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Macoto Murayama [Flora inorgánica / Botech]

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Macoto Murayama
村山誠


Macoto Murayama es un artista japonés nacido en 1984 en Kanagawa.
Se graduó en 2007 en el Departamento de Diseño y Sistemas de Información de la Universidad de Miyagi, y estudió luego en el Instituto de Artes en Medios Avanzados y Ciencias.
Su obra fusiona el mundo de la investigación biológica, el diseño artístico y el estudio histórico, en una colección de plantas digitales presentadas como diagramas arquitectónicos, con texto y etiquetas matemáticas. 

"Commelina communis L" - vista frontal / front view - ow, 100 x 100 cm., digital c-print, 2011
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Commelina communis L"
Izq./ Left: vista superior / top view - negro / black, 150 x 100 cm., digital c-print, 2011
Der./ Right: vista superior / top view - blanco / white, 150x100cm, digital c-print, 2011
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Commelina communis L" - vista lateral / side view - blanco / white, 100 x 150 cm., digital c-print, 2011
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

El trabajo de Murayama comienza con la investigación y disección de especímenes botánicos, fotografiándolos y preparando bocetos. Posteriormente realiza modelos tridimensionales, modificando los elementos individuales en Photohsop y completando el diagrama con las anotaciones e indicaciones de escalas.
En otras obras, sus "Botech Compositions", algo así como composiciones botánico-técnicas, el artista une en una sóla imagen diferentes tipos de flores estructuradas en una visualización laberíntica, una especie de jardín digital desplegado como si fuera una alfombra.

"Lathyrus odoratus L" - vista lateral / side view - negro / black, digital c-print, 100 x 100 cm., 2012
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Lathyrus odoratus L" - vista superior / top view - negro / black, digital c-print, 100 x 100 cm., 2012
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

Esta síntesis, a pesar de su carácter contradictorio, permanece fiel tanto a la naturaleza como a la ciencia, llevando al espectador a lo largo de la frontera entre la precisión consciente y la belleza, hasta el floreciente campo de la estética en los estudios botánicos.
Macoto Murayama puede pasar meses con una de sus ilustraciones botánicas, y cuando están terminadas, las plantas parecen algo florecido en el espacio exterior.

"Lathyrus odoratus L" - vista ecológica / ecology view - blanco / white, digital c-print, 100 x 100 cm., 2012
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Composición Botec / Botech Composition" - 1 - negro,color / black,color, digital c-print, 150 x 100 cm., 2013
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

«Hay un encanto abrumador tanto en los dibujos detallados de las plantas como en los de las máquinas. - dice Murayama - Las máquinas tienen un lado orgánico, mientras que las plantas tienen un aspecto mecánico.» En algunas de sus piezas, las etiquetas y las escalas de medición insinúan bocetos botánicos tradicionales. En otros, los esqueletos fantasmales y simetrías hipnóticas hablan por sí mismos.

"Composición Botec / Botech Composition" - 1 (detalle / detail)
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Japanese lily"-·D-b, digital c-print, 56 x 45,7 cm., 2007
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

Macoto Murayama is a Japanese artist born in 1984 in Kanagawa.
He graduate at Miyagi University, Department of Design and Information Systems (2007) and afterwards studied at Institute of Advanced Media Arts and Sciences.
His work merges the world of biological research, artistic design and historical studies in a collection of digital plants, presented as architectonic diagrams, with labels and mathematical markings.

"Japanese lily"-·B-bc, digital c-print, 56 x 45,7 cm., 2009
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Cosmos sulphureus Cav." - vista superior / top view - negro / black, digital c-print, 100 x 100 cm., 2010
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

The work of Murayama starts with investigation and dissection of botanical specimens, taking photographs and sketching. Later he develop 3D models, modifying individual elements in photoshop and then completes diagram in illustrator with captions and indication of scale.
In the other works, his "Botech Compositions", (Botanic and Technology), the artist merges in one image different kind of flowers structured in a labyrinthine visualization, a kind of digital garden displayed as a carpet.

"Crisantemo / Chrysanthemum" - B. negro / black, digital c-print, 56 x 45,7 cm., 2008
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Crisantemo / Chrysanthemum" E. blanco / white, digital c-print, 56 x 45,7 cm., 2008
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Spider lily"
Izq./ Left: iii negro coloreado / black colour, digital c-print, 56 x 45,7 cm., 2009
Centro / Center: i blanco / white, digital c-print, 56 x 45,7 cm., 2008
Der./ Right: iv negro / black, digital c-print, 56 x 45,7 cm., 2009
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

This synthesis, in spite of its oxymoronic nature, stays true to both Science and Nature leading the viewer along the borderline of Mindful Precision and Beauty to the flourishing fields of Aesthetics in Botanical Studies.
Macoto Murayama can spend months on one of his botanical illustrations, and when is done, the plant looks like something that blossomed in outer space. 

"Lathyrus odoratus L" - vista frontal / front view - ow, digital c-print, 100 x 100 cm., 2012
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Lathyrus odoratus L" - vista frontal / front view - negro / black, digital c-print, 100 x 100 cm., 2012
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

“There’s an overwhelming charm in the detailed drawings of both plants and machines,” Murayama says. “Machines have an organic side, while plants have a mechanical side.” In some of his pieces, labels and measurement scales hint at traditional botanical sketches. On others, the ghostly skeletons and hypnotic symmetries speak for themselves.

"Lathyrus odoratus L" - vista lateral / side view - ow, digital c-print, 100 x 100 cm., 2012
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Girasol / Sunflower"- D blanco / white, digital c-print, 56 x 45,7cm., 2008
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

"Narcissus tazetta L. var. chinensis M.Roem" [Narciso de manojo]
Vista frontal / front view - ow, digital c-print, 150 x 100 cm., 2014
Cortesía del artista y / Courtesy of the artist and Frantic Gallery

Los textos están basados en los que pueden leerse en el blog del artista, en su espacio del sitio web de Frantic Gallery y en un artículo de Sonia Zjawinski en WIRED que puede leerse completo aquí. /
Texts based on those you can read on the artist's blog, in his space in Frantic Gallery's website and an article by Sonia Zjawinski published in WIRED you can fully read here.

Se puede disfrutar de la obra de Murayama en / You can enjoy Murayama's work in:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Macoto Murayama!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Macoto Murayama!)

Agradezco también a Rodion y Frantic Gallery por su apoyo
Thanks also to Rodion and Frantic Gallery for their support


Aquí pueden ver unos videos con animaciones en base a los diseños de Murayama (Lathyrus Odoratus y Japanese Lily), y un video corporativo de los laboratorios de Panasonic en Hollywood realizado con sus obras /
Here you can see some videos with animations based on Murayama's designs (Lathyrus Odoratus and Japanese Lily) and a corporate video of Panasonic Hollywood Laboratory also featuring his artworks.


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Las flores / The Flowers


Japanese Lily - Foto / PhotoWikimedia Commons




Spider Lily (Hymenocallis Littoralis) - Foto / Photo: Bees Alive!


Uruguayos (XIX) - Panta Astiazarán y los artistas (II)

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En este segundo post de la serie, otros 6 artistas uruguayos fotografiados por Panta Astiazarán a lo largo de los años. Para más información sobre la serie me remito al post anterior.

In this second post of this series, six more Uruguayan artists photographed by Panta Astiazarán through the years. For more info about the series check out the previous post.

[Uruguayos (XVIII) - Panta Astiazarán y los artistas (I)]
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Pantaleón (Panta) Astiazarán, es un médico, deportista, karateca, buzo, marino, periodista y fotógrafo uruguayo nacido en 1948.

Pantaleon (Panta) Astiazarán, is an Uruguayan doctor, athlete, karate fighter, diver, seaman, journalist and photographer born in 1948. 
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Eduardo Sarlós

Eduardo Sarlós, Montevideo, 1987 © Panta Astiazarán

Eduardo Sarlós fue un dramaturgo, arquitecto, pintor y farmacéutico uruguayo, de origen húngaro, nacido en Budapest en 1938.
Llegó a Montevideo en 1948 junto con su madre y una tía.
En 1971 se recibió de arquitecto y por un breve lapso fue docente en la Facultad respectiva, pero hacia 1979 su nombre se hizo familiar en los ambientes de la plástica, donde sus pinturas y dibujos realizados en la trastienda de la farmacia "El Ombú", que sustentaba las necesidades familiares, llamaron la atención por la fuerza de sus imágenes en las que ya estaban presentes las preocupaciones que, años más tarde, reaparecerían en su producción dramática: el miedo, las persecuciones, la vejez, la declinación física, la muerte.
Con estas obras consiguió algunos premios y participó en exposiciones dentro y fuera del país.
Profesionalmente se desempeñó como agente de viajes. Murió en 1998.

"Gemelos / Twins", témpera y tinta sobre papel / tempera and ink on paper, 52 x 43 cm

Eduardo Sarlós was an Uruguayan playwright, architect, painter and pharmaceutical of Hungarian origin, born in Budapest in 1938. 
He arrived in Montevideo in 1948 along with his mother and aunt. 
In 1971 he earned his degree in architecture, and for a short time he was teaching in the respective School, but by 1979 his name became familiar in the artistic circles, where his paintings and drawings he create in the back room of the pharmacy "El Ombu" that susteain the family needs, they called attention because the strength of their images in which the concerns that, years later, would reappear in his dramatic production were already present: fear, persecution, aging, physical decline, death. 
These works received awards and participated in exhibitions in and outside the country. 
Professionally, he worked as a travel agent. He died in 1998.

"Sin título / Untitled", tinta y acrílico sobre fibra / ink and acrylic on fiber panel, 65 x 50 cm.


José Luis Zorrilla de San Martín

José Luis Zorrilla de San Martín, Montevideo, 1971 © Panta Astiazarán

José Luis Zorrilla de San Martín fue un escultor y pintor uruguayo nacido en Madrid en 1891. Una de las figuras centrales de la escultura uruguaya, su impacto más significativo tuvo lugar gracias a los monumentos que creó en la ciudad capital Montevideo. Su estilo presenta elementos de estética barroca, incorporados a la escultura moderna.
Era el hijo del escritor Juan Zorrilla de San Martín, quien trabajó en la corte de Alfonso XIII como embajador del Uruguay. Durante tres años estuvo en París donde conoció a Carlos Federico Sáez, quien resultaría ser una fuerte influencia para sus intereses y estilo posterior. Se estableció en Montevideo en 1898. Sus primeros retratos al óleo datan de 1906 y muestran la gran influencia de Sáez. Estudió en el círculo de Bellas Artes con el pintor Vicente Puig, y más tarde recibió clases del escultor Philip Menini (1909).
Su obra se exhibió por primera vez entre 1911 y 1914. Murió en 1975.

"Monumento al Gaucho / Monument to Gaucho", bronce / bronze, 1922-27, Montevideo, Uruguay
Foto / Photo: Faaguiar (Panoramio)

"Monumento al Gaucho / Monument to Gaucho", foto de fines de los años '20 / photo late decade 1920

José Luis Zorrilla de San Martín was a Uruguayan sculptor and painter born in Madrid in 1891. One of the pivotal sculptors from Uruguay, his most significant impact was through the monuments he created in the capital city of Montevideo. His style displayed elements of aesthetic baroque incorporated with modern sculpture.
He was the son of the writer Juan Zorrilla de San Martín, who served in the court of Alfonso XIII as Ambassador of Uruguay. For three years he moved to Paris, where he met Carlos Federico Sáez and would prove a strong influence in his interest and artistic style later. He settled in Montevideo in 1898. His first oil painting portraits dating from 1906 show a great influence from Sáez. He studied at the Círculo de Bellas Artes with painter Vicente Puig, and later received lessons from the sculptor Philip Menini (1909). Between 1911 and 1914, his work was first exhibited. He died in 1975.

"Viejo Vizcacha", bronce / bronze, 1930. Plaza José Pedro Varela, Montevideo, Uruguay

"Viejo Vizcacha", escultura en bronce con base de madera / bronze sculpture with wood base, 20 cm.


Miguel Ángel Pareja Piñeiro

Miguel Ángel Pareja, Montevideo, 1976 © Panta Astiazarán

Miguel Ángel Pareja fue un pintor uruguayo nacido en 1908 que vivió en la ciudad de Las Piedras. Empezó tomando clases de pintura en su adolescencia con Guillermo Laborde.
Viajó a Italia y Francia, y como muchos otros artistas uruguayos en esa época, fue influenciado por la estética y la perspectiva artística del continente europeo. 
En sus comienzos se dedicó a la pintura figurativa, pero en la década del 50 ya se adentraba en el terreno del arte abstracto, después de su paso por el planismo, difundido en Uruguay por el Círculo de Bellas Artes, donde estudiaba el artista. Esta modalidad se realizaba en base a planos de color no volumétricos, con dibujos con pocos detalles y colores vivos e intensos. 
Fue docente y director de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Abandonó la pintura para dedicarse a la serigrafía y dibujo, pero volvió a ella en la década del '70. 
Pareja, además de ser un buen profesional, se comprometió con la sociedad, realizando trabajos de sensibilización y difusión, tratando de integrar el arte a la cosa colectiva.
Falleció en Montevideo en 1984.

"Diversidad de colores / Variety of Colors", óleo sobre tela / oil on canvas, 80 x 115 cm., 1974

Miguel Angel Pareja was a Uruguayan painter born in 1908 who lived in the town of Las Piedras. He began taking painting classes in his teens with Guillermo Laborde.
He traveled to Italy and France, and like many other Uruguayan artists at the time, was influenced by the aesthetic and artistic perspective on the European continent.
In the beginning was dedicated to figurative painting, but in the 50s already deepen into the field of Abstract Art, after passing through the Planism, released in Uruguay for the Fine Arts Circle where the artist studied. This method is performed based on planes non volumetric of color, patterned with few details and rich, vivid colors.
He was a professor and director of the National School of Fine Arts. Gave up painting to devote himself to the serigraphy and drawing, but returned to it in the 70s.
Pareja, besides being a good professional, committed to society, doing awareness and dissemination works, trying to integrate art with the social collective issues.
He died in Montevideo in 1984.
Biographic information from "La Mochila", in Spanish here: http://lamochila.espectador.com/lamochila2.php?m=amp&nw=MTI5NA== 

"Los canarios / The Canarians", óleo sobre tela / oil on canvas, 60 x 73 cm., 1945


Hugo Nantes

Hugo Nantes, San José, Uruguay, 1976 © Panta Astiazarán

Hugo Nantes fue un pintor, escultor y ceramista uruguayo nacido en 1933 en la ciudad de San José de Mayo donde residió y tenía su taller. 
Estudió en el Museo Departamental de dicha ciudad con los maestros Dumas Oroño y Edgardo Ribeiro; realizó curso de grabado en la Escuela Nacional de Bellas Artes con el grabador Adolfo Pastor. En 1963 ganó la beca Anual de Jóvenes de la Comisión Nacional de Bellas Artes en usufructo de la cual viajó a Europa (Italia, España, Francia, Bélgica, Holanda y Portugal). Luego viajó a Bolivia, Perú, Chile, Argentina y Brasil, y en el año 1983 a Egipto y nuevamente Europa. Desarrolló tarea docente en el Museo Departamental e Instituto Normal de San José y en Enseñanza Secundaria.
Expuso individualmente en múltiples ocasiones y obtuvo numerosos premios en Salones del Interior y salones nacionales y municipales desde 1956. Murió en 2009.
En el sitio web del Museo Nacional de Artes Visuales: http://m.mnav.gub.uy/cms.php?a=319

"El piloto / The Pilot", madera y técnica mixta / wood and mixed media, 76 x 82 cm.

Hugo Nantes was an uruguayan painter, sculptor and ceramist born in 1933 in the city of San José de Mayo where he lived and had his studio. 
He studied at the Departmental Museum of the same city with teachers Dumas Oroño and  Edgardo Ribeiro and engraving course at the National School of Fine Arts with Adolfo Pastor. In 1963 he won the annual award of the National Youth Commission of Fine Arts in usufruct which traveled to Europe (Italy, Spain, France, Belgium, the Netherlands and Portugal). He then traveled to Bolivia, Peru, Chile, Argentina and Brazil, and in 1983 again to Egypt and Europe. He developed teaching task in the Departmental Museum and San Jose Institute of Normal and Secondary Education. 
Individually exposed multiple times and won numerous awards in national and municipal halls since 1956. He died in 2009.
In the National Museum of Visual arts website: http://m.mnav.gub.uy/cms.php?a=319

"Hombre / Man"
Óleo diluido sobre papel pegado en cartón / diluted oil on paper glued on cardboard , 64 x 50 cm.


Alceu Ribeiro

Alceu Ribeiro, Canelones, Uruguay, 1976 © Panta Astiazarán

Alceu Ribeiro fue un pintor, escultor y muralista uruguayo nacido en 1919 en el departamento de Artigas.
En 1939, gracias a una beca, él y su hermano Edgardo se trasladan a Montevideo y comienzan sus estudios con el Maestro Joaquín Torres García. Con él Alceu adquiere oficio, concepto y cultura teórica. Los estudios en el Taller Torres García se prolongan hasta 1949.
En 1974 se instaló definitivamente en Mallorca sin perder contacto con Uruguay.
En 2002 su mural en mosaico para el Sindicato Médico en Montevideo es declarado Monumento Histórico Nacional. En 2007 fue nombrado Ciudadano Ilustre de Montevideo. Murió en 2013.

"Bodegón con copón y tetera / Still Life With Large Cup and Teapot", óleo sobre tela / oil on canvas, 43 x 60 cm.

Alceu Ribeiro was an Uruguayan painter, sculptor and muralist born in 1919 in the department of Artigas. 
In 1939 thanks to a grant he and his brother Edgardo move to Montevideo and begin his studies with the Master Joaquín Torres García, with him Alceu acquires craft concept and theoretical culture. Studies in the Torres García Workshop until 1949. 
In 1974 he settled in Mallorca without losing contact with Uruguay. 
In 2002 his mosaic mural in Montevideo for the Sindicato Médico was declared a National Historic Monument. In 2007 he was appointed honorary citizen of Montevideo. He died in 2013.

"Constructivo / Constructive", acrylic on canvas / acrílico sobre tela, 130 x 162 cm., 2005


Eduardo Amézaga

Eduardo Amézaga en su estudio / at his studio, Montevideo, 1976 © Panta Astiazarán

Pintor uruguayo de origen vasco, nacido en Montevideo en 1911.
Estudió en el Círculo de Bellas Artes y en la Escuela Industrial. Su obra se caracterizó por su predilección por los paisajes rurales, costeros y rincones urbanos. Representó además sucesos históricos del Uruguay, tales como La declaratoria de Florida, La Reforma Escolar de José Pedro Varela y Sesión de la Sala de Representantes de la Provincia Oriental. En 1947 obtuvo el Gran Premio del Salón Nacional con uno de sus autorretratos. Falleció en su ciudad natal en 1977. Una calle del barrio montevideano Cerrito de la Victoria lleva su nombre.

"Casona / Large House", óleo sobre fibra / oil on fiber panel, 38 x 45 cm.

Eduardo Amézaga was an Uruguayan painter of Basque origin, born in Montevideo in 1911. 
He studied at the Circulo de Bellas Artes and the Escuela Industrial. His work was characterized by his predilection for rural and coastal landscapes and urban corners. He also represented Uruguay historical events, such as The Declaration of Florida, The School Reform by José Pedro Varela and the Session and the House of Representatives of the Eastern Province. In 1947 he won the Grand Prize of the National Hall with one of his self-portraits. He died in his hometown in 1977. A street in Cerrito de la Victoria neighborhood, in Montevideo, was named after him.

"Paisaje con casona / Landscape With Large House", óleo sobre fibra / oil on fiber panel, 34 x 45 cm.

Adam Lister [Acuarelas a 8 bits]

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 Este post se complementa con este otro, con los originales de las obras reinterpretadas por Adam.
This post is complemented with this one, with the original works reinterpreted by Adam.

[Adam Lister (Las obras, Anexo / The Works, Annex)]
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Adam Lister


Adam Lister es un artista estadounidense nacido en Fairfax (Virginia) en 1978, que actualmente reside en Beacon (New York).
Obtuvo su Licenciatura en Artes Visuales en New York en 2003.
Según comenta en una entrevista al Huffington Post: «Habiéndome criado con videojuegos de Atari y la invención de la Nintendo en los '80, siempre he estado conectado con las representaciones de movimiento minimalistas, a modo de bloques, que se veían en los primitivos gráficos de aquellos juegos.»

"El beso / The Kiss", acuarela / watercolor, 8" x 8"

"Mona Lisa en el Louvre / Mona Lisa at the Louvre", acuarela / watercolor, 6" x "6

"Nighthaws", acuarela / watercolor, 4" x 8"

"Una tarde de domingo en la isla de / A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte"
Acuarela / watercolor, 9" x 12"

El resultado de la fusión del cubismo, los campos de color y la representación en 8 bits, ha dado lugar a estas singulares pinturas, en las cuales reconocemos de inmediato las referencias. La originalidad del trabajo se completa con el uso de un medio que no cabría esperar para estos menesteres; la acuarela.
Adam ha desarrollado una serie en la cual representa iconos de la cultura popular, escenas de películas clásicas y obras de artistas célebres.

"La venta de El Grito / The Selling of The Scream", acuarela / watercolor, 6" x 8"

Izq./ Left: "Dora Maar con gato / Dora Maar au Chat", acuarela / watercolor, 4" x 6"
Der./ Right: "Chica en una silla / Girl on Chair", acuarela / watercolor, 5" x 7"

"El hijo del hombre / The Son of Man", acuarela / watercolor, 9" x 12"

"La última cena / The Last Supper", acuarela / watercolor, 4" x 8"

«Comienzo con dibujos a lápiz, haciendo bloques con algunos de los componentes mayores de mi composición. Luego veo de construir el boceto inicial a través de una descripción estrictamente angular y geométrica del sujeto, utilizando sólo líneas verticales y horizontales. Un círculo se vuelve un cuadrado, una diagonal se convierte en una escalera, y la traslación de la idea original es reorganizada a través de un lenguaje visual inspirado en 8 bits. Creo que las cualidades sutiles y transparentes de la pintura a la acuarela sobre papel pesado de prensa en frío, presentan un bonito contraste dada la rígida estructura de cada pintura.»

"Estatua de David / Statue of David", acuarela / watercolor, 6" x 8"

"La boda de los Arnolfini / The Arnolfini Wedding", acuarela / watercolor, 6" x 8"

Adam Lister is an American artist born in Fairfax (Virginia) in 1978, currently residing in Beacon (New York). 
He earned his Bachelor of Visual Arts in New York in 2003. 
According to comments in an interview with Huffington Post:
"Having grown up with Atari video games and the invention of Nintendo in the 1980's, I always connected with the minimal, block-like depictions of movement, seen in the primitive graphics of these games. To me it defined a visual world of escape and a more basic existence."

"La noche estrellada / The Starry Night", acuarela / watercolor, 8" x 10"
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"El Padrino / The Godfather", acuarela / watercolor

"Batman y / and Robin", acuarela / watercolor, 7" x 10"

"Forrest Gump", acuarela / watercolor, 4,5" x 6"

The result of the fusion of cubism, color fields and representation in 8 bits, has resulted in these unique paintings, in which we immediately recognize the references. The originality of the work is completed by the use of a medium that would not be expected for these purposes; watercolor.
Adam has developed a series representing the icons of popular culture, scenes from classic movies and artworks by famous artists.

"Star Wars"
Izq./ Left: Yoda / Der./ Right: Darth Vader, acuarela / watercolor,  6" x 6"

"Star Wars"
Izq./ Left: Chewbacca, Han Solo / Der./ Right: R2D2, acuarela / watercolor,  6" x 6"

Izq./ Left, "Superman", acuarela / watercolor, 7" x 8"
Der./ Right: "Ironbat", acuarela / watercolor, 8" x 8"

"I start with a pencil drawing, blocking in a few of the bigger components of my composition. Then I look to build the initial sketch into a strictly angular and geometric description of the subject, using only vertical and horizontal lines. A circle becomes a square, a diagonal becomes a staircase, and the translation of the original idea is rearranged through an 8-Bit inspired visual language. I find that the transparent and subtle qualities of watercolor paint on heavyweight cold press paper present a nice contrast to the rigid structure of the each picture."

"HulkHulk", acuarela / watercolor, 4" x 4"

"Kirk y / and Spock", acuarela / watercolor, 5" x 6"
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8 bit / 3D

Adam también realiza versiones en 3D de sus pinturas / Adam also creates 3D versions of his paintings

"Gótico estadounidense / American Gothic"
Izq./ Left: acuarela / watercolor - Der./ Right: arenisca en 3D / 3D sandstone, 6,5 x 0,5 x 8,1 cm.

La pintura más famosa de los Estados Unidos y una de las obras de arte más discutidas (y parodiadas) en 8 bits y 3 dimensiones.
Esta pieza comienza como una impresión de una acuarela pintada a mano. Luego es digitalizada y modelada a mano en una escultura tridimensional. Cada pieza se manufactura en pequeños lotes, en una maravillosa y colorida arenisca.

"Gótico estadounidense / American Gothic", 6,5 x 0,5 x 8,1 cm.

America's most famous painting and one of the world's most discussed (and parodied) works of art, crafted in 8 bits and 3 dimensions.
This piece began as a hand-painted, watercolor print. It was then digitized and modeled by hand into a three-dimensional sculpture. Each piece is small-batch manufactured in gorgeous, full-color sandstone.
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La información está tomada del sitio web del artista, y de comentarios recogidos en un artículo de Huffington Post (Feb. 2014) que puede leerse completo (en inglés) aquí.

Information from artist's website and comments published in a Huffington Post article (Feb. 2014) you can fully read here.

Se puede disfrutar de más obras de Adam en / You can enjoy more artworks by Adam in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Adam!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Adam!)

Y gracias otra vez a Mafa Alborés, que siempre anda rebuscando por ahí y descubrió esto.
And thanks again to Mafa Albores, who is always rummaging around and found this.

Adam Lister [Las obras, Anexo / The Works, Annex]

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Este post complementa el anterior publicado sobre Adam Lister. Aquí les dejo las obras originales que el artista recreó en sus versiones 8 bits a la acuarela.

This post complements the previous one published on Adam Lister. Here you leave the original works that the artist recreated in his watercolor 8 bit versions..

[Adam Lister (Acuarelas a 8 bits)]
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Gustav Klimt

"Der Kuß / El beso / The Kiss", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 180 x 180 cm., 1907-08. 
Österreichische Galerie Belvedere (Viena, Austria)

Más sobre esta obra / More about this work:

Más sobre Klimt en "El Hurgador" / More about Klimt in this blog:
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Leonardo da Vinci

"La Joconde / La Gioconda / The Mona Lisa"
Óleo sobre madera de álamo / oil on poplar wood, 77 x 53 cm., 1503-06. 
Musée du Louvre (Paris, Francia / France)

Mi propia experiencia: selfie with Esther y la Mona Lisa en el Louvre... / 
My own experience: selfie with Esther and Mona Lisa at Louvre...


Más sobre esta obra / More about this work:

"L'ultima cena / La última cena / The Last Supper", 
Temple y óleo sobre yeso / tempera on gesso, pitch and mastic, 460 x 880 cm., 1495-97. 
Santa Maria delle Grazie (Milán, Italia / Italy)

Más sobre esta obra / More about this work:

Más sobre Leonardo da Vinci en "El Hurgador" / More about Leonardo da Vinci in this blog:
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Edward Hopper

"Noctámbulos / Nighthawks", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 84,1 x 152,4 cm., 1942. 
The Art Institute of Chicago (Estados Unidos / USA)

Más sobre esta obra / More about this work:

Más sobre Hopper en "El Hurgador" / More about Hopper in this blog:
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Georges Pierre Seurat

"Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte / Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte / 
A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 207,5 × 308,1 cm., 1884-86. 
The Art Institute of Chicago (Estados Unidos / USA)

Más sobre esta obra / More about this work:

Georges-Pierre Seurat fue un dibujante y pintor post-impresionista francés nacido en 1959.
Destacado por su innovador uso del dibujo y por desarrollar la técnica de pintura conocida como puntillismo. Su obra "Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte" alteró la dirección del arte moderno al dar inicio al neo-impresionismo. Es uno de los iconos de la pintura del s.XIX.
Más información en Wiki.

Georges-Pierre Seurat was a French Post-Impressionist painter and draftsman.
He is noted for his innovative use of drawing media and for devising the technique of painting known as pointillism. His large-scale work A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte altered the direction of modern art by initiating Neo-impressionism. It is one of the icons of late 19th-century painting.
More info in Wiki.
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Edward Munch

"El Grito / The Scream (or The Cry)"
Caseína/cera, pastel y témpera sobre cartón / casein/waxed crayon and tempera on paper (cardboard)
91 x 73.5 cm., 1893. Nasjonalgalleriet / Galería Nacional (Oslo, Noruega / Norway)

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Más sobre Munch en "El Hurgador" / More about Munch in this blog:
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Pablo Picasso

"Dora Maar au chat / con un gato / with Cat", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 128,3 × 95,3 cm., 1941.
Colección privada / Private Collection.

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"Chica en una silla / Girl in Chair", litografía / lithography, 1952
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René Magritte

"El hijo del hombre / Son of Man"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 116 x 89 cm., 1964. Colección privada / Private Collection.

Más sobre Magritte en "El Hurgador" / More about Magritte in this blog:
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Miguel Ángel (Michelangelo Buonarroti)

"David", mármol blanco / white marble, altura / h. 5,17 cm., 1501-04. 
Galería de la Academia (Florencia, Italia / Firenze, Italy)

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Vincent Van Gogh

"La noche estrellada / Starry Night", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73,7 × 92,1 cm., 1889. 
Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) (New York, Estados Unidos / USA)

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Travis Bedel (Bedelgeuse) [Collages anatómicos / Anatomical Collages]

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Estupendos los collages anatómicos de Travis Bedel (Bedelgeuse). Composiciones creativas y coloridas en las que nuestra naturaleza más intrínseca se amalgama con la naturaleza que nos rodea. Utilizando técnicas mixtas, los animales y plantas se entrelazan con elementos anatómicos, conformando complicados puzzles orgánicos. 

