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Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
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Tom Palmore (II) [Pintura, Dibujo / Painting, Drawing]

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Este es el segundo de tres posts (el primero aquí) que dedico al pintor y dibujante estadounidense Tom Palmore, cuyos retratos animalistas parecen hechos por encargo de sus modelos. Junto con la habitual reseña biográfica publicada en la primera parte, acompaño esta selección de imágenes con algunos textos del artista sobre su obra.

This is the second of three posts (the first one here) that I dedicate to the American painter and draftsman Tom Palmore, whose animalistic portraits seem to have been commissioned from his models. Along with the usual biographical review posted in the first part, I accompany this selection of images with some texts of the artist about his work.
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Tom Palmore 
(Ada, Oklahoma, EE.UU./ OK, USA, 1945-)


Tom Palmore es un pintor estadounidense nacido en 1945 en Ada, Oklahoma.
Durante más de 35 años ha pintado retratos de animales con reverencia por sus modelos y gran maestría técnica. Sus retratos ultrareales de animales al óleo y acrílico ofrecen una yuxtaposición única y a menudo cómica, de literalidad técnica y contexto surrealista e imaginativo.

«Cuando empecé a pintar, no quería hacer pinturas de animales como cualquier otra que hubiera visto antes.  Y no quería estar limitado por su entorno natural.»

"Ensueño / Daydream", óleo y acrílico / oil & arylic, 36" x 48"© Tom Palmore

"Tal para cual (Abejarucos egipcios) / Birds of a Feather (Aegyptian Bee Eaters)"
Acrílico y óleo sobre lienzo / acrylic and oil on canvas, 36" x 48", 2015 © Tom Palmore

«Una de las cosas que hace que mi trabajo sea diferente al de otros pintores es que la mayoría de mis obras tienen un sentido del ingenio y del humor, que se enfatiza con una yuxtaposición en el fondo... Por ejemplo, un retrato de una rana con papel tapiz de bichos. Eso es tan gracioso como inesperado.»

"El Sr. Willi recuerda / Mr. Willy Remembers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152,4 x 121,9 cm., 60" x 48"© Tom Palmore

"¿Me estás mirando a mí? / Are You Looking At Me?"
Grafito sobre papel / graphite on paper, 19,75" x 18,38", 2019 © Tom Palmore

«Cuando hago una muestra hago de todo, desde, ya sabes, kiwis a elefantes, todo desde mi punto de vista. Muchas de las cosas que hago podrías verlas físicamente. En otras palabras, se puede ver un gorila caminando por un jardín formal. Es físicamente posible que eso suceda. Es muy poco probable que lo veas.»

"Desnudo en el jardín / Nude in the Garden"
Litografía / lithography, 58,42 x 64,77 cm. Ed.185 © Tom Palmore

"Ladrón de picnic / Picnic Thief"
Óleo y acrílico sobre panel / oil and acrylic on panel, 20" x 16", 2018 © Tom Palmore

"Mi amigo cabeza roja / My Redheaded Friend"
Óleo y acrílico sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 36" x 48", 2016 © Tom Palmore

«Nunca pinto animales que se vean enojados, mostrando sus dientes, viéndose viciosos, deprimidos, lo que sea. Siempre trato de mostrarlos en su mejor luz e intento realzarlos. Y no me burlo de ellos poniéndoles sombreros, ropa y otras cosas. No los tengo jugando al billar o a los bolos.
Trato de abordar el cuadro como si el animal me hubiera encargado la pintura.»

"Es bueno ser rey / It is Good to be King"
Grafito sobre papel / graphite on paper, 19" x 19", 2019 © Tom Palmore

"Zelvis", 1996 © Tom Palmore

«Incluso cuando pongo un animal en un entorno natural, trato de hacerlo mío a través de una iluminación inusual, composiciones únicas o puntos de vista atípicos.»

«Desde el principio tengo imágenes claras y detalladas en mi cabeza. Pero la pintura evolucionará a partir de la idea original tal como la imaginé.»

"Ojos de Jaguar / Jaguar Eyes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24 x 36, 2016 © Tom Palmore

"Sr. Excitación / Mr. Excitement", óleo y acrílico / oil and acrylic, 30" x 40" © Tom Palmore

Tom Palmore is an American painter born in 1945 in Ada, Oklahoma.
For more than 35 years, Tom Palmore has painted animal portraits with a reverence for his subject and a masterful technical prowess. His ultra-real portraits of animals in oil and acrylic offer a unique and often comical juxtaposition of technical literalism and surreal, imaginative context.

«When I first started painting, I didn’t want to do paintings of animals like any other paintings that I’d seen before.  And I didn’t want to be limited by their natural environment.»

"Puma en azul / Mountain Lion in Blue"
Óleo y acrílico sobre panel / oil and acrylic on panel, 24" x 18", 2018 © Tom Palmore

"¿Dónde está mi mamá? / Where's my Mommy?", Grafito y lápices de colores sobre papel /
graphite and colored pencil on paper, 8" x 10", 2019 © Tom Palmore

«One of the things that makes my work different from other painters is that most of my work has a sense of wit and humor, which is emphasized with a juxtaposition in the background,... For example, a portrait of a frog with bug wallpaper. That’s humorous as well as unexpected.»

"Pingüinos de Teton / Teton Penguins", óleo / oil, 24" x 36" © Tom Palmore

"Joven príncipe de la tierra de los tigres / Young Prince of Tigerland"
Óleo y acrílico sobre panel / oil and acrylic on panel, 24" x 18", 2018 © Tom Palmore

"Colibrí bailarín / Hummingbird Dancer"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 30", 2018 © Tom Palmore

«When I do a show, I do everything from, you know, kiwis to elephants, all from my point of view. A lot of the things that I do you could actually physically see. In other words, you actually could see a gorilla walk through a formal garden. It’s physically possible for that to happen; it’s highly unlikely that you would ever see it.»

"Ola de calor tropical / Tropical Heatwave"
Grafito sobre papel / graphite on paper, 23,13" x 18,5", 2019 © Tom Palmore

"Azulillo sietecolores / Painted Bunting"
Óleo y acrílico sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 40,6 × 50,8 cm., 2016 © Tom Palmore

«I never paint animals when they’re looking angry, showing their teeth, looking vicious, depressed, whatever. I always try to show them in their best light and try to enhance them. And I don’t make fun of them by putting hats and clothing and stuff on them. I don’t have them shooting pool or bowling.
I try to approach the painting as if the animal commissioned me to do the painting.»

"Lobo espíritu / Spirit Wolf"
Óleo y acrílico sobre panel / oil and acrylic on panel, 24" x 24", 2018 © Tom Palmore

"La rara abubilla australiana / Rare Australian Hoopoe"
Grafito sobre papel / graphite on paper, 20,75" x 18", 2019 © Tom Palmore

«Even when I put an animal in a natural setting, I try to make it my own through unusual lighting, unique compositions, or atypical points of view.»

«From the very beginning I have distinct and detailed images in my head. But the painting will evolve, moving from the original idea as I envisioned it.»

"La gran carrera / The Great Race"
Óleo y acrílico sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 48" x 35.75", 2012 © Tom Palmore

"Gato navajo / Navajo Cat"
Óleo y acrílico sobre lienzo / oil and acrylic on canvas, 25" x 30", 2018 © Tom Palmore

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Fuentes / Sources:
* Perfil del artista / Artist's ProfileArtsy
* Perfil del artista / Artist's ProfileJ.Cacciola Gallery
* "Planeta Animal" / "Animal Planet", por / by Dottie Indyke, Southwest Art, 6/2003. Astoria Fine Art
* Perfil del artista / Artist's ProfileAltamira Fine Art
* Perfil del artista / Artist's ProfileLewAllenGalleries
* Tom Palmore, la entrevista de Per Contra, con / the Per Contra Interview with Miriam N. Kotzin
* "La naturaleza se empareja con el capricho y el ingenio en la imaginación del pintor y nativo de Oklahoma Tom Palmore /
Nature pairs with whimsy and wit in the imagination of painter and Oklahoma native Tom Palmore"
Artículo y entrevista de / Article and interview by Brandy McDonnell, 8/2006. The Oklahoman
Tom Palmore en "El Hurgador" / in this blog:

Más sobre / More about Tom Palmore: facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Tom!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Tom!)


Recolección / Compilation (CLII-1)

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Kikuji Yamashita
山下菊二
(Miyoshi, Prefectura de Tokushima, Japón /
Tokushima Prefecture, Japan, 1919 - 1986)

"Deificación de un soldado / Deification of a Soldier"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 131 × 195 cm., 1967
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

"Estaciones cambiantes / Changing Seasons", 1968. The Asia-Pacific Journal

"あけぼの村物語 / El cuento del pueblo de Akebono / The Tale of Akebono Village"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 187 x 214 cm., 1953
Museo Nacional de Arte Moderno (Tokio, Japón / Tokyo, Japan). artscape
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Malangatana Valente Ngwenya
(Matalana, Marracuene, Mozambique Portugués /
Portuguese Mozambique, 1936 - Matosinhos, Portugal, 2011)

"Sin título / Unitled", óleo sobre panel / oil on hardboard, 109,5 x 190,2 cm., 1967
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK)

"Sin título / Unitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 136 × 134 cm. Artsy
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Ishii Shigeo
石井 茂雄
(Tokio, Japón / Tokyo, Japan, 1933 - 1962)

暴力シリーズ / Serie 'Violencia', "Placer" / Violence Series, "Pleasure", 1955-57. The Asia-Pacific Journal

暴力シリーズ, 曲芸 / Serie 'Violencia', "Acrobacias" / Violence Series, "Acrobatics", 1956. The Asia-Pacific Journal

暴力シリーズ / Serie 'Violencia', "Juicio" / Violence Series, "Judgement", 1955-57. The Asia-Pacific Journal
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James Alan Davie
(Grangemouth, Escocia / Scotland, 1920 -
Hertfordshire, Inglaterra / England, 2014)​​

"Mitos del pueblo / Village Myths"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 213,5 × 173 cm., 1983
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK) © Estate of Alan Davie

"Entrada para un templo rojo Nº 1 / Entrance for a Red Temple No. 1"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 213,4 × 172,7 cm., 1960
Tate Gallery (Londres, Reino Unido / London, UK) © Estate of Alan Davie

Alan Davie en "El Hurgador" / in this blog[Davie, Collier, Gonnord], [Sucedió en el museo (XI, Anexo)]
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James Meikle Guy
(EE.UU./ USA, 1909 - 1983)

"Capital menos trabajo / Capital Minus Labor"
Óleo sobre panel entelado / oil on canvas board, 14" x 18", 1938. Sotheby's

"Talla en marfil / Scrimshaw"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 76,2 x 90,8 cm., c.1940. Christie's
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Shipra Bhattacharya
(Calcuta, Bengala occidental / Kolkata, West Bengal, India, 1954-)

"Sin título / Untitled"
acrílico y óleo sobre lienzo / acrylic and oil on canvas, 101,6 x 88,9 cm., 2012. 1stdibs

"Gaj Yatra", óleo y acrílico sobre lienzo / oil & acrylic on canvas, 101.6 × 127 cm., 2018. Gallery Kolkata
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Pavel Nikolayevich Filonov
Павел Николаевич Филонов
(Moscú, Rusia / Moscow, Russia, 1883 [1882 OS] - 1941) 

"Goleta de pesca / Fishing Schooner"
Óleo sobre papel montado sobre lienzo / oil on paper mounted on canvas, 106 x 100 cm., 1913-14.
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / Saint Petersburg, Russia). Artchive

"Gente en el mundo / People In The World"
Óleo sobre papel / oil on paper, 107 x 71,5 cm., 1925.
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / Saint Petersburg, Russia). Artchive

"Las puertas de Narva / Narva Gates"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88 × 62 cm., 1929. Artchive

Pavel Filonov en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CV)], [Recolección (LXXXVIII)]
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Christopher Orr
(Islington, Londres, Reino Unido / London, UK, 1943-)

"Destino las estrellas / Destination the Stars"
Litografía offset / Offset lithograph, 65,5 x 88,4 cm., 2000
Royal Academy (Londres, Reino Unido / London, UK)

"El pequeño Titanic / The Small Titanic"
Aguafuerte / etching, 67 x 92,2 cm., 1993
Royal Academy (Londres, Reino Unido / London, UK)

Christopher Orr en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCXXI)]
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Ramón Oviedo
(Barahona, República Dominicana / Dominican Republic, 1924 -
Santo Domingo, 2015)

"Espantajo / Scarecrow", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 81 cm., 1969. Centro León

Ramón Oviedo en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (CCLXXIV)], [Recolección (CXXVII)], [Recolección (CXXX)]
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Asdrúbal Domínguez
(Santo Domingo, República Dominicana / Dominican Republic, 1937 - 1987)

"Pájaros muertos en el tejado / Dead Birds on Rooftop"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 115 cm., 1969. Centro León
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Alexander Stozky (Stotsky) "Zbyshek"
(Rusia / Russia)

"Шахматы / Ajedrez / Chess", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 100 cm., 1997. Artmajeur

"Крест / Cruz / Cross", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 100 cm., 1995. Artmajeur

Alexander Stozky en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CLI-2)]
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Jenifer J. Renzel
(EE.UU./ USA, 1965-)

"Araña Marte / Spider Mars"
Técnica mixta y collage sobre papel / mixed media and collage on paper, 18" x 24"

"Sueños lúcidos / Lucid Dreams"
Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 11" x 15"

"Halloween está llegando / Halloween is Coming"
Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 14" x 17"

Jenifer J. Renzel en "El Hurgador" / in this blog:

Recolección / Compilation (CLII-2)

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Victo Ngai
倪傳婧
(Hong Kong)
en Los Ángeles, EE.UU./ at LA, USA

"Cartel publicitario para / Billboard for Mixc World". Link

Recibí el encargo de Mixc World, un centro comercial en Shenzhen, China, para crear una imagen de cartelera que celebrara su lanzamiento en septiembre de 2017.
Mixc World es una comunidad compuesta por una docena de edificios, cientos de tiendas y restaurantes y áreas públicas que incluyen instalaciones de arte y sitios históricos. La inspiración principal de esta pieza fue tomada del nombre chino de Mixc World - "萬象天地", que tiene el significado de "un lugar con todo y todas las cosas" pero también puede ser traducido literalmente como "Mundo Elefante". Para hacer la serie de la campaña más amable, he decidido tratarla como un libro de cuentos con las aventuras de dos personajes que he creado para esta campaña: el elefante Mixc y Niña Pequeña.

"Cartel publicitario para / Billboard for Mixc World" (detalle / detail)

I was commissioned by Mixc World, a shopping center in Shenzhen China. to create a billboard image celebrating their launch in September 2017.
Mixc World is a community comprises of a dozen buildings, hundreds of shops and restaurants and public areas including art installations and historical sites. The main inspiration of this piece was drawn from the Chinese name of Mixc World - “萬象天地”, which has the meaning of “a place with everything and all things” but can also be literally translated to “Elephant World”. To make the campaign series more personable, I have decided to treat the series as a story book featuring the adventures of two characters I created for this campaign: Mixc Elephant and Little Girl.

"El problema de los tres cuerpos / Three Body Problem". Instagram

Esta pieza está inspirada en una escena del primer libro de la trilogía "El problema de los tres cuerpos", en la cual tres soles aparecen en el cielo simultáneamente, arrancando al planeta de su atracción gravitacional mientras lo consumen las llamas.

This piece was inspired by a scene from the first book in the Three Body Problem trilogy, in which 3 suns appear in the sky simultaneously, tearing apart the planet with their gravitational pull while consuming it with flames.

"Capullo / Cocoon". facebook

Esta pieza está inspirada en una cita de McQueen: "Es importante mirar a la muerte, porque es parte de la vida. Es algo triste, melancólica, pero al mismo tiempo romántica. Es el fin de un ciclo: todo tiene que terminar. El ciclo de la vida es positivo porque da lugar a cosas nuevas."
La obra fue parte de la muestra anual SE3 en la Galería Spoke Art, en San Francisco, California.

This piece is inspired by one of McQueen’s quotes: “It is important to look at death because it is a part of life. It is a sad thing, melancholic but romantic at the same time. It is the end of a cycle - everything has to end. The cycle of life is positive because it gives room for new things.”
This piece was part of SE3 annual show at Spoke Art Gallery, SF, CA.

"Dulces sueños / Sweet Dreams"
Ilustración para / Illustration for The New Yorker
Sociedad de ilustradores de Nueva York / Society of Illustrators New York 55, 2013. facebook

"Los claustros / The Cloisters", MTA Arts and Design, AD: Amy Hausmann

MTA Arts & Design, anteriormente conocido como Arts for Transit and Urban Design, es un programa de arte por encargo dirigido por la Autoridad de Transporte Metropolitano para los sistemas de transporte que sirven a la ciudad de Nueva York y la región circundante. Desde 1985 el programa ha instalado arte en más de 260 estaciones de tránsito. El arte está destinado a ser específico del sitio y a mejorar el viaje tanto para los neoyorquinos como para los visitantes.

MTA Arts & Design, formerly known as Arts for Transit and Urban Design, is a commissioned art program directed by the Metropolitan Transportation Authority for the transportation systems serving New York City and the surrounding region. Since 1985, the program has installed art in more than 260 transit stations. The art is intended to be site-specific and to improve the journey for New Yorkers and visitors alike.

Más sobre / More about Victo Ngai: Website, Instagram, facebook
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Arik Brauer
(Wien / Viena / Vienna, Austria, 1929-)

"Alles was Flügel hat fliegt / Cualquier cosa con alas volará / Anything with Wings will Fly"
Témpera sobre panel de fibra con imprimación acrílica /
tempera on acrylic-primed fiberboard, 100 x 100 cm., 1973
Essl Museum (Klosterneuburg, Wien / Viena / Vienna, Austria). Leopold Museum

"Der letzte Hahnenschrei / El último cuclillo / The Last Cockcrow"
Óleo sobre panel / oil on hardboard, 200 x 300 cm., 1976
Colección privada / Private Collection© Privatbesitz Arik Brauer. Leopold Museum

Das Tschernobyl-Triptychon, Mitteltafel, "Die Blume von Tschernobyl" /
Tríptico de Chernobyl, panel central, "La flor de Chernobyl" /
The Chernobyl Tryptich, middle panel, "The Chernobyl Flower"
Óleo sobre panel / oil on hardboard, 136 x 170 cm., Viena / Vienna, 1996-97. Leopold Museum

Más sobre / More about Arik Brauer. Website, Wikipedia (Enlish)
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Albert Oehlen
(Krefeld, Renania del Norte-Westfalia, Alemania /
North Rhine-Westphalia, Germany, 1954-)
en Colonia / at Cologne

"Solo von Trompete / Solo de trompeta / Solo for Trumpet"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 164,2 x 234,2 cm., 2002. Patrick Painter Inc

"Aufräumen / Limpiando / Tidying Up"
Inyección de tinta, óleo, acrílico y esmalte sobre lienzo / 
inkjet ink, oil, acrylic and enamel on canvas, 243 x 334,2 cm., 1998. Christie's
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Heinrich Campendonk
(Krefeld, Renania del Norte-Westfalia, Alemania /
North Rhine-Westphalia, Germany, 1889 -
Ámsterdam, Holanda / Netherlands, 1957) 

"Stillleben mit zwei Köpfen / Bodegón con dos cabezas) /
Still Life With Two Heads", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1914. WikiArt

"Arlequín y Columbina / Harlequim and Columbine"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165,1 x 199,1 cm., 1913
Saint Louis Museum of Art (Misuri, EE.UU./ Missouri, USA)

"Pferde am See / Caballos en el lago / Horses at the Lake"
Aguada sobre cartulina / gouache on card, 43 x 53 cm., c.1915. Christie's

Heinrich Campendonk en "El Hurgador" / in this blog[Alan Derwin (Pintura)]
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Emiliano Di Cavalcanti
Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque e Melo
(Río de Janeiro, Brasil / Brazil, 1897 - 1976)

"Sonhos do carnaval / Sueños de carnaval / Carnival Dreams"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130 x 160 cm., 1955. Christie's

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,5 x 68 cm., 1968. Sotheby's
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Teofil Ociepka
(Janów Śląski, Polonia / Poland, 1891 - Bydgoszcz, 1978)

"Selva / Jungle", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1959
Museo Etnográfico Nacional (Varsovia, Polonia / Warsaw, Poland). GA&C

"W puszczy / En la naturaleza / In The Wilderness"
Aguada, tinta y óleo sobre papel / gouache, ink and oil on paper, 1970
Muzeum Okręgowe / Museo Histórico Municipal (Bydgoszczy, Polonia / Poland). Pinterest
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Keiichi Tanaami
田名網敬一
(Kyōbashi, Tokio, Japón / Tokyo, Japan, 1936-)

"薄明にうごめく目玉 / Globo ocular en leve movimiento (díptico) / A Dimly Moving Eyeball (diptych)"
Tinta, serigrafía, astillas de vidrio, acrílico sobre lienzo /
ink, silkscreen, crashed glass, acrylic on canvas, 156 x 200 cm., 2017

"骸骨の宴 / Reventón de esqueletos (tríptico) / Blowout of Skeltons (tryptich)"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 154 x 300 cm., 2011

"若冲賛歌 / Joven canción poética (tríptico) / Young Poetic Song (tryptich)"
Tinta, serigrafía, astillas de vidrio, acrílico sobre lienzo /
ink, silkscreen, crashed glass, acrylic on canvas, 200 x 300 cm., 2016

Más sobre / More about Keiichi Tanaami: Website, Instagram, facebook
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Julie Heffernan
(Peoria, Illinois, EE.UU./ IL, USA, 1956-)
en Nueva York / at NY

"Autorretrato como un rey gordo / Self-Portrait as Fat King"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63" x 67", 2017

"Campamento Bedlam (díptico) / Camp Bedlam (diptych)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 68" x 104", 2016

Josh Dorman (I) [Pintura, collage, dibujo / Painting, Collage, Drawing]

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Primero de un par de posts que dedico a la fascinante obra de Josh Dorman, quien utiliza mapas antiguos, viejos grabados, rollos de pianola, etc, para crear grandes composiciones con complicadas narrativas e infinidad de elementos, que invitan a una larga contemplación e inspección minuciosa por parte del espectador.

First of a couple of posts that I dedicate to the fascinating work of Josh Dorman, who uses antique maps, old engravings, piano rolls, etc, to create big compositions with complicated narratives and infinite elements, which invite a long contemplation and detailed inspection by the viewer.
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Josh Dorman
(Baltimore, Maryland, EE.UU./ MD, USA, 1966-)

Josh Dorman junto a su obra "Suelo de Manhattan" / with his work "Manhattan Soil", 2016

Josh Dorman es un artista estadounidense nacido en Baltimore en 1966, que vive y trabaja en Nueva York.
Estudió en el Skidmore College, Saratoga Springs antes de completar su Máster en Bellas Artes en el Queen's College en Flushing, Nueva York. Ha recibido varias becas y realizado residencias.
Su obra se encuentra en numerosas colecciones de todo el país y ha expuesto a nivel nacional e internacional.
Josh construye sus obras en base a antiguos mapas y material gráfico, con elementos de collage, componiendo abigarrados paisajes poblados de infinidad de figuras, entre las que los animales tienen un lugar destacado.

"Suelo de Manhattan / Manhattan Soil", tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, antique paper on panel, 12" x 14", 2015

"Aves extrañas / Strange Birds", tinta, acrílico, papel antiguo y resina /
ink, acrylic, antique paper and resin, 16" x 16", 2019

«Quiero saber cómo el pasado vive en el presente. Cuando utilizo recortes de libros y mapas antiguos, soy consciente de que su significado es de otro período temporal, por lo que ese significado vive de forma alterada en un contexto contemporáneo. ¿Qué significa este grabado de los engranajes de una desmotadora de algodón para nosotros ahora? ¿Y qué sucede en nuestros ojos y mentes cuando se la empareja con las formas espirales de un diagrama de la estructura celular de la planta de algodón? ¿Qué significa un fragmento de mapa de 1890 en un mundo donde tenemos GPS? Estos artefactos físicos de papel han sido absorbidos por nuestro funcionamiento actual, tanto que estamos olvidando nuestra conexión con ellos. Estoy constantemente buscando libros antiguos peculiares, como un cazador o un botánico. Encuentro conocimientos en desuso en diagramas, gráficos, grabados, libros de texto antiguos. Parte de mi objetivo es hacer que la gente vea el valor de las antiguas imágenes impresas, que dependían para su existencia del filtro de una mente y una mano humanas, en lugar de la lente de la cámara.

Recontextualizando estas imágenes antiguas dentro de los mundos dibujados y pintados, pretendo generar cuadros que se perciban dislocados en el tiempo. Genero campos de detritus visuales, luego los entierro y los excavo, deambulo entre la carne, la pluma, el metal, el hueso, la roca. Los helechos vivos manchan las formas esqueléticas fractales en los viejos mapas. Engranajes, hongos, coronas y células se encajan, remedan, alimentan máquinas, o flotan ingrávidas.

Los mundos de la forma y la imagen que creo tienen una lógica interna, como un poema o una novela. Hay rimas visuales y docenas de narraciones, pero no prescribo una sola lectura. Mi objetivo es que las pinturas sean simultáneamente hiper-específicas y completamente abiertas.»

"Juguete mecánico / Mechanical Toy"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel de madera /
ink, acrylic, antique paper, resin on wood panel, 4" x 6", 2017

Serie Blues en un lugar pequeño / Blues In A Minor Place Series

«En los '90, comencé a pintar pegando mapas topográficos y dejando que las líneas arremolinadas guiaran mis dibujos y collages. Ahora con frecuencia mis obras (especialmente los paneles más grandes) comienzan con un boceto de composición, y sólo utilizo los mapas tangencialmente. De hecho, muchos paneles recientes empiezan con una capa base de rollos de pianola. Esto proporciona un tono, una historia y hermosas perforaciones que generan una estructura rítmica. Luego esbozo formas rápida y ligeramente al carboncillo y comienzo a aplicar capas de pintura y collage. Trabajo en cinco o diez pinturas simultáneamente. Algunas emergen en cuestión de días; otras pueden tardar un año o más.
Si algún elemento de una pintura ocurre con demasiada facilidad, soy escéptico y suelo destruirlo. Parte de la razón por la que uso el collage es para quitar mi mano del proceso. Por la misma razón, verán áreas en la mayoría de mis pinturas donde he depositado plantas vivas o engranajes y alambres de metal, o he vertido tinta y dejado que se evapore. Siento que estas "manchas/plantillas" son para mí como un fenómeno natural, fuera de mi mismo. No estoy diciendo que le dé una oportunidad a los dadaístas en mi trabajo. Necesito composición y estructura. Pero dentro de ese marco inicial, se trata de una improvisación sin fin.»

"Montaña, León / Mountain, Lion", tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, antique paper on panel, 36" x 34", 2014

"Junto al océano / By the Ocean", tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel /
ink, acrylic, antique paper and resin on panel, 22,9 x 55,9 cm., 2018

En el estudio de Josh puedes encontrar "Estantes desbordantes llenos de cientos de libros antiguos y papel amarillento: catálogos, diagramas, libros de contabilidad, mapas topográficos, rollos para pianola, pero sobre todo libros de texto. Sólo utilizo material impreso de la era prefotográfica: 1820s-1950s. Están clasificados por temas: Ingeniería, Biología, Botánica, Arquitectura, Ornamentación, Estructura Celular, Anatomía Humana, Geología, Geografía, etc. Es una obsesión".
Josh no tiene un sistema establecido para crear un cuadro. "Soy escéptico respecto al arte que surge de la preconcepción", dice.

«Mucho arte se diluye con palabras extrañas, o los artistas usan el lenguaje como excusa para que la obra no hable por sí misma. Realmente tengo muy poca paciencia para el texto de la pared cuando voy a un museo o galería. Francamente, tampoco respondo al arte que tiene demasiado texto. Las palabras pueden ser usadas en el arte visual, pero las imágenes que contienen mucho texto raramente me hablan. Hay elementos de texto en los mapas y en los rollos para pianola que uso, pero no hay ninguna clave secreta que necesite para descifrar la obra. Hay una cita de Braque que me encanta: "La única cosa de valor es lo que no puede ser explicado." Realmente lo creo. La esencia de cualquier obra de arte es algo que no es verbal.»

"Torre de Babel II / Tower of Babel II"
Tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel / ink, acrylic, antique paper on panel, 48" x 38", 2016
Colección de 7 Collection of Michael Chabon & Ayelet Waldman

"Selvático / Jungular", tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, antique paper on panel, 38" x 42", 2012
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"Memento Mori", tinta, acrílico y papel antiguo sobre dos paneles /
ink, acrylic, antique paper on two panels, 56" x 120", 2014

El collage Memento Mori representa una amplia variedad de simios y monos retozando en las orillas de un lago con una colección igual de abigarrada de diagramas arquitectónicos. Existe la ecuanimidad del hombre y la naturaleza que marca una sensibilidad similar a la de Bierstadt, a pesar de las grandes disparidades en cuanto a escala y técnicas de representación.
También hay partes de máquinas como levas y engranajes. La unidad dentro de estas pinturas no es el organismo, sino el recorte. Como una caja de Joseph Cornell, Dorman crea su drama a través de un surtido de cosas. El artista nos recuerda el origen de su búsqueda incluyendo varias entradas de un diccionario: “myrrh (mirra),” “myrtle (mirto),” “myself (yo),” “mysterious (misterio)”. Más allá del humo y los espejos de las plumas, la cornamenta, los engranajes y las manchas, todo este lío cae claramente en el espacio entre la A y la Z - la lógica fundamental de por qué todo está ahí en este primer lugar es irrefutable. Aunque coquetea entre el todopoderoso y Darwin, Dorman juega a lo seguro como un tecnócrata, o quizás un enciclopedista.

Te collage Memento Mori depicts a wide variety of apes and monkeys frolic on the shores of a lake with a similarly variegated collection of architectural diagrams. There is the all around equanimity of man and nature that marks a Bierstadt-like sensibility, despite the gross-disparities if scale and rendering techniques.
There are also machine parts such as cams and cogs. The unit within these paintings is not the organism, but the cut-out. Much like a Joseph Cornell box, Dorman creates his drama via an assortment of things. The artist reminds us of the origin of his search by including several entries from a dictionary: “myrrh,” “myrtle,” “myself,” “mysterious.” Past all the smoke and mirrors of feathers, antlers, gears and spots, all of this mess neatly falls into the space between A and Z — the fundamental logic of why everything is there in the first place is irrefutable. Though he flirts between the almighty and Darwin, Dorman plays it safe as a something of a technocrat, or perhaps an encyclopédiste.
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"Pequeña Babel / Little Babel", tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, antique paper on panel, 12" x 12", 2012

«Tengo reglas. Tuve reglas inquebrantables por años, pero eventualmente las rompo, o agrego nuevos ingredientes, nuevas reglas. Y estoy seguro de que estas reglas pueden parecerle una tontería a cualquiera. Una regla solía ser que los mapas que usaba tenían que ser de 1945 o anteriores debido a ciertas tintas sepia que se usaban para imprimir. Luego, durante años, no usé ningún elemento de collage, y luego sólo ciertos tipos de elementos de collage... y así sucesivamente. Rompí una gran regla para mí mismo y dudo incluso en revelar esto en público. Me encanta el papel viejo, ahí es donde empezó todo esto, así que casi todos los elementos de la obra provienen de estos viejos libros y gráficos. Recientemente empecé a usar fotocopias de grabados. Debido a la escala de los nuevos paneles, necesité aumentar la escala de las imágenes, aunque todavía las imprimo en papel viejo. Se siente diferente - no está la sensación de cosechar esa imagen singular, ese glorioso elefante o esa oscura máquina.»

"Agua / Water", tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel /
ink, acrylic, antique paper, resin on panel, 16" x 16", 2017

Josh trabajando en su estudio / at work in his Studio
Captura del video que puede verse más abajo / Still of the video you can see below

Josh Dorman is an American aritst born in Baltimore in 1966, living and working in New York.
He studied at Skidmore College, Saratoga Springs before completing his MFA at Queen’s College, Flushing, New York. Josh has been the recipient of numerous residencies and fellowships.
His work is held in numerous collections across the country and he has exhibited nationally and internationally.
Josh constructs his works based on old maps and graphic material, with elements of collage, composing variegated landscapes populated by an infinity of figures, among which animals have a prominent place.

"Montaña, Híbridos / Mountain, Hybrids"
Tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, antique paper on panel, 16" x 16", 2016

«I want to know how the past lives in the present. When I use cut-outs from old books and maps, I’m aware that their meaning is from another time period, so that meaning therefore lives in an altered way in a contemporary context. What does this engraving of the gears of a cotton gin mean to us now? And what happens in our eyes and minds when it’s paired with the spiral forms from a diagram of the cell structure of the cotton plant? What does an 1890 map fragment mean in a world where we have GPS? These physical paper artifacts are folded into who we are now, yet we are forgetting our connection to them. I am constantly foraging for peculiar old books—like a hunter, or a botanist. I find disused knowledge in diagrams, charts, engravings, antique textbooks. Part of my goal is to make people see the value of old printed imagery, which depended for its existence on the filter of a human mind and hand, rather than on the camera lens.

By recontextualizing these antique images within drawn and painted worlds, I aim to generate paintings that feel dislocated in time. I generate fields of visual detritus, then bury and excavate, wander between flesh, feather, metal, bone, rock. Living ferns stain skeletal fractal forms on old maps. Gears, mushrooms, coronae and cells mesh, echo, power machines or hover weightless.

The worlds of form and image that I create have an internal logic, like a poem or novel. There are visual rhymes and dozens of narratives, but I do not prescribe a single reading. My aim is for the paintings to be simultaneously hyper-specific and completely open-ended.»

"Interior II, Cronometrador / Interior II, Timekeeper"
Tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, antique paper on panel, 24" x 30", 2014

"Aligator / Gator", grafito / graphite, 4" x 5", 2017

«In the 90s, I would begin a painting by gluing down topographic maps and letting the swirling lines guide my drawing and collaging. More often now, my works (especially the larger panels) begin with a compositional sketch, and maps are only used tangentially. In fact, many recent panels begin with a base layer of player piano scroll paper. This provides a tone, a history, and beautiful perforations that generate a rhythmic structure. I then sketch forms quickly and lightly in charcoal and begin the layering of paint and collage. I work on five to 10 paintings simultaneously. Some emerge in a matter of days; others can take a year or more.
If any element of a painting happens too easily, I’m skeptical, and I usually destroy it. Part of the reason I use collage is to remove my hand from the process. For the same reason, you’ll see areas in most of my paintings where I’ve rested living plants or metal gears and wires, poured ink and allowed it to evaporate. These “stain/stencils” for me, feel like a natural phenomenon, outside of my self. I’m not saying that I give over to Dadaist chance in my work. I need composition and structure. But within that initial framework, it’s about endless improvisation.»

