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Channel: El Hurgador [Arte en la Red]
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Alan Derwin (II) [Pintura]

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Alan Derwin

"Autorretrato / Self Portrait", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 10"× 8". © Copyright 2011 Alan Derwin

Segundo post dedicado a este pintor estadounidense de tendencia expresionista. En el primero veíamos una selección de su homenaje a los "artistas degenerados", denostados, despreciados y perseguidos por el régimen Nazi. Ahora un vistazo al resto de su producción.
Me remito al post anterior para más imágenes e información.

"Transacciones / Transactions", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30"× 24". © Copyright 2013 Alan Derwin

"Mirador / Lookout Point", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 12" © Copyright Alan Derwin

"Si tan sólo pudiera respirar / If Only I Could Breathe"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 18"× 14". © Copyright 2013 Alan Derwin

"Psyched" es un análisis introspectivo que se expresa hacia fuera a través de la pintura al óleo, texturas, color, carácter y contenido. Originalmente (1915-20), "psyched" significaba "sometido a psicoanálisis", una abreviatura de psicoanálisis. En el medio oeste de Estados Unidos se utiliza como "muy excitado" por la razón que sea, "mentalmente dispuesto a algo".
Según explica Alan: «Inspirado por la naturaleza reveladora de la autenticidad, la colección Psyched de pinturas representa la expresión externa de emociones y estados de ánimo focalizados dentro de la mente del artista.»

"Retrato para un estudio interpretativo / Portrait for Interpretive Study"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 16"× 12". © Copyright 2011 Alan Derwin

"Un agujero en esta vida / A Hole In This Life"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24"× 18". © Copyright 2013 Alan Derwin

Charles Bukowski, basado en una fotografía de / based on the photo byMichael Montford
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14"× 11". © Copyright 2011 Alan Derwin
[ver al final del post / check out at the end of this post]

"Retrato de Greg Kunin, El Gran Kahuna / Portrait of Greg Kunin, The Big Kahuna"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20"× 16". © Copyright 2011 Alan Derwin

Second post dedicated to this American expressionist painter. In the first one we saw a selection of his homage to the reviled, scorned and persecuted by the Nazi regime "degenerate artists". Now an overview on the rest of his production.
I refer to the previous post for more images and information.

"Patrones conductuales / Behavioral Patterns"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24"× 18". © Copyright 2013 Alan Derwin

"Aislamiento / Isolation", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 9"× 12″. © Copyright 2009 Alan Derwin

"Retrato de / Portrait ofJames Hetfield (Metallica)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 20"× 16". © Copyright 2010 Alan Derwin

"Psyched" is an introspective analysis expressed outwardly by oil-paint application, texture, color, character and content. Originally (1915 - 20) in earlier sense “to subject to psychoanalysis”, a shortening of psychoanalyze.
In the Midwest of the USA, "psyched" usually means "very excited" for whatever reason, completely mentally ready (for something).
As Alan wrote: «Inspired by the revealing nature of authenticity, The Psyched Collection of paintings represents the focused outward expression of emotions and moods within the mind of the artist.»

"Retrato de un moribundo / Portrait of a Dying Man"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24"× 18". © Copyright 2012 Alan Derwin

"Rostro frío, El conquistador / Cold Face, The Conqueror"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 9"× 12″. © Copyright 2010 Alan Derwin
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"Bahía española, playa de guijarros / Spanish Bay, Pebble Beach", óleo / oil, 12" × 16". © Copyright 2011

"Dramatización de un manifiesto polar / Dramatization of a Polar Manifesto"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30"× 22". © Copyright 2011 Alan Derwin

"Retrato de / Portrait ofJoan Mitchell"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14"× 11". © Copyright 2013 Alan Derwin
[ver al final del post / check out at the end of this post]

Más sobre Alan Derwin en "El Hurgador" / More about Alan Derwin in this blog:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Alan!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Alan!)


Referencias / References

Montfort y Bukowski 

Michael Montfort, nacido en 1940 en Friburgo, Alemania, trabajó como fotoperiodista en la plantilla de grandes revistas alemanas (Stern, Quick) en Hamburgo y Munich. En 1973 se mudó a Los Ángeles para trabajar como fotógrafo freelance. Conoció a Charles Bukowski en 1977, en un trabajo para una revista alemana.
Se hicieron amigos, y a través de los años, Montfort fotografió a Bukowski casi exclusivamente para publicaciones estadounidenses e internacionales. Montfort ha publicado seis libros acerca de y con Bukowski, ilustrados con fotografías.
Montfort y Giorgio Moroder son amigos desde 1974. Montfort documentó para incontables publicaciones internacionales el ascenso internacional de Moroder como super-productor internacional. En 1995, él y Moroder hicieron la innovadora película "Un árbol especial". Moroder trabajó digitalmente cientos de imágenes de Montfort y las juntó en una película. Montfort se enganchó al arte informático de Moroder. Extensos experimentos en este campo llevaron a su colaboración para producir "Bukowski - Las impresiones de Iris". Información de aquí.

Charles Bukowski por Michael Montfort

Michael Montfort, born 1940 in Freiburg, Germany, worked as a photojournalist on the staff of major German magazines (Stern, Quick) in Hamburg and Munich. In 1973 he moved to Los Angeles to work as a free lance photographer. He met Charles Bukowski in 1977 on assignment for a German magazine.
They became friends and over the years Montfort photographed Bukowski almost exclusively for American and international publications. Montfort has published six books about and with Bukowski, illustrated with photographs.
Montfort and Giorgio Moroder have been friends since 1974. Montfort documented Moroder's rise to international super-producer for countless international publications. In 1995 he and Moroder made the groundbreaking film "A Special Tree". Moroder digitally reworked hundreds of Montfort's stills on the computer and put them together on film. Montfort became hooked on Moroder's computer-art. Extensive experiments in this field led to their collaboration to produce "Bukowski - The Iris Prints". Info from here.
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Joan Mitchell

"Mariquita / Ladybug", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 197,9 x 274 cm., 1957. 
The Museum of Modern Art (Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)

Joan Mitchell fue una artista de la "segunda generación" de expresionistas abstractos, nacida en 1925. Fue un miembro clave del movimiento del expresionismo abstracto estadounidense, aún cuando la mayor parte de su carrera se desarrolló en Francia. Junto con Lee Krasner, Grace Hartigan, Helen Frankenthaler y Sonia Getchoff, fue una de las pocas mujeres de su época en lograr la aclamación de la crítica y del público. Sus pinturas y ediciones de impresiones pueden verse en los mejores museos y colecciones de Estados Unidos y Europa.
El 13 de mayo de 2014, Mitchell se convirtió en la artista más cotizada en una subasta con un abstracto sin título fechado en 1960, que se vendió por $11,925,000 en Christie's, Nueva York. El récord anterior lo ostentaba Berthe Morisot. Mitchell murió en 1992.

"Sin título / Untitled", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 228,6 x 205,7 cm., 1961. 
Colección de la Fundación Joan Mitchell, Nueva York / Collection of the Joan Mitchell Foundation, New York
© Estate of Joan Mitchell

Joan Mitchell was a "second generation" abstract expressionist painter born in 1925. She was an essential member of the American Abstract expressionist movement, even though much of her career took place in France. Along with Lee Krasner, Grace Hartigan, Helen Frankenthaler and Sonia Gechtoff, she was one of her era's few female painters to gain critical and public acclaim. Her paintings and editioned prints can be seen in major museums and collections across the United States and Europe.
On 13 May 2014, Mitchell became the most expensive female artist at auction when an untitled abstract dating from 1960 was sold for $11,925,000 at Christie's, New York. The previous record holder had been Berthe Morisot. She died in 1992.

"Río (díptico) / River (diptych)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 279,4 x 400,1 cm., 1989. 
Colección de la Fundación Joan Mitchell, Nueva York / Collection of the Joan Mitchell Foundation, New York
© Estate of Joan Mitchell


Michael Cheval [Pintura]

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Michael Cheval

Michael Cheval, fotograma del video que puede verse al final del post / 
still from the video you can see at the end of this post.

Michael Cheval es un artista contemporáneo, especializado en pinturas "absurdas", dibujo y retrato. Según su definición, "absurdo" es el lado inverso de la realidad, el reverso de la lógica. No surge de los sueños de los surrealistas, o de la actividad subconsciente. Es un juego de la imaginación, donde todos los vínculos están cuidadosamente escogidos para construir un guión literario. Cualquiera de las pinturas de Cheval es un viaje a la ilusión. Su obra es a menudo metafórica y requiere un ojo agudo para descifrar la alusiones frecuentemente ocultas.

"Cleopatra", oil on canvas / óleo sobre lienzo, 55" x 70"

"Cumpleaños del mago / Magician Birthday", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24"

Nacido en 1966 en Kotelnikovo, un pequeño pueblo en el sur de Rusia, Cheval ha desarrollado su pasión por el arte desde la niñez. Cuando su familia se mudó a Alemania en 1980, la cultura de la Europa occidental produjo una fuerte impresión en el joven artista. En 1986 se mudó a Turkmenistán y se graduó en la Escuela de Bellas Artes de Ashgabad. Absorbiendo la filosofía oriental y el carácter de Asia central, comenzó a trabajar como artista profesional independiente, perfilando su estilo y dirección surrealista.

"Canción de cuna para el tío Magritte / Lullaby of Uncle Magritte", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24"

"Ascenso del pez dorado / Gold Fish Rising", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36"

En 1990 Cheval presentó su primera exhibición personal en el Museo de Bellas Artes de Turkmenistán, un evento significativo que mostró el gran aprecio de la comunidad artística de la región.
En 1993, se mudó a Moscú, Rusia, donde trabajó como artista independiente e ilustrador para varias editoriales, incluida "Planeta".
Su decisión de emigrar a los Estados Unidos en 1997 fue el inicio para él una nueva época como artista. Regresó a la cultura occidental que tanto le había inspirado en su juventud germana, pero ahora con su propia experiencia, visión y filosofía.

"Contadores de cuentos chinos / Cock 'n' Bull Story Tellers", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30"

"Ramo de metáforas / Bouquet of Metaphors", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 30"

En 1998, Cheval se convirtió en miembro del prestigioso Club Nacional de las Artes de Nueva York, donde fue distinguido con el Premio del Comité de Exhibiciones en 2000. También es miembro de la Sociedad para el Arte de la Imaginación desde 2002.
Cheval publicó dos albumes de arte a todo color: "Canciones de Cuna", en 2004 y "Naturaleza del Absurdo", en 2007. Su obra es internacionalmente aclamada y a menudo puede verse en galerías de Estados Unidos y el extranjero.
Desde 2009 Cheval ha colaborado con el escritor, filósofo y poeta Boris Glikman, quien escribió historias cortas, fábulas y poemas acompañando las pinturas de Cheval. En 2011 su colaboración "Local Call / The mePhone" [ver al final del post] se publicó en la revista "U".

Izq./ Left: "Lección mágica II / Magica Lesson II", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24"
Der./ Right: "Nocturno de delicados aromas / Nocturne of Delicate Scents"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24"

"Melodía de la lluvia / Melody of the Rain", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24", 2011

Cheval compara sus pinturas con un puzzle, cuyo código debe ser descubierto; como puede haber más de una solución para el acertijo, invita a la audiencia a ofrecer sus propias y únicas interpretaciones para su arte, a través de las cuales alcanzar nuevas ideas y un mayor nivel de comprensión de la obra. Cheval dice: "El espectador debe aspirar a comprender el mundo que yo presento, y así expandir sus horizontes y su conciencia. Siempre me hace feliz cuando veo que un espectador me comprende, cuando sienten el deseo de jugar mi juego."
Cheval identifica una conexión estética entre su estilo y el "Teatro del Absurdo" de Samuel Beckett y Eugène Ionesco, así como con las películas de Peter Greenaway, Luis Buñuel y Tarsem Singh.
Refiere su pasión por la literatura y la poesía como contribuyentes al vocabulario visual y simbolismo de su arte. También describe la experiencia que ha obtenido siendo músico y escritor como factores esenciales en la realización de sus metas en el campo de la pintura.

"Fórmula de autocracia / Formula of Autocracy", (Retrato de / Portrait ofVladimir Putin)
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24"

"Buenos días / Good Morning Dr. Freud", oil on canvas / óleo sobre lienzo, 20" x 24"

Michael Cheval is the world's leading contemporary artist, specializing in Absurdist paintings, drawings and portraits. In his definition, "absurdity" is an inverted side or reality, a reverse side of logic. It does not emerge from the dreams of surrealists, or the work of subconsciousness. It is a game of imagination, where all
ties are carefully chosen to construct a literary plot. Any one of Cheval's paintings is a map of his journey into illusion. His work is often metaphorical and requires a sharp eye to decipher the often hidden allusions.

"Hora de ser una Reina / Time To Be A Queen", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24", 2012

"Al filo de la eternidad / On the Edge of Eternity", oil on canvas / óleo sobre lienzo, 30" x 24"

Born in 1966 in Kotelnikovo, a small town of southern Russia, Cheval developed passion for art in his early childhood. When his family moved to Germany in 1980, the West European culture made a great impression on the young artist. In 1986, he moved to Turkmenistan and graduated from Ashgabad school of Fine Art. Absorbing Eastern philosophy and the character of Central Asia, he began working as an independent professional artist, shaping his style and surrealistic direction.

Izq./ Left: "Enigma of Generations III / Enigma de las generaciones III"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 48" x 36"
Der./ Right: "Nave de la felicidad absoluta II / Vessel Of Utter Bliss-II"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 30"

"Analogía comparativa II / Comparative Analogy II", óleo sobre lienzo / oil on canvas

In 1990 Cheval held his first personal exhibition in Turkmenistan's State Museum of Fine Art, a significant event that showed high appreciation from the region's artist community.
In 1993, he moved to Moscow, Russia, and worked as an independent artist and illustrator for various publishing houses, including the famous book-publishing house "Planeta".
His decision to emmigrate in 1997 to USA began a new epoch for the artist. He returned to the Western culture that greatly inspired him in his German youth, but now he brought his own experience, his philosophy, and vision.

"Encantador de la atracción / Charmer of the Attraction", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 36" x 30"

"Té para uno / Tea for One", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 24"

In 1998, Cheval became a member of the prestigious New York's National Arts Club where he was distinguished with the Exhibition Committee Award in 2000. He is also a member of the Society for Art of Imagination since 2002.
Cheval published two full-colored art albums—Lullabies in 2004 and Nature of Absurdity in 2007. His work is internationally acclaimed and can often be seen in USA galleries and abroad. 
Since 2009 Cheval has collaborated with the writer, philosopher and poet Boris Glikman, who has written short stories, fables and poems to accompany Cheval's paintings. In 2011 their collaboration "Local Call/The mePhone" [check out at the end of this post] was published in U Magazine.

Izq./ Left: "Inspiración / Inspiration", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 18", 2013
Der./ Right: "Sentido de adolescencia / Sense of Adolescence", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30" x 14", 2010

Cheval compares his paintings to a puzzle whose code needs to be discovered; yet there may be more than one solution to the riddle and he invites the audience to provide their own unique interpretations of his art, through which new ideas and a higher level of understanding of the work is attained. Cheval says: “ The spectator should have aspiration to understand the world I present, and thereby expand his horizons and his consciousness. I'm always happy when I see that a viewer understands me, when they have the desire to play my game”
Cheval identifies an aesthetic connection between his style and Samuel Beckett's and Eugène Ionesco’s Theatre of the Absurd (Theater of the absurd), as well as Peter Greenaway’s, Luis Buñuel's and Tarsem Singh's films.
He cites his passion for literature and poetry as contributing to the visual vocabulary and symbolism of his art. He also describes the experience he had gained from being a musician and a writer as an essential factor in the realization of his goals in the painting field.

"Canción de cuna para el Rey Mariposa II / Lullaby for the Butterfly King II"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 36"

Los textos están tomados del sitio web del artista y de su ficha en Wikipedia
Texts from artist's website and his record in Wikipedia.

Más información e imágenes sobre Cheval en / More images and information about Cheval in
Website, Facebook

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Michael!)
Gracias también a Boris Glikman por su autorización para publicar el texto "mePhone"
Y gracias otra vez a Shirley, que no para de encontrar estas cosas tan interesantes.

Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Michael!)
Thanks also to Boris Glikman for his permission to post the text of "mePhone"
And thanks again to Shirley, who keeps finding these so interesting stuff .


Naturaleza del absurdo / Nature of Absurdity

"Naturaleza del absurdo (tríptico) / Nature of Absurdity (triptych)"
Óleo sobre lienzo dorado / oil on gilded canvas, 40” x 86”
"Panel izquierdo, Señor de las Llamas / Left Panel, Lord of the Flame", 40” x 22”
"Panel central, Señor del Viento / Central Panel, Lord of the Wind", 40” x 42”
"Panel derecho, Señor de la Lluvia / Right Panel, Lord of the Rain", 40” x 22”
(click en la imagen para ampliar / click on the image to enlarge)

«Sus pinturas están realizadas con el desprejuiciado virtuosismo de los grandes maestros de la Edad de Oro del arte holandés y con... la sensibilidad de un ángel. Esta sensibilidad irradia ciertos poderes curativos. Permitan que me explique. El lado externo, visible de la irracionalidad en las creaciones de Cheval, no es más que una invitación a JUGAR, a comenzar a crear por ustedes mismos. Él organiza sus composiciones a modo de producciones teatrales con actores y diálogo, excepto que tú te conviertes en autor de este diálogo, hecho en base a tú propio sentido estético. Tú haces la conexión con el tiempo o la época. Tú creas la leyenda y compones los mitos. Este acto en colaboración da nacimiento a una forma de arte enteramente nuevo; una pintura con tu propio guión. Aquí la capacidad curativa revela su poder. Te curas del "astigmatismo ilusorio", en este caso; la incapacidad de ver una realidad diferente o, en otras palabras, de acuerdo con la analogía de Ortega y Gasset, descubres una forma de ver simultáneamente tanto el cristal como el jardín al otro lado.»
Parte de "Naturaleza", capítulo de "Absurd Intacta, ensayo de Mark Gauchax. Del sitio web del artista.

«His paintings are crafted with unbiased virtuosity of great masters belonging to the Golden Age of Dutch art and with… sensibility of an angel. This sensibility radiates certain healing powers. Let me try to explain. The outer, visible side of irrationality in Cheval’s creations is nothing but an invitation to PLAY, to start creating by yourself. He arranges his composition in the way of a theatrical production with actors and dialogue, except that you become the author of this dialogue, making it up based on your own aesthetical sense. You make the connection with the time or the epoch. You create a legend and compose myths. This collaborative act gives birth to an entirely new work of art – a painting with your own plot. Here the healing capacity reveals its power. You are cured from “illusory astigmatism”, in this case – the inability to see a different reality, or in other words, according to the analogy offered by Ortega y Gasset, you discover a way to see both the glass and the garden behind it, simultaneously.»
Part of "Nature" chapter from "Absurd Intacta" essay by Mark Gauchax. From artist's website.
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Video promocional sobre Cheval y su obra / Promo video about Cheval and his work



El yoFono, por Boris Glikman

"Llamada local / Local Call", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 12" x 12", 2010

Un día apareció en el mercado un teléfono que podías usar para llamarte a tí mismo. Todo lo que tenías que hacer era marcar cierto número y podías conectar directamente contigo mismo. La calidad de la recepción era tan buena que la voz al otro lado de la línea parecía provenir de la misma habitación.

Inevitablemente, hubo una cierta aprensión inicial a utilizar este teléfono, porque nadie sabía qué tipo de respuesta recibirían cuando se llamaran a sí mismos inesperadamente por primera vez. ¿Qué pasaría si esa llamada inesperada fuera considerada una impertinente invasión de la privacidad?

Eventualmente esos miedos remitieron cuando la mayoría descubrieron que eran recibidos con calidez y entusiasmo, y sus llamadas resultaban una agradable sorpresa. Hablar contigo mismo era como hablar con un querido amigo que no habías visto durante mucho tiempo y la conversación fluía con facilidad.

La gente corrió a comprar el nuevo invento, que salió al mercado bajo la marca comercial de "yoFono". Los proveedores no podían mantenerse al día con la demanda y hubo escenas desagradables de clientes luchando entre ellos por el último yoFono disponible.

Para que el yoFono funcionara correctamente había que seguir ciertas reglas, que venían en el Manual del Usuario. Primero, la recepción sólo era posible en ciertos lugares concretos, cuyo acceso requería el pago de una tarifa extra. Segundo, había un límite estricto del tiempo que podías pasar hablando contigo mismo. Y tercero, para usar el yoFono, uno tenía que llevar una vestimenta especial, bastante engorrosa, que se vendía por separado. Además, debido a las complejidades técnicas que implicaba establecer la conexión, el costo de la llamada era exageradamente alto, aunque algunas empresas de telefonía esperaban capitalizar la popularidad del yoFono, y mientras tanto sólo cargaban el coste de una llamada local.

Sin embargo, esos inconvenientes estaban más que compensados por los beneficios que se obtenían teniendo una buena charla contigo mismo, ya que nunca nadie había tenido tiempo de parar un momento y echar un vistazo honesto a sus vidas. Todos andaban siempre corriendo, preocupados por los detalles mundanos de su existencia, intentando silenciar la persistente pregunta de si estaban contentos con sus vidas y si estaban siendo honestos con su yo interior.

Y así fue una experiencia enriquecedora para poder tener una conversación profunda y significativa con uno mismo. Los usuarios del yoFono podían ahora ponerse al día con todas las cosas de sus vidas en las que no habían tenido oportunidad de pensar antes, para enterarse de las cosas de vital importancia que quedaban por el camino a medida que se movían a toda prisa a lo largo del camino de la vida.

La gente descubrió que hablar consigo mismo era en gran medida como hablar con un viejo confidente con quien se podían discutir los asuntos más íntimos. No era infrecuente que las lágrimas se derramaran cuando las verdades que uno se había estado escondiendo a sí mismo durante muchos años, eran transmitidas en términos contundentes y directos. Las conversaciones adquirieron un aspecto confesional cuando los más oscuros secretos que sólo uno mismo conoce eran divulgados abiertamente a través de las líneas telefónicas. Muy a menudo, las sorpresas surgían cuando la gente descubría lo que en realidad estaban sintiendo en su interior. En otras ocasiones, la voz en el otro extremo de la línea podía recordarte tus sueños abandonados, los deseos y las necesidades que habías reprimido durante demasiado tiempo.

Muchos descubrieron que en realidad no eran felices en sus lugares de trabajo. Algunos comprendieron que habían caído en el desamor desde hacía largo tiempo. Otros vieron por primera vez que se habían engañado a sí mismos mientras otros creían que habían alcanzado la realización, sin importar lo que en realidad sentían interiormente. Sólo unos pocos reconocieron que se habían vuelto tan cómodos con su ser miserable y desencantado, que retrocedían aterrorizados cuando la felicidad aparecía como algo tan fácil de alcanzar.

El mundo fue mucho mejor, un lugar más feliz gracias al yoFono, cuando la gente por fin comenzó a ser honesta con ellos mismos, porque sabían que ya no podían seguir mintiéndose. La vida antes del yoFono era un recuerdo borroso y distante, y nadie podía imaginar no tener uno.
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The mePhone by Boris Glikman

One day a new type of phone that you could use to call yourself appeared on the market. All one had to do was dial a certain number and one would be connected straight away with oneself. The quality of the reception was so good that the voice on the other end of the line sounded as if it was coming from the very same room.

Inevitably, there was some initial apprehension about using this phone, for no one quite knew what kind of a response they would receive when they rang themselves out of the blue for the very first time. What if their unexpected call was considered to be an impertinent invasion of privacy?

Eventually, these fears subsided as most found that they were greeted with warmth and enthusiasm and their calls were seen as a pleasant surprise. Talking with yourself was just like talking with a dear friend you haven’t seen for a long time and conversation flowed easily.

People rushed to purchase this new invention, which was marketed under the brand name of “mePhone”. Suppliers could not keep up with the demand and there were ugly scenes as customers fought amongst themselves for the last available mePhone.

For mePhone to work properly certain rules had to be followed, and these were set out in the Owner’s Manual. First, the reception only worked in particular areas, access to which required an extra fee. Second, there was a strict time limit on how long you could spend speaking to yourself. And third, when using the mePhone, one had to wear special, rather cumbersome apparel that was sold separately from the phone. Also, owing to the technical complexities involved in establishing a connection, the cost of a call was outrageously expensive, although some enterprising phone companies, hoping to capitalise on the popularity of the mePhone, for a while only charged it at a local call rate.  

However, these inconveniences were more than outweighed by the benefits you gained from having a good chat with yourself, for no one had ever had the time to stop and take a good, honest look at their lives. Everyone was always rushing about, preoccupied with the mundane details of existence, trying to silence the nagging question of whether they were happy with their lives and if they were being true to their inner selves.

And so it was an enlightening experience to be able to have a deep and meaningful talk with oneself. The users of the mePhone could now catch up with all the things in their lives they had never had the chance to think about before, to find out the vital news that fell by the wayside as they were speeding along the road of life.

People found that talking with yourself was a lot like talking to an old confidant, with whom the most intimate matters could be discussed. Not infrequently tears were shed as truths one had been hiding from oneself for many years were conveyed in blunt and forthright terms. Conversations gained a confessional aspect as darkest secrets known only to oneself were divulged openly over the phone lines. Quite often, surprises were lying in store as people discovered what they were actually feeling inside. At other times, the voice on the other end of the line would remind you of your long-neglected dreams, of desires and needs you had suppressed for far too long.

Many found out they weren’t really happy in their places of employment. Some realised they had fallen out of love a long time ago. Others saw for the first time that they had deluded themselves as well as others into believing they had reached fulfilment, regardless of how they actually felt inside. Quite a few recognised that they had become so comfortable with being miserable and disenchanted that they shrank back in fear when contentment appeared to be within easy reach.

The world became a better, happier place because of the mePhone as people at last began to be true to their own selves, for they knew they could no longer get away with lying to themselves. The way life had been before the mePhone was just a distant, faded memory and no person could imagine ever being without one.

Aniversarios (XXI) [Junio / June 15-21]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 15 de Junio es el cumple de

Nicolas Poussin, pintor francés nacido en Les Adelys, Normandía, en 1594. Fundador y gran practicante de la pintura clásica francesa del siglo XVII, su obra simboliza las virtudes de la claridad, la lógica y el orden. Ha influenciado el curso del arte francés hasta la actualidad.
Pasó la mayor parte de su vida pintando en Roma, excepto durante un corto período cuando el Cardenal Richelieu le ordenó regresar a Francia como pintor del rey.
Hasta el siglo XX permaneció como fuente de inspiración dominante para los artistas de orientación clásica como Jacques Louis David y Paul Cezanne. Murió en 1665.

"La Mort de / La muerte de / The Dead of Germanicus"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 147,96 × 198,12 cm., 1627. 
Minneapolis Institute of Arts (Estados Unidos / USA)
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Johann Joachim Kändler, artista alemán nacido en 1706, el más importante modelador de porcelana de Meissen.
Kändler nació en Fischbach cerca de Arnsdorf, Alemania. Tras formarse como aprendiz del escultor Thomae en Dresde, pasó a ser asistente de Johann Jakob Kirchner en porcelana de Meissen y le sucedió como maestro de modelado en 1733 cuando Kirchner se retiró. Sus modelados eran de un pesado estilo rococó  y marcaron la tendencia en la porcelana de la época.
Kändler fue nombrado escultor de la corte de Augusto II "el Fuerte" en 1731. Se hizo conocido por sus esculturas de animales, incluida una de la rinoceronte Clara. Sus figuras de personajes de la comedia italiana, principalmente arlequines, producían una sensación más evocadora de esta forma de teatro que muchas ilustraciones. Entre los museos con obras de Kändler cabe mencionar el Victoria and Albert Museum (Londres), the Birmingham Museum of Art, the Getty Museum, the National Gallery of Art, y el Rijksmuseum (Ámsterdam). Murió en 1775.

"Figura Meissen de un Ampelis / A Meissen Figure of a Waxwing", porcelana / porcelain 
Modelada por / modelled by J. J. Kändler and J. G. Ehder, 24 cm. altura / high, c.1741-45


El 16 de Junio es el cumple de

Ludovic Booz, renombrado pintor y escultor haitiano nacido en 1940 en Aquin. Trabajó a las ordenes de Antonio Joseph en el "Centre D'Art", y alrededor de 1960 estudió en la Academia de Bellas Artes.
Fue el primer escultor en utilizar cera de abejas para tratar la madera. Realizó bustos de varios presidentes haitianos, así como también de Kennedy.
Ha sido miembro del Centro de Arte y de la Academia de Bellas Artes. Su trabajo se ha presentado en exhibiciones realizadas en Estados Unidos, la Palestina Ocupada, Francia y Surinam.

"La vendedora de cocos / The Coconuts Seller", madera / wood, 7" x 20,5" x 4", 1970
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Arturo Michelena, pintor venezolano nacido en Valencia, Estado de Carabobo en 1863. Comenzó a pintar de jóven bajo la tutela de su padre. Viajó a París donde estudió en la famosa Académie Julian. Fue el primer artista venezolano en tener éxito en el extranjero y, junto con Cristóbal Rojas y Martín Tovar y Tovar, uno de los más importantes pintores venezolanos del s.XIX.
Su primer gran éxito lo tuvo en París, en el Salón de los Artistas Franceses en 1887. Animado por su profesor Jean-Paul Laurens (1838-1921), Michelena presentó un lienzo titulado L'Enfant Malade (El niño enfermo) que obtuvo la medalla de oro de segunda clase, la mayor distinción que un artista extranjero podía recibir en el Salón. La pintura fue considerada rápidamente una obra maestra. Tras pasar más de 60 años en las cámaras del Museo Ringling, en 2004 fue subastada por Sotheby's en la cifra récord de US$1,350,000.

"Miranda en La Carraca", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 196,6 × 245,5 cm., 1896. 
Galería de Arte Nacional (Caracas, Venezuela)


El 17 de Junio es el cumple de

Maurits Cornelis Escher, artista holandés nacido en Leeuwarden en 1898, universalmente conocido por sus xilografías y litografías que tratan sobre figuras imposibles, teselados y mundos imaginarios.
Me remito al post previo para más imágenes e información.
En Wiki: http://es.wikipedia.org/wiki/Maurits_Cornelis_Escher

"Belvedere", litografía / lithograph, 29,5 cm x 46,2 cm., 1958

Más sobre Escher en "El Hurgador" / More about Escher in this blog:
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Maxine Maufra, pintor de paisajes y marinas, grabador y litógrafo nacido en 1861.
Maufra comenzó a pintar a los 18 años. Fue animado para ello por dos artistas de Nantes: los hermanos Leduc. Sin embargo, no abrazó la carrera de pintor de inmediato. Como hombre de negocios, sólo pintó en su tiempo libre entre 1884 y 1890. Durante este tiempo, Maufra descubrió la obra de los impresionistas y llegó a exponer sus obras en el Salón de París de 1886. En 1890, Maufra decidió renunciar al comercio y convertirse en pintor a tiempo completo. 
Dejó Nantes por Bretaña, donde conoció a Paul Gauguin y Paul Sérusier. Maufra hizo su primera exposición individual en París en 1894, en Le Barc de Toutteville. A su regreso a Bretaña, Maufra fue el primer pintor en residir en The Bateau-Lavoir, una famosa residencia parisiense para artistas.
En sus pinturas, Maufra a veces asumió la técnica puntillista de Pissarro o Sisley, y también tomó la fuerza del color y dibujo potente de la Escuela de Pont Aven. Sin embargo, Maufra se mantuvo como artista independiente durante toda su vida, y dedicó su arte a registrar la belleza de la naturaleza. Murió en 1918.