Amazing anatomical collages by Travis Bedel aka Bedelgeuse. Creative and colorful compositions in which our most intrinsic nature amalgamates with nature around us. Using mixed media, animals and plants are intertwined with anatomical elements, forming organic complex puzzles.
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Travis Bedel, "Bedelgeuse"


Travis Bedel es un artista estadounidense que ha vivido la mayor parte de su vida en Arizona. 
Asistió a una escuela de arte, pero lo dejó pronto al darse cuenta de que ya había perfilado su propio estilo. 
«Comencé con collages de papel recortado sólo en blanco y negro, y seguí con el papel recortado hasta que encontré algunas ilustraciones de muy alta calidad escaneadas de libros antiguos. Recientemente comencé a hacer más collages digitales a color. También estoy trabajando en collages de papel en 3D para una próxima muestra.»
Travis también se mueve en el mundo de la música como productor bajo varios alias, aunque ultimamente ocupa la mayor parte de su tiempo trabajando en artes visuales.

"Crecer / Grow", collage anatómico / anatomical collage

"Colpaso inconsciente / Consciousness Collapse", collage anatómico / anatomical collage

«Encuentro el cuerpo humano hermoso y misterioso. Me fascina lo que la gente puede hacer con sus cuerpos y cómo, si cuidas tu propio cuerpo, la recompensa puede ser mucho mayor de lo que imaginas. Creo que mucho del auto-cuidado tiene lugar mental y físicamente cuando comes bien y te mantienes activo.»

"Serpentario / Serpens", collage anatómico / anatomical collage

"Vemos lo que queremos / We See What we Want", collage anatómico / anatomical collage

«A veces los recortes son reescaneados para utilizarlos en el trabajo digital. Cuando hago algo estrictamente digital, tomo las imágenes a utilizar y elimino los fondos. A partir de ahí puedo jugar con los tamaños, copiar y pegar los elementos que quiero repetir.»

"Ahora y entonces / Now & Then"

"No hablado / Unspoken", collage anatómico / anatomical collage

"Adore", collage anatómico / anatomical collage

«Las imágenes son hoy en día tan descartables como el papel higiénico, pero independientemente de ello, los medios sociales han tenido un valor inestimable en hacer que mi obra alcanzara a una audiencia más amplia. Creo que mucha gente puede pasar por cientos de fotos online en un día determinado, pero siempre se detenrá y mirará cuando algo impacta.»

"Fuerte", collage anatómico / anatomical collage

"Bienestar / Wellness", collage anatómico / anatomical collage 

Travis Bedel is an American artist. He lived in Pheonix, Arizona for most of his life. 
He attended art school, but dropped out after realizing that he had already honed his own style.
“I started with only black and white cut paper collages, and stayed with cut paper until I sourced some very high quality color illustrations from old book scans. I started to do more digital color collages recently. I am also working on 3D paper collages as well for an upcoming show.”
Travis also moves in the world of music as a producer under several aliases, although lately he spends most of his time working in visual arts.

"Sentimiento oscilante / Feeling Fluttery", collage anatómico / anatomical collage

"Incertidumbre / Uncertainty", collage anatómico / anatomical collage

“I find the body beautiful and mysterious. I am amazed and what people can do with their bodies and how if you take care of your own body, the rewards are much greater than imagined. I believe a lot of self-healing takes place mentally and physically when you eat clean and stay active.”

"Piscis Aries, La cúspide del renacimiento / Pisces Aries, The Cusp of Rebirth"
Collage anatómico / anatomical collage

"En la parte inferior / At the Bottom", collage anatómico / anatomical collage

"Esto es lo que se siente / This is What it Feels Like", collage anatómico / anatomical collage

“Sometimes cutouts are rescanned to use for digital work. When I’m strictly digital I take the images I’m using and remove the backgrounds. From there I can play around with sizing and copy and paste the elements I want to repeat.”

"Sólo respira / Just Breathe", collage anatómico / anatomical collage

"Anatomía del orgasmo femenino / Anatomy of a Female Orgasm", collage
Creado para el 30º / Created for the 30th Annual Exotic art Show

“Images nowadays are as disposable as toilet paper, but regardless, social media has been invaluable to get my work to a wider audience. I think a lot of people can scroll past hundreds of photos online on a given day, but will always still stop and look when something resonates.”

"Chakras", collage anatómico / anatomical collage

Los comentarios de Travis están tomados de una entrevista publicada por The Microscopic Giant, que puede leerse completa (en inglés) aquí.
Travis comments from an interview published by The Microscopic Giant you can fully read here.

Se puede disfrutar de la obra de Travis en / You can enjoy Travis' work in

Si te gustó el trabajo de Travis, puede gustarte / If you liked Travis work, you may also like:

Matthew Cusick: [Matthew Cusick (Collage)]
Robert Hardgrave: [Robert Hardgrave (Pintura, collage)]
Fabien Mérelle: [Fabien Mérelle (Dibujo)], [Rinocerontes (XLIV)]
Randy Mora: [Randy Mora (Collage)]
Michael Reedy: [Michael Reedy (Pintura)]
Tenzing Rigdol: [Tenzing Rigdol (Pintura, Collage)]

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Travis)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Travis!)

Agradezco también a The Microscopic Giant por su autorización para traducir y publicar partes de su entrevista a Travis (¡Gracias Tracy!)
Thanks also to The Microscopic Giant for their permission to translate and publish excerpts of the interview with Travis (Thanks Tracy!)

Aniversarios (XV) [Mayo / May 4-10]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 4 de Mayo es el cumple de

Zsuzsa Máthé, artista húngara nacida en Budapest en 1964. A sus 18 años abrió su primera exposición titulada "La primera exposición de Transrealismo". A los 21 ya había visitado la mayoría de los países de Europa, desde la Rusia comunista hasta el Reino Unido, donde obtuvo calificaciones que le permitieron abrir el primer instituto privado de Inglés en Budapest. 
Su arte se ha exhibido extensamente en Hungría y otros países. Se la considera a menudo como una precursora de la subcultura gótica, tan popular éstos días.

"Wo bist du? / ¿Dónde estás? / Where are you?", 1987

Más sobre Zsuzsa Máthé en "El Hurgador" / More about Zsuzsa Máthé in this blog:
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Bernhard Hoetger, escultor, pintor y artesano alemán del movimiento expresionista, nacido en 1874.
Hijo de un herrero de Dortmund, estudió escultura en Detmold de 1888 a 1892, antes de dirigir un taller en Rheda-Wiedenbrück. Después de una temporada en la Academia de Artes de Düsseldorf, realizó un viaje a París, donde fue influido por Auguste Rodin, y conoció a Paula Modersohn-Becker. Más tarde se familiarizó con Antoni Gaudí. En 1911 fue llamado a la colonia artística de Darmstadt, donde permaneció por algún tiempo.
En 1914, inspirado por Modersohn-Becker, se instaló en la colonia de Worpswede. Fue aquí donde se reunió con Ludwig Roselius, con quien haría su obra maestra, la Böttcherstraße de Bremen, en un estilo expresionista. Al igual que Roselius, Hoetger simpatizaba con el ideal nazi y se convirtió en miembro del partido, aunque en 1936 Hitler lo declaró como artista degenerado. Expulsado del partido, se instaló en Suiza, donde murió en 1949.

"Schlaf / Sueño / Sleep", relieve / relief. Mathildenhoehe, Darmstadt, Hessen (Alemania / Germany). 
Foto / Photo: mellis doppelleben (Panoramio)


El 5 de Mayo es el cumple de

Fabian Cueto de la Rosa, pintor filipino nacido en 1986 en Paco (Manila), considerado como un "maestro de género" en el arte de su país.
Recibió sus primeras instrucciones en pintura de su tía, y estudió en la Escuela de Bellas Artes y Dibujo, aunque sólo durante 3 años. Posteriormente estudió en Europa, en la Acedémie Julian de París, Francia.
Se cree que pintó alrededor de 1000 cuadros y su obra se divide generalmente en tres períodos: uno académico sin importancia a la atmósfera y el ambiente, otro en el cual el entorno se podía sentir con fuerza y otro en el cual juega con el color.
Murió en 1937.

"Mujeres trabajando en un arrozal / Women Working in a Rice Field", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1902.
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Viktor Harmann (Ви́ктор Александро́вич Га́ртман), arquitecto y pintor ruso nacido en 1834.
Estuvo asociado con la Colonia Abramtsevo, adquirida y preservada desde 1870 por Savva Mamontov, y con el Revival Ruso.
Estudió en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y al principio se dedicó a ilustrar libros.
También trabajó como arquitecto y realizó, entre otras cosas, los bocetos para el aniversario del milenio ruso en Novgorod, que se inauguró en 1862. Realizó la mayoría de sus acuarelas y dibujos en sus viajes al extranjero en los años 1864-68. Junto con Ivan Ropet, Hartmann fue uno de los primeros artistas que incluyeron motivos tradicionales rusos en su obra.
Desde que Vladimir Stasov lo introdujo en el círculo de Mily Balakirev en 1870, se hizo amigo íntimo del compositor Modesto Mussorgsky. Tras la temprana muerte de Hartmann por un aneurisma a los 39 años, una exposición de unas 400 pinturas suyas se presentó en la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, en febrero y marzo de 1874. Fue lo que inspiró a Mussorgsky a componer su suite "Cuadros de una exposición". La mayoría de las obras de esta muestra se han perdido.

"Las catacumbas de París / Paris Catacombs", acuarela / watercolor, 12,9 x 17 cm. 
State Russian Museum (San Petersburgo / St. Petersbourg, Rusia)


El 6 de Mayo es el cumple de

Néstor Basterretxea Arzadun, escultor, pintor y director de cine español nacido en 1924 en Bermeo (Vizcaya).
Exiliado en Francia desde 1936 debido a la actividad política de su padre, residió en Casablanca (por entonces protectorado francés) y luego en Argentina.
Tras trabajar en el terreno del dibujo publicitario en Argentina y realizar algunas exposiciones regresa a España en 1952.
Fue Consejero de Cultura del Gobierno Vasco durante dos años (gobernando el PNV) en la década de los años 80. Ha sido artista fundador de dos grupos artísticos relevantes en España: en 1957 del Equipo 57, junto a Juan Cuenca, Agustín Ibarrola, Jorge Oteiza y otros, y en el año 1966 el grupo Gaur, junto a Eduardo Chillida, Oteiza, y otros más.

Iglesia de San Juan, Ayuntamiento del siglo XIX y escultura Leioako Indarra ("La fuerza de Leioa") /
St. John Church, 19th Century Town Hall and sculpture Leioako Indarra ("The Strenght of Leioa")
Lejoa, Vizcaya [Leioa, Bizkaia] (España / Spain)
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Ernst Ludwig Kirchner, pintor y grabador expresionista alemán nacido en 1880, uno de los fundadores del grupo de artistas "Die Brücke / El Puente", un colectivo clave que condujo a la fundación del expresionismo en el arte del s.XX.
Aunque los padres de Kirchner animaron su carrera artística, también quisieron que completara su educación formal, así que en 1901 comenzó a estudiar arquitectura en la Königliche Technische Hochschule (Real Universidad Técnica) de Dresde.
Se presentó como voluntario para el ejército en la Primera Guerra Mundial, pero pronto sufrió un colapso y fue relevado. En 1933, su obra fue etiquetada como "degenerada" por los Nazis, y en 1937 alrededor de 600 de sus obras fueron vendidas o destruidas. En 1938 se suicidó de un disparo.

"Fränzi vor geschnitztem Stuhl / Franzi frente a una silla tallada / Fränzi in front of Carved Chair"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71 x 49,5 cm., 1910.
Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)


El 7 de Mayo es el cumple de

Rafael Argelés Escriche, pintor español nacido en Algeciras in 1894.
En Madrid estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando donde tuvo como maestros a Cecilio Plá y a Muñoz Degrain y donde muy pronto comienza a destacar. En 1912 ganó la medalla honorífica en la Exposición Nacional de Bellas Artes. Becado en Italia, permaneció en Roma hasta 1919.
Viajó a Brasil en 1930 donde realizó sendas exposiciones en São Paulo y Río de Janeiro, a Uruguay y a Argentina donde contrajo matrimonio en 1934.
Tras su regreso a España continúan los reconocimientos ganando varias medallas, pero el inicio de la Guerra Civil le obliga a huir a la Argentina desde donde no regresaría hasta los últimos años de la dictadura de Franco. Murió en Buenos Aires en 1979.

"Desnudo / Nude", óleo sobre lienzo / oil on canvas
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Jordi Bonet i Godó, pintor, ceramista, muralista y escultor canadiense nacido en Barcelona, España, en 1932. Trabajó principalmente en Quebec.
Perdió su brazo derecho a los 9 años. Su niñez estuvo marcada por la Guerra Civil Española. Estudió arte en Barcelona, y comenzó a trabajar en pintura y cerámica antes de expandir sus horizontes hacia la inclusión de metal y relieves de hormigón.
Emigró a Canadá en 1954, estableciéndose en Quebec donde continuó sus estudios. Tras un breve retorno a España, estableció su taller en Mont-Saint-Hilaire en 1960. Durante los siguientes 20 años creó más de 100 obras en Quebec y el extranjero, y se asoció con grandes figuras del arte tales como Salvador Dalí.
Se interesó especialmente en el arte sacro, creando obras y objeto litúrgicos para iglesias y conventos en Quebec, Ontario y otros lugares.
Era uno de los mayores artistas de Quebec cuando murió de leucemia a los 47 años.

"El fin de los tiempos / The End of Time", arcilla cocida / fired clay, 657,7 x 934,7 cm, 1966-68.
Colección de arte del Gobierno de Ontario / Government of Ontario Art Collection


El 8 de Mayo es el cumple de

Bertalan Székely, pintor romántico húngaro nacido en 1835, especializado en temas históricos y murales. 
Sus obras más importantes son "El descubrimiento del cadáver de Luis II", "La mujer de Eger", "La batalla de Mohács" y "Ladislao V". 
Nacido en una familia de la nobleza húngara, estudió en la Academia de Bellas Artes de Viena, con Johann Nepomuk Geiger y Carl Rahl desde 1851 a 1855 , y luego regresó a Transilvania donde enseñó pintura. Representó en sus obras los períodos más tumultuosos de la historia húngara, invitando a sus contemporáneos a cuestionarse el glorioso pasado y el futuro de la nación. Dejó también una obra literaria significativa. Murió en 1910.

"El ataque de Zrinyi desde la Fortaleza de Szigetvár / Zrinyi's Charge from the Fortress of Szigetvár"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 353 cm., 1879-1885. Museo Déri (Debrecen, Hungría / Hungary)
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Sir Nathaniel Dance-Holland, notable pintor inglés de retratos y más tarde político, nacido en 1735.
Tercer hijo del arquitecto George Dance el Viejo, Dance (quien más tarde añadió el sufijo "Holland"), estudió arte con Francis Hayman, y como muchos de sus contemporáneos también estudió en Italia. Allí conoció a Angelica Kauffman y pintó varias obras históricas y clásicas.
A su retorno a Inglaterra, se convirtió en un retratista exitoso. Con Hayman y su hermano arquitecto George Dance el Jóven, fue uno de los miembros fundadores de la Royal Academy en 1768.
Se le encargó pintar al rey Jorge III y a su reina, además del Capitán Cook y el actor David Garrick.
En 1790, dejó su carrera artística y se convirtió en miembro del Parlamento por East Grinstead en Sussex.
Murió en 1811.

"Nathaniel Dance (Autorretrato / Self-portrait), óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73,7 x 61 cm., c.1773.
National Portrait Gallery (Londres, Inglaterra / London, England)


El 9 de Mayo es el cumple de

Ralph Goings, pintor estadounidense nacido en 1928 en California, estrechamente asociado con el movimiento fotorrealista de fines de los '60 y principios de los '70. Es reconocido por sus extremadamente detalladas pinturas de hamburguesas, camiones y bancos retratados de una manera deliberadamente objetiva.
Comenzó a pintar animado por su tío, que le regaló libros y material educativo. En los años posteriores a la Gran Depresión, debido a la escasez de materiales, pintaba sobre viejas sábanas usadas a falta de lienzo. Estudió en Oakland junto a otros maestros del fotorrealismo como Robert Bechtle y Richard Mclean. Recibió un Master en Bellas Artes por el Sacramento State College en 1965. Su trabajo está presente en varios museos y destacadas galerías de arte.

"Paul's Corner Cushion", 48 x 68, óleo / oil, 1970

Más sobre Ralph Goings en "El Hurgador" / More about Ralph Goings in this blog:
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Dis Berlín (Mariano Carrera), es un pintor español nacido en Ciria, provincia de Zaragoza, en 1959
Se trasladó a Madrid para comenzar una carrera en Ciencias de la Información, pero lo abandonó para dedicarse al arte.
Desde su primera exposición individual en 1982, se ha dedicado por completo a su arte, principalmente pintura, aunque también ha trabajado en escultura, collage, grabado y otros campos artísticos. Es un artista autodidacta que admira a los grandes maestros de la pintura, desde las obras de Pompeya hasta maestros del siglo XX como Klee, de Chirico, Picabia, Meret Oppenheim y Polke, entre otros. La literatura el cine y la música, como compañeros cotidianos en su vida, son también fuentes de inspiración en su mundo artístico. Dis Berlin es conocido principalmente por sus pinturas figurativas, pero retorna periódicamente a la abstracción, tanto en pintura como en escultura.
Sitio web del artista: http://disberlin.com/

"Circuito Homo Sapiens IV / Homo Sapiens Circuit IV"


Hoy, 10 de Mayo, es el cumple de

Mahmoud Mokhtar (محمود مختار), escultor egipcio nacido en 1891 en Nesha, considerado el padre de la escultura moderna egipcia. Se trasladó en 1908 a El Cairo donde fue alumno de la de la recién inaugurada Escuela de Bellas Artes del príncipe Youssef Kamal. En 1914 recibió una beca para estudiar en la Ecole des Beaux-Arts de París. Fue influido por las obras de Rodin, por el que sentiría admiración y afecto durante toda su vida y allí en París visitó al jefe del Movimiento de Liberación Nacional, Saad Zaghloul quien le sirvió de inspiración para crear un monumento en el que incorporar la idea de esfuerzo y lucha por la independencia de Egipto (que vemos aquí) que sería su obra más famosa y en la que trabajó durante más de 10 años. Murió en 1934.

"Renacimiento de Egipto / Renaissance of Egypt Nahdit Misr", 1919-1928
Junto al puente de la Universidad de El Cairo / close to the bridge of Cairo University.
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Léon Samoilovitch Bakst (Лео́н Никола́евич Бакст), pintor escenógrafo y diseñador de vestuarios ruso, nacido en 1866.
A los 12 años ganó un concurso de dibujo y decidió convertirse en pintor. Tras graduarse en el gymnasium, estudió en la Academia de Artes de San Petersburgo. A principios de la década de 1890, exhibió sus trabajos con la sociedad de acuarelistas. Desde 1893 a 1897 vivió en París, donde estudió en la Académie Julian, aunque a menudo visitaba San Petersburgo. 
Durante la Revolución Rusa de 1905, Bakst trabajó para las revistas, Zhupel, Adskaja Pochta, y Satyricon, y luego para una revista de arte llamada Apollon.
A partir de 1909, Bakst trabajó principalmente como escenógrafo, diseñando escenarios para tragedias griegas y, en 1908, se hizo un nombre trabajando para Diaghilev con los Ballets Rusos. Murió en 1924.

"Diseño de vestido para una bacante en 'Narciso', de Tcherepnin /
Costume design for a bacchante in 'Narcisse' by Tcherepnin"
Acuarela / watercolor, 22 x 28,5 cm., 1911. Colección Privada / Private Collection.


Textos en inglés / English translation

* On May 4 is the birthday of

Zsuzsa Máthé, Hungarian artist born in Budapest in 1964. At 18 she opened her first exhibition entitled "The first exhibition of Transrealism". At 21 she had already visited most of the countries of Europe from communist Russia to the United Kingdom, where she obtained qualifications that allowed she to open the first private English institute in Budapest. 
Her art has been widely exhibited in Hungary and other countries. She is often seen as a precursor of the Gothic subculture, so popular these days.

Bernhard Hoetger, German sculptor, painter and handicrafts artist of the Expressionist movement, born in 1874.
Hoetger was the son of a Dortmund blacksmith, he studied sculpture in Detmold from 1888 to 1892, before directing a workshop in Rheda-Wiedenbrück. After a spell at the Düsseldorf Arts Academy, he took a trip to Paris, where he was deeply influenced by Auguste Rodin, but also got to know Paula Modersohn-Becker. Later he was able to familiarise himself with Antoni Gaudí. In 1911, Hoetger was called up to the "artistic colony" of Darmstadt, where he was to remain for some time.
In 1914, inspired by Becker-Modersohn, he got to Worpswede. It was here where he met with Bremer's Ludwig Roselius, with whom he would go on to make his masterpiece, Bremen's Böttcherstraße, in an Expressionist style.
Like his patron Ludwig Roselius, Hoetger sympathised with the Nazi ideals and became a member of the Nazi Party. He tried, in vain, to instill himself through his art into the party, but in 1936 Hitler declared it to be degenerate art. Expelled from the party, he settled in Switzerland, where he died in 1949.

* On May 5 is the birthday of

Fabian Cueto de la Rosa, Filipino painter born in 1986 in Paco (Manila), regarded as a "master of genre" in the art of his country. 
He received his first instruction in painting from his aunt, and studied at the School of Fine Art and Drawing, but only for 3 years. Later he studied in Europe, Academie Julian in Paris, France. 
It is believed that he painted about 1000 paintings and his work is usually divided into three periods: Academics unimportant to the atmosphere and environment, one in which the environment could feel hard and another in which playing with color. 
He died in 1937.

Viktor Harmann (Ви́ктор Александро́вич Га́ртман), Russian architect and painter born in 1834.
He was associated with the Abramtsevo Colony, purchased and preserved beginning in 1870 by Savva Mamontov, and the Russian Revival.
He studied at the Academy of Fine Arts in St Petersburg and at first started working by illustrating books.
He also worked as an architect and sketched, among other things, the monument to the thousandth anniversary of Russia in Novgorod, which was inaugurated in 1862. He made most of his water colors and pencil drawings on journeys abroad in the years 1864 to 1868. Together with Ivan Ropet, Hartmann was one of the first artists to include traditional Russian motifs in his work.
Since Vladimir Stasov had introduced him to the circle of Mily Balakirev in 1870, he had been a close friend of the composer Modest Mussorgsky. Following Hartmann's early death from an aneurysm at the age of only 39, an exhibition of over 400 of his paintings was displayed in the Academy of Fine Arts in St Petersburg, in February and March 1874. This inspired Mussorgsky to compose his suite Pictures at an Exhibition. Most of the works shown at the 1874 exhibition are now lost.

* On May 6 is the birthday of

Néstor Basterretxea Arzadun, Spanish sculptor, painter and film director born in 1924 in Bermeo (Vizcaya). 
Exiled in France since 1936 due to his father's political activity, lived in Casablanca (then French protectorate) and then in Argentina. 
After working in the field of commercial art in Argentina and perform some shows back to Spain in 1952. 
Was Minister of Culture of the Basque Government for two years (ruling the PNV National Basque Party) in the early 80's. He was founder artist of two important artistic groups in Spain. In 1957 the Team 57, alongside Juan Cuenca, Agustín Ibarrola, Jorge Oteiza and others, and in 1966 the Gaur group with Eduardo Chillida, Oteiza, and more.

Ernst Ludwig Kirchner, German expressionist painter and printmaker born in 1880, one of the founders of the artists group Die Brücke or "The Bridge", a key group leading to the foundation of Expressionism in 20th-century art. 
Although Kirchner's parents encouraged his artistic career they also wanted him to complete his formal education so in 1901, he began studying architecture at the Königliche Technische Hochschule (royal technical university) of Dresden.
He volunteered for army service in the First World War, but soon suffered a breakdown and was discharged. In 1933, his work was branded as "degenerate" by the Nazis and in 1937 over 600 of his works were sold or destroyed. In 1938 he committed suicide by gunshot.

* On May 7 is the birthday of

Rafael Argelés Escriche, Spanish painter born in Algeciras in 1894.
In Madrid he studied at the School of Fine Arts of San Fernando with Masters as Cecilio Pla and Muñoz Degrain. Soon he begins to stand out. In 1912 he won the honorary medal at the National Exhibition of Fine Arts. With a scholarship in Italy, he remained in Rome until 1919. 
He traveled to Brazil in 1930 where he performed two exhibitions in São Paulo and Rio de Janeiro, then to Uruguay and Argentina where he married in 1934. 
After his return to Spain surveys continue winning several medals, but the start of the Civil War forced him to flee to Argentina where not return until the last years of the Franco dictatorship. He died in Buenos Aires in 1979. 

Jordi Bonet i Godó, Catalan-born (1932) Canadian painter, ceramist, muralist, and sculptor who worked principally in Quebec.
He lost his right arm at the age of 9. His childhood would be marked by the Spanish Civil War. He studied art in Barcelona. He began working in paint and ceramic before expanding his focus to include metal and concrete reliefs.
He emigrated to Canada in 1954, establishing himself in Quebec, where he continued his studies. After briefly returning to Spain, he established an atelier in Mont-Saint-Hilaire in 1960. Over the next 20 years, he created more than 100 works in Quebec and abroad, and associated with major art figures such as Salvador Dalí.
He was particularly interested in sacred works, creating artworks and liturgical objects for churches and convents in Quebec, Ontario, and elsewhere. 
He was one of Quebec's major artists when he died of leukemia at the age of 47.

* On May 8 is the birthday of

Bertalan Székely, Hungarian Romantic painter born in 1835, specializing in historical subjects and murals. 
His most important works are "The discovery of the body of Ludwig II", "Women of Eger", "Battle of Mohács" and "Ladislas V". 
Born into a family of Hungarian nobility, studied at the Academy of Fine Arts in Vienna, with Johann Nepomuk Geiger and Carl Rahl from 1851-1855, then returned to Transylvania where he taught painting. He represented in his works the most tumultuous periods of Hungarian history, inviting his contemporaries to question the glorious past and the future of the nation. Also left a significant literary work. He died in 1910.

Sir Nathaniel Dance-Holland, 1st Baronet RA, notable English portrait painter and later a politician born in 1735.
The third son of architect George Dance the Elder, Dance (he added the 'Holland' suffix later in life) studied art under Francis Hayman, and like many contemporaries also studied in Italy. There he met Angelica Kauffman, and painted several historic and classical paintings.
On his return to England, he became a successful portrait painter. With Hayman and his architect brother George Dance the Younger, he was one of the founder members of the Royal Academy in 1768.
He was commissioned to paint King George III and his queen, plus Captain James Cook and actor David Garrick.
In 1790, he gave up his artistic career and became Member of Parliament for East Grinstead in Sussex.
He died in 1811.

* On May 9 is the birthday of

Ralph Goings, American painter born in 1928 in California, closely associated with photo-realistic movement of the late '60s and early '70s. He is known for his extremely detailed paintings of hamburgers, trucks and banks portrayed in a deliberately objective manner. 
He began to paint encouraged by his uncle, who gave him books and educational material. In the years following the Great Depression, due to scarcity of materials, painted on old blankets used in the absence of canvas. He attended Oakland with other masters of Photorealism like Robert Bechtle and Richard Mclean. Received a Master of Fine Arts from the Sacramento State College in 1965. His work is present in several prominent museums and art galleries.

Dis Berlín (Mariano Carrera), is an Spanish painter born in Ciria province of Soria, in 1959.
He moved to Madrid to pursue a career in Information Science, but left to devote himself to fine arts.
Since his first individual exhibit in 1982, he is fully dedicated to his art works, mainly painting, although he also has worked in sculpture, collage, engraving and other fields of art. He is a self-taught artist who admires the great masters of painting, from Pompeiian works to the 20th century masters such as Klee, de Chirico, Picabia, Meret Oppenheim and Polke among others. Literature, cinema and music, as daily companions of his life, are also important sources of inspiration in his artistic world. Dis Berlin is known mainly for his figurative paintings but he returns periodically to abstraction, both in painting and sculpture.
Artist's website: http://disberlin.com/

* Today, May 10, is the birthday of

Mahmoud Mokhtar (محمود مختار), Egyptian sculptor born in 1891 in Nesha, considered the father of modern Egyptian sculpture. He moved to Cairo in 1908 where he was a student at the newly opened School of Fine Arts of Prince Youssef Kamal. In 1914 he received a scholarship to study at the Ecole des Beaux-Arts in Paris. He was influenced by the works of Rodin laying feel admiration and affection throughout his whole life, and there in Paris visited the head of the National Liberation Movement, Saad Zaghloul who inspired him to create a monument which incorporate the idea of effort and struggle for the independence of Egypt (seen here) to be his most famous work. He worked on it for over 10 years. He died in 1934.

Léon Samoilovitch Bakst (Лео́н Никола́евич Бакст), Russian painter and scene and costume designer born in 1866. 
At the young age of twelve, Léon won a drawing contest and decided to become a painter. After graduating from gymnasium, he studied at the St. Petersburg Academy of Arts.
At the beginning of the 1890s he exhibited his works with the Society of Watercolourists. From 1893 to 1897 he lived in Paris, where he studied at the Académie Julian while still visiting Saint Petersburg often.
During the Russian Revolution of 1905, Bakst worked for the magazines, Zhupel, Adskaja Pochta, and Satyricon, then for an art magazine called Apollon.
Beginning in 1909, Bakst worked mostly as a stage-designer, designing sets for Greek tragedies, and, in 1908, he made a name for himself as a scene-painter for Diaghilev with the Ballets Russes. He died in 1924.