"Roma cae en ruinas / Rome Falls to Ruin"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel de madera /
ink, acrylic, antique paper, resin on wood panel, 32" x 22", 2018
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"Cómo terminará esto / How This Will End"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel /
ink, acrylic, antique paper, resin on panel, 48" x 48", 2019

Los cuatro pies cuadrados de "Cómo terminará esto" parecen ser nada menos que un inmenso collage alegórico que representa la evolución de la vida fuera de los océanos, el surgimiento de civilizaciones, dedicadas mayormente a la guerra con los vecinos y dentro de sí mismas, y el eventual colapso de la civilización, regresando otra vez a las aguas crecientes. Es un logro que recuerda a los más grandes maestros del Renacimiento en términos de complejidad y alcance, pero requiere una familiaridad visual con la biología, la antropología y la historia del arte para su completa comprensión, o una inmensa clave para los momentos importantes.

The 4-foot-square How This Will End, for example, appears to be nothing less than an immense allegorical collage depicting the evolution of life out of the oceans, the rise of civilizations mostly devoted to warfare with neighbors and within themselves, and the eventual collapse of civilization back into rising waters. It’s an accomplishment reminiscent of the greatest Renaissance masters in terms of complexity and scope, but it requires a visual familiarity with biology, anthropology and art history for full comprehension, or an immense key to important moments.
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"Veo serpientes / I See Snakes"
Tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, antique paper on panel, 22" x 34", 2017

In Josh's studio you can find "Overflowing shelves filled with hundreds of antique books and yellowing paper: catalogs, diagrams, ledger books, topographical maps, player piano scrolls, but mostly textbooks. I use only printed materials from the pre-photography era: 1820s-1950s. They’re categorized by subject: Engineering, Biology, Botany, Architecture, Ornamentation, Cellular Structure, Human Anatomy, Geology, Geography, etc. It’s an obsession."
Jash has no set system for creating a painting. He said "I'm skeptical of art that arises out of preconception."

"Luna roja / Red Moon", tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, antique paper on panel, 42" x 38", 2013

"Crescendo", tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, antique paper on panel, 38" x 48", 2017

«A lot of art is watered down by extraneous words, or artists use language as an excuse for the work not speaking for itself. I really have very little patience for wall text when I go to a museum or gallery. Frankly I don’t respond to art that has too much text in it either. Words can be used in visual art, but images that contain a lot of text rarely speak to me. There are elements of text in the maps and piano scrolls I use, but there is no secret key you need to decipher the work. There is a Braque quote that I love: “The only thing of value is that which cannot be explained.” I really believe that. The essence of any artwork is something that is not verbal.»

«I do have rules. I had unbreakable rules for ages, but eventually I break them, or add new ingredients, new rules. And I’m certain these rules seem silly to anyone else. One rule used to be that the maps I used had to be from 1945 or earlier because of certain sepia inks that were used for printing. Then for years, I didn’t use any collage elements, and then only certain kinds of collage elements…on an on. I just broke a huge rule for myself and I hesitate to even reveal this in public. I love old paper – that’s where all this started, so almost every element in the work comes from these old books and charts. Just recently, I started using photocopies of engravings. Because of the scale of the new panels, I needed to scale up the imagery – though I do still print them on old paper. It’s feels different – there’s not the feeling of harvesting that singular image, that one glorious elephant or obscure machine.»

"¿Has visto la aldea roja? / Have You Seen The Red Village?"
Tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel de madera /
ink, acrylic, antique paper on wood panel, 26" x 26", 2012
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"Relicario"
Filmado en su estudio de Nueva York, Josh Dorman habla sobre su obra e ideas con el cineasta Federico Possati, con vistas a su exposición de 2018 en la Galería John Martin /

"Reliquary"
Filmed in his studio in New York, Josh Dorman discusses his work and ideas with filmmaker Federico Possati ahead of his 2018 London exhibition at John Martin Gallery.

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Fuentes / Sources:

Website
* Catálogo de la exposición / Catalog of the Exhibition "Josh Dorman". CUE Art Foundation, 2004
* "Oda al significado, o la alegría del apocalipsis: El arte de Josh Dorman /
Ode to Meaning, or The Joyful Apocalypse | The Art of Josh Dorman"
Entrevista de / Interview by Mary Kathryn Jablonski, Numéro Cinq, 8/2017
* "La naturaleza vuelve a intentarlo: Josh Dorman en Ryan Lee /
Nature Tries Again: Josh Dorman at Ryan Lee"
por / by William Corwin, artcritical, 7/2014
* Entrevista de / Interview by Haleigh Collins, BOMB, 9/2014
* "Corta, mueve, pinta: Josh Dorman en una conversación con Ashli Sisk /
Cut, move, paint: Josh Droman in conversarion with Ashli Sisk", artfile magazine

Actualmente, Josh está representado por / Currently, Josh is represented by 
Ryan Lee Gallery, Nueva York / NYC; Koplin Del Rio Gallery, Seattle
& John Martin Gallery, Londres / London.

Más sobre / More about Josh Dorman: Website, Instagram, facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Josh!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Josh!)

Uruguayos / Uruguayans (XL-1) - Ruben Cano Tetti (I) [Cerámica / Ceramic]

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Primero de un par de posts dedicados a la obra del artista uruguayo residente en España, Ruben Cano Tetti, en los que disfrutaremos de un recorrido por su vida y obra a través de una amplia selección de imágenes y una interesante entrevista realizada por Shirley Rebuffo.
Texto en inglés al final del post, marcado con [*] en cada párrafo.

First of a couple of posts dedicated to the work of Uruguayan artist based in Spain Ruben Cano Tetti, in which we will enjoy a tour of his life and work through a wide selection of images and an interesting interview by Shirley Rebuffo.
English text at the end of the post marked with [*] in each paragraph.
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Ruben Cano Tetti
(Minas, Lavalleja, Uruguay, 1947-)
en / at Lluchmayor, Mallorca, Illes Balears / Islas Baleares, España / Balearic Islands, Spain

El artista en su taller de Mallorca / The Artist at his Atelier in Mallorca

Ruben Cano Tetti es un ceramista, dibujante y pintor uruguayo nacido el 25 de julio de 1947 en Minas, Lavalleja.
Cursó sus primeros estudios en su ciudad natal y más adelante en Palma de Mallorca. Ha creado una obra elegante y siempre innovadora, con una estética que incorpora el ritmo de la fantasía, a la que ha sabido imbuir de contenidos sociales relativos a las comunidades en que se desenvuelve (Islas Baleares, España y Uruguay). 
En la presente entrevista nos ofrece un jugoso y consistente testimonio de algunos aspectos de su vida y obra. [1]

"KL20", gres y chamotado con esmaltes /
firesand stoneware with glazes, 1260 ºC, 41 x 20 x 42 cm., 2002

"Taza / Cup", raku, 11 x 16 cm.

Shirley Rebuffo: ¿Cómo fueron los inicios?
Ruben Cano: Todo comenzó como un “hobby”. En aquel momento trabajaba en un escritorio comercial con mi padre, sin punto de contacto con la cerámica. Mi acercamiento con el dibujo, aunque técnico, fue al realizar el bachillerato de arquitectura. Me gustaban las clases de la docente y arquitecta María Luz Morosoli, hija del escritor Juan José Morosoli, gran referente de la cultura de Minas, mi ciudad natal. Fueron momentos de mucha efervescencia de las artes en el Uruguay. El lugar era “Amigos del Arte”, fundada por Edgardo Ribeiro, cuando yo comencé a asistir a esos cursos lo llevaban adelante Casimiro Motta y Julio Cajaraville. Concurrí alrededor de un año. Me despertó la curiosidad e inicié a investigar con otros talleristas de Montevideo como ser Gustavo Etchenique que era de Minas y estaba en la capital. En esos inicios oía hablar de López Lomba, Cacheiro, Gurvich, Collell, y otras figuras de la cerámica.
Al llegar a Europa, me sirvió todo el aprendizaje adquirido y emprendí a trabajar con el dibujo de estampados de Lionesa. Luego continué con la cerámica con técnica decorativa de engobe. Esto me permitió vivir de la cerámica y relacionarme con uruguayos que estaban en el mismo camino. Viví en Barcelona, Ibiza y por último establecí mi residencia en Palma de Mallorca. [2]

"Cap de dona / Cabeza de mujer / Head of a Woman", chamotado / firesand 1260 ºC, 41 x 19 x 27 cm., 2004

"Galaxia / Galaxy", chamotado con esmaltes / firesand with glazes 1260 ºC, 26 x 42 x 5 cm.

SR: ¿Cómo fue tu evolución desde el uso de la técnica para fines utilitarios hacia las obras artísticas?
RC: Estando ya conectado con la cerámica surge en mí la necesidad de profundizar más en ella y asistí a cursos en la Escuela de Arte y Oficios de Palma de Mallorca. Algunos de los docentes que se cruzaron en ese momento fueron alumnos directos de Josep Llorens Artigas, como Lluis Castaldo. A partir de este momento comienza la tarea de dar clases en la prisión y ampliar la creatividad, pasando como bien planteas de la técnica utilitaria a piezas de mayor volumen y mis primeras exposiciones. El crecimiento y la estabilidad del trabajo como educador, me posibilitó el abordaje de la cerámica como arte y dedicar el tiempo libre a lo que yo pretendía fundir con mis ideas. [3]

SR: ¿Cuál es tu principio de motivación?
RC: Siempre me estimuló ver la ductilidad de la cerámica con sus límites. A través de ella plasmé un sentir que podría decirse de una época con la cual me identifico, una “estética medieval” que siempre me ha seducido. Ir logrando esa conexión con la cerámica es lo que realmente germinó la creatividad personal e influyó en mi crecimiento artístico. [4]

"Escultura con hierro  / Sculpture with Iron"
Chamotado con esmaltes / firesand with glazes, 203 x 38 x 38 1260° C, 2010

"Mujer / Woman", 19 x 20 cm. 

SR: ¿Planificas previamente lo que realizas o surge espontáneamente?
RC: Mi manera de crear una pieza nueva viene dada por el intento, día a día, de crear a través del dibujo. Con una mirada selectiva logro definir cuál de ellos quiero llevar a volumen para dibujarlo nuevamente con sus dimensiones reales y después pasar a la práctica de la elaboración. Hay una fase previa que será hacer una pieza pequeña o maqueta de la misma, previendo las dificultades en sus curvas, las alturas y redondeces del diseño. [5]

SR: ¿Te gusta trabajar en piezas pequeñas o grandes?
RC: Verdaderamente me gusta trabajar en las piezas grandes, con la problemática que ello conlleva y las medidas que tenga el horno para después seguir su proceso. La solución que he encontrado es el fraccionar las piezas y que esa unión entre una pieza y otra sirva como elemento decorativo. Ensamblarlas y acoplarlas por medio de planchas de hierro o madera u otro material que dé lugar a una presentación estética impecable. [6]

"Yelmo 2 / Helmet #2", barro rojo / red clay 990 ºC, 30 x 18 x 24 cm., 1991

"Cua / Cola / Tail", chamotado con pigmento / firesand with pigment, 44 x 23 x 33 cm., 1260 ºC, 2011

SR: ¿Duplicas piezas?
RC: En ese fraccionar de las piezas, alguna de ellas puede dar lugar a una nueva pieza complementaria. Yo no diría repetir, sino armonizar cada una de ellas con el sentir estético y creativo del sentir personal. Por eso pueden resultar a simple vista algunas de las piezas “parecidas” cuando en realidad su carácter lo dan los diferentes diseños que en ella plasmo. [7]

SR: ¿Te gusta experimentar?
RC: Creo que es lo más importante y a nivel personal lo más lindo de hacer en cerámica. En relación a eso, lo último que experimenté en mi exposición en AGADU [Asociación General de Autores del Uruguay], fue la experiencia de trabajar con ácidos en las placas de hierro, técnica a la que me introdujo el amigo Juan Pache. [8]

"Meteorito / Meteorite"
Barro rojo con esmalte mate / red clay with matte glaze 980 ºC, 38 x 50 x 30 cm., 1996

"Columna / Column"
Barro rojo con esmalte mate / red clay with matte glaze 980 ºC, 88 x 25 x 26 cm., 1995

SR: ¿Trabajas con placer el torno?
RC: Sí, me encanta trabajar en él. La relación mágica entre el barro, el torno y las manos, me crea una sensación de total placer y armonía. [9]

SR: ¿Qué tipo de barro te resulta mejor para trabajar?
RC: Trabajo barro chamotado. Éste consiste en un barro al que se le ha agregado trocitos de cerámica de diferentes tamaños que ya están horneados. Eso hace que sea un barro bastante rústico, que es lo que yo busco para hacer resaltar su composición. [10]

Izq./ Left: "Dona / Mujer / Woman"
Gres con pigmento / stoneware with pigment, 52 x 22 x 15 cm., 2018-19
Der./ Right: "Dona / Mujer / Woman"
Gres en carbonación / carbonated stoneware, 39 x 13 x 12,5 cm., 2018-19


"KL-10", gres / stoneware 1260 ºC, 110 x 49 x 16 cm., 2018

SR: ¿En qué momento artístico te encuentras?
RC: Precisamente hoy no podría definirte exactamente cuál es mi momento actual, eso lo dejo a los que han tenido contacto con mis trabajos. De lo que sí estoy seguro, es que el volver cada 6 meses a Uruguay ha motivado mi creatividad. [11]

SR: ¿Cuál crees que es el papel del ceramista en la sociedad contemporánea de hoy?
RC: El papel del ceramista en la sociedad de hoy es sin dudas, transmitir los conocimientos. Las nuevas aperturas que hoy se difunden en los diferentes encuentros donde el papel del ceramista está en sacar su trabajo, los hornos, a la calle y experimentar en conjunto con el público, y que éste se implique, hacer un trabajo comunitario y comprometido con el proceso de la cerámica, en evolución cada día. [12]

"Bou / Buey / Ox", gres chamotado con pigmento /
firesand stoneware with pigment, 13,5 x 40 x 4 cm., 2018-19

"Pirámide tribal / Tribal Pyramid"
Chamotado, gres y esmaltes / firesand stoneware and glazes, 1260 ºC, 2003

SR: ¿Podrías describirme tu técnica favorita?
RC: Tanto, así como favorita no tengo, lo que sí puedo decirte es con cual me siento más cómodo o me es más agradable trabajar, sobre todo las técnicas que me sorprenden cuando salen las piezas del horno y no puedes controlar con seguridad ese proceso de cómo va a ser el resultado final. O sea que me gusta dejarme sorprender. Técnicas como el Rakú, la carbonación y otras, que te permiten jugar con el horno en tercera horneada; por tal motivo prefiero utilizar un horno a gas. [13]

SR: ¿Qué le respondes a quienes dicen que “la cerámica es un arte menor”?
RC: Te cuento que en una conferencia en la que participaban varios museos, estando presente el hijo de Llorens Artigas que es ceramista también (Joanet), realicé esa pregunta a todos los exponentes en general, porque yo tampoco lo entendía. Una directora del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, que estaba presente, me dijo: “Te voy a responder con una anécdota. Un día llega Miró al taller de Llorens Artigas. Se dirige a una de las cajas y toma una pieza de cerámica de las que tenía allí, separadas a un costado del taller, prontas para decorar. Llorens Artigas le dice: – “No, de esas no”. A lo que Miró, le pregunta –“¿por qué no?”. Respondiendo Llorens Artigas: – “porqué salieron mal hechas del horno”. A Miró eso no le importó y la pintó igual. En esta situación (prosigue la directora) se ve cómo entre los ceramistas se prioriza la técnica y no dan paso a la improvisación”. Con esta respuesta, reflexioné sobre sus palabras y cambié mi manera de hacer cerámica dejando lugar a la improvisación, poniendo menos color y yendo más a la textura de la materia en la elaboración de la pieza, dejando que las planchas de cerámica me digan el camino a seguir. [14]

"Jarras / Cups", 16 x 12 cm., 10 x 9 cm.

"Tribal", chamotado con esmaltes / firesand with glazes 1260 °C, 80 x 72 x 8 cm., 2010

Más sobre / More about Ruben Cano: facebook, Junarte
Ver también / See also: Blog, Agadu
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino..

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Texto en inglés / English Text

[1]
Ruben Cano Tetti is a Uruguayan ceramist, draftsman and painter born on July 25, 1947 in Minas, Lavalleja.
He studied in his hometown and later in Palma de Mallorca. He has created an elegant and always innovative body of work, with an aesthetic that incorporates the rhythm of fantasy, to which he has been able to incorporate the resource of social content in the communities in which he moves (Balearic Islands, Spain and Uruguay). 
In this interview he offers us a juicy and consistent testimony of some aspects of his life and work.

[2]
Shirley Rebuffo: How were your beginnings?
Ruben Cano: It all started as a "hobby". At that time I was working at a commercial office with my father, with no point of contact with ceramics. My approach to drawing, although technical, was when I was in high school for architecture. I liked the classes of the teacher and architect María Luz Morosoli, daughter of the writer Juan José Morosoli, a great reference of the culture of Minas, my hometown. They were moments of great effervescence of the arts in Uruguay. The place was "Amigos del Arte (Friends of Art)", founded by Edgardo Ribeiro. When I started attending those courses, they were run by Casimiro Motta and Julio Cajaraville; I attended them for about a year. I got curious and started to investigate with other workshop owners from Montevideo, such as Gustavo Etchenique, who was from Minas and was in the capital. In those early days I heard about López Lomba, Cacheiro, Gurvich, Collell, and other ceramic leading figures.
When I arrived in Europe, all the learning I had acquired was useful and I started to work with the drawing of ["estampados a la lionesa"]. Then I continued with ceramics with the decorative technique of Engobe. This allowed me to live from the pottery and relate to Uruguayans who were on the same path. I lived in Barcelona, Ibiza and finally established my residence in Palma de Mallorca.

[3]
SR: How was your evolution from the use of technique for utilitarian purposes to artistic works?
RC: Being already connected with ceramics, I felt the need to go deeper into it and I attended courses at the Escuela de Arte y Oficios (Shool of Arts and Crafts) in Palma de Mallorca. Some of the teachers who crossed paths at that time were direct students of Josep Llorens Artigas, such as Lluis Castaldo. From this moment on, I started to give classes in the prison and to expand my creativity, going from utilitarian techniques to larger pieces and my first exhibitions. The growth and stability of my work as an educator made it possible for me to approach ceramics as an art and to devote my free time to what I wanted to fuse with my ideas.

[4]
SR: What is your motivation principle?
RC: I've always been stimulated by seeing the ductility of ceramics with its limits. Through it I captured a feeling that could be said of a time with which I identify, a "medieval aesthetic" that has always seduced me. Achieving that connection with ceramics is what really germinated my personal creativity and influenced my artistic growth.

[5]
SR: Do you pre-plan what you do or does it come up spontaneously?
RC: My way of creating a new piece comes from the day-to-day attempt to create through drawing. With a selective look I manage to define which of them I want to take to volume to draw it again with its real dimensions and then go on to the practice of elaboration. There is a previous phase that will be to make a small piece or model of it, foreseeing the difficulties in its curves, the heights and roundness of the design.

[6]
SR: Do you like working on small or large pieces?
RC: I really like to work on large pieces, with the problems that this entails and the measurements of the oven, so that I can then follow the process. The solution I've found is to divide the pieces and make that union between one piece and another serve as a decorative element. Assemble them and couple them by means of iron or wood plates or other material that gives rise to an impeccable aesthetic presentation.

[7]
SR: Do you repeat pieces?
RC: In that splitting of the pieces, some of them can give rise to a new complementary piece. I wouldn't say repeat, but rather harmonize each one of them with the aesthetic and creative feeling of the personal feeling. That's why some of the pieces can be "similar" at first glance when in fact their character is given by the different designs that I embody in them.

[8]
SR: Do you like to experiment?
RC: I think it's the most important and on a personal level the most beautiful thing to do in ceramics. In that regard, the last thing I experienced in my exhibition at AGADU [Uruguayan General Association of Authors] was the experience of working with acids in iron plates, a technique that my friend Juan Pache introduced me to.

[9]
SR: Do you work with pleasure on the lathe?
RC: Yes, I love working on it. The magical relationship between the clay, the lathe and the hands, creates a feeling of total pleasure and harmony for me.

[10]
SR: What kind of clay do you find best to work with?
RC: I work with grog (also known as firesand and chamotte). This consists of a clay to which pieces of ceramic of different sizes have been added and which are already baked. That makes it a pretty rustic clay, which is what I'm looking for to make its composition stand out.

[11]
SR: What artistic moment are you in?
RC: Today I couldn't exactly define my current moment, I leave that to those who have had contact with my work. What I am sure of, is that returning every 6 months to Uruguay has motivated my creativity.

[12]
SR: What do you think is the role of the ceramist in today's contemporary society?
RC: The role of the ceramist in today's society is undoubtedly to transmit knowledge. The new openings that are being spread today in the different meetings where the role of the ceramist is to take his work out, the kilns, to the street and to experiment together with the public, and for the public to get involved, to do a community work and committed to the process of ceramics, in evolution every day.

[13]
SR: Could you describe your favorite technique to me?
RC: I don't have a favorite technique, but I can tell you which one I'm most comfortable with or enjoy working with, especially the techniques that surprise me when the pieces come out of the oven and you can't control that process with any certainty as to how the final result will be. So I like to be surprised. Techniques such as Raku, carbonation and others, which allow you to play with the oven in the third baking; for this reason I prefer to use a gas oven.

[14]
SR: What do you say to those who say that "ceramics is a minor art"?
RC: I'll tell you that in a conference in which several museums participated, with the presence of Llorens Artigas' son who is also a ceramist (Joanet), I asked that question to all the exhibitors in general, because I didn't understand it either. A director of the Museum of Contemporary Art of Barcelona, who was present, told me: "I'm going to answer you with an anecdote. One day Miró arrived at Llorens Artigas' workshop. He went to one of the boxes and took one of the ceramic pieces he had there, separated at the side of the workshop, ready to be decorated. Llorens Artigas says to him: - "No, not that kind". To which Miró asked - "why not?". Llorens Artigas answered: - "because they were badly made in the oven". Miró didn't care about that and painted it anyway. In this situation - continues the director - we can see how among the ceramists the technique is prioritized and they don't give place to improvisation". With this response, I reflected on her words and changed my way of making ceramics, leaving room for improvisation, putting less colour and going more to the texture of the material in the making of the piece, letting the ceramic plates tell me the way to go.

Uruguayos / Uruguayans (XL-2) - Ruben Cano Tetti (II) [Cerámica / Ceramic]

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Segundo de un par de posts (el primero aquí) dedicados a la obra del artista uruguayo residente en España, Ruben Cano Tetti, en los que disfrutaremos de un recorrido por su vida y obra a través de una amplia selección de imágenes y una interesante entrevista realizada por Shirley Rebuffo.
Texto en inglés al final del post, marcado con [*] en cada párrafo.

Second of a couple of posts (the first one here) dedicated to the work of Uruguayan artist based in Spain Ruben Cano Tetti, in which we will enjoy a tour of his life and work through a wide selection of images and an interesting interview by Shirley Rebuffo.
English text at the end of the post marked with [*] in each paragraph.
____________________________________________________

Ruben Cano Tetti
(Minas, Lavalleja, Uruguay, 1947-)
en / at Lluchmayor, Mallorca, Illes Balears / Islas Baleares, España / Balearic Islands, Spain

El artista con su obra "Cola" / The Artist With His Work "Tail"

Ruben Cano Tetti es un ceramista, dibujante y pintor uruguayo nacido el 25 de julio de 1947 en Minas, Lavalleja.
Continuamos con la entrevista cuya primera parte pueden leer en el post anterior.

Shirley Rebuffo: Háblame de tu propuesta estética.
Ruben Cano: Siempre quiero llegar al ideal de que la gente que contemple mis piezas las vaya descubriendo poco a poco. Que tenga varios perfiles y que en cada uno de ellos logre ver una obra distinta que quizás no están en mí sino en el observador que se detiene a descubrir qué más hay, que tenga el valor de quien la ve. Que les permita usar la imaginación como principal objetivo de experiencia propia. Por eso las texturas, las salpicaduras que caen en forma de chorro de los esmaltes, la diferencia entre hierro y barro hacen en su conjunto, a la hora de elaborar la pieza, que cada elemento permita contrastar los distintos sentidos que hay en ellas. Lo frío del hierro, así como lo liso y su color mezclado con la cerámica rústica, más cálida y en diferentes tonos y texturas, dan la estética que yo quiero. [1]

"Cua / Cola / Tail", gres chamotado con pigmento / firesand stoneware with pigment, 170 cm., 2018-19

"Tribal", gres chamotado con pigmento / firesand stoneware with pigment, 125 x 25 cm., 2018-19

SR: Háblame del Raku o de alguna otra técnica que te haya dado satisfacciones.
RC: La técnica del Raku, de origen coreana, trasladada al Japón, fue para mí una gran revelación porque me permitió salir a la calle con el horno. De esa forma es posible que la gente vea y experimente el horneado de la cerámica; sumado a que es una fiesta para trabajar con los alumnos y donde el espectador, la gente de fuera, que no ha hecho cerámica, puede intervenir.
Dentro de esta técnica se pueden aplicar otras, con paciencia y sorpresa, por ejemplo, la técnica “obvara” que consiste en que, después que la pieza sale del horno, con la temperatura en caliente, se pasa por una mezcla líquida fermentada por un par de días, de harina, levadura, azúcar y agua. Esta técnica, del siglo XII, es originaria de Europa del Este y fue usada para impermeabilizar las piezas. También, lo que he utilizado últimamente, es lo que se define como “carbonación” que se realiza en una tercera cocción. Al igual que las anteriores, se llega a la reducción (o sea se quita a la combustión el oxígeno) y el carbono que se crea busca el oxígeno en los esmaltes, para así formar el monóxido de carbono. Se logra así un acabado que cambia los metales de los esmaltes. De esa manera la magia de la cerámica te lleva a no predecir lo que pueda ocurrir y hace que te sorprendas del resultado. [2]

"Jarritas / Small cups", raku obvara, 16 x 10 cm., 13 x 10 cm., 13 x 10 cm.

"KL-8", gres / stoneware,  1260º C, 45 x 21 x 30 cm., 2008

SR: ¿Hay algo nuevo con lo que te gustaría experimentar o realizar y aún no has tenido oportunidad? O quizás, ¿hay algo nuevo que hayas hecho recientemente?
RC: La cerámica en cada momento va dando lugar a nuevos descubrimientos. Cuando yo me conecté con la cerámica ingenuamente pensé que era sencillo, ya que se componía de tres elementos: barro, esmalte y horno. A medida que me fui adentrando en la esencia de la actividad, aprendí que había más de un tipo de barro (rojo, blanco, chamotado, mezclados entre ellos, rojo-blanco, etc.) y que cada uno lo puedo trabajar distinto. A su vez exigen distintas temperaturas para su horneado y por consiguiente distintos esmaltes para las diferentes graduaciones de cocción. Todo eso es lo genial de ese noble material, tan flexible y a su vez tan delicado que la experimentación es lo que te hace mantener un interés constante y te lleva a investigar, con pruebas de acierto/error continuo y los resultados dejan siempre lugar para la sorpresa. Es un material tan dúctil, usado desde tiempos prehistóricos, que te lleva desde lo utilitario hasta la creación de una pieza de arte única. [3]

"Cabeza / Head", gres / stoneware, 1260 ºC, 52 x 31 x 31 cm., 2010

"Cabeza de hombre / Head of a Man", chamotado / firesand 1260 ºC, 2000

SR: ¿Te gusta enseñar?
RC: Por supuesto que sí, e intento dar todo lo que he aprendido. De esta manera logro que los alumnos ya partan de una base sólida de conocimiento, experimentada por mí. Es tanto el camino a recorrer, dejando de lado todo el “secretismo” que lleva hace años asentado, dando lugar a que el estudiante construya su propio camino, sabiendo que su profesor (en este caso yo) dio todo para que él más adelante lo dé a sus propios alumnos sin egoísmo, si decide enseñar, o lo aplique en sus piezas creativas. Siempre he pensado que cuando yo doy la fórmula de un esmalte, por ejemplo, la persona que lo aplique seguro lo hará diferente a mí, pudiendo ser autónomo en su experimentación. De esta manera se habilita a que fluya su personalidad como creación propia. Esto pasa porque los ceramistas tenemos que hacer nuestras propias combinaciones de productos para el logro de cada color, no nos viene pronta del supermercado, hay diferentes propiedades químicas que debemos complementar para lograr nuestros propios colores. En Uruguay incluso debemos confeccionar nuestro propio barro. Por tal motivo mi postura al enseñar es dar todo y después dejar libertad para la experimentación. [4]

"Pirámide tribal / Tribal Pyramid"
Gres chamotado y pigmentos / firesand stoneware and pigments, 1260 ºC, 2004

"Tribal", gres chamotado con carbonación / firesand stoneware with carbonation, 130 x 50 x 10 cm., 2018

SR: ¿Puedes contar cómo fue tu experiencia al trabajar enseñando en una prisión? 
RC: La experiencia en la prisión fue sumamente positiva. Me encontré con gente muy ávida de conocimientos. Fueron muy receptivos a la hora de aprender. Mi participación consistía en ir todos los días. Comencé las prácticas en el sector de los más jóvenes. En la prisión había una división de aproximadamente unos 10 módulos separados por su comportamiento dentro, y no por el “delito” cometido. Y hay una separación por el rango del delito, si son primarios están en un grupo, donde los más jóvenes están aparte. Al llegar a mí, mi primer trabajo era tratar de entusiasmarlos para que se comprometieran con el proceso de aprendizaje. Logrado eso, les hacía responsables de cumplir con dicha responsabilidad en los tiempos y horarios asignados. Para el educador eso implicaba que salieran del patio y ocuparan un lapso importante en algo útil a futuro. Por tal motivo los tiempos eran apremiantes, ellos necesitaban plasmar su creación de manera rápida, para después llevarla a sus familiares el día de visita, mostrándosela como un logro conseguido gracias a estar en algo que era “valioso” para la autoestima personal, y sintiéndose bien con sus progresos.
Por lo general, son personas con una autoestima escasa donde el nivel de logros, desde la propia construcción, se reconocen por los múltiples “fallos o errores” que han tenido en su vida, máxime a nivel familiar. Sienten que le han fallado a su padre, madre, hermanos, etc. En ese ámbito fue que descubrí lo terapéutico que era la cerámica para el ser humano en general. A pesar de los tiempos que implica el hacer cerámica, con la conveniente tolerancia y teniendo “paciencia”, lograron hornear, y hasta incluso me esperaban con el horno en marcha para empezar o terminar la obra por iniciativa propia. A continuación, ya con piezas realizadas, se pasó a participar en la “Fira del Fang de Maratxi” [Feria del barro] en Mallorca. Se logró que ellos, privados de libertad, salieran a montar la exposición e incluso, algún día, se ocupaban de atender el stand. Eso para ellos era uno de los logros más relevantes, salir a la calle gracias a la cerámica, les dio un lugar dentro de la prisión, e hizo ver a los otros detenidos que había posibilidades más notables. [5]

"KL23", chamotado con pigmentos / firesand with pigments, 1260 ºC, 64 x 18 x 5 cm., 2004

"Flecha / Arrow", chamotado con esmaltes / firesand with glazes 1260 ºC, 57 x 92 x 13 cm., 2003

«Dentro de esas etapas, más adelante, gracias al éxito de las clases, di clases en el módulo de mujeres, en el sector de psiquiatría y en los módulos llamados pozos, los sectores más duros del presidio.
Otra experiencia sumamente positiva fue cuando la Fundación en Mallorca del Pintor Joan Miró, nos invitó a que fuéramos con los internos a realizar un curso. Éste consistía en hacer un aporte con la perspectiva de que “todas las opiniones de las personas al observar un cuadro, aunque diversas, son válidas, no es necesario ser un experto en el tema para hacer un juicio”. Se realizó una selección en la prisión de la gente que quería asistir, había muchos que nunca habían escuchado hablar de Miró. Al llegar se les hizo un recorrido por el edificio. Debían, al observar las obras de Miró allí expuestas, identificarse con una de ellas. Pasados unos días se les pidió trajeran un objeto personal a la Fundación y a partir de ahí, con ambos elementos, la pintura elegida y el objeto, debían de manera libre y creativa elaborar una pieza. El resultado fue sorprendente, tanto para los internos como para mí como colaborador participando del mismo proyecto. El premio más valioso fue, para ellos, hacer una muestra de sus creaciones que pasaban desde el uso de palitos, piedras, disfraces, cerámica, cartón pintado, etc., con una la participación abierta a todo público y en especial a sus familiares. 
En lo personal lo que más me movilizó, viendo el entusiasmo y adrenalina positiva que todo aquello les había generado, el no sentir, por un rato, la censura social, fue tener que decir “chicos, hay que desarmar los stands y terminar que debemos subir al ómnibus para volver a la prisión”, fue una gran congoja general. Como anécdota te cuento, uno de ellos me dijo: –“Ruben, ¿podré volver con mi familia en otro momento y mostrarles a mis hijos la Fundación?” Ellos sentían y asumían que por su condición de “delincuente” se les estaba negado ese privilegio, como tantos otros. Por eso también fue importante lograr que salieran de ese sentir y mostrarles un mundo nuevo y accesible para todos, siempre que actúes correctamente.» [6]

"Dona / Mujer / Woman"
Chamotado con pigmentos / firesand with pigments 1260 ºC, 87 x 40 x 31 cm., 2003

"Yelmo / Helmet", stoneware / gres 1260 ºC, 30 x 18 x 26 cm., 2018

SR: ¿Sentías que tú también aprendías al enseñar?
RC: Como enseñanza, gracias a estas vivencias tuve un crecimiento personal, y experimenté cosas tan fuertes como el comprender que poner límites dentro del espacio personal, para que se respetara al otro como a sí mismo, era tan importante para sobrevivir. Yo respetaba sus códigos y ellos los míos, de lo contrario no podían ser parte de la clase. Así logré llevar una trayectoria de 23 años facilitando la técnica de la cerámica. Con ellos aprendí y asimilé nuevos diseños para aplicar a mi cerámica, como los tribales, que eran dibujos que ellos se tatuaban y me mostraban, con la forma de “ola” que tiene el tribal, y que permite dar a la cerámica idea de movimiento. Por eso me gustó tanto la conexión con esos tatuajes.

