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Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
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Mirovlad Palachich [Pintura]

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Mirovlad Palachich
Мировлад Палачич


Mirovlad Palachich es un artista bielorruso nacido en Brest en 1983 del cual no dispongo de mucha información.
Por lo que leemos en su sitio web, cultiva un estilo propio que él llama "grotesco simbólico". Obtiene su inspiración de las pinturas de antiguos maestros.
Sus obras están pobladas de extraños personajes de un mundo fantástico, y están imbuídos del espíritu de los viejos tiempos, alegorías y símbolos.

"Болотный барон I / Baron Marsh I"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 48 x 38 cm., 2012

"Плавание с большой рыбой / Nadando con el gran pez / Swimming with the big fish"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 72 x 56 cm., 2012

Serie "Алфавит персон / Alfabeto de personas / Person Alphabet"
"Пеpсона 'L' / Persona 'L' / Person 'L'"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 35 x 25 cm., 2013

"Девочка и кот / Chica y gato / Girl and Cat"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 56 x 72 cm., 2012

Estos símbolos presentes en su obra, y que describe con detalle (en inglés) en su web, conforman un lenguaje pictórico cuyo conocimiento permite descubrir los significados subyacentes en la imaginería utilizada.

Serie "Алфавит персон / Alfabeto de personas / Person Alphabet", 
"Пеpсона 'B' / Persona 'B' / Person 'B'"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 35 x 25 cm., 2013

"Улитка-гротеск II / Caracol grotesco II / Snail-Grotesque II"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 42 x 30,5 cm., 2012

"Музыкант I / Músico I / Musician I"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 57,5 x 37,5 cm., 2012

"Петух / Gallo / Cock"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 62 x 48 cm., 2012

Serie "Карточные гротески / Cartas grotescas / Card Grotesque"
"Червовый валет. Утро / Jota de corazones, Mañana / Jack of Hearts. Morning"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 62 x 48 cm., 2012

Serie "Карточные гротески / Cartas grotescas / Card Grotesque", 
"Восьмёрка треф. Чеснок / Ocho de tréboles. Ajo / Eight of Clubs. Garlic"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 62 x 48 cm., 2012

Mirovlad Palachich is a Bielorrusian artist born in Brest (1983). I don't have too much information about him.
As we can read in his website, he cultivates his own style called symbolic grotesque. He draws inspiration from the paintings of old masters.
His artworks are populated with grotesque characters from a fantasy world. They are filled with the spirit of old time, allegories and symbols.

Serie "Алфавит персон / Alfabeto de personas / Person Alphabet", 
"Пеpсона 'J' / Persona 'J' / Person 'J'"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 35 x 25 cm., 2013

"Кот и рыцарь / Gato y caballero / Cat and Knight"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 56 x 72 cm., 2012

"Близнецы / Géminis / Gemini"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 72 x 56 cm., 2012

"Представление для короля и королевы / Representación para el Rey y la Reina / 
Representation for the King and Queen"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 58,5 x 100 cm., 2011

"Мотылёк IV / La mariposa IV / The Butterfly IV"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 40 x 40 cm., 2013

That symbols in his paintigs that he describes with detail in his website, form a pictorial language that helps better understand the underlying meaning of imagery used.

"Пират и русалка / Pirata y sirena / Pirate and Mermaid»
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 62 x 48 cm., 2012

"Оптическая иллюзия - Аквариум / Ilusión óptica - Acuario / Optical illusion - Aquarium"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 62 x 44 cm., 2012

"Игра в прятки / Escondite / Hide and Seek"
Óleo sobre panel de madera / oil on wood panel, 72 x 56 cm., 2012

Se puede disfrutar de la obra de Mirovlad en / You can enjoy Mirovlad's work in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Mirovlad!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Mirovlad!)


"ПАЗЛЫ / Puzzles", 2008

"ДРУГ / Amigo / Friend"

Imágenes que pueden ser empalmadas por el principio de auto-repetición en un patrón infinito /
Images can be looped on the principle of self-repeating puzzles in endless pattern.

"ДРУГ / Amigo / Friend"

"ЗАВОЕВАТЕЛЬ / Conquistador / Conqueror"


Medio millón / Half a million...

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Hoy el blog alcanzó las 500.000 visitas. Una cifra más que respetable, sobre todo teniendo en cuenta mis expectativas iniciales.
He publicado hasta la fecha exactamente 600 posts que han recibido más de 550 comentarios por parte de los visitantes en 2 años y 2 meses de actividad.
Muchas gracias a todos los que han pasado por aquí buscando imágenes, información o ambas cosas. 
Espero que sigan disfrutando con los contenidos tanto como yo preparando y publicándolos.

Para los interesados en las estadísticas, el blog ha recibido visitas de 164 países y territorios, y según Blogger, los 10 primeros en número de visitas son:

España, México, Estados Unidos, Argentina, Colombia, Chile, Uruguay, Francia, Perú y Alemania.
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Este es el aspecto al día de hoy del mapa que ofrece la utilidad Revolvermaps /
This is the aspect today of the map with the Revolvermaps utility.
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Today the blog reached 500,000 hits. A very impressive number, especially considering my initial expectations. 
I have published to date exactly 600 posts that have received more than 550 comments from visitors in 2 years and 2 months of activity. 
Thank you very much to all who have visited the blog looking for pictures, information or both. 
I hope you continue enjoying the contents as much as I enjoy preparing and posting.

For those interested in statistics, the blog has received visits from 164 countries or territories. According to Blogger, the top 10 in number of visits are:

Spain, Mexico, USA, Argentine, Colombia, Chile, Uruguay, France, Peru and Germany.
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¡Todo esto es para mí una gran alegría! Por si alguien tiene dudas... / 
All of this is for me a great joy! In case anyone has doubts...


Igor Voloshin [Fotografía]

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Igor Voloshin
Игоря Волошина


Igor Voloshin es un talentoso fotógrafo, poeta y compositor ucraniano. Nació en 1963 en Nikopol, región de Dnipropetrovsk. Estudió en Nikopol y Kiev.
Desde jóven ha sido aficionado a la pintura. En años recientes ha estado trabajando como fotógrafo y artista conceptual. A menudo participa en muestras de arte, y además es miembro de la Unión de Artistas y miembro permanente del jurado en varias competiciones de pintura y fotografía.
En sus imágenes se entremezclan la composición surrealista, el erotismo y la sensualidad.

"Añil / Indigo", 2011 © Igor Voloshin

 © Igor Voloshin, 2012

"Sofi", 2010 © Igor Voloshin

"Probabilidad / Probability", 2009 © Igor Voloshin

Igor combina el uso de los editores gráficos con su maestría tras la cámara. Además es un artista comercial que trabaja con varias estrellas de cine y cantantes.
En respuesta a la pregunta: "¿Quién consideras que ha sido tu maestro?", Igor siempre responde irónicamente. "Dalí, padre querido." No sorprende que la obra de Igor pueda verse en muchos sitios web españoles, que consideran a Igor uno de los seguidores del gran maestro del surrealismo.

"La Última Cena / The Last Supper", 2012 © Igor Voloshin

"Productora / Productor"© Igor Voloshin, 2012

"Geometria", 2013 © Igor Voloshin

"Contra el cielo / Against the Sky", 2013 © Igor Voloshin

Trabaja con solvencia tanto el blanco y negro como el color, y como podemos ver en esta selección, puede crear desde imágenes con toques de humor, fotografías teatrales que cuentan historias, hasta bellos desnudos etéreos y gran plasticidad.

"Geometría 2", 2013 © Igor Voloshin

Izq./ Left: "Primer toque / First Touch" © Igor Voloshin
Der./ Right: "Millvina" © Igor Voloshin

"апельсин / Naranja / Orange" © Igor Voloshin

© Igor Voloshin, 2012

"гранат / Granada / Pomegranate"© Igor Voloshin

Con esta fotografía ganó la Medalla de Oro del Trierenberg Super-Circuit en la categoría "Desnudos" / 
With this photograph, he won the Gold Medal in Trierenberg Super-Circuit, category"Nude", Austria, 2012

"Sin mancha / Inmaculada", 2010 © Igor Voloshin

"Inmortalidad / Immortality"© Igor Voloshin, 2013

"Nacimiento de Venus / Birth of Venus", 2010 © Igor Voloshin

"Conexión / Connection", 2014 © Igor Voloshin

"Ab Ovo", 2011 © Igor Voloshin

"Татьяна / Tatiana", 2009 © Igor Voloshin

"Leyla" © Igor Voloshin

"Último día del verano / Last Summer Day", 2013 © Igor Voloshin

Se puede disfrutar del trabajo de Igor en / You can enjoy Igor's work in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Igor!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Igor!)

Aniversarios (IV) [Febrero / February 23-28]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 23 de Febrero es el cumple de 

Antonio Alice, pintor argentino nacido en Buenos Aires en 1886 y fallecido en 1943. A los 12 años inicia sus estudios en el taller de Decoroso Bonifanti donde estudia durante seis años. En 1904 se presenta al Concurso Nacional y obtiene el Premio Roma, que le permite estudiar becado en Europa.
Se dedicó a la pintura histórica y el retrato, con los que consiguió numerosos galardones.

"Don Martín Miguel de Güemes", c.1910
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George Frederic Watts, popular pintor y escultor inglés victoriano nacido en 1817, asociado al movimiento simbolista. 
Watts se volvió famoso durante su vida por sus obras alegóricas como "Esperanza", "Amor" y "Vida". Estas obras estaban destinadas a formar parte de un ciclo épico llamado "La casa de la vida", en el que las emociones y aspiraciones vitales estarían representadas en un lenguaje simbólico universal.
Se mostró como una promesa artística desde muy pronto, aprendiendo escultura desde los 10 años con William Behnes, y luego inscribiéndose en la Royal Academy a los 18. También comenzó una carrera como retratista, recibiendo el patronazgo de su contemporáneo Alexander Constantine Ionides, de quien más tarde se convertiría en amigo íntimo. 
Llamó la atención del público con un dibujo titulado "Caractacus", que entró en la competición para diseñar murales para la nueva Casa del Parlamento de Westminster en 1843, ganando el primer premio. Watts Murió en 1904.

"El Minotauro / The Minotaur", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1181 x 945 mm., 1885. 
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / England)


El 24 de Febrero es el cumple de 

Charles Le Brun, pintor y teórico del arte francés nacido en 1619, uno de los artistas dominantes en la Francia del siglo XVII. A los quince años ya recibió encargos del Cardenal Richelieu. Entre 1650 y 1660 adquiere su madurez estilística con una pintura de corte clasicista y elegante entre las que destaca su trabajo en Versalles. Se convirtió en el principal intérprete del fasto de la Francia de Luis XIV, por lo cual fue menospreciado por los pintores románticos del siglo XIX y poco conocido por el gran público. En su tratado póstumo "Méthode pour apprendre à dessiner les passions" (1698) promovió la expresión de las emociones en pintura e influyó grandemente en la teoría del arte durante los dos siglos siguientes.

"Grabados fisonómicos / Physiognomy engravings", c.1670
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Winslow Homer, pintor paisajista e impresor estadounidense, reconocido por sus marinas. Se le considera uno de los más destacados pintores estadounidenses del s.XIX y figura prominente del arte del país.
Autodidacta, Homer comenzó su carrera trabajando como ilustrador comercial, en lo que estuvo cerca de 20 años. Contribuyó con ilustraciones de la vida de Boston y la Nueva Inglaterra rural en revistas como Ballou's Pictorial y Harper's Weekly.
Más tarde se dedicó a la pintura al óleo y trabajó a fondo la acuarela, creando una obra prolífica y fluida, básicamente una crónica de sus vacaciones.

"Brisa fresca (Viento a favor) / Breezing Up (A Fair Wind)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61,5 × 97 cm., 1873-76. National Gallery of Art (Washington, USA)


El 25 de Febrero es el cumple de 

Pierre August Renoir, uno de los más célebres pintores franceses nacido en 1841, que transitó por el impresionismo y se separó paulatinamente para centrarse en la pintura de cuerpos femeninos en paisajes, inspirados a menudo en pinturas clásicas renacentistas y barrocas. 
Renoir ofrece una interpretación más sensual del impresionismo que no suele incidir en lo más áspero de la vida, como a veces hicieron Manet o Van Gogh. En sus creaciones muestra la alegría de vivir, con personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Pintó a lo largo de más de sesenta años, falleciendo en 1919.

"Después del baño / After the Bath", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65 × 54 cm., 1888. 
Colección privada / Private Collection.

Más sobre Renoir en "El Hurgador" / More about Renoir in this blog:
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Santiago Rusiñol i Prats, pintor, poeta y dramaturgo español nacido en 1861. Fue uno de los líderes del movimiento modernista catalán.
A pesar del hecho de que fue el heredero de las operaciones lucrativas de su familia, desde adolescente Rusiñol ya mostraba un fuerte interés en la pintura y los viajes.
Su formación como pintor comenzó en el Centro de Acuarelistas de Barcelona, bajo la dirección de Tomás Moragas. Como muchos artistas de su tiempo, viajó a París en 1889, viviendo de Montmartre con Ramón Casas e Ignacio Zuloaga.
La mayoría de su obra parisina pertenece al estilo de pintura simbolista. Mientras estuvo allí, también asistió a la Academia Gervex, donde descubrió su amor por el modernismo. De regreso a Barcelona, fue cliente habitual del café "Els Quatre Gats / Los cuatro gatos", notable por su asociación con el modernismo y el jóven Pablo Picasso. Rusiñol murió en 1931.

"Jardín de las Elegías / Garden of Elegies. Son Moragues"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,5 x 127,5 cm., c.1903.

Más sobre Santiago Rusiñol en "El Hurgador" / More about Santiago Rusiñol in this blog:


El 26 de Febrero es el cumple de 

Oldřich Kulhánek, pintor, diseñador gráfico, ilustrador y pedagogo checo, nacido en 1940 y fallecido recientemente, el 28 de enero de 2013.
Estudió en la Academia de Artes, Arquitectura y Diseño de Praga. Fue arrestado en 1971 por la StB (policía secreta checa); entre 1968 y 1971 había creado un ciclo gráfico titulado "Un retrato distorsionado de Joseph Stalin, perforado por estrellas rojas de cinco puntas o alegres rostros de trabajadores socialistas que se convierten en una mueca horrible". Fueron identificados como "ideológicamente peligrosos" y condenados a la destrucción. Kulhanek pasó un mes en la cárcel y fue interrogado regularmente durante dos años. Su publicación fue prohibida. En los '80 creó series de litografías inspiradas en el cuerpo humano. Suyo es el diseño de los billetes checos.

"Torzo / Torso", litografía / lithography, 65,8 x 49,3 cm., 1996
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Honoré Daumier, impresor, caricaturista, pintor y escultor nacido en 1808, cuyos múltiples trabajos ofrecen un comentario sobre la vida social y política en la Francia del s.XIX.
Daumier produjo alrededor de 500 pinturas, 4000 litografías, 1000 grabados en madera, 1000 dibujos y 100 esculturas. Dibujante prolífico, es tal vez más conocido por sus caricaturas de figuras políticas y sátiras sobre las conductas de sus compatriotas, aunque póstumamente también se ha reconocido el valor de sus pinturas.
Después de haber dominado las técnicas de la litografía, Daumier comenzó su carrera artística produciendo láminas para publicistas de música e ilustraciones para publicidad. Ésto fue seguido por una obra anónima para editores, en las cuales emulaba el estilo de Charlet y desplegaba un considerable entusiasmo por la leyenda napoleónica. Daumier quedó casi ciego desde 1873. Murió en 1879.

"El vagón de tercera clase / The Third-Class Carriage"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65,4 x 90,2 cm., 1862-64. Metropolitan Museum of Art (New York, USA)


El 27 de Febrero es el cumple de 

Joaquín Sorolla, pintor y artista gráfico nacido en Valencia en 1863. En 1883 pinta el lienzo "Estudio de Cristo", descubierto recientemente, donde se observa la influencia del Cristo crucificado de Velázquez. Comienza así su "etapa realista". A su regreso de Italia, en 1889, se instala con su esposa en Madrid y, en apenas cinco años, alcanza cierta fama y prestigio como pintor. En 1894 viajó de nuevo a París, donde desarrolló un estilo pictórico denominado "Luminismo", que sería característico de su obra a partir de entonces.  Con "Triste herencia" (pintura de denuncia social) recibió, en 1900, el Grand Prix en el certamen internacional de París. Falleció en 1923.

"Desnudo de mujer / Nude Woman", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106 x 186 cm., 1902. 
Museo Sorolla (Madrid, España / Spain)

Más sobre Sorolla en "El Hurgador" / More about Sorolla in this blog:
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Marino Marini, escultor italiano nacido en 1901.
Asistió a la Academia de Bellas Artes en Florencia, en 1917. Aunque nunca abandonó la pintura, Marini se dedicó por primera vez a la escultura alrededor de 1922. Desde entonces su trabajo estuvo influenciado por el arte etrusco y la escultura de Arturo Martini. Marini sucedió a Martini como profesor de la Escuela de Arte de la Villa Real de Monza, cerca de Milán, en 1929, posición que ostentó hasta 1940.
En 1943 se exilió en Suiza, exhibiendo en Basilea, Berna y Zurich. En 1946 se estableció permanentemente en Milán.
Marini es especialmente reconocido por sus series de estilizadas estatuas escuestres, que presentan a un hombre con los brazos erguidos sobre un caballo. Murió en 1980.

"Jinete / Rider", bronce / bronze, 1936. Art Gallery of New South Wales (Sydney, Australia)


El 28 de Febrero es el cumple de 

José Gutiérrez Solana, pintor, grabador y escritor expresionista español nacido en 1886. Hizo una primera exposición en París (1928), que resultó un fracaso. En otra a la que acudió Alfonso XIII, sus cuadros se colgaron detrás de una puerta para que no incomodasen al monarca. Su pintura refleja, como la de Darío de Regoyos y la de Ignacio Zuloaga, una visión subjetiva, pesimista y degradada de España similar a la de la Generación del 98. En 1936, cuando comienza la Guerra Civil, Solana es famoso y reconocido fuera y dentro de España. Se traslada a Valencia y luego a París hasta 1939 cuando regresa a Madrid, donde fallece en 1945.

"La tertulia del café Pombo / The gathering of coffee Pombo"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 161,5 x 211,5 cm., 1920. 
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España / Spain)
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Sir John Tenniel, ilustrador británico, humorista gráfico y caricaturista político nacido en 1820, cuyo trabajo fue destacado durante la segunda mitad del s.XIX inglés. Tenniel es considerado importante para el estudio de aquél período en lo social, literario y la historia de las artes. Tenniel fue nombrado caballero en 1893 por la reina Victoria por sus logros artísticos.
Tenniel se destacó por dos grandes logros: fue el principal caricaturista de la revista inglesa Punch durante más de 50 años, y fue el artista que ilustró "Alicia en el País de las Maravillas" y "A través del espejo", de Lewis Carroll.
En 1865 Tenniel, tras considerables conversaciones con Carroll, ilustró la primera edición de "Alicia...". La primera impresión de 2000 ejemplares fue retirada porque Tenniel objetó la calidad de la impresión. Una nueva edición (la primera que se revendió en Estados Unidos), se lanzó en diciembre del mismo año, aunque llevando fecha de 1866, fue impresa rápidamente y se convirtió en un best seller instantáneo, asegurando en el proceso una fama duradera para Tenniel. Sus ilustraciones para ambos libros tienen un lugar entre las más famosas ilustraciones literarias jamás realizadas. Tenniel murió en 1914.

“La oruga, Alicia en el País de las Maravillas / 
The Caterpillar, Alice’s Adventures in Wonderland”, c.1865. Macmillan and Co, London, 1898.


Textos en inglés / English translation

* On February 23 is the birthday of 

Antonio Alice, Argentine painter born in Buenos Aires in 1886 and died in 1943. At 12 he began his studies at the workshop of Decoroso Bonifanti where he studied for six years. In 1904 he presented to the National Contest and gets the Rome Prize, a scholarship enabled him to study in Europe. 
He devoted himself to historical painting and portraiture, with whom he won numerous awards.

George Frederic Watts, OM, RA (1817 - 1904) was a popular English Victorian painter and sculptor associated with the Symbolist movement. Watts became famous in his lifetime for his allegorical works, such as Hope and Love and Life. These paintings were intended to form part of an epic symbolic cycle called the "House of Life", in which the emotions and aspirations of life would all be represented in a universal symbolic language.
He showed artistic promise very early, learning sculpture from the age of 10 with William Behnes and then enrolling as a student at the Royal Academy at the age of 18. He also began his portraiture career, receiving patronage from his close contemporary Alexander Constantine Ionides, with whom he later came to be a close friend.
He came to the public eye with a drawing entitled Caractacus, which was entered for a competition to design murals for the new Houses of Parliament at Westminster in 1843. Watts won a first prize.

* On February 24 is the birthday of

Winslow Homer, (1836 - 1910), American landscape painter and printmaker, best known for his marine subjects. He is considered one of the foremost painters in 19th-century America and a preeminent figure in American art.
Largely self-taught, Homer's career as an illustrator lasted nearly twenty years. He contributed illustrations of Boston life and rural New England life to magazines such as Ballou's Pictorial and Harper's Weekly
He subsequently took up oil painting. He also worked extensively in watercolor, creating a fluid and prolific oeuvre, primarily chronicling his working vacations.

Charles Le Brun, French painter and art theorist born in 1619, one of the dominant artists in seventeenth-century France. At fifteen and received commissions from Cardinal Richelieu. Between 1650 and 1660 takes his stylistic maturity with paintings of elegant classicist style and most notably his work at Versailles. He became the chief interpreter of the splendor of the France of Louis XIV, for which he was despised by the romantic painters of the nineteenth century and little known to the general public. In his posthumous treatise "Méthode pour apprendre à dessiner les passions" (1698) promoted the expression of emotions in painting and greatly influenced art theory for the next two centuries.

* On February 25 is the birthday of

Pierre August Renoir, one of the most famous French painters born in 1841, which moved through impressionism and gradually removed to focus on painting female bodies in landscapes, often inspired by classical Renaissance and Baroque paintings. 
Renoir offers a more sensual interpretation of impressionism that does not usually affect the harshest of life, as it sometimes did Manet or Van Gogh. In his creations shows the joy of life, with characters having fun in a friendly nature. He painted over more than sixty years, passing away in 1919.

Santiago Rusiñol i Prats, Spanish painter, poet and playwright born in 1861. He was one of the leaders of the Catalan modernisme movement.
Despite the fact that he was the heir to the family's lucrative operations, by the time he was a teenager Rusiñol already showed a strong interest in painting and travel.
His training as painter started at Centro de Acuarelistas de Barcelona under the direction of Tomás Moragas. Like so many artists of the day, he travelled to Paris in 1889, living in Montmartre with Ramon Casas and Ignacio Zuloaga.
Much of his work in Paris belonged to the Symbolism painting style. While there, he also attended the Gervex Academy, where he discovered his love for modernism. When back in Barcelona, he was a frequent client of the café Els Quatre Gats, noted for its association with modernisme and the young Pablo Picasso. He Died in 1931

* On February 26 is the birthday of 

Oldřich Kulhánek, painter, graphic designer, illustrator and Czech pedagogue, born in 1940 and died on January 28, 2013. 
He studied at the Academy of Arts, Architecture and Design in Prague. He was arrested in 1971 by the StB (Czech secret police). Between 1968 and 1971 had created a graph cycle entitled "A distorted portrait of Joseph Stalin, pierced by red five-pointed stars or happy faces of socialist workers who become a face horrible." It was identified as "ideologically dangerous" and doomed to destruction. Kulhanek spent a month in jail and was regularly interrogated for two years. Its publication was banned. In the 80s he created series of lithographs inspired by the human body. His is the design of Czech banknotes.

Honoré Daumier, French printmaker, caricaturist, painter, and sculptor born in 1808, whose many works offer commentary on social and political life in France in the 19th century.
Daumier produced over 500 paintings, 4000 lithographs, 1000 wood engravings, 1000 drawings and 100 sculptures. A prolific draftsman, he was perhaps best known for his caricatures of political figures and satires on the behavior of his countrymen, although posthumously the value of his painting has also been recognized.
Having mastered the techniques of lithography, Daumier began his artistic career by producing plates for music publishers, and illustrations for advertisements. This was followed by anonymous work for publishers, in which he emulated the style of Charlet and displayed considerable enthusiasm for the Napoleonic legend. Daumier was almost blind by 1873. He died in 1879.

* On February 27 is the birthday of

Joaquin Sorolla, painter and graphic artist born in Valencia in 1863. In 1883 he painted the canvas "Study of Christ" recently discovered, where the influence of the crucified Christ of Velázquez is observed. Thus begins his "Realistic phase". On his return from Italy in 1889, he settled with his wife in Madrid, and in just five years achieved some fame and prestige as a painter. In 1894 he traveled again to Paris, where he developed a style of painting called "Luminism" which would be characteristic of his work thereafter. With "Sad Legacy" - painting of social criticism - received, in 1900, the Grand Prix at the international competition in Paris. He died in 1923.

Marino Marini, Italian sculptor born in 1901.
He attended the Accademia di Belle Arti in Florence in 1917. Although he never abandoned painting, Marini devoted himself primarily to sculpture from about 1922. From this time his work was influenced by Etruscan art and the sculpture of Arturo Martini. Marini succeeded Martini as professor at the Scuola d’Arte di Villa Reale in Monza, near Milan, in 1929, a position he retained until 1940.
In 1943, he went into exile in Switzerland, exhibiting in Basel, Bern, and Zurich. In 1946, the artist settled permanently in Milan.
Marini is particularly famous for his series of stylised equestrian statues, which feature a man with outstretched arms on a horse. He died in 1980. 

* On February 28 is the birthday of

José Gutiérrez Solana, Spanish expressionist painter, engraver and writer born in 1886. His first exhibition was in Paris (1928), which proved a failure. In another that went Alfonso XIII, his paintings were hung behind a door so no trouble the monarch. His paintings reflects like Darius Regoyos and Ignacio Zuloaga, a subjective, pessimistic and degraded similar to the 98 Generation Spain vision. In 1936, when the Civil War began, Solana is known and recognized in and outside Spain. He moved to Valencia and then to Paris until 1939 when he returned to Madrid, where he died in 1945.

Sir John Tenniel, British illustrator, graphic humourist and political cartoonist born in 1820, whose work was prominent during the second half of England’s 19th century. Tenniel is considered important to the study of that period’s social, literary, and art histories. Tenniel was knighted by Victoria for his artistic achievements in 1893.
Tenniel is most noted for two major accomplishments: he was the principal political cartoonist for England’s Punch magazine for over 50 years, and he was the artist who illustrated Lewis Carroll’s Alice’s Adventures in Wonderland and Through the Looking-Glass.
In 1865 Tenniel, after considerable talks with Carroll, illustrated the first edition of Alice's Adventures in Wonderland.
The first print run of 2,000 was shelved because Tenniel objected to the print quality. A new edition (the first edition was resold in America), released in December of the same year but carrying an 1866 date, was quickly printed and became an instant best-seller, securing Tenniel's lasting fame in the process. His illustrations for both books have taken their place among the most famous literary illustrations ever made. Tenniel died in 1914.

