que se dedica a esto desde 1989.
Desde 2005 trabaja como fotógrafo freelance, autor y docente, y desde 2009 profesor de fotografía en la FF-Fotoschule de Hamburgo (Alemania).
Actualmente vive en Braunschweig.


"Torneada / Twister"

"Fantasma / Ghost"

«Comencé a los 11 (hace 34 años... ¡Uau!) con una pequeña "cosa" compacta. Mi primera cámara reflex la tuve con 14 años. Intenté tomar fotografías como Cousteau y Sielmann. Como pueden ver... ellos son famosos... yo no. :-D
Pero intenté mejorar seriamente en el apartado de vida salvaje y fotografía de la naturaleza. En la secundaria tenía un profesor de artes que me abrió los ojos para "ver" las imágenes, no sólo consumirlas. Comencé algo parecido a un "McGiverismo aplicado", para conseguir cualquier imagen que pudiera. Con más o menos éxito... pero me condujo a otra forma de usar la cámara.»




«Durante mis estudios de doctorado en Biología, regresé a la fotografía de naturaleza y vida salvaje. Pero mi otra pasión, la danza, me ofrecía nuevos aspectos. Bailando durante 15 años latino y standard conocí a muchas chicas hermosas y sexys en movimiento.
En mi cabeza grababa esas imágenes. Más tarde cogí la cámara y me pasé al arte del cuerpo.
Al final, puedo definirme como un generalista, sin especialización en un cierto tipo de imágenes.
Hay algunas imágenes esperando para ser captadas. ¿Por qué limitarse?»

"Arcilla roja / Red Clay"


Además de su abuelo, dice que le inspira la fotografía de Peter Lindbergh e Igor Amelkovich. 
«¿Soy un fotógrafo erótico? El erotismo es principalmente una cuestión de punto de vista. Pero si me lo preguntaran... creo que lo soy.»

"Gravedad cero / Zero G"


"Espalda / Back"

Michael Papendieck is a German photographer born in 1970, dedicated to this since 1989.
Since 2005 he works as a freelance photographer, author and teacher, and since 2009 he teach photography in FF-Fotoschule (Hamburg, Germany)
Nowadays he's based in Braunschweig.

"Complejo-luciferina-luciferasa / Luciferin-luciferase-complex"

"Afrodítico... / Aphroditisch..."

"Dedo del pie / Toe"

«Started with 11 (34 years ago, wow!) with a small compact "thing". My first SLR I´ve got with 14. I tried to take pics like Cousteau and Sielmann. As you can see....they are famous...me not :-D
But I tried hard to improve in the section of wildlife & nature photography. In High School I had a teacher in arts which opened my eyes to "see" pictures not only to "consume" it. I started something like "Applied MacGyverism" to get every pic I could get. More or less without success...but it led me to another way of using my cam.»

"Origami"


"120 Grados / 120 Degrees"

«During my studies and my PhD in biology I came back to nature & wildlife photography. But my other passion, dancing, offered my some new aspects. Dancing for 15 years latin and standard I met lots of beautiful and sexy moving ladies.
In my head I recorded all that pics. Later on I took my cam and went out for body art.
At least I would define myself as a generalist...not being specialised to a certain section of pics.
There are some picture to be taken. Why limiting?»


"Abre tus alitas / Spread your little wings..."

In addition to his grandfather, he says he's inspired by the photography of Peter Lindbergh and Igor Amelkovich."
«Am I an erotic photographer ? Erotic is mainly a question of the point of view. But if I would have been asked... I think I am.»


Se puede disfrutar de la obra de Michael en / You can enjoy Michael's work in
Website, Blog, Photodom, deviantART, Flickr

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias Michael!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot Michael!)

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Aniversarios (II) [Febrero / February 9-15]

February 15, 2014, 5:34 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 9 de Febrero es el cumple de

Javier Mariscal, artista multidisciplinario español nacido en 1950. Su trabajo más famoso, la polémica mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona, Cobi. 
La Gamba o Gambrinus es una escultura de grandes proporciones que, curiosamente, representa una cigala. La obra, inaugurada en 1989, empezó siendo un elemento de reclamo para uno de las varios restaurantes del Moll de la Fusta de Barcelona diseñado por el arquitecto Alfred Arribas, amigo de Mariscal. Cuando terminaron los eventos de los Juegos, varios bares y restaurantes de la zona tuvieron que cerrar, incluyendo el restaurante que tenía la obra de Mariscal. Tras el cierre del local y varios litigios posteriores, la obra se quedó en el mismo lugar perteneciendo al Ayuntamiento de Barcelona, convirtiéndose en un símbolo popular de la remodelación que sufrió la zona costera barcelonesa poco antes de los Juegos Olímpicos del 92. En diciembre de 2004 fue restaurada.

"La Gamba o Gambrinus / The Prawn or Gambrinus", Barcelona, España / Spain. 
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Gerhard Richter, artista visual alemán nacido en 1932, uno de los pioneras de la Nueva Pintura Europea, que emergió en la segunda mitad del s.XX. Richter ha producido pinturas abstractas y fotorrealistas, y también fotografías y trabajos en vidrio. Su arte siguió los ejemplos de Picasso y Jean Arp al minar el concepto de que la obligación de un artista es mantener un único estilo cohesionado.
En octubre de 2012, un cuadro abstracto de Richter alcanzó en una subasta el precio récord de £ 21 m. (U$S 34 m.), superado en mayo de 2013 cuando su obra de 1968 Domplatz, Mailand (Plaza de la Catedral, Milan) se vendió por U$S 37,1 millones en New York.

"Abstraktes Bild, Courbet / Pintura abstracta, Courbet / Abstract Painting, Courbet"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 300 x 250 cm., 1986. 
Museum Frieder Burda (Baden-Baden, Alemania / Germany) © Gerhard Richter


El 10 de Febrero es el cumple de

Ary Scheffer, pintor, grabador y escultor francés de origen neerlandés, nacido en Dordrecht en 1795. Hermano del también pintor Henry Scheffer y representante del clasicismo, llegó a La Haya con su familia y residió en Ámsterdam entre 1808 y 1810.
Scheffer se trasladó en 1812 a París y pasó a ser allí discípulo de Pierre Narcisse Guérin. 
Tras interesarse por temas literarios, especialmente de Byron y Goethe -dedicó una larga serie de obras al Fausto de este último autor-, pasó a pintar fundamentalmente temas religiosos. Uno de sus discípulos fue Frédéric Auguste Bartholdi, autor de la Estatua de la Libertad en Nueva York. Murió en 1858.

"Aparición de los fantasmas de Francesca Da Rimini y Paolo Da Verrucchio ante Dante y Virgilio / 
The Ghosts Of Francesca Da Rimini And Paolo Da Verrucchio Appear To Dante And Virgil"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 239 x 171 cm., 1855. Museo del Louvre (París, Francia / France)
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Pablo Serrano Aguilar, escultor español nacido en 1908.
Estudió escultura primero en Zaragoza y después en Barcelona, hasta su marcha en el año 1929, a Argentina. Entre este país y la ciudad de Montevideo (Uruguay) pasó 25 años realizando esculturas, entre las que podemos destacar su serie Los toros, logrando una pureza de formas comparable a la de Constantin Brancusi. En este período inició su amistad con los artistas Lucio Fontana y Joaquín Torres García conociendo de primera mano las vanguardias europeas.
Regresó a España justo después de obtener el Gran Premio en la Bienal de Montevideo de 1955, consiguiendo ese mismo año el Gran Premio de Escultura en la Bienal Hispanoamericana de Barcelona y participó en la fundación del Grupo El Paso en el año 1957. Murió en 1985.

"San Francisco Javier", 1968. Barrio de la Ventilla, distrito de Tetuán, Parroquia de San Francisco Javier / Ventilla neighborhood, District of Tetuan, Parish San Francisco Javier, Madrid, España / Spain.

Más sobre Pablo Serrano en "El Hurgador" / More about Pablo Serrano in this blog:


El 11 de Febrero es el cumple de

Gabriela Aberastury, pintora, dibujante, ilustradora, educadora, docente y grabadora argentina, nacida en 1943. Vivió hasta los diez años en Nueva York y residió en Alemania entre 1967-70, a donde país regresa cada año invitada como profesora de grabado en la ciudad de Kassel.
En 1980 ganó el Gran Premio de Dibujo del Salón Nacional Argentino. 
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Gabriela_Aberastury

"El Ilusionista / The Illusionist", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 140 cm., 2007
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Kazimir Severinovich Malevich, pintor y teórico ruso nacido en 1879. Fue pionero de la abstracción geométrica y el creador del movimiento de vanguardia llamado Suprematismo.
Entre 1896 y 1904, Malevich vivió en Kursk. En 1904, tras la muerte de su padre, se mudó a Moscú. Estudió pintura, escultura y arquitectura en la Escuela de Pintura de Moscú entre 1904 y 1910, y en el estudio de Fedor Rerberg. En 1911 participó en la segunda exposición del grupo Soyuz Molodyozhi (Union de la Juventud) en San Petersburgo, junto con Vladimir Tatlin y, en 1912, el grupo hizo su tercera exposición que incluyó obras de Aleksandra Ekster, Tatlin y otros. El mismo año participó en otra muestra del colectivo "La cola del burro", en Moscú.
En 1915, Malevich estableció las bases del Suprematismo al publicar su manifiesto "Del Cubismo al Suprematismo". En 1915-16 trabajó con otros artistas suprematistas en una cooperativa de campesinos y artesanos en los pueblos de Skopski y Verbovka. En 1916-17 participó en exposiciones del grupo "La jota de diamantes" en Moscú junto con Nathan Altman, David Burliuk, Aleksandra Ekster y otros. Famosos ejemplos de sus obras suprematistas incluyen "Cuadrado Negro", de 1915, y "Blanco en Blanco", de 1918.
Murió en 1935.

"El afilador (Principio del resplandor) / The Knife Grinder (Principle of Glittering)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 80 cm., 1912-13. 
Yale University Art Gallery (New Haven, Connecticut, USA)


El 12 de Febrero es el cumple de

Max Beckmann, pintor alemán nacido en 1884 en Leipzig. En 1900 ingresó en la Academia de Artes de Weimar. Su traumática experiencia en la Primera Guerra influyó decisivamente en el carácter expresionista de su pintura. Sus cuadros fueron clasificados como degenerados por los Nazis en 1937 y Beckmann se estableció en Ámsterdam. En 1947 se mudó a los Estados Unidos; Missouri y, más tarde, Nueva York. Murió en 1950 de un ataque al corazón.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Max_Beckmann

"La noche / The Night", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52 3/8" x 60 1/4", 1918-19. 
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (Dusseldorf, Alemania / Germany)
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Federico de Madrazo y Kuntz fue un pintor español nacido en Roma en 1815. Recibió su primera instrucción en pintura de su padre, el pintor Madrazo y Agudo.
Mientras aún asistía a clases en la Real Academia de San Fernando, pintó su primera obra, "La resurrección de Cristo", 1829, que fue comprada por la Reina Cristina.
No mucho después pintó "Aquiles en su tienda", y posteriormente presentó a la Academia "La conciencia de Scipión", que aseguró su admisión como miembro "por méritos".
En 1852 fue a París, donde estudió con Franz Winterhalter y pintó retratos del Baron Taylor e Ingres.
Recibió la Legión de Honor en 1846. Fue hecho miembro adjunto a la Academia de Bellas Artes de París en 1853. Murió en 1894.

"Mariano Fortuny", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1867. 
Museo de Arte Moderno / Museum of Modern Art, Barcelona, España / Spain


El 13 de Febrero es el cumple de

Giovanni Battista Piazzetta, pintor rococó italiano nacido en 1683 y fallecido en 1754. Estudió con Giuseppe María Crespi en cuyo arte se inspiró. Suavizó y añadió gracia al claroscuro de Caravaggio. Recibió menos patronazgo que las otras dos estrellas eminentes del estilo veneciano rococó o barroco tardío, Sebastiano Ricci y Tiepolo, con paletas más luminosas que las oscuras e íntimas representaciones de Piazzetta.

"Muchacho sosteniendo una pera / Boy Holding a Pear"
Carboncillo blanco y negro sobre papel azul grisáceo / black and white charcoal on blue gray paper, c.1737.
J. Paul Getty Museum (USA)
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Grant DeVolson Wood, pintor estadounidense nacido cuatro millas al este de Anamosa, Iowa, en 1891. Es conocido por sus pinturas representando el medio oeste estadounidense, particularmente su pintura "American Gothic", que es una imagen icónica del s.XX.
Tras graduarse en la Washington High School, Wood se inscribió en una escuela de arte de Minneapolis en 1910, y regresó un año más tarde para enseñar en una escuela de una sola habitación. En 1913 se apuntó en una escuela del Instituto de Arte de Chicago y realizó algunos trabajos como platero. Entre 1920 y 1928 hizo cuatro viajes a Europa, donde estudió muchos estilos de pintura, especialmente el impresionismo y el post-impresionismo. Pero fue el trabajo del artista flamenco del s.XV Jan Van Eyck quien lo influenció para adquirir la claridad de esta nueva técnica e incorporarla a sus nuevos trabajos.
Wood fue un pintor activo desde una edad extremadamente temprana hasta su muerte, y aunque es bien conocido por sus pinturas, trabajó en un gran número de medios, incluyendo litografía, tinta, carboncillo, metal, madera y objetos encontrados. Murió en 1942.

"El lugar de nacimiento de / The Birthplace of Herbert Hoover, West Branch, Iowa"
Óleo sobre masonita / oil on masonite, 75,2 × 101 cm., 1931. 
Instituto de Artes de Minneapolis / Minneapolis Institute of Arts (Minnesota, USA)

Más sobre Grant Wood en "El Hurgador" / More about Grant Wood in this blog:


El 14 de Febrero es el cumple de

Valentine Cameron Prinsep, pintor británico de la Hermandad Prerrafaelita nacido en Calcuta en 1838. Su primera exhibición en la Royal Academy fue en 1862 con su obra "Bianca Capella" (1886), su primer cuadro, un retrato del general Charles George Gordon con un traje oriental que prestaría posteriormente a Millais (con quien tuvo una estrecha relación) para su cuadro "Esther". Viajó por Italia con Edward Burne-Jones y colaboró con Rossetti y otros en la decoración del hall de la Oxford Union. Enseñó en el Working Men's College a mediados del siglo XIX. Murió en 1904.

"Ayesha", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90,2 x 69,8 cm., exhib.1887. Tate Gallery (Londres, UK)
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Katharina Fritsch es una escultora alemana nacida en Esse, Alemania occidental, en 1956. Vive y trabaja en Düsseldorf.
Primero estudió historia e historia del arte en la Unversidad de Münster y, en 1977, pasó a la Kunstakademie Düsseldorf. Allí estudió con Fritz Schwegler hasta 1984.
En 2001 fue nombrada Profesora de Escultura en la Academia de Bellas Artes de Münster, un puesto que ocupó hasta 2010. Actualmente es profesora de escultura en la Kunstakademie Düsseldorf. 
Katharina es conocida por sus esculturas e instalaciones que revitalizan objetos familiares con una sensibilidad extraña y discordante. La iconografía de sus obras procede de fuentes muy diversas que incluyen el Cristianismo, la historia del arte y el folklore. Concitó la atención internacional por primera vez a mediados de los '80 con obras a tamaño natural como un elefante a escala real. Su arte a menudo se ocupa de la psicología y expectativas de quienes visitan los museos.

Kind mit Pudeln / Niño con caniches / Child with Poodles"
Yeso, latón cromado, color / plaster, chromium-plated brass, color, 40 x 528 cm., 1995. 


Hoy, 15 de Febrero, es el cumple de

Charles-François Daubigny. Nacido en 1817, fue uno de los pintores de la Escuela de Barbizon, considerado precursor del Impresionismo. Sus mejores cuadros fueron pintados entre 1864 y 1874, en su mayoría cuidadosos paisajes con árboles, ríos y algunos patos. Se dice que cuando a Daubigny le gustaban sus pinturas agregaba un pato o dos, por lo que el número de patos indicaría la mayor o menor calidad artística de sus obras. Uno de sus dichos fue «Los mejores cuadros no venden», al ver frecuentemente que sus más finos logros eran poco apreciados. La pincelada un tanto suelta, «mal acabada» según los académicos, produjo vaivenes en su estimación; participó en los Salones oficiales con desiguales resultados. Murió en 1878 en París.

"Les Iles Vierges A Bezons / Las Islas Vírgenes en Bezons / The Virgin Islands at Bezons"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 51,8 x 81,9 cm., 1855. Colección Privada / Private Collection.
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Erik Thommesen, escultor danés nacido en 1916, miembro del grupo artístico CoBrA.
Thommesen estudió zoología, pero como artista era autodidacta. Exhibió por primera vez en 1940.
Tanto Thommesen como su esposa Anna Thommesen recibieron unos de los premios artísticos más prestigiosos de Dinamarca, pero ambos renunciaron a ellos por haber sido contrarios al stablishment artístico danés durante todas sus vidas.
Erik comenzó a esculpir en 1937, fuertemente inspirado por el cubismo y el primitivismo. 
Trabajó principalmente en madera, pero a veces también en granito o bronce, en un estilo esencialmente abstracto. Hay una gran colección de sus esculturas en el Museo Estatal de Arte de Copenhague. Murió en 2008.