SR: ¿Qué enseñanza te dejó esa experiencia?
RC: Cierto es que tuve que buscar un método, una estrategia para afrontar la temática, y que ellos tuvieran resultados a más corto plazo por los tiempos de que disponía. Ese fue mi primer aprendizaje. 
Pero debo decir que lo más enriquecedor de todo esto es lo que aún me sigue sucediendo. Hace poco tiempo me encontraba en cierto lugar especial para mí por la situación que estaba viviendo, rodeado de mucha gente. De pronto se acerca un joven y me saluda: "–¡Hola, Ruben!" En un primer momento no lo reconocí; ya era todo un hombre en comparación con la última vez que lo había visto. Sin más, comienza a contarme quien era y me dice que hoy era capitán de barco. Yo aún seguía sin entender su acercamiento. Continúa entonces diciéndome que había sido mi alumno en la prisión y en qué lugar estaba hoy gracias a sus estudios. Su emoción al verme fue tanta que antes de irme, cuando nos volvimos a cruzar, me mostró con orgullo fotos en su móvil de la familia que tiene, mujer, hijos, etc. Esto me sorprendió y emocionó gratamente: sentir que había conseguido un nivel equilibrado de estima personal.
Esta anécdota no es la única, porque uno trabaja en pos de dar lo mejor de sí, no dando, a veces, real relevancia de lo que ello implica para los demás a futuro. Valoro también que hoy tengo un grupo de amigos de la prisión con el que nos reunimos y puedo contar con ellos en el momento que lo necesite, otra riqueza personal.
En fin, que a la experiencia de la prisión habría que dedicarle varias hojas, todo un libro. [7]

"KL21", chamotado con esmaltes / firesand with glazes 1260 ºC, 2010

Izq./ Left: "Columna / Column"
Barro rojo con esmalte mate / red clay with matte glazes 980 ºC, 162 x 35 x 17 cm., 1998
Der./ Right: "Columna / Column"
Barro rojo con esmalte mate / red clay with matte glazes 980 ºC, 174 x 32 x 17 cm., 1998

SR: Quiero ahora que me cuentes algo de tu experiencia en el taller de La Casa Encantada de la ciudad de Minas, Uruguay y de cómo funciona a pesar de tu ausencia por meses.
RC: Comenzamos hace un tiempo con un taller muy pequeño. Después del 5to. Encuentro de Ceramistas del Uruguay (que ya puede decirse que es internacional porque concurren ceramistas de América Latina y Europa), hubo que realizar otro taller con más capacidad, que incluso ahora ya requirió otra ampliación. Fue un trabajo en conjunto con los alumnos, que tienen una implicación total respecto a su mantenimiento y arreglo, funcionando como una cooperativa. Lo que más placer me da es que el taller sigue funcionando a pesar de que yo no esté allí, pero estamos en contacto permanente, inclusive con Alejandra, una alumna que se encarga de abrir, cerrar y realizar las rutinas propias del lugar y los que la técnica requiera. [8]

Video realizado en el taller de "La Casa Encantada", en la ciudad de Minas, en ocasión del 5to. Encuentro de Ceramistas del Uruguay.

Video made in the workshop of "The Haunted House", in the city of Minas, on the occasion of the 5th Encounter of Ceramists of Uruguay.

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SR: ¿Qué es el arte para ti?
RC: Una diversión en la que me meto cada día, en la cual voy creando y si no me gusta vuelvo a comenzar. Descubro, y como un niño, con curiosidad inagotable, investigo cada cosa que encuentro y miro como nueva, aunque no lo sea, para transformarla en la manera de expresarme como yo quiero y siento.

SR: ¿Cómo lo vives?
RC: Disfrutando de hacerlo. No hago cosas para el gusto de los demás, todo lo contrario; primero debe gustarme a mí. Soy el crítico más exigente y con eso me basta para crear dentro del disfrute de experimentar con aquello que vale la pena conocer. [9]

"Destral / Hacha / Axe"
Chamotado con esmaltes / firesand with glazes 1180 ºC, 23 x 32 x 9 cm., 2018-19

"Plato / Plate", chamotado con esmaltes / firesand with glazes 1180 ºC, 25 x 9 cm., 2019

SR: ¿Qué artistas entiendes que han aportado ideas a tu propia trayectoria creativa?
RC: Desde la observación de grandes artistas tengo del lado espiritual a Torres-García cuando relaciono esa frase suya: “sinceridad en el arte”. Otros como Picasso, Miró, Alceu Ribeiro, Casmiro Mota, Vladimir Collazo me aportaron su visión sobre el arte. El haber leído a gente que se detiene a mirar más allá de lo común para una persona, como Neruda, capaz de hablar sobre un tronco en descomposición y encontrar belleza en ello. Lo que más me llama la atención en ellos y otros es cómo crean su arte con cosas que salen de lo ya estipulado, desestructurando viejos paradigmas del arte. [10]

"Dona 1 / Mujer 1 / Woman 1", gres / stoneware, 46 x 16 x 10 cm., 2015

Ruben Cano en "El Hurgador" / in this blog: [Uruguayos (XL-I)]

Más sobre / More about Ruben Cano: facebookJunarte
Ver también / See alsoBlogAgadu

Nuestro agradecimiento a Héctor Ragni por su ayuda /
Our thanks to Héctor Ragni for his help

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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino..

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Texto en inglés / English Text

[1]
Ruben Cano Tetti is a Uruguayan ceramist, draftsman and painter born on July 25, 1947 in Minas, Lavalleja.
Let's continue with the Interview. The first part in the previous post.

Shirley Rebuffo: Tell me about your aesthetic proposal.
Ruben Cano: I always want to reach the ideal that people who look at my pieces discover them little by little. That I have several profiles and that in each one of them I manage to see a different work that perhaps isn't in me but in the observer who stops to discover what else there is, that has the value of whoever sees it. That allows them to use their imagination as the main objective of their own experience. That is why the textures, the splashes that fall as a jet from the glazes, the difference between iron and clay make, as a whole, when it comes to making the piece, each element allows the different senses in them to be contrasted. The cold of the iron, as well as the smooth and its color mixed with the rustic ceramics, warmer and in different tones and textures, give the aesthetic that I want.

[2]
SR: Tell me about Raku or some other technique that has given you satisfaction.
RC: The Raku technique, of Korean origin, transferred to Japan, was a great revelation for me because it allowed me to go out with the oven. That way it's possible for people to see and experience the baking of ceramics; plus it's a party to work with the students and where the spectator, people from outside, who haven't made ceramics, can intervene.
Within this technique, others can be applied, with patience and surprise, for example, the "obvara" technique which consists in, after the piece comes out of the oven, with the temperature in hot, passing it through a liquid mixture fermented for a couple of days, of flour, yeast, sugar and water. This technique, dating from the 12th century, originated in Eastern Europe and was used to waterproof the pieces. Also, what I have used lately, is what is defined as "carbonation" which is done in a third firing. As with the previous ones, the reduction is reached (that is, the oxygen is removed from the combustion) and the carbon that is created seeks the oxygen in the glazes, thus forming the carbon monoxide. This achieves a finish that changes the metals in the glazes. In this way the magic of ceramics leads you not to predict what might happen and makes you wonder about the result.

[3]
SR: Is there anything new you'd like to experience or realize and you haven't had a chance yet? Or maybe there's something new you've done recently?
RC: Ceramics are always giving rise to new discoveries. When I connected with ceramics I naively thought it was simple, as it was made up of three elements: clay, glaze and oven. As I went deeper into the essence of the activity, I learned that there was more than one type of clay (red, white, chamotted, mixed together, red-white, etc.) and that each one could be worked differently. At the same time, they require different temperatures for baking and therefore different glazes for the different firing graduations. All this is the genius of this noble material, so flexible and at the same time so delicate that experimentation is what makes you maintain a constant interest and leads you to investigate, with continuous tests of success/error and the results always leave room for surprise. It is a material so ductile, used since prehistoric times, that it takes you from the utilitarian to the creation of a unique piece of art.

[4]
SR: Do you like teaching?
RC: Of course I do, and I try to give everything I've learned. In this way I get the students to start from a solid base of knowledge, experienced by me. It's so much the way to go, leaving aside all the "secrecy" that has been established for years, giving the student the opportunity to build his own path, knowing that his teacher (in this case me) gave everything so that he can later give it to his own students without selfishness, if he decides to teach, or apply it in his creative pieces. I have always thought that when I give the formula for a glaze, for example, the person who applies it will surely do it differently from me, being able to be autonomous in his experimentation. In this way he enables his personality to flow as his own creation. This happens because we ceramicists have to make our own combinations of products to achieve each color, it doesn't come to us quickly from the supermarket, there are different chemical properties that we must complement to achieve our own colors. In Uruguay we even have to make our own clay. For this reason my position when teaching is to give everything and then leave freedom for experimentation.

[5]
SR: Can you tell us about your experience working as a prison teacher? 
RC: The experience in the prison was extremely positive. I met some very knowledgeable people. They were very receptive to learning. My involvement was to go every day. I started the internship in the youngest sector. In the prison there was a division of about 10 modules separated by their behaviour inside, and not by the "crime" committed. And there is a separation by the range of the crime, if they are primary they are in a group, where the youngest are apart. My first job when I got there was to try to get them excited about committing to the learning process. Once that was achieved, I made them responsible for fulfilling that responsibility in the assigned time and schedule. For the educator, this meant that they had to leave the playground and spend a significant amount of time on something useful for the future. For that reason the times were pressing, they needed to shape their creation in a fast way, to later take it to their relatives on the day of visit, showing it to them as an achievement they had reached thanks to being in something that was "valuable" for the personal self-esteem, and feeling good with their progress.
In general, they are people with low self-esteem where the level of achievements, from the very construction, are recognized by the multiple "failures or mistakes" they have had in their lives, especially at the family level. They feel that they have failed their father, mother, siblings, etc. It was in this environment that I discovered how therapeutic ceramics was for the human being in general. In spite of the times involved in making ceramics, with the appropriate tolerance and having "patience", they managed to bake, and even waited for me with the oven running to start or finish the work on their own initiative. Then, with the pieces already made, they began to participate in the "Fira del Fang de Maratxi" [Maratxi Clay Fair] in Mallorca. They managed to get the prisoners to come out and set up the exhibition and even, one day, take care of the stand. This was one of the most important achievements for them, going out into the street thanks to the pottery, gave them a place inside the prison, and made the other prisoners see that there were more notable possibilities.

[6]
«Within these stages, later on, thanks to the success of the classes, I gave classes in the women's module, in the psychiatric sector and in the modules called wells, the hardest sectors of the prison.
Another extremely positive experience was when the Joan Miró Foundation in Mallorca invited us to go with the inmates to take a course. This consisted of making a contribution with the perspective that "all the opinions of people when observing a painting, although diverse, are valid, it is not necessary to be an expert in the subject to make a judgment". A selection was made in the prison of the people who wanted to attend; there were many who had never heard of Miró. When they arrived, they were given a tour of the building. When they saw the works of Miró exhibited there, they had to identify with one of them. After a few days they were asked to bring a personal object to the Foundation and from there, with both the chosen painting and the object, they were to freely and creatively create a piece. The result was surprising, both for the inmates and for me as a collaborator participating in the same project. The most valuable prize was, for them, to make a show with their creations that went from the use of sticks, stones, costumes, ceramics, painted cardboard, etc., with a participation open to all public and especially to their families.
Personally what moved me the most, seeing the enthusiasm and positive adrenaline that all this had generated in them, not feeling, for a while, the social censure, was having to say "guys, we have to disarm the stands and finish that we have to get on the bus to go back to the prison", was a great general distress. As an anecdote, one of them told me: "Ruben, can I go back to my family some other time and show my children the Foundation?" They felt and assumed that because of their "criminal" status they were being denied that privilege, like so many others. That's why it was also important to get them out of that feeling and show them a new world that is accessible to everyone, as long as you act correctly.»

[7]
SR: Did you feel that you were learning by teaching too?
RC: As a teacher, thanks to these experiences I had a personal growth, and I experienced things as strong as understanding that putting limits within personal space, so that the other is respected as well as oneself, was as important for survival. I respected their codes and they respected mine, otherwise they could not be part of the class. This is how I managed to carry out a 23-year trajectory facilitating the technique of ceramics. With them I learned and assimilated new designs to apply to my ceramics, such as the tribal ones, which were drawings that they tattooed and showed me, with the "wave" shape that the tribal one has, and that allows giving the ceramics an idea of movement. That's why I liked so much the connection with those tattoos.

[8]SR: What did that experience teach you?
RC: It's true that I had to find a method, a strategy to deal with the subject, and that they would have results in the shorter term because of the time I had available. That was my first lesson. 
But I must say that the most enriching part of all this is what is still happening to me. A short time ago I found myself in a certain special place because of the situation I was living, surrounded by many people. Suddenly a young man comes up to me and greets me: -Hello, Ruben! At first I didn't recognize him; he was already a man compared to the last time I had seen him. Without further ado, he begins to tell me who he was and tells me that today he was a ship captain. I still didn't understand his approach. He went on to tell me that he had been my student in prison and where he was today because of his studies. His excitement at seeing me was so great that before I left, when we crossed paths again, he proudly showed me pictures on his mobile phone of the family he has, wife, children, etc. This surprised and moved me pleasantly: to feel that he had achieved a balanced level of personal esteem.
This anecdote is not the only one, because one works in order to give the best of oneself, not giving, sometimes, real relevance to what it implies for others in the future. I also appreciate that today I have a group of friends from the prison with whom we meet and I can count on them when I need them, another personal wealth.
In short, that I should dedicate several pages, a whole book, to the experience of prison.

SR: Now I want you to tell me something about your experience in the workshop of La Casa Encantada (The Haunted House) in the city of Minas, Uruguay, and how it works despite your absence for months.
RC: We started some time ago with a very small workshop. After the 5th Encounter of Ceramists of Uruguay (which can already be said to be international because it brings together ceramists from Latin America and Europe), we had to hold another workshop with more capacity, which even now required another expansion. It was a joint work with the students, who have a total implication regarding its maintenance and arrangement, working as a cooperative. What gives me most pleasure is that the workshop continues to function even though I am not there, but we are in permanent contact, including with Alejandra, a student who is in charge of opening, closing and carrying out the routines of the place and those that the technique requires.


[9]
SR: What is art to you?
RC: It's fun that I get into every day, in which I create and if I don't like it I start over. I discover, and like a child, with inexhaustible curiosity, I investigate everything I find and look at it as new, even if it's not, to transform it into the way I express myself as I want and feel.

SR: How do you live it?
RC: By enjoying it. I don't do things for other people's pleasure, quite the opposite; I have to like it myself first. I'm the most demanding critic and that's enough for me to create within the enjoyment of experimenting with what's worth knowing.

[10]
SR: Which artists do you understand have contributed ideas to your own creative career?
RC: From my observation of great artists I have Torres-García on the spiritual side when I relate his quote: "sincerity in art". Others like Picasso, Miró, Alceu Ribeiro, Casmiro Mota, Vladimir Collazo gave me their vision of art. Having read people who stop to look beyond the ordinary for a person, like Neruda, able to talk about a decomposing trunk and find beauty in it. What I find most striking in them and others is how they create their art with things that go beyond what is already stipulated, destructuring old paradigms of art.

Asonancias / Assonances (XXVI) - Kevin Sloan [Pintura / Painting] + Audubon

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Nuevo post de esta serie con similitudes, imitaciones, recreaciones, interpretaciones y coincidencias más o menos casuales que dan como resultado paralelismos siempre interesantes en el mundo del arte.
Este es el primero de un par de posts que dedico a la obra del artista estadounidense Kevin Sloan. Durante varios años Kevin recreó las aves de los grabados que John James Audubon publicó en el siglo XIX, insertándolas en composiciones alegóricas que buscan llamar nuestra atención sobre el mundo natural y la forma como nos relacionamos con él. El resultado es una colección de bellísimas imágenes que reflejan la notable calidad técnica del artista y su capacidad para insuflar contemporaneidad a la monumental obra del naturalista y pintor estadounidense a base de imaginación, toques de surrealismo y fantasía.
En el próximo post disfrutaremos de una selección del resto de su obra, y exploraremos aspectos más generales de sus ideas, práctica y proceso creativo.

New post of this series with similarities, imitations, recreations, interpretations and more or less casual coincidences that result in always interesting parallels in art world.
This is the first of a couple of posts I dedicate to the work of American artist Kevin Sloan. For several years Kevin recreated the birds in the engravings that John James Audubon published in the 19th century, inserting them in allegorical compositions that seek to draw our attention to the natural world and the way we relate to it. The result is a collection of beautiful images that reflect the remarkable technical quality of the artist and his ability to breathe contemporaneity into the monumental work of the American naturalist and painter through imagination, touches of surrealism and fantasy.
In the next post we will enjoy a selection of the rest of his work, and explore more general aspects of his ideas, practice and creative process.
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Kevin Sloan
(Des Moines, Iowa, EE.UU./ IA, USA, 1958-)
en / at Denver, Colorado


Kevin Sloan es un pintor, dibujante y escultor en cerámica estadounidense nacido en 1958 en Des Moines, Iowa.
Recibió una Licenciatura en pintura de la Escuela de Arte Tyler, donde estudió con Stephen Greene y Stanley Whitney. Continuó su educación formal en la Universidad de Arizona estudiando con James G. Davis, donde recibió un Máster en Bellas Artes en pintura en 1984.
Su obra es una investigación en curso sobre si una pintura puede mantener las cualidades de lo maravilloso y asombroso, en medio de lo mundano y lo que se pasa por alto. Esta dualidad refleja nuestra condición contemporánea, marcada por la dislocación y la pérdida entre lo abrumador y lo espectacular.
Además le interesa lo que significa ser un pintor del mundo natural en una época de tan extraordinario cambio ambiental, político y social. Permaneciendo consciente de todo lo que sucede a su alrededor, evitando los reportajes de actualidad y los editoriales, asume el papel de testigo compasivo. La esperanza de Sloan es que la compasión permita la empatía, que aleje el cinismo, lo que a su vez permite que la curiosidad y el asombro encuentren un lugar en su obra, que puede encontrarse en numerosas colecciones privadas y públicas de todo el mundo.

Aves de América / Birds of America

"Aves de América: La donación / Birds of America: The Donation", 60" x 48", 2009-10

John James (Jean-Jacques) Audubon
(Les Cayes, Santo Domingo (hoy Haití) /
Saint-Domingue (today Haiti), 1785 -
Manhattan, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1851) 

"Flamenco rojo / American Flamingo" (Phoenicopterus ruber)
Lámina / Plate: 431. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1838

John James Audubon pintó y catalogó las aves de Norteamérica. En 1821 se mudó a Nueva Orleans y pasó varios años fotografiando y pintando pájaros a lo largo del Mississippi. Audubon recibió poca atención de sus pinturas en Estados Unidos y se mudó a Inglaterra en 1826, donde pronto fue recibido con éxito. En Gran Bretaña recaudó suficiente dinero para publicar "Aves de América", una colección de 435 láminas a tamaño natural coloreadas a mano, hechos a partir de planchas grabadas, que medían alrededor de 99 por 66 cm. 

"Aves de América: El preocupado / Birds of America: The Worrier"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 28" x 45", 2013

"Aves de América: En la playa / Birds of America: At the Beach"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 48", 2012

"Pelícano pardo, joven, primer invierno / Brown Pelican, young first winter"
(Pelicanus fuscus) [Pelecanus occidentalis]
Lámina / Plate: 421. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1838

"Hábitat moderno / Modern Habitat", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 36", 2014

"Pelícano pardo, macho adulto / Brown Pelican, adult male"
(Pelicanus fuscus) [Pelecanus occidentalis]
Lámina / Plate: 251. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1838

Apropiándose de la estética de John James Audubon, Kevin Sloan explora las dimensiones poéticas de la naturaleza utilizando un estilo representativo y científico. Sus imágenes del mundo natural muestran aves intrincadas que evocan el enfoque realista y la fidelidad taxonómica de Audubon. Sin embargo Sloan, consciente de que la fotografía ha suplantado la necesidad de tales pinturas realistas, incorpora elementos surrealistas y vanitas en su trabajo. "Liberado de la necesidad de describir para la ciencia, puedo describir el mundo natural y nuestra interacción con él a través de una lente alegórica, social y política", ha dicho. Por ejemplo, en las pinturas de Sloan, un pájaro puede agarrar un reloj o asomar la cabeza entre un arreglo de frutas al estilo de una vanitas. Sutilmente alegórica, su obra sondea la relación entre los humanos, los animales y la naturaleza en el mundo contemporáneo.

"Romance moderno / Modern Romance", 30" x 24", 2013

"Halcón gerifalte, hembras / Iceland or Jer Falcon [Gyrfalcon], female birds"
(Falco islandicus) [Falco rusticolus]
Lámina / Plate: 366. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1833

«Cuando era joven había una zona cerca de nuestra casa que aún no se había desarrollado. Vivíamos en una nueva urbanización suburbana, que había llegado apenas hasta allí, y la calle terminaba abruptamente. Llamábamos a este lugar "El fin de la calle". Mi amigo y yo pasábamos allí incontables horas explorando en lo que luego supimos que eran los restos de una antigua granja. No quedaban estructuras, pero los árboles frutales, plantas de ruibarbo, espárragos y otras plantas de jardín se habían vuelto silvestres, así como un pequeño arroyo y toda la vida silvestre que se esperaría en una zona como esta. En este lugar semisalvaje, fui capaz de interactuar con la naturaleza de forma no estructurada y siendo libre de jugar de esta manera aprendí a respetar y atesorar el mundo natural. También veo la naturaleza como nuestros compañeros silenciosos en esta Tierra. Creo que es importante dar una voz a estas criaturas, o al menos reconocerlas. Los pájaros y otras criaturas de nuestro mundo pueden ser poderosos símbolos de las partes indómitas, libres y ahora tristemente amenazadas de nuestra propia existencia como seres humanos.»

"Aves de América: El te de Audubon / Birds of America: Audubon's Tea"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 36"

"Buscando caminos / Wayfinding", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 32" x 48", 2014

«Me crié en una familia católica tradicional e ir a una escuela católica durante 12 años significaba ir a misa casi todos los días. Por muy tedioso que fuera, también me atraían mucho los rituales y el simbolismo. Me fascinaba la idea de que un objeto, aunque pareciera ser una cosa - pan, vino, etc. - también se creía que era otra cosa. Además, las escrituras eran una historia alegórica tras otra. En otras palabras, el mundo físico era sólo el recipiente para una realidad espiritual más grande y profunda. De niño esto puede ser bastante mágico y creo que influyó en mí. Aunque ya no creo en esos rituales y creencias, me llevaron a la comprensión de que una cosa podría representar algo más y tal vez al hacerlo, apuntar a una mayor y más profunda comprensión del mundo. Siento que las mejores historias (pinturas) son las que se basan en el mundo natural conocido. De esta manera, el espectador comienza su relación con la historia en un lugar comprende. Luego, si se crea con éxito, el artista puede reordenar y ajustar ligeramente lo que se conoce para señalar el mensaje subyacente. La simple representación del mundo visto en el arte está bien, pero en última instancia se corre el riesgo de convertirse en aburrido y predecible. A menudo sólo se necesita un ligero ajuste de la "realidad" para crear una narrativa alegórica convincente. Demasiado, y se convierte en fantasía. Caminando delicadamente por la línea entre la "realidad" y la fantasía es donde se encuentran las mejores historias alegóricas.»

"Espátula rosada, macho adulto / Roseate Spoonbill, male adult" (Platalea ajaja)
Lámina / Plate: 321. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1838

"Aves de América: Migración interrumpida / Birds of America: Migration Interrupted"
Acrílico sobre lienzo / oil on canvas, 38" x 56", 2013

Kevin junto a su obra "La inundación" / with his work "The Flood"
Captura del video que puede verse más abajo / Still of the video you can see below


Kevin Sloan is an American painter, draftsman, and ceramic sculptor born in 1958 in Des Moines, Iowa.
He received a BFA in Painting from Tyler School of Art where he studied with Stephen Greene and Stanley Whitney. He continued his formal education at the University of Arizona studying with James G. Davis, where he received an MFA in Painting in 1984.
His work is ongoing inquiry into whether a painting can hold the qualities of wonder and awe amid the mundane and overlooked. This duality is reflective of our contemporary condition, one marked by dislocation and loss in the midst of the overwhelming and spectacular.
Additionally, he is interested in what it means to be a painter of the natural world in a time of such extraordinary change environmentally, politically and socially.  Remaining aware of all happening around while avoiding topical reportage and editorializing, he assumes the role of a compassionate witness.  Sloan’s hope is that compassion allows for empathy, which pushes away cynicism, which in turn allows curiosity and wonder to find a place in the work.

His work is found in numerous private and public collections worldwide.

"Aves de América: La inundación / Birds of America: The Flood"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 36", 2014

Kevin hablando sobre el proceso de creación de "La inundación":
«Tenía una idea aproximada. Creo que el concepto básico estaba ahí. La pintura se llama "La Inundación", y la idea era que estaría este pájaro sobre esta área inundada, y bastaba con tener esta especie de absurdo castillo de naipes. (La ironía de que serías salvado por un castillo de naipes). Es un animal que está perfectamente natural en el agua, pero fue esta pequeña unión aquí la que me causó mucho trabajo y esa es la parte del proceso que no pude ver venir. Pensé que tenía una idea bastante clara cuando empecé, aparentemente. (Fue una sorpresa), y eso es lo que me hace mantener el interés, porque no quiero simplemente ejecutar un plan. Es un diálogo entre el cuadro y yo y eventualmente me dirá lo que necesita, y tengo que intentar darle todo eso para que luego se convierta en una verdadera obra de arte.»

"Cisne trompetero / Common American Swan" (Cygnus americanus) [Cygnus buccinator]
Lámina / Plate: 411. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1838

Kevin talking about the process creating "The Flood":
«I had a rough idea. I think the basic concept was there. The painting is called The Flood, and the idea was that there would be this bird above this flooded area, and it was enough just to have this sort of absurd house of cards. (The irony that you'd be saved by a house of cards). Is an animal that is perfectly natural in the water, but it was this little junction here that caused me a lot of reworking and that is the part of the process that I couldn't seen coming. I thought I had a pretty clear idea when I started apparently. (It was a surprise), and that's what keeps it interesting for me because I don't want to just execute a plan. It's a dialogue between me and the painting and it eventually will tell me what it needs and I have to try to lend it all of that and then it becomes a very piece of art.»

"Aves de América: El nudo de Audubon / Birds of America: Audubon's Knot", 40" x 30"

"Garza azul / Great Blue Heron" (Ardea herodias)
Lámina / Plate: 211. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1838

John James Audubon painted and cataloged the birds of North America. In 1821, Audubon moved to New Orleans and spent several years shooting and painting birds along the Mississippi. Audubon received little attention of his paintings in America and moved to England in 1826, where he was soon met with success. In Britain he raised enough money to publish Birds of America, a collection of 435 hand-coloured, life-size prints, made from engraved plates, measuring around 39 by 26 inches (99 by 66 cm).

"Desmontando el pasado / Disassembling the Past"
Acrílico sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 108" (total / overall), 2014

"Cigüeña de cabeza pelada / Wood Ibis [Wood Stork]" (Tantalus loculator) [Mycteria americana]
Lámina / Plate: 216. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1838

Appropriating the aesthetic of John James Audubon, Kevin Sloan explores the poetic dimensions of nature using a representational, scientific style. His images of the natural world feature intricately rendered birds that evoke Audubon’s realist approach and taxonomic faithfulness. Yet Sloan, aware that photography has supplanted the need for such realistic paintings, incorporates surrealist and vanitas elements into his work. “Freed from the need to describe for science, I can describe the natural world and our interaction with it through an allegorical, social, and political lens,” he has said. For example, in Sloan’s paintings, a bird may clutch a timepiece or poke its head out from a vanitas-style arrangement of fruit. Subtly allegorical, his work probes the relationship between humans, animals, and nature in the contemporary world

Izq./ Left: "El césped de Audubon / Audubon's Lawn", 40" x 30"
Der./ Right: "Aves de América: Grulla trompetera /
Birds of America (Whooping Crane)", 48" x 36", 2010

"Grulla trompetera, macho adulto / Hooping Crane [Wooping Crane], adult male"
(Ardea americana) [Grus americana]
Lámina / Plate: 226. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1838

"Aves de América: Admite uno / Birds of America: Admit One"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 84" x 60", 2015

Admite uno
«El concepto para mí era crear este noble retrato de lo que siento que es un pájaro de aspecto muy exótico, y al mismo tiempo abordar el tema del hábitat que se está reduciendo para él. Les damos cada vez menos lugares para que se sientan seguros y puedan ser vistos... así que ahí est, en ese pequeño pedestal, y la idea es que podamos ir a ver estas aves en estas reservas, teniendo así que pagar la entrada.»

"Grulla canadiense, joven / Hooping Crane [Sandhill Crane], young" (Antigone canadensis)
Lámina / Plate: 261. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1838

Admit One
«The concept for me was to create this noble portrait of what I feel is a very exotic-looking bird, and at the same time address the issue of habitat that's shrinking for it. We give them fewer and fewer places so they feel safe and can be seen ... and so he's on this little pedestal, and the idea is we get to go see these birds at these preserves, so we have to pay admission.»

"Aves de América: Ícaro / Birds of America: Icarus"
Acrílico sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 30", 2015

«When I was young, there was an area near our home that had yet to be developed. We lived in a new, suburban development but it had only gone so far and the street abruptly ended. We called this place “The End of the Street”. My friend and I would spent countless hours there exploring in what we later learned were the remains of a former farm. No structures remained but fruit trees, rhubarb plants, asparagus and other garden plants gone wild, as well as a small stream and all the wildlife you’d expect in an area like this. In this semi-wild place, I was able to interact with nature in an unstructured way and being free to play in this way I learned to respect and treasure the natural world. I also see the natural world as our silent companions on this Earth. I feel it’s important to give these creatures a voice, or at least acknowledge them. The birds and other creatures in our world can be powerful symbols of the untamed, free, and now sadly, threatened parts of our own existence as human beings.»

"Charrán común, macho, plumaje primaveral /
Great Tern [Common Tern], male, spring plumage" (Sterna hirundo)
Lámina / Plate: 309. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1838

"Aves de América: El arrepentimiento de Prometeo /
Birds of America: Prometheus' Regret", 36" x 32", 2013

"Ratonero calzado, macho / Rough-legged Falcon, male" (Buteo lagopus)
Lámina / Plate: 166. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1833

«I was raised in a traditional Catholic family and going to Catholic school for 12 years meant going to Mass nearly every day. As tedious as that usually was, I was also very attracted to the rituals and symbolism. I was fascinated by the idea that an object while appearing to be one thing – bread, wine, etc. was also believed to actually be something else. Additionally, the scriptures were one allegorical story after another. In other words, the physical world was only the vessel for a larger and more profound spiritual reality. As a child this can be quite magical and I think had an influence on me. While I no longer believe in those rituals and beliefs, I took away the understanding that one thing could represent something else and perhaps in doing so, point to a larger and deeper understanding of the world. I feel that the best stories (paintings) are ones that rely on the known, natural world. This way, the viewer begins their relationship with the story at a place of understanding. Then, if successfully crafted, the artist can slightly re-arrange and tweak what is known in order to point to the underlying message. Simple depiction of the seen world in art is fine but ultimately risks becoming dull and predictable. It often only takes a slight adjustment of “reality” to create a compelling allegorical narrative. Too much, and it becomes fantasy. To delicately walk the line between “reality” and fantasy is where the best allegorical stories lie.»

"Aves de América: La nueva estación / Birds of America: The New Season"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 36" x 24", 2013

"Águila pescadora, macho / Fish Hawk, or Osprey, male" (Falco haliaetus) [Pandion haliaetus]
Lámina / Plate: 81. Audubon.org
Dibujado del natural por / Drawn from nature by John J. Audubon
Grabado, impreso y coloreado por / Engraved, Printed and Coloured by Robert Havell, 1833

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Otros pintores / Other Painters

Kevin no sólo ha trabajado sobre las aves de Audubon, sino también de otros artistas. Algunos ejemplos /
Kevin has worked not only on Audubon's birds, but on other artists as well. Some examples 

"Hubris & Nemesis", acrílico sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 60", 2014

Jan Asselijn
(Dieppe, Reino de Francia / Kingdom of France, c.1610 -
Ámsterdam, República holandesa / Dutch Republic, c.1652)

"De bedreigde zwaan / El cisne amenazado / The Threatened Swan
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 144 × 171 cm. c.1650
Rijksmuseum (Ámsterdam, Holanda / Netherlands). Foto / Photo: Javier Fuentes, 10/2013
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"La disputa / The Squabble", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 60" x 48", 2009-10

Melchior d'Hondecoeter
(Utrecht, Holanda / Netherlands, 1636 - Ámsterdam, 1695)

"Un pelícano, una grulla coronada, un pajuí, una grulla sarus y patos en un paisaje ribereño /
A pelican, a crowned crane, a curassow, a sarus crane and ducks in a river landscape"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116,2 x 137,2 cm. Christie's

Asociado de / Associate of Melchior d'Hondecoeter
"Un pelícano y otras aves cerca del agua / A pelican and other birds by the water"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 105 x 130 cm. Dorotheum

(Más versiones de esta obra aquí / More versions of this work here)

"Pavos reales / Peacocks", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 190,2 x 134,6 cm., 1683
Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)

"Aves en una balaustrada, al fondo, Ayuntamiento de Ámsterdam /
Birds near a balustrade, in the background the Amsterdam Town hall"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 183,5 x 162 cm., 1670
Amsterdam Museum (Holanda / Netherlands). Wikimedia Commons
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Fuentes / Sources:
Website
* Entrevista en / Interview inWOW x WOW, 5/2016
* "Un naturalista y un artista", 7/3-31/5/2015 / "A Naturalist and an Artist", March 7 - May 31, 2015
Fine Arts Center at Colorado College (Colorado Springs, El Paso, Colorado, EE.UU./ CO, USA)
* "Aves de América, por J.J.Audubon", Wikipedia / Birds of America by J.J.Audubon", Wikipedia
* Kevin Sloan: "Un equilibrio delicado / A Delicate Balance"
Clark Gallery (Lincoln, Massachusetts, EE.UU./ MA, USA). Artsy

John James Audubon en "El Hurgador" / in this blog[Tiffany Bozic (Pintura)]
Jan Asselijn en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CXXXII-2)]
Melchior d'Hondecoeter en "El Hurgador" / in this blog[Asonancias (X)]

Más sobre / More about Kevin Sloan: Website, Instagram, facebook, Prints

Representación / Representation:
K Contemporary (Denver, CO), Clark Gallery (Lincoln, MA)
Gardner Colby Gallery (Naples, FL), Conde Contemporary (Coral Gales, FL)

Imágenes (excepto donde se indica) publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Kevin!)
Images (except where noted) posted here with artist's permission (Thanks a lot, Kevin!)
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Otros posts de esta serie / Other posts of this Series:

Muere / R.I.P. Sergey Tyukanov

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Muere Sergey Tyukanov a los 65 años /
Sergey Tyukanov dies aged 65

Sergey Tyukanov
Сергей Тюканов
(Isla Sakhalin, Poronaisk, Rusia, URSS /
Sakhalin Island, Poronaisk, Russia, USSR, 1955 - 2020)

Vologda, 8/2016

El pasado sábado 23 de Mayo falleció un gran artista, el ruso Sergey Tyunkanov, según nos informó en el día de ayer su hija Tanya Miller. Sergey era un fantástico creador al cual le tengo un especial cariño, y cuya obra he publicado en varias oportunidades en este blog. 
Sergey nació en Poronaisk, Rusia, en 1955, y desarrolló una notable carrera como pintor, acuarelista, dibujante y grabador. 