Aniversarios, Fotografía (XV) [Mayo / May 5-11]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 5 de Mayo es el cumple de

John William Draper, científico, filósofo, físico, químico, historiador y fotógrafo estadounidense nacido en Inglaterra en 1811. Se le acredita ser el primero en producir una fotografía clara de un rostro femenino (1839-40) y la primera fotografía detallada de la luna (1840). En 1843 hizo daguerrotipos donde se mostraban nuevas características de la luna en el espectro visible. 
Fue también el primer presidente de la Sociedad Estadounidense de Química (1876-77) y fundador de la Escuela de Medicina de la Universidad de New York. Uno de los libros de Draper, "Historia del conflicto entre la religión y la ciencia", tuvo gran difusión y fue traducido a varios idiomas. Su hijo, Henry Draper, y su nieta, Antonia Maury, fueron astrónomos. Su hijo mayor, John Christopher Draper, fue químico. Draper murió en 1882.

Reproducción de una fotografía de la luna tomada por el telescopio del Dr. Henry Draper, publicada en "Harper's Weekly", Marzo de 1864 / 
Fac-simile of a photograph of the moon, taken by Dr. Henry Draper's telescope, published in "Harper's Weekly" March, 1864


El 6 de Mayo es el cumple de

Patrizio Di Renzo, fotógrafo y director suizo nacido en 1971.
A los 16 años comenzó su formación como fotógrafo industrial. Luego viaja a París donde trabaja como asistente de Bruno Bisang durante dos años, y a continuación estuvo unos años trabajando como fotógrafo freelance.
A principios de los '90, Di Renzo dejó Italia para hacer sus primeras experiencias en el campo de la fotografía de modas. Entre otras, trabajó en Estambul para las revistas de moda Harper's Bazaar y Elle. En 2001, regresó a Suiza por un corto período de tiempo en el cual trabajó como fotógrafo de modas y publicitario. Pocos años después, su obra atrajo la atención del diseñador de modas Tsumori Chisato quien lo contrató para una campaña internacional.
En 2005 regresó a Suiza y abrió un estudio fotográfico en Baar.

Serie Veneno puro / Pure Poison Series


El 7 de Mayo es el cumple de

Diana Lui, artista franco-belga, fotógrafa y cineasta de origen chino nacida en 1968 en Malasia, conocida por sus retratos fotográficos de gran formato de la creciente generación híbrida de individuos multiculturales y multiétnicos.
Ha estado residiendo en París durante más de 10 años. Se graduó en el Art Center College de diseño en Pasadena, California, en 1992. Maestra en el uso de la cámara de 8×10 pulgadas, Diana Lui desarrolla los que ella llama "retratos íntimos/psicológicos/antropológicos de la actual generación híbrida de nuevos nómadas que han perdido sus raíces y orígenes debido al embate de la globalización", iniciados hace 20 años y aún en curso. Los retratos silenciosos de Lui muestran la urgencia existencial de la existencia de cada individuo a través del espacio u objetos que la/lo rodean, los gestos intrínsecos y las posiciones físicas del individuo dentro de su entorno.
Sitio web de la artista: http://www.99medusas.com/site.php

"Sin título-36 / Untitled-36", 1996
nacionalidad: malayo / perfil personal: musulmán
actividad: bailarín, escritor, comediante / lugar: en el bosque tropical de la colina Fraser, Malasia
nationality: Malay / personal profile: muslim
activity: dancer, writer, comedian / place: home in the tropical forest of Fraser's Hill, Malaysia


El 8 de Mayo es el cumple de

René Maltête, fotógrafo y poeta francés nacido en 1930.
Comenzó a tomar fotos a los 16 años; su primera cámara fue una Pontiac 6×9. En 1951 se trasladó a París para convertirse en asistente de dirección, y en 1952 comenzó a trabajar con Jacques Tati, Claude Barna y René Wheeler. Eran tiempos difíciles, y desde entonces hasta 1973 tuvo que hacer una gran variedad de trabajos de todo tipo para sobrevivir, además de ejercer su profesión.
En 1958 se incorporó a la agencia Rapho.
En 1960 se publicó su primer libro "París, calles y canciones", tras varios rechazos de posibles editores. Con textos de Jacques Prévert, Boris Vian, Georges Brassens, Charles Trenet y Pierre Mac Orlan, se publicaron tres ediciones, y se vendieron 35.000 copias. Luego siguieron otros.
Maltête murió en 2000.



El 9 de Mayo es el cumple de

Grete Stern, fotógrafa alemana (luego nacionalizada argentina) nacida en 1904.
Junto con su marido, fueron agentes activos en el proceso de modernización de las artes visuales en Argentina: como ejemplo, ella presentó la primera muestra de arte fotográfico en Buenos Aires, en 1935.
Comenzó a estudiar artes gráficas en la Kunstgewerbeschule, Stuttgart, entre 1923 y 1925, pero tras un breve período trabajando en ese campo, se sintió inspirada por los trabajos de Edward Weston y Paul Outerbridge y cambió su atención hacia la fotografía. Reinstalada en Berlín, tomó lecciones privadas de Walter Peterhans.
Intermitentemente, entre abril de 1930 y marzo de 1933, Stern continuó sus estudios con Peterhans en el taller de fotografía de la Bauhaus en Dessau, donde conoció al fotógrafo argentino Horacio Coppola. Stern viajó por primera vez a la Argentina en compañía de su flamante marido, y se quedó allí aún después de su divorcio en 1943.
Murió en 1999.

"Serie de los sueños: En el andén / Dreams Series: On the Platform", 1949


El 10 de Mayo es el cumple de

Richard Peter, fotógrafo de prensa y fotoperiodista alemán nacido en 1895, reconocido por sus fotografías de Dresde después de los bombardeos de la 2ª Guerra Mundial.
Nació en Silesia donde trabajó como herrero y minero mientras incursionaba en la fotografía. Fue reclutado para el ejército alemán en 1914 para servir en la 1ª Guerra Mundial. Tras la guerra se estableció en Halle y más tarde en Dresde. Se unió al movimiento obrero y el Partido Comunista de Alemania. Durante los años '20 y principios de los '30 publicó sus fotografías en varias publicaciones de izquierdas. Por esto fue rápidamente excluido del trabajo como fotógrafo de prensa cuando el partido Nazi llegó al poder en 1933. Durante el Tercer Reich trabajó en publicidad, antes de ser reclutado nuevamente para servir en la 2ª Guerra Mundial.
Peter regresó a Dresde en septiembre de 1945 y encontró la ciudad destruida después de los bombardeos de febrero de 1945. Su archivo personal y equipo habían sido completamente destruidos en los ataques. Con equipo prestado, comenzó a documentar los daños en la ciudad y los comienzos de la reconstrucción. Sus fotografías fueron publicadas en 1949 en un volumen titulado "Dresden, eine Kamera klagt an / Dresde, una acusación fotográfica" (ISBN 3-930195-03-8). Murió en 1977

"Blick vom Turm des Neuen Rathauses / Vista desde la torre del Ayuntamiento Nuevo / 
View from New City Council Tower", Dresde / Dresden
Después del 17 de septiembre / after September 17,  1945. Deutsche Fotothek


Hoy, 11 de Mayo, es el cumple de

Taco Anema, fotógrafo holandés nacido en 1950. Comenzó su carrera como fotógrafo trabajando en Holanda para periódicos y revistas como De Groene Amsterdammer, De Volkskrant, y NRC-Handelsblad. Recientemente se ha centrado más y más en el trabajo freelance y ha viajado por el mundo con proyectos que muestran la vida cotidiana a través de historias y realidades adaptadas. Anema divide su tiempo entre sus encargos y sus propios proyectos documentales. Aunque son dos mundos diferentes con sus propias dinámicas, ambos son importantes.
Su obra se muestra en varias galerías y museos en Holanda y el extranjero, y ha sido publicada en varios libros. Anema es autodidacta, sin ninguna educación formal en arte o fotografía.
Sitio web del artista: http://www.tacoanema.nl/

De la serie "Cien hogares holandeses" / From "A Hundred Dutch Households" series.


Textos en inglés / English translation

* On May 5 is the birthday of

John William Draper, American (English-born) scientist, philosopher, physician, chemist, historian and photographer born in 1811. He is credited with producing the first clear photograph of a female face (1839–40) and the first detailed photograph of the Moon (1840). In 1843 he made daguerreotypes which showed new features on the moon in the visible spectrum.
He was also the first president of the American Chemical Society (1876–77) and a founder of the New York University School of Medicine. One of Draper's books, History of the Conflict between Religion and Science, was widely read and was translated into several languages. His son, Henry Draper, and his granddaughter, Antonia Maury, were astronomers, and his eldest son, John Christopher Draper, was a chemist. Draper died in 1882.

* On May 6 is the birthday of

Patrizio Di Renzo, Swiss photographer and director, born in 1971.
At 16 he begins training as an industrial photographer. Then he travels to Paris where he works as an assistant to Bruno Bisang for two years, which is followed by a period of a few years working as a freelance photographer in Milan.
At the beginning of the nineties, Di Renzo leaves Italy to make first experiences in the field of fashion photography. Amongst others, he works in Istanbul for fashion magazines such as Harper’s Bazaar and Elle. In 2001, Di Renzo returns to Switzerland for a short time to work as an advertising and fashion photographer. A few years later, his work draws the attention of fashion designer Tsumori Chisato who commissions him for an international campaign. In 2005 he returns to Switzerland and opens a photo studio in Baar.

* On May 7 is the birthday of

Diana Lui, Franco-Belgian artist, photographer and filmmaker of Chinese origin born in 1968 in Malaysia, best known for her large format photographic portraits of today's growing hybrid generation of multicultural and multiethnic individuals.
She has been based in Paris for more than 10 years. She graduated from the Art Center College of Design in Pasadena, California in 1992. A master with the 8×10 inch view camera, Diana Lui develops long term photographic and artistic projects over several years. Intimate Portraits, what Lui calls "intimate/psychological/anthropological portraits on today’s hybrid generation of new nomads who have lost their roots and origins due to the onslaught of globalism" was initiated 20 years ago and continues to develop to this day. Lui’s silent portraits show the existential urgency of each individual’s existence through the space or objects surrounding him/her, the intrinsic gestures and physical positioning of the individual within his/her environment.

* On May 8 is the birthday of

René Maltête, French photographer and poet born in 1930.
He started taking pictures at 16; his first camera was a Pontiac 6×9. In 1951 he went to Paris to become an assistant director, and in 1952, he started working with Jacques Tati, Claude Barma and René Wheeler. Times were tough, and from this point until 1973 he would have to do a great variety of menial work to survive in addition to his profession.
Maltête wanted to be a film director but lacked a camera. In 1954 he bought a Semflex 6×6 still camera and started taking photographs seriously.
In 1958, he integrated the Rapho picture agency.
In 1960, his first book Paris des rues et des chansons was published, after many rejections by other prospective publishers. With text by Jacques Prévert, Boris Vian, Georges Brassens, Charles Trenet, and Pierre Mac Orlan, it came out in three editions, and 35,000 copies were sold. Other books would follow.
He died in 2000.

* On May 9 is the birthday of

Grete Stern, German (later nationalized Argentine) photographer born in 1904.
Along with her husband, they were active agents of modernization process of visual arts in Argentina: as an example, she presented the first exhibition of modern photographic art in Buenos Aires in 1935.
She began studying graphic arts in the Kunstgewerbeschule, Stuttgart, from 1923 to 1925, but after a short term working in the field she was inspired by the photography of Edward Weston and Paul Outerbridge to change her focus to photography. Relocating to Berlin, she took private lessons from Walter Peterhans.
Intermittently between April 1930 and March 1933, Stern continued her studies with Peterhans at the Bauhaus photography workshop in Dessau, where she met the Argentinian photographer Horacio Coppola. Stern first traveled to Argentina in the company of her new husband, and remaining even after she and Coppola divorced in 1943.
She died in 1999.

* On May 10 is the birthday of

Richard Peter, German press photographer and photojournalist born in 1895. He is best known for his photographs of Dresden just after the end of World War II.
He was born and raised in Silesia, working as a smith and a miner while dabbling in photography. He was drafted into the German army in 1914 to serve in World War I. After the war he settled in Halle and later in Dresden. He joined the labor movement and the Communist Party of Germany. During the 1920s and early 1930s he published his photographs in various left-wing publications. Because of this he was promptly barred from working as a press photographer when the Nazi Party rose to power in 1933. During the Third Reich he worked in advertising, before being drafted again to serve in World War II.
Peter returned to Dresden in September 1945 to find the city destroyed after the bombing of Dresden in February 1945. His personal archive and equipment had been completely destroyed in the raids. Starting over with borrowed equipment, he began to document the damage to the city and the beginnings of its reconstruction. His photographs were published in 1949 in a volume called Dresden, eine Kamera klagt an ("Dresden, a photographic accusation", ISBN 3-930195-03-8). He died in 1977.

* Today, May 11, is the birthday of

Taco Anema, Dutch photographer born in 1950. Started his career as a photographer working for newspapers and magazines in the Netherlands, such as De Groene Amsterdammer, De Volkskrant, and NRC-Handelsblad. Recently he has focused more and more on freelance work and traveled worldwide for projects that show daily life through adapted stories and realities. Anema divides his time between assignments and his own documentary projects. Although these are two different worlds with their own dynamics, both are important. 
His work is shown in many galleries and museums in the Netherlands and abroad, and has been published in several books. Anema is an autodidact with no formal photography or art education.
Artist's website: http://www.tacoanema.nl/

Alan Derwin [Pintura]

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Como habrán notado los que visiten el blog con regularidad, entre mis predilectos se cuentan los expresionistas. El expresionismo, duramente castigado en su época por el ascenso del nazismo y proscrito como "arte degenerado", posee una fuerza poco común por la intensa penetración psicológica y carga crítica de sus temas, por la espontaneidad y fuerza colorista de la pincelada. Buscando material para celebrar el aniversario de Ernst Ludwig Kirchner, me topé con la interesante obra de este artista que quiero compartir con ustedes en dos posts. En este primero, su homenaje expresionista a los "artistas degenerados", con una serie de retratos que, como es habitual, me sirven de excusa para volver sobre algunos que me gustan especialmente, y repasar obras e información sobre otros aún no tratados en el blog.

As may have noticed those who visit the blog regularly, expressionist artists counted among my favorites. The Expressionism, severely punished in its time by the rise of Nazism and banned as "degenerate art", has an uncommon strength by intense psychological insight and critical load of their subjects, spontaneity and colorful force of the brush stroke. Looking for material to celebrate the anniversary of Ernst Ludwig Kirchner, I came across the interesting work of this artist that I want to share with you in two posts. In this first, his expressionist tribute to the "degenerate artists" with a series of portraits that, as usual, serves to me as an excuse to revisit some that I especially like, and to review works and information on others not yet addressed in the blog.
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Alan Derwin

"Autorretrato en invierno / Self-portrait in Winter", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16" x 12"
 © Copyright 2012 Alan Derwin

Alan Derwin es una artista estadounidense, del área de la Bahía de San Francisco, especializado en expresivas pinturas al óleo que hurgan en los aspectos sociales y psicológicos de la humanidad. Actualmente lleva adelante dos series. "La serie de los degenerados / The Degenerate Series" y "Psyched / Mentalizado". La primera consiste en retratos y composiciones originales que homenajean a los grandes artistas prohibidos por los Nazis durante la Segunda Guerra Mundial. "Psyched" es un análisis introspectivo que se expresa hacia fuera a través de la aplicación de pintura al óleo, texturas, color, carácter y contenido.

"Retrato de / Portrait of Christian Rohlfs", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14" x 11"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

"Retrato de / Portrait of Erich Heckel", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 10" x 8"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

"Retrato de / Portrait of Ernst Ludwig Kirchner", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 10" x 8"
© Copyright 2012 Alan Derwin

Muy reveladora de la forma en que Alan entiende el arte, es la frase que acompaña el título en su blog: "donde el óleo colisiona contra el lienzo a la velocidad de la expresión"

"Retrato de / Portrait of Marc Chagall", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 16"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

«Desde aproximadamente 1927 hasta la Segunda Guerra Mundial, el régimen Nazi confiscó, prohibió y destruyó aquellas obras de arte que consideraban "Entartete Kunst", o "Arte Degenerado". Los artistas que creaban obras etiquetadas como "Degeneradas" eran expulsados de sus empleos, se les prohibía la libertad de creación y se les impedía exhibir o producir su arte. La serie de "Los degenerados" es una colección de retratos y composiciones originales al óleo que pretenden ser un reconocimiento y homenaje al gran arte y los artistas afectados por el régimen Nazi.»

"Retrato de / Portrait of Oskar Kokoschka", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14" x 11"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

Alan estudió Comunicaciones, Bellas Artes y Administración en la Universidad Estatal de Long Beach, California, y en el Cerritos College de Norwalk.
Además de estos retratos expresionistas, también hay otras obras, como paisajes marinos, que veremos en la próxima entrega.

"Retrato de / Portrait of Emil Nolde", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14" x 11"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

Alan Derwin is a San Francisco Bay Area based artist specializing in expressive oil paintings that dig down in to the social and psychological aspects of humanity. Currently in the midst of two structured collections: "The Degenerate Series" and "Psyched". "The Degenerate Series" consists of portraits and original compositions which honor the great art and artists banned by the Nazis during WWII. "Psyched" is an introspective analysis expressed outwardly by oil-paint application, texture, color, character and content.

"El rostro de / The Face of Max Pechstein", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 10" x 8"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

"Retrato de / Portrait of Alex von Jawlensky", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14" x 11"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

"Retrato de / Portrait of Wassily Kandinsky", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 16"
 © Copyright 2012 Alan Derwin

Highly revealing of how Alan understands the art, is the phrase that accompanies the title in his blog: "where oil collides with canvas at the speed of expression"

"Retrato de / Portrait of Heinrich Campendonk", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 10" x 8"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

"Retrato de / Portrait of Franz Marc", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14" x 11"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

"Retrato de / Portrait of Max Ernst", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14" x 11"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

«From approximately 1927 through World War II, the Nazi Regime confiscated, banned and destroyed artwork that they felt to be Entartete Kunst, or “Degenerate Art”. Artists who created works labeled as “Degenerate” were removed from their jobs, banned from free creative expression, and prevented from exhibiting or producing their art. The Degenerate Series is a collection of Portraits and Original Compositions done in oil which serve to acknowledge and honor the great art and artists affected by the Nazi Regime.»

"Retrato de / Portrait of Paul Klee", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 16"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

Alan studied Communications, Fine Arts and Administration at the State University of Long Beach, California and Cerritos College in Norwalk. 
Besides these expressionist portraits, there are other works, such as seascapes, we'll see in the next post.

"Retrato de / Portrait of Otto Dix", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20" x 16"
 © Copyright 2011 Alan Derwin

Se pueden ver más obras de Alan en / You can enjoy more Alan's artworks in
Blog/Website, ArtSlant, Saatchi Online

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Alan!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alan!)


Los Artistas / The Artists
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Más sobre Kirchner en "El Hurgador" / More about Kirchner in this blog:
[Aniversarios (XV)]
Más sobre Chagall en "El Hurgador" / More about Chagall in this blog:
Más sobre Kokoschka en "El Hurgador" / More about Kokoschka in this blog:
Más sobre Nolde en "El Hurgador" / More about Nolde in this blog:
Más sobre Kandinsky en "El Hurgador" / More about Kandinsky in this blog:
Más sobre Franz Marc en "El Hurgador" / More about Franz Marc in this blog:
Más sobre Max Ernst en "El Hurgador" / More about Max Ernst in this blog:
Más sobre Otto Dix en "El Hurgador" / More about Otto Dix in this blog:
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Christian Rohlfs

"Freiligrath-Haus in Soest", 1906. Städtisches Museum Abteiberg (Mönchengladbach, Alemania / Germany)

Christian Rohlfs fue un pintor alemán nacido en 1849, uno de los más importantes representantes del expresionismo alemán.
Se dedicó a la pintura cuando, siendo un adolescente, convalecía de una infección que eventualmente le llevaría a la amputación de una pierna en 1874.
Comenzó su educación artística formal en Berlín, antres de pasar, en 1870, a la Academia Weimar. Inicialmente pintó paisajes de gran formato, trabajando en una variedad de estilos (académico, naturalista, impresionista y post-impresionista). En 1901 dejó Weimar por Hagen, donde el coleccionista Karl Ernst Osthaus le había ofrecido un estudio en el museo de arte moderno para que se estableciera. Sus encuentros con Edvard Munch y Emil Nolde, y la experiencia de ver las obras de Vincent Van Gogh, le inspiraron a avanzar hacia un estilo expresionista, en el cual trabajaría durante el resto de su carrera.
Vivió en Múnich y el Tirol entre 1910 y 1912, antes de regresar a Hagen. En 1929 la ciudad de Hagen abrió el Museo Christian Rohlfs. En 1937 los Nazis lo echaron de la Academia Prusiana de las Artes, condenando su obra como degenerada, y retiraron sus trabajos de las colecciones públicas. Murió en 1938.

"Abstracción (La montaña azul) / Abstraction (the Blue Mountain)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 60 cm., 1912. Museum Kunstpalast (Düsseldorf, Alemania / Germany)

Christian Rohlfs was a German painter born in 1849, one of the important representatives of German expressionism.
He took up painting as a teenager while convalescing from an infection that was eventually to lead to the amputation of a leg in 1874.
He began his formal artistic education in Berlin, before transferring, in 1870, to the Weimar Academy. Initially he painted large-scale landscapes, working through a variety of academic, naturalist, Impressionist, and Post-Impressionist styles. In 1901 left Weimar for Hagen, where the collector Karl Ernst Osthaus had offered him a studio in the modern art museum he was setting up there. Meetings with Edvard Munch and Emil Nolde and the experience of seeing the works of Vincent van Gogh inspired him to move towards the expressionist style, in which he would work for the rest of his career.
He lived in Munich and the Tyrol in 1910-12, before returning to Hagen. In 1929 the town of Hagen opened a Christian Rohlfs Museum. In 1937 the Nazis expelled him from the Prussian Academy of Arts, condemned his work as degenerate, and removed his works from public collections. He died in 1938.

"Finis", témpera sobre lienzo / tempera on canvas, 72 × 58,5 cm., 1921. 
Wilhelm-Hack-Museum, (Ludwigshafen am Rhein, Alemania / Germany)
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Erich Heckel

"Windmühle bei Dangast / Molino de viento en Dangast / Windmill in Dangast"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71 x 80,5 cm., 1909. 
Lehmbruck Museum (Duisburg, Alemania / Germany) © Nachlaß Erich Heckel, Hemmenhofen

Erich Heckel fue un pintor y grabador alemán nacido en 1883, miembro fundador del grupo Die Brücke (El puente).
Entre 1897 y 1904 asisitió al Realgymnasium en Chemnitz, antes de comenzar estudios de arquitectura en el Technische Hochschule en Dresde. Dejó después de tres semestres, poco antes de la fundación de Die Brücke, grupo de artistas del cual fue secretario y tesorero.
En Diciembre de 1911, Heckel se mudó de Dresde a Berlín. Die Brücke se disolvió en 1913. Fue declarado no apto para el servicio activo durante la Primera Guerra, pero fue como voluntario para servir en una unidad de ambulancias con base en Bélgica. Se las arregló para continuar produciendo arte durante la guerra.
En 1937, el partido Nazi declaró su obra "degenerada"; se le prohibió presentar su trabajo en público y más de 700 piezas de su arte fueron confiscados de los museos alemanes. 
Para 1944, todas las planchas de sus grabados en madera y láminas habían sido destruidas. Después de la Segunda Guerra, Heckel vivió en Gaienhofen, cerca del Lago Constanza, enseñando en la Academia de Karlsruhe hasta 1955. Continuó pintando hasta su muerte en Radolfzell en 1970.

"Corpus Christi en Brujas / in Bruges", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94 x 82 cm., 1914. 
Kunstmuseum Mülheim an der Ruhr (Alemania, Germany)

"Autorretrato / Self-Portrait", xilografía coloreada / coloured woodcut, 46 x 33 cm., 1919. 
Colección privada / Private Collection.

Erich Heckel was a German painter and printmaker born in 1883, and a founding member of the Die Brücke group ("The Bridge").
Between 1897 and 1904 he attended the Realgymnasium in Chemnitz, before beginning studies in architecture at the Technische Hochschule in Dresden. He left after three terms, shortly after the foundation of Die Brücke, an artists' group of which he was secretary and treasurer.
In December 1911, Erich Heckel moved from Dresden to Berlin. Die Brücke was dissolved in 1913. He was classified as unfit for active service during the First World War, but volunteered to serve in an ambulance unit stationed in Belgium. He managed to continue to produce work throughout the war.
In 1937 the Nazi Party declared his work "degenerate"; it forbade him to show his work in public, and more than 700 items of his art were confiscated from German museums. By 1944 all of his woodcut blocks and print plates had been destroyed. After World War II Heckel lived at Gaienhofen near Lake Constance, teaching at the Karlsruhe Academy until 1955. He continued painting until his death at Radolfzell in 1970.

"Casa en Dangast (La Casa Blanca) / House in Dangast (The White House)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 71 x 81 cm., 1908. Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid, España / Spain)
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Alexej von Jawlensky
Алексей Георгиевич Явленский

"Autorretrato / Self-portrait"
Óleo sobre cartón montado sobre lienzo / oil on cardboard mounted on canvas, 65,5 x 44,5 cm., 1912.
Gallery Belvedere (Viena, Austria)

Alexej Georgewitsch von Jawlensky fue un pintor expresionista ruso nacido en 1864, activo en Alemania.
Fue un miembro clave de la Neue Künstlervereinigung München (Nueva Asociación de Artistas de Múnich), del grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul), y más tarde de Die Blaue Vier (Los Cuatro Azules).
A los 10 años se mudó con su familia a Moscú. Tras algunos años de instrucción militar, se interesó en la pintura, visitando la Exposición Mundial de Moscú c. 1880.
Se mudó a Múnich en 1894, donde estudió en la escuela privada de Anton Ažbe.
En Múnich conoció a Wassily Kandinsky y otros varios artistas rusos, y contribuyó a la formación del Neue Künstlervereinigung München. Su obra en este período fue exuberante y ricamente coloreada, pero más tarde se movió hacia la abstracción y un estilo más simplificado y formulista. Murió en 1941.

"Rostro del Salvador: Mártir / Saviour's face: Martyr"
Óleo sobre papel con acabado de lino sobre panel / oil on linen-finish paper laid down on board
32,5 × 25,4 cm., 1919. Colección privada / Private Collection.

Alexej Georgewitsch von Jawlensky was a Russian expressionist painter born in 1864, active in Germany.
He was a key member of the New Munich Artist's Association (Neue Künstlervereinigung München), Der Blaue Reiter (The Blue Rider) group and later the Die Blaue Vier (The Blue Four).
At the age of ten he moved with his family to Moscow. After a few years of military training, he became interested in painting, visiting the Moscow World Exposition c. 1880.
He moved to Munich in 1894, where he studied in the private school of Anton Ažbe.
In Munich he met Wassily Kandinsky and various other Russian artists, and he contributed to the formation of the Neue Künstlervereinigung München. His work in this period was lush and richly coloured, but later moved towards abstraction and a simplified, formulaic style. He died in 1941.

"Variación / Variation"
Óleo sobre papel con acabado de lino / oil on linen-finish paper, 36 × 26,8 cm., 1916. 
Colección privada / Private Collection.


Samantha Everton [Fotografía]

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Me han resultado fantásticas las teatrales y coloridas fotografías de Samantha Everton. Mientras que hoy en día abundan las pinturas que parecen fotografías, las fotografías de Samantha parecen cuadros en los cuales el surrealismo y el realismo mágico se entrelazan en composiciones cuidadosamente elaboradas. En sus series temáticas los niños juegan un papel clave como vehículo de fantasías con las que nos sentimos inmediatamente identificados. Aquí les dejo estas historias abiertas que invitan al juego de continuarlas.

I found fantastic the theatrical and colorful photographs by Samantha Everton. While today abound paintings look like photographs, Samantha's photographs look like paintings in which Surrealism and Magical Realism are intertwined in carefully crafted compositions. Children play a key role in her thematic series as a vehicle for fantasies with which we are immediately identified. Here we have these open stories that invite us to the game of continue it.

Samantha Everton


Samantha Everton se crió en Emerald, un pequeño pueblo interior en el centro de Queensland, Australia, y actualmente reside en Melbourne.
Se graduó en el Instituto Real de Tecnología de Melbourne (2003) y ha ganado numerosos premios por sus fotografías, incluidos el Prix de la Photographie Paris (2010), el premio McGregor (2006) y el Leica Documentary Photographer of the Year (2005).

Serie Sang Tong, "Narathorn", Pigment Print on cotton rag, 98 x 147 cm., 2014

Serie Muñecas de época / Vintage Dolls Series
"Vestido de fiesta / Party Dress", Pigment Print on cotton rag, 98 x 147 cm., 2009

«Comencé a pensar de manera surrealista desde que era muy jóven.»

«La mayor parte en la producción de mi obra es tiempo y paciencia.»

«Mis imágenes tienen muchas capas; en la superficie, la colorida y humorística, pero si les dedicas un poco de tiempo, entras en las capas más profundas.»

Serie Sang Tong, "Takdani", Pigment Print on cotton rag, 98 x 147 cm., 2014

Serie Marionetas / Marionettes Series
"Día triste (azul) / Blue day", Pigment Print on cotton rag, 102 x 115 cm., 2014

Samantha tiene un hermano biológico y otros tres asiáticos adoptados. Aunque ella dice que su multicultural "Vintage Dolls (Muñecas de época)" no hace referencia directa a su propia familia, admite que hay una influencia. "Quiero mostrar [cómo] los niños se acoplan con la cultura y como recrean lo que ven. Los niños ven y absorben todo y el proceso de aprendizaje comienza a una edad muy temprana, jugando con vestiditos. Quería que cada persona se sintiera identificada con ese ser niño."

