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Uruguayos (XVIII) - Panta Astiazarán y los artistas (I)

April 10, 2014, 1:38 am
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Mientras preparaba el post sobre el pintor lituano-uruguayo Zoma Baitler, encontré el retrato que le había hecho el reconocido fotógrafo también uruguayo Panta Astiazarán, con la cual encabecé el artículo. Repasando su obra a lo largo de los años, descubrí que entre las innumerables personalidades de todos los ámbitos que ha fotografiado hay una considerable colección de artistas uruguayos. Así que me propuse publicar una serie de tres posts con una selección que permita conocer un poco más la obra de Astiazarán y a los artistas que han pasado frente a su objetivo.

While preparing the post about the Lithuanian-born Uruguayan painter Zoma Baitler, I found the picture of ​him taken by the renowned Uruguayan photographer Panta Astiazarán, which I selected to head the post. Looking over his work over the years, I found that among the innumerable personalities from all scopes he has photographed there are a considerable collection of Uruguayan artists. So I decided to publish a series of three posts with a selection allowing know a little bit more the work by Astiazarán and the artists who have passed in front of his lens.

Panta Astiazarán y los artistas / and the Artists


Pantaleón (Panta) Astiazarán, es un médico, deportista, karateca, buzo, marino, periodista y fotógrafo uruguayo nacido en 1948.
Heredó su nombre de su abuelo que fue el médico y político Pantaleón Astiazarán. Estudió en la Facultad de Medicina de la Universidad de la República, donde se tituló. Alternó sus estudios con su pasión por el buceo, realizando en París un curso de medicina submarina. Ganador rioplatense de karate, fue custodio de Liber Seregni (en el año 1971), luego retomó sus estudios de medicina. Trabajo para diferentes medios como el diario el El País y la revista Tres.
Editor fotográfico de AFP, ha realizado numerosas muestras colectivas e individuales.

«Para mí hay momentos inefables en fotografía. El primero es cuando estás ocupado observando el mundo a través del telémetro de tu cámara y súbitamente tienes la extraña sensación de que lo que ves y tú mismo son uno. El segundo es cuando has completado el disparo y descubres (si ésta vez haz tenido suerte) unas cuantas imágenes que te devuelven ese sentimiento tan especial de plenitud. Y por último, un tercer momento que ocurre cuando muestras tus imágenes a otra persona y lees en su rostro algo que te dice que has llegado a una conexión que no necesita de palabras, de una manera sutil.»

Texto en inglés al final de este post / Text in english at the end of this post.


Esteban Garino

Esteban Garino. Montevideo, 1973 © Panta Astiazarán

Esteban Roberto Garino es un artista uruguayo autodidacta nacido en Montevideo en 1919. Se inició desde muy joven en dibujo, pintura y particularmente la acuarela. En este sentido fue de gran importancia su relación con el acuarelista italiano Aldo Raimondi. 
Visitó varios países de América, especialmente Argentina, Brasil, Chile y Paraguay, muchas veces invitado por los gobiernos respectivos. Luego realizó un extenso viaje a Europa, con la misión oficial del gobierno uruguayo de estudiar y trabar conocimiento con las grandes y diversas escuelas de acuarela, deteniéndose en la academia de Brena en Milán. Murió en 2001.
Información de aquí.

"Marina / Seascape", acuarela / watercolor

Roberto Esteban Garino is a self-taught Uruguayan artist born in Montevideo in 1919. He started very young in drawing, painting and especially watercolor. In this sense it was very important his relationship with the Italian watercolorist Aldo Raimondi. 
He visited several countries in America, especially Argentina, Brazil, Chile and Paraguay, often invited by the respective governments. Then he made a long trip to Europe with the official mission of the Uruguayan government to study and make the acquaintance of the great and various watercolorist schools, stopping at Brena Academy in Milan. He died in 2001.
Information from here.

Acuarela / Watercolor

La información biográfica está tomada de aquí / Bio information from here.


Alejandro Casares Mora

Alejandro Casares Mora. Montevideo, 1983 © Panta Astiazarán

Alejandro Casares Mora es un pintor uruguayo nacido en 1942. Durante su formación recibe orientación de José Trinchín, Augusto Torres y Carlos González. Estudió técnicas pictóricas con Sergio Biancullo, cerámica en UTU, realizó un curso de Grabado con Michael Ponce de León del Pratt Institute, en Madrid y un curso de Museología en Churubusco, México. A partir de 1963 realizó 26 exposiciones individuales en el Uruguay, tres en España, una en Brasil y una en Argentina.
Participó en diversas exposiciones colectivas en España, Argentina, Brasil, Yugoslavia, Italia, Puerto Rico y EEUU, y varios concursos, obteniendo 17 premios.
Su obra está representada en museos de Uruguay, São Paulo, Rio de Janeiro, Madrid, Rijeka (Croacia, ex Yugoeslavia ) y EEUU.

"Bodegón nocturno / Night Still Life", 40 x 40 cm., 2008

Alejandro Casares Mora is an Uruguayan painter born in 1942. During his training is guided by Jose Trinchín, Augusto Torres and Carlos Gonzalez. He studied painting techniques with Sergio Biancullo, ceramic in UTU, did a course of engraving with Michael Ponce de Leon - Pratt Institute, Madrid- and a course in Museology in Churubusco, Mexico. From 1963 he held 26 individual exhibitions in Uruguay, three in Spain, one in Brazil and one in Argentina. 
He participated in various group exhibitions in Spain, Argentina, Brazil, Yugoslavia, Italy, Puerto Rico and the U.S., and several contests, winning 17 awards. 
His work is represented in museums in Uruguay, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Madrid, Rijeka (Croatia, former Yugoslavia) and the U.S..

Mural, 2005. San Gregorio de Polanco, Tacuarembó, Uruguay

Más información e imágenes / More info and images:
Blog


Eduardo Vernazza

Eduardo Vernazza en su estudio / at his studio. Montevideo, 1976 © Panta Astiazarán

Eduardo Vernazza fue un artista uruguayo nacido en 1910.
Estudió dibujo con Marcelino Buscasso y tomó clases de escultura con Severino Pose en el Circulo de Bellas Artes. Realizó ilustraciones para Mundo Uruguayo y otras revistas, y fue dibujante del diario El Día donde también ejerció la crítica de arte.
La temática de sus obras comprende flores, bodegones, animales domésticos, retratos y autorretratos, temas de circo, marinas, paisajes diversos, escenas de Montevideo con sus ferias, plazas, calles, teatro, candombe y personajes populares. Su obra incluye pinturas y más de 2000 dibujos. Murió en 1991.

"Candombe", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 40 x 50 cm.

Eduardo Vernazza was a Uruguayan artist born in 1910. 
He studied drawing with Marcelino Buscasso and took classes in sculpture with Severino Pose the Circulo de Bellas Artes. Provided illustrations for "Mundo Uruguayo / Uruguayan World" and other magazines, and was cartoonist of the newspaper's "El Dia" where he was also art critic. 
The themes of his works includes flowers, still life, pets, portraits and self-portraits, circus themes, seascapes, diverse landscapes, scenes of Montevideo with its fairs, squares, streets, theater, candombe and celebrities. His work includes paintings and over 2000 drawings. He died in 1991.

"Payaso / Clown", oleo sobre cartón / oil on cardboard, 60 x 50 cm.

Más información / More information:
Wikipedia


Clever Lara

Clever Lara. Montevideo, 2003 © Panta Astiazarán

Clever Lara nació en Rivera (Uruguay) en 1952. Sus primeros estudios los realizó en su ciudad natal. En el período comprendido entre 1964 y 1968, participó en el Taller de Edgardo Ribeiro. En usufructo de la Beca Guggenheim estudió grabado en metales en el Prat Graphics Center de Nueva York (1984). En ese mismo año hizo un curso de grabado con Luis Camnitzer en Valdottavo-Lucca, Italia. 
Participó en exposiciones colectivas en España, Brasil, Venezuela, USA, Cuba, Italia, Ecuador, etc. Además, ha expuesto en Paraguay, Chile, España, Alemania y EEUU entre otros países.
Dirige su propio Taller y Recibió el Premio Figari en 2001. 
En los lienzos de Lara emerge de un modo natural un aura de mundo mágico y trágico al que se superpone un orden geométrico que respeta la identidad de los objetos. Obras suyas se encuentran en museos de Uruguay y Paraguay, así como en colecciones privadas de Argentina, Brasil, Chile, Colombia, EEUU y Paraguay.

"Niña / Girl", óleo sobre tela / oil on canvas, 45 x 60 cm.

Clever Lara was born in Rivera, Uruguay, in 1952. His early education took place in his hometown. In the period between 1964 and 1968, participated in the workshop of Edgardo Ribeiro. Thanks to a Guggenheim Fellowship he studied engraving in metal in the Prat Graphics Center, New York (1984). In the same year he took a course of etching with Luis Camnitzer in Valdottavo-Lucca, Italy. 
He participated in group exhibitions in Spain, Brazil, Venezuela, USA, Cuba, Italy, Ecuador, etc.. He has also exhibited in Paraguay, Chile, Spain, Germany, U.S. and other countries. 
He runs his own workshop and received the Figari award in 2001. 
In the paintings of Lara emerges in a natural way an aura of magic and tragic world to which a geometric order that respects the identity of the objects overlap. His works are in museums in Uruguay and Paraguay, as well as in private collections in Argentina, Brazil, Chile, Colombia, USA and Paraguay.

"Lugar 0,78 / Place 0.78", óleo sobre tela / oil on canvas, 100 x 100 cm., 1980. 
Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay)

Más sobre Clever Lara / More about Clever Lara:
MNAV, Wikipedia


José Cuneo

Jose Cuneo en su casa-estudio / at his home-studio, 1975 © Panta Astiazarán

José Cuneo Perinetti fue un pintor uruguayo nacido en 1887. Fue alumno de la Academia Vitti.
Sus primeros estudios los realiza en 1906 con el maestro Carlos María Herrera. Al año siguiente viaja por primera vez a Turín, donde estudia en el taller de Anton María Mucchi, realizando paisajes de Italia que expone a su regreso a Uruguay en 1910. 
A partir de 1930 se radica en el interior del Uruguay, en las ciudades de Florida y de Melo, donde realiza la serie de ranchos, lunas y acuarelas del campo uruguayo que caracterizan su obra. En 1942 obtiene el Gran Premio de Pintura del Salón Oficial, el Primer Premio en el Salón Nacional de Acuarelas y el Premio de Pintura en la Bienal Nacional de Arte. Murió en Alemania 1977.

"Viboreo", óleo con materias sobre tela / oil with materials on canvas, 100 x 91 cm., 1964.
Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay)

José Cuneo Perinetti was an Uruguayan painter born in 1887. He was a student of the Academy Vitti. 
His early studies were done in 1906 with Carlos María Herrera. The following year his first journey to Turin, where he studied in the workshop of Anton Maria Mucchi, making landscapes of Italy exposed at his return to Uruguay in 1910. 
In 1930 he moved to the interior of Uruguay, in the cities of Florida and Melo, where he made a series of huts, moons and Uruguayan countryside watercolors that characterize his work. In 1942 was awarded with the Grand Prize for Painting the Official Hall, First Prize at the National Exhibition of Watercolors and Painting Prize at the National Art Biennial. He died in Germany in 1977.

"Luna de la Enramada / Moon of the Undergrowth", grabado sobre papel / engraving on paper, 60 x 45 cm.

Más información e imágenes / More info and images:
MNAV, Wikipedia

Más sobre José Cuneo en "El Hurgador" / More about Jose Cuneo in this blog:
[Uruguayos (II)]


Miguel Ángel Battegazzore

Miguel Angel Battegazzore. Montevideo, 1996 © Panta Astiazarán

Miguel Ángel Battegazzore es un pintor y escenógrafo nacido en Montevideo en 1931. Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1958 donde estudió con Miguel A. Pareja. Realizó viajes de estudio a Europa, 1961, África, 1962, diversos países de América, 1967. Realizó escenografías para teatros montevideanos y fue docente en varias instituciones uruguayas. Obtuvo la beca Municipal "Carlos María Herrera" y la beca Fundación Calouste Gulbenkian. 
Es autor de varios audiovisuales y ha realizado exposiciones en Italia, Portugal, Uruguay y Estados Unidos.
En su evolución plástica pasó de lo abstracto a una figuración muy personal en la que hay una reinterpretación, puesta al día, del mundo simbólico establecido por Joaquín Torres García. Lo que era orden en la obra de Torres, se transforma en caos y desorden, los signos se caen de sus anaqueles o estantes, y conforman dentro del cuadro una "entropía".

"Entropía escalonada / Stepwise Entropy", acrylic on canvas / acrílico sobre tela, 222 x 234 x 7 cm.
Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo, Uruguay)

Miguel Angel Battegazzore is a painter and set designer born in Montevideo in 1931. He graduated from the National School of Fine Arts in 1958, where he studied with Miguel A. Pareja. He made trips to Europe, 1961, Africa, 1962, and several countries of America, 1967. He design sets for theaters of Montevideo and taught at several Uruguayan institutions. He got the Municipal scholarship "Carlos María Herrera" and the Calouste Gulbenkian Foundation scholarship. 
He is author of several audiovisual and has exhibited in Italy, Portugal, Uruguay and the United States. 
In his artistic evolution he evolved from abstractionism to a very personal configuration in which there is a reinterpretation, updating, of the symbolic world established by Joaquín Torres García. What was the order in the work by Torres, becomes chaos and disorder, signs fall off their shelves or racks, and inside the frame make a 'entropy'.

Obra inspirada en "Los cantos de Maldoror", de Lautréamont, '70s / 
Work inspired by "Les Chants de Maldoror" by Lautréamont, decade of 1970

Más sobre Miguel Ángel en / More about Miguel Angel in:
MNAV, Wikipedia
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Más información e imágenes sobre la obra de Panta Astiazarán en /
More info and images about the work of Panta Astiazarán in:
Website (english), Blog, Wikipedia

Más sobre Panta Astiazarán en "El Hurgador" / More about Panta Astiazarán in this blog:
[Zoma Baitler (Pintura)]

Muchas gracias a Panta Astiazarán por su autorización para utilizar sus retratos como base de esta serie /
Thanks a lot to Panta Astiazarán for his permission to use his portraits as the basis for this series.


Pantaleon (Panta) Astiazarán, is an Uruguayan doctor, athlete, karate fighter, diver, marine, journalist and photographer born in 1948. 
He inherited his name from his grandfather who was a doctor and political Pantaleon Astiazarán. He studied at the Faculty of Medicine of the University of the Republic, where he graduated. He alternated his studies with his passion for diving, performing in Paris a course in underwater medicine. Karate winner in Rio de la Plata, was custodian of Liber Seregni (in 1971), then resumed his medical studies. Working for different media like the newspaper El País and the magazine Tres. 
AFP photo editor, and had numerous group and solo exhibitions.

«For me there are ineffable moments in photography. The first is when you are still busy watching the world through the rangefinder of your camera and suddenly get the odd feeling that what you see and yourself are the just one. The second is when the clicking is over and you watch you got to discover -if you have been lucky this time- a few images that recall that very special feeling of plenitude. And finally, a third moment happens when you show your images to another person and read on his face something that tells you that you have got wordlessly connected in a subtle way.»

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Vadim Voitekhovitch [Pintura]

April 11, 2014, 2:44 am
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Vadim Voitekhovitch
Вадим Войтехович


La poca información de que dispongo de Vadim Voitekhovitch es que nació en 1963 en Bielorrusia, en el pequeño pueblo de Mozyr, y que desde 2004 vive y trabaja en Alemania.
Se graduó en el Bobruisk Art College, y es un gran dibujante, pintor y acuarelista. 
Aunque gran cantidad de sus obras presentan una temática corriente (paisajes urbanos, puertos, marinas), muchas otras remiten a una época imposible; un mundo victoriano en el que enormes ingenios mecánicos surcan los cielos o recorren las callejuelas empedradas de las ciudades. Pura estética steampunk, donde prevalece la tecnología a vapor al servicio de los más variados dispositivos y estructuras.

"Noticias de la Alta Sociedad / High Society News", óleo / oil,40 x 55 cm.

"Luna de acero / Steel Moon", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 70 cm.

"Toque de queda / Curfew"

"El camino a Babilonia / The Road to babylon", óleo sobre lienzo / oil on canvas

"Nave de combate / Air Battleship", lápiz / pencil

"Ultima Ratio Regum", óleo / oil

"Buque de servicio / Duty Vessel", óleo / oil

"La espedición Gone / The Gone Expedition", óleo sobre lienzo / oil on canvas

"Boceto / Sketch"

I don't have too much information about Vadim Voitekhovitch. He was born in Belarus (1963), in the small town of Mozyr, and since 2004 lives and works in Germany. 
He graduated from Bobruisk Art College, and is a great draftsman, painter and watercolorist. 
Although a large number of his works have common themes (urban landscapes, harbors, seascapes), many others refer to an impossible time; a Victorian world where huge mechanical devices ride the skies or roam the cobblestone streets of the cities. Pure steampunk aesthetic, where steam technology prevails to serve the most varied devices and structures.

"Guardián celestial / Heavenly Guardian", óleo sobre lienzo / oil on canvas

"Dragón postal / Postal Dragon", óleo sobre lienzo / oil on canvas

"El regreso de las colonias / The Return of the Colonies", óleo sobre lienzo / oil on canvas

"Persiguiendo el tiempo / Chasing Time", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 x 45 cm.

"Busca más allá del horizonte / Look Beyond the Horizon", óleo sobre lienzo / oil on canvas

"La aeronave / The aircraft", aguada sobre papel / gouache on paper

"Viento norte / North Wind", óleo / oil

"Leviatán / Leviathan", óleo / oil

"Ninguno regresará / No one will come back", óleo / oil

"Llegada / Arrival", óleo / oil

Se puede disfrutar de la obra de Vadim en / You can enjoy Vadim's work in:
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Si te gustó la obra de Vadim, tal vez te guste / If you liked Vadim's work, maybe you'll enjoy:

Marcin Jakubowski: [Marcin Jakubowski (Arte digital)]
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Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Vadim!)
Images published here with artist's permission (¡Thanks a lot, Vadim!)

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Aniversarios (X) [Abril / April 6-12]

April 12, 2014, 5:33 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 6 de Abril es el cumple de

Raffaello Sanzio, el gran Rafael, nacido en Urbino en 1483, pintor y arquitecto italiano del Alto Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos. Fue considerado un niño prodigio y a los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como "La escuela de Atenas", considerado una de sus obras cumbre. Su carrera se dividió en tres fases y estilos: sus primeros años en Umbría, el periodo de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la ciudad, y su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando para los papas y su corte.

"Retrato de / Portrait of Andrea Navagero y Agostino Beazzano o Doble retrato / or Double Portrait"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 77 x 111 cm., c.1516. Doria Pamphilj Gallery (Roma, Italia)

Más sobre Rafael en "El Hurgador" / More about Raphael in this blog:
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John William Waterhouse, (nacido entre enero y abril de 1849, bautizado el 6 de abril), pintor inglés conocido por su obra de estilo prerrafaelita. Trabajó durante varias décadas después de la ruptura de la hermandad prerrafaelita, que había alcanzado su apogeo en la segunda mitad del siglo XIX, lo cual hizo que se ganara el mote de "El Prerrafaelita Moderno". Tomó prestadas influencias no sólo de los prerrafaelitas, sino también de sus contemporáneos, los impresionistas. En sus obras representaba mujeres de la mitología de la antigua Grecia y de las leyendas de Arturo. Murió en 1917.
"La Dama de Shalott" es la representación de un poema del mismo nombre de Lord Alfred Tennyson, de 1832. En él, el poeta describe la difícil situación de una mujer joven, vagamente basada en la figura de Elaine de Astolat de la leyenda artúrica medieval, que anhelaba con un amor no correspondido al caballero Sir Lancelot, aislada bajo una maldición no revelada en una torre cerca del Camelot del rey Arturo.

"La dama de Shalott / The Lady of Shalott", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 153 × 200 cm., 1888. 
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / England)


El 7 de Abril es el cumple de

Gerritt Dou (Gerhard Douw), pintor y grabador holandés barroco nacido en 1613 en Leiden, a cuya Escuela perteneció, especializándose en escenas de género, y caracterizado por sus trampantojos y pinturas nocturnas iluminadas con velas, con fuertes claroscuros.
A los 15 años se convirtió en el primer alumno del joven Rembrandt, con el que continuó durante tres años.
Cuando Rembrandt se trasladó a Ámsterdam, Dou desarrolló un estilo propio. Sus obras están dotadas de una inusual claridad y precisión de manipulación; probablemente pocos pintores gastaron tanto tiempo y sufrimiento en los detalles más triviales de sus imágenes. Se dice que pasó cinco días pintando una mano. Su trabajo era tan fino que le resultaba necesario fabricar sus propios pinceles, y fue sumamente escrupuloso con sus herramientas y condiciones de trabajo.

"Astrónomo a la luz de la vela / Astronomer by Candlelight"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 32 x 21,2 cm., c.1665. Getty Center (Los Angeles, Estados Unidos / USA)

Más sobre Gerrit Dou en "El Hurgador" / More about Gerrit Dou in this blog:
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Tobias Stimmer, pintor e ilustrador suizo nacido en 1539. Sus obras más famosa son las pinturas del reloj astronómico de Estrasburgo.
Había nacido en  Schaffhausen, y estuvo activo allí, en Estrasburgo y Baden Baden, como pintor de murales y retratista. Hizo un gran número de dibujos para xilografías (escenas bíblicas, alegorías, etc.) que fueron publicadas por el impresor Sigmund Feyerabend en Frankfurt y por Bernhart Jobin en Estrasburgo.
Stimmer fue un continuador de Hans Holbein el Jóven, pero desarrolló su propio manierismo. Entre sus pinturas murales, se conserva la de "House zum Ritter", en Schaffhausen, aunque ha sufrido muchas restauraciones y cambios. Murió en Estrasburgo en 1584.

"Retrato de / Portrait of Jacob Schwytzer and his wife Elsbeth Lochmann"
Óleo sobre panel / oil on panel, 191 × 66,5 cm., 1564. Kunstmuseum Basel (Basilea, Suiza / Switzerland)


El 8 de Abril es el cumple de

Odd Nerdrum, pintor figurativo de nacionalidad noruega nacido en 1944 en Helsingborg (Suecia). Los temas y el estilo en el trabajo de Nerdrum hacen referencia a la anécdota y la narrativa, mientras que las influencias primarias de los pintores Rembrandt y Caravaggio colocan su obra en conflicto directo con la abstracción y el arte conceptual considerados aceptables en gran parte de Noruega, y en oposición al arte de la época.
Nerdrum crea de seis a ocho cuadros al año, incluyendo bodegones (con pequeños objetos de uso cotidiano como ladrillos), retratos y autorretratos cuyos personajes están vestidos como de otro tiempo y lugar. También pinturas de gran formato, de naturaleza alegórica, que presentan un sentido de lo apocalíptico, también referidas a otro tiempo.

"El Beso / The Kiss", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 78 x 98, 2002.
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Hans-Jürgen Schlieker, pintor abstracto alemán nacido en 1924, agrupado en importancia con Hans Hartung, Bernard Schultze y Emil Schumacher.
Tras un perído centrado en sus estudios, sirvió como soldado durante tres años en el ejército alemán. Después de la guerra y tras una estancia temporal en un centro de artistas en Mecklenburg, Schlieker se mudó a Hamburgo para estudiar en el colegio de artes Kunsthochschule con Erich Hartmann.
En 1954 viajó por el Mediterráneo visitando España, Argelia, Túnez, Grecia y Turquía. El periplo dejó en él una profunda impresión y le inculcó la pasión por viajar. En 1958 de mudó con su familia a San Pol (España), una prístina bahía mediterránea.
Ganó dos premios de arte; el "Jungwestfalen award" de la Westphalian Art Association, en 1958 y el "Maler sehen Stuttgart (Los pintores ven Stuttgart)", en 1959.
En los años siguientes Schlieker enseñó en un gymnasium en Bochum antes de mudarse a la Universidad del Ruhr en 1968 para establecer su departamento de bellas artes. Haciéndose cargo del programa completo, pronto se convirtió en mentor de incontables estudiantes que buscaban guía e inspiración en las artes. Murió en 2004.

"San Pol", óleo y témpera sobre papel / oil and tempera on paper, 35,5 x 47,5 cm., 1957


El 9 de Abril es el cumple de

Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely, artista húngaro nacido en 1906 considerado a menudo como el padre del Op Art.
Comenzó a estudiar medicina en Hungría, pero dejó la carrera al cabo de dos años. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus), fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía.
Trabajó como grafista en París a principios de los años '30, donde desarrolló su primer trabajo mayor, "Zebra", que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Durante las dos décadas siguientes Vasarely desarrolló un modelo propio de arte abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Murió en 1997.

"Cuadratura / Quadrature", serigrafía / serigraphy, 1979
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Tony Cragg, artista visual británico nacido en 1949, que trabaja principalmente como escultor. 
En 1973 ganó una plaza para el prestigioso curso de posgrado del Royal College of Art, donde su práctica como escultor se centró en el uso de materiales baratos cotidianos, que estaba acostumbrado a manejar cuando trabajaba en obras en construcción. A veces recogía esos materiales paseando solo por Londres en una bicicleta tándem. Caminar y el ciclismo eran actividades importantes para él, a menudo en compañía de artistas y amigos como Richard Deacon, Richard Long, Bill Woodrow y Roger Ackling. Cragg recuerda que "para mí, a mediados de los '70, el asunto clave era cómo encontrar un contenido y a partir de él llegar a una idea que pudiera evolucionar a través de un abordaje más formal de la obra."
A través de sus cursos y conferencias, Cragg ha tenido una considerable influencia en una jóven generación de artistas. En 1988 se le ofreció un profesorado en Düsselforf. Fue Director de la  Kunstakademie Düsseldorf hasta agosto de 2013.

"Ferryman", bronce de fundición con pátina / cast bronze with patina, 1997. 
Tuchlauben, Viena, Austria (Colección de BAWAG).


El 10 de Abril es el cumple de

Hans Purrmann, pintor y grabador alemán adscrito al expresionismo, nacido en 1880 en Espira.
Comenzó en el taller de su padre y continuó su formación en la escuela Karlruhe. En Münich estudió con Gabriel von Hackl y con Franz von Stuck. Se estableció en París en 1905, donde se familiarizó con el arte de Matisse. 
Perdió su apartamento y muchas obras al estallar la guerra, y en 1916 se mudó a Berlín exponiendo con los artistas más jóvenes de la Secesión. En 1935 se trasladó a Italia convirtiéndose en jefe de la Villa Romana de Florencia. Con el régimen nazi, sus obras fueron declaradas arte degenerado en su país de origen. Cuando Mussolini cayó, huyó a Suiza donde falleció en 1966.

"Desnudo / Nude", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93 x 73 cm.
Museo Hermitage, San Petersburgo (Rusia / Russia)
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Lee Jung-Seob (이중섭), pintor coreano nacido en 1916. Ingresó en la Escuela Teikoku de Pintura Occidental en Japón, en 1932, y empezó a estudiar Arte. Pero lo dejó abruptamente y entró en la Bunka Gakuen (文化學園), en la cual se sintió fascinado por los aires de vanguardia. Manifestó tendencias fauvistas y un estilo de dibujo fuerte y libre. Se graduó en 1944 durante la última fase de la Segunda Guerra Mundial.
Tras el estallido de la Guerra de Corea, no se estableció en un sitio, sino que se dedicó a viajar por el país. Se refugió en Busan con su familia, pero temeroso del progreso de la guerra huyó a Jeju. Sin embargo debido a la dureza de la vida allí, su esposa Masako dejó Japón con sus dos hijos. Después de eso, nunca volvió a ver a su familia, salvo durante una corta estadía de 5 días en Tokyo.
Al regresar a Seúl se instaló en la capital. Hizo una única exhibición privada en la Galería Midopa en 1955. Después de eso, sufrió un tipo de esquizofrenia atribuida a la nostalgia por su familia y la dureza de su vida. En su soledad, regresó al alcohol y murió de hepatitis en Seúl, en 1956.

"Toro / Bull", óleo y esmalte sobre papel / oil and enamel on paper, 1953. 
Seoul Museum (Seúl, Corea / Korea)


El 11 de Abril es el cumple de

Gustav Vigeland, escultor noruego nacido en Mandal, Sørlandet, en 1869. Tras una primera estancia en Oslo estudiando escultura en madera, regresó en 1888, y al año siguiente expuso su primera obra. De 1891 a 1896 realizó diversos viajes al extranjero, frecuentando el estudio de Rodin y entrando en contacto con el arte renacentista. Su primera obra pública fue la restauración de la Catedral de Nidaros en Trondheim.
En 1921 el consistorio de Oslo llegó a un acuerdo con el artista: se construiría un nuevo edificio destinado a estudio y vivienda del escultor, que debería ser transformado en museo después de su muerte y, a cambio, el artista se comprometía a donar a la ciudad todo su trabajo, esculturas, diseños, bajorrelieves, incluyendo los modelos. En ésta casa de Kirkeveien vivió y trabajó hasta su muerte, en 1943.

Una de las esculturas en el / One of the sculptures in the Vigeland Park, Frogner Park (Oslo, Noruega / Norway)
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Shri Jamini Roy (যামিনী রায়), pintor indio, uno de los más famosos pupilos de Abanindranath Tagore, cuya contribución a la emergencia del arte moderno en India sigue siendo incuestionable. Fue honrado con el premio estatal Padma Bhushan en 1955.
Cuando tenía 16 años fue enviado a estudiar al Colegio de Arte del Gobierno en Kolkata (Calcuta). Abanindranath Tagore, fundador de la escuela de Bengala, era vice director de la institución. Se le enseñó a pintar en la tradición académica, dibujando desnudos clásicos y pintando al óleo, y en 1908 recibió su diploma en Bellas Artes.
Sin embargo pronto se dio cuenta de que necesitaba inspiración, no de las tradiciones occidentales, sino de su propia cultura, así que volvió la vista al folclore vivo y el arte tribal. Fue influenciado por la pintura Kalighat, que era un estilo caracterizado por pinceladas amplias y audaces.
Durante los '40 su popularidad llegó a la cima, con la clase media bengalí y la comunidad europea como su clientela principal. Murió en 1972.

"Sin título (Krishna y Vacas) / Untitled (Krishna with Cows)"
Aguada sobre tarjeta / gouache on card, 30,5 x 54 cm., 1944. Colección privada / Private collection.


Hoy, 12 de Abril, es el cumple de

Robert Delaunay, pintor francés nacido en 1885, pionero del arte abstracto a principios del siglo XX. En 1912 abandonó el cubismo para embarcarse en un nuevo estilo, el orfismo, que se centró en las formas circulares y los colores brillantes. Su serie Ventanas (1912) constituyó uno de los primeros ejemplos de un arte abstracto total y una importante referencia en el arte moderno. Realizó igualmente escritos teóricos muy influyentes entre sus contemporáneos, como el ensayo "Sur la lumière", publicado en «Der Sturm» (1913), en traducción de Paul Klee. Falleció en 1941.
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"Portuguesa (La gran portuguesa) / Portuguese", Cera sobre lienzo / wax on canvas, 180 x 205 cm., 1916. 
Colección / Collection Carmen Thyssen-Bornemisza
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Manuel Neri, escultor, pintor y grabador estadounidense, miembro destacado de la "segunda generación" del Movimiento Figurativo del Área de la Bahía. Nació en 1930.
Comenzó asistiendo al Colegio de la Ciudad de San Francisco en 1950, estudiando inicialmente ingeniería eléctrica. Unas clases de cerámica le inspiraron para dedicarse al arte.
Continuó su educación en el Colegio de Artes y Oficios de California, y en la Escuela Californiana de Bellas Artes (actualmente Instituto de Arte de San Francisco).
A fines de los '50 fue miembro de una galería cooperativa gestionada por artistas, la Six Gallery, junto con Joan Brown, Bruce Conner y Jay DeFeo.
Neri enseñó escultura y cerámica en la Escuela Californiana de Bellas Artes desde 1959 a 1965, y estuvo en la facultad de la Universidad de California desde 1965 a 1999.
En 2006 recibió el premio del Centro Internacional de Escultura por sus logros de toda una vida en escultura contemporánea.