"Batalla de los sacos de dinero y las cajas fuertes / Battle of the Money Sacks and Safes"
Pintura / painting, 50 x 71 cm., 2006

"En un mundo donde el dinero está en la raíz de todas las guerras, las cajas fuertes y los sacos luchan, ajenos a la causa del conflicto o la batalla, ya no se dan cuenta de por qué están luchando. Se esfuerzan por ganar. /
In a world where money goes to the root of all the wars, the safes and sacks fight, oblivious to the cause of the conflict or battle, no longer realizinf what they are fighting for. They strive to win."

«Mis años de infancia transcurrieron lejos de la llamada "civilización" y la única ventana a la realidad que tenía eran los libros ilustrados para niños, que se convirtieron en mi mundo de cuento de hadas, del que, aunque ya he crecido, no quiero salir ni siquiera hoy. El mundo de los pinceles, lápices, acuarelas y frascos varios con tintas y pinturas, que amo sin cesar, se ha convertido para mí en un teatro, donde organizo todo en mi orden específico y creo un espectáculo para divertirme. En este teatro soy el director, el actor y el espectador al mismo tiempo.»

"Mujer-pera / Woman-Pear", pintura / painting, 15 x 13 cm., 2006

"Este es uno de los últimos desarrollos en el mundo de la moda de sombreros /
This is one of the latest developments in the world of hat fashion."


Last Saturday, May 23rd, a great artist, the Russian Sergey Tyunkanov, passed away, according to his daughter Tanya Miller, who informed us yesterday. Sergey was a fantastic creator to whom I have a special affection, and whose work I have published in several opportunities in this blog. 
Sergey was born in Poronaisk, Russia, in 1955, and developed a remarkable career as a painter, watercolorist, draftsman and engraver. 

"Cena en Chicago / Dinner in Chicago", pintura / painting, 23 x 30,5 cm., 2006

"El proceso de comer es como una obra de teatro para mí y la he trasladado a los gráficos. Estos utensilios de cocina, con el tiempo, se han vuelto de piedra, y se han convertido en monumentos. Las cosas aquí han crecido a tamaños enormes y se han convertido en verdaderos actores. /
The process of eating is like a theatre play for me and I transferred it into graphics. These kitchen utensils, with time, have turned in stones and have become like monuments. Things here have grown to enormous sizes and became real actors."

"Ciudad del tiempo / Town of Time", dibujo / drawing, 24 x 37 cm., 2006

"El tiempo es un material para mí, como lo es la ciudad. ¿Cuántos segundos, minutos, horas, días ha tomado construir esta ciudad? Es tiempo está contado con precisión aquí, y este hombre-marioneta es su prisionero. /
Time is material for me, as is the citi. How many seconds, minutes, hours, days did it take to build this city? Time is counted precisely here and this puppet-man is its prisoner."

«My childhood years passed far away from so-called "civilization" and the only window to the reality that I had were children’s' illustrated books.They became my fairy tale world which, although I have grown up, I do not want to depart with even today. The world of brushes, pencils, watercolors, and miscellaneous bottles with inks and paints, which I endlessly love, have become for me a theatre, where I organize everything in my specific order and create a spectacle to amuse myself. In this theatre I am the director, the actor and the viewer at the same time.»

#101 "Cafetera / Coffee-Pot", grabado / engraving, 5,2 x 3 cm., 2007

"En este mundo de metamorfosis uno puede ver cosas ordinarias convertirse en casas."

"Cafetera / Coffee-Pot", # 8/100 - Foto / Photo: Javier Fuentes, 5/2020

"In this world of metamorphoses one can see ordinary things turn into houses."

Más sobre / More about Sergey Tyukanov: Website, facebook, facebook

Sergey Tyukanov en "El Hurgador" / in this blog


Recolección / Compilation (CLIII-1)

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Rostros ocultos / Hidden Faces (I-1)

En tiempos de Coronavirus se ha impuesto el uso de las mascarillas. Esto no es nuevo; desde la gripe española de principios de siglo, y antes aún, cuando los médicos del siglo XVII trataban a pacientes contagiados por la peste con sus antifaces picudos, la amenaza en el aire ha introducido en las relaciones sociales el hándicap de la media cara cubierta, despersonalizando al individuo, haciéndonos dudar de quién tenemos delante, gracias a esos escudos profilácticos generalmente reservados a médicos y enfermeros. En el arte la representación del fenómeno es tan antigua como la propia incorporación de estos artilugios a la cotidianeidad, y en estos últimos meses, obviamente, se ha intensificado. A partir de esta idea de Shirley Rebuffo, y con sus habituales aportes, les dejo una selección de obras que incluyen la cobertura facial, tan común desde hace tiempo en los países orientales, y tan omnipresente en occidente en nuestros días.

In the times of Coronavirus the use of masks has been imposed. This is not new; since the Spanish flu at the beginning of the century, and even before that, when the doctors of the 17th century treated patients infected by the plague with their pointed masks, the threat in the air has introduced the handicap of the covered half-face into social relations, depersonalizing the individual, making us doubt who we have in front of us, thanks to those prophylactic shields usually reserved for doctors and nurses. In art, the representation of the phenomenon is as old as the very incorporation of these devices into everyday life, and in recent months it has obviously intensified. Based on this idea of Shirley Rebuffo, and with her usual contributions, here you have a selection of works that include facial coverage, so common for a long time in Eastern countries, and so omnipresent in Western countries today.
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Albert Acosta
(Holguín, Cuba, 1993-)

Modelo / Model: Joaquina Hormilla

"Honrando a todos esos héroes anónimos que están en primera línea de combate para parar esta pandemia /
In honor of all those anonymous heroes who are on the front line of combat to stop this pandemic."
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Andrea Vandoni
(Novara, Italia / Italy, 1972-)

"Al ritorno dalla gita / Regresando del viaje / Returning From The Trip"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 90 cm., 2010

"Al ritorno dalla gita / Regresando del viaje / Returning From The Trip" (detalle / detail)

"Dubbio / Duda / Doubt", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 70 x 50 cm., 2009

"Invierno futuro / Future Winter", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm., 2010

"Il riscaldamento globale non esiste il coronavirus e meno dellinfluenza e la terra è piatta
No hay calentamiento global, el coronavirus es menos que una gripe y la tierra es plana /
There is no Global Warming, Coronavirus is Less Than Flu and the Earth is Flat"
Pastel sobre papel / pastel on paper, 65 x 50 cm., 2020

Donald Trump en "El Hurgador" / in this blog:

"Bellezza mutilata / Belleza mutilada / Mutilated Beauty"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 40 x 30 cm., 2020
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Johan Andersson
(Reino Unido / UK)

"En primera línea / Frontline", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 44" x 36", 2020 © Johan Andersson
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Mihai Cotiga
(Turnu Magurele, Rumania / Romania)
en Bucarest / at Bucharest

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30 x 20 cm., 2020. Saatchi

"Mi autorretrato es una pregunta sobre nuestra identidad durante los tiempos del coronavirus, cómo nos adaptamos, cómo nos vemos. Cuidamos más de nosotros mismos y de los demás a nuestro alrededor, intentamos vivir una vida normal dentro de nuestra casa y de vez en cuando nos enfrentamos a algunas luchas, no visitamos a nuestros padres, a nuestros amigos, sólo nos ponemos una máscara para ir al supermercado."

"My self-portrait is a question about our identity during the coronavirus times, how we adapt, how we see each other. We take more care of ourselves and others around us, we try to live a normal life within our home and from time to time face some struggles, not visiting our parents, our friends, just put a mask on to go grocery shopping."

"Madre durante la pandemia / Mother During Pandemic"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 7,9" x 11,8" x 0,8", 2020. Saatchi
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Molly Brocklehurst
(Reino Unido / UK)
en Londres / at London

"Enfermera / Nurse"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 x 85 cm. Link
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Mark Mulholland
(Glasgow, Escocia / Scotland, 1971-)

"Retrato del / Portrait of Dr McCready"
Óleo sobre panel / oil on board, 21 x 21 cm., 2020 © Mark Mulholland

"He aquí mi 'Retrato del Dr. McCready', que he tenido el honor de pintar para la inciativa #portraitsfornhsheroes, iniciada por Tom Croft.
En esta pequeña pintura al óleo he intentado capturar la intensa atmósfera y presión que nuestro maravilloso personal del Servicio Nacional de Salud enfrenta a diario, especialmente en estos tiempos tan desafiantes."

"Here is my 'Portrait of Dr McCready' that I have had the honour to paint for #portraitsfornhsheroes initiative started by the most clever @tomcroftartist.
In this small oil painting I have attempted to capture the intense atmosphere and pressure our wonderful NHS staff face on a daily basis, especially in this most challenging time."
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Wendy Kimberley
(Reino Unido / UK)
En Norfolk, Inglaterra / at Norfolk, England

"David-ITU Nurse", acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 2020. Link

"David trabaja en un hospital den Sheffield, en cuidados intensivos. Se ve con tanto calor con su EPI cuando lo pinté que incluso noté las gotas de condensación dentro del visor. No puedo imaginar lo duro que debe ser trabajar en un turno de más de 12 horas así. Debe ser como estar enrrollado en bolsas de basura con un tupperware en la cabeza... y aún así estaba sonriendo."

"David works in a hospital in Sheffield in intensive care. He looks so hot in all that PPE when I was painting him I even noticed the beads of condensation on the inside of the visor. I can't imagine how hard it must be to work a 12 plus hours shift in it. It must be like being wrapped in a bin bag with a Tupperware box on your head.....and yet he is still smiling."
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Eduardo Kobra
Carlos Eduardo Fernandes
(São Paulo, Brasil / Brazil, 1976-)


"Lo superaremos juntos, pero separados. O separados, por lo tanto juntos. En estos tiempos de necesario aislamiento social, necesitamos tener fe. Independientemente de nuestra ubicación geográfica, etnia y religión, estamos unidos en la misma oración: que Dios inspire a los científicos para encontrar la solución a esta pandemia - y confortar nuestros corazones para que tengamos la fuerza y podamos continuar juntos como humanidad."

"We will overcome this together, but apart. Or apart, hence together. In these times of necessary social isolation, we need to have faith. Regardless of our geographic location, ethnicity, and religion, we are united in the same prayer: may God inspire scientists to find the solution to this pandemic - and comfort our hearts so that we have the strength and can continue together as humanity."

El artista con su obra / The artist with his work
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Dirk Baumanns
(Offenbach am Main / del Meno, Alemania / Germany)


"Covid-19". Link

El poder del arte en crisis
Estas fotografías de performance ofrecen una intensificación de la percepción a través del manejo sensorial y háptico tanto del motivo de la imagen como del colorido.
Entre el fondo y el modelo, las características fisiológicas del aparato de visión crean un efecto de parpadeo y relieve tan especial para estas imágenes. 

"Bosque tropical 1 / Tropical Groove 1"
Impresión cuadrada sobre papel artístico Hahnemühle /
square print on Hahnemühle fine art paper, 21 x 21 cm. Link

"Bajo cero / Below Zero"
Impreso sobre / printed on Hahnemühle Pearl, 29,7 x 42 cm. Link

"Salven al Espargel". Link

The power of art in crisis
This performance photography offers an intensification of perception through the sensory, haptic handling of both the motif of the picture and the colouring.
Between background and model the physiological characteristics of the viewing apparatus creates a flickering and relief-like effect so special for these pictures.

"Brisa verspertina verde / Evening Breeze Green"
Impreso sobre / printed on Hahnemühle Pearl, 29,7 x 42 cm. Link

"Limpieza profunda / Deep Clean"
Impresión cuadrada sobre papel artístico Hahnemühle /
square print on Hahnemühle fine art paper, 21 x 21 cm. Link

Recolección / Compilation (CLIII-2)

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Rostros ocultos / Hidden Faces (I-2)

En tiempos de Coronavirus se ha impuesto el uso de las mascarillas. Esto no es nuevo; desde la gripe española de principios de siglo, y antes aún, cuando los médicos del siglo XVII trataban a pacientes contagiados por la peste con sus antifaces picudos, la amenaza en el aire ha introducido en las relaciones sociales el hándicap de la media cara cubierta, despersonalizando al individuo, haciéndonos dudar de quién tenemos delante, gracias a esos escudos profilácticos generalmente reservados a médicos y enfermeros. En el arte la representación del fenómeno es tan antigua como la propia incorporación de estos artilugios a la cotidianeidad, y en estos últimos meses, obviamente, se ha intensificado. A partir de esta idea de Shirley Rebuffo, y con sus habituales aportes, les dejo una selección de obras que incluyen la cobertura facial, tan común desde hace tiempo en los países orientales, y tan omnipresente en occidente en nuestros días.

In the times of Coronavirus the use of masks has been imposed. This is not new; since the Spanish flu at the beginning of the century, and even before that, when the doctors of the 17th century treated patients infected by the plague with their pointed masks, the threat in the air has introduced the handicap of the covered half-face into social relations, depersonalizing the individual, making us doubt who we have in front of us, thanks to those prophylactic shields usually reserved for doctors and nurses. In art, the representation of the phenomenon is as old as the very incorporation of these devices into everyday life, and in recent months it has obviously intensified. Based on this idea of Shirley Rebuffo, and with her usual contributions, here you have a selection of works that include facial coverage, so common for a long time in Eastern countries, and so omnipresent in Western countries today.
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Teiji Hayama
禎治葉山
(Japón / Japan, 1975-)
en Suiza / at Switzerland

"Enfermera / Nurse Cleo"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 170 cm., 2019. Link
WebsiteInstagramUnit London

Teiji Hayama con su obra en proceso / with his work in progressLink

Cleopatra en "El Hurgador" / in this blog[Todos los enlaces / All Links]
Elizabeth Taylor en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Izq./ Left: "Dolores", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm., 2010
Colección / Collection Japigozzi (Ginebra, Suiza / Geneva, Switzerland). Artsy
Der./ Right: Óleo sobre lienzo / oil on canvasLink


"La enfermera no habla mal / Nurse Speak No Evil"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 80 cm. Link

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Avril Thomas
(Malasia / Malaysia)
en / at Australia
"Dúo dinámico / Dynamic Duo", carboncillo sobre papel / charcoal on paper

"David operando / David Operating"

"Estudios de la enfermera / Studios of Nurse Louise", carboncillo sobre papel / charcoal on paper

"Manos que curan en el quirófano / Theatre Healing Hands"
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Richard Prince
(Zona del Canal de Panamá / Panama Canal Zone, 1949-)
en Nueva York, EE.UU./ NY, USA

"Enfermera de / Nurse of Greenmeadows"
Impresión de chorro de tinta y acrílico sobre lienzo / 
inkjet print and acrylic on canvas, 198,2 x 147,5 cm., 2002. Christie's

"Enfermera fugitiva / Runaway Nurse"
Impresión de chorro de tinta y acrílico sobre lienzo / 
inkjet print and acrylic on canvas, 280 x 167,6 cm., 2005-06. Christie's

Richard Prince en "El Hurgador" / in this blog[Michael Zavros (Pintura)], [Aniversarios Fotografía (CLXXXIX)]
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Anja Kuzmić
(Croacia / Croatia)

"Claire", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20 x 30 cm., 2020. Link

Una enfermera de oncología de la universidad de Manchester que trabaja en admisiones y traslados de emergencia. @christiecharity Claire dice que es parte de un equipo increíble y "Trabajar en Oncología es realmente el trabajo más gratificante de todos los tiempos. Todos los días nos encontramos con personas que ya están librando las batallas más duras que probablemente hayan enfrentado. Sin embargo, ser enfermera en este momento puede ser aterrador, pero la gente todavía me sorprende con su coraje para seguir adelante y las sonrisas que traen consigo, haciendo nuestros días un poco más brillantes."

An Oncology Staff Nurse @thechristie in Manchester currently working in Emergency Admissions/Transfers. @christiecharity Claire says she is part of an amazing team and 'Working in Oncology really is the most rewarding job ever'. "Everyday we meet people who are already fighting the toughest battles they've probably ever faced. However being a Nurse right now can be scary, but the people still amaze me with their courage to carry on and the smiles they bring with it!' Making our days that little bit brighter.
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Tyler
(India)

"Buda con mascarilla / Budah With Mask", mural
Bombay / Mumbai, India. Link

Al artista se lo conoce como "El Banksy de Mumbai", no sólo por su uso de las plantillas, sino también por el mensaje político de sus obras.

The artist is known as "The Banksy of Mumbai", not only for his use of stencils, but also for the political message of his works.
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Fake
(Ámsterdam, Holanda / Netherlands, 1980-)

"¡Super enfermera! / Super Nurse!"
Ámsterdam, Holanda / Netherlands. Link
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Tiff Landale
(Reino Unido? / UK?)

"Annie", 2020. Link

Annie (@missshilston) es enfermera en el Gran Hospital del Oeste en Swindon. Este es el retrato Nº 13 de una serie que captura los rostros de nuestro Sistema Nacional de Salud y héroes de la comunidad durante la pandemia del coronavirus.

Annie (@missshilston) is a nurse at the Great Western Hospital in Swindon. This is no.13 in a portrait series capturing the faces of our NHS and community heroes during the coronavirus pandemic.
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Xamoosh
(Teherán / Tehran, Irán)

"No tengas miedo / Don't Be Affraid", 2020
(Teherán / Tehran, Irán). East Street Art
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Annalisa Cerio
(Molise, Italia / Italy, 1968-)

"30-03-2020"

"04-04-2020"
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Max Ginsburg
(París, Francia / France, 1931-)

"Max con máscara, estudio (Autorretrato) / Max with Mask, study (Self Portrait)"

Max Ginsburg en "El Hurgador" / in this blog: [Max Ginsburg (Pintura)], [Asonancias (X)]
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Tyler Shields
(Jacksonville, Florida, EE.UU./ FL, USA, 1982-)


«Como seres humanos, a cada generación se le pide un gran sacrificio, en la década de 1930 fue la Gran Depresión, en la década de 1940 luchamos la Segunda Guerra Mundial y derrotamos a los nazis en su propio suelo, pero por desgracia ahora, casi 100 años después, nos enfrentamos a un desafío una vez más, esta vez la guerra se libra en nuestros propios hogares, vamos a asegurarnos el éxito, vamos a prevalecer, no como un país, sino como un mundo unido contra un enemigo común por primera vez, una oportunidad para todos nosotros de estar juntos, como un planeta unido. Quédense adentro, manténganse a salvo, y gracias a todos los que están haciendo su parte. @alliemarieevans y yo tomamos esta foto mientras estábamos encerrados, es interesante no poder disparar libremente y hacer lo que yo quiera pero vale la pena para el gran cuadro, ¡el amor siempre ganará! Por favor, comparte esta imagen si quieres, y ¿qué estás haciendo para ser creativo durante el encierro? ¿Qué piensas de esta foto?»

«As humans, every generation is asked, for a great sacrifice, in the 1930’s is was the Great Depression, in the 1940’s we fought WW2 and defeated the Nazi’s on their own soil, but alas now nearly 100 years later, we face a challenge once again, this time the war is fought in our own homes, we will win the day, we will prevail, not as a country but as a world united against one common enemy for the first time, a chance for us all to stand together, as one United planet. Stay inside, stay safe, and thank you to everyone who is doing their part. @alliemarieevans and I took this photo while on lockdown it is interesting not being able to shoot freely and whatever I want but well worth it for the bigger picture, love will always win! Please share this image if you want, and what are you doing to stay creative on lockdown? What do you think of this photo?»
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Dan Cretu
(Brașov, Rumania / Romania, 1981-)
en Bucarest / at Bucharest

"Verano del 2020 / Summer of 2020". Link

"El nacimiento de Venus" en "El Hurgador" / "The Birth of Venus" in this blog[Vania Elettra Tam (Pintura)]
Sandro Botticelli en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links]

Josh Dorman (II) [Pintura, dibujo / Painting, Drawing]

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Segundo de un par de posts (el primero aquí) que dedico a la fascinante obra de Josh Dorman, quien utiliza mapas antiguos, viejos grabados, rollos de pianola, etc, para crear grandes composiciones con complicadas narrativas e infinidad de elementos, que invitan a una larga contemplación e inspección minuciosa por parte del espectador.

Second of a couple of posts (the first one here) that I dedicate to the fascinating work of Josh Dorman, who uses antique maps, old engravings, piano rolls, etc, to create big compositions with complicated narratives and infinite elements, which invite a long contemplation and detailed inspection by the viewer.
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Josh Dorman
(Baltimore, Maryland, EE.UU./ MD, USA, 1966-)


Josh Dorman es un artista estadounidense nacido en Baltimore en 1966 que vive y trabaja en Nueva York. Josh construye sus obras trabajando sobre antiguos mapas y material gráfico, con elementos de collage, componiendo abigarrados paisajes poblados de infinidad de figuras, entre las que los animales tienen un lugar destacado.

"Estanque esmeralda / Emerald Pool"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel de madera /
ink, acrylic, antique paper, resin on wood panel, 12" x 12", 2018

Hace cuatro años (2000) el artista Josh Dorman entró en una librería de segunda mano en Saratoga Springs y compró varios mapas topográficos. Tenía perfecto sentido que le atrajeran estas proyecciones centenarias de lugares distantes y desconocidos. La obra reciente de Dorman consistía en gran parte en la representación de paisajes imaginarios, pequeños mundos de ensueño que combinaban la representación y la abstracción, lo reconocible y lo casi reconocible en lienzos de exquisito refinamiento y belleza. Llámenlos retratos de una patria interior, una topografía del espíritu. Ahora, enfrentado a estos mapas de lugares reales, una nueva idea se apoderó de él gradualmente. Pasaron dos años completos antes de que el impulso madurara en la acción, y entonces se lanzó.
Trabajando con una pluma y tintas de colores, Dorman empezó a inscribir sus marcas en los propios mapas, iniciando un intenso y apasionado diálogo entre el material impreso y su propia imaginación. Inspirado por los remolinos y las líneas sinuosas de los valles, por las formas extrañamente contorsionadas de las montañas y los ríos, incluso por las palabras que denotan bahías, y estuarios, y pueblos, Dorman dejó que su mano fuera a donde quisiera, respondiendo a estos ideogramas aplanados cavando profundamente en su propio inconsciente. Sin plan, sin agenda, sin restricciones. Si hay un método formal que subyace en el arte de Dorman, sería éste: Lo encuentras en el acto de hacerlo, y cada vez que lo haces, descubres algo que no habías conocido antes. - Paul Auster, 2004

"El suelo de Brooklyn / Brooklyn Soil"
Tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel / ink, acrylic, antique paper on panel, 12" x 14", 2015

"Este mundo roto / This Broken World"
Tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel / ink, acrylic, antique paper on panel, 48" x 48", 2014

«Creo que la razón por la que soy un artista visual es porque suena absurdamente simplista decir con palabras que todas las cosas están conectadas.
Mientras escribo esto, se me ocurre que la mayoría de mis amigos más cercanos son poetas y novelistas, que pueden hacerlo con palabras. Recientemente hice una gran versión por encargo de "La Torre de Babel" para el escritor Michael Chabon. Es un novelista "maximalista" que toma docenas de caminos tangentes y genera historias dentro de las historias. A menudo me inspiran los escritores: Italo Calvino, Richard Brautigan y Li-Young Lee. Me atraen los trabajos que sugieren más que prescriben. Diría lo mismo de mis héroes del arte: Klee, Redon, Turner, Pinkham Ryder, Brueghel.»

"Las tres gracias de la destrucción / The Three Graces of Destruction"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel /
ink, acrylic, antique paper, resin on panel, 12" x 18", 2019

"Salto de fe / Leap of Faith"
Tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel / ink, acrylic, antique paper on panel, 2012

«Creo que si pudiera ir al nivel microscópico, lo haría. Quiero decir, que ciertamente utilizo imágenes que representan eso, como las células, o los radiolarios. Pero mi temor, o el peligro con mi trabajo, es que si no hay una estructura más grande, entonces se convierte en un montón de caos. Así que especialmente con las piezas grandes tiene que haber una composición clara.»

"Bienvenido a la máquina II / Welcome to the Machine II"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel /
ink, acrylic, antique paper, resin on panel, 12" x 12", 2017

«Lo que espero es fusionar muchos ingredientes que son de mundos realmente diferentes: quiero las capas atmosféricas de pintura de Turner, y luego quiero la hiper-especificidad de Bosch y Brueghel. Seguiré presionando hasta que tenga sentido para mí. Sé que algunas personas entran en la galería y piensan "esto es demasiada información para mí" y eso está bien: No es para todos. Yo también tengo momentos en los que prefiero mirar una naturaleza muerta de Morandi, algunos momentos en los que desearía ser Morandi. Pero mi trabajo requiere mucho tiempo de elaboración y de búsqueda. No todo se desarrolla en un instante.»

"Poemas 1 / Poems 1", 14/12/2007

"Dorman nos ofrece lo que puede de su propia realidad, y al hacerlo nos despierta a la nuestra; nos ofrece un campo visual compartido - un ilógico compartido - que se tambalea como la mente, que honra sus propias búsquedas excéntricas, sus catalogaciones sin sentido, sus combinaciones desenfrenadas y fecundas...
La obra de Dorman es imaginativa sin paliativos, incluso cuando despoja sus imágenes de significado; está llena de belleza, incluso cuando corta, pega y acosa hermosas representaciones arrastrándolas a relaciones absurdas, obsoletas y anacrónicas." - Nam Le, ensayo del catálogo de Lost Divers

"Tierra de actividad minera / Mined Land"
Tinta, acrílico, óleo y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, oil, antique paper on panel, 76" x 96", 2014

"Canción del pájaro rojo / Song of the Red Bird"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel /
ink, acrylic, antique paper, resin on panel, 30" x 24", 2019

«La parte divertida es que, aunque Salvador Dalí era uno de mis artistas favoritos cuando era niño, realmente me resisto a la comparación con el surrealismo. Para mí Dalí es demasiado realista, la forma en que retrata las cosas. Los sueños están más desarticulados y s desarrollan en un espacio menos lógico. (...)
...a la gente le encanta interpretar los sueños, y creo que hay algo que decir al respecto. Porque de vez en cuando tienes un sueño donde obviamente estás tratando de resolver un problema en tu vida y ese sueño lo refleja. Pero prefiero que cuando un sueño es realmente mágico, lo dejes en paz. Sueño al menos dos o tres veces al mes que floto sobre el agua y miro a los peces justo debajo de la superficie. (...)
Volviendo a las pinturas, ese es el tipo de lógica desarticulada que espero. Cuando estoy trabajando, dejo que mi cerebro deambule. Así que si el mono de este cuadro está sentado ahí, y algo en la curva de su cola me recuerda a una raíz de árbol o a un resorte en espiral, tomaré un fragmento de collage de una raíz de árbol, o iré a un viejo libro de texto de ingeniería para buscar la forma de espiral correcta.»

"Isla viole(n)ta / Viole(n)t Island"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel de madera /
ink, acrylic, antique paper, resin on wood panel, 18" x 18", 2015

Captura del video que puede verse en el post anterior y aquí /
Still of the video you can see in the previous post and here

Josh Dorman is an American aritst born in Baltimore in 1966, living and working in New York, who constructs his works based on old maps and graphic material, with elements of collage, composing variegated landscapes populated by an infinity of figures, among which animals have a prominent place.

"Campo a través / Through the Field", grafito / graphite, 4" x 5", 2017

Four years ago (2000), artist Josh Dorman walked into a used bookstore in Saratoga Springs and bought several topographical maps. It made perfect sense that he should have been attracted to these century-old projections of distant and unknown places. Dorman's recent work had been largely devoted to the rendering of imaginary landscapes, little dream worlds that combined representation and abstraction, the recognizable and almost recognizable in canvasses of exquisite refinement and beauty. Call them portraits of an inner homeland, a topos of the spirit. Now, confronted with these maps of real places, a new idea gradually caught hold of him. It took two full years before the impulse ripened into action-and then he took the plunge.
Working with a pen and colored ink, Dorman began inscribing his marks on the maps themselves, initiating an intense and passionate dialogue between the printed material and his own imagination. Inspired by the swirls and sinuous lines of valleys, by the oddly contorted shapes of mountains and rivers, even by the words denoting bays and estuaries and towns, Dorman let his hand go wherever it wanted to go, responding to these flattened-out ideograms by digging deep into his own unconscious. No plan, no agenda, no constraint. If there is a formal method underlying Dorman's art, it would be this: You find it in the act of doing it, and each time you do it, you discover something you hadn't known before. - Paul Auster, 2004

"Hasta el último pez / Until The Last Fish"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel /
ink, acrylic, antique paper, resin on panel, 12" x 8", 2019

"Orilla / Verge", tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel de madera /
ink, acrylic, antique paper, resin on wood panel, 48" x 48", 2018

«I think the reason I’m a visual artist is because it sounds absurdly simplistic to say in words that all things are connected.
As I write this, it occurs to me that most of my closest friends are poets and novelists, who can do this with words. I recently did a large commissioned version of “The Tower of Babel” for the writer Michael Chabon. He’s a “maximalist” novelist who takes dozens of tangent paths and generates stories within stories. I’m often inspired by writers: Italo Calvino, Richard Brautigan, and Li-Young Lee. I’m drawn to work that suggests rather than prescribes. I’d say the same about my art heroes: Klee, Redon, Turner, Pinkham Ryder, Brueghel.»

"Torre de Babel / Tower of Babel"
Tinta, acrílico, óleo y papel antiguo sobre 30 paneles adosados /
ink, acrylic, oil, antique paper on 30 adjoined panels, 90" x 54", 2008

«What I’m hoping to do is to merge so many ingredients that are really from different worlds – I want Turner’s atmospheric layers of paint, and then I want the hyper-specificity of Bosch and Brueghel. I will just keep pushing at it until it makes sense to me. I know that some people walk into the gallery and think “this is way too much information for me” and that’s fine – it’s not for everyone. I too have moments where I’d rather look at a Morandi still-life, some moments where I wish I could be Morandi. But my work requires a long time of making and looking. It doesn’t all unfold in an instant.»

"Tesoro perdido / Lost Treasure"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel de madera /
ink, acrylic, antique paper, resin on wood panel, 34" x 30", 2019

«I think if I could go to the microscopic level, I would. I mean I certainly use images that represent that, like cells, radiolaria. But my fear, or the danger with my work, is that if there is no bigger structure, then it just becomes a bunch of chaos. So especially with the large pieces there has to be a clear composition.»

"La abominación / The Abomination"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel /
ink, acrylic, antique paper, resin on panel, 24" x 24", 2019

"Dios de la guerra / God of War"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel de madera /
ink, acrylic, antique paper, resin on wood panel, 12" x 10", 2019

"Dorman offers us what he can of his own charged reality, and in doing so reawakens us to ours; he offers us a shared visual field – a shared illogic – that maunders like the mind, that honours its own eccentric questings, its pointless cataloguings, its rampant, fecund combinings….
Dorman’s work is unapologetically imagistic, even as it strips its images of significance; it is full of beauty, even as it cuts, pastes, and bullies beautiful representations into absurd, obsolete, anachronistic relations." - ​Nam Le, Lost Divers catalog essay

"Libro de horas / Book of Hours", tinta, acrílico y papel antiguo sobre tres paneles /
ink, acrylic, antique paper on 3 panels, 56" x 98", 2014

El Libro de Horas es una pieza didáctica y ambiciosa en la que Dorman plantea una narración a la par de su método. El tríptico se basa en gran medida en una serie de tropos de pintura para transmitir un mensaje sobre la inevitabilidad de la ruina, antropocéntrica o no. El primer panel representa un Reino pacífico como el de Hicks; en el medio, se detiene a respirar en un purgatorio de tinta y grabado de una de las "Cárceles" de Piranesi", y llega al descanso en un infierno como el de Pieter Breughel. La previsibilidad no es un problema aquí: como pintor, Dorman tiene libre acceso a utilizar muchas de las imágenes antiguas que sus predecesores han utilizado una y otra vez, pero está más preocupado por las cuestiones contemporáneas de lo que estos tropos significan para nosotros ahora, si es que aún significan algo.

Book of Hours is a didactic and ambitious piece, where Dorman posits a narrative on par with his method. The triptych relies heavily on a series of painting tropes to get a message across of the inevitability of ruin; anthropocentric or otherwise. The first panel depicts a Hicks-like Peaceable Kingdom; in the middle, he pauses for breath in an inky and etched purgatory of a Piranesian Carceri; and comes to rest with a Pieter Breughel-like hell. Predictability is not an issue here; as a painter, Dorman has free access to use many of the time-worn images that his predecessors have used again and again, but is more concerned with contemporary questions of what these tropes mean for us now, and do they still mean at all?

"Reversión en La menor / Reversal in A Minor", tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel /
ink, acrylic, antique paper on panel, 18" x 18", 2012

"Aire / Air", tinta, acrílico y papel antiguo sobre panel de madera/
ink, acrylic, antique paper on wood panel, 16" x 16"

«The funny part is that—even though Salvador Dalí was one of my favorite artists when I was a kid—I really resist the comparison to surrealism. To me, Dalí is too realistic, the way he portrays things. Dreams are more disjointed and in less of a logical space. (...)
people love to interpret dreams, and I think there’s something to be said for it. Because once in a while you’ll have a dream where obviously you’re trying to work out this problem in your life and that dream reflects that. But I prefer when a dream is really magical, to just leave it alone. I dream at least two or three times a month of floating above water and looking at fish just below the water’s surface. (...)
Going back to the paintings, that is the kind of disjointed logic I hope for. When I’m working, I just let my brain wander. So if the monkey in this picture is sitting there, and something about the curve of his tail reminds me of a tree root or a coiled spring, I’ll grab a collage fragment of a tree root, or go to an old Engineering textbook to hunt down the right coil shape.»