Aniversarios, Fotografía (IV) [Febrero / February 24-28]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 24 de Febrero es el cumple de

Steve McCurry, fotoperiodista estadounidense nacido en 1950, reconocido por su fotografía de la "Chica afgana" que originalmente apareció en la revista National Geographic. 
Su carrera se lanzó cuando, vestido con ropas nativas, crusó la frontera de Pakistán a través de las áreas controladas por los rebeldes justo antes de la invasión soviética. Cuando salió llevaba rollos de película cosidos entre sus ropas. Esas imágenes, que fueron publicadas por todo el mundo, estuvieron entre las primeras en mostrar el conflicto. Su cobertura ganó la medalla de oro Robert Capa al mejor reportaje fotográfico extranjero, un premio dedicado a fotógrafos que demuestran un excepcional coraje e iniciativa.
McCurry continuó con la cobertura de conflictos armados, incluyendo la guerra Irán-Irak, la guerra civil del Líbano, la guerra civil en Camboya, la insurgencia islamista en Filipinas, la guerra del Golfo y la guerra civil en Afghanistán. Su trabajo ha sido publicado por todo el mundo en revistas, y es colaborador frecuente de National Geographic. Es miembro de Magnum Photos desde 1986.

"Sharbat Gula fotografiada en el campamento de refugiados Nasir Bagh cuando tenía 12 años / 
Sharbat Gula whith 12 years old photographed in the Nasir Bagh refugees camp", 1984


El 25 de Febrero es el cumple de

Masahisa Fukase (深瀬 昌久), fotógrafo japonés nacido en 1934 in Hokkaido.
Entre las obras tempranas de Fukase se encuentra "Mata a los cerdos" (1961), sobre un matadero. Las fotografías de Fukase de su familia y su esposa recibieron una atención considerable en numerosas exposiciones y revistas. Fueron recogidas en su segundo libro, publicado en 1978.
El último libro que supervisó, Karasu (Cuervos), fue fotografiado en 1976 en Hokkaido, a raíz de su divorcio, y fue publicado en 1986. Las fotos melancólicas y emotivas presentan un marcado contraste con su obra previa. En 2010, un panel de cinco expertos convocados por el British Journal of Photography, seleccionó a "Karasu" como el mejor fotolibro publicado entre 1986 y 2009.
En 1992, Fukase sufrió un daño cerebral traumático a causa de una caía y entró en coma. Murió el 9 de junio de 2012.

"Cuervos en el cemento / Ravens on cement", 1976


El 26 de Febrero es el cumple de

Bernard Plossu, fotógrafo francés nacido en Đà Lạt, sur de Vietnam en 1945. La parte más importante de su trabajo está constituida por reportajes de viajes.
De 1951 a 1962 estudió en París. Empezó muy pronto con la fotografía: en 1958. Viajó al Sahara con su padre, con una Brownie Flash, y, en 1965, se marchó a México en compañía de una expedición inglesa para fotografiar la jungla de Chiapas.
Realizó numerosos reportajes en color en tierras de los indios mayas, en California, recorrió todo el oeste americano, Nevada y el Medio Oeste.
En 1970 realiza un trabajo sobre la India, ideando las secuencias "subanalistas": secuencias banales que son, de hecho, surrealistas.
Sigue viajando continuamente, realizando numerosos reportajes en color y, en 1975, viaja, por primera vez, al Níger. Desde entonces no hace más que fotografías en blanco y negro tomadas con una focal de 50 mm. para quedarse al margen de la fotografía comercial.
Website del artista: http://www.plossu.com/

"México", 1981


El 27 de Febrero es el cumple de

Jaroslav Beneš, fotógrafo checo nacido en 1946, co-fundador del grupo fotográfico Český dřevák.
Comenzó a fotografiar con una cámara de 35 mm a fines de los '60, haciendo tomas de obras de teatro y músicos de rock y jazz. A principios de los '80, mientras trabajaba en Prague Waterworks, encontró una vieja cámara de 13 x 18 cm. en un armario de su lugar de trabajo y aprendió a utilizarla. Influenciado por otro fotógrafo, Jan Svoboda, quien dijo que "una fotografía debería tener un formato definitivo", Beneš comenzó a imprimir en contactos todo su trabajo. Además de su 13 x 18, también utiliza el formato 18 x 24 cm. A diferencia de otros fotógrafus cuya meta es la perfección técnica, Beneš no duda en utilizar "imperfecciones" técnicas como efecto artístico. "A él no le importa que la luz penetre en el contenedor de la película o viñeteen sus lentes; de hecho, lo utiliza intencionadamente. Integra deliberadamente esos elementos en el proceso creativo", dice el historiador de arte checo Jan Kříž.

"Sin título / Untitled", 6 x 7 cm film, 1978


El 28 de Febrero es el cumple de 

Luis Beltrán, fotógrafo español nacido en 1973 que vive en Valencia.
Cuenta historias de sus ensueños a través de la fotografía digital. Una obra tranquila y seductora, portadora de profundos y conmovedores deseos inocentes. Las figuras aparecen al final de callejones, sobre las ciudades, en los árboles. Las fotografías de Beltrán producen una sensación de ensoñación.
Luis ha presentado su trabajo en varias exposiciones y galerías desde 2009.
Website del artista: http://www.luisbeltran.es/

"La Familia / The Family", 2010

En breve un post sobre este artista español / A post about this Spanish artist coming soon...


Textos en inglés / English translation

* On February 24 is the birthday of

Steve McCurry, American photojournalist born in 1950, best known for his photograph "Afghan Girl" which originally appeared in National Geographic magazine.
His career was launched when, disguised in native garb, he crossed the Pakistan border into rebel-controlled areas of Afghanistan just before the Soviet invasion. When he emerged, he had rolls of film sewn into his clothes. Those images, which were published around the world, were among the first to show the conflict. His coverage won the Robert Capa Gold Medal for Best Photographic Reporting from Abroad, an award dedicated to photographers exhibiting exceptional courage and enterprise.
McCurry continued to cover armed conflicts, including the Iran-Iraq War, Lebanon Civil War, the Cambodian Civil War, the Islamic insurgency in the Philippines, the Gulf War and the Afghan Civil War. His work has been featured worldwide in magazines and he is a frequent contributor to National Geographic. He has been a member of Magnum Photos since 1986.

* On February 25 is the birthday of

Masahisa Fukase (深瀬 昌久), a Japanese photographer born in 1934 in Hokkaido.
Among Fukase's early works was the Kill the Pigs (1961) concerning a slaughterhouse. Fukase's photographs of his family and his bride, received considerable attention in numerous exhibitions and magazines; these were collected in his second book, published in 1978.
The last book that he supervised, Karasu (Ravens), was shot in 1976 in Hokkaido in the wake of his divorce, and was published in 1986. The gloomy and emotional photos are a sharp contrast to his earlier works. In 2010, a panel of five experts convened by the British Journal of Photography selected Karasu as the best photobook published between 1986 and 2009.
In 1992, Fukase suffered traumatic brain injury from a fall, and remained in a coma. He died on 9 June 2012.

* On February 26 is the birthday of

Bernard Plossu, French photographer born in Đà Lạt, South Vietnam in 1945. The most important part of his work consists travel reports. 
From 1951 to 1962 he studied in Paris. It started very early with the photograph: 1958. He traveled to the Sahara with his father, a Brownie Flash camera, and in 1965, he went to Mexico in the company of an English expedition to photograph the jungle of Chiapas. 
He made numerous reports in color on lands of the Mayan Indians in California, traveled the American west, Nevada and the Midwest. 
In 1970 he made a work about India, creating the "subanalists" sequences: sequences that are trivial indeed surreal. 
Keep continuously traveling, performing numerous features in color and, in 1975, he traveled for the first time, to Niger. Since then merely black and white photographs taken with a focal length of 50 mm, to stay out of commercial photography.
Website del artista: http://www.plossu.com/

* On February 27 is the birthday of

Jaroslav Beneš, Czech photographer born in 1946, co-founder of the photographic group called Český dřevák.
He began photographing with a 35 mm camera at the end of the 1960s, taking pictures of theatre performances and rock and jazz musicians. At the beginning of the 1980s, while working for Prague Waterworks, he found an old 13x18 cm view camera in a cupboard at his workplace and learned to use it. Influenced by another photographer, Jan Svoboda, who said that "a photograph should have a definitive format", Beneš started contact printing all his work. Besides 13x18 he also uses the 18x24 cm format. Unlike many other photographers whose main aim is technical perfection, Beneš does not hesitate to use technical "imperfections" to an artistic effect: "He does not mind light penetrating the film holder or his lenses vignetting, which he, in fact, uses intentionally. He deliberately integrates these elements into his creative process," says Czech art historian, Jan Kříž.

* On Februrary 28 is the birthday of

Luis Beltrán, Spanish photographer born in 1973, based in Valencia.
He tells the stories of his daydreams through his body of digital print photographs. These quietly seductive works hold a deep and moving quality of innocent desire. Figures appear at the ends of alleys, above cityscapes, and up trees. Beltrán’s photos produce a dreamlike sensation.
Luis has shown his work in several exhibitions and galleries since 2009.
Artist's website: http://www.luisbeltran.es/

Robert Steven Connett [Pintura]

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Robert Steven Connett

Robert Steven Connet junto a su / with his"Criaturas Estrella / Star Creatures"

Robert Steven Connett es un artista estadounidense nacido en 1951 en San Francisco, California. Comenzó a dibujar y pintar a los 27, y continuó creando obras por hobby durante 20 años.
Tras una vida turbulenta, marcada por la violencia, las drogas y más de dos décadas trabajando en una agencia de seguros que era de su padre, vendió la firma a los 47 después que su casa y su colección de arte fueran destruidas por el fuego, se mudó a Los Angeles y se dedicó al arte a tiempo completo desde 2004, algo que representó para él "un sueño más allá de todos los sueños".
El arte es para Steven una catarsis, una disciplina consistente en buscar imágenes que representen sus sentimientos para plasmarlas en sus dibujos y pinturas.

"Criaturas Estrella / Star Creatures", 61 x 51 cm., 2014

"Criaturas Estrella / Star Creatures" (detalle / detail)

«Mi arte es muchas cosas. Es caprichoso. Es puro. Es inteligente. Es estúpido. Es egoísta. Es optimista. Es valiente, fuerte, débil, sensible, insensible y a veces ridículo. Es el diario de mi vida.»

"Microverso 1 / Microverse 1"
Acrílico sobre panel de madera / acrylic on wood panel, 61 X 76.2 cm., 2014

«Soy un ilustrador de mis ideas.
Mi arte son los arañazos en lápiz, boli, pintura (y a veces palabras) de un hombre relativamente normal, viviendo una desesperación tranquila, volviéndome loco lentamente en mi camino hacia "El solitario de piedra", como mi padre solía decir. Él está allí ahora. Espero que no esté tan sólo como él visualizó que estaría.
Vivir como un artista es mi sueño hecho realidad. Trabajo 14 horas cada día más o menos, y hacerlo mes tras mes no es fácil. Pero, Tío, prefiero esto a TODA la otra mierda que he hecho en mi vida para llegar hasta donde estoy ahora.
Mi arte es del tipo que puedes mirar dentro, y ver muchas cosas, inclusive tal vez tú mismo. Tu interpretación de esta obra es un reflejo directo de lo que tú eres. Es un arte con muchos significados para toda la gente. Es un espejo. No es "arte ambiental".»

"Sonambulantes / Somnambulants"
Acrílico sobre panel de madera / acrylic on wood panel, 40,6 x 40.6 cm., 2012

"Microdones / Microdons", acrílico sobre panel de madera / acrylic on wood panel, 61 x 91,4 cm., 2012

«La mayoría de mis obras crecen desde una simple pincelada. Es espontáneo. Mi necesidad de pintar y dibujar comienza y permanece como una "catarsis". Una forma no planificada de expresar sentimientos y pensamientos. Así, no es un proceso intelectual. Cualquier inteligencia que se encuentre en esas obras proviene del observador, no del creador.
Tú puedes sentir mi arte o no. Si lo sientes, disfruta con él... Si te gusta lo suficiente, podrías comprarlo. Así es como me gano la vida. No soy apto para ninguna otra ocupación. Así que, sinceramente espero que te guste, y lo compres, y vivir de eso.
Tener "ARTE" en tu casa es importante. Hay una gran diferencia en la calidad de vida entre quienes lo hacen y quienes no. Si no compras mi arte, te recomiendo fervientemente que compres el de otro.»

"Criaturas de un océano luminiscente / Creatures of Luminiscent Ocean"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 24", 2010

«Este es el tipo de pinturas que realmente amo realizar. Desafortunadamente, algo como esto me puede llevar 300 horas. Necesito financiación. Cualquier pintura que creo grande y compleja, requiere que sea por encargo. Por desgracia el dinero ES un tema en este momento. Amo crear mundos vivos y ricos, con diversidad. Este es el tipo de obra en la cual puedes buscar durante meses, y descubrir cosas en las que no habías reparado antes. Es una especie de magia que adoro crear. Si tuviera financiación, podría sentarme con un enorme lienzo, y tal vez pasar un año sentado con él. Espero que esto suceda antes de que me den una patada fuera de éste mundo.» R.S., 12/13/2010

«These are the kinds of paintings that I truly love to make. Unfortunately, for something like this, that can take 300 hours, I must have funding. Any painting I create that is large and complex, will require a commission. Unfortunately, money IS an object at this time. I love to create worlds which are alive and rich with diversity. This is the kind of work that you can look into for months, and then discover something that you did not recall seeing before. That's a sort of magic that I love to create. If I had the funding, I would sit with one huge canvas, perhaps spend a year on it. I hope that this will happen before I kick out of this world.» R.S., 12/13/2010

"Resurrección / Resurrection", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 61 x 91,4 cm., 2012

Microbia #3, "Crustaceápodos / Crustaceapods"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 61 x 61 cm., 2008

Robert Steven Connett is an American artist born in 1951 in San Francisco, California. He began drawing and painting at the age of 27 and continued to create artwork as a hobby for 20 years
After a turbulent life marked by violence, drugs and more than two decades working in an insurance brokerage firm, he sold the firm in 1998 at age 47 after his home and art collection was destroyed by a fire, moved to Los Angeles and began his full time art career in 2004, which represented for him "a dream beyond all dreams".
For Steven Art is a catharsis, a discipline consisting in find images that represent his feelings, and represent these images in his drawings and paintings.

"Heroína negra / Black Heroin", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 36", 1995

"Las traineras de la noche / The Night Trawlers"
Acrílico sobre lino / acrylic on stretched linen, 30" x 40", 2011

«My art is many things. It’s whimsical. It’s raw. It’s intelligent. It’s stupid. It’s self-serving. It’s optimistic. It’s courageous, strong, weak, sensitive, insensitive and sometimes ludicrous. It’s the diary of my life.»

"Neurocaos / Neurochaos", acrílico sobre panel de madera / acrylic on wood panel, 51 x 51 cm., 2013

"Antagonía / Antagony", acrílico sobre 2 lienzos / acrylic on 2 canvases, 24" x 48", 2010

«"Antagonía" es una pintura que ilustra una posible visión del futuro.
Es una pintura de antagonismo, desafección y hostilidad. Ilustra los efectos plausibles de la superpoblación mundial, en conjunción con la evolución técnica. Para el futuro, puedo imaginar la muerte a una escala sin precendentes. La pintura no muestra muerte ni asesinatos, pero intenté pintar presagios de esta posibilidad. La esclavitud es un subproducto de la devaluación de la vida. Pinto eso en el cuadro, junto con la adicción, enfermedad, símbolos de la guerra, locura ¡y gente mirando mucha TV!
Veo la posibilidad de que el mundo sea regido por una jerarquía de "tener y no tener". La clase media puede desaparecer. Esto deja sólo a los que están arriba, y los que están abajo. En algún momento, la gente podra tener abundancia o escasez.
En esta pintura, los hombres en la parte superior se fusionan con las máquinas, representando cómo "los que tienen" disfrutan de lo que queda de los frutos de la Tierra. "Los que tienen", burlan a la muerte utilizando la tecnología. Ellos ("los que tienen") auto-evolucionan en una nueva forma humana. Se reinventan a sí mismos porque pueden. Más o menos como las predicciones de Ray Kurzweil, sólo que no tan escrupulosamente.»

«"Antagony" is a painting which illustrates a possible vision of the future. 
It’s a painting of antagonism, disaffection and hostility. It illustrates plausible effects of world population, in conjunction with technical evolution. For the future, I can imagine death on an unparalleled scale. The painting does not show death or killing, but I’ve tried to paint harbingers of this possibility. Enslavement is a by-product of the devaluation of life. I paint that into the painting, along with addiction, sickness, symbols of war, insanity and people watching too much TV!
I see a possibility that the world is headed for a “have and have not” hierarchy. The middle class may disappear. This leaves only the ones on top, and at the bottom. At some point, people will either have abundance, or they will be lacking.
In this painting, the men on top merging with the machines, depict how the “haves” enjoy the remaining fruits of the Earth. The ‘haves’ cheat death by utilizing technology. They (the haves) self-evolve into a new human form. They reinvent themselves because they can. Pretty much like the predictions of Ray Kurzweil, only not quite as scrupulously.»

"Red Microbia", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 18" x 18", 2006

Izq./ Left: "Forma (Bio) Máquina II / (Bio) Machine Form II", 30,4 x 30,4 cm., 2007
Der./ Right: "Tatuaje Totem Espinal / Spinal Totem Tattoo"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30,5 x 60,9 cm., 2007

Sobre "Tatuaje Totem Espinal"
«Este es un encargo para un tatuaje (y pintura). Al principio tenía ciertas dudas. ¡Sin embargo, se volvió una pieza MUY interesante! Está pintado para situarlo a lo largo de la columna vertebral del coleccionista. (una "pieza trasera") ¡Estoy ansioso por ver qué aspecto tendrá cuando esté ya en su cuerpo!
Nunca antes me planteé hacer un diseño para un tatuaje. Sin embargo, he pasado momentos excelentes diseñando este; me encantaría recibir otro encargo. ¡Lo mejor es que la persona que me encargó algo así quiere el TATUAJE y la PINTURA! Esto se verá estupendo como pintura en una pared.»

About "Spinal Totem Tattoo"
«This is a commission for a TATTOO, (and a painting). In the beginning I was hesitant. However, it has turned out to be a VERY interesting piece! It's painted to form along the spine of the collectors back. ( a 'back piece") I'm anxious to see what this will look like when it is actually on his body!
I have never considered doing Tattoo design before. However, I had such an excellent time designing this one, I would gladly take on another assignment. The nice thing is the person who commissions something like this gets a TATTOO and a PAINTING! This looks wonderful as a painting on my wall.»

"Planctonautas / Planktonauts", version 3, acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 40,6 x 40,6 cm., 2012

"Guerras del pensamiento II / Thought Wars II", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 36", 2007

«I am an illustrator of my ideas.
My art is the scratchings in pen, pencil, paint, (and sometimes words) of a relatively normal man, living in quiet desperation, slowly going mad on my way to 'The stony lonesome", as my father used to call it.He's there now. I hope he's not as lonesome as he visualized being.
Living as an artist is my dream come true. I work 14 hours or s each day, and so far 'making it' each month is not easy. BUT MAN, I'd rather be doing this than ALL the other bullsheit I've done in my life leading up to now.
My art is the kind that you might stare into, and see many things, including perhaps yourself. Your interpretation of this work is a direct reflection of who you are. It is art of many meanings to all people. It is a mirror. It is not 'ambient art'.»

"Transvolución / Transvolution", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 14" x 18", 2011

"Inframundo IV / Underworld IV, Flora vs. Fauna"
Acrílico sobre panel de madera / acrylic on wood panel, 18" x 18", 2009

«Most of my work grows from a single stroke. It is spontaneous. My need to paint and draw began as, and remains a "catharsis". An unplanned way to express feelings and thoughts. Thus, It is not an intellectual process. Any intelligence found within these works comes from within the observer, not the creator.
You either feel my art, or you don't. If you feel it, take pleasure in it ... If you like it enough, you should buy it. It is how I make a living. I am unfit for any other occupation. So, I sincerely hope you will like it, and buy it, and live with it.
Having 'ART' in your home is important. There is a huge difference in the quality of life between those who do, and those who do not. If you do not buy my art, I strongly suggest you buy someone else's.»

"Inframundo I / Underworld I, Insectus", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 24", 2009

Los textos están traducidos de los escritos que pueden leerse (en inglés) en el sitio web del artista, en el apartado "Words/Bio"  /
Texts from Robert's writings you can fully read in artist's website, in "Words/Bio".

Se puede disfrutar del trabajo de Steven, y leer sus textos en los que habla de la vida, el arte y sus pensamientos acerca del mundo en que vivimos en /
You can enjoy the work of Steven, and read his writings where he talks about life, art and his thoughts about the world we live in

Website, Facebook, deviantART, Flickr

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Robert!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Robert!)


"Planctonautas / Planktonauts" version 2

«Una serie de imágenes tomadas mientras trabajaba en la pintura, un total de 117 horas de principio a fin.»
«These are snapshots taken as I worked on the painting, a total of 117 hours from beginning to end.»

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Acrílico sobre panel de madera / acrylic on wood panel, 40,6 x 40.6 cm., 2012


Textos de Robert / Writings by Robert

Sobre el "arte moderno" / About "Modern Art"

Esta es mi teoría, en pocas palabras... La mayoría del arte "moderno" en las colecciones de los museos es mierda. La razón por la que está ahí, es porque la gente rica que posee, trabaja y contribuye con dichos museos han sido "cogidas" por los "charlatanes del arte" que los convencieron de que el arte es un trabajo de "genios misteriosos e insondables" (como decir ¡tú eres muy estúpido como para entenderlo, así que debe ser bueno!"). Especialmente porque ellos no serían capaces de entenderlo... ¡se sentirían avergonzados si no lo compraran gastando vastas cantidades de pasta! (lo cual, por supuesto, supone muy poco para tipos tan ricos). Hablando en serio, ¡es una farsa gigantesca!¡Una estafa enorme! ¿¡Cómo diablos puede un lienzo en blanco con un par de líneas rojas onduladas considerarse GRAN ARTE!? Y sin embargo puedes encontrar cosas como esas en museos de arte moderno de todo el mundo. ¡Espero que esa gente finalmente empiece a ver a través de ese mito engañoso creado por delincuentes para estafar el dinero de los ricos y crédulos! Cuando ves una pintura y piensas "¿Es que no entiendo esto?"... ¡es probablemente porque ahí no hay nada que entender! ¡Es MIERDA RÁPIDA! Eso no es ARTE, es el "PUENTE DE BROOKLYN" que algún estafador (o estafadora) muerto hace tiempo vendió a un rico crédulo muerto hace tiempo, ¡y ha pasado durante décadas por "BELLAS ARTES" porque nadie ha tenido el coraje de admitir que le tomaron el pelo! ¡Deberían tirar toda esa basura! ¡Otro crimen es decirle a los niños que eso es arte! ¿Por qué confundirlo así? ¡Sin embargo el mito del "Incognoscible genio artístico" aún existe como un mito de nuestra cultura.!

Mi arte es un intento honesto de crear algo provocativo y bello, de lo que la gente pueda irse con algo "añadido" en su circuito cerebral. Esa basura que ellos llaman "ARTE", lo deja a uno con un sentimiento de vacío y confusión. ¿Tengo razón?

Carta a mi esposa, Miércoles 18 de julio de 2012.
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Here's my theory in a nutshell: ... Most "modern" art in museum collections is shit. The reason it's there is because the rich people that own and work for and contribute to said museums, got "taken in" by the "ART CHARLATANS" who convinced them that the art was work of "mysterious and unfathomable GENIUS," , (as in, "YOU are stupid to understand it, so it MUST be good!") especially because they could not understand it ... they were too ashamed NOT to buy it for vast quantities of dough! (which of course, meant very little to them rich folks!) Seriously, it's all a gigantic charade! A HUGE CON! How in the WORLD could a blank canvas with two red squiggly lines be HIGH ART!? And yet ... You will find such things in modern art museums all over the world. I hope that people are finally beginning to see through this deceptive myth generated by criminals to bilk money from the rich and gullible! When you see a painting, and think, "I don't get this?" ... It's probably because there's nothing to get! Its VAPID BULLSHIT! It's not ART, it's the "BROOKLYN BRIDGE" that some long dead con man (or woman) sold to a gullible long dead rich person, and it's lived throughout the decades as "FINE ART" because no one has the courage to admit they got taken in! All thiis junk should be thrown out! It's another crime to tell children that this is art! How confusing is that!? Yet, the myth of the "Unknowable Art Genius" still exists as a mythos in our culture.!

My art is an honest attempt to create something thought provoking and beautiful, that people can walk away from with "an addition" to their brain circuitry This CRAP, they call "ART", leaves one with a sense of emptiness and confusion, am I right?

Letter to my wife, Wednesday, July 18, 2012.


Me esfuerzo para entender lo que estoy haciendo aquí, (una cosa que vive en un planeta del universo). Me pregunto no sólo cómo se formó la vida, sino por qué. Mucha gente pensará que esto una pérdida de tiempo. Creo que es una terrible pérdida de tiempo NO plantearse estas preguntas.

Hasta el momento, el único objetivo que puedo imaginar para la vida es buscar y aumentar el conocimiento, y difundir la inteligencia a través del universo. Tal vez nuestro propósito como especie inteligente es "despertar" el universo. Para que sea más inteligente. Sin embargo, antes de que pueda ayudar con eso, tengo que hacerme yo mismo inteligente, haciendo pleno uso de mi cerebro. La única forma que veo de hacerlo es mediante la fusión con la tecnología. Cualquiera que haya leído los libros de Ray Kurzweil, (http://es.wikipedia.org/wiki/Raymond_Kurzweil) sabe que mi visión está influenciada por él. En sus predicciones, (y las de las personas de ideas afines), creo ver un camino para la supervivencia y prosperidad de nuestra raza. Hasta que me presentaron estas ideas, veía la raza humana como condenada, sin esperanza de sobrevivir más allá de nuestros actuales problemas de superpoblación y contaminación global.

Durante muchos años pensé que el mayor problema de los humanos estaba en la superpoblación. Todas las otras dificultades provenían de ésta. No eramos una amenaza para el planeta cuando eramos unos cientos de millones. Ahora que hemos llegado a los 7.000 millones, somos una amenaza para todo ¡incluídos nosotros mismos!

Para mí es asombroso ver qué poca gente se preocupa por esto. La apatía es nuestra perdición potencial

Mi esperanza es que podamos dar la vuelta a esto a través de la tecnología, porque no creo que podamos hacerlo utilizando los métodos actuales. Diablos, ni siquiera puedo separar mi basura correctamente. Creo que es muy tarde para preocuparse por eso. Nuestro salvador debe ser la ciencia.

Algunos pensarán "¿Y qué hay de Dios?"

Yo digo; si hubiera un Dios que viniera a salvarnos, creo que ya debería haberlo hecho, ¡o "castigarnos", o algo! El concepto de Dios es en su mayor parte (o tal vez completamente) obsoleto. Quizá en otra época, hace mucho tiempo, la religión sirvió como una propuesta importante en el desarrollo de nuestras civilizaciones. Ahora, creo, es un enemigo de nuestra supervivencia.

La gente que se esconde tras la religión me aterra. Ellos dicen "¡Dios nos salvará!" y cuando no lo hace, es porque "¡obra de maneras misteriosas!". Ya es hora que reconozcamos cuán peligroso es este tipo de pensamiento. Es el tipo de pensamiento que evitará que nos salvemos nosotros mismos de las catástrofes que hemos producido. Podemos cambiar esas cosas, pero no si los fanáticos religiosos tienen éxito en detener el progreso porque va en contra de sus "creencias". La próxima vez que alguien intente venderte qué está "bien" ser religioso, porque "no haces daño a nadie", recuerda que es esa misma gente religiosa la que intenta detener la investigación científica.