"Le port de Saint-Goustan / El puerto de San Goustan / The port of Saint-Goustan"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1912


El 18 de Junio es el cumple de

Marceliano Santa María Sedano, pintor español nacido en Burgos en 1866, conocido por sus paisajes castellanos, cuadros históricos y retratos. Desde muy pequeño fue muy hábil para la pintura; llamaba mucho la atención su rapidez a la hora de dibujar retratos. Estudió el bachillerato en su ciudad natal y asistió a la Academia Provincial de Dibujo de Burgos. 
También estudió en Roma entre 1891 y 1895, regresando luego para afincarse en Burgos.
A partir de 1900 se dedicó a la enseñanza en Burgos y crea una famosa escuela de pintores que siguieron con su estilo. Murió en 1952.

"Iglesia de / Church of San Lesmes, Burgos"
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Bartolomeo Ammannati, arquitecto y escultor italiano nacido en Settignano, cerca de Florencia, en 1511. Estudió con Baccio Bandinelli y Jacopo Sansovino, y fue un imitador del estilo de Miguel Ángel.
Destacó más en arquitectura que en escultura. Diseñó muchos edificios en Roma. Su trabajo para finalizar el Palacio Pitti, encargado por Eleonora de Toledo, esposa de Cosimo I, es uno de sus logros más destacados, respetando el estilo de Filippo Brunelleschi.
Luego fue empleado para construir el hermoso puente sobre el Arno conocido como Puente de la Santa Trinidad, uno de sus trabajos más celebrados. Fue destruido en 1944 durante la Segunda Guerra Mundial, y reconstruido en 1957.
Otra de sus obras más importantes fue la fuente de Neptuno en mármol y bronce.
Cuando el trabajo en el desgarbado dios del mar se terminó, Miguel Ángel se burló del artista que según él había arruinado un hermosa pieza de mármol: "Ammannati, Ammanato, che bell' marmo hai rovinato!". Murió en 1592.

"Fontana del Nettuno / Fuente de Neptuno / Fountain of Neptune", mármol, bronce / marble, bronze
Piazza della Signoria (Florencia, Italia / Firenze, Italy)


El 19 de Junio es el cumple de

Georges Ribemont-Dessaignes, artista y escritor francés asociado al movimiento Dada nacido en 1884. Además de sus numerosas pinturas tempranas, escribió guiones, poesía, manifiestos y libretos de ópera. Contribuyó a la literatura periódica Dada, y más tarde a la surrealista.
Aunque se le reconoce fundamentalmente por su obra literaria, su padre le matriculó en la Academie Julian y, posteriormente, en la Escuela de Bellas Artes de París, para que recibiera lecciones de pintura. Fue influenciado por el Impresionismo y las nuevas corrientes que florecieron en Europa a comienzos del siglo XX, así como por la pintura japonesa. La mayor parte de sus obras no se conservan hoy en día. Fue amigo de Picabia, con quien expuso en el Salón de Otoño de París, en 1919. Murió en 1974.

"Silencio / Silence", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 92,1 × 73,3 cm., c.1915. 
Museum of Modern Art (Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)
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Joaquim Machado de Castro, uno de los principales escultores de Portugal, nacido en 1731.
Escribió extensivamente sobre sus trabajos y la teoría que los sustentaba, incluyendo la larga discusión sobre la estatua de D. José I, titulada "Descripção analytica da execucão da estatua equestre", Lisboa, 1810.
La "Descripção" son los detallados comentarios del artista sobre el estilo y ejecución de su mejor obra, la estatua ecuestre erigida en 1775 como parte de la reconstrucción del centro de Lisboa tras el desastroso terremoto de 1755. Las fases de la construcción fueron ilustradas con secciones y cortes del caballo y el jinete, vistas de la estatua desde diferentes ángulos y detalles de la armadura y ornamentación.
Machado de Castro tuvo una famosa escuela y fue maestro de muchos escultores. Murió en Lisboa en 1822.

"Jose I de Portugal" (vista parcial / partial view), bronce / bronze, 1775. Foto / photo: Jose Luiz Fonseca


El 20 de Junio es el cumple de

Giorgio Morandi, pintor italiano nacido en Bolonia en 1890. En 1907 ingresó en la Academia de Bellas Artes de Bolonia. En un viaje que realizó por esa época a Florencia, descubrió la obra de los primitivos renacentistas italianos, Giotto, Masaccio y Uccello, a los que estudió siguiendo el prisma de Cézanne, artista a quien había descubierto poco tiempo antes. 
En un primer momento siguió a los futuristas y al movimiento Novecento italiano, tras establecer contacto con Boccioni y Carrà, siendo invitado a participar en la exposición futurista celebrada en el Palacio Baglioni de Bolonia, y en la muestra Libera Futurista de Roma. Tras su amistad con Giorgio de Chirico su obra comenzó a influenciarse por la de éste. En 1945 se celebró su primera exposición individual, en la galería Fiore de Florencia. Visitó por primera vez París en 1956, siendo galardonado al año siguiente con el gran premio en la Bienal de São Paulo. En 1960 el director Federico Fellini rendiría tributo a Morandi en su largometraje La Dolce Vita, donde aparecían algunas de sus pinturas. Murió en 1964.

"Naturaleza muerta (El florero azul) / Still life (The Blue Vase)"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 49,5 x 52 cm., 1920.
Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen (Dusseldorf, Alemania / Germany)
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Magdalena Abakanowicz, escultora polaca y artista de la fibra de vidrio nacida en 1930. Es notable por la utilización de textiles como medio escultórico. Fue profesora en la Academia de Bellas Artes de Poznań, Polonia, entre 1965 y 1990, y profesora visitante en la Universidad de California, Los Ángeles, en 1984. Actualmente vive y trabaja en Varsovia.
Nació en una familia de ricos terratenientes. Tras la Guerra, que resultó en la ocupación soviética, la familia se mudó a la pequeña ciudad de Tczew, cerca de Gdańsk, en el norte de Polonia, donde esperaban iniciar una nueva vida. Bajo el control soviético, el gobierno polaco adoptó oficialmente el realismo socialista como la única forma de arte a desarrollar por los artistas.
Abakanowicz produjo en los '60 las obras más importantes de su carrera. En 1967 comenzó a producir gigantescas obras tridimensionales de fibra que llamó Abakans. Esas obras la asegurarían una plaza en el mundo del arte como una de las grandes artistas del momento, e influenciaron toda la obra que produjo desde entonces. 

"Agora", Grant Park, Chicago (Illinois, Estados Unidos / USA)
La instalación completa tiene cerca de 91 m. de largo / the entire installation is about 300 feet 


Hoy, 21 de Junio es el cumple de

Rockwell Kent, pintor, grabador, ilustrador y escritor estadounidense nacido en 1882. Estudió con Arthur Wesley Dow en la Art Students League, con William Merritt Chase y luego en la New York School of Art. Trascendentalista y místico en la tradición de Thoreau y Emerson, Kent encontró inspiración en la austeridad y belleza agreste del desierto. Wilderness (1920), la primera de varias memorias de sus aventuras, es una compilación editada e ilustrada de sus cartas a casa. Fue descrito como la obra más destacada que vio la luz en USA después de "Hojas de Hierba", de Walt Whitman.
En 1930 se publicó en Chicago la edición limitada en tres volumenes de Moby Dick, ilustrado por Kent. Sus asombrosos dibujos en blanco y negro a pluma, pincel y tinta fueron un factor determinante en el reconocimiento que éste clásico tiene hoy en día. Murió en 1971.

"Moby Dick trascendente / Transcendent", ilustración de / illustration of "Moby Dick", 1930.
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Abraham Mignon or Minjon, pintor holandés de la Edad de Oro, especializado en arreglos florales, nacido en 1640.
Su padre, un comerciante, lo puso bajo la tutela del pintor de bodegones Jacob Marrel cuando tenía sólo siete años. Marrel se especializaba en pintura de flores, y encontró en él a su mejor pupilo. Acompañó a Mignon cuando se mudó a Holanda alrededor de 1660 para trabajar con Jan Davidszoon de Heem en Utrecht. 
En 1675 se estableció permanentemente y se casó con la hija del pintor Cornelis Willaerts (nieta de Adam Willaerts).
Mignon se dedicó casi exclusivamente a pintar bodegones de flores, frutas, aves y otras naturalezas muertas, aunque ocasionalmente también probó con el retrato. Sus piezas florales están marcadas por un cuidado acabado y delicado manejo. Su esquema favorito consistía en introducir rosas rojas o blancas en el centro del lienzo, y situar todo el conjunto de flores sobre un fondo negro. Murió en Utrecht en 1679.

Abraham Mignon & Jan Davidszoon de Heem
"Bodegón con uvas, melocotones, moras, bellotas, fruta espinosa, una copa elaborada y varios insectos sobre una repisa en una hornacina / 
Still life of grapes, peaches, blackberries, acorns, prickly fruit, an elaborate glass and various insects on a ledge in a niche", óleo sobre panel / oil on panel, 40 x 32,5 cm.


Textos en inglés / English translation

* On June 15 is the birthday of

Nicolas Poussin, French painter born in Les Adelys, Normandy, in 1594. Founder and great practitioner of classical French painting of the seventeenth century, his work symbolizes the virtues of clarity, logic and order. He has influenced the course of French art to the present. 
He spent most of his life painting in Rome, except for a short period when Cardinal Richelieu ordered him back to France as painter to the king. 
Until the twentieth century it remained a dominant source of inspiration for artists of classical orientation as Jacques Louis David and Paul Cezanne. He died in 1665.

Johann Joachim Kändler, German artist born in 1706, the most important modelleur of the Meissen porcelain manufacture.
Kändler was born in Fischbach near Arnsdorf, Germany. After apprenticing at the sculptor Thomae in Dresden, he became assistant of Johann Jakob Kirchner at Meissen porcelain, and succeeded him as "modelmaster" in 1733 when Kirchner resigned. His models were heavy on rococo style, leading a porcelain trend of the day.
Kändler was appointed court sculptor by Augustus II the Strong in 1731. He became known for his animal sculptures including one of Clara the rhinoceros. His figures of Italian Comedy characters, principally Harlequins, give a more evocative sense of this form of theatre than most illustrations. Museums containing Kändler's work include Victoria and Albert Museum, London, the Birmingham Museum of Art, the Getty Museum, the National Gallery of Art, and the Rijksmuseum (Amsterdam). He died in 1775.

* On June 16 is the birthday of

Ludovic Booz, renowned Haitian painter and sculptor born in 1940 in Aquin. He worked under the command of Antonio Joseph in the "Centre D'Art", and around 1960 he studied at the Academy of Fine Arts. 
He was the first sculptor to use beeswax to treat wood. He made busts of several Haitian presidents, as well as Kennedy. 
He was a member of the Art Center and the Academy of Fine Arts. His work has appeared in exhibitions held in the United States, Occupied Palestine, France and Suriname.

Arturo Michelena, a Venezuelan painter born in Valencia, Carabobo State, in 1863. He began to paint at a young age under his father's tutelage. Traveled to Paris where he studied in the famous Académie Julian. He was the first Venezuelan artist to succeed overseas and, with Cristóbal Rojas (1857-1890) and Martín Tovar y Tovar (1827-1902), one of the most important Venezuelan painters of the 19th century.
His first great success occurred in Paris at Le Salon des Artistes Français in 1887. Encouraged by his teacher Jean-Paul Laurens (1838-1921), Michelena presented a canvas titled L'Enfant Malade (The sick boy) which was awarded the Gold Medal, second class, the highest honor a foreign artist could receive at the salon. The painting was quickly considered a masterpiece. It was stored in the Ringling Museum's vaults where it remained away from public view for more than 60 years. In 2004 Sotheby's rescued the canvas and was sold for the record amount of US$1,350,000.

* On June 17 is the birthday of

Maurits Cornelis Escher, Dutch artist born in Leeuwarden in 1898, universally known for his woodcuts and lithographs dealing with impossible figures, tessellations and imaginary worlds. 
I refer to the previos post for more images and information.

Maxime Maufra, French landscape and marine painter, etcher and lithographer born in 1861.
Maufra first began painting at 18. He was encouraged to do so by two artists from Nantes: the brothers Leduc. However, he didn’t fully embrace his painting career right away. Being a businessman, he only painted on his spare time from 1884 to 1890. During this time, Maufra discovered the work of the Impressionists and was able to display his works at the Paris Salon of 1886. In 1890, Maufra decided to give up commerce and to become a full-time painter. He left Nantes for Brittany, where he was able to meet Paul Gauguin and Paul Sérusier. Maufra had his first solo exhibition in Paris in 1894, at Le Barc de Toutteville. Returning from Brittany, Maufra was the first painter to take up residence in The Bateau-Lavoir, a famous Parisian residence for artists.
In his paintings, Maufra sometimes quoted the pointillisit technique of Pissarro or Sisley, and also took from the strong colors and powerful drawing of the Pont Aven school. However, Maufra stayed an independent artist his all life through, and dedicated his art to recording the beauty of nature. He died in 1918.

* On June 18 is the birthday of

Marceliano Santa Maria Sedano, Spanish painter born in Burgos in 1866, known for its Castilian landscapes, history paintings and portraits. From an early age he was very good at painting; attracted a lot of attention to their speed when drawing portraits. He studied high school in his hometown and attended the drawing Provincial Academy of Burgos. 
He also studied in Rome between 1891 and 1895, then returning to settle in Burgos. 
Since 1900 he taught in Burgos and creates a famous school of painters who followed his style. He died in 1952.

Bartolomeo Ammannati, Italian architect and sculptor, born at Settignano, near Florence in 1511. He studied under Baccio Bandinelli and Jacopo Sansovino, and closely imitated the style of Michelangelo.
He was more distinguished in architecture than in sculpture. He designed many buildings in Rome. His work at the completion of Pitti Palace, commissioned by Eleonora of Toledo, wife of Cosimo I, is one of his most celebrated achievements, respecting the original style of Filippo Brunelleschi. 
He was then employed in 1569 to build the beautiful bridge over the Arno, known as Ponte Santa Trinita and one of his most celebrated works. It was destroyed in 1944, during World War II, and rebuilt in 1957.
Another of his most important works was the marble and bronze Fountain of Neptune (Fontana del Nettuno).
When the work on the ungainly sea god was finished, Michelangelo scoffed at Ammannati that he had ruined a beautiful piece of marble: "Ammannati, Ammanato, che bell' marmo hai rovinato!". He died in 1592.

* On June 19 is the birthday of

Ribemont-Georges Dessaignes, French artist and writer associated with the Dada movement born in 1884. In addition to his numerous early paintings, he wrote screenplays, poetry, manifestos and opera libretti. He contributed with Dada periodical literature, and later to the surreal. 
Although it is recognized primarily for his literary work, his father enrolled him at the Academie Julian and then at the Ecole des Beaux Arts in Paris, to receive lessons in painting. He was influenced by Impressionism and the new currents that flourished in Europe in the early twentieth century, as well as Japanese painting. Most of his works are not preserved today. He was a friend of Picabia, with whom exhibited at the Salon d'Automne in Paris in 1919. Died in 1974.

Joaquim Machado de Castro, one of Portugal's foremost sculptors born in 1731.
He wrote extensively on his works and the theory behind them, including a full-length discussion of the statue of D. José I entitled Descripção analytica da execucão da estatua equestre, Lisbon 1810.
The Descripção is the artist's detailed comments on the style and execution of his finest work, the equestrian statue of D. José I, erected in 1775 as part of the rebuilding of central Lisbon after the disastrous earthquake of 1755. The stages of construction are illustrated with sections and cross-sections of the horse and rider, views of the statue from different angles, and details of armor and ornamentation.
Machado de Castro had a famous school and was the Master of many sculptors. He died in Lisbon in 1822.

* On June 20 is the birthday of

Giorgio Morandi, Italian painter born in Bologna in 1890. In 1907 he entered the Academy of Fine Arts in Bologna. On a trip he made at that time to Florence, he discovered the work of the early Italian Renaissance, Giotto, Masaccio and Uccello, who studied through the prism of Cézanne, an artist who had discovered shortly before. 
At first he followed the Futurists and Italian Novecento movement, after contacting Boccioni and Carrà, being invited to participate in the Futurist exhibition held at the Palace Baglioni in Bologna, and in the show Libera Futurista in Rome. After his friendship with Giorgio de Chirico his work began to be influenced by the latter. In 1945 his first solo exhibition was held in the gallery Fiore in Florence. He first visited Paris in 1956, and was awarded the following year with the grand prize at the Biennial of São Paulo. In 1960 the director Federico Fellini yield tribute to Morandi in his film La Dolce Vita, where some of his paintings appeared. He died in 1964.

Magdalena Abakanowicz, Polish sculptor and fiber artist born in 1930. She is notable for her use of textiles as a sculptural medium. She was a professor at the Academy of Fine Arts in Poznań, Poland from 1965 to 1990 and a visiting professor at University of California, Los Angeles in 1984. Abakanowicz currently lives and works in Warsaw.
Magdalena Abakanowicz was born to a noble landowner family.
After the war and resulting Soviet occupation, the family moved to small city of Tczew near Gdańsk, in northern Poland, where they hoped to start a new life. Under Soviet control, the Polish government officially adopted Socialist realism as the only acceptable art form which should be pursued by artists.
The 1960s saw some of the most important works produced during Abakanowicz's career. In 1967, she began producing gigantic three-dimensional fiber works called Abakans. These works would secure her place in the art world as one of the great artists of the time and influence all of her work she has produced since.

* Today, June 21 is the birthday of

Rockwell Kent, painter, engraver, illustrator and writer born in 1882. He studied with Arthur Wesley Dow at the Art Students League with William Merritt Chase and then at the New York School of Art. Transcendentalist and mystic in the tradition of Thoreau and Emerson, Kent found inspiration in austerity and rugged beauty of the dessert. Wilderness (1920), the first of several memoirs of his adventures, is an edited and illustrated compilation of his letters home. It was described as the most outstanding work that was released in USA after "Leaves of Grass" by Walt Whitman. 
In 1930 was published in Chicago the limited edition in three volumes of Moby Dick, illustrated by Kent. His amazing drawings in black and white pen, brush and ink were a determining factor in the recognition that this classic has today. He died in 1971.

Abraham Mignon or Minjon, Dutch golden age painter, specialized in flower bouquets born in 1640.
His father, a merchant, placed him under the care of the still-life painter Jacob Marrel, when he was only seven years old. Marrel specialized in flower painting, and found him to be his best pupil. He accompanied Mignon when he moved to the Netherlands about 1660 to work under Jan Davidszoon de Heem at Utrecht. In 1675 he settled there permanently and married the daughter of the painter Cornelis Willaerts (granddaughter of Adam Willaerts). 
Mignon devoted himself almost exclusively to painting stilleben of flowers, fruit, birds and other still-life, though at times he also attempted portraiture. His flower pieces are marked by careful finish and delicate handling. His favourite scheme was to introduce red or white roses in the centre of the canvas and to set the whole group of flowers against a dark background. He died at Utrecht in 1679.

Aniversarios, Fotografía (XXI) [Junio / June 16-22]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 16 de Junio es el cumple de

Irving Penn, retratista y fotógrafo de modas estadounidense nacido en 1917 en New York y fallecido en 2001.
Me remito a los posts previos para más imágenes e información.

"Nadja Auermann", Vogue, Julio / July 1994

Más sobre Irving Penn en "El Hurgador" / More about Irving Penn in this blog:


El 17 de Junio es el cumple de

Carl Van Vechten, escritor y fotógrafo artístico estadounidense nacido en 1880, mecenas del Renacimiento de Harlem y albacea literario de Gertrude Stein.
Se graduó en la Washington High School en 1898 y más tarde en la Universidad de Chicago, en 1903. En 1906 se mudó a New York City. Fue contratado como crítico de músico para el New York Times. Su interés en la ópera hizo que se tomara un permiso para viajar a Europa.
Conoció a Gertrude Stein en París en 1913. Continuaron su correspondencia durante el resto de la vida de Stein, y a su muerte nombró a Van Vechten su albacea literario. Él ayudó a llevar a la imprenta sus escritos inéditos.
Van Vechten estaba interesado en escritores y artistas negros, y conoció y promovió a las más grandes figuras del Renacimiento de Harlem. En los '30 comenzó a tomar fotografías. Entre sus modelos estuvieron Salvador Dalí, Gertrude Stein, Marc Chagall, Gore Vidal, Sidney Lumet, Marlon Brando y Truman Capote.  Murió en 1964.

"Juante (Allen) Meadows", 1940


El 18 de Junio es el cumple de

Jean-Louis Tornato, fotógrafo francés nacido en 1969. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Aix-en-Provence hasta 1993, tras lo cual hizo un máster de investigación en Ciencias de arte con estudios en la ENSP en 1996. 
Su trabajo se dividió entre la investigación artística, la fotografía freelance (sobre arquitectura, cine, retrato, …) y un compromiso más teórico sobre la imagen (la enseñanza en la escuela de arte: desde 2001 es profesor de fotografía y arte contemporáneo en el Atelier de Sèvres, conferencias y talleres, …).
Desde 1996, Jean-Louis Tornato ha venido desarrollando su trabajo en torno al hecho de dormir trabajando con una cámara con temporizador, película y flash infrarrojos. Esto permite la captura de noche con una luz invisible a simple vista, mientras los sujetos duermen un sueño reparador.
Aborda las cuestiones del sueño, el inconsciente y el deseo, en relación a mundos en estado de crisis, marcados por diversas tragedias, guerras, catástrofes y poluciones.
Website del artista: http://www.jeanlouistornato.fr/

"Lechos, Extracto de la noche / Sleepings, Night Extract"


El 19 de Junio es el cumple de

Volker Hinz, fotógrafo alemán nacido en 1947. Muy temprano en su carrera se hizo conocido por sus reportajes políticos e historias de viajes; actualmente son más conocidos sus retratos de artistas, autores, diseñadores de moda y personalidades del deporte y la política.
Ya desde los 20 años, vendió sus primeras fotos a periódicos. A los 24 se convirtió en jefe de la agencia de fotos "Sven Simon", en Bonn, por aquél entonces capital de la República Federal Alemana. En 1974 pasó a ser miembro del equipo de fotógrafos de la revista semanal Stern en Hamburgo. En 1978 se trasladó, como fotógrafo freelance, a Los Ángeles, hasta que volvió a integrarse a la plantilla de "Stern", esta vez en New York. Allí muchas de sus grandes historias, retratos y reportajes lo hicieron conocido en todo el mundo. Desde 1986, de regreso en Hamburgo, trabaja fuera de su ciudad natal.



El 20 de Junio es el cumple de

Jean Dieuzaide, que firmaba sus trabajos como Yan, fotógrafo francés nacido en 1921 en el seno de una familia humilde
Fue su padre quien le inició en la fotografía. Su trabajo fue conocido al realizar un reportaje sobre la liberación de Toulouse en la segunda guerra mundial en agosto de 1944, donde realizó el primer retrato oficial a Charles de Gaulle. En 1946 entró a formar parte de la agencia Rapho y colaboró en diversos periódicos hasta que en 1951 se instaló como fotógrafo independiente en Toulouse.
En los años cincuenta inició un viaje por España en el que tuvo ocasión de recoger importantes testimonios documentales de la vida en esa época, conoció a Salvador Dalí y tuvo ocasión de hacerle uno de los retratos más conocidos en el que el pintor aparece sumergido hasta el cuello. 
En 1994 fue nombrado miembro distinguido de la Royal Photographic Society.
Murió en 2003.

"La petite fille au lapin / La niña con el conejo / The Girl with the Rabbit", Nazaré Portugal, 1954


El 21 de Junio es el cumple de

Judy Dater, fotógrafa y feminista estadounidense nacida en 1941 en Hollywood, criada en Los Angeles.
Para más información e imágenes, me remito al post anterior.
Sitio web de la artista: http://judydater.com/

"Pareja embarazada / Pregnant couple", 1965 © Judy Dater

Más sobre Judy Dater en "El Hurgador" / More about Judy Dater in this blog:


Hoy, 22 de Junio es el cumple de

Albert Renger-Patzsch, fotógrafo alemán asociado con la Nueva Objetividad, nacido en Würzburg en 1897.
Comenzó a hacer fotografías a los 12 años. Tras el servicio militar en la Primera Guerra Mundial, estudió química en el Colegio Técnico de Dresde. A principios de los años '20 trabajó como fotógrafo de prensa para el Chicago Tribune, antes de hacerse independiente y, en 1925, publicó un libro "La sillería del coro de Cappenberg". Hizo su primera exposición en un museo en 1927.
Un segundo libro le siguió en 1928, "Die Welt ist schön (El mundo es hermoso). Este, su libro más conocido, es una colección de cien de sus fotografías en las cuales las formas naturales, temas industriales y objetos producidos en masa, son presentados con la claridad de ilustraciones científicas. El título del libro fue escogido por el editor; el preferido para Renger-Patzsch para la colección era "Die Dingen (Cosas)".
Por su enfoque agudo y de estilo realista, su obra es un ejemplo de la estética de la Nueva Objetividad que floreció en las artes en Alemania durante la República de Weimar.

"Astwerk einer Solitärfichte / Ramas de un abeto solitario / Branches of a solitary spruce", c. 1960


Textos en inglés / English translation

* On June 16 is the birthday of

Irving Penn, portrait painter and photographer of American fashions born in 1917 in New York and died in 2001.
I refer to the previous posts for more images and information.

* On June 17 is the birthday of

Carl Van Vechten, American writer and artistic photographer born in 1880, who was a patron of the Harlem Renaissance and the literary executor of Gertrude Stein.
He graduated from Washington High School in 1898, and later the University of Chicago in 1903. In 1906, he moved to New York City. He was hired as the assistant music critic at The New York Times. His interest in opera had him take a leave of absence from the paper in 1907, to travel to Europe to explore opera.
Van Vechten initially met Gertrude Stein in Paris in 1913. They continued corresponding for the remainder of Stein's life, and at her death she appointed Van Vechten her literary executor; he helped to bring into print her unpublished writings.
Van Vechten was interested in black writers and artists, and knew and promoted many of the major figures of the Harlem Renaissance. In the 1930s, Van Vechten began taking portrait photographs. Among the many individuals he photographed were Salvador Dalí, Gertrude Stein, Marc Chagall, Gore Vidal, Sidney Lumet, Marlon Brando and Truman Capote. He died in 1964.

* On June 18 is the birthday of

Jean-Louis Tornato, French photographer born in 1969. Studied Fine Arts at the University of Aix-en-Provence until 1993, after which he became a master of art sciences research with studies in ENSP, 1996. 
His work was divided between artistic research, freelance photography (on architecture, film, portrait, ...) and a theoretical commitment on the image (teaching in art school: since 2001 teaches photography and contemporary art in the Atelier de Sèvres, conferences and workshops, ...). 
Since 1996, Jean-Louis Tornato has been developing his work around the fact of sleeping, working with a timer camera, infrared film and flash. This allows the night shot with a light that is invisible for the naked eye, while subjects sleep a restful sleep. 
He addresses the issues of sleep, the unconscious and desire in relation to worlds in crisis, marked by several tragedies, wars, disasters and pollution.

* On June 19 is the birthday of

Volker Hinz, German photographer born in 1947. Early in his career he became known for his political reportage and travel stories; now his portraits of artists, authors, fashion designers, sports men and politicians are better known.
Even as a 20-year-old, he sold his first photos to newspapers. At the age of 24 he became head of the photo agency "Sven Simon" in Bonn – at that time the capital of the Federal Republic of Germany. In 1974 he became a member of the crew of staff photographers of the weekly magazine Stern in Hamburg. In 1978 he moved as a freelance photographer to Los Angeles until be became a staffer again for “Stern” magazine in New York. There many of his great stories, portraits and reportages made him known world wide. Since 1986, back in Hamburg again, he works out of his home town.

* On June 20 is the birthday of

Jean Dieuzaide who signed his work as Yan, French photographer born in 1921 into a humble family.
His father introduced him to photography. His work when he made a report on the liberation of Toulouse in the Second World War, in August 1944, where he made the first official portrait of Charles de Gaulle. In 1946 he joined the Rapho agency and collaborated in various newspapers until 1951 when he was installed as a freelance photographer in Toulouse. 
In the fifties, began a tour of Spain in which he had the opportunity to gather important documentary evidence of life at that time, he met Salvador Dalí and had the opportunity to have one of the most famous portraits in which the artist appears submerged until neck. 
In 1994 he became a Fellow of the Royal Photographic Society. 
He died in 2003.

* On June 21 is the birthday of

Judy Dater, American photographer and feminist. Dater was born in 1941 in Hollywood and grew up in Los Angeles. 
I refer to the previous posts for more images and information.
In "El Hurgador": http://elhurgador.blogspot.com.es/2014/04/imogen-cunningham-fotografia.html
Artist's website: http://judydater.com/

* Today, June 22, is the birthday of

Albert Renger-Patzsch, German photographer associated with the New Objectivity born in Würzburg, 1897.
He began making photographs by age twelve. After military service in the First World War he studied chemistry at Dresden Technical College. In the early 1920s he worked as a press photographer for the Chicago Tribune before becoming a freelancer and, in 1925, publishing a book, The choir stalls of Cappenberg. He had his first museum exhibition in 1927.
A second book followed in 1928, Die Welt ist schön (The World is Beautiful). This, his best-known book, is a collection of one hundred of his photographs in which natural forms, industrial subjects and mass-produced objects are presented with the clarity of scientific illustrations. The book's title was chosen by his publisher; Renger-Patzsch's preferred title for the collection was Die Dinge ("Things").
In its sharply focused and matter-of-fact style his work exemplifies the esthetic of The New Objectivity that flourished in the arts in Germany during the Weimar Republic.
He died in 1966.

Matthieu Soudet [Fotografía]

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Matthieu Soudet

Autorretrato con / Self-Portrait with / Lubitel 166 Silver Film © Matthieu Soudet

Matthieu Soudet nació en Francia, tiene tan sólo 22 años, y ya ha desarrollado un trabajo importante en el mundo de la fotografía. 
Vive y trabaja en Normandía y París, centrado en la figura femenina en ambientes naturales, con una especial predilección por el agua.
Principalmente inspirado en la pintura y la ilustración, sus fotografías no son sólo tomas; Matthieu hace bocetos, y luego dirige y captura la puesta en escena que tiene en mente.

© Matthieu Soudet

Modelo / Model: Alexana Fontvielle © Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

«Me interesé en la fotografía a los 8 o 9 años con la fotografía del natural. Tenía una cámara de película con la cual hacía fotos de insectos y paisajes. Gradualmente cogí la cámara de mi padre que es un fotógrafo amateur y me pasé a digital.»