"Arcos de Geso", bronce y pigmentos de base oleosa / bronze and oil-based pigments, 2006. 
Phoenix Art Museum (Arizona, Estados Unidos / USA)


* On April 6 is the birthday of

Raffaello Sanzio, the great Raphael, born in Urbino in 1483, Italian painter and architect of the High Renaissance. In addition to his artistic work, which would be admired and imitated for centuries, he made ​​important contributions in architecture and as inspector of antiquities, he became interested in the study and conservation of the Greco-Roman vestiges. He was considered a child prodigy. At 25 he received his first official commission, the decoration of the Vatican Rooms, where he painted some frescoes as "The School of Athens", considered one of the top works. His career was divided into three phases and styles: his early years in Umbria, the period of four years in Florence (1504-1508), where he absorbed the artistic traditions of the city and his ultimate and triumphant twelve years in Rome, working for the Popes and their courts.

John William Waterhouse, (born between January and April 1849, baptised on 6 April), an English painter known for working in the Pre-Raphaelite style. He worked several decades after the breakup of the Pre-Raphaelite Brotherhood, which had seen its heyday in the mid-nineteenth century, leading him to have gained the moniker of "the modern Pre-Raphaelite". Borrowing stylistic influences not only from the earlier Pre-Raphaelites but also from his contemporaries, the Impressionists, his artworks were known for their depictions of women from both ancient Greek mythology and Arthurian legend. He died in 1917.
"The Lady of Shalott" is a representation of a scene from Alfred, Lord Tennyson's 1832 poem of the same name, in which the poet describes the plight of a young woman, loosely based on the figure of Elaine of Astolat from medieval Arthurian legend, who yearned with an unrequited love for the knight Sir Lancelot, isolated under an undisclosed curse in a tower near King Arthur's Camelot. 

* On April 7 is the birthday of

Gerritt Dou (Gerhard Douw), Baroque Dutch painter and etcher born in 1613 in Leiden, to which School he belonged, specializing in genre scenes and characterized by his trompe l'oeil and candlelit night paintings, with strong contrasts. 
At 15, he became the first student of the young Rembrandt, with whom he continued for three years. 
When Rembrandt moved to Amsterdam, Dou developed his own style. His works are endowed with unusual clarity and precision handling, probably few painters spent much time and suffering to the most trivial details of their images. He said he spent five days painting one hand, and his work was so fine that he found it necessary to manufacture his own brushes and was extremely scrupulous with his tools and working conditions.

Tobias Stimmer, Swiss painter and illustrator born in 1539. His most famous work is the paintings on the Strasbourg astronomical clock.
He was born in Schaffhausen, and was active in Schaffhausen, Strasbourg and Baden-Baden as a wall and portrait painter. He made a great number of drawings for woodcuts (Bible scenes, allegories, etc.) which were published by the printer Sigmund Feyerabend in Frankfurt am Main, and Bernhart Jobin in Strasbourg.
Stimmer followed Hans Holbein the Younger, but developed his own mannerism. Among his wall paintings remain the "House zum Ritter" in Schaffhausen, although this was actually much restored and changed. He died in Strasbourg in 1584.

* On April 8 is the birthday of

Odd Nerdrum, Norwegian figurative painter born in 1944 in Helsingborg (Sweden). The themes and style in Nerdrum's work reference anecdote and narrative, while primary influences of painters Rembrandt and Caravaggio place his work in direct conflict with the abstraction and conceptual art considered acceptable in much of Norway and in opposition to the art of the period. 
Nerdrum creates six to eight paintings per year, including small still lifes of everyday objects such as bricks, portraits and self-portraits which are dressed as characters from another time and place, and large paintings of allegorical nature with a sense of apocalyptic also referred to another time.

Hans-Jürgen Schlieker, German abstract painter born in 1924, grouped in importance with Hans Hartung, Bernard Schultze and Emil Schumacher.
After a period of focused study, he served as a soldier for three years in the German army.
After the war and a temporary stay at an artist’s centre in Mecklenburg, Schlieker moved to Hamburg to study at the Kunsthochschule (arts college) under Erich Hartmann. 
In 1954, he travelled the Mediterranean and visited Spain, Algeria, Tunisia, Greece and Turkey. The trip left a deep impression and instilled a wanderlust. In 1957-1958, he and his family moved to San Pol, Spain, a pristine bay on the Mediterranean.
Schlieker won two art prizes, the Westphalian Art Association's '‘Jungwestfalen award’' in 1958, and ‘'Maler sehen Stuttgart (Painters see Stuttgart) in 1959.
For the next few years, Schlieker taught at a gymnasium in Bochum before moving to Ruhr University in 1968 to build up its fine arts department. Managing the entire programme, he soon became mentor to countless students seeking guidance and inspiration in the arts.

* On April 9 is the birthday of

Vásárhelyi Győző, known as Victor Vasarely, Hungarian artist born in 1906, often regarded as the father of Op Art. 
He began to study medicine in Hungary, but left the career after two years. He then became interested in abstract art and Muheely school (early Bauhaus), founded in Budapest (Hungary) by a student of the Bauhaus. He felt attracted by Mondrian and Malevich and interested in astronomy. 
He worked as a graphic designer in Paris in the early '30s, where he developed his first major work, "Zebra", which is considered today the first work of Op Art. Over the next two decades, Vasarely developed his own model of geometric abstract art, optical motion effects, ambiguous forms and perspectives, and unstable images. He died in 1997.

Tony Cragg, British visual artist born in 1949 who works mainly as a sculptor. He was the director of the Kunstakademie Düsseldorf until August 2013.
In 1973 he won a place on the prestigious post-graduate sculpture course at the Royal College of Art, where his practice as a sculptor embraced the use of cheap 'everyday' materials that he was used to handling whilst working on building sites. (Sometimes he would collect these materials riding solo around London on a tandem bicycle.) Walking and cycling were important activities for him, often in the company of artist friends such as Richard Deacon, Richard Long, Bill Woodrow and Roger Ackling. Cragg recalls "For me, in the mid-seventies, the crucial question became one of finding a content and from that came the idea that might evolve through a more formal approach to the work."
Through his teaching and lectures, Cragg has had a considerable influence on a younger generation of artists. In 1988 he was offered a professorship at Düsseldorf. He was the Director of the Kunstakademie Düsseldorf until August, 2013.

* On April 10 is the birthday of

Hans Purrmann, German painter and engraver attached to expressionism, born in 1880 in Speyer. 
Began in the workshop of his father and continued his training in Karlruhe school. In Munich he studied with Gabriel von Hackl and Franz von Stuck. He settled in Paris in 1905, where he became acquainted with the art of Matisse. 
He lost his apartment and a lot of artworks at the outbreak of war, and in 1916 he moved to Berlin showing his work with younger artists of the Secession. In 1935 he moved to Italy and became head of the Villa Romana in Florence. With the Nazi regime, his works were declared degenerate art in his home country. When Mussolini fell, he fled to Switzerland where he died in 1966.

Lee Jung Seob (이중섭), Korean painter born in 1916. He entered Teikoku Art School for Occidental Painting in Japan in 1932 and studied Art in earnest. But he abruptly quit that school and entered Bunka Gakuen (文化學園), which was more fascinated with the avant-garde. He showed Fauvist tendencies and a strong and free drawing style. He graduated  in 1944 during the last stage of World War II.
Following the outbreak of the Korean War, he didn’t settle one place and instead wandered the country. He took refuge in Busan with his family, but with a fear of the progress of war, he fled to Jeju. However due to the hardships of life there, his wife Masako left for Japan with his two sons. After that, he never met his family except for a short meeting for 5 days in Tokyo in 1953.
He came to Seoul with returning to the capital. He held only one private exhibition at the Midopa gallery in 1955. After that, he suffered from a type of schizophrenia credited to longings for his family and the hardships of his life. In his loneliness, he turned to alcohol and died of hepatitis in 1956 in Seoul.

* On April 11 is the birthday of

Gustav Vigeland, Norwegian sculptor born in Mandal, Sørlandets in 1869. After an initial stay in Oslo studying wood carving, returned in 1888 and the following year he exhibited his first work. From 1891-1896 several trips abroad, frequenting the study of Rodin and contacting Renaissance art. His first public work was the restoration of the Nidaros Cathedral in Trondheim. 
In 1921 the municipality of Oslo agreed with the artist: a new building for the sculptor studio and housing would be built. It should be turned into a museum after his death and in return, the artist agreed to donate to city ​​all his work, sculptures, designs, carvings, including models. In this house of Kirkeveien lived and worked until his death in 1943.

Shri Jamini Roy (যামিনী রায়), an Indian painter, one of the most famous pupils of Abanindranath Tagore, whose contribution to the emergence of modern art in India remains unquestionable. He was honored with the State award of Padma Bhushan in 1955.
When he was sixteen he was sent to study at the Government College of Art, Kolkata. Abanindranath Tagore, the founder of Bengal school was vice principal at the institution. He was taught to paint in the prevailing academic tradition drawing Classical nudes and painting in oils and in 1908 he received his Diploma in Fine Art.
However, he soon realised that he needed to draw inspiration, not from Western traditions, but from his own culture, and so he looked to the living folk and tribal art. He was most influenced by the Kalighat Pat (Kalighat painting), which was a style of art with bold sweeping brush-strokes. 
During the 1940s, his popularity touched new highs, with the Bengali middle class and the European community becoming his main clientele. He died in 1972.

* Today, April 12, is the birthday of

Robert Delaunay, French painter born in 1885, a pioneer of abstract art in the early twentieth century. In 1912 abandoned Cubism to embark on a new style, Orphism, which focused on the circular shapes and bright colors. His series Windows (1912) was one of the first examples of an overall abstract art and an important reference in modern art. He also wrote theoretical writings very influential among his contemporaries, such as "Sur la lumière" essay published in "Der Sturm" (1913), translated by Paul Klee. He died in 1941.

Manuel Neri, American sculptor, painter, and printmaker and a notable member of the "second generation" of the Bay Area Figurative Movement. He was born in 1930.
He began attending college at San Francisco City College in 1950, initially studying to be an electrical engineer. After taking a class in ceramics, he was inspired to become an artist. He continued his education at California College of Arts and Crafts and at California School of Fine Arts (now the San Francisco Art Institute)
In the late 1950s, he was a member of the artist-run cooperative gallery, the Six Gallery, along with Joan Brown, Bruce Conner, and Jay DeFeo.
Neri taught sculpture and ceramics at California School of Fine Arts from 1959 - 1965 and was on the faculty of the University of California from 1965-1999.
In 2006, Neri was a recipient of the International Sculpture Center's Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture Award.

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Aniversarios, Fotografía (X) [Abril / April 7-13]

April 13, 2014, 12:42 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 7 de Abril es el cumple de

Kenneth Gustavsson, fotógrafo sueco nacido en 1946.
Gustavsson se crió en un suburbio al noroeste de Estocolmo. Entre 1964 y 1967 estudió fotografía en la Fotoskolan, en la misma ciudad, al mismo tiempo que Anders Petersen. El responsable era Christer Strömholm. Tras su graduación en 1967, fundaron con Petersen la agencia de fotografía Saftra (Saftra Reportage Fotografi).
La revista de fotografía sueca FOTO publicó el trabajo de Gustavsson en los '60. Junto con Anders Petersen, Gustavsson retrató los barrios bajos de Estocolmo para una exhibición que tuvo lugar en el Stockholm City Museum en 1969. Tras haberse alejado de la fotografía durante la mayor parte de los '70, una publicación en la revista ETC en 1983 revivió la carrera de Gustavsson. Desde entonces realizó trabajos en Belfast, Chicago, Reykjavik y New York para la revista. En 1984 fue galardonado con el Premio de Fotografía de la revista FOTO. Murió en 2009.



El 8 de Abril es el cumple de

Ida Kar (Ida Karamian, Ида Карамян), fotógrafa rusa de origen armenio nacida en 1908, reconocida por sus retratos de artistas y escritores famosos.
Pasó su infancia entre Rusia, Armenia, Irán y Egipto. En 1928 se trasladó a París con el fin de estudiar química y medicina pero pronto simpatizó con los surrealistas y se interesó por la fotografía. Al regresar a El Cairo en 1933 abrió un estudio fotográfico y participó en el desarrollo del surrealismo en Egipto.
En 1945 se trasladó a Londres participando en el movimiento surrealista inglés por lo que su obra comenzó a difundirse. En 1954 participó en una exposición colectiva con el título de Forty Artists from Paris and London (Cuarenta artistas de París y Londres) y en 1960 realizó su primera exposición individual. Murió en 1974.



El 9 de Abril es el cumple de

Eadweard James Muybridge (nombre de nacimiento Edward James Muggeridge), fotógrafo inglés nacido en 1830, importante por su trabajo pionero en estudios fotográficos del movimiento y una temprana proyección de imágenes.
Emigró a los Estados Unidos de joven y se convirtió en vendedor de libros. Regresó a Inglaterra en 1861 y se dedicó a la fotografía de forma profesional, aprendiendo los procesos de placas de colodión húmedo, y registrando al menos dos patentes británicas para sus inventos. Regresó a San Francisco en 1867 y al año siguiente sus grandes fotografías del Valle de Yosemite le hicieron mundialmente famoso. Hoy en día, Muybridge es conocido por su trabajo pionero en locomoción animal en 1877 y 1878, utilizando múltiples cámaras para captar el movimiento en fotografías "stop-motion", y su zoopraxiscopio, un dispositivo para proyectar películas que antecedió a la banda de film flexible perforada que se utilizó en cinematografía. Murió en 1904.

"Locomoción animal, lámina 686 / Animal Locomotion, Plate 686", 45,7 x 59,7 cm., 1887. 
SCAD Museum of Art (Savannah, Georgia, Estados Unidos / USA)


El 10 de Abril es el cumple de

Farah Mahbub (Farah Jee), fotógrafa artística y profesora pakistaní.
Nació en 1965 y ha obtenido el segundo premio en la categoría Bellas Artes con la obra titulada "Líneas de la Vida y Manuscritos 25" en PX3, Premio de la Fotografía de París.
Farah se graduó en el Colegio P.E.C.H.S. de Karachi con una Licenciatura en Artes (1987). Ha estado trabajando como fotógrafa profesional desde 1988. Durante estos años ha realizado fotografía artística para su expresión personal y trabajos como freelance para diversas publicaciones. Se unió a la Escuela de Arte y Arquitectura del Valle del Indo en Karachi (Pakistán) como profesora en 1997.

"Damishq - Ciudad de / City of Jasmin", 38,1 x 25,4 cm., 2012


El 11 de Abril es el cumple de

Dody Weston Thompson, fotógrafa y cronista de la historia y el arte de la fotografía. Aprendió el arte en 1947 y desarrolló su propia expresión de fotografía "directa" o realista, el estilo que surgió en el norte de California en la década de 1930. Dody trabajó en estrecha colaboración con los iconos contemporáneos Edward Weston (su ex- suegro), Brett Weston (su ex marido) y Ansel Adams (como asistente y amiga), desde fines de la década del '40 y durante la del '50, con colaboraciones adicionales con Brett Weston en los '80.
Dody fue invitada en 1949 a participar en la organización fotográfica Grupo f/64, un bastión del emergente Movimiento Fotográfico de la Costa Oeste. En 1952 fue co- galardonada con el prestigioso Premio Albert Bender M. (conocido informalmente en Occidente como el "Pequeño Guggenheim"), que financió un año de trabajo en fotografía. Su trabajo de cámara está representado en docenas de museos y colecciones privadas, así como en muchos libros de fotografía y revistas. También participó en exposiciones individuales y múltiples exposiciones colectivas desde 1948 hasta 2006, en los Estados Unidos y Japón. Murió en 2012.

"Duna blanca Nº 1 / White Dune Nº 1", Oceano, California, c. 1951


El 12 de Abril es el cumple de

Antonín Kratochvíl, fotoperiodista estadounidense nacido en la República Checa en 1947. Es miembro fundador de la agencia "VII Photo Agency". Recibió su licenciatura en fotografía en la academia Gerrit Rietveld (Ámsterdam, Holanda). Kratochvíl ha fotografiado una amplia variedad de temas, incluyendo los niños de la calle de Mongolia para el Museo Nacional de Historia, y la guerra de Irak para la revista Fortune.
Ha recibido numerosos premios y reconocimientos por sus fotografías. Uno de los más recientes en 2005, el Lucie Award por Notables Logros en Fotoperiodismo, y el Golden Light Awars por mejor libro documental.
Website del artista: http://antoninkratochvil.com/

"Serie Diamantes de sangre / Blood Diamonds Series"


El 13 de Abril es el cumple de

Carlos Endara Andrade, fotógrafo ecuatoriano nacido en 1865 que desarrolló su trabajo en Panamá, convirtiéndose en uno de los pioneros de la fotografía de aquél país.
Se trasladó a Panamá en 1886 en busca de su padre que estaba trabajando en la construcción del Canal y como disponía de estudios de dibujo entró a trabajar en la Compañía Universal del Canal Interoceánico. Tras conocer al fotógrafo francés Luis Blanc se inició en la fotografía y pronto se asoció con Epifanio Garay con el que fundó el estudio fotográfico "Garay-Endara" de Panamá en 1888. Entre 1899 y 1904 estudió Bellas Artes en París, especializándose en las técnicas fotográficas.
Su trabajo fotográfico se centra en el retrato aunque también refleja aspectos clave de la vida en su época.
Colaboró en diferentes revistas y periódicos panameños, y llegó a ser el fotógrafo oficial de varios presidentes. Murió en 1954.

"M. Galdys Müller de la Espriella" Reina del Carnaval / Carnival's Queen, 1930


Textos en inglés / English translation

* On April 7 is the birthday of

Kenneth Gustavsson, Swedish photographer born in 1946.
Gustavsson grew up in a suburb north west of Stockholm. Between 1964 and 1967 he studied photography at the Fotoskolan in Stockholm, where the photographer Christer Strömholm was head, at the same time as Anders Petersen. After graduation in 1967, he and Petersen co-founded the Saftra photo agency (Saftra Reportage Fotografi).
The Swedish photo magazine Foto published Gustavsson's work in the 1960s. Together with Anders Petersen, Gustavsson portrayed the Stockholm slums in an exhibition at the Stockholm City Museum in 1969. After not working in photography for most of the 1970s, a feature in ETC magazine in 1983 revived Gustavsson's career and he went on to complete assignments in Belfast, Chicago, Reykjavik and New York for ETC. In 1984 he was awarded FOTO magazine’s Photographer’s Price. He died in 2009.

* On April 8 is the birthday of

Ida Kar (Ida Karamian, Ида Карамян), Russian-Armenian photographer born in 1908, well known for her portraits of famous artists and writers. 
She spent his childhood between Russia, Armenia, Iran and Egypt. In 1928 she moved to Paris to study chemistry and medicine but soon she sympathized with the Surrealists and become interested in photography. Upon returning to Cairo in 1933 opened a photographic studio and participated in the development of surrealism in Egypt. 
In 1945 she moved to London to participate in the English Surrealist movement so that her work began to spread. In 1954 participated in a group exhibition entitled Forty Artists from Paris and London (Forty artists in Paris and London) and in 1960 she held his first solo exhibition. She died in 1974.

* On April 9 is the birthday of

Eadweard James Muybridge (birth name Edward James Muggeridge), English photographer born in 1830, important for his pioneering work in photographic studies of motion, and early work in motion-picture projection.
He emigrated to the United States as a young man and became a bookseller. He returned to England in 1861 and took up professional photography, learning the wet-plate collodion process, and secured at least two British patents for his inventions. He went back to San Francisco in 1867, and in 1868 his large photographs of Yosemite Valley made him world famous. Today, Muybridge is known for his pioneering work on animal locomotion in 1877 and 1878, which used multiple cameras to capture motion in stop-motion photographs, and his zoopraxiscope, a device for projecting motion pictures that pre-dated the flexible perforated film strip used in cinematography. He died in 1904.

* On April 10 is the birthday of

Farah Mahbub (Farah Jee), Pakistani Fine Art Photographer and a photography professor.
She was born in 1965 and awarded second prize in category fine art for the entry titled, “Lifelines & Manuscripts 25.” by PX3 - Prix de la Photographie Paris.
Farah Mahbub graduated from P.E.C.H.S. College Karachi with Bachelor of Arts degree in 1987. Farah have been working as a professional photographer since 1988. Over these years she did fine art photography for personal self-expression and freelanced for many publications. She joined Indus Valley School of Art and Architecture in 1997 to teach photography.

* On April 11 is the birthday of

Dody Weston Thompson, American photographer and chronicler of the history and craft of photography. She learned the art in 1947 and developed her own expression of “straight” or realistic photography, the style that emerged in Northern California in the 1930s. Dody worked closely with contemporary icons Edward Weston (her former father-in-law), Brett Weston (her former husband) and Ansel Adams (as an assistant and a friend) during the late 1940s and through the 1950s, with additional collaboration with Brett Weston in the 1980s.
Dody was invited in 1949 to participate in the photographic organization Group f/64, a bastion of the emerging West Coast Photographic Movement. In 1952, she was co-awarded the prestigious Albert M. Bender Award (known informally in the West as the “Little Guggenheim”) which financed a year's work in photography. Her camera work is represented in dozens of museums and private collections as well as in many photographic books and magazines. She also participated in multiple solo and group exhibitions from 1948 through 2006 in the United States and Japan. She died in 2012.

* On April 12 is the birthday of

Antonín Kratochvíl, Czech-born American photojournalist. He is a founding member of the VII Photo Agency. He received his BFA in Photography from Gerrit Rietveld Academie which is located in Amsterdam, the Netherlands. Kratochvil has photographed a wide variety of subjects, including Mongolia's street children for the Museum of Natural History and the war in Iraq for Fortune Magazine. 
He has received numerous grants and awards for his photography, most recently the 2005 Lucie Award for Outstanding Achievement in Photojournalism and the 2005 Golden Light Award for Best Documentary Book.
Artist's website: http://antoninkratochvil.com/

* On April 13 is the birthday of

Carlos Endara Andrade, Ecuadorian photographer born in 1865 who developed his work in Panama, becoming one of the pioneers of photography in that country.
He moved to Panama in 1886 in search of his father who was working on the construction of the Canal and as available studies drawing started working on Universal Inter-Oceanic Canal Company. After meeting French photographer Louis Blanc started in photography and soon became associated with Epifanio Garay founded the photographic studio "Garay-Endara" of Panama in 1888. Between 1899 and 1904 he studied Fine Arts in Paris, specializing in technical photo. 
His photographic work focuses on portraiture but also reflects key aspects of life in his time. 
Collaborated in various magazines and newspapers Panamanians, and became the official photographer of several presidents. He died in 1954.

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Aniversarios (XI) [Abril / April 13-19]

April 19, 2014, 12:10 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 13 de Abril es el cumple de

Louis-Ernest Barrias, escultor francés nacido en 1841 que trabajó en la segunda mitad del siglo XIX dentro del estilo Neoclásico. Inicialmente dedicado a la pintura en el estudio de Leon Cogniet, dejó de lado la pintura para dedicarse a la escultura con Pierre-Jules Cavelier como profesor. A los 23 años obtiene el Prix de Rome. Produjo numerosas obras escultóricas, la mayoría en mármol, dentro de un estilo academicista neoclásico puro bajo la influencia de Jean-Baptiste Carpeaux. La mayor parte de su obra puede verse en París, como estatuaria pública, en el Museo de Orsay o en el cementerio del Père-Lachaise.

"Joven niña de la Megara / Jeune fille de Mégare", mármol / marble, 1870
Musée d'Orsay (París, Francia / France)
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James Ensor (James Sidney Edouard, Baron Ensor), pintor y grabador belga nacido en 1860, importante influencia en el expresionismo y el surrealismo, que vivió casi toda su vida en Ostende. Estuvo asociado con el grupo artístico "Les XX".
Ensor perdió interés en los estudios académicos y dejó la escuela a los 15 años para comenzar su instrucción artística con dos pintores locales. Entre 1877 y 1880 asistió a la Académie Royale des Beaux-Arts en Bruselas, donde uno de sus compañeros fue Fernand Khnopff. La primera exposición de Ensor tuvo lugar en 1881.
Durante fines del s.XIX, la mayoría de su obra fue rechazada por escandalosa, particularmente su pintura "La entrada de Cristo en Bruselas en 1889", pero sus trabajos siguieron exhibiéndose y gradualmente ganó aceptación y aclamación.
Mientras que sus primeras obras, como "Música rusa" (1881) y "Los borrachos" (1883) representan escenas realistas en un estilo sombrío, su paleta se fue haciendo más brillante y su temática cada vez más bizarra. Murió en 1949.

"La entrada de Cristo en Bruselas en 1889 / Christ's Entry into Brussels in 1889"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 253 × 431 cm., 1888-89.


El 14 de Abril es el cumple de

Victor Elpidiforovich Borisov-Musatov (Ви́ктор Эльпидифо́рович Бори́сов-Муса́тов), pintor ruso reconocido por su estilo post-impresionista que mezclaba el simbolismo, el estilo puro decorativo y el realismo. Se le refiere a menudo junto a Mikhail Vrubel como creador del simbolismo ruso. Se inscribió en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú en 1890 y al año siguiente pasó a la Academia Imperial de Artes de San Petersburgo. El clima demasiado húmedo lo obligó a regresar a Moscú por su salud.
Sus primeros trabajos como "Flores de mayo", fueron tachados de decadentes por la administración de la Escuela. Le criticaron severamente por no hacer distinción entre las niñas y los manzanos en la búsqueda de un efecto decorativo. El mismo trabajo fue elogiado por sus pares, quienes lo consideraron el líder de un nuevo movimiento artístico.
Fue miembro de la Unión de Artistas Rusos y uno de los fundadores y dirigentes de la Asociación de Artistas de Moscú. Murió en 1905.

"La Piscina / The Pool", témpera sobre lienzo / tempera on canvas, 1902. 
The Tretyakov Gallery (Moscú, Rusia).
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Jean-Victor Schnetz, pintor académico francés nacido en 1787, reconocido por sus pinturas históricas y de género.
Estudió en París con Jacques-Louis David. Tuvo una carrera brillante. En 1837 fue elegido para la Academia de Bellas Artes, y fue dos veces director de la Academia Francesa de Roma, entre 1841 y 1846, y luego nuevamente entre 1853 y 1866.
Sus obras puede encontrarse en el Museo del Louvre y el Petit Palais (París), el Castillo de Versalles (Versalles), el Hermitage de San Petersburgo y el Museo de Bellas Artes de San Francisco. Murió en 1870.

"Le Capucin médecin / El capuchino médico / The Cappuccino Doctor", 1860. 
Château-musée de Flers (Orne, Francia / France)


El 15 de Abril es el cumple de

uno de los más grandes: Leonardo Da Vinci. Anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista renacentista florentino nacido en 1452.
Es un estudio dibujado con punta de plata, un medio popular durante el Renacimiento temprano. Es muy adecuado para figuras detalladas y cuidadosas. Era un buen método para entrenar jóvenes aprendices ya que requiere control y disciplina. Aquí, la línea, que se ha vuelto gris a la atmósfera, es fina y delicada. El detalle es extraordinario: la armadura, los rizos en el pelo y el espléndidamente elaborado yelmo son incluso superados por el modelado de la cara del hombre y el león en el peto.
Debió requerir una paciencia infinita al jóven Leonardo producir las finísimas sombras de la cara del hombre, con cada línea separada.
El dibujo está probablemente basado en uno de los trabajos perdidos de su maestro Andrea Verrocchio. 

"Perfil de un guerrero con casco / Profile of a Warrior in Helmet"

Más sobre Leonardo en "El Hurgador" / More about Leonardo in this blog:
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Georg Kolbe, figura líder en la escultura figurativa de su generación, con un estilo moderno, simplificación de los clásicos, similar al de Aristide Maillol en Francia. Nació en 1877.
Formado originalmente como pintor en Dresde, Múnich y París, comenzó a esculpir durante su estadía en Roma, durante el cambio de siglo, bajo la guía técnica del escultor Louis Tuaillon.
Su gran éxito artístico llegó en 1912 con su obra maestra "La bailarina", su obra más famosa. En 1929 colaboró con Mies van der Rohe, quien situó su escultura "Amanecer" en un pequeño depósito de agua. Último presidente de la Deutscher Künstlerbund (Asociación de artistas alemanes), se dedicó a la promoción de colegas artistas que fueron clasificados de "degenerados".
Muchas de las 1000 esculturas de Kolbe fueron destruidas por confiscación, bombardeos o fundición para propósitos bélicos. Kolbe Murió en 1947.

"Amanecer / Dawn", escultura para el pabellón de Alemania en la Exposición Internacional de Barcelona /
sculpture for the German Pavillion in the Barcelona International Exposition, Montjuïc, 1929.


El 16 de Abril es el cumple de

Ford Madox Brown, pintor inglés nacido en Calais en 1821, estrechamente relacionado con la Hermandad Prerrafaelita aunque no llegó a ser miembro. Se formó en Brujas, Gante, Amberes y fundamentalmente Roma, donde estuvo entre 1845 y 1846 y frecuentó a los nazarenos, una corriente artística nacida en 1806 en Viena. En 1846 regresó a Inglaterra y años después conoció a Rossetti, entonces siete años más joven que él, quien le presentó a Millais y a Hunt. Brown se dedicó sobre todo a la pintura histórica y de tema bíblico. Un carácter retraído, numerosas tragedias familiares y su interés por los problemas sociales de la época lo llevaron a producir una obra intensa con temáticas cambiantes. Falleció en 1893.

"El último de Inglaterra / The Last of England", óleo sobre panel / oil on panel, 82,5 x 75 cm., 1852-55. Museum and Art Gallery de Birmingham (Reino Unido / UK)
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Joan Snyder, pintora estadounidense nacida en New York en 1940. Sus obras han sido exhibidas en varios museos.
Sus "pinturas del movimiento", de fines de los '60 y principios de los '70, eran "composiciones abstractas, muchas de ellas muy grandes y vagamente basadas en formatos de cuadrícula, que juntas constituyen una disección del lenguaje pictórico." Los '80 y los '90 vieron llegar un refinamiento de su lenguaje temprano, con unos "(...) brillantes colores femeninos y un retorno de las cuadrículas. También aparecieron frases escritas, materiales naturales y telas, como arpillera y sedas."
Sus pinturas han sido descritas por el Boston Globe como "abstractas", "intuitivas y espontáneas", y "directamente políticas". También pinta con un estilo colorido, utilizando efectos florales marcados por pintura rociada con una amplia gama de materiales, tales como objetos metálicos a modo de joyas.

"La caída con otras cosas en mente / The Fall With Other Things In Mind" 2009


El 17 de Abril es el cumple de

Abraham Storck (o Sturckenburch), pintor paisajista y de marinas neerlandés (bautizado el 17 de abril de 1644). Storck provenía de una familia de pintores del mismo nombre. Tenía un taller en Ámsterdam que producía escenas navales y de bahía así como pinturas de paisaje. Recibió la influencia de los dos Willem van de Velde (el Viejo y el Joven) así como de Jan Abrahamsz Beerstraten. Falleció en 1708.

"Despidiéndose de Ámsterdam / Shipping off Amsterdam"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 47,8 x 55,9 cm., fines / late s.XVII. 
Museo Nacional Marítimo, Greenwich (Londres, Inglaterra / England)
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Regina Tadevosi Ghazaryan, pintora armenia y figura pública nacida en 1915. Es también conocida por ser la amiga y benefactora de Yeghishe Charent, y por haber salvado los manuscritos del poeta durante el régimen de Stalin.
Regina nació en el seno de una familia de supervivientes del genocidio armenio de Van. Conoció a Charents en 1930. A los 15 años Regina, huérfana, fue "de alguna manera adoptada por Charents como amiga íntima y testigo de sus horas solitarias."
En 1937, desde la celda de la prisión, Charents informó secretamente a su esposa, Izabella, que debía confiar todos sus escritos sólo a una amiga de la familia, la artista Regina Ghazaryan, para que ella los salvara de la destrucción.
Después de la muerte de Charents, Regina escondió y preservó muchos de sus manuscritos (7000 líneas en total), y en los '50 los entregó al Museo Charents de Literatura y Artes. Como piloto militar, partició en la Segunda Guerra Mundial. Terminó el Instituto Yerevan de Bellas Artes en 1951.
Fue miembro de la Unión de Pintores Armenios, y sus pinturas se exhiben en varios museos de Armenia, incluyendo la Galería Nacional. Murió en 1999.

Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 25 1/6" x 27 1/6", 1967


El 18 de Abril es el cumple de

Elene Akhvlediani, pintora, artista gráfica y decoradora de teatro georgiana. Es famosa por su representación de las ciudades de su país, sus ilustraciones para los trabajos de Ilia Chavchavadze y Vazha-Pshavela y por sus diseños para las representaciones en el Teatro Marjanishvili en Tbilisi, Georgia.
Comenzó a pintar en los años '20 junto otros artistas de su generación (David Kakabadze, Lado Gudiashvili y Keto Magalashvili).
Sus logros magistrales, basados en el legado de las culturas georgiana y europeas, han determinado en gran medida las características distintivas del arte moderno de Georgia.

"Kakheti", 1924
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Ludwig Meidner, pintor y grabador expresionista alemán nacido en Bernstadt, Silesia, en 1884. Fue aprendiz de albañil durante un tiempo. Estudió en la Escuela Rela de Arte en Breslau entre 1906 y 1907, y en las academias Julien y Cormon en París, donde se hizo amigo de gente como Amedeo Modigliani. 
Regresó a Berlín para trabajar como ilustrador de modas y producir vistas de Berlín.
En 1912 comenzó una serie de pinturas que marcaron radicalmente su estilo y forjaron su reputación. Los "Paisajes apocalípticos", son para algunos un anticipo de la Primera Guerra Mundial. La serie, producida rápidamente en una ardiente oleada, es considerada a veces como la más pura obra "expresionista". En estas pinturas, cometas cruzan los cielos como balas de cañón, cunde la rabia, los hombres gritan y huyen para salvar sus vidas, los edificios se tambalean a punto de colapsar. Meidner, sin embargo, nunca lograría repetir la intensidad y creatividad de estas obras.
Después de la Primera Guerra Mundial, se volcó a producir pinturas religiosas, incluida una larga y repetitiva serie de retratos de "profetas". Fue un autorretratista habitual, produciendo una serie de autorretratos inspirados en Rembrandt. Sus retratos desde 1915 hasta fines de los '20 son una galería de los más destacados escritores y poetas Dada y expresionistas. Murió en 1966.

"Paisaje apocalíptico / Apocalyptic landscape", 1912.


Hoy, 19 de Abril, es el cumple de

Mateo Cerezo, pintor barroco español nacido en 1637. Fue discípulo de Juan Carreño de Miranda y posiblemente también de Antonio de Pereda. Entre 1656 y 1659 trabaja en Burgos y Valladolid, instalándose definitivamente en Madrid en 1660. Trató temas religiosos y bodegones.
Su estilo fue típicamente tocado por el tenebrismo, y en él se observan reminiscencias de su maestro Carreño, de Francisco de Herrera, de Tiziano, de Juan van der Hamen y de Anthony van Dyck, con una paleta cálida y variada, y composiciones de particular elegancia. Murió joven (en 1666), por lo que su obra conservada es escasa.

"La Magdalena penitente / The Penitent Magdalen", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 82,5 x 125 cm. 
Museo del Prado (Madrid, España / Spain, en depósito en el / on deposit in Museo de Burgos.
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Amanda Sage, pintora estadounidense nacida en 1978 que estudió y trabajó en Viena (Austria) y Los Angeles, California. Se formó y trabajó con Ernst y Michael Fuchs, artistas clásicos que le enseñaron Mischtechnik (técnica mixta). A través de Fuchs conoció a otros artistas visionarios con los que ha colaborado, exhibiendo y siendo co-fundadora de la Academia de Arte Visionario en Viena, y la Alianza para el Arte Visionario de Colorado. Sage es conferenciante, profesora y artista en vivo, con obras en galerías y museos internacionales.
Está considerada como una talentosa artista visionaria. Su obra figurativa y retratos tienen como propósito inspirar la transformación personal y espiritual. Realiza ondas de "color intenso" que transmiten ilimitadas oportunidades de crecimiento. Recibe inspiración de la música en directo y sus propias ideas o emociones. Comienza una pintura permitiendo y fomentando que una historia se desarrolle.

"Amanecer órfico / Orphic Awakening"
Caseína, temple al huevo y óleo sobre madera / casein, egg tempera & oil on wood, 12" x 18", 2012


* On April 13 is the birthday of

Louis-Ernest Barrias, French sculptor born in 1841 who worked in the second half of the nineteenth century in Neoclassical style. Initially devoted to painting in the studio of Leon Cogniet, he put aside painting to devote himself to sculpture with Pierre-Jules Cavelier professor. At 23, obtained the Prix de Rome. Produced numerous sculptures, mostly in marble, in a pure neoclassical academic style under the influence of Jean-Baptiste Carpeaux. Most of his work can be seen in Paris as public statues, in the Musée d'Orsay or the Père Lachaise Cemetery.

James Ensor (James Sidney Edouard, Baron Ensor), Belgian painter and printmaker born in 1860, an important influence on expressionism and surrealism who lived in Ostend for almost his entire life. He was associated with the artistic group Les XX.
Ensor himself lacked interest in academic study and left school at the age of fifteen to begin his artistic training with two local painters. From 1877 to 1880, he attended the Académie Royale des Beaux-Arts in Brussels, where one of his fellow students was Fernand Khnopff. Ensor first exhibited his work in 1881.
During the late 19th century much of his work was rejected as scandalous, particularly his painting Christ's Entry Into Brussels in 1889, but his paintings continued to be exhibited, and he gradually won acceptance and acclaim.
While Ensor's early works, such as Russian Music (1881) and The Drunkards (1883), depict realistic scenes in a somber style, his palette subsequently brightened and he favored increasingly bizarre subject matter. He died in 1949.

* On April 14 is the birthday of

Victor Elpidiforovich Borisov-Musatov (Ви́ктор Эльпидифо́рович Бори́сов-Муса́тов), Russian painter known for his post-Impressionistic style that mixed Symbolism, pure decorative style and realism. He was often referred together with Mikhail Vrubel as the creator of Russian Symbolism. He enrolled in the School of Painting, Sculpture and Architecture in Moscow in 1890 and the following year he went to the Imperial Academy of Arts in St. Petersburg. The very humid weather forced him to return to Moscow for his health. 
His early work as "May Flowers" were labeled decadent by the school administration. He severely criticized for failing to distinguish between girls and apple trees in the search for a decorative effect. The same work was praised by his peers, who considered him the leader of a new artistic movement. 
He was a member of the Union of Russian Artists and one of the founders and leaders of the Association of Artists in Moscow. He died in 1905.

Jean-Victor Schnetz, French academic painter born in 1787, well regarded for his historical and genre paintings.
Schnez studied in Paris under Jacques-Louis David. He had a brilliant career. In 1837 Schnetz was elected to the Académie des Beaux-Arts, and he was twice the Director of the French Academy in Rome, from 1841 to 1846, then again in 1853-1866.
His works can be found at the Louvre Museum and the Petit Palais in Paris, the Château de Versailles in Versailles, the Hermitage in St. Petersburg, and the Museum of Fine Arts in San Francisco.
He died in 1870.

* On April 15 is the birthday of

one of the greatest, Leonardo Da Vinci. Anatomist, architect, artist, botanist, scientist, writer, sculptor, philosopher, engineer, inventor, musician, poet and urbanist Florentine Renaissance born in 1452.
This work, "Profile of a Warrior in Helmet", is a study drawn with silverpoint, a popular medium during the early Renaissance, well suited for detailed and careful figures. It was a good way to train young apprentices and requiring control and discipline. In this one, the thin and delicate line has turned gray for its exposition to the atmosphere. The detail is extraordinary: the armor, the curls in the hair and helmet are beautifully drawn even overcome by modeling the face of the man and the lion in the dickey.
It must required an infinite patience to the young Leonardo to produce the finest shadows of the man's face, with each separate line.
The drawing is probably based on one of the jobs lost from his teacher Andrea Verrocchio.

Georg Kolbe, the leading German figure sculptor of his generation, in a vigorous, modern, simplified classical style similar to Aristide Maillol of France. He was born in 1877.
Originally trained as a painter in Dresden, Munich, and Paris, he began sculpting during a stay in Rome at the turn of the century under the technical guidance of sculptor Louis Tuaillon.
His artistic breakthrough came in 1912 with his sculpture masterpiece "Die Tänzerin", his most famous work. In 1929, he also collaborated with Mies van der Rohe for his sculpture in the Barcelona Pavilion; Mies placed Kolbe's Alba (Dawn) in a small water basin. As the last president of the Deutscher Künstlerbund (Association of German Artists), he devoted himself to the promotion of fellow artists who were classified "degenerate".
Many of Kolbe's 1000 sculptures were destroyed by confiscation, bombing and melting for war purposes. He died in 1947.

* On April 16 is the birthday of

Ford Madox Brown, English painter born in Calais in 1821, closely associated with the Pre-Raphaelite Brotherhood though never became a member. It was formed in Bruges, Ghent, Antwerp and fundamentally Rome, where he was between 1845 and 1846 and attended the Nazarene, an artistic movement born in 1806 in Vienna. In 1846 he returned to England, and years later he met Rossetti, then seven years younger than he, who introduced him to Millais and Hunt. Brown was devoted mainly to historical painting and biblical theme. A withdrawn character, many family tragedies and his interest in the social problems of the time taken to produce an intense work with changing themes. He died in 1893.

Joan Snyder, American painter from New York born in 1940. Her paintings have been exhibited at several museums.
Joan Snyder's "stroke paintings" from the late 1960s and early 1970s were "abstract compositions, many of them quite large, that are loosely based on a grid format and that together constitute a dissection of the language of painting." The 1980s and 1990s saw a refinement of her earlier vocabulary as "[...] brighter feminine colors and the grid returned. Written phrases, natural materials, and fabrics such as burlap and silks also appeared."
Her paintings have been described by the Boston Globe as "abstract", "intuitive and spontaneous", and "pointedly political". She also paints with a colorful style, using floral effects which are branded with paint sprinkled with a range of materials, such as jewel-like metal objects.

* On April 17 is the birthday of

Abraham Storck (or Sturckenburch), Dutch landscape and marine painter (baptized on April 17, 1664). Storck came from a family of painters of the same name. He had a workshop in Amsterdam producing naval and bay scenes and landscape paintings. He was influenced by the two Willem van de Velde (the Elder and the Younger) and Jan Abrahamsz Beerstraten. He died in 1708.

Regina Tadevosi Ghazaryan, Armenian painter and public figure born in 1915. She is also known as Yeghishe Charent's friend and benefactor, who saved many of the poet's manuscripts during the regime of Stalin.
Regina Ghazaryan was born in a family of Armenian Genocide survivors from Van. She met the poet Yeghishe Charents in 1930. At the age of fifteen, Ghazaryan, an orphan, had "in some sort been adopted by Charents as both an intimate friend and a witness to his solitary hours".
In 1937, from the prison cell Charents had secretly informed his wife Izabella that she should trust all of his writings only to a family friend, artist Regina Ghazaryan and she will save them from being destroyed.
After Charents's death Regina Ghazaryan hid and preserved many of his manuscripts (7000 lines in total), and in the 1950s granted them to the Charents Museum of Literature and Arts. As a military pilot she participated in World War II. She finished Yerevan Fine Arts Institute in 1951.
She was a member of the Painters' Union of Armenia and her paintings are exhibited in various museums of Armenia, including the National Gallery of Armenia. She died in 1999.

* On April 18 is the birthday of

Elene Akhvlediani, Georgian painter, graphic artist and theater decorator. She is famous for her representation of the cities of her country, her illustrations for the works of Ilia Chavchavadze and Vazha-Pshavela and her designs to the representations in the Marjanishvili Theatre in Tbilisi, Georgia. 
She began painting in the '20s with other artists of her generation (David Kakabadze, Lado Gudiashvili and Keto Magalashvili). 
Her masterful achievement, based on the legacy of Georgian and European cultures have largely determined the hallmarks of modern art in Georgia.

Ludwig Meidner, German expressionist painter and printmaker born in Bernstadt, Silesia, in 1884. He was apprenticed to a stonemason for a while. He studied at the Royal School of Art in Breslau and, from 1906 to 1907 at the Julien and Cormon Academies in Paris where he met and became friends with Amedeo Modigliani. He returned to Berlin to work as a fashion illustrator and produced views of Berlin.
In 1912 he began a series of paintings that marked a radical departure in style and would make his reputation. The "Apocalyptic Landscapes" are thought by some to anticipate the First World War. The series, produced rapidly in a hectic heatwave, are sometimes considered some of the purest "expressionist" works; in them, comets cross the sky like canon shells, fires rage, men scream and flee for their lives, buildings totter on the edge of collapse. Meidner would, however, never repeat the intensity and creativity of the apocalyptic landscapes.
After the First World War he turned to producing religious paintings including a long and repetitive series of portraits of "prophets". He was an habitual self portraitist producing a series of Rembrandt inspired self-portraits. His portraits from 1915 to the end of the 1920s are a gallery of the leading expressionist and Dada writers and poets. He died in 1966.

* Today, April 19, is the birthday of

Mateo Cerezo, Spanish Baroque painter born in 1637. Was a pupil of Juan Carreño de Miranda and possibly Antonio de Pereda. Between 1656 and 1659 working in Burgos and Valladolid, finally settling in Madrid in 1660. He worked with religious and still life subjects. 
His style was typically played by the Tenebrism, and with reminiscences of his teacher Carreño, Francisco de Herrera, Titian, Juan van der Hamen and Anthony van Dyck, warm and varied palette, and particyulary elegant compositions. He died young (in 1666), so very little of his work remains.

Amanda Sage, American painter born in 1978 who has studied and worked Vienna, Austria and Los Angeles, California. She trained and worked with Ernst and Michael Fuchs, a classical artist who taught her Mischtechnik (mische technique or mixed technique). Through Fuchs she came to know other Visionary artists with whom she has worked, exhibited and co-founded the Academy of Visionary Art in Vienna and the Colorado Alliance for Visionary Art. Sage is a lecturer, teacher, and live artist with works in international galleries and museums.
She is considered a talented visionary artist. Her portrait and figure-works are meant to inspire spiritual and personal transformation. They feature waves of "intense color" that convey boundless growth opportunities. She receives inspiration from live music and her own ideas or emotions. She begins painting by nurturing and allowing a story to develop.

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Aniversarios, Fotografía (XI) [Abril / April 14-20]

April 20, 2014, 5:41 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 14 de Abril es el cumple de

Arno Fischer, fotógrafo y profesor universitario alemán nacido en 1927.
Se interesó primero por la escultura para pasar más tarde a la fotografía. Con la muerte de Stalin, fijó su residencia definitiva en el Berlín Oriental, aceptando ser profesor adjunto de la cátedra de Klaus Wittkugel en la Escuela de Bellas Artes de Weissensee. La mayor parte de su obra fotográfica, casi toda en blanco y negro, corresponde a sus trabajos sobre la vida cotidiana en Berlín y fotografías de moda que en la Alemania Oriental se publicaban en la revista Sybille. Viajó a la Unión Soviética, Estados Unidos, Polonia, India y África. Realizó trabajos sobre la ciudad de Nueva York inspirados, al igual que en Berlín, en las actividades habituales de las gentes de la ciudad. Fundó una escuela de fotografía en Berlín donde, entre otros, asistieron a dar clases magistrales fotógrafos de la talla de Henri Cartier-Bresson y Helmut Newton. Dispuso de una libertad creativa impropia en Alemania Oriental. Valorado dentro de la RDA, su obra en occidente fue reconocida tras la caída del muro de Berlín. Murió en 2011.
Sitio web del artista: http://www.arnofischer.com/

"Ciudad de Nueva York, transbordador / New York City ferry", 1978 © Arno Fischer


El 15 de Abril es el cumple de

George Platt Lynes, fotógrafo estadounidense comercial y de modas nacido en 1907.
Su vida cambió para siempre gracias al círculo de amigos al que se vinculó en París: Gerturde Stein, Glenway Wescott, Monroe Wheeler y otros que conoció a través de estos, abriendo un mundo enteramente nuevo al jóven artista.
Primero se interesó en la fotografía, no con la idea de hacer carrera, sino tomando instantáneas de amigos. Viajó por Europa durante varios años, siempre con su cámara al hombro. Desarrolló estrechas amistades con una gran círculo de artistas incluidos Jean Cocteau y Julien Levy, el crítico y marchante de arte. Levy exhibiría sus fotografías en su galería de New York City en 1932, y Lynes abriría su estudio allí el mismo año.
A lo largo de su vida Lynes amasó una obra sustancial en fotografía de desnudos y homoerótica. En los años '30 comenzó fotografiando desnudos de sus amigos, actores y modelos, incluyendo a Yul Brynner, aunque se mantuvieron dentro de lo privado, desconocidas e inéditas durante años. Lynes murió en 1955.

"Robert McVoy", ca. 1941 
(Un bailarín en la compañía de Lincoln Kirstein / a dancer in Lincoln Kirstein's company)


El 16 de Abril es el cumple de

Ned Scott, fotógrafo estadounidense nacido en 1907 que trabajó en la industria del cine de Hollywood desde 1935 a 1948. Como miembro del Camera Club de New York entre 1930 a 1934, estuvo fuertemente influenciado por sus camaradas miembros Paul Strand y Henwar Rodakiewicz.
Mientras vivió en New York y visitaba el Camera Club, Ned comenzó a trabajar con naturalezas muertas y tubos de rayos X. Durante este período experimentó con la luz y la forma. Desafortunadamente muy poco sobrevivió de esta época, excepto lo que pertenecía a su colección personal.
Ned Scott llegó a Hollywood en febrero de 1935.
En Marzo de 1945 firmó un contrato para realizar foto fija y retratos para la Columbia Pictures. Durante los siguientes tres años, Ned Scott trabajó con estrellas como Rita Hayworth, Glenn Ford, Humphrey Bogart y Janet Blair. Murió en 1964.

"Rita Hayworth"


El 17 de Abril es el cumple de

Peter Keetman, fotógrafo alemán nacido en 1913. Fue uno de los representantes principales de la fotografía subjetiva (Subjektive Fotografie) y miembro del grupo Fotoform que ejerció gran influencia durante la postguerra de la Segunda Guerra Mundial.
Aprendió fotografía siendo muy joven ya que su padre era un gran aficionado a ella. Con dieciocho años decidió estudiar en la Escuela de fotografía del Estado de Baviera (Múnich) y con veintiuno aprobó el examen de aprendiz. A continuación comenzó a trabajar en Duisburgo con el fotógrafo Gertrud Hesse durante dos años y poco después se dedicó a la fotografía industrial, trabajando para la empresa C.H. Schmeck en Aquisgrán. Durante la segunda guerra mundial fue herido gravemente y no pudo trabajar.
A pesar de todo decidió continuar estudiando para maestro en la escuela de fotografía de Múnich y después con el fotógrafo Adolf Lazi en Stuttgart.
En 1949 se convierte en miembro fundador de Fotoform junto a Otto Steinert, Siegfried Lauterwasser y Toni Schneiders entre otros, siendo uno de sus miembros más activos. En 1950 expuso en la primera Photokina. Murió en 2005.

"Oltropfen / Gotas de aceite / Oil Drops", 1956


El 18 de Abril es el cumple de

Sara Facio, fotógrafa argentina nacida en 1932, destacada por retratar, junto a Alicia D'Amico, a algunos de los personajes más importantes del mundo de la cultura, incluyendo a los escritores argentinos Julio Cortázar, Jorge Luis Borges, María Elena Walsh y Alejandra Pizarnik.
Graduada junto a Alicia D'Amico en la Escuela Nacional de Bellas Artes en 1953, en 1955 recibió una beca del Gobierno de Francia y residió en París durante un año, estudiando artes visuales y visitando museos de Francia, Italia, Inglaterra, Alemania, Austria y Suiza. En 1957 comenzó a practicar fotografía en el estudio del padre de D’Amico, continuando su aprendizaje luego junto a Annemarie Heinrich.
En 1960 se instala junto a su colega en Buenos Aires con estudio propio y su trabajo profesional, desde entonces, se desarrolla en retratos, publicidad, reportajes gráficos y escritos para la diarios y revistas de Buenos Aires, Europa y EE. UU.
En 1992 recibió el Premio Konex de Platino como la mejor fotógrafa argentina de la década.

"Julio Cortázar"


El 19 de Abril es el cumple de

William Klein, fotógrafo estadounidense y cineasta nacido en Francia en 1928, destacado por su abordaje irónico de ambos medios, y su uso extensivo de técnicas fotográficas inusuales en el contexto del fotoperiodismo y la fotografía de modas.
Formado como pintor, Klein estudió con Fernand Léger y obtuvo un éxito temprano exhibiendo su obra. Sin embargo, pronto se pasó a la fotografía y alcanzó gran fama como fotógrafo de modas para Vogue y por sus ensayos fotográficos en varias ciudades. A pesar de no contar con formación como fotógrafo, Klein ganó el Premio Nadar en 1957 por "New York", un libro de fotografías tomadas durante un fugaz regreso a su ciudad natal en 1954. La obra de Klein fue considerada revolucionaria por su "ambivalente e irónico abordaje del mundo de la moda", su "rechazo intransigente a las reglas de la fotografía en boga por aquél entonces" y por su uso extensivo de gran-angulares y teleobjetivos, luz natural y desenfoque de movimiento.
Klein ha dirigido numerosos cortos, documentales y ha producido más de 250 comerciales para televisión.

"Arma 2 / Gun 2", New York, 1955


Hoy, 20 de Abril, es el cumple de

Rotimi Fani-Kayode (Oluwarotimi Adebiyi Wahab Fani-Kayode), fotógrafo nacido en Nigeria en 1955 que emigró a Inglaterra a los 12 años huyendo de la Guerra de Biafra. Exploró las tensiones creadas por la sexualidad, raza y cultura a través de estilizados retratos y composiciones. El cuerpo principal de su obra fue creado entre 1982 y 1989.
Aunque admitiendo alguna influencia de la obra temprana de Mapplethorpe, Rotimi llevó los límites de su arte mucho más allá, explorando la sexualidad, el racismo, el colonialismo y las tensiones y conflictos entre su homosexualidad y su educación Yoruba a través de una serie de imágenes tanto en color como en blanco y negro. Su obra está imbuída de la sutileza, ironía y la crítica social y política que cabría esperar de un fotógrafo negro observador e inteligente de finales del s.XX. También contribuyó mucho al debate acerca del VIH y el Sida. Tuvo una gran influencia en los jóvenes fotógrafos negros de fines de los '80 y los '90. Murió en 1989.

"Carga del pasaje central / Cargo Of The Middle Passage", 1989


Textos en inglés / English translation

* On April 14 is the birthday of

Arno Fischer, German photographer and college professor born in 1927.
He first became interested in sculpture to stay later to photography. With the death of Stalin, took up permanent residence in the East Berlin accepting adjunct professor of the chair of Klaus Wittkugel at the School of Fine Arts Weissensee. Most of his photographic work, almost all in black and white, is about everyday life in Berlin and his fashion photography in East Germany were published in the journal Sybille. He traveled to the Soviet Union, the USA, Poland, India and Africa. He also worked in New York City inspired, as in Berlin, on the daily activities of the people of the city. He founded a photography school in Berlin where, among others, attended to offer master classes great photographers like Henri Cartier- Bresson and Helmut Newton. He had an improper creative freedom in East Germany. Recognized within the RDA, his work was recognized in the West after the fall of the Berlin Wall. He died in 2011.
Artist's website: http://www.arnofischer.com/

* On April 15 is the birthday of

George Platt Lynes, American fashion and commercial photographer born in 1907.
His life was forever changed by the circle of friends that he would meet in Paris: Gertrude Stein, Glenway Wescott, Monroe Wheeler and those that he met through them opened an entirely new world to the young artist.
He first became interested in photography not with the idea of a career, but to take photographs of his friends. He traveled around Europe for several years, always with his camera at hand. He developed close friendships within a larger circle of artists including Jean Cocteau and Julien Levy, the art dealer and critic. Levy would exhibit his photographs in his gallery in New York City in 1932 and Lynes would open his studio there that same year.
During his lifetime, Lynes amassed a substantial body of work involving nude and homoerotic photography. In the 1930s, he began taking nudes of friends, performers and models, including a young Yul Brynner, although these remained private, unknown and unpublished for years. He died in 1955.

* On April 16 is the birthday of

Ned Scott, American photographer born in 1907 who worked in the Hollywood film industry as a still photographer from 1935-1948. As a member of the Camera Club of New York from 1930 - 34, he was heavily influenced by fellow members Paul Strand and Henwar Rodakiewicz.
While living in New York and visiting the Camera Club, Ned Scott began commercial work with still lifes and x-ray tubes. He experimented with light and form during this period. Unfortunately little survives except that which he saved for his own personal collection. 
Ned Scott arrived in Hollywood in February, 1935
In March 1945 he signed a contract to perform still and portrait photography with Columbia Pictures. Over the next three years Ned Scott worked with such stars as Rita Hayworth, Glenn Ford, Humphrey Bogart, and Janet Blair. He died in 1964.

* On April 17 is the birthday of

Peter Keetman, German photographer born in 1913. He was one of the main representatives of Subjective Photography (Subjektive Fotografie) and a member of the group Fotoform, with great influence during the postwar period of the Second World War.
Learned photography when he was very young thanks to his father that was a big fan. At eighteen he decided to study photography at the School of the State of Bavaria (Munich) and at 21 he approved the apprentice exam. Then started working in Duisburg with the photographer Gertrud Hesse for two years and shortly thereafter was devoted to industrial photography, working for the company CH Schmeck in Aachen. During World War II he was badly injured and could not work.
Despite all decided to continue studying to be professor at the Photography school in Munich, and after that with the photographer Adolf Lazi in Stuttgart.
In 1949 he became a founding member of Fotoform along with Otto Steinert, Siegfried Lauterwasser and Toni Schneiders, among others. He was one of its most active members. In 1950 he exhibited at the first Photokina. He died in 2005.

* On April 18 is the birthday of

Sara Facio, Argentine photographer born in 1932, well know by portraying - along with Alicia D' Amico - some of the most important figures in world culture, including the Argentine writers Julio Cortázar, Maria Elena Walsh, Jorge Luis Borges and Alejandra Pizarnik.
Graduated with Alicia D' Amico at the National School of Fine Arts in 1953. In 1955 she received a scholarship from the Government of France and lived in Paris for a year, studying visual arts and visiting museums in France, Italy, England, Germany, Austria and Switzerland. In 1957 she began practicing photography at the D'Amico's Father studio, continuing then her learning with Annemarie Heinrich.
Installed in 1960 with her colleague in Buenos Aires with his own studio, she develops her professional work in portraits, advertising, graphics and written reports for newspapers and magazines from Buenos Aires, Europe and U.S..
In 1992 she received the Platinum Award Konex as the best photographer of the decade in Argentina.

* On April 19 is the birthday of

William Klein, American-born French photographer and filmmaker born in 1928, noted for his ironic approach to both media and his extensive use of unusual photographic techniques in the context of photojournalism and fashion photography.
Trained as a painter, Klein studied under Fernand Léger and found early success with exhibitions of his work. However, he soon moved on to photography and achieved widespread fame as a fashion photographer for Vogue and for his photo essays on various cities. Despite having no training as a photographer, Klein won the Prix Nadar in 1957 for New York, a book of photographs taken during a brief return to his hometown in 1954. Klein's work was considered revolutionary for its "ambivalent and ironic approach to the world of fashion", its "uncompromising rejection of the then prevailing rules of photography" and for his extensive use of wide-angle and telephoto lenses, natural lighting and motion blur.
Klein has directed numerous short and feature-length documentaries and has produced over 250 television commercials.

* Today, April 20, is the birthday of

Rotimi Fani-Kayode (Oluwarotimi Adebiyi Wahab Fani-Kayode), Nigerian-born photographer (1955), who moved to England at the age of 12 to escape the Biafran War. He explored the tensions created by sexuality, race and culture through stylised portraits and compositions. The main body of his work was created between 1982 and 1989.
Although admitting to some influence by Mapplethorpe's earlier work, Rotimi Fani-Kayode pushed the bounds of his own art much further, exploring sexuality, racism, colonialism and the tensions and conflicts between his homosexuality and his Yoruba upbringing through a series of images in both colour and B/W. His work is imbued with the subtlety, irony and political and social comment that one would expect from an intelligent and observant black photographer of the late twentieth century. He also contributed much to the artistic debate around HIV and AIDS. He was a major influence on young black photographers in the late 1980s and 1990s. He died in 1989.

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Michael Reedy [Pintura]

April 20, 2014, 10:30 pm
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Excelentes los trabajos con técnicas mixtas de Michael Reedy. El artista compone una suerte de collages en los que figuras del más puro realismo conviven con fieles representaciones de secciones anatómicas, sobre fondos poblados por las más diversas criaturas, desde insectos y angelitos hasta personajes del comic. Una obra absolutamente creativa y disfrutable.

Excellent mixed media artworks by Michael Reedy. The artist compose a sort of collages in which figures of purest realism coexist with faithful depictions of anatomical sections, on backgrounds populated by the most diverse creatures, ranging from little angels and insects to comic characters. Absolutely creative and enjoyable work.

Michael Reedy

"Autorretrato / Self-portrait", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 20" x 27"

Michael Reedy recibió su Master en pintura de la Northern Illinois University en 2000 y su licenciatura del Borth Central College en 1996. Su obra ha sido incluida en más de 100 exposiciones nacionales e internacionales.
Actualmente es profesor de dibujo asociado en la Universidad del Este de Michigan y le obsesiona coleccionar viejos grabados anatómicos, libros y modelos. Pasa la mayor parte de su tiempo libre leyendo, dibujando y experimentando con nuevos medios.

"Vamos / Let's go", técnica mixta sobre papel, mixed media on paper, 46" x 32"

"Sin título / Untitled", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 26" x 45"

"Sin título (Kelsey y Jason) / Untitiled (Kelsey and Jason)"
Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 31" x 42"

«En mis dibujos más recientes he revisitado los temas intemporales de la vida, la muerte y la condición humana. Este nuevo interés en la expulsión y caída del hombre se ha emparejado con mis inclinaciones previas, que durante mucho tiempo han arraigado en imágenes marginales del cuerpo, ilustraciones médicas, ornamentación, comedia negra y lo siniestro. Estos aspectos inevitables de la existencia traen a la mente las más trágicas y hermosas imágenes del cuerpo, donde la suave piel de un recién nacido y mis brutales parches de soriasis son vecinos próximos. Es ese momento de transición, lleno de gracia y dolor, lo que pretendo para complacer y aguijonear.»

"expulsión / expulsion (e.)", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 42" x 42"

"No te preocupes, nena / Don't worry baby", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 43" x 33"

Serie Anatomía / Anatomy Series
"Por 35 / by 35", óleo sobre panel / oil on panel, 41" x 27"

Sobre su serie anatómica, Michael escribe:
«Fue la primera serie que introdujo ilustraciones médicas y viñetas en mi práctica de estudio para explorar lo que creo son los diversos grados de comprensión asociados con cada tipo de imagen. A través de este proceso, estos dos sub-conjuntos de imágenes corporales comenzaron a representar los sujetalibros visuales de las personas que estaba retratando en mi trabajo. Cada imagen está basada en una serie de cinco preguntas que hice a los modelos durante el posado inicial (que van desde su color favorito hasta predecir la causa de su muerte). Es una serie que espero continuar con cada nueva persona que pose para una de mis obras.»

"Nadie dañe a la niña / Nobody hurt the baby", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 33" x 45"

"Podría durar por siempre / It would last forever"
Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 33" x 43"

Sobre sus "Obras marrones":
«... esperaba crear imágenes que instaran al espectador a retrotraer sus pensamientos a un momento de calma e inquietud. Creo que esto requería que la obra fuera a la vez elusiva y exacta, y por tanto capaz de sugerir una paradoja visual de armonía y desorden, de calma y caos, de belleza y tristeza.»