"Mand og kvinde / Hombre y Mujer / Man and Woman", madera / wood, 1939
Holstebro Kunstmuseum / Museo de arte de Holstebro, (Holstebro, Dinamarca / Denmark)


Textos en inglés / English translation

* On February 9 is the birthday of

Javier Mariscal, Spanish multidisciplinary artist born in 1950. His most famous work, the controversial mascot of the Olympic Games in Barcelona, ​​Cobi. 
The Prawn or Gambrinus is a large-scale sculpture that, curiously, is a lobster. The work, inaugurated in 1989, began as an element of the claim for one of several restaurants of the "Moll de la Fusta" in Barcelona designed by architect Alfred Arribas, friend of Mariscal. When finished the events of the Games, several bars and restaurants in the area were forced to close, including the restaurant that had the work of Mariscal. After locking the room and several subsequent litigation, the work remained in the same place belonging to the city of Barcelona, becoming a popular symbol of remodeling the Barcelona coastal area shortly before the Olympic Games 92. In December 2004 it was restored.

Gerhard Richter (born 9 February 1932), German visual artist and one of the pioneers of the New European Painting that has emerged in the second half of the twentieth century. Richter has produced abstract as well as photorealistic paintings, and also photographs and glass pieces. His art follows the examples of Picasso and Jean Arp in undermining the concept of the artist's obligation to maintain a single cohesive style.
In October 2012, Richter's Abstraktes Bild set an auction record price for a painting by a living artist at £21m ($34m).[4] This was exceeded in May 2013 when his 1968 piece Domplatz, Mailand (Cathedral square, Milan) was sold for $37.1 million (£24.4 million) in New York.

* On February 10 is the birthday of

Ary Scheffer, painter, engraver and French sculptor of Dutch origin, born in Dordrecht in 1795. Brother of the painter Henry Scheffer and representative of classicism, arrived in The Hague with his family and resided in Amsterdam between 1808 and 1810. 
Scheffer moved to Paris in 1812 and there became a disciple of Pierre Narcisse Guérin. 
After interest in literary subjects, especially Byron and Goethe -he dedicate a long series of works to Goethe's "Faust"-, went on to basically paint religious themes. One of his disciples was Frédéric Auguste Bartholdi, author of the Statue of Liberty in New York. He died in 1858.

Pablo Serrano Aguilar, Spanish sculptor born in 1908.
He began studied sculpture in Zaragoza and then in Barcelona, until his departure in 1929 to Argentina. Between this country and the city of Montevideo (Uruguay) spent 25 years creating sculptures, among which we highlight his series The Bulls, achieving a purity of form comparable to that of Constantin Brancusi. In this period begins his friendship with artists Lucio Fontana and Joaquin Torres Garcia knowing firsthand the European avant-garde.
Return to Spain just after winning the Grand Prize in the 1955 Montevideo Biennial, getting that same year the Grand Prize for Sculpture at the Hispanoamerican Biennale of Barcelona and participated in the founding of the Group El Paso in 1957. He died in 1985.
In "El Hurgador": [Parques de esculturas (IV)]

* On February 11 is the birthday of

Gabriela Aberastury, painter, cartoonist, illustrator, educator, lecturer and writer Argentina, born in 1943. She lived until ten in New York and then in Germany from 1967 to 1970, where she returns every year as guest professor of engraving in the city of Kassel. 
In 1980 she won the Grand Prize Drawing in Salon Nacional Argentino.

Kazimir Severinovich Malevich (23 February 1879 - 15 May 1935) was a Russian painter and art theoretician. He was a pioneer of geometric abstract art and the originator of the avant-garde, Suprematist movement.
From 1896 to 1904 Kazimir Malevich lived in Kursk. In 1904, after the death of his father, he moved to Moscow. He studied at the Moscow School of Painting, Sculpture, and Architecture from 1904 to 1910 and in the studio of Fedor Rerberg. In 1911 he participated in the second exhibition of the group, Soyuz Molodyozhi (Union of Youth) in St. Petersburg, together with Vladimir Tatlin and, in 1912, the group held its third exhibition, which included works by Aleksandra Ekster, Tatlin, and others. In the same year he participated in an exhibition by the collective, Donkey's Tail in Moscow.
In 1915, Malevich laid down the foundations of Suprematism when he published his manifesto, From Cubism to Suprematism. In 1915–1916 he worked with other Suprematist artists in a peasant/artisan co-operative in Skoptsi and Verbovka village. In 1916–1917 he participated in exhibitions of the Jack of Diamonds group in Moscow together with Nathan Altman, David Burliuk, Aleksandra Ekster and others. Famous examples of his Suprematist works include, Black Square (1915) and White On White (1918).

* On February 12 is the birthday of

Max Beckman, German painter born in 1884 in Leipzig. In 1900 he entered the Academy of Arts in Weimar. His traumatic experiences in World War decisively influenced the character of his expressionist painting. His paintings were classified as degenerate by the Nazis in 1937 and then he settled in Amsterdam. In 1947 he moved to the United States, Missouri, and later, New York. He died in 1950 of a heart attack.

Federico de Madrazo y Kuntz was a Spanish painter born in Rome, 1815. He received his first instruction from his father, the painter Madrazo y Agudo.
While still attending the classes at the Royal Academy of San Fernando, he painted his first picture, The Resurrection of Christ (1829), which was purchased by Queen Christina. Not long afterwards he painted Achilles in his Tent, and subsequently presented to the Academy The Continence of Scipio, which secured him admission as a member "for merit".
In 1852 he went to Paris, where he studied under Franz Winterhalter, and painted portraits of Baron Taylor and Ingres.
He received the Legion of Honour in 1846. He was made a corresponding member of the Paris Academy of Fine Arts on 10 December 1853. He died at Madrid in 1894.

* On February 13 is the birthday of

Giovanni Battista Piazzetta, Italian rococo painter born in 1683 and died in 1754. He studied with Giuseppe Maria Crespi in whose art was inspired. Softened and added grace to the chiaroscuro of Caravaggio. He received less patronage than the two other eminent stars of Venetian Baroque  or late Rococo, Sebastiano Ricci and Tiepolo, with brighter palettes than dark and intimate depictions of Piazzetta.

Grant DeVolson Wood, American painter born four miles east of Anamosa, Iowa in 1891. He is best known for his paintings depicting the rural American Midwest, particularly the painting American Gothic, an iconic image of the 20th century.
After graduating from Washington High School, Wood enrolled in an art school in Minneapolis in 1910, and returned a year later to teach in a one-room schoolhouse. In 1913 he enrolled at the School of the Art Institute of Chicago and performed some work as a silversmith. From 1920 to 1928, he made four trips to Europe, where he studied many styles of painting, especially Impressionism and Post-Impressionism. But it was the work of the 15th-century Flemish artist Jan van Eyck that influenced him to take on the clarity of this new technique and to incorporate it in his new works.
Wood was an active painter from an extremely young age until his death, and although he is best known for his paintings, he worked in a large number of media, including lithography, ink, charcoal, ceramics, metal, wood and found objects. He died in 1942.
In "El Hurgador": [Arte & Humor (II)]

* On February 14 is the birthday of

Valentine Cameron Prinsep, British painter of the Pre-Raphaelite Brotherhood was born in Calcutta in 1838. His first exhibition at the Royal Academy was in 1862 with his "Bianca Capella" (1886), his first painting, a portrait of General Charles George Gordon in an oriental costume then lend to Millais (with whom he had a close relationship) to his "Esther". He Traveled in Italy with Edward Burne-Jones and and collaborated with Rossetti and others in the decoration of the Oxford Union hall. He taught at the Working Men's College in the mid-nineteenth century. He died in 1904.

Katharina Fritsch is a German sculptor born in Essen, West Germany, 1956. She lives and works in Düsseldorf.
She first studied history and art history at the University of Münster and, in 1977, transferred to Kunstakademie Düsseldorf. There, she was a student of Fritz Schwegler until 1984.
In 2001, Fritsch was appointed Professor of Sculpture at the Academy of Fine Arts, Münster, a post she held until 2010. She is currently Professor of Sculpture at Kunstakademie Düsseldorf.
Katharina Fritsch is known for her sculptures and installations that reinvigorate familiar objects with a jarring and uncanny sensibility. Her works' iconography is drawn from many different sources, including Christianity, art history and folklore. She attracted international attention for the first time in the mid-1980s with life-size works such as a true-to-scale elephant. Fritsch’s art is often concerned with the psychology and expectations of visitors to a museum.

* Today, February 15, is the birthday of

Charles-François Daubigny. Born in 1817, was one of the painters of the Barbizon School, considered a precursor of Impressionism. His best pictures were painted between 1864 and 1874, most of it careful landscapes with trees, river and a few ducks. It is said that when Daubigny liked his pictures he added another duck or two, so that the number of ducks often indicates greater or less artistic quality in his works. One of his sayings was, "The best pictures do not sell" as he frequently found his finest achievements little appreciated. The somewhat loose brushwork, "bad finished evil" in the opinion of academics, produced fluctuations in their estimation. He participated in the official Salons with mixed results. He died in 1878 in Paris.

Erik Thommesen, Danish sculptor born in 1916, member of the CoBrA art group. 
Thommesen studied zoology, but was self-taught as an artist. He first exhibited in 1940. 
Both Thommesen and his wife Anna Thommesen received some of the most prestigious art awards in Denmark, but both resigned to them for being contrary to Danish artistic pro-establishment throughout their lives. 
Erik began sculpting in 1937, strongly inspired by cubism and primitivism. 
He worked primarily in wood, but sometimes also in granite or bronze, in an essentially abstract style. There is a large collection of his sculptures at the State Museum of Art Copenhagen. He died in 2008.

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Aniversarios, Fotografía (II) [Febrero / February 10-16]

February 16, 2014, 1:27 am
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El 10 de Febrero es el cumple de

James Wallace Black, conocido profesionalmente como J.W.Black, fue un fotógrafo estadounidense pionero nacido en 1825, cuya carrera estuvo marcada por la experimentación y la innovación. 
Tras probar suerte como pintor en Boston, se volvió hacia la fotografía, comenzando como pulidor de placas de daguerrotipos. Pronto se asoció con John Adams Whipple, un prolífico fotógrafo e inventor de Boston.
En marzo de 1860, Black tomó una fotografía del poeta Walt Whitman cuando éste estaba en Boston para supervisar la composición tipográfica de su edición de 1860 de "Hojas de Hierba".
Fotografió Boston desde un globo de aire caliente a 1.200 pies (8 placas de negativo de vidrio, 10 1/16 x 7 15/16 pulgadas). Obtuvo una impresión buena, que tituló "Boston, como lo ven el águila y el ganso salvaje". Fue la primera imágen aérea clara de una ciudad que se tomó.
Black se volvería una autoridad en el uso de la linterna mágica, un proyector a luz de vela que fue el predecesor de los actuales proyectores de diapositivas. Murió en 1896.

"Boston, como lo ven el águila y el ganso salvaje / Boston, as the Eagle and the Wild Goose See It"
Impresión a la albúmina de plata de un negativo en vidrio / 
albumen silver print from glass negative, 18,5 x 16,7 cm., 1860.


El 11 de Febrero es el cumple de

William Henry Fox Talbot, inventor británico y pionero de la fotografía nacido en 1800, que inventó el proceso del calotipo, precursor de los procesos fotográficos de los s. XIX y XX. Talbot fue también un destacado fotógrafo que hizo grandes contribuciones al desarrollo de la fotografía como medio estético. Su trabajo durante la década de 1840 en la reproducción fotomecánica condujo a la creación del proceso de grabado fotoglífico, precursor del fotograbado. Talbot es también recordado como el propietario de una patente que un día afectó el desarrollo temprano del comercio fotográfico británico. Además, hizo importantes fotografías tempranas de Oxford, París, Reading y York.
Murió en 1877.

"Carpinteros trabajando / Carpenters at work", Lacock, Wiltshire, 1842-43


El 12 de Febrero es el cumple de

Eugène Atget, fue un flâneur (callejero) francés nacido en 1857, y pionero de la fotografía documental, destacado por su determinación en documentar toda la arquitectura y escenas de las calles de París, antes de su desaparición por la modernización. La mayoría de sus fotografías las publicó por primera vez Berenice Abbott antes de su muerte. 
Una inspiración para los surrealistas y otros artistas, su genio sólo fue reconocido por un puñado de artistas en los dos últimos años de su vida, y no vivió para ver la amplia aclamación que eventualmente recibiría su trabajo. Murió en 1927.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Atget

"Músicos callejeros, organillero / Street Musicians, Organ-grinder", París
Impresión a la gelatina de plata / gelatin silver print, 1898-99, impresa en / printed 1956. 
Metropolitan Museum of Art (New York, USA)


El 13 de Febrero es el cumple de

Martin Stranka, fotógrafo profesional autodidacta nacido en 1984 en la República Checa.
Su visión distintiva de la fotografía está grabada en un espacio único situado en el balance y la serenidad, mientras que sus sofisticadas y valiosas imágenes existen en esa estrecha ventana de unos pocos segundos entre el sueño y el despertar. Durante los últimos años, ha ganado cerca de 40 grandes premios internacionales de fotografía en diferentes competiciones, incluyendo Fotógrafo Profesional del Año, Premio al Talento Emergente en el Concurso Internacional de Nikon, los Premios de Fotografía Sony, EISA Photo Maestro y los Premios Internacionales de Fotografía, dos años seguidos.
Sitio web: http://www.martinstranka.com/

"Esperanza / Hope"


El 14 de Febrero es el cumple de

Moneta J. Sleet, Jr., fotógrafo estadounidense nacido en 1926 que ganó el premio Pulitzer en 1969 por la fotografía de la viuda de Martin Luther King, Coretta Scott King, en el funeral de éste. Sleet es el primer afroamericano en ganar un Pulitzer, y el primero en ganar un premio por periodismo. 
Se graduó en 1947 cum laude en el Colegio Estatal de Kentucky (hoy Universidad de Kentucky), un colegio históricamente negro. Posteriormente obtuvo un Master en periodismo de la Universidad de New York. Comenzó a trabajar para la revista Ebony (Ébano) en 1955. Durante los siguientes 41 años, tomó fotografías de Muhammad Ali, Dizzy Gillespie, Stevie Wonder, y Billie Holiday.
Murió de cáncer en 1996 a los 70 años.
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Moneta_Sleet,_Jr.

"Coretta Scott King, at Martin Luther King's funeral / 
Coretta Scott King en el funeral de Martin Luther King", 1968


El 15 de Febrero...

En 2006, en la neoyorquina empresa Sotheby's, se subasta la fotografía The Pond-Moonlight ("La luz de la luna en el estanque") de Edward Steichen. Alcanza el récord del precio mayor pagado por una fotografía: 2,9 millones de dólares (2,4 millones de euros).