© Matthieu Soudet

Modelo / ModelAlexandra Ceysens © Matthieu Soudet

Modelo / Model: Louise Humbert © Matthieu Soudet

"Ofelia / Ophelia"© Matthieu Soudet

Izq./ Left: "Dunas / Dunes"© Matthieu Soudet

Matthieu Soudet was born in France, he has only 22 years old and has developed an important work in the world of photography.
He lives and works in Normandy and Paris, focused in female figura in natural environments, with a particular fondness for water.
Mostly inspired by painting and illustration, his photography are not just snapshots. He sketches then direct and capture the mise-en-scene he had in mind.

Modelo / Model: Manya Muse © Matthieu Soudet

Modelo / ModelAlexana Fontvielle © Matthieu Soudet

Der./ Right: Modelo / ModelIrina Sharipova © Matthieu Soudet

"Salvaje / Wild"© Matthieu Soudet

«I became interested in photography at the age of 8, 9 years with nature photography. I had a film camera with which I was taking insects and landscapes. Then gradually I grabbed the camera from my father who is an amateur photographer and I went to digital.»

© Matthieu Soudet

© Matthieu Soudet

Modelo / Model: Lola Billaux © Matthieu Soudet

Modelo / ModelSirithil, 2013 © Matthieu Soudet

Modelo / ModelAuriane Allaire © Matthieu Soudet

"Melancolía / Melancolie"© Matthieu Soudet

Se puede disfrutar de más imágenes de Matthieu en / You can enjoy more Matthieu's images in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Matthieu!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Matthieu!)

Christopher Pugliese [Pintura] + Las puertas del infierno

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Christopher Pugliese

Chris en un fotograma del video que puede verse al final del post /
Christ in an still of the video you can see at the end of this post

Christopher Winter Pugliese es un artista nacido en Nueva York en 1968. Es hijo de dos artistas contemporáneos: Richard y Virginia Pugliese.
«Me crié en Soho. Mis padres eran ambos pintores, así que siempre estuve rodeado de arte. Creo que tuve la gran ventaja de crecer en Nueva York en la época que lo hice, ya que estaba expuesto a obras abstractas y modernistas de una forma tal que nunca había conflicto... Era simplemente arte para mí, así que buscaba cosas que aceptaba como parte del vocabulario del arte, y también había lugares en Nueva York donde también puedes ir y ver grandes obras maestras antiguas. Puedes ir a ver cosas de Rembrandt y Rodin, pero otras cosas que puedes ver son de Picasso y De Kooning

"Despertar la conciencia (Tres gracias) / Waking Consciousness (Three Graces)"
Óleo sobre lino / oil on linen, 42" x 48"

"Dos veces / Twice", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 28" x 24,5"

"Stephanie"

Izq./ Left: "Después de / After 4"
Der./ Right: "En un descanso / On a Break"

«Me interesa hacer pinturas de gente de nuestro tiempo. Busco individuos que a través de su apariencia no tengan temor de llamar la atención. Así es como defino un inconformista; alguien que se comporta y viste de manera diferente. Que corre el riesgo de que se le juzgue y critique. Veo mi estilo pictórico como algo que no es el estilo estándar de nuestra época. Es un estilo personal que busca la realización personal para mi propia felicidad, no uno en consonancia con los estándares estéticos de la pintura.»

"Líder / Leader", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 43" x 31"

"Ulises y las sirenas / Ulysses and the Sirens"
Técnica mixta sobre lino / mixed media on linen, 48" x 52", 2003
Collection of Jerry and Roz Myer

«Mis técnicas pictóricas me permiten ir más allá de la simple representación del vestuario, intentando retratar a los individuos emocionalmente. Aspiro a que cada pintura trascienda las extravagancias de la vestimenta y puedan ser vistas como auténticos retratos de carácter. La vestimenta es lo primero que llama la atención, y te involucra.»

"Estudio para Roxy / Study For Roxy", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 27" x 23"

"El persistente sueño de la juventud / The Persistent Dream of Youth"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120" x 72"

«Esta pintura representa el interminable ciclo en el cual la juventud y la inocencia transitan el camino desde el conocimiento a la sabiduría.
Está inspirada en la escala, el formato de vista superior y los gestos rítmicos de Jackson Pollock.»

 "El persistente sueño de la juventud / The Persistent Dream of Youth" (estudio / study)

«This Painting represent the never ending cycle as the young and innocent traverse the path from knowledge to wisdom. 
It is inspired by scale, the top view format and rhythmical gestures of Jackson Pollock.»

"El persistente sueño de la juventud / The Persistent Dream of Youth" (detalle / detail)

«Desde la secularización y la pérdida de las ideas religiosas en el arte, no ha habido narrativa. La narrativa ha sido personal, dramas psicológicos que vemos operando en las pinturas de Francis Bacon y Lucian Freud

"Anillo de oro / Golden Ring", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 24" x 30"


Christopher Pugliese was born in New York City in 1968. The son of two Contemporary Artists, Richard and Virginia Pugliese. 
«I grew up in Soho. Both my parents they are painters, so I was always surrounded by art, I was exposed to it. I think I had a great advantage grewing up in New York in the time that I did, that I was exposed to abstract and modernist work in a way it never conflicted like I was never... That It was simply always art to me so looking at lots of things so accepted part of the vocabulary of making art, and then I was also in a place like New York City where you can also go and see great old masterworks, you can go see things like Rembrandt's and Rodin's, but some other things that you can see are Picasso's and De Kooning's.»

"¿Cómo lo sabes? / How Do You Know?", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 29,5" x 26"

Izq./ Left: "Ruthy"
Der./ Right: "Eva antes de Adán / Eve Before Adam", óleo sobre lino / oil on linen, 38" x 28", 2005

"Denudo / Nude"

"María"

«I am interested in making paintings of people in our time. I look for individuals who through their appearance are not afraid to be noticed. This is what I define as nonconformist; someone who behaves and dresses differently. You risk judgment and critique. I see my painting style as not being the standard style of our age. It is a personal style for fulfillment that I pursue for my own joy rather than conforming to the standard aesthetics of paintings.»

Izq./ Left: "Amanecer rojo / Red Dawn"
Der./ Right: "Oro negro / Black Gold", óleo sobre lino / oil on linen, 2006.
Colección del artista / Collection of the Artist

«My painting techniques allow me to go beyond simply depicting costume but attempt to emotionally portray the individual. I hope that each of the paintings transcends the outlandish costume and can be seen as a real portrait of character. The costume being the first thing to catch the eye, and draw you in.»

"Vagabunda / Wanderer", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 30,5" x 24,5"

"Mi padre trabajando / My Father at Work"

«Since secularization and the loss of religious ideas in art, there’s been no narrative. The narrative has been personal, psychological drama that we see operating in the paintings of Francis Bacon and Lucian Freud

"Uno / One", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 29,5" x 26"

"Gage Cass arrives at the Box"

Los textos están tomados del sitio web del artista, de una entrevista publicada en Shooting Gallery en 2010 que puede leerse completa (en inglés) aquí, y del video que puede verse al final de este post /
Texts from artist's website, from an interview published in Shooting Gallery you can fully read here, and from the video you can see at the end of this post.

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Christopher!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Christopher!)


El artista Vincent Zambrano analiza el proceso artístico y la vida de Christopher Pugliese mientras trabaja en su última pieza.
Artist Vincent Zambrano discusses the artistic process and life of Christopher Pugliese as he works on his latest piece.



Auguste Rodin
La Porte de l'Enfer
Las puertas del infierno / The Gates of Hell

Bronce / bronze, 635 x 400 x 85 cm., Musée Rodin (París, Francia / France)
fundición / cast 1926-28

La Porte de l'Enfer (Las puertas del infierno) es un grupo escultórico monumental del artista francés Auguste Rodin, que representa una escena de "El Infierno", primera parte de la Divina Comedia de Dante Alighieri. Mide 6 metros de alto, 4 de ancho y 1 m. de profundidad, y contiene 180 figuras. Estas van desde los 15 cm de alto, hasta más de un metro. Varias de ellas fueron fundidas independientemente por Rodin.

La copia del / The copy at Musée Rodin (París, Francia / France)


La escultura fue un encargo de la Dirección de Bellas Artes en 1880, y se supone que se entregaría en 1885. Rodin continuó trabajando alternativamente en el proyecto durante 37 años, hasta su muerte en 1917.

Musée Rodin (París, Francia / France) (detalle / detail)

«Durante años quise ser un escultor, porque algunas ideas que tenía, sentía que en realidad eran ideas escultóricas, y de alguna manera no tenían sentido para un pintor, como las cosas que estoy intentando hacer aquí con esta figura proyectándose hacia delante como la que hay en "Las puertas del infierno", de Rodin. Uno de los malditos cayendo de espaldas fuera del espacio; esta figura definitivamente deriva de aquella... Pero esa clase de espacio, durante mucho tiempo pensé: "puedo dar esa misma sensación de una figura yendo hacia tí y cayendo... en una pintura?"» C.P.

Christopher Pugliese, obra en curso / work in progress

«For years I wanted to be an sculptor, because some of the ideas I had I felt were really sculptural ideas, and in some ways don't make sense as a painter,  like the kind of things I'm trying to do here with this figure projecting forward there's a figure in Rodin's Gate of Hell. One of the damned are falling backwards out of the space, so like that figure definitely comes derived from that one... But that kind of space from a long time I thought, "can I give that same kind of sense of a figure coming out at you and falling... in a painting?"» C.P.

Bronce / bronze, 680 x 400 x 85 cm. Kunsthaus (Zürich, Suiza / Switzerland)

La Dirección quería una entrada para el planeado Museo de Artes Decorativas, con un tema que dejó a elección de Rodin. Incluso antes del encargo, Rodin había hecho bocetos de algunos de los personajes de Dante, basados en su admiración de "El Infierno" de Dante.
El Museo de Artes Decorativas nunca se construyó. Rodin trabajó en este proyecto en la planta baja del Hôtel Biron. Cerca del final de su vida, Rodin donó las esculturas, dibujos y derechos de reproducción al gobierno francés. En 1919, dos años después de su muerte, el Hôtel Biron se convirtió en el Museo Rodin, alojando una copia Las puertas del Infierno y obras relacionadas.

Bronce / bronze, 636,9 x 401 x 84,8 cm., Coubertin Foundry, nº 5
Fundición póstuma autorizada por / posthumous cast authorized by Musée Rodin, 1981. 
Cantor Art Center (Stanford, California, Estados Unidos / USA)

Una obra del alcance de Las puertas del infierno no se había intentado antes, pero su inspiración provenía de las Puertas del Paraíso, de Lorenzo Ghiberti, en el Baptisterio de San Juan, en Florencia. Las puertas de bronce del s.XV representan figuras del Antiguo Testamento. Otra fuente de inspiración fueron las catedrales medievales, aquellas que combinaban alto y bajorrelieves. Rodin también se inspiró en el fresco de Miguel Ángel "El juicio final", la pintura de Delacroix "La barca de Dante", la colección de Balzac "La comedia humana" y los poemas de Baudelaire "Las flores del mal".
En un artículo de Serge Basset impreso en Le Matin, en 1890, Rodin decía: "Durante un año entero viví con Dante, sólo con él, dibujando los círculos de su infierno. Al final de aquél año, comprendí que si bien mis dibujos representaban mi visión de Dante, se habían vuelto demasiado alejados de la realidad. Así que lo comencé todo de nuevo, trabajando del natural, con mis modelos."

A la muerte de Rodin, el primer curador del Museo Rodin tenía un modelo completo de las Puertas, ensamblado de los moldes originales. La primera fundición en Bronce se ejecutó en 1926-28. Hoy en día hay 7 bronces de Las puertas del infierno en todo el mundo, hechas entre 1926 y 1997: París, Filafelfia, Tokyo, Zurich, Stanford, Shizuoka, y Seúl.
Información de Wiki.

"Las Puertas del Infierno" frente al Museo Nacional de Arte Occidental en Ueno, Taito-ku, Tokyo, Japón /
Rodin's 'Gates of Hell' in front of the National Museum of Western Art at Ueno, Taito-ku, Tokyo, Japan

La Porte de l'Enfer (The Gates of Hell) is a monumental sculptural group work by French artist Auguste Rodin that depicts a scene from "The Inferno", the first section of Dante Alighieri's Divine Comedy. It stands at 6 metres high, 4 metres wide and 1 metre deep (19.7×13.1×3.3 ft) and contains 180 figures. The figures range from 15 centimetres (6 in) high up to more than one metre (3 ft). Several of the figures were also cast independently by Rodin.
The sculpture was commissioned by the Directorate of Fine Arts in 1880 and was meant to be delivered in 1885. Rodin would continue to work on and off on this project for 37 years, until his death in 1917.

The Directorate asked for an inviting entrance to a planned Decorative Arts Museum with the theme being left to Rodin's selection. Even before this commission, Rodin had developed sketches of some of Dante's characters based on his admiration of Dante's Inferno.
The Decorative Arts Museum was never built. Rodin worked on this project on the ground floor of the Hôtel Biron. Near the end of his life, Rodin donated sculptures, drawings and reproduction rights to the French government. In 1919, two years after his death, The Hôtel Biron became the Musée Rodin housing a cast of The Gates of Hell and related works.

Bronce / bronze (detalle / detail) Musée d'Orsay (Paris, Francia / France)

A work of the scope of The Gates of Hell had not been attempted before, but inspiration came from Lorenzo Ghiberti's Gates of Paradise at the Baptistery of St. John, Florence; the 15th century bronze doors depict figures from the Old Testament. Another source of inspiration was medieval cathedrals; some of those combine both high and low relief. Rodin was also inspired by Michelangelo's fresco The Last Judgment, Delacroix's painting The Barque of Dante, Balzac's collection La Comédie humaine and Baudelaire's poems Les Fleurs du mal.
In an article by Serge Basset printed in Le Matin in 1890, Rodin said: "For a whole year I lived with Dante, with him alone, drawing the circles of his inferno. At the end of this year, I realized that while my drawing rendered my vision of Dante, they had become too remote from reality. So I started all over again, working from nature, with my models."

Altorrelieve en yeso / high relief on plaster, 635 x 400 x 94 cm.
Musée d'Orsay (Paris, Francia / France)

At Rodin's death, the first curator of the Musée Rodin had a complete model of the Gates assembled from the original molds. The first bronze cast was executed in 1926-28. Today there are seven casts of the Gates of Hell throughout the world, made between 1926 and 1997: Paris, Philadelphia, Tokyo, Zurich, Stanford, Shizuoka, and Seoul.
Info from Wiki.

Aniversarios (XX) [Junio / June 8-14]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 8 de Junio es el cumple de

Juan Manuel Blanes, pintor uruguayo nacido en Montevideo en 1830, el más reconocido del Río de la Plata por sus interpretaciones de temas históricos locales.
Me remito al post previo para más información e imágenes.

"Escena campestre / Country Scene", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1870-1880

Más sobre Blanes en "El Hurgador" / More about Blanes in this blog:
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Julien Dillens, escultor belga nacido en Amberes en 1849, hijo del pintor Hendrick Joseph Dillens.
Dillens estudió con Eugène Simonis en la Academia Real de Bellas Artes. En 1877 recibió el Premio de Roma por "Un jefe galo hecho prisionero por los romanos". En Bruselas, en 1881, ejecutó los grupos titulados "Justicia" y "Herkenbald, el Brutus de Bruselas."
Para el frontón del orfanato de Uccle, "Figura Arrodillada" (Galería de Bruselas) y la estatua del abogado Hippolyte Metdepenningen frente al Palacio de Justicia de Gante, fue premiado con la medalla de honor en 1889 en la Exposición Universal de París donde, en 1900, sus Dos Estatuas del Monumento Anspach ganaron similar distinción. Murió en 1904.

"Desnudo de rodillas / Kneeling Nude", mármol blanco / white marble, 47,5 cm.


El 9 de Junio es el cumple de

Michael Peter Ancher, uno de los más populares artistas de Dinamarca, nacido en 1849. Asociado con sus pinturas de pescadores y otras escenas del puerto danés de Skagen, estudió en la Real Academia Danesa de Arte de Copenhague, donde sus profesores Wilhelm Marstrand y Frederik Vermehren alentaron su interés por la pintura de género. Aquí también conoció a Karl Madsen, quien más tarde se convertiría en el primer director del Museo de Skagen y quien lo invitó a viajar allí. Su despegue artístico fue 1879 con la obra "Vil han klare pynten". Sus trabajos son representaciones naturalistas de la vida real, y al mismo tiempo monumentales figuras compositivas. Murió en 1927.

"Redningsbåden køres gennem klitterne / Llevando el bote a través de las dunas / 
The lifeboat run through the dunes", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 171 × 221 cm., 1883. 
Statens Museum for Kunst (Copenhagen, Dinamarca / Denmark)
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Joaquín Vaquero Palacios, arquitecto y pintor español nacido en Oviedo en 1900.
Después de acabar el bachillerato, se traslada a Madrid para prepararse para entrar en la Escuela de Arquitectura, formándose además como dibujante y pintor paisajista e ingresando finalmente en 1921.
Antes de terminar la carrera presenta exposiciones individuales en Madrid (1926), y más tarde en París y Nueva York. 
Entre 1950 y 1965 vivió en Roma trabajando en la Academia Española de Bellas Artes, de la que llegó a ser director. Durante ese tiempo se dedicó por entero a la pintura.
Como pintor, los temas que más apreciaba eran el paisaje y la arquitectura de pueblos de Asturias y Castilla, así como las arquitecturas antiguas y exóticas de las ruinas romanas, las pirámides de Egipto o los poblados de los indios americanos. Murió en 1998.

**"La ruta de la paja / The Route of the Straw", acrílico sobre tabla / acylic on wood, 65 x 81 cm., 1990


El 10 de Junio es el cumple de

André Dérain, pintor, ilustrador, escenógrafo y coleccionista de arte francés nacido en 1880. Derain tenía 18 años cuando entró a la Academia Carriere donde conoció a Matisse y Vlaminck. En 1905 junto a otros artistas exhiben en el Salón de Otoño. Los colores de una viveza antinatural llevaron al crítico Louis Vauxcelles a tildar burlonamente éstas obras como Les Fauves, o "las bestias salvajes", marcando el inicio del movimiento fauvista. Especialmente destacadas fueron sus obras en Colliure y Londres en 1905 y 1906. Tras un período con inclinación hacia el cubismo, abraza un neoclasicismo en el que el papel del color se reduce y las formas se vuelven austeras. Fue acusado de colaboracionismo durante el régimen de la Francia de Vichy y perdió muchos apoyos después de la Segunda Guerra. Murió en 1954.

"Los Árboles / The Trees", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 59,4 x 72,4 cm., c.1906. 
Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, New York, Estados Unidos / USA)
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Jean Désiré Gustave Courbet, pintor francés nacido en 1819, máximo representante del realismo en la pintura francesa del s.XIX.
Me remito a los posts previos para más información e imágenes.

"Renard dans la neige / Zorro en la nieve / Fox in the Snow"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 85,73 × 127,95 cm., 1860. 
Dallas Museum of Art (Dallas, Texas, Estados Unidos / USA)

Más sobre Courbet en "El Hurgador" / More about Courbet in this blog:


El 11 de Junio es el cumple de

Antonio Pujia, escultor italo-argentino nacido en 1929 en Polia (Calabria, Italia), que llegó a Argentina en 1937 y se formó con grandes maestros como A. Lagos, T. Troiani, A. Bigatti, Fioravanti y Rogelio Yrurtia entre otros. Obtuvo el Gran Premio del Salón Municipal Manuel Belgrano en 1959, el Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Artes Plásticas en 1960, el de la Bienal Alberto Lagos en 1961 y el Gran Premio del Fondo Nacional de las artes en 1964 entre otras distinciones, habiendo realizado decenas de exposiciones.
Website del artista: http://www.antoniopujia.com/

"Familia con palomas y sombra / Family With Doves and Shadows", bronce / bronze, 42 x 31 x 10, 2001
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John Constable, pintor romántico inglés nacido en Suffolk en 1776. Es conocido principalmente por sus paisajes de Dedham Vale, el área en las inmediaciones de su casa (conocida como "Constable Country") a la que invistió de una afectada intensidad. «Debería pintar mejor mis propios lugares - escribió a su amigo John Fisher en 1821 - "pintura" es sólo otra palabra para "sentimiento".»
Sus obras más famosas incluyen "Dedham Vale", de 1802, y "The Hay Wain", de 1821. Aunque sus obras están ahora entre las más populares y valoradas del arte británico, Constable nunca consiguió éxito financiero. No se convirtió en miembro del establishment hasta que fue electo para la Royal Academy a la edad de 52 años. Su trabajo fue admirado en Francia, donde vendió más obras que en su nativa Inglaterra, y fue inspiradora de la Escuela de Barbizon.
Murió en 1837.

"La catedral de Salisbury, vista desde el jardín del palacio arzobispal / 
View of Salisbury Cathedral from Archibishop Palace", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 87,6 × 111,8 cm., 1823.
Victoria and Albert Museum (Londres, Inglaterra / London, England)


El 12 de Junio es el cumple de

Egon Schiele, pintor y grabador austríaco nacido en 1890, discípulo de Gustav Klimt. De éste adoptó sus principios creativos, en cuanto a acentuar el dibujo de sus pinturas con líneas gruesas, especialmente en la representación del cuerpo desnudo. Junto con Oskar Kokoschka conformaron lo que se conoce por expresionismo austriaco. De talento muy precoz, murió a la temprana edad de 28 años, a pesar de lo cual su obra es ingente: unas trescientas cuarenta pinturas y dos mil ochocientas acuarelas y dibujos, además de poemas y experimentos fotográficos. 
"Creo que los grandes pintores siempre pintaron figuras... Yo pinto la luz que proviene de los cuerpos."
Las principales obras de Egon Schiele se conservan en Viena, la mayoría en el Museo Leopold, inaugurado en 2001.

"Dos mujeres / Two Women", lápiz de color / coloured pencils, 1915. Museo Albertina (Viena, Austria)

Más sobre Egon Schiele en "El Hurgador" / More about Egon Schiele in this blog:
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Onofre Jarpa Labra, pintor paisajista chileno nacido en 1849, que también se desempeñó como ensayista de temas de artísticos en diversas publicaciones chilenas. Su extensa vida le permitió trabajar con una gran cantidad de artistas diferentes y llegó a educar a uno de los cuatro grandes maestros de la pintura chilena, el paisajista Alberto Valenzuela Llanos. 
Trabajó junto al pintor histórico Manuel Antonio Caro y algunos miembros de la generación del trece, entre los que destacan Ezequiel Plaza y el premio nacional de arte, Agustín Abarca. Antonio Romera lo cita como uno de los tres pintores románticos de Chile junto con Antonio Smith y Ramírez Rosales. Creó pinturas altamente detalladas, en un entorno romántico. Sus mejores pinturas son paisajes de Venecia. Murió en 1940.

"Laguna de Aculeo / Aculeo Lagoon", óleo sobre tela / oil on canvas, 85 x 150 cm., 1878. 
Colección privada / Private Collection.


El 13 de Junio es el cumple de

Joseph Stella, pintor de origen italiano que perteneció a la corriente futurista. Sus pinturas más reconocidas son las representaciones que realizó sobre temas relacionados con la industrialización en los Estados Unidos. También ha sido asociado con el movimiento artístico del precisionismo que surgió alrededor de la década de 1910 hasta su culminación en los años 1940. 
Stella empleaba por lo general una paleta caracterizada por una amplia gama de colores, sin embargo, en sus obras se visualiza el uso frecuente de pintura negra para delimitar los objetos, dando a las obras un aspecto de vitral. Falleció en 1946.

"Batalla de la luz, Coney Island / Battle of Light, Coney Island", 1913
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Aurélia de Souza, pintora portuguesa nacida en 1867 en Valparaíso, Chile.
Sus padres fueron emigrantes en Brasil y Chile, pero regresaron a Porto, Portugal, en 1869. Ella estudió Bellas Artes en la Academia de Porto desde 1893, donde fue pupila de João Marques de Oliveira, quien ejerció gran influencia sobre su estilo. En 1898 se mudó a París para estudiar pintura, y viajó por Europa los siguientes tres años, antes de regresar definitivamente a Portugal en 1901.
Fue influenciada por los estilos de pintura más innovadores que vio en Francia, como puede verse en su obra. Pintó en un estilo personal naturalista, a veces con influencias del realismo, el impresionismo y el post-impresionismo. Sus temas incluyeron retratos, paisajes y escenas de la vida cotidiana. Su obra más conocida es un autorretrato pintado en 1900. Murió en 1922 en Porto.

"Cena de interior com mulher a coser / Escena interior con mujer cosiendo / 
Interior Scene With Woman Sewing", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1910.


Hoy, 14 de Junio es el cumple de

Jörg Immendorff, pintor neoexpresionista alemán nacido en Bleckede en 1945. Discípulo de Joseph Beuys, formado en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, fue uno de los pintores alemanes de la posguerra al que se le encuadra en la escuela de los denominados "nuevos fauves". 
Del conjunto de su obra destaca la serie de la década de 1970 titulada Café Deutschland, donde trataba la división entre la República Federal de Alemania y la República Democrática.
Fue profesor de la Academia de Bellas Artes de Múnich. En el ámbito político, fue un maoísta confeso, muy crítico con el pasado nazi alemán y un ferviente defensor de la protección del medio ambiente. Murió en 2007.

"Café Deutschland (Lift/Tremble/Back)", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 285 x 330 cm., 1984
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Manuel Martín González, pintor español nacido el 14 de junio de 1905 en Guía de Isora (Tenerife, Islas Canarias), reconocido paisajista, tanto por sus composiciones artísticas como por la excepcional comprensión del medio natural de las islas.
De orígenes humildes, y siendo el mayor de nueve hermanos, mostró desde muy niño dotes para el dibujo y la pintura. Cuando contaba con 13 años de edad sus padres lo envían, a pesar del gran esfuerzo económico que les suponía, a desarrollar sus aptitudes artísticas con escultor Germán Compañ y del pintor Teodomiro Robayna en las ciudades de San Cristóbal de la Laguna y Santa Cruz de Tenerife. A pesar de vivir en la capital insular no se desvinculó de su pueblo rural, en el cual recibe un diploma de mérito por una marina presentada cuando sólo tenía 16 años. A los 18 años, en 1923, emigró a Cuba donde trabajó como artista publicitario y donde se casó con Pilar Ramón Mesa. El matrimonio regresó de La Habana a Guía de Isora en 1932 y en 1942 fijó su residencia en Santa Cruz de Tenerife. Martín González falleció en La Laguna el 30 de septiembre de 1988, a la edad de 83 años.

"Caserío de Masca / Village of Masca"


Textos en inglés / English translation

* On June 8 is the birthday of

Juan Manuel Blanes, Uruguayan painter born in Montevideo in 1830, the most recognized of the Rio de la Plata for his interpretations of local historical themes.
I refer to the previous post for more images and information.

Julien Dillens, Belgian sculptor born in Antwerp in 1849, the son of the painter Hendrick Joseph Dillens.
Dillens studied under Eugène Simonis at the Académie Royale des Beaux-Arts. In 1877 he received the Prix de Rome for A Gaulish Chief taken Prisoner by the Romans. At Brussels, in 1881, he executed the groups entitled Justice and Herkenbald, the Brussels Brutus.
For the pediment of the orphanage at Uccle, Figure Kneeling (Brussels Gallery), and the statue of the lawyer Hippolyte Metdepenningen in front of the Palais de Justice at Ghent, he was awarded the medal of honor in 1889 at the Paris Universal Exhibition, where, in 1900, his Two Statues of the Anspach Monument gained him a similar distinction. He died in 1904.

* On June 9 is the birthday of

Michael Peter Ancher, one of the most popular artists of Denmark, born in 1849. Best knows for his paintings of fishermen and other scenes from the Danish port of Skagen, studied at the Royal Danish Academy of Art in Copenhagen, where his teachers Wilhelm Marstrand and Frederik Vermehren encouraged his interest in genre painting. Here he also met Karl Madsen, who later became the first director of the Museum of Skagen and who invited him to travel there. His artistic takeoff was 1879 with the work "Vil han klare pynten". His works are naturalistic representations of real life, and at the same time monumental compositional figures. He died in 1927.

Joaquín Vaquero Palacios, Spanish architect and painter born in Oviedo in 1900. 
After graduating from high school, he moved to Madrid to prepare to enter the School of Architecture, also trained as a draftsman and landscape painter and finally entering in 1921. 
Before finishing his career, he showed his work in individual exhibitions in Madrid (1926), and later in Paris and New York. 
Between 1950 and 1965 he lived in Rome working on the Spanish Academy of Fine Arts, of which he became director. During that time he devoted himself entirely to painting. 
As a painter, the topics he appreciated were landscape and architecture of villages of Asturias and Castile, as well as ancient and exotic architectures Roman ruins, the pyramids of Egypt or the villages of Native Americans. He died in 1998.

* On June 10 is the birthday of

André Derain, painter, illustrator, set designer and collector of French art born in 1880. Derain was 18 when he entered the Academy Carriere where he met Matisse and Vlaminck. In 1905 along with other artists exhibited at the Salon d'Automne. The colors of an unnatural vividness led the critic Louis  auxcelles to mockingly tick these works as Les Fauves, or "The wild beasts", marking the start of the Fauvist movement. Especially prominent were his works at Collioure and London in 1905 and 1906. After a period tilt towards Cubism, he hugs Neoclassicism. The role of color was reduced and forms become stark. He was accused of collaboration during the regime of Vichy France and lost a lot of support after the Second War. He died in 1954.

Jean Désiré Gustave Courbet, French painter born in 1819, who led the Realist movement in 19th-century French painting.
I refer to the previous post for more information and images.

* On June 11 is the birthday of

Antonio Pujia, Italian-Argentine sculptor born in 1929 in Polya (Calabria, Italy), who arrived in Argentina in 1937 and trained with such masters as A. Lagos, T. Troiani, A. Bigatti, Fioravanti,Rogelio Yrurtia and others. He won the Grand Prize of the City Hall Manuel Belgrano in 1959, the Grand Prix d'Honneur of the National Plastic Arts in 1960, the Biennial Alberto Lagos in 1961 and the Grand Prix National Endowment for the Arts in 1964 among other honors, having made dozens of exhibits.

John Constable, RA, English Romantic painter born in Suffolk (1776). He is known principally for his landscape paintings of Dedham Vale, the area surrounding his home - now known as "Constable Country" - which he invested with an intensity of affection. "I should paint my own places best", he wrote to his friend John Fisher in 1821, "painting is but another word for feeling".
His most famous paintings include Dedham Vale of 1802 and The Hay Wain of 1821. Although his paintings are now among the most popular and valuable in British art, Constable was never financially successful. He did not become a member of the establishment until he was elected to the Royal Academy at the age of 52. His work was embraced in France, where he sold more works than in his native England and inspired the Barbizon school.
He died in 1837.

* On June 12 is the birthday of

Egon Schiele, Austrian painter and engraver born in 1890. He was a Gustav Klimt disciple from whom he took his creative principles, as to accentuate the design of his paintings with thick lines, especially in the representation of the naked body. Along with Oskar Kokoschka made ​​up what is known as Austrian Expressionism. Very precocious talent, died at the early age of 28, despite which his work is enormous: some three hundred forty-two paintings and thousand eight hundred drawings and watercolors, plus poems and photographic experiments. 
"I think the great painters always painted figures ... I paint the light coming from the bodies." 
Major works by Egon Schiele preserved in Vienna, mostly in the Leopold Museum, opened in 2001.