"Tierra prometida vacía / Empty Promised Land"
Tinta, acrílico, papel antiguo y resina sobre panel de madera /
ink, acrylic, antique paper, resin on wood panel, 33" x 22", 2017
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Fuentes / Sources:


Website

* Catálogo de la exposición / Catalog of the Exhibition "Josh Dorman". CUE Art Foundation, 2004

* "Oda al significado, o la alegría del apocalipsis: El arte de Josh Dorman /

Ode to Meaning, or The Joyful Apocalypse | The Art of Josh Dorman"

Entrevista de / Interview by Mary Kathryn Jablonski, Numéro Cinq, 8/2017

* "La naturaleza vuelve a intentarlo: Josh Dorman en Ryan Lee /

Nature Tries Again: Josh Dorman at Ryan Lee"

por / by William Corwin, artcritical, 7/2014

* Entrevista de / Interview by Haleigh Collins, BOMB, 9/2014

* "Corta, mueve, pinta: Josh Dorman en una conversación con Ashli Sisk /

Cut, move, paint: Josh Droman in conversarion with Ashli Sisk", artfile magazine


Actualmente, Josh está representado por / Currently, Josh is represented by 

Ryan Lee Gallery, Nueva York / NYCKoplin Del Rio Gallery, Seattle

John Martin Gallery, Londres / London.


Josh Dorman en "El Hurgador" / in this blog[Josh Dorman (I, Pintura, collage, dibujo)]


Más sobre / More about Josh Dorman: WebsiteInstagramfacebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Josh!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Josh!)

Annalisa Cerio (I) [Pintura / Painting]

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Primero de un par de posts dedicados a la artista italiana Annalisa Cerio, en cuya obra aborda temas relacionados con la cultura, paisaje, personajes y tradiciones de la Italia meridional en general, y de su Molise natal en particular. En este primer post, una entrevista realizada por Shirley Rebuffo y una selección de su obra, que se estructura en diversos ciclos. En el segundo nos centramos en su serie sobre supersticiones populares.

First of a couple of posts dedicated to the Italian artist Annalisa Cerio, in whose work she deals with issues related to the culture, landscape, characters and traditions of southern Italy in general, and her native Molise in particular. In this first post, an interview conducted by Shirley Rebuffo and a selection of her work, which is structured in various cycles. In the second one we focus on her series on popular superstitions.
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Annalisa Cerio
(Campobasso, Molise, Italia / Italy, 1968-)
en / at Oratino


Annalisa Cerio es una artista plástica italiana nacida el 13 de febrero de 1968 en Campobasso, Molise, que trae el medioevo al siglo XXI.
Annalisa es pintora, ceramista, trabaja con una técnica cuidada la restauración de artesanías, y es además decoradora de interiores y exteriores. Realizó su aprendizaje en Campobasso, bajo la dirección del maestro Antonio D’Attellis. Su estilo pictórico es figurativo y simbólico, utilizando un fondo sólido y de variados contrastes.
Le gusta trabajar con ciclos de pinturas, una práctica que le permite investigar sus temas desde múltiples puntos de vista, habiendo creando diez ciclos pictóricos monotemáticos hasta la fecha.

"Amalfi, Immagini di una festa. I chierichetti / Amalfi, Imágenes de una fiesta. Los monaguillos /
The Altar Boys, Amalfi, Images of a celebration"

"Altilia", 2010

Shirley Rebuffo: ¿Qué es lo que más te gusta pintar?
Annalisa Cerio: Amo pintar mucho la figura humana, no tengo proyectos particularmente ambiciosos, pero es para mí importante trabajar cotidianamente basándome mucho en la imaginación después de una atenta observación de la realidad.

"Paessagio / Pasaje / Passage"

Símbolo de conexión, el puente es atravesado por doce figuras encapuchadas que, entre otras cosas, representan los meses del año y las noches "mágicas" del período de Navidad.

Symbol of connection, the bridge is crossed by twelve hooded figures that, among other things, represent the months of the year and the "magic" nights of the Christmas period.

"Teresa", da 'Segni del tempo' / de 'Señales del tiempo' / from 'Signs of Time', 2007

SR: ¿Qué consideras más relevante para realizar una obra: la belleza o el significado?
AC: Pienso que la belleza es importante, así como lo es el significado, por lo ende una obra debe contenerlas a ambas para ser completas.

"Incontri", de 'I Sogni' / "Encuentros", de 'Los sueños' / "Meetings", from 'The Dreams', 80 x 120 cm., 2007

Murali realizzato per il Museo a cielo aperto della Memoria contadina di Casalciprano /
Murales realizados para el Museo al aire libre de la Memoria Campesina de Casalciprano /
Murals realized for the open-air Museum of the Peasant Memory of Casalciprano, 2011
Izq./ Left: "La Vendemmia / La vendimia / The Grape Harvest"
Der./ Right: "Dall'uva al vino / De la uva al vino / From Grape to Wine"

"Oratino, il rito della luce si rinnova... / el rito de la luz se renueva... / The Rite of Light is Renewed..."

SR: ¿Cuáles son tus pintores preferidos?
AC: Amo mucho la pintura del seiscientos: Rembrandt, Caravaggio, Velázquez. Asimismo, me gusta también la pintura de la escuela napolitana, a caballo entre el ochocientos y el novecientos: Antonio Mancini, Francesco Paolo Michetti, Giuseppe De Nittis, Eugenio Viti y tantos otros.

"Ciccibacco" (*), da 'Natività' / de 'Natividad' / from 'Nativity', 2011

(*) Ciccibacco es un personaje clave del pesebre popular napolitano. Sería una transposición de Sileno, padre adoptivo, preceptor y compañero inseparable de Baco /
Ciccibacco is a key character in the Neapolitan popular crib. He would be a transposition of Silenus, adoptive father, preceptor and inseparable companion of Bacchus.

"Altilia, Il tempio / El templo / The Temple", 2010

Saepinum (la moderna Altilia, cerca de Sepino) fue una ciudad samnita situada a unos 15 km al sur del moderno Campobasso en el centro sur de Italia. Saepinum estaba en el antiguo camino de Beneventum a Corfinium.
La posición de la ciudad original está en la montaña, muy por encima de la ciudad romana, y aún existen restos de sus muros en mampostería ciclópea. Fue capturada por los romanos en el 293 AC. Las murallas de la ciudad romana (in opus reticulatum) fueron erigidas por Tiberio antes de que se convirtiera en emperador, y están fechadas entre el 2 a.C. y el 4 d.C. por una inscripción. Dentro de las murallas de la ciudad hay restos de un teatro y otros edificios, incluyendo los templos de Júpiter y Apolo. Wikipedia (English)

"Ritratto dell'artista / Retrato del artista / Portrait of artistErnesto Saquella"
(Campobasso, Molise, Italia / Italy, 25/81958 - 1/3/2008), 50 x 50 cm., 2017

SR: ¿Puedes describir las técnicas que usas más habitualmente en tu obra?
AC: En mis trabajos, lo que más uso son técnicas con óxidos terrosos y pigmentos amalgamados en emulsión vinílica; y como soporte utilizo, de preferencia, el rígido, la madera y esporádicamente la tela.

"Aspettando la festa... / Esperando la fiesta... / Waiting for the Celebration..."

Annalisa con su obra "La noche" / with her work "The Night"

Annalisa Cerio is an Italian visual artist born on February 13, 1968 in Campobasso, Molise, who brings the Middle Ages into the 21st century.
Annalisa is a painter, ceramist, works with a careful technique the restoration of crafts, and is also a decorator of interiors and exteriors. She did her apprenticeship in Campobasso, under the direction of the master Antonio D'Attellis. Her pictorial style is figurative and symbolic, using a solid background of varied contrasts.
She likes to work with cycles of paintings, a practice that allows her to investigate her subjects from multiple points of view, having created ten monothematic pictorial cycles to date.

"La notte", de 'I Sogni' / "La noche", de 'Los sueños' / "The Night", from 'The Dreams', 120 x 80 cm., 2007

"Vittoria", da 'Segni del tempo' / de 'Señales del tiempo' / from 'Signs of Time', 2007

Shirley Rebuffo: What do you like to paint the most?
Annalisa Cerio: I love to paint the human figure a lot, I don't have particularly ambitious projects, but it's important for me to work daily based on imagination after a careful observation of reality.

"Altilia, Il Teatro / El teatro / The Theater", 2010

"Ferrazzano"

SR: What do you consider more relevant to make a work: beauty or meaning?
AC: I think beauty is important, as well as meaning, so a work must contain both to be complete.

"Amalfi, Immagini di una festa / Amalfi, Imágenes de una fiesta / Amalfi, Images of a celebration"

"Lei / Ella / She"

"Il sogno ricorrente", de 'I Sogni' / "El sueño recurrente", de 'Los sueños' / "The Recurring Dream", from 'The Dreams', 120 x 80 cm., 2007

SR: Which are your favorite painters?
AC: I love very much the painting of the 16th Century: Rembrandt, Caravaggio, Velázquez. I also like the Neapolitan school between the eighth century to the nineteenth century: Antonio Mancini, Francesco Paolo Michetti, Giuseppe De Nittis, Eugenio Viti and many others.

"Atilia, Porta / Puerta / Gate Bojano", 2010

Saepinum (modern Altilia, near Sepino) was a Samnite town located c. 15 kilometres (9.3 mi) south of the modern Campobasso in south central Italy.[1] Saepinum was on the ancient road from Beneventum to Corfinium.
The position of the original town is on the mountain far above the Roman town, and remains of its walls in Cyclopean masonry still exist. It was captured by the Romans in 293 BC. The city walls (in opus reticulatum) of the Roman town were erected by Tiberius before he became emperor, and are dated to between 2 BC and 4 AD by an inscription. Within the city walls are remains of a theatre and other buildings, including temples of Jupiter and Apollo. Wikipedia

"Rinascimento Contemporaneo / Renacimiento contemporáneo / Contemporary Renaissance"

"Ecce Homo"

SR: Can you describe the techniques you most commonly use in your work?
AC: In my works, what I most use are techniques with earthy oxides and amalgamated pigments in vinyl emulsion; and as support I use, preferably, the rigid, the wood and sporadically the canvas.

"Amalfi, Immagini di una festa. La processione di Sant'Andrea, La benedizione del mare e dei pescatori /
Imágenes de una fiesta. La procesión de San Andrés. La bendición del mar y los pescadores /
Images of a celebration. The procession of St. Andrew, The blessing of the sea and fishermen.

"Autoritratto / Autorretrato / Self Portrait"

Annalisa Cerio en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CLIII-2)]

Más sobre / More about Annalisa Cerio: facebook

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Annalisa!)
Muchas gracias también a Domenico Presutti por su inestimable ayuda en la traducción de los textos.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Annalisa!)
Many thanks also to Domenico Presutti for his invaluable help in translating the texts.
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino..

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Asonancias / Assonances (XXVII)

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Georges Boorujy
(EE.UU./ USA)

"Cuando fue que te conocí / When Was It That I Knew You"
Tinta sobre papel / ink on paper, 72" x 120", 2012. Website

"Cuando fue que te conocí / When Was It That I Knew You" (detalle / detail)

George Boorujy en "El Hurgador" / in this blog[Brims, Nguyen, Boorujy]

Rémi Planche
"Once / Leopardo de las nieves / Snow Leopard III", óleo / oil, 120 x 130 cm., 2016

Rémi Planche en "El Hurgador" / in this blog
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Francisco de Zurbarán
(Fuente de Cantos, Badajoz, España / Spain, 1598-1664)

"Agnus Dei / Cordero de Dios / Lamb of God"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 37,3 x 62 cm., 1635-40
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Zurbarán en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (XI)]

Josefa de Óbidos
Josefa de Ayala Figueira
(Sevilla, España / Spain, 1630 - Óbidos, Portugal, 1684)

"Cordero pascual / The Sacrificial Lamb"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 55,5 x 78,7 cm., entre / between c.1670 - c.1684
Walters Art Museum (Baltimore, EE.UU./ USA). Wikimedia Commons

La inscripción se refiere a Cristo como el Cordero cuya muerte fue predicha. Este simbolismo de Cristo como cordero de sacrificio que trae la salvación deriva de la fiesta de la Pascua, instituida después de que el Señor salvara a los judíos en Egipto que rociaron la sangre de los corderos sacrificados sobre sus puertas. Aunque Ayala pasó la mayor parte de su vida en Portugal, esta obra refleja la influencia del arte de su Sevilla natal, España. Ella ha modelado su composición y su estilo -con los fuertes contrastes de luz y oscuridad y la atención a los detalles realistas- sobre las pinturas de Francisco de Zurbarán (1598-1664), también de esa ciudad. Ayala fue una de las pocas mujeres artistas activas en España y Portugal. Era conocida por su habilidad para pintar bodegones y retratos, temas que se consideraban apropiados para las mujeres pintoras.

The inscription refers to Christ as the Lamb whose death was foretold. This symbolism of Christ as a sacrificial lamb who brings salvation derives from the feast of Passover, instituted after the Lord saved the Jews in Egypt who brushed the blood of slaughtered lambs over their doors. Although Ayala spent most of her life in Portugal, this work reflects the influence of the art of her native Seville, Spain. She has modeled her composition and her style-with the strong contrasts of light and dark and attention to realistic detail-on paintings of Francisco de Zurbarán (1598-1664), also from that city. Ayala was one of the few women artists active in Spain and Portugal. She was renowned for her ability to paint still lifes and portraits, subjects that were considered appropriate for female painters.

"Cordero pascual / The Sacrificial Lamb"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88 x 116 cm., entre / between c.1660 - c.1670
Museu Regional (Évora, Portugal)

Giovan Battista Recco
(Napoli / Nápoles, Italia / Naples, Italy, c.1615 - 1660)

"Un cordero atado junto a una cesta con huevos, una alegoría de la pascua /
A ligated lamb besides a basket of eggs, an Allegory of Easter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49,5 x 62,8 cm. Dorotheum

Giovan Battista Recco fue un pintor italiano del s.XVII perteneciente a la escuela napolitana, especializado en bodegones de peces, frutos de mar y crustáceos.

Giovan Battista Recco was an Italian painter of the 17th century belonging to the Neapolitan school, specialized in still lifes of fish, seafood and crustaceans.

Claudio Bravo Camus
(Valparaíso, Chile, 1936-)

"El cordero / The Lamb", litografía de color / color lithography. Lotsearch

Claudio Bravo en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XLII)]

"Modelo de buey sacrificado / Model of Slaughtered Ox"
Piedra caliza / limestone, largo / lenght: 8 cm., c.1850 - 1800 a.C./ B.C.
Egpito, Reino Medio, Fines de la Dinastía 12 / Egypt, Middle Kingdom, Dynasty 12, late
De Egipto, Región Menfita, Lisht Norte, Tumba de Nakht (493), cementerio sur, Pozo 428, cámara norte, excavaciones de MMA, 1913-14 /
From Egypt, Memphite Region, Lisht North, Tomb of Nakht (493), south cemetery, Pit 428, north chamber, MMA excavations, 1913–14
Metropolitan Museum (Nueva York, EE.UU./ NY, USA)
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Ferdinand-Victor-Eugène Delacroix
(Charenton-Saint-Maurice, Francia / France, 1798 - 1863)

"León y tortuga / Lion and Tortoise", 19,8 x 26,1 cm., 1835
Pluma y tinta de hierro con grafito sobre papel azul claro, moderadamente grueso y liso /
pen and iron gall ink with graphite on light blue moderately thick, smooth wove paper
Walters Art Museum (Baltimore, Maryland, EE.UU./ MD. USA)

Eugéne Delacroix en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All links] 

Antoine-Louis Barye
(París, Francia / France, 1795 - 1875)

"Lion au serpent / León y serpiente / Lion and Snake"
Yeso / plaster, 135 x 178 x 96 cm., 1832
Musée des Beaux Arts (Lyon, Francia / France). Wikimedia Commons

"Lion au serpent / León y serpiente / Lion and Snake"
Bronce / bronze, 135 x 178 x 96 cm., 1833. Wikimedia Commons. Joconde

Antoine-Louis Barye en "El Hurgador" / in this blog[Aniversarios (XXXV)], [Recolección (CXXI-1)]
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Jacob de Gheyn II
(Amberes, Bélgica / Antwerpen, Beligum, c.1565 -
's-Gravenhage, La Haya, Holanda / The Hague, Netherlands, 1629)

Jacob de Gheyn II fue un dibujante, grabador y pintor holandés nacido en Amberes en 1565.
Probablemente fue discípulo de su padre, Jacob de Gheyn I (hacia 1530-1582), un pintor en cristal y miniaturista. Cuando se mudó a Haarlem, estudió entre 1585 y 1590 con Hendrick Goltzius (1558-1617).
Se trasladó a Leiden en 1596 y permaneció allí hasta 1602. Hacia 1605 se asentó en La Haya.
Junto con Goltzius, de Gheyn creó algunos de los primeros desnudos femeninos del arte holandés; también pintó algunas de las primeras vanitas y bodegones florales de los Países Bajos.
Realizó más de 1500 dibujos innovadores, entre ellos muchos paisajes e ilustraciones de la historia natural.
Murió en 1629.

"Viermal eine Maus / Cuatro veces un ratón / Four Times a Mouse", acuarela / watercolor
Koninklijke Musea voor Schone Kunsten (Bruselas, Bélgica / Brussels, Belgium). Wikimedia Commons

Jacob de Gheyn II was a Dutch draughtsman, engraver and painter born in Antwerp in 1565.
He was probably a disciple of his father, Jacob de Gheyn I (around 1530-1582), a glass painter and miniaturist. When he moved to Haarlem, he studied from 1585 to 1590 with Hendrick Goltzius (1558-1617).
He moved to Leiden in 1596 and remained there until 1602. Around 1605 he settled in The Hague.
Together with Goltzius, de Gheyn created some of the first female nudes in Dutch art; he also painted some of the first vanitas and floral still lifes in the Netherlands.
He produced more than 1500 innovative drawings, including many landscapes and illustrations of natural history.
He died in 1629.

Koloman "Kolo" Moser
(Wien / Viena, Imperio Austrohúngaro / Vienna, Austria-Hungary, 1868 - 1918)

"Husch Husch Maüse / Fuera fuera ratones / Shoo Shoo Mice"
Bilderbuch für die Nichte von / Libro ilustrado para la sobrina de /
Picture book for the niece of Ditha Mautner von Markhof, 1904. 50Watts

Kolo Moser en "El Hurgador" / in this blog[George Minne (Escultura)], [Aniversarios (CXVII)]

Christine Morton

"Algo que trajo el gato / Something the Cat Dragged In"
Grafito sobre papel / graphite on paperPinterest

No tengo información sobre Christine Morton, salvo su Pinterest, en el que acumula una variada colección de obras de su interés, entre ellas varias propias.

I have no information about Christine Morton, except for her Pinterest, in which she compiles a varied collection of artworks, including several made by herself.
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Bruno Ertz
(EE.UU./ USA, 1873 - 1956)

"Papagayo / Parrot", acuarela / watercolor, 49,53 x 39,37 cm., c.1940

"Papagayo / Macaw", aguada / gouache, 18" x 14". Artnet

Bruno Ertz en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CVII)]

 Ishiwata Koitsu
石渡江逸
Yoshimi 芳美
(Tokio, Japón / Tokyo, Japan, 1897 - 1987)

Ishiwata Kōitsu fue un diseñador de grabados shin hanga activo desde los años '30 hasta principios de los '50 que creó paisajes naturalistas y conmovedores que retrataban la belleza de la vida cotidiana en el Japón urbano y rural. Aunque su obra nunca obtuvo la popularidad de su contemporáneo y maestro, el artista pionero del shin hanga Kawase Hasui (1883-1957), varios de sus grabados son iconos del género shin hanga. Link

"Papagayo y camelia / Macaw and Camellia"
Xilografía / woodblock print, 1940. Ronin Gallery

Ishiwata Kōitsu was a shin hanga print designer active in the 1930s into the early 1950s who created naturalistic and poignant landscapes portraying the beauty of everyday life in urban and rural Japan. While his work never obtained the popularity of his contemporary and teacher, the pioneering shin hanga artist Kawase Hasui (1883-1957), several of his prints are iconic of the shin hanga genre. Link


Asonancias rinocerónticas / Rhinocerontic Assonances

La mayoría de estas obras ya han pasado por el blog en la serie dedicada a nuestros queridos rinocerontes, que puede disfrutarse al completo aquí.

 Most of these works have already passed through the blog in the series dedicated to our beloved rhinos, which can be enjoyed in full here.

Sergey Tyukanov
Сергей Тюканов
(Isla Sakhalin, Poronaisk, Rusia, URSS /
Sakhalin Island, Poronaisk, Russia, USSR, 1955 - 2020)

"Rinoceronte / Rhinoceros", 2008

Sergey Tyukanov en "El Hurgador" / in this blog:

John Mark Moore
(Johannesburgo, Sudáfrica / South Africa, 1972-)

"Ciudadela azul / Blue Citadel", pastel, 120 x 150 cm.

"Serie Bloque de construcción: Santuario de tipos /
Building Block Series: Sanctuary of Sorts"
Aguafuerte sobre cobre / copperplate etching, 60 x 90 cm.

John Mark Moore en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (CII)]
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Richard Texier
(La Garette, Marais Poitevin, Francia / France, 1955-)

"Arbre de Vie / Árbol de la vida / Tree of Life", altura / heigth: 600 cm.

Richard Texier en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (CIII)]

John Mark Moore

"Árbol del conocimiento / Tree of Knowledge", dibujo / drawing, 120 x 160 cm.

"Haciendo metal, monumentos y máquinas /
Making Metal, Monuments and Machines", xilografía a color / color woodcut, 180 x 120 cm.
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Gillie and Marc Schattner
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1965-) 
(Melbourne, Australia, 1961-)

"Los tres últimos se yerguen altos y orgullosos / The Last Three Stood Proud and Tall"
Bronce con pátina de bronce / bronze with bronze patina, 180 × 150 cm., 2018. Artsy

Gillie and Marc en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (LXXXVII)]

Sarah Soward
(EE.UU./ USA)

"Torre de poder / Tower of Power", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 36", 2014

Sarah Soward en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (LVI)]

John Mark Moore

"Volviendo a casa / Returning Home", linograbado / linocut
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Joshua Davis (frogman87)
(EE.UU./ USA)

"Rinocerontes voladores / Flying Rhinos", 2003. deviantART
Pluma sobre lápiz, la mitad con referencia (la mitad superior del rinoceronte es de una imagen de rinoceorntes apareándose) /
Pen on pencil, half referenced (the upper half of the rhino is from a picture of mating rhinos. ..)

Adam Lindsay Honsinger
(Toronto, Canadá)

Como artista que divide su tiempo entre la ilustración, la escritura de ficción y la composición de canciones, estoy constantemente explorando la naturaleza estética, contemplativa y lírica de la narrativa. Para mí las tres disciplinas son expresiones sensuales y meditativas de mis luchas intelectuales y emocionales con el mundo. El dibujo me permite concentrarme en la forma y el detalle de un tema y contemplar su naturaleza y belleza. (...) Escribir ficción, en cambio, es un proceso que implica la construcción y exploración de nuevas realidades y personajes donde convergen los problemas de la memoria, la verdad, el sentido y, a veces, lo imposible. (...) La escritura de canciones, siendo la tercera vía artística de expresión, es otra forma narrativa que me permite explorar un sentimiento o condición particular pero con el agregado de la melodía y la actuación.
"Rinoceronte alado / Winged Rhino"

As an artist who divides his time between illustration, writing fiction, and songwriting, I am constantly exploring the aesthetic, contemplative, and lyrical nature of narrative. For me, all three disciplines are sensual and meditative expressions of my intellectual and emotional grapplings with the world. Drawing allows me to concentrate on the form and detail of a subject and to contemplate its nature and beauty. (...) Writing fiction on the other hand, is a process which involves the construction and exploration of new realities and characters where problems of memory, truth, meaning, and sometimes the impossible, converge. (...) Songwriting, being the third artistic avenue of expression, is another narrative form that allows me to explore a particular sentiment or condition but with the addition of melody and performance.

Dariusz Zieliński
(Adamów, Polonia / Poland, 1975-)

"Rinoceronte volador / Flying Rhino", 30 x 40 cm. Imagen / Image: Artist's website

Dariuz Zieliński en "El Hurgador" / in this blog: [Todos los enlaces / All Links]

Pedro Peralta
(Salto, Uruguay, 1961-)

"Gulliver en la tierra de los rinovoladores / Gulliver in the Land of Flyingrhinos" (detalle / detail)
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 120 x 95 cm., 2012.
Colección privada / Private Collection, Montevideo, Uruguay. Foto / Photo: Shirley Rebuffo.

Pedro Peralta en "El Hurgador" / in this blog:

John Mark Moore

"Aprendiendo a volar / Learning to Fly", aguafuerte / etching, 25 x 40 cm.
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Jacub Gagnon
(Toronto, Canadá, 1987-)

"Invertebrado / Spineless", 16" x 20", 2012. Link

Jacub Gagnon en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (LXXVIII)], [Recolección (XXXIX)]

Nicolas Rubinstein
(París, Francia / France, 1964-)

Izq./ Left: "Dust Tenebre", bronce / bronze, 46 x 24 x 15 cm., 1995
Der./ Right: "Rhino X", bronce y cristal esmerilado / brass and frosted glass, 46 x 24 x 16 cm., 2000

Nicolas Rubinstein en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (VIII)]

Uruguayos / Uruguayans (XLI) - Vera Sienra [Pintura, Ilustración / Painting, Illustration]

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Les presentamos la obra de Vera Sienra, una polifacética artista uruguaya que ha venido expresándose en música, poesía y artes plásticas desde la década de 1960. Entrevistada recientemente por mi buena amiga y colaboradora Shirley Rebuffo, acompañamos con sus reflexiones una selección de sus pinturas e ilustraciones de los últimos años.
Texto en inglés al final del post.

We present you the work of Vera Sienra, a multifaceted Uruguayan artist who has been expressing herself in music, poetry and plastic arts since the 1960s. Recently interviewed by my good friend and collaborator Shirley Rebuffo, we accompany with her reflections a selection of her paintings and illustrations of the last years.
English text at the end of the post.
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Verónica "Vera" Sienra
(Punta Carretas, Montevideo, Uruguay, 1947-)

Vera en su estudio / at her Studio

Verónica "Vera" Sienra nació en Montevideo, Uruguay, el 11 de noviembre de 1947. Si bien aquí nos ocupamos de su obra pictórica e ilustraciones, durante su larga trayectoria ha cultivado el canto, faceta por la que es más conocida, y la poesía.
En el mundo de la música, sus primeras grabaciones se remontan a la década del '60, cuando el musicólogo francés Maurice Bitter la registró en directo para el sello "Otro". Llegaron luego sus álbumes "Nuestra soledad" (1969), "Vera" (De La Planta, octubre 1972), su participación en "Discodromo, 15 años con la música uruguaya" (Clave, 1975), "En Recital, V.S. con Larbaonois-Carrero" (Sondor, 1982), "Reino breve" (Sondor, 1983), "Hada alegría" (La batuta, 1985), a los que siguieron una serie de participaciones en álbumes colectivos, y discos simples. 
También publicó algunas de sus poesías: "Raza de abismo" (1975), "Crónica de cornisas" (1982), "Esquelas. Notas para tu música" (2002).
En 1972 realizó su primera exposición individual en la Galería Portón de San Pedro, Montevideo, y siguió haciéndolo periódicamente en Uruguay, Buenos Aires y Zürich. Su participación en exposiciones colectivas ha llevado además su obra a Brasil, Estados Unidos y Tailandia. [1]

"Vínculos indeseados / Unwanted Links", óleo diluído sobre papel, pegado sobre tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 48 x 55 cm., 2017

Entrevista de / Interview by Shirley Rebuffo

Shirley Rebuffo: Descríbeme un poco tu niñez, el lugar donde naciste y si el entorno influyó en tu futuro artístico.
Vera Sienra: Nací en la casa de Sofía y Juan Antonio, mis padres, en Montevideo al sur, Punta Carretas. Crecí mirando el Río de la Plata tan ancho como mar, en contacto casi cotidiano con el agua, los pescadores, el muelle, el juncal, los bichos, el faro y mucha naturaleza.
Tuve una infancia libre, muy rica en impresiones y experiencias. Hablo de mi realidad, hablo de la realidad del hogar y de la muy cercana realidad barrial y su diversidad de almas. Era la década del 50, la ciudad crecía y aún quedaban varios campos baldíos para jugar e investigar. José Luis Zorrilla, el gran escultor uruguayo, mi vecino, nos atraía con sus cuentos y nos dejaba entrar a su taller de esculturas donde altísimo, se elevaba un prócer a caballo. 
Tuve una caja de carpintero, réplica para niños, con herramientas que no eran de plástico sino con un auténtico destornillador, martillo, serrucho.
Jugué mucho a las cartas, pero la satisfacción profunda era jugar al aire libre. La población infantil era numerosa. Pintar durante horas con amigos, poner sobre la mesa del comedor las acuarelas y los lápices siempre me atrapó. 
Visito mucho mi niñez. Es un reino donde el sol y la naturaleza de algún modo me plasmaron el alma. Como las caras que no olvido, los momentos trágicos que viví, otros violentos o alegres. El mundo humano. Ese enjambre vital de sentimientos, de impulsos, de asombros que viví en la niñez se desenvuelve a lo largo de toda la vida. Sí, claro que el entorno siempre influye.


"Sobrevivientes / Survivors", óleo diluído sobre papel, pegado sobre tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 45 x 45 cm., 1978

SR: ¿Hay artistas en tu familia? 
VS: No se dedicaron. Mi hermana Raquel, mayor que yo, estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Mi madrina Malvina cantaba en un coro. El tío Alex me regaló un ajedrez confeccionado por él mismo, tallado al detalle. Las hermanas de mi madre y ella misma tenían manos de artesanas, sabían hacer una alfombra, por ejemplo. 
Mi padre dibujaba y pintaba a la acuarela. Lo hizo en su juventud. Nunca lo vi pintar, pero aún conservo algunas evidencias de que sí lo hacía. Cuántas impresiones imborrables en la infancia al ver esas láminas a color de obras maestras, de pintores modernos, libros que mi padre compraba con mucho sacrificio. 
Mi madre Sofía narraba cuentos como ninguna. Influyó mucho en el desarrollo de mi fantasía. Después que contraje la polio que fue a los 8 años nos acercamos mucho. Creo que ella intuyó que el arte me haría conocer otra libertad, un modo no tradicional de sentir y encarar mi vida. En aquella época y hasta mi juventud, era mal visto que las mujeres se dedicaran a las artes.

SR: ¿Quién te guió por el amplio camino de las artes?
VS: Los sueños fueron los primeros en guiarme. Después caminando el proceso, los artistas amigos fueron un estímulo para mí.

Grafito / graphite

Una de esas tardes me interné, casi sin querer, en un paisaje fantástico habitado por seres. Seres únicos. Indudablemente engendrados en alguna matriz del alma. Son corpóreos pero al mismo tiempo de aire, hechos con luz y transparencia.
Seres que se comunican conmigo sin voces, ni palabras.
Casi humanos, casi vegetales, casi animales, casi minerales, o todo, o nada de esto junto.
No se alimentan de pan, ni agua, ni respiran.
Te piden sensaciones.
No se diferencian, pero se aman y aquí está la clave.
Porque están hechos de amor.
Emanación maravillosa de Vera Sienra que nos regala, como el pan y la sal nuestros, cotidianos.
Te doy las gracias Vera en nombre de todos los humanos y los duendes que entramos a tu mundo.
Antonio Pujía. [2]

Tránsitos. Acerca del morir y del nacer. / Transits. About dying and being born.
"Guías en la tormenta / Guides in the Storm", técnica mixta / mixed media

"América", técnica mixta / mixed media

SR: ¿Quiénes fueron tus maestros? 
VS: Me nutrí de muchos maestros. Eduqué mis sentimientos con ellos, que cimentaron las bases mi sensibilidad artística. Son tantos los maestros en las artes que me ayudaron y me conmovieron conociendo sus obras. No tuve maestros para el uso del pincel, me formé a los “ponchazos”. Soy autodidacta. Inicié la Escuela Nacional de Bellas Artes, pero poco después fue clausurada por la dictadura militar en 1973. Y la guitarra, bueno, mirando tocar algo se aprende.
En las décadas 60 y 70 nuestra región era un enjambre de artistas, escritores, cantautores, poetas. 
En Brasil, Chile, Argentina, Uruguay estallaba la música y las más bellas canciones. Cantaban y componían los que ahora son maestros y que también lo fueron para su generación y me formaron.
Trabajé por 40 años en el Museo Nacional de Artes Visuales como bibliotecaria. Tuve literalmente entre mis manos con guantes blancos las obras de Klee. Ayudaba a Alejandro Casares, a Jorge Damiani y a Leonilda González en el montaje de sus obras cuando exponían. 
He visto innumerables exposiciones de los exponentes más conocidos del arte internacional acá, en Montevideo, y ciertamente del arte uruguayo. 

SR: ¿Qué te inspira? ¿El pasado, está presente en tus obras? 
VS: Estoy presente yo. No me ocupo en principio de si me inspira el pasado. El porvenir me ocupa. Incluyo el futuro. Necesito leer cómo vamos y qué hacemos con el arte.


"Raíces / Roots", óleo diluído sobre papel, pegado sobre tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 63 x 50 cm., 1987

SR: Tus composiciones pictóricas son etéreas y sugestivas, como si fueran tus poemas ¿Esto responde a un estado de ánimo?
VS: No y sí. En primer lugar, responde a una necesidad expresiva, pues la imaginación pasa por algunos seres como nubes, o descarnados, puede ser que quisiera pintar un ala de mariposa, esto pide una forma de aplicar el agua. 
Si te referís a estados de ánimo fugaces, pintar un momento de ira, cualquier tipo de desahogo personal, te digo que no. Si esos estados de ánimo son sentimientos durables del alma, entonces te digo que sí.
La imaginación es como una conciencia que propone. Me propongo expresar lo que quiere surgir. 
Hay otro estado de ánimo al que es necesario respetar y ser con él: el ánimo del color. 

SR: En tus obras hay posibilidad de ver matices y perspectivas diversas de ensueño, ¿es calculado o espontáneo? 
VS: Ambas cosas son ciertas. Pintar aguado pide ayuda a la condición del agua. ¿Ahí estaría lo espontáneo? ¿Dejar hacer al agua?
Hace un tiempo, la necesidad de expresar la temática de la muerte me impulsó a pintar azul. Planeo en la idea, sigo el curso de una curva, hago un cierre o una apertura de luz; decido en el azul. Sin embargo, el asombro está, el misterio está cuando el azul se manifiesta. Hay micro mundos que aparecen que sólo tengo que acentuar.