"La luz de la luna en el estanque / The Pond-Moonlight" (Mamaroneck, New York), 1904

Edward Steichen fue un fotógrafo nacido el 27 de marzo de 1879 en Luxemburgo.
En 1881 emigra con su familia a los Estados Unidos de América, donde su padre encontró trabajo en una mina de cobre. Tomó su primera foto en 1895 y posteriormente fue miembro del Photo-Secession, (club de fotografía artística) y uno de los mayores representantes del Pictorialismo. Durante la primera guerra mundial se dedicó en ella como fotógrafo. Más tarde trabajó para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue y durante la segunda guerra mundial dirigió la sección de fotografía de la US-Marine y posteriormente dirigió la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).
Su aportación más importante a la fotografía es la exposición The Family of Man que realizó para el MoMA.
Falleció el 25 de marzo de 1973 en West Redding, Connecticut.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Steichen
http://en.wikipedia.org/wiki/The_Pond%E2%80%94Moonlight


Hoy, 16 de Febrero, es el cumple de 

El Barón Wilhelm von Gloeden, fotógrafo alemán nacido en 1856, que trabajó principalmente en Italia. Es conocido por sus estudios de desnudos pastorales de chicos italianos, que usualmente incorporaban objetos como coronas o ánforas sugiriendo escenarios de la antigüedad griega o italiana. Desde un punto de vista moderno, su obra es de atender debido a su controlado uso de la luz, así como la a menudo elegantes poses de sus modelos. Un uso innovador de filtros fotográficos y maquillaje corporal especial (una mezcla de leche, aceite de oliva y glicerina) para disimular las manchas de la piel, contribuyeron a la perfección artística de sus trabajos.
Famoso en su época, su obra fue más tarde eclipsada al acercarse el nuevo siglo, para re emerger en tiempos recientes como "el más importante artista visual gay de la era previa a la Primera Guerra Mundial", según Thomas Waugh. Murió en 1931.
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Wilhelm_von_Gloeden

"Dos hombres jóvenes portando hojas de palma / 
Two male youths holding palm fronds", 23,3 x 17,5 cm., 1885-1905. Getty Center, USA


English Translation

* On February 10 is the birthday of

James Wallace Black, known professionally as J.W. Black, was an early American photographer born in 1825 whose career was marked by experimentation and innovation.
After trying his luck as a painter in Boston, he turned to photography, beginning as a daguerreotype plate polisher. He soon partnered with John Adams Whipple, a prolific Boston photographer and inventor.
In March 1860, Black took a photograph of poet Walt Whitman when Whitman was in Boston to oversee the typesetting of his 1860 edition of Leaves of Grass. 
He photographed Boston from a hot-air balloon at 1,200 feet (8 plates of glass negative; 10 1/16 x 7 15/16 in). One good print resulted, which the photographer entitled "Boston, as the Eagle and the Wild Goose See It." This was the first clear aerial image of a city anywhere.
Black later became the authority on the use of the magic lantern, a candlelight-powered projector that was a predecessor of today's slide projectors. He died in 1896.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/James_Wallace_Black

* On February 11 is the birthday of

William Henry Fox Talbot (11 February 1800 – 17 September 1877) was a British inventor and photography pioneer who invented the calotype process, a precursor to photographic processes of the 19th and 20th centuries. Talbot was also a noted photographer who made major contributions to the development of photography as an artistic medium. His work in the 1840s on photo-mechanical reproduction led to the creation of the photoglyphic engraving process, the precursor to photogravure. Talbot is also remembered as the holder of a patent which, some say, affected the early development of commercial photography in Britain. Additionally, he made some important early photographs of Oxford, Paris, Reading, and York.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Henry_Fox_Talbot

* On February 12 is the birthday of

Eugène Atget was a French flâneur (stroller) born in 1857, and a pioneer of documentary photography, noted for his determination to document all of the architecture and street scenes of Paris before their disappearance to modernization. Most of his photographs were first published by Berenice Abbott after his death. An inspiration for the surrealists and other artists, his genius was only recognized by a handful of young artists in the last two years of his life, and he did not live to see the wide acclaim his work would eventually receive. He died in 1927.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Atget

* On February 13 is the birthday of

Martin Stranka, self-taught professional photographer, born on April 13 1984, in the Czech Republic. Stranka's distinctive vision of photography is etched as a unique space located in a balance and serenity, while his sophisticated and rewarding images exist in that narrow window of a few seconds between dreaming and awakening. During the last three years he has won over 40 major international photography awards from different competitions, including Professional Photographer of the Year, Emerging Talent Award in the Nikon International Photo Contest, Sony World Photography Awards, EISA Photo Maestro and International Photo Awards two years in a row. 

* On February 14 is the birthday of

Moneta J. Sleet, Jr. (February 14, 1926 - September 30, 1996) won the 1969 Pulitzer Prize for Feature Photography for his photograph of Martin Luther King, Jr.'s widow, Coretta Scott King, at Dr. King's funeral. Sleet is the first African-American man to win the Pulitzer, and the first African American to win award for journalism. 
He graduated cum laude from Kentucky State College (now Kentucky State University), a historically black college, in 1947 and went on to obtain a Master's degree in journalism from New York University. Sleet began working for Ebony magazine in 1955. Over the next 41 years, he captured photos of young Muhammad Ali, Dizzy Gillespie, Stevie Wonder, and Billie Holiday.
He died of cancer in 1996 at the age of 70.

*  On February 15...

On 2006, a print of Steichen's early pictorialist photograph, The Pond - Moonlight (1904), sold for what was then the highest price ever paid for a photograph at auction, U.S. $2.9 million.

Edward Jean Steichen was an American photographer, painter, and art gallery and museum curator, born in Luxembourg in March, 1879.
Steichen was the most frequently featured photographer in Alfred Stieglitz' groundbreaking magazine Camera Work during its run from 1903 to 1917. Together Stieglitz and Steichen opened the Little Galleries of the Photo-Secession.
rom 1923 to 1938, Steichen was a photographer for the Condé Nast magazines Vogue and Vanity Fair while also working for many advertising agencies including J. Walter Thompson.
Among other accomplishments, Steichen is appreciated for creating The Family of Man, a vast exhibition at the Museum of Modern Art consisting of over 500 photos that depicted life, love and death in 68 countries. He died on March, 1973.

* Today, February 16, is the birthday of

Baron Wilhelm von Gloeden (September 16, 1856 - February 16, 1931), a German photographer who worked mainly in Italy. He is mostly known for his pastoral nude studies of Sicilian boys, which usually featured props such as wreaths or amphoras suggesting a setting in the Greece or Italy of antiquity. From a modern standpoint, his work is commendable due to his controlled use of lighting as well as the often elegant poses of his models. Innovative use of photographic filters and special body makeup (a mixture of milk, olive oil, and glycerin) to disguise skin blemishes contribute to the artistic perfection of his works.
Famous in his own day, his work was subsequently eclipsed for close to a century, only to re-emerge in recent times as "the most important gay visual artist of the pre–World War I era" according to Thomas Waugh.

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Uruguayos (XVII) - Zoma Baitler

February 17, 2014, 12:14 am
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Zoma Baitler

Zoma Baitler, Montevideo, 1976. Foto / Photo: © Panta Astiazarán

Zoma Baitler fue un pintor, dibujante, diplomático y periodista uruguayo de ascendencia lituana nacido en Šančiai en 1908.
Fue el menor de seis hermanos y su infancia transcurrió en su pueblo natal, un shtetl cerca de Kaunas, Lituania.
Además de realizar estudios de pintura y dibujo con el pintor lituano Paul Kaufman, Baitler asistió a la Escuela de Artes y Oficios y a la World ORT en Lituania. En 1927 se traslada a Montevideo, donde se establece e inicia estudios de pintura y filosofía del arte con el artista uruguayo Joaquín Torres García. Entre 1949 y 1963 realiza varios viajes de estudio a Europa.  

"Parque Rodó, El Puente de los Enamorados / Rodo Park, Lovers Bridge"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 81 x 97 cm., 1970

"La iglesia de la calle Cerrito / The Church of Cerrito Street"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 39 x 49 cm., 1990

"Montmatre Paris", óleo sobre tela / oil on canvas, 29 x 36 cm. 

''New York / Nueva York'', óleo sobre tela / oil on canvas, 52 x 43 cm.

En 1959, es nombrado miembro de la Comisión uruguaya de Bellas Artes y entre 1963 y 1964 es agregado cultural de la misión diplomática de Uruguay en la Palestina Ocupada. Dicta numerosas conferencias sobre Pedro Figari, Rafael Barradas y Torres García.
Poseen obras suyas el Museo Nacional de Bellas Artes y el Museo Juan Manuel Blanes de Uruguay, el Museo Nacional de Jerusalén, el Museo de Montevideo (Minnesota) y varios museos de arte de Nueva York, Estados Unidos. Murió en 1994.

"Jerusalén / Jerusalem", lápiz y acuarela sobre papel / pencil and watercolor on paper, 20 x 29 cm.

“Llegué al impresionismo naturalmente. Sin esfuerzos, sin violencias. No es que lo eligiera yo. Es que lo llevaba con mi vocación”. La afirmación de Baitler hizo que fuera considerado, realmente, un pintor impresionista. Lo fue en parte. Sus comienzos tuvieron el sello académico en su primera exposición de 1931. Más tarde, al recibir las enseñanzas de Torres García durante siete años, consolidó su técnica, consiguió establecer sistemas de composición basadas en la medida áurea, profundizar en el uso de las tonalidades, el claroscuro, adquirir soltura en el movimiento de la pincelada y la movilidad de la materia pictórica, es decir, la sólida base que caracterizó a los alumnos torresgarcianos. No obstante, se apartó de los cánones aprendidos y los manejó a su manera que, en principio coincidió con aspectos diversos del impresionismo y el posimpresionismo. Entusiasta de la naturaleza, pintó al aire libre. En la ciudad y el campo. Calles céntricas, caseríos suburbanos, estaciones de ferrocarril, campos cultivados y agrestes, el arroyo Miguelete (tema preferido de la época), todo lo que contribuye al género paisajístico.
Texto tomado de un artículo que puede leerse completo aquí.

"Paisaje de Paris / Landscape of Paris", óleo sobre tela / oil on canvas, 40 x 50 cm.

"La torre Eiffel / Eiffel Tower", óleo sobre tela / oil on canvas, 60 x 50 cm.

Zoma Baitler was a painter, draftsman, Uruguayan diplomat and journalist born in Šančiai, Lithuania, in 1908. 
He was the youngest of six children and spent his childhood in his native town, a shtetl near Kaunas, Lithuania. 
In addition to studying painting and drawing with the Lithuanian painter Paul Kaufman, Baitler attended the School of Arts and Crafts and World ORT in Lithuania. In 1927, he moved to Montevideo, where he established and began studying painting and philosophy of art with the Uruguayan artist Joaquín Torres García. Between 1949 and 1963 makes several trips to Europe.

"El Sena / The Seine", óleo sobre tela / oil on canvas, 82 x 92 cm.

"Paisaje de Montevideo / Landscape of Montevideo"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 34 x 29 cm., 1930

Izq. / Left: "El Pino / The Pine Tree"
Der./ Right: "Ventana hacia Jerusalen / Window to Jerusalem"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 80 cm., 1993

In 1959, he was appointed member of the Uruguayan Commission of Fine Arts. Between 1963 and 1964 is cultural attaché of the diplomatic mission of Uruguay in the Occupied Palestine. Numerous lectures on Pedro Figari, Rafael Barradas and García Torres. 
His works are in the National Museum of Fine Arts and the Juan Manuel Blanes Museum, Uruguay, the National Museum in Jerusalem, the Museum of Montevideo (Minnesota) and several art museums in New York, United States. He died in 1994.

“Niña tocando el charango / Girl Playing the Charango”, acuarela / watercolor, 58 x 40 cm. 

"Puerto de Buenos Aires / Port of Buenos Aires"

"I arrived to Impressionism naturally. Without effort, without violence. Not that I chose it. I have it with my vocation." This claim made ​​Baitler was considered really an impressionist painter. This was partly. His beginnings had the academic seal in his first exhibition, 1931. Later, upon receiving the teachings of Torres Garcia for seven years, consolidated his technique, he managed to establish composition systems based on the golden measure, deepen the use of colors, chiaroscuro, acquiring fluency in the movement of the brush stroke and mobility of pictorial material, ie, the solid foundation that marked the students of Torres Garcia school. However, he abandon learned canons and handled his way that in principle it match with various aspects of impressionism and post-impressionism. Nature enthusiast, he painted outdoors. In the city and countryside. Downtown streets, suburban villages, railway stations, cultivated and wild fields, the Miguelete stream, a time favorite topic), all of which contribute to the landscape genre.
Excerpt from an article you can fully read (in Spanish) here.

"Jerusalén / Jerusalem", lápiz y acuarela / pencil and watercolor, 22 x 17 cm. 

Izq. / Left: "Puerto de Piriápolis / Port of Piriapolis"
Der./ Right: "Puerto de Punta del Este / Port of Punta del Este"

Información biográfica de la ficha del artista en Wiki / 
Biographic information from the record for this artist in Wiki (in Spaniah)

Muchas gracias a Panta Astiazarán por permitirme publicar su fotografía de Zoma Baitler.
Thanks a lot to Panta Astiazarán for his permission to use his photograph of Zoma Baitler.

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Premios Dardos

February 17, 2014, 10:28 am
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Ayer he recibido un Dardo por parte de mi buena amiga bloguera Olga.
No tenía noticia de la existencia de estos galardones virtuales, pero resulta ser una forma de reconocer el trabajo, constancia, rigurosidad, etc. de quienes dedicamos nuestro tiempo a la difusión a través de la red para compartir nuestros intereses.
Se trata de un premio honorífico que por lo visto comenzó hace ya bastante tiempo.
Agradezco a Olga que me haya tenido presente.

Las normas para continuar con la cadena de Dardos son las siguientes:

1.- Incluir la imagen de los premios.
2.- Mencionar y enlazar al blog que te lo otorga.
3.- Entregarlo a otros 15 blogs que a tu criterio lo merezcan.

Aquí van los míos. He seleccionado 15 que me resultan interesantes y que visito con cierta regularidad. Me he circunscrito a los blogs en castellano, uno en catalán y uno en inglés que considero una verdadera joyita. El orden es alfabético.

Totum Revolutum
Estupendo blog de difusión de arte Olga que recomiendo con ganas.
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…y mientras tanto // …and meanwhile
no es casualidad que estés leyendo esto // it is no accident that you are reading this
mirar, escuchar, leer, aprender… y fotografiar // to look, to listen, to read, to learn... and to photograph

40 Fakes
Blog creado entre Sergi Giraldo, Albert Marcet y Oriol Nicolas.

Bibliodyssey
Books~~Illustrations~~Science~~History~~Visual Materia Obscura~~Eclectic Bookart.

Cada día un fotógrafo / Fotógrafos en la Red
Cada día un fotógrafo nuevo, cada día una nueva fuente de inspiración.

Cuaderno de Retazos
Fantástico blog con preponderancia del arte oriental.

Historia del Arte
Un cuaderno de bitácora para navegar por la historia del arte. Lo descubrí recién en los Dardos de Olga, y me resultó sumamente interesante.

KlímtBaLan
aRte viSuaL contempoRáneo. Pintura. Fotografía. Animación y algo de Música o ContempoRy viSuaL aRt. Painting. PhotogRaphy. Animation and more.

La Voz del Animal Invisible
las imágenes y las palabras se desencuentran al perseguir las sombras de los animales -Antrozoología Artística por Mafa Alborés (fotografía y simulacro, arte y zoología)

Odisea 2008
LIBROS – ILUSTRACIONES – GRABADOS – CIENCIA – HISTORIA – RAREZAS - CURIOSIDADES Y ALGUNAS OTRAS COSAS MÁS

Pasa la Vida
Un viaje personal.

Pinzellades al Món
Revista d'il·lustració als llibres infantils i juvenils.

Resistencia realista
Por la pintura realista, la ilustración y el comic de todos los tiempos.

Siéntate y observa...
….que estás a punto de conocer a los mejores fotógrafos del mundo.

Uno de los nuestros
Fotografía, arte digital, ilustración, pintura, entrevistas.

Viajes con mi tía
“Un viaje de mil millas comienza con el primer paso.” , Lao Tse.

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Kris Lewis [Pintura]

February 17, 2014, 10:29 am
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Interesante la obra de Kris Lewis. Un estilo singular en sus retratos, casi siempre jóvenes que observan directamente al espectador con miradas enigmáticas, tristes, ambiguas o ausentes. Figuras estilizadas y paisajes a menudo invernales; composiciones con más preguntas que respuestas.

Interesting work of Kris Lewis. A unique style in his portraits, mostly young women watching directly at the viewer with enigmatic, sad, ambiguous or absent eyes. Stylized figures and often winter landscapes; compositions with more questions than answers.

Kris Lewis


Kris Lewis es un artista nacido en 1978 en Ocean County, New Jersey, que reside actualmente en Los Angeles. 
Sus influencias incluyen a artistas tales como Alfonse Bougereau, Andrew Wyeth, Hans Holbein, Albrecht Durer, Hieronymus Bosch, Gustav Klimt, y Jules-Bastien LePage.
Su reverencia por los viejos maestros es evidente en sus representaciones de la figura humana, que utiliza como vector para historias escondidas, delicadas emociones y la búsqueda de la verdad. Su afinidad por observar a la gente también está presente en sus pinturas, recolectando miradas, gestos, aspectos, e indicios, canalizándolos a través del lienzo para que el espectador comparta la experiencia.

"Venus centelleantes / Scintillating Venuses", óleo sobre tabla / oil on wood, 24" x 23"

"Sprung", óleo sobre panel / oil on board, 40" x 30"

Kris estudió ilustración en la Universidad de Artes en Filadelfia, Pensilvania. Sus pinturas se han presentado en galerías y museos en varios lugares del mundo, como por ejemplo Los Angeles, San Francisco, Seattle, New York, Denver, Miami, Londres, Roma y Hong Kong, y pueden verse en publicaciones como Juxtapoz, Hi-Fructose, Modern Painters y American Art Collector. 

"Adriel", grafito sobre papel / graphite on paper, 36" x 24"

"La visita / The Visit"

«Cuando comienzo a pintar, el sujeto se revela ante mí física, emocional y espiritualmente. Cada pincelada habla con la siguiente, estableciendo un diálogo, que nos une a mí y al sujeto como si nos hubiéramos visto por primera vez. Encuentro esta incertidumbre excitante y acepto la naturaleza indecisa de mi obra.»