Vintage Dolls estuvo en proceso durante 18 meses, con Samantha dedicando incontables horas a abastecerse de los accesorios, vestimentas, niños y casa adecuados. "Un constructor fabuloso, de mente realmente abierta, que estaba muy exitado con la idea de que esta tierra de fantasía se creara en la casa, me dio rienda suelta. Durante un mes tuve la casa; incluso hice un agujero en el suelo del salón, traje un árbol y lo metí allí."

Serie Utopia "Soledad / Solitude", Pigment Ink on Rag, 89 x 133 cm.

"Puedo ver perfectamente la diferencia entre cualquier imagen creada en post-producción en contraposición a las creadas directamente con la cámara. El realismo es verdaderamente importante para mí, porque se alinea con el realismo mágico. Cuando estás soñando o jugando, todo es real en tu mente cuando eres niño. Todo es posible (el vuelo de un pájaro por el aire o el árbol brotando del suelo) es real en tu cabeza."

Serie Marionetas / Marionettes Series
"Deseo de cumpleaños / Birthday Wish", Pigment Print on cotton rag, 102 x 115 cm., 2011

«Una de mi imágenes favoritas de la serie [Marionetas], y probablemente la primera imagen que me viene a la cabeza, es "Deseo de cumpleaños".»
«One of my favourite images of this series [Marionettes], and probably the first image that came to my head is "Birthday Wish".»

Serie Sang Tong, "Sawat", Pigment Print on cotton rag, 98 x 147 cm., 2014

Procedente de un antiguo cuento popular Thai, Sang Tong nació en la realeza, pero fue abandonado y adoptado luego por una gigante, quien se disfrazaba para que el chico no se sintiera un extraño. La táctica funcionó hasta que tuvo 10 años, cuando descubrió que era adoptado y se lanzó a explorar el mundo. Deambulando por el palacio de la gigante, Sang Tong descubrió una serie de objetos mágicos, incluido un par de zapatos que le permitían volar.
Sang Tong encontró una fuente de plata y oro. Tras introducirse en ella, emergió con un hermoso cuerpo de oro, pero también encontró una máscara mágica que lo disfrazaba convirtiéndolo en una persona fea. Más tarde conoció a una princesa que vio más allá de la máscara y se enamoró del hermoso hombre que había tras ella.

Serie Catarsis / Catharsis Series. "Inalcanzable / Unreachable", Pigment ink on rag, 66 x 76 cm.

Everton dibuja sobre elementos de este cuento popular para iluminar el mundo fantástico de cada niño. Estos han nacido en Tailandia y han sido adoptados por familias que viven en Melbourne, lo que confiere a la serie una gran intensidad. La imaginería que acompaña a cada niño, fue escogida por Everton en base a sus personalidades individuales, con las que se familiarizó íntimamente a lo largo de dos años. Según dice: "he intentado traer a la vida en cada foto sus mundos interiores y personalidades", y añade, "quiero que los espectadores se sumerjan en la historia, pero quiero que tenga un final abierto, con un sentido de incompletitud y misterio que deje a la gente preguntándose qué sucederá luego." El velo que nuestra limitada visión de adultos se descorre, y nos sumergimos en campos de colores desplegados con un dramatismo espectacular, donde los animales, niños y objetos flotan como guiados por una invisible fuerza cósmica.

Serie Miedos de la Niñez / Childhood Fears Series
"Si mantengo los ojos cerrados / If I Keep my Eyes Closed", Pigment ink on rag paper, 82 x 103,5 cm.

Samantha Everton grew up in Emerald, a small outback town in central Queensland, Australia and currently resides in Melbourne.
She graduated in the Royal Melbourne Institute of Technology in 2003. She has won numerous awards for her dramatic photographs including the prestigious Prix de la Photographie Paris (Px3) (Portraiture - Children), 2010; McGregor Prize for Photography Award, 2006 and Leica Documentary Photographer of the Year Award, 2005. 

Serie Marionetas / Marionettes Series
"Camaleón / Chamaeleon", Pigment Print on cotton rag, 102 x 118 cm., 2011

"I started thinking in a surreal way since I was very young."

«My images I guess have many layers. In the surface, the colourful and the humorous, but if you spend a bit of time with them you get in the deeper layers.»

«The biggest part of producing my work is time and patience.»

Serie Sang Tong, "Isara", Pigment Print on cotton rag, 98 x 147 cm., 2014

Serie Catarsis / Catharsis Series. "Despertar / Awakening", Pigment ink on rag, 66 x 76 cm.

Samantha has a biological brother and three adopted Asian siblings. Although she says the multicultural Vintage Dolls isn't directly referencing her own family, she admits it's an influence. "I wanted to show [how] children engage with culture and how they reenact what they see. Children see and absorb everything and the learning process starts at a very young age with playful dress-ups. I wanted there to be a child each person could identify themselves in."

Vintage Dolls was 18 months in the making, with Samantha devoting countless hours to sourcing exactly the right prop, costume, child and house. "A fabulous builder, who was really open-minded, who was very excited about the idea of this fantasy land being created in the house, gave me a free rein. For a month I had the house - I even cut a hole in the lounge-room floor, brought a tree inside and submerged it."

Serie Miedos de la Niñez / Childhood Fears Series
"Noche sin oscuridad / Night Without Darkness", Pigment ink on rag paper, 82 x 96,5 cm.

"I can absolutely see the difference in any image that's been created post-producction as opposed to in-camera. It's really important to me to have the realism because it aligns with magic-realism. When you're dreaming, when you're playing, everything is real in your mind when you're a child. Everything is possible - the bird flying through the air or the tree sprouting through the floor - that's reality in your head."

Serie Marionetas / Marionettes Series
"La primavera pasando / Spring Passing", Pigment Print on cotton rag, 102 x 115 cm., 2011

Serie Sang Tong, "Teerachot", Pigment Print on cotton rag, 98 x 147 cm., 2014

Derived from an old Thai folk tale, Sang Tong was born into royalty but abandoned and later adopted by a giantess, who disguised herself so that the boy would not feel like an outsider. The ploy worked until he was 10 years old, when he found out that he was adopted and set out to explore the world. Wandering through the giantess’ palace, Sang Tong discovered a range of magical objects, includes a pair of shoes that enabled him to fly.
Sang Tong found a well of silver and gold. After lowering himself into it, he emerged with a beautiful golden body, however he also found a magical mask which disguised him as an ugly person. He later encountered a princess, who saw past the mask to fall in love with the beautiful man within.

Serie Muñecas de época / Vintage Dolls Series
"Jardín secreto / Secret Garden", Pigment Print on cotton rag, 106 x 124 cm., 2009

Serie Marionetas / Marionettes Series
"Un fin de semana / A Weekend", Pigment Print on cotton rag, 102 x 115 cm., 2011

«My images I guess have many layers. In the surface, the colourful and the humorous, but if you spend a bit of time with them you get in the deeper layers.»

Serie Muñecas de época / Vintage Dolls Series"Siam", Pigment Print on cotton rag, 102 x 115 cm., 2014

Everton draws upon elements of this folk tale to illuminate the fantasy worlds of each child. That the children have themselves been born in Thailand but adopted by families living in Melbourne lends the series an immense poignancy. The imagery that accompanies each child was chosen by Everton based on their individual personalities, which she has come to know intimately over the last two years. She says ‘I have tried to bring their inner world and personality to life in each photo’, adding that ‘I want viewers to feel drawn in to the story, but I like it to be open-ended, with a sense of incompleteness or mystery that leaves people wondering what happens next’. The veil of our abridged adult vision is lifted and we are immersed within fields of unfolding colour and spectacular drama, where animals, children and objects float as though guided by some unseen cosmic force.

Serie Utopia "Rendición / Surrender", Pigment Ink on Rag, 133 x 184,5 cm.

Serie Miedos de la Niñez / Childhood Fears Series
"La asfixia del miedo / The Suffocation of Fear", Pigment ink on rag paper, 82 x 97 cm.

Los textos están traducidos de los siguientes artículos / Texts from the following sources:

The Sydney Morning Herald, Marzo / March 21-22, 2009 
"Una curiosa actitud mental / Curious frame of mind", un artículo de / an article by Katrina Lobley.
Artículo completo (en inglés) aquí / Full article here.

Gippsland Art Gallery, on the show "Sang Tong", Abril-Mayo / April-May, 2014
Un artículo de / An article by Simon Gregg, Curador / Curator
Artículo completo (en inglés) aquí / Full article here.

Un video de A video by Art Nation, 2011. 
Puede verse en el sitio de ABC aquí / You can see it in ABC website here.

Más sobre Samantha y su obra en / More about Samantha and her work in

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Samantha!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Samantha!)


En este corto de Jean-Luc Syndikas podemos echar un vistazo al proceso de creación de Sang Tong.
In this short video by Jean-Luc Syndikas we can take a look into the creation process behind Sang Tong. 


Muere H.R.Giger

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Me acabo de enterar de la tristísima noticia. Hans Ruedi (H.R.) Giger, el creador de Alien y tantas obras desbordantes de imaginación, fuente de inspiración para incontables artistas y un símbolo para tanta gente de mi generación, falleció ayer lunes a los 74 años a consecuencia de una caída en su casa. Mi homenaje, invitarlos a repasar el post que le dediqué en Febrero del año pasado.
La noticia, aquí.

I just heard the sad news. Hans Ruedi (HR) Giger, creator of Alien and many works full of imagination, inspiration for countless artists and a symbol for many people of my generation, died yesterday at 74 after a fall at home. My tribute, invite all of you to review the post I dedicated to him in February last year.
More information here.


H.R.Giger. Foto / Photo© Annie Bertram

Se puede obtener más información y disfrutar de los trabajos del artista en su sitio web oficial, la web del Museo, y en "The Little Gigger Page (La Pequeña Página de Giger), una especie de suplemento de la web oficial.

You can get more information and check artist's work & facts in his official website, Giger's Museum website and also in The Little Gigger Page, an official supplement to the artist website.

Haroshi [Escultura]

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Haroshi


Haroshi es, como él mismo dice, "un artista de Tokyo". 
Amante del skate desde adolescente, un día decidió comenzar a experimentar con la posibilidades de las tablas de skate usadas como materia prima para hacer esculturas.
Haroshi vive en Horikiri (Tokyo, Japón) y trabaja en un espacio compartido de una fábrica.

A menudo va por ahí recogiendo partes de tablas de skate rotas, y se resiste a tirar tablas cuando se destrozan. Es natural que comenzara a hacer piezas artísticas (es decir, reciclar) utilizando tablas. Para Haroshi, estas obras de arte son como sus tablas, y eso quiere decir que son su vida misma. Son su forma de comunicación consigo mismo y con el mundo exterior.

Dunk Lo
"Pie con zapato invisible / Foot with Invisible Shoe"
Tablas de skate usadas con resin epoxi / used skateboards and epoxy resin, 23,5 x 12 x 28 cm., 2012


Dedo medio, para / Middle Finger, to Peter Ramondetta, tablas de skate usadas / used skateboards, 2012

«Soy autodidacta. (...) Es como aprender mientras se crean cosas con las propias manos. Es realmente excitante, y ahora estoy creando al máximo de mis posibilidades, llevando mi siguiente trabajo un paso más allá. Es posible si uno piensa que puede hacerlo, y si puedes seguir haciéndolo durante 8 años... ¡jaja!»

Haroshi y Peter Ramondetta

"Dedo medio", escultura de Haroshi, modelada a partir del brazo de Peter Ramondetta. Foto tomada en la comida de lanzamiento de la fiesta HUF X Haroshi X DLX, en enero de 2012, en la cual la obra de Haroshi estuvo expuesta en nuestra sede de HUF en Los Ángeles.

“Middle Finger” sculpture by Haroshi, modeled after Peter Ramondetta’s arm. Photo taken at the HUF X Haroshi X DLX Collaboration launch party, January 2012, in which Haroshi’s artwork was on display at our HUF Headquarters in Los Angeles.


"Nike SB Dunk", tablas de skate usadas / used skateboards, 15,24 x 10,16 x 27,94 cm., 2010

"Nike SB Dunk", tablas de skate usadas / used skateboards, 15,24 x 10,16 x 27,94 cm., 2010

«Uhmm... en la mayoría de los casos, simplemente siento como que sería guay hacer alguna cosa en particular. Creo que cosas no muy difíciles. Hacer lo que quiero y tener alguien que se interesa en lo que hago es lo mejor.»

"Gran Manzana / Big Apple", tablas de skate usadas / used skateboards, 24 x 21 x 21 cm., 2011

"Rata de Skata 1 / Skate Rat 1", tablas de skate usadas / used skateboards, 22 x 9 x 7 cm.

«Hice el tiburón martillo y la boca de incendios en alrededor de ¿dos meses, creo? El proceso de trabajo es muy simple. Cortar, apilar, suavizar... nah... tal vez aquí debería decir que todo es magia ¡jaja!»

La boca de incendios se esculpió en un bloque hecho de 20.000 cubos de 1 cm.

"Mi mano gritando / Screaming My Hand", tablas de skate usadas / used skateboards, 25 x 18 x 13 cm., 2010

"Cráneo / Skull", tablas de skate usadas, ruedas, brackets y diente de oro 18 k./ 
used skateboards, wheels, dental braces and 18-karat gold teeth, 22 x 13 x 17 cm.

«...cuando empiezas a hacer algo, la primera vez no te sale ¿verdad?. Cuando intenté hacer un ollie por primera vez, no podía imaginarme saltando una boca de incendios. Es lo mismo con el tallado, o con escribir al tacto en el ordenador. Si sigues intentándolo siempre, siempre, un día serás un profesional casi sin darte cuenta. Una cosa importante que aprendí del skate es mantenerte intentando las cosas que no puedes hacer sin rendirte, esto te llevará hasta el final cuando lo consigas. Otra cosa es ser libre. Yo puedo hacer lo que quiera. Puedo patinar donde quiera, eso es ser libre. Pero al mismo tiempo hay riesgos. Así es como creo que son el arte y el skate.»


"Cráneo / Skull", tablas de skate usadas, ruedas, brackets y diente de oro 18 k./ 
used skateboards, wheels, dental braces and 18-karat gold teeth, 22 x 13 x 17 cm.

Haroshi is, in his own words, "an artist from Tokyo".
A skating lover since he was a teenager, one day he decided to begin experiments with the possibilities of used skateboards as a raw material for sculptures.
Haroshi lives in Horikiri (Tokyo, Japan) and works in a shared space in a factory.

He often goes around picking up and collecting broken skateboard parts, and feels reluctant to throw away crashed skateboards. It’s only natural that he began to make art pieces (i.e. recycling) by using skateboards. To Haroshi, his art pieces are equal to his skateboards, and that means they are his life itself. They’re his communication tool with both himself, and the outside world.

"Agonía en la belleza / Agony into beauty", tablas de skate usadas / used skateboards
"Boca de incendios de Los Angeles / L.A. Fire Hydrant", 2011

«I’m self-taught. (...) Like learning while creating stuff with one’s own hands. That’s really exciting, and now I’m creating at the maximum of my possibilities, bringing my next work to the next step. It’s something possible if one thinks he can do it, and if you can do it for 8 years… ahah!»

"SpitFire Classic"
Técnica mixta (partes de tablas de skate usadas) / mixed media (used skateboard parts), 53 x 53 x 35 cm.

"Alce / Moose", tablas de skate usadas / used skateboards, 138 x 145 x 110 cm., 2010

«Uhm…in the most of the cases I just feel like it would be cool to make one particular thing. I don’t think too difficult things. Making what I want, and having someone who is interested in what I make is the best thing.»

"Cat Plant", 116 x 74 x 43 cm.

Half Cab
"Pie con zapato invisible / Foot with Invisible Shoe"
Tablas de skate usadas y resina epoxi / used skateboards and epoxy resin, 23,5 x 12 x 28 cm.

«I’ve done the hammerhead shark and Fire-Hydrant in about two months I think? The working process is yet very simple. Cutting, stacking together, smoothing…nah maybe here I should that it’s all about magic haha!»

The fire hydrant was sculpted from a block made out of 20000 pieces of 1 cm cubes.

"Boca de incendios / Fire Hydrant", tablas de skate usadas / used skateboards, 83,8 x 35,6 x 38,1 cm.

"Tiburón martillo / Hammerhead Shark", tablas de skate usadas / used skateboards, 2011

«...when you start anything the first time you can’t do it, right? When I tried doing an ollie the first time I couldn’t even imagine jumping a fire hydrant. It’s the same thing with carving, or with the blind touch on a computer. If you keep trying always and always, one day you will be a professional without even realising it. One important element that I learnt from skate is that keep trying on things that you can’t do without giving up, that will bring you to the end when you make it. Another thing is being free. I can make what I want, I can skate where I want, that’s being free. But at the same time there are risks. That’s what I think art and skate are.»

"Tiburón martillo / Hammerhead Shark"

"Poseído por el skate / Possessed to Skate", tablas de skate usadas y resina epoxi / 
used skateboards and epoxy resin, 40 x 22,5 x 21 cm.

Los textos están tomados del sitio web de Haroshi, y de las siguientes fuentes / 
Texts from Haroshi's website and the following sources:

Entrevista publicada en / Interview published in Revolution Daily. 
Texto completo (en inglés) aquí / Full text here.

Entrevista publicada en / Interview published in Korduroy Blog, Feb., 2012
Texto completo (en inglés) aquí / Full text here.

Se puede disfrutar del trabajo de Haroshi en / You can enjoy Haroshi's work in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Akinori Kojima y Haroshi!)
Y como siempre, gracias a Shirley Rebuffo, ya con título de hurgadora asociada...

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Akinori Kojima & Haroshi!)
And as always, thanks to Shirley Rebuffo, already with the grade of "associated scavenger".


Entrevista con Haroshi durante la colaboración HUF x Haroshi x DLX (subtitulado en inglés)
Interview with Haroshi during HUF x Haroshi x DLX Collaboration (English subtitles)
Director: Willie T


Más videos de Haroshi en / More Haroshi's videos in Vimeo

Olivier Valsecchi [Fotografía]

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Olivier Valsecchi

Olivier Valsecchi / Foto / Photo DDM, X de F

Olivier Valsecchi es un fotógrafo francés nacido en París en 1979, y ha estado realizando su propio abordaje de la fotografía durante más de 10 años antes de entrar en una escuela a perfeccionar su técnica.
Su obra se ha publicado en varias revistas como Eyemazing, Azartphoto, Zoom, Photo, y ha sido exhibida en varios lugares de Europa.
Olivier ha sido galardonado con el Hasselblad Masters Award.

Serie Klecksografía / Klecksography Series - "Águila / Eagle" © Olivier Valsecchi

La Klecksografía es el arte de hacer imágenes a partir de manchas de tinta. El pionero de estos trabajos fue Justinus Kerner, quien incluyó estas imágenes en su libro de poesía. Desde la década de 1890, los psicólogos han utilizado esta herramienta para estudiar el subconsciente, concretamente a través del famoso test desarrollado por Hermann Rorschach.

Serie "Yo soy polvo" / I am Dust Series - "Tiempo de guerra / Time of War VIII" © Olivier Valsecchi

"Autorretrato, La escalera / Self-Portrait, The Ladder" © Olivier Valsecchi

Klecksografía es una serie de fotografías de esculturas orgánicas creadas por cuerpos simétricamente articulados. La inspiración de Valsecchi para estas series procede de las obras del psiquiatra suizo Rorschach, cuyo método implica utilizar imaginería creada por manchas de tinta en un folio que luego se pliega por la mitad. Donde Rorschach utilizaba su interpretación para pacientes diagnosticados de esquizofrenia o demencia, el abordaje de Valsecchi es el opuesto.

Serie "Yo soy polvo" / I am Dust Series - "Tiempo de guerra / Time of War XIV" © Olivier Valsecchi

Serie "Yo soy polvo" / I am Dust Series - "Tiempo de guerra / Time of War VII" © Olivier Valsecchi

A eso que él llama su enemigo interior - ese parte oscura en cada uno de nosotros que constantemente intentamos reprimir - se le da plena libertad de expresión, y la habilidad de superar las restricciones del cuerpo. Durante dos meses, en un hangar abandonado, con los ritmos tribales del álbum de Kate Bush"The Dreaming", se llevó a sí mismo y sus modelos al borde del agotamiento. En ese momento culminante, la mente se desencarna del cuerpo, dejando atrás una entidad mecánica de carne y hueso, vaciada de voluntad, excepto aquella que dicta el fotógrafo, o, mejor dicho, la que dicta su subconsciente.

Serie Klecksografía / Klecksography Series - "Alienígena / Alien" © Olivier Valsecchi

«[Cuando era un niño] Tenía muchos sueños y pesadillas por las noches, y era muy enérgico y creativo durante el día, siempre saltando por ahí o escribiendo canciones e interpretándolas sólo en mi habitación. Definitivamente, era un solitario, construyéndome una vida aparte. Mis amigos solían llamarme para ir a andar en bicicleta o jugar, pero yo siempre ponía excusas poco covincentes para no ir. Pero aún soy un niño, y muchas de esas cosas aún son así.»

"Polvo / Dust 11", 2009 © Olivier Valsecchi

"Les couples / Las parejas / The Couples", 2009 © Olivier Valsecchi

El título de esta segunda parte de la serie "Polvo" de Valsecchi, se inspira en la exposición del Museo del Prado de 2008 "Goya en tiempos de guerra", que conmemora la Guerra de la Independencia, igualmente retrata este grito de emancipación. A partir de entonces, los personajes tienen una historia, y se lanzan a la conquista. Sus cuerpos tensos, cada fibra de sus tejidos musculares se contrae, los hombros se tensan. La ceniza primordial, este mismo elemento que ha cruzado transitoriamente a través de los ciclos de la vida y la muerte, parece a punto de estallar en una explosión de esfuerzo, a menos que esta sea la respiración agónica final de estos héroes de Ovidio. Es una cuestión de supervivencia.

Serie "Yo soy polvo" / I am Dust Series - "Tiempo de guerra / Time of War III" © Olivier Valsecchi

«Yo siempre, siempre escribo un breve guión en mi cabeza antes de tomar las fotos. Incluso podría decir que siempre, siempre tengo la foto en mi cabeza antes de tomarla. Si no, son sólo fotos aleatorias que no uso y descarto.»

«Todo me sorprende. La última cosa que me sorprendió, me ocurrió ayer. Estaba tomando café, pensanso en la serie en la que estoy trabajando. Una idea nueva, una idea mejor, me vino a la mente. Es extraño cómo una idea puede estallar de la nada como un trueno.»

Serie Klecksografía / Klecksography Series - "Rey / King" © Olivier Valsecchi

Klecksography is the art of making images from inkblots. The work was pioneered by Justinus Kerner, who included klecksographs in his books of poetry. Since the 1890s, psychologists have used it as a tool for studying the subconscious, most famously Hermann Rorschach in his Rorschach inkblot test.

Serie "Yo soy polvo" / I am Dust Series - "Tiempo de guerra / Time of War II" © Olivier Valsecchi

Olivier Valsecchi was born in 1979 in Paris and has been taking his own approach to Photography for more than ten years before entering a photographic school and completing his technique.
His work was published in many magazines such as Eyemazing, Azartphoto, Zoom, Photo and was exhibited in many places in Europe.
Olivier was awarded with the Hasselblad Masters Award.

Serie Klecksografía / Klecksography Series - "El vestido / The Dress" © Olivier Valsecchi

Serie "Yo soy polvo" / I am Dust Series - "Tiempo de guerra / Time of War VI" © Olivier Valsecchi

Klecksography is a series of photographs of organic sculptures created by symmetrically articulated bodies. Valsecchi's inspiration for this series is drawn from the works of Swiss Psychiatrist Rorschach, whose method implied using imagery created by inkstains on a piece of paper then folded into two. Where the latter used their interpretation by patients to diagnose schizophrenia or dementia, Valsecchi 's approach is the opposite.

Serie Klecksografía / Klecksography Series - "Mana I" © Olivier Valsecchi

«[When I was a child] I had a lot of dreams and nightmares at night, and I was very energetic and creative by day, always jumping around or writing songs and performing them alone in my room. I was definitively a loner, building a life aside. My friends used to call me to go cycling or play games and I always used lame excuses not to go. But I am still a child and most of these things are still true.»

"Polvo / Dust 06", 2009 © Olivier Valsecchi

"Autorretrato, Acariciando la comadreja / Self-Portrait, Caress the Weasel" © Olivier Valsecchi

The one he calls his interior foe - this dark side in each one of us which we try to constantly restrain - is given full freedom of expression, and the ability to overcome bodily constraints. During two months, in a derelict hangar beating to the tribal rhythms of Kate Bush'es album "the Dreaming", he  pushes himself and his models over the brink of exhaustion. At that climactic point, the mind disincarnates itself from the body, leaving behind a mechanical flesh and bone entity, bereaved of any willpower: except that of the photographer's dictates, or , rather, those of his subconsciousness.

Serie Klecksografía / Klecksography Series - "Minotauro / Minotaur" © Olivier Valsecchi

Serie "Yo soy polvo" / I am Dust Series - "Tiempo de guerra / Time of War XIII" © Olivier Valsecchi

The title of the second part of Valsecchi's Dust Series, was inspired by the Prado Museum's 2008 Exhibition: Goya in Times of War, which commemorated the War of Independance, equally portrays this crying-out for emancipation. From then on, characters have a history, and are out to conquer. Their bodies tense, each mote of muscle tissue contracts itself, shoulders heave. The primeval ash, this very element which has transiently crossed through the cycles of life and death, seems to burst out in an explosion of effort, unless this be the final agonizing breath of these Ovidian heroes. This is about survival.

Serie Klecksografía / Klecksography Series - "Venus II" © Olivier Valsecchi

«I always, always write a brief story in my head before taking the photos. I would even say, I always, always have the photo in my head before taking it. Or else it is just random photos that I don’t use and throw away.»

«Everything surprises me. The last thing that surprised me happened yesterday. I was drinking a coffee, thinking about the series I’m working on. A new idea, better idea came up. Strange how an idea can burst out of nowhere like thunder.»

Serie "Yo soy polvo" / I am Dust Series - "Tiempo de guerra / Time of War XVI" © Olivier Valsecchi

Los textos están tomados de una reseña de Opiom Gallery que puede leerse completa (en inglés) aquí, de una entrevista publicada en Gusmen, 4/2012, que puede leerse completa (también en inglés) aquí., y de otra realizada por Isabella, publicada en ELISTISM, completa (en inglés) aquí.

Texts from a review by Opiom Gallery you can fully read here, an interview published in Gusmen, 4/2014, you can read here, and another one by Isabella, published in ELISTISM you can read here.

Se puede disfrutar de la obra de Olivier en / You can enjoy Olivier's work in
Website, TumblrFacebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Olivier!)
Otro descubrimiento de mi amiga Shirley Rebuffo, así que gracias otra vez.
Images published here with artist's permission (Merci beaucoup, Olivier!)
Another discovery of my friend Shirley Rebuffo, so thanks again.


En el siguiente video podemos ver tomas de las sesiones durante la creación de Klecksografía.
In this video we can see part of the working sessions of Klecksography.


David Ball [Collage, Arte digital] + Shaun Roberts

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David Ball

David Ball © Shaun Roberts 2012

David Ball es un artista de collage y técnicas mixtas estadounidense nacido en Connecticut en 1969, actualmente radicado en San Francisco.
Sus intereses abarcan desde la dinámica de las relaciones y el comentario social, hasta obras más personales e introvertidas, ambientadas en paisajes extraterrestres e impulsadas por el carácter y la narrativa. David crea tanto obras de arte como ilustraciones, con la ayuda de su gato parlante Cho Cho y litros y litros de café.

«Mis padres eran gente muy disciplinada y ambos me animaron a aprender. Mi padre, un director artístico, tenía un don especial como contador de historias y un ojo excepcional para el color. Mi madre era maestra de preescolares y la organista de la ciudad. De ambos aprendí muchas cosas en mis años formativos. Ambos eran muy determinados y curiosos, pensadores versátiles de maneras muy diferentes.»

"Trio", acrílico, collage y lápiz de color sobre panel / acrylic, collage and coloured pencil on panel, 30" x 24".
Colección privada / Private Collection © 2012 David Ball

"Circo / Cirque", Photoshop, © 2013 David Ball

«Mis primeros instintos iban más inclinados hacia la música, o al menos eso es hacia lo que me sentía empujado. Estudié violín y toqué en una sinfónica local de jóvenes. Tenía oído para aquello, pero lo odiaba. Garabateaba, como cualquiera, pero no entré de lleno a ello hasta 7º grado. En ese punto, mi padre notó que podía haber algo allí, así que surgió un profesor de arte por semana durante un tiempo. Principalmente, disfruto resolviendo problemas. Supongo que supe que quería ser artista en algún momento en la escuela de arte, cuando me sentaba al escritorio intentando imaginar qué habilidades necesitaba para trasladar las ideas de mi cabeza al papel.»

Izq./ Left: "Ignorando (Mapa de Nepal) / Overlooking (Nepal Map)". 
Colección privada / Private Collection © 2011 David Ball
Der./ Right: "Adiós (Mapa de Oregón) / Goodbye (Oregon Map)". 43" x 56". 
Colección privada / Private Collection© 2011 David Ball 

«Siempre me han intrigado las motivaciones tras las conductas sociales, y he pasado incontables horas explorando las maquinaciones empleadas para obtener lo que se quiere o se necesita. Estos comportamientos y la naturaleza de las relaciones humanas son la motivación primaria que subyace en la mayoría de mi obra.»
En la obra "Ignorando", unos cuantos individuos ocupan el mismo terreno estéril, pero en lugar de unirse, coexisten en un estado de auto-aislamiento.»