Tránsitos. Acerca del morir y del nacer. / Transits. About dying and being born.
"Creciendo hacia el Cosmos / Growing Into The Cosmos", técnica mixta / mixed media

"Bajo el agua / Under The Water", óleo diluído sobre papel, pegado sobre tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 43 x 37 cm., 1987

SR: Por lo general la figura humana esta apenas sugerida. A mí me sugieren alegorías correspondientes a la personificación de determinadas ideas abstractas, tales como vicios o virtudes, sufrimientos, alegrías. ¿Cómo podrías explicármelo tú?
VS: ¿Vicios y virtudes? ¿Sufrimientos y alegrías? Es probable, pues de todo eso estoy hecha.
No creo que sean “alegorías”. En algunas pinturas se dan más bien ambientes anímicos humanos. 

SR: Veo que también trabajas con los reflejos.
VS: Una palabra con misterio “reflejo”. 

SR: ¿Con qué técnica pictórica te encuentras más cómoda? ¿O con qué materiales te sientes más cómoda para trabajar?
VS: Siempre trabajé con óleo diluido. Últimamente lo hago con témperas, tintas y acuarelas. Se elabora otra cosa con el óleo, distinto a lo que produce el aguado. Como verás trabajo “en vivo”. El soporte físico es el papel. Con esto quiero decirte que ya no me da el tiempo para investigar si la realidad técnica de hoy me llevaría por caminos plásticos virtuales. Voy por externamente como por fuera de otras cosas. ¿Qué puedo hacer? El tiempo es menos, me expreso con lo que tengo y con lo que está a mi alcance.

La artista trabajando / The Artist at Work

SR: Tienes una formación constante en otras ramas de la cultura artística. Me gustaría me contases un poco sobre la música, las escritura, la poesía. 
VS: Era una adolescente cuando escribí las primeras canciones. Una facultad que surgió de un día para el otro. Irrumpió. Claro que, en las reuniones, -realizadas a partir de sexto, último año de primaria, hasta entrando a la universidad- siempre estuvo el canto, la poesía y las guitarras. Aprendí a cantar en rondas de amigos. ¡Qué boleros más lindos!, ¡qué zambas! Todo eso generó tal vez la fantasía y podría explicar mi capacidad para hacer canciones.
Aparece. La primera oración está en el aire, la traigo, viene silabeada en melodía. Surge la idea, anoto lo que tengo y comienzo a buscar toda oídos y concentración. Traigo la guitarra y ahí mismo la canción se asienta, toma cuerpo y me hace feliz. Así de simple y así de complejo. No es un trabajo muy racional sino un estar despierta, hacer las conexiones correctas para que un texto cobre vida y belleza. 

SR: ¿Trabajas a diario en la pintura, o alternas entre la música y la poesía? Cuéntame cómo distribuyes tu tiempo entre tus artes.
VS: Es imposible no trabajar a diario cuando estás en vena. No alterno, excepto se imponga una melodía, un texto, entonces lo atiendo. Por lo general no ocurre. Trabajar en la imagen exige compenetración. 
En muchas ocasiones tengo que dejar el taller para atender la casa, la vida cotidiana no puede interrumpirse. 

Óleo diluído sobre papel, pegado sobre tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 30 x 40 cm, 2017

"Razón tormentosa / Stormy Reason", técnica mixta y témperas / mixed media and tempera, 18 x 24 cm., 2020

SR: ¿Cómo ha influido la naturaleza sobre tu universo creativo? 
VS: La naturaleza siempre ejerce una fuerte influencia. Para sentirla hay que unirse a lo que se observa, a lo que se oye, develar lo que nos dicen las cosas que observamos. Ando atenta, alerta. Cuando la naturaleza se te presenta así de misteriosa, un bosque, una costa de mar, cuando hay amor por ella y te sales de ti con pleno interés, entonces pueden nacer pensamientos, renovadas ideas y sentimientos. Y ahí te surgen unas frases para que sigas y encuentres la canción, o también, con seguridad, te vinculas con un clima de luz que luego te lleva a pintar, en fin, largo tránsito, experiencias para contar hay muchas. La naturaleza es inspiradora, pero hay personas que sólo transitan por ella de cacería, haciendo deporte. Recuerdo a una mujer que no soportaba el aburrimiento que le provocaba unas horas con la naturaleza.

"Un alma y su tronco / A Soul And Its Trunk", técnica mixta / mixed media

Tránsitos. Acerca del morir y del nacer. / Transits. About dying and being born.
"Tránsito / Transit", técnica mixta / mixed media, 24 x 30 cm.

SR: ¿Qué evento en particular, en tu vida ha hecho que realices algún desvío en tu forma de trabajar?
VS: ¿Desvío? 
Con respecto a la pintura y el último cambio en mi modo de trabajar fue dejar atrás la técnica de pintar al óleo diluido y a convenir con nuevos elementos como las tintas y las témperas. De los aceites y sustancias más volátiles como el disán (disolvente) pasé al agua. Hice una serie en formatos chicos, una veintena. De la “mancha” a la imaginación. 
Un desvío del canto autoral, quizá pueda verse así cuando acepté interpretar tangos y canciones criollas. Lo hice durante más de diez años a partir de 2001, cuando volví a cantar. De cantautora a intérprete. De solista al canto y la música grupal. 
Viví mi primer y único embarazo a los 42 años. Dejé de lado las exposiciones, dejé de cantar en público y por lo tanto la vida social. Y en mi taller no estuve más que muy esporádicamente. Me dediqué a la crianza de Antonia, continué trabajando en la biblioteca del Museo Nacional de Artes Visuales y estudiando Antroposofía. Cuando la niña cumplió dos, la retomé. En mayo de 1992 viajé a Buenos Aires para integrarme a un grupo de estudio acerca de la Esencia de las Artes basado en escritos del Dr. Rudolf Steiner, mi maestro. Digo esto porque en este estudio puse la misma actitud, la misma intensidad que he puesto en mis creaciones. Es la vida a veces que te propone “desvíos”. A veces te obstruye. O una misma descuida ciertas cosas y protege otras. Se puede decir que mi modo de trabajar, disciplinado, constante, apasionado tuvo un desvío de 14 años. Mentiría si dijera que lo sufrí.


Grafito / graphite

«La pintora uruguaya Vera Sienra merece la atención que brindamos al artista cuando tiene algo que decir. Esta precondición que justifique una muestra puede parecer perogrullesca, pero la verdad es que demasiado a menudo nos enfrentamos con tareas visuales bien realizadas, pero que poco o nada añanden al mundo de nuestra experiencia estética.
Sienra, además de demostrar solvencia y probidad en el empleo de los instrumentos expresivos, tiene mundo propio que se comunica con el nuestro por el camino de la fascinación.
Sus paisajes lunares poblados de extraños animales ejerce sobre nuestra imaginación un estímulo de filiación musical.
El parentesco de tal sentido es tan estrecho que cuesta mirar estas pinturas, sin sentir en el proceso algún preludio de Debussy, algún vals hipnótico de Ravel.
Las imágenes de Sienra pretenecen en lo esencial a la dimensión de la poesía sugerida a través de valederas experiencias plásticas.
No se trata a mi entender del tipo de ensoñación caro a los surrealistas, sino de ese otro mundo de la fantasía poblado de Titanias y Oberones, de Calibanes y de Arieles, que merecieron valor de símbolo al pensamiento lúcido de su compatriota Rodó.». Rafael Squirru. [3]

"Despertar / Awake", óleo diluido / diluted oil, 30 x 30 cm., 2017

Óleo diluído sobre papel, pegado sobre tela /
diluted oil on paper, glued on canvas, 30 x 30 cm, 2017

SR: ¿Qué valor tiene para ti el pasado y el presente en tus obras? ¿Tus obras se nutren de los tiempos?
VS: Si se nutren. Es necesario interpretar la época que nos toca vivir, el devenir anímico que subyace. ¿No es extraño que, por lo alto, mente maga, vemos un tiempo donde la inteligencia llega a progresos impresionantes y por lo bajo, los sentimientos humanos se van degenerando? ¿Acaso la inteligencia audaz, super potente, va por un lado y el sentir por otro?

SR: Las letras de tus canciones, ¿son autorreferenciales?
VS: Lo son en el sentido de que las emociones que se expresan han pasado por mí.

Tránsitos. Acerca del morir y del nacer. / Transits. About dying and being born.
"Náufragos / Castaways", técnica mixta / mixed media


SR: ¿Qué aceptas y que rechazas? 
VS: Acepto que cada cual viva libremente, creo en el respeto hacia la libertad del otro. Rechazo la ironía, la inteligencia maliciosa que se aplica, por ejemplo, al sentido del humor. Qué sano el buen sentido del humor. Saber reírse de sí mismo no puede faltar en la mezcla de condimentos humanos. Libera. 
Rechazo la necedad. Acepto los cambios. 
Rechazo que el arte sea un ornamento, otro placer de consumo, una banalidad, un asombro momentáneo, ¿cómo se dice? Que sea un regodeo mental, un malabarismo técnico. 
 
SR: ¿Qué estudias?
VS: Creo que ya te respondí. Desde 1983, que me traje un libro de Buenos Aires, continué luego disciplinando mi lectura sobre la cosmovisión antroposofía. Luego conocí personas que como yo habían buscado durante largo tiempo un estudio del mundo espiritual serio, científico. Desde ese tiempo hasta hoy es junto con el arte mi alimento fundamental.


Si quieres leer algo de la poesía de Vera / If you want to read some of Vera's poetry: Link
Si quieres escuchar (y ver) algo de su música / If you want to hear (and see) some of her music: Link 

Más sobre / More about Vera Sienra: Website, Junarte
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.
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Texto en inglés / English Text

[1]
Verónica "Vera" Sienra was born in Montevideo, Uruguay, on November 11, 1947. Although here we deal with her pictorial work and illustrations, during her long career she has cultivated singing, the facet for which she is best known, and poetry.
In the world of music, her first recordings date back to the 1960s, when French musicologist Maurice Bitter recorded her live for the "Otro" label. Then came her albums "Nuestra soledad / Our loneliness" (1969), "Vera" (De La Planta, October 1972), his participation in "Discodromo, 15 años con la música uruguaya / 15 Years With Uruguayan Music" (Clave, 1975), "En Recital. V.S. con / In Concert, V.S. With Larbaonois-Carrero" (Sondor, 1982), "Reino breve / Short Kingdom" (Sondor, 1983), "Hada alegría / Fairy Happiness" (La batuta, 1985), which were followed by a series of participations in collective albums, and singles. She also published some of her poetry: "Raza de abismo / Race of Abyss" (1975), "Crónica de cornisas / Chronicle of cornices" (1982), "Esquelas. Notas para tu música / Notepapers. Notes for your music" (2002).
In 1972, she had her first individual exhibition at Portón Gallery in San Pedro, Montevideo, and continued to do so periodically in Uruguay, Buenos Aires and Zürich. Her participation in collective exhibitions has also taken her work to Brazil, the United States and Thailand.

Shirley Rebuffo: Describe to me a little bit your childhood, the place where you were born and if the environment influenced your artistic future.
Vera Sienra: I was born in the house of Sofía and Juan Antonio, my parents, in Punta Carretas, a southern neigborhood of Montevideo. I grew up looking at the Rio de la Plata, as wide as the sea, in almost daily contact with the water, the fishermen, the dock, the reed, the bugs, the lighthouse and a lot of nature.
I had a free childhood, very rich in impressions and experiences. I talk about my reality, I talk about the reality of home and the very close neighborhood reality and its diversity of souls. It was the 50's, the city was growing and there were still several empty fields to play and investigate. José Luis Zorrilla, the great Uruguayan sculptor, my neighbor, attracted us with his stories and let us enter his sculpture workshop where, very high up, a hero was raised on horseback. 
I had a carpenter's box, a replica for children, with tools that were not made of plastic but with a real screwdriver, hammer, saw.
I played a lot of cards, but the deep satisfaction was playing outdoors. The child population was numerous. Painting for hours with friends, putting watercolors and pencils on the dining room table always caught me. 
I visit my childhood a lot. It is a kingdom where the sun and nature somehow shaped my soul. Like the faces I don't forget, the tragic moments I lived, other violent or happy ones. The human world. That vital swarm of feelings, of impulses, of surprises that I lived in my childhood unfolds throughout my life. Yes, of course the environment always influences.

SR: Are there artists in your family? 
VS: They didn't go through with it. My sister Raquel, older than me, studied at the National School of Fine Arts. My godmother Malvina sang in a choir. Uncle Alex gave me a chess set made by himself, carved in detail. My mother's sisters and she herself had the hands of artisans, they knew how to make a carpet, for example. 
My father drew and painted in watercolors. He did it in his youth. I never saw him paint, but I still have some evidence that he did. How many indelible impressions I had as a child when I saw those color plates of masterpieces, of modern painters, books that my father bought with a lot of sacrifice. 
My mother Sofia told stories like no other. She had a great influence on the development of my fantasy. After I contracted polio at the age of 8, we became very close. I think she sensed that art would give me another freedom, a non-traditional way of feeling and facing my life. At that time and until my youth, it was frowned upon for women to devote themselves to the arts.

SR: Who was your guide through the broad path of the arts?
VS: Dreams were the first to guide me. After walking the process, the artist friends were an encouragement to me. 

SR: Who were your teachers? 
VS: I was nourished by many teachers. I educated my feelings with them, which laid the foundation for my artistic sensitivity. There are so many masters in the arts who helped me and moved me by knowing their works. I didn't have masters for the use of the brush, I trained myself with great difficulty. I am self-taught. I started the National School of Fine Arts, but soon after it was closed by the military dictatorship in 1973. And the guitar, well, by watching people playing you learn something.
In the 60s and 70s our region was a swarm of artists, writers, songwriters, poets. 
In Brazil, Chile, Argentina, Uruguay, music and the most beautiful songs exploded. Those who sang and composed were those who are now masters and who were also masters for their generation and trained me.
I worked for 40 years at the National Museum of Visual Arts as a librarian. I literally held Klee's works in my hands with white gloves. I helped Alejandro Casares, Jorge Damiani and Leonilda Gonzalez to mount their works when they were exhibiting. 
I have seen countless exhibitions of the most famous exponents of international art here in Montevideo, and certainly of Uruguayan art.

[2]
One of those afternoons I went inside, almost by accident, a fantastic landscape inhabited by beings. Unique beings. Undoubtedly engendered in some soul matrix. They are corporeal but at the same time aerial, made with light and transparency.
Beings that communicate with me without voices or words.
Almost human, almost vegetable, almost animal, almost mineral, or all or none of these together.
They do not feed on bread, or water, or breathe.
They ask for sensations.
They don't differ, but they love each other and here is the key.
Because they are made of love.
Wonderful emanation of Vera Sienra who gives us, as our daily bread and salt.
I thank you Vera on behalf of all humans and elves who entered your world.
Antonio Pujía.

SR: What inspires you? Is the past present in your work? 
VS: I am present. I'm not concerned with whether the past inspires me in principle. The future occupies me. I include the future. I need to read how we are doing and what we are doing with art.

SR: Your pictorial compositions are ethereal and suggestive, just like one of your poems. Does this respond to a mood?
VS: No and yes. First of all, it responds to an expressive need, because the imagination goes through some beings like clouds, or stark, maybe I would like to paint a butterfly wing, this asks for a way to apply the water. 
If you refer to fleeting moods, paint a moment of anger, any kind of personal relief, I say no. If those moods are lasting feelings of the soul, then I say yes.
Imagination is like a consciousness that proposes. I propose to express what wants to emerge. 
There is another mood that needs to be respected and be with it: the colored one. 

SR: In your works there is a possibility to see diverse nuances and perspectives of dreaming, is it calculated or spontaneous? 
VS: Both are true. Painting watery calls for help from the condition of the water. Is that where the spontaneous would be? Letting the water do its thing?
Some time ago, the need to express the theme of death prompted me to paint in blue. I plan on the idea, follow the course of a curve, make a closing or an opening of light; I decide on the blue. However, the amazement is there, the mystery is there when the blue manifests itself. There are micro worlds that appear that I only have to accentuate.

SR: Usually the human figure is just suggested. To me they suggest allegories corresponding to the personification of certain abstract ideas, such as vices or virtues, sufferings, joys. How could you explain it to me?
VS: Vices and virtues? Sufferings and joys? Probably, because I am made of all that.
I don't think they are "allegories". In some paintings there are rather human emotional environments. 

SR: I see you're also working on reflections.
VS: A word with a mystery "reflection". 

SR: What painting technique do you feel most comfortable with, or what materials do you feel most comfortable working with?
VS: I've always worked with diluted oil. Lately I've been working with tempera, inks and watercolors. Something else is made with oil, different from what gouache produces. As you can see I work "live". The physical medium is paper. With this I want to tell you that it no longer gives me the time to investigate whether today's technical reality would take me down plastic paths virtual. I go around externally, as outside of other things. What can I do? Time is less, I express myself with what I have and with what is within my reach.

SR: You have a constant formation in other branches of artistic culture. I would like you to tell me a little about music, writing, poetry. 
VS: I was a teenager when I wrote my first songs. A faculty that came up from one day to the next. It broke out. Of course, in the meetings, - done from the sixth grade onwards, In the last year of primary school, until entering university -, there was always singing, poetry and guitars. I learned to sing on friend rounds. What nice boleros!, what zambos! All that generated perhaps the fantasy and could explain my ability to make songs.
Show up. The first sentence is in the air, I bring it, it comes syllabicated in melody. The idea comes up, I write down what I have and start looking for, all ears and concentration. I bring the guitar and right there the song settles down, takes shape and makes me happy. It's that simple and that complex. It's not a very rational job but it's a waking up, doing the correct connections to make a text come alive and beautiful. 

SR: Do you work daily in painting, or do you alternate between music and poetry? Tell me about how you distribute your time among your arts.
VS: It's impossible not to work daily when you're in the mood. I don't alternate, except when a melody, a text is imposed, then I attend to it. It usually doesn't happen. Working on the image requires rapport. 
On many occasions I have to leave the workshop to attend to the house, daily life cannot be interrupted. 

SR: How has nature influenced your creative universe? 
VS: Nature always has a strong influence. To feel it, we have to join what we observe, what we hear, to reveal what the things we observe tell us. I am attentive, alert. When nature presents itself to you as mysterious as this, a forest, a sea coast, when there is love for it and you walk away from yourself full of interest, then thoughts, renewed ideas and feelings can be born. And there you will find some phrases to follow and find the song, or also, surely, you link with a climate of light that then leads you to paint, in short, long transit, there are many experiences to tell. Nature is inspiring, but there are people who only go hunting, doing sports. I remember a woman who couldn't stand the boredom that a few hours with nature would cause her. 

SR: What particular event in your life has caused you to make a detour in the way you work?
VS: Detour? 
With regard to painting and the last change in my way of working was to leave behind the technique of painting in diluted oil and start working with new elements such as inks and tempera. From oils and more volatile substances such as solvent I moved to water. I made a series in small formats, about twenty. From the "stain" to the imagination. 
A deviation from the author's song, maybe it could look like that when I accepted to perform tangos and Creole songs. I did it for more than ten years from 2001, when I sang again. From singer-songwriter to interpreter. From soloist to singing and group music. 
I lived my first and only pregnancy at the age of 42. I gave up exhibitions, stopped singing in public and therefore social life. And in my studio I was only very sporadic. I dedicated myself to raising Antonia, I continued working in the library of the National Museum of Visual Arts and studying Anthroposophy. When she turned two, I took up my social life again. In May 1992 I traveled to Buenos Aires to join a study group about the Essence of the Arts based on writings by Dr. Rudolf Steiner, my teacher. I say this because in this study I put the same attitude, the same intensity that I have put in my creations. It is life that sometimes proposes "detours". Sometimes it obstructs you. Or one neglects certain things and protects others. It can be said that my way of working, disciplined, constant, passionate had a deviation of 14 years. I'd be lying if I said I suffered from it.

[3]
«The Uruguayan painter Vera Sienra deserves the attention we give to the artist when he has something to say. This pre-condition that justifies an exhibition may seem obvious, but the truth is that all too often we are faced with visual tasks that are well done, but that add little or nothing to the world of our aesthetic experience.
Sienra, besides demonstrating solvency and probity in the use of expressive instruments, has a world of her own that communicates with ours along the path of fascination.
Her lunar landscapes populated by strange animals exert on our imagination a stimulus of musical affiliation.
The relationship of such a sense is so close that it is difficult to look at these paintings, without feeling in the process some prelude of Debussy, some hypnotic waltz of Ravel.
Sienra's images essentially aim at the dimension of poetry suggested through valid plastic experiences.
In my opinion, this is not the kind of dreaming expensive to the surrealists, but that other world of fantasy populated by Titans and Oberons, Calibans and Ariels, which deserved to be a symbol of the lucid thought of his compatriot Rodó.» Rafael Squirru.

SR: What value do the past and present have for you in your works? Are your works nourished by the times?
VS: Yes, they do. It is necessary to interpret the time that we live in, the underlying state of mind development. Isn't it strange that, from above, magician mind, we see a time where intelligence reaches impressive progress and from below, human feelings degenerate? Perhaps the audacious intelligence, super powerful, goes on one side and the feeling on the other?

SR: Are the lyrics of your songs self-referential?
VS: They are in the sense that the emotions that are expressed have passed through me. 

SR: What do you accept and reject? 
VS: I accept that everyone lives freely, I believe in respecting the freedom of others. I reject irony, the malicious intelligence that is applied, for example, to the sense of humor. How healthy is a good sense of humor. Knowing how to laugh at oneself cannot be lacking in the mixture of human seasonings. It frees. 
I reject foolishness. I accept change. 
I reject that art is an ornament, another pleasure of consumption, a banality, a momentary amazement, how do you say? That it's a mental indulgence, a technical juggling. 
 
SR: What are you studying?
VS: I think I already answered you. Since 1983, when I brought a book from Buenos Aires, I continued to discipline my reading on the anthroposophical worldview. Then I met people who like me had long sought a serious, scientific study of the spiritual world. From that time until today it is, together with art, my fundamental nourishment.

Recolección / Compilation (CLIV-1) [Los acorazados / The Armored Ones]

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Steve Nayar
(Devon, Reino Unido / UK)

"Pangolín", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 100 x 4 cm. Link, Behance

Steve Nayar en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CXXXIX-2)]
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Getreue Abbildungen naturhistorischer Gegenstände... /
Representaciones fieles de objetos de historia natural... /
Faithful representations of natural history objects...

"Das gürteltier mit fechs Gürteln / Armadillo de seis bandas / Six-Banded Armadillo"
(Dasypus fascinctus, Lin.) [Euphractus sexcinctus, (Linnaeus, 1758)]
Vol.1, 1793, Lámina / Plate 72. BHL

"Pangolín chino / Chinese pangolin"
Das kurzgefchnvänze Schuppenthier [Manis pentadactyla (Linnaeus, 1758)]
Vol.6, 1793, Lámina / Plate 51. BHL

"Getreue Abbildungen naturhistorischer Gegenstände in Hinsicht auf Bechsteins kurzgefasste gemeinnützige Naturgeschichte des In- und Auslandes : für Eltern, Hofmeister, Jugendlehrer, Erzieher und Liebhaber der Naturgeschichte /
Representaciones fieles de objetos de historia natural con respecto a la historia natural concisa y sin fines de lucro de Bechstein en el hogar y en el extranjero: para padres, maestros de la corte, maestros jóvenes, educadores y amantes de la historia natural /
Faithful representations of natural history objects with regard to Bechstein's concise, non-profit natural history at home and abroad: for parents, court masters, youth teachers, educators and lovers of natural history."
Nürnberg / Nurenberg: In der Schneider und Weigelschen Kunst- und Buch- handlung (1793-1809)
Bechstein, Johann Matthäus (1757-1822)
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Beata Orosz
(Komarno, Eslovaquia / Slovakia)
en Inglaterra / at England

"Pangolín", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 × 110 cm. Link

"Sentí una gran conexión con estos animales en el progreso de la pintura de estas piezas artísticas. Mi objetivo es crear algo único e impactante que pueda ser apreciado en varios escenarios, para provocar una emoción en el ojo del espectador. Aunque hay un mensaje sombrío detrás de cada trabajo, todavía espero y creo que podemos cambiar la marea, reconocer lo que estamos haciendo y producir un efecto determinado y duradero." B.O.

"I felt such a connection with these animals in the progress of painting these art pieces. My aim is to create something unique and impactful that can be appreciated in various settings to provoke an emotion in the eye of the beholder. Whilst there is a dismal message behind every work I still hope and believe that we can turn the tide, recognise what we are doing and make a determined and lasting effect." B.O.
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Ulisse Aldrovandi
(Bolonia, Italia / Bologna, Italy, 1522 - 1605)

"Tatum ex Guineia secund. Bellon. - Erinaceus Insula Bresilia"
Porcellus scutulatus - Pigritia lusitanis"
Tavole acquarellate / Láminas a la acuarela / Watercolored Plates
Segunda mitad s.XVI / 2nd half 16th Century
Biblioteca Universitaria di Bologna, Ms. 124, V.5, Lámina / Plate 3
© Alma Mater Studiorum Università di Bologna – Biblioteca Universitaria di Bologna

Ulisse Aldrovandi en "El Hurgador" / in this blog: [Rinocerontes (IX)]
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Lynnette Shelley
(Delaware, EE.UU./ DE, USA)

"Armadillo al atardecer / Armadillo at Sunset"
Técnica mixta sobre panel / mixed media on hardboard, 6" x 6", 2016. Link

"El pangolín / The Pangolin"
Tinta, acuarela, café y grafito sobre panel / ink, watercolor, coffee and graphite on panel, 20" x 16". deviantART
Lynnette Shelley en "El Hurgador" / in this blog
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Jacub Gagnon
(Toronto, Canadá, 1987-)

"No es mi taza de té / Not My Cup Of Tea", 16" x 16", 2019

"Escudo de armas / Coat of Arms", 16" x 20", 2011

"Baja tu armadura / Lay Your Armour Down"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 16" x 22,5" x 1,5", 2017

Jacub Gagnon en "El Hurgador" / in this blog:
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Miscelánea del naturalista... /
The naturalist's miscellany...

"Pangolín chino / Five-Toed Manis (Chinese pangolin)"
Manis pentadactyla (Linnaeus, 1758). Lámina / Plate 11. BHL

"Pangolín de cola larga / Four-Toed manis (Long-tailed Pangolin)"
Manis tetradactyla (Linnaeus, 1766). Lámina / Plate 36. BHL

Miscelánea del naturalista de figuras coloreadas de objetos naturales /
The naturalist's miscellany, or Coloured figures of natural objects.
Londres / London: Printed for Nodder co, 1789. 
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El reino animal... / The Animal Kingdom...

1. Orycteropus capensis (Gmelin, 1788) (The Cape Ground Hog)
Cerdo hormiguero / Cape Aardvark [Orycteropus afer capensis (Pallas, 1776)]
2. Myrmecophaga didactyla (The Two-toed Ant Eater)
Hormiguero pigmeo o sedoso / Silky Anteater [Cyclopes didactylus (Linnaeus, 1758)]
3. Head of the Myrmecophaga jubata (Tamanoir)
Oso hormiguero gigante / Giant Anteater [Myrmecophaga tridactyla (Linnaeus, 1758)]
4. Manis tetradactyla (Linnaeus, 1766) "Pangolín de cola larga / The Taman dua (Long-tailed Pangolin)"
V.1, 1834. Lámina / Plate 47. BHL

4. Manis tetradactyla (Linnaeus, 1766) "Pangolín de cola larga / The Taman dua (Long-tailed Pangolin)"

El reino animal, dispuesto de acuerdo a su organización, sirviendo como base para la historia natural de los animales, y una introducción a la anatomía comparativa /
The animal kingdom, arranged according to its organization, serving as a foundation for the natural history of animals : and an introduction to comparative anatomy.
Cuvier, Georges, baron (1769-1832), Latreille, P. A. (Pierre André) (1762-1833), McMurtrie, Henry (1793-1865)
Londres / London: G. Henderson, 1834-1837.
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Ilya Zomb
(Odessa, Ucrania, URSS / Ukraine, USSR)
en Nueva Jersey, EE.UU./ at New Jersey, USA

"Obtención de la serenidad / Obtainment of Serenity"
Óleo sobre lino / oil on linen, 92 x 183 cm., 2009 © Ilya Zomb

"Obtención de la serenidad / Obtainment of Serenity" (detalle / detail)
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Ricardo Solís
(Guadalajara, Jalisco, México, 1980-)

De la serie "Sueños de un niño" / From Dream of a Child Series, "Armadillo 1", 2013

"Creación del pangolín / Creation of Pangolin"

"Aumentando la resolución / Increasing Resolution"

Ricardo Solís en "El Hurgador" / in this blog:
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Graham Vivian Sutherland
(Londres, Reino Unido / London, UK, 1903 - 1980)

"Armadillo", litografía / lithograph, 65 x 50,5 cm., 1968. Ed.52/70. Sotheby's

Graham Sutherland en "El Hurgador" / in this blog:


Recolección / Compilation (CLIV-2) [Los acorazados / The Armored Ones]

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Compléments de / Complementos de /
Complements of Buffon

"Chlamyphore tronqué / Pichiciego menor / Pink Fairy Armadillo" [Chlamyphorus truncatus (Harlan, 1825)]
Vol.1. BHL

Compléments de / Complementos de / Complements of Buffon
Lesson, R. P. (René Primevère) (1794-1849), Buffon, Georges Louis Leclerc, comte de (1707-1788)
Paris: P. Pourrat Frères, 1838. 
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Dictionnaire universel d'histoire naturelle /
Diccionario universal de historia natural /
Universal Dictionary of Natural History (Atlas)

Édentés / Edentados / Xenarthra
1. "Tatou encoubert / Armadillo de seis bandas / Six-banded Armadillo"
[Dasypus sexcinctus (Linnaeus, 1758)] (Euphractus, Wagler, 1830)
2. Pangolin à grosse queue / Pangolín indio / Indian Pangolin"
[Manis crassicaudata (Gray, 1827)]
Atlas t.1, Mammifères / Mamíferos / Mammals, Lámina / Plate 12. BHL

"Dictionnaire universel d'histoire naturelle / Diccionario universal de historia natural /
Universal Dictionary of Natural History (Atlas)"
Orbigny, Charles Dessalines d', 1806-1876. Ilustración / Illustration: Jean-Gabriel Prêtre 1768-1849
Paris: Chez les editeurs MM. Renard, Martinet et cie, rue et Hotel Mignon, 2 (quartier de l'école-de-Médecine); et chez Langlois et Leclercq, rue de la Harpe, 81; Victor Masson, Place de l'Ecole-de-Médecin, 1847-1849
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Franz Anton von Scheidel
(¿Alemania? / Germany?, 1731 - Wien / Viena / Vienna, Austria, 1801)

"Un armadillo / An Armadillo"
Inscripción con pluma y tinta negra / inscribed in pen and black ink: Dasypus Armadill
Pluma, tinta gris y acuarela sobre tiza negra /
pen and grey ink and watercolour over black chalk, 35,5 x 50,1 cm. Sotheby's

"Armadillo de cola desnuda meridional / Southern Naked-tail Armadillo"
"Dasypus unicinctus" [Cabassous unicinctus (Linnaeus, 1758)]
Acuarela y lápiz sobre papel verjurado / watercolor and pencil on laid paper, 57,2 x 69,9 cm. Christie's
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Cameron Dunk
(Austin, Texas, EE.UU./ TX, USA)

"El / The Armadillo", óleo sobre panel / oil on panel, 12" x 16", 2016. facebook
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Marc Alexander
(Pretoria, Sudáfrica / South Africa)
en Ciudad de El Cabo / at Cape Town

"Pangolin", de la serie "En equilibrio" / from In the Balance Series
Óleo y pan de oro sobre lienzo / oil and gold leaf on canvas, 30 x 30 cm., 2019. Link
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Die Säugthiere in Abbildungen nach der Natur /
Los animales mamíferos en ilustraciones del natural /
The mammalian animals in illustrations after nature

"Armadillo de tres bandas / Brazilian Three-banded Armadillo"
Dasypus tricinctus (Linnaeus, 1758) [Tolypeutes tricinctus]
Lámina / Plate LXXIA. BHL

"Pangolín chino / Five-Toed Manis (Chinese pangolin)"
Manis pentadactyla (Linnaeus, 1758)
Lámina / Plate LXIX. BHL

"Armadillo de seis bandas / Six-banded Armadillo"
Dasypus sexcinctus (Linnaeus, 1758) [Euphractus (Wagler, 1830)]
Lámina / Plate LXXIB. BHL

"Mulita chica o Armadillo de siete bandas / Seven-banded Armadillo"
Dasypus septemcinctus (Linnaeus, 1758)
Lámina / Plate LXXII. BHL

"Tatú peludo o Quirquincho / Big Hairy Armadillo"
Dasypus octocinctus (Molina, 1782) [Chaetophractus villosus (Desmarest, 1804)]
Lámina / Plate LXXIII. BHL

"Armadillo de nueve bandas o Mulita grande / Nine-banded Armadillo"
Dasypus novemcinctus (Linnaeus, 1758)
Lámina / Plate LXXIV. BHL

"Armadillo de cola desnuda meridiona / Southern Naked-tailed Armadillo"
Dasypus duodecim cinctus (Schreber, 1774) [Cabassous unicinctus (Linnaeus, 1758)]
Lámina / Plate LXXV. BHL

"Pichiciego menor / Pink Fairy Armadillo" Chlamyphorus truncatus (Harlan, 1825)
Lámina / Plate LXXVIA. BHL

Die Säugthiere in Abbildungen nach der Natur /
Los animales mamíferos en ilustraciones del natural, con descripciones /
The mammalian animals in illustrations after nature, with descriptions
Schreber, Johann Christian Daniel, 1739-1810, Goldfuss, Georg August, 1782-1848
Wagner, J. A. (Johann Andreas), ‏ 1797-1861
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Alison Street
(Yorkshire, Inglaterra / England)
en / at Mazabuka, Zambia

"Pangolín", acuarela / watercolor, 47 x 35 cm. Link

"Pangolín 2", acuarela / watercolor, 35 x 25 cm. Link
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Stefano Gentile
(Milán, Italia / Milano, Italy, 1976-)

"Pangolín", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 80 cm., 2018. Link
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John Woodhouse Audubon
(Henderson, Kentucky, EE.UU./ USA, 1812 - Nueva York / NYC, 1862)

"Armadillo de nueve bandas o Mulita grande / Nine-Band Armadillo"
Dasypus peba [Dasypus novemcinctus (Linnaeus, 1758)]
Litografía coloreada a mano / hand-colored lithograph, 68,6 x 52,5 cm., 1848
Museum of Fine Arts (Houston, Texas, EE.UU./ TX, USA). GAP
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Procedimientos de la Sociedad Zoológica de Londres /
Proceedings of the Zoological Society of London

"Piche llorón o Quirquincho chico / Screaming hairy armadillo"
Dasypus vellerosus [Chaetophractus vellerosus (Gray, 1865)]
Litografía / lithography, Wolf, Joseph (1820-1899). Lámina / Plate XVIII. BHL

"Pangolín gigante / Giant Pangolin"
Pholidotus africanus [Manis gigantea (Illiger, 1815)]
Lámina / Plate XVII. BHL

Proceedings of the Zoological Society of London /
Procedimientos de la Sociedad Zoológica de Londres, 1865
Londres / London: Academic Press, [etc.], 1833-1965

Annalisa Cerio (II) [Pintura / Painting]

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En este segundo post (el primero, con una entrevista realizada por Shirley Rebuffo aquí) sobre la artista italiana Annalisa Cerio presentamos una serie de obras creadas sobre el comportamiento de pauta-social. Esa estructura basada en los componentes de las relaciones tradicionales que se producían en las ciudades, en este caso de el Molise, centro-sur de Italia. Aquellas costumbres, convertidas en parte de la mentalidad simbólica, transmitida socialmente de la superestructura: las relaciones que existen entre los hombres y lo sobrenatural. Tradiciones que generalmente se refieren a clases rurales y sectores sociales (en particular grupos agrícolas y campesinos), aunque la tradición existe en todas partes. Estas pinturas incorporan la esencia pasada que nos invita a una resemantización, a un estudio más profundo de sus significados en el contexto.