"Cory", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24"

"Torre de fuego / Fire Tower", óleo sobre tabla / oil on wood, 16" x 12"

«Recuerdo a ambos, mi padre y mi madre, enseñándome a dibujar. Mis primeros recuerdos de que mis "palotes" eran ligereamente diferentes a los del resto de los niños de mi edad son de cuando tenía unos cuatro o cinco años. Tenía una comprensión muy buena de las formas y contornos de las figuras y formas.»

"Comerciante de pieles / Fur Trader", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 24"

«Escojo mis modelos en base al espíritu de la pieza en la que estoy trabajando. Los bocetos y dibujos previos a la pintura dictan la elección del modelo.»

"Fin del viaje / Journey’s End", óleo sobre tabla / oil on wood, 24" x 22"

"Marea baja / Low Tide", óleo sobre panel / oil on board, 36" x 24"

«Intento "dejar abierta" a mi audiencia la interpretación de las emociones de las piezas para que lo hagan por sí mismos. La forma como retrato un sujeto está basada en mis propios sentimientos y experiencias personales, y no espero o trato intencionadamente llevar al espectador a la misma experiencia, sino a la suya propia.»

"Cambio en el mar / Sea Change", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 20"

"Suave / Soft", óleo sobre panel / oil on board, 16" x 12"

Kris Lewis, b. 1978, Ocean County, NJ, is a Los Angeles-based artist whose influences include Alfonse Bougereau, Andrew Wyeth, Hans Holbein, Albrecht Durer, Hieronymus Bosch, Gustav Klimt, and Jules-Bastien LePage. His reverence for masters of old is apparent in his depiction of the human figure, which he uses as a vector for hidden stories, delicate emotion, and finding truth. His affinity for people-watching also informs his paintings, collecting glances, gestures, miens and hints and channeling them through the canvas for the viewer to share in the experience.

"Desarraigo / Uprooting", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30"

"Estudio de mano / Hand Study", grafito sobre papel / graphite on paper, 18" x 24", 2007

Kris studied illustration at The University of the Arts in Philadelphia, Pennsylvania. His paintings have been featured in galleries and museums in cities around the world; including L.A., San Francisco, Seattle, New York, Denver, Miami, London, Rome and Hong Kong. His work has also been seen in the publications Juxtapoz, Hi-Fructose, Modern Painters, and American Art Collector. 

"Cañón del rey / King’s Canyon", óleo sobre tabla / oil on wood, 20" x 16"

"Pluma en tu sombrero / Feather in Your Cap", óleo sobre panel / oil on board, 32" x 32"

«As I begin a painting the subject physically, emotionally and spiritually reveals itself to me. Each brush stroke speaks to the subsequent stroke, carrying out a dialog, linking my subject and me as if we were meeting for the first time. I find this uncertainty exciting and embrace the indecisive nature of my work.»

"Caza de recompensas / Bounty Hunting", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50" x 40"

"Playa de la isla / Island Beach", óleo sobre panel / oil on board, 16" x 12"

«I remember my father and my sister both teaching me how to draw. I must have been around four years old when I first remember my “stick figures” being slightly different than those of other children my age. I had a pretty good understanding of the contour shape of the figure and form.»

"Rosa zafiro / Rose Zephyr", óleo sobre tabla / oil on wood, 20" x 16"

«I choose my models based on the feel of the piece I’m working on. The sketches and drawings I create before before beginning the actual painting dictate the model choice.»

«I do intend to “leave it open” for my audience to interpret the emotions of a piecethemselves. The way I portray a subject is based on my own feelings and personal experiences, and I don’t expect or intentionally try to bring the viewer into that same experience but one oftheir own.»

"Nieve de Kurzeme / Kurzeme Snow", óleo sobre panel / oil on board, 24" x 20"

Los textos están traducidos del sitio web del artista y de fragmentos de una entrevista concedida a Hi-Fructose en mayo de 2011 que puede leerse completa (en inglés) aquí.

Texts from artist's website and from excerpts of an Interview with Kris by Hi-Fructose in May, 2011 you can fully read here.

Se puede disfrutar del trabajo de Kris en / You can enjoy Kris' work in
Website, Facebook

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Kris!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Kris!)


Breve video de presentación de Kris / Kris' short presentation video


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Yulia Napolskaya [Fotoarte Escénico / Scenic Photoart]

February 18, 2014, 11:02 pm
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Yulia Napolskaya
Юлия Напольская


Yulia (Julia) Napolskaya es una artista rusa nacida en 1973, residente en San Petersburgo, dedicada al mundo de la fotografía y la fotomanipulación. Sus trabajos rezuman teatralidad y humor; lúcidas composiciones llenas de ironía que apelan a la complicidad del espectador para seguir el juego de los personajes. Yulia es frecuentemente su propio modelo.
Ha ganado varios premios y expuesto sus creaciones en varias oportunidades.

"Новый Пигмалион (Пикассо) / Nuevo Pigmalión (Picasso) / New Pygmalion"

"Райские яблочки / Manzanas del Paraíso / Apples of Paradise"

"Бои без правил / Luchando sin reglas / Fighting Without Rules"

«Un rostro serio no es un signo de razón, damas y caballeros. Todos los disparates de la Tierra se hacen con esta expresión. Así que ¡sonrían, damas y caballeros, sonrían!»

"Женский крест / Cruz femenina / Female cross"

Con esta fotografía, Yulia ganó la 5ª edición del premio Julia Margaret Cameron, en la categoría "La mujer invisible". Ver aquí.

With this photograph, Yulia won the 5th edition of the Julia Margaret Cameron Award, in the cathegory "The Invisible Woman". Check out here.

"Весна / Primavera / Spring"

"Первый опыт / Primera experiencia / First Experience"

"Торговка нечистью / Vendedor de bichos / Vermin Merchant"

«No soy buena escribiendo, así que me expreso con imágenes. En fotografía hay artistas, hay comerciantes, hay quienes cantan al cuerpo femenino, hay maestros del horror... yo soy una payasa. Me gusta divertir a la gente y proponerles pequeños puzzles. Mis espectadores inventaron el nombre de la dirección que ha tomado mi arte: "fotoarte escénico", y tienen razón. Mis trabajos son principalmente historias, cuentos y anécdotas. La foto puede llevar alguna especie de mensaje, y no sólo ser una imagen bonita. Es Gran Arte ser capaz de expresar los propios sentimientos a través de lo visual de tal manera que queden claros para el espectador. La risa y la ironía son los medios más directos y expresivos para llevar pensamientos serios a la mayoría de la gente. El humor salvará al mundo :-)»

"Libertad / Freedom"

"Два веселых Гоблин / Dos alegre Goblin / Two cheerful Goblin"

Yulia Napolskaya is a Russian artist born in 1973 based in St. Petersburg, dedicated to the world of photography and photomanipulation. Her works exude theatricality, and humor, lucid compositions full of irony that appeal to the complicity of the viewer to follow the character's play. Yulia is often her own model. 
She has won a number of awards and exhibited her creations several times.

"Сказка о пропавших рыбаках / Cuento de los pescadores desaparecidos / Tale of the missing fishermen"

"Disfruta la realidad digital / Enjoy the Digital Reality"

"Медицинская миттельшпиле"

«Serious face is not a sign of mind, ladies and gentlemen. All the nonsense on Earth is made with this expression. So smile, ladies and gentlemen, smile!»

"No dispares / Don't shot"

"Песнь сирены или случай на рыбалке / El canto de sirena o Evento de pesca / 
The Siren Song or Event on Fishing"

"Интересная мысль пришла мне в голову... / Vienen a mi mente interesantes pensamientos... / 
Interesting Thought Occurred to Me ..."

«I am not a good writer, so I express myself in pictures. In photography, there are artists, there are traders, there are singers of the female body, there are masters of horrors, as touch me — I am a clown. I like to amuse people and to propose them small puzzles. My spectators invented the name of the my art direction -"scenic photoart" and they are right. My works are mainly the stories, tales and anecdotes. The photo should carry some sort of message and not just a pretty picture. It is Great Art to be able to express own thoughts through visuals so that its could be clear to spectators. Laugh and irony, it is the most direct and effective way to deliver serious thought to the most people. Humor will save the world :-)»

"Семейные традиции / Las tradiciones familiares / Family Traditions"

"Тонкая красная линия / La delgada línea roja / The Thin Red Line"

"Inocencia / Innocence"

Se puede disfrutar del trabajo de Yulia en / You can enjoy Yulia's work in
Website, facebook, Photodom, vk

Imágenes publicadas con permiso de la artista (¡Muchas gracias, Юлия!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Юлия!)

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Tiffany Bozic (II) [Pintura]

February 20, 2014, 1:41 am
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Segundo post dedicado a esta estupenda artista estadounidense que trata temas de la naturaleza de una forma muy particular. Para más imágenes e información, me remito al post anterior.

Second post dedicated to this great American artist that deal with issues of the nature in a very particular way. For more images and information, I refer to the previous post.

Tiffany Bozic

Tiffany junto a su obra "Enemigo común" / Tiffany with her work "Common Enemy"

"Felidae", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 18" x 24", 2013

"Inestimable / Priceless", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 55,9 x 71,1 cm., 2010

"Celacanto de piña / Coelacanth Pinecone Fish"
Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 8" x 8", 2013

Tiffany Bozic ha pasado la mayor parte de su vida viviendo con y observando las complejidades de la naturaleza. Su trabajo tiene el aire tradicional de las ilustraciones de naturaleza muy precisamente representada, pero como un alta variedad emocional de temas surrealistas y metafóricos. En sus pinturas y bocetos, presenta su visión de las luchas y triunfos de la vida, resultando ampliamente autobiográficas. Su extensa colección de sujetos está inspirada tanto por sus largos viajes a lugares salvajes, como por su investigación de especímenes en la Academia de Ciencias de California, en San Francisco. 

"Enemigo común / Common Enemy"
Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 29” x 37”, 2010

Izq./ Left: "Sengi y moscas / Sengi & Flies"
Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 8" x 6", 2013
Centro / Center: "Violin", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 24" x 18", 2010
Der./ Right: "La fuente escondida / The Hidden Source"
Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 13" x 11", 2013

"Caligrafía / Calligraphy", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 20" x 14", 2013

"Musaraña elefante piña / Elephant Shrew Cone"
Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 6" x 6", 2013

A través de los años, Bozic ha desarrollado un complejo proceso de enmascarado y entintado para que la veta natural colabore en cada composición, utilizando múltiples capas de acrílico aguado sobre paneles de madera de arce. Ha presentado varias exposiciones individuales con sus pinturas de gran formato e instalaciones. Su obra también ha sido incorporada en numerosas muestras por todo el país, y ha hablado en varios eventos internacionales. Fue también la primera "artista en residencia" que colaboró con la Academia de Ciencias de California para crear la exposición "Desde las profundidades / From the Depths", presentada en el propio museo, en noviembre de 2007. Bozic es autodidacta y actualmente vive en su cabaña bajo las secuoyas de Marin, California. 

"Marea negra / Oil Slick", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 61 x 61 cm., 2012

"Formado por reacción / Shaped by Reaction"
Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 124,5 x 81,3 cm., 2010

"Exhalar / Exhale", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 91,4 x 61 cm., 2011

"Advertencia / Warning", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 25" x 34", 2013

"Toxoplasmosis", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 6" x 6", 2013

Tiffany Bozic has spent the majority of her life living with and observing the intricacies of nature. Her work has the traditional air of tightly rendered nature illustrations but with a highly emotional range of surreal metaphorical themes. In her paintings and sketches she presents her vision of life’s struggles and triumphs that are largely autobiographical.  Her wide array of subjects are inspired both from her extensive travels to wild places, and the research specimens at the California Academy of Sciences in San Francisco, CA. 

"Cinta púrpura / Purple Ribbon", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 8" x", 2013

"Comer o ser comido / Eat or Be Eaten"
Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 24" x 18", 2010

"Metrónomo / Metronome"
Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 45" diámetro / diameter, 2007

Over the years, Bozic has developed a complex process of masking and staining so the natural grain can collaborate with each composition using multiple layers of watered down acrylic paint on maple panels of wood.  She has had several solo exhibitions featuring her large-scale paintings and installations. Her work has also been included in numerous group shows across the country, and spoken at international events. She was also the first ‘Artist in Residency’ whereby she collaborated with the California Academy of Sciences, to create the “From the Depths” exhibit on the public floor of the museum, November 2007. Bozic is a self-taught artist currently living and working in her cottage under the redwood trees in Marin, CA.

"Antiguo / Ancient", acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 12" x 12", 2012

"Dondequiera que miro / Everywhere I Look"
Acrílico sobre panel de arce / acrylic on maple panel, 42” x 84”, 2011 

Se puede disfrutar del trabajo de Tiffany en / You can enjoy the work of Tiffany in 
Website, Blog, FFDG

Más sobre Tiffany Bozic en "El Hurgador" / More about Tiffany Bozic in this blog:
[Tiffany Bozic (Pintura)]

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Tiffany!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Tiffany!)
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Si te gustó el trabajo de Tiffany, tal vez pueda interesarte /
If you liked the Tiffany's work, you may also enjoy:

George Boorujy [Brims, Nguyen, Boorujy]
Kyle Fisher [Kyle Fisher (Pintura)]
Audrey Kawasaki [Mujeres al pincel (XIV)], [Manos a la obra (XII)]
Cristina Samsa [Cristina Samsa (Pintura)]
Kevin Earl Taylor [Kevin Earl Taylor (Pintura)], [Rinocerontes (XXI)]

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Misha Gordin [Fotografía]

February 21, 2014, 2:27 am
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«Todas las imágenes de este sitio web han sido montadas e impresas en un cuarto oscuro tradicional». Es el texto que aparece en la página principal del sitio web de Misha Gordin. En la era de la fotografía digital y el software de post-procesamiento, Misha ha continuado trabajando la fotografía conceptual de la forma más artesanal desde la primera imagen que marcaría su estilo, en 1972.

«All images on this website are assembled & printed in a traditional darkroom.» This is the text that appears on Misha Gordin's web site home page. In the era of digital photography and post-processing software, Misha has continued working conceptual photography in the most traditional way from the first image that marked his style in 1972.

Misha Gordin

Misha Gordin, 2006

Misha Gordin es un fotógrafo conceptual nacido en Letonia en 1946. Según cuenta, sus padres sobrevivieron a las penurias de la evacuación y regresaron a Riga, por aquél entonces bajo la ocupación soviética. Misha se crió en Letonia en el seno de la comunidad rusoparlante, con lo cual la cultura rusa se convirtió en su raíz. Se graduó como ingeniero de aviación, pero nunca trabajó en ello; se incorporó a los Riga Motion Studios como diseñador de equipamiento para efectos especiales.

"Caídos Nº 2 / Fallen #2", 2007

"Sheptun #1", 2003

«Tenía apenas cumplidos los 20, y era básicamente ignorante sobre arte. Por aquella época el realismo social era la cultura oficial del país, y no me interesaba demasiado. La información acerca del arte moderno occidental era difícil de conseguir, y mi conocimiento de él sumamente limitado.»

"Tomas #3", 2002

Izq./ Left: "La flecha silenciosa / The Silent Arrow", 1980
Der./ Right: "Inspiración en negro / Inspiration in Black", 1975

«Comencé a fotografiar cuando tenía diecinueve años, arrastrado por el deseo de crear mi propia visión y estilo personal. Me involucré en el retrato e hice algunas tomas documentales, pero pronto comprendí que eso no me satisfacía. Dejé mi cámara a un lado y me concentré en la lectura (Dostoevsky, Bulgakov) y el cine (Tarkovsky, Parajanov). Buscaba constantemente la forma de expresar mis sentimientos personales y pensamientos a través de la fotografía.
En 1974, tras años asqueado de las autoridades comunistas, dejé mi país y llegué a los Estados Unidos.»

"La nueva multitud Nº 51 / The New Crowd #51", 2001

Izq./ Left: "El cementerio de Woodlawn en Detroit. Gravera en Holly, Michigan
/ Woodlawn cemetery in Detroit. Gravel pit in Holly, Michigan", 1980
Der./ Right: "El caballo de Troya / The Troyan Horse", 1981

«En mi opinión, la fotografía conceptual es el más alto nivel de expresión artística, que sitúa la fotografía al nivel de la pintura, poesía, música y escultura. Utiliza el talento especial de la visión intuitiva.
Trasladando los conceptos personales al lenguaje fotográfico, refleja las posibles respuestas a las más importantes preguntas del ser: nacimiento, vida y muerte.
Crear una idea y transformarla en realidad es un proceso esencial del lenguaje fotográfico.»
Collegeville, Marzo de 1999.

"Hermano Nº 5 / Brother #5", 2010

Izq./ Left: "Multitud Nº 6 / Crowd #6", 1988 - Der./ Right: "Multitud Nº 35 / Crowd #35", 1991

"Grito Nº 16 / Shout #16", 1985

«No es una idea nueva manipular imágenes. De hecho, todas las imágenes están manipuladas en cierta medida. El poder real de la fotografía emerge cuando una realidad alterada es presentada como existente, y se espera que sea percibida como tal.
Una imagen obviamente manipulada es un truco que muestra una falta de comprensión del poder único de la fotografía; la creencia arraigada en nuestro subconsciente de que algo capturado por una cámara tiene que existir. En los mejores ejemplos de imágenes manipuladas exitosamente, la pregunta: "¿Es real?", no surge.»
Collegeville, Marzo de 1999.