Onofre Jarpa Labra, Chilean landscape painter born in 1849, who also worked as an essayist of art topics in various Chilean publications. His long life allowed him to work with a lot of different artists and educate one of the four great masters of Chilean painting, the landscaper Alberto Valenzuela Llanos. 
He worked with the historical painter Manuel Antonio Caro and some members of the generation of thirteen, among them Ezekiel Plaza and the National Prize for Art, Agustin Abarca. Antonio Romera cites it as one of three romantic painters of Chile along with Antonio Smith and Ramirez Rosales. He created highly detailed paintings, in a romantic setting. His best paintings are landscapes of Venice. He died in 1940.

* On June 13 is the birthday of

Joseph Stella, Italian-born painter who belonged to the Futuristic movement. His best known paintings are representations made ​​on issues related to industrialization in the United States. It has also been associated with the artistic movement Precisionism that emerged around the 1910s until its completion in 1940. 
Stella employed usually a palette characterized by a wide range of colors, however, in his work black paint is often used to demarcate the object, giving the appearance of a stained glass work. He died in 1946.

Aurélia de Souza, Portuguese painter born in 1867 in Valparaíso, Chile. 
Her parents were emigrants in Brazil and Chile, but they moved back to Porto, Portugal, in 1869. She studied at the Fine-Arts Academy of Porto, since 1893, where she was a pupil of João Marques de Oliveira, who greatly influenced her style. In 1898, she moved to Paris to study painting, and she traveled for Europe in the next three years, before finally returning to Portugal in 1901.
She was influenced by the most innovative painting styles that she saw in France, as can be seen in her work. She painted in a personal naturalist style, sometimes with realist, impressionist or post-impressionist influences. Her subjects included portraits, landscapes, and scenes of everyday life. She is most famous for her "Self-Portrait", painted in 1900. She died in Porto, in 1922.

* Today, June 14 is the birthday of

Jörg Immendorff, German neo-expressionist painter born in Bleckede in 1945. Pupil of Joseph Beuys, trained at the Academy of Fine Arts in Düsseldorf, was one of the painters of the postwar German who is framed in school called "New Fauves". 
From his body of work highlights the series of the 1970s called Café Deutschland, in which he address the issue of division between the Federal Republic of Germany and the Democratic Republic.
He was professor of the Academy of Fine Arts in Munich. Politically, he was an avowed Maoist, very critical with the German Nazi past, and a strong advocate of environmental protection. He died in 2007.

Manuel Martín González, Spanish painter born June 14, 1905 in Guia de Isora (Tenerife, Canary Islands), renowned landscape painter, both for his artistic compositions as exceptional understanding of the natural environment of the islands.
From humble beginnings, and being the eldest of nine children, he showed from very child his gifts for drawing and painting. When he was 13 years old his parents sent - despite the great economic effort involved them - to develop his artistic skills with the sculptor and painter German Compañ and the painter Theodomir Robayna in the towns of San Cristobal de la Laguna and Santa Cruz Tenerife. Despite living in the island capital not split from his rural village, from which he received a certificate of merit for a marine paint presented when he was only 16. At age 18, in 1923, emigrated to Cuba where he worked as an advertising artist and where he married Pilar Ramón Mesa. The couple returned from Havana to Guia de Isora in 1932 and in 1942 settled in Santa Cruz Tenerife. Martín González died in La Laguna on September 30, 1988, at the age of 83.

Judy Dater [Fotografía]

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Me encanta la obra de Judy Dater, por su naturalidad, intensidad y honestidad. Un trabajo comprometido basado en la figura humana y el retrato, con varias décadas de imágenes a sus espaldas.
Un primer post con una selección basada (como siempre) en mi gusto personal, y dejo para el siguiente una muestra de sus retratos de algunos de los mejores fotógrafos de su época.

I love the work of Judy Dater, by its naturalness, intensity and honesty. A committed work based on the human figure and portraiture, with several decades of images behind. 
A first post with a selection based (as always) on my personal taste, and leave for the next one a selection of her portraits of some of the best photographers of her time.

Judy Dater


Judy Dater nació en Hollywood, California, en 1941, y se crió en Los Ángeles. Su padre tenía un cine, así que las películas se convirtieron en el prisma a través del cual ella veía el mundo, y tuvieron una profunda influencia en su fotografía. Entre 1959 y 1961 asistió a la UCLA, donde se graduó en Arte. En 1962 se mudó a San Francisco y completó su educación en la Universidad Estatal de San Francisco, donde obtuvo un Máster en Fotografía.
Se convirtió en parte de la comunidad de la escuela de fotografía de la costa oeste, representada por los fotógrafos Ansel Adams, Edward and Brett Weston, Wynn Bullock e Imogen Cunningham. Edward Weston ya no estaba vivo, pero todos los demás se interesaron en su obra y la animaron a dedicarse a la fotografía como carrera. Imogen Cunningham tuvo una especial influencia, ya que fue la única del grupo cuya obra principal se centraba en el retrato.

"Japanese-White Embrace", 1964 © Judy Dater

Serie Californianos / Californians Series
"Mujer haciendo Tai Chi / Tai-Chi Woman", 1997 © Judy Dater

«Cada mañana, muy temprano, camino con mi perro Rudy por el Parque César Chávez, en el borde este de la Bahía de San Francisco. Parte del placer de la caminata está en encontrarme con otra gente que también disfruta de la luz de la mañana, el aire fresco, la niebla despejándose y el gran Océano Pacífico al fondo. Ahora reconozco a muchos de esos caminantes matinales: somos una variada y colorida mixtura de humanidad. El trabajador de correos filipino, la enfermera nigeriana, la pareja coreana que alimenta a las ardillas, la pareja de lesbianas retirada que gusta de viajar en su camioneta con dos perritos, el judío vendedor de telas que masca tabaco, el hispano que trabaja en Juan's Place (el restaurante mexicano local) y hace jogging, el Sikh que siempre me invita a pasar al salón de su local, y el vendedor inmobiliario afroamericano. Todos transitamos el mismo camino a diario. Somos un corte representativo de la gente que reside en la Bahía de San Francisco, y somos un reflejo, en microcosmos, de la población global del Estado. Gente que ha llegado de todo el mundo al mítico estado de California, trayendo sus riquezas culturales que amo y a las que doy la bienvenida.»

"Autorretrato en el coche / Self-Portrait in Car", 1982 © Judy Dater

"Cheri", 1972 © Judy Dater

Su carrera ha sido larga y variada, combinando la docencia, creación de libros, viajes al extranjero y como conductora de talleres, haciendo impresiones, videos y fotografiando continuamente.

"Wally & Nadine", Arles, Francia / France, 1973 © Judy Dater

"Maggie fumando / Maggie Smoking", 1970 © Judy Dater

«Lo que sé es que para mí, cuando estoy fotografiando gente, hombre o mujer, desnudo o vestido, lo que más me interesa cuando escojo a alguien para fotografiar es... no sé, la energía que tienen. Esas cosas interesantes, peculiares de lo que son, que están proyectando, y esto lo he dicho un millón de veces. En realidad me siento como un director de casting, buscando mi reparto de personajes. Como un casting para una película. Tú no tienes una película con nada más que actores masculinos y femeninos. Generalmente hay de los dos, y creo que aquellos a quienes eliges o seleccionas, es completamente, totalmente pertinente para lo que estás intentando contar. Y es como Fellini. Es decir, tiene un reparto potente. Siento que están completamente conectados con la película de alguna manera.»
Historia oral, entrevista con Judy Dater de Paul Karlstrom, 2 de junio del 2000. Archivos de Arte Estadounidense, Smithsonian Institution.

"Storm & Hugh", 1964-65 © Judy Dater

"Autorretrato en aguas blancas / Self Portrait in White Water", 1982 © Judy Dater

«Los desinhibidos retratos del cuerpo femenino de Dater, rompen con la aculturada y socialmente construida insatisfacción de la mujer consigo misma. Estaba en sincronía, en su época, con los míticos rituales corporales de las performances del feminismo temprano. De hecho, ella veía la fotografía como una suerte de performance, manipulando los elementos y la composición en la construcción de una narrativa.
Sus provocativos retratos se sitúan entre las evocaciones de las trampas sociales de Annie Leibovitz y la perforación directa de los sustratos de la sociedad de Diane Arbus. Dater examina cómo nos definimos a nosotros mismos a través de roles sociales, arrancando las personalidades de sus sujetos de los ropajes y entornos en los cuales están posando.»
Texto de Elenore Welles que puede leerse completo (en inglés) aquí.

"Maureen", 1972 © Judy Dater

"Amantes 2 / Lovers 2", 1964 © Judy Dater

Judy Dater was born in Hollywood, California, 1941 and grew up in Los Angeles. Her father owned a movie theater, so movies became the prism through which she viewed the world and they had a profound influence on her photography. From 1959 to 1961 she attended UCLA, majoring in Art. In 1962 she moved to San Francisco and completed her education at San Francisco State University, majoring in photography. 
She became part of the community of the west coast school of photography, primarily represented by the photographers Ansel Adams, Edward and Brett Weston, Wynn Bullock and Imogen Cunningham. Edward Weston was no longer alive, but the others all took an interest in her work and encouraged her to pursue photography as a career. Imogen Cunningham was particularly influential as she was the only one of the group whose primary work centered on portraiture. 

"Baño de verano / Summer Bath", 1974 © Judy Dater

Her career has been long and varied, combining teaching, creating books, traveling abroad and conducting workshops, making prints, videos, and photographing continually.

"Cartero / Postman", Arles, 1976 © Judy Dater

"Nehemiah" © Judy Dater

Dater's uninhibited portrayals of the female body broke through women's acculturated and socially constructed dissatisfaction with self. They were in sync, at the time, with the mythic body rituals of early femi-nist performance. In fact, she viewed photography as a type of performance, manipulating props and composition in the construction of a narrative.
Her provocative portraits lie in a median between Annie Leibovitz's evocations of social trappings and Diane Arbus' straightforward piercing of society's substrata. Dater examines how we define ourselves through social roles, bringing out her subjects' personalities by the dress and environments in which they are posed.
Text by Elenore Welles. You can fully read it here.

"Topaz", 1969 © Judy Dater

Serie Californianos / Californians Series - "Ena Everett", 2005 © Judy Dater

«Early each morning I walk with my dog Rudy in Caesar Chavez Park, located along the eastern edge of the San Francisco Bay. Part of the pleasure of the walk is encountering other people who are also out enjoying the morning light, the fresh air, the fog lifting, and the great Pacific Ocean beyond. I recognize many of the early morning walkers now: we are a varied, colorful mix of humanity. The Philippino postal worker; the Nigerian nurse; the Korean couple who feed the squirrels; the retired lesbian couple who like to travel in their van with their two small dogs; the cigar-chewing Jewish fabric salesman; the Hispanic jogger who works at Juan’s Place, the local Mexican restaurant; the Sikh who is always inviting me to his local meeting hall; and the African American real estate salesman. We all stroll the same path each day. We are a typical cross-section of people residing in the San Francisco Bay Area; and we reflect, in microcosm, the population pool of the entire state. People have been drawn from all over the world to the fabled state of California, bringing with them cultural riches I welcome and love.»

"Chris" © Judy Dater

"Gwen (torso)" © Judy Dater

«But I know for me -– when I’m photographing people -– male or female -– nude or clothed -– the thing that I’m most interested in when I pick somebody to photograph is the -– I don’t know, the energy that they have. The kind of interesting, quirky stuff of who they are that they’re projecting and I’ve said this a million times. I really feel like a casting director and I’m looking for my cast of characters. Like I’d be casting for a movie. You don’t just have a movie with nothing but male actors or female actors. There’s usually both types and I think that who you end up picking or choosing is completely, utterly, totally pertinent to what you’re trying to say. And it’s like Fellini. I mean, he’s got a strong cast of characters. I really feel like it’s completely connected to film in a way.»
Oral history interview with Judy Dater by Paul Karlstrom, 2000 Jun 2, Archives of American Art, Smithsonian Institution.

"Autorretrato con piedra / Self Portrait with Stone" © Judy Dater
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Edo Redux

"Caminata tranquila / Quiet Walking" © Judy Dater

«En 1976, el destacado fotógrafo Eikoh Hosoe me invitó a regresar a Japón para enseñar durante un mes. Aprendí a decir "¿puedo tomarle una foto?" en japonés, lo cual siempre asombraba a la gente que me encontraba. Hice una pequeña serie de veinte impresiones en blanco y negro de aquél viaje, que guardé en un escritorio donde permanecieron durante años.
(...) Regresé a Japón en el otoño de 2006. Esta vez fue para una muestra en la Universidad de Arte Tama. Yo estaba utilizando una cámara digital en el viaje, y fotografiando en color. Una vez que regresé a casa, y comencé a imprimir las fotografías, tuve curiosidad por volver a ver las que había hecho en 1976. Revisándolas, me sorprendió la cantidad de características comunes que encontré en mis imágenes de 30 años atrás. Me intrigaron las similitudes, pero también las sutiles diferencias. Al emparejarlas, podía ver muchos de los cambios que habían tenido lugar a lo largo de 30 años, que se revelaban en la vestimenta de la gente, sus peinados, la señalización y la proliferación de tecnología. Estas parejas se convirtieron en el catalizador y base para este grupo de imágenes.»

Izq./ Left: "Mujer leyendo / Woman Reading" © Judy Dater
Der./ Right: "Mujer con móvil / Woman with Cell Phone" © Judy Dater

Izq./ Left: "Niña con violín / Girl with Violin" © Judy Dater
Der./ Right: "Mujer con cucurucho gigante / Woman with Giant Cone" © Judy Dater

«In 1976, the renowned photographer Eikoh Hosoe invited me back to Japan to teach for a month. I learned how to say, "may I take your picture" in Japanese, which always seemed to amuse the people I encountered.  I made a small set of twenty black and white prints from that trip and put them away in a drawer where they remained for years. 
(...) I returned to Japan in the fall of 2006. This time it was for an exhibition at Tama Art University. I was using a digital camera on that trip and shooting in color. Once I returned home and started to print the photographs I became curious to look again at the photographs I had made in 1976. Going through them, I was amazed at how many shared characteristics I found in my images thirty years earlier. I was intrigued by the similarities, but also the subtle differences. In pairing them up, I could see many of the changes that had occurred over the past 30 years revealed in the way people dressed, their hairstyles, the signage, and the proliferation of technology. These pairings became the catalyst and the basis for this group of images.»

Izq./ Left: "Mujer en el tren / Woman on Train" © Judy Dater
Der./ Right: "Monje en la estación del tren / Monk at Train Station" © Judy Dater
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Ya publiqué en el post dedicado a Imogen Cunningham la fotografía tal vez más conocida de Judy, "Imogen y Twinka". Aquí les dejo un video realizado por Francisco Troy, en el cual la artista habla de lo que significa una pieza que se ha vuelto tan popular que se ha convertido en su imagen icónica y describe su abordaje de la fotografía así como lo que ha significado en su vida.


I already published in the post dedicated to Imogen Cunningham the photograph"Imogen & Twinka", perhaps the most famous image by Judy. Here you have a video by Francisco Troy where the artist talks about the challenges of having a piece so popular that it becomes a "signature image" and describes her approach to photography as well as the meaning it carries in her life.


"Imogen y Twinka" por / by Judy Dater, 1974 © Judy Dater
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Más información e imágenes sobre Judy en / More images and info on Judy in:

Más sobre Judy Dater en "El Hurgador" / More about Judy Dater in this blog:

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Judy!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Judy!)


Emma Hack [Body Painting, Pintura, Fotografía]

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Un original y meticuloso trabajo de body painting para conseguir estos notables efectos. La obra de Emma Hack, otro descubrimiento de mi infatigable amiga Shirley Rebuffo, que siempre encuentra tiempo para investigar la actividad artística en la red. Lo presentaré en más de un post, ya que me encantan sus composiciones y Emma ha desarrollado una gran producción tanto en lo exclusivamente artístico, como en lo comercial.

An original and meticulous body painting to achieve these remarkable effects. The work of Emma Hack, another discovery of my friend Shirley Rebuffo, always finding time to investigate the artistic activity in the network. I'll present this in more than one post - I love her work and Emma has developed a huge production both artistical and commercial.

Emma Hack


Emma Hack es una artista multidisciplinaria establecida en Adelaida (Australia), que ha exhibido por todo el país desde 1999. A través de una combinación de pintura sobre lienzo, body painting y fotografía de estudio, la obra de Emma comprende una rica variedad de narrativa visual y realismo mágico.

Serie Azulejos Valiosos / Treasured Tiles Series
"Alhambra, Granada, España / Spain" © Emma Hack

Serie Papel pintado Mandala / Wallpaper Mandala Series
"Mandala Ave del Paraíso / Bird of Paradise Mandala" © Emma Hack

La reacción de los nuevos espectadores frente a la obra de Emma es de intriga. Atraídos por los exquisitos diseños y sorprendentes representaciones de animales, no pasa mucho tiempo antes de que se comprenda que una forma humana, una persona, y/o animal, están presentes en la obra. Y surge la pregunta: ¿Cómo lo hace? ¿En verdad es una superposición? ¿En verdad el modelo debe permanecer ahí de pie todo el tiempo?

"Papel pintado Cacatúas / Wallpaper Black Cockatoos", 2008 © Emma Hack

Serie Utopia
"Periquito entre flores / Blossom Cradled Budgie" © Emma Hack

Serie Azul y Blanco / Blue and White Series
"China", 2012 © Emma Hack

La colección de Emma Hack "Azul y Blanco", presenta las cerámicas en estos colores, que evolucionares a través del comercio desde Asia hasta Europa hace siglos. La serie recorre 5 países: China, Holanda, Inglaterra, Francia y Portugal.


Emma Hack's collection Blue and White features the fascinating evolution of blue and white ceramics, evolved throughout the trade from Asian to Europe centuries ago. The collection features 5 countries, China, Holland, England, France and Portugal.
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"Evolución cocodrilo / Evolution Crocodile" © Emma Hack

Emma comenzó a explorar la idea del camuflaje inspirada en la icónica modelo Veruschka que, en los '60 y '70 se pintaba a sí misma en muros rústicos y ambientes naturales. Cuando Emma descubrió los diseños de papel pintado de Florence Broadhurst, obtuvo la inspiración perfecta. Signature Prints, los editores de la colección de Broadhurst, le dieron su bendición no sólo para utilizar sus diseños, sino que le ofrecieron un acceso ilimitado a los archivos de Florence Broadhurst con más de 530 diseños. Así comenzó la colección de papeles pintados con imágenes que abarcan desde 2005 hasta su más reciente colección de 2010. Fue durante este tiempo que Emma comenzó a exponer sus ediciones limitadas de imágenes fotográficas. Su primer camuflaje de papel pintado le llevó 19 horas pintando sin parar; ahora le pueden insumir de 8 a 15 horas, dependiendo de la complejidad del diseño. Es un proceso que deja exhausto tanto al artista como al sujeto; sin embargo los resultados son simplemente espectaculares.

Serie Azulejos Valiosos / Treasured Tiles Series
"Fachada de un edificio / Building Facade", Porto, Portugal © Emma Hack

Serie Mandala Exótico / Exotic Mandala Series
"Crisantemo con mariposas / Chrysanthemum With Butterflies" © Emma Hack

Emma ha exhibido profesionalmente desde 2002, habiendo presentado más de 20 exposiciones individuales y participado en numerosas muestras colectivas por toda Australia.

Hermosas mujeres / Beautiful Women
"La africana / The African", 2013 © Emma Hack

Emma Hack, Adelaide-based multidisciplinary artist, has been exhibiting extensively throughout Australia since 1999. Through a combination of painting on canvas, body painting and studio-based photography, Emma's works evoke a rich array of visual narrative and magical realism.

Los archivos de Florence / Florence's Archives
"Abanicos / Fans" © Emma Hack

Serie Azul y Blanco / Blue and White Series
"Holanda / Holland", 2012 © Emma Hack

The reaction new viewers have to Emma's work is usually one of intrigue. Drawn in by the exquisite designs and striking representations of animals, it is not long before there is the realization that a human form, a person, and/or an animal, is present in the work. And the questions arise: How does she do it? Surely it's superimposed? How long does it take? Does the model really have to stand there the whole time?

"Plumas de pavo real / Peacock Feathers", 2008 © Emma Hack

Los archivos de Florence / Florence's Archives
"Papiro / Papyrus" © Emma Hack

Serie POP! - "Niña sexy / Sexybabe" © Emma Hack

Emma began exploring the notion of camouflage, drawing inspiration from iconic model, Veruschka, who in the 1960s and 70s painted herself into rustic walls and naturalistic settings. When Emma discovered the iconic Florence Broadhurst range of wallpaper designs, it provided the perfect inspiration. Signature Prints, the publishers of the Broadhurst range, gave their blessing for Emma to not only use the designs, but granted her full access to the Florence Broadhurst archives of some 530 designs. So began the Wallpaper Collection of images that span from 2005 to her recently launched collection in 2010. It was during this time that Emma began exhibiting her limited edition photographic images. Her first ever wallpaper camouflage took 19 hours straight to paint with more recent works taking anywhere from 8-15 hours, depending on the complexity of the design. It is an exhausting process for artist and subject alike; however the results are nothing short of spectacular.

Serie Papel pintado Mandala / Wallpaper Mandala Series
"Mandala de Grullas / Cranes Mandala" © Emma Hack

En la colección Papel Pintado Mandala, Emma ha camuflado con esmero la forma humana en una combinación de diseños de papel pintado, creando un mandala circular sobre un fondo de collage sobre el que su modelo es ingeniosamente mezclada. 

In the Wallpaper Mandala Collection, Emma has painstakingly camouflaged the human form into combined wallpaper designs, creating a circular mandala collagued background into which her muse is artfully blended. 
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"Papel pintado lechuza / Wallpaper Owl", 2008 © Emma Hack

Serie Utopia
"Periquito entre magnolias / Magnolia Cradled Budgie", 2011 © Emma Hack

Utopía fue creado para presentar una serie de 4 imágenes que al final forman una sola. "Utopía" es un mundo mejor, donde humanos y animales / aves coexisten con amor y consideración.
Emma trabajó creando un primer plano suave de follaje en cada imagen, completando 4 obras florales de fuerte presencia, ofreciendo el punto de vista de una mirilla utilizado para comprender un momento íntimo entre su musa y el pájaro escogido, añadiendo profundidad a una auténtica ilusión bidimensional de camuflaje.


Utopia was created to feature a series of 4 images that would ultimately form one. ‘Utopia’ is an ultimate world where humans and animals/birds co-exist with love and consideration. 
Emma worked with creating a soft ‘foreground’ of foliage in each image, with the final 4 floral works featuring this strongly, offering a peephole viewpoint for use to realize an intimate moment between her muse and bird featured, adding depth to the very 2 dimensional illusion of camoflague.
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Hermosas mujeres / Beautiful Women
"La oriental / The Oriental", 2013 © Emma Hack

Susurros reflejados / Mirrored Whisppers
"Susurros de Pavo Real II / Peacock Whispers II", 2012 © Emma Hack

Más imágenes e información sobre Emma en / More images and information about Emma in

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Emma!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Emma!)


La colaboración de Emma con el músico Goyte, ganador del Grammy, ha resultado en el icónico video musical de "Somebody That I Used to Know / Alguien que yo conocía", que ha sido visto más de 500 millones de veces en Youtube, haciéndola reconocida en Estados Unidos, Reino Unido y Europa. Desde entonces, Emma ha trabajado en importantes encargos artísticos.


Emma Hack’s collaboration with Grammy award winning musician Gotye resulted in the iconic music video for Somebody That I Used to Know, which has been viewed by over 500 million times in Youtube, raising her profile in the US, UK and Europe. Emma has since worked on major artistic commissions.


Florence Broadhurst


Una adelantada a su tiempo, la compleja, excéntrica y talentosa Florence Broadhurst nació en una zona rural de Queensland, Australia, en 1899. Para cuando murió en 1977, Broadhurst había vivido y trabajado en Australia, Asia e Inglaterra, interpretado profesionalmente en escena, hecho amistad con la realeza, exhibido sus obras y fundado una compañía internacional de papeles pintados, cuyo éxito se basó en sus propios diseños.


Tras pasar más de una década en el Reino Unido, Broadhurst regresó a Australia y se estableció en Sydney, donde comenzó a pintar de manera entusiasta y prolífica. Transformando su talento creativo en una oportunidad de negocios, inició un revolucionario negocio de papeles pintados en 1959, creando cientos de diseños únicos y lujosos, con colores ricos y vibrantes, en perfecta consonancia con su desbordante personalidad. A mediados de los '30, su compañía monopolizaba el mercado australiano y comenzó a exportar a Estados Unidos, Perú, París, Oriente medio y Noruega. Continuó trabajando activamente hasta su muerte.


Years ahead of her time, the complex, eccentric and talented Florence Broadhurst was born in rural Queensland, Australia in 1899. By the time of her death in 1977 Broadhurst had lived and worked in Australia, Asia, and England; performed professionally on stage; been befriended by royalty; exhibited her paintings; and started an internationally successful wallpaper company whose success was based upon her own designs.

After spending more than a decade in the United Kingdom, Broadhurst returned to Australia and settled in Sydney where she started painting enthusiastically and prolifically. Transforming her creative talent into a business opportunity, she started a revolutionary wallpaper business in 1959, creating hundreds of unique and luxurious patterns with rich and vibrant colours all perfectly matching her flamboyant personality. By the mid 1930s, her company monopolised the Australian market and started exporting to America, Peru, Paris, the Middle East and Norway. She continued to work actively until her death.

Más información (en inglés) en Wiki y en el sitio web de Emma Hack /
More information in Wiki and also in Emma Hack's website.

Aniversarios (XXII) [Junio / June 22-30]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 22 de Junio es el cumple de

Frank C. Moore II, pintor nacido en Manhattan en 1953, ganador de la Medalla Logan de las Artes y miembro de Visual AIDS Artist Caucus.
Se graduó en el Colegio Superior Roslyn en 1971, donde fue muy activo en política estudiantil. Se graduó cum laude en Yale en 1975 y estudió en París desde 1977 a 1979, año en que su arte se empezó a ver en exposiciones colectivas. Trabajó como diseñador escénico para el coreógrafo Jim Self en Manhattan.
Deudor del surrealismo, sus pinturas representan con frecuencia escenarios y paisajes futuristas, a veces con entrelíneas medioambientales o referencias al SIDA. Sus posturas políticas fueron abiertas y matizadas con imaginería homoerótica. Murió de SIDA en 2002, a los 48 años.

"Hospital", óleo y serigrafía sobre madera, en marco del artista (madera pintada y resina) / 
Oil and serigraphy on wood, frame by the artist (painted wood and resin), 1992. 
Colección privada / Private Collection (Houston, Texas, Estados Unidos / USA)
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Marta Colvin Andrade, escultora chilena nacida en Chillán, Región del Biobío, el 22 de junio de 1907
Respecto al nacimiento de su talento artístico existen dos fuentes, una de ella señala que nació después de su matrimonio con Fernando May Didier a los 15 años de edad, en el Grupo Tanagra, que ella ayudó a fundar. De acuerdo con otra fuente, fue iniciada en la escultura por la profesora de Artes Plásticas del Liceo de Niñas Chillán "Marta Brunet", Noemí Mourgues.
A raíz del Terremoto de Chillán se trasladó a Santiago de Chile, donde ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, sus maestros fueron los escultores Julio Antonio Vásquez y Lorenzo Domínguez. En 1943, es profesora auxiliar del Taller de Escultura del maestro Vásquez, obteniendo la titularidad de esa cátedra en el año 1950.
Recibió el Premio Nacional de Arte en el año 1970. Murió en 1995.

"Horizonte Andino III / Andean Horizon III", madera / wood, 53 x 150 x 42 cm., 1970

Más sobre Marta Colvin en "El Hurgador" / More about Marta Colvin in this blog:


El 23 de Junio es el cumple de

Carl Milles, escultor sueco nacido en Lagg en 1875. Estudió escultura en París donde fue alumno de Auguste Rodin.
Vivió en Millesgården, una propiedad en el acantilado Herserud Lidingö en una isla aledaña a Estocolmo donde construyó su residencia-taller que convirtió en una fundación y que donó al pueblo de Suecia en 1936. Hoy en día es un museo. Carl Milles es el autor de la estatua de Poseidón en Gotemburgo, la estatua de Gustav Vasa en el Museo Nórdico y del grupo de Orfeo en la entrada de la Sala de Conciertos de Estocolmo. Murió en 1955.

"Susanna (Flicka med snäcka / Muchacha con concha marina / Girl with Seashell)", 1948.
Kvilletorget i Göteborg / Kvilletorget en Gotemburgo (Suecia / Sweden)
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José Maria Mijares Fernández, pintor, grabador y dibujante cubano nacido en 1921.
En 1938 estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes “San Alejandro” en La Habana, Cuba. Durante los años 1958-1961 fue miembro del grupo Diez Pintores Concretos de La Habana. En el año 1959 hasta 1960 se desempeñó como profesor en la Escuela Nacional de Bellas Artes “San Alejandro” de La Habana, Cuba.
A la edad de 47 años se exilió en Estados Unidos y vivió en Miami, Florida.
Más tarde, entre 1968 y 1973 fue miembro del Grupo Gala en Miami, Florida, EE. UU. y en 1970 comenzó la Director de Arte de la Revista Alacrán Azul de Miami, Florida. Murió en 2004.

"Habanera, acuarela" / watercolor, Coleccion Flores-Carbonell Collection


El 24 de Junio es el cumple de

Jean Metzinger, pintor francés nacido en Nantes en 1883. 
En 1903 llegó a París para estudiar medicina, pero pronto abandonó optando por la pintura. Después de haber experimentado el neo-impresionismo y el fauvismo, se dedicó a obras más personales. Amigo de Max Jacob y de Apollinaire, se convirtió pronto en un habitual del Bateau Lavoir y se encaminó hacia un cubismo analítico ortodoxo.
Gracias a su talento como escritor, fue uno de los primeros en relatar las prácticas de los pintores de Montmartre, ausentes de los Salones. Tachado de plagiario por la crítica, en 1911 decidió librarse de la influencia excesiva de los pioneros de la vanguardia y se dedicó a pintar obras más originales, tras lo cual llegaría una fase más analítica. 
Murió en 1956.

"Danseuse au café / Bailarina en un Cafe / Dancer in a Cafe"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 146,1 x 114,3 cm., 1912. 
Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)
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Juan Grela, pintor y grabador autodidacta argentino nacido en Tucumán en 1914.
En 1924 se mudó con su familia a Rosario.
A los 18 años comenzó a pintar al aire libre. Según su biógrafo Ernesto Rodríguez, sus verdaderos maestros de pintura fueron El tratado del paisaje, de André Lothe y Universalismo constructivo, del uruguayo Joaquín Torres García (1874-1949, quien más tarde le daría clases particulares), y aprendió la técnica del grabado en metal a través del libro El grabado, historia y técnica, del artista rosarino Gustavo Cochet (1894-1979).
Entre 1942 y 1945 participó en la Agrupación de Plásticos Independientes.
En 1948 comienza a reunirse con un grupo de artistas locales, creando finalmente el Grupo Litoral, llegando a conformar una nueva tradición realista pero "moderna y autóctona". Ejerció la docencia en dibujo, pintura y grabado.
Murió en Rosario en 1992.