«I have always been intrigued by the motivations behind social behavior and have spent countless hours exploring the machinations employed to get needs and wants met. These behavioral drives and the nature of human relationships are the primary motivation behind the majority of my work.»
In the work Overlooking, a number of individuals occupy the same, barren terrain but rather than unifying, remain in a state of self-isolating coexistence.»

"Moguana", acrílico, collage y lápiz de color sobre panel /
Acrylic, collage and coloured pencil on panel, 29,5" x 24"© 2012 David Ball

"Turista / Tourist", Photoshop © 2013 David Ball

«Cualquiera o cualquier cosa que capte mi atención es una influencia para mí. En realidad me inspira lo visual en general. No tengo una persona a la que emule, simplemente una amalgama de diferentes lecciones de diferentes imágenes.
Aquí van algunos, sin ningún orden particular:
Bosch, Sargent, Masami Teraoka, Grosz, Picasso, Juan Gris, Agrit Pop, Manuel Ocampo, Cezanne, Duchamp, Escher, Gaudi, Max Ernst, Severini, Dix, Arcimboldo, mapas antiguos, derrames aleatorios y patrones orgánicos…»

"Harum Scarum", acrílico, collage y lápiz de color sobre panel / 
Acrylic, collage and coloured pencil on panel, 36" x 24" © 2012 David Ball

«En las imágenes de Harum Scarum, comencé por una base abstracta y dejé que la imaginería se construyera desde allí. Mas allá de esto, tengo que ver el material de collage como algo diferente a lo que realmente es, mientras busco los elementos con los que construiré la imagen. Como cada imagen es utilizada como un recurso estructural, aún tengo presente la verdadera naturaleza de los elementos que estoy utilizando. La relación entre esos componentes también se desarrolla desplegándose lentamente, de manera inconsciente.»

«No hay una idea inicial. Comienza de manera abstracta (generalmente con acrílico) y luego voy al collage. Voy hacia delante y hacia atrás con esos dos medios una y otra vez, hasta que siento que tengo algo que estructural y conceptualmente está lo bastante desarrollado. Luego utilizo lápiz de color y lo sello.»

Izq./ Left: "Dependencia / Dependency", 36" x 24"© 2012 David Ball
Der./ Right: "Derribar / Topple", acrílico, collage y lápiz de color sobre panel /
Acrylic, collage and coloured pencil on panel, 36" x 24"© 2012 David Ball

David is a collage/mixed media artist born 1969 in Connecticut, nowadays based in San Francisco.  His interests range from observed relationship dynamics and social commentary to more introverted personal works, all in surreal, other-worldly landscapes driven by character and narrative.  David creates both fine art and illustration works with the help of his talkative cat, Cho Cho and lots and lots of coffee. 

«My parents are pretty disciplined people and both encouraged learning. My father, an art director,  had a natural gift as a storyteller and an exceptional eye for color. My mother was a kindergarten teacher and the town organist. From both of them I learned many things in my formative years. They were both very determined and curious, versatile thinkers in very different ways.»

"Gatillo / Trigger", acrílico, collage y lápiz de color / acrylic, collage and coloured pencil© 2013 David Ball

«My first instincts were more towards music though or at least that is where I was pushed. I studied violin privately and played in a local youth symphony. I had an ear for it but I hated it. I doodled like anyone, but I did not get that into it until I was around 7th grade. At that point, my dad noticed that there might be something there so he sprung for a weekly art tutor for a while. Mainly, I enjoy solving problems. I suppose I knew I wanted to be an artist is probably some time in art school, as I sat at a desk trying to imagine what skills were needed to translate the ideas in my head onto paper.»

"Prime Mates", acrílico, collage y lápiz de color sobre panel /
Acrylic, collage and coloured pencil on panel, 30" x 24"© 2012 David Ball

"Libertino / Libertine", 24" x 36". Colección privada / Private Collection© 2011 David Ball 

Izq./ Left: "Escapar / Flee", acrílico, collage y lápiz de color sobre panel /
Acrylic, collage and coloured pencil on panel, 30" x 24"© 2012 David Ball 
Der./ Right: "Revolcarse / Wallow", acrílico, collage y lápiz de color sobre panel /
Acrylic, collage and coloured pencil on panel, 36" x 24"© 2012 David Ball 

«Anyone and everything that catches my interest influences me. I am really just visually inspired in general. I don’t have any one person that I emulate, just an amalgam of different lessons from different images.
Here are a few in no particular order:
Bosch, Sargent, Masami Teraoka, Grosz, Picasso, Juan Gris, Agrit Pop, Manuel Ocampo, Cezanne, Duchamp, Escher, Gaudi, Max Ernst, Severini, Dix, Arcimboldo, old maps, random spills and organic patterns…»

"Tumulto / Tumult", acrílico, collage y lápiz de color sobre panel /
Acrylic, collage and coloured pencil on panel, 29,5" x 24"© 2011 David Ball 

"Así viene / This Way Comes"© 2013 David Ball 

"Pregunta / Ask", Photoshop © 2013 David Ball

"Itch", (tríptico / triptych), cada uno / each 22" x 29"© 2011 David Ball

«Just as Operation Infinite Justice was renamed Operation Enduring Freedom, so the name of "the enemy" was swapped from Osama Bin Laden to Saddam Hussein. In February of 2003, The Bush administration made its case to the United Nations Security Council for the invasion of Iraq. I listened to the NPR broadcasts morning to night throughout these events and as I did so, worked on the triptych "Itch".»

«De la misma forma que la Operación Justicia Infinita fue rebautizada como Operación Libertad Duradera, el nombre del "enemigo" cambió de Osama Bin Laden a Saddam Hussein. En febrero de 2003, la administración Bush argumentó en las Naciones Unidas a favor de la invasión de Irak. Yo escuchaba en la NPR (Radio Nacional Pública) las emisiones de la mañana a la noche sobre aquellos eventos y, mientras lo hacía, trabajaba en el tríptico "Itch".»

"Evaluación / Assessment", acrílico, collage y lápiz de color / acrylic, collage and coloured pencil
© 2013 David Ball

"¡Vuelve aquí, Elefante! / Get Back Here Elephant!", Photoshop © 2013 David Ball

«In the Harum Scarum images, I started from a random abstract base and let the imagery build from there. Beyond this, I have to make myself see the collage material something other than what it really is as I look for elements that I build the image with. As each image is used as a structural resource, I am still aware of the true nature of the elements that I am using. The relationship of those components also conceptually develops in a slowly unfurling, unconscious way.»

"Llorar / Weep", acrílico, collage y lápiz de color / acrylic, collage and coloured pencil
Colección privada / Private Collection © 2013 David Ball

«There is no initial idea. It starts abstractly (with acrylic generally) and then I go to collage. I go back and forth between these two media over and over until I feel I have structurally and conceptually developed it enough. Then I go to colored pencil and seal.»

"A la deriva 2 / Adrift 2", acrílico, collage y lápiz de color / acrylic, collage and coloured pencil
Colección privada / Private Collection © 2013 David Ball
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Textos y comentarios de David de las siguientes fuentes /
Texts and David's comments from the following sources:

Entrevista de Stephanie publicada en Platinum Cheese, Enero, 2012. Texto completo (en inglés) aquí.
Interview by Stephanie published in Platinum Cheese,  January, 2012. Full text here.

Entrevista publicada en Dig In Mag, Julio, 2012. Texto completo (en inglés) aquí.
Interview published in Dig In Mag, July, 2012. Full text here.

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Si te gustó el trabajo de David, puede gustarte / If you liked David's work, you may also like:

Matthew Cusick: [Matthew Cusick (Collage)]
Robert Hardgrave: [Robert Hardgrave (Pintura, collage)]
Randy Mora: [Randy Mora (Collage)]
Michael Reedy: [Michael Reedy (Pintura)]
Tenzing Rigdol: [Tenzing Rigdol (Pintura, Collage)]
Travis Bedel: [Travis Bedel (Bedelgeuse) (Collages anatómicos / Anatomical Collages)]
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Se puede disfrutar de la obra de David en / You can enjoy David's work in
Website

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, David!)
Agradezco también a Shaun Roberts, que me autorizó a incluir en este post sus fotografías y partes de la entrevista realizada a David.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, David!)
Thanks also to Shaun Roberts for his permission to include in this post his photographs and parts of the interview with David.


David Ball & Shaun Roberts
(texto en inglés al final del post / text in english at the end of this post)

Shaun Roberts es un fotógrafo nacido en Tailandia (Bangkok) en 1979. Vive y trabaja en San Francisco (California).
Su obra ha sido publicada en Wired.com, Juxtapoz Magazine, The Red Bulletin, Hi-Fructose Magazine, GQ, San Francisco Magazine, The Bold Italic, Wondereur y Supersonic Electronic, y ha fotografiado para los museos de bellas artes de San Francisco y el Oakland Museum de California.

Sobre Shaun comenta David Ball:

«Shaun es un genio, y no es poca la gente que lo dice. Shaun es un agudo observador de los temas que documenta y se involucra intentando comprender de qué se trata; su sinceridad, sus artistas y el proceso artístico en sí mismo. En la serie más reciente de teasers para la muestra "Harum Scarum", Shaun se centra en compartir las sensaciones del proceso preparatorio de los collages, proporcionando a los espectadores una relación más participativa con el resultado final de la muestra.» [a]

Shaun Roberts

Shaun escribió: 

«David Ball, un artista de técnicas mixtas conocido por la laboriosa construcción de sus mundos surrealistas, se propuso un desafío: crear 20 lienzos de 24" x 36" (doble cantidad respecto a su último conjunto de obras) en la mitad de tiempo que usualmente emplea. Uno podría sentirse inclinado a pensar que al escoger hacer esto, David ha traspasado la línea que divide un desafío del masoquismo. Pero parece que la inminente amenaza de fracaso es preferible (según su punto de vista) a realizar un trabajo previsible.»

«Al momento de esta entrevista a David le quedaba menos de una semana hasta que la muestra se colgara en las paredes de la 111 Minna Gallery, como parte de la exposición colectiva de tres artistas "Harum Scarum". No le quedaba otra elección que cambiar, adaptarse y abandonar sus antiguos métodos perfeccionistas. Pasé tiempo documentando y entrevistando a David para obtener información sobre este nuevo cuerpo de obras y cómo el establecer estos tiempos demenciales puede ser un infierno o una forma de romper con viejos hábitos.» [b]

David Ball trabajando / at work © Shaun Roberts 2012

«Las primeras figuras en este conjunto de obras se desarrollaron muy rápido, pero los mensajes entre líneas e intenciones no se desvelan realmente hasta que la obra está acabada.
Es algo interesante porque la obra esencialmente comienza en hueco (y no en el mal sentido). Por ejemplo, una mancha de tinta está completamente hueca, no es más que lo que es, está vacía de significado. Pero si la miras el tiempo suficiente, tu subconsciente intentará llenarla de sentido y puede disparar una emoción bastante pronto.» [c]

David Ball trabajando / at work © Shaun Roberts 2012

SR: ¿Estás intentando crear un significado a través de la organización de diferentes elementos gráficos?

DB: Creo que la mejor comparación es con los collages de palabras del artista Brion Gysin. Él fue uno de los pioneros de esta técnica, y luego William S. Burroughs desarrolló el proceso. Pero básicamente Gysin estaba recortando algo con una navaja utilizando un gran libro como base. Cuando terminó, se dio cuenta de que había cortado un montón de páginas y comenzó a jugar con lo que quedaba. Comenzó a superponer esas varias tiras de palabras al azar para ver qué sucedía. El resultado fue una especie de poesía surrealista que era, a veces, increíblemente efectiva.

Lo que ocurre es que nuestras mentes comienzan a ordenar los elementos que has arrancado de su contexto original y empieza a reorganizarlos. Aparentemente comienzan a tener un propósito y a evocar metáforas o hablar de alguna idea mayor, se desbarata la banalidad porque las ideas que se desarrollan a través del proceso no son obvias. [d]

David Ball trabajando / at work© Shaun Roberts 2012

SR: De alguna manera, alguien viendo una de tus obras terminadas podría desbloquear pensamientos y emociones persistentes ocultos en su subconsciente.

DB: Es algo que encuentro muy curioso, me gusta el discurso entre lo que la gente escoge ver y no ver en mi obra. Parece que la gente que quiere ver oscuridad encontrará todos los componentes oscuros que he utilizado para construir la pieza; la gente que no quiere ver la oscuridad verá los temas primarios, más luminosos. Así que, sí, es tu punto de vista inconsciente y subjetivo el que define el cristal con el que miras la obra. Hay gente que quiere ver una imagen feliz tan desesperadamente que nunca verían los componentes negativos que conforman los personajes, pero si te decides a verlo de cerca, puedes encontrar recortes de un rebaño de ganado que murió de hambre. Por supuesto, en el lado opuesto, también puedo hacer uso de elementos muy positivos para crear personajes negativos. [e]

Piezas de collage / collage pieces© Shaun Roberts 2012

Más sobre Shaun Roberts / More about Shaun Roberts


Este es el último de los teasers de los cuatro creados por Shaun sobre la obra de David para la muestra "Harum Scarum". Los otros pueden verse aquí.
This is the last teaser of the set of four created by Shaun on David's work to "Harum Scarum" show. The rest can be seen here.


Aquí David en sus propias palabras, describiendo el proceso de ver y la manera como el suboconsciente de ambos, artista y espectador, interpretan y traducen la obra que tienen frente a ellos (en inglés).

Here David in his own words, describing his process of seeing and the way the subconscious of both artist and viewer interprets and translates the work before them.
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En este otro video, producido y fotografiado por Shaun, David analiza las motivaciones que subyacen en su conjunto de obras "Moviéndose hacia la luz" (2011).
In this video, produced and photographed by Shaun, David discusses the motivation behind his new body of work "Moving Towards Light" (2011). 



Traducción en inglés / English translation

[a]
Shaun Roberts is a photographer born in Thailand (Bangkok) in 1979. He lives and work in San Francisco, CA.
His work has been featured in Wired.com, Juxtapoz Magazine, The Red Bulletin, Hi-Fructose Magazine, GQ, San Francisco Magazine, The Bold Italic, Wondereur, and Supersonic Electronic and has photographed for the Fine Arts Museums of San Francisco and the Oakland Museum of California.

In David Ball's words:

«Shaun is a genius and there are no shortage of people who would say that. Shaun is keenly observant of his documentary subjects and invests himself in trying to understand what they are about. His sincerity, his artists and the artistic process itself. In the most recent series of promotional teasers for the show Harum Scarum, Shaun put his focus on sharing a sense of the preparatory process of making collages for the show, providing viewers a more involved relationship to the final outcome of the show.»

[b]
Shaun wrote:

«David Ball, a mixed-media artist known for his painstakingly constructed surrealist worlds, set himself a challenge: to create 20 complete 24”x36” canvases—double the amount of his last body of work—in half the time it usually takes. One may be inclined to think that by choosing to do so, David had trespassed the line dividing challenge from masochism. But it seems the looming threat of failure is preferable to making—in his view—predictable work. 

At the time of this interview David has less than a week to go until the show goes up on the walls of 111 Minna Gallery as part of the three person “Harum Scarum” exhibit. He has no choice but to change, adapt, and let go of his formerly perfectionist ways. I spent time documenting and interviewing David to find out about this new body of work and how setting insane deadlines can be a hell of a way to break old habits.»

[c]
«My primary figures in this body of work got developed pretty quickly, but subtext and intent don’t really show up until the work is done.
It’s kind of an interesting thing because the work essentially starts out hollow—and I don’t mean that in a bad way—for example: an inkblot is completely hollow, it’s nothing more than just what it is, it is hollow of meaning. But stare at it long enough, your subconscious will try to fill it with meaning and soon enough it can trigger an emotion.»

[d]
SR: Are you trying to grow meaning from arrangements of distinct graphic elements?

DB: I think the best thing to compare it to is artist Brion Gysin’s cut-up word collages; he was one of pioneers of the technique and then William S. Burroughs went on to develop that process further. But basically Gysin was cutting something out with a blade using a large book as a base. After he was finished he realized he had cut through a bunch of pages and started playing around with the remains, he began slapping these various strips of random words together to see what would happen. The result was this sort of surrealist poetry that was at times, incredibly effective.

What happens is your mind starts to make order from the elements as you remove them from the original context and start rearranging them. They seemingly begin to have purpose and they’ll start to evoke metaphor or speak to some larger idea, it disrupts being trite because the ideas that grow out of the process aren’t obvious.

[e]
SR: In a way, even someone viewing a finished piece of yours could unlock lingering thoughts and emotions tucked away in their subconscious.

DB: That’s something I find very curious, I do like the discourse between what people choose to see and what not to see in my work. It seems people who want to see darkness will find all the dark components I use to build the piece, people who don’t want to see darkness will see the primary, lighter theme. So yes, it’s your unconscious, subjective point of view that colors how you read the work. I’ve had people who wanted to see a happy picture so badly they’d never see the negative components that make up the characters, but if you’re inclined to get closer you may find cutouts of a bunch of cattle that died in a famine. Of course on the opposite side, I can make use of very positive elements to construct negative characters too.

Aniversarios (XVI) [Mayo / May 11-17]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 11 de Mayo es el cumple de

Jean-Baptiste Carpeaux, escultor y pintor francés nacido en 1827. 
Sus primeros estudios fueron con François Rude. Carpeaux entró en la École des Beaux-Arts en 1844 y ganó el Premio de Roma en 1854. Se trasladó a Roma en busca de inspiración. Allí estudió las obras de Michelangelo, Donatello y Verrocchio. Se quedó en Roma entre 1854 y 1861, donde le cogió el gusto al movimiento y la espontaneidad, lo que le unió a los grandes principios del arte barroco. Carpeaux trató temas de la vida real de las calles y rompió con la tradición clásica. 
Mientras fue estudiante en Roma, Carpeaux presentó una versión en yeso de "Pêcheur napolitain a la coquille", a la Academia Francesa. Esculpió la versión en mármol varios años más tarde, presentándola en el Salón de 1863. Fue adquirido por la emperatriz de Napoleón III, Eugenia. La estatua del muchacho sonriente joven se hizo muy popular y Carpeaux creó varias de reproducciones y variantes en mármol y bronce.
Murió en 1875.

"Ugolino y sus hijos / Ugolino and His Sons", mármol / marble, 195,6 cm.
Modelado / modeled ca. 1860-61, ejecutado en mármol / executed in marble 1865-67. 
Metropolitan Museum (New York, Estados Unidos / USA)
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Jean-Léon Gérôme, pintor y escultor francés de estilo academicista, nacido en 1824. El rango de su obra abarca desde pintura histórica, mitología griega, orientalismo, retratos y otros temas, llevando hasta su clímax a la tradición de la pintura académica. Está considerado como uno de los pintores más importantes de este período en su estilo, y además de ser pintor también fue profesor de una larga lista de estudiantes.
Estudió con Paul Delaroche, a quien acompañó a Italia (1843-44). Visitó Florencia, Roma, el Vaticano y Pompeya, pero lo atrajo más el mundo de la naturaleza. Enfermó y se vio obligado a regresar a París en 1844. A su regreso continuó, como muchos otros estudiantes de Delaroche, en el estudio de Charles Gleyre. Murió en 1904.

"Jeunes Grecs faisant battre des coqs / Jóvenes griegos presenciando una pelea de gallos / 
Young Greeks Attending a Cock Fight"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 143 × 204 cm., 1846. Musée d'Orsay (París, Francia / France)

Más sobre Gérôme en "El Hurgador" / More about Gérôme in this blog:


El 12 de Mayo es el cumple de

Josep Lluís Pellicer, dibujante y pintor nacido en Barcelona en 1842. Compaginó su obra como pintor, con su producción gráfica destinada concretamente a la publicación en prensa realizando caricaturas, aunque su trabajo más destacado fue de cronista gráfico en la Tercera Guerra Carlista (1872-1876) y de corresponsal durante la Guerra Ruso-Turca (1877-1878). Sus dibujos bélicos, de un realismo y precisión sorprendentes, eran a menudo realizados en el campo de batalla, a veces incluso en primera línea. Con un trazo fino, detallista y de un realismo vivo, es considerado uno de los principales ilustradores de su época. Murió en 1901.

"Campamento de Las Carreras durante los últimos temporales de lluvia y viento (croquis tomado sobre el terreno en la madrugada del 12 del actual)" [Guerra Carlista] / 
Camp Las Carreras in recent rainstorms and wind (sketches taken on the spot in the early morning of day 12)" [Carlist War], grabado / engraving, 23 x 41 cm., 1874.
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Joachim von Sandrart, historiador del arte y pintor alemán nacido en 1606, activo en Ámsterdam durante la Edad de Oro.
Hacia el año 1615, teniendo nueve o diez años, Sandrart comenzó a formarse como pintor y grabador con Peter Issenburg en Núremberg, con Stosskopf en Estrasburgo y luego con Aegidius Sadeler II en Praga. Después viajó a Utrecht, donde se hizo alumno (1625) de Gerrit van Honthorst, con quien permaneció hasta el año 1629. Conoció a Rubens, y cuando Van Honthorst fue invitado a Inglaterra en 1627, Von Sandrart le acompañó.
Luego Sandrart marchó a Italia. Se hizo allí famoso como retratista.
En 1635, Sandrart volvió a Fráncfort, donde estuvo dos años. En 1637, debido a la guerra de los Treinta Años, estuvo de nuevo en Ámsterdam donde residió hasta 1645. Allí fue bien recibido por la alta sociedad de la ciudad, como conocedor del arte, pintor y marchante.
Se estableció en Núremberg en el año 1649, atraído por la perspectiva de contratos muy ventajosos. Allí vivirá ya el resto de su vida. Murió en 1688.

"Enero / January", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146 x 122 cm., 1642. 
Staatsgalerie im Neuen Schloss / Galería estatal, Palacio Schleissheim / 
State Gallery, New Schleissheim Palace (Schleißheim, Alemania / Germany)


El 13 de Mayo es el cumple de

Georges Braque, pintor y escultor francés nacido en 1882, que fuera junto con Picasso y Juan Gris uno de los tres creadores básicos del cubismo. Creció y estudió en Le Havre, en la Escuela de Bellas Artes (Ecole des Beaux-Arts) desde 1897 hasta 1899. Llegó a París en 1900 donde estudió en la Academia Humbert y a partir de 1903, en la Escuela de Bellas Artes. La exposición fauvista de 1905 le impresionó tanto que se adscribió a este estilo. Durante 1907, la retrospectiva de Cézanne y su amistad con Picasso le hicieron cambiar de estilo. El trabajo de ambos, en estrecha relación, hará surgir y evolucionar al cubismo. Murió el 31 de agosto de 1963 en París.

"Instrumentos musicales / Musical Instruments", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50 x 61 cm., 1908
Kunstmuseum Basel (Basilea, Suiza / Switzerland)

Más sobre Braque en "El Hurgador" / More about Braque in this blog:
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Conrado Domínguez, artista mexicano nacido en 1950 en San Luís Potosí. Definido por Carlos Fuentes como el “pintor de la luz y el sol”, cuenta con más de cuarenta años de trayectoria profesional. Su formación, iniciada en 1965 en la Escuela Nacional de Artes Plásticas se amplió en 1975 al recibir una beca del Gobierno Francés para estudiar en la École Supérieur des Arts Décoratifs - Atelier Rohner; posteriormente se integra al Atelier 17 de grabado con Willian Stanley Hayter en París. De regreso a México en 1979 se ha dedicado a estudiar técnicas y materiales, investigación que le ha permitido crear un estilo propio y característico.

"Birkenau cero", técnica mixta sobre polierutano de alta densidad estrusado / 
mixed media on high density polyurethane extruded, 180 x 131 x 10 cm., 2013


El 14 de Mayo es el cumple de

Antonio Berni, pintor argentino nacido en Rosario en 1905. Hijo de inmigrantes italianos, Berni fue un artista representativo de su época, caracterizado por el fuerte contenido social de su obra, con una galería de personajes entre los que se destacan Juanito Laguna y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajos y olvidados. Su obra estuvo influenciada por los acontecimientos históricos que vivió a lo largo de su vida.
En 1925 consiguió una beca y viajó a Europa donde expuso en el Salón de Madrid y estudió en París con André Lhote y Othon Friesz, en la Academia libre de la calle Grande Chaumiere. Regresó a Argentina y por los años '30 comenzó la etapa del "realismo social" fuertemente implicado con la situación social de su país. Murió en 1981.

"Manifestación / Manifestation", óleo sobre arpillera / oil on burlap, 180 x 250 cm., 1934. 
Colección privada / Private collection (Buenos Aires, Argentina)
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George Grie, artista ruso-canadiense nacido en 1962.
Uno de los primeros artistas digitales surrealistas, Grie es conocido por sus numerosas imágenes 3D, 2D y matte. Nacido en la antigua Unión Soviética, no adoptó el convencional y políticamente correcto estilo artístico socialista.
Las obras de Grie están llenas de imágenes potentes que se basan en el impacto visual. El uso de técnicas fotorrealistas ofrece un fuerte contraste entre la fuente de luz y las tonalidades oscuras, que se aprecia en sus pinturas tempranas, dando a sus trabajos una apariencia gráfica. 
La admiración del artista por la fotografía es la razón por la cual Grie cambió sus preferencias por las bellas artes tradicionales, hacia el arte digital por ordenador.
Sitio web del artista: http://neosurrealismart.com/

"Kali, la Destructora / Kali, The Destroyer"
Adobe Photoshop ®, Adobe Illustrator ®, Autodesk 3ds Max ®, Photo Stock, Junio / June 2005

Más sobre George Grie en "El Hurgador" / More about Grie in this blog:


El 15 de Mayo es el cumple de

Víktor Mijáilovich Vasnetsov (Ви́ктор Миха́йлович Васнецо́в), pintor ruso nacido en 1848 que se especializó en temas mitológicos e históricos. Perfeccionó su arte en San Petersburgo y se dedicó a ilustrar cuentos rusos y bylinas (poemas épicos). 
También fue arquitecto, siendo una de sus edificios más importantes la fachada de la Galería Tretyakov, cercana al Kremlin, la cual tiene la apariencia de un «térem», la casa descrita en los cuentos de hadas rusos.
En 1912 Vasnetsov recibió del emperador Nicolás II un título nobiliario. 
Está considerado co-fundador de la pintura rusa modernista folclorista y romántica, y una figura clave en el movimiento revivalista. Murió en 1926.

"Витязь на распутье / El Caballero en la encrucijada / The Knight at the Crossroads", 1878. 
Museo Estatal Ruso (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)
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Knud Larsen Bergslien, pintor, profesor de arte y Maestro artista noruego nacido en 1827. En su arte frecuentemente retrató la vida de la gente noruega, sus historias y héroes del pasado.
Se alistó en el ejército cuando tenía 18 años, pero sus inusuales dotes para el dibujo pronto fueron noticia. Tras haber sido estudiante en la escuela de dibujo de Hans Reusch en Bergen, continuó sus estudios en el extranjero. Bergslien estudió en Amberes desde 1844-52, en París desde 1850-51 y en Düsseldorf desde 1855-69. Perteneció a la Escuela de pintura de Düsseldorf, y estuvo estrechamente asociado con los artistas Hans Fredrik Gude y Adolph Tidemand.
Hoy, Bergslien está más asociado con sus pinturas históricas. Murió en 1908.

"Birkebeinerne på Ski over Fjeldet med Kongsbarnet / Esquiadores Birkebeiner cruzando la montaña con el Niño Real / 
Skiing Birchlegs Crossing the Mountain with the Royal Child"
The Ski Museum. Holmenkollen (Oslo, Noruega / Norway)


El 16 de Mayo es el cumple de

Tamara de Lempicka, pintora polaca nacida en 1898, reconocida por la belleza de sus retratos femeninos y desnudos estilo art decó.
En 1910 pinta su primer trabajo, el retrato de su hermana. En 1911 viaja a Italia, donde descubre su pasión por el arte. Tras una vida lujosa con su marido hasta la Revolución Rusa, emigró a París en 1923, donde nació su hija, Kizette. Tomó clases de pintura con André Lhote. Más tarde expuso en varias galerías de París, ya en estilo art decó.
En los años '30 vivió en Estados Unidos donde se hizo muy famosa entre la burguesía neoyorquina, exponiendo en varias galerías estadounidenses y europeas. También trabaja con Willem de Kooning y Georgia O'Keeffe. En 1960, Tamara cambia de estilo, pasándose al abstraccionismo. Murió en 1980.

"Dormeuse (Kizette Sleeping) / Durmiente (Kizette durmiendo) / Sleeper (Kizette Sleeping)", detalle / detail
óleo sobre lienzo / oil on canvas, 31 x 41 cm., 1934. Colección privada / Private Collection.

Más sobre Tamara en "El Hurgador" / More about Tamara in this blog:
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Laura Wheeler Waring, artista y educadora afroamericana nacida en 1887, conocida por sus pinturas de prominentes figuras afroamericanas producidas durante el Renacimiento de Harlem.
Su madre era la hija de Amos Noë Freeman, un pastor presbiteriano, y Christiana Williams Freeman, quien había tenido una destacada actividad antiesclavista. Laura se graduó en la Escuela Pública Superior Hartford en 1906 y estudió en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, graduándose en 1914.
Comenzó a atraer la atención sobre sus pinturas durante un viaje a Europa en 1924, que realizó con la novelista Jessie Redmon Fauset. Waring estuvo entre las artistas presentadas en la primera muestra del país dedicada al arte afroamericano, que se llevó a cabo en 1927 en la Fundación William E. Harmon. La misma fundación le encargó realizar retratos de destacadas personalidades afroamericanas.
Su obra pronto comenzó a exhibirse en instituciones estadounidenses. Murió en 1948.