"La nueva multitud Nº 59 / The New Crowd #59", 2002

Misha Gordin is a conceptual photographer born in Latvia, 1946. As he tells, his parents survived hardships of evacuation and returned back home to Riga, then under Soviet occupation. He grew up among Russian speaking population of Latvia, and Russian culture become his root culture. He graduated from the technical college as aviation engineer but never worked as such, instead he joined Riga Motion Studios as a designer of equipment for special effects.

"Sheptun #7", 2005

«I was in my early twenties and mostly ignorant about art. At this time social realism was an official culture of the country and I did not care about it too much. Information about modern western art was hardly available and my knowledge of it was highly limited.»

Izq./ Left: "Duda Nº 15 / Doubt #15" - Der./ Right: "Duda Nº 11 / Doubt #11", 1994

"Grito Nº 3 / Shout #3", 1984

«I started to photograph when I was nineteen, driven by desire to create my own personal style and vision. I was involved in portraiture and did some documentary shots, but soon realized the results did not satisfy me. I put my camera aside and concentrated on reading (Dostoevsky, Bulgakov) and cinematography (Tarkovsky, Parajanov). I was constantly looking for the way to express my personal feelings and thoughts using photography.
In 1974, after years of disgust with communist authorities, I left my country and arrived in USA.»

"Multitud Nº 8 / Crowd #8", 1988

"En la unidad de sueño y realidad 
Desde los rincones más oscuros del corazón 
Como una sombra desde un turbio pasado 
Surge la convocatoria para una oración solitaria."

"In unity of dream and real
From darkest corners of the heart
Like shadow from the murky past
Emerges call for a lonely prayer."

"Caídos Nº 5 / Fallen #5", 2007

«In my opinion, conceptual photography is a higher form of artistic expression that places photography on the level of painting, poetry, music and sculpture. It employs the special talent of intuitive vision.
By translating the personal concepts into the language of photography, it reflects the possible answers to major questions of being: birth, death and life. 
Creating an idea and transforming it into reality is an essential process of conceptual photography.»
Collegeville, March of 1999.

"Grito Nº 19 / Shout #19", 1986

"Viaje hacia la oscuridad / Journey Into Dark", 1983

«It is not a new idea to manipulate photographic images. As a matter of fact all images are manipulated to a certain degree. The real power of photography emerges when altered reality is presented as existent and is expected to be perceived as such.
An obviously manipulated image is a trick that shows a lack of understanding of the unique power of photography - the belief engraved in our subconscious that what was captured by the camera has to exist. In the best examples of successfully manipulated images the question "Is it real?" does not arise.»
Collegeville, March of 1999.

"Tomas #8", 2004

Los textos están traducidos del sitio web y el facebook de Misha.
Texts from Misha's website and facebook.

Se puede disfrutar del trabajo de Misha en / You can enjoy Misha's work in:

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Misha!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Misha!)


En 1972 creé mi primera y más importante imagen: "Confesión". Inmediatamente roconocí las posibilidades potenciales del abordaje conceptual y el conocimiento que adquirí con aquella imagen se convirtió en la columna vertebral de lo que he producido desde entonces.

In 1972 I created my first, and most important image - Confession. I instantly recognized the potential possibilities of conceptual approach and the knowledge acquired from this image become a backbone of the work I have produced since.

"Confesión / Confession", Jurmala, Letonia / Latvia, 1972

«Una mañana, mientras estaba sentado fuera de la casa de mis padres a orillas del mar, me percaté de un jardinero con una carretilla cerca... Me provocó una visión de un campo abierto con una mujer desnuda empujando la carretilla llena de muñecas rotas con viento recheado en contra. Más tarde ese mismo día, camino al trabajo, vi un grupo de chicos de una banda caminando por la calle con sus instrumentos. Uno de ellos llevaba el tambor. Me sacudió como un relámpago. Era el elemento perdido que andaba buscando. Tuve esa visión, simple y clara. Hice un dibujo de la futura imagen y comencé a ensamblar los elementos. Me llevó varias semanas encontrar la localización correcta, los elementos y modelos.»

«One morning as I was sitting outside my fathers seaside house, I noticed the gardener with a wheelbarrow next to him.. It triggered a vision of an open field with a naked woman pushing the wheelbarrow full of broken dolls against a gusting wind. Later that day on my way to work, I saw a group of kids from marching band walking across the street with their instruments. One of them was carrying the drum. It struck me like lightening. That was the missing element I was looking for. I had this vision - simple and clear. I made a drawing of the future image and started to assemble the elements. It took me several weeks to find the right location, props and models.»
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«El dibujo siempre fue una parte esencial de mi proceso.
Podría reflejar una idea, pero luego tiene vida propia.
Un dibujo exitoso debería irradiar los sentimientos e inspirarme a hacer una fotografía.»

"Prisionero de la memoria / Prisioner of Memory", Troy, Michigan, 1983

«Drawing always was an essential part of my process.
It would mirror an idea but after has a life of its own.
Successful drawing would radiate the feelings and inspire me to make a photograph.»


Textos / Texts

Recuerdo

Recuerdo la vida después de la guerra.
Escondido en las ruinas de edificios bombardeados.
El hombre sin piernas empujándose sobre una pequeña plataforma.
Recuerdo jugar sólo.
Recuerdo jugar con otros niños.
No teníamos ningún juguete.
Nos los hacíamos nosotros mismos.
Recuerdo la chica del tercero.
Nunca jugaba con nosotros.
Ella era bailarina.
Recuerdo el olor viciado de oscuros corredores.
Recuerdo el hombre ahogado, exhausto tras su última batalla.
Recuerdo rostros que nunca sonreían.
Recuerdo mi primer día de escuela.
Escondiendo mi rostro en la falda de mis maestros y llorando.
Ella me dejó volver a casa.
Recuerdo las frías aguas del Mar Báltico.
Recuerdo atardeceres y las silentes siluetas a lo largo de la costa.
Recuerdo el bosque lleno de secretos.
Recuerdo una pintura inconclusa y nadie alrededor.
Recuerdo los delantales blancos y el brillo dorado de los peces en las cestas.
Recuerdo al maestro de música golpeándome los dedos con un lápiz.
Recuerdo marchar en fila.
Recuerdo flores caídas a los pies del monumento a Lenin.
Recuerdo mi primer vaso de vino.
Recuerdo la primera chica a la que amé.
Recuerdo mi niñez.
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Remember

I remember life after the war.
Hiding in the ruins of the bombed buildings.
The man with no legs pushing his way on a tiny platform.
I remember playing alone.
I remember playing with the other children.
We did not have any toys.
We were making our own.
I remember the girl on the third floor.
She never played with us.
She was a ballerina.
I remember the stale smell of dark corridors.
I remember the drowned man exhausted from his last fight.
I remember faces that never smiled.
I remember my first day in school.
Hiding my face in the teachers lap and crying.
She let me go home.
I remember cold waters of the Baltic sea.
I remember sunsets and the silent silhouettes along the shoreline.
I remember the forest full of secrets.
I remember an unfinished painting and nobody around.
I remember the white aprons and the golden glow of fish in the baskets.
I remember the music teacher striking my fingers with a pencil.
I remember marching in a column.
I remember laying flowers to the monument of Lenin.
I remember my first glass of wine.
I remember the first girl I loved.
I remember my childhood.


Hoy en día

Hoy en día vivo una vida aislada
Desde mi porche delantero puedo ver el arcoiris
buceando en el estanque cercano.
Cuando regreso a casa del bosque
traigo conmigo el aroma de una hoguera.
Por la noche escucho la misteriosa llamada de un búho
y me siento en sintonía con la naturaleza.
Vivo en cuatro estaciones definidas.
Con los vientos frescos del invierno esculpiendo la nieve profunda
y el regreso de las aves en la primavera temprana.
Veranos llenos de energía creativa.
Así es como trabajo.
Es cuando se abren las hojas
que despierto mi cámara de su largo reposo.
Utilizo a mi hijo como modelo.
Comienza mi nueva estación...

Mi participación en la fotografía digital
se remonta a Riga, la capital del antiguo Soviet de Letonia.
Dejé mi tierra natal cuando tenía 28 años.
Llevé conmigo dos imágenes.
Las primeras dos letras de un alfabeto
que aún hoy estoy desarrollando.

Una gran roca yace en el borde sur de la tierra donde vivo.
Me gusta visitarla en los días soleados del invierno y caminar en círculos, absorbiendo su energía silente.
Me gusta pararme sobre ella con mis ojos apuntando hacia el brillante sol.
Me gusta llenar mi pecho con el aire fresco y llegar hasta el cielo.
Me siento aislado, pero no solo. Es donde pertenezco.
El búho solitario me mira desde su nido a través del barranco.
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Nowadays

Nowadays I live a secluded life.
From my front porch I can see a rainbow 
diving in to nearby pond .
When I return home from the forest,
I bring a smell of a bonfire with me.
At night I listen to mysterious calls of an owl
and feel much in tune with  nature.
I live through four definite seasons.
With the crisp winter winds carving the deep snow
and return of the birds in the early spring.
Summers are full of creative energy.
This is the way I work.
It's when leaves open up
I wake up my camera from the long rest.
I use my son as a model.
I start my new season...

My involvement in conceptual photography
dates back to Riga the capital of former Soviet  Latvia.
I left my homeland when I was 28 years old.
I brought two images with me.
The first two letters of an alphabet
I am still developing today.

A big rock lays on the southern border of the land I live.
I like to visit him on a sunny winter days and walk around in a circle, absorbing his silent energy.
I like to stand on top of him with my eyes shot toward the bright sun.
I like to fill my chest with a crisp air and reach towards the sky.
I feel secluded, but not alone. It's where I belong.
The lonely owl is watching me from his nest across ravine.


El poder de un lápiz.

La diferencia entre la fotografía digital y la analógica es similar a la que hay entre un lápiz y un teclado.
Ambos son útiles para escribir. El teclado es preciso, rápido y tiene muchas "herramientas" para corregir rápidamente y hacer cambios instantáneos.
No hay afilador, ni gomas, ni una dura superficie debajo.
Pero utilizando un lápiz, creas un escrito que tiene una dimensión extra. Tiene su presencia física y refleja tu carácter personal.
Se ve como ninguna otra cosa en el mundo. Tiene un toque humano. Tu toque. Tendrá las imperfecciones que lo hacen algo vivo.
El producto de un teclado no puede ser un objeto de arte por sí mismo. Con los lápices sí.
Siento lo mismo cuando pienso en la transformación de la fotografía.
La imagen digital no tiene limitaciones. El único límite es la imaginación de la persona que hace uso de ella.
Es fácil de usar, es muy indulgente y en manos de un buen artista es una herramienta conveniente para producir buen arte.
Pero hay una dimensión muy importante que se pierde en el arte digital, y es que se pierde la imperfección de la mano humana.
Y esta imperfección añade un toque extra en la escala de belleza e importancia.

Collegeville, Abril, 2007
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The Power of a Pencil

The difference between analog and digital photography resembles the difference between a pencil and a keyboard. 
Both are the writing tools. Keyboard is precise, fast, has many “tools”, mistakes can be quickly corrected and changes can be made instantly.
No sharpening, no erasers, no hard surface beneath.
But using the pencil you create a writing witch has an extra dimension. It has your physical presents and reflects your personal character.
It will look like nothing else in this world. It will have a human touch. Your touch. It will have the imperfections that makes it alive.
Keyboard product can’t be object of art by itself. Pencils can.
I feel the same way thinking about transformation of photography.
Digital imaging has no limitations. The only limit is imagination of the person using it. 
It’s easy to use, is very forgiving and in the hands of a good artist it is a convenient tool to produce a good art.
But one very important dimension will be always missing in digital art. And this missing quality will be the imperfection of a human hand.
And this imperfection adds an extra notch to the scale of beauty and importance.

Collegeville, April 2007

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Aniversarios (III) [Febrero / February 16-22]

February 22, 2014, 12:33 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 16 de Febrero es el cumple de 

Kanō Eitoku (狩野 永徳), nacido en Kyoto en 1543, un pintor activo durante el período Azuchi-Momoyama y uno de los más destacados representantes de la Escuela Kanō de la pintura de Japón. Fue instruido en arte por su abuelo Kanō Motonobu, adquiriendo por ello una notable influencia de la pintura china que se percibe en la energía de su trazo. Destacó en la pintura de biombos, destinados fundamentalmente a la decoración de fortalezas, como el Castillo de Osaka. Buena parte de su obra fue destruida en las revueltas que antecedieron a la instauración del Shogunato Tokugawa. Murió en 1590.

"四季花鳥図・右隻 / Flores y aves de las cuatro estaciones, panel derecho / 
Flowers and birds of four seasons", 164,5 x 359,0 cm., s. XVI.
Hakutsuru Fine Art Museum (白鶴美術館), (Kobe, Japón / Japan)
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Armand Guillaumin, pintor y litógrafo impresionista francés nacido en 1841.
Su nombre de nacimiento fue Jean-Baptiste Armand Guillaumin. Trabajó con su tío en una casa de venta de lencería, asistiendo a lecciones de dibujo por las noches. También trabajó para los ferrocarriles del gobierno francés antes de esturiar en la Académie Suisse en 1861. Allí conoció a Paul Cézanne y Camille Pissarro, con quienes mantendría amistad de por vida. Aunque nunca alcanzó la estatura de éstos, su influencia en el trabajo de ellos fue significativa. Cézanne realizó su primer grabado en base a una pintura de Guillaumin de unas barcazas en el Sena.
Expuso en el Salón des Refusés en 1863. Partició en seis de las ocho muestrars impresionistas (1874, 1877, 1880, 1881, 1882 y 1886). En 1886 se hizo amigo de Van Gogh cuyo hermano Theo vendió algunos de sus cuadros. Finalmente consiguió dejar su empleo en el gobierno yu concentrarse de lleno en la pintura a tiempo completo en 1891, cuando ganó 100.000 francos en la lotería estatal. Murió en 1927.

"Soleil couchant à Ivry / Puesta de sol en Ivry / Sunset at Ivry"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 65 cm., 1873. Musee d'Orsay (París, Francia / France)


El 17 de Febrero es el cumple de 

Raphaelle Peale. Nacido en 1774 está considerado como el primer pintor estadounidense de naturalezas muertas. Se crió en Filadelfia, donde vivió toda su vida, y al igual que sus hermanos fue educado como artista por su padre. Su primera exposición fue en 1795. La mayoría de sus pinturas son de pequeño tamaño y representan pocos objetos, generalmente alimentos y dispuestos sobre una mesa. Murió en 1825

"Sandías y enredaderas / Melons and Morning Glories"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 52,6 x 65,4 cm., 1813. Smithsonian American Art Museum, USA.
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Pierre Auguste Cot, pintor francés de la escuela academicista nacido en Bédarieux en 1837. 
Cot estudió en primer lugar en l'Ecole des Beaux-Arts en Toulouse antes de mudarse a París. Estudió bajo la tutela de Leon Cogniet, Alexandre Cabanel y William-Adolphe Bouguereau. Durante la década de 1870, su popularidad comenzó a crecer con gran rapidez. En 1874 fue nombrado Chevallier de la Legión de Honor.
Creó varias obras que alcanzaron gran popularidad, incluyendo a Le Printemps, en la cual retrató a dos jóvenes amantes, y La Tempête. Ambas pinturas se encuentran en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte de la Ciudad de Nueva York; La Tempête pertenece al museo mientras que Le Printemps es parte de una colección privada.
Cot también obtuvo reconocimiento por sus retratos, que consisten la mayor parte de su trabajo. Murió en 1883.

"Primavera / Springtime", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 213,4 × 127 cm., 1873. 
Metropolitan Museum of Art (New York, USA)


El 18 de Febrero es el cumple de 

Max Klinger, escultor, pintor y artista gráfico simbolista alemán nacido en 1857. Estudió en Karlsruhe y fue admirador de Menzel y Goya. Pronto se convirtió en un grabador con talento e imaginativo y como escultor combinaba materiales diferentes en la misma obra, poniendo la técnica al servicio de ideas abstractas, con lo que el resultado se aparta del realismo y se acerca al simbolismo. Una de sus obras más conocidas es «Beethoven». Falleció en 1920.