También estoy influenciado por el biólogo británico Richard Dawkins (http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Dawkins), y especialmente por su libro "El Espejismo de Dios" (http://es.wikipedia.org/wiki/El_espejismo_de_Dios). Él es mucho más elocuente que yo explicando las trampas de la religión en nuestros tiempos. Por supuesto, la mayoría de la gente religiosa quemaría este libro antes de leer la primera página. Eso es parte del problema de la "fé ciega".

He aprendido que la honestidad es una herramienta de supervivencia. Uno puede ser un "auto examinador valiente". Es muy difícil saber lo que es la honestidad. Somos en un 99% reacciones químicas, y un 1% entidades-librepensadoras-semiinteligentes (¡al menos eso espero!). He aprendido en 60 años que uno debe repasar su vida constantemente. Mirarse en el espejo de tu propia vida y pensar honestamente sobre quién y qué eres. Qué efecto tienes en los demás y en el mundo que te rodea. ¡Usa tu mente! ¡No es fácil!

Mi vida no ha sino ni más ni menos memorable que la de cualquiera. Todos pasamos por dificultades; unos más que otros. He visto muchas cosas porque he vivido lo bastante. No hay nada especial en ello, nada único. Si vives lo suficiente verás muchas cosas buenas y malas. Te convertirás en mcuas cosas. Cambiarás de manera de pensar muchas veces. No temas cambiar tu manera de pensar.

De una entrevista para la revista francesa "Hey!" (2011)
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I strive to understand what I'm doing here, (a thinking, living thing on a planet in the universe). I wonder not only how life was formed, but why. Many people will think this a waste of time. I think it’s a terrible waste of time NOT to consider these questions.

So far, the only purpose I can imagine for life is to search and increase knowledge and spread intelligence throughout the universe. Perhaps our purpose as an intelligent species is to “wake up” the universe. To make it intelligent. However, before I can help with that, I’ve got to make myself intelligent by making full use of my brain. The only way I can see to do that is by merging with technology. Anyone who has read the books of Ray Kurzweil, (http://en.wikipedia.org/wiki/Raymond_Kurzweil) knows that my outlook is influenced by him. In his predictions, (and those of like minded individuals), I believe I see a way for our race to survive and flourish. Until i was introduced to these ideas, I saw the human race as doomed, without hope of survival beyond our current problems of overpopulation and global pollution.

I have thought for many years that the biggest problem humans have is overpopulation. All the other difficulties are born from that. We did not threaten the planet when we were a few hundred million people. Now that we have hit seven billion, we are a threat to everything, including ourselves!

It’s amazing to me how few people care. Apathy is our potential downfall.

It’s my hope that we can turn this around through technology, because I don’t think we can turn our problems around using current methods. Hell, I can’t seem to separate my garbage properly. I think it’s too late for that to matter. Our savior may be science.

Some of you are thinking, “What about God?”

I say; If there was a GOD to come and save us, I think he would have done so by now … Or “smote” us , or something! The concept of GOD is mostly (or possibly completely) obsolete. Perhaps in another time, long ago, religion served an important purpose in our developing civilizations. Now, I believe, it is an enemy of our survival.

The people who hide behind religion scare me. They say “GOD will save us!” and when he doesn't, it’s because he “Works in mysterious ways!” It’s time that we recognize how dangerous this thinking is. This is the kind of thinking that will prevent us from saving ourselves from the catastrophes we have created. We can turn these things around, but not if religious zealots succeed in halting progress because it’s against their “beliefs”. Next time someone tries to sell you on why it’s “okay” to be religious, because it’s “not hurting anybody” remember that it’s these religious people that try and stop scientific research.

I am also influenced by the British biologist of Richard Dawkins, (http://en.wikipedia.org/wiki/Richard_Dawkins) and especially his book, “THE GOD DELUSION”(http://en.wikipedia.org/wiki/The_God_Delusion) He is much more eloquent than I in explaining the pitfalls of religion in our times. Of course, most religious people would burn this book before they read the first page. That’s part of the problem with “blind faith”.

I have learned that honesty is a survival tool. One must be a “courageous self examiner.” It’s very difficult to know what honesty is. We are 99% chemical reaction, and 1% semi-intelligent free-thinking entity, (or so I hope!) I have learned in 60 years that one must review your life constantly. Look in life’s mirror and think honestly about who and what you are. How do you effect others and the world around you? Use your mind! It’s not easy!

Do not rely on others. You are in control of your destiny, if you will be! Do not “believe the hype” that those who are in control feed you through the computer, TV, radio and telephone! Be different! Be yourself! (yes, i’m also influenced by Steve Jobs) It’s okay to be influenced. It’s impossible not to be. Influenced is NOT controlled. You can control your influences.

No dependas de los demás. Tú tienes el control de tu propio destino, si así va a ser. ¡No "creas en el bombo publicitario" de que quienes tienen el control te alimentan a través del ordenador, la TV, la radio y el teléfono! ¡Sé diferente! ¡Sé tú mismo! (si, también estoy influenciado por Steve Jobs). Está bien estar influenciado. Es imposible no estarlo. Influenciado NO ES controlado. Tú puedes controlar tus influencias.

My life has been no more or less eventful than anyone's. We all go through hardships, some more than others. I have seen many things only because I have lived long enough. There's nothing special about it, nothing unique. If you live long enough you will see many things good and bad. You will become many things. You will change your my mind many times. Don’t be afraid to change your mind.

From an interview with "HEY!" magazine, France (2011)

Pintando perros / Painting dogs (XXXI)

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Fragonard padre e hijo, y varios perros anónimos / 
Fragonard father and son, and several anonymous dogs

Primero algunas obras de autor anónimo, en su mayoría de las colecciones de los museos Thyssen y del Prado. Algunas pertenecen a talleres de artistas reconocidos, aunque no están identificados los pintores (probablemente varios en más de una de ellas). En todas ellas los perros tienen una presencia más o menos destacada.

First some works by anonymous artists, mostly from the collections of the Prado and Thyssen museums. Some belong to workshops by renowned artists, but the painters are not identified (probably several on more than one of them). In all of them dogs have a fairly strong presence.

Anónimo (Taller de Pedro de Orrente) / Anonymous (Pedro de Orrente workshop)
"Jacob y Raquel en el pozo abrevando los rebaños / 
Jacob and Rachel at the well providing water the flocks"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91 x 135 cm., 1ª mitad del s. XVII / first half of XVII century 
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Jacob y Raquel en el pozo abrevando los rebaños / 
Jacob and Rachel at the well providing water the flocks" (detalle / detail)

Anónimos (Taller de Bassano) / Anonymous (Bassano workshop)
Izq./ Left: "La Primavera / Spring", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68 x 86 cm.
Der./ Right: "Noé después del Diluvio / Noah after the Flood"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 113 cm.
2ª mitad del s. XVI / second half of XVI century. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"La Primavera / Spring" (detalle / detail)

Un modelo típico de los perros de Bassano, como puede comprobarse en el post que les dediqué aquí /
A typical model of Bassano dogs, as can be seen in the post I dedicated them here /

"Noé después del Diluvio / Noah after the Flood" (detalle / detail)

Anónimos / Anonymous
Izq./ Left: "Carlos II, niño / Charles II as a Child", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 118 x 99 cm., c.1665. 
Der./ Right: "Dama vestida como Diana / Lady dressed as Diana"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 103 x 80 cm., finales s.XVII / late XVII century.
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Izq./ Left: "Carlos II, niño / Charles II as a Child" (detalle / detail)
Der./ Right: "Dama vestida como Diana / Lady dressed as Diana" (detalle / detail)

Anónimos / Anonymous, "Felipe Manuel de Saboya"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121 x 83 cm., s.XVI. Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Felipe Manuel de Saboya" (detalle / detail)

Izq./ Left: Anónimo valenciano / Valencia Anonymous
"La Crucifixión / The Crucifixion", óleo sobre tabla / oil on wood, 44,8 x 34 cm., c. 1450-1460
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)
Der./ Right: Anónimo / Anonymous - "El Calvario / Calvary", óleo sobre tabla / oil on wood, 168 x 127 cm., c.1500
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Izq./ Left: "La Crucifixión / The Crucifixion" (detalle / detail)
Der./ Right: "El Calvario / Calvary" (detalle / detail)

Interesantes tanto la estilizada representación del perro de "La Crucifixión" como el pelado en el de "El Calvario", pertenciente a la escuela Hispano-Flamenca.

Interesting both stylized representation of the dog in "The Crucifixion", and peeling back the dog in "Calvary", that belongs to the Hispano-Flemish school.

Izq./ Left: Anónimo veneciano / Anonymous Venetian
"La Última Cena / The Last Supper", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 121 x 190 cm., c. 1570.
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)
Der./ Right: "Maestro de la Adoración Thyssen / Master of Adoration Thyssen"
"La Adoración de los Reyes / Adoration of the Kings", Óleo sobre tabla / oil on wood, 62 x 42,5 cm., c. 1520
Colección Thyssen-Bornemisza, en depósito en el / on deposit in Museu Nacional d'Art de Catalunya
 (Barcelona, España / Spain)

Izq./ Left: "La Última Cena / The Last Supper" (detalle / detail)
Der./ Right: "La Adoración de los Reyes / Adoration of the Kings" (detalle / detail)

Anónimo / Anonymous - "Rediles / Cotes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 106 x 148 cm., s.XVII
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

"Rediles / Cotes" (detalle / detail)

Anónimo británico / Anonymous British painter
"Retrato de un perro maltés / Portrait of a Maltese dog", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 31,5 cm., s.XIX


El gusto de las clases acomodadas por los perritos falderos resulta más que evidente en la obra de los Fragonard padre e hijo, sobre todo en el primero. Las escenas domésticas presentan a los perros como juguetes de niños o damas complicadamente vestidas con toda la pompa rococó...

The taste of the upper classes for lapdogs is more than evident in the work of Fragonard father and son, especially in the first. The domestic scenes show dogs as toys for children or elaborately dressed ladies with all the Rococo pomp ...

Jean-Honore Fragonard

"La educación lo es todo / Education is All", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55.5 x 66 cm., c.1780

Jean-Honoré Fragonard fue un pintor y grabador francés nacido en 1732, cuya estilo Rococó tardío se distinguió por su notable habilidad, exuberancia, y hedonismo. Uno de los artistas más prolíficos activos en las últimas décadas del Ancien Régime, Fragonard produjo más de 550 pinturas (sin contar dibujos y grabados), de los cuales sólo cinco están fechados. Entre sus obras más populares están las pinturas de género que transmiten una atmósfera de intimidad y velado erotismo. 
A los 18 años fue llevado ante François Boucher. Este reconoció los raros dones de su joventud, pero poco dispuesto a perder el tiempo con alguien tan inexperto, lo envió al taller de Chardin. Fragonard estudió durante seis meses con el gran luminista, y luego regresó mejor equipado a Boucher, cuyo estilo adquirió tan rápida y completamente que el maestro le confió la ejecución de las reproducciones de sus pinturas.

"Retrato de mujer con perro / Portrait of a Woman with a Dog"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81,3 x 65,4 cm., c. 1769. Metropolitan Museum of New York, USA

"Interior italiano / Italian Interior", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48,9 x 59,4 cm., c. 1760
Metropolitan Museum of New York, USA

"Interior italiano / Italian Interior" (detalle / detail)

Durante su estancia en Roma, Fragonard se hizo amigo de un compañero pintor, Hubert Robert. En 1760 recorrieron Italia juntos, ejecutando numerosos bocetos de paisajes locales. Fue en estos románticos jardines, con sus fuentes, grutas, templos y terrazas, que Fragonard concibió los sueños que posteriormente representaría en su arte. También aprendió a admirar a los maestros de las escuelas holandesa y flamenca (Rubens, Hals, Rembrandt, Ruisdael), imitando sus pinceladas sueltas y vigorosas. 
Durante medio siglo o más fue tan completamente ignorado que Lübke en su Historia del Arte (1873) omite la sola mención de su nombre. Reevaluaciones posteriores han confirmado su posición entre los maestros de todos los tiempos de la pintura francesa. Murió en 1806.

"Jóven jugando con un perro / Young Woman Playing with a Dog"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 87 x 87 cm., 1765-72. Gallería: Fondation Cailleux

"La carta de amor / The Love Letter", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 83,2 × 67 cm., c. 1770
Metropolitan Museum of New York, USA

"La carta de amor / The Love Letter" (detalle / detail)

Jean-Honoré Fragonard was a French painter and printmaker born in 1732, whose late Rococo manner was distinguished by remarkable facility, exuberance, and hedonism. One of the most prolific artists active in the last decades of the Ancien Régime, Fragonard produced more than 550 paintings (not counting drawings and etchings), of which only five are dated. Among his most popular works are genre paintings conveying an atmosphere of intimacy and veiled eroticism.
He was taken at the age of eighteen to François Boucher. Boucher recognized the youth's rare gifts but, disinclined to waste his time with one so inexperienced, sent him to Chardin's atelier. Fragonard studied for six months under the great luminist, then returned more fully equipped to Boucher, whose style he soon acquired so completely that the master entrusted him with the execution of replicas of his paintings. 

"Jeune fille jouant avec son chien (La Gimblette) / Chica jugando con su perro / Girl playing with her Dog"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 89 cm., c. 1770

"First Lesson of Horse Riding / Primera lección de equitación"
Tinta sobre papel / ink on paper, 17 x 22,9 cm., después de / after 1778. 
National Museum in Warsaw (NMW) (Varsovia, Polonia / Poland)

"El Souvenir / The Souvenir"
Óleo sobre tabla de nogal / oil on walnut panel, 25,2 x 19 cm., c.1776-78. Wallace Collection, Londres / London

While at Rome, Fragonard contracted a friendship with a fellow painter, Hubert Robert. In 1760, they toured Italy together, executing numerous sketches of local scenery. It was in these romantic gardens, with their fountains, grottos, temples and terraces, that Fragonard conceived the dreams which he was subsequently to render in his art. He also learned to admire the masters of the Dutch and Flemish schools (Rubens, Hals, Rembrandt, Ruisdael), imitating their loose and vigorous brushstrokes.
For half a century or more he was so completely ignored that Lübke in his History of Art (1873) omits the very mention of his name.[1] Subsequent reevaluation has confirmed his position among the all-time masters of French painting. He died in 1806.

"Los hijos del granjero / Farmer's Children"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 60,5 cm., principio de / early 1860's. 
Hermitage Museum (San Petersburgo, Rusia / Russia)


Alexandre-Évariste Fragonard

"El Mago / The Magician", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 72,5 cm. 
Colección privada / Private Collection

Alexandre-Évariste Fragonard, hijo de Jean-Honoré, fue un pintor y escultor francés del estilo "Troubadour", nacido en 1780.
Recibió su primera formación de su padre y heredó de él sus temas picantes y gran habilidad, perfeccionándose con Jacques-Louis David. 
Entre sus pinturas más famosas se encuentran "François Ier armé chevalier", "François Ier recevant le Primatice (techo del Louvre)" y "Jeanne d'Arc Montant sur ​​le bûcher" 
Como escultor produjo el antiguo frontón de la Chambre des Députés y una estatua colosal de Pichegru. 
Murio en 1850.

"Francisco I con Leonardo da Vinci / Francois I with Leonardo da Vinci"
Museé Jourdain (Morez, Francia / France)

"Los emparedados / The Immured"
Acuarela sobre boceto a lápiz / watercolour over a black pencil sketch, 49 x 36 cm.
Primera mitad del s.XIX / first half of 19th century. Museo del Louvre (París, Francia / France)

"Diane de Poitiers con Jean Goujon", 64 x 81 cm.. Museo del Louvre (París, Francia / France)

"Los emparedados / The Immured" - "Diane de Poitiers con Jean Goujon" (detalles / details)

"Boissy d'Anglas saludando a la cabeza del diputado Féraud, 1º Prairal, Año III (20 de mayo de 1795) / 
Boissy d'Anglas saluting the head of deputy Féraud, 1st prairal An III (20th of May 1795)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas. Musée de la Révolution, Château de Vizille (Francia / France)

Alexandre-Évariste Fragonard, son of Jean-Honoré Fragonard, was a French painter and sculptor in the troubadour style, born in 1780.
He received his first training from his father and drew from him his piquant subjects and great facility, perfecting them under Jacques-Louis David.
Among his most famous paintings are "François Ier armé chevalier", "François Ier recevant le Primatice (ceiling of the Louvre)" y "Jeanne d'Arc montant sur le bûcher"
As a sculptor, he produced the old pediment of the Chambre des Députés and a colossal statue of Pichegru.
Murió en 1850.

"Francisco I en el estudio de Benvenuto Cellini / Francis I in the study of Benvenuto Cellini"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65,5 x 81,5 cm., 1820-30.

La información biográfica está tomada de las fichas de los artistas en Wiki, aquí y aquí /
Biographic information from the articles about the artists in Wiki, here and here.

Desde Irán (VIII) - Babak Fatholahi

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Babak Fatholahi

 © Babak Fatholahi

Babak Fatholahi es un fotógrafo iraní nacido en 1990 en Teherán, cuyos trabajos más destacados giran en torno al retrato. Actualmente vive y trabaja en Ucrania.
Según cuenta: «todo mi amor se concentra en el retrato porque creo que tú puedes describir el mundo entero con tan sólo una mirada...» 
«Estoy muy interesado en que mi arte resulte una herramienta para mostrar emociones puras donde se rompan las fronteras y todos puedan hablar un mismo lenguaje.»

"Sensible / Sentient", Modelo / Model: Marzia © Babak Fatholahi

"Héroe / Hero", VAFA © Babak Fatholahi

"Otra vez / Again", Model / Model: Hanie © Babak Fatholahi

"VAFA"© Babak Fatholahi

«Paso la mayoría de mi tiempo escuchando música y mirando películas; esas son las formas de las cuales obtengo la mayor parte de mis nuevas ideas para comenzar un nuevo trabajo. Ennio Morricone es el artista que más me inspira; me da entusiasmo y motivación cuando escucho sus obras. Siempre me he deleitado con el cine italiano; mirando sus películas siento que ve el mundo desde el mismo punto de vista que yo, porque presta mucha atención como yo a las los detalles de la belleza y la pureza de los sentimientos humanos en las obras de arte.»

"Eivissa"© Babak Fatholahi

"Nunca / Ever", Modelo / Model: Marzia © Babak Fatholahi

«Además de la fotografía, lo que más amo es la pintura, especialmente el género del retrato. Y siempre intento beneficiarme de las específicas y únicas características de las antiguas pinturas en mis obras de arte.»

«Tomo alrededor de 100 imágenes para utilizar de 1 a 5 fotos en cada proyecto. A veces ninguna.»

"Estaré esperando / I'll be waiting"© Babak Fatholahi

"Isobel"© Babak Fatholahi

«La imagen "Isobel" fue tomada en Tehran, Iran, el 12 de julio de 2013. Utilicé una cámara Canon 60D, con 85 mm f/1.8. Lentes Canon. Modelo: Parisa.»
«The picture "Isobel" was taken in Tehran, Iran, on July 12, 2013. Used Canon 60D camera, with 85 mm f/1.8. Canon lens. Model: Parisa.»

"Amorcito / Little Love", Modelo / Model: Marzia © Babak Fatholahi

Babak Fatholahi is an Iranian photographer born in 1990 in Tehran, whose work focuese on portrait. Nowadays he lives and works in Ukraine.
As he wrote: "All my love is being concentrated on portrait photographing because i believe that you can this describe the whole world by just one look...»
"I am very interested that my art would be a tool for showing the pure emotions of human where the frontiers break down and everybody can speak by own language.»

"Lolita", Modelo / Model: Marzia © Babak Fatholahi

"Silencio / Silence"© Babak Fatholahi

Modelo / Model: Bita © Babak Fatholahi

«I mostly spend my time on listening to music and watching movies; these are the ways I most get and gain my new ideas to start another art work. Ennio Morricone is the artist who inspires me the most; he gives me enthusiasm and motivation when I listen to his works. I always delighted with the art of Italian cinema; when watching their movies I feel they see the world from the point of view which I see, because they pay as much attention as I pay to the most detailed part of beauty and pure human feelings in art works.»

"Luz de luna parisina / Parisienne Moonlight"© Babak Fatholahi

"Hasta el fin / To the end", Modelo / Model: Saranaz © Babak Fatholahi

"VAFA"© Babak Fatholahi

«After the art of photographing I love painting the most, especially to the portrait genre. And I always try out to benefits from the specific and unique features of old paintings in my art works.»

«I am taking about 100 pictures, I use 1 - 5 photos from each private project. Sometimes nothing.»

"Perdida / Lost"© Babak Fatholahi

"Viento de cambio / Wind of Change"© Babak Fatholahi

Más obras e información sobre Babak en / More images and information about Babak's work in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Babak!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Babak!)


Aniversarios (V) [Marzo / March 1-8]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Marzo es el cumple de

Oskar Kokoschka, pintor y poeta de origen austríaco, conocido principalmente por sus retratos y paisajes expresionistas, nació en 1886. Con diecinueve años ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de Viena. En 1908 publicó su primer libro de poemas ilustrado por él mismo. En 1909 conoce al arquitecto Adolf Loos que se convertirá en su mecenas. En 1910 se trasladó a Berlín donde retrató a la intelectualidad alemana de la época. Entre los años 1912 y 1915 mantuvo una tormentosa relación sentimental con Alma Mahler, viuda del gran compositor Gustav Mahler. Falleció en Villeneuve en 1980 mientras dictaba sus memorias.

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65,5 x 55 cm., 1948. Colección Privada.

Más sobre Oskar Kokoschka en "El Hurgador" / More about Oskar Kokoschka in this blog:
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Maya Kulenovic, pintora canadiense nacida en Sarajevo (Bosnia y Herzegovina) en 1975, que vive y trabaja en Toronto.
Ha exhibido en muchas muestras individuales y más de 40 colectivas, así como en ferias de arte por todo Canadá, Estados Unidos, Holanda, Reino Unido, Irlanda, Japón, Corea del Sur y Turquía. Sus pinturas puede encontrarse en muchas colecciones por todo el mundo.
Estudió arte en la "London University of the Arts" (Chelsea College of Art and Design), en Londres, Inglaterra (Maestrías de Arte, 1998), "Ontario College of Art and Design University" en Toronto (AOCAD Honours, 1997) y la "Mimar Sinan University" en Estambul (1992-1995).
Maya enseñó dibujo, pintura e historia del arte (1999-2002), hasta que lo dejó para dedicarse de lleno a su propia obra de estudio.

"Alba", 60" x 60", 2010

Más sobre Maya Kulenovic en "El Hurgador" / More about Maya Kulenovic in this blog:


El 2 de Marzo es el cumple de

Robert Williams, estadounidense nacido en 1943, pintor, ilustrador y fundador de Juxtapoz Art y Culture Magazine. Fue parte del Colectivo Zap, junto con otros ilustradores como Robert Crumb y Gilbert Shelton. Su mezcla de cultura californiana, apocalipticismo cinemático y cine negro le ayudaron a crear un nuevo género de imaginería psicodélica.
"Mis pinturas no están diseñadas para entretenerte, sino para atraparte, mantenerte ante ellas para que trates de racionalizar qué elementos de la imagen hacen que te quedes ahí de pié"

"Nostradamus y el desollador astrológico de planetas / 
Nostradamus and the Astrological Planet Skinner", 1993
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Meki Megara (Mekki Mghara, المكي مغارة) pintor marroquí nacido en Tetuán en 1933, pionero en el mundo de las artes plásticas en Marruecos.
Desde su infancia mostró un gran interés por las artes, en particular por la pintura, habiendo realizado su primera exposición a la temprana edad de 16 años. En 1952 comenzó su etapa de formación académica en la Escuela de Bellas Artes de Tetuán, escuela que fue fundada por su profesor Mariano Bertuchi. En 1955 se trasladó a España con el objetivo de seguir su formación en la Escuela Superior de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría de Sevilla.
En 1960 terminó sus estudios y fue nombrado profesor de Pintura y de Perspectiva en la Escuela de Bellas Artes de Tetuán, donde se jubiló en 1992 dedicándose solo al campo de artes plásticas.
En 2007 fue nombrado miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Cádiz.
Sus obras se hallan en colecciones privadas y oficiales en todo el territorio Marroquí, también en algunos países como: España, Francia, Italia, Estados Unidos, Túnez, Irak, Siria etc. Murió en 2009

"Composición / Composition", técnica mixta / mixed media, 568 x 297 cm., 1980


El 3 de Marzo es el cumple de

Esaias Boursse, pintor holandés nacido en Ámsterdam en 1631. Se sabe que viajó a Italia en 1650 para estudiar a los renacentistas. 
En el pasado se lo relacionó como pupilo de Rembrandt ya que eran vecinos, pero no hay nada que lo pruebe. Su situación financiera nunca fue buena. Viajó como marinero a Ceylán (hoy Sri Lanka), donde dibujó a sus habitantes, paisajes y vistas de ciudad que se conservan en un álbum en el Rijksmuseum. Su trabajo se centró en escenas de género; mujeres tejiendo o devanando, familias junto a la estufa. Se conservan alrededor de 28 de sus pinturas, la mayoría en colecciones privadas. Murió en el mar en 1672.

"Un patio / A Courtyard", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 37,7 x 30 cm., c.1660. 
Museum Boijmans van Beuningen (Rotterdam, Holanda / The Netherlands)
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Asger Oluf Jorn, pintor danés, escultor, ceramista y autor. Fue miembro fundador del movimiento de vanguardia COBRA, y la Internacional Situacionista. Había nacido en 1914 en Vejrum, en el extremo noroeste de Jutlandia, y bautizado Asger Oluf Jørgensen.
En 1936 viajó (en una moto BSA que había comprado rascando dinero) a París para estudiar con Kandinsky. Sin embargo cuando descubrió que Kandinsky vivía con estrecheces, casi incapaz de vender sus propias pinturas, Jorn decidió unirse a la Académie Contemporaine de Fernand Léger; fue durante este período que se alejó de la pintura figurativa y se volvió hacia el arte abstracto. En 1937 se unió a Le Corbusier para trabajar en el "Pabellón de los Nuevos Tiempos", en la Exposición de París de 1937.
A lo largo de su carrera artística produjo alrededor de 2500 pinturas, impresiones, dibujos, cerámicas, esculturas, libros de artistas, collages, décollages y tapices en colaboración. 
Murió en Aarhus, Dinamarca, en mayo de 1973.

"Le canard inquiétant / El patito perturbado / The disturbed Duckling"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 53 x 64,5 cm., 1959


El 4 de Marzo es el cumple de 

Nexhmedin Zajmi, pintor y escultor albanés nacido en 1916. En 1931 se graduó de la escuela técnica en Tirana donde descubre su talento artístico. Más tarde estudió con el renombrado escultor Odhise Paskali, y en 1939 se fue a estudiar en la Academia de Bellas Artes de Roma, donde se diplomó en 1943. A su regreso a Albania trabajó como profesor en una escuela pública en Tirana. Fue director de la Galería Nacional de Arte de Tirana entre 1955-56.
Desde 1963 fue  profesor en la Escuela de Bellas Artes de Tirana. Se especializó en los retratos de los habitantes de las montañas del norte de Albania. También pintó paisajes y escenas de género. Murió en 1991.

"Calle en Tirana / Street of Tirana", Galería Nacional de Arte (Tirana, Albania)
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Rodolfo Galeotti Torres, reconocido escultor guatemalteco nacido en 1912 en Quetzaltenango. 
Fue director de la Escuela Nacional de Artes Plásticas Rodolfo Rodríguez Padilla. Realizó varias obras escultóricas en el Palacio Nacional de Guatemala, dentro de las que se destacan los escudos nacionales. En 1970 realizó un célebre bronce de Tecún Umán (Quetzaltenango). A lo largo de su vida recibió numerosos reconocimientos, dentro de los que cabe mencionar la condecoración de la Medalla Presidencial (16 de mayo de 1988). Falleció el 22 de mayo de 1988 en Ciudad de Guatemala.