"Una vez retirado / Once removed", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 32" x 41"

"The Fall (man)", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 24" x 50" 

"Cluster 1", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 25" x 66"

Michael Reedy received his MFA in painting from Northern Illinois University in 2000 and his BA from Borth Central College in 1996. His work has been included in over 100 national and international exhibitions. He has just turned 40.
Currently he is an Associate Professor in Drawing at Eastern Michigan University and is obsessed with collecting old anatomical prints, books and models. He spends the majority of his free time reading, sketching and experimenting with new media.

"Srta. Robinson (púrpura) / Ms. Robinson (purple)"
Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 32 1/2" x 45 1/2"

«In my most recent drawings I have revisited the timeless themes of life, death, and the human condition. This new interest in the expulsion and the fall of man has been paired with my prior leanings, which have long been rooted in fringe images of the body, medical illustration, ornamentation, dark comedy, and the uncanny. These inevitable aspects of existence bring to mind the most tragic, and most beautiful, images of the body. Where the soft skin of a newborn and my rough patches of psoriasis are the most proximate of neighbors. It is this transitional moment, full of both grace and pain, which I wish to prod and indulge.»

"Cada último / Every last one", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 43" x 31"

Serie Anatomía / Anatomy Series
"69, posiblemente 80 / 69, possibly 80", óleo sobre panel / oil on panel, 25" x 37"

About his anatomical series, Michael wrote:
«It was the initial series that introduced both cartooning and medical illustration into my studio practice in order to explore what I believe to be the varying degrees of comprehension associated with each image type. Through this process, these two sub-sets of body images began to represent the visual bookends of the individuals I was portraying in my work. Each image is based on a series of five questions I ask the models during the initial sitting (ranging from favorite color to predicted cause of death). It is a series I hope to continue with each new person who sits for one of my works.»

"Blash", técnica mixta sobre papel, mixed media on paper, 29 1/2" x 42"

"The Fall (child)", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 27" x 52"

«El halo de cráneos de "La caída (niño)" es mi primer intento de utilizar anamorfosis, una perspectiva distorsionada que requiere que el observador ocupe un punto de vista específico para reconstruir la imagen. Cuando se ve desde arriba, el halo de cráneos se ve como en la figura superior, sin embargo cuando se ve de lado los cráneos más exteriores del anillo parecen colapsar, y los verdaderos cráneos emergen.»

«The skull halo found in The Fall (child) is my first attempt at utilizing anamorphosis - the distorted perspective that requires the viewer to occupy a specific vantage point to reconstitute the image. When viewed head-on, the skulls in the “skull halo” read like in the previous image. However, when viewed from the side the skulls along the outer most part of the ring begin to collapse and the true “skulls” emerge.»

"La caída (niño) / The Fall (child)", detalle, vista de lado / detail, side view

"Mujer / Woman", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 28" x 38"

About his "brown works":
«... my hope was to create images that compel the viewer to slip back in thought to a moment of quiet and unrest. I believe that it required the work to be elusive yet exacting in consequence – therefore, capable of suggesting a visual paradox of harmony and disarray, of calm and chaotic, of beauty and sadness.»

"Malum A", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 30" x 40"

"Mira algunos / See some", técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 24" x 43"

«La imagen es un ejemplo de la obra más reciente de Reedy, que explora temas como la vida, la muerte y la condición humana. Esta curiosidad renovada sobre los límites físicos del cuerpo, y su colapso final, se emparejan con intereses arraigados desde antaño en la representación del cuerpo, que quedan fuera de los cánones de la historia del arte, como las imágenes médicas y la caricaturización. Aquí, las referencias continuas a la ilustración anatómica (y su bondadoso abordaje para representar el dolor y la muerte) sirven para subrayar lo tragicómico de la existencia física, que va incrementando nuestro sentido del yo a medida que envejecemos.»
Text from "Élémentaire Zine", a bi-monthly, digital art magazine featuring this Michael's work in the Edition #6.

«The image featured is a sample from Reedy's most recent work, which explores the themes of life, death and the human condition. This renewed curiosity of the physical limits of the body, and its ultimate failing, has been paired with prior interests long rooted in the depiction of the body, that fall outside the canon of art history, such as medical imaging and cartooning. Here, the ongoing references to anatomical illustration, (and its benign approach to depicting pain and death) serves to underscore the comedic tragedy of physical existence that increasingly defines our sense of self as we age.»
Texto de "Élémentaire Zine", una revista digital de arte bimestral que su edición Nº 6 incluye la presente obra de Michael.

"Ella sabe cómo usarlos / She knows how to use them"
Técnica mixta sobre papel / mixed media on paper, 43" x 35"

"Autorretrato en Interlochen / Self Portrait at Interlochen"
Carboncillo sobre papel / charcoal on paper, 22" x 30"

Los textos, salvo donde se indica, están tomados del sitio web de Michael / 
Texts - except where noted - from Michael's website.

Se puede disfrutar de la obra de Michael en / You can enjoy Michael's work in:
Website

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Michael!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Michael!)

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Paula Rosa [Arte digital]

April 22, 2014, 12:23 am
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El cuerpo femenino es la materia prima con la que Paula Rosa compone sus estructuras y ruinas en paisajes industriales o desolados, cuerpos como enormes estatuas incrustadas de ventanas y puertas configuran surrealistas escenarios oníricos. Curiosamente los ojos, que en esos colosos se han transmutado en ventanas o balcones, cobran vida autónoma en otras composiciones. Como dice Paula, lo interesante son los conceptos, así que sin intentar etiquetar sus imágenes, aquí les dejo una selección para disfrutar.

The female body is the raw material used by Paula Rosa to compose her structures and ruins in industrial or desolate landscapes, bodies like huge statues inlaid with windows and doors conform surreal oniric scenarios. Curiously the eyes, that in these giants have been transmuted into windows or balconies, have an independent living in other compositions. As Paula says, the most interesting are concepts, so without trying to label her images, here you have a selection to enjoy.

Paula Rosa

Paula Rosa, foto / photo© 2009 Luisa Abreu

Paula Rosa es una diseñadora y artista visual nacida en Lisboa (Portugal) en 1970. Allí vive y trabaja. Mostró un interés temprano por las artes visuales y el diseño. Se graduó en la Universidad Lusófona en Equipamiento y Diseño del Espacio (2008) y en el Instituto Jean Piaget en Diseño y Gestión de la Producción de Medios de Comunicación Pedagógica (2008). 
Fascinada por las Artes Visuales, desde la pintura a las películas de animación, ha realizado varias exposiciones individuales en Portugal y los Estados Unidos, y participado en muestras colectivas en Europa. Su obra está representada en colecciones privadas, museos e instituciones en Portugal y el extranjero.

"Estética de la abdicación / Aesthetics of Abdication", digigrafía / digigraphy, 2011

"El poder de la observación / Power of Observation", 2005

Las pinturas de Paula Rosa fusionan los medios tangibles de la tecnología con la magia intangible de la imaginación y los sueños. Su obra transporta a paisajes surrealistas e imágenes solitarios que remueven las emociones de cualquiera que alguna vez se haya sentido vacío, solo o desesperado.

"Meta - Morfoses 1"
Primera serie del políptico Meta - Morfoses / First series from the polyptych Meta - Morfoses, 2007

"Memorial para corazones vacíos / Memorial to Empty Hearts"
Digigrafía (fotografía + dibujo digital en PS C3) / digigraphy (photography + digital drawing in PS CS3), 2007

«Siempre me ha sentido fascinada por la mente humana, y consecuentemente por los amplios y diversos campos de la Filosofía y la Psicología, lo cual inevitablemente se refleja en mi obra. Ciertamente vivimos en una condición compleja y exhausta, y ese es el precio que posiblemente tenemos que pagar por habitar un mundo con cuyos sistemas mantenemos un fascinante y a veces misterioso diálogo.»

Izq./ Left: "Stimulus", dibujado con / freehand, made with a Wacom Volito tablet, Photoshop 6.0, 2004 - 
Centro / Center: "Vidrio fractal II / Fractal Glass II", 2006
Der./ Right: "Alegoría del deber / Allegory of Duty", 2003

«Las "etiquetas", estilos e "ismos" atribuídos a mi obra, en realidad no me importan y siempre los he despreciado. Es otro mundo de nuestro universo, poblado por críticos y técnicos del arte. Lo que me interesa es el concepto, el conocimiento que adquiero durante el proceso y la habilidad de comunicarlo todo visualmente. Yo no pinto estilos; me pinto a mí misma.»

"Sex o'clock", digigrafía / digigraphy, 2008

"Apatía / Apathy", pintura / painting, 
Dibujo a mano, aerografiado en PS7 /  freehand drawing, airbrushing in PS7, 2004

«El arte realizado por ordenador está aún poco apreciado en nuestro país, porque las personas tienen la idea de que es el ordenador el que lo hace todo.»
Paula parte de un boceto hecho a mano y utiliza los medios digitales para pintar como un pintor utiliza su pincel. El resultado es lo que se conoce como arte binario. «Mis trabajos permanecen almacenados en el ordenador. El concepto de pieza única desaparece, porque cada pieza pueda ser reproducida las veces que uno quiera.»
«Es un desafío. Para mí es más difícl pintar digitalmente que utilizando los medios tradicionales.»
Texto de un artículo en "Jornal de Notícias", Noviembre 12, 2007

"Deca-dances", digigrafía / digigraphy, 2011

Paula Rosa is a designer and visual artist born in Lisbon (Portugal), 1970. There she lives and works. She showed an early interest for the Visual Arts and Design. She graduated from University Lusófona in Equipment and Space Design (2008) and from Jean Piaget Institute in Design and Production's Management of Pedagogical Media (1998). 
Fascinated by the Visual Arts, from painting to film animation, she has held several solo exhibitions, in Portugal and in the U.S.A, and participated in group exhibitions in Europe. Her work is represented in private collections, museums and institutions in Portugal and abroad.

"Inconsistencias do Desejo / Inconsistencias del deseo / Inconsistencies of Desire", 
Fotografía + dibujo digital en / photography + digital drawing in PS CS3 + wacom volito 2, 2007

"Meta - Morfoses 2"
Segunda serie del políptico Meta - Morfoses / Second series from the polyptych Meta - Morfoses, 2007

Paula Rosa's painting merges the tangible medium of technology with the untangible magic of imagination and dreams. Her work transports us into surreal landscapes and solitary images that stir the emotions of anyone who has ever found themselves empty, lonely or in despair. 

"Meta-for", digigrafía / digigraphy, 2008.

«Nunca he utilizado tantas capas en una composición y nunca he guardado tantos archivos de la misma imagen. Es una cosa flipante con demasiados detalles. Espero haber cogido el archivo más actualizado.
Pertenece a una serie para un proyecto que estoy organizando titulado Earthchitectures [algo así como Terrarquitecturas].»
Comentarios de Paula en deviantART.

«I had never used so many layers in a composition and I had never saved so many files of the same image. Trippy stuff with so many details. Hopefully I picked up the most updated file.
This belongs to a series for a project I'm organizing entitled Earthchitectures.»
Paula comments in devianART.

"Human DK", digigrafía / digigraphy, 2008

«I‘ve always been fascinated by the human mind, and consequently by the broad and diverse fields of Philosophy and Psychology, which inevitably reflects in my work. Humans belong to a strange species, owner of an inquisitive mind and able to convert whatever information into a myriad of forms to serve infinitely diverse ends. We certainly live in a complex and exhausting condition and that's possibly the price we have to pay for inhabiting a world in which systems maintain a fascinating and somehow mysterious dialogue.»

Izq./ Left: "Ninfa Nº 4 / Nymph Number 4"
Fotografía + dibujo digital en / photography + digital drawing in Photoshop CS3, 2007
Der./ Rigth: "O Pensador / El pensador / The Thinker"

«“Labels”, styles or “isms” attributed to my work really don't matter to me and I've always despised them. That's another world of our Universe, populated by critics and art technicians. What interests me is the concept, the knowledge I get in the process and the ability to communicate it all visually. I don‘t paint styles, I paint myself.»

"Ninfa vestigial / Vestigial Nymph", 2005

«Art done by computer is still poorly appreciated in our country, because people have the idea that it is the computer that does it all.»
Paula starts with a handmade sketch and uses digital media to paint like a painter uses his brush. The results in what we known as binary art. "My works remain stored on the computer. The concept of a single piece disappears, because each piece can be reproduced many times as you want. "
"It's a challenge. For me it is more difficult to paint digitally than using traditional media.»
Text translated from an article in Jornal de Notícias, newspaper, November 12, 2007

"Subterfuga", digigrafía / digigraphy, 2011

Más imágenes e informacion en / More images and info in:
Website, Facebook, deviantART

Imágenes publicadas con permiso de la artista (¡Muchas gracias, Paula!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Paula!)

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Madeline von Foerster [Pintura]

April 22, 2014, 10:55 pm
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Hace unos meses mi buena colega Olga me presentó a esta estupenda artista, regalándome además imágenes de sus rinocerontes. Ahora les ofreczo una selección de la obra de Madeline, que me parece buenísima. En el blog de Olga (Totum Revolutum) se puede disfrutar asimismo de más obras y contextualizar un poco estos gabinetes de curiosidades nacidos en el s.XVI.

A few months ago my good colleague Olga introduced me to this great artist, besides giving me images of her rhinos. Now I offer a selection of Madeline's work, which I find really great. In Olga's blog (Totum Revolutum) you can also enjoy more works and contextualize a bit these cabinets of curiosities born in the sixteenth century.

Madeline von Foerster

Madeline con su "Gabinete de ébano" / Madeline with her "Ebony Cabinet"

Madeline von Foerster es una aclamada y originalísima artista nacida en San Francisco que estudió en California, Alemania y Austria. 
Para crear sus inusuales pinturas, Madeline utiliza una técnica con cinco siglos de antigüedad; el temple al huevo, desarrollada por los Maestros Flamencos. Aunque vinculadas estilísticamente al pasado, sus pinturas son apasionadamente relevantes en el presente. En él encuentran su expresión temas coyunturales tales como la deforestación, especies amenazadas y la guerra. Más información en el post previo.

"Gabinete de ébano / Ebony Cabinet"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 16" x 20", 2013. 
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster

"Relicario para Saartjie / Reliquary for Saartjie"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 18" x 25", 2010. 
Colección privada / Private Collection © Madeline von Foerster

«Lo que más me disgusta [del mundo del arte] es algo que concierne a la cultura pop en general, pero que está muy presente en el mundo del arte. Reina una tendencia cínica a la ironía y las auto-referencias, en las que la sinceridad, belleza e incluso la originalidad son cada vez menos bienvenidas. Creo que es especialmente injusto para los artistas jóvenes, que llegan llenos de sueños e idealismo, y descubren que se espera que se pongan comillas figurativas a todo lo que hacen. Hay una suerte de pobreza imaginativa en esto que encuentro realmente desolador.»

"La promesa II / The Promise II"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 16" x 20", 2012. 
Colección privada / Private Collection © Madeline von Foerster

«Esta es una obra muy personal. La primera promesa inherente en la imagen es la certeza de la muerte. Dibujé un autorretrato, y luego lo di vuelta para dibujar el esqueleto, porque la figura de la muerte pretende ser yo misma. El roble que crece entre ambos sujetos representa la promesa más significativa: que nuestros átomos reunirán el ciclo de la vida y se convertirán en parte de otras formas de vida maravillosas, tal como hubo otras vidas antes que se convirtieron en parte de nosotros. De este forma hermosa, aspiramos a la inmortalidad, incluso cuando nuestra conciencia individual es tan sólo un fugaz parpadeo en el curso de la historia. Nuestros átomos siguen su ciclo, y si tuvieran conciencia, estoy segura de que se emocionarían ante todos esos milagros y diferentes formas de vida que llegan a comprender, así como el suelo, las piedras y, hace mucho tiempo, las estrellas.»

Dibujo para "La promesa" / Drawing for "The Promise"
Lápiz de color y gesso sobre papel / colored pencil and gesso on paper,  10" x 14", 2007. 
Colección de la artista / Artist's Collection © Madeline von Foerster

«This is a very personal work. The first promise inherent in the image is the certainty of death. I drew the self-portrait, and then reversed it to draw the skeleton, because the death figure is meant to be my own. The oak tree growing between the two subjects represents the more significant promise: that our atoms will rejoin the life cycle and become part of other wonderful life forms, just as they had other lives before becoming part of us. In this beautiful way, we attain immortality, even when our individual consciousness is only a brief flicker in the course of history. Our atoms cycle on, and if they had consciousness, I'm sure they would thrill at the many miraculous and different life forms they get to comprise, as well as soil, stone, and, long ago… stars.»
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"Sin título / Untitled (Pangolin)"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 36" x 36", 2012. 
Colección privada / Private Collection © Madeline von Foerster

"Tsariwa Mama (La madre del árbol / The Mother of the Tree)"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 30" x 40", 2009. 
Colección privada / Private Collection © Madeline von Foerster

"Madre e hijo (Retrato de un dril amenazado) / Mother and Child (Portrait of an Endangered Drill)"
Óleo sobre panel en marco de madera / oil on panel in wood frame, 20" x 21", 2003.
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster
Inspirado en una fotografía de / Inspired by a photograph by Maria Stenzel

«No he utilizado modelos para casi ninguna de mis pinturas recientes; todas están basadas en dibujos creados en mi cabeza (...) Me siento y dibujo y dibujo, hasta que me parece bien. Estoy enamorada de la damas de muchas pinturas renacentistas que igualmente han sido representadas a partir del cerebro de los artistas, en lugar de la realidad. Crea una experiencias diferente para el espectador; relacionamos esa persona con un icono en vez de darle un sentido concreto. Mi esperanza es que el espectador pueda entonces inyectar su propio significado en el sujeto, en vez de sentirse distanciado por la especificidad de un retrato individualizado.»

"Lusus Serius (El juego serio / The Serious Game)", óleo sobre panel / oil on panel, 22" x 22", 2001. 
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster

"Especies invasivas I y II / Invasive Species I and II"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, c/u / each 30,5 x 39,5 cm., 2008.
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster

«Para ser honesta, no soy optimista. Es triste admitirlo, porque incluso hace unos pocos años era más esperanzada. Pero esto cambia muy poco mi manera de hacer las cosas. Martin Luther King dijo: "Aunque supiera que el mundo se terminará mañana, igual plantaría mi manzano." Por lo tanto tenemos que hacer todo lo posible en un esfuerzo que finalmente podría no conducir a nada. En lo personal, estoy segura que tendré una buena vida. Vivo entre esa minoría afortunada de la humanidad que tiene agua limpia, comida en abundancia, un hogar seguro y libertad de empresa. Intento ser agradecida por estas cosas todo el tiempo.»

"Autorretrato / Selfportrait", Óleo y temple al huevo sobre panel en marco de madera /
oil and egg tempera on panel in wood frame, 34" x 42", 2005. 
Colección privada / Private Collection © Madeline von Foerster 

"Retrato de / Portrait of R. Franklin"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 14" x 18", 2009. 
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster

Madeline von Foerster is a very gifted and highly original artist born in San Francisco. She studied art in California, Germany and Austria.
To create her unusual paintings, Madeline von Foerster uses a five century-old mixed technique of oil and egg tempera, developed by the Flemish Renaissance Masters. Although linked stylistically to the past, her paintings are passionately relevant to the present, as such timely themes as deforestation, endangered species, and war find expression in her work. More information in the previous post.


"Gabinete de colección / Collection Cabinet"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 27" x 27", 2011 
© Madeline von Foerster

"Gabinete de colección (dibujo) / Collection Cabinet (drawing)"
Tiza y lápiz de color sobre panel de museo, iluminado con acrílico / 
chalk and colored pencil on museum board, heightened with acrylic, 24" x 24", 2013 
© Madeline von Foerster

«My main dislike [about the art world] is one that concerns pop culture at large, but which is also very present in the art world. There reigns a cynical trend of irony and self-reference, where sincerity, beauty, and even originality are increasingly unwelcome. I think this is especially unfair to younger artists, who arrive idealistic and full of dreams, and then discover they are expected to put figurative air-quotes around everything they do. There is a kind of poverty of imagination in this that I find really bleak.»

"Gabinete de ranas / Frog Cabinet"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 18" x 24", 2011. 
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster

"Ex Mare" (relicario / reliquary)
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 76 x 99 cm., 2010. 
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster

«Almost none of my recent paintings have used any models – they are all based on drawings done out of my head. (...) I sit there and draw and draw, until they look right to me. I’m enamored of the ladies in many Renaissance paintings who seem equally rendered out of the artist’s brain, rather than from reality. It creates a different experience for the viewer: we relate to this person in an iconic rather than specific sense. My hope is that the viewer can then inject their own meaning into the subject, rather than being distanced by the specificity of an individualized portrait.»

"My Darlingtonia", 
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 16" x 20", 2009. 
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster

"Donne Unica"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 9" x 14,5", 2011. 
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster

«Quite honestly, I’m not optimistic. It is very painful to admit that, because even a few years ago I was far more hopeful. And yet that changes little in how I go about things. Martin Luther King said, ‘Even if I knew the world was going to end tomorrow, I’d still plant my apple tree.’ So, we have to do our best in an effort that might all come to nothing in the end. For me, personally, I’m sure life will be fine. I live among the lucky minority of humanity which has clean water, plenty to eat, a safe home, and free enterprise. I try to be grateful for these things at all times.»

"El hilo rojo / The Red Thread" (relicario / reliquary)
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 122 x 158 cm., 2010. 
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster

«Esta pintura está completamente inspirada en los relicarios que vi en la Iglesia de Santa Úrsula en Colonia. Allí hay relicarios hermosos. Comencé por imaginar un relicario en el que en lugar de huesos de santos y restos de santos, contuviera partes de animales que han estado amenazados o que estarán extintos en el futuro, como el gorila, el Huia, que de hecho está extinto (...) Sin embargo, parece algo mórbido pintar sólo un relicario, y necesitaba algo de balance. Por eso en el otro lado de la pintura hay una mujer viva, y ella representa la vida y la naturaleza...»

«This painting was completely inspired by the reliquaries I saw in the Ursula kirche in Köln. This beautiful reliquary was there. I started to imagine a reliquary that instead of bones of saints and remains a saints, contained parts of animals that had been endangered or may be extinct on the future, like gorilla, a kua, a bird from New Zealand that actually is extinct (...) However it seems kinda morbid to just paint a reliquary, and I needed some balance. That's why in the other side of the painting there's a living woman and she represents life and nature...»

Izq./ Left: "Gabinete Amazona / Amazon Cabinet"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 30" x 60", 2008. 
Colección privada / Private Collection © Madeline von Foerster
Der./ Right: "Carnaval insectívoro (Gabinete para Cornell y Haeckel) / 
Carnival Insectivora (Cabinet for Cornell and Haeckel)"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 16" x 20", 2013. 
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster

"El cuento del sapo dorado / The Tale of the Golden Toad"
Óleo y temple al huevo sobre panel / oil and egg tempera on panel, 24" x 36", 2011. 
Colección privada / Private Collection© Madeline von Foerster
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Los comentarios de Madeline están tomados de un par de entrevistas que pueden leerse completas (en inglés) siguiendo los links respectivos /
Madeline's comments taken from a couple of interviews you can fully read following the respective links:

Hi-Fructose, una entrevista a Madeline von Foerster por JL Schnabel, publicada el 9/7/2011 / 
an interview with Madeline Von Foerster by JL Schnabel, posted on July 9, 2011

Entrevista publicada en Menacing Hedge, Verano, 2013 /
Interview published in Menacing Hedge, Summer, 2013

"Retrato de Madeline von Foerster", septiembre, 2010. Puede verse el video al final del post /
"Portrait of Madeline von Foerster", September, 2010. You can see the video at the end of this post.
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Se puede disfrutar de la obra de Madeline en / You can enjoy Madeline's work in:
Website, Facebook

Más sobre Madeline en "El Hurgador" / More about Madeline in this blog:
[Rinocerontes (XLVIII)]

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Madeline!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Madeline!)


Madeline von Foerster entrevistada por Fantastic Visions en la Strychnin Gallery Berlin, tras la inauguración de su exposición. Le preguntamos sobre sus técnicas pictóricas, donde las aprendió y las motivaciones tras sus obras.

Madeline von Foerster was interview by Fantastic Visions at Strychnin Gallery Berlin just after her exhibition opening. We ask Madeline about her painting technique, where she learnt it and the motivations behind her artwork.


Filmación / Filming: Leo Plaw, Philipp Wohlleben
Fotografía / Photography: Leo Plaw, Andrew Kist, unknown
Edición / Editing: Leo Plaw
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«Utilizo mucha imaginería de especies amenazadas y animales desaparecidos, a veces extintos, y estoy especialmente interesada en la forma como esas especies son presentadas y preservadas en los museos. Encuentro realmente fascinante que tengamos ese deseo de exponer cosas que ya se han ido en lugar de proteger las que aún están aquí. Un ejemplo realmente espantoso es el de un pajaro llamado alca gigante que se extiguió hace un tiempo. Creo que cuando quedaban algo así como 40 de esas aves, mataron unos 38 para especímenes de museo. Siempre he sentido que para las generaciones futuras, nuestra forma actual de relacionarnos con la naturaleza caracterizará este período de la historia humana.»

«I use a lot of imaginery of endangered and desapperaing animals, sometimes extinct animals and I'm specially interested in the way that those species are presented and preserved in museums. I find it really fascinating that we have this desire to display things that are gone rather than protecting the things that are still here. Its a really scary example of that a bird called the Great Auk that was may extinct a while back. I think when there were something like 40 of that birds last, like 38 of they were killed for museum specimens. I always have the feeling that in future generations our current relationship with nature it will characterize this period of human history.»
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Retrato de Madeline von Foerster: una entrevista con la artista residente en New York /
Portrait of Madeline von Foerster: an interview with the New York based artist 


Filmado en septiembre de 2010 en su estudio de New York City /
Shot in September 2010 at her atelier in New York City.
Música / Music by Edison Woods
Cámara y producción de / Camera & production by Philipp Wohlleben, Wohlleben Filmprodukte
Editada por / Editing by Joel Ström of bewegtes-bild.com

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Imogen Cunningham [Fotografía]

April 23, 2014, 10:36 pm
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Imogen Cunningham

"Autorretrato con / Self Portrait with Korona View", 1933 © 2014 Imogen Cunningham Trust

Imogen Cunningham fue una fotógrafa estadounidense nacida en Portland, Oregon, en 1883.
Se crió en Seattle, Washington, y asistió a la Universidad de Washington donde se graduó en química, aconsejada por su profesor que le dijo que debía tener una formación científica si quería ser fotógrafa. Para pagar sus gastos, trabajó como secretaria de su profesor de química y realizó diapositivas para los botánicos. Su tesis de graduación se tituló "Modernos procesos de fotografía".

"El sueño / The Dream", 1910 © 2014 Imogen Cunningham Trust

"Floración de magnolia / Magnolia Blossom", 1925 © 2014 Imogen Cunningham Trust

Imogen aprendió las técnicas de la impresión en platino con Edward S. Curtis, el fotógrafo que produjo los veinte volúmenes de "La norteamérica india", y estudiando química de la fotografía en Dresde. A su regreso de Alemania, abrió un estudio de retratos en Seattle. En 1914 tuvo lugar su primera exposición en solitario en el Instituto de Artes y Ciencias de Brooklyn.
Se casó con el grabador de Seattle Roi Partridge. Se mudó a California. Con tres niños y ejerciendo como esposa, su actividad fotográfica se vio restringida a fotografiar a sus niños y las plantas del jardín.

"Tres bailarinas, Colegio Mills / Three Dancers, Mills College", 1929 © 2014 Imogen Cunningham Trust

"Ruth Asawa" © 2014 Imogen Cunningham Trust

Izq./ Left: "Espiral trasero / Spiral Back", 1929
Der./ Right: "Las hojas de Taiwan / The Taiwan Leaves", 1963 © 2014 Imogen Cunningham Trust

Después de su divorcio, Imogen viajó con Dorothea Lange y Paul Taylor para documentar una cooperativa de construcción con madera, comenzando una serie que duraría el resto de su vida, conocida como "fotografía de las calles".
Durante los años de guerra vendió su casa en Oakland y utilizó el estudio y cuarto oscuro de un amigo en San Francisco. Luego estableció un estudio en su casa de Green Street, en la misma ciudad. Durante los siguientes treinta años su trabajo se exhibió por todo el país, y ella continuó con su fotografía callejera cuando no estaba haciendo retratos.

"Triángulos / Triangles", 1923 © 2014 Imogen Cunningham Trust

"Frida Kahlo", 1931 © 2014 Imogen Cunningham Trust

"Otro brazo / Another Arm", 1973 © 2014 Imogen Cunningham Trust

El Museo Internacional de Fotografía, en la George Eastman House de Rochester, New York, compró una colección retrospectiva de su obra. Con ese dinero, Imogen viajó y fotografió en Europa oriental y occidental. También experimentó con Polaroid.
Fue elegida miembro de la Academia Nacional de Artes y Ciencias, reconocida con un doctorado honorario en Bellas Artes por el California College of Arts and Crafts, Oakland, y premiada con una beca Guggenheim para imprimir sus negativos tempranos. La University of Washington Press publicó su primer libro, "Imogen Cunningham: Fotografías". Una gran exposición tuvo lugar en la Witkin Gallery de New York City. El Smithsonian compró una gran colección de su obra.
Imogen falleció el 23 de junio de 1976 a los 93 años.

"Edward Weston y Margrethe Mather, fotógrafos / Photographers", 1922 © 2014 Imogen Cunningham Trust

"Martha Graham", 1931 © 2014 Imogen Cunningham Trust

Tras varias exposiciones, Imogen conoció y fotografió a la bailarina Martha Graham. Después de que se publicaran en la edición de diciembre de Vanity Fair, los editores le pidieron que aceptara encargos para fotografiar personalidades de Hollywood.

After several exhibitions, Imogen met and photographed the dancer, Martha Graham. After the Graham photographs were published in the December issue of Vanity Fair the editors asked her to take assignments photographing Hollywood personalities.

"Callas", c.1925 © 2014 Imogen Cunningham Trust

Imogen Cunningham was an American photographer born in Portland, Oregon, in 1883. 
She grew up in Seattle, Washington and attended the University of Washington, majoring in chemistry after she was advised by her professor that she should have a scientific background if she wanted to be a photographer. To pay her expenses she worked as a secretary to her chemistry professor and made slides for the botanists. Her thesis when she graduated was titled “Modern Processes of Photography.”

 "Jane and Alice and Imogen", 1940 © 2014 Imogen Cunningham Trust


"Autorretrato / Self Portrait", 1906 © 2014 Imogen Cunningham Trust

Imogen learned the techniques of platinum printing with Edward S. Curtis, the photographer who produced the twenty volumes of “The North American Indian.”, and studying photographic chemistry in Dresden. Returning from Germany, Imogen opened a portrait studio in Seattle. In 1914, her first one-person exhibition was held at the Brooklyn Institute of Arts and Sciences.
She married Seattle etcher, Roi Partridge, and then moved to California. With three young sons and life as a faculty wife, her photography was largely confined to photographing her children and the plants in her garden.

"Joan Blondell", 1933 © 2014 Imogen Cunningham Trust

"Braille", 1933 © 2014 Imogen Cunningham Trust

"Helena Mayer, Canyon de Chelly", 1939 © 2014 Imogen Cunningham Trust

After the divorce, Imogen traveled with Dorothea Lange and Paul Taylor to document a lumber co-operative, beginning a life-long series of what might now be called street photography.
During the war years she sold her house in Oakland and used a friend's studio and darkroom in San Francisco. Imogen established a studio in her home on Green Street in San Francisco. During the next thirteen years her work was exhibited across the country and she continued her street photography work when she was not making portraits.