"Autorretrato / Self-Portrait", 1937


El 25 de Junio es el cumple de

Robert Henri, pintor, retratista y profesor estadounidense nacido en 1865, uno de los ocho fundadores de la Escuela Ashcan, una corriente artística que tenía como propósito capturar de forma realista las escenas de la vida diaria de los barrios más pobres de Nueva York. Tras estudiar en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts en Filadelfia, viajó a París en 1888 para inscribirse en la escuela de arte Académie Julian, donde fue alumno de William-Adolphe Bouguereau.
En 1902 fue contratado como profesor de la New York School of Art, y entre sus alumnos estuvieron Edward Hopper, Rockwell Kent y Stuart Davis.
Sus pensamientos e ideas sobre el arte fueron recopilados por una antigua alumna suya, Margary Ryerson, y publicados en un libro titulado "The Art Spirit" en 1923. Murió en 1929.

"Tam Gan", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1914. 
Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, Nueva York, Estados Unidos / New York, USA)
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Sam (Samuel Lewis) Francis, pintor y grabador estadounidense nacido en 1923.
Sirvió en las Fuerzas Aéreas durante la Segunda Guerra Mundial, antes de ser herido en unas maniobras aéreas. Estuvo varios años hospitalizado, y fue en esa época, después de recibir la visita de David Park en 1945, que empezó a pintar. Cuando salió del hospital regresó a Berkeley; era el momento de empezar a estudiar arte. Recibió su licenciatura (1949) y un Master (1950) de la Universidad de California, Berkeley, donde estudió botánica, medicina y psicología.
Francis fue inicialmente influenciado por la obra de expresionistas abstractos como Mark Rothko, Arshile Gorky y Clyfford Still. Más tarde fue vagamente asociado con la segunda generación de los expresionistas abstractos, incluyendo a Joan Mitchell y Helen Frankenthaler, que estaban cada vez más interesadas en el uso expresivo del color. Francis murió en 1994.

"Azul central / Middle Blue", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 182,9 x 243,8 cm., 1957. 
Colección privada / Private Collection.


El 26 de Junio es el cumple de

Ignacio Zuloaga Zabaleta, pintor español nacido en 1870, uno de los más importantes de finales del s.XIX y principios del XX, fundamentalmente conocido por sus cuadros costumbristas y retratos. Por su estilo naturalista de recio dibujo y colorido oscuro, influido por Ribera y Goya, ha sido tradicionalmente etiquetado como «reverso» u oponente del estilo luminoso y optimista de Sorolla. Perteneció a una saga de artistas; trabajó de niño en el taller de su padre en Éibar y su formación escolar se realizó con los jesuitas en Francia, completándose en Madrid, París y Roma.
Murió en su estudio de Madrid el 31 de octubre de 1945.

"Paisaje de Antequera / Antequera Landscape", óleo sobre lienzo / oil on canvas, c.1923

Más sobre Zuloaga en "El Hurgador" / More about Zuloaga in this blog:
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Dana Levin, pintora realista clásica estadounidense nacida en 1969. 
Levin nació en Alexandria, Virginia, y pronto se trasladó con su familia a Miami, Florida. Desde joven disfrutaba con la pintura y el dibujo, y asistió a los programas artísticos veraniegos de Belvoir Terrace en Lenox, Massachusetts, a los 14 años.
Se mudó a Italia para estudiar en la Academia de Arte con el maestro del Realismo Clásico Daniel Graves. Durante tres años aprendió las técnicas de los maestros europeos, y tras graduarse se unió a la facultad para enseñar dibujo y pintura al óleo. Se quedó en la Academia un total de 8 años.
Fue influenciada por su mentor, Daniel Graves, y también por Jean-Léon Gérôme, R. H. Ives Gammell y artistas de la Escuela de Pintura de Boston, como Edmund Tarbell, Frank Weston Benson y William McGregor Paxton.
Website de la artista: http://www.danalevin.com/

"Retrato de un hombre joven / Portrait of a Young Man", óleo / oil, 18 x 24


El 27 de Junio es el cumple de

Gracia Barrios, pintora chilena nacida en 1927, ganadora del Premio Nacional de Artes Plásticas de Chile en 2011.
Es hija del escritor Eduardo Barrios (Premio Nacional de Literatura en 1946) y de la concertista de piano Carmen Rivadeneira. Asistió a clases con el pintor Carlos Isamitt e ingresó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile.
Tras el golpe de Estado de 1973, la artista viajó a Francia junto a su marido e hija como exiliados, permaneciendo cerca de diez años fuera de Chile.
La obra de Gracia Barrios se centra en "la actividad humana en la vida cotidiana". Aunque en un principio optó por la pintura figurativa, hacia los años 1960 cambió a un estilo más informal, denominado por la propia artista como "realismo informal".

"América no invoco tu nombre en vano / America I don't Invoke Your Name in Vain"
Técnica mixta sobre tela / mixed media on canvas, 160 x 301 cm., 1970. 
Museo de Arte Contemporáneo, Facultad de Bellas Artes, Universidad de Chile
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Arthur Lismer, pintor anglo-canadiense y miembro del "Grupo de los Siete", nacido en 1885.
A los 13 años fue aprendiz en una compañía de fotograbados. Obtuvo una beca y utilizó su tiempo tomando clases nocturnas en la Escuela Sheffield de Artes entre 1898 y 1905. En 1905 se mudó a Amberes, Bélgica, donde estudió arte en la Academia Real.
Lismer emigró a Canadá en 1911, se estableció en Toronto, Ontario, y consiguió un empleo en Grip Ltd., una revista satírica.
La colaboración con cuatro de los artistas de Grip gradualmente evolucionó hacia el "Grupo de los Siete", cuyo trabajo contribuyó al proceso de dar a Canadá una voz distintiva en el mundo de la pintura.
Colaborando con los artistas que se convertirían, en 1919 en el "Grupo de los Siete", Lismer exhibió su característico estilo orgánico, de conexión espiritual con el paisaje, que encarnaría la obra del grupo.
Murió en 1969.

"Tierra brillante / Bright Land", 1938. McMichael Collection.


Hoy, 28 de Junio, es el cumple de

Peter Paul Rubens, pintor barroco de la escuela flamenca nacido en 1577. Su estilo exuberante enfatizaba el movimiento, el color y la sensualidad. Sus principales influencias procedían del arte de la Antigua Grecia, el de la Antigua Roma y la pintura renacentista, en especial Leonardo da Vinci, Tiziano y Miguel Ángel, del que admiraba su representación de la anatomía. Trató una amplia variedad de temas pictóricos: religiosos, históricos, de mitología clásica, escenas de caza, paisajes, retratos, así como dibujos, ilustraciones para libros y diseños para tapices. Se conservan en torno a mil quinientos cuadros suyos. Una producción tan elevada fue posible gracias, en parte, a los miembros de su taller que, al parecer, trabajaban en cadena. Además han llegado hasta nuestros días casi nueve mil dibujos de su propia mano. Murió en 1640.

"Retrato de / Portrait of Maria Serra Pallavicino", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 241 x 140 cm., 1606.
National Trust, Kingston Lacy, Dorset.

Más sobre Rubens en "El Hurgador" / More about Rubens in this blog:
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el Conde August Zamoyski, escultor polaco, miembro de los grupos Bunt y Formiści nacido en 1893. 
Fue autor de composiciones en piedra de formas simplificadas y geométricas. Sus primeras obras estuvieron influidas por el cubismo francés y el futurismo italiano. Desde 1920 desarrolló su propio estilo, de signo monumental y con referencias clásicas. En su último periodo realizó obras de expresión religiosa.
Murió en 1970.

"Nu / Desnudo / Nude", bronce / bronze, 160 cm., 1943. 
Museu de Arte da Pampulha (Belo Horizonte, Brasil)


El 29 de Junio es el cumple de

Pedro Figari, pintor, abogado, político, escritor y periodista uruguayo nacido en 1861. Una de las figuras más destacadas de la pintura latinoamericana, caracterizado por su estilo propio y su voluntad americanista. 
Además de su actividad como abogado y político, al frente de la Escuela de Artes y Oficios impulsó un ambicioso y moderno proyecto educativo. 
Fue recién a partir de 1918, luego del fracaso de su proyecto y de separarse de su esposa, que decide dedicarse a la pintura. Tenía casi 60 años. En 1921 realizó su primera exposición en la Galería Müller. 
En 1938 realizó su última exposición en Buenos Aires y pocos días después falleció en Montevideo.

"Preparando el candombe (Decoración) / Preparing Candombe (Decoration)"
Óleo sobre cartón / oil on cardboard, 23,5 x 79,4 cm., 1935. Colección privada / Private Collection.

Más sobre Figari en "El Hurgador" / More about Figari in this blog:
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Robert Laurent, escultor estadounidense nacido en 1890, conocido por sus sensibles representaciones de la forma humana.
Laurent nació en Concarneau, Bretaña Francesa. Allí, a los 12 años, sus talentos artísticos fueron reconocidos por el conocedor de arte Hamilton Easter Field, quien lo llevó a los Estados Unidos a sus 20 años. En 1908 viajó a Roma con Field y allí estudió con Maurice Sterne, así como con el tallador de madera Giuseppe Doratori en la Academia Británica.
Laurent sirvió en la Primera Guerra Mundial, y luego regresó a Brooklyn en 1919. Fue profesor de Bellas Artes en la Universidad de Indiana enter 1942 y 1960.
Murió en 1970.

"La bañista / The Bather", caoba tallada con pelo pintado de negro / 
Carved mahogany featuring black painted hair, c.1920.


El 30 de Junio es el cumple de

Emile Jean Horace Vernet, pintor francés de batallas, deportista y orientalista nacido en 1789.
Era hijo de Carle Vernet, también pintor de renombre. Irónicamente nació en el Museo del Louvre de París cuando sus padres se refugiaban allí durante la Revolución Francesa. Pronto empezó a interesarse por los temas bélicos y representó su idealización del soldado francés. 
Desde 1819 representó escenas de batalla a gran escala. Eligió las campañas napoleónicas, sobre todo en Italia, como por ejemplo la Batalla del puente de Arcole, la Batalla de Marengo y la captura de Roma. En 1839 realizó el primer daguerrotipo del puerto de Marsella. Además de pintar, acompañó al ejército francés durante la Guerra de Crimea, representando diferentes acciones de la contienda y ejerció de cronista gráfico en Argelia. Murió en su casa de París en 1863.

"Episodio de la expedición a México en 1838 / Episode of the Expedition to Mexico"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 512 x 712 cm., 1841. Palacio de Versalles, Francia / France.
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Allan Capron Houser o Haozous, escultor, pintor e ilustrador de libros apache chiricahua, nacido en Oklahoma. Fue uno de los más renombrados pintores estadounidenses nativos y escultor modernista del s.XX.
La obra de Houser puede encontrarse en el Museo Smithsonian de Arte Estadounidense, el Museo Nacional de los Estados Unidos Indios y la Galería Nacional del Retrato en Washington D.C., así como en numerosas colecciones importantes de América del Norte, Europa y Japón. Además la "Ofrenda de la Pipa Sagrada" de Houser se encuentra en exposición en la Misión de los Estados Unidos en las Naciones Unidas, Nueva York.
Murió en 1994.

"Descansando en la primavera / Resting at the Spring", bronce / bronze, 94" x 45" x 24", 1986


Textos en inglés / English translation

* On June 22 is the birthday of

Frank C. Moore II, painter born in Manhattan in 1953, winner of the Logan Medal of the Arts and a member of Visual AIDS Artist Caucus. 
He graduated from Roslyn High School in 1971, where he was active in student politics. He graduated cum laude from Yale in 1975 and studied in Paris from 1977 to 1979. In the same year he began showing his art in exhibitions. He worked as a scenic designer for choreographer Jim Self in Manhattan. 
Debtor Surrealism, his paintings often represent scenes and futuristic landscapes, sometimes with environmental subtext or references to AIDS. His political views were open and accented with homoerotic imagery. He died of AIDS in 2002 at age 48.

Marta Colvin Andrade, Chilean sculptor born in Chillán, Bío Bío Region, in 1907 
Regarding the birth of her artistic talent there are two sources, one of them said that was born after her marriage to Fernando May Didier at 15 years old, in the Tanagra Group, which she helped found. According to another source, was initiated in sculpture by Professor of Art at the Girls Lyceum Chillán "Marta Brunet," Naomi Mourgues. 
Following the earthquake of Chillán moved to Santiago de Chile, where she entered the School of Fine Arts at the University of Chile. His teachers were the sculptors Lorenzo Vasquez and Julio Antonio Domínguez. In 1943, is an assistant professor of the Sculpture Workshop of Master Vásquez, obtaining ownership of this chair in 1950. 
He received the National Prize for Art in 1970. She died in 1995.

* On June 23 is the birthday of

Carl Milles, Swedish sculptor in Lagg in 1875. Studied sculpture in Paris where he was a student of Auguste Rodin. 
He lived in Millesgården, a property on Herserud Lidingö cliff, in an island nearby Stockholm where he built his home and workshop that became a foundation and donated to the people of Sweden in 1936. Nowadays it is a museum. Carl Milles is the author of the Poseidon statue in Gothenburg, the statue of Gustav Vasa in the Nordic Museum and the group of Orpheus at the entrance to the Concert Hall in Stockholm. He died in 1955.

Jose Maria Mijares Fernandez, Cuban painter, engraver and draftman born in 1921. 
In 1938 he studied at the National School of Fine Arts "San Alejandro" in Havana, Cuba. During the years 1958-1961 he was a member of the group Ten Concrete Painters of Havana. In 1959-1960 he served as a professor at the Fine Arts "San Alejandro" National School of Havana, Cuba. 
At the age of 47 years exile in the United States and lived in Miami, Florida. 
Later, between 1968 and 1973 he was a member of the Gala Group in Miami, Florida, USA. UU. and in 1970 began as Art Director of the magazine Scorpion Blue Miami, Florida. He died in 2004.

* On June 24 is the birthday of

Jean Metzinger, French painter born in Nantes in 1883. 
In 1903 he came to Paris to study medicine, but soon abandoned choosing paint. Having experienced the neo-Impressionism and Fauvism, he devoted himself to more personal works. Friend of Max Jacob and Apollinaire, soon became a regular at the Bateau Lavoir and headed an orthodox analytic cubism. 
Thanks to his talent as a writer, he was one of the first to describe the practices of the painters of Montmartre, absent from the Salons. Labeled a plagiarist by critics, in 1911 decided to get rid of the excessive influence of the pioneers of avant garde and began to paint more original works, after which came a more analytical phase. 
He died in 1956.

Juan Grela, Argentine self-taught painter and engraver born in Tucumán in 1914. 
In 1924 he moved with his family to Rosario.
At 18 he began to paint outdoors. According to his biographer Ernesto Rodriguez, his true masters in painting were "El tratado del paisaje" by André Lothe and Constructive Universalism, by the Uruguayan Joaquín Torres García (1874-1949, who would later give him private lessons) and learned the art of engraving in metal through the book "Engraving, History and Art", by the artist Gustavo Cochet (1894-1979). 
Between 1942 and 1945 he participated in the Association of Independent Plastics. 
In 1948 begins to meet with a group of local artists, eventually creating the Litoral Group, rising to form a new realist tradition but "modern and native". He taught drawing, painting and printmaking. 
He died in 1992 in Rosario.

* On June 25 is the birthday of

Robert Henri, painter, portraitist and professor born in 1865, one of the eight founders of the Ashcan School, an artistic movement that was intended to capture realistic scenes of everyday life of the poorest neighborhoods in New York. After studying at the Pennsylvania Academy of the Fine Arts in Philadelphia, traveled to Paris in 1888 to enroll in art school Académie Julian, where he studied under William-Adolphe Bouguereau. 
In 1902 he was appointed professor of the New York School of Art, and among his students were Edward Hopper, Rockwell Kent and Stuart Davis. 
Your thoughts and ideas on art were collected by one of his former students, Margary Ryerson, and published in a book entitled "The Art Spirit" in 1923. He died in 1929.

Samuel Lewis Francis, American painter and printmaker born in 1923.
Francis served in the United States Air Force during World War II before being injured during test flight maneuvers. He was in the hospital for several years, and it was while there, after being visited by artist David Park in 1945, that he began to paint. Once out of the hospital he returned to Berkeley, this time to study art. He received both his BA degree (1949) and MA degree (1950) from University of California, Berkeley, where he studied botany, medicine and psychology.
Francis was initially influenced by the work of abstract expressionists such as Mark Rothko, Arshile Gorky and Clyfford Still. He later became loosely associated with a second generation of abstract expressionists, including Joan Mitchell and Helen Frankenthaler, who were increasingly interested in the expressive use of color. He died in 1994.

* On June 26 is the birthday of

Ignacio Zuloaga Zabaleta, Spanish painter born in 1870, one of the most important in the late nineteenth century and early twentieth century, best known for his genre paintings and portraits. For his naturalistic drawing and dark stout colorful, influenced by Ribera and Goya, his style has been traditionally labeled as "reverse" or opponent of style and optimistic light by Sorolla. He belonged to a dynasty of artists; worked as a child in his father's workshop in Eibar and schooling was conducted with the Jesuits in France, completing in Madrid, Paris and Rome. 
He died in his studio in Madrid on October 31, 1945.

Dana Levin, American Classical Realism painter born in 1969.
Levin was born in Alexandria, Virginia, and soon moved with her family to Miami, Florida. Since she was young, Levin enjoyed painting and drawing,  and she attended the Belvoir Terrace's summer fine arts program in Lenox, Massachusetts at the age of 14.
She moved to Italy to train at the Florence Academy of Art under Classical Realism maestro Daniel Graves. For three years she learned the techniques of European masters, and upon graduating joined the faculty to teach drawing and oil painting. She stayed at the academy for a total of eight years.
She has been influenced by her mentor, Daniel Graves, Jean-Léon Gérôme, R. H. Ives Gammell, and artists from the The Boston School Painters, like Edmund Tarbell, Frank Weston Benson and William McGregor Paxton.
Artist's Website: http://www.danalevin.com/

* On June 27 is the birthday of

Gracia Barrios, Chilean painter born in 1927, winner of the National Prize of Plastic Arts of Chile in 2011. 
She is the daughter of writer Eduardo Barrios (National Prize for Literature in 1946) and the concert pianist Carmen Rivadeneira. Attended classes with the painter Carlos Isamitt and entered the School of Fine Arts at the University of Chile. 
After the coup of 1973, the artist traveled to France with her husband and daughter as exiles, staying about ten years out of Chile. 
Gracia Barrios's work focuses on "human activity in everyday life." Although initially chose figurative painting to the 1960s changed to a more casual style, called by the artist as "casual realism." 

Arthur Lismer, English-Canadian painter and member of the Group of Seven born in 1885.
At age 13 he apprenticed at a photo-engraving company. He was awarded a scholarship, and used this time to take evening classes at the Sheffield School of Arts from 1898 until 1905. In 1905, he moved to Antwerp, Belgium, where he studied art at the Academie Royale.
Lismer immigrated to Canada in 1911, settled in Toronto, Ontario and took a job with Grip Ltd. - a satirical magazine.
The collaboration of four artists at Grip gradually evolved into the "Group of Seven", whose work was intended to contribute to the process of giving Canada a distinctive national voice in painting.
Collaborating with the group of artists who would, in 1919, become the Group of Seven, Lismer exhibited the characteristic organic style, and spiritual connection with the landscape that would embody that group's work.
He died in 1969.

* Today, June 28, is the birthday of

Peter Paul Rubens, Baroque painter of the Flemish School born in 1577. His exuberant style emphasized movement, color, and sensuality. His main influences came from the art of Ancient Greece, the ancient Roman and Renaissance painting, especially Leonardo da Vinci, Titian and Michelangelo - Rubens admired his representation of the anatomy. He tried a wide variety of pictorial themes: religious, historical, classical mythology, hunting scenes, landscapes, portraits and drawings, book illustrations and designs for tapestries. Preserved around 1500 his paintings. Such a high production was made possible, in part, to the members of his workshop, apparently worked in chain. They have also come down to us almost nine thousand drawings by his own hand. He died in 1640.

Count August Zamoyski, Polish sculptor, member of groups Bunt and Formiści born in 1893.
Zamoyski was an author of stone compositions in simplified and geometrised form. His first works was influenced by French cubism and Itialian futurism. In 1920s he developed his own, monumental style in which he referred to Classicism. In his last period, Zamoyski was an author of expressive religious works.
He died in 1970.

* On June 29 is the birthday of

Pedro Figari, Uruguayan painter, lawyer, politician, writer and journalist born in 1861. One of the most outstanding figures of Latin American painting, characterized by its unique style and his American will. 
Besides his activity as a lawyer and politician, head of the School of Arts and Crafts prompted an ambitious and modern educational project. 
It was only after 1918, after the failure of his project and separated from his wife, who decides to devote himself to painting. He had nearly 60 years old. In 1921 he held his first exhibition at the gallery Müller. 
In 1938 he made ​​his last exhibition in Buenos Aires and a few days later he died in Montevideo.

Robert Laurent, American sculptor born in 1890, known for his sensitive interpretations of the human form.
Laurent was born in Concarneau, Brittany France. There, at the age of 12 his artistic talents were recognized by art connoisseur Hamilton Easter Field who then brought him to the United States when he was twenty-years-old. In 1908 he travelled to Rome with Field and there studied with Maurice Sterne as well as with wood carver Giuseppe Doratori at the British Academy.
Laurent served in the First World War, then returned to Brooklyn in 1919. He was a Professor of Fine Arts at Indiana University from 1942 to 1960.
He died in 1970.

* On June 30 is the birthday of

Emile Jean Horace Vernet, French painter of battles, sportsman and orientalist born in 1789. 
He was the son of Carle Vernet, also renowned painter. Ironically born in the Louvre Museum, Paris, when his parents were sheltered during the French Revolution. He soon became interested in the themes of war and represented his idealization of the French soldier. 
Since 1819 he represented scenes of large-scale battles. He chose the Napoleonic campaigns, especially in Italy, such as the Battle of the Bridge of Arcole, the Battle of Marengo and the capture of Rome. In 1839 he made ​​the first daguerreotype of the port of Marseille. Besides painting, accompanied the French army during the Crimean War, representing various actions of the war and worked as a graphic reporter in Algeria. He died at his home in Paris in 1863.

Allan Capron Houser or Haozous, Chiricahua Apache sculptor, painter and book illustrator born in Oklahoma. He was one of the most renowned Native American painters and Modernist sculptors of the 20th century.
Houser's work can be found at the Smithsonian Museum of American Art, the National Museum of the American Indian, and the National Portrait Gallery in Washington, DC. and in numerous major museum collections throughout the North America, Europe, and Japan. Additionally, Houser's "Offering of the Sacred Pipe" is on display at United States Mission to the United Nations in New York City.
He died in 1994.

Aniversarios, Fotografía (XXII) [Junio / June 23-30]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 23 de Junio es el cumple de

Milton John "Milt" Hinton, contrabajista de jazz y fotógrafo estadounidense nacido en 1910.
Asistió al Wendell Phillips High School y el Crane Junior College. Mientras asistía a esos colegios, aprendió primero a tocar el violín, y más tarde el bajo, tuba, cello y contrabajo. Siendo un joven fuera de la escuela encontró un empleo remunerado como bajista. Más tarde relató en entrevistas publicadas en 1990 en "Old Man Time", cómo ésto lo incentivó para cambiar al contrabajo.
Hinton poseía una técnica formidable, y era igualmente apto para el bowing, pizzicato y "slapping", una técnica gracias a la cual se hizo famoso tocando con la Big Band de Cab Calloway entre 1936 y 1951.
Haciendo una búsqueda en "The Jazz Discography", puede verse que Hinton es el músico de jazz más grabado de todos los tiempos, habiendo aparecido en 1174 sesiones de grabación. 
También fue un fotógrafo reconocido que inmortalizó a grandes músicos de jazz como Dizzy Gillespie, Billy Holiday, Neil Armstrong, Count Basie, Ben Webster y muchos otros. Murió en 2000.

"Billie Holiday", última sesión de grabación, estudio de Nueva York / 
Last recording date, recording studio, NYC, 1959


El 24 de Junio es el cumple de

Marc Riboud, fotógrafo francés nacido en 1923 en Lyon, conocido por sus extensos reportajes sobre Oriente: Las tres banderas de China, Cara norte de Vietnam, Visiones de China y En China.
Tomó su primera fotografía en 1937, utilizando la cámara Vest Pocket Kodak de su padre. Durante su juventud en la Segunda Guerra Mundial, estuvo activo en la Resistencia francesa entre 1943 y 1945. Después de la guerra, estudió ingeniería hasta 1948.
Hasta 1951 trabajó como ingeniero en las fábricas de Lyon, pero se tomó unas largas vacaciones, inspirado por la idea de hacerse fotógrafo. Se mudó a París donde conoció a Cartier-Bresson, Robert Capa y David Seymour, los fundadores de Magnum Photos. Para 1953 ya era miembro de la organización.
Su habilidad para capturar momentos fugaces de la vida a través de potentes composiciones ya era patente, y estas habilidades le servirían en las décadas por venir.
Website del artista: http://www.marcriboud.com/

Washington, 21 de octubre 1967. Frente al Pentágono, durante una marcha por la paz en Vietnam, Jane Rose Kasmir muestra la cara amable de la juventud estadounidense / 
Washington D. C, October 21, 1967. At the Pentagon, during a march for peace in Vietnam, Jane Rose Kasmir shows the best face of American youth.

Sobre esta imagen dijo Marc: “Ella estaba tan sólo hablando, tratando de captar la atención de los soldados, quizá intentando dialogar con ellos. Tuve la impresión de que los soldados tenían más miedo de ella, que ella de las bayonetas.”
About this image Marc said: “She was just talking, trying to catch the eye of the soldiers, maybe trying to have a dialogue with them. I had the feeling the soldiers were more afraid of her than she was of the bayonets.”


El 25 de Junio es el cumple de

Baron Wolman, fotógrafo estadounidense nacido en 1937, conocido por su obra a fines de los '60 para la revista Rolling Stone, convirtiéndose en el primer editor de fotografía de la revista desde 1967-70.
La carrera profesional de Wolman comenzó en Berlín occidental en los '60 donde estaba destinado con el ejército. Desde Berlín vendió su primer ensayo fotográfico; imágenes de la vida tras el, por aquél entonces, nuevo Muro de Berlín. Por aquél entonces quería ser fotoperiodista. Tras ser licenciado se trasladó de Alemania a Los Ángeles, luego San Francisco y después a Nuevo México.
Wolman comenzó a trabajar para Rolling Stone desde la primera edición que se publicó, y continuó durante tres años. Debido al virtualmente ilimitado acceso de Wolman a sus sujetos, sus fotografías de Janis Joplin, the Rolling Stones, Frank Zappa, the Who, Jimi Hendrix, Joan Baez, Iggy Pop, Pink Floyd, Bob Dylan, the Grateful Dead, Phil Spector, Jim Morrison, Ike & Tina Turner y otros músicos, fueron las piezas gráficas centrales del diseño de la revista.

"Jimi Hendrix", Filmore West, 1968

Más sobre Jimi Hendrix en "El Hurgador" / More about Jimi Hendrix in this blog:
[Blues & Jazz / Black & White (XI)]


El 26 de Junio es el cumple de

Frederick H. Evans, fotógrafo británico, principalmente de temas arquitectónicos, nacido en 1853. Es bien conocido por sus imágenes de catedrales inglesas y francesas. Evans comenzó su carrera como vendedor de libros, pero lo dejó para dedicarse a la fotografía a tiempo completo en 1898, cuando adoptó la técnica del platinotipo para sus fotografías. Las imágenes de platinotipo, con un amplio y sutil rango tonal, sin brillo y con mejor resistencia al deterioro que otros métodos disponibles en la época, encajaban con su temática. Sin embargo, tan pronto comenzó, el coste del platino (y como consecuencia el del papel de platino para sus imágenes) comenzó a subir. Debido a los costes, y porque era reticente a adoptar metodologías alternativas, en 1915 Evans dejó la fotografía definitivamente.
El ideal de Evans de una fotografía sencilla, "perfecta" (sin retoques ni modificaciones de ningún tipo), se ajustaba perfectamente al enfoque arquitectónico de su obra: las antiguas, históricas, ornadas y a menudo muy grandes catedrales, claustros y otros edificios de las zonas campestres de Inglaterra y Francia. Este perfeccionismo, junto con su tendencia a exhibir y escribir acerca de su obra con frecuencia, le hicieron granjearse un respeto internacional y muchos imitadores. Murió en 1943.

"Catedral de York: En cierta y segura esperanza / York Minster: In Sure and Certain Hope"
Fotograbado / photogravure, negativo / negative 1902, publicada en / publish October 1903


El 27 de Junio es el cumple de

Fred Bruemmer, fotógrafo de naturaleza e investigador letón-canadiense nacido en 1929. Pasó su vida viajando extensivamente alrededor de las regiones circumpolares y por otros lugares remotos del globo. Su obra, centrada sobre todo en el Ártico, se centra en gente y animales. También condujo y publicó investigaciones sobre animales en otros lugares del globo. Hablaba 9 lenguas y escribió más de 1000 artículos para publicaciones de todo el mundo, incluyendo Canadian Geographic, Natural History, National Geographic y Smithsonian. Fred Bruemmer vivía en Montreal, Quebec.
Nacido en Riga, Letonia, en una familia báltico-germana, emigró a Canadá en 1951 y obtuvo la ciudadanía en 1956. Su libro "Survival - El refugio de la vida", publicado en 2005, habla sobre las desgarradoras experiencias que el joven Bruemmer sufrió durante la Segunda Guerra Mundial, lo que le llevó desde su Letonia natal hasta Canadá.
Su foto de 1964 de un cachorro de foca blanca se convirtió en un icono y fue elegida una de las "51 fotografías que cambiaron el mundo". Murió en 2013.

"La pingüinera de Punta Tombo / The penguin colony in Punta Tombo", Chubut, Argentina.
Al sur de Península Valdés, la playa de Punta Tombo es el hogar de medio millón de pingüinos, la mayor y más accesible colonia de Sudamérica / 
South of the Valdés Peninsula, the beach at Punta Tombo is home to half a million Magellanic penguins, the largest and most accessible colony in South America.


El 28 de Junio es el cumple de

Luis Escobar, fotógrafo español nacido en 1887, que tuvo una incesante actividad como fotógrafo ambulante recorriendo durante casi cuarenta años los pueblos de La Mancha.
Trabajó en diversos oficios hasta ingresar como aprendiz del maestro Daniel Tregón, con quien aprendió todo sobre la fotografía, hasta que decidió montar un gabinete fotográfico independiente en 1915. Se especializó en la fotografía ambulante y de exterior.
Cuando llegó la Guerra Civil en 1937, Albacete quedó en el lado republicano, que iba perdiendo y cada vez era más difícil obtener material fotográfico. Luis se dedicó a fotografiar a las brigadas Internacionales, actos políticos y todo lo concerniente a la guerra, pero mucho de este material fotográfico se perdió. Al final de la guerra Luis Escobar fue encarcelado durante dos años en la Cárcel Provincial de Albacete, y su casa saqueada, quedando tan solo unos 2000 negativos (placas) y unas 1000 copias, que es lo que actualmente se conserva. Murió en 1963.