"Estatua del último rey Quiché-Maya Tecún Umán / 
Statue of the last Quiché-Maya ruler, Tecún Umán", Quetzaltenango, Guatemala


El 5 de Marzo es el cumple de 

Giovanni Battista (Giambattista) Tiepolo, pintor y grabador italiano nacido en 1696, una de las figuras más importantes del rococó italiano. 
El claroscuro del barroco da paso en él a los colores claros. En Venecia desarrolla un nuevo género, las vedutte, esto es, vistas minuciosas de Venecia, muy estimadas por los viajeros extranjeros.
En su obra destaca la "iluminación" de partes concretas del cuadro. Los colores claros resaltan impresiones o ideas tales como la pureza o lo divino. Tenía una gran facilidad para el dibujo, logrando composiciones etéreas y llenas de gracia. Sus techos pintados, de efecto ilusionista, engañan a la vista y parecen abiertos al cielo.

"Detalle de los frescos de techo y escaleras en la Residencia Würzburg / 
Detail of frescos on the ceiling and stairs in the Würzburg Residence"
El más grande del mundo / the biggest in the world (670 m2).

Más sobre Tiépolo en "El Hurgador" / More about Tiepolo in this blog:
[Fotógrafos japoneses (II)]
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Joan-Josep Tharrats i Vidal, pintor catalán, teórico del arte y publicista nacido en Girona (España) en 1918.
Desde 1932 a 1935 vivió en Béziers, antes de mudarse a Barcelona donde estudió en la Escola Massana. La Guerra Civil Española hizo que finalizara sus estudios y no pudo culminar su carrera artística hasta 1942. Su estilo inicial fue similar al impresionismo, pero derivó hacia la abstracción por la influencia de Piet Mondrian y Wassily Kandinsky, que fue muy importante para él. Desde 1946 utilizó técnicas de collage.
Fue uno de los artistas más visibles en la vanguardia local del arte de posguerra. Su estilo evolucionó desde la abstracción lineal influenciada por el surrealismo (durante sus años de Dau al Set) hacia un arte informal que trabajaba con texturas, color y grafismo.
Murió en 2001.

"Energia alliberadora / Energía liberadora / Liberatin energy"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 130 x 152 cm., 1953. Colección particular / Private Collection.


El 6 de Marzo es el cumple de 

Michelangelo Buonarroti, Miguel Ángel, nacido en 1475 en Caprese. Arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes de la historia, desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, donde vivían sus mecenas, los Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: "Le Vite de' più eccellenti pittori, scultori, ed architettori", de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido, y "Vita de Michelangelo Buonarroti", escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti. Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.

"Pietá / La Piedad", mármol / marble, 175 x 195 cm., 1496. 
Basílica de San Pedro del Vaticano / St. Peter's Basilica, Vatican City

Más sore Michelangelo en "El Hurgador" / More about Michelangelo in this blog:
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Ejler Bille, artista danés nacido en Odder en 1910. Estudió en la Kunsthåndværkerskolen en Copenhague, con Bizzie Høyer (1930-32) y en la Real Academia Danesa de Arte, 1933. En 1934 se unió a Linien, Corner en 1940 y CoBrA en 1949. Se concentró en pequeñas esculturas, pero pasó a la pintura después de unirse al CoBrA. En 1969 fue profesor invitado de la Real Academia Danesa de Arte. Murió en 2004.

"Composición / Composition", 1941. Funen Art Museum (Odense, Dinamarca / Denmark)


El 7 de Marzo es el cumple de 

Boris Kustodiev (Борис Михайлович Кустодиев), pintor y escenógrafo ruso nacido en 1878 en Astrakán. Estudió en el seminario teológico y recibió clases de arte de Pável Vlásov, un alumno de Vasili Perov. Desde 1896 hasta 1903, acudió al taller de Ilia Repin en la Academia Imperial de las Artes en San Petersburgo, con quien trabajó como ayudante. Expuso por vez primera en 1896. Entre 1904 y 1909 visitó Francia, España, Italia, Austria y Alemania, y durante ésta época pintó sobre todo retratos y trabajos de género.
En 1905, Kustódiev se dedicó por vez primera a la ilustración de libros, un género que cultivaría el resto de su vida. Quedó parapléjico en 1916, estando a partir de entonces confinado en su habitación. Murió en 1927.

"Купчиха за чаем / La esposa del comerciante tomando el té / Merchant's wife drinking tea"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 120 cm., 1918. 
Museo Ruso de San Petersburgo (St. Petersbourg, Russia)
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Sir Edwin Henry Landseer, pintor inglés nacido en 1802, famoso por sus pinturas de animales, particularmente caballos, perros y ciervos. Las obras más conocidas de Landseer son, sin embargo, esculturas: los leones de Trafalgar Square, en Londres.
Fue algo así como un prodigio cuyos talentos artísticos se reconocieron desde muy temprano. Estudió con varios artistas, incluyendo su padre y el pintor histórico Benjamin Robert Haydon, quien animó al joven Landseer a que realizara disecciones para comprender completamente la estructura muscular y esqueleto. La vida de Landseer corrió entrelazada con la Royal Academy. A la edad de 13, en 1815, expuso sus obras allí. Fue electo como asociado a los 24, y académico cinco años más tarde, en 1831. Fue nombrado caballero en 1850, y aunque fue electo presidente en 1866, declinó la invitación. Murió en 1873.
"El monarca del valle" fue un encargo como parte de una serie de tres paneles para colgar en el Palacio de Westminster en Londres. Fue una de las pinturas más populares durante el siglo XIX, y las reproducciones como grabados en acero se vendieron masivamente.

"El Monarca del Valle / The Monarch of the Glen"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 169 × 163,8 cm. John Dewar and Sons Ltd., Londres (London)


Hoy, 8 de Marzo, es el cumple de

Manuel Valdés Blasco (Manolo Valdés), pintor y escultor valenciano nacido en 1942 y residente en New York (USA). Fue el introductor en España de una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía.
Influido por Velázquez, Rembrandt, Rubens y Matisse, Manolo Valdés realiza una obra de gran formato en la que las luces y colores expresan un sentimiento de tactilidad por el tratamiento dado a los materiales. Su obra fuerza a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte. Realizó, entre los años 1965 y 1981, más de 70 exposiciones, tanto individuales como colectivas.

"Mariposas / Butterflies", aluminio / aluminium
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Johann Köler, líder del despertar nacional estonio y pintor nacido en 1826. Se distinguió primero por sus retratos y menos por sus pinturas de paisajes. Algunas de sus pinturas más notables representan la vida rural estonia en la segunda mitad del s.XIX.
A pesar de la pobreza de sus padres, Köler se las arregló para asistir a la escuela primaria y los colegios del distrito de Viljandi, Livonia. Luego asistió al taller de maestros pintores en Võnnu. En 1846 viajó a San Petersburgo para trabajar como escritor de signos, donde pronto su talento fue descubierto. Desde 1848 a 1855, estudió dibujo y pintura en la Academia Imperial de Artes de San Petersburgo.
La cúspide de su carrera coincidió con el despertar nacionalista estonio, y utilizó su posición en la corte imperial para promover la causa del pueblo. Murió en 1899.

"Eva tras caer en el pecado / Eve after Falling Into Sin", 1883


Textos en inglés / English translation

* On March 1 is the birthday of

Oskar Kokoschka, painter and poet of Austrian origin, known for his expressionist portraits and landscapes, born in 1886. At nineteen he entered the School of Arts and Crafts in Vienna. In 1908 he published his first book of poems illustrated by himself. In 1909 he met the architect Adolf Loos who will become his patron. In 1910 he moved to Berlin where he portrayed the German intelligentsia of the time. Between 1912 and 1915 he held a stormy affair with Alma Mahler, widow of the great composer Gustav Mahler. He died in Villeneuve (1980) while writting his memoirs.

Maya Kulenovic, Canadian painter born in Sarajevo (Bosnia and Herzegovina) in 1975, living and working in Toronto.
She has exhibited in many solo exhibitions and over fourty group shows and art fairs Canada wide, in the US, The Netherlands, UK, Ireland, Japan, South Korea and Turkey. Her paintings can be seen in numerous collections around the world.
She studied art at London University of the Arts (at Chelsea College of Art and Design) in London, England (Masters of Arts 1998), Ontario College of Art and Design University in Toronto (AOCAD Honours, 1997) and Mimar Sinan University in Istanbul (1992-1995).
Maya Kulenovic taught undergraduate courses in drawing, painting and art history (1999-2002), which she left to focus on her studio work.

* On March 2 is the birthday of

Robert Williams, an American born in 1943, painter, illustrator and founder of Juxtapoz Art and Culture Magazine. He was part of the Zap Collective, along with other illustrators like Robert Crumb and Gilbert Shelton. His blend of Californian culture, cinematic apocalypticism and black cinema has helped him to create a new genre of psychedelic imagery.

Meki Megara (Mekki Mghara, المكي مغارة), Moroccan painter born in 1933 in Tetouan , a pioneer in the world of the visual arts in Morocco.
From childhood he showed a great interest in the arts, particularly painting, having made his first exhibition at the age of 16. In 1952 he began his academic stage of training at the School of Fine Arts in Tetouan, a school that was founded by his teacher Mariano Bertuchi. In 1955 he moved to Spain in order to continue his training at the School of Fine Arts St. Elizabeth of Hungary in Seville.
In 1960 he finished his studies and was appointed Professor of Painting and Perspective in the School of Fine Arts in Tetouan, where he retired in 1992, he devoted only to the field of visual arts.
In 2007 he was appointed member of the Real Academia de Bellas Artes de Cádiz.
His works are in private and official collections throughout the Moroccan territory, also in some countries like Spain, France, Italy, United States, Tunisia, Iraq, Syria etc. He died in 2009

* On March 3 is the birthday of

Esaias Boursse, Dutch painter born in Amsterdam in 1631.
We know nothing more about the education of Esaias Boursse, other than the fact that he travelled to Italy in about 1650 to study the great Renaissance examples.
In the past art historians have tried to place him among Rembrandt's pupils. There is no objective evidence at all to prove this though. Boursse's financial position will not have been good. He travelled to Ceylon (nowadays called Sri Lanka). Boursse drew the inhabitants, landscapes and city views, which have been preserved in an album which can be found in the print room of the Rijksmuseum.
Boursse's work mainly deals with family life. Women spinning or sewing and families around a fireplace are examples of what to expect. About 28 paintings remain of his work, mostly in private collections.

Asger Oluf Jorn, a Danish painter, sculptor, ceramic artist, and author. He was a founding member of the avant-garde movement COBRA and the Situationist International. He was born in Vejrum (1914), in the northwest corner of Jutland, and baptized Asger Oluf Jørgensen.
In 1936 he traveled (on a BSA motorbike he had scraped together enough money to buy) to Paris to become a student of Kandinsky. However when he discovered that Kandinsky was in straitened circumstances, barely able to sell his own paintings, Jorn decided to join Fernand Léger's Académie Contemporaine; it was during this period that he turned away from figurative painting and turned to abstract art. In 1937 he joined Le Corbusier in working on the Pavillon des Temps Nouveaux at the 1937 Paris Exhibition. 
During the course of his artistic career he produced over 2500 paintings, prints, drawings, ceramics, sculptures, artist's books, collages, décollages, and collaborative tapestries.
He died in Aarhus, Denmark on 1 May 1973.

* On March 4 is the birthday of

Nexhmedin Zajmi, Albanian painter and sculptor born in 1916. In 1931 he graduated from technical school in Tirana where he discovered his artistic talent. He later studied with renowned sculptor Odhise Paskali, and in 1939 he went to study at the Academy of Fine Arts in Rome, where he graduated in 1943. On his return to Albania, he worked as a teacher in a public school in Tirana. He was director of the National Gallery of Arts in Tirana from 1955 to 1956. 
From 1963 he taught at the School of Fine Arts in Tirana. He specialized in portraits of the inhabitants of the mountains of northern Albania. He also painted landscapes and genre scenes. He died in 1991.

Rodolfo Galeotti Torres, a renowed Guatemalan sculptor borin in 1912 in Quetzaltenango. 
He served as director of the Escuela Nacional de Artes Plásticas Rodolfo Rodríguez Padilla. He created sculptures for National Palace in Guatemala City, including renditions of the Coat of Arms of Guatemala. In 1970, he created a renowned bronze of Tecún Umán, which is on display in Quetzaltenango. On May 16, 1988, he was awarded the Presidential Medal of Guatemala.
Galeotti Torres died May 22, 1988 in Guatemala City.

* On March 5 is the birthday of

Giovanni Battista (Giambattista) Tiepolo, Italian painter and engraver born in 1696, one of the most important figures of Italian Rococo. 
Baroque chiaroscuro leads to light colors in his art. In Venice developed a new genre, the vedutte, that is, detailed views of Venice, highly appreciated by foreign travelers. 
His work emphasizes the "enlightenment" of specific parts of the picture. Light colors highlight impressions or ideas such as purity or divine. He had a knack for drawing, making ethereal and graceful compositions. His painted ceilings, illusionist effect, fool the eye and seem open to the sky.
In "El Hurgador": http://elhurgador.blogspot.com.es/2013/12/fotografos-japoneses-ii-kimiko-yoshida.html

Joan-Josep Tharrats i Vidal, a Catalan painter, art theorist and publisher born in Girona (Spain), in 1918.
From 1932 to 1935 he lived in Béziers, before relocating to Barcelona where he studied at the Escola Massana. The Spanish Civil War brought his studies to an end, and he wouldn't resume his art career until 1942. His initial style was akin to Impressionism but moved into abstraction as the influence of Piet Mondrian and Wassily Kandinsky became more important to him. From 1946 on he used collage techniques.
He was one of the most visible artists in the local avantgarde art of the post-war years. His style evolved from lineal abstraction influenced by surrealism (during his Dau al Set years) towards Art Informel working with texture, color and graphism.
He died in 2001.

* On March 6 is the birthday of

Michelangelo Buonarroti, Michelangelo, born in 1475 in Caprese. Architect, sculptor and Italian Renaissance painter, considered one of the greatest in history, developed his artistic work over more than seventy years between Florence and Rome, where his patron lived, the Medici of Florence, and the Roman popes. 
He was the first Western artist to have two biographies published in life: "Le Vite de 'più eccellenti pittori, scultori, ed architettori" by Giorgio Vasari, published in 1550 in its first edition, in which he was the only living artist included and "The life of Michelangelo Buonarroti," written in 1553 by Ascanio Condivi, painter and pupil of Michelangelo, which collects the data provided by the same Buonarroti. He was greatly admired by his contemporaries, who called him the Divine.

Ejler Billewas, Danish artist Born in Odder, Denmark, in1910. He studied at the Kunsthåndværkerskolen in Copenhagen, with Bizzie Høyer 1930–1932 and the Royal Danish Academy of Art, 1933. In 1934 he joined Linien, Corner in 1940 and CoBrA in 1949. He had concentrated on small sculptures, but moved into painting after joining CoBrA. In 1969 he was Guest Professor at the Royal Danish Academy of Art.

* On March 7 is the birthday of

Boris Kustodiev (Борис Михайлович Кустодиев), Russian painter and stage designer born in 1878 in Astrakhan. Studied in theological seminary and received art classes Pavel Vlasov, a pupil of Vasily Perov. From 1896-1903, he attended the Ilia Repin's workshop at the Imperial Academy of Arts in St. Petersburg, with whom he worked as an assistant. He first exhibited in 1896. Between 1904 and 1909 he visited France, Spain, Italy, Austria and Germany, and during this period he painted mainly portraits and genre works. 
In 1905, Kustodiev first is devoted to the illustration of books, a genre that would cultivate during the rest of his life. Paraplegic in 1916, thereafter being confined to his room. He died in 1927.

Sir Edwin Henry Landseer, English painter born in 1802, well known for his paintings of animals - particularly horses, dogs and stags. The best known of Landseer's works, however, are sculptures: the lions in Trafalgar Square, London.
He was something of a prodigy whose artistic talents were recognised early on. He studied under several artists, including his father, and the history painter Benjamin Robert Haydon, who encouraged the young Landseer to perform dissections in order to fully understand animal musculature and skeletal structure. Landseer's life was entwined with the Royal Academy. At the age of just 13, in 1815, he exhibited works there. He was elected an Associate at the age of 24, and an Academician five years later in 1831. He was knighted in 1850, and although elected President in 1866 he declined the invitation. He died in 1873.
"The Monarch of the Glen" was commissioned as part of a series of three panels to hang in the Palace of Westminster in London. It was one of the most popular paintings throughout the 19th century, and reproductions in steel engraving sold very widely.

* Today, March 8, is the birthday of

Manuel Blasco Valdés (Manolo Valdés) Valencian painter and sculptor born in 1942, based in New York (USA). He introduced to Spain a form of artistic expression that combines the political and social commitment with humor and irony. 
Influenced by Velázquez, Rembrandt, Rubens and Matisse, Manolo Valdés makes a large format work in which the lights and colors express a sense of tactility for the treatment of the materials. His work tackles the beholder to investigate memory and search for significant images from art history. He performed between the years 1965 and 1981, more than 70 exhibitions, both individual and collective.

Johann Köler, leader of the Estonian national awakening and a painter born in 1826. He distinguished himself primarily by his portraiture and to a lesser extent by his landscape paintings. Some of his most notable pictures depict the Estonian rural life in the second half of the 19th century.
Despite the poverty of the parents Köler managed to attend the elementary and the district schools in Viljandi, Livonia. Then he attended a workshop of master painters in Võnnu. In 1846 he travelled to St. Petersburg to work as a sign writer, where his talent was soon discovered. From 1848 to 1855 Johan Köler studied drawing and painting at the St. Petersburg Imperial Academy of Arts.
The peak of Johann Köler's career coincided with the rise of the Estonian national awakening and he used his position in the imperial court to promote the cause of the Estonian people. He died in 1899.

Aniversarios, Fotografía (V) [Marzo / March 1-9]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Marzo es el cumple de

Manfred Baumann, fotógrafo austríaco nacido en 1968 en Viena. 
Su abuelo, también fotógrafo, fue quien lo apoyó y le dio su primera cámara, una Praktika.
En 1990 dio sus primeros pasos en fotografía profesionalmente. En 1995 rompió todas sus conexiones con su hogar y se fue a Canadá con su novia Nelly para trabajar allí. Tan sólo dos años después regresó a Viena.
En 2002 se tomó su primer descanso en la industria nacional y comenzó a fotografiar celebridades y retratarlas.
Manfred Baumann también trabaja el desnudo artístico y la fotografía de paisajes.
Website del artista: http://www.manfredbaumann.com/

"Muelle de Santa Mónica / Santa Monica Pier"


El 2 de Marzo es el cumple de

Ernst Haas, fotoperiodista y pionero de la fotografía en color, nacido en 1921. Durante sus 40 años de carrera, éste artista nacido en Austria hizo de puente entre el fotoperiodismo y el uso de la fotografía como medio de expresión y creatividad. Además de su prolífica cobertura de eventos por todo el mundo después de la Segunda Guerra Mundial, Haas fue un temprano innovador en la fotografía en color. Sus imágenes se diseminaron masivamente en revistas como Life y Vogue y, en 1962, fue objeto de la primera muestra de fotografías en color de un artista en el Museo de Arte Moderno de New York. Fue presidente de la cooperativa Magnum Photos y su libro "La Creación", de 1971, fue uno de los más exitosos jamás editados, con 350.000 ejemplares vendidos. Murió en 1986.

"Sombra de un gondolero, Venecia / Shadow Gondolier, Venice", 1955


El 3 de Marzo es el cumple de

František Drtikol, fotógrafo checo de renombre internacional nacido en 1883. Es especialmente conocido por sus fotografías épicas, a menudo desnudos y retratos.
Desde 1907 hasta 1910 tuvo su propio estudio, y hasta 1935 operó su propio estudio fotográfico para retratos en Praga. Jaroslav Rössler, un importante fotógrafo de vanguardia, fue uno de sus pupilos. Drtikol hizo muchos retratos de personalidades importantes y desnudos que muestran el desarrollo desde el pictorialismo y simbolismo hasta las imágenes compuestas de cuerpos desnudos con decoraciones geométricas y sombras, donde es posible encontrar varios paralelos con las obras de vanguardia de la época. Presentan reminiscencias del cubismo, y a la vez sus desnudos sugieren un tipo de movimiento que fue característico de la estética futurista.
Murió en 1961.

"L'âme / El alma / The Soul", 1930 © Collection Société française de photographie


El 4 de Marzo es el cumple de 

Margrethe Mather, fotógrafa estadounidense nacida en 1886 quien, a través de su exploración de la luz y la forma, ayudó a transformar la fotografía a arte moderno.
Mather estuvo asociada con Edward Weston. Fueron compañeros cercanos que colaboraron en muchas fotografías. La fama de Edward fue opacando el considerable trabajo de Mather desde la época de su colaboración y en adelante. Mather y Weston se conocieron en 1913 y trabajaron juntos hasta que él partió a México en 1923 con Tina Modotti. Las fotografías que Mather hizo, tanto sola como en colaboración con Weston, ayudaron a preparar el cambio del pictorialismo (imágenes suavemente enfocadas dando a la fotografía un efecto romántico) a la modernidad. Muchas de sus fotografías fueron más experimentales que aquellas producidas por sus contemporáneos.
Su última exhibición fue llevada a cabo en 1931. Murió en 1952.

"Witter Bynner", c. 1925


El 5 de Marzo es el cumple de 

Letizia Battaglia, fotógrafa siciliana y fotoperiodista nacida en 1935. Aunque sus fotografías documentan un amplio espectro de la vida siciliana, es muy conocida por su trabajo sobre la Mafia.
Casada a los 16 años, abrazó el fotoperiodismo tras su divorcio en 1971, mientras criaba tres hijas. Tomó la cámara cuando descubrió que podía vender mejor sus artículos si los acompañaba con fotografías y descubrió una ardiente pasión por la fotografía. En 1974, tras un período en Milán durante el cual conoció a quien sería su compañero a largo plazo Franco Zecchin, regresó a Sicilia para trabajar en el periódico izquierdista L'Ora de Palermo, y lo hizo hasta que éste fuera forzado a cerrar en 1990.
Battaglia tomó alrededor de 600.000 imágenes haciendo coberturas para el periódico. A través de los años documentó la feroz guerra interna de la Mafia y su asalto a la sociedad civil. Battaglia a veces se encontró en el escenario de cuatro o cinco asesinatos en un mismo día. Battaglia y Zecchin produjeron muchas de las imágenes icónicas que representaron a Sicilia y la Mafia por todo el mundo. Fotografió la muerte tan a menudo que era como una especie de morgue itinerante. "Súbitamente -dijo una vez- me hice con un archivo de sangre."

"Il figlio veglia il padre nell' androne della casa povera / El hijo vela al padre en la sala de la casa pobre / 
The son holds a vigil with his father's body in the poor house room", Palermo, 1986.


El 6 de Marzo es el cumple de

Herman Leonard, fotógrafo estadounidense nacido en 1923, conocido por sus imágenes únicas de los iconos del jazz.
Leonard obtuvo un graduado en fotografía en 1947 por la Universidad de Ohio, aunque su carrera se vio interrumpida al entrar en servicio en el ejército durante la 2ª Guerra Mundial. Tras su graduación fue aprendiz del retratista Yousuf Karsh durante un año. Karsh le proporcionó una invalorable experiencia fotografiando personalidades públicas como Albert Einstein, Harry Truman y Martha Graham.
En 1948, Leonard abrió su primer estudio en New York trabajando como freelance para varias revistas. Pasaba las veladas en el Royal Roost y luego en Birdland, donde fotografió músicos de jazz como Dexter Gordon, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Billie Holiday, Duke Ellington y Miles Davis entre otros. Por aquél entonces, la cantidad de tomas era limitada. Utilizando negativos de vidrio, Leonard incrementaba la sensibilidad de las placas exponiéndolas a vapor de mercurio. Murió en 2010.
Sitio web del artista: http://hermanleonard.com/

"Dizzy Gillespie", Royal Roost, New York, 1948.

Más sobre Leonard en "El Hurgador" / More about Leonard in this blog:


El 7 de Marzo es el cumple de

Nicéphore Niépce, inventor francés nacido en 1765, reconocido por ser uno de los inventores de la fotografía y pionero en el campo. Desarrolló la heliografía, una técnica utilizada para producir la fotografía más antigua que se conserva. Entre otras invenciones de Niépce estuvo el Pirelóforo, el primer motor del mundo a combustión interna, que concibió, creó y desarrolló con su hermano mayor Claude.
Niépce tomó el que se cree es el primer fotograbado en 1822, de un grabado del Papa Pío VII, pero el original se destruyó más tarde cuando intentó duplicarlo. El más antiguo fotograbado de Niépce que sobrevive, es uno de una imagen del s.XVII de un hombre con un caballo, y otro de una mujer con una rueca.
Comenzó a experimentar con imágenes ópticas en 1793. Algunos de sus experimentos más tempranos consiguieron imágenes, pero se desvanecían muy pronto. Cartas a su cuñada de alrededor de 1816 indican que encontró una forma de fijar imágenes en papel, pero no conseguía evitar que se deterioraran expuestas a la luz. El ejemplo más antiguo que sobrevivió fue creado en 1825. Niépce llamó a este proceso "Heliografía", que literalmente significa "escribir con sol". Murió en 1833.

"Vue de la fenêtre du domaine du Gras / Vista de una ventana del área de Gras / 
View from a window of the area of Gras", Saint-Loup-de-Varennes (Saône-et-Loire, Bourgogne, France)". 
Primera fotografía permanente realizada que se conserva / First photograph ever made that survives
Versión mejorada por el suizo / Enhanced version by the Swiss Helmut Gersheim, realizada c.1952.


El 8 de Marzo es el cumple de

Aenne Biermann, fotógrafa alemana nacida en 1898. 
Biermann fue una fotógrafa autodidacta. Sus primeros sujetos fueron dos niños, Helga y Gershon. La mayoría de las fotografías de Biermann fueron tomadas entre 1925 y 1933. Gradualmente se convirtió en uno de los mayores exponentes de la Nueva Objetividad, un significativo movimiento que se desarrolló en los años'20 en la República de Weimar. Su obra se hizo internacionalmente conocida a fines de los años '20, cuando apareció en cada una de las mayores exposiciones de fotografía alemana.
Sus muestras más destacadas incluyen la del Munich Kunstkabinett, Deutscher Werkbund y la exposición en el Folkwang Museum de 1929. Murió en 1933.

"Cocos / Cocosnuss", 1929


Hoy, 9 de Marzo, es el cumple de

Alejandro Martínez, fotógrafo español nacido en Asturias en 1958, cuya obra principal consiste en paisajes en blanco y negro.
Tras su larga trayectoria en la fotografía analógica, recientemente se ha adentrado en el color de la mano de la técnica digital. Desde 1985 ha realizado más de 100 exposiciones individuales en España, Alemania, Argentina y Panamá. En cuanto a las colectivas son más de 25 en países como España, Bélgica, Malta o Francia.
Ha publicado su trabajo en muchas revistas de arte y fotografía.