"Cary Grant", 1932 © 2014 Imogen Cunningham Trust

The International Museum of Photography, at George Eastman House in Rochester, New York, purchased a major retrospective collection of her work. Imogen used the money to travel and photograph in both Western and Eastern Europe. Imogen experimented with Polaroid film.
She was elected a Fellow of the National Academy of Arts and Sciences. Imogen Cunningham was awarded an honorary Doctor of Fine Arts degree by the California College of Arts and Crafts, Oakland. Imogen Cunningham was awarded a Guggenheim Fellowship to print from her early negatives. The University of Washington Press published her first book, “Imogen Cunningham: Photographs.” A major exhibition was held at the Witkin Gallery in New York City. The Smithsonian Institution purchased a major collection of her work.
Imogen passed away on June 23, 1976, at the age of 93.

"Fénix acostada / Phoenix Recumbent", 1968 © 2014 Imogen Cunningham Trust
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En 1988, Meg Partridge produjo y dirigió un corto de 30 minutos sobre Imogen que estuvo nominado al Oscar a Mejor Corto Documental. En él, la fotógrafa habla en primera persona describiendo su obra y su vida como fotógrafa. En Youtube pueden verse varios fragmentos. Les dejo un par de ellos y los enlaces a los restantes.



In 1988 Meg Partridge produced and directed a 30-minute documentary about Imogen. It was nominated for an Academy Award for Best Documentary Short. In it, photographer speaks in the first person describing her work and her life as a photographer. In Youtube can be seen several fragments. Here you have a couple of them and links to the others. More information in Meg's website and Wiki.



Parte / Part # 3, #4, #5, #7, #8, #9, #10
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Muchas gracias a Meg Partridge, nieta de Imogen y Directora de The Imogen Cunningham Trust que me ha autorizado a publicar esta selección de imágenes y ha puesto a mi disposición el material del sitio web, cuya visita recomiendo vivamente.
http://www.imogencunningham.com/

Thanks a lot to Meg Partridge, Granddaughter of Imogen and Director of The Imogen Cunningham Trust for her permission to publish this selection of images. She has placed at my disposal the material of their website. I highly recommend a visit.
http://www.imogencunningham.com/


Algunos retratos / Some portraits

"Imogen y Twinka" por / by Judy Dater, 1974 © Judy Dater

En 1964, Dater conoció a la fotógrafa Imogen Cunningham en un taller sobre la vida y obra de Edward Weston en Big Sur Hot Springs, que más tarde se convertiría en el Esalen Institute. La vida y obra de Cunningham fueron sumamente inspiradoras para Dater. Compartieron su interés por el retrato y siguieron siendo amigas hasta la muerte de Cunninghan en 1976. 
Su fotografía de 1974 "Imogen y Twinka", presentando a una Imogen Cunningham muy mayor, encontrándose con una ninfa en los bosques de Yosemite. La ninfa es la modelo Twinka Thiebaud. La foto se publicó en la revista LIFE en su edición de 1976 sobre los 200 años de la mujer estadounidense.

In 1964, Dater met the photographer Imogen Cunningham at a workshop focusing on the life and work of Edward Weston at Big Sur Hot Springs, which later became Esalen Institute. Dater was greatly inspired by Cunningham's life and work. They shared an interest in portraiture and remained friends until Cunningham's death in 1976.
Her 1974 photograph, Imogen and Twinka, featuring an elderly Imogen Cunningham encountering a nymph in the woods of Yosemite. The nymph is the model Twinka Thiebaud. The photo was published in Life magazine in its 1976 issue about the first 200 years of American women.

"Imogen Cunningham" por / by Mimi Jacobs, c.1975

"Autorretrato en la calle Geary / Self Portrait on Geary Street", 1958 © 2014 Imogen Cunningham Trust

"Imogen Cunningham y / and Ansel Adams", por / by Alan Ross, 1975 © Alan Ross

«Conocí a Imogen alrededor de 1920, cuando visitaba el Mills College con Albert Bender. Albert era un gran patrocinador de las artes en el área de San Francisco, y yo solía ir con él hasta Mills en algunos de sus viajes, cuando llevaba´ libros de regalo a la biblioteca en la que Roi Partridge estaba enseñando en Mills por aquél entonces, e Imogen estaba haciendo algunas fotografías para la universidad.
Luego Imogen se unió a nosotros cuando fundamos el grupo f/64. Solía pensar que ese fue el momento en que realmente comenzó a darse cuenta de su potencial creativo. Su trabajo se hizo más extrovertido, llegó a ser más consciente de las diferentes cosas que otros estaban haciendo, y eso era estimulante para ella.»
Entrevista a Ansel Adams del libro de Judy Dater "Imogen Cunninghay: Un retrato". Texto completo aquí.

"I met Imogen around 1920 when I was visiting Mills College with Albert Bender. Albert was a great patron of the arts in the San Francisco area, and I used to drive him up to Mills on some of his trips, when he was carrying books as gifts to the library Roi Partridge was teaching at Mills then, and Imogen was doing some photography for the college.
Then Imogen joined us when we founded Group f/64 in 1932. I'd like to think that that was about the time she really began to realize her creative potential. Her work became more extroverted, she became more aware of the different things others were doing, and that was stimulating to her.
Ansel Adams interview from Judy Dater, "Imogen Cunningham: A Portrait". Full text here.

"Imogen Cunningham", por / by Abe Frajndlich, 1975 © Abe Frajndlich
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Sobre los artistas / Abut the artists

Judy Dater es una fotógrafa y feminista estadounidense nacida en 1941 en Hollywood, criada en Los Angeles.
Su padre era dueño de una sala de cine, así que las películas se convirtieron en el prisma a través del cual veía el mundo, y esto tuvo una profunda influencia en su fotografía. Estudió arte en la UCLA entre 1959 y 1962, antes de mudarse a San Francisco y recibió una licenciatura en 1963 y un Master en 1966, ambos de la San Francisco State University. Allí también estudió fotografía por primera vez con Jack Welpott, con quien se casó. En 1975 publicaron un trabajo conjunto titulado "Mujeres y otras visiones".
Dater es también conocida por sus autorretratos. A menudo creaba personajes que encarnaban las preocupaciones conscientes e inconscientes de las mujeres. Su serie de autorretratos incluye títulos como "Ms. Cling Free" y "Mujer leopardo". También hizo retratos de otras mujeres utilizando luz natural. Trabajó sólo en blanco y negro hasta 1979, cuando comenzó a hacer algunas cosas en color. 
Sitio web de la artista: http://judydater.com/
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Judy_Dater 

Judy Dater is an American photographer and feminist. Dater was born in 1941 in Hollywood and grew up in Los Angeles. 
Her father owned a movie theater, so movies became the prism through which she viewed the world and they had a profound influence on her photography. She studied art at UCLA from 1959 to 1962 before moving to San Francisco and received a bachelor's degree in 1963 and a master's degree in 1966, both from San Francisco State University. It was there she first studied photography with Jack Welpott, whom she later married. In 1975, they published a joint work, titled Women and Other Visions.
Dater is also known for her self-portraits. She often creates characters that embody the conscious and unconscious concerns that women have. Her self-portrait series includes titles like "Ms. Cling Free" and "Leopard Woman". She also does portraits of other women, using natural light. She worked only in black-and-white photography until 1979, when she began some work in color.
Artist's website: http://judydater.com/
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Judy_Dater
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Residente en la Bahía de San Francisco Mimi Jacobs nació en 1911. Durante su carrera como fotógrafa especializada en retratar artistas, su obra fue exhibida en el San Francisco Museum of Modern Art, el Oakland Museum y el Los Angeles County Museum of Art.
Jacobs fotografió destacadas luminarias, como Imogen Cunningham, Ansel Adams, Wayne Thiebaud y Richard Diebenkorn.
Antes de interesarse por la fotografía, Jacobs experimentó con escultura y cerámica. No se "enganchó" a la fotografía hasta que le regalaron el "Book of People" de Imogen Cunningham. Desde entonces buscó libros sobre el tema y tomó clases privadas para aprender el arte.
Una muestra itinerante que emparejaba retratos de Jacobs con obras de los propios artistas, culminó en la publicación de "50 artistas de la Costa Oeste: una selección crítica de pintores y escultores en California" (Chronicle Books, 1981). Jacobs murió en San Rafael en 1999.
Ancestry.com: http://boards.ancestry.com/localities.northam.usa.states.california.counties.marin/2193/mb.ashx

San Francisco Bay Area based Mimi Jacobs was born in 1911. During her career as a photographer who specialized in portaits of artists, her work has been exhibited at the San Francisco Museum of Modern Art, the Oakland Museum and the Los Angeles County Museum of Art.
Jacobs photographed such creative luminaries as Imogen Cunningham, Ansel Adams, Wayne Thiebaud and Richard Diebenkorn.
Before becoming interested in photography, Jacobs experimented with sculpture and pottery. She didn't become "hooked" on photography until she was given photographer Imogen Cunningham's "Book of People". From there, she searched out books on the subject and took private instruction to learn the art.
A traveling exhibit that paired Jacobs' portraits with works by the artists themselves culminated in the publication of "50 West Coast Artists: a Critical Selection of Painters and Sculptors Working in California" (Chronicle Books, 1981). Jacobs died in San Rafael in 1999. 
Ancestry.com: http://boards.ancestry.com/localities.northam.usa.states.california.counties.marin/2193/mb.ashx
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Alan Ross es un fotógrafo y educador respetado a nivel internacional, que trabajó junto a Ansel Adams como su asistente. Conoció de primera mano el abordaje y técnicas de Adams quizá mejor que cualquier otro fotógrafo de hoy en día.
Como artista, Alan es bien conocido por las exquisitas tonalidades de sus fotografías en blanco y negro del oeste estadounidense. Sus obras están presentes en galerías de todo el mundo, y ha conducido talleres desde Yosemite a la China.
Sitio web del artista: http://www.alanrossphotography.com/about/
En Facebook: https://www.facebook.com/AlanRossPhotography 

Alan Ross is an internationally respected master photographer and educator who worked side-by-side with Ansel Adams as his photographic assistant. He knows Adams’ approach and technique perhaps better than any other photographer today.
As an artist, Alan is best known for his tonally exquisite black-and-white photographs of the American west. His photography hangs in collections and galleries throughout the country and internationally, and he has led workshops in locations from Yosemite to China.
Artist's website: http://www.alanrossphotography.com/about/
In Facebook: https://www.facebook.com/AlanRossPhotography
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Abe Frajndlich es un fotógrafo estadounidense nacido en Alemania en 1946, que vive y trabaja en Nueva York. Se hizo conocido a nivel internacional, en particular como retratista de celebridades, incluyendo a sus principales colegas fotógrafos.
Obtuvo Licenciatura (1968) y Master (1970) en literatura inglesa en la Northwestern University, Evanston, Il.
Fotógrafo freelance comercial, artístico y de revistas, ha trabajado para medios como Frankfurter Allgemeine Zeitung, Life, ArtNews, London Sunday Times, London Observer, Vanity Fair, y muchos otros en Estados Unidos y Europa. Ha realizado un gran número de exposiciones individuales y colectivas y su obra está presente en colecciones de Estados Unidos, Alemania, Francia e Inglaterra.
Website del artista: http://abefoto.com/
En Wiki (en alemán): http://de.wikipedia.org/wiki/Abe_Frajndlich

Abe Frajndlich is an American photographer born in Germany in 1946, who lives and works in New York. He became known internationally, especially as a portraitist of celebrities including his main colleagues photographers. 
He received a Bachelor (1968) and a Master (1970) in English literature at Northwestern University, Evanston, Il. 
Freelance art, magazine and commercial photographer, he has worked for Frankfurter Allgemeine Zeitung, Life, ArtNews, London Sunday Times, London Observer, Vanity Fair, and many others in the U.S. and Europe. He has made numerous solo and group exhibitions and his work is represented in collections in the United States, Germany, France and England.
Artist's website : http://abefoto.com/
In Wiki (German): http://de.wikipedia.org/wiki/Abe_Frajndlich

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Pintando perros / Painting dogs (XXXII)

April 24, 2014, 11:23 pm
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Primero de dos posts para revisar el trabajo de uno de los pintores británicos clásicos especialistas en perros que más me gustan.

Firts of two posts I'll dedicate to the work of one of the British classic painters specialized in dogs I like the most.
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Los perros de
Sir Edwin Henry Landseer (I)

"Edwin Landseer", por / by Sir Francis Grant, óleo sobre panel / oil on board, 30,2 x 25,4 cm., c.1852.
National Portrait Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

Sir Edwin Henry Landseer fue un pintor inglés reconocido por sus pinturas de animales (especialmente caballos, perros y ciervos). Su obra más conocida, sin embargo, son esculturas: los leones de Trafalgar Square, en Londres.
Nació en Londres en 1802, fue algo así como un prodigio cuyos talentos artísticos fueron reconocidos muy pronto. Estudió con varios artistas, incluido su padre, y el pintor histórico Benjamin Robert Haydon, quien le animó a realizar disecciones para comprender la musculatura y esqueleto de los animales.

"La Campeona, 'Venus', una Landseer Terranova con un conejo / 
The Champion, Venus, a Landseer Newfoundland With a Rabbit"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116 x 141 cm., s.XIX. Colección privada / Private Collection.

"Sabueso durmiendo / Sleeping Bloodhound", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 101,6 x 127,0 cm., 1835.
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

Su vida estuvo ligada a la Royal Academy. A los 13 años expuso allí por primera vez. Fue electo asociado a los 24 años y académico cinco años más tarde, en 1831. Fue nombrado Caballero en 1850 y aunque fue electo Presidente en 1866, declinó la invitación.
A fines de los '30, sufrió lo que se cree fue un severo colapso nervioso, y el resto de su vida estuvo aquejado por recurrentes episodios de melancolía, hipocondria y depresión, a menudo agravados por el abuso de alcohol y drogas. Los últimos años de su vida su estabilidad mental fue problemática, y a pedido de su familia fue declarado loco en julio de 1872. Murió al año siguiente.

"El luto del Viejo Pastor por su amo / The Old Shepherd's Chief Mourner"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 45,7 x 61 cm., 1837.
Victoria and Albert Museum (Londres, Inglaterra / London, England)

"Suspenso / Suspense", óleo sobre panel / oil on panel, 69,9 x 90,8 cm., c.1834
Victoria and Albert Museum (Londres, Inglaterra / London, England)

"Salvado / Saved", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1856

Tan populares e influyentes fueron las pinturas de Landseer de perros al servicio de la humanidad, que el nombre "Landseer" se hizo oficial para una variedad de perro Terranova que en lugar de ser total o parcialmente negro, presenta una mezcla de blanco y negro; fue la variedad que el artista popularizó en sus celebradas obras de perros terranova en rescates acuáticos, especialmente Off to the Rescue (1827), A Distinguished Member of the Humane Society (1838), y Saved (1856), que combina la concepción victoriana de la niñez con la atractiva idea de animales nobles dedicados a la humanidad, una devoción que en Saved está indicada por el hecho de que el perro ha rescatado a un niño sin que haya aparentemente ningún humano involucrado.

So popular and influential were Landseer's paintings of dogs in the service of humanity that the name Landseer came to be the official name for the variety of Newfoundland dog that, rather than being black or mostly black, features a mix of both black and white; it was this variety Landseer popularised in his paintings celebrating Newfoundlands as water rescue dogs, most notably Off to the Rescue (1827), A Distinguished Member of the Humane Society (1838), and Saved (1856), which combines the Victorian conception of childhood with the appealing idea of noble animals devoted to humankind - a devotion indicated, in Saved, by the fact the dog has rescued the child without any apparent human involvement.

"Un miembro distinguido de la sociedad humana / A Distinguished Member of the Humane Society"
óleo sobre lienzo / oil on canvas, 111,8 x 143,5 cm., exhibido en / exhibited 1838.
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

"Una escena en Abbotsford / A Scene at Abbotsford", óleo sobre tabla / oil on wood, 45,1 x 61 cm., 1827
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

Landseer fue una figura notable del arte británico en el s.XIX, y sus obra pueden encontrarse en la Tate Gallery, el Victoria Albert Museum, Kenwood House y la Wallace Collection de Londres. También colaboró con su colega pintor Frederick Richard Lee.
La popularidad de Landseer en el Gran Bretaña victoriana fue considerable, y su reputación como pintor de animales no tuvo rival. Gran parte de su fama (y de sus ingresos) fueron generados por la publicación de grabados de sus obras, muchos de ellos realizados por su hermano Thomas.
Su gusto traspasó las clases sociales: reproducciones de sus obras fueron comunes en los hogares de clase media, mientras que también era muy popular entre la aristocracia. La Reina Victoria encargó a los artistas numerosas pinturas.

"Alejandro y Diógenes / Alexander and Diogenes"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 112,4 x 142,9 cm., exhibido en / exhibited 1848
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

Se rumorea que Landseer era capaz de pintar con las dos manos a la vez, por ejemplo, pintar la cabeza de un caballo con la derecha y la cola con la izquierda simultáneamente. Fue también conocido por ser capaz de pintar extremadamente rápido, cuando estaba de humor para ello.

"Mala vida / Low Life", óleo sobre caoba / oil on mahogany, 45,7 x 35,2 cm., 1829
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

Sir Edwin Henry Landseer was an English painter well known for his paintings of animals - particularly horses, dogs and stags. The best known of Landseer's works, however, are sculptures: the lions in Trafalgar Square, London.
Landseer was born in London (1802). He was something of a prodigy whose artistic talents were recognised early on. He studied under several artists, including his father, and the history painter Benjamin Robert Haydon, who encouraged the young Landseer to perform dissections in order to fully understand animal musculature and skeletal structure. 

"Perro de caza con cachorro en un granero / Hunting Dog and Puppy in Barn"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 22" x 36". Colección privada / Private Collection.

"Perro con una pantufla / A Dog with a Slipper", óleo sobre panel / oil on panel, 43,8 x 53,8 cm., 1848.
Museos Nacionales / National Museums (Liverpool, Inglaterra / England)

"Examen / Quiz", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,5 x 76,2 cm., 1839
The Royal Collection (Inglaterra / England)

Landseer's life was entwined with the Royal Academy. At the age of just 13, in 1815, he exhibited works there. He was elected an Associate at the age of 24, and an Academician five years later in 1831. He was knighted in 1850, and although elected President in 1866 he declined the invitation.
In his late 30s Landseer suffered what is now believed to be a substantial nervous breakdown, and for the rest of his life was troubled by recurring bouts of melancholy, hypochondria, and depression, often aggravated by alcohol and drug use. In the last few years of his life Landseer's mental stability was problematic, and at the request of his family he was declared insane in July 1872. He died in 1873.

"León: Un perro Terranova / Lion: A Newfoundland Dog", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1824
Victoria and Albert Museum (Londres, Inglaterra / London, England)

"Eos, el galgo favorito del Principe Alberto / a Favorite Greyhound of Prince Albert"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 111,8 x 142,9 cm., 1841.
The Royal Collection (Inglaterra / England)

Landseer was a notable figure in 19th-century British art, and his works can be found in Tate Britain, the Victoria and Albert Museum, Kenwood House and the Wallace Collection in London. He also collaborated with fellow painter Frederick Richard Lee.
Landseer's popularity in Victorian Britain was considerable, and his reputation as an animal painter was unrivalled. Much of his fame—and his income—was generated by the publication of engravings of his work, many of them by brother Thomas.
His appeal crossed class boundaries: reproductions of his works were common in middle-class homes, while he was also popular with the aristocracy. Queen Victoria commissioned numerous pictures from the artists.

"Dignidad e imprudencia / Dignity and Impudence", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 88,9 x 69,2 cm., 1839
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

"No hay sitio como el hogar / There's No Place Like Home"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 63,2 x 75,6 cm., c.1842
Victoria and Albert Museum (Londres, Inglaterra / London, England)

"Un cachorro jugueteando con un sapo / A Puppy Teasing a Frog"
Óleo sobre panel / oil on panel, 35,5 x 44,5 cm., 1824. 
Harris Museum & Art Gallery (Preston, Lancashire, Reino Unido / UK)

Landseer was rumoured to be able to paint with both hands at the same time, for example, paint a horse's head with the right and its tail with the left, simultaneously. He was also known to be able to paint extremely quickly - when the mood struck him.

"Mastines alpinos reanimando un viajero en apuros / Alpine Mastiffs Reanimating a Distressed Traveller"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1820

Landseer es el responsable de que todos imaginemos a un perro San Bernardo con un barril de brandy al cuello. En 1831 pintó una escena titulada "Mastines alpinos reanimando a un viajero en apuros". La obra representa a dos San Bernardo, uno de los cuales lleva un barril de brandy en miniatura atado al cuello.
Landseer añadió aquel barril exclusivamente como elemento decorativo, pero ya nadie pudo evitar asociar esos barriles con los mastines alpinos (el nombre más usado antes para esta clase de perros: el nombre de San Bernardo también lo popularizó Landseer).

Landseer is responsible that all of us imagine a St. Bernard with a barrel of brandy around his neck. In 1831 he painted a scene titled "Alpine Mastiffs reanimating a distressed traveler". The painting depicts two St. Bernard dogs, one of which carries a miniature barrel brandy tied around his neck. 
Landseer added that barrel exclusively as a decorative element, but since then no one could avoid associating Alpine Mastiffs with those barrels. Alpine Mastiff is the name most used before for this kind of dog: the name of San Bernardo was also popularized by Landseer.

"El perro y la sombra / The Dog and the Shadow", óleo sobre panel / oil on panel, 45,1 x 54,6 cm., 1822

La información biográfica está tomada de / Biographic information from
Wikipedia

Más sobre Landseer en "El Hurgador" / More about Landseer in this blog:
[Aniversarios (V)]

Se puede disfrutar de más obras en / You can enjoy more artworks in
Wikipaintings, ARC, Royal Collection

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Aniversarios (XII) [Abril / April 20-26]

April 26, 2014, 12:23 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 20 de Abril es el cumple de

Franz Xaver Winterhalter, pintor y litógrafo alemán nacido en 1805, especialmente conocido por sus retratos de la realeza realizados a mediados del siglo XIX. Entre sus obras más conocidas se cuentan La Emperatriz Eugenia y los retratos hechos a la emperatriz Isabel de Austria (Sissí). Dejó la aldea de Menzenschwand a los 13 años para estudiar dibujo y grabado. Fue aprendiz de delineante y litógrafo en el taller de Karl Ludwig Schüler en Friburgo. En 1823, a los 18 años, marchó a Múnich. Se trasladó a Francia, siendo nombrado pintor de la corte del rey Luis Felipe de Francia. Ningún pintor de retratos disfrutó jamás de tanto patronazgo real como Winterhalter, sólo Rubens y Van Dyck trabajaron en cierta medida como él a nivel internacional. Murió en 1873.

"Florinda", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 178,4 x 245,7 cm., 1853. 
Metropolitan museum (New York, Estados Unidos / USA)

Más sobre Winterhalter en "El Hurgador" / More about Winterhalter in this blog:
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Atilio Malinverno, pintor argentino nacido en 1890. Fue un post impresionista, parte de un movimiento que comenzó en la primera década del siglo XX.
Con un temperamento solitario, se dedicó exclusivamente a la pintura de paisajes en el tiempo libre que le dejaba su trabajo en una agencia de publicidad. Los principales temas de su obra son las colinas de Córdoba, las llanuras de la Pampa, las montañas de Tandil, la costa de Quilmes, las barrancas de San Isidro y Piriápolis, en la República Oriental del Uruguay.
Se trasladaba con su caballete a las colinas de Córdoba, donde creaba obras que más tarde regresaban a Buenos Aires y se vendían con éxito en las exposiciones de arte.
Estudió en la "Asociación de Estímulo de Bellas Artes" y realizó varios viajes por Argentina, Bolivia, Chile y Uruguay. Murió en 1936.

"La Calle de los Eucaliptus / Eucalyptus Street", óleo sobre cartón / oil on cardboard, 48 x 58 cm., 1921


El 21 de Abril es el cumple de

Jean Hélion, pintor francés nacido en Normandía en 1904, cuya obra abstracta en los años 1930 le estableció como un líder dentro del arte moderno. Se trasladó a los Estados Unidos en julio de 1936 y regresó a Francia durante la Segunda Guerra Mundial en 1940 uniéndose al ejército. Fue capturado en junio del mismo año y estuvo en un barco prisión en Stettin an der Oder (hoy Szczecin, Polonia) hasta febrero de 1942, cuando escapó. Llegó a EE. UU. en octubre, donde habló por la radio y dio conferencias en favor de una Francia Libre. A mitad de su carrera rechazó la abstracción, a lo que siguieron 5 décadas de pintura figurativa. Fue también autor de varios libros y de un extenso cuerpo de escritura crítica. Murió en 1987.

"Isla de Francia / Ile de France", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 145,4 x 200 cm., 1935. 
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London / England)
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Ludovico (o Lodovico) Carraci, pintor, grabador e impresor del barroco temprano nacido en Boloña (Italia) en 1555. Sus obras se caracterizan por fuertes estados de ánimo invocados por gestos amplios y luz parpadeante que crean emoción espiritual y revigorizan el arte italiano, especialmente del fresco, que estaba subsumido por el manierismo formalista.
Ludovico aprendió con Prospero Fontana en Boloña y viajó por Francia, Parma y Venecia, antes de regresar a su ciudad natal. Junto con sus primos Annibale y Agostino Carraci, ludovico trabajó en Boloña en el ciclo de frescos que representan las historias de Jasón y Medea (1584) en el Palazzo Fava, y las Historias de Rómulo y Remo (1590-92) para el Palazzo Magnani. Murió en Boloña en 1619.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Ludovico_Carracci

"Retrato de un hombre joven / Portrait of a Young Man"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 34,5 x 28,5 cm., 1583-85. Musei Capitolini (Roma, Italia / Rome, Italy)


El 22 de Abril es el cumple de

Richard Diebenkorn, pintor estadounidense nacido en 1922. Su obra temprana está asociada al Expresionismo Abstracto, y al "Movimiento Figurativo de la Bahía", una corriente en la cual en grupo de artistas de la Bahía de San Francisco se apartaron del Expresionismo Abstracto para un retorno a la figuración en pintura durante los años '50 y '60. Después de haber servido como marine durante la Segunda Guerra, se dedicó a la pintura influenciado al principio por artistas como Clyfford Still, Arshile Gorky, Hassel Smith y Willem de Kooning. A mediados de los '50 era ya un pintor figurativo cuyo estilo constituía un puente entre el expresionismo abstracto y Henri Matisse. Su primera exposición fue en 1948 y la primera retrospectiva importante en 1976. Murió en 1993.

"Paisaje Urbano I / Cityscape I", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 60 1/4" x 50 1/2", 1963. 
San Francisco Museum of Modern Art (San Francisco, Estados Unidos / USA)
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Odilon Redon, pintor, grabador, dibujante y pastelista francés nacido en 1840.
Redon comenzó a dibujar desde niño, y a los 10 años ganó un premio en la escuela. Comenzó sus estudios formales de dibujo a los 15, pero por insistencia de su padre se cambió a la arquitectura. Fracasó en los exámenes de la Escuela de Bellas Artes de París, con lo que abortó cualquier plan para una carrera de arquitecto, aunque estudió brevemente pintura allí con Jean-Léon Gérôme, en 1864. Su carrera artística se vio interrumpida en 1870 cuando se unió al ejército para servir en la Guerra Franco-Prusiana.
Al finalizar la guerra se mudó a París, y retomó el trabajo casi exclusivamente en carboncillo y litografías. Llamó a sus obras visionarias, concebidas en sombras de negro, sus "Noirs". No fue hasta 1878 que su obra ganó reconocimiento con "Espíritu guardián de las aguas"; publicó su primer álbum de litografías, titulado "Dans le Rêve", en 1879. Aún así permaneció siendo relativamente desconocido hasta la aparición en 1884 de una novela de culto de Joris-Karl Huysmans titulada À Rebours (Contra la naturaleza). Murió en 1916.

"La araña sonriente / The Smiling Spider", 1881.


El 23 de Abril es el cumple de

Joseph Mallord William Turner, pintor paisajista inglés nacido en Covent Garden en 1751, considerado una figura controvertida en su tiempo, visto hoy como el artista que elevó el paisaje a la altura de la pintura histórica. Considerado como "el pintor de la luz", su trabajo es una suerte de prefacio romántico al impresionismo. Turner entró en la Royal Academy of Art con tan sólo 14 años. En 1790, tras sólo un año de estudio, una acuarela suya fue aceptada para la exposición veraniega de la Real Academia de aquel año. Su primer óleo, "Pescadores en el mar", fue exhibido en 1796. Durante el resto de su vida, expuso regularmente en la Academia. Se le considera uno de los fundadores de la pintura paisajística inglesa a la acuarela. Murió en 1851.

"Pescadores en el mar / Fishermen at Sea", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 91,4 x 122,2 cm., 1796. 
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)

Más sobre Turner en "El Hurgador" / More about Turner in this blog:
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Frans Thomas Koppelaar, pintor nacido en La Haya, Holanda, en 1943.
Entre 1963 y 1969 asistió a la Real Academia de Artes Visuales de La Haya. Se mudó Ámsterdam en 1968.
Sus paisajes y escenas ciudadanas de Ámsterdam están pintados en un estilo que recuerda la tradición clásica de la Escuela de La Haya y los impresionistas de Ámsterdam.
La obra de Koppelaar congenia con un movimiento figurativo de la pintura contemporánea holandesa que evolucionó durante los '90 como reacción a la caída del muro del arte conceptual y de las también pomposas teorías artísticas del período. A través de los años su estilo evolucionó hacia un abordaje más simple y directo. Para 1984 ya no se identificaba con ningún movimiento artístico. Koppelaar es también conocido como retratista.

"Besneeuwde Blauwbrug / Puente Azul nevado / Snowed Blue Bridge"
Óleo sobre lino / oil on linen, 75 x 100 cm., 1991. Colección privada / Private Collection


El 24 de Abril es el cumple de

César Manrique Cabrera, pintor, escultor, arquitecto y artista español originario de la isla de Lanzarote. Compaginó su obra con la defensa de los valores medioambientales de Canarias. Buscó la armonía entre el arte y la naturaleza como espacio creativo.
En 1942 tiene lugar su primera exposición individual en Arrecife, y en la década de los 50 funda la galería Fernando Fé, la primera no figurativa de España. En 1964 se trasladó a Nueva York donde expuso y tuvo contacto con las corrientes artísticas norteamericanas. En 1966 se instala definitivamente en Lanzarote, donde comenzaba a desarrollarse el sector turístico. A partir de 1973 comienza su estrecha colaboración con el arquitecto Fernando Higueras desarrollando numerosas obras. Falleció en 1992.

Una de sus esculturas móviles en Tahiche, Lanzarote, cerca de la Fundación / 
One of his mobile sculptures in Tahiche, Lanzarote, close to the Foundation. 
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Federico Assler Brown, escultor chileno nacido en 1929.
En 1954 ingresó en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso, donde permaneció dos años; posteriormente ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Viña del Mar. Sus primeros trabajos estuvieron ligados a la pintura, pero su interés en representar el volumen lo llevó a la escultura. Junto a Raúl Valdivieso, Sergio Mallol y Sergio Castillo Mandiola, entre otros, integró la llamada Generación del Cincuenta, grupo de escultores caracterizado por la experimentación con nuevas técnicas y materiales. También formó parte del Grupo Rectángulo. En 1973 viajó a España, donde residió diez años.
Tras regresar a Chile, se convirtió en miembro de la Organización de Escultores en 1989. La agrupación se transformó en 1995 en la Sociedad de Escultores de Chile, siendo designado Assler como su director.
El 24 de agosto de 2009 fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas de Chile.
Website del artista: http://www.federicoassler.cl/

"Caminante nocturno / Night Walker", hormigón / concrete

Más sobre Assler Brown en "El Hurgador" / More about Assler Brown in this blog:
[Parques de Esculturas (III)]


El 25 de Abril es el cumple de

Markus Lüpertz, pintor, escultor y escritor alemán nacido en 1941 en Liberec (actual República Checa), vinculado al movimiento postmoderno del Neoexpresionismo. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Krefeld y en la Kunstakademie de Düsseldorf. En 1962 se instala en Berlín Occidental, donde crea la galería Grossgör 35 con Bernd Koberling y Karl Horst Hödicke.
En 1976 se convierte en profesor de la Academia de Bellas Artes de Karlsruhe, y un año después tiene su primera retrospectiva en la Kunsthalle de Hamburgo, a la que suceden otras muchas exposiciones. El artista se vale de una amplia variedad de géneros, materiales y técnicas para configurar la naturaleza en función de su propia realidad. Como escritor, Lüpertz edita su propia revista desde 2003, llamada Frau und Hund.