Agrupación Socialista de / Socialist Group of Villalgordo del Júcar, 1925.


Hoy, 29 de Junio, es el cumple de

James Van Der Zee, fotógrafo afroamericano nacido en 1886, conocido por sus retratos de negros neoyorkinos. Fue una figura clave en el Renacimiento de Harlem. Además de sus méritos artísticos, Van Der Zee produjo la más comprehensiva documentación del período.
Hizo sus primeras fotografías de joven en Lenox, Massachusetts. Para 1906 se había mudado con su padre y su hermano a Harlem, en Nueva York, donde trabajó de camarero y ascensorista. En 1915 se mudó a Newark donde consiguió un empleo en un estudio de retratos, primero como asistente de cuarto oscuro y luego como retratista. Regresó a Harlem al año siguiente, montando un estudio de retratos en un conservatorio de música que su hermana había fundado en 1911.
La obra de James es predominantemente de estudio y utilizó una variedad de accesorios, incluyendo elementos arquitectónicos, fondos y vestuario, para lograr estilizados retablos vivientes en el estilo de las tradiciones victoriana y eduardiana. Los modelos a menudo copiaban las poses y expresiones de celebridades de los años '20 y '30, y él retocaba significativamente los negativos e impresiones para lograr un aura de glamour.
Murió en 1983.


Más sobre Basquiat en "El Hurgador" / More about Basquiat in this blog:
[Boz Mugabe (Pintura)]


El 30 de Junio es el cumple de

Madhaviah Krishnan (மாதவையா கிருஷ்ணன்), escritor, naturalista y pionero de la fotografía de vida salvaje india nacido en 1912.
Estudió en la Escuela Superior Hindu y desarrolló interés en la literatura, arte y naturaleza.
Durante un tiempo se ganó la vida escribiendo para pequeñas revistas y publicando algunos de sus dibujos y caricaturas.
Fue un patriota ecológico que se opuso a la introducción de especies exóticas.
Además de su prosa caprichosa, poesías y dibujos, utilizó la fotografía como otro medio de expresión. Trabajó sólo en blanco y negro. Su equipo, según el naturalista E. P. Gee, consistía en "una cosa grande, compuesta con el cuerpo de una marca y un teleobjetivo de otra, y otras partes y accesorios todo ingeniosamente montado por él mismo. No podría asegurar que viera la proverbial cuerda utilizada para mantener todo aquello unido, ¡pero estoy seguro que debería haber algo de alambre y aros por algún lado!". Krishnan murió en 1996

"Tigresa bajo la higuera / Tigress Under the Banyan", Kanha, May 1968


Textos en inglés / English translation

* On June 23 is the birthday of

Milton John "Milt" Hinton, American jazz double bassist and photographer born in 1910.
He attended Wendell Phillips High School and Crane Junior College. While attending these schools, he learned first to play the violin, and later bass horn, tuba, cello and the double bass. As a young violinist out of school, he found gainful employment as a bassist. He later recounted in interviews, released in 1990 on Old Man Time, how this prompted him to switch to double bass.
Hinton possessed a formidable technique and was equally adept at bowing, pizzicato, and "slapping," a technique for which he became famous while playing with the big band of Cab Calloway from 1936 to 1951.
According to a search of The Jazz Discography, Hinton is the most-recorded jazz musician of all time, having appeared on 1,174 recording sessions.
He was also a recongnized photographer who shot great jazz musicians like Dizzy Gillespie, Billy Holiday, Neil Armstrong, Count Basie, Ben Webster and many more. He died in 2000.

* On June 24 is the birthday of

Marc Riboud, French photographer born 1923 in Lyon, best known for his extensive reports on the East: The Three Banners of China, Face of North Vietnam, Visions of China, and In China.
He photographed his first picture in 1937, using his father's Vest Pocket Kodak camera. As a young man during World War II, he was active in the French Resistance from 1943 to 1945. After the war, he studied engineering until 1948.
Until 1951 Riboud worked as an engineer in Lyon factories, but took a week-long picture-taking vacation, inspiring him to become a photographer. He moved to Paris where he met Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, and David Seymour, the founders of Magnum Photos. By 1953 he was a member of the organization. His ability to capture fleeting moments in life through powerful compositions was already apparent, and this skill was to serve him well for decades to come.
Artist's website: http://www.marcriboud.com/

* On June 25 is the birthday of

Baron Wolman, American photographer born in 1937, best known for his work in the late 1960s for the music magazine Rolling Stone, becoming the magazine's first editor of photography from 1967 to 1970.
Wolman's professional photographic career began in West Berlin in the 1960s where he was stationed with the military. From Berlin he sold his first photo essay, images of life behind the then-new Berlin Wall. He then wanted to be a photo-journalist. After his discharge he moved from Germany to Los Angeles and then to San Francisco then to New Mexico.
Wolman began working for Rolling Stone from its first issue was published, and continued for another three years. Because of Wolman's virtually unlimited access to his subjects, his photographs of Janis Joplin, the Rolling Stones, Frank Zappa, the Who, Jimi Hendrix, Joan Baez, Iggy Pop, Pink Floyd, Bob Dylan, the Grateful Dead, Phil Spector, Jim Morrison, Ike & Tina Turner, and other musicians were the graphic centerpieces of Rolling Stone's layout.

* On June 26 is the birthday of

Frederick H. Evans, British photographer, primarily of architectural subjects, born in 1853. He is best known for his images of English and French cathedrals. Evans began his career as a bookseller, but retired from that to become a full-time photographer in 1898, when he adopted the platinotype technique for his photography. Platinotype images, with extensive and subtle tonal range, non glossy-images, and better resistance to deterioration than other methods available at the time, suited Evans' subject matter. Almost as soon as he began, however, the cost of platinum - and consequently, the cost of platinum paper for his images - began to rise. Because of this cost, and because he was reluctant to adopt alternate methodologies, by 1915 Evans retired from photography altogether.
Evans' ideal of straightforward, "perfect" photographic rendering - unretouched or modified in any way - as an ideal was well-suited to the architectural foci of his work: the ancient, historic, ornate and often quite large cathedrals, cloisters and other buildings of the English and French countryside. This perfectionism, along with his tendency to exhibit and write about his work frequently, earned for him international respect and much imitation. He died in 1943.

* On June 27 is the birthday of

Fred Bruemmer, Latvian Canadian nature photographer and researcher born in 1929. He spent his life travelling extensively throughout the circumpolar regions and to other remote parts of the globe. His works have been centered mostly on the Arctic, its people and its animals. He also conducted research and published on animals in many other areas of the globe. He spoke nine languages and wrote more than a thousand articles for publications around the world, including Canadian Geographic, Natural History, National Geographic and Smithsonian. Fred Bruemmer lived in Montreal, Quebec.
Born in Riga, Latvia, to a Baltic-German family, Bruemmer emigrated to Canada in 1951 and became a citizen in 1956. His book Survival - A Refugee Life, published in 2005, talks about the harrowing ordeals the young Bruemmer went through during World War II, which led him from his Latvian birthplace to eventual immigration to Canada.
His 1964 photo of a white harp seal pup became an icon and was among 51 photos chosen in the book Photographs that Changed the World. He died in 2013.

* On June 28 is the birthday of

Luis Escobar, Spanish photographer born in 1887, who had a ceaseless activity as an itinerant photographer for nearly forty years touring the villages of La Mancha. 
He worked at various jobs until entering apprentice of Master Daniel Tregon, with who learned everything about photography, until he decided to open an independent photographic cabinet in 1915. Specialized in itinerant and outdoor photography. 
When the Civil War came in 1937, Albacete was on the Republican side, who was lost and it became increasingly difficult to obtain photographic material. Luis was devoted to photographing the International Brigades, political events and everything related to the war, but much of this photographic material was lost. At the end of the war Luis Escobar was imprisoned for two years in Albacete Provincial Jail, and his house ransacked, leaving only about 2000 negatives (plates) and about 1000 copies, which is currently held. He died in 1963.

* Today, June 29, is the birthday of

James Van Der Zee, African-American photographer born in 1886, best known for his portraits of black New Yorkers. He was a leading figure in the Harlem Renaissance. Aside from the artistic merits of his work, Van Der Zee produced the most comprehensive documentation of the period.
James made his first photographs as a boy in Lenox, Mass. By 1906 he had moved with his father and brother to Harlem in New York City, where he worked as a waiter and elevator operator. In 1915 he moved to Newark, N.J., where he took a job in a portrait studio, first as a darkroom assistant and then as a portraitist. He returned to Harlem the following year, setting up a portrait studio at a music conservatory that his sister had founded in 1911.
James worked predominantly in the studio and used a variety of props, including architectural elements, backdrops, and costumes, to achieve stylized tableaux vivants in keeping with late Victorian and Edwardian visual traditions. Sitters often copied celebrities of the 1920s and ’30s in their poses and expressions, and he retouched negatives and prints heavily to achieve an aura of glamour.
He died in 1983.

* On June 30 is the birthday of

Madhaviah Krishnan (மாதவையா கிருஷ்ணன்), a pioneering Indian wildlife photographer, writer and naturalist born in 1912.
Krishnan studied in the Hindu High School and developed an interest in literature, art and nature.
For a while he made a living by writing to small magazines and publishing some of his drawings and caricatures.
Krishnan was an ecological patriot in that he opposed the introduction of exotic trees.
Along with his whimsical prose, poetry and drawing he used photography as another tool for expression. He worked only with black and white film. His equipment was, according to naturalist E. P. Gee, "a large, composite affair, with the body of one make and a tele lens of another, and other parts and accessories all ingeniously mounted together by himself. I cannot swear that I saw proverbial bootlace used to fix them all together, but I am sure there must have been some wire and hoop somewhere!" He died in 1996.

Garth Knight [Fotografía, Fotomanipulación, Bondage]

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La obra de Garth Knight gira en torno a dos claves: fotografías de complicadas instalaciones de bondage e imágenes formadas por una miríada de elementos que componen una nueva imagen. En estas últimas, utilizando fractales, simetrías, cientos o miles de fotografías de joyas, incluso las mismas imágenes de bondage, construye impresionantes collages de insectos, arañas y otros animales que cobran vida con un brillo casi sobrenatural.

Garth Knight's work revolves around two keys: photographs of complicated bondage installations and images formed by a myriad of elements that make a new image. In the latter, using fractals, symmetries, hundreds or thousands of pictures of jewelry or even the same bondage images, builds stunning collages of insects, spiders and other animals that come to life with an almost supernatural glow.

Garth Knight

Garth frente a su obra / in front of his work "Jewelled Deaths Head Moth", 2009

Garth Knight es un artista nacido en 1972 en Hobart, Australia.
En 1993 obtuvo su Bachiller en Ingeniería con honores por la Universidad de Tasmania. En 1995 se mudó a Sydney, y en 1999 obtuvo su diploma en fotografía.
Entre 1994 y 2000 trabajó como fotógrafo profesional, pero a partir de allí cambió hacia una carrera en bellas artes. Comenzó a desarrollar procesos propios para realizar complicadas instalaciones de bondage que luego fotografiaba, y técnicas de manipulación por ordenador para producir innovadores y elaborados montajes de imágenes.

"Paraíso perdido / Paradise Lost"
"Elefante / Elephant", 2013

"101 Respiraciones / 101 Breaths"

«Tenía 21 años cuando por primera vez cogí una cámara para fotografiar algo que pensaba podría ser estéticamente agradable de alguna manera. Recuerdo que había una novia que me prestó una cámara y comencé a tomar fotografías al azar. Por alguna razón, pensaba que me estaba dirigiendo hacia la fotografía desde siempre. Me gustaba la idea de ser un fotógrafo desde que era un chico, pero nunca me planteé hacer la transición hasta que fui mayor. Es la calidad de la fotografía que combina procesos artísticos y científicos lo que en realidad me empujó hacia delante en esta forma de arte, o forma de expresión.»
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"Conciencia sangrienta 6 / Blood Consciousness 6"
"Piedad / Pieta"

El corazón de la Gran Madre Tierra Gaia
La fuerza irresistible tras el flujo de conciencia de cada persona y cada cosa
Así como nuestros corazones bombean sangre, remificándose una y otra vez hasta alcanzar cada célula de nuestro cuerpo
Su corazón es el centro de la conciencia, que también se ramifica una y otra vez
Hasta alcanzar a cada uno de nosotros


The heart of the great mother Earth Gaia
The compelling force behind the flow of consciousness to every person and every thing
Like our heart pumps blood, branching and branching until it reaches every cell in our bodies
Her heart is the centre of consciousness, which branches and branches again
Until it reaches every one of us.
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"Nefaria Aquea 1d", 2004

En 2003 ganó el Premio del Público en el Josephine Ulrick y el Premio Schubert de Fotografía, a lo que siguió en 2004 la selección como finalista del Citigroup Portrait Prize en la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur así como su tercer Premio del Público consecutivo por su trabajo fotográfico en la muestra anual Leather Pride.

Criaturas enjoyadas / Jewelled Creatures
"Dragón de plata enjoyado / Jewelled Silver Dragon", 2008

Estas obras están construidas con imágenes de joyas producidas por el joyero de París Lorenz Baumer.
These works are constructed with images of jewellery produced by Parisienne jeweller Lorenz Baumer.

Criaturas enjoyadas / Jewelled Creatures
"Dragón de plata enjoyado / Jewelled Silver Dragon" (detalle / detail), 2008

«Si, definitivamente estaba interesado en los nudos. Crecí en una granja y mi padre tenía botes, así que las sogas fueron algo que siempre he utilizado. La cosa es que trabajando con sogas llegas a comprender algo sobre el aprovechamiento y la transferencia de energía, y esas cosas de física básica. En un bote, tiras de una soga que puede cambiar completamente la dirección en la que navegas. El día que comprendí que podría combinar trabajo con sogas con gente y fotografía, fue muy significativo para mí.»

El bosque encantado / The Enchanted Forest
El árbol corazón / The Heart Tree - "Kesia ii", 2012

«Conocí a alguien a fines de los '90 que estaba haciendo un espectáculo de bondage en un club de Sydney. El show en sí mismo no era altamente erótico o sexual, sino algo realmente simple. Estaba atando a alguien a una silla y por alguna razón cautivó mi imaginación. Previamente siempre había encontrado fotografiar gente como algo distante, como que había un gran abismo entre tú y la persona que estabas fotografiando. Pero tan pronto comencé a incorporar el bondage a mi trabajo, me involucré físicamente. Descubrí que podía ser un momento muy cohesivo porque soy una persona sensual y siempre encontré el acto de fotografiar como algo frío y remoto. ¡Así que el bondage lo ataba todo junto!»

"Paraíso perdido / Paradise Lost"
"Cefalópodos / Cephalopods", 2013

"Paraíso perdido / Paradise Lost"
"Cefalópodos / Cephalopods" (detalle / detail), 2013

Los sujetos del Bestiario de Garth Knight son doblemente sorprendentes. Por una parte, son brillantes y profusamente enjoyados, desplegados en luminoso contraste con el negro vacío de los fondos. Por otra, son criaturas extrañas que asustan. Por supuesto se puede pensar que las mariposas son bellas o los caballitos de mar entrañables, pero son una especie de extravagancia cuando en verdad se piensa en ellos. ¿Y las abejas? Las abejas pueden picarte. Y las arañas morderte. Y los insectos tienen sus esqueletos del lado de fuera.

Las criaturas que pueblan estas series nunca han estado vivas, pero aún así parece que las hubieran inmovilizado, como si un joyero hubiera recreado especímenes para desplegar en cajas de lepidopterólogos y entomólogos. Con su brillo, parece que estuvieran listas para saltar, huir o zumbar fuera de las imágenes, con su contexto espacial ausente, produciendo el efecto de una extraña suspensión atemporal. Es difícil apartar la mirada.

Bestiario imaginario / Imaginary Menagerie
"Madame Butterfly", 2003

Observa la complejidad de la vida, causa y efecto de la interconexión de todas las cosas.
Observa la repetición, escala y transformación de los patrones, y cómo se forman esos patrones y vibración de energía,
sus interacciones e interferencias constructivas y destructivas son los bloques constructivos del universo.
Los patrones se repiten, utilizados y reutilizados, una y otra vez, a niveles muy diferentes, desde lo microscópico a lo cósmico.
El universo puede ser una forma holográfica, todo él contenido en cada una de sus partes infinitesimales.
Todas las cosas pueden interpretarse en diferentes niveles. Observar un objeto como un todo ofrece una interpretación,
observar las partes individuales desde otro ángulo, abre las puertas a muchas otras interpretaciones y significados.
Cuánto más cerca miras, más ves.

Look at the complexity of life, cause and effect and the interconectivdad of all things.
Look at the repetition, scaling and transformation of patterns, and how the patterns and vibration of energy forms,
their interactions and constructive and destructive interference are the building blocks of the universe.
Patterns are repeated, used and reused over and over on many different levels, from the microscopic to the cosmic.
The universe can be a form of holograph, the whole contained within each of its infinitely diminishing parts.
All things may be interpreted on many different levels. Looking at an object as a whole gives one interpretation,
looking at individual parts or from another angle opens up doors to many other interpretations and meanings.
The closer you look the more you see.

Bestiario imaginario / Imaginary Menagerie
"Madame Butterfly", (detalle / detail), 2003

Garth Knight is an artist born in 1972 in Hobart, Australia.
In 1993 completed Bachelor of Engineering (Honours) at Unversity of Tasmania. In 1995 moved to Sydney and four years later completed a diploma in photography. From 1994 to 2000 he worked as a professional photographer, but then moved from working as a photographer into a career as a fine artist. Started developing individual processes for intricate rope bondage installations to photograph and computer manipulation techniques to produce innovative and elaborate montage images from these photographs.

Vida Muerte Renacimiento / Life Death Rebirth
Izq./ Left: "Mandala con cráneo de wallaby / Wallaby Skull Mandala", 2005.
Der./ Right: "Mandala con mandíbula de wallaby / Wallaby Jaw Mandala", 2005

"Paraíso perdido / Paradise Lost"
"Cráneo / Skull", 2013

«I was twenty-one when I first picked-up a camera to take something that I thought would be aesthetically pleasing in some way. I remember it was a girlfriend’s camera I borrowed, and I just started by taking some really random shots. For some reason I thought I was headed towards photography all along. I liked the idea of being a photographer since I was a little kid, but never got around to making that transition until I was older. It’s the quality of photography that combines artistic processes with the scientific that really drew me towards it as an art form, or a form of expression.»

"Paraíso perdido / Paradise Lost"
"Cráneo / Skull" (detalle / detail), 2013

In 2003 he won the People’s Choice Award at the Josephine Ulrick and Win Schubert Photography Prize, which was followed in 2004 with selection as a Finalist in the Citigroup Portrait Prize at the Art Gallery of NSW as well as his third consecutive People’s Choice Award for photographic work in the annual Leather Pride exhibition.

"Paraíso perdido / Paradise Lost"
"Tortuga / Turtle", 2013

"Paraíso perdido / Paradise Lost"
"Tortuga / Turtle" (detalle / detail), 2013

«Yes, I was definitely interested in knot-tying. I grew up on a farm and my father had boats so ropes were always something I used. The thing with working practically with ropes is that you come to understand something about harnessing and transferring energy, and that kind of basic physics. On a boat you pull one rope that can entirely change the direction of where you are sailing. The day that I realised I could combine rope work with people and photography was pretty significant for me.»

Criaturas enjoyadas / Jewelled Creatures
"Libélula enjoyada / Jewelled Dragonfly", 2008

El bosque encantado / The Enchanted Forest
El árbol hombre / The Man Tree - "Bailey", 2012

«I met someone at the end of the nineties who was doing a show of rope bondage at a club in Sydney. The show itself wasn’t highly erotic or sexualised, just really simple. He was tying someone to a chair and for some reason that really caught my imagination. Previously I had always found photographing people to be quite distancing, like there’s this great chasm between you and the person you are photographing. But as soon as I started to incorporate bondage into my work, it actually involved me physically. I found that this was quite a cohesive moment because I’m a sensual person and the act of photography I’d always found to be cold and removed. So bondage really tied everything together!»

Bestiario imaginario / Imaginary Menagerie
"Atrapada en su red / Caught in her Web", 2003

"Nefaria Aquea 1b", 2004

The subjects of Garth Knight's Bestiary are doubly mesmerising. For one thing, they are shiny and ornately bejewelled, displayed in bright contrast to the black vacuum of their backgrounds. For another, they are weird scary creatures. Sure, you might think butterflies are pretty or seahorses are endearing, but they're kind of freaky when you really think about them. And bees? Bees can sting you. And spiders can bite you. And bugs have their skeletons on the outside.

Criaturas enjoyadas / Jewelled Creatures
"Carpa dorada de joyas / Jewelled Goldfish", 2008

Criaturas enjoyadas / Jewelled Creatures
"Carpa dorada de joyas / Jewelled Goldfish", (detalle / detail), 2008

Vórtex: El árbol blanco / Vórtex: The White Tree
Izq./ Left: "El tercer vórtex: Duda / The Third Vortex: Doubt" - Nada es real / Nothing is real.
Der./ Right: "El quinto vórtex: Asombro / The Fifth Vortex: Amazement" - Todo es verdad / Everything is Truth

The creatures populating this series have never been alive, but they still somehow look pinned down, as though a jeweller has recreated specimens from the display cases of lepidopterists and entomologists. As they sparkle they seem ready to dart or scuttle or whir out of the images, with the absence that constitutes their spatial context effecting a strange sort of atemporal suspense. It's hard to look away.

"101 Respiraciones / 101 Breaths"

"Paraíso perdido / Paradise Lost"
"La última abeja melífera / The Last Honey Bee", 2013

Imagina el paraíso como un entendimiento, una comprensión completa de nuestro ser, no como individuos, sino como todo el espacio y el tiempo contenido en océano único de la conciencia. 
Al igual que los cuerpos atrapados en las cuerdas que los atan y las piedras preciosas mantenidas en su sitio por sus características y compuestas de átomos atrapados en un entramado estructural rigurosamente definido, estamos atrapados y nos mantenemos en nuestro sitio por nuestras percepciones y creencias, nuestra rígida construcción de la realidad, que nos oculta el acceso a la plena conciencia. 
A veces estamos momentáneamente liberados de estas limitaciones, una comprensión intuitiva nos acoge en su abrazo. En esos momentos somos uno con el todo, cuando el tiempo se detiene y nos convertimos en el sol en nuestra piel, la respiración en nuestros pulmones, ya no una hoja al viento, sino la hoja y el viento, bailando juntos. 
Cuando la percepción consciente devuelve el momento que se ha ido, y nos quedamos con un recuerdo persistente - una sensación de paraíso perdido.

Imagine paradise as an understanding, a complete realisation of our self not as individuals but as all space and time contained in one single ocean of consciousness. 
Like the bodies caught up in their binding ropes and the gemstones held in place by their settings and made up of atoms caught up in a rigourously defined structural lattice, we are caught up and held in place by our perceptions and beliefs, our rigidly held construct of reality, obscuring us from full awareness. 
At times we are momentarily freed from these constraints, an intuitive understanding takes us up in its embrace. In these moments we become one with everything, when time stops and we become the sun on our skin, the breath in our lungs, no longer the leaf blowing in the wind but the leaf and the wind, dancing together. 
When conscious perception returns the moment is gone, and we are left with a lingering memory - a feeling of paradise lost. 

"Paraíso perdido / Paradise Lost"
"La última abeja melífera / The Last Honey Bee" (detalle / detail), 2013

Los textos están tomados del sitio web de Garth, de un texto de Bethany Small que puede leerse completo (en inglés) aquí, y de una entrevista realizada al artista por Bec Dean, Curador del Centro Australiano de Fotografía, en 2008 que puede leerse (también en inglés) aquí.

Texts from Garth's website, a text by Bethany Small  you can fully read here, and from an interview by Bec Dean, Curator, Australin Centre for Photography (2008), you can fully read here.

Más imágenes e información en / More images and information in

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Garth!)
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Anna Bodnar [Fotografía, Fotomanipulación]

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Anna Bodnar

© Anna Bodnar

Anna Bodnar nació en 1982 en Polonia. Es filóloga y artista de gráficos por ordenador. Actualmente tiene una agencia de publicidad, desde marzo de 2008 también miembro de la Asociación Polaca de Fotógrafos Artísticos, y desde enero de 2001 miembro de la Real Sociedad Fotográfica.

"Manos / Hands" © Anna Bodnar

© Anna Bodnar

"Manos / Hands"© Anna Bodnar

Corinna Ingennleuf y Tommas © Anna Bodnar

© Anna Bodnar

© Anna Bodnar

«Las artes visuales me han interesado siempre; muestran más de lo que puedan decir las palabras. A través de los años he estado buscando diferentes formas artísticas para expresarme. Lo que hago es mi pasión, y sencillamente me enloquece. Esta pasión, emociones, disgusto con un mundo plástico e irreal, los llevo muy dentro. Es comprensión de mí misma, es comprensión de los demás, es algo de lo que no se habla, es un tabú. Es un amor a la libertad aún desconocido... 
Mis fuentes de inspiración habituales son la vida diaria y la literatura. Mi obra y mi arte expresan quién soy, y por lo tanto soy muy emotiva al respecto. Utilizo fotos corrientes, así como diferentes programas de software para mis obras gráficas.»

Izq./ Left: 2009 - Der./ Right: David © Anna Bodnar

"Partes del cuerpo / Body Parts" © Anna Bodnar

© Anna Bodnar

"Partes del cuerpo / Body Parts" © Anna Bodnar

Izq./ LeftCorinna Ingennleuf - Der./ Right: David © Anna Bodnar

© Anna Bodnar

Izq./ Left: David © Anna Bodnar

Anna Bodnar was born in Poland, 1982. She's philologist and a computer graphic artist. Presently, she's a joint owner of an advertising agency. Since March 2008 she's also a member of an Association of Polish Art Photographers, and from 1 january 2011 member of Royal Photographic Society.

"Partes del cuerpo / Body Parts" © Anna Bodnar

© Anna Bodnar

"Autorretrato / Self Portrait" © Anna Bodnar

© Anna Bodnar

«Visual art interested me always; it shows more than words can ever do. Throughout the years, I have been looking for different artistic ways of expressing myself. What I do is my passion and I am simply crazy about it. This passion, emotions, distaste to the unreal and plastic world are deep down in me. It is understanding myself; it is understanding other people; it is something unspoken of; it is a taboo. It is love to freedom that I have not known yet.. My usual sources of inspiration are day-to-day life and literature. M work and my art expresses who I am and therefore, I have a very emotional about it. I use regular photos, as well as different processing software programs for my graphic works.»

© Anna Bodnar


Perros / Dogs

"Fifi", Beagle © Anna Bodnar

"Ramzes", Cane Corso / Mastín italiano / Italian Mastiff © Anna Bodnar

© Anna Bodnar

"Fifi", Beagle © Anna Bodnar

"Fifi", Beagle © Anna Bodnar

"Fifi", Beagle © Anna Bodnar

Se puede disfrutar de la obra de Anna en / You can enjoy Anna's work in

Imágenes publicadas con autorización de la artista (¡Muchas gracias, Anna!)
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Segunda sesión fotográfica con David / Second Photo Session with David


Fotografia / Photo: Anna Bodnar
Asistente / Assistent: Jola Woś
Maquillaje / Makeup: Maja Balcarek
Modelo / Model: Dawid
Vestuario / Dress: Grzegorz Skwara
Backstage: Bartłomiej Matyjasiak

Uruguayos (XXII) - Eduardo Espino (II)

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Nuevo post dedicado a este buen artista uruguayo. Más obras, continuación del documental sobre su trabajo y algunos textos.
Traducción al inglés al final del post, señalada con [*] al final de cada párrafo

New post devoted to this good uruguayan artist. More artworks, continuation of the documentary about his work and a few writings.
English translation at the end of this post, marked with [*] at the end of each paragraph
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Eduardo Espino


Eduardo Espino es un artista uruguayo nacido en Montevideo en 1947.
«Reconozco que he pasado por diferentes momentos, cargados algunos de intensidad variable y otros de parálisis creadora. No me preocupa, como dicen los chinos, las crisis “son una conmoción perturbadora pero también una oportunidad de cambio”. Dedico el tiempo de inactividad a la práctica creativa. De algún modo me pongo “en remojo”: leo, reflexiono, visito exposiciones, miro pintura. Considero que la lectura y la reflexión son aspectos esenciales del trabajo del artista. 
Nunca me sentí gran hacedor o productor de cuadros en lo que se refiere a lo cuantitativo. Trabajo cuando siento que estoy preparado, cuando lo necesito, cuando tengo una compulsión para hacerlo y no por un condicionamiento exterior.» [1]

"Microcosmos", técnica mixta sobre madera prensada / mixed media on hardboard, 46 x 33 cm., 1995-2000

"Collage con hoja I / Collage with Leaf I"
Dibujo y collage  sobre papel / drawing and collage on paper, 24 x 15 cm., 1998

«La pintura produce un estado alterado de la conciencia; coloca al productor de la obra en una realidad que “jaquea” la realidad cotidiana, enriqueciéndola, y se busca que lo mismo pase con el receptor. Es una práctica que absorbe pero también problematiza. Se trata de trabajar hasta encontrar un equilibrio, un resultado final que sorprenda pues no será el esperado. El acto creativo deja muchas veces la sensación de que no es uno el que lo hizo, sino que irrumpe desde una zona desconocida. Tal resultado, tal ajuste, produce placer, un placer superior.» [2]

"Abstracto con cordel / Abstract with String", acrílico sobre tela / acrylic on canvas, 48 x 32 cm., 2011

«Entiendo que la construcción, puesto que traslada la interioridad del artista al plano de lo sensible, da origen a una imagen visual significativa. La intuición y la reflexión, como dos polos generadores,  posibilitarán esta tarea de tal modo que en el momento de la creación los elementos del lenguaje –línea, forma, color, textura– queden liberados de estereotipos y metabolizados por el sentimiento, y podrán convivir en unidad en la superficie. Pienso que sólo así la obra será original, necesaria, y, en esencia, espiritual.» [3]

"Naturaleza muerta, Bar / Still Life, Bar"

Izq./ Left: "Ruptura I / Rupture I", acrílico sobre madera prensada / acrylic on hardboard, 73 x 73 cm., 2001
Der./ Right: "Ruptura II / Rupture II", acrílico sobre madera prensada / acrylic on hardboard, 73 x 73 cm., 2001

Eduardo Espino transita seriamente y de forma simultánea por el hacer del acto puramente pictórico a la vez que por el pensar sobre la naturaleza del acto creativo, sobre la condición del artista como tal y sobre el papel que juega el mismo en la sociedad contemporánea.
Su pintura se nutre de una idea de construcción que casi siempre está  presente en sus búsquedas formales. Esto  arma una estructura que le ayuda a ordenar  su lenguaje para poder elaborar y expresar un mundo propio que revela interrogantes y no respuestas. [4]

"Improvisación I / Improvisation I", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 33 x 44 cm., 2000

"R.N.A.", óleo sobre madera prensada / oil on hardboard, 24 x 32,5 cm., 1997

Sus formas, ritmos y colores se conjugan y responden a un orden que sin embargo, en ocasiones permite adivinar en un plano situado detrás del aparente, una tensión, un desasosiego, una incertidumbre que imagino resulta producto de su cuestionamiento permanente.
La mayoría de los actos de su vida, y me atrevería a decir de sus pensamientos también, están impregnados del hecho de “ser artista”.  No creo que pueda hacer ni pensar sino desde esa óptica. [5]

Izq./ Left: "Masculino femenino II / Male Female II", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 33 x 44 cm., 2000
Der./ Right: "Masculino femenino III / Male Female III", acuarela sobre papel / watercolor on paper, 32 x 24 cm., 2000

"Improvisación III / Improvisation III", watercolor on paper / acuarela sobre papel, 33 x 44 cm., 2000

La vida de Eduardo gira en torno a su centro pictórico que en definitiva le imprime la coherencia que lo caracteriza; sin embargo también se nutre de vertientes ajenas a la plástica para iluminarse, pero que luego adopta y aplica a esta disciplina para seguir ampliando su campo de visión sobre la misma.  
Su atención siempre está alerta frente a reflexiones interesantes, lecturas esclarecedoras, música que enriquece y también al diario que le aporta el contacto con la realidad, el cable a tierra, y que lee acompañado de una taza de café cargado sentado a la mesa de uno de los dos o tres bares de los que es habitué. 
Su vida austera responde a un plan que se ha diseñado y que sigue las directivas de una ética que le resulta imprescindible.
Ha decidido, a sabiendas de que es el camino más difícil, pertenecer al grupo de artistas que dignifican el oficio. [6]

"Primitivo con sol / Primitive with Sun", collage, 20 x 25 cm., 1997

Más obras e información sobre Eduardo en / More works and information about Eduardo in

Más sobre Eduardo Espino en "El Hurgador" / More about Eduardo Espino in this blog:

Fuentes / Sources:
* Los textos 1, 2 y 3, están tomados de una entrevista realizada a Eduardo tomada del libro "El pensamiento creador - Apuntes para una reflexión en las artes plásticas y visuales", de Juan Mastromatteo. Rebecca Linke Editoras, 2008.
* Los 4, 5 y 6, corresponden a una nota de Pilar González de 2013.
* Texts # 1, 2 and 3, from an interview with Eduardo from the book "El pensamiento creador - Apuntes para una reflexión en las artes plásticas y visuales / Creative Thinking - Notes for a visual reflection in the arts and visual arts", by Juan Mastromatteo. Edited by Rebecca Linke, 2008.
* Texts # 4, 5 and 6 are an article by Pilar Gonzalez, 2013.