"Aigueta de Barbaruens"


Textos en inglés / English translation

* On March 1 is the birthday of

Manfred Baumann, Austrian photographer born in 1968 in Vienna. 
His grandfather was also a photographer, and the one who supported him as a photographer and gave him his first camera, a Praktika.
In 1990 he took his first steps working professionally in photography. In 1995 he broke all connections to his home and went to Canada with his girlfriend Nelly to work there as a photographer. Just two years later though both had to go back to Vienna.
In 2002 he got his first break into the national industry and began to photograph celebrities and to portray them.
Manfred Baumann also works in Fine Nude Art and landscape photography.

* On March 2 is the birthday of

Ernst Haas, photojournalist and a pioneering color photographer born in 1921. During his 40-year career, the Austrian-born artist bridged the gap between photojournalism and the use of photography as a medium for expression and creativity. In addition to his prolific coverage of events around the globe after World War II, Haas was an early innovator in color photography. His images were widely disseminated by magazines like Life and Vogue and, in 1962, were the subject of the first single-artist exhibition of color photography at New York’s Museum of Modern Art. He served as president of the cooperative Magnum Photos, and his book The Creation (1971) was one of the most successful photography books ever, selling 350,000 copies. He died in 1986.

* On March 3 is the birthday of 

František Drtikol, a Czech photographer of international renown born in 1883. He is especially known for his characteristically epic photographs, often nudes and portraits. 
From 1907 to 1910 he had his own studio, until 1935 he operated an important portrait photostudio in Prague. Jaroslav Rössler, an important avant-garde photographer, was one of his pupils. Drtikol made many portraits of very important people and nudes which show development from pictorialism and symbolism to modern composite pictures of the nude body with geometric decorations and thrown shadows, where it is possible to find a number of parallels with the avant-garde works of the period. These are reminiscent of Cubism, and at the same time his nudes suggest the kind of movement that was characteristic of the futurism aesthetic.
He died in 1961.

* On March 4 is the birthday of 

Margrethe Mather, an American photographer born in 1886 who, through her exploration of light and form, helped to transform photography into a modern art.
Mather was associated with Edward Weston. They were close companions who collaborated on many photographs. His fame continues to overshadow Mather's considerable work from the period of their collaboration and afterwards. Mather and Weston met in 1913 and worked together until he departed for Mexico in 1923. The photographs Mather made, both alone and in collaboration with Weston, helped set the stage for the shift from pictorialism (softly focused images giving the photograph a romantic quality) to modernity. Many of her photographs were more experimental than those being produced by her contemporaries.
Her last exhibition was held in 1931 at the M.H. de Young Memorial Museum in San Francisco. She died in 1952.

* On March 5 is the birthday of 

Letizia Battaglia, Sicilian photographer and photojournalist born in 1935. Although her photos document a wide spectrum of Sicilian life, she is best known for her work on the Mafia.
Married at 16, she took up photojournalism after her divorce in 1971, while raising three daughters. She picked up a camera when she found that she could better sell her articles if they were accompanied by photographs and slowly discovered a burning passion for photography. In 1974, after a period in Milan during which she met her long-time partner Franco Zecchin, she returned to Sicily to work for the left-wing L’Ora newspaper in Palermo until it was forced to close in 1990.
Battaglia took some 600,000 images as she covered the territory for the paper. Over the years she documented the ferocious internal war of the Mafia, and its assault on civil society. Battaglia sometimes found herself at the scene of four or five different murders in a single day. Battaglia and Zecchin produced many of the iconic images that have come to represent Sicily and the Mafia throughout the world. She photographed the dead so often that she was like a roving morgue. "Suddenly," she once said, "I had an archive of blood."

* On March 6 is the birthday of 

Herman Leonard, American photographer born in 1923, known for his unique images of jazz icons.
Leonard gained a BFA degree in photography in 1947 from Ohio University, although his college career was interrupted by a tour of duty in the U.S. Army during World War II.
After graduation, he apprenticed with portraitist Yousuf Karsh for one year. Karsh gave him valuable experience photographing public personalities such as Albert Einstein, Harry Truman and Martha Graham.
In 1948, Leonard opened his first studio in New York free-lance for various magazines, he spent his evenings at the Royal Roost and then Birdland, where he photographed jazz musicians such as Dexter Gordon, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Billie Holiday, Duke Ellington, Miles Davis and others. The number of shots possible at a time was limited. Using glass negatives at this time, Leonard increased the sensitivity of the plates by exposing them to mercury vapor. He died in 2010.
Artist's Website: http://hermanleonard.com/

* On March 7 is the birthday of 

Nicéphore Niépce, French inventor born in 1765, most noted as one of the inventors of photography and a pioneer in the field. He developed heliography, a technique used to produce the world's oldest surviving photograph. Among Niépce's other inventions was the Pyréolophore, the world's first 'internal combustion engine', which he conceived, created, and developed with his older brother Claude.
Niépce took what is believed to be the world’s first photogravure etching, in 1822, of an engraving of Pope Pius VII, but the original was later destroyed when he attempted to duplicate it. The earliest surviving photogravure etchings by Niépce are of a 17th-century engraving of a man with a horse and of an engraving of a woman with a spinning wheel.
He began experimenting to set optical images in 1793. Some of his early experiments made images, but they faded very fast. Letters to his sister-in-law around 1816 indicate that he found a way to fix images on paper, but not prevent them from deterioration in light. The earliest known, surviving example of a Niépce photograph (or any other photograph) was created in 1825. Niépce called his process heliography, which literally means "sun writing". He died in 1833.

* On March 8 is the birthday of 

Aenne Biermann, a German photographer born in 1898.
Biermann was a self-taught photographer. Her first subjects were her two children, Helga and Gershon. The majority of Biermann's photographs were shot between 1925 and 1933. Gradually she became one of the major proponents of New Objectivity, an important art movement in the Weimar Republic. Her work became internationally known in the late 1920s, when it was part of every major exhibition of German photography.
Major exhibitions of her work include the Munich Kunstkabinett, the Deutscher Werkbund and the exhibition of Folkwang Museum in 1929. She died in 1933.

* Today, March 9, is the birthday of 

Alejandro Martínez, a Spanish photographer born in Asturias in 1958, whose main work consists of landscapes in black and white. 
After his long career in analog photography, has recently ventured into the color with digital techniques. Since 1985 he has performed more than 100 solo exhibitions in Spain, Germany, Argentina and Panama and in collective shows in more than 25 in countries like Spain, Belgium, Malta and France. 
He has published his work in many art and photography magazines.

Rinocerontes (L)

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Sigo celebrando hitos estadísticos en el blog. Hoy post número 50 de la serie dedicada a los rinocerontes. Un sub-blog dentro de "El Hurgador" que sólo me ha dado satisfacciones. Aquí va el puntapié inicial que llevará la serie a la centena... eso espero.

I still celebrating statistical milestones on the blog. Today 50th post in the series dedicated to the rhinos. A sub-blog in "El Hurgador" that has only given me satisfaction. Here's the kickoff to take the series to the hundred ... I hope so.
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James Jean

"Los cinco grandes / Big Five", óleo en dos lienzos / oil on two canvases, 60 x 104, 2011

James Jean es un artista estadounidense nacido en 1979 en Taipei, Taiwan, conocido tanto por su obra comercial como su trabajo en galerías de bellas artes. Es conocido en la industria del comic estadounidense como un artista de portadas para varios libros de DC Comics, así como por sus trabajos para Prada, ESPN y Atlantic Records. 
Se educó en la Escuela de Artes Visuales de New York City, de la que se graduó en 2001.
En 2007, Jean creó un mural para las tiendas Epicentro Prada en New York y Los Angeles. También creó el fondo para la muestra Primavera/Verano 2008 de Prada en Milán.
Dana Jennings del New York Times, dice que la obra de James: «... al igual que con sus Fábulas, las pinturas e ilustraciones están a menudo bañadas con un romanticismo onírico y un lirismo digno de Maxfield Parrish, aún cuando Mr. Jean subvierte esos y otros ismos.»

"Los cinco grandes / Big Five" (detalle / detail)

Instalando / Installing"Los cinco grandes / Big Five", Hong Kong

James Jean is an artist born in 1979 in Taipei, Taiwan, known for both his commercial work and fine art gallery work. He is known in the American comics industry as a cover artist for various books published by DC Comics, as well as for his work for Prada, ESPN and Atlantic Records. 
He was educated at the School of Visual Arts in New York City, from which he graduated in 2001.
In 2007, Jean created a mural for the Prada Epicenter stores in New York and Los Angeles. He also created a backdrop for Prada's Spring/Summer 2008 show in Milan.
Dana Jennings of The New York Times says of Jean's work: «... as with his Fables work, the paintings and illustrations are often suffused with a dreamy romanticism and lyricism worthy of Maxfield Parrish, even as Mr. Jean subverts those and other "isms."»

"Los cinco grandes / Big Five", boceto / sketch, grafito sobre papel / graphite on paper, 8,5 x 11, 2011

Más imágenes e información sobre James en / More images and information about James in


Tony Karpinski

"Rinocerontes madre y bebé / Rhino Mother and Baby", óleo sobre panel / oil on board, 18" x 12"

Tony nació en 1965 en Londres, Reino Unido. Desde edad muy temprana ha estado capturando y recreando como arte el mundo tal como él lo percibe. Su educación artística comenzó, y continúa, como reflejo de este mundo. Como joven artista se le encargó crear varios pastiches de Maestros holandeses y fue entonces cuando desarrolló su maestría con el óleo. La vida de Tony cambió para siempre cuando le presentaron las pinturas de vida salvaje de Wilhelm Kuhnert (1865-1926). Fueron sumamente inspiradoras. Esto le condujo a iniciar sus viajes por África. Lo que siguió, y continúa hasta estos días, es una única, impresionante y prestigiosa colección de maravillosas pinturas.

"Rinos cerca del agua / Rhinos by Water", óleo sobre panel / oil on board, 16" x 12"

Tony was born in 1965 in London, UK. From an early age he was capturing and recreating as art the world as he perceived it. His education in art began, and continues, by reflecting this world. As a young artist he was commissioned to create several pastiches of Dutch masters and it was here that he developed his mastery of oils.
Tony's life changed forever when he was introduced to the wildlife paintings of Wilhelm Kuhnert (1865-1926) . They were truly inspirational. This led to the start of Tony's journeys to Africa. What followed, and continues to this day, is a unique, impressive and prestigious collection of wonderful paintings.

Más imágenes e información sobre Tony en / More images and info about Tony in


Lieke van der Vorst


Lieke van der Vorst es una artista holandesa que acuñó la etiqueta de "Liekeland" en 2011 al imprimir su primera postal ilustrada.
Desde su estudio en Helmond, donde vive y trabaja con Dave y su gato Lino, diseña e ilustra su propia obra, así como trabajos para clientes.
Lieke cuida los aspectos de sostenibilidad; todos sus productos están ilustrados e impresos en papel certificado por FSC de Arctic Paper.
Para sus ilustraciones se inspira en las buenas cosas que la rodean; su jardín, la comida, ir al mercado y beber té junto con sus amigos y familiares.

"Muziek makende neushoorn / Rinoceronte músico / Rhino Musician"
ilustración de portada para la edición Nº 6 de la revista digital en "Oh Marie", que puede leerse completa aquí
Cover illustration for the digital magazine "Oh Marie", issue # 6, "Winter Harvest", you can fully read here.

Lieke van der Vorst is an artist from the Netherlands that founded the label Liekeland in 2011 by printing the first illustrated postcard. From my studio in Helmond, where she works and live with Dave and their cat Lino, she design and illustrates her own work as well as work by order of customers.
She pays a lot of attention to sustainability. All of her products are being illustrated and printed on FSC-certified paper by Arctic Paper.
Her vegetable garden, cooking, going to the market and drinking tea surrounded by friends and family are her major sources of inspiration that she uses for her illustrations.


Más imágenes e información sobre Lieke en / More images and info about Lieke in


Andrea Joseph

Andrea Joseph es una ilustradora independiente británica, originaria de Gales del Sur, actualmente viviendo y dibujando en el distrito de Peak.
Comenzó a dibujar hace unos 8 años cuando encontró algunas ilustraciones en blogs online. Nunca ha dejado de hacerlo desde entonces.
«En mi tarjeta comercial pone "garabateadora profesional", así que creo que es lo que más se aproxima a lo que hago. Soy una artista de bocetos. Prefiero dibujar en cuadernos de bocetos por sobre todas las cosas. Veo cada libro como un todo; soy una artista de álbums, si se quiere.»

"Pánico / Panic", ilustración para "James y el melocotón gigante", de Roald Dahl / 
Illustration for "James and the Giant Peach" by Roald Dahl, 2012

Andrea Joseph is an independent illustrator from UK, originally from South Wales, but now living and drawing in the Peak District. 
She started drawing around eight ago when she found some of the illustrated blogs online. She have never stopped drawing since.
«On my business card I’ve put ‘professional doodler’ so I guess that’s the closest I’ve come to making sense of what I do. I am a sketchbook artist. I prefer drawing in sketchbooks above all else. I see each book as a whole - I’m an album artist, if you like.»

Más imágenes e información sobre Andrea en / More images and info about Andrea in


Jose Luis López Galván

"Cena sin salomón / Dinner without solomon", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 90 cm., 2010

José Luis López Galván es un artista mexicano nacido en 1985 en Guadalajara. Estudió en la Universidad de Guadalajara.
"En cada pintura intento con toda clase de elementos; animales, humanos, objetos de todo tipo, formar un collage que al integrarse represente un retrato no del aspecto de las cosas, si no su esencia."
"Cuando aparece un conejo, me refiero a la inocencia, cuando aparece la máscara de zorro, a la hipocresía. Las máquinas son frías y los personajes humanos conviven sin problema en un mundo contradictorio de pesadilla, que representa al mundo real, pero sin las envolturas que lo hacen más digerible."

"Sin titulo / Untitled", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 70 x 100 cm., 2013

José Luis López Galván is a Mexican artist born in 1985 in Guadalajara. He studied in the University of Guadalajara.
"In each painting I try, with every kind of elements -animals, humans, objects of any type-, to create a collage that, in its integration, represents a portrait, not of the aspect of things, but of their essence."
"When the rabbit appears I refer to innocence; when the mask of Zorro, hypocrisy; machines are cold and human characters live together without problems in a contradictory world of nightmare that represents the real world wothout the wrappings that make it more digestible."

Más imágenes e información sobre José Luis en / More images and info about Jose Luis in

Muy pronto más sobre José Luis en el blog... / More about Jose Luis soon in this blog...


Oleg Denisenko

Maestro Albertus y su rinoceronte favorito / Maestro Albertus and his Favourite Rhinoceros"
Aguafuerte / etching, diám. 19 cm., 2011

Oleg Denisenko es un artista bielorruso del cual publiqué recientemente un post con sus grabados y esculturas. Me remito al mismo para más imágenes e información. Me reservé estos hermosos rinocerontes para este post.

"Rinoceronte / Rhinoceros", ex-libris para / bookplate for Nicola Carlone

Oleg Denisenko is a Belarusian artist. I published recently a post with his prints and sculptures. I refer to that post for more images and information. I reserved these beautiful rhinos for this post.

"Rinoceronte / Rhinoceros", altura / high 28 cm., 2005

Más sobre Oleg en "El Hurgador" / More about Oleg in this blog:

Se puede disfrutar del trabajo de Oleg en / You can enjoy Oleg's work in


Stephen Hazel

Stephen Hazel fue un artista y educador estadounidense nacido en 1934. Según Sam Davidson, director de la Davidson Galleries de Seattle, «... Pocos artistas han contribuído tanto a la comprensión y apreciación de las obras en papel, especialmente las impresiones originales.» Su obra ha sido exhibida internacionalmente y coleccionada por destacados museos, como el MoMA (New York), el Museo de Brooklyn, Museo de Philadelphia y Museo de Arte de Seattle.
Hazel fue un magistral artista de la impresión, con una capacidad mística para ordenar los procesos y aún así sentirse impresionado por ellos. Stephen Hazel llamaba a Seattle su casa, pero muchos lugares hablan de él en la creación de sus imágenes, ya que ha trabajado extensamente en Italia, Portugal y Tokyo. La influencia de la estética japonesa, en particular, es evidente en las elegantes composiciones de sus grabados. Murió en 2012.

"Rinoceronte / Rhinoceros", xilografía / woodcut, 11" x 18"

Stephen Hazel was an American print artist and educator born in 1934. Sam Davidson, Owner & Director of Seattle’s Davidson Galleries, writes «… Few artists contributed so much to the understanding and appreciation of works on paper, especially original prints.» His artwork was exhibited internationally and collected by major museums including the Museum of Modern Art (N.Y.), The Brooklyn Museum, Philadelphia Museum and the Seattle Art Museum. 
Hazel was a masterful print artist with a mystical ability to command processes and yet still be awed by them. Stephen Hazel calls Seattle home but many places speak to him in the creation of his images, as he has worked extensively in Italy, Portugal and Tokyo. The influence of Japanese aesthetics in particular is evident in the elegant compositions of his prints. He died in 2012.

Más información e imágenes sobre Stephen / More images and info about Stephen


 Bato Dashitsirenov
Бато Дашицыренов

Bato Dashitsirenov nació en la República de Buriatia, Rusia, en 1961.
En 1995 se graduó en la Academia de las Artes de San Petersburgo con I. Repin, departamento de pintura de teatro, estudio de E. Kocherguin. En el período de 1995-1999 se desempeñó como artista principal en la Ópera y Ballet Estatal de Buriatia (Ulan-Ude). Principales obras de teatro: "La dama de las camelias" (1996), "Los sueños del Shaman" (1998, Teatro Dramático Ruso, Ulan-Ude), "¿Dónde estás, hijo de Blue Sky?" (1998, drama del teatro de Buriatia).
En el período de 2000 - 2004 Bato fue el principal artista de taller artístico en el Teatro Mariinsky (San Petersburgo).
En octubre de 2005 tuvo lugar una exposición personal de Bato (San Petersburgo, Unión de Artistas). En 2005 y 2006 participó en "Art Manege" (Moscú), y "Art Miami".
Las obras de Bato pueden encontrarse en colecciones privadas en Rusia y en el extranjero.

"Caballero / Knight", bronce / bronze, 20 x 36 x 11 cm.

Bato Dashitsirenov was born in the Republic of Buryatia, Russian Federation, in 1961.
In 1995 he graduated from the St. Petersburg Academy of Arts after I. Repin,  department of theatre painting, studio of E. Kocherguin. In the period of 1995-1999 he worked as the chief artist at the Buryat State Opera and Ballet Theatre (Ulan-Ude). Major theatre works: “La dame aux Camélias” (1996), “The Shaman’s dreams” (1998, the Russian Drama Theatre, Ulan-Ude), “Where are you, Son of Blue Sky” (1998, the Buryat Drama Theatre).
In the period of 2000 - 2004 Bato was the chief artist of artistic workshop at the Mariinsky Theatre (St. Petersburg).
In October, 2005 there was Bato’s personal exhibition (St. Petersburg, The Union of Artists). In 2005 and 2006 he participated in “Art Manege” (Moscow), and “Art Miami”. Bato’s artworks are kept in private collections in Russia and abroad.

Más imágenes e información sobre Bato Dashitsirenov / More images and info about Bato Dashitsirenov
Galería Khankhalaev


Li Hui [李辉]

"Rinoceronte capturado / Captured Rhino", acero inoxidable / stainless steel, 270 × 90 × 100 cm., 2012

Li Hui es un artista chino nacido en 1977 residente en Beijing, graduado de la Academia Central de Bellas Artes de China en 2003.
Como artista conceptual, trabaja en diversos medios, incluyendo acrílicos, luces de neón y láser, que permiten visualizar la singularidad y nuevos límites de la nueva era del arte chino en sus esculturas.
Con la ayuda de las técnicas más modernas, Li Hui articula consideraciones filosóficas y un aura casi poética rodea los resultados.
Su obra ha sido presentada en varias muestras de arte y bienales en China y Corea del Sur.


Li Hui is a Chinese, Beijing based artist born in 1977, graduated from the China Central Academy of Fine Arts in 2003.
As a conceptual artist he works in diverse mediums including transparent neon-lit acrylic sculptures and laser beams and visualizes the uniqueness and new boundaries of the new age of Chinese New Media art in his sculptures.
With the help of most modern techniques, Li Hui articulates philosophical considerations and an almost poetic aura surrounds the result.
Li Hui and his work have been featured in various art exhibitions and Biennales in China and South Korea.

Imagen cortesía / Image courtesy Eli Klein Gallery

Más imágenes e información sobre Li Hui / More images and info about Li Hui
Wikipedia / Klein Sun Gallery

Luis Beltrán [Fotografía, Fotomanipulación]

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Luis Beltrán


Luis Beltrán es un fotógrafo español nacido en 1973 que vive y trabaja en Valencia. Según podemos leer en la presentación de su sitio web, Luis "cuenta historias de sus ensueños a través de la fotografía digital. Una obra tranquila y seductora, portadora de profundos y conmovedores deseos inocentes. Las figuras aparecen al final de callejones, sobre las ciudades, en los árboles. (...) Sus fotos producen una sensación de ensoñación, producto de su profundamente saturada (aunque tenue) coloración."

"Sueños Bajo el Agua / Underwater Dreams", 2012 © Luis Beltran Photography

"Siempre Hay Una Luz / There's Always a Light", 2012 © Luis Beltran Photography

«Un día, hace unos años cayó en mis manos un libro que lo cambió todo: "Sombras en combate" de Javier Bauluz [ver al final del post]. Un reportaje fotográfico sobre el conflicto árabe-israelí. Me impresionó mucho que se pudiera llegar a transmitir tantas emociones tan sólo con imágenes. Desde aquel día la fotografía ha sido un referente en mi vida.»

"?" © Luis Beltran Photography

«...aunque la fotografía siempre ha estado “ahí” no ha sido hasta hace relativamente poco tiempo cuando he encontrado una forma de trabajar y un camino para expresarme. Ahora se lo que quiero y como conseguirlo.»

"Un Invierno Difícil / A Hard Winter", 2012 © Luis Beltran Photography

Serie "Apología del Presente" / "Apology of the Present" Series
"Llévame Contigo / Take me With You", 2009 © Luis Beltran Photography

«La fotografía es el medio para sacar de mi cabeza todas aquellas ideas y pensamientos que me martillean constantemente.»

«No pretendo cambiar el mundo, ojala pudiera, sólo hacerlo un poco más agradable mientras contemplas una de mis obras. Así me gustaría que (mi obra) fuera recordada, simplemente como un conjunto de imágenes que te hicieron pasar un buen rato.»

"África", 2012 © Luis Beltran Photography

Serie "Apología del Presente" / "Apology of the Present" Series
"Enamorado de la Luna / In Love With The Moon", 2009 © Luis Beltran Photography

Desde 2009 Luis ha presentado su trabajo en varias muestras y ferias de arte en España, Colombia, Costa Rica, Inglaterra y New York.
Los textos están tomados del sitio web del artista y de una entrevista realizada por el blog Fotógrafos Artísticos en 2009, que puede leerse completa aquí.

Serie "Apología del Presente" / "Apology of the Present" Series
"Mariposa de Otoño / Autumn Butterfly", 2009 © Luis Beltran Photography

Serie "Apología del Presente" / "Apology of the Present" Series
"Verde / Green", 2009 © Luis Beltran Photography

Luis Beltrán is a Spanish photographer born in 1973, based in Valencia. As we can read in his website presentation, Luis "tells the stories of his daydreams through his latest body of digital print photographs. These quietly seductive works hold a deep and moving quality of innocent desire. Figures appear at the ends of alleys, above cityscapes, and up trees(...) Beltrán’s photos produce a dreamlike sensation, the product of their deeply saturated, yet muted, coloration." 

"Tocando el Cielo / Touching the Sky", 2011 © Luis Beltran Photography

Serie "Sueña Conmigo" / "Dream of Me" Series
"El Gran Viaje / The Big Trip", 2010 © Luis Beltran Photography

«One day, some years ago I came across a book that changed everything: "Shadows in Combat" by Javier Bauluz [check out at the end of this post]. A photo essay on the Arab-Israeli conflict. I was impressed that it could convey so much emotions only with pictures. Since that day, photography has been a landmark in my life.»

Serie "Apología del Presente" / "Apology of the Present" Series
"A Sus Pies / At Her Feet", 2009 © Luis Beltran Photography

© Luis Beltran Photography

«... even when photography has always been there, has not been until relatively recently when I found a way of working and a way to express myself. Now I know what I want and how to get it.»

«Photography is the way to get out of my head all the ideas and thoughts that constantly hammering me.»

Serie "Apología del Presente" / "Apology of the Present" Series
"Sonámbulos / Sleepwalkers", 2009 © Luis Beltran Photography

Serie "Apología del Presente" / "Apology of the Present" Series
"A Medianoche / At Midnight", 2009 © Luis Beltran Photography

«I do not intend to change the world, I wish I could, only make it a little more pleasant while you contemplates one of my works. I like (my work) to be remembered like that, simply as a set of images that made you pass a good time.»

Serie "Apología del Presente" / "Apology of the Present" Series
"Mirlos / Blackbirds", 2009 © Luis Beltran Photography

Since 2009 Luis has shown his work at various exhibitions and art fairs in Spain, Colombia, Costa Rica, England and New York.
Texts from artist's website and from an interview with Luis in 2009, posted in the blog "Fotógrafos Artísticos (Artistic Photographers)" you can fully read (in Spanish) here.

Serie "Sueña Conmigo" / "Dream of Me" Series
"Sequía / Drought", 2010 © Luis Beltran Photography

"Thai", 2010 © Luis Beltran Photography

Se puede disfrutar de la obra de Luis en / You can enjoy more Luis' artworks in

Más sobre Luis Beltrán en "El Hurgador" / More about Luis Beltran in this blog:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas Gracias, Luis!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Luis!)


Referencias / References

Javier Bauluz

Un palestino se defiende con piedras de un helicóptero sionista / 
A Palestinian defends throwing rocks at a Zionist helicopter

Javier Bauluz es un periodista y fotógrafo español, director de "periodismohumano" nacido en 1960.
Desde 1984 ha cubierto diferentes conflictos y eventos como fotoperiodista freelance y colaborado con las agencias Reuter, Staff, VU, Gamma y AP.
Su trabajo se ha publicado en varios periódicos y revistas como New York Times, Washington Post, Newsweek, Time, Geo, Liberation, The Independent, Der Spiegel, El Pais, La Vanguardia, etc.
En 1995 ganó el Premio Pulitzer por su cobertura en Ruanda con el equipo de AP.

El movimiento "15 M" en la Puerta del Sol, Madrid / 
The "15 M" Movement in "Puerta del Sol", Madrid

Javier Bauluz is an Spanish journalist and photographer, Director of "periodismohumano", born in 1960.
Since 1984 covered diferents conflicts and events as photojournalist freelance and colaborated with Press Agencies: Reuter, Staff, VU, Gamma and AP. 
Publications in different international and national newspapers and magazines such as: New York Times, Washington Post, Newsweek, Time, Geo, Liberation, The Independent, Der Spiegel, El Pais, La Vanguardia, etc 
In 1995 won the Pulitzer Prize for the Rwanda coverage with the AP team.

Más información sobre Javier / More info about Javier

Boz Mugabe [Pintura]

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Boz Mugabe

"Ceremonia del chile en la llama del árbol erógeno / A Chili Ceremony at the Erogenous Flame Tree"
Tinta, acrílico y acuarela sobre papel / ink, acrylic, watercolour on paper, 78 x58 cm., 2013

Boz Mugabe es un artista irlandés que vive y trabaja en Dublín. Sus obras resultan muy características. Fusiona elementos tribales, grafías árabes, imaginería oriental y tradiciones occidentales en obras de paleta suave llenas de personajes entre lo grotesco y lo gótico.
Desde hace más de 20 años su obra ha ido expandiéndose desde el blanco y negro en el ámbito de las publicaciones underground hasta el día de hoy en el que sus trabajos se exponen en muestras individuales y colectivas, e impresiones de edición limitada.