"Der gestürzte Krieger / El guerrero caído / The Fallen Warrior", 1994.
Kantdreieck, Berlin-Charlottenburg (Berlín, Alemania / Germany)
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Gustave Clarence Rodolphe Boulanger, pintor figurativo francés conocido por sus temas clásicos y orientalistas, nacido en 1824.
Estudió con Delaroche y Jolliver, y en 1849 consiguió el Prix de Rome. Sus pinturas son ejemplos típicos del arte académico de la época, especialmente en pintura histórica. Boulanger visió Italia, Grecia y el norte de África, y sus pinturas reflejan su atención a la corrección en los detalles culturales y habilidad en la representación de la forma femenina. Su obra incluye un Café Morisco (1848), César en el Rubicón (1865), el Paseo por la calle de las Tumbas, Pompeya (1869) y El Mercado de Esclavos (1888). Ganador de varias medallas, se convirtió en miembro del Instituto de Francia en 1882. Murió en 1888.

"El mercado de esclavos / The Slave Market", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1882. 
Colección privada / Private Collection


Hoy, 26 de Abril, es el cumple de

Akseli Gallen-Kallela, artesano, ilustrador y pintor finlandés nacido en 1865. Estudió en la Sociedad Finlandesa de Arte y desde 1884 en la Academie Julian de París. 
Durante su luna de miel en la Karelia Oriental empezó a recopilar material para sus representaciones del Kalevala, el poema épico nacional finés, a la vez que su estilo se decantaba hacia un simbolismo romántico. Tras la muerte de su hija en 1895, su pintura dará un giro hacia una temática más agresiva.
Durante los últimos años de su vida continuaría experimentando y exponiendo con Die Brücke, el grupo expresionista alemán del que formaba parte desde 1907. Murió en 1931.

"La madre de Lemminkäinen / Lemminkäinen's Mother"
Témpera sobre lienzo / tempera on canvas, 108,5 × 85,5 cm., 1897. 
Ateneum Art Museum (Helsinki, Finlandia / Finland)
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Chris Mars, artista estadounidense nacido en Minneapolis, Minnesota, en 1968. Allí vive y trabaja actualmente. 
Tras su paso por el mundo de la música como batería del grupo The Replacements (banda que fundó en 1979 con Bob Stinson, Tommy Stinson y Paul Westerberg) y cuatro discos en solitario, Chris se dedicó a las artes plásticas. Profundamente marcado por la esquizofrenia que padeció su hermano desde joven, su obra se convirtió en una catarsis de esta empatía. Sus creaciones se pueden encontrar en museos y numerosas colecciones públicas de los Estados Unidos.

"Para vencer el dogma / To Vanquish Dogma", óleo sobre panel / oil on panel, 20" x 24", 2010

Más sobre Chris en "El Hurgador" / More about Chris in this blog:


Textos en inglés / English translation

* On April 20 is the birthday of

Franz Xaver Winterhalter, German painter and lithographer born in 1805, especially known for his portraits of royalty made ​​the mid-nineteenth century. Among his best known works are Empress Eugénie and the portraits of Empress Elisabeth of Austria (Sissi). He left the Menzenschwand village at age 13 to study drawing and engraving. He was apprenticed as a draftsman and lithographer in the workshop of Karl Ludwig Schüler in Freiburg. In 1823, at age 18, he went to Munich. He moved to France and was appointed court painter of King Louis Philippe of France. No portrait painter ever enjoyed royal patronage as Winterhalter. Only Rubens and Van Dyck worked as he somewhat internationally. He died in 1873.

Atilio Malinverno, Argentine painter born in 1890. He was a post-Impressionist, a part of a movement started in the first decade of the twentieth century.
With a solitary temperament, he devoted himself exclusively to landscape painting in his free time from working in his advertising agency. The main topics of his works are the hills of Cordoba, the Pampas plains, the mountains of Tandil, the coast of Quilmes, the "barrancas" of San Isidro and Piriapolis, in the República Oriental del Uruguay.
He moved with his easel towards Cordoba hills where he created works that later when he returned to Buenos Aires he successfully sold in art exhibitions.
He studied art at the "Asociación de Estímulo de Bellas Artes", and made several trips to study art in Argentina, Bolivia, Chile and Uruguay. He died in 1936.

* On April 21 is the birthday of

Jean Helion, French painter born in Normandy in 1904, whose abstract work in the 1930s established him as a leader in modern art. He moved to the United States in July 1936 and returned to France during World War II in 1940 joining the army. He was captured in June 1940 and was on a prison ship at Stettin an der Oder (now Szczecin, Poland) until February 1942, when he escaped. He arrived to USA in October, where he spoke on the radio and lectured in favor of a Free France. In mid-career rejected abstraction. It was followed by five decades of figurative painting. He was also the author of several books and a large body of critical writings. He died in 1987.

Ludovico (or Lodovico) Carracci, Italian, early-Baroque painter, etcher, and printmaker born in Bologna in 1555. His works are characterized by a strong mood invoked by broad gestures and flickering light that create spiritual emotion and are credited with reinvigorating Italian art, especially fresco art, which was subsumed with formalistic Mannerism. 
Ludovico apprenticed under Prospero Fontana in Bologna and traveled to Florence, Parma, and Venice, before returning to his hometown. Together with his cousins Annibale and Agostino Carracci, Ludovico worked in Bologna on the fresco cycles depicting Histories of Jason and Medea (1584) in Palazzo Fava, and the Histories of Romulus and Remus (1590-1592) for the Palazzo Magnani. He died in Bologna in 1619.

* On April 22 is the birthday of

Richard Diebenkorn, American painter born in 1922. His early work is associated with Abstract Expressionism, and "Figurative Movement of the Bay", a stream in which a group of artists from the Bay of San Francisco turned aside Abstract Expressionism for a return to figuration in painting during the '50s and '60s. Having served as a Marine during World War II, he devoted himself to painting at first influenced by artists such as Clyfford Still, Arshile Gorky, Hassel Smith and Willem de Kooning. In the mid-'50s he was yet a figurative painter whose style was a bridge between abstract expressionism and Henri Matisse. His first exhibition was in 1948 and the first major retrospective in 1976. He died in 1993.

Odilon Redon, French symbolist painter, printmaker, draughtsman and pastellist born in 1840.
Redon started drawing as a child and at the age of ten he was awarded a drawing prize at school. He began the formal study of drawing at fifteen, but at his father's insistence changed to architecture. Failure to pass the entrance exams at Paris’ École des Beaux-Arts ended any plans for a career as an architect, although he briefly studied painting there under Jean-Léon Gérôme in 1864. His artistic career was interrupted in 1870 when he joined the army to serve in the Franco-Prussian War.
At the end of the war, he moved to Paris, and resumed working almost exclusively in charcoal and lithography. He called his visionary works, conceived in shades of black, his noirs. It was not until 1878 that his work gained any recognition with Guardian Spirit of the Waters; he published his first album of lithographs, titled Dans le Rêve, in 1879. Still, Redon remained relatively unknown until the appearance in 1884 of a cult novel by Joris-Karl Huysmans titled À rebours (Against Nature). He died in 1916.

* On April 23 is the birthday of

Joseph Mallord William Turner, English landscape painter born in Covent Garden in 1751, considered a controversial figure in his time, seen today as the artist who elevated landscape at the height of history painting. Regarded as "the painter of light", his work is a kind of Romantic preface to Impressionism. Turner entered the Royal Academy of Art when he was just 14 years old. In 1790, after only one year of study, one of his watercolors was accepted for the summer exhibition of the Royal Academy that year. His first oil painting, Fishermen at Sea, was exhibited in 1796. During the rest of his life, he exhibited regularly at the Academy. He is considered one of the founders of English watercolor landscape painting. He died in 1851.

Frans Thomas Koppelaar, Dutch painter born in The Hague, Netherlands, in 1943.
From 1963 - 1969 he attended the Royal Academy of Visual Arts at The Hague. He moved to Amsterdam in 1968.
His landscapes and Amsterdam cityscapes are painted in a style that recalls the classical tradition of the Hague School and the Amsterdam Impressionists.
Koppelaar's work is congenial to a figurative movement in Dutch contemporary painting that evolved during the 1990s in a reaction to the pared-down conceptual art and the too pompous art-theories of that period. Through the years his style evolved into a simpler, straightforward approach. By 1984, he no longer identified himself with any art movement.
Koppelaar is also known as a portraitist.

* On April 24 is the birthday of

César Manrique Cabrera, Spanish painter, sculptor, architect and artist born in the island of Lanzarote. He combined his work with the defense of the environmental values ​​of the Canary Islands. He sought harmony between art and nature as a creative space. 
In 1942 was his first solo exhibition in Arrecife, and in the 50s he founded the Fernando Fe gallery, the first non-figurative of Spain. In 1964 he moved to New York where he exhibited and had contact with American artistic movements. In 1966 he settled in Lanzarote, where the tourism industry began to develop. From 1973 he began to work closely with the architect Fernando Higueras developed numerous works. He died in 1992.

Federico Assler Brown, Chilean sculptor born in 1929. 
In 1954 he entered the School of Architecture of the Catholic University of Valparaiso, where he remained two years; subsequently entered the School of Fine Arts in Viña del Mar. His first works were linked to the painting, but his interest in representing the volume took him to sculpture. Along with Raul Valdivieso, Sergio Mallol and Sergio Castillo Mandiola, among others, was part of the Generation of 1950, a group of sculptors characterized by experimentation with new techniques and materials. He was also part of the group Rectangle. In 1973 he traveled to Spain, where he lived ten years. 
After returning to Chile, became a member of the Organization of Sculptors in 1989. It was transformed in the Sculptors Society of Chile (1995), being appointed as its director Assler. 
On 24 August 2009 he was awarded the National Prize of Plastic Arts of Chile.

* On April 25 is the birthday of

Markus Lüpertz, German painter, sculptor and writer born in 1941 in Liberec (now Czech Republic), linked to the postmodern Neo-expressionism movement. He studied at the School of Fine Arts in Krefeld and Düsseldorf Academy of Art. He settled in 1962 in West Berlin, where he created the gallery with 35 Grossgör Koberling Bernd and Karl Horst Hödicke. 
In 1976 he became a professor at the Academy of Fine Arts in Karlsruhe, and a year later had his first retrospective at the Kunsthalle Hamburg, which was followed by other exhibitions. The artist uses a wide variety of genres, materials and techniques for configuring nature according to his own reality. As a writer, Lüpertz publishes his own magazine "Frau und Hund" since 2003.

Gustave Clarence Rodolphe Boulanger, French figure painter known for his classical and Orientalist subjects, born in 1824.
He studied with Delaroche and Jollivet, and in 1849 took the Prix de Rome. His paintings are prime examples of academic art of the time, particularly history painting. Boulanger had visited Italy, Greece, and North Africa, and his paintings reflect his attention to culturally correct details and skill in rendering the female form. His works include a Moorish Cafe (1848), Cæsar at the Rubicon (1865), the Promenade in the Street of Tombs, Pompeii (1869), and The Slave Market (1888). The recipient of many medals, he became a member of the Institut de France in 1882, and died in 1988.

* Today, April 26, is the birthday of

Akseli Gallen-Kallela, Finnish craftsman, illustrator and painter born in 1865. He studied at the Finnish Art Society since 1884 and the Academie Julian in Paris. 
During his honeymoon in Eastern Karelia began collecting material for his depictions of the Kalevala, the Finnish national epic, while his style was decanted into a romantic symbolism. After the death of his daughter in 1895, his painting shifted to a more aggressive theme. 
During the last years of his life he continued experimenting and exhibiting with Die Brücke, the German Expressionist group to which he belonged since 1907. He died in 1931.

Chris Mars, American artist born in Minneapolis, Minnesota, in 1968, where he currently lives and works.
After a stint in the world of music as a drummer of The Replacements (band he founded in 1979 together with Bob Stinson, Tommy Stinson and Paul Westerberg) and four solo albums, Chris turned to fine art. Deeply marked by schizophrenia suffered by his brother since young, his work became a catharsis of this empathy. His creations can be found in numerous museums and public collections in the United States.
For more information about Chris check out the post about him in this blog.
Artist's Website: http://www.chrismarspublishing.com/

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Aniversarios, Fotografía (XII) [Abril / April 21-27]

April 27, 2014, 12:24 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 21 de Abril es el cumple de

Norman Parkinson, celebrado retratista y fotógrafo de modas inglés nacido en 1913.
Parkinson (Ronald William Parkinson Smith) fue educado en Westminster School. Comenzó su carrera en 1931 como aprendiz de los fotógrafos de la corte Speaight and Sons Ltd. En 1934 abrió su propio estudio junto con Norman Kibblewhite en Piccadilly (Londres). Entre 1935 y 1940 trabajó para las revistas Harper's Bazaar y Bystander.
Durante la Segunda Guerra Mundial, sirvió como fotógrafo de reconocimiento sobre Francia para la Royal Air Force. En 1947 se casó con la actriz y modelo Wenda Rogerson. De 1945 a 1960 estuvo empleado como retratista y fotógrafo de moda para Vogue. De 1960 a 1964 trabajó para la revista Queen y en 1963 se mudó a Tobago, aunque frecuentemente regresaba a Londres, y desde 1964 hasta su muerte en 1990 trabajó como fotógrafo freelance. Fue hecho Comandante de la Orden del Imperio Británico en 1981.

"Iman Abdulmajid posando con la escultura de Lucas Samaras"Stiff Box #12" en la Fundación Patrick Lannan / posing with Lucas Samaras’ sculpture Stiff Box #12 at the Patrick Lannan Foundation"
Palm Beach, Florida, 1982


El 22 de Abril es el cumple de

Per Bak Jensen, uno de los fotógrafos artísticos daneses líderes, nacido en 1949, pionero de la fotografía moderna de paisajes. Sus desoladas imágenes de la naturaleza o áreas industriales a menudo transmiten una impresión casi metafísica. Sus inusuales temas incluyen rastrojos de maíz, ramas en la nieve o algunas rocas aisladas. Siempre atento al ángulo, la luz y la exposición, nunca manipula sus fotografías una vez que han sido tomadas.
Tras terminar el colegio en Copenhagen, en 1973 Bak Jensen se casó con Susanne Høj, hija del fotógrafo Ebbe Høj. Tuvo varios empleos hasta que a los 30 años comenzó a estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de Dinamarca (1980 - 1986). Desde 1987 ha trabajado como conferenciante en la Academia y como técnico de laboratorio fotográfico. Es el primer graduado de la Academia que utiliza la fotografía como única forma de arte.

"Campo nevado / Snowfield", 2010


El 23 de Abril es el cumple de

Elizabeth "Lee" Miller, Lady Penrose, fotógrafa estadounidense nacida en 1907. Fue una exitosa modelo de modas en la New York de los años '20, antes de irse a París donde se estableció como fotógrafa artística y de modas. Durante la Segunda Guerra Mundial, se convirtió en una aclamada corresponsal para Vogue, cubriendo eventos tales como los ataques sobre Londres, la liberación de París y los campos de concentración de Buchenwald y Dachau.
Su padre, Theodore Miller, introdujo a Lee y sus hermanos John y Erik en la fotografía a una edad temprana. Ella fue su modelo y también le enseño los aspectos técnicos de este arte. A los 19 años, fue detenida mientras caminaba frente a un coche por Manhattan por el fundador de Vogue, Condé Nast, que lanzó su carrera como modelo.
Junto con Man Ray redescubrió la técnica de la solarización. Fue una participante activa del movimiento surrealista, con sus ingeniosas y humorísticas imágenes. Entre su circulo de amigos estaban Pablo Picasso, Paul Éluard y Jean Cocteau. Murió en 1977.

"Autorretrato con una tiara / Self Portrait in Headband", New York, 1932 © Lee Miller Archives


El 24 de Abril es el cumple de

Jan Groover, fotógrafa estadounidense que pasó los últimos años de su vida en Montpon-Menesterol, Francia, con su marido, el pintor y crítico Bruce Boice. Groover nació en Plainfield, New Jersey (1943), y murió en 2012.
Groover recibió su licenciatura en Bellas Artes en 1965 en el Instituto Pratt, y un Master en 1970 de la Universidad Estatal de Ohio.
Se destacó por el uso de las tecnologías del color emergentes. En 1979 comenzó a utilizar impresiones en platino para retratos y bodegones, transformando objetos cotidianos en hermosas y formales naturalezas muertas.
Groover fue el tema de un corto realizado por la fotógrafa Tina Barney (Jan Groover: Tilting at Space, 1994).



El 25 de Abril es el cumple de

Thomas Patrick John Anson, 5º Conde de Lichfield, fotógrafo inglés nacido en 1939. Heredó el Condado de Lichfield en 1960 de su abuelo paterno. En su práctica profesional fue conocido como Patrick Lichfield.
Lord Lichfield fue educado en la Wellesley House School, en el pueblo costero de Broadstairs, Kent, y en la Harrow School, en Harrow-on-the-Hill, al norte de Londres, continuando en la Real Academia Militar Sandhurst, en el pequeño pueblo de Sandhurst, en Berkshire.
Lord Lichfield se unió a la Guardia de Granaderos en 1959. Al dejar el ejército en 1962, comenzó a trabajar como asistente de fotografía, y se construyó su propia reputación, parcialmente como resultado de su acceso a la Familia Real. Fue elegido para tomar las fotografías oficiales de la boda del Príncipe y la Princesa de Gales en 1981, y a partir de ahí se convirtió en uno de los fotógrafos más conocidos. Desde 1999 en adelante fue pionero en la fotografía digital como standard profesional. Murió en 2005.
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Patrick_Anson,_5th_Earl_of_Lichfield

"Leslie Caron y su hija / and her daughter", 1968.


El 26 de Abril es el cumple de

Pedro Luis Raota, fotógrafo argentino nacido en 1934, catalogado como uno de los máximos exponentes de la fotografía americana y como el fotógrafo argentino que más premios ha recibido.
Siendo muy joven desechó su proyecto de estudiar abogacía y en la ciudad de Santa Fe adquirió las primeras nociones de fotografía, donde además se ganó la vida haciendo fotos carnet. Luego se mudó a Villaguay en Entre Ríos, donde hizo el servicio militar y aprendió las técnicas de la mano del fotógrafo Quique Fabra. Allí logró sus primeros premios.
En 1966 ganó el Primer Premio en un concurso fotográfico organizado por Mundo Hispánico, una revista de Madrid (España), cuyo tema era Vida y Costumbres del Gaucho de la Argentina. Este fue el primer premio importante fuera del país. Murió en 1986.
Sitio web del artista: http://www.raota.com/

"Higiene matinal / Morning Hygiene"


Hoy, 27 de Abril, es el cumple de

Albert Rudomine, fotógrafo francés nacido en Kiev en 1892, especialmente conocido por sus imágenes de desnudos masculinos, sobre todo de bailarines, a los que retrató inspirándose en la escultura clásica grecorromana.
Hijo de madre polaca y padre ruso, su familia abandonó Rusia en 1895 y se instaló primero en París y después (1901) en Nueva York, donde pasó la mayor parte de su infancia y juventud. Trabajó como modisto antes de trabajar como fotoperiodista para el semanario L'Illustration (1920), donde se publicaron sus fotos y abrió un estudio fotográfico en 1923.
Sus obras hoy forman parte de importantes colecciones, como la de Christian Bouqueret, la Biblioteca Nacional de Francia, el Museo de Arte de Cleveland, el Museo J. Paul Getty o el Museo de Bellas Artes de Canadá. Murió en 1975.

"Desnudo femenino / Female Nude", 1930's

Más sobre Rudomine en "El Hurgador" / More about Rudomine in this blog:


Textos en inglés / English translation

* On April 21 is the birthday of

Norman Parkinson, celebrated English portrait and fashion photographer born in 1913.
Parkinson (Ronald William Parkinson Smith) was educated at Westminster School. He began his career in 1931 as an apprentice to the court photographers, Speaight and Sons Ltd. In 1934 he opened his own studio together with Norman Kibblewhite, in London's Piccadilly. From 1935 to 1940 he worked for Harper's Bazaar and Bystander magazines. During the Second World War he served as a reconnaissance photographer over France for the Royal Air Force. In 1947 he married the actress and model Wenda Rogerson. From 1945 to 1960 he was employed as a portrait and fashion photographer for Vogue. From 1960 to 1964 he was an Associate Contributing Editor of Queen magazine. In 1963 he moved to Tobago, although frequently returned to London, and from 1964 until his death he worked as a freelance photographer. He was made a Commander of the Order of the British Empire in the 1981 New Year Honours.

* On April 22 is the birthday of

Per Bak Jensen, one of Denmark's leading artistic photographers born in 1949, a pioneer of modern landscape photography. His desolate images of nature or industrial sites often convey an almost metaphysical impression. His unusual subjects include corn stubble, twigs in the snow or a few isolated rocks. Always attentive to angle, light and exposure, he never manipulates his photographs once they have been taken.
After completing his schooling in Copenhagen, in 1973 Bak Jensen married Susanne Høj, the daughter of photographer Ebbe Høj. He had many different jobs until, at the age of 30, he began to study at the Royal Danish Academy of Fine Arts (1980 - 1986). From 1987, he worked as a lector at the Academy in the phototechnical laboratory. He was the first graduate from the Academy to use photography as his only art form.

* On April 23 is the birthday of

Elizabeth "Lee" Miller, Lady Penrose, American photographer born in 1907. She was a successful fashion model in New York City in the 1920s before going to Paris, where she became an established fashion and fine art photographer. During the Second World War, she became an acclaimed war correspondent for Vogue, covering events such as the London Blitz, the liberation of Paris, and the concentration camps at Buchenwald and Dachau.
Her father, Theodore Miller, introduced Lee and her brothers John and Erik to photography at an early age. She was his model and he also showed her technical aspects of the art. At age 19, she was stopped from walking in front of a car on a Manhattan street by the founder of Vogue, Condé Nast, thus launching her modeling career.
Together with Man Ray, she rediscovered the photographic technique of solarisation. She was an active participant in the surrealist movement, with her witty and humorous images. Amongst her circle of friends were Pablo Picasso, Paul Éluard, and Jean Cocteau. She died in 1977.

* On April 24 is the birthday of

Jan Groover, American photographer who spent the last part of her life in Montpon-Menesterol, France, with her husband, a painter and critic named Bruce Boice. Groover was born in Plainfield (1943), New Jersey and died in 2012
Groover received a Bachelor of Fine Arts degree in 1965 from Pratt Institute, and a Master of Arts in 1970 from Ohio State University.
She was noted for her use of emerging color technologies. In 1979, Groover began to use platinum prints for portraits and still lifes, transforming everyday items into beautiful, formal still lifes.
Groover was also the subject of a short film by photographer Tina Barney entitled (Jan Groover: Tilting at Space, 1994).

* On April 25 is the birthday of

Thomas Patrick John Anson, 5th Earl of Lichfield, English photographer born in 1939. He inherited the Earldom of Lichfield in 1960 from his paternal grandfather. In his professional practice he was known as Patrick Lichfield.
Lord Lichfield was educated at Wellesley House School, in the coastal town of Broadstairs in Kent, and at Harrow School, in Harrow-on-the-Hill in North West London, followed by the Royal Military Academy Sandhurst, in the small town of Sandhurst in Berkshire.
Lord Lichfield joined the Grenadier Guards in 1959. On leaving the Army in 1962, he began to work as a photographer's assistant, and built up his own reputation, partly as a result of having access to the Royal Family. He was selected to take the official photographs of the wedding of the Prince and Princess of Wales in 1981, and subsequently became one of the UK's best-known photographers. From 1999 onwards he was a pioneer of digital photography at a professional standard.  He died in 2005.

* On April 26 is the birthday of

Pedro Luis Raota, Argentine photographer born in 1934, listed as one of the leading exponents of American photography and as the Argentine photographer who has received more awards. 
He gave up her law school project and in the city of Santa Fe acquired the rudiments of photography, where he also earned a living doing passport photos. Then he moved to Villaguay in Entre Rios, where he did his military service and learned the techniques with the photographer Quique Fabra. There he won his first awards. 
In 1966 he won first prize in a photographic competition organized by the Hispanic World, a journal of Madrid (Spain), whose theme was Life and Customs of the Gaucho of Argentina. This was the first major award abroad. He died in 1986.
Artist's website: http://www.raota.com/

* Today, April 27, is the birthday of

Albert Rudomine, French photographer born in Kiev (1982), best known for his nudes male nudes, especially dancers, inspired in classic Greco-Roman sculptures.
The son of a Polish mother and Russian father, his family left Russia in 1895. They settled first in Paris (1901) and then in New York where Rudomine spent most of his childhood and youth. 
He worked first as a dressmaker before working as a photojournalist for L'Illustration in 1920 and opening a photographic studio in 1923.
His works are now part of important collections such as Christian Bouqueret, the National Library of France, the Cleveland Museum of Art, the J. Paul Getty Museum and the Museum of Fine Arts in Canada. He died in 1975.

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Rinocerontes (LI) - Filatelia (III)

April 28, 2014, 5:31 am
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Tercera selección de filatelia rinoceróntica. Más para curiosos y coleccionistas en los posts anteriores / 
Third selection of Rhinocerotic philately. More for curious and collectors in previous posts:

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Afganistán / Afghanistan, "Coelodonta", 1998
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Chad / Tchad, 2012
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Etat Comorien / Comores / Comoros, 1976

La Unión de las Comoras (en Idioma francés: Union des Comores; en comorense: Udzima wa Komori; en árabe: جزر القمر, Ğuzur al-Qamar), o simplemente las Comoras o Comores, (antiguamente República Federal Islámica de las Comoras) es un país formado por tres islas en el sureste de África, situado al extremo norte del Canal de Mozambique en el océano Índico, entre el norte de Madagascar y el norte de Mozambique.
Durante el siglo XIX, después de la separación de Zanzíbar del sultanato de Omán, los europeos presionaron y Francia ocupó Mayotte en 1841 y posteriormente al resto del archipiélago entre 1886 y 1909.
En 1946 Francia le concede autonomía administrativa con el nombre de Territorio de Ultramar de las Islas Comoras. Un acuerdo fue rechazado por Francia en 1973 para conceder la independencia en 1978. Sin embargo, el 6 de julio de 1975, el parlamento comorano emitió una resolución declarando la independencia.

República Federal Islámica de Comores / Federal Islamic Republic of Comoros, 1999

En 1978, el presidente Alí Solilih es derrocado y asesinado y el país adopta una nueva constitución y se adopta el nombre de República Federal Islámica de las Comoras.
El coronel Azali Assoumani tomó el poder en un sangriento golpe de estado en abril de 1999, derrocando al presidente interino Tadjiddine Ben Said Massounde que había tomado el puesto después de la misteriosa muerte del presidente electo Mohamed Taki Abdoulkarim en noviembre de 1998.
Después de los acuerdos de paz firmados el 17 de febrero de 2001 entre el Gobierno y los separatistas se elaboró una Constitución aprobada en referéndum el 23 de diciembre del mismo año, pasándose a denominar el país Unión de Comoras.
Información de Wiki. Info in english here.
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Costa de Marfil / Ivory Coast, 2001
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 Francia / France, 2009

 
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Fuyaira / Fujairah, 1969

Fuyaira (en árabe: الفجيرة al-Fuŷayra, trasliterado también al-Fujairah, Fujairah o Fujaira) es uno de los siete emiratos que integran desde 1971 los Emiratos Árabes Unidos, posee unos 1.150 km² y tenía una población de 125.698 habitantes según el último censo de 2005.

Fujairah (Arabic: الفجيرة‎ Al Fuǧaira) is one of the seven emirates that make up the United Arab Emirates, and the only one of the seven that has a coastline solely on the Gulf of Oman and none on the Persian Gulf. The Emirate of Fujairah covers approximately 1,166 km² and had a population of 125,698 at the last Census held in 2005.

Fuyaira / Fujairah, c.1971
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Gabón, "Especies Amenazadas, Rinoceronte de Sumatra / 
Endangered Species, Sumatran Rhinoceros", 2012
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Gibraltar, 2011

Gibraltar, 2012
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Guinea (Guinea-Conakri), c.1975

Guinea (Guinea-Conakri), 1997

Guinea (Guinea-Conakri), c.2011

Guinea (Guinea-Conakri), s/f
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Guinea-Bissau, 1989

Guinea-Bissau, oficialmente la República de Guinea-Bisáu, es un país del oeste de África. Limita con Senegal al Norte, y Guinea al Sur y al Este, y con el océano Atlántico al Oeste. Durante la época colonial fue colonia portuguesa, formando parte de la denominada Guinea Portuguesa. Al independizarse, se agregó el nombre de su capital, Bisáu, al nombre oficial del país para evitar confusiones entre ésta y la República de Guinea.

Guinea-Bissau, 1988

Guinea-Bissau, officially the Republic of Guinea-Bissau is a country in West Africa. It is bordered by Senegal to the north and Guinea to the south and east, with the Atlantic Ocean to its west. It covers 36,125 km² (nearly 14,000 sq mi) with an estimated population of 1,600,000.
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Guinea Ecuatorial / Equatorial Guinea, s/f

Guinea Ecuatorial / Equatorial Guinea, s/f
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Holanda, 2006

Holanda, "Rinoceronte índico", 2006

Holanda, 2011

Holanda, "100 años del Zoo Burger, Arnhem / 100 Years Burger's Zoo, Arnhem" 2013
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Hungría / Hungary, 1981

Hungría / Hungary, 1991

Hungría / Hungary, 2006

Hungría / Hungary, 2008

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Aniversarios, Fotografía (XIII) [Abril / April 28-30]

April 30, 2014, 12:14 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 28 de Abril es el cumple de

Horst Faas, fotoperiodista alemán ganador de dos premios Pulitzer, nacido en 1933. Es conocido por sus imágenes de la Guerra de Vietnam.
Faas comenzó su carrera fotográfica en 1951, con la Agencia Keystone, y a los 21 años ya estaba cubriendo grandes eventos relativos a Indochina, incluyendo las negociaciones de paz de Ginebra en 1954. En 1956 se unió a Asociated Press (AP), donde adquirió reputación como reportero de guerra duro e inquebrantable, cubriendo las guerras de Vietnam y Laos, así como las del Congo y Argelia. En 1962 se convirtió en fotógrafo jefe de AP para el sudeste asiático, y estuvo radicado en Saigón hasta 1974. Sus imágenes de la Guerra de Vietnam le hicieron ganar un Pulitzer en 1965. En 1967 fue gravemente herido en las piernas por un RPG (lanzacohetes antitanque) y tuvo que utilizar una silla de ruedas por el resto de su vida. En 1972 obtuvo un segundo Pulitzer por su cobertura del conflicto en Bangladesh. Murió en 2012.

Mujeres y niños, atrapados en una trinchera en medio del fuego cruzado entre posiciones estadounidenses y del Viet Cong en la localidad de Bao Trai, el 1 de junio de 1966 / Women and children, trapped in a trench in the crossfire between U.S. and Viet Cong positions in the town of Bao Trai, on June 1, 1966


El 29 de Abril es el cumple de

Sameer Makarius, pintor, diseñador y decorador, dedica a partir de 1950 la mayor parte de su trabajo a la fotografía.
Nació en 1924 en El Cairo. Hijo de madre alemana y padre egipcio, su juventud transcurrió entre esos países y Hungría, donde se vio forzado a permanecer durante la guerra. Allí realizó sus estudios secundarios y se inició en la pintura y la escultura. Vivió en Suiza y en París. En 1953 se radicó definitivamente en la Argentina.
En 1944 presenta su obra en la “Primera exposición de Arte no Figurativo” en Budapest.
En Argentina, formó un grupo de fotógrafos (Forum) dedicado a promover la fotografía como arte. colaboró con diarios y revistas. Sameer Makarius fue un pionero de la fotografía y en su estudio en Argentina, conformando el Grupo ANFA y Forum, participaron fotógrafos de la talla de Max Jacoby, Humberto Rivas, Julio Maubecin, Jose Costa, Lisl Steiner, Rodolfo Ostermann entre otros.
Escribió el primer ensayo publicado en el país sobre fotografía argentina desde 1840 hasta 1981. Publicó dos libros de fotografías y textos: Buenos Aires y su gente (1960) y, en 1963, Buenos Aires, Mi Ciudad. Murió en 2009.