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Eduardo!)
Otra vez, gracias a Shirley Rebuffo por la información y el contacto.
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Eduardo!)
Again, thanks to Shirley Rebuffo for the information and contact.


Partes 2 y 3 del documental "Eduardo Espino, Pintura Interior" de Álvaro Santos (2009-2010). La primera parte en el post anterior.
Parts 2 and 3 of the documentary "Eduardo Espino, Interior Painting", by Alvaro Santos (2009-2010) . The first part in the previous post

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Textos en inglés / English Translation

[1]
Eduardo Espino is a Uruguayan artist born in Montevideo in 1947
«I must admit that I have gone through different times, loaded some of variable intensity and others of creative paralysis. I don't care, as the Chinese say, crises "are a disturbing shock but also an opportunity for change." I spend downtime on creative practice. Somehow I get in "standby": I read, I reflect, I visit exhibitions, see paintings. I believe that reading and reflection are essential aspects of the artist's work. 
I never felt great creator or producer of pictures in quantitative. I work when I feel I'm ready, when I need it, when I have a compulsion to do so and not by an external conditioning.»

[2]
«The paint produces an altered state of consciousness; places the producer of the work in a reality that "harass" everyday life, enriching it, and it is intended that the same happens with the receiver. It is a practice that absorbs but also challenges. It is working to find a balance, an end result that is a surprise because is not what was expected. The creative act often leaves the impression that it is not oneself that did it, but it bursts from an unknown area. Such a result, such adjustment produces pleasure, a pleasure superior.»

[3]
«I understand that the construction, since the inner artist moved to the plane of the senses, gives rise to a significant visual image. Intuition and reflection, as two poles generators, will enable this task so that at the time of the creation of language elements-line, shape, color, texture, remain free from stereotypes and metabolized by sentiment, and can live in unity on the surface. I think the only way the work is original, necessary, and essentially spiritual.»

[4]
Eduardo Espino transits seriously and simultaneously the purely pictorial act while thinks about the nature of the creative act, on the status of the artist as such and the role that he plays in contemporary society. 
His painting draws on an idea of construction that is almost always present in his formal searches. This builds a structure that helps him to sort his language to develop and express an own world, revealing questions and not answers. 

[5]
His forms, rhythms and colors combine and match an order that however sometimes permits to imagine on a plane behind the apparent one, a tension, a restlessness, an uncertainty that I can imagine as a product of his constant questioning. 
Most acts of his life, and I dare say his thoughts too, are imbued with the fact of "being an artist". Do not think he can not but think and do from that perspective. 

[6]
Eduardo's life revolves around his pictorial center which ultimately gives it coherence that characterizes him; and also draws on aspects outside the plastic art to enlight himself, but then adopts and applied this discipline to further expand his field of view on it. 
His attention is always alert to interesting reflections, illuminating readings and music that enriches, and also the daily facts that brings contact with reality, the ground wire, and reading with a cup of strong coffee at the table at one of the two or three bars he usually frequents. 
His austere life responds to a plan that he has designed and follows the guidelines of an ethics that is essential to him. 
He decided, knowing that is the hardest way, being part of the group of artists that dignify the profession. 

Yudy Sauw [Macrofotografía]

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No hace mucho publiqué algunas imágenes de Yudy Saw. Unas estupendas capturas con macro, espectaculares colores y un nivel de definición magnífico. Ahora, gracias al artista, unas cuantas más.

Not long ago I posted some images by Yudy Saw. Great macro shots with spectacular colors and a superb definition. Now, thanks to the artist, a few more.

Yudy Sauw
Retratos de insectos / Insects Portraits


Yudy Sauw es un fotógrafo indonesio nacido en Mekarsari, Jawa Barat, en 1980, que reside actualmente en Tangerang. Su auténtica pasión es la macrofotografía extrema. No hay más que verlo...



"Mantis verde / Green Mantis"

"Hormiga / Ant"

"Rojo y negro / Red and White"

«En verdad amo la macrofotografía. Especialmente el macro extremo. La razón es que nos permite ver con claridad lo que no podemos ver a simple vista...»


"Hormiga roja / Red Ant"


"Pelos / Hairs"

"Mantis"

"La abeja / The Bee"


Yudy Sauw is an Indonesian photographer born in Mekarsari, Jawa Barat, in 1980, currently based in Tangerang. His real passion is extreme macro photography. You just have to see ...

"Escarabajo longicornio / Longhorn Beetle"



"Insecto con cabeza de 1 mm / 1mm Head Insect"

"Gorgojo / Weevil"



«I really like macros photgrapy. Especially Extreme macro. The reason I love this hobby because we can see clearly what we can not see with the naked eye...»

"Mosca / Fly"

"Naranja y negro / Orange and Black"


"Gorgojo / Weevil"

"Amarillo vívido / Vivid Yellow"

Puedes disfrutar de muchas más imágenes de Yudy en / You can enjoy a lot of images by Yudy in

Más sobre Yudy Sauw en "El Hurgador" / More about Yudy Sauw in this blog:

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Yudy!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Yudy!)


Aniversarios (XXIII) [Julio / July 1-5]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Julio es el cumple de

Willard Leroy Metcalf, artista estadounidense nacido en Lowell (Massachusetts) en 1858. Estudió en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, y más tarde en la Académie Julian (París). Tras una época temprana de ilustraciones y pintura de figuras, se convirtió en un destacado paisajista. Fue uno de los 10 pintores estadounidenses que, en 1897, se escindieron de la Sociedad de Artistas Estadounidenses. Durante algunos años fue instructor en la Escuela Femenina de Artes (Cooper Union, New York), y en la Liga de Estudiantes de Arte (New York). En 1893 se hizo miembro de la Asociación de Acuarelistas Estadounidenses. Generalmente asociado con el impresionismo, es reconocido por sus paisajes de Nueva Inglaterra y su relación con la Old Lyme Art Colony (Old Lyne, Connecticut). Murió en 1925.

"Cornish Hills", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 152,4 × 101,6 cm., 1911. Colección privada / Private Collection.
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Ilya Bolotowsky (Илья Болотовский), destacado pintor abstracto de principios del s.XX en Nueva York.
Había nacido en San Petersburgo, Rusia. Su obra, una búsqueda del orden filosófico a través de la expresión visual, abrazó el cubismo y la abstracción geométrica, y estuvo fuertemente influenciado por el pintor holandés Piet Mondrian.
Se asoció con un grupo llamado "Los diez disidentes de Whitney", o simplemente "Los diez", que incluía a artistas tales como Louis Schanker, Adolph Gottlieb, Mark Rothko y Joseph Solman, que se rebeló contra las estructuras de la Academia y realizó exposiciones independientes.
En los '60 comenzó a hacer formas tridimensionales, normalmente verticales y de lados rectos. Murió en 1981.

"Abstracto / Abstract", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 14" x 26", 1951. Colección privada / Private Collection


El 2 de Julio es el cumple de

Theodoor Rombouts, pintor barroco flamenco nacido en 1597 especializado en pinturas de género cuyos protagonistas más frecuentes son músicos y jugadores de cartas a la manera de los pintores caravaggistas nórdicos establecidos en Roma, de los que Rombouts fue uno de los más caracterizados miembros. 
Viajó a Italia en 1616. Se le documenta desde 1620 en la parroquia de Sant’Andrea delle Fratte junto a otros pintores flamencos, influidos como él por las derivaciones caravaggistas de Bartolomeo Manfredi, quien rehuía los temas sublimes para retratar escenas de la vida cotidiana.
De retorno a Amberes, en 1625, encontró el ambiente dominado por la omnipresente pintura de Rubens, bajo cuya influencia fue aclarando su paleta sin abandonar los temas que había venido cultivando en Italia, alternándolos, ahora con mayor frecuencia, con temas religiosos.

"Alegoría de los cinco sentidos / Allegory of the Five Senses"
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 1ª mitad del s.XVII / 1st Half of 18th century. 
Museum voor Schone Kunsten (Museo de Bellas Artes, Gante, Bélgica / Belgium)
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Jacopo d'Antonio Sansovino, escultor y arquitecto italiano nacido en 1486, conocido por sus obras en la Plaza de San Marcos, en Venecia. Andrea Palladio, en el prefacio a sus "Quattro Libri", opinaba que la Biblioteca Marciana de Sansovino era el mejor edificio construido desde la Antigüedad.
Nació en Florencia, y aprendió con Andrea Sansovino, cuyo nombre más tarde adoptaría.
Regresó a Florencia en 1511 donde recibió encargos para las esculturas de mármol de Santiago para la Catedral, y un Baco, actualmente en el Bargello.
En el período 1510-17, compartió estudio con el pintor Andrea del Sarto, con quien también compartió modelos. 
Murió en 1570.

"Baco / Bacchus", mármol / marble, 146 cm., 1511-1518. 
Museo Nazionale del Bargello (Florencia, Italia / Florence, Italy)


El 3 de Julio es el cumple de

Johann Friedrich Overbeck, pintor romántico alemán, nacido en 1789, perteneciente al movimiento de los nazarenos. Provenía de una familia de la alta burguesía de Lübeck y sus primeras lecciones de dibujo le fueron impartidas por Joseph Nicholas Peroux. Ingresó en la Academia de Viena en marzo de 1806, aunque se interesó en la obra de los pintores alemanes de finales de la Edad Media, así como por los italianos del Quattrocento. Ésto lo apartó del gusto y estilo de la Academia. Junto a Franz Pforr, estudiante como él en la Academia de Viena, fundó el 10 de julio de 1809 la Lukasbund (Hermandad de San Lucas).
Junto a Peter von Cornelius, Overbeck es uno de los más importantes representantes del intento de renovación de la pintura alemana alentado por espíritu religioso en el siglo XIX. Murió en 1869.

"Italia y Germania / Italy and Germany", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 94 x 104 cm., 1811-1828.
Neue Pinakothek (Münich, Alemania / Germany)
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Corneille Guillaume Beverloo, artista holandés nacido en 1922 en Lieja, Bélgica, conocido por su seudónimo de Corneille.
Sus padres regresaron a Holanda cuando él tenía 12. Estudió arte en la Academia de Arte de Ámsterdam, en Holanda. Fue uno de los fundadores del movimiento REFLEX en 1948, y en 1949 también lo fue del grupo COBRA, que tuvo gran influencia en el arte escandinavo.
Estuvo activo en el grupo desde el principio, so sólo pintando, sino también publicando poesía en la revista COBRA. Fue cofundador del Experimentele Groep en Holanda

"Au dela de l’ile / Más allá de la Isla / Beyond the Island", 104,1 x 102,9 cm., 1967


El 4 de Julio es el cumple de

Fernand Leduc, pintor canadiense nacido en 1916 adscrito al expresionismo abstracto, que fuera una de las figuras más destacadas en el escenario artístico de Quebec durante las décadas de los '40 y '50. A lo largo de sus más de 50 años de carrera participó en exposiciones en Canadá, Francia y otros países.
Estudió en la École des Beaux-Arts de Montréal, de la que se graduó en 1943. Tuvo un papel destacado en la formación del grupo conocido como "Los Automatistas". En 1946 se trasladó a París, donde más adelante conoció a Jean Bazaine, pintor de paisajes abstractos que influenciaría su trabajo de principios de los '50. Fundó la Asociación de Artistas No Figurativos de Montreal en 1956. Vivió desde 1959 a 1970 en París y actualmente reside entre París e Italia.

"Olivos / Olive Trees", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 50,2 x 60,3 cm., 1952. 
The Montreal Museum of Fine Arts (Montreal, Canadá).
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Charles Auguste Émile Durand, conocido como Carolus Duran, pintor francés e instructor de arte nacido en 1837. Se le conoce por sus representaciones con estilo de miembros de la alta sociedad durante la Tercera República francesa. 
Estudió en la Academia de Lille y luego en la Academia de Bellas Artes en París. En 1861 viajó a Italia y España.
Es reconocido como retratista y, como director de uno de los principales ateliers en París, profesor de algunos de los más brillantes artistas de la próxima generación que fueron sus pupilos.
En 1890 participó en la creación de la Sociedad Nacional de Arte Francés (Société Nationale des Beaux Arts). Se convirtió en miembro de la Academia de Bellas Artes en 1904, y al año siguiente fue nombrado director de la Academia Francesa de Roma, sucediendo a Eugène Guillaume. Murió en París en 1917.

Retrato de la princesa / Portrait of the Princess Anna Obolenskaja
Óleo sobre lienzo / oil on canvas, 120 × 77,5 cm., 1887. 
Museo Hermitage (San Petersburgo, Rusia / St. Petersbourg, Russia)


Hoy, 5 de Julio, es el cumple de

Fernando de Szyszlo, artista plástico peruano nacido en Lima en 1925, conocido principalmente por su trabajo en pintura y escultura. Es uno de los más destacados artistas de vanguardia del Perú y una figura clave en el desarrollo del arte abstracto en América Latina.
Estudió en el Colegio de la Inmaculada y en 1944 comenzó a estudiar Arquitectura en la Universidad Nacional de Ingeniería, la cual dejaría para seguir su verdadera vocación en la Academia de Artes Plásticas de la Pontificia Universidad Católica, bajo la tutela del austriaco Adolfo Winternitz. Su primera exposición tuvo lugar en el Instituto Cultural Peruano Norteamericano en 1947. Ha recibido numerosos reconocimientos y condecoraciones, y actualmente sus obras pueden contemplarse en museos de España, USA, México y Corea entre otros.

Escultura "Intihuatana" en el barrio de Miraflores / 
"Intihuatana" Sculpture in the Miraflores neighborhood (Lima, Perú)
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André Lhote, escultor francés y pintor de temas figurativos, retratos, paisajes y bodegones, nacido en 1885. También fue muy activo e influyente como profesor y escritor sobre arte.
Aprendió tallado de madera y escultura a los 12 años, cuando su padre lo puso de aprendiz con un fabricante de muebles local para que lo instruyera en la escultura en madera.
Se inscribió en la Escuela de Bellas Artes de Burdeos en 1898 y estudió escultura decorativa hasta 1904. Mientras estuvo allí, comenzó a pintar es su tiempo libre, y dejó su casa en 1905, mudándose a su propio estudio para dedicarse a la pintura. Tuvo la influencia de Gauguin y Cézanne, y realizó su primera exposición en la Galerie Druet, en 1910.
Tras un tiempo trabajando en un estilo fauvista, Lhote se cambió hacia el cubismo y se unió al grupo "Sección Áurea (Section d'Or)" en 1912.
Murió en 1962

"La Escala / L'Escale", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 210 x 185 cm., 1913. 
Musée d'Art Moderne de la ville de Paris (Francia / France)


Textos en inglés / English translation

* On July 1 is the birthday of

Willard Leroy Metcalf, American artist born in Lowell (Massachusetts) in 1858. He studied at the School of the Museum of Fine Arts in Boston, and later at the Académie Julian (Paris). After an early period of illustrations and figure painting, became a prominent landscape painter. He was one of 10 American painters who, in 1897, broke away from the Society of American Artists. For some years he was an instructor at the Women's School of Arts (Cooper Union, New York), and the Art Students League (New York). In 1893 he became a member of the Association of American Watercolorists​. Usually associated with impressionism, he is known for his landscapes of New England and his relation with the Old Lyme Art Colony (Old Lyne, Connecticut). He died in 1925.

Ilya Bolotowsky (Илья Болотовский), a leading early 20th-century painter in abstract styles in New York City.
He was born in St. Petersburg, Russia. His work, a search for philosophical order through visual expression, embraced cubism and geometric abstraction and was much influenced by Dutch painter Piet Mondrian.
He became associated with a group called "The Ten Whitney Dissenters," or simply "The Ten," artists, including Louis Schanker, Adolph Gottlieb, Mark Rothko and Joseph Solman, who rebelled against the structures of the Academy and held independent exhibitions.
In the 1960s, he began making three-dimensional forms, usually vertical and straight-sided. He died in 1981.

* On July 2 is the birthday of

Theodoor Rombouts, Flemish Baroque painter born in 1597 specialized in genre paintings whose more frequent protagonists are card players and musicians in the style of Nordic Caravaggian established in Rome, of which Rombouts was one of the most distinguished members.
He traveled to Italy in 1616. Since 1620 he is documented in the parish of Sant'Andrea delle Fratte with other Flemish painters, influenced as he by the Caravaggian derivations of Bartolomeo Manfredi, who shunned the sublime to portray scenes from everyday life issues. 
Return to Antwerp in 1625, found the environment dominated by the ubiquitous painting by Rubens, under whose influence he was clearing his palette without leaving the issues that had been cultivated in Italy, alternating, now more often with religious themes.

Jacopo d'Antonio Sansovino, Italian sculptor and architect born in 1486, known best for his works around the Piazza San Marco in Venice. Andrea Palladio, in the Preface to his Quattro Libri was of the opinion that Sansovino's Biblioteca Marciana was the best building erected since Antiquity. 
He was born in Florence and apprenticed with Andrea Sansovino whose name he subsequently adopted. 
He returned to Florence in 1511 where he received commissions for marble sculptures of St. James for the Duomo and a Bacchus, now in the Bargello. 
In the period of 1510-17 he shared a studio with the painter Andrea del Sarto, with whom he shared models.
He died in 1570.

* On July 3 is the birthday of

Johann Friedrich Overbeck, German Romantic painter, born in 1789, belonging to the movement of the Nazarenes. He came from a family of Lübeck Gentry and his first drawing lessons were taught to him by Joseph Nicholas Peroux. He entered the Vienna Academy in March 1806, but became interested in the work of German painters of the late Middle Ages, and the Italian Quattrocento. This pushed him away of the taste and style of the Academy. Along with Franz Pforr, student like him in the Vienna Academy, founded the Lukasbund (Brotherhood of St. Luke) on July 10, 1809. 
Along with Peter von Cornelius, Overbeck is one of the most important representatives of the attempted renewal of German painting encouraged by religious spirit in the nineteenth century. He died in 1869.

Corneille Guillaume Beverloo, Dutch artist born in 1922 in Liege, Belgium, better known under his pseudonym Corneille.
His parents were Dutch and moved back to the Netherlands when he was 12. He studied art at the Academy of Art in Amsterdam, in the Netherlands. He was one of the founders of the REFLEX movement in 1948 and in 1949 he was also one of the founders of the COBRA movement, which has had great influence on Scandinavian art. He was active within the group from the beginning, not only painting but also publishing poetry in the Cobra magazine. He was a cofounder of the Experimentele Groep in Holland.
He died in 2010.

* On July 4 is the birthday of

Fernand Leduc, Canadian painter born in 1916 attached to abstract expressionism, which was one of the most prominent figures in the Quebec art scene during the decades of the 40s and 50s. Throughout his 50 year career he participated in exhibitions in Canada, France and other countries. 
He studied at the Ecole des Beaux-Arts de Montréal, from which he graduated in 1943. Had a prominent role in the formation of the group known as "The Automatists". In 1946 he moved to Paris where he met later Jean Bazaine, painter of abstract landscapes that influenced his work in the early '50s. He founded the No Figurative Artists Association of Montreal in 1956. He lived from 1959 to 1970 in Paris and currently resides between Paris and Italy. 

Charles Auguste Émile Durand, known as Carolus-Duran, French painter and art instructor born in 1837. He is noted for his stylish depictions of members of high society in Third Republic France.
He studied at the Lille Academy and then at the Académie des Beaux-Arts in Paris. In 1861, he traveled to Italy and Spain.
He became best known as a portrait painter, and, as the head of one of the principal ateliers in Paris, a teacher of some of the most brilliant artists of the next generation who were his pupils. In 1890, he participated in the creation of the National Society of French Art (Société Nationale des Beaux Arts). He became a member of the Académie des Beaux-Arts in 1904, and in the next year, was appointed director of the French Academy in Rome to succeed Eugène Guillaume. He died in Paris, 1917.

* Today, July 5, is the birthday of

Fernando de Szyszlo, Peruvian artist born in Lima in 1925, known primarily for his work in painting and sculpture. He is one of the leading avant-garde artists of Peru and a key figure in the development of abstract art in Latin America. 
He studied at the College of the Immaculate Conception and in 1944 he began studying architecture at the National University of Engineering, which he left to pursue his true calling in the Academy of Fine Arts of the Catholic University, under the tutelage of the Austrian Adolf Winternitz. His first exhibition took place in the Peruvian North American Cultural Institute in 1947. He has received numerous recognitions and awards, and his works can now be seen in museums in Spain, USA, Mexico and Korea among others.

André Lhote, French sculptor and painter of figure subjects, portraits, landscapes and still life born in 1885. He was also very active and influential as a teacher and writer on art.
He learned wood carving and sculpture from the age of 12, when his father apprenticed him to a local furniture maker to be trained as a sculptor in wood.
He enrolled at the École des Beaux-Arts in Bordeaux in 1898 and studied decorative sculpture until 1904. Whilst there, he began to paint in his spare time and he left home in 1905, moving into his own studio to devote himself to painting. He was influenced by Gauguin and Cézanne and held his first one-man exhibition at the Galerie Druet in 1910.
After initially working in a Fauvist style, Lhote shifted towards Cubism and joined the Section d'Or group in 1912.
He died in 1962.

Aniversarios, Fotografía (XXIII) [Julio / July 1-6]

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Textos en inglés al final del post / English translation at the end of this post.
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El 1 de Julio es el cumple de

Kenneth Josephson, fotógrafo estadounidense nacido en 1932 en Detroit, Michigan, donde completó su educación básica. En 1953, tras ser enviado a Alemania por el ejército de los Estados Unidos, se formó en fotolitografía y fotografía aérea de reconocimiento. En 1957 obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes en el Instituto Rochester de Tecnología, en Nueva York. Allí estudió con Minor White.
En 1960 obtuvo un Master del Instituto de Diseño del Instituto de Tecnología de Illinois. Mientras estudiaba allí, fue influenciado por Aaron Siskind y Harry Callahan.
En 1963 fue cofundador, junto con otros treinta notable fotógrafos, de la Sociedad para la Educación en Fotografía. Su obra de los '60 y los '70, enfocada en la fotografía conceptual, los situó a la vanguardia de la fotografía conceptual.
Muchas de sus colecciones se encuentran en museos de todo el mundo.

Chicago, 1988


El 2 de Julio es el cumple de

André Kertész, fotógrafo nacido en Hungría en 1894, conocido por sus asombrosas contribuciones a la composición y el ensayo fotográficos. A principios de su carrera, sus por entonces poco ortodoxos ángulos de cámara y estilo impidieron que su obra alcanzara amplio reconocimiento. Kertész nunca sintió haber obtenido el reconocimiento internacional que merecía. Hoy es considerado una de las figuras clave del fotoperiodismo.
Kertész se dedicó a la fotografía independiente como autodidacta, y su obra temprana se publicó al principio en revistas, un gran mercado en aquellos años. Esto continuó hasta mucho después en su vida, cuando Kertész dejó de aceptar encargos. En París trabajó para la primera revista ilustrada de Francia llamada VU.
Involucrado con muchos artistas inmigrantes jóvenes y el movimiento Dada, logró éxito de crítica y comercial.
Kertész decidió emigrar a los Estados Unidos en 1936, donde tuvo que reconstruir su reputación con trabajo por encargo. En los '40 y '50 dejó de trabajar para revistas y comenzó a lograr un gran éxito internacional. Murió en 1985.

"Distorsion / Distortion", París. 1933. Trabajo para la revista Le Sourire / work to Le Sourire Magazine.

Más sobre Kertész en "El Hurgador" / More about Kertész in this blog:


El 3 de Julio es el cumple de

Ed Clark, fotógrafo estadounidense nacido en 1911, que trabajó principalmente para la revista LIFE.
Su obra más recordada fue la de Graham W. Jackson Sr. llorando, tocando el acordeón, cuando el cuerpo del recientemente fallecido presidente Roosevelt era transportado a Washington.
Clark dejó la secundaria de Hume-Fogg cuando le dijo al editor del periódico Nashville Tennessean que era fotógrafo, y consiguió un empleo como asistente. "Mentí", admitiría más tarde. Recuerda que "una vez, cubriendo un desfile, utilicé demasiada pólvora destellante y casi me vuelo de un techo". No obstante, aprendió rápido y fue ascendido a fotógrafo del equipo, una posición que ocupó durante 13 años.
En 1955 recibió una inesperada invitación de la Unión Soviética. Se convirtió en el primer fotógrafo occidental al que se le permitió pasar detrás del Telón de Acero en 30 años. Murió en 2000.

"Paris", 1945


El 4 de Julio es el cumple de

Panos Kokkinias, fotógrafo griego nacido en Atenas en 1965.
Estudió en el Reino Unido y en Estados Unidos (Universidad de Derby, Universidad de Yale y Escuela de Artes Visuales, Nueva York)
Las fotografías de Panos Kokkinias muestran escenas o situaciones que son generalmente imposibles de definir, y esta indeterminación se extiende incluso a la respuesta del espectador.
Sus fotografías están meticulosa aunque discretamente escenificadas. En sus paisajes naturales o urbanos, se despliegan situaciones extrañas, a menudo misteriosas, en las cuales las relaciones psicológicas de los seres humanos con sus entornos es el punto de partida conceptual. Kokkinias mantiene una distancia física con sus personajes y establece incidentes o situaciones que se sitúan discretamente en el marco de imagen.
Sitio web del artista: http://www.panos-kokkinias.com/

"Kostas", 120 x 170 cm.


El 5 de Julio es el cumple de

Ricard Terré, fotógrafo español nacido en 1928.
Estudió en la Escuela de Altos Estudios Mercantiles de Barcelona.
Comenzó en el mundo del arte como pintor y caricaturista, y empezó a practicar la fotografía en el año 1955. En ese momento entró en contacto con miembros de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, donde coincidió con Xavier Miserachs y Ramón Masats, con los que expuso por primera vez en 1957.
En 1958 se integra en el grupo AFAL (Agrupación Fotográfica de Almería). Más tarde pasó a formar parte de su comité directivo y participó en sus actividades.
En su trabajo se pueden apreciar coincidencias con el de fotógrafos extranjeros del momento como Robert Frank, William Klein, Henri Cartier-Bresson o Eugène Smith.
A partir de 1968 abandona la actividad y las exposiciones durante un largo periodo.
En 1982 volvió a la actividad fotográfica, participando en diferentes exposiciones individuales y colectivas en España y el extranjero.
Murió en 2009.

"Sin título, de la serie “Semana Sanata” /  Untitled, From the “Holy Week” series". Barcelona, 1957


Hoy, 6 de Julio, es el cumple de

Raymond Depardon, fotógrafo, fotoperiodista y cineasta de documentales francés nacido en 1942.
Es básicamente autodidacta, y comenzó fotografiando a su familia cuando tenía 12 años. Fue aprendiz de un fotógrafo y óptico en Villefranche-sur-Saône, antes de mudarse a París en 1958. Comenzó su carrera como fotoperiodista a principios de los '60. Viajó a zonas conflictivas como Argelia, Vietnam, Biafra y Chad. En 1966 fue cofundador de la agencia Gamma y se convirtió en su director en 1974.
Entre 1975 y 1977 viajó a Chad y recibió el premio Pulitzer en 1977. Al año siguiente dejó Gamma para asociarse con Magnum, de la que se hizo miembro pleno en 1979. En los '90 regresó a la granja de sus padres para fotografiar paisajes rurales en color, y en 1996 publicó un diario de viajes en blanco y negro: "En África". En mayo de 2012 tomó el retrato oficial del presidente francés François Hollande.

"Environs de / Cerca de / Near Villefranche-sur-Saône", 1979


Textos en inglés / English translation

* On July 1 is the birthday of

Kenneth Josephson, American photographer born in 1932 in Detroit, Michigan, where he completed his elementary education. In 1953 after being sent in Germany by the United States Army he was trained in photolithography and aerial reconnaissance photography. In 1957 he earned a Bachelor of Fine Arts from the Rochester Institute of Technology, located in New York. There he studied under Minor White.
In 1960 he earned a master's degree from the Institute of Design of the Illinois Institute of Technology. While studying there he was influenced by Aaron Siskind and Harry Callahan.
In 1963 he co-founded with thirty other notable photographers the Society for Photographic Education. His works in the 1960s and 1970s which were focused on conceptual photography, placed him at the forefront of conceptual photography.
Many of his collections are found in great museums around the world.