"Encarcelamiento / Incarceration"
Acrílico y tinta india sobre papel de algodón / acrylic and indian ink on cottonpaper, 50 x 50 cm., 2005

Sobre el significado de su obra, en relación a su muestra de 2012 "Little black temples", Boz comenta:
«En realidad no quiero describir el contenido de una forma que pueda constituir una definición de lo que se supone que es... es un poco insultante para quien vea la muestra... Una interpretación de apoyo está fuera de mi alcance una vez que la obra está colgada en las paredes... A menudo es un ejercicio poco divertido e innecesariamente académico que va contra el propósito de las imágenes mismas (aunque la interpretación de otras personas es importante para mí; las mejores generalmente vienen de niños por su honestidad contundente y perspicacia no contaminada por la monotonía del mundo de los adultos).»

"Ariete / Battering Ram"
Acrílico, tinta india y acuarela sobre papel / acrylic, indian ink and watercolour on paper, 80 x 60 cm., 2009

"Atrapamoscas / Flytrap"
Acrílico, tinta india y acuarela sobre papel / acrylic, indian ink and watercolour on paper, 28 x 38 cm., 2013

"Atrapamoscas / Flytrap" (detalle / detail)

"Rattus Rattus"
Acrílico y tinta india sobre papel de algodón / acrylic and indian ink on cottonpaper, 80 x 60 cm., 2006

«Diferentes niveles de interacción son importantes para cualquier tipo de arte; las mezquitas y pagodas se ven majestuosas a la distancia, y maravillosas de una forma completamente diferente cuando te acercas. En el caso de lo que yo hago, el detalle es parte de lo que define los personajes, y sin ellos se perdería mucho de la textura. Cada pequeño efecto y objeto es importante para la pieza en su conjunto, pero no necesariamente debe ser meticulosamente escudriñado cada vez por cada persona que mira la obra.»

"Miel silvestre / Wild Honey"
Acrílico, tinta india y acuarela sobre papel / acrylic, indian ink and watercolour on paper, 38 x 48 cm., 2013

"Aura", tinta, acrílico y acuarela sobre papel / ink, acrylic and watercolour on paper, 48 x 38 cm., 2014

«Robert Steven Connett es alguien con quien me topé casualmente en Internet hace un par de años. Veo cientos de artistas estadounidenses con un grado de habilidad técnica notable, pero su obra se centra en una imaginería irónica de cultura pop realmente poco interesante, lo que la vuelve vulgar y sin sentido. La obra de Robert Steven Connet tiene una voz surrealista excepcional que la hace única.
Šarunas Sauka [ver al final del post], estoy convencido, es el más grande pintor vivo. Lleva una vida recluída en algún lugar de la Lituania rural y su trabajo tiene la gravedad del clasicismo, aunque es una maravilla de divina locura. Está por encima de cualquier arte que yo haya visto físicamente, tanto a nivel creativo como intelectual. Asistí a su exposición "Yo, Pintor Šarunas" en Tallinn a principios de 2012 y quedé fascinado por la escala, volumen, calidad y locura herética de todo aquello. Igualmente insano es el hecho de que no esté adecuadamente representado en Internet.
También tienen para mí una gran relevancia las hermosas creaciones de Alfred Kubin [ver al final del post], miles de artesanos incas, egipcios, hopi y griegos que recibían gachas y palizas por sus servicios y, muy importante, Heinrich Hoffmann, el hombre que sin lugar a dudas me llevó por el camino de los suspensos cuando tenía 6 años.
Soy muy aficionado a Jean Michel Basquiat [ver al final del post], pero tenía el mismo hándicap que Picasso; sus obras de arte son innegables, pero el haber tenido éxito en vida resultó en la producción de una gran cantidad de arte mediocre para satisfacer la demanda.»

"Otemoto"
Acrílico, tinta india y acuarela sobre papel / acrylic, indian ink and watercolour on paper, 80 x 60 cm., 2009

«La forma en que opero es de una laboriosidad intensiva, y si no hago el trabajo, no se hace solo. La más difícil para mí es cuando todo está enmarcado, envuelto en plástico de burbujas y listo para salir por la puerta para ser colgado. Siempre tengo la sensación de que la obra pudo haber sido mejor.»

Izq./ Left: "Trisquel genital / Triskel Genital" - Der./ Right: "Deidad Calamar / Squid Deity"
Impresiones / Printings

Boz Mugabe is an Irish artist who lives and works in Dublin. His works are very characteristic. Merges tribal designs, Arab calligraphy, Eastern imagery and Western traditions using a soft palette, with characters often grotesque and gothic. 
For over 20 years his work has been expanding since the black and white in the field of underground publications until today in which his works are shown in solo and group exhibitions, and published in limited edition prints.

"El gérmen / The Germ"
Tinta, acrílico y acuarela sobre papel / ink, acrylic and watercolour on paper, 28 x 38 cm., 2014

"Demonio bebedor de sake / Sake Drinking Fiend"
Acrílico y tinta india sobre papel de algodón / acrylic and indian ink on cottonpaper, 80 x 60 cm., 2006

About the meaning of his work, talking on his 2012 show "Little black temples", Boz said:
« I don’t really want to describe the content in any way that might construe a definition of what it’s supposed to be... it’s a little insulting to whoever sees the exhibit... A supporting interpretation is out of my hands once the work is on the walls... It’s often a joyless and unnecessarily academic exercise and defeats the purpose of the images themselves (although other people’s interpretations are important to me - the best ones generally come from kids because of blunt honesty and insight untainted by the drudgery of the adult world)»

"Minero ciego / Blind Miner"
Tinta, acrílico y acuarela sobre papel / ink, acrylic and watercolour on paper, 38 x 48 cm., 2014

"Templos negros de Apocrita / Black Temples of Apocrita"
Acrílico, tinta india y acuarela sobre papel / acrylic, indian ink and watercolour on paper, 76 x 56 cm., 2011

«Different levels of interaction are important with any art - Mosques and pagodas look majestic from a distance and wonderful in a completely different way up close. In the case of what I do, the detail is part of the defining character and without it the work would loose much of its texture. Each small effect and object is important to the overall piece, but these don’t necessarily need to be scrutinised or squinted at every time someone views the artwork.»

"Templos negros de Apocrita / Black Temples of Apocrita" (detalle / detail)

"Presa / Prey"
Acrílico, tinta india y acuarela sobre papel / acrylic, indian ink and watercolour on paper, 38 x 48 cm., 2012

«Robert Steven Connett is someone I randomly stumbled across on the Internet a couple of years ago. I see hundreds of American artists with that level of technical ability kicking about, but their work is centred on utterly uninteresting ironic pop culture imagery, which renders it tacky and pointless. Robert Steven Connett’s work has an exceptional surrealistic voice that makes it unique. 
Šarunas Sauka [check out at the end of this post], I am convinced, is the greatest living painter. He leads a reclusive life somewhere in rural Lithuania and his work has the gravity of classicism to it, while engaging in all sorts of divine madness. It towers over any art I’ve ever physically seen, both creatively and intellectually. I attended his "I, Painter Šarunas" exhibition in Tallinn earlier this year and was mesmerized by the scale, volume, quality and heretical insanity of it. Equally insane is the fact that he’s not properly represented on the Internet. 
Also of major significance to me are the beautiful dark creations of Alfred Kubin [check out at the end of this post], thousands of unknown Inca, Egyptian and Hopi and Greek artisans who received gruel and a whipping for their services, and importantly, Heinrich Hoffmann, the man who undoubtedly set me on the path of a reprobate when I was 6.
I’m very fond of Jean Michel Basquiat [check out at the end of this post] but he suffered the same handicap as Picasso: The masterworks are undeniable, but success within his lifetime meant that he churned out a large volume of mediocre art to satisfy demand.»

"Inquisición III / Inquisition III"
Acrílico y tinta india sobre papel de algodón / acrylic and indian ink on cottonpaper, 50 x 40 cm., 2007

"Falafel Codex"
Acrílico, tinta india y acuarela sobre papel / acrylic, indian ink and watercolour on paper, 38 x 28 cm., 2009

"Clorofobia / Chlorophobia"
Acrílico, tinta india y acuarela sobre papel / acrylic, indian ink and watercolour on paper, 76 x 56 cm., 2012

"Clorofobia / Chlorophobia" (detalle / detail)

«The way I operate is extremely labour intensive and if I don’t do the work, it doesn’t get done. The most difficult time is when everything is framed, bubble-wrapped and ready to go out the door to be hung. I always wish the work could have been better.»

"Karma Tsunami"
Acrílico y tinta india sobre papel de algodón / acrylic and indian ink on cottonpaper, 80 x 60 cm., 2007

Los comentarios del artista están tomados de una entrevista de Alexa MacDermot para White Lady Art en 2012 que puede leerse completa (en inglés) aquí
Artist's comments from an interview by Alexa MacDermot in White Lady Art, 2012, you can fully read here.

Se puede disfrutar de la obra de Boz en / You can enjoy Boz's work in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Boz!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot Boz!)


Algunas referencias / Some references

Šarūnas Sauka

"Reanimacinė / Reanimación / Reanimation", 2010

Šarūnas Sauka es un pintor lituano posmoderno nacido en 1958. 
Desde 1976 a 1983 estudió en el Instituto Nacional de Lituania, Academia de Arte de Vilnius. En 1989 fue galardonado con el Premio Nacional de Lituania por su díptico "Žalgirio mūšis" (La Batalla de Grunwald). Sauka vive actualmente en Dusetos, una pequeño y remoto pueblo rodeado de bosques y lagos.
Sauka cree que el espíritu humano debe ser arrancado de sus cadenas convencionales para poder contemplar la verdadera condición de su cuerpo y alma. Una completa apreciación de su obra requiere una comprensión de la extensión y crueldad del terror comunista en Lituania y otros países de la Europa del Este y entender las ideas metafísicas y arquetípicas subyacentes, que son la base de su sensibilidad y visión del mundo.

"Moteris ir vyras / Mujer y hombre / Woman and Man", 2012

Šarūnas Sauka is a postmodern Lithuanian painter born in 1958. 
From 1976 to 1983, Šarūnas Sauka studied at the National Institute of Lithuania, Vilnius Art Academy. In 1989 he was awarded Lithuanian National Prize for diptych "Žalgirio mūšis" (English: Battle of Grunwald). Sauka now lives in Dusetos, a small and remote village among numerous lakes and forests.
Sauka believes that the human spirit must be stripped from conventional chains in order to contemplate the true condition of its body and soul. A full appreciation of his artwork requires an understanding of the extent and cruelty of the communist terror in Lithuania and other countries of Eastern Europe and a grasp of some of the underlying metaphysical and archetypal ideas that are basic to his world view and sensibility.
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Alfred Kubin

"Dentro de lo desconocido / Into the Unknown"
Tinta india, pluma, acuarela y spray s. papel / indian ink, pen, watercolor, spray technique on paper, 30,9 x 39 cm.

Alfred Leopold Isidor Kubin fue un impresor, ilustrador, y ocasional escritor austríaco nacido en 1877.
Entre 1892 y 2896, fue aprendiz con el fotógrafo paisajista Alois Beer, aunque aprendió poco. En 1896 intentó suicidarse en la tumba de su madre, y un corto pasaje por el ejército austríaco culminó al cabo de un año con un colapso nervioso. En 1898, Kubin comenzó un período de estudio artístico en una academia privada que llevaba adelante el pintor Ludwig Schmitt-Reutte, antes de entrar en la Academia de Múnich en 1899, donde no culminó los estudios. En Múnich, Kubin descubrió las obras de Odilon Redon, Edvard Munch, James Ensor, Henry de Groux y Félicien Rops. Quedó profundamente impresionado por los grabados de Max Klinger.
Kubin está considerado como un importante representante del simbolismo y el expresionismo, y destacó por sus fantasías oscuras, simbólicas y espectrales, a menudo compaginadas en series temáticas de dibujos. Murió en 1959. 

"Jede Nacht besucht uns ein Traum / Cada noche nos persique un sueño / 
Every Night We are Haunted by a Dream", pluma y tinta, pincel, aguada y spray sobre papel / 
pen and ink, brush, wash, and spray on paper, 39,1 x 31,8 cm., 1902-03. Albertina (Viena, Austria)

Alfred Leopold Isidor Kubin was an Austrian printmaker, illustrator and occasional writer born in 1877. 
From 1892 to 1896, he was apprenticed to the landscape photographer Alois Beer, although he learned little. In 1896, he attempted suicide on his mother's grave, and a short stint in the Austrian army the following year ended with a nervous breakdown. In 1898, Kubin began a period of artistic study at a private academy run by the painter Ludwig Schmitt-Reutte, before enrolling at the Munich Academy in 1899, without finishing his studies there. In Munich, Kubin discovered the works of Odilon Redon, Edvard Munch, James Ensor, Henry de Groux and Félicien Rops. He was profoundly affected by the prints of Max Klinger.
Kubin is considered an important representative of Symbolism and Expressionism and is noted for dark, spectral, symbolic fantasies, often assembled into thematic series of drawings. He died in 1959.
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Jean-Michel Basquiat

"Ángel caído / Fallen Angel", 1981

Jean-Michel Basquiat fue un artista haitiano-estadounidense nacido en 1960. Alcanzó relativa notoriedad como parte de SAMO, un grupo informal de grafiteros que escribían epigramas enigmáticos en el caldo de cultivo cultural del la Baja Zona Este de Manhattan, New York City, a fines de los '70, donde los movimientos del hip-hop, el post-punk y el street art se fusionaban. En los '80 estaba exponiendo sus pinturas neo-expresionistas y primitivistas en galerías y museos internacionales, pero murió de una sobredosis de heroína a los 27 años, en 1988. El Museo Whitney de Arte Estadounidense presentó una retrospectiva en 1992.
El arte de Basquiat se centró en las "dicotomías sugerentes", tales como riqueza versus pobreza, integración versus segregación, y experiencias interiores versus exteriores. Fue un buen poeta, dibujante y pintor, y casó texto con imagen, abstracción y figuración e información histórica mezclada con crítica contemporánea.
Basquiat utilizó el comentario social en sus pinturas como un "trampolín para profundizar en las verdades acerca del individuo", así como para atacar las estructuras de poder y los sistemas del racismo, mientras que su poética fue agudamente política y directa en su crítica del colonialismo, así como un apoyo para la lucha de clases.

"Philistines", acrílico y crayón sobre lienzo / acrylic and crayon on paper, 183 x 312.5 cm., 1982

Jean-Michel Basquiat was an Haitian-American artist born in 1960. Basquiat first achieved notoriety as part of SAMO, an informal graffiti group who wrote enigmatic epigrams in the cultural hotbed of the Lower East Side of Manhattan, New York City during the late 1970s where the hip hop, post-punk and street art movements had coalesced. By the 1980s he was exhibiting his Neo-expressionist and Primitivist paintings in galleries and museums internationally, but he died of a heroin overdose at the age of 27 in 1988. The Whitney Museum of American Art held a retrospective of his art in 1992.
Basquiat's art focused on "suggestive dichotomies," such as wealth versus poverty, integration versus segregation, and inner versus outer experience. He appropriated poetry, drawing and painting, and married text and image, abstraction and figuration, and historical information mixed with contemporary critique.
Basquiat used social commentary in his paintings as a "springboard to deeper truths about the individual", as well as attacks on power structures and systems of racism, while his poetics were acutely political and direct in their criticism of colonialism and support for class struggle.

"Chico y perro en un hidrante de incendios / Boy and dog in a Johnnypump"
Acrílico, crayón, pintura en spray / acrylic, crayon, spray paint, 240 x 420,5 cm., 1982. 
Colección privada / Private Collection.

Rabarama (II) [Escultura]

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Segundo post dedicado a esta escultora, pintora y artista de performances italiana, con una selección de buenas imágenes de su obra. Para más información sobre ella, ver el post anterior.

Second post dedicated to this Italian sculptor, painter and performance artist, with a selection of good images of her work. For more information about her, check out the previous post.

Rabarama


Rabarama (Paola Epifani) es una artista italiana mundialmente reconocida por sus notables esculturas. Además de muy originales, resultan sumamente fotogénicas...

Rabarama (Paola Epifani) is an Italian artist known worldwide for her remarkable sculptures. Her work is very original, and also extremely photogenic ...

"Trans-porto / Trans-porte / Trans-port"", bronce pintado / painted bronze, 118 x 170 x 115 cm.
Foto / Photo: Agnese Eva Montecchi

"Trans-mutazione / Trans-mutación / Trans-mutation", bronce pintado / painted bronze
Catania (Sicilia, Italia). Foto / Photo: Isabella

"Alveoli", mármol blanco de Carrara / Carrara white marble, 215 x 230 x 194 cm., 2001. 
Giardino delle Scuderie Reali, Florencia, Italia, 2011. Foto / Photo: Notizie Comuni-Italiani

"Evoluzioni / Evolución / Evolution", bronce pintado / painted bronze, altura / height 11", 2006. 
Foto / Photo: Bocamuseum

"Game", bronce pintado / painted bronze, altura / height 18", 2006. Foto / PhotoBocamuseum

"In-Cinta", mármol / marble. Pontile di Tonfano, Marina di Pietrasanta. Foto / Photo: maxviator

"Meng", bronce pintado / painted bronze, 38 x 78 x 54 cm., 2009. Foto / Photo: Rabarama's facebook

"Trans-catarsi", bronce pintado / painted bronze. Lago D'Orta. Foto / Photo: Jeremy Sutcliffe

"Bozzolo / Capullo / Cocoon", bronce pintado / painted bronze, 55 x 75 x 60, 2000. 
Foto / Photo: tokyobynight

"Labirintite / Laberintitis / Labyrintite", bronce pintado / painted bronze. Foto / Photo: Gauss2 (Jonas)

"Lettere Implose / Implosión de letras / Letters Implosion"
Mármol blanco de Carrara / Carrara white marble, 160 x 233 x 164 cm., 2005. 
Giardino delle Scuderie Reali (Florencia, Italia), 2011. Foto / PhotoNotizie Comuni-Italiani


"Trans-lettera", bronce pintado / painted bronze, 110 x 216 x 94 cm., 2000. Foto / Phototokyobynight

 "Trans-lettera", bronce pintado / painted bronze, 110 x 216 x 94 cm., 2000. Foto / PhotoBocamuseum

"Ins-Tinto", 2005. Foto / Photo: colajele lui CarmenM

"Evolvendo / Evolucionando / Evolving", bronce pintado / painted bronze, altura / height 8 ½", 2006. 
Foto / PhotoBocamuseum

"Im-plosione / Im-plosión / Im-plossion", bronce pintado / painted bronze, 87 x 135 x 105 cm.
Foto / PhotoRabarama's facebook

"Co-stel-azione", aluminio pintado / painted aluminium, 2002. Piazza Pitti, Florencia, Italia, 2011. 
Foto / Photo: safran83

"Ra", alabastro azul / blue alabaster, 33 x 42 x 50, 2012-2013. Foto / Photo: Telara Studio d'Arte

Más sobre Rabarama en "El Hurgador" / More about Rabarama in this blog:
[Rabarama (I) (Escultura)]

Post publicado con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Paola!)
Muchas gracias también a Jeremy Suttcliffe y Jonas Månsson por su autorización para publicar sus fotografías.

Post published with artist's permission (Thanks a lot, Paola!)
Thanks also to Jeremy Suttcliffe and Jonas Månsson for the permission to publish their photographs.


Julian Jordanov (II) [Ex Libris, Grabados, Litografías]

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Segundo post dedicado a los excelentes trabajos de éste artista búlgaro. Para más información y obras me remito al post anterior.

Second post dedicated to the excellent works of this Bulgarian artist. I refer to the previous post for more informations and artworks.

Julian Jordanov

Julian, Aryna y Anna en Creta, Grecia, 2011, preparando una muestra en Xotaris Art Forum / 
Julian, Aryna and Anna in Crete, Greece, 2011, preparing the show at Xotaris Art Forum

Dr. Wolfgang Burgmer, "Arena erótica / Erotic Arena", 2001

"Andreas Selle, "Baco / Bacchus", 2003

Luc Van Den Briele, "Mujer Fatal / Fatal Woman", 2003

Arquitecto / Architect Maurits Agon, "Deseo / Desire", 2006

MR "Auténticas Jugadoras / Real Players", 2008

G Dumon-Gryson "Biblioteca poética / Poetic Library", 2002

W.J. Götz, "El coleccionista / The Collector", 2006

Wouter Van Gysel, "Hamlet", 2003

Frans Van der Veen, "Guitarra española / Spanish Guitar", 2006

Dani Balkanska, "El mundo de Tolkien / Tolkien's World", 2007

Ichigoro Uchida, "Madre Tierra / Mother Earth", 1999

Rosi Yordanova, "Artefacto II / Artefact II", 2004

Dr. Wolfgang Pungs, "Susana en el baño / Sussana In The Bath", 2001

Peter van Wijhe, "Biblioteca de la Eternidad / Library of Eternity", 1999

"Ciclo Sueños Olvidados, Deseo / Cycle Forgotten Dreams, Desire", 2012

"Ciclo Sueños Olvidados, Picta / Cycle Forgotten Dreams, Picta", 2012

"Ciclo Sueños Olvidados, Templo / Cycle Forgotten Dreams, Temple", 2012

"Cuentos de Hadas para el Árbol, Corona / Fairytales for the Tree, Crown", 2013

"San Jorge / St. George", 2008

"El Tiempo / The Time", 2009

"Crónicas / Chronicles", 1998

Más sobre Julian Jordanov en "El Hurgador" / More about Julian Jordanov in this blog:

Imágenes publicadas con permiso del artista (¡Muchas gracias, Julian!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Julian!)


Aniversarios (VI) [Marzo / March 9-15]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 9 de Marzo es el cumple de

Thomas William "Tom" Roberts, prominente artista australiano de origen inglés, nacido en 1856, miembro clave de la Escuela de Heidelberg.
Roberts pintó una gran cantidad de retratos y paisajes al óleo, pero quizá sus trabajos más famosos fueron "The Big Picture" y "Shearing the Rams". Ésta última representa la esquila en Brocklesby, Nueva Gales del Sur. Cuando se exhibió tuvo mala recepción porque muchos críticos no sentían que encajara en la definición de "gran arte", sin embargo al ser la industria de la lana la de mayor exportación, mucha gente se sintió identificada con la obra. La primera representa el establecimiento del primer Parlamento de Australia.
Falleció en 1931.

"Esquilando carneros / Shearing the Rams"
Óleo sobre lienzo sobre panel / oil on canvas on panel, 122,4 x 183,3 cm., 1888-90. 
National Gallery of Victoria (Melbourne, Australia).
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Bernarda Bryson Shahn, pintora y litógrafa estadounidense nacida en 1903. También escribió e ilustró libros infantiles, como "El Zoo de Zeus" y "Gilgalmesh". Fue esposa del renombrado artista Ben Shahn.
Conoció a quien sería su marido durante un viaje que hizo a New York en 1932 para entrevistar a Diego Rivera, a quien Shahn asistió en la producción de los murales para el Rockefeller Center. Ambos trabajaron para la Administración del Restablecimiento de la era Depresión, más tarde parte de la Administración de Seguridad Agraria. En 1939 produjeron una serie de 13 murales inspirados en el poema de Walt Whitman "Veo a Estados Unidos Trabajando", que se instalaron en el Anexo de la Oficina de Correos de Bronx Central. Ella continuó pintando toda su vida, y y expuso en galerías desde la muerte de su marido en 1969 hasta bien entrados sus 90. Murió en su casa de Roosevelt a los 101 años.

"Stranded mine", litografía / lithograph, c.1930


El 10 de Marzo es el cumple de

William Etty, pintor inglés nacido en 1787. Estuvo en París, Florencia e Italia y a su regreso a Inglaterra se convirtió en Académico de la Royal Academy. Fue un pintor muy irregular y controvertido, más competente en la composición que en el dibujo. Se considera que sus "Tres Gracias", conservada en el Metropolitan Museum de New York, es su obra maestra. Con todo, a decir de Christopher Wood, fue "uno de los pocos pintores del siglo XIX que pintó temas clásicos con éxito". Falleció en York en 1849.

"Musidora, la bañista, 'alarmada en una brisa dubitativa' / 
Musidora, The Bather 'At the Doubtful Breeze Alarmed'"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 65,1 x 50,2 cm., c.1846. Tate Gallery (Londres / London)
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Harry Bertoia, artista estadounidense nacido en Italia en 1915, artista de la escultura sonora y diseñador de muebles.
A los 15 años viajó desde Italia a Detroit para visitar a su hermano mayor, sin embargo decidió quedarse y se inscribió en la Escuela Superior Técnica Cass, donde estudió arte y diseño y aprendió el arte de la joyería. 
En 1950 se mudó a Pensilvania para establecer un estudio y trabajar con Hans y Florence Knoll. Diseñó cinco piezas de alambre que se convirtieron en la Colección Bertoia para Knoll, entre ellas la famosa "Silla diamante". El éxito comercial fue inmediato. Esto le permitió dedicarse exclusivamente a la escultura. En 1957 fue becario de la Fundación Graham en Chicago. El trabajo escultórico que produjo exploraba las formas en que el metal podía ser manipulado para producir sonido. Doblando y estirando el metal, lo hacía responder al viento o al tacto, creando diferentes tonos.
Interpretó con sus piezas algunos conciertos e incluso produjo una serie de 10 álbums, todos titulados "Sonambient", de la música hecha con su arte, manipulado con sus manos o con elementos de la naturaleza.
Murió en 1978.

"Pantalla texturada / Textured Screen", 1954. 
Creada para la Biblioteca Pública de Dallas, ahora cuelga en la Biblioteca Central J. Erik Johnson / 
created for the Dallas Public Library now hangs in the J. Erik Jonsson.


El 11 de Marzo es el cumple de

Kenneth Hays Miller, pintor y profesor estadounidense nacido en Oneida (NY) en 1876. Sus trabajos tempranos estuvieron influenciados por las pinturas de su amigo Albert Pinkham Ryder y representan figuras en paisajes fantasmagóricos. Después de 1920 se interesó en la técnicas de los antiguos maestros, aplicadas a escenas contemporáneas. Es reconocido sobre todo por sus pinturas de mujeres de compras. A su muerte, en 1952, su reputación estaba en decadencia, pero fue redescubierto en los '70.

"El probador / The Fitting Room", óleo y témpera sobre lienzo, montado sobre masonita / 
oil and tempera on canvas, on masonite, 71,1 x 86,4 cm., 1931. 
Metropolitan Museum, New York (Estados Unidos, USA)
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Josep Maria Subirachs i Sitjar, uno de los escultores españoles contemporáneos con más prestigio internacional, nacido en 1927, además de pintor, grabador, escenógrafo y crítico de arte.
Su obra está presente en numerosos museos y lugares públicos de ciudades de todo el mundo, principalmente Barcelona, y ha participado en una gran cantidad de exposiciones tanto colectivas como individuales, en museos y galerías públicas y privadas.
Ha realizado numerosas escenografías para prestigiosos montajes de obras de teatro y ballet. Igualmente, ha ejercido de profesor de arte y, en el terreno teórico, ha sido escritor y colaborador en revistas y periódicos, crítico de arte y conferenciante en universidades y academias de todo el mundo.
Su obra más conocida es probablemente la Fachada de la Pasión de la Basílica de la Sagrada Familia en Barcelona. Ha sido muy controvertida, ya que no hizo concesiones al estilo del arquitecto diseñador del edificio, Antonio Gaudí.