In this second post (the first one, with an interview by Shirley Rebuffo here) about the italian artist Annalisa Cerio we present a series of her works created about the social-standard behavior. This structure is based on the components of the traditional relations that took place in cities, in this case the Molise, in the center-south of Italy. Those customs, converted into part of the symbolic mentality, socially transmitted from the superstructure: the relationships that exist between men and the supernatural. Traditions that generally refer to rural classes and social sectors (in particular agricultural and peasant groups), although tradition exists everywhere. These paintings incorporate the past essence that invites us to a re-semantization, to a deeper study of their meanings in context.
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Annalisa Cerio
(Campobasso, Molise, Italia / Italy, 1968-)
en / at Oratino

"Autoritratto / Autorretrato / Self Portrait"

Annalisa Cerio es una artista italiana nacida en 1968 en Campobasso, Molise.
Con sus pinturas se ha adentrado en los ritos mágicos de antaño, provenientes de la época feudal, romana o sannita de la región del Molise. La buena fortuna de algunos hacía surgir en otros, posiblemente ruines y desgraciados, un estado de ánimo que los llevaba a envidiar un destino que consideraban más favorable que el propio, y que ejercían sobre los indefensos su propio fascinum o mal de ojo. Annalisa ha realizado también un relato de cada uno de estos mitos sobre encantamientos o situaciones para darle significado actual a sus obras.

Annalisa Cerio is an Italian artist born in 1968 in Campobasso, Molise.
With her paintings she has gone into the magic rites of old, coming from the feudal, Roman or Sannita period of the Molise region. The good fortune of some led to the emergence in others, possibly ruined and unfortunate, of a state of mind that made them envious of a destiny they considered more favourable than their own, and which they exercised about the helpless their own fascinum or evil eye. Annalisa has also made an account of each of these myths about incantations or situations to give current meaning to her works.

Supertitio, attori e azioni / Supersticiones, actores y acciones /
Superstitions, actors and actions

"Il rabdomante / El rabdomante / The Dowser"

Tenía la misteriosa habilidad de encontrar cualquier activo tan valioso como el agua, los metales o cualquier otra cosa escondida debajo del suelo. La búsqueda se realizaba caminando por el área en cuestión, sosteniendo una rama bifurcada de una madera flexible (vara) tal como avellana o sauce. Cuando el agua estaba oculta justo debajo de los pies del adivino, la rama se doblaba hacia abajo, señalando el lugar exacto para cavar.

He had the mysterious ability to find any asset as valuable as water, metals or anything else hidden under the floor. The search was done by walking around the area in question, holding a forked branch of a flexible wood (stick) such as hazelnut or willow. When the water was hidden just below the feet of the fortune teller, the branch was bent downwards, pointing to the exact place to dig.

"Rito di S. Giovanni / Rito de San Juan / Rite of St. John"

En la noche de San Juan, la persona que quería noticias sobre su futuro vertía clara de huevo en un vaso de agua y la dejaba expuesta a la luz de la luna toda la noche. A la mañana siguiente, la forma tomada por la albúmina era la respuesta a ser interpretada.

On St. John's night, the person who wanted news about his future poured egg white into a glass of water and left it exposed to the moonlight all night. The next morning, the form taken by the albumin was the answer to be interpreted.

"L’interrogazione del setaccio / El interrogatorio del tamiz /
The Interrogation Of The Sieve"

Un método que proporcionaba respuestas a cualquier tipo de solicitud. El rito necesitaba dos personas. Se clavan pequeñas tijeras abiertas en el marco del tamiz. Luego se sostenían con el dedo medio de la mano derecha de los solicitantes, ubicado debajo de los ojales de las tijeras. Se procedía entonces a pronunciar la fórmula y la solicitud. Si el tamiz giraba, la respuesta se consideraba afirmativa, si permanecía inmóvil, era negativo.

A method that provided answers to any kind of request. The rite needed two people. Small open scissors are stuck into the screen frame, They will then be held with the middle finger of the applicants' right hand, located under the eyelets of the scissors. The formula and the application were then pronounced. If the sieve turned, the answer was considered affirmative, if it remained still, it was negative. 

Izq./ Left: "Contro i vermi / Contra los gusanos / Against Worms"
Der./ Right: "La strega / La bruja / The Witch"

Contra los gusanos
En la cultura popular, los gusanos siempre se han considerado seres malvados porque se parecen a la serpiente, el símbolo del demonio.
Para liberar a un niño de las lombrices intestinales (gusanos redondos), un anciano recita fórmulas tradicionales, generalmente oraciones a la Virgen María, mientras pasa la mano sobre su vientre. Simultáneamente, el niño huele un ajo.

Against Worms
In popular culture, worms have always been considered evil beings because they resemble the snake, the symbol of the devil.
To free a child from intestinal worms (round worms), an old man recites traditional formulas, usually prayers to the Virgin Mary, as he passes her hand over her belly. Simultaneously, the child smells a garlic.

La bruja
La bruja era una figura misteriosa considerada responsable de eventos inexplicables. Se decía que había vendido su alma al diablo por ayuda.
Conocedora de los secretos naturales y las virtudes de cada hierba, prepara pociones, exudaciones y decocciones con los más variados efectos. Su esfera de acción era muy amplia, pero prefería a los niños, dada su poca capacidad de defensa.

The Witch
The witch was a mysterious figure considered responsible for unexplained events. It was said that she had sold her soul to the devil for help.
Knowing the natural secrets and the virtues of each herb, she prepares potions, exudations and decoctions with several effects. Her scope of action was very broad, but she preferred children, given their low defence capacity.

"La mandragora / The Mandrake"

Planta misteriosa, rodeada desde la antigüedad por leyendas particulares que aún viven en la tradición popular, tal vez debido a la forma muy extraña (antropomórfica) de sus raíces y por sus poderes alucinógenos.
Se creía que esta planta llevaba a la muerte, por esta razón la mandrágora tenía que ser cosechada con precauciones especiales: era arrancanda por un perro sostenido por una cuerda.

Mysterious plant, surrounded since ancient times by particular legends that still live in the popular tradition, perhaps due to the very strange (anthropomorphic) shape of its roots and for its hallucinogenic powers.
It was believed that this plant led to death, for this reason the mandrake had to be harvested with special precautions: it was pulled by a dog held by a rope.

"Le fasi lunari / Las fases de la luna / The Phases of the Moon"

La luna es el único cuerpo celeste que vemos cambiando cíclicamente, nace, crece, muere como un organismo vivo, la duración del ciclo fértil de la mujer corresponde al ciclo lunar.
El hombre siempre ha vinculado la fertilidad a los poderes de este astro, atribuyéndole un papel "mágico": todo lo que nace, crece y se desarrolla influenciado por la luna en creciente. Todo lo que muere o debe ralentizarse depende de la luna menguante. Por esta razón cualquier ritual o actividad mágica debía realizarse siempre teniendo en cuenta las fases de la luna.

The moon is the only celestial body that we see changing cyclically, it is born, it grows, it dies as a living organism. The length of a woman's fertile cycle corresponds to the moon cycle.
Man has always linked fertility to the powers of this star, attributing to it a "magical" role: everything that is born, grows and develops influenced by the growing moon; everything that dies or must be slowed down depends on the waning moon. For this reason, any ritual, or magical activity, should always be performed taking into account the phases of the moon.

"Uccello del malaugurio (Cielle de la mala canzone) /
Pájaro de mal agüero / Bird of Ill Omen"

La creencia popular dice que el canto del búho anuncia presagios siniestros. Se creía que lo que cantaba traía mala suerte a la casa frente a la cual lo hacía, y por el contrario le iría bien a la casa en la que se posara.
"Bienaventurado el lugar donde se pose y triste aquel hacia donde él cante" (“Beato il posto in cui si posa e triste quello verso cui canta”).

Popular belief says that the song of the owl heralds omens of doom. It was believed that what he sang brought evil luck to the house he was facing and, on the contrary, he was doing well to the place where he landed.
"Blessed is the place where he lands and sad is the place where he sings" ("Beato il posto in cui si posa e triste quello verso cui canta").

"L’abitino / El vestidito [el saquito] / The Little Gown (The Little Sack)"

No era un vestido sino una pequeña bolsa de tela que se adhería a la ropa del bebé desde el bautismo. El saquito podía ser de naturaleza religiosa y en este caso contener fragmentos de vestimentas sagradas, velas de Pascua, palmeras bendecidas, sábanas con bendiciones especiales, etc., o de naturaleza profana y, por lo tanto, contener objetos y talismanes como  pelo de tejón, sal, ceniza, incienso (cuyo olor caza brujas) o ruda (planta contra brujas).
Estos últimos eran fabricados por hechiceros, o por personas del arte, y vendidos. Había un "contacto" directo entre el paciente y el objeto que transfiriría la esencia curativa al absorber la fuente maligna.

It wasn't a dress, it was a small cloth bag that had been attached to the baby's clothing since the baptism. The bag could be of a religious nature and in this case contain fragments of sacred clothing, Easter candles, blessed palms, sheets with special blessings, etc., or of a profane nature and therefore contain objects and talismans such as badger hair, salt, ash, incense (whose smell hunts witches), rue (plant against witches).
The latter were made by sorcerers, or by people of art and sold. There was a direct "contact" between the patient and the object that would transfer the healing essence by absorbing the evil source.

"Lu mazzamauriello / La máscara para asustar a los niños /
The Mask to Scare The Children"

Lu mazzamauriello [La máscara para asustar a los niños, es dialecto molisano lu = il = el]
Espíritu burlón y rencoroso que a menudo era evocado solo para contrarrestar la inquietud de los niños.
Siempre presente en las historias de los ancianos, perturbaba el trabajo de los campos, hostigaba el desempeño de las acciones diarias y, al igual que las brujas, era considerado maligno.

Lu mazzamauriello [The mask to scare the children, it's a Molissian dialect, lu = il = the]
A prankster and spiteful spirit who was often evoked only to counteract the restlessness of the children.
Always present in the stories of the elderly, he disturbed the work of the fields, harassed the performance of daily actions and, as with witches, was considered evil.

"Il pozzo (Malascetta) / El pozo / The Well"

Un extraño personaje vivía en los pozos. Estaba allí esperando a los niños que se acercaran para derribarlos tan pronto como se asomaran para mirar el agua del fondo.

A strange character lived in the wells, he was there waiting for the children who approached to knock them down as soon as they came out to look at the water at the bottom.

"Contro la grandine (Rito della Candelora) / Contra el granizo (Rito de la Candelaria) /
Against hail (Candlemas Rite)"

Para evitar el granizo, la vela recibida en la iglesia el día de la Candelaria se encendía como símbolo y vehículo del bien contra las fuerzas destructivas de la naturaleza.

To avoid the hail, the candle received at the church on Candlemas day is lit as a symbol and vehicle of good against the destructive forces of nature.

"Gesti a scongiuro / Gestos para pedir / Gestures to Beg"

Las manos y los gestos siempre han representado una forma de defensa. Los cuernos recuerdan al cuerno de la abundancia, el órgano reproductor masculino, un signo de fertilidad también representado por el dedo índice o medio estirado. El pulgar introducido con la mano cerrada en un puño entre los dedos índice y medio llamado "hacer el coño", significaría la unión entre hombre y mujer, entendido como un culto propiciatorio de la fertilidad.

Hands and gestures have always determined a form of defense. The horns remind us of the horn of plenty; the male reproductive organ, a sign of fertility, also represented by the outstretched index or middle finger. The thumb introduced with the closed hand in a fist between the index and middle fingers called "to make the pussy" would mean the union between man and woman understood as a propitiatory cult of fertility.

Izq./ Left: "La stadera / La Romana (planta, hierba sagrada) / The Roman (plant, holy herb)"
Der./ Right: "Il fiore di cardo / La flor de cardo / The Thistle Flower"

La romana [balanza]
Cuando un niño era frágil y estaba enfermo su estado se atribuía al mal de ojo, o a la acción malvada de las brujas.
Según la tradición, estas influencias negativas se curaban con la magia del "pasaje": al bebé se le pasaba a través de las cadenas de una romana para simbolizar un nuevo nacimiento, el regreso a la vida en un estado de salud.

The Roman (weighing device)
When a child was frail and sick, his condition was attributed to the evil eye, or the evil action of witches.
According to tradition, these negative influences were cured with the magic of the "passage": the newborn baby was made passing through the chains of a Roman as a symbol of a new birth, the return to life in a state of health.

La flor de cardo
En la víspera de San Juan, la niña que quiera conocer la identidad de su futuro esposo recogerá flores de cardo a las que cortará y quemara los pétalos. Luego las colocará en tantos vasos como pretendientes tenga, y los dejará en la ventana de su casa toda la noche. Cada vaso estará asociado con cada uno de los aspirantes. A la mañana siguiente, el vaso en el que "florezca" la flor indicará al hombre con quien debería casarse.

The Thistle Flower
On the eve of St. John's Day, the girl who wants to know the identity of her future husband will pick thistle flowers which she will cut off and burn the petals. She will then place them in as many glasses as she has suitors, and leave them in the window of her house all night. Each vase will be associated with each of the suitors. The next morning, the glass in which the flower "blooms" will indicate the man she should marry.

"Pietro Bajalardo (Barliario)"

Figura generalizada en la tradición oral del centro-sur de Italia. Pietro Bajalardo es el protagonista de una multitud de cuentos fantásticos que lo definen como el más poderoso de los magos, dueño del "Libro de Comando". Su origen histórico y su consistencia no están claros, algunos lo identifican en Pietro Barliario, un famoso alquimista y médico de la Escuela
Salernitana (siglos XI - XII), que utiliza el poder de los demonios a través de su libro para la realización de empresas imposibles, como la construcción del "Puente del Diablo" en una noche.

This figure is widespread in the oral tradition of central-southern Italy. Pietro Bajalardo is the protagonist of a multitude of fantastic stories that define him as the most powerful of magicians, owner of the "Command Book". His historical origin and consistency are not clear, some identify him in Pietro Barliario, a famous alchemist and doctor of the Salernitan School (11th - 12th century), who uses the power of the demons through her book to carry out impossible undertakings, such as building the "Devil's Bridge" in one night.

"Il mietitore / El segador / The Reaper"

Para dar a conocer en forma pública las presuntas brujas, en la víspera de Navidad, un hombre se disfrazará de segador
esperando el final de la misa fuera de la iglesia. Al momento de abandonar la iglesia en presencia de la "el segador", la bruja que no haya revelado su identidad diabólica no podrá irse y permanecerá inmovilizada.

To make the alleged witches public, on Christmas Eve, a man will dress up as a reaper waiting for the end of the mass outside the church. At the moment of leaving the church in the presence of "the reaper", the witch who has not revealed her diabolic identity will not be able to leave and will remain immobilized.

"Il talismano / El talismán / The Talisman"

El uso de talismanes es uno de los remedios más antiguos que el hombre ha ideado contra el mal. Las leyes ocultas comparten una cierta categoría de objetos supersticiosos. El hueso o el cuerno de coral, así como otros objetos de forma similar, como tijeras, guadañas, horquillas de heno, corresponden al concepto de "magia de las puntas". La punta pretende ser un arma material contra el agente del mal.

The use of talismans is one of the oldest remedies man has devised against evil. Hidden laws share a certain category of superstitious objects. Bone or coral horn, as well as other objects of similar shape, such as scissors, scythes, hay forks, correspond to the concept of "magic of the points". The point is intended to be a material weapon against the agent of evil.

"Il licantropo / El hombre lobo / The Werewolf"

Es una presencia constante en la memoria de los ancianos. Vivía en el bosque. Amante de la luna llena, codicioso de ganado, el hombre lobo era muy temido por los granjeros.
Se creía que un niño nacido en la noche de Navidad se convertiría en un hombre lobo si era hombre y en una bruja si era mujer. Su naturaleza dual lo hacía temido y al mismo tiempo marginado, porque era visto como el sirviente del diablo.

A constant presence in the memory of the elders, he lived in the forest, a lover of the full moon, greedy for cattle, the werewolf was much feared by the farmers.
It was believed that a child born on Christmas night would become a werewolf if he was a man and a witch if he was woman. His dual nature made him feared and at the same time marginalized, because he was seen as the devil's servant.

"Il fattucchiere / El hechicero / The Sorcerer"

Generalmente temido e incomprendido, era una persona con características particulares innatas o adquiridas a través del conocimiento de los antiguos rituales transmitidos desde los primeros tiempos.
El hechicero era el intermediario entre el hombre y el mundo oculto del cual extraía la virtud de hacer el bien o el mal, con la ayuda de palabras, oraciones y/o acciones.
Se ocupaba de todos esos ritos de encantamiento destinados a hacer cambios en la vida de una persona: sortilegios (magia de amor), rituales contra el mal de ojo y contra la jattura (jella o mala suerte [yeta]), magia patógena (que produce enfermedades).

Generally feared and misunderstood, it was a person with particular innate or acquired characteristics through knowledge of ancient rituals passed down from early times.
The Sorcerer was the intermediary between man and the occult world from where he extracted the virtue of doing good or evil, with the help of words, prayers and/or actions.
He dealt with all those incantation rites destined to make changes in a person's life: incantations of spells (love magic), rituals against the evil eye and jattura (jella or bad luck), pathogenic magic (which produces diseases).

"Il malocchio / El mal de ojo / The Evil Eye"

Para determinar la presencia del mal de ojo y cancelar su influencia negativa, tendrá lugar un ritual cuyas fórmulas y modalidades se transmitirán solo en la noche de Navidad. El dedo índice de la mano derecha se deberá sumergirse en aceite y dejándose gotear en un recipiente con agua. Al observar las formas tomadas por las gotas de aceite flotante, se obtendrá el diagnóstico. Luego deberán seguirse las fórmulas de evitar vuelva.

To determine the presence of the evil eye and to cancel its negative influence, a ritual will take place whose formulas and modalities will be transmitted only on Christmas night. The index finger of the right hand should be immersed in oil and left to drip in a container of water. By observing the forms taken by the floating oil drops, the diagnosis will be obtained. Then the formulas to avoid return should be followed.

"Tarocchi / Tarot"

Siempre han sido una herramienta para predecir el futuro. Los métodos son variados y muchos procedimientos no se han codificado por escrito, sino que se han transmitido solo de forma oral.
Los símbolos arcanos que están ocultos en las tarjetas son perceptibles a través de la interpretación secreta de signos, imágenes, colores.

It have always been a tool for predicting the future, the methods are varied and many procedures have not coded in writing, but have been transmitted only orally.
The arcane symbols that are hidden in the cards are perceptible through the secret interpretation of signs, images, colors. 
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Annalisa Cerio en "El Hurgador" / in this blog: [Recolección (CLIII-2)], [Annalisa Cerio (Pintura)]

Más sobre / More about Annalisa Cerio: facebook

Imágenes y textos publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Annalisa!)
Muchas gracias también a Domenico Presutti por su ayuda en la traducción de los textos.

Images and texts published here with artist's permission (Thanks a lot, Annalisa!)
Many thanks also to Domenico Presutti for his help in translating the texts.
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino..

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Rinocerontes / Rhinos (CIV)

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Marzio Tamer
(Schio, Veneto, Italia / Italy, 1964-)

"Descenso del arca / Descent from the Ark"
Acuarela sobre vitela Kelmscott / watercolour on Kelmscott vellum, 131 × 187,5 cm. Artsy

"Descenso del arca / Descent from the Ark" (detalle / detail)

Marzio Tamer en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CVII)], [Rinocerontes (XCII)]

Más sobre / More about Marzio Tamer: facebookSalamon Fine Art
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Olmedo Mezzoli
(Milano / Milán, Italia / Italy, 1908 - 1982)

1971. Colección / Collection Emilio Gargioni. Pinterest
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Gilles Aillaud
(París, Francia / France, 1928 - 2005)

"Rhinocéros / Rinoceronte / Rhino", 1972
Court. Galerie Loevenbruck © Foto / PhotoÉric Simon. Actuart

Gilles Aillaud fue un pintor, autor y escenógrafo francés nacido en París en 1928, hijo del arquitecto Émile Aillaud.
Representante de corrientes tales como la Nueva Figuración y la Figuración Narrativa, sus temas favoritos son la representación de animales en parques zoológicos y paisajes costeros. Mediante una paleta deliberadamente fría y un trabajo particular en perspectiva y encuadre, Gilles Aillaud mantiene al espectador a una distancia del sujeto mientras lo integra físicamente en el espacio.
Produjo obras colectivas con Eduardo Arroyo y Antonio Recalcati, como "Una pasión en el desierto", y "Vivir y dejar morir, o el trágico final de Marcel Duchamp".
En 1965, Gilles Aillaud se convirtió en presidente del Salon de la Jeune Peinture.
Como decorador de teatro, actividad desde 1974, colabora con Klaus Michael Grüber en el Schaubühne de Berlín y con Giorgio Strehler en el Teatro Piccolo de Milán. Junto con Eduardo Arroyo creó los decorados para "Bacantes" (dirigida por Klaus Grüber en Schaubühne, en 1974) y "Fausto" (dirigida por Grüber en la capilla de Saint-Louis, en París, en 1975).
Es autor de dos textos dramáticos: "La máscara de Robespierre" y "Vermeer y Spinoza", la colección de poemas "En el azul oscuro de la mañana", así como ensayos teóricos sobre representación pictórica.
Murió en 2005.

"Rhinocéros de dos / Rinoceronte de espaldas / Rhino on his Back"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 x 114 cm., 1966.
Musée d’Art moderne (París, Francia / France)
Foto / Photo: Julien Vidal/Parisienne de Photographie © Adagp, Paris

Gilles Aillaud was a French painter, author and set designer born in Paris in 1928, son of the architect Émile Aillaud.
Representative of currents such as the New Figuration and the Narrative Figuration, his favourite themes are the representation of animals in zoos and coastal landscapes. Through a deliberately cold palette and a particular work in perspective and framing, Gilles Aillaud keeps the spectator at a distance from the subject while integrating him physically into the space.
He produced collective works with Eduardo Arroyo and Antonio Recalcati, such as "A Passion in the Dessert", and "Live and Let Die, or The Tragic End of Marcel Duchamp".
In 1965, Gilles Aillaud became president of the Salon de la Jeune Peinture.
As a theatre decorator, active since 1974, he collaborates with Klaus Michael Grüber at the Schaubühne in Berlin and with Giorgio Strehler at the Teatro Piccolo in Milan. Together with Eduardo Arroyo he created the sets for "Bacchantes" (directed by Klaus Grüber in Schaubühne, 1974) and "Faust" (directed by Grüber in the chapel of St-Louis, Paris, 1975).
He is the author of two dramatic texts: "The Masko of Robespierre" and "Vermeer and Spinoza", the collection of poems "In The Dark Blue Of The Morning", as well as theoretical essays on pictorial representation.
He died in 2005.
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Steve Nayar
(Devon, Reino Unido / UK)

Steve Nayar es un artista británico.
Apasionado por el dibujo desde su niñez, Steve Nayar ha florecido hasta convertirse en un pintor de pleno derecho después de una carrera inicial en el diseño y la publicidad. Steve cree que la mayoría de los diseñadores son artistas frustrados, y la mayoría de los redactores son novelistas frustrados cuando se trata de tratar con los clientes.
"Lo bueno de ser un artista es que puedes trabajar libremente, elegir las horas que quieres trabajar y puedes hacerlo sin ninguna interferencia de otras personas." Ha estado pintando todos los días desde que se permitió dedicarse a la pintura.
Pone tanta pasión en su trabajo que pierde la noción del tiempo. Según contó: "Una vez cuando era estudiante y estaba trabajando en un cuadro, empecé por la mañana y pensé, oh, todavía es de día, y lo que realmente pasó fue que pinté todo el día, y toda la noche hasta la mañana siguiente."
Steve ha sido preseleccionado durante siete años consecutivos como "Artista del Año" de la Fundación de Vida Silvestre David Shepherd.

"Rinocerontes / Rhinos", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 100 x 100 x 4 cm., 2018 © Steve Nayar

Steve Nayar is a British artist.
Having that passion for drawing since a child, Steve Nayar has flourished into a full-fledged painter after an initial career in design and advertising. Steve believes that most designers are frustrated artists and most copywriters are frustrated novelists when it comes to dealing with clients.
"The great thing about being an artist is that you can work freely, choose the hours you want to work and you can work in a way without any interference from other people." He has been painting every day since indulging himself into painting.
He puts up so much passion in his work that he would lose the sense of time. He mentioned: "there was one time when I was a student and I was working on a painting, I started in the morning and I thought, oh it is still daylight, and what actually happened was that I painted all the day, all night until the next morning."
Steve has been shortlisted for seven years in a row as David Shepherd Wildlife Foundation‘s ‘Wildlife Artist of the Year’.

Steve Nayar en "El Hurgador" / in this blog[Recolección (CXXXIX-2)], [Recolección (CLIV-1)]

Más sobre / More about Steve Nayar: Website, facebook
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Rusty Fretner
(Ypsilanti, Michigan, EE.UU./ MI, USA, fines de / late 1950s)

Cuando Rusty tenía unos 3 años, sus padres se mudaron al campo y construyeron una casa. Desde muy joven le fascinaron los vaqueros y los caballos.
Creció con bosques, campos y humedales que poco a poco se fueron apoderando de las tierras de cultivo en barbecho. Pasó mucho de su tiempo libre explorando y jugando entre las maravillas de la naturaleza. Aprendió sobre los pájaros, animales e insectos que veía y desarrolló una gran afición por la naturaleza. 
Rusty recibía materiales de arte en Navidad y en sus cumpleaños. Continuó usando lápices de grafito durante toda la escuela, y recibió premios durante sus años de escuela secundaria. Al graduarse, recibió un premio especial en arte y otro en biología, sus asignaturas favoritas en la escuela. Había realizado estudios independientes en biología e ilustrado una guía para mariposas de la zona a partir de las especies que había recogido. La guía la hizo en acuarelas.
Rusty había sido introducido a las pinturas acrílicas en la escuela secundaria. Después de graduarse fue a la universidad con una beca y estudió arte comercial.
Tomó talleres con algunos de los mejores artistas de la Vida Silvestre. Durante diez años sus habilidades para pintar mejoraron al realizar más talleres. Mientras tanto se enamoró de la pintura artística de la vida silvestre. Había encontrado una manera de registrar el mundo con el que había crecido. Esto inició un deseo de por vida de capturar este mundo en un lienzo.
Rusty también ha dibujado retratos de mascotas para la gente a lo largo de los años. Ha hecho retratos por encargo de perros, caballos y gatos hechos con lápiz de color, acrílico o al óleo.
Ha recibido numerosos premios por su trabajo artístico, tanto en exposiciones locales como internacionales. Fuente

"Rinoceronte / Rhino", óleo sobre panel / oil on panel, 23" x 21,5". Website

When Rusty was about 3 years of age, his parents moved to the country and built a house. From an early age he was fascinated by cowboys and horses.
Rusty grew up with woods, fields and wetlands that slowly took over the fallow farm land. He spent a lot of his spare time exploring and playing in the natural wonders. He learned about the birds, animals and the insects that he saw, and developed a great fondness for nature. 
Rusty received art supplies for Christmas and birthdays. He continued to use the graphite pencils throughout school, and received awards throughout his high school years. Upon graduation, he received a special award in art and another for biology, his favorite subjects in school. He had taken independent study in biology and illustrated a guide for butterflies in the area from the species he had collected. The guide was done in watercolors.
Rusty had been introduced to acrylic paints in high school. After graduation, Rusty went to college with a scholarship and studied commercial art.
He took workshops with some of the best Wildlife artists. Over ten years, his painting skills improved as he got more workshops under his belt. Meanwhile, he fell in love with painting wildlife art. He had found a way to record the world he had grown up with. This started a lifelong desire to capture this world on canvas.
Rusty has also drawn a number of pet portraits for people over the years. He has done portrait commissions of dogs, horses and cats done with color pencil, acrylics or oils.
Rusty has received numerous awards for his artwork, both in local shows and international shows. Source
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Heather Ujiie
(Greenwich Village, Nueva York, EE.UU./ NY, USA, 1959-)
en Filadelfia / at Philadelphia

"Rinoceronte alado / Winged Rhinoceros"
Impresión digital de inyección de tinta / digital inkjet print, 2014

Heather Ujiie es licenciada en artes visuales por la Universidad Estatal de New Paltz, tiene un certificado del estado de Nueva York en educación artística K-12 del Brooklyn College, y un título de asociada en diseño de superficies textiles, del Instituto de Tecnología de la Moda de la ciudad de Nueva York. Tiene más de 15 años de experiencia como diseñadora textil, diseñando estampados textiles para los mercados de muebles para el hogar y ropa de alta gama en la ciudad de Nueva York. Sus diseños textiles impresos comerciales han tenido numerosos clientes, entre ellos Flavor Paper y las residencias privadas de la Casa Blanca para el presidente George W. Bush y Laura Bush, en Washington D.C. También ha diseñado trajes para el teatro y la danza experimental de la ciudad de Nueva York, entre ellos The Julliard School y Jean Cocteau Repertory Theater. 
Nacida en Greenwich Village, Nueva York, Heather Ujiie vive actualmente en Filadelfia y enseña en el Moore College of Art & Design, donde trabaja como profesora asistente interdisciplinaria en moda, textiles, diseño de interiores y diseño de fundaciones. Sus instalaciones de arte textil han sido exhibidas en el Museo de Arte de Hunterdon, el Museo de Arte Racine y en la Wind Challenge Award Exhibition en el Museo Memorial de Arte Samuel S. Fleisher. Su obra también ha sido incluida en exposiciones en el Museo de Arte de Cleveland, el Museo Estatal de Pennsylvania, el Centro de Arte Contemporáneo de Delaware y el Aeropuerto Internacional de Filadelfia.

"El llamado de la selva / Call Of The Wild"
Impresión digital de inyección de tinta en algodón satinado, acolchado, adornos táctiles (lentejuelas, cuentas, botones) /
digital inkjet print on cotton sateen, quilted, tactile embellishment (sequins, beads, buttons), 36" x 112", 2013

"Rinoceronte alado / Winged Rhinoceros"
Impresión digital de inyección de tinta / digital inkjet print
Dos paneles especulares / two mirror image panels, 72 x 90 cm., 2014. Link, My Mosaic


Heather Ujiie holds a Bachelor of Science Degree in Visual Art from the State University of New Paltz, New York State Certification in Art Education K-12 from Brooklyn College, and an Associates Degree in Textile Surface Design, from The Fashion Institute of Technology in New York City. She has over 15 years of experience as a textile designer, designing printed textiles for the high-end home furnishing and apparel markets in New York City. Her commercial printed textile designs have had numerous clients including Flavor Paper, and The White House private residences for President George W. Bush and Laura Bush, Washington D.C. She has also designed costumes for experimental theater and Dance in NYC, including The Julliard School and Jean Cocteau Repertory Theater. 
Born in Greenwich Village, New York City, Heather Ujiie currently lives in Philadelphia and teaches at Moore College of Art & Design, where she serves as an Interdisciplinary Assistant Professor in Fashion, Textiles, Interior Design, and Foundation Design. Her textile art installations have been exhibited in The Hunterdon Museum of Art, The Racine Art Museum, and at the Wind Challenge Award Exhibition at the Samuel S. Fleisher Art Memorial Museum. Her work has also been included in exhibitions in the Cleveland Museum of Art, The State Museum of Pennsylvania, The Delaware Center for Contemporary Art, and The Philadelphia International Airport.

"Rinoceronte alado / Winged Rhinoceros" (detalle / detail)
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Arnold
Арнольд

"Rinoceronte / Rhino", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 70 cm., 2015. Link
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Madeline von Foerster
(San Francisco, California, EE.UU./ CA, USA, 1973-)

"Unicornis", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 65 x 106 cm., 2019. Link

"Nature Vive: Nuevas obras en papel / New Works on Paper 2019-2020"
Tenerife, La Laguna, 6/2020. Foto / Photo: Javier Fuentes

Madeline von Foerster en "El Hurgador" / in this blog:
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Katarzyna Karpowickz
(Cracovia, Polonia / Krakow, Poland, 1985)

Katarzyna Karpowickz es una artista polaca nacida en 1985 en Cracovia. En 2005 se graduó en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Cracovia, y comenzó a estudiar pintura en la Facultad de Bellas Artes. Hasta 2008 studió con el Profesor Grzegorz Bednarski. Se graduó con honores en 2010 bajo la dirección del Prof. Leszek Misiak. Sus obras de Katarzyna Karpowicz se encuentran en muchas colecciones de Polonia y del extranjero, así como en la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Gdansk. En 2019 fue premiada con la beca artística de la Fundación Anna Maria Siemieńska Grazella para jóvenes artistas excelentes.

