_________________________________________________________
El 1 de Julio es el cumple de
Sergei Arsenievich Vinogradov (Сергей АрсеньевичВиноградов), pintor impresionista ruso-soviético nacido en 1869 en Nekrasovskoye, conocido por sus paisajes, escenas de género e interiores.
De 1880 a 1889, estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú con Illarion Pryanishnikov, Vladimir Makovsky y Vasily Polenov, quienes tuvieron una gran influencia en su estilo. En 1888 fue galardonado con el título de "Artista". Al año siguiente se trasladó a la Academia Imperial de las Artes, estudiando con Bogdan Willewalde y Carl Wenig.
"El Campanario y la cúpula de la catedral de Uspensky del monasterio de pskovo-Pechersky /
The Belfry and Cupola of the Uspensky Cathedral of the Pskovo-Pechersky Monastery"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 191,5 x 73,5 cm., 1928. MacDougall's
Después de graduarse fue a Kharkiv para enseñar en una escuela de oficios. Regresó a Moscú en 1896 y encontró trabajo proporcionando ilustraciones para el editor Alexei Stupin. En 1896 se convirtió en profesor en la Universidad Estatal de Artes e Industria de Stroganov en Moscú, un cargo que ocuparía hasta 1913. Dos años más tarde comenzó a exponer con el Peredvizhniki. En 1903 se convirtió en uno de los fundadores de la "Unión de Artistas Rusos". Fue nombrado "Académico" en 1912 y se convirtió en miembro de la Academia en 1916.
"Деревенская девушка / Chicas de pueblo / Village Girls"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112,7 x 150,4 cm., 1927. Wikimedia Commons
Durante la Primera Guerra Mundial vivió en Gurzuf en una dacha propiedad de Konstantin Korovin. Mientras estuvo allí se centró en pintar escenas militares y en diseñar pósters. Después de la guerra ayudó a decorar el Kremlin de Moscú, con motivo del primer aniversario de la Revolución Bolchevique.
En 1923 ayudó a organizar una exposición itinerante de arte ruso y acompañó la exposición a su primera muestra en Nueva York. A su regreso se estableció en Riga, donde inicialmente enseñó en los estudios de Nikolai Bogdanov-Belsky, y luego estableció su propia escuela privada.
Aunque en ese momento se concentró en los paisajes, también trabajó en otros géneros, entre los que destaca una serie de retratos que representan a los sacerdotes en la Catedral de la Natividad. A principios de la década de 1930 escribió una serie de memorias sobre la escena artística rusa pre-revolucionaria que se publicaron en Segodnya.
Murió en 1938.
"Mendigos a las puertas del monasterio / Beggars At The Monastery Gates"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71,5 x 89,5 cm., 1929. Sotheby's
On July 1 is the birthday of
Sergei Arsenievich Vinogradov (Сергей Арсеньевич Виноградов), Russian-Soviet Impressionist painter born in 1869 in Nekrasovskoye, known for landscapes, genre scenes and interiors.
From 1880 to 1889, he studied at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture with Illarion Pryanishnikov, Vladimir Makovsky and Vasily Polenov, who had a major influence on his style. In 1888, he was awarded the title of "Artist". The following year, he transferred to the Imperial Academy of Arts; studying with Bogdan Willewalde and Carl Wenig.
"Vendedores de zapatos, ciudad de Elatma en el río Oka /
Bast Shoe Sellers, Town of Elatma on the Oka River"
Óleo sobre panel / oil on board, 27 x 62,5 cm., 1917. Mutual Art
After graduating he went to Kharkiv to teach at a trade school. He returned to Moscow in 1896 and found work providing illustrations for the publisher Alexei Stupin . In 1896, he became a teacher at the Stroganov Moscow State University of Arts and Industry (a position he would hold until 1913). Two years later, he began exhibiting with the Peredvizhniki. In 1903, he became one of the founders of the "Union of Russian Artists". He was named an "Academician" in 1912 and became a member of the Academy in 1916.