"Apollo und Daphne II / Apolo y Daphne II"
Aguafuerte y aguatinta / etching and aquatint, 18 × 20,7 cm., 1879
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James Francis Cropsey, importante paisajista estadounidense nacido en 1823, adscrito a la Escuela del Río Hudson.
De jóven, Cropsey tuvo recurrentes períodos de mala salud. Cuando estaba ausente del colegio, aprendía dibujo de forma autodidacta. Las más tempranos incluían bocetos arquitectónicos y paisajes dibujados en blocs de notas y los márgenes de sus cuadernos de clase.
Estudió arquitectura y estableció su propia oficina en 1843. Cropsey estudió acuarela y dibujo del natural en la Academia Nacional de Diseño teniendo a Edward Maury como profesor, y expuso por primera vez en 1844. Un año más tarde fue elegido como miembro asociado y se dedicó exclusivamente a la pintura de paisajes; poco después su obra fue presentada en una muestra titulada "Composiciones Italianas".
Cropsey fue co-fundador, junto con 10 amigos artistas, de la Sociedad Estadounidense de Pintores de Acuarelas en 1966.
Murió en el anonimato en 1900, pero fue redescubierto por las galerías y coleccionistas en los '60.

"El espíritu de la guerra / The Spirit of War", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110,8 x 171,6 cm., 1851.
The National Gallery of Art (Washington, USA)


El 19 de Febrero es el cumple de 

Gabriele Münter, pintora alemana del expresionismo y fotógrafa nacida en Berlín en 1877. Tras asistir a una escuela de arte para mujeres en Düsseldorf, viajó a Estados Unidos y a su regreso, al no poder estudiar en la Academia de Bellas Artes de Múnich por ser mujer, se inscribió en la progresiva escuela de arte Phalanx en la que trabajaba Vasily Kandinsky, con quien mantuvo una relación hasta 1917.
En 1937 los nazis le prohiben exponer, por lo que se retira de la vida pública. Durante la Segunda Guerra, escondió más de 80 obras propias y de artistas del Blaue Reiter, salvándolas de la destrucción. Las regaló en 1957 a la ciudad de Múnich, donde ahora son exhibidas en la Lenbachhaus.

"Retrato de Marianne von Werefkin / Portrait of Marianne von Werefkin"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 1909. Lenbachhaus (Munich, Alemania / Germany)
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Constantin Brâncuși, escultor nacido en Rumania en 1876 que hizo su carrera en Francia. De niño mostró aptitudes para tallar herramientas agrícolas en madera. Sus estudios formales lo llevaron a Bucarest, luego a Múnich y por fin a la École des Beaux-Arts en París. Su estilo abstracto enfatizó limpias líneas geométricas que balancean las formas inherentes de los materiales con alusiones simbólicas al arte representativo. Obras famosas de Brâncuși son "Musa dormida" (1908), "El beso" (1908), "Prometeo" (1911), "Mademoiselle Pogany" (1913) y muchas otras. 
Considerado pionero del modernismo, Brâncuși es llamado "el patriarca de la escultura moderna". Murió en 1957.

"Le Basier / El beso / The Kiss", piedra / stone, 89.5 x 30 x 20 cm., 1909. 
Cementerio de Montparnasse (París, Francia / France)


El 20 de Febrero es el cumple de 

George Minne, escultor e ilustrador belga nacido en 1866. Perteneció al primer grupo de artistas de la llamada Escuela de Sint-Martens-Latem, pueblo situado en las cercanías de Gante donde se establecieron numerosos simbolistas. La fuerza emocional de la obra de Minne fue alabada por los poetas simbolistas belgas, como Maurice Maeterlinck, Émile Verhaeren y Grégoire Leroy. Su modelo artístico fue Rodin, aunque Minne no trató de imitar la fuerza plástica del artista francés y se decantó por un gran refinamiento, inspirado en el arte medieval. Murió en 1941.

"La fuente de los arrodillados / La Fontaine des agenouillés", 1898. Versión del Museo Folkwang en Essen

Más sobre George Minne en "El Hurgador" / More about George Minne in this blog:
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Julian Otto Trevelyan, artista y poeta británico nacido en 1910.
Se educó en el Bedales School y el Trinity College (Cambridge), donde se graduó en Literatura Inglesa.
Se mudó a París para convertirse en artista, apuntándose en el Atelier Dix-Sept, la escuela de Stanley William Hayter, donde aprendió el arte del grabado. Trabajó junto a famosos artistas como Max Ernst, Oskar Kokoschka, Joan Miró y Pablo Picasso.
EN 1935, Trevelyan compró Durham Wharf, junto al Támesis en Hammersmith, Londres. Se convirtió en su casa y estudio durante el resto de su vida, y fue para él fuente de inspiración artística. Se volvió un surrealista confirmado y exhibió en la Exposición Surrealista Internacional que tuvo lugar en las New Burlington Galleries de Londres.
Entre 1950 y 1995 enseñó historia del arte y grabados en la Escuela de Arte Chelsea. Durante 1955 - 1963, fue Tutor de Grabados en el Royal College of Art, llegando hasta Director del Departamento de Grabados, donde fue una influencia para jóvenes grabadores. Murió en 1988.
En "El Hurgador": http://elhurgador.blogspot.com.es/2013/04/julian-trevelyan-pintura-grabados.html

"Windsor"
Aguafuerte con aguatinta en colores / etching with aquatint in colours, 47,5 x 34,5 cm., 1969. Ed. de 75.

Más sobre Julian Trevelyan en "El Hurgador" / More about Julian Trevelyan in this blog:


El 21 de Febrero es el cumple de 

Henry Wallis, pintor prerrafaelita, escritor y coleccionista de arte británico nacido en 1830. En 1856 exhibió en la Royal Academy (donde expondría hasta 35 veces) su cuadro Death of Chatterton (La muerte de Chatterton, actualmente en el Tate), que tuvo inmediatamente gran éxito.
Con el tiempo se fue alejando de los principios del Prerrafaelismo para acercarse a los del realismo social, como sucede en su obra The Stonebreaker. Murió casi ciego en 1916.

"El picapedrero / The Stonebreaker", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1857. 
Birmingham Museum & Art Gallery (Inglaterra / England)
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Park Su-geun (Park Soo-keun), pintor coreano nacido en 1914.
Originario del condado de Yanggu, provincia de Gangwon (Corea del Sur), asisitó a la escuela primaria pública de Yanggu, y fue autodidacta en pintura desde su adolescencia. En 1932 hizo su debut pintando círculos con su obra "Terminó la primavera", que fue seleccionada para el 11º concurso anual de pintura de Seonjeon. Park terminó por ser electo un totoal de 8 veces en este concurso hasta 1944. En 1953 participó en la 2ª Exhibición Nacional de Arte, ganando el 1er. premio. Poco después se convirtió en pintor a tiempo completo y ganó numerosos premios en diez ocasiones. En 1959 obtuvo una recomendación de la Exposición Nacionald e Arte e integró el comité de selección duranta principios de los '60.
En 1963, perdió la vista de ambos ojos debido a las cataratas, y murió de cirrosis hepática a los 52 años, en 1965. Durante buena parte de su vida, Park luchó contra la pobreza y la soledad, pero durante los '80 se le concedió a título póstumo la Eun-gwan (corona de plata) de la Orden al Mérito de la Cultura.

"우물가 / El pozo / The Well", 80,3 x 100 cm., 1953


Hoy, 22 de Febrero, es el cumple de

Baltasar Lobo, dibujante y escultor español nacido en Cerecinos de Campos, Zamora, en 1910, influenciado por Constantin Brancusi y Jean Arp. Durante la Guerra Civil asume las ideas anarquistas y dibuja para publicaciones ácratas de la época. Se exilia en Francia al final de la guerra hasta fijar definitivamente su residencia en París, donde entabla amistad con Pablo Picasso y el escultor Henri Laurens, de quién tomará su interés por simplificar las formas, su afición por los volúmenes curvilíneos, así como su concepto de estructuración poscubista de la escultura. En su madurez artística, sus esculturas se caracterizan por la rotundidad de volúmenes con una gran perfección en el modelado de las formas.

"Madre y Niño / Mother and child", bronce / bronze, 1980. Plaza de los Momos (Zamora, España / Spain)
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Rembrandt Peale, artista estadounidense nacido en 1778. Prolífico retratista, es especialmente reconocido por sus retratos de los presidentes George Washington y Thomas Jefferson. El estilo de Peale estuvo influenciado por el neoclasicismo francés.
Su padre, Charles, también un artista notable, le puso su nombre por el notable pintor y grabador holandés del s.XVII Rembrandt Harmenszoon van Rijn. También enseñó a todos sus hijos a pintar paisajes y retratos, y fue tutor de Rembrandt en artes y ciencias. Éste comenzó a dibujar a los 8 años.
Destacado por su naturaleza itinerante, Peale visitó Europa varias veces para estudiar arte. A través de su vida, viajó a través del Hemisferio Norte en busca de inspiración y oportunidades como artista. Su padre le ayudó a pagar sus estadías en París, desde junio a septiembre de 1808 y de octubre a noviembre de 1810. Allí estudió la obra de Jacques-Louis David, que lo influenció para pintar en estilo neoclásico.
Murió en 1860.

"Retrato de / Portrait of Rosalba Peale", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1820.
Smithsonian American Art Museum, USA


Textos en inglés / English translation

* On February 16 is the birthday of

Kano Eitoku (狩 野 永 徳), born in Kyoto in 1543, a painter active during the Azuchi-Momoyama period and one of the most prominent representatives of the Kano School of painting in Japan. He was instructed in art by his grandfather Kanō Motonobu, thereby gaining a significant influence of Chinese painting that is perceived in the power of his stroke. Excelled in painting screens, destinated primarily for decoration of fortresses, such as Osaka Castle. Much of his work was destroyed in the riots that preceded the establishment of the Tokugawa Shogunate. He died in 1590.

Armand Guillaumin, French impressionist painter and lithographer born in 1841.
Born Jean-Baptiste Armand Guillaumin in Paris, he worked at his uncle's lingerie shop while attending evening drawing lessons. He also worked for a French government railway before studying at the Académie Suisse in 1861. There, he met Paul Cézanne and Camille Pissarro with whom he maintained lifelong friendships. While he never achieved the stature of these two, his influence on their work was significant. Cézanne attempted his first etching based on Guillaumin paintings of barges on the River Seine.
Guillaumin exhibited at the Salon des Refusés in 1863. He participated in six of the eight Impressionist exhibitions: 1874, 1877, 1880, 1881, 1882 and 1886.[1] In 1886 he became a friend of Vincent van Gogh whose brother, Theo sold some of his works. He was finally able to quit his government job and concentrate on painting full-time in 1891, when he won 100,000 francs in the state lottery.

* On February 17 is the birthday of

Raphaelle Peale; born in 1774 is considered the first American painter of still lifes. He grew up in Philadelphia, where he lived all his life, and like his brothers was educated as an artist by his father. His first exhibition was in 1795. Most of his paintings are small and represent few objects, usually food arranged on a table. He died in 1825

Pierre Auguste Cot, French academicist painter born in Bédarieux, 1837. 
Cot studied first at l'Ecole des Beaux-Arts in Toulouse before moving to Paris. He studied under Leon Cogniet, Alexandre Cabanel and William-Adolphe Bouguereau. During the 1870s, his popularity began to grow rapidly. In 1874 he was named Chevalier of the Legion of Honor. 
He created several works of great popularity, including Le Printemps, in which he portrayed two young lovers, and La Tempête. Both paintings are on display at the Metropolitan Museum of Art in New York, La Tempête belongs to the museum while Le Printemps is part of a private collection. 
Cot also gained recognition for his portraits, which consist most of his work. He died in 1883.

* On February 18 is the birthday of

Max Klinger, sculptor, graphic artist and symbolist German painter born in 1857. Studied in Karlsruhe and was an admirer of Menzel and Goya. Soon became a talented and imaginative engraver and sculptor as combined different materials in the same work, putting technology at the service of abstract ideas, so the result is other than realism and symbolism approaches. One of his best known works is "Beethoven." He died in 1920.

Jasper Francis Cropsey (1823 - 1900), an important American landscape artist of the Hudson River School.
As a young boy, Cropsey had recurring periods of poor health. While absent from school, Cropsey taught himself to draw. His early drawings included architectural sketches and landscapes drawn on notepads and in the margins of his schoolbooks.
Trained as an architect, he set up his own office in 1843. Cropsey studied watercolor and life drawing at the National Academy of Design under the instruction of Edward Maury and first exhibited there in 1844. A year later he was elected an associate member and turned exclusively to landscape painting; shortly after he was featured in an exhibition entitled "Italian Compositions".
Cropsey co-founded, with ten fellow artists, the American Society of Painters in Water Colors in 1866. 
Jasper Cropsey died in anonymity but was rediscovered by galleries and collectors in the 1960s. 

* On February 19 is the birthday of

Gabriele Münter, German expressionist painter and photographer born in Berlin in 1877. After attending an art school for women in Düsseldorf, traveled to the United States and on her return, unable to study at the Academy of Fine Arts in Munich as a woman, she enrolled in the progressive art school Phalanx where Vasily Kandinsky worked. She had a relationship with him until 1917. 
In 1937 the Nazis banned expose, so she retires from public life. During WWII, hid more than 80 works by her and artists of the Blaue Reiter, saving them from destruction. She gifted in 1957 to the city of Munich, where they are now displayed in the Lenbachhaus.

Constantin Brâncuși, Romanian-born sculptor (1876 - 1957) who made his career in France. As a child he displayed an aptitude for carving wooden farm tools. Formal studies took him first to Bucharest, then to Munich, then to the École des Beaux-Arts in Paris. His abstract style emphasizes clean geometrical lines that balance forms inherent in his materials with the symbolic allusions of representational art. Famous Brâncuși works include the Sleeping Muse (1908), The Kiss (1908), Prometheus (1911), Mademoiselle Pogany (1913) and many others. Considered a pioneer of modernism, Brâncuși is called the patriarch of modern sculpture.

* On February 20 is the birthday of

George Minne, Belgian sculptor and illustrator born in 1866. He belonged to the first group of artists called the School of Sint-Martens-Latem, a village near Ghent where many Symbolists settled. The emotional force of Minne's work was praised by the Belgian symbolist poets such as Maurice Maeterlinck, Emile Verhaeren and Grégoire Leroy. His artistic model was Rodin, but he did not try to imitate the plastic power of French artist and decided to use a great refinement, inspired by medieval art.
Minné died in 1941.

Julian Otto Trevelyan, RA, British artist and poet born in 1910.
He was educated at Bedales School and Trinity College, Cambridge, where he read English Literature.
He moved to Paris to become an artist, enrolling at Atelier Dix-Sept, Stanley William Hayter's engraving school, where he learned about etching. He worked alongside famous artists including Max Ernst, Oskar Kokoschka, Joan Miró and Pablo Picasso.
In 1935, Trevelyan bought Durham Wharf, beside the River Thames in Hammersmith, London. This became his home and studio for the rest of his life and was a source of artistic inspiration to him. He became a confirmed Surrealist and exhibited at the International Surrealist Exhibition, held at the New Burlington Galleries in London.
From 1950 to 1955, Trevelyan taught history of art and etching at the Chelsea School of Art. During 1955–63, he was Tutor of Engraving at the Royal College of Art, rising to Head of the Etching Department where he was influential to many younger printmakers. He died in 1988.

* On February 21 is the birthday of

Henry Wallis, Pre-Raphaelite painter, writer and collector of British art born in 1830. In 1856 he exhibited at the Royal Academy (where he show his work up to 35 times) the Death of Chatterton, now in the Tate Gallery, who had great success immediately. 
Eventually he went away from the principles of Prerrafaelismo to approach social realism, as in his "The Stonebreaker". He died almost blind in 1916.

Park Su-geun (Park Soo-keun), Korean painter (1914 - 1965). 
Hailing from Yanggu County, Gangwon Province, South Korea Park attended Yanggu Public Elementary School when he was younger, and then taught himself painting as was a teenager. In 1932, he made his debut in painting circles with his work titled 'Spring Is Gone' when it was selected for the 11th annual Seonjeon painting contest. Park ended up being selected a total of eight times in the contest until 1944. In 1953, he participated in the 2nd annual National Art Exhibition and won 1st place. Soon after, he became a full-time painter and won numerous prizes on ten different occasions. In 1959, he got recommendation from the National Art Exhibition and served on the screening committee during the early 1960s.
In 1963, Park lost eyesight in one of his eyes due to cataract, and died of liver cirrhosis at the age of 52 in 1965. For much of his life Park struggled with poverty and lonesomeness but during the 1980s, he was posthumously awarded the Eun-gwan (silver crown) of Order of Culture Merit.

* Today, February 22, is the birthday of

Baltasar Lobo, draftsman and sculptor born in Zamora 1910, influenced by Constantin Brancusi and Jean Arp. During the Civil War assumes anarchist ideas and draws for anarchist publications of the time. Exiles in France at the end of the war to finally take up residence in Paris, where he befriended Pablo Picasso and sculptor Henri Laurens, from who will take interest in simplifying forms, his penchant for curvilinear volumes and his concept of post-cubist structuring in sculpture. In his artistic maturity, his sculptures were characterized by the roundness of volumes with great perfection in modeling forms.