"Fachada de la pasión / Passion Facade", Sagrada Familia, (Barcelona, España / Spain)

Más sobre Subirachs en "El Hurgador" / More about Subirachs in this blog:

El 12 de Marzo es el cumple de

Pierre-Jean David D'Angers, escultor y estatuario francés nacido en Angers en 1788. A los dieciocho años de edad partió a París a estudiar artes, con solo once francos en su bolsillo. Tras año y medio sufriendo dificultades, obtuvo el premio de la Ecole des Beaux-Arts. Además, su ciudad natal le concedió una anualidad de 600 francos en 1809. En 1811 ganó el Premio de Roma con su relieve "Epaminondas". 
Sus obras más famosas son la escultura en mármol de su Filopemen herido (Louvre), y su monumento al General Gobert en el Cementerio de Père-Lachaise.

"Le Général Bonchamps / El General Bonchamps / The General Bonchamps"
Yeso original para el monumento / original plaster, 130 x 256 x 77 cm., 1822. Iglesia Saint-Florent-le-Vieil
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Hugo Kalervo Palsa, un artista finlandés de un estilo que ha sido descrito como realismo fantástico, nacido en 1947.
Largamente olvidado, ha disfrutado de una suerte de resurgimiento desde la publicación de sus obras críticas, una biografía y dos grandes retrospectivas en Helsinki y Pori.
Entre sus contemporáneos locales de Kittilä, en Laponia, tenía la reputación de un artista borracho masturbándose en casa y pintando rabiosamente. Se dice que se sentía fascinado tanto por sus urgencias perversas como por la estrechez mental de su ciudad natal norteña.
Kalervo Palsa utilizó una increíble variedad de técnicas y materiales, incluida la pintura de paredes. Los temas eran de un contenido muy rico, recibiendo generalmente un tratamiento crudo y apresurado. Los alrededor de 100 autorretratos, en cambio, generalmente fueron hechos con una técnica muy competente.
La mayoría de sus obras exploran con detalles gráficos el lado oscuro de la humanidad en general y de su nativa región del norte en particular. Sexualidad grotesca, sadismo, homosexualidad, bisexualidad y una frigidez emocional generalizada reflejan una vida interior turbulenta, tal vez como reacción a la atmósfera mental de su pueblo natal. Murió en 1987.

"Nieve fresca / Fresh Snow", 1972


El 13 de Marzo es el cumple de

Hans Fredrik Gude, pintor noruego nacido en Cristianía en 1825, que fue uno de los máximos representantes del nacionalismo romántico de ese país. 
Fue un niño prodigio que comenzó su educación artística desde 1837 como discípulo del pintor danés Johannes Flintoe, para después ingresar en la Escuela Estatal de Artes y Artesanías en Oslo. Su carrera profesional se desarrolló principalmente en Alemania, donde trabajó como maestro de arte en Düsseldorf, Karlsruhe, y en los últimos veinte años de su vida en Berlín.
Sus pinturas paisajísticas ilustran la grandeza natural de los paisajes noruegos, mientras que la presencia del hombre, apenas perceptible, es completamente marginal.

"Høifjeld / Montañas / Mountains", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 79,5 x 106 cm., 1857. 
National Gallery, Oslo (Noruega / Norway)
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Johann Zoffany (Zoffani or Zauffelij), pintor alemán neoclásico nacido en 1733, activo principalmente en Inglaterra. Sus obras aparecen en muchas importantes galerías británicas.
Pasó un período inicial de estudios en el taller de un escultor en Ellwangen, en la década de 1740 (posiblemente Melchior Paulus) y más tarde en Regensburg con el artista Martin Speer. En 1750 viajó a Roma, entrando en el estudio de Agostino Masucci. En otoño de 1760 llegó a Inglaterra.
Zoffany fue miembro fundador de la Royal Academy en 1769 y disfrutó de gran popularidad por sus retratos sociales teatrales, pintando a muchos actores y actrices destacados, en particular a David Garrick, el actor más famoso de su época, a menudo caracterizado. Fue un maestro en lo que se dio en llamar "piezas de conversación teatral", un sub grupo de las "piezas de conversación", género que se popularizó entre las clases medias del s.XVIII. Murió en 1810.

"Autorretrato como David con la cabeza de Goliath / Self-portrait as David with the head of Goliath"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92.2 × 74.7 cm., 1756. National Gallery of Victoria (Melbourne, Australia)


El 14 de Marzo es el cumple de

Giuseppe Maria Crespi apodado Lo Spagnuolo («El Español»), pintor italiano del barroco tardío nacido en 1665.
Es conocido sobre todo como uno de los más destacados pintores de género en la Italia barroca. Los italianos, hasta el siglo XVII, habían prestado poca atención a semejantes temas, concentrándose, en lugar de ello, en las grandes imágenes de religión, mitología e historia, así como en retratos de poderosos. En ésto difieren mucho de los europeos del Norte, especialmente de los holandeses, que tenían una gran tradición en la representación de las actividades cotidianas. Brillante caricaturista, también fue conocido por sus aguafuertes según Rembrandt y Salvator Rosa.

"Estantes con libros / Bookshelves with books"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165,5 × 153,5 cm., c. 1725.
Civico Museo Bibliografico Musicale, Bologna (Italia / Italy)
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Ferdinand Hodler, uno de los más conocidos pintores suizos del s.XIX, nacido en 1853.
Antes de los 10 años, Hodler recibió educación en pintura decorativa de su padrastro y, más adelante, fue enviado a Thun como aprendiz del pintor local Ferdinand Sommer. Las primeras obras de Hodler fueron paisajes convencionales, que vendía en los comercios y a los turistas. En 1871, a los 18, viajó a pie a Génova para comenzar su carrera como pintor.
Las más famosas de sus pinturas, sin embargo, retratan escenas en las que los personajes están atareados en actividades cotidianas, como el famoso leñador (Der Holzfäller, Musée d'Orsay, Paris). Esta pintura terminó apareciendo en los billetes de 50 francos suizos emitidos por el Banco Nacional de Suiza. Murió en 1918.

"Der Frühling / La primavera / Spring", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1901 

Más sobre Hodler en "El Hurgador" / More about Hodler in this blog:


El 15 de Marzo es el cumple de

Shibata Zeshin (柴田是真), famoso y revolucionario artista japonés de la pintura y los lacados del período Edo tardío y principios de la era Meiji. Nació en 1807. En Japón, se le conoce irónicamente como demasiado moderno, a la vez un alcahuete del movimiento de occidentalización, y también un tradicionalista demasiado conservador que no hizo nada para destacar entre sus contemporáneos. A pesar de ésta extraña reputación en Japón, Zewshin ha llegado a ser bien visto y muy estudiado en el mundo del arte occidental. Además de inventar la pintura urushi-e, con laca, experimentó en gran medida con técnicas del uso de la laca, mezclándola con una variedad de sustancias para lograr diferentes colores y texturas.

"Cascada y monos / Waterfall and Monkeys"
Rollo vertical, tinta y seda / vertical roll, ink and silk, 1872. 
Kimbell Art Museum (Fort Worth, Texas, Estados Unidos / USA)
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David Hayes, escultor nacido en Estados Unidos en 1931. 
Hayes recibió una Licenciatura en Artes de la Universidad de Notre Dame en 1953, y un Master en Bellas Artes de la Universidad de Indiana en 1955, donde estudió con David Smith. 
Recibió un Premio Fulbright post-doctorado y una beca Guggenheim. Recibió la Medalla Logan de las Artes en escultura y un premio del Instituto Nacional de las Artes y las Letras. Durante su vida llevó a cabo más de 300 exposiciones y su obra está presente en 100 colecciones institucionales, incluidas las del Museo de Arte Moderno y el Museo Guggenheim de Nueva York. 
En 2007, se le confirió un doctorado honorario en Humanidades y Letras del Albertus Magnus College. 
Hayes residía en Coventry, Connecticut y murió de leucemia en su casa el 9 de abril de 2013. Tenía 82 años.

"Oruga II / Inchworm II", 1898. Owensboro, Kentucky


Textos en inglés / English translation

* On March 9 is the birthday of

Thomas William "Tom" Roberts, a prominent English-born Australian artist, born in 1856, a key member of the Heidelberg School. 
Roberts painted a lot of portraits and landscapes in oil, but perhaps his most famous works were "The Big Picture" and "Shearing the Rams". The latter represents the shearing in Brocklesby, New South Wales. When he had exhibited the painting had a poor reception because many critics didn't felt it fit the definition of "high art", however being the wool industry the largest export, many people felt identified with the work. The first one depicts the establishment of the first Parliament of Australia. 
He died in 1931.

Bernarda Bryson Shahn, American painter and lithographer born in 1903. She also wrote and illustrated children's books including The Zoo of Zeus and Gilgamesh. She was the wife of renowned artist Ben Shahn. 
She met her future husband during a trip to New York in 1932 she took to interview Diego Rivera, whom Shahn was assisting in the production of his Rockefeller Center murals. Both of them worked for the Depression-era Resettlement Administration, later part of the Farm Security Administration. In 1939, they produced a set of 13 murals inspired by Walt Whitman's poem I See America Working and installed at the United States Post Office-Bronx Central Annex. She continued painting throughout her life, and hosted gallery exhibits from the time her husband died in 1969, to well in her 90s. She died at her home in Roosevelt, New Jersey at the age of 101.

* On March 10 is the birthday of

William Etty, English painter born in 1787. He was in Paris, Florence and Italy and on his return to England he became a Fellow of the Royal Academy. It was a very irregular and controversial painter, more competent in the composition than in the drawing. It is believed that his "Three Graces" in the Metropolitan Museum of New York, is his masterpiece. However, to say Christopher Wood, was "one of the few painters of the nineteenth century who painted classical subjects successfully." He died in York in 1849. 

Harry Bertoia, Italian-born (1915) American artist, sound art sculptor, and modern furniture designer. 
At the age of 15 he traveled from Italy to Detroit to visit his older brother, however he chose to stay and enrolled in Cass Technical High School, where he studied art and design and learned the art of handmade jewelry making.
In 1950, he moved to Pennsylvania, to establish a studio, and to work with Hans and Florence Knoll. He designed five wire pieces that became known as the Bertoia Collection for Knoll, among them the famous 'Diamond chair'. The commercial success was immediate. This allowed him to devote himself exclusively to sculpture. In 1957 he was a fellow at the Graham Foundation in Chicago. The sculptural work that he produced on his own explored the ways in which metal could be manipulated to produce sound. By stretching and bending the metal, he made it respond to wind or to touch, creating different tones.
He performed with the pieces in a number of concerts and even produced a series of ten albums, all entitled "Sonambient", of the music made by his art, manipulated by his hands along with the elements of nature. 
He died in 1978.

* On March 11 is the birthday of

Kennety Hays Miller, painter and professor born in Oneida (NY) in 1876. His early works were influenced by the paintings of his friend Albert Pinkham Ryder and represent ghostly figures in landscapes. After 1920 he became interested in the techniques of the old masters, applied to contemporary scenes. He is recognized especially for his paintings of women shopping. At his death in 1952, his reputation was in decline, but was rediscovered in the '70s.

Josep Maria Subirachs i Sitjar, contemporary Spanish sculptor born in 1927, one of the most acclaimed internationally, also a painter, printmaker, stage designer and art critic. 
His work is represented in numerous museums and public places in cities around the world, mainly Barcelona, ​​and has participated in a large number of both collective and individual exhibitions in museums, public and private galleries. 
He has made numerous sets for prestigious plays and ballet. He has also served as a professor of art and, on theoretical grounds, has been a writer and contributor to magazines and newspapers, art critic and lecturer at universities and academies worldwide.
His best known work is probably the Passion Facade of the basilica of the Sagrada Família in Barcelona. It has been controversial, as he did not make any concessions to the style of the architect who designed the building, Antoni Gaudí.

* On March 12 is the birthday of

Pierre-Jean David D'Angers, French sculptor and statuary born in Angers in 1788. At eighteen years old he went to Paris to study art, with only eleven francs in his pocket. After a year and a half after suffering difficulties, won the award at the Ecole des Beaux-Arts. In addition, his hometown gave him an annuity of 600 francs in 1809. In 1811 he won the Prix de Rome with his relief "Epaminondas". 
His most famous works are his marble sculpture of wounded Philopoemen (Louvre), and monument to General Gobert in Père-Lachaise Cemetery.

Hugo Kalervo Palsa, a Finnish artist in a style that has been described as fantastic realism, born in 1947.
Long neglected, Kalervo Palsa has enjoyed a revival of sorts since the publication of critical works, a biography and two major retrospectives in Helsinki and Pori.
Among his local contemporaries of Kittilä in Lapland he had the reputation of a drunken artist masturbating at home and painting furiously. He is said to have felt haunted both by his perverse urges and the provincial and narrow-minded mental perimeter of his northern hometown.
Kalervo Palsa used an incredibly varied palette of techniques and materials even including housepaint. The subjects with the richest content, generally received the most hurried and crude treatment. The over 1000 self-portraits on the other hand generally were treated at the very least with competent technique.
Mostly the works explore in graphic detail the dark side of humanity in general and his native northern regions specifically. Grotesque sexuality, sadism, homosexuality, bisexuality and a general emotional frigidity paraphilia reflect his own inner turmoil and were perhaps a reaction to the mental atmosphere of his hometown. He died in 1987.

* On March 13 is the birthday of

Hans Fredrik Gude, Norwegian painter born in Christiania in 1825, which was one of the leading representatives of romantic nationalism in the country.
He was a child prodigy who began his art education since 1837 as a disciple of the Danish painter Johannes Flintoe, then enter the State School of Arts and Crafts in Oslo. His professional career was mainly in Germany, where he worked as a teacher of art in Düsseldorf, Karlsruhe, and in the last twenty years of his life in Berlin. 
His landscape paintings illustrate the natural grandeur of the Norwegian wilderness, while the presence of man, barely noticeable, is completely marginal.

Johann Zoffany, Zoffani or Zauffelij RA, a German neoclassical painter born in 1733, active mainly in England. His works appear in many prominent British national galleries.
He undertook an initial period of study in a sculptor's workshop in Ellwangen in the 1740s (possibly Melchior Paulus) and later at Regensburg with the artist Martin Speer. In 1750, he travelled to Rome, entering the studio of Agostino Masucci. In autumn 1760 he arrived in England.
Zoffany, a founding member of the new Royal Academy in 1769, enjoyed great popularity for his society and theatrical portraits, painting many prominent actors and actresses, in particular David Garrick, the most famous actor of his day, often in costume. He was a master of what has been called the 'theatrical conversation piece', a sub-set of the 'conversation piece' genre that arose with the middle classes in the eighteenth century. He died in 1810.

* On March 14 is the birthday of

Giuseppe Maria Crespi nicknamed Lo Spagnuolo ("the Spanish '), Italian painter of the late Baroque born in 1665. 
He is best known as one of the leading genre painters in Baroque Italy. The Italians, until the seventeenth century, had paid little attention to such issues, focusing, instead, on large images of religion, mythology and history as well as portraits of powerful people. In this they were very different from northern Europeans, especially the Dutch, who had a long history in depicting everyday activities. Brilliant cartoonist, was also known for his etchings after Rembrandt and Salvator Rosa.

Ferdinand Hodler, one of the best-known Swiss painters of the nineteenth century, born in 1853.
Before he was ten, Hodler received training in decorative painting from his stepfather and, subsequently was sent to Thun to apprentice with a local painter, Ferdinand Sommer. Hodler's earliest works were conventional landscapes, which he sold in shops and to tourists. In 1871, at the age of 18, he traveled on foot to Geneva to start his career as a painter.
The most famous of Hodler's paintings, however, portray scenes in which characters are engaged in everyday activities, such as the famous woodcutter (Der Holzfäller, Musée d'Orsay, Paris). This painting went on to appear on the back of the 50 Swiss Franc bank note issued by the Swiss National Bank. He died in 1918.

* On March 15 is the birthday of

Shibata Zeshin (柴 田 是 真), famous revolutionary Japanese artist of painting and lacquers during the late Edo Period and early Meiji era. He was born in 1807. In Japan, he is known ironically as too modern, while a pimp of the Westernization movement, and also a conservative traditionalist who did nothing to stand out from his contemporaries. Despite this strange reputation in Japan, Zewshin has become very well regarded and studied in the Western art world. In addition to inventing the urushi-e paint, with lacquer, experimented widely with techniques using lacquer, mixing with a variety of substances to achieve different colors and textures.

David Hayes, American sculptor born in 1931.
Hayes received a Bachelor of Arts degree from the University of Notre Dame in 1953, and a M.F.A. degree from Indiana University in 1955 where he studied with David Smith.
He received a post-doctoral Fulbright Award and a Guggenheim Fellowship. He was a recipient of the Logan Medal of the Arts for Sculpture and an award from the National Institute of Arts and Letters. During his life, he had 300 exhibitions and his work is included in 100 institutional collections including those of the Museum of Modern Art and the Guggenheim Museum in New York City.
In 2007, he was conferred an honorary Doctor of Humane Letters degree by Albertus Magnus College.
Hayes resided in Coventry, Connecticut and died of leukemia at his home there on April 9, 2013. He was 82.

Aniversarios, Fotografía (VI) [Marzo / March 10-16]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 10 de Marzo es el cumple de

Eduard "Ed" van der Elsken, fotógrafo y cineasta danés nacido en 1925. Sus imágenes ofrecen perspectivas cotidianas, íntimas y autobiográficas que abarcan el período entre la Segunda Guerra Mundial y los '70, en temas como el amor, sexo, música (especialmente jazz) y cultura alternativa.
Se mudó a París en 1950. Trabajó como empleado en los cuartos oscuros de la agencia Magnum, imprimiendo para Henri Cartier-Bresson (quien estaba impresionado por sus fotografías callejeras), Robert Capa y Ernst Haas. Allí conoció a su compañera fotógrafa Ata Kandó, con quien se casaría en 1954.
Hizo largos viajes a Bagara (actualmente en la República Centroafricana), en 1957, y a Tokyo y Hong Kong en 1959 y 1960.
Murió en 1990 en Holanda.

"Pierre y Paulette", Saint-Germain des Pres, 1952.


El 11 de Marzo es el cumple de 

David LaChapelle, fotógrafo comercial, fotógrafo artístico, director de vídeos musicales, director de cine y artista estadounidense nacido en 1963.
Conocido por un estilo de fotografía que a menudo hace referencia a la historia del arte y a veces transmite mensajes sociales, y que ha sido descrito como "hiperrealista y astutamente subversivo" y como "surrealismo pop kitsch." Un artículo de 1996 lo llamó el "Fellini de la fotografía", una frase que se le sigue aplicando.
Cuando LaChapelle tenía 17 años conoció a Andy Warhol, quien le ofreció su primer trabajo como fotógrafo en la revista Interview. Warhol habría dicho a LaChapelle "Haz lo que quieras. Sólo asegúrate de que todo el mundo se vea bien." Sus fotografías de celebridades en Interview llamaron positivamente la atención, y en poco tiempo estaba fotografiando para varias de las principales publicaciones punteras. LaChapelle tuvo como amigos durante este período a Keith Haring y Jean-Michel Basquiat.
El trabajo de LaChapelle ha sido señalado como "meticulosamente creado en un estilo hiperrealista de alto brillo y color explosivo" y sus fotos se reconocen por, "hacer crujir con subversivas - o al menos hilarantes - ideas, energía bruta y risas. Están llenas de jugosa vitalidad".

"La Beatificación / The Beatification", Michael Jackson


El 12 de Marzo es el cumple de

Martin Schoeller, fotógrafo residente en New York, nacido en Múnich en 1968, cuyo estilo de "close ups hiperdetallados" se distingue por tratar igual a todos los sujetos, ya sean celebridades o desconocidos. Su obra más reconocible son los retratos, realizados con similar luz, fondo y tono. Su obra ha aparecido en "National Geographic Magazine", The New Yorker, "New York Time Magazine", Time, GQ, y Vogue. Ha formado parte del equipo de The New Yorker desde 1999.
Shoeller comenzó su carrera en Alemania y llegó a New York en 1993 para trabajar como asistente de Annie Leibowitz entre 1993 y 1996. Allí desarrolló su técnica de retratos de "grandes cabezas", un término acuñado por él para referirse a su estilo de "close ups hiperdetallados", que más tarde le darían reconocimiento mundial.

"Jack Nicholson"


El 13 de Marzo es el cumple de

Hans Bellmer, artista alemán nacido en 1902, conocido por las muñecas femeninas púberes a tamaño natural que produjo a mediados de los años '30. Historiadores del arte y la fotografía también lo consideran un fotógrafo surrealista.
Hasta cerca de 1926 había estado trabajando como dibujante para su propia agencia publicitaria. Inició su proyecto de las muñecas en oposición al fascismo del partido Nazi, declarando que no haría nada que apoyara al nuevo Estado alemán. Representadas con mutaciones y poses no convencionales, sus muñecas atacaban específicamente el culto al cuerpo perfecto, por aquél entonces en boga en Alemania. Bellmer fue influenciado en la elección de su arte por la lectura de las cartas de Oskar Kokoschka (El fetiche, 1925).
La obra de Bellmer fue finalmente declarada "degenerada" por el partido Nazi, y fue forzado a abandonar Alemania hacia Francia en 1938. Fue muy bienvenida en los círculos culturales parisinos de la época, especialmente por los surrealista que rodeaban a André Breton, debido a las referencias a la belleza femenina y la sexualización de la forma juvenil. Murió en 1975.

"La Poupée / La muñeca / The Doll", c. 1934


El 14 de Marzo es el cumple de

Diane Arbus, fotógrafa y escritora estadounidense nacida en 1923, destacada por sus fotografías en blanco y negro de gente "desviada y marginal (enanos, gigantes, transgresores, nudistas, artistas de circo) o gente cuya normalidad resulta fea o surrealista". Arbus creía que una cámara debe ser "un poquito fría, un poquito dura", pero su escrutinio debía revelar la verdad; la diferencia entre lo que la gente quiere ver en los demás y lo que en realidad han visto; las imperfecciones. Según un amigo, Arbus dijo que ella "...tenía miedo... de ser conocida simplemente como "la fotógrafa de los raros", y esa frase se ha utilizado repetidamente para describirla.
En 1972, una año después de su suicidio, Arbus se convirtió en la primera mujer estadounidense cuyas fotos se expusieron en la Bienal de Venecia. Millones vieron las muestras itinerantes de su obra entre 1972-79. Entre 2003 y 2006, Arbus y su obra fueron objeto de otra gran exposición itinerante: "Las Revelaciones de Diane Arbus". En 2006, la película "Piel" con Nicole Kidman en el papel de la artista, presentó una versión ficcionada de la historia de su vida.

"Niño con una granada en la mano en Central Park, Nueva York / 
Child with a toy hand grenade in Central Park, N.Y.C.", 1962


El 15 de Marzo es el cumple de

F.E. Choudhry (Chacha), fotógrafo pakistaní nacido en Sahrnpur, India en 1909. Su familia se muró a Jhelum, tuvo su educación primaria en la Mission High School Dalwal, Jhelum y más tarde se graduó en el F.C. College, en Lahore.
La fotografía fue su primer amor y la abrazó como hobby en aquellos días en que era aún un asunto incómodo; más tarde comenzó a trabajar como freelance mientras se desempeñaba como profesor de ciencias en la St Anthony High School de Lahore, en 1934.
Su primera fotografía periodística se publicó en la "Gazeta Civil y Militar" de Lahore en 1935, y luego trabajó como freelance para "Illustrated Weekly India", de Bombay, y otros periódicos. Se unió al "The Pakistan Times" en el equipo de reporteros en 1949 y permaneció asociado al mismo hasta su retiro en 1973. Murió a los 104 años.

"Ricksaw woman", Lahore, Pakistan, 1960s


El 16 de Marzo es el cumple de

Danny Lyon, fotógrafo autodidacta y cineasta estadounidense nacido en 1942 en Brooklyn, Nueva York.
Se crió en Kew Gardens, Queens, y estudió historia en la Universidad de Chicago, donde se graduó con una licenciatura en artes en 1963.
El mismo año publicó sus primeras fotografías trabajando para el Student Nonviolent Coordinating Committee. Sus imágenes aparecieron en "El Movimiento", un libro documental sobre el Movimiento Sureño de los Derechos Civiles.
Luego Lyon comenzó a crear sus propios libros. El primero fue un estudio de los motociclistas fuera de la ley en la colección "The Bikeriders" (1967), donde Lyon hizo algo más que simplemente fotografiar motociclistas en el medio oeste estadounidense entre 1963 y 1967; también se convirtió en miembro del Chicago Outlaws Motorcycle Club y viajó con ellos, compartiendo su estilo de vida. La serie fue inmensamente popular e influyente en los '60 y los '70. Otros proyectos de Danny fueron "La destrucción del bajo Manhattan" (1969) y "Conversaciones con la muerte" (1971).

"Cal, Elkhorn, Wisconsin", serie "Bikeriders"


Textos en inglés / English translation

* On March 10 is the birthday of

Eduard "Ed" van der Elsken, Dutch photographer and filmmaker born in 1925.
His imagery provides quotidian, intimate and autobiographic perspectives spanning the period of the Second World War into the nineteen-seventies in the realms of love, sex, art, music (particularly jazz), and alternative culture.
He moved in 1950 to Paris. He was employed in the darkrooms of the Magnum photography agency, printing for Henri Cartier-Bresson (who was impressed with his street photography), Robert Capa and Ernst Haas. There he met (then in 1954, married) fellow photographer Ata Kandó.
He then traveled extensively, to Bagara 1957 (now in Central African Republic), and to Tokyo and Hong Kong in 1959 to 1960.
He died in 1990 in the Netherlands.

* On March 11 is the birthday of

David LaChapelle, American commercial photographer, fine-art photographer, music video director, film director, and artist born in 1963.
He is best known for his photography, which often references art history and sometimes conveys social messages. His photographic style has been described as "hyper-real and slyly subversive" and as "kitsch pop surrealism."One 1996 article called him the "Fellini of photography," a phrase that continues to be applied to him.
When LaChapelle was 17 years old, he met Andy Warhol, who offered him his first job as a photographer at Interview magazine. Warhol reportedly told LaChapelle "Do whatever you want. Just make sure everybody looks good." His photographs of celebrities in Interview garnered positive attention, and before long he was shooting for a variety of top editorial publications. LaChapelle's friends during this period included Keith Haring and Jean-Michel Basquiat.
LaChapelle's work has been noted as being, “meticulously created in a high-gloss, color-popping, hyper-realistic style,” and his photos are known to, “crackle with subversive – or at least hilarious – ideas, rude energy and laughter. They are full of juicy life.”

* On March 12 is the birthday of

Martin Schoeller, a New York-based photographer born in Munich, 1968, whose style of "hyper-detailed close ups" is distinguished by similar treatment of all subjects whether they are celebrities or unknown. His most recognizable work are his portraits, shot with similar lighting, backdrop, and tone. His work appears in "National Geographic Magazine", The New Yorker, "New York Time Magazine", Time, GQ, and Vogue. He has been a staff photographer at The New Yorker since 1999.
In his early years he was influenced by photographers August Sander, Bernd Becher, and Hilla Becher. Schoeller studied photography at Lette Verein in Berlin.
Schoeller started his career in Germany, and came to New York in 1993 and worked as an assistant for Annie Leibovitz from 1993 to 1996, here he developed his "big head" portrait technique, a term coined by him, of his style of "hyper-detailed close ups", which later gave him worldwide acclaim.