"Anna Washington Derry", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1927


Hoy, 17 de Mayo, es el cumple de

Alfred Joseph Casson, pintor canadiense nacido en 1898, miembro del grupo conocido como "Grupo de los Siete". Destacó por sus pinturas de paisajes, bosques y granjas del sur de Ontario, y por ser el miembro más joven del mencionado grupo.
Dejó el colegio a los 15 años para trabajar como aprendiz en la Compañía de litografías Hamilton. La primera exhibición pública de su trabajo fue en 1917.
Le gustaba mucho la acuarela y en 1925 fundó la Sociedad Canadiense de Acuarelistas con Carmichael y F.H. Bridgen. Murió en 1992.

"Islita / Little Island", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 75,5 x 88,5 cm., 1965. 
Colección privada / Private Collection.
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Sergey Tyukanov, artista ruso nacido en la isla de Sakhalin en 1955, en el pequeño pueblo de Poronaisk, situado en la costa del Océano Pacífico.
Pasó su infancia lejos de la así llamada "civilización", y la única ventana a la realidad que tenía eran sus libros infantiles ilustrados. Ellos se convirtieron en su mundo de cuentos de hadas, un mundo del cual, aún cuando fue creciendo, no ha querido escapar, incluso hoy en día. El arte se ha convertido en su filosofía, su religión y ese mundo de cuentos de hadas donde todas sus fantasías y deseos se hacen realidad. El mundo de los pinceles, lápices, acuarelas y variedad de botellas con tintas y pinturas, a las que ama incondicionalmente, se han convertido para él en un teatro donde organiza todo en un orden específico propio y crea un espectáculo para divertirse a sí mismo. En este teatro, él es el director, actor y espectador al mismo tiempo.
Sitio web del artista: http://www.tyukanov.com/

"#2, Eophrinus Prestwichi", grabado / etching, 10,6 x 10,6 cm., 1985

Más sobre Tyukanov en "El Hurgador" / More about Tyukanov in this blog:


Textos en inglés / English translation

* On May 11 is the birthday of

Jean-Baptiste Carpeaux, French sculptor and painter born in 1827.
his early studies were under François Rude. Carpeaux entered the École des Beaux-Arts in 1844 and won the Prix de Rome in 1854, and moving to Rome to find inspiration, he there studied the works of Michelangelo, Donatello and Verrocchio. Staying in Rome from 1854 to 1861, he obtained a taste for movement and spontaneity, which he joined with the great principles of baroque art. Carpeaux sought real life subjects in the streets and broke with the classical tradition.
While a student in Rome, Carpeaux submitted a plaster version of Pêcheur napolitain à la coquille, the Neapolitan Fisherboy, to the French Academy. He carved the marble version several years later, showing it in the Salon exhibition of 1863. It was purchased for Napoleon III's empress, Eugènie. The statue of the young smiling boy was very popular, and Carpeaux created a number of reproductions and variations in marble and bronze.
He died in 1875.

Jean-Léon Gérôme, french painter and sculptor in the style now known as Academicism, born in 1824. The range of his oeuvre included historical painting, Greek mythology, Orientalism, portraits and other subjects, bringing the Academic painting tradition to an artistic climax. He is considered one of the most important painters from this academic period, and in addition to being a painter, he was also a teacher with a long list of students.
He studied under Paul Delaroche, whom he accompanied to Italy (1843–44). He visited Florence, Rome, the Vatican and Pompeii, but he was more attracted to the world of nature. Taken by a fever, he was forced to return to Paris in 1844. On his return he followed, like many other students of Delaroche, into the atelier of Charles Gleyre.
He died in 1904.

* On May 12 is the birthday of

Josep Lluís Pellicer, draftsman and painter born in Barcelona in 1842. He combined his work as a painter, with his graphic production designed specifically for publication in the press by making cartoons, but his most remarkable work was graphic chronicler in the Third Carlist War (1872 - 1876) and correspondent during the Russian-Turkish War (1877-1878). His war drawings, a startling realism and accuracy, were often made ​​on the battlefield, sometimes on the front line. With a fine line, detail and realism of a live performance, is considered one of the main illustrators of his time. He died in 1901.

Joachim von Sandrart, German art historian and painter born in 1606, active in Amsterdam during the Golden Age.
By the year 1615, having nine or ten years old, Sandrart began his training as a painter and engraver with Peter Issenburg in Nuremberg, with Stosskopf in Strasbourg and then with Aegidius Sadeler II in Prague. He then traveled to Utrecht, where become student (1625) of Gerrit van Honthorst. With him remained until 1629. He met Rubens and when Van Honthorst was invited to England in 1627, Von Sandrart accompanied him.
Sandrart then went to Italy where became famous as a portraitist.
In 1635 Sandrart returned to Frankfurt, where he spent two years. In 1637, due to the Thirty Years War, was back in Amsterdam where he lived until 1645. There he was well received by the high society of the city, as a connoisseur of art, painter and art dealer .
He was established in Nuremberg in 1649, attracted by the prospect of very advantageous contracts. There he lived the rest of his life. He died in 1688.

* On May 13 is the birthday of

Georges Braque, French painter and sculptor born in 1882, along with Picasso and Juan Gris one of the three basic creators of Cubism. He grew up and studied at Le Havre, in the Ecole des Beaux-Arts -School of Fine Arts- from 1897 to 1899. Came to Paris in 1900 where he studied at the Humbert Academy and from 1903 at the School of Fine Arts. The Fauvist exhibition of 1905 was so impressed that was attached to this style. During 1907, the Cézanne retrospective and his friendship with Picasso made ​​him change his style. Their work in close relationship will emerge and evolve to Cubism. He died on August 31, 1963 in Paris.

Conrado Dominguez, Mexican artist born in 1950 in San Luis Potosi. Defined by Carlos Fuentes as the "painter of light and sun", his professional trajectory spans more than forty years. His training, which began in 1965 at the National School of Visual Arts, was broadened in 1975 when he received a scholarship from the French government to study at the Atelier Rohner - École Supérieur des Arts Décoratifs. Later, he joined the Atelier 17 engraving studio of Stanley William Hayter in Paris. Upon his return to Mexico in 1979, he has done research on techniques and materials, which has allowed him to create a style of his own that is highly original.

* On May 14 is the birthday of

Antonio Berni, Argentine painter born in Rosario in 1905. Son of Italian immigrants, Berni was a representative artist of his time, characterized by strong social content of his work, with a gallery of characters, among them Juanito Laguna and Ramona Montiel, representing the lowest and forgotten sectors. His work was influenced by the historical events that lived throughout his life. 
In 1925 won a scholarship and traveled to Europe where he exhibited at the Salon de Madrid and studied in Paris with André Lhote and Othon Friesz, in the free Academy in Grande Chaumiere Street. He returned to Argentina and around '30s he began the stage of "social realism" heavily involved with the social situation of his country. He died in 1981.

George Grie, Russian-Canadian artist born in 1962.
One of the first digital surrealism artists, Grie is known for numerous 3D, 2D, and matte painting images. Born in the USSR during the Soviet regime he did not adopt the conventional and politically correct socialist realism art style.
Grie's artworks are full of strong and powerful images which rely on a visual impact. Use of a photo realistic technique giving a firm contrast between the light source and dark tonality, which can be seen in his early paintings, gives his artworks a graphical appearance.
There is a stillness in his themes conveying a sense of inner-reflection and self-observation. The artist’s admiration for photography is the reason why Grie has shifted his artistic preferences from traditional fine art towards computer digital art.

* On May 15 is the birthday of

Viktor Mikhailovich Vasnetsov (Ви́ктор Миха́йлович Васнецо́в), Russian painter born in 1848 who specialized in mythological and historical subjects. He perfected his art in St. Petersburg and devoted himself to illustrating Russian and bylinas -epic stories. 
He was also an architect, and one of his most important buildings was the facade of Tretyakov Gallery, near the Kremlin, which has the appearance of a 'Terem' house 
described in Russian fairy tales. 
In 1912 Vasnetsov received a peerage of Emperor Nicholas II. 
He is considered the co-founder of Russian folklorist and romantic modernist painting and a key figure in the revivalist movement. He died in 1926.

Knud Larsen Bergslien, Norwegian painter, art teacher and master artist born in 1827. In his art, he frequently portrayed the lives of the Norwegian people, their history and heroes of the past.
He enlisted the army when he was 18 years old, but his unusual gift for drawing was soon noticed. After having been a student at the artist Hans Reusch's school of drawing in Bergen, he continued his studies abroad. Bergslien studied in Antwerpen from 1844 to 1852, in Paris from 1850 to 1851 and Düsseldorf from 1855 to 1869. He belonged to the Düsseldorf school of painting and was closely associated with artists Hans Fredrik Gude and Adolph Tidemand.
Today, Bergslien is most associated with his historical paintings. He died in 1908.

* On May 16 is the birthday of

Tamara de Lempicka, Polish painter born in 1898, known for the beauty of her female portraits and nudes art deco. 
In 1910 paints her first work, a portrait of her sister. In 1911 she traveled to Italy, where she discovered her passion for art. After a luxurious life with her ​​husband until the Russian Revolution, emigrated to Paris in 1923, where her daughter Kizette was born. He took painting lessons with André Lhote. Later already in Art Decó style, she exhibited in various galleries in Paris. 
In the '30s she lived in the United States where she became very famous among the New York bourgeoisie, showing her work in several U.S. and European galleries. She also worked with Willem de Kooning and Georgia O'Keeffe. In 1960, Tamara change of style, running to abstraction. She died in 1980.

Laura Wheeler Waring, African-American artist and educator born in 1887, best known for her paintings of prominent African Americans produced during the Harlem Renaissance.
Her mother was a daughter of Amos Noë Freeman, a Presbyterian minister, and Christiana Williams Freeman, who had been prominent in anti-slavery activities. Laura graduated from Hartford Public High School in 1906 and studied at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts, graduating in 1914.
She began to draw attention to her paintings during a 1924 European trip, when she traveled with novelist Jessie Redmon Fauset. Waring was among the artists displayed in the country's first art exhibition dedicated to African-American art, held in 1927 by the William E. Harmon Foundation. She was commissioned by the Harmon Foundation to do portraits of prominent African Americans.
Her work was soon displayed in American institutions. She died in 1948.

* Today, May 17, is the birthday of

Alfred Joseph Casson, Canadian painter born in 1898, member of the group known as "Group of Seven". Noted for his paintings of landscapes, forests and farms of southern Ontario, and for being the youngest member of this group. 
He left school at 15 to work as an apprentice in the company of lithographs Hamilton. The first public exhibition of his work was in 1917. 
He enjoyed watercolor and in 1925 founded the Canadian Society of Watercolorists with Carmichael and FH Bridgen. He died in 1992.

Sergey Tyukanov, Russian artist born on the island Sakhalin in 1955, in a small town Poronaisk, situated on the coast of the Pacific Ocean. 
He spend his childhood far away from the so-called "civilization" and the only window to the reality that he had were childrens' illustrated books. They became his fairy tale world which, although he have grown up, he don't want to depart with even today. Art has become his philosophy, his religion, and that fairy tale world where all his fantasies and wishes come true. The world of brushes, pencils, watercolors, and miscellaneous bottles with inks and paints, which he endlessly love, have become for him a theatre, where he organize everything in his specific order and create a spectacle to amuse himself. In this theatre he's the director, the actor and the viewer at the same time.
Artist's website: http://www.tyukanov.com/

Aniversarios, Fotografía (XVI) [Mayo / May 12-18]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 12 de Mayo es el cumple de

Guy Le Querrec, fotógrafo y cineasta francés nacido en 1941, destacado por sus imágenes de músicos de jazz. Es miembro de la agencia Magnum.
Le Querrec tomó sus primeras fotografías siendo un adolescente, utilizando una Ultraflex, y compró su primera cámara, una Fotax usada, en 1955. Tomó sus primeras fotografías de músicos de jazz en Londres a fines de los '50. Tras servir en el ejército, se hizo profesional en 1967, y trabajó como editor de imágenes y fotógrafo para la revista Jeune Afrique en el África francófona, incluyendo Chad, Camerún, Niger y la República Centroafricana. En 1971 entregó sus archivos a la agencia Vu, fundada por Pierre de Fenoyl, y luego co-fundó la agencia Viva. En 1976 dejó Viva y se unió a Magnum Photos.
A fines de los '70 comenzó a dirigir películas, trabajando con Robert Bober. Ha viajado a China, documentado a los indios americanos, así como la Revolución de los Claveles, en Portugal. También ha enseñado en varios talleres en Francia.

"Ray Charles", París, 1969

Más sobre Ray Charles en "El Hurgador" / More about Ray Charles in this blog:
[Ziliotto, Greban, Calcinaro, Niños chinos], [Blues & Jazz / Black & White (V)], [Blues & Jazz / Black & White (VII)]


El 13 de Mayo es el cumple de

Jan Saudek, fotógrafo y pintor checo nacido en 1935 en Praga.
Tras completar su servicio militar, se sintió inspirado en 1963 por el catálogo de una exposición de Steichen "Family of Man (La familia del hombre)", y se tomó en serio la fotografía. En 1969 viajó a los Estados Unidos y fue animado por el curador Hugh Edwards.
Su obra más conocida se caracteriza por sus retratos pintados a mano de mundos oníricos, a menudo habitados por figuras desnudas o semi-desnudas, rodeadas por paredes desnudas de yeso o fondos pintados, frecuentemente reutilizando elementos idénticos (por ejemplo, un cielo nuboso o una vista del puente de Carlos en Praga). En estas obras emula las obras de estudio y cuadros de los fotógrafos eróticos el s.XIX, así como las obras del pintor Balthus y el trabajo de Bernard Faucon.

"Estra estrella es mía / This Star Is Mine", 1975

Más sobre Saudek en "El Hurgador" / More about Saudek in this blog:


El 14 de Mayo es el cumple de

Jan Töve Johannson, fotógrafo paisajista, publicista, escritor y profesor sueco nacido en 1958.
Töve ha ganado varios premios en la competición "Fotógrafo de vida salvaje del año", de la BBC Wildlife y el Museo de Historia Natural.
En 1995 obtuvo el premio "Fotógrafo nórdico del año" (Årets nordiska naturfotograf), otorgado por la revista de fotografía sueca "Foto". En 2003 obtuvo el premio "Fotógrafo de naturaleza del año", concedido por la Agencia de Protección Ambiental de Suecia.
Su primer libro "Reflexiones (Speglingar), se publicó en 1996 y muestra varios cambios estacionales en la naturaleza.
Sitio web del artista: http://www.jantove.com/

"Cottongrass", Jotunheimen, Noruega / Norway


El 15 de Mayo es el cumple de

Richard Avedon, fotógrafo de modas y retratista estadounidense nacido en 1923.
En 1944, Avedon comenzó a trabajar como fotógrafo publicitario para una tienda, pero pronto fue fichado por Alexey Brodovitch, el director artístico de la revista de modas Harper's Bazaar. En 1945 sus fotografías comenzaron a aparecer en Junior Bazaar y, un año después, en Harper's Bazaar.
Además de continuar con su trabajo en la moda, para 1960 Avedon volvió su vista y energías hacia los retratos de estudio de trabajadores por los derechos humanos, políticos y disidentes culturales de diversas tendencias, en una América fracturada por la discordia y la violencia. Comenzó a diversificarse y fotografió pacientes de los hospitales psiquiátricos, el Movimiento de Derechos Civiles en 1963, los manifestantes de la guerra de Vietnam, y más tarde de la caída del Muro de Berlín.
Avedon siempre estuvo interesado en cómo el retrato captura la personalidad y alma del sujeto. Cuando su reputación como fotógrafo se hizo ampliamente conocida, trajo varios rostros famosos a su estudio, y los fotografió con una cámara de 8 x 10, de gran formato. Entre sus modelos estuvieron Buster Keaton, Marian Anderson, Marilyn Monroe, Ezra Pound, Isak Dinesen, Dwight D. Eisenhower y Andy Warhol. He died in 2004.

"Dovima", Cirque d'Hiver, Paris, 1955


El 16 de Mayo es el cumple de

Juan Rulfo, escritor, guionista y fotógrafo mexicano nacido en 1917. Uno de los más estimados autores latinoamericanos, la reputación de Rulfo se basa en dos pequeños libros: la novela "Pedro Páramo" (1955) y "El llano en llamas" (1953), una colección de historias cortas. Quince de esas 17 historias fueron traducidas al inglés y publicadas como "El llano en llamas y otros relatos". Esta colección incluye la admirada "¡Diles que no me maten!".
Desde 1946 también se dedicó a la fotografía, terreno en el que logró composiciones notables.
La Fundación Juan Rulfo, formada por la familia del autor después de su muerte, conserva más de 6000 negativos de sus fotografías. Rulfo murió en 1986.

"Campesinos de / Peasants of Oaxaca"


El 17 de Mayo es el cumple de

Dennis Lee Hopper, actor, cineasta, fotógrafo y artista estadounidense nacido en 1936. De joven, Hopper se interesó por la actuación, y eventualmente se convirtió en estudiante del Actors Studio. Hizo su primera aparición en televisión en 1954, y en dos films con James Dean: "Rebelde sin causa" (1955) y "Gigante" (1956). Durante los siguientes 10 años, Hopper apareció frecuentemente en televisión como artista invitado, y para fines de los '60 había trabajado como actor de reparto en varias películas.
Condenado al ostracismo por los estudios de Hollywood debido a su reputación de actor "difícil", Hopper se volvió hacia la fotografía en los '60 con una cámara Nikon que le compró su primera esposa, Brooke Hayward. Durante este período creó la portada para el single de Tina Turner "River Deep - Mountain High", lanzado en 1966. Se convertiría en un fotógrafo prolífico, y el destacado escritor Terry Southern quien hizo un perfil de Hopper en la revista "Better Homes and Gardens" como un emergente fotógrafo "para observar" a mediados de los '60. La fotografía temprana de Hopper es conocida por sus retratos de los '60, y comenzó a retratar también para Vogue y otras revistas. Murió en 2010.

"Retrato de / Portrait ofMarlon Brando"

Más sobre Marlon Brando en "El Hurgador" / More about Marlon Brando in this blog:
[Aniversarios Fotografía (VIII)]


Hoy, 18 de Mayo, es el cumple de

Martin Munkácsi (Mermelstein Márton), fotógrafo húngaro nacido en 1896 que trabajó en Alemania (1928-34) y los Estados Unidos, con residencia en Nueva York.
Munkácsi era escritor en periódicos y fotógrafo en Hungría, especializado en deportes. Por aquél entonces la fotografía de acción de deportes sólo era posible al aire libre, en sitios muy iluminados. Su innovación fue hacer fotografías de deportes en acción, tan meticulosamente compuestas que requerían habilidades tanto artísticas como técnicas.
Su legendaria gran oportunidad le llegó gracias a una pelea fatal que fotografió. Sus fotos afectaron el resultado del juicio para el asesino acusado, y le dieron al artista considerable notoriedad. Esto le ayudó a conseguir trabajo en Berlín, en 1928, para el Berliner Illustrierte Zeitung, donde la primera foto que publicó fue de un coche de carreras salpicando al atravesar un charco. También trabajó para la revista de modas "Die Dame". Murió en 1963.

"La saltadora de charcos / The Puddle Jumper", 1936


Textos en inglés / English translation

* On May 12 is the birthday of

Guy Le Querrec, French photographer and filmmaker born in 1941, noted for his images of jazz musicians. He is a member of Magnum Photos.
Le Querrec took his first photographs as a teenager using an Ultraflex and bought his first camera, a used Fotax in 1955. He shot his first pictures of jazz musicians in London in the late 1950s. After having served in the army, he became a professional in 1967, and then worked as a picture editor and photographer for Jeune Afrique magazine, working in francophone Africa, including Chad, Cameroon, Niger, and Central African Republic. In 1971 he gave his archives to Vu (photo agency), founded by Pierre de Fenoyl and then co-founded Viva (photo agency). In 1976, he left Viva and joined Magnum Photos.
In the late 1970s he began directing films, working with Robert Bober. In 1983 at the Rencontres d'Arles he experimented with projecting images while a jazz quartet played.
Besides having photographed numerous jazz festivals and African subjects, Le Querrec has traveled to China and documented American Indians. He has documented the Carnation Revolution in Portugal. He has also taught many photography workshops in France.

* On May 13 is the birthday of

Jan Saudek, Czech art photographer and painter born in 1935 in Prague.
After completing his military service, he was inspired in 1963 by the exhibit catalogue of Steichen's Family of Man to try to become a serious art photographer. In 1969 he traveled to the United States and was encouraged by curator Hugh Edwards.
His best-known work is noted for its hand-tinted portrayal of painterly dream worlds, often inhabited by nude or semi-nude figures surrounded by bare plaster walls or painted backdrops, frequently re-using identical elements (for instance, a clouded sky or a view of Prague's Charles Bridge). In this they echo the studio and tableaux works of mid nineteenth century erotic photographers, as well as the works of the painter Balthus, and the work of Bernard Faucon. 

* On May 14 is the birthday of

Jan Töve Johannson, Swedish landscape photographer, publicist, writer and lecturer born in 1958.
Töve has won several awards in the Wildlife Photographer of the Year competition, owned by BBC Wildlife and The Natural History Museum.
In 1995 he was awarded the title Årets nordiska naturfotograf (Nordic Photographer of the Year) by the Swedish photography magazine Foto. Several years later he was also awarded the Årets naturfotograf 2003 (Nature Photographer of the Year, 2003) by the Swedish Environmental Protection Agency. His first book, Speglingar (Reflections), was published in 1996 and depicts various seasonal changes in the nature.
Artist's website: http://www.jantove.com/

* On May 15 is the birthday of

Richard Avedon, American fashion and portrait photographer born in 1923.
In 1944, Avedon began working as an advertising photographer for a department store, but was quickly endorsed by Alexey Brodovitch, the art director for the fashion magazine Harper's Bazaar. In 1945 his photographs began appearing in Junior Bazaar and, a year later, in Harper's Bazaar.
In addition to his continuing fashion work, by the 1960s Avedon had turned his energies toward making studio portraits of civil rights workers, politicians and cultural dissidents of various stripes in an America fissured by discord and violence. He began to branch out and photographed patients of mental hospitals, the Civil Rights Movement in 1963, protesters of the Vietnam War, and later the fall of the Berlin Wall.
Avedon was always interested in how portraiture captures the personality and soul of its subject. As his reputation as a photographer became widely known, he brought in many famous faces to his studio and photographed them with a large-format 8x10 view camera. His subjects include Buster Keaton, Marian Anderson, Marilyn Monroe, Ezra Pound, Isak Dinesen, Dwight D. Eisenhower, Andy Warhol. He died in 2004.
In Wiki: http://en.wikipedia.org/wiki/Richard_Avedon

* On May 16 is the birthday of

Juan Rulfo, Mexican writer, screenwriter and photographer born in 1917. One of Latin America's most esteemed authors, Rulfo's reputation rests on two slim books, the novel Pedro Páramo (1955), and El Llano en llamas (1953), a collection of short stories. Fifteen of these seventeen short stories have been translated into English and published as The Burning Plain and Other Stories. This collection, includes his admired tale "¡Diles que no me maten!" ("Tell Them Not to Kill Me!").
From 1946 was also dedicated to the photographic work, in which he achieved notable compositions. 
The Fundación Juan Rulfo, formed by the author's family after his death, holds more than 6,000 negatives of his photographs. He died in 1986.

* On May 17 is the birthday of

Dennis Lee Hopper, American actor, filmmaker, photographer, and artist born in 1936. As a young man, Hopper became interested in acting and eventually became a student of the Actors Studio. He made his first television appearance in 1954 and appeared in two films featuring James Dean, Rebel Without a Cause (1955) and Giant (1956). During the next ten years, Hopper appeared frequently on television in guest roles, and by the end of the 1960s had played supporting roles in several films.
Ostracized by the Hollywood film studios due to his reputation for being a "difficult" actor, Hopper eventually turned to photography in the 1960s with a Nikon camera bought for him by his first wife, Brooke Hayward. During this period he created the cover art for the Ike & Tina Turner single River Deep – Mountain High (released in 1966). He would become a prolific photographer, and noted writer Terry Southern profiled Hopper in Better Homes and Gardens magazine as an up-and-coming photographer "to watch" in the mid-1960s. Hopper's early photography is known for portraits from the 1960s, and he began shooting portraits for Vogue and other magazines. He died in 2010.

* Today, May 18, is the birthday of

Martin Munkácsi (Mermelstein Márton), Hungarian photographer born in 1896 who worked in Germany (1928-34) and the United States, where he was based in New York City.
Munkácsi was a newspaper writer and photographer in Hungary, specializing in sports. At the time, sports action photography could only be done in bright light outdoors. His innovation was to make sports photographs as meticulously composed action photographs, which required both artistic and technical skill.
Munkácsi's legendary big break was to happen upon a fatal brawl, which he photographed. Those photos affected the outcome of the trial of the accused killer, and gave Munkácsi considerable notoriety. That notoriety helped him get a job in Berlin in 1928, for the Berliner Illustrirte Zeitung, where his first published photo was a race car splashing its way through a puddle. He also worked for the fashion magazine Die Dame.


Nido de Urraca / Magpie's Nest (IV)

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Pierre Carreau
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Toda la fuerza y belleza del mar fotografiado por Pierre Carreau. Impresionantes imágenes en las que las olas, congeladas en el tiempo, adquieren la solidez de esculturas; el agua se convierte en vidrio, y la espuma en mármol...

All the beauty and strength of the sea photographed by Pierre Carreau. Stunning images on which the waves, frozen in time, acquire the solidity of sculptures. The water turns to glass, and foam becomes marble...
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Multiwave #2047 © Pierre Carreau

Pierre Carreau nació en 1972 cerca de París, y se crió rodeado de influencias artísticas en una familia en la que había un fotógrafo, escultores y pintores. Tal vez como reacción a estas sutiles presiones, escogió inicialmente seguir un camino diferente y se graduó en la universidad en negocios. Pero como su alma de artista no podía ser reprimida, tras algunos años trabajando en la industria IT, Carreau regresó a sus raíces convirtiéndose en fotógrafo profesional.

Macrowave #8750 © Pierre Carreau

Un amor de larga data por los océanos y los deportes acuáticos, le llevó a fotografiar para revistas de surf y kite-surf, pero el agua misma captó su imaginación artística y se convirtió en el génesis de "AquaViva". En 2004 Pierre se mudó con su esposa e hijos a la isla caribeña de San Bartolomé. Este pequeño paraíso es ahora el estudio al aire libre de Carreau, donde las sutiles variaciones de la luz del sol tropical y la infinitamente cambiante alma del mar se han convertido en los sujetos para sus visiones. 

Multiwave #2014 © Pierre Carreau

Born in 1972 near Paris, Pierre Carreau grew up surrounded by artistic influences in a family that included a photographer, sculptors and painters. Perhaps in reaction to this subtle pressure, he chose initially to pursue a different path and graduated from university with a degree in business. Yet the soul of the artist would not be repressed, and after a number of years working in the IT industry, Carreau returned to his roots and became a professional photographer.

Waterpower #9121 © Pierre Carreau

A long-held love of the ocean and water-sports led him to work photographing action shots for surf and kite-surf magazines, but the water itself eventually captured his artistic imagination and became the genesis of AquaViva. In 2004 Pierre moved with his wife and children to the Caribbean island of St. Barthélemy. This small paradise has become Carreau’s open-air studio, where the subtle variations of light from the tropical sun and the endlessly changing soul of the sea become the subjects of his vision.

Waterpower #3883 © Pierre Carreau

Más imágenes e información sobre Pierre y su obra / More images and information about Pierre and his work:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Pierre!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Pierre!)
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Si te gustó la obra de Pierre, tal vez te guste / If you liked Pierre's work, you may also like:

Ran Ortner [Ran Ortner (Pintura)]
Charles E. Williams II [Charles Williams (Pintura)]
Eric Zener [Eric Zener (Pintura)], [Manos a la obra (XVI)]


Saimen Lee

"Brachiosaurus"
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Saimen Lee
Saimen Lee es un ilustrador nacido en Kota Bahru, Malasia.
"Si no puedes convencerlos, confúndelos", dice Saimen Lee, que parece tomarse todo con mucho humor.
Graduado en un curso de ilustración, ama el skate, el arte y la música. Trabaja en ilustración, caricaturas y diseño gráfico.
Sus diseños son geométricos, minimalistas y muy efectivos. Aquí tienen esta bonita serie de esqueletos de dinosaurios realizados con cañerías, pero pueden ver más de su trabajo en los links adjuntos.

Saimen Lee is an illustrator born in Kota Bahru, Malaysia.
"If you can't convince them, confuse them", is what it says Saimen Lee, who seems to take everything with a lot of humor.
Graduated in illustration course, love skate, art and music. He works in illustration, cartooning, graphic design.
His designs are geometrical, minimalistic and very effective. Here you have this nice series of dinosaur skeletons designed with pipes, but you can see more of his work in the links below.
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"Parasaurolophus"

"Spinosaurus"

"Stegosaurus"

Más trabajos de Saimen Lee en / More works by Saimen Lee in


Richard A. Moore III

"Human Bee-Ing"
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Richard A. Moore III

Richard A. Moore III es un escultor estadounidense nacido en Portland, que crea extrañas y hermosas criaturas híbridas, y singulares retratos de curiosos seres. Estudió en la Universidad Estatal de Portland y en la Escuela Superior Tigard.
«El centro de mi expresión artística durante los últimos 15 años, más o menos, ha sido la escultura. Primero trabajo en arcilla y/o cera, todo será eventualmente fundido en bronce. El fundido en bronce, sin embargo, es una empresa muy costosa (de ahí el término "inversión en fundición"), así que una buena parte de mi obra aquí aún está en su forma original de arcilla o cera. En el último año también he vuelto a hacer más dibujos. Y de ahí surgió mi deseo de comenzar a tatuar, aún cuando el tatuaje es para mí más una forma de hacer dinero que de expresión artística. Como pueden ver, varias de mis esculturas tienen dibujos asociados, de los cuales hay impresiones disponibles.»
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"Octohandy", bronce / bronze

"Jellerina", dibujo / drawing - escultura en cera y arcilla / sculpture in wax and clay

«Esta es la segunda versión de mi híbrido medusa/bailarina. La primera era mucho más pequeña, y no tan fluida. También fue la primera escultura que hice utilizando cera en la parte superior, para un máximo de detalle, y arcilla en la mitad inferior para la fluidez.»