Rembrandt Peale, American artist born in 1778. A prolific portrait painter, he was especially acclaimed for his likenesses of presidents George Washington and Thomas Jefferson. Peale's style was influenced by French Neoclassicism.
The father, Charles, also a notable artist, named him after the noted 17th-century Dutch painter and engraver Rembrandt Harmenszoon van Rijn. His father also taught all of his children to paint scenery and portraiture, and tutored Rembrandt in the arts and sciences. Rembrandt began drawing at the age of eight. 
Noted for his "itinerant" nature, Peale visited Europe several times to study art (Ward). Throughout his life, Peale traveled across the Western Hemisphere in search of inspiration and opportunities as an artist. His father helped pay his way to Paris, where he stayed from June to September 1808, and again from October 1809 to November 1810. In Paris, Peale studied the works of Jacques-Louis David, which influenced him to paint in the Neoclassical style.
He died in 1860.

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Aniversarios, Fotografía (III) [Febrero / February 17-23]

February 23, 2014, 7:30 am
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El 17 de Febrero es el cumple de

John Pfahl, fotógrafo estadounidense nacido en 1939. Se crió en Wanaque, New Jersey, y es conocido por su fotografía de paisajes, desde su serie de 1974 "Paisajes alterados".
Recibió una licenciatura de la Universidad de Siracusa en la Escuela de Artes, y un Master en la misma universidad en la Escuela de Comunicaciones. Enseñó en el Instituto Rochester de Tecnología, New York, desde 1968 hasta 1983. Más tarde fue profesor en la Universidad de Albuquerque, Nuevo México.
Actualmente da clases en Buffalo, Universidad Estatal de New York. 
Pfahl ha aparecido en más de 100 exposiciones individuales y colectivas, y su obra está representada en al menos 45 colecciones públicas y corporativas.
Website del artista: http://johnpfahl.com/

"Relámpago Blanco, salar seco cerca de Delles, Utah / White Lightning, Dry Salt Flat near Delles, Utah"
Octubre / October, 1977


El 18 de Febrero es el cumple de 

Michael Melford, fotógrafo, artista y profesor estadounidense nacido en 1950, reconocido por sus trabajos para la revista National Geographic.
Tiene una licenciatura en fotografía por la Universidad de Siracusa.
Melford es conocido por sus paisajes naturales y su habilidad para capturar el vibrante movimiento de la naturaleza. Ha producido más de 30 artículos para National Geographic Travel Magazine, incluyendo 8 portadas. Ha fotografiado extensamente las maravillas de los parques naturales de USA y Alaska. Sus fuentes de inspiración han sido Ansel Adams y Ernst Haas.
Las fotografías de Melford han aparecido en The Apple Store, Life Magazine, Newsweek, Time, Fortune, Smithsonian, Geo, Travel & Leisure, Travel Holiday, Coastal Living, National Geographic Traveler y National Geographic
Website del artista: http://www.michaelmelford.com/

"Parque Nacional de Waterton Lakes / Waterton Lakes National Park", Alberta, Canadá


El 19 de Febrero es el cumple de 

Santiago Arau Pontones, fotógrafo mexicano nacido el 19 de febrero de 1980. Egresado de la Universidad Iberoamericana en la carrera de comunicación y de la Escuela Activa de Fotografía. Pertenece a una generación emergente de fotógrafos en México.
Director del documental Soy Ilegal (2004) realizado en Carolina del Norte, Washington DC, Los Ángeles y México. Es uno de los fotógrafos precursores en la técnica de Tilt Shift o miniatura y especialista en la técnica de Time Lapse en video. Ha desarrollando proyectos en Londres, Sudáfrica, Canadá, Estados Unidos y México. En el 2012 crea PINHOLE, una productora que se encarga de producir contenidos audiovisuales.
Ha realizado diferentes exposiciones colectivas en diferentes partes del mundo. En Noviembre del 2012 participa en "Conectados", un exhibición de fotógrafos filipinos, españoles y mexicanos en el Museo de Ayala en Filipinas. Director y fotógrafo de la campaña para los juegos olímpicos de invierno Sochi 2014 para la televisión en Latinoamérica.

"Abierto Mexicano de Gimnasia / Gym Mexican Open", 2013


El 20 de Febrero es el cumple de 

Ansel Easton Adams, fotógrafo estadounidense y ambientalista nacido en 1902. Sus fotografías de paisajes del oeste estadounidense en blanco y negro, especialmente del Parque Yosemite, han sido ampliamente reproducidas en calendarios, pósters y libros.
Junto con Fred Archer, Adams desarrolló el Sistema de Zona como modo de determinar la exposición correcta y ajustar el contraste final de la impresión. Como resultado, sus fotografías gozaban de una gran claridad y profundidad. Adams utilizó fundamentalmente cámaras de gran formato, porque su alta resolución le ayudaba a lograr definición en sus imágenes. 
Fundó el grupo f/64 junto con sus amigos fotógrafos Willard Van Dyke y Edward Weston. Murió en 1984.

"Cañón de Chelly, Panorama del valle desde la montaña / 
Canyon de Chelly panorama of valley from mountain", 1941

Más sobre Ansel Adams en "El Hurgador" / More about Ansel Adams in this blog:


El 21 de Febrero es el cumple de

Alfonso Sánchez García, fotógrafo español nacido en 1880. 
Alfonso vendía libretos de ópera a la puerta del Teatro Real de Madrid y estuvo trabajando en diversos oficios hasta que entró como aprendiz en el estudio de Amador Cuesta en 1895. Dos años después ya había realizado diferentes trabajos de reportero gráfico con fotografías exclusivas como la imagen del cuerpo incorrupto de San Isidro Labrador. A principios del siglo XX pasó a trabajar en el estudio de Manuel Compañy que se encontraba entre los más conocidos retratistas de la época, convirtiéndose en el operador de galería más joven de entonces.
Comenzó a firmar con el seudónimo Alfonso en 1904. Sus fotografías se publicaron en algunos de los principales diarios republicanos y democráticos de la época como La Libertad y El Sol y dirigió la sección de fotografía del periódico El Gráfico. Esta actividad de reportero le permitió hacer fotografías de los políticos de la época.
Murió en 1953.

"El Pasadizo del Panecillo / The Panecillo Alley", 1951


El 22 de Febrero es el cumple de

Kyōichi Sawada (沢田 教一), fotógrafo japonés de United Press International nacido en 1936, que obtuvo el premio Pulitzer de fotografía por sus imágenes de la guerra de Vietnam durante 1965. Dos de esas fotografías fueron elegidas "World Press Photos of the Year" en 1965 y 1966. La fotografía de 1965 muestra una madre vietnamita con sus niños vadeando un río, escapando a los bombardeos estadounidenses. La famosa imagen de 1966 muestra soldados de la Primera división de infantería arrastrando un luchador Vietcong muerto arrastrado por un carro de combate M113 tras haber muerto en un duro ataque del Vietcong contra fuerzas australianas durante la batalla de Long Tan el 18 de agosto de 1966.
Sawada murió junto con Frank Frost, de UPI, en 1970 mientras se dirigían al paso de Kirrirom en Camboya.

"Una madre vietnamita con sus niños vadeando un río, escapando a los bombardeos estadounidenses / 
a Vietnamese mother and children wading across a river to escape a US bombing", 1965


Hoy, 23 de Febrero, es el cumple de

George Smith Cook, prominente fotógrafo estadounidense nacido en 1819 en Stamford, Connecticut.
Trabajó sin éxito en negocios mercantiles. Más tarde se mudó a Nueva Orleans y estudió arte por la época en que el daguerrotipo fue introducido en Estados Unidos, en 1839. Llevó adelante una galería en Nueva Orleans, y luego viajó durante 10 años por el sur. Estableció un estudio en un pueblo, preparó fotógrafos y luego se los vendió y se fue. 
Finalmente se asentó permanentemente en Charleston, Carolina del Sur, y registró los efectos de la Guerra Civil en la ciudad. Tomó la primera fotografía de combate de la historia durante una visita a Fort Sumter, de los Unionistas acorazados disparando a Fort Moultrie.
Se mudó a Richmond, Virginia, y acumuló la más completa colección de fotografías de esa ciudad. Murió en 1902.

"Ataque a Fort Moultrie / Firing on Fort Moultrie", 8 Sept., 1863


* On February 17 is the birthday of

John Pfahl, an American photographer born in 1939. 
He grew up in Wanaque, New Jersey. He is known for his landscape photography such as his 1974 "Altered Landscapes" series. He received a BFA from Syracuse University in the School of Art and his MA from Syracuse University in the School of Communications. He taught at the Rochester Institute of Technology, Rochester, New York, from 1968 – 1983. Later he was professor at the University of New Mexico, Albuquerque. Presently (2012) he teaches at the University at Buffalo, The State University of New York.
Pfahl has appeared in over 100 group and solo exhibitions, and his work is represented in at least forty-five public and corporate collections, including the George Eastman House International Museum of Photography, the Cleveland Museum of Art, and the Art Institute of Chicago.
Artists website: http://johnpfahl.com/

* On February 18 is the birthday of

Michael Melford, an American photographer, artist and teacher born in 1950, known for his National Geographic magazine assignments.
He has a BS in photography from Syracuse University.
Melford is known for his raw, natural landscapes and his ability to capture vibrant motion in nature. He has produced over 30 stories for National Geographic Traveler magazine, including eight covers. He has extensively photographed the marvels of America's National Parks and Alaska. His inspirations are Ansel Adams and Ernst Haas.
Melford's photographs have appeared in The Apple Store, Life Magazine, Newsweek, Time, Fortune, Smithsonian, Geo, Travel & Leisure, Travel Holiday, Coastal Living, National Geographic Traveler and National Geographic.

* On February 19 is the birthday of

Santiago Arau Pontones, Mexican photographer born on February 19, 1980. Graduated from the Universidad Iberoamericana in career communication and the Active School of Photography. He belongs to an emerging generation of photographers in Mexico .
Director of the documentary I'm Illegal (2004) filmed in North Carolina, Washington DC, Los Angeles and Mexico. He's a pioneer photographer in the art of Tilt Shift or miniature and specialist in the art of Time Lapse video. He has developed projects in London, South Africa, Canada, USA and Mexico. In 2012 creates PINHOLE, a production company that is responsible for producing audiovisual content.
He has made ​​several exhibitions in different parts of the world. On November 2012 , participating in "Conectados" an exhibition of Filipino, Spaniards and Mexicans photographers in the Ayala Museum in the Philippines. Director and photographer of the campaign for the Sochi Winter Olympics 2014 for Latin America television.

* On February 20 is the birthday of

Ansel Easton Adams (1902 - 1984) was an American photographer and environmentalist. His black-and-white landscape photographs of the American West, especially Yosemite National Park, have been widely reproduced on calendars, posters, and in books.
With Fred Archer, Adams developed the Zone System as a way to determine proper exposure and adjust the contrast of the final print. The resulting clarity and depth characterized his photographs. Adams primarily used large-format cameras because their high resolution helped ensure sharpness in his images.
Adams founded the Group f/64 along with fellow photographers Willard Van Dyke and Edward Weston.

* On February 21 is the birthday of

Alfonso Sánchez García, Spanish photographer born in 1880. 
Alfonso sold opera libretti at the door of the Royal Theater, in Madrid and he worked in various jobs until he was apprenticed in the studio of Amador Cuesta in 1895. Two years later he had done various jobs as a Photojournalist with exclusive images as picture of incorrupt body of San Isidro Labrador. In the early twentieth century went to work in the studio of Manuel Compañy who was among the most famous portrait photographers of the time, becoming then the youngest operator in the gallery. 
He began signing with the pseudonym Alfonso in 1904. His photographs were published in some major Republican and Democratic newspapers of the time as "La Libertad" and "El Sol" and directed the photography section of the newspaper "El Gráfico". This activity reporter allowed him to make pictures of the politicians of the time. 
He died in 1953.

* On February 22 is the birthday of 

Kyōichi Sawada (沢田 教一), Japanese photographer with United Press International born in 1936, who received the 1966 Pulitzer Prize for Photography for his combat photography of the Vietnam War during 1965. Two of these photographs were selected as "World Press Photos of the Year" in 1965 and 1966. The 1965 photograph shows a Vietnamese mother and children wading across a river to escape a US bombing. The famous 1966 photograph shows U.S soldiers of the 1st Infantry division dragging a dead Viet Cong fighter to a burial site behind their M113 armored personnel carrier, after he was killed in a fierce night attack by several Viet Cong battalions against Australian forces during the Battle of Long Tan on 18 August 1966.
Sawada died together with Frank Frosch, UPI bureau chief, in 1970 while on their way to the Kirrirom Pass in Cambodia.

* Today, February 23, is the birthday of

George Smith Cook, prominent early American photographer born in 1819 in Stamford, Connecticut.
Unsuccessfully, he worked in the mercantile business. He later moved to New Orleans and was studying art when daguerrotype photography was introduced in the United States in 1839. He ran a gallery in New Orleans, then for ten years traveled throughout the South. He would establish a studio in a town, train photographers, then sell the studio to them and move on. He finally settled permanently in Charleston, South Carolina and recorded the effect of the American Civil War on the city. He captured the first combat photograph ever taken during a visit to Fort Sumter of Union ironclads firing on Fort Moultrie. He moved to Richmond, Virginia and amassed the most complete collection of photographs of that city. He died on November 27, 1902.

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Oleg Denisenko (I) [Escultura, Grabados]

February 24, 2014, 12:40 am
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Este es el primer post dedicado a la obra de este interesantísimo artista ucraniano. Una selección de sus grabados y esculturas. En la próxima entrega, repasaré sus Levkas (Relieves), en la línea tradicional de los iconos de la Europa del Este.

This is the first post dedicated to the work of this interesting Ukrainian artist. A selection of his prints and sculptures. In the next post, I'll review his Lefkas (Reliefs) in the traditional line of icons in Eastern Europe.

Oleg Denisenko


"Das Narrenschiff / La nave de los locos / Ship of Fools", bronce / bronze, 2005

Oleg Denisenko es un artista polifacético nacido en Ucrania en la ciudad de Leópolis (Lviv) en 1961. Allí vive y trabaja.
Se graduó en la Academia Ucraniana de Impresión, especializándose en Gráficos. Ha participado en numerosas exposiciones y simposios en todo el mundo.
Obtuvo más de 28 premios, medallas, diplomas y becas en Eslovaquia, USA, Polonia, Corea, Yugoslavia, Rusia, Rumania, Gran Bretaña, Italia y España.
Es miembro de la Unión de Artistas Ucranianos y Miembro de pleno derecho del Senado Académico en la Academia Internacional de Arte Moderno en Roma, Italia.

Izq./ Left: "La canción Escita / Scythian Song", dibujo, tinta india, pluma / drawing, india ink, pen
Der./ Right: "La nave de los locos / Ship of fools", intaglio, 1995
"Pareja I / Pare I", 

"Caminante / Walker"

«La magia del blanco y negro en las cumbres resplandecientes toca el corazón con una pátina de aliento suave. Es muy real... es para siempre... El ansia de comprender la verdad absoluta es tan deseable, pero tan inalcanzable. Y sólo cuando la tocamos, la esperanza renace. La santidad del tabú es de apreciar. El peregrino pisará de tres mil formas hasta que se escuche el eco del hombre en el yelmo dorado. Y la lluvia de mañana traerá la idea de adhesión a la divina proporción. Finalmente, el puzzle será resuelto.» O.D.

Izq./ Left: "Ave del paraíso / Paradise Bird" - Der./ Right: "Amo del destino / Master of Destiny"

"Conversación / Conversation", aguafuerte / etching, 5" x 6 3/4", 2010

Izq./ Left: "Jinete I / Rider I" - Der./ Right: "Caminante II / Walker II"

Oleg Denisenko is an multifaceted artist born in the city of Lviv (Ukraine) in 1961. There he lives and works.
Graduated from Ukrainian Academy of Printing, speciality "Graphics", he has participated at numerous International Exhibitions and Symposiums.
Awarded by 28 Internationales Prizes, Medals, Dyplomsa, grant in Slovakia, USA, Poland, Korea, Yugoslavia, Russia, Romania, Great Britan, Italy and Spain.
He is Member of Ukrainian Artist's Union and effective member of Academician Senate of International Academy of Modern Art, Roma, Italy.

"Das Narrenschiff / La nave de los locos / Ship of Fools", linograbado / linocut, 30 x 30 cm., 1997

Izq./ Left: "Cabeza de guerrero / Head of Warrior", bronce / bronze, 33 cm., 2005
Der./ Right: "Troya / Troy", bronce / bronze, 69 cm., 2005

"Arcoiris / Rainbow", intaglio, 20 x 25 cm., 2005

"Grial / Grail", bronce / bronze, 28 cm., 2005
Izq./ Left: "Hombre pájaro / Man Bird", intaglio, diam., 12 cm., 1999
Der./ Right: "Hombre pez / Man Fish", intaglio, diam., 12 cm., 1999

«The magic of black and white on the shining summits touches the heart with soft and disturbing breath of patina. It is very real… it is forever… The wish to comprehend the absolute truth is so desirable, but so unattainable. And only when we touch it the hope is born again. The holiness of taboo is esteemed. The pilgrim will tread three thousand ways until the echo of the man in the golden helmet will be heard. And tomorrow’s rain will prove the idea of the adherence to the golden mean. Finally the puzzle should be solved.» O.D.