During World War I, he lived in Gurzuf at a dacha owned by Konstantin Korovin. While there, he focused on painting military scenes and designing posters. After the war, he helped to decorate the Moscow Kremlin, on the occasion of the first anniversary of the Bolshevik Revolution.
"Старая Рига / Vieja Riga / Old Riga"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 74,5 х 63,5 cm., 1924. MacDougall's
In 1923, he helped organize a travelling exhibition of Russian art and accompanied the exhibition to its first showing in New York. Upon his return, he settled in Riga, where he initially taught at the studios of Nikolai Bogdanov-Belsky, then established his own private school.
Although he concentrated on landscapes at that time, he also worked in other genres; notably a series of portraits depicting the priests at Nativity Cathedral. In the early 1930s, he wrote a series of memoirs about the pre-revolutionary Russian art scene which were published in Segodnya.
He died in 1938.
"Un día de verano / A Summer's Day, Crimea"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82 x 102 cm., 1917. Sotheby's
El 2 de Julio es el cumple de
Ferdinand Theodor Hildebrandt, artista alemán de la escuela de pintura de Düsseldorf, nacido en 1804 en Stettin, especializado en temas literarios e históricos. También fue un reconocido entomólogo.
Fue discípulo del pintor Schadow y, al ser nombrado Schadow para la presidencia de una nueva academia en las provincias renanas en 1828, siguió a su maestro a Düsseldorf. Hildebrandt comenzó pintando cuadros ilustrativos de Goethe y Shakespeare. Pintó "Fausto y Mefistófeles" (1824), "Fausto y Margarita" (1825), y "Lear y Cordelia" (1828).
Visitó los Países Bajos con Schadow en 1829, y recorrió solo Italia en 1830. Los viajes no alteraron su estilo, aunque lo llevaron a cultivar alternativamente el eclecticismo y el realismo.
"Der Räuber / El ladrón / The Robber", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 114 x 99 cm., 1829
Alte Nationalgalerie (Berlín, Alemania / Germany).
En Düsseldorf, alrededor de 1830, produjo "Romeo y Julieta", "Tancred y Clorinda" y otras obras que merecían ser clasificadas con pinturas anteriores, pero durante el mismo período expuso "El ladrón" (1829) y "El Capitán y su hijo pequeño" (1832), ambos ejemplos de un realismo afectado pero amable, que cautivó al público y marcó en cierta medida una época en prusiano. El cuadro que dio fama a Hildebrandt fue "El asesinato de los hijos del rey Eduardo" (1836), del cual el original, luego copiado con frecuencia, todavía pertenece a la colección Spiegel en Halberstadt.
Comparativamente tarde en la vida, Hildebrandt probó sus habilidades como pintor histórico en imágenes que representan a Wolsey y Henry VIII, pero volvió a caer en lo romántico en "Otelo y Desdémona". Después de 1847 se entregó a la pintura de retratos, y en esa rama logró obtener una gran práctica. También fue un entomólogo especializado en coleópteros y miembro de la Sociedad Entomológica de Stettin.
Murió en 1874.
"Die Ermordung der Söhne Eduards IV / El asesinato de los hijos del rey Eduardo IV /
The Murder of the Sons of Edward IV", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 150 x 175,2 cm., 1835.
Museum Kunstpalast (Düsseldorf, Alemania / Germany). GAP
On July 2 is the birthday of
Ferdinand Theodor Hildebrandt, German artist of the Düsseldorf school of painting born in 1804 in Stettin, who specialized in literary and historical subjects. He was also a noted entomologist.
He was a disciple of the painter Schadow, and, on Schadow's appointment to the presidency of a new academy in the Rhenish provinces in 1828, followed that master to Düsseldorf. Hildebrandt began by painting pictures illustrative of Goethe and Shakespeare. He painted "Faust and Mephistopheles" (1824), "Faust and Margaret" (1825), and "Lear and Cordelia" (1828).