«This is the second version of my jellyfish/ballerina hybrid. The first was much smaller, and not as fluid. This was also the first sculpture I made using wax on the upper half, for maximum detail, and clay on the lower half for fluidity.»

"Estoy tan hambriento / I'm so hungry"

Richard A. Moore III is an American sculptor born in Portland. He creates strange and beautiful hybrid creatures and singular portraits of curious beings. He studied in the Portland State University and the Tigard High School.
«My main focus of artistic expression over the last 15 years or so, has been sculpture. I primarily work all in clay and/or wax, all of which eventually will be cast in bronze. Bronze casting, however is a very expensive endeavour (hence the term "investment casting"), so a good portion of my work here on the site remains in its original clay or wax form. Over the last year or so, I have also begun to get back to doing more drawing. And from that, sprang my desire to start tatooing, even though tatooing is more a way to make money than artistic expression for me. As you will see, a number of my sculptures have primarily drawings associated with them, of which prints are available.»

"No me hagas... / Don't make me..."

Más obras de Richard en / More works by Richard in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Rick!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Rick!)


Gilles Cenazandotti

"Babouin / Babuino / Baboon"
Materiales recogidos de las playas / materials collected from the beaches, 87 x 40 x 105 cm., 2012
© Gilles Cenazandotti, Galerie 13 Jeannette Mariani

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Gilles Cenazandotti

Gilles Cenazandotti es un artista francés nacido en Bastia (Córcega) en 1966, que ha dado un nuevo giro a la expresión "La basura de un hombre es el tesoro de otro".
Crea sus fantásticas esculturas con restos que encuentra en las playas. Él criba las zonas costeras buscando materiales de deshecho para crear sus esculturas de especies amenazadas. Están cuidadosamente ensambladas y presentan diferentes tonos del mismo color.
Como el artista escribió:
«Como las especies ven su espacio vital reducido, desapegadas de lo natural y varadas en lo desconocido, lugares irreconocibles, parecen abrazar la mutación.
Las playas de plástico abren así un nuevo espacio para la reflexión sobre el futuro de nuestro planeta y la evolución de la vida, la sociedad de sobreconsumo, el desafío de los recursos naturales y la destrucción de las especies.»
Gilles también fotografía sus esculturas en entornos naturales para evidenciar aún más estos contrastes.
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"Loup / Lobo / Wolf"
Materiales recogidos de las playas / materials collected from the beaches, 90 x 50 x 150 cm., 2012
© Gilles Cenazandotti, Galerie 13 Jeannette Mariani

"Panthére / Pantera / Panther"
Materiales recogidos de las playas / materials collected from the beaches
© Gilles Cenazandotti, Galerie 13 Jeannette Mariani

"Orso"© Gilles Cenazandotti, Galerie 13 Jeannette Mariani
Impresión sobre papel metal Kodak, laminado sobre panel Dibond / 
print on metal paper Kodak, laminated on Dibond panel, 53 x 80 cm., 2012

Gilles Cenazandotti is a French artist born in Bastia (Corsica) in 1966 that has put a new spin on the saying 'One man's trash is another man's treasure'.
He creates this fantastic animal sculptures with beach litter. He scours the seaside looking for discarded items to create his sculptures of endangered species.
The sculptures are carefully ensambled and shows different shades of the same colour.
As the artist wrote:
«As the species see their living space diminish, attached to nothing natural and stranded in unknown, unrecognizable places, they seem to embrace mutation.
The plastic beach thus opens as a place for reflection on the future of our planet and the evolution of life, the society of overconsumption, the challenge of nature and resources, and the destruction of species.»
Gilles also photograph their sculptures in natural settings to further demonstrate these contrasts.

"Ours Polaire / Oso polar / Polar Bear"
Materiales recogidos de las playas / materials collected from the beaches, 250 x 125 x 147 cm., 2012
© Gilles Cenazandotti, Galerie 13 Jeannette Mariani

Imágenes publicadas con autorización (¡Muchas gracias, Jeannette Mariani [Galerie 13])
Gracias también a Ana por el descubrimiento.
Images published here with permission (Thanks a lot, Jeannette Mariani, [Galerie 13])
Thanks also to Ana for the dicovery.


 Dan Mountford


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Dan Mountford
Dan Mountford es un joven diseñador gráfico freelance y fotógrafo inglés, criado en Bedfordshire. Actualmente reside en Brighton.
Su obra más reconocible es una serie de fotografías de doble exposición, descritas por él como "un viaje visual a través de nuestras mentes, ordenado y calmo, que la realidad de la vida cotidiana no nos muestra."
Dan ha estado trabajando como freelance durante varios años para importantes clientes de todo el mundo, y ha realizado una exposición en París, en la Gallerie Florence Leoni.
En estas imágenes, no hay Photoshop. Las exposiciones se han creado exclusivamente con la cámara. El trabajo de post-producción ha consistido en cambios de tono, quitar algunas manchas y agregar algún vector.

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Dan Mountford is an young English freelance graphic designer and photographer, raised in Bedfordshire. Nowadays he's based in Brighton. 
His most recognized work is a series of double exposure photography, described by him as “a visual journey through our minds by calm and tidy means which the reality of everyday life does not show”. 
Dan has been working freelance for several years with notable clients from around the world and held a solo exhibition in Paris, France, at the Gallerie Florence Leoni.
In this images, no Photoshop are involved. The exposures are created entirely by camera. Post production work consisted of a change in tone, the removal of odd blemishes & the addition of some vector.



Más sobre Dan en / More about Dan in

Si te gustó el trabajo de Dan, tal vez te guste / If you enjoyed Dan's work, maybe you'll like
Christoffer Relander[Christoffer Relander (Fotografía)]

Prateep Kochabua [Pintura]

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Prateep Kochabua

ประทีป คชบัว



Prateep Kochabua es una notable artista tailandés nacido en Bangkok en 1962. Obtuvo su licenciatura en Pintura en la Facultad de Bellas Artes, Universidad de Silpakorn.
Entre 1984 y 1992 trabajó como director artístico en una agencia de publicidad.
Desde 2005 ha expuesto su obra muy a menudo, especialmente en Tailandia y Japón.

"ภาพหนึ่งในชุด การเดินทางสู่โลกหน้า / Viaje al próximo mundo IV / Journey to the Next World IV"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 260 cm., 2007

"ช้างเท้าหลัง / A su entera disposición / At Your Beck and Call"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 105 x 145 cm.

"เหนือฟ้ายังมีฟ้า / Más allá del poder / Beyond the Power"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 90 x 120 cm., 2006

Prateep nació en el año del tigre, y su apellido, Kochabua, significa "elefante, loto", así que tanto el animal como la planta juegan roles clave en su arte. En su autorretrato de 2010 "Yo / Myself", Prateep es un tigre con un babuino cabalgando alegremente en su espalda. La implicación es la vida en armonía.
«He pintado más de 100 tigres, y creo que mis animales son más bellos que los de verdad - bromea Prateep -. El estilo surrealista me permite extender o comprimir los límites normales, pero tiene que ajustarse para asegurar el realismo. Me gusta proyectar cosas fantásticas, del mundo de los sueños y misteriosas, y este estilo encaja en mis objetivos.»

"Tierra de los sueños III / Dream Land III", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 80 x 80 cm., 2013

Izq./ Left: "Tierra de fantasía III / Fantasy Land III", óleo sobre lienzo / oil on canvas", 150 x 224 cm.
Der./ Right: "สวยกว่าตัวจริง / Más que real / More than real"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 115 x 140 cm., 2009

Nacido junto al río Chao Phraya y con su padre en la marina, también es dado a las escenas acuáticas, ya sea de las orillas o submarinas. «Es todo un desafío pintar el agua, desde una gota hasta un mar entero - dice -. Cualquier cosa que brilla o se vea grasienta es difícil de ilustrar. Pero he adquirido práctica y se ha convertido en otra parte icónica de mi arte.»
En su primera época, en los '90, su mayor preocupación era cómo toda la existencia está entrelazada, según las creencias budistas. Representaba verdeantes y exquisitamente detalladas imágenes de personajes del Ramayana, y en 1994 comenzó a incorporar desnudos femeninos.

"ออกพรรษา / Fuera de la cuaresma budista / Out Of Buddhist Lent"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 200 x 160 cm., 2004

"แตงร่มใบ / Pepino / Cucumber", óleo sobre lino / oil on linen, 100 x 120 cm., 2013

«Me gustaría que la gente sintiera el poder y comprendiera mi dedicación al surrealismo.
Me gustaría animar personalmente a los admiradores del arte a explorar y a los artistas surrealistas a llevar adelante su obra.
Así... el surrealismo... vive.» P.K.

"Tierra de fantasía II / Fantasy Land II"

"Batido del océano de leche / Churning of the Milk Ocean"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 200 x 500 cm., 2010

La más importante y celebrada de sus obras es la enorme "Churning of the Milk Ocean", de 2010, basada en la leyenda hindú de Samudramanthan, sobre devas y gigantes aliados para batir el agua del mar y hacer de ella un néctar de la inmortalidad.
«Mi madre estaba sufriendo el Síndrome de la Bella Durmiente (Síndrome de Kleine-Levin) en el Hospital de Siriraj, al mismo tiempo que Su Majestar del Rey era tratado allí - recuerda. Yo quería alcanzar un estado de meditación, así que comencé esta obra mientras rezaba para que Su Majestad y mi madre se recuperaran. Tristemente, mi madre falleció, y mi padre la siguió poco después.»

"Batido del océano de leche / Churning of the Milk Ocean" (detalle / detail)

Prateep's most momentous and most celebrated work is the vast "Churning of the Milk Ocean" from 2010, based on the Hindu legend of Samudramanthan about devas and giants allying to churn seawater into the nectar of immortality.
«My mum was suffering from 'Sleeping Beauty Syndrome' (Klein-Levin Syndrome) at Siriraj Hospital at the same time His Majesty the King was being treated there," he recalls. "I wanted to achieve a meditative state, so I began this work while praying for His Majesty and my mum to recover. Sadly, my mum passed away, and my dad followed soon after.»

"Batido del océano de leche / Churning of the Milk Ocean" (detalle / detail)

"พรแสวง ( การเดินทางสู่โลกหน้า 7) / Viaje al próximo mundo VII / Journey to the next world VII"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 165 x 300 cm., 2009

Prateep Kochabua (ประทีป คชบัว) is a remarkable Thai artist born in Bangkok in 1962. He got his Bachelor Degree in Painting from Fine Art Faculty, Silpakorn University.
During the period 1984-1992 he worked as Art Director in an Advertising Agency.
Since 2005 he has exhibited his work very often, especially in Thailand and Japan.

"Calumnia / Calumny", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 110 x 150 cm., 2002

"Yo / Myself", 2010

Prateep, was born in the Year of the Tiger, and his surname, Kochabua, translates as "elephant, lotus", so both the animals and the plant play key roles in his art. In his 2010 self-portrait "Myself", Prateep is a tiger with a baboon riding happily on its back. The implication is living in harmony.
«I've painted more than 100 tigers, and I believe my animals are more beautiful than the real ones," Prateep chuckles. "The surrealist style allows me to extend or shrink outside normal boundaries, but you have to be accurate to ensure realism. I like to project things that are fantastic, dreamlike and mysterious, and this style suits my objectives.»

"Encantar / Enchant", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 2013

"Carga al descubierto y el calor del día / Bare The Burden And The Heat Of The Day"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 118 x 140 cm., 2000

Born along the Chao Phraya River and with his father in the Navy, he's also given to aquatic scenes, whether by the seaside or underwater. "It's very challenging to paint water, from drops of water to the whole sea," he says. "Anything that shines or looks greasy is hard to illustrate. But I kept practising and it became another iconic part of my art."
In his early days painting, in the 1990s, his biggest concern was how all existence is intertwined, as in the Buddhist belief. He rendered verdant, exquisitely detailed depictions of characters from the Ramayana, and in 1994 began incorporating female nudes.

"Luang Ta Ma (Música tradicional Thai / Traditional Thai Music)"
Acrílico sobre lienzo / acrylic on canvas, 176 x 156 cm., 2002

«I would like people to feel the power and realize my dedication to Surrealism.
I would like to personally encourage art admirers to explore and surrealism artists to carry on their works.
So that... Surealism... lives.»

"เมื่อชาวโลกไม่สนใจศิลปะ / Cuando el mundo no está interesado en el arte /
When the world is not interested in art" ***

"En Combate / Engaged in Combat", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 240 x 300 cm., 2012

Los textos y comentarios del artista están traducidos del artículo de Khetsirin Pholdhampalit "Los hechos tras lo fantástico", publicado en The Nation, que puede leerse completo (en inglés) aquí.

Texts and comments by the artist from the article by Khetsirin Pholdhampalit 'The Facts Behind the Fantastic', published in The Nation, you can fully read here.

Más sobre Prateep en / More about Prateep in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas Gracias, Prateep!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Prateep!)


"เรือหอยทาก กับ เรือมังกร / Bote Caracol y Barco Dragón / Snail Boat and Dragon Ship"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 160 x 270 cm., 2003

En "Bote Caracol y Barco Dragón", de 2003, Prateep describe el arduo viaje del artista desde el anonimato hasta el éxito.
«En el semihundido bote caracol, la cubierta está atestada de desorden y desesperación, con los esqueletos de quienes no consiguieron subir a bordo en las aguas infestadas de tiburones. Mientras tanto, en el barco dragón, alto sobre las olas, hay una hilera de artistas con girasoles en vez de rostros, pintando tranquilamente. Es un tema autorreflexivo que emplea una cantidad de símbolos.» Andrew J. West, crítico de arte.

In "Snail Boat and Dragon Ship", from 2003, Prateep describes the artist's arduous journey from anonymity to acclaim. 
«On the half-sunk snail boat, the crowded deck is in disorder and despair, with the skeletal remains in the shark-infested water of those who failed to board. On the dragon ship rising high above the waves, meanwhile, is a row of artists with sunflowers in place of faces, leisurely painting. It's his self-reflexive theme that employs a lot of symbols.» Andrew J. West, art critic.
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En el siguiente video podemos ver a Prateep hablando sobre su obra (desafortunadamente sólo en thai), y luego Andrew J. West comenta la obra y explica por qué es una de sus favoritas.

In this video we can see Prateep talking about his work (unfortunately only in Thai) and after that Andrew J. West comments the artwork and why it's one of his favourite pieces.


Aniversarios (XVII) [Mayo / May 18-24]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 18 de Mayo es el cumple de

Isabel "Chabela" Villaseñor, escultora y pintora mexicana nacida en Guadalajara en 1909. 
Fue alumna de Escultura durante el periodo comprendido entre 1928 y 1930, en el Centro Popular de Pintura "Santiago Rebull" en la Ciudad de México, bajo la tutela de Gabriel Fernández Ledesma. Un año más tarde pintó en Hidalgo un mural y el mismo año en la Biblioteca Nacional de México y en la Universidad Nacional Autónoma de México, junto con el grupo de artistas revolucionarios "30-30". Sus esculturas están hechas de metal y madera. La muerte de su hijo en 1934 también se reflejó en su obra. Más tarde dio a luz a una hija llamada Olinca. Villaseñor murió de un ataque al corazón en 1953.

"Tehuana con sandía / Tehuana with Watermelon", óleo sobre tela / oil on canvas, 130 x 111 cm., 1952.
Colección / Collection Lance Aaron
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Alain Bonnefoit, pintor y escultor francés nacido en 1937 en Montmartre, París. Tiene estudios en París y en Florencia.
En la década de 1950 Alain Bonnefoit estudió en París en la Escuela de Artes Aplicadas (de 1953 a 1955) y en la Escuela de Bellas Artes (1956-1957). Posteriormente se trasladó a Bruselas para estudiar grabado y escultura en la Academia Real de Bellas Artes (1959-1960). De regreso en París, en 1962, fue alumno de Antoniucci Volti que le influyó en su gusto por el retrato del cuerpo femenino.
En 1963 viajó a la Toscana, lugar que le impresionó profundamente, y decidió abrir allí su segundo estudio. Desde entonces reside en Florencia parte del año.
Ha expuesto en Francia, Italia, Bélgica, Suiza, Alemania, EEUU, Tahiti, Corea y Japón.

"Kahima", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 73 x 55 cm.


El 19 de Mayo es el cumple de

Jacob Jordaens, pintor barroco flamenco nacido en 1593 en Amberes. Murió en 1678.
Me remito al post previo para más información e imágenes.

"El sátiro y el campesino / The Satyr and the Peasant", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 174 × 204 cm., 1ª mitad del / first half of s.XVII. Alte Pinakothek (Münich, Alemania / Germany)

Más sobre Jordaens en "El Hurgador" / More about Jordaens in this blog:
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Ion Jalea, escultor rumano miembro de la Academia Rumana.
Nacido en 1887 en el pequeño pueblo de Casimcea, en el condado de Tulcea, Ion Jalea estudió primero en la Escuela de Artes y Oficios (Școala de Arte și Meserii) y luego en la Academia de Bellas Artes (Academia de Arte Frumoase) en Bucarest, donde fue alumno de los renombrados escultores Frederik Storck y Dimitrie Paciurea. El último toque de su educación artística lo tuvo en París, en la Académie Julian, con el escultor Antoine Bourdelle.
Durante la Primera Guerra Mundial fue parte del ejército rumano y luchó en varias batallas. Fue herido severamente y perdió su brazo izquierdo que tuvo que ser amputado a la altura del hombro. Cuando se recuperó, a pesar de la amputación, continuó dedicando su vida a la escultura como antes. Se hizo conocido por trabajar sólo con su brazo derecho, y sus grandes logros llegaron después de aquél suceso. Murió en 1983.

"Arcaşul / Arquero / Archer", 1961. 
Museo de escultura / Museum of Sculpture Ion Jalea (Constanţa / Constanza, Rumania / Romania)


El 20 de Mayo es el cumple de

Aleksandr Deyneka (Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка), pintor, artista gráfico y escultor ruso nacido en 1899. Se le considera uno de los más importantes pintores modernistas figurativos de la primera mitad del s.XX.
Deyneka estudió en el Kharkov Art College. Fue fundador de grupos como OST y Oktyabr, y su trabajo fue presentado en grandes exposiciones. En sus cuadros representa escenas de género, trabajadores y deportes, aunque sus obras más icónicas son "La defensa de Petrogrado" (1928) y "La Batalla de Sebastopol" (1942). Murió en 1969.

"Cerca del mar / By the Sea", 128 x 198 cm., 1956-1957
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Johann Gottfried Schadow, escultor alemán nacido en 1764.
Su primer profesor fue el escultor Tassaert, bajo el patronato de Federico el Grande. El Maestro le ofreció a su hija en matrimonio, pero el pupilo prefirió escaparse con una amante a Viena, y el suegro, el joyero vienés Samuel Devidels, no sólo perdonó la ofensa, sino que le suministró dinero para visitar Italia. Tres años de estudios en Roma dieron forma a su estilo, y en 1788 regresó a Berlín para suceder a Tassaert como escultor de la corte y secretario de la Academia. Durante más de medio siglo produjo hasta doscientas obras, de variados estilos y temas. 
Entre sus esfuerzos más ambiciosos se encuentran Federico el Grande en Stettin, Blücher en Rostock y Luther en Wittenberg. Sus retratos estatuarios incluyen a Federico el Grande tocando la flauta y a la princesa Louise y su hermana Federica. Sus bustos (modeló más de cien), incluyen diecisiete cabezas colosales en Walhalla, Ratisbona; Goethe, Wieland y Fichte fueron modelados del natural. Murió en Berlín en 1950.

"Chica reclinada / Reclining Girl", mármol / marble, 34 x 95 cm., 1826. 
Nationalgalerie (Berlin, Alemania / Germany)


El 21 de Mayo es el cumple de

Albrecht Dürer (Alberto Durero), el artista más famoso del Renacimiento alemán, nacido en Nüremberg en 1471. Murió en 1528.
Me remito a los posts previos para más información e imágenes.

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre tabla / oil on wood, 52 x 41 cm., 1498. 
Museo del Prado (Madrid, España / Spain)

Más sobre Durero en "El Hurgador / More about Dürer in this blog:
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Henri Julien Félix Rousseau, pintor post-impresionista francés nacido en 1910, que cultivó el estilo naif o primitivista. También era conocido como El Aduanero, una referencia humorística a su ocupación. Ridiculizado en vida, terminó por ser reconocido como un genio autodidacta cuya obra posee una gran calidad artística. 
Sus pinturas más conocida representan escenas selváticas, aún cuando jamás salió de Francia o vio una jungla. Las historias contadas por sus admiradores de que durante su servicio en el ejército estuvo en México con la fuerza expedicionaria francesa son infundadas. Su inspiración le vino de libros ilustrados y los jardines botánicos parisinos, así como de montajes con animales salvajes disecados. También conoció soldados durante su período de servicio que habían sobrevivido a la expedición francesa a México y escuchaba sus historias del país subtropical con el que se habían encontrado. Para el crítico Arsène Alexandre, él describía así sus frecuentes visitas al Jardin des Plantes: "Cuando entro en los invernaderos y veo las extrañas plantas de tierras exóticas, me parece estar entrando en un sueño." Murió en 1910.

"La Rêve / El Sueño / The Dream", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 204,5 x 298,5 cm., 1910. 
Museum of Modern Art (MoMA) (New York, Estados Unidos / USA)

Más sobre Rousseau en "El Hurgador" / More about Rousseau in this blog:
[Arte perdido (III)]


El 22 de Mayo es el cumple de

Hubert Robert, pintor y grabador francés nacido en 1733, especializado en cuadros de paisaje y de ruinas clásicas. Conoció el apogeo del reinado de Luis XVI, a quien sirvió en diversos cargos, incluyendo el diseño de jardines. Sobrevivió milagrosamente a ser ejecutado durante la Revolución francesa y fue uno de los asesores del recién fundado Museo del Louvre.
Emprendedor y prolífico, Robert también actuó en un papel similar a lo que hoy es un director artístico, creando el concepto de jardines arruinados a la moda para varios clientes aristocráticos. Murió en 1808.

"Vista de la Gran Galería del Louvre / View of the Great Gallery, Louvre"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 115 x 145 cm., 1796. Museo del Louvre (París, Francia / France)
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Félix Henri Bracquemond, pintor y grabador francés nacido en 1833.
Fue instruido en su juventud temprana como comerciante de litografías hasta que Guichard, un pupilo de Ingres, lo llevó a su estudio. El retrato de su abuela, pintado a los 19 años, atrajo la atención de Teófilo Gauthier en el Salon. Se aplicó al grabado y el aguafuerte alrededor de 1853, y jugó un papel de brillante liderazgo como parte del revival del grabado en Francia. En total produjo más de 800 láminas, incluidos retratos, paisajes, escenas de la vida contemporánea y estudios de aves, además de numerosas interpretaciones de pinturas de otros artistas, especialmente las de Jean-Louis-Ernest Meissonier, Gustave Moreau y Jean-Baptiste-Camille Corot. Tras haber estado vinculado la la fábrica de porcelana de Sèvres en 1870, aceptó un puesto como director del taller en París de la firma Haviland de Limoges.
Bracquemond fue una prominente figura en los círculos artísticos y literarios en la segunda mitad del siglo XIX. Murió en Sèvres en 1914.

"La terrasse de la / La terraza de / The Terrace of Villa Brancas", (proof avant la lettre)
Aguafuerte / etching, 1876.


El 23 de Mayo es el cumple de

August von Kreling, pintor, ilustrador y escultor nacido en Osnabrück en 1819. Murió en 1876.
Me remito al post previo para más información e imágenes.

"Das Märchen vom Prinzen Carnaval und der Prinzessin Fastnacht / 
El cuento del Príncipe Carnaval y la Princesa Carnestolendas / 
The Tale of Prince Carnival and Princess Shrovetide"
Impresión en papel / printing on paper, 96,2 x 70,7 cm., 1846

Más sobre von Kreling en "El Hurgador" / More about von Kreling in this blog:
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James Pradier (Jean-Jacques Pradier), escultor francés nacido en Suiza en 1790, conocido por su obra de estilo neoclásico.
Nacido en Ginebra, Pradier se fue a París en 1807 para trabajar con su hermano mayor, Charles-Simon Pradier, un grabador. Ganó el Premio de Roma, que le permitió estudiar en Roma desde 1814 a 1818. Estudió con Ingres en París. En 1827 se convirtió en miembro y profesor de la Academia de Bellas Artes. A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Pradier supervisó él mismo el acabado de sus esculturas. Fue amigo de los poetas románticos Alfred de Musset, Victor Hugo, Théophile Gautier, y el joven Gustave Flaubert, y su estudio fue un centro, presidido por su hermosa amante Juliette Drouet, que se convirtió en la amante de Victor Hugo en 1833.
El fresco acabado neoclásico de la superficie de sus esculturas está cargado de un erotismo que sus temas mitológicos apenas pueden disfrazar. En el Salón de 1834, el Sátiro y la bacante de Pradier crearon una sensación de escándalo. Pradier murió en 1852.

"Odalisca / Odalisque", vista frontal / front view, mármol / marble, 105 x 94 x 61 cm., 1841. 
Musee des Beaux-Arts (Lyon, Francia / France)

Más sobre Pradier en "El Hurgador" / More about Pradier in this blog:


Hoy, 24 de Mayo, es el cumple de

Joaquín Vaquero Turcios, pintor y escultor español nacido en asturias en 1933, que pasó su infancia en Oviedo. Comenzó a pintar desde muy joven junto a su padre y pronto participó en exposiciones colectivas. En 1950 la familia se trasladó a Roma donde estudió en la facultad de Arquitectura de la Universidad de Roma. Además de pinturas al fresco, como el mural de la central eléctrica de Grandas de Salime, en Asturias, la pintura mural "Orfeo", en el Teatro Real de Madrid, o, por citar la última, la pintura mural del Auditorio Príncipe de Asturias en Oviedo, Turcios también experimentó con el grabado, el hormigón y el acero. Su obra se muestra en multitud de Museos e Instituciones tanto nacionales como internacionales. Murió en 2010.

"Nordeste / Northwest"
Subida al cerro de Santa Catalina / Ascent of Santa Catalina Hill (Gijón, España / Spain), 1994.
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Alexei Savrasov (Алексе́й Кондра́тьевич Савра́сов), pintor paisajista ruso nacido en 1830. Fue el creador del estilo de paisaje lírico.
Comenzó a dibujar muy pronto, y en 1838 se enroló como estudiante del profesor Rabus en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, graduándose en 1850. Inmediatamente comenzó a especializarse en la pintura de paisajes.
En 1852 viajó a Ucrania. Luego, en 1854, por invitación de la Gran Duquesa Maria Nikolayevna, Presidenta de la Academia Imperial de las Artes, se mudó al barrio de San Petersburgo. En 1857 se convirtió en profesor de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú.
"Los grajos han vuelto" está considerada por muchos críticos como el punto más alto en la carrera artística de Savrasov. Murió en 1897.

"Грачи прилетели / Los grajos han vuelto / Rooks are Back Again", 1871. 
Pintado cerca del monasterio / painted close to the Monastry (Ipatiev, Kostroma)


Textos en inglés / English translation

* On May 18 is the birthday of

Isabel "Chavela" Villasenor, Mexican painter and sculptor born in Guadalajara in 1909. 
She was a student of sculpture during the period between 1928 and 1930 in the Centro Popular of Painting "Santiago Rebull" in Mexico City, under the tutelage of Gabriel Fernandez Ledesma. A year later he painted a mural in Hidalgo and the same year in the National Library of Mexico and the National Autonomous University of Mexico, along with the group of revolutionary artists "30-30". Her sculptures are made of metal and wood. The death of her son in 1934 in also reflected in her work. Later she gave birth to a daughter named Olinca. Villaseñor died of a heart attack in 1953.

Alain Bonnefoit, French painter and sculptor born in 1937 in Montmartre, Paris. He has studios in Paris and Florence. 
In 1950s Alain Bonnefoit studied in Paris at the School of Applied Arts (1953-1955) and the School of Fine Arts (1956-1957). He later moved to Brussels to study engraving and sculpture at the Royal Academy of Fine Arts (1959-1960). Back in Paris in 1962, he studied with Antoniucci Volti that influenced him in his taste for the portrait of the female body. 
In 1963 traveled to Tuscany, a place that deeply impressed him, and he decided to open his second studio there. Since then he has lived part of the year in Florence.
He has exhibited in France, Italy, Belgium, Switzerland, Germany, USA, Tahiti, Korea and Japan.

* On May 19 is the birthday of

Jacob Jordaens, Flemish  baroque painter born in Amberes in 1593. He died in 1678.
I refer to the previous post for more information and images.

Ion Jalea, Romanian sculptor, titular member of the Romanian Academy.
Born in 1887 in the little town of Casimcea, Tulcea county, Ion Jalea studied first at The School of Arts and Crafts (in Romanian, Școala de Arte și Meserii) and then at the Academy of Beaux Arts (Academia de Arte Frumoase) in București, where he was the pupil of the renowned Romanian sculptors Frederik Storck and Dimitrie Paciurea. The final touch of his artistic education was given in Paris at the Académie Julian, with the sculptor Antoine Bourdelle.
During World War One, Ion Jalea was part of the Romanian Army and fought in a series of battles. He was severely wounded and lost his left arm that had to be amputated next to the shoulder. After recuperating, despite being an amputee, he continued to dedicate his life to sculpture, as he did before. He became a well known sculptor by working with his right arm only and his greatest achievements were after he lost his arm. He died in 1983.