Izq./ Left: "Scilour", bronce / bronze, 33 cm., 2000
Der./ Right: "Celta / Celt", bronce / bronze, 38 cm., 2001

"Quo navis", intaglio, 30 x 42 cm., 2004

Izq./ Left: "Cazando / Hunting", bronce / bronze, 47 cm., 2005
Der./ Right: "Pareja II / Pare III", bronce / bronze

Izq./ Left: "Música / Music", intaglio, 15 x 19 cm., 1998
Der./ Right: "Hermafrodita / Hermaphroditus", intaglio, 15 x 20 cm., 2005


"Quo navis", bronce / bronze, 47 cm., 2005

Se puede disfrutar del trabajo de Oleg en / You can enjoy Oleg's work in
Website, Davidson Galleries

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Oleg!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Oleg!)

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Sylvie Blum [Fotografía]

February 25, 2014, 1:01 am
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Sylvie Blum


Sylvie blum es una artista nacida en Austria que comenzó una carrera como modelo antes de dedicarse ella misma a la fotografía.
Se crió en Alemania, y ha viajado por todo el mundo. Desde pequeña quiso ser artista y su interés por el arte, la moda, arquitectura, diseño, arte pop, música películas y fotografía se convirtieron en pasiones de toda la vida.
Durante sus días de colegio comenzó a modelar y se convirtió en una modelo de modas reconocida.
En 1991 conoció al legendario artista y fotógrafo Günter Blum de quien se convirtió en musa y modelo favorita... y en 1995 en su esposa. Él fue su maestro y mentor. Sylvie aprendió e Günter todo acerca de luz, composición, técnicas de cuarto oscuro y fotografía.
También trabajó con otros reconocidos fotógrafos internacionales como Helmut Newton, Jeanloup Sieff, Jan Saudek, Andreas Bitesnich y muchos otros...

"Ángela cabalga el león / Angela rides the lion", 2009 © Sylvie Blum

Modelo / Model: Vel Jones © Sylvie Blum

Sylvie cuidó de Günter durante su enfermedad terminal que lo llevó a la muerte en 1997. Con el corazón destrozado y devastada por la pérdida, dejó el atelier que compartían en la campiña alemana y se mudó al edificio de una antigua fábrica que transformó en un estudio donde comenzó a trabajar en varios proyectos fotográficos.
Durante los años siguientes publicó varios libros de arte y su trabajo se hizo internacionalmente reconocido.
En 2005 volvió a casarse en Las Vegas y se mudó a California. Hoy en día vive y trabaja en Los Angeles en su estudio WhiteBox.
En 2011 su libro "Belleza Desnuda" fue publicado por teNeues y distribuído por todo el mundo.

"Erdbeermund / Boca de fresa / Strawberry Mouth", 2008. Modelo / Model: Afua Boni  © Sylvie Blum

"Brooke III", 2009 - Modelo / Model: Brooke Lynne© Sylvie Blum

«Para mí cada persona es mágicamente bella y eso me fascina. Es en el ojo del que mira donde se refleja la belleza. Si sabes lo que buscas, y el espectro de tu mente está lo bastante abierto para ver más allá de las limitaciones habituales, un mundo enteramente nuevo se abre.»

Vel Jones, para el cartel / for the Billboard, 2012 © Sylvie Blum

Ver video al final del post en la sección "Modelos" / 
Check out the video at the end of this post, "Models" section
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Perfil de Afua / Afua's Profile, 2010 © Sylvie Blum

En el prefacio a "Belleza desnuda", último libro de Sylvie, Anne Wilkes Tucker, curadora de fotografía en el Museo de Bellas Artes de Houston, escribe: "Las llamativas e independientes fotografías son únicamente suyas, aún cuando existen en una tradición de mujeres que fotografían desnudos femeninos; una historia que aún no está del todo escrita." Sus imágenes expanden una tradición alemana de fotógrafas como Dora Menzler, Alice Bloch y Erna Schulmann “quienes utilizan la fotografía de modelos desnudas para promocionar la danza y la gimnasia como formas de exaltar la belleza del cuerpo humano”. Anne Wikes Tucker sentencia: “[Sus] mujeres están en buena forma física, no son seres abandonados y delicados. Están orgullosas de su forma atlética y despliegan equilibrio y control sobre sus cuerpos excepcionalmente ágiles.”

"La combinación (En forma de X) / The Combination (X-Shape)", 2009 © Sylvie Blum

"Ashley + Shirkan", 2008 © Sylvie Blum

"Trasero de Afua II / Afua's Backside II", 2008. Modelo / Model: Afua Boni  © Sylvie Blum

"Torso de Ashley en / Ashley Torso at White Box Studio", 2008 © Sylvie Blum

Modelo / Model: Vel Jones  © Sylvie Blum

Sylvie Blum is an Austrian-born artist started a career in modeling prior taking the helm as a photographer. 
She grew up in Germany and throughout her life, she has been traveling the world. As a child she already knew that she wanted to become an artist. Her interest in art, fashion, architecture, design, pop art, music, movie making and photography became lifelong passions.
During her school days she started modeling and became a well known art and fashion model. 
In 1991 she met legendary artist and photographer Günter Blum and became his favorite model and muse…and in 1995 his wife. He was her mentor and teacher. 
Sylvie learned everything about lighting, composition, darkroom techniques and photography from him.
Sylvie also worked with other international known photographers such as Helmut Newton, Jeanloup Sieff, Jan Saudek, Andreas Bitesnich and many more…

"Grandes gatos / Big Cats", 2009 © Sylvie Blum

"Cuestión de forma / Matter and Form" - Modelo / Model: Brooke Lynne© Sylvie Blum

Modelo / Model: St Merrique© Sylvie Blum

Modelo / Model: Brooke Lynne© Sylvie Blum

Sylvie took care of Günter Blum through a terminal illness until his death in 1997.
Heart-broken and devastated from the loss, she left their shared atelier in the German countryside. She moved to an old factory building, which she changed into a photo studio and started working on several photographic projects.
In the following years Sylvie published several art books and her work became international known.
In 2005 she got married for a second time in Las Vegas and relocated to California. 
Today she lives and works in Los Angeles in her WhiteBox studio.
In 2011 her book “Naked Beauty” was published by teNeues and distributed worldwide.

"El abrazo / The Embrace", 2009 © Sylvie Blum

"En forma de L (Caída) / L-Shape (Falloff)", 2009 - Modelo / Model: Broke Lynne© Sylvie Blum

«For me every person is magical beautiful and this fascinates me. It is only in the eye of the beholder that reflects beauty. If you know what to look for, and the spectrum of your own mind is open enough to see beyond the usual limitation, an entire new world opens up.»

"Katy y la lámpara blanca III / Katy & the White Lamp III", 2009 © Sylvie Blum

"Desconocida (Encapsulada) / Unknown (Encapsulate)", 2009. Modelo / Model: Brooke Lynne© Sylvie Blum

In the foreword to “Naked Beauty”, Anne Wilkes Tucker, Curator of Photography at the Museum of Fine Arts, Houston, writes “Sylvie Blum’s independent and striking photographs are uniquely her own, yet exist in a tradition of women who photograph female nudes, a history that is not fully written.” Her images expand on a German tradition of female photographers such as Dora Menzler, Alice Bloch, and Erna Schulmann “who used photography of nude models to promote dance and gymnastics as ways to exalt the beauty of the human body.” Anne Wilkes Tucker states, “[Sylvie Blum’s] women are physically fit, not delicate waifs. They are proud of their athleticism and display balance and control over their exceptionally limber bodies.”

Modelo / Model: Jazmine Dominique© Sylvie Blum

Los interesados en el libro de Sylvie "Naked Beauty" pueden comprarlo siguiendo este enlace /
If you're interested in buying the Sylvie's book "Naked Beauty" you can do it following this link.

Los textos están traducidos del sitio web de la artista, de su blog y de la reseña sobre la muestra "Belleza Desnuda" que tuvo lugar en la Fahey / Klein Gallery en abril de 2012 que puede leerse completo (en inglés) aquí.
Texts from artist's website, her blog and from a review on the show "Naked Beauty", Apr. 2012, Fahey / Klein Gallery, you can fully read here.

Se puede disfrutar del trabajo de Sylvie en / You can enjoy Sylvie's work in 
Website, Blog, Facebook, Fahey Klein Gallery

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Sylvie!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Sylvie!)


"Grandes gatos / Big Cats"

Fernand Khnopff
"La Esfinge o Las Caricias / The Sphinx or The Caresses"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,5 x 150 cm., 1896.
Reales Museos de Bellas Artes de Bruselas (Bruselas, Bélgica / Belgium)

Según cuenta Sylvie: «Todo comenzó con esta pintura del belga Fernand Khnopff titulada "La esfinge o Las caricias", de 1896. La vi cuando era una niña pequeña.»
Sylvie no se detuvo hasta llegar a cumplir el sueño de fotografiar a varias hermosas modelos junto con tigres y leones. Se puede leer la historia completa con imágenes en el blog de Sylvie, aquí.



As Sylvie wrote: «It all started with this painting from the Belgian painter Fernand Khnopff (1858-1921) titled "The Sphinx or The Caresses" 1896. I saw it when I was a little girl.»
Sylvie did not stop until she reach the dream of photographing several beautiful models with tigers and lions. You can read the full story with images at Sylvie's blog, here.

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Fernand Edmond Jean Marie Khnopff (1858 - 1921) fue un pintor simbolista belga.
Khnopff dejó la universidad por su escaso interés en sus estudios de leyes, y comenzó a frecuentar el estudio de Xavier Mellery, quien lo familiarizó con el arte de la pintura. Se inscribió en los cursos de dibujo del natural en la Academia Real de Bellas Artes. Allí su compañero más famoso fue James Ensor, quien estuvo a disgusto desde el principio. Entre 1877 y 1880, Khnopff hizo varios viajes a París donde descubrió la obra de Delacroix, Ingres, Moreau y Stevens. En la Feria Mundial de París de 1878, se familiarizó con la obra de Millais y Burne-Jones. Durante el último año en la Académie, en 1878-79, abandonó las clases en Bruselas y vivió durante un tiempo en Passy, donde asistió a los Cours Libres de Jules Joseph Lefebvre en la Académie Julian. Murió en 1921. Más información en Wiki.

Fernand Edmond Jean Marie Khnopff (12 September 1858 – 12 November 1921) was a Belgian symbolist painter.
Khnopff left University due to a lack of interest in his law studies and began to frequent the studio of Xavier Mellery, who made him familiar with the art of painting. He enrolled for the Cours De Dessin Après Nature ("course of drawing after nature") at the Académie Royale des Beaux-Arts. At the Académie, his most famous fellow student was James Ensor, whom he disliked from the start. Between 1877 and 1880, Khnopff made several trips to Paris where he discovered the work of Delacroix, Ingres, Moreau and Stevens. At the Paris World Fair of 1878 he became acquainted with the oeuvre of Millais and Burne-Jones. During his last year at the Académie in 1878–1879 he neglected his classes in Brussels and lived for a while in Passy, where he visited the Cours Libres of Jules Joseph Lefebvre at the Académie Julian. He died in 1921. More info in Wiki.
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Las modelos / The Models

Boni, Afua - Ghana, modelo, cantante
http://www.modelmayhem.com/712060
http://afuaboni.blogspot.com.es/
http://vimeo.com/25101271

Dominique, Jazmine - USA (Estados Unidos), modelo
http://www.modelmayhem.com/233066

Jones, Vel - USA (Estados Unidos), modelo
http://www.veljones.com/
http://vimeo.com/40538892
http://vimeo.com/40542997

Lynne, Brooke - USA (Estados Unidos), modelo
http://artmodelbrookelynne.com/
http://bellabrooke.deviantart.com/

St Merrique
http://www.modelmayhem.com/772043
http://stmerrique.blogspot.com.es/

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Béla Kádár [Pintura]

February 25, 2014, 10:13 pm
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Béla Kádár


Béla Kádár fue un pintor húngaro nacido en 1877, influenciado por "Der Blaue Reiter", el Cubismo, Futurismo, Neo-Primitivismo, Constructivismo y la pintura metafísica.
Kádár nació en una familia judía de clase trabajadora. Tras seis años de escolarización, fue aprendiz de tornería de hierro. Comenzó a pintar murales en Budapest.
Visitó París y Berlín en 1910. También visitó Moscú en 1912, donde conoció a Filippo Marinetti, poeta del Futurismo y polemista.
Regresó a Hungría pero, desilusionado con los cambios de régimen después de la Primera Guerra Mundial, se fue para establecerse en Berlín, donde durante un corto espacio de tiempo compartió estudio con Marc Chagall. 

"Caballo en la plaza del pueblo / Horse in the village square"
Aguada sobre papel / gouache on paper, 57,5 x 75,7 cm., 1937-1943

"Anhelo / Longing", témpera sobre papel / tempera on paper, 35 x 40 cm.  c. 1925.
Hungarian National Gallery (Budapest, Hungría / Hungary)

"Vacas / Cows", acuarela y aguada sobre papel / watercolour, gouache on paper, 24 x 27,5 cm., 1923

Hizo su primera exposición importante en octubre de 1923 en la Galería de Herwarth Walden "Der Sturm", en Berlin, presentando trabajos de estilo expresionista. Durante la muestra conoció a Katherine Dreier, quien mondó dos exposiciones de su obra en el Brooklyn Museum of Art en New York, a la segunda de las cuales, en septiembre de 1928, asistió Kádár. 

"Vendiendo el caballo / Selling the Horse", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 70 x 100 cm. c. 1927 

"Sin título / Untitled", tinta y aguada / ink and wash, 44,5 x 28 cm.

"Composición / Composition"
Tinta sobre papel montada sobre panel / ink on paper laid down on board, 23,5 x 29,5 cm.

"Retrato de una dama de pie junto a una ventana / Portrait of a lady standing by a window"
Aguada sobre papel / gouache on paper, 80 x 60 cm.

Con el ascenso del nazismo, decidió regresar a Hungría, y después de 1945 los regímenes consecutivos consideraron su obra demasiado radical y decadente para ser expuesta. A pesar de la represión sobre su trabajo y su ceguera en aumento, continuó pintando hasta su muerte a la edad de 79 años.
Béla Kádár creó poderosas imágenes basadas en la cultura y leyendas húngaras. Trabajó con una amplia variedad de técnicas: óleo, acuarela, tinta, témpera y técnicas mixtas. Aquí les dejo una selección de sus creaciones.

"Hombre y mujer / Man and Woman", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 29 x 44 cm.

"Hombre, mujer y caballo / Man, Woman, and Horse"
Acuarela sobre papel montada sobre panel / watercolor on paper laid down on board, 35 x 25 cm.

"La familia / The Family", acuarela sobre papel / water color on paper, 23 x 34 cm.,  c.1922.

Béla Kádár was a Hungarian painter born in 1877, influenced by Der Blaue Reiter, Cubism, Futurism, Neo-Primitivism, Constructivism, and Metaphysical painting.
Kádár was born into a working-class Jewish family. After only six years of schooling he was apprenticed as an iron-turner. He began painting murals in Budapest. He visited Paris and Berlin in 1910. He also visited Moscow in 1912, where he met Filippo Marinetti, Futurism's leading poet and polemicist. 
He returned to Hungary but, disillusioned by the change of regime after the First World War, he left to settle in Berlin, where he shared a studio with Marc Chagall for a short time.

"Dos jinetes a lomos de sus caballos / Two riders on horseback", acuarela / watercolour, 59,5 x 45,5 cm

"Figuras en una plaza / Figures in a square", acuarela sobre cartón / watercolor on cardboard, 31 x 46 cm.

He had his first important exhibition in October 1923 at Herwarth Walden's Galerie Der Sturm, in Berlin, showing work in an expressionist style. During the exhibition he met Katherine Dreier, who put on two exhibitions of his work at the Brooklyn Museum of Art in New York, the second of which, in September 1928, Kádár attended.

"Sin título / Untitled", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 20 x 25,5 cm.

"Konstruktív város / Pueblo constructivo / Constructive town", 1925.

"Novia con gato / Bride with Cat"

With the rise of Nazism, he chose to return to Hungary and after 1945 consecutive regimes considered his work too radical and decadent to be shown. Despite the repression of his work and his increasingly blindness Kádár carried on painting until his death at the age of 79.
Béla Kádár created powerful images based on Hungarian culture and legends. He worked with a wide range of techniques: oil, watercolor, ink, gouache and mixed media. Here you have a selection of his creations.

"Lechera con vacas / Milkmaid with Cows", 1938.

"Fürdőzők a hídnál / Bañistas en el puente / Bathers at the Bridge"

Los textos están traducidos de / Texts from 

Se pueden ver más obras de Kádár en / You can enjoy more artworks by Kádár in

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