"Bares / Bars", 1962


Hoy, 30 de Abril, es el cumple de

José Hernández Claire, fotógrafo nacido en Guadalajara (Jalisco, México) en 1949. Estudió fotografía en el Pratt Institute de Brooklyn, Nueva York de 1978 a 1982. Ha participado en 25 exposiciones individuales y más de 50 exposiciones colectivas en el mundo entero, en países como Hungría, Suiza, Bélgica, Cuba, Reino Unido, Francia, Canadá, Líbano, España y por supuesto México.
Su obra pertenece a importantes colecciones internacionales: el Museo del Elíseo en Suiza; la Biblioteca Nacional de Paris, el Museo Nicephore-Niepce en Chalon-Sur-Saone en Francia, el Portland Museum of Art en Estados Unidos, el Museo de Fotografía de Hungría (Collección M+M Auer) en Suiza.
En el 2001 fue nombrado becario de la John Simon Guggenheim Foundation en Nueva York, USA. En 1992 recibió el premio internacional de fotoperiodismo Rey de España en Madrid.

"El paseo de San Antonio / The walk of San Antonio"


Textos en inglés / English translation

* On April 28 is the birthday of

Horst Faas, German photo-journalist and two-time Pulitzer Prize winner born in 1933. He is best known for his images of the Vietnam War.
Faas began his photographic career in 1951 with the Keystone Agency, and by the age of 21 he was already covering major events concerning Indochina, including the peace negotiations in Geneva in 1954. In 1956 he joined the Associated Press (AP), where he acquired a reputation for being an unflinching hard-news war photographer, covering the wars in Vietnam and Laos, as well as in the Congo and Algeria. In 1962, he became AP’s chief photographer for Southeast Asia, and was based in Saigon until 1974. His images of the Vietnam War won him a Pulitzer Prize in 1965. In 1967 he was severely wounded in the legs by an RPG (rocket-propelled grenade) and used a wheelchair for the rest of his life. In 1972, he collected a second Pulitzer, for his coverage of the conflict in Bangladesh. He died in 2012.

* On April 29 is the birthday of

Sameer Makarius, painter, designer and decorator, from 1950 dedicated most of his work to photography.
He was born in 1924 in Cairo. The son of a German mother and an Egyptian father, his youth was spent in those countries and Hungary, where he was forced to stay during the war. There did high school and he began painting and sculpture. He lived in Switzerland and Paris. In 1953 he settled permanently in Argentina.
He showed his work in the "First exhibition of not Figurative Art " in Budapest, 1944.
In Argentina he formed a group of photographers (Forum) dedicated to promoting photography as an art. He collaborated with newspapers and magazines. Sameer Makarius was a pioneer of photography and in his study in Argentina, forming the ANFA Group and Forum, participated photographers like Max Jacoby, Humberto Rivas, Julio Maubecin, Jose Costa, Lisl Steiner, Rudolf Ostermann and others.
He wrote the first essay in the country of Argentina photography from 1840-1981. He published two books of photographs and text: Buenos Aires and its people (1960 ), and in 1963, Buenos Aires, My Town. He died in 2009.

* Today, April 30, is the birthday of

José Hernández Claire, photographer born in Guadalajara, Jalisco, Mexico, in 1949. He studied photography at the Pratt Institute in Brooklyn, New York from 1978 to 1982. Has participated in 25 solo exhibitions and over 50 group exhibitions in the world, in countries like Hungary, Switzerland, Belgium, Cuba, UK, France, Canada, Lebanon, Spain and of course Mexico. 
His work is part of important international collections: the Museum of Elysée in Switzerland; the National Library of Paris, the Nicephore Niepce Museum, Chalon-Sur-Saone in France, the Portland Museum of Art in America, the Museum of Photography, Hungary (M + M Auer Collection) in Switzerland. 
In 2001 he was named a fellow of the John Simon Guggenheim Foundation in New York, USA. In 1992 he received the international prize for photojournalism King of Spain in Madrid.

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Aniversarios (XIII) [Abril / April 27-30]

April 30, 2014, 12:14 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 27 de Abril es el cumple de

Lutz Ackermann, escultor alemán nacido en 1941 en Sindelfingen. Se graduó en los años 1955 a 1958. Se formó como hojalatero, fontanero y chapista de Daimler-Benz. Estudió dibujo desde 1958 hasta 1960 con S. Werner en Stuttgart. Hasta 1964 trabajó como artista gráfico y diseñador industrial y desde entonces exclusivamente como escultor. Desde 1973 produjo obras en acero, madera y piedra. Presentó exposiciones individuales y colectivas de artistas desde 1979. Lutz Ackermann inició en 1986 la ampliación de su estudio, antigua casa del ferrocarril, convirtiendo el proyecto en una obra de arte llamada (KKW).
Ha ganado varios premios y fue uno de los artistas participantes del Simposio con César Manrique en Lanzarote, Gran Canaria.

"Objekt I / Objeto I / Object I"
Escultura de 1985 en Sindelfingen, Alemania, a la entrada de la Biblioteca Pública / 
1985 sculpture in Sindelfingen, Germany, in front of the Public Library
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Theodor Severin Kittelsen, artista noruego nacido en 1857. Es uno de los artistas más populares del país. Se hizo famoso por sus pinturas de naturaleza, así como por sus ilustraciones de cuentos de hadas y leyendas, especialmente de trolls.
Cuando tenía 17 años, su talento fue descubierto por Diderich Maria Aall, y se convirtió en pupilo de la Escuela de dibujo Wilhelm von Hanno en Christiania (actualmente Oslo). Gracias al generoso apoyo económico de Aall pudo más tarde estudiar en Múnich. En 1882 obtuvo una beca estatal para estudiar en París. En 1887 regresó a Noruega para siempre. 
Se asentó con su familia en una casa y estudio, que llamó Lauvlia, cerca de Prestfoss, durante 1899. Kittelsen pasó allí los mejores años de su vida artística. Durante ese período, fue contratado para ilustrar los Cuentos Populares Noruegos (Norske Folkeeventyr), por el coleccionista de folclore noruego Peter Christen Asbjørnsen y Jørgen Moe.
Murió en 1914.

Ilustración para / Illustration for"Norske Folkeeventyr, Huldra forsvant / 
Cuentos Populares Noruegos, El Hada desaparecida / Norwegian Folktales, The Fairy That Disappeared"


El 28 de Abril es el cumple de

José Vital Branco Malhoa, pintor, y profesor portugués conocido como José Malhoa, nacido en Caldas da Rainha en 1855. Comienza sus estudios de Bellas Artes con sólo doce años, destacando por sus facultades y calidad artística.
Está considerado como un pionero del movimiento artístico del naturalismo en Portugal estando integrado en el grupo artístico de Leao. Su trabajo también se aproximó al Impresionismo. Fue el primer presidente de la Sociedad nacional de Bellas Artes portuguesa y recibió la Gran cruz de la Orden de Santiago. Falleció en 1933.

"O Ateliê do Artista / El estudio del artista / The Artist's Studio"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 93 × 127 cm., 1893-94. Museo de arte de São Paulo, Brasil.
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Frances Mary Hodgkins, una pintora principalmente de paisajes y bodegones, y durante un corto período diseñadora de textiles. Nació en Nueva Zelanda en 1869, pero pasó la mayor parte de su vida en Gran Bretaña. Se la considera una de las más prestigiosas e influyentes artistas neozelandesas, aunque es su obra realizada en Europa, más que aquella que creó en su tierra, en la que descansa su reputación.
En 1901 dejó su tierra natal por Europa, viajando a Bretaña, pero visitando también Francia, Holanda, Italia y Marruecos. Regresó a Nueva Zelanda y estableció un estudio en Wellington. En 1906 regresó a Londres. Su primera muestra en solitario tuvo lugar allí en 1907.
En 1919, después de la Guerra, viajó a Francia, donde recibió la influencia de Matisse y Derain, pero desarrolló su propio estilo, altamente personal, que produjo un fuerte impacto en su primera exposición en solitario en Londres. Esta tuvo lugar en la Galería Claridge en 1928. Murió en 1947.

"Loveday y Ann: Dos mujeres con una canasta de flores / 
Loveday and Ann: Two Women with a Basket of Flowers"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 67,3 x 67,3 cm., 1915. 
Tate Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)


El 29 de Abril es el cumple de

Jean-Jacques Caffieri, escultor francés nacido en 1735. Formaba parte de una familia de escultores venidos de Italia durante la regencia de Mazarino. 
Pensionado en la Villa Médicis de Roma de 1749 a 1753, fue agregado a la Academia real de Pintura y Escultura de Francia en 1757. Fue asimismo alumno de François Lemoyne. Durante su estancia en Roma, coincidió con Charles-Louis Clérisseau, Julien-David Le Roy (1728-1803), Gabriel-François Doyen, Louis Lagrenée, Augustin Pajou y Jean-Baptiste Vallin de La Mothe.
Realizó los retratos o bustos de numerosos hombres ilustres, entre otros los de Pierre Corneille, una de sus obras más famosas, Thomas Corneille, Philippe Quinault, Jean de la Fontaine y Jean-Philippe Rameau. Murió en 1792.

"Jean-Baptiste Poquelin, más conocido como Molière / Jean-Baptiste Poquelin, known as Molière"
Mármol / marble, exhibido en el Salón de 1787 / exhibited in the 1787 Salon. 
Museo del Louvre (París, Francia / France)
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Raja Ravi Varma (രാജാ രവി വര്‍മ്മ), artista indio nacido en 1848 en el Estado Principesco de Travancore (en la actual Kerala) que alcanzó reconocimiento por su representación de escenas de las obras épicas Mahabharata y Ramayana. Sus pinturas están consideradas como los mejores ejemplos de la fusión de las tradiciones indias con las técnicas del arte académico europeo.
Varma es especialmente recordado por sus pinturas de mujeres vestidas con saris, retratadas de forma elegante y bien proporcionada. Se convirtieron en importantes motivos en su época, se podían encontrar reproducciones en casi cada casa de las clases medias. Su exposición a occidente le llegó al ganar el primer premio en la Muestra de Arte de Viena, en 1873. Varma murió en 1906 a los 58 años. Se le considera uno de los grandes pintores en la historia del arte indio.

"Sarasvati / Saraswati", Karla-Lonavla, oleografía / oleograph


Hoy, 30 de Abril, es el cumple de

Francesco Primaticcio, pintor, arquitecto y escultor manierista italiano nacido en 1504, que pasó la mayor parte de su carrera en Francia. Se formó con Giulio Romano en Mantua y fue alumno de Innocenzo da Imola, ejecutando las decoraciones del Palazzo Te de dicha ciudad italiana antes de procurarse un puesto en la corte de Francisco I de Francia en 1532. 
Fue uno de los artistas que lideró la obra del Palacio de Fontainebleau, pasando allí gran parte de su vida. Conservó el cargo de pintor de corte con los herederos de Francisco, Enrique II y Francisco II. Sus obras maestras, la Sala de Hércules en Fontainebleau, les ocuparon, a él y su equipo desde los años 1530 a 1559. Sus composiciones manieristas y su canon de belleza influyeron en el arte francés durante el resto de siglo. Se dedicó a la arquitectura al final de su vida. Murió en 1570.

"El Nilo / The Nile", carboncillo blanco, pluma y tinta / white charcoal, pen and ink, 1540s. 
École nationale supérieure des Beaux-Arts (París, Francia / France)
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Tsukioka Yoshitoshi (月岡 芳年), artista japonés nacido en 1839. 
Es ampliamente reconocido como el gran maestro del ukiyo-e, un género de pintura e impresión en madera. Se le concoce también como uno de los grandes innovadores de la forma. Su carrera abarca dos eras, las dos últimas del período Edo en Japón, y los primeros años del Japón moderno que siguió a la Restauración Meiji. Como muchos japoneses, Yoshitoshi estaba interesado en las cosas nuevas que llegaban del resto del mundo, pero con el tiempo se preocupó cada vez más por la pérdida de algunos aspectos de la cultura japonesa tradicional, entre ellos la impresión en madera. 
Al final de su carrera, llevaba una lucha casi sin ayuda contra el tiempo y la tecnología. Mientras él trabajaba a la antigua, Japón estaba adoptando los métodos occidentales de reproducción en masa, como la fotografía y la litografía. Murió en 1892.

"Okudera Kouemon Fujiwara Hidetomi", 
Ronin número 7 de "Seichu gishinden (Cuentos de la lealtad verdadera)". 
De una rara e incompleta serie de 47 Ronin, publicada el 6/1868 por Masudaya / 
Ronin number 7 from Seichu gishinden, “Tales of True Loyalty.” 
From a rare uncompleted set of the 47 Ronin published 6/1868 by Masudaya. 


* On April 27 is the birthday of

Lutz Ackermann, German sculptor born in 1941 in Sindelfingen. He graduated in the years 1955 to 1958. Was formed as tinsmith, plater and plumber at Daimler-Benz. He studied drawing from 1958 to 1960 with S. Werner in Stuttgart. Until 1964 he worked as a graphic artist and industrial designer and since then only as a sculptor. Since 1973 he produced works in steel, wood and stone. He presented solo and group exhibitions of artists since 1979. Lutz Ackermann started in 1986 expanding his study, former home of railroad, turning the project into a work of art called (KKW). 
He has won several awards and was one of the participating artists at the Symposium César Manrique in Lanzarote, Gran Canaria.

Theodor Severin Kittelsen, Norwegian artist born in 1857. He is one of the most popular artists in Norway. Kittelsen became famous for his nature paintings, as well as for his illustrations of fairy tales and legends, especially of trolls.
When at the age of 17 his talent was discovered by Diderich Maria Aall, he became a pupil at Wilhelm von Hanno’s drawing school in Christiania (now Oslo). Because of generous financial support by Aall he later studied in Munich. In 1882 Kittelsen was granted a state scholarship to study in Paris. In 1887 he returned to Norway for good.
He settled with his family in a home and artist studio which he called Lauvlia near Prestfoss during 1899. Kittelsen spent his best artistic years here. During this period, Kittelsen was hired to illustrate Norwegian Folktales (Norske Folkeeventyr) by the Norwegian folklore collector Peter Christen Asbjørnsen and Jørgen Moe.
He died in 1914.

* On April 28 is the birthday of

José Vital Branco Malhoa, Portuguese painter and teacher known as José Malhoa, born in Caldas da Rainha in 1855. Began his art studies with only twelve, noted for his power and artistic quality. 
He is considered a pioneer of the art movement of naturalism in Portugal being integrated into the artistic group of Leao. His work also was close to Impressionism. He was the first president of the National Society of Fine Arts and received Portuguese Grand Cross of the Order of Santiago. He died in 1933.

Frances Mary Hodgkins, a painter chiefly of landscape and still life, and for a short period was a designer of textiles. She was born in New Zealand in 1869, but spent most of her working life in Britain. She is considered one of New Zealand's most prestigious and influential painters, although it is the work from her life in Europe, rather than her home country, on which her reputation rests.
In 1901 she left New Zealand for Europe, travelling to Britain but also visiting France, the Netherlands, Italy and Morocco. She returned to New Zealand and established a studio in Wellington. In 1906 Hodgkins returned to London. Her first solo show was there in 1907.
In 1919, after the War, she went to France, where she was influenced by Matisse and Derain, but developed her own highly personal style, which made a strong impact at her first one-person show in London at the Claridge Gallery in 1928. She died in 1947.

* On April 29 is the birthday of

Jean-Jacques Caffieri, French sculptor born in 1735. He was part of a family of sculptors came from Italy during the reign of Mazarin. 
Pensioner at the Villa Medici in Rome from 1749-1753, he was added to the Royal Academy of Painting and Sculpture in France in 1757. He was also a student of François Lemoyne. During his stay in Rome, coincided with Charles-Louis Clerisseau, Julien-David Le Roy (1728-1803), Gabriel-François Doyen, Louis Lagrenée, Augustin Pajou and Jean-Baptiste Vallin de la Mothe. 
He made portraits or busts of many famous men, including those of Pierre Corneille, one of his most famous works, Thomas Corneille, Philippe Quinault, Jean de la Fontaine and Jean-Philippe Rameau. He died in 1792.

Raja Ravi Varma (രാജാ രവി വര്‍മ്മ), Indian artist born in 1848 in the princely state of Travancore (presently in Kerala) who achieved recognition for his depiction of scenes from the epics of the Mahabharata and Ramayana. His paintings are considered to be among the best examples of the fusion of Indian traditions with the techniques of European academic art.
Varma is most remembered for his paintings of sari-clad women portrayed as shapely and graceful. Varma's paintings became an important motif of the time, reproductions being found in almost every middle-class home. His exposure in the west came when he won the first prize in the Vienna Art Exhibition in 1873. Varma died in 1906 at the age of 58. He is considered among the greatest painters in the history of Indian art.

* Today, April 30, is the birthday of

Francesco Primaticcio, Italian Mannerist painter, architect and sculptor born in 1504. He spent most of his career in France. He trained with Giulio Romano in Mantua and was a pupil of Innocenzo da Imola, executing decorations of the Palazzo Te (Imola) before procuring a position at the court of Francis I of France in 1532. 
He was one of the artists who led the work of the Palace of Fontainebleau, going there most of his life. He retained the position of court painter with the heirs of Francis, Henry II and Francis II. His masterpieces, the Board of Hercules in Fontainebleau, occupied he and his team during the years 1530-1559. His Mannerist compositions and his canon of beauty influenced French art during the rest of the century. He devoted himself to architecture at the end of his life. He died in 1570.

Tsukioka Yoshitoshi (月岡 芳年), Japanese artist born in 1839. 
He is widely recognized as the last great master of the ukiyo-e genre of woodblock printing and painting. He is also regarded as one of the form's greatest innovators. His career spanned two eras – the last years of Edo period Japan, and the first years of modern Japan following the Meiji Restoration. Like many Japanese, Yoshitoshi was interested in new things from the rest of the world, but over time he became increasingly concerned with the loss of many aspects of traditional Japanese culture, among them traditional woodblock printing.
By the end of his career, Yoshitoshi was in an almost single-handed struggle against time and technology. As he worked on in the old manner, Japan was adopting Western mass reproduction methods like photography and lithography. He died in 1892.

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Fred Wessel [Pintura]

April 30, 2014, 12:56 am
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Fred Wessel

"Autorretrato / Self Portrait", Cortona, 12" x 9", 2001

Fred Wessel es un artista estadounidense, profesor en la Escuela de Arte Hartford en la Universidad del mismo nombre. 
Obtuvo su licenciatura en la Universidad de Siracusa (New York, 1968) y un Master en la Universidad de Massachusetts (1976).
Fred enseña dibujo, pintura con tempera (temple) al huevo y litografía. Codirige talleres en Italia dedicados a artistas y amantes del arte de Toscana y Umbria, interesados en la pintura y el estudio del arte del Renacimiento italiano. 
Su obra está presente en varias colecciones privadas y públicas, incluídas las del Museo de Arte Moderno (New York), Museo de Arte de Filadelfia, la Biblioteca del Congreso, el Museo de Arte de Wichita, el Museo del Smiths College y el Colegio de Bellas Artes de la Universidad de Tianjin, en China.

"Serie de las Constelaciones: Acuario / Constellations Series: Aquarius"
Témpera con pan de oro, plata y paladio / tempera with Gold, Silver and Palladium Leaf, 24" x 18"

«Un viaje de dos semanas que realicé a Italia en 1984 tuvo una profunda y prolongada influencia en mi obra. Por aquél entonces yo estaba realizando una serie de imágenes de acuarios. Fui a Italia a ver el arte del Renacimiento, ya que creo que todos los artistas visuales, especialmente los realistas, deberían estudiar estas obras de primera mano. No podía predecir el dramático impacto, tanto directo como indirecto, que ese viaje de descubrimiento tendría en mi obra subsiguiente. Creo que en nuestra búsqueda de la novedad al hacer arte posmoderno, a menudo perdemos contacto con ciertas cosas básicas: la belleza, gracia, armonía y poesía visual son hoy en día considerados raras veces como criterios importantes para evaluar las obras de arte contemporáneas.»

"Serie de las Constelaciones: Escorpio / Constellations Series: Scorpio"
Témpera con pan de oro, plata y paladio / tempera with Gold, Silver and Palladium Leaf, 30" x 24"

"Contemplando la espiral de Fibonacci / Contemplating Fibonacci's Spiral"
Témpera con pan de oro, plata y paladio / tempera with Gold, Silver and Palladium Leaf, 27" x 34"

Izq./ Left: "Giana (Puerta verde) / Giana (Green Door)"
Témpera con pan de oro Sgrafitto / tempera with Gold Leaf Sgrafitto, 24" x 18"
Der./ Right: "El vestido rojo / The Red Dress", témpera con pan de oro / tempera with Gold Leaf, 25" x 19"

«Yo pinto utilizando las técnicas documentadas a principios del s.XV por Cennino Cennini en su obra "El Libro del Arte". La témpera es el medio perfecto para alguien como yo que ama el dibujo.
El proceso de la témpera está más cerca del dibujo que de la pintura, con colores y tonos desarrollados lentamente a través de una miríada de pequeñas líneas entrecruzadas. La luminosidad de los colores se logra gracias a capas de películas delgadas de estos tonos con velos de barniz intenso. Llegué a este medio a través de una carrera en el grabado. Ambos requieren amor al proceso y paciencia.»

"Serie de las Constelaciones / Constellations Series
"Ursa Major (Osa Mayor / The Great Bear)"
Témpera con pan de oro, plata y paladio / tempera with Gold, Silver and Palladium Leaf, 30" x 24"

"Ursa Major (Osa Mayor / The Great Bear)" (detalle / detail)

«... son los grandes Maestros del Renacimiento como Ghirlandaio, Mantegna, Botticelli, Simone Martini y, especialmente, Fra Angelico, quienes han tenido más influencia en mi obra. Siempre que voy a Roma visito la tumba de Fra Angelico en la iglesia de Santa Maria Sopra Minerva y le llevo un regalo, una rosa, un pincel usado o algo que encuentro apropiado en el momento. La serenidad de su obra, sus colores y el uso mágico del oro son para mí una lección de humildad. Él es, sin lugar a dudas, mi "gran hombre". Me he convertido en un muy buen dorador y puedo hacer que mis fondos dorados hagan muchas cosas, aunque sigo inclinándome ante el uso de Fra Angelico del proceso del dorado.
El otoño último fui profesor visitante en un estudio de la Universidad de Georgia en el extranjero, en Cortona, Italia. La joya de la corona en la formidable colección de arte de esa pequeña ciudad es la Anunciación de Fra Angelico, en el Museo Diocesano [ver al final del post]. Los diseños perforados con una variedad de herramientas en el ala dorada del ángel reflejan la luz en patrones controlados y la hacen visualmente cinética... las alas casi parecen aletear cuando uno las mira desde diferentes ángulos en la habitación. Podía ir hasta el pequeño museo que alberga esta belleza al menos dos veces a la semana, intentando sin éxito averiguar la técnica magistral que Angelico utilizó para lograr que esta ilusión tenga lugar.

"Serie de las Constelaciones: El Cisne / Constellations Series: Cygnus"
Témpera con pan de oro, plata y paladio / tempera with Gold, Silver and Palladium Leaf, 24" x 18"

"Serie de las Constelaciones: El Cisne / Constellations Series: Cygnus" (detalle / detail)

«No me preocupa en absoluto qué dirección tome el mundo del arte convencional. El mundo del arte es un lugar enorme y hay sitio para todos nosotros. A medida que envejezco, estoy menos interesado en los siempre cambiantes "ismos" y en cuál de ellos encajo o no en el esquema general de las cosas. Soy un apasionado de mi pintura y es lo único que me importa. Sólo quiero terminar la obra con lo mejor de mis habilidades y ponerla ahí... y comenzar una nueva pieza. El público y la crítica pueden resolver cuál es la mejor, cuál la peor y dónde encajan o no en el gran esquema del arte mundial.»

"Serie de las Constelaciones: Becca (Telescopio) / Constellations Series: Becca (Telescope)"
témpera con pan de oro y paladio / tempera with Gold and Palladium Leaf, 30" x 24"

Izq./ Left: "Giuliana" - Der./ Right: "Kimono"
Ambos punta de plata con pan de oro y platino / Both Silverpoint with Gold and Platinum Leaf, 14" x 12"

"Serie de las Constelaciones: Becca (Reloj de Sol) / Constellations Series: Becca (Sundial)"
témpera con pan de oro y paladio / tempera with Gold and Palladium Leaf, 30" x 24"

Sobre su serie de las Constelaciones, dijo Fred:
«He estado trabajando en una serie que en el fondo dorado presenta dibujos de cartas de las constelaciones. Las cartas son interpretaciones de grabados del s.XVI realizados por el astrónomo John Flamsteed [ver al final del post].
Encontré la obra de Flamsteed en un gran y hermoso sitio web, Atlas Coelestis, creado por el historiador italiano Felice Stoppa, de Milán. Le envié un email a Stoppa y le pedí permiso para utilizar la obra de Flamsteed como fondo de mi pintura Becca (Reloj solar). Felice se interesó por mi obra y nos hicimos amigos. Me envió una edición limitada de un libro hecho a mano, con grabados de Flamsteed a punta de plata realizados por su hija Giulia para él. Mi esposa Lee-Ann y yo fuimos finalmente a visitarlo en una excursión desde Cortona a Milán el otoño pasado.»

About his Constellations series, Fred said:
«I have been working on a series that has drawings of charts of the constellations in the gold background. The charts are interpretations of 17th century engravings made by the astronomer artist John Flaamsteed [check out at the end of this post].
I found Flamsteed’s work on a large and beautiful web site, Atlas Coelestis, which is the creation of Italian historian, Felice Stoppa, of Milan. I emailed Stoppa and asked for permission to use Flamsteed’s work in the background of my painting, Becca (Sundial). Felice took an interest in my work and we became friends. He sent me a hand made, limited edition book of Flamsteed’s engravings and I made a silverpoint drawing of his daughter, Giulia, for him. My wife, Lee-Ann and I finally got to meet and visit with him during a 3 day excursion from Cortona to Milano this past fall.»

"Giana (Fibonacci revisitado / Fibonacci Revisited)", témpera con pan de oro / tempera with Gold Leaf, 16" x 20"

"Serie de las Constelaciones: Giana (Virgo) / Constellations Series: Giana (Virgo)"
Témpera con pan de oro, plata y paladio / tempera with Gold, Silver and Palladium Leaf, 16" x 20"

Fred Wessel is an American artist, professor at the Hartford Art School at the University of Hartford.
He has a B.F.A. Syracuse University, Syracuse, NY (1968) and M.F.A., University of Massachusetts, Amherst, MA (1976).
Fred teaches drawing, egg tempera painting and lithography. He currently co-directs Workshops in Italy, bringing small groups of artists and art-lovers to Tuscany and Umbria to paint and study the Italian Renaissance. His work is included in many private and public collections including, The Museum of Modern Art, NY; The Brooklyn Museum, NY; The Philadelphia Museum of Art, PA; The Library of Congress; The Wichita Museum of Art, KS; Smith College Museum, MA; The University of Tianjin Fine Arts College, People's Republic of China.

"Una jóven bailarina / A Young Dancer", témpera con pan de oro / tempera with Gold Leaf, 38" x 20"

«A two week trip that I took to Italy in 1984, had a profound and prolonged influence on my work. At that time I was involved in making a series of aquarium images. I went to Italy to view the art of the Renaissance, for it is my belief that all visual artists, especially realists, should experience and study this work firsthand. I could not have predicted the dramatic impact, both direct and indirect, that this journey of discovery would have on my ensuing work. I believe that in our search for novelty in post-modernist art making, we often lose touch with certain basics: beauty, grace, harmony and visual poetry are nowadays rarely considered important criteria in evaluating contemporary works of art.»

"Serie de las Constelaciones: Libra / Constellations Series: Libra"
Témpera con pan de oro, plata y paladio / tempera with Gold, Silver and Palladium Leaf, 24" x 18"

"Evie", témpera con pan de oro / tempera with Gold Leaf, 20" x 16"

«I paint using the techniques documented in the early 15th century by Cennino Cennini in his book Il Libro dell’Arte. Tempera is the perfect medium for someone like me who loves to draw.
The tempera process is closer to drawing than it is to painting, with colors and tones slowly developed using a myriad of small, crosshatched lines. Luminous colors are achieved by layering thin films of these tones with veils of intense glazes. I came to this medium through a career in printmaking. Both require a love of "process" and patience.»

"Evie" (detalle / detail)

«...it is the great early Renaissance masters like Ghirlandaio, Mantegna, Botticelli, Simone Martini and especially, Fra Angelico that have had the most influence on my work. Whenever I am in Rome, I visit the grave of Fra Angelico in the church of Santa Maria Sopra Minerva and bring a gift of a rose, a used brush or something else I deem appropriate at the time. The serenity in his work, his color and magical use of gold always humble me. He is, without a doubt, my "main man". I have become a pretty good gilder and can make my background gold do many things yet I am absolutely humbled by Fra Angelico’s enchanting use of the gilding process.
Last fall I was a visiting professor with the University of Georgia’s study abroad program in Cortona, Italy. The crown jewel of the little town’s formidable art collection is Fra Angelico’s Annunciation, found at the Museo Diocesano [check out at the end of this post]. Designs punched with a variety of tools into the gilded angel’s wing reflect light in controlled patterns and make it visually kinetic…. the wings almost seem to flutter as one views them from different vantage points in the room. I would go down to the little museum that housed this beauty at least twice a week, unsuccessfully trying to figure out the masterful technique that Angelico used to enable this illusion to take place.»

"Serie de las Constelaciones: Leo / Constellations Series: Leo"
Témpera con pan de oro, plata y paladio / tempera with Gold, Silver and Palladium Leaf

«I am not at all concerned with the direction of the mainstream art world. The art world is a huge place and there is ample room for us all. As I get older, I become less interested in the ever-changing "isms" and where I fit in or don’t fit in the general scheme of things. I am passionate about my painting and that is all that I care about. I just want to finish the work to the best of my ability and put it out there… then begin a new piece. The public and critics can sort out which is my best and which is my worst and where it all fits or doesn’t fit into the grand scheme of the art world.»

"Serie de las Constelaciones: Capricornio / Constellations Series: Capricorn"
Témpera con pan de oro, plata y paladio / tempera with Gold, Silver and Palladium Leaf, 18" x 24"

Los textos están tomados del sitio web de Fred, y de una entrevista realizada por Brian Sherwin para Art Space, publicada en 2008, que puede leerse completa (en inglés) aquí.

Texts from Fred's Website and from an Interview by Brian Sherwin published 2008 in Art Space, you can fully read here.

Se puede disfrutar de la obra de Fred en / You can enjoy Fred's work in:
Website, Facebook

Recomiendo echar un vistazo al apartado "técnica" de la web del artista para ver paso a paso el proceso creativo de un par de sus obras.
I recommend to take a look at the "technique" section in artist's website to see the step by step creation of a couple of his works.

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Fred!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Fred!)


Algunas referencias / Some references

John Flamsteed, "Atlas Coelestis"

"Hemisferio Austral / Southern Hemisphere"

John Flamsteed fue un astrónomo inglés nacido en 1646, y primer Astrónomo Real. Catalogó alrededor de 3.000 estrellas. Fue el autor del Atlas Coelestis, un atlas estelar publicado póstumamente en 1729 basado en sus observaciones.
El Atlas (el mayor publicado y primer catálogo comprensivo de estrellas visibles con telescopio acompañado de un atlas celeste) contiene 26 mapas de las constelaciones mayores visibles desde Greenwich, con dibujos hechos en estilo rococó por James Thornhill. También presenta dos planisferios diseñados por Abraham Sharp.