* On July 2 is the birthday of

André Kertész, Hungarian-born photographer (1894) known for his groundbreaking contributions to photographic composition and the photo essay. In the early years of his career, his then-unorthodox camera angles and style prevented his work from gaining wider recognition. Kertész never felt that he had gained the worldwide recognition he deserved. Today he is considered one of the seminal figures of photojournalism.
Kertész pursued photography independently as an autodidact, and his early work was published primarily in magazines, a major market in those years. This continued until much later in his life, when Kertész stopped accepting commissions. In Paris he worked for France's first illustrated magazine called VU. Involved with many young immigrant artists and the Dada movement, he achieved critical and commercial success.
Kertész decided to emigrate to the United States in 1936, where he had to rebuild his reputation through commissioned work. In the 1940s and 1950s, he stopped working for magazines and began to achieve greater international success. He died in 1985.

* On July 3 is the birthday of

Ed Clark, American photographer born in 1911, who worked primarily for Life magazine.
His best remembered work captured a weeping Graham W. Jackson, Sr. playing his accordion as the body of the recently deceased President Franklin D. Roosevelt was being transported to Washington, DC.
Clark dropped out of Hume-Fogg High School after he told the editor of the Nashville Tennessean newspaper he was a photographer and got a job as an assistant. "I lied," he later admitted. He recalled that "Covering a parade once, I used too much flash powder and nearly blew myself off the roof". However, he learned quickly and was promoted to staff photographer, a position he held for 13 years.
In 1955, Clark received an unexpected invitation from the Soviet Union. He became the first Western photographer allowed behind the Iron Curtain in 30 years.
He died in 2000.

* On July 4 is the birthday of

Panos Kokkinias, Greek photographer born in 1965 in Athens.
He studied in UK and USA (University of Derby, Yale University and School of Visual Arts, New York)
The photographs of Panos Kokkinias show scenes or situations that are generally impossible to define, and this indeterminacy extends even to the beholder’s response. 
Panos Kokkinias’ photographs are all meticulously yet discreetly staged. In his landscapes or cityscapes, improbable, bizarre often uncanny scenarios unfold in which the psychological relationship of human beings to their environs is the conceptual point of departure. Kokkinias keeps a physical distance from his subjects and sets up incidents or situations which are unobtrusively positioned in the picture frame. 

* On July 5 is the birthday of

Ricard Terré, Spanish photographer born in 1928. 
He studied at the School of Higher Commercial Studies in Barcelona. 
He started in the art world as a painter and cartoonist, and began to practice photography in 1955. At that time he became acquainted with members of the Photographic Association of Catalonia, where he met Xavier Miserachs and Ramon Masats, with whom he exhibited first in 1957. 
In 1958 he joined the group AFAL (Photographic Association of Almería). He later became part of its steering committee and participated in its activities. 
In his work can be seen matches with foreign contemporary photographers as Robert Frank, William Klein, Henri Cartier-Bresson or Eugene Smith. 
From 1968 leaves the activity and exposures over a long period. 
In 1982 he returned to the photographic activity, participating in various solo and group exhibitions in Spain and abroad. 
He died in 2009.

* Today, July 6, is the birthday of

Raymond Depardon, French photographer, photojournalist and documentary filmmaker born in 1942.
Depardon is for the most part a self-taught photographer, as he began taking pictures on his family's farm when he was 12. He apprenticed with a photographer-optician in Villefranche-sur-Saône before he moved to Paris in 1958. He began his career as a photojournalist in the early 1960s. He travelled to conflict zones including Algeria, Vietnam, Biafra and Chad. In 1966, Depardon co-founded the photojournalism agency Gamma, and he became its director in 1974. From 1975 to 1977 Depardon traveled in Chad and received a Pulitzer Prize in 1977. The next year he left Gamma to become a Magnum associate, then a full member in 1979. In the 1990s, Depardon went back to his parents’ farm to photograph rural landscapes in color, and then in 1996 published a black-and-white road journal, In Africa.
In May 2012, he took the official portrait of French President François Hollande.

Nido de Urraca / Magpie's Nest (V)

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Tristan Schane

"Su propia sociedad / Her Own Society", óleo sobre panel / oil on panel, 58" x 48", 2010 © Tristan Schane
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Tristan Schane
Tristan Schane nació en Nueva York en 1968, y allí creció y pasó casi toda su vida. Ha sido artista profesional a timepo completo desde que tenía 18 años.
«Mi carrera artística comenzó cuando, siendo un adolescente, hacía ilustración profesional para comics. Pronto estaba trabajando para DC Comics, Marvel Comics, First Comics y Continuity Comics. Luego mi obra cambió hacia ilustraciones a la acuarela, aguada, acrílicos y óleos. Produje pinturas para portadas, pósters y varios comics, así como merchandising para publicaciones de terror para esas compañías, y también Eclipse Publishing y el escritor de terror Clive Barker. En esta industria es necesario ser un experto en pintar cualquier cosa, desde lo más imaginativo y fantástico hasta lo más prosaico: desde paisajes naturales a paisajes urbanos, gente, animales, monstruos, lugares extraños, vehículos y maquinaria de todo tipo.
He cambiado la ilustración a la pintura artística, en una búsqueda de mi propia imaginería y visión. Ahora pinto exclusivamente óleos de formato medio y grande. Desde 1998 también he comenzado a hacer escultura a tamaño natural, trabajando a mano con arcilla oleosa y luego fundiendo a partir de moldes de caucho en varios materiales, fundamentalmente cemento de yeso Ultracal y resinas plásticas.»
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"Su propia sociedad / Her Own Society" (detalle / detail) © Tristan Schane

"Teleautomata - Evolution 2", óleo sobre aluminio / oil on aluminium, 36" x 36"© Tristan Schane

Tristan Schane was born in New York City in 1968 where he grew up and has spent nearly his entire life. He has been a full time professional artist since he was 18 years old.
«My art career began when I was in my teens doing professional comic book illustration. Soon I was doing work for DC Comics, Marvel Comics, First Comics, and Continuity Comics. Then my work turned toward fully painted illustrations in watercolor, gouache, acrylics, and oils. I produced paintings for promotional art, covers, posters, and various comic books and horror-related published merchandise for these companies as well as Eclipse Publishing and horror writer Clive Barker. In this industry it was necessary to be adept at painting almost anything and everything, from the most imaginative and fantastic to the very prosaic: from landscapes and cityscapes to people, animals, monsters, weird settings, vehicles and machinery of all kinds.
I have shifted from illustration work to the pursuit of my own imagery and vision in fine art. I paint now exclusively in oils in medium-to-large format. Since 1998 I also began to produce life-size sculpture, working free-hand in oil clay and then casting from rubber molds in various materials, principally Ultracal gypsum cement and plastic resins.»

"Sin título / Untitled", dibujo, grafito, carboncillo y crayones sobre papel Stonehenge /
 Drawing, graphite, charcoal and wax pencil on Stonehenge paper, 30" x 44", 2010 © Tristan Schane

"La semilla / The Seed", óleo sobre lienzo / oil on canvas, 34" x 50", 2009 © Tristan Schane

Más imágenes e información en / More images and information in:


Artur Borzęcki

"En la oscuridad / In the Darkness"
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Artur Borzęcki
Artur Borzęcki nació en Polonia en Enero de 1982. Estudió Consultoría de Personal y Ciencias Políticas. Actualmente vive en Varsovia y trabaja como Analista de Negocios y Soporte de Ventas para SITEL Polska - Call Center, empresa de subcontratación.
Su aventura con la fotografía comenzó hace algunos años como hobby, pero con las limitaciones del post-procesamiento analógico de las imágenes. Desde que compró su primera cámara digital, su vínculo con la fotografía se ha ido intensificando gradualmente. Artur ha explorado diferentes áreas de la fotografía para encontrar su estilo. Se siente a gusto con la macrofotografía y los paisajes. Tras actualizar su cámara a una SLR digital, ha pretendido incrementar sus habilidades y en el futuro trabajar como fotógrafo freelance, involucrándose con todas las posibles oportunidades artísticas..
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"Estatua / Statue"

"Clásica 1 y 2 / Classic 1 and 2"

Artur Borzęcki was born in Warsaw, Poland on 7th of January, 1982. He studied Workforce & Personnel Consulting and Political Science. Currently he is living in Warsaw and working as a Business Analyst & Sales Support for SITEL Polska - Call Center outsourcing company. 
His adventure with photography started few years ago as a hobby, but was limited by analog post processing of the pictures. Since he bought a first digital camera, his liking for photography has been gradually intensified. Artur has been exploring different areas of photography to find his style. He feels good in macro and landscape shots. After upgrading his camera to digital SLR he wants to become increasingly skilled and in the future works as a freelance photographer; getting involved with all possible artistic opportunities. 

"Divina / Divine"

"Momento / Moment"

Más imágenes e información en / More images and information in:


Adam Pękalski

"El rey de un lago / The King of a Lake"
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Adam Pękalski
Adam Pękalski nació en Gdańsk, Polonia, pero vivió en Sopot hasta los 23 años. Se graduó en la Academia de Bellas Artes de Gdańsk en el 2000, obteniendo un diploma con distinciones en Diseño Gráfico e Ilustración, en la clase del profesor Tomasz Bogusławski, y en artes gráficas con el profesor Czesław Tumielewicz. Entre 1999 y 2000 estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Gdańsk.
En 1999 ganó una beca del Ministerio de Cultura.
Trabaja como ilustrador freelance y caricaturista, ocasionalmente haciendo comics y también pintando.
Desde 2007 vive en Ankara, Turquía, donde enseña diseño gráfico e ilustración en la Universidad Bilkent, Facultad de Arte, Diseño y Arquitectura.
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Izq./ Left: "Literatura / Literature" - Der./ Right: "Física / Physics"
Portadas para un libros de secundaria /  Cover illustrations for high school textbooks"

"The Psychopomp"

Adam Pękalski was born in 1975 in Gdańsk, Poland, but has lived in Sopot until the age of 32. He graduated from the Gdańsk Academy of Fine Arts in 2000 having a diploma with distinction in Graphic Design and Illustration from the class of Professor Tomasz Bogusławski and in Graphic Arts from the class of Professor Czesław Tumielewicz. Since 1999 till 2002 he studied Painting at the Academy of Fine Arts in Gdańsk.
In 1999 he gained the Ministry of Culture and Art scholarship.
He works as a freelance illustrator and a cartoonist, occasionally he deals with comics and painting as well.
Since 2007 he lives in Ankara, Turkey, where he teachs graphic design and illustration at Bilkent University, Faculty of Art, Design and Architecture.

"La devoradora y la gente gusano / The Devouress and the Worm People"

"Matemáticas, portada para un libro de secundaria / 
Mathematics, Cover illustration for a high school textbook"

Más sobre Adam (casi todo en polaco) en / More about Adam (mostly in Polish) in


Iori Tomita
冨田伊織


"ダンゴウオ (Dangouo) / Lumpo / Lumpfish"
分類:魚類 カサゴ目  ダンゴウオ科 / 
Categoría: peces / Cathegory: fish Scorpaeniformes Cyclopteridae 
学名 / Nombre científico / Scientific Name: Lethotremus Awae
25 mm.
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Iori Tomita
Iori Tomita (冨田伊織) es un sigular artista japonés nacido en 1983.
En 2006 se graduó en la Escuela Universitaria de Kitasato en ciencias de la piscicultura. Un año después, mientras trabajaba como pescador, practicaba sus habilidades para hacer especímenes transparentes. 
En 2008 lanzó su proyecto "Nuevo Mundo, Especímenes Transparentes."
«Aunque son organismos, parece como si fueran hermosamente esculpidos a partir de minerales.
Originalmente el método para hacer especímenes transparentes, volviendo las proteínas transparentes a partir de enzimas, tintando los huesos de magenta y los cartílagos de azul, fue establecido con propósitos científicos, para estudiar los esqueletos. Llevarlo un paso más allá para refinar la forma y coloración de los especímenes requiere tiempo y experiencia.
Yo creo especímenes transparentes como obras de arte que ayuden a la gente a sentirse más cerca de las maravillas de la vida.
La gente puede ver mis especímenes como material académico, obras de arte y incluso una aproximación a la filosofía. No hay límites a cómo tú puedas interpretar su significado."
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"ジャクソンカメレオン / Camaleón de Jackson / Jackson Chameleon"
分類:爬虫類 有鱗目 カメレオン科 /
Categoría: Reptiles / Category: Reptiles Squamata Chamaeleontidae
学名: / Nombre científico / Scientific name: Chamaeleo jacksonii
130 mm.


Iori Tomita (冨田伊織:) is an unique japanese artist born in 1983.
In 2006 he graduated from the Kitasato University School of Fisheries Sciences. A year later, while working as a fisherman, practiced his skill of making transparent specimens.
In 2008 he launched his project “New World Transparent Specimens.”
«Although being organisms, they appear as if they were beautifully sculpted from minerals.
Originally, the method of making transparent specimens enzymatically turning the protein transparent, dyeing the bones magenta and dyeing the cartilages blue was established for scientific purposes to study the skeletal system. Taking this a step further to refine the form and coloration of the specimens requires time and experience.
I create transparent specimens as pieces of work that help people feel closer to the wonders of life.
People may look at my specimens as an academic material, a piece of art, or even an entrance to philosophy. There is no limitation to how you interpret their meaning.»

"Tortuga / Turtle"

"イバラタツ(Ibaratathu) / Caballito de mar / Sea Horse"
分類:魚類 トゲウオ目  ヨウジウオ科 / 
Categoría: peces / Category: fish Gasterosteiformes Syngnathidae
学名 / Nombre Científico / Scientific name: Hippocampus histrix
140 mm.

Más sobre Iori Tomita en / More about Iori Tomita in

Thomas Dodd [Fotografía, Arte Digital]

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Thomas Dodd

Thomas Dodd. Foto / Photo: Nina Covington

Thomas Dodd es un fotógrafo y artista digital radicado en Atlanta, cuya obra desdibuja la línea entre la fotografía y el arte gráfico.
Comenzó su carrera como artista visual en 2005. Antes de eso, era conocido por ser el arpista y letrista del grupo musical de los '90 "Trio Nocturna", un conjunto de música céltica-gótica, que lanzó tres aclamados álbumes ("Morphia", "Tears of Light / Lágrimas de luz" y "Songs of the Celtic Night / Canciones de la noche céltica"), e interpretó como autor en el baile de Halloween de Anne Rice en Nueva Orleans. También generó una banda derivada llamada The Changelings. Thomas también tocó el arpa en dos álbumes de Michael Gira (la fuerza creadora tras la influyente banda post-punk The Swans): "The Body Lovers" y el Angels of Light "New Mother".
Las imágenes que crea Thomas son básicamente el equivalente visual de la música que componía en los '90. Temas míticos y sus relaciones con las emociones y estado psicológicos, continúan siendo sus temas y motivaciones primarios.

"Esperanza / Hope"© Thomas Dodd

Izq./ Left: "Chica en la ventana / Girl by a Window", 2012 - Der./ Right: "El Oráculo / The Oracle", 2012
© Thomas Dodd

"Vuelo nocturno / Night Flight"© Thomas Dodd

«La única vez que me retraté a mí mismo como alguien transformado, fue como un Cristo crucificado. Esto no está sólo relacionado con mi crianza católica, sino también con mi forma de mostrar que la metáfora de Cristo sigue fuerte en nuestra cultura porque todos nosotros hemos sentido la experiencia de la muerte / renacimiento muchas veces en nuestras vidas.»

"Magdalena / Magdalene"© Thomas Dodd

"La hija del granjero / Farmer's Daughter"© Thomas Dodd

"La hija del granjero / Farmer's Daughter" (detalle / detail) © Thomas Dodd

«Definitivamente estoy más influenciado por los pintores que por los fotógrafos. Adoro a Rembrandt y Caravaggio por la forma como representan la luz y los tonos de piel, Giuseppe Arcimboldo por su fusión de plantas y formas humanas, los prerrafaelitas por su representación de los mitos y la belleza femenina y quizá la mayor influencia sobre mí viene de los simbolistas, porque unieron perfectamente lo metafórico y la belleza en sus obras.»

"Lluvia de ideas / Brainstorm"© Thomas Dodd

«Hay un fenómeno que los músicos de Jazz llaman “Woodshedding” (meterse en el almacén de leña), que es cuando un intérprete se retira del mundo de los conciertos y se encierra en una habitación (que en este caso podría ser una leñera), hasta que se "siente bien"... o tiene un gran avance en su habilidad / nivel de creatividad.
Una forma de "Woodshedding" artístico muy interesante fue precisamente lo que inspiró esta pieza. Estuve trabajando a conciencia en ser mejor como artista y esta pieza representa ese avance, tanto en técnica como en inspiración...»

«There is a phenomenon that Jazz musicians call “Woodshedding” which is when a player retreats from the world of playing gigs and locks himself in a room (or woodshed as the case may be) until he “gets it right”..or has a breakthrough in his skill/creativity level..
Interestingly enough an artistic form of woodshedding is precisely what inspired this piece ; I have consciously been working on getting better as an artist and this piece represents the breakthrough – both in technique and in inspiration…»

"Chica en una silla / Girl in a Chair"© Thomas Dodd

«Me han influenciado especialmente los escritos de Carl Jung, Joseph Campbell, Robert Graves, quienes encontraron una correlación entre la mitología y la poesía, y la psicología. Esto es ser humanos. Lo que en realidad intento provocar con my obra es una respuesta emocional, no sólo una intelectual. Está bien lo que la gente pueda obtener de mi obra, está bien si quieren insuflar significados más profundos de su propia historia en ellas, pero lo que es más importante para mí es que sientan algo cuando miren la obra.»

"Mujer pájaro / Bird Woman"© Thomas Dodd

Thomas Dodd is an Atlanta based photographer and digital artist whose work blurs the lines between photography and classical art. 
He began his career as a visual artist in 2005. Before that, he was best known as the harpist and songwriter for the 1990s musical group Trio Nocturna, a Celtic Gothic ensemble that put out three critically-acclaimed albums ("Morphia", "Tears of Light" and "Songs of the Celtic Night") and 
performed at author Anne Rice's annual Halloween balls in New Orleans, as well as spawning an offshoot band called the Changelings. Thomas also played 
harp on two albums by Michael Gira (the driving force behind the influential post-punk band the Swans) - "the Body Lovers" and the Angels of Light "New Mother".
The images that Thomas creates are basically a visual equivalent of the music he composed in the 1990s. Mythic themes and their relation to emotions and psychological states continue to be his primary subjects and motivations.

"Ascensión de la Magdalena / Ascension of The Magdalene"© Thomas Dodd

"Emergiendo / Emerging"© Thomas Dodd

"Cabezada / Nod"© Thomas Dodd

«The one time I portrayed myself as a transformed being, it was as the crucified Christ. This was not only a link to my Catholic upbringing, but my way of showing that the Christ metaphor remains so strong in our culture because all of us have felt the death/rebirth experience many many times in our lives.»

"Hermanas iluminadas / Sisters in Light", 2008 © Thomas Dodd

"Cuerpo astral / Astral Body", 2010 © Thomas Dodd

«Dreams are excursions into the limbo of things, a semi-deliverance from the human prison.» ~Henri Amiel

«Los sueños son excursiones hacia el limbo de las cosas, una semi-liberación de la prisión humana.» ~Henri Amiel

"Paisaje de Vermont / Vermont Landscape"© Thomas Dodd

"El mito de la creación / Creation Myth"© Thomas Dodd

«I am definitely more influenced by painters than photographers. I love Rembrandt and Caravaggio for the way they rendered light and skin tones, Giuseppe Arcimboldo for his fusion of plant and human forms, the Pre-Raphaelites for their depiction of myth and feminine beauty, and perhaps the biggest influence on me is that of the Symbolists, because they perfectly united the metaphoric and the beautiful in their works.»

Izq./ Left: "Reina de corazones / Queen of Hearts", 2008
Der./ Right: Comenzando a ver la luz / Beginning to See the Light"© Thomas Dodd

«I was particulary influenced by the writings of Carl Jung, Joseph Campbell, Robert Graves, who all found a correlation between mythology and poetry, and psychology. What it means to be human. That's really what I'm trying to elicit in my work is an emotional reaction, not quite an intellectual one. That's fine when people gets from my work, that's fine if they want to put deeper meaning in there own story onto it, but what is more important to me is that they feel something when they look at the work.»

"Fertilidad / Fertility"© Thomas Dodd

"Oráculos / Oracles"© Thomas Dodd

Los textos están tomados del sitio web de Thomas, de una entrevista de Deanna Elaine Piowaty publicada en "Combustus", Feb., 2014, que puede leerse completa aquí, y del video que puede verse al final del post.
Texts from Thomas' website and from an interview by Deanna Elaine Piowaty published in "Combustus", Feb., 2014, you can fully read here, and the video you can see at the end of this post.

Más sobre Thomas y su obra en / More about Thomas and his work in:
Website, Facebook, deviantART

Imágenes publicadas con autorización del artista (¡Muchas gracias, Thomas!)
Images published here with artist's permission (Thanks a lot, Thomas!)


Pintando con fotografía / Painting with Photography
Música de / Music by Trio Nocturna


Bruno Walpoth [Escultura]

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La serena belleza de las obras de Bruno Walpoth casi hace que no sean percibidas como esculturas hasta que uno las mira con cierta atención. Las poses, los músculos, la expresión introspectiva en la mayoría de los personajes, denotan una profunda observación del ser. En la obra de Walpoth, la madera cobra una segunda vida, esta vez encarnada en la más pura humanidad.

The serene beauty of the works of Bruno Walpoth almost causes are not perceived as sculptures until you looks at them with some care. The poses, muscles, introspective expression in most characters, denoting a deep observation of being. In the work of Walpoth, wood takes on a second life, this time embodied in the purest humanity.

Bruno Walpoth


Bruno Walpoth es un escultor nacido en Bressanone, Italia, en 1959.
Entre 1973 y 1978 fue aprendiz de escultor con Vincezo Mussner, y hasta 1984 estudió en la academia "Der Bildende Künste" en Múnich con el profesor Hans Ladner.
Entre 1985 y 2008 fue profesor en la escuela vocacional para escultores en Selva Val Gardena. En 1996 fundó, junto con Willy Verginer y Walter Moroder el grupo "Trisma". Desde 2000 es miembro del "Südtiroler Künstlerbund".

"Roos", tilo / limetree, 183 x 41 x 35 cm.
Imagen cortesía de / Image Courtesy Absolute Art Gallery

"Nostalgia d'Estate / Nostalgia de verano / Summer Nostalgia", tilo / limetree, 168 x 44 x 27 cm.
Imagen cortesía de / Image CourtesyAbsolute Art Gallery

"El silencio en mí / The Silence in Me", tilo / limetree, 124 x 60 x 31 cm., 2014

«Preferiría no añadir palabras a una escultura terminada. Cualquier efecto que tenga es fruto de la experiencia del observador, independientemente de mis comentarios.»

"Pensando antes de hablar / Thinking before talking", nogal / nut wood, 96 x 42 x 30 cm., 2013

"Pensando antes de hablar / Thinking before talking", nogal / nut wood, 96 x 42 x 30 cm., 2013

«En Italia había una importante (aunque no suficientemente conocida) escuela de escultura en el gótico tardío y el Renacimiento temprano. Creo que mi obra tiene algo de estas influencias. A través de los años, he tenido la influencia de muchos artistas, no sólo talladores de madera. La serenidad y claridad en las figuras del pintor del Renacimiento temprano Piero della Francesca, me han influenciado hasta hoy. Entre los artistas contemporáneos, soy un gran admirador de las obras del escultor británico Antony Gormley [ver al final del post]. También me fascinan las fotografías del estadounidense Jock Sturger [ver al final del post]. Su obra me ha inspirado durante cierto tiempo.»

"Mateo", 180 cm., 2011

"Mírame / Look At Me", nogal / walnut, 64 x 44 x 38 cm., 2013

«La madera es un material natural. Se siente bien. Huele bien. Puede ser diseñada de muchas maneras, especialmente en lo que respecta al procesamiento y acabado de sus superficies. Requiere un conocimiento de la veta que sólo puede adquirirse a través de años de experiencia directa. Sobre la influencia que la madera ha tenido en mi pensamiento o cualquier mensaje que transmitan las esculturas, no puedo emitir un juicio al respecto. La madera es algo natural en mi obra, como el aire que respiramos. No pienso en ello. La vitalidad de la madera como material orgánico está allí. El encanto y el reto está en mantenerla viva a través de un hábil manejo de la superficie.»

"¿Dónde está Rudi? / Where's Rudi?", tilo / limetree, 102 x 42 x 26 cm.
Imagenes cortesía de / Images Courtesy Absolute Art Gallery

"Tania", 195 cm.

Bruno Walpoth is an sculptor born in Bressanone, Italy, 1959.
Between 1973 and 1978 was sculptor's apprenticeship with Vincenzo Mussner. From 1978 to 1984 studied in the academy "Der Bildende Künste" in Munich, with Prof. Hans Ladner. 1985-2008, teacher at the vocational school for sculptors in Selva Val Gardena.
In 1996 founded, along with Willy Verginer and Walter Moroder, the sculptor's group "Trisma".
Since 2000 is member of the "Südtiroler Künstlerbund".

"Tania", 195 cm.

"Desde el otro lado / From the Other Side", nogal / walnut, 70 x 39 x 27 cm.
Imagenes cortesía de / Images Courtesy Absolute Art Gallery

«I would rather no add words to a finished sculpture. Any effect it has on the observer is from that observer to experience independently of commentary from me.»

"Para mí / For Me", tilo / limetree, 156 x 51 x 38 cm., 2012
Imagen cortesía de / Image Courtesy Absolute Art Gallery

"Ricordi d'infanzia / Recuerdos de la infancia / Memories of Childhood", 76 x 41 x 28 cm., 2012

"El otro / The Other One", tilo / limetree, 102 x 42 x 26 cm., 2012

«In Italy there was substantial, thought not well-known, wood sculpture in the late Gothic and in the early Renaissance - says Walpoth -. I believe that my work carries some of this influence in itself. Over the years, I have been influenced by many artists, not just wood carvers. The serenity and clarity in the early Renaissance painter Piero dell Francesca's posed figures influences me to this day. Among contemporary artists, I greatly admire the works of British sculptor, Antony Gormley [check out at the end of this post]. I am also fascinated by the photographs of [the] American photographer, Jock Sturger [check out at the end of this post]. I have been inspirated by his work for some time.»

"Primavera / Spring", tilo / limetree, 72 x 38 x 26 cm., 2011

"Isaak", 176 x 46 x 32 cm., 2012
Imagen cortesía de / Image Courtesy Absolute Art Gallery

"¡No me toques! / Don't touch me!", nogal / nut wood, 58 x 50 x 42 cm., 2013

«Wood is a natural material. It feels good. It smells good. It can be designed in some many ways, especially in regard to processing and finishing its surfaces. It requires knowledge of the grain that can only be acquired through the years of direct experience. As to the influence of wood on my thinking or any message it conveys [in] the sculptures, I cannot make this judgement at this point. Wood is a matter of course in my work, like the air we breathe. I don't think about it. The vitality of wood as an organic material is given. The charm and challenge is to keep it alive through a skillful handling on the surface.»

"¿Debería? / Should I?", tilo / limetree,165 x 39 x 34 cm., 2011
Imagen cortesía de / Image Courtesy Absolute Art Gallery

"¿Debería? / Should I?", tilo / limetree,165 x 39 x 34 cm., 2011

Los comentarios del artista están tomados del artículo en Sculpture Review que puede leerse completo más abajo /
Artist's comments from an article in Sculpture Review you can fully read as follows.

Más sobre Bruno en / More about Bruno in

Muchas gracias a Yoeri de Backer, director de Absolute Art Gallery.
Thanks a lot to Yoeri de Backer, Director of Absolute Art Gallery





Algunas referencias / Some references

David Gormley 

"Premio / Prize", 2013

Sir Antony Mark David Gormley es un escultor británico nacido en 1950. Sus obras más conocidas incluyen "El ángel del norte", una escultura pública en Gateshead en el norte de Inglaterra, encargada en 1994 y erigida en febrero de 1998, "Otro lugar", en la playa Crosby cerca de Liverpool, y "Horizonte del suceso", una instalación in situ en varias partes cuyo estreno tuvo lugar en Londres en 2007, en los alrededores del Madison Square Garden, Nueva York, en 2010, y en São Paulo en 2012.
La carrera de Gormey comenzó con una exposición en solitario en la Whitechapel Art Gallery en 1981. Casi toda su obra tiene el cuerpo humano como tema, con el suyo propio como base para las fundiciones en metal en muchas de sus obras.
Website del artista: http://www.antonygormley.com/

Izq./ Left: "Apertura XVII / Aperture XVII", 2011
Der./ Right: "Nube cuántica I / Quantum Cloud I", 1999

Sir Antony Mark David Gormley, is a British sculptor born in 1950. His best known works include the Angel of the North, a public sculpture in Gateshead in the North of England, commissioned in 1994 and erected in February 1998, Another Place on Crosby Beach near Liverpool, and Event Horizon, a multi-part site installation which premiered in London in 2007, around Madison Square in New York City, in 2010 and in São Paulo, in 2012.
Gormley's career began with a solo exhibition at the Whitechapel Art Gallery in 1981. Almost all his work takes the human body as its subject, with his own body used in many works as the basis for metal casts.

"Exposure", 2010. Lelystad, Holanda / The Netherlands


Jock Sturges

"Danielle", 1989. Montalivet, Francia / France

Jock Sturges es un fotógrafo estadounidense nacido en 1947.
Sturges se graduó con una licenciatura en Psicología de la Percepción y Fotografía en el Marlboro College, y recibió un Master en fotografía en el Art Institute de San Francisco.
Sus modelos son adolescentes desnudas y sus familias, fotografiadas principalmente en las comunas del norte de California y el resort naturista CHM Montalivet, en la costa atlántica de Francia. Mucha de su obra se centra en la californiana Misty Dawn, a quien fotografió desde era una niña hasta los 20 años.
Su obra ha sido objeto de controversia en los Estados Unidos. En 1990, su estudio de San Francisco fue allanado por oficiales del FBI y su equipamiento requisado. Un gran jurado más tarde se negó a formular acusaciones contra él. En 1998 hubo intentos fallidos para hacer que sus libros "El último día del verano" e "Identidades Radiantes" se clasificaran como pornografía infantil en los estados de Alabama y Tennessee.

"Camilla", 2012. Montalivet, Francia / France

Jock Sturges is an American photographer born in 1947.
Sturges graduated with a BFA in Perceptual Psychology and Photography from Marlboro College and received an MFA in photography from the San Francisco Art Institute.
His subjects are nude adolescents and their families, primarily taken at communes in Northern California and at the Atlantic-coast naturist resort CHM Montalivet in Montalivet, France. Much of his work features Californian Misty Dawn, whom he shot from when she was a young child until in her twenties.
His work has been the subject of controversy in the United States. In 1990, his San Francisco studio was raided by FBI officers and his equipment seized. A grand jury subsequently declined to bring an indictment against him. In 1998 unsuccessful attempts were made to have his books The Last Day of Summer and Radiant Identities classed as child pornography in the U.S. states of Alabama and Tennessee.

"Misty Dawn", 2000. Norte de California / Northern California

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