"Brieflesende Italienerin / Italiana leyendo una carta / Italian Woman Reading a Letter"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 37 x 32 cm., 1848. Wikimedia Commons
He visited the Netherlands with Schadow in 1829, and wandered alone in 1830 to Italy. Travel did not alter his style, though it led him to cultivate alternately eclecticism and realism.
At Düsseldorf, about 1830, he produced "Romeo and Juliet,""Tancred and Clorinda," and other works which deserved to be classed with earlier paintings; but during the same period he exhibited "The Robber" (1829) and "The Captain and his Infant Son" (1832), examples of an affected but kindly realism, which captivated the public, and marked to a certain extent an epoch in Prussian art. The picture which made Hildebrandt's fame is the "Murder of the Children of King Edward" (1836), of which the original, afterwards frequently copied, still belongs to the Spiegel collection at Halberstadt.
Comparatively late in life Hildebrandt tried his skills as an historical painter in pictures representing Wolsey and Henry VIII, but he lapsed again into the romantic in "Othello and Desdemona." After 1847 Hildebrandt gave himself up to portrait-painting, and in that branch succeeded in obtaining a large practice. Hildebrandt was also an entomologist specialising in Coleoptera and a Member of the Entomological Society of Stettin.
He died in 1874.
"Othello und Desdemona / Otelo y Desdémona / Othello and Desdemone"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 78,5 x 113,5 cm. Van Ham
El 3 de Julio es el cumple de
Harald Kihle, pintor e ilustrador noruego nacido en 1905 en Horten.
Estudió en Statens håndverks- og kunstindustriskole desde 1926 hasta 1929, y más tarde con Henrik Sørensen, Axel Revold, Per Krohg y Marcel Gromaire. Es particularmente conocido por sus motivos de Telemark, una región y condado tradicional en Noruega. Estaba fascinado por la naturaleza y la cultura popular de Telemark: artes, artesanías, canciones, música y el modo de vida de los agricultores. El caballo se convirtió en un motivo clave para Kihle, y en sus cuadros reflejó al antiguo Telemark antes de la introducción de tractores y líneas de energía eléctrica.
Pasó muchos veranos en Hjartdal, Flatdal, Dyrlandsdalen, Svartdal, Arabygdi y, en sus últimos años, en la aldea rural de Smørklepp en Vinje, en la falda de la montaña Ormeggene. En 1947 construyó una casa de verano en la granja Negarden en Smørklepp y pasó allí muchos veranos con su esposa.
Trabajó junto con su compañero pintor Henrik Sørensen, quien también pasaba los veranos en Smørklepp. En 1961 escribió un artículo sobre sus treinta veranos en Telemark hasta ese momento, que fue impreso en el Årbok anual para Telemark. La galería Vinje Biletgalleri en Smørklepp contiene una serie de obras de Kihle y Sørensen. En Telemark, Kihle se inspiró en la naturaleza del valle de Botnedalen y Mo, incluida la granja de montaña Ripilen, y fue un invitado frecuente en Mo Vicarage. Se inspiró en las leyendas de "Storegut" y "Guro Heddelid". Pintó Storegutdrapet (El asesinato de Storegut) en 1943-1944, e ilustró una edición de 1951 del ciclo de poemas de Vinje Storegut. La leyenda se basa en un evento que tuvo lugar en 1791, el asesinato del hombre fuerte "Storegut". Entre las pinturas de Kihle se encuentran "En jordferd (Un funeral)" de 1936, "Anne" de 1939, "Fra Telemark (Desde Telemark)" de 1953, "Oktobersnø sobre Ormeggene" de 1955 y "Guro rid til ottesong" (1957–1960), todo en la Galería Nacional de Noruega.
Óleo sobre panel de fibra / oil on fiberboard, 19 x 23,5 cm., 1953 © Kihle, Harald / BONO
Nasjonalmuseet (Oslo, Noruega / Norway)
Su pintura Tømmerkjøring (Conducción de troncos) de 1950 se encuentra en el Ministerio de Asuntos Exteriores de Noruega. Entre las ilustraciones de su libro se encuentran grabados en madera para Vinje's Storegut, la novela Det store spelet de Tarjei Vesaas (The great game) y la colección de canciones de Jørund Telnes Guro Heddelid. Pintó retablos para la Iglesia de Grunge en Vinje y la Capilla de Bakkebø en Egersund. Participó en la restauración de un antiguo retablo que originalmente había pertenecido a una iglesia de madera derribada en Mo, que decoró conjuntamente con Henrik Sørensen, y luego se instaló en la Iglesia de Mo.
Desde principios de la década de 1930, Kihle usaba colores de tierra y un estilo de pintura primitiva. Más tarde, sus pinturas se hicieron más brillantes y el estilo más sofisticado.
Murió en 1997.
Acuarela sobre papel / watercolor on paper, 24 x 32 cm., 1961. Gwpa
On July 3 is the birthday of
Harald Kihle, Norwegian painter and illustrator born in 1905 in Horten.
Kihle studied at the Statens håndverks- og kunstindustriskole from 1926 to 1929, and later with Henrik Sørensen, Axel Revold, Per Krohg and Marcel Gromaire. He is particularly known for his motifs from Telemark, a traditional region and county in Norway. He was fascinated by the nature and folk culture of Telemark, arts, crafts, songs and music, and the farmers' way of life. The horse became a key motif for Kihle, and in his pictures he stuck to the ancient Telemark before the introduction of tractors and electric power lines.
He spent many summers in Hjartdal, Flatdal, Dyrlandsdalen, Svartdal, Arabygdi, and in his later years in the rural village Smørklepp in Vinje, below the mountain Ormeggene. In 1947 he built a summerhouse at the farm Negarden in Smørklepp, and spent many summers there with his wife.
He worked together with fellow painter Henrik Sørensen, who also spent summers at Smørklepp. In 1961 he wrote an article about his thirty summers in Telemark until then, printed in the annual Årbok for Telemark. The gallery Vinje Biletgalleri at Smørklepp contains a number of works by Kihle and Sørensen. In Telemark Kihle found inspiration from the nature of the valley Botnedalen and Mo, including the mountain farm Ripilen, and was a frequent guest at the Mo Vicarage. He was inspired by the legends of "Storegut" and "Guro Heddelid". He painted Storegutdrapet (The killing of Storegut) in 1943-1944, and illustrated a 1951 edition of Vinje's cycle of poems Storegut. The legend is based on an event that took place in 1791, the killing of the strongman "Storegut". Among Kihle's paintings are En jordferd (A funeral) from 1936, Anne from 1939, Fra Telemark (From Telemark) from 1953, Oktobersnø over Ormeggene from 1955 and Guro rid til ottesong (Guro rides to matins) (1957–1960), all in the National Gallery of Norway.
Nasjonalmuseet (Oslo, Noruega / Norway)
His painting Tømmerkjøring (Log driving) from 1950 is located at the Norwegian Ministry of Foreign Affairs. Among his book illustrations are woodcuts for Vinje's Storegut, Tarjei Vesaas' novel Det store spelet (The great game), and Jørund Telnes' song collection Guro Heddelid. He painted altarpieces for the Grunge Church in Vinje and the Bakkebø Chapel in Egersund. He took part in the restoration of an ancient altarpiece which had originally belonged to a demolished stave church in Mo, which he decorated jointly with Henrik Sørensen, and afterwards was installed in Mo Church.
From the early 1930s Kihle typically used earthen colors and a primitive painting style. Later his paintings became brighter and the style more sophisticated.
He died in 1997.
El 4 de Julio es el cumple de
Massimo Campigli, pintor y periodista italiano nacido en 1895 en Berlín, que pasó la mayor parte de su infancia en Florencia.
Su familia se mudó a Milán en 1909, donde trabajó en la revista Letteratura, frecuentando círculos de vanguardia y conociendo a Boccioni y Carrà. En 1914 la revista futurista Lacerba publicó su "Giornale + Strada - Parole in libertà" ("Periódico + Camino - Libertad de expresión"). Durante la Primera Guerra Mundial Campigli fue capturado y deportado a Hungría, donde permaneció como prisionero de guerra de 1916 a 18.
Al final de la guerra se mudó a París, donde trabajó como corresponsal extranjero para el diario milanés Corriere della Sera. Aunque ya había producido algunos dibujos durante la guerra, fue solo tras su llegada a París que comenzó a pintar. En el Café du Dôme colaboró con artistas como Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Gino Severini y Filippo De Pisis. Las visitas prolongadas al Louvre profundizaron el interés de Campigli en el arte del antiguo Egipto, que se convirtió en una fuente duradera de inspiración para su propia pintura.
Sus primeras obras figurativas aplicaron diseños geométricos a la figura humana, lo que refleja la influencia de Pablo Picasso y Fernand Léger, así como el Purismo de "L'Esprit Nouveau".
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 32 x 35 cm., 1952. Espoarte
En 1923 organizó su primera exposición personal en la Galería Bragaglia de Roma. Durante los siguientes cinco años sus figuras desarrollaron una calidad monumental, a menudo con posturas estilizadas y las extremidades entretejidas en una solidez escultural. La importancia dada al orden y la tradición, la atmósfera de serenidad y eternidad estuvieron en línea con la reconstrucción de la posguerra y el programa de los artistas del "Siglo XX" con quienes Campigli exhibió con frecuencia tanto en Milán de 1926 a 29, como en el extranjero de 1927 a 31.
A partir de 1926 se unió a los "italianos de París" junto con Chirico, De Pisis, Renato Paresce, Savinio, Severini y Mario Tozzi. En 1928, año de su debut en la Bienal de Venecia, la colección etrusca le llamó mucho la atención cuando visitó el Museo Nacional Etrusco en Roma. Más tarde se separó de la severidad compacta de sus trabajos anteriores en favor de un plano con tonos tenues y formas esquemáticas ricas en arcaísmos.
Durante un viaje a Rumania con su primera esposa, Magdalena Rădulescu, comenzó un nuevo ciclo de trabajos que retrataban a mujeres empleadas en tareas domésticas y agrícolas. Estas figuras estaban dispuestas en composiciones asimétricas y hieráticas, flotando en un plano de textura rugosa, inspiradas en frescos antiguos. Estas obras fueron recibidas con entusiasmo por la crítica en las exposiciones celebradas en la galería Jeanne Bucher de París en 1929 y en la Galería Milione de Milán en 1931. Durante los años treinta realizó una serie de exposiciones individuales en Nueva York, París y Milán que le granjearon la aclamación internacional.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 103 x 136 cm., 1953-58. Espoarte
En 1933 regresó a Milán, donde trabajó en proyectos de grandes dimensiones. Ese mismo año firmó el Manifiesto de arte mural de Mario Sironi y pintó un fresco de madres, campesinas y trabajadoras, para la V Trienal de Milán, que desafortunadamente fue destruido más tarde. En los siguientes diez años se le encargaron otros trabajos: "I costruttori (Los constructores)" para la Liga de Naciones de Ginebra en 1937, "Non uccidere (No matar") para los Tribunales de Justicia de Milán en 1938, un enorme fresco de 300 metros cuadrados para el vestíbulo de entrada, diseñado por Gio Ponti, de Liviano, Padua, que pintó durante 1939-40.
En una exposición personal en la Bienal de Venecia de 1948 mostró sus nuevas composiciones: figuras femeninas insertadas en estructuras arquitectónicas complicadas. Durante los años 60, sus figuras se redujeron a marcas de colores en un grupo de lienzos casi abstractos. En 1967 se le dedicó una exposición retrospectiva en el Palazzo Reale de Milán.
Murió en 1971.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1953. Fondazione Magnani Rocca
On July 4 is the birthday of
Massimo Campigli, Italian painter and journalist born in 1895 in Berlin who spent most of his childhood in Florence.
His family moved to Milan in 1909, and here he worked on the Letteratura magazine, frequenting avant-garde circles and making the acquaintance of Boccioni and Carrà. In 1914 the Futurist magazine Lacerba published his "Giornale + Strada – Parole in libertà" ("Journal + Road – Free speech"). During World War I Campigli was captured and deported to Hungary where he remained a prisoner of war from 1916–18.
At the end of the war he moved to Paris where he worked as foreign correspondent for the Milanese daily newspaper Corriere della Sera. Although he had already produced some drawings during the war, it was only after he arrived in Paris that he started to paint. At the Café du Dôme he consorted with artists including Giorgio de Chirico, Alberto Savinio, Gino Severini and Filippo De Pisis. Extended visits to the Louvre deepened Campigli's interest in ancient Egyptian art, which became a lasting source of his own painting.
His first figurative works applied geometrical designs to the human figure, reflecting the influence of Pablo Picasso and Fernand Léger as well as the Purism of "L’Esprit Nouveau".
Colección privada / Private Collection. Fondazione Magnani Rocca
In 1923, he organised his first personal exhibition at the Bragaglia Gallery in Rome. During the next five years his figures developed a monumental quality, often with stylised poses and the limbs interwoven into a sculptural solidity. The importance given to order and tradition, the atmosphere of serenity and eternity were in line with the post-war reconstruction and the programme of the “Twentieth Century” artists with whom Campigli frequently exhibited both in Milan from 1926–29 and abroad from 1927–31.
As from 1926, he joined the "Paris Italians" together with de Chirico, de Pisis, Renato Paresce, Savinio, Severini and Mario Tozzi. In 1928, year of his debut at the Venice Biennial, he was very much taken by the Etruscan collection when visiting the National Etruscan Museum in Rome. He then broke away from the compact severity of his previous works in favour of a plane with subdued tones and schematic forms rich in archaisms.
During a journey in Romania with his first wife Magdalena Rădulescu, he started a new cycle of works portraying women employed in domestic tasks and agricultural labour. These figures were arranged in asymmetrical and hieratic compositions, hovering on a rough textured plane, inspired by ancient fresco. These works were enthusiastically received by the critics at the exhibition held in the Jeanne Bucher gallery, Paris, in 1929 and at the Milione Gallery, Milan, in 1931. During the ‘thirties he held a series of solo exhibitions in New York, Paris and Milan which brought him international acclaim.
Litografía a color / color lithograph, 33.7 x 48 cm., 1952.
Hammer Museum, Universida de California (UCLA) (Los Angeles, California, EE.UU./ CA, USA)
In 1933 Campigli returned to Milan where he worked on projects of vast dimensions. In the same year he signed Mario Sironi’s Mural Art Manifesto and painted a fresco of mothers, country-women, working women, for the V Milan Triennial which unfortunately was later destroyed. In the following ten years other works were commissioned: I costruttori ("The builders") for the Geneva League of Nations in 1937; Non uccidere ("Do not kill") for the Milan Courts of Justice in 1938, an enormous 300 square metre fresco for the entrance hall, designed by Gio Ponti, of the Liviano, Padua which he painted during 1939–40.
In a personal exhibition at the Venice Biennial in 1948 he displayed his new compositions: female figures inserted in complicated architectonic structures. During the 60s his figures were reduced to coloured markings in a group of almost abstract canvasses. In 1967 a retrospective exhibition was dedicated to Campigli at the Palazzo Reale in Milan.
He died in 1971.
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45.9 by 55cm., 1931. LotSearch