"Libra y Escorpio / Libra and Scorpio"

John Flamsteed was an English astronomer born in 1646 and the first Astronomer Royal. He catalogued over 3000 stars. He was the author of the Atlas Coelestis, a star atlas published posthumously in 1729, based on his observations.
The Atlas – the largest that ever had been published and the first comprehensive telescopic star catalogue and companion celestial atlas – contains 26 maps of the major constellations visible from Greenwich, with drawings made in the Rococo style by James Thornhill. It also presents two planispheres designed by Abraham Sharp.

"Andrómeda, Perseo y el Triángulo / Andromeda, Perseus and The Triangle"

Más información sobre Flamsteed / More info about Flamsteed:
Wikipedia (Español) / Wikipedia (English)

Más información sobre el Atlas Coelestis / More info about the Atlas Coelestis:
Wikipedia (Español) / Wikipedia (English)

Se pueden ver todas las imágenes aquí / You can see all the images here:
Wikimedia Commons


Fra Angelico
"Annunciazione / La anunciación / Annunciation"

Fra Angelico (nacido Guido di Pietro c.1395) fue un pintor italiano del Renacimiento temprano, descrito por Vasari en su "Vidas de los Artistas" como poseedor de un "talento raro y perfecto". Fue conocido por sus contemporáneos como Fra Giovanni da Fiesole y Fra Giovanni Angelico. En la Italia moderna es conocido como Beato Angelico. En 1982 el Papa Juan Pablo II proclamó su beatificación. Murió en 1455.

Fra Angelico (born Guido di Pietro; c. 1395), was an Early Italian Renaissance painter described by Vasari in his Lives of the Artists as having "a rare and perfect talent".
He was known to contemporaries as Fra Giovanni da Fiesole (Brother John of Fiesole) and Fra Giovanni Angelico (Angelic Brother John). In modern Italian he is called il Beato Angelico (Blessed Angelic One). In 1982 Pope John Paul II proclaimed his beatification. He died in 1455.

Témpera sobre tabla / tempera on panel, 150 x 180 cm., 1433-34.
Museo Diocesano (Cortona, Italia / Italy)

Esta Anunciación de Cortona es probablemente la primera de una serie de tres grandes tablas con el mismo tema que Fra Angelico pintó en los años '30 del Quattrocento. Las otras dos son la del Museo del Prado y la de San Giovanni Valdarno. Además pintó en Florencia el mismo motivo en frescos, en el Convento de San Marcos.
A continuación, las otras dos versiones:

"La anunciación / Annunciation" (detalle / detail)

The Annunciation of Cortona is probably the first of a series of three large tables with the same theme that Fra Angelico painted in the '30s Quattrocento. The other two are the ones in Museo del Prado and San Giovanni Valdarno. In addition he painted in Florence the same theme in frescoes, in the Convent of San Marcos. 
Here the other two versions:

Témpera sobre tabla / tempera on panel, 195 × 158 cm., c.1432.
Museo della basilica di Santa Maria delle Grazie (San Giovanni Valdarno, Arezzo, Italia / Italy)

Témpera sobre tabla / tempera on panel, 194 × 194 cm., 1425-28
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Más información sobre Fra Angelico / More info about Fra Angelico:
Wikipedia (Español) / Wikipedia (English)

Enlaces para más información sobre las obras / Links for more information about the works:
Cortona (English) / San Giovanni Valdarno (English) / Madrid (Español)

Frescos (en italiano) / Frescoes ( in Italian)
Cella 3 di San Marco / Corridoio Nord

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Dennis Mecham [Fotografía]

May 1, 2014, 10:21 pm
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Dennis Mecham

© Dennis Mecham

Dennis Mecham es un interesante fotógrafo estadounidense que vive y trabaja en Salt Lake City, Utah.
Descubrí su obra por pura casualidad (como casi siempre), y me encantó su serie de los parasoles, de una belleza sobria y tranquila, con imágenes minimalistas y armónicas. No me sorprendió enterarme del vínculo artístico que Dennis tiene con la música. Estudió composición, y trabajó escribiendo música para películas durante muchos años.
Ha recibido el Premio a la Excelencia en Fotografía Arquitectónica.

"Zapato / Shoe"© Dennis Mecham

Izq./ Left: "Carla" - Der./ Right: "Megan" © Dennis Mecham

«Yo soy, mayormente, autodidacta. Puedo centrarme mucho y ser muy paciente. Tengo un gran sentido de la perseverancia, lo cual me ha ayudado muchísimo. La forma de arte en la que tuve una instrucción más formal fue la música. He descubierto que es una gran baza en mi viaje fotográfico. La música requiere una devoción y disciplina que me ayuda a diario en la fotografía. La música requiere, también, la fusión de la expresión artística con las habilidades musicales. Tienes que ser a la vez un artista y un técnico. Los fotógrafos tienen una ventaja distintiva sobre los músicos; si tú no practicas con tu instrumento a diario, tus habilidades disminuirán notablemente. Eso no ocurre si no tomas fotos durante unos días, porque las necesidades de esa interface mente-cuerpo son mucho más exigentes en la música.»

"Estudio de faldas / Skirt Study Nº 8" © Dennis Mecham

"Ofelia / Ophelia" © Dennis Mecham

"Erin" © Dennis Mecham

«Me han influenciado principalmente los pintores y escultores. Mi madre es italiana, y me crié alrededor de Leonardo y Miguel Ángel, así como otros artistas clásicos. Siempre sentí mucho la influencia de la obra de Maxfield Parrish, ya que parece expresar la experiencia surrealista de la gente y lugares con los que me identifico de inmediato. He comentado que su pintura "Daybreak"[ver al final del post] es la imagen más reproducida de la historia. No sé si es cierto, pero no me sorprendería. No debe haber otra obra de arte con lo que me sienta más fuertemente identificado, emocional y espiritualmente.
Otro es el pintor francés Bouguereau, así como Edward Hopper y Magritte. Para mí ellos encarnan la misma belleza surreal y romántica de sus experiencias respectivas. Los primeros fotógrafos que me influenciaron fueron Edward Weston y Ansel Adams. Fueron los primeros que vieron la fotografía como arte. Otros fueron Imogene Cunningham, Henri Cartier-Bresson, Josef Karsh, Irving Penn, Richard Avedon, Robert Mapplethorpe, Joyce Tenneson [ver al final del post] y Herman Leonard. 
Siempre he visto el Art Decó como una interesante reflexión sobre lo eterno en la humanidad. Es un estilo tan universal que fue utilizado tanto por Roosevelt como por Hitler para promocionar sus ideas. Se ve la influencia Art Decó tanto en Bourke-White como en Mapplethorpe.»

"Sombrillas / Parasols Nº 1" © Dennis Mecham

"Jenevieve" © Dennis Mecham

«Describir mi obra con palabras puede ser un poco basto comparado con las imágenes. Las palabras siempre se quedan cortas para calificar una experiencia, con excepción de la poesía. Creo que mi obra expresa lo que estoy haciendo. Encontrar nuestro lugar en esta vida y experimentarlo en el nivel más completo posible. Todos intentamos descubrir quienes somos, lo cual creo que es el propósito principal de la existencia.»

Izq./ Left: "Nichole" - Der./ Right: "Ischa y Sara" © Dennis Mecham

«En muchas de mis imágenes, el concepto está definido en mi mente tal como quiero lograrlo; la composición está allí. Siempre dejo lugar para la espontaneidad y las sorpresas. No soy muy bueno tomando instantáneas, así que tengo que sacar partido de la espontaneidad; tiene que haber alguna idea de base de lo que quiero alcanzar antes de empezar a trabajar, o quemaré un montón de película sin llegar a conseguir nada.»

"Estudio de faldas / Skirt Study Nº 3" © Dennis Mecham

"Sombrillas / Parasols Nº 4" © Dennis Mecham

«Siempre estoy luchando contra mis propios muros. Tiendo a tener los pies sobre la tierra, y es muy fácil para mí dejarme llevar por las rutinas, así que constantemente me estoy recordando a mí mismo que tengo que estirarme, intentar hacer algo diferente, y a menudo veo que es interesante cuando tengo éxito al forzar mis propios límites; mi reacción inicial era que no sabía si funcionaría. He aprendido que para mí es un buen síntoma, porque significa que he explorado un nuevo territorio y tengo incertidumbres al respecto. Esa incertidumbre, creo, es importante.»

"Jodi" © Dennis Mecham

Dennis Mecham is an interesting American photographer who lives and works in Salt Lake City, Utah. 
I discovered his work by chance (as usual), and I loved his series of Parasols, a sober and quiet beauty, with minimalist and harmonic imaging. I was not surprised to learn of the artistic link Dennis has with music. He has studied music composition and worked at writing music scores for small films for many years. He received the Award for Excellence in Architectural Photography.

Izq./ Left: "Pods Great Salt Lake" - Der./ Right: "Gárgola / Gargoyle" © Dennis Mecham

"Sombrillas / Parasols Nº 9" © Dennis Mecham

«I am, for the most part, self-taught. I can be very focused and can be very patient. I have a strong sense of perseverance which has helped immensely. The art form in which I had more formal training was music. I have found it to be a great asset in the photographic journey. Music requires a devotion and discipline which helps me daily in my photography.
Music, too, requires the merging of artistic expression and musical craft. You have to be both an artist and a technician. Photographers have a distinct advantage over musicians.
If you don’t practice your instrument every day, your skills can diminish noticeably. That doesn’t happen if you don’t take photographs for a few days. Because of the necessity for that mind/body interface, music is more demanding.»

"Sombrillas / Parasols Nº 2" © Dennis Mecham

«I was influenced mostly by painters and sculptors. My mother is Italian and I grew up around Leonardo and Michelangelo, as well as other classic artists. I was also greatly
influenced by the work of Maxfield Parrish as he seemed to express the surreal experience of people and place that I immediately identified with. I have been told that his
painting, Daybreak, is the most reproduced image in history. I don’t know if that is true but it wouldn’t surprise me. There may not be another work of art with which I more strongly identify with, emotionally and spiritually.
Another was the French painter Bouguereau, as well as Edward Hopper and Magritte. For me they embody the same surreal and romantic beauty of their respective experiences.
The first photographers to influence me were Edward Weston and Ansel Adams. They were the first ones who saw photography as art. Others were Imogene Cunningham, Henri
Cartier-Bresson, Josef Karsh, Irving Penn, Richard Avedon, Robert Mapplethorpe, Joyce Tenneson and Herman Leonard. I have always seen art deco as an interesting reflection of the eternal in humanity. That style is so universal in appeal that it was used by both Roosevelt and Hitler to promote their ideas. You see that art deco influence in both Bourke-White and Mapplethorpe.»

Izq./ Left: "Proof / Prueba" - Der./ Right: "Angela" © Dennis Mecham

«Describing my work through words seems rather crude compared to images. Words always qualify an experience that always falls short, with the exception of poetry. I think my
work expresses what we are all doing. Finding our place in this life and to experience it on the fullest level possible. We are all searching to discover who we are, which I believe is the main purpose of existence.»

«With many of my images the concept is fixed in my mind as to what I want to achieve; the composition is there. I always leave room for spontaneity and surprises. I’m not very good at taking snapshots. Though I can take advantage of spontaneity, there has to be some main idea of what I am trying to achieve before I work on it or I burn up a lot of film and never achieve anything.»

"Bailarina / Dancer" © Dennis Mecham

«I am always pushing against my own walls. I tend to be a very grounded person and it’s very easy for me to slip into routines, so I constantly am sort of reminding myself to stretch myself, try and do it differently, and oftentimes I find what is interesting when I do succeed at pushing out of my own boundary; my initial reaction may be that I don’t know if it works. I have learned that to me that is a good sign. Because it means I have explored new territory and I am uncertain about it. That uncertainty, I think, is important.»

"Estudio de faldas / Skirt Study Nº 2" © Dennis Mecham
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Una selección de la última serie de Dennis "Skyler", que ya pueden disfrutar en su sitio web /
A selection of Dennis' last series "Skyler" you can enjoy in his website:



Todas las imágenes / All images© Dennis Mecham
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Los textos están traducidos de las siguientes entrevistas al artista que pueden leerse completas en el sitio webde Dennis /
Texts from the following interviews with the artist you can fully read in Dennis website.

* Entrevista de / Interview by Christopher Key, publicada en / published in www.focusmag.info, Pdf.
* Entrevista de / Interview by Bryan S. Smith, publicada en / published in Umbrella Publishing, Pdf.
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Más imágenes e información sobre Dennis / More images and information about Dennis:
Website


Algunas referencias / Some references

Maxfield Parrish

"Amanecer / Daybreak", óleo sobre panel / oil on board, 67,3 x 114,3 cm., 1922. 
Colección privada / Private Collection.

Maxfield Parrish, pintor e ilustrador estadounidense nacido en 1870, activo en la primera mitad del siglo XX. Es conocido por sus tonalidades saturadas distintivas y su idealizada imaginería neoclásica.
La obra de Parrish desafía cualquier categorización, ya que no pertenece a ningún movimiento o escuela, y desarrolló un estilo original e individual. A pesar de esto, su obra ha tenido una gran influencia, y los precios en las subastas de sus pinturas originales se ha incrementado. Su obra magna, "Daybreak", se vendió en 2006 por 7,6 millones de dólares.
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Maxfield_Parrish

Maxfield Parrish, American painter and illustrator born in 1966, active in the first half of the 20th century. He is known for his distinctive saturated hues and idealized neo-classical imagery.
Parrish's work defies categorization since he was part of no traditional movement or school, and developed an original and individual style. However, his work has been highly influential, and the prices for his original paintings at auction have increased. His magnum opus, Daybreak, sold in 2006 for $7.6 million USD.
In Wiki. http://en.wikipedia.org/wiki/Maxfield_Parrish


Joyce Tenneson


Joyce Tenneson, fotógrafa artística estadounidense nacida en 1945, conocida por un estilo distintivo que a menudo incluye mujeres desnudas o semidesnudas. Tenneson dispara principalmente con una cámara Polaroid de 20 x 24. En una entrevista a una revista de fotografía, Tenneson aconseja a los artistas: "Creo muy firmemente que si vuelves a tus raíces, si te metes en ese territorio interior, puedes sacar a la luz algo que es indeleblemente tuyo y auténtico, como tu huella digital. Va a tener tu estilo, porque no hay nadie como tú." De niña, sus padres trabajaban en un convento. Ella y su hermana "se apuntaron para estar en los concursos de vacaciones y procesiones Era un ambiente misterioso, algo felliniano, lleno de simbolismo, ritual, belleza y también una especie de inquietante imaginería surrealista."
Su obra se ha presentado en más de 100 muestras por todo el mundo. Tenneson ha realizado portadas para varias revistas, incluyendo Time, Life, Entertainment Weekly, Newsweek, Premiere, Esquire y la revista de The New York Times.
En Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Joyce_Tenneson

Jodi Foster

Joyce Tenneson, American fine art photographer born in 1945, known for her distinctive style of photography, which often involves nude or semi-nude women. Tenneson shoots primarily with the Polaroid 20x24 camera. In an interview with a photography magazine, Tenneson advised artists: "I very strongly believe that if you go back to your roots, if you mine that inner territory, you can bring out something that is indelibly you and authentic - like your thumbprint. It's going to have your style because there is no one like you." As a child, her parents worked on the grounds of a convent. She and her sister "were enlisted to be in holiday pageants and processions. It was a mysterious environment - something out of Fellini - filled with symbolism, ritual, beauty, and also a disturbing kind of surreal imagery."
Her work has been displayed in more than 100 exhibitions around the world. Tenneson has had cover images on several magazines including Time, Life, Entertainment Weekly, Newsweek, Premiere, Esquire and The New York Times Magazine.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Joyce_Tenneson


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Aniversarios (XIV) [Mayo / May 1-3]

May 2, 2014, 11:40 pm
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Mayo es el cumple de

Jules Breton, pintor realista francés nacido en 1827. Su padre, Marie-Louis Breton, trabajaba las tierras de un rico terrateniente. El respeto a la tradición, el amor por la tierra y por su región natal se mantuvieron como la parte central de su obra durante el resto de su vida.
Estudió en Gante, Amberes y la Ecole des Beaux-Arts. Si bien sus primeros trabajos fueron sobre personajes históricos, después de 1852 se convenció de que lo suyo era pintar el mundo rural que le había impresionado en su juventud. 
Sus representaciones poéticas en un paisaje con el sol de poniente se hicieron muy populares, especialmente en Estados Unidos. En 1880, Vincent van Gogh viajo 137 km hasta Courrières para visitar a Breton, de quien era gran admirador. Fue miembro del Instituto de Francia y en 1899 fue elegido miembro de la Royal Academy. Murió en 1906.

"Verano / Summer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1891. Colección privada / Private Collection.
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Adelsteen Normann, pintor noruego que trabajó en Berlín, notable por sus pinturas de paisajes de su país. Normann fue el artista que invitó a Edvard Munch a Berlín, donde pintó El Grito. Se acredita a las pinturas de fiordos de Normann el que estos lugares se convirtieran en destinos turísticos más populares.
Estudió en la Kunstakademie Düsseldorf entre 1869 y 1872, y estilísticamente sus pinturas pertenecen a la Escuela de Düsseldorf. Estudió con el pintor estonio Eugen Dücker. Normann se estableció en Berlín desde 1883. Sus pinturas fueron casi siempre paisajes e invariablemente de fiordos noruegos, donde suele verse el agua combinada con pequeñas casas, barcos y laderas montañosas.

"Sommer im Fjord / Verano en el fiordo / Summer in Fjord"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 72 x 96 cm., c.1918.


El 2 de Mayo es el cumple de

Gregorio Prieto, pintor español nacido en Valdepeñas en 1897. 
Estudió en la Escuela de Artes y Oficios y en 1915 ingresó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Su primera exposición individual fue en el Ateneo de Madrid en 1919. 
Relacionado con las vanguardias europeas, fue amigo de Rafael Alberti y Luis Cernuda (con quien convivió en Londres). Conoció a Lorca (a quien retrató varias veces), Alberto Moravia, Chirico, etc. Tras sus viajes por Italia, Grecia y Egipto, su obra se centrará en la arquitectura griega y sus cuadros se pueblan de marineros e iconografía homoerótica. En 1935 se organiza una importante exposición en París donde las pinturas de Prieto se muestran al lado de otras de Pablo Picasso, Joan Miró, Juan Gris o Salvador Dalí entre otros. Murió a los 95 años.

"Luna de miel en Taormina / Honeymoon in Taormina", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 191 x 189 cm.
Fundación Gregorio Prieto (Madrid, España / Spain)
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Juan Luis Vassallo Parodi, escultor español nacido en Cádiz en 1908.
Antes de cumplir un año se trasladó a Córdoba donde su padre fue profesor en la Escuela de Artes y Oficios. Allí inició sus estudios artísticos sin tener edad para matricularse oficialmente y conoció al escultor Mateo Inurria, gran amigo de la familia.
Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando entre 1931 y 1934. Se trasladó después a Ávila como profesor de la Escuela de Artes y Oficios.
En 1936 comienza una nueva etapa andaluza al trabajar sucesivamente en las Escuelas de Artes y Oficios de Jerez de la Frontera (1936-1941) y en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sevilla desde 1943. Dirigió este último centro desde 1952 a 1958. Murió en 1986.

"Gades", bronce / bronze. Playa de La Caleta (Cádiz, Andalucía, España / Spain)


Hoy, 3 de Mayo es el cumple de

Carel Visser, escultor neerlandés nacido en 1928 en Papendrecht (Holanda). Visser estudió en la Universidad Técnica de Delft y en la Academia Real de Arte en La Haya. Creó inicialmente esculturas de hierro realistas -principalmente aves- y presentó su primera exposición individual en 1954 en la Galería Martinet de Ámsterdam. A partir de 1957, su estilo artístico se hizo más abstracto. 
Su trabajo posterior se caracteriza por el ensamblaje de materiales variados, tales como neumáticos, bidones de aceite, ventanas de coche, cuero, piel de oveja, huevos, etc. Sus obras desde el periodo 1975-1985 están adecuadas al ambiente de su ubicación, en contraste con las obra escultóricas iniciales, más expresionistas y realistas- como el caballo moribundo de 1949.

"Stervend paard / Caballo moribundo / Dying Horse", c.1949

Visser tenía unos 20 años cuando la hizo. Parece inspirada en el Guernica de Picasso, y está hecha en memoria de los holandeses que murieron en la Segunda Guerra Mundial
Visser was about 20 when he made ​​it. Looks inspired by Picasso's Guernica, and is made in memory of the Dutch who died in World War II
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Camille Bernier, pintor francés nacido en 1823 en Colmar. 
Su pintura "Village Arberg" fue aceptada en la Exposición Universal de 1855, lo cual marcó el inicio de su carrera oficial. De ahí en adelante expuso prácticamente cada año uno o más cuadros en el Salón hasta 1892. Su obra recibió una buena acogida por parte de los críticos, que encontraron lo que se esperaba en un pintor de paisajes.
Fue conocido por su generosidad hacia sus amigos pintores a los que ayudó y acogió en su casa tanto en París como en Bretaña.
Murió en 1902.

"L'hiver en Bretagne / El invierno en Bretaña / Winter in Britain", 2ª mitad del s.XIX / 2nd. half 19th Century. 
Musée départemental breton de Quimper (Francia / France)

Más sobre Camille Bernier en "El Hurgador" / More about Camille Bernier in this blog:
[Manos a la obra (XXV)]


Textos en inglés / English translation

* On May 1 is the birthday of

Jules Breton, French realist painter born in 1827. His father, Marie-Louis Breton, worked the land of a wealthy landowner. Respect for tradition, love for the land and his native region remained the center of his work for the rest of his life. 
He studied at Ghent, Antwerp and the Ecole des Beaux-Arts. While his early works were of historical figures, after 1852 became convinced that his was painting the rural world that had impressed him in his youth. 
His poetic in a landscape with the setting sun representations became very popular, especially in America. In 1880, Vincent van Gogh to travel 137 km to visit Courrières Breton, whom he greatly admired. He was a member of the Institute of France and in 1899 was elected to the Royal Academy. He died in 1906.

Adelsteen Normann, Norwegian painter who worked in Berlin. He was a noted painter of landscapes of Norway. Normann was the artist who invited Edvard Munch to Berlin, where he painted The Scream. Normann's fjord paintings are credited with making the Norwegian fjords a more popular tourist destination.
He studied at the Kunstakademie Düsseldorf from 1869 to 1872 and his paintings belong to the Düsseldorf school of painting. He studied with the Estonian painter Eugen Dücker.
Normann based himself in Berlin from 1883. His paintings were nearly always landscapes and invariably of the fjords of Norway where he would show the water combined with small houses and boats and steep mountainsides.

* On May 2 is the birthday of

Gregorio Prieto, Spanish painter born in 1897 in Valdepeñas. 
He studied at the School of Arts and Crafts. In 1915 he entered the Academy of Fine Arts of San Fernando. His first solo exhibition was at the Ateneo de Madrid in 1919. 
Related with European avant-garde, he was a friend of Rafael Alberti and Luis Cernuda (with whom he lived in London). Met Lorca (who portrayed several times), Alberto Moravia, Chirico, etc.. After his travels in Italy, Greece and Egypt, his work focused on Greek architecture and his paintings are filled with sailors and homoerotic iconography. In 1935 a major exhibition took place in Paris. There Prieto's paintings were shown along with other by Pablo Picasso, Joan Miró, Juan Gris and Salvador Dali among others. He died at age 95.

Juan Luis Vassallo Parodi, Spanish sculptor born in Cádiz in 1908.
He moved to Córdoba when he was 1 year old. There his father was a professor in the School of Arts and Crafts. He began his artistic studies without having age enough to officially enroll, and met the sculptor Mateo Inurria, a great friend of the family. 
He studied at the School of Fine Arts of San Fernando between 1931 and 1934. Was then moved to Avila as a professor at the School of Arts and Crafts. 
In 1936 he begins a new stage in Andalusia working in the Schools of Arts and Crafts in Jerez de la Frontera (1936-1941) and at the School of Fine Arts in Seville since 1943. He directed this last center from 1952 to 1958. He died in 1986.

* Today, May 3, is the birthday of

Carel Visser, Dutch sculptor born in 1928 in Dordrecht (Netherlands). Visser studied at the Technical University of Delft and the Royal Academy of Art in The Hague. Initially created realistic-iron sculptures mainly birds-and presented his first solo exhibition in 1954 at the Martinet Gallery Amsterdam. Since 1957, his artistic style became more abstract. 
His later work is characterized by the assembly of several materials, such as tires, oil drums, car windows, leather, sheepskin, eggs, etc... His works from the period 1975-1985 are appropriate to the environment of its location, in contrast to his early works (more expressionistic and realistic), like the Dying Horse (1949).

Camille Bernier, French painter born in 1823 in Colmar. 
His painting Village Arberg was accepted at the Universal Exhibition of 1855, which marked the beginning of his official career. Thereafter exhibited almost every year one or more paintings in the Salon until 1892. His work received a good reception from the critics, who found what was expected in a landscape painter. 
He was known for his generosity to his friends painters those who helped and took them to his home in Paris and Brittany. 
He died in 1902.

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Aniversarios, Fotografía (XIV) [Mayo / May 1-4]

May 4, 2014, 12:29 am
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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Mayo es el cumple de

Alain Laboile, fotógrafo francés nacido en 1968, padre de 6 hijos.
En 2004, como necesitaba hacer un muestrario de su trabajo como escultor, se compró una cámara. Así desarrolló el gusto por la macrofotografía, estimulado por su pasión por la entomología.
Más tarde apuntó sus lentes hacia su creciente familia, que se convirtió en su tema principal, ya sea en una representación realista de su atípico modo de vida en "La Familie", o en las extrañas escenificaciones en torno a un estanque en “Réflexion autour du bassin”. 
Liberadas de todo voyeurismo, de la rigidez de lo cotidiano, las imágenes de Alain Laboile nos presentan un mundo de libertad, sorpresas y emociones compartidas.
Website del artista: http://www.laboile.com/

"La Familie / La Familia / The Family"


El 2 de Mayo es el cumple de

Claude-Joseph Désiré Charnay, viajero y arqueólogo francés nacido en 1828, notable por sus exploraciones de México y Centroamérica, y por el uso pionero de la fotografía para documentar sus descubrimientos.
En 1850 se convirtió en profesor en Nueva Orleans (Luisiana) y allí se familiarizó con los libros de viajes por Yucatán de John Lloyd Stephens. Viajó por México, por encargo del Ministerio de Educación francés, entre 1857 y 1861, por Madagascar (1863), Sudamérica (particularmente Chile y Argentina, 1875) y por Java y Australia en 1878. En 1880-83 volvió a visitar las ciudades en ruinas de México.
La más importante de sus publicaciones fue "Le Mexique, souvenirs et impressions de voyage / México, recuerdos e impresiones de viaje" (1863), resultado de su expedición de 1857-61. Murió en 1915.

"Mujeres de Madagascar / Women of Madagascar", 1863. The J. Paul Getty Museum (Estados Unidos / USA)


El 3 de Mayo es el cumple de

Bill Brandt, fotógrafo y fotoperiodista británico de origen alemán nacido en 1904. En Inglaterra se hizo famoso por sus imágenes de gran contraste de la sociedad británica, sus desnudos distorsionados y paisajes, y se le considera uno de los más importantes fotógrafos británicos del s.XX.
En 1993 se mudó a Londres y comenzó a documentar todos los estratos de la sociedad británica. Este tipo de documental era poco común en la época. Brandt publicó dos libros con estos trabajos: "El inglés en casa" (1936) y "Una noche en Londres" (1938). Fue contribuyente regular de revistas como Lilliput, Picture Post y Harper's Bazaar. Documentó los refugios subterráneos antibombas de Londres durante la Guerra Relámpago en 1940, por encargo del Ministerio de Información.
Durante la 2ª Guerra Mundial, Brandt se centró en todo tipo de sujetos (como puede verse en "Cámara en Londres", de 1948) pero destacando en retrato y paisaje. Para conmemorar la llegada de la paz en 1945, comenzó con una celebrada serie de desnudos. Sus libros más importantes en el período de posguerra fueron "Bretaña literaria" (1951) y "Perspectiva de desnudos" (1961), seguidos por una recopilación de lo mejor de toda su obra en "Sombras de la luz" (1966). Murió en 1983.

"Manos en la playa / Hands on the beach", 1959


Hoy, 4 de Mayo, es el cumple de

Zhang Jingna (张晶娜), fotógrafa nacida en China en 1988 que vive y trabaja en Singapur, conocida como "zemotion".
A los 14 años, nueve meses después de coger por primera vez un rifle de aire, Jingna rompió un récord nacional y consecuentemente se unió al equipo nacional. Estuvo activa en el equipo durante seis años. A los 18, Jingna cogió una cámara. Probablemente por su interés entusiasta y logros en fotografía, dejó Lasalle en octubre de 2007 y el equipo de rifle en enero de 2008 para dedicarse a la fotografía a tiempo completo.
La clientela de Jingna incluye compañías tales como Mercedes Benz, Canon, Pond's, Ogilvy & Mather Advertising y Wacom.
También produce editoriales de moda para revistas como Harper's Bazzar, Elle y Flare.
Website de la artista: http://www.zhangjingna.com/

"Thanh Hằng", Portada para Elle Vietnam, Junio de 2013 / Cover for Elle Vietnam, June, 2013


Textos en inglés / English translation

* On May 1 is the birthday of

Alain Laboile, French photographer born in 1968 and father of six.
In 2004, as he needed to put together a portfolio of his work as a sculptor, he acquired a camera, and thus developped a taste for macrophotography, spurred by his passion for entomology.
Later on, he pointed his lens towards his growing family which became his major subject, be it in a realistic depiction of their atypical lifestyle in “La Famille”, or in bizarre stagings around a pond in “Réflexion autour du bassin”.
Freed of voyeurism, the rigidity of daily, the snapshots of Alain Laboile show us a world of freedom, surprises, shared emotions.
Artist's Website: http://www.laboile.com/

* On May 2 is the birthday of

Claude-Joseph Désiré Charnay, French traveller and archaeologist born in 1828, notable both for his explorations of Mexico and Central America, and for the pioneering use of photography to document his discoveries.
In 1850, he became a teacher in New Orleans, Louisiana, and there became acquainted with John Lloyd Stephens's books of travel in Yucatan. He travelled in Mexico, under a commission from the French ministry of education, in 1857-1861; in Madagascar in 1863; in South America, particularly Chile and Argentina, in 1875; and in Java and Australia in 1878. In 1880-1883, he again visited the ruined cities of Mexico.
The more important of his publications are Le Mexique, souvenirs et impressions de voyage (1863), being his personal report on the expedition of 1857-1861. He died in 1915.

* On May 3 is the birthday of

Bill Brandt, German-British photographer and photojournalist born in 1904. In England he became known for his high-contrast images of British society, his distorted nudes and landscapes, and is widely considered to be one of the most important British photographers of the 20th century.
In 1933 Brandt moved to London and began documenting all levels of British society. This kind of documentary was uncommon at that time. Brandt published two books showcasing this work, The English at Home (1936) and A Night in London (1938). He was a regular contributor to magazines such as Lilliput, Picture Post, and Harper's Bazaar. He documented the Underground bomb shelters of London during The Blitz in 1940, commissioned by the Ministry of Information.
During World War II, Brandt focused every kind of subject - as can be seen in his "Camera in London" (1948) but excelled in portraiture and landscape. To mark the arrival of peace in 1945 he began a celebrated series of nudes. His major books from the post-war period are Literary Britain (1951), and Perspective of Nudes (1961), followed by a compilation of the best of all areas of his work, Shadow of Light (1966). He died in 1983.

* Today, May 4, is the birthday of

Zhang Jingna (张晶娜), Chinese-Singaporean photographer born in 1988, widely known as zemotion.
At the age of fourteen, nine months after picking up air rifle, Jingna broke a national record, and subsequently joined the national air rifle team. She was active in the team for six years. At eighteen, Jingna picked up a camera. Probably due to her keen interest and achievements in photography, she left Lasalle in October 2007, and the rifle team in January 2008, to pursue photography full-time.
Jingna's clientele includes companies such as Mercedes Benz, Canon, Pond's, Ogilvy & Mather Advertising and Wacom.
She also produced fashion editorials for magazines such as Harper's Bazaar, Elle and Flare.
Artist's Website: http://www.zhangjingna.com/

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