Człowiek i zwierzę / Hombre y Animal / Man and Animal
"Nosorożec w Wenecji - transpozycja obrazu Pietro Longhi /
Rinoceronte en Venecia - transposición de la obra de Pietro Longhi /
Rhinoceros in Venice - Transposicion of Pietro Longhi's Work"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 81 x 60 cm., 2014. facebook

Pietro Longhi en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (V)]

Katarzyna Karpowickz is a Polish artist born in 1985 in Krakow. In 2005 she graduated from National School of Fine Arts in Cracow, and began studying painting at the Faculty of Fine Arts in Krakow. Until 2008 she studied under prof. Grzegorz Bednarski. She graduated with honors in 2010 under prof. Leszek Misiak. Katarzyna Karpowicz’s works can be found in many collections in Poland and abroad, as well as in the collection of the Museum of Contemporary Art in Gdansk. In 2019 she was awarded with Anna Maria Siemieńska Grazella Foundation’s artistic scholarship for excellent young artists.
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Lynnette Shelley
(Delaware, EE.UU./ DE, USA)

"Buenas noches Rino / Good Night Rhino"
Tinta y acrílico sobre panel de madera / ink and acrylic on wood panel, 8" x 8", 2018

Lynnette Shelley en "El Hurgador" / in this blog
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Abacuc (Silvano Gilardi)
(Torino / Turín, Italia / Italy, 1933-)

"Rinoceronte assunto / Rinoceronte ascendido / Ascended Rhino"
Óleo sobre masonita / oil on masonite, 60 x 50 cm., 1969. Link

"Ricordo il rinoceronte scomparso / Recuerdo el rinoceronte perdido /
I Remember The Missing Rhino"
Óleo sobre masonita / oil on masonite, 90 x 105 cm., 1967. Link

"Rinoceronte assunto in anamorfosi / Rinoceronte ascendido en anamorfosis /
Rhinoceros Ascended in Anamorphosis"
Óleo sobre masonite / oil on masonite, 80 x 80 cm., 1974. Link

"Il pensiero estetico del rinoceronte / El pensamiento estético del rinoceronte /
The Aesthetic Thinking of the Rhino"
Óleo sobre masonite / oil on masonite, 40 x 50 cm., 1971. Link

"Rinoceronte di fronte / Rinoceronte de frente / Rhinoceros in Front"
Óleo sobre masonite / oil on masonite, 60 x 80 cm., 1975. Link

"Rinoceronte finito / Rinoceronte muerto / Death Rhinoceros"
Óleo sobre masonite / oil on masonite, 60 x 75 cm., 1974

Abacuc en "El Hurgador" / in this blog[Rinocerontes (XCV)]
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Giacomo Soffiantino
(Torino / Turín, Italia / Italy, 1929 - 2013)

Giacomo Soffiantino fue un pintor y maestro italiano nacido en Turín en 1929.
Realizó su preparación artística en la Academia Albertina, como alumno de Francesco Menzio, Aldo Bertini y Mario Calandri. Luego enseñó en la escuela de arte y la Academia.
Su debut tuvo lugar en 1955 con la participación en la exposición "Siete pintores de Turín" en la Galería Girodo en Ivrea y en la Galería San Matteo en Génova. En 1956 ganó un premio de compra en la cuarta edición del Premio Spoleto. Ha participado en cuatro bienales en Venecia y una en San Paolo en Brasil. Fue un importante exponente del expresionismo abstracto, así como un maestro del grabado.
Murió en 2013.

"Rinoceronte / Rhino"
Técnica mixta sobre cartulina / mixed media on cardboard, 46 x 33 cm., 1964
Colección / Collection Emilio Gargioni (Italia / Italy)

Giacomo Soffiantino was an Italian painter and teacher born in Turin in 1929.
He completed his artistic training at the Albertina Academy, as a student of Francesco Menzio, Aldo Bertini and Mario Calandri. He then taught at the art school and Academy.
His debut took place in 1955 with the participation in the exhibition "Seven painters of Turin" at the Girodo Gallery in Ivrea and at the San Matteo Gallery in Genoa. In 1956 he won a purchase award in the fourth edition of the Spoleto Prize. He has participated in four biennials in Venice and one in San Paolo in Brazil. He was an important exponent of abstract expressionism, as well as a master of engraving.
He died in 2013.
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Alexander Calder
(Lawnton, Pensilvania, EE.UU./ PA, USA, 1898 - Nueva York / NY, 1976)

"El elefante y el rinoceronte / The Elephant And The Rhinoceros"
Litografía sobre vitela / lithography on vellum, 38 x 28 cm. Plazzart

Alexander Calder en "El Hurgador" / in this blog:
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Bernard Buffet
(París, Francia / France, 1928 - Tourtour, 1999)

"Le rhinocéros / El rinoceronte / The Rhino"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 130,2 x 295 cm., 1955. Christie's

"Rhinocéros / Rinoceronte / Rhino", Placa de plata esterlina grabada con punta seca /
sterling silver plate engraved with dry-point etching, 25,5 x 25,5 cm., 1977. icollector

"Rhinocéros / Rinoceronte / Rhino" (detalle / detail)

Bernard Buffet en "El Hurgador" / in this blog:
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Luigi Leonidi
(Boloña, Italia / Bologna, Italy, 1970-)

Luigi Leonidi es un pintor italiano nacido en Boloña.
Sus pinturas se sitúan en un espacio neutro, abstracto, intemporal, representado por un fondo monocromático en el que predomina el uso del blanco, el negro y el gris, y en el que falta la perspectiva o una vía de escape. 
Recupernado el estilo gótico, Leonidi recrea esa suspensión del tiempo ya utilizada por los artistas de los grandes talleres de arte prerrenacentista boloñés (no sólo por Vitale da Bologna, sino también y sobre todo por Simone di Filippo y Jacopo di Paolo) para crear los iconos del siglo XIV. 
Pero los protagonistas de los "iconos leoninos" no son ni santos ni madonas, no son personajes portadores de mensajes sagrados y de altos valores codificados, son el Pato Donald o Pinocho, personajes nacidos en la dimensión onírica de los dibujos animados, portadores de mensajes laicos, sencillos y, a la vez, fantásticos. En ambos casos los protagonistas de estos iconos, del siglo XIV o modernos, representan la voluntad de la clase dirigente de la época de cristalizar un ejemplo, de imponer a sus contemporáneos un modelo de sociedad ideal para vivir y seguir (sagrado el primero, secular el segundo). Arte.it

"Rinoceronte contemporáneo / Contemporary Rhino"
Óleo sobre tela / oil on canvas, 50 x 70 cm., 2011

Luigi Leonidi is an Italian painter born in Bologna.
His paintings are situated in a neutral, abstract, timeless space, represented by a monochromatic background in which the use of white, black and grey predominates, and in which perspective or an escape route is missing. 
Recovering the Gothic style, Leonidi recreates that suspension of time already used by the artists of the great pre-Renaissance Bolognese art workshops (not only by Vitale da Bologna, but also and above all by Simone di Filippo and Jacopo di Paolo) to create the icons of the 14th century. 
But the protagonists of the "lion icons" are neither saints nor madonnas, they are not characters carrying sacred messages and high coded values, they are Donald Duck or Pinocchio, characters born in the dreamlike dimension of cartoons, carriers of simple and, at the same time, fantastic secular messages. In both cases the protagonists of these icons, from the 14th century or modern, represent the will of the ruling class of the time to crystallize an example, to impose on their contemporaries a model of society ideal to live and follow (sacred the first, secular the second). Arte.it
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Cabárceno

Cartel en Paseo de Pereda, Santander, Cantabria, España /
Poster in Paseo de Pereda, Santander, Cantabria, Spain. Foto / Photo: Esther Frías

El Parque de la Naturaleza Cabárceno en un espacio construido sobre las 750 hectáreas de una antigua explotación minera en la que extraían hierro. Allí viven 5 rinocerontes blancos. Siguiendo este enlace podéis ver el documental "Cabárceno en directo", dedicado a ellos.

Tres de los ejemplares de Cabárceno / Three of Cabárceno's specimens. Link

The Cabárceno Nature Park in a space built on the 750 hectares of an old mining site where iron was extracted. Five white rhinos live there. Following this link you can see the documentary "Cabárceno en directo" (in Spanish, no subtitles), dedicated to them.

Foto / Photo: Esther Frías

 

Uruguayos / Uruguayans (XL-3) - Ruben Cano Tetti (III) [Pintura / Painting]

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En este nuevo post (los otros aquí y aquí) sobre la obra del uruguayo residente en Mallorca Ruben Cano Tetti, echamos un vistazo a su obra pictórica, construida a partir de líneas en base a las cuales el artista compone planos de color y volumenes.
Acompañamos las imágenes con algunas claves sobre su obra que Ruben compartió con Shirley Rebuffo.

In this new post (the others here and here) about the work of the Uruguayan based in Mallorca Ruben Cano Tetti, we take a look at his pictorial work, built from lines based on which the artist composes color planes and volumes.
We accompany the images with some keys about his work Ruben shared with Shirley Rebuffo.
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Ruben Cano Tetti
(Minas, Lavalleja, Uruguay, 1947-)
en / at Lluchmayor, Mallorca, Illes Balears / Islas Baleares, España / Balearic Islands, Spain

Ruben Cano pintando en su casa / Painting at home

Shirley Rebuffo: ¿Puedes hablarme de tus comienzos con el dibujo?
Ruben Cano: Como ya te he mencionado mis comienzos con el dibujo fueron en el secundario. Después, ya instalado en Mallorca, comencé las clases con Edgardo Ribeiro. 
En su taller dibujaba a lápiz en forma continua muchísimo. Primero nos daba sólo dibujo y al tiempo nos hizo pasar al color con óleos. Pero seguí dibujando, dándome el tiempo de saber hasta dónde podía llegar. Con él aprendí mucho, me daba la oportunidad de ver qué era lo que podía hacer, investigaba posibilidades y seguía dibujando.

"Dama con flor II / Lady With Flower II", 79 x 53 cm., 2017

"¡Cuéntame hijo! / Tell me Son!", 61 x 50 cm., 2019

«Recuerdo una vez que tenía que dibujar la estatua de una mujer y yo no acertaba en realizarle el ojo. Cuando le dije que no podía hacerlo, que lo había intentado y no lo lograba, él, sabiamente, me dijo: “no te sale porque quieres dibujar un ojo, tienes que fijarte qué es lo que hay allí, hay manchas, debes dibujar las sombras y así representar el volumen y la profundidad, en lugar de hacer trazos de la forma específica”. Me hizo un esbozo de lo que él veía. Aprendí en esa lección que la forma del ojo está en la mente y que en el dibujo hay que dibujar lo que está alrededor, figuras que no necesariamente son el ojo. Aprendí que es importante detenerse a ver en forma diversa. Aprendí a ver formas en cosas: manchas en la pared, manchas de humedad, los azulejos, ahora veo los azulejos antiguos de la casa donde vivo y las veo distintas formas imaginarias. Cuando era niño, y vivía en Minas, al lado de la casa de mi tío había una fábrica de baldosas las que se hacían una a una de cemento. Con curiosidad de niño veía siempre a un trabajador que metía la mano en óxido de hierro para dar un tono rojizo, volvía a meter la mano después en el negro, que pienso sería manganeso. Me fijaba que hacía los mismos movimientos de manera constante, llegaba una baldosa y tiraba, llegaba otra baldosa y tiraba de nuevo, así iba saliendo una figura parecida, la que después prensaban. Esas figuras hoy en día yo las veo en mi casa, me fijo y me pongo a buscar figuras y formas: caras, pies, me gusta encontrar detalles y otras representaciones insospechadas.»

"En la calle / In The Street", 30 x 21 cm., 2015

"Mar / Sea", 40 x 50 cm., 2018

Después con Edgardo pasé al color. Hacía los ejercicios, pero me dificultaba lograr la tonalidad exacta que quería. “No le encuentras el tono me decía Edgardo”. No lograba con los rojos y los grises componer el punto exacto, me era imposible lograrlo. Pasó un tiempo, seguí dibujando ya que me encanta el lápiz, deslizarlo sobre el papel. Un día rayando el papel también encontré formas dentro de ese dibujo que había hecho al azar. Comencé a experimentar. Tomé un papel, cerré los ojos y comencé a dibujar garabatos (siempre con cierta mesura para no aturdirme) paraba para estudiarlos. Me gustó eso de buscar luego formas ahí girando el papel y me quedo con lo que me atrae y me da una respuesta. Las observo con atención, sin hacerles un juicio en primera instancia, después las comienzo a pintar, intervengo el espacio y las valoro.

"En la playa / At the Beach", 50 x 40 cm., 2018

"Chica / Girl", 40 x 30 cm., 2016

SR: O sea, pones en valor esas líneas...
RC: No sé si forma parte de alguna corriente. Yo las dibujo y pinto porque me gustan a mí. Ser sincero conmigo mismo, como decía Torres-García “sinceridad en el arte”. No hacerlo para complacer a los demás, lo importante es que me guste y pueda además sacar de ello algo que me interese. De esos garabatos, usados como diseño, comencé a sacar dibujos. A veces, en primera instancia, no se ven. Los dejo, pero no los abandono, porque pasado un tiempo vuelvo a mirarlos y quizás encuentro algo. Otras veces sigo sin encontrar, pero tampoco los desecho porque sé otro día los miraré con un ánimo diferente, y les encuentro un sentido porque yo soy otro, tengo otra motivación y ellos pasan a tener un sentido y por ende un contenido.
Fui rellenando con color de lápiz esas casillas que quedaban entre los planos y un día pasé a dibujarlos en una tela. Primero fueron colores planos y después les di volumen a esos colores. Puede haber un rostro, puede haber personajes y detrás paisajes, casas o varias cosas, debo tomar decisiones y madurar las ideas. Me gusta esa manera de seguir pintando, encuentro satisfacción al sacar algo de esas líneas realizadas al azar. Es como darme permiso para intentar algo con mi ritmo y mi imaginación.

"Guerra / War", 40 x 50 cm., 2016

"Familia / Family", 50 x 40 cm., 2019

«Esa es la manera en que he ido encarando la pintura. Es algo que hago cuando llega la tardecita o en el retiro de la noche, cuando estoy tranquilo en casa. La cerámica es otra cosa porque la hago en el día, cuando estoy en el taller. La pintura no, es algo que se alinea con la calidez de la casa, dibujar, más dibujar y pintar. Encuentro al dibujo, a la pintura como un camino, es estimulante.»

Izq./ Left: "Carnaval / Carnival", 89 x 40 cm., 2015
Der./ Right: "Dama con bastón en verde / Lady With Cane in Green", 50 x 20 cm., 2020

"Paseo / Stroll", 50 x 30 cm., 2016

Shirley Rebuffo: Can you tell me about your beginnings with drawing?
Ruben Cano: As I mentioned before, I started drawing in high school. Then, once I was settled in Mallorca, I started classes with Edgardo Ribeiro. In his workshop I drew a lot in pencil continuously. At first he only taught us drawing and then he made us switch to colour with oils. But I kept on drawing, giving myself the time to know how far I could go. With him I learned a lot, he gave me the opportunity to see what I could do, I investigated possibilities and continued to draw.

"Pareja / Couple", 40 x 50 cm., 2016

"Caminante / Walker", 50 x 33 cm., 2020

«I remember once I had to draw a statue of a woman and I couldn't get her eye done. When I told him that I couldn't do it, that I had tried and couldn't get it done, he wisely told me: "you can't do it because you want to draw an eye, you have to look at what's there, there are spots, you have to draw the shadows and so represent the volume and depth, instead of drawing the specific shape". He made me a sketch of what he saw. I learned in that lesson that the shape of the eye is in the mind and that in drawing you have to draw what is around you, figures that are not necessarily the eye. I learned that it is important to stop and see differently. I learned to see shapes in things: stains on the wall, stains from humidity, the tiles, now I see the old tiles of the house where I live and I see different imaginary shapes. When I was a child, and I lived in Minas, next to my uncle's house there was a tile factory that made cement tiles one by one. As a child, I was curious to see a worker who dipped his hand in iron oxide to give it a reddish hue, and then dipped his hand back into the black, which I think would be manganese. I noticed that he was making the same movements constantly, a tile came and pulled, another tile came and pulled again, so a similar figure was coming out, the one that was then pressed. These figures today I see them in my house, I look and I start looking for figures and forms: faces, feet, I like to find details and other unsuspected representations.»

"Cabeza / Head", 40 x 30 cm., 2018

"¡Adelante! / Go Ahead!", 50 x 39 cm., 2016

«Then with Edgardo I went into color. I did the exercises, but it was difficult to achieve the exact shade I wanted. "You can't find the right shade," Edgardo would say. I couldn't make the exact point with the reds and greys, it was impossible for me to do it. After a while, I continued to draw, because I love pencil, to slide it on the paper. One day, scratching the paper, I also found shapes inside that drawing I had made at random. I started to experiment. I took a piece of paper, closed my eyes and started to draw scribbles (always with some moderation so as not to get dazed) and stopped to study them. I liked the idea of looking for shapes by turning the paper, and I kept what attracted me and gave me an answer. I observe them carefully, without making a judgment in the first place, then I start to paint them, I intervene in the space and I value them.»

"Patinador / Skater", 40 x 50 cm., 2019

"Dama con flor / Lady With Flower", 61 x 50 cm., 2018

SR: So, you highlight the value of those lines...
RC: I don't know if it's part of any current. I draw and paint them because I like them. To be honest with myself, as Torres-García said "sincerity in art". I don't do it to please others, the important thing is that I like it and that I can also get something out of it that interests me. From those scribbles, used as a design, I began to draw. Sometimes, in the first instance, they are not seen. I leave them, but I don't abandon them, because after a while I look at them again and perhaps I find something. Other times I still don't find them, but I don't throw them away either because I know that another day I'll look at them in a different way, and I'll find a meaning for them because I'm different, I have a different motivation and they will have a meaning and therefore a content.
I filled in with pencil color those boxes that were between the plans and one day I went on to draw them on a canvas. First they were flat colors and then I gave volume to those colors. There can be a face, there can be characters and behind them landscapes, houses or various things, I have to make decisions and mature ideas. I like that way of continuing to paint, I find satisfaction in taking something out of those lines made at random. It's like giving myself permission to try something with my rhythm and my imagination.

"Julepe / Fright", 41 x 33 cm., 2017

"Madre / Mother", 40 x 20 cm., 2015

"Cabra loca / Crazy Goat", 30 x 12 cm., 2012

«That's the way I've been approaching painting. It's something I do when the evening comes or in the evening retreat, when I'm quiet at home. Pottery is something else because I do it during the day, when I'm in the workshop. Painting is not, it is something that is aligned with the warmth of the house, drawing, more drawing and painting. I find drawing, painting as a path, is stimulating.»

"Fitness", 30 x 21 cm., 2015

"Siria / Syria", 60 x 50 cm., 2018

Ruben Cano en "El Hurgador" / in this blog[Uruguayos (XL-I)], [Uruguayos (XL-2)]

Más sobre / More about Ruben Cano: facebookJunarte
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Shirley Rebuffo es Licenciada en Bibliotecología y Archivología por la Escuela Universitaria de Bibliotecología y Ciencias Afines (Montevideo, Uruguay), Técnica en Museología por la Facultad de Humanidades y Ciencias (opción de Antropología), Objeto, símbolo y espacio en Curaduría. Museología Aplicada y Museología Social – Conceptos, técnicas e prácticas (Campo Grande, BR), Coaching (Campo Grande, BR), Planeamiento Estratégico (Campo Grande, BR) y estudiante de arte y pintura con el maestro Eduardo Espino.

Shirley Rebuffo has a Degree in Library Science and a Degree in Archivology by the Universitary School of Library and Related Sciences (Montevideo, Uruguay), Technician in Museology by the Faculty of Humanities and Sciences (Anthropology option), Object, Symbol and Spance in Curatorship Applied Museology and Social Museology - Concepts, Technics and Practice (Campo Grande, Brazil), Coaching (Campo Grande, Brazil), Strategic Planning (Campo Grande, Brazil), and Art and Painting student under Master Eduardo Espino.

Kevin Sloan (II) [Pintura /Painting]

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En el post anterior dedicado a Kevin Sloan, nos centrábamos en sus pinturas relacionadas con las aves de Audubon. Ahora repasamos el resto de su obra, enmarcada en lo que podría definirse como "realismo alegórico", en la cual los animales siguen teniendo un papel preponderante como vehículo de un simbolismo que, como idea, remite a la antigüedad egipcia y grecorromana, aunque Kevin lo plantea en clave propia, creando nuevos símbolos comprensibles bajo el prisma de nuestra propia perspectiva sociocultural.

In the previous post dedicated to Kevin Sloan, we focused on his paintings related to Audubon's Birds. Now we review the rest of his work, framed in what could be defined as "allegorical realism", in which animals continue to play a predominant role as a vehicle for a symbolism that, as an idea, refers to Egyptian and Greco-Roman antiquity, although Kevin poses it in its own key, creating new symbols that can be understood under the prism of our own socio-cultural perspective.
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Kevin Sloan
(Des Moines, Iowa, EE.UU./ IA, USA, 1958-)
en / at Denver, Colorado


Kevin Sloan es un pintor, dibujante y escultor en cerámica estadounidense nacido en 1958 en Des Moines, Iowa.

«La muerte de mi amigo íntimo cuando ambos teníamos 15 años fue muy traumática, y descubrí que el tiempo que pasaba en clases de arte, o incluso simplemente garabateando en mi cuaderno de bocetos, era tranquilizador y terapéutico. Creo que ese período me permitió apreciar el poder de la creación de imágenes y doy gracias a que tuve un grupo de profesores que me apoyaron mucho, así como mis padres, que me permitieron seguir mi incipiente carrera artística. Mi familia no es artística en el sentido tradicional, por lo que la idea de que fuera un artista era muy extraña para ellos. Pero reconocieron mi talento, y durante la secundaria me permitieron tomar clases en el museo de Des Moines, Iowa, donde vivíamos. Esta experiencia me abrió el mundo del arte de una manera que la mayoría de los niños de esa edad nunca experimentan. No sólo tuve acceso a clases para adultos de nivel superior, sino que pude estudiar semanalmente con artistas profesionales en ejercicio. Además, tenía a mi disposición una extraordinaria colección de arte contemporáneo dentro del museo.»

"Belleza estadounidense / American Beauty"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 54", 2018

"Antiguo ramo / Ancient Bouquet"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 42" x 36", 2014

«Algunas pinturas están muy claras y cobran vida rápidamente, casi sin esfuerzo. Es casi como ver una fotografía aparecer lentamente en el papel en la oscuridad de un cuarto oscuro. Es como si la imagen siempre estuviera ahí y yo simplemente tuviera que ayudarla a salir a la luz. Más a menudo, sin embargo, la imagen comienza con una pequeña semilla de una idea y crece a medida que la pintura progresa. Este crecimiento puede ser bastante errático y ocasionalmente frustrante, pero es esencial si la pintura va a ser auténtica.»

"Una vista de / A View of Pearl Cove"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 16" x 16", 2020

"El pájaro oculto / The Hidden Bird"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 24", 2018

«Las ideas generalmente comienzan con una imagen muy simple, una frase o incluso una palabra que encuentro. Constantemente escribo estas impresiones fugaces para no olvidarlas. Algunas continuarán haciéndome cosquillas y me daré cuenta de que esa idea me pide atención, así que trato de honrarla y ver qué podemos hacer juntos. El siguiente paso puede implicar escribir algunas notas y tal vez pequeños bocetos para aprender más sobre cómo esto podría cobrar vida como pintura. Para entonces también habré determinado qué tamaño y forma de lienzo es apropiado y una vez preparado empezaré a dibujar con carbonilla muy suave. Este proceso puede llevar horas o incluso días. Una vez que sienta que tengo un buen punto de partida, empezaré con la pintura, normalmente con capas muy finas de pintura acrílica. En este punto las cosas están todavía muy en el aire y sigo dibujando en el lienzo para hacer ajustes. Este proceso continúa, pero con las decisiones cada vez más comprometidas y refinadas. Utilizo imágenes que encuentro en numerosas fuentes. Tomo fotografías, encuentro imágenes en línea, y miro a través de una variedad de revistas y libros que van desde publicidad de moda, bellas artes, y ciencias naturales. Además, muchas veces una pintura será la génesis de la idea de la siguiente. A menudo veo algo en la pieza en la que estoy trabajando que merece más atención, pero que debe ser perseguido en la siguiente pintura. De esta manera siento que estoy trabajando en serie, y cuando trabajo en una exposición esta tendencia es muy útil para crear un cuerpo de obra coherente.»

"La liebre congelada / The Frozen Hare"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 25", 2018

"Ofrendas quemadas / Burnt Offerings"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 16" x 16", 2018

"El constructor / The Builder"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 40" x 36", 2019

«Mi esperanza es que usando la metáfora y la alegoría pueda acercarme un poco más al corazón de la historia que estoy creando. Si quisiera hablar sobre el desastre ambiental que siguió al derrame de petróleo en el Golfo de México hace unos años, podría pintar imágenes de aves cubiertas de petróleo, etc. Para mí eso es una caricatura editorial y no trasciende las imágenes obvias que todos hemos visto. En su lugar, elegí pintar un pelícano, basado en una imagen de Audubon, y en lugar de su pico cerrado como en el original, lo tenía abierto y lleno de todo tipo de cosas, desde relojes hasta comida para otras aves. Era una forma de hablar de la angustia, el caos y algo realmente inesperado y equivocado, pero al mismo tiempo con la esperanza de crear algo con una belleza conmovedora. No quiero añadir más imágenes de miseria al mundo, pero al mismo tiempo siento que debo hablar de alguna manera sobre el mundo rápidamente cambiante en el que vivimos. Mi esperanza es que para hablar de estos temas de una manera más poética y menos literal, un espectador puede pasar algo más de tiempo con ellos.»

"Una vista de / A View of Progress Falls"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 66" x 96", 2019

"San Nieve / Saint Snow"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 72" x 60", 2017
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Los objetos como símbolos

«Como estudiante de arte, me atrajo el simbolismo que prevalece en el arte occidental, desde el egipcio, griego y romano, hasta las grandes pinturas de las eras medieval y renacentista. Debido a que la mayoría de la gente en la historia no sabía leer, el arte de su época era instructivo y visual, y se desarrolló un lenguaje simbólico. La gente en el pasado sabía cómo "leer" el significado de una pintura a través de las imágenes simbólicas que contenía. ¡Lloro la pérdida de nuestra capacidad para hacer esto! Sin embargo sigo creyendo que hay un gran poder en un lenguaje visual y simbólico y me esfuerzo por crear pinturas que transmitan una historia o una sensación a través del simbolismo. Por ejemplo, cuando pinto un castillo de naipes, esto simboliza una estructura o idea inestable e insostenible. Nuestra cultura generalmente entiende este símbolo, así que puede ser utilizado y muy a menudo entendido. También trato de crear nuevos símbolos, como cuando uso un cable de extensión eléctrica industrial de color naranja. Cuando este cable está interactuando con un animal lo veo como un símbolo de enredo y los riesgos para el mundo natural asociados con nuestra necesidad de energía eléctrica. No todas las personas "entienden" esto, pero es un reto interesante para mí como narrador.»

Tazas de té y otras cerámicas: Las tazas de té y las imágenes de cerámica tienen múltiples significados en la obra. A veces, cuando está equilibrada y pesada sobre la cabeza de alguna pobre bestia, representa la moderna y anticuada "civilización". Todos los prejuicios, miedos y reglas del pasado se reúnen en estas preciosas y elitistas tazas y platillos. Otras veces la cerámica habla de la fragilidad y la delicada naturaleza del mundo natural, y del mundo hecho por el hombre. Estas hermosas tazas y vasijas son delicadas, frágiles y fáciles de romper.

Izq./ Left: "El joven búho / The Young Owl" (detalle / detail)
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 24", 2014
Der./ Right: "La fecha límite / The Deadline" (detalle / detail)
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 91,4 × 81,3 cm., 2011

Relojes: Los relojes representan simplemente el tiempo, el paso del tiempo y la idea de movimiento o cambio en la pintura. El tiempo y su incesante paso es un constante ruido de fondo para nuestra experiencia y representarlo en un cuadro nos recuerda esta verdad básica. Además, cuando trato con temas de amenaza al medio ambiente natural, el reloj habla de la idea de urgencia, que el tiempo pasa, que no hay mucho tiempo, etc.
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"La reliquia / The Heirloom"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 40" x 36", 2019

"El santuario de Santa Garza / The Shrine of St. Heron"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 42", 2019

Kevin Sloan is an American painter, draftsman and ceramic sculptor born in 1958 in Des Moines, Iowa.

«The death of my very close friend when we were both 15 years old was very traumatic and I found that my time spent in art class or even just doodling in my sketchbook was soothing and therapeutic. I think that period allowed me to appreciate the power of image making and I gratefully had a very supportive group of teachers as well as my parents who allowed me to pursue my fledgling art career. My family is not artistic in the traditional sense, so the idea of being an artist was very foreign to them. But, they recognized my talent and in high school allowed me to take classes at the museum in Des Moines, Iowa where we lived. This experience opened up the art world to me in ways that most kids that age never get. Not only did I have access to upper level adult classes, I was able to study with practicing, professional artists on a weekly basis. Additionally, I had an extraordinary collection of contemporary art within the museum at my disposal.»

"Arrecife chino / China Reef"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 30" x 30"

"El festín de Santa Abundancia / The Feast of St. Abundance"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 54" x 48", 2019

«Some paintings are very clear and come to life quickly and almost effortlessly. It’s almost like watching a photograph slowly appear on the paper in the darkness of a photographic darkroom. It’s like the image was always there and I simply had to assist it in becoming realized. More often though, the imagery starts with a small seed of an idea and grows as the painting progresses. This growth can be rather erratic and occasionally frustrating but it is essential if the painting is to be true.»

"El incendio en el mercado de las flores / The Flower Market Fire"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24", 2018

"Manzanas que he comido / Apples I've Eaten"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, "54 x 60", 2018

"La bestia oculta / The Hidden Beast"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 54", 2019

«Ideas generally start with a very simple image, a phrase or even just a word I come across. I’m constantly writing these fleeting impressions down so I don’t forget them. Some will continue to tickle my attention and I’ll realize this idea is asking for my attention so I try to honour that and see what we can do together. The next step may involve writing some notes and maybe more little sketches to learn more about how this might come to life as a painting. By then I will have also determined what size and shape canvas is appropriate and once it’s prepared I will start drawing with very soft charcoal. This process can take hours or even days. Once I feel I have a good place to begin I will start with paint – usually very thin washes of acrylic paint. At this point things are still very much up in the air and I continue to draw on the canvas to make adjustments. This process continues but with the decisions becoming more committed and refined. I use imagery I find from numerous sources. I take photographs, find images online, and look through a variety of magazines and books ranging from fashion advertising, fine art, and natural sciences. Also, many times one painting will be the genesis of the idea for the following one. I often see something in the piece I’m working on that is worth more attention but to be pursued in the next painting. In this way, I feel like I’m working in series and when working toward an exhibit this tendency is very helpful in creating a cohesive body of work.»

"Ramo descendente / Descending Bouquet"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 24" x 24"

"Jardín conmemorativo / Memorial Garden"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 48" x 42", 2015

«My hope is that by using metaphor and allegory I can get a little closer to the heart of the story I’m creating. If I wanted to speak about the environmental disaster following the oil spill in the Gulf of Mexico a few years ago, I could paint pictures of birds covered in oil, etc. To me, that is editorial cartooning and doesn’t transcend the obvious images we had all seen. Instead, I chose to paint a pelican, based on an image by Audubon, and instead of his beak closed as in the original, I had it open and full of all sorts of things from clocks to food to other birds. It was a way for me to speak about distress, chaos and something really unexpected and wrong, but at the same time hopefully create something with a poignant beauty. I don’t want to add more images of misery to the world, but at the same time I feel I must in some way speak about the rapidly changing world we live in. My hope is that to speak about these issues in a more poetic and less literal way, a viewer may actually spend a little more time with them.»

"Una vista de / A View of All Souls Pond"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 60" x 72", 2019

"Los fantasmas / The Ghosts"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 72" x 60", 2017
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Objects as Symbols

«As an art student I was drawn to the symbolism so prevalent in Western Art from early Egyptian, Greek and Roman art to the great paintings of the Medieval and Renaissance eras. Because most people in history couldn’t read, the art of their time was instructive and a visual, and a symbolic language was developed. People in the past knew how to “read” a painting’s meaning via the symbolic imagery it contained. I mourn the loss of our ability to do this! Nevertheless, I still believe that there is great power in a visual, symbolic language and I strive to create paintings that convey a story or a sensation via symbolism. For example, when I paint a house of cards, this is symbolic of an unstable and unsustainable structure or idea. Our culture generally understands this symbol so it can be used and most often understood. I also try to create new symbols, like when I use an orange industrial electrical extension cord. When this cord is interacting with an animal I see it as a symbol of entanglement and the risks to the natural world associated with our need for electrical power. Not all people “get” this but it’s an interesting challenge for me as a storyteller.»

Teacups and other pottery: The teacups and ceramic imagery has multiple meanings in the work. Sometimes, when it’s balanced and heavy upon the head of some poor beast, it represents modern, old-fashioned “civilisation”. All the prejudices, fears and rules of the past come together in these precious, elite little cups and saucers. Other times the ceramics speak to fragility and the delicate nature of the natural world and the human-made world. These beautiful cups and vessels are delicate, fragile and easily broken.

Izq./ Left: "Un turista accidental / An Accidental Tourist" (detalle / detail)
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 40" x 30", 2012
Der./ Right: "El nudo de Audubon / Audubon's Knot" (detalle / detail)
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 40" x 30", 2012

Clocks: Clocks quite simply represent time – time passing and the idea of movement or change in the painting. Time and its incessant passing is a constant background noise to our experience and to picture it in a painting reminds us of this basic truth. Also, when I’m dealing with issues of threat to the natural environment, the clock speaks to the idea of urgency, that time is passing, there’s not much time, etc.
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"Las antigüedades / The Antiques"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 42" x 42", 2018

Fuentes / Sources:
* Website
* Entrevista en / Interview inWOW x WOW, 5/2016
* Entrevista en / Inteview in Little Observationist

Kevin Sloan en "El Hurgador" / in this blog[Asonancias (XXVI)]

Más sobre / More about Kevin Sloan: WebsiteInstagramfacebookPrints

Representación / Representation:
K Contemporary (Denver, CO), Clark Gallery (Lincoln, MA)
Gardner Colby Gallery (Naples, FL), Conde Contemporary (Coral Gales, FL)

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Kevin!)
Images posted here with artist's permission (Thanks a lot, Kevin!)

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