* On May 20 is the birthday of

Aleksandr Deyneka (Алекса́ндр Алекса́ндрович Дейне́ка), Russian painter, graphic artist and sculptor born in 1899. Thought to be one of the most important modernist figurative painters of the first half of the XXth century 
Deyneka studied at the Kharkov Art College. He was founder of groups such as OST and Oktyabr, and his work was featured in major exhibitions. In his paintings depicts scenes gender, labor and sports, although his most iconic works are "The Defense of Petrograd" (1928) and "The Battle of Sebastopol" (1942). He died in 1969.

Johann Gottfried Schadow, German sculptor born in 1764.
His first teacher was the sculptor Tassaert, patronized by Frederick the Great; the master offered his daughter in marriage, but the pupil preferred to elope with a girl to Vienna, and the father-in-law -the Viennese jeweler Samuel Devidels- not only condoned the offence but furnished money wherewith to visit Italy. Three years' study in Rome formed his style, and in 1788 he returned to Berlin to succeed Tassaert as sculptor to the court and secretary to the Academy. Over half a century he produced upwards of two hundred works, varied in style as in subjects.
Among his ambitious efforts are Frederick the Great in Stettin, Blücher in Rostock and Luther in Wittenberg. His portrait statues include Frederick the Great playing the flute, and the crown-princess Louise and her sister Frederica. His busts, of which there are more than one hundred, include seventeen colossal heads in the Walhalla, Ratisbon; Goethe, Wieland, and Fichte were modelled from life. He died in Berlin in 1950.

* On May 21 is the birthday of

Albrecht Dürer, the most famous artist of the German Rennaissance, born in Nürembert in 1471. He died in 1528.
I refer to the previous posts for more information and images.

Henri Julien Félix Rousseau, French Post-Impressionist painter in the Naïve or Primitive manner born in 1844. He was also known as Le Douanier (the customs officer), a humorous description of his occupation as a toll collector. Ridiculed during his lifetime, he came to be recognized as a self-taught genius whose works are of high artistic quality.
His best known paintings depict jungle scenes, even though he never left France or saw a jungle. Stories spread by admirers that his army service included the French expeditionary force to Mexico are unfounded. His inspiration came from illustrated books and the botanical gardens in Paris, as well as tableaux of taxidermied wild animals. He had also met soldiers during his term of service who had survived the French expedition to Mexico, and he listened to their stories of the subtropical country they had encountered. To the critic Arsène Alexandre, he described his frequent visits to the Jardin des Plantes: "When I go into the glass houses and I see the strange plants of exotic lands, it seems to me that I enter into a dream." He died in 1910.

* On May 22 is the birthday of

Hubert Robert, French painter and engraver born in 1733, specialized in landscape paintings and classical ruins. He knew the height of the reign of Louis XVI, whom he served in various positions including garden design. He miraculously survived to be executed during the French Revolution and was one of the advisers of the newly founded Louvre. 
Entrepreneur and prolific, Robert also acted in a similar to what is now an art director, creating the concept of stylish ruined gardens for several aristocratic customers. He died in 1808.

Félix Henri Bracquemond, French painter and etcher.
He was trained in early youth as a trade lithographer, until Guichard, a pupil of Ingres, took him to his studio. His portrait of his grandmother, painted by him at the age of nineteen, attracted Théophile Gautier's attention at the Salon. He applied himself to engraving and etching about 1853, and played a leading and brilliant part in the revival of the etcher's art in France. Altogether he produced over eight hundred plates, comprising portraits, landscapes, scenes of contemporary life, and bird-studies, besides numerous interpretations of other artist's paintings, especially those of Jean-Louis-Ernest Meissonier, Gustave Moreau and Jean-Baptiste-Camille Corot. After having been attached to the Sèvres porcelain factory in 1870, he accepted a post as art manager of the Paris atelier of the firm of Haviland of Limoges. 
Bracquemond was a prominent figure in artistic and literary circles in the second half of the 19th century. He died in Sèvres in 1914.

* On May 23 is the birthday of

August von Kreling, painter, illustrator and sculptor born in Osnabrück in 1819. He died in 1876.
I refer to the previous posts for more information and images.
James Pradier (Jean-Jacques Pradier), Swiss-born (1790) French sculptor best known for his work in the neoclassical style.
Born in Geneva, Pradier left for Paris in 1807 to work with his elder brother, Charles-Simon Pradier, an engraver. He won a Prix de Rome that enabled him to study in Rome from 1814 to 1818. He studied under Jean-Auguste-Dominique Ingres in Paris. In 1827 he became a member of the Académie des beaux-arts and a professor at the École des Beaux-Arts. Unlike many of his contemporaries, Pradier oversaw the finish of his sculptures himself. He was a friend of the Romantic poets Alfred de Musset, Victor Hugo, Théophile Gautier, and the young Gustave Flaubert, and his atelier was a center, presided over by his beautiful mistress, Juliette Drouet, who became Hugo's mistress in 1833. 
The cool neoclassical surface finish of his sculptures is charged with an eroticism that their mythological themes can barely disguise. At the Salon of 1834, Pradier's Satyr and Bacchante created a scandalous sensation. Pradier died in 1852.

* Today, May 24, is the birthday of

Joaquín Vaquero Turcios, Spanish painter and sculptor born in Asturias in 1933, who spent his childhood in Oviedo. He started painting very young with his father and soon participated in group exhibitions. In 1950 the family moved to Rome where he studied at the Faculty of Architecture of the University of Rome. Besides frescoes, as the mural powerhouse Grandas in Asturias, the mural "Orfeo" at the Teatro Real in Madrid, or, to quote the last, mural painting of the Prince of Asturias Auditorium in Oviedo, Turcios also experimented with printmaking, concrete and steel. His work is displayed in many museums, national and international institutions. He died in 2010.

Alexei Savrasov (Алексе́й Кондра́тьевич Савра́сов), Russian landscape painter born in 1830. He was the creator of the lyrical landscape style.
He began to draw early and in 1838 he enrolled as a student of professor Rabus at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (graduated in 1850), and immediately began to specialize in landscape painting.
In 1852, he traveled to Ukraine. Then, in 1854 by the invitation of the Grand Duchess Maria Nikolayevna, President of the Imperial Academy of Arts, he moved to the neighborhood of St. Petersburg. In 1857, Savrasov became a teacher at the Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture. 
The Rooks Have Come Back (1871) is considered by many critics to be the high point in Savrasov’s artistic career.
He died in 1897.

Aniversarios, Fotografía (XVII) [Mayo / May 19-25]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 19 de Mayo es el cumple de

Bert Hardy, fotógrafo documentalista y de prensa nacido en 1913, conocido por su obra publicada en la revista Picture Post entre 1914 y 1957.
Dejó la escuela a los 14 años para trabajar con un químico que también procesaba fotos. Su primera gran venta se dio cuando fotografió al Rey Jorge V y a la Reina María pasando en carruaje, y vendió 200 pequeñas impresiones de su mejor vista del Rey. Trabajó como freelance para la revista The Bycicle y compró su primera Leica 35 mm. de pequeño formato. Firmó para la General Photographic Agency y más tarde fundó su primera firma freelance Criterion.
En 1941 fue contratado por el editor Tom Hopkinson del Picture Post. Hardy fue autodidacta y utilizó una Leica (poco convencional para fotógrafos de prensa en la época), pero aún así llegó a Jefe después de ganar su primer reconocimiento por su ensayo fotográfico el 1 de febrero de 1941 sobre los estresados bomberos de la Guerra Relámpago.
Hardy sirvió como fotógrafo de guerra entre 1941 y 1946, tomando parte en los desembarcos del Día D, en junio de 1944 cubrió la liberación de París, el avance de los aliados por el Rin, y fue uno de los primeros fotógrafos en entrar en la liberada Belsen para registrar el sufrimiento que allí padecieron. También salvó a algunos esclavos rusos del fuego de la policía alemana en la ciudad de Osnabrück, antes de fotografiar las secuelas del combate.
Murió en 1995.

"Una calle de Berlín / A Street in Berlin", 1950's


El 20 de Mayo es el cumple de

Astrid Kirchherr, fotógrafa alemana y artista nacida en 1938, conocida por su asociación con Los Beatles (así como con sus amigos Klaus Voormann y Jürgen Vollmer), y sus fotografías de los Beatles durante sus días de Hamburgo: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Stuart Sutcliffe y Pete Best.
Kirchherr conoció al artista Sutcliffe en el bar Kaiserkeller de Hamburgo en 1960, donde él tocaba el bajo con los Beatles, y más tarde estuvo comprometida con él hasta su muerte en 1962.
Aunque Kirchherr tomó muy pocas fotografías desde 1967, su obra temprana ha sido expuesta en Hamburgo, Bremen, Londres, Liverpool, Nueva York, Washington, Tokyo, Viena y el Rock 'n' Roll Hall of Fame. Ha publicado tres libros con sus fotografías en edición limitada.

"Paul McCartney", 1960 (Hamburgo, Alemania / Hamburg, Germany)


El 21 de Mayo es el cumple de

Harold Mortimer-Lamb, fotógrafo, pintor, crítico de arte e ingeniero de minas canadiense nacido en 1872 en la ciudad inglesa de Leatherhead, Surrey. Con 17 años emigró a Victoria, Columbia Británica, con la idea de hacerse granjero. Sin embargo, pronto se sintió atraído por el trabajo en periódicos.
Comenzó a fotografiar alrededor de 1898, y cinco años más tarde expuso con otros pictorialistas. Mostró su obra en el primer y segundo salones del Toronto Camera Club, en 1903 y 1904, y un año más tarde, patrocinado por la Sociedad Canadiense de Artes Aplicadas. En 1907, él y Sidney Carter tenían cada uno más de 30 imágenes en la Exposición de Fotógrafos Pictorialistas de Montreal, organizada por el Foto-Club de Canadá, más que ningún otro fotógrafo.
La Sociedad Real Fotográfica lo eligió como miembro en 1910, y durante los 10 años que siguieron ganó placas por sus participaciones con concursos patrocinados por la revista inglesa Amateur Photographer y Photogenic News. Murió en 1970.

"El niño y el tigre / The Boy and Tiger" 1911


El 22 de Mayo es el cumple de

Manuel Vilariño, artista y poeta español nacido en La Coruña en 1952. Premio Nacional de Fotografía otorgado por el Ministerio de Cultura de España en 2007.
La espiritualidad de India y Etiopía determinan rasgos esenciales de su obra.
Simultáneamente a sus still-life o naturalezas muertas ha realizado retratos y paisajes.
Su obra figura en el Fine Arts Museum de Houston, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo , ARTIUM Vitoria-Gasteiz y Colección Coca-Cola.
En 2007 su obra representó a España en la 52ª Bienal de Venecia.

"Tixeiras W / Tijeras W / Scissors W", aluminio y gelatina de plata / aluminium and silver gelatin, 100 x 100 cm.
Colección / Collection Novagalizia Banco


El 23 de Mayo es el cumple de

Henry Wolf, diseñador gráfico, fotógrafo y director artístico estadounidense nacido en Viena (Austria) en 1925. 
Influenció y energizó el diseño de revistas durante los '50 y los '60 con sus diseños audaces, tipografía elegante, y caprichosas fotografías de portada, mientras trabajó como director artístico de las revistas Esquire, Bazaar y Show.
Wolf abrió su propio estudio de fotografía, Henry Wolf Productions, en 1971, mientras daba también clases de diseño de revistas y fotografía. En 1976 fue premiado con la Medalla del Instituto Estadounidense de Artes Gráficas por sus logros de toda una vida, y en 1980 fue incluido en el Salón de la Fama de Directores Artísticos. Murió en 2005.

Portada de la revista / Cover of the Magazine Esquire, 1955


El 24 de Mayo es el cumple de

Dezider (Dezo) Hoffmann, fotógrafo, fotoperiodista y cameraman eslovaco (algunos dicen que húngaro) nacido en Checoslovakia en 1918.
Ganó reconocimiento internacional en los '60, gracias a fotografías de conocidas personalidades del show business, como The Beatles, The Rolling Stones, Pink Floyd y muchos otros.
Durante la invasión de Mussolini a Abisinia, fue enviado a documentarla. Tras su regreso de África lo enviaron a España la filmar la Olimpíada Popular (una protesta contra los juegos olímpicos en Berlín bajo el régimen de Hitler). Tan pronto llegó a España, estalló la Guerra Civil y Dezo se encontró tras las barricadas. En este período conoció a personalidades tales como Hemingway y Robert Capa. Se dice que los tres formaron un trío inseparable. Enfrentado a los peligros de la guerra, fue herido varias veces.
Después de la guerra se quedó en Londres, trabajando para varios periódicos y revistas. En 1955 comenzó a colaborar con la revista Record Mirror. Este fue el inicio de su carrera fotografiando a personalidades del mundo del espectáculo. Murió en 1986.

"Pink Floyd", 1967

Más sobre Pink Floyd en "El Hurgador" / More about Pink Floyd in this blog:
[Pablo Lobato (Caricaturas)]


Hoy, 25 de Mayo, es el cumple de

Tim Page, fotógrafo inglés nacido en 1944, quien se hizo un nombre durante la Guerra de Vietnam, y actualmente reside en Brisbane, Australia.
Comenzó a trabajar como fotógrafo de prensa en Laos para UPI y AFP, siendo autodidacta en fotografía. Sus imágenes exclusivas de un intento de golpe de estado en Laos en 1965 para UPI, le permitieron conseguir una posición en el equipo de la agencia en su oficina de Saigón. Es celebrado por su obra como fotógrafo de prensa freelance acreditado en Vietnam y Camboya durante los '60, encontrando también tiempo para cubrir la Guerra de los Seis Días en Oriente Medio en 1967.
Page fue herido en acción 4 veces. En los '70 Page trabajó como fotógrafo freelance para revistas de música. Es el sujeto de varios documentales y dos películas, y autor de varios libros.

"Soldado universal / Universal Soldier", Vietnam © Tim Page


Textos en inglés / English translation

* On May 19 is the birthday of

Bert Hardy, documentary and press photographer born in 1913, known for his work published in the Picture Post magazine between 1941 and 1957.
He left school at age 14 to work for a chemist who also processed photos. His first big sale came when he photographed King George V and Queen Mary in a passing carriage, and sold 200 small prints of his best view of the King. Hardy freelanced for The Bicycle magazine, and bought his first small-format Leica 35 mm. He signed on with the General Photographic Agency as a photographer, then found his own freelance firm Criterion.
In 1941, Hardy was recruited by the editor Tom Hopkinson of the Picture Post. Hardy was self-taught and used a Leica —unconventional gear for press photographers of the era— but went on to become the Post's Chief Photographer, after he earned its first photographer credit for his 1 February 1941 photo-essay about Blitz-stressed fire-fighters. 
Hardy served as a war photographer in the Army Film and Photographic Unit (AFPU) from 1942 until 1946: he took part in the D-Day landings in June 1944; covered the liberation of Paris; the allied advance across the Rhine; and was one of the first photographers to enter the liberated Belsen to record the suffering there. He also saved some Russian slaves from a fire set by German police in the city of Osnabrück, before photographing the aftermath.
He died in 1995.

* On May 20 is the birthday of

Astrid Kirchherr, German photographer and artist born in 1938, well known for her association with the Beatles (along with her friends Klaus Voormann and Jürgen Vollmer), and her photographs of the Beatles during their Hamburg days: John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Stuart Sutcliffe and Pete Best.
Kirchherr met artist Sutcliffe in the Kaiserkeller bar in Hamburg in 1960, where he was playing bass with the Beatles, and was later engaged to him, before his death in 1962. Although Kirchherr has taken very few photographs since 1967, her early work has been exhibited in Hamburg, Bremen, London, Liverpool, New York City, Washington, D.C., Tokyo, Vienna and at the Rock 'n' Roll Hall of Fame. She has published three limited-edition books of photographs.

* On May 21 is the birthday of

Harold Mortimer-Lamb, Canadian photographer, painter, art critic, and mining engineer born in 1872, in the English town of Leatherhead, Surrey. With seventeen years old he  immigrated to Victoria, British Columbia, with the idea of taking up farming. However, he soon found himself attracted to newspaper work.
Mortimer-Lamb began photographing around 1898, and by five years later was exhibiting with other pictorialists. He showed his work in the first and second salons of the Toronto Camera Club, in 1903 and 1904, and a 1905 show sponsored by the Canadian Society of Applied Art. In 1907, he and Sidney Carter each had over thirty of their pictures in Montreal’s Exhibition of Pictorial Photographs Arranged by the Photo-Club of Canada, far more than anyone else.
 The Royal Photographic Society elected him to membership in 1910, and over the next few years he won plaques for his entries to competitions sponsored by the English magazine Amateur Photographer and Photographic News. He died in 1970.

* On May 22 is the birthday of

Manuel Vilariño, Spanish artist and poet born in La Coruna in 1952. National Photography Prize awarded by the Ministry of Culture of Spain in 2007. 
The spirituality of India and Ethiopia determine essential features of his work. 
Simultaneously to his still-life has done portraits and landscapes. 
His work is in the Museum of Fine Arts Houston, Extremaduran and Latin American Museum of Contemporary Art, Artium Vitoria-Gasteitz and Coca-Cola  Collection. 
In 2007 his work represented Spain at the 52nd Venice Biennale.

* On May 23 is the birthday of

Henry Wolf, Austrian-born (1925), American graphic designer, photographer and art director. He influenced and energized magazine design during the 1950s and 1960s with his bold layouts, elegant typography, and whimsical cover photographs while serving as art director at Esquire, Bazaar, and Show magazines. 
Wolf opened his own photography studio, Henry Wolf Productions, in 1971, while also teaching magazine design and photography classes. In 1976 Wolf was awarded the American Institute of Graphic Arts Medal for Lifetime Achievement, and in 1980 he was inducted into the Art Directors Club Hall of Fame. He died in 2005.

* On May 24 is the birthday of

Dezider (Dezo) Hoffmann, Slovak (some sources claim Hungarian) photographer, photojournalist and cameraman born in Czechoslovakia in 1918.
He earned international acclaim in the 1960s, shooting photographs of well known pop and showbiz personalities, such as The Beatles, The Rolling Stones, Pink Floyd and many more.
During Mussolini's invasion of Abyssinia he was sent to make a documentary of the invasion. After returning from Africa he was sent to Spain to film the 1936 People's Olympiad (a protest against the official Olympic games in Berlin under Hitler's propaganda). Soon after he arrived in Spain, the civil war broke out and Dezo found himself on the barricades. In this period he met personalities such as Hemingway and Robert Capa. Allegedly the three men formed an inseparable trio. Facing war dangers Dezo was injured a few times.
After the war he remained in London, working for various newspapers and magazines. In 1955 he began his collaboration with Record Mirror magazine, which was the start of his career photographing show-business celebrities. He died in 1986.

* Today, May 25, is the birthday of

Tim Page, English photographer born in 1944 who made his name during the Vietnam War and is now based in Brisbane, Australia.
He began work as a press photographer in Laos stringing for UPI and AFP, having taught himself photography. His exclusive photographs of an attempted coup d'état in Laos in 1965 for UPI got him a staff position in the Saigon bureau of the news agency. He is celebrated for his work as a freelance accredited press photographer in Vietnam and Cambodia during the 1960s, also finding time to cover the Six-Day War in the Middle East in 1967.
Page was injured in action four times. In the 1970s Page worked as a freelance photographer for music magazines. He is the subject of many documentaries and two films, and the author of many books.

Ambro Jordi [Dibujo]

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Hace unos días incluí un excelente dibujo de un rinoceronte perteneciente al artista catalán Ambro Jordi. Tal como prometí, aquí va un post monográfico para disfrutar con una selección de su obra y más información.
Casi todos sus trabajos están documentados en un video time lapse que permite seguir el proceso. Aquí aporto un par de ellos. Los demás pueden verse a través de los enlaces en los sitios web del artista.

A few days ago I included an excelent rhino drawing by the Catalan artist Ambro Jordi. As I promised here you have a monographic post to enjoy a selection of his work and more information.
Almost all his works are documented in a time lapse video that tracks the process. Here you have a couple of them. Others can be seen through the links in artist's websites.
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Ambro Jordi

"Gran Búho Gris / Great Grey Owl", grafito sobre papel / graphite on paper, A3, 29,7 x 42 cm.
Herramientas / Tools: 3H-6B, Woodless graphite 9B, colors
Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric eraser - Blending stump, Cotton pad

Ambro Jordi es un artista autodidacta catalán residente en Barcelona.
Estudió Ingeniería informática y trabajó algunos años en este campo, aunque su sueño era dedicarse al dibujo. Inspirado por la riqueza artística de su ciudad, por Dalí y Gaudí, poco a poco decidió invertir más tiempo en el grafito, el carboncillo, los pinceles y el arte digital.

Izq./ Left: "La mirada del azor / Goshawk Stare", carboncillo sobre papel / charcoal on paper, A4
Herramientas / Tools: 5H, 4H, HB, 2B, 4B, 5B, 6B - Kneaded Eraser, Electric eraser, Mars rasor

Grafito sobre papel / graphite on paper, A4, 21 x 29m7 cm.
Herramientas / Tools: 5H, 2H, HB, B, 2B, 3B, 4B, 5B, 6B, 6B, Woodless graphite 9B
Kneaded Eraser, Electric eraser, Mars Rasor

"Saltamontes / Grasshopper", grafito sobre papel / graphite on paper, A4, 21 x 29,7 cm.
Herramientas / Tools: 5H-8B, Graphite Powder 6B
Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric Eraser - Blending Stump, Makeup removal discs

«...lo que más disfruto es el dibujo, pero es importante no obsesionarse con ello. Así que algunos fines de semana me gusta hacer bicicleta de montaña, senderismo, snowboard o jugar al baloncesto. Siempre hay tiempo para hacer las cosas de las que disfrutas; creo que es crucial.»

Izq./ Left: "Will Smith", grafito sobre papel tintado / graphite on tinted paper, A4, 21 x 29,7 cm.
Herramientas / Tools: 2H-8B, Woodless graphite 9B, Charcoal 3B, White pastel
Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric Eraser - Blending stump, Makeup removal discs
Proportional divider
Der./ Right: "Nicolas Cage", grafito sobre papel / graphite on paper, A4, 21 x 29,7 cm.
Herramientas / Tools: 3H, 2H, H, HB, 2B, 3B, 4B, 5B, 6B, 8B, woodless graphite 9B
Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric Eraser - Blending Stump, Makeup removal discs

"Ojos en el cielo / Eyes in the Sky", grafito sobre papel / graphite on paper, A3
Herramientas / Tools: 2H-6B, 9B woodless graphite
Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric Eraser - Blending Stump, Makeup removal discs

"Bono (U2)", grafito sobre papel / graphite on paper, A3, 29,7 x 42 cm.
Herramientas / Tools: 3H, H, B, HB, 3B, 5B, 6B, woodless graphite 9B
Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric Eraser - Blending Stump, Makeup removal discs

«Cuando estás haciendo algo que no te gusta, llegas a un punto en el que te preguntas por qué estás haciendo eso, y si te compensa el tiempo que inviertes. Hay una frase de Allan Watts que adoro, que dice: "Mejor tener una vida corta llena de lo que te gusta hacer, que una vida miserable. Y después de todo, si realmente te gusta lo que haces, terminarás siendo un maestro en eso." Siempre teniendo en cuenta que tengas el privilegio de escoger.»

"Milano rojo graznando / Screaming Red Kite", grafito sobre papel / graphite on paper, A4, 21 x 29,7 cm.
Herramientas / Tools: 5H-6B, woodless graphite 9B - Kneaded eraser, Pen mechanic eraser, Electric eraser
Blending Stump, Makeup Removal Discs

«Creo que [mi inspiración] viene de muchos sitios. No podría identificar una fuente única. La música es una parte importante que aparece como influencia en muchos de mis dibujos, pero también la naturaleza, películas, series, monumentos, artistas, obras de arte, noticias, estímulos, sentimientos...»

«Básicamente yo juego con las luces y las sombras. Puede ser con grafito o carboncillo para incrementar las sombras, o papel blanco y borrar para incrementar las luces. Todo lo demás es una combinación, modificación o mezcla de ambos.»

"Milano rojo / Red Kite" (Milvus milvus) © Wojciech Wandzel

"Indiana Jones (Harrison Ford)", grafito sobre papel / graphite on paper, A4, 21 x 29,7 cm.
Herramientas / Tools: 3H-7B - Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric Eraser
Blending Stump, Makeup removal discs

«Creo que todos tenemos intrínsecamente, muy profundo dentro, talentos únicos y pasiones que tenemos que tener el coraje de descubrir y comprometernos a mejorarlos. A tí te pueden entrenar para un empleo y no apasionarte, pero creo que el arte requiere pasión, talento, habilidad y voluntad. Tú puedes tener todo el talento que quieras, pero tu talento fallará si no tienes la habilidad, y el esfuerzo es una condición necesaria pero no suficiente.»

Izq./ Left: "Lobo saltando / Jumping Wolf", grafito sobre papel / graphite on paper, A4
Herramientas / Tools: 3H, 2H, H, HB, 2B, 5B Woodless graphite 8B - Kneaded Eraser
Der./ Right: "Lobo aullando / Howling Wolf", grafito sobre papel / graphite on paper, A4
Herramientas / Tool: 4H, 2H, HB, 3B, Woodless graphite 8B, willow charcoal
Kneaded Eraser, Electric eraser

Ambro Jordi is a self taught Catalan artist based in Barcelona.
He studied omputer engineering and worked a few years in the field, even when his dream was to devote himself to drawing. Inspired by the artistic heritage of his city, Dalí and Gaudí, little by little he decided to invest more time in graphite, charcoal, brushes and digital art.

"Madonna", grafito sobre papel / graphite on paper, A4, 21 x 29,7 cm.
Herramientas / Tools: 3H, H, HB, 2B, 3B, 5B, 6B, woodless graphite 9B
Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric Eraser - Blending Stump, Makeup removal discs

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«...what I enjoy the most is drawing but it’s important to not obsess over that. So on some weekends I like to go riding mountain bikes, hiking, snowboarding or playing basketball. There’s always time to do things you enjoy, I think it’s crucial.»

"Lobo merodeando / Prowling Wolf", grafito sobre papel / graphite on paper, A4
Herramientas / Tools: 5H, 2H, H, HB, B, 2B, 3B, 5B, woodless graphite 8B
Mars Rasor, Kneaded Eraser, Electric eraser

"Lobo merodeando / Prowling Wolf"© 2011-2014 PictureByPali
La imagen fue captada en un parque nacional en el norte de Suecia a fines del verano de 2010.
The picture was taken in a National park in northern parts of Sweden in late summer of 2010.

"Emily Blunt", grafito sobre papel / graphite on paper, A4, 21 x 29,7 cm.
Herramientas / Tools: 3H-6B, Woodless graphite 9B
Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric Eraser - Blending stump, Makeup removal discs
Proportional divider

«When you are doing something you don’t like doing you reach the point when you ask why are you doing that and if it compensates your time. There’s a quote I love by Allan Watts that says: “Better to have a short life that is full of what you like doing than a life spent in a miserable way. And after all, if you do really like what you’re doing, you can eventually become a master of it.” Always taking into account that you have the privilege to choose.»

"Rana arbórea de ojos rojos / Red-Eyed Tree Frog"
Grafito sobre papel / graphite on paperA3, 29,7 x 42 cm.
Herramientas / Tools: 3H-6B, Woodless graphite 9B, colors
Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric eraser - Blending stump, Cotton pads

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Izq./ Left: "Russell Crowe", grafito sobre papel / graphite on paper, A4, 21 x 29,7 cm.
Herramientas / Tools: 5H, 4h, 3H, H, HB, B, 2B, 3B, 5B, 6B, woodless graphite 6B
Kneaded Eraser, Electric eraser, Mars Rasor
Der./ Right:"Kobe Bryant", carboncillo y pastel sobre papel / charcoal and pastel on paper, A4, 21 x 32,5 cm.
Herramientas / Tools: Charcoal, Willow charcoal, Chalk - Brown pastel, Sepia pastel
Kneaded eraser, Mechanical pen eraser

«I think [my inspiration] comes from a lot of places, I can’t even identify a unique source. Music is an important part tol the point that it influences a lot the drawings, but nature, movies, series, monuments, artists, artworks, news, stimulus, feelings…»

«Basically, I play with lights and shadows. It can be with graphite or charcoal to increase the shadows or blank paper and erasing to increase the lights, everything else is a combination, modification or blending of both.»

"Leonardo DiCaprio", grafito sobre papel / graphite on paper, A4, 21 x 29,7 cm.
Herramientas / Tools: 3H-5B, 8B woodless graphite - Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric Eraser
Blending stump, Makeup removal discs - Proportional divider

"Patos / Ducks", grafito sobre papel / graphite on paper, A4, 21 x 29, 7 cm.
Herramientas / Tools: 5H, 3H, H, HB, B, 2B, 3B, 4B, 5B, 6B, 7B, Graphite Bar 2B
Kneaded Eraser, Electric Eraser, Mars Rasor, Mechanical Pen Eraser, Brush #8
Blending Stump, Makeup Removal Discs.

«I think we all have intrinsically deep inside our unique talents and passions but we must have the courage to discover them and the commitment to improve them. You can be instructed in a job and not be passionate but I think art requires passion, talent, skill and will. You can be as talented as you want but your talent is going to fail you if you are not skilled and effort is a necessary but not sufficient condition.»

"Gandalf el Gris / the Grey(Ian McKellen)", grafito sobre papel / graphite on paper, 21,6 x 29,72 cm.
Herramientas / Tools: 2H-7B, Willow charcoal - Kneaded Eraser, Mechanical Pen Eraser, Electric Eraser
Blending Stump, Makeup removal discs

Los comentarios de Ambro están tomados de una entrevista publicada en Passion How que puede leerse completa (en inglés) aquí
Ambro's comments from an interview published in Passion How you can fully read here.

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Images (except the reference ones) published here with artist's permission (Thanks a lot, Ambro!)

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