* On March 13 is the birthday of

Hans Bellmer, German artist born in 1902, best known for the life-sized pubescent female dolls he produced in the mid-1930s. Historians of art and photography also consider him a Surrealist photographer.
Up until 1926, he'd been working as a draftsman for his own advertising company. He initiated his doll project to oppose the fascism of the Nazi Party by declaring that he would make no work that would support the new German state. Represented by mutated forms and unconventional poses, his dolls were directed specifically at the cult of the perfect body then prominent in Germany. Bellmer was influenced in his choice of art form by reading the published letters of Oskar Kokoschka (Der Fetisch, 1925).
Bellmer's work was eventually declared "degenerate" by the Nazi Party, and he was forced to flee Germany to France in 1938. Bellmer's work was welcomed in the Parisian art culture of the time, especially the Surrealists around André Breton, because of the references to female beauty and the sexualization of the youthful form. He died in 1975.

* On March 14 is the birthday of

Diane Arbus, American photographer and writer born in 1923, noted for black-and-white square photographs of "deviant and marginal people (dwarfs, giants, transgender people, nudists, circus performers) or of people whose normality seems ugly or surreal". Arbus believed that a camera could be "a little bit cold, a little bit harsh" but its scrutiny revealed the truth; the difference between what people wanted others to see and what they really did see – the flaws. A friend said that Arbus said that she was "afraid ... that she would be known simply as 'the photographer of freaks'", and that phrase has been used repeatedly to describe her.
In 1972, a year after she killed herself, Arbus became the first American photographer to have photographs displayed at the Venice Biennale. Millions viewed traveling exhibitions of her work in 1972–1979. Between 2003 and 2006, Arbus and her work were the subjects of another major traveling exhibition, Diane Arbus Revelations. In 2006, the motion picture Fur, starring Nicole Kidman as Arbus, presented a fictional version of her life story.

* On March 15 is the birthday of

F.E. Choudhry (Chacha), Pakistani photographer born in Sahrnpur, India. His family moved to Jhelum, when Fazal Elahi was a young boy and he had his early education at Mission High School Dalwal, Jhelum and later graduated at F.C. College, Lahore.
Photography was his first love, which he picked up as a hobby first in those days when photography was a still cumbersome affair and in his later years, started working as a free lance photographer while serving as a science teacher at St Anthony High School Lahore in 1934.
His first news photography was published in the Civil and Military Gazette, Lahore in 1935 and then went to freelance for Illustrated Weekly of India, Bombay and other papers. Joined The Pakistan Times, as a staff reporter in 1949 and remained associated with it until his retirement in 1973. He died at 104 years old.

* On March 16 is the birthday of

Danny Lyon, self-taught American photographer and filmmaker born in 1942 in Brooklyn, New York.
Danny was raised in Kew Gardens, Queens and went on to study history at the University of Chicago, where he graduated with a Bachelor of Arts degree in 1963.
That same year, he published his first photographs working for the Student Nonviolent Coordinating Committee. His pictures appeared in The Movement, a documentary book about the Southern Civil Rights Movement.
Later, Lyon began creating his own books. His first, was a study of outlaw motorcyclists in the collection The Bikeriders (1967), where Lyon did more than just photograph motorcyclists in the American Midwest from 1963 to 1967. Additionally, he also became a member of the Chicago Outlaws motorcycle club and traveled with them, sharing their lifestyle. The series was immensely popular and influential in the 1960s and 1970s. Other Danny's projects: The Destruction of Lower Manhattan (1969) and Conversations with the Dead (1971).

José Luis López Galván [Pintura]

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José Luis López Galván

José Luis López Galván con su obra "Plano de Guerra" / with his artwork "War Plane"

José Luis López Galván es un artista mexicano nacido en 1985 en Guadalajara, Jalisco.
Estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Guadalajara, aunque pronto se inclinó a la pintura al óleo, a la que se dedica casi por completo.
«En cada pintura intento con toda clase de elementos; animales, humanos, objetos de todo tipo, formar un collage que al integrarse represente un retrato no del aspecto de las cosas, si no su esencia.
Cuando aparece un conejo, me refiero a la inocencia, cuando aparece la máscara de zorro, a la hipocresía. Las máquinas son frías y los personajes humanos conviven sin problema en un mundo contradictorio de pesadilla, que representa al mundo real, pero sin las envolturas que lo hacen más digerible.»

"La carrera de Darwin / Darwin's Race", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 80 cm., 2011

«... hay toques de la época victoriana en algunas de mis pinturas y un aspecto barroco en la mayoría, que aparece por medio de los claroscuros, que para mi gusto son la mejor manera de lograr el máximo volumen en una imagen; este aspecto es sumamente importante para lograr lo que busco en mi trabajo. El lado victoriano aparece, por un lado, como un medio de contraste entre los significados, pues representa muy bien lo políticamente correcto, lo rígido, bueno y normal, por así decirlo; pero en el contexto de mi trabajo todo esto es negativo, así que es normal encontrar villanos con vestimenta victoriana. Me gusta usar todo esto como una forma de darle permanencia a mi trabajo; quiero una pintura que no tenga tiempo.»

"El rebaño / The Herd", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 90 cm., 2009

Izq./ Left: "La fábrica / The Factory", óleo sobre tela / oil on canvas, 150 x 120 cm., 2011
Der./ Right: "Padre pájaro / Father Bird", óleo sobre tela / oil on canvas, 80 x 95 cm., 2010

«... siempre admiré el trabajo de retrato de artistas como Rembrandt y Velázquez, y más que nada la genialidad de Dalí para plasmar mundos y personajes que no existen en el mundo físico. Últimamente y sin saberlo, descubrí que tengo una enorme atracción por lo español; me he interesado mucho en el arte de Velázquez, Picasso, Miró, Dalí, Varo y Goya, pero finalmente tomo sólo parte de lo estético. Esto es lo que me interesa principalmente, pues mis conceptos pueden ser muy distintos y personales.»

"El ebanista / The Cabinetmaker", óleo sobre tela / oil on canvas, 65 x 100 cm., 2009

"El contador / The Accountant", óleo sobre tela / oil on canvas, 80 x 95 cm., 2010

«... casi todas mis piezas se integran por medio de un collage de símbolos que van marcando la lectura que puede hacer el espectador de la obra, pero como algunos llegan a ser muy subjetivos, mis grandes sorpresas llegan con la retroalimentación. Muchas veces les digo a muchos de quienes creen haber entendido por completo una pintura: “ese no es el significado, pero me gusta más el tuyo que el mío”.»

"Caballito / Piggyback", óleo sobre tela / oil on canvas, 130 x 100 cm., 2012

«... me gusta ese lado estético surrealista donde el artista puede probar nuevas formas, siempre ligándose a la realidad, para dar rienda suelta a la imaginación, pero demostrando que lo que ha pintado no es un accidente. Para alguien que no cuenta con estudios formales en arte, siempre me es importante demostrar que me lo estoy tomando en serio.»

«... nada de lo que creo viene del subconsciente, sino que es muy consciente en todo momento. Parte de lo que más me divierte es buscar la armonía entre lo que no pareciera tenerla y hacer una obra llena de secretos a encontrar.»

"Hombre de papel / Paper Man", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 80 cm., 2009

"El buitre / The Vulture", óleo sobre tela / oil on canvas, 80 x 95 cm., 2010

"El buitre / The Vulture", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 105 x 75 cm.

José Luis López Galván is a Mexican artist born in 1985 in Guadalajara, Jalisco.
He studied graphic design at the University of Guadalajara, but soon bowed to oil painting, which is devoted almost entirely.
"In each painting I try, with every kind of elements -animals, humans, objects of any type-, to create a collage that, in its integration, represents a portrait, not of the aspect of things, but of their essence.
When the rabbit appears I refer to innocence; when the mask of Zorro, hypocrisy; machines are cold and human characters live together without problems in a contradictory world of nightmare that represents the real world wothout the wrappings that make it more digestible.»

Izq./ Left: "Gato en llamas / Cat in Flames", óleo sobre tela / oil on canvas, 60 x 100 cm., 2010
Der./ Right: "Hombre evolucionado / Evolved Man", óleo sobre tela / oil on canvas, 150 x 70 cm., 2009

"Licántropos / Lycanthropes", óleo sobre tela / oil on canvas, 120 x 120 cm., 2012

«... there are touches of the Victorian era in some of my paintings and a Baroque appearance in most, appearing through the chiaroscuro, which in my opinion are the best way to achieve maximum volume on an image, this aspect it is extremely important to achieve what I want in my work. The Victorian side appears, first, as a contrast between the meanings, it represents very well the politically correct, stiff, good and normal, so to speak, but in the context of my work this is negative, so it is normal to find villains in Victorian attire. I like to use this as a way to give permanence to my job, I want a painting that does not have time.»

"Vendiendo el alma / Selling the Soul", óleo sobre tela / oil on canvas, 70 x 95 cm., 2009

Izq./ Left: "Vendiendo el alma / Selling the Soul", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 100 x 75 cm., 2013
Der./ Right: "Vendiendo el alma / Selling the Soul", linografía, 1/30. Taller de gráfica MUPAG.

«... I always admired the portrait work of artists like Rembrandt and Velasquez, and more than anything the genius of Dalí to shape worlds and characters that do not exist in the physical world. Lately and unwittingly discovered that I have a huge attraction to the Spanish, I have a keen interest in the art of Velasquez, Picasso, Miró, Dalí, Goya and Varo, but eventually took a part of the aesthetic. This is what I am mainly concerned because my concepts may be very different and personal.»

"En la boca del lobo / In the Lion's Den (A pun; in Spanish: In the Mouth of the Wolf)"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 80 cm., 2012

"La lección de anatomía del Dr. Sabañón / The Anatomy Lesson of Dr. Chilblains"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 100 cm., 2011

"Reconstrucción de pequeño Guernica / Reconstruction of Small Guernica"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 200 cm., 2013

«... Almost all of my pieces are integrated through a collage of symbols that mark the reading can make the viewer of the work, but as some become very subjective, my big surprises come with feedback. Many times I say to many who believe they have fully understood a painting, "That is not the meaning, but I like yours better than mine."»

Izq./ Left: "La Virgen de la Cuchara / Virgin of the Spoon", óleo sobre tela / oil on canvas, 95 x 70 cm., 2011
Der./ Right: "Cabeza de Gato / Cat Head", óleo sobre tela / oil on canvas, 90 x 80 cm., 2012

"Estudio de Ángel / Study of Angel", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 97,5 x 74,5 cm., 2013

«... I like that surreal aesthetic side where artists can test new ways, always linking to reality, to unleash the imagination, but proving that those he has painted is not an accident. For someone who has no formal training in art, is always important to show that I'm taking it seriously.»

«... nothing that I create comes from the subconscious, instead is very conscious all the time. Part of what amuses me is to seek harmony between what seems to haven't it and make a work full of secrets to find.»

"Kabuto", óleo sobre tela / oil on canvas, 130 x 100 cm., 2012

"Teratólogos / Teratologists", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 110 cm., 2012

Comentarios del artista de una entrevista de Carolina Valverde publicada en Anormalmag en enero de 2014, que puede leerse completa aquí /
Artist's comments from an interview by Carolina Valverde published in Anormalmag, January, 2014, you can fully read (in Spanish) here.

Más sobre José Luis en "El Hurgador" / More about Jose Luis in this blog:
[Rinocerontes (L)]

Se puede disfrutar de la obra de Jose Luis en / You can enjoy Jose Luis' work in
Blog, Facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, José Luis!)
Agradezco también a Anormalmag y a Felipe Escobar por su autorización para incluir y traducir partes de la entrevista al artista. Recomiendo una visita al sitio web y el facebook de Anormalmag, "Sitio Creativo Alternativo".

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, José Luis!)
Thanks also to Anormalmag and Felipe Escobar for the authorization to include excerpts of the interview with the artist. I recommend a visit to the website and the facebook of Anormalmag, "Alternative Creative Site" (in Spanish) 

Christian Martin Weiss [Fotografía]

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Christian Martin Weiss


Christian Martin Weiss es un diseñador gráfico, ilustrador y fotógrafo alemán que se crió y vive cerca de Múnich.
Sus imágenes son generalmente oscuras, y oscilan entre lo bizarro y lo poético.

© Christian Martin Weiss

"Oscuridad perfecta / Perfect Darkness", Modelo / Model: Anna Maria Hefele, 2014 © Christian Martin Weiss

"Benedictio", Modelo / Model: Sitt, 2013 © Christian Martin Weiss

«La fotografía se ha convertido en algo tan fácil y omnipresente, que es difícil ganarse la vida con ello y ser alguien identificable. Millones de amateurs realmente buenos tumban los precios trabajando gratis. Todo el proceso se ha simplificado y los trabajos técnicamente malos pueden repararse. A través de las redes sociales y plataformas online, las ideas se diseminan y copian a la velocidad de la luz. Es como en el negocio de la música o la industria de la moda. Un gigantesco circo del deseo. Siempre habrá un mercado para ganarse el pan que no pase simplemente por las fotografías de stock (yo hago mucho esto). Como artista, debes destacar de alguna manera, estar muy ocupado y tener mucha suerte para que te vaya bien financieramente.»

"Más y más profundo / Deeper and Deeper", 2014 © Christian Martin Weiss

"Bailemos / Let's Dance", 2013 © Christian Martin Weiss

Izq./ Left: "Carne de caza / Bushmeat", Modelo / Model: Heidi, 2012 © Christian Martin Weiss
Der./ Right: "Deformar para formar una estrella / Deform to Form a Star"
Model, estilismo y maquillaje / model, styling and makeup, Regina Bocek, 2013 © Christian Martin Weiss

«Quiero hablar de la emoción; la mera belleza o alegría es algo que me aburre, así como la sangre explícita y los temas salpicados de erotismo. Quiero contar "historias de una imagen" que se queden un tiempo en la cabeza de la gente. Cada rostro cuenta muchas historias, cada cuerpo expresa emociones. Además de esto, respeto a mis modelos como "obras de arte" en sí mismas, como esculturas vivas, como milagros de la naturaleza. Construidas a través de sus experiencias y vidas individuales. Me considero tímido, y la fotografía es una forma privilegiada de conseguir cierta intimidad. Un buen trabajo sin confianza es imposible. Muchas de mis imágenes son muy artificiales y no necesariamente cuentan una historia sobre mí o mi modelo. Pero el modelo tiene que confiar en mi visión. De alguna manera mi método consiste en contar una mentira convincente para mostrar una verdad acerca de la condición humana.»

"La Muerte y la Doncella / Death and Maiden"© Christian Martin Weiss

 © Christian Martin Weiss

Izq./ Left: "Donna Universale / Mujer universal / Universal Woman", Modelo / Model: Kasmodiah, 2012
Der./ Right: "Para dejarme llevar / To Let Myself Go", Modelo / Model: Feli, 2012 © Christian Martin Weiss

Christian trabaja con cámaras Nikon, con poco equipamiento en cuanto a luces, mezclando luz natural y flash, y hace uso del Photoshop para crear el ambiente en sus imágenes. Según comenta, tres de sus fotógrafos favoritos son Walker Evans, Eugenio Recuenco [ver al final del post] y Roger Ballen [en breve en el blog].

"Núcleo / Nucleus", Modelo / Model: Sitt, 2012 © Christian Martin Weiss © Christian Martin Weiss

"Niña de la tierra / Earthchild", Modelo / Model: Anna, 2012 © Christian Martin Weiss

Christian Martin Weiss is a German graphic designer, illustrator and photographer who grew up and lives near Munich. 
His images are usually dark, and range from the bizarre to the poetic.

"Hermosa agonía / Beautiful Agony", 2011 © Christian Martin Weiss

Modelo / Model: Heidi © Christian Martin Weiss

"Dentro / Within"© Christian Martin Weiss

«Photography has become so omnipresent and effortless, that it is hard to earn a living from it and to stay identifyable. Millions of really good amateurs spoil the prizes as they work for free. The whole workflow has become easy and technically bad work can be repaired. Through social Media and Online platforms, ideas are spread and copied fast as lightning. Its like in the Musicbusines and in the Modelindustrie. A huge huge circus of desire. There will alway be a market for Bread an Butterwork that can not easily be served with stockfotography. (I do this a lot) As an artist you have to really stand out in some way and be very busy and very lucky to do well financially.»

"En tus ojos / In Your Eyes", Modelo / Model: Sitt, 2013 © Christian Martin Weiss

"Easy", 2011 © Christian Martin Weiss

«I want to talk about emotion, mere beauty or joy is somehowe boring to me, as well as to explicite blood and splatter themes or eroticism. I want to tell “one picture storys” that stay a little longer in peoples head. Every face tells many stories, every body expresses emotions. Beside this I respect my models as “pieces of art” by themselves, as living Sculptures, as milagros by nature. Built up by their experiences and individual lifes. I would consider myself as shy, and photography is a priveliged way to a gain certain intimacy. Good work without trust is not possible. Many of my pictures are quite artificial and do not necessarily tell a story about me or the model. But the Model has to trust in my vision. In a way my method is, to tell a convincing lie to show a truth about the human condition.»

"Fénix / Phoenix", Modelo / Model: Eisfieber, 2012 © Christian Martin Weiss

Christian works with Nikon cameras, a few lighting equipment mixing natural light and flash, and uses Photohop to build the mood in his images. As he said, three of his favourite photographers are Walker Evans, Eugenio Recuenco [check out at the end of this post] and Roger Ballen[soon in this blog]

"Katratur", Modelo / Model: Spionka-kat, 2011 © Christian Martin Weiss

Los textos están traducidos de una entrevista de Tara Lundrigan publicada por FeaturedPixels en febrero de 2013, que pude leerse completa (en inglés) aquí /
texts from an interview by Tara Lundrigan published by FeaturedPixels in february, 2013, you can fully read here.

Se puede disfrutar del trabajo de Christian en / You can enjoy Christian's work in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Christian!)
Agradezco también a FeaturedPixels por su autorización para incluir partes de la entrevista.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Christian!)
Thanks alto to FeaturedPixels for the permission to include excerpts of the interview. 

Pueden disfrutar de las publicaciones de FeaturedPixels en / You can enjoy FeaturedPixels features in 

Algunas referencias / Some References

Walker Evans

"Bud Fields y su familia / Bud Fields and His Family", Hale County, Alabama, Verano / Summer, 1936

Walker Evans fue un fotógrafo estadounidense nacido en 1903, conocido por su trabajo en la Farm Security Administration (FSA) documentando los efectos de la Gran Depresión. 
Estudió en Williams College entre 1922-1923 y en la Sorbona en 1926, se inicio en la fotografía en 1930. Obtuvo una beca de la Fundación John Simon Guggenheim en 1940. Se incorporó en 1945 la revista Time y a la revista Fortune en 1965. Ese mismo año pasó a ser profesor de fotografía en la escuela de arte de la Universidad de Yale.
La mayoría del trabajo de Evans durante su período en la FSA lo hizo con cámaras de gran formato, 8" x 10". Decía que se meta como fotógrafo era hacer imágenes que fueran "literarias, con autoridad, trascendentes". Muchas de sus obras están presentes en las colecciones permanentes de museos y han sido objeto de retrospectivas en instituciones tales como el Metropolitan Museum of Art o la George Eastman House. Murió en 1975.

"Allie Mae Burroughs", c.1935-36

Walker Evans was an American photographer born in 1903, best known for his work for the Farm Security Administration (FSA) documenting the effects of the Great Depression.
He studied at Williams College from 1922-1923 and at the Sorbonne in 1926. He started in photography in 1930. He received a fellowship from the John Simon Guggenheim Foundation in 1940. He joined Time magazine in 1945 and Fortune magazine in 1965. That same year he became professor of photography at the School of Art at Yale University.
Much of Evans's work from the FSA period uses the large-format, 8x10-inch camera. He said that his goal as a photographer was to make pictures that are "literate, authoritative, transcendent". Many of his works are in the permanent collections of museums and have been the subject of retrospectives at such institutions as The Metropolitan Museum of Art or George Eastman House. He died in 1975.
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Eugenio Recuenco


Eugenio Recuenco es un fotógrafo español nacido en Madrid cuya obra se desarrolla fundamentalmente en el ámbito de la publicidad. Comparado con otros, su estilo personal se ha definidco como "cinematográfico" y "pictorialista". Su obra ha sido publicada en revista de la talla de "Vogue", "Madame Figaro" y "Twill".

Modelo / Model: Nancy Yao

Eugenio Recuenco is a photographer from Madrid, Spain, who works mostly in the publishing and advertising fields. Compared to others, his personal style has been referred to as "cinematographic" and "pictorial". His work has been featured in magazines such as Vogue, Madame Figaro and Twill.

Más sobre Eugenio en / More about Eugenio in

Patricia Van Lubeck [Pintura]

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Patricia Van Lubeck

Sossusvlei, Namibia, 2013

Patricia nació en Ámsterdam en 1965 y su vida cambió recientemente de forma dramática. Trabajó de contable hasta el 2000, y comenzó el siglo XXI convirtiéndose en una artista profesional a tiempo completo. Se mudó a Bay of Plenty (Nueva Zelanda) en 2005. Desde entonces, su trabajo tomó una nueva dirección.
Sus pinturas son aparentemente simples en su composición, pero ejecutadas con sorprendente detalle y son visualmente muy dinámicas. Tienen elementos realistas, pero sobre todo una atmósfera alienante. Sus obras en los años recientes muestran paisajes y especies de plantas extrañas que ella llama sus "jardines psicodélicos."
Desde 2002, Patricia ha expuesto en Holanda, Suiza, Hong Kong, Australia y Nueva Zelanda.

"Populus Flucta", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2006

"Cyphomandra Vitra", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2006

«La gente me pregunta a menudo acerca de mi inspiración. Para ser honesta, la fase conceptual de mi arte es a menudo más de eliminación que de inspiración. La idea inicial aparece normalmente cuando mi mente está en una especie de estado de ralentí, como cuando estoy viajando o tomando un baño. A partir de ahí, es una cuestión de llevar la idea a lo esencial. Esto quiere decir que generalmente descarto el 90%.
En general mi obra es mucho más cercana a la realidad de lo que percibe el ojo. La mayoría de mis ideas vienen de cosas corrientes que me rodean; paisajes, semillas, flores, edificios...  hago muchas fotos de referencia.»

"Hedera Ferrugo", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2005

"No puedo quitar mis ojos de tí / I Can’t Take My Eyes Off of You"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 40 cm., 2010

«Considero mi obra como una invitación a explorar la forma como experimentamos nuestro entorno. Mi inspiración viene de las cosas corrientes que me rodean; la artista que hay en mí ve las cosas desde una perspectiva inusual. La imagen de un panadero mirando un campo de trigo. Él ve pan, galletitas y pasteles. Yo veo formas, patrones y colores. Me gusta hacer un acercamiento a un objeto cotidiano, como los pelos de un cepillo para el cabello, e imagino un pequeño paisaje con hileras de árboles peludos.»

"Agaricia Bullio", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2005

"Fargesia victualia", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2008

«Las Fargesia son una familia del bambú que se encuentra en los bosques de coníferas del este de Asia. Se les conoce en China como "jian zhu", que significa "bambú flecha".
'Fargesia Victualia' sólo se encuentra en la isla de Tanega, al sur de Japón, y se le cultiva como fuente de alimento y combustible.»

«Fargesia is a family of bamboos, found in alpine conifer forests of East Asia. They are known in Chinese as ‘jian zhu’ meaning arrow bamboo.
'Fargesia Victualia' is only found on Tanega Island, South of Japan and is grown as a source for food and fuel.»

"Fargesia Victualia" paso a paso / step by step

"El Valiente / The Brave One", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101 x 51 cm., 2012

«Mis motivos para crear cierta pintura no son más importantes que el significado que alguien pueda encontrar en ella.
Un ejemplo; para una persona, el árbol solitario frente a la multitud le recuerda a su amada madre, que siempre fue la incomprendida de la familia, pero para otro, el árbol solitario podría significar el valor de una persona que decide finalmente tomar su propio camino.»

«My motive to create a certain painting is not more important than the meaning that somebody else finds in it.
One example; For one person the lonely single tree in front of a crowd reminds him of his beloved mother who always was the misunderstood one in the family – but for someone else the single tree maybe means the encouragement to finally follow that person’s own path.»

"Simmondsia vitra", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2008

"Taxus glacialis", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2007

«Siempre estoy buscando alcanzar un alto nivel de contraste con un ilimitado rango de colores. Adoro trabajar con patrones geométricos. Antes de comenzar con la pintura en lienzo, mis coches siempre han sido las víctimas de esta pasión. Como consecuencia, los patrones, naturales o artificiales, conforman la base de muchas de mis imágenes.»

"Delicia de la tarde / Afternoon Delight", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 40 cm., 2010

"Tilia Ora", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2006

Born in Amsterdam in 1965, Patricia's life has quite recently changed dramatically. She used to be book-keeper until 2000 when she started the 21st century by becoming a full time professional artist. She moved to the Bay of Plenty in New Zealand in 2005. Since then her work has taken a new direction.
Her paintings are apparently simple in composition but executed amazingly detailed and visually very dynamic. Her paintings have realistic elements, but above all an alienating atmosphere. Her works in recent years show landscapes and weird plant species which she calls her psychedelic gardens.
Since 2002, Patricia has exhibited in The Netherlands, Switzerland, Hong Kong, Australia and New Zealand.

"Tilia Ora" (detalle / detail)

"Cinco hermanos / Five Brothers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 80 cm., 2003

«People often ask me about my inspiration. To be quite honest, the conceptual stage of my art is often more elimination than inspiration. The initial idea usually appears when my mind is sort of idling, like when I’m traveling or taking a shower. Like many of us. From there it’s is primarily a matter of bringing the idea back to the essential. This means I’m usually throwing away 90%.
In general my work is much closer to reality than meets the eye. Most of my ideas come from ordinary things around me; landscapes, seeds, flowers, buildings and I take lots of reference photos.»

"Malus arvum", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2007

Izq./ Left: "El persistente / The Persistent One", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101 x 51 cm., 2014
Der./ Right: "El afortunado / The Lucky One", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 61 x 81 cm., 2013

«I consider my work an invitation to explore the ways we experience our environment. My inspiration comes from the ordinary things around me, the artist in me just sees things in an unusual perspective. Picture a baker looking at a corn field. He sees bread, cookies and pies. I see shapes, patterns and colors. I like to zoom in on an everyday object such as the pins of a hair brush and imagine a tiny landscape with rows of hairy trees.»

"Protea Madida", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2007

"Protea Madida es una planta anfibia que tiene a la vez un hábitat acuático y terrestre. Se encuentran básicamente en regiones de vulcanismo activo, en los alrededores de Tonga, y toleran altos niveles de calor y fósforo. Protea Madida es generalmente la primera planta grande en poblar islas recién formadas."

"Protea Madida is an amphibious plant: a plant that has both an aquatic and a terrestrial habit. They are primarily found in volcanic active regions around Tonga and tolerate high levels of phosphorus and heat. Protea Madida are usually the first large plants to populate newly formed islands."

"Protea Madida" paso a paso / step by step


"Robinia Natatalis", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2004

«I am always trying to achieve high contrast within an unlimited color range. I love working with geometric patterns. Before I started painting on canvas, my cars had always been willing victims to this passion. Consequently patterns, natural or artificial, form the foundation of a lot of my images.»

"Tilia Arbora", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 120 cm., 2004

"Cubo de basura (Autorretrato) / Trash Bin (Self-Portrait)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 80 cm., 2000

Más información y obras de Patricia en su / More info and artworks by Patricia in
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