Lia Porto [Pintura, Textiles, Entrevista / Painting, Textiles, Interview]

Nacida en Río Gallegos, Provincia de Santa Cruz (Patagonia argentina) el 14 de junio de 1968, Lia se muda a Buenos Aires donde se gradúa como abogada.

Ejerce la abogacía durante varios años, y paralelamente escribe prosa y poesía, pero el arte ya le atraía tanto que, con audacia, pasó de las leyes y los textos a los pinceles. Se forma en varios talleres en pintura y grabado. Su trabajo se caracteriza por su laboriosidad, complejidad y minuciosidad, desarrollando imágenes orgánicas con diversos focos. Los textiles aparecen ricamente bordados y texturizados. Esmaltes, capas de color, líneas y puntos, telas y costuras se entrelazan conformando mundos de jardines insólitos, tanto naturales como artificiales, que despiertan la imaginación del espectador.

Shirley Rebuffo: ¿Dónde has estudiado y cómo fue esa etapa? Sé que el arte no ha sido tu primera elección.

Lia Porto: Ingresé a la Universidad de Buenos Aires a los 17 años, hice la carrera de abogacía, y más adelante realicé un posgrado de especialización. Esa etapa fue muy tironeada entre los mandatos y una rebeldía interna a todo eso que derivaba en poemas y escritos que sucedían en paralelo, como algo privado. Mi formación como artista visual fue posterior, fue en talleres y clínicas.

SR: Cuéntanos si pasar al arte fue gradual o ya estaba esa opción dentro de ti.

LP: De alguna forma tuve que agotar una estructura que no me servía, en la que era funcional a un deber ser externo, familiar y social para poder dar espacio al arte.

Cuando hablo de arte me refiero a un hacer que procesa la experiencia del mundo y la transforma y resignifica, como un motor que se acciona y manifiesta en respuesta al hecho de habitar el mundo. El arte siempre estuvo dentro de mí, no fue un pasar a eso, sino más bien dejar todo lo que no era eso. Sí hubo un pase de la palabra a la imagen, porque por muchos años mi medio fue la escritura, pero había algo que no entraba ahí, que se quedaba afuera y eso abrió el campo a la pintura. 

SR: Eres nacida en la Patagonia argentina. ¿Cómo influyó ese hecho en tus recuerdos para tu obra?

LP: Nací en la Patagonia y vivi ahí hasta los 17 años. Mi experiencia matriz de mundo se forjó en ese paisaje. El paisaje inicial es una huella básica, está impregnado en la memoria, y como todo lo inicial es constitutivo. La Patagonia es un territorio muy extenso, con baja densidad de población en el que predominan colores desaturados, con vegetación baja, rala, achaparrada, que exige ser mirada en detalle y donde todo es muy pequeño en un contexto de inmensidad, muy impactante. Además, está lo sonoro, hay un ulular del viento, sonidos muy fuertes de la propia naturaleza que también por momentos ofrece un silencio absoluto. He trabajado mucho un paisaje por oposición, al que denominé "Utotrópico", un lugar verde, frondoso, húmedo y cálido. Sin embargo, sé que ese registro de lo mínimo múltiple propio del paisaje patagónico está en todos mis trabajos. Creo que aprendí a mirar en ese lugar y por lo tanto veo en términos de detalle, construyo desde lo pequeño, desde cada partícula que se va integrando con la siguiente, hasta conformar algo más grande. Mis trabajos le piden al ojo del espectador esa atención. 

SR: ¿Cómo surgen las temáticas tan salvajes donde tu fantasía se convierte en arte?

LP: Creo que has utilizado una palabra muy interesante, lo "salvaje", que podemos pensarlo como algo muy primario, instintivo, libre, propio del mundo natural y opuesto a lo "domesticado". Una muestra que realicé hace poco tiempo, se llamó "Perro-Lobo", poniendo en relación esos dos pulsos. 

A lo largo de mi trabajo he ido desde el paisaje salvaje, utópico ("Utotrópico"), al mundo doméstico, la casa y sus elementos. Es un arco que va desde el paisaje, como hábitat más amplio, hacia el mundo doméstico, donde los elementos del paisaje son desmembrados en la ornamentación y dejan de ser fuerzas naturales para ser elementos del lenguaje visual que denotan lo cultural y portan valor simbólico.

Esta exploración tiene su correlato en una materialidad que se funda en la pintura y el dibujo, y abarca lo instalativo y otras materialidades, muy particularmente el textil, que abre una puerta directa al espacio doméstico y es un puente de conexión directa con la historia personal y socio-cultural. 

SR: ¿Cuáles son los referentes artísticos y culturales que más te han influenciado?

LP: No me gusta hacer listas de referentes porque siento que nunca son muy exactas y que dejan afuera una parte importante de los trabajos que nos afectan de una manera u otra. Pero claro, Gustav Klimt, Henri Mattise, Henri Rousseau, Beatriz Milhazes, Feliciano Centurión, Arthur Bispo do Rosario, Omar Schiliro, Carolina Antoniadis, Mónica Millán, Chiachio Giannone, son sin duda parte de una línea imaginaria, de un gran espectro de artistas que me interesan mucho.

SR: ¿Existe alguna búsqueda emocional o simbólica en la elección de tu paleta cromática?

LP: Trabajo el color como una vibración que porta carga emocional, es una exploración que apunta a materializar esa conexión, a construir relaciones simbólicas antes que a racionalizarla. 

SR: ¿Te guías a menudo por el azar?

LP: No, a pesar de que trabajo sin mucho plan previo no es el azar lo que me guía sino una lógica muy interna de mi propia forma de trabajo que va resolviendo con mucha atención los pasos necesarios para cada pieza. 

SR: ¿Qué es para ti la belleza?

LP: Un estado.

SR: ¿Qué técnicas prefieres?

LP: Creo mucho en la apropiación de la técnica, en el sentido de un uso moldeado por uno mismo, un uso mutable que se acomoda a los requerimientos del propio trabajo. Subordino la técnica al trabajo, es una herramienta nada más y prefiero la que convenga a cada proyecto.

SR: ¿Podrías referirte a las claves de tu trabajo?

LP: Tengo un sistema de hacer que es muy laborioso, podría decir que eso es una clave. También lo interconectivo, el uso del soporte como campo donde los elementos se interceptan y atraviesan entre si, con mucha electricidad, mucha intensidad. 

SR: ¿Crees que has conseguido encontrar el estilo con el que realmente te sientes cómoda?

LP: Hay una forma de hacer, una lógica y una poética que identifican mi trabajo. Eso es como una plataforma para un hacer que naturalmente no está fijo, sino que va mutando en el tiempo, abriéndose a nuevas exploraciones.

SR: ¿Qué tienes en mente para el futuro cercano, en relación a tu arte?

LP: Por delante veo mucho